Festival KLANGRAUM - Grafikdesignbuero

Festival KLANGRAUM

Festival KLANGRAUM
Festwochen zur Wiedereröffnung des Konzerthauses
der Hochschule für Musik Detmold
vom 09. Mai – 21. Juni 2009

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INHALT
Grußworte S. 6
09.05.2009
Festlicher Auftakt der KLANGRAUM-Festwochen S. 12
10.05.2009
Glückverbreitend überall
Konzert zum 200. Geburtstag von Felix Mendelssohn Bartholdy S. 24
12.05.2009
Moriumur
Christoph Poppen und The Hilliard Ensemble S. 32
14.05.2009
Konzert des Hochschulorchesters
Benefizkonzert zu Gunsten des Studienfonds OWL S. 38
16.05.2009
Liederabend mit Thomas Quasthoff
Benefizkonzert zu Gunsten der Stiftung der HfM Detmold S. 42
17.05.2009
Recital
András Schiff und Miklós Perényi S. 48
19.05.2009
Preisträgerkonzert des Hochschulwettbewerbs 2009 S. 54
20.05.2009
Konzert Orchesterzentrum|NRW S. 56
22.05.–24.05.2009
Brahmsiade
150 Jahre Brahms in Detmold S. 64
25.05.2009
Haydns Streichquartette XVI
Ein Vortragszyklus des Auryn Quartetts S. 80
26.05.2009
Klaviernacht
mit Professoren und ihren Studierenden S. 84
27.05.2009
Jazz an der HfM S. 90
29.05.2009
Ökumenischer Tag der Kirchenmusik S. 98
30.05.2009
Konzert der Barockakademie der HfM Detmold S. 102
31.05.2009
„Mythos Wald“
Konzertmatinée mit jungen Studierenden S. 106
05.06.2009
„Benny Goodman revisited“
Konzert der WDR Big Band S. 110
07.06.2009
SMS – Singen macht Sinn
Singfest mit Grundschülern aus OWL S. 116
07.06.2009
„Klänge reisen um die Welt“
4. OWL-Kindermusikfest S. 120
09.06.2009
Kammerkonzert mit Studierenden der HfM Detmold S. 124
12.06.2009
„DNA in concert“
Der Fluss der genetischen Information als Sinfonie des Lebens S. 128
12.–14.06.2009
Tonmeisterkongress des Erich-Thienhaus-Instituts S. 134
Andreas Meyer
Die Wellenfeldsynthese S. 136
14.06.2009
„La Bohème“
Konzertante Aufführung der Dirigenten-Werkstatt S. 140
21.06.2009
Kammerkonzert mit Dozenten der HfM Detmold
Abschlusskonzert der KLANGRAUM-Festwochen S. 144
Heinrich Micus
Von der Neuen Aula zum Konzerthaus S. 154
Saalplan und Informationen S. 156
Förderer und Zustifter S. 159
Impressum S. 160

GRUSSWORTE
Sehr verehrte Konzertbesucher, liebe Freunde der
Hochschule für Musik Detmold,
es ist mir eine große Freude, Ihnen nach zahlreichen
Umbauten und Neubauten auf dem Hochschulcampus
nun auch das „Herzstück“ unserer Musikhochschule in
neuem Gewand präsentieren zu können: unsere ehemalige
„Neue Aula“ – jetzt „Konzerthaus der Hochschule
für Musik Detmold“.
Wenn am 9. Mai 2009 das Konzerthaus mit Wagners
„Meistersinger-Ouvertüre“ festlich wiedereröffnet wird,
liegen jahrelange Vorplanungen und eine fast zweijährige
Bauphase hinter uns, in der immer wieder Geduld
und langer Atem gefragt waren. Für ein Gesamtvolumen
von über 7 Mio Euro wurde der Saal nicht nur grundlegend
saniert, sondern hat – wie Sie sicherlich schon
bemerkt haben – auch eine Vielzahl von baulichen
Verbesserungen erfahren. Vor allem aber verfügt unser
neuer KLANGRAUM über einen weltweit einzigartigen
RAUMKLANG: 325 programmierbare Lautsprecher
können alle Arten von Raumakustik im Konzerthaus reproduzieren
und modifizieren. Mit dieser faszinierenden
Beschallungstechnik, der so genannten Wellenfeldsynthese,
hat die Hochschule ein echtes Alleinstellungsmerkmal,
das Tonmeister aus der ganzen Welt an unser
Erich-Thienhaus-Institut ziehen wird.
„Mit Freunden feiern“ – dieses Motto soll unser sechswöchiges
KLANGRAUM-Festival begleiten. Auch wenn
unsere Hochschule geographisch weit entfernt von den
großen Kulturmetropolen gelegen ist, haben wir doch im
Laufe der Jahre zahlreiche Freundschaften mit Künstlern
geknüpft, die sich gerne bereit erklärt haben, in unserem
frisch sanierten Konzertsaal aufzutreten.
Freuen Sie sich also mit mir auf unseren ehemaligen
Professor Christoph Poppen, der mit dem renommierten
Hilliard Ensemble gastieren wird, auf die WDR Big Band
mit dem Programm „Benny Goodman revisited“ und auf
unseren geschätzten Honorarprofessor András Schiff mit
dem Cellisten Miklós Perényi.
Vor allem aber lege ich Ihnen das Konzert mit dem vielfachen
Grammy-Gewinner und ehemaligen Detmolder
Hochschulprofessor Thomas Quasthoff ans Herz: Sein
Liederabend ist eine Benefizveranstaltung zu Gunsten
unserer Hochschulstiftung, und Ihr Konzertbesuch trägt
somit unmittelbar zur Förderung unseres musikalischen
Nachwuchses bei.
Neben diesen weltberühmten Größen der
Musikszene haben wir Partner eingeladen, die für
uns als Ausbildungsinstitution wertvoll sind: das
Orchesterzentrum|NRW, das Kooperationsprojekt
Dirigentenwerkstatt, die Big Band der Hochschule für
Musik Bremen sowie – im Rahmen des Ökumenischen
Tages der Kirchenmusik – die Hochschule für Kirchenmusik
Herford. Eine glückliche Fügung will es zudem, dass
der von der Rektorenkonferenz der deutschen Musikhochschulen
ausgelobte bundesweite Hochschulwettbewerb
nach 25 Jahren in diesem Mai erstmals wieder von
und in unserer Hochschule ausgerichtet wird.
Doch natürlich möchten wir das Musizieren nicht nur
unseren Gästen überlassen: In den Konzerten können
Sie sich auch einen aktuellen Eindruck vom Leistungsstand
unserer eigenen Hochschulensembles verschaffen,
die von der Barockakademie bis zum Ensemble für Neue
Musik fast ausnahmslos am Festival mitwirken.
Freunden des Liedes sei unsere „Brahmsiade“ empfohlen,
in der sich Studierende und Dozenten unserer
Gesangsabteilung dem umfangreichen Liedschaffen
von Johannes Brahms widmen. Unseren talentierten
musikalischen Nachwuchs können Sie in der Matinee
unseres Detmolder Hochbegabtenzentrums hören, die
im Zusammenhang mit dem Jubiläumsjahr „Hermann
2009“ präsentiert wird. Und wenn Sie selbst Kinder
haben, sollten Sie mit ihnen das Kindermusikfest
besuchen, das die Philharmonische Gesellschaft OWL
erstmals auf unserem Hochschulcampus durchführt.
Am Tag des Kindermusikfestes findet auch das erste
große Singfest mit Grundschülern aus der Region statt,
in dem die Früchte des an unserer Hochschule angesiedelten
Verbundprojekts „sms – Singen macht Sinn“ zu
hören sein werden.
Es ist mir ein besonderes Anliegen, mit diesem Projekt
einen Beitrag zur Basismusikalisierung von Kindern
leisten zu können.
Sie sehen, es wird viel geboten. Denn wir möchten uns
mit dem Festival KLANGRAUM herzlich bei allen bedanken,
die uns in der Zeit der Sanierung unterstützt haben:
Bei unseren Studierenden und Dozenten, die zwei Jahre
lang bereitwillig enger zusammengerückt sind.
Bei Kirchen und Veranstaltungshäusern, die uns freundlich
aufgenommen haben.
Bei unseren Förderern, die uns sowohl ideell als auch
finanziell immer wieder unterstützen.
Beim Bau- und Liegenschaftsbetrieb NRW und namentlich
unserer Bauleiterin Kerstin Badde, die die Sanierung
des Konzerthauses mit Energie vorangetrieben hat und
in der wir jederzeit eine kompetente Ansprechpartnerin
hatten.
Bei allen am Bau beteiligten Handwerkern.
Und nicht zuletzt natürlich bei Ihnen, sehr verehrte
Konzertbesucher, die Sie uns auch in unseren Ersatzspielstätten
die Treue gehalten haben.
Ich bin fest davon überzeugt, dass unser neues Konzerthaus
das Potential hat, sowohl den Hochschulstandort
Detmold als auch unsere Position als fest in der Region
verankerter Kulturanbieter nachhaltig zu stärken. Daher
findet die markante Silhouette des Konzerthauses auch
Eingang in das neue Logo unserer Hochschule, mit dem
wir unser Selbstverständnis als traditionsbewusste, aber
auch zukunftsgewandte und innovative Ausbildungsstätte
optisch unterstreichen möchten.
Ich wünsche Ihnen genussvolle Konzertstunden und
hoffe auf anregende musikalische Begegnungen!
Martin Christian Vogel
Rektor
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Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Freundinnen und
Freunde der Musik und der Hochschule in Detmold,
das Konzerthaus der Hochschule für Musik Detmold,
die ehemalige „Neue Aula“, prägt den Hochschulcampus
und zusammen mit dem benachbarten Palais auch das
Bild der Stadt Detmold. Die Hochschule kann stolz sein
auf die hohe architektonische Qualität des in den 1960er
Jahren erbauten Gebäudes. Nach über 40 Jahren war
nun aber eine Kernsanierung notwendig und ich freue
mich sehr, dass das Land hier mit einer beträchtlichen
Summe mithelfen konnte. Am 9. Mai bin ich sehr gerne
dabei, wenn wir gemeinsam die Wiedereröffnung des
Konzerthauses feiern. Dann können wir uns alle davon
überzeugen, dass die Sanierung das gestalterische
Grundkonzept beibehalten und äußerst gekonnt in die
Gegenwart überführt hat.
Außer den Arbeiten an der Fassade gab es die größten
Veränderungen im Inneren des Konzerthauses. Heute,
nach zwei Jahren der Sanierung, hält dieser Konzertsaal
modernen Anforderungen stand - das gilt für die Akustik,
aber auch für Sicherheitstechnik und Brandschutz.
Die bemerkenswerteste Neuerung ist der Einbau der
innovativen Technik der Wellenfeldsynthese. Experten
beschreiben sie so, dass sich damit die Nachhallzeit des
Saals auf Knopfdruck verändern lässt. Außerdem kann
man jetzt Klänge interaktiv über die Bühne und um die
Hörer bewegen. Ich habe mir sagen lassen, dass diese
Technologie eine einzigartige Qualität räumlicher Tiefe
und virtueller Realität ermöglicht. Anders als bei allen
herkömmlichen Wiedergabesystemen wie beispiels-
weise Stereo und Surround werde der einzelne Lautsprecher
„unhörbar“ und die Illusion perfekt. Diese Innovation
in einem Konzerthaus zu nutzen, das ist weltweit
bisher einmalig. Wir dürfen gespannt sein!
Das neue Konzerthaus, von dem aus die Hochschule ihre
Studierenden auf die Bühnen dieser Welt schickt, ist ein
sichtbares Zeichen: Diese Hochschule blickt optimistisch
und tatkräftig nach vorne. Weniger sichtbar, aber genauso
wichtig sind die inneren Neuerungen: Dazu zähle ich
etwa die Detmolder Sommerakademie, das Detmolder
Hochbegabtenzentrum und die Kooperation mit dem
Orchesterzentrum|NRW.
Ich wünsche allen, die in dieser Hochschule und für
diese Hochschule arbeiten weiterhin Glück, Erfolg, gute
Freunde und verlässliche Partner. Und ich lade Sie alle
herzlich ein: Lassen Sie sich das Festivalprogramm im
neuen KLANGRAUM nicht entgehen!
Ihr
Prof. Dr. Andreas Pinkwart
Minister für Innovation, Wissenschaft, Forschung
und Technologie des Landes Nordrhein-Westfalen
Liebe Detmolderinnen und Detmolder,
liebe Gäste der Stadt Detmold!
Liebe Freunde der Hochschule für Musik!
Die Hochschule für Musik feiert in diesen Tagen mit der
Wiedereröffnung ihres sanierten Konzerthauses ein
besonderes Ereignis. Die lange Zeit der Einschränkungen
und der Improvisation hat ein Ende.
Herzlichen Glückwunsch!
Detmold ist Kulturstadt, und die Hochschule für Musik
ist seit ihrer Gründung einer der wichtigsten Träger des
städtischen und regionalen, aber auch des nationalen
und internationalen Kulturlebens. Sie ist einer der
zentralen Standortfaktoren in der Stadt und in Ostwestfalen-Lippe.
Studierende aus aller Welt finden vorübergehend
– und manchmal auch für immer – ein Zuhause
in Detmold und sind nach ihrer Ausbildung weltweit als
Musikerinnen und Musiker tätig. Sie verleihen Detmold
Internationalität und werben mit ihrer hoch qualifizierten
Ausbildung für die Hochschule für Musik und
ihre Stadt.
Die Hochschule für Musik gehört zu Detmold und
ist durch zahlreiche Projekte im kommunalen Leben
verwurzelt. Die Detmolder Bürgerinnen und Bürger
schätzen das vielseitige musikalische Angebot sehr und
besuchen die Konzerte der Lehrenden und Studierenden
mit großer Begeisterung.
Das Konzerthaus zählt zu den wichtigsten Kulturstätten
in unserer Stadt. Mit großer Freude nehmen die Detmolderinnen
und Detmolder und die vielen Freunde der
Hochschule es wieder in ihren „Besitz“. Neu ausgestattet
mit der besonderen Technik der Wellenfeldsynthese
hat die Hochschule dabei ein weiteres internationales
Aushängeschild dazubekommen, das gleichermaßen für
die Tonmeister wie für die Musizierenden interessant
und attraktiv ist.
Mit dem Festival KLANGRAUM wird das Herzstück der
Hochschule gebührend eingeweiht. Geboten wird eine
große musikalische und programmatische Vielfalt.
Musiker mit internationalem Renommee sind zu Gast,
aber auch zahlreiche Studierende und Lehrende der
Hochschule werden sowohl solistisch als auch im Ensemble
und im Orchester ihr Können präsentieren und
mit attraktiven Programmen Einblicke in ihre Arbeit
und ihr Schaffen in Detmold geben können.
Wir in Detmold freuen uns darauf!
Ich wünsche allen Beteiligten viel Erfolg und den Gästen
im KLANGRAUM viel Spaß!
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Rainer Heller
Bürgermeister der Stadt Detmold
9
Ihr

