Kunsthandel Hieke - Herbstkatalog 2019

Österreichische
Kunst
1900 -1980
K U N S T H A N D E L
S E I T 1 9 8 0

Österreichische
Kunst
1900 -1980
Oktober 2019

VORWORT
Wir blicken auf ein aufregendes Jahr zurück. Ein Jahr in dem ein lang gehegtes Anliegen des Kunsthandel Hiekes die breite Öffentlichkeit
erreicht hat. Durch wegweisende Ausstellungen wie „Klimt ist nicht das Ende“ (Belvedere & BOZAR, Brüssel), „Die Stadt der
Frauen“ ebenfalls im Belvedere, Wien und Helene Funkes erster Retrospektive in Deutschland (Kunstsammlungen Chemnitz) wurde
nach jahrzehntelanger Aufarbeitung vieler Beteiligter der kunsthistorische Kanon neu gedacht und geschrieben. Hier wurde der
Leistung eben jener Künstler Respekt und Anerkennung gezollt, die nach 1945 sukzessive aus der Kunstgeschichte „herausgeschrieben“
wurden, waren sie doch zu Lebzeiten höchst erfolgreich.
Das Jahr stand dementsprechend im Zeichen zwei unserer Hauptprotagonisten: Broncia Koller-Pinell und Helene Funke. Es erfüllt
uns zu Recht mit Stolz, dass diese beiden Künstlerinnen im vergangenen Jahr von BBC bis Le Figaro, von El Pais bis zu Die Presse
medial höchst präsent waren. Beide Vertreterinnen hängen inzwischen wie selbstverständlich zwischen Schiele, Kokoschka und
Klimt. Eine Anerkennung ihrer künstlerischen Leistung die längst überfällig war.
Es freut uns also besonders Ihnen zwei meisterhafte Neuentdeckungen Helene Funkes – die ihr Oeuvre ideal ergänzen – vorstellen
zu können. Eine weitere Neuentdeckung stammt von Broncia Koller-Pinell, die ihre Tochter Silvia trefflich verewigt hat. Das Gemälde
gehört zu den schönsten Portraits, die Koller von ihrer Tochter malte.
ALLE ABGEBILDETEN WERKE SIND VERKÄUFLICH
Maße: Höhe x Breite
Eigentümer, Herausgeber, Verleger:
Kunsthandel HIEKE
A-1010 Wien, Grünangergasse 12
Tel. +43-1-513 32 59
Di – Fr: 10 –13 und 14 –18 Uhr, Sa 10 –13 Uhr
hieke@hieke-art.com
hieke-art.com
Gesamtherstellung: Graphisches Atelier Neumann GmbH · 1120 Wien · Rosenhügelstraße 44 · Tel. +43-1-804 63 13 · e-mail: office@neumannweb.at · www.neumannweb.at
Von großer kunsthistorischer Bedeutung und eine absolute Seltenheit ist das Gemälde „Donaukanal mit Blick auf die innere Stadt“
von Richard Harlfinger, Präsident der Wiener Secession in den Jahren 1917 – 1919. Diese herrliche Ansicht Wiens bei Nacht
dokumentiert die Elektrifizierung der Stadt im Jahre 1930. Von Carl Krall ist ein malerischer Schöpfungsmythos mit dem Titel „Vergehen,
Sein, Werden“ zu entdecken. Egon Schieles Schwager, Anton Peschka überzeugt wie immer mit seiner ganz speziellen
Aquarelltechnik. Hervorzuheben sind zudem erlesene Blickpunkte auf Architekturmotive aus Spanien und Österreich von Heinrich
Schröder und fulminante Eindrücke aus der Bergwelt von Anton Storch-Alberti und Igo Pötsch.
PostWar – Kunst nach 1945 ist mit ausgewählten Werken unserer Favoriten, R.R. Ballabene – Meister der bewegten Szenen, Peter
Pálffy – ein Pionier der österreichischen abstrakten Malerei und André Verlon veranschaulicht. Der Wegbereiter der Salzburger
Kunstszene – Herbert Breiter ist mit einem Reisebild aus dem Jahre 1959 vertreten.
Wir hoffen, Sie teilen unsere Begeisterung und das eine oder andere Bild gefällt Ihnen. Einstweilen wünschen wir viel Vergnügen
beim Durchblättern des Kataloges.
Marie-Valerie Hieke
Dr. Ursula Hieke

INHALT BALLABENE RUDOLF RAIMUND Abb.: 1 – 3
BREITER HERBERT Abb.: 4
FUNKE HELENE Abb.: 5 – 8
HAGEL ALFRED Abb.: 9, 10
HARLFINGER RICHARD Abb.: 11
KOGANOWSKY JAKOB Abb.: 12, 13
KOLLER-PINELL BRONCIA Abb.: 14, 15
KRALL CARL Abb.: 16, 17
LEITNER THOMAS Abb.: 18
PÁLFFY PETER Abb.: 19
PESCHKA ANTON Abb.: 20 – 22
PÖTSCH IGO Abb.: 23
SCHRÖDER HEINRICH Abb.: 24, 25
SPALLART LYDIA VON Abb.: 26
STORCH-ALBERTI ANTON JOSEF Abb.: 27
VERLON ANDRÉ Abb.: 28 – 30
WAEHNER TRUDE Abb.: 31, 32

