TIM_sept_gesamt

!ticket
Österreichs Eventmagazin Nr.1
SEPT
20 1 8
musik
show
sport
theater
kabarett
Ausgabe 223
Damit sind Sie live dabei!
2,90 €
global
comedy
Nach dem Brand letztes Jahr
öffnet das Globe Wien wieder seine
Tore, auch der internationalen Comedy.
ziemlich beste
freunde
Beefeater Master Distiller
Desmond Payne über das
Erfolgsgeheimnis von
Gin & Tonic
Österreichische Post AG / MZ 15Z040254 M, CTS Eventim Austria GmbH, Heumühlgasse 11, 1040 Wien
NIAVARANI
CEYLAN
CARR
U.V.M.
what a feeling
„Flashdance – Das Musical“ ist die Bühnenadaption
des gleichnamigen Kultfilms: Erzählt wird die FLASHDANCE
Geschichte der Schweißerin Alex, die von einer
Tanzkarriere träumt.

Foto VBW © Oliver Gast 2018
#WeAreMusical
DAS MUSICAL MIT DEN HITS VON
RAINHARD FENDRICH
REGIE
Andreas Gergen
BUCH
Titus Hoffmann
Christian Struppeck
★ ★ JETZT TICKETS SICHERN! ★ ★
© THE BODYGUARD (UK) LTD. Designed by DEWYNTERS
WWW.MUSICALVIENNA.AT

GINMARKT
Parallel zum
Rumfestival findet
im September wieder
der Ginmarkt statt.
Wir haben „ins Glas
geschaut“ …
18
Frequotency.
Nach jedem Sommer begeben wir
uns in die Zäsur: Nicht als Journalisten
allein, in erster Linie als Fans
– und üben uns in Reminiszenz und Perspektive:
Welche Festivals waren besonders
gelungen, wo herrscht Reformbedarf? Im
Zentrum stehen Gedanken zu Line-up, Abwicklung
und Rahmenangebot: ein übliches
Preis-Leistungsdenken eben. Kolleginnen
wie Therese Kaiser (Kolumnistin bei The
Gap und Electric-Spring-Kuratorin) beenden
den Sommer jedoch, wie andere ihn begonnen
haben, mit einem Quoten-Plädoyer:
Die „Abwesenheit von Frauen auf Festivalbühnen
ist keine paranoid-feministische
Einbildung“, heißt es da. Bullshit! Festivals
spiegeln zuvörderst einen je nach Kapazität
mehr oder minder populären Hörergeschmack
wider, da haben (nicht allein aus
wirtschaftlicher Sicht) gesellschaftspolitische
Querelen nichts verloren: Gerade jene, die
sonst zu jeder Gelegenheit sämtliche Freiheiten
für die Künste fordern, wollen selbige
hier plötzlich instrumentalisieren? Wie malen
sich verblendete KritikerInnen eigentlich
das Arrangement von Billings aus? Dass da
in die Jahre gekommene, hinterwäldlerische,
schmerbäuchige, goldketterlbehängte Herren
am Wirtshaustisch zusammensitzen
und zwischen derben Blondinenwitzen potenzielle
Bands mit Frauenanteil („Außer die
ganz feschen!“) mit schäbigem Lacher vom
Bierdeckel streichen? Ja, meine dahingehend
ablehnende Haltung ist notgedrungen eine
männlicheSicht der Dinge – dennoch eine
aufgeklärte und durchaus pro-feministische:
Es gibt keinen Grund, Musikerinnen nachteilig
zu behandeln, etwa ihre Auftritte minder
zu entlohnen oder ihnen gar abschlägig
entgegenzutreten, weil „Frauen backstage
ohnehin nur für Drama sorgen“ – und ähnlichen
Stumpfsinn. Hingegen formuliere ich
bewusst provokativ, wenn ich frage: Würde
ich als Künstlerin einen Auftritt bekommen
wollen, alleinweil ich weiblich bin und die
Quote einen Veranstalter dazu nötigt? Wäre
EDITORIAL
das für mich und meine Kunst nicht ein
schreckliches Armutszeugnis, könnte ich
mich nicht mit den männlichen Kollegen
auf Augenhöhe messen? In Besitz keines Penis
zu sein ist keinekünstlerische Leistung –
genauso wenig übrigens, wie über die paar
Zentimeter Schwellkörper zu verfügen.
Kunst sollte keine, insbesondere keine wertenden,
einen Keil in die Gesellschaft treibende
Grenzen kennen: Keine des Geschlechts,
der Hautfarbe, der Religion, der Herkunft,
des Body-Mass-Indexes oder eines anderen
Klassements, das uns ohnehin im alltäglichen
Leben auf Schritt und Tritt begleitet.
Denn dann könnte uns als nächster Aufreger
blühen, dass plötzlich eigentlichzu viele
Künstler aus den Staaten und Skandinavien
bei uns gastieren und die weltoffene, multikulturelle
Quote zwanghaftnach Bands aus
Afrika und Asien giert. Reglementierende
Idiotie kennt leider keine Grenzen.
Stefan Baumgartner (Chefredakteur)
| 03

JAN FEB MAR APR MAI JUN JUL AUG SEPT OKT NOV DEZ
IN DIESER AUSGABE
[14] GLOBE Wien Die neue Saison nach dem verheerendem
Großbrand [18] Ginmarkt Ein Blick ins Glas [21] Freddie
Mercury Die Filmbiografie über Queen [22] Dinosaurier Eine
Reise ins Reich der Giganten [25] Carmen Die emanzipierte Heldin
[34] Don Giovanni Schwere Zeiten für Herzensbrecher [42]
E-Mobility Ein Event, das sich der Zukunft verschrieben hat
LIFESTYLE
30 Modern Vamp Dunkle Farben
und urbane Coolness stimmen
auf den Herbst ein
Location
Wie Österreicher Musik hören Auch wenn es keine
große Überraschung sein dürfte, jetzt belegt es auch
die Statistik: Zum ersten Mal macht der virtuelle Musikmarkt
etwas mehr Umsatz als physische Tonträger
wie CDs und Vinyl. Geld lassen die Österreicher für
ihre Musik trotzdem springen, im ersten Halbjahr 53,5
Millionen Euro und damit um 6,3 Prozent mehr als im
Vorjahr. Und wofür? Auch das ist keine Überraschung:
An der Spitze liegt Andreas Gabalier, gefolgt von
Helene Fischer. Ebenfalls in die Top 10 geschafft haben
es unter anderem die heimischen Künstler Pizzera &
Jaus, Wanda und RAF Camora, sowie der internationale
Superstar Ed Sheeran.
Harry Potter Das Theaterstück „Harry Potter und das verwunschene
Leberkas Greissler Was Knoppers für die
Kind“ kommt ins Hamburger Mehr! Theater. Die deutschsprachige Erstaufführung
findet im Frühjahr 2020 statt und wird dauerhaft gezeigt. Im zweiteiligen
Stück geht es um den mittlerweile erwachsenen Harry Potter, die
beiden Teile werden entweder an einem Tag in einer Nachmittags- und
einer Abendvorstellung hintereinander oder aber an zwei aufeinander -
folgenden Abenden gezeigt.
04 |
deutschen Nachbarn, ist in Österreich der Leberkäse:
Einen besseren Snack gegen den Hunger
(und für den Gusto) gibt es kaum. Nun hat in der
Riemergasse 4, in direkter Nähe zu Porgy & Bess
und Ronacher, mit dem Leberkas Greissler ein
Paradies für Feinschmecker eröffnet: Beste und
regionale Zutaten finden sich in den bekannten
und außergewöhnlichen Kreationen des ehemals
auch Do & Co und Plachutta mitverantwortenden
Teams, darunter „Brie mit Nuss“ oder
„Schweinebauch mit Leberkäs und Speckwürfel“
– auf Geschmacksverstärker, künstliche Aromen
und Konservierungsstoffe wird hingegen verzichtet.
Kredenzt werden die Leckerbissen u. a. mit
Gebäck, Kren und großer Senfauswahl, dazu
wird Trumer Pils oder Prosecco genossen.
Kostenlos (aber nicht umsonst) gibt es eine Bewirtung,
die die Bezeichnung Gastfreundschaft
verdient. leberkas-greissler.at
37 Orpheum Graz Auf Vielfalt fokussiert
und mit Lend-Viertler
Flair gesegnet
HEIMAT
28 AVEC Ein neues Freiheitsgefühl
und mehr Ehrlichkeit zu sich selbst
zeichnet „Heaven / Hell“ aus
KULTOUR
38 Kampfkunst Theater ist nicht
nur Unterhaltung, es beschäftigt
sich auch mit Gesellschaftsfragen
LIVE IS LIFE
45 Ed Sheeran Von Jamie Lawson
über Anne-Marie bis hin zu Ed
Sheeran einfach wunderschön
MEDIA
46 Kino, Musik und Spiele Mit
Interpol, Slash, dem /slash Filmfestival
und mehr
PLUG&PLAY
48 Equipment Großer Sound im
Kleinformat, und das zudem
noch erschwinglich …
Fotos: Ginmarkt, Stefan Baumgartner, Matthew Murphy; llustration: baes

!ticket highlights
SCHEINWERFERLICHT
Mag. Roberta Scheifinger
Chefredakteurin und
Herausgeberin
„Don’t bring me down“, „Hold on tight“, „Confusion“, „Last train to London“
sind nur einige der bekanntesten Welthits des Electric Light Orchestras. Am 23.
September lassen Jeff Lynne’s ELO in der Wiener Stadthalle Kindheits- und Jugenderinnerungen
wach werden.
Manchmal tut’s auch ein Hit: Europe feierten ihren Durchbruch 1986 bekanntlich
mit „The Final Countdown“, „Carrie“ schaffte den Sprung in die Charts, konnte
an den großen Erfolg aber nicht mehr anknüpfen. Nach ihrer Trennung 1992
gehen die Schweden seit fünfzehn Jahren wieder gemeinsame Wege, die sie am 29.
September in den Wiener Gasometer führen.
Nicht genug der Nostalgie: Am 27. September findet die Österreich-Premiere von
„Bodyguard – das Musical“, basierend auf einem der erfolgreichsten Kino-Blockbuster,
im Wiener Ronacher statt. Lassen auch Sie sich diesen „One Moment in
Time“ nicht entgehen!
Ich wünsche Ihnen einen unterhaltsamen Spätsommer!
• Highlights September • Highlights September • Highlights September •
Rebekka Bakken
Die Geschichtenerzählerin fischt im
Jazz, Soul, Blues, Folk und Country
6., Schloss Esterhazy
Circus-Theater
Roncalli
ab 13. September,
Rathausplatz Wien
Nick Mason’s Saucerful of Secrets
Der Schlagzeuger von Pink Floyd präsentiert
ihre ersten beiden Alben live
19., Wiener Stadthalle (F)
Helene Fischer
Die Schlagerkönigin holt ihre Konzerte
vom Frühjahr nach
11. & 12., Wiener Stadthalle (D)
Humorfestival Velden
Das 10-jährige Jubiläum mit inter/nationalen
Stars der Kleinkunst
20. bis 23., Casineum Velden
Brunner Wiesn
Gemütlichkeit, Tradition und ein abwechslungsreiches
Programm
7. bis 29., Campus21
Bonnie Tyler
Mit Hits von „Total Eclipse of the Heart“
bis hin zu „It’s a Heartache“
28., Kufstein Festung
Sophie Hunger
Die fantastische Schweizerin auf „Molecules“-Tour
in drei Wiener Locations
11. bis 13., Wien
Wanda
Die „vielleicht letzte wichtige Rock-’n’-
Roll-Band“ unserer Generation
14., Wörthersee Stadion
Puddle Of Mudd
„Blurry“ oder „She Hates Me“ gehören
zweifelsohne auf jede Grunge-Playlist
23., Arena
Fotos: Circus Roncalli (Circus-Theater Roncalli), BMG (Kylie Minogue), MPL Communications (Paul McCartney)
06 |

Kylie Minogue
Golden
Mit im Gepäck hat die Australierin ihr aktuelles Studioalbum
„Golden“, ein pulsierender Hybrid, der Kylies unverwechselbaren
Dance-Pop mit dem typischen Nashville-
Country-Sound vermischt. Kylie wird mit ihrer Band natürlich
nicht nur Songs von „Golden“, sondern aber auch etliche
Hits aus ihrem phänomenalen Repertoire performen,
und das in einem für sie erstaunlich intimen Rahmen!
14. November, Gasometer
Paul McCartney
Freshen Up
Bereits fünf lange Jahre
ist es her, dass der Ex-Beatle 2013 im Zuge seiner „Out
There“-Welttournee in Wien war. Eine Paul-McCartney-
Show beinhaltet alles, was man sich als Musikliebhaber
von einer Rock-Show nur wünschen kann: In knapp drei
Stunden führt er uns durch die größten Momente der letzten
50 Jahre Musikgeschichte. Mit zahlreichen Songs sowohl
aus seiner Zeit als Solokünstler (darunter findet
auch sein neues Album „Egypt Station“ Gehör) sowie
natürlich mit den Wings und vielen Klassikern der Beatles
lässt er keinen Musikwunsch offen.
5. und 6. Dezember, Wiener Stadthalle (D)
| 07

Lasst uns singen
Der kultige Musikfilm „Flashdance“ kehrt als Musical zurück und
heizt nach wie vor dem Publikum mächtig ein. Wie aber hat Musik
und Tanz in die Gattung Film überhaupt Einzug gefunden? Und
wieso ist die Faszination von Musikfilmen auch nach Jahrzehnten
ungebrochen? Eine kleine (historische) Analyse. TEXT: MANUEL SIMBÜRGER
Unschuldige, große Rehaugen
starren fünf strengen, ja arroganten
Blicken entgegen. Hoffnung,
dem großen Lebenstraum endlich
ein großes Stück näher gekommen zu
sein, trifft auf masochistische Lust, diesen
Traum bloß mit einer hochgezogenen
Augenbraue zu zerstören. Das Sonnenlicht
bricht durch die großen Fenster
des Tanzsaals und verwandelt ihn in eine
Parallelwelt, in der sich Licht und Schatten
umspielen, in der sich durchtrainierte,
von Stulpen verzierte Beine zielstrebig
ihren Weg bahnen. Der Plattenspieler
wird angemacht. Die ersten Tanzschritte.
Ambitioniert. Doch – huch!
Schreck! Gestockter-Atem-Moment! Die
trainierten Beine verlieren bei der Pirouette
ihren Halt, stolpern am rutschigen
Boden. Regungslos verharrt Alex
vor der gestrengen Jury, die ersten Augenbrauen
bewegen sich Richtung Horizontale.
Beschämt senkt sie den Kopf.
Doch dann – juhu! Yeah! Come on, girl!
Die Nadel des Plattenspielers wird von
Alex erneut an die Startposition gebracht.
Und nun, weil verkackt hat sie schließlich
eh schon, lässt Alex, die Schweißerin
und Stripperin, los. Zeigt alles, was sie
kann. Fordert ihren Körper ein letztes
Mal derart, wie sie ihn in den letzten
Wochen gefordert hat. Er wird zu ihrem
08 |
willigen Instrument, verdreht, verbiegt,
dreht und verschlingt sich, springt, hüpft,
lässt die Schwerkraft hinter sich. Augenbrauen
wandern hinunter, stattdessen
wird freudig mitgeklatscht und sich sogar
im Takt geschneuzt. What a feeling!
Ein Kult ist geboren
Vor 35 Jahren tanzte sich Jennifer Beals
alias Alex in „Flashdance“ nachhaltig in
die Herzen und Tanzbeine des Publikums.
Nur acht Millionen Dollar kostete
der Film, am Ende spielte er rund 200
Millionen weltweit ein und war der dritterfolgreichste
Film des Jahres. Die Schlüsselszene
des Streifens, in der Alex die
Aufnahmeprüfung an einer renommierten
Ballettschule absolvieren muss, gilt
heute noch als eine der bestchoreografierten
filmischen Tanzszenen und inspirierte
nicht nur cinematografische
Nachfolge-Hits wie „Dirty Dancing“
oder „Save the last Dance“.
Auch Künstler wie Kanye West („Fade“),
Jennifer Lopez („I’m Glad“) oder Geri
Halliwell („It’s Raining Men“) zollten
in ihren Musikvideos sexy Hommage
an Beals. Passend und richtig so, denn
nicht die Handlung oder die Dialoge,
sondern Giorgio Moroders Musik, ein
Mix aus Disco, Ballett und Hip-Hop,
sind die große Stärke des Films. MTV
feierte zwei Jahre zuvor sein TV-Debüt
und „Flashdance“ war der erste Film,
der sich mit seinem schnellen Rhythmus,
der Inszenierung des Körpers als erotisches
Gesamtkunstwerk und den wie
Musikvideos arrangierten Tanzszenen
gezielt an die junge Generation richtete,
für die Musikvideos fortan zur Lebensphilosophie
wurden. Der Titelsong
„What a Feeling“ von Irene Cara heimste
gar einen Grammy, einen Golden Globe
und einen Oscar ein, „Maniac“ wurde
immerhin für Letzteren nominiert. Zwischen
all dem Getanze gibt’s auch noch
was fürs Herz, nämlich eine sensible
Story über Selbstfindung, Empowerment
und das Kämpfen für die eigenen Träume.
Dazu Stulpen, Strumpfhosen, Schulterpolster
und toupierte Haarmähnen.
Lang leben die Achtziger!
Ton ab!
Natürlich spielten Musik und Tanz schon
lange vor „Flashdance“ eine große Rolle
im Film. Bereits Vorführungen von
Stummfilmen wurden von Live-Musik
begleitet – eigentlich nur deshalb, um
die störenden Geräusche der Vorführapparate
zu übertönen. Als erster Tonfilm
gilt „The Jazz Singer“ aus dem
Jahr 1927, seitdem entwickelte
sich die Musik im