FESTLICHER AUFTAKT
09.05.2009 | 19.30 UHR
Richard Wagner (1813– 1883)
Die Meistersinger von Nürnberg
Vorspiel 1. Akt
KARL-HEINZ BLOEMEKE, Musikalische Leitung
Begrüßung durch
PROFESSOR MARTIN CHRISTIAN VOGEL
Rektor der HfM Detmold
mit anschließender Schlüsselübergabe durch
Dipl.-Ing. Architekt HEINRICH MICUS
Grußwort des Bürgermeisters
der Stadt Detmold RAINER HELLER
Martin Christoph Redel (*1947)
ARCHIPEL (UA)
Klanginseln für Orgel, Marimbaphon,
Schlagzeuggruppen und Orchester op. 64
GERHARD WEINBERGER, Orgel
RUVEN RUPPIK, Marimbaphon
CHIA LIN CHENG, Schlagzeug
YONGWOON CHO, Schlagzeug
JU WON JEONG, Schlagzeug
KARL-HEINZ BLOEMEKE, Musikalische Leitung
12 13
– Pause –
In der Pause lädt die HfM Detmold
Sie zur musikalischen Einweihung der
Wasserspiele in den Palaisgarten ein.
Stefan Lienenkämper (*1963)
frame/24
Uraufführung des preisgekrönten Werkes des
Internationalen Kompositionswettbewerbs 2008
für Kammerensemble und Wellenfeldsynthese
Ensemble der HfM Detmold
PATRICIA DOSER, Musikalische Leitung
ROBIN BÖS, Tonmeister
TOM PHILIP KRAUSE, Tonmeister
Grußwort
PROF. DR. ANDREAS PINKWART
Minister für Innovation, Wissenschaft, Forschung
und Technologie des Landes Nordrhein-Westfalen
Preisverleihung an den 1. Preisträger
Stefan Lienenkämper
Grußwort
FRIEDEL HEUWINKEL
Landrat des Kreises Lippe und Vorsitzender des
Stiftungsrates der Stiftung Standortsicherung
Kreis Lippe
Preisverleihung an den 2. und 3. Preisträger
Valerio Sannicandro und Carlo Ciceri
Ludwig van Beethoven (1770–1827)
Chorphantasie c-Moll op. 80
JEAN-EFFLAM BAVOUZET, Klavier
SVENJA PIEPENBRINK, Sopran
KI-SUN KIM, Sopran
CAROLINA FEE GR. DARRELMANN, Alt
GEORG FÜHRER, Tenor
CHANG HYUN KIM, Tenor
SEBASTIAN PILGRIM, Bass
CHOR und ORCHESTER der HfM Detmold
KARL-HEINZ BLOEMEKE, Musikalische Leitung

RICHARD WAGNER
Vorspiel zur Oper „Die Meistersinger von Nürnberg“
„Nirgends [...] ist Wagners Musik so artifiziell wie in dem
Schein von Simplizität, mit dem sie sich in den Meistersingern
umgibt“ beschreibt Carl Dahlhaus den für die
Oper charakteristischen feierlich-archaisierenden Duktus.
Im Gegensatz zu fast allen anderen Musikdramen
Richard Wagners spielt die Handlung nicht in mythischer
Vorzeit, sondern ist zeitlich und örtlich eindeutig im
Nürnberg des 16. Jahrhunderts angesiedelt. Um einen
entsprechenden „altdeutschen“ Klang zu erzeugen,
verwendet Wagner beim festlichen Hauptthema Stil-
elemente der französischen Barockouvertüre und durchsetzt
die gesamte Oper mit einer an barocken (nicht
mittelalterlichen!) Vorbildern angelehnten, diatonisch
dominierten Polyphonie.
Noch bevor Wagner auch nur eine Textzeile vertont
hatte, komponierte er das Orchestervorspiel, aus dessen
Hauptthema ein Großteil der Motivik des gesamten
Œuvres entwickelt wird. Das Vorspiel ist eine in Sonatensatzform
angelegte Symphonische Dichtung: In der
Exposition steht das erste Thema in strahlendem C-Dur
für die stolze Zunft der Meistersinger, während das
zweite Thema in der Mediant-Tonart E-Dur das schwelgerische
und chromatisch durchsetzte Preislied antizipiert,
mit dem Walther von Stolzing um Eva, die Tochter
des Goldschmiedes Pogner, wirbt. Die Durchführung ist
ein Vorgeschmack auf die parodistisch-komödiantischen
Anteile der Oper. Sie führt den Stadtschreiber Beckmesser
ein, den Gegenspieler Stolzings, dessen pedantische
„Beckmesserei“ durch eine aus dem Hauptthema entwickelte,
aber rhythmisch verkleinerte und im emsigen
Staccato von den Holzbläsern vorgetragene Passage
treffend karikiert wird. In der Reprise schließlich werden
das erste und zweite Thema der Exposition kunstvoll
kontrapunktisch übereinandergelegt. Schon das Ende
des Vorspiels weist somit auf den letzten Akt der Oper
hin, in dem es nach vierstündiger Spielzeit zur Vereinigung
der tradierten Kunst der Meistersinger mit dem
ungebändigten schöpferischen Ausdruckswillen des
jungen Ritters Stolzing als Vorreiter einer neuen Kunst
kommt.
Jelka Lüders
MARTIN CHRISTOPH REDEL
Archipel
Die Komposition entstand im Auftrag der Hochschule für
Musik Detmold, deren Konzertsaal am 9. Mai 2009 nach
zweijährigen Sanierungs- und Renovierungsarbeiten
wieder feierlich eröffnet werden soll. Für diesen „Auftrag“
wurde vom Rektor der Wunsch geäußert, sowohl
die im Saal befindliche Orgel einzubeziehen als auch
dem Schlagzeug eine besondere Position zuzuschreiben,
zumal ich selbst lange Jahre als Schlagzeuger aktiv war.
So entstand „Archipel“, eine 15 Minuten dauernde
Komposition, in welcher die Orgel (rechts vom Podium)
und das Marimbaphon (am linken Podiumsrand) dem
Orchester konzertierend gegenübergestellt werden, und
drei kleine Schlagzeuggruppen an drei verschiedenen
Punkten des Konzertsaales – quasi in Form eines Triangels
– positioniert werden. Damit ergibt sich schon allein
aus der Aufstellung der Instrumente ein musikalischer
„Archipel“, eine musikalische „Insellandschaft“.
Jede der drei Schlagzeuggruppen ist sowohl mit einem
„glockenähnlichen“ Instrument (Röhrenglocken/Vibraphon/Crotales)
als auch einer Gruppe von Geräuschinstrumenten
(Holz/Metall/Fell) ausgestattet. Diese
Schlagzeug-„Inseln“ werden im Verlauf der Komposition
mal mehr kontrastierend, mal mehr kommentierend
eingesetzt, sicherlich in manchen Fällen auch „überraschend“.
Der formale Aufbau der Komposition ist ebenfalls
vielgliedrig (wie ein Archipel), wobei alle musikalischen
Charaktere mehrfach auftauchen und dadurch die Form
bestimmen. Hieraus ergibt sich für den Hörer eine klare
Nachvollziehbarkeit der Einzelteile des Werkes: hierzu
gehört der Auf- oder Abbau großräumiger Klänge
oder Klangflächen ebenso wie die Formulierung eines
konkreten Themas; rhythmisch markante Abschnitte
in schnell wechselnden Instrumentationen kehren
ebenso mehrfach wieder wie überraschend eingefügte
Schlagzeugkaskaden; charakterlich unterschiedliches
„Glockengeläut“ von den verschiedenen „Inseln“ taucht
insgesamt viermal auf (hier die Wiedereröffnung des
Konzerthauses verkündend!) und aus der bunten, durchaus
nicht vorhersehbaren Reihenfolge der verschiedenen
variiert wiederkehrenden Charaktere ergibt sich ein aus
vielen musikalischen Inseln zusammengesetzter Archipel,
der doch insgesamt – trotz aller Unterschiede – viele
Gemeinsamkeiten aufweist.
STEFAN LIENENKÄMPER
Holophonie für Altstimme und zwölf Instrumente
nach einem Text von William Shakespeare
In der Komposition frame/24 ist der Raum, der mit Hilfe
der Wellenfeldsynthese plastische und variable Örtlichkeiten
und ihn durchmessende Bewegungen ermöglicht,
formbildend. Die genaue Ortbarkeit der musikalischen
Ereignisse evoziert ein Hören, in dem Ortung und Bewegung
so wichtig wird wie in der visuellen Orientierung.
Es entsteht quasi ein „akustischer Film“.
Der Komposition liegt das 24. Sonett von William
Shakespeare zugrunde.
Die lyrische Form Sonett ist zum einen von strikt
festgelegtem Versmaß, Reim, Strophenform und Länge
geprägt, und zum anderen weist der Name Sonett, der
aus dem Italienischen stammt und soviel wie „Tönchen“
bedeutet, auf eine am Klang orientierte sprachliche
Gestaltung hin, was sich auch in der deutschen Bezeichnung
„Kling-Gedicht“ zeigt, die Andreas Gryphius für
das Sonett prägte. Form und Klang sind gleich wichtig
im Sonett. Die strenge Form des Sonetts war mir eine
„Reibungsfläche“, ein Gegenpol zu meinen Klangassoziationen.
Dies hinterließ Spuren: Es entstanden sozusagen
„verbeulte Vierecke“, „eingedellte Kugeln“ oder „gewellte
Flächen“. Die feste Struktur weist Unregelmäßigkeiten
auf, sie ist verzerrt, gedehnt, gestaucht.
Stefan Lienenkämper
14 Martin Christoph Redel
Jelka Lüders
15
frame/24
LUDWIG VAN BEETHOVEN
Fantasie für Klavier, Chor und Orchester c-Moll op. 80
Im Dezember 1808 veranstaltete Beethoven im Theater
an der Wien eine große Akademie, in der er dem Publikum
sowohl seine 5. und 6. Sinfonie erstmalig vorstellte
als auch das 4. Klavierkonzert und Teile aus der C-Dur-
Messe. Erst wenige Wochen zuvor hatte Beethoven als
„glänzendes Schlussstück“ für das Konzert noch rasch
eine Chorfantasie komponiert. Den fertigen Satz legte er
dem k.k. Hofkriegsrat Christoph Kuffner vor, der binnen
kurzem die Verse dichten musste. Kein Geringerer als
der Komponist selbst übernahm dann im Konzert den
anspruchsvollen Klavierpart. Für die Orchesterproben
blieb so wenig Zeit, dass Beethoven sich genötigt sah,
die Uraufführung zu unterbrechen und noch einmal zu
wiederholen: Zu sehr fehlte es – so der Rezensent – am
„richtigen präzisen Zusammentreffen der Stimmen und
an der Sicherheit der Executeurs.“
Die insgesamt dreiteilig angelegte Chorfantasie ist
formal nicht eindeutig zu klassifizieren und enthält
gattungstypische Merkmale sowohl des Klavierkonzerts
bzw. Konzertstücks als auch der Kantate. Der mit Adagio
überschriebene erste Abschnitt umfasst eine 26-taktige
Einleitung für Klavier solo, in der virtuose Arpeggien,
Akkorde und Skalen ohne feste thematische Anbindung
kadenzartig von c-Moll nach C-Dur geführt werden.
Beethoven hatte diese Passage während der Uraufführung
improvisiert und erst später für die Drucklegung
zu Papier gebracht. Ein sich aus den Kontrabässen
entwickelnder Marschrhythmus leitet zum heiteren,
volksliedhaften Hauptthema in C-Dur über, das zunächst
vom Klavier, dann von verschiedenen Holzbläsern und
solistischen Streichern und schließlich vom gesamten
Orchester intoniert wird. Es folgt ein durchführungsartiger
Mittelteil, der das Thema in äußerst gegensätzlichen
Charakteren und Tonarten spannungsvoll variiert.
Schließlich übernimmt im reprisenhaft angelegten
dritten Abschnitt der Chor das reigenhafte Hauptthema
und beschließt das Werk mit einer ausgedehnten Presto-
Coda.
Selten im Konzert gespielt und zeitlebens als
„kleine Schwester“ im Schatten der später komponierten
9. Sinfonie stehend, wurde die Chorfantasie 1968
anlässlich der Eröffnung der Neuen Aula in Detmold
aufgeführt und soll heute, nach mehr als 40 Jahren,
zur Wiedereröffnung wieder erklingen.

