KUNSTINVESTOR - AUSGABE DEZEMBER 2014

DEZEMBER 2014
www.kunstinvestor.at
Sammlung Essl: „Weltenbummler.abenteuer kunst“
LENTOS restituiert drei Kunstwerke-Top Qualität im Kinsky sorgte für entfesselte Gebote- Joan Miró, Grafik,
Skulptur, Arbeiten auf Papier-Die erotische Fotografie von Alfons Walde- Jasper Johns:REGRETS-
KIDNAPPERS FOIL- Katharina Struber:COMMON PRACTICE- Linzer Kunststudenten präsentieren Pop-up Bar

6 | KUNST.INVESTOR Editorial
Kunst als globale
Ersatzwährung von
hohem Prestige
Ein Jahr geht zu Ende, und sagen wir: „es war kein
schlechtes Jahr“, Anlass zur Freude… oder!? Doch die
vorliegende Ausgabe ist kein Jahresrückblick und
Wirtschaftsreport. Heute halten Sie die aktuelle
Dezember-Ausgabe des Magazins KUNST.INVESTOR
in „Händen“. Innovativ, exklusiv und stets mit dem
richtigen Riecher für aktuelle Entwicklungen informieren
wir Sie rund um alle wichtigen Themen, die nationalen
und internationalen Kunstmärkte betreffend. Kunst ist
ein interessantes Portfolio und unbestritten die
schönste Beimischung für Ihr Investment- inspirierend,
nicht allein in ideeller Hinsicht. Besonders in Zeiten, da
Bullen auf sich warten lassen und Renditen an der
Nulllinie kratzen, etablieren sich Kunstwerke als stabile,
vor allem aber als rentable Assets. Eine Tatsache, der
sich selbst hartgesottene Aktionäre nicht entziehen
können. Außenseiter der Kunstgeschichte profitieren
davon nicht substanziell in Kunst interessiert zu sein,
weil die zeitlichen Intervalle von einer Aktienbaisse zur
nächsten immer wieder kürzer werden- wäre auch zu
erwarten, dass die persönliche Entscheidung dieser
Käufer weniger zählt. Wie schade. Und wie
bezeichnend. Viele Sammler scheinen in Bilder wie in
Aktien zu investieren. Käufer haben eben nicht nur
wieder viel Geld, sie kultivieren auch einen sehr
selektiven Blick. Mehr noch: Dieser Boom ist noch
lange nicht an seine Grenzen gestoßen. Bilder,
Antiquitäten und andere Sammelobjekte nehmen im
Rahmen der Veranstaltungen einen immer höheren
Stellenwert ein. Dies bestätigen die hervorragenden
Ergebnisse der Auktionshäuser, wie die des
Auktionshauses „im Kinsky“: Im November wurde für
das Gemälde Maria Lassnig „Brettl vor dem Kopf“ der
erste Rekordpreis von 330.000 Euro geboten, der nur
wenige Stunden hielt. Am Abend wurde im Dorotheum
das Gemälde "Der Wald" für 400.000 Euro
zugeschlagen. Weil es bei allen Dingen des Lebens
immer auf den richtigen Mix ankommt, wollen wir Sie
nicht nur mit fundierten Hintergrundberichten, präzise
recherchierten Topstorys, wichtigen Nachrichten und
aktuellen Interviews begeistern. Zusätzlich wollen wir
dieses Magazin auch mit dem Sonderteil Geld &
Anlage-Investor, „be INVESTOR“ als moderne
Plattform zum Austausch wichtiger Investitionsinformationen
anbieten. Lesen Sie den aktuellen
KUNST.INVESTOR, wo Sie sich ein aktuelles Bild über
den Kunst- & Geldmarkt verschaffen können- eine
wirklich gute Investition.
Viel Spaß Wünscht Ihnen
Michael Ruben Minassian
IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian. Mail:
michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1312 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH,
1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/
91920- 9045, Fax: + 43 1/29 81 298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto : Maria Lassnig, © Sammlung Essl
Privatstiftung; Foto Mischa Nawrata

8 | KUNST.INVESTOR News
Emil Nolde, Maiwiese (Maienwiese)- 1915, LENTOS Kunstmuseum Linz
LENTOS restituiert drei Kunstwerke
Der Linzer Gemeinderat stimmte am 20. November 2014, dem Antrag des Verwaltungsausschusses
der Museen der Stadt Linz zu, drei Gemälde aus der Sammlung des LENTOS zu restituieren.
Bei den drei Kunstwerken handelt es sich um die
Gemälde Maiwiese (Maienwiese), 1915, von Emil Nolde
sowie Othello (Der Mohr), 1884, und Schwabing (Blick
aus dem Atelierfenster), 1891, von Lovis Corinth. Die
Maiwiese (Maienwiese) gehörte ursprünglich dem in
Hamburg lebenden Arzt Dr. Otto Siegfried Julius.
Aufgrund seiner jüdischen Herkunft wurde er von den
NS-Machthabern verfolgt und flüchtete im September
1938 in die Schweiz und 1939 weiter in die USA. Nach
seiner überstürzten Flucht versuchte Dr. Julius seine
Kunstsammlung unter falschem Namen an die Adresse
eines Bekannten in die Schweiz zu schicken. Auf dem
Transportweg verliert sich jedoch die Spur der
Kunstsammlung. Die Maiwiese (Maienwiese) gelangte
in späterer Folge in den Besitz des Salzburger
Galeristen Friedrich Welz, von dem es die Stadt Linz im
November 1953 erwarb. Die beiden Gemälde von Lovis
Corinth, Othello (Der Mohr) und Schwabing (Blick aus
dem Atelierfenster) befanden sich im Eigentum des
Berliner Handelsrichters, Kaufmanns und
Kunstsammlers Jean Baer bzw. nach dessen Tod im
Jahr 1930 seiner Witwe Ida Baer. Zwischen 1939 und
ihrer Deportation nach Theresienstadt im August 1942,
wo sie im selben Jahr starb, verlor Ida Baer die
Verfügungsgewalt über die Kunstsammlung. Der
weitere Verbleib der Kunstwerke bleibt unbekannt,
ebenso der Zeitpunkt, zu dem Wolfgang Gurlitt in den
Besitz der Werke gekommen war. Als Gurlitt der Stadt
Linz 1953 einen Teil seiner Sammlung, im Rahmen der
Gründung der Neuen Galerie der Stadt, verkaufte,
befanden sich die beiden Gemälde darunter. Aus den
vorliegenden Forschungsergebnissen ergab sich, dass
der Verlust der Verfügungsmacht über die Kunstwerke
in unmittelbarer Folge der Verfolgung von Otto
Siegfried Julius bzw. Ida Baer durch die NS-Herrschaft
eingetreten war. Der weitere Verbleib der Kunstwerke
bleibt unbekannt, ebenso der Zeitpunkt, zu dem
Wolfgang Gurlitt in den Besitz der Werke gekommen
war. Als Gurlitt der Stadt Linz 1953 einen Teil seiner
Sammlung, im Rahmen der Gründung der Neuen
Galerie der Stadt, verkaufte, befanden sich die beiden
Gemälde darunter.

9 | KUNST.INVESTOR News
Lovis Corinth,Schwabing (Blick aus dem Atelierfenster)- 1891, LENTOS Kunstmuseum Linz

10 | KUNST.INVESTOR News
Lovis Corinth, Othello (Der Mohr)- 1884, LENTOS Kunstmuseum Linz
Aus den vorliegenden Forschungsergebnissen ergab
sich, dass der Verlust der Verfügungsmacht über die
Kunstwerke in unmittelbarer Folge der Verfolgung von
Otto Siegfried Julius bzw. Ida Baer durch die NS-
Herrschaft eingetreten war. Ein Rückgabetatbestand im
Sinne des österreichischen Kunstrückgabegesetzes
liegt damit vor. Im Sinne einer größtmöglichen
Objektivierung des Sachverhalts ersuchte die Stadt
Linz den für Restitutionsfälle der österreichischen
Bundesmuseen zuständigen Kunstrückgabebeirat um
eine ergänzende Beurteilung. Dieser schloss sich den
dargestellten Schlussfolgerungen an und empfahl in
beiden Fällen die Restitution der Gemälde. Zu Beginn
nächsten Jahres werden alle drei Kunstwerke nun an
die ErbInnen nach Otto Siegfried Julius bzw. Ida Baer
in Nordamerika übergeben und in deren Privatbesitz
übergehen. (Foto: Lentos Linz)
Provenienzforschung im LENTOS und bisherige
Ergebnisse: Zur Provenienz der Sammlung der Neuen
Galerie bzw. des LENTOS, insbesondere jener Werke,
die von Wolfgang Gurlitt 1953 bzw. 1956 an die Stadt
verkauft wurden, wird seit Jahren geforscht. 1999
veröffentlichte die Stadt Linz einen ersten Bericht
(Walter Schuster: Die Sammlung Gurlitt der Neuen
Galerie der Stadt Linz. Linz 1999). Zur Intensivierung
der Recherchen wurde im Auftrag des Bürgermeisters
und des Magistratsdirektors im Jahr 2007 ein
Arbeitskreis für Provenienzforschung eingerichtet.
Geleitet von Stella Rollig, künstlerische Direktorin der
Museen der Stadt Linz, Gernot Barounig der
kaufmännische Direktor, die Leiterin der
Gemäldesammlung des LENTOS Elisabeth Nowak-
Thaller, der Direktor des Archivs der Stadt Linz Walter
Schuster sowie die renommierte deutsche
Provenienzforscherin Vanessa Voigt. Auf Grundlage
der Ergebnisse der Forschungsarbeiten sowie mehrerer
externer Gutachten wurden seither folgende
Kunstwerke restituiert: 1999: Lesser Ury, Die Näherin,
2003: Egon Schiele, Stadt am Fluss, 2009: Gustav
Klimt, Damenbildnis, 2011: Wilhelm Trübner, Bildnis
Carl Schuch, 2012: Anton Romako, sechs Gemälde.

