Blickpunkt Musical 04-18 - Ausgabe 95

Ausgabe 95 (04/18) 

Juli – September 2018 

€ 6,00 (DE) • € 6,50 (EU) 

ISSN 1619-9421 

www.blickpunktmusical.de 

»Mamma Mia! Here We Go Again« 

18 Seiten Special im Heft! 

Les Misérables 

Klangvolles Freilichtdrama in Tecklenburg 

Herz aus Gold in Augsburg 

3 Musketiere in Winzendorf 

Starlight Express 30 Jahre in Bochum 

Erik Petersen Regie-Interview 

Nimmerwiedermehr in Hamburg 

Mamma Mia! in Thun

PRÄSENTIEREN 

TOUR 2018 

20.09. - 23.12.2018 

JETZT TICKETS SICHERN! 

MEHR INFO UNTER: FLASHDANCE-DASMUSICAL.DE

FREILICHTSPIELE 

TECKLENBURG

20,00 EUR Print 

18,00 EUR Digital 

30,00 EUR Print+Digital 

55,00 EUR gebunden 

Das neue Sonderheft ist ab sofort verfügbar 

Bestellung unter www.blickpunktmusical.de 

oder telefonisch 030-50596959

Inhalt 

Inhalt 

Ausgabe 95 (04/18), Juli – September 2018 



Liebe Leser, 

… kurz vorweg 

wir starten in den Hot Summer mit einem 

Blickpunkt Musical Special zum 

»Mamma Mia!«-Sequel »Mamma Mia! 

Here We Go Again« in der Heftmitte. 

Dort finden Sie Interviews mit Regisseur / 

Drehbuchautor Ol Parker und den Darstellern 

der Sophie, der jungen Donna 

und des Sam. 

Wir würdigen das erfolgreichste in 

Deutschland gespielte Musical, das kürzlich 

mit einer überarbeiteten Fassung sein 

30-jähriges Jubiläum feierte. 

Während der Sommerpause haben die 

deutschen Freilichtbühnen Hochsaison: 

Im Süden gilt eine sehenswerte Uraufführung 

einem historischen Vertreter 

von Handel und Hochfinanz und eine 

deutschsprachige Erstaufführung dem 

Rock'n'Roll. Im Norden macht ein bemerkenswerter 

Musical-Neuzugang ein 

bewegendes Thema deutscher Geschichte 

zum Thema. Wir feiern das 

begeistert begrüßte Revival eines beliebten 

Drama-Musicals im Westen. Auf 

einer österreichischen Open-Air-Spielstätte 

läutet ein Pop-Musical nach einem 

weltberühmten Abenteuerroman die 

zweite Spielzeit ein. 

Das »ABBA«-Fieber weckt nicht nur der 

neue Musicalfilm, sondern auch eine 

große Schweizer Seebühne, die das 

Original erstmals in schweizerdeutscher 

Mundart herausbringt. Magie steht im 

Mittelpunkt einer Schweizer Freilichtproduktion 

eines Märchenklassikers. 

Indoor gibt es ein Wiedersehen mit einem 

komplett überarbeiteten Historienmusical. 

Bücher und Filme inspirieren 

immer wieder zu Musicals: Diesmal ist 

es ein Roadmovie, dessen Bühnenfassung 

zeitgleich in der Schweiz und im 

Westen Deutschlands ein Tryout erhielt. 

Aufgrund des Engagements der Schweizer 

Veranstalter und Stadttheater in Sachen 

Musical haben wir entschieden – so es 

sich ergibt –, eine Rubrik »Musicals in 

der Schweiz« inklusive der News: »Neues 

aus der Schweiz« einzurichten. 

Vis-à-Vis starten wir mit einer neuen Reihe, 

in der wir die Generation neuer Regisseure 

vorstellen, die sich um das Musical 

verdient machen: Als erstes stellen 

wir Erik Petersen vor. Im Darstellerinterview 

erzählt Newcomerin Hannah Leser 

von ihrem Weg zu »Flashdance«. 

Mit Broadway und West End-Seiten 

kommen wir auf 112 prall gefüllte Seiten. 

Daher bleibt uns nur noch, Ihnen viel 

Freude mit unserer Ausgabe 04/2018 zu 

wünschen. 

Herzlichst, 

Ihr 

Oliver Wünsch 

und die Redaktion der 

blickpunkt musical 

Topthema 

6 Les Misérables bei den Freilichtspielen Tecklenburg 

Musicals in Deutschland 

44 Chicago bei den Schlossfestspielen Ettlingen 

39 Der bewegte Mann bei den Burgfestspielen 

Jagsthausen 

28 Die Päpstin im Schlosstheater Fulda 

34 Fame bei den Gandersheimer Domfestspielen 

36 Fame im F1rst Stage Theater der Stage School Hamburg 

13 Frühlings Erwachen im Theater Bielefeld 

10 UA Herz aus Gold auf der Freilichtbühne am Roten 

Tor Augsburg 

17 Im weißen Rössl im Berliner Renaissance Theater 

42 Jesus Christ Superstar beim DomplatzOpenAir 

Magdeburg 

22 Knockin' on Heaven's Door als Tryout in 

Essen-Werden 

40 My Fair Lady bei den Luisenburg-Festspielen Wunsiedel 

30 Natürlich Blond am Theater im P1 in Mainz 

24 UA Nimmerwiedermehr in der St. Thomas-Kirche 

Hamburg - Rothenburgsort 

26 UA Nisha bei den Cadolzburger Burgfestspielen 

14 DSE Rock of Ages im Theater Ulm 

18 Starlight Express – 30 Jahre in Bochum 

32 The Addams Family bei den Gandersheimer 

Domfestspielen 

46 Zzaun! auf der Waldbühne Kloster Oesede 

48 Neues aus Deutschland 

Musicals in Österreich 

50 3 Musketiere beim Musicalsommer Winzendorf 

54 Bettina Bogdany & Bernhard Viktorin: 

»Doppelt hält besser« in Wien 

52 West Side Story in Bad Leonfelden 

49 Neues aus Österreich 

Musicals in der Schweiz 

58 Die Schöne und das Biest am Walensee 

56 Mamma Mia! bei den Thunerseespielen 

60 Neues aus der Schweiz 

Musicals in den USA 

86 Carousel Revival am Broadway 

82 My Fair Lady Broadway-Revival 

80 Summer: The Donna Summer Musical 

am Broadway 

78 Neues aus den USA 

Musicals in Großbritannien 

90 The Biograph Girl am Finborough Theatre London 

88 The Rink am Southwark Playhouse London 

91 Neues aus Großbritannien 

Konzerte & Entertainment 

68 »Faces of Musical 2018« mit Brigitte Oelke, 

Jesper Tydén, John Vooijs 

66 Lukas Perman & Mark Seibert: 

»Ziemlich gute Freunde« 

Abb. oben: 

1. »Die Päpstin« Fulda 

Foto: Christian Tech 

2. »Die Schöne und das Biest« Walenstadt 

Foto: Andy Mettler / Swiss-Image.ch 

3. » Summer: The Donna Summer Musical« New York 

Foto: Matthew Murphy 

Titelfoto: 

»Les Misérables« Tecklenburg 

Foto: Birgit Bernds 

Im Blick 

70 »Musical Meets Pop 2018« – Pfingstgala in 

Tecklenburg 

Vis-à-Vis 

72 Hannah Leser über »Flashdance« 

74 Erik Petersen – Neue Generation Musicalregisseure 

Film & Fernsehen 

MM1 blickpunkt musical Special Mamma Mia! 2 

77 Prinz Charming fürs Heimkino 

Rubriken 

64 Einspielungen 

62 Premierenblick• 

93 Neues auf unitedmusicals.de, Ausblick & 

Impressum 

28 

58 

80 

blickpunkt musical 04/18, Juli – September 2018 

5

Topthema 

Bildgewaltiges Freilichtdrama 

»Les Misérables« zurück auf der Freilichtbühne Tecklenburg 

Abb. oben: 

›Der erste Angriff‹ – auf die 

Tecklenburger Barrikade aus Rädern, 

Teppichen, Leitern, Stühlen, 

Bilderrahmen …, mit Frauen und 

Männern des Ensembles 


Abb. unten: 

›Mein Herz ruft nach dir‹ – Marius 

(Florian Peters) und seine angebetete 

Cosette (Daniela Braun) 

Foto: Sandra Reichel 

2006 war das Musical von Claude-Michel Schönberg, 

Alain Boublil und Jean-Marc Natel sowie James 

Fenton erstmals bei den Freilichtspielen Tecklenburg 

zu sehen. 12 Jahre später ist das große, dramatische 

Ensemble-Stück mit einem 35-köpfigen Cast sowie 

Chor und Statisterie der Freilichtspiele, begleitet von 

einem 20-köpfigen Orchester, wiederbelebt worden. 

Regisseur Ulrich Wiggers hat die Bühne mit prall-lebendigen 

Gesellschaftsszenen gefüllt: Da kommen die 

Bauern vom Acker und der entlassene Sträfling, der verzweifelt 

versucht, ein neues Leben zu beginnen, muss 

feststellen, dass »die ganze Welt […] für Jean Valjean 

[Patrick Stanke] ein Gefängnis [ist]« und »das Gesetz 

[…] gegen ihn«. Der Heiligen Familie gleich sucht er 

vergeblich eine Herberge, bis ihn der Bischof von Digne 

aufnimmt. Im kleinen Ort Montreuil-sur-Mer – intelligent 

angebrachte Daten- und Ortsschilder erlauben 

die Einordnung –, an dem Valjean sich unter neuer 

Identität niederlässt, entfaltet sich eine große Halle mit 

Näherinnen. Fantine (Milica Jovanović) ist hier eine 

Außenseiterin (durch ihre Position am Rand der Bühne 

verdeutlicht). Als sie dem Vorarbeiter ihren Körper verweigert, 

muss sie diesen bald darauf verkaufen, um sich 

und ihre Tochter durchzubringen. Bürger flanieren und 

Prostituierte bieten ihre Dienste an. Besondere Authentizität 

und Lebendigkeit erhält Susanna Bullers Bühnenbild 

mit seinen Häusern mit den rußgeschwärzten 

Fassaden und Schindeldächern dadurch, dass Menschen 

aus den Fenstern das Treiben auf der Straße betrachten 

und beispielsweise sehen, wie Valjean den Heukarren allein 

mit Muskelkraft anhebt. Erfreulicherweise ist auch 

die Wendeltreppe in die Häuserzeile integriert, sodass 

Valjean mit seiner Tochter wirklich im Haus verschwinden 

kann. Ein besonders lebendiges Bild stellt der Auftritt 

der Gauner und Bettler (einer sogar auf einem Rollbrett) 

von Paris dar, bei dem man buchstäblich Zeuge 

wird, wie jeder an seinem Platz dazu beiträgt, Valjean 

mit Cosette in die Enge zu treiben: ›Schaut her – Reprise‹. 

Allerdings bleibt offen, wann Thénardier die Sträflingsnummer 

gesehen haben will, und doch gibt er Inspektor 

Javert den entsprechenden Wink. Zu den authentischen 

Bildern tragen auch Karin Albertis zeitgemäß gestaltete 

historische Kostüme der Ständegesellschaft und die 

Ausstattung bei – darunter die eindrucksvolle Barrikade 

– vom Wagenrad, über Möbel, Bilderrahmen bis zu 

Harken und Leitern authentisch. Es wird sogar angedeutet, 

wie die Frauen der Aufständischen Material für 

die Barrikade zusammentragen oder von den Passanten 

erbitten. Auch andere an sich kleine Momente erhalten 

Wirkung, etwa, wenn Enjolras die Frauen von der Barrikade 

wegschickt, weil er ahnt, dass es ihr letzter Kampf 

sein wird. Dagegen geht leider die Freilassung des gefangenen 

Javert durch Valjean auf der linken Seite der 

Bühne etwas unter. 

Doch Ulrich Wiggers hat auch den Mut, seinen 

Solisten die Bühne allein zu überlassen. Nachdem der 

barmherzige Bischof von Digne (Florian Soyka in dem 

gleichnamigen Lied mit geradezu herzerwärmendem 

Bariton-Vortrag) Valjean beschämt hat, versteht es Pa- 

6 

blickpunkt musical 04/18, Juli – September 2018

Topthema 

trick Stanke, in einer sehr überzeugend gespielten Verwandlung 

vom Saulus zum Paulus den Raum mit seiner 

klangvollen Stimme sowie mit Bühnenpräsenz zu füllen. 

Präsent klingen hier zudem Posaune und Horn aus 

dem unter Leitung von Tjaard Kirsch brillant und sehr 

differenziert spielenden Orchester herauf. Auch die innere 

Auseinandersetzung Valjeans in ›Wer bin ich?‹ berührt, 

doch gesanglich beeindruckt Stanke am meisten 

mit dem stimmlich wunderbar sicher geführten Gebet 

des Valjean: ›Bring ihn heim‹. Dass Patrick Stanke auch 

als gereifter Herr in der Paris Rue Plumet überzeugend 

wirkt, wenn er über die Zeit, die ›Schon so lang‹ her ist, 

nicht sprechen möchte, ist auch der guten Maske von 

Stefan Becks und Susanne Bechtloff zu verdanken. Einzig 

dem geschwächten Greis im ›Epilog‹ könnte Stanke 

in der Körperlichkeit noch etwas mehr Gebrechlichkeit 

geben, eventuell unterstützt durch einen Stock, auf den 

er sich stützt. 

Milica Jovanović steht bei Fantines Lebensresümee 

›Ich hab' geträumt vor langer Zeit‹ als Solistin im Mittelpunkt 

und zeigt in ihrer gefühlvollen Interpretation, 

dass selbst einer so ausgezeichneten Sängerin wie ihr die 

emotional-gesteigerte Stimmführung mit ihren Höhen 

und Tiefen einiges abverlangt. In Fantines Sterbeszene 

dagegen klingt sie für die gebrochene Frau fast noch zu 

schön. Doch das ist »meckern« auf höchstem Niveau. 

Kevin Tarte zeichnet sich als Inspektor Javert durch 

sein imposantes Auftreten aus, wobei der fanatisch gesetzestreue 

Inspektor zunehmend an Akkuratesse verliert 

und später vom Aussehen her an den aufgelösten Lucius 

Malfoy in »Harry Potter« erinnert, kurz bevor er seinen 

in Tecklenburg besonders inszenierten Selbstmord 

begeht. Tartes an sich überzeugendes Schauspiel leidet 

bedauerlicherweise dadurch, dass er in den stark rhythmisch 

angelegten Sprechgesangspassagen, immer wieder 

aus dem Takt gerät. Szenen wie beispielsweise ›Die Prüfung‹, 

in der Javert das erste Mal Verdacht schöpft, wer 

Bürgermeister Madeleine wirklich ist – dabei doch eine 

musikalisch besonders schöne Passage in Tecklenburg – 

oder Javerts Auftritt als Polizeichef in Paris (›Schaut her – 

Reprise‹) verlieren an Wirkung. Es scheint, als mache 

Tarte der deutsche Sprachduktus, den er in Dialogen 

und Songs souverän beherrscht, hier Schwierigkeiten. 

Die teils hölzerne Übersetzung von Heinz Rudolf Kunze 

tut ihr Übriges. In Javerts großer Hymne auf Recht und 

Gesetz dagegen liefert Kevin Tarte eine emotionale und 

gesanglich starke Interpretation von ›Stern‹. 

Auch ohne Drehbühne malt die Tecklenburger Inszenierung 

die Szenenbilder ineinander. Von der Gerichtsszene 

mit einem vom Orchester brillant begleiteten 

Demaskieren Jean Valjeans geht es flüssig über in die 

Krankenhausszene an Fantines Bett, wozu ein Wagen 

mit wehenden Vorhängen hineingeschoben wird, während 

der Raum in der Mitte unter dem Häuserbogen 

mit Krankenschwestern bevölkert wird. Ulrich Wiggers 

entschärft überraschenderweise die Konfrontation zwi- 


Claude-Michel Schönberg / Alain Boublil / 

Jean-Marc Natel / James Fenton 

Deutsch von Heinz Rudolf Kunze 

Freilichtspiele Tecklenburg 

Freilichtbühne 

Premiere: 22. Juni 2018 

Regie ........................... Ulrich Wiggers 

Musikalische Leitung ....... Tjaard Kirsch 

Neue Orchestrierung ......... Christopher 

Jahnke, Stephen Metcalfe & 

Stephen Brooker 

Choreographie .......... Kati Heidebrecht 

Bühnenbild .................. Susanna Buller 

Kostüme .......................... Karin Alberti 

Maske .......................... Stefan Becks & 

Susanne Bechtloff 

Lichtdesign ..................... Tim Löpmeier 

Sounddesign ....................... Sven Trees 

Jean Valjean .................. Patrick Stanke 

Javert ................................ Kevin Tarte / 

Robert Meyer (am 04./05.08) 

Fantine ...................... Milica Jovanović 

Monsieur Thénardier ........... Jens Janke 

Madame Thénardier ...... Bettina Meske 

Marius ........................... Florian Peters 

Cosette ......................... Daniela Braun 

Éponine ....................... Lasarah Sattler 

Enjolras .......................... David Jakobs 

Bischof von Digne / 

Courfeyrac ..................... Florian Soyka 

Bamatabois ............. Gerben Grimmius 

Brujon / Joly ............... Mathias Meffert 

Babet .............................. Fin Holzwart 

Claquesous / Lesgles ..... Jan Altenbockum 

Montparnasse / 

Prouvaire ...................... Florian Albers 

Combeferre ............ Benjamin Witthoff 

Feuilly ........................ Nicolai Schwab 

Grantaire ....................... Robert Meyer 

Gavroche .............. Dean Clausmeyer / 

Jonas Kirsch / Adrian Müller-Bromley 

Cosette (klein) ........... Claire Heinrich / 

Malina Ziegeler 

Éponine (klein) .......... Malina Mahnig / 

Carlotta Mahnig 

Seeleute / Polizisten / 

Studenten ..................... Andrew Hill & 

Michael Thurner 

Erste Fabrikarbeiterin / 

Hairlady ...................... Juliane Bischoff 

Bagatelle Lady ................. Jennifer Kohl 

Fabrikarbeiterinnen / Huren / Gäste: 

Sophie Blümel, Joana Henrique, Alexander 

Hoffmann, Eva Kewer, Esther 

Larissa Lach, Dörte Niedermeyer, 

Céline Vogt 

Abb. links: 

1. Valjean (Patrick Stanke) bittet Gott um 

das Leben von Marius (Florian Peters, 

liegend): ›Bring ihn heim‹ 

2. Die Hospiz-Schwester (Ensemble) 

mahnt die Widersacher Valjean (Patrick 

Stanke, l.) und Javert (Kevin Tarte, r.), die 

Totenruhe zu respektieren 

3. ›Stern‹ – Javert (Kevin Tarte) sieht in 

seiner Jagd eine Mission der Gerechtigkeit 

4. Vor dem letzten Kampf: Valjean 

(Patrick Stanke, l.) und Enjolras (David 

Jakobs) an der Barrikade 

Fotos (4): Sandra Reichel 


7

Topthema 

Abb. unten: 

1. ›Ich hab' geträumt vor langer Zeit‹ – die 

verzweifelte Fantine (Milica Jovanović) 

2. Freuen sich auf ein neues Leben – die 

kleine Cosette (Malina Mahnig) und ihr 

Ziehvater Valjean (Patrick Stanke) 

3. Der tapfere kleine Gavroche (Dean 

Clausmeyer, Mitte) bringt die erbeutete 

Munition noch über den Rand der 

Barrikade, bis er tot zusammenbricht, 

mit Enjolras (David Jakobs, Mitte) und 

Ensemble 

4. ›Nur für mich‹ – Éponine (Lasarah 

Sattler) liebt heimlich den Studenten 

Marius 


schen Valjean und Javert im ersten Akt (›Der doppelte 

Schwur‹) durch das Auftreten einer Nonne, die beide 

Streithähne, wie es aussieht, zum Respekt gegenüber der 

verstorbenen Fantine ermahnt. Über diese Veränderung 

kann man geteilter Meinung sein. Die wehenden Vorhänge, 

die in der bekannten Verfilmung des Musicals 

(2012) den Gegner gezielt verbargen, führten am Premierenabend 

bei aller Dramatik der Handlung zu einer 

unfreiwillig komischen Szene, da Javert sich zu Valjean 

durchkämpfen musste. 

Gezielte Komik gilt dagegen für das Gaunerpaar 

Thénardier – von Karin Alberti extra farbenfroh eingekleidet 

–, das sich in allen Lebenslagen zu bereichern 

versucht und dabei vor dem Unglück anderer nicht zurückschreckt. 

Gleichwohl gelingt es dem Komödianten 

Jens Janke und seiner kongenialen Partnerin Bettina 

Meske bei aller typgerechten Überzeichnung, Sympathie 

für ihre Figuren zu wecken: Bei ›Ich bin Herr 

im Haus‹ passen die Beinschwung-Choreographien 

von Kati Heidebrecht gut ins Bild, das gilt auch für 

die wunderschöne Schlusspose, mit der sie die Szene, 

in der Madame Thénardier am Fleischwolf etwas von 

Mrs Lovett hat, enden lässt. Zahlreiche Lacher erntet 

Thénardiers Versuch, sich am Mantel Valjeans die Nase 

zu schnäuzen, zugleich zeigt sich hier seine ausgeprägte 

Respektlosigkeit. Auch das zahllose Bekreuzigen, 

welches die Ehrlichkeit der Zieheltern beteuern soll, 

lässt einen schmunzeln. Doch Janke begeistert auch 

während der eindrucksvoll mit kaltem Streiflicht und 

Nebel gebauten Kanalisationsszene (Lichtdesign: Tim 

Löpmeier), in der Thénardier »im öffentlichen Dienst« 

den Toten die Goldzähne und anderes Verwertbares 

abnimmt. 

In der Rolle der erwachsenen Éponine ist die junge 

Osnabrücker Absolventin (Institut der Musik) Lasarah 

Sattler zu erleben. Mag im Schauspiel noch etwas Raum 

nach oben sein, so verleiht sie doch der unglücklichen 

Thénardier-Tochter mit Spielfreude und starker Stimme 

Profil – das nicht allein in ›Nur für mich‹. 

David Jakobs entspricht vielleicht äußerlich nicht 

8 


Topthema 

dem gängigen Bild eines Enjolras, doch macht er das 

sowohl stimmlich als auch im Schauspiel durch Energie 

und Präsenz vergessen. Etwas blass wirkt dagegen 

noch Florian Peters als Marius. So ganz nimmt man 

ihm das Schüchterne, ja Linkische seiner Darstellung 

nicht ab – da ist noch Luft nach oben. Gesanglich 

überzeugt er hingegen solistisch (›Dunkles Schweigen 

an den Tischen‹) und im Duett mit Cosette (Daniela 

Braun): ›Mein Herz ruft nach dir‹. Dabei harmonisiert 

er glücklicherweise die leider an der Premiere sehr schrill 

klingende Stimme von Daniela Braun, die trotz ihres 

lyrischen Soprans unerklärlicherweise Probleme mit den 

Höhen hat. Dagegen überzeugt sie in ihrem Spiel der 

behüteten, aufs Leben neugierigen Cosette und in der 

Zuneigung zu Geliebtem und Vater. 

Hervorzuheben sind auch die Kinderdarsteller: allen 

voran Dean Clausmeyer als frecher Gavroche, der 

zeigt, was die »Kleinen« schon können. Claire Heinrich 

bezaubert als Cosette mit klarer Stimme (›In meinem 

Schloss‹) und im Zusammenspiel mit Patrick Stanke 

oder ihren Pflegeeltern Janke und Meske. Intelligent ist 

auch die Verwandlung der kleinen in die große Cosette 

gelöst. In ihrer rein mimischen Darstellung überzeugt 

auch Malina Mahnig als verwöhnte Göre Éponine, welche 

die geschenkte Puppe der Mutter ablehnt, sie aber 

auch ihrer Ziehschwester nicht gönnt. 

Der Chor der Tecklenburger Freilichtspiele überzeugt 

durch klare Verständlichkeit und enorme Spielfreude, 

manche langjährigen Mitglieder spielen inzwischen 

auch kleinere Rollen überzeugend. 

Bei »Les Misérables« in Tecklenburg trifft der oft gehörte 

Satz »Das Beste kommt zum Schluss« zu. Ist schon 

das erste Finale mit den roten Tüchern und der roten 

Fahne in Gavroches Händen eindrucksvoll, so verschafft 

Ulrich Wiggers dem Publikum mit der Schlussszene im 

›Epilog‹ erst recht Gänsehaut, wenn alle Mitwirkenden 

– Lebende und Tote – aus dem Nebel auftreten und die 

gesamte Spielfläche füllen. 

Barbara Kern 

Abb. unten: 

1. ›Dunkles Schweigen an den Tischen‹ – 

Marius (Florian Peters) hat überlebt und 

sieht die gefallenen Kameraden vor sich 

2. Valjean (Patrick Stanke, r.) kann kaum 

glauben, dass der Bischof von Digne 

(Florian Soyka, l.) ihm den Hals rettet, 

und nimmt die Aufgabe, Gutes zu tun, an 

3. ›Herr im Haus‹-Schlusspose – ein herrliches 

Gespann: die Thénardiers (Bettina 

Meske und Jens Janke mit Ensemble) 

4. ›Javerts Selbstmord‹ – Javert (Kevin 

Tarte) versteht die Welt nicht mehr 

Fotos (4): Birgit Bernds 


9


Geld oder Liebe 

Uraufführung von »Herz aus Gold – Das Fugger-Musical« am Theater Augsburg 

Ganz Augsburg feiert Fuggers Hochzeit 

Foto: Jan-Pieter Fuhr 

Herz aus Gold – 

Das Fugger-Musical 

Stephan Kanyar / Andreas Hillger 

Theater Augsburg 

Freilichtbühne am Roten Tor 

Uraufführung: 30. Juni 2018 

Regie ............................ Holger Hauer 

Musik. Leitung .......... Domonkos Héja 

Choreinstudierung .............. Katsiaryna 

Ihnatsyeva-Cadek & 

Carl Philipp Fromherz 

Choreographie......... Ricardo Fernando 

Bühnenbild .................. Karel Spanhak 

Kostüme ......................... Sven Bindseil 

Licht ............................... Marco Vitale 

Dramaturgie .................... Sophie Walz 

Jakob Fugger ................... Chris Murray 

Sibylla sr. ................. Roberta Valentini 

Barbara Fugger ............... Elke Kottmair 

Ulrich Fugger ............. Gerhard Werlitz 

Georg Fugger ........... Stanislav Sergeev 

Welser .......................... Holger Hauer 

Sibylla jr. ............. Katharina Wollmann 

Luther ........................... Thaisen Rusch 

Kaiser .................... Eckehard Gerboth / 

Andre Wölkner 

Priester .................. Oliver Marc Gilfert 

Sibylla jr. als Kind .......... Jonna Lenke / 

Anne Lohrum / Carla Schäfer 

Boten / Herolde .......... Christian Bock, 

Florian Koller, Edward Roland Serban, 

Thomas Zigon 

In weiteren Rollen: 

Joanna Nora Lissai, Sarah K. 

Martlmüller, Martina Oliveira, 

Naomi Simmonds 

Ballett & 

Opernchor des Theaters Augsburg 

Eröffnet hatte man sie musikalisch einst noch mit 

Ludwig van Beethovens einziger Oper »Fidelio«. 

Doch inzwischen regiert auch auf der Freilichtbühne am 

Roten Tor zur Sommerzeit längst das Musical, mit dem 

sich das demnächst in den Rang eines Staatstheaters aufsteigende 

Theater Augsburg zum Saisonausklang gerne 

noch mal ein wenig die Kassen auffüllt. Hatte man sich 

dafür in den vergangenen Jahren meist auf große, verkaufsträchtige 

Titel wie »Hair«, »Blues Brothers« oder 

die »The Rocky Horror Show« verlassen, setzte der neue 

Intendant des Hauses, André Bücker, zum Ende seiner 

an interessanten Experimenten keineswegs armen ersten 

Spielzeit ein weiteres mal auf Risiko: war mit »Herz aus 

Gold« doch die Uraufführung eines speziell für Augsburg 

entstandenen neuen Musicals aus der Feder von 

Stephan Kanyar und Andreas Hillger zu erleben. Dazu 

gehört tatsächlich eine gute Portion Mut. Wollen hier 

doch für über 20 Vorstellungen rund 2000 Sitzplätze 

gefüllt werden. Doch wie wir Titelheld Jakob Fugger 

gleich zu Beginn singen hören: »Wer siegen will, der 

muss auch wagen.« Und das Publikum wusste dieses 

Wagnis durchaus zu honorieren und feierte das Ensemble 

am Ende der Vorstellung mit langanhaltenden 

stehenden Ovationen. 

Ob das Stück nach der sommerlichen Spielserie auch 

ein Leben jenseits der Fuggerstadt haben wird, muss sich 

allerdings noch zeigen. Spielen Kanyar und Hillger doch 

bei dieser vermusicalisierten Geschichtsstunde mehr als 

einmal die lokalpatriotische Trumpfkarte aus. Nicht, 

dass man unbedingt großes historisches Vorwissen brauchen 

würde, doch die eine oder andere Anspielung gibt 

es schon, die in erster Linie bei den Einheimischen für 

Schmunzeln sorgt. Im Mittelpunkt der Geschichte steht 

mit Jakob Fugger der wohl berühmteste Spross der legendären 

Augsburger Kaufmannsfamilie. Ein Mann, 

dessen umsichtig aufgebautes Finanzimperium sich in 

der Renaissance über halb Europa ausgebreitet hatte 

und der seine Finger sogar Richtung Amerika ausstreckte. 

Gerne wurde er auch als der erste große Kapitalist bezeichnet, 

dessen politischer Einfluss als Geldgeber des 

Kaisers ebenfalls nicht zu unterschätzen war. 

Fast vier Jahrzehnte begleiten die Autoren Jakob Fugger 

auf seinem Weg. Frisch zurück aus Italien, lernen wir 

einen jungen Mann kennen, der voller lukrativer Geschäftsideen 

steckt, die in der Augsburger Heimat – wo 

man die Dinge am liebsten so hat, wie sie schon immer 

waren – nicht durchweg gut ankommen. Skeptisch ist 

hier neben den eigenen Brüdern vor allem der rivalisierende 

Kaufmann Welser, der fürs Stück eigentlich einen 

perfekten Gegenspieler abgeben würde, dafür aber leider 

nicht genug Zeit auf der Bühne bekommt. Immer 

wieder werden da neue Themen angerissen: Vom Ablasshandel 

des Vatikans bis hin zu Sebastian Brants Moralsatire 

»Das Narrrenschiff«, sodass man sich des Eindrucks 

nicht erwehren kann, dass die Autoren am Ende vielleicht 

ein wenig zu viel in die rund zweieinhalb Stunden 

hineinpacken wollten. Besonders, weil neben den 

zahlreich vorbeirauschenden historischen Anspielungen 

vor allem eine (fiktive) Liebesgeschichte erzählt werden 

soll, ohne die kein anständiges Musical auskommt, und 

die den Großteil der Aufführung in Beschlag nimmt. 

Keine zehn Minuten im Stück, trifft der Heimkehrer 

schon seine Jugendliebe Sibylla, die inzwischen jedoch 

mit einem anderen Mann verheiratet und Mutter einer 

kleinen Tochter ist. Ein schwerer Schlag für den jungen 

Kaufmann, der seine Energien fortan voll und ganz ins 

Familienimperium steckt. Natürlich kreuzen sich die 

Lebenswege der beiden trotzdem immer wieder. Doch 

10 



selbst nach dem Tod ihres Mannes ist Sibylla nicht bereit, 

eine Beziehung mit Jakob einzugehen, der in ihren 

Augen eine jüngere Frau benötigt. Eine, die ihm einen 

Erben schenken kann. Diese findet sich kurzerhand in 

ihrer inzwischen erwachsenen Tochter Sibylla jr., die unfreiwillig 

von der eigenen Mutter verkuppelt und in einer 

äußerst unbehaglichen Zeremonie verheiratet wird, 

die das hier ziemlich naiv gezeichnete Augsburger Volk 

aber dennoch lächelnd und jubelnd besingt. 

Stephan Kanyar kleidet dies alles in eine sinfonisch 

opulente Partitur zwischen historisch angehauchtem 

Cembalo-Sound und E-Gitarren-Riffs, die von Generalmusikdirektor 

Domonkos Héja gut in der Balance 

gehalten wird und vor allem die Streicher gerne mal 

hollywoodverdächtig schmalzen lässt. Nummern wie 

der vorwärtsdrängende Titelsong, Sibyllas ›Wo bin ich 

geblieben‹ oder das emotionale Duett zwischen Mutter 

und Tochter (›Mein Leben und Dein Glück‹) gehen dabei 

ziemlich gut ins Ohr. Doch wird man das Gefühl 

nicht los, dass man mehr als einen davon irgendwie 

auch schon einmal so oder zumindest so ähnlich gehört 

hat. So ist der Ausspruch einer Zuschauerin, die in der 

Pause erfreut feststellt, »dass so viele bekannte Melodien 

drin sind«, wohl eher ein zweischneidiges Kompliment 

für den Komponisten. Vielleicht lag es aber auch einfach 

daran, dass Kanyar nicht nur immer wieder musikalische 

Erinnerungen an die holländischen »3 Musketiere« 

heraufbeschwört, sondern es vor allem beim Einsatz von 

Leitmotiven manchmal auch ein wenig übertreibt. So 

begegnet man etwa der Melodie der Eröffnungsnummer 

(›Augsburg, Augsburg, Du herrliche Stadt!‹) im weiteren 

Verlauf des Abends mit wechselndem Text wieder 

und wieder und wieder und wieder. So lange, bis sie sich 

wahrscheinlich auch beim Letzten für mindestens drei 

Tage in die Gehörgänge eingebrannt hat. 

Zuständig für diesen nicht ganz freiwilligen Ohrwurm 

sind neben dem stimmkräftigen Augsburger 

Opernchor unter anderem vier hektisch überdreht 

durch die Handlung stolpernde Herolde, die man sich 

von der Theaterakademie August Everding rekrutiert 

hat und die in den nicht immer geschmackssicheren 

Kostümen von Sven Bindseil wie frisch aus »Monty 

Python's Spamalot« entsprungen scheinen. Und das 

womöglich nicht ganz ohne Grund: Regisseur Holger 

Hauer begegnet dem bunten historischen Bilderbogen 

nämlich durchaus mit einer gesunden Portion Humor, 

die dem Stück extrem guttut, ihm das Pathos austreibt 

und den Abend zwischen all den tragisch unerfüllten 

Liebesbeziehungen und Geschäftsgesprächen dennoch 

zu einer überaus kurzweiligen Angelegenheit macht. 

Hauer – der auch selbst als Welser mit auf der Bühne 

steht und Fuggers Widersacher die nötige Autorität verleiht 

– weiß die ausladende Freiluftbühne dabei gut mit 

Leben zu füllen. Wobei er zum Glück nicht nur in großen 

monumentalen Bildern denkt, sondern auch den 

intimen Momenten genügend Fokus gibt und seinen 

Darstellern zutraut, auch ohne zusätzlichen Schnickschnack 

das Publikum zu fesseln. Einen zuverlässigen 

Partner hat er dabei in Choreograph Ricardo Fernando, 

der das hauseigene Ballettensemble und mehrere Mu- 

Abb. unten von links: 

1. Auch nach dem Tod ihres Mannes verweigert 

Sibylla (Roberta Valentini) Jakob 

(Chris Murray) ihre Hand 

2. Nach der Rückkehr aus Italien fühlt 

Jakob (Chris Murray) sich in Augsburg als 

Außenseiter 

3. Ob beim Schach oder im Finanzgeschäft. 

Strategie ist alles für Fugger (Chris 

Murray, Mitte l.) und seinen Rivalen 

Welser (Holger Hauer, Mitte r.) 

Fotos (3): Jan-Pieter Fuhr 


11


Abb. oben: 

Tochter Sibylla (Katharina Wollmann) 

beginnt, sich gegen ihre Mutter (Roberta 

Valentini) aufzulehnen 


1. Geld oder Liebe? Am Ende seines Lebens 

zieht Fugger (Chris Murray) Bilanz! 

2. Rauf aufs Narrenschiff 

3. Die Herolde (v.l.: Thomas Zigon, 

Florian Koller, Edward Roland Serban, 

Christian Bock) bringen News vom 

Kaiserhof 

Fotos (4): Jan-Pieter Fuhr 

sicalgäste auf der Besetzungsliste zu einer homogenen 

Einheit zusammenschweißt und mit ihnen zur großen 

Auseinandersetzung zwischen Fugger und Welser ein 

ausgeklügeltes Schachspiel inszeniert, dessen Grundidee 

zwar auf der Musicalbühne auch nicht unbedingt neu 

ist, aber doch genügend kreative Ideen mitbringt, um 

der Szene einen eigenen Twist zu geben. 

Ein Sonderlob gebührt ebenfalls Karel Spanhak, 

dessen stimmungsvoll ausgeleuchtetes Bühnenbild 

sich nahtlos in die bestehende Architektur der alten Bastion 

schmiegt und mit einer kleinen Drehbühne flüssige 

Übergänge zwischen Außen- und Innenräumen zulässt. 

Und selbst die sonst oft illusionszerstörenden 

Lautsprecher sind bei ihm geschickt kaschiert, ohne 

dass man dadurch akustische Einbußen in Kauf nehmen 

müsste. Ganz im Gegenteil, auch die Tonabteilung 

holt diesmal alles raus, was unter freiem Himmel 

eben machbar ist. 

So kann man sich entspannt zurücklehnen und 

ungestört auf die zwei größten Pluspunkte dieser Produktion 

konzentrieren: Waren mit Chris Murray und 

Roberta Valentini in den Hauptrollen doch zwei prominente 

Namen aufgeboten, mit denen man mehr als 

einen Fan nach Augsburg gelockt haben dürfte. Enttäuscht 

wird keiner von ihnen die Aufführung verlassen 

haben. Denn allein das zu Herzen gehende Porträt 

der zwischen Liebe und Pflicht zerrissenen Sibylla, das 

Valentini abliefert, ist jeden Cent des Eintrittsgeldes 

wert. Schon in der auf den ersten Blick noch unbeschwerten 

Begegnung mit Jakob ist ihr anzumerken, 

dass ihr die große Beichte bereits auf den Lippen liegt. 

Dass dann ausgerechnet während ihrer großen tragischen 

Selbstbeichte im zweiten Akt ein entscheidendes 

WM-Tor fällt, das in der Kneipe ums Eck heftig bejubelt 

wird, ist Pech. Aber ein Profi wie sie steckt selbst das 

weg wie nichts. Diese Souveränität muss sich Katharina 

Wollmann als Sibylla jr. noch etwas erarbeiten, die gerade 

im Duett zwischen Mutter und Tochter (›Mein Leben 

und Dein Glück‹) manchmal ein wenig ins Hintertreffen 

gerät. Wobei man fairerweise zugestehen muss, 

dass die Autoren ihr nicht allzu viel Gelegenheit geben, 

einen Charakter mit mehr als zwei Dimensionen zu formen. 

Ein Schicksal, das sie mit Thaisen Rusch als Luther 

und Elke Kottmair als Mutter Fugger teilt, von denen 

man gerne mehr gehört hätte. Deutlich mehr wird im 

Vergleich dazu Chris Murray abverlangt, der Jakob Fugger 

von der Jugend bis ins hohe Alter verkörpern muss 

und diese Herausforderung auch gesanglich mit erstaunlicher 

Wandlungsfähigkeit meistert. Dass Murray 

über Stimmbänder aus Stahl und nahezu endlose Atemreserven 

verfügt, dürfte nichts Neues sein, doch gerade 

im Duett mit Valentini bzw. Kottmair trotzen ihm seine 

Partnerinnen hier immer wieder Facetten ab, die man 

so nicht in jeder Rolle von ihm zu hören bekommt. 

Was einen am Ende des Tages dann auch darüber hinwegtröstet, 

dass die Geschichte mit ihrer Mischung aus 

historischer Wahrheit und rührseliger Fiktion unterm 

Strich oft ein wenig zu konstruiert wirkt. 

Tobias Hell 

12 



Frühlingsgefühle und erwachende Leidenschaft 

»Frühlings Erwachen« am Theater Bielefeld 

Wendla (Michaela Duhme) und Melchior (Benedikt Ivo) haben Schmetterlinge 

im Bauch 

Die Schüler, angeführt von Melchior 

(Benedikt Ivo, vorne), proben den 

Aufstand gegen die Erwachsenen 

Fotos (3): Bettina Stöß 

Das 130 Jahre alte Skandalstück von Frank Wedekind, 

»Frühlings Erwachen«, adaptierten Duncan 

Sheik (Musik) und Steven Sater (Buch und Liedtexte) 

2006 als Rock-Musical über die pubertären Sehnsüchte, 

sexuelle Neugier und Versagensängste jugendlicher 

Schüler im ewigen Konflikt mit den erwachsenen Autoritätspersonen: 

Eltern und Lehrern. 

Christian Müller wagte es, bei seiner Inszenierung 

für das Theater Bielefeld, die am 18. Mai 2018 Premiere 

feierte, neben den ausgebildeten Musicaldarstellern in 

den Hauptrollen alle weiteren Charaktere mit jungen 

Talenten aus der Bielefelder Region zu besetzen, die ein 

authentisches Gefühl für ihre Rollen einbringen sollten. 

Michaela Duhme (»Avenue Q« und »John und Jen«, 

Bielefeld) spielt die unaufgeklärte Wendla, die erst durch 

ihren Freund Melchior (Benedikt Ivo – »Bonnie & Clyde«, 

Bielefeld) im praktischen Selbstversuch erfährt, wie 

Kinder gemacht werden, und von ihrer konservativen 

Mutter (Melanie Kreuter: »Hochzeit mit Hindernissen«, 

Bielefeld) zur lebensbedrohlichen Abtreibung gedrängt 

wird. Moritz (Marvin Kobus Schütt: »Goethe – Auf 

Liebe und Tod«, Essen) hingegen treibt die Angst, von 

Direktor Knochenbruch (Martin Christoph Rönnebeck: 

»Das Phantom der Oper«, Hamburg) nicht in die nächste 

Klasse versetzt zu werden, in den Selbstmord. 

Neben diesen fünf hauptberuflichen Schauspielern 

machen die weiteren neun Amateure auf der Bühne eine 

erstaunlich gute Figur, sei es bei der flotten Choreographie 

von Isabelle von Gatterburg oder beim Gesang der 

abwechslungsreichen Partitur, die durch die achtköpfige 

Band unter der versierten Leitung von William Ward 

Murta kraftvoll aus dem Orchestergraben erschallt. 

Während das gesamte Ensemble eine überzeugend solide 

und bestens unterhaltende Leistung hinlegt, darf 

der Zuschauer etwas länger über die Inszenierung selbst 

nachsinnen. Das Stück spielt in Deutschland im Jahr 

1891 – zwar haben sich viele Probleme mit dem Erwachsenwerden 

in den letzten 100 Jahren kaum verändert, in 

der heutigen Zeit gehen wir aber trotzdem anders mit 

ihnen um. Mit Internet und Fernsehen erscheint die 

Naivität Wendlas beim Ohrwurm ›Mama‹ heute praktisch 

undenkbar und auch eine Abtreibung endet in der 

Neuzeit selten tödlich. Wedekinds Drama kann nicht 

komplett ins Hier und Jetzt transformiert werden, sondern 

bleibt in seiner Zeit verankert. Das Musical will 

trotzdem aktuell und zeitlos sein und schafft dies mit 

masturbierenden Jungs, Mobbing in der Schule, erotischen 

Gewalt-Phantasien und einem glücklichen, homosexuellen 

Pärchen. Die Sprache der Jugendlichen in 

der deutschen Übersetzung von Nina Schneider ist mit 

einigen Kraftausdrücken sehr modern (›So'n verficktes 

Leben‹, ›Völlig im Arsch‹). Die Bühne von Zahava Rodrigo 

beherrscht ein schräger, rechteckiger und steril wirkender 

Aufbau, der multifunktional genutzt wird, auch 

um Videoprojektionen von Dennis Böddicker und Lena 

Thimm einzusetzen. Alle Jugendlichen tragen moderne 

Klamotten und Sportschuhe, während die Erwachsenen 

in die strenge Mode des letzten Jahrtausends gepresst 

sind, abgesehen von glänzenden Plateauschuhen und 

anonymisierenden Clownsmasken frei nach Stephen 

Kings Horrorfilm »Es«, was der Tatsache geschuldet ist, 

dass die zwei Erwachsenen-Darsteller in insgesamt 14 

Rollen schlüpfen. 

Somit fühlt sich »Frühlings Erwachen« in Bielefeld 

wie eine modern inszenierte Oper mit dem Konflikt 

einer historisch verankerten Geschichte in ultra-modernem 

Gewand an. Wie weit dies den persönlichen 

Geschmack trifft, muss jeder Zuschauer selbst beurteilen. 

Musical-Liebhaber schätzen die kraftvollen Hits 

der Show, die längst kein Geheimtipp mehr sind und 

schon deshalb einen Besuch am Stadttheater Bielefeld 

lohnenswert machen. 

Stephan Drewianka 

Im Hormonchaos 

von Georg (Paul 

Erik Haverland) 

wird selbst die 

Klavierlehrerin 

(Melanie Kreuter) 

zum Objekt der 

Begierde 

Frühlings Erwachen 

(Spring Awakening) 

Duncan Sheik / Steven Sater 

Deutsch von Nina Schneider 

Theater Bielefeld 

Stadttheater 

Premiere: 18. Mai 2018 

Regie ......................... Christian Müller 

Musik. Leitung .... William Ward Murta 

Choreographie ................. Isabelle von 

Gatterburg 

Kampftraining .... Benjamin Armbruster 

Ausstattung ................ Zahava Rodrigo 

Video .................. Dennis Böddicker & 

Lena Thimm 

Dramaturgie .... Jón Philipp von Linden 

Wendla .................... Michaela Duhme 

Melchior ......................... Benedikt Ivo 

Moritz ................. Marvin Kobus Schütt 

Erwachsene ................ Melanie Kreuter 

Erwachsener ............. Martin Christoph 

Rönnebeck 

Martha ............................. Simone Rau 

Ilse .................................... Anja David 

Anna ................................ Silja Erdsiek 

Marianne ................... Adele Heinrichs 

Thea .......................... Ann-Kathrin Veit 

Georg .................. Paul Erik Haverland 

Otto ........................... Nick Westbrock 

Hänschen....................... Elian Latussek 

Ernst ................................. Nico Nefian 


13


We Built This City On Rock'n'Roll 

Deutschsprachige Erstaufführung von »Rock of Ages« in Ulm 

Abschiedskuss? Oder womöglich doch noch ein Happy End für Sherrie (Navina Heyne) und Drew (Sascha Lien)? 

Foto: Jean-Marc Turmes 

Rock of Ages 

Diverse Komponisten / Chris D'Arienzo 

Deutsch von Holger Hauer 

Theater Ulm – Großes Haus 

Deutschsprachige Erstaufführung: 

7. Juni 2018 

Regie ............................. Arthur Castro 

Musikalische Leitung ..... Ariane Müller 

Arrangements & 

Orchestrierung .................. Ethan Popp 

Choreographie ......... Damien Nazabal 

Ausstattung ................. Britta Lammers 

Licht ............................... Marcus Denk 

Video ...................... flora&faunavision 

Drew Boley ....................... Sascha Lien 

Sherrie Christian .......... Navina Heyne 

Stacee Jaxx / Vater ..... Thomas Borchert 

Lonny Barnett / 

Mann von Schallplattenfirma 1 ................. 

Henrik Wager 

Dennis Dupree .... Andreas von Studnitz 

Hertz Klineman ......... Gunther Nickles 

Franz Klineman ................ John Davies 

Bürgermeister / 

Ja'Keith Gill ................. Johnny Warrior 

Justice Charlier / Mutter .... Christina Fry 

Regina .............................. Maren Kern 

Schmieriger Produzent ......................... 

Timo Ben Schöfer 

Joey Primo ................. Benedikt Paulun 

Constance ...................... Julia Baukus / 

Nilufar K. Münzing 

Kellnerin / Sängerin / 

Tänzerin ........ Wiebke Isabella Neulist 

Sängerin & Tänzerin ......... Ines Becher, 

Catherine Chikosi, Marina Granchette 

Ballettcompagnie des Theaters Ulm 

Ariane-Müller-Band feat. Yasi Hofer 

Nennen wir die Sache ruhig einmal beim Namen: 

Jukebox-Musicals sind in der Regel oft wenig mehr 

als Edeltrash. Das liegt schon in der Natur der Sache, 

wenn man eine möglichst massenkompatible Story mit 

Potenzial für einen Sat.1-Sonntags-Film durch eine 

Reihe von altbekannten Hits unterfüttert, die bereits 

vor dem Heben des Vorhangs 90% des Publikums textsicher 

mitgrölen könnten. Grundsätzlich ist daran auch 

gar nichts Verwerfliches, solange sich die Macher dessen 

bewusst sind und den Spaßfaktor mit reichlich Selbstironie 

aufpolstern. Man denke etwa an den im nüchternen 

Zustand kaum ernst zu nehmenden Plot von »We 

Will Rock You« oder die Schlaghosen-Warnhinweise vor 

»Mamma Mia!«-Aufführungen. In genau diese augenzwinkernde 

Kategorie der Spaß-Musicals fällt auch das 

2008 in New York herausgekommene »Rock of Ages«, 

für das Autor Chris D'Arienzo sich einmal quer durch 

die Perlen des Classic Rock gewühlt hat. Wobei ausgerechnet 

der für den Titel verantwortliche Song von Def 

Leppard am Ende gar nicht im Stück auftaucht, da die 

Band die Rechte hierfür nicht freigeben wollte. 

Fans bzw. Kinder der 1980er werden es gnädig 

verzeihen. Bleiben doch auch so noch genügend Hits 

übrig, um das Ulmer Theater nach der deutschsprachigen 

Erstaufführung mit mehr als nur einem fetzigen 

Ohrwurm von »Twisted Sister«, »Whitesnake«, »Bon 

Jovi« oder »Pat Benatar« zu verlassen. Und das tröstet 

letztlich auch über so manchen szenischen Leerlauf hinweg, 

den Regisseur Arthur Castro in den zweieinhalb 

Stunden zuvor zu verantworten hat. Denn wenn selbst 

ein erfahrener Darsteller wie Thomas Borchert, der hier 

mit gewohnt starker Bühnenpräsenz und gestählten 

Stimmbändern den egomanischen Rockstar Stacee Jaxx 

gibt, zuweilen etwas verloren und permanent unterfordert 

wirkt, dann läuft definitiv etwas falsch. Alles, was 

auch im Stück selbst als reiner Bandauftritt gedacht 

ist, funktioniert dabei noch ganz gut. Denn wie man 

eine gute Shownummer inszeniert, weiß Castro durchaus. 

Nur ist »Rock of Ages« am Ende des Tages zwar 

Jukebox-Show, aber eben leider doch keine reine Revue. 

Schließlich taucht hier mehr als ein Song auf, der 

die Handlung auch mal vorantreiben sollte oder, besser 

gesagt, vorantreiben müsste. Auch in diesen Momenten 

spielt sich bei Castro einfach zu vieles nur frontal 

an der Rampe ab, während es das Ballett-Ensemble im 

Hintergrund irgendwie richten und für Bewegung auf 

der Bühne sorgen soll. Was vielleicht sogar funktionieren 

könnte, wenn Choreograph Damien Nazabal sich 

etwas mehr vom Vokabular des Modern Dance lösen 

und seine Tänzer richtig rocken lassen würde. 

Die oft schleppenden Übergänge zwischen den Szenen 

tun schließlich ihr Übriges, um die bei den Songs 

regelmäßig hochkochende Stimmung meist schnell 

wieder abzukühlen und dem Stück seinen Rhythmus 

auszutreiben. Vor allem die Wechsel in den Stripclub 

von Puffmutter Justice, der wiederholt im Schneckentempo 

aus der Unterbühne nach oben fährt und ebenso 

behäbig wieder versinkt, dauert jedes Mal wieder eine 

gefühlte Ewigkeit und hätte sich im detailreich gestalteten 

Bühnenbild von Britta Lammers – die es am Rest 

des Abends oft bei dezenten, aber durchaus wirksamen 

Andeutungen von neuen Räumen belässt – weitaus weniger 

kompliziert lösen lassen. 

Ein deutlich sichereres Händchen hatte man zum 

Glück bei der Besetzungsliste, für die einige klangvolle 

Namen der deutschen Musicalszene nach Ulm verpflichtet 

wurden. Die Krone des Abends geht da ohne Zweifel 

an Henrik Wager. Er zeichnet als Altrocker Lonny für 

14 



die meisten Lacher verantwortlich, wenn er als Erzähler 

immer wieder ironisch die vierte Wand durchbricht 

und das Publikum zur rechten Zeit daran erinnert, dass 

man sich hier schließlich in einem Musical befindet, wo 

die Dinge nicht immer zwangsläufig den Gesetzen der 

Logik folgen müssen. Wager spielt das einfach großartig 

und bringt genau jenes dringend benötigte Augenzwinkern 

mit, das einige seiner Kolleginnen und Kollegen, 

vor allem aber der Regisseur allzu oft vermissen lassen. 

Notiz für künftige deutsche Stadttheater-Produktionen: 

Bitte nicht nach existenziellen Dramen oder sozialkritischen 

Aspekten schürfen, um den Musical-skeptischen 

Kritikern zu gefallen. Bei diesem Stück hilft wirklich 

nur eines: die Flucht nach vorne! 

Die relativ übersichtliche Handlung spielt überwiegend 

in einem kalifornischen Kult-Club der 1980er. 

Drew, ein sympathischer Junge aus der Provinz, will in 

L.A. als Rocker durchstarten, muss sich aber vorläufig 

noch damit begnügen, den etablierten Stars und Idolen 

die leeren Bierflaschen hinterher zu räumen, bis eines 

Tages endlich die große Chance kommt. Auf solch eine 

Gelegenheit hofft auch Landei Sherrie, die ihrerseits 

wiederum von der Hollywood-Karriere träumt, aber 

genau wie Drew feststellen muss, dass »die Träume, mit 

denen man nach L.A. kommt, nicht immer dieselben 

sind, mit denen man die Stadt wieder verlässt.« Gerade 

darin liegt übrigens auch eine der Stärken von Chris 

D'Arienzos Buch. Dass es zwar von Klischees nur so 

wimmelt, diese aber zuweilen auch eine etwas unerwartete 

Wendung nehmen können. 

Wie wir aus den Marvel-Filmen gelernt haben, ist 

jede Geschichte letzten Endes aber auch immer nur so 

gut wie ihr Gegenspieler. Der hört hier auf den Namen 

Hertz Klineman und ist ein skrupelloser Unternehmer, 

der für ein neues Bauprojekt gleich eine ganze Reihe 

von traditionsreichen Musikclubs plattmachen möchte 

und nebenbei auch seinen weichherzigen Sohn Franz 

permanent unter Druck setzt. Sprich, ein echter Bilderbuchfiesling, 

dessen finstere Seite von Gunther Nickles 

in bester Camp-Manier lustvoll ausgekostet wird. Zumal 

er als Leihgabe aus dem Schauspielensemble des Hauses 

durchaus auch gesanglich neben den Musical-Gästen bestehen 

kann. Dass die Szenen zwischen Vater und Sohn, 

die im Original mehr als ein deutsches Klischee bedienen, 

auf heimatlichem Boden nur bedingt funktionieren, liegt 

dabei weniger an der erstaunlich pointensicheren Übersetzung 

von Holger Hauer, sondern eher an der Chemie 

zwischen den Darstellern. Wirken Nickles und »sein« 

Junior John Davies doch in Kostüm und Maske eher 

wie Brüder, was die Dynamik entscheidend ändert. Und 

so punktet John Davies als verklemmter Franz eher mit 

seinem Solo ›Hit Me With Your Best Shot‹, für das er 

hier noch einmal seine Rollschuherfahrungen aus »Starlight 

Express«-Tagen reaktivieren darf. 

Keine Wünsche offen lässt dagegen Sascha Lien als 

Drew. Bringt er doch nicht nur eine ordentliche Rockröhre 

mit, sondern ebenso eine sympathische Bühnenausstrahlung, 

die es leicht macht, den seinen Träumen 

hinterherjagenden Nachwuchsmusiker sofort ins Herz 

zu schließen. Ein Junge voller Ambitionen, dem es trotz 


1. Franz (John Davies, l.) und sein Vater 

(Gunther Nickles, 2.vl.) unterbreiten dem 

Bürgermeister (Johnny Warrior, 2.v.r.) 

ihre Pläne 

2. Lonny (Henrik Wager, l.) und Dennis 

(Andreas von Studnitz, r.) erklären Drew 

(Sascha Lien), wie der Hase läuft 

3. Die Zukunft sieht nicht rosig aus für 

Dennis (Andreas von Studnitz, l.) und 

Lonny (Henrik Wager, r.) 

4. Drew (Sascha Lien) ist not amused, 

dass ihn Manager Ja'Keith Gill (Johnny 

Warrior) zum Boyband-Star umstylen 

möchte 

Fotos (4): Jean-Marc Turmes 


15



1. Yasi Hofer sorgt zusammen mit der 

Ariane Müller Band für den rechten 

Rock-Sound 

2. Einen Fan hat Möchtegern-Rocker 

Drew (Sascha Lien) schon mal gefunden: 

Sherrie (Navina Heyne) 

3. Irgendwie hatte sich Sherrie (Navina 

Heyne) die Begegnung mit Stacee Jaxx 

(Thomas Borchert) anders vorgestellt 

4. Stacee Jaxx (Thomas Borchert), ein 

Rockstar aus dem (Klischee-)Bilderbuch 

Fotos (4): Jean-Marc Turmes 

großer Klappe abseits der Bühne aber auch schnell die 

Sprache verschlägt, wenn auf einmal die Liebe seines Lebens 

vor ihm steht. Ebenso unbezahlbar der beschämte 

Gesichtsausdruck, nachdem ihn sein findiger Manager 

Ja'Keith kurzerhand zum Boyband-Teenie-Schwarm 

umzustylen versucht. Ein Experiment, das zum Glück 

ebenso zum Scheitern verurteilt ist wie Sherries Zweitkarriere 

als »exotische Tänzerin«. Wobei, so gekonnt 

ungeschickt wie Navina Heyne muss man sich auch 

erst einmal um eine Poledance-Stange wickeln können. 

Mehr als eine Dame im Publikum dürfte da Sympathien 

entdecken, wenn Sherrie dem gedankenlosen Stacee 

endlich eine verpassen darf, nachdem er ihr diesen Job 

eingebrockt hat. Kein Wunder, dass sie ihre stärksten 

Momente vor allem hier im Dialog mit der stimmgewaltigen 

Christina Fry hat, die ein gefühlvolles ›Every Rose 

Has Its Thorn‹ intonieren darf. Wirkliches Entwicklungspotenzial 

bekommt aber auch sie darüber hinaus 

nur selten. Das liegt, wie schon erwähnt, in der Natur 

des Stücks, dessen Hauptziel es ist, einfach möglichst 

viele Hits in möglichst kurzer Zeit abzuwickeln. 

Während es einigen – wie zum Beispiel Henrik 

Wager oder Gunther Nickles – hervorragend gelingt, 

aus dieser Not eine Tugend zu machen, streben andere 

hingegen nach Tiefe. So etwa Intendant Andreas von 

Studnitz, der sich zum Ende seiner Amtszeit als Clubbesitzer 

Dennis Dupree auch auf der Bühne von seinem 

Publikum verabschiedet, mit seiner spannungsarmen 

und weitgehend spaßbefreiten Interpretation des 

Rock-Gurus aber leider vollkommen fehlbesetzt wirkt. 

Schlimmer noch, er weckt zum Teil eher traurige Erinnerungen 

an Ozzy Osbournes Karriereherbst als planloser, 

von seiner Familie hinund hergeschobener Doku- 

Soap-Star. Mit dem Unterschied, dass dieser deutlich 

mehr Power in der Kehle hatte, während Studnitz bei 

›Can't Fight This Feeling‹ neben einem gestandenen 

Sänger wie Henrik Wager leider hoffnungslos untergeht. 

Hier zeigt sich, dass »Rock of Ages« vielleicht doch 

nicht hundertprozentig stadttheaterkompatibel ist. 

Zumindest nicht, wenn das hauseigene Schauspiel-, 

Opern- oder Ballettensemble mitbeschäftigt werden 

muss. Denn für manche Stücke sollte das Gästebudget 

besser etwas aufgestockt werden. Immerhin leistet man 

sich wieder einmal die Mitwirkung der Ariane Müller 

Band, am Theater Ulm schon länger ein Erfolgsgarant 

im Genre Musical und zum Glück auch hier wieder 

einmal ein Pfund, mit dem sich gerne wuchern lässt. 

Tragen Müllers Truppe und die virtuos in die Saiten 

greifende Gitarristin Yasi Hofer mit ihrer mitreißenden 

Energie doch maßgeblich dazu bei, dass es die Zuschauer 

beim abschließenden »Journey«-Klassiker ›Don't Stop 

Believin'‹ endgültig nicht mehr auf den Sitzen hält. 

Egal, ob man sich dabei nun an seine eigene zerkratzte 

Vinyl-Single von anno dazumal zurückerinnert oder an 

die Jungs und Mädels von »Glee«, die den Song im Jahr 

der Broadwaypremiere von »Rock of Ages« zurück in die 

Download-Charts katapultierten. Mag die Show auch 

großzügig die Nostalgiekarte ausspielen, für den Spaß 

an der Musik gibt es keine Altersgrenze. 

Tobias Hell 

16 



Langweiliger Urlaub am Wolfgangsee 

»Im weißen Rössl« am Renaissance Theater Berlin 

Ja, im Salzkammergut, da ka'mer gut lustig sein.« In 

der Tat ist Ralph Benatzkys »Im weißen Rössl« eins 

der meistgespielten Singspiele. Eine modernere, der Zeit 

angepasste Inszenierung hätte es daher verdient, doch 

gelingt das Regisseur Torsten Fischer mitsamt weiterem 

Kreativteam nicht so recht. Das »Rössl« wird zur reinen 

Farce und der Urlaub im Gasthaus zur Geduldsprobe. 

Das Bühnenbild (Ausstattung: Herbert Schäfer & 

Vasilis Triantafillopoulos) ist noch ansehnlich, geschickt 

gelöst und nutzt den kleinen Raum gut aus: Die Holzvertäfelungen 

passen zum Gasthausambiente, auch das 

Inventar ist mit rustikalen Holzbänken der österreichischen 

Gasthauskultur entlehnt. Jesus-Kreuz, Hirschgeweih 

fehlen ebenso wenig wie ein Bilderrahmen mit dem 

Kaiser-Abbild darin und Nationalflaggen. Der Eingang 

zum Gasthaus befindet sich im Hintergrund der Bühne 

in Form einer Drehtür aus Glas, was sehr modern anmutet, 

doch witzige Auftritte sowie Abgänge der Darsteller 

ermöglicht. Über der Drehtür zeigt eine Holzvorrichtung 

als Balkon eines Zimmers Landschaftsprojektionen 

und eine animierte Seelandschaft – der Wolfgangsee im 

Salzkammergut. Die Band ist mal im Hintergrund, mal 

auf der linken Seite in das Bühnenbild integriert. Unter 

musikalischer Leitung von Harry Ermer werden auch 

zeitgenössischere Komponisten angespielt (Falco, Edvard 

Griegs ›Morgenstimmung‹, »Cabaret«). Leider ist 

der Ton (Maximilian S. Engel, auch für Videoprojektion 

verantwortlich) in dem kleinen Theater ohne akustische 

Verstärkung zu leise. 

Der Kontrast zwischen Gastwirtschaft und Besuchern 

ist bei den Kostümen von Bettina Gawronsky 

deutlich: Das Personal trägt traditionell vom Dirndl 

über Lederhose bis Kellnerdress in elegantem Schwarz 

mit weinroter Schürze, die Kleidung der »Rössl«-Gäste 

ist zeitgemäßer: der Berliner Giesecke in schwarzer Lederjacke 

(und mit einem witzigen Auftritt als Lederhosen-Verschnitt), 

Tochter Ottilie in Sommerkleid oder Jeans 

und T-Shirt. Siedler tritt im Fahrradtour-Look auf, später 

trägt dieser schicke Anzüge (und auch mal fast gar nichts). 

Sülzheimer präsentiert sich als Modegeck in rotem Jackett 

und Anzughose (freizügiger in der Badeszene). 

Trotz klischeehaft ländlicher Idylle kommt kein 

Urlaubsgefühl auf. Und keine Spannung bei der altbekannten 

Handlung. Einzig die Szene mit heruntergefahrenem 

Baumstamm zwischen den Fabrikanten Giesecke 

und Siedler lässt erahnen, was man aus dem Stück hätte 

machen können. 

Leider überzeugt auch die Darstellung der Rollen, 

die teilweise zu sehr ins Lächerliche gerät, nicht. Winnie 

Böwe als Josepha Vogelhuber wirkt etwas jung, überzeugt 

im Schauspiel jedoch mit leicht rohem Charme, 

aber auch Sanftmütigkeit. Zahlkellner Leopold wird von 

Andreas Bieber mit Charme verkörpert. Er überzeugt, 

ob er Josepha anbetet oder sich von Herrn Dr. Siedler in 

seinen Träumen beleidigt und bedroht zeigt. Gesanglich 

bieten Bieber und Böwe die besten Leistungen. Boris 

Aljinović hat als Giesecke durch das Berlinerische und 

die typische Berliner Schnauze die Sympathien des Publikums 

zurecht schnell auf seiner Seite. 

Die restliche Besetzung wirkt eher schräg: Annemarie 

Brüntjen als Gieseckes Tochter ist ein schüchtern aufgeregtes 

Mädchen, aber ohne Charme. Weshalb sollte sie 

sich in den viel älteren und eingebildeten Dr. Siedler 

(Tonio Arango) verlieben? Und muss eine Szene einzig 

mit Penis- und Knieschonern nach der Nacht im blauen 

Zelt wirklich sein? Ebenso peinlich ist der Gag, wenn 

Ralph Morgenstern als Sülzheimer, weder schön noch 

dank schleimiger Persönlichkeit sympathisch, dem Klärchen 

seine Glatze entblößt und das Brusthaar-Toupet in 

seine Badehose steckt. Nadine Schori als Klärchen sollte 

eine Sympathieträgerin sein, stellt sich aber eher dumm 

und ihr Lispeln wird ausgereizt. Licht ins Besetzungsdunkel 

bringt Walter Kreye, der als Kaiser Franz Joseph 

gediegen und beruhigend wirkt. Angelika Milster zieht 

ihre Friedlichkeits-Nummer ab und jodelt ständig. Sie 

zeigt zwar ihre gute Stimme, aber wen singt sie mit »Eine 

Kuh so wie du« überhaupt an? Die muhenden Darsteller? 

Dem kleinen Theater fehlt der Platz für ein größeres 

Ensemble, das aber für ein Stück wie »Im weißen Rössl« 

nötig wäre, um auch kleinere Rollen zu besetzen. 

Eine optimale Besetzung, ergreifendere Personenregie 

und moderne Choreographien wären wünschenswert. 

»Im weißen Rössl« im Renaissance Theater Berlin 

ist keine Kritik an deutscher und österreichischer Kultur 

beziehungsweise Tourismus, sondern ein versuchtmodernes 

Possenspiel. 