MARTIN CHRISTOPH REDEL
Komposition
Seine Werke, die in vielen Ländern der Welt und bei verschiedensten
Rundfunksendern zur Aufführung bzw. Produktion gelangten, wurden
mit zahlreichen in- und ausländischen Preisen ausgezeichnet,
darunter die Förderpreise des Landes Nordrhein-Westfalen und
der Städte Stuttgart und Mannheim, der „Gino Marinuzzi-Preis“
(San Remo) und der „Prix Arthur Honegger“ (Paris).
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Martin Christoph Redel wurde am
30. Januar 1947 als Sohn des Flötisten
Kurt Redel und der Pianistin
Erika Redel-Seidler in Detmold
geboren. Er studierte an der Nordwestdeutschen
Musikakademie
Detmold Schlagzeug bei Friedrich
Scherz sowie Komposition bei Rudolf
Kelterborn, Giselher Klebe und
Johannes Driessler. Anschließend
ging Redel an die Musikhochschule
Hannover zu Isang Yun.
Seit 1971 ist er Dozent für Musiktheorie
und Gehörbildung an der
Hochschule für Musik Detmold, und
seit 1979 Professor für Komposition.
Zwischen 1993 und 2001 leitete er
die Hochschule als Rektor.
Mit Kollegen der Hochschule bildete
er zwischen 1974 und 1984 das
„Ensemble Kontraste“ zur Pflege
zeitgenössischer Musik, und seit
Anfang der 1970er Jahre leitet
er die von der Jeunesses Musicales
Deutschland veranstalteten
Kurse und Wettbewerbe „Jugend
komponiert“ und „Treffen junger
Komponisten“ auf Schloss Weikersheim.
Von 1992 bis 2004 war Redel
Bundesvorsitzender der Jeunesses
Musicales Deutschland und weiterhin
solistisch als Schlagzeuger tätig.
STEFAN LIENENKÄMPER
Komposition
Stefan Lienenkämper studierte
Komposition an der Hoge School
voor de Kunsten Utrecht bei Henk
Alkema. Zudem waren Begegnungen
mit den Komponisten Paul Heinz
Dittrich, Gehard Stäbler, Gabriel
Iranyi und Toshio Hosokawa besonders
prägend.
Er erhielt unter anderem folgende
Auszeichnungen:
1995 : 1. Preis beim Kompositionswettbewerb
des Brandenburgischen
Colloquium für Neue Musik, Vorsitz
von Prof. Paul Heinz Dittrich.
1999: Künstler-Stipendium der
Käthe Dorsch Stiftung.
2002: 2. Preis (1. Preis wurde nicht
vergeben) beim Kompositionswettbewerb
der flammabis zeitgenössische
Musik e.V.
2003: 1. Preis beim Gustav Mahler
Kompositionswettbewerb der Stadt
Klagenfurt, Vorsitz: Prof. Siegfried
Palm.
2009: 1. Preis beim internationalen
Kompositionswettbewerb der
Associazione Culturale „Continuum
Musicum“ in Reggio Calabria.
Stefan Lienenkämper arbeitete mit
international bekannten Solisten
zusammen, unter anderem mit
Garth Knox, Michael Riessler, Peter
Veale, Kensei Yamaguchi, Klaus
Schöpp, Stefan Conradi, Bernd
Gehlen und Mareike Schellenberger.
Es entstanden zudem zahlreiche
Filmmusiken.
Er lebt in Berlin.

GERHARD WEINBERGER
Orgel
18
Gerhard Weinberger studierte an
der Hochschule für Musik München
Orgel bei Prof. Franz Lehrndorfer
sowie Kirchen- und Schulmusik.
1971 war er Preisträger im Fach
Orgel im „Internationalen Musikwettbewerb
der deutschen Rundfunkanstalten“
(ARD), der zu den
renommiertesten Wettbewerben
der Welt gehört. Nach einer dreijährigen
Tätigkeit als Chordirektor an
der Basilika St. Lorenz in Kempten
wurde er 1974 als Dozent für Orgel
und Kirchenmusik an die Hochschule
für Musik in München berufen.
Drei Jahre später erhielt er dort
eine Professur für Orgel.
Seit 1983 unterrichtet er als Professor
für Orgel an der HfM Detmold,
an der er auch die Abteilung
Kirchenmusik leitet. Er ist Mitglied
der Europäischen Akademie der
Wissenschaften und Künste und des
Direktoriums der Neuen Bachgesellschaft
Leipzig.
Gerhard Weinberger gab zahlreiche
Konzerte in fast allen europäischen
Ländern, in Asien sowie in Nord- und
Südamerika. Im Jahr 2000 unternahm
er mehrmals die zyklische
Gesamtaufführung des Bachschen
Orgelwerkes. Außerdem spielte er
zahlreiche CD-Aufnahmen ein,
u.a. das gesamte Orgelwerk von J. S.
Bach auf historischen Instrumenten
der Bachzeit, und erhielt Schallplattenpreise.
Neben diversen Jurytätigkeiten
veröffentlichte er zahlreiche
Editionen von Orgel- und geistlicher
Chormusik, darunter das gesamte
Orgelwerk von Johann Ludwig Krebs
und Robert Schumann.
RUVEN RUPPIK
Schlagzeug
Ruven Ruppik wurde 1986 in Rheda
Wiedenbrück geboren. 1995 erhielt
er seinen ersten Schlagzeugunterricht.
Den Bundeswettbewerb
„Jugend musiziert“ gewann er in der
Kategorie Schlagzeug Solo im Jahr
2004 mit der Höchstpunktzahl und
Sonderpreisen der Irino-Foundation
für Zeitgenössische Musik, der
Deutschen Stiftung Musikleben,
der Bundesapothekerkammer u.a.
Neben Meisterkursen bei Karlheinz
Stockhausen, Markus Stockhausen
und anderen spielte er unter der
Leitung von Kurt Masur und Peter
Eötvös. Als Solist spielte Ruven
Ruppik 2004 eine Tournee in Japan,
2005 in der Schweiz, gab ein Konzert
in der Düsseldorfer Tonhalle und trat
2008 beim Festival für neue Musik
Mazedonien sowie bei Europas
größtem Schlagzeug & Percussion
Festival auf. Ruven wirkt in verschiedenen
Kammermusikensembles,
mit denen er in China, auf Sylt und
Teneriffa sowie in ganz Deutschland
konzertierte. Er nahm drei CDs
mit dem ensemble vinorosso und
seinem Trio für Gesang, Gitarre und
Percussion auf.
Seit 2008 ist Ruven Ruppik Lehrer
am Hochbegabtenzentrum der
HfM Detmold, an der er seit 2004
studiert.