12 | KUNST.INVESTOR Auktionshaus Kinsky
© im Kinsky, Jan Brueghel d. Ä., Blumenstrauß in Tonvase, 1607/1608, Öl auf Holz, 56 x 42 cm, € 350.000 – 700.000

13 | KUNST.INVESTOR Auktionshaus Kinsky
© im Kinsky, Maria Lassnig (1919 – 2014), Brettl vorm Kopf, 1967, Öl auf Leinwand, 100,5 × 115,5
Top Qualität sorgte für entfesselte Gebote
Die 103. Kunstauktion im Kinsky war ein Erfolg: ein Erfolg für die Kunst, deren Einzigartigkeit und Seltenheit in
hohem Maße gewürdigt wurde! Rekord- und Spitzenpreise führten zu einem Gesamtergebnis von € 10,5 Mio,
das bisher höchste in der Geschichte des Auktionshauses im Kinsky!
Das Top-Ergebnis und gleichzeitig den weltweit
höchsten je für ein Blumenbild Jan Brueghels d. Ä.
erzielte Preis lieferte ein zauberhaftes Blumenbouqet in
Tonvase dieses großen flämischen Meisters, das nach
mehrfachen Bietergeboten am Telefon für € 1,850.000/
€ 2,191.500 nun an einen europäischen Sammler geht!
Dieser neue Weltrekordpreis für eines der ersten
Blumenbilder der Kunstgeschichte bestätigt die
Wettbewerbsfähigkeit unseres Hauses im
internationalen Vergleich und bestärkt den
Kunstmarktplatz Österreich! Die Seltenheit am Markt,
der sehr gute Erhaltungszustand, die Reife der
Ausführung und die bedeutende Rolle in der
Geschichte der Kunst bilden die hervorragende
Kombination, die diesen Sensationspreis ermöglicht
hat! Den ersten neuen Rekordpreis für Maria Lassnig
wurde auf der Auktion der ZEITGENOSSEN erzielt, die
zu einem Fest der im Sommer verstorbenen Künstlerin
wurde: Schriftliche Gebote, Telefon- und Saalbieter
rangen um ihre beiden Zwiesprachen, am Ende erfolgte
für das „Brettl vor dem Kopf“ ein neuer Rekordpreis für
ein Bild dieser Jahre und dieser Größe: € 330.000 / €
450.700!! (Bemerkung am Rande: Der letzte Rekord lag
bei € 230.000/ € 287.000, ebenso im Kinsky erzielt!)
Ebenso ein Höchstpreis gemessen am Bildmaß erzielte
die „Gegenüberstellung“: nach dem Zuschlag von €
180.000 / € 247.500 kann sich der erfolgreiche
Sammler nun eingehender dem Body awareness -
Dialog widmen.

14 | KUNST.INVESTOR Auktionshaus Kinsky
© im Kinsky, Alphons Walde
Neue Wert-Standards wurden am 2. Auktionstag auch
für die ANTIQUITÄTEN gesetzt: Zweifellos stellte die
kleine, doch aus reinem Gold glänzende Kanne aus
dem Reich der Mitte eine wahre Rarität am Kunstmarkt
dar, der sensationelle Zuschlag bei € 300.000 / €
378.000, das Zehnfache des Ausgangspreises,
begeisterte aber zweifellos! Ein unglaublicher Rekord
verzeichnete aber auch die Bernsteinfarbene
Warzenflasche des 18. Jhd., mit € 33.000 / € 41.600 ein
absoluter Spitzenpreis! Die KLASSISCHE MODERNE
wiederum konnte nicht nur fast 90% des Angebotes zu
hervorragenden Preisen verkaufen, die Sparte machte
v.a. mit Top-Zuschlägen Furore: wenn bei Alfons Walde
tief verwurzelte, gesunde Männlichkeit an einem
blendend weißen Wintertag seine Stärke zeigt, dann
klettern die Preise eben in neue Höhen: Bis € 220.000/
€ 277.000 für den (kleinen) Sonntag und noch weiter
bis € 270.000 / € 340.000 für den Bauernsonntag!
JUGENDSTIL & MODERNES DESIGN erreichte einmal
mehr für einen Jüngling aus Marmor von George Minne
den beachtlichen Preis von € 75.000 / € 94.500, für
einen Palmblätter-Spiegel von Dagobert Peche €
55.000 / € 69.300 und für die zauberhafte Brosche von
Otto Prutscher € 35.000 / € 44.100. In der Sparte 19.
JAHRHUNDERT wetterten die Bieter um Rudolf von
Alts malerisch intensive Ansicht der Ruine Weitenegg
an der Donau (€ 32.000 / € 40.320) und um das
nächtliche Schauspiel des belgischen Malers Petrus
van Schendel bis € 38.000 / € 47.800. Das liebliche
Waldblumenbild von Marie Egner war nicht unter €
28.000 / € 31.600 und Olga Wiesinger-Florians
Zyklamen nicht unter € 38.000 / € 42.900 zu haben.
Nächste Auktion: 27.Jänner 2015 Kostbarkeiten, 24.
März 2015: Zeitgenössische Kunst. (Foto: im Kinsky)

16 | KUNST.INVESTOR Artcurial
„Die Kunst des Sammelns“
Liuba und Ernesto Wolf in Auktion bei Artcurial in Paris
Im Dezember 2014 kommen die Highlights der Liuba und Ernesto Wolf Sammlung, die bei der Eröffnung in
Wien ausgestellt waren, bei Artcurial in Paris unter den Hammer.
Paris– „Die Kunst des Sammelns ist auch eine Art der
Schaffung, das zeigt die Liuba und Ernesto Wolf
Sammlung. Quer durch die verschiedenen Epochen
vereint sie Kunstwerke mit großer Kenntnis und Gefühl
nebeneinander,“ erklärt Prof. Serge Lemoine, Direktor
a.D. Musée d’Orsay. Die breite Sammlung von 300
Meisterwerken umfasst viele Epochen der
Kunstgeschichte von moderner Kunst, über Bücher und
Manuskripte bis hin zu Stammeskunst, mittelalterlichen
Emaillierungen und kykladischen Skulpturen. Highlights
der Sammlung waren erst vor kurzem zur Eröffnung der
neuen Repräsentanz von Artcurial in Wien im
September ausgestellt. Caroline Messensee, Direktorin
von Artcurial in Wien: „Ganz im Geiste des
Kunstkabinetts vereint die Sammlung verschiedene
Meisterwerke und außergewöhnlicher Stücke laut
Ernesto Wolf. Die Sammlung ist eklektisch und sehr
persönlich, durch die Mischung von mittelalterlichen
Antiquitäten, antiker orientalischer Kunst bis hin zu
Büchern und Manuskripten des Mittelalters und des 20.
Jahrhunderts.“ Ernesto Wolf stammt aus einer deutschjüdischen
Familie von Stoffhändlern, 1938 floh er aus
Nazi-Deutschland zuerst nach Argentinien dann 1950
nach Brasilien. Dort traf er seine Frau Liuba, eine
Bildhauerin und Schülerin von Germaine Richier.
Zusammen machten sie sich fast 60 Jahre lang auf die
Suche nach Ästhetik in allen Bereichen der Kunst.
Besonders bekannt ist Ernesto Wolf (1918-2003) für
seine Sammlung von byzantinischem und
mittelalterlichen Glass, welche er dem Landesmuseum
Württemberg schenkte, aber auch als Sammler von
moderner wie primitiver Kunst und antiken Büchern hat
er sich einen Namen gemacht. „Die Liuba und Ernesto
Wolf Sammlung ist eine der bedeutendsten
Sammlungen des späten 20. Jahrhunderts. Obwohl sie
ihre Anfänge in Südamerika hat, ist ihre Breite für
Europa beeindruckend. Sie umfasst viele verschiedene
Bereiche der Kunst – von Glass aus Mesopotamien bis
hin zu illustrierten Büchern und Manuskripten des
Mittelalters über Kunst des 20. Jahrhunderts von
Chagall, Poliakoff, Toulouse-Lautrec bis hin zu Picasso,
“ unterstreicht Lemoine die Sammlung Wolf. (Foto:
ARTCURIAL)

20 | KUNST.INVESTOR ElectricChurch
Musikalisches Abendgebet
Electric Church machte Karlskirche zum Konzertsaal. Restlos ausverkaufte Electric Church und elektrischeklektische
Beats von Star-DJ Sergio Flores zogen Wiens Society in ihren Bann.
Die Publikumspremiere der Electric Church verwandelte
Wiens Karlskirche am Donnerstagabend in eine
Konzerthalle der Superlative: Star DJ Sergio Flores
lieferte mit Saxophonspielern, Chor, Piano und
Elektrobeats eine einzigartige musikalische
Inszenierung des Alten Testaments. „Die zeitgemäße
Inszenierung religiöser Inhalte vor Weihnachten ist ein
wunderbarer Auftakt in den Advent“, freute sich Electric
Church-Gründer Robert Otto über das restlos
ausverkaufte Konzert. In einem Zusammenspiel von
leuchtenden Visuals und der atemberaubenden Kulisse
historischer Fresken kam das musikalische Spektakel
zu seiner vollen Geltung und bot ein einmaliges
Show_Erlebnis. „Bei der Electric Church wird Glauben
zum Erlebnis. Ein volles Gotteshaus, in dem sich die
Kultur entfaltet, ist auch für mich bewegend“, sagte
Dompfarrer Faber. (Foto:(© leisure.at/Christian Jobst)

