D E U T S C H E R F IL M P R E IS 2 0 11 - Deutsche Filmakademie

2011

DEUTSCHER FILMPREIS 2011 

IM FRIEDRICHSTADTPALAST 

8. APRIL 2011

GRUSSWORT 

Der heutige Abend bietet die wunderbare Gelegenheit, 

sich herausragenden Filmproduktionen 

des zurückliegenden Kinojahres in Erinnerung 

zu rufen. Für mich ist die Verleihung 

des Deutschen Filmpreises aber mehr als eine 

bloße „Leistungsschau“ heimischen Filmschaffens. 

Ob dokumentarisch oder fiktional, provokant 

oder poetisch – Filme zeichnen immer auch 

ein Bild unseres Landes. Was bewegt oder rührt 

uns? Was amüsiert uns? Wie ein Seismograph 

geben sie Aufschluss über Befindlichkeiten unserer 

Gesellschaft. Es gibt ein großes Bedürfnis 

nach mitreißenden deutschen Produktionen. 

Wir brauchen diese Filme der Nähe, die ein Bild 

der Lage zeichnen – wir brauchen das deutsche 

Kino! Ziel der Filmpolitik des Bundes ist daher 

die Stärkung deutschen Filmschaffens, kulturell 

wie auch wirtschaftlich. Mit der Vergabe des 

Deutschen Filmpreises, dem höchstdotierten 

deutschen Kulturpreis, will die Bundesregierung 

nicht nur herausragende Filmkunst würdigen, 

sondern sie zugleich fördern. 

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Mein aufrichtiger Dank gilt einmal mehr der 

Deutschen Filmakademie und ihren Präsidenten 

Iris Berben und Bruno Ganz. Seit nunmehr 

sieben Jahren gelingt es der Akademie immer 

wieder aufs Neue, einen wunderbar glamourösen 

und spannenden Abend auszurichten. 

Allen Gästen, Nominierten und Preisträgern 

wünsche ich vergnügliche und unterhaltsame 

Stunden. 

Bernd Neumann, MdB 

Staatsminister bei der Bundeskanzlerin 

Bundesregierung/Kugler 

© 

Der Beauftragte der Bundesregierung für Kultur 

und Medien Foto: 

DEUTSCHER FILMPREIS 2011

GRUSSWORT 

Als wir vor ziemlich genau einem Jahr zum ersten 

Mal an dieser Stelle auftauchten, hatten wir 

gerade unsere ehrenvollen Ämter übernommen. 

Zwar hatten wir von unseren Vorgängern durchaus 

erfahren, mit wieviel Verantwortungsgefühl, 

Engagement, manchmal Geschick, manchmal 

Rigorosität man als oberstes Organ der 

Deutschen Filmakademie zur Sache gehen muss, 

aber um es wirklich zu verstehen, mussten wir 

es im Laufe der letzten zwölf Monate auch erleben. 

Wir haben es erlebt. Und es hat uns gefallen. 

Denn wir haben vor allem erlebt, dass das alles 

einen Sinn hat, weil der deutsche Film und die 

Deutsche Filmakademie mit uns in Verbindung 

gebracht werden. Wir konnten unsere Gesichter, 

unsere Stimmen und unsere Meinungen zur Verfügung 

stellen – und wurden dafür respektiert, 

kritisiert, gehört und – wie wir durchaus spüren 

konnten – auch geliebt. 

Dabei war das vergangene Jahr kein leichtes für 

den deutschen Film. Wirtschaftlich schwächelte 

er. Künstlerisch gab es keine ausgesprochenen 

Höhenflüge. Er hielt aber – da ist er verlässlich – 

einige sehr und einige weniger angenehme Überraschungen 

bereit. Vor allem aber war der deutsche 

Film im vergangenen Jahr politisch stark 

angeschlagen. Die schwelende Rechtsunsicherheit 

um die Verfassungskonformität der wichtigen 

Filmförderinstrumente des Bundes und die 

damit verbundene eingeschränkte Handlungsfähigkeit 

der Filmförderungsanstalt hat nicht 

nur den Filmproduzenten des Landes schlaflose 

Nächte bereitet. Alle Filmschaffenden spürten, 

dass es um ihre künstlerische und wirtschaftliche 

Zukunft ging. Seit dem lange erwarteten 

Urteil des Bundesverwaltungsgerichts am 

23. Februar 2011 ist die Rechtssicherheit wieder 

hergestellt. Die Diskussion um moderne 

Zukunftsmodelle zur Filmförderung geht weiter. 

Sicher auch mit uns, mit der Filmakademie. 

Jetzt freuen wir uns darauf, mit den Nominierten 

und Preisträgern des Deutschen Filmpreises 

einen Abend für den deutschen Film zu feiern. 

Ab morgen ist das Kino wieder Alltag, Arbeit und 

Aufgabe. Darauf und darüber freuen wir uns übrigens 

auch. 

Iris Berben Bruno Ganz 

(Präsidentin) (Präsident) 

Foto: © Mathias Bothor 

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DIE VORZÜGE DES PALASTES 

Interview mit den Künstlerischen Leitern 

Benjamin Herrmann und Florian Gallenberger. 

?? Der Friedrichstadtpalast bot schon bei der Premiere 

im letzten Jahr neue Möglichkeiten für die 

Show. Mittlerweile kennt ihr euch in der Location 

noch besser aus. Hat das überraschende Auswirkungen 

auf das Konzept? 

Florian Gallenberger: Wir versuchen natürlich 

wieder die Vorzüge des Palasts zu nutzen und 

auch mit Elementen aus der aktuellen Show des 

Friedrichstadtpalasts zu arbeiten. Das wird den 

Abend sicherlich bereichern, allerdings wollen 

wir nicht das Augenmerk verlieren, das liegt nämlich 

zweifellos auf den Filmen, den Nominierten 

und den LOLAs. Und das soll auf keinen Fall anders 

sein. 

Benjamin Herrmann: Stimmt. Nur für einen Moment 

darf man das vergessen: Wenn Iris Berben 

und Bruno Ganz an einem brennenden Trapez in 

15 Meter Höhe ohne Fangnetz Salti Mortale schlagen 

und der Staatsminister sie dann auffängt ... 

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Gallenberger: Leider nicht ... Die Nummer kippt 

gerade, weil sich das Pult des Staatsministers 

nicht am Trapez festmachen lässt und er ohne 

Pult nicht auftritt. 

?? Gibt es etwas, das ihr grundsätzlich völlig anders 

machen wollt als 2010? 

Herrmann: Ja, DAS WEISSE BAND nicht alle 

Preise gewinnen lassen. Wir fanden die Show im 

letzten Jahr ja nicht schlecht, so dass wir nicht 

grundsätzlich anders arbeiten wollen. Aber natürlich 

wollen wir noch besser werden. 

Gallenberger: Also heißt es, die Show noch weiter 

zu entschlacken, durch überraschende Paten und 

den Verzicht auf den sonst so allgegenwärtigen 

Laudationsmüll die Sache schwungvoll zu halten, 

so dass der Zuschauer am besten vergisst, dass 17 

Preise in zwei Stunden vergeben werden müssen 

und man dabei immer Gefahr läuft, in eine repetitive 

Nummernrevue zu verfallen. 

Herrmann: Aber den Kinderchor aus der Oscar- 

Verleihung machen wir schon auch, oder? 

Gallenberger: Ja, aber bei uns mit dem Seniorenchor 

der Filmakademie, die die nominierten Filmmusiken 

pfeifen. 

?? Wieviel Kino wollt ihr euch in der Fernsehshow 

erlauben und dem Publikum gönnen? 

Herrmann: Das wird sicher der entscheidende 

Unterschied zum letzten Jahr: Das Bühnenbild 

wird viel stärker großes Kino kommunizieren. 

Und wenn die Technik mitspielt, wird das sehr 

beeindruckend. 

Gallenberger: Und worum geht es im Kino: 

Emotionen, Unterhaltung und den Zuschauer 

durch Geschichten bereichern – vielleicht gelingt 

uns das eine oder andere auch in der Show. 

?? Barbara Schöneberger moderiert die Verleihung 

zum vierten Mal. Was werdet ihr tun, damit 

sie sich nicht langweilt? 

Herrmann: Wichtiger ist doch: Was wird sie tun, 

damit wir uns nicht langweilen? Vor allem wird 

sie den Text für ihre Anmoderation erst nach 


dem Warm-up bekommen, damit nicht schon die 

Pointen für die Show getestet werden können. 

Gallenberger: Barbara ist grundsätzlich nicht 

jemand, der schnell langweilt – weder sich noch 

das Publikum - und dass sie den Filmpreis nun 

zum vierten Mal moderiert, finde ich eher einen 

Vor- als einen Nachteil, denn man muss auch zusammenfinden, 

die Energie und die Art der Komik 

und Ironie, die Barbara mitbringt, besser kennen, 

verstehen und schätzen lernen, um ihr dann 

wirklich die bestmögliche Show auf den Leib zu 

schreiben. 

Herrmann: Die Vereinbarung ist ja, dass Barbara 

den DEUTSCHEN FILMPREIS so lange moderiert, 

bis ihr eine Hauptrolle in einem großen Kinofilm 

angeboten wird. Und da die gesamte Filmbranche 

sie offensichtlich nicht als Filmpreis-Moderatorin 

verlieren will, bekommt sie diese Rolle nicht. 

Oder Florian: Barbara als einen der beiden Milli 

Tinnefeld 

Vanillis? 

Michael © 

Gallenberger: Nee, dafür kann Barbara zu gut 

singen ... leider. Foto: 

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DER GESCHICHTENAUFHEBER – EHRENPREIS FÜR WOLFGANG KOHLHAASE 

„Wir zeichnen einen Mann aus, der auf beiden 

deutschen Seiten Filmgeschichte und – 

Geschichten geschrieben hat. Kluge, lakonische, 

lebensnahe, komische und manchmal 

bittere Beschreibungen des Alltags. Es scheint, 

dass Regisseure und Schauspieler dabei immer 

seine Komplizen sind. Und so kann man 

nur gewinnen.“ 

Iris Berben, Präsidentin der Deutschen Filmakademie 

und Vorsitzende der Ehrenpreisjury 

„Die Kunst von Wolfgang ist Poesie in Kurzform. 

Pathos oder Sentimentalität sind ihm 

fremd. Er beschreibt komplizierte Dinge mit 

einfachen Worten. Seine Texte sind klar und 

direkt. In ihrer Lakonie treffen sie trotzdem 

mitten ins Herz. Das hat damit zu tun, dass er 

die Menschen und seine Figuren mit den Augen 

der Liebe betrachtet. Regieanweisungen 

im klassischen Sinne kommen in Wolfgangs 

Drehbüchern nicht vor. Es gibt keine in Klammern 

gesetzten Einschübe vor Dialogsätzen, 

die die Gefühlslage der Figuren genauer erläutern. 

Dafür manchmal kleine, kommentierende 

Sätze von großer poetischer Genauigkeit. 

Wolfgang vertraut seinen Partnern – und dass 

sie genau lesen können. Kleine Menschen und 

ihre großen Träume. Bei Wolfgang ist das lustig, 

aber nie lächerlich. Er wirkt mit seinen 78 

Jahren manchmal wie ein großer Junge, der 

sich gerade einen neuen Streich ausgedacht 

hat. Im Gespräch reibt er sich bisweilen die 

Hände an der Brust, so wie andere sich an der 

Stirn kratzen. Es ist eine unbewusste Geste, als 

wollte er sich im Gedankenflug seiner Körperlichkeit 

versichern, sich konzentrieren, ohne 

grüblerisch zu sein. So bleibt er im Nachdenken 

offen.“ 

Andreas Dresen, Regisseur, über Wolfgang 

Kohlhaase anlässlich des Ehrenbärens der 

Berlinale 2010 in der „Zeit“ 

„Ich habe immer gesagt: Wenn man beispielsweise 

Prosa schreibt, schreibt man bei 

geschlossener Tür. Und wenn man Filme 

schreibt, Drehbücher schreibt, schreibt man 

bei offener Tür. Und man hat immer Geräusche 

und Stimmen hinter der Wand, und immer 

kommt einer rein und sagt: ‚Wie weit biste 

denn?‘ Das Vergnügen, das ich immer empfunden 

habe, kam, weil ich gern an Schauspieler 

gedacht habe beim Schreiben. Natürlich 

hab ich an meine Figuren gedacht, aber 

die Figur kommt ja auf die Welt als Rolle für 

einen Schauspieler. Ich habe immer an Schauspieler 

gedacht, nicht so gezielt, dass ich gesagt 

habe, ich schreibe für den oder diese die 

Rolle, sondern überhaupt an Schauspieler, als 

Möglichkeit, als Schönheit. Und bis heute ist 

es faszinierend, dass man sich hinsetzt und 

sich eine Geschichte ausdenkt. Okay, dann 

steht sie auf dem Papier, möglichst brauchbar 

und genau. Aber dass sich dann Erwachsene 

verkleiden und plötzlich werden daraus 

sozusagen Figuren, als ob sie aus dem Leben 

wären, das hat für mich bis heute einen Zau- 

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er. Ich versuche, an Schauspieler zu denken, 

wenn ich Dialoge schreibe: Sie sollen es gut 

haben. Wenn es die Schauspieler gut haben, 

hat es der Film gut. Also, das ist für mich bis 

heute eine Realität. Und gut, jetzt kannst du 

sagen: Die hat dann auch was Erotisches, im 

allgemeinsten Sinne: Jetzt wird Fleisch und 

Blut angeschafft, mit Hilfe der Schauspieler.“ 

Wolfgang Kohlhaase über die Erotik des 

Schreibens auf VIERUNDZWANZIG.DE 

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„Ich habe im Laufe der Jahre meine Partner 

nicht oft gewechselt. Da waren Konrad Wolf, 

Frank Beyer und Gerhard Klein. Und ich glaube, 

ich würde nicht für den Film schreiben, 

wenn ich ein Drehbuch abgeben müsste mit 

schönem Gruß an den Zuschauer. Ich weiß genau, 

dass ein Drehbuch so gut sein kann, wie es 

will. Es muss sogar ziemlich genau sein, aber es 

ist ein Zwischenprodukt. Und alles entscheidet 

sich im Drehprozess. Deshalb versuche ich, mit 

dabei zu sein und meine Meinung einzubringen. 

Film ist ein synthetisches Unternehmen: 

So genau Sie auch schreiben, die ganze Dimension 

beruht auf Verabredung. Selbst das, was 

vom Vertrag am Ende wirklich eingelöst wird, 

beruht auf Verabredung. Auch DER BRUCH hat 

damit angefangen, dass ich zu Frank Beyer sagte: 

Ich erzähl´ Dir mal eine Geschichte, die ich 

lange kenne. Das war nicht nur die Mitteilung 

eines Faktums, sondern auch einer Tonlage.“ 

Wolfgang Kohlhaase über sein Verständnis 

der Zusammenarbeit mit Regisseuren (in 

einem Interview mit Wolfgang Brenner und 

Alfred Holighaus im TIP Magazin 1988 ) 

„Also so schlecht ist es nicht herauszufinden, 

was das Publikum mag. Das bringt ein bisschen 

Unruhe – und die ist wünschenswert. 

Wir müssen zum Beispiel erreichen, dass jüngere 

Leute schneller zu ihrem Film kommen. 

Es ist nicht in Ordnung, dass Regisseure in 

ihren Dreißigern sind, wenn sie ihre erste eigene 

Klappe schlagen. Das Publikum ist jünger 

als die Regisseure. Bei uns geht die Ausbildung 

sehr solide, aber auch ein bisschen 

langsam. Andererseits schlägt die Einnahme 

nicht sofort um bei uns. Für den ambitionierten 

Film – selbst wenn nur eine Minderheit ihn 

sieht – ist bei uns immer ein Platz. Und das 

ist nötig, weil er die Filmkunst weiterbringt. 

Sie bekommt in jedem Jahr das Geld, das sie 

braucht. Kommerziell kann das gar nicht 

aufgehen – vor allem nicht bei dem kleinen 

Markt. Allerdings kann diese Unterstützung 

auch bequem machen. Sie wirft ihre eigenen 

Probleme auf.“ 

Wolfgang Kohlhaase über die Vor- und Nachteile 

der Filmproduktion im real existierenden 

Sozialismus (in ebendiesem Interview) 


„Auch sollte ein Drehbuchschreiber nie vergessen, 

was er in den ersten zehn Jahren vom 

Küchenfenster aus gesehen hatte. Das Küchenfenster 

seiner Kindheit war in Adlershof und es 

ist nicht überliefert, ob der 14jährige Sohn eines 

Maschinenschlossers da rausgucken durfte, 

als die Russen kamen. Im prägsamsten Alter 

wankte unter seiner Generation der Boden der 

Wirklichkeit. Eben hatte er noch Veit Harlans 

KOLBERG im Kino gesehen, jetzt liefen DIE 

KINDER DES OLYMP. Wie relativ ist doch das 

Absolute, erfuhr das Arbeiterkind und wollte 

Geschichtenaufheber fürs neue Kino werden. 

(...) Muss ein freier Berliner, um frei zu bleiben, 

Westberliner werden? Wolfgang Kohlhaase 

wurde freier Autor. Und das ist er nun schon 

seit fast sechzig Jahren. Seine Dialoge sind oft 

komisch, auch böse, auch melancholisch, poe- 

Schramm 

tisches Oszillieren an den Rändern durchaus 

beabsichtigt – aber das alles auf Grundlage 

Halina 

höchstmöglicher Lakonie. Der Alltag und Wolfgang 

Kohlhaase machen nie (zu) viele Worte.“ 

Christine © 

Kerstin Decker im „Tagesspiegel“ anlässlich des 

80. Geburtstages von Kohlhaase am 13. März 2011 Foto: 

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DEUTSCHER FILMPREIS 2011: DAS WAHLVERFAHREN 

1. Die Vorauswahl 

Seit 2010 gibt es statt der kleineren Einzelkommissionen 

insgesamt drei Vorauswahlkommissionen, 

die zusammen 33 Mitglieder haben. Erstens: 

Eine größere, alle Sektionen repräsentierende Vorauswahlkommission 

für Spielfilm, die aus insgesamt 

18 Personen (inklusive zwei Mitglieder des 

Bundestages) besteht. Zweitens: Eine siebenköpfige 

Kommission für den Besten Dokumentarfilm 

mit drei Vertretern aus der Sektion Dokumentarfilm, 

zwei Vertretern aus anderen Sektionen, einem 

Mitglied des Bundestages und einem branchenerfahrenen 

Kommissionsmitglied, das nicht 

aus der Filmakademie kommt. Drittens: Eine Vorauswahlkommission 

für den Besten Kinderfilm 

mit acht Mitgliedern – also Vertretern aus allen 

Sektionen und einem MdB. Die aus allen drei 

Kommissionen vorausgewählten Filme werden 

ebenfalls für die Einzelleistungen berücksichtigt. 

Die Vorauswahlkommission Kinderfilm hat in diesem 

Jahr alle Filme zusammen mit einer Gruppe 

von acht- bis zwölfjährigen filmbegeisterten Kindern 

angeschaut – und mit ihnen diskutiert. Die 

Vorauswahlkommission Spielfilm muss aus den 

eingereichten Produktionen mindestens 20 Filme 

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auswählen. Beim Dokumentarfilm sind es mindestens 

fünf, beim Kinderfilm mindestens vier 

Filme. Höchstens kann in allen Kategorien eine 

Anzahl von Filmen ausgewählt werden, die 40 

Prozent der Anmeldungen entspricht. Sollten am 

Ende der Entscheidungen wesentliche Kandidaten 

für Einzelleistungen übersehen worden sein, 

so haben die Mitglieder der Spielfilmkommis- 

sion die Möglichkeit, jeweils einen Kandidaten 

für jeweils das Gewerk, das sie in der Kommis- 

sion vertreten, nachzubenennen. Neu in den 

Richtlinien ist das Angebot einer Dreitagesfrist 

(nach Bekanntgabe der Vorauswahl) für Produzenten 

nicht vorausgewählter Filme, ihre Filme 

für die Wild Card anzumelden. Diese Filme werden 

mit den vorausgewählten Filmen an die Mitglieder 

verschickt – und können von diesen freiwillig 

in die Abstimmung miteinbezogen werden. 

Und zwar in allen Kategorien. Das wichtigste ist, 

dass alle Kommissionen die Filme gemeinsam 

im Kino anschauen. Darüber hinaus wird jedes 

Kommissionsmitglied unmittelbar nach Anmeldeschluss 

mit DVDs der angemeldeten Filme 

versorgt, so dass jedem persönlich genügend Zeit 

bleibt, alle Filme angemessen zu sichten. 

2. Die Nominierungen 

Im nächsten Schritt wählen nun sämtliche Mitglieder 

der Deutschen Filmakademie in geheimer 

Wahl die Filme bzw. Einzelleistungen. In 

der Kategorie Bester abendfüllender Spielfilm 

sind sechs Nominierungen vorgesehen. In den 

Kategorien Bester Dokumentarfilm und Bester 

Kinderfilm jeweils zwei. Der Vorstand hat für 

den Filmpreis 2011 drei Nominierungen bei den 

Einzelleistungen festgelegt. Die Einzelleistungen 

werden durch die jeweiligen Mitglieder der Sektion 

nominiert, in der das auszuzeichnende Gewerk 

beheimatet ist. Beispiel: Kamera durch die Mitglieder 

der Sektion Kamera/Bildgestaltung usw. 

Für die drei Hauptkategorien stimmen Mitglieder 

mehrerer Sektionen ab. Konkret sind das beim 

Besten Spielfilm und Kinderfilm die Mitglieder 

der Sektionen Produktion, Regie und Drehbuch 

und beim Besten Dokumentarfilm die Mitglieder 

der Sektionen Dokumentarfilm, Produktion, Regie, 

Kamera/Bildgestaltung sowie Musik/Schnitt/Ton. 

3. Wahl der Preisträger 

In der dritten Stufe stimmen alle Mitglieder für 

alle Kategorien ab. 


Spielfilm (von unten links nach oben rechts) 

Eleonore Weisgerber, 

Rainer Kölmel, 

Gudrun Schretzmeier, 

Jens Bartram, 

Ray Müller, 

Barbara Philipp, 

Stephan Wagner, 

Monika Bauert, 

Fotos: © Florian Liedel 

Heinz Badewitz, 

Andreas Wodraschke, 

Wolfgang Treu, 

Esther Gronenborn, 

Hubertus Siegert, 

Dorothea Neukirchen, 

Gert Wilden Jr., 

Wolfgang Schukrafft 

Kinderfilm: Dokumentarfilm: 

Peter Zenk, 

Barbara Hennings, 

Lisa Martinek, 

Kit Hopkins, 

Lucie Bates, 

Martin Kukula, 

Dani Levy 

(es fehlt: Johannes Selle) 

Niko von Glasow, 

Angelika Krüger-Leißner, 

Werner Grassmann, 

Stefan Schwietert, 

Ehrenpreis (Ohne Foto) 

Peter R. Adam 

Dieter Ulrich Aselmann 

Regine Baschny 

Iris Berben 

Marlis Heppeler 

Christoph Hübner, 

Douglas Wolfsperger, 

Helge Albers 

Mathias Schwarz 

Manuela Stehr 

Jasmin Tabatabai 

Thomas Thieme 

Markus Zimmer 

13

Live dabei 

sein mit 

Entertain 

Glamour, Glanz 

und Gloria! 

Mit Entertain hautnah dabei sein, wenn der Deutsche Filmpreis verliehen wird. 

Wir drücken allen Nominierten die Daumen!

DIE NOMINIERUNGEN ZUM DEUTSCHEN FILMPREIS 2011 

Programmfüllende Spielfilme 

ALMANYA - WILLKOMMEN IN DEUTSCHLAND Andreas Richter, Ursula Woerner, Annie Brunner – Roxy Film 

Regie: Yasemin Samdereli 

DREI Stefan Arndt – X Filme Creative Pool 

Regie: Tom Tykwer 

DER GANZ GROSSE TRAUM Anatol Nitschke, Raoul Reinert – deutschfilm, Cuckoo Clock Entertainment, 

Senator Film Produktion 

Regie: Sebastian Grobler 

GOETHE! Christoph Müller, Helge Sasse – Senator Film Produktion 

Regie: Philipp Stölzl 

VINCENT WILL MEER Harald Kügler, Viola Jäger – Olga Film 

Regie: Ralf Huettner 

WER WENN NICHT WIR Thomas Kufus – zero one film 

Regie: Andres Veiel 

Programmfüllende Dokumentarfilme 

KINSHASA SYMPHONY Stefan Pannen, Holger Preuße –Sounding Images 

Regie: Claus Wischmann, Martin Baer 

PINA Wim Wenders, Gian-Piero Ringel – Neue Road Movies 

Regie: Wim Wenders 

Programmfüllende Kinderfilme 

CHANDANI UND IHR ELEFANT Arne Birkenstock, Helmut G. Weber – Fruitmarket Kultur und Medien, Tradewind Pictures 

Regie: Arne Birkenstock 

KONFERENZ DER TIERE Reinhard Klooss, Holger Tappe – Constantin Film Produktion 

Regie: Reinhard Klooss, Holger Tappe 

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Bestes Drehbuch 

Miraz Bezar MIN DÎT – DIE KINDER VON DIYARBAKIR 

Florian David Fitz VINCENT WILL MEER 

Nesrin Samdereli, ALMANYA – WILLKOMMEN IN DEUTSCHLAND 

Yasemin Samdereli 

Beste Regie 

Florian Cossen DAS LIED IN MIR 

Tom Tykwer DREI 

Wim Wenders PINA 

Beste darstellerische Leistung – weibliche Hauptrolle 

Bernadette Heerwagen DIE KOMMENDEN TAGE 

Lena Lauzemis WER WENN NICHT WIR 

Sophie Rois DREI 

Beste darstellerische Leistung – männliche Hauptrolle 

August Diehl WER WENN NICHT WIR 

Alexander Fehling GOETHE! 

Florian David Fitz VINCENT WILL MEER 

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Beste darstellerische Leistung – weibliche Nebenrolle 

Meret Becker BOXHAGENER PLATZ 

Katharina VINCENT WILL MEER 

Müller-Elmau 

Beatriz Spelzini DAS LIED IN MIR 

Beste darstellerische Leistung – männliche Nebenrolle 

Vedat Erincin SHAHADA 

Heino Ferch VINCENT WILL MEER 

Richy Müller POLL 

Beste Kamera/Bildgestaltung 

Matthias Fleischer DAS LIED IN MIR 

Daniela Knapp POLL 

Martin Langer DER GANZ GROSSE 

TRAUM 

Bester Schnitt 

Mathilde Bonnefoy DREI 

Ueli Christen WIR SIND DIE NACHT 

Hansjörg Weißbrich WER WENN NICHT WIR 


Bestes Szenenbild 

Silke Buhr POLL 

Christian M. Goldbeck WER WENN NICHT WIR 

Udo Kramer GOETHE! 