Rosalie Rosenbusch 

Abb. links: 

Das zukünftige Traumpaar des 

»Weißen Rössl«: Josepha Vogelhuber 

(Winnie Böwe) und Leopold Brandmeyer 

(Andreas Bieber) 

Foto: Barbara Braun / drama-berlin.de 

Im weißen Rössl 

Ralph Benatzky / Robert Gilbert / 

Bruno Granichstaedten / Robert Stolz / 

Hans Müller / Erik Charell 

Renaissance Theater Berlin 


Regie ........................... Torsten Fischer 

Musik. Leitung ................. Harry Ermer 

Choreographie .... Karl Alfred Schreiner 

Ausstattung............. Herbert Schäfer & 

Vasilis Triantafillopoulos 

Kostüme ................ Bettina Gawronsky 

Maske ................. Ulrike Göbel-Linder 

Licht ............................. Gerhard Littau 

Ton & Video ......... Maximilian S. Engel 

Josepha Vogelhuber ........ Winnie Böwe 

Leopold Brandmeyer .... Andreas Bieber 

Wilhelm Giesecke / 

Stubenmädchen............ Boris Aljinović 

Ottilie / 

Stubenmädchen .... Annemarie Brüntjen 

Dr. Otto Siedler / Piccolo / 

Bräutigam....................... Tonio Arango 

Sigismund Sülzheimer / 

Kellner Franz ........ Ralph Morgenstern 

Kaiser Franz Joseph / 

Prof. Dr. Hinzelmann ......... Walter Kreye 

Klärchen / 

Stubenmädchen ............ Nadine Schori 

Briefträgerin / Fräulein Weghalter / 

Braut .......................... Angelika Milster 


17


Papa auf dem Abstellgleis: Generalüberholung 

bei Bochums »Starlight Express« 

30-jähriges Musical-Jubiläum und Premiere der neuen Version 

Abb. oben: 

›Rolling Stock‹: Bei Greaseball 

(Ben Carruthers) landet mancher Wagen 

schnell auf dem Abstellgleis – und 

trotzdem liegen dem Rock'n'Roller alle 

Damenherzen zu Füßen 

Foto: Jens Hauer 

In der 30-jährigen Erfolgsgeschichte des Bochumer 

»Starlight Express« erlebte das Musical seit der 

Deutschlandpremiere am 12. Juni 1988 schon einige 

Überarbeitungen, um nach so vielen Jahren immer 

noch modern und auf dem neuesten Stand der Technik 

zu bleiben. Mit den Jahren wurden die Kostüme von 

Electra immer imposanter, Greaseball bekam Raketenantrieb, 

Pearls rosa Haare wurden wie Zuckerwatte immer 

länger bis weit unter die Po-Linie und die Show 

wurde mit zwei Stunt-Skatern noch spektakulärer und 

rasanter. Seit 2010 führen Rollschuhbahnen direkt an 

den 360°-Panorama-Sesseln vorbei quer durchs Parkett 

und die Show wurde von der Hauptbühne weg mitten 

ins Publikum verlagert. Musikalisch mussten einige sehr 

beliebte Songs weichen und wurden durch neue ersetzt, 

zum Beispiel wechselte das Liebesduett zwischen Rusty 

und Pearl von ›Du Allein‹ zu ›Allein im Licht der Sterne‹ 

über ›Nur mit ihm‹ bis zum immer noch aktuellen Song 

›Für immer‹, den Andrew Lloyd Webbers Sohn Alastair 

2013 zum 25. Jubiläum beisteuern durfte. 

Überarbeitungen sind also nichts Neues für den betagten 

Musical-Klassiker. Im Frühjahr begann das ehemalige 

Kreativteam mit Andrew Lloyd Webber (Musik), 

Richard Stilgoe (Buch und Liedtexte), John Napier 

(Kostüme, Maske, Bühnenbild) und Arlene Phillips 

(Regie, Choreographie), das Musical komplett umzukrempeln 

und neu zu definieren. Denn im Jahr 2018 

fiel den Schöpfern des Musicals auf, dass der »Starlight 

Express« ein unzeitgemäßes Frauenbild zeichnet: Es gibt 

nur starke männliche Zugmaschinen, die den schwachen, 

weiblichen Waggons zeigen, wo es lang geht. 

Ein Waggon ohne Zug war praktisch dazu verdammt, 

nur dumm rumzustehen, ohne Ziel und Sinn im Leben. 

Textzeilen wie »Ich bin nicht G.E.K.U.P.P.E.L.T. 

– kann nicht kreisen auf den Gleisen« waren nach 30 

Dienstjahren plötzlich sexistisch und »politically incorrect«. 

Das Rollenprofil bestehender Charaktere sollte 

grundlegend überarbeitet werden und weibliche Figuren 

eine selbstbewusste und emanzipierte Stärkung erhalten. 

Mit einem Wort: Frauen sollen Züge sein und 

Männer dürfen sich als Waggons auch mal ziehen lassen! 

Soweit okay. Doch als in der Presse durchsickerte, 

dass die zentrale Rolle des »Papa« als Vaterfigur Rustys 

durch eine »Mama« ersetzt werden sollte, war die Empörung 

der eingefleischten Musical-Fans gewaltig. Egal, 

ob Männlein oder Weiblein: kein »Starlight«-Fan wollte 

auf »Papa« verzichten und Äußerungen wie »dann ist 

›Starlight‹ für mich gestorben« waren in den sozialen 

Medien an der Tagesordnung. Als verkündet wurde, 

dass weitere Rollen gestrichen werden, zweifelten die 

Fans ernsthaft daran, ob der »Starlight Express« wirklich 

noch »ihr« Musical sein würde. In der Abschiedsvorstellung 

am 13. Mai 2018 flossen zahlreiche Tränen, denn 

neben Dampflok Papa landeten Rauchwaggon Ashley, 

Buffetwagen Buffy, Electras Geldtransporter Purse und 

Waffenwaggon Krupp, die Hip-Hopper Frachtwagen, 

der Japan-Express Hashamoto und der französische 

TGV Bobo endgültig auf dem Abstellgleis. Schlechte 

Presse bekam die neue Version weiterhin durch die Verkleinerung 

des Orchesters, das von über 30 Musikern 

im Jahr 1988 über 11 Mitglieder 2013 auf jetzt 9 Live- 

Künstler rationiert wurde. Ein nach 30 Jahren gekün- 

18 



digter Trompeter wollte nun auf Keyboard umschulen. 

Das Sternenlicht in Bochum flackerte bedenklich. 

Die erste Preview der »neuen Version« war für den 

6. Juni 2018 geplant, musste aber wegen technischer Sicherheitsmängel 

kurzfristig abgesagt werden. Einen Tag 

später rollte der »Starlight Express« wieder und gleich 

hagelte es wieder Kritik bei den Fans über die stark 

vereinfachten Kostüme, insbesondere bei Electra und 

Pearl. Und was sind denn das für neue Züge? Coco, der 

schnellste Unterwasserzug der Welt mit der klassischen 

Nummer 5, dazu ein italienischer Pizza-Express und der 

Zug nach Nirgendwo – Brexit. Das sind also die innovativen 

Neuerungen? 

Die Gala-Premiere am 12. Juni 2018, exakt 30 Jahre 

nach der Deutschlandpremiere, sollte dann beweisen, 

ob der neue »Starlight Express« eine lahme Bummellok 

oder ein crazy High-Tech-Spektakel erster Klasse mit 

Pfiff sein sollte. Just in time, um 19:00 Uhr huschte 

noch medienscheu der Ehrengast, Musical-König Sir 

Andrew Lloyd Webber, über den roten Teppich, der sich 

noch Sonntagnacht bei der Tony-Verleihung in New 

York mit seinen 70 Jahren einen Ehren-Tony für sein 

Lebenswerk abholte, danach aber alle Interview-Anfragen 

sausen ließ und sofort den Flieger nach »Germany« 

bestieg, um bei seinem »neuen« Musical am Dienstagabend 

persönlich anwesend zu sein. Kaum verwunderlich 

also, dass Produzent und Geschäftsführer der 

Mehr! Entertainment Maik Klokow vor Showbeginn 

verkündete, dass die neue »Mama« Reva Rice, die erste 

Pearl am Broadway 1986, einen bedauerlichen Unfall 

während der letzten Preview-Show am Sonntag hatte, 

ihren Fuß einen Tag permanent auf Eis gekühlt hatte, 

eigentlich nicht spielen sollte, es sich aber nicht nehmen 

lasse, vor Komponist Lloyd Webber aufzutreten. Um es 

der Mama etwas einfacher zu machen, sei das Rennen 

mit ihr choreographisch etwas umgestaltet worden, um 

Reva Rice ihren Auftritt zu ermöglichen. 

Und dann startete der neue »Starlight Express« zu 

den neu eingespielten Dialogen eines kleinen Jungen, 

der von seiner Mutter ermahnt wird, die Eisenbahnen 

Abb. oben: 

Coco, der schnellste Unterwasserzug der 

Welt (Clare Maynard) mit Schlafwagen 

Belle (Rochelle Sherona) 


Mamma Mia: Alles dreht sich um Papa-Ersatz Reva Rice, die nun mit einer 

unglaublichen Soul-Stimme der neuen Rolle Mama sehr sympathisches 

Leben einhaucht 

Traumpaar des Abends bleiben auch in der neuen Fassung Erster-Klasse- 

Wagen Pearl (Georgina Hagen) und Dampflok Rusty (Blake Patrick 

Anderson) 

Bei der Neugestaltung der Kostüme musste Electra (Sjoerd van den Meer) 

die meisten Federn lassen 

Auch nicht mehr der, der er früher einmal war, ist Red Caboose (Daniel Ellison), 

der nun für seine Sabotage-Dienste Geld verlangt und deshalb wohl wie ein 

Reeperbahn-Zuhälter aussieht 

Fotos (4): Stephan Drewianka 


19



1. Sir Andrew Lloyd Webber (Komponist) 

überwachte 4 Wochen mit seinem 

Kreativ-Team die Proben für die neue 

Fassung des »Starlight Express« 

2. Da staunt der kleine »Control« (vorne 

2.v.l.) nicht schlecht: Sir Andrew Lloyd 

Webber bedankt sich nach der Premiere 

für die Spitzenleistung der Darsteller und 

seines Kreativteams 

3. Friedrich Kurz (l., mit Bruder 

Bernhard) gründete die Stella-Theater- 

Produktions-GmbH und brachte nach 

»Cats« auch den »Starlight Express« nach 

Deutschland, indem er für 24 Millionen 

Mark die »Starlight«-Halle exklusiv nur 

für das Rollschuh-Musical bauen ließ 


wegzulegen und endlich zu schlafen. »Control« beginnt 

zu träumen, die Ouvertüre in neuer Orchestrierung beginnt 

mit der weltberühmten Titelmelodie, die aber von 

den rüden Worten unterbrochen wird: »Jetzt ist Schluss 

mit dieser langweiligen Musik!« Da soll doch mal jemand 

behaupten, britische Komponisten hätten keinen 

Humor. Und schon geht es fetzig los mit der Vorstellung 

der internationalen Züge, die längst nicht mehr den 

Hauptteil des ersten Aktes einnimmt. Es stehen jetzt die 

Charaktere fokussierter im Vordergrund. 

Pearl (Georgina Hagen, die nach ihrer Ausbildung in 

London bereits von 2010-2014 zunächst Dinah, dann 

Pearl in Bochum verkörperte) kommt als Taschengeldintensiver 

Neuerwerb von »Control« neu zur bestehenden 

Zugsammlung hinzu und lernt Züge und Waggons 

kennen. Im neuen Song ›Ich bin ich‹ berichten ihre Kolleginnen 

Speisewagen Dinah (Rose Ouellette, »Mamma 

Mia!« Oberhausen, »Rocky« Stuttgart), Kofferwagen 

Carrie (Veronika Hammer, »Footloose« Darmstadt) 

und Schlafwagen Belle (Rochelle Sherona aus London 

in ihrer Debütrolle) dem Erste-Klasse-Wagen von ihrem 

Selbstvertrauen. Die Text-Zeilen der britischen Songwriterin 

Lauren Aquilina machen das neue Frauenbild 

deutlich: »Wir sind alle gleich. Uns macht keiner klein. 

Und wir woll'n nicht länger zweite Klasse sein! Wir hängen 

nicht nur an irgendeinem Typen dran. Ich bin ich! 

Und mehr brauch ich nicht. Ich kann allein die Größte 

sein!« Das hat durchaus Klasse und ist energiegeladen. 

Bemerkenswert, dass danach das handgreifliche Gerangel 

mit den Zugmaschinen glücklicherweise nicht in 

einem Geschlechter-Kampf endet. Denn Coco (Clare 

Maynard, 2013-2016 Ensemble »Starlight Express«) ist 

der weibliche französische Unterwasserzug, der unter 

dem Ärmelkanal durchfährt, während Rocky 3 (Lucy 

Glover, »We Will Rock You« Stuttgart und Berlin) als 

»Mädchen« neben den zwei anderen Rockys (Dewayne 

Adams und Garry Kessing) über den Boden wirbelt. 

Aber natürlich darf Greaseball (Ben Carruthers, »Wicked« 

UK-Tour) immer noch seine ›Pumping Iron‹- 

Muskeln spielen lassen und Electra (Sjoerd van den 

Meer, »Grease« und »Hairspray« auf Kreuzfahrtschiffen) 

seine Elektroschocks verteilen. 

Im neuen Fokus der Geschichte steht Pearl, die 

sich einen neuen Partner sucht und eigentlich die kleine 

Dampflok Rusty (Blake Patrick Anderson in seiner 

ersten Hauptrolle) wirklich »niedlich« findet, denn nur 

noch er beherrscht (heimlich) das Pfeifen einer Lok, was 

alle anderen Züge längst als völlig uncool abgelegt haben. 

Aber Pearl erkennt ihre wahre Liebe erst, nachdem 

sie sich an die anderen Mehr-Schein-Als-Sein-Möchtegern-Machos 

Greaseball und Electra angekoppelt hat. 

Zur neuen Frauenpower kann Buffy natürlich 

nicht mehr ihr ›G.E.K.U.P.P.E.L.T.‹ singen – zum alten 

Song buchstabiert sie jetzt sehr phonetisch ein 

»A.B.G.E.H.Ä.N.G.T.«. Überhaupt gibt es zahlreiche 

kleinere und größere Text-Änderungen, die aber alle 

in den neuen Stil passen und die Handlung besser und 

verständlicher herüberbringen. Apropos Textverständlichkeit: 

Beim »Starlight Express« hatte man eigentlich 

immer das Gefühl, dass selbst Deutsche mit englischem 

Akzent gesungen hätten. Auch der aktuelle Cast setzt 

sich aus vielen Darstellern zusammen, deren Mutter- 

20 



sprache nicht Deutsch ist. Dank der neuen Tonanlage, 

die mit doppelter Anzahl an Lautsprechern den Sound 

besser als früher in der Starlight-Halle verteilt, und den 

neuen Musik-Arrangements, die trotz der wenigen Musiker 

zwar immer noch recht opulent klingen, die Sänger 

aber längst nicht mehr so übertönen und erschlagen 

wie früher, ist die Verständlichkeit der Texte gestiegen. 

Auch die Kostüme stellen die Darsteller wieder mehr 

in den Vordergrund, eine Entwicklung »back to the 

roots«, die mit weniger Schminke und weniger Kostüm- 

Tamtam wahre Schauspielkunst erkennen lassen. Dem 

Schreiber gefällt der neu-alte Pearl-Look ohne rosa 

Haar-Extensions in schlichtem Erste-Klasse-Weiß mit 

blondem Pferdeschwanz sehr gut, auch wenn das Häubchen 

etwas an eine Krankenschwester erinnern mag. Red 

Caboose (Daniel Ellison) kommt mit Schlapphut nun 

etwas schleimig-schmierig rüber, da er sich aber jetzt als 

Bremswagen von den Zügen für ihre dunklen Sabotagepläne 

in den Rennen der internationalen Meisterschaft 

bezahlen lässt, steht ihm das Zuhälter-Image rollendeckend 

gut. Einzig das Kostüm von Electra erreicht nicht 

ganz die Faszination der älteren Fassung: Zwar ist sein 

Kopfschmuck inkl. Wimpern in den letzten Jahren beachtlich 

übertrieben angewachsen, aber der neue Look 

im fahlen Weiß, das zwar elektrisierend in bedrohlichem 

Rot oder fluoreszierendem Blau erstrahlen kann, irritiert 

jetzt mit einem Kopfschmuck, der einer Glasfaserlampe 

nicht unähnlich ist. Ansonsten kann man sich jedoch 

gut mit den neuen Kostümen und dem Make-up 

anfreunden. 

Sehr gelungen ist das neue Lichtdesign mit den 360° 

Projektionen, die nie die Aufmerksamkeit ablenken, die 

Starlight-Halle aber sehr authentisch beispielsweise mit 

Kränen in eine Hafen-Silhouette verwandeln können. 

Auf die Spitze getrieben mit Gänsehaut-Effekt ist die 

komplett neu gestaltete ›Starlight‹-Sequenz (übrigens wieder 

mit dem ursprünglichen Text, welcher in den letzten 

Jahren durch eine neue Übersetzung viel Charme verloren 

hatte). Die grüne Lasershow hat ausgedient, ersetzt durch 

ein goldenes Sternenleuchten inklusive Drohnen-Technologie, 

die den »Zug der Sterne« visualisieren. Zudem 

bekommt Rusty seinen ganz persönlichen »Wicked«-›Frei 

und Schwerelos‹-Effekt mit strahlendem Finale spendiert, 

das so manche Kinnlade herunterklappen lässt. 

Und was ist nun mit dem Papa? Wenn die unglaubliche 

Reva Rice mit ihrer volltönenden Soul-Stimme 

ihren ›Mamas Blues‹ anstimmt, gibt es völlig zurecht 

Standing Ovation mitten in der Show. Bei einer so intensiven 

Mama vermisst man wirklich keinen Papa. Die 

neue Version des Bochumer »Starlight Express« hat den 

Schreiber von der ersten Sekunde an gepackt und nicht 

nur ihn in einen 10-jährigen Jungen verwandelt, der mit 

seiner Modelleisenbahn spielt und für den sein Spielzeug 

menschliche Züge annimmt. Inhaltlich runder 

und moderner, präsentiert Bochum hier ein perfektes 

Musical-Spektakel, das zumindest die nächsten 20 Jahre 

noch nicht zum alten Eisen gehören sollte. »Starlight 

Express« ist ein Phänomen, das es weltweit in dieser 

Form nur im Ruhrpott gibt, denn nur hier siegt Kohle 

immer noch vor Diesel und Elektrizität! 



1. Ganz schön crazy: Rusty (Blake Patrick 

Anderson, 2.v.r.) pfeift den Waggons 

(v.l.) Belle (Rochelle Sherona), Dinah 

(Rose Ouellette) und Carrie (Veronika 

Hammer) nach 

2. Dustin (Daniel Holley, r.) staunt nicht 

schlecht, denn im neuen »Starlight 

Express« singt Reva Rice den ›Mamas 

Blues‹, Papa wurde in Rente geschickt 

Fotos (2): Jens Hauer 

3. Ein neuer Song und viele Textänderungen 

hat das Ensemble des »Starlight 

Express« lernen müssen, aber es ist noch 

›Licht am Ende des Tunnels‹ 

Foto: Stephan Drewianka 

4. Die Bühne mit dem Sternenhimmel 



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Einmal die Ostsee sehen und dann sterben … 

Deutsche Tryout-Premiere »Knockin' On Heaven's Door« an der 

Folkwang Universität der Künste in Essen 

Abb. oben: 

Ein letzter Blick auf das Meer für Martin 

(Florian Minnerop) und Rudi 

(Tomas Stitilis) 

Foto: Stephan Drewianka 

Knockin' On Heaven's Door – 

Das Rock'n Road Musical 

Alex Geringas / Joachim Schlüter / 

Chris Silber / Mirco Vogelsang / 

Gil Mehmert 

Folkwang Universität Essen in 

Kooperation mit dem 

Häbse-Theater Basel 

Pina Bausch Theater Essen 

Campus Essen-Werden 

Deutsche Tryout-Premiere: 

21. Juni 2018 

Regie .............................. Gil Mehmert 

Musik. Leitung ........ Patricia M. Martin 

Musical Supervision & 

Arrangements ................ Jürgen Grimm 

Choreographie ................. Yara Hassan 

Ausstattung ...................... Britta Tönne 

Videodesign ........ Lisa-Marie Kuntze & 

Benjamin Geipel 

Dramaturgie ......... Brigitte Schumacher 

Martin Brest ............. Florian Minnerop 

Rudi Wurlitzer ................ Tomas Stitilis 

Henk ............................. Pascal Cremer 

Abdul ............. Alejandro Nicolás Firlei 

Fernández 

Frankie ....................... Charlotte Katzer 

Frau Brest / Maitre .......... Esther Conter 

Kommissar ................ Florian Sigmund 

Barfrau / 

Krankenschwester ........... Aline Bucher 

Kellner / Autohändler ..... Nico Hartwig 

Boutique-Chefin / 

Reporterin ..................... Jessica Trocha 

Bankerin ....................... Lara Hofmann 

Bei Professor Gil Mehmert, der schon das Fußball- 

»Wunder« in Hamburg heraufbeschwor oder die 

Stiftsruine Bad Hersfeld in ein »Cabaret« verwandelte, 

sollen die Studenten der Folkwang Universität in ihren 

letzten Studienjahren im Fach Musical viel praktische 

Erfahrung auf der Bühne vor Publikum sammeln. Dabei 

setzt Mehmert in jüngster Zeit nicht mehr auf altbekannte 

Stücke, sondern versucht, neue Werke in Tryouts 

auf die Bretter zu schicken. Im letzten Jahr führten seine 

Studenten das Musical »Goethe – Auf Liebe und Tod«, 

basierend auf einem Kinofilm, auf (vgl. blimu 03-17). 

Für dieses Jahr stand der Filmklassiker »Knockin' on 

Heaven's Door« von Thomas Jahn und Til Schweiger 

aus dem Jahr 1997, der damals 3,7 Mio. Zuschauer in 

die Kinos zog, als Musicalfassung auf dem Spielplan des 

intimen Pina Bausch Theaters in Essen-Werden. 

Warum aus diesem Stoff kein Musical machen, zumal 

der Titelsong von Bob Dylan ein absoluter Welthit 

ist, der zu den meistgecoverten Songs der Welt gehört? 

Zum Kreativteam der Produktion gehörten neben Gil 

Mehmert und Grimme-Preisträger Chris Silver (»Good 

Bye Lenin«), die Buch und Libretto schrieben, die Komponisten 

Alex Geringas (15 Nr. 1 Hits, zweifacher Echo 

Gewinner) und Joachim Schlüter (dreifacher Echo-Gewinner). 

Aus der innovativen Zusammenarbeit ist ein 

Rock'n Road-Musical entstanden, das am 28. Mai 2018 

am Häbse-Theater in Basel und am 21. Juni 2018 in 

Essen als Schweizer und Deutsche-Tryout-Premiere für 

mehrere ausverkaufte Vorstellungen zu sehen war. 

Rudi Wurlitzer hat Krebs, Martin Brest einen inoperablen 

Hirntumor. Die beiden völlig unterschiedlichen 

Charaktere treffen im Krankenhaus aufeinander und begießen 

ihr Schicksal mit reichlich Tequila. Rudi gesteht 

Martin, dass er noch nie das Meer gesehen hat, und für 

Martin, der nicht im Krankenhaus »abnippeln« will, 

steht ihre Mission fest: Beide klauen in der Tiefgarage 

ein Auto und fahren los Richtung Küste. Sie überfallen 

eine Bank, da sie blank sind, ohne zu wissen, dass im 

Kofferraum 1 Million Euro von Gangster Frankie liegen. 

Schnell werden die beiden Todkranken nicht nur 

von der Polizei, sondern auch von Frankies Handlangern 

Abdul und Henk verfolgt. Nach einer Nacht im 

Luxushotel wollen sich beide einen Wunsch erfüllen. 

Martin schenkt seiner unter Demenz leidenden Mutter 

einen Wagen, der wie der von Elvis Presley aussieht, und 

Rudi wünscht sich einen flotten Dreier – ausgerechnet 

im Nachtklub von Frankie. Bevor alles im Chaos versinkt, 

löst sich die kuriose Komödie doch noch im Happy 

End am Strand der Ostsee auf, bei der beide Kranke 

ihren letzten Sonnenuntergang erleben. 

Neben den vielen rockigen Songs, die bestens unterhalten 

und unter der Leitung von Patricia M. Martin 

wummernd aus den Lautsprechern hallen, gefällt auch 

die Choreographie von Yara Hassan ausgesprochen 

gut, denn zumindest bei der Ausbildung sollen die Studenten 

des 3. und 4. Jahres nicht nur in Gesang und 

Schauspiel, sondern auch beim Tanz zeigen dürfen, was 

sie gelernt haben. Da tritt die Ausstattung von Britta 

Tönne eigentlich in den Hintergrund. Doch was hier 

mit einfachsten Mitteln gezaubert wird, hat besonderen 

Charme und Charakter. Das beginnt bei den verschiedenen 

Autos, die sich aus drei Ensemble-Mitgliedern 

pfiffig zusammenbauen lassen und so immer ein kurioses 

Eigenleben führen, und endet in einem genialen Videodesign 

(Lisa-Marie Kuntze, Benjamin Geipel), das comicartig 

gezeichnete Hintergründe für alle Lebenslagen 

bereithält, die eben auch verblüffend mit den Darstellern 

interagieren, wenn zum Beispiel Martin aus einem 

geöffneten Kühlschrank eine Flasche holt und mit lautem 

Knall die Türe zuwirft, perfekt animiert auf einer 

Leinwand. Einzelne Szenen erinnern optisch bewusst 

mit einem Augenzwinkern an andere Musicalvorbilder, 

22 



ohne sie musikalisch zu zitieren. Wenn beispielsweise im 

Restaurant unsere Helden französische Gerichte, von 

denen sie nur vage erahnen können, was sich dahinter 

versteckt (unter anderem Stierhoden), getanzt serviert 

bekommen, erwartet man fast ein ›Sei hier Gast‹ (»Die 

Schöne und das Biest«). Wenn beim Herrenausstatter 

von schwulen Schneidern das Innenmaß der Hosenbeine 

genommen wird, vermutet der Musicalbegeisterte 

›Die Rechnung zahlt die Dame‹ (»Sunset Boulevard«), 

oder wenn die Todkranken am Meer den Mond bestaunen 

›Trägt sie ihr Traum‹ (»Mamma Mia!«). 

Die gesamte Inszenierung legt den Fokus aber auf die 

zukünftigen Absolventen im Studiengang Musical und 

auch in diesem Jahr muss sich der deutsche Nachwuchs 

nicht verstecken. Florian Minnerop (Wilhelm in »Goethe 

– Auf Liebe und Tod«, Cliff in »Sunset Boulevard« 

in Dortmund) verkörpert die Rolle des lebenslustigen 

Martin mit viel Energie, schlägt aber bei seiner Mutter 

(Esther Conter) auch die leisen Töne gekonnt an. 

Seinen verklemmten Partner Rudi spielt Tomas Stitilis 

(»Der kleine Horrorladen« an der Musikschule des 

Emslandes) mit besonnener und zurückhaltender Art. 

Pascal Cremer (»Alles was zählt«, »Wahnsinn!« in Duisburg) 

als ständig verletzter Möchtegern-Schmalspurgangster 

Henk harmoniert im Duo mit seinem typisch 

türkischen Proll-Partner Abdul, perfekt umgesetzt von 

Alejandro Nicolás Firlei Fernández. Boss der beiden ist 

Frankie, interpretiert als Kill Bill-Verschnitt mit Augenklappe 

und Samurai-Schwert von der phantastischen 

Charlotte Katzer (»Superhero« in Wiesbaden, Pop-Oratorium 

»Luther«). In weiteren Rollen vom Kommissar 

über Krankenschwester, Reporter, Autohändler bis zu 

Barfrauen und Kellnern sind Florian Sigmund, Aline 

Bucher, Nico Hartwig, Jessica Trocha und Lara Hofmann 

zu bestaunen. 

Auch wenn »Knockin' on Heaven's Door« hauptsächlich 

mit leichtem Humor und vermeintlich wenig 

Tiefgang daher poltert, wird doch eine ergreifende Geschichte 

über wahre Freundschaft und den Mut zum 

Leben erzählt, die in einigen Szenen wirklich zu berühren 

vermag. Fast befremdlich, dass der englische Welthit 

am Ende der Show der musikalisch schwächste Titel des 

Musicals ist – zugleich ein Kompliment für die Komponisten. 

Wie es nach diesen Tryouts weitergeht, steht 

wohl noch in den Sternen, laut Musikverlag soll 2019 

die offizielle Weltpremiere stattfinden. Ob diese dann 

noch den unvergleichlichen Charme dieser Studentenaufführung 

haben wird? 



1. Gangsterbraut Frankie (Charlotte 

Katzer) schwingt das Samurai-Schwert 

wie in »Kill Bill« 

2. Die ewigen Verlierer Abdul (Alejandro 

Nicolás Firlei Fernández, hinten Mitte l.) 

und Henk (Pascal Cremer, hinten Mitte r.) 

landen mit dem zurückgeklauten Auto 

prompt in einer Polizeikontrolle 

3. Es wird gegessen, was auf den Tisch 

kommt, oder? Rudi (Tomas Stitilis) schlägt 

mal lieber im Französisch-Wörterbuch 

nach, was da auf den Tellern liegt 

4. Ein pinkfarbener Cadillac und ein 

Elvis-Song lassen die demente Mutter 

Brest (Esther Conter, 2. Reihe l.) für einen 

Augenblick ihren Sohn Martin (Florian 

Minnerop, 2. Reihe r.) erkennen 



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Vergangenheitsbewältigung mal anders 

»Nimmerwiedermehr« als Uraufführung in der St. Thomas Kirche 


Abb. oben: 

Die kleine Anna (Svea) erzählt zu Anfang 

des Musicals ihre Geschichte und leitet 

somit in die Thematik ein 

Foto: Felix Amsel 

Nimmerwiedermehr – 

Das Kinderkrankenhaus 

von Rothenburgsort 

Mario Stork / Dirk Schattner 

Skycradle 

Kirche St. Thomas 



Regie ......................... Agnes Oberauer 

Musikalische Leitung ......... Mario Stork 

Ausstattung ..... Julia Bührle-Nowikowa 

Anna als Studentin ........... Merle Hoch 

Andreas, Student ........ André Haedicke 

Frida ....................... Michaela Schober 

Herma, Mutter von Andreas ................. 

Annika Bruhns 

Siegfried, Vater von Andrea .................. 

Georg Münzel 

Eva, Krankenschwester ...... Laura Saleh 

Anna als Kind ... Svea (in der Premiere) 

Das Musical »Nimmerwiedermehr« von Mario Stork 

(Musik) und Dirk Schattner (Buch und Liedtexte) 

basiert auf wahren Begebenheiten, welche sich im Kinderkrankenhaus 

Hamburg - Rothenburgsort in der 

Zeit des Nationalsozialismus zwischen 1940 und 1945 

zugetragen haben. Hierbei wurden Kinder mit Behinderungen 

ermordet, was man damals »Vernichtung lebensunwerten 

Lebens« nannte. Personen und konkrete 

Handlung sind aber Fiktion. 

Der Spielort wurde bewusst ausgesucht, da die 

St. Thomas Kirche in Rothenburgsort eine Tochter der 

St. Nicolai Kirche im Nachbarort Moorfleet ist. Sie wurde 

1885 begründet und im großen Feuersturm von Hamburg 

im Jahre 1943 größtenteils zerstört. 1952 wurde 

der Wiederaufbau beschlossen, woraufhin sie 1957 neu 

eröffnet wurde. 

Durch ihre Nähe zum Ort der Geschehnisse von 

damals ist sie der perfekte Spielort für dieses Musical, 

das am 30. Juni 2018 hier seine Uraufführung im Rahmen 

der ersten Rothenburgsorter Kulturwoche feierte. 

Von Beginn an lässt sich erahnen, welche düsteren und 

schrecklichen Ereignisse sich in diesem Kinderkrankenhaus 

zugetragen haben müssen. 

»Aus so einem Stoff kann man doch kein Musical 

machen«, mit dieser Aussage wurden Dirk Schattner 

und Mario Stork häufiger konfrontiert, doch als sie im 

November 2017 die Readingfassung vorstellten, stand 

schnell fest: »Man kann nicht nur, man muss!« Gerade 

weil das Musical das wahrscheinlich lebendigste Musiktheatergenre 

ist, weil es eine Form ist, die die Menschen 

anspricht, und weil es vor allem in Inhalt und Musikstil 

die ganze Bandbreite von Klassik bis Rock, von leichtfüßiger 

Komödie bis zum Drama abdecken kann. 

Das Stück wird in 2 Zeitebenen gespielt: In den 

1940er Jahren erlebt die kleine Anna (Svea) in einem 

Bunker nahe Rothenburgsort den großen Feuersturm 

auf Hamburg (27./28. Juli 1943). Sie befindet sich zu 

der Zeit in besagtem Kinderkrankenhaus und fürchtet 

sich sehr, insbesondere da so viele Kinder nach der Verabreichung 

eines Medikamentes sterben. Sie selbst ist 

zwar nicht krank, aber ihre Mutter hat sie zur Adoption 

freigegeben. Glücklicherweise wird sie von der Krankenschwester 

Eva (Laura Saleh) gerettet. Diese Krankenschwester 

hat im Verlauf der Zeit von jedem Kind 

in der Nacht vor der Ermordung einen farbigen Fußabdruck 

genommen und hütet diese als Erinnerung an die 

Kinder wie einen Schatz. Doch die seelische Belastung 

wird ihr zu viel und sie rettet die kleine Anna. 

In der Premiere wird die kleine Anna von Svea dargestellt, 

die mit ihrem schauspielerischen Talent und 

ihrem Ausdruck das kleine Mädchen so gut verkörpert, 

dass im Publikum die ersten Tränen fließen. Zugleich 

erleichtert sie den Einstieg in die Geschichte. 

Dann wechselt die Zeit und wir befinden uns in den 

1960er Jahren: Anna ist mittlerweile eine Studentin und 

recherchiert die wahre Geschichte des Kinderkrankenhauses 

in Rothenburgsort, ohne zu ahnen, dass Frida 

(Michaela Schober) ihre Tochter seit ca. 1955 sucht. Hierbei 

spielt Michaela Schober die Mutter Frida mit so einer 

herausragenden Klasse und identifiziert sich so stark 

mit der Rolle, dass ihr während des Stückes selbst die 

Tränen kommen. Verkörpert wird die Studentin Anna 

von Merle Hoch. Gestik und Mimik sind von solch einer 

Brillanz, dass jeder im Publikum die Schmerzen und 

Ängste der Kinder versteht. 

Während Anna recherchiert, lernt sie einen jungen 

Mann kennen (Andreas), dessen Schwester Marie in 

dem Krankenhaus während des Krieges gestorben ist. 

Andreas wird hier von André Haedicke dargestellt. Eine 

bessere Besetzung hätte man sich nicht wünschen können, 

sagenhaft gut in Stimme und Schauspiel, durchlebt 

man im ganzen Stück Andreas' Schmerz und das Leid. 

24 



Die Leichtigkeit, mit der Haedicke das schwere Thema 

auf die Bühne bringt, ist einfach nur phantastisch. 

Andreas' Eltern werden von Annika Bruhns und Georg 

Münzel gespielt, die in ihrem perfekten Zusammenspiel 

und einer unglaublichen Hingabe in Ausdruck und 

Gesang die wohl stärkste Leistung des Abends zeigen. 

Andreas und Anna verlieben sich ineinander und 

Anna hilft Andreas schließlich dabei, das zerrüttete 

Verhältnis zu seinen Eltern, denen er den Tod seiner 

Schwester vorwirft, zu verbessern. 

Durch die Geschichten über die Kindermorde setzt 

bei Anna eine starke Leidenschaft für dieses Thema 

ein. In ihrem Drang, mehr über sie herauszufinden, 

trifft sie auf Menschen, die persönliche Erinnerungen, 

Erfahrungen und Schuld mit sich tragen, und bringt 

diese dazu, sich nach langer Zeit mit dieser Geschichte 

auseinanderzusetzen. 

Schließlich begegnen sich Anna und Frida zum ersten 

Mal. Fast zeitgleich dazu sucht die ehemalige Stationsschwester 

Eva das Gespräch mit Frida, um Abbitte 

dafür zu leisten, dass sie das Geschehen im Krankenhaus 

zugelassen hat. Sie erzählt, dass nur ein Kind mit 

dem Namen »Anna« gerettet wurde – genau in diesem 

Moment setzt sich bei Frida wie auch beim Publikum 

der Gedanke fest, es könnte sich bei Anna um die verlorene 

Tochter handeln. 

Als die Studentin Anna einen Vortrag hält, stürmt 

Frida auf das Podium und schreit ihr schlechtes Gewissen 

in alle Welt hinaus. Dem gesamten Publikum 

stockte an der Premiere hier der Atem! 

Im Vortragssaal treffen nun alle aufeinander, und 

Anna muss Frida die falsche Hoffnung auf ein Happy 

End nehmen, das diese sich erträumt hatte. Anna ist 

leider nicht ihre verlorene Tochter. 

Die Lieder sind so gut abgestimmt, melodisch und 

einfühlsam, dass spürbar wird, mit welcher Genauigkeit 

und Hingabe an das Thema und an die Songs 

herangegangen wurde. Die Umsetzung der Musik übernimmt 

eine 5-köpfige erprobte Live-Band (Cello: Astrid 

Nägele, Gitarre: Hannes Kühn, Bass: Christian 

Niehues, Drums & Percussion: Matthias Plewak) unter 

Leitung des Komponisten Mario Stork am Piano. 

Als Bühne dient der Altar der Kirche und die Darsteller 

sind in graue Lumpen gehüllt, beschmutzte Gesichter 

und der durchzuckende Schmerz der Erinnerung 

lässt die Zuschauer erschaudern. Im 2. Akt wird die 

Geschichte weiter erzählt und dazu werden auf einer 

Folienwand im Hintergrund einige Namen von den 

damals ermordeten Kindern projiziert: Einige von 

ihnen sind nicht einmal 2 Monate alt geworden, andere 

4-5 Jahre. Zurückhaltend eingesetzte Lichttechnik 

unterstreicht die Stimmung und lenkt die Aufmerksamkeit 

der Zuschauer auf die Darsteller. Diesen gelingt 

es, das Publikum in ihren Bann zu ziehen und 

die Tragik dieses schweren Stoffes zu vermitteln. Das 

Musical rüttelt wach, regt einen über Tage zum Nachdenken 

an und offenbart einmal mehr, dass es im Krieg 

noch viel mehr Schreckliches gab als die Judenverfolgung. 

Insgesamt ist »Nimmerwiedermehr« ein gelungenes 

Musical, was sich an Hand von einem regionalen Beispiel 

mit einer sehr schweren Thematik beschäftigt. Es ist ohne 

Zweifel empfehlenswert und trägt zur Weiterbildung bei. 

Sven Petersen 


1. Erinnerungsbewältigung, Siegfried 

(Georg Münzel, 4.v.l.) verbrennt das Foto 

seiner verstorbenen Tochter Marie 

2. Trübsinn und Schockzustand, die Vermischung 

von Gefühlen und Erlebtem – 

(v.l.): Studentin Anna (Merle Hoch), Frida 

(Michaela Schober), Andreas 

(André Haedicke), Eva (Laura Saleh), 

Herma (Annika Bruhns) 

3. Erkennen und verlieben! Zwei Menschen 

mit gleicher Geschichte: Andreas 

(André Haedicke) und die erwachsene 

Anna (Merle Hoch) 

4. Erlebnisse verarbeiten, ›Die Kälte der 

Gefühle‹ – (v.l.): Frida (Michaela Schober), 

Herma (Annika Bruhns), erwachsene 

Anna (Merle Hoch), Astrid Naegele 

(Cello), Siegfried (Georg Münzel), Andreas 

(André Haedicke), Hannes Kühn (Gitarre) 

Fotos (4): Felix Amsel 


25


Zwei verschiedene Welten 

Uraufführung von 

»Nisha« in Cadolzburg 

Nisha 

Matthias Lange / Fritz Stiegler 

Cadolzburger Burgfestspiele 

Vorhof der Cadolzburg 


Regie ............................. Jan Burdinski 

Musik. Leitung ............ Matthias Lange 

Choreographie ............ Kathleen Bengs 

Ausstattung .................. Karin E. Pollak 

Nisha ........ Romina Satiro / Lea Weber 

Mahmud ...................... Janos Schäfer / 

Martin Würflein 

Vater ........................ Bernhard Pfister / 

Manuel Unterburger 

Mutter ........................ Martina Pfister / 

Christine Schäfer 

Sohn Tarek .............. Sander Gößelein / 

Lukas Pfister 

Sittenwächter ................ Klaus Kinzel / 

Horst Mayer 

Oma ................... Carola Hesselberger 

Pamira ............. Jana König / Pia Köhler 

Camilla ...... Laura-Maria Wesolowski / 

Sina Vogt 

Achim ................ Heiko Winkelmann / 

Andreas Fingerhut 

Fabian ..... Simon Zange / Tom Sadurski 

Doktor Holger ............ Thomas Dröge / 

Siegfried Hornberger 

Ludwig Kienzle ......... Jürgen Sadurski / 

Helmut Köhler 

Michelle Kienzle .... Yvonne Fingerhut / 

Petra Kierner 

Frau Treuheit ............. Nadine Fischer / 

Erika Ruff / Sarah Tordai 

Bräutigam .................... Michael Leicht 

Kletterer ............. Alexander Gößelein / 

Norman Huber 

Erwachsenen-Ensemble: 

Eva Augustin, Hildegard Besendörfer, 

Barbara David-Kollek, Katrin Dröge, 

Françoise Eberlein, Ella Gößelein, 

Manuela Köhler, Manfred Ochsner, 

Heidi & Günter Oellerich, Heike Raith, 

Ladi Sadurski, Ursula & 

Michael Zeilinger, Gerhard Zucker 

Kinder-Ensemble: 

Nike Alt, Helena Arslan, Jonathan 

Bengs, Felina Fischer, Rosa Gößelein, 

Agnes & Clara Lengenfeld, Anna & 

Maja Pförtner, Jakob Rausch, Ben 

Sadurski, Sina Schäfer 

Der Vater (Bernhard Pfister, l.) und die Mutter (Martina Pfister, 2.v.l.) von Nisha (Romina Satiro, r.) diskutieren mit der Oma 

(Carola Hesselberger) 

Foto: Matthias Schäfer 

Im Jahr 2007 wurde der Markt Cadolzburg im Landkreis 

Fürth 850 Jahre alt. Im Rahmen der Feierlichkeiten 

wurde das im Mittelalter spielende Musical »Magdalena« 

im Vorhof des Schlosses Cadolzburg uraufgeführt. 

Das Buch schrieb Fritz Stiegler, während Rainer Gasser 

die Musik komponierte. Wegen des großen Erfolgs entschied 

man sich, auf der Musical-Schiene weiterzufahren. 

2008 wurde der Verein Cadolzburger Burgfestspiele 

gegründet. Zwei Jahre später erlebte das Musical »Die 

weiße Witwe« seine Uraufführung und wurde 2012 

wieder aufgenommen. Stiegler verfasste das Buch und 

Matthias Lange schrieb die Musik. Beide erschufen alle 

weiteren Musicals des Vereins. 

2013 handelte »Aeronauticus« vom fränkischen 

Flugpionier Gustav Weisskopf, 2014 spielte die Truppe 

in der Komödie Fürth »Fränkische Weihnacht«. Der 

größte Erfolg des Amateurvereins folgte 2015 mit »Mademoiselle 

Marie«. Etwa 20.000 Zuschauer sahen die 

Show, ein Jahr später wurde das Musical sogar verfilmt. 

Das Team um Präsident Thomas Dröge hat sich zum 

zehnten Geburtstag ein Musical zum Thema Menschenrechte 

ausgesucht: »Nisha«. Schirmherrin der Festspiele 

ist Maede Soltani, die Tochter von Abdolfattah Soltani, 

einem iranischen Anwalt, der sich für die Menschenrechte 

einsetzt. Er wurde 2009 mit dem Internationalen 

Nürnberger Menschenrechtspreis ausgezeichnet, 2012 

jedoch im Iran zu 13 Jahren Haft verurteilt. Zur Premiere 

war auch die Friedens-Nobelpreisträgerin des Jahres 

2003, Shirin Ebadi, eingeladen. 

»Nisha« spielt in zwei verschiedenen Welten – einmal 

in der westlichen Welt, in der das Geld regiert, und 

andererseits in Afrika (es könnte auch Asien sein), wo 

den Menschen das Elementarste für ein normales Leben 

fehlt. Die Bewohner eines Dorfes hoffen auf Regen. Der 

Sittenwächter (Klaus Kinzel) gibt dem Mädchen Nisha 

(Romina Satiro) die Schuld am ausbleibenden Nass, da 

sie sich mit Mahmud (Janos Schäfer) abgibt, der von der 

Gemeinde gemieden wird. Die Frauen des Dorfes, unter 

anderem auch Nishas Mutter (Martina Pfister), wollen 

einen Brunnen, damit sie nicht ständig den beschwerlichen 

und langen Weg zum Wasserloch gehen müssen. 

Die Männer wollen jedoch nichts davon wissen, so auch 

Nishas Vater (Bernhard Pfister). 

Im Westen bereiten die betuchten Bürger Camilla 

(Laura-Maria Wesolowski) und Achim Guggenberger 

(Heiko Winkelmann) eine Geburtstagsparty vor. Zu 

den Gästen gehört der Rennstallbesitzer Ludwig Kienzle 

(Jürgen Sadurski). Er plant eine Rallye nach Timbuktu, 

und um dem Ganzen einen ökologischen Touch zu verleihen, 

sollen die Rennwagen mit Treibstoff aus Palmöl 

fahren. Der Sohn der Guggenbergers, Fabian (Simon 

Zange), langweilt sich schrecklich auf der Party und 

feiert danach mit seinen Freunden. Nachdem sie sich 

betrunken haben, bleibt Fabian zurück und regungslos 

am Boden liegen. Die Polizei findet ihn, er wird ins 

Krankenhaus transportiert. 

Währenddessen zieht Nisha sich mit ihren Freundinnen 

in ein geheimes Versteck zurück. Sie hat auf der 

Mülldeponie Comics und Bücher wie »Anna Karenina« 

gefunden und sich selbst das Lesen beigebracht. Ihre 

Freundinnen wollen auch Lesen lernen. Als Mahmud 

ihren Unterschlupf entdeckt, hören sie zusammen mit 

ihm Rapmusik aus seinem selbstgebastelten CD-Spieler. 

Nishas Vater schenkt seinem Sohn Tarek (Sander Gößelein) 

einen Laptop. Via Internet soll er nach Lösungen 

für die schwierige finanzielle Situation suchen. Im Netz 

wird der Anbau von Palmölpflanzen gepriesen. Der 

schnelle Reichtum spukt nun in den Köpfen der Einwohner 

herum, auch Nishas Vater kauft solche Pflanzen, 

die aber ohne Wasser nicht gedeihen. Nisha muss 

26 



wieder als Sündenbock für den ausbleibenden Regen 

herhalten. Sie wird gezwungen, das Dorf zu verlassen, 

und wird in der Stadt an ein Bordell verkauft, aus dem 

sie aber fliehen kann. 

Derweil erfahren Camilla und Achim von Doktor 

Holger (Thomas Dröge), dass Fabian herzkrank ist und 

dringend ein neues Herz braucht, aber selbst das Geld 

des Vaters kann die Suche nicht beschleunigen. 

Nisha trifft Mahmud, der sie anfleht, mit ihm zu 

fliehen. Sie will jedoch bleiben und ihren Wunsch, eine 

Schule zu errichten, verwirklichen. Das Dorf gaukelt 

Nisha zum Schein die Möglichkeit einer Hochzeit mit 

Mahmud vor, aber in Wahrheit ist das ein Trick, um sie 

mit einem Alten (Michael Leicht) zu vermählen. Nisha 

weigert sich vehement, bis der alte Mann von seinem 

Vorhaben absieht. Der Sittenwächter erzählt dem Vater 

des Mädchens vom schnellen Geld mit Organhandel. Um 

ihre Geschwister und ihre Eltern nicht weiter zu gefährden, 

geht Nisha ahnungslos mit ins »Haus der Kranken«. 

In Europa erzählt Ludwig Kienzle seinem Geschäftspartner 

Achim von der Möglichkeit, auf illegalem Weg 

schnell ein Spenderherz zu finden. Die Guggenbergers 

fliegen mit Fabian nach Afrika, wo Nisha im »Haus der 

Kranken« auf die Operation vorbereitet wird. Zur gleichen 

Zeit stürzt ein Kletterer (Alexander Gößelein) sich 

zu Tode. Seine Werte sind identisch mit denen von Fabian. 

In allerletzter Sekunde kann Camilla die Operation 

verhindern und Nishas Leben retten. Sie kehrt in ihr 

Dorf zurück und träumt ihren Traum von einer Schule 

weiter. So endet Nishas Geschichte. 

Dem Cadolzburger Verein muss man seine guten 

Absichten anrechnen, sich für Toleranz und das Recht 

auf Bildung besonders in Drittweltländern einzusetzen. 

Doch diese Geschichte beinhaltet etliche unausgereifte 

Ideen. Einem erfahrenen Regisseur wie Jan Burdinski 

hätten diese Ungereimtheiten auffallen müssen. Es 

scheint selbstverständlich, dass man in Afrika überall Internet 

empfängt oder der verschuldete Vater ohne Weiteres einen 

Laptop kaufen kann, dessen Bedienung sein Sohn problemlos 

beherrscht. Der reiche Europäer hat Vorrang bis 

auf die Tatsache, dass man einem Schwerkranken keinen 

stundenlangen Transport zumuten kann, und dann noch 

binnen kurzer Zeit die Rückreise. Dass das Ensemble nicht 

unbedingt wie die minderbemittelten Bewohner eines 

afrikanischen Dorfes aussieht und im fränkischen Dialekt 

redet, ist in dieser Hinsicht noch das geringste Problem. 

Die Musik von Matthias Lange klingt dagegen äußerst 

einnehmend, speziell die Lieder ›Wie eine Blume‹, 

›7000 Liter Blut‹, ›Das Paradies‹ und ›Ein Lehrer, ein 

Kind und sein Buch‹ gefallen, ebenso wie der instrumentale 

Titel ›Tango‹. 

Alle Beteiligten spielen mit Begeisterung und tanzen 

mit Energie die Choreographien von Kathleen Bengs. 

Romina Satiro hat eine angenehme Stimme und kann 

auch als Schauspielerin überzeugen. Aus dem restlichen 

Ensemble stechen hervor: Laura-Maria Wesolowski als 

Camilla, die mit dem Lied ›Nun sehe ich das eig'ne 

Kind‹ überzeugt, Bernhard Pfister (Nishas Vater) und 

Jana König als Nishas Schwester Pamira, die im Duett 

›Das Paradies‹ stimmlich überrascht. Musik, Gesang 

und Schauspiel retten somit das Musical über eine Geschichte 

mit Tücken und Lücken hinweg. 

Christian Spielmann 


1. Nisha (Romina Satiro) und Mahmud 

(Janos Schäfer) 

2. Camilla (Laura-Maria Wesolowski) 

und Achim Guggenberger (Heiko Winkelmann) 

3. Die Jugend (Ensemble) amüsiert sich 

im Haus der Guggenbergers 

4. Das Internet scheint das Allheilmittel 

zu sein, selbst in Afrika 

Fotos (4): Matthias Schäfer 


27


Kampf einer Frau um Wissen 

»Die Päpstin« 2018 beim Musicalsommer Fulda 

Abb.oben: 

Johanna (Sabrina Weckerlin) wird zum 

Papst ernannt 

Foto: Christian Tech 

Die Päpstin 

Dennis Martin / Christoph Jilo / 

Peter Scholz / Björn Herrmann 

Musicalsommer Fulda 

Schlosstheater 


Regie ..... Stanislav Moša & Christoph Jilo 

Musikalische Leitung ........ Peter Scholz 

Musikproduktion ...... Johannes Lowien 

Choreographie .................. Julia Poulet 

Bühnenbild ............. Christoph Weyers 

Kostüme & Maske .... Andrea Kučerová 

Lichtdesign .................... David Kachlíř 

Johanna ................. Sabrina Weckerlin 

Gerold .......................... Mark Seibert / 

Dennis Henschel 

Anastasius ................. Christian Schöne 

Aeskulapius ........ Reinhard Brussmann 

Arsenius / Ratgar ........ Daniele Nonnis 

Vater / Papst Sergius.... Sebastian Lohse 

Fulgentius / Rabanus ...... Lutz Standop 

Gudrun / Marioza ......... Anke Fiedler / 

Larissa Windegger 

Lothar ............................... Olaf Meyer 

Richild ................... Larissa Windegger 

Kleine Johanna ............. Alicia Hohmann 

(bes. Vorst.) 

Kleiner Johannes .......... Joshua Pfahls ( 

bes. Vorst.) 


Jörg Alt, Michael Beck, Thomas Christ, 

Giulia Fabris, Farid Halim, Sascha 

Laue, Kristian Lucas, Denise Obedekah, 

Torsten Paul, Katharina Peregudov, 

Stephan R. Przywara, Sharon Rupa, 

Martin Ruppel, Jenny Schlensker, 

Doreen Sommer, Nicole Sydow, 

Michelle Tönnies, Andrea Viggiano, 

Julia Vilmar, Chadi Yacoub, 

Caroline Zins 

Mit Spannung wurde die Wiederaufnahme des Musicals 

»Die Päpstin« erwartet, denn bekanntlich 

tragen Neuauflagen eines Stücks nicht immer zur Verbesserung 

bei. Doch in diesem Fall ist es durch viele Änderungen 

Spotlight-Musicals absolut gelungen, »Die Päpstin« 

emotionaler, spannender und interessanter zu machen. 

Die Geschichte des Mädchens Johanna beginnt 814 

(laut dem Buch von Donna Woolfolk Cross) in Ingelheim 

am Rhein, wo sie als Tochter des Dorfpriesters geboren 

wird. Der Vater, der sich einen Jungen gewünscht 

hat, verachtet Mädchen und Frauen. Sie sind nur dazu 

da, den Männern zu gehorchen. Bildung ist ihnen strengstens 

untersagt. 

Johannas Mutter Gudrun glaubt jedoch noch an die 

alten Götter und lehrt Johanna den Rabenzauber. Johanna 

ist intelligent, wissbegierig und gerät ständig in 

Konflikte. Nicht nur, dass sie zwischen dem heidnischen 

Glauben der Mutter und dem unerbittlichen »christlichen« 

Glauben des Vaters hinund hergerissen ist, ist 

ihr doch auch Lernen, Lesen und Schreiben strengstens 

verboten. Ihr Bruder Johannes ist das absolute Gegenteil, 

träumt nur vom Kämpfen und hält nichts vom Lernen. 

Als der Gelehrte Aeskulapius in Ingelheim vorbeikommt, 

um den Sohn des Dorfpriesters mit an die Scola 

nach Dorstadt zu nehmen, erkennt er schnell, dass in 

Johanna ein großes Potential steckt, und so macht er zur 

Bedingung, den Sohn nur mitzunehmen, wenn auch die 

Tochter gehen darf. Da der Vater dies niemals erlauben 

würde, flüchten die beiden Kinder in der Nacht alleine 

zu dem Treffpunkt, den Aeskulapius mit dem Vater ausgemacht 

hatte. 

Auch in der Scola sind die Jungen alle auf das Mädchen 

eifersüchtig und sie leidet. Einziger Halt ist ihr 

Mentor Markgraf Gerold, in den sie sich auch verliebt. 

Doch als dieser an den Hof des Kaisers nach Aachen 

gerufen wird, will die eifersüchtige Ehefrau von Gerold 

Johanna zwangsverheiraten. 

Die Rettung für Johanna ist der blutige Überfall der 

Normannen, bei denen alle sterben, auch ihr Bruder. 

Sie wird geschützt durch die beiden Raben, die ihre 

Schwingen über sie halten. In ihrer Verzweiflung nimmt 

Johanna die Identität ihres Bruders an und wird zu einem 

gefragten Heiler. 

Jahre später und nach vielen Irrungen und Wirrungen 

trifft sie ihre große Liebe Gerold in Rom wieder. 

Doch das Schicksal meint es nicht gut mit beiden. Nach 

dem Tod des Papstes landet Johanna zunächst im Gefängnis, 

doch zu ihrer und aller Überraschung wird sie 

vom Volk zum Papst gewählt. 

In dieser Rolle gelingt es ihr, viel Gutes zu tun, doch 

damit macht sie sich auch viele einflussreiche Feinde. Besonders 

Anastasius, der selbst Papst werden will, und sein 

Vater Arsenius, die schon den vorherigen Papst ermorden 

ließen, sind erbitterte Feinde des neuen Papstes. Und so 

endet auch Johannas Geschichte auf der Bühne tragisch. 

»Die Päpstin« überrascht 2018 mit vielen Änderungen 

sowohl im Bühnenbild als auch in den Texten und 

der Musik, die neu von dem Tschechischen National 

Symphony Orchester eingespielt wurde. So wurden 

einige Lieder, wie zum Beispiel ›Rom‹, ›Wechselbalg‹, 

›Marktplatz von St. Denis‹ und ›Caesarin von Rom‹ gekürzt. 

Viele der Choreographien von Julia Poulet wurden 

ebenfalls verändert. 

Insgesamt wirkt das Bühnenbild ein bisschen düsterer, 

der damaligen Zeit angepasst. Auch wurden einige 

Szenen umgestellt, wodurch der erste Akt etwas länger 

geworden ist und im Kloster Fulda mit einer neu hinzu 

gekommenen Szene endet. Diese Szene ist besonders beeindruckend, 

aber auch erschreckend. Denn Abt Ratgar 

lässt die Bücher, die Johanna kopiert hat, verbrennen 

und Prior Rabanus, der die Schuld dafür auf sich genommen 

hat, auspeitschen. Diese Szene, mit viel Feuer 

28 



auf der Bühne, macht deutlich, wie Furcht und Gewalt 

dieses Jahrhundert dominieren. 

Ein bisschen lustiger beginnt der zweite Teil mit 

›Rom‹ und einer singenden Säule, die protestiert, als 

man sie aus dem Bild schiebt. Eine weitere beeindruckende 

Projektion findet sich in der Szene ›Traum ohne 

Anfang und Ende‹, die ein Schlachtfeld darstellt. Die rollbaren 

Projektionsleinwände, die hier zum Einsatz kommen, 

sind eine Eigenentwicklung von Spotlight Musicals. 

Optisch deutlich verändert sind die beiden Raben 

Hugin und Munin, Götterboten und Beschützer von 

Johanna. Ihre Flügel haben einiges an Spannweite zugelegt. 

Trotz ihres dunklen, bedrohlichen Aussehens 

spielen sie mit Johanna und sind ihre Beschützer. Damit 

gewinnt der ›Rabenzauber‹, den Johanna von ihrer heidnischen 

Mutter gelernt hat, an neuer Bedeutung. Die 

Raben beschützen Johanna immer, wenn Gefahr droht, 

sei es durch den gewalttätigen Vater, beim Überfall der 

Normannen usw. Und als Johanna schließlich stirbt, 

sterben auch sie. 

Die eindrucksvolle Wirkung der »neuen« Päpstin 

liegt nicht zuletzt auch an den Darstellern, die sowohl 

stimmlich als auch schauspielerisch mitreißend spielen. 

Allen voran Sabrina Weckerlin, die die Rolle der Päpstin 

schon bei der Uraufführung am 3. Juni 2011 verkörperte. 

Sabrina Weckerlin ist, genau wie das ganze Stück, 

gereift und in die Rolle hineingewachsen. Sie berührt die 

Herzen mit ihrem Spiel und ist stimmlich absolut umwerfend. 

An ihrer Seite als Gerold ist Publikumsliebling 

Mark Seibert. Insgesamt überzeugend, bildet das Duett 

›Wehrlos‹ mit Sabrina Weckerlin ein absolutes Highlight. 

In der Rolle des Aeskulapius steht Reinhard Brussmann 

(auch Ibn Sina in »Der Medicus« und 2019 Titelrolle 

in »Bonifatius«) auf der Bühne. Sein schöner Bariton 

und seine Bühnenpräsenz sind ein wahrer Ruhepol auf 

der Bühne. 

Als »Parasiten der Macht« ist neben Christian Schöne 

als sehr überzeugender Anastasius auch Daniele Nonnis 

als Arsenius zu sehen. Daniele Nonnis steht zum ersten 

Mal in Fulda auf der Bühne und dies gleich noch in 

einer weiteren, neu geschaffenen Rolle, dem unerbittlichen 

Abt Ratgar. 

Auch Anke Fiedler als Mutter Gudrun und Marioza 

(die Caesarin von Rom) ist zum ersten Mal in Fulda zu 

sehen. Sie ist für die kleine Johanna, gespielt von Alicia 

Hohmann, und Johannes (Joshua Pfahls) eine wundervoll 

einfühlsame Mutter. Gerade die beiden Kinder sind in 

ihrer Rolle wirklich großartig. Denn insbesondere die Rolle 

der kleinen Johanna hat schwierige Texte und Szenen. 

Besonders im Zusammenspiel mit dem herrischen 

Vater, gespielt von Sebastian Lohse, gibt es auch durchaus 

gewalttätige Szenen, die für ein Kind sicher nicht 

ganz einfach zu spielen sind. 

Besonders erwähnenswert ist auch Lutz Standop, der 

zum »Stammpersonal« in Fulda gehört, in der Rolle des 

Priors Rabanus. Die Figur wurde verjüngt und besitzt 

nicht mehr die Macht, Johanna vor der Gefahr, die ihr 

im Kloster durch die falsche Identität droht, zu behüten. 

Sein Lied ›Hinter hohen Klostermauern‹ berührt, 

auch wenn sich viele an Dietmar Ziegler erinnern werden, 

der leider nicht mehr unter uns weilt. Insgesamt 

umfasst das Ensemble noch weitere 18 Personen und ist 

damit wirklich keine kleine Produktion. 

»Die Päpstin« 2018 ist jung und frisch wie bei der 

Erstaufführung vor 7 Jahren. Man darf den Machern 

von Spotlight Musicals, Dennis Martin und Peter 

Scholz, nur zu dieser großartigen Neuinszenierung 

gratulieren. Auch das Premierenpublikum am 15. Juni 

2018 bewies mit tosendem Applaus und Standing Ovations 

seine Begeisterung. 

Ingrid Kernbach 


1. Gerold (Mark Seibert) erklärt Johanna 

(Sabrina Weckerlin) in ›Wehrlos‹ 

seine Liebe 

2. Immer an Johannas (Sabrina Weckerlin) 

Seite: Aeskulapius (Reinhard 

Brussmann) 

3. »Parasiten der Macht«: Anastasius 

(Christian Schöne) und Arsenius (Daniele 

Nonnis, r.) 

4. Johannas Mutter Gudrun (Anke Fiedler) 

erzählt dem wissbegierigen Mädchen 

(Alicia Hohmann) die Geschichte vom 

Rabenzauber 

Fotos (4): Christian Tech 


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Feuerwerk mit Humor und Herzblut 

»Natürlich Blond« zum 25-jährigen Jubiläum der Musical Inc. im P1 in Mainz 

Natürlich Blond 

Laurence O'Keefe / Nell Benjamin / 

Heather Hach 

Deutsch von Heiko Wohlgemuth, Kevin 

Schroeder & Ruth Deny 

Musical Inc. 

Theater im P1 Mainz 

Premiere: 24. Mai 2018 

Regie ......... Marie Friedl, Florian Pfaff, 

Dr. Steffen Storck 

Musik. Leitung ............ Nicolai Benner 

Choreographie ..... Felix Cambeis, Sina 

Eckardt, Jessica Gleisberg, Isabelle 

Jegotka, Miriam Kremser, Kathrin 

Mertes, Scarlett Saurat, Anna Schlie 

Ausstattung ...................... Florian Pfaff 

Elle Woods ..... Laura Heinz / Laura Saxler 

Emmett Forrest ....... Vinzent Grimmel / 

Jonathan Peters 

Warner Huntington III........Levent Sen / 

Johannes Lotz 

Vivienne Kensington .... Natascha Hahn / 

Tahira Schäfer 

Paulette Bonafonte ....... Miriam Kluth / 

Marie Friedl 

Prof. Callahan ............. Holger Reuter / 

Laurin Hess 

Kyle ...... Magnus Neuwirth / Torsten Eder 

Margot ...... Clara Eckert / Franziska Heger 

Serena ............ Jana Heß / Linda Malm 

Pilar ............ Jessica Jopp / Alina Berger 

Kate ................................. Katrin Bürck 

Brooke Wyndham ................................ 

Jessica Gleisberg / Scarlett Saurat 

Enid Hoopes ................. Eva Friedrich / 

Svenja Drewitz 

Aaron Schultz .................. Jens Emmert 

Carlo ........................ Johannes Franken 

Sundeep Padamadan ............................ 

Benjamin Fazlagic / Marlon Schneider 

Nico ...................... Johannes Franken / 

Hendrik von Hülst 

Richterin ................ Katharina Schäfer / 

Clara Vogel 

Dewey .................... Konstantin Hahn / 

Niklas Schliesmeier 

Elles Mutter ................. Isabelle Jegotka 

Reporterin ......................... Sarah Guth 

Wärter(in) .... Carla Kipke / Felix Cambeis 

Verkäuferin......................... Lisa Platz / 

Rebecca Richter 

Elle (Laura Heinz, Mitte) hat Prof. Callahan (Holger Reuter, vorne 2.v.l.) in die Schranken gewiesen, Warners 

(Levent Sen, vorne l.) Ablehnung überwunden, Vivienne (Natascha Hahn, hinten Mitte l.) für sich gewonnen und 

Brooke (Jessica Gleisberg, hinten Mitte) befreit 

Foto: Alexander Muth / Bildermuth 

Tut mir den Gefallen, habt einen Supertag!«, fordert 

eingangs Produktionsleiter Steffen Storck die 

Zuschauer auf. Das fällt dem Publikum im Mainzer 

Hörsaaltheater nicht schwer – angesichts der ideenreichen, 

unterhaltsamen Inszenierung und der talentierten 

und enorm spielfreudigen Darsteller von »Natürlich 

Blond«. Seit 25 Jahren bringt der Verein Musical Inc. 

jährlich mit rund 40 Darstellern und 20 Musikern sowie 

über 30 Helfern auf ehrenamtlicher Basis ein Musical 

auf dem Campus der Johannes Gutenberg-Universität 

Mainz zur Aufführung. 

Zum Jubiläum entschied man sich für das Uni-Musical 

von Laurence O'Keefe, Nell Benjamin (beide Musik 

& Liedtexte) und Heather Hach (Buch). Es erwies sich 

als exzellente Wahl, zumal Kevin Schroeder und Heiko 

Wohlgemuth (Songs) sowie Ruth Deny (Dialoge) mit 

reichlich Sprachwitz und zahlreichen Anspielungen auf 

gesellschaftliche Phänomene und Prominente passende 

Entsprechungen in der deutschen Sprache gefunden haben, 

die sowohl schrillen Ausbrüchen, hintergründigem 

Humor als auch Gefühlsschwankungen Rechnung tragen. 

Damit sorgen sie wesentlich dafür, dass Elle Woods' 

Porträt gegenüber der oberflächlichen Romanvorlage 

gewinnt. 