Fotos: Mats Bäcker, Louise Martinsson
& tanzen!
Genre Film langsam, aber stetig: Weil
Neugier bekanntlich die Experimentierfreudigkeit
beflügelt, wurde Musik mehr
und mehr dramaturgisch höchst raffiniert
und punktuell eingesetzt. Anfangs
griff man vor allem auf bekannte Stücke
aus Operetten, Opern und Revueshows
zurück, man wollte damit die „gute alte
Zeit“ mit moderner Technik beschwören.
Seine erste Blütezeit erlebte der Musikfilm
bereits in den Dreißigern und
Vierzigern, als Fred Astaire, Ginger Rogers
und Gene Kelly mit ihrem unvergleichlichen
Tanzstil und ihrer Eleganz
das Publikum verzauberten. Astaire gilt
gar als Erfinder des Tanzfilms. Nach
dem Zweiten Weltkrieg sollte der Film
vor allem eines sein: eine Möglichkeit
zum Träumen. Zahlreiche Musicals
wurden pompös und farbenprächtig
verfilmt; im deutschen
Sprachraum etablierte
sich der Heimatfilm, in dem die
Welt heil, friedlich und voller
schöner Melodien war.
Film wird Pop
Prägend für den Musikfilm waren die
Sechziger: Die Grenzen zwischen Musik-
und Filmgenre verschwammen
immer mehr, man entdeckte sich gegenseitig
als profitable Marketingmöglichkeit.
Zahlreiche Filme wurden
auf damals populäre Künstler wie
Elvis Presley oder die Beatles zugeschnitten,
die wiederum sich und ihre
Songs somit als Marke etablieren
konnten. Die Musik wurde zu einem
entscheidenden Faktor in Sachen Produktion,
Vermarktung und Rezeption
des Films. In diesem Jahrzehnt eta -
blierte sich nicht nur der Konzertfilm
(z. B. „Woodstock“, 1970), sondern
es brachte auch dank perfektionierender
Verknüpfung von Musik und
Handlung viele Genreklassiker hervor,
u. a. „West Side Story“ (1961) „Mary
Poppins“, „My Fair Lady“ und „The
Sound of Music“ (alle 1964).
Richtig ab – vor allem für das junge
Publikum! – ging’s in den Siebzigern:
Filme wie „Rocky Horror Picture
Show“ (1975), „Saturday Night Fever“
(1977), Grease“ (1978) und „Hair“
(1979) fingen, nicht zuletzt dank ihrer
fetzigen Musiknummern, das damalige
sexy, aber auch politische Lebensgefühl
wie kein anderes Filmgenre ein
und waren sowohl in den Kinocharts
als auch in den Hitparaden Kassenschlager.
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Flashdance Die mitreißende Bühnenadaption
des Films mit Songs von Produzent
Giorgio Moroder und Keith Forsey,
die für den Titelsong sowohl einen
Oscar sowie einen Grammy erhielten,
kommt jetzt als moderne Bühnenadaption
auch nach Österreich.
Der siegreiche Einzug von Pop und Rock
hält bis heute an. All das wird in den
Achtzigern mit „Fame“ (1980), „Footloose“
(1984), „Staying Alive“ (1983)
und Dirty Dancing“ (1987), aber auch
mit „The Blues Brothers“ (1980) und
„Hairspray“ (1988) auf die nächste Entertainment-Ebene
gehoben. Seitdem
präsentiert sich der Musikfilm abwechslungsreich,
experimentell und vor allem
mainstreamtauglich: sei es in Form von
Dokumentationen, Biografien, leisen
Dramen, neu interpretierten Musicals,
sexy Tanzfilmen oder knallbunten Franchises.
Musik öffnet Augen und Seele
Was aber ist es, das uns nach wie vor so
sehr an Musikfilmen fasziniert? Mal abgesehen
vom Offensichtlichen – nämlich
dass es einfach Laune macht, anderen
beim perfektionierten Singen und Tanzen
zuzusehen (laut Glücksforscher haben
musikalische Menschen ein geringeres
Depressionsrisiko!) – ist Musik
jene Sprache, die verbindet wie keine
andere und die einen überall Herzerl sehen
lässt. Musik und Tanz überwindet
gar kulturelle Grenzen, lässt einen dabei
die eigene Wertekultur hinterfragen und
somit zu sich selbst finden (und die Welt
wird ganz nebenbei auch noch ein Stückerl
friedvoller). Musik wird nicht nur
zur Fluchtmöglichkeit aus dem tristen
Alltag, sondern allen voran zur Metapher
der sozialen Identität und des romantischen
Sehnens – so wie Musik generell
vor allem eine Sprache zwischen den
Zeilen ist, eine Sprache, die aussagt, was
nicht gesagt werden darf oder kann.
Tanz wird nicht selten zum Synonym
für Sex, Songs geben tiefere Einblicke in
die Seelen- und Gefühlswelt der Protagonisten,
wodurch wir Zuseher uns unseren
Helden näherfühlen. Zudem kann
im Film einfach jeder tanzen und singen
(oder erlernt es durch harte Arbeit), was
uns Faultieren das Gefühl gibt, es auch
zu können, wenn wir es nur wollen (würden).
Und, Hand aufs Herz: Wäre es
nicht schön, immer dann, wenn Worte
für unsere überbordenden Emotionen
nicht mehr ausreichen, einfach auf offener
Straße eine Powerballade schmettern
zu können?
Flashdance – Das Musical
Weil das aber nun mal nicht geht, ohne
sich kurz danach in enge, weiße Westen
gekuschelt wiederzufinden, gehen wir
einfach ins Musical, wenn wir einer Realität,
in der Musik und Tanz den Rhythmus
vorgeben, so nahe wie möglich
kommen wollen. Also ab zu „Flashdance
– Das Musical“, der Bühnenadaption
zur erotisch aufgeladenen Cinderella-
Story. Diese feierte bereits 2008 Weltpremiere
in England und kommt nun
im Herbst, anlässlich ihres 35. Geburtstags,
optisch und technisch runderneuert
auf große Tournee nach Österreich und
Deutschland. Aufwendige LED-Techniken
sorgen für sekundenschnelle Szenen-
und Themenwechsel, vorprogrammierte
Sequenzen werden mit Live-Szenen
in Echtzeit auf die Wände gebracht.
Auch die Tanzszenen wurden mit zeitgemäßen
Tanzeinflüssen aus Street
Dance und Modern Dance ins Heute
geholt und verbinden so das Gefühl der
Achtziger mit aktuellem Flair. Dieses
„Feeling“ sollte man sich keinesfalls entgehen
lassen!
n „Flashdance – Das Musical“ spielt es
Ende Oktober in der Salzburgarena und
ab Mitte November bis Monatsende im
Wiener MuseumsQuartier (Halle E). Für
die Veranstaltung sind FanTickets verfügbar,
für Wien zudem ticketPLUS+ Dinner
im Restaurant Motto und ticketPLUS+
Hotel (Falkensteiner Am Schottenfeld****).

!ticket highlights
Twenty One Pilots
The Bandito
Mit großem Paukenschlag brachen Twenty One Pilots ihre
einjährige Stille: Anfang Juli teilten sie die zwei neuen Songs
„Jumpsuit“ und „Nico And The Niners“, die beide auf ihrem
am 5. Oktober erscheinenden Album „Trench“ zu finden sein
werden, das natürlich auch live präsentiert wird …
Risha
David Eugene Edwards (Wovenhand, 16 Horsepower), ist
wohl einer der beeindruckendsten Gitarristen/Sänger, Songschreiber
und Lyriker unserer Zeit, Alexander Hacke ist einer
der bedeutendsten deutschen experimentellen Künstler und
vor allem als Mitglied der Einstürzenden Neubauten bekannt.
Gemeinsam kreieren sie auf „Risha“ eine geheimnisvolle und
hypnotische Atmosphäre, irgendwo zwischen Americana,
Neo-Folk, Industrial, Ambient und arabischen Einflüssen.
8. November, Flex
12 |
Edwards/Hacke
17. Februar, Wiener Stadthalle (D)
Fotos: Brad Heaton (Twenty One Pilots), Arcadia Live (Edwards/Hacke), Udo Leitner (Stermann & Grissemann), Oktober Promotion (Mother’s Cake), Barracuda Music (Chvrches)

IT’S ONLY WOERZ
Love Is Dead (Support: Anger)
Seit sie 2013 erstmals überstrahlt vom funkelnden Glanz ihrer Single „Recover“ auf
der Bildfläche erschienen, haben sich Chvrches immer mit subtiler, aber unmissverständlicher
Vorsicht dagegen gesträubt, sich auf ihr Sommerhit-Potenzial reduzieren
zu lassen, denn in ihrem Innersten sind sie echte Punks aus Glasgow. Die drei
haben alles getan, um sich selbst und die ihnen innenwohnende Melancholie zu
schützen, die ihrem sonnigen Synthie-Pop Tiefe verleiht. So auch auf ihrem brandneuem
Album „Love Is Dead“.
10. November, Gasometer
Live
Paris, London, Australien –
schon anhand ihrer Tourstatistik
waren Mother’s Cake
immer die etwas „andere“
Band Österreichs. Mit den Erfahrungen,
die Yves Krismer,
Benedikt Trenkwalder und
Jan Haußels in knapp zehn
Jahren Bandgeschichte sammeln
konnten, würden andere
bereits Biografien füllen.
Hinzu kommen nicht nur drei
stilistisch unterschiedlichen Studioalben, sondern auch ihr aktuelles Live-Album „Live
At Bergisel“: Aufgenommen unplugged in der Band-Heimat, im leeren Skisprung-Stadion
in gnadenloser Kälte.
im Herbst & Winter, u. a. in Reutte, Graz, Dornbirn, München und Wien
im Herbst und Winter in ganz Österreich
Chvrches
Mother’s Cake
Gags, Gags, Gags! und
Das Ei ist hart!
Das Stermann-&-Grissemann-Universum
aus feiner Beschimpfung,
Sinnsabotage und Selbstdemontage,
Nonsens, bizarrer Parodie, Persiflage
und Polemik erlaubt sich in
„Gags, Gags, Gags“ eine neue,
nicht geahnte Ausdehnung. Man
brilliert aber auch mit fremden Texten,
nämlich in „Das Ei ist hart!“,
Loriots „Dramatische Werke“ gelesen
und gespielt von Stermann &
Grissemann.
Stermann & Grissemann
сюрприз
Urlaub. Fremdes Land. Fremde
Sitten. Fremde Schrift. Kurz nach
Ende der Fußball-WM begab ich
mich nach Moskau. Was mich
nebst dem Reisen schon immer
fasziniert hat, sind Schriften, die
ich gelernter „Schreiblatino und
Zahlenaraber“ nicht lesen kann.
Unabhängig davon, dass ich die
dazu passende Sprache ohnehin
nicht verstehe. Japanisch, Koreanisch,
Klingonisch und eben Russisch,
um nur einige zu nennen.
Umso spaßiger erschien mir das
Unterfangen, eine Veranstaltung
auszusuchen und hinzugehen,
ohne zu wissen, was es ist.
Ausschließlich kyrillische Schrift
in der Ankündigung war die
Voraussetzung. Meine Freundin
und zwei in Moskau ansäßige
Freunde begleiteten mich. So
landeten wir, und ich denke, es
hätte weitaus fataler sein können,
in einem anheimelnden,
verhältnismäßig kleinen Club.
Am Eingang stellte sich heraus,
dass es dort zwei Bühnen gab.
In einem Saal spielten sie Jazz,
im anderen eine Blues-Jamsession
mit einer mehr oder weniger
fixen lokalen Band sowie brillierenden
Gastmusikern, die jeweils
für drei, vier Lieder auf die
Bühne kamen. Blues war die
Wahl des Abends. Es war eine
unterhaltsame Vorstellung und
ich wage den p.t. Lesern dieser
Kolumne den Vorschlag zu machen,
ebenfalls Neues, selbst
Uneinschätz- oder Unlesbares
zu versuchen und sich der Kultur
einer Stadt auf diese Art zu
nähern. Ach ja, zum Ausgleich
musste, pardon, durfte ich dann
mit meiner Freundin in die Oper.
Russisches Ballett. Das war
vorab leserlich angekündigt.
| 13

„Man darf mit Shakespea
Anfang Oktober öffnet das GLOBE WIEN
nach einem verheerenden Brand wieder
seine Pforten. Grund genug, um ein Pläuschchen
mit den Gründern Michael Niavarani
und Georg Hoanzl zu führen – über die Vergangenheit,
die Zukunft und Shakespeare
mittendrin. TEXT: MANUEL SIMBÜRGER
Es mag wie ein Klischee klingen,
aber manchmal ist es eben doch
das Leben selbst, das die besten
Drehbücher schreibt und die Grenze
zwischen Realität und imitierender, fantasievoller
Kunst verschwimmen lässt:
Im September 2017 kam es zu einem
Brand in der Wiener Marx Halle, der
auch auf das berühmte GLOBE WIEN,
das 2014 von Künstleragent Georg Hoanzl
und Publikumsliebling Michael Niavarani
nach dem Vorbild des historischen
Globe Theatre von Shakespeare gegründet
wurde, übergriff. Nicht ein technischer
Makel, ein explorierender Scheinwerfer,
ja noch nicht mal eine glimmende
Zigarette waren schuld am Unglück,
sondern eine Geisterbeschwörung zweier
Jugendlicher, die scheinbar nicht ganz
nach Plan lief (oder etwa doch …?). Ein
Drama, das Shakespeare selbst nicht besser
verfassen hätte können. „Der substanzielle
Schaden bestand in der Verformung
der denkmalgeschützten Eisenkonstruktion,
die fast die gesamte
Dachkonstruktion des Globe Wien betroffen
hat“, erzählt Hoanzl. Nach intensiven
Aufbauarbeiten ist es endlich
wieder so weit: Anfang Oktober werden
die Globe-Wien-Tore neuerlich geöffnet
und die Welt, ganz nach Shakespeare,
wieder zur Bühne gemacht …
Hat man den Brand zum Anlass genommen,
das Theater ein paar Neuerungen
zu unterziehen?
Georg Hoanzl: Optisch und funktional
sind wir dem bekannten Konzept treu
geblieben, haben aber natürlich einige
Erfahrungswerte der letzten Jahre in
den Wiederaufbau einfließen lassen.
Auch beim Programm gibt es eine
Fortsetzung der bereits begonnenen
Linie mit den von uns und vom Publikum
geschätzten Künstlern. Bei den
Eigenproduktionen wird es noch ein
bisserl dauern, weil sie eine wesentlich
längere Vorbereitungszeit brauchen
und wir bis vor einigen Wochen nicht
genau gewusst haben, wann es weitergeht.
Auch Shakespeares Globe ist nach
14 Jahren einem Feuer zum Opfer
gefallen. Liegt ein Fluch auf der Marke
Globe?
Michael Niavarani: (lacht) Der Versuch,
das Globe so originalgetreu wie
möglich nachzubauen musste natürlich
in diesem Brand gipfeln, das ging gar
nicht anders. Ich glaube, bei der Geisterbeschwörung
sollte Shakespeares
Geist gerufen werden – und der hatte
so einen Zorn, dass er dann das ganze
Gebäude angezündet hat.
Wann waren Sie das letzte Mal im
Londoner Globe Theatre?
Hoanzl: Bei mir war es „Titus Andronicus“
im Frühjahr 2014. Mich haben
das Stück und die Inszenierung und
natürlich die schauspielerische Leistung
trotz oder gerade wegen der rohen,
brutalen Gewalt in meinem tiefsten
Inneren voll erfasst und alles, was in
mir an pazifistischen Gefühlen vorhanden
ist, verstärkt. Dadurch habe
ich die Wirkung von Shakespeare in
seiner politischen Dimension und Aktualität
hautnah erlebt.
Niavarani: Vor einer Woche erst –
und wir haben uns „Hamlet“ angesehen.
Die Titelrolle wurde von einer
Frau gespielt, was ich extrem interessant
und spannend fand. Das hat mich
dazu inspiriert, die Hamlet-Geschichte
aus der Sicht der Ophelia zu erzählen.
Das wird eines meiner nächsten Projekte
werden.
Regisseure nehmen sich in ihren
Shakes peare-Inszenierungen gerne vie-
Fotos: Jan Frankl, Agentur Hoanzl
14 |

e alles machen“
dvd-tipp
Das GLOBE WIEN für daheim
„Romeo und Julia“ ist die zweite Shakespeare-Interpretation
von Michael Niavarani: Romeo und
Julia sind nur deswegen das größte Liebespaar
der Weltliteratur, weil sie nie miteinander leben
mussten, sondern rechtzeitig gestorben sind. Im
Falle der höchst beklagenswerten Komödie sind
nicht die beiden Liebenden gestorben sondern die
Liebe. Die Kinder sind aus dem Haus, die Geschäfte
laufen gut – und plötzlich tauchen eine
alte Liebe und eine junge Schauspielerin auf und
allen Beteiligten schießt die Verliebtheit wieder
ein! Sofort kommt es zu Lügen, Sex und Betrug
… denn wie sagt William Shakespeare selbst:
„Weise sein und lieben vermag kein Mensch!“
Es spielen unter der Regie von Bernhard Murg,
Michael Niavarani und Oliver Rosskopf: Michael
Niavarani, Sigrid Hauser, Bernhard Murg, Otto
Jaus, Günther Lainer, Oliver Rosskopf, Susanne
Preissl, Hemma Clementi, Georg Leskovich, Eva
Maria Frank, Pia Strauss und Stefan Altenhofer.
Die Doppel-DVD
kommt inklusive
Textbuch und Programmheft
und ist
im gut stortierten
Fachhandel und
auf hoanzl.at
erhältlich.
GLOBE WIEN Nach dem Brand öffnet das St. Marxer Theater im Oktober wieder seine Pforten. Hausherr
Niavarani freut sich schon wieder auf die „Nähe zum Publikum“.
le Freiheiten, modernisieren das Stück.
Kreativität oder Respektlosigkeit?
Niavarani: Hier gibt es zwei Herangehensweisen:
Die meisten Regisseure fragen
nicht, was der Originaltext historisch
bedeutete, sondern zeigen ihre eigene
Interpretation auf der Bühne. Das ist legitim
und kann zu absurden, brisanten,
spannenden, aber auch sehr langweiligen
Varianten des Stückes führen. Und dann
gibt es die Möglichkeit der historischen
Recherche, also zu fragen, was Shakes -
peare da und dort genau gemeint hat:
Viele zeitgenössische, auch politische Anspielungen
verstehen wir heute gar nicht
mehr. Da muss man dann versuchen
eine Form zu finden, wie man selbst und
das Publikum verstehen kann, was der
Typ damals eigentlich sagen wollte. Beide
Methoden sind sehr spannend. Man darf
mit Shakespeare alles machen, wie mit
jedem anderen Text auch.
Welche Methode liegt Ihnen näher?
Niavarani: Gar keine! (lacht) Ich versuche
ja, aus Shakespeare eine Komödie
zu machen – aber versuche dabei, ihm
treu zu bleiben. Ich tendiere also zur
Recherchearbeit. Meine Stücke sind inspiriert
von Shakespeare, aber nicht
Shakespeare selbst.
Goethe und Mark Twain sind berühmte
Shakespeare-Kritiker. Tatsächlich sind
seine Dramaturgien bisweilen nicht
ganz konsistent und wenn man genau
hinschaut, lassen sich mitunter absurde
kleine Fehlleistungen darin finden.
Schleicht sich auch bei Ihnen, obwohl
außerordentlicher Shakespeare-Verehrer,
manchmal der eine oder andere
kritische Gedanke ein?
Niavarani: Shakespeare war ein Theatermensch.
Er war Autor, Regisseur,
Schauspieler, Theaterteilhaber in Personalunion.
Seine Texte sind nicht Literatur,
sondern theaterkonventionelle Texte für
die Bühne. Zum Beispiel: Manchmal treten
Figuren in Shakespeares Stücken nur
deshalb so spät auf, weil sich der Schauspieler
erst umziehen musste. Das muss
man im Hinterkopf behalten. Goethe
kritisiert, dass Shakespeare die Einheit
von Zeit und Raum nicht einhält. Ich
finde aber, dass genau das seine Stücke
so faszinierend macht. Streng genommen
hat William Shakespeare das Drehbuch
erfunden.
Als Teilhaber des Globe erwarb sich
Shakespeare Vermögen und Einfluss.
Wie sieht’s da bei Ihnen beiden aus?
Hoanzl: Der Brand hat uns finanziell
„ein bisserl“ zurückgeworfen. Der Konkurrenz
von Netflix, Amazon und Hollywood
waren Shakespeare und seine
Zeitgenossen genauso wenig ausgesetzt
wie allen anderen Errungenschaften der
gegenwärtigen Kulturbranche und Freizeitindustrie.
Deshalb gibt es mehr Startups
in anderen Bereichen als unsubventionierte
Theaterneugründungen. Ich
| 15

vom aufwendigen Raumkonzept bis
hin zu dem künstlerischen und finanziellen
Einsatz, den wir in unseren ersten
beiden Eigenproduktionen „Richard
III“ und „Romeo & Julia“ eingebracht
haben. Das war schon ein
Steilpass, der uns ordentlich zum
Schwitzen gebracht hat. Aber das ist
gut so.
glaube, die letzte privatwirtschaftliche
Theatereröffnung mit über 1.000 Sitzplätzen
in Wien war vor über hundert
Jahren. Aber die Gewinnbestrebung ist
voll da! Weil anders werden wir als bewusst
unsubventioniertes Theater und
Produzenten nicht dauerhaft bestehen.
Das GLOBE WIEN wurde 2014 gegründet.
Wie fällt bisher das Resümee aus?
Hoanzl: Es war eine gute Idee!
Niavarani: Man kann immer besser werden.
Ich bin nie zufrieden mit dem, was
ich mache. Von meiner Arbeit gefallen
mir 98 Prozent nicht und würde ich
gerne anders machen. Georg und ich arbeiten
schon an den nächsten Projekten
und aktuell ist es so, dass ich nur die negativen
Dinge sehe. Ich finde das sehr
wichtig: jene Bereiche zu sehen, die nicht
funktionieren. Sonst entwickelt man sich
nie weiter. Jedes neue Projekt ist ein ständiges
Ausbessern der Fehler, die man bei
den vorherigen gemacht hat. Und jedes
Projekt ist dafür da, um wieder neue
Fehler zu machen. Ich habe nicht die
Ruhe, mich auf meinen Lorbeeren auszuruhen.
Die san a vü zu klan für mein
riesign Oasch!
16 |
Michael Niavarani Der Hausherr und
Hauptdarsteller ist auch sein größter
Kritiker: „Ich habe nicht die Ruhe, mich auf
meinen Lorbeeren auszuruhen. Die san a vü
zu klan für mein riesign Oasch!“
Permanente Selbstkritik – so etwas wie
Ihr Erfolgsgeheimnis?
Niavarani: Eher mein Antrieb. Wenn
ich etwas erschaffen würde, was perfekt
wäre, würde ich nicht mehr weitermachen.
Weil danach kann es ja nur schlechter
werden. Aktuell habe ich das Gefühl,
dass meine Arbeit Stück für Stück immer
besser wird. Was natürlich auch eine Illusion
sein kann (lacht)!
Mit welchen Hürden mussten Sie anfangs
kämpfen, als Sie bekannt gaben,
das GLOBE WIEN zu errichten?
Niavarani: Branchenintern gab es keinen
Gegenwind, weil wir sehr tiefgestapelt
haben! Wir sind sehr unauffällig an die
Sache rangegangen. Wir sind keine großen
Ankündiger. Wir machen einfach
und die Leute entdecken das dann von
alleine. Wir mussten sehr zu unserer
Überraschung nicht mal einen Kredit
aufnehmen, weil wir bereits so viele Karten
verkauft hatten. Man kann also sagen:
Die Leute haben sich das Theater selbst
erbaut. Dafür bin ich sehr dankbar.
Hoanzl: Die größten Hürden, die wir
überwinden mussten, waren tatsächlich
unsere eigenen Ansprüche, angefangen
Das Besondere des GLOBE WIEN ist
die außergewöhnliche Nähe zwischen
Publikum und Bühnengeschehen. Herr
Niavarani, wie sehr beeinflusst diese
Nähe Ihr Spiel auf der Bühne?
Niavarani: Das Timing des Abends
wird bei einer Komödie zur Hälfte von
den Schauspielern, zur Hälfte vom Publikum
bestimmt. Der Rhythmus des
Lachens gibt das Tempo des Spielens
vor. Die Interaktion ist im GLOBE natürlich
viel stärker als in anderen Spielstätten.
Die Bühne ist umgeben vom
Publikum, man spielt inmitten der
Menschen. Das führt dazu, dass man
leichter auf sie hören kann. Als Druck
empfinde ich das aber nicht, denn dann
wäre ich im falschen Beruf. Im Gegenteil,
es erleichtert die Sache.
Wie sehr hat sich die Kabarettbranche
seit der Gründung des GLOBE WIEN
verändert?
Hoanzl: Meiner Wahrnehmung nach
wird es immer bunter und vielfältiger
in der Branche. Neben den bekannten
Stars der Szene beleben englischsprachige
Comedians ebenso wie Kollegen
aus Deutschland die Szene. Das hat sicher
auch mit dem fast uneingeschränkten
Medienangebot zu tun. Zusätzlich
ist in Österreich in den letzten
Jahren eine neue starke Generation von
Kabarettistinnen und Kabarettisten herangewachsen.
All das beeinflusst in direkter
und indirekter, jedenfalls aber positiver
Form natürlich auch das GLO-
BE WIEN wie alle anderen Spielstätten.