JEAN-EFFLAM BAVOUZET
Klavier
20
Jean-Efflam Bavouzet, in St-Efflam
geboren, studierte in Metz und
am Pariser Conservatoire National
Supérieur. Sein Konzert-Repertoire
beinhaltet u.a. die Konzerte von
Bartók, Beethoven und Prokofieff.
In seinen Soloprogrammen spielt
er oft Stücke von Boulez, Ligeti,
Stockhausen. In dieser Saison führt
er sämtliche Beethoven-Sonaten
in Peking sowie alle fünf Prokofieff-Konzerte
in Warschau und die
gesamten Debussy-Solowerke beim
Festival La Roque d’Anthéron auf. Er
gastierte u.a. mit dem Boston Symphony
Orchestra, dem Berliner Sinfonie-Orchester,
dem BBC Symphonic
Orchestra sowie dem Orchestre
National de France und spielt seit
vielen Jahren mit dem Orchestre de
Paris, wo er mit Georg Solti und
Pierre Boulez zusammenarbeitete.
Im vergangenen Jahr spielte er
erstmals beim London Philharmonic
Orchestra. Als Kammermusiker tritt
er u.a. mit Zoltán Kocsis und Christian
Tetzlaff auf.
Bavouzets Aufnahmen wurden
zahlreich prämiert, darunter die Gesamtaufnahme
von Ravels Werken
für Klavier solo und Werke von Liszt,
Haydn, Schumann und Chopin. Seine
neueste Debussy-Gesamtaufnahme
für Chandos hat die wichtigsten
Preise in England und Frankreich bekommen.
Als Erst-Einspielung nahm
er die gesamten Etüden von Maurice
Ohana auf.
Seit 1999 ist Jean-Efflam Bavouzet
Professor an der Hochschule für
Musik in Detmold.
TONMEISTER
Robin Bös | Tom Philip Krause
Nachdem sie sich bereits im Oktober
2005 beim gemeinsamen Beginn
ihres Tonmeisterstudiums in Detmold
kennen lernten, wuchsen die
individuellen Charaktere Krause
und Bös schnell zu einem funktionierenden
Team zusammen. Etliche
gemeinsame Produktionen sowie
die Zusammenarbeit als Tutoren,
Musiker und eine enge Freundschaft
bildeten optimale Voraussetzungen
für die Durchführung eines solch
besonderen Projektes wie frame/24.
Robin Bös
Robin Bös ist technischer Tutor am
Erich-Thienhaus-Institut und neben
dem Studium für den Hessischen
Rundfunk tätig. Die kreative Vernetzung
zwischen Komposition, Tonmeister,
Musiker und Technik, wie
sie speziell bei frame/24 entsteht,
ist für ihn eine Herausforderung.
Tom Philip Krause
Tom Philip Krause, Jahrgang 1984,
legte zunächst in seiner Geburtsstadt
Hamburg als Schlagzeuger
und Pianist den Grundstein für
seine musikalische Zukunft. Seine
stilistische Vielseitigkeit führte
bereits zur Mitwirkung an diversen
Musikproduktionen in Studio- und
Livebetrieb.

PATRICIA DOSER
Musikalische Leitung
Seit April 2006 studiert Patricia
Doser Dirigieren an der HfM Detmold
bei Prof. Karl-Heinz Bloemeke
und Prof. Joachim Harder.
Sie besuchte Meisterkurse bei
Jorma Panula, Michael Dittrich und
Prof. Werner Stiefel. Unter anderem
arbeitete sie mit dem Duna-Symphonie-Orchestra
Budapest und
dem St. Petersburg State Academic
Symphonie Orchestra zusammen
sowie im Rahmen von verschiedenen
Dirigentenwerkstätten mit
der Südwestfälischen Philharmonie
Hilchenbach, dem Landestheaterorchester
Detmold und dem Nordharzer
Städtebundtheater Halberstadt.
Neben der sinfonischen Literatur
und Oper arbeitet sie regelmäßig
mit Chören sowie mit Kammer-
ensembles und Orchestern im Bereich
der Neuen Musik. Die Leitung
des „Concertino Detmold“ hat sie
seit August 2006 inne. Im Frühjahr
2009 ist Patricia Doser zum Auswahldirigieren
für die „Interaktion“-
Dirigentenwerkstatt des Kritischen
Orchesters, ein Auswahlorchester
aus Mitgliedern der Berliner Philharmoniker,
der Staatskapellen Berlin
und Dresden, dem Gewandhaus-
orchester Leipzig u.a. eingeladen.
Patricia Doser ist seit 2008 Stipendiatin
der Oscar und Vera Ritter-
Stiftung.
KARL-HEINZ BLOEMEKE
Musikalische Leitung
Karl-Heinz Bloemeke studierte an
der HfM Detmold bei Prof. Martin
Stephani und Prof. Gustav König
und erweiterte seine Ausbildung
durch Studien bei Hans Swarowsky,
Wien, und Franco Ferrara, Rom.
Erste Engagements als Kapellmeister
erhielt er an den Städtischen Bühnen
Bielefeld und am Landestheater
Coburg. Bereits mit 29 Jahren wurde
er 1978 zum stellvertretenden Generalmusikdirektor
an das Staatstheater
Darmstadt berufen und war von
1981 bis 1985 in gleicher Funktion
am Nationaltheater Mannheim tätig.
1985 erfolgte die Berufung zum
Professor für das Fach Dirigieren an
die HfM Detmold.
Als Gastdirigent wirkte Karl-Heinz
Bloemeke an großen deutschen
Opernhäusern wie der Staatsoper
Hannover, der Oper Frankfurt
und dem Staatstheater Karlsruhe.
Konzertreisen führten ihn in das
gesamte europäische Ausland sowie
die USA. Von 1990 bis 1997 war er
ständiger Dirigent an der Deutschen
Oper am Rhein.
Von 1991 bis 2001 war Bloemeke
Chefdirigent des Folkwang Kammerorchesters
Essen und ist seit 1990
ständiger Dirigent des Sinfonieorchesters
Berlin. Eine regelmäßige
Zusammenarbeit verbindet ihn
überdies mit der Nordwestdeutschen
Philharmonie und dem
Orchester des Nationaltheaters
Mannheim.
Karl-Heinz Bloemeke ist seit 1994 Mitglied des Beirates „Deutscher Orchesterwettbewerb“
im Deutschen Musikrat. Beim „Dirigentenforum“ des Deutschen
Musikrates wirkt er unter anderem als Juror und Dozent.
22 23

GLÜCKVERBREITEND ÜBERALL
Konzert zum 200. Geburtstag von
Felix Mendelssohn Bartholdy
10.05.2009 | 18.00 UHR
Felix Mendelssohn Bartholdy (1809–1847)
Präludium und Fuge e-Moll
(ohne op. Zahl, komponiert 1841)
Orgelbearbeitung:
William Thomas Best (1826–1897)
Orgelsonate D-Dur op. 65, 5 (1844)
Andante con moto
Allegro maestoso
TOMASZ ADAM NOWAK, Orgel
Streichquartett D-Dur op. 44, 1
Molto Allegro vivace
Menuetto. Un poco Allegretto
Andante espressivo ma con moto
Finale. Presto con brio
AURYN QUARTETT
MATTHIAS LINGENFELDER, Violine
JENS OPPERMANN, Violine
STEWART EATON, Viola
ANDREAS ARNDT, Violoncello
Felix Mendelssohn Bartholdy
Auf Flügeln des Gesanges op. 34, 2 (Heine)
Andres Maienlied (Hexenlied) op. 8,8 (Hölty)
Nachtlied op. 71, 6 (Eichendorff)
Fanny Hensel (1805–1847)
Nach Süden op. 10, 1 (Hensel)
Nachtwanderer op. 7, 1 (Eichendorff)
Dämmrung (Goethe)
Felix Mendelssohn Bartholdy
Frühlingslied op. 47, 3 (Lenau)
Gruß op. 19, 5 (Heine)
SABINE RITTERBUSCH, Sopran
MARKUS GOTTHARDT, Klavier
Tomasz Adam Nowak (*1962)
Improvisation „Hommage à Mendelssohn“
TOMASZ ADAM NOWAK, Orgel
Texte von Felix Mendelssohn Bartholdy,
Fanny Hensel, Robert Schumann,
Johann Wolfgang von Goethe,
Heinrich Heine, Charles Dickens u.a.
CHRISTIAN KLEINERT, DOROTHEA GEIPEL,
RAINER WEISS, Sprecher
Idee und Konzeption:
Studierende und Dozenten
des Studiengangs Musikvermittlung
der Hochschule für Musik Detmold
JANINA SCHAEFER
JOACHIM THALMANN
DANIEL FINKERNAGEL
JOACHIM HARDER
CHRISTIAN KLEINERT
DOROTHEA GEIPEL
RAINER WEISS
ULRICH HOLLE
24 25