22 | KUNST.INVESTOR Lentos
8. MODEZONE im LENTOS
Rund 40 DesignerInnen aus dem In- und
Ausland präsentieren mit der 8. MODEZONE
vom 14. bis 16. November ihre aktuellen
Kollektionen und Accessoires. Das Konzept:
Shopping-vergnügen abseits des Mainstream
Kleidermarkts im Ambiente des LENTOS
Kunstmuseum Linz. Im Mittelpunkt stehen
innovative Mode, Kunst und Design. Damit
konnte die MODEZONE in den Jahren zuvor
bei den BesucherInnen punkten. Und darauf
setzt das Team rund um Ina Wiesner, Astrid
Windtner und Eva Bauer auch 2014. Sie holen
mit ihrer Auswahl an Labels sowohl Elegantes
und Schlichtes wie auch Ausgefallenes,
Recyceltes und Trendiges für Frauen, Männer
und Kinder nach Linz. Ein Wochenende lang
steht das LENTOS ganz im Zeichen aktueller
Fashiontrends und von individuellem
Modedesign. eueinsteigerInnen der
Modeszene haben im „newcomer corner“
Gelegenheit, ihre Mode zu präsentieren. Die
MODEZONE ist erstmals an zwei weiteren
Schauplätzen präsent. In der Galerie Brunnhofer von 8. bis 16. November im Rahmen einer Kooperation die
Ausstellung Kunst & Mode Vol. 1: IRENE ANDESSNER gezeigt und im Raumschiff, 'Raum zur Vermittlung von
zeitgenössischer Kunst und zur Förderung von interdisziplinärer Zusammenarbeit'. (Foto: Lentos, © Volker Weihbold,
Model: Coco Commenda, Fashion: biZZikletten)

24 | KUNST.INVESTOR Cover - Essl Museum
Hubert Schmalix, Glassel Park, Fotonachweis: Photoatelier Laut, Wien, © Sammlung Essl

25 | KUNST.INVESTOR Cover - Essl Museum
Ai Weiwei, Divina Proportione, 2010, courtesy of the artist and Lisson Gallery, © Sammlung Essl Privatstiftung
„Weltenbummler. abenteuer kunst“
„Weltenbummler. abenteuer kunst“ ist ein
partizipatorisches Ausstellungsprojekt der
Kunstvermittlung des Essl Museums gemeinsam mit
Schülerinnen und Schülern und Besuchergruppen. Zu
sehen sind internationale Werke aus der Sammlung
Essl, darunter noch nie präsentierte wie die Skulptur
„Divina Proportione“ von Ai Wèiwèi und Arbeiten von
Maria Lassnig, Jörg Immendorff, Anselm Reyle, David
Salle, Liu Wei, Fiona Rae, Henning Kles, Donald
Baechler und viele mehr. Der Begriff „Weltenbummler“
verbindet die Sehnsucht nach der Ferne, die Neugier
auf das Andere, das Entdecken um des Entdeckens
willen. Mit Fantasie und Kunst kann die ganze sichtbare
Welt bereist werden, sogar neue Welten können
entstehen. Die internationalen Kunstwerke der
Ausstellung bieten dafür inspirierende Anregungen.
Reisen und Kunst erweitern den Horizont, so sagt man.
Aber gilt das für alle Reisen und Ausstellungsbesuche?
Je mehr Zeit und Aufgeschlossenheit vorhanden sind,
desto mehr Platz gibt es für Begegnungen mit dem
Fremden, für Überraschungen, Staunen und auch
Schrecken – für das Abenteuer Kunst. Abenteuer
können im Kopf entstehen und die Kunst vermag es,
die Fantasie des Betrachters zu beflügeln, es können
sogar Welten entstehen, die man nie bereisen könnte.
„Wir haben Besucherinnen und Besucher eingeladen,
sich mit zeitgenössischer Kunst zu Abenteuern im Kopf
anregen zu lassen“, so Andreas Hoffer, Chefkurator
und Leiter der Kunstvermittlung im Essl Museum. Vier
Gruppen von Schülerinnen und Schülern
unterschiedlichen Alters (VS, NMS und AHS) waren die
Gastkuratorinnen und Gastkuratoren dieser
Ausstellung. Alle Kinder und Jugendlichen haben zu
Beginn malerisch und in Gesprächen erforscht, was für
sie ein Weltenbummler ist und wohin sie die Reise
führen würde. Diese Themen bestimmten die
Vorauswahl der Kunstwerke für die Ausstellung.
Kunstvermittler, Kuratoren und die Archivabteilung des
Museums haben aus 7.000 Werken der Sammlung Essl
eine großzügige Anzahl für die Gastkuratorinnen und -
kuratoren zurVerfügung gestellt, aus denen die
Gruppen ihre Werke gefunden haben, die sie
inspirieren und die sie in ihrer Ausstellung zeigen
wollen.

26 | KUNST.INVESTOR Cover - Essl Museum
Anna Meyer, Richtung, 2003, Mischa Nawrata, Wien, © Sammlung Essl Privatstiftung

27 | KUNST.INVESTOR Cover - Essl Museum
Katrin Plavčak, Antilopen, 2000, Mischa Nawrata, Wien, © Sammlung Essl Privatstiftung
Alle Schülerinnen und Schüler haben die Werke im
Depot des Museums auch im Original kennengelernt,
um sich eine Vorstellung von der wirklichen Präsenz
und Größe der Arbeiten zu machen. Jeder der vier
Gruppen wurde im Großen Saal des Essl Museums
gleich viel Raum zur Verfügung gestellt. Alle Gruppen
erstellen einen Hängeplan und werden beim Installieren
der Ausstellung anwesend sein. Die Anzahl der Werke
und ihre Präsentation sind ganz individuell. Einzige
Vorgabe: es handelt sich um eine Museumsausstellung,
die Besucherinnen und Besucher
inspirieren möge, ihre eigenen Gedankenreisen zu
machen. Die Ausstellung „Weltenbummler. abenteuer
kunst“ zeigt zahlreiche internationale Werke aus der
Sammlung Essl. „Diese Kunstwerke wurden von
unseren Gastkuratorinnen und -kuratoren ausgewählt,
weil sie für Abenteuer im Kopf stehen. Die Auswahl ist
ein buntes Kaleidoskop an künstlerischen Positionen
und Aussagen, an Techniken und Stilen – eher ein
Assoziativ denn eine stringente Themen-schau. Die
Werke sprechen für sich und werden nicht zu
Platzhaltern für Inhalte gemacht. Es wird nicht
aufgelöst, welche assoziative Verbindung einen Schüler
/ eine Schülerin zu seiner Werkauswahl geführt hat.
Das bleibt bewusst nicht genannt, da es allen im Team
wichtig war, dass die Besucherinnen und Besucher
nicht in eine bestimmte Richtung in der Interpretation
der Werke gedrängt werden“, so Hoffer. Weiterführende
Informationen zu den Künstlern finden sich deshalb
nicht in der Ausstellung, sondern in der Bibliothek des
Museums. Jede der vier Gastkuratoren-Gruppen stellt
sich in der Ausstellung vor und gibt Einblicke in ihre
Arbeit. Die Ausstellung läuft bis 1. März 2015. (Foto: ©
Sammlung Essl)
Künstlerinnen und Künstler der Ausstellung: Ai Wèiwèi (CN), Donald Baechler (US), Josef Bramer (A), James Connelly (GB),
Georg Eisler (A), Willie Gudapi (AU), Jörg Immendorff (D), Siri Devi Khandavilli (IN), Henning Kles (D), Peter Land (DK), Maria
Lassnig (A), Liu Wei (CN), Anna Meyer (CH), Alois Mosbacher (A), Nie Mu(CN), Chris Ofili (GB), Katrin Plavčak (D), Peter
Pongratz (A), Fiona Rae (GB), Bianca Maria Regl(A), Anselm Reyle (D), David Salle (US), Hubert Schmalix (A), Christian Schmidt
Rasmussen(DK), Zlatan Vehabović (HR), Mark Verlan (MD), Franz Zadrazil (A)-Alle Werke aus der Sammlung Essl

28 | KUNST.INVESTOR Cover - Essl Museum
Donald Baechler, Rose (with coins), 2001, Fotonachweis: Graphisches Atelier Neumann, Wien © Bildrecht 2014

29 | KUNST.INVESTOR Cover - Essl Museum
Anselm Reyle, Little Cody, 2011, courtesy Galerie CFA, Berlin © Sammlung Essl Privatstiftung