Apropos: Im Oktober treten Pizzera
& Jaus im GLOBE WIEN auf – nicht
nur die aktuell heißesten, sondern
auch jüngsten Eisen in der Kabarettbranche.
Will man so das junge Publikum
ins Theater zurückholen? Und
wie schwer ist es, die Jungen fürs
Theater zu begeistern?
Hoanzl: Ich glaube, dass es auf die Themen,
das Lebensgefühl und die glaubwürdige
Darstellung derselben ankommt,
ob man damit junge Menschen
anspricht. Hier gibt es neben Pizzera
und Jaus, die verdienterweise großartige
Erfolge feiern, mit Lisa Eckhart, Stefan
Leonhardsberger, Christoph Fritz und
vielen anderen ein umfangreiches und
vielfältiges Angebot, das Gleichaltrige
ebenso anspricht wie alle seit Jahrzehnten
Kabarettinteressierten. Das führt
zu einer Durchmischung und Belebung,
die der gesamten Branche zusätzliche
Vitalität einhaucht.
Niavarani: Es ist wichtig, den Kontakt
zur nächsten Generation zu halten und
ich lasse mich auch von ihr beeinflussen.
Mich interessiert, was und wie die das
Ganze machen, wie sie an eine Pointe
herangehen. Ich bin sehr neugierig, was
für neue Wege gegangen werden. Denn
es ist ja nichts fader, als immer dasselbe
zu sehen. Wobei man ja ehrlich sagen
muss: Wir machen alle dasselbe (lacht)!
Manchmal erkenne ich mich in dem einen
oder anderen Newcomer wieder.
n Ab Oktober öffnet der GLOBE WIEN
wieder seine Pforten, u. a. mit Künstlern
wie Pizzera & Jaus, Gernot Kulis, Michael
Mittermeier, Hausherr Michael Niavarani,
Thomas Stipsits, Jimmy Carr und Bülent
Ceylan. Am 26. November wird hier übrigens
auch der österreichische Kabarettpreis
vergeben. Für ausgewählte Veranstaltungen
sind FanTickets verfügbar.
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Gin & Tonic: Ziemli
Wo früher Hefe hergestellt wurde, findet heuer Wiens größter
Ginmarkt statt: Parallel zum Rumfestival dreht es sich im Herbst in
der Ottakringer Brauerei zur Abwechslung einmal nicht um Flüssigbrot.
Wir haben im Vorfeld Beefeaters Master Distiller Desmond
Payne in die Karten – und mit ihm ins Glas geschaut. TEXT: STEFAN BAUMGARTNER
18 |
Queen Mum ist dem Gin nicht
abgeneigt. Bereits beim Frühstück
beliebt sie sich damit zu
stärken, wie in der autorisierten Biografie
„Queen Elizabeth – The Queen Mother“
nachzulesen ist. Desmond Payne, Master
Distiller beim britischen Gin-Giganten
Beefeater, lächelt darauf angesprochen
verschmitzt. Auch er ist einem Gläschen
in den Morgenstunden – bevorzugt einem
Martini – nicht abgeneigt. Und natürlich
weiß er, welchen Gin das Oberhaupt
des britischen Empire bevorzugt.
Verraten möchte er uns dieses wohl gehütete
Geheimnis jedoch nicht: Der Name
der Marke Beefeater geht zwar auf
die Yeomen Warders, die Ordnungstruppe
des Towers of London, zurück.
Seinen Lebensalltag im ehemaligen Kriminalgefängnis
verbringen, das möchte
Payne dann doch nicht, scherzt er – in
Kennington, wo die Distillerie nach ihrer
Gründung im Stadtteil Chelsea und nach
Ausbau zur Jahrhundertwende in Lambeth
schließlich seit Ende des zweiten
Weltkriegs beheimatet ist, fühle er sich
eigentlich ganz wohl.
Doch Gin ist nicht allein der britischen
Hautevolee vorbehalten. Der Ansturm
auf die letztjährige Premiere des Wiener
Ginmarktes macht es deutlich: Die Wacholderspirituose
zählt heute zu den beliebtesten
– dabei aber auch spannendsten
– Alkoholika. Vielleicht nicht gerade
zum Frühstück, aber als Aperitif oder
als Feierabendgetränk ist ein Gin & Tonic
eine erfrischende Alternative zu Bier und
Wein – oder auch deren benebelungsfreundlicheren
Varianten Radler und
Spritzer. Einfach nur einen Gin & Tonic
beim Barkeeper seines Vertrauens bestellen
geht allerdings kaum noch – zu
angesagt ist das Getränk mittlerweile
und zu divers daher auch die Angebote:
Nicht nur Gin-, auch Tonic-Produzenten
gibt es viele – auch in Österreich, darunter
besonders empfehlenswert der
Styrian Dry Gin STIN und Enn Gin aus
Saalbach. Welcher Gin wem und wann
schmeckt, ist ähnlich wie beim Wein:
Beginner fangen gerne mit fruchtigen
Weißweinen an, bekommen irgendwann
Geschmack an den trockenen; machen
dann ihre Erfahrungen mit unkomplizierten
Roten und bleiben entweder bei
den eingängigen Blockbustern hängen
oder finden zu Subtilerem wie Bordeaux,
Rhône oder Barolo. Beim Gin ist es ganz
ähnlich. Gelegenheitsgenießer und Jungspunde
bevorzugen Wodka oder Gins
mit Frucht- und Kräuteraromen, sogenannten
Botanicals, die einfach oder
komplex sein können. Dagegen tendieren
erfahrene Ginliebhaber tendenziell
zu trockenen Gins mit mehr oder weniger
markantem Wacholdergeschmack.
Was ist Gin eigentlich?
Seine Herkunft verdankt der Gin Benediktinermönchen
in Salerno, die 1055
beschrieben, wie sie Wein mit Wacholderbeeren
versetzten. 1575 soll ein Professor
an der Universität in Leiden Wacholderöl
mit Alkohol versetzt haben.
Holländische Apotheker brachten das
Wacholderdestillat „Genièvre“ (französisch:
Wacholder) gegen Fiebererkrankungen
unter die Leute. Weil dieses Heilmittel
auch als Getränk interessant
schmeckte, dürfte sich auch Lucas Bols
damit beschäftigt haben, nachdem er
1575 eine Brennerei in Amsterdam gegründet
hatte. Schnell verbreitete
sich der Genever im nördlichen
Europa. Vor allem in England
fand das Destillat als Schnaps
begeisterte Abnehmer, die das
mittlerweile als Genever bekannte
Getränk zu Gin – nach
Verordnung eine „Spirituose mit
Wacholdergeschmack, die durch
Aromatisieren von Ethylalkohol
landwirtschaftlichen Ursprungs gewonnen
wird“ – anglisierten. Heute unterscheidet
man je nach Reinheitsgebot drei
Sorten von Gin, die nichts über den Geschmack
aussagen, wohl aber über die
Art und Weise, wie er hergestellt wird:
London Gin, Dry Gin und Sloe Gin, der
eigentlich ein Likör ist. Neben diesen

ch beste Freunde
Fotos: Beefeater, Philipp Lipiarski
von der EU festgelegten haben sich zahlreiche
weitere Sorten wie Old Tom und
Reserve etabliert, die zwar nicht offiziell
geschützt, von Herstellern aber trotzdem
mehrheitlich einheitlich verwendet werden.
Manche dieser geben auch eine geschmackliche
Orientierung.
Doch schließlich die Frage aller Fragen:
Wie genießt man dieses klare, bekömmliche
alkoholische Getränk eigentlich?
Nach einer Führung durch „seine“ Distillerie
lädt Desmond Payne in sein Heiligtum,
sein Büro. Es dominiert dunkles
Holz und schweres Leder – und eine
Vielzahl an Gerüchen: Zitrusfrüchte,
Koriander, Blumiges – hie und da vielleicht
auch Arznei-Noten. Hier wird also
darauf geachtet, dass die Qualität, das
Rezept von Beefeater-Gründer James
Burrough bewahrt bleibt. Mit strengem
Blick wacht jener von einem Ölgemälde
aus über jeden Handgriff seines
Nachfolgers, Desmond Payne.
Eigentlich gibt es kaum einen
geeigneteren Ort auf
der Welt, um in die
Welt des Gins einzutauchen.
Wohlan!
Was hat der Beefeater
Gin eigentlich mit den
Wächtern des Tower of
London am Hut?
Es ist eine Frage der Tradition,
eine Hommage – auch bei Beefeater
Gin geht es um Kulturerbe, Anspruch
und Londoner Herkunft.
Letztes Jahr konnten Sie persönlich ein
Jubiläum feiern: Bereits seit 50 Jahren
sind Sie unabkömmlicher Teil
der Industrie, wenngleich
im Hintergrund.
Wie bewahren
Sie sich nach so
langer Zeit den Enthusiasmus?
Mich inspiriert vor allem
die Ereiferung, die
Gin aktuell erfährt. Wenngleich
ich sagen muss: Über ein Gros
meiner Karriere folgte die Gin-Produktion
einem Schema F, doch selbst da war
jedes Jahr spannend und aufregend, weil
sich die Variablen in der Produktion,
die es zu beachten galt, stets änderten.
Wir sind abhängig von Naturprodukten,
und die sind einer Vielzahl an Faktoren
unterworfen, die wir nicht beeinflussen
können – wie etwa dem Wetter. Doch
gerade heute, bei einer derartigen Vielzahl
an Mitbewerbern, ist unser Geschäft
immens aufregend.
Wann waren Sie eigentlich das letzte
Mal so richtig vom Hocker?
Eigentlich permanent. Erst kürzlich war
ich auf einer Gin-Messe in Mailand und
musste mich zwangsweise durchkosten
– eine wahrlich schreckliche Kehrseite
meines Berufes (lacht). Einer von den
Ausstellern hatte einen Gin mit Tomatengeschmack
– und ich war so richtig
verblüfft, weil man Tomaten eigentlich
nicht destillieren kann, und zudem ist’s
ja noch dazu auch ein ziemlich ungewöhnlicher
Geschmack für einen Gin.
Doch: Überraschungen, auch positive,
passieren immer wieder! Auf derselben
Messe sah ich auch einen Gin, der war
blau, aber mit Zusatz von Tonic Water
wurde er plötzlich pink: Eine Spielerei,
GEWINN
SPIEL
Wir verlosen 3×2 Tages-Kombitickets für
das Rumfestival und den Ginmarkt sowie
drei Beefeater-Packages mit 1 Flasche
Beefeater, 2 Goblet-Gläser, 4 Ice Ball
Maker und 2 Fish-Glass Marker.
Mehr Informationen und
Teilnahmebedingungen siehe
ticketmagazin.com!
aber faszinierend. Und
wenn ich jetzt ins
Schwärmen komme,
auf was ich bei Cocktails
laufend stoße,
dann geht das ewig
noch so weiter …
Wie wichtig ist also Innovation
– oder wie gefährlich, wenn es um
die Tradition geht?
Innovation ist natürlich unumgänglich,
sonst wird es fade und öde – das war in
etwa die Krux, die wir in den Siebzigern
zu beklagen hatten. Doch nehmen wir
unseren Beefeater 24 zum Beispiel her
– hier ergänzt ein Hauch Grapefruit die
bekannten neun Inhaltsstoffe unseres
Standard-Gins und sofort haben wir ein
komplett neues Produkt vorliegen, ohne
dabei seine Herkunft zu negieren. So etwas
belebt die Szene, weckt Interesse.
Natürlich birgt Innovation auch die Gefahr,
übers Ziel hinauszuschießen: Plötzlich
ist Gin kein Gin mehr. Beim Gin
gibt es ziemlich strenge Regeln, was ihn
zu einem Gin macht – und viele Produkte
gaukeln vor, etwas zu sein, was
sie letztlich nicht sind. So sind besonders
süße Gins per definitionem eigentlich
Liköre. Man muss überdies auch aufpassen,
welche botanischen Inhaltsstoffe
man verwendet, man muss genau abstecken,
ob die Produkte nicht nur sicher
und legal, sondern auch problemfrei zu
verarbeiten sind – wir wollen zum Beispiel
tunlichst vermeiden, dass der Gin
mit der Zeit in der Flasche trüb wird
oder gar die Farbe verändert. Zu diesem
Behufe verfüge ich über eine gigantische
Bibliothek an möglichen Ingredienzien
| 19

– viele davon sind noch nicht verwendet
worden –, die wir da dann genau durcharbeiten.
Es gab zum Beispiel erst kürzlich
den Vorfall, dass ein Barkeeper für einen
Drink Flüssigstickstoff verwendete.
Dass das nicht glimpflich ausging, brauche
ich glaube ich nicht zu erwähnen.
So etwas muss bei aller Innovation natürlich
tunlichst vermieden werden.
Vorsicht ist immer die Mutter der
Porzellan kiste.
Italienische Puristen sagen, dass ein
Pizzabelag nicht aus mehr als zwei oder
drei Zutaten bestehen sollte. Nun hat
Beefeater Gin derer neun, andere Gins
eine schier unglaubliche Menge an Inhaltsstoffen.
Kann man es auch beim
Gin übertreiben?
(lacht) Guter Vergleich, aber: natürlich!
Ich glaube, dass man sowohl Gefahr laufen
kann, wenn man zu wenige, oder
aber auch zu viele Ingredienzien verwendet:
Dann wirkt der Gin bald einmal
zu simpel, oder im Gegenteil wirr. Hingegen
sind Tanqueray und Monkey47
beide gute Gins – erster mit vier, zweiter
mit 47 Inhaltsstoffen. Letztlich kommt
es nur darauf an, wie die Inhaltsstoffe
zusammen wirken – auf die Balance.
Mit Gin ist es wie bei dem Zirkus-Akt,
bei dem Teller auf Stäben rotieren: Man
muss stets auf jeden der Teller genau
achten und sie immer in Schwung halten.
Da ist es manchmal klüger, sich das Leben
nicht zu schwer zu machen, das
Kunststück ist auch mit wenigen Tellern
beachtlich, wie auch ein Gin mit weniger
Zutaten hervorragend sein kann!
Für Otto Normal ist es ja nicht allein
die größte Krux, einen formidablen
Gin zu finden. Wie weiß man, welches
Tonic Water dazu passt? Gibt es da eine
Faustregel?
Leider nein: Probieren geht über Studieren
(lacht). Gin hat einen Vorteil, der
halt auch zum Nachteil gereichen kann:
20 |
Gin harmoniert in
viele verschiedene
Richtungen, da gibt
es nicht ein Richtig
und ein Falsch. Ein
guter Gin – und natürlich
auch ein gutes
Tonic Water – harmonieren
in unterschiedlichen
Zusammensetzungen
und in
einer Vielzahl an
Kombinationen.
Letztlich ist die Aromatik
eines Gins richtungsweisend
für das
ideale Tonic: Verfügt
der Gin bereits über
ein sehr intensives
oder komplexes Aromenspektrum,
kann das Tonic eher zurückhaltend
sein – oder, wenn es denn
besonders aromatisch sein soll, weiteres
Aroma mitbringen.
Gin ist aktuell sehr angesagt, beinahe:
trendy. Geht da die einstige Noblesse
etwas flöten?
Vielleicht, aber Menschen heutzutage
wollen keine „Noblesse“. Es ist toll, gewisse
klassische Referenzwerte zu haben,
aber man muss aufpassen, nicht links
liegen gelassen zu werden.
Desmond Payne Seit 1967, dem Jahr, in dem das Rolling Stone Magazine
erstmals erschien und die Beatles „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts
Club Band“ veröffentlichten, ist der Brite integraler Bestandteil der
bunten Welt des Gins. Mittlerweile ist er hauptverantwortlich für die
Qualität von Beefeater Gin.
Gin, so variabel sein Einsatz auch ist,
ist jedoch nur eine von vielen alkoholischen
Stimulanzen – angefangen bei
Bier über Wein bis hin zu einer Vielzahl
an Spirituosen. Was ist sein USP?
Bei Wein steht die Traube im Fokus, bei
Bier die Gerste, bei Whisky das Getreide,
bei Rum Zuckerrohr. Gin kann sich geschmacklich
um alles, was du willst, drehen.
Auch wenn Wacholder Hauptbestandteil
sein muss, Gin ist sehr wandlungsfähig
und kann ob der Vielzahl an
möglichen Inhaltsstoffen in sämtliche
Richtungen stieben. Jetzt, wo Gin populär
ist, Cocktails wieder in sind und
vor allem die Barkeeper auch geschult,
haben wir wirklich ein schier endloses
Feld an Möglichkeiten, und da sticht
Gin im Gegensatz zu anderen Spirituosen
eben nochmals hervor. Man könnte Gin
vielleicht mit Wodka vergleichen, doch
guter Wodka hat bekanntlich keinen
Eigengeschmack.
Gibt es heute eigentlich einen typischen
Gin-Trinker, den Sie auch mit Beefeater
ansprechen müssen? Also von wegen
„männlicher, gut situierter Single zwischen
30 und 45 sucht alkoholisches
Getränk“?
(lacht) Heutzutage nicht mehr, nein.
Gin war dereinst das Getränk, das alte
Herren im Golfclub tranken. Diese Zeiten
sind vorbei. Die neue Generation an
Gin-Trinkern ist so divers, dass es auch
dementsprechend eine Vielzahl an Möglichkeiten
gibt, Gin zu genießen.
n Der Ginmarkt findet parallel zum Rumfestival
zwischen 28. und 29: September
in der Wiener Ottakringer Brauerei statt.
Infos: ginmarkt.at & rumfestival.at