RUDOLF RAIMUND BALLABENE – Meister der bewegten Szenen
Zurndorf 1890 –1968 Wien
Bei der ersten Betrachtung seiner Gemälde fällt sofort die
außergewöhnliche Dynamik und Intensität seiner Farben und
seines Pinselstriches auf. Die Vorliebe für lichte, kräftige Farben
begleitet seine oft wirbelnd expressiven Darstellungen mit spürbarem
Optimismus und lassen sein Werk damit als Gegenpol
zu der meist nachdenklichen Stimmung der Nachkriegszeit in
Österreich gelten.
Ballabene studierte ab 1909 in Prag und wurde in den 20er
Jahren als Maler von Städtemotiven und Blumenstilleben
bekannt. Unter dem Nationalsozialistischen Regime wurden
alle seine Bilder konfisziert. Dadurch sind seine Werke der
20er und 30er Jahre fast vollständig verschollen, zudem erhielt
Ballabene 1943 Berufsverbot.
Nach dem 2.Weltkrieg gelangte er 1945 nach Wien und
etablierte sich sehr schnell als Künstler, der mit seinen dynamischen
Szenen und expressiven Landschaften – zumeist aus
dem Burgenland – sehr bekannt wurde. Eine besondere Eigenheit
in seinem Oeuvre ist die Fülle unterschiedlicher Themata.
Landschaften, Szenen aus dem Getriebe der Städte, Tiermotive,
etwa aus dem Reitsport – der Künstler war leidenschaftlicher
Reiter – und figurale Darstellungen sind zumeist Anlass
zur Vermittlung von Dynamik und Geschwindigkeit im Bild. In
den 50er Jahren erreicht sein Schaffen einen Höhepunkt. „Die
Bildfläche ist restlos aktiviert und bietet schon alleine in der
Häufung explosiver Farbschichtungen sowie in der Richtung
und wechselnden Stärke wuchtiger Pinsel- und Spachtelhiebe
ein Konzert...“ Münchner Merkur 1959
Sein Spätwerk ab Mitte der 60er Jahre tendiert verstärkt zur
Abstraktion. Es ist erstaunlich mit welcher Vehemenz sich der
Künstler in seiner Malerei Ausdruck verleiht. Es ist eine markante
und zukunftsweisende Position – vergleicht man etwa
die Malerei der „Jungen Wilden“ in den 80er Jahren.
Ausstellungen (Auswahl):
1946 Gemeinde Wien, Dorotheergasse
1946 „25 Jahre Burgenland“, Schloss Esterhazy, Eisenstadt
1958 Zagreb, Österreichische Lesehalle
1959 Galerie Gurlitt, München
1960 National Arts Club, New York
1991 Landesgalerie Eisenstadt
1994 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien
2005 „Das neue Österreich, Staatsvertragsjubiläum
1955/2005“, Belvedere, Wien
Werke in:
Albertina, Wien
Belvedere, Wien
Heeresgeschichtliches Museum, Wien
Landesgalerie Eisenstadt
Museum im Schottenstift, Wien
Abb.: 1
Frauen unter sich
monogrammiert
verso datiert 1965
Öl/Leinwand
110 x 80 cm
Werkverzeichnisnr. 145
In den letzten Schaffensjahren Ballabenes ist die geometrische
Abstraktion die bestimmende Gestaltungsform in seinem
Oeuvre. Trotzdem sind gerade am Anfang dieser Periode
noch Figuren ein wichtiges Element im Bild. Das vorliegende
Gemälde ist ein Schlüsselwerk dieser Neuorientierung. Es sind
drei Frauen dargestellt, die mit expressiver Farbgestaltung aus
dem strengen Formenkanon der Geometrie herausragen. Kinderwägen
und Räder sind als assoziative Beigaben eingesetzt.

RUDOLF RAIMUND BALLABENE
Zurndorf 1890 –1968 Wien
Abb.: 2
Jahrmarkt
monogrammiert
Öl/Leinwand
70 x 60 cm
Werkverzeichnisnr. 255
Karussells und Bahnen bei einem Jahrmarkt eignen sich hervorragend
für die Darstellung von Bewegung und sind damit ein
sehr treffliches Beispiel für Ballabenes malerische Intentionen in
den 60er Jahren. Mit breiten Pinselstrichen und großer Farbgewalt
konstruiert er das dynamische Geschehen, das für den
Betrachter nur mehr teilweise nachvollziehbar ist. Die Dynamik
steht im Vordergrund.

RUDOLF RAIMUND BALLABENE
Zurndorf 1890 –1968 Wien
Abb.: 3
Frauen am Heimweg
monogrammiert
Öl/Leinwand
90 x 90 cm
Werkverzeichnisnr. 119
Ballabene ist mit seiner Vorliebe für figurale Themen eine Seltenheit
der österreichischen PostWar Malerei. Regelmäßig
sind lebendige, kommunikative Szenen geschildert. Gerne
zeigt er Menschen aus dem alltäglichen Leben gegriffen, im
geselligen Zusammensein, bei Tanz, Sport oder wie in diesem
Bild auf dem Heimweg. Die Frauen in diesem Bild sind mit
kräftig hellen Farben charakterisiert wie auch das architektonische
Gefüge im Hintergrund – ein großartiges Werk seiner
Schaffensphase in den 1950er Jahren.

HERBERT BREITER – Stimmung und Präzision
Landeshut / Polen 1927 –1999 Salzburg
Breiter gilt als einer der bedeutendsten Künstler Salzburgs.
Als Autodidakt konstruierte er in seiner Malerei ab Ende der
1940er Jahre eine ganz eigene Wirklichkeit. Sein Werk lässt
sich damit als eine Weiterentwicklung der Neuen Sachlichkeit
nach 1945 einordnen.
1944 wollte er an der Dresdner Kunstakademie studieren,
wurde aber zur Wehrmacht einberufen und kam 1945 nach
Salzburg. Er gehörte zum legendären Mönchsberg-Kreis um
Agnes Muthspiel, die zu seiner Lebens- und Künstlergefährtin
wurde.
1947 erhielt Breiter die österreichische Staatsbürgerschaft.
Freundschaft mit Gottfried von Einem und dem Bühnenbildner
Caspar Neher sowie Schüler von Max Peiffer Watenphul.
1948 wurde er in den Art Club aufgenommen und zählte
1951 zu den Mitbegründern der „Salzburger Gruppe“. Ab
1952 stand er dem Kreis um Hans Weigel in Wien nahe.
1957 Preis des „6. Österreichischen Graphik-Wettbewerb“
sowie der Theodor-Körner-Stiftung. 1965 entstand ein Werkverzeichnis
der Druckgraphik von 1949 – 65. Ab 1975 bereiste
er fast jährlich Italien, später kommen die Südsteiermark
und Griechenland hinzu.
Die letzten Jahre – bis zu seinem Tod 1999 – sind von schwerer
Krankheit überschattet. Städte, mediterrane Landschaften,
das Meer, Olivenhaine und Weinberge sind Hauptmotive in
der Malerei von Herbert Breiter, die für ihn gleichzeitig als
Symbole für das Lebendige zu deuten sind. Seine Reisen in
den Süden sind in seinen stimmungsvollen Gemälden wunderbar
dokumentiert.
Ausstellungen:
1947 Wiener Konzerthaus
1949, 1953 „Moderne Kunst in Österreich“, Salzburg
1950 Art Club
1954 Galerie Würthle
1958 Secession, Wien
1960 Salzburger Kunstverein
1963 Aachen, Suermondt-Museum
1964, 1973 Salzburg, Galerie Welz
Werke in:
Albertina, Wien
Sammlung der Stadt Wien
Kupferstichkabinett der Wiener Akademie
Museum der Moderne – Rupertinum, Salzburg
Abb.: 4
Die Brücke
monogrammiert
datiert 1959
Öl/Leinwand
75 x 100 cm
Breiter war gerne unterwegs und das Thema der Reise ist
auch in dieser speziellen Komposition offensichtlich. Die klaren
exakten Formen dieser Landschaft sind in der Tradition
der Neuen Sachlichkeit zu sehen. Durch die Eisenbahnbrücke
blickt man zu einer Stadt in der Ferne. Ein streng durchkomponiertes
Werk, flächig und präzise gestaltet und durch diese
formale Reduktion besonders wirkungsvoll.
Dok.: Große Kunstausstellung München, Haus der Kunst, 7.Juni – 1.Oktober
1961, Katalognr. 687 (Etikett am Keilrahmen)