FELIX MENDELSSOHN BARTHOLDY
„Glückverbreitend überall“ – Konzert zum 200. Geburtstag
„Mit goldenen Lettern möchte ich den gestrigen Abend
in diesen Blättern aufzeichnen können. … Wie Mendelssohn
das königliche Instrument Bachs zu handhaben
versteht, ist schon anderweitig bekannt; und dann
waren es lauter köstliche Kleinodien, die er gestern
vorlegte, und zwar in herrlichster Steigerung ...
Den Schluss machte eine Phantasie Mendelssohns,
worin er sich denn zeigte in voller Künstlerglorie: sie war
auf einen Choral, irr´ ich nicht, auf den Text ¸O Haupt
voll Blut und Wunden‘ basiert, in den er später den Namen
BACH und einen Fugensatz einflocht, und rundete
sich zu einem so klaren meisterhaften Ganzen, dass es
gedruckt ein fertiges Kunstwerk gäbe. Ein schöner Sommerabend
glänzte zu den Kirchenfenstern hinein. Außen
im Freien wird noch mancher den wunderbaren Klängen
nachgesonnen haben […]“
Mit diesen Worten rezensierte Robert Schumann das
Konzert, das Felix Mendelssohn Bartholdy im Jahre
1840 in der Leipziger Thomaskirche zu Ehren Johann
Sebastian Bachs gegeben hat. In ihnen klingt die Bewunderung
an, die die Generation der Romantiker Mendelssohn
entgegenbrachte. „Er empfing die Huldigungen
aller Künstler“ berichtete Schumann und sah in ihm den
„ersten Musiker der Zeit“. Wie kaum ein anderer Komponist
wurde Mendelssohn schon zu Lebzeiten in ganz
Europa gefeiert.
Triumphe als Pianist, Organist, Dirigent, Musikforscher,
Hochschulgründer – Mendelssohns musikalisches Wirken
in Europa als „erster Musiker der Zeit“
Im Jahr 2009 jährt sich Mendelssohns Geburtstag zum
200. Mal. 1809 als Enkel des Philosophen Moses Mendelssohn
geboren, erhielt Felix von frühester Kindheit
an eine hervorragende Ausbildung. Jeden Morgen stand
er um fünf Uhr auf, um Geschichte, Griechisch, Latein,
Naturwissenschaften, Zeichnen und Musik zu studieren.
Als 12jähriger Knabe spielte er Goethe vor, der sich von
seiner „vollendeten, liebenswürdigen Kunst“ tief beeindruckt
zeigte. Wie Mozart beherrschte er alle musikalischen
Sparten. Als Pianist feierte er Triumphe in Paris,
Wien und London. Auf seiner ersten Englandreise 1829
war er der Solist der Erstaufführung von Beethovens
Klavierkonzert Nr. 5. Als Organist lernte er in jungen
Jahren auf seinen Reisen durch Europa die alten Orgeln
kennen. Für sein Konzert in der Thomaskirche 1840 übte
er nach eigener Aussage so sehr, „dass [er] kaum mehr
auf [seinen] Füßen gerade stehen konnte und nichts als
Orgelpassagen auf der Straße ging“. Als Musikforscher
nahm er die Werke der Komponisten des 16. und
17. Jahrhunderts in seine Programme auf, Palestrina
und Orlando di Lasso. 1829 dirigierte er im Alter von
zwanzig Jahren die erste Wiederaufführung der
Matthäus-Passion seit Bachs Tod und leitete damit eine
Bach-Renaissance ein, die von tief greifendem Einfluss
auf die Kompositionsgeschichte des 19. Jahrhunderts
war. Als Leiter der Gewandhauskonzerte in Leipzig wurde
er die überragende Dirigentengestalt der ersten Hälfte
des 19. Jahrhunderts. Ungewöhnlich für die damalige
Zeit dirigierte er auch reine Instrumentalwerke nicht
vom Instrument, sondern mit Hilfe eines Taktstocks vom
Dirigentenpult aus. Er setzte sich für die soziale Absicherung
seiner Musiker ein und erwirkte für jeden Orchestermusiker
eine Pension. Mit Ferdinand David holte er
einen der berühmtesten Geiger als Konzertmeister ans
Gewandhaus. Er machte die Werke vieler zeitgenössischer
Komponisten bekannt und dirigierte 1839 die
Uraufführung der von Schumann aufgefundenen Großen
C-Dur-Sinfonie von Franz Schubert. Unter ihm wurde
Leipzig zu einem der musikalischen Zentren Europas.
1842 gründete er unter dem Protektorat des Königs von
Sachsen das Konservatorium der Musik in Leipzig und
damit die erste deutsche Musikhochschule. In Köln, Düsseldorf,
Schwerin und Birmingham unterstützte er die
Gründung von Musikfestspielen. Daneben bewältigte
er eine riesige Korrespondenz, von deren mehr als 5000
erhaltenen Briefen erst ein Teil publiziert wurde. Tief getroffen
vom Tod seiner geliebten Schwester Fanny starb
Mendelssohn wenige Monate nach ihr im Jahre 1847 im
Alter von nur 38 Jahren. Sein Name „Felix“ bedeutete
„der Glückliche“. Robert Schumann, der Mendelssohn als
„den hellsten Musiker, der die Widersprüche der Zeit am
klarsten durchschaut und zuerst versöhnt“, bezeichnet
hat, nannte ihn und sein musikalisches Wirken
„glück- und segenverbreitend überall“.
Das Konzert zum 200. Geburtstag von Felix Mendelssohn
Bartholdy entwirft in Ausschnitten aus seinem
kompositorischen Œuvre und in poetisch assoziativen
Annäherungen ein Lebensbild des Komponisten. Es
werden Werke aus drei unterschiedlichen Schaffensbereichen
aufgeführt. Mit den Orgelsonaten op. 65
aus dem Jahre 1844/45 begründete Mendelssohn die
Gattung der romantischen Orgelsonate und übte maßgeblichen
Einfluss auf Josef Rheinberger und Max Reger
aus. In seiner Zeit als Gewandhauskapellmeister schuf er
mit den „Quartett-Morgen“ einen neuen Rahmen für die
Kammermusik im öffentlichen Konzertwesen und trug
selbst mit der Komposition seiner Quartette op. 44 aus
den Jahren 1837/38 zu dieser Gattung bei. Einen hohen
Stellenwert in seinem Œuvre nahm das Liedhafte ein.
Neben den Liedern ohne Worte für Klavier, mit denen
Mendelssohn eine neue romantische Gattung schuf,
komponierte er zahlreiche Lieder für Gesang und Klavier,
die insgesamt einen Schaffenszeitraum von 25 Jahren
umfassen. Mendelssohn war außerdem einer der großen
Improvisatoren des 19. Jahrhunderts. Tomasz Adam
Nowak wird mit einer großen Improvisation „Hommage
à Mendelssohn“ daran erinnern.
Verbindung von Wissenschaft und Musikpraxis, innovative
Konzertkonzeptionen und der Dialog mit anderen
Künsten – die Studienrichtung Musikvermittlung an der
Hochschule für Musik Detmold
Konzipiert wird das Konzert von den Studierenden und
Dozenten des Studiengangs Musikvermittlung der Hochschule
für Musik Detmold. Der Begriff „Vermittlung“
spielte bislang schon in verschiedenen musikalischen
Disziplinen eine Schlüsselrolle. So ist im künstlerischen
Bereich der „Interpret“ ein Vermittler zwischen der
Komposition und dem Publikum. Die Musikwissenschaft
räumt in der Dreiteilung ihrer Aufgabenbereiche in
„Erschließung, Deutung und Vermittlung“ der Musikvermittlung
neben dem editorischen Bereich und der Analyse
einen zentralen Platz ein. Weiterhin ist „vermitteln“
ein Kernbegriff der Musikpädagogik. In der Verbindung
der verschiedenen musikalischen Disziplinen hat es
sich die Studienrichtung „Musikvermittlung“ zum Ziel
gesetzt, auf innovativen Wegen dem Hörer die Musik in
all ihren Dimensionen und in ihrer Lebendigkeit näher
zu bringen. In diesem Zusammenhang werden kulturgeschichtliche,
biographische und musikästhetische
Aspekte einbezogen oder es wird in Konzertmode-
rationen ein Blick in die „Geheimnisse der Werkstatt“
des Komponisten geworfen.
Seit der Gründung des Studiengangs Musikvermittlung
an der Hochschule für Musik Detmold vor zehn
Jahren hat die Entwicklung neuer Vermittlungsformen
im Konzertwesen immer mehr an Bedeutung gewonnen.
Sie lassen scheinbar Altbekanntes neu entdecken
und suchen den Dialog mit anderen Künsten wie der
Literatur, dem Schauspiel und der Bildenden Kunst.
Über ihren Ausgangspunkt im Bereich der Kinder- und
Jugendkonzerte hinaus haben sie ihren Siegeszug durch
die Konzerthäuser angetreten und schaffen neuen Raum
für den lebendigen Umgang mit dem kulturellen Erbe
unserer Gesellschaft. Absolventen des Studiengangs
sind heute an herausragenden Stellen des Musiklebens
tätig, bei den Wiener Philharmonikern, beim Rundfunk
in Hamburg oder München, in der Tonhalle Düsseldorf
oder am Festspielhaus Baden-Baden.
Janina Schaefer
26 27

TOMASZ ADAM NOWAK
Orgel
Tomasz Adam Nowak wurde 1962
in Warschau geboren. Zunächst studierte
er an der Hochschule „Frédéric
Chopin“ seiner Heimatstadt, danach in
München, Paris und Amsterdam. Er ist
Preisträger zahlreicher internationaler
Orgelwettbewerbe, u.a. Sieger im
Haarlemer Improvisationswettbewerb.
Konzerte, Rundfunk- und Tonträgeraufnahmen
führen ihn nach Europa und
Übersee. Schwerpunkte seiner künstlerischen
Arbeit sind das Orgelwerk
J. S. Bachs, das er mehrmals komplett
aufgeführt und aufgenommen hat,
die Werke Max Regers, die Musik des
20. und 21. Jahrhunderts sowie die
Kunst der Improvisation.
Nowak ist Professor für Künstlerisches
Orgelspiel und Improvisation an der
Hochschule für Musik Detmold und
Organist der Stadt- und Marktkirche
St. Lamberti in Münster. Die Leitung
von Meisterkursen in Europa und den
USA, die Tätigkeit als Juror bei internationalen
Wettbewerben und die
Zusammenarbeit mit verschiedenen
Sinfonieorchestern im In- und Ausland
sowie die Künstlerische Leitung des
Internationalen Orgelfestivals Westfalen-Lippe
runden sein Wirken ab.
AURYN QUARTETT
Matthias Lingenfelder, Jens Oppermann, Stewart Eaton, Andreas Arndt
Das Auryn Quartett, seit 25 Jahren in
unveränderter Besetzung konzertierend,
zählt heute zu den weltweit
führenden Streichquartetten. Gestalterische
Meisterschaft, Individualität
und Intensität im Ausdruck
zeichnen das Ensemble aus. Im
Laufe seines Bestehens konzertierte
das Auryn Quartett in allen Musikmetropolen
der Welt und wurde
zu den renommiertesten Festivals
eingeladen. Neben regelmäßigen
Tourneen durch die USA bereiste es
die Sowjetunion, Südamerika, Australien
und Japan. Den Grundstein
dieser Entwicklung legten die vier
Musiker durch Studien beim Amadeus
Quartett in Köln sowie beim
Guarneri Quartett an der University
of Maryland, USA. Bereits 1982, ein
Jahr nach seiner Gründung, konnte
das Auryn Quartett durch Preise bei
zwei der renommiertesten Wettbewerbe
auf sich aufmerksam machen
– dem ARD-Wettbewerb in München
und dem International String
Quartet Competition Portsmouth.
Seit Jahren widmet sich das Auryn
Quartett mit großer Intensität auch
der zeitgenössischen Musik und
brachte eine Vielzahl von Werken
zur Uraufführung. Zu den Kammermusik-Partnern
des Auryn Quartetts
zählen Eduard Brunner, Gérard
Caussé, Michael Collins, Nobuko
Imai, Sharon Kam, Alexander
Lonquich, Paul Meyer, Peter Orth,
Christian Poltéra, Karl-Heinz Steffens, Jörg Widmann, Tabea Zimmermann sowie Mitglieder des Guarneri-, Amadeusund
Prazak-Quartetts. Seit Herbst 2000 ist das Auryn Quartett exklusiv dem Label TACET verbunden. Eine Vielzahl
von Aufnahmen, davon etliche preisgekrönt (Diapason d’Or, Preis der Deutschen Schallplattenkritik, CD Classic
Award), dokumentieren den hohen künstlerischen Rang des Ensembles. Neben Meisterkursen im In- und Ausland
unterrichtet das Auryn Quartett im Rahmen einer Professur für Kammermusik an der Musikhochschule Detmold.
28 29

SABINE RITTERBUSCH
Sopran
30
Sabine Ritterbusch studierte an der
HfM Detmold zunächst Schulmusik,
dann Gesang bei Mechthild Böhme.
Von August 1993 bis Juli 2002 war
sie an der Hamburgischen Staatsoper
engagiert. Seitdem ist sie freischaffend
tätig und singt u.a. an der Staatsoper
München, der Semperoper Dresden,
der Staatsoper und der Deutschen
Oper Berlin sowie der Deutschen Oper
am Rhein unter Leitung von Daniel
Barenboim, Frieder Bernius, Ingo
Metzmacher, Helmuth Rilling, Stefan
Soltesz und Christian Thielemann.
Darüber hinaus ist Sabine Ritterbusch
eine international gefragte Lied- und
Konzertsängerin. Sie wirkte unter anderem
bei Rundfunkproduktionen für
die Sender WDR, NDR, SWR, SFB und
Radio Bremen, CD-Einspielungen und
Fernsehproduktionen des ZDF, NDR
und ARTE mit. Ihre mit der Pianistin
Heidi Kommerell aufgenommene CD
mit Liedern von Alma und Gustav
Mahler wurde in der internationalen
Presse herausragend besprochen und
erhielt eine Silbermedaille von Diapason
France.
Seit April 2005 hat Sabine Ritterbusch
eine Professur für Gesang an der
HfM Detmold inne.
MARKUS GOTTHARDT
Klavier
Markus Gotthardt studierte in
Dortmund und Zürich bei Richard
Braun, Eckart Heiligers sowie in
der Meisterklasse von Irwin Gage.
Wichtige Anregungen erhielt er
von Karl Heinz Kämmerling, Günter
Reinhold, Peter Feuchtwanger und
Dalton Baldwin. Nach einem
zweijährigen Stipendium des DAAD
folgten Stipendien der Richard-
Wagner-Stipendienstiftung und der
Westfälischen Förderakademie für
bildende Kunst und Musik Ruhr-
Lippe. Markus Gotthardt beendete
seine Studien mit Konzertdiplomen
in Liedgestaltung und Soloklavier.
Seine besondere Zuneigung gilt
dem Kunstlied als kammermusikalischer
Form. Die Zusammenarbeit
mit Sängern, das Ausarbeiten von
Programmen und die Beschäftigung
mit Literatur im Spiegel der Musik
bereiten ihm ein besonderes Vergnügen.
Zusammen mit seinen Duopartnern
geht er auch unkonventionelle
Wege, etwa in Form moderierter
oder szenischer Programme.
Markus Gotthardt ist Finalist des
Wettbewerbs „Schubert und die
Musik der Moderne“ sowie offizieller
Klavierpartner des ARD-Wettbewerbs
in München.
Als Liedpianist, Kammermusiker und
Solist konzertiert er in ganz Europa,
unter anderem beim Schleswig-
Holstein Musikfestival, der Biennale
Bern, bei MM::99 und dem Festival
Dalheimer Sommer, außerdem bei
Rundfunk- und Fernsehaufnahmen
(NDR, DRS).
Seit 2005 unterrichtet Markus
Gotthardt an der HfM Detmold.