I want to break free
Unter dem Slogan „Das Einzige, das noch außergewöhnlicher ist
als ihre Musik, ist seine Geschichte“ erzählt die neue Filmbiografie
„Bohemian Rhapsody“ Mercurys Aufstieg mit Queen. TEXT: STEFAN BAUMGARTNER
Foto: 20th Century Fox
Seit Jahren versuchen diverse Studios,
eine hochwertige, aber trotzdem
massentaugliche Filmbiografie
über Freddie Mercury und seine Band
Queen auf die Beine zu stellen. Schließlich
traute es sich 20th Century Fox zu und
hatte eigentlich Bryan Singer („X-Men“,
„Die üblichen Verdächtigen“) als Regisseur
für das Projekt verpflichtet. Dumm
nur: Singer ist irgendwann einfach nicht
mehr am Set aufgetaucht und wurde gefeuert.
Fertig gedreht wurde „Bohemian
Rhapsody“ trotzdem, am 1. November
kommt er in die heimischen Kinos.
Rami Malek, der durch die Serie „Mr.
Robot“ zu Ruhm gekommen ist, spielt
hierin Freddie Mercury. Damit er Mercury
jedoch nicht nur optisch das Wasser
reichen kann, nahm er für die Rolle viel
Gesangstraining, probte die Stücke von
Queen zudem auch nicht irgendwo, sondern
in den berühmten Abbey Road Studios
(The Beatles, Pink Floyd, Deep Purple,
Depeche Mode, Oasis, Nick Cave,
Robbie Williams) in London.
„Ich werde kein Rockstar sein, ich werde
eine Legende!“ Dieser berühmte Satz,
den der junge Freddie Mercury noch
lange vor der Gründung von Queen gesprochen
haben soll, mag aus anderen
Mündern arrogant klingen, doch in seinem
Fall war es einfach prophetisch.
Während Mercurys Kampf gegen AIDS
nicht ausgeschlachtet werden soll, wird
sein Privatleben durchaus eine große
Rolle spielen: Sowohl seine langjährige
Partnerin Mary Austin wie auch seine
gleichgeschlechtlichen Beziehungen finden
Raum. Dennoch soll „Bohemian
Rhapsody“ kein reines Mercury-Biopic
werden, vielmehr soll die Geschichte von
Queen und ihre Musik im Mittelpunkt
stehen: „Bohemian Rhapsody“ wird 1970
beginnen, als Mercury sich mit Roger
Taylor und Brian May entschloss, die
Band zu gründen. Der Film begleitet
Queen, während sie Hit über Hit produzieren,
die Musikcharts anführen und
dabei ihre Musik immer weiter entwickeln.
Durch so grundverschiedene Songs
wie „Killer Queen”, „Bohemian Rhapsody”,
„We Are The Champions” und
„We Will Rock You” sowie unzählige
weitere Songs gelang der Band ein beispielloser
Erfolg, der Freddie zu einem
GEWINN
SPIEL
Wir verlosen zwei Premierentickets für
„Bohemian Rhapsody“ in einem
österreichischen Cineplexx-Kino und
einen Gutschein für ein Zweipersonen-
Menü im Hard Rock Cafe Vienna.
Mehr Informationen und
Teilnahmebedingungen siehe
ticketmagazin.com!
Bohemian Rhapsody
Rami Malek lässt im
fantastischen Biopic
Queen wiederauferstehen:
Ab 1. November in
den Cineplexx-Kinos.
der beliebtesten Entertainer weltweit, ja:
zur Legende machte. Doch hinter der
Fassade von Erfolg kämpfte Freddie mit
seiner inneren Zerrissenheit. Enden wird
der Film 1985, dem Jahr, in dem Queen
bei Band Aid auftraten – sechs Jahre vor
Mercurys Tod.
Doch vor dem Tod kommt bekanntlich
die Geburt: Mercury wäre am 5. September
72 Jahre alt geworden. Das nimmt
das Hard Rock Rock Cafe Vienna zum
Anlass, ihn im großen Stil zu feiern. Das
Team wird den ganzen Tag als Freddie
Mercury kostümiert sein, außerdem sind
„Charity Schnurrbärte“ erhältlich, deren
Erlöse dem Mercury Phoenix Trust, der
sich dem globalen Kampf gegen
HIV/AIDS einsetzt, zugutekommt.
| 21

„Dinosaurier – Im Reich der Giganten“
bietet eine fulminante Reise ins Reich der
gigantischen Urechsen – „hautnah“. Bereits in den
größten deutschsprachigen Städten aufgeführt, bietet die
Show „Edutainment“ – Wissen unterhaltsam und spannend
dargeboten – auf allerhöchstem Niveau. Bisher
hieß es: „Gut gebrüllt, Löwe!“ Ab nun heißt es:
„Gut gebrüllt, T. rex!“
TEXT: STEFAN BAUMGARTNER
Die Dinosaurier Insgesamt 18 Dinosaurier neun
separater Spezies sind die Stars aus einem „Land vor
unserer Zeit“. Während der Brachiosaurus mit 17
Meter Länge protzt, ist der Star der Show freilich
der Tyrannosaurus rex.
1993 setzte eine Hollywood-Produktion
neue Maßstäbe im Bereich der schaftlicher Sicht hanebüchen): Multi-
Eines muss man John Hammond jedoch
wie genial (wenn auch aus naturwissen-
Faktum und Fiktion
Spezialeffekte und Computertechnologie:
milliardär John Hammond hat sich seine lassen – ein Park wie dieser würde ein
Steven Spielbergs „Jurassic Park“.
Erstmals in der Geschichte des Films erwachten
die gigantischen Kreaturen aus
grauen Vorzeiten, die Dinosaurier, lebensechtaus
ihrem Jahrmillionen andauernden
Tiefschlaf. Nicht nur waren computergenerierte
von animatronischen Giganten
nicht mehr zu unterscheiden, auch wirkten
sie auf der Leinwand lebensnah wie das
Eichhörnchen im Park oder der Elefant
im Zoo.
Dabei ist die Geschichte dahinter so einfach
kindliche Begeisterung für die Urzeitechsen
behalten und plant auf einer pazifischen
Insel einen Erlebnispark mit paläontologischen
Sensationen, den Jurassic Park
eben. Möglich machte dies erst die Entdeckung
einer im Baumharz eingeschlossenen
Stechmücke, der man Dinosaurierblut
als Grundlage zur DNA-Rekonstruktion
entnahm. Allzu schnell kommt man
schmerzlich drauf, dass Raptoren oder
ein Tyrannosaurus ihre eigene Vorstellung
von „Spiel, Spaß und Spannung“ haben.
jedes Kinderaugenpaar leuchten machen
und selbst den abgebrühtesten Erwachsenen
in ein schieres Staunen versetzen.
Die Dinosaurier! Allein der Name ist schon
bombastisch, der Rocky der Tierwelt. So
alt wie die Urzeitechsen – bis zu über 200
Millionen Jahre – ist der Begriff freilich
nicht. Erst 1842 wurde vom englischen
Anatom Richard Owen das Taxon „Dinosauria“
aufgestellt. Dazu zählen seitdem
die Theropoden (zweibeinige Fleischfresser
wie der Tyrannosaurus), die Sauropodo-
Fotos: Live Nation

morphen (weitestgehend größere, pflanzenfressende
Saurier mit langen Hälsen
und Schwänzen wie der Diplodocus), Ankylo-
und Stegosaurier, sowie Ceratopsia
(allesamt vierbeinige Pflanzenfresser mit
massiven Hautpanzern, an der Wirbelsäule
entlang aufgestellten Knochenplatten sowie
Hörnern und Nackenschilden wie
zum Beispiel der Triceratops, der Stegosaurus
und der Panoplosaurus), wie auch
die Ornithopoden, weitestgehend zweifüßige
Pflanzenfresser.
Doch was macht die immense Faszination
eigentlich aus? Die Imposanz der Tiere
allein kann es kaum sein, auch Wal, Riesenkrake,
Elefant oder Giraffe sind bombastische
Tiere, alt ist ein Achat oder die
Heidelberger Liederhandschrift auch, bekommt
aber nur minder breitenwirkende
Begeisterung zugeteilt. Vielleicht liegt es
auch weniger an der Evolution der Saurier,
weniger an ihrem naturwissenschaftlichen
Faktum, vielmehr an ihrer Fiktion, an
ihrer Kulturgeschichte, in der Fossilien
tatsächlich nur ein Stück des Puzzles ausmachen.
Immerhin weiß man nur wenig
über das Knochenskelett Hinausgehendes
– welche Farbe die Haut dieser oder jener
Dinosaurier tatsächlich hatte, ist bis heute
Erfindung, Fantasie, ein Konstrukt.
Popstar Dino
Der Dinosaurier wandert nicht aus dem
öden, staubigen Schulbuch in Kinderzimmer,
sondern tritt von der Bühne „Film“
und „Comic“ in die kindlichen vier Wände,
und das mit einem Kawumms. Gleich
wie Godzilla oder King Kong stampfen
die Monster querbeet und sorgen für Verwüstungen
und durch Mark und Bein
gehendes Geheul und Gebrüll – oder aber
auch kindergerecht moralisierend und
persönlichkeitsbildend wie in der ebenfalls
aus dem Hause Spielberg stammenden
Filmreihe „In einem Land vor unserer
Zeit“, in der Kindchenschemata auf einen
| 23

Nahrungskette Heute ist der Disput zwischen Herbivoren und Carnivoren vornehmlich amikaler.
In grauen Vorzeiten jedoch haben die Fleischfresser ihre Artgenossen einfach noch verspeist.
Hier macht gerade ein Allosaurus Jagd auf einen Stegosaurus.
actiongeladenen, tierischen Bildungsund
Wanderroman treffen.
Für Erheiterung wiederum und nicht
für Angst und Schrecken sorgten „Die
Dinos“ aus der Feder von „Muppets“-
Vater Jim Henson mit der vermenschlichten
Dinosaurier-Familie Sinclair im
Mittelpunkt der Erzählung, welche sich
als eine Mixtur aus Moderne und einer
fiktiven, von Dinosauriern bevölkerten
Steinzeit präsentiert und ähnlich wie
die Familie Feuerstein einer stereotypischen
US-amerikanischen Familie
nachempfunden ist – gewissermaßen
„Roseanne“ mit Ganzkörperdinopuppen.
Slapstick pur, im Zentrum freilich
Baby Sinclair, das Vater Earl provoziert,
indem es ihn „nicht die Mama“ nennt
und somit die Bezeichnung „Papa“ umgeht.
Mitlesende Väter aufgemerkt, Babies
sind schlauer als man denkt!
produzierte die britische BBC – der Name
bürgt für Qualität – 1999 eine dokumentarische
Fernsehserie namens
„Walking With Dinosaurs“, auf den
deutschen Markt kam selbige unter dem
Namen „Dinosaurier – Im Reich der
Giganten“ auf ProSieben. Der BBC gelang
eine Verbindung zwischen Fiktion
und Faktum sowie Spannung und Bildung,
präsentierte fesselnd einer altersmäßig
breit gefächerten Zielgruppe paläontologische
Erkenntnisse.
Auf genau jener Serie baut nun die Show
in der Wiener Stadthalle auf und wir sagen
bewusst: Show, Live-Spektakel ist
eine treffende Alternative. Ein theatralischer
Zoo, in dem die Tiergartenbewohner
vielleicht eigentlich tot und mechanisch
sind, dabei aber nicht minder
lebendig und „spontan“ wirken als Löwe,
Affe, Panther und Elefant ums Eck in
Schönbrunn. „Dinosaurier – Im Reich
der Giganten“ ist eine fantastische Reise
in die Urzeit, eine perfekte Illusion eines
„Landes vor unserer Zeit“ mit monumentaler
Kulisse und 18 Urechsen, die
kunstfertig zum Leben erweckt wurden.
fing alles tatsächlich an. Tatsächlich
Im Reich der Giganten
Was ist nun „Dinosaurier – Im Reich
der Giganten“? Verstaubte Museumsexponate,
die von selbst zum Husten
anfangen? Eine Ausstellung, eine Diashow,
ein Film? Nun – am Bildschirm
24 |
Anschaulich, unterhaltsam und dramatisch
wird die Geschichte der Dinosaurier
bis zu ihrem Untergang präsentiert.
Die Zuschauer erleben hautnah,
wie fleischfressende Dinosaurier sich
im Laufe ihrer Evolution auf zwei Beine
aufrichten oder wie pflanzenfressende
Saurier scheinbare flinkere und beweglichere
Angreifer in die Flucht schlagen.
Nach dem Vorbild der TV-Serie ist die
Show in eine emotionale Story eingebettet,
die gleichermaßen berührt und
fasziniert. Die Hauptakteure sind Tyrannosaurus
rex, der Schrecken der Urwelt,
Plateosaurus und Liliensternus
aus dem Trias, Stegosaurus und Allosaurus
aus dem Jura und Torosaurus
und Utahraptor aus der Kreidezeit. Der
größte von ihnen, der Brachiosaurus,
ist 11 Meter hoch und misst von der
Nasen- bis zur Schwanzspitze fast 17
Meter.
Freilich ist die Show „populär“, dadurch
aber familiengerecht – Suess, Murchison,
Geinitz, Darwin oder Cuvier würden
vermutlich „zu wenig Fußnoten“
finden, der Anspruch ist jedoch auch
ein anderer: „Dinosaurier – Im Reich
der Giganten“ weckt die Faszination
an Dinosauriern oder bestärkt selbige,
begeistert mit symphonischer Musik,
realistischen Darstellungen und raffinierten
Effekten, entführt in eine Welt
voller ehrfürchtigem Staunen – und
regt nicht selten dazu an, sich im
Anschluss näher und intensiver „mit
dem Thema“ zu beschäftigen. Hier fragen
sich wohl einige der Eltern: „Und
wann kommt endlich eine Show über
Brokkoli?“
n „Dinosaurier – Im Reich der Giganten“
gastiert Anfang März in der Wiener Stadthalle
(D), zur Monatsmitte in der Olympiahalle
München. Auf oeticket.com sind
FanTickets verfügbar, für Wien gibt es ticketPLUS+
Dinner im Restaurant Oben.

Emanzipierte Heldin
Starke Frauen, Freiheitsdrang, Fröhlichkeit und Lebenslust –
das sind die Motive von José Montalvos neuester Tanzkreation
„Carmen(s)“. TEXT: PAUL M. DELAVOS
Foto: Patrick Berger
Für den spanischstämmigen Choreografen
José Montalvo ist die
Figur der Carmen und ihr Freiheitsdrang
in jeder Frau und auch in so
manchem Mann enthalten. Somit wird
die Hauptrolle auf alle Tänzerinnen aufgeteilt
und Carmen spricht simultan in
den Sprachen der Welt: Französisch, Spanisch,
Koreanisch … Was ihn an Carmen
fasziniert, erklärt der Choreograf so: „Ich
liebe diese mythische Figur, weil sie singend
und tanzend die Revolte verkörpert.“
Carmen, das war zudem der Vorname
seiner katalanischen Großmutter und
die Lieblingsrolle seiner Mutter als Tänzerin.
Bizets Musik mit ihrer
„tragischen Leichtigkeit“
ist für Montalvo „eine
echte Herausforderung“
für eine choreografische
Version.
Zwischen Flamenco
und Hip-Hop, klassischer
Oper und moderner
Live-Musik, mit iranischer
Dudelsackmusik,
arabisch-andalusischen
Klängen und
koreanischer Perkussionskunst
huldigt
Montalvo in
seiner hoffnungsvollen
Arbeit „Carmen(s)“
der individuellen
Freiheit des
Einzelnen.
Koproduktionen
Das Festspielhaus St. Pölten etabliert sich
immer mehr als Koproduzent und ist
mittlerweile ein wichtiger Partner im zeitgenössischen
Tanz- und Circusschaffen
geworden. Brigitte Fürle, Intendantin des
Hauses, betont, dass es ihr allem voran
um die Förderung freier Compagnien im
Bereich des Tanzes geht, die keinen festen
Repertoirestrukturen angehören: „Die
großen europäischen Festivals entziehen
sich zunehmend ihrer Rolle als Koproduzenten
und verweisen auf den Imagegewinn
der Compagnien durch die Einladung
– das Festspielhaus St. Pölten sieht
es jedoch auch als eine künstlerische Notwendigkeit,
am Kreationsschaffen der großen
Künstlerinnen und Künstler teilzunehmen.
Denn es sind vor allem ihre
Kreationen, die künstlerische Ausnahmeproduktionen
hervorbringen und die auch
die spannendsten Begegnungen innerhalb
der verschiedenen Kunstgenres riskieren.“
Nach „Carmen(s)“ werden drei weitere
Koproduktionen – Sasha Waltzs „Kreatur“
(8. Dezember), „Requiem pour L.“ von
Alain Platel und Fabrizio Cassol sowie
der frankokanadische Cirque Éloize mit
seiner neuen Kreation „HOTEL“ – in der
kommenden Saison zu sehen sein.
n „Carmen(s)“ erleben Sie am 13. Oktober
im Festspielhaus St. Pölten.
Weitere Inszenierungen des
Stoffes: Von Laurence Dale
im September am Tiroler
Landestheater, dirigiert von
Frédéric Chaslin in der Wiener
Staatsoper im September
und im Oktober und Dezember
unter der Regie von Raúl
Macías Ramos im Theater
Akzent.
Starke Geschlechter
Für den Choreografen
José Montalvo steckt
Carmens Freiheitsdrang
in jeder Frau und auch in
so manchem Mann.
| 25

!ticket highlights
Support: Luke Andrews
Seit frühester Kindheit lebt Donavon Frankenreiter
seine Kreativität auf zwei Wellen: Surfen und Musik.
Beides praktiziert er aus vollem Herzen und ist
damit äußerst erfolgreich. Fans rund um den Globus
lieben ihn für seine authentische und ehrliche
Persönlichkeit. Sein aktuelles, mittlerweile siebtes
Studioalbum trägt den Titel „The Heart“. Donavon
Frankenreiter beschreibt es als sein persönlichstes
und emotionalstes Werk, es markiert den Beginn
seiner zweiten Dekade als Solokünstler.
Donavon Frankenreiter
13. Oktober, ppc Graz und 14. Oktober, Wiener Metropol
Novum
Seit ihrem ersten Auftritt 1967 haben sich Procol
Harum stetig weiterentwickelt, aber Kopf der
Band war immer Sänger, Pianist und Komponist
Gary Brooker. Ein großer Teil der aktuellen Besetzung
spielt schon seit Anfang der Neunziger zusammen.
Dazu gehören Bassist Matt Pegg (Jethro
Tull, Ian Brown), Drummer Geoff Dunn (Jimmy
Page, Dave Stewart, Van Morrison), Gitarrist Geoff
Whitehorn (Roger Chapman, Paul Rodgers,
Roger Daltrey) und Hammondorgelspieler Josh
Phillips (Pete Townshend, Midge Ure).
14. Oktober, Gasometer
6. bis 28. Oktober, Sargfabrik
Procol Harum
(Noch) BildungsFERNER
Der „Lehrer des Jahres“ lässt auf
seinen großen Kabarett-Erfolg
„Schule, OIDA!“ das Programm
„BildungsFERNER“ folgen! Darin
geht er auf humorvolle Weise den
folgenden Fragen nach: Ist die
Ganztagsschule die Rettung des
Bildungssystems oder ist das Bildungsministerium
noch zu retten?
Handelt es sich bei „unter ferner
liefen“ um Österreichs Platz beim
Pisatest? Oder geht es doch um
Österreichs Schüler, also die zukünftige
Bildungselite, denen
Andreas Ferner tagtäglich unter
Tränen und Schweiß Wissen
nahebringen möchte?
Herbst und Winter in diversten Locations in Wien und Graz
Murder Ballad
Andreas Ferner
Liebe. Ist ein Killer.
Murder Ballad sorgte bereits bei seiner Premiere 2012
am Off-Broadway für Furore. Der messerscharfe Musicalthriller
von Julia Jordan (Preisträgerin des Jonathan
Larson Awards) und die Indierock-Singer-Songwriterin
Juliana Nash ist eine dramatische und spannende
Dreiecksliebesgeschichte mit der jungen Sara im Mittelpunkt,
deren scheinbar sorgloses Leben von der eigenen
Vergangenheit getrübt wird. Liebe, Schmerz,
Sehnsucht und Verlangen ziehen dabei in einen
Strudel aus Gefühlen, der am Ende tödlich
endet. Das Musical überzeugt mit rockiger
Musik und gefühlvollen Balladen.
Fotos: GEPA Pictures (ÖFB), Agentur3 (Murder Ballad), Rodney Bursiel (Donavon Frankenreiter),
Severin Wurnig (Andreas Ferner), Barracuda Music (Procol Harum)
26 |