Bestes Kostümbild 

Monika Jacobs DER GANZ GROSSE TRAUM 

Thomas Oláh JUD SÜSS – FILM OHNE GEWISSEN 

Gioia Raspé POLL 

Bestes Maskenbild 

Kitty Kratschke, GOETHE! 

Heike Merker 

Björn Rehbein JUD SÜSS – FILM OHNE GEWISSEN 

Susana Sánchez POLL 

ES FOLGEN DIE NOMINIERUNGEN NACH FILMEN (in alphabetischer Reihenfolge der Filmtitel) 

Beste Filmmusik 

Matthias Klein DAS LIED IN MIR 

Heiko Maile WIR SIND DIE NACHT 

Tom Tykwer, DREI 

Johnny Klimek, 

Reinhold Heil, 

Gabriel Isaac Mounsey 

Beste Tongestaltung 

Manfred Banach, JERRY COTTON 

Christian Conrad, 

Tschangis Chahrokh 

Ansgar Frerich, PIANOMANIA – DIE SUCHE NACH DEM 

Sabine Panossian, PERFEKTEN KLANG 

Niklas Kammertöns 

Frank Kruse, DREI 

Matthias Lempert, 

Arno Wilms 

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Drei* Vincent will meer* 

Poll* Wer wenn nicht wir* Der ganz 

große Traum* Goethe!* Kinshasa 

Symphony* Pina* Die kommenden 

Tage* Boxhagener Platz* 

Wir sind die Nacht* Jerry Cotton* 

* 

Medienboard-gefördert. Die zwölf 

Filme sind insgesamt 36 Mal nominiert.

ALMANYA – WILLKOMMEN IN DEUTSCHLAND 

Dass die Produzenten 

Andreas Richter, Ursula 

Woerner und Annie 

Brunner von Roxy Film 

großen Wert auf ein 

ausgereiftes Drehbuch 

legen, haben die drei 

schon bei dem Kinoerfolg 

WER FRÜHER 

STIRBT IST LÄNGER 

TOT (R: Marcus H. 

Rosenmüller) bewiesen. 

Und dass sich das bezahlt 

macht, auch: 

Ihr Film bekam 2007 vier LOLAs, darunter die 

für den Besten Spielfilm in Silber. Die Autoren 

Christian Lerch und Marcus H. Rosenmüller 

erhielten den Preis für das Beste Drehbuch. 

Nun sind Roxy Film mit ALMANYA – WILL- 

KOMMEN IN DEUTSCHLAND (R: Yasemin 

Samdereli) wieder als Bester Spielfilm nominiert 

und – siehe da – die beiden Schwestern Nesrin 

Samdereli und Yasemin Samdereli für das Beste 

Drehbuch. 

ALMANYA – WILLKOMMEN IN DEUTSCHLAND 

erzählt die Geschichte des 1.000.001. Gastarbeiters 

von seiner Ankunft 1964 bis zur Gegenwart. 

Sie beginnt in einem Dorf in Anatolien, 

von wo aus Hüseyin Yilmaz (Fahri Yardim) 

Foto: © Christian Hartmann 

Bester Spielfilm – 

ANDREAS RICHTER 

– ORANGE - MEIN LEB- 

EN IN ORANGE (2011) 

– ALMANYA - WILL- 

KOMMEN IN 

DEUTSCHLAND (2010) 

– WER FRÜHER STIRBT 

IST LÄNGER TOT (2006) 

– DAS GESPENST VON 

CANTERVILLE 

(2005/TV) 

ohne seine Familie nach Deutschland zieht, um 

Geld zu verdienen. Später holt er Frau und Kinder 

nach. In der Jetztzeit ist Hüseyin Yilmaz 

(Vedat Erincin) bereits zweifacher Opa und 

sehnt sich zurück in seine Heimat nach Anatolien. 

Er hat dort ein Haus gekauft und möchte, 

dass die ganze Familie in den Herbstferien dorthin 

reist. Auf der Fahrt wird dem sechsjährigen 

Enkel die ganze Geschichte der Emigration, 

Integration und Emanzipation mit viel Witz in 

Rückblenden erzählt. Der Film spielt somit auf 



URSULA WOERNER 

– ORANGE - MEIN LE- 

BEN IN ORANGE 

(2011) 


KOMMEN IN 


– DAS BESTE KOMMT 

ERST (2009/TV) 



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zwei Zeit-Ebenen und an zwei verschiedenen 

Orten. Solch eine Struktur ist dramaturgisch 

nicht immer leicht und überzeugend zu händeln, 

aber die Autorinnen setzen hier auf Wiedererkennung 

und transportieren ausgesprochen 

liebevoll und erfrischend ähnliche Situationen 

geschickt in verschiedene Zeiten. Wenn z.B. die 

kleine Schwester und ihr Bruder in Deutschland 

am Fenster stehen, um begeistert das Müllauto 

zu beobachten, dann ist das niedlich. Wenn sie 

dann sagt, dass sie später mal Müllfrau werden 


20 


ANNIE BRUNNER 

– ORANGE-MEIN LEBEN 

IN ORANGE (2011) 

– DIE HEBAMME - AUF 

LEBEN UND TOD 

(2011/TV) 


KOMMEN IN 




will und ihr Bruder entgegnet, dass das nicht 

geht: Müllfrauen gibt es nicht – dann muss man 

schmunzeln. Und wenn dann das Mädchen als 

Frau 45 Jahre später in der Türkei Müllfahrerinnen 

auf der Straße sieht, dann erzählt das auf 

charmanteste Art, wie die Welt sich wandelt. 

Den Roxy-Film-Produzenten sind Nesrin und 

Yasemin Samdereli schon vor vielen Jahren an 

der Münchner Filmhochschule mit ihrem Film 

KISMET aufgefallen. Als ihnen die beiden dann 

ein erstes Drehbuch zu ALMANYA vorlegten, 

Foto: © Raimar von Wienskowski 

Bestes Drehbuch – 

NESRIN SAMDERELI 

– ALMANYA - 

WILLKOMMEN IN 


– TÜRKISCH FÜR 

ANFÄNGER (2006/TV) 

– ALLES GETÜRKT 

(2002/TV) 

– KISMET 

(2001/Kurzfilm) 

fanden die Produzenten ihre unkonventionelle 

Erzählweise sehr reizvoll, wussten aber, dass 

da noch eine ganze Menge Arbeit vor ihnen liegen 

würde. Zum Glück schreckte das niemanden 

ab. Mit großem inhaltlichen Interesse und sehr 

viel Liebe zum Detail entwickelten alle zusammen 

den Stoff erfolgreich zu einem großen Publikumsfilm, 

der aus einer deutsch-türkischen 

Familiengeschichte ein universelles Thema 

macht. 

Foto: © Raimar von Wienskowski 


YASEMIN SAMDERELI 

– ALMANYA - 



– ICH CHEF, DU NIX 

(2007/Regie/TV) 

– ALLES GETÜRKT 

(2002/TV) 

KISMET 



BOXHAGENER PLATZ 

Wenn man einen Berlin-Film 

dreht, kann 

man mit Meret Becker 

(Beste darstellerische 

Leistung – weibliche 

Nebenrolle) im Schauspiel-Ensembledefinitiv 

nichts falsch machen. 

Im Gegenteil. In 

Bremen geboren, aber 

in Berlin aufgewachsen, 

lebt und atmet 

sie diese Stadt. Wenn 

Meret Becker aufspielt, 

dann haben Herz und Schnauze noch eine direkte 

Verbindung. 

In Matti Geschonnecks neuem Film BOXHA- 

GENER PLATZ hört und sieht man das Ost- 

Berlin von 1968 – und man glaubt es regelrecht 

zu riechen. Meret Becker spielt eine dauergewellte 

und auftoupierte Friseuse (wie es damals 

als gängige Berufsbezeichnung noch hieß), 

verheiratet mit einem Polizisten, dem Abschnittsbevollmächtigten 

(Jürgen Vogel), und 

die Mutter eines 12-jährigen Jungen (Samuel 

Schneider). Sie heißt Renate, wie viele in dieser 

Zeit – möchte aber gerne ein bisschen anders 

sein als die anderen. Während draußen auf der 

Straße linientreue DDR-Bürger ihre Fahnen 

schwenken und dem Staatsoberhaupt Walter 

Ulbricht zujubeln, revoltiert Renate auf ihre 

Art, indem sie zuhause bleibt, das Radio und 

West-Fernsehen gleichzeitig aufdreht und sich 

Berichte von den Studentenprotesten auf dem 

Ku´Damm anschaut. Als ihr Gatte nach Hause 

kommt, macht er den Fernseher sofort leiser 

und sagt zu ihr: „Musst du immer so extrem sein, 

kannst du nicht mal ´nen vernünftigen Mittelweg 

finden.“ Genau das kann sie nicht. Eigentlich 

würde Renate am liebsten rüber machen, 

aber nie würde sie ihren Sohn hier zurücklassen. 

Und ihre Mutter (Gudrun Ritter) eigentlich auch 

nicht. Also macht sie das Beste draus: Wenn ihr 

die Decke auf den Kopf fällt und ihr Mann nervt, 

dann zieht sie sich was Schönes an und geht gegen 

den Strich tanzen. Manchmal trifft sie auch 

ihre Mutter auf ein Eierlikörchen, um sich von 

ihren neuen männlichen Eroberungen erzählen 

zu lassen. Dabei scheint sie sie zu beneiden und 

fragt sich, wie sie es macht, dass ihr die Männer 

immer früh genug wegsterben, während sie sich 

immer noch mit Demselben herumplagen muss. 

Meret Becker spielt diese Renate voller Hingabe 

aufbrausend, nölig, punkig, clownesk. Sie wirkt 

wie die, nein sie ist die Bohèmienne des Ostens. 

Beste weibliche 

Nebenrolle – 

MERET BECKER 

– KOMM NÄHER (2006) 

– POEM (2003) 

– PÜNKTCHEN UND 

ANTON (1999) 

– COMEDIAN 

HARMONISTS (1997) 

Foto: © Volker Roloff - Claussen+Wöbke+Putz Filmproduktion 

21

DREI 

Meist ist bei Dreien 

einer zuviel. Hier 

nicht. Das herkömmliche 

Mainstream-Kino 

ist eine Diktatur von 

Zweierbeziehungen, 

von Gut und Böse, von 

Schwarz und Weiß, 

von Mann und Frau. 

Bei Tom Tykwer (Beste 

Regie) aber wird die 

Drei zur perfekten Zahl. 

In seinem Film löst er 

sich von der dichotomischen 

Ordnung und schafft einen Mehrwert. 

Das macht diesen Filmstoff interessant. Und 

noch interessanter macht ihn, dass der Dritte 

hier nicht alles schwieriger, sondern am Ende 

sogar einfacher macht. 

22 

DREI erzählt also die Geschichte einer ménage à 

trois. Hanna (Sophie Rois, Beste darstellerische 

Leistung – weibliche Hauptrolle) und Simon 

(Sebastian Schipper) leben seit 20 Jahren zusammen. 

Beide um die 40, gut eingerichtet in ihrem 

Job, in ihrem gemeinsamen Leben, im heutigen 

Berlin mit seinen vielen offenen Möglichkeiten 

und wenigen Beschränkungen. Dann lernt Hanna 

den Stammzellenforscher Adam (Devid Striesow) 

auf einer Ethik-Tagung kennen und beginnt 

eine Affäre. Simon trifft denselben Adam in der 



STEFAN ARNDT 

– DAS WEISSE BAND 

(2009) 

– GOODBYE LENIN! 

(2003) 

– VÄTER - DER FILM 

(2002) 

– LOLA RENNT (1998) 

Sauna und macht seine ersten homosexuellen 

Erfahrungen mit ihm. Einer ahnt nichts vom 

anderen, alles läuft parallel, nichts scheint aufzufliegen. 

Bis Hanna plötzlich schwanger ist. 

Tom Tykwer wollte die Rolle der Hanna von 

Anfang an mit Sophie Rois besetzen, er hat 

schon beim Schreiben in der Drehbuchphase 

ganz klar an sie und ihre Impulsivität gedacht. 

„In meinen Augen hat sie eines der schönsten, 

aber auch nuancenreichsten Gesichter, das wir 

hier in Deutschland haben“, schwärmt er von 

Foto: © Joachim Gern 

Beste Regie/ 

Beste Filmmusik – 

TOM TYKWER 

– THE INTER- 

NATIONAL (2008) 

– DAS PARFUM - DIE 

GESCHICHTE EINES 

MÖRDERS (2006) 


– DIE TÖDLICHE 

MARIA (1993) 


ihr in einem Interview zu DREI. „Sie ist eine attraktive 

Frau, wie ich sie für meinen Geschmack 

viel zu selten im Kino sehe, und sie schafft es, 

das Liebenswerte dieser Figur hervorzubringen, 

die ja von der Anlage auch eine sehr anstrengende 

Seite hat.“ Wenn Hanna z.B. in der Klinik am 

Bett ihres Mannes sitzt und schmollend zu ihm 

sagt: „Ich kann es nicht leiden, wenn du krank 

bist. Mir ist dann langweilig!“, bekommt man 

eine Ahnung von ihrer auch anstrengenden Seite. 

Aber egal ob Hanna ganz privat zu Hause im 

Unterhemdchen, mit Blümchenschlüpfer und 

schwarzer Feinstrumpfhose in ihrer Küche steht 

oder gut geschminkt und aufgerüscht in ihrer 

Fernsehsendung vor der Kamera agiert, Sophie 

Rois gibt ihrer Figur in jedem Fall eine nonchalante 

Grandezza. Auf der Website zum Film bekennt 

Sophie Rois, dass sie katholisch ist und 

deshalb einige Probleme hatte, sich für die Sexszenen 

ganz nackt zu machen. Dass sie in einer 

Liebesszene rosa Bettsöckchen trägt, ist auf der 

Leinwand dann nicht zu sehen. 

Vielleicht sind die rosa Strümpfe am Ende der 

Schere von Mathilde Bonnefoy (Bester Schnitt) 

zum Opfer gefallen. Die aus Frankreich stammende 

Schnittmeisterin gehört neben dem 

Kameramann Frank Griebe und dem Szenenbildner 

Uli Hanisch, den Musikern (Reinhold 

Heil, Johnny Klimek, Gabriel Isaak Mounsey, 

Foto: © X Verleih AG 


Hauptrolle – 

SOPHIE ROIS 

– DREI (2010) 

– DER ARCHITEKT 

(2009) 

– FRÄULEIN PHYLLIS 

(2004) 

– WIR KÖNNEN AUCH 

ANDERS (1993) 

Tom Tykwer, Beste Filmmusik), den Tongestaltern 

(Frank Kruse, Matthias Lempert, Arno 

Wilms, Beste Tongestaltung) und vielen anderen 

zu einem festen Stamm von Leuten, mit denen 

Tom Tykwer immer wieder gern zusammenarbeitet, 

sowohl bei deutschen als auch bei internationalen 

Produktionen. Das erste Mal schnitt 

Mathilde Bonnefoy für Tom Tykwer bei LOLA 

RENNT und bekam für ihr Debüt als Spielfilm- 

Schnittmeisterin den DEUTSCHEN FILMPREIS 

(1999). Sie ist der Auffassung, dass ein Film 

Bester Schnitt – 

MATHILDE BONNEFOY 

– ORLY (2010) 



– THE SOUL OF A MAN 

(2003) 


23

„erst im Schneideraum gestaltet wird“ und dass 

„ein guter Film vor allem auch ein gut geschnittener 

Film“ ist. Tykwer beschreibt, dass er im 

Schneideraum mit Mathilde Bonnefoy immer 

ein grundlegendes Rewrite des gesamten Mate- 

rials vornimmt. Meist verschanzen sie sich monatelang, 

um alle optimalen Möglichkeiten zu 

prüfen. Er empfindet es als „großes Glück“, dass 

„Mathilde eigentlich vor nichts zurückschreckt, 

um diese Alternativen aufzuspüren.“ 

24 


JOHNNY KLIMEK 

– THE KILLER ELITE 





– ONE HOUR PHOTO 

(2002) 


In dieser Zeit der Arbeit an der Struktur des 

Films, konzentriert sich Tykwer mit Bonnefoy 

auf den Rhythmus der Bilder. Gleichzeitig arbeitet 

er auch schon mit seinen Kollegen von 

Musik und Ton an der Gestaltung der akustischen 

Ebene. Zur Filmmusik meint Tykwer: 

„Musik ist ein dramaturgisch wichtiger Baustein 

und ein emotionales Wirkungsmittel eines 

Films, da ist es doch geradezu grotesk, sie 

am Ende noch auf die Schnelle zuzufügen, statt 


REINHOLD HEIL 

– THE KILLER ELITE 


– LAND OF THE DEAD 

(2005) 

– ONE HOUR PHOTO 

(2002) 


sie mit dem Film zusammen zu entwickeln.“ 

Deshalb trifft er sich schon früh mit den Musikern, 

um Themen auf der Basis des Drehbuchs 

zu entwickeln und am Ende setzen sie sich mit 

einem Computer, einem Klavier und ein paar 

Instrumenten in einen Raum und spielen los. 

All diese Vertrautheit und gleichzeitige 

Freiheit im Arbeiten ermöglichte ihm auch 

sein langjähriger Freund, Kollege und Produzent 

Stefan Arndt (Bester Spielfilm) von 


GABRIEL ISAAC 

MOUNSEY 

– BIS AUFS BLUT - 

BRÜDER AUF 

BEWÄHRUNG (2009) 


X Filme Creative Pool. Die beiden kennen sich 

seit Ende der achtziger Jahre, als Stefan Arndt 

noch Kinobetreiber des Sputnik-Kinos und 

Tom Tykwer Programmleiter des Moviemento 

in Berlin war. Obwohl sie damals eigentlich 

„Konkurrenten“ waren, fragte Tykwer bei Arndt 

an, ob er seinen Film DIE TÖDLICHE MARIA 

(1993) mit ihm zusammen produzieren würde. 

Daraufhin gründeten sie die Produktionsfirma 

Liebesfilm und zwei Jahre später schließlich, 

Beste Tongestaltung – 

FRANK KRUSE 

– ORLY (2010) 






– SONNENALLEE 

(1999) 

zusammen mit Dani Levy und Wolfgang Becker, 

X Filme Creative Pool. Seitdem haben sich die 

beiden nicht aus den Augen verloren. Im Gegenteil, 

sie sind Partner geblieben – auch in der 

Zeit, als Tykwer viel international gearbeitet 

hat. DREI ist der erste Film in der bewährten 

Konstellation nach zehn Jahren. 


MATTHIAS LEMPERT 

– PINA (2010) 

– DREI (2010) 

– ORLY (2010) 

– NUIT DE CHIEN 

(2008) 


ARNO WILMS 

– DAS LEBEN DER 

ANDEREN (2005) 

– ALLES AUF ZUCKER 

(2004) 

– DAS WUNDER VON 

BERN (2002) 

– DIE TÖDLICHE 

MARIA (1993) 

25

DER GANZ GROSSE TRAUM 

Damit das Wunder von 

Bern überhaupt stattfinden 

konnte, war keine 

hundert Jahre zuvor 

erst einmal dieses Unding 

von Braunschweig 

nötig. Dabei ist es weniger 

wichtig, ob der 

Englischlehrer mit dem 

Lederball in der Tasche 

verpennt in der Postkutsche 

von Angelsachsen 

ins heutige Niedersachsen 

kam und 

ausgerechnet aus dem viktorianischen England 

moderne Erziehungsmethoden ins deutsche Kaiserreich 

brachte. Wichtig und bemerkenswert 

ist, dass sich die Sportart, die die Engländer 

heute definieren als den Wettkampf von 22 Männern, 

den am Ende immer Deutschland gewinnt, 

in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts so 

gar nicht punkten konnte. Diese Sportart passte 

nicht in eine militarisierte Gesellschaft, in der 

die Regeln eines Turnvater Jahn den Exerzitien 

auf dem Drillplatz eher entsprachen als ein Ballspiel, 

in dem sich individuelle Intelligenz, Intuition, 

Körperlichkeit und Kreativität mit solidarischem 

Teamgeist verbündete. DER GANZ GROSSE 

TRAUM war für viele ein Alptraum. 

Der Regisseur Sebastian Grobler, ein Absolvent 

der Filmakademie Baden-Württemberg, hat 

sich mit den Autoren Philipp Roth und Johanna 

Stuttmann mehr für die Wahrheit auf dem Platz 

als die Details aus den Geschichtsbüchern interessiert 

und damit in jeder Beziehung den Dreh 

gefunden, nicht nur den ganz großen Traum des 

Konrad Koch, sondern auch seinen eigenen auf 

die Leinwand zu bringen. 

Der Produzent Raoul Reinert entwickelte die 

Idee zu dieser Geschichte gemeinsam mit Grobler 

bereits zu seiner Zeit als Producer beim 

Studio Hamburg. Mit Anatol Nitschke kam ein 

Partner in das Projekt, der es mit persönlicher 

Leidenschaft und großer Erfahrung im Kinomarkt 

weiter vorantreiben wollte und konnte. 

Anatol Nitschke und Raoul Reinert (deutschfilm, 

Senator Film Produktion, Cukoo Clock Entertainment 

– Bester Spielfilm) schafften die Möglich- 

keiten für einen historischen Film mit Romantik, 

Witz und dem Mut zum Gefühl, bei dem es weder 

hinter noch vor der Kamera an Erstliga-Spielern 

mangelte. 

Daniel Brühl ist Konrad Koch, der Lehrer mit der 

Vision. Burghart Klaußner ist der Schuldirektor 

zwischen Tradition und Moderne. Und Justus 

von Dohnányi ist der dünkelhafte Schulmäzen, 

der zusammen mit den Lehrern Thomas Thieme 

und Jürgen Tonkel Konrad Koch das Leben und 

Lehren schwer macht. 


ANATOL NITSCHKE 

– DER GANZ GROSSE 

TRAUM (2010) 

– GOETHE! (2010) 

– WER WENN NICHT 

WIR (2010) 

26 

DEUTSCHER FILMPREIS 2008 2011

Für den Look des Films waren zusammen mit 

dem Szenenbildner Thomas Freudenthal – der 

unter anderem mit seiner Arbeit für Filme wie 

HILDE und EFFI BRIEST Erfahrungen für historisches 

Szenenbild in unterschiedlichen Epochen 

sammeln konnte – zwei Personen verantwortlich: 

Die Kostümbildnerin Monika Jacobs (Bestes 

Kostümbild), die bekannt wurde durch ihre 

Zusammenarbeit mit Barbara Baum und ihre 

Arbeit an den letzten Filmen von Rainer Werner 

Fassbinder (u.a. BERLIN ALEXANDERPLATZ 


RAOUL REINERT 


TRAUM (2010) 

– KOYAMAS MENÜ 

(2009) 

– PFARRER BRAUN 

(2008-2009/TV) 

– HIMMELFAHRT 

(2003) 

und DIE SEHNSUCHT DER VERONIKA VOSS) 

und von Anfang an mit Tom Tykwer, ist bei diesem 

Stoff besonders herausgefordert, weil sie 

nicht nur das komplette Spektrum des sozialen 

Lebens der Zeit neu einkleiden muss. Sie arbeitet 

auch in unbekannten Welten. Was man wirklich 

zum Bolzen trug in den siebziger Jahren des 19. 

Jahrhunderts, ist eine Frage, deren Beantwortung 

auch eine gewisse künstlerische Freiheit 

zulässt. Martin Langer (Beste Kamera/Bildgestaltung) 

schuf die Bilder aus einer anderen Zeit. 

Beste Kamera – 

MARTIN LANGER 

– DIE WEISSE MASSAI 

(2005) 

– SOPHIE SCHOLL - 

DIE LETZTEN TAGE 

(2005) 

– THE I INSIDE - IM 

AUGE DES TODES (2004) 

– 14 TAGE LEBENS- 

LÄNGLICH (1997) 

Der erfahrene Kinematograf, der regelmäßig 

mit Roland Suso Richter, Marc Rothemund und 

Hermine Huntgeburth zusammenarbeitet, bewegt 

sich sicher zwischen der räumlichen und 

mentalen Enge eines Gesellschafts- und Erziehungssystems 

und der Entdeckung einer neuen 

Bewegungsfreiheit im wahrsten Sinne des 

Wortes. 

Foto: © Maria Krumwiede 

Bestes Kostümbild – 

MONIKA JACOBS 


TRAUM (2010) 

– EIN RUSSISCHER 

SOMMER (2009) 


– DER HIMMEL ÜBER 

BERLIN (1987) 

27

GOETHE! 

GEOTHE! ++ WARNER BROS. ++ Artwork Poster A3/1/0 

28 

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ALEXANDER FREHLING MIRIAM STEIN MORITZ BLEIBTREU 

DEMNÄCHST IM KINO KI 

Goethe im Kino. Das 

könnte nach Deutschunterricht 

auf Zelluloid 

klingen. Oder nach 

dem Faust im Nacken 

unwilliger Schüler, 

die lieber die Faust 

im Gesicht von Sylvester 

Stallone sehen 

würden. Doch wenn 

der nicht gerade für 

trockene Bildungsbürgerkost 

bekannte Film- 

und Theaterregisseur 

Philipp Stölzl auf die Produzenten Christoph 

Müller und Helge Sasse (Senator Film Produktion, 

deutschfilm – Bester Spielfilm) trifft, kann 

das auch ganz anders aussehen und ausgehen. 

Christoph Müller wollte nämlich schon seit 

vielen Jahren einen Film über Goethe machen. 

Er hatte sich bereits mit einigen Regisseuren 

und Drehbuchautoren getroffen und sich auch 

schon an dem einen oder anderen Entwurf abgearbeitet. 

Bis ihm dann (eigentlich seinem 

Bruder Markus) die zündende Idee kam, einen 

Film über den noch sehr jungen Goethe zu machen, 

der als Dichter noch unbekannt war und 

erst über die Liebe zu einer Frau (oder zu mehreren?) 

seinen „Werther“ schrieb - und zum echten 

Bestseller wurde. Zusammen mit Philipp Stölzl 

und Alexander Dydyna hat er dann „das Thema 

Foto: © Senator/ Fabrice Dall’Anese 


CHRISTOPH MÜLLER 

– GOETHE! (2010) 

– WHISKY MIT WODKA 

(2008) 

– VOLLIDIOT (2007) 

– SOPHIE SCHOLL - 

DIE LETZTEN TAGE 

(2005) 

geknackt“ und ein Drehbuch geschrieben. Der 

Goethe, den die drei „erdichtet“ haben, ist sehr 

nah am Leben des Dichterfürsten, ist aber kein 

in jeder Hinsicht historisch verbürgter Goethe: 

Er ist modern, rebellisch, komisch, intensiv. 