MORIMUR
12.05.2009 | 19.30 UHR
THE HILLIARD ENSEMBLE
MONIKA MAUCH, Sopran
DAVID JAMES, Countertenor
JOHN POTTER, Tenor
GORDON JONES, Bariton
CHRISTOPH POPPEN, Barockvioline
Johann Sebastian Bach (1685–1750)
Partita d-Moll BWV 1004 für Violine solo
Allemande
Courante
Sarabande
Giga
Chaconne
Choräle
1 Auf meinen lieben Gott (Cantata)
2 Den Tod … (Chorale)
3 Allemanda (Partita)
4 Christ lag in Todesbanden (Chorale)
5 Corrente (Partita)
6 Den Tod niemand bezwingen kunnt (Chorale)
7 Sarabanda (Partita)
8 Wo soll ich fliehen hin (Cantata)
9 Giga (Partita)
10 Den Tod … (Chorale)
11 Ciaccona (Partita)
12 Christ lag in Todesbanden (Chorale)
13 Dein Will gescheh’ (Johannespassion)
14 Befiehl Du Deine Wege (Chorale)
15 Jesu meine Freude (Chorale)
16 Auf meinen lieben Gott (Cantata)
17 Jesu Deine Passion (Cantata)
18 In meines Herzens Grunde (Johannespassion)
19 Nun lob’, mein Seel’, den Herren (Chorale)
20 Den Tod ... (Chorale)
21 Ciaccona (Partita)
für Violine solo und vier Stimmen nach einer
Analyse von Helga Thoene
22 Den Tod ... (Chorale)
Um 18.00 Uhr findet im Brahms-Saal ein Einführungsvortrag von
Frau Prof. Dr. Helga Thoene statt.
Eintritt frei
32 33

JOHANN SEBASTIAN BACH
Die „Ciaconna“ in der Partita d-Moll
Johann Sebastian Bach fügt im Jahr 1720 während seiner
Amtszeit als Hofkapellmeister des Fürsten Leopold
von Anhalt-Köthen (1717 bis 1723) drei Sonaten und
drei Partiten für Violine allein zu einem Werkzyklus in
endgültiger Reinschrift zusammen. Der Titel des Autographs,
das in der Staatsbibliothek zu Berlin aufbewahrt
wird, lautet
„Sei Solo. / Á / Violino / senza / Basso / accompagnato.“
Es sind drei viersätzige Sonaten, im Stil der italienischen
Kirchensonate, und drei Partiten, mehrsätzige Tanz-Suiten,
in paarweiser Anordnung; auf jede „Sonata“ folgt
eine „Partita“. Jedoch weisen außermusikalische Maßnahmen,
die Bach hier getroffen hat, darauf hin, dass die
drei Sonaten (g-Moll, a-Moll und C-Dur) als eine in sich
geschlossene Werkgruppe bereits 1718 vollendet waren.
Entsprechende Hinweise gibt eine kryptographisch in
der Sonata C-Dur angebrachte Datierung in Verbindung
mit der klingenden Signatur B-A-C-H.
Neueren Ermittlungen zufolge repräsentiert die Gruppe
der drei Sonaten die drei Hochfeste des Kirchenjahres:
Weihnachten / Inkarnation (g-Moll), Ostern / Passion
und Auferstehung (a-Moll), Pfingsten / Geistsendung
(C-Dur). Biblische Zahlen des Alten und des Neuen
Testamentes, verschlüsselte Texte der Liturgie und vor
allem unhörbare Choral-Zitate nehmen Bezug auf die
kirchlichen Feste und lassen die vermeintlich textlosen
Instrumentalwerke „zu Wort“ kommen.
Erst 1720, im Jahr der Reinschrift des vollständigen
sechsteiligen Zyklus, werden die drei Partiten h-Moll,
d-Moll und E-Dur hinzugefügt.
Die Komposition des mittleren Werkes, die fünfsätzige
Partita d-Moll (BWV 1004) mit der zur Legende gewordenen
Ciaccona als Schluss-Satz, dürfte in Zusammenhang
zu sehen sein mit einem für Bach tragischen
familiären Geschehen. Es ist der Tod seiner ersten Frau,
Maria Barbara Bach (1684–1720).
34
Im Jahr 1720 weilt Bach mit seinem Fürsten Leopold von
Anhalt-Köthen für die Monate Mai bis Juli in Karlsbad.
Bei der Rückkehr von dieser Reise erfährt er, unvorbereitet,
dass seine Frau wenige Tage zuvor gestorben und
begraben worden ist.
Lorenz Mizlers „Musicalische Bibliothek“ (Leipzig 1754)
berichtet: „ … Nachdem er mit dieser seiner ersten
Ehegattin 13 Jahre eine vergnügte Ehe geführet hatte,
wiederfuhr ihm in Cöthen, im Jahre 1720 der empfindliche
Schmerz, dieselbe, bey seiner Rückkunft von einer
Reise, mit seinem Fürsten nach dem Carlsbade, todt und
begraben zu finden; ohngeachtet er sie bey der Abreise
gesund und frisch verlassen hatte. Die erste Nachricht,
daß sie krank gewesen und gestorben wäre, erhielt er
beym Eintritte in sein Hauß.“ (BACH-Dok. III/666)
Der Tod der Maria Barbara dürfte der eigentliche Anlass
gewesen sein, die Ciaccona insgeheim zu einem klingenden
Epitaph, zu einem Tombeau zu gestalten. Bach
hat ihren Namen verschlüsselt in Form eines magischen
Quadrats in den ersten Takt eingraviert, mit liturgischen
Texten und biblischen Zahlen versehen, die die christlichen
Tugenden der Verstorbenen hervorheben. Die
Variationen der dreiteiligen Ciaccona aber umspielen
von Anfang bis Ende unhörbare Choral-Zitate, die hörbar
gemacht werden können.
Von Martin Luthers Osterlied wird der 256 Takte lange
Satz eingefasst:
„Christ lag in Todesbanden,
Für unser Sünd gegeben,
Der ist wieder erstanden
Und hat uns bracht das Leben.
Des wir sollen fröhlich sein,
Gott loben und ihm dankbar sein
Und singen Halleluja, Halleluja.“
Helga Thoene
HELGA THOENE
Musikwissenschaften
Prof. Dr. h.c. Helga Thoene, Düsseldorf,
wurde in Rheydt im Rheinland
geboren. Nach dem Musikstudium
mit dem Hauptfach Violine bei
Prof. Kurt Schäffer, Düsseldorf,
Prof. Max Rostal, Köln und Prof. Jan
Damen, Amsterdam, erfolgte eine
langjährige Unterrichtstätigkeit
in den Fächern Violine, Aufführungspraxis
und Fachdidaktik an
der Robert Schumann Hochschule
Düsseldorf. Interpretationskurse
und Gastvorlesungen führten
Helga Thoene in viele deutsche
und europäische Städte sowie nach
Israel und Japan. Zu ihren speziellen
Forschungsgebieten gehören
die sechs Werke für Violine solo
(BWV 1001 bis 1006) von Johann
Sebastian Bach. Inzwischen sind zu
diesem Thema bereits mehrere ihrer
Arbeiten erschienen:
„Johann Sebastian Bach, Ciaccona
– Tanz oder Tombeau?“
„Johann Sebastian Bach, Die Violin-
Sonate g-Moll (BWV 1001) – Der
verschlüsselte Lobgesang“ (Cöthener
Bach-Hefte 1994 und 1998).
Der dr.ziethen verlag, Oschersleben,
veröffentlichte:
„Johann Sebastian Bach, Ciaccona
– Tanz oder Tombeau?” (Erweiterte
Fassung 2003)
„Johann Sebastian Bach, Sonata
a-Moll (BWV 1003) – Eine wortlose
Passion“ (2005)
„Johann Sebastian Bach, Sonata
C-Dur (BWV 1005) – Lob sey Gott
dem Heilgen Geist“ (2008)
Helga Thoene ist Ehrenmitglied
des Freundes- und Förderkreises
der BACH-Gedenkstätte Köthen in
Sachsen-Anhalt.