Das Nationalteam
Österreich auf Torejagd in der UEFA Nations League
Das österreichische Nationalteam startet im Herbst in die UEFA Nations League und trifft dabei in den Heimspielen auf Nordirland
(12. 10.) und Bosnien-Herzegowina (15. 11.). Beide Partien werden im Wiener Ernst-Happel-Stadion ausgetragen, Beginnzeit
ist jeweils 20:45 Uhr. Karten sind vorerst ausschließlich im Vorteils-Abo unter oefb.at/tickets und via ÖFB Ticket-Hotline
(01) 96096 555 erhältlich. Die Ticketpreise liegen zwischen € 16,00 und € 106,00. Bestellungen für Karten der begehrten
VIP-Kategorien können an
vip@oefb.at gerichtet werden.
Für Anhänger von Bosnien-Herzegowina
ist der Sektor A/F vorgesehen.
Die Fans werden dringend
gebeten, ihre Tickets im entsprechenden
Bereich zu buchen. Im
Österreich-Sektor C/D sind keine
Fanutensilien der Gäste-Teams
erlaubt.
ÖFB Reisen hat wieder attraktive
Angebote für Fans aus ganz Österreich
inklusive Anreise mit den
ÖBB, Übernachtung und Tickets
für die Länderspiele zusammengestellt.
Die Fanreisen sind unter
www.oefb-reisen.at buchbar.
12. Oktober (gegen Nordirland) und 15. November (gegen Bosnien-Herzegowina), Ernst-Happel-Stadion
| 27

!ticket highlights
The Ultimate
Am 25. November ist es so weit: der kanadische Rocksänger Bryan Adams
kommt nach Salzburg! Seit 1983 erreichte er in über 30 Ländern Nummer-1-
Platzierungen in den Charts. Adams hat in seiner Karriere über 100 Millionen
Tonträger verkauft. Mit „I Do It For You“, „Summer Of ’69“ oder „Heaven“
landete er Hits, die wohl jedem im Gedächtnis geblieben sind. Dass Adams
nicht nur als Headliner, sondern auch als Support-Act glänzt, hat er Anfang
August in Toronto bewiesen, wo er ganz unverhofft bei einer Show von Taylor
Swift auf der Bühne stand und gemeinsam mit der „Reputation“-Sängerin
eben einen seiner Gassenhauer („Summer Of ’69“) auf die
Bühne gebracht hat. Bei seiner Show im November steht
er dann allerdings wieder im Mittelpunkt.
Bryan Adams
22. November, Dvorana Stozice (Laibach) und 25. November, Salzburgarena
Ecclesia Diabolica Evropa e.v.
Behemoths neues Album „I Loved You At Your
Darkest“ wird am 5. Oktober via Nuclear Blast
veröffentlicht, gemeinsam mit At The Gates und
Wolves In The Throne Room werden sie hierauf
eine unheilige Dreifaltigkeit bilden und einen
Schwarm der Verwüstung über den alten Kontinent
bringen. Wenn der Auftritt am diesjährigen
Brutal Assault Bände spricht, dann wird es feurig!
14. Oktober, Gasometer
Behemoth
1. Dezember, Brucknerhaus & 2. Dezember, Gasometer
Tabu
„Tabu – LIVE" ist die Fortsetzung
einer künstlerischen Offensive,
die Michelle bereits mit der
Veröffentlichung ihres Albums
„Tabu“ eingeleitet hat. Mit einem
Team junger und progressiver
Songschreiber und Produzenten
im Rücken balanciert sie
gekonnt auf der Grenze von
Schlager und Pop: Beteiligt waren
u. a. Joe Walter (Glasperlenspiel,
Felix Jaehn, Jennifer Rostock,
Christina Stürmer), Stephanie
Stumph (Helene Fischer),
Thorsten Brötzmann (Helene Fischer,
Kerstin Ott, Matthias
Reim, Ben Zucker) sowie
Peter Plate und Ulf Sommer
(Rosenstolz, 2Raumwohnung,
Sarah Connor).
15. September 2019, Stadthalle (F)
1220
Dem Cloud-Rapper Yung Hurn wird seit seinen
ersten musikalischen Ausrufezeichen eine ganze
Menge zugeschrieben. Er ist unter anderem Punk, Dadaist,
Avantgardist und Stilikone, ein Star wider Willen. Einer, der sich
den Gesetzmäßigkeiten der Hip-Hop-Welt verweigert und gerade
deshalb Künstler aller Couleur, Schriftsteller oder Modemacher
anspricht, die in ihm einen Dadaisten fürs 21. Jahrhundert
sehen. Die Yung-Hurn-Liebe der Kulturbohème geht mittlerweile
sogar so weit, dass Yung Hurn kürzlich in einem Anzug von
Gucci von der Modebibel Vogue angepriesen wurde. Ja selbst
die sonst so konservative Tageszeitung Die Presse findet nur
beste Worte über den Donaustädter!
Yung Hurn
Michelle
Fotos: LKS (Michelle), Bryan Adams (Bryan Adams), Barracuda Music (Yung Hurn), Grzegorz
Gołe?biowski (Behemoth), Snorri Sturluson (Solstafir)
28 |

Vienna Metal Meeting
Mit: Sólstafir, Unleashed, Rotting
Christ, Necrophobic u. a.
Das Vienna Metal Meeting ist neben
dem Kaltenbach Open Air das
größte und härteste Festival
Österreichs und konnte bereits in
den ersten beiden Saisonen mit
einem breit gefächterten Programm
überzeugen. Doch die ersten
Ankündigungen für die dritte
Saison legen für Connaisseure der
Brachialgenres Death, Black und
Thrash noch ein Schäufelchen
nach: Von Sólstafir über Unleashed
und Fleshcrawl bis hin zu Rotting
Christ und Necrophobic sind jetzt
schon absolute Szenegrößen zu
vermelden! Aber: Auch das Okkulte
steht diesmal mit Urfaust
und Our Survival Depends On Us
hoch im Kurs!
11. Mai, Arena
| 29

MODERNV
Im Spätsommer tragen die coolen Mädels Lila.
Dunkle Farben und urbane Coolness stimmen
auf den Herbst ein. REDAKTION: ANGELIKA GOLDMANN
WARME OHREN
Orange passt zu Lila und frech zu cool.
Die orangen Beanies gibt es bei
www.cheapmonday.com.
DER HERBST
WIRD COOL
Zoë Kravitz ist das neue
Gesicht des Kult-Duftes Black
Opium. Natürlich, feminin und
avantgardistisch – das beschreibt
dieses neue Duo wohl
am besten. Die Musikerin und
Schauspielerin ist im Herbst
auch auf der Leinwand aktuell:
„Fantastic Beasts: The Crimes
of Grindelwald“ läuft ab November
in den Kinos. Erhältlich
ist der Duft zum Beispiel bei
www.douglas.at.
ES SCHALLT …
… einfach wunderbar mit
Vinyl. Diese LP fehlt noch in
deiner Sammlung! Schöne
Stimmen für melancholisches
Nachspüren. Herbstlich.
www.urbanoutfitters.de
30 |

AMP
!ticket lifestyle
Warme Ohren.
SCHMUCKES TEIL
Orange passt zu lila und frech zu cool.
Orange Beanie von
www.cheapmonday.com
Der Skull-Ring von Cheap Monday ziert im Herbst
unsere zarten Finger.
www.cheapmonday.com
FLAUSCHIG
Noch mögen wir es
nicht so richtig glauben,
aber die kühleren Tage
werden kommen.
Warm und kuschelig ist
der Mantel aus der
H&M Herbstkollektion.
Ab September in den
Shops und online auf
www.hm.com.
BAUCHLADEN
Fotos: Hersteller
VIOLETT,
AUBERGINE, LILA
Mit dem Vice Lippenstift Marfa aus der
Born to Run Collection von Urban Decay
sind wir im Herbst farblich auf der richtigen
Seite des Make-up-Spektrums.
www.urban-decay.at
Dieses Jahr geht es einfach nicht
ohne: Die späten Neunziger lassen
mit dieser tollen Gürteltasche aus
hellblauem Samt grüßen.
www.urbanoutfitters.de
STOLZES SHIRT
Wie könnte man besser in den Spätsommer starten
als mit diesem Shirt voll Liebe? Aus der Love
For All Collection von H&M, die in ausgewählten
Shops und auf www.hm.com erhältlich ist.
| 31

!ticket heimat
Himmel & Hölle
Ein neues Freiheitsgefühl, mehr Ehrlichkeit zu sich selbst: die oberösterreichische
Musikerin AVEC legt ihr zweites Album „ Heaven /
Hell“ vor – und zeigt damit ihre musikalische und persönliche
Weiterentwicklung. TEXT: AMINA BEGANOVIC
termine
Im Herbst und
Erwachsen AVEC machte
mit ihrem neuen Album
einen Reifeprozess durch.
die junge schwertheit bestimmt sein sollte. Aber
Singer-Songwriterin AVEC suchte nie den einfachen Weg,
2015tauchte
quasi aus dem zumindest nicht in musikalischer Hinsicht.
Die Schönheit sowie die Schatten-
Nichts auf und verzauberte mit ihrer filigranen
Gitarrenmusik und einer Stimme,
die eine Brücke zwischen zarter mittlerweile 23-jährige Liedermacherin
seiten des Lebens sind die Dinge, die die
Leichtigkeit und rauer Melancholie inspirieren – auch auf ihrem zweiten Album
„Heaven / Hell“, das am 14. Sep-
schlägt. Ihr Debütalbum „What If We
Never Forget“ wurde von Kritikern gefeiert,
es folgten sogar Amadeus Award- Damit geht AVEC nun in andere Richtember
via earcandy recordings erscheint.
Nominierungen für die knapp 20-Jährige. tungen und beweist den eigenen Entwicklungsprozess
als Künstlerin, von ju-
Ein Alter, das eigentlich von Unbe-
32 |
Winter geht
AVEC auf große
Album-Release-
Tour und macht
dabei unter anderem
im Orpheum
Graz (25. 10.), im
Wiener WUK
(30. 10.), im Rockhouse
Salzburg (7. 11.), im Spielboden Dornbirn
(10.1 1.) und im OKH Vöcklabruck (22. 12.) halt.
Auch im September ist auf den heimischen Bühnen
einiges los: Seiler & Speer zelebrieren ihre
live-haftige Rückkehr am 7. auf der Kasemattenbühne
Graz, wo tags darauf auch Tagtraeumer
aufspielen. Edmund laden am 13. zum Album-Release
in die ((szene)) Wien, Wanda wiederum
machen am 14. im Wörthersee-Stadion
Klagenfurt Halt. 5/8erl in Ehr’n grooven am
21. im Plenkersaal Waidhofen und am 28. auf
der Bühne Purkersdorf. Flowraq bringen am
27. Popsounds ins Theater am Spittelberg,
folkshilfe beenden den Monat mit viel „Bahö“
am 28. in der Remise Amstetten und am 29. im
VZ Gunskirchen.
gendlicher Schwermut hin zu einer neuen
Reife, die aber nicht minder berührt.
Wenn man den Titel deiner neuen Platte
hört, könnte man meinen, es ist ein Album
der großen Gegensätze.
Es ist auf jeden Fall anders als das erste
Album, es hat mehr Ecken und Kanten,
ist weniger rund. Bei der ersten Platte
war ich 19 Jahre alt, also extrem jung.
Mit diesem Album bin ich wohl erwachsen
geworden.

MUNDPROPAGANDA
Fotos: Universal Music, Hersteller
Die erste Singleauskopplung „Love“ hat
im Mai gleich die Spitze der FM4-Charts
erklommen. Was war die Inspiration
für den Song?
Natürlich die Liebe, beziehungsweise dieses
Gefühl, wenn man wirklich unglücklich
verliebt ist, dieser Zustand aber einfach
nicht weggeht. Ich habe das selbst
so erlebt, gut eineinhalb Jahre lang …
Da kommt natürlich auch jede Menge
Inspiration (lacht).
Das Video dazu zeigt herrliche Aufnahmen
von Irland, wo auch der Großteil
des Albums entstanden ist. Wieso hat
es dich dorthin gezogen?
Das war in Donegal, im Nordwesten Irlands,
ein unglaublich schönes Fleckchen!
Irland stand eigentlich nie auf meiner
Bucket List. Dann haben wir aber Produzenten
Tommy McLaughlin gefunden
und ihm geschrieben – der war sofort
motiviert, innerhalb von nur einem Monat
sind wir mit der kompletten Band
rübergeflogen. Ich habe mich dabei in
Irland verliebt, im August fliege ich zum
mittlerweile 5. Mal hin, nur zum Songschreiben.
Einfach ein Cottage mitten im
Nirgendwo mieten … Das Alleinsein ist
wohl die Quelle meines Songwritings.
Mit welchen Themen setzt du dich noch
auf dem neuen Album auseinander?
Ich habe mich vor allem viel mit mir
selbst auseinandergesetzt, wollte ehrlicher
zu mir sein, nichts mehr schönreden …
Ich bin ja Meisterin im Verdrängen von
Dingen, aber diesmal habe ich mein Herz
und meine Seele in die Texte gelegt, ohne
etwas zu beschönigen.
Frühere Songs von dir waren eher minimalistisch
gehalten, nur Stimme und
Gitarre. Nun sind neue Elemente vertreten,
auch mehr Elektronisches, etwa
bei „Close“. Wie kam es zu dieser Soundentwicklung?
Die Idee mit dem voluminösen Schlag-
zeug am Schluss bei „Close“ ist uns in
Irland passiert. Das war so ein Moment,
wo ich plötzlich Gänsehaut mitten im
Studio hatte, was bei den eigenen Songs
eigentlich recht komisch ist (lacht). Es
gab einen Punkt, wo wir es einfach passieren
ließen, und es hat dann wie die
Faust aufs Auge zum Song gepasst! So
war es beim gesamten Albumprozess:
Ausprobieren, sich Neues trauen, Elektronik
mit Melancholie verbinden. Es
sollte nicht das typische Singer-Songwriting
mit Gitarre werden – was unglaublich
schön ist, keine Frage, aber ich wollte
diesmal mehrere Stilelemente mischen.
Ich glaube, das haben wir ganz gut hinbekommen.
Was bedeutet „Heaven / Hell“ für dich?
Das Leben ist wie Himmel und Hölle
aufgebaut, man sollte dazu stehen, dass
es nicht perfekt sein kann. Es gibt eben
diese Zeiten, wo man am Boden ist und
einfach nicht mehr kann. Trotzdem kommen
irgendwann wieder die schönen Momente
... Das habe ich auch selbst aufgearbeitet,
denn diese Platte ist auch meiner
Oma gewidmet, die leider im November
verstorben ist. Sie hat gerade am Ende
ihrer Alzheimer-Krankheit zwischen zwei
Welten gelebt – das war eine unglaubliche
Inspiration für das Album.
Du bist auch außerhalb Österreichs viel
unterwegs. Ist es anders für dich, als
„daheim“ auf der Bühne zu stehen?
Auf jeden Fall, in Österreich zu spielen
ist mit viel mehr Druck verbunden. Daheim
ist man doch etwas bekannter, daher
glaube ich immer, dass die Erwartungen
hier viel höher sind, als wenn ich im Ausland
spiele – was eigentlich paradox ist!
Ich kann auch noch gar nicht sagen, wie
die neue Platte ankommen wird. Du
schickst eben dein Baby in die Welt hinaus,
danach liegt es nicht mehr in deiner
Hand. Ich persönlich bin aber wirklich
happy mit dem Album.
Hören Sie mal rein!
Die folgenden Veröffentlichungen
sollten in keinem gut sortierten
Plattenschrank fehlen. Oder? (ab, sb)
Animal Machine – High Treason
Stoner Rock trifft auf Barber Shop: Animal
Machine mixen verschiedene Sounds ohne
Genregrenzen zu ihrem eigenen Stil.
LIVE
Mother’s Cake – Live At Bergisel
3 Musiker plus viel Kälte plus ein leeres
Skisprungstadion ergeben ein gelungenes
Live-Album in toller Szenerie.
LIVE
The Fictionplay – Tohu Bohu
Die Band aus NÖ widmet sich dem Chaos
der Welt – und oszilliert zwischen modernem
Rock und progressiver Pop-Ballade.
Hold – Diners Club (EP)
Gabriel Hyden packt als Alter Ego Sean
Videre seine Beobachtungen unserer
Gegenwart in gefühlvolle Songs.
LIVE
Coinflip Cutie – Second Chance
Eleganter Alternative schmiegt sich sanft
in Folksounds ein und sorgt so für betörende
Hooks und Melancholie.
| 33

Verführungskunst
Das Wiener Metropol zeigt eine Neufassung von Mozarts
„Don Giovanni“. !ticket sprach mit Regisseur und
Darsteller Adi Hirschal u. a. über #MeToo, Volkstheater
empfiehlt
und Doppelbelastung. TEXT: PAUL M. DELAVOS
Don Giovanni ist ein
ehemals sehr erfolgreicher
Modeschöpfer, aber auch
ein in die Jahre gekommener
Liebhaber, der sich
vergeblich gegen die Zeit
und den Zeitgeist stemmt:
Gendering, Binnen-I,
Frauenquote, Gleichbehandlungsbeauftragte.
das wiener metropol
Der Schauspieler, Sänger, Entertainer
und Regisseur Adi
Hirschal reüssiert seit Jahren
erfolgreich mit Neubearbeitungen bekannter
Stoffe u. a. im Wiener Lustspielhaus,
dessen Intendant er ist. Ab
3. Oktober ist nun im Wiener Metropol
„Don Giovanni oder Der letzte
Mann“ in einer Bearbeitung von Max
Gruber frei nach W. A. Mozart & Lorenzo
da Ponte zu sehen. Don Giovanni
stemmt sich vergeblich gegen
die Zeit und den Zeitgeist. Er ist in
die Jahre gekommen und die Frauen
weigern sich, Beute seines Eroberungsdrangs
zu werden …
Kann man „Don Giovanni“ 2018 nach
#MeToo noch machen? Er ist ja ein
ziemlicher Frauenheld.
#MeToo hat mit „Don Giovanni“ nicht
wirklich etwas zu tun. Eher mit den
Frauen, die sich endlich gegen diese
Attacken, wie sie nach wie vor geritten
werden, wehren. Man kann ihn allerdings
spielen: als Beispiel, wie es
nicht geht. Es ist ein Stück über die
Liebe und wie man Liebe versteht. Es
steckt ja ein Stück Aufklärung dahinter,
die im Stück ganz klar zum Ausdruck
kommt. Es geht um die Vereinnahmung
der Sexualität durch die
Kirche. Das waren damals schon sehr
Seit 20 Jahren ist Peter Hofbauer Hausherr im
Wiener Metropol. Das wird am 19. September
mit einer großen Jubiläumsshow gefeiert. Zu
Gast sind u. a. die hauseigene Formation
„Gaudi Quattro“, „Insieme“ (Monika Ballwein,
Christian Deix, Rene Velazquez und Erik Arno),
Any Lee Lang mit seinen „Wonderboys“ sowie
Adi Hirschal.
fortschrittliche Gedanken.
Wie kam es dazu, „Don Giovanni“
auf die Bühne zu bringen?
Wir haben schon 2006 „Così fan tutte“
bearbeitet und da kam die Idee, einen
Zyklus zu machen. So kamen in der
Folge „Don Giovanni“ und „Figaros
Hochzeit“. Dazu natürlich die schönen
Originalmusiken mit den hübschen
Melodien, als Draufgabe noch etwas
Foto: Sabine Hauswirth
34 |

aus der „Zauberflöte“. Da gibt es einiges
zu entdecken und zu bearbeiten. Gute
Stoffe sind ewig. Und es gibt erstaunlich
viele große Stoffe, die sich mit dem
Verführen und Verführtwerden beschäftigen.
Die Musik von Mozart wurde bearbeitet?
Ja. Wir haben das Glück, in Thomas
Mahn einen kompetenten Musiker zu
haben, der Mozart spielen, bearbeiten
kann. Er stellt einen ungeheuren Fantasieraum
zur Verfügung. Er weiß, wo
es hingehen soll.
Don Giovanni wird zum Schluss geläutert.
Ist das eine gerechte Strafe?
Ich weiß nicht, ob er geläutert ist. Er
erfährt eine Strafe. Sicher ist, dass er
bei uns überlebt – einigermaßen gerupft.
Man darf nicht vergessen, dass
es kein „Giovanni“ im klassischen Sinn
ist. Wir machen Volkstheater im weitesten
Sinn. Das hat seine Berechtigung
und ist eine alte Tradition. Schon Nestroy
hat sich die großen Stoffe hergenommen
und geschaut, wo es etwas
zu lachen gibt. Dieses Lachen ist uns
sehr wichtig.
Wird das Volk theatermüde?
Nein, das glaube ich nicht. Theater ist
ein Live-Erlebnis mit einen ganz bestimmten
Zauber. Es gibt Trends, es
gibt Leute, die während der Vorstellung
am Handy fernsehen. Aber: sie gehen
trotzdem ins Theater. Das Volk könnte
allerdings müde werden, gewisse Formen
des Theaters sehen zu müssen.
Ich bin da sehr puristisch und vertraue
darauf, eine Geschichte schnörkellos
zu erzählen. Man soll nicht über zehn
Ecken denken müssen, um mitzubekommen,
worum es eigentlich geht.
Ich bin begeistert von gut geschriebener
Prosa. Die kann man inszenieren, aber
das beste Mittel, die Leute ins Theater
zu locken, ist immer noch eine gut erzählte,
identifizierbare Geschichte und
sind immer noch die Schauspielerinnen
und Schauspieler. Wir produzieren
Publikumslieblinge. Unser Publikum
ist ein eigenes Biotop. Es liebt
das Erlebnis, will Sinnliches im Theater
spüren. Man ist dabei, wenn Fehler
passieren. Unser Theater hat mit
Rhythmus, Intelligenz, Geschwindigkeit
und Pointierung zu tun. Es ist die
Faszination des gesamten Werkstückes,
das man in einem Bogen sehen kann.
Ist es eine besondere Herausforderung,
wenn man selber spielt und
gleichzeitig Regie macht?
Das kann man so sagen. Das soll auch
so nicht mehr passieren. Es braucht
schon eine Menge Kraft. Man ist, wenn
man selbst auf der Bühne ist, nicht
mehr in der Lage, alles zu kontrollieren.
Ich habe mich gerettet, indem ich meine
Tochter Maddalena, die unseren
Theaterstil am besten kennt, gebeten
habe, mich als Spieler zu beobachten.
Sie ist die perfekte Co-Regisseurin.
Bald wird sie alleinverantwortlich Regie
führen.
Sieht sie aus weiblicher Perspektive
Don Giovanni anders?
Nein, sie kennt ja unseren Ansatz. Sie
ist keine Ideologin. Sie ist geschmackssicher.
Darauf setze ich. Ideologien
haben im Theater nichts verloren. Ein
Ideologe im Theater ist eine höchst
komische Figur.
n „Don Giovanni“, und zwar frei nach
W.A. Mozart und Lorenzo da Ponte,
spielt es im Oktober im Wiener Metropol.
Ebenfalls im Metropol erleben wir
Adi Hirschal mit Samtorchester de Luxe
und Jubiläumskonzert zum 70. Geburtstag
am 16. November.
| 35