Die Macher wollten „das verstaubte Bild einer 

deutschen Legende in neuen Farben leuchten“ 

lassen. Und dabei haben sie sich inhaltlich einige 

Freiheiten genommen. Beim Szenenbild 

sind sie allerdings anders vorgegangen. Philipp 

Stölzl legt großen Wert darauf, dass alles so au- 

Foto: © Kim Frank 


HELGE SASSE 

– GOETHE! (2010) 


WIR (2010) 


TRAUM (2010) 


thentisch wie möglich aussieht. Mit Szenenbildner 

Udo Kramer (Bestes Szenenbild), der auch 

schon das Set Design zu Stölzls letztem Film 

NORDWAND entworfen hatte, recherchierten sie 

Straßenzüge des 18. Jahrhunderts und orientierten 

sich dabei auch an Gemälden von Canaletto 

(Bernardo Bellotto, 1722-1780). Dann machten 

sie sich auf die Suche nach geeigneten Schauplätzen 

und fanden die meisten erhaltenen Bauten 

in ihrem Sinne in Sachsen und Thüringen. 

Diese Originalschauplätze ergänzten sie dann 

im Einzelfall: Das Team baute alles, was fehlte, 

in die vorhandenen Räume ein, um das Bild 

stimmig zu machen. Udo Kramer nennt dieses 

Prinzip „Mischtechnik“, die vom Ausstatter eine 

ergänzende Arbeit erfordert und das Resultat 

runder macht. Generell kann man sagen, dass 60 

Prozent des Sets Originalbauten waren, 40 Prozent 

haben Kramer und sein Ausstattungsteam 

hinzugefügt. Alle Straßenszenen sind in Görlitz, 

einer zur Renaissance-Zeit recht wohlhabenden 

Stadt, entstanden. Zu DDR-Zeiten war Görlitz 

ein sehr beliebter Drehort. Das ist er in den letzten 

Jahren wieder geworden, obwohl heute die 

meisten Fassaden schon renoviert sind. Aber 

ein Marktplatz und zwei Straßenkreuzungen 

reichten aus, um alle Straßburger, Frankfurter 

und Wetzlarer Außenszenen zu drehen. Was 

noch fehlte, wurde durch digitale Effekte ergänzt. 

Produzent Christoph Müller gab in einem 

Interview ein schönes Beispiel: „Die Jungs von 

Foto: © 2010 Warner Bros. Ent. 

Beste männliche 


ALEXANDER FEHLING 


WIR (2010) 

– 13 SEMESTER (2008) 

– INGLORIOUS 

BASTERDS (2008) 

– AM ENDE KOMMEN 

TOURISTEN (2006) 

Lug und Trug für visuelle Effekte arbeiten äußerst 

präzise. Einer von ihnen fuhr nach Straßburg 

und fotografierte das Münster – diese Bilder 

werden dann in die Filmbilder eingebaut.“ 

So konnten sie eine einzige Straße in Görlitz für 

die unterschiedlichen Szenen so umbauen, dass 

sie im Film wie drei verschiedene Städte aussieht. 

Aber selbst einem Laien fällt sofort auf, 

dass hier gut und mit Liebe zum Detail gearbeitet 

wurde. 

Bestes Szenenbild – 

UDO KRAMER 

– CHICKEN WITH 

PLUMS (2010) 

– SAME SAME BUT 

DIFFERENT (2009) 

– NORDWAND (2007) 

– KNALLHART (2005) 

29

Der Dreck ist echt. In GOETHE! müssen sich die 

Menschen zu Fuß oder in ihren Kutschen durch 

Berge von Matsch und Abfall kämpfen. Das 

macht Spaß anzuschauen. Es gab keine Kanalisation 

und auch keine Straßenreinigung im heutigen 

Sinne – und das sieht man. So sind Goethe 

(Alexander Fehling, Beste darstellerische Leistung 

– männliche Hauptrolle) und sein Freund 

Jerusalem (Volker Bruch) – den Umständen entsprechend 

– auch nicht immer korrekt zurecht 

gemacht. Mal ist ein Fleck auf Goethes Frack, 

mal sitzt die Perücke nicht richtig. Als Goethe 

nach einer wilden Nacht am nächsten Morgen 

an seinem Arbeitsplatz am Gericht antritt und 

seine Ausgeh-Perücke offensichtlich nur schnell 

über die Haare geworfen hat, tadelt ihn sein 

Vorgesetzter Kestner (Moritz Bleibtreu) treffend: 

„Ihr Äußeres lässt zu wünschen übrig.“ Die beiden 

Maskenbildnerinnen Kitty Kratschke und 

30 

Heike Merker (Bestes Maskenbild) hatten da einiges 

zu leisten, um die einzelnen Rollen im großen 

Ensemble in den jeweils rechten Gemütszustand 

zu versetzen. Wenn Goethe erst keck und 

auftrumpfend ausschaut, später selig verliebt, 

dann verzweifelt, dann dem Delirium nahe und 

am Ende befreit und sogar stolz, dann kann 

man das alles im glücklichen oder verschwitzten 

oder versteinerten Gesicht von Goethe sehen. 

Und dass das nicht allein eine Leistung der 

Maske ist, bewies Alexander Fehling als auffäl- 

Bestes Maskenbild – 

KITTY KRATSCHKE 

– HOTEL LUX (2011) 

– RUBBELDIEKATZ 


– GOETHE! (2010) 


liger Schauspieler in vielen seiner bisherigen 

Filme. Das erste Mal nahm ihn ein größeres Publikum 

als Zivildienstleistenden in der Gedenkstätte 

Auschwitz im Film AM ENDE KOMMEN 

TOURISTEN von Robert Thalheim wahr. Zuletzt 

fiel er durch seine differenzierte Interpretation 

des Terroristen Andreas Baader in Andres Veils 

Berlinale-Wettbewerbsbeitrag WER WENN 

NICHT WIR auf. Zurecht wurde er auch auf der 

diesjährigen Berlinale als deutscher Shooting 

Star 2011 ausgezeichnet. 


HEIKE MERKER 

– ANOMYMUS (2010) 

– JOHN RABE (2007) 

– VALLEY OF FLOWERS 

(2004) 

– SCHATTEN DER 

ZEIT (2003) 


Nicht N 

jeder kann sie haben – 

die LOLA

JERRY COTTON 

Offensichtlich lässt 

sich der echte Mythos 

eines Films oder einer 

Figur erst messen, 

wenn man diesen dem 

Härtetest einer parodistischen 

Hommage 

unterzieht. Das Ergebnis 

für Winnetou und 

Old Shatterhand wäre 

demnach überwältigend, 

was Michael Bully 

Herbig zu beweisen 

wusste. Auch Edgar 

Wallace´ Bösewicht mit dem Decknamen „Der 

Hexer“ kommt nicht schlecht weg. Er war gut 

32 

für zwei veritable Parodien mit beachtlicher 

Publikumsresonanz. Anders sieht die Bilanz in 

dieser völlig hypothetischen, unredlichen, aber 

vielleicht doch nicht ganz unsinnigen Rechnung 

für den Superhelden des Groschenheftes 

aus: JERRY COTTON stand vergleichbar verloren 

in den Straßen von Manhattan, obwohl 

alles um ihn herum stimmte (nur die Straßen 

von Manhattan nicht, denn der Film wurde ausschließlich 

in Berlin und Hamburg gedreht.) 

Christian Becker hatte mit dem Team aus seiner 

Rat Pack Filmproduktion das Production Value 

geschaffen, das man von ihm gewöhnt ist. Die 

Besetzung mit Christian Tramitz und Christian 

Ulmen gab ein schräges Duo ab. Und hinter der 

Kamera, die Torsten Breuer souverän führte, 

stand das Regie-Gespann, das uns schon NEU- 

ES VOM WIXXER zu bieten wusste, Cyril Boss 

und Philipp Stennert. So wurde JERRY COTTON 

also kein Blockbuster und kann sich dennoch 

selbstbewusst und auffällig in die vielfältige 

bis unübersichtliche deutsche Filmlandschaft 

des letzten Jahres stellen, weil er handwerklich 

Zeichen gesetzt hat. 

Die Geschichte des FBI-Agenten, dem eigentlich 

noch mehr gelingt als James Bond – und das 

mit deutlich weniger technischen Hilfsmitteln – 

und der sich minütlich aus einer ausweg- 

losen Situation zu retten vermag, haben Boss 

& Stennert konsequent als Action-Komödie 

erzählt, in der neben dem Helden der Trottel 

mit dem Glück des Törichten nicht fehlen darf. 


Tramitz und Ulmen geben das seltsame Ermittler-Paar 

nach allen Regeln der Slapstick-Kunst, 

grüßen im Vorübergehen Peter Sellers und Leslie 

Nielsen, schauen auch mal beim Frosch mit 

der Maske vorbei und lösen den Fall auf jeden 

Fall. 

Die Tongestalter Manfred Banach, Christian 

Conrad und Tschangis Chahrokh (Beste Tongestaltung) 

sind treu und dabei mit viel Originalität 

den Regeln des Genres gefolgt. 

Dabei war Banach für den Set-Ton zuständig, 


MANFRED BANACH 

– ANONYMOUS (2010) 

– JERRY COTTON 

(2009) 

– DER VORLESER 

(2008) 

– KRABAT (2006) 

Christian Conrad entwickelte das Sound-Design, 

der Mischtonmeister Tschangis Charokh finalisierte. 

JERRY COTTON ist in keiner Beziehung 

ein Film der leisen Töne. Das kann und will er 

auch nicht sein. Aber da, wo es laut wird, wird 

es irgendwie anders laut als erwartet. Das Irreale 

und Irrwitzige ist deutlich zu hören, wird 

aber nicht mit dem Dampfhammer vertont. 

Wenn es so etwas wie Ohrenzwinkern gäbe – 

die Tongestaltung dieses Films hätte ein Musterbeispiel 

dafür geliefert. 


CHRISTIAN CONRAD 

– THE DOOR (2011) 

– SAME SAME BUT 

DIFFERENT (2009) 

– BRONSON (2008) 

– LAST KING OF 

SCOTLAND (2006) 


TSCHANGIS CHAHROKH 

– JERRY COTTON 

(2010) 


– SOPHIE SCHOLL 

(2004) 

– NIRGENDWO IN 

AFRIKA (2001) 

33

JUD SÜSS – FILM OHNE GEWISSEN 

Es ist und bleibt wohl 

der berühmteste Film 

aller Zeiten, den kaum 

einer kennt. Veit Harlans 

„Jüd Süß“, den 

Film- und Propagandaminister 

Joseph 

Goebbels von Anfang 

an als „Panzerkreuzer 

Potemkin“ des Nationalsozialismuskonzipiert 

hatte, wurde auf 

den Filmfestspielen von 

Venedig 1940 uraufgeführt 

und durchaus gefeiert. Gleichzeitig inspirierte 

er SS-Schergen, ihre Hunde auf Juden zu 

hetzen. Filmkunst und Volksverhetzung, beides in 

Einem, nur eines von Beidem? Der Film hatte weit 

über hundert Millionen Zuschauer nach seiner 

Uraufführung in allen Ecken Europas, die kurzfristig 

deutsch gemacht wurden. Nach dem Krieg 

wurde er verboten. Oskar Roehler hat sich für die 

Entstehungs- und Wirkungsgeschichte interessiert. 

Und für die Menschen, deren Leben dieser 

Film am Direktesten beeinflusst hat. Und er hat 

sich für die Mechanismen interessiert, die zur 

34 

Entstehung eines solchen Filmes führen und was 

sie mit diesen Menschen anrichten. Doch auch bei 

großen Themen verliert Oskar Roehler nie den 

Blick für filmische Details. JUD SÜSS – FILM 

OHNE GEWISSEN ist ein historischer Film mit 

besonderen Chancen und Herausforderungen. 

Jeder Kostümbildner weiß, welche Anzüge und 

Kleider die politische und künstlerische Kaste 

jener Jahre trug. Und die Kostüme des Originalfilms 

sind in Archiven nachzuschauen. Aber 

Thomas Oláh (Bestes Kostümbild) scheint nach 

mehr gesucht zu haben. Nach der Brücke zwischen 

Moderne und Historie, die sich ja auch 

durch seine bisherige Arbeit zieht. Und nach der 

individuellen Erzählung eines Charakters durch 

seine Be-, aber auch Entkleidung. Diese Liebe 

zum Detail, die nicht zwingend die Liebe zur Authentizität 

sein muss, findet sich auch bei dem 

international äußerst umtriebigen und gefragten 

Maskenbildner Björn Rehbein (Bestes Maskenbild), 

der natürlich das Elend im Gesicht eines 

Ghettobewohners ebenso sichtbar machen kann 

wie die Perfidie in dem eines Nazi-Offiziers. Aber 

richtig spannend wird es, wenn bei Goebbels die 

Frisur für einen kurzen so teuflischen wie verräterischen 

Moment aus dem Lack gerät. 


THOMAS OLÁH 

– JUD SÜSS - FILM 

OHNE GEWISSEN 

(2010) 

– WOMEN WITHOUT 

MEN (2009) 

– TRANSSIBERIAN 

(2008) 

– KABALE UND LIEBE 

(2005/TV) 


BJÖRN REHBEIN 

– ANONYMOUS (2011) 

– JUD SÜSS - FILM 

OHNE GEWISSEN 

(2010) 




– GOODBYE LENIN 

(2003) 

DEUTSCHER FILMPREIS 2011 

Foto: © Stefan Oláh 

Foto: © Nik Moronese

DIE KOMMENDEN TAGE 

„Die Dinge werden sich 

ändern in den kommenden 

Tagen“, ahnt 

Laura Kuper, eine Tochter 

aus gutem Hause. 

Und sie ahnt auch, dass 

es dabei nicht nur um 

ihren persönlichen Lebensweg 

geht, der nach 

dem Studium eine neue 

Richtung einnehmen 

muss. Es geht um viel 

mehr. DIE KOMMEN- 

DEN TAGE – das ist 

eine handfeste, also greifbare Beschreibung der 

nahen Zukunft. Ein Hinweis auf die Zeit, in der 

der gleichnamige Film von Lars Kraume spielt. 

Es sind auffällige Kleinigkeiten – vor allem im 

Bild der Stadt Berlin, die den Film jenseits von 

heute ansiedeln: Verkehrsmittel, Ampelschaltungen, 

Teile des Interieurs von öffentlichen Orten. 

Die kommenden Tage, das sagt der Film, werden 

wir alle noch erleben. Aber die kommenden Tage 

müssen auch überlebt werden. 

Laura Kuper spürt, dass es existenziell wird. 

Persönlich, weil es auch um Liebe und Familie 

geht. Und poltisch. Das macht ihr ihre radikale 

Schwester klar. Bernadette Heerwagen (Beste 

darstellerische Leistung – weibliche Hauptrolle) 

spielt Laura Kuper. Und dass Johanna Wokalek 

ihre ältere, politisch aktive Schwester spielt, ist – 

ganz nebenbei – eine der tollsten Besetzungsideen 

des Jahres. 

Die Schwestern, bei denen sich herausstellt, dass 

das Haus, aus dem sie stammen, vielleicht doch 

kein so gutes ist, leben mit Constantin (August 

Diehl) zusammen, einem attraktiven Aktivisten. 

Bis Laura den jungen Anwalt Hans (Daniel Brühl) 

trifft, mit dem sie nicht nur die kommenden 

Tage, sondern auch die kommenden Jahre plant. 

Aber die Dinge werden sich ändern. 

Besonders für Laura, die nicht schwanger werden 

kann von Hans und die die Welt und ihre 

Familie retten will. Laura Kuper ist die zentrale 

Figur eines vielschichtigen Films – und nicht 

nur deshalb eine vielschichtige Figur. Bernadette 

Heerwagen ist dieser Person auf bewundernswert 

souveräne Weise gewachsen. Sie ist 

die Tochter, die sich noch mal eine Minute mehr 

Zeit für ihre kaputten Eltern nimmt. Sie ist die 

Schwester, die sich mit dem schwierigen Bruder 

gegen jede Chance auseinandersetzt. Sie ist die 

Frau, die Liebe lebt, weil sie Liebe erlebt. Sie ist 

die Geliebte, die nicht betrügt. Und sie ist die 

Mutter, die für die Zukunft ihres Kindes alles riskiert. 

Dabei gerät sie niemals zur Heiligen oder 

zur Karikatur. Sie ist bei allem so sehr bei sich, 

dass es dem Publikum nicht schwer fällt, bei 

allem auch bei ihr zu sein. 

Foto: © 2009 Badlands Film / UFA Cinema 



BERNADETTE 

HEERWAGEN 

– DIE KOMMENDEN 

TAGE (2009) 

– AN DIE GRENZE (2006) 

– GRÜSSE AUS 

KASCHMIR (2002) 

– DER SCHANDFLECK 

(1998) 

35

DAS LIED IN MIR 

Maria (Jessica Schwarz) 

ist auf dem Weg 

nach Chile zu einem 

Schwimmwettkampf. 

Bei einem Zwischenstopp 

in Buenos Aires 

verpasst sie ihren Anschluss 

und muss in 

der Stadt bleiben. Ihrem 

Vater (Michael 

Gwisdek) hinterlässt 

sie eine Nachricht 

auf dem Anrufbeantworter, 

damit er sich 

nicht sorgt, und erzählt ihm außerdem von einer 

merkwürdigen Geschichte, die ihr am Flughafen 

passiert ist. Eine Mutter hat ihrem Baby ein 

spanisches Kinderlied vorgesungen – und Maria 

kannte es. Sie weiß nicht warum und woher, aber 

sie kannte die Melodie und konnte es mitsingen, 

obwohl sie eigentlich gar kein spanisch spricht. 

Einen Tag später steht ihr Vater vor ihrem Hotel in 

36 

Buenos Aires und will sie zur schnellen Weiterreise 

bewegen. Aber Maria bleibt. Sie fühlt sich 

auf unerklärliche Weise von der Stadt und von 

den Leuten angezogen. Sie muss das Geheimnis 

lüften. DAS LIED IN MIR ist der Diplomfilm 

von Florian Cossen (Beste Regie) an der Filmakademie 

Ludwigsburg. Florian Cossen ist als 

Kind eines Diplomaten in Tel Aviv geboren und 

wuchs in verschiedenen Ländern auf, lebte beispielsweise 

von 1988 bis 1994 für sechs Jahre 

in Spanien und kam dann mit 15 nach Deutsch- 

Foto: © Julieta Schildknecht 

Beste Regie – 

FLORIAN COSSEN 

– DAS LIED IN MIR 

(2010) 

– L‘OUBLI/DAS VER- 

GESSEN (2006/ 

Kurzfilm, Co-Regie) 

– WOLFSNACHT (2005/ 

Kurzfilm) 

– EISTAG (2004/Kurzfilm) 

land. Bei einem Auslandssemester 2006 an der 

Universidad del Cine in Buenos Aires hörte er 

zum ersten Mal von der Verschleppung von Kindern 

zur Zeit der argentinischen Militärdiktatur 

in den siebziger und achtziger Jahren. Als ihm 

klar wurde, dass von den rund 500 vermissten 

Kindern viele ins Ausland verschleppt wurden, 

auch nach Deutschland, hatte er seinen Stoff für 

den Abschluss an der Filmhochschule gefunden. 

Zusammen mit Studienkollegin Elena von 

Saucken schrieb er ein Drehbuch, das den BR 

Foto: © Schwarz-Weiss Filmverleih 



BEATRIZ SPELZINI 

– EL GATO DESAPARE 

CE (2010) 

– YO LA RECUERDO 

AHORA (2007) 

– OLGA,VICTORIA, 

OLGA (2005) 

– RICONCILIATI (2000) 


(Claudia Gladziejewski) und die Produktionsfirma 

teamworx (Jochen Laube und Fabian Maubach) 

überzeugten, so dass dem Dreh in Buenos 

Aires nichts mehr im Wege stand. Jochen Laube 

hat dem Regisseur dann den Kameramann 

Matthias Fleischer (Beste Kamera) vorgestellt, 

den Cossen schon von dessen Arbeit an Alain 

Gsponers KIKI UND TIGER (2002) kannte und der 

ihm für sein Vorhaben als sehr geeignet erschien. 

Es war wohl Liebe auf den ersten Blick. Die beiden 

redeten sich heran und haben versucht, sich 

ganz subjektiv, aus der Sicht Marias, der Stadt 

und dem lang gehüteten Familiengeheimnis zu 

nähern. Es ist das Gefühl eines Déjà Vu, das 

Maria in Buenos Aires erlebt. Die Kamerabilder 

unterstreichen diese Stimmung: Das geheimnisvolle 

Schwarz hinter den Fenstern der Häuser 

und Autos, die Mauern und ihre Risse und die 

Geschichten, die darin stecken, das besondere 

Licht und die fremd-vertrauten Gesichter der 

europäischsten Metropole Südamerikas. Für das 

Casting der argentinischen Schauspieler war 

Walter Rippel verantwortlich, der zuletzt 

Francis Ford Coppolas TETRO (2009) gecastet 

hatte. Rippel überredete die in Argentinien vor 

allem als große Theaterschauspielerin bekannte 

Beatriz Spelzini (Beste darstellerische Leistung – 

weibliche Nebenrolle) zu einem Casting, in dem 

sie dann alle Beteiligten 100prozentig überzeugte. 

Regisseur Florian Cossen sagt zu ihrer Besetzung: 

„Neben ihrem fulminanten Spiel ist es das 

Leid, das in ihrem Gesicht geschrieben steht. 

Das ist der Grund, weshalb sie zu dieser gebrochenen 

Figur der Tante wurde. In ihrem Gesicht 

Foto: © Fabian Maubach 


MATTHIAS FLEISCHER 

– EINE ANGST 

(2009/TV) 

– LILA, LILA (2009) 

– DAS WAHRE LEBEN 

(2006) 

– ROSE (2005) 

lese ich, dass die Suche nach der verlorenen 

Nichte über Jahrzehnte diese einst sehr schöne 

Frau zermürbt hat.“ Den Film-Komponisten 

Matthias Klein (Beste Filmmusik) kannte Florian 

Cossen schon von kleineren Projekten an der 

Filmakademie Ludwigsburg. Der Versuch war 

es, eine Musik zu komponieren, die sowohl die 

Größe des Kinos ausmalt, als auch eine, die der 

Zerbrechlichkeit und der lange verschütteten 

Emotionen gerecht wurde. Auf jeden Fall stand 

sehr früh fest, das es hier keinen Tango und kein 

Bandoneon geben wird. 


MATTHIAS KLEIN 

– BABYDADDY (2011) 

– DAS LIED IN MIR 

(2010) 

– CINDY LIEBT MICH 

NICHT (2009) 

– TEENAGE ANGST 

(2008) 

37

MIN DÎT – DIE KINDER VON DIYARBAKIR 

MIN DÎT – DIE KINDER 

VON DIYARBAKIR ist 

das Debüt des deutschkurdischen 

Regisseurs 

Miraz Bezar (Bestes 

Drehbuch). Dabei hat 

der Filmemacher nicht 

nur das Buch selbst 

geschrieben, er hat 

das Projekt bis in die 

Postproduktionsphase 

auch selbst finanziert 

und natürlich 

auch selbst inszeniert. 

Nach seinem Abschluss an der dffb in Berlin hat 

Miraz Bezar immer wieder versucht, seine 

Ideen bei Förderern und potenziellen Finanziers 

unterzubringen. Leider erfolglos. 2005 zog er einigermaßen 

verzweifelt in seine Heimat Anatolien, 

um dort die eine zwingende Geschichte zu 

suchen, die er erzählen muss. In Diyarbakir, der 

inoffiziellen Hauptstadt des türkischen Kurdistans, 

fand er sie dann. Er recherchierte über die 

Gräueltaten in den neunziger Jahren, zur Zeit 

38 

des Bürgerkrieges zwischen kurdischen Rebellen 

und der türkischen Armee. Entstanden ist 

eine Geschichte, die auf vielen einzelnen wahren 

Begebenheiten beruht und für das Kino zu einer 

lebendigen Erzählung verschmolzen ist. Miraz 

Bezar beschreibt seine Herangehensweise so: 

„Anstelle epischer Fiktion wollte ich eine Collage 

dieser Splitter wirklichen Lebens montieren. 

Ich wollte eine Vielzahl von Themen ansprechen, 

ohne dabei allerdings einen Kompilationsfilm zu 

produzieren. Mir war es wichtig, eine Geschichte 

zu finden, die exemplarisch für alle stehen 

konnte.“ 

Miraz Bezar hat sich bewusst dafür entschieden, 

die Geschichte aus der Sicht zweier Kinder 

zu erzählen. „Min dit“ ist kurdisch und bedeutet 

„ich habe gesehen“. Die beiden Kinder haben 

gesehen wie ihre Eltern bei einer nächtlichen 

Straßenkontrolle von türkischen Paramilitärs 

erschossen wurden. Seitdem sind sie traumatisiert 

und leben auf der Straße. Retten konnten 

sie eine Kassette mit der Stimme ihrer Mutter, 

auf der sie ihnen das Märchen vom Wolf mit 

der Glocke erzählt. In erster Linie ist es für die 

Kinder die beruhigende Stimme ihrer Mutter aus 

einer anderen Zeit. Gleichzeitig erfahren sie aber 

auch, wie ein böser Wolf gezähmt werden kann: 

Im Märchen entschließen sich die Dorfbewohner, 

den Wolf nicht zu töten, sondern durch eine 

klingende Glocke zu markieren, dass er weithin 

hörbar ist und somit von jedem rechtzeitig 

bemerkt wird. Dieses Märchen wirkt, wenn am 

Ende die beiden Kinder entscheiden müssen, wie 

sie sich am Mörder ihrer Eltern rächen. 

Foto: © Ute Langkafel 


MIRAZ BEZAR 

– MIN DÎT - DIE 

KINDER VON DIYAR- 

BAKIR (2009) 

– FREIWILD 


– FERN (1997/Kurzfilm) 

– BERIVAN 



Fast so schön wie vor der Kamera stehen: hinter dem Steuer sitzen. Der Phaeton. 

Volkswagen, offizieller Partner des Deutschen Filmpreises, wünscht allen Gästen eine spannende Preisverleihung. 

www.volkswagen.de

PIANOMANIA – DIE SUCHE NACH DEM PERFEKTEN KLANG 

40 

Gewinner 

Semaine de la Critique 

Locarno 

Nominierung 

Bester Dokumentarfilm 

Europäischer Filmpreis 

Gewinner 

Bester Schnitt 

Diagonale 

Gewinner 

Internationales Filmfestvial 

San Francisco 

Ehrenpreis 

Dokumetarfilm Festival 

Eurodok 

Pianomania 

Ein Film von Robert Cibis & Lilian Franck 

FARBFILM VERLEIH präsentiert eine produktion von WILDARt FILM und OVAL FILMEMAcHER GBR 

Mit StEFAn KnüpFER, pIERRE-LAuREnt AIMARD, LAnG LAnG, ALFRED BREnDEL, tILL FELLnER, JuLIuS DRAKE, IAn BOStRIDGE, IGuDESMAn & JOO, u.A. kaMera Jerzy Palacz, robert cibis schnitt Michelle barbin 

ton sabine Panossian, benedikt david, ina nikolow sounddesign niklas kaMMertöns Mischung ansgar Frerich produzenten ebba sinzinger, vincent lucassen, robert cibis, lilian Franck Buch und regie lilian Franck, robert cibis 

www.pianomania.de 

Vor dem Konzert von 

Lang Lang gibt es ein 

Bild, das ganz viel mit 

Ton zu tun hat. Oder 

mit den Tönen, die in 

der bevorstehenden 

Situation auf keinen 

Fall etwas zu suchen 

haben – mit Klingeltönen. 

Ein Mitarbeiter 

des Theaters trägt ein 

aufwendig gerahmtes 

Piktogramm durch die 

Gänge des Konzerthau- 

ses und stellt es auf die Brüstung im ersten oder 

zweiten Rang: Handyverbot. 

Die Filmemacher Robert Cibis und Lilian Franck 

erzählen in ihrem Dokumentarfilm PIANOMANIA 

nach eigenem Bekunden eine Geschichte von 

Liebe, Perfektion und ein bisschen Wahnsinn. 

Sie erzählen die Geschichte eines Mannes, 

dessen Liebe der Perfektion gilt – und der 

dafür ein bisschen wahnsinnig sein muss. 

Die Geschichte von Stefan Knüpfer, der nur auf 

den ersten Blick einfach ein Klavierstimmer ist. 

Er stimmt Klaviere, aber versetzt sie auch in 

Stimmungen, stimmt sie auf die Pianisten ein. 

Und sogar umgekehrt. Knüpfer ist Cheftechniker 

der berühmten Klavier- und Flügelbauerfirma 

Steinway in Österreich. Er ist auf der Suche nach 

dem perfekten Klang. Er schafft die Voraussetzung 

für die Töne, die die Musik der Pianisten 

machen, für die er die Instrumente präpariert. 

Stefan Knüpfer ist der Star eines Dokumentarfilmes, 

in dem einige der bekanntesten Namen 

der internationalen Musikszene ebenfalls Rollen 

spielen. Stefan Knüpfer ist all diesen Stars 

gemeinsam. Er schafft die Voraussetzungen für 

Konzerte und Plattenaufnahmen von Lang Lang, 

von Alfred Brendel, von Pierre-Laurant Aimard 

oder Till Fellner. Stefan Knüpfer ist ein Dienstleister. 

Und – das wird deutlich trotz aller Virtu- 

osität seiner Klienten – er ist ein Künstler. Auch, 

weil er ein großer Künstlerversteher ist. Das ist 

die Voraussetzung seines Berufes, der für ihn 

ohne Zweifel eine große Berufung ist. 

Robert Cibis und Lilian Franck ist es nicht nur 

gelungen, Knüpfer in den faszinierenden und 

tatsächlich nicht immer frei von Wahnsinn 

stattfindenden Gesprächen mit den Pianisten 

zu beobachten – als Zuhörer, als Ideengeber, als 

Geschmeichelter und Geschockter. Sie erwischen 


ANSGAR FRERICH 

– KEEP SURFING 

(2010) 

– LE QUATTRO VOLTE 

(2009) 

– WOMEN WITHOUT 

MEN (2007) 

– DIE GESCHICHTE 

VOM WEINENDEN 

KAMEL (2002) 


ihn auch immer wieder in Situationen jenseits 

der Kunst, die aber alle etwas Eigenes erzählen, 

was selbst dem vermeintlich Alltäglichen noch 

etwas Kurioses verleiht. Wenn sich Knüpfer 

auf die Suche nach einem Klavierhocker begibt, 

macht er keine normale Fahrstuhlfahrt. 

Ein Film, der Menschen auf der Suche nach 

Tönen begleitet und beobachtet, ist ein Tonfilm 

in jeder Bedeutung des Wortes. Und damit ein 

Segen und eine Herausforderung zugleich für 

das Ton-Department. Sabine Panossian (Beste 


SABINE PANOSSIAN 

– PIANOMANIA (2009) 

Tongestaltung), die eigene Regieprojekte hat und 

auch als Kamerafrau arbeitet, hat den Ton in all 

den Räumen und Orten eingefangen, durch die 

sich der Film bewegt und damit das Material 

geliefert, aus dem Niklas Kammertöns (Beste 

Tongestaltung) sein Sounddesign entwickeln 

konnte. Dabei ist er nicht der Versuchung erlegen, 

dem großen und großartigen Angebot exzellenter 

Musik, gespielt von exzellenten Musikern, 

nachzugeben. Stattdessen verortet gerade der 

Sound den Film in der Wirklichkeit und macht 


NIKLAS KAMMERTÖNS 

– ABGEBRANNT (2010) 

TOM ATKINS BLUES 

(2009) 

– DRAUSSEN AM SEE 

(2008) 

– DER BLINDE FLECK 

(2006/TV) 

die Kunst auch akustisch zum Teil des Arbeitslebens. 

Dafür war eine raffinierte Tonmischung 

notwendig, bei der zum Beispiel das Öffnen einer 

Tür buchstäblich neben einem zweigestrichenen 

C zu hören ist. Dafür hat der Berliner 

Mischtonmeister Ansgar Frerich (Beste Tongestaltung) 

gesorgt. Frerich, der auch eine eigene 

Postproduktionsfirma betreibt, ist ein ausgewiesener 

Spezialist für Dokumentarfilme mit besonderer 

Atmosphäre – wie zum Beispiel Volker 

Koepps HOLUNDERBLÜTE oder jüngst UNTER 

KONTROLLE von Volker Sattel. 

41

POLL 

42 

PAULA 

BEER 

EDGAR 

SELGE 

TAMBET 

TUISK 

JEANETTE 

HAIN 

NACH VIER MINUTEN DER NEUE FILM VON CHRIS KRAUS 

RICHY 

MÜLLER 

INTERNATIONALES 

FILMFESTIVAL 

TORONTO 2010 

INTERNATIONALES 

FILMFESTIVAL 

ROM 2010 

OFFICIAL SELECTION 

SPEZIALPREIS DER JURY: 

BESTE REGIE · BESTE FILMMUSIK 

Die deutsche Dichterin 

Oda Schäfer war so alt 

wie das letzte Jahrhundert. 

Sie wurde in 

Berlin geboren, wo sie 

auch aufwuchs. Sie arbeitete 

als Journalistin 

und später hauptsächlich 

als Lyrikerin. Zunächst 

in der inneren 

Emigration, dann in 

der Schweiz und nach 

1950 in München. 

Ihr Geburtsname Oda 

Kraus verweist auf eine Verwandtschaft zu dem 

Autor und Regisseur Chris Kraus, der in POLL 

eine Geschichte aus ihrer Jugend erzählt. Eine 

Geschichte, die viel erzählt über das Verhältnis 

der Generationen untereinander in der Endphase 

des Wilhelmismus. Eine Geschichte, die aber 

auch viel erzählt über die politische Spannungslage 

zwischen Völkern und zwischen den sozialen 

Schichten. Es ist eine Geschichte aus dem 

Alltag einer Welt, eines Ortes und der Konstella- 

tion von Personen, die alles andere als alltäglich 

wirken. POLL ist der Name dieses Ortes, dieses 

Mikrokosmos einer dekadenten Großbürgerlichkeit, 

deren Ende wohl auch ohne den Krieg 

gekommen wäre. 

Chris Kraus lässt die vierzehnjährige Oda (Paula 

Beer) mit der konservierten Leiche ihrer leiblichen 

Mutter zu ihrem Vater (Edgar Selge) 

und dessen neuer Frau (Jeanette Hain) reisen. 

„Solange ich denken kann, hat mein Vater für 

den Tod gelebt, für den er eine große Zuneigung 

Foto: © Piffl Medien 



RICHY MÜLLER 

– INNERE SICHER- 

HEIT (2000) 

– DIE CELLISTIN (1998) 

– IRREN IST 

MÄNNLICH (1995) 

– EINER MEINER 

ÄLTESTEN FREUNDE 

(1993) 

empfand. Eine größere vielleicht als für mich“, 

erzählt Oda zu Beginn des Films aus dem Off 

dem Publikum – und bereitet uns damit nicht 

nur auf die morbide Disposition einer einzelnen 

Familie vor, sondern einer ganzen Epoche. Ihr 

Vater kann seine Tochter und seine verstorbene 

Frau nicht vom Bahnhof abholen, weil er die Leichen 

von getöteten Anarchisten, die er sammelt 

wie andere Schmetterlinge, sezieren muss. Kein 

Wunder, dass es einmal aus seinem Gutsverwalter 

Mechmershausen (Richy Müller – Beste 

Foto: © Kathinka Minthe 


DANIELA KNAPP 

– 12 METER OHNE 

KOPF (2008) 

– WAS AM ENDE 

ZÄHLT (2006) 

– EMMAS GLÜCK 

(2005) 

– MEINE BRUDER 

DER VAMPIR (2001) 


darstellerische Leistung – männliche Nebenrolle) 

herausbricht: „Menschen wie Sie machen die 

Revolution erst möglich.“ Richy Müller ist der 

Antipode des Vaters, eine Figur mit menschlichen 

Regungen, mit Furor und Leidenschaft 

(auch für die Frau seines Chefs). Er spielt diesen 

Mann mit einer faszinierenden Mischung 

aus Virilität und Verletzlichkeit, ohne Pathos 

und unglaublich klar. Dass er dabei dann auch 

noch aussieht, als habe man ihn aus der erzählten 

Zeit an den erbauten Ort der Drehar- 

Foto: © Kai-Uwe Schulte-Bunert 


SILKE BUHR 

– POLL (2010) 

– DIE FREMDE (2009) 

– VIER MINUTEN 

(2005) 

– DAS LEBEN DER 

ANDEREN (2005) 

beiten geholt, ist natürlich nicht zuletzt dem 

genauen Maskenbild von Susana Sanchez (Bestes 

Maskenbild) geschuldet. Die aus Spanien 

stammende Susana Sanchez, die mit Carlos 

Saura einen Spanischen Filmpreis gewann, die 

vor Jahren aus Jasmin Tabatabai in dem Film 

FREMDE HAUT einen der schönsten iranischen 

Männer machte und mit Kraus schon bei VIER 

MINUTEN zusammenarbeitete, hat sich mit 

ihrer Kostüm-Kollegin Gioia Raspé (Bestes Kostümbild) 

in eine andere Zeit versetzt, um diese 


GIOIA RASPÉ 

– POLL (2010) 

– DIE FREMDE (2009) 


(2006) 

– JARGO (2004) 

auf der Leinwand nicht nur zu erhalten, sondern 

auch zu transportieren. Das Historische, 

das im Kinofilm immer auch fiktiv ist, wirkt 

hier eher wahr als echt. 

Denn auf Echtheit um ihrer selbst Willen scheint 

Chris Kraus nicht zu bestehen. Das Haus auf Gut 

Poll mag so nicht ausgesehen haben, wie Silke 

Buhr (Bestes Szenenbild) es an einem Strand in 

Estland erbaut hat. Aber in seiner Kombination 

aus Erhabenheit und Fragilität (da steht eine Art 

Schloss auf Stelzen) ist dieses Haus die richtige 

Kulisse für eine Geschichte, über der immer 

auch die Bedrohung des Untergangs schwebt. 

Aber diese Geschichte selbst hat auch etwas 

Zerbrechliches, weil es ja auch die Geschichte 

einer Persönlichkeits-, einer Identitätsfindung 

ist. Die junge Oda trifft in diesem familiären und 

politischen Chaos einen wesentlich älteren dichtenden 

Anarchisten, den sie in der Höhle des Löwen, 

dem Laboratorium ihres Vaters, versteckt. 

Dort halten sich in der Regel seinesgleichen nur 

in konservierten Einzelteilen auf. 

43

Silke Buhr hat all diese menschlichen Monstrositäten 

in Gebäude, Räume und Gegenstände 

übersetzt – und dafür bereits den Bayerischen 

Filmpreis erhalten. Ihr Poll ist eine Bedrohung 

aus Stein und vor allem Holz, die verdammt ist, 

am Ende des Films buchstäblich zerstört zu 

werden. Und sie ist der reale Drehort für diesen 

Film. Ein Set, das Silke Buhr in sechs langen 

Monaten ins Meer bauen ließ. Nicht weil 

es so war, sondern weil es so hätte sein können 

und die Erzählung unterstützt: „Kein Gutsbesitzer 

wäre so wahnsinnig gewesen, ein Haus an 

den Strand zu bauen. Aber wahnsinnig genug, 

es gleich direkt ins Meer zu setzen, waren die 

Balten durchaus. Das passte zu ihrem exzentrischen 

Temperament. Wir entwarfen dann einen 

ebenfalls ziemlich wahnsinnigen Filmbau. Die 

geniale Szenografin Silke Buhr hat ihm die Patina 

des Verfalls gegeben“, erzählt der Regisseur 

dem Berliner Stadtmagazin Zitty. Mit Silke Buhr, 

die unter anderem auch mit Lars Büchel (JETZT 

ODER NIE) und Feo Aladag (DIE FREMDE) gearbeitet 

hat, drehte Chris Kraus auch schon 

seine anderen Spielfilme SCHERBENTANZ und 

44 

VIER MINUTEN. Dass ein solcher Ort und eine 

solche Zeit nicht nur starke Symbolkraft für 

eine Geschichte haben, die davon erzählt, wie 

die Umstände sein könnten, damit jemand sich 

selbst und seine Begabungen erkennt, sondern 

auch das Potential für kinematografische Überhöhungen 

und Annäherungen bietet, war für 

Daniela Knapp (Beste Kamera/Bildgestaltung) 

eine Herausforderung, der sie sich offensiv 

gestellt hat. Da der Film Geschichte und Geschichten 

erzählt, gelingt auch ihr der visuelle 

Wechsel von der prall gefüllten, oft sich elegant 

bewegenden Totalen über halbnahe Bilder einer 

Familie am Rande des Abgrunds zur Nahaufnahme, 

die mal das Panoptikum der väterlichen 

Obsession für den Tod einfängt – und mal von 

einer geahnten und verbotenen Liebe berichtet. 

„POLL ist im Grunde ein Kammerspiel. Die Größe 

der Bilder ist wichtig, um die Sehnsucht Odas zu 

illustrieren, natürlich auch die Größe der Welt, 

in der die Menschen so klein sind. Deshalb war 

es Daniela und mir wichtig, einerseits zu zeigen, 

wie eng Oda die Welt empfindet und diese Enge 

auch zu beschreiben“, erklärt der Regisseur das 

Konzept der Bildgestaltung, über die er sich mit 

seiner aus Österreich stammenden, mittlerweile 

in Berlin lebenden Kamerafrau Daniela Knapp 

sehr einig war. Knapp hat übrigens an der 

Filmakademie Baden-Württemberg in Ludwigsburg 

studiert, wo auch ihre langjährige Zusammenarbeit 

mit dem Regisseur Sven Taddicken 

(u.a. EMMAS GLÜCK) begann. 


SUSANA SÁNCHEZ 

– POLL (2010) 

– TRIAGE (2009) 


(2006) 

– GOYA (1999) 


SHAHADA 

46 

Wer bist Du? Wen liebst Du? Woran glaubst Du? 

ein Film von Burhan Qurbani 

SHAHADA 

Studio Hamburg Nachwuchspreis 

Bestes Drehbuch 

Beste Produktion 

First Steps Award 

Nominierung Bester abendfüllender Spielfilm 

Nominierung Sonderpreis Kamera 

Filmkunstpreis 2010 

Festival des Deutschen Films 

Originellste Darstellungsform 

Originellstes Thema 

Preis der Gilde der 

deutschen Filmkunsttheater 

mit Maryam Zaree, Jeremias Acheampong, Carlo Ljubek, Marija Škaricic, Sergej Moya, Vedat Erincin, Anne Ratte-Polle, Nora Abdel-Maksoud, Burak Yigit, Yollette 

Thomas u.v.a. Drehbuch & Regie Burhan Qurbani Co-Autor Ole Giec Produzenten Susa Kusche, Uwe Spiller, Robert Gold Producer Leif Alexis Redaktion Burkhard Althoff (ZDF) Tutor Prof.Nico 

Hofmann (Filmakademie Baden-Württemberg) Kamera Yoshi Heimrath Schnitt Simon Blasi Szenenbild Barbara Falkner Kostüm Irene Ip Maske Anja Heinemann, Sandra Meyer 

Musik Daniel Sus Ton Magnus Pflüger Mischung K 13 Sound Design Jörg Theil Titel Design weareflink Casting Karen Wendland Produktionsleitung Christine Günther Postproduktion Pictorion das werk 

bittersuess pictures und 3Rosen präsentieren in Co-Produktion mit dem ZDF/Das kleine Fernsehspiel und der Filmakademie Baden-Württemberg mitfinanziert durch 

SHAHADA. Wer bist Du? Wen liebst Du? Woran glaubst Du? 

www.shahada-der-film.de 

„In Allahs Augen sind 

alle Arten von Liebe 

gleich.“ Diesen 

Satz kann der islamische 

Geistliche Vedat 

(Vedat Erincin, Beste 

darstellerische Leistung 

– männliche Nebenrolle) 

zu einem 

Ratsuchenden nur als 

Freund und nicht als 

Imam aussprechen. Er 

tut es, indem er seine 

Kappe abnimmt und 

mit leicht verschwörerischer Geste seine Stimme 

senkt. Danach wendet er sich ab und atmet 

schwer aus. Man ahnt den Kampf in seiner 

Brust. 

Der erste lange Spielfilm SHAHADA von Filmstudent 

Burhan Qurbani (Filmakademie 

Ludwigsburg) ist ein Film über die Suche nach 

dem richtigen Weg. Der Titel bezieht sich auf 

die erste Säule des Islam – das Glaubensbekenntnis. 

Drei parallel erzählte Geschichten – 

eine Geschichte vom Erwachen der Sexualität, 

eine Geschichte von Schuld und Sühne und 

eine Vater-Tochter-Geschichte – zeigen auf, 

wie Religionszugehörigkeit und familiäres 

und soziales Umfeld unsere Entscheidungen 

und unser Handeln beeinflussen. In der Vater- 

Tochter-Geschichte ist Vedats erwachsenes 

Kind Maryam (Maryam Zaree) ungewollt 

schwanger und treibt illegal ab. In der Folge bekommt 

sie wahnsinnige Unterleibsschmerzen 

und kräftige Blutungen. In ihrem Glauben, Unrechtes 

getan zu haben, vermutet sie, dass Allah 

sie bestrafen will und findet das zunehmend gerecht. 

Immer fanatischer wendet sie sich ihrem 

Glauben zu und stellt dabei auch ihren Vater 

und seine liberale Gemeinde auf eine harte Probe. 

Vedat Erincin spielt diesen Vater mit Güte 

und Besonnenheit, er ist das moralische Zentrum 

des Films, ein Mann der Ruhe. Nur kurzzeitig 

verliert er mal die Gelassenheit und schreit 

seine Tochter an, ob sie den Verstand verloren 

hat, als sie mit aufrührerischer Rede ein Gebet 

in der Moschee stört. 

Vedat Erincin hat auch in dem als Besten Film 

nominierten ALMANYA – WILLKOMMEN IN 

DEUTSCHLAND (R: Yasemin Samdereli) eine 

wichtige Rolle übernommen. Die weist nicht 

zufällig einige Parallelen zu dem auf, was von 

ihm als Vater Vedat in SHAHADA abverlangt 

wurde. Er spielt den Vater von drei Söhnen und 

einer Tochter und den Opa von einem kleinen 

Jungen und einer erwachsenen jungen Frau, die 

schwanger ist und sich nicht traut, das ihrer Familie 

zu sagen. Hier wie da ist sein glaubhaftes 

Spiel um das Verständnis von Glaubensfragen 

gefordert und gewünscht. 

Foto: © bittersuess pictures GmbH 



VEDAT ERINCIN 

– ALMANYA – 


DEUTSCHLAND 

(2010) 

– SHAHADA (2009) 

– EVET, ICH WILL 

(2007) 

– VÖGEL OHNE BEINE 

(2006) 


VINCENT WILL MEER 

KAROLINE 

HERFURTH 

FLORIAN DAVID 

FITZ 

HEINO 

KATHARINA FERCH 

MÜLLER-ELMAU 

JOHANNES 

ALLMAYER 

CONSTANTIN FILM ZEIGT EINE OLGA FILM PRODUKTION “VINCENT WILL MEER” MIT FLORIAN DAVID FITZ KAROLINE HERFURTH HEINO FERCH KATHARINA MÜLLER-ELMAU JOHANNES ALLMAYER 

MUSIK STEVIE B-ZET & RALF HILDENBEUTEL SCHNITT KAI SCHROETER SZENENBILD HEIDI LÜDI KOSTÜM NATASCHA CURTIUS-NOSS KAMERA ANDREAS BERGER CASTING NESSIE NESSLAUER PRODUKTIONSLEITUNG ANDREA OECHSNER 

PRODUZENTEN VIOLA JÄGER HARALD KÜGLER DREHBUCH FLORIAN DAVID FITZ REGIE RALF HUETTNER INHABERIN DER AUSSCHLIESSLICHEN NUTZUNGSRECHTE IST DIE CONSTANTIN FILM VERLEIH GMBH © 2010 OLGA FILM PRODUKTION 

„Das Tourette-Syndrom 

ist eine neurologischpsychiatrische,ätiologisch 

noch ungeklärte 

Erkrankung, die durch 

das Auftreten von Tics 

charakterisiert ist. Es 

wird zu den extrapyramidalen 

Hyperkinesien 

gerechnet. Bei den Tics 

handelt es sich um unwillkürliche, 

rasche, 

meistens plötzlich 

Vincent_Hauptplakat_RZ.indd 1 05.03.10 10:56 

einschießende und mitunter sehr heftige Bewe- 

gungen, die immer wieder in gleicher Weise einzeln 

oder serienartig auftreten können. Verbale, 

ungewollte Äußerungen zählen mit dazu sowie 

Ausrufe oder eigenartige Geräusche“, lautet 

die medizinische Beschreibung einer Nervenkrankheit, 

die in der ersten Hälfte des 19. Jahr- 

hunderts zum ersten Mal bei der französischen 

Adeligen Marquise de Dampierre beobachtet 

und 1885 von dem Neurologen Georges Gilles 

de la Tourette beschrieben wird. Der Schauspieler 

und Drehbuchautor Florian David Fitz 

(Bestes Drehbuch) hat das in die Sprache des Kinos 

übersetzt: „Ich habe einen Clown im Kopf, 

der mir ständig zwischen die Synapsen scheißt.“ 

Aufmerksam wurde Fitz auf die Krankheit, 

die erst in den letzten zwanzig Jahren auch in 

Deutschland ein Thema ist, durch seinen Schau- 


HARALD KÜGLER 

– VINCENT WILL 

MEER (2010) 

– HANAMI – KIRSCH- 

BLÜTEN (2007) 

– BANDITS (1996) 

– KLEINE HAIE (1992) 

Foto: © Jürgen Olczyk Foto: © Olga Film GmbH 

spiellehrer in Boston, der unter einer nicht ganz 

so auffälligen Variante der Krankheit litt und 

seine Schüler zu Beginn des Unterrichts vor 

verbalen Ausfällen ihnen gegenüber warnte. 

Ein Bericht über einen jungen Mann, der unter 

einem so heftigen Syndrom litt, dass er nur unter 

höchsten Sicherheitsbedingungen leben konnte, 

gab ihm den Impuls, darüber eine Geschichte 

zu schreiben. Und: „Ich wollte gerne mal was 

schreiben, was ich dann eventuell auch spielen 

kann.“ 


VIOLA JÄGER 


MEER (2010) 

– GANZ UND GAR 

(2003) 

– NAPOLA (2004) 

– MÄDCHEN, 

MÄDCHEN (2001) 

47

Dafür ging der Schauspieler in die Münchner 

Drehbuchwerkstatt, wo er die Produzentin 

Viola Jäger wiedertraf, mit der bei Dennis 

Gansels MÄDCHEN, MÄDCHEN zusammen gearbeitet 

hatte. Viola Jäger und Harald Kügler 

(Olga Film – Bester Spielfilm) konnten sich schnell 

für ein Script begeistern, das sich sicher auf dem 

schmalen Grat zwischen Drama und Komödie 

bewegte. Fitz hat als Autor einen Tonfall gefunden, 

der den Zuschauer und die Figuren ernst 

nimmt – und dabei noch eine Menge Spaß bietet. 

Dafür erfand er zum einen Vincents Leidensgenossen, 

die Anorektikerin Marie (Karoline 

Herfurth) und den Zwangsneurotiker Alexander 

(Johannes Allmayer), die bald seine Freunde und 

Verbündeten werden. Zum anderen – sozusagen 

als Antipoden aus der vermeintlichen Normalität 

– die Figur seines Vaters, eines Politkarrieristen, 

der sich im Zweifel seines Sohnes schämt. 

Und die engagierte, aber überforderte Ärztin 

48 

des Trios, die sich mit dem Vater auf die Suche 

nach den Dreien macht. Denn Vincent will nicht 

nur zum Meer, er fährt mit Marie und Alexander 

auch dorthin. Heino Ferch (Beste darstellerische 

Leistung – männliche Nebenrolle) und 

Katharina Müller-Elmau (Beste darstellerische 

Leistung – weibliche Nebenrolle) spielen dieses 

ungleiche Paar, das sich zusammenraufen muss, 

weil es nichts anderes gemeinsam hat als ein 

Ziel, als kongeniales Ensemble in einer Tragödie 

der Lächerlichkeit und der Sympathie durchaus 

im guten Geist von Spencer Tracy und Katherine 

Hepburn. Wenn auch mit anderem Ausgang. 

Florian David Fitz hat ein Roadmovie geschrieben, 

in dessen Mittelpunkt eigentlich ein Ding 

der Unmöglichkeit steht - und damit schon wieder 

als Autor etwas richtig gemacht. Drei Personen, 

für die die Gesellschaft beschlossen hat, 

dass sie nicht alleine in der Welt klarkommen 

können, ziehen alleine in diese Welt und stel- 

len sich den Unbilden derselben auf ihre Weise. 

Vincent steht im Zentrum dieser Geschichte. 

Er will die Asche seiner verstorbenen Mutter 

mittels einer Bonbondose ins Meer befördern. 

Marie kommt gerne mit, weil sie erstens alles 

liebt, was man nicht tut, und zweitens vielleicht 

auch Vincent. Und Alexander wird einfach 

entführt. Was ihm gut tun wird. Florian David 

Fitz (Beste darstellerische Leistung – männliche 

Hauptrolle) spielt Vincent mit unglaublicher 

Sensibilität, verletzlich, ernst, romantisch, 

Foto: © Constantin Film Verleih 

Bestes Drehbuch / Beste 

männliche Hauptrolle – 

FLORIAN DAVID FITZ 


MEER (2010) 

– MÄNNERHERZEN 

(2009) 

– DOCTOR´S DIARY 

(2008/TV) 

– 3 GRAD KÄLTER 

(2005) 


ührend und irgendwie auch als Held. Er vergreift 

sich nicht im Ton. Und als er einmal Alexander 

im Auto als Arschloch bezeichnet, ist das 

kein Tic. „Das habe ich ernst gemeint“, betont er 

in dieser Situation – und überrascht, wie so oft 

und so gerne in diesem Film, für den er – wie er 

der FAZ in seinen guten Worten gesteht – „über 

jedes Stöckchen springen“ würde. 

Das mussten übrigens auch seine Produzenten 

Viola Jäger und Harald Kügler, für die die 

Finanzierung und Entwicklung dieses Projektes 

kein Spaziergang war. Nicht überall hielt man 

das Buch eines Schauspielers, der sich an ein 

schwieriges Genre gewagt hat, für überzeugend 

und bankable. Doch mit Ralf Huettner, einem 

erfahrenen Spezialisten für tragikomische Konstellationen 

(DAS MÄDCHEN MIT DEN FEUER- 

ZEUGEN, DIE MUSTERKNABEN), als absolut 

richtige Wahl für die Regie und mit der Constantin 

Film als Koproduzent und Verleiher ließ sich 

dann ein Fundament für das legen, was zu einer 

der größten und schönsten Überraschungen 

des vergangenen Kinojahres wurde. Behutsam, 

aber selbstbewusst gestartet entwickelt sich 

VINCENT WILL MEER zu einer Rarität im aktuellen 

deutschen Kinogeschäft. Er wurde zum 

„Sleeper“. Und das steht beim Film weder für 

Langeweile noch für mangelnde Originalität. 

Ganz im Gegenteil. VINCENT WILL MEER hielt 

sich für Monate gut in den Kinos, weil man über 

ihn redete. Der Film wurde zum Publikums- 




HEINO FERCH 

– DER UNTERGANG 

(2004) 

– DER TUNNEL 

(2000/TV) 

– COMEDIAN HARMO- 

NISTS (1997) 

– WINTERSCHLÄFER 

(1996) 

liebling. Und eine These sei gewagt: Dem Hauptdarsteller, 

dem Autor und schließlich dem Film 

hat es nicht geschadet, dass Florian David Fitz 

ganz nebenbei einem großen Publikum über eine 

TV-Serie bekannt ist. Das ist überhaupt nicht 

selbstverständlich. So wenig übrigens wie die 

außergewöhnliche Qualität von „Doctor´s Diary“. 




KATHARINA MÜLLER- 

ELMAU 

– BITTERE TRAUBEN 

(2009/TV) 

– DIE VERZAUBERUNG 

(2006/TV) 

– HERZ IM KOPF (2002) 

– DREI D (1987) 

49

Happy End 

garantiert. 

Wer einen ganzen Abend dem Film widmet, darf zur Nacht selbst die Hauptrolle spielen. 

Wir wünschen unseren Gästen des Deutschen Filmpreises viel Spaß bei der Verleihung und allen 

Preisträgern herzlichen Glückwunsch. Bonne nuit et bonjour im Hôtel Concorde Berlin. 

Hôtel Concorde Berlin 

Augsburger Straße 41 · 10789 Berlin 

Tel: +49 (0)30 800 999 0 

concordeberlin@concorde-hotels.com 

concorde-hotels.com/concordeberlin 

done by WE DO

WER WENN NICHT WIR 

Andres Veiel ist ohne 

Zweifel einer der namhaftestenDokumentarfilmer 

des Landes. 

Dennoch kommt sein 

Spielfilmdebüt nicht 

überraschend. Auf den 

ersten Blick hat das 

etwas mit dem Thema 

zu tun. Veiels Interesse 

für die RAF und ihre 

Geschichte ist – im 

mehrfachen Sinne des 

Wortes – dokumentiert. 

Auf den zweiten Blick hat es etwas mit seiner 

eigenen Filmografie zu tun. Schon mit seinem 

zweiten Dokumentarfilm BALAGAN (1993) bekundete 

er sein Faible für politische Historie 

wie für die Schauspielerei gleichermassen. Sein 

neben BLACK BOX BRD berühmtester Dokumentarfilm 

heißt DIE SPIELWÜTIGEN. Manche 

der Charaktere in diesem Film über Schauspielschüler, 

die für ihre Leidenschaft brennen, 

haben etwas von den Figuren, die Andres Veiel 

in den Mittelpunkt seines Spielfilmdebüts stellt: 

Bernward Vesper, Gudrun Ensslin und Andreas 

Baader sind spielwütig, lebenswütig, politikwütig, 

wirkungswütig. 

Und sie sind bekannte Figuren der jüngeren 

deutschen Geschichte. Die einen mehr, der andere 

etwas weniger. Bernward Vesper (August 

Diehl), der Sohn des Nazi-Vorzeige-Dichters Will 

Vesper („Auf ihre Gräber als Kranz / legte der 

Führer den Glanz / der Berge des Heimatlands“, 

Das Neue Reich), hatte Gudrun Ensslin (Lena 

Lauzemis) beim Studium in Tübingen Anfang 

der sechziger Jahre kennengelernt. Mitte des 

Jahrzehnts gingen sie nach Berlin, wurden bald 

aktive Zaungäste der linken Literaturszene und 

verkehrten mit den Protagonisten der Außerparlamentarischen 

Opposition. So kommt Andreas 

Baader (Alexander Fehling) ins Spiel, der 

in jeder Beziehung das Gegenteil des sensiblen, 

grüblerischen und manchmal hilflosen Intellektuellen 

Vesper ist – und darum eine besondere 

Faszination auf Ensslin ausübt. Der Film erzählt 

das, was der Autor Gerd Koenen in seinem Buch 

über das tragische Trio „Urszenen des deutschen 

Terrorismus“ nennt. Koenens Buch war 

eins der Motive für Veiel, den Film zu machen. 

Dabei interessiert sich Veiel nicht für die spektakulären 

Aktionen des linken Terrorismus, 

sondern eher für dessen Wurzeln und Auswirkungen. 

Dieses Interesse brachte ihn bereits vor 

über zehn Jahren mit dem Produzenten Thomas 

Kufus (zero one film GmbH – Bester Spielfilm) 

zusammen, mit dem er damals den Dokumentarfilm 

BLACK BOX BRD drehte. Die umwerfende 

Parallel-Beobachtung der Geschichten 

des RAF-Opfers Alfred Herrhausen und 

des RAF-Täters Wolfgang Grams erhielt den 



THOMAS KUFUS 

– 24H BERLIN – EIN 

TAG IM LEBEN 

(2009/TV) 

– BLACK BOX BRD 

(2000) 

– MUTTER UND 

SOHN (1997) 

– TICKLE IN THE 

HEART (1996) 

51

DEUTSCHEN FILMPREIS 2002. Kufus, der Ende 

der achtziger Jahre als Autor und Regisseur von 

Dokumentarfilmen begonnen hatte, produzierte 

Filme mit Didi Danquart, Stefan Schwietert, 

Tamara Trampe, Aelrun Goette und Alexander 

Sokurov. Mit der zero one film GmbH entwickelte 

er sowohl ungewöhnliche TV-Formate (wie das 

Projekt „24 h Berlin“) als auch außergewöhnliche 

Kino-Dokumentarfilme wie BIERBICHLER 

von Regina Schilling oder WIEGENLIEDER von 

Tamara Trampe und Johann Feindt. WER WENN 

NICHT WIR ist sein Spielfilmdebut mit der zero 

one film GmbH – und wurde gleich in den Wettbewerb 

der 61. Berlinale eingeladen, wo er den 

Alfred-Bauer-Preis gewann. 

Veiel und Kufus setzten bei der Besetzung dieses 

Films, der natürlich mit seinen Figuren steht und 

fällt, nicht auf Nummer Sicher. Lena Lauzemis 

(Beste darstellerische Leistung – weibliche 

Hauptrolle) stammt aus Berlin, wo sie auch ihre 

Ausbildung an der Ernst-Busch-Hochschule 

für Schauspielkunst absolvierte. Doch sie war 

bisher eher einem Münchner Theaterpublikum 

bekannt, weil sie zum Ensemble der Münchner 

52 

Kammerspiele gehört. August Diehl (Beste darstellerische 

Leistung – männliche Hauptrolle) 

war für Veiel schon während der Arbeit am 

Drehbuch der einzig mögliche Bernward Vesper. 

Und Alexander Fehling, der beim DEUTSCHEN 

FILMPREIS 2011 für seinen zweiten großen 

Film im letzten Jahr (GOETHE!) nominiert wurde, 

überrascht als Andreas Baader nicht wegen 

der Frisur. Er hat dieser attraktiven Rolle für 

jeden jungen Schauspieler noch mal eine neue, 

überraschende Facette hinzugefügt. 

Lauzemis und Diehl spielen das Paar Ensslin 

und Vesper mit der existenzialistischen Wucht, 

in der die beiden extremen Charaktere die Beziehung 

mit Sicherheit auch gelebt haben. Dabei 

wird in Lauzemis´ Spiel der innere und äußere 

Kampf mit ihrer Familie und ihren eigenen Umständen 

ebenso deutlich wie das unterschwellig 

zerstörerische Verhältnis, das Vesper zu Vater 

und Mutter hatte bei August Diehl. Lauzemis 

und Diehl spielen die das Leben des Paares bestimmende 

Zerrissenheit, Leidenschaftlichkeit 

und Hilflosigkeit so intensiv, dass man es mit 

Händen greifen zu können scheint. 

Die Zeit vor der Revolte war die Zeit, in der man 

noch in Krawatte zur Vorlesung ging und nur zusammen 

wohnen durfte, wenn man mindestens 

verlobt war. Diese Zeit hat ein Gesicht, in das 

sich mit Räumen und ihren Inhalten schauen 

lassen kann. 

Christian M. Goldbeck (Bestes Szenenbild) hat für 

WER WENN NICHT WIR diese Räume erschaffen. 

Das Interieur des Gutes der Familie, wo es immer 

noch so aussieht wie in der Zeit, als Bernward 

Foto: © Markus Jans / zero one film 



LENA LAUZEMIS 


WIR (2010) 

– YUGOTRIP (2003) 


pflichtschuldig im in jeder Beziehung kalten Bett 

für den Führer gezeugt wurde, ebenso wie das 

schwäbische Kleinfamilienmobiliar im kleinbürgerlichen 

Pfarrersheim. Die großzügigen Wohn- 

und Diskutierküchen der sozialdemokratischen 

Verlautbarungsrevolutionäre in Berlin ebenso wie 

die komplett heruntergekommene und deshalb 

unglaublich billige Altbauwohnung ebendort. 

Goldbeck baut das nicht nur naturalistisch nach. 

Er schafft die Atmosphären, in denen glaubwürdige 

Bilder und Inszenierungen entstehen können. 

Foto: © Markus Jans / zero one film 



AUGUST DIEHL 

– INGLORIOUS 

BASTERDS (2008) 

– DR. ALEMÁN (2007) 

– WAS NÜTZT 

DIE LIEBE IN 

GEDANKEN (2003) 

– 23 (1997) 

Knapp zehn Jahre ist die Zeitspanne, die Andres 

Veiel in seinem Film erzählt, der 126 Minuten 

lang ist. Der Schnittmeister Hansjörg Weißbrich 

(Bester Schnitt), Preisträger der LOLA 2010 in 

dieser Kategorie für Hans-Christian Schmids 

STURM, wird auch bei dieser Arbeit, die seine 

erste Zusammenarbeit mit Andres Veiel war, 

seinem guten Ruf gerecht, nicht auf Tempo oder 

Effekt zu schneiden, sondern den Rhythmus 

auch aus der Inszenierung zu holen, einzelnen 

Szenen, aber auch Gesten und Blicken den Raum 

Foto: © Marco Nagel 


HANSJÖRG 

WEISSBRICH 

– KRABAT (2008) 

– JOHN RABE (2007) 

– REQUIEM (2006) 

– LICHTER (2003) 

in der Zeit zu geben, den sie benötigen. Dabei 

versteht sich Weißbrich aber ausdrücklich auch 

als Dramaturg am AVID. Bei Hans-Christian 

Schmid, für den er fast jeden Film montiert hat, 

schneidet er nach eigener Aussage auch schon 

im Drehbuch. 

Foto: © Florian Liedel 


CHRISTIAN M. 

GOLDBECK 

– KRABAT (2008) 

– LIEBESLEBEN 

(2007) 

– REQUIEM (2006) 

– ALLES AUF ZUCKER 

(2004) 

53

WIR SIND DIE NACHT 

Genau genommen wollte 

Regisseur Dennis 

Gansel diesen Film 

schon vor 15 Jahren 

machen. Finanzierungsprobleme 

haben 

das Projekt aber immer 

wieder hinten angestellt. 

Nachdem das 

Genre des Vampirfilms 

nach TWILIGHT und 

vielen anderen auch 

in Deutschland wieder 

seine Zuschauer gefunden 

hatte, gaben die Produktionsfirmen Rat Pack 

und Constantin Film grünes Licht. WIR SIND DIE 

NACHT erzählt eine Vampir- und eine Liebesgeschichte. 

Luise (Nina Hoss), eine Vampirin, die nur 

noch auf Frauen steht, weil alle Männer „zu laut, 

zu gierig oder zu dumm“ waren, sucht nach der 

Liebe ihres Lebens und glaubt sie in der Kleinkriminellen 

Lena (Karoline Herfurth) gefunden zu 

haben. Aber das dachte sie bei der Stummfilmschauspielerin 

Charlotte (Jennifer Ulrich) und 

bei der Love-Parade-Raverin Nora (Anna Fischer) 

54 

auch schon. Dummerweise hat sich Lena, genau 

einen Tag bevor sie von Luise gebissen wurde, ein 

bisschen in den Polizisten Tom (Max Riemelt) verguckt 

– und das erschwert die nächtlichen Beutezüge 

des Vampir-Quartetts nun außerordentlich. 

Filmeditor Ueli Christen (Bester Schnitt) hat für 

diesen actionreichen Vampirfilm den richtigen 

Rhythmus gefunden. Der Film ist sehr furios 

auf Tempo geschnitten, ohne dass gefühlvolle 

Szenen zu kurz kommen. Wenn der Polizist Tom 

das erste Mal auf die Diebin Lena trifft und sie 

jagt, um sie zu stellen und die zwei danach auf 

Foto: © Christiane Brunner-Schwer 


UELI CHRISTEN 

– DIE WELLE (2008) 

– DAS WUNDER VON 

BERN (2003) 

– ANATOMIE (2000) 

– DIE APOTHEKERIN 

(1997) 

der Brücke sitzen und das erste Mal reden, dann 

gibt der Film den beiden und dem Zuschauer Zeit 

sich kennenzulernen. Filmkomponist Heiko Maile 

(Beste Filmmusik) setzt passend zum Nachtclub- 

Leben hauptsächlich auf elektronische Beats. 

Wird allerdings eine Szene um die – in der Unsterblichkeit 

melancholisch gewordene – Charlotte 

erzählt, ändert sich der Sound. Als Charlotte 

zum Abschluss ihre Tochter, nun eine Greisin, im 

Krankenhaus besucht, singt sie ihr das Kinderlied 

„Au clair de la lune“ vor, ein Lied, das auch 

unsterblich scheint. 


HEIKO MAILE 

– VORSTADTKROKO- 

DILE 3 - FREUNDE 

FÜR IMMER (2010) 


DILE 2 - DIE COOL- 

STE BANDE IST 

ZURÜCK (2009) 


DILE (2008) 

– DIE WELLE (2007) 


NEW 

PURE COLOR 

LIPSTICK 

BY TOM PECHEUX, CREATIVE MAKEUP DIRECTOR 

ESTéE LAUDER 

Deutscher Filmpreis 2011 

Wir gratulieren allen Nominierten!

CHANDANI UND IHR ELEFANT 

Kinder lieben Tiere. 

Fast jedes Kind 

wünscht sich ein 

Haustier. Die 16-jährige 

Chandani Sunamabanda 

aus Sri Lanka 

wünscht sich einen 

Elefanten. Sie ist mit 

Elefanten groß geworden, 

ihr Vater ist seit 

vielen vielen Jahren ein 

Mahout, ein Elefantenführer. 

Nun hat sie den 

Wunsch, bald in seine 

Fußstapfen zu treten. Was das in Sri Lanka 

bedeutet, zeigen Regisseur und Produzent Arne 

Birkenstock und Produzent Helmut G. Weber 

(Fruitmarket Kultur und Medien, Tradewind 

Pictures – Bester Kinderfilm) in ihrem dokumentarischen 

Kinderfilm CHANDANI UND IHR 

ELEFANT. Der jahrhundertealten Tradition entsprechend 

ist das ein Männerberuf, in dem Frauen 

nichts zu suchen haben. Da Chandani nur 

drei Schwestern und keine Brüder hat, widersetzt 

sich der Vater den Regeln und beschließt, 

56 

sein über Generationen angehäuftes Wissen an 

seine älteste Tochter weiterzugeben. Zu Beginn 

schenkt er ihr erstmal einen Elefanten zum Üben, 

den Chandani liebevoll Kandula tauft. Kandula 

freut sich über sein neues kinderreiches Zuhause 

und benimmt sich erstmal wie „ein Elefant 

im Porzellanladen“. Er reißt die Wäsche von 

der Leine und spielt mit einem roten Kleid als 

wäre er ein Torrero, schmeißt Stühle um und Geschirr 

vom Tisch. Chandani muss nun in Zukunft 

besser auf Kandula aufpassen. Je länger und je 

Bester Kinderfilm – 

ARNE BIRKENSTOCK 

– SOUND OF HEIMAT 


– CHANDANI UND IHR 

ELEFANT (2010) 

– 7000 KILOMETER 

HEIMWEH (2008/TV) 

– 12 TANGOS (2005) 

besser sich Chandani mit ihrer neuen Aufgabe 

identifiziert, desto mehr wird sie zum Gesprächsstoff 

unter den alteingesessenen Mahouts. Sie 

fühlen ihre Domäne bedroht und fragen sich besorgt: 

„Müssen wir dann irgendwann an Stelle 

der Frauen Kokosnüsse raspeln?“ 

Kinder können viel über ein fremdes Land und 

über Verantwortung gegenüber Tieren lernen, 

aber vor allem können sie mitnehmen, dass es 

gut ist, wenn man an seinen Träumen festhält. 


HELMUT G. WEBER 

– CHANDANI UND IHR 

ELEFANT (2010) 

– DAS ORANGEN- 

MÄDCHEN (2009) 

– TORTUGA – DIE UN- 

GLAUBLICHE REISE 

DER MEERES- 

SCHILDKRÖTE (2009) 

– MEIN BRUDER IST 

EIN HUND (2004) 


KONFERENZ DER TIERE 

Sie sind die Pioniere 

des computergenierten 

Kinos in Deutschland: 

Reinhard Klooss und 

Holger Tappe (Constantin 

Film Produktion – 

Bester Kinderfilm). 

Klooss, Autor und Produzent 

bei der Bavaria, 

dann bei Oedon Film 

und schließlich für die 

Constantin, zeichnete 

für publikumswirksame 

Filme verantwortlich 

(von GO TRABI GO bis ASTERIX & OBELIX 

GEGEN CÄSAR) und hat Mitte des letzten Jahrzehnts 

ganz neue Zeichen der Zeit erkannt. Zusammen 

mit Holger Tappe, der mit dem ersten 

CGI-Animationsfilm BACK TO GAYA kurz zuvor 

reüssierte, nahm er einer der beliebtesten 

Marionetten der verlängerten Nachkriegskriegszeit 

digital die Fäden weg. So retteten die beiden 

nicht nur das Urmel aus dem Eis, sondern auch 

Kinderstoffe made in Germany für das Familienkino. 

Das ging zwei Mal gut. Und dann kam Erich 

Kästner nicht als er selbst, sondern als Vorlage 

für einen Film, in dem die Themen verhandelt 

werden sollten, die die Erwachsenen beschäftigen, 

aber die Kinder etwas angehen. Kästners 

politisches Pamphlet KONFERENZ DER TIE- 

RE machten die Produzenten Klooss und Tappe 

(auch als Regisseure) zu einem Abenteuerfilm für 

die ganze Familie, der seine politische und moralische 

Botschaft nicht aus den Augen verliert, 

der aber auch weiß, wie das Genre funktioniert: 

Zum Beispiel mit Figuren, die weder im Eiszeit- 

Foto: © 2011 Constantin Film Verleih GmbH 


REINHARD KLOOSS 

– DIE „URMEL“- 

FILME (2006 / 2008) 

– ASTERIX UND 

OBELIX GEGEN 

CAESAR (1999) 

– COMEDIAN 

HARMONISTS (1997) 

– GO TRABI GO (1991) 

alter noch auf Madagaskar untergehen würden, 

aber vor allem gegen den Untergang der Zivilisation 

kämpfen. Und das in drei Dimensionen. Und 

jenseits der Grenzen. KONFERENZ DER TIERE 

war nicht nur der erfolgreichste deutsche Film 

2010 im eigenen Land, er stellte auch in Großbritannien 

und Frankreich Rekorde auf. So kann 

es gehen, wenn lebendige Kinotechnologie auf 

aktuelle Inhalte in der Tradition postmoderner 

Aufklärungsliteratur für Kinder trifft. 

Foto: © Tappe 


HOLGER TAPPE 

– KONFERENZ DER 

TIERE (2010) 

– URMEL VOLL IN 

FAHRT (2008) 

– URMEL AUS DEM 

EIS (2006) 

– BACK TO GAYA 

(2004) 

57

KINSHASA SYMPHONY 

„Freude schöner Götterfunken, 

Tochter aus 

Elysium“ singen die 

Chormitglieder des Orchestre 

Symphonique 

Kimbanguiste, des 

einzigen Symphonieorchesters 

in Zentralafrika. 

Deutsche Umlaute 

zu sprechen oder 

zu singen fällt schwer, 

aber richtig schwierig 

wird es erst beim 

fauchenden „ch“ aus 

Tochter, das es hier und auch im Französischen 

nicht gibt. Ein paar Takte weiter lauscht man 

der deutschen Liedzeile „Alle Menschen werden 

Brüder“ aus den Kehlen der Einwohner von 

Kinshasa. Spätestens hier beschleicht einen das 

Gefühl: Sie wissen nicht, was sie singen. Der Kongo 

ist ein von Bürgerkrieg, Armut und Korruption 

gezeichnetes Land, und in der 8-Mio-Hauptstadt 

Kinshasa sieht es entsprechend schmutzig und 

ärmlich aus. Aber davon lassen sich die mittlerweile 

fast 200 Mitglieder des Orchesters nicht 

beirren. Wenn die Musiker mit weißem Hemd und 

58 

Anzug oder die Frauen in ihren schönen weißen 

Kleidern und in weißen Schuhen zum Open Air 

Konzert anlässlich des Unabhängigkeitstages 

durch lauter Pfützen und Schlamm staken, dann 

kann der Gegensatz nicht größer sein. Stolz und ein 

wenig aufgeregt, nehmen sie den Dreck und den 

Krach um sich herum gar nicht wahr und freuen 

sich nur auf ihre Musik und die Zuhörer. Der von 

Stefan Pannen und Holger Preuße mit ihrer Firma 

Sounding Images (Bester Dokumentarfilm) produzierte 

Dokumentarfilm KINSHASA SYMPHONY 

zeigt eindrücklich, wie Menschen aus einem Land, 

Foto: © sounding images GmbH 

Bester Dokumentarfilm – 

STEFAN PANNEN 

– ZU TISCH 

(seit 2010/TV) 

– NICHT VON DIESER 

WELT (2010/TV) 

– WHERE IST HE 

WALL? (2009/TV) 

– ALBTRAUM IM 

MÄRCHENLAND 

(2001/TV) 

wo man es nicht gleich vermuten würde, ihre 

Begeisterung für klassische Musik (Beethoven, 

Mozart, Verdi u.a.) leben und auf andere übertragen. 

Die beiden Regisseure Martin Baer und Claus 

Wischmann sind erfahrene Dokumentarfilmer, 

die sich bei diesem Projekt gut ergänzen konnten, 

Kameramann Martin Baer hat sich auf Reportagen 

über Afrika spezialisiert und Wischmann 

hat schon etliche Dokumentationen im Bereich 

klassischer Musik realisiert. Die beiden bringen 

uns die Leute und ihre Stadt so nahe, dass jeder 

glaubt, noch nie schönere Musik gehört zu haben. 

Foto: © sounding images GmbH 

Bester Dokumentarfilm – 

HOLGER PREUSSE 

– ANJA SILJA - EIN 

LEBEN WIE IN DER 

OPER (2008/ TV) 

– WÜSTENTOUR ZU DEN 

TUAREG (2005/TV) 

– FÜR MICH GAB’S NUR 

NOCH FASSBINDER 

(2000/TV) 

– VERBOTENER FANG 

AM RIFF (1997/TV) 


PINA 

Ein Film für PINA BAUSCH von WIM WENDERS 

3D 

Wim Wenders konnte 

Pina Bausch nicht kennen, 

als sie ihre ersten 

ganz großen Erfolge feierte. 

Die Avantgardistin 

des modernen Tanztheaters, 

die aus Solingen 

stammte und von dem 

einen Steinwurf entfernten 

Wuppertal aus 

die ganze Welt des Tanzes 

und Tanzens veränderte, 

machte mit Stücken 

wie „Café Müller“ 

und „Kontakthof“ Ende der siebziger Jahre von 

sich Reden. Zu dieser Zeit arbeitete Wenders in 

den USA – von HAMMET bis PARIS, TEXAS. Erst 

Mitte der Achtziger sah er ihre Arbeiten bei einem 

Festival in Venedig. Das war der Beginn einer 

wunderbaren Freundschaft, aus der eigentlich 

schon immer ein Film entstehen sollte. 

Dass dieser Film, der einfach ihren Namen trägt, 

erst nach ihrem Tod gedreht werden konnte, 

machte PINA (Wim Wenders, Gian-Piero Ringel, 

Neue Road Movies Filmproduktion – Bester Doku- 

mentarfilm) nicht nur zu einem großartigen 

Künstlerinnen- und Kunstporträt, sondern auch 

zu einem Vermächtnis. Wim Wenders (Beste 

Regie) hat früh begriffen, dass das, was die Kunst 

von Pina Bausch aus- und einzigartig macht, 

dreidimensional ist: Die Körper in Bewegung 

und in den Elementen. Und die Tiefe des Raums, 

in dem sich die Körper in Bewegung und in den 

Elementen befinden. Er hat auch früh und vielleicht 

als erster begriffen, dass es dafür eine 

technische und kinematografische Entsprechung 

Foto: © Donata Wenders 

Bester Dokumentarfilm / 

Beste Regie – 

WIM WENDERS 

– BUENA VISTA 

SOCIAL CLUB (2000) 

– HIMMEL ÜBER 

BERLIN (1988) 

– DER AMERIKANI- 

SCHE FREUND (1978) 

– FALSCHE BEWE- 

GUNG (1975) 

gibt, die jenseits der legitimen und erfreulichen 

Jahrmarkteffekte des Kinos funktionieren kann. 

PINA wurde ein behutsam inszenierter 3-D-Film, 

weil er im Spektakulären nie den Blick auf das 

Wesentliche verliert. PINA erzählt von einer Frau 

und ihrer Kunst. In originellen Wiedergaben ihrer 

Inszenierungen, in einfachen und naturgemäß 

zweidimensionalen Selbstzeugnissen. In schönen, 

inhaltsreichen Bildern. Aber auch in den einfachen 

Worten ihrer Kolleginnen und Kollegen. 

PINA ist ein Wim-Wenders-Film. 

Bester 

Dokumentarfilm – 

GIAN-PIERO RINGEL 

– UNFAIR WORLD 


– PINA (2011) 

– ORLY (2009) 

– PALERMO 

SHOOTING (2008) 

59

FÖRDERMITGLIEDER/FREUNDE 

60 

ARRI Arnold & Richter 

Cine Technik GmbH & Co 

Betriebs KG 

cic group immobilienprojektentwicklungsgesellschaft 

mbH 

CineMedia Film AG 

CineStar-Gruppe CMS 

Cinema Management 

Service GmbH & Co.KG 

Commerzbank AG 

Concorde Filmverleih 

GmbH 

Constantin Film AG 

DFG Deutsche FilmversicherungsGemeinschaft 

die film gmbh 

drei d medien service GmbH 

e27 design gbr 

Estée Lauder Companies 

GmbH 

Falcom Media GmbH 

Filmpark Babelsberg GmbH 

FPS Fritze Wicke Seelig 

Highlight 

Communications AG 

HKR - 

Hollmann Knappe Reimert 

Just Publicity GmbH 

Kinowelt GmbH 

Kodak GmbH 

Entertainment Imaging 

Mast-Jägermeister SE 

maz & movie GmbH 

Okapi GmbH 

PKF Fasselt Schlage 

Partnerschaft 


Saxonia Media 

Filmproduktion GmbH 

Scanline VFX GmbH 

Senator Film Produktion 

GmbH 

SKW Schwarz 

Rechtsanwälte 

Studio Hamburg GmbH 

Universal Pictures International 

Germany GmbH 

Universum Film GmbH 

Walt Disney Studios Motion 

Pictures Germany GmbH 

Warner Bros. 

Entertainment GmbH 

X Verleih AG 

Immer mehr Personen und Firmen, die an der 

Entstehung, Vermarktung und Präsentation eines 

deutschen Films beitragen, fühlen sich der 

Filmakademie sehr verbunden. Sie sind Fördermitglieder 

und unterstützen die gemeinsame 

Arbeit auch materiell. 

In einem kleineren finanziellen Rahmen, aber 

mit ebenso viel Engagement, sorgt auch der 

größere Kreis der Freunde der Deutschen Filmakademie 

dafür, dass die Akademie lebens- und 

handlungsfähig bleibt. Denn aus den Mitgliedsbeiträgen 

allein könnte die Filmakademie nicht 

so aktiv sein wie sie ist. Durch die jährlichen 

Zuwendungen der Fördermitglieder und der 

Freunde kann die Akademie lebendig arbeiten, 

also Personal bezahlen, Projekte initiieren, Veranstaltungen 

organisieren, ihre Außenwirkung 

verstärken. 

Freunde und Förderer werden in das aktive Leben 

der Filmakademie mit einbezogen. Sie können 

viele Veranstaltungen besuchen, erhalten 

den Akademie-Newsletter „Extrablatt“, können 

die nominierten Filme kostenlos im Kino sehen 

und nehmen immer wieder gerne an Treffen der 

Filmakademie-Mitglieder teil. Sie sind natürlich 

auch dabei, wenn die Akademie gemeinsam 

mit dem BKM einmal im Jahr den DEUTSCHEN 

FILMPREIS verleiht. 

Freunde und Fördermitglieder tun das, was 

ihre Namen sagen: Sie fördern die Arbeit der 

Deutschen Filmakademie und leisten damit 

dem deutschen Film und seinen Kreativen einen 

großen Freundschaftsdienst. 

61

Nicole Ackermann Geschäftsführerin | Wally Ahr- 

weiler Agentin | Delia Albrecht Schauspieler-Agentin 

| Georg Alexander Journalist | Katrin Anders 

Agentin | Christian Angermayer Unternehmer | Elke 

Apelt Agentin | Gabriela Bacher Produzentin | Simone 

Bachofner Junior Publicist | Rolf Bähr ehem. 

FFA Vorstand | Anke Balzer Agentin für Schauspieler 

| Frank Barner Steuerberater, Rechtsanwalt 

| Julia Bartelt PR-Agentin | Regine Baschny 

PR Beraterin | Iris Baumüller-Michel Casting 

Director | Caroline Beil Schauspielerin | Astride 

Bergauer Agentin | Marieanne Bergmann Leiterin 

Förderabteilung FFHSH | Evi Bischof Agentin | 

Rüdiger Böss SVP Group Programming Acquisitions 

| Mathias Bothor Fotograf | Oliver Boy 

Produzent | Elke Brand Medienagentin | Karin 

Brandner Agentin | Alice Brauner Produzentin | 

Frank Brauner Rechtsanwalt | Wolfgang Brehm 

Filmanwalt | Bettina Breitling Leitung Lizenzen, 

Filmrechte | Wolf Dietrich Brücker Redakteur | 

Gero Brugmann Rechtsanwalt | Christoph 

Caesar PR-Agent | Bernd Capitain Schauspieler | 

Christina Capitain Schauspielerin | Xavier Chotard 

Marketingberater | Daniel Tobias Czeckay 

Rechtsanwalt | Martin Danner Prokurist | Cathy 

62 

de Haan Dramaturgin, Dozentin | Max Dehmel 

Ministerialrat a.D. | Ulf Dobberstein Rechtsanwalt 

| Jochen Doell Agent | Marion Döring Geschäftsführerin 

| Alexander van Dülmen CEO | 

Michael Düwel Geschäftsführer | Thomas Eckelkamp 

Film-/TV-Produzent | Katharina Elias TV- 

Redakteurin | Matthias Elwardt Gesellschafter | 

Andreas Erfurth Agent | Andrea Etz Agentin | 

Jürgen Fabritius | Cordula Fassbender Wissenschaftlerin 

| Lutz Fassbender CEO | Dirk 

Fehrecke Agent für Film, TV und Theater | 

Claudia Fehrenbach Fitz Schauspielagentin | 

Annic-Barbara Fenske Schauspielerin | Milena 

Fessmann Musicsupervisor | Cordula Fink Agentin 

| Pamela Fischer Agentin | Philipp Fleischmann 

Trailer-Produzent, Regisseur | Susanne Franke 

Theaterkunst | Egon F. Freiheit Drehbuchautor/ 

TV-Consultant | Mattias Frik Agent | Stefan Gärtner 

Leiter Koproduktion und Kofinanzierung | 

Nicola Galliner Festivalleiterin | Christina Gattys 

Agentin | Georg Georgi Schauspielagent | 

Reinhard Gerharz Rechtsanwalt | Anna Gerloff 

Schauspielerin | Max Gertsch Schauspieler | Norbert 

Ghafouri Schauspieler | Maren Gilzer Schauspielerin 

| Nico Grein Producer | Gerhard Groß 

Filmtheaterbetreiber | Heinke Hager Agentin für 

Filmrechte | Winfried Hammacher Produzent | 

Birgit Hass Geschäftsführerin | Harro von Have 

Rechtsanwalt | Sabine Hemstedt Schauspielerin | 

Marlis Heppeler Agentin | Sabine Hielscher Pädagogin 

| Wolfgang Hielscher Jurist | Max Höhn Hair 

& Make Up Artist | Alexandra Hölzer Rechtsanwältin 

| Bernhard Hoestermann Agent für Schauspieler 

| Gerti Hofmann Gastronomin | Alexander 

von Hohenthal TV-Produzent | Mechthild Holter 

Inhaber/Geschäftsführerin Players | Nicole 

Houwer Autorin | Eva Hubert Geschäftsführerin | 

Britta Imdahl Schauspielagentin | Patrick Jacobshagen 

Rechtsanwalt | Marielouise Janssen-Jurreit 

Filmautorin | Bianca Junker Presseagentin | 

Christine Kabisch Regisseurin | Till Kaposty-Bliss 

Werbegrafiker | Anja Karmanski Schauspielerin | 

Ringo Kaufhold Schauspielagent | Klaus Keil Direktor 

| Uschi Keil Agentin | Rainer Keller Lobbyist, 

Strategisches Management | Nicole Kellerhals 

Dramaturgin | Senta Dorothea Kirschner Schauspielerin 

| Georg Kloster Yorck Gruppe | Thomas 

Kluge Fotograf | Michael Konstabel Archivrechercheur 

| Heide Kortwich Maskenbildnerin | Detlev 

Krüger Sprecher der GF Martin-Braun-Gruppe | 


Hildburg Krüger Fachbereichsleiterin Kunst & 

Kultur | Karin Kruse Manager/Agent | Adrian 

Kutter Diplom-Kaufmann | Sandra Lampugnani 

Agentin | Renate Landkammer Agentin | George 

Lenz Schauspieler | Thomas Letocha Autor | Silvana 

Liebich Agentin für Schauspieler | Amélie 

Linder PR-Berater | Yutah Lorenz Schauspielerin 

und Artistin | Stefan Lütje Rechtsanwalt | Lars 

Meier Künstlermanager | Ulrich Meinhard Agent | 

Henner Merle Rechtsanwalt | Günther Mertins 

Kinobetreiber | Susanne Mertins Geschäftsführerin 

| Philipp von Mettenheim Rechtsanwalt | 

Werner Wolfgang Metzger Journalist | Kristin 

Meyer Schauspieler | Carsten Meyer-Grohbrügge 

Regisseur | Caroline Millahn Agentin | Benjamina 

Mirnik Produzentin | Benedict Mirow Regisseur, 

Produzent | Marketa Modra Agentin | Stefan von 

Moers Rechtsanwalt | Petra Maria Müller | Katrin 

Näher Agentin | Azizeh Nami PR-Agentin | Sigrid 

Narjes Agentin | Till Neumann Rechtsanwalt | 

Maren Niemeyer Produzentin, Regisseurin | Michaela 

Niemeyer | Christoph Ott Verleiher | Volker 

Otte Rechtsanwalt für Filmförderungsrecht | Erik 

Paulsen Dialogautor & Synchronregisseur | Andreas 

Pense Rechtsanwalt | Michal Pokorny Pro- 

duzent | Margit Preiss PR-Agentin | Hans Helmut 

Prinzler Filmhistoriker | Inga Pudenz Manager/ 

Agentur | Wiebke Reed Agentin | Josef Reidinger 

Leiter der Postproduktion | Susanne Reinker Autorin 

| Mario Rempp Filmtheaterbetreiber | Angelika 

Reuter Film- und Fernsehagentin | Mariette 

Rissenbeek PR Managerin | Renate Roginas Geschäftsführerin 

der Villa Kult OHG | Renate Rose 

European Film Promotion | Stefan Rüll Rechtsanwalt 

| Nadja Runge Publicist | Klaus Schaefer 

FilmFernsehFonds Bayern | Thorsten Schaumann 

Filmkaufmann | Harald Schernthaner Head of Digital 

Filmworks | Christian Schertz Rechtsanwalt | 

Thomas Scheuble Bankkaufmann (Prokurist) | 

Antje Schlag Agentin für Schauspiel, Regie, Filmkomponisten 

| Michael Schmid-Ospach | Josephine 

Schmidt Schauspielerin | Marie-Luise Schmidt 

Agentin | Steffen Schmidt-Hug Rechtsanwalt | 

Sonja Schmitt Delphi Filmverleih | Lutz Schmökel 

Agent | Norbert Schnell Agent | Marc Schötteldreier 

Casting Director | Peter Schulze PR-Manager | 

Maria Schwarz Agentin | Sibylle Seidel-Gieth 

Agentin | Christian Senger Schauspieler | Manuel 

Siebenmann Regisseur, Autor und Produzent | 

Sebastian Sieglerschmidt Geschäftsführer | Ulla 

Skoglund (Schauspieler)agentin | Josef Steinberger 

Filmproduzent | Inka Stelljes Agentin 

für Schauspieler | Volker Störzel Agent Theater, 

Film und Fernsehen | Christiane Stützle 

Rechtsanwältin für Film- und Medienrecht | 

Conny Suhr PR-Agentin | Judith Sutter Schauspielagentin 

| Gisela Tatsch-Daust Schauspielagentin 

| Johannes Thielmann Produzent, 

Regisseur, Autor | Sonya Tuchmann Schauspielerin 

| Michaela von Unger Filmproduzentin | 

Burkhard Voiges Geschäftsführer | Magnus 

Vortmeyer Marketingleiter Tobis Film | Christiane 

von Wahlert Geschäftsführerin SPIO | 

Christiane Waldbauer Schauspieleragentin | 

Katrin Wans Agentin | Steffen Weihe Agent | Anne 

Wels Agentin | Simone Wernet Lektorin & Dramaturgin 

| Thomas Weymar Telepool München | 

Albert Wiederspiel Filmfestleiter | Rafaela Wilde 

Rechtsanwältin | Harald Will Agent für Film 

Fernsehen & Theater | Sylvia Wolf Medienberater 

| Beate Wolgast Agentin | Ute Zahn Geschäfts- 

führerin 

63

GENUG IST NICHT GENUG 

Teilnehmer: Jan Schütte (Direktor dffb), Herbert 

Schwering (Produzent), Manuela Stehr (Produzentin, 

X Verleih Vorstand), Rüdiger Suchsland 

(Filmjournalist) 

Moderation: Alfred Holighaus, Linda Söffker 

Fotos: Florian Liedel 

Alfred Holighaus: Das Thema „Gibt es zu viele 

deutsche Filme auf dem Markt?“ ist uns nicht 

einfach zugefallen, es schwelt ja eigentlich schon 

eine ganze Weile und scheint durch das FFA-Urteil 

des Bundesverwaltungsgerichts noch dringender 

geworden zu sein. Die Fragen „Wie wird Filmförderung 

weitergehen? Wie wird sie in Deutschland 

aussehen und was macht sie aus? Was richtet sie 

vielleicht auch an?“ führen zu diesem Thema. Manuela 

Stehr ist als Verleiherin und Produzentin 

auch nicht erst seit gestern mit dem Thema beschäftigt. 

Belastet dich das in diesem Jahr mehr 

als vorher oder gehst du damit ganz anders um? 

Manuela Stehr: Nein. Von der Anzahl der Filme 

her belastet mich das überhaupt nicht. Die Frage 

ist vielmehr: Warum hatten wir im vergangenen 

64 

Alfred Holighaus, Herbert Schwering, Linda Söffker, Rüdiger Suchsland, Jan Schütte, Manuela Stehr 


Jahr relativ schlechte Zahlen mit den deutschen 

Filmen? Wenn man sich deutsche Produktionen, 

aber auch die Koproduktionen anschaut, muss 

man feststellen, dass die unter dem Wert, den 

man üblicher Weise erwarten kann, gelaufen sind. 

Das ist dann tatsächlich eine Frage, mit der ich 

mich beschäftige. 

Holighaus: Und das hat für dich mehr mit der 

Qualität zu tun als mit der Menge der Filme? 

Stehr: Ich will nicht abstreiten, dass das auch 

mit den Inhalten der Filme zusammenhängt, die 

dann eben einfach nicht ihr Publikum erreicht 

haben oder vielleicht dem Zeitgeschmack nicht 

entsprachen. Aber ich finde viel gravierender, was 

mit diesen Filmen in den Kinos passiert. Meines 

Erachtens erzählt das eine ganze Menge darüber, 

warum diese Filme mit sehr viel weniger Zuschauern 

nach Hause gehen, als es vielleicht vor 

ein oder zwei Jahren noch der Fall gewesen wäre. 

Rüdiger Suchsland: Wenn wir auf die Landschaft 

gucken, glaube ich nicht, dass die jeweiligen 

Marktzahlen das wirkliche Problem spiegeln, 

über das wir hier reden. Denn hätten wir 2010 einen 

Til-Schweiger-Film und noch einen Bully-Film 

gehabt, dann wäre es plötzlich zahlenmäßig ganz 

gut gelaufen. Aber ginge es uns deshalb wirklich 

besser? Vielleicht doch sogar eher schlechter, weil 

dann andere Filme im Vergleich noch viel miesere 

Zahlen gehabt hätten. Das alles hat wenig zu tun 

mit einer Filmkultur, die an Vielfalt interessiert 

ist, am Entdecken des Besonderen. 

Da ist dann ein Punkt erreicht, an dem wir mal 

über das Publikum reden müssen, über das sonst 

zu selten geredet wird. Wie es sich verändert und 

was es von den Filmen erwartet. Ist das Publikum 

neugierig genug? Ist es offen genug? Beziehungsweise 

wann ist es offen und neugierig? Die Leute 

schauen sich nämlich ganz tolle DVDs mit Audiokommentaren 

und in Originalversion an – und 

das, wo in Deutschland angeblich kaum ein Film 

im Original funktionieren kann. Da fragt man 

sich: Braucht es Events? Braucht es das Pantoffelkino 

zu Hause mit den besseren Anlagen? Oder 

braucht es auf der anderen Seite auch ein Publikum, 

das ganz anders gefordert, in irgendeiner 

Weise gebildet, ja – ich scheue mich fast, es zu 

sagen – erzogen wird. 

Jan Schütte 

Stehr: Du hast natürlich absolut Recht, dass man 

über diese Fragen dringend reden muss. Trotzdem 

möchte ich nochmal in ganz pragmatischer 

Sicht zurück auf das Kino. Wichtig ist, dass die 

Anzahl der deutschen Filme in den letzten fünf 

Jahren nicht wirklich gestiegen ist. Die Anzahl 

der deutschen fiktionalen Filme erst recht nicht. 

Nach den Statistiken der FFA ist nur die Anzahl 

der Dokumentarfilme gravierend gestiegen. Das 

heißt, die Anzahl der fiktionalen Filme ist sogar 

gesunken. In 2010 waren es allein 70 Dokumentarfilme, 

die in die Kinos gekommen sind. 

65

Linda Söffker: Von wie vielen? 

Stehr: Von 189 Filmen. Das ist wirklich viel. Auch 

im Vergleich zu früheren Jahren. Weshalb ich 

aber zu Beginn sagte, dass die Filme unter Wert 

laufen, hat vielleicht mit einer sich ändernden 

Strategie der Kinobetreiber zu tun. Ich rede jetzt 

natürlich im Wesentlichen von den Programmkinos. 

Die haben früher sehr viel stärker eine 

eigene Auswahl getroffen. Das heißt, sie hatten 

offenbar mehr Zeit, sich die Filme vorab anzuschauen 

und für sich eine Entscheidung zu treffen. 

Da hat sich entscheidend etwas verändert. 

Jetzt werden nämlich im Zweifel einfach alle 

Filme gezeigt. 

Mein Lieblingsbeispiel ist immer ein Kino mit vier 

Leinwänden. Die haben früher sechs bis acht Filme 

gespielt, vielleicht noch einen Kinderfilm oder 

etwas Neues zur Matinée. Heute spielen sie am 

Start-Donnerstag – mit den bereits laufenden – 

20 Filme. Das bedeutet, dass du für deinen Neustart 

unter Umständen nur noch eine Vorstellung 

bekommst. Und nicht wie früher, als all diese 

Filme ganz normal in der Nachmittags-, Abend-, 

Spätvorstellung eingesetzt wurden. 

66 

Zu jeder Uhrzeit läuft ein anderer Film. Warum? 

Die Kinobetreiber sagen uns, sie wissen selber 

nicht mehr genau, was beim Publikum ankommt. 

Das heißt, sie setzen die Filme ein, probieren 

es aus und was nicht funktioniert, fliegt raus. 

Das führt natürlich dazu, dass du nur ein Drittel 

der Vorstellungen hast und es am ersten Wochenende 

nicht schaffst, die magische Zahl zu erreichen, 

die dafür steht, dass dein Film Potenzial 

hat. Ein Film, der sonst für 200.000 Zuschauer gut 

ist, der macht dann eben nur noch 100.000. 

Jan Schütte: Was mir auffällt, ist, dass es inzwischen 

viel mehr Filme mit hohem Potenzial gibt, 

die sehr schnell verschwinden, obwohl sie eigentlich 

eine relativ hohe Aufmerksamkeit hatten. Ein 

Beispiel aus der dffb: Emily Atef hatte eine irrsinnige 

Presse, Fernsehen etc. Sie hatte auch ein gutes 

Thema. Und blieb dann bei 6300 Zuschauern. 

Da denkt man sich, das kann gar nicht wahr sein! 

Söffker: Du redest über DAS FREMDE IN MIR? 

Schütte: Ja. Vor 20 Jahren waren im Independent-, 

im Arthouse-Kino 50.000 oder 80.000 Zu- 

Herbert Schwering 

schauer ziemlich schwach. Dann waren 30.000 

eine schwache Marke und heute sind es 5.000. 

In solchen Zahlen wird überhaupt schon nachgedacht! 

Es fällt mir auch mit meinen eigenen 

Filmen auf, wie schwierig es ist, unter den vielen 

Konkurrenzfilmen im Kino noch wahrgenommen 

zu werden. Ein anderes Phänomen sind die neuen 

Produktionsmöglichkeiten, durch die heute viel 

mehr Filme entstehen. Nicht unbedingt bei uns. 

Aber ich weiß, dass das Sundance-Filmfestival 

viel mehr amerikanische Filme zur Auswahl hat, 

die oft mit einem no-budget produziert worden 


sind. Mit 5.000 Dollar, mit 10.000 oder 20.000. 

Und davon setzen sich dann am Ende zwei oder 

drei durch. Aber 500 oder 700 bleiben auf der 

Strecke. Man weiß weder, wie die aussehen, noch 

wo die sind. 

Holighaus: Herbert Schwering ist mit seiner 

Firma ja ein klassischer Vertreter des deutschen 

Independent-Marktes. Wie läuft das bei uns? 

Herbert Schwering: Man versucht schon, sich 

rechtzeitig zu ändern und auch marktgerechter 

Arthouse zu produzieren, damit man nicht Gefahr 

läuft, unterzugehen. Der Independent-Bereich 

in Deutschland ist durch die Filmhochschulen 

in den letzten zehn Jahren sehr stark geworden. 

Es gibt plötzlich viel mehr Talente auf dem 

Markt, die mit ihren ersten Filmen präsent sind. 

Hans Weingartner, der vor zehn Jahren für DAS 

WEISSE RAUSCHEN verantwortlich war, ist so 

ein Beispiel. Erst mit 15.000 Euro Budget starten, 

später eine Produzentin finden, dann einen 

Verleih und den Film dann auch noch erfolgreich 

ins Kino bringen. Heute ist das schon wieder 

schwieriger. Konkurrenzdruck entsteht bereits 

bei den Studenten und an den Hochschulen, viele 

Studenten denken, sie müssen bereits dort ihren 

ersten Langfilm machen. 

Schütte: Wir machen da aber auch einen Fehler, 

wenn wir immer wieder fragen: Wo sind junge 

Talente? Woher nehme ich sie? Der Fehler liegt 

darin, zu glauben, man müsse Hochschulen noch 

marktorientierter machen. Es geht letztlich nicht 

darum. Diejenigen, die das tun, landen später sowieso 

eher in einer Berufsschiene, die wenig mit 

dem zu tun hat, warum wir als Fach Regie an 

Filmhochschulen unterrichten. 

Schwering: Es ist wichtiger zu fragen, wie verändert 

sich das Publikum, wie mache ich Filme, die 

den Zuschauer erreichen? Diese Frage stellen wir 

uns alle, denke ich. Auch bei schwierigen Projekten 

versuche ich, herauszubekommen, ob es ein 

reiner Festivalfilm ist oder ob das Projekt weiteres 

Potenzial hat. 

Schütte: Weil du vorhin die Ausbildung ansprachst: 

Keine Filmhochschule sollte und darf 

sich am Markt orientieren. Den Markt können wir 

Jan Schütte und Rüdiger Suchsland 

immer nur jetzt beobachten, wir wissen gar nicht, 

wie er in sechs Jahren sein wird. Das wäre sogar 

tödlich! Was in allen Filmhochschulen, wenn sie 

engagiert sind, ausgebildet wird, ist eine persönliche 

Handschrift. Diese dann zu fördern, herauszuarbeiten 

und auszuprobieren, ist unsere Aufgabe. 

Wenn Studenten an die Hochschule kommen, 

machen sie erstmal die Filme, die sie selber machen 

wollen und im Kopf haben. Sie gucken erstmal 

überhaupt nicht auf das Publikum und das 

finde ich auch in Ordnung. Wenn sie dann ins 

vierte Jahr kommen und an ihren Abschlussfilm 

67

denken, beginnen sie, auch darüber stärker nachzudenken: 

Wer ist mein Publikum? Wer soll den 

Film denn ansehen und wo? Das ist von der Bewegung 

her richtig. Das ist immer noch eine Phase, 

in der man etwas entdecken, entwickeln und 

ausprobieren kann. Auch für die Branche, die 

sagen kann: Okay, mit diesem Talent mache ich 

jetzt einen so gearteten Film. 

Holighaus: Ein spannender Aspekt, auch 

Debütfilme abgekoppelt vom Markt zu betrachten. 

Heißt das, sie sollen gar nicht versuchen, 

den Markt zu erreichen? Oder heißt das, man 

muss den Markt dafür anders entdecken, aufmischen 

oder vorbereiten? 

Schütte: Dafür muss man vielleicht zwei Begriffe 

noch einmal definieren. Ich habe nicht abkoppeln 

gesagt, sondern erstmal frei. Und auch in erster 

Linie Abschlussfilme – und nicht Debütfilme. 

Dazwischen gibt es ja auch noch einmal einen 

Sprung. Ein Abschlussfilm müsste eigentlich billiger, 

kleiner sein, eher vielleicht auch eine Auftragsproduktion 

mit dem Kleinen Fernsehspiel. 

Da gibt es ja eine ganze Reihe von denkbaren Kon- 

68 

stellationen. Vielleicht auch nur 60 oder 70 min. 

lang. Die Abschlussfilme müssen unabhängiger 

werden. Sie müssen sich dem Markt noch nicht so 

stellen wie der Debütfilm, der mit Förderung und 

Fernsehpartnern klassisch produziert wird. 

Suchsland: Eine Hochschule sollte dafür da sein, 

dass sich die Leute selber erstmal finden, sich als 

Regisseure entdecken. Das hat aber auch etwas 

damit zu tun, dass man in Bedingungen arbeiten 

können muss, die einem Mut machen. 

Söffker: Herbert, Du sprachst von Festivalfilmen. 

Was bedeutet das? Es gibt von Jahr zu Jahr mehr 

Festivals, allein in Berlin. Deutschlandweit sowieso, 

auch weltweit. Es könnte sein, dass Festivals 

die Funktion des Arthouse-Kinos übernommen 

haben, nur dass Produzent und Verleih nichts 

verdienen, wenn sie an Festivals teilnehmen. Das 

ist etwas, worüber man reden könnte. Der Markt 

verändert sich. 

Schwering: Man muss Filmemacher pushen, dass 

viel mehr Output kommt. Für mich ist in Deutschland 

Dominik Graf ein Beispiel, der drei Filme pro 

Linda Söffker 

Jahr macht. In Hongkong jemand wie Johnnie To 

oder Andrew Lau, die wir oft besser finden als 

deutsche Regisseure. Warum kann man solche Bedingungen 

nicht hier schaffen? Gerade weil man 

ja für 5.000 EUR mit einer digitalen Kamera einen 

90-Minüter drehen kann. Das kann ja auch eine 

Chance sein. Ich finde, da müssen manche Filmemacher, 

die gerne meckern, sich auch mal an die 

eigene Nase fassen und erklären, warum sie, wenn 

sie Jahre oder Monate warten, in der Zeit nicht einfach 

mit ihrer Homevideo-Kamera Filme machen. 


Der andere Punkt geht dann an die Verleiher oder 

auch die Kinobetreiber. Auch das macht mich 

wütend: Wie kann es denn sein, dass wahnsinnig 

gute Filme nach zwei Wochen komplett verschwunden 

sind? Und das ist der Skandal! Natürlich 

verändern sich Rezeptionsgewohnheiten, 

man schaut mehr auf DVD. Auf der anderen Seite 

sind die Leute in der Lage, sich ein Theaterereignis 

oder ein Filmfestival vorzumerken und hinzugehen. 

Warum schafft man es dann nicht, dass die 

Leute auch ins Kino gehen? 

Stehr: Das ist ein ewiges Problem, das wir haben. 

Was sich aber durch das, was ich vorhin sagte, 

noch verschärft hat. Der Zuschauer wird nicht 

nur mit diesen vielen Filmen im Kino konfrontiert, 

sondern natürlich auch mit der entsprechenden 

medialen Aufmerksamkeit. 

Söffker: Was aber nicht mehr wahrgenommen 

wird. Das ist der Unterschied. 

Stehr: Es gibt in der Breite einfach mehr, was im 

Kino läuft und deshalb gibt es natürlich auch 

mehr Filmkritiken. Während es früher so war, 

dass Filme auch mit 15-20 Kopien ins Kino gekommen 

sind, sind es heute dann 40-50. Außerdem 

passiert noch etwas Fatales: Der Kinobesucher 

ist gewohnt, dass er je nach Kino seine 

19 Uhr-, 19:30 Uhr-, 20 Uhr-Vorstellung hat. Wenn 

er jetzt sieht, der Film läuft aber nur um 17 Uhr, 

dann ist er schon wieder genervt. Damit ist er 

für diesen Film verloren. Das sind diese kleinen 

Mechanismen, die die Zuschauerzahlen pro Film 

immer weiter nach unten drücken. 

Schütte: Es gibt so zwei, drei Sachen, die hier 

in der Diskussion herumschwirren. Einmal hat 

Herbert vorhin Theaterbesucher genannt, die 

ganz gezielt zu einer Vorstellung gehen, ein 

Abonnement haben, und dann noch die Festivals. 

Manchmal frage ich mich – was mich auch 

bei meinen eigenen Filmen betroffen hat –, ob es 

für diese kleinen Filme nicht einen fatalen Mythos 

gibt: den des bundesweiten Kinostartes. Das 

hat sich verändert. Vor zwanzig Jahren lag eine 

durchaus solide Kopienanzahl bei 20 Kopien. 

Damit hat man den Film super in Umlauf gebracht 

und im Notfall noch einmal fünf mehr gemacht. 

Heutzutage ist das gar nicht mehr akzeptabel. 

Manuela Stehr 

Schwering: Weil du dann bei 3000 Zuschauern 

bist. Ich habe lange in der sehr guten Kinostadt 

Münster den Filmclub Münster geleitet. In Münster 

sind alle Filme gut aufgehoben. Nicht nur, 

weil sie Studentenstadt ist, sondern das liegt an 

einem Filmtheaterbesitzer, der zwar eine Monopolstellung 

besitzt, aber diese gerade für eine 

kluge Programmpolitik nutzt und nicht nur für 

Mainstream. Wir waren damals als Filminitiative 

anfangs sehr kritisch. Dann haben wir gemerkt, 

dass da jemand ist, der Filme liebt. Gerade die 

69

Rüdiger Suchsland 

Liebe zum Kino ist sehr wichtig. Ich glaube, dass 

sich auch bei den Programmkinos etwas ändert. 

Wenn man schaut, wer diese kleinen Kinos, die es 

ja auch in der Provinz noch gibt, betreibt, dann 

sind das fast alles ältere Besitzer. Was wird daraus 

in zehn Jahren? Gibt es Initiativen, die diese 

Orte dann übernehmen? Gibt es überhaupt 

noch so eine Filmclub-Idee? Das schließt den 

Kreis zu der Frage, wie schaffen wir es überhaupt, 

Publikum für Filme, die sperriger, heraus- 

fordernder sind oder einen Blick über unsere 

70 

Grenzen wagen, zu interessieren. An dieser Stelle 

bin ich skeptisch, ob wir so eine Roots-Bewegung 

noch einmal hinbekommen. Gerade weil es jetzt 

andere Medien gibt, die das kompensieren, z.B. 

das Internet. Du bist nicht mehr darauf angewiesen, 

30 km zu fahren, um einen Film zu sehen. 

Suchsland: Aber es geht auch etwas verloren. Ich 

würde nie eine DVD oder das Internet gegen ein 

Kino ausspielen. Beim Kino steht schon das gemeinsame 

Erlebnis im Mittelpunkt, der Festcharakter, 

das Besondere spielt eine Rolle. 

Stehr: Wir haben das Problem, dass Debütfilme, 

Dokumentarfilme, Fernsehfilme mit Förderbeteiligung, 

großbudgetierte internationale Koproduktionen 

und am Ende noch die amerikanischen Filme 

alle in einem Topf sind. Alle schlagen sich um 

dieselbe Öffentlichkeit, dieselben Plätze in den 

Medien und um dieselben Leinwände. Im Grunde 

ist das unfair. 

Suchsland: Sollte man nicht den Kopienschnitt 

zum Maßstab nehmen? Selbst meine Kollegen 

zum Beispiel beim „Tagesspiegel“ drucken eine 

Chartliste, die nach reiner Zuschauerzahl geordnet 

ist – da stehen natürlich immer US-Majors 

oben, weil es nur um die nackte Masse geht. Da 

wird nichts ins Verhältnis gesetzt zur Kopienzahl, 

zum Produktionsbudget, zum Marketing-Budget 

usw. Würde man den Kopienschnitt zum Maßstab 

nehmen, kämen aber auf einmal die ganzen schönen 

Arthouse-Filme hoch. 

Stehr: Man müsste neue Kategorien für die Statistiken 

schaffen. Warum muss sich ein Debütfilm 

überhaupt mit KOKOWÄÄH messen? 

Schwering: Wenn wir über Lobby-Arbeit reden, 

müsste da nicht vielleicht auch die DEUTSCHE 

FILMAKADEMIE darüber nachdenken, ob man zu 

der Branche mehr Kontakt aufnimmt, die unsere 

Filme abspielt. Wie schaffen wir da eine stärkere 

Vernetzung? Ich glaube, es hat damit zu tun, 

ihnen wieder Mut zu machen, dass viele Filme 

funktionieren würden. Bei SATTE FARBEN VOR 

SCHWARZ haben alle gesagt, das kann nicht 

funktionieren. Guckt man sich aber die Zahlen an, 

dann stellt man fest, dass wir momentan alle davon 

leben, dass die über Fünfzig-, Sechzigjährigen 


viel ins Kino gehen. Die sind augenblicklich die 

Rettung für deutsche Filme. Dann passt der Film 

nämlich wieder durchaus in die eigene Perspektive, 

wenn man über 50 ist und sich fragt, wie lange 

dauert denn das alles noch? 

Suchsland: Ich frage mich, wie man die Kinobetreiber 

eigentlich einschätzen muss? Von außen 

habe ich den Eindruck, das ist der depressivste 

Ort der Branche. Die sind relativ alt, sie meckern 

immer und sagen immer, was alles schlecht läuft: 

Die Filme sind scheiße, die Kritiken sind scheiße, 

das Publikum kommt nicht. Wenn ich dann in 

deren Höhlen gehe, in denen zum Teil noch der 

Teppichboden von 1967 liegt und die Sessel sind 

angenehm durchgesessen – ich mag ja eher so alte 

Kinos –, dann weiß ich auch, meine Mutter würde 

da nicht reingehen. Sie hat dann Rückenprobleme. 

Dabei wäre sie die Zielgruppe 60plus. Wie 

kann man daran etwas ändern? 

Söffker: Wir verlieren aber seit längerem vor 

allem die jüngeren Zuschauer um die 20. 

Stehr: Genau. Natürlich gibt es auch viele super 

ausgestattete Programmkinos, aber offenbar sind 

weder sie noch die Filme für das junge Publikum 

interessant. Das Problem ist, dass uns das junge 

Arthouse-Publikum fehlt. Ich bin jedes Mal wieder 

erschüttert, wenn ich auf internationalen 

Festivals Filme schaue und sehe, was es für tolle 

Filme für junge Leute gibt. Die modern und unterhaltsam 

sind, sich aber auch intensiv mit Problemen 

beschäftigen, die geile Musik haben und bei 

denen ich weiß: Keine Chance, ich kann die hier 

nicht ins Kino bringen. Diese Arthouse-Kinos sind 

für die jungen Leute gestorben. Da haben wir alle 

etwas verpasst. 

Suchsland: Wenn du dir mal nicht die deutschen 

Filmcharts anguckst, sondern das, was im Internet 

heruntergeladen und was auf DVD ausgeliehen 

wird, dann stellst du fest, dass 50 Prozent der 

Filme überhaupt nicht in Deutschland starten. 

Was die sich angucken, das sind Horror, Splatter- 

Kram, asiatische Thriller bis zum Bereich Porno/ 

Softporno. Ebenso Musikvideo-Filme oder Experimentalfilme 

auf YouTube, aber auch Hardcore- 

Autorenfilme. Die haben teilweise super Zahlen 

im Netz. Umgekehrt verschiedene Komödien, die 

auch schräger und schriller sind, und von deutschen 

Produzenten nicht hergestellt werden. Wir 

haben bestimmte Segmente gar nicht im Kino. 

Teilweise weil sie im Fernsehen stattfinden: Genrefilme. 

Teilweise auch, weil sie bisher gar nicht 

gemacht werden, weil es angeblich nicht funktioniert. 

Dazu gehören für mich Horrorfilme, bestimmte 

Typen an Thrillern, Science-Fiction. Das 

sind jugendaffine Filmtypen. Wenn man dagegen 

ins Fantasy-Filmfestival geht oder zum Beispiel 

an einen Ort wie „Nippon Connection“ in Frankfurt, 

wo nur japanische Sachen laufen, funktioniert 

in Zuschauerzahlen super. Das sind dann 

zwar nur zwei oder drei Screenings pro Stadt, 

aber die sind voll. Wir kennen diese ganzen Verleiher, 

Splendid, 3L usw., was die alles rausbringen, 

was im DVD-Bereich super geht. Und bei 

Festivals natürlich auch. Ich denke, es gibt wahnsinnig 

viel, was man ins Kino bringen könnte – 

wenn es so, wie es das Kino des Vertrauens der 

60-Jährigen gibt, auch ein Kino des Vertrauens 

der 20-Jährigen gäbe, dann würde man da die 

Leute reinkriegen. 

71

Alfred Holighaus 

Stehr: Das wär’s! 

Holighaus: Aber der Oberbegriff für das, worüber 

du redest, ist Special Interest? Dann bleibt aber 

die Frage nach den Produzenten. Kann ich als 

Produzent Special Interest bedienen oder muss 

ich nicht ganz anders denken? 

Suchsland: Also wenn die Spanier und die Franzosen 

Horrorfilme machen können, die weltweit 

verkäuflich sind, warum können das die Deut- 

72 

schen nicht? Und das, wo die Deutschen den 

Horrorfilm in den 1920er Jahren erfunden haben. 

Stehr: Genau aus dem Grund. Wenn wir das heute 

machen würden, würden wir davon ausgehen, 

dass es ein Film wird, der in die Programmkinos 

gehört – er soll ja nicht mit 60 Mio.-Dollar- 

Produktionen konkurrieren – und da gibt es die 

Zuschauer nicht. Im Prinzip bräuchten wir eine 

großangelegte Kampagne unter dem Motto: der 

junge Arthouse-Film, mit den entsprechenden 

Filmen, um die 20-Jährigen wieder für die Programmkinos 

zu begeistern, um ihnen die Lust am 

Filme gucken, jenseits der reinen Unterhaltung zu 

vermitteln. 

Holighaus: Es ist doch interessant, dass immer, 

wenn über den Stand, die Rettung, die Zukunft 

des deutschen Films geredet wird, das Stichwort 

Genre fällt. Weil Genre Kino ist und Kino Genre. 

Das ist natürlich auch wichtig. Andererseits sind 

Nachwuchsfilme zu 99 Prozent das Gegenteil von 

Genre. Darauf sind die Macher stolz. 

Stehr: Das stimmt. Das Publikum wünscht sich 

Genre, weil es Regeln hat und Vertrauen gibt. 

Suchsland: Genau. Aber es muss auch risky sein. 

Vorhin war der Konsens, dass es darum geht, 

gute Geschichten zu erzählen. Dabei habe ich 

mich gefragt, ob es denn wirklich immer auf die 

Geschichte ankommt? Ich mag manchmal nämlich 

auch Filme, die, genau genommen, keine 

Geschichten erzählen, sondern über Atmosphäre 

funktionieren. Die erzählen vielleicht viele kleine 

Geschichten oder eine Szene. Ich denke, es geht 

nicht nur um Geschichten. Diese Fixierung ist 

auch eine Verengung. Wir müssen eigentlich an 

den Rändern stärker werden. 

Stehr: Ich glaube, wir sind uns in einem einig. 

Keiner am Tisch sagt, es sollten weniger Filme 

gemacht werden. Oder weniger Absolventenfilme. 

Suchsland: Ich habe mir die Frage auch gestellt: 

Gibt es zu viele deutsche Filme? Klassische Antwort: 

ja und nein. Ja, natürlich gibt es zu viele 

Filme, weil es viel zu viele schlechte Filme gibt. 

Nicht nur deutsche, aber insgesamt zu viele, die 

ich langweilig, so wenig überraschend finde, so 

mittelmäßig. Und nein, es kann gar nicht genug 


Filme geben, wenn sie gut sind. Jeder, der Kino 

liebt, wünscht sich natürlich noch mehr Filme! 

Dennoch sind das beides unbefriedigende Antworten. 

Man kann ja keinen Darwinismus fordern, 

so ein survival of the fittest. Das hieße, 

die Studenten mit ihren Abschlussfilmen sollen 

schon mal draußen bleiben und erstmal einen 

zweiten Film machen. So kann man nicht anfangen. 

Was macht man stattdessen? Das einzige, 

was einigermaßen realistisch ist, wäre, sich 

wieder mehr darauf zu besinnen, dass Film zwar 

ein Wirtschaftsgut ist, von dem Menschen leben 

müssen – aber Film ist zugleich auch ein Kulturgut. 

Man muss offen aussprechen, dass Film von 

allen Kulturgütern das am wenigsten öffentlich 

geförderte ist. Aber es ist die wichtigste, weil 

gegenwärtigste Kunst. Man muss mehr Kulturfördergeld 

aufwenden – und zwar orientiert an 

Qualität und Vielfalt. 

Söffker: Aber mehr Filmförderung macht doch 

noch keine besseren Filme. Wir haben 300 Mio. 

EUR Förderung pro Jahr. Ich frage mich, ob es 

dann nicht auch ein anderes Regelsystem geben 

müsste, damit auch die Filme gefördert werden, 

von denen wir uns das wünschen. Und wer entscheidet 

das dann? Ich kann nicht einfach unterschreiben, 

dass es mehr Förderung geben soll. 

Schwering: Bei der Förderung muss man sehr differenzieren. 

Regionalförderung versteht sich in 

erster Linie als Wirtschaftsförderung, erst dann 

spielt der kulturelle Aspekt eine Bedeutung. Das 

müssen diese Förderungen auch, weil sie sonst 

überhaupt nicht existieren würden. Bei der Frage, 

wie stellen wir uns eine Filmförderung der 

Zukunft vor, wäre es erstens interessant zu überprüfen, 

ob dieser regionale Wahnsinn veränderbar 

ist. Zweitens müssen wir es schaffen eine 

stärkere Trennung zwischen Kino- und Fernsehförderung 

einzuführen. Ich glaube, gerade im Debütbereich, 

beim Nachwuchs, wird oft vermischt, 

was heute Kino und was Fernsehen ist. Nicht alles 

in diesem Bereich muss Kino sein. Wir befinden 

uns da aber in einem grundlegenden Dilemma. 

Einerseits brauchen wir das Fernsehen als freien 

Finanzierungspartner, aus der Lizenzsumme 

der Sender ergibt sich oft erst die mögliche Höhe 

des Gesamtbudgets, andererseits gibt es keinen 

wirklichen Abspielort für Kinofilm im Fernsehen 

und man hat den Eindruck, dass Kino für die 

Fernsehmacher heute keine große Bedeutung hat. 

Schließlich sitzen die Sender dann auf der Entscheidungsebene 

der regionalen Filmförderung! 

Dieses System hat sich in den letzten 20 Jahren 

so ergeben und es stellt sich gerade schon die 

Frage, ob dieses System die nächsten 20 Jahre so 

bleiben muss. 

Stehr: Aber das ist jetzt beinahe ein neues Thema. 

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SPOTLIGHT AUF DEN KLIMASCHUTZ – 

DER DEUTSCHE FILMPREIS WIRD DANK ECOGOOD KLIMANEUTRAL VERLIEHEN 

Der DEUTSCHE FILMPREIS verbindet Kultur 

und Unterhaltung. Kultur ist aber nicht nur Thema 

in Filmen. Kultur ist auch, sich mit dem Alltag 

in zeitgemäßer Art und Weise auseinander 

zu setzen. So ist das Thema Umwelt- und Klimaschutz 

auf ganz natürliche Weise zu einem Thema 

des DEUTSCHEN FILMRPEISES geworden. 

Ecogood ist die deutsche Plattform, die Klimaschutz 

ganz einfach in den Alltag integriert. 

Der DEUTSCHE FILMPREIS sieht sich als höchst 

dotierte Auszeichnung für den deutschen Film 

in einer Vorbildfunktion. Damit identifizieren 

sich auch die Mitglieder der Filmakademie. Klimaschutz 

ist gerade für die Filmbranche eine 

besondere und nicht einfach zu bewältigende 

Herausforderung. 

74 

Gemeinsam mit ecogood setzt der DEUTSCHE 

FILMPREIS nun die Kampagne „Spotlight auf 

den Klimaschutz“ um. Der Startschuss erfolgt 

zur Verleihung 2011. Es geht darum, die Filmbranche 

zu sensibilisieren, zu aktivieren und gemeinsam 

etwas für den Klimaschutz zu tun. 

Hier greift in erster Linie das Konzept der Kompensation. 

Das heißt: Für jeden unvermeidbaren 

CO2-Ausstoß werden an anderer Stelle klimasoziale 

Projekte unterstützt, die zusätzlich 

aufgesetzt werden um a) CO2 zu sparen und 

b) in Regionen von Schwellen- und Entwicklungsländern 

eine zukunftsträchtige wirtschaftliche 

Unabhängigkeit für die dort lebenden 

Menschen zu erreichen. Hierzu erstellt ecogood 

eine detaillierte Klimabilanz der Filmpreis-Gala. 

Einbezogen werden nicht nur Strom, Heizung, 

Catering oder Veranstaltungsmaterialien, sondern 

auch Übernachtung sowie An-und Abreise 

aller Gäste. All diese nicht vermeidbaren CO2- 

Emissionen werden kompensiert und der DEUT- 

SCHE FILMPREIS wird somit klimaneutral verliehen. 


DAS CATERING-KONZERT – LIVE BEIM DEUTSCHEN FILMPREIS 2011 

Gute Nachrichten für unsere Gäste: Sie können 

auch beim Filmpreis so gut essen, wie sie es gewohnt 

sind. Für das leibliche Wohl im Rahmen 

der Verleihung des DEUTSCHEN FILMPREISES 

2011 sorgen diejenigen, die sonst gerne, gut 

und auf unterschiedlichste Weise für das leibliche 

Wohl in der Branche sorgen. Sieben Berliner 

Cateringfirmen oder bei Filmleuten beliebte 

Restaurants und Gastronomen haben sich wieder 

entschlossen, für die Gäste der LOLA 2011 

zu kochen. Für diese konzertierte Aktion steigen 

sie aus ihren Catering-Wagen oder verlassen die 

angestammten Herde, um gemeinsam am Ort der 

Verleihung kulinarisch kreativ zu werden. Ein 

Projekt, das im vergangenen Jahr begann und in 

diesem Jahr gerne fortgeführt wird. 

Wir möchten uns bei den diesjährigen Unterstützern 

ganz herzlich bedanken, freuen uns 

auf ungewöhnliche Kreationen und auf das 

nächste Jahr. 

75

76 

DAS TEAM 

VERANSTALTER/AUFTRAGGEBER 

Der DEUTSCHE FILMPREIS ist eine Veranstaltung 

der Deutschen Filmakademie in Zusammenarbeit 

mit dem Beauftragten der Bundesregierung 

für Kultur und Medien, produziert von 

der DFA Produktion GmbH. 

Deutsche Filmakademie e.V. 

Präsidium: Iris Berben, Bruno Ganz 

Vorstandsvorsitzender: Thomas Kufus 

Geschäftsführung: Alfred Holighaus, Anne Leppin 

Team: Jule Bartram, Katja Hevemeyer, 

Karina Pasternak, Stephan Pless, Tanja Riehn 

Teamassistenz: Nora Ackermann, Susann Pocha 

BKM/Filmreferat K35 

Stefanie Hasler, Ulrike Schauz 

MODERATION 

Barbara Schöneberger 

KÜNSTLERISCHE LEITUNG 

Florian Gallenberger, Benjamin Herrmann 

PRODUZENTIN 

Claudia Loewe 

PRODUCERIN 

Marion Gaedicke 

PRODUKTIONSLEITUNG 

MBTV Produktions GMBH 

Matthias Börner, Carsten Lehmann 

PRODUKTIONSKOORDINATION 

Dorothee Hufschmidt, Verena Herfurth 

KOORDINATION ZUSPIELER 

Svenja Rieck 

PRODUKTIONSASSISTENZ 

Friederike Fröhner, Janina Schafft 

AUFNAHMELEITUNG 

Julia Haupt, Sophie Stäglich, Martin Hoffmann 

GÄSTEMANAGEMENT 

Hardenberg Concept GmbH 

Frederike Hodde, Kerstin Schilly 

AUTOREN 

Johanna Adorján, Dr. Christof Mannschreck 

REGIE 

Utz Weber 

REGIEASISTENZ 

Stefanie Herrmannsdörfer 

REDAKTION 

Claudia Voelker, Andrea Poulios 

ZUSPIELER 

Arnd von Rabenau 

ON AIR DESIGN/BÜHNENHINTERGRÜNDE 

Stefan Stöckle 

BÜHNENBILD 

Hassler Entertainment Architecture 

KOSTÜMBILD 

Heike Stemmler Collection 


MAKE UP UND HAARE 

Matthias Klemenz (Maske B. Schöneberger) 

Estée Lauder, Max Höhn 

LICHTSETZENDER KAMERAMANN 

Didi Garsoffky 

TITELMUSIK 

Loy Wesselburg, Bernhard Eichner 

EINSPIELUNG TITELMUSIK 

Berliner Philharmoniker unter der Leitung von 

Sir Simon Rattle 

MUSIKALISCHE BEGLEITUNG GALA 

Tobias Kremer Big Band 

PR 

Just Publicity 

Regine Baschny, Anja Oster, Elena Marquardt, 

Julia Gebefügi, Gerold Marks 

DRUCKERZEUGNISSE/INTERNET 

e27 Berlin, www.e27.com 

RECHTSBERATUNG 

Prof. Dr. Mathias Schwarz 

NOTAR 

Hellmut Sieglerschmidt 

CONTROLLING 

Frank Graf 

SENDEPARTNER 

ZDF 

Gesamtleitung: Manfred Teubner 

Redaktion: Susanne Krummacher, Berlinda Kestler 

Leiter Produktion Show: Martin Wosseng 

Produktionsleitung: Alexandra Kammler- Stromsky 

LOLA PARTY 

Crown & Crown Eventmarketing GmbH 

Daniel Kloß, Katja Riemann, Christian Piecuch 

AUF DEM WEG ZUR LOLA 

Deutsche Filmakademie e.V. 

Projektkoordination: Gisela Liesenfeld 

(DFA Produktion GmbH) 

IMPRESSUM 

HERAUSGEBER 

DFA Produktion GmbH 

Köthener Straße 44 

10963 Berlin 

CHEFREDAKTION UND TEXTE 

Alfred Holighaus (V.i.S.d.P) 

TEXTE 

Linda Söffker 

PRODUKTION 

Verena Herfurth 

LAYOUT/GESTALTUNG 

e27 Berlin, Robert Neumann 

Abdruck der Texte nur nach vorheriger 

Genehmigung und mit Quellenhinweis 

„DEUTSCHE FILMAKADEMIE/DEUTSCHER 

FILMPREIS 2011“ 

Diese Broschüre ist ein Projekt der Deutschen 

Filmakademie e.V., herausgegeben von der DFA 

Produktion GmbH. 

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WIR DANKEN VON HERZEN ALLEN TREUEN FREUNDEN UND UNTERSTÜTZERN DES 

DEUTSCHEN FILMPREISES 2011 

Den beteiligten Produzenten für ihre Hilfsbereitschaft 

bei der Beschaffung und Bereitstellung 

des Filmmaterials, 

den Paten für ihr persönliches Engagement 

für die nominierten Kollegen, 

den Präsidenten Iris Berben und Bruno Ganz 

sowie Thomas Kufus und allen anderen 

Vorständen für ihr unermüdliches Engagement, 

Florian Gallenberger und Benjamin Herrmann 

für ihre Ideen und ihre Durchsetzungskraft, 

den Akademiemitgliedern für ihren Einsatz in 

der Deutschen Filmakademie und für den 

Deutschen Film, 

Peter Vorderer für seine Gedanken und 

Innovation, 

der Berlinale und German Films für ihre 

Unterstützung bei LOLA@Berlinale, 

CHAMPAGNE 

medienboard 

Berlin-Brandenburg GmbH 

den Kinobesitzern, Verleihern, Institutionen 

und beteiligten Filmschaffenden, die aktiv 

AUF DEM WEG ZUR LOLA dabei waren 

und damit die LOLA VISIONEN und das 

LOLA FESTIVAL geprägt haben, 

Maik Uwe Hinkel, der uns die Herstellung 

dieser Broschüre ermöglicht hat, 

und unserem Team für die beständige 

Motivation und Leidenschaft. 


2 0 t h C e n t u r y F o x o f G e r m a n y G m b H K a t h a r i n a A b t R o b e r t v a n A c k e r e n A c t i o n C o n c e p t F i l m - u n d S t u n t p r o d u k t i o n G m b H P e t e r R . A d a m S i r K e n n e t h A d a m O b e M a r i o A d o r f W a l l y A h r w e i l e r N a v í d 

A k h a v a n F a t i h A k i n H e l g e A l b e r s G e o r g A l e x a n d e r G i l A l k a b e t z A m b i e n t R e c o r d i n g G m b H A n k e A p e l t M a n f r e d A r b t e r S t e f a n A r n d t B o b A r n o l d A r n o l d & R i c h t e r C i n e T e c h n i k G m b H & C o D i e t e r U l r i c h A 

s e l m a n n M i c h a e l v o n A u M o n i k a A u b e l e A v i d T e c h n o l o g y G m b H P e t e r B a c h T a y f u n B a d e m s o y H e i n z B a d e w i t z U t e B a d u r a H a r r y B a e r H e l g a B ä h r R o l f B ä h r J o B a i e r H e l g a B a l l h a u s M i c h a e l B a l l h a u 

s G e r d B a l t u s B a n d P r o M u n i c h G m b H A n d r e a s B a r e i ß M a r c e l B a r s o t t i J e n s B a r t r a m R e g i n e B a s c h n y L u c i e B a t e s H e i k e B a u e r s f e l d M o n i k a B a u e r t B a r b a r a B a u m M a r i e B ä u m e r K a r l B a u m g a r t n e r K l 

a u s B a u s c h u l t e B a v a r i a F i l m G m b H C h r i s t i a n B e c k e r L a r s B e c k e r M e r e t B e c k e r W o l f g a n g B e c k e r W o l f g a n g B e c k e r M i c h a e l B e c k m a n n B i b i a n a B e g l a u R o s h a n a k B e h e s h t N e d j a d A l f r e d B e h r e n s A n d r é B e 

n d o c c h i - A l v e s D a v i d B e n n e n t H e i n z B e n n e n t O l i v e r B e r b e n E d w a r d B e r g e r S e n t a B e r g e r M i c h e l B e r g m a n n T h o m a s B e r g m a n n C h r i s t i a n B e r k e l J o a c h i m B e r n d t A l e x a n d e r B e r n e r P i e r r e B e s s o n A l e x a 

n d e r B e y e r O l i v e r B i e h l e r A n d r e w B i r d M o n i c a B l e i b t r e u M o r i t z B l e i b t r e u A x e l B l o c k H a n s - C h r i s t o p h B l u m e n b e r g B M G M u s i c P u b l i s h i n g G e r m a n y K e r s t i n B ö c k W a l t e r B o c k m a y e r H a g e n B o g d a n 

s k i H a r k B o h m C l a u s B o j e W i n f r i e d B o n e n g e l M a t h i l d e B o n n e f o y S u s a n n e B o r m a n n H e l g a B o r s c h e S u z a n n e v o n B o r s o d y D e t l e f B o t h e M a t h i a s B o t h o r P e t e r B o u r P i e r r e B r a n d K l a u s M a r i a B r a n d a u e r M i 

c h a e l B r a n d n e r H e i d r u n B r a n d t F r a n k B r a u n e r W o l f g a n g B r e h m F r e d B r e i n e r s d o r f e r P e t e r F . B r i n g m a n n E l e n a B r o m u n d O l i v e r B r o u m i s W o l f D i e t r i c h B r ü c k e r J u t t a B r ü c k n e r D a n i e l B r ü h l N a t j a B r 

u n c k h o r s t F r a n z i s k a B u c h L a r s B ü c h e l D e t l e v W . B u c k H a n s - G ü n t h e r B ü c k i n g R o l f B ü h r m a n n J o h a n n v o n B ü l o w V i c c o v o n B ü l o w J ö r g B u n d s c h u h B e r n d B u r g e m e i s t e r S v e n B u r g e m e i s t e r A n n e k a t h r i n 

B ü r g e r G l o r i a B u r k e r t F a b i a n B u s c h S t e f a n B u s c h W a l t e r B u s c h h o f f C h r i s t e l B u s c h m a n n C h r i s t i a n B u s s m a n n M a r e i k e C a r r i è r e K ä t e C a s p a r U l r i c h C a s p a r U e l i C h r i s t e n L i s y C h r i s t l M a r g i t C h u c h r a C i 

n e g a t e G m b H J a k o b C l a u s s e n B a s t i a n C l e v é A r t h u r C o h n M a r c C o n r a d C o n s t a n t i n F i l m A G H a n s a C z y p i o n k a d . i . e . f i l m . g m b h S t e f a n D ä h n e r t C o r i n a D a n c k w e r t s A n g e l o D ' A n g e l i c o F l o r i a n e D a n i e l M a r 

t i n D a n n e r K a t j a D a n o w s k i D i d i D a n q u a r t P e p e D a n q u a r t C h r i s t o p h D a r n s t ä d t M a x D e h m e l D F G D e u t s c h e F i l m v e r s i c h e r u n g s G e m e i n s c h a f t H e l m u t D i e t l K a r e l D i r k a C h r i s t i a n D o e r m e r J u s t u s 

v o n D o h n á n y i K l a u s D o l d i n g e r E l f i e A n a s h a D o n n e l l y M a r i o n D ö r i n g D o r i s D ö r r i e F r i e d r i c h M . D o s c h D i r k D o t z e r t A n d r e a s D r e s e n C o r i n n a A . D r e y e r - V i z z i A n n e m a r i e D ü r i n g e r e 2 7 H a n n s 

E c k e l k a m p J ü r g e n E g g e r U r s E g g e r G u s t a v E h m c k K l a u s E i c h h a m m e r B e r n d E i c h i n g e r F r a n k E i c k m e i e r A n d r é E i s e r m a n n K a r i m S e b a s t i a n E l i a s H a n n e l o r e E l s n e r M a t t h i a s E l w a r d t R o l a 

n d E m m e r i c h U t e E m m e r i c h W e r n e r E n k e M a r t i n E n l e n C l a u d i a E n z m a n n T o m a s E r h a r t E u r o A r t s M e d i e n G m b H B e r n d E u s c h e r T o m F ä h r m a n n J a n F a n t l M a x F ä r b e r b ö c k L u c i a F a u s t Ö z 

a y F e c h t J a n F e h s e M a r t i n F e i f e l G e o r g F e i l U l r i c h F e l s b e r g H e i n o F e r c h V e r o n i c a F e r r e s M i l e n a F e s s m a n n F i l m & E n t e r t a i n m e n t V I P M e d i e n f o n d s G e s c h ä f t s f ü h r u n g G m b H F i l m p a r k B 

a b e l s b e r g G m b H & C o . K G N i c o l e F i s c h n a l l e r P e t e r F l e i s c h m a n n K a t j a F l i n t H o l g e r F r a n k e S u s a n n e F r a n k e N i n a F r a n o s z e k H a y o F r e i t a g T h o m a s F r i c k e l C h r i s t o p h F r i e d e l L o n i v o n F r i e d l 

G u n t e r F r i e d r i c h C l a u d i a F r ö h l i c h C h r i s t o p h F r o m m F r i e d e m a n n F r o m m H a n s F u n c k M o n i k a F u n k e S t e r n B e n n o F ü r m a n n J o h a n n F ü r s t M o l l y v o n F ü r s t e n b e r g F l o r i a n G a l l e n b e r g e r 

D e n n i s G a n s e l B r u n o G a n z K a t j a v o n G a r n i e r C l a u s T h e o G ä r t n e r J o h a n n a G a s t d o r f C h r i s t i n a G a t t y s M a r t i n a G e d e c k C l a u d i a G e i s l e r - B a d i n g H a n s W . G e i ß e n d ö r f e r M a x i m i l i a n G e l l e 

r M a r e i G e r k e n M a t t h i a s G e r s c h w i t z J i m m y C . G e r u m E r w i n G e s c h o n n e c k N o r b e r t G h a f o u r i H e n n i n g v o n G i e r k e O l i v e r G i e t h W a l t e r G i l l e r M a r i o G i o r d a n o H e i n r i c h G i s k e s U s c h i 

G l a s M a t t h i a s G l a s n e r W i n f r i e d G l a t z e d e r L u c i a n o G l o o r V a d i m G l o w n a A e l r u n G o e t t e F r a n k G ö h r e C h r i s t i a n M . G o l d b e c k E b e r h a r d G ö r n e r U l l a G o t h e D o m i n i k G r a f R a l f G r e g a n 

W o l f G r e m m S a b i n e G r e u n i g F r a n k G r i e b e E s t h e r G r o n e n b o r n G e r h a r d G r o ß N i n a G r o s s e S y l v e s t e r G r o t h I l o n a G r ü b e l M a n f r e d G r u n e r t B i b e r G u l l a t z R e n é e G u n d e l a c h E g o n G ü n t h e r 

M i c h a e l G w i s d e k J ü r g e n H a a s e F r i t z i H a b e r l a n d t T h o m a s H ä b e r l e M a t t h i a s H a b i c h K i r s t e n H a g e r R o c h u s H a h n E l k e H a l t a u f d e r h e i d e W i n f r i e d H a m m a c h e r H e n d r i k H a n d l o e g t e n 

H e i d i H a n d o r f U l i H a n i s c h M o n i k a H a n s e n S t e f a n H a n s e n A r i H a n t k e W o l f g a n g H a n t k e C o r i n n a H a r f o u c h R e i n h a r d H a u f f J ö r g H a u s c h i l d L e a n d e r H a u ß m a n n H a r r o v o n H a v e R o g 

e r v o n H e e r e m a n M a n f r e d D . H e i d F r a n k H e i d b r i n k J o H e i m T h o m a s H e i n z e A n d r é M . H e n n i c k e W i n f r i e d H e n n i g B a r b a r a H e n n i n g s M a r l i s H e p p e l e r M i c h a e l B u l l y H e r b i g J o s t H e 

r i n g I r m H e r m a n n P e t e r H e r r m a n n R a l f H e r t w i g G ö t z H e y m a n n H i g h l i g h t C o m m u n i c a t i o n s c / o R a i n b o w V i d e o A G T h e o H i n z O l i v e r H i r s c h b i e g e l D a g m a r H i r t z S i g r i d H o e r n e r O l i v e r 

H o e s e U r s u l a H ö f A n d r e a s H ö f e r H i l m a r H o f f m a n n U t e H o f i n g e r M i s c h a H o f m a n n N i c o H o f m a n n N i n a H o g e r L o t h a r H o l l e r H o l l m a n n K n a p p e R e i m e r t M e c h t h i l d H o l t e r P h i l i p p H o m 

b e r g S u s a n n e H o p f K i t H o p k i n s C h r i s t i a n e H ö r b i g e r M a v i e H ö r b i g e r S u s a n n e H o r i z o n - F r ä n z e l S h e r r y H o r m a n n M a r c H o s e m a n n R o b H o u w e r K a r i n H o w a r d G e r d H u b e r G r i s c h a H u b 

e r E v a H u b e r t R a l f H u e t t n e r H a s s o v o n H u g o H e r m i n e H u n t g e b u r t h A l f r e d H ü r m e r H a n n o H u t h B i r g i t H u t t e r I l o n a H ü t t e r s e n M a r k u s I m b o d e n D i r k W . J a c o b E r n s t J a c o b i M o n i k a J a c o 

b s H a n n e s J a e n i c k e V i o l a J ä g e r A n d r e a s J a n c z y k U w e J a n s o n B e a t e J e n s e n M i c h a e l J u n g f l e i s c h B i a n c a J u n k e r E b e r h a r d J u n k e r s d o r f J ü r g e n J ü r g e s K 4 4 P e t e r K a h a n e C h r i s t i a n K a h r m 

a n n C h r i s t i n a K a l l a s K a n z l e i P i o r e k T h u m S t e n g e r B e i e r K a n z l e i S c h w a r z , K e l w i n g , W i c k e , W e s t p h a l T h a n a s s i s K a r a t h a n o s J a n a K a r e n E w a K a r l s t r ö m N i k o l a i K a r o J u d i t h K a u f m a n n 

K l a u s K e i l U s c h i K e i l S i b e l K e k i l l i R a i n e r K e l l e r P e t e r K e r n A n d r e a K e s s l e r E r w i n K e u s c h K i n o w e l t G m b H O t t o K i n z e r R a i n e r K l a u s m a n n B u r g h a r t K l a u ß n e r T h i l o K l e i n e M i c h a e l K l i e 

r R e i n h a r d K l o o s s G e o r g K l o s t e r A l e x a n d e r K l u g e T h o m a s K l u g e G ü n t e r K n a r r H e r b e r t K n a u p M a r i a K n i l l i J ü r g e n K n o l l D a g m a r K n ö p f e l J o h a n n e s K o b i l k e M a r t i n K o c h e n d ö r f e r K o d a k G m b 

H G B E n t e r t a i n m e n t I m a g i n g A n d r e a s K ö f e r F r e d K o g e l J u l i a n e K ö h l e r R a i n e r K ö l m e l L u t z K o n e r m a n n I n g e l o r e K ö n i g S t e p h a n K o n k e n M a r i a K ö p f C a r l - F . K o s c h n i c k L a r s K r a u m e T a t j a n a K 

r a u s k o p f D a n n y K r a u s z J a n - G r e g o r K r e m p T h o m a s K r e t s c h m a n n M a r c o K r e u z p a i n t n e r J o a c h i m K r ó l K o n s t a n t i n K r ö n i n g R e n a t e K r ö ß n e r F r a n k K r u s e N o r b e r t K ü c k e l m a n n T h o m a s K u f u s 

H a r a l d K ü g l e r J o c h e n K u h n R a i n e r K ü h n M a r t i n K u k u l a S t e f a n K u r t M a n u K u r z D a g m a r K u s c h e D i e t h a r d K ü s t e r G ü n t e r L a m p r e c h t M a r t i n L a n g e n b a c h M a r t i n L a n g e r B e a t e L a n g m a a c k A 

l e x a n d r a M a r i a L a r a D i e t e r L a s e r B i r g e r L a u b e M a n u e l L a v a l R e n é L a y C l a u d i a L e h m a n n M a r t i n L e h w a l d A n n e L e p p i n D a n i L e v y P e t e r L i c h t e f e l d B e r n d L i c h t e n b e r g K a r l - H e i n z v o n L i e b e z 

e i t J a n J o s e f L i e f e r s U l r i c h L i m m e r C a r o l i n e L i n k C l a u d i a L o e w e K n u t L o e w e P e t e r L o h m e y e r C h r i s t i a n L o n k A n n a L o o s J u l i a n e L o r e n z U l r i k e L u d e r e r H e i d i L ü d i T o n i L ü d i F l o r i a n L u k 

a s S t e f a n L u k s c h y F r a n z L u s t i g P r o f . D r . K u r t M a e t z i g A l e x a n d e r M a n a s s e L i s a M a r t i n e k V e s s e l a M a r t s c h e w s k i E v a M a t t e s U l r i c h M a t t h e s T h o m a s M a u c h G o r d i a n M a u g g A l e x a n d e r M a y G 

i s e l a M a y J e a n i n e M e e r a p f e l M a r c o M e h l i t z I s a b e l M e i e r M i c h a e l M e n d l A n d r e a M e r t e n s H a n s - W e r n e r M e y e r H e n r i k M e y e r C h r i s t o p h M e y e r - W i e l D e t l e f M i c h e l A x e l M i l b e r g E r i k M i s c h i j e w 

M a r c u s M i t t e r m e i e r F r a u k e - E l l e n M o e l l e r S t e f a n v o n M o e r s W o t a n W i l k e M ö h r i n g L u t z M o m m a r t z U r s e l a M o n n T o b i a s M o r e t t i E r i c M o s s M a r t i n M o s z k o w i c z W a n j a M u e s C h r i s t o p h M ü l l e 

r M a r t i n M ü l l e r M a t z M ü l l e r P e t r a M a r i a M ü l l e r R a y M ü l l e r R i c h y M ü l l e r M a r i u s M ü l l e r - W e s t e r n h a g e n H a n a M ü l l n e r M a t t h i a s M ü s s e V i v i a n N a e f e S i g r i d N a r j e s B e n e d i c t N e u e n f e l s M i c h a e l a 

N i e m e y e r U l r i c h N o e t h e n H a n s N o e v e r U w e O c h s e n k n e c h t G e r h a r d O l s c h e w s k i J o a c h i m O r t m a n n s C h r i s t o p h O t t G ö t z O t t o J e n s - F r e d e r i k O t t o M a t t h i a s P a c h t U t e P a f f e n d o r f I l s e P a g é C h r i s 

t i a n e P a u l I n a P e i c h l M a g g i e P e r e n R e n é P e r r a u d i n D e t l e f P e t e r s e n W o l f g a n g P e t e r s e n N i n a P e t r i C l a u s J ü r g e n P f e i f f e r G a b r i e l e P f e n n i g s d o r f H e n r i e t t e P i p e r A n n e t t e P i s a c a n e T h o m a s P l e n e r t 

E v a P o e t s c h J o e r n P o e t z l W a l d e m a r P o k r o m s k i M i s c h k a P o p p C l a u d i a P ö p s e l A x e l P r a h l N o r b e r t P r e u s s C h r i s P r i c e H a n s H e l m u t P r i n z l e r J ü r g e n P r o c h n o w P r o m e d i u m K a t j a P r o x a u f T i l o P 

r ü c k n e r P e t e r P r z y g o d d a I n g a P u d e n z M i r j a m Q u i n t e D o m i n i c R a a c k e F r a n z R a t h M a r t i n R a u h a u s T o r s t e n R e g l i n U s c h i R e i c h D i r k R e i c h a r d t G ü n t e r R e i s c h N i k i R e i s e r R i c h a r d R e i t i n g e r B e t t i n 

a R e i t z U l r i c h R e u t e r R i a l t o F i l m G m b H G u i l i o R i c c i a r e l l i K a t h r i n R i c h t e r K l a u s R i c h t e r R o l a n d S u s o R i c h t e r E l k e R i e d T h o m a s R i e d e l s h e i m e r K a t j a R i e m a n n J o p h i R i e s J o s e f R ö d l O s k a r R o e 

h l e r C a t h y R o h n k e G ü n t e r R o h r b a c h G e r n o t R o l l S o n j a R o m P a t r i c i a R o m m e l P e t e r R o m m e l R e n a t e R o s e M a r c R o t h e m u n d M a y a G r ä f i n R o t h k i r c h T h i l o G r a f R o t h k i r c h R T L T e l e v i s i o n B a r b a 

r a R u d n i k L a r s R u d o l p h S i e m e n R ü h a a k M a r i u s R u h l a n d S t e f a n R ü l l O t t o k a r R u n z e J o s e f R u s n a k G u d r u n R u z i c k o v á - S t e i n e r S t e f a n R u z o w i t z k y O t t o S a n d e r H e l m a S a n d e r s - B r a h m s S a r a h W i e 

n e r G m b H N o r b e r t S a u e r A n n o S a u l S i m o n S a v a l A n d r e a S a w a t z k i T h o m a s S c h a d t K l a u s S c h a e f e r H e i n r i c h S c h a f m e i s t e r P e t e r S c h a m o n i J ü r g e n S c h a u T h o r s t e n S c h a u m a n n M a t t h i a s S c h e l l e n b 

e r g N o r b e r t S c h e r e r N i k l a u s S c h i l l i n g T o m S c h i l l i n g M o n i k a S c h i n d l e r A n t j e S c h l a g R e z z o S c h l a u c h D i e t e r S c h l e i p V o l k e r S c h l ö n d o r f f J a n S c h l u b a c h H a n s - C h r i s t i a n S c h m i d M i c h a e l S c h m i d 

- O s p a c h B a r b a r a S c h m i d t E c k h a r t S c h m i d t F a b i a n S c h m i d t G e r h a r d S c h m i d t H a r a l d S c h m i d t M a r i e - L u i s e S c h m i d t J o c h e n S c h m i d t - H a m b r o c k S o n j a S c h m i t t K l a u s S c h m u t z e r E v a S c h n a r e E n j o t 

t S c h n e i d e r P e t e r S c h n e i d e r S u s a n n e S c h n e i d e r U t e S c h n e i d e r R e n é S c h o e n e n b e r g e r D o r o t h e e S c h ö n R i c h a r d S c h ö p s M a r i a S c h r a d e r U w e S c h r a d e r C l a u d i a S c h r ö d e r R o l f S c h ü b e l S t e f a n S c h u b e r t W 

o l f g a n g S c h u k r a f f t W e d i g o v o n S c h u l t z e n d o r f f T o r s t e n S c h u l z P e t e r S c h u l z e M a r t e n S c h u m a c h e r J a n S c h ü t t e O l i v e r S c h ü t t e D i a n e S c h w a r m J a e c k i S c h w a r z J e s s i c a S c h w a r z T i l S c h w e i g e r H 

e r b e r t S c h w e r i n g R a l p h S c h w i n g e l H a n n a S c h y g u l l a P e t e r S e h r F r a n z S e i t z E d g a r S e l g e M a r i e - L o u S e l l e m R i t a S e r r a - R o l l H u b e r t u s S i e g e r t C h r i s S i e v e r n i c h C h r i s t o p h S i l b e r R o l f S i l b e r H e i 

d e S i m o n B e r n h a r d S i n k e l D a v i d S l a m a M i c h a e l S m e a t o n R a i n e r S o e h n l e i n G a b r i e l a S p e r l T o m S p i e ß M a y S p i l s M a r c e l S p i s a k K r i s t a S t a d l e r J a n H e n r i k S t a h l b e r g B e r n h a r d S t a m p f e r S t e 

f a n i e S t a p p e n b e c k G e r o S t e f f e n M a n u e l a S t e h r C h a r l y S t e i n b e r g e r I n k a S t e l l j e s M a n f r e d S t e l z e r S i m o n e S t e w e n s M a r t i n S t e y e r J a c q u e s S t e y n L a i l a S t i e l e r O l i v e r S t o l t z L e n a S t o l z e L a 

u r e n s S t r a u b S t u d i o B a b e l s b e r g G m b H C a r o l a S t u d l a r K a t j a S t u d t P a t r i c k S ü s k i n d A g l a i a S z y s z k o w i t z J a s m i n T a b a t a b a i S v e n T a d d i c k e n N a t a s c h a E . T a g w e r k J ü r g e n T a r r a c h A n 

n a T h a l b a c h K a t h a r i n a T h a l b a c h T h o m a s T h i e m e T h i n k i n g N e t w o r k s A G S i b y l l e T i e d e m a n n N a d j a T i l l e r P e t e r T i m m U w e T i m m T o b i s F i l m G m b H & C o . K G M a r t i n T o d s h a r o w R u t 

h T o m a G y u l a T r e b i t s c h W o l f g a n g T r e u E l i s a b e t h T r i s s e n a a r S t e p h a n T r o j a n s k y M a r g a r e t h e v o n T r o t t a V e r a T s c h e c h o w a J o a c h i m T s c h i r n e r S u T u r h a n H a r a l d T u r z e r T o m T y k w e 

r U F A F i l m & T V P r o d u k t i o n G m b H U I P - U n i t e d i n t e r n a t i o n a l P i c t u r e s G m b H A n d r e a s U l m k e - S m e a t o n I d i l Ü n e r U n i v e r s u m F i l m H a n n e l o r e U n t e r b e r g J e n s U r b a n J o s t V a c a n o K a r e l 

V a c e k D a n a V a v r o v a A n d r e s V e i e l B e n V e r b o n g M i c h a e l V e r h o e v e n H a n s - E r i c h V i e t J o a c h i m v o n V i e t i n g h o f f J o s e p h V i l s m a i e r J ü r g e n V o g e l P h i l i p V o g e s R ü d i g e r V o g l e r G u n n a r V 

o i g t M a g n u s V o r t m e y e r C h r i s t i a n W a g n e r M a r i a T h e r e s i a W a g n e r F r a n z i s k a W a l s e r S v e n W a l s e r C o n n i e W a l t h e r C h r i s t o p h W a l t z M a r t i n W a l z W a r n e r B r o s . E n t e r t a i n m e n t G m b H 

G u n t b e r t W a r n s J o h a n n e s W a r n s S a r a h C l a r a W e b e r S t e f f e n W e i h e H a n s W e i n g a r t n e r H a n s j ö r g W e i ß b r i c h G i l a v o n W e i t e r s h a u s e n W i m W e n d e r s F r i t z W e p p e r I n g e b o r g W e s t p h a l T h 

o m a s W e y m a r J ö r g W i d m e r M a r t i n W i e b e l T h e k l a C a r o l a W i e d H e i k e W i e h l e - T i m m R a l f W i e n r i c h K a i W i e s i n g e r T o m y W i g a n d R a f a e l a W i l d e F r i e d r i c h W i l d f e u e r M a x W i l l u t z k 

i R o l a n d W i n k e A d o l f W i n k e l m a n n T h o m a s W ö b k e B e t t i n a W o e r n l e G u s t a v P e t e r W ö h l e r J o h a n n a W o k a l e k S y l v i a W o l f D o u g l a s W o l f s p e r g e r B e a t e W o l g a s t S ö n k e W o r t m a n n S t e p h a n Z a 

c h a r i a s M a n f r e d Z a p a t k a R o s e l Z e c h P e t e r Z e n k R e g i n a Z i e g l e r G e o r g Z i e s e r P e t r a Z i e s e r R o b e r t Z i m m e r m a n n A n k e Z i n d l e r P e t e r Z i n g l e r I n g r i d Z o r é D a n i e l Z ut a C a t h a r i n a Z w e r e n z

D E U T S C H E R F IL M P R E IS 2 0 11 - Deutsche Filmakademie

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