30 | KUNST.INVESTOR Galerie Ernst Hilger

31| KUNST.INVESTOR Galerie Ernst Hilger
Joan Miró
Grafik, Skulptur, Arbeiten auf Papier
Mit der Ausstellung Juan Miro –Grafik, Skulptur und
Arbeiten auf Papier präsentiert die Galerie Ernst Hilger
bis 13. Dezember 2014 Werke von einem der
bedeutendsten Künstler des 20. Jahrhunderts. Auch
wenn er sich nicht einer künstlerischen Strömung
zuordnen lässt – seine Werke bewegen sich zwischen
Dadaismus, Surrealismus bis hin zur Abstraktion - gilt
er als wichtiger Vertreter der Moderne. Als Maler,
Bildhauer, Grafiker und Keramiker entwickelte er seine
ganz einzigartige Bildsprache: Frau, Mond, Sterne,
Vogel und Auge sind immer wiederkehrende Motive.
Seine Werke sind in allen wichtigen Museen und
Sammlungen vertreten. Darüber hinaus gibt es die
Fundació Joan Miró in Barcelona, welche sich der
Präsentation von der Vielschichtigkeit seines Oeuvres
gewidmet hat. Joan Miró wird am 20.4.1893 in
Barcelona geboren. Er erhält als Kind bereits
Zeichenunterricht, ab 1907 besucht er die
Handelsschule sowie die Kunstakademie La Lonja in
Barcelona. 1912 setzt er sein Kunststudium an der
avantgardistischen Escola d’Art de Francisco Galí fort.
Ab 1915 hat er ein eigenes Atelier, besucht den
privaten "Cercle artistic de Sant Lluc". 1918 findet in der
Galerie Dalmau die erste Einzelausstellung statt. 1919
ist Miró erstmals in Paris, ab 1921 hat er dort neben
Barcelona auch ein eigenes Atelier. 1921-22 entsteht
mit dem Gemälde "Bauernhof" ein programmatisches
Werk, das den Übergang in Mirós Kunst von der
realistischen Sehweise hin zu bildnerischen
Traumvisionen nachvollziehbar werden lässt. 1923
kommt Joan Miró in Kontakt zu André Breton, Jean Arp,
Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, Man Ray,
André Masson, Pablo Picasso u.a. - den späteren
Surrealisten. Mit ihnen stellt er 1925 gemeinsam in der
Galerie Pierre aus.

32 | KUNST.INVESTOR Galerie Ernst Hilger
Seine Gemälde werden nun immer abstrahierter und
zeichenhafter. 1928 unternimmt Joan Miró eine Reise
nach Holland, die ihn zu den "Holländischen Interieurs"
inspiriert. 1929 heiratet er in Palma de Mallorca die
Mallorquinerin Pilar Juncosa. 1929-30 durchlebt Joan
Miró eine künstlerische Krise. Nach eigener Aussage
will er die "Malerei ermorden". Seine Bilder werden
weniger kleinteilig, enthalten oft nur noch wenige
assoziative Zeichen. Sie bestehen immer mehr aus
großen, sich überlagernden Farbflächen, die Mirós
Stärke als Kolorist zu Tage treten lassen. Der Bildraum
wird immer flächiger. Um 1930 entstehen erste "Papiers
Collés", Collagen und Reliefs. Neben dem malerischen
entsteht auch ein umfangreiches grafisches Werk mit
vor allen Lithografien, Radierungen und Holzschnitten.
Zudem entstehen surreale Objekte und Keramiken.
1954 erhält Joan Miró auf der Biennale in Venedig den
Großen Internationalen Grafik-Preis. Grafik und
Keramik bestimmen für die nächsten vier Jahre sein
Werk. 1956 erbaut der Architekt Sert das Atelierhaus
"Son Abriñes" auf Mallorca und Joan Miró lebt von nun
an in Palma de Mallorca. Joan Miró erhält zahlreiche
Aufträge für Wandkeramiken für öffentliche Gebäude,
er führt diese mit dem Künstler Artigas aus, mit dem er
seit 1912 befreundet ist. 1964 wird in Saint-Paul-de-
Vence die Fondation Maeght eingeweiht, für deren
Garten "Le Labyrinthe" Miró Skulpturen und Keramiken
entwirft.Joan Mirós Werke werden in zahlreichen
Ausstellungen weltweit präsentiert. Bereits 1941 findet
im Museum of Modern Art in New York die erste
Retrospektive statt. Der Künstler erhält vielfache
Ehrungen und Auszeichnungen. 1968 erteilt die Stadt
Barcelona dem Architekten Sert den Auftrag für den
Bau des Miró-Museums, für das sie vierzig Werke vom
Künstler als Geschenk erhält. 1975 wird in Barcelona
die Miró-Stiftung gegründet. Joan Miró stirbt am
25.12.1983 in Palma de Mallorca. (Fotos: Galerie Ernst
Hilger © Fundation Miró Barcelona)

33 | KUNST.INVESTOR Galerie Ernst Hilger

36 | KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht
© Alfons Walde, Lacerta, Januar 1935/ Bildrecht, 2014, Wien

37 | KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht
© Alfons Walde, Gretei um 1940 / Bildrecht, 2014, Wien
SCHAULUST
DIE EROTISCHE FOTOGRAFIE VON ALFONS WALDE
Das Fotomuseum WestLicht zeigt die bislang
unbekannten erotischen Fotografien des Malers Alfons
Walde, etwa 120 Arbeiten aus dem Nachlass des
Künstlers, die über Jahrzehnte unbeachtet in einer
Kiste schlummerten. Der Fokus seiner Fotografie lag
auf dem weiblichen Akt, die Inszenierung der Bilder
reichte bis in die Pornografie. Die Verwendung des
gerade erfundenen Farbfilms von Agfa ermöglichte
Walde die realistische Wiedergabe im Foto, als
Anregung für das gemalte Bild. Für die lange Zeit
schwarz-weiß geprägte Fotogeschichte ist die
Entdeckung nicht nur kulturhistorisch eine Sensation.
In der Ausstellung lernt man den Landschaftsmaler
Walde (Oberndorf 1891 - 1958 Kitzbühel) als
leidenschaftlichen Fotografen kennen, seine
fotografischen Studien von den Zwanzigern bis in die
vierziger Jahre konzentrieren sich auf den weiblichen
Körper. Klassische Posen aus der kunsthistorischen
Tradition – etwa Anklänge an Ingres in Waldes
fotografischen Rückenakten – wechseln dabei mit
erotisch aufgeladenen, eher spielerischen Szenen.
Walde frönt in der Fotografie dem lustvollen Schauen,
er zeigt sich als Augenmensch, der die Leica zum
Festhalten des ansonsten flüchtigen Moments nutzt, bei
dem es aber immer auch um die Erotik der
Fotografierens selbst geht, um den Wechsel der Blicke,
um das Spiel von Ansehen und Posieren. Aus der Fülle
des Archivs – etwa 250 Schwarz-Weiß-Filmrollen, rund
2.000 Farbdiapositive, Kontaktbögen und
Silbergelatineabzüge – haben die KuratorInnen
Rebekka Reuter und Peter Weiermair die Auswahl
getroffen. Vintage Prints und neue Abzüge dieser
einzigartigen Farbdias begegnen in der Ausstellung
Arbeiten aus seinem zeichnerischen und malerischen
Werk. In der Gegenüberstellung wird die Bedeutung der
Fotografie für Waldes Gesamtwerk deutlich. Sichtbar
wird das intime Verhältnis zwischen dem Maler und
seinen Musen und so erscheinen die Fotografien
mitunter als Vorspiel im doppelten Sinne. (Foto:
WestLicht, © Alfons Walde- Bildrecht, 2014, Wien)

38 | KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht
Biografie: Alfons Walde wurde am 8. Februar 1891 in
Oberndorf bei Kitzbühel geboren. Bereits im folgenden
Jahr übersiedelten die Eltern nach Kitzbühel, wo der
Vater, selbst passionierter Zeichner und Waldes erster
künstlerischer Einfluss, eine Stellung als Schulleiter
angenommen hatte. Zwischen 1903 und 1910 besuchte
Walde die k.k. Realschule in Innsbruck, Studien und
lavierte Zeichnungen aus der Zeit zeigen sein
künstlerisches Talent. Nach dem Abschluss zog es ihn
1910 nach Wien, wo er ein Studium an der
Technischen Hochschule begann. In dem Architekten
Robert Oerley fand Walde einen Förderer, der ihn in die
Wiener Kunstszene einführte und die Verbindung zu
deren Protagonisten, wie Egon Schiele oder Gustav
Klimt, herstellte. Es folgten Waldes erste Ausstellungen
in Innsbruck (1911) und in der Wiener Secession
(1913). 1914 meldete er sich freiwillig zum k.k.
Landesschützenregiment II. Aus der Kriegszeit sind
vereinzelte Fotografien überliefert, die er bei seinen
Einsätzen an der Südfront und in Bosnien aufnahm.
Waldes erste Berührung mit dem Medium Fotografie
datiert allerdings noch aus der Zeit vor dem Ersten
Weltkrieg, möglicherweise angeregt durch seinen Onkel
und Verleger Sepp Ritzer. Nach seiner Rückkehr aus
dem Krieg nahm Walde mit dem Wintersemester
1917/18 seine Studien an der Technischen Hochschule
wieder auf. In der Innsbrucker Kunsthandlung
Unterberger brachte er 1921 erstmals auch seine
Aktdarstellungen an die Öffentlichkeit, die auf
gemischte Reaktionen stießen. Der in der
Zwischenkriegszeit boomende Skitourismus und die
mondänen Wintergäste in Kitzbühel bescherten Walde
nicht nur eine potente Käuferschicht, sondern schlugen
sich auch in seiner Motivwahl nieder. 1924 gewann
Walde die beiden ersten Preise in einem Wettbewerb
des Tiroler Landesverkehrsamtes, Rubrik
„Winterbilder“. Im Jahr darauf gründete er einen
eigenen Kunstverlag, der seine bekanntesten Motive
als Postkarten, später auch als Kunstdrucke anbot und
Walde auch international eine enorme Popularität
verschaffte. Auf Einladung des mit ihm befreundeten
Wiener Bildhauers Gustinus Ambrosi beteiligte sich
Walde 1925 an der Biennale Romana und war dort mit
drei Gemälden in der Überblicksschau österreichischer
Kunst vertreten. 1925 heiratete er zum ersten Mal, die
Ehe mit der Kitzbühlerin Hilda Lackner zerbrach vier
Jahre später, 1930 vermählte er sich mit seiner zweiten
Frau Lily Walter. Im Laufe der zwanziger Jahre hatte
Walde begonnen, intensiver zu fotografieren. 1929
errichtete er sich nach eigenen Plänen das Berghaus
auf dem Hahnenkamm, in dem das Gros der
Aufnahmen in diesem Buch entstand, insbesondere die
Farbfotografien, die er ab Mitte der dreißiger Jahre mit
dem neuen Agfacolor-Film und seiner Leica
fotografierte. 1932 erschien Waldes erstes offizielles
Tirol-Plakat, für das er sein Gemälde Der Aufstieg
(1930) verwendete. Die nachfolgenden Jahre waren
durch eine intensivierte überregionale Ausstellungstätigkeit
geprägt, gleichzeitig tauchte eine Reihe
von Fälschungen seiner Gemälde auf. Nach der
Trennung von Lily Walter heiratete Walde 1940 in
dritter Ehe Ida Troppschuh. Im selben Jahr wurde er als
Pionier nach Salzburg einberufen, aber bereits kurze
Zeit später krankheitsbedingt entlassen. Trotz kritischer
Distanz zum NS-Regime wurde Walde aufgrund einer
in den Ersten Weltkrieg zurückreichenden Freundschaft
mit Kajetan Mühlmann, SS-Oberführer und NS-
Kunstbeauftragter, 1946 für zwei Monate in Innsbruck
inhaftiert. Die Kriegs- und ersten Nachkriegsjahre
bedeuteten für Walde einen Rückzug ins Private und
eine Besinnung auf vor allem architektonische Projekte.
1956 wurde ihm die Professorenwürde verliehen, eine
späte offizielle Anerkennung seines künstlerischen
Werks. Alfons Walde starb am 11. Dezember 1958 im
Haus seiner Schwester Berta in Kitzbühel.