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Haltestellen: BGLD, NÖ, OÖ, SBG,
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29.01.2019, Schladming
Haltestellen: BGLD, KTN, NÖ, OÖ,
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» Schlagernacht des Jahres
» Mario Barth
» Cirque du Soleil
26.10.2018, Wien
Haltestellen: BGLD, NÖ, OÖ, STMK
25.11.2018, Wien
Haltestellen: OÖ, STMK
09.02.2019, Innsbruck
Haltestellen: SBG,T
07.04.2019, Wien
Haltestellen: BGLD, KTN, NÖ, OÖ,
SBG, STMK
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Die angegebenen Preise gelten pro Person (Erwachsener) und inkludieren eine Servicegebühr von max. € 2,00 pro Ticket. ticketPLUS+ Bus beinhalten pro Person ein Veranstaltungsticket und die Busfahrt von
der gewählten Haltestelle zum Veranstaltungsort und wieder retour. Reiseveranstalter: Eventbus GmbH (Nr. 1998/0174)

Lend-Viertler Flair
Ob Rock-Star, Newcomer oder Comedy-Held: Jeder dritte Grazer
besucht im Durchschnitt ein Mal pro Jahr das Orpheum. So die
trockene Statistik. Für Kabarett-Guru Michael Niavarani ist es
sogar sein Lieblingsauftrittsort. TEXT: ALEXANDER HAIDE
Foto: Lupi Spuma
Das Herbert Pixner Projekt,
Jennifer Rostock, die Sportfreunde
Stiller, Gregor Meyle
oder Suzanne Vega – wer in der Grünen
Mark auftritt, gastiert zumeist im legendären
Orpheum. Doch es sind nicht
nur die internationalen und nationalen
Stars, die das Traditionshaus zu einem
Fixpunkt in der steirischen Kulturlandschaft
machen: Eigenproduktionen wie
das David Bowie Tribute-Konzert oder
der „Styrian Science Slam“ und die
Vorrunde zur Wissenschafts-Staatsmeisterschaft
machen das Haus unweit
des Grazer Schlossbergs (mit den
„Schwesterspielstätten“ Kasematten
und Dom im Berg) zu einem Dauerbrenner
beim breiten Publikum.
Das unterstreichen beeindruckende
Zahlen: In der Saison 2016/17 zählte
man im Orpheum 106.080 Besucher
bei 390 Veranstaltungen – das ist mehr
als eine Veranstaltung pro Tag, die
durchschnittlich von etwa 290 Besu-
termine (auswahl)
ab 22. September: steirischer herbst
6. Oktober: Saisonstart Festival mit Fiva u. a.
16. Oktober: Voodoo Jürgens
23. Oktober: Josef Hader
„Hader spielt Hader“
ab 28. Oktober: Die Lochis
17. Oktober: Bodo Wartke „Antigone“
7. Dezember: Granada
5. April: Madsen
info
Telefon: 0316/8008-9000
Web: spielstaetten.at
8020 Graz, Orpheumgasse 8
Orpheum Graz Es hat seine Gründe, warum nicht nur Michael Niavarani die Spielstätte im Künstlerviertel
der steirischen Landeshauptstadt so schätzt: Das Haus hat Seele und Flair.
chern besucht wird. Mit 1.500 Quadratmatern,
auf denen mehr als 1.200
Fans bei Stehkonzerten Platz finden,
ist der „Große Saal“ der Mittelpunkt
von Niavaranis Lieblingstheater. Auf
dem Balkon und in den Logen können
weitere 173 Personen Vorstellungen
mit exklusivem Blick von oben beiwohnen.
Zusätzlich zum „Main Floor“ ist das
„Orpheum Extra“ im Obergeschoß
längst zu einem Hotspot für kleine,
aber feine Konzerte und Happenings
geworden. Mit einem Fassungsvermögen
für bis zu 300 Stehplatz-Gäste oder
von 170 Sitzplätzen samt eigener Bar
hat sich dort die „DoPop“-Serie, die
jeden Donnerstag Auftrittsmöglichkeit
für Nachwuchskünstler bietet, bestens
etabliert. Das „Orpheum Extra“ ist mittlerweile
ebenfalls die traditionelle Heimat
der „Grazer Blues Tage“.
Gegründet als Varietétheater anno 1899,
wurde das in Würde gealterte, dabei
aber stets jung gebliebene Orpheum
im Jahr 2016 sanft renoviert und technisch
auf den letzten Stand gebracht,
ohne die alte Patina mit dem Flair der
Stars und Sternchen zu verlieren. Nicht
nur damals, auch heute wird die auf
Vielfalt fokussierte Location ihrem Ruf
als eine der legendärsten Bühnen des
Landes gerecht: So haben sich wieder
etliche Publikumslieblinge angesagt,
darunter Stermann & Grissemann,
Voodoo Jürgens (singt Ludwig Hirsch),
Josef Hader, die Lochis, Pizzera & Jaus
und Conchita live mit Band.
| 37

!ticket kultour
Kampfkunst
Theater ist nicht nur zur Unterhaltung da – deshalb stellen wir
Ihnen drei neue Produktionen vor, die sich mit aktuellen
gesellschaftlichen Herausforderungen beschäftigen. TEXT: PAUL M. DELAVOS
Das Volkstheater Wien bringt
am 18. Oktober Christine
Eders „Verteidigung der
Demokratie – Politshow mit
Musik“ zur Uraufführung. In
ihrer mittlerweile dritten Arbeit
für das Volkstheater
befasst sich die Autorin
und Regisseurin mit
Grundfragen der Demokratie,
des Parlamentarismus
sowie der Freiheitsund
Bürgerrechte. Es ist eine
theatrale Standortbestimmung,
die den Bogen ausgehend
von den Überlegungen des Rechtswissenschaftlers
Hans Kelsen, eines der
Autoren der österreichischen Verfassung,
„Die Irrfahrt der St. Louis“ ist die Vorlage für
Daniel Kehlmanns „Die Reise der Verlorenen“,
in der eine Gruppe von Individuen zu einer
namenlosen Masse wird.
Nummer statt Mensch
steirischer herbst
Unter dem Übertitel „Volksfronten“ findet von
20. September bis 14. Oktober die 51. Ausgabe
des steirischen herbst statt. Das Kernprogramm
erkundet u. a. das gegenwärtige politische
Klima in Mittel- und Osteuropa, an dessen
Grenze sich Graz vor dem Hintergrund einer erweiterten
Gesamtausstellung befindet, die als solche
an zahlreichen Orten der Stadt verstanden
und erfahren werden kann. Dabei liegt das Augenmerk
auf dem Lokalen, das von der Geschichte
geprägt ist.
Begleitend findet von 4. bis 7. Oktober das „musikprotokoll“,
bei dem u. a. das RSO Wien &
Klangforum Wien, das Duo Fred Frith & Bérangère
Maximin sowie das Konus Quartett & Martin
Brandlmayr auftreten. Es kommt zu einer Uraufführung
von Georg Friedrich Haas durch das Talea
Ensemble und das ensemble zeitfluss erforscht die
Klangwelten von Joann Wozny.
38 |
bis in die Gegenwart spannt. Themen
sind u. a. Meinungsfreiheit, Minderheitenschutz
aber auch der gläserne Bürger
und die subjektive Sicherheit.
Deserteure
Felix Mitterer hat das Auftragswerk
„Vomperloch“ des Tiroler Landerstheaters
zur Eröffnung der neuen Kammerspiele
im Haus der Musik Innsbruck geschrieben.
Vomperloch ist der Name eines
abgeschiedenen und unzugänglichen
Seitentals des Tiroler Karwendelgebirges.
Dort bestand zwischen Sommer 1943
und Kriegsende ein Lager von Deserteuren.
„Desertion galt damals
als Schande, wird immer mit
Schande behaftet sein. Ich habe
dieses Stück mit der Intention
geschrieben, die damaligen,
heutigen und zukünftigen
Deserteure von dieser
Schande zu erlösen“, sagt
Mitterer über sein Stück. Premiere
von „Vomperloch“ ist am
7. Oktober.
Auf der Flucht
Im Mai 1939 war es 937 Juden „erlaubt“,
Deutschland zu verlassen. Sie befinden
sich auf einem Schiff nach Kuba. Doch
plötzlich lässt Kuba niemanden mehr ins
Land: Daniel Kehlmann erzählt ab 7.
September im Theater in der Josefstadt
die Geschichte von Menschen, die ohnmächtig
zum Spielball politischer und
wirtschaftlicher Einflüsse werden. Für
die Schifffahrtsgesellschaft sind sie Kapital,
von Goebbels werden sie für Propagandazwecke
missbraucht und auf Kuba von
der Politik als Wahlkampfthema gesehen.
Die Gesellschaft sieht die Geschehnisse
zwar als tragisches, aber leider unabänderliches
Schicksal. Eine Situation, die
heute aktueller erscheint denn je.
Fotos: Jan Frankl, Ingo Pertramer, Deutsche Grammophon

KRAFT UND VISION
Die Symphonien Nr. 4. und 11 von
Dmitri Schostakowitsch werden von
Andris Nelsons wiederbelebt.
DIE LETZTEN IHRER ART
Douglas Adams, der britische Kultautor, u. a. bekannt für
„Per Anhalter durch die Galaxis“, verfasste vergnüglich-nachdenkliche
Reportagen über bedrohte Tierarten der Erde wie z. B.
die Drachenechsen auf Komodo, die neuseeländischen Kakapos
oder die Yangtse-Delfine in China. Tatort-Kommissarin Adele
Neuhauser liest aus „Die Letzten ihrer Art“ und wird dabei vom
KammerPunkJazz-Trio Edi Nulz begleitet.
„Die letzten ihrer Art“ spielt es am 27. September im Spielberger
Kultur im Zentrum, am 1. Februar im Stadttheater Gmunden,
am 2. Februar im Kultur Kongress Zentrum in Eisenstadt und
am 28. Februar in der Johann-Pölz-Halle in Amstetten.
Dmitri Schostakowitsch fiel 1936, zwei Jahre nach
der Uraufführung seiner Oper „Lady Macbeth von
Mzensk“, bei Josef Stalin in Ungnade – der Diktator
verließ das Theater während der laufenden Vorstellung.
So verschwand die sich eben in Arbeit befindliche
Symphonie Nr. 4 in der Schublade, die Partitur
ging verloren und eine rekonstruierte Fassung kam
erst 1961 zur Uraufführung. Andris Nelsons hat diese
und die Symphonie Nr. 11, die bei manchen als
Kritik am Sowjetstaat gilt, zusammen mit dem Boston
Symphony Orchestra aufgenommen. Die Einspielung
bringt die Klangwelt beider Symphonien
zum Strahlen und wirkt dabei nie überladen.
| 39

MONKEY BUSINESS
Unlängst wurde in New York
eine Gitarre um 495.000 Dollar
verkauft. Eigentlich keine
besonders ungewöhnliche Gitarre:
eine schon etwas zerschrammte
Fender Telecaster
aus dem Jahr 1965. Allein: sie
gehörte Bob Dylan. Oder wurde
zumindest von ihm gespielt,
wie das Auktionshaus
Julien’s mitteilte, dito von Eric
Clapton und George Harrison.
Und freilich war dieses Instrument
ein wesentlicher Faktor
der Entwicklung des Akustik-
Folk-Barden Dylan hin zum
elektrifizierten Rock-Sänger.
Jedes Pop-Museum weltweit
würde sich diese Gitarre als
symbolträchtiges Ausstellungsstück
wünschen. Dabei
steht längst die Ära der E-
Gitarre selbst zur Disposition.
Fenders großer Konkurrent,
der Gitarrenhersteller Gibson,
musste vor wenigen Wochen
Konkurs anmelden – baut
aber, keine Sorge, gewiss mit
anderen Besitzern weiter seine
legendären Prachtstücke.
Dennoch machen sich Experten
Sorgen: Wie das Buch stehen
traditionelle Instrumente
bei jüngeren Menschen nicht
mehr allzu hoch im Kurs. Eine
gewisse „Retromania“, die
viel Geld in die Vergangenheit
fließen lässt oder sie zumindest
oberflächlich beschwört,
ist zwar unzweifelhaft in Mode.
Aber sie stirbt, wenn der
Enthusiasmus nicht weitergegeben
wird. Und zwar von
Generation zu Generation. Ob
ein Mischpult von DJ Avicii
einst auch um Unsummen als
Museumsstück angekauft
wird?
Walter Gröbchen
40 | Electrifying
13. Tullnerfelder Advent
Natalia Ushakova begann ihr Gesangsstudium
am Rimsky-Korsakov-Konservatorium
in St. Petersburg. Sie erhält ein Stipendium
für das Grazer Opernstudio, wo sie alle
wichtigen Mozartpartien singt, setzt das
Studium mit der Meisterklasse an der
Hochschule für Musik in München und der
„Akademie di Perfezionamento“ des Teatro
alla Scala fort. Sie gab bereits die Violetta
in Verdis „La Traviata“ und Mimi in
Franco Zeffirellis Inszenierung von „La Bohème“
in Mailand und trat in den größten
internationalen Opernhäusern und Konzertsälen
auf. Dank ihrer wundervollen Stimme,
Musikalität und ergreifenden
Bühnenporträts zu den Stars der
Musikwelt. Das wird definitiv
ein Highlight des diesjährigen
Tullnerfelder Advents!
1. Dezember, Berghotel Tulbingerkogel
Das Herbert Pixner Projekt
kommt nun nach einer kreativen
Schaffenspause wieder mit
einem neuen Programm, noch
ausgefeilteren Sounds, noch experimentelleren
Arrangements
und einer neu inszenierten Bühnenshow
zurück auf die Bühne.
Unser Gespräch zu den Themen
Andreas Gabalier, die Dolomiten,
Sagen und Mythen
lesen Sie auf
ticketmagazin.com!
Wiener Blond
u. a. am 13. November, Theater Akzent
Natalia Ushakova
Mit dem Original Wiener Salonensemble
Dass sich Wiener Blond in der Welt der
Musikgenres schwer schubladisieren
lässt, hat das Duo mit seinem zweiten
Studioalbum „ZWA“ erneut bewiesen
– Heurigenschmäh trifft auf Hip-Hop-
Grooves, die fetzigen Beatbox-Loops
tanzen Strauß-Walzer. Gemeinsam mit
dem fünfköpfigen Original Wiener Salonensemble
haben sie ein gemeinsames
Programm erarbeitet, bei dem die
Loopstation ausnahmsweise in
den Hintergrund tritt und Platz für
Streicherklänge macht. „Charmant,
goschert und grantig“ bleibt
aber dennoch das Motto des Abends.
Herbert Pixner Projekt
laufend, u. a. in Klagenfurt, Eisenstadt, Innsbruck, Bregenz und Wien
Fotos: MVM (Natalia Ushakova), Konstantin Reyer (Wiener Blond), guentheregger.at (Herbert Pixner Projekt)

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Die Reise der Verlorenen
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Disneyland de
Am 29. und 30. September finden am steirischen Red-Bull-Ring die
zweiten „E-Mobility Play Days“ statt. Ein Event, das sich ganz der
Zukunft verschrieben hat und als Brückenbauer zwischen Innovator
und Konsument dient. TEXT: ROBERT FRÖWEIN
Wie weit kann ich mit einem
E-Auto fahren? Welche Gefahren
birgt ein Elektrogerät
und wie kann ich dieses Ding da vor mir
überhaupt bedienen? Diese und viele
andere Fragen aus dem Alltag illustrieren
die Unsicherheit, die noch heute mit
dem Thema Elektromobilität mitschwingt.
Dabei hat sie längst in jedem
Wohnzimmer und jeder Hosentasche
Einzug gefunden, denn sie besteht nicht
nur aus benzinfreien Autos und über
unseren Köpfen kreisenden Drohnen,
sondern auch aus profanen Dingen wie
einem Fernseher oder dem Smartphone.
„Wenn es aber um ein E-Auto geht,
dann wissen die Leute oft nicht einmal
wo sie überhaupt nachfragen sollen,
wenn sie nicht wissen, wo sie es anstecken
müssen“, erklärt Philipp Berkessy, Head
Of Marketing des Projekt Spielberg, das
die am 29. und 30. September stattfindenden
„E-Mobility Play Days“ am steirischen
Red Bull Ring in Szene setzt.
letztes Jahr zu einem veritablen Erfolg.
An zwei Tagen besuchten rund 31.000
Menschen das Gelände und es wurden
mehr als 3.000 Fahrten mit Elektroautos
abgewickelt – heuer will man die Statistiken
in allen Bereichen nach oben treiben.
„Wenn das Wetter mitspielt, wäre
das Ziel 45.000 Besucher und bei der
dritten Auflage im nächsten Jahr mehr
als 70.000. Dann wären wir nicht nur
das größte E-Event der Welt, sondern
auch unter den Top drei aller Veranstaltungen
am Red Bull Ring.“ Die Umgebung
ist freilich mitentscheidend für
den Erfolg. „Die Marke Red Bull Ring
ist natürlich extrem stark. Große Auto-
Fotos: Red Bull
Kraft der Marke
Die Veranstaltung dient als Brückenbauer
zwischen Hersteller und Konsument.
Sie will Vorurteile abbauen und
den Menschen die breite und nur schwer
eingrenzbare Welt der Elektromobilität
verständlich und interaktiv näherbringen.
Die Erstauflage des Events wurde
42 | Erfolgsgeheimnis E-Mobility Die Coolness und die Vielfalt der Produkte sind das größte Plus. Außerdem
kann man nicht nur wie hier zuschauen, sondern auch selbst ausprobieren …