CHRISTOPH POPPEN
Violine
Prof. Christoph Poppen ist Dirigent
und Violinist. 1978 gründete er das
Cherubini-Quartett, das im Jahre
1981 den Grand Prix beim internationalen
Streichquartett-Wettbewerb
im französischen Evian gewann. Im
Zeitraum von 1981 bis 1997 konzertierte
der Primarius mit seinem
Cherubini-Quartett in der ganzen
Welt, zahlreiche CD-Einspielungen
entstanden.
Im Jahre 1988 nahm Poppen eine
Professur für Violine und Kammermusik
an der HfM Detmold an, die
er bis 1995 ausübte. Danach übernahm
er eine Professur für Violine
an der Musikhochschule „Hanns
Eisler“ in Berlin, deren Rektor er
von 1996 bis 2000 war. Seit 2003
ist Poppen schließlich Professor für
Violine und Kammermusik an der
Hochschule für Musik und Theater
München.
1995 bis 2006 war Poppen der
künstlerische Leiter des Münchner
Kammerorchesters, und seit der
Spielzeit 2006/07 ist er Chefdirigent
des Rundfunk-Sinfonieorchesters
Saarbrücken (RSO). Darüber hinaus
war Poppen von 2001 bis 2005
künstlerischer Leiter des Internationalen
Musikwettbewerbs der ARD.
© Harrison/Parrott GmbH
THE HILLIARD ENSEMBLE
Monika Mauch, David James, John Potter, Gordon Jones
Das Hilliard Ensemble hat sich in
den mehr als 30 Jahren seines Bestehens
einen unverwechselbaren Ruf
erworben und gilt heute als eines
der weltbesten Vokalensembles. Die
Formation hat sich auf die Musik vor
1600 spezialisiert, das Repertoire
reicht jedoch bis hin zu Werken zeitgenössischer
Komponisten wie Arvo
Pärt, Gavin Bryars, Heinz Holliger,
Brian Elias oder John Casken.
Das Hilliard Ensemble ist heute auf
allen wichtigen Podien der Welt zu
Gast. Neben regelmäßigen Konzertreisen
durch Europa, Asien und die
USA arbeitet das Hilliard Ensemble
verstärkt mit Orchestern zusammen,
darunter auch große Klangkörper
wie das Gewandhaus-Orchester
Leipzig, das Philadelphia Orchestra
oder das New York Philharmonic
Orchestra.
Das Hilliard Ensemble beschäftigt
sich immer wieder mit der Musik
von Arvo Pärt. Aufführungen der
Johannes-Passion sowie anderer
Werke, darunter das „Stabat Mater“,
haben in ganz Europa und in den
USA stattgefunden. Rundfunk-, Fernseh-
und Schallplattenaufnahmen,
die meistenteils mit internationalen
Preisen ausgezeichnet wurden,
runden das weite Feld der Arbeit
des Hilliard Ensembles ab.
Neben seiner Zusammenarbeit mit Jan Garbarek („Officium“) und Christoph Poppen („Morimur“) erregte das Hilliard
Ensemble ganz aktuell Aufsehen mit der Uraufführung von Heiner Goebbels’ szenischem Konzert in drei
Bildern „I went to the house but did not enter“, das beim Edinburgh Festival 2008 herauskam und sich seither auf einer
Welt-Tournee befindet.
© Konzertbüro Andreas Braun
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KONZERT
DES HOCHSCHULORCHESTERS
Benefizkonzert zu Gunsten des Studienfonds OWL
14.05.2009 | 19.30 UHR
Richard Wagner (1813–1883)
Die Meistersinger von Nürnberg,
Vorspiel 1. Akt
Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791)
Fagott-Konzert B-Dur, KV 191
1. Allegro
2. Andante ma Adagio
3. Rondo: Tempo di Minuetto
JI-HYUN LEE, Fagott
Martin Christoph Redel (*1947)
Archipel
Klanginseln für Orgel, Marimbaphon,
Schlagzeuggruppen und Orchester op. 64
(2007/08)
GERHARD WEINBERGER, Orgel
RUVEN RUPPIK, Marimbaphon
CHIA LIN CHENG, Schlagzeug
YONGWOON CHO, Schlagzeug
JU WON JEONG, Schlagzeug
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– Pause –
César Franck (1822–1890)
Sinfonie d-Moll
1. Lento | Allegro ma non troppo
2. Allegretto
3. Allegro ma non troppo
Hochschulorchester der HfM Detmold
KARL-HEINZ BLOEMEKE, Musikalische
Leitung
Studienfonds OWL –
Studierende fördern und OWL stärken
Der Studienfonds OWL ist eine gemeinnützige
Stiftung der fünf staatlichen
Hochschulen in Ostwestfalen-Lippe, dessen
Gründung auf die Einführung der Studienbeiträge
zurückgeht. Er fördert Studierende
in der Region durch Stipendien, die über
Spendengelder von regional ansässigen
Unternehmen, Stiftungen und Privatpersonen
finanziert werden.
Das langfristige Ziel dahinter ist, den
Studierenden frühzeitig Perspektiven in
OWL aufzuzeigen, um sie langfristig in der
Region zu halten und den Standort damit
zu stärken.

CÉSAR FRANCK
Sinfonie d-Moll
„Sie steht eben zugleich in d-Moll und in f-Moll ...“ –
César Franck suchte nach einer Erklärung für die gründlich
misslungene Uraufführung seiner d-Moll-Sinfonie
im Jahre 1889. Kritiker bemängelten eigentlich alles,
besonders den harmonischen „Parforce-Ritt“ der ersten
50 Takte.
Kopfzerbrechen bereitete dem Fachpublikum allerdings
auch die „kreative Formgebung“ der Sinfonie: Auf den
ersten Blick erscheint sie dreisätzig, Franck versteckt
jedoch im mittleren Satz einen zusätzlichen; er vereint
hier den langsamen Satz und das Scherzo der klassischen
Sinfonieform. Ein ganzer Scherzotakt ist dabei
so lang wie eine einzelne Zählzeit des langsamen Satzes,
was eine kunstvolle Schichtung beider Satzcharaktere
möglich macht – eine für die Kritiker völlig unhaltbare
ästhetische Position.
Auch im Kopfsatz leitet Franck das Hauptthema gegen
jede schulmäßige Gepflogenheit direkt aus der langsamen
Einleitung ab und lässt sie in ihrer epischen
Breite sogar wörtlich wiederholen. Im Finalsatz werden
die Themen des Kopfsatzes nicht nur zitiert, sondern
erhalten eine formal tragende Funktion. Dadurch gibt
Franck seiner Sinfonie eine für seine Kompositionsweise
charakteristische zyklische Form.
In der Instrumentation des Werks zeigt sich der Einfluss
von Francks jahrelanger Tätigkeit als Organist, ähneln
doch die vielfältigen Klangfarben deutlich dem Effekt
des Registrierens beim Orgelspiel.
Die Kritiker der Uraufführung sollten bald verstummen:
César Francks Sinfonie wurde schon bald zu einem
zentralen Repertoirewerk der Spätromantik.
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WOLFGANG A. MOZART
Fagottkonzert B-Dur, KV 191
Über die Hintergründe der Entstehung des Fagottkonzerts
B-Dur ist fast nichts bekannt – den lange als
Auftraggeber vermuteten Freiherrn von Dürnitz lernte
Mozart nachweislich erst 1775 kennen, ein Jahr nach
Fertigstellung des Werks. Vermutlich ist das Konzert
vielmehr im Rahmen seiner Tätigkeit für den Salzburger
Erzbischof Hieronymus Graf Colloredo entstanden.
Das Fagottkonzert zeichnet sich durch seinen heiteren,
leichten Ton sowie die ideale Anpassung an die Gegebenheiten
des Soloinstruments aus. Dazu war vom Komponisten
große Sensibilität gefordert, denn die Möglichkeiten
der Blasinstrumente im 18. Jahrhundert waren
noch recht beschränkt. Umso erstaunlicher mutet die
Leichtigkeit an, mit der Mozart in diesem Werk sowohl
den Tonumfang des Fagotts als auch dessen spezifische
Mittellage wirkungsvoll in Szene setzt. Dem Virtuosen
gibt er damit Gelegenheit, sowohl seine technische Brillanz
als auch seine lyrische Tongebung zu präsentieren.
Britta Lesniak
JI-HYUN LEE
Fagott
Ji-Hyun Lee wurde 1976 in
Seoul, Süd-Korea, geboren. Nach
der Ausbildung in ihrem Heimatland
studierte sie ab dem Wintersemester
2001/02 im Fach Fagott bei Prof.
Helman Jung an der HfM Detmold.
Neben Konzerttätigkeiten mit dem
Detmolder Kammerorchester, der
NWD Philharmonie und dem Philharmonischen
Orchester der Stadt
Bielefeld war sie festes Mitglied des
Bundesstudentenorchesters „Junge
Deutsche Philharmonie“, zudem
wirkte sie zusammen mit ihrem Lehrer
bei mehreren Produktionen des
Ensembles Consortium Classicum
mit. Für die CD der Bläsersextette
von A. C. Cartellieri bekam auch sie
daher die Auszeichnung „Preis der
Deutschen Schallplattenkritik für
die beste Kammermusikproduktion“.
Seit 2005 ist Ji-Hyun Lee Solofagottistin
des Wonju Philharmonie
Orchestra in Südkorea. Neben
Konzerten als Solistin und in
verschiedenen Kammermusikformationen
spielt sie als Mitglied
des Soniorite-Bläserquintetts und
des Ensembles Diapason. Bei regelmäßigen
Soloabenden im großen
Konzertsaal des Seoul Arts Center
hatte sie wiederholt Gelegenheit,
ihre in Deutschland erworbenen
Fähigkeiten mit großem Erfolg
einem breiten Publikum vorzustellen.
Biografie von Karl-Heinz Bloemeke siehe Seite 23
Biografie von Martin Christoph Redel siehe Seite 16
Biografie von Ruven Ruppik siehe Seite 19
Biografie von Gerhard Weinberger siehe Seite 18

LIEDERABEND
MIT THOMAS QUASTHOFF
Benefizkonzert zu Gunsten der
Stiftung der HfM Detmold
16.05.2009 | 19.30 UHR
Franz Schubert (1797–1828)
Prometheus
Erlkönig
Grenzen der Menschheit
Der Zwerg
Im Frühling
Der Tod und das Mädchen
Seligkeit
Abschied von der Erde
THOMAS QUASTHOFF, Bassbariton
ALFREDO PERL, Klavier
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– Pause –
Jazz-Standards und Improvisationen,
von Thomas Quasthoff angesagt und moderiert
THOMAS QUASTHOFF, Bassbariton
ROLF ZIELKE, Klavier

FRANZ SCHUBERT
Zum Liedwerk
Die Bedeutung Schuberts für die Gattung Lied liegt
nicht etwa bloß im quantitativen Gewicht von ca. 600
Schöpfungen, welche sein Liedschaffen umfasst. Von
Anfang an tritt Schubert mit einem voll ausgeformten,
eigenständigen Liedtypus an die Öffentlichkeit. Bereits
die Frühwerke weisen die Qualitäten auf, die das
Schubertlied und später das romantische Kunstlied
überhaupt charakterisieren. Etliche Lieder verfahren mit
dem typisch Schubertschen Signum der beibehaltenen
Spielfigur, so z.B. „Der Zwerg“, dessen tremolierende
Sechzehntel-Begleitung das ganze Stück dominiert,
wodurch die angespannte Stimmung des Liedes erzeugt
und aufrecht erhalten wird.
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Die Faktur des Klaviersatzes erhält ein interpretierendes
Moment und übernimmt die Aufgabe einer subtil das
Deklamierte ausdeutenden Begleitung, die nicht mehr
austauschbar ist, sondern spontan auf die spezifischen
Gehalte von Dichtung reagieren kann. Damit ergänzt die
Vertonung das Gedicht um eine interpretierende, nicht
selten psychologisierende Sinnebene. Relevantes Mittel
der Textausdeutung ist darüber hinaus die Harmonik als
derjenige Parameter, welcher Schuberts Schöpferkraft
am deutlichsten entsprach. Dies gilt besonders für die
ins Mythische tendierenden Goethe-Vertonungen „Prometheus“
und „Grenzen der Menschheit“. Lichtwechsel
durch rasche Modulation in entfernte Tonarten, herbe
Rückungen, unvermitteltes Nebeneinander von Dur und
Moll, die kräftigen Farbwerte entlegener Terzverwandter
sowie die Unwägbarkeiten der Dissonanzbehandlung
prägen seit Schubert die Liedharmonik des 19. und noch
des beginnenden 20. Jahrhunderts.
Michael Koch
THOMAS QUASTHOFF
Bass-Bariton
Ausgebildet bei Charlotte Lehmann
und Ernst Huber-Contwig in Hannover,
startete Thomas Quasthoff seine
Karriere mit Wettbewerbserfolgen
wie dem Ersten Preis des Inter-
nationalen Musikwettbewerbs der
ARD (1988).
Heute zählt er zu den international
profiliertesten Lied- und Konzertsängern
der bedeutendsten Musikzentren,
der neben den Berliner
und Wiener Philharmonikern mit
vielen anderen führenden Orchestern
regelmäßig auftritt und mit
Dirigenten wie Abbado, Barenboim,
Haitink, Jansons, Muti, Ozawa,
Rattle, Rilling, Thielemann und
Welser-Möst zusammenarbeitet.
Liederabende führten ihn durch
ganz Europa und in die USA. Als
Exklusivkünstler der Deutschen
Grammophon spielte er ein großes
Repertoire an Liedern und Orchesterwerken
ein, die mit wichtigen
Preisen wie dem Diapason d’Or, dem
Echo Klassik und dreimal mit einem
Grammy ausgezeichnet wurden.
Seit 1998 hatte Thomas Quasthoff
eine Professur an der HfM Detmold
inne und wechselte im Herbst 2004
an die Hochschule für Musik „Hanns
Eisler“ in Berlin.
© Künstleragentur Dr. Raab &
Dr. Böhm