40 | KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht
© Alfons Walde, Anonymes Paar um 1932/ Bildrecht, 2014, Wien
© Alfons Walde, Liebespaar, um 1932/33 Pastell auf Papier/ Bildrecht, 2014, Wien

41 | KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht
© Alfons Walde, Gretei um 1940/ Bildrecht, 2014, Wien

42 | KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht
© Alfons Walde, Tanzende im Schnee um 1925, Tempera auf Papier

43 | KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht
© Alfons Walde, Anonym um 1940. Bildrecht, 2014, Wien

44 | KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht
© Alfons Walde, Selbstporträtum 1940/ Bildrecht, 2014, Wien

45 | KUNST.INVESTOR Fotomuseum WestLicht
© Alfons Walde, Xenia April 1932/ Bildrecht, 2014, Wien

46 | KUNST.INVESTOR MAK
Foto: MAK, Ramon Puig Cuyas, Brosche, 1990er Jahre, © MAK/Nathan Murrell

47 | KUNST.INVESTOR MAK
SCHMUCK 1970–2015 - SAMMLUNG BOLLMANN
FRITZ MAIERHOFER – Retrospektive
Einen Überblick über den formalästhetischen und materialspezifischen Reichtum des internationalen zeitgenössischen
Schmucks präsentiert die Ausstellung SCHMUCK 1970–2015: SAMMLUNG BOLLMANN. FRITZ MAIERHOFER –
Retrospektive, die ab 14. Januar 2015 im MAK zu sehen ist.
Die Schau gewährt erstmals einen tiefen Einblick in die
exquisite, mehr als 1.000 Objekte zählende
Schmucksammlung des österreichischen Ehepaars
Bollmann. Stilbildende Unikate und experimentelle
Formen prägen die Ausstellung, die neben den
Exponaten aus der Sammlung Bollmann auch das
Œuvre des international anerkannten österreichischen
Schmuckkünstlers Fritz Maierhofer zeigt. Insgesamt
454 Exponate aus der Sammlung Bollmann werden im
MAK der Öffentlichkeit präsentiert. Heidi und Karl
Bollmann wählten Arbeiten von 206 KünstlerInnen, die
einen Bogen über unterschiedlichste kulturelle
Regionen spannen. Schmuckstücke aus den USA,
Mexiko, Israel, Japan, Australien, Neuseeland,
Südafrika, Korea, Vietnam und China sind ebenso zu
sehen wie Exponate aus Österreich und nahezu allen
europäischen Ländern. „Schmuck wird auch heute noch
überwiegend als ein nach der Konvention zu lesendes
Zeichen der gesellschaftlichen Position gesehen. Etwa
Mitte der 1960er Jahre kam es jedoch in Europa, auch
nahezu gleichzeitig in Japan und in den USA, zu einem
radikalen Neubeginn. Die Freiheit der Kunst sollte auch
für den Schmuck gelten. Wir sehen den Sinn der
Ausstellung darin, jede Besucherin und jeden Besucher
mit der Vielfalt der Objekte zu einer freien und
lustvollen Bestimmung der eigenen Position
einzuladen. Deswegen soll auch die grundlegende
Einheit der Schmuckstücke gezeigt werden“, so Karl
Bollmann. Zu den herausragenden gezeigten
KünstlerInnenpositionen zählen etwa Manfred Bischoff
(geb. 1947 in Deutschland, lebt und arbeitet in Italien
und Deutschland), Yasuki Hiramatsu (1926–2012,
Japan), Bruno Martinazzi (geb. 1923, Italien), Philip
Sajet (geb. 1953, Niederlande, lebt und arbeitet in
Deutschland), Annamaria Zanella (geb. 1966, Italien)
sowie die Österreicher Helfried Kodré (geb. 1940,
Österreich), Manfred Nisslmüller (geb. 1940,
Österreich) und Peter Skubic (geb. 1935 in Serbien,
lebt und arbeitet in Österreich). Seit mehr als 40
Jahren verfolgt das Ehepaar Bollmann die Entwicklung
der zeitgenössischen Schmuckkunst. „Von Anbeginn an
waren meine Frau und ich von der ungemeinen Vielfalt
und dem Abwechslungsreichtum des neuen Schmucks
fasziniert. Peter Skubic war da ein selbstloser Mentor.
Auch die immer mit Zweifeln verbundene Frage, was
Schmuck eigentlich ist, und das Suchen nach der
allgemein gültigen Qualität haben zu einem
enzyklopädischen und geografisch weltweiten Ansatz
geführt“, kommentiert Karl Bollmann sein
Sammlerinteresse. Im Rahmen des Projekts Schmuck
zur Jahrtausendwende – die Möglichkeit, die
Wirklichkeit, der Mensch lud Karl Bollmann prominente
internationale SchmuckkünstlerInnen ein, ein
Schmuckstück für seine Ehefrau Heidi Bollmann zu
fertigen. Alle 61 Arbeiten, darunter 16 österreichische,
werden in einem eigenen Bereich der in drei
Zeitabschnitte gegliederten Ausstellung (1970 bis 1999,
2000 und 2001 bis 2015) erstmals gemeinsam
ausgestellt. (Foto: © MAK)

48 | KUNST.INVESTOR MAK
Foto: MAK, © Fritz Maierhofer, Brosche, 1987
FRITZ MAIERHOFER. Retrospektive: Die
Präsentation des Œuvre von Fritz Maierhofer, einem
der führenden österreichischen Schmuck- und
Objektkünstler, bildet den zweiten Bereich der MAK-
Ausstellung SCHMUCK 1970–2015. Seine Werkschau
umfasst Schmuck und Skulpturen von den 1960er
Jahren bis heute. Ausgestellt werden insgesamt an die
200 Objekte, die durch ungewöhnliche
Materialkombinationen und eine avantgardistische
Auffassung von Schmuck gekennzeichnet sind.
Maierhofer, der seine Ausbildung bei Juwelier Heldwein
in Wien erhielt, erzeugt aus Acrylglas, Stahl, Zinn,
Aluminium und dem synthetischen Material Corian
einzigartige Objekte. Der Künstler, der schon früh eine
Neigung zur Bildhauerei erkennen ließ, war in den
1960er und 1970er Jahren von der revolutionären
Popkultur Englands geprägt. „Die folgenden Jahrzehnte
sahen vielfältige Veränderungen im Schaffen
Maierhofers, vor allem durch sein Experimentieren mit
den unterschiedlichsten Materialien. Trotz der formalen
Vielfalt bleiben die strukturellen Anhaltspunkte
konstant: Es sind die Struktur, die Regeln des extremen
Minimalismus und die aufwendigen abstrakten
geometrischen Kombinationen aus Balken, Achsen und
Traversen, alles Formen, die scheinbar aus
architektonischen Installationen extrapoliert
sind“, analysiert Graziella Folchini Grassetto einen Teil
seiner künstlerischen Entwicklung im Katalog zur
Ausstellung. Maierhofers erste Arbeiten aus den 1960er
und 1970er Jahren bestechen durch die ungewöhnliche
Verbindung der Materialien Acryl und Metall. Broschen
und Ringe seiner Anfangsphase ruhen auf
quadratischen Sockeln und Rahmen, die von
Stahldrähten gehalten werden. Diese
dreidimensionalen Werke finden ihre Fortsetzung in
den Arbeiten der nächsten Jahrzehnte, in denen der
Künstler Skulpturen für Plätze, Gärten und Parks
realisierte. In seinen jüngst entstandenen skulpturalen
Arbeiten erstellt er zunächst rechteckige Modelle aus
gefaltetem Papier, die er dann in farbige Metallflächen
übersetzt und damit dreidimensionale Effekte erzielt.
Zur Ausstellung erscheint in der Arnoldschen
Verlagsanstalt ein reich illustrierter Katalog in deutscher
und englischer Sprache mit einem Vorwort von
Christoph Thun-Hohenstein sowie Beiträgen von Karl
Bollmann und Graziella Folchini Grassetto.
(Foto: © MAK)