HELENE FUNKE – Fauvistin der ersten Stunde
Chemnitz 1869 –1957 Wien
Funke zählt international gesehen zu den großen Künstlerinnen
des 20. Jahrhunderts. „Funke was among the most radically
avant-garde painters in Vienna. She is now widely acknowledged
to have been one of the earliest and strongest interpreters
of the modernist principles of Matisse and the Fauves in
Austria“ J. M. Johnson
Die Leuchtkraft ihrer Werke ist unübersehbar.
Im Gegensatz zu Modersohn-Becker und Münter hatte sie
bereits zu Lebzeiten Erfolg. Sie studierte an der Münchner
Akademie und lebte anschließend in Paris, von 1906 –1912
im selben Haus, in dem Gertrud Stein ihren berühmten Künstlersalon
führte und wo Picasso, Matisse, Marquet, Kees van
Dongen u. v. a. verkehrten. Bereits ab 1906 stellte sie ihre
Werke neben Matisse, Derain und Vlaminck aus.
Später in Wien war sie regelmäßig bei Ausstellungen im
Hagenbund und in der Wiener Secession vertreten. „Man muss
sich überlegen, wie man in Wien in den Jahren 1903 –1920
gemalt hat, um die Leistung der Malerin richtig abzuschätzen.
Sie hat sich damals schon mit Problemen beschäftigt, an die
das Gros der Maler heute noch nicht herankommt.“ (Zeitungsnotiz,
Research Center, Belvedere)
Mit Vorliebe widmete sie sich in ihrem Oeuvre figuralen Szenen,
Frauenportraits und Aktdarstellungen sowie Stilleben.
Auch Landschaften aus Südfrankreich überzeugen immer wieder
mit ungewöhnlicher Leuchtkraft der Farben. In ihren Werken
kann man durchaus von Farbexplosionen sprechen – die
ganze Ausdruckskraft resultiert aus der Farbe.
1928 wurde das Bild „Musik“ vom österreichischen Staat
angekauft. Auch die seltene Anerkennung von Seiten der Künstler
war ihr gewiß. Laske verewigte sie als einzige Künstlerin in
seinem Monumentalgemälde „Das Narrenschiff“ und Boeckl
bezeichnete sie „Als Vorbild für die gesamte Künstlerschaft“.
Nach ihrer letzten Ausstellung 1948 in Wien geriet sie leider
völlig in Vergessenheit und starb in großer Armut.
Ausstellungen (Auswahl):
1904 München, Berlin, Dresden
1906 Salon d‘Automne, Paris
1907, 1910, 1911, Salon des Independants, Paris
1920 –1930 Hagenbund, Wiener Secession
1948 Galerie Welz, Wien
1998 Personale, Kunsthandel Hieke
2007 Personale, Lentos, Linz
2007 Wien-Paris, Van Gogh, Cézanne und Österreichs
Moderne, Belvedere, Wien
2018/19 „Klimt ist nicht das Ende“, Belvedere Wien,
BOZAR, Brüssel
„Expressiv weiblich. Helene Funke“, Kunstsammlungen
Chemnitz
2019 „Stadt der Frauen“, Belvedere, Wien
Werke in:
Belvedere, Wien; Albertina, Wien; Wien Museum; Lentos,
Linz; Kunstsammlungen Chemnitz; British Museum, London
Abb.: 5
Stilleben mit Früchten, Krug und kleiner Skulptur
signiert
Öl/Leinwand
60 x 73 cm
Diese Neuentdeckung markiert einen Höhepunkt in Funkes
Schaffensphase um 1920. Eine gewagte Komposition, die
ihre Perfektion in der von Cézanne inspirierten Stillebenmalerei
widerspiegelt. Inmitten eines drapierten Tuches sind Früchte
und Objekte verteilt. Aber es geht hier nicht um Objekte, sondern
um ein aufwendig durchkomponiertes Farbenspiel, das
wie wunderschöne Farbwellen das Bild durchzieht und das
Funke einmal mehr als Meisterin der Farbexpression ausweist.
Ein fauvistisches Meisterwerk, das ganz im Sinne jener Bewegung
die Farben für sich sprechen lässt.

HELENE FUNKE
Chemnitz 1869 –1957 Wien
Abb.: 6
Schwebende
signiert
Mischtechnik/Papier
46 x 30,5 cm
Das expressive Bildnis dieser hübschen Frau ist in Bewegung
eingefangen. Es gehört wahrscheinlich zu der Serie
der Engelsköpfe oder Höllensturzmotive, die 1923/1924
entstanden sind. Mit zurückgewandtem Blick und wehenden
Haaren ist diese Frau diagonal ins Bild gesetzt und überzeugt
mit den typischen leuchtenden Farben Helene Funkes. Frauen
sind generell eines der Hauptmotive ihrer Werke. Sie stellt sie
in Gruppen, als Akt, in Portraits und wie in diesem Bild mit
wilden roten Haaren als Engelsfigur oder in die Hölle stürzend
dar.
Dok.: Kunsthandel Hieke, Helene Funke Paris-Wien, Wien 1998, Abb. 15
P. Funke, Die Malerin Helene Funke, Leben und Werk, Wien 2011,
S. 217