ALFREDO PERL
Klavier
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Alfredo Perl, 1965 in Santiago,
Chile, geboren, studierte zunächst in
seiner Heimatstadt bei Carlos Botto
und später bei Günter Ludwig in Köln
und Maria Curcio in London.
Seit seinem ersten Auftritt im Alter
von neun Jahren gab der Künstler weltweit
zahlreiche Konzerte, die ihn, den
Preisträger bedeutender Wettbewerbe,
bald zu einem der führenden Pianisten
seiner Generation werden ließen.
Als bemerkenswert vielseitiger
Künstler spielte Alfredo Perl mit
namhaften Orchestern, darunter das
London Symphony Orchestra, das Royal
Philharmonic Orchestra, das Orchestre
de la Suisse Romande, das Nederlands
Philharmonisch Orkest, das Melbourne
und Sydney Symphony Orchestra, das
Gewandhausorchester Leipzig sowie
das Mozarteumorchester Salzburg.
Er gab im September 1997 sein Debüt
bei den Promenade Concerts in der
Royal Albert Hall in London.
In Deutschland hat Alfredo Perl gemeinsam
mit den Münchner Symphonikern
die gesamten Klavierkonzerte
Beethovens zur Aufführung gebracht,
was ihm durchweg höchstes Lob von
Publikum und Presse einbrachte.
Alfredo Perl ist seit 2007 Professor für
Klavier an der HfM Detmold.
ROLF ZIELKE
Klavier
Rolf Zielke ist ein Pianist und
Komponist, dessen Musik zeitgenössischen
Jazz und World-Music
widerspiegelt. Er wurde 1964 in
Hameln geboren, begann mit sieben
Jahren das Klavierspiel und studierte
Musik an der Hochschule für Musik
und Theater Hannover.
Seit Mitte der 1980er Jahre ist Rolf
Zielke mit eigenen Projekten und als
„Sideman“, z.B. von Charlie Mariano,
in der Jazzszene präsent und bei
internationalen Konzertveranstaltungen
als Künstler aktiv.
In den Jahren 1986 bis 2002
gehörten seine Bands 13 Mal zu
den Preisträgern des Wettbewerbs
„Jazzpodium Niedersachsen“. Das
„Rolf Zielke Trio“ war Preisträger des
Studioprojekts des Berliner Senats
im Jahre 2001, das Duo Zielke/Boztüy
war 2004 Preisträger, und 2006
war sein Trio „Hot Impressions“
Preisträger.
Seit 1993 unterrichtet Rolf Zielke
Jazzpiano an der Hochschule für
Musik „Hanns Eisler“ Berlin, und
seit 1999 auch an der Universität
der Künste in Berlin.
Rolf Zielke war musikalischer Leiter
an Theatern in Hannover und Hamburg
und komponierte Film- und
Theatermusik. 2006 leitete er das
niedersächsische „Jazz Art Ensemble“.

RECITAL
17.05.2009 | 18.00 UHR
Johann Sebastian Bach (1685–1750)
Gambensonate g-Moll BWV 1029
Vivace
Adagio
Allegro
Johannes Brahms (1833–1897)
Sonate für Violoncello und Klavier e-Moll op. 38
Allegro non troppo
Allegretto quasi Menuetto
Allegro
– Pause –
Béla Bartók (1881–1945)
Rhapsodie Nr. 1 Sz 87 für Violine und Orchester
übertragen von Béla Bartók für Violoncello und Klavier (1928)
Moderato, attacca
Allegretto
Ludwig van Beethoven (1770-1827)
Sonate für Violoncello und Klavier A-Dur op. 69
Allegro ma non tanto
Scherzo: Allegro molto
Adagio cantabile – Allegro vivace
MIKLÓS PERÉNYI, Violoncello
ANDRÁS SCHIFF, Klavier
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JOHANN SEBASTIAN BACH
Gambensonate g-Moll BWV 1029
(in einer Bearbeitung für Violoncello und Klavier)
Bachs drei Sonaten für Gambe und Cembalo (BWV
1027–1029) stammen vermutlich aus der Leipziger Zeit
(vor 1741). Sie dürften zu unterschiedlichen Anlässen
entstanden sein und bilden daher keinen geschlossenen
Zyklus. In den Gambensonaten wie in den sechs Violin-
und drei Flötensonaten überträgt Bach den Typ der Triosonate
auf ein Melodieinstrument und ein Cembalo mit
zwei obligaten Stimmen. Im dreistimmigen Satz tritt der
Cembalist aus der Rolle des Begleiters heraus und wird
zum gleichwertigen Partner. Die beiden ersten Gambensonaten
folgen mit der Satzfolge langsam-schnelllangsam-schnell
dem Schema der Kirchensonate. Die
g-Moll-Sonate entspricht dagegen mit der Folge schnelllangsam-schnell
einem dreisätzigen italienischen Konzert.
Es ist anzunehmen, dass Bach die Gambensonaten
aus früheren Werken neu zusammenstellte. Als Urform
der g-Moll-Sonate wird ein Konzert für zwei Violinen
(oder Flöten) vermutet.
Die im Fugato einsetzenden Stimmen des ersten Satzes
lassen an das 3. Brandenburgische Konzert denken. Im
Mittelsatz (B-Dur) stimmen die beiden Oberstimmen
imitatorisch eine ausdrucksvolle Arie über einem schlichten
Bass an. Der Schlusssatz (g-Moll) ist eine dreistimmige
Fuge, in die ein kontrastierendes zweites Thema
(cantabile) eingeführt wird.
BÉLA BARTÓK
Rhapsodie Nr. 1 Sz 87
Bartók schrieb 1928 die beiden Rhapsodien für Violine
und Klavier. Im gleichen Jahr fertigte er zusätzlich eine
Transkription der 1. Rhapsodie für Cello und Klavier
an. In engem Zusammenhang mit Bartóks Volksliedersammlung
stehend, ist diese Rhapsodie aus dem Geist
der Folklore geboren. In den beiden Sätzen (Moderato,
attacca – Allegretto) werden insgesamt sechs verschiedene
Tänze verarbeitet.
JOHANNES BRAHMS
Cellosonate e-Moll op. 38
Brahms komponierte seine beiden Cellosonaten (e-Moll
op. 38, F-Dur op. 99) in den Jahren 1862/65 bzw. 1886.
Die e-Moll-Sonate weist eine dreisätzige Anlage auf.
Ein ursprünglich vorhandener weiterer Satz, ein Adagio,
wurde von Brahms gestrichen. Der erste Satz (Allegro
non troppo) beginnt mit einem kantablen Thema des
Cellos, das allmählich in das rhythmisch unruhigere Seitenthema
(h-Moll) hinüberführt. In der an Modulationen
reichen Durchführung findet sich das thematische Material
vorwiegend im Klavier. In einer lyrisch gehaltenen
Coda (E-Dur) klingt die Reprise aus. Wie ein tanzartiges
Menuett stellt sich der zweite Satz (Allegretto quasi
Menuetto) in a-Moll dar, das Trio (fis-Moll) leitet sich aus
dem Hauptteil ab. Der Finalsatz (Allegro) in e-Moll ist
ein Fugato, das thematisch an Bachs „Kunst der Fuge“
erinnert.
LUDWIG VAN BEETHOVEN
Cellosonate A-Dur op. 69
Mit den fünf Sonaten für Klavier und Violoncello
begründet Beethoven eine neue Gattung mit völliger
Gleichberechtigung beider Instrumente. Die A-Dur-Sonate,
1807 und Anfang 1808 komponiert und somit in
zeitlicher Nähe zur 5. und 6. Symphonie, entstammt der
mittleren Schaffensperiode. Den ersten Satz (Allegro ma
non tanto) leitet das Cello mit dem allein vorgetragenen
Hauptthema ein, das vom Klavier fortgeführt wird und
in einer kleinen Solokadenz endet. Dieses Thema wird in
umgekehrter Reihenfolge, zunächst vom Klavier, dann
vom Cello, wiederholt. Einem markanten a-Moll-Motiv
folgt das lyrische Seitenthema. Nach längerem Durchführungsteil
und der Reprise schließt eine schwungvolle
Coda den Satz ab. Der zweite Satz, ein synkopiertes
fünfteiliges Scherzo in d-Moll, wird zweimal von einem
A-Dur-Trio unterbrochen. Wie in den beiden Sonaten
op. 5 fehlt auch hier ein eigenständiger langsamer Satz.
Das 18 Takte lange Adagio cantabile in E-Dur besitzt
mehr die Funktion einer Überleitung zum vierten Satz
(Allegro vivace) in A-Dur. Dieser bildet ebenfalls einen
Sonatensatz mit einer umfangreichen Coda.
Hans Huchzermeyer
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ANDRÁS SCHIFF
Klavier
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András Schiff wurde 1953 in Budapest
geboren. Den ersten Klavierunterricht
erhielt er im Alter von
fünf Jahren bei Elisabeth Vadász.
Später setzte er sein Studium an der
Franz-Liszt-Akademie in Budapest
bei Prof. Pál Kadosa, György Kurtág
und Ferenc Rados sowie bei George
Malcolm in London fort.
András Schiff tritt mit den meisten
international bedeutenden Orchestern
und Dirigenten auf, wobei er
hier einen Schwerpunkt auf die
Aufführung der Klavierkonzerte von
Bach, Beethoven und Mozart unter
eigener Leitung setzt. Seit früher
Jugendzeit ist András Schiff ein
leidenschaftlicher Kammermusiker.
Gemeinsam mit Heinz Holliger gründete
er 1995 die Ittinger Pfingstkonzerte
in der Kartause Ittingen,
Schweiz, und seit 1998 findet im Teatro
Olimpico in Vicenza unter seiner
Leitung die Konzertreihe „Omaggio
a Palladio“ statt. András Schiff wurde
mit mehreren internationalen
Preisen ausgezeichnet.
An den Musikhochschulen Budapest,
Detmold und München wurde
András Schiff eine Honorarprofessur
verliehen. András Schiff gastiert
regelmäßig an der HfM Detmold,
um Meisterkurse zu geben.
© Hochuli Konzert Agentur
MIKLÓS PERÉNYI
Violoncello
Der ungarische Cellist Miklós Perényi
ist in einer Musikerfamilie aufgewachsen.
Bereits mit neun Jahren
gab er seinen ersten Konzertabend
in Budapest.
1963 war Miklós Perényi Preisträger
beim Internationalen Cello-Wettbewerb
„Pablo Casals“ in Budapest.
Casals berief ihn 1965 und 1966
zu seinen Meisterkursen, und es
folgten etliche Sommer beim
Marlboro Festival.
Seit 1974 unterrichtet Miklós
Perényi an der Budapester Franz-
Liszt-Akademie, wo er seit 1980
eine Professur innehat. Für sein
musikalisches Wirken wurde er
1980 mit dem Kossuth-Preis und
1987 mit dem Bartók-Pasztory-Preis
ausgezeichnet.
Sein Repertoire umfasst Werke vom
17. Jahrhundert bis zur Gegenwart,
die er in zahlreichen Konzerten mit
Orchester, in Solo- und Duo-Rezitals
sowie bei Kammermusikabenden
präsentiert. Neben seinen Konzertauftritten
und dem Unterrichten
bildet die Komposition von Werken
für kleinere und größere Instrumentalensembles
und Cello-Soli
einen weiteren Schwerpunkt seiner
Tätigkeit.
© Impresariat Simmenauer GmbH