50 | KUNST.INVESTOR Belvedere
Foto: „Johns at work on Regrets“ ©John Lund

51 | KUNST.INVESTOR Belvedere
JASPER JOHNS: REGRETS
Mit Jasper Johns: Regrets präsentiert das Obere
Belvedere vom 13. Jänner bis 26. April 2015 nicht nur
einen der bedeutendsten und vielseitigsten USamerikanischen
Künstler, sondern zeigt erstmals eine
Zusammenschau seiner neuesten Arbeiten, die in den
vergangenen eineinhalb Jahren entstanden sind. Die
Besucher haben damit die außergewöhnliche
Gelegenheit, eine der wichtigsten Serien im
zeitgenössischen Werk von Jasper Johns zu sehen.
Präsentiert werden rund 30 Werke, darunter zwei
Gemälde, Zeichnungen und Drucke. Beide zur Serie
gehörigen Gemälde tragen den Titel Regrets. Die Idee
dazu kam von einem Stempel, den der Künstler vor
rund fünf Jahren produzierte, um mittels Aufdruck rasch
den Strom der Anfragen und Einladungen, die ihn
erreichten, abzulehnen. Als Siebdruck vergrößert ist der
Schriftzug nun in der rechten oberen Bildecke zu
sehen, wo er gleichsam als Signatur des Künstlers wie
als Werktitel dient. Im Juni 2012 entdeckt Jasper Johns
ein altes Foto des Künstlers Lucian Freud in einem
Auktionskatalog, das als Teil einer Serie von dem
britischen Fotografen John Deakin 1964 aufgenommen
wurde. Der junge Maler Freud sitzt darauf auf einem
Bett und hält die rechte Hand in einer Geste der
Müdigkeit und Verzweiflung vor seine Stirn. Jasper
Johns ließ sich nicht nur von der Szenerie inspirieren,
sondern auch von den Schäden, die die Fotografie
selbst im Laufe der Jahre erlitten hatte. In den
folgenden Monaten wurde das Foto zum
Ausgangspunkt seiner Regrets-Serie. Darin führte er
das Bild durch eine Folge von Kombinationen mit einer
Vielzahl von Medien und Techniken. Jasper Johns
bearbeite das Foto von Lucian Freud in einer Abfolge
von Cross-Media-Permutationen, inklusive
kleinformatiger Bleistiftskizzen, eines Sets von vier
Tinte-auf-Plastik-Zeichnungen und zweier Drucke.
Jedes Werk wird in Gegenüberstellung mit einer
Auswahl von Entwürfen bzw. Erstversionen präsentiert.
Johns bezog allerdings nicht nur das Foto von Lucian
Freud (das oft als gespiegeltes Bild vorkommt) in seine
Arbeit ein, sondern auch die materiellen Eigenschaften
des originalen Schwarz-Weiß-Drucks, den Freud im
Zuge seiner Studioarbeit stark beschädigt hatte. Der
Verlust des Originalfotos spielt innerhalb der Serie
ebenfalls eine zentrale Rolle, wenn dadurch eine
dominante dunkle Form in der Mitte des Bildes kreiert
wird. Diese Ausstellung basiert auf dem
Originalkonzept des Museum of Modern Art, New York.
(Foto: Belvedere, © Jasper Johns/ © Bildrecht, Vienna,
2014, Photo: © Jerry Thompson)

52 | KUNST.INVESTOR Belvedere

53 | KUNST.INVESTOR Belvedere

54 | KUNST.INVESTOR GALERIE STEINEK

55 | KUNST.INVESTOR GALERIE STEINEK
GUDRUN - VALUE LOVE WORD CELL
Gudrun gehört zu den bekanntesten Künstlerinnen Österreichs im Bereich der textilen Skulptur. Im Mittelpunkt ihrer
Arbeiten steht der menschliche Körper und seine Schutzhülle, die Haut und ihre Kleidung.Spiegelneuronen sind
Nervenzellen im Gehirn, die allein beim Beobachten einer Tätigkeit so reagieren, als ob man selbst aktiv wäre und die
Handlung ausführte. Kinder lernen über Spiegelneuronen, bei Erwachsenen sind sie für unsere Fähigkeit, Empathie zu
empfinden, mitverantwortlich. Das Interesse an Biologie zeigte sich bei Gudrun Kampl, die sich neuerdings nur noch
Gudrun nennt, bereits Ende der 1980er-Jahre an ihren frühen Organarbeiten während ihres Studiums. Nun ist sie bei
der Zelle, der kleinsten Einheit aller Organismen, angelangt. Unter starker Vergrößerung betrachtet, sind
Mikroorganismen, Bakterien und Viren wunderschöne Gebilde, haben regelmäßige, dekorative Formationen, wirken wie
kostbarer ornamentaler Schmuck. Aus wissenschaftlichen Büchern holt sich die Künstlerin ihre Inspiration. Silberner
Stoff ist das neue Material, in das sich Gudrun mit allen Sinnen verliebt hat: glatt, glänzend, metallisch-kühl, wenn durch
den Sehsinn erfahren, anschmiegsam-weich, wenn vom Tastsinn erlebt. Mit Schere und Nadel rückt sie ihm zu Leibe.
Zweidimensionale Zellgerüste aus Architekturkarton werden mit Silberstoff überzogen und über (gemaltes und
fotografiertes) blutrotes Fleisch gelegt. Die so entstehenden Rundbilder erinnern an Mandalas oder Kirchenfenster,
haben neben dem ästhetischen Reiz eine mystische Dimension. Zu sehen sind diese neuen Arbeiten in der aktuellen
Ausstellung in der Galerie Steinek. Ausgehend vom neurobiologischen Spiegelungs- und Resonanzphänomen
arrangiert Gudrun textile Objekte, Materialbilder, mit Füllwatte ausgestopfte Buchstaben und spiegelnde Rahmen zu
einer opulenten Gesamtinstallation und stellt metaphorisch Fragen zur Autoreflexion des Egos, unserer Gesellschaft
und der Kunst. Dauer der Ausstellung bis 14. Jänner 2015 (Foto:GUDRUN, VALUE, 2014 © GALERIE STEINEK)

56 | KUNST.INVESTOR GALERIE STEINEK

57 | KUNST.INVESTOR GALERIE STEINEK

60 | KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien

61 | KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien
KIDNAPPERS FOIL
Die Ausstellung Kidnappers Foil des kanadischen
Künstlers Gareth Long in der Kunsthalle Wien zeigt
erstmalig eine Zusammenstellung der historischen
Filme von Melton Barker und ermöglicht darüber einen
faszinierenden Einblick in die ästhetische, soziale und
technologische Textur des Amerikas der Mitte des
letzten Jahrhunderts. Fast vierzig Jahre lang
entwickelte Barker mit den Bewohner/innen zahlreicher
Kleinstädte den gleichen melodramatischen Film: The
Kidnappers Foil. Der Plot dreht sich um ein kleines
Mädchen, das bei seiner Geburtstagsfeier entführt wird,
jedoch von einer großen Kinder-Suchmannschaft
gerettet werden kann. Nach der Befreiung findet eine
Party statt, bei der alle Kinder ihre musikalischen
Talente vorführen. Barkers einzigartiges Projekt
resultierte in unzähligen Wiederholungen desselben
Films. Eben dieser Aspekt interessiert Gareth Long,
dessen künstlerische Praxis an Formen und Konzepten
von Serialität sowie Formen von Mediengeschichte
interessiert ist. Für die Kunsthalle Wien projiziert der
Künstler 15 Versionen von The Kidnappers Foil auf
separate Leinwände, wodurch mehrere Versionen
zeitgleich betrachtet werden können. Bilder und Ton
fließen ineinander und lassen eine mehrteilige
Installation entstehen, welche die Spannung zwischen
Differenz und Wiederholung, Originalität und Serialität
betont. (Foto: © Gareth Long - Kusthalle Wien)

62 | KUNST.INVESTOR Kunstverein Baden

63 | KUNST.INVESTOR Kunstverein Baden
Kunstverein Baden präsentiert
“IN THE ASYLUM GARDEN”
Prapat Jiwarangsan (Thailand)
Das Wort „Asylum“ (deutsch: Asyl), in diesem Projekt, hat zwei Definitionen. Die erste beschreibt einen Rückzugsort,
einen sicheren Platz, an den man sich zurück ziehen kann, wo man beschützt ist. Asyl in diesem Sinne bedeutet ein
Hafen, wo Schutz gewährt wird durch eine andere Partei, ein anderes Land. Die zweite Bedeutung, die auch im
Englischen, selten verwendet wird, ist eine Institution für Patienten, die an einer geistigen Erkrankung leiden. In Prapat
Jiwarangsans Arbeit überlappen und widersprechen sich die beiden Definitionen. Auf der einen Seite bedeutet dieses
Projekt eine Form der Selbsttherapie für den Künstler. In diesem Sinne, ist ein Asyl ein Rückzugsort von der Welt zu
einem Ort, wo der Künstler sich sicher fühlt und all seine Sorgen vergisst. Auf der anderen Seite, sich an so einem Ort
zu befinden, könnte auch eine Form von Falle sein; der Künstler hält sich zu lange am selben Ort auf, und es wird zu
schwierig ihn zu verlassen. Für den Künstler gibt es zwei Arten geheilt zu werden. Die eine wäre, die Gedanken des
Künstlers in die Welt hinauszuschicken und sich den Fragen zu stellen um die Krankheit zu heilen. Die andere wäre am
selben Platz zu bleiben und weiter zu denken bis das Endresultat gefunden ist- Prapat Jiwarangsan. Ausstellungsdauer:
bis 18. Jänner 2015 (Foto: © Kunstverein Baden)