Drohnen-Champions-League
Der Vielfältigkeit ist bei den „E-Mobility
Play Days“ keine Grenze gesetzt. Nicht
nur Autos und Motorräder, auch Boote,
E-Roboter, diverse Prototypen und ein
Koffer, der dem Besitzer von alleine
nachfährt, zählen zu den Programmhighlights.
„Von der Formel E war letztes
Jahr ein Auto vor Ort, heuer sind es zumindest
fünf. Wir haben die ersten E-
Motorräder der Moto GP am Start, der
Autohersteller Jaguar hat sich in das Programm
eingeklinkt und nicht zuletzt
wird man bei uns erstmals die Drone-
Champions-League sehen können.“ Sie
wird online oder live im TV in mehr als
100 Länder übertragen und den Wettkampf
auf den Champs-Élysées verfolgten
mehr als 800.000 Menschen. Die
Profis der Drohnen-Rennserie werden
auf einem speziell für den Red Bull Ring
gestalteten Parcours ihr Können unter
Beweis stellen. Die Renndrohnen werden
sich unter anderem auch Duelle mit
elektrisch betriebenen Fahrzeugen liefern.
„Wenn man die Drohne gemeinsam mit
der entsprechenden Kamera und einer
Videobrille nützt, fühlt sich das fast so
an, als würde man selbst durch die Luft
fliegen“, erklärt Herbert Weirather, Chef
der Drone Champions League.
Um eine bessere Übersicht zu garantieren,
wird der Ring am Veranstaltungswochenende
in eine Nord- und eine
Südhälfte aufgeteilt. Während die Ber
E-Mobilität
mobilhersteller und Partner kennen uns
und wissen, dass wir etwas Tolles auf
die Beine stellen können. Insofern haben
wir von dort auch sehr viel Vertrauensvorschuss.“
Das Geheimnis des Erfolgs der „E-Mobility
Play Days“ fußt vorwiegend auf
der Interaktivität. „Das Spielerische ist
immens wichtig“, erklärt Berkessy, „denn
wir sind ja keine Messe. Die Coolness
und die Vielfalt der Produkte sind unser
größtes Plus. Das wahre Highlight ist,
dass man all das bei uns nicht nur anschauen,
sondern selbst ausprobieren
kann.“ Dass es nicht immer leicht ist,
die Attraktivität von Elektromobilität
begreifbar zu machen, streitet Berkessy
gar nicht ab. „Prinzipiell sind wir eine
extrem leise Veranstaltung und müssen
den Menschen die Produkte daher auf
anderem Wege näherbringen. Normalerweise
brummt es am Ring ja in alle
Richtungen, bei uns ist alles sehr ruhig,
doch die meisten wissen gar nicht, wie
spannend das Thema ist. Bei uns ist es
möglich, auf dem Ring E-Sportwagen
Probe zu fahren und jeder, der das einmal
gemacht hat, weiß, dass ein Porsche Kinderkram
dagegen ist. Wir führen die
Leute behutsam an das Thema ran, lassen
sie überall mitmachen und wollen Aha-
Effekte bieten. Künftig werden monatlich
zehn neue coole Sachen entstehen und
wir wollen von Anfang an dabei sein.“
| 43

Leiser Gummi Normalerweise brummt es am Ring aus allen
Richtungen. Obwohl es bei den E-Mobility Play Days ruhiger
zugeht, bedeutet dies noch lange nicht weniger Action …
Wissen ist Macht Während Elektrogeräte mittlerweile
Teil des Alltags sind, wissen viele Leute
nicht einmal, wo sie ein E-Auto anstecken müssen.
mobilität. „Wir hatten viele unterschiedliche
Gesichter von Armin Assinger über
Renate Götschl bis hin zu DTM- oder
Moto-GP-Fahrern vor Ort. Die E-Mobilität
steht ja für die Vielfalt, da kann
man das Event nicht mit einer spezifischen
Person verkaufen.“ Der Promifaktor
Keine langweilige Messe „Das wahre Highlight ist, dass man all das bei uns nicht nur anschauen, sondern
selbst ausprobieren kann“, weiß Philipp Berkessy, Head Of Marketing des Projekt Spielberg.
wird aber ohnehin von den tech-
nischen Innovationen und Gustostückerln
sucher auf dem Nordteil das Steuer selbst
fest in der Hand haben, werden am Südkurs
Prototypen, einzigartige E-Sportwagen
und andere Meisterwerke der
Technik für Furore sorgen. „Beim Debüt
ist natürlich noch nicht alles perfekt gelaufen,
aber wir haben auch sehr viel daraus
gelernt“, blickt Berkessy zurück,
„wichtig war uns etwa, dass die Veranstaltung
heuer Samstag und Sonntag
stattfindet, damit Menschen, Familien,
Freunde oder ganze Schulen zwei volle
Tage am Ring ausschöpfen können. Zudem
haben wir alles kompakter gemacht.
Wir haben die Wege zwischen den einzelnen
Programmpunkten verkürzt und
es wird Leitinformationen geben, die
durch das gesamte Wochenende führen.“
Grenzerweiterung
Zu den Gästen bei den „E-Mobility Play
Days“ zählen unter anderem Verkehrsminister
Norbert Hofer, der deutsche
Comedy-Shootingstar Oliver Gimber
und noch viele andere namhafte Personen
aus der großen Welt der Elektroplatz
bestimmt, am „schönsten Spiel-
Österreichs“ werden die Grenzen
für die Zukunftstechnologie erweitert.
„Wir wollen möglichst eine Komplettabdeckung
der gesamten Thematik. Wir
haben viel von anderen Veranstaltern
gelernt, sehen uns selbst aber als das Disneyland
der E-Mobilität. Uns sind keine
Grenzen gesetzt.“
n Die E-Mobility Play Days finden am
29. und 30. September am Red Bull Ring
in Spielberg statt.

!ticket live is life
www.mutausbrueche.com
I was
expecting that
Jamie Lawson, Anne-Marie, Ed Sheeran und
ihre wunderschöne Musik, eine warme
Sommernacht, 50.000 Menschen
im Stadion und ich mittendrin.
Antonia T. Schulz, Studentin der Publizistik- und
Kommunikationswissenschaften, Bloggerin
(www.mutausbrueche.at) und nicht zuletzt
oeticket.com-Kundin, besucht für !ticket
jeden Monat ein Konzert und berichtet darüber.
Dieses Mal war sie am 7. August im
Ernst-Happel-Stadion bei Ed Sheeran.
Ed Sheeran und ich – diese Liebe
besteht schon sehr lange. Die
Karten vom Konzert waren so
schnell ausverkauft, dass Mister Sheeran
Gott sei Dank eine Zusatzshow
spielte und die war natürlich auch sofort
ausverkauft. Zu Recht!
Der Abend startete mit dem wunderbar
kitschigen Sänger Jamie Lawson
(„Wasn’t Expecting That“ kennt ihr
von ihm, oder?) und der verrückten
Wenn ihr die
Möglichkeit habt,
geht unbedingt
mal auf ein Konzert
im Ernst-Happel
Stadion
(Stehplatz!). Dort
kann man nicht nur Fußballspiele anschauen,
sondern sich auch tolle Konzerte mit super Atmosphäre
anhören – ganz große Empfehlung!
Anne-Marie. Ich sag euch eines: Besser
hätte die Einstimmung auf den eigentlichen
Star des Abends nicht sein können.
Vor allem Anne-Marie hat es mir
mit ihrer Art und Stimme so angetan,
dass ich mir gleich all ihre
Songs in meine Sommer-
Playlist gespeichert habe!
Als alle dann sehnsüchtig auf
den wichtigsten Star des
Abends warteten, betrat
Ed Sheeran um 20:45 endlich
die Bühne. Ganz alleine natürlich
– nur er, seine Gitarre und seine Loop-
Station. Ich dachte immer, Stars brauchen
immer eine Band im Hintergrund
aber Ed Sheeran schafft das alles alleine
und es klingt dazu noch unglaublich!
Der Abend war begleitet von alten Liedern
wie „Thinking out loud“, noch
älteren Songs wie „The A-Team“ aber
natürlich auch Songs vom neuen Album
wie „Galway Girl“. Die Mischung
aus Schnell, Langsam, Alt und Neu
war einfach perfekt und das schönste
war, dass er das Publikum integrierte
und auch einen Witz nach dem anderen
machte. Der geborene Entertainer
eben! Ich muss sagen, das war das erste
Konzert, wo wirklich keiner still stand
und jeder mitsingen musste. Nicht nur
weil er uns dazu ermutigte, sondern
weil’s auch bei seiner Musik gar nicht
anders ging! Danke Mister Ed Sheeran
– du hast den Abend mit deiner Musik
und dem verdammt guten Wetter zu
etwas ganz Besonderem gemacht –
aber mal ehrlich: Ich hab’ auch nichts
anderes erwartet!
Fotos: Antonia T. Schulz
Tipp!
Kunden, die zu Ed Sheeran gingen, kauften auch Tickets für Christina Stürmer im Mai in Wien und Graz, Annen-
MayKantereit im April und Mai in Graz, Innsbruck und Wien, Lena im Oktober im WUK, George Ezra im Oktober
im Gasometer, sowie Alex Clare im November im WUK. Tickets für alle Veranstaltungen finden Sie auf oeticket.com!
| 45

MUNDPROPAGANDA
Hören Sie mal rein!
Die folgenden Veröffentlichungen
sollten in keinem gut sortierten
Plattenschrank fehlen. Oder? (sb)
Crippled Black Phoenix – Great Escape
Greaves Depressionen folgend schleichen
sich die neuen Post-Prog-Stücke beinah
schüchtern-melancholisch aus dem Äther.
LIVE
Anti-Flag – American Reckoning
Ein akustischer Streifzug durch die letzten
beiden Alben, Cover von John Lennon,
Cheap Trick & Buffalo Springfield inklusive.
Ane Brun – Live At Berwaldhallen
Brun kollaboriert mit dem Swedish Radio
Symphony Orchestra und entfesselt einen berührend-atmosphärischen
Karriererückblick.
Spielwiese
Ein Wollknäuel kommt selten allein: Der zweite Teil von
„Unravel“, des charmanten Plattformers aus Schweden,
erobert erneut die Herzen – für Singles und Paare
geeignet! TEXT: JOACHIM SCHMIDA
Unravel Two
Electronic Arts für PS 4, Xbox One, PC
PLUS
Als vor mehr als zwei Jahren Unravel erschien,
waren wir verzückt von diesem Feel-good-Game.
Die Niedlichkeit der Präsentation, der entspannte Rätselspaß
und das insgesamt bezaubernde Erlebnis sind auch
beim Nachfolger noch immer vorhanden – mehr noch: Unravel
Two hat einfach mehr Spielwitz! Mit viel Liebe zum
Detail kann der Side-Scroller dank der verbesserten Jump ’n’
Run-Elemente wie der spritzigeren Knobelaufgaben bei uns
ein Funkeln in den Augen auslösen. Der neue Couch-Koop-
Modus ist dabei grandios umgesetzt – die Reise des Garn-Duos lässt sich übrigens auch
solo ganz herrlich meistern.
MINUS
FAZIT
Einen geringen Wiederspielwert sowie gewisse Rätsel-Monotonie kann man
dem Spiel durchaus vorwerfen.
Unsere Knie werden weich wie Wolle: Das Studio Coldwood strickt uns mit
dem Sequel einen der wohl herzerwärmendsten Plattformer der letzten Zeit.
Somit ist auch „Unravel Two“ – wie schon der Vorgänger – ein poesievolles sowie rätselreiches
Kleinod und ein generell sehr sympathisches Spiel.
Superfjord – All Will Be Golden
Am zweiten Album der finnischen Prog-Heroen
dreht sich alles um (Traum)reisen, und so
klingt der langbögige Mandala-Trip auch …
HEISSE NEUERSCHEINUNGEN & KOMMENDE HIGHLIGHTS
Pro Evolution Soccer
2019 Konami verleiht seiner
Kicker-Simulation mit
zahlreichen neuen Features
Shadow of the Tomb
Raider „In the Jungle, the
mighty jungle …“: Lara
wagt sich wieder in ein
Spider-Man Der Spinnenmann
begibt sich nun PS4-
exlusiv auf Verbrechensbekämpfung
in den Schluchten
der New Yorker Wol-
alt-J – Reduxer
und Verbesserungen den neues, „bislang gefährlichstes“
Abenteuer.
kenkratzer.
Der „Relaxer“ erfährt von globalen Rappern
und Produzenten eine neue Interpretation,
nächsten Schliff.
besonders gelungen: „In Cold Blood“.
Fotos: Hersteller

SLASH
Living The Dream
Früher, bei Guns N’ Roses oder Slash’s
Snakepit, da wollte man noch Platten kaufen,
allein weil das Cover gerade in Übergröße
so famos und begehrlich war. „Living
The Dream“ hingegen geht, noch
mehr als sein Vorgänger, mit der Zeit: Eigentlich
reicht da ein Download auch
schon aus. Sofern sich ein solcher denn
rechnet, ist Slash wieder-wiederholte Kollaboration
mit dem Goldkehlchen von Alter
Bridge ähnlich billig und schrill-schmalzig
geraten – und wer stellt sich schon
ernsthaft eine Blume aus dem Gemeindebau
auf Balkonien? Gewiss, Slash beherrscht
sein Instrument, Myles singt sauber
und auch die Konspiratoren beherrschen
ihr Handwerk, doch Ecken und
Kanten, ein dem Rock ’n’ Roll zuträglicher
Biss auch nur irgendwo zwischen „Appetite“
und „Five O’Clock“ sucht man vergeblich,
„Living The Dream“ könnte mühelos
als Sputum Aerosmiths durchgehen,
verfügte Tyler nicht selbst in Larmoyanz
über eine behaartere Brust. Einzig
zwei Nummern – „Lost Inside The Girl“
und „The Great Pretender“ – retten vor
einem Totalausfall, wobei bei erster Myles
endlich! singulär! die elendigen Kuschelpfade
verlässt und ein paar Tonlagen tiefer
brilliert, während zweite nach einem
Zitat irgendwo aus dem übermächtigen
Hardrock-Kanon klingt. Darüber hinaus:
seichte, balladeske oder behutsam rockende
Kost, die beinah zwanghaft auf
Hit getrimmt exakt daran scheitert und in
einer im Pop-Zirkus
geschulten Opulenz
zugrunde geht. (sb)
2.5/5
!ticket media
CYPRESS HILL
LIVE
Elephants On Acid
Acht Jahre sind seit „Rise Up“ ins Land
gezogen, Zeit, die man offenbar nicht nur
mit u. a. Prophets Of Rage, sondern auch
großzügigen Bewusstseinsstimulierungen
überbrückte: Bizarr wie der Titel, dabei
aber härter als zuletzt klingt das neunte
Album, das auch vor psychedelischen Oriental-Sounds
nicht zurückschreckt. Doch
keine Sorge: Das Lichte des Orients wird
in den Okzident verdreht, der Elefant
stampft durch ein schräges Dunkel, das
einem jazzig-verqueren Hirn wie Tim Burton
entsprungen sein könnte. (sb)
IAN GILLAN
INTERPOL
REBEKKA BAKKEN
And The Javelins
Ian Gillan kennt man zuvörderst von
Deep Purple, nun hat er aber mit der
Band aus seinen Knabentagen ein Album
aufgenommen – mit Coverstücken
aus dem Pop, Soul, Blues und
Rock ’n’ Roll, so wie es „in den güldenen
Zeiten“ modern und populär war.
Das ist zwar keine rein staubige Nostalgie
allein, die da aus dem Äther swingt,
aber doch ein vielleicht zu charmanthöflicher
Blick zurück – Adjektive, die
für einen Charakter wie Gillan nun
doch ungewöhnlich scheinen. (sb)
Marauder
Auf „El Pintor“ war der Bass für ihn
noch Neuland, nun steht der Rhythmus
nicht nur für Banks im Fokus: „Marauder“
ist durchwegs beatfokussiert geraten,
mit geometrischen Gitarren, die sich
im pochenden Fahrwasser schlängeln
und mit den neuerdings weniger ab -
strakten Geschichten verquirlen. Somit
legen Interpol die musikalische Stagnation
endlich ad acta, lassen „Marauder“
als Hedonist mit Rückgrat geraten, vermengen
tollkühnes Denken nun doch
wieder mit unbeirrbaren Klängen. (sb)
LIVE
Things You Leave Behind
Es ist nicht nur der Titel der Schlussepisode
von „Star Trek: Deep Space Nine“,
sondern auch der des hoffentlich
nicht finalen Albums Bakkens: Für die
wieder in Norwegen logierende Sängerin
ist „Things You Leave Behind“ zu einem
persönlichen Befreiungsschlag geraten,
changiert sie doch flatterhaft zwischen
Introspektiven und Perspektiven,
vermischt dabei Klänge aus Gospel
über Country bis hin zu Pop, die allesamt
allein durch ihre ureigene Stimme
zusammengehalten werden. (sb)
| 47

!ticket plug&play
Plug&Play-Tipps
Hersteller nutzen den allerneuesten Stand der Technik, um großen
Sound im Kleinformat zu verwirklichen. Wir stellen erschwingliche,
durchdachte Lösungen vor, die alltagstauglich sind und guten
Sound mit feiner Ausstattung kombinieren. TEXT: AMANDA PENISTON-BIRD
Phil Jones Bass Double Four
Eine große Schuhschachtel. Der Double Four
(Modell BG-75) ist der ultimative Micro-Bass-Amp.
Mit der neuesten Treiber- und Digitalverstärkertechnologie
ausgestattet, begeistert der winzige Combo
mit dem beeindruckenden PJB-Signature-Sound.
Kaum größer als eine Schuhschachtel, scheint der
Double Four physikalischen Gesetzen zu trotzen.
Den Clean-Ton haben die Entwickler beeindruckend
gut hinbekommen. Der kleine, transportfreundliche
Amp besitzt die Fähigkeit, die volle Bandbreite an
Bassfrequenzen bis zum tiefen H hinunter zu produzieren.
Technisch ist der Double Four ausgefeilt. Der
70-W-Verstärker ist mit zwei 4"-Neodym-Treibern
bestückt, die hochpräzise arbeiten. Jeder 4"-Treiber
wird von einem eigenen PWM-Verstärker gespeist.
PWM-Verstärker arbeiten viel effizienter als herkömmliche
Transistorverstärker und die niedrigere
Betriebstemperatur verlängert die Lebensdauer. Auf
der Sommer-NAMM in Nashville wurde der Double
Four mit einem „Best in Show“-Award ausgezeichnet.
Der Verstärker, der für kleine Gigs und als edler
Übungsamp konzipiert ist, kam bei Standbass-Spielern
ebenso gut an wie bei E-Bassern.
pjbworld.com
RØDE VideoMic Me-L
Mehr als nur ein Meidlinger „L“. Das neue, erschwingliche,
professionelle Richtmikrofon von RØDE
verspricht eine drastische Verbesserung der iPhone-Audio-Aufnahmequalität.
Die hochwertige Vorverstärkung
und Digitalwandlung mit 24 Bit und 48 kHz erfolgen
bereits im VideoMic Me-L. Das Aufnahmesignal wird direkt
digital übertragen und umgeht den Preamp/Wandler-Chip
des iPhones. Das „L“ im Modellnamen steht
für den integrierten Lightning-Stecker, für den Anschluss
an aktuelle iOS-Geräte mit Lightning-Connector. Eine
Stereo-Kopfhörerbuchse ist auch eingebaut. Sofern es
die App zulässt, kann man somit schon während eines
Videodrehs die Tonaufnahme kontrollieren, auf jeden
Fall spart man sich das lästiges Umstecken von Mikrofon
auf Kopfhörer. Das Mono-Richtmikrofon mit 1/2"-
Nierenkapsel und 90 Grad-Einsprechwinkel ist gut für
Sprachaufnahmen geeignet, aber auch für jede andere
Art von Schallquellen einsetzbar. Im Lieferumfang des
VideoMic Me-L ist ein De-luxe-Fellwindschutz inkludiert.
rode.com
Fotos: Hersteller
48 |