HELENE FUNKE
Chemnitz 1869 –1957 Wien
Abb.: 7
Stilleben mit Früchten und Gefäßen I
signiert
Öl/Holz
51 x 63,8 cm
Stilleben sind die Domäne von Helene Funke. An Hand der
dargestellten Objekte entwickelt die Künstlerin ihre ganz
typische leuchtende Farbkomposition, für die sie berühmt ist.
Dieses Meisterwerk, ca. 1930 entstanden, ist eine Neu entdeckung.
Funke kombiniert diverse Gefäße und Früchte zu
einem höchst beeindruckenden Arrangement. Eine Variation
des Gemäldes wurde dieses Jahr bei Funkes Personale in den
Kunstsammlungen, Chemnitz gezeigt. Julie M. Johnson sieht
Funke als Vorfahrin der Vertreter der abstrakten Malerei, dies
wird in ihren konstruierten Stilleben offensichtlich.
Funke: „Immer wachsende Probleme, in voller Hingabe zu
lösen, Form, Linie, Colorismus u. noch dazu die Stärke der
Innerlichkeit, der Beseeltheit, das ist das Ziel, dem ich nachgehe,
zudem aber die eiserne Kraft der Einsamkeit zur Konzentration
notwendig ist.“ Brief vom 22. 12. 1928, Kunstsammlungen
Chemnitz, Archiv, Inv.-Nr. A/65

HELENE FUNKE
Chemnitz 1869 –1957 Wien
Abb.: 8
Stilleben mit Papagei
signiert
Öl/Leinwand
60,3 x 50 cm
Helene Funke hatte eine große Vorliebe für die Stillebenmalerei.
J. M. Johnson schrieb in „Rediscovering Helene Funke. The
invisible foremother“: „Still life, the overlooked genre is key to
Funke‘s lifelong practice as an artist. It is a genre in which she
could easily experiment with modernist ways of seeing and
painting. Her still lifes are best read as formal experiments in
which the artist uses color dissonances and harmonies to build
her compositions.“
Das faszinierende Gemälde ist stilistisch typisch für den Beginn
ihrer Pariser Zeit, etwa um 1906. Die Auswahl der Gegenstände
bei Stilleben kann oft von geheimnisvoller Bedeutung
sein – hier etwa eine Zwiesprache von Vergänglichkeit und
Fortbestand.
Dok.: Helene Funke, Lentos, Linz 2007, S. 143
P. Funke, Die Malerin Helene Funke, Leben und Werk, Wien 2011,
S. 195

ALFRED HAGEL – Mit figuraler Eleganz und Humor
Wien 1885 –1945
Seine einzigartigen, hinreißenden Szenen aus dem Leben
der 20er, 30er Jahre, sei es Alltag, Festlichkeit oder Motive
aus Literatur und Mythologie sind feinstes Art Deco bis hin zur
Neuen Sachlichkeit – in jedem Fall absolute Raritäten.
Studium an der Wiener und Münchner Akademie. Zunächst
war Hagel ab 1913 als Illustrator für verschiedene Bücher und
Zeitschriften wie etwa „Die Jugend“, „Die Dame“, „Leipziger
Illustrierte“ und „Die Muskete, das Blatt für Kunst und Humor“
tätig. Dann gestaltete er in Zusammenarbeit mit Architekt P. L.
Troost mehrere Luxusdampfer für den Überseeverkehr des Bremer
Lloyd aus, wie z. B. die „Europa“, „Berlin“, „Sierra Ventana“.
Auch für die Münchner Vereinigten Werkstätten war
er tätig. Schließlich macht er sich auch als Bühnenbildner zu
zahlreichen Schauspielen und Opern, etwa für „Figaros Hochzeit“,
„Ein Walzertraum“ u. a. einen Namen. 1926 zeigte
sich bereits internationale Anerkennung, die Zeitschrift „The
Studio“, London bringt eine Abhandlung über seine Arbeiten.
Wie kein anderer Künstler schildert Hagel Motive des eleganten,
schicken Lebens voller Esprit und mit dem Reiz des
Außergewöhnlichen. Es ist der Charme des Abenteuers oder
einer geheimnisvollen Geschichte, die seine Werke so anziehend
machen. Aber auch Szenen aus dem Alltag erhalten
unter seiner Pinselführung einen besonderen Flair oder sind oft
humoristisch interpretiert. Das Wien Museum verwahrt eine
Zeichnung/Karikatur von ihm, die Karl Kraus während eines
Vortrages zeigt. Gerade in der Zwischenkriegszeit sind Hagels
heitere Sujets mit ihrer pointierten Gestaltung ein wesentlicher
Grund dafür, dass ihm schon zu Lebzeiten Anerkennung zu Teil
wurde.
1930 kehrte der Künstler wieder nach Wien zurück, wo er mit
großem Erfolg bis 1938 tätig war. Danach arbeitete er nur
mehr in Zurückgezogenheit.
Ausstellungen:
1908 Wiener Akademie
1925 Münchner Kunstverein
1927 „30 Münchner Künstler“, Künstlerhaus Wien
1987 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien
Werke in:
Wien Museum
Abb.: 9
Siesta
verso Signaturstempel
Öl/Karton
42 x 37 cm
Hagel hatte eine Vorliebe für ungewöhnliche und extravagante
Themen. Die Begebenheit am Stadtrand eines südländischen
Dorfes zeigt eine Kartenleserin und zwei Männer bei einer
Siesta. Die hübsche Frau hält Spielkarten in der Hand – vielleicht
vermag sie die Zukunft zu deuten. Ein sehr anschauliches
Beispiel seines Oeuvres in den 1920er, 1930er Jahren, das
auch hervorragend Hagels Beitrag zur Neuen Sachlichkeit
dokumentiert.

ALFRED HAGEL
Wien 1885 –1945
Abb.: 10
Diana und Aktäon
signiert
Mischtechnik/Papier
29 x 27,5 cm
Neben Sagen und Märchen sind oftmals mythologische Szenen
Inspiration für den Künstler. Ovid schildert die schicksalhafte
Begegnung von Diana, Göttin der Jagd und Aktäon.
Aktäon entdeckte zufällig die badende Diana nach der Jagd.
Die Göttin verzauberte ihn sogleich in einen Hirsch, damit er
nicht von ihrer nackten Schönheit berichten konnte. Hagel widmete
sich der Szene in der Aktäon die badende Göttin an
einem Teich entdeckt. Die hohen Bäume des Waldes lassen
den Schatten des Reiters im Hintergrund durchschimmern.

RICHARD HARLFINGER – Farbdramatik
Mailand 1873 –1948 Wien
Harlfinger ist Farbdramatiker mit unverwechselbarem Stil. Die
Expressivität seiner Bilder begründet sich durch aussagekräftige
Farbgestaltung, die durch starke Konturierung eine Überhöhung
erfährt.
Der Künstler widmete sich anfänglich dem Portrait. Seine kunsthistorische
Bedeutung liegt aber in der Landschaftsmalerei, auf
die er sich bald konzentrierte. Seine Vorliebe galt dem Festhalten
einer Augenblicksstimmung aus der Erinnerung: „Erinnerung
verklärt, vereinfacht, steigert die Erlebnisse und Erinnerung
war für mein Schaffen ein Hauptfaktor geworden.“
1892 - 94 Studium an der Wiener Akademie und anschließend
bis 1899 an der Münchner Akademie. Danach war er
in Mödling tätig. Studienreisen führten ihn in die Bretagne,
nach Schweden, Bielitz und Venedig.
1906 wurde Harlfinger Mitglied der Wiener Secession und
erhielt als deren Präsident 1917 - 1919 besondere Beachtung.
Ab 1917 unterrichtete er an der Wiener Frauenakademie.
Mitarbeit an der Ausgestaltung des Rathaus-Kellers in Wien.
1918 war Harlfinger Kriegsmaler in Lublin. Er erhielt 1930
den Österreichischen Staatspreis.
Dem berühmten österreichischen Dichter Robert Musil fielen
1924 bei zwei Secessionsausstellungen „Landschaften von
Richard Harlfinger dadurch auf, daß sie von einem dominierenden
Totaleindruck aus das Bild geben ... so wie man sie in
Wirklichkeit mit dem Schlag des Entzückens erlebt.“
Ausstellungen:
Ausstellungen der Secession, Wien
1904 Künstlerhaus, Wien
1910 Internationale Jagdausstellung, Wien
1911, 1912, 1913 Secession, Wien
1988 The Modern Poster, MoMA, New York
2005 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien
Werke in:
Belvedere, Wien, Wien Museum, Leopold Museum, Wien
Heeresgeschichtliches Museum, Wien
NÖ Landesmuseum, St.Pölten
MoMA, New York
Abb.: 11
Donaukanal mit Blick auf die innere Stadt
signiert
datiert 1930
Öl/Leinwand
65 x 90 cm
Dieses repräsentative Gemälde ist kunsthistorisch von besonderer
Bedeutung und eine absolute Seltenheit, da es die ersten
elektrischen Beleuchtungen in Wien bei Nacht eindrucksvoll
dokumentiert. In Wien wurde ab 1923 das Gaslicht sukzessive
von der zehnmal helleren elektrischen Beleuchtung abgelöst.
Im Jahr 1929 wurde eine der ersten Neonschriften am
Kaufhaus Gerngross installiert und ab 1932 waren es bereits
um die 7300. Hier wäre z.B. der Film „Café Elektrik“ mit
Marlene Dietrich und Willi Forst aus dem Jahre 1927 zu nennen.
Regie bei diesem Drama in der Wiener Halbwelt führte
Gustav Ucicky. Ein anderer interessanter Bezug, international
gesehen, ist der Film „Lichter der Großstadt“ mit Charlie Chaplin,
der 1931 in Los Angeles uraufgeführt wurde.

JAKOB KOGANOWSKY – Stimmungsimpressionist
Kiew 1874 –1926 Wien
Als Stimmungsimpressionist liebte Koganowsky die große
Inszenierung wunderschöner Plätze. Er beeindruckt sehr mit
seinen von Licht durchfluteten Motiven. Mit Vorliebe zeigt
der Kunsthandel Hieke seine großformatigen Gemälde, die
zumeist mit einer starken Tiefenwirkung den Betrachter in ihren
Bann ziehen.
Studium in Odessa, an der Wiener und Münchner Akademie.
Die verschiedensten Landschaften Österreichs sind Thema seiner
Bilder. Dabei ist das Salzkammergut von seiner schönsten
Seite vertreten. Neben Wiesen und Wäldern werden auch
Bauernhäuser und verschwiegene oder prunkvolle Villen stimmungsvoll
und beschaulich geschildert, manchmal auch deren
Interieurs. Er hielt sich nachweislich öfters in Bad Ischl auf und
ist dort in den Jahren 1907 bis 1925 immer wieder in der
Hotel Pension Erzherzog Franz Karl abgestiegen.
Koganowsky war ein geschätzter Künstler am Wiener Hof.
1904 erschien z. B. sogar der Erzherzog Rainer im Kunstsalon
Pisko zur Kollektivausstellung der Maler Erwin Bendel und
Jakob Koganowsky. In einer Ausstellungsbesprechung aus dem
Jahre 1924 wurde der Künstler als „vortrefflicher Landschafter“
bezeichnet, „seine Leistungen besonders auf dem Gebiet der
Lichtmalerei.... sind erstklassig …. seine Sammlung enthält
eine Reihe herrlicher Landschaftsbilder, die durch die treffende
Verteilung von hellstem Sonnenlicht und dunklem, lebendigen
Schatten äußerst eindrucksvoll wirken.“
Koganowsky bevorzugt in seiner Palette harmonische Farbzusammenstellungen.
Sein durchaus bewegter Pinselduktus bringt
dabei eine eigene Dynamik ins Bild.
In seiner großen Stimmungsmalerei geht er manchmal gezielt
auf kleine Details ein, die das Umfeld des Motivs umso
anschaulicher schildern und den Betrachter mit narrativen
Momenten erfreut. Es ist das vergangene Flair der Jahrhundertwende,
das in seinen Werken für immer festgehalten wurde.
Ausstellungen:
1904 Kunstsalon Pisko, Wien
1907 Künstlerhaus, Wien
1908 Künstlerhaus, Wien
1909 Künstlerhaus, Wien
1911 Kunstsalon Pisko, Wien
Künstlerhaus, Wien
1922 Kollektivausstellung, Palast der Schönen Künste, Wien
1924 Glaspalast Burggarten, Wien
1924 Kollektivausstellung der Kunstgemeinschaft Wien
1926 Donauländische Künstler, Theseustempel, Wien
Werke in:
Belvedere, Wien
Abb.: 12
Joching in der Wachau
signiert
Öl/Leinwand
79 x 102 cm
In der Wachau, gleich neben Weissenkirchen, liegt das
bekannte österreichische Winzerdorf Joching am Rande der
Donau. Koganowsky führt uns direkt in dieses wunderbare
Stimmungsbild zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Dem Künstler
gelingt es dabei perfekt dieses Motiv als malerisches Medium
für Tiefenentwicklung, Licht- und Schatteneffekte zu nützen. Es
ist ein herrlich sonniger Tag geschildert. Das Gemälde ist nicht
nur farblich besonders fein abgestimmt, sondern es vermittelt
auch angenehme Lebensfreude.

JAKOB KOGANOWSKY
Kiew 1874 –1926 Wien
Abb.: 13
Frühling bei Wien
signiert
Öl/Leinwand
90 x 100 cm
Ein sehr gelungenes Werk des österreichischen Stimmungsimpressionismus.
Koganowsky hat hier einen Lichtblick des
Frühlings eingefangen. Er führt uns zwischen zwei Häusern in
diese einladende Landschaft hinein. Voller Frühlingsduft ragen
die Blüten des Flieders dem Betrachter über den Zaun entgegen.
Die architektonischen Details sowie die Blumen hinter
dem geschmiedeten Eisenfenster zeugen von seiner künstlerischen
Feinarbeit.

BRONCIA KOLLER-PINELL – Künstlerin des engen Klimtkreises
Sanok/Galizien 1863 –1934 Oberwaltersdorf
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts ist Koller-Pinell als bedeutendste
Künstlerin des engen Klimtkreises zu nennen. Sie gilt zudem als
Förderin von Schiele (Porträt Hugo Koller, Belvedere Wien).
„Kinderportraits und Landschaften Kollers führen vor, dass Egon
Schiele nicht aus dem luftleeren Raum kam.“ A. Kluy. Durch ihre
Auseinandersetzung mit der französischen Avantgarde sind ihre
Werke auch im internationalen Kontext zu sehen und durchaus
vergleichbar etwa mit Pissarro, Derain. Auch in den 20er Jahren
ist sie im Zuge der Neuen Sachlichkeit durch ihre Bekanntschaft
mit Carl Hofer ganz am Puls der Zeit.
Studium in Wien und an der Münchner Akademie. Nach
München lebte Koller ab 1903 wieder in Wien. Die Kontakte
zu den Künstlern der Wiener Secession und der Wiener Werkstätte
intensivieren sich. Das Haus der Kollers in Oberwaltersdorf,
von Hoffmann umgebaut und mit Arbeiten der Wiener
Werkstätte ausgestattet, wird zu einem Zentrum der Künstlergesellschaft,
wo Klimt, Gustav und Alma Mahler, Hoffmann,
Schiele, Kolo Moser u. v. a. verkehren. Auch Lou Andreas
Salomé, Freundin von Nitsche und Rilke, ist zu erwähnen.
Mit der Ausstellung ihrer Werke bei den Kunstschauen der
Klimtgruppe in Wien hat Kollers Schaffen einen ersten Höhepunkt
erreicht. Ihre fruchtbare Zusammenarbeit mit dem jungen
Shootingstar Heinrich Schröder fällt in die Zeit von 1906 bis
1912. Eine gemeinsame Ausstellung mit ihm fand in der Galerie
Miethke, Wien statt und wurde von Bertha Zuckerkandl
eingehend beschrieben. 1919 wurde sie zur ersten Ausstellung
der Künstlergruppe „Der Wassermann“ in Salzburg eingeladen.
Neben Landschaften sind immer wieder Blickpunkte ihrer näheren
Umgebung, aus ihrem Gut in Oberwaltersdorf und dessen
Park eine Anregung für wunderbare Gemälde, die das Flair
der Wiener Secession hervorragend vermitteln. In der zweiten
Hälfte der 20er Jahre ist in ihrem Werk eine Auseinandersetzung
mit der Neuen Sachlichkeit zu bemerken.
Ausstellungen (Auswahl):
1893 Glaspalast, München
1908 Kunstschau der Klimt Gruppe, Wien
1909 Internationale Kunstschau der Klimt Gruppe, Wien
1911 „Koller und Schröder“, Galerie Miethke, Wien
1928 Münchner Secession
1980 Personale, NÖ Landesmuseum, Wien
1991 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien
1993 „Koller und Schröder“, Kunsthandel Hieke, Wien
1993 Personale, Jüdisches Museum, Wien
2008 „Klimt und die Kunstschau 1908“, Belvedere Wien
2013/14 „Facing the Modern“, National Gallery, London
2017 „Die bessere Hälfte“, Jüdisches Museum, Wien
2018/2019 „Klimt ist nicht das Ende“ Belvedere Wien,
BOZAR, Brüssel
2019 „Stadt der Frauen“, Belvedere, Wien
2019 „Faistauer, Schiele, Harta & Co“, Salzburg Museum
Werke in:
Belvedere, Wien; Albertina Wien; Wien Museum; Leopold
Museum,Wien; Lentos, Linz; NÖ Landesmuseum, St. Pölten
Abb.: 14
Stilleben mit Tontopf und Früchten
signiert
Öl/Leinwand
71 x 58 cm
Dieses hervorragende Werk ihrer frühen Schaffensphase wird
in der Zeit um 1900/1905 entstanden sein. Hier wählte sie
Früchte des Herbstes als Motiv und arrangierte diese sorgfältig
auf einem Tuch. Dahinter ist ein Tontopf aus dem Haushalt
gegeben. Kollers Leidenschaft für Keramik spiegelt sich auch
in Hauptwerken, wie dem Töpfermarkt von 1910 (Landessammlungen
Niederösterreich) wider.

BRONCIA KOLLER-PINELL
Sanok/Galizien 1863 –1934 Oberwaltersdorf
Abb.: 15
Silvia mit Hut
verso Nachlassbestätigung von Rupert Koller
Öl/Leinwand
55 x 45 cm
Diese sensationelle Neuentdeckung zeigt Silvia, Tochter der
Künstlerin mit einem Strohhut um 1910. Sie blickt dem Betrachter
ruhig und konzentriert mit selbstbewusstem Blick entgegen.
Gesicht und Halspartie sind malerisch feinteilig ausgeführt.
Das Umfeld, Hut und Reformkleid (Erfindung von Emilie Flöge)
hingegen sind mit frühexpressionistischen, trefflich geführten
Pinselstrichen angedeutet. Der Hintergrund bleibt unbestimmt,
sodass nichts von der Intensität des hübschen Gesichts ablenkt.
Das Gemälde gehört zu den schönsten Portraits, die Koller
von ihrer Tochter malte. Silvia Koller (1898 – 1963) trat in
die Fußstapfen ihrer Mutter und wurde ebenfalls Malerin. Sie
war nicht nur häufiges Motiv der Werke ihrer Mutter, sondern
wurde auch von Kolo Moser und Egon Schiele portraitiert, der
der acht Jahre jüngeren Silvia Malunterricht gab und häufiger
Gast in Oberwaltersdorf war.

CARL KRALL – Highlight der Neuen Sachlichkeit
Wien 1891–1975
Als Autodidakt entwickelte er eine ganz eigene Linie der
Neuen Sachlichkeit mit der kristallklaren Schärfe seiner Landschaften.
Sein Werk ist von großer Bedeutung für die österreichische
Malerei und mit Kanoldt und Schrimpf zu vergleichen.
Krall begann seine Laufbahn als erfolgreicher Werbegrafiker
mit Entwürfen für Mode- und Kulturzeitschriften sowie als
Plakatdesigner für Zigaretten und Sekt – „Edelin“, „Samum“,
Abadie“, „Gamod“, „Hubert Extra“ sind die klingenden
Namen dieser Produkte. Ebenso entwarf er Plakate für Theater
und Stummfilm.
Ab den 20er Jahren widmete er sich zusehends der Malerei.
Sein malerisches Talent, mit starkem Hang zur Präzision, zielte
bald in Richtung Neue Sachlichkeit und überzeugte mit prächtig
leuchtenden (klaren) Landschaften, die nicht wie sonst oft
in dieser künstlerischen Strömung mit Vorstadttristesse versehen
sind. Ganz im Gegenteil; zumeist sind ruhige menschenleere
Landschaften geschildert, die gelegentlich einen Hang zum
Überhöhten und Außergewöhnlichen haben.
Sein Talent und seine künstlerische Vielfalt spiegeln sich außerdem
in Kralls figuralen Darstellungen, die von stilistischen
Merkmalen des Art Deco bestimmt sind und auf der Gewandtheit
und Aussagekraft seines graphischen Werkes basieren.
1923 wurde er als Mitglied in den Albrecht Dürer-Bund aufgenommen
und später im Verein „Heimische Künstler Klosterneuburgs“,
dessen Ausstellungsleiter er wurde. 1944 Ankauf
zweier Werke vom Kulturamt der Stadt Wien, 1947 vom Niederösterreichischen
Landesmuseum. Von 1945 bis 1956 war
er als Mitarbeiter des Bundesdenkmalamtes an der Wiederherstellung
von Werken in Schönbrunn und Wiener Neustadt
beteiligt. Diverse Sgraffiti in Wien und Mödling stammen von
seiner Hand.
1967 erhielt Krall das Silberne Ehrenzeichen für Verdienste um
die Republik Österreich.
Ausstellungen (Auswahl):
1933 Personale, Zedlitzhalle, Wien
ab 1938 Klosterneuburger Künstlerbund
1938 „Kunst der Ostmark“, Haus der Kunst, Berlin
1943, 1944 Heimische Künstler Klosterneuburgs, Zedlitzhalle
Wien
1947 Erste Österreichische Kunstausstellung 1947, Künstlerhaus,
Wien
1964 Personale, Österreichische Staatsdruckerei, Wien
2015 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien
Werke in:
NÖ Landesmuseum, St. Pölten
Österreichische Nationalbibliothek, Wien
Wienbibliothek im Rathaus, Wien
Abb.: 16
Steinbruch (Kaolinwerk bei Aspang)
signiert
Öl/Karton
31 x 31 cm
Im NÖ Landesmuseum befindet sich ein Gemälde des Künstlers,
das Kaolinwerk bei Aspang darstellend. In dem vorliegenden
Werk ist ein Detail aus diesem Steinbruch geschildert.
Im Vordergrund ein Arbeiter, der an einem Felsblock werkt.
Seine muskulöse Rückenansicht im Schatten steht im Gegensatz
zu den hellen Felsen des Steinbruchs. Kaolin wird auch
als Porzellanerde bezeichnet und dient hauptsächlich der Herstellung
von Porzellan und Papier. Das Wort Kaolin wurde
ursprünglich von dem chinesischen Ort Gaoling abgeleitet,
wo die sogenannte „Weiße Erde“ gefunden wurde.

CARL KRALL
Wien 1891–1975
Photo Atelierschau
„50 Jahre Atelier Carl Krall 1917 – 1967“
Abb.: 17
Vergehen, Sein, Werden
Öl/Karton auf Leinwand
48 x 54 cm
In diesem außergewöhnlichen Werk ist eine Art Schöpfungsmythos
zwischen den Zeiten thematisiert. Das bedeutungsvolle
Gemälde ist vor 1933 entstanden. Krall hat es ursprünglich
als Tryptichon entworfen. Zwischen Vergangenheit und Zukunft
steht der Mensch im Jetzt. Aus einer Blüte ragt ein prähistorischer
Schädel neben einem Affen und gleichsam als Krönung
darüber – der Mensch mit seiner Hand zum Licht weisend.
Das Licht mit seinen Strahlenkreisen wird in dieser außergewöhnlichen
Komposition zu erstaunlicher Wirkung gebracht.
Originalentwürfe zu diesem Bild sind erhalten.
Dok.: 1933 Jahresausstellung d. Albrecht Dürer Bundes, Zedlitzhalle Wien,
Zitat von Hans Ankwicz-Kleehoven

THOMAS LEITNER – Dramatische Himmelsstimmungen
Altmünster 1876 –1948 Wien
Leitner war Landschaftsmaler, der einerseits der Tradition der
österreichischen Stimmungsmalerei folgte, andererseits aber
auch Tendenzen eines von atmosphärischen Stimmungen
getragenen Natursymbolismus aufnahm. Seine Gemälde sind
mit einem extrem dünnen Farbauftrag und zarten Kolorit sehr
geschätzt. Er wurde auch „Wolken – Leitner“ genannt.
Studium an der Wiener Akademie seit 1893. 1905 und
1906 unternahm er Studienreisen nach Italien (Rompreis) und
Dalmatien. 1908 wurde er Mitglied des Wiener Künstlerhauses,
in dem er seine Werke regelmäßig ausstellte.
Ausstellungen:
Ausstellungen Künstlerhaus, Wien
1924 Kollektivausstellung, Holbein Galerie, Wien
Werke in:
Belvedere, Wien
NÖ Landesmuseum, St.Pölten
Österreichische Nationalbibliothek, Wien
Oberösterreichisches Landesmuseum, Linz
Im Ersten Weltkrieg war Leitner 1916 im Ortlergebiet, 1917
in Ostgalizien und 1918 in Capodistria und Umgebung als
Kriegsmaler tätig. Als Kriegsmaler wurden Künstler automatisch
in den Offiziersrang gehoben.
Abb.: 18
Ab etwa 1911 wurde Waidhofen an der Thaya seine Wahlheimat,
wo er 1942 zum Ehrenbürger ernannt wurde. 1936
erhielt Leitner den Ehrentitel Professor.
Das österreichische Kaiserhaus schätzte seine Werke. Von
Kaiser Franz Josef wurden seine Gemälde „Donaulandschaft
in der Wachau“ und „Bergfrieden“ angekauft. Kaiser Karl
erwarb ebenfalls ein Gemälde seiner Hand.
Es ist die große Inszenierung der Natur, die Leitner bestens
beherrscht und die auch heute noch überzeugt.
Sonniger Sommertag
signiert
Öl/Platte
86,5 x 120 cm
Leitner gelingt es immer wieder sehr eindrucksvoll die Größe
der Natur vor Augen zu führen. Er ist für seinen extrem dünnen
Farbauftrag und sein zartes Kolorit bekannt. In diesem monumentalen
Landschaftsgemälde blickt man zu einem Weg bei
einem kleinen Teich vorbei und bestaunt den großen Baum,
der im Hintergrund von einem gewaltigen Wolkenturm begleitet
wird. Mit großer Tiefenwirkung ist der Wechsel von Licht
und Schatten im Bild angelegt, der das dramatische Naturgeschehen
geschickt hervorhebt.

PETER PÁLFFY – Pionier der abstrakten Malerei nach 1945
Seebarn / NÖ 1899 –1987 Wien
Pálffy gehört der internationalen Avantgarde an. Sein Schaffen
umfasst einen Bogen von expressionistischen über kubistische
zu abstrakten Bestrebungen. Innerhalb der abstrakten Malerei
in Österreich nach 1945 kann Pálffy als Pionier gelten. Bereits
1987 widmete der Kunsthandel Hieke dem fast in Vergessenheit
geratenen Künstler eine Personale.
Er studierte von 1921 bis 1923 an der Akademie der bildenden
Künste in München und lebte anschließend von 1924
bis 1933 in Paris, im Spannungsfeld der französischen Avantgarde.
In Berührung mit der „école de Paris“ und integriert
in das internationale Kunstgeschehen hatte er bereits 1928
Gelegenheit in der Galerie Myrbor (Mme. Cuttoli, Freundin
von Picasso) seine Werke zu zeigen.
Von 1933 bis 1945 arbeitete er in der Slowakei in Kontakt
mit der ungarischen Avantgarde. Nach seiner Flucht vor der
Roten Armee im Jahre 1945 lebte Pálffy bis 1962 in Kitzbühel
und anschließend in Wien.
Er wurde 1949 Mitglied des österreichischen „Art Club“ einer
zukunftsweisenden, auf Internationalität bedachten Künstlergruppierung,
die an Bedeutung mit der Secession der Jahrhundertwende
vergleichbar ist, Mitglieder waren z. B. Arik Brauer,
Arnulf Rainer, Maria Lassnig. Nach Auflösung des „Art Club“
1960 schloss er sich der Künstlervereinigung „Der Kreis“ an.
„Sein Lebenswerk .... ist im großen Kontext der europäischen
Avantgarde des 20. Jahrhunderts betrachtet, für jeden Kunstliebhaber
eine Bereicherung.“ Barbara Baum
Ausstellungen (Auswahl):
1928 Salon des Indépendants, Grand Palais, Paris
Galerie Myrbor, Paris
1936 Hagenbund, Wiener Secession
1948 Art Club, Wien
1953 Künstlerhaus, Salzburg
1955 Galerie des Braux, New York
1956 Secession, Wien,
„10 Jahre der Kreis“, Künstlerhaus, Wien
1982 „Der Art Club“, Museum des 20. Jahrhunderts, Wien
1987 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien
1995 Peter Pálffy, Neue Galerie der Stadt Linz
2018/2019 „Klimt ist nicht das Ende“, Belvedere, Wien,
BOZAR, Brüssel
Werke in:
Museum Moderner Kunst, Wien
Lentos Kunstmuseum, Linz
Slowakische Nationalgalerie, Bratislava
Museum Cerveny Kamen, Slowakei (Bibersburg)
Abb.: 19
Blick aus dem Fenster
signiert
Öl/Karton
51 x 71 cm
Peter Pálffy war einer der wenigen österreichischen Künstler,
dessen Werk bald nach 1945 in die abstrakte Kunst mündete.
Er bevorzugte helle Bildflächen und ruhige, klare Elemente,
die er mit neuen Formerfindungen bereicherte und die jedes
Bild von ihm unverkennbar machen. Das Gemälde ist ein
ganz typisches Beispiel seines Oeuvres um 1949/1950 und
gehört damit zu den frühen abstrakten Werken der österreichischen
Malerei nach 1945.

ANTON PESCHKA – Intensität der Pinselstriche
Wien 1885 –1940
Expressive Landschaften anfänglich unter dem Einfluß Egon
Schieles – sein Studienkollege und Schwager. 1910 reiste
er mit Schiele nach Krumau und lernte im selben Jahr dessen
Schwester Gertrude kennen, die er 1914 heiratete. Durch
Schiele wurde er auch mit Klimt bekannt. Im Besitz des Wien
Museums befindet sich ein fabelhaftes Schiele-Portrait seiner
Hand.
Studium an der Wiener Akademie – seine Studienkollegen
waren neben Schiele, Faistauer und Dobrowsky. Peschka
stand anfänglich stark unter dem künstlerischen Einfluss seines
Schwagers, in dessen Neukunstgruppe er bereits im Gründungsjahr
1909 Mitglied wurde. In den 20er, 30er Jahren
rückt sein ganz eigener Stil in den Vordergrund. 1923 schrieb
ein zeitgenössischer Kunstkritiker begeistert