64 | GENUSS.KUNST Aux Gazelles

69 | KUNST.INVESTOR Kai Middendorff Galerie
SPACE FOR VISUAL
RESERCH
MARKUS WEISBECK
Frankfurt- Die Arbeit von Markus Weisbeck
befasst sich mit der Entwicklung und Erforschung
visueller Formen. Ausgangspunkt sind die
bildnerischen Grundlagen der künstlerischen
Lehren der Moderne. Für die Fotoarbeit Lenscoil
generiert Markus Weisbeck gezielt Licht- und
Unschärfephänomene im Linsensystem des
Kameraobjektivs. Die Kamera fotografiert hierbei
nicht ein Objekt, sondern Bildphänomene, die
durch physikalische Gesetze entstehen. Das
unscharfe Bild wird vom Objektiv durch Projektion
auf die Aufnahmeebene erzeugt. Die im Extrem
der Unschärfe entstehenden Lichtpunkte sind
somit »Erfindungen« des Objektivs, das Bild
entsteht so gesehen nicht vor der Kamera oder
auf der Filmebene, sondern im dazwischen.
Markus Weisbeck ist Gründer von "Surface", einem Studio für Corporate und Culture Design mit Sitz in Frankfurt am
Main und Berlin. Er ist für die Corporate Identity verschiedener Institutionen verantwortlich – darunter Museum für
Moderne Kunst MMK Frankfurt, der Städelschule Architektur Klasse, Venedig Biennale (Deutscher Pavillon 2007 und
2009), Manifesta7, Sternberg Press oder German Design Award; er hat über 100 Bücher für Künstler und Institutionen
gestaltet und ist als Sprecher auf zahlreichen Konferenzen vertreten. 2013 wurde er offizielles Mitglied der Alliance
Graphique Internationale und ist Professor für Grafikdesign an der Bauhaus Universität Weimar sowie Dozent an
weiteren internationalen Universitäten. An der Bauhaus Universität hat er vor einem Jahr den "Space for Visual
Reserch" gegründet. Der "Raum für Visuelle Forschung" fungiert als Arbeitsraum und Labor für experimentelle
Forschung an neuen grafischen, abstrakten und visuellen Welten im Kontext der Bauhaus-Universität Weimar. Er ist
Werkstätte und Denkraum zugleich und unterstützt die Notwendigkeit einer entdeckenden Suche nach
neuen Ästhetiken. Der Arbeitsraum stellt Experimentreihen zur Verfügung, die den Startpunkt von Interpretationen und
Neuformulierungen bilden. (Foto: Kai Middendorff Galerie © Markus Weisbeck)

70 | KUNST.INVESTOR Galerie Michaela Stock

71| KUNST.INVESTOR Galerie Michaela Stock
KATHARINA STRUBER | COMMON PRACTICE
Im Zentrum der künstlerischen Auseinandersetzung von Katharina Struber, die in Wien lebt und arbeitet, stehen die
Themenfelder Raum und Kollektivität. Es ist ihr Blick aufs Ganze, der in ihren Fotografien, Videos, Rauminstallationen
und Interventionen im urbanen, öffentlichen Raum deutlich wird. Nach der Serie „Picture the Multitude“ die den Focus
auf den belebten urbanen Raum richtet, arbeitet die Künstlerin nun an der neuen Arbeitsserie mit dem Titel „COMMON
PRACTICE“. Diese Serie von Katharina Struber konzentriert sich auf kooperative Prozesse, kreative, wie etwa Theaterund
Orchesterproben oder sportliche, wie das Training einer Wasserballmannschaft. Katharina Struber filmt mit der
Videokamera Ihre Akteure. Aus den mehrstündigen Aufnahmen werden die einzelnen Videostills zu einem neuen Bild
zusammengefügt. Es entsteht ein Moment den es so nicht gibt, mehrerer Stunden werden zeitgleich dargestellt und die
Zeit- und Bewegungsabläufe werden verdichtet. Als Trägermittel dient die Fotografie um aus dem Videomaterial ein
digitales Bild zu komponieren, das die Zeitgebundenheit aufhebt und durch die Technik der zeitversetzten Aufnahmen,

72 | KUNST.INVESTOR Galerie Michaela Stock

73 | KUNST.INVESTOR Galerie Michaela Stock
nonverbale Kommunikationsstrukturen zwischen den Akteuren sichtbar wird. Das gemeinsame Handeln ist der Kern der
kollektiven Aktion und jeder einzelne Akteur trägt in unterschiedlicher Intensität zur gesamten Dynamik, zum Verlauf
und zum Ergebnis bei. Das zeigt sich bei den Aufnahmen einer Orchesterprobe des ORF Radio Symphonie Orchesters
Wien mit dem legendären Stück Quartets I – VIII von John Cage. Sie zeigt das gemeinsame Musizieren als einen
kollektiven Prozess, der in unendlich viele Unterprozesse aufgegliedert wird. Bei der Musik-Performance der
Aktionistentruppe Fuckhead wird die Balance zwischen den einzelnen Individuen und die pulsierende Energie im
gemeinsamen Handeln spürbare. Aber auch beim Training eines Wasserballteams und bei den Bauarbeiten eines
Studentenwohnheimes in Wien münden die Facetten des simultanen Tuns einerseits im raumhaltigen Gesamtbild des
Ganzen, andererseits sind auch hier die autonomen Partikuläransichten einer einzigen, umfassenden Komposition zu
erkennen. (Foto: © Galerie Michaela Stock)

74 | KUNST.INVESTOR Yoshi’s Contemporary Art Gallery
Svitlana Giefing in Yoshi’s Contemporary Art Gallery
Galerist und Szenegastronom Martin Ho bringt nach
erfolgreichen Ausstellungen von Künstlern wie TOMAK,
Cyril Helnwein und Christian Bieniek, frischen Wind in
Yoshi’s Contemporary Art Gallery. Mit Svitlana Giefings
Ausstellung „transparency“ präsentiert Ho eine neue
und äußerst begabte Künstlerin, deren Werke
dreidimensionale Formen anzunehmen scheinen. „Die
Arbeiten entstanden hauptsächlich auf Plexiglas,
wodurch sich ein einmaliger 3D Effekt entfaltet“, erklärt
Kunstsammler Ho. „Dadurch entwickelt sich ein äußerst
interessantes Spiel von Werk und Hintergrund“. Zur
Vernissage wird Dr. Helmut Schützeneder eine
einleitende Rede halten. Bei freiem Eintritt ist die
Ausstellung bis zum 06. Dezember 2014 zu sehen.
(Foto: © Yoshi’s Contemporary Art Gallery)

75 | KUNST.INVESTOR 21er Haus
HOMO FABER - Ein räumliches Hörspiel in drei Teilen
Von Krüger&Pardeller
Die Ausstellung HOMO FABER von Doris Krüger und
Walter Pardeller widmet sich dem Thema
Kunstproduktion generell. In einer raumgreifenden
Installation geht es dem Künstlerduo wesentlich um die
Diskrepanz von zwei Sichtweisen auf die Kunst, die sie
miteinander in Beziehung setzen. Diese sind einerseits
die Idee der Kunst als Handlung und fortlaufende
Herstellung von Bedeutung und andererseits die Idee
der Produktion von ästhetisch lesbarer Form als
Endprodukt. Krüger & Pardeller stellen ihre eigene
Auffassung von Kunst als kritisches Produzieren der
Haltung des Bildhauers Fritz Wotruba (1907–1975)
gegenüber. Wotrubas Idee einer Kunstproduktion als
„moralisches Prinzip“, als „Widerstand“ wird in einem
Hörspiel mit historischen Tondokumenten ebenso
thematisiert wie in einer eigens für die Installation
geschaffenen musikalischen Komposition. Dauer der
Ausstellung bis 26. April 2015