Positive Grid BIAS AMP 2 Mobile
Eine fantastische Weiterentwicklung der Vorgängerversion. Die mobile
App „BIAS AMP 2 Mobile“ für iPhone und iPad wartet mit einer neuen Anwender -
oberfläche, neuen Amps und Röhrentypen sowie Trafos, Klangregelnetzwerken und
mehrfach mikrofonierten Lautsprecherboxen auf. Sie ist einerseits ein hochwertiger,
mobiler Stand-alone-Modeling-Prozessor für Gitarristen und Bassisten und andererseits
ein über Bluetooth nutzbarer Editor für BIAS-Hardware-Geräte wie Head, Rack
und die neuen Mini-Amps. Als Basisanwendung
zur Steuerung der Hardware
ist die App kostenlos. Die volle
Standalone-Funktionalität wird durch
In-App-Käufe geboten, verfügbar sind
zum Beispiel diverse Amp-Packs, der
Zugriff auf die ToneCloud, die Integration
von BIAS FX, ein neues Lautsprechermodul
und Celestion-Packs.
positivegrid.com
Zoom LiveTrak L-20 Digitalmischpult
Flaggschiff. Auf den LiveTrak L12 folgt das neue, große Flaggschiff: Der L-20
ist mit erweiterten Funktionen und Hardware-Upgrades für aufwendigere Setups
und Arrangements ausgerüstet. Zur Verfügung stehen 20 diskrete Audiokanäle mit
16 Mono-Mic/Line-Eingängen und zwei Stereo-Eingängen für die Aufnahme von
22 Tracks (20 Kanäle plus eine Stereo-Mischung) in Auflösungen von bis zu 24
Bit/96 kHz. Aufgezeichnet wird auf die interne SD-Karte und/oder gleichzeitig über
USB auf einen angeschlossenen PC oder Mac. Sechs unabhängige Monitorausgänge
für Musiker stehen bereit, mit individuellem Custom-Mix
für jeden Ausgang. Die Ausgänge sind zwischen
Kopfhörerausgang und symmetrischem Line-out
umschaltbar. Der L-20 kommt mit zwei
integrierten Effekteinheiten und bietet auch
zwei individuelle EFX-Sends pro Kanal.
Für die drahtlose Fernsteuerung der
meisten und wichtigsten Funktionen ist
eine kostenlose iOS-App verfügbar.
zoom.co.jp
Mooer Preamp LIVE
Kleine Röhre. Der Mooer Preamp LIVE ist das Flaggschiff der beliebten Micro-Preamp-Serie.
Über die Plattform lassen sich Amp-Sounds auf der Bühne und abseits
davon bequem einrichten und steuern. Der Multi-Preamp Modeler enthält u. a. 50
authentische Vorstufenmodelle von bekannten Gitarrenverstärkern, 30 Cab-Sims, einen
Effektweg sowie eine Tone-Capture-Funktion, um den Klang eigener Verstärker
„einzufangen“ und mit dem Mooer Preamp LIVE überallhin mitzunehmen. Die hohe
Qualität der digitalen Vorverstärker-Modelle wurde in vielen Tests weltweit gelobt.
Jedes der 50 Preamp-Modelle ist eine detailgetreue Nachbildung eines echten Röhrenverstärkers.
Der Preamp LIVE ist intuitiv zu bedienen, erfüllt anschlussseitig alle
Wünsche und gefällt mit Features wie Unterstützung von IRS von Drittanbietern,
MIDI-Kompatibilität, zusätzlichen Setup-Optionen, 3-Band EQ, True-Bypass, einen
separaten Kopfhörerausgang sowie USB-B-Anschluss.
mooeraudio.com
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Fantastisch
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Das /slash Filmfestival hält von 20. bis 30. September zum neunten
Mal die Stadt in Atem. Als Ehrengast begrüßt man den deutschen
Schauspieler Udo Kier, dem eine Hommage gewidmet ist. TEXT: ANDREAS UNGERBÖCK
Von 20. bis 30. September entführt
das /slash Filmfestival
Wien wieder in die unendlichen
Weiten des Fantastischen Films. Die Veranstaltung
wurde vom Filmjournalisten
Markus Keuschnigg seinerzeit gegründet,
um dem Kino des Abseitigen und Düsteren
hierzulande mehr Raum zu geben.
Rund 20 Jahre nach dem ersten heftigen
Trash-Boom im Wien der achtziger Jahre
– mit Kinos wie dem (leider verblichenen)
Movie und dem Schikaneder oder schrägen
Lokalen zum Videoschauen wie der
Fun Factory im 9. Bezirk schien die Zeit
reif, aus dem DVD- und Heimcomputer-Ghetto
auszubrechen und an jene
Stätte zu pilgern, für die diese Filme nun
einmal gemacht werden: ins Kino, zum
kollektiven wohligen Gruseln und Schaudern.
Dankenswerterweise hat man sich
über die Jahre auch der recht eng gesteckten
Grind-Grenzen der Anfänge
entledigt und beackert nun ein größeres
Terrain, das – siehe oben – mit dem
Überbegriff „Fantastischer Film“ gut definiert
ist.
50 |
Prominenz und Programmvielfalt Stargast des diesjährigen /slash-Filmfestivals ist Udo Kier. Gezeigt
wird neben rund 60 Filmen unter anderem sein neuester Streich „Puppet Master: The Littlest Reich“.
Fantastische Expansion
Der Erfolg gab Markus Keuschnigg, der
seit Jahren auch die ähnlich heftige
„Nachtsicht“-Reihe beim Crossing-
Europe-Filmfestival in Linz programmiert,
und seinem Team recht, und so
ist es kein Wunder, dass die Veranstaltung
im neunten Jahr – wie Filmfestivals das
nun einmal weltweit tun – erneut expandiert:
Neben dem altbewährten Filmcasino
in Margareten wird das Metro Kinokulturhaus
in der Wiener Innenstadt
zur zweiten Heimstätte des /slash. Damit,
so die Veranstalter, will man weniger das
Programm ausdehnen, als vielmehr einem
oft geäußerten Publikumswunsch
nachkommen, nämlich dem nach mehr
Wiederholungsvorstellungen. Zu sehen
sind auch in diesem Jahr rund 60 Filme,
darunter die „durchgeknalltesten, düstersten,
wildesten, unheimlichsten und
blutigsten Leinwandfantasien des Jahres“,
wie die Veranstalter nicht müde werden
zu versprechen, aber auch Klassiker des
Genres und ausgewählte Premieren, auch
von Filmen, die später im Kino starten.
Prominenz
Es gehört zu den Trademarks von
/slash, dass es dem Festival immer wieder
gelingt, prominente Gäste nach
Wien zu holen. Das ist auch diesmal
nicht anders, und nach dem Trash-
Papst John Waters im Vorjahr wird bei
der diesjährigen Ausgabe dem deutschen
Schauspieler-Weltstar Udo Kier
eine Hommage mit neun Filmen gewidmet
sein. Dass die Karriere des heute
73-Jährigen, eines engen Freundes
u. a. der Starregisseure Lars von Trier
und Gus Van Sant, in Wien ihren Anfang
nahm, passt da natürlich gut, ebenso,
dass sein erster Erfolg, Eddie Sallers
Trash-Perle „Schamlos“ (1968) heuer
ihr 50-jähriges Jubiläum feiert. Der
Film ist ebenso zu sehen wie Kiers neuester
Streich, der Horrorkracher „Puppet
Master: The Littlest Reich“. Und
selbstverständlich wird der Geehrte
während des Festivals anwesend sein.
Foto: /slash

Hermann Nitsch feiert seinen 80.
Geburtstag. Eine Ausstellung über
sein Lebenswerk und ein musikalischer
Workshop ehren den
Künstler, der auch im hohen Alter
noch auf Polarisierung und große,
reinigende Gefühle setzt.
Im Interview gewährt Nitsch Einblick
in seine innere und äußere
Welt. TEXT: MANUEL SIMBÜRGER
Geburtstages eine Sinfonie, die mit einer Aktion verbunden
ist und als Einführung für das 6-Tage-Spiel
zu verstehen ist. Es dirigiert Andrea Cusumano die
Sinfonie mit dem Orchester der Klangvereinigung
Wien, der Stadtkapelle Mistelbach, dem Chor con
cor und dem Musik- und Gesangsverein Asparn an
der Zaya.
Der Schrei
Wir treffen uns mit Hermann durchdacht und trotzdem undurchsichtig Denken mehr Gewicht hat als die Erfahrung
der Wirklichkeit des Seins.
Nitsch in seinem Museum bleibend. Auch nach dem Interview verweilt
er in derselben gemütlichen Position,
in Mistelbach. Er ist einige
Minuten zu früh da – wir auch, was er
aber nicht bemerkt. Also beobachten wir
ihn noch kurz. Gemächlich setzt sich
Nitsch auf einen Stuhl inmitten des Ausstellungsraumes,
der anlässlich von Nitschs
80. Geburtstag noch bis 5. Mai 2019 das
Lebenswerk zeigt. Gehstock und Hut legt
er wohlpositioniert links und rechts neben
sich auf den Boden. Er starrt geradeaus,
wahrscheinlich lässt er einfach seine Kunst
auf sich wirken. Auch das Interview findet
inmitten dieses Raumes statt, was perfekt
ins Bild passt: Nitsch wird, umgeben von
seinen Schütt- und Aktionsbildern, selbst
zum Kunstwerk. Ein Kunstwerk, wohl-
am selben Platz. Nitsch, inmitten des
Nitsch-Universums. Eine perfekte Konzeptionierung
eines Gesamtkunstwerks.
Ehrlich gesagt war ich wegen unserem
Treffen etwas nervös. Begegnen Ihnen
auch andere Menschen oftmals mit großer
Ehrfurcht oder gar Zweifel?
Ja, durchaus. Es passiert aber auch gerade
im Familien- und Pseudofamilienkreis,
dass man mir gar nicht so viel Achtung
entgegenbringt, wie ich es mir wünschen
würde. Das hat nichts mit meiner Arbeit
zu tun, sondern ich merke, dass oberflächliches
Wissen, pseudo-politisches
Sie sind nach wie vor einer der bekanntesten
Künstler unserer Zeit. Sind Sie sich
Ihres Einflusses auf die Künstlerlandschaft
bewusst oder schaffen Sie einfach?
Man schafft. Und man ringt um ein Weltbild.
Wieweit man das auf andere übertragen
kann, ist ein anderes Kapitel.
Klar ist aber, dass Ihr künstlerisches Schaffen
bis heute immer wieder detailreich
analysiert wird. Wollen Sie das überhaupt?
Natürlich will ich das, dafür habe ich
ja meine Werke geschaffen. Ich will,
dass die Menschen versuchen, mein
Schaffen emotionell und mit dem
52 | Hermann Nitsch konzipierte anlässlich seines 80.
Foto: Heinz Cibulka

innersten Bewusstsein zu verstehen.
Sie sind mittlerweile in der gesellschaftlich
etablierten Hochkultur angekommen ...
(lacht) Ich weiß nicht, ob meine Kunst als
solche verstanden wird, aber ich bin der
Meinung, dass meine Ausbildung einer
Bildung der Hochkultur entspricht. Ich
bin stolz darauf, als Künstler anerkannt zu
werden. Ich habe immer noch sowohl Befürworter
als auch Gegner, aber die zwei
Bereiche dürften sich zahlenmäßig etwas
verschoben haben. Aber der Kampf bleibt
derselbe. Denn Gegner sind Menschen, die
meine Kunst nicht verstehen.
Ist Polarisierung nicht von Beginn an in
Ihrem Schaffen einkalkuliert?
Das Neue wird stets angefochten, das wird
sich nicht ändern. Impressionisten sind
anfangs bespuckt worden. Heute findet
man diese Bilder in den Warteräumen von
Zahnärzten. Das Neue, Aufwühlende setzt
sich schlussendlich immer durch. Meine
Vorbilder sind durchwegs Künstler, die
angeeckt sind. Auch ich sehe mich als künstlerischer
Vorreiter.
Wie ist Ihr Verhältnis zur aktuellen heimischen
Kunstlandschaft?
Ich habe mein gesamtes Leben lang gelehrt
und ich bin gerne Lehrer. Aber ich bin kein
Kunstkritiker und sicherlich kein Kurator.
Ich muss mich so sehr mit meinem eigenen
Werk beschäftigen, dass ich für die Szene
um mich herum wenig Augenmerk habe.
Was ich aber sagen kann: Die Kunst auf
der ganzen Welt entspricht einer gewissen
Hochebene, aber die Spitzen im Hochgebirge
fehlen zurzeit.
Hand aufs Herz: Gehen Ihnen Kritik und
persönliche Angriffe auch mal nahe?
Ich bin generell gegen Kritik, weil sie unproduktiv
ist. Als Lehrer habe ich die Arbeiten
meiner Studenten nie korrigiert.
Wenn sie nicht weiterkamen, habe ich sie
motiviert, an der gelungensten Stelle ihrer
Arbeiten anzusetzen und weiterzumachen.
Ein Kritiker sollte nur dann etwas schreiben,
wenn er begeistert ist oder der Sache zustimmt.
Wenn er kritisiert, soll er das Maul
halten! Die meisten Kritiker können nicht
mal einen Bleistift spitzen, geschweige denn
eine gerade Linie ziehen. Kunst soll begeistert
analysiert und kommentiert werden.
Wäre ich Kritiker und mir gefällt etwas
nicht, dann gäbe es an der Stelle des Artikels
nur einen weißen Fleck.
Aber kann Kritik einen nicht auch weiterbringen?
Mich nicht.
Und wie sieht es mit Selbstkritik aus?
Bis zur Selbstqual.
Ende September findet im Nitsch Museum
in Mistelbach ein Workshop zum
Thema „Hermann Nitsch und
Musik“ statt. Viele wissen gar
nicht, dass Sie auch Komponist
sind …
Ich war schon als Jugendlicher
von der Weltmusik
fasziniert. Beethoven, Bach,
Schubert, Bruckner, Strauss,
Schönberg oder Wagner haben
mich sehr stark beeinflusst. Anfangs
wollte ich mit Wortdichtung die sinnliche
Gewalt beschreiben, bin dann aber dazu
übergegangen, diese Gewalt erlebbar zu
machen. Sie zu riechen, zu schmecken und
eben auch zu hören. In mir ist der Wunsch
aufgekommen, das Geräusch in die Musik
mitaufzunehmen und mit klassischer Musik
zu verbinden. Ich sehe die Wurzeln der
Musik im Schrei, im Lärm. Im exzessiven
Erregungszustand, im intensivsten Erleben
von Wollust, Qual, Leiden. Gleichzeitig
geht es mir auch darum, mit dem Orchester
einen Orgelklang zu erzielen.
Der Schrei als das ursprünglichste Wort.
Genau. Wenn der Mensch dermaßen erregt
ist, dass er keine Worte mehr findet, dann
GEWINN
SPIEL
Wir verlosen 4 Stofftaschen mit
Büchern. Mehr Informationen und
Teilnahmebedingungen siehe
ticketmagazin.com!
schreit er. Schrei ist vor allem anderen.
Verstehen Sie Musik also als eine weitere
Station auf dem Weg zur persönlichen
Katharsis, die ja in Ihren Aktionen einen
großen Stellenwert einnimmt?
Genauso wie das Ausweiden eines Tieres,
also die sinnliche Berührung von Fleisch
und Blut, hat Lärm eine reinigende Wirkung.
Es geht um die große Befreiung von
Verdrängungen, unter denen wir als Gesellschaft
leiden und die uns Religion und
Ethik auferlegen. Zum Beispiel die Erotik,
der Sport, die Disco-Wut, die Urlaubswut,
die Technikabhängigkeit. All das reinigt
uns nicht. Lieber Psychohygiene durch
mein Orgien Mysterien Theater als durch
Kriege.
Welche Musik hören Sie privat?
Von klassischer Musik bis hin zu John Cage
oder sonstigen akustischen Experimenten.
Ich hatte zum Beispiel
eine schöne Begegnung
mit den Einstürzenden
Neubauten bei meiner
Aktion in Tasmanien vergangenes
Jahr. Die Burschen
haben großen Gefallen
an meiner Musik gefunden. Da
gibt es also durchaus Parallelen.
Der Schrei als Musik: Wie sieht es denn
mit Ihrem Rockmusik-Geschmack aus?
Als ich meine ersten Orchesteraufnahmen
gemacht habe, hatte ich meistens Rockgruppen
dabei, weil die die besten und lautesten
Elektroverstärker hatten. Die konnten
so richtig laute Klänge produzieren (lacht)!
Leider hat sie schon längst ihren Entwicklungsgipfel
erreicht. Aktuell gibt’s hier ja
so viel lauwarmes, widerliches Zeug!
n Die Sinfone findet am 1. September im
nitsch museum statt, zwischen 28. und
30. September der Workshop „Zwischen
Urlärm und Sphärenharmonie“. Mehr
Informationen: nitschmuseum.at
| 53

Liebe ist Freiheit
SEX SELLS Georg Biron
Ja, ich war einmal jung! Und ich bin
heute noch ganz wild entschlossen, es
auch so lang wie möglich zu bleiben.
Denn: Es ist nie zu spät für eine glückliche
Kindheit. Und vor allem das freche
Entdecken der Sexualität hat es mir angetan.
„Liebe: Dunkler Erdteil“ ist ein
Gedicht von Ingeborg Bachmann, das
von Abenteuern in fremden Orgasmen
erzählt. Es ist noch nicht so lange her,
da ging es beim Sex um die Überwindung
von Prüderie, Spießbürgermoral
und Christentum. Guten Sex zu haben,
war ein klares politisches Statement.
Damals verbrannten die Frauen ihre
BHs, Gruppensex wurde als revolutionärer
Lifestyle gesehen, und die Meinung,
Selbstbefriedigung führe zu dauerhaften
gesundheitlichen Schäden, wurde heftig
bekämpft.
Die alte Moral ist wieder da!
Heute jedoch scheint der alte Scheiß
wieder in Mode zu sein. Mit Vollgas zurück
in die graue Vergangenheit! Viele
Eltern schütteln ihre Köpfe, weil ihr Fortpflanz
so prüde durch die Pubertät stolpert.
Und wer sich kleine Freiheiten herausnimmt,
wird vom
Mainstream in den sozialen
Medien sogleich lustvoll hingerichtet.
Da wollte etwa Justin Timberlake
mit einem Instagram-Foto dokumentieren,
wie sehr seine Frau Jessica Biel den
dreijährigen Sohn liebt. Das Foto zeigt,
wie sie dem Kleinen ein Bussi auf den
Mund gibt. Na, mehr hat es nicht gebraucht!
Viele User geiferten, das sei widerlich:
„Ein Kind küsst man nicht auf
den Mund!“ – „Das ist ja fast schon sexueller
Missbrauch!“ Ich sage: Das ist
Blödsinn. Macht euch frei …
Gewinnspiele in dieser Ausgabe
finden Sie auf den Seiten
18–20, 21 und 52–53.
Mehr Informationen & Teilnahmebedingungen
finden Sie auf ticketmagazin.com.
Sie können über das Gewinnspielformular auf
ticketmagazin.com („!ticket Gewinnspiele
September 2018“) oder per E-Mail
(gewinn@ticketmagazin.com) mitspielen.
Einsendeschluss ist der 15. September 2018.
Das nächste !ticket erscheint am 26. September 2018.
LASTNEWS
Ende September erscheint „Plays Well With Others“, eine 4-CD-Box von Phil Collins
mit hochkarätigen Kollaborationen, darunter Brian Eno, Eric Clapton, Paul McCartney
und viele mehr! André Hellers Sohn Left Boy ist zurück und geht im Dezember mit
seinem neuen Album „Ferdinand“ auf Tour durch Österreich. DJ, Produzent und Live-
Instrumentalist Timmy Trumpet gastiert im November in Linz, Graz, Bregenz und
Wien! Am 7. September startet der Vorverkauf für das /slash Filmfestival!
impressum
Herausgeberin, Chefredakteurin:
Mag. Roberta Scheifinger
Chefredakteur & Chef vom Dienst:
Stefan Baumgartner
Anzeigen: Suzana Milic, Mag. Roberta Scheifinger
Anzeigenproduktion & Verrechnung: Susanne
Franzl
Redaktion/Kolumnisten:
Stefan Baumgartner (sb), Amina Beganovic (ab),
Georg Biron, Paul M. Delavos B.A. (pmd), Robert
Fröwein (rf), Angelika Goldmann, Walter Gröbchen,
Alexander Haide (ah), Amanda Peniston-Bird (apb),
Mag. Joachim Schmida (js), Antonia T. Schulz (as),
Mag. Manuel Simbürger (ms), Andreas Ungerböck
(au), Andy Woerz
Cartoon: Bertram Haid (BAES Cartoons)
Lektorat: Gunther Natter
Fotos: Filmverleiher, Plattenfirmen, Fotoagenturen,
Veranstalter, siehe Copyright
Cover: Mats Bäcker
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CTS Eventim Austria GmbH, !ticket Eventmagazin,
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Artdirektion: Mag. Gottfried Halmschlager
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Nr. 1 erscheint 10 x jährlich. Jahresabo Österreich:
€ 22,00, Jahresabo Europa: € 44,00. Kündigung
jeweils acht Wochen vor Ablauf der Bezugsfrist
nur schriftlich eingeschrieben an !ticket Eventmagazin,
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