Die Malibu-Schönheit Elle wird von ihrem Angebeteten 

als lediglich »toll aussehende Frau« zurückgewiesen, 

weil er meint, es sei ›Zeit für was Ernsteres‹. Sie folgt 

ihm nach Harvard, um ihm zu beweisen, dass sie auch 

ernst sein kann. Dort nimmt man sie in ihrem pinken 

Outfit und Cheerleaderverhalten (herrlich der getanzte 

Motivationsaufsatz) allerdings nicht für voll. Während 

sie lernt und versucht, sich anzupassen, entdeckt nicht 

nur Tutor Emmett, dass mehr in ihr steckt. Dabei wehrt 

sie sich gegen sexuelle Übergriffe ihres Professors und 

verhilft als angehende Anwältin dem Recht zum Sieg. 

Sie gewinnt neue Freunde und erkennt, dass »sich selbst 

treu zu bleiben nie aus der Mode kommt«. 

O'Keefes und Benjamins kurzweiliger Stilmix aus 

Pop, Swing, Marching-Band-Sounds, Tarantella und 

Riverdance charakterisieren das Auftreten der – trotz 

aller Klischees – liebevoll gezeichneten Charaktere, 

ob blasierter Prinz (Benjamin Fazlagic), emanzipierte 

Retterin des Ökosystems (Eva Friedrich) oder irischer 

UPS-Bote mit Sixpack und erotischem Timbre (Magnus 

Neuwirth). Die Kompositionen vermitteln eine 

trügerische Leichtigkeit, verlangen es den Musikern 

unter der erfahrenen Leitung von Nicolai Benner aber 

ab, sich in hohem Tempo auf Stilwechsel einzustellen. 

Das Mainzer Choreographenteam (Felix Cambeis, Sina 

Eckardt, Jessica Gleisberg, Isabelle Jegotka, Miriam 

Kremser, Kathrin Mertes, Scarlett Saurat, Anna Schlie, 

Steffen Storck) inspirierten sie zu einem Feuerwerk von 

Tanznummern, welche die Darsteller getreu dem Motto 

von Aerobic-Queen Brooke Wyndham (stilecht Jessica 

Gleisberg): »Es ist erst dann richtig gut, wenn du 

nicht mehr kannst«, zu Höchstleistungen anspornen. 

Darunter die Springseilchoreographie (›Peitsch dich in 

Form‹), die choreographische Umsetzung von Emmetts 

Kaufhausbesuch: ›Trag es wie ein Mann‹, mit Schaufensterpuppen 

und die ›Knick und Pop‹-Choreographie 

mit »sabbernden Männern«. Deshalb musste noch mehr 

als sonst nach Bewegungs- und Tanztalent gecastet werden. 

Bewegung ist ein Kennzeichen des Stücks – die 

Szenen müssen flüssig ineinander laufen, damit das komödiantische 

Timing der Pointen nicht verpufft. Dem 

Regieteam Steffen Storck, Marie Friedl und Florian 

Pfaff (auch Ausstattung) ist auf offener Bühne sowohl 

ein stringenter Ablauf als auch eine klare Definition der 

vielfach wechselnden Spielorte gelungen. Letzterer dienen 

charakteristische kleine Prospekte sowie drei drehbare 

Bühnenelemente, die zusätzlich mittels Licht extra 

fokussiert werden können und sich zu einem Friseursalon, 

dem Eingangsbereich einer Wohnung oder einem 

Bad mit Dusche und Toilette öffnen. Besagtes Badezimmer 

dient dem Vor-Ort-Termin im Prozess gegen 

Brooke Wyndham: Während die Richterin (herrlich: 

Clara Vogel) auf der Toilette Platz nimmt, entlarvt Elle 

mit ihrem Wissen über Dauerwellen die wahre Täterin. 

30 



Zudem unterstreichen tragbare Requisiten Liedzeilen: 

So ist der starke, variable Mädchenchor – bestehend 

aus Clara Eckardt (Margot), Jana Heß (Serena), Jessica 

Jopp (Pilar) und Katrin Bürck (Kate) sowie Alina 

Berger, Franziska Heger, Linda Malm, Tahira Schäfer 

und Scarlett Saurat von den »Delta Nu Girls« – in der 

Eröffnungsnummer bei »Oh mein Gott, wie heiß!« mit 

Kerzen bewaffnet. In gleicher Konstellation bilden die 

letzteren Fünf auch den Griechischen Chor, »der bei 

keiner Tragödie fehlen darf« und deshalb, ganz in Weiß 

gekleidet, Elles Schicksal kommentiert. Passend zum 

Finale, das mit einem ganz besonderen Heiratsantrag 

endet, tragen die Harvardabsolventen rote Herzen an 

den »Doktorhüten«. 

Alle tragenden Rollen sind doppelt besetzt, in der 

besuchten Vorstellung wurde Elle von Laura Heinz verkörpert, 

die sich durch Gesangs- und Bewegungstalent 

auszeichnet. Bei aller komödiantischen Überzeichnung 

und Theatralik nimmt man ihr die Entwicklung vom 

naiven, oberflächlich geprägten Highschoolgirl zur starken, 

kämpferischen Frau ab. Zu den liebevoll gezeichneten 

Typen gehört auch die esoterisch angehauchte 

Friseurin Paulette. Miriam Kluth spielt Elles neue 

Freundin mit Verve in Ausdrucksstärke und Gesang. 

Ihre emotionale Interpretation der Sehnsuchtsballade 

›Irland‹ arbeitet die Geschichte des Songs schön heraus. 

Vinzent Grimmel steht als gutmütig strebsamer Tutor 

auf der Bühne. Die häufig eher blasse Rolle füllt er mit 

seinem warmen, hohen Bariton und einem Spiel voller 

Herzblut. Sein Emmett ist ein sympathischer Mann, der 

sich allein mit Fleiß aus dem Armenviertel hochgearbeitet 

hat. Doch erst durch Elles Freundschaft lernt er, 

auch nach außen selbstbewusst aufzutreten. Den arroganten, 

etwas tumben Unsympathen Warner verkörpert 

Levent Sen mit guter Gesangsstimme. Natascha Hahn 

spielt die Vivienne, Warners »was Ernsteres«. Sie spielt 

die Harvard-Studentin aus gutem Hause richtig schön 

böse, die am Ende jedoch über ihren Schatten springt, 

weil auch sie etwas von der ehrlichen, herzensguten Elle 

gelernt hat. Holger Reuter gibt dem fiesen Professor 

Callahan ein starkes Profil als Chauvinist und Sadist 

(›Blut in den Kiemen‹). Reuter gehört wie so viele zu 

den Wiederholungstätern in der Musical Inc. (»Curtains«), 

welche 1993 als Hochschulgruppe der Universität 

Mainz gegründet und 2008 zu einem gemeinnützigen 

Verein wurde. Seit 2008 kamen mit Unterstützung 

der Verlage »Hair«, »3 Musketiere«, »Rent«, »Pinkelstadt«, 

»Frühlings Erwachen«, »Side Show«, »Curtains«, 

»Frankenstein Junior«, »In the Heights« und zuletzt »Big 

Fish« vor einem begeisterten Publikum und unter wachsendem 

Medieninteresse auf die Bühne. Immer aufwendiger 

und anspruchsvoller wurden im Laufe der Jahre 

die Inszenierungen. Hier reiht sich die Inszenierung von 

»Natürlich Blond« als Entwicklungs- und Emanzipationsgeschichte 

mit Humor und Herz ein. Die Messlatte 

für die Musicalproduktion 2019 liegt hoch. 

Barbara Kern 

Abb. oben: 

Am ›Ort des Geschehens‹ thront Richterin 

(Clara Vogel, Mitte) mit Wärterin 

(Carla Kipke) auf einem Toilettensitz 


1. »Oh mein Gott, wie heiß!« (vorne 

v.l.): Clara Eckardt (Margot), Katrin Bürck 

(Kate), Jessica Jopp (Pilar), Jana Heß (Serena) 

und die anderen »Delta Nu Girls« 

2. Emmett (Vinzent Grimmel, r.) findet 

Elle (Laura Heinz l.) zauberhaft verrückt, 

versucht aber trotzdem, sie mit einem 

›Tritt in den Hintern‹ zum Lernen zu 

bewegen 

3. ›Peitsch dich in Form‹ – Brooke 

Wyndham (Jessica Gleisberg) trainiert 

jetzt ihre Mitgefangenen 

4. ›Knick und Pop‹ – Paulette (Miriam 

Kluth, Mitte) hat es raus, die Männer 

(Ensemble Herren) umschwärmen sie 

Fotos (5): Alexander Muth / Bildermuth 


31


Ist deine Familie normal? 

»The Addams Family« Open Air in Bad Gandersheim 

Abb. oben: 

Eine Ehe voller Leidenschaft: Gomez (Lucas 

Baier) und Morticia Addams (Miriam Schwan) 

Foto: Hillebrecht / Die Fotomaus 

The Addams Family 

Andrew Lippa / Marshall Brickmann / 

Rick Elice 

Deutsch von Anja Hauptmann 

Gandersheimer Domfestspiele 

Bad Gandersheim 

Festspielbühne 


Regie ............................... Achim Lenz 

Musik. Leitung ........ Patricia M. Martin 

Choreographie ........... Marc Bollmeyer 

Ausstattung ................... Sandra Becker 

Dramaturgie .............. Jennifer Traum & 

Prof. Hanns-Dietrich Schmidt 

Gomez Addams ................ Lucas Baier 

Morticia Addams ........ Miriam Schwan 

Wednesday Addams ..... Florentine Kühne 

Pugsley Addams .......... Stephan Luethy 

Grandma Addams ................ Sven Olaf 

Denkinger 

Onkel Fester .................... Fehmi Göklü 

Lurch ............................ Jan Kämmerer 

Lucas Beineke ..................... Jan Rogler 

Alice Beineke / 

Dance Captain .......... Susanna Panzner 

Mal Beineke ........... Guido Kleineidam 

Vor der tollen Kulisse am Fuße der Stiftskirche in 

Bad Gandersheim jähren sich die Gandersheimer 

Domfestspiele zum 60. Mal. Dieses Jubiläum muss gefeiert 

werden und das unter anderem mit dem Musical 

»The Addams Family«. Charles Addams, amerikanischer 

Cartoonist, erfand in den 1930er Jahren diese skurrile, 

exzentrische Familie und veröffentlichte die grotesken 

sowie makaberen Geschichten erstmals 1983 als Zeitungscomic 

im »The New Yorker«. Die Charaktere sind 

frei seinen Angehörigen nachempfunden. Schnell wurden 

aus dem Comic die Fernsehserie und diverse Filme. 

Ein großer Erfolg folgte dann 2010 am Broadway als 

Musical. 

Wednesday, älteste Tochter der Addams, ist verliebt. 

Das passt der übrigen Familie aber leider gar nicht, weil 

Lucas, Wednesdays große Liebe, keiner von ihnen ist. 

Denn die Familie Addams ist nicht wie normale Familien, 

aber was ist schon normal? »Was für die Spinne 

normal ist, ist für die Fliege eine Katastrophe!« Sie lieben 

den Tod, die Gruft und das Lieblingsreiseziel ist die 

Pariser Kanalisation. Lucas' Familie, die Beinekes, sind 

hingegen bodenständig, kommen aus der Vorstadt, normal 

halt, oder nicht? Die Beinekes haben auch so ihre 

skurrilen Angewohnheiten. Mal Beineke, einst Rocker 

und sehr extrovertiert, ist zum Spießer geworden und 

Alice Beineke versteckt neuerdings ihre Unsicherheit 

hinter der Poesie und spricht nur noch in Reimen. Ob 

das alles gut geht? 

Eine großartig witzige Story mit Happy End. Diese 

Produktion ist liebevoll mit vielen Details produziert. 

Der Beginn: Sechs in weiße Lumpen gekleidete Personen 

torkeln auf die Bühne, scheinbar Untote, und 

verbeugen sich, so weit sie können. Der eine verbeugt 

sich mit dem Rücken zum Publikum, der andere läuft 

gegen das Bühnenbild. Sie verschwinden hinter einem 

schwarzen Vorhang, der im Eingangsportal der Stiftskirche 

gespannt ist. Direkt danach hört man aus derselben 

Richtung die Musik spielen, es ist die Band. Unter 

der Leitung von Patricia M. Martin klingt die Musik 

am ganzen Abend großartig, als würde man die CD 

abspielen. Auf den Punkt sind Übergänge und Einsätze 

getimt, und auch technisch ist die Band sehr gut ausgesteuert. 

Ein Genuss für die Ohren. 

Die Inszenierung harmonisiert sehr mit der Open- 

Air-Bühne. Es wird kein großes Bühnenbild eingesetzt, 

nur zwei drehbare Bühnenteile: von hinten die Außenwand 

des Addams Hauses, auf der Innenseite dann links 

auf der Bühne ein Folterstuhl, rechts ein Korbstuhl. 

Hinzu kommen Requisiten, die wichtig für die Szenerie 

und nicht überflüssig eingesetzt sind. So zum Beispiel 

ein überlanger Tisch, der für das Dinner hereingerollt 

wird, an dem die Abendgesellschaft Platz nimmt. Andere 

Requisiten werden pantomimisch dargestellt, wie 

die große, schwere Eingangstür, bei der Lurch sichtbar 

Schwierigkeiten hat, sie zu öffnen, wobei die öffnende 

Bewegung durch Soundeffekte noch realistischer wirkt. 

So »clean«, wie das Bühnenbild ist, so stellen sich auch 

die Darsteller dar. Und das kommt dem Stück nur zugute. 

Alle zeigen ohne viel Drumherum ihr Können, 

erwecken die Figuren zum Leben, fallen nicht aus den 

Rollen, lassen die Charaktere wachsen und das merkbar 

harmonisch miteinander. Das zeigt auch, dass nicht immer 

eine aufwendige Bühnentechnik nötig ist, die oft 

sehr von dem Stück und der Inszenierung ablenkt. Nur 

durch eine gute Besetzung wird eine Aufführung mitreißend. 

Und in dieser Inszenierung von Achim Lenz 

begeistert der Cast durchweg. 

Lucas Baier ist ein sehr charismatischer, heißblütiger 

32 



und jung gebliebener Gomez Addams. Durch seinen 

auf den Punkt gespielten Witz wirkt sein Charakter authentisch. 

Das unterstützt sein durchgehend eingesetzter 

spanischer Akzent, den er auch beim Singen beibehält. 

Überraschend frischt er durch einen Wechsel in 

das Sächsische die Szene auf und hat die Lacher dabei 

auf seiner Seite. Miriam Schwan ist eine hervorragende 

Morticia. Mit ihrer Kühle und Ernsthaftigkeit kreiert sie 

eine Morticia, wie sie aus der Serie bekannt ist. Wednesday 

Addams wird von Florentine Kühne gespielt. Gesanglich 

stark, überzeugt sie in ihren Songs mit einem 

sicheren Belt. 

Sven Olaf Denkinger als Grandma ist perfekt besetzt, 

denn auch im Original vom Broadway wird die 

Grandma nämlich mit einem Mann besetzt. Dadurch 

bekommt die Rolle einen besonderen Witz, der bei einer 

weiblichen Besetzung verschwindet. Und dieser nicht zu 

erklärende Humor kommt sehr gut an. Schade, dass der 

Song der Grandma (›Let's Not Talk About Anything 

Else But Love – Reprise‹) in der deutschen Version des 

Musicals rausfällt, denn Denkinger hätte ihn bestimmt 

perfekt interpretiert. 

Jan Rogler als Lucas Beineke ist durch seine erfrischende 

Leidenschaft und seine mitreißende Spielfreude 

durchweg auf der Bühne präsent. 

Susanna Panzner zeigt in der Rolle der Alice Beineke 

einen starken Bruch von der etepeteten Hausfrau zur 

völlig extrovertierten, starken, temperamentvollen Frau 

in dem Song ›Das Warten‹. 

Einzig Guido Kleineidam überzeugt nicht als Mal 

Beineke. Bei seiner Darstellung vom bodenständigen, 

gradlinigen Mann zum Rocker aus alten Zeiten hat man 

das Gefühl, er müsste in einer Arena mit zigtausend 

Menschen auch bis zur letzten Reihe spielen, was ihn 

leider nicht authentisch und etwas drüber wirken lässt. 

Intendant Achim Lenz hat mit dem Aussuchen dieses 

Musicals einen Volltreffer gelandet und haucht mit seiner 

Regie den Charakteren einen wundervollen Witz ein. 

Leider ist diese Produktion eine gekürzte Fassung. Einige 

Songs fehlen und die Handlung ist etwas zusammengefasst, 

sodass der Abend ohne eine Pause auskommt und 

trotzdem nur gut zwei Stunden dauert. Das merkt man 

bei diesem kurzweiligen Abend aber nur daran, dass man 

am Schluss noch im Hellen nach Hause geht. Auch sind 

regionale Gags eingebaut, die für die ortsansässigen Zuschauer 

bestimmt lustig, für diejenigen von Außerhalb 

aber ein ganz klein wenig störend sind, weil man über 

den Witz nachdenkt und die nächsten zehn Sekunden 

die Handlung nicht mitbekommt. Ein Gag hätte nicht 

sein müssen und ist sogar unpassend. In Wednesdays 

Song ›Neue Wege‹ gibt es im Englischen die Textzeile 

»And Liberaces Greatest Hits«, die im deutschen mit 

»Udo Jürgens' größte Hits« übersetzt wurde. Nun wurde 

der große Udo Jürgens durch »Helene Fischers größte 

Hits« ausgetauscht und das Lied für einen kurzen Einwurf 

der Melodie von ›Atemlos‹ unterbrochen. Danke, 

nein! Die schon zu sehr allgegenwärtige Helene Fischer 

muss nicht auch noch in einem Musical auftauchen und 

den großartigen Udo Jürgens ersetzen. 

Zu erwähnen ist auch, dass man ganz ohne Ensemble 

ausgekommen ist. Dass die 10-köpfige Darstellergruppe 

auch das Ensemble spielt, darunter alle Ensembletänze 

übernommen hat, ist allen hoch anzurechnen. 

Denn die Tänze von Choreograph Marc Bollmeyer sind 

anspruchsvoll und die Kostümwechsel dazu schnell. 

Leider war das Zusammenspiel der Technik beim 

Vorstellungsbesuch noch nicht ganz ausgereift. Headset- 

Aussetzer sind leider nicht zu steuern, aber das knackende 

und rauschende Headset anzulassen, obwohl man 

dem Darsteller schon ein Handmikro gereicht hat, ist 

unprofessionell. 

Dies tut aber dem Abend keinen Abbruch. Im Gegenteil: 

Bad Gandersheim ist noch ein Geheimtipp, der 

unbedingt in der Musical-Open-Air-Saison berücksichtigt 

und besucht werden sollte. 

Vincent Kleen 

Abb. oben: 

Wednesday (Florentine Kühne) hat das 

Abendessen erlegt 


1. Zwei »normale« Familien unter sich 

(v.l.): Lucas Beineke (Jan Rogler), Mal 

Beineke (Guido Kleineidam), Grandma 

Addams (Sven Olaf Denkinger), Wednesday 

Addams (Florentine Kühne), Pugsley 

Addams (Stephan Luethy), Alice Beineke 

(Susanna Panzner), Onkel Fester (Fehmi 

Göklü) 

2. Morticia (Miriam Schwan), Wednesday 

(Florentine Kühne) und Gomez Addams 

(Lucas Baier) bereiten sich auf das 

Kennenlern-Essen mit den Beinekes vor 

3. Die Familie Beineke (von links): Alice 

(Susanna Panzner), Lucas (Jan Rogler) 

und Mal Beineke (Guido Kleineidam) 

Fotos (4): Hillebrecht / Die Fotomaus 


33


Der Weg zum Ruhm durch harte Arbeit 

»Fame« Open Air in Bad Gandersheim 

Fame 

Steve Margoshes / Jacques Levy / 

José Fernandez 

Titelsong ›Fame‹ von Dean Pitchfork & 

Michael Gore 

Deutsch von Frank Thannhäuser & 

Iris Schumacher 

Gandersheimer Domfestspiele 

Festspielbühne 


Regie & 

Choreographie ........... Marc Bollmeyer 

Musik. Leitung .... Ferdinand von Seebach 

Ausstattung ..................... Thomas Döll 

Dramaturgie ...... Jennifer Traum & Prof. 

Hanns-Dietrich Schmidt 

Carmen Diaz / 

Dance Captain........... Julia Waldmayer 

Schlomo Metzenbaum ......................... 

Hermann Bredke 

Nick Piazza ....................... Lucas Baier 

Serena Katz .................... Sarah Wilken 

José »Joe« Vegas .......... Daniel Wagner 

Tyrone Jackson ..... Dinipiri Collins Etebu 

Mabel Washington ....... Stefanie Köhm 

Iris Kelly ....................... Claudia Artner 

Grace »Lambchops« Lamb .... Selly Meier 

Goodman »Goody« King .... Lukas Janisch 

Miss Esther Sherman .... Susanna Panzner 

Ms Greta Bell ............. Miriam Schwan 

Mr Myers ........... Sven Olaf Denkinger 

Mr Sheinkopf ......... Guido Kleineidam 

Tanzensemble: 

Marie Armbrecht, Christina Baufeldt, 

Sidney Sophie Blume, 

Maja Brinkmann, Lelia Gödeke, 

Patricia Roddewig 

Die Aufnahmeprüfung ist bestanden (hinten v.l.): Schlomo Metzenbaum (Hermann Bredke), Goodman King 

(Lukas Janisch), Grace Lamb (Selly Meier), Serena Katz (Sarah Wilken), José »Joe« Vegas (Daniel Wagner); (vorne v.l.): 

Mabel Washington (Stefanie Köhm), Tyrone Jackson (Dinipiri Collins Etebu), Nick Piazza (Lucas Baier), Carmen Diaz 

(Julia Waldmayer) 

Foto: Hillebrecht / Die Fotomaus 

Zum 60. Jubiläum der Gandersheimer Domfestspiele 

wird nach dem Erfolg von »Saturday Night Fever« 

aus dem letzten Jahr wieder ein Tanzmusical aufgeführt. 

»Fame – Das Musical« basiert auf dem Film aus dem 

Jahr 1980 von Alan Parker. 1988 hatte das Musical in 

Miami Premiere. Außer dem Titellied ›Fame‹ war der 

Score komplett neu geschrieben worden. Die Charaktere 

blieben bestehen, die Handlung aber wurde abgeändert, 

um es bühnentauglicher zu machen. Bei der Bad 

Gandersheimer Produktion hat man das Musical etwas 

gekürzt, denn es wird zwei Stunden ohne Pause durchgespielt. 

Das tut dem Abend aber keinen Abbruch, denn 

man hat Spaß beim Zuschauen und dadurch ist der 

Abend sehr kurzweilig. 

An der Schule »New York City's High School of 

Performing Arts«, der P.A., lernen die Schüler nicht nur 

normale Fächer, denn neben Mathe, Englisch und Geschichte 

stehen Gesang, Tanz und Schauspiel auf dem 

Stundenplan. Nach erfolgreichem Abschluss dieser 

Schule ist man offiziell Künstler und nichts wünschen 

sich die Lernenden sehnlicher, als berühmt zu werden. 

Doch Klassenlehrerin Ms Sherman weiß, auch die »normalen« 

Fächer sind wichtig, denn nicht jeder schafft 

nach der Schule den Absprung zum Ruhm und nicht 

jeder kann seinen Lebensunterhalt mit der Kunst verdienen. 

Deswegen ist es für sie so wichtig, dass keiner 

durch die anderen Fächer fällt. 

So lautet nur eine kurze Zusammenfassung der 

Handlung, doch was die Darsteller unter der Regie von 

Marc Bollmeyer zum Leben erweckt haben, ist einfach 

großartig: klar definierte Charaktere und ein authentisches 

Zusammenspiel auf der Bühne. Tolle Stimmen 

und ein durchdachtes Bühnenbild (Ausstattung: 

Thomas Döll) runden den Abend ab. 

Der Cast harmoniert sehr gut untereinander, man 

hat das Gefühl, seine Mitglieder gehen wirklich auf eine 

Schule und leben drei Jahre zusammen. Die Entwicklung 

jedes einzelnen Charakters ist zu erkennen, auch 

wenn sich die Kostüme nicht groß ändern. Sie wachsen 

dennoch und entwickeln sich zu den Absolventen einer 

künstlerischen Schule. Am liebsten würde man ihnen 

noch weiter folgen, sehen, was aus ihnen wird, ob sie alle 

einen Job im Business bekommen. 

Was die Inszenierung sehr harmonisiert, sind die 

sehr gut eingesetzten szenischen Überschneidungen. 

Es ist nicht das Typische: eine Szene wird gespielt und 

wenn sie zu Ende ist, gehen alle ab und die nächste Szene 

beginnt. Während die eine Szene läuft, passiert im 

Hintergrund schon der Aufbau der nächsten. Und mit 

Aufbau ist nicht der Aufbau eines nächsten Bühnenbil- 

34 



des gemeint, sondern das schauspielerische Vorbereiten 

der nächsten Szene. So wie zum Beispiel in der Szene, 

in der Serena und Nick zusammen für eine Aufgabe im 

Schauspielunterricht proben und sich daraus ein Song 

entwickelt, währenddessen man Schlomo auf einer oberen 

Ebene mit seiner Violine hantieren sieht. Er schreibt 

einen Song für einen Wettbewerb und spielt dann seine 

Melodie zu dem Song, den Serena und Nick im Vordergrund 

singen. Danach wechselt die Szene, die beiden 

gehen ab, Schlomo kommt in den Vordergrund und es 

geht direkt weiter. So entstehen keine unangenehmen 

Pausen, auch keine Umbaupausen, denn das festinstallierte 

Bühnenbild wird nur durch bewegliche Requisiten 

verändert. Fest auf der Bühne verankert ist auf der 

linken Bühnenseite ein Podest, in das ein Klavier integriert 

ist, welches auch live benutzt wird, und auf der 

rechten Bühnenseite sieht man die Schulspinde, welche 

aber auch durch eine Treppe begehbar gemacht werden. 

So entsteht eine obere Ebene, die bespielt werden kann. 

Die Spinde sind mit einem Graffiti übermalt, das in Neon- 

Farben ein typisches Kassettenradio aus den 80ern zeigt. 

Die Band ist sichtbar in der hinteren Mitte in das Eingangsportal 

der Stiftskirche integriert. 

Endlich kann ein Darsteller, der auf der Bühne einen 

Musiker spielt, sein Instrument auch selbst live spielen. 

Hermann Bredke, der den Schlomo darstellt, beherrscht 

das Klavier- und Violinenspiel und macht seinen Charakter 

dadurch noch echter. Auch Selly Meier als Grace Lamb 

vermag es, ihr Schlagzeug und Lukas Janisch als Goodman 

King seine Trompete live zu spielen. Sie überzeugen dadurch 

voll und ganz als Schulband und rocken die Bühne. 

Weiter hervorzuheben ist die Spielfreude, die von 

dem kompletten Cast an den Tag gelegt wird. Besonders 

Daniel Wagner als José Vegas hat durch sein offenes 

Spiel und seine perfekt getimte Komik viele Lacher auf 

seiner Seite. Gesanglich überzeugt er durch seine überraschend 

sicheren Höhen. Ebenfalls gesanglich beeindrucken 

können Lucas Baier als Nick Piazza und Susanna 

Panzner als Ms Sherman. Wer aus dem Tanzfach 

kommt, hat einzig die Ballett-Tanztechnik von Claudia 

Artner als Iris Kelly etwas zu bemängeln. Daneben ist 

ihre Tanztechnik bei allen anderen Choreographien, 

wie im Salsa, sehr gut, und sie sticht in dieser Hinsicht 

auch aus der Menge hervor. Das Gleiche gilt für Stefanie 

Köhm als Mabel, die Szenenapplaus bekommt und ihn 

auch verdient, denn ihre Darstellung der etwas dicklichen 

und immer hungrigen Mabel ist großartig. Durch 

ihre Mimik, Gestik und gesangliches Können macht 

sie ihre Szene und ihren Song ›Mabels Gebet‹ zu einem 

Höhepunkt. 

Neben der Regie hat Marc Bollmeyer auch die mitreißenden 

Choreographien kreiert. Typisch 80er, passend 

zur Zeit, anspruchsvoll, aber trotzdem nach Leichtigkeit 

aussehend, setzt der Cast die Tanzschritte um. 

Wenn man nun auf hohem Niveau meckern möchte, 

hätten sich die Tanzschritte bei Solotänzen noch differenzierter 

und individueller, jedem einzelnen Charakter 

typischer, abheben können. Doch bei solch einer Energie 

und Spaß, mit denen getanzt wird, ist es eine Freude, 

den Tänzern zuzusehen. Daher ist es überflüssig, dem 

Cast zusätzlich ein kleines Tanzensemble von sechs Tänzerinnen 

als Unterstützung zu geben. Klar sehen Ensemblechoreographien 

voller und nach Mehr aus, doch 

das muss bei dieser Produktion gar nicht sein, vor allem 

nicht, wenn das Tanzensemble eher durch seine nicht 

vorhandene Ausstrahlung auffällt und tänzerisch nicht 

an den übrigen Cast anschließen kann. 

Auch die Band unter der Leitung von Ferdinand von 

Seebach spielt mit Freude die verschiedenen Musikstile, 

die in diesem Musical verarbeitet sind, und klingt dabei 

sehr harmonisch. 

Leider hatte die Technik in der besuchten Vorstellung 

so ihre Tücken, doch der Headset-Ausfall wurde 

professionell schnell mit der Ersetzung durch ein Handmikro 

überspielt. Vielleicht hätten alle Darsteller mit 

Handmikro spielen sollen, da der Klang hier deutlich 

besser war als mit den nach Telefonstimme klingenden 

Headsets – doch auch das ist eher die Suche nach der 

berühmten Stecknadel im Heuhaufen. 

Zusammenfassend lohnt sich bei dieser tollen Produktion 

und Besetzung der Besuch bei den Gandersheimer 

Domfestspielen sehr. 

Vincent Kleen 

Abb. oben: 

1. Der talentierte Tänzer Tyrone Jackson 

(Dinipiri Collins Etebu) leidet an Dyslexie 

und gerät deswegen mit der strengen 

Miss Sherman (Susanna Panzner), die 

auch Wert auf akademische Leistungen 

legt, in Konflikt 

2. Mabel Washington (Stefanie Köhm) 

hat ständig mit Gewichtsproblemen zu 

kämpfen 



1. Zwischen Tyrone Jackson (Dinipiri 

Collins Etebu) und Iris Kelly (Claudia 

Artner) entsteht ein Streit 

2. Carmen Diaz (Julia Waldmayer) sieht 

sich schon als großen Star in Hollywood 



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Auf dem Weg zum Ruhm? 

»Fame« im Hamburger F1rst Stage Theater der Stage School 

Abb. oben: 

Schaffen die angehenden Künstler 

(Michaela Thurner, Antonia Wortberg, 

Niklas Heinrichs, Fynn Duer-Koch 

[oben], Marius Bingel, Inga Clauß) die 

Aufnahmeprüfung für die Schule? 

Foto: Dennis Mundkowski 

Fame 

Steve Margoshes / Jacques Levy / 

José Fernandez 

Titelsong ›Fame‹ von Dean Pitchfork & 

Michael Gore 

Deutsch von Frank Thannhäuser & 

Iris Schumacher 

Stage School Hamburg 

F1rst Stage Theater Hamburg 

Premiere: 18. Juni 2018 

Regie .................................. Felix Löwy 

Musik. Leitung ................ Felix Löwy & 

James Mironchik 

Choreographie ............... Phil Kempster 

Bühnenbild .................... Felix Löwy & 

Toby Mancinella 

Kostüme ................ Lauren Slater-Klein 

Lichtdesign ................ Felx Wienbürger 

Sounddesign .......... Peppe Anderson & 

Toby Mancinella 

Serena Katz .............. Michaela Thurner 

Nick Piazza ............... Fynn Duer-Koch 

Carmen Diaz .......... Antonia Wortberg 

Joe Vegas ....................... Marius Bingel 

Tyrone Jackson .............. Robin Apostel 

Iris Kelly .................... Melanie Hügner 

Mabel Washington ............. Inga Clauß 

Schlomo Metzenbaum.... Niklas Heinrichs 

Grace Lamb ...................... Helen Hefti 

Goodman King ............ Max Herlitzius 

Mr Sheinkopf ..................... Tim Knieps 

Ms Sherman ..................... Sophie Alter 

Mr Myers.......................Simon Dubach 

Ms Bell ............................... Anna Vogt 


Felicitas Bauer (Dance Captain), 

Romina Czaja, Victoria Dias Santos, 

Giulia Haas, Melanie Haberlander, 

Lara Kilian, Juri Menke, Sarah Merten, 

Lilith Myska, Antonia Rinkel, 

Tina Rosensprung 

Remember my name: Erinnere Dich an meinen Namen! 

Das hofft wohl jeder angehende Künstler. 

Nun haben die Absolventen des diesjährigen Jahrgangs 

zusammen mit einigen aktuellen Studenten der Stage 

School Hamburg diese Aufgabe als Abschlussprojekt 

bekommen. Sie führen im schuleigenen Theater, dem 

F1rst Stage, das Musical »Fame« auf. Direkt nach den 

Abschluss- und Zwischenprüfungen ging es für die angehenden 

Musicaldarsteller auf die Bühne und das – wie 

im echten Darstellerleben – für eine Spielzeit von 8 Wochen: 

jeden Tag eine Show, am Wochenende auch schon 

mal zwei pro Tag. Nicht anders wird das tägliche Leben 

in diesem Job aussehen. Das heißt, wenn man einen Job 

hat. Denn das ist nicht unbedingt der Normalfall. Man 

muss sich durchsetzen können und Eindruck hinterlassen. 

Das haben zwar alle Schüler schon bei der Aufnahmeprüfung 

machen müssen, doch sich im Business 

durchzusetzen ist dann nochmal eine ganz andere Sache. 

Es gibt ein Überangebot an Musicaldarstellern und das 

auf der ganzen Welt. Doch das Business boomt. Immer 

mehr Angebote werden auf den Markt geschwemmt, zu 

jedem Thema muss ein neues Musical geschrieben werden, 

jeder möchte Musical machen und darunter leidet 

die Qualität zunehmend. Doch sehr hoch anzurechnen 

ist der Stage School, dass sie ihre Studenten auf diese 

Art auf den Berufsalltag vorbereitet. Auf solch professionellem 

Niveau macht dies keine andere Musicalschule 

in Deutschland, ob privat oder staatlich. 1985 gegründet, 

ist die Stage School damit die erste Berufsfachschule 

für »performing arts« in Deutschland gewesen und 

kann sich berühmter Absolventen wie Elisabeth Hübert, 

Thomas Borchert oder Ralf Bauer rühmen. Nach dieser 

langen Zeit hat man sich nun den Traum vom eigenen 

Theater, dem F1rst Stage, erfüllt. 

Doch zurück zur Produktion: Die Musicalfassung 

basiert auf dem gleichnamigen Film aus dem Jahre 

1980 und hat außer dem Titel und der Bezeichnung der 

Charaktere nur noch wenig mit der Vorlage zu tun. Die 

Musik wurde bis auf den Titelsong ›Fame‹ komplett neu 

geschrieben, der Erzählstrang neu angelegt. Der grobe 

Handlungsverlauf ist erhalten geblieben: Schüler auf einer 

Schule für Bühnenkünste in New York City. Die bekannten 

Charaktere wie Serena Katz, die Schüchterne, 

Carmen Diaz, die Draufgängerin, oder Tyrone Jackson, 

der Hip-Hopper, erzählen wie alle anderen Charaktere 

ihre Geschichte. Ähnlich wie bei »Cats« hat so jeder 

Charakter seine Szene und seinen Song. Gleich sind nur 

die drei Jahre Schulzeit, von denen Musical und Film 

handeln. 

Es beginnt mit dem ersten Schultag, an dem sich 

die Schüler der ›New York City's High School for Performing 

Arts‹, die es im Übrigen wirklich in New York 

gibt, kennenlernen und die Schulleiterin die multikulturelle 

und -ethnische Gruppe ermahnt, dass es noch 

mehr braucht als Träume, um den Abschluss zu schaffen. 

Harte Arbeit, Konzentration, Fokus und keine Ablenkungen 

sind das einzig Wahre. Nacheinander werden 

nun die Geschichten der einzelnen Lernenden erzählt, 

beginnend mit der Ruhm-besessenen Carmen Diaz, die 

auch den Titelsong ›Fame‹ performt. Sie schreibt einen 

Songtext für die Schulband, die der Klavier-Virtuose 

Schlomo mit der Drummerin Grace und dem Gitarristen 

Goodman ins Leben gerufen hat. Carmen und 

Schlomo werden ein Paar, doch Carmen gerät auf die 

falsche Bahn und vertraut blind einem Künstler-Agenten 

in Hollywood, der ihr versprochen hat, sie berühmt 

zu machen. Drogen und Alkohol lassen sie abstürzen 

und die schlimme Seite der schillernden Traumwelt erleben. 

Nach ihrem Song im zweiten Akt, ›In L.A.‹, begeht 

sie Selbstmord. Schlomo ehrt seine große Liebe, 

indem er mit allen Absolventen am Ende des Stücks den 

Song performt, zu dem Carmen den Songtext geschrieben 

hatte. 

Die angehende Schauspielerin Serena verguckt sich 

in Nick. Der hat aber nur Augen für seine Kunst und 

möchte ein ernsthafter Schauspieler werden. Das stellt 

er klar, doch Serena schwärmt weiter für ihn und darf 

bei dem Klassenprojekt »Romeo und Julia« seine Julia 

36 



spielen. Nick bemerkt spät, dass auch er Gefühle entwickelt 

hat, aber sie kommen zum Schluss doch noch 

zusammen. Joe, auch angehender Schauspieler, kann 

im Unterricht einfach nicht ernst bleiben und merkt 

schnell, dass nur ein Komiker aus ihm werden kann. 

Schon während der Schulzeit hat er diverse Auftritte 

in einem Stand-up-Comedy Club. Die Tänzer der 

Schule haben es auch alle nicht ganz leicht. Iris kommt 

aus ärmlichen Verhältnissen, wird aber zuerst als reich 

abgestempelt, weil sie jeden Morgen von einer schwarzen 

Limousine zur Schule gebracht wird, doch es stellt 

sich heraus, dass ihr Vater Chauffeur ist und sie nur auf 

seinem Weg zur Arbeit absetzt. Sie verliebt sich in den 

sehr talentierten Tänzer Tyrone, der an Dyslexie leidet. 

Eigentlich hat er nicht wirklich Lust, sich den Lehrern 

unterzuordnen, und geht auch nicht gerade zimperlich 

mit ihnen um. Doch durch Iris fängt er sich etwas, sie 

hilft ihm bei seinen Aufsätzen und dem Lesenlernen 

und er hilft ihr bei ihren Ballettübungen. Die angehende 

Tänzerin Mabel isst einfach viel zu gerne, obwohl sie 

sich gerade als Tänzerin beherrschen können müsste. Es 

gilt ein besonderes Ideal an Aussehen und Können im 

Tanz, sodass sie nicht mithalten kann und in die Schauspielklasse 

wechselt. 

Was aus den Charakteren nach der Schulzeit im 

Stück wird, wird dem Publikum nicht gezeigt. Einige 

werden es geschafft haben, andere wohl nicht. Wie auch 

im wahren Leben wissen wir nicht, was aus den Absolventen 

der Stage School und aller anderen Musicalschulen 

wird. Aber sicher ist, dass alle Darsteller dieser 

Produktion das Zeug dazu haben, auf der Bühne zu stehen. 

Im gesamten Ensemble herrscht ein ausgeglichenes 

Können. Tänzerisch sehr stark, gesanglich solide und 

schauspielerisch sehr gut fundiert. Phil Kempster setzt 

mit seinen Choreographien ein sehr hohes tänzerisches 

Niveau voraus, das hervorragend umgesetzt wird. Die 

Choreographien passen perfekt zu den Songs wie auch 

zu den jeweiligen Charakteren und reißen den Zuschauer 

mit – mehr als in so mancher professionellen Produktion. 

Hierbei hervorzuheben ist Robin Apostel als 

Tyrone Jackson. Obwohl zu Beginn nur in Ensemble- 

Choreographien tanzend, lenkt er trotzdem den Blick 

auf sich. Durch sein tänzerisches Können und seine 

Ausstrahlung wird sein Song ›Tanzen auf der Straße‹ ein 

absolutes Highlight für Auge und Ohr. Apostel ist einer 

der ganz wenigen Ausnahmen, die nicht als Absolvent, 

sondern als Schüler des ersten Jahrgangs bei dieser Produktion 

dabei sein dürfen. Wenn er bereits nach einem 

Jahr ein so hohes Niveau hat, darf sich schon auf spätere 

Produktionen gefreut werden. Außerdem herauszustellen 

ist Michaela Thurner, die gesanglich sehr überzeugen 

kann. Mit ihren Songs ›Wir spielen Liebe‹ und ›Ich will 

sie verzaubern‹ verzaubert sie in der Tat das Publikum. 

Einfühlsam, zart, aber auch stark im Belt, erinnert sie 

eher an die Stimmen aus Musical-Produktionen im 

Londoner West End oder am New Yorker Broadway. 

Etwas zu bemängeln ist die schauspielerische Leistung. 

Die Charaktere haben keinen Bogen, keinen roten 

Faden, keine Entwicklung. Nach den drei Jahren Schulzeit 

im Stück ist kein Unterschied zum ersten Schultag 


1. Voller Vorfreude auf das Ungewisse, 

jetzt geht es los! ( v.l.: Marius Bingel, 

Michaela Thurner, Antonia Rinkel, 

Antonia Wortberg, Giulia Haas, Tina 

Rosensprung, Niklas Heinrichs) 

2. Tyrone Jackson (Robin Apostel, vorne 

mit Ensemble) kann zwar nicht lesen, 

dafür aber umso besser tanzen 

3. Mabel (Inga Clauß, Mitte mit Ensemble) 

kann sich nicht vom Essen fernhalten 

und wechselt in die Schauspielklasse 

4. Carmen (Antonia Wortberg, Mitte mit 

Ensemble) träumt von der großen Karriere 

in Hollywood 

Fotos (4): Dennis Mundkowski 


37


Abb. rechts: 

Nick Piazza (Fynn Duer-Koch) will seine 

Zuschauer verzaubern 


1. Tyrone Jackson (Robin Apostel, vorne 

mit Ensemble) ist ein begnadeter Tänzer 

2. Tyrone Jackson (Robin Apostel mit 

Ensemble) bei seiner Lieblingsbeschäftigung, 

dem Tanzen 

3. Auch im normalen Unterricht wird lieber 

getanzt als Mathe gepaukt (Ensemble) 

4. Geschafft! Den Abschluss in der 

Tasche, nun geht der Ernst des Lebens los 

(Ensemble) 

Fotos (5): Dennis Mundkowski 

zu sehen und zu merken. Sehr oberflächlich und ohne 

Tiefe »spielen« sie im wahrsten Sinne des Wortes ihren 

Charakter. Da kann man sich nach einer dreijährigen 

Hochschulausbildung mehr wünschen. Auch ist der generelle 

Leistungsunterschied zwischen Absolventen und 

Noch-Schülern nur aus dem kurzen Vorstellungstext der 

Darstellerinnen und Darsteller auf der Website zu entnehmen, 

und das spricht eher für die Noch-Schüler als 

für die Absolventen. 

Das Bühnenbild besteht aus zwei Etagen, die bespielt 

werden können. Oben der Band-Übungsraum, unten 

ein großer Raum, der als Schulcafeteria, Pausen-, Klassen- 

und Ballettraum genutzt wird. An der Rückwand 

der unteren Ebene sind die klassischen Schließfächer installiert, 

die man aus amerikanischen Filmen kennt. Die 

mittleren fünf sind nach vorne ausfahrbar und werden 

dadurch zur Umkleide der Mädchen umfunktioniert. 

Hinter den Schließfächern ist die Band positioniert, die 

man während der Vorstellung leider nicht sieht, weshalb 

man sich wegen des perfekten Klangs kurz fragt, ob 

die Musik aus der Konserve oder von einer Live-Band 

kommt. Unter der Leitung von James Mironchik am 

Piano spielen die insgesamt vier Musiker perfekt und 

auf den Punkt die Kompositionen, die eigentlich für 

eine neunköpfige Combo ausgelegt sind. Es fehlte dem 

Klang an nichts. 

Als Zuschauer geht man sehr gut gelaunt aus einer 

sehr professionell angelegten Produktion. 

Allen angehenden Musicaldarstellern wünscht der 

Schreiber viele Audition-Angebote. Bleibt bitte am Ball 

und gebt nicht auf, auch wenn das erste Engagement 

etwas auf sich warten lässt! 

Vincent Kleen 

38 



Vaterfreuden mit Umwegen 

»Der bewegte Mann« als Gastspiel in Jagsthausen 

Im Juli 2017 feierte »Der bewegte Mann – Das Musical« 

im Altonaer Theater in Hamburg Uraufführung. 

Die Show basiert auf dem gleichnamigen Film von Sönke 

Wortmann aus dem Jahr 1994, der Til Schweiger und 

Katja Riemann zu Stars machte. Der Film holte sich seine 

Inspiration bei einem Comic von Ralph König von 1987. 

Die Produktion gastiert nun auf der Götzenburg in Jagsthausen, 

wo mit einem teils neuen Ensemble erstmals Open- 

Air gespielt wird. Die Hamburger Inszenierung ist integral 

übernommen worden, unter der Regie von Harald Weiler. 

Leider wird die Musik von Christian Gundlach nicht 

live gespielt, sondern kommt vom Band. Links auf der 

Bühne steht eine grüne Couch vor einer grün tapezierten 

Wand, mit einem seitlichen Schrank. Auf der rechten 

Seite steht das gleiche Ensemble, nur ockerfarbig. 

Im Hintergrund hängen Vorhänge aus glitzernden Fäden. 

Größere Unterschiede zum Erzählstrang des Films 

gibt es im Musical keine. 

Als Axel (Elias Krischke) von seiner Freundin Doro 

(Jennifer Siemann) mit einer anderen Frau erwischt 

wird, fliegt er kurzerhand vor die Tür der gemeinsamen 

Wohnung. Er lernt bei einer Selbsthilfegruppe für Sexsüchtige 

den homosexuellen Norbert (Moritz Grabbe) 

kennen, der ihm anbietet, bei ihm zu übernachten. Erst 

nimmt Axel das Angebot nicht an, bis er kurz darauf 

bei Norbert anklopft, der sich in ihn verknallt hat. Bei 

Norbert lernt er dessen Freunde(innen) Waltraud (Martin 

Markert) und Fränzchen (Matias Lavall) kennen, die 

nichts gegen ein Schäferstündchen mit dem blonden 

Adonis hätten. Nur ist Axel ein eingeschworener Hetero 

und will nichts von schwulen Gedanken wissen. Doro 

stellt fest, dass sie schwanger ist. Ihre Freundinnen Lisa 

(Luisa Meloni) und Claudia (Lisa Huk) sind nicht begeistert 

von ihrer Idee, Axel Bescheid zu sagen. Dieser 

erfährt dennoch von dem freudigen Ereignis und macht 

Doro einen Heiratsantrag. Als jedoch Norbert Axel bei 

der Hochzeit innig küsst, schmeißt Doro den weißen 

Schleier weg. Das Paar bleibt wegen des Kindes dennoch 

zusammen. Aus Angst, es könnte dem Baby schaden, 

lehnt Axel Sex mit Doro ab. Norbert hat einen neuen 

Freund gefunden, Metzger (David Wehle), während 

Axel seiner Jugendliebe Elke (Elena Otten) begegnet. Er 

wird wieder schwach und Elke macht ihn in einer turbulenten 

Szene in Norberts Wohnung mit einem Sexstimulator 

an, bis Axel – nackt – auf der Couch regungslos 

sitzen bleibt. Doro hat Wind von Axels Ausschweifung 

bekommen und stürmt in Norberts trautes Heim. Sie 

verliert plötzlich Fruchtwasser, und Norbert fährt mit 

ihr ins Krankenhaus. Ein Sohn kommt zur Welt, und 

Axel erkennt, wie dumm er sich benommen hat. Er 

macht Doro einen zweiten Antrag, den sie annimmt. 

Elias Krischke zeigt Mut, wenn er sich als Axel nackt 

vor dem Publikum duscht oder im Sexrausch bewegungslos 

auf der Couch sitzen bleibt. Stimmlich kann er 

ebenfalls gefallen. Moritz Grabbe, der mit seinem vielseitigen 

Mienenspiel alle Gefühle zeigt, die ein verliebter 

»schwuler« Kerl drauf hat, überzeugt am meisten. Er 

wirft als Norbert irrsinnig scharfe Blicke auf Axel, die in 

Enttäuschung übergehen, weil dieser seine Gefühle als 

Hetero nicht erwidert. Im Gegensatz zu seinen Freundinnen, 

benimmt er sich nicht frauenhaft, sondern 

bleibt eher männlich, speziell als er Doro ins Krankenhaus 

bringt und dort für den Kindsvater gehalten wird. 

Ein gesanglich aparter Moment ist das Duett mit Axel 

›Wie du‹, wo Gefühle freigesetzt werden und Norbert 

und Axel sich als echte Freunde fürs Leben outen. 

Interessant ist auch die Darstellung von Martin Markert 

als Waltraud. Er ist mal frech, scharf auf Axel oder 

verletzlich. Gesanglich kann er mit ›Sei einfach du‹ und 

›Waltraud weiß Bescheid‹ überzeugen. David Wehle 

spielt den Macho, der sich nicht zu schade ist, im Kino 

ein paar Querulanten zu vermöbeln, während Matias 

Lavall den hyperfrivolen Homosexuellen gibt. 

Sind die Männer noch voller Energie, so fehlt diese 

zum Teil dem weiblichen Ensemble. 

Sicher brauchen sie nicht herumzuspringen und ihre 

Gesinnung zu verkünden, dennoch hätte man etwas mehr 

Impulse im Spiel von Jennifer Siemann, Luisa Meloni und 

Lisa Huk erwartet. Nur Siemann braust ein paar Mal wegen 

Axels Untreue und Lügen auf. Das war's dann aber. 

Von den Songs gefallen insbesondere ›Alles was ich 

will‹ und ›Ich bin ein bewegter Mann‹. Einige lustige 

Situationen und Witze, die man aus dem Film kennt, 

halten das Publikum immer noch bei Laune, ebenso ein 

paar Tanzeinlagen. Somit ist das Musical um einen von 

Vaterfreuden neu bewegten Mann sehenswert. 


Abb. oben von links: 

1. Claudia (Lisa Huk), Doro (Jennifer 

Siemann) und Lisa (Luisa Meloni) 

schauen Axel (Elias Krischke) beim 

(Lügen) Telefonieren zu 

2. Fränzchen (Matias Lavall, l.) und Waltraud 

(Martin Markert, r.) umschwärmen 

Axel (Elias Krischke) 

Fotos (2): Altonaer Theater 

Der bewegte Mann 

Christian Gundlach / Craig Simmons 

Thalia Theater Hamburg 

Burgfestspiele Jagsthausen 

Hof der Götzenburg 


Regie ............................ Harald Weiler 

Musik. Leitung ...... Christian Gundlach 

Choreographie ............ Sven Niemeyer 

Ausstattung .......................... Lars Peter 

Axel ............................... Elias Krischke 

Doro ......................... Jennifer Siemann 

Norbert ........................ Moritz Grabbe 

Waltraud ..................... Martin Markert 

Fränzchen ...................... Matias Lavall 

Metzger ......................... David Wehle 

Lisa ................................. Luisa Meloni 

Claudia ................................. Lisa Huk 

Elke .................................. Elena Otten 

Günther / Pastor .......... Sven Niemeyer 


39


»My Fränkische Lady« 

Triumph für Zodwa K. M. Selele bei den Luisenburg Festspielen 

Abb. oben: 

Die beiden Sprachforscher Pickering 

(William Ludwig, l.) und Higgins (Markus 

Pol, r.) sind Eliza (Zodwa K. M. Selele) 

nicht so ganz geheuer 

Foto: Luisenburg-Festspiele / Florian Miedl 

My Fair Lady 

Frederick Loewe / Alan Jay Lerner 

Deutsch von Robert Gilbert 

Luisenburg-Festspiele Wunsiedel 


Regie & Choreographie ................. Tim 

Zimmermann 

Regie Dialoge ......... Peter Hohenecker 

Musikalische Leitung & Keyboard......... 

Marty Jabara 

Bühnenbild ............... Jörg Brombacher 

Kostüme ....................... Angela Schuett 

Lichtdesign ......................... Rolf Essers 

Ton ............................. Otto Geymeier 

Eliza Doolittle ...... Zodwa K. M. Selele 

Prof. Henry Higgins .......... Markus Pol 

Oberst Hugh Pickering ........... William 

Ludwig 

Alfred P. Doolittle ................ Jogi Kaiser 

Mrs Pearce .......... Carmen Wiederstein 

Mrs Higgins ..................... Inez Timmer 

Freddy Eynsford-Hill ................. Jürgen 

Strohschein 


Dominique Aref, Carmen Danen, 

Maurice Ernst, Claudio Gottschalk- 

Schmitt, Gerrit Hericks, Anke Kastner, 

Emma Kumlien, Ewa Zyta Pankowska, 

Uschi Reifenberger, Nadin Reiness, 

Anouk Roolker (Dance Captain), Beate 

Roth, Philipp Rudig, David Schroeder, 

Bettina Schuster, C.C. Weinberger, Lisa 

Wilhelm, Julius Williams III., Wolfgang 

Zarnack, David Zieglmaier 

Wo bleibt die Sprache, die die Menschen näherbringt?« 

Diese Frage, mit der sich Phonetikprofessor 

Henry Higgins im Stück selbst vorstellt, könnte 

einem auch heutzutage wohl hin und wieder mal durch 

den Kopf schießen. In einer Ära, in der 140 online verbreitete 

Zeichen bereits genügen, um internationale Krisen 

und Proteste auszulösen, und Orthographie nicht unbedingt 

zu den Social-Media-Tugenden zählt. Als Alan 

Jay Lerner und Frederick Loewe einst »My Fair Lady« in 

New York auf die Bühne brachten, lag das freilich noch 

alles in sehr weiter Ferne. Seltsam war dieser Higgins 

aber wohl auch damals schon. Ein Nerd, der zwar anhand 

des Dialekts die Biografie eines jeden Menschen 

entschlüsseln kann, aber gleichzeitig unfähig ist, echte 

Beziehungen zu anderen zu knüpfen. Mitleid mit ihm 

zu haben fällt einem trotzdem nicht leicht, angesichts 

der menschen- und vor allem frauenverachtenden Sätze, 

die ihm in schöner Regelmäßigkeit über die Lippen 

kommen. Und so ist es vielleicht tatsächlich einfacher, 

als Regisseur die ganze Geschichte brav in einer Epoche 

zu belassen, in welcher der Hashtag »#MeToo« noch 

nicht die Runde machte. 

Natürlich ist und bleibt »My Fair Lady« einfach ein 

Klassiker. Mit unvergänglichen Melodien, die selbst 

nichtmusicalaffine Menschen sofort im Ohr haben. 

Doch so wie bei den Festspielen auf der Luisenburg 

dürfte man diese bisher noch nicht allzu oft gehört haben. 

Erklingt hier doch eine neue, auf Robert Gilberts 

deutscher Übersetzung basierende fränkische Textfassung, 

in der harte Konsonanten Mangelware und gerollte 

Rs im Überfluss zu finden sind. Was nicht nur beim 

einheimischen Publikum für gute Laune sorgt. 

Leicht zu übersetzen war das Stück noch nie, mit 

all seinen sprachlichen Nuancen, die sich nicht immer 

verlustfrei eins zu eins in ein anderes Idiom übertragen 

lassen. Und nicht zuletzt muss dann ja auch noch ein 

Ensemble gefunden werden, welches dieser Feinheiten 

mächtig ist. Doch in der Hinsicht hat man in Wunsiedel 

ein wahrhaft glückliches Händchen bewiesen. Dass 

die Inszenierung von Tim Zimmermann und Peter 

Hohenecker so hervorragend aufgeht, ist vor allem der 

Verdienst einer Frau, Zodwa K. M. Selele. Ihre Eliza hat 

Charme im Überfluss und kommt im fränkischen Zungenschlag 

zu jeder Sekunde so authentisch daher, wie 

man es sich nur wünschen kann. Da wirkt nichts aufgesetzt, 

nichts auf kalkulierte Lacher hin gespielt, sondern 

immer ehrlich empfunden – egal, wie deftig mancher 

Spruch des Blumenmädchens vielleicht daherkommen 

mag. 

Dass Eliza auch hier am Ende zu Higgins zurückkehrt, 

anstatt ihm wie in der Shaw-Vorlage endlich den 

Laufpass zu geben, mag auf den ersten Blick ein wenig 

rückwärtsgewandt erscheinen, wird durch das starke 

Auftreten von Zodwa K. M. Selele jedoch deutlich abgemildert. 

Präsentiert sie sich in den vorangegangenen 

Wortgefechten doch durchweg als selbstbewusste junge 

Frau, die schon vor der Begegnung mit Higgins auf eigenen 

Beinen stehen konnte. »Ich habe Blumen verkauft, 

nicht mich selbst!« Das wird hier zum Schlüsselsatz, der 

bei Seleles vielschichtigem Rollenportrait von Anfang 

an unterschwellig zu spüren ist. Womöglich auch, weil 

sie vom Stimmtypus her nicht unbedingt die klassische 

Soubrette ist, die man in mancher Stadttheater-Produktion 

als Eliza finden würde. Mit den Ausflügen in die 

Sopranlage hat sie dennoch keine Schwierigkeiten und 

macht sich die Songs virtuos zu eigen. Unterstützt von 

40 



einer siebenköpfigen Band, die es in der großen Ballszene 

zwar notgedrungen an schwelgerischem Geigenschmalz 

fehlen lässt, wurde das Stück mit jazzig angehauchten 

Arrangements aber gleichzeitig aus der sonst 

oft zu hörenden Operettenseligkeit befreit. 

Wie wahrscheinlich schon zu ahnen ist, haben es die 

anderen Darsteller neben einer derart den Fokus auf sich 

ziehenden Titelheldin alles andere als leicht, sich zu behaupten. 

Doch auch Jogi Kaiser darf als verschmitzter 

Doolittle so manchen Lacher kassieren und seinen eigenen 

Dialekt durchklingen lassen. Immerhin hat Elizas 

trinkfester Vater ja auch walisische Wurzeln. Mit ihm ist 

die Elterngeneration ebenso stark vertreten wie in Gestalt 

von Inez Timmer, die als resolute Mrs Higgins zwar 

nicht viel Zeit auf der Bühne verbringt, diese jedoch 

immer gewinnbringend nutzt, um mit genau gesetzten 

Pointen und einer unnachahmlichen Mimik zu punkten. 

Abgesehen von Eliza ist sie die einzige, die es zumindest 

halbwegs schafft, den von sich selbst so unendlich 

überzeugten Junior hin und wieder in seine Schranken 

zu verweisen. Wobei Markus Pol zum Glück nicht in die 

Falle tappt, den taktlosen verbalen Entgleisungen seiner 

Figur noch einen draufsetzen zu wollen und ihn damit 

endgültig zum Fiesling abzustempeln. Pol geht den Higgins 

eher unterkühlt, aber auch auf eine angenehm neutrale 

Art an und überlässt das Werten dem Publikum. So 

kann jeder für sich selbst entscheiden, ob Henrys Ausrede, 

dass er die Menschen zwar immer schroff, aber 

zumindest alle Menschen gleich schroff behandelt, für 

gültig befunden wird. Oder ob man sich als Mann nicht 

doch lieber den gutmütigen Oberst Pickering zum Vorbild 

nimmt, der auch ein Blumenmädchen stets wie eine 

Lady behandelt. William Ludwig gibt Higgins' Kollegen 

mit einer sympathischen Kauzigkeit und zieht als Bonus 

eine herrliche Grimasse, als Elizas Dialekt mit »haßem 

Dee« und »grienem Bisdazienkuchen« sich auf einmal 

auch in seinen eigenen, sonst so gepflegten und wohl 

artikulierten Wortschatz einschleicht. Im Gegensatz zu 

ihm darf Jürgen Strohschein als Freddy rollenbedingt 

nur selten über das Klischee hinaus, bedient dieses jedoch 

mit sichtlicher Freude und stattet Elizas feschen, 

aber nutzlosen Verehrer mit jeder Menge tenoralem 

Schmelz aus, wenn er auf den Spuren von Gene Kelly 

im Schein einer Straßenlaterne über die Bühne wirbelt. 

Ein wenig härter ins Gericht gehen muss man da leider 

mit der Tontechnik, die eine ganze Weile braucht, 

um sich richtig einzupendeln, worunter die Textverständlichkeit 

zu Beginn etwas leidet. Was gerade bei einem 

Stück wie diesem, bei dem jede sprachliche Nuance 

zählt, schade ist, dem Spaß des Publikums aber letztlich 

keinen allzu großen Abbruch tut. Gelingt es dem Regie- 

Duo doch – mit Ausnahme eines kleinen Durchhängers 

bei Doolittles Hochzeit, in der sich die Bewegungsabläufe 

in den Choreographien etwas zu oft wiederholen 

und Darsteller wie Zuschauer gleichermaßen ermüden –, 

das Geschehen meist zügig in Fluss zu halten und die 

Ebenen der eindrucksvollen Naturbühne geschickt zu 

nutzen. Alles in allem eine mehr als achtbare Produktion, 

die den Zuschauer auf einen nostalgischen Trip in 

die Goldene Ära des Broadway-Musicals schickt. Und 

mit einer großartigen Performance in der Titelrolle daran 

erinnert, dass die Zeit vielleicht doch langsam reif 

wäre, diesen Klassiker endlich einmal etwas kritischer 

zu hinterfragen. 

Tobias Hell 


1. Im Gegensatz zu Vater Doolittle (Jogi 

Kaiser) steht Eliza (Zodwa K. M. Selele) 

auch ohne Hilfe auf eigenen Beinen 

2. Doolittle (Jogi Kaiser, Mitte mit Ensemble) 

hat es wieder einmal geschafft, Eliza 

Geld für die nächste Runde abzuluchsen 

3. Higgins (Markus Pol) sieht »Krä-hen 

inn derr Nä-he«, für Eliza (Zodwa K. M. 

Selele) bleiben es eher »Grä in da Nee« 

4. Für ihre erste Bewährungsprobe führt 

Higgins (Markus Pol) sein Experiment Eliza 

(Zodwa K. M. Selele) zum Tanzen aus 

Fotos (4): Luisenburg-Festspiele / Florian Miedl 


41


Von einem fallenden Helden 

»Jesus Christ Superstar« Open Air auf dem Magdeburger Domplatz 

Abb. oben: 

›Ouverture‹ – Jesus von Nazareth (Tobias 

Bieri, Mitte) und seine Anhänger, die sich 

bald gegen ihn wenden 

Foto: Nilz Böhme 

Jesus Christ Superstar 

Andrew Lloyd Webber / Tim Rice 


Theater Magdeburg 

DomplatzOpenAir 


Regie, Kostüme & 

Licht ........................ Sebastian Ritschel 

Musik. Leitung ....... Damian Omansen 

Choreinstudierung ....... Martin Wagner 

Choreographie ................... Kati Farkas 

Bühnenbild ............... Rifail Ajdarpasic 

Dramaturgie ............................ Thomas 

Schmidt-Ehrenberg 

Jesus von Nazareth ............ Tobias Bieri 

Maria Magdalena .... Julia Gámez Martín 

Judas Ischariot .............. Timothy Roller 

Pontius Pilatus ......... Johannes Wollrab 

Kaiphas ................... Bartek Bukowski / 

Frank Heinrich 

Annas / Johannes ........ Martin Mulders 

König Herodes .................. Paul Kribbe 

Simon Zelotes ............. Jannik Harneit / 

Andreas Schneider 

Petrus ...................... Christian Miebach 

Jakobus ........................ Tobias Brönner 

Matthäus ................ Andreas Schneider 

Soulgirls .......... Jessica Krüger, Beatrice 

Reece, Eva Zamostny 

Drei Priester ................... Jörg Benecke, 

Jürgen Jacobs, Thomas Matz 

Frau am Feuer ............... Ulrike Bäume 

Mann am Feuer ......... Peter Diebschlag 

Alter Mann am Feuer ........ Peter Wittig 

Soldat ............................ Jürgen Jakobs 

Opernchor & 

Ballett Theater Magdeburg 

Manche Werke sind legendär und deren Komponisten, 

Autoren oder Regisseure werden zurecht 

zu Legenden. Eines dieser Musicals, die Kultstatus erreichten, 

ist »Jesus Christ Superstar« von Andrew Lloyd 

Webber mit Texten von Tim Rice. Das Stück fasziniert 

mit seiner genialen Mischung aus Rock, Klassik und 

Soul-Musik sowie einer Geschichte, wie sie jedem Menschen 

passieren könnte, nicht nur Heiligen. Das macht 

die diesjährige Produktion des Theaters Magdeburg 

auf dem DomplatzOpenAir zum 70. Geburtstag Lloyd 

Webbers mit einer eleganten und packenden Inszenierung 

der sich überraschend gut einfügenden deutschen 

Fassung von Anja Hauptmann deutlich. 

Unter der Regie von Sebastian Ritschel, der auch 

für Lichtdesign und Kostüme verantwortlich zeichnet, 

kommt eine lebendige, aber nachdenkliche Show auf 

die Bühne am Magdeburger Dom. Die Location könnte 

nicht passender sein, sie verleiht den Abenden auf dem 

Open Air besonders zu diesem Stück eine besondere Atmosphäre. 

Und das, obwohl es hier zwar um eine Figur 

aus dem religiösen Bereich, jedoch viel wichtiger: um 

nur allzu Menschliches geht, nämlich um Freundschaft, 

Verrat, um Liebe, um Menschlichkeit und eine Vision 

sowie deren Erfüllung. Dass sich Jesus' Stern leuchtend 

über den Abend der Aufführung erhebt, um dann mit 

seinem Fall in Ungnade zu sinken, wird durch Beleuchtung, 

Choreographie, Schauspiel und musikalische Umsetzung 

gezeigt. 

Zu Anfang betreten aus allen möglichen Ecken, 

die das Bühnenbild (Rifail Ajdarpasic) eines weitläufigen 

Plateaus mit seinen Treppen und kleineren Seiten- 

Plattformen hergibt, in Schwarz und eher locker-lässig 

gekleidete Anhänger von Jesus die Bühne. Sie sind 

ausgelassen, halten die Zuschauer auf der Tribüne zum 

Klatschen an. In wenigen Sekunden breitet sich in den 

dunklen, unheimlichen Passagen der ›Ouvertüre‹ eine 

schaurige Stimmung in Erwartung der kommenden 

Geschehnisse aus, bevor nur kurze Zeit später der auserwählte 

Führer Jesus von Nazareth (Tobias Bieri) begrüßt 

und wie ein Superstar gefeiert wird. Über dem Plateau 

ist in Großbuchstaben das Wort »H-E-R-O« (Held) zu 

lesen. Die Lettern leuchten auf und werden im zweiten 

Akt dadurch parodiert, dass König Herodes vor dem 

Publikum mit einem Wagen vorfährt, der Anhänger mit 

einem Pelz ausgekleidet und er selbst im roten, glitzernden 

Anzug. Auf dem Gefährt stehen die Buchstaben »D- 

E-S«, welche sich zu »Herodes« zusammenfügen lassen. 

Heutzutage werden auch Schauspieler oder Musiker 

wie Helden gefeiert, was im 2. Akt mit der Bekleidung 

von Jesus mit einem eleganten Smoking mit 

Fliege aufgegriffen wird. Doch zuerst wirkt dieser im 

1. Akt mit schwarzem Strickblazer, hellem Kragenhemd 

und schwarzer Hose düster und elegant, doch nicht 

zu überheblich gekleidet. Er streift dann während der 

Vorstellung eine Jacke mit dem Schriftzug »Hero« auf 

dem Rücken über und nimmt so den Ruf an, der ihm 

vorauseilt, bis er diesen während ›Gethsemane‹ durch 

Demontieren des Schildes abzulegen versucht. 

Vorerst ist nur einer kritisch: Judas (Timothy Roller) 

findet, dass der Kult um und die Pläne von Jesus 

überhandnehmen, und versucht, ihn, insbesondere als 

Freund, zu warnen. Judas steht oftmals auf einem seitlichen 

Plateau, um sich von den anderen zu entfernen 

oder seine isolierte Meinung zu zeigen. Die Geschichte 

beziehungsweise der Streit geht für beide nicht gut 

aus: Judas nimmt nach dem Verrat an Jesus im 2. Akt 

Abschied von der Welt. Sich dabei in seinen letzten 

Momenten vor dem Springbrunnen in der Mitte des 

Aufbaus wie ein verletztes Tier windend und mit sich 

ringend, erklimmt er das oberste Plateau und springt 

schließlich in den Tod. Für Jesus' Kreuzigung fährt ein 

Gerüst aus dem Boden und eine Querstange deutet das 

42 



Kreuz an, an die er mit Lederarmbändern festgeschnallt 

wird. Diese sind ihm zuvor für die ›39 Peitschenhiebe‹ 

angelegt worden, wobei modern gekleidete Soldaten 

den mit nacktem Oberkörper knienden Jesus mittels 

langer Lederbänder von sich fern, aber festhalten und 

ziehen können. 

Der Springbrunnen in der Mitte des Plateaus, welches 

durch verschiedene Spielflächen immer gut gefüllt, 

aber trotz großen Ensembles nicht überfüllt wirkt, wird 

zum Treffpunkt für das letzte Abendmahl. Dieses könnte 

als ein eher lockeres Zusammentreffen gelten, wenn 

Jesus seinen Aposteln nicht von seinen Visionen erzählen 

und versuchen würde, ihnen die Ernsthaftigkeit des 

Ganzen klar zu machen. Auch wird das Wasserspiel von 

einem der jüdischen Priester wie Weihwasser verwendet, 

um sich in Sorge vor Jesus' Macht vor diesem zu schützen 

oder sich im Angesicht von so viel Frevel reinzuwaschen. 

Die Choreographien (Kati Farkas) für das Ensemble 

sind einfach, aber schwungvoll, und arbeiten viel mit 

den Händen. ›Der Tempel‹ ist auch kostümtechnisch 

ein Hingucker, in Abendkleidern, SM-Kleidung inklusive 

ausgefallenen Masken und Kopfbedeckungen peitschen 

sich einige Pärchen aus, anstatt Geldscheine zu 

schwenken, und »verkaufen« sich und ihre Lust. 

Paul Kribbe steigt als Herodes mit in die Tanzchoreographien 

während ›Herodes' Song‹ ein und ›Superstar‹ 

ist ein weiteres Highlight, bei dem auch LED-Stangen 

an den beiden Gerüsttürmen rechts und links sowie 

hinten in der Mitte aufleuchten, sogar Flammen nach 

oben schießen und Tanz und Kostüme anderen bekannten 

Showstoppern durchaus ebenbürtig sind – sie machen 

genauso viel Spaß vor dem ernsten Hintergrund 

der überforderten Heilsbringerfigur, welcher der Prozess 

gemacht wird. 

Mit Tobias Bieri als Jesus und Timothy Roller als 

Judas wurden starke Darsteller in den Hauptrollen verpflichtet, 

die das Publikum überzeugen können. Der 

Schweizer Tobias Bieri singt absolut akzentfrei, mit 

voller Stimme, die auch durchaus gekonnt die schwierigeren 

Höhen der Partitur und den Zuschauer damit 

einzunehmen weiß. Fast schon engelsgleich in ›Hosanna‹, 

energischer in ›Gethsemane‹ oder innerlich gepeinigt 

aufschreiend in ›Der Tempel‹, zeigt er verschiedene 

Facetten. Er bietet schauspielerisch einen Jesus, der sein 

Leiden nicht zu stark zeigt, während der Gefangennahme 

klarsieht, dass Gott ihm aufgetragen hat, für seinen 

Glauben zu sterben, und selbst bei den 39 Peitschenhieben 

durch das gesamte Ensemble die Schmerzen erträgt 

und standhaft bleibt. 

Sein Gegenpart Judas wird von Timothy Roller 

verkörpert, der stimmlich nicht ganz die fast schon 

gewohnte Rockröhre bieten kann, aber in Gesang und 

Schauspiel gefällt. Auch er meistert die schwierigen 

Gesangspartien, sodass man aufhorcht, wenn er in den 

Zuschauerrängen ›Weil sie ach so heilig sind‹ singt, und 

Anteil nimmt an seinem Selbstmord, obwohl er seinen 

Freund verraten hat. Julia Gámez Martín als Maria 

Magdalena steht zwischen den beiden Freunden und 

muss sich ihre Liebe zu Jesus eingestehen. Sie singt mit 

Inbrunst: ›Wie soll ich ihn nur lieben‹ oder ›Lass uns 

neu beginnen‹. 

Von der weiteren Besetzung sticht insbesondere 

Martin Mulders als verführerisch-teuflischer Annas 

heraus. Alle anderen zeigen wohlgefällige Bass- und 

Bariton-Stimmen. Die Soulgirls in ihren Abendkleidern 

singen glockenklar und mit Power: ›Superstar‹. Auch der 

Opernchor Magdeburg soll nicht unerwähnt bleiben, er 

erklingt eindrucksvoll (Einstudierung: Martin Wagner). 

Die Magdeburgische Philharmonie liefert den perfekten 

Rock-Klassik-Sound für so einen stimm- und inszenierungsgewaltigen 

Abend (Musikalische Leitung: Damian 

Omansen). Im nächsten Jahr ist »Chicago« beim DomplatzOpenAir 

zu sehen und ein Besuch unbedenklich 

zu empfehlen. 

Rosalie Rosenbusch 


1. Maria Magdalena (Julia Gámez Martín) 

will Jesus von Nazareth (Tobias Bieri) 

die Stirn kühlen und ihn beruhigen 

2. Judas Ischariot (Timothy Roller) steht 

mit seiner Meinung über den Kult um 

Jesus und seine Taten allein 

3. ›Herodes' Song‹ – König Herodes (Paul 

Kribbe, Mitte) und Ensemble verspotten 

Jesus von Nazareth (Tobias Bieri, l.) 

4. Der verratene Jesus (Tobias Bieri, 

Mitte) wird gefangengenommen, später 

vom wütenden Mob ausgepeitscht sowie 

gekreuzigt 

Fotos (4): Nilz Böhme 


43


Erfrischend neu 

»Chicago« bei den Schlossfestspielen Ettlingen 

Abb. oben: 

›Ich und mein Baby‹ – Roxy (Maria- 

Danaé Bansen, Mitte) erzählt Reporterin 

Mary Sunshine (Anton Schweizer, Mitte l.) 

und Anwalt Billy Flynn (Marc Lamberty, 

Mitte r.), dass sie ein Baby bekommt 

Foto: SFS 

Chicago 

John Kander / Fred Ebb / Bob Fosse 

Deutsch von Erika Gesell & 

Helmut Baumann 

Schlossfestspiele Ettlingen 

Schlosshof 


Regie ........................... Udo Schürmer 

Musikalische Leitung ..... Tobias Leppert 

Choreographie ............. Bart De Clercq 

Bühnenbild ..................... Steven Koop 

Kostüme ............................ Birgit Barth 

Roxie Hart ......... Maria-Danaé Bansen 

Velma Kelly ............... Dorothee Kahler 

Billy Flynn .................. Marc Lamberty 

Amos Hart ........... Adrian Kroneberger 

»Mama« Morton ......... Gudrun Schade 

Mary Sunshine ......... Anton Schweizer 

Möderinnen ...... Julie Hall, Eva Müller, 

Tina Podstawa, Isabelle Vedder, Ellen 

Wawrzyniak, Vanessa Wilcek 


Marco Fahrland-Jadue, Robert 

Lancaster, Wolfgang Schwingler, 

Marc Trojan, Bas Timmers 

Schon seit 40 Jahren gibt es in Ettlingen, dem idyllischen 

Städtchen nahe Karlsruhe, die Schlossfestspiele. 

Mit dem Musical »Chicago«, inszeniert von Udo Schürmer, 

startete man am 21. Juni 2018 in die neue Saison. 

Das Musical, das in den 20er Jahren in Chicago 

spielt, kommt frisch und munter daher. Neben großartigen 

Darstellern und Choreographien ist auch das Bühnenbild 

vor der beeindruckenden Kulisse des Schlosses 

durchaus ansprechend. 

»Chicago« beruht auf einer wahren Begebenheit 

und wurde von der Reporterin Maurine Dallas Watkins 

1926 als Schauspiel geschrieben. 1975 schufen Fred 

Ebb und Bob Fosse daraus die Vorlage für das Musical, 

zu dem John Kander die Musik schrieb. 

Wer das Musical in Stuttgart gesehen hat, wird ein 

bisschen über die »geänderten« Texte verwundert sein, 

denn in Ettlingen hat man sich an der Version der 

deutschsprachigen Erstaufführung von Erika Gesell und 

Helmut Baumann orientiert, die 1998/99 erstmals in 

Wien gespielt wurde. 

»Chicago« erzählt die Geschichte von Roxy Hart 

(Maria-Danaé Bansen), einer wenig erfolgreichen 

Nachtclubsängerin, die ihren Lover Fred Casely erschießt, 

nachdem er ihr erklärt hat, dass er sie gar nicht 

liebt. Ihr Ehemann Amos (Adrian Kroneberger), den sie 

zunächst noch dazu überreden kann, sie zu schützen, 

bemerkt sehr schnell, dass sie ihn nur ausnutzt, und 

korrigiert seine Aussage, er habe Fred erschossen. Somit 

wandert Roxy ins Gefängnis. 

Dort lernt sie 6 weitere Mörderinnen kennen, so auch 

Velma Kelly (Dorothee Kahler). Velma, eine Vaudeville- 

Sängerin, ist der heimliche Star unter den »Damen«, 

denn dank »Mama« Morton (Gudrun Schade), die im 

Gefängnis die Aufsicht hat, und dem windigen Anwalt 

Billy Flynn (Marc Lamberty), der für alle Mörderinnen mit 

erfundenen Geschichten einen Freispruch erwirkt, schaut 

Velma einer großen Karriere in Freiheit entgegen. 

Denn im Frauenknast der damaligen Zeit ging es vor 

allem darum, nicht am Galgen zu enden. Und ausgerechnet 

die einzige unter den Damen, eine Ungarin, die 

außer »nicht schuldig« fast nichts sagt und während des 

›Zellenblocktangos‹ nicht zugibt, jemanden umgebracht 

zu haben, erleidet dieses Schicksal. 

Währenddessen hat Velma die Rechnung ohne Roxy 

gemacht, die schnell zum Liebling der Presse wird. Auch 

sie bekommt von Anwalt Billy Flynn eine rührende Geschichte 

verpasst, die sie als Marionette an Billys Fäden 

dem Gericht präsentiert. 

Doch auch Roxy, die sich schon als großen Showstar 

sieht, wird vom Geschehen überholt. Ihr Freispruch, 

ihre angebliche Schwangerschaft, das alles geht im Wirbel 

um eine neue Mörderin unter, die aus der High Society 

kommt und um die sich alles dreht. So müssen 

sich am Ende Roxy und Velma notgedrungen zusammentun, 

um eine neue Karriere zu starten. 

Udo Schürmer inszeniert »Chicago« als Jahrmarkt. 

Steven Koops Bühnenbild ist in drei Teile aufgeteilt, 

links ein Puppentheater, in der Mitte ein Clownsgesicht 

und rechts der Zellenblock mit Gittern auf Rollen, die 

von den »Mörderinnen« beim berühmten ›Zellenblocktango‹ 

mit ihren Opfern auf der anderen Seite gekonnt 

verschoben werden. 

Das Clownsgesicht dient als Hauptbühne und kann 

auch die Zunge herausstrecken, sodass ein Catwalk entsteht. 

Und im Puppentheater hängt Roxy als Marionette 

an Fäden. 

Billys erster Auftritt mit ›Ich bin nur für Liebe da‹ 

wird von den Tänzerinnen in Bart De Clercqs Choreo- 

44 



graphie mit bunten Schirmen anstelle der sonst üblichen 

Fächer aus Federn untermalt. Bei dem Lied ›Hokuspokus‹ 

agiert Billy als Zauberer mit Zylinder und 

Zauberstab auf einem Jahrmarkt mit Artisten, Gauklern 

und Luftballons. 

Alles ist Inszenierung: Vor der Presse streiten sich 

Velma und Roxy um deren Gunst, doch dann fällt Roxy 

plötzlich in Ohnmacht und behauptet, schwanger zu 

sein. Während sie im Rollstuhl hinaus gebracht wird, 

tanzt das Ballett einfallsreich mit Kinderwagen und 

wirft sich gegenseitig die Babies zu. 

Lustig und für den Zuschauer gar nicht langweilig ist 

die Gerichtsverhandlung inszeniert, bei der Justitia zwar 

mit der berühmten Waage, aber auch mit Sternenkrone 

und Fackel erscheint und damit sehr an die Freiheitsstatue 

erinnert. Und ihr ist bei dem »Blablabla« von Billy 

so langweilig, dass sie sich gähnend setzt. 

Insgesamt orientiert sich die Produktion in Ettlingen 

ein bisschen an dem Kinofilm von 2001 mit Renée Zellweger, 

Catherine Zeta-Jones und Richard Gere. Doch 

die Besetzung, die man in Ettlingen gefunden hat, lässt 

auch keine Wünsche offen. 

Maria-Danaé Bansen als Roxy ist ebenso wie Dorothée 

Kahler als Velma sowohl stimmlich, tänzerisch und 

auch schauspielerisch sehr gut. 

Marc Lamberty, der optisch ein bisschen an Thomas 

Magnum (»Magnum«, 80er-TV-Serie um einen 

Privatdetektiv auf Hawaii) erinnert, spielt die Rolle des 

gewieften Anwalts, der immer nur auf seinen Vorteil bedacht 

ist, sehr überzeugend. 

Ein bisschen leid kann einem Adrian Kroneberger 

als Roxys Gatte Amos schon tun. Nicht nur, dass er als 

›Mr Zellophan‹ schon kaum beachtet wird, bekommt er 

auch keine Abgangsmusik wie zuvor Billy Flynn. 

Gudrun Schade als »Mama« überzeugt mit ihrem 

Spiel, hat sie doch keine Angst davor, ihre »Mörderinnen« 

überall zu berühren. Ihr erster Auftritt in Lack und 

Leder, von vier Tänzern in einer Sänfte getragen, macht 

gleich klar, wer im Gefängnis das Sagen hat. 

Auch Anton Schweizer als Reporterin Mary Sunshine 

ist einfach großartig. Während sie zunächst im 

Paillettenkleid auf der Bühne steht, enttarnt sie sich am 

Ende doch als Mann, getreu dem Motto: »Die Dinge 

sind nicht immer das, was sie zu sein scheinen.« 

»Chicago« in Ettlingen ist eine absolut gelungene 

Produktion, bei der angenehm auffällt, dass man alle 

Darsteller hervorragend versteht. Das Ensemble ist 

durchweg sowohl tänzerisch als auch gesanglich sehr gut. 

Die Choreographien von Bart De Clercq und die 

Kostüme von Birgit Barth sind einfallsreich und wirken 

erfrischend neu. Unter der musikalischen Leitung 

von Tobias Leppert kommt das Stück fröhlich und 

munter daher. 

Das Premierenpublikum war, trotz heftigen Winds, 

der auch auf der Bühne alles durchblies, begeistert und 

bedankte sich mit minutenlangem Applaus und Standing 

Ovations. 

Wettermäßig ist man als Zuschauer in Ettlingen geschützt, 

denn die Zuschauer sitzen überdacht, während 

die Bühne unter freiem Himmel ist. Sitzkissen gibt es 

am Eingang umsonst, gegen eine kleine Gebühr kann 

man sogar eine Decke ausleihen. 

Da das Stück jedoch erst um 20.30 Uhr am Abend 

beginnt, empfiehlt es sich, eine warme Decke mitzunehmen. 

Ingrid Kernbach 


1. ›All That Jazz‹ – Velma Kelly (Dorothée 

Kahler) 

2. Roxy (Maria-Danaé Bansen, 2.v.r.) 

möchte sich mit Velma (Dorothée Kahler, 

2.v.l.) anfreunden, doch die ist noch der 

Star des Gefängnisses 

3. Billy Flynns (Marc Lamberty mit 

Ensemble) großer Auftritt mit ›Ich bin nur 

für Liebe da‹ 

4. Roxy (Maria-Danaé Bansen, 2.v.l.) als 

Marionette von Billy Flynn (Marc Lamberty, 

r.), der Reporterin Mary Sunshine 

(Anton Schweizer, 2.v.r.) eine erfundene 

Leidensgeschichte erzählt. Auch »Mama 

Morton« (Gudrun Schade, l.) zieht an 

den Fäden 

Fotos (4): SFS 


45


Wie man Kriege entfacht 

»Zzaun! – Das Nachbarschaftsmusical« erstmals Open Air in Kloster Oesede 

Abb. oben: 

Noch ist die Welt heil: Felix (Tobias 

Landwehr), Roland (Benjamin Tschesche), 

Walburga (Silke Röwekamp) und 

Horst (Werner Knappheide) 

Foto: Christian Spielmann 

Zzaun! – 

Das Nachbarschaftsmusical 

Alexander Kuchinka / 

Tilmann von Blomberg 

Kloster Oesede Georgsmarienhütte 

Waldbühne 


Regie ......................... Klaus Michalski 

Musik. Leitung & 

Arrangements ..... Christian Tobias Müller 

Choreographie ............. Sabine Lindlar 

Bühnenbild ........ Sabine Lindlar, Klaus 

Michalski, Volker Möller 

Kostüme ..................... Annegret Weber 

Maske ........................ Sarah Niermann 

Licht .......................... Lennart Clausing 

Ton ............................ Michael Schütte 

Horst Könner ........ Werner Knappheide 

Leonie ...................... Melanie Krupke / 

Karina Linnemann 

Michelle .......................... Vanessa Rolf 

Roland Sieger ...... Benjamin Tschesche 

Felix .......................... Tobias Landwehr 

Walburga ................ Silke Röwekamp / 

Heike Niederwestberg 

Herr Kühn .................... Jens Landwehr 

Herr Grundlos ............. Jan Kaltermann 

Irene Sonnschein / 

UN-Generalsekretärin .... Uschi Körner 

Zaun Müller ........ Michael Kasselmann 

Reporter .................. Niklas Gausmann 

Erst im März feierte das Musical »Zzaun! – Das Nachbarschaftsmusical« 

in Dresden Uraufführung (vgl. 

blimu 02/18). Der Waldbühnenverein in Kloster Oesede 

sicherte sich die Rechte zur ersten Open-Air-Aufführung, 

die Klaus Michalski inszenierte. 

Die Waldbühne bietet mehr Platz als jene in Dresden. 

Hier stehen die Fassaden von sechs Reihenhäusern, 

deren Vorgärten durch Gartenzäune abgetrennt sind. 

Die Requisiten, unter anderem Liegestühle, Tische und 

Grills, werden von den Darstellern selbst bewegt. Und 

die wirklich großen Utensilien – zwei Büros / Bunker 

von den Streithähnen – stehen hinter den Fassaden, die 

aufklappbar sind. 

Zur Ouvertüre ›Wir hier‹ wird die gute Nachbarschaft 

besungen: Horst Könner (Werner Knappheide) 

und seine Freundin Leonie (Melanie Krupke) wohnen 

neben Roland Sieger (Benjamin Tschesche) und Felix 

(Tobias Landwehr), die miteinander verheiratet sind. 

Sie leihen sich gegenseitig Sachen aus und diskutieren 

über alles. Als Horst versehentlich einen Zaunpfahl abbricht, 

geht das freundschaftliche Verhältnis langsam, 

aber sicher in die Brüche. Horst will das Stück Zaun 

selbst reparieren, da er einst Schreiner war, und Roland 

drängt ihn, es sofort zu machen, da Felix' Mutter Walburga 

(Silke Röwekamp) zum ersten Mal zu Besuch 

kommt. Anschließend ist er aber nicht zufrieden mit 

der Reparatur, weil Horst das Teil nur mit Klebeband 

geflickt hat. Walburga ist nicht von der homosexuellen 

Ehe begeistert. Felix' rosarotes Kaffeeservice mag sie 

gar nicht, ebenso wie den lädierten Gartenzaun. Auf 

Leonies Vorschlag, den Zaun einfach abzureißen, geht 

keiner ein. 

Roland hat den Zaunverkäufer Zaun Müller (Michael 

Kasselmann) bestellt, um einen Kostenvoranschlag für 

eine neue Einfriedung zu erhalten. Zum Song ›Zaun 

Müller‹, der voller ironischer Anspielungen auf das 

Zaungewerbe ist sowie an den (Titel) ›Maschendrahtzaun‹ 

erinnert, taucht ein Teil des Ensembles tanzend 

mit Kartons auf, welche die verschiedenen Farben der 

Zäune zeigen. Der Verkäufer nennt sich ironischerweise 

»Master of Zaun«. Da ein neuer Zaun viel kosten würde, 

soll Horst seine Versicherung einschalten. 

Horsts Tochter Michelle (Vanessa Rolf) besucht 

ihren Vater und staunt nicht schlecht über den Streit. 

Versicherungsagent Kühn (Jens Landwehr) will zuerst 

klären, auf welchem Grundstück der Zaun steht. 

Dies veranlasst Roland, seinen Anwalt Herrn Grundlos 

(Jan Kaltermann) hinzuzurufen. Das Lied der beiden, 

›Grundlos und Kühn‹, sagt genug aus über das, was gerade 

passiert. 

Die zwei Streithähne gründen je eine Partei: Roland 

die FFF, mit dem Motto »Der wahre Sieger«, und Horst 

die UAE, mit dem Motto »Was für Könner«. Beide halten 

große Reden, und Kühn bzw. Grundlos übernehmen 

nun die Aufgabe des jeweiligen Beraters. Ein Reporter 

(Niklas Gausmann) kommt an den Ort des Geschehens 

und interviewt die ahnungslosen Anwohner. 

Felix' Spezialität ist das Backen von Nusskringeln, 

die Roland nicht mag, nur seine Mutter und Leonie 

finden sie lecker. Mit dem Lied ›Ich auch‹ entdecken 

Felix und Leonie weitere Gemeinsamkeiten. Als Frau 

Sonnschein (Uschi Körner) den Grundbucheintrag prüfen 

soll, fahren Beamtinnen ihres Amts zum Rhythmus 

des Songs ›Lob dem Grundbuch‹ mit Rolltischen umher, 

ehe drei Geometer anrücken und die Vermessung 

vornehmen. Fazit: Der Zaun steht auf Horsts Grundstück! 

Nun benutzt Horst zum ersten Mal das Wort 

»Schwuchtel«. Der Ton ändert sich, und die beiden 

Nachbarn bekämpfen sich mit Baggern, ehe sich Felix 

und Leonie zwischen die Streithähne stellen. Das Ensemble 

staunt mit ›Was für eine Schlacht‹ und macht 

sich auf Schlimmeres gefasst. 

46 



In der Pause werden zwei Büroräume auf die Bühne 

gefahren. Der eine ist die Zentrale von Roland, der sich 

nun Premierminister nennt, während im zweiten Horst 

sitzt, der sich zum Bundeskanzler ernannt hat. Ihre 

Reihenhaushälften sind jetzt durch eine Grenzschranke 

und einen Gitterzaun getrennt. 

Herr Zaun Müller ist Rüstungsfachmann geworden, 

der alle möglichen Waffen als »Master of Schieß« anbietet. 

Das Ensemble tanzt mit Fotos von Waffen und 

Roland zeigt seiner Schwiegermutter und Felix eine Rakete. 

Auch Horst verfügt über eine solche Waffe. Felix 

und Leonie treffen sich nun an der Schranke, er schenkt 

ihr eine Schachtel Gebäck und beide wollen gemeinsam 

gegen die Dummheit ihrer Partner vorgehen. Auch Michelle 

hat die Sinnlosigkeit des Streites satt. Da ihr Vater 

ihr zudem kein neues Smartphone kaufen will, stellt sie 

sich auf Leonies Seite. Felix verlangt von Roland, den 

Konflikt zu beenden, weil Leonie von Horst deswegen 

schlecht behandelt wird. Aber der Premierminister hat 

dafür kein Ohr. 

Mittlerweile patrouillieren Soldaten im Garten von 

Horst. Felix und Leonie beschließen, Widerstand zu 

leisten (›Untergrundballade‹). Bei einem Protest der Bevölkerung 

wird eine Frau erschossen. In dieser skurrilen 

Entwicklung werden die Büros gedreht und sind nun 

Bunker. Die Armee von »Mein Könner«, wie sich Horst 

gern anreden lässt, gerät in Verzug, und General Kühn 

wird wegen Unfähigkeit von einem Soldaten erschossen. 

Auf der anderen Seite führt Walburga den Reporter 

durch den »Sieger-Bunker«, während Grundlos zum 

Admiral avanciert. 

Die UN-Generalsekretärin (Uschi Körner) rückt in 

Begleitung von Blauhelmen an und fordert Roland und 

Horst auf, sich umgehend die Hände zu geben und den 

Streit beizulegen. Widerwillig geschieht dies, während 

Horst Verrat wittert. Er schießt auf Grundlos, bis ihm 

Michelle die »Verräter« nennt: Leonie und Felix. Walburga 

plädiert nun für den Frieden, und Felix und Leonie 

küssen sich. Das ist zu viel für Roland und Horst, 

und beide drücken den fatalen Knopf. Es knallt und 

Feuerwerksraketen fliegen hoch, die Bühne wird eingenebelt. 

Das Ensemble lässt Bunker und Schranke verschwinden. 

Während die Zäune wieder wie am Anfang stehen, 

diskutieren Horst und Roland über eine Nachbarschaft 

ohne Absperrungen. Alles war nur ein böser Traum. 

Jetzt leben alle ohne Zäune »glücklich und froh, wie der 

Frosch im Damenklo«. 

»Zzaun!« strotzt nur so von ironischen Anspielungen 

auf heutige und vergangene Konflikte. Aus einer Bagatelle 

kann plötzlich Krieg werden. Die Lieder von Alexander 

Kuchinka sind mal rockig, mal leise und stets 

mit den passenden Texten versehen. 

Die Amateurtruppe aus Kloster Oesede spielt das 

Musical von Autor Tilmann von Blomberg mit großer 

Begeisterung in einer Qualität, die es sich in all den Jahren 

erarbeitet hat, was auch für die gesanglichen Fähigkeiten 

gilt. Bei der besuchten Vorstellung gefielen am 

besten Melanie Krupke als Leonie, wegen ihrer Energie, 

diese Frau zu spielen, die von allen für dumm gehalten 

wird, Werner Knappheide als Horst, wegen seiner 

sarkastischen Entschlossenheit, alles zu tun, um Recht 

zu bekommen, und Benjamin Tschesche als Roland, der 

vom »Schmatzipuffer« – so nennt ihn Felix – zu einem 

energischen Macho wird, welcher sich nichts gefallen 

lässt. Auch »First Gentleman« Tobias Landwehr (Felix) 

und »First Schwiegermutter« Silke Röwekamp (Walburga) 

überzeugen. 



1. Herr Zaun Müller (Michael Kasselmann, 

5.v.l.) preist seine Zäune an. Walburga 

(Silke Röwekamp, l.), Felix (Tobias 

Landwehr, 2.v.l.) und Roland (Benjamin 

Tschesche, 3.v.l.) hören zu 

2. Roland (Benjamin Tschesche, Mitte l.) 

und Horst (Werner Knappheide, Mitte 

r.) halten Reden. Walburga (Silke Röwekamp), 

Herr Grundlos (Jan Kaltermann) 

und Felix (Tobias Landwehr) hören auf 

der linken Seite zu, während Herr Kühn 

(Jens Landwehr) rechts steht 

3. (v.l.): Herr Grundlos (Jan Kaltermann), 

Roland (Benjamin Tschesche), Felix 

(Tobias Landwehr) und Walburga (Silke 

Röwekamp) posieren mit der Rakete für 

ein Foto 

4. Die UN-Generalsekretärin (Uschi 

Körner mit Ensemble) schaltet sich ein 

Fotos (4): Christian Spielmann 


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Neues aus Deutschland 

zusammengestellt von Barbara Kern 

Deutschsprachige / Europäische Erstaufführung 

von »Jasper in Deadland« am TfN 

Hildesheim 

Am 19. Januar 2019 feiert das Musical von 

Ryan Scott Oliver (Musik und Liedtexte) und 

Hunter Forster (Buch) in deutscher Übersetzung 

von Lisanne Wiegand und mit Regie und 

Choreographie von Bart De Clercq Premiere 

am TfN Hildesheim. Die musikalische Leitung 

übernimmt Andreas Unsicker, die Ausstattung 

Hannes Neumaier. 

Das Musical basiert auf dem Mythos von 

Orpheus und Eurydike sowie Isis und Osiris 

und erzählt die Geschichte des 16-jährigen 

Jasper, der nach der ersten Liebesnacht glaubt, 

seine Agnes sei von den Klippen gesprungen, 

und ihr folgt, um sie aus der Unterwelt zurückzuholen: 

Dort bekommt er es mit dem 

griechischen Zerberus und dem ägyptischen 

Totengott Osiris sowie Dämonen zu tun und 

trinkt das Wasser des Vergessens (Lethe). 

Mehr auf: www.tfn-online.de 

Uraufführung von »Drachenherz« Frühjahr 

2019 in Chemnitz 

In Koproduktion mit der Neuköllner Oper Berlin 

zeigt das Theater Chemnitz mit Premiere am 

2. März 2019 die Uraufführung von »Drachenherz«. 

Günni lebt in einer mitteldeutschen Kleinstadt 

mit hoher Arbeitslosigkeit, aber seine Clique ist 

cool. Da kommt Fred in die Stadt, der anders ist 

und Ideen im Kopf hat. Fred ist schon bald Günnis 

bester Gefolgsmann in der Clique. Hannes 

könnte kotzen. Günnis bester Mann war doch 

immer Hannes. Und wenn einer das Recht hat, 

Günnis Schwester Jenny den Hof zu machen, 

dann doch wohl er! Mit einem Wort: Fred geht 

Hannes schwer gegen die Ehre. 

Das Musical von Wolfgang Böhmer (Musik) 

und Peter Lund (Buch und Liedtexte) bedient 

sich der Siegfried-Sage, siedelt das Ganze aber 

im Hier und Heute an. Siegfried musste sterben, 

weil es damals keinen Platz gab für echte Helden. 

Gibt es diesen Platz heute? 

Regie führt Peter Lund selbst, die musikalische 

Leitung übernimmt Hans-Peter Kirchberg, die 

Ausstattung Ulrike Reinhard. Es choreographiert 

Neva Howard und die dramaturgische 

Betreuung verantwortet Christiane Dost. 

Es spielen: Günni (Florian Heinke), Hannes (Johannes 

Krimmel), Brüning (Florentine Beyer), 

Tropi (Timo Stacey), Jenny (Nicola Kripylo), 

Nasir (Tristan Giovanoli), Fred (Denis Riffel) 

und Woda (Ngako Keuni). 

Mehr auf: www.theater-chemnitz.de 

Stadttheater Hildesheim 

Foto: Andreas Hartmann 

Uraufführung von »Der Mann mit dem 

Lachen« an der Staatsoperette Dresden 

Das Auftragswerk schrieben Frank Nimsgern (Musik), 

Tilmann von Blomberg (Buch) und Alexander 

Kuchinka (Liedtexte) nach Victor Hugos (»Les Misérables«) 

gleichnamigem Roman »L'homme qui rit« 

aus dem Jahr 1869 über den Waisenjungen Gwynplaine, 

dessen Gesicht zu einem Dauergrinsen entstellt 

ist. Er zieht als Gaukler über die Jahrmärkte, 

bis sich herausstellt, dass er der verschollene Erbe 

eines Lords ist. Berauscht vom Luxus des englischen 

Hochadels, erkennt er erst allmählich, dass die Dinge 

nicht so sind, wie sie scheinen. 

Am 27. April 2019 feiert das dramatische Musical 

unter Regie von Andreas Gergen, mit musikalischer 

Leitung von Peter Christian Feigel, Bühnenbild 

von Sam Madwar und Choreographien von 

Simon Eichenberger in Dresden Uraufführung. 

Mehr auf: www.staatsoperette.de 

Europäische Erstaufführung von dem Cirque 

du Soleil-Musical »Paramour« 

In einer Co-Produktion von Stage Entertainment 

und Cirque du Soleil startet am 14. April 

2019 nach der Premiere am Broadway (vgl. blimu 

05/2016) die Musical-Show mit Weltklasse- 

Artistik ihre Spielzeit im Theater Neue Flora in 

Hamburg. 

Spielend in der goldenen Ära Hollywoods, wird 

die Geschichte einer Talentsuche erzählt. Die 

schöne Schauspielerin Indigo erlebt die Höhen 

und Tiefen einer Karriere im Showbusiness und 

muss sich zwischen der Zuneigung zu dem charismatischen 

Regisseur AJ, der ihr Talent fördert, 

und der Liebe zu dem Pianisten Joey entscheiden. 

In opulenten Bildern und von atemberaubender 

Artistik eingerahmt wird das Liebesdrama erzählt. 

Mehr auf: www.stage-entertainment.de 

Magdeburger DomplatzOpenAir 2019 mit 

»Chicago« 

Das Theater Magdeburg ist eines der wenigen 

deutschsprachigen Theater, das das Stück nicht in 

der New Yorker Revival-Inszenierung von 1996 

zeigen muss, sondern eigene Wege gehen darf. 

Am 14. Juni 2019 feiert das Vaudeville-Musical 

»Chicago« von John Kander (Musik), Fred Ebb 

(Buch und Liedtexte) und Bob Fosse (Buch) 

dort unter Regie von Ulrich Wiggers Premiere. 

Die musikalische Leitung hat Damian Omansen 

und die Choreographien kreiert Jonathan 

Huor (»Tanz der Vampire«, St. Gallen). Leif-Erik 

Heine gestaltet die Bühne, Franz Blumauer die 

Kostüme. Thomas Schmidt-Ehrenberg ist der betreuende 

Dramaturg. Gespielt wird die deutsche 

Fassung von Erika Gesell und Helmut Baumann. 

Mehr auf: www.theater-magdeburg.de 

Andreas Gergen 

Foto: Andrea Peller 

48 


Mamma Mia 2 

blickpunkt musical Special Mamma Mia 2 

1

Mamma Mia! 1 

rückblick 

MAMMA MIA! 

Universal Pictures 

USA / UK / Deutschland 2008 

Kinostart: 17. Juli 2008 

Wiederaufführung: 13. Mai 2018 

FSK ohne Altersangabe 

Länge: 109 Minuten 

Regie ................................................................................................................... Phyllida Lloyd 

Drehbuch & Musicalbuch .................................................................... Catherine Johnson 

Kamera ................................................................................................... Haris Zambarloukos 

Filmschnitt ......................................................................................................... Lesley Walker 

Score ............................................................................. Benny Andersson & Björn Ulvaeus 

Music Direction ................................................................................................... Martin Lowe 

Music Supervision......................................................................................... Becky Bentham 

Choreographie ........................................................................................ Anthony Van Laast 

Setdesign .................................................................................... Barbara Herman-Skelding 

Produktionsdesign ...................................................................................... Maria Djurkovic 

Kostüme .................................................................................. Ann Roth & Timothy Everest 

Hair & Make-up ............................................................... Christina Baker, Polly Earnshaw, 

Tina Earnshaw, Eithene Fellen, Marcelle Genovese 

Special Effects .................................... Caimin Bourne, Paige Chaytor, Chris Corbould 

Sound .................................... Nick Adams, Mark Appeleby, Michael Barry, Ricky Butt 

Soundtrack ........................... »ABBA«, Anna Afzelius, Tobias Ahsell, Anki Albertsson 

Produzenten .................................... Judy Craymer, Gary Goetzman & Mark Huffman 

Sophie ........................................................................................................... Amanda Seyfried 

Bill ................................................................................................................... Stellan Skarsgård 

Sam ..................................................................................................................... Pierce Brosnan 

Harry ........................................................................................................................... Colin Firth 

Lisa ................................................................................................................. Rachel McDowall 

Ali ............................................................................................................................ Ashley Lilley 

Donna .....................................................................................................................Meryl Streep 

Rosie........................................................................................................................ Julie Walters 

Tanya............................................................................................................ Christine Baranski 

Sky.................................................................................................................... Dominic Cooper 

Pepper ................................................................................................................ Philip Michael 

Eddie ......................................................................................................................... Chris Jarvis 

Dimitri ................................................................................................................ Hemi Yeroham 

MM 1 

blickpunkt musical Special Mamma Mia! 2

Mamma AMia! 1 

1975 eroberte der Song ›Mamma Mia‹ 

der schwedischen Kultband »ABBA« 

die Charts von Deutschland, Großbritannien, 

Irland, der Schweiz, Australien 

und Costa Rica. 

In den 80er Jahren arbeitete Produzentin 

Judy Craymer mit Benny Andersson und 

Björn Ulvaeus als ausführende Produzenten 

an dem Projekt »Chess«. Inspiriert 

von der Darstellungskraft der Songs, 

plante sie, ein Musical zu kreieren, das 

bereits bestehende »ABBA«-Songs beinhalten 

sollte. 

1995 stimmten Andersson und Ulvaeus 

dem Musical zu, unter der Voraussetzung, 

dass Craymer eine starke Geschichte 

schreiben ließ, die von den Songs getragen 

wird. Dramatikerin Catherine Johnson 

konnte für das Musical »Mamma Mia!« 

gewonnen werden, das 1999 in London 

seine Uraufführung feierte und sich zu 

einem weltweiten Erfolg entwickelte. In 

insgesamt 16 verschiedenen Sprachen 

übersetzt, mit 22 »ABBA«-Songs untermalt 

und in 440 Städten aufgeführt, begeisterte 

das Musical mehr als 60 Millionen 

Zuschauer. 

Basierend auf dem Musical, das die Geschichte 

zweier Generationen von Frauen 

– über junge Liebe und solche, die über 

Jahre Bestand hat – erzählt, entstand der 

gleichnamige Musicalfilm, der 2008 in die 

Kinos kam. Mit der zeitlosen Musik und 

den Texten von »ABBA« setzte sich die Erfolgsgeschichte 

von »Mamma Mia!«, unter 

Regie der Theater- und Opernregisseurin 

Phyllida Lloyd, auf der Kinoleinwand fort. 

Die auf der fiktiven griechischen Insel 

Kalokairi angesiedelte Geschichte spielte 

weltweit über 600 Millionen Dollar 

ein und wurde in Großbritannien zum 

erfolgreichsten Kinofilm aller Zeiten. Die 

Kinobesucher wurden nicht nur durch 

die zahlreichen »ABBA«-Songs in die 

Kinos gelockt, sondern auch durch die 

hochkarätige Besetzung, die diese selbst 

sang. Neben Meryl Streep und Amanda 

Seyfried als Mutter-Tochter-Gespann rundeten 

Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan 

Skarsgård sowie Christine Baranski, Dominic 

Cooper und Julie Walters den Cast ab. 

Mit dem Wunsch, ihren leiblichen Vater bei 

ihrer Hochzeit mit Sky (Dominic Cooper) 

dabei zu haben, verschickt Sophie (Amanda 

Seyfried) drei Briefe an die Männer, 

von denen einer ihr Vater sein könnte. 

Tatsächlich machen sich Sam (Pierce 

Brosnan), Bill (Stellan Skarsgård) und 

Harry (Colin Firth) auf den Weg zur Insel, 

um die Absenderin persönlich kennenzulernen. 

Derweil treffen Lisa (Rachel 

McDowall) und Ali (Ashley Lilley), Sophies 

beste Freundinnen, auf der Insel ein und 

blickpunkt musical Special Mamma Mia! 2 

MM 2

Mamma Mia! 1 

Rosie (Julie Walters, l.) und Tanya (Christine Baranski, r.) bauen 

Donna (Meryl Streep, Mitte) wieder auf: ›Chiquitita‹ 

Donna (Meryl Streep) und Sam (Pierce Brosnan): ›SOS‹ 

C 

Bill (Stellan Skarsgård), Sam (Pierce Brosnan), Harry (Colin 

Firth) und Sophie (Amanda Seyfried) schließen einen Pakt 

MM 3 

begeben sich mit ihr auf eine Reise in die 

Vergangenheit: ›Honey, Honey‹. Auch 

Sophies Mutter Donna (Meryl Streep) 

freut sich auf den Besuch ihrer Freundinnen 

Tanya (Christine Baranski) und 

Rosie (Julie Walters). Die Freude über die 

Hochzeit wird durch das schlecht laufende 

Hotel überschattet. Donna benötigt 

›Money, Money, Money‹. Als Sam, Bill und 

Harry eintreffen, fühlt sich Sophie mit 

allen drei verbunden. Donna hingegen 

bringt das erste Aufeinandertreffen nach 

all den Jahren durcheinander: ›Mamma 

Mia!‹. Die Erinnerungen stürzen auf sie ein. 

Doch Tanya und Rosie bauen die ›Dancing 

Queen‹ schnell wieder auf. Bei einem Segeltörn 

versucht Sophie herauszufinden, 

wer wirklich ihr Vater ist. Überraschenderweise 

hat jeder etwas über ›Our Last 

Summer‹ mit Donna zu erzählen. Hinund 

hergerissen zwischen den drei möglichen 

Vätern, ist sich Sophie in Bezug auf 

Sky sicher. Beide schwören: ›Lay All Your 

Love on Me‹. Am Abend erwartet Sophie 

eine Überraschung, als ihre Mutter mit ihren 

Freundinnen auftritt: ›Super Trouper‹ 

scheint die Lebensgeschichte der Frauen 

zu erzählen und zugleich ein Rat für die 

Zukunft zu sein. Durch den Gesang angelockt, 

erscheinen Harry, Sam und Bill 

und sorgen erneut für Gefühlschaos. 

›Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After 

Midnight)‹ bildet den Hintergrund für die 

Aussprache zwischen Sophie und den 

drei »Vätern«. Als die Männer den wahren 

Grund ihrer Einladung erkennen, kochen 

die Gefühle am vorletzten Abend vor der 

Hochzeit zu ›Voulez-Vous‹ hoch. Damit 

Sophie nicht von drei Vätern zum Altar 

geführt wird, gilt es, den »Richtigen« zu 

entlarven. Als es daraufhin zum Streit 

zwischen Sophie und Donna kommt, 

heißt es ›SOS‹. Alle fassen mit an, um 

die Traumhochzeit doch noch zu retten. 

Während sie die Feier vorbereiten, wirft 

Sky Sophie vor, dass sie noch nicht bereit 

sei für die Ehe. Doch Sophie ist sich sicher 

und so erkennt Donna, dass Sophie nun 

ihren eigenen Weg gehen muss: ›Slipping 

Through My Fingers‹. Mit dem Blick 

auf die Zukunft gerichtet, verabschiedet 

sich Donna von der Vergangenheit: ›The 

Winner Takes It All‹. 

Bereits zu Beginn des Projekts war Produzent 

Gary Goetzman darum bemüht, 

den Geist und die Energie des Musicals 

auf die Kinoleinwand zu übertragen und 

dabei den gleichen Spaß und die Freude 

wie das Bühnenstück auszudrücken: »Im 

Film kann man sich intensiver mit den 


A

Mamma Mia! 1 

Charakteren befassen, und es besteht 

die Möglichkeit, die Zuschauer mehr auf 

das zu lenken, was man ihnen zeigen will. 

Man kann die brillanten Elemente des 

Stückes hervorheben, die die Zuschauer 

seit vielen Jahren lieben.« Kameramann 

Haris Zambarloukos fing die Szenen des 

Films in den Pinewood Studios in London 

am großen »007«-Set und an Originalschauplätzen 

in Griechenland ein: Nach 

neun Wochen Dreharbeiten in den 

Pinewood-Studios zog die Unit nach 

Griechenland, wo sie fünf Tage auf der 

Insel Skiathos drehte. Danach ging es für 

zwei Wochen nach Skopelos und schließlich 

fünf Tage nach Damouchari, um die 

passende Location zu finden. Die Crew 

fand in einem Ressort ein passendes 

Gebäude, das Produktionsdesignerin 

Maria Djurkovic mit Hilfe von Designern, 

Zimmerleuten, Verputzern und Malern in 

Donnas Villa verwandelte. Skys und Sophies 

Hochzeitskapelle, welche in Pinewood 

entworfen wurde, setzte man auf 

eine 100 Meter hohe Felsformation mit 

Blick aufs Meer. Für den unverwechselbaren 

Look der Figuren sorgten Kostümdesignerin 

Ann Roth sowie Make-up- 

Designerin Tina Earnshaw. 

Leuchtende Farben und schmissige 

»ABBA«-Songs, die nicht verändert 

wurden, sorgen für ausgelassenes Sommerfeeling, 

gute Laune und das Gefühl 

von Ferienstimmung. Leichte Melancholie 

bezüglich der Vergangenheit 

und der sich durch die bevorstehende 

Heirat verändernden Mutter-Tochter-Beziehung 

verschmelzen mit den 

Szenen am Meer, die die beste Kulisse 

für die Romanze bilden. 

Oscar-Gewinnerin Meryl Streep, die ihr 

musikalisches Talent bereits in »Grüße 

aus Hollywood« und »Last Radio Show« 

unter Beweis stellte, brilliert in der Rolle 

der Donna, die während der Songs in 

Ziegenställen oder über Treppengeländer 

balanciert. Als ihre Tochter wurde 

im Laufe des Castingprozesses Amanda 

Seyfried besetzt, die ebenfalls Erfahrungen 

im Singen und Tanzen vorweisen 

konnte. Weil Benny Andersson und Björn 

Ulvaeus von ihrer jugendlichen Art verzaubert 

waren, ließen beide sie während 

des Vorsprechens zusätzliche Songs singen. 

Die Chemie zwischen Seyfried und 

dem britischen Schauspieler Dominic 

Cooper stimmte ebenfalls bereits beim 

Vorsprechen, sodass er als Sophies Verlobter 

Sky besetzt wurde. Mit Pierce Brosnan, 

Colin Firth und Stellan Skarsgård als 

(un)willkommene Väter besetzte Lloyd 

drei Männer mit Warmherzigkeit und Humor, 

die für heitere Momente sorgen. Vor 

der Herausforderung stehend, in dem Film 

gleichzeitig zu singen und zu tanzen, sind 

die Darsteller über sich selbst hinausgewachsen 

und stehen ihren Schauspielkolleginnen 

Julie Walters sowie der mit dem 

Tony ausgezeichneten Darstellerin Christine 

Baranski in nichts nach. Music Director 

Martin Lowe, der bereits bei den Vorsprechen 

anwesend war, arbeitete intensiv mit 

den Darstellern, bevor er mit ihnen ins 

Sophie (Amanda Seyfried, 2.v.l.) mit ihren 

Gästen auf dem Weg zur Kapelle 

Studio ging, um die Songs, die sie im Film 

singen, aufzunehmen. Produzent Mark 

Huffman gab den Darstellern die Chance, 

während der Dreharbeiten live zu singen, 

anstatt, wie es bisher Tradition in Musikfilmen 

war, die Lieder vorher aufzunehmen 

und dann beim Dreh nur zu mimen. Durch 

den Mix aus Playback und Livegesang 

kommt die komplexe »ABBA«-Musik mit 

ihren melodisch großartigen Harmonien 

bestens zum Ausdruck. 

Sandy Kolbuch 


MM 4

Mamma Mia! 2 

fortsetzung 

MAMMA MIA! HERE WE GO AGAIN 

Universal Pictures 

Kinostart: 19. Juli 2018 


Regie ............................................................................................................................. Ol Parker 

Drehbuch ................................................. Ol Parker, Catherine Johnson, Richard Curtis 

Score ..................................................... Benny Andersson, Anne Dusley, Björn Ulvaeus 

Kamera ....................................................................................................... Robert D. Yeoman 

Filmschnitt ........................................................................................................ Peter Lambert 

Musical Supervision...................................................................................... Becky Bentham 

Setdesign ........................................................................................................ Dominic Capon 

Produktionsdesign .................................... James Lewis, Andrew Palmer, Jason Virok 

Kostüme ............................................................................................. Michele Clapton Virok 

Hair & Make-up ............................................................................................... Tina Earnshaw 

Choreographie ....................................................................................... Anthony Van Laast 

Special Effects .......................................................................... Chris Corbould, Dean Ford 

Produzenten ..................................................................... Judy Craymer, Gary Goetzman 

MM 5 

Sophie ........................................................................................................... Amanda Seyfried 

Donna .................................................................................................................... Meryl Streep 

Young Donna ........................................................................................................... Lily James 

Ruby Sheridan .................................................................................................................... Cher 

Fernando ............................................................................................................... Andy Garcia 

Rosie ....................................................................................................................... Julie Walters 

Young Rosie ......................................................................................................... Alexa Davies 

Tanya ........................................................................................................... Christine Baranski 

Young Tanya ....................................................................................... Jessica Keenan Wynn 

Sky ................................................................................................................... Dominic Cooper 

Bill ................................................................................................................... Stellan Skarsgård 

Young Bill ................................................................................................................. Josh Dylan 

Sam ..................................................................................................................... Pierce Brosnan 

Young Sam ......................................................................................................... Jeremy Irvine 

Harry ........................................................................................................................... Colin Firth 

Young Harry ....................................................................................................... Hugh Skinner 

2B 

blickpunkt musical Special Mamma Mia! 2

C 

H 

Mamma Mia! 2 

Fast 20 Jahre nach der Uraufführung 

des Musicals und 10 Jahre nach dem 

Kinofilm »Mamma Mia!«, der weltweit 

über 600 Millionen US-Dollar einspielte, 

wird die Geschichte von Sophie 

und ihrer Mutter Donna fortgesetzt: Der 

Großteil der Handlung spielt in der Vergangenheit 

und zeigt, wie Donna einst 

Sam, Bill und Harry kennenlernte, auf die 

griechische Insel Kalokairi kam und dort 

ihre Tochter Sophie zur Welt brachte. 

Die Sonne geht auf über Kalokairi, 

der zauberhaftesten aller griechischen 

Inseln. Es sind einige Jahre vergangen 

und Sophie (Amanda Seyfried) hat die 

Leitung des Hotel Bella Donna übernommen, 

dessen Neueröffnung kurz bevor 

steht: ›Thank You For the Music‹. Die Geschichte 

springt ins Jahr 1979 zurück. Die 

junge Donna (Lily James) hält singend die 

Abschlussrede an der Universität von Oxford: 

›When I Kissed the Teacher‹. Die ausgelassene 

Freude wird nur dadurch gedämpft, 

dass Donnas Mutter Ruby (Cher) 

nicht anwesend ist. Donna, Tanya (Jessica 

Keenan Wynn) und Rosie (Alexa Davies) 

schwören sich ewige Freundschaft, bevor 

Donna am nächsten Tag Großbritannien 

verlässt, um in Paris neue Erfahrungen zu 

sammeln. 

In der Gegenwart kämpft Sophie mit der 

Trennung von Sky (Dominic Cooper), der 

für sechs Wochen nach New York gegangen 

ist, um dort Einblicke in das Hotel 

Business zu erlangen. Als er verkündet, 

dass ihm ein Job angeboten wurde, ist 

Sophie davon nicht begeistert. Sie fürchtet 

sich davor, dass Sky das Angebot annehmen 

wird, während sie auf der Insel zurück 

bleibt, da sie das Erbe ihrer Mutter nicht 

aus den Händen geben will. Im Duett ›One 

of Us‹ werden ihre Gefühle füreinander 

H 

A 

blickpunkt 


MM 6

Mamma Mia! 2 

verdeutlicht. Um Sophie während der 

Neueröffnung zu unterstützen, reisen 

Tanya (Christine Baranski) und Rosie 

(Julie Walters) an. 

Zurück in der Vergangenheit, trifft Donna 

in Paris in einem Hotel auf Harry (Hugh 

Skinner). Er lädt sie zum Essen ein, bei 

dem sie ihm von ihren Plänen erzählt. 

Schockiert darüber, dass Donna die Stadt 

schon bald wieder verlassen will, versucht 

er, sie im Café Bonaparte mit ›Waterloo‹ 

von seiner liebenswerten Art zu überzeugen. 

Während alle Gäste im Restaurant zu 

tanzen beginnen, kommen sie sich näher 

und verbringen die Nacht miteinander. 

Von ihren Gefühlen getrieben, besucht 

Sophie ihren Stiefvater Sam (Pierce Brosnan), 

der ebenfalls auf der Insel lebt und 

sie unterstützt. Gemeinsam helfen sie einander, 

sich an Donna zu erinnern. Traurig 

stimmt Sam ›SOS‹ an. 

Jahre zuvor macht Donna sich alleine auf 

den Weg zu der griechischen Insel Kalokairi, 

nachdem sie das Hotel ohne Harry 

verlassen hat. Sie verpasst das Schiff und 

heuert bei Bill (Josh Dylan) an, dessen 

Segelboot im Hafen ankert. Bezaubert 

von der Frohnatur, bringt Bill sie zur Insel: 

›Why Did It Have to Be Me?‹ 

Ein Sturm bildet die Überleitung zur 

Gegenwart, in der Sophie um ihr Hotel 

bangt, während der Wind die Dekoration 

der Terrasse komplett zerstört. Ein 

Rückblick in die Vergangenheit zeigt, 

wie Donna einst das morsche Gebäude 

betreten hat und dass sie eine Vision vor 

Augen hatte, was man daraus machen 

könne: ›I Have a Dream‹. Von zusammenbrechenden 

Gebäudeteilen erschreckt, 

wird Donna auf ein Pferd aufmerksam, 

das in einem Nebengelass gefangen 

scheint. Nach Hilfe suchend, rennt sie auf 

die Straße und stößt dabei auf Sam (Jeremy 

Irvine). Gemeinsam retten sie das Tier 

und finden in einer Bar Zuflucht, in der 

eine Männer-Kombo spielt. Euphorisch 

fragt sie den Bandsänger, ob sie mit ihrer 

Band »The Dynamos« in der Bar auftreten 

darf. Mit einer Kostprobe von ›Andante, 

Andante‹ verzaubert sie nicht nur den 

Barinhaber, sondern auch Sam, der ihren 

Traum von einem Leben auf der Insel 

teilen will. 

In der Gegenwart ist Sophie niedergeschlagen 

und fühlt sich dieser der Verantwortung 

nicht mehr gewachsen: ›The 

Name of the Game‹. Auch Donna kam 

viele Jahre zuvor an den Punkt, an dem 

sie aufgeben wollte, nachdem der gemeinsame 

Traum von ihr und Sam zerplatzte: 

›Knowing Me, Knowing You‹ im 

gefühlvollen Duett. Doch ihre Trübsal 

hielt nicht lange an, da Tanya und Rosie 

ihr beistanden. Gemeinsam treten sie in 

der Bar auf, in die sie mit ›Mamma Mia‹ 

das ganze Dorf locken. 

A 

Die junge Donna (Lily James) und der junge Bill (Josh Dylan) 

auf dem Boot: ›Why Did It Have to Be Me‹? 

MM 7 

Rund 25 Jahre später stehen die in die 

Jahre gekommenen Freundinnen Tanya 

und Rosie Sophie bei, die sich nach Sky 

sehnt, der ihre Anrufe nicht mehr beantwortet. 

Zum Trost erzählen sie von 

›Angel Eyes‹, denen sie einst verfallen 

sind. Noch ahnen die Frauen nicht, dass 

Harry und Bill bereits auf dem Weg zu ihnen 

sind, um ihrer »Tochter« beizustehen. 

Auch in der Vergangenheit kehrt Sam 

zurück zu Donna, doch diese hatte sich 

bereits auf Bill eingelassen. 

Als aus dem Nichts zahlreiche Schiffe 

voller Gäste in Sicht kommen, um den 

Neubeginn des Hotels Bella Donna zu 

feiern, schöpft Sophie neuen Mut. Die 

›Dancing Queen‹ kann nicht nur ihre drei 

»Väter« in die Arme schließen, sondern 

auch Sky. Überglücklich beichtet sie ihrer 

»Familie«, dass sie schwanger ist. Genau 

wie ihre Mutter viele Jahre zuvor –, wie 

ein Rückblick während des Songs ›I‘ve 

Been Waiting For You‹ zeigt. Die Zeiten 

haben sich geändert, die Generationen 

wechseln. Sophie nimmt offiziell Donnas 

Platz im Hotel und in der Mitte der »The 

Dynamos« ein. Die Geschichte endet wenige 

Monate später in der Kapelle, in der 

einst Sophie Sky heiraten wollte. Mutter 

und Tochter werden auf wunderbare und 

sehr emotionale Art während ›My Love, 

My Life‹ miteinander vereint. Der Auftritt 

von Ruby bringt auf ebenso beeindrublickpunkt 

musical Special Mamma Mia! 2

lickpunkt musical Special Mamma Mia 2A 

Mamma Mia! 2 

ckende und berührende Art mit ›Super 

Trouper‹ alle Generationen zusammen, 

was fast wie eine Art Traumsequenz 

erscheint. 

Regisseur und Drehbuchautor Ol Parker 

hat zusammen mit Catherine Johnson 

und Richard Curtis, die beide das Musicalund 

Drehbuch des ersten Films geschrieben 

haben, die Story für »Mamma Mia! 

Here We Go Again« geschaffen. Mit viel 

Feingefühl und euphorischem Optimismus 

findet die Geschichte von »Mamma Mia!« 

ihre Fortsetzung. Neben den bekannten 

und beliebten Stars aus dem ersten Teil erweitern 

Lily James (»Cinderella«) als junge 

Donna, Alexa Davies (»X+Y«) und Jessica 

Keenan Wynn (»Go Green«) als junge 

Rosie und Tanya sowie Jeremy Irvine 

(»Fallen – Engelsnacht«) als junger Sam, 

Josh Dylan (»Allied: Vertraute Fremde«) 

und Hugh Skinner (»Kill Your Friends«) 

als junge Versionen von Bill und Harry 

den Cast. Der populärste Neuzugang der 

»Mamma Mia!«-Familie ist Musikikone 

Cher, die für Welthits wie ›If I Could Turn 

Back Time‹ und ›Believe‹ bekannt ist, als 

Donnas Mutter Ruby. 

Obwohl der Film die einstige Handlung 

fortführt, wirft er zugleich einen Blick in 

die Vergangenheit. Im stetigen Wechsel 

schwenkt die Kamera in das Leben der 

einst jungen Absolventin Donna, für die 

Lily James mit Herzblut in die Fußstapfen 

von Meryl Streep tritt, und das gegenwärtige 

Leben ihrer Tochter Sophie. Die 

Parallelen im Leben der zwei Frauen sind 

auffallend herausgearbeitet und werden 

von der zeitlosen Musik »ABBA«s getragen. 

Bemerkenswert ist, dass beim zweiten 

Film nicht nur besonders bekannte 

Songs wie »Waterloo«, mit welchem sich 

die Popgruppe »ABBA« am 6. April 1974 

den Sieg beim Eurovision Song Contest 

in Brighton und damit den Grundstein für 

ihre einzigartige internationale Karriere 

sicherte, in den Fokus rücken. Auch eher 

unbekanntere Titel wie ›When I Kissed 

the Teacher‹, der 1976 erstmals auf dem 

Album »Arrival« veröffentlicht wurde und 

mit seinem jugendlichen Sound den perfekten 

Einstieg in die Geschichte liefert, 

und ›My Love, My Life‹ sowie ›I‘ve Been 

Waiting For You‹ untermalen die Gefühle 

der Figuren und bringen die Handlung 

voran. Während Lily James und Amanda 

Seyfried mit ihren klaren und kraftvollen 

Stimmen überzeugen, merkt man ihren 

männlichen Schauspielkollegen an, dass 

sie im Bereich Gesang noch nicht so erfahren 

sind. Bradley Cooper ließ es sich 

nicht nehmen, seine Stimme in ›One of 

Us‹ auszuprobieren, während Jeremy Irvine 

mit seiner tiefen Tonlage gefühlvolle 

Momente beisteuern kann, die den ansonsten 

poppigen Up-tempo-Nummern 

des Films entgegenwirken. Lily James, 

die die Songs für den Film in Stockholm 

aufnahm, überraschte das Team mit 

ihrer klaren Stimme. Sie versteht es sehr 

gut, Donnas jugendliche Version zu verkörpern. 

Dass sie die Musik von »ABBA« 

bereits als Kind lieben lernte, kommt ihrem 

Ausdruck zugute. Amanda Seyfried als 

Donnas Tochter Sophie durchläuft ähnliche 

Phasen im Leben wie diese einst. Die 

Parallelen zwischen dem jeweiligen Leben 

beider Frauen spiegeln sich in den Songs 

wieder, die sowohl euphorische Momente 

als auch emotionale Stille kennen. Obwohl 

Seyfried bereits im ersten Teil mit ihrer 

Stimmkraft glänzen konnte, lässt sich 

eine Steigerung ihres gesanglichen Könnens 

im zweiten Film nicht bestreiten. 

Für die stets passende Choreographie 

hat Anthony Van Laast gesorgt, der ebenfalls 

seit 20 Jahren zur »Mamma Mia!«-Familie 

gehört. Von kleinen Tanzeinlagen 

mit zwei Personen bis hin zu großartigen 

Szenen mit mehr als 300 Tänzern findet 

jeder Song seine perfekte Performance. 

Die 70er Jahre werden durch die farbenfrohen 

Kostüme inklusive Plateauschuhen 

und Schlaghosen abgerundet 

(Kostümdesign: Michele Clapton Virok, 

»American Hustle«). Die Szenen der Vergangenheit, 

die in der alten Taverne spielen, 

wurden in den Shepperton Studios in 

Großbritannien gedreht. In zwei weiteren 

Hallen wurden das Pariser Café Bonaparte 

sowie das Hotel Bella Donna erbaut und 

die Szenen vor Ort gedreht. Die Außenszenen 

hingegen wurden vor den griechischen 

Inseln aufgenommen und später 

mit den Studioaufnahmen vereint. 

Die ›Dancing Queen‹-Szene, bei der 300 

Tänzer auf einem Steg tanzen, wurde an 

der Barjaci-Bucht gedreht, die in Kalokairi 

verwandelt wurde und mit ihrer euphorischen 

Stimmung zu den Highlights des 

Films gehört. Mit »Mamma Mia! Here 

We Go Again« wird die Geschichte gelungen 

und unterhaltsam fortgesetzt 

und ihr Hintergrund beleuchtet. Der entstandene 

Musicalfilm bietet nicht nur für 

»ABBA«-Fans grandiose Unterhaltung. 

Sandy Kolbuch 

Rosie (Julie Walters, l.) und Tanya (Christine Baranski, r.) trösten 

Sophie (Amanda Seyfried, Mitte): ›Angel Eyes‹ 


MM 8

H 

Mamma Mia 2 

B 

intervi ew m it 

amanda seyfri ed - sop h i e 

Schauspielerin Amanda Seyfried (*1985) 

war 2005 auf dem Sundance Film Festival 

in dem gefeierten Film »Nine Lives« zu sehen. 

Es folgten Rollen unter anderem in 

»Alpha Dog – Tödliche Freundschaften« 

(2006), »Das Leuchten der Stille« (2010), 

»Red Riding Hood – Unter dem Wolfsmond« 

und »In Time – Deine Zeit läuft 

ab« (2011). 2012 spielte und sang sie die Rolle 

der Cosette in Tom Hoopers Musical-Verfilmung 

von »Les Misérables«. 2015 feierte 

Seyfried ihr Theater-Debüt in der Off-Broadway-Produktion 

des Neil-LaBute-Stücks »The 

Way We Get By«. Zudem war sie auf der 

Kinoleinwand in »Ted 2«, »Gefühlt Mitte 

Zwanzig« und »Alle Jahre wieder – Weihnachten 

mit den Coopers« zu sehen. 

2017 war Seyfried in David Lynchs hochgelobter 

Fortsetzung seiner Kultserie 

»Twin Peaks« besetzt und spielte gemeinsam 

mit Shirley MacLaine in »Zu guter 

Letzt«. An der Seite von Aaron Paul und 

Russell Crowe war sie in Gabriele Muccinos 

Film »Väter und Töchter – Ein ganzes 

Leben« zu sehen. Für »Mamma Mia! Here 

We Go Again« kehrt sie als Sophie, die sie 

bereits vor zehn Jahren in »Mamma Mia!« 

spielte, zurück. Aktuell dreht Seyfried 

den Simon Curtis-Film »The Art of Racing 

in the Rain«. 

BLICKPUNKT MUSICAL: Sie haben sich 

in den letzten zehn Jahren überhaupt 

nicht verändert. Was ist Ihr Geheimnis? 

AMANDA SEYFRIED: Sie scherzen. (lacht) 

Ich habe meine 20er Jahre beendet, fühle 

mich aber immer noch genauso. Ich 

habe noch immer den gleichen Zugang 

zu Sophie, habe sie jedoch jetzt besser 

verstanden. Meine Schwangerschaft hat 

dies bewirkt. Das Timing für den zweiten 

Film war wirklich gut. Ich hätte nie daran 

geglaubt, dass wir eine Geschichte kreieren, 

die sich auf diese Art fortsetzen lässt. 

Doch wir haben diese cleveren Autoren 

gehabt, die wirklich eine ganz wunderschöne 

Geschichte kreiert haben. Der 

Kontext ist wirklich gelungen und spaßig, 

sowohl für die Geschichte als auch für die 

Fans des ersten Films. 

BLIMU: Können Sie sich noch an Ihre 

Reaktion erinnern, als Sie erfahren haben, 

dass es eine Fortsetzung geben wird? 

MM 9 blickpunkt musical Special Mamma Mia! 2

Mamma Mia! 2 

AS: Ich habe es an dem Tag erfahren, 

als ich aus dem Krankenhaus entlassen 

wurde (Die Darstellerin hatte wenige 

Tage zuvor ihr erstes Kind entbunden, 

Anm. d. Red.). Das waren große Neuigkeiten 

für mich. Als meine Agentin mich 

anrief, um mir die News mitzuteilen, habe 

ich geweint. 

BLIMU: Sie haben kurz vor der Geburt 

geheiratet. 

AS: Ja, es war sehr spontan. Wir sprachen 

darüber, dass es cool wäre, noch vor der 

Geburt zu heiraten, und haben es dann 

einfach getan. 

BLIMU: Hatten Sie zunächst Bedenken, 

so kurz nach der Geburt zu drehen? 

AS: Ich habe mir darüber Gedanken gemacht, 

wie diese Rolle in mein Leben 

passen kann, und habe erkannt, dass 

es nun viele Parallelen zwischen Sophie 

und mir gibt. Gewisse Dinge sind wichtiger 

geworden. Dann kam ich vor dem 

Dreh an einen Punkt, an dem ich meine 

Tochter für kurze Zeit jemand anderem 

anvertrauen konnte, ohne mir darüber 

zu sehr Gedanken zu machen. Der Dreh 

hat unglaublichen Spaß gemacht und 

meine Tochter war ein Teil davon, weil sie 

die ganze Zeit dabei war. Jeder am Set 

hat sie in sein Herz geschlossen. Sophies 

Schwangerschaft konnte ich gut nachvollziehen, 

weil ich sie selbst kurz zuvor 

erlebt hatte. Es war dadurch sehr emotional 

und einfach perfekt. 

BLIMU: Beide »Mamma Mia!«-Filme zeigen, 

dass die Musik von »ABBA« dabei 

helfen kann, Probleme zu lösen. Würden 

Sie dies unterschreiben? 

AS: Diese Musik hat etwas Befreiendes. 

Sobald sie zu spielen beginnt, fühlt man 

das, was man gerade zu fühlen bereit ist, 

viel intensiver. Wenn man sich gerade 

entspannt fühlt, hilft einem die Musik, 

sich wirklich komplett zu entspannen. 

Hört man aber einen Song wie ›Waterloo‹, 

dann will man einfach aufspringen 

und tanzen. Man kennt die Melodien und 

fühlt sich dadurch sicher. Musik ist eine 

Sprache, die wir alle rund um den Globus 

sprechen. »ABBA«s Musik bedeutet Spaß 

und ausgelassene Freude. Und wenn der 

Song dies nicht ausdrückt, dann spricht 

er die melancholische Stimmung an, 

die wir auch alle kennen. Man fühlt sich 

durch diese Songs sehr emotional berührt 

und spürt eine Verbindung zu den 

Figuren. Das ist wirklich eine Kunst. 

BLIMU: Welcher Song ist Ihr persönlicher 

Favorit? 

AS: ›I‘ve Been Waiting For You‹. Dieser 

Song ist so unglaublich schön. Die Liedtexte 

in ›My Love, My Life‹ wurden etwas 

geändert, damit sie besser zu der 

Geschichte passen. Das war wirklich 

eine sehr gute Idee, die hervorragend 

funktioniert hat. Ich denke, es war auch 

notwendig, um zu verdeutlichen, dass 

ich in Meryls Fußstapfen trete. Ich liebe 

Julie Walters und Christine Baranski so 

sehr. Sie beide haben mich aufwachsen 

sehen als Amanda und auch als Sophie. 

Unsere Verbindung ist sehr stark und nun 

haben sie mich mit meiner Tochter erlebt. 

Mit ihnen über die Schwangerschaft und 

mein ungeborenes Kind zu sprechen hat 

sich nicht wie Schauspielerei angefühlt. 

Das Ganze war so unglaublich und emotional, 

dass wir gar nicht mehr aufhören 

wollten. Wenn man im Film den Zusammenschnitt 

sieht, wo Donna ihr Kind zur 

Welt bringt, und dann die schwangere Sophie, 

dann ist das unglaublich. Ich liebe es. 

BLIMU: Wem haben Sie mehr nachgeeifert? 

Meryl Streep oder Cher? 

AS: Beiden. Meryl im ersten Film und 

Cher im zweiten. (lacht) Mit Meryl habe 

ich während des gesamten Films zusammengearbeitet. 

Cher war hingegen nur 

ein oder zwei Wochen am Set. Die erste 

Szene, die wir zusammen gedreht haben, 

ist auch die Szene im Film, in der unsere 

Figuren erstmals aufeinander treffen. Sie 

kommt mir entgegen und ich sage ihr, 

dass sie nicht eingeladen ist. Das war unglaublich. 

Am zweiten Tag haben wir die 

Szene gedreht, in der wir gemeinsam an 

der Bar sitzen. Die anderen haben uns 

so viel Raum gelassen, dass es sich angefühlt 

hat, als ob nur wir zwei dort sind. 

Cher ist so normal und sie führt ein unglaubliches 

Leben. Ich war so glücklich 

darüber, sie erleben zu dürfen. Wir haben 

einfach nur geredet und dann kam Meryl 

vorbei und flüsterte eine kurze Begrüßung. 

Sie und Cher kennen sich seit vielen 

Jahren, hatten sich aber eine Ewigkeit 

nicht gesehen und es war schön, zu sehen, 

wie sehr sich beide über das Treffen 

gefreut haben. Und ich war ein Teil davon. 

Das war eine unglaubliche Erfahrung und 

einer der besten Momente am Set. 

BLIMU: Meryl Streep soll am Set sehr 

mütterlich zu ihren Kollegen sein. Wie 

ist sie mit Ihrer Tochter umgegangen? 

AS: Sie war sehr süß und hat immer die 

Arme nach ihr ausgestreckt. Meine Tochter 

hat bisher schon sehr viele bekannte 

Menschen getroffen und hat absolut keine 

Ahnung davon. (lacht) 

BLIMU: Im Film hat Sophie drei potenzielle 

Väter. Wenn Sie sich einen davon 

aussuchen müssten, wen würden Sie 

wählen? 

AS: Das ist eine schwere Frage. Wenn 

ich ein gebrochenes Herz hätte, würde 

ich mich von Pierce Brosnan trösten lassen. 

Stellan Skarsgård würde ich wählen, 

wenn ich mich über etwas super Cooles 

unterhalten wollen würde. Und wenn ich 

gerne stundenlang lachen wollen würde, 

wäre Colin Firth mein Favorit. Sie sind alle 

sehr charmant und lustig. Als sie auf der 

Insel angekommen sind, haben sie mich 

und meine Mutter besucht. Später saßen 

sie gemeinsam mit Hugh Skinner, Josh 

Dylan und Jeremy Irvine an einem Tisch 

und das war so wundervoll! Sie sind alle 

zauberhaft. 

BLIMU: Hoffen Sie, dass Ihre Tochter 

einmal in Ihre Fußstapfen treten wird? 

AS: Das kann ich jetzt noch nicht beantworten. 

Dafür muss sie erst älter sein. Die 

Dinge ändern sich ja so schnell. Als ich 

angefangen habe in der Branche, gab 

es noch nicht überall, wo man hingegangen 

ist, Internet. Es war damals noch 

schwieriger als heute, Informationen zu 

bekommen. In zwanzig Jahren weiß niemand, 

wie die Welt aussehen wird. Dann 

existiert eine völlig neue Generation. Der 

Druck wächst täglich durch die Follower 

in den medialen Netzwerken. Jeder spürt 

dies und es nervt. Ich warte einfach ab und 

werde sehen, was sie später interessiert. 

BLIMU: Können Sie etwas über Ihre 

kommenden Projekte verraten? 

AS: Sagt Ihnen das Buch »The Art of Racing 

in the Rain« etwas? Das Buch wird 

aus der Perspektive eines Hundes erzählt, 

dessen Besitzer ein Rennfahrer ist, 

der gerade seine Frau verloren hat. Es ist 

eines der traurigsten Bücher überhaupt. 


MM 10

HA 

Mamma Mia 2 

H 


li ly james - junge donna 

Die britische Schauspielerin Lily James 

(*1989), die als Lily Chloe Ninette 

Thomson geboren wurde und den 

Vornamen ihres an Krebs verstorbenen 

Vaters zum Künstler-Nachnamen machte, 

gehört zu den begehrtesten Darstellerinnen 

ihrer Generation. Nach ihrem 

Abschluss 2010 an der »Guildhall School 

of Music and Drama« wurde sie 2012 für 

die Rolle der lebenslustigen Lady Rose 

MacClare in der vielfach ausgezeichneten 

Fernsehserie »Downton Abbey« 

besetzt. Auf der Leinwand überzeugte 

sie als Cinderella in Disneys gleichnamiger 

Realverfilmung und mit ihrer Rolle 

in »Baby Driver« sowie als persönliche 

Sekretärin Churchills in dem »Oscar«-prämierten 

Werk »Die dunkelste Stunde«. In 

»Mamma Mia! Here We Go Again« spielt Lily 

James die Rolle der Donna in jungen Jahren. 

Ab dem 09. August ist sie in dem romantischen 

Drama »Deine Juliet« zu sehen, Mike 

Newells Adaption des gleichnamigen »New 

York Times«-Bestsellers. 


C 

Mamma Mia! 2 

BLICKPUNKT MUSICAL: Sie sind das 

Highlight des zweiten »Mamma Mia!«- 

Films, weil Sie dem Publikum mit Ihrem 

sprühenden Wesen so viele Emotionen 

schenken. Wie groß war für Sie der Spaß 

am Set? 

LILY JAMES: Es war wirklich die beste 

Zeit, die ich bisher in meinem Leben hatte. 

Ich habe es jeden einzelnen Tag genossen, 

ein Teil dieses Projekts zu sein. 

Wir haben auf dieser wunderschönen 

Insel in Kroatien gedreht, wo wir täglich 

mit dem Boot hingefahren sind. Die 

Sonne hat geschienen und ich konnte 

im Meer schwimmen. Ich hatte noch 

nie eine solch starke Bindung zum Cast 

und zu der Crew wie bei diesem Film. 

Es war eine unglaubliche Erfahrung für 

mich, weil jeder einzelne so inspirierend, 

brillant und teamfähig war. 

BLIMU: Hatten Sie Bedenken, als junge 

Donna quasi in die Fußstapfen von 

Meryl Streep zu treten? 

LJ: Dies ist genau der Punkt, über den ich 

mit meinen Agenten gesprochen habe. 

Ich habe Meryl in so vielen Filmen gesehen 

und von ihr gelernt. Es war Teil meiner 

Vorbereitung, mich von ihrer Offenheit 

inspirieren zu lassen. Meryl ist sehr 

expressiv mit ihrer Körperhaltung und 

ihrer Stimme. Ich habe keine Tipps von 

ihr bekommen, aber ich habe sehr eng 

mit Judy Craymer, der Produzentin von 

»Mamma Mia!«, gearbeitet. Sie ist auch 

die Schöpferin des Musicals und hat mir 

sehr viel über die Figur Donna erzählt. 

Wir haben darüber gesprochen, was ich 

über die Rolle denke, was Meryl über sie 

dachte und welche Gedanken die Rolle 

selbst hat. Dadurch fühlte ich mich sehr 

unterstützt. 

BLIMU: Ist es Ihnen leicht gefallen, eine 

so freigeistige und extrovertierte Person 

zu spielen, die singt und tanzt, um 

ihren Gefühlen Ausdruck zu verleihen? 

LJ: (lacht) Bevor ich wusste, dass es eine 

Fortsetzung von »Mamma Mia!« geben 

wird, hat meine Mutter ihren Geburtstag 

gefeiert. Am Ende des Essens habe ich auf 

dem Tisch getanzt und ›The Winner Takes 

It All‹ gesungen. In diesem Moment war 

ich wie Donna. Ich habe ein Video davon, 

es ist verrückt. Und vier Monate später 

habe ich die Rolle bekommen. Mit 20 war 

ich furchtlos, wollte die Welt sehen und 

Erfahrungen sammeln, mich selbst finden. 

Heute bin ich ausgeglichener. 

BLIMU: Wann haben Sie Meryl Streep 

das erste Mal getroffen? 

LJ: Ich habe sie erst während der Dreharbeiten 

getroffen und mein Bestes gegeben, 

um meine schauspielerischen 

Qualitäten ihrem Niveau anzupassen. Sie 

war sehr cool und hat keine große Sache 

daraus gemacht, sondern mich einfach 

die Rolle ausleben lassen. 

BLIMU: Donna ist eine mutige junge 

Frau, die alles hinter sich lässt, um ihren 

Träumen zu folgen. Können Sie sich mit 

ihr identifizieren? 

LJ: Manchmal fühle ich mich, als ob zwei 

Persönlichkeiten in mir wohnen. Dann 

kann ich mich mit dieser Art von Leben 

anfreunden. Aber dann gibt es die andere 

Seite von mir, die es nicht kann. Ich 

denke, jeder kennt das. Ich könnte mir 

vorstellen, einfach fortzugehen, um in 

Griechenland zu leben und einen Buchladen 

zu eröffnen, wie jenen, wo ich 

Stunden verbracht habe. Ich liebe es, in 

der Sonne und in der Nähe des Meeres 

zu sein. Ich liebe es, zu reisen, und fühle 

mich Donna dadurch verbunden. 

BLIMU: Wir war die Zusammenarbeit mit 

Björn Ulvaeus und Benny Andersson? 

LJ: Die beiden sind wunderbar. Ich bin 

nach Stockholm geflogen, um dort die 

Songs aufzunehmen. Zuvor habe ich 

eine Woche lang nicht gesprochen, weil 

ich solche Angst hatte, meine Stimme 

zu verlieren. (lacht) Vor Ort hatte ich vier 

magische Tage. Benny saß am Klavier und 

hat angefangen, ›My Love, My Life‹ zu 

spielen. Ich habe einfach begonnen, zu 

singen, und dann sang Benny ebenfalls. 

Die beiden sind Genies und haben die 

besten Takes mit mir zusammengestellt. 

Björn und Benny haben mir ihre Musik 

anvertraut. Ich bin so glücklich, ein Teil 

des Ganzen zu sein. 

BLIMU: Welchen Song haben Sie während 

der Dreharbeiten am liebsten 

gesungen? 

JL: Ich denke, das war ›Andante, Andante‹. 

Der Song ist so wunderschön. ›Mamma 

Mia‹ ist aber der beste Song, den man 

singen kann. Er entfacht das Feuer in 

einem. Diesen Song zusammen mit den 

anderen zu singen war so dynamisch. 

BLIMU: Für »Mamma Mia! Here We Go 

Again« mussten Sie gleichzeitig schauspielern, 

singen und tanzen. Welche Szene 

barg die größte Herausforderung? 

LJ: Ich denke, die Szene, wo ich ›When I 

Kissed the Teacher‹ singe, weil es die erste 

war, die wir gedreht haben. Es war ein 

harter Start mit einer sehr starken Nummer. 

Zum Ende des Films sind Jessica Keenan 

Wynn und Alexa Davies – die Darsteller 

der jungen Tanya und Rosie – und ich 

zusammengewachsen. Wir haben laufend 

zusammen getanzt und gesungen, 

sodass mir alles viel leichter fiel als zu 

Beginn. Am Anfang waren wir alle noch 

sehr nervös. 

BLIMU: Wann kam bei Ihnen der 

Wunsch auf, Schauspielerin zu werden? 

LJ: Mein Vater (Anmerkung der Redaktion: 

James Thomson) war Schauspieler, 

als ich noch sehr klein war. Er war immer 

sehr kreativ und hat Geschichten erzählt, 

aber mir war nie bewusst, dass dies sein 

Beruf war. Auch meine Großmutter (Helen 

Horton) war ihr ganzes Leben lang 

Schauspielerin, aber ich habe sie zum 

Schluss nicht oft gesehen. Ich habe die 

Leidenschaft für die Schauspielerei für 

mich selbst entdeckt. 


MM 12

Mamma Mia 2 

A 


p i erce brosnan - sam 

Der irisch-amerikanische Schauspieler 

Pierce Brosnan (*1953) kann auf eine umfangreiche 

und weitgefächerte Karriere 

vor und hinter der Kamera zurückblicken. 

In den 1990er Jahren wurde er für 

seine Rolle als britischer Geheimagent in 

»James Bond 007 – Golden Eye« (1995), 

»James Bond 007 – Der Morgen stirbt 

nie« (1997), »James Bond 007 – Die Welt 

ist nicht genug« (1999) und »James Bond 

007 – Stirb an einem anderen Tag« (2002) 

gefeiert. Zu Brosnans Erfolgsfilmen gehören 

unter anderem »Der ganz normale 

Wahnsinn – Working Mum« (2011), »Salvation 

Boulevard« (2011), »Percy Jackson: 

Diebe im Olymp« (2010), »Der Ghostwriter« 

(2010) und »Remember Me – Lebe 

den Augenblick« (2010). In der Adaption 

des Broadway-Musical-Hits »Mamma 

Mia!« spielte er 2008 die Rolle des Sam, 

die er in der Fortsetzung »Mamma Mia! 

Here We Go Again« wieder übernommen 

hat. Aktuell ist Brosnan zudem in der 

zweiten Staffel der AMC-Serie »The Son«, 

welche auf dem gleichnamigen Roman 

von Philipp Meyer basiert, in dem Thriller 

»Spinning Man«, in Marc Webbs »The Only 

Living Boy on New York« sowie unter der 

Regie von Martin Campbell in dem Action-Thriller 

»The Foreigner« zu sehen. 


Mamma Mia! 2 

BLICKPUNKT MUSICAL: Herzlich willkommen 

in Hamburg. Sie haben hier 

schon oft gedreht. Verbinden Sie viele 

Erinnerungen mit der Stadt? 

PIERCE BROSNAN: Meine Frau Keely 

und ich verbinden mit der Stadt viele 

Erinnerungen an die gemeinsame Zeit, 

die wir hier verbracht haben, als unser 

Sohn noch klein war. Mittlerweile ist er 

ein junger Mann von 21 Jahren. Ich erinnere 

mich aber auch daran, wie ich mich 

vor Jahren hier in der Stadt im Kempinski 

Hotel auf die Tour als James Bond vorbereitet 

habe. Es fühlt sich gut an, jetzt 

für »Mamma Mia! Here We Go Again« 

zurückzukehren. Ich bin sehr glücklich 

und auch stolz auf diesen Film. Es hatte 

mir sehr viel Spaß gemacht, den ersten 

Film zu drehen, weshalb ich sehr erfreut 

war, als der Anruf kam, dass es eine Fortsetzung 

geben wird. Die Frage war natürlich, 

ob Meryl Streep dabei sein wird. Und 

Meryl war dabei. (lacht) Ich habe gleich 

zugesagt, weil der erste Teil so einen erstaunlichen 

und herrlichen Zugang zur 

Unterhaltung bot. 

BLIMU: Nutzen wir die Sprache des 

Films. Welches ist Ihr persönlicher 

»Waterloo« -und welches Ihr »The Winner 

Takes it All«-Moment? 

PB: Meinen »The Winner Takes it All«-Moment 

hatte ich vor 35 Jahren, als ich 

Courage bewiesen habe und den Bank 

Manager um einen Überziehungskredit 

von £2.000 gebeten habe. Ich brauchte 

das Geld, um nach Amerika gehen zu 

können, um berühmt und erfolgreich 

zu werden. Das war für mich ein wirklich 

großer Moment. Es gab einige »Waterloo«-Momente, 

aber die behalte ich lieber 

für mich. (lacht) 

BLIMU: Was ist es für ein Gefühl, den alten 

Cast, die Crew und die Insel wiederzusehen? 

PB: Es ist wunderbar. Inzwischen ist etwas 

Zeit vergangen, ich gehe auf die 65 

zu, habe einiges zu tun und liebe, was ich 

tue. 

BLIMU: Wie war nach diesen Jahren Ihre 

Arbeit mit Meryl Streep? 

PB: Meryl ist eine sehr bemerkenswerte 

Schauspielerin. Sie gibt so viel von sich 

selbst, um all die beeindruckenden Persönlichkeiten 

zu kreieren. Wir sind Freunde 

und sie macht es einem sehr leicht, 

sie zu lieben und mit ihr zusammenzuarbeiten. 

Ich denke, das ist das Geheimnis 

unserer Freundschaft. Wir können 

jahrelang nicht miteinander reden und 

machen dann einfach an dem Punkt weiter, 

wo wir einmal aufgehört haben. Wir 

erinnerten uns gemeinsam an die junge 

Amanda (Seyfried) im Alter von 21 Jahren 

und nun sahen wir sie plötzlich mit ihrem 

eigenen Baby. Das war so wundervoll. 

Und all die Darsteller der jungen Generation, 

die mit so viel Leidenschaft und 

Disziplin arbeiten, waren brillant. 

BLIMU: Wie nehmen Ihre Söhne »Mamma 

Mia! Here We Go Again« auf? 

PB: Sie lieben den Film. Vor zwei Wochen 

haben wir uns in unserem Haus mit der 

Familie und Freunden getroffen und bei 

Pizza den Film angesehen. Es war wunderbar. 

BLIMU: Ihre Kinder sind dabei, erwachsen 

zu werden. Wollen sie in der Filmbranche 

Fuß fassen? 

PB: Dylan ist 21 und studiert an der UIC 

(University of Illinois at Chicago). Paris ist 

17 und versucht, sein Studium durchzuziehen. 

Als wir das letzte Mal miteinander 

gesprochen haben, war er gerade in 

Washington. Ich denke nicht, dass meine 

Kinder Schauspieler sein wollen, auch 

wenn Dylan eine Filmschule besucht und 

Paris gerne das Gleiche machen möchte. 

Er ist ein sehr guter Geschichtenerzähler 

und Autor und wir werden sehen, wohin 

ihn sein Weg führen wird. Zudem arbeiten 

beide als Model. Paris liebt es, während 

es für Dylan nur ein Job von vielen 

ist. Sie haben eine sehr liebevolle Mutter, 

die alles auf Linie hält. Ich unterstütze 

beide, wo immer ich kann. Wenn wir zum 

Essen alle zusammen am Tisch sitzen, reden 

wir über alles. Wir sind uns sehr nahe. 

BLIMU: Haben Sie Ihrem Sohn Sean 

einen Rat gegeben, bevor er mit der 

Schauspielerei begonnen hat? 

PB: Ich habe ihn gefragt, ob er wirklich 

Schauspieler werden will. Er sagte: Vielleicht. 

Ich habe ihm gesagt, dass er sich 

bilden und viel lesen muss, um die Geschichte 

der Menschheit zu verstehen. 

Dass er gute Autoren finden und auch 

die Courage besitzen muss, eine Pause 

einzulegen, wenn dies notwendig ist, um 

auch auf der Bühne zu bestehen. Nachdem 

sein Entschluss gefallen war, hat 

er deshalb Schauspiel studiert, um sein 

Talent auszubauen. 

BLIMU: Wie sehen Ihre Zukunftsvisionen 

aus? 

PB: Ich beschreite eine neue Dekade meines 

Lebens und bin gespannt, welche Herausforderungen 

mich als Schauspieler 

erwarten. Ich möchte meine Memoiren 

schreiben, eine Art Show kreieren oder 

malen. Keely und ich haben uns dazu 

entschieden, gemeinsam als Produzenten 

meiner eigenen Produktionsgesellschaft 

»Irish DreamTime« zu arbeiten. Wir 

haben gerade die Rechte an dem Buch 

»Girls Like Us« erworben und werden daraus 

eine Dokumentation machen. 

BLIMU: Wie sieht Ihr perfekter Tag aus? 

PB: Ich stehe auf, gönne mir eine Tasse 

Kaffee und sage meiner Frau, dass ich 

sie liebe. Nachdem ich etwas Fahrrad 

gefahren bin, gehe ich in mein Studio 

und male. Keely zaubert uns ein Essen. 

Anschließend gehe ich schwimmen und 

entspanne auf ganz einfache Art. 

blickpunkt musical Special Mamma Mia! 2 MM 14

C 

A 


ol parker - regi e / drehbuch 

Der britische Drehbuchautor und Regisseur 

Ol Parker (*1969) begann seine Karriere 

mit Drehbüchern für die TV-Serie 

»Grange Hill«, die in der BBC ausgestrahlt 

wurde. Er schrieb das Drehbuch zu dem 

Film »The Best Exotic Marigold Hotel« 

(2011), der u. a. für den »BAFTA Award« 

und den »Golden Globe« nominiert wurde 

und weltweit über 136 Millionen Dollar 

einspielte. Es folgte das Buch für »Now 

Is Good – Jeder Moment zählt« (2012), 

bei dem er auch Regie führte, sowie für 

die Fortsetzung »The Best Exotic Marigold 

Hotel 2« (2015). Für »Mamma Mia! 

Here We Go Again« schrieb Parker das 

Drehbuch und übernahm die Regie. 

BLICKPUNKT MUSICAL: Sie wurden 

ursprünglich nur als Drehbuchautor 

engagiert und haben dann erst später 

den Regiestuhl angeboten bekommen. 

Wie haben Sie darauf reagiert? 

OL PARKER: Es war eine sehr große 

Überraschung für mich. Ich bekam eine 

E-Mail von meinem Freund Richard Curtis, 

der das Originalbuch geschrieben 

hat, in der er mir zum Regieposten gratulierte. 

Ich habe nur drei Sekunden gebraucht, 

um ihm zu antworten. 

BLIMU: Haben Sie während der Arbeit 

an dem Drehbuch je daran gedacht, 

dass man Sie auch für die Regie gewinnen 

könnte? 

OP: Nein, nie. Hätte ich es auch nur 

geahnt, hätte ich nie die Tanzszene auf 

dem Boot geschrieben. Mir gefiel die 

Idee und damals dachte ich, es wäre 

irgendwann das Problem von jemand 

anderem, diese Szene auch wirklich 

umzusetzen. Dann übertrug man mir 

die Regie und ich war entsetzt darüber, 

diese Szene wirklich drehen zu müssen. 

(lacht) 

BLIMU: War es einfacher oder schwerer 

für Sie, das eigene Drehbuch zu 

verfilmen? 

OP: Bei diesem Projekt war es eine Herausforderung. 

Aber es war brillant und 

atemberaubend. 

BLIMU: Haben Sie als Vorbereitung für 

Ihre Arbeit »Mamma Mia!« gesehen? 

OP: Oh ja, ich habe ihn sehr oft gesehen. 

Seither kriege ich die Musik von »ABBA« 

nicht mehr aus dem Kopf. Sie ist immer 

da, wie ein dauerhafter Ohrwurm. 

BLIMU: Es wurde von Beginn an kommuniziert, 

dass Meryl Streep auch im 

zweiten Film dabei sein wird. Und dies, 

obwohl Sie ihre Figur eigentlich herausgeschrieben 

hatten. Wie kam es dazu? 

OP: Ich würde nicht sagen, dass ich sie 

wirklich herausgeschrieben hatte. Ich 

denke, es hat zehn Jahre gedauert, bis 

die Fortsetzung kam, weil der kommerzielle 

Druck dann nicht mehr so groß war. 

Die Darsteller hatten eine wunderbare 

Zeit und Spaß an einer Arbeit, die sie 

wirklich machen wollten. Nicht jeder Film 

benötigt eine Fortsetzung, daher nahm 

man sich die Zeit, um herauszufinden, ob 

man die Geschichte wirklich fortsetzen 

will. Meryl wollte ein Teil des Ganzen sein, 

aber nicht als Schauspielerin. Ich denke, 

jeder der Darsteller ist bekannt genug 

und besitzt ausreichend Geld, um nicht 

auf das Sequel angewiesen zu sein. Auch 

Benny und Björn brauchten den Film 

nicht, um damit an den Erfolg des ersten 

MM 15 blickpunkt musical Special Mamma Mia 2

Mamma Mia! 2 

anzuknüpfen. Ich habe eine Geschichte 

geschaffen, mit der alle zufrieden waren. 

Auch Meryl. Es ist für einen Drehbuchautor 

immer ein großer Moment, wenn man 

die fertige Arbeit einreicht und dann das 

Okay von allen bekommt, die in der Vergangenheit 

an dem Projekt beteiligt gewesen 

waren. 

BLIMU: Wie viele Tage war Meryl Streep 

am Set? 

OP: Sie kam vorbei, um uns zu besuchen 

und Zeit mit uns zu verbringen. Sie ist 

sehr gut mit Cher befreundet. Ich bin mir 

nicht mehr ganz sicher, aber ich denke, 

sie war zehn Tage am Set. 

BLIMU: Wie war die Zusammenarbeit 

mit Cher? Konnte sie selbst entscheiden, 

welchen Song sie singen will? 

OP: Sie wusste, dass bereits alles festgelegt 

war. Wenn man Darsteller für einen 

Film castet, hat man im Hinterkopf immer 

einen Plan B, falls die gewünschten Darsteller 

ablehnen. Hat man diesen nicht, 

verliert man Zeit. Für Cher habe ich den 

Part der Großmutter geschrieben und sie 

mochte ihn. Ich habe hin und her überlegt, 

wer noch für die Rolle in Frage kommen 

könnte, aber es blieb immer Cher. 

Glücklicherweise war ›Fernando‹ immer 

einer ihrer Lieblingssongs, sodass auch 

diese Szene wunderbar passte. 

BLIMU: Wie wichtig war es, Donna wieder 

zurück auf die Leinwand zu bringen? 

OP: Es war sehr wichtig und immer ein 

Teil des Plans. Es stand von Beginn an 

fest, dass sie einen Song singen soll, auch 

wenn noch niemand wusste, wie der Plot 

der Geschichte genau aussehen würde. 

Ich hatte nur die vage Idee, dass der Film 

mit ihrem Song enden könnte. 

BLIMU: Die Szene in der Kapelle ist 

wunderschön und sehr emotional. Was 

hat Sie dazu inspiriert? 

OP: Es war ein Gedanke, den ich schon 

lange im Kopf hatte. Donnas Geschichte 

wiederholt sich durch Sophie. Wir wollten 

dies verdeutlichen. Ich bin Stunde 

um Stunde die Szene durchgegangen 

und habe überlegt, wie ich sie gestalten 

soll. Ich stellte mir vor, dass Donna 

in einem weißen Gewand wie ein Engel 

die Kapelle betritt oder hineinschwebt. 

Das eine war nicht dramatisch genug, 

das andere zu abgehoben. Ich habe mir 

Ideen bei den Setdesignern geholt, um 

herauszufinden, was möglich ist. Und so 

entstand die Idee nach und nach. Ich bin 

sehr glücklich mit dem Ergebnis. 

BLIMU: Benny Andersson und Björn 

Ulvaeus haben für den Film einige der 

Liedtexte verändert? 

OP: Benny hat dabei geholfen, den richtigen 

Mix für den Film zu finden. Ich habe 

beide in Griechenland getroffen, bevor 

ich mit dem Drehbuch begonnen habe. 

Ich hatte erwartet, von ihnen eine Liste 

mit zehn bis fünfzehn Songs zu bekommen, 

um die herum ich die Geschichte 

spinnen soll. Es passierte aber genau das 

Gegenteil. Sie sagten mir, ich soll schreiben, 

was ich will, und auch die Songs 

verwenden, die ich will. Ich war in der Gestaltung 

also völlig frei und konnte Cher 

›Fernando‹ singen lassen, wenn sie auf 

ihre alte Liebe trifft. Ich habe mich immer 

wieder mit Benny und Björn getroffen 

und ihnen von meinen Ideen erzählt und 

sie waren sehr angetan davon. Auch die 

Idee, als Sophie und Sky miteinander telefonieren 

und dabei ›One of Us‹ singen, 

während sich das Bild teilt und man sie 

beide gleichzeitig sieht, kam an. Ich habe 

mich aber auch bemüht, ihre Songs sehr 

sorgsam zu behandeln. Da sind mir die 

beiden entgegengekommen und haben 

einige Textpassagen verändert, sodass 

diese besser zur Handlung passen. 

BLIMU: Amanda Seyfried war kurz 

zuvor Mutter geworden. War dies eine 

Herausforderung? 

OP: Amanda brachte ihr Baby mit zum 

Set und es schlief oft auf meinem Arm, 

während ich Regie führte und Amanda 

vor der Kamera stand. Ich war also Babysitter 

und Regisseur zugleich. Sie ist wirklich 

ein reizendes kleines Mädchen, das 

alle verzaubert hat. 

BLIMU: Es ist immer schwer, Schauspieler 

zu finden, die ein bereits 

bekanntes Castmitglied in jüngeren 

Jahren verkörpern. Mit Lily James in 

der Rolle der jungen Donna ist dies 

perfekt gelungen. 

OP: Es ist immer günstig, wenn sich der 

Cast schon aus vorigen Projekten kennt 

und eine natürliche Freundschaft miteinander 

pflegt, weil die Szenen dann 

harmonischer wirken. Es klingt wie ein 

Klischee, aber man castet gerne Leute, 

die man mag und kennt. Mir war es für 

»Mamma Mia! Here We Go Again« wichtig, 

dass der junge Cast eine ähnliche 

Persönlichkeit wie der jeweils Bestehende 

hat. Lily hat beispielsweise ganz zu Beginn 

getanzt, genauso wie es Meryl im 

ersten Film getan hat. Dadurch war die 

Verbindung offensichtlich. Und natürlich 

sollte der Cast ebenfalls singen können, 

weil ich dies Benny und Björn versprochen 

hatte. Die Darsteller des ersten 

Films sind natürlich in den letzten zehn 

Jahren älter geworden, was man auch 

an den Stimmen hört, die sich etwas 

verloren haben. Daher war es wichtig, 

dass der junge Cast besser singt. (lacht) 

Die jungen Darsteller mussten einfach 

talentiert, sympathisch und brillant sein, 

also keine großartigen Voraussetzungen 

erfüllen. (lacht) 

BLIMU: Lily James hat eine wunderbare 

Stimme. Hat sie während der Dreharbeiten 

live gesungen oder wurden 

die Songs, die zuvor aufgenommen 

wurden, abgespielt? 

OP: Wir haben beide Varianten genutzt. 

Auch bei Amanda. Sie haben beide wunderbare 

Stimmen und das haben wir 

genutzt. Wenn Donna in der Taverne 

singt, hat Lily wirklich a capella gesungen. 

Meryl Streep hingegen hat Playback 

gesungen. Das war eine Herausforderung, 

weil man selbst bei seiner eigenen 

Stimme nicht immer lippensynchron 

ist. Meryl hat dies aber bestens gemeistert. 

Gefühlvoller ist es immer, wenn die 

Darsteller live singen, weil sie in diesem 

Moment ganz anders fühlen als Monate 

zuvor, wenn sie die Songs einsingen. 

Chers Gesang stammt vom Band. Sie ist 

72 Jahre alt und kann perfekt ihre eigenen 

Aufnahmen performen. 

BLIMU: Wird es einen dritten Teil geben? 

OP: Das kann ich jetzt noch nicht beantworten. 

Ich sitze heute hier, weil der erste 

Teil so erfolgreich war. Wenn der zweite 

Film auch so gut läuft, bin ich offen. Ich 

bin positiv gestimmt. Ich habe über Figuren 

geschrieben, die die Zuschauer bereits 

kannten und mochten, und ich habe 

»neue« geschaffen, die ebenso liebenswert 

sind. Wir hoffen einfach das Beste. 


MM 16

I Am From Austria in Wien 

Titanic in Bad Hersfeld 

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Mamma Mia 2 

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Teil 2 

The Band's Visit in New York 

Ghost – Das Musical 

Eine grenzenlose Liebe in Berlin 

Kinky Boots in Hamburg 

The Greatest Showman im Kino 

Doctor Dolittle in Salzburg 

Priscilla – Königin der Wüste in München 

Jekyll & Hyde in Frankfurt a. Main 

Once on This Island in New York 

Doktor Schiwago 

Leidenschaftliches Musical in Leipzig 

Fack ju Göhte in München 

Betty Blue Eyes in Linz 

Der Fliegende Holländer in Köln 

Drew Sarich – Jesus vis-à-vis 

Das Matterhorn 

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Barnum in London 

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Neues aus Österreich 

zusammengestellt von Barbara Kern 

Uraufführung von »Heidi« im Oktober im 

Wiener MQ 

Die weltweit gelesenen Bücher von Johanna Spyri 

(1827–1901) prägen wohl auch in Österreich seit 

Generationen das Bild der Schweiz. Durch die 

Filme, Comics und Animationsfilme aus USA, 

England und Japan ist die Figur der Heidi weltweit 

bekannt. Auch Komponist, Songwriter und 

Entertainer Michael Schanze hat in seinen Sendungen 

als TV-Moderator Kinder erlebt, die damit 

aufgewachsen sind. Nachdem Michael Schanze 

2016 gemeinsam mit Christian Berg das Familien- 

Musical »Scrooge – Eine Weihnachtsgeschichte« 

geschrieben hat, verfasste er jetzt gemeinsam mit 

Hans Dieter Schreeb (»Der Kurier der Kaiserin«, 

»Moselbrück« und Buch von »Tell«) ein neues 

Musical über Heidi. Schreeb interessiert an der 

Geschichte auch das Bild gesellschaftlicher Veränderungen 

Ende des 19. Jahrhunderts, das hier mit 

Heidis Reise zwischen den für Freiheit stehenden 

Schweizer Alpen und dem streng geregelten bürgerlichen 

Leben in der Stadt Frankfurt gezeigt 

wird. 

Das Musical »Heidi« wird am 10. Oktober 

2018 Uraufführung in der Halle E des Wiener 

Museumsquartiers feiern. Produzent ist Wolfgang 

Werner, der u. a. als Intendant der Opernfestspiele 

St. Margarethen bekannt ist. 

Uwe Kröger verkörpert die Rolle des kauzigen 

Alm-Öhis und Maya Hakvoort wird das gestrenge 

Fräulein Rottenmeier spielen. Zum Cast wird 

auch Alfons Haider gehören. 

Regie & Bühnenbild liegen in den Händen 

von Manfred Waba. 

Mehr auf: www.heidimusical.info 

Auf eine emotionale Zeitreise mitnehmen möchte 

das Stück, das als »Schauspiel mit Musik« bezeichnet 

wird. »Gefühlsmalerei« ist das schöne Wort, 

das Julia Marie Wagner für das Werk findet, bei 

dem sie auch Regie führt. Die musikalische Leitung 

am Klavier übernimmt die Songwriterin Babsea, die 

zusammen mit Marion Feichter auch die Arrangements 

schrieb. 

Es spielen Lena Weiss (»Mozart!« in Shanghai, 

»Anatevka« in Heidelberg) als Emilie und Florine 

Schnitzel (»Grand Hotel« in Baden, »Les Misérables« 

in Staatz) als Wally. 

Die Uraufführung findet am 26. September 

2018 im Brick-5 in Wien statt. 

Mehr auf: www.wally-emilie.com 

»Rudolf – Affaire Mayerling« auf Blu-ray 

Seit dem 20. Juli ist die Aufnahme aus dem 

Wiener Raimund Theater jetzt in neuer Qualität 

fürs Heimkino erhältlich. Die Blu-ray von 

HitSquad Records enthält 62 Kapitel, verteilt 

auf zwei Akte. Basierend auf dem Roman »Der 

letzte Walzer« von Frederic Morton über das 

Leben des österreichischen Kronprinzen Rudolf 

und über seinen Selbstmord an der Seite 

von Marie Vetsera, schrieben Frank Wildhorn 

und Jack Murphy ein dramatisches Musical mit 

großen Songs, das 2009 Uraufführung in Wien 

feierte. Am 19. und 20. Juni 2009 wurden die 

Produktionen aufgenommen. Durch Kamerafahrten 

auf der Bühne erlebt der Zuschauer das 

emotionale Musical der Vereinigten Bühnen 

Wien mit Drew Sarich, Lisa Antoni und Uwe 

Kröger in den Hauptrollen in ca. 150 Minuten 

fast wie einen Film. 

Mehr auf: www.hitsquad.at und www.musicalvienna.at 

Österreichische Erstaufführung von 

»Bodyguard« in Wien 

Am 27. September 2018 feiert »Bodyguard – 

Das Musical« Premiere im Wiener Ronacher. 

Die Musicalfassung vereint Songs des Film- 

Soundtracks (wie ›One Moment in Time‹ und 

›I Will Always Love You‹) und weitere Welthits, 

die im Original von Whitney Houston gesungen 

wurden, mit deutschsprachigen Dialogen. 

Grundlage bildet das Drehbuch von Lawrence 

Kasdan um die Liebesgeschichte zwischen dem 

Star Rachel Marron und dem Bodyguard Frank 

Farmer, die Alexander Dinelaris für das Musical 

adaptierte. Das künstlerische Kreativteam 

besteht aus Thea Sharrock (Regie), Chris Egan 

(Orchestrierung & zusätzliche Musik), Mike 

Dixon (Musical Supervision & Vocal Arrrangements), 

Richard Beadle (Musical Supervision & 

zusätzliche Vocal Arrangements), Karen Bruce 

(Choreographie), Tim Hatley (Ausstattung), 

Campbell Young (Perücken & Make-up) und 

Mark Henderson (Lichtdesign), Duncan Mc- 

Lean (Videodesign) und Richard Brooker 

(Sounddesign). Bisher wurde die Bühnenfassung 

in elf Ländern aufgeführt und von 4 Millionen 

Menschen gesehen. 

In Wien wird Patricia Meeden die Soul-Diva 

Rachel Marron spielen und ihren Bodyguard verkörpert 

Jo Weil (»Verbotene Liebe«, »Tatort«). In 

die Rolle von Rachels Schwester Nicki schlüpft 

Ana Milva Gomes. In weiteren Rollen sind Martin 

Muliar (Rachels Manager Bill Devaney), Andreas 

Kammerzelt (PR-Agent Sy Spector), Nicolas Tenerani 

(Security-Chef Tony Scribelli), Maximilian 

Ortner (Stalker) und Peter Windhofer (Special 

Agent Ray Court) zu erleben. Es spielt das Orchester 

der Vereinigten Bühnen Wien. 

Mehr auf: www.musicalvienna.at 

»Wally : Emilie« uraufgeführt im Brick-5 in 

Wien 

Wally Neuzil und Emilie Flöge waren aus Sicht der 

Geschichte nur Musen von Egon Schiele und Gustav 

Klimt. Doch Emilie war eine Frau von Welt, 

Designerin mit eigenem Modesalon und Platz in 

der Gesellschaft. Wally war eine einfache Tagelöhnerin, 

das Künstlermodell und machte aus der 

Not eine Tugend. In dem Stück von Julia Marie 

Wagner (Buch) und Babsea (Musik und Liedtexte) 

begegnen sie sich zwischen Raum und Zeit. Sie 

reflektieren über Schattenseiten und Glücksmomente, 

Egoismus und Seelenverwandtschaft an der 

Seite der beiden Künstler. 

(v.l.): Jo Weil, Patricia Meeden, Ana Milva Gomes und Christian Struppeck 

Foto: VBW / Herwig Prammer 


49


Einer für alle und alle für einen 

»3 Musketiere« beim Musicalsommer Winzendorf 

Jungspund D'Artagnan (Christopher Dederichs, r.) will es gleich mit den drei gestandenen Musketieren Porthos 

(Dirk Siebenmorgen), Aramis (Florian Fetterle) und Athos (Christoph Apfelbeck) aufnehmen 

Foto: Philipp Bernhard 

3 Musketiere 

Rob Bolland & Ferdi Bolland / 

Paul Bogaev / Gerard Cox / 

Jan-Simon Minkema / Petra van der 

Eerden / André Breedland 

Deutsch von Wolfgang Adenberg & 

Ruth Deny 

Musicalsommer Winzendorf 

Steinbruch 

Premiere: 6. Juli 2018 

Regie ......................... Andreas Gergen 

Musikalischer Leiter .......... Lior Kretzer 

Choreographie.............. Sabine Arthold 

Stunt-Choreographie ............................ 

Josef Schützenhofer 

Bühnenbild ............................ El Lasso 

Kostüme ........... Gerlinde Höglhammer 

Maske .......................... Maya Storbeck 

Lichtdesign ...................... Lukas Berger 

Sounddesign ..... Johannes Minichmayr 

D'Artagnan ...... Christopher Dederichs 

Kardinal Richelieu ........... Armin Kahl / 

Robert D. Marx 

Milady de Winter .............. Lisa Antoni 

Constance .......................... Zoë Straub 

Athos ................... Christoph Apfelbeck 

Porthos .................. Dirk Siebenmorgen 

Aramis ......................... Florian Fetterle 

Rochefort ................ Lorenz Sandmaier 

Königin Anna .............. Sarah Zippusch 

Conférencier ................... Florian Klein 

König Ludwig .................. Kilian Berger 

Buckingham ........... Kevin G. Valentine 

Puffmutter ..................... Romina Stella 

D'Artagnans Mutter ....... Nadine Zemp 

Engel aus Kristall .......... Bianca Stocker 


Sara Lynn Boyer, Diego Federico, 

Maximilian Millen, Lisa Radl (Dance 

Captain), Max M. Vazquez 

Mit schwingendem Degen stolpert der junge 

D'Artagnan in sein erstes Abenteuer. Von seinem 

behüteten Zuhause im Süden Frankreichs hat er sich 

mit seinem geliebten Pferd »Pomme de terre« auf den 

Weg gemacht, um in Paris sein Glück zu finden. Doch 

ehe er sich versieht, verteidigt er den König, an der Seite 

der von ihm hochverehrten Musketiere Athos, Porthos 

und Aramis, gegen böse Mächte. Mit starken Stimmen, 

spektakulären Stunts und schwungvollen Schauspielszenen 

heizt der Musicalsommer Winzendorf im alten 

Steinbruch in diesem Jahr mit »3 Musketiere« den Zuschauern 

ein. Trotz kleiner Optimierungsmöglichkeiten 

ist die Sommer-Spielstätte auf dem besten Weg, sich neben 

den etablierten Festspielen in Amstetten und Staatz 

in der warmen Jahreszeit zu einer der festen niederösterreichischen 

Musiktheaterinstitutionen rund um Wien 

zu mausern. 

Für die neue Inszenierung des Klassikers, der 2003 

seine Uraufführung im niederländischen Rotterdam 

feierte, wurde ein beachtlicher Cast gefunden. In die 

Rolle des etwas unbeholfenen, aber nicht minder mutigen 

D'Artagnan schlüpft Blondschopf Christopher 

Dederichs. Mit dem mitreißenden Song ›Heut' ist der 

Tag‹ setzt der Darsteller, der zuletzt in »Schikaneder« 

und »Tanz der Vampire« zu sehen war, gleich zu Beginn 

seines neuen Engagements hohe Standards, denen aber 

auch die nachfolgenden Solisten durchaus gerecht werden. 

Sehr gut spielt er die Entwicklung von dem tagträumerischen 

und etwas unbeholfenen Landburschen 

hin zum mutigen Musketier. Dabei erhält D'Artagnan 

die Chance, zu zeigen, was in ihm steckt. Noch gar nicht 

richtig in der französischen Hauptstadt angekommen, 

trifft er seine erste große Liebe in Gestalt von Constance. 

Sie wird von der Sängerin Zoë Straub verkörpert, 

die – nach der Teilnahme beim Eurovision Song Contest 

2016 für Österreich mit ›Loin d'ici‹ – in Winzendorf ihr 

Musicaldebüt gibt und unter Beweis stellt, dass sie nicht 

nur stimmliche, sondern auch darstellerische Qualitäten 

zu bieten hat. Ganz nebenbei purzelt D'Artagnan 

in sein erstes Abenteuer. Mit mehr Mut als Verstand 

fordert er gleich drei gestandene Musketiere zum Duell 

heraus. Christoph Apfelbeck spielt den Gentleman 

Athos, Florian Fetterle den humorvollen Aramis und 

Dirk Siebenmorgen den Genussmenschen Porthos. Die 

drei sind auch auf der Bühne ein eingespieltes Team und 

schaffen es, jedem der Leibgardisten einen ganz eigenen 

Charakter zu verleihen und dennoch eine verschworene 

Einheit zu bilden. Die hastig ausgemachten Duelle zwischen 

dem Greenhorn und den erfahrenen Kämpfern 

finden nicht statt, da die Leibgarde des Kardinals unter 

der Leitung von Rochefort (Lorenz Sandmaier) dazwischen 

geht. Statt gegeneinander kämpfen die vier in der 

folgenden Degen-Szene, die spannend und energiegeladen 

von Stunt-Choreograph Josef Schützenhofer umgesetzt 

wurde, zusammen. Gekonnt schwingen die Darsteller 

die Klingen. Ihnen gegenüber steht als Highlight 

des Casts Armin Kahl in Form des legendären Kardinals 

Richelieu. Dieser bewegt sich mit einer bewundernswerten 

Natürlichkeit im scharlachroten Ornat. Wer genau 

hinschaut, kann die zwiegespaltene Persönlichkeit, die 

zwischen der katholischen Liebe zu Gott und dem Hass 

auf die protestantischen Hugenotten schwankt, in seinen 

Augen blitzen sehen. Der Mann mit dem spitzbübisch-dämonischen 

Lächeln hat in Winzendorf offenbar 

ein Zuhause gefunden, hat Armin Kahl doch im letzten 

Sommer bereits Zorro verkörpert. An seiner Seite ist in 

50 



diesem Jahr Lisa Antoni zu sehen. Mit ihrer beeindruckenden 

Stimme, die sie besonders bei ›Männer‹ unter 

Beweis stellt, begeistert sie das Publikum als Milady de 

Winter und vermeintliche Komplizin des dubiosen Kirchenmannes. 

Das Leading-Team rund um den erfahrenen Regisseur 

Andreas Gergen, der nicht nur im vergangenen Jahr 

in Winzendorf, sondern auch in Tecklenburg und anderen 

Theaterhäusern zahlreiche Ensuite-Erfolgsproduktionen 

aus der Taufe gehoben hat, hat auch beim Ensemble 

aus Schülern und Absolventen des Performing 

Center Austria in Wien eine gute Auswahl getroffen. 

So macht besonders Kilian Berger nicht nur im Ensemble, 

sondern auch in der Nebenrolle des König Ludwig eine 

tadellos gute Figur. Auch seine Bühnen-Gattin, die 

Newcomerin Sarah Zippusch, zeigt ihr Können und 

vermag beim Terzett ›Wer kann schon ohne Liebe sein‹, 

mit den erfahrenen Kolleginnen mitzuhalten. 

Alle Darsteller stehen vor der Herausforderung, die 

große Bühne von Winzendorf zu bespielen. Der alte 

Steinbruch bietet schon seit Jahren für die Winnetou- 

Festspiele dem Publikum eine einzigartige Kulisse. Im 

letzten Sommer nutzte der Musicalsommer die Kulisse 

erstmals mit »Zorro« für ein Musical. Durch die Überdachung 

wetterfest, nimmt der Zuschauer in gemütlichen 

Kino-Sesseln Platz. Die besonders breite Bühne bietet 

ein kinoähnliches 16:9-Erlebnis. Viele einzelne kleine 

Schauplätze, wie eine Höhle, ein Salon, der zum Schloss 

umfunktioniert wird, und eine Brücke verbinden sich 

zu einem harmonischen Ensemble und bieten nicht nur 

dem Orchester unter der musikalischen Leitung von 

Lior Kretzer die Möglichkeit, sich direkt auf der Bühne 

zu positionieren, sondern auch mannigfaltige Auftrittsmöglichkeiten 

für Pferde und Kutschen. Die prunkvollen 

Kostüme der Musketiere oder auch von Königin 

Anna (Kostümbild: Gerlinde Höglhammer) können 

hier ihre ganze Pracht entfalten. Auch der Sound ist in 

diesem Jahr deutlich besser als noch beim Debüt des 

Musicalsommers vor zwölf Monaten. Glasklar ist jede 

Stimme zu hören, die rockigen Rhythmen aus der Feder 

des niederländischen Komponistenbrüderpaares Rob 

und Ferdi Bolland gehen in Mark und Bein. 

Wie im vergangenen Jahr haben die Produzenten 

Jérôme Berg und Benedikt Karasek auch in diesem 

Jahr nicht nur bei der Stückwahl, sondern auch bei den 

Engagements ein glückliches Händchen bewiesen. 

Eine Bemerkung zum Schluss: Auch Schattenseiten 

bringt dieses kinohafte Erlebnis für die ganze Familie 

mit sich. So muss sich der erfahrene Musical-Besucher 

vermutlich erst daran gewöhnen, dass so manche beachtenswerte 

Reprise ungewohnt durch Popcorn-Geraschel 

vom hungrigen Nebensitzer gestört wird. 

Manuel Sommerfeld 


1. ›Männer‹ – Milady de Winter (Lisa 

Antoni mit Ensemble) ist nicht gut auf die 

Herren der Schöpfung zu sprechen 

2. Kardinal Richelieu (Armin Kahl, Mitte 

mit Ensemble) hat nicht nur die Zügel, 

sondern auch das Königspaar (Kilian 

Berger, l. und Sarah Zippusch, r.) fest in 

der Hand 

3. Erstes Aufeinandertreffen und 

charmante Blicke zwischen D'Artagnan 

(Christopher Dederichs) und Constance 

(Zoë Straub) 

4. Constance (Zoë Straub, l.) und 

D'Artagnan (Christopher Dederichs, 

Mitte) strahlen vor Glück und haben 

auch den Segen von Athos (Christoph 

Apfelbeck, r.) 

Fotos (4): Philipp Bernhard 


51


Ein Klassiker mit Herzschmerz und neuen Ideen 

»West Side Story« bei den Mühlviertler Musicalfestwochen in Bad Leonfelden 

West Side Story 

Leonard Bernstein / Stephen Sondheim / 

Arthur Laurents / Jerome Robbins 

Songs in englischer Sprache 

Deutsche Dialoge von Marcel Prawy 

Eine Kooperation oberösterreichischer 

Kultureinrichtungen mit 

Mühlviertler Musicalfestwochen 

Sporthalle Bad Leonfelden 


Regie & 

Choreographie .... Daniel Morales Pérez 

Musik. Leitung ..... Walter Rescheneder 

Bühnenbild ....... Peter Manhartsberger, 

Anna Maria Brandstätter, 

Nicola Hackl-Haslinger 

Kostüme .... Susanne Kerbl & Anita Bachl 

Lichtdesign ....... Bernie und Birgit Leier 

»Skyline« 

Ton ........................ Mathias Burghofer 

Tony .............................. Gernot Romic 

Maria ................................ Ilia Staple / 

Svetlana Enzenhofer-Merzlova 

Anita .... Masengu Madeleine Kanyinda 

Bernardo .......... Damián Cortes Alberti 

Riff ....................... Johannes Nepomuk 

Anybody’s .... Nuria Gimenez Villaroya 

Chino ................................. Enyer Ruiz 

Doc .......................... Manfred Stepany 

Schrank ............. Peter Andreas Landerl 

Krupke ........................ Ralf Rachbauer 

Ein Mädchen ................. Esther Pollak / 

Lisa Marie Lang 

In weiteren Rollen 

Rie Akiyama, Marlene Aigner, 

Christian Baumgartner, Kai Chun 

Chuang, Pablo Delgado, Hermann 

Diller, Chiara Ebner, Katharina Egger, 

Julio Andrés Escudero, Cajsa Ekstrand, 

Sarah Est, Domen Fajfar, Magdalena 

Fankhauser, Sarah Hartl, Michael 

Hinterhauser, Anniina Kankkunen, 

Laura Maria Kerbl, Bjarne Kirchmair, 

Verena Örtelt-Sumps, Elías Morales 

Pérez, Gabriel Wanka, Jana Würleitner, 

Julian Ricardo Yopasá Samacá 

Star des Abends: Masengu Madeleine Kanyinda in der Rolle der Anita. Sie begeisterte mit dem Ohrwurm-Song ›America‹ 

Foto: ABPU 

Die Zuschauer schmolzen reihenweise dahin. Sie taten 

das 1957 bei der Uraufführung in New York 

und auch 1961, als Richard Beymer mit Natalie Wood 

auf der Leinwand flirtete. Leonard Bernsteins »West 

Side Story« ist ein Musical-Klassiker per excellence und 

ein »Romeo und Julia« der Gegenwart. 

Gemäß Bernsteins Motto »Alles ist möglich, wenn 

wir zusammenarbeiten«, nahm sich Produzent Thomas 

Kerbl in Bad Leonfelden dem amerikanischen Klassiker 

an. Eines stand von Anfang an fest: Das Publikum 

sollte die Partitur im Original hören. Ohne Abstriche 

oder Besetzungsminimierungen. Genau so, wie Leonard 

Bernstein das Werk niedergeschrieben hatte. Dem kam 

man auch akribisch nach. Mit dem Leonard Bernstein 

Festival Orchester unter der Leitung von Walter Rescheneder 

konnte ein musikalischer Leckerbissen gewonnen 

werden: Ein Orchester in einer Größenordnung, wie 

man es – vor allem beim Sommertheater – kaum sieht. 

Einzig der Ton machte Sängern und Musikern einen 

Strich durch die Rechnung. Aussetzende Mikros, Handmikrofone, 

die angereicht wurden und dann ebenso 

versagten, sowie generell verbesserungswürdige Tonqualität. 

Zur Geschichte – einer modernen »Romeo und 

Julia«-Version rund um Tony (Jets) und Maria (Sharks) 

an der New Yorker West Side – muss man wohl nicht 

mehr viel sagen. Sie ist allseits bekannt. Die Inszenierung 

von Daniel Morales Pérez liegt, wie bereits erwähnt, 

äußerst nahe am Original. Zwei erwähnenswerte 

Ausnahmen gibt es allerdings: Ende des zweiten Aktes 

träumen Tony und Maria von einer Zukunft zu zweit 

(›Somewhere‹). Der Song wird anstatt von den beiden 

von einem jungen Mädchen in weißem Kleid vorgetragen. 

Wenn auch Esther Pollak das mit Bravour meisterte, 

bleibt die Frage, ob es die Zuseher nicht aus dem Geschehen 

reißt und womöglich etwas deplatziert wirkt. 

Die zweite Änderung in Pérez' Inszenierung betrifft 

die Schlusssequenz. Anstatt der »Versöhnung« von Jets 

und Sharks, die Tony gemeinsam von der Bühne tragen, 

verlassen alle das Szenario und die trauernde Maria 

bleibt alleine mit Tony zurück. Wenn es auch einen 

Grund dafür geben mag, büßt das Finale durch Fehlen 

der Abschlussszene leider einiges an Emotionen ein. Der 

Schluss wirkt holprig – das Publikum scheint nicht sicher 

zu sein, ob das Stück schon vorbei ist oder nicht. 

Da hätte man sicherlich einen runderen Abschluss finden 

können. 

Positiv hervorzuheben sind die detailgetreue Arbeit 

und die kleinen Ideen, mit denen Pérez das sonst immergleiche 

Stück aufpeppt. Bei der ›Hochzeitsszene‹ im 

Brautmodengeschäft sind es keine Puppen, mit denen 

die Verliebten tanzen, sondern echte Darsteller, die Puppen 

mimen sollen. Eine gute Idee, da die Szene so durch 

den Roboter-artigen Puppentanz besonders lebendig wirkt. 

In den Hauptrollen finden sich Gernot Romic 

(»Mozart!«, »Elisabeth«, »Tanz der Vampire«) und Ilia 

Staple (»Das Phantom der Oper«, »Orpheus in der Unterwelt«, 

alternierend: Svetlana Enzenhofer-Merzlova) 

zwischen zwei Welten. Tony und Maria – zwei Rollen, 

die schon von zahlreichen Darstellern zuvor verkörpert 

wurden und das vermutlich auch noch werden. Romic 

bringt seine eigene Interpretation des ehemaligen Jets- 

Mitglieds ein. Er überzeugt stimmlich auf ganzer Linie, 

sorgt mit Klassikern wie ›Maria‹ und ›Something's Coming‹, 

welche bekanntlich nicht leicht zu singen sind, 

für Gänsehaut. Darstellerisch ist der 32-Jährige zwar 

bemüht, es gelingt ihm jedoch insbesondere in den Szenen 

mit Maria nicht, dass der Funke überspringt. Dies 

52 



mag auch an seinem Gegenüber liegen. Während Staple 

eine Stimme besitzt, bei der so manche Sängerin an der 

Wiener Staatsoper vor Neid erblassen würde, kann sie in 

der Rolle der Maria schauspielerisch leider nicht überzeugen. 

Zu wenig Grazie, zu wenig lieblich, zu hart und 

hölzern wirkt sie. Auch darum fehlt es bei den Liebesszenen 

an der für »West Side Story« nötigen Romantik. 

Schade auch, dass sie den typischen »Maria-Akzent« 

nicht einfließen lässt. 

»Star« des Abends ist Anita-Interpretin Masengu 

Madeleine Kanyinda. Die Mezzosopranistin (PCA 

Abschluss 2016) singt und spielt ihre Kollegen am Premierenabend 

an die Wand. Sie verkörpert eine rassige, 

selbstbewusste Anita, die mit beiden Beinen fest im Leben 

steht und sich von nichts und niemandem unterkriegen 

lässt. Ihr Duett mit Maria (›A Boy Like That‹) 

bildet das Highlight der Vorstellung. Ebenso perfekt 

besetzt ist ihr Liebhaber, Marias Bruder Bernardo, dargestellt 

von Damián Cortes Alberti. Er mimt den klassischen 

puerto-ricanischen Macho mit Witz, Charme 

und Feuer. In die Rolle des Riff, Anführer der Jets, 

schlüpft Johannes Nepomuk, der zwar gesanglich stark 

ist, jedoch trotz Anstrengung die ganze Aufführung des 

Stückes hindurch eher unscheinbar bleibt. 

Die Kostüme von Susanne Kerbl und Anita Bachl 

sind an die typisch-modernen »West Side Story«-Inszenierungen 

angeglichen: die kurzen, bunten Kleider 

der Puerto-Ricanerinnen, die lässigen Outfits inklusive 

Chucks bei den Jets. Hervorzuheben ist in Bad Leonfelden 

vor allem die Choreographie, die ebenfalls von 

Regisseur Pérez stammt. Jazzig und mit Power ist von 

Beginn bis zum Ende eine klare Linie zu erkennen. 

Schnelle Moves wechseln sich mit kubanischen Rhythmen 

und langsamen Tänzen ab und ziehen das Publikum 

in ihren Bann. Dabei spielt ihm neben einem 

fantastischen Ensemble auch die weitläufige Bühne in 

die Hände. Das Bühnenbild ist zwar eher spärlich, aber 

effektiv, da es Raum für Bewegung bietet. Peter Manhartsberger, 

Nicola Hackl-Haslinger und Anna Maria 

Brandstätter kreierten mit Hilfe von Metallstäben und 

Holzteilen das Revier der Jugendbanden. Diese Elemente 

sind beweglich und können rasch in den kleinen 

Laden oder den Balkon von Maria verwandelt werden. 

Erst zum Schluss wird ersichtlich, dass die Holzeinheiten 

Buchstaben tragen, die die Wörter »West Side« bilden. 

Diese Inszenierung der berühmten »West Side Story« 

ist noch bis zum 5. August im Mühlviertel zu sehen. Die 

Geschichte über eine große Liebe, soziale Missstände 

und die Sinnlosigkeit von Gewalt ist in Bad Leonfelden 

klassisch und doch mit raffinierten Ideen inszeniert, mit 

zwei Hauptdarstellern, die uns mit ihren Stimmen in 

eine andere Welt entführen. Absolut zu empfehlen! 

Yvonne Brandstetter 


1. Eine Schlussszene der anderen Art: 

Die trauernde Maria (Ilia Staple) bleibt 

am Ende alleine mit ihrem Tony (Gernot 

Romic) zurück 

2. Feurig, charmant und mit dem nötigen 

Witz: Damián Cortes Alberti (l.) überzeugt 

in der Rolle des Sharks-Anführers 

Bernardo im Zusammenspiel mit Tony 

(Gernot Romic) 

3. Tony und Maria träumen von einer 

Zukunft ohne Mauern, die sie trennen; 

interpretiert wird ›Somewhere‹ von 

Esther Pollak 

4. Beim Tanzabend kommt sich das ungleiche 

Paar (Ilia Staple, Gernot Romic) 

näher. Doch das Glück soll nicht lange 

währen … 

Fotos (4): ABPU 


53


Stimme und Klavier hoch 2 

»Be-Quadrat« mit ihrem neuen Programm »Doppelt hält besser« 

Abb. oben: 

Bettina Bogdany gibt die strenge 

Oberlehrerin, Pausenclown Bernhard 

Viktorin singt beschwingt 

Foto: Maria & Andi Altmann 

Sie sei eine Klaviervirtuosin, er der Kasper – so definiert 

sich das österreichische Duo »Be-Quadrat« am 

Anfang seines Abends selbst. In ihrem aktuellen Programm 

»Doppelt hält besser« beweist Bettina Bogdany 

im Verlaufe des Abends, dass sie nicht minder lustig ist 

als ihr Bühnenpartner, und der andere Teil des Duos, 

Bernhard Viktorin, zeigt immer wieder eindrucksvoll, 

dass er nicht nur Musik macht, sondern auch mit der 

Musik spielen kann. 

Viele Requisiten benötigen die Musicaldarsteller 

nicht. Ein E-Piano hat auf der sonst in Schwarz gehaltenen 

Bühne mittig seinen Platz gefunden. Nicht nur 

das Klavier, auch die Musik, mit der die zwei Künstler 

spielen, steht während des rund zweieinhalbstündigen 

Programms im Zentrum. Mal kopfüber, mal zu zweit, 

mal während eines Liedes abwechselnd spielend, zeigen 

sie auf ihm ihr ganzes Können und die vielseitige 

Bandbreite der Musik. In der Wiener Kulisse – einer 

Kleinkunstbühne mit Beislbewirtung im 17. Wiener 

Gemeindebezirk – verabschiedete sich das Duo in die 

Sommerpause, bevor es dann ab Mitte September auf 

diversen Bühnen in ganz Österreich wieder sein musikalisches 

und komödiantisches Talent zeigt. 

Bettina Bogdany gibt an diesem Abend die bieder 

angehauchte Kulturinteressierte, die, im grauen Hosenanzug, 

mit straff nach hinten gebundenen Haaren 

und Brille (Kostüme: Timo Verse), wie die perfekte 

Verkörperung der strengen Oberlehrerin wirkt. Immer 

wieder lässt sie auf humoristische Weise musiktheoretische 

Erklärungen einfließen. Dabei schlägt sie die 

Triangel an, unterbricht scheinbar das Programm und 

erläutert Begriffe wie »andante« oder »Swing«. Dem 

vielfach verbreiteten Musikphänomen »Key-Change«, 

dem Tonartwechsel am Ende des Liedes, wird sogar 

ein ganzer Song gewidmet. Bernhard Viktorin hingegen 

gibt den lässigen Klassenkasper mit hochgegelten 

Haaren, roter Hose, einem Logo-T-Shirt und einem 

blauen Kapuzen-Pullover. Das Repertoire des auf den 

ersten Blick unpassenden Paares ist reich an eigenen 

Kompositionen. Diese handeln oft von Alltagssituationen, 

die das Leben mit einem Augenzwinkern betrachten. 

Wenn sie bekannte Songs aufgreifen, dann immer 

auf ihre ganz eigene und persönliche Weise. In einem 

eindrucksvollen Medley schaffen sie es, in einem Rückblick 

von acht Minuten die größten Hits von heute bis 

zu den 50ern zu präsentieren. Dabei können die beiden 

auf ihre ausgebildeten Musicalstimmen zurückgreifen. 

Zahlreiche Genres werden dabei von ihnen gefühlvoll 

und stilsicher bedacht. Auch dem Schlager-Phänomen 

Helene Fischer widmet sich das Duo. Verdient die Sängerin, 

die mit ›Atemlos‹ den gleichen Song immer und 

immer wieder singen muss, unser Mitleid? »Be-Quadrat« 

legt ihr zur Melodie des Hits einen neuen Text in den 

Mund: »Pausenlos dieses Lied / vier Akkorde und ein 

Beat / gnadenlos im Dauerlauf / wann zum Teufel hört 

das auf`?« 

Emotional wird es, als sie berichten, wie Dietmar, der 

Mitbewohner von Bernhard, aus der gemeinsamen WG 

wegen einer Frau auszieht. Der Mann steht ohne seinen 

Best Buddy nun vor der für ihn überaus existenziellen 

Frage des Alltags: Wer schaut jetzt mit ihm sein geliebtes 

Fußballprogramm? Stehen doch Championsleague, 

54 



Bundesliga und die Weltmeisterschaft vor der Tür. 

Bühnenpartnerin Bettina zeigt wieder einmal Herz und 

bietet sich selbst zum gemeinsamen Fernsehen schauen 

an. Doch statt dem heißen Match folgt ein wildes 

Durchgezappe. Das dazu passende Medley aus Filmsongs 

und Werbejingles kommt beim bunt gemischten 

Publikum sehr gut an. »Indiana Jones«, »Flipper«, aber 

auch »Wickie und die starken Männer« flimmern über 

die Mattscheibe. Zeichentrickreihen, Spielfilme oder 

Serien – alle Klassiker, die die Fernsehunterhaltung zu 

bieten hat, geben sich hier die Klinke in die Hand. Besonders 

wer in den 90er Jahren aufgewachsen ist und die 

Zeit noch erlebt hat, als das Fernsehen das Lagerfeuer 

der Nation war, vor dem sich die Familie versammelte, 

wird hier seine Freude haben. 

Ein wenig machen sich die beiden Künstler auch 

über das Genre Musical lustig, was beim Musik-Kabarett 

aber durchaus mal erlaubt ist. Auch die Zuschauer 

werden immer direkt angesprochen und interaktiv mit 

in das Programm einbezogen. So wird dem ganzen Publikum 

demonstriert, wie es bei diversen Anlässen richtig 

zu applaudieren hat. Da ist von der Oper, wo man 

nach der Arie dezent und kontrolliert klatscht, über 

die Mischung aus begeistertem Applaus und Buh-Rufen 

bei einem Singer-Songwriter-Konzert bis hin zum 

animalischen Jubel beim Hip-Hop-Abend nahezu alles 

dabei. Fast wie eine kleine Liebeserklärung klingt der 

Song ›Geschwisterherz‹, bei dem Bettina sehr liebevoll 

über ihre kleine Schwester singt. Immer wieder veräppeln 

sich Viktorin und Bogdany auch gegenseitig. Die 

vom Publikum am häufigsten gestellte Frage: »Seids ihrs 

zsamm?«, verneinen beide vehement und versäumen es 

nicht, diese Aussage mit energischen Armbewegungen 

zu unterstreichen. Zusätzlich setzen sie mit dem Song 

›Schau amal in Spiegel‹ ein dickes Ausrufezeichen unter 

dieses Statement. Dafür klappt es mit »Be-Quadrat« 

umso besser: »Doppelt hält besser« ist schon das zweite 

Musik-Kabarett-Programm der beiden. Für alle, die ihr 

erstes Programm »In den Beziehungskisten« verpasst haben, 

geben Bogdany und Viktorin einen Schnelldurchlauf 

durch selbiges. 

Für noch mehr musikalische Abwechslung im 

Klangbild sorgt ein Cajon, ein Kasten zum Trommeln, 

der witzig ins Programm eingebaut wird und für Rhythmusunterstützung 

sorgt. Dabei wurde Bettina Bogdany 

zunehmend heißer und sie musste sich von Blazer und 

Brille trennen, um frei aufspielen zu können. Dabei verschwindet 

ihre biedere Seite und macht ihrem wilden 

Ich Platz. Aber auch ihre kindliche Seite kommt nicht 

zu kurz. Da darf dann auch mal der Plüschtiger auf dem 

Klavier steppen. Und da dem Stofftier-Tiger die obligatorischen 

Steppschuhe fehlen, muss der schon etwas 

skeptische Bernhard Viktorin mit »Klickediklack« für 

den passenden Ton zum Steppschritt sorgen. Mit dem 

Titelsong ›Doppelt hält besser‹ wird das gleichnamige 

Programm abgeschlossen. 

Am Ende eines unterhaltsamen Abends ernten Bettina 

Bogdany und Bernhard Viktorin für ihr spritziges, 

komplett in Eigenregie erstelltes Programm, welches 

Hits, Eigenkompositionen, Improvisations- und Inszenierungselemente 

enthält, wahrlich verdient minutenlange 

Standing Ovations. 



1. Bettina Bogdany gekonnt am E-Klavier, 

während Bernhard Viktorin das Publikum 

unterhält 

2. Mal wieder erklärt Bettina Bogdany 

musikalische Fachbegriffe 

3. Bernhard Viktorin gibt den Rocker 

vom Hocker 

4. Bettina Bogdany mit ihrer »Swing- 

Bibel« – dort stehen alle wichtigen 

Details, die sie als Swing im Musical 

beachten muss 

Fotos (4): Maria & Andi Altmann 


55


Turbulente Ferien in Griechenland 

»Mamma Mia!« bei den Thunerseespielen, erstmals in schweizerdeutscher Mundart 

Abb. oben: 

›Super Trouper‹ – Donna (Monica 

Quinter, 10.v.r.), Tanja (Patricia Hodell 

9.v.r.), Rosi (Gigi Moto, 11.v.r.) begeistern 

als »The Dynamos« die Polterabendgäste 

(Ensemble) 

Foto: Foto4you.biz 

Mamma Mia! 

Benny Andersson / Björn Ulvaeus / 

Catherine Johnson 

Schweizerdeutsch von 

Dominik Flaschka & Roman Riklin 

Thunerseespiele Thun 

Seebühne 


Regie ...................... Dominik Flaschka 

Musik. Leitung ......... Iwan Wassilevski 

Chorleitung & 

Supervision Berndeutsch ..... Ben Vatter 

Choreographie ............. Jonathan Huor 

Bühnenbild ................. Stephan Prattes 

Kostüme ............... Kathrin Baumberger 

Maske ............................ Ronald Fahm 

Lichtdesign ................... Christian Joller 

Sounddesign ............... Thomas Strebel 

Donna ....................... Monica Quinter 

Sophie ...................... Judith von Orelli 

Sky ........................... Angelo Canonico 

Tanja ............................ Patricia Hodell 

Rosi .................................... Gigi Moto 

Harry ...................... Nathanael Schaer 

Bill ........................ Eric Hättenschwiler 

Sam ................................ Matthias Arn 

Ali ............................. Fabienne Louves 

Lisa ................................... Heidy Suter 

Chili ............................... Nicolo Soller 

Eddie .................... Jan Simon Messerli 

In weiteren Rollen : 

Lukas Hobi, Tino Andrea Honegger, 

Sarah Madeleine Kappeler, Amaya 

Keller, Sandra Leon, Dominique Lüthi, 

Maja Luthiger, Giuliano Mercoli, 

Jeremy Müller, Rachele Pedrocchi, 

Fabio Romano, Gianmarco Rostetter 

(Dance Captain), Rico Salathe, 

Linda Trachsel 

Chor »Musical-Singers« 

Am 11. Juli 2018 feierte das »ABBA«–Musical 

»Mamma Mia!« seine Open-Air-Premiere in 

Schweizerdeutsch auf der Seebühne in Thun. »Mamma 

Mia!« ist nach »Gotthelf« und »Dällebach Kari« das 

dritte Mundart-Musical in der sechzehnten Spielzeit der 

Thunerseespiele. 

Das Jukebox-Musical mit den Hits von »ABBA«, mit 

den Kompositionen von Björn Ulvaeus und Benny Andersson, 

und einem Buch von Catherine Johnson feierte 

am 6. April 1999 im Prince Edward Theatre in London 

Uraufführung. Im Hamburger Operettenhaus konnten 

am 3. November 2002 die »ABBA«-Fans die deutschsprachige 

Erstaufführung der Fassung von Michael Kunze 

(Liedtexte) und Ruth Deny (Buch) erleben. 

Für die neue Inszenierung auf der Seebühne in Thun 

übersetzten Dominik Flaschka und Roman Riklin die 

Dialoge und Songtexte ins Schweizerdeutsche. Beide 

entwickelten bereits die erfolgreichen Schweizer Musicals 

»Ewigi Liebi«, »Mein Name ist Eugen« sowie »Ost 

Side Story«. Im Interview für das Programmheft der 

aktuellen Inszenierung erklärt Dominik Flaschka auf 

die Frage, warum »Mamma Mia!« ins Berndeutsche 

übertragen wurde: »Immerhin war es der Wunsch der 

Autoren, dass ›Mamma Mia!‹ auf der ganzen Welt in 

der jeweiligen Landessprache gespielt wird. Ausserdem 

ist die eigene Muttersprache immer die Sache des Herzens 

– die Charaktere und ihre Geschichten sind uns 

viel näher, wenn sie unsere Sprache sprechen.« Zugleich 

führt Roman Riklin zur Frage über die Besonderheiten, 

die bei der Übersetzung der »ABBA«-Lieder zu beachten 

waren, aus: »Die ›ABBA‹-Songtexte sind meines Erachtens 

weniger inhaltlich, sondern insbesondere durch ihre 

Form und ihren poppigen Sound bestechend. Deshalb 

habe ich, wo immer möglich, versucht, schweizerdeutsche 

Entsprechungen zu finden, die nicht nur sinngemäß 

das Gleiche aussagen und sich an den identischen 

Stellen reimen, sondern auch wieder sehr gut ›sounden‹ 

und den gleichen natürlichen Rhythmus haben.« 

In der Mundartfassung des Musicals sind die meisten 

Rollen folgerichtig als Schweizer und Schweizerinnen 

gekennzeichnet, so auch die Aussteigerin Donna 

Scheidegger, alleinerziehende Mutter der zwanzigjährigen 

Sophie. Beide Frauen leben auf einer griechischen 

Insel, auf der Donna eine Taverne betreibt. Sophie plant 

ihre Traumhochzeit mit Sky. Dazu gehört für Sophie, 

dass sie ihr Vater zum Altar führt. Da Donna nie etwas 

von diesem Vater erzählt hat, ergreift das Mädchen die 

Initiative und lädt heimlich drei mögliche Kandidaten 

zur Hochzeit ein. Die ahnungslosen Männer: Sam, Bill 

und Harry reisen an und verursachen dadurch einigen 

Trubel auf der Insel sowie in den Gefühlen von Donna. 

Diese heitere Familiengeschichte siedelt der Regisseur 

Dominik Flaschka im Jahr 2018 an, wie am Kostümbild 

von Kathrin Baumberger klar zu erkennen ist. Donnas 

Taverne befindet sich auf einer Drehbühne auf der mittleren 

der drei künstlichen Inseln im Thunersee, welche 

durch Stege miteinander verbunden sind. Auf der rechten, 

kleinsten Insel ist die Strandbar aufgebaut. Dagegen 

wird die linke Insel von übereinandergestapelten 

Containern dominiert. Diese will Donnas zukünftiger 

Schwiegersohn Sky mit Freunden in ein Casino mit Hotel 

umbauen. Die Container wurden nach den Plänen 

von Bühnenbildner Stephan Prattes aus Holz gebaut, 

bemalt und mit Graffiti verziert, deren Schriftzüge die 

englischen Titel der Musicalsongs zeigen. Außerdem 

verbergen sich in den Containern die Künstlergarderoben, 

während der Raum für die Band in der obersten 

Etage des Containerhafens angesiedelt ist. So sitzen 

die Zuschauer sehr nah am Wasser. Durch die in der 

Ferne auf dem Thunersee zu entdeckenden Segelschiffe 

ist die Illusion einer griechischen Ferieninsel perfekt. 

Diese heitere Ferienstimmung wird durch die Musik 

von »ABBA«, die die Band unter der musikalischen 

Leitung von Iwan Wassilevski hervorragend interpretiert, 

untermalt. Zudem vermitteln die ideenreichen, 

schwungvollen, oft die Situationskomik aufgreifenden 

Choreographien von Jonathan Huor die ausgelassene 

Stimmung der Ferien- und Hochzeitsgäste (Chor, 

56 



Ensemble) aufs Beste. 

Besonders eindrücklich ist die Choreographie, die 

Sophies Albtraum visualisiert. Hierbei erscheinen Ensemble 

und Chor als groteske Geister auf der Bühne. In 

dieser bedrückenden Szene (›Under Beschuss‹) entgleitet 

Sophie die Situation, die sie mit der heimlichen Suche 

nach dem Vater angezettelt hat. Judith von Orelli als 

Sophie zeigt gemeinsam mit Angelo Canonico als Sky 

ein unbeschwertes Liebespaar. Trotzdem muss sich Sophie 

von unrealistischen Lebensträumen verabschieden. 

Dabei wird sie unerwartet von Sam (Matthias Arn) unterstützt, 

einem der ehemaligen Lover Donnas (›Ich bin 

ich, du bisch du‹). Der geschiedene Mann liebt Donna 

immer noch und kämpft um ihre Liebe. Doch Donna 

hat die Enttäuschung über die Trennung vor zwanzig 

Jahren immer noch nicht ganz verarbeitet (›S.O.S.‹). In 

der Rolle der resoluten, aber gleichzeitig sensiblen Powerfrau 

Donna überzeugt Monica Quinter. Stimmig 

wirken auch Patricia Hodell (Tanja) und Gigi Moto 

(Rosi) als lebenserfahrene, temperamentvolle Freundinnen 

Donnas. Gerne schwelgen die drei Freundinnen in 

Jugenderinnerungen, als sie mit ihrer Band »The Dynamos« 

unterwegs waren. Nachdem sie in einer Kiste 

die alten, schrillen Kostüme finden, begeistern Monica 

Quinter, Patricia Hodell, Gigi Moto mit ihrer Interpretation 

der Songs ›Dancing Queen‹ und ›Super Trouper‹ 

das Publikum. 

Nathanael Schaer als netter, großzügiger Harry und 

Eric Hättenschwiler als Globetrotter Bill, welcher lieber 

allein in der Wildnis lebt, sind die zwei weiteren Ex- 

Lover Donnas. Da durch die Autoren die Figuren der 

drei Ex-Männer eher plakativ angelegt wurden, haben 

die Darsteller nicht sehr viele Möglichkeiten, diese zu 

gestalten. 

Dominik Flaschka setzt in seiner unterhaltsamen, 

lebendigen Inszenierung nicht nur auf das tänzerische, 

gesangliche Können der Darsteller aus der Schweiz, sondern 

ebenso auf ihr komödiantisches Schauspieltalent. 

Dadurch springt sofort der Funke von der Bühne auf 

das Publikum über, das die Leistung des großartigen 

Casts mit langanhaltenden Standing Ovations würdigt. 

Die schweizerdeutsche Mundartfassung von »Mamma 

Mia!« ist noch bis zum 30. August 2018 auf der Seebühne 

in Thun zu erleben. 

2019 inszeniert Werner Bauer das Musical »Ich war 

noch niemals in New York«, mit den Songs von Udo 

Jürgens. Dies ist die erste Produktion unter der Leitung 

von Freddy Burger Management. 

Martina Friedrich 


1. ›Mamma Mia / Danke für die Lieder‹: 

Sophie (Judith von Orelli, 2.v.r.) trifft ihre 

drei möglichen Väter, Harry (Nathanel 

Schaer, r.), Bill (Eric Hättenschwiler, 3.v.r.) 

und Sam (Matthias Arn, l.) 

2. ›Lah dys Härz mi la berüehre‹ – Sky 

(Angelo Canonico) und Sophie (Judith 

von Orelli) freuen sich auf den Polterabend 

3. ›S.O.S‹ – Donna (Monica Quinter) und 

Sam (Matthias Arn) versöhnen sich 

4. ›Under Beschuss‹ – Sophies (Judith von 

Orelli, Mitte und Ensemble) Albtraum 

Fotos (4): Foto4you.biz 


57


Ein zauberhafter Märchenabend 

»Die Schöne und das Biest« auf der Walensee-Bühne 

Abb. oben: 

Amüsiert beobachten Wilhelm 

(Hans Neblung, 2.v.l.), Grete (Ronja 

Borer, r.), Ilse (Laura Luisa Hat, 2.v.r.) und 

die Dorfgemeinschaft (Ensemble) das 

vergebliche Werben von Gustav (Jan 

Oliver Bühlmann, 6.v.l.) um Bella 

(Eveline Suter, 7.v.l.) 

Foto: Andy Mettler / Swiss-Image.ch 

Die Schöne und das Biest 

Martin Doepke / Elke Schlimbach / 

Grant Stevens / Christian Bieniek / 

Hans Holzbecher / Andrea Friedrichs 

TSW Musical AG Walenstadt 

Walensee-Bühne 


Regie ........................... Stanislav Moša 

Musikalische Leitung ..... Gaudens Bieri 

Choreographie ................ Igor Barberic 

Ausstattung ..... Petr Hloušek & Jaroslav 

Milfajt 

Kostüme ................... Andrea Kučerová 

Maske ................... Sandra Wartenberg 

Lichtdesign .................... David Kachlíř 

Sounddesign .................. Andreas Brüll 

Bella ............................... Eveline Suter 

Biest ............................... István Csiszár 

Fee ............................ Pia Lustenberger 

Ilse .............................. Laura Luisa Hat 

Grete ............................... Ronja Borer 

Gustav ............... Jan Oliver Bühlmann 

Wilhelm ....................... Hans Neblung 

Mathilde ...................... Karolin Konert 

Freund von Gustav ............. Patric Scott 

Violoncello ................... Jessica Falceri 

Sessel ............................ Stefano Como 

Ensemble 

Adrian Burri, Elisa Filace, Eva-Maria 

Kuperion, Maura Oricchio, Richard 

Peter, Philipp Phung, Vanessa Rudolf, 

David Schuler, Karel Škarka, Tihana 

Strmečki (Dance Captain), Marco 

Trespioli, Barbara Weiss, Julia Werbick 

Am 20. Juni 2018 feierte das Musical »Die Schöne 

und das Biest« in Walenstadt auf der Open-Air- 

Bühne am Walensee Premiere. Für die deutsche Musicalversion 

des alten Volksmärchens, nach einer Idee von 

Hans Holzbecher und Andrea Friedrichs, komponierte 

Martin Doepke die eingängige Musik, Elke Schlimbach 

und Grant Stevens erarbeiteten die Liedtexte, das 

Buch Christian Bieniek. Die Uraufführung des auf dem 

französischen Volksmärchen »La Belle et la Bête« der 

französischen Autorin und Gouvernante Jeanne-Marie 

Leprince de Beaumont (geboren am 26. April 1711, 

gestorben am 8. September 1780) basierenden Musicals 

fand 1994 im Sartory-Theater in Köln statt. In 

der Schweiz war das Stück erstmalig 2008 am Theater 

Bünzen zu sehen. Zuvor diente das Märchen als Grundlage 

für diverse Filme sowie Bühnenversionen. Der 

französische Schriftsteller, Regisseur und Maler Jean 

Cocteau (geboren am 5. Juli 1889, gestorben am 11. 

Oktober 1963) verfilmte 1946 das Märchen. Als USamerikanische 

Fernsehserie »The Beauty and the Beast« 

produzierte George R. R. Martin es zwischen 1987 und 

1990. Danach folgte 1991 die Zeichentrickversion, Disneys 

»The Beauty and the Beast« und 2017 von Walt 

Disney Pictures die Realverfilmung. Frankreich und 

Deutschland produzierten gemeinsam unter der Regie 

von Christophe Gans den Film »Die Schöne und das 

Biest«, der 2014 im Kino zu sehen war. 

In der Musicalinszenierung von Stanislav Moša 

verzaubert die charmante, kluge Bella (Eveline Suter) 

nicht nur das Publikum am Walensee, sondern ebenso 

Gustav. Der ungehobelte, eher dümmliche, egoistische 

Gustav (perfekt überzeichnet dargestellt von Jan Oliver 

Bühlmann) wirbt vergebens um Bella, da sie den Bier 

liebenden Bauern ablehnt. Statt sich abends nach getaner 

Arbeit in der Dorfkneipe zu vergnügen, liest die 

hübsche Kaufmannstochter lieber ein Buch, möchte 

ihre Träume leben und das eigene Schicksal selbst in 

die Hand nehmen. Dagegen liebäugeln ihre zwei herzlosen, 

zickigen, verwöhnten Schwestern Ilse und Grete 

(Laura Luisa Hat und Ronja Borer) mit Gustav. In der 

Kneipe vergnügt er sich beim Würfelspiel mit Wilhelm, 

dem Vater der drei Schwestern. Plötzlich bringt ein Bote 

Wilhelm die Nachricht, dass sein Schiff mit der wertvollen 

Ladung zerschellt ist. Damit ist die Familie ruiniert. 

Rasch nutzt Gustav die Chance, um erneut um Bella zu 

werben. »Ich bin einfach der Größte«, verkündet er im 

witzigen Duett mit Bella, die ihn erneut vor der gesamten 

Dorfgemeinschaft abblitzen lässt. 

Das Dorf ist auf der linken Seite der phantasievoll 

gestalteten Bühne zu sehen, in deren Mitte stilisierte 

Bäume stehen, an die auf der rechten Seite das in 

grauen/silbrigen Tönen gehaltene Schloss grenzt (Ausstattung: 

Jaroslav Milfajt und Petr Hloušek). Diese 

dreiteilige Bühne wird bei zunehmender Dunkelheit 

in stimmungsvolles Licht (Lichtdesign: David Kachlíř) 

getaucht. Andrea Kučerová kreierte die farbenfrohen, 

teils opulenten Kostüme. Das Orchester findet seinen 

Platz verdeckt im linken Bühnenteil (Dorf). Unter der 

musikalischen Leitung von Gaudens Bieri begleiten die 

elf Musiker hervorragend den internationalen Cast. Die 

wenigen Tanzszenen des Märchenmusicals erarbeitete 

Igor Barberic. 

Auf der Reise zu seinem gesunkenen Schiff verirrt 

sich Wilhelm (Hans Neblung) im Wald. Hier trifft er 

auf eine Fee (Pia Lustenberger), die über das Schicksal 

der Menschen wacht. Sie schickt ihn bewusst in ein 

Schloss, dessen Bewohner verzaubert wurden und auf 

Erlösung durch eine Frau warten, die in der Lage ist, 

den Schlossherrn auch in seiner Gestalt als Biest zu lieben. 

Im Schloss wird Wilhelm von dem Biest gefangen 

genommen und eingesperrt. Doch er möchte unbedingt 

wieder nach Hause. Daher schlägt der grausame 

58 



Schlossherr ihm einen Handel vor: Wilhelm soll innerhalb 

von drei Tagen eine seiner Töchter zu ihm senden. 

Als Lohn bekommt er die Freiheit und seinen Reichtum 

zurück sowie einen Zauberring. Zu Hause freuen sich 

Ilse und Grete über den neu erlangten Wohlstand, nur 

Bella bemerkt die Sorgen des Vaters. Sie beschließt, in 

das verwunschene Schloss zu gehen. Auf dem Weg dahin 

offenbart ihr die Fee, dass sie mit dem Zauberring 

ihr Schicksal selbst in die Hand nehmen kann. Diese 

zeigt ihr den Weg ins Schloss, in dem das einsame, vor 

Selbstmitleid vergehende Biest (István Csiszár) wütet, da es 

sich von den Menschen und Wilhelm verraten fühlt. Endlich 

bringt Bella Lebensfreude ins Schloss, wie die heitere 

Tanzszene der verzauberten Schlossbewohner zeigt. 

Aber Bellas hartnäckiger Verehrer Gustav kann die 

Schöne nicht vergessen. Zugleich schafft es Bella, die 

menschliche Seite im Biest aufzudecken: Es gestattet ihr, 

für kurze Zeit zum Vater zurückzukehren, da sie vom 

starken Heimweh geplagt wird. 

Im zweiten Akt wird das Musical turbulenter. In 

dem berührenden Duett ›Sehnsucht‹ denkt die ins Dorf 

zurückgekehrte Bella sehnsüchtig an das Biest, auch 

der Herr des verzauberten Schlosses vermisst die junge 

Frau. Zudem hoffen Bellas eitle Schwestern in einer 

lustigen Szene, ihr Herz an einen Traummann zu verlieren. 

Außerdem ist Gustav mit einem Strauß Blumen 

auf dem Weg zu Bella. Doch sein kluger Freund (Patric 

Scott) zweifelt daran, dass Bella Gustav heiraten wird. 

Vergebens versucht er, Gustav charmantes Liebeswerben 

beizubringen. Begeistert honoriert das Publikum 

die klamaukige Szene, für die Patric Scott eigens den 

Song ›Dir gehört mein Herz‹ mit der Musik des Berliner 

Komponisten Martin de Vries geschrieben hat. Ebenso 

vergebens versucht der Vater, Bella von der Rückkehr 

ins Schloss abzuhalten. »Entscheide du dich für Deinen 

Weg. Höre auf dein Herz«, rät die Fee Bella jedoch, 

die daraufhin ins Schloss zurückkehrt, wo das Biest 

ihr seine Liebe gesteht. Auch die junge Frau spürt die 

aufkeimende Liebe zu ihm. Zugleich marschiert Gustav 

mit einer Pistole bewaffnet durchs Dorf, da er das Biest 

umbringen will. Dafür hetzt er in einer eindrücklichen 

Chorszene die Dorfgemeinschaft auf der in rotes Licht 

getauchten Bühne auf: ›Holt die Gewehre‹. Zeitgleich 

genießen Bella und das Biest im Schloss einen romantischen 

Abend, den die aufgebrachten, bewaffneten Bauern 

gewaltsam stören. Dabei erschießt Gustav das Biest. 

Die entsetzte Bella gesteht im letzten Moment dem 

Sterbenden ihre Liebe. Somit ist die Fee gezwungen, 

den Bann von den Verzauberten zu nehmen. Glücklich 

kann der entzauberte und gerettete Prinz seine Bella in 

die Arme schließen. 

Die vom Premierenpublikum begeistert aufgenommene 

Inszenierung von Stanislav Moša lebt von den 

wechselnden romantischen, lustigen und dramatischen 

Momenten des Märchens, die vom spielfreudigen Cast 

meisterhaft präsentiert werden. 

Martina Friedrich 


1. Die Fee (Pia Lustenberger, vorne) 

zeigt Bella (Eveline Suter, l.) den Weg ins 

Schloss 

2. Das Biest (István Csiszár) gesteht Bella 

(Eveline Suter) seine Liebe 

3. Das Biest (István Csiszár) gestattet 

Bella (Eveline Suter), für kurze Zeit ihre 

Familie zu besuchen 

4. Wilhelm (Hans Neblung, Mitte) wird 

vom Biest (István Csiszár, l.) und dessen 

verzaubertem Gefolge (Ensemble) im 

Schloss festgehalten 

Fotos (4): Andy Mettler / Swiss-Image.ch 


59


Neues aus der Schweiz 

zusammengestellt von Martina Friedrich und Barbara Kern 

»Ich war noch niemals in New York« 2019 

bei den Thunerseespielen 

Das Musical mit den Songs von Udo Jürgens wird 

die erste Produktion unter der neuen Leitung von 

Freddy Burger Management. Angelo Stamera 

wird ab 1. Januar 2019 der neue Geschäftsführer 

der Thunerseespiele. Am 2. Dezember 2007 wurde 

»Ich war noch niemals in New York« (Dialoge 

von Gabriel Barylli und Christian Struppeck) im 

TUI-Operettenhaus in Hamburg in der Inszenierung 

von Glenn Casale und Christian Struppeck sowie 

der Choreographie von Kim Duddy uraufgeführt. 

»Die Geschichte der beiden Rentner, die mit 

dem Ziel New York aus dem Altenwohnheim 

ausbrechen und damit das Leben ihrer Kinder 

durcheinanderwirbeln, wird in Thun erstmals 

Open-Air inszeniert. Es ist ein großes Privileg, dieses 

Vertrauen von den Lizenzgebern zu erhalten. 

Außerdem ist es für uns eine Ehre, die Lieder von 

Udo Jürgens hier in Thun präsentieren zu dürfen. 

Wir sind überzeugt: ›Ich war noch niemals in New 

York‹ bietet wieder alles, was das Publikum von 

einem tollen Musical-Abend am Thunersee erwartet«, 

äußert sich Markus Dinhobel, ausführender 

Produzent der Thunerseespiele, zur Inszenierung 

2019 in Thun. Werner Bauer wird Regie führen. 

Die Choreographien erarbeitet Kati Heidebrecht, 

Marlen von Heydenaber das Bühnenbild, Mareike 

Delaquis Porschka die Kostüme. Der Cast wird 

später bekanntgegeben. 

Das Musical mit den bekannten Songs wie 

›Aber bitte mit Sahne‹, ›Mit 66 Jahren‹ und ›Vielen 

Dank für die Blumen‹ wird vom 10. Juli bis 

zum 24. August 2019 auf der Seebühne in Thun 

zu sehen sein. 

Mehr auf: www.thunerseespiele.ch 

Uraufführung von »Spuk in der Villa Stern« 

und »La Cage aux Folles« am Theater Basel 

2018 / 2019 

Am 26. Januar 2019 feiert »Spuk in der Villa 

Stern – Eine Nacht in 16 Verkleidungen« mit 

der Musik und Liedtexten von Friedrich Hollaender 

sowie neuen Dialogtexten von David 

Gieselmann seine Uraufführung. In der Inszenierung 

von Christian Brey verantwortet Kai Tietje 

die musikalische Leitung und die Arrangements 

und Anette Hachmann die Ausstattung. 

Gemeinsam mit dem »Geister-Kollektiv« gestalten 

die Opernsängerin Noëmi Nadelmann, 

der Chansonnier Michael von der Heide und 

der Tenor Karl-Heinz Brandt die vielen Rollen. 

Der Komponist und Liedtexter Friedrich Hollaender 

nimmt in seiner 1931 im Berliner Tingel- 

Tangel-Theater im Keller des Theater des Westens 

uraufgeführten, ebenso bösen wie komischen 

»Revue« das Bürgertum aufs Korn. In diesem seit 

der Uraufführung nicht mehr aufgeführten Stück 

Ensemble des Musicals »Ich war noch niemals in New York« Tour 2016/17 


spielt Hollaender auf den aufkommenden Nationalsozialismus 

in Deutschland an. Aufgrund seiner 

jüdischen Herkunft musste der Autor selbst 

1933 Deutschland verlassen. Da »Spuk in der 

Villa« nur in Teilen überliefert ist, verfasst Autor 

David Gieselmann eine neue Textfassung. Im 

Mittelpunkt des Stückes steht die Familie Stern, 

die in ihrer Villa einen Kostümball gibt. Die Familie 

ist mit Spießers verwandt und zugleich mit 

Neureichs verschwägert. Neben den zahlreichen 

Gästen erscheint ein »echter Einbrecher«, den die 

Gastgeber für einen guten Freund in ausgezeichneter 

Maske halten. Deshalb bittet ihn der Hausherr, 

den Geldschrank zu knacken. Friedrich 

Hollaender komponierte für »Spuk in der Villa 

Stern« seine erfolgreichsten Lieder, darunter ›Die 

Kleptomanin‹, ›An allem sind die Juden schuld‹ 

sowie ›Münchhausen‹. 

Martin G. Berger wird am Theater Basel »La 

Cage aux Folles – Ein Käfig voller Narren« (Musik 

und Liedtexte von Jerry Herman, Buch von 

Harvey Fierstein) inszenieren. Die musikalische 

Leitung übernimmt Thomas Wise, die Choreographien 

kreiert Marguerite Donlon, das Bühnenbild 

Sarah-Katharina Karl und die Kostüme 

Marysol del Castillo. In den Hauptrollen sind 

Stefan Kurt als Albin/Zaza und Roland Koch 

als Georges zu erleben. Die Premiere findet am 

14. Dezember 2018 statt. 

Mehr auf: www.theater-basel.ch 

»Adam Schaf hat Angst« im Oktober am 

Konzert Theater Bern 

Georg Kreislers Musical in zwei Akten für einen 

Schauspieler feiert am 6. Oktober 2018 am 

Konzert Theater Bern Premiere. 

Der gealterte Schauspieler Adam Schaf zieht ein 

Lebensresümee und singt sich etwas Freude an, 

während er auf seinen winzigen Auftritt wartet. 

Er hatte es nicht leicht im Leben. Aufgewachsen 

im Nachkriegsdeutschland, war er von den Eltern 

in die Juralaufbahn gedrängt worden, obwohl 

er Schauspieler werden wollte. Als er es dann 

doch wurde, ließen die Erfolge zunächst auf sich 

warten … aber dann: hatte er sogar einen eigenen 

Sekretär! Doch er hat auch vieles versäumt 

im Leben. 

Kreislers herrlich böser Humor legt die Wunden 

(nicht nur) der deutschen Gesellschaft frei und entlässt 

einen nachdenklich, aber heiter. 

Regie führt Alexander Kreuselberg, die musikalische 

Leitung hat Hans Christoph Bünger, das 

Bühnenbild gestaltet Selina Howald und die dramaturgische 

Betreuung hat Katharina Schellenberg. 

Mehr auf: www.konzerttheaterbern.ch 

Martin G. Berger 

Foto: hierLeben / Sarah Karl 

60 blickpunkt musical 04/18, Juli – September 2018

Premierenblick 

Premieren August & September 2018 

Diese Premierenübersicht erhebt keinen Anspruch auf Vollständigkeit. Alle Angaben ohne Gewähr. Weitere Informationen finden Sie auf www.unitedmusicals.de 

3 Musketiere 

Rob & Ferdi Bolland / Paul Bogaev / Gerard Cox / 

Jan-Simon Minkema / Petra van der Eerden / 

André Breedland 

Deutsch von Wolfgang Adenberg & Ruth Deny 

Junges Staatsmusical 

Hessisches Staatstheater Wiesbaden – Kleines Haus 

Premiere: 28. September 2018 

www.staatstheater-wiesbaden.de 

Bare 

Damon Intrabartolo / Jon Hartmere 

Deutsch von Hartmut H. Forche & Georg Graefe 

Die Künstlerwerkstatt 

Bürgersaal Stegaurach 

Deutschsprachige Erstaufführung: 

29. September 2018 

www.die-kw.de 

Beat It! 

Michael Jackson / »Jackson 5« / Papilio Entertainment 

COFO Entertainment Group 

Theater am Potsdamer Platz Berlin 

Uraufführung: 29. August 2018 

www.beat-it-musical.com 

Blues Brothers 

Dan Aykroyd / John Landis / Dietmar Horcicka 

Meininger Staatstheater – Großes Haus 

Uraufführung: 7. September 2018 

www.meininger-staatstheater.de 

Bodyguard 

Diverse Komponisten / Alexander Dinelaris 

Deutsch von Tobias Rohe 

Vereinigte Bühnen Wien 

Ronacher 

Österreichische Erstaufführung: 27. September 2018 

www.musicalvienna.at 

Cabaret 

John Kander / Fred Ebb / Joe Masteroff 


Theater & Philharmonie Thüringen 

Großes Haus Gera 


www.tpthueringen.de 

Chess 

Benny Andersson / Björn Ulvaeus / Tim Rice 

Annie 

Deutsch von Kevin Schroeder 

Charles Strouse / Martin Charnin / Thomas Meehan 

Theater Koblenz 

Deutsch von Holger Hauer & Jürgen Hartmann 

Festung Ehrenbreitstein 

Stuttgarter Off Broadway Theater Company 

Premiere: 18. August 2018 

Im Wizemann Stuttgart 

Drew Sarich 

www.theater-koblenz.de 


hat seinen Vertrag der Titelrolle von »Rocky« in Hamburg 

bis Mai 2014 verlängert und wird im Oktober 2013 Das Wunder von Luzern 

www.annie-das-musical.de 

in der konzertanten, deutschsprachigen Erstaufführung 

Lorenz Ulrich / Frank Sikora 

Auf Terrasse von »Love jibt's Never nur Dies« Kännchen in Wien auf der Bühne stehen. 

Geboren in St. Louis, Missouri (USA), absolvierte Koproduktion er 

MachArt Musicals & 

Matthias S. Raupach 

seine Ausbildung in Musik, Schauspiel und Tanz am Boys Choir Lucerne 

Musiktheater Boston Conservatory Brandenburg und stand in New York erstmals Le Théâtre, im Gersag – Emmen 

Film-Theater im Musical Bad Freienwalde 

auf der Bühne, u. a. in »Joseph and the Uraufführung: 8. September 2018 

Uraufführung: Amazing 2. Technicolour August 2018Dreamcoat«, »Tony n‘ Tina‘s 

Wedding« und »Jesus Christ Superstar«. Die Rolle www.wundervonluzern.ch 

www.musiktheater-brandenburg.de 

des Quasimodo in »Der Glöckner von Notre Dame« 

führte ihn 1999 nach Berlin. Zu seinen Haupt- und Ti-Ditelrollen – Der in Deutschland, Rebell Österreich und der Schweiz 

Brücken am Fluss 

Bach 

Jason Robert Brown / Marsha Norman 

Marko Formanek 

gehören Berger 

/ Oskar 

in 

Maywald 

»Hair«, »Boss in »Fever«, die Titelrolle 

in »Hedwig and the Angry Inch«, Cousin Kevin in 

Deutsch von Wolfgang Adenberg 

Grossstadt »The Who‘s Entertainment Tommy«, die Titelrolle in »Jekyll & Hyde«, Theater für Niedersachsen 

»Jesus Theater Christ Arnstadt Superstar«, »Dracula«, »Rudolf – Affaire Stadttheater Hildesheim 

Theater Mayerling«, im Schlossgarten Che in »Evita«, Curtis Jackson in »Sister Premiere: 8. September 2018 

Uraufführung: Act« und 21. Graf September von Krolock 2018 in »Tanz der Vampire«. 

www.tfn-online.de 

Bei Aufenthalten in New York spielte er Hauptrollen in 

www.theater-arnstadt.de 

»Lestat«, »Jaques Brel is Alive ...« und »Les Misérables« 

am Broadway. 

Die Rache der Fledermaus 

Johann Strauß / Karl Haffner / Richard Genée 

Bearbeitung von Kai Tietje & Stefan Huber 

Casinotheater Winterthur 


www.casinotheater.ch 

Die Schatzinsel 

Dennis Martin / Christoph Jilo / Wolfgang Adenberg 

Musicalsommer Fulda 

Schlosstheater 

Premiere: 18. August 2018 

www.spotlight-musicals.de 

Die Supermarkt Ladies – 

Das Musical zum Mitbestimmen (Tour) 

Roman Riklin / Dominik Flaschka 

Migros 

Tour im Zelt 

Püntwiese Uster 


www.supermarkt-ladies.ch 


Lucy Simon / Michael Korie / Amy Powers / 

Michael Weller 

Deutsch von Sabine Ruflair & Jürgen Hartmann 

Theater Pforzheim – Großes Haus 


www.theater-pforzheim.de 

Do Laachs Do Dich Kapott 

Diverse Komponisten / Ralf Hubertus Borgartz 

Scala Theater Köln 


www.scala.koeln 

Eis, Eis Baby 

Diverse Komponisten / Martin Riemann / 

Christian Kühn 

Packhaus Theater im Schnoor Bremen 

Premiere: 16. August 2018 

www.packhaustheater-im-schnoor.de 

Elisabeth – Die Legende einer Heiligen 

Dennis Martin / Peter Scholz 

MainMusical 

Gotthardsruine Amorbach/Weilbach 


www.mainmusical.com 

Evita 


Deutsch von Michael Kunze 

Musikschule Seevetal 

The Musical Company 

Helbachhaus Meckelfeld 


www.themusicalcompany.de 

Evita 


Deutsch von Michael Kunze 

Capitol Mannheim 


www.capitol-mannheim.de 

Flashdance (Tour) 

Robbie Roth / Robert Cary / Tom Hedley 


2Entertain Germany 

Theater am Großmarkt Hamburg 


www.2entertain.com 

Hair 

Galt MacDermot / Gerome Ragnie / James Rado 

Deutsch von Frank Thannhäuser & Nico Rabenald 

Bad Hersfelder Festspiele 

Stiftsruine 


www.bad-hersfelder-festspiele.de 

In der Bar zum Krokodil – 

Ab in die wilden 20er Jahre 

Heiko Lippmann / Christian Doll 

Freilichtspiele Schwäbisch Hall 

Große Treppe vor St. Michael 


www.freilichtspiele-hall.de 

62 

blickpunkt musical 04/18 Juli – September 2018

Premierenblick 

Premieren August & September 2018 

Diese Premierenübersicht erhebt keinen Anspruch auf Vollständigkeit. Alle Angaben ohne Gewähr. Weitere Informationen finden Sie auf www.unitedmusicals.de 

Lazarus 

David Bowie / Enda Walsh 


Deutsche Dialoge von Peter Torberg 

Landestheater Linz 

Musiktheater – Großer Saal 


www.landestheater-linz.at 

Love Life 

Kurt Weill / Alan Jay Lerner 

Deutsch von Rüdiger Bering 

Koproduktion Konzert Theater Bern mit 

Theater Freiburg 

Stadttheater Bern 

Schweizer Erstaufführung: 31. August 2018 

www.konzerttheaterbern.ch 

Love Me Tender 

Elvis Presley / Stephen Oremus / Joe DiPietro 


Deutsche Dialoge von Benjamin Baumann 

Theater Plauen / Zwickau 

Parktheater Plauen 


www.theater-plauen-zwickau.de 

Männer 

Franz Wittenbrink 

Theater in der Grünen Zitadelle Magdeburg 


www.theater-zitadelle.com 

My Fair Lady 



Theater Bielefeld 

Theater am Alten Markt 


www.theater-bielefeld.de 

Oh, Alpenglühn! 

Diverse Komponisten / Mirko Bott 

Comödie Dresden 

Hotel Elbflorenz 


www.comoedie-dresden.de 

Sarg Niemals Nie 

Christoph Reuter / Cristin Claas / Dominik Wagner / 

Jörn-Felix Alt 

TalTon Theater Wuppertal 


www.taltontheater.de 

Saturday Night Fever 

»The Bee Gees« / Nan Knighton / Arlene Phillips / 

Paul Nicholas / Robert Stigwood / Billy Oaks 

In einer neuen Version von Ryan McBryde 


Deutsche Dialoge von Anja Hauptmann 

Musical Güssing 

Kulturzentrum Güssing 


www.musicalguessing.com 

Schwarzes Gold 

Kai Dorenkamp / Tobias Stöttner 

Quasi So Theater 

Schauburg Ibbenbühren 


www.quasiso.de 

Singin' in the Rain 

Nacio Herb Brown / Arthur Freed / Betty Comden / 

Adolph Green 


Deutsche Dialoge von Roman Hinze 

Schleswig-Holsteinische Landestheater & 

Sinfonieorchester 

Stadttheater Flensburg 


www.sh-landestheater.de 

The Producers 

Mel Brooks / Thomas Meehan 

Deutsch von Nina Schneider 

Musical Projekt Neunkirchen 

Neue Gebläsehalle Neunkirchen 


www.musicalprojekt-neunkirchen.de 

tick, tick… BOOM! 

Jonathan Larson / David Auburn 

Deutsch von Bernd Julius Arends 

Musical Company Steinfurt 

Kino Steinfurt 


www.musical-steinfurt.de 

Total verunsichert 

Diverse Komponisten / Benedikt Karasek 

Theater in der Innenstadt Linz 


www.theater-innenstadt.at 

Vom Fischer und seiner Frau – 

Das Musical 

Marc Schubring / Kevin Schroeder 

Brüder Grimm Festspiele Hanau 

Deutsches Theater München 


www.deutsches-theater.de 

Wally:Emilie 

Babsea / Julia Marie Wagner 

Brick-5 Wien 


www.wally-emilie.com 

Wie es euch gefällt 

Heiner Lürig / Heinz Rudolf Kunze 

Hannover Concerts 

Theater am Aegi Hannover 


www.hannover-concerts.de 

Wir sind mal kurz weg 

Diverse Komponisten / Bärbel Arenz / 

Tilmann von Blomberg 

Kammertheater Karlsruhe 


www.kammertheater-karlsruhe.de 

Hinweis der Redaktion 

Der Premierenblick basiert auf Informationen, die wir 

von den Theatern in Deutschland, Österreich und der 

Schweiz erhalten. Leider erreichen uns nicht alle Termine 

und Informationen rechtzeitig oder diese sind bei 

Redaktionsschluss noch nicht veröffentlicht. Premieren, 

die bei Redaktionsschluss nicht oder mit zu wenig 

Informationen vorliegen, können leider nicht berücksichtigt 

werden. 

Diese Premierenübersicht erhebt keinen Anspruch auf 

Vollständigkeit, jedoch bitten wir alle Theater, uns frühestmöglich 

mit Informationen zu den bevorstehenden 

Premieren zu versorgen. Damit wir Ihre Premieren im 

Oktober und November in der kommenden Ausgabe 

berücksichtigen können, bitten wir Sie um Zusendung 

der Termine sowie Angaben zu Autoren, Komponisten 

und Übersetzung bis zum 20. August 2018 an 

redaktion@blickpunktmusical.de. 


63

Mit Unterstützung von sound of music 

Einspielungen 

Einspielungen 

zusammengestellt von Martina Friedrich, Barbara Kern, 

Matterhorn – Das Musical 

Live-Aufnahme zur Uraufführung im Theater St. Gallen 

CD 1: 17 Titel, 47 min 24 sec 

CD 2: 16 Titel, 52 min 22 sec 

Doppel-Jewel-CD-Case mit 

32-seitigem Booklet mit allen 

Mitwirkenden, allen Liedtexten, 

Stückinhalt, Produktionsfotos 

ur Uraufführung am Theater St. Gallen vom Fe- 

2018 ist jetzt ein Gesamt-Live-Mitschnitt 

Zbruar 

erschienen. Die Kompositionen von Albert Hammond 

sind eine Mischung aus Pop- und Rockmusik, 

Hip-Hop, Volksmusik sowie Klassik und wurden 

von Koen Schoots arrangiert. Die Handlung 

des Musicals lässt sich durch die aussagekräftigen 

Texte von Michael Kunze sehr gut nachvollziehen: 

Im Sommer 1865 stand Edward Whymper als erster 

Mensch auf dem Matterhorn. In den instrumentalen 

Titeln versteht es Albert Hammond ausgezeichnet, 

die Dramatik der Erstbesteigung widerzuspiegeln 

(allen voran ›Unterwegs zum Gipfel‹). Zudem verdeutlicht 

er in den emotionalen Songs die inneren 

Konflikte der Hauptfiguren E. Whymper (›Unheilbar 

verliebt‹), Olivia Buckingham (›Ich fühle keine Liebe‹) 

und des Berggeists Orka (›Unberührt‹). Deren 

vielfältige Gefühle und Lebensziele bieten Oedo 

Kuipers, Lisa Antoni, Sabrina Weckerlin mit ihren wandelbaren Stimmen überzeugend 

dar. Zugleich werden in den Nebenhandlungen der Aufstieg Zermatts zum 

bekannten Touristenort sowie die Auswirkungen des Tourismus auf die Natur verdeutlicht. 

Dabei wird Orka zur globalen Hüterin der bedrohten Natur. 

Rulantica 

Original Studio-Cast Aufnahme Rust 2018 

14 Titel 

46 min 17 sec 

Digipack mit Angabe aller Beteiligten, 

Handlung und Fotos des 

Orchesters 

Piano Impact 

Soloalbum von Dr. Konstantinos Kalogeropoulos 

12 Titel 

1 Bonus Titel 

47 min 28 sec 

Digipack mit Nennung und 

Fotos aller Beteiligten, Kurz- 

Biographie von Arrangeur Frank 

Nimsgern, Dankesworte von 

Kalogeropoulos 

uf nach Rulantica! Das neue Musical aus dem 

AEuropa-Park Rust wird auf dieser Aufnahme gekonnt 

als eindrucksvolles Hörerlebnis in Szene beziehungsweise 

Ton gesetzt. Es erzählt die Geschichte 

von Fin, der als Schiffsjunge auf der Tre Kronor unter 

dem macht-, geld- und ruhmgierigen Kapitän Tord Johansen 

in See sticht. Das Ziel: Rulantica und deren 

heilende Quelle des Lebens. Diese und die Menschheit 

muss Fin im spannenden ›Finale‹ gemeinsam 

mit der Meerjungfrau Kailani retten. Das akustische 

See-Abenteuer besticht mit einem klaren Sound, einem 

spannenden Soundtrack und einer die Fantasie 

anregenden Geräuschkulisse sowie der betörenden 

Stimme von Ornella De Santis als Kailani. Schon 

im ›Opener‹ schwappen dem Hörer die Seeluft, die 

rauhe Kapitänsstimme (Ulrich Grawunder) und harmonisch 

klingender Piratengesang entgegen. Nicolas 

Boris Christahl als Fin träumt mit verzückter Stimme davon, ›Ein Held auf dem Meer‹ 

zu sein. Es fehlen natürlich Teile der Handlung und visuelle Eindrücke der Show, die 

jedoch den Hörgenuss nicht mindern, sondern neugierig auf einen Besuch im Europa- 

Park machen beziehungsweise Besucher in Erinnerungen schwelgen lassen. 

r. Konstantinos Kalogeropoulos, der griechische 

DPianist und musikalische Leiter von »Ludwig²« 

in Füssen, veröffentlicht mit »Piano Impact« sein 

erstes Soloalbum. Die positiv überraschende Tracklist 

beinhaltet Musik aus Musical, aber auch aus 

Film, Popmusik und klassischem Liedgut. Ein Highlight 

ist bereits der Eröffnungstitel ›Le Feu De l'Eau‹ 

aus »Elements«, ein weiteres das Stück »Frank's 

Bach« von Johann Sebastian Bach mit einem sich 

imposant von Piano- und Gitarrenklängen zu einem 

treibenden Streicherwerk mit Chor aufschwingenden 

Arrangement von Frank Nimsgern. Auch sehr 

kraftvoll kommt ›Nie mehr geschlagen‹ aus »Der 

Ring« mit Sänger Chris Murray daher. Weitere Titel 

aus »Elements«, »Chess«, »Herr der Ringe« über Falco 

bis Michael Jackson machen diese Aufnahme zu 

einem künstlerischen Kleinod. 

Foto: Hendrik Nix 

Dornröschen – Das Musical 

Die Lieder aus dem Musical – Live-Mitschnitt 

Zeitnah zur Uraufführung des Musicals »Dornröschen« bei den Brüder 

Grimm Festspielen erschien die CD mit der Musik von Marian Lux 

und Liedtexten von Wolfgang Adenberg als Live-Mitschnitt. Marian Lux' 

temporeiche Kompositionen tragen die nicht weniger wortreichen Liedtexte 

von Wolfgang Adenberg. Die Arrangements von Markus Syperek helfen 

den Sängern auch mal über eloquente Wortkonstrukte hinweg, begonnen 

mit der 4-minütigen, schwungvollen Eröffnungsnummer ›Wo bin ich?‹, 

in der auch elegische Zwischentöne erklingen. Schnelle Sprechgesangsteile 

hört man im gesungenen Dialog zwischen dem rotzfrechen, liebenswerten 

Teenager Dornröschen, den Sophia Euskirchen mit ihrer ausdrucksstarken 

Stimme interpretiert, und der schrägen, guten Fee Aurora (Joana Fee Würz). 

Dissonanzen prägen den düster-rockigen Song der traurig-bösen Fee Selena 

in ›Mondlose Nacht‹; Kerstin Ibald mit beeindruckendem Stimmumfang. 

In das hymnische Schlaflied von ›Segen und Flüche‹ eingebettet sind die 

funkig souligen Töne der segnenden Feen (Mirjam Wolf, Lisa Katharina 

Toh). Einen gesungenen Schlagabtausch liefern sich Sascha Oliver Bauers 

(König Albrecht) und Lisa-Marie Sumners (Königin Gloria) in ›Deine 

Schuld‹. ›Auf keinen Fall‹ ist ein herrlicher Wechselgesang der Klischees – 

arroganter Machoprinz und verwöhnte Mode-Prinzessin – zwischen Dornröschen 

und Prinz Alexander (Kurosch Abbasi). ›Es kann so schnell gehen‹ 

zeigt, wie schnell Liebe entstehen und durch Selenas Fluch »die Welt in 

Trümmer« fallen kann. Bauer zeigt seine stimmliche Bandbreite in der etwas 

dahinplätschernden Ballade ›Soll das vorbei 

sein?‹. ›Ich bin es leid‹ ist Dornröschens 

nachfühlbarer Protest-Song. ›Was passiert ist‹ 

erzählt das stimmstarke Ensemble. Einen der 

wohl schönsten Titel bildet das emotionale 

Duett ›Ich gebe alles auf für dich‹, in dem Abbasi 

und Euskirchen klangvoll harmonieren. 

Zu den Highlights gehört auch das Frauentrio 

›Verrat‹ mit den starken Stimmen von Sumner, 

Ibald und Würz. Die Live-Band kommt 

im Instrumental-Stück ›Der Kampf‹ zu ihrem 

Recht, bevor das ›Finale‹ das fulminante ›Finale 

Erster Akt‹ wieder aufnimmt und zum Schlusspunkt 

führt. 

19 Titel 

68 min 23 sec 

CD-Case mit 4-seitigem Einleger 

mit allen Mitwirkenden, kleinen 

Castfotos und Inhaltsangabe. Link 

zum Download der Songtexte auf 

der Seite von Wolfgang Adenberg 

64 


Einspielungen 

Mit Unterstützung von sound of music 

Sandy Kolbuch, Rosalie Rosenbusch und Veronika Zangl 

Foto: Reinhard Winkler 

Betty Blue Eyes 

Live Recording zur deutschsprachigen Erstaufführung in Linz 

In Linz ist man auf das Schwein gekommen: Deshalb folgt auf den großen 

Erfolg von »Betty Blue Eyes« prompt das Album-Release der deutschsprachigen 

Erstaufführung mit der Musik von George Stiles und deutschen 

Liedtexten von Roman Hinze. Damit setzt das Haus seinem blauäugigen 

Lieblingstier ein gut gelauntes Denkmal. Das kommt trotz Sozialmusical- 

Charakter mit reichlich Dosenfleisch, Lebensmittelrationierung und Klassenkampf 

im Nachkriegs-England erstaunlich leichtfüßig daher. Vielleicht 

liegt das am stringenten Arrangement der ausgewählten Songs, die auf das 

Livealbum wanderten, und ihren vorangestellten Dialogelementen. Die 

punkten nicht nur mit britischem Witz, sondern erklären auf unaufdringliche 

Weise die Geschichte rund um das rosarote Borstentier. Das soll eigentlich 

bei einem Bankett von den Reichen der Stadt zu Ehren der königlichen 

Vermählung von Prinzessin Elizabeth und Prinz Philip geschlachtet werden. 

Allerdings gibt es da zwei Probleme: den zu allem bereiten Fleischinspektor 

Mr Wormold, auf der Jagd nach illegalem Fleisch, und Fußpfleger Gilbert 

Chivers, der Betty stiehlt, es dann aber nicht übers Herz bringt, ihr auch 

den Garaus zu machen. Die Story ist zwar amüsant, das alleine wäre aber 

noch kein Garant für den CD-Erfolg. Beim Livealbum von »Betty Blue 

Eyes« baute man vor: Die geballte Stimmkraft des Ensembles verleiht der 

Musical-Komödie ihre ganz eigene Note und damit auch eine großartige 

Strahlkraft. Vor allem Rob Pelzer und Kristin Hölck als biederes Ehepaar 

Chivers treiben die Handlung stimmkräftig 

klar voran – egal ob mit einem emotional 

sanften ›Zauberhände‹ oder einem amüsanten 

›Schwein, kein Schwein‹. Riccardo Greco 

sorgt als verbissen-schriller Fleischinspektor 

Mr Wormold für Schmunzeln und Gänsehautmomente 

– und bedient dabei das volle 

Repertoire. Musikalisch wird das Setting 

durch die »Black Beauty and Friends«-Band 

unter der Leitung von Tom Bitterlich abgerundet. 

Diese trägt die Swing-Melodien mit 

großartigem Schwung in die Welt hinaus 

und lässt den (Über-)Lebenswillen der Fünfziger 

Jahre wieder auferstehen. 

19 Titel 

77 min 35 sec 

Jewel-CD-Case mit 36-seitigem 

Booklet mit allen Beteiligten, 

Songliste, Handlung unter 

Einbindung der Liedtitel, alle 

Songtexte, Produktionsfotos 

Frozen: The Broadway Musical 

Original Broadway Cast Recording 

ngelehnt an Hans Christian Andersens bekann- 

Märchen »Die Eiskönigin«, entstand 2013 

Atem 

der Animationsfilm »Die Eiskönigin – Völlig unverfroren« 

(»Frozen«) von Walt Disney. Die tragische 

Geschichte von Elsa, die durch ihre magischen Fähigkeiten 

von ihrer Schwester Anna getrennt wird, begeisterte 

nicht nur durch die starken Charaktere, sondern 

auch mit wunderschönen Songs, welche auch 

die samische Welt des hohen Nordens widerspiegeln 

(›Vuelie‹). Die Musik und Texte von Kristen Anderson-Lopez 

und dem Oscar- und Tony-Gewinner Robert 

Lopez finden mit der CD »Frozen: The Broadway 

Musical« ihre Entsprechung. Neben den bekanntesten 

Songs ›Do You Want to Build a Snowman‹ (Mattea 

Conforti, Ayla Schwartz, Patti Murin, Caissie Levy) 

und ›Let It Go‹, gesungen von Caissie Levy, finden 

sich zudem 20 andere mitreißende Songs auf der CD. 

John Riddle präsentiert die Welt von ›Hans of the 

Southern Isles‹ mit kraftvoller Stimme, die auch im 

Duett mit Patti Murin bei ›Love Is an Open Door‹ zu 

21 Titel, 1 Bonus Titel 

70 min 59 sec 



Songliste mit Angabe der Rollen, 

Synopsis unter Einbindung 

der Liedtitel, Randnotizen des 

Produzenten und der Songwriter, 

alle Songtexte, Produktionsfotos 

vernehmen ist. Ebenfalls eindrucksvoll und mit Einsatz von Glocken geradezu majestätisch 

wirkt der Song ›Queen Anointed‹, interpretiert vom Original Broadway Cast. 

Prince of Broadway 

Original Broadway Cast Recording 

iese Zusammenstellung von Songs aus Musicals, 

Ddie Harold Prince in seiner bisherigen eindrucksvollen 

Karriere inszeniert und produziert hat, bietet 

auch ohne die dazugehörigen Shows einiges und 

gibt einen guten Überblick über die Produktionen. 

Zudem freut sich das Musical-Herz beim Hören von 

hierzulande weitreichend bekannten Songs wie ›Cabaret‹ 

und ›So what?‹ aus »Cabaret«, ›If I Were a Rich 

Man‹ des »Fiddler on the Roof« oder ›Don't Cry For 

Me Argentina‹ aus »Evita«. Sowohl eingefleischten 

Fans als auch Neulingen oder auch speziell Freunden 

des amerikanischen Musiktheaters werden Stücke 

aus »Company«, »Show Boat«,»Follies« oder »West 

Side Story« präsentiert. Bereits die ›Overture‹ als 

Medley aus verschiedenen Musical-Songs macht klar, 

dass auch »The Phantom of the Opera« hier nicht 

fehlen darf. Anspieltipps sind ›Ol' Man River‹ (»Show 

Boat«), mit Gefühl von Chuck Cooper (auch fröhlichbeschwingt 

in ›If I Were a Rich Man‹) gesungen, und 

›Tonight at Eight‹ mit Brandon Uranowitz. Unter den 

Frauenstimmen sticht insbesondere Emily Skinner mit 

ihrer kraftvollen Stimme hervor. Ein toller Abschluss: 

Die Finalnummer ›Do the Work‹. 

My Fair Lady 

2018 Broadway Cast Recording 

Broadway hat den beliebten Klassiker mit 

Dder Musik von Frederick Loewe und den 

Liedtexten von Alan Jay Lerner wiederentdeckt 

und in bestechender Soundqualität eingespielt. 

Eliza wird von der jungen Lauren Ambrose erfrischend 

selbstbewusst gesungen, die sich im Laufe 

des Stückes zu einer extrem emanzipierten Frau entwickelt. 

Harry Hadden-Paton (»Downton Abbey«) ist 

als Prof. Henry Higgins zu hören. Was ihm an scharfer 

Ironie und Stakkato-Sprechgesang fehlt, ersetzt er 

durch klangvollen Gesang und Emotionen. In ›The 

Rain in Spain‹ jubelt er wie ein Freund Elizas über 

ihren Fortschritt. Norbert Leo Butz verbindet gelungen 

stimmliche Kapriolen mit ausdrucksvollem Spiel 

in der Rolle des alten Doolittle. Ein großes Plus: Mit 

vollem Orchester wurde hier die Originalpartitur 

komplett neu eingespielt. 

22 Titel 

74 min 52 sec 



Songliste mit Angabe der 

Sänger, Anmerkungen von David 

Thompson und Hal Prince, 

Produktionsfotos 

19 Titel 

65 min 31 sec 


Booklet mit Mitwirkenden, allen 

Songtexten, Synopsis unter Einbindung 

der Liedtitel, Vorworten 

von Douglas McGrath und Ted 

Sperling, Produktionsfotos 


65


Männerfreundschaft im Musicalbusiness 

»Ziemlich gute Freunde ...« in Wien 

Abb. oben: 

›Strangers Like Me‹ – Gleich zu Beginn 

heizen Mark Seibert und Lukas Perman 

dem Publikum mit tollen Rhythmen ein 

Foto: Madeleine Weiss 

Abb. unten: 

›Gold von den Sternen‹ – Stargast Ana 

Milva Gomes performt ihren Paradesong 

aus »Mozart!« 

Foto: Madeleine Weiss 

Lukas Perman und Mark Seibert sind nicht nur zwei 

Musical-Stars, sondern auch privat seit ihrer Ausbildung 

eng befreundet. Umso überraschender, dass sie 

noch nie ein Konzert zusammen gegeben haben. Das 

haben die zwei Sonnyboys nun nachgeholt. Am 4. Juni 

2018 fand ihr erster gemeinsamer Abend unter dem Titel 

»Ziemlich gute Freunde ...« im ausverkauften Wiener 

Raimund Theater statt, bei dem die beiden nicht nur 

als Künstler auf der Bühne standen, sondern auch als 

Produzenten fungierten. 

Im Mittelpunkt stand natürlich die Männerfreundschaft. 

Zu Beginn heizten sie dem Publikum mit den 

rhythmischen Disney-Songs ›Strangers Like Me‹ aus 

»Tarzan« und dem King-Louie-Lied ›I Wanna Be Like 

You‹ aus »Das Dschungelbuch« ein. Musicalsongs aus 

ihren zahlreichen Engagements mischten sich unter 

Pop- und Swing-Nummern. Zwischen den Songs erzählten 

die beiden Freunde immer wieder Anekdoten 

aus ihrer gemeinsamen Zeit. »Eine enge Freundschaft 

unter Künstlern ist gar nicht so einfach«, betonten die 

Musicalgrößen und dass sie froh seien, dass sich ihre 

Wege doch immer wieder auch beruflich kreuzten. 

2001 haben sich die beiden beim Studium am Wiener 

Konservatorium kennen und schätzen gelernt. Nach 

den Auditions zum Musical »Romeo & Julia«, welches 

schließlich von 2005 bis 2006 in Wien zu sehen war, 

trauten sich beide nicht, sich gegenseitig von der eigenen 

Zusage zu berichten – zu groß war die Befürchtung, 

der andere könne es nicht geschafft haben. Dieses erste 

gemeinsame Engagement am Raimund Theater hat die 

zwei Sänger enger zusammengeschweißt und für Lukas 

war die Inszenierung gleich ein doppelter Glücksgriff, 

denn er lernte dort seine Bühnen-Partnerin Marjan 

Shaki erst kennen und schließlich auch lieben. 

Mit Babybauch im engen Glitzerkleid kam die werdende 

Mutter, mit der Perman bereits eine Tochter hat, 

beim Konzert von Lukas und Mark auf die Bühne und 

erntete für den »Romeo & Julia«-Song ›Liebe‹ großen 

Applaus. Nach diesem Gänsehautmoment plauderte 

auch das Liebespaar aus dem Nähkästchen. »In unserem 

ersten gemeinsamen Urlaub während der Sommerpause 

war Marjan morgens immer schwermütig«, erzählt Lukas. 

Marjan ergänzt nachdenklich: »Das war genau die 

Uhrzeit, zu der ich in Wien abends immer als Julia gestorben 

bin.« Immer wieder gab es aber auch lustige Momente 

und das Ehepaar steckte mit seiner Lebensfreude 

an. Mark Seibert teilt diesen Humor. Nachdem Perman 

sich bei der Dauer ihrer Freundschaft um zwei Jahre 

vertan hatte, entwickelte es sich während des Abends 

spontan zu einem Running Gag, die Jahreszahlen absichtlich 

zu vertauschen. Beim Song ›Totale Finsternis‹, 

welchen alle drei performten, biss Mark Marjan dann 

klassisch in den Hals, Lukas hingegen doch lieber in 

den Bauch seiner Frau. Im Sommer soll das zweite Kind 

kommen. Die erste Tochter des Musicalpaares kam am 

9. April 2015 zur Welt, am Geburtstag von Mark Seibert. 

Auch bei der Babyplanung war Mark nicht weit. 

Auf der Kreuzfahrt in Richtung Nordkap, als es passiert 

sein soll, lag er in der Nachbarkajüte, berichtet Mark 

Seibert nach ›Eye of the Tiger‹ aus »Rocky«. 

Neben zu erwartenden Klassikern, wie ›Die Schatten 

werden länger‹ aus »Elisabeth«, in dem die beiden ebenfalls 

zusammen auf der Bühne standen, und ›Die unstillbare 

Gier‹ aus »Tanz der Vampire«, in dem sie getrennt 

voneinander Hauptrollen gesungen haben, gab es auch 

einige Überraschungen. Mark sang zum Beispiel den 

66 



Dean-Martin-Swing-Song ›Sway‹ und Lukas gab mit 

dem Lied ›Mein Mädel ist nur eine Verkäuferin‹ eine 

Kostprobe auf sein nächstes Engagement an der Wiener 

Volksoper in der Ralph-Benatzky-Operette »Meine 

Schwester und ich«. Hierzu wurde zum Vergnügen des 

Publikums spontan die Zuschauerin Barbara auf die 

Bühne geholt, damit Lukas auch ein Mädel zum Ansingen 

hatte. 

Nach der Pause sorgten Überraschungs-Gäste für 

Stimmung im Publikum: Ana Milva Gomes performte 

mit Seibert den Song ›Sind die Sterne gegen uns‹ aus 

dem Musical »Aida« von Elton John und Tim Rice sowie 

ihren Paradesong ›Gold von den Sternen‹ aus »Mozart!«. 

Im »Elisabeth«-Block trat Roberta Valentini als 

Sisi stimmgewaltig in Erscheinung und bekam für ›Ich 

gehör' nur mir‹ verdiente Standing Ovations. Stimmlich 

unterstützten Alexandra-Yoana Alexandrova, Enny de 

Alba und Florian Sebastian Fitz als Backings die Protagonisten. 

Unter dem Motto »was sich liebt, das neckt 

sich« gab es zwischendurch immer kleine Sticheleien 

zwischen den Männern, die in ihren schmucken Anzügen 

in den Trendfarben Petrol und Pflaume auch farblich 

aufeinander abgestimmt waren. Sie geizten nicht 

mit Sprüchen und Kommentaren, zeigten witzige Fotos 

und erzählten von lustigen und peinlichen Bühnenmomenten. 

Perman hatte sich von Seibert Tipps geholt, als 

er 2002 im ORF bei »Dancing Stars« dabei war. Perfektionist 

Mark Seibert wird nicht gerne an seine frühere 

Zeit als Profiturniertänzer erinnert, da er inzwischen die 

Affektiertheit des Sports übertrieben findet, lässt sich 

aber doch überzeugen, mit seinem Kumpel einen Walzer 

aufs Parkett zu legen. Ganz der Profi ist Mark Seibert 

Gentleman und kann fehlerfrei auch den Part der Frau 

übernehmen. 

Beide standen aber auch zu Niederlagen in der Vergangenheit 

und berichteten, welche Rollen sie nicht bekommen 

haben. Bei den Auditions für »Les Misérables« 

im Londoner West End kam Mark Seibert, wie er sich 

erinnert, Runde für Runde bis zum sogenannten Final 

Callback. Doch dann kam Produzent Cameron Macintosh 

und hatte die Rolle des Jean Valjean schon einem 

anderen versprochen, sodass keiner der drei Finalisten 

die Rolle bekam. Trotzdem haben es einige »Les Mis«- 

Songs ins Programm geschafft. Auch Lukas Perman hatte 

eine solche Geschichte auf Lager. Was nur wenige wussten: 

Fast hätte er die Rolle des Bert in der Wiener »Mary 

Poppins«-Produktion bekommen, die aber schließlich 

an David Boyd ging. Doch traurig sind die beiden heute 

darüber nicht und wer weiß, ob Lukas Perman sonst 

den Erfolg als Josi Edler in der aktuellen Raimund-Theater-Produktion 

von »I Am From Austria« gefeiert hätte. 

Der Titel-Song durfte beim Freundschafts-Konzert nicht 

fehlen. Mark Seibert textete sich, weil er selbst nicht aus 

der Alpenrepublik stammt, eine eigene Strophe, die augenzwinkernd 

mit der Zeile »weil I da Piefke bin« endet, dem 

österreichischen Spottnamen für Deutsche. 

Passend zum Freundschaftsthema singen alle fünf, 

die zwei Musicalmänner und ihre weiblichen Gaststars, 

als Zugabe ›You've Got a Friend‹ von Carole King. Den 

ganzen Abend über lieferte eine achtköpfige Band einen 

hervorragenden Sound (Piano: Christian Frank, Keyboard: 

Dominik Oberenzer, Schlagzeug: Benjamin Figl, 

Bass: Ulrich Permanschlager, Gitarre: Manfred Wechselnder, 

Posaune: Martin Grünzweig, Reeds: Alwin 

Miller und Trompete / Arrangements: Robert Kerschbaumer). 

Als Schmankerl für den Nachhauseweg gab es 

zu guter Letzt von Mark und Lukas ›Imagine‹ von »The 

Beatles«, einzig mit Klavierbegleitung des Musikalischen 

Leiters Christian Frank. Mit dem Programm »Ziemlich 

gute Freunde ... « ist Mark Seibert und Lukas Perman 

auch ein starkes Debüt als Produzenten gelungen. Noch 

witzelten sie, ob sie Perman und Seibert- oder Mark und 

Lukas-Productions heißen möchten. Das Wiener Publikum 

belohnte die Show mit langanhaltendem Applaus. 



1. ›Liebe‹: Lukas Perman und Marjan 

Shaki zeigen beim Song aus »Romeo & 

Julia« viel Gefühl 

2. Mark Seibert und Lukas Perman 

tanzen einen Walzer 

3. ›Wenn ich tanzen will‹ von Mark 

Seibert und Roberta Valentini – ein 

starkes Duett 

4. Ziemlich beste Freunde – die Harmonie 

zwischen Lukas Perman und Mark 

Seibert ist deutlich spürbar 

Fotos (4): Madeleine Weiss 


67


Große Stimmen im Rampenlicht 

»Faces of Musical 2018« in Hennef 

Abb. oben: 

›You'll Never Walk Alone‹ – Jesper Tydén, 

John Vooijs, Wilma Harth und Brigitte 

Oelke verabschieden gemeinsam mit 

dem Chor der Musical Voices S.I.E.G. das 

begeisterte Publikum 


Abb. unten: 

Im Rampenlicht besingt Brigitte Oelke 

›Limelight‹ aus »Gambler« 


Bereits zum siebten Mal lud der rund 150 Mitglieder 

zählende Konzertchor Musical Voices S.I.E.G. am 

9. und 10. Juni unter Leitung von Chordirektor Wolfgang 

Harth zum ganz besonderen Musicalkonzert nach 

Hennef. Erneut waren Größen der Musicalszene dem 

Ruf gefolgt und nahmen sichtlich begeistert die Gelegenheit 

wahr, mit einem ganz speziellen Gesangspartner 

und mit seiner Unterstützung im Background zu arbeiten. 

Im Rampenlicht standen diesmal in internationaler 

Besetzung die gebürtige Schweizerin Brigitte Oelke 

(»We Will Rock You«, »Chicago«), der Niederländer 

John Vooijs (»Tarzan«, »We Will Rock You«) und der 

Schwede Jesper Tydén (»Elisabeth«, »West Side Story«), 

welcher dem musikalischen Projekt von Anfang an seine 

Stimme gab. Mit dabei war wie immer auch die lyrische 

Sopranistin Wilma Harth, die als Vocalcoach auch 

für die exzellente Intonation und Verständlichkeit des 

Chors verantwortlich zeichnet und ihn als Mitglied unterstützt. 

Die hervorragende musikalische Begleitung 

übernahm erneut die Stuttgarter Band »Apollo 7« mit 

eigenen Arrangements, die Bandleader und musikalischer 

Leiter Bernd Steixner (Musikalischer Leiter bei 

Stage Entertainment, den Vereinigten Bühnen Wien 

und am Theater St. Gallen) gemeinsam mit Wolfgang 

Harth verfasste. Beide verbindet die Leidenschaft für 

Live-Musik. 

›Limelight/Rampenlicht‹ – dieser Titel aus dem Gesangsblock, 

der das Eric Woolfson-Musical »Gambler« 

wiederbelebte, hätte als Motto über dem Abend stehen 

können, der mit einem wahrhaft magischen Lichtdesign 

aufwartete und das nicht nur, weil Marcus Krömer seit 

2014 die Show der »Ehrlich Brothers« designt. Krömer 

hängte noch ein paar weitere Lampen auf und genoss 

es, mal etwas Neues auszuprobieren. Damit setzte er 

nicht nur die Solisten ins denkbar beste Licht und spielte 

mit Farbkombinationen, sondern auch die für jeden 

Block liebevoll gestalteten Kostüme der Chormitglieder 

traten gleich noch schöner hervor: Ob die ›Chimney‹- 

Schornsteinfeger, bei denen sich ein paar Feuerwehruniformen 

einreihten, und die Damen in Kleidern im 

englischen Stil, mit denen sie um die Jahrtausendwende 

durchaus den Kirschbaumweg 17 hätten entlangflanieren 

können, oder die stilechten Rocker und Rockerbräute 

aus dem »We Will Rock You«-Block. Wilma Harth 

wurde bei ihrem zauberhaft gespielten und sehr schön 

gesungenen Auftritt als Arielle (›Ein Mensch zu sein‹) 

in wahres Meeresleuchten getaucht. Für Brigitte Oelke, 

die der leidenschaftlichen Affenmutter Kala ebenso wie 

der arabischen Prinzessin Jasmin – im starken Duett mit 

Jesper Tydén – mit ihrer variablen Stimme neue, reizvolle 

Facetten verlieh, wurde das Grün des Dschungels 

und danach der magische Sternenhimmel beschworen. 

Seit dem ersten »Faces of Musical«-Konzert werden 

die gesanglichen Darbietungen immer wieder durch 

kleine Interviews mit den Stargästen unterbrochen, 

um diese dem Publikum vorzustellen. Doch dieses Mal 

hatten sich Moderatorin Nicola Reyk und Schauspielerin 

sowie Sprecherin Sabine Berg (beides selbst leidenschaftliche 

Chorsängerinnen) überlegt, doch auch mal 

die Arbeit ihres Vocalcoaches Wilma Harth und des 

Chordirektors Wolfgang Harth zu kommentieren: Da 

erfuhr man von der liebevoll akribischen Arbeit und 

sehr späten Änderungen in der Partitur, wobei einfach 

»16 Takte rausgeworfen« wurden. Anhand einer ausgebreiteten 

Bahn von aneinandergehängten Notenseiten 

demonstriert, führte dieser unterhaltsame Einblick in 

die Arbeit nicht nur auf Seiten der Insider zu zahlreichen 

Lachern. Angesichts des unglaublichen Textpensums 

des Konzertprogramms bekam man allerdings 

auch etwas Mitleid mit den Chorsängern. Den Vogel 

schoss eindeutig ›Supercalifragilistischexpialigetisch‹ ab, 

bei dem Wilma Harth als Motivatorin des Chors – vom 

Hut bis zum Papageienschirm ganz Mary Poppins – als 

gestrenge Chorleiterin die Silben wiederholen ließ und 

den Kindern einen »Löffel voll Zucker« kredenzte. LED- 

Buchstaben auf den Lichttürmen hinter dem Chor begleiteten 

das Zungenbrecher-Medley aus dem Disney- 

Musical. 

Wie immer brachten die Solisten eigene Favoriten 

mit: Brigitte Oelke mag Songs, die bei aller Dramatik 

68 



eine »Hoffnung« vermitteln, und interpretierte deshalb 

›There You'll Be‹ aus dem Film »Pearl Harbour«. Jesper 

Tydén übernahm mit kraftvoller Stimme die Rolle des 

von Leidenschaft überwältigten Frollo in ›Das Feuer der 

Hölle‹ aus »Der Glöckner von Notre Dame«, umrahmt 

von Skelettrosetten, die an den Lichttürmen rankten. 

John Vooijs steuerte in der Reihe der »Faces-Songs« eine 

eigene melancholisch-rockige Ballade bei und begleitete 

sich selbst an der Gitarre: Ein Mann, der seine abendliche 

Bekanntschaft nicht mit zu sich genommen hat, 

stellt beim Aufwachen fest, dass er sich verliebt hat: »I'm 

falling for you, hey stranger!« 

Wenn zwei »We Will Rock You«-Interpreten auf der 

Bühne stehen, was liegt da näher, als einen Block mit 

dem »Queen«-Musical zu gestalten? John Vooijs rockte 

mit ›I Want to Break Free‹ die Bühne und Killer Queen 

Brigitte Oelke suchte ›Somebody to Love‹. Doch den 

Höhepunkt bildete beider gesanglich herausragender, 

hochemotionaler Gänsehaut-Vortrag von ›Who Wants 

to Live Forever‹. Pyrotechnik heizte Sängern und Publikum 

hierbei zusätzlich ein. 

Der zweite Teil begann mit einem nur noch selten 

gespielten Musical von Eric Woolfson bzw. »The Alan 

Parsons Project«: »Gambler« basiert auf Dostojewskis 

Roman »Der Spieler« und feierte 1996 Uraufführung in 

Mönchengladbach, versank danach im deutschsprachigen 

Raum aber in der Versenkung, während es in Japan 

und Korea gespielt wurde. Wilma Harth brachte ihren 

lyrischen Sopran als Showgirl in ›Far Away‹ zum Strahlen, 

John Vooijs beschwor mit Jesper Tydén als Casiono 

Boss den vom Spieler ersehnten ›Golden Key‹ zum Ort 

der Träume und Brigitte Oelke brillierte mit einem glasklaren 

›Limelight‹, umfasst von Fingern aus Licht. Den 

Abschluss machte ›Eye in the Sky‹, das John Vooijs im 

Dialog mit dem Chor interpretierte. Er genoss das gemeinsame 

Singen sichtlich: »I can read your mind«, und 

war sich im anschließenden Interview mit allen Mitwirkenden 

einig: »Ohne Musik geht gar nichts«. 

Der Abend klang passend zur bevorstehenden 

Fußball-WM mit einem Block »Music(al) goes Sport« 

aus, zu dem Wolfgang Harth den musikalischen Leiter 

Bernd Steixner zunächst überreden musste. Nach der 

Arbeit an großen Hymnen wie ›One Day in Your Life‹, 

bei der Brigitte Oelke mit ihrer Rock-Röhre Anastacia 

in nichts nachstand, oder ›One Moment in Time‹ 

(Brigitte Oelke und der Chor ließen die Halle beben) 

habe er ihn allerdings gefragt: »Wann machen wir eine 

Stadiontour?« Im Arrangement von Bernd Steixner wurde 

sogar der Xavier Naidoo-Titel ›Dieser Weg‹ zu einer 

bluesigen Rock-Nummer, die Jesper Tydén ganz eigen 

interpretierte. Bei Christina Stürmers ›Fieber‹ wurde der 

Vortrag des Chors wiederum durch Bühnenfeuer angeheizt 

und mit einer letzten Zusammenarbeit mit John 

Vooijs klang das musikalische und optische Feuerwerk 

in der Halle Meiersheide in Hennef mit ›We Are the 

Champions‹ aus. 

Barbara Kern 


1. ›Ein Mensch zu sein‹ ist der sehnlichste 

Wunsch von Arielle, gesungen von 

Wilma Harth 

2. Von Wilma Harth alias Mary Poppins 

lernen die Chormitglieder, dass »ein 

Löffelchen voll Zucker« Wunder bewirkt 

und wie man einen Zungenbrecher 

buchstabiert 

3. ›Das Feuer der Hölle‹ fürchtet Jesper 

Tydén als Frollo, Erzdiakon von Notre 

Dame 

4. Vor einem alles sehenden ›Eye in the 

Sky‹ (»Gambler«) warnt John Vooijs 



69

Im Blick 

Schöne Tradition am Pfingstmontag! 

»Musical Meets Pop« eröffnet auch 2018 die Freilichtspiele in Tecklenburg 

Die Solisten (v.l.): Frank Winkels, Sascha Krebs, Pia Douwes, Milica Jovanović, Patrick Stanke, David Jakobs, Dominik Hees, Kevin Tarte und Gino Emnes heizten dem 

Publikum mit ›Always Look on the Bright Side of Life‹ aus »Monty Python's Spamalot« ein 

›Endlich sehe ich das Licht‹ aus »Rapunzel« – Milica Jovanović und Dominik Hees 

›The Prayer‹ aus »Das magische Schwert« – Pia Douwes und Kevin Tarte 

›Trag mich in dein Herz‹ aus »Kinky Boots« – Gino Emnes 

70 


Im Blick 

›Here I Go Again‹ von Whitesnake – Patrick Stanke zeigt, was er kann 

Sascha Krebs in der Ensemblenummer ›Always Look on the Bright Side of 

Life‹ aus »Monty Python's Spamalot« 

Pia Douwes und Sascha Krebs als 

Beyoncé und Ed Sheeran in ›Perfect‹ 

David Jakobs begleitete sich selbst 

auf der Gitarre zu dem Lied von 

Gregor Meyle: ›Dann bin ich 

zuhaus'‹ 

Milica Jovanović beschwerte sich wie einst Trude Herr: 

›Ich will keine Schokolade‹ 

Die Backvocals (v.L.): Mathias Meffert, Esther-Larissa Lach, Florian Albers 

und Alexandra Hoffmann begleiteten stimmgewaltig die Solisten der 

»Pfingstgala« 

›Zieh' die Schuh' aus‹ von Roger Cicero, dargebracht von Frank Winkels 



71

Vis-à-Vis 

Das Wichtigste ist für mich die Leidenschaft 

Hannah Leser über ihre Rolle als Alex Owens in »Flashdance« 

Hannah Leser spielte direkt nach Abschluss der 

Stage School in Hamburg die Titelrolle in »Mary 

Poppins« und wird ab 20. September 2018 als 

Alex Owens in der Tour-Produktion von »Flashdance« 

von 2Entertain Germany auf der Bühne 

zu erleben sein. 

blickpunkt musical: Ist es eine Ehre für Sie, die 

Hauptrolle in »Flashdance – Das Musical« zu 

spielen? 

Hannah Leser: Ja, eine Ehre und Verantwortung. 

(lacht) 

blimu: Kannten Sie den Film? 

HL: Natürlich kannte ich den Film! Als crazy 

Tanzbegeisterte habe ich sämtliche Tanzfilme 

verschlungen und finde die Alten viel besser als 

die Aktuellen, denn es gibt ja heute nur noch 

»Hip-Hop-Kram« und ich stehe viel mehr auf die 

Klassiker wie »Flashdance«, »Dirty Dancing« und 

»Strictly Ballroom«. Als dann die Zusage für die 

Rolle kam, wusste ich, dass ich mal schleunigst 

trainieren sollte. 

blimu: Haben Sie das Musical schon gesehen? 

HL: Es lief ja bisher in Deutschland noch nicht 

so oft. Witzigerweise lief es in Darmstadt, wo 

ich zwar als Teenager gewohnt habe, aber nicht 

zu dieser Zeit. Es hat sich leider nie ergeben, das 

Musical zu sehen. Ich habe nach der Zusage recherchiert, 

aber jede Inszenierung ist anders und 

auch die schwedische Produktion, die auf Tour 

durch Deutschland und Österreich geht, hat 

noch einmal einen draufgelegt. Gerade bei den 

Tanzszenen wurde extrem an den Choreographien 

gefeilt und technisch einiges investiert. Die Darstellerin, 

die in Schweden die Alex Owens gespielt 

hat und witzigerweise auch Hannah heißt, 

ist eine unglaublich gute Tänzerin, die jede Szene 

großartig umgesetzt hat. Da trete ich in sehr 

große Fußstapfen. 

blimu: Was verbinden Sie mit dem Musical 

»Flashdance«? 

HL: Das Wichtigste ist für mich die Leidenschaft. 

Alex hat nie gelernt, professionell zu tanzen, aber 

sie besitzt diese Leidenschaft und lebt sie einfach 

aus. Sie braucht das Tanzen. Es ist ihr Ventil, bei 

dem sie alles rauslassen kann, und man spürt ihre 

Leidenschaft von Anfang bis Ende. Das steckt 

alle an, reißt mit und darauf freue ich mich ganz 

besonders. 

Foto: 2Entertain Germany 

blimu: Haben Sie einen persönlichen Bezug zu 

»Flashdance« oder zu der Geschichte des Films? 

HL: Als Darstellerin, als Performer oder Tänzer 

versucht jeder, der im Showbusiness arbeitet, 

einen Durchbruch zu erreichen und das zu machen, 

wovon man träumt und was man liebt. Das 

ist die zentrale Story und jeder kann sich damit 

identifizieren, wie hart es ist, sich durchzubeißen. 

Ich kenne das ganz genau, auch wenn ich 

es nicht so schwer hatte wie sie. Wenn man an 

sich zweifelt und denkt, man sei zu schlecht, und 

dann kommt der Moment, wenn jemand mit dir 

arbeitet, dich aufbaut und du es schaffst, das ist 

unglaublich! 

Ich persönlich hatte das Glück, dass es mir 

privat und familiär immer gut ging – im Gegensatz 

zu Alex. Sie hatte eine schwere Kindheit, einen 

Vater, der nie an sie geglaubt und sich nicht 

um sie gekümmert hat. Selbst als sie ihren Traum 

verfolgen wollte, zog er sie runter und wollte ihren 

Traum zunichtemachen. Bei mir war das ganz 

anders: Meine Familie war immer mein größter 

Support, sie hat viel für mich getan, mich immer 

gestärkt und unterstützt. Trotzdem kenne ich den 

inneren Kampf und die Bedeutung der Entscheidung. 

Es sagen dir viele, es sei eine fixe Idee. Sie 

fragen: »Bist du sicher, dass du das durchziehen 

willst? Am Ende stehst du alleine da und hast 

nichts.« Da entsteht schon mal das Gefühl, man 

sei der einzige Mensch, der daran glaubt, und 

deswegen kann ich mich tatsächlich sehr gut mit 

der Rolle identifizieren. 

blimu: Die Geschichte ist bereits 30 Jahre alt. 

Sehen Sie einen aktuellen Bezug? Gerade in der 

Stahlindustrie werden heute viele Leute entlassen. 

HL: Das war schon damals ein großes Thema, 

weswegen es im Film auch thematisiert wird. Bei 

»Billy Elliot« zum Beispiel wurde auch die industrielle 

Krise in der Geschichte thematisiert. Oder 

in »The Full Monty«, einem meiner Lieblingsfilme, 

geht es ebenfalls um das Thema. Und auch 

wenn ich mich da nicht wirklich auskenne, was 

das Business angeht, weiß ich doch Bescheid, wie 

das läuft. 

Darum geht es ja auch in »Flashdance«. Dort 

wird die männliche Hauptrolle Nick in die Stahlfabrik 

geholt, um das Unternehmen zu modernisieren, 

sich um Outsourcing zu kümmern, 

aufzuräumen und zu rationalisieren. Und er ist 

dann ausgerechnet derjenige, der sich um die Arbeiter 

kümmern will. Das existiert heute in sehr 

vielen Bereichen. Konzerne kündigen Mitarbeitern, 

um Geld zu sparen. Das zieht sich durch 

viele Bereiche, selbst das Theater bleibt davon 

nicht unberührt. Auch wenn ich erst ein Jahr in 

dem Business arbeite, habe ich schon viel gelernt 

und möchte auch erreichen, dass unser Beruf als 

Künstler sicher ist und das, was man macht, sich 

auch lohnt. 

blimu: Sie haben gerade gesagt, Sie arbeiten erst 

seit einem Jahr in dem Business. Letztes Jahr haben 

Sie die Stage School beendet und sind direkt 

für die Titelrolle von »Mary Poppins« engagiert 

worden – als Cover. 

HL: Ich covere die Rolle nicht, sondern wurde 


Vis-à-Vis 

alternierend für Mary Poppins besetzt. Ich spiele 

keine andere Rolle, sondern bin nur da, um die 

Hauptdarstellerin zu entlasten, mit zwei festen 

Shows die Woche, und ansonsten bin ich immer 

auf Stand-by, auf Reserve sozusagen. Die Mary 

Poppins ist natürlich eine Wahnsinnsrolle und 

ich bin dankbar, dass man so ein Vertrauen in 

mich hatte, mich direkt von der Schule in diese 

Produktion zu holen. Dann steht man auf einmal 

mit Leuten auf der Bühne, die man ein paar Wochen 

vorher noch im Internet »gestalkt« hat und 

bei denen man sich immer vorgestellt hat, wie es 

ist, mit ihnen mal auf der Bühne zu stehen. Das 

ist echt crazy. 

blimu: Haben Sie Cameron Mackintosh persönlich 

kennengelernt? 

HL: Ja. Das war das absurdeste Erlebnis überhaupt. 

Er war total entspannt, ist mit easyJet 

geflogen, also ganz anders, als man sich so einen 

erfolgreichen Menschen vorstellt. Ein Mann mit 

diesem Einfluss und so einer Autorität steht dann 

vor einem und ist total zugänglich. Ich habe mich 

ihm dann kurz vorgestellt und ihm die Hand 

geschüttelt. Das war ein aufregendes Gefühl. Er 

fragte mich dann, wie es mir gefällt, wie es sich 

anfühlt, zu fliegen, und ich konnte eigentlich nur 

lächeln und »Ja« sagen. Mehr ging nicht. (lacht) 

blimu: Mit 23 Jahren ist das beeindruckend. 

Sie sind zum Interview in einem schwarzen Outfit 

erschienen. Ist das selbst geschneidert? Ich hörte, 

das ist eine Leidenschaft von Ihnen. 

HL: Nein, das ist vom Flohmarkt. (lacht) 

blimu: Haben Sie schon mal für eine Produktion 

Kleider genäht oder daran gedacht, sich im Kostümbereich 

auszuprobieren? 

HL: Nein. Ich schneidere eigentlich nur für mich 

oder für gute Freunde, wenn sie etwas haben wollen, 

was sie aber nicht finden. Aber eine ganze 

Produktion auszustatten, kann ich mir, ehrlich 

gesagt, nicht vorstellen. Ich weiß auch gar nicht, 

ob ich das wollen würde. Unter Zeitdruck etwas 

abliefern und noch dazu nach genauen Vorgaben – 

ich glaube, das wäre nicht mein Ding. Auf der 

Bühne ist das etwas anderes. Ich habe schon mal 

in der Schule ein Kostüm für jemanden gemacht: 

Ein Mädchen sollte einen Diven-Song singen 

und dazu ein lilafarbenes Ballkleid tragen. Das 

brachte die Regisseurin auf die Idee, dass sie eine 

5 Meter lange Schleppe braucht, die von zwei Lakaien 

getragen wird. Damit kam sie dann zu mir 

und ich entwarf eine entsprechende Schleppe, die 

über die ganze Bühne ging. Solche Mini-Aufträge 

sind sehr schön. Und ich werde das Nähen auf 

Tour schon vermissen, denn meine Nähmaschine 

muss wohl zu Hause bleiben. Mehr als ein Koffer 

geht sicher nicht. 

blimu: Sie haben lange Zeit in den USA verbracht 

und erfahren, wie die Ausbildung dort abläuft. 

Haben Sie eine High School besucht? 

HL: Tatsächlich war ich nicht auf einer typischen 

High School, denn wenn du in den USA einen 

High School Abschluss machst, darfst du in 

Deutschland nicht studieren. Deswegen besuchte 

ich eine der internationalen Schulen, die ein etwas 

anderes System haben. Das ist zwar ähnlich, 

aber wir waren Leute aus aller Welt, das war toll. 

Aus China, Brasilien, Afrika bis nach Asien habe 

ich Menschen kennengelernt und konnte dort 

mein internationales Abitur machen, mit dem 

ich in Deutschland studieren konnte. 

blimu: Von der Vorschule bis zur High School 

und weiter gehört das Thema Musical in den 

USA fest zum Unterricht, während es in Deutschland 

meistens nur Arbeitsgemeinschaften an den 

Schulen gibt. Wir haben hier in Berlin Spandau 

auch ein Gymnasium, das sehr gut und engagiert 

Sachen in diesem Bereich auf die Beine stellt. 

Doch Sie haben das aus den USA zum Glück 

mitnehmen können. 

HL: Der Standard der Schulen in den USA ist 

extrem hoch. Hier war ich zwar in einer Theater- 

AG, doch diese lief nur einmal in der Woche und 

wir konnten so nur wenig erarbeiten. Das bringt 

nichts. In den USA war ich auf einem Internat, 

auch für Externe, das alle Schüler den ganzen Tag 

beschäftigt. Du musst dir eine Nachmittagstätigkeit 

aussuchen und bist dann auch zwei bis drei 

Nachmittage die Woche für drei Stunden in deiner 

Gruppe, in der man viel mehr machen kann. 

Wir haben tatsächlich zwei Schauspielstücke und 

ein Musical pro Jahr erarbeitet. Wir hatten viel 

Zeit zum Proben, zum Einstudieren, da lernt 

man auch etwas. Ich hatte lieber Theater statt 

Kunst als Fach und habe so viel über Techniken 

und Theatergeschichte gelernt. Und die Shows, 

die wir als Amateure auf die Beine gestellt haben, 

waren wirklich cool. 

blimu: Wie würden Sie Musical charakterisieren? 

Was bedeutet es Ihnen? 

HL: Musical ist für mich das Erzählen einer Geschichte, 

indem man die drei künstlerischen 

Tätigkeiten Schauspiel, Gesang und Tanz dazu 

nutzt, ein emotionales Gesamtbild zu schaffen. 

Wenn sich die Story nicht gut erzählen lässt, 

kannst du noch soviel investieren in Set, Kostüme 

und Künstler – ohne den zündenden Funken 

bringt dir das ganze Drumherum auch nichts 

mehr. Tolle Geschichten fesseln die Zuschauer 

und wir geben nur unser bestes handwerkliches 

Können dazu. Im Musical kommt natürlich noch 

der Showeffekt dazu, worüber man sich streiten 

kann – wenn hier noch Pyroeffekte dazu kommen 

oder ein extrem aufwendiges Kostüm. Ich 

persönlich liebe es, in kleine Theater zu gehen, 

in denen die Darsteller aus wenig eine Stimmung 

zaubern, die mich fesselt, die mich abholt und bei 

mir etwas bewirkt. Wenn ich jemanden kennenlerne, 

der keine Musicals mag oder noch nie eins 

gesehen hat, ist das wie eine Art Missionsauftrag 

für mich, denn ich muss diesem Menschen dann 

das Genre näherbringen und ihm zeigen, wie gut 

es sein kann. 

Musical ist so etwas Tolles und Abwechslungsreiches. 

Leider denken viele immer noch, dass es 

seichte Unterhaltung und Entertainment ist, aber 

es steckt soviel mehr dahinter, es gibt für jeden 

Geschmack etwas. Heute kann niemand sagen: 

»Ich mag keine Musicals, weil mich die Musik 

stört!«, denn wirklich jede Musikrichtung ist 

vertreten, man muss eben nur die richtige Show 

für sich selbst finden. Wenn jemand sagt, er mag 

Oper nicht, das kann ich nachvollziehen, aber 

Musical ist so vielfältig, dass eigentlich jeder das 

findet, was ihm gefällt. 

blimu: Was sagt Ihnen der Satz: »Ich bin so 

unmusikalisch«? 

HL: (lacht) Oh, mein Gott, das war der erste 

Song, mit dem ich auf die Bühne durfte. Ich glaube, 

das war im zweiten Jahr, als die Stage School 

das F1rst Stage Theater ausgebaut hat. Das war 

eine tolle Zeit, weil ich schon während der Ausbildung 

direkt auf der Bühne Erfahrungen habe 

sammeln können. Man lernt auch die Kaltblütigkeit, 

die man auf der Bühne braucht, damit 

man sagen kann: »Jetzt gehe ich raus und lege 

los«, auch wenn man sich nicht so sicher fühlt. 

Und dieses Chanson war mein Prüfungslied aus 

dem ersten Jahr: ein unglaublich schwerer Song, 

weil du auf einen C-Dur-Akkord ein Cis singen 

musst, und das habe ich auf der Bühne als Solo 

singen dürfen. Mein erstes Solo im F1rst Stage 

Theater wird für immer ein besonderer Moment 

für mich bleiben. 

blimu: Vielen Dank, Hannah Leser, und eine 

tolle Zeit bei »Flashdance«. 

Das Interview führte Oliver Wünsch 

Hannah Leser in ihrer Rolle als Alex Owens 

Foto: 2Entertain Germany 


73

Vis-à-Vis 

»Regie ist für mich ein lebenslanger Prozess des 

Lernens« Eine neue Generation Musicalregisseure: Erik Petersen im Interview 

Erik Petersen ist gebürtiger Magdeburger, stand 

in frühen Jahren bereits auf der Bühne, hospitierte 

später im Regiefach und gehört heute zu der 

Generation neuer Regisseure im musikalischen 

Unterhaltungstheater. 

blickpunkt musical: Wie kamen Sie zum Theater 

und wie zur Regie? 

Erik Petersen: Ich habe am Magdeburger Theater 

früh als Statist, später als Kleindarsteller auf 

der Bühne gestanden. Die Schauspielschulen, 

an denen ich mich beworben habe, sahen mich 

aber nicht als großen Schauspieler. (lacht) Dennoch 

hat Nico Rabenald mich in Magdeburg in 

zahlreichen Operetten und Musicals, u. a. auch 

in »Titanic« besetzt. Damals habe ich fallen lassen, 

dass ich gerne hospitieren würde. 2010 rief 

er mich an und bot mir eine Hospitanz bei dem 

neuen Musical »Carmen – Ein deutsches Musical« 

in Bad Hersfeld an. Eine Woche später fiel 

sein Regieassistent aus und ich erhielt die Möglichkeit, 

ins kalte Wasser zu springen und zu lernen. 

Die Arbeit mit Rabenald war der erste große 

Glücksfall. Der zweite war, dass ich im zweiten 

Jahr Gil Mehmert in Hersfeld kennenlernte. 

Die praktische Erfahrung hat mir den Weg 

geebnet. Regieassistenz meint zu 70% Logistik 

und nur zu 30% wirkliche Regiearbeit. Das ist im 

Musical noch extremer als in anderen Bereichen 

des Theaters, weil der Assistent versuchen muss, 

alles zu kombinieren: Umzüge, Umbauten, am 

Opernhaus den Chor, Gäste, die am Haus sind – es 

ist ein großer organisatorischer Aufwand. Doch 

wenn man Lust hat, diesen Weg in die Regie zu 

gehen, und gut arbeitet, wird das irgendwann 

auch anerkannt. 

blimu: Bei »The Full Monty« in Dortmund haben 

Sie auch gespielt. 

EP: Das stimmt, neben der Regieassistenz konnte 

ich eine kleine Rolle spielen. Dass ich überhaupt 

dort assistieren durfte, verdanke ich Gil Mehmert 

und dass mich der stellvertretende Intendant 

und Dramaturg Hans-Peter Frings aus Magdeburg 

kannte. Denn Dortmund gehört zu den 

Häusern, die damals nur studierte Leute, ob in 

Theaterwissenschaften oder Regie, eingestellt haben. 

Da man mir das Vertrauen entgegenbrachte, 

durfte ich dort 2 Jahre lang daran teilhaben, dass 

Dortmund zu dem Theater wurde, das es heute 

ist. Nicht nur »Hairspray« kam überzeugend auf 

die Bühne, sondern man wagte sich auch an ein 

Stück wie »next to normal«. 

blimu: Zwischen der Zeit des Spielens auf der 

Foto: Jan-Philipp Behr 

Bühne und Ihrer Regiearbeit haben Sie eine Ausbildung 

an einer Bibliothek gemacht. War dies 

von Vorteil? 

EP: Ich war damals fürs Theater noch zu jung, 

nachdem ich mit 16 die Schule mit dem erweiterten 

Realschulabschluss beendet hatte. Ich wollte 

etwas mit Medien und Bildung machen und habe 

schon immer gerne gelesen. Daher habe ich eine 

Ausbildung als Fachangestellter für Medieninformationsdienste 

– in der Fachrichtung Bibliothek 

gemacht. Es ist mir bei der Regiearbeit wichtig, 

mich weiterzubilden, und dabei nutze ich das 

Handwerk, das ich damals erworben habe. Im 

Musical gibt es allerdings weniger Literatur zu 

dem Thema als bei der Oper, da das Musical noch 

jung ist. Wenn man sich anschaut, wie etwas 

komponiert wurde, erfährt man manchmal, dass 

die Sängerin mit dem Komponisten zusammen 

war und deshalb die Arie so geschrieben wurde. 

Im Musical ist es zum Beispiel wichtig, zu verstehen, 

warum jetzt ein Falsett gesungen wird. Regie 

ist für mich ein lebenslanger Prozess des Lernens. 

blimu: War das Musical eine Art Zufallsprodukt, 

weil es Musicalregisseure waren, die Ihnen die 

Tore öffneten, oder wollten Sie gerne in diese 

Richtung? 

EP: In der Regie gibt es viele talentierte junge 

Leute, die aber erst ab Mitte 30 überhaupt Karriere 

machen dürfen. Ich war nie der Freund vom 

Regietheater auf deutschen Opernbühnen und 

finde, dass jahrelang am Publikum vorbeiinszeniert 

wurde. Auch an den Auslastungszahlen der 

Häuser wird deutlich, wie schwierig es für ein 

jüngeres Publikum geworden ist, ins Theater zu 

gehen. Diese Entwicklung hat mir nicht gefallen. 

Mir schwebte der Bereich Unterhaltung vor. Ich 

habe mich immer schon für Musical interessiert 

und mir war die Nähe zum Publikum wichtig. 

Natürlich gibt es auch in unserer Branche 

schlechte Unterhaltung, in der man meint, nur 

weil Musical drunter steht, muss dies und jenes 

erzeugt werden. Dann ist das Ergebnis platt und 

unemotional. 

Heute bin ich in der gesamten Sparte des Musiktheaters 

unterwegs, inszeniere Musical, Oper 

und Operette, aber auf meine Art und Weise. Für 

mich ist die Bühne ein fantastischer Raum und 

ich wünsche mir, dass die Leute auch mal wieder 

zwei Stunden ins Theater gehen und abschalten 

können. Dass sie einfach genießen und Stücke erleben, 

die emotional über die Rampe gehen. Gil, 

Matthias (Davids) und Stephan (Huber) haben 

Großes für das Genre geleistet und den Weg für 

den Nachwuchs geebnet. Dafür bin ich ihnen 

sehr dankbar. Ob es nun der Umgang mit den 

Schauspielern ist oder wie wichtig die Psychologie 

der Szenen ist – hier habe ich viel von Stephan 

gelernt. Die drei Genannten unterscheiden sich 

sehr in ihrem Konzept – von der Ästhetik bis zum 

Szenenaufbau. 

Inzwischen freuen sich die Theater über Spezialisten, 

die Lust haben, Musical gut zu inszenieren. 

Denn es gibt auch diejenigen, die Musical 

inszenieren, aber gar keine Lust darauf haben. Sie 

meinen, das Stück, weil es Musical ist, zerstören 

zu müssen, um es neu zusammensetzen zu können. 

Das finde ich traurig. Dann sollen sie etwas 


Vis-à-Vis 

anderes inszenieren. Natürlich kann man bei der 

Regie an der Dramaturgie etwas ändern. Sie haben 

ja auch »Footloose« von mir in Darmstadt 

gesehen. Da haben wir uns getraut, am etwas 

schwachen Buch zu arbeiten. Wir haben versucht, 

eine weitere Qualitätsebene reinzubringen und zu 

zeigen, dass es wirklich ein gutes Buch sein kann. 

Das ist für mich auch in der Oper und Operette 

der Weg. Alles andere ist für mich unverständlich. 

Meine größte Angst ist, dass an einer Inszenierung 

von mir kritisiert wird, ich hätte keine Liebe 

hineingesteckt. Das ist glücklicherweise noch nie 

passiert. 

blimu: Wie gehen Sie an ein Stück heran? 

EP: Entscheidend ist ein gutes Bauchgefühl. 

Meist habe ich bei der Nennung des Titels schon 

eine Situation oder ein Bild vor Augen. Wenn 

das Bauchgefühl noch nicht gut ist, suche ich 

noch mal das Gespräch mit dem Intendanten 

oder überlege, was ich mit dem Stück machen 

kann. Nach der Zusage höre ich mir die Musik 

des Stückes über ein Jahr lang immer wieder an. 

Im Musical ist es meistens so, dass es eine erste 

Version gibt und noch eine überarbeitete Fassung, 

ich schaue mir beide an. Dann studiere 

ich die Dialoge und – was einige Kollegen nicht 

machen – auch, wie das Stück aufgeführt worden 

ist, wie andere es gemacht haben. Für mich ist 

das Fortbildung. Ich kann in meiner Generation 

ein Stück nicht neu erfinden. Würde ich das tun, 

spielt »My Fair Lady« in Kapstadt und das Ganze 

hätte nichts mehr mit dem Stück zu tun. Ich 

kann kombinieren und daraus eine neue Ästhetik 

schaffen. Deshalb ist mir der Dialog mit meinen 

Dramaturgen sehr wichtig, sodass wir über das 

entwickelte Konzept reden. 

Vor allem ist es mir wichtig, für das Publikum 

zu inszenieren. Ich habe mich während meiner 

Karriere schon immer für die Reaktionen des Publikums 

in Vorstellungen interessiert und beobachte 

unheimlich gern Zuschauer während einer 

Inszenierung – auch meiner eigenen. Wenn ich 

sehe: Aha, weil es diesen Song noch gibt, steigen 

sie aus und überlegen, ob sie den Bus noch bekommen, 

dann weiß ich, dass es das nicht geben 

darf. Ich halte es für ein hohes Gut, einen Zuschauer 

in einer Vorstellung so zu packen, dass 

er, wenn nach einer Stunde Pause ist, denkt: Oh, 

jetzt ist schon Pause. Eine meiner emotionalsten 

Inszenierungen war hier »Hair« auf dem Domplatz 

in Magdeburg. 

blimu: Mir fehlte bisher in allen Inszenierungen 

dieses Stückes der rote Faden. 

EP: Die Herausforderung ist, den Figuren eine 

Geschichte zu geben, damit sie nicht als ein paar 

langhaarige Idioten vorne sitzen, sondern der Zuschauer 

versteht, warum sie so handeln. Sonst ist 

es ein Konzert, alle singen und dann ziehen plötzlich 

Berger oder Claude in den Krieg. 

Es bedeutet eine intensive Vorbereitung, damit 

die Zuschauer schon vor dem Finale aufstehen 

wollen und emotional gepackt sind. Das Thema 

ist traurigerweise immer noch aktuell. Gerade 

deshalb kann das Stück eine große Kraft entfalten, 

wenn man das Publikum erreicht. 

blimu: Was ist Ihnen persönlich besonders wichtig 

bei Ihren Inszenierungen? 

EP: Meine vorrangige Aufgabe ist es, die Stücke 

auf der Bühne mit Leuten meiner Generation zu 

kreieren. Dazu gehören auch Rollendebüts, wie 

wir sie bei »Jesus Christ Superstar« in Oldenburg 

mit Oedo Kuipers und Rupert Markthaler hatten. 

Es war unglaublich schwer, einen Jesus und einen Judas 

aus der neuen Generation zu finden – auch weil 

die Stimmen dafür überhaupt nicht mehr ausgebildet 

sind. Und natürlich muss dann jemand 

mit den jungen Leuten arbeiten. Wir haben sehr 

viele unterschiedliche Typen von tollen Sängern 

in Deutschland, aber unsere Arbeit besteht darin, 

hier vor allem hinsichtlich Schauspiel einiges 

herauszukitzeln. 

Das macht die Castings manchmal anstrengend. 

Das gilt auch für »Footloose« in Darmstadt. 

Diese Show verlangt den Darstellern unheimlich 

viel ab, was bedeutet, junge Leute finden zu müssen, 

die alle drei Disziplinen sehr gut beherrschen 

und dann auch noch in authentischer Art und 

Weise auf der Bühne stehen. Deshalb bin ich 

viel unterwegs, gehe zu Intendantenvorsingen 

und schaue mir Absolventenshows an. Das kostet 

Zeit, ist aber entscheidend, um eine Entwicklung 

zu erkennen, damit ich nicht einfach besetze, weil 

»Musicaldarsteller« drunter steht, sondern Leute 

finde, die sehr gut spielen können und zu meinen 

Produktionen passen. 

Ich finde es besonders schön, wenn man in ein 

Stück gehen kann, ohne sich vorher zu belesen. 

Ich schaue immer, wie ich an den Zuschauer herankomme 

– auch mit einer gewissen Entscheidung 

innerhalb des Ensembles –, damit er mit 

»Evita« etwas anfangen kann, selbst wenn sie die 

Böse ist, die immer herumschreit, weil sie überfordert 

ist. Wie bekomme ich es hin, dass das Publikum 

mitfühlen kann? Das ist jeweils ein langer 

Prozess, bei dem die Atmosphäre und die Dichte 

der Szenen stimmen müssen, damit die Zuschauer 

dranbleiben. Man erarbeitet sich im Laufe der 

Zeit eine Handschrift, an die man sich bei jeder 

neuen Inszenierung idealerweise zurückerinnert, 

wie etwas funktioniert. Auslöser kann ein Satz 

sein wie bei »Frau Luna« jetzt in Dortmund, wo 

es hieß, dass es in den 20er Jahren ein großes 

Luftballett gab. Daraus entstehen dann Ideen: 

Ich schaue immer bei den Komponisten oder 

Autoren, was sie sich dabei gedacht haben, und 

versuche, das mit den Gedanken meiner Generation 

in unsere Zeit umzusetzen. Bei der Findung 

rede ich natürlich viel mit dem Kreativteam, den 

Choreographen. 

Bei meinen zukünftigen Projekten versuche 

ich, auch hinsichtlich der Entscheidung in der 

Besetzung, ein Publikum zu gewinnen, das sich 

sonst kein Ticket für Stücke wie »Anatevka« (Mai 

2019, Magdeburg) oder »Kiss Me, Kate« (Februar 

2019, Darmstadt) kaufen würde. Dieses darf sich 

auf einige namhafte Darsteller freuen. (Da wegen 

der Sommerpause noch keine Verträge endgültig 

unterschrieben sind, können hier leider keine Namen 

genannt werden, Anm. d. Red.). Als weitere 

Arbeiten sind für das nächste Jahr »West Side 

Story«, »Im weißen Rössl«, »Young Frankenstein« 

und »Victor/Victoria« in Planung. 

blimu: Sie haben gesagt, dass Sie direkt für die 

große Bühne arbeiten durften und sich danach 

sehnen, ein 2-Personenstück zu inszenieren. Musical 

gilt als Ausstattungstheater – wie wichtig ist Ihnen 

der Rahmen? 

EP: Das Bühnenbild wird immer mehr und mehr 

durch Projektionen ersetzt. »Finding Neverland« 

ist beispielsweise nur noch eine reine LED-Wand- 

Produktion. Das ist finanziell sicher die beste 

Lösung, weil man keine großen Bühnenbauten 

braucht, aber für mich ist der Theaterraum immer 

noch entscheidend. Bei »Footloose« habe ich dem 

Bühnenbildner gesagt, ich hätte Lust auf ein richtiges 

Bühnenbild, weil in der Recherche immer 

nur von Kastenräumen oder Stangen die Rede 

war. Immer wieder wurde der Ort an der gleichen 

Stelle, nur mit anderen Requisiten, definiert. Das 

fand ich langweilig. Ich habe dann auch Feedback 

von dem Komponisten Tom Snow und Liedtexter 

Dean Pitchford bekommen, die Bilder von 

Darmstadt gesehen hatten und beeindruckt waren, 

welche Ausstattung ein solches Stück haben 

kann. Mir ist auch wichtig, zu präsentieren, was 

ein Theater zu leisten vermag. 

Bei »Anatevka« ist mir aufgefallen, dass manche 

Zuschauer aussteigen, weil sie das Gefühl 

haben, das Geschehen sei zu weit weg. Daher 

sind wir hier gerade an der Entscheidung dran, 

das Orchester mit auf die Bühne zu nehmen, damit 

wir mehr an die Rampe spielen können und 

die Zuschauer mitnehmen. Das ist das Konzept 

Erik Petersen während der Proben 



75

Vis-à-Vis 

vom Broadway und Londoner West End, wo es 

selten Shows mit einem Orchestergraben als Abtrennung 

gibt. Ein Großteil des Erfolges liegt an 

dieser Nähe zum Publikum. Bei uns bildet der 

Orchestergraben manchmal eine Barriere. 

blimu: Welches sind Stücke, die Ihnen persönlich 

besonders gut gefallen? 

EP: Für mich besteht das hohe Gut des Musicals 

im Zusammenkommen von Tanz, Gesang und 

Schauspiel – es ist das, was zählt. Daher ist für 

mich der Energiepol in den Stücken entscheidend 

dafür, wie kraftvoll eine Message herübergebracht 

wird. »Kinky Boots« beispielsweise ist so etwas 

wie das »La Cage aux Folles« der heutigen Zeit. 

Die Botschaft dahinter, ohne dass man mit dem 

Schuhlöffel draufschlägt, ist einfach enorm – wenn 

man sie als Zuschauer zulässt. Ich habe auch erlebt, 

dass Ehegatten ganz konsterniert darin sitzen, 

wenn Lola das erste Mal auftritt. Da ist erst 

einmal Schubladendenken am Werk. Doch dann 

schafft die Show es, den Menschen hinter dem 

Äußeren zu zeigen. Das ist eine Stärke des Musicals 

und gilt auch für Stücke wie »Anatevka«, 

»Hair«, »Evita« oder auch »Jesus Christ Superstar«. 

Stücke, bei denen die Aussage sehr groß ist 

und bei denen man als Regisseur die Chance hat, 

diese Message zum Publikum hin zu inszenieren. 

Das finde ich teilweise selbst sehr berührend. 

blimu: Wie sehen Sie, als jemand von der neuen 

Generation, die Zukunft des Musicals? 

EP: Mein größter Wunsch wäre, dass es mehr 

Intendanten gibt, die den Stellenwert des Unterhaltungstheaters 

höher bewerten. Möglicherweise 

muss dafür auch eine neue Generation an Intendanten 

kommen, weil viele in unserem Bereich 

ein »Nicht-Wissen« haben. Sicher werden wir, 

auch Kollegen wie Martin G. Berger, Felix Seiler 

und Stephan Sebastian Ritschel, gebucht, weil 

wir es mitbringen, aber ich denke, man könnte 

an jedem Haus drei Musicals spielen. Auf manchen 

Spielplänen stehen schon fünf Musicals parallel 

im Repertoire. Das ist für Deutschland eine 

enorme Entwicklung des Unterhaltungstheaters. 

Hierbei ist das Publikum wesentlich bestimmend, 

das in die Stadttheater geht und Musical verlangt. 

Ansonsten würde ich mir wünschen, dass sowohl 

die Entwicklung der Stücke als auch die Stückauswahl 

einen noch besseren Stand beim Zuschauer 

bekommen. Dass auch Stücke wie beispielsweise 

»Pippin«, die zunächst keinen großen Anklang 

haben, ihr Publikum finden. 

Wir haben glücklicherweise stellenweise eine 

Off-Broadway-Szene, in der sich einiges tut, aber 

bei den Stadttheatern ist das noch nicht so angekommen. 

Doch es gibt Häuser, die federführend 

sind im Unterhaltungstheater, und ich finde, dass 

man den Leuten nicht nur »Evita«, »West Side 

Story« und »Anatevka« vorsetzen muss. Ich fände 

es toll, wenn man in der Zukunft auch neue 

Wege bestreiten würde – egal, ob es deutsche 

Stücke sind, die eigens geschrieben werden, oder 

Stücke vom West End oder Broadway, die dort 

bereits erfolgreich sind. »next to normal« ist so 

ein Stück, das eine beispielhafte Entwicklung am 

deutschsprachigen Stadttheater erlebt hat. Man 

hat erkannt, dass das Thema viele Menschen angeht. 

Es wäre schön, wenn die Verlage sich mehr 

trauen würden und wir endlich große Titel an 

Stadttheatern spielen dürfen, die sonst nur von 

großen Firmen in Anspruch genommen werden. 

Das hätte eine ganz andere Dimension – auch 

musikalisch, da man Stücke wie »Der Glöckner 

von Notre Dame« natürlich mit einem Hauschor 

bestreiten könnte. 

blimu: Unsere Theaterlandschaft ist schon einzigartig. 

EP: So einzigartig, wie ich kürzlich gelesen habe, 

dass es einen Antrag gibt, das Konzept der Theaterlandschaft 

in Deutschland mit ihrer ganzen 

Organisation ins immaterielle Weltkulturerbe 

aufzunehmen. Das würde bedeuten, dass kein 

Haus mehr geschlossen werden darf. In einer 

aktuellen Statistik wurde veröffentlicht, dass in 

Deutschland 7000 Vorstellungen pro Jahr gespielt 

werden, gefolgt von Russland mit 1000 

Vorstellungen. Daran sieht man, welch wichtiger 

Beitrag zur Kultur hier gelegt wird. Ich bin 

ohnehin der Meinung, dass das Theater bei der 

Entwicklung der Gesellschaft eine entscheidende 

Rolle spielt – auch was die Verarbeitung negativer 

Themen in der Weltpolitik betrifft. 

blimu: Was würden Sie gerne ändern, um die 

Stellung des Musicals aufzuwerten? 

EP: Es gibt in Deutschland einen Theaterpreis, 

den »Faust«, in dem das Unterhaltungstheater 

0,0 Prozent gewürdigt wird. Es gibt nicht einmal 

eine Kategorie dafür. Immer noch nimmt eine 

Großzahl an Intendanten die Unterhaltungsbranche 

nicht ernst. Natürlich ist die Deutsche 

Musical Akademie in Berlin ein Wahnsinnsschritt 

für Deutschland, aber es geht dort nur 

um die neuen Stücke. Das ist zweifellos ein 

guter Ansatz für die Zukunft. Dennoch müssen 

auch die laufenden Produktionen gesehen 

werden. In Österreich schaffen sie es mit ihrem 

Musiktheaterpreis, alle Kategorien zu bedenken. 

Ich finde es faszinierend, dass in Deutschland 

Stücke, die erfolgreich sind und die Auslastungszahlen 

an den Theatern nach oben treiben, 

überhaupt nicht bedacht werden. Deshalb finde 

ich es wichtig, dass es so eine Figur wie Barrie 

Kosky gibt. Auch wenn man über seine Inszenierungen 

geteilter Meinung sein kann, es ist 

ihm gelungen, Aufmerksamkeit für das Genre 

zu wecken. Ich kämpfe um die Anerkennung 

des Unterhaltungsfaches und hoffe einfach, dass 

die Wertschätzung von Unterhaltung sowohl im 

deutschen Bühnenverein als auch bei den Intendanten 

in den nächsten Jahren noch mehr steigt. 

blimu: Vielen Dank für diese Einblicke in Ihren 

Werdegang und Ihr Engagement. Alles Gute für 

die kommenden Projekte. 

Das Interview führte Barbara Kern 

Erik Petersen während der Proben mit Oedo Kuipers, l. 


Erik Petersen 

Theater- und Regieerfahrungen sammelte der Magdeburger 

u. a. als Regieassistent und Abendspielleiter bei 

den Bad Hersfelder Festspielen und an der Oper Dortmund, 

wo er mit Regisseuren wie Matthias Davids, Stefan 

Huber, Jens-Daniel Herzog und Mariame Clément 

zusammengearbeitet hat. Eine enge Zusammenarbeit 

verbindet ihn mit Gil Mehmert, dem er bei »Coco Schumann« 

an den Hamburger Kammerspielen, bei »Sunset 

Boulevard« bei den Bad Hersfelder Festspielen und bei 

»Jesus Christ Superstar« an der Oper Bonn assistierte. 

Bei den Magdeburger Domfestspielen war er als Co-Regisseur 

für »Les Misérables« engagiert und bei den Bad 

Hersfelder Festspielen für »Cabaret«. 

Inzwischen arbeitet er als freier Regisseur in allen Bereichen 

des Musiktheaters (Musical, Oper und Operette). 

Zu seinen Musicalinszenierungen gehören »Evita« (Oldenburg 

und Darmstadt), »Crazy For You« (Magdeburg), 

»Der kleine Horrorladen« (Bonn), »Hair« (Domfestspiele 

Magdeburg), »My Fair Lady« (Theaterplatz Chemnitz), 

»Footloose« (Darmstadt) und »Jesus Christ Superstar« 

(Oldenburg). 


Film & Fernsehen 

Märchenhafte Musical-Komödie 

»Prinz Charming« kommt ins Kino 

Schneewittchen (Avril Lavigne), Aschenputtel (Ashley Tisdale) und Dornröschen (G.E.M) 

Foto: splendid film 

Jeder kennt die Märchen von Aschenputtel, Schneewittchen 

und Dornröschen. Vanguard Animation 

und John H. Williams (Produzent der »Shrek«-Reihe) 

erzählen in der animierten Musical-Komödie »Prinz 

Charming« nun die Geschichten der Prinzessinnen aus 

der Sicht des Prinzen. Untermalt wird das amüsante 

Ganze mit einem Score von Tom Howe und Rock-Pop- 

Songs der australischen Sängerin und Songwriterin Sia 

sowie von Patrick Stump. 

Als Baby wurde Prinz Charming von der bösen Nenemy 

verflucht: Jede Frau, die ihm in die Augen blickt, 

verliebt sich unsterblich in ihn! Im Laufe der Jahre sind 

dem Prinzen zahlreiche Frauen verfallen. Um den Fluch 

endlich zu brechen, stellt König Charming seinem Sohn 

ein Ultimatum: Findet er vor seinem 21. Geburtstag 

nicht die einzig wahre Liebe und hebt damit den Fluch 

auf, verliert er seinen Anspruch auf den Thron! Prinz 

Charming reagiert zunächst gelassen, da er bereits mit 

Aschenputtel, Dornröschen und Schneewittchen verlobt 

ist. Doch dann erkennt er, dass die drei Auserwählten 

vermutlich nur seinem Charme erlegen sind. Während 

die drei Prinzessinnen sich sicher sind, ihren ›Trophy 

Boy‹ gefunden zu haben, streift die selbstbewusste und 

schlagkräftige Lenore allein durchs Land. Als sie auf den 

Prinzen trifft, kann dessen Charme ihr nichts anhaben. 

Sie bleibt sich treu: ›Not Changin'‹ (interpretiert von 

Catherine »Cat« Missal). Lediglich an dem königlichen 

Vermögen interessiert, ersinnt sie einen Plan. Als der 

Prinz zu einer Reise der Selbstfindung und zur Bestätigung 

seiner Männlichkeit aufbricht, bietet sich Lenore 

in Verkleidung des freundlichen Lenny als Wegbegleiter 

an. Gemeinsam entdecken sie und der Prinz das Dorf 

der Riesinnen. Während einer fröhlichen Party zu den 

Klängen von ›Charmin Anthem‹ (Text und Gesang von 

Steve Aoki) lernen sie das Halb-Orakel namens Matilija 

kennen. Diese gibt ihnen einen Ratschlag: ›Balladino‹ 

(Text und Gesang von Sia). Da das Halb-Orakel jedoch 

auf einem Auge blind ist, stimmt nur die Hälfte ihrer 

Voraussagen. Und so stolpert das Duo von einem Abenteuer 

in das nächste. Doch erstaunlicherweise schlägt 

sich der Prinz während seines Kampfes mit einem steinernen 

Monster so gut, das Lenore einen Blick hinter 

seine strahlende Fassade erhascht. Je größer die Hürden 

werden, desto häufiger müssen sie und er als Team zusammenarbeiten. 

Als Lenore wieder als sie selbst auf den 

Prinzen trifft, ist plötzlich alles ›Magical‹, wie sie beide 

in dem Song von Sia (Furler) und Christopher Braide 

erkennen. Doch die böse Nenemy setzt alles daran, die 

Liebenden wieder zu trennen. Fast scheint ihr düsterer 

Plan aufzugehen, bis der Prinz sich freiwillig für sein 

Volk opfert und in der letzten Sekunde durch die wahre 

Liebe gerettet wird. 

Der Animationsfilm spielt mit den bekannten Märchenelementen, 

setzt diese neu und amüsant zusammen. 

Die Figuren präsentieren ihre Stimmen durch die 

schwungvollen Songs: Aus der Feder von Sia stammen 

die Songs ›Magical‹ und ›Balladino‹, die von Demi Lovato 

bzw. ihr selbst interpretiert werden. »Fall Out Boy«- 

Frontman Patrick Stump hat den Song ›Trophy Boy‹ beigesteuert, 

der von den drei Prinzessinnen – im Original 

interpretiert von Avril Lavigne, Ashley Tisdale und G.E.M. 

– gesungen wird. In der deutschen Fassung leiht der »musical.ly«-Star 

Selina Mour (›Hold Me‹) Schneewittchen 

die Stimme. Auch die im Hintergrund gespielten Songs 

›Avalanche‹ (Nick Jonas & Demi Lovato) und ›Somebody 

to You‹ (»The Vamps« & 

Demi Lovato) untermalen die 

Gefühlswelt der Figuren wirkungsvoll. 

Abgerundet wird 

der Film mit einem Abspann, 

der mit ›Charming‹ die Höhen 

und Tiefen der wahren Liebe 

zusammenfasst. 

Sandy Kolbuch 

Prinz Charming 

3QU Media & Vanguard Animation 

splendid film 

Deutscher Kinostart: 2. August 2018 


Regie & Drehbuch ......... Ross Venokur 

Filmschnitt ........................... Rob Neal 

Score ................................. Tom Howe 

Songs ..... Sia (Furler), Christopher Braide, 

Patrick Stump, Manny Streetz Guevara, 

David Kater, Nicolas Jerry Jonas, Jason 

Dean, Joe Kirkland, TJ Routon, Michel 

Heyaca, Carl Anthony Falk, Savan 

Kotecha, Kristian Lundin 

Musik. Leitung ........ Christophe Braide 

Orchestrierung ............... Tom Howe & 

David Krysal 

Chor........................ »The Bach Choir« 

Produktionsdesign ......... Michel Breton 

Lighting Supervision .... Matthew Clubb 

Visual Effects Supervision ............. Alex 

Parkinson 

Sounddesign ................ Olivier Calvert 

Dialogbuch & 

Dialogregie ............ Heiko Obermöller 

Synchronstudio ...... Splendid Synchron 

Soundtrack .... Harry Gregson-Williams 

Produzenten ......... John H. Williams & 

Patrick Worlock 

Lenore / Lenny .............. Demi Lovato / 

Mayke Dähn 

Prinz Charming .... Wilmer Valderrama / 

Christian Wunderlich 

Halb-Orakel ..... Sia / Daniela Bette-Koch 

Schneewittchen ............. Avril Lavigne / 

Selina Mour 

Aschenputtel ............... Ashley Tisdale / 

Fabienne Hesse 

Dornröschen .... G.E.M / Jana Julie Kilka 

Nemeny ...... Nia Vardalos / Ilya Welter 

Die gute Fee / 

Henker .... John Gleese / Gerd Kilbinger 

König Charming.......... Jim Cummings / 

Volker Wolf 

Abb. unten: 

Lenore (Demi Lovato) und Prinz Philippe 

Charming (Wilmer Valderrama) 

Foto: splendid film 

blickpunkt musical 04/18, Juli – September 2018 77


Neues aus den USA 

zusammengestellt von Richard C. Norton 

Tony Awards 

Die Broadway-Saison 2017/18 schließt mit der 

jährlichen Verleihung der Tony Awards, bei denen 

der Kritiker-Favorit »The Band's Visit« (vgl. 

blimu 06/17) 10 Preise abräumt: »Best Musical«, 

»Best Book of a Musical« (Itamar Moses), »Best 

Original Score« (David Yazbek), »Best Director 

of a Musical« (David Cromer), »Best Actor« und 

»Best Actress in a Musical« (Tony Shalhoub und 

Katrina Lenk), »Best Featured Actor in a Musical« 

(Ari'el Stachel) und »Best Lighting«, »Best 

Sound«, »Best Orchestrations in a Musical«. 

Als »Best Revival« wird »Once on This Island« 

(vg. blimu 01/18) ausgezeichnet, das »My Fair 

Lady« und »Carousel« hinter sich lässt. 

»Carousel« (diese Ausgabe) wird ausgezeichnet 

für »Best Choreography« (Justin Peck), »SpongeBob 

SquarePants« (vgl. blimu 01/18) für 

»Best Scenic Design« (David Zinn) und »My 

Fair Lady« (diese Ausgabe) für »Best Costume 

Design« (Catherine Zuber). 

Samantha Barks als 

»Pretty Woman« 

Foto: Andrew Eccles 

»The Band's Visit« am Broadway 2017 


Vorhang zu und Vorhang auf 

In Kürze schließen »Hello, Dolly!« (vgl. blimu 

04/17), wobei Bette Midler die letzten Wochen 

noch einmal die Titelrolle spielt, und 

»Escape to Margaritaville« (vgl. blimu 

03/18). 

Dafür starten drei neue Musicals im 

Sommer: 

»Head Over Heels« (Previews ab 23. Juni, 

Premiere am 26. Juli 2018 im Hudson Theatre) 

lebt von der Musik der Frauen-Rockband 

»The Go-Go's«. Die Schöpfer der 1980er Hits 

›We Got the Beat‹ und ›Our Lips Are Sealed‹ liefern 

die Partitur der berauschenden, turbulenten 

Komödie, die von Sir Philip Sidneys Prosa-Poem 

»Arcadia« aus dem 16. Jahrhundert inspiriert ist. 

»Head Over Heels« schreibt Geschichte durch die 

Besetzung von Peppermint, der Zweitplatzierten 

der 9. Staffel der Reality-Show »RuPaul's Drag 

Race« (eine US-amerikanische Reality-Show, die 

»Amerikas nächsten Drag-Superstar« sucht). Sie 

wird die erste Darstellerin sein, die sich öffentlich 

zum Leben als transsexuelle Frau bekennt und 

eine Hauptrolle am Broadway kreiert. 

»Gettin' the Band Back Together« (Previews 

ab 19. Juli, Premiere am 13. August 

2018 im Belasco Theatre) erzählt von dem 

40-jährigen Mitch Papadopoulos (gespielt 

von Mitchell Jarvis), der durch 

die Finanzkrise von jetzt auf gleich 

seinen Job an der Wall Street verliert 

und wieder bei seiner Mutter 

(Marilu Henner spielt Sharon Papadopoulos) 

einziehen muss. Als 

sein Highschool-Erzfeind sein 

Haus zwangsversteigern lässt, gewinnt Mitch 

seine früheren Bandkollegen dafür, sich wiederzuvereinigen, 

um ein letztes Mal das lokale 

Band-Battle zu bestreiten und sein Haus zurückzubekommen. 

John Rando (»Urinetown«) führt 

Regie bei dem Musical, das von Produzent Ken 

Davenport (»Once on This Island«-Revival) und 

den Entwicklern von »The Grundleshotz« auf die 

Beine gestellt wird. Mark Allen schrieb die Musik, 

mit Unterstützung von Sarah Saltzberg. 

»Pretty Woman: The Musical« (Previews 

ab 20. Juli, Premiere am 16. August 2018 im 

Nederlander Theatre) basiert auf der gleichnamigen 

romantischen Filmkomödie, in der Julia Roberts 

und Richard Gere die Hauptrollen spielten. 

Garry Marshall (Regisseur des Films) und Drehbuchautor 

J.F. Lawton schrieben gemeinsam das 

Buch, die Musik kommt von Grammy-Gewinner 

Bryan Adams sowie Jim Vallance. Der Tonynominierte 

und Oliver-Award-Gewinner Andy 

Karl (»Groundhog Day« und »Rocky«) wird den 

reichen Geschäftsmann Edward Lewis spielen, 

dessen Leben Samantha Barks als Vivian auf den 

Kopf stellt. Kit wird von Orfeh (Karls Frau im 

wahren Leben) gespielt und in weiteren Rollen 

sind Eric Anderson (Mr Thompson), Kingsley 

Leggs (James Morse) und Jason Danieley (Philip 

Stuckey) zu sehen. Jerry Mitchell (»Kinky Boots«) 

wird inszenieren und choreographieren. 

»King Kong« (Previews ab 5. Oktober, Premiere 

am 8. November im Broadway Theatre) 

wurde seit der Weltpremiere 2013 in Melbourne 

komplett überarbeitet. Es spielen Christiani Pitts 

(Ann Darrow) und Eric William Morris (Filmregisseur 

Carl Denham). Der sechs Meter große 

78 



Gorilla King Kong ist eine hochtechnisierte Animatronik-Figur, 

die von einer Gruppe von Puppenspielern 

und Luftakrobaten auf der Bühne 

zum Leben erweckt wird. Das Buch schrieb Jack 

Thorne (»Harry Potter and the Cursed Child«), 

die Musik Marius de Vries (»La La Land«, 

»Moulin Rouge«) und die Songs Eddie Perfect 

(»Beetlejuice«-Musical). 

»The Prom« (Previews ab 23. Oktober, Premiere 

am 15. November 2018 am Longacre Theatre) 

ist eine Original-Musical-Komödie von Bob 

Martin, Chad Beguelin sowie Matthew Sklar und 

erzählt die Geschichte einer Gruppe exzentrischer 

Fachleute vom Broadway, die in eine kleine Stadt 

in Indiana fahren, um einer Highschool-Schülerin 

zu helfen, die vom Abschlussball ausgeschlossen 

wurde, weil sie ihre Liebste mitbringen wollte. 

Der Cast besteht aus verschiedenen beliebten 

Musicaldarstellern: Beth Leavel, Christopher Sieber 

und Brooks Ashmanskas. Inszeniert und choreographiert 

ist es von Casey Nicholaw (»Mean 

Girls«, »The Book of Mormon«). 

»The Cher Show« (Previews ab 1. November, 

Premiere am 13. Dezember 2018 im Neil Simon 

Theatre) verbindet die Biographie mit den großen 

Hits von ›Gypsies, Tramps and Thieves‹ bis 

›If I Could Turn Back Time‹ und dem Duett mit 

Sonny Bono: ›I Got You Babe‹. Es benötigt drei 

Darstellerinnen, um einen Star wie Cher zu porträtieren. 

Tony-Award-Sieger Rick Elice (»Jersey 

Boys«) hat das Leben des Popstars in drei Bereiche 

geteilt: Babe, Star und Lady – dargestellt von 

Micaela Diamond, Teal Wicks und Stephanie J. 

Block. Jarrod Spector (»Beautiful«) spielt Sonny 

Bono. Der legendäre Kostümdesigner Bob Mackie, 

der in Zusammenarbeit mit Cher über die 

Jahre unzählige Looks der Pop-Ikone kreiert hat, 

ist ebenfalls Teil des Kreativteams. 

Das Gesicht von King Kong 

Foto: James Morgan 

Tryouts und im Kommen 

Um seine Anwartschaft auf den Broadway zu 

bekräftigen, gibt »Moulin Rouge!« im Bostoner 

historischen Emerson Colonial Theatre ein 

Sommer-Tryout. Aaron Tveit (»Catch Me If You 

Can«) und Karen Olivo (»In the Heights«) verkörpern 

die Hauptrollen unter Regie von Alex 

Timbers (»Rocky«). 

»Hadestown«, Anaïs Mitchells gepriesene 

Folk Opera, die 2016 im New York Theatre 

Workshop ihr Debüt gegeben hat, plant nach einer 

Vorstellungsserie im Londoner National Theatre 

den Transfer an den Broadway. Regisseur Rachel 

Chavkin (»Natasha, Pierre & Great Comet 

of 1812«) inszeniert die Show, die dem Mythos 

von Orpheus folgt, der verlangt, den Hades betreten 

zu dürfen, um seine wahre Liebe Eurydike 

wiederzugewinnen. Musikalisch ist das Stück von 

den Traditionen klassischer amerikanischer Folkmusik 

und hervorragendem New Orleans Jazz inspiriert. 

Die leitenden Produzenten Mara Isaacs, 

Dale Franzen, Hunter Arnold und Tom Kirdahy 

planen, das Musical 2019 an den Broadway zu 

bringen. 

der in Person der weiblichen Dorothy Michaels 

ein Engagement erhält. David Yazbek komponierte 

die Musik, das Buch schrieb Robert Horn und 

Regie führt Scott Ellis. 

»Dave« basiert auf der Oscar-nominierten 

Filmkomödie mit Kevin Kline und ist vom 13. 

Juli bis 19. August 2018 im Arena Stage's Kreeger 

Theater in Washington, D.C. zu sehen. Drew 

Gehling (»Waitress«) verkörpert sowohl den Präsidenten 

Bill Mitchell als auch die Titelrolle. Das 

Buch für das neue Musical schrieben der dreifache 

Tony-Gewinner Thomas Meehan (»Annie«, 

»Hairspray«, »The Producers«) und Nell Benjamin 

(»Mean Girls«, »Legally Blonde«), welche auch die 

Liedtexte verfasste. Die Musik komponierte der 

Pulitzer Preis- und zweifache Tony-Gewinner Tom 

Kitt (»next to normal«, »If/Then«). Regie führt 

Tina Landau (»SpongeBob SquarePants«). 

»Tootsie: The Musical« ist eine Adaption des 

Dustin-Hoffman-Films. Das Musical wird am 

11. September Weltpremiere am Chicagoer Cadillac 

Palace Theatre feiern, mit Option auf den 

Broadway im Frühjahr 2019. Santino Fontana 

(»Hello, Dolly!«, »Cinderella«) wird die Hauptrolle 

des kämpferischen Michael Dorsey spielen, 

Dan Dwyer 

dt. von Leonie Löffler & 

Beate Luszeit 


79


Eine Schande für die »Discoqueen« 

»Summer: The Donna Summer Musical« am Broadway 

Summer: 

Das Donna Summer Musical 

Diverse Komponisten / Donna Summer / 

Colman Domingo / Robert Cary / 

Des McAnuff 

La Jolla Playhouse 

Tommy Mottola, »The Dodgers«, 

Lauren Mitchell 

Lunt-Fontanne Theatre New York 

Broadway-Premiere: 23. April 2018 

Direction ....................... Des McAnuff 

Music Direction ....... Victoria Theodore 

Music Supervision & 

Arrangements .................. Ron Melrose 

Orchestrations .................. Bill Brendle 

Choreography ............... Sergio Trujillo 

Fight Direction ................ Steve Rankin 

Scenic Design ................... Robert Brill 

Costume Design ............. Paul Tazewell 

Wig Design .......... Charles G. LaPointe 

Lighting Design ........... Howell Binkley 

Projection Design .... Sean Nieuwenhuis 

Sound Design ............... Gareth Owen 

Diva Donna / Mary Gaines .... LaChanze 

Disco Donna ............... Ariana DeBose 

Duckling Donna / Mimi .... Storm Lever 

Neil Bogart / Gunther ...... Aaron Krohn 

Andrew Gaines ............ Ken Robinson 

Bruce Sudano .................... Jared Zirilli 

David Geffen .............. Mackenzie Bell 

Giorgio Moroder ......... Kaleigh Cronin 

Bob .............................. Rebecca Riker 

Joyce Bogart ..................... Jessica Rush 

Adult Mary Ellen ............... Anissa Felix 

Young Mary Ellen / 

Brooklyn ............... Wonu Ogunfowora 

Adult Dara .... Christina Acosta Robinson 

Young Dara / 

Amanda ................. Kimberley Dodson 

Brian / Helmuth Sommer / 

Fight Captain ..... Drew Wildman Foster 

Michael / Maid / ›To Turn the Stone‹ 

Solo ................................... Afra Hines 

Norman Brokaw / 

Dance Captain .............. Jenny Laroche 

Pete Bellote / 

Don Engel .................. Kaye Tuckerman 

Pastor ......................... Harris M. Turner 


Angelica Beliard, Aurelia Michael, 

Jody Reynard, Kim Steele 

Die drei Donnas im Finale mit Ensemble 


Trotz seines enormen Potentials ist »Summer: The 

Donna Summer Musical« nicht nur eine Schande 

für das Genre des Jukebox-Musicals, sondern es rückt 

auch das Leben der »Discoqueen« in ein ausgesprochen 

fades Licht. Zu groß ist die Bedeutung dieser Frau für 

die amerikanische Popkultur, als dass die Show ihr gerecht 

werden könnte. Das Trio höchst talentierter Darstellerinnen, 

die mit beeindruckender Stimmgewalt und 

Autorität Summer zu den verschiedenen Zeitpunkten 

ihres Lebens verkörpern, kann nicht das trostlose Buch 

kompensieren, welches in Kooperation von Colman 

Domingo, Robert Cary und Des McAnuff entstand. 

Letzterer führt außerdem Regie. Es ist schade und zugleich 

Ironie vom Feinsten, dass gerade McAnuff auch 

bei der Tony- und Olivier-ausgezeichneten Show »Jersey 

Boys« Regie führte – der Show, welche sich als Jukebox- 

Musical einen Namen im Bereich des »seriösen« Musicaltheaters 

machte. 

Diva Donna (LaChanze), die älteste der drei Donnas, 

erzählt mehr oder weniger chronologisch, jedoch 

mit einigen Zeitsprüngen ihre eigene Geschichte. Geboren 

als LaDonna Adrian Gaines, wächst sie in einem 

afrikanischen, streng adventistisch-episkopalen Haushalt 

auf, der vom autoritären und lieblosen Vater dominiert 

wird. Beste Voraussetzungen für ein Leben voller 

Schwierigkeiten. Inspiriert durch ihr Debüt als Solistin 

im Kirchenchor, von dessen Leiter sie missbraucht wird, 

entflieht LaDonna der High School, um in Manhattan 

bei einer Audition vorzusingen. Dort wird sie für eine 

deutsche Produktion von »Hair« engagiert. Das Leben 

in München bringt einen deutschen Ehemann, den 

Nachnamen Sommer (ein Schreibfehler auf ihrem ersten 

Album machte daraus »Summer«, wobei sie dann 

blieb), und – bis zu ihrer Aufnahme von ›Love to Love 

You Baby‹ für den italienischen Produzenten Giorgio 

Moroder (Kaleigh Cronin) – lediglich moderaten Erfolg 

mit sich. Amerikanische Unterstützer bringen die Aufnahme 

mit der Schwulen-Disko-Szene in Verbindung, 

welche in den Großstädten boomt. Summer protestiert 

schwach, dass sie nicht als Discoqueen abgetan werden 

möchte, aber der Erfolg holt sie ein – der Rest ist Geschichte. 

Weiteres Thema in »Summer« ist die Ausnutzung 

von Donna durch die Plattenindustrie und nicht 

zuletzt durch Männer im Allgemeinen – bis sie ihren 

zweiten und letzten Ehemann Bruce Sudano (Jared Zirilli) 

kennenlernt, sich mit ihm niederlässt, Zeit in ihre 

Familie investiert und die positiven Wurzeln des Christentums 

für sich entdeckt. Letzten Endes erliegt sie 

einem Krebsleiden. Ihr größtes Vermächtnis sind ihre 

ihr treu ergebenen Töchter: Summers öffentliche Rolle 

als Diva tritt angesichts ihrer Mutterschaft in den Hintergrund. 

Was ihre Existenz als »Schwulenikone« (im 

Original: gay diva) angeht, bringt diese Show Licht ins 

Dunkel: Die homosexuelle Kultur, in der Summer aufblühte, 

ist – frei nach Lord Alfred Douglas, welcher dies 

über seine Gefühle für Oscar Wilde schrieb – ein Phänomen, 

das nicht wagt, beim Namen genannt zu werden 

(Originalzitat: »The love that dare not speak its name«). 

Mit raffiniertem, dramaturgischem Geschick hat 

McAnuff 23 Musikstücke in das Buch integriert, welche 

original von Donna Summer aufgenommen und in 

vielen Fällen auch von ihr mitgeschrieben wurden. Bei 

den meisten handelt es sich um ihre sofort erkennbaren 

Paradehits, wobei aber der Eindruck entsteht, dass diese 

nichts mit der explodierenden Schwulenkultur zu tun 

haben, aus welcher sie hervorgegangen sind. Falls es je 

80 



ein Musical gab, das geradezu nach einem männlichen – 

wenn nicht sogar schwulen (als Homosexueller darf ich 

das sagen) – Ensemble schreit, dann ist es »Summer«. 

Das Tanzensemble ist aber ausnahmslos weiblich. 

Thema des Stückes hätte sein sollen, wie Summers 

Discomusik der Schwulenkultur den Aufschwung zum 

Mainstream ermöglicht hat – genauso wie »Dreamgirls« 

thematisiert, wie die Symbiose aus Diana Ross und »The 

Supremes« der Black Music half, als Mainstream-Pop 

anerkannt zu werden. Stattdessen kreierten McAnuff 

und Co. eine Parabel auf die Befreiung der Frauen sowie 

die spirituelle Loslösung von Objektivierung und 

Kommerzialisierung. Wie konnte ein nettes, christliches 

Mädchen aus Boston (keines der »Bad Girls«, von welchen 

sie singt) unfreiwillig zur Ikone der internationalen 

Schwulenszene werden? Hatte denn keiner, der an dieser 

Produktion beteiligt war, auch nur IRGENDEINEN 

Sinn für Humor? 

Die Show buhlt von Beginn an mit ›I Feel Love‹ und 

Summers erstem Erfolgshit ›Love to Love You Baby‹ um 

unsere Aufmerksamkeit. Regie und Orchestrierung erwecken 

auf clevere Art und Weise und mit notwendiger 

Übersteuerung (es ist schließlich Disco!) Erinnerungen 

an den Sound von Summers Musik, so wie man sie zum 

allerersten Mal aus dem Walkman, in der Disco oder 

im Radio gehört hat: eine euphorisch synthetische, packende 

Mischung aus ohrenbetäubendem Schlagzeug, 

begnadeten Streichern, pointiert eingesetzten Bläsern 

und primitiver Elektronik. Summers kehlige Altstimme 

passt perfekt dazu: teils süß, teils zornig und gleichzeitig 

sowohl loyal gegenüber dem Kirchenchor als auch rebellisch 

– wie alle großartigen afroamerikanischen Diven 

der Popmusik. 

Tatsächlich sind die Stimmen der drei Donnas – 

Storm Lever (Duckling/Küken Donna), Ariana DeBose 

(Disco Donna) und LaChanze (Diva Donna) – die 

Stars der Show. Die junge Broadway-Newcomerin Lever 

verdient für ›On My Honor‹ jeden Respekt – eine 

gefühlvolle Ballade, in der es darum geht, wie einem 

braven Mädchen Leid angetan wird. DeBose (die ihre 

Beine sehr hoch bekommt, wenn sie sich in das Tanzensemble 

eingliedert) gibt gegen Mitte der Show bei 

›She Works Hard for the Money‹ Vollgas. Jede Diva hat 

ihren großen Auftritt, bei dem sie einen unglaublichen 

Stimmumfang unter Beweis stellen kann. Dies gilt vor 

allem für DeBose und LaChanze mit dem ergreifenden 

Gospelstück ›I Believe in Jesus‹. LaChanze (Tony 

Award für »The Color Purple« 2006) übertrifft sich mit 

›Unconditional Love‹ nochmal selbst, wenn die private 

Donna im fortgeschrittenen Alter mit ihrer eigenen Familiengeschichte 

abschließt und sich um ihre Töchter 

kümmert. LaChanze brilliert zudem in ihrem Schauspiel 

bei der eigennützigen Entschuldigung Summers 

für ihre verunglimpfenden und homophoben Kommentare 

über Schwule und AIDS: irgendwie gelingt es La- 

Chanze, Summer dennoch als sympathischen Charakter 

darzustellen. 

Die Choreographien von Sergio Trujillo (ebenfalls 

»Jersey Boys«) enthalten ab und zu ein paar zeitgemäße 

Discomoves, gleiten aber doch größtenteils 

in 08/15-Broadway-Popdance ab, der an modernes 

Kreuzfahrtentertainment erinnert. Das Bühnenbild 

besteht aus einem offenen, kühlen und sterilen weißen 

Hintergrund, auf welchem Projektionen einzelne Kulissenelemente 

ergänzen. In diesen Projektionen ist soviel 

Storm Lever als Duckling Donna 

Ariana DeBose als Disco Donna 

Fotos (3): Matthew Murphy 

Bewegung enthalten, wie es Songs im gesamten Stück 

gibt. Zum Ende der eindreiviertel Stunden andauernden, 

pausenlosen Show kommt der Doppelschlag von 

Summers zwei größten Discohits zum Finale und zum 

Schlussapplaus: ›Hot Stuff‹ und (Überraschung!) ›Last 

Dance‹. Schließlich werden Discokugeln herabgelassen, 

es kommt zur emotionalen Wiedervereinigung der drei 

Donnas und das Publikum ist – genau wie beim Finale 

von »Mamma Mia!« – auf den Füßen. Es gibt ein, zwei 

lustige Momente im Stück, aber von Nervenkitzel ist 

keine Spur. In der Disco wird es leise. Und die Musik 

geht aus. 

LaChanze als Diva Donna 

Dan Dwyer 

dt. von Veronika Arenz & 

Beate Luszeit 


81


Mehr Show, weniger Shaw 

»My Fair Lady« Revival am Broadway 

›The Rain in Spain‹ – Henry Higgins (Harry Hadden-Paton), Eliza (Lauren Ambrose) und Colonel Pickering (Allan Corduner) 

Foto: Joan Marcus 

My Fair Lady 


Lincoln Center Theater New York 

The Vivian Beaumont Theater 

Premiere: 19. April 2018 

Direction ......................... Bartlett Sher 

Music Direction ............... Ted Sperling 

Musical Arrangements .... Robert Russell 

Bennett & Philip J. Lang 

Dance Arrangements ....Trude Rittmann 

Choreography ...... Christopher Gattelli 

Set Design ................. Michael Yeargan 

Costume Design ........ Catherine Zuber 

Hair & Wig Design ........... Tom Watson 

Lighting Design ........... Donald Holder 

Sound Design ............... Marc Salzberg 

Eliza Doolittle ........... Lauren Ambrose 

Henry Higgins ..... Harry Hadden-Paton 

Alfred P. Doolittle ..... Norbert Leo Butz 

Mrs Higgins ...................... Diana Rigg 

Colonel Pickering ........ Allan Corduner 

Freddy Eynsford-Hill .... Jordan Donica 

Mrs Pearce ................ Linda Mugleston 

Zoltan Karpathy ............ Clarke Thorell 


Cameron Adams, Shereen Ahmed, 

Kerstin Anderson, Heather Botts, 

Rebecca Eichenberger, SuEllen Estey, 

Christopher Faison, Steven Trumon 

Gray, Adam Grupper, Michael Halling, 

Joe Hart, Todd A. Horman, Sasha 

Hutchings, Kate Marilley, Liz 

McCartney, Justin Lee Miller, Rommel 

Pierre O'Choa, Keven Quillon, JoAnna 

Rhinehart, Tony Roach, Lance Roberts, 

Blair Ross, Christine Cornish Smith, 

Paul Slade Smith, Samantha Sturm, 

Matt Wall, Michael Williams, Minami 

Yusui, Lee Zarrett 

In einem überdimensionierten Revival von »My Fair 

Lady« am Vivian Beaumont Theater im New Yorker 

Lincoln Center wird Shaw von viel Show verdrängt. 

Doch trotz allem behalten Frederick Loewes wunderbare 

Musik und Alan Jay Lerners alterslose Texte die 

Oberhand in diesem heiß geliebten, auf George Bernard 

Shaws Theaterstück »Pygmalion« basierenden Musical 

über das gewöhnliche, Cockney-Slang sprechende Blumenmädchen 

aus Londons Arbeiterviertel East End, 

Eliza Doolittle, und den elitären Phonetik-Professor 

Henry Higgins. Einmal mehr versucht der Regisseur 

Bartlett Sher, im Lincoln Center eine sowohl bombastische 

Inszenierung als auch völlig neuartige, einfühlsame 

Version dieses Musical-Klassikers zu kreieren. Dieser 

Ansatz funktionierte großartig bei »South Pacific« 

(2008), jedoch weniger erfolgreich bei »The King and I« 

(2015). »My Fair Lady« landet mit einigem Abstand auf 

dem dritten Platz. 

Shers bisherige Musical-Revivals am Vivian Beaumont 

Theater spielten an weitläufigen Pazifikstränden 

oder in großartigen asiatischen Palästen und passten damit 

auf diese Bühne, die Größte am Broadway (in ganz 

Manhattan sind nur die Bühnen der Radio City Music 

Hall und der Metropolitan Opera noch größer). Aber 

mal abgesehen von den berühmten Ensemble-Szenen in 

»My Fair Lady« – Covent Garden, das Rennen in Ascot, 

Elizas Ball-Debüt – spielt die Geschichte überwiegend 

in privaten Räumen, vor allem in Higgins' Bibliothek. 

Dafür konstruierte der Bühnenbildner Michael Yeargan 

eine riesige, zweistöckige Bibliothek auf einer beweglichen 

Bühne, die mehrfach von hinten nach vorne und 

wieder zurück gezogen wird. Das Hin und Her dieses 

Giganten ist ablenkend und seine Ausmaße unpassend 

für den intimen Machtkampf, der sich nach und nach 

zwischen Eliza und Higgins entwickelt. Das soll nicht 

heißen, dass »My Fair Lady« ein Kammermusical wäre, 

aber es ist eher eine Erzählung, die sich in »Kammern« 

abspielt. Am Vivian Beaumont Theater schwebt vieles 

davon im freien Raum. 

Die dekorativen Elemente in Higgins' Wirkungsstätte 

sind eigentümlich. Die Bibliothek wird an einem 

Ende dominiert durch ein riesiges, über zwei Etagen 

reichendes Fenster im Stil des Palladianismus (klassizistisch 

geprägter Baustil, Anm. d. Red.), das eher in eine 

heutige, neureiche Vorort-Siedlung passen würde als in 

einen ordentlichen viktorianischen Haushalt. Eine weitere 

Skurrilität ist, dass die Wände der Bibliothek mit 

abstrakter Malerei geschmückt sind, ausgerechnet auch 

noch im Stil des abstrakten Expressionismus aus der 

Mitte des Jahrhunderts – vielleicht als Hinweis gedacht, 

dass Higgins ein »moderner Mann« sein soll, ganz nach 

Shaws Vorbild. 

Aber in Shers Inszenierung ist Henry Higgins nicht 

sonderlich kompliziert. Jonathan Pryce dagegen spielte 

Higgins in der West End-Produktion von 2002 als 

Freud'schen Neurotiker. Shaws Higgins kann ausgesprochen 

gemein, sexistisch und grob sein. Hier hingegen, 

gespielt vom freundlichen, jungenhaften und gutaussehenden 

West-End-Liebling Harry Hadden-Paton 

(»Downton Abbey«), ist Higgins teils Muttersöhnchen, 

teils Peter Pan mit »Ich will nicht erwachsen werden«- 

Einstellung. Diesem Higgins mangelt es an Biss: Als sein 

Bühnenpartner, Colonel Pickering, sich fragt, was wohl 

aus Eliza werden soll, falls Higgins' Umerziehungsversuche 

scheitern, klingt dessen scharfe Erwiderung, er würde 

sie wieder »in die Gosse« zurückwerfen, bei Hadden- 

82 



Paton wie eine unwichtige Nebenbemerkung. 

Lauren Ambrose ist ausgezeichnet als Eliza. Ihre Gesangsstimme 

ist zwar für das Vivian Beaumont Theater 

recht klein, aber doch wandlungsfähig und gut in 

der Lage, die Veränderungen in Elizas Ausdrucksweise 

und Emotionen zu transportieren: von einem wehmütignaiven, 

in Cockney-Slang gesungenen ›Wouldn't It Be 

Loverly?‹ in der Eröffnungsszene am Covent Garden 

bis hin zum wütend-hochkultivierten ›Without You‹ 

in Queen's English kurz vor Ende des Musicals. In den 

Dialogen klingt ihr Cockney-Akzent absolut fehlerfrei, 

doch leider sind einige ihrer Textzeilen unverständlich 

und ihr fehlt das passende Timing bei Elizas berühmtem 

Ausruf: »Move your bloomin' arse / Lauf schneller, oder 

ich streu dir Pfeffer in den Arsch!« beim Ascot-Rennen. 

Norbert Leo Butz als Elizas Vater Alfred P. Doolittle 

trägt bei ›A Little Bit of Luck‹ zu dick auf, stiehlt dann 

aber den anderen die Show mit dem Showstopper ›Get 

Me to the Church on Time‹ im 2. Akt. Die Tanzszenen 

sind eigentlich durchweg sehr schön – so auch in 

›The Rain in Spain‹ mit Eliza, Higgins und Pickering 

– in der Szene ›Get Me to the Church on Time‹ aber 

zieht Choreograph Gatelli sämtliche Register mit einem 

mitreißenden, herrlichen, aber auch schlüpfrigen 

Ensemble aus Doolittles Saufkumpanen, Flittchen und 

Dragqueens. In Gatellis Ensemble-Choreographie, während 

›Church‹ immer intensiver und lauter wird – fast 

drei Dutzend Darsteller schließen sich zu einer einzigen 

Tanzreihe zusammen, allen voran Butz, von der Mitte 

der Bühne rechts diagonal bis vorne links –, erreicht 

»My Fair Lady« für einen euphorischen, berauschenden 

Moment die mitreißende Magie, die das Musiktheater 

ausmacht. 

Zu den anderen Nebenrollen: Alan Corduner spielt 

Colonel Pickering ziemlich unauffällig, es fehlt Pickerings 

Zuneigung der verwandten Seele für Eliza. Altstar 

Diana Rigg spielt Higgins' Mutter so ziemlich als Diana 

Rigg. Jordan Donica als Freddy, der Aristokrat, der Eliza 

einen Heiratsantrag macht, bringt das berühmte ›On 

the Street Where You Live‹ mit seinem gefälligen Tenor. 

Catherine Zubers Kostüme zeigen viele Details, speziell 

die schrecklich vornehme Garderobe in der Ascot- 

Szene, wobei diese Kostüme, ganz nebenbei gesagt, 

erstaunliche Ähnlichkeit mit Cecil Beatons unglaublichem 

Kostümbild für die Filmversion von 1963 zeigen. 

Für Elizas gesellschaftliches Debüt beim Ball in der Botschaft 

kleidet sie Ambrose ganz gewagt in ein hautfarbenes 

Abendkleid im Art Deco-Stil. 

Neben ›Get Me … on Time‹ ist die andere spektakuläre 

Nummer ›The Embassy Waltz‹ als Eröffnung des 

2. Aktes, wenn das gesamte Orchester auf der Bühne 

spielt. Dickes Lob an den Sound Designer, Marc Salzberg, 

der ein separates Soundsystem dafür einplante, 

außerhalb des Orchestergrabens. Doch Yeargans Bühnenkonstruktion 

ist zum Kopfschütteln. Obwohl die 

Handlung 1913 spielt, steht das Orchester in drei Reihen 

auf der linken Bühnenseite, mit einem stabil wirkenden 

Notenständer vor jedem Musiker, was eher wie 

eine Nachtclub-Tanzband aus einem Astaire-Rogers- 

Film der 1930er wirkt, nicht wie ein Orchester in einem 

Ballsaal der viktorianischen Zeit. 

Alles in allem gelingt es der »My Fair Lady« im Lincoln 

Center immer wieder, zu beeindrucken, wenn auch 

die einzelnen Szenen nicht zusammen zu passen scheinen. 

Unter der musikalischen Leitung von Ted Sperling 

müssen Loewes Melodien einfach die Erwartungen er- 

Abb. oben: 

›On the Street Where You Live‹ – Freddy 

Eynsford-Hill (Jordan Donica) 


1. ›Get Me to the Church on Time‹ – 

Alfred P. Doolittle (Norbert Lee Butz) und 

Ensemble 

2. Eliza (Lauren Ambrose, vorne mit 

Ensemble) beim Pferderennen in Ascot 

3. Eliza (Lauren Ambrose) als einfaches 

Blumenmädchen 

4. Henry Higgins (Harry Hadden-Paton) 

amüsiert sich über Eliza (Lauren Ambrose), 

die sich von ihm schlecht behandelt 

fühlt 

Fotos (5): Joan Marcus 


83



1. Alfred P. Doolittle (Norbert Lee Butz) 

erscheint bei Higgins, um Geld zu 

schnorren 

2. Henry Higgins (Harry Hadden-Paton) 

vermisst Eliza 

3. Eliza (Lauren Ambrose) hat sich nach 

der Demütigung durch Henry zu Mrs 

Higgins (Diana Rigg) geflüchtet 

Fotos (3): Joan Marcus 

füllen: Sie erwecken süße Erinnerungen an eine Langspielplatte 

mit der Originalbesetzung, die in vielen 

amerikanischen Haushalten in den späten 1950ern und 

1960ern immer wieder auf der Stereoanlage gespielt 

wurde. 

Aber im Grunde schafft es diese »My Fair Lady«- 

Inszenierung nicht, Mitgefühl für Higgins oder Eliza 

zu erwecken. Dies ist DAS Möchtegern-Liebespaar des 

Musiktheaters, ein merkwürdiges Pärchen, zwei Exzentriker 

von verschiedenen Enden des sozialen Spektrums, 

denen es vielleicht vom Schicksal bestimmt ist, einen 

ewigen Geschlechterkrieg zu führen, aber hier gibt es 

nicht viel authentisches Konfliktpotential, das den Zuschauer 

bewegen könnte. In der berühmten Schluss- 

Szene, wenn Higgins Eliza fragt: »Where the devil are 

my slippers / Wo zum Teufel sind meine Hausschuhe?«, 

reißt Shers Eliza eine Seite aus dem Textbuch zu Ibsens 

»Nora«. Diese Eliza hat sich zu einer Person mit großer 

emotionaler Raffinesse entwickelt, was jedoch dieser 

Higgins nicht bemerkt hat: Eliza ist mehr eine Frau als 

Higgins ein Mann. Shers »My Fair Lady« macht einen 

großen, modernen Schritt vorwärts und verkehrt Higgins' 

Worte »Why can't a woman be more like a man / 

Warum kann eine Frau nicht sein wie ein Mann?« in ihr 

Gegenteil, wodurch er den Klassiker überraschend mit 

einem Ansatz heutiger Werte überlagert. 

Das ist alles schön und gut, doch das leidenschaftliche 

Anschwellen der letzten Takte von ›I Could Have 

Danced All Night‹ zum Schlussapplaus scheint nicht so 

ganz dazu zu passen. Es ist bittersüß, sicherlich, aber 

Shaws Doppelsinnigkeit ist doch romantischer. 

Dan Dwyer 

dt. von Beate Luszeit 

84 


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Insgesamt wenig erinnerungswürdig 

Revival von »Carousel« am Imperial Theatre New York 

Carousel 

Richard Rodgers / Oscar Hammerstein II. 

Imperial Theatre New York 

Premiere: 12. April 2018 

Direction ........................ Jack O'Brien 

Music Direction & 

Supervision .................... Andy Einhorn 

Orchestration ............. Jonathan Tunick 

Dance Arrangements ....... David Chase 

Choreography .................... Justin Peck 

Fight Direction ................ Steve Rankin 

Scenic Design ............. Santo Loquasto 

Costume Design ................... Ann Roth 

Hair, Wigs & 

Makeup Design ......... Campbell Young 

Associates 

Lighting Design ......... Brian MacDevitt 

Sound Design .................. Scott Lehrer 

Billy Bigelow ..................... Joshua Henry 

Julie Jordan ........................ Jessie Mueller 

Nettie Fowler .................. Renée Fleming 

Carrie Pipperidge ......... Lindsay Mendez 

Enoch Snow ................ Corey John Snide 

(in bes. Vorst.) / Alexander Gemignani 

Mrs Mullin ...................... Margaret Colin 

The Starkeeper ... John Douglas Thompson 

Jigger Craigin ................... Amar Ramasar 

Louise ............................. Brittany Pollack 

1st Policeman ............... Antoine L. Smith 

Policeman / 

Heavenly Friend .......... Nicholas Belton / 

Ahmad Simmons 

Fairground Boy ................ Andrei Chagas 

Enoch Snow Jr. ................... Garett Hawe 

School Principal ........... Rosena M. Hill 

Jackson 


Colin Anderson, Yesenia Ayala, Colin 

Bradbury, Leigh-Ann Esty, Laura Feig, 

David Michael Garry, Amy Justman, 

Jess LeProtto, Skye Mattox, Kelly Mc- 

Cormick, Anna Noble, Adriana Pierce, 

Rebecca Pitcher, David Prottas, Amy 

Ruggiero, Craig Salstein, Corey John 

Snide (Dance Captain), Erica Spyres, 

Ryan Steele, Sam Strasfeld (Fight 

Captain), Halli Toland, Ricky Ubeda, 

Scarlett Walker, Jacob Keith Watson, 

William Youmans 

›If I Loved You‹ – Julie (Jessie Mueller) und Billy (Joshua Henry) 

Foto: Julieta Cervantes 

Trotz einer glorreichen Partitur und einer hervorragend, 

fast schon bahnbrechend gesungenen Performance 

in der männlichen Hauptrolle ist diese neueste 

Wiederaufnahme von »Carousel« leider nicht sonderlich 

erinnerungswürdig. Dennoch entpuppt sich die Liebestragödie 

des rastlosen Marktschreiers »Bad Boy« Billy 

Bigelow (Joshua Henry, zuletzt in »Violet« und »The 

Scottsboro Boys«) und der einzelgängerischen Fabrikarbeiterin 

Julie Jordon (Jessie Mueller, Tony für »Beautiful«) 

als allseits beliebte, lebensbejahende Geschichte 

von Schuld, Erlösung und der grundlegenden menschlichen 

Güte vor der Kulisse der Küste von Maine um die 

Wende zum 20. Jahrhundert. 

Als Nachfolger des Riesenerfolges »Oklahoma!« von 

Rodgers und Hammerstein II. feierte »Carousel« 1945 

seine Uraufführung. Das Musical basiert auf dem deutschen 

Theaterstück »Lilliom«, welches in den Vereinigten 

Staaten 1921 zum ersten Mal auf Englisch zu sehen war. 

Billy ist nicht wirklich für das Familienleben gemacht, 

aber als Julie ihm offenbart, dass sie sein Kind 

erwartet, entscheidet er sich, sein Leben auf Vordermann 

zu bringen, damit sein ungeborener Sohn »Billy 

Junior« nicht als solch ein »Taugenichts« wie er selbst 

endet. Nachdem sein finsterer Verbrecherkumpan Jigger 

ihn doch wieder auf einen zwielichtigen Pfad führt, geht 

ein Überfall auf Kosten Billys fürchterlich schief, und er 

hinterlässt die schwangere Julie als Witwe. 

Nach Jahren im Jenseits darf Billy, begleitet von The 

Starkeeper (»Sternenhüter«), zurück auf die Erde – nicht 

um sein Schicksal zu ändern, sondern vielmehr um seine 

Tochter (kein Sohn!) zu besuchen, sie auf die richtige 

Bahn zu bringen und somit seinen eigenen Frieden zu 

finden. 

Das Buch, geschrieben von Oscar Hammerstein II., 

leidet unter dem Wandel der Zeit, als Julie offenbart, 

dass sie von Billy geschlagen wird. Im Licht der hochaktuellen 

»#MeToo-Bewegung« hinterlassen die Reaktionen 

der beiden – ihre Vergebung und seine Verteidigung: 

»ich habe sie nicht misshandelt, ich habe sie nur 

einmal geschlagen« – sowohl einen schalen Geschmack 

als auch die Erinnerung, dass sich vieles verändert, aber 

eben auch vieles einfach nicht. 

Die ersten zwanzig Minuten, von dem sofort verzaubernden 

›Carousel Waltz‹ über das fesselnde Duett 

›If I Loved You‹, enthalten so ziemlich die am besten 

musikalisch unterlegten Szenen in der anerkannten 

amerikanischen Musical Szene und gehören zu den 

Höhepunkten dieser Wiederaufnahme. Die Vorstellung 

der Charaktere Billy und Julie sowie ihres unerwarteten 

Zueinanderfindens fühlen sich harmonisch an – schön 

im Kontrast zu Julies bester Freundin Carrie und deren 

konservativen Erwartungen an ihren Mr Snow. Allerdings 

hält dieser gute Eindruck nicht lange an. Die 

Besetzung ruiniert den Zauber: Während Joshua Henry, 

der erste Afroamerikaner, der die Rolle des Bigelow 

bekleidet, die Rolle noch mit seiner körperlichen und 

stimmlichen Stärke erfüllt, vermisst man bei Jessie Mueller 

jegliche Sinnlichkeit Julies, obgleich sie eine herausragende 

stimmliche Leistung erbringt. Das Paar ist alles, 

außer leidenschaftlich oder gar sexy. 

Das Ergebnis des Castings für die Nebenrollen ist 

auch sehr durchwachsen. Lindsay Mendez bringt Carrie 

mit viel »Giggelei« und warmherzigem Humor zum 

Sprühen: Ihr Solo ›Mr Snow‹ ist allerliebst und der Erinnerung 

würdig. Margaret Colin lässt mit ihrer derben 

Energie keinen Zweifel daran, dass Billy das Bett der 

86 



Karussell-Besitzerin Mrs Mullin nicht hat kalt werden 

lassen, sobald die Lichter auf dem Karnevalsplatz erloschen 

waren. Der Rolle von The Starkeeper verleiht 

John Douglas Thompson mit seinem kraftvollen Auftreten 

die gebührende Würde. 

Unglücklicherweise verwandelt die Sopranistin und 

Opernsängerin Renée Fleming in der Rolle der Nettie 

die Hymne ›You'll Never Walk Alone‹ mit ihrer hölzernen 

Darstellung in eine Art Jeanette MacDonald-Solo im 

Stil der MGM-Operetten der frühen 1930er, anstatt die 

ältere und weisere Cousine Julies, wie wahrscheinlich mit 

dieser Besetzung gewollt, im Opernglanz erstrahlen zu 

lassen. Zudem hat dieser Klassiker es nicht nötig, wie eine 

Arie geschmettert zu werden, um die Taschentücher zum 

Vorschein zu bringen. Flemings Steifheit sticht vor allem 

aus dem mitreißenden Ensemble in der Eröffnungsnummer 

des zweiten Aktes, ›A Real Nice Clambake‹, hervor. 

Ganz annehmbar performt sie dafür im Duett mit Mueller 

den Titel ›What's the Use of Wonderin'?‹. 

Das Ballett, welches seit der Urproduktion des Stückes 

mit Agnes de Milles Choreographie grundlegender 

Bestandteil des Stückes ist, bekommt hier einen neuen 

Anstrich mit Tänzen von Justin Peck, Hauschoreograph 

des New York City Ballets. Das Ergebnis ist eindeutig 

Ballett und der Einfluss Pecks offensichtlich, allerdings 

nicht von bahnbrechender Wirkung. Seine eher athletischen 

Choreographien funktionieren am besten mit 

dem männlichen Ballettensemble in ›Blow High, Blow 

Low‹, angeführt von Amar Ramasar in der Rolle des 

Jigger, ebenfalls vom New York City Ballet. Ramasars 

Athletik im Tanz ist beeindruckend kraftvoll, allerdings 

zeigt er in den Sprechteilen nur einen Modus: taff. Sein 

Jigger überzeugt nicht als ernsthafte Bedrohung. 

Jack O'Brien, mehrfacher Tony-Gewinner, führt 

mit erfahrener, aber unausgewogener Hand Regie, und 

erlaubt leider dem Ensemble nach dem »Gießkannenprinzip« 

undisziplinierte Versuche am tieföstlichen 

(Maine)-Akzent. New England Akzente sind schon eine 

Herausforderung an sich, auch mit Dialekt Coaching 

(Kate Wilson). Joshua Henry bedient sich an afroamerikanischen 

und John Douglas Thomas an Theaterdialekten, 

welche beide in ihren Rollen ganz passabel 

funktionieren. Corey John Snide brilliert als exzellenter 

Ersatz in der Rolle des Enoch Snow in perfektem altertümlichen 

Maine-Dialekt sowohl im Dialog als auch im 

Gesang – im Gegensatz dazu klingt der Rest der Besetzung, 

als kämen sie irgendwo aus Brooklyn. Beim simplen 

Bühnenamerikanisch zu bleiben wäre eine bessere 

Entscheidung für O'Briens Cast gewesen. 

Ann Roths zeitgenössische Kostüme sind farbenfroh 

und schön. Santo Loquastos Bühnenbild erinnert eher 

an das altertümliche Set Design vergangener Produktionen 

als an die eigentliche Epoche des Stückes. Unglücklicherweise 

wirkt die Enthüllung des Karussells, welches 

sich während des Auftakts zu ›The Carousel Waltz‹ wie 

ein Regenschirm öffnet, wie ein trauriger Abklatsch einer 

Interpretation von Bob Crowleys spektakulärem, 

atemberaubendem Karussell-Design für die National 

Theatre Produktion, welche 1994 im Lincoln Center zu 

sehen und bis dato als Wiederaufnahme von »Carousel« 

unvergleichbar war. 

Dennoch: die Musik des hervorragenden Richard 

Rodgers – wohl sein bestes Werk in Zusammenwirken 

mit Liedtext-Partner Oscar Hammerstein II. – ist mit 

der ungekünstelten Orchestrierung Jonathan Tunicks 

und der sensiblen musikalischen Leitung Andy Einhorns 

in guten Händen. Mit einem heutzutage selten 

am Broadway gesehenen voll besetzten Orchester erhebt 

sich Rodgers' Musik auf einen Höhenflug zwischen 

Treue zur ursprünglichen Partitur und neuer Frische 

und Lebendigkeit. Bigelows ›Soliloquy‹, das den ersten 

Akt beschließt, ist und bleibt eines der besten Soli des 

amerikanischen Musicals und Joshua Henrys fesselnde 

Interpretation nimmt auf jeden Fall einen Platz unter 

den Besten ein. 

Dan Dwyer 

dt. von Viktoria Arenz 


›1. Nettie (Renée Fleming, l.) tröstet Julie 

Jordon (Jessie Mueller, r.) in ›What's the 

Use of Wonderin'‹ 

2. Billy Bigelow (Joshua Henry) in 

›Soliloquy‹ 

3. ›A Real Nice Clambake‹ – Tanzensemble 

4. Jigger (Amar Ramasar) führt das Herrenensemble 

an in ›Blow High, Blow Low‹ 

Fotos (4): Julieta Cervantes 


87


Alte Zeiten 

»The Rink« am Southwark Playhouse in London 

Abb. oben: 

Angel (Gemma Sutton, vorne l.) und ihre 

Mutter (Caroline O'Connor, vorne r.) 

umgeben von Freunden der Familie 

(Elander Moore, l.; Ross Dawes, r.) 

Foto: Darren Bell 

The Rink 

John Kander / Fred Ebb / 

Terrence McNally 

Southwark Playhouse London 


Direction ....................... Adam Lenson 

Musical Direction .............. Joe Bunker 

Orchestration ........... Greg Arrowsmith 

Choreography ................ Fabian Aloise 

Set Design ................ Bec Chippendale 

Costume Design ................. Libby Todd 

Lighting Design..................... Matt Daw 

Sound Design ........... Mike Thacker for 

Orbital Sound 

Anna ..................... Caroline O'Connor 

Angel .......................... Gemma Sutton 

Dino ............................ Stewart Clarke 

Lino ................................. Ross Dawes 

Lucky ............................... Michael Lin 

Benny .......................... Elander Moore 

Lenny ............................... Ben Redfern 

Tony ............................... Jason Winter 

Angels Tochter Amelia .......... Ioannou / 

Millie Samuels Lee 

Angel (Gemma Sutton) kommt zurück nach Hause 

und ist entsetzt. Arbeiter sind drauf und dran, ihr 

Elternhaus auseinander zu nehmen. Sie war jahrelang 

weg und ihr »Zuhause«, eine Rollschuhbahn, die ihr Vater 

ihr vermacht hatte, ist längst zerfallen und ihre Mutter 

Anna (Caroline O'Connor) hat den Rest verkauft. 

Das verbessert nicht gerade die seit jeher angespannte 

Beziehung zwischen den beiden. Durch Rückblicke, in 

die man unversehens hineingleitet, erfährt man allmählich, 

was zu diesen Spannungen führte. 

Autor Terrence McNally widmet sich wie bei »Masterclass« 

über Maria Callas starken Frauen und seziert 

fein einen Mutter-Tochter-Konflikt. John Kander und 

Fred Ebb liefern kraftvolle Musik, die sich der Gegenwart 

nähert. Das Stück umfasst die 1950er bis 70er Jahre 

und wurde 1984 am Broadway uraufgeführt. 1988 

kam die Show auch ins West End, dort bereits dabei 

Caroline O'Connor, die damals in Zweitbesetzung die 

Rolle der Angel spielte. 

Der Putz bröckelt, die Farben sind verschmutzt. Der 

Glanz alter Zeiten ist längst vergangen am Säulengang, 

der zur Rollschuhbahn führt. Bec Chippendales Bühne 

erzählt Bände und schafft die richtige Atmosphäre. Bunte 

Lichterketten über der Bahn bringen den verlorenen 

Glanz zeitweilig zurück. 

Anna hat mit Dino (Stewart Clarke) damals den 

besten Mann bekommen, sie liebt ihn. Aber arbeiten 

ist nicht so seine Sache, so schuftet sie doppelt, um das 

Geschäft der Rollschuhbahn am Laufen zu halten und 

ihr Kind großzuziehen. ›Chief Cook and Bottle Washer‹ 

erklärt O'Connor kraftvoll, was ihr viel Applaus einbringt. 

Für sie birgt der noch nicht entsorgte Hausrat, 

wie beispielsweise die blauen Kristallgläser, schmerzliche 

Erinnerungen. Für Angel hingegen sind sie eine 

pure Kostbarkeit, ihre Erinnerungen daran als Kind sind 

glückliche. Mit dem wehmütigen ›Blue Crystal‹ dreht 

sich die Zeit zurück. Wir begegnen Dino als jungem 

Mann, wie er seiner Frau diese Kostbarkeit mitbringt. 

»I've been to the moon«, erzählt er ihr. Wo genau er 

sie herhat, bleibt unklar. Nichtsdestotrotz bedeuten 

diese vertrauten Gegenstände für Angel auch bessere 

Zeiten: ›Under the Roller Coaster‹. Als sie die fehlende 

Discokugel bemerkt, wird es kritisch: Diese war ein 

Geschenk ihres Vaters zu ihrem 5. Geburtstag. Während 

die schimmernde Kugel den Raum verzaubert, tun sich 

mit ›Not Enough Magic‹ jedoch die Abgründe der Vergangenheit 

auf: Dino kommt spät und betrunken mit 

seinen Freunden nach Hause. Angels Geburtstagsfeier 

ist eine Gratwanderung. Von seiner Frau möchte Dino 

nichts mehr wissen, die Laune kippt und die Freunde 

gehen. Der Korea-Krieg hat ihn in Mitleidenschaft gezogen, 

schließlich verlässt er die Familie. Anna muss 

mit allem alleine fertig werden und eine Tochter, die 

nicht ihren Vorstellungen entspricht, macht es ihr noch 

schwerer. Die Spannungen lassen Angel ihr Glück lieber 

in der Ferne suchen. Als Hippie, wie ihre Mutter es 

abfällig sieht – von heutigem Standpunkt aber auch als 

moderne und selbstbewusste Frau. Angels Wanderjahre 

bringen auch besinnliche Momente, wie diesen, wenn 

sie auf einer Sanddüne am Meer sitzt, eigentlich glücklich 

sein könnte und doch das Gefühl hat, dass etwas 

fehlt: ›Coloured Lights‹. Ein einnehmender Song, deren 

Gitarrenlänge das entspannte und unbeschwerte Gefühl 

Kaliforniens einfängt, dann aber in einen schweren Walzer 

übergeht, in dem im »Humpapa«-Rhythmus an die 

Rollschuhbahn erinnert wird. Sieben Jahre später sehnt 

sie sich nach der Heimat, die sie sich nicht nehmen lassen 

möchte. Sie will alles daran setzen, das Gebäude vor 

88 



dem Abriss zu bewahren und es wieder strahlen zu lassen, 

voller Vorfreude singt sie bereits ›Angel's Rink and 

Social Center‹. Was sie jedoch nicht einkalkuliert hat: 

Auch »zu Hause« ist die Zeit vorangeschritten. Teenager 

mit Gettoblastern haben Einzug gehalten und aus der 

Idylle eine Hölle gemacht, bei der auch vor Gewalt kein 

Halt mehr gemacht wird, wie Anna am eigenen Leib 

spüren muss. ›What Happened to the Good Old Days‹, 

zeigt Anna im Liegestuhl am Strand mit zwei Freundinnen, 

den Sonnenuntergang genießend. Es ist eine 

herrliche Nummer mit viel Humor, der noch dadurch 

verstärkt wird, dass die »Freundinnen« von zwei Vertretern 

aus dem Männerensemble gespielt werden. Einer 

der Höhepunkte! Der Abend endet damit, dass Anna 

sich schwer verletzt nach Hause schleppt. Das Einzige, 

was ihr bleibt, ist Lenny (Ben Redfern), der ihr schon 

seit Jahren den Hof macht. So hat sie die Rollschuhbahn 

aufgegeben und als Angel mit Sack und Pack nach 

Hause kommt, sitzt Anna bereits auf gepackten Koffern, 

um mit Lenny nach Florida zu ziehen. Es gibt allerdings 

noch eine Überraschung, die der Mutter-Tochter-Beziehung 

am Ende noch einen besonderen Kniff verleiht, 

aber dieser wird hier nicht preisgegeben. 

Regisseur Adam Lenson hat einen packenden Abend 

geschaffen mit komplexen Familienbeziehungen und 

unvorstellbaren Leistungen: Caroline O'Connor und 

Gemma Sutton sind ein großartiges Duo. O'Connor 

spielt Anna als starke, resolute Frau, die hart gearbeitet 

und viel geopfert hat und nun ein Leben haben möchte; 

Suttons Angel muss sich im Leben erst zurecht finden, 

bevor sie nun fest auf dem Boden steht. Beide liefern 

sich rücksichtslose Wortgefechte, bis eine Versöhnung 

und Verständnis füreinander in Sicht sind. »I was too 

angry about my life to worry about you«, erklärt Anna 

später. Libby Todds Kostüme machen die Polarisierung 

von Mutter und Tochter auch visuell deutlich. Trägt 

Anna ein rotes figurbetontes Kleid der 50er Jahre, so 

behauptet sich Angel in grünen Schlaghosen, weißer 

Blümchenbluse und gelbem Pullunder – dazu trägt sie 

lange, glatte rote Haare. Die Kostüme der Männer sind 

ebenso gut gewählt, sie erlauben sowohl die Darstellung 

der bunt zusammengewürfelten Arbeiter als auch der 

Freunde der Familie, als diese sie doubeln. Selbst wenn 

die Männer dramaturgisch nur das »Drumherum« bilden, 

tänzerisch verdienen sie einen Tony bzw. Olivier 

Award. Wer sie in Fabian Aloises Choreographie zu ›The 

Rink‹ nicht nur kunstvoll mit Rollschuhen über die 

Bühne sausen und tanzen sieht, sondern auch steppen, 

dem bleibt der Atem weg und man hofft, dass sie alle 

wohlbehalten durch die Nummer kommen. Es ist ein 

sehenswertes Ereignis! 

Dank sei dem Southwark Playhouse dafür, dass es so 

selten gespielte Stücke präsentiert und wie bereits zuvor 

mit »The Life« andere Facetten von Kanders und Ebbs 

Arbeit zeigt. Die Musik war auch erstklassig. 

Hier werden also nicht nur lange verschüttete und 

bewusst vergrabene Emotionen zutage gefördert, deren 

Auseinandersetzung den Protagonisten letztendlich 

Frieden und Hoffnung bringt, sondern auch Stücke 

wiederentdeckt, denn eine lange Laufzeit war dem Musical 

damals nicht vergönnt. Damit einher geht auch 

die Kunst zu lernen, die Vergangenheit loszulassen und 

nach vorne zu schauen. 

Sabine Schereck 

Abb. oben: 

Mutter (Caroline O'Connor) erzählt von 

der Vergangenheit. Im Hintergrund ihre 

Tochter (Gemma Sutton), vor ihr Dino 

(Stewart Clarke) 

Foto: Darren Bell 


1. Selbst nach langer Abwesenheit bestehen 

die Spannungen zwischen Mutter 

(Caroline O'Connor, r.) und Tochter 

(Gemma Sutton, l.) 

2. Das Männerteam, das zum Abriss 

gekommen ist, erinnert an die goldenen 

Zeiten der Rollschuhbahn (vorne v.l.: 

Jason Winter, Michael Lin, Ross Dawes 

und Ensemble) 

Fotos (2): Darren Bell 


89


Erste Leinwandhelden 

»The Biograph Girl« London Revival am Finborough Theatre 

Abb. oben von links: 

1. Im Kino bewundern die Zuschauer 

(oben v.l.: Lauren Chinery, Nova Skipp, 

Emily Langham, Joshua C. Jackson; 

unten v.l.: Matthew Cavendish, Charlie 

Ryall, Jason Morell) die Handlung auf 

der Leinwand 

2. Mary Pickford (Sophie Linder-Lee, 

Mitte) mit dem Produzenten Adolph 

Zukor (Jason Morell, r.). Im Hintergrund 

Momma Gish (Nova Skipp) 

Fotos: Lidia Crisafulli 

The Biograph Girl 

David Heneker / Warner Brown 

Finborough Theatre London 


Direction ........................ Jenny Eastop 

Music Direction ..... Harry Haden-Brown 

Choreography ................ Holly Hughes 

Design ................................ Anna Yates 

Lighting Design ................... Ali Hunter 

Lillian Gish ................. Emily Langham 

Dorothy Gish .............. Lauren Chinery 

Momma Gish .................... Nova Skipp 

Mary Pickford ......... Sophie Linder-Lee 

D. W. Griffith ....... Jonathan Leinmuller 

Epping / 

Man of the South ..... Joshua C. Jackson 

Rose ................................ Charlie Ryall 

Bitzer / Zukor ................... Jason Morell 

Mack Sennett ....... Matthew Cavendish 

Spec .................... Harry Haden-Brown 

Gebannt blicken die Zuschauer vor allem auf eine 

Leinwand, wo flackernde Bilder Emotionen erzeugen. 

Aufregende Stummfilmmusik lässt ahnen, was 

da vorgeht. Begeistert singt das Ensemble ›The Moving 

Picture Show‹. 

Ein gelungener Auftakt, der uns in die Welt des 

Kintopps, in das New York des frühen 20. Jahrhunderts, 

versetzt, wo Warner Browns »The Biograph 

Girl« beginnt. Gemeinsam mit David Heneker, der 

die Musik komponierte, schrieb Brown auch die 

Liedtexte. Das Stück war 1980 erstmalig in Brighton 

und London zu erleben und wurde für die Produktion 

am Finborough Theatre vom Autor noch mal 

leicht überarbeitet. 

Die Gish-Schwestern Lillian (Emily Langham) und 

Dorothy (Lauren Chinery) entdecken ihre Freundin 

Gladys (Sophie Linder-Lee) auf der Leinwand und machen 

sich auf ins Atelier, um sie vor der Schande der 

Arbeit beim Film zu bewahren. Aber als Mary Pickford 

(so ihr Künstlername) macht Gladys viel Geld und ist 

glücklich, was man ihr auch in ihrem beherzten ›Workin' 

in Flickers‹ abnimmt. Im Atelier befindet sich auch 

der Regisseur D. W. Griffith (Jonathan Leinmuller), der 

in Lillian das Gesicht erkennt, das er für seinen nächsten 

Film sucht. Mit Leidenschaft beschreibt er seine Vision 

›The Moment I Close My Eyes‹, in der Film zur Kunst 

wird. Bald darauf geht's nach Hollywood mit dem Versprechen 

auf bessere Zeiten: ›Diggin' Gold Dust‹. Auf 

bessere Zeiten blickt auch Mary Pickford – als ein Ass 

in Verhandlungen schlägt sie bei Adolph Zukor (Jason 

Morell) $500 pro Woche heraus. Es ist erfrischend, eine 

solch selbstbewusste Frau zu sehen. Später muss sie dafür 

auch weiterhin das American Sweetheart spielen, 

das nicht erwachsen werden darf. Lillians Weg ist ein 

anderer. Sie spielt zwar in Griffith' Klassiker »Birth of 

a Nation«, bleibt aber ohne Namen. Es bedeutet ihr 

mehr, Einsicht in Griffith' Arbeit zu haben. Sie sind 

sich beruflich nahe, aber was Griffith an ihr hat, erkennt 

er nicht. Im Gegenteil, er sagt ihr sogar, sie solle sich 

mehr um sich selbst kümmern, als er ihr den Laufpass 

gibt. Seine Projekte sind stets ambitioniert, verschlingen 

astronomische Summen, sodass er irgendwann am 

Ende ist. Er wird Teil eines anderen Geschäftsmodells: 

Als Geschäftsfrau hat sich Mary Pickford inzwischen 

von Zukor losgesagt und Mitte der Zwanziger Jahre 

die »United Artists« gegründet. Dieser Filmgesellschaft 

gehört bald auch Griffith an. Bis dahin gilt es jedoch 

noch, einige Hürden zu überwinden, wie zum Beispiel, 

dass »Birth of a Nation« bei der schwarzen Bevölkerung 

nicht gut ankommt und der Blues ›Rivers of Blood‹ bedrohlich 

darauf hinweist, welche Macht Filme haben 

können: ein Song, der aus der damaligen Londoner Produktion 

herausgenommen wurde, dem Stück aber mehr 

Tiefe verleiht. Auffallend ist auch ›The Industry‹, ein 

vom Ensemble vorgetragener Tango, der zeigt, dass der 

Film seinen Kinderschuhen entwachsen ist und Holly 

Hughes auch auf kleiner Bühne einfallsreiche Choreographien 

schaffen kann. David Henekers Musik bleibt 

der Zeit mit Ragtime, Jazz, Charleston und typischen 

Stummfilmmelodien treu, was dem Stück eine schöne 

Leichtigkeit verleiht. Auch die Liedtexte sind charmant. 

Die Besetzung ist hervorragend: Vor allem Sophie 

Linder-Lee als Mary Pickford und Emily Langham als 

Lillian Gish verkörpern die Schauspielerinnen wunderbar. 

Erstere als ein raffiniertes Energiebündel, eine Frohnatur, 

Letztere als die Nachdenkliche und Zurückhaltende. 

Auch wenn man allen bei ihren Vortragskünsten 

gerne zusieht, fehlt doch ein wenig das Leben in den Figuren, 

das einen mitfühlen lassen würde. Aus der komplizierten 

Beziehung zwischen Lillian Gish und D. W. 

Griffith wäre sicher mehr herauszuholen, wie der Song 

›More Than a Man‹ andeutet. 

Auch Anna Yates' Ausstattung steht man zwiespältig 

gegenüber. Einerseits bewundert man die Sparsamkeit, 

mit der New York, Hollywood oder ein Hollywood-Palazzo 

durch ein Rollobild markiert werden, das zuweilen 

den Blick aus dem Fenster freigibt, andererseits wirkt 

die kleine, in schlichtem Weiß gehaltene Bühne sehr steril 

und ohne Atmosphäre. Die Zeit wird lediglich durch 

die Kostüme angedeutet. 

Nichtsdestotrotz hat Regisseurin Jenny Eastop eine 

beachtliche Produktion geschaffen, die unterhält und 

liebevoll einen interessanten Einblick in die frühe Zeit 

des Films gewährt. Ein lohnenswertes Revival. 

Sabine Schereck 

90 



Neues aus Großbritannien 

zusammengestellt von Barbara Kern und Sabine Schereck 

Uraufführungen 

Das Upstairs at the Gatehouse lässt mit »Give My 

Regards to Broadway« den Broadway grüßen – 

eine neue Musicalrevue, die New Yorks Bühnenmelodien 

der Jahre 1902 bis 1942 feiert. Die musikalische 

Reise findet unter der Leitung von Harry 

Blumenau vom 17. Juli bis 5. August 2018 statt. 

Das Arts Theatre feiert vom 30. August bis 23. 

September die Londoner Premiere des neuen britischen 

Musicals »Six«, geschrieben von Toby Marlow 

und Lucy Moss. Darin geht es um die sechs 

Frauen von Heinrich VIII., die nun ihre Sicht der 

und auf die Geschichte zum Besten geben. Das 

Musical wird von Lucy Moss und Jamie Armitage 

inszeniert. Begleitet werden die Mitwirkenden von 

einer Frauenband. 

Arinzé Kenes »Misty« ist vom 8. September bis 

20. Oktober bei den Trafalgar Studios zu sehen. Die 

Produktion des Bush Theatres mit der Mischung 

aus Musik (Shiloh Coke & Adrian McLeod), Poesie 

und Drama erkundet kreative Freiheit innerhalb des 

heutigen Londons. Regie führt Omar Elerian. 

»Come From Away« am Broadway 2017 


Vom Broadway nach London 

»Come From Away«, das im März 2017 am 

Broadway zu sehen war, kommt ab 30. Januar 

2019 ins Londoner Phoenix Theatre. Das Musical 

(Buch, Musik, Liedtexte) stammt von Irene 

Sankoff und David Hein und erzählt von den 38 

Flügen, die aufgrund der Angriffe des 11. Septembers 

2001 in Neufundland notlanden mussten, 

und wie eine Kleinstadt die 7000 gestrandeten 

Reisenden ernährte und unterbrachte. 

Sommer und kubanische Rhythmen sind in 

Gloria und Emilio Estefans Musical »On Your 

Feet« zu erwarten, das vom Broadway aus vom 

14. Juni bis 31. August 2019 ins Londoner Coliseum 

kommt. Es erzählt die wahre Liebesgeschichte 

der Estefans und ihres musikalischen 

Aufstiegs von Kuba über Miami zu internationalen 

Popstars. Das Buch wurde von Alexander Dinelaris 

verfasst, wobei Jerry Mitchell Regie führt und 

Sergio Trujillo die Choreographie übernimmt. 

London Musical Theatre Orchestra-Revivals 

Das London Musical Theatre Orchestra lässt selten 

Gespieltes in konzertanten Aufführungen wieder 

aufleben. Am 6. Oktober gibt es am London Palladium 

Lerners und Loewes »Camelot«, das seit 

über 30 Jahren nicht im West End zu hören war, 

zu erleben. Am 2. und 3. November folgt Howard 

Goodalls »Girlfriends« am Bishopsgate Institute. 

Darin geht es um die Rekrutierung der Women's 

Auxiliary Air Force (WAAF) während des 2. Weltkrieges. 

Die letzte Vorstellung ist eine Wiederaufnahme 

von Alan Menkens, Lynn Ahrens' und 

Mike Ockrents Musicalfassung von Charles Dickens' 

»A Christmas Carol« am Lyceum Theatre. 

Auf Reisen 

Sonne und Spaß verspricht das Sommermusical 

»Club Tropicana«, das ab 24. Januar 2019 von 

Bromley aus auf Tournee geht und bis 13. Juli u. a. in 

Manchester, Liverpool, Edinburgh, London und 

Brighton zu sehen sein wird. Das Musical wurde 

von Michael Gyngell geschrieben und lässt die 

1980er Jahre aufleben. Es wird von Samuel Holmes 

und Nick Winston inszeniert, wobei Winston 

auch choreographiert. 

Die Produktion von Mel Brooks' »Young 

Frankenstein« segnet am Garrick Theatre bereits 

am 25. August 2018 das Zeitliche, nachdem ursprünglich 

Tickets bis Ende September angeboten 

wurden. Wer die Produktion danach sehen möchte, 

muss dieses auf einer ihrer Tourstationen tun. 

Ab September ist sie unterwegs. 

Am 12. Januar 2019 laufen die letzten Stiefel 

vom Band, wenn bei »Kinky Boots« am Adelphi 

Theatre die Pforten geschlossen werden. Aber ab 

19. September geht das Stück auch auf Tournee, 

Start ist in Royal und Derngate in Northampton. 

Auch für die »Dreamgirls« hat es sich am 12. 

Januar 2019 in London ausgeträumt. Auf ihrer folgenden 

UK-Tour darf aber weiter geträumt werden. 

Musical auf der Leinwand 

Andrew Lloyd Webbers »Cats« kommt auf die 

Leinwand. Es wird von Tom Hooper adaptiert 

und im November beginnen in London die Dreharbeiten. 

Dafür arbeitet Lloyd Webber an neuem 

Material, inklusive eines neuen Songs für Victoria, 

Wayne McGregor, vom Royal Ballet choreographiert. 

In Memoriam 

An dieser Stelle gilt es, Original-Choreographin 

Gillian Lynne zu gedenken, die kürzlich im stolzen 

Alter von 92 Jahren verstarb. Geboren am 20. 

Februar 1926 in Kent, begann die Britin eine Karriere 

als Ballerina. Mit gerade 20 Jahren erhielt sie 

ihr erstes Hauptsolo als Dornröschen am Royal 

Opera House. Nachdem sie sich in der Ballettwelt 

einen Namen gemacht hatte, arbeitete sie für 

Ballettkompanien in Österreich, Russland und 

Australien, bevor sie 1965 erstmals am Broadway 

die Komödie »The Roar of the Greasepaint – The 

Smell of the Crowd« und »Pickwick« choreographierte. 

Ihre Choreographie für Andrew Lloyd Webbers 

»Cats« galt 1981 als Meilenstein im Tanz 

und eroberte ihr einen Platz im Musicalgenre. Für 

Lloyd Webber arbeitete sie noch an »The Phantom 

of the Opera« (auch die Filmfassung von 

2004) und »Aspects of Love«. Ihre letzte Arbeit 

am Broadway war »Chitty Chitty Bang Bang« im 

Jahr 2005. Lynne inszenierte 60 Produktionen im 

West End und am Broadway, arbeitete für Film 

und Fernsehen. 


91

Neu auf unitedmusicals.de 

Foto: Christian Spielmann Foto: Sandra Reichel 


»Titanic« – Bad Hersfelder Festspiele 

Rezension zur Wiederaufnahme mit veränderter Besetzung 

2017 war die Nachfrage des Publikums nach »Titanic« so groß, dass die Produktion bei den 69. 

Bad Hersfelder Festspielen am Freitag, den 13. Juli 2018 Wiederaufnahme-Premiere feierte. Noch 

vor dem letzten Ton stand das Publikum auf der Tribüne der ausverkauften Stiftsruine und applaudierte 

zurecht dem 37-köpfigen Ensemble und insbesondere den 25 Musikern unter Leitung 

von Christoph Wohlleben – wo ist heute noch ein Live-Orchester dieser Größenordnung inklusive 

Becken, Fagott und Querflöte zu erleben. Der zweite Stapellauf der Bad Hersfelder »Titanic« 

verspricht eine erfolgreiche Überfahrt. 

»Die zertanzten Schuhe« – Kassel 

Rezension der Uraufführung beim Brüder Grimm Festival Kassel 

Die Brüder Grimm wurden nach dem Tod ihres Vaters von der Mutter zum Jura-Studium nach 

Kassel geschickt. Hier begannen sie auch, Märchen zu sammeln und niederzuschreiben. 

Darum ehrt die Stadt Kassel die Märchenerzähler mit dem Brüder Grimm Festival im Park 

Schönfeld. Hier schwimmt im Märchenteich eine Bühne, auf der 2018 »Die zertanzten Schuhe« 

gezeigt wird, das 1815 in den »Kinder- und Hausmärchen« erschien. Michael Fajgel adaptierte 

die Geschichte zu einem Jukebox-Musical mit bekannten Songs aus der Popgeschichte. 

Regie führt Rüdiger Canalis Wandel (Autor und Regie von »Linie 2 – Der Alptraum«). […] Die 

Wahl der Songs ist ebenfalls geglückt ebenso wie deren Übersetzung (Buch und deutsche 

Liedtexte: Michael Fajgel). Eine vierköpfige Band spielt die Musik live aus einem überdachten 

Nebenteil der Hauptbühne heraus. 

»Ich war noch niemals in New York – Der Film« – Köln 

Pressevorstellung 

»Ich war noch niemals in New York« (Musik : Udo Jürgens; Buch: Gabriel Barylli und Christian 

Struppeck) wird der erste in Deutschland produzierte Musicalfilm: Regina Ziegler (Ziegler 

Film), Sebastian Werninger, Nico Hofmann (UFA Fiction) und Christoph Müller (Mythos Film) 

sowie die Co-Produzenten Klaus Graf (Graf Film), Freddy Burger und Universal Pictures Productions 

bringen das Musical auf die Leinwand. Das Drehbuch stammt von Alexander Dydyna 

und Drehbuch-Co-Autor Philipp Stölzl, der auch Regie führen wird. Des weiteren kommen 

die Musik von Christoph Israel, die Choreographien von Christopher Tölle, die Kostüme von 

Nora Bates, die Maske von Gerd Zeiss, der Ton von Max Thomas Meindl und der Schnitt von 

Sven Budelmann zum Tragen. 

Die Rollen spielen Heike Makatsch (Lisa), Moritz Bleibtreu (Axel), Katharina Thalbach (Maria), 

Mat Schuh (James), Michael Ostrowski (Fred) und Marlon Schramm (Florian) 

Die nächste Ausgabe der blickpunkt musical erscheint im September mit dem zweiten Teil der Sommerproduktionen. 

In Deutschland feiert ein Musical Uraufführung, in dem ein Mensch unter Tieren aufwächst, und Ritter 

suchen ihren König sowie einen Becher auf einer Burg. 

In Österreich feiert ein Musical Open-Air-Revival, in dem ein Mann gegen die Ausgrenzung durch die Gesellschaft 

kämpft und eine kleine französische Revolution überlebt. Indoor erlebt ein Stück über ein tragisches 

Gaunerpaar seine österreichische Erstaufführung und eine Show zelebriert erstmals Rock'n'Roll als Lebensphilosophie. 

Das in diesem Heft immer wieder angesprochene Gute-Laune-Musical macht ebenfalls Station. 

Bei unserem Schweizer Nachbarn erlebt ein Operettenthema eine musicalische Neubearbeitung. 

Impressum 

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Nr. 23 vom 1. Januar 2018 

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Übersetzungen 

Barbara Kern, Beate Luszeit (Supervision), 

Viktoria Arenz 

Redakteure 

Eva Baldauf, Birgit Bernds, Yvonne 

Brandstetter(AT), Stephan Drewianka, 

Dan Dwyer(USA), Martina Friedrich(CH), 

Tobias Hell, Barbara Kern, Ingrid Kernbach, 

Vincent Kleen, Sandy Kolbuch, Richard 

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Reichel, Rosalie Rosenbusch, Sabine 

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17. – 29.07.18 · Kölner Philharmonie 

21. – 26.08.18 · Oper Leipzig 

28.08. – 02.09.18 · Alte Oper Frankfurt 

02. – 14.10.18 · Admiralspalast Berlin 

16. – 28.10.18 · Deutsches Theater München 

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Blickpunkt Musical 04-18 - Ausgabe 95

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