76 | KUNST.INVESTOR GALERIE ZAK | BRANICKA

77 | KUNST.INVESTOR GALERIE ZAK | BRANICKA
PAWEL KSIAZEK | FIGURES
Berlin- Das aus dem Lateinischen stammende Wort
„Figure“, abgekürzt „fig.“ und in der symbolischen
Darstellung der griechische Buchstabe „φ“, bedeutet
sowohl eine Gestalt, eine Abbildung und ein Diagramm
im Text als auch einen Goldenen Schnitt beziehungsweise
ein Symbol des Lichtstrahls. Für Paweł Książek
wurde die Mehrdeutigkeit des Wortes zum
Ausgangspunkt seiner neuesten Serie von Bildern unter
dem Titel „Figures“. Paweł Książek ist ein Maler – ein
Analytiker: seine Bilder haben keine emotionale Quelle,
sondern gehen von einem Forschungsprozess aus und
basieren auf der Analyse visueller Quellen. Ähnlich wie
in seinen vorherigen Bilder-Serien (wie „NN vs. Artist“)
wird das erhältliche Quellenmaterial (unter anderem
zeitgenössische oder historische Fotografien von
Ereignissen oder Personen aus der Welt der bildenden
Kunst, der Popkultur, des Filmes oder des Internets)
auch in „Figures“ von Książek gesammelt, klassifiziert
und durch das Medium der Malerei verarbeitet. Auf
diese Weise bezieht sich der Künstler auf die von Aby
Warburg entwickelte Methodik, welche auf der
Entwicklung ikonographischer Atlanten und
Vergleichsanalysen gründet. Die Serie „Figures“ ist eine
Serie von Frauenporträts deren Titel jeweils aus der
Abkürzung „Fig.“ und einer Ordnungszahl besteht.
Diese Serie ist mein nächstes Projekt das sich auf die
Schaffung alternativer Geschichten und das obsessive
Sammeln bezieht. Ich baue eine Architektur von
Emotionen auf der Basis verschiedener ästhetischer
Kanons und Quellen des Bildmaterials auf. Ich
porträtiere keine Menschen, sondern schaffe eine
Sammlung emotionaler Zustände – erklärt der Künstler.
Książek bedient sich – erneut – der Geschichte des
frühen Kinos, sucht sich Heldinnen eines bestimmten
Typus: mit schmalen Lippen, dünnen Augenbrauen und
runden Wangen wie beispielsweise Silvia Sidney, eine
der beliebtesten Schauspielerinnen von Fritz Lang. Auf
der schwarz-weißen Filmrolle sehen die Akteurinnen
wie Porzellanpuppen oder Skulpturen aus, „etwas
mehr“ und „etwas weniger lebendig.“ Dies ist der
Moment an dem der Künstler ein besonderes Interesse
hegt. Durch seine Transformation von den Medien Film
und Fotografie hin zur Malerei erscheinen die
Porzellanpuppen plötzlich „lebendiger“ und „realer“: das
Objekt wird zum Subjekt. Für unsere Wahrnehmung
birgt dieser Prozess eine solche Überraschung, wie
etwa Farbfilme aus dem Zweiten Weltkrieg in denen die
Geschichte plötzlich an Authentizität gewinnt. Es ist
überraschend, dass es bei Książek die Malerei ist – ein
Medium, das auf die Fantasie verweist – die dem Film
die Glaubwürdigkeit verleiht. Neben den Porträts von
Schauspielerinnen basiert die Serie „Figures“ ebenfalls
auf zeitgenössischen Fotografien aus dem persönlichen
Archiv des Künstlers wobei die Identität der
Porträtierten hier jedoch nicht wichtig ist. Die Figur stellt
einen Charakter oder emotionalen Zustand dar, ist eine
Art exemplum eines bestimmten Typus, nicht eines
Individuums. Zusammen werden die Bilder – wie
anthropologische Atlasse – zu einem Atlas der Gefühle,
einer in Vitrinen eingeschlossenen Insektensammlung
ähnelnd. Für Książek ist dies aber auch eine der
Herausforderungen der Malerei: er versucht schwer zu
benennende Zustände zu erfassen und zu
interpretieren. Hierbei geht es ihm um die Erfassung
eines Momentes im Bild, der nicht mit einer bestimmten
Aussage in Verbindung gebracht werden kann. Es geht
um die Beziehung zwischen dem Medium der Malerei
(eines Genres das auf einem langen zeitlichen
Entstehungsprozess basiert) und der Zeit. Im
Gegensatz dazu basieren Film und Fotografie auf der
Echtzeit: die Kamera (Film- oder Fotokamera) kann
leicht einen Bruchteil einer Sekunde oder einen
Zustand „dazwischen“ erfassen, die Malerei dagegen
bevorzugt definierte, „geschlossene“ Zustände. Der
Künstler diagnostiziert dieses Defizit in einer Relation
der Malerei zu Zeit und bedient sich der Möglichkeiten
aus der Kinowelt; auch das Arrangement seiner
Porträts ordnet sich dem Rhythmus der Einzelbilder
einer Filmrolle unter. Als Ergebnis verleiht Książek der
Malerei eine Echtzeit-Perspektive.(Foto: Galerie ZAK |
BRANICKA)

78 | KUNST.INVESTOR Kunstuniversität Linz

79 | KUNST.INVESTOR Kunstuniversität Linz
Kunstuniversität Linz präsentiert Pop-up Bar
Im Rahmen eines österreichweiten, einstufigen Wettbewerbs waren Designer, Architekten
und Studierende eingeladen, eine funktionstüchtige, unkompliziert auf- und abbaubare
Pop-up Bar für den schwedischen Lifestyle-Vodka zu konzipieren.
Das Projekt ist die Fortsetzung einer langen
Tradition der Marke Absolut, mit den kreativsten
Köpfen der Welt spannende Kooperationen zu
verwirklichen. 20 Absolut Vodka-Flaschen, 60
Gläser und 10 Flaschen für Beigetränke sowie
eine Kühlmöglichkeit für Eiswürfel und Früchte,
reichlich Stauraum für Bar-Utensilien, ein
Abfallbehälter und eine Arbeitsfläche: Die mobile
Bar, die Industrial Design-Student Stefan Pichler
im Rahmen des Absolut-Design-Wettbewerbs
entworfen hat, ist klar und einfach in seiner Form,
gleichzeitig extrem wandelbar und höchst
funktional, sehr geräumig und zudem einfach zu
transportieren. Dank der arretierbaren Rollen
kann die Ausschank leicht bewegt und auf einen
Lastwagen verladen werden. Ein Gitter-Container
ist die Basis der robusten und gleichzeitig
leichtgewichtigen Pop-up-Bar mit den Maßen
70x80x180 Zentimeter. Der Behälter ist im
Inneren mit einer lichtdurchlässigen
Leichtbauplatte ausgekleidet. Durch flexibel am
Gitter einhängbare Behälter lässt sich der
Stauraum problemlos erweitern. Die variierbare
LED-Beleuchtung setzt gewünschte Lichtakzente.
An der Vorderseite der Box befinden sich
beleuchtete Nischen, die der Präsentation von
Flaschen dienen. Das Unternehmen Pernod
Ricard Austria hatte Architekten, Designer und
Studierende aufgerufen, eine funktionsfähige
sowie leicht auf- und abzubauende Pop-up-Bar für
die Marke Absolut Vodka zu entwerfen. Die Jury –
bestehend aus Peter Schreckensberger
(UnitedDesignPartner), Moritz Keitel (Hoppe
Architekten), Alexander Ott (Coop Himmelb(l)au),
Bernhard Eisheuer (Pernod Ricard Austria) und
Geri Kozbach-Tsai (Vienna Bar Community) –
entschied sich einstimmig für den Entwurf von
Stefan Pichler, der an der Kunstuniversität Linz
Industrial Design studiert. Das Projekt wurde von
Univ.Prof. Sigrid Brell-Cokcan betreut. (Foto:
Kunstuniversität Linz)

80 | KUNST.INVESTOR MUSA

81 | KUNST.INVESTOR MUSA
PAUL DEFLORIAN,
YOU ARE ME AND
YOU ARE ME TOO
“LIFE IS NOT A SOLO-
SHOW”
THE KNIFE
„Ein Kugelschreiber kann im Alltag eine gute Waffe
sein. Semipermanente Farbe eine bessere. Mit einem
Lippenstift den [im Stadtraum plakatierten] Slogan
,Daham statt Islam’ mit ‚mein Lippenstift ist wichtiger als
Österreich‘ zu crossen geht straffrei aus und kostet
mich nur einen Augenblick und ein bisschen Make Up.“
Paul DeFlorian interveniert und agiert gleichsam als
politisch-soziales Korrektiv im öffentlichen Raum
ebenso wie mittels seiner Zeichnungen, Grafiken und
Malereien im künstlerischen Feld. Statt auf Aggression
setzt er dabei auf Irritation – durch einen Mix aus
Sinnlichkeit und Dekonstruktion, Offenlegung und
Fragmentierung überschreitet DeFlorian bisweilen gar
alle Geschmackskonventionen – schonungslos etwa in
seinen neuesten, im MUSA gezeigten Leinwand-
Bildern. „Der Geschmack ermüdet wie die gute
Gesellschaft“, wusste bereits Francis Picabia, ein
Vorreiter in Sachen Unkonventionalität, zu sagen, doch
um den Geschmack allein geht es DeFlorian nicht, es
geht viel mehr um das Generieren alternativer
Formulierungen gegenüber stereotypen Ikonografien
der Geschlechterrollen. Das Bild des (nackten)
Menschen, ob Mann oder Frau, ist, wie der Künstler
sagt, traditionell heterosexuell männlich in Szene
gesetzt. Dem dort auf Befriedigung klischeehafter
Vorstellungen ausgerichteten voyeuristischen Blick
setzt DeFlorian die Uneindeutigkeit entgegen: Raum
und Körperplastik entziehen sich einer akademischperspektivischen
Konstruktion, Leerstellen in den
Gesichtern verunmöglichen den Blick ins Innere,
während an anderen Bildstellen alles verspielterzählerisch
flimmern und flirten darf. „Es geht mir nicht
darum“, sagt der Künstler, „zum Beispiel ein
besonderes realistisches Bild zu malen, sondern um
Offenlegung – und damit auch darum, Kritik zu üben.“
Lucas Gehrmann Kunsthalle Wien. (Foto: © MUSA,
Ausstellungsdauer: 19.12.14 – 15.1.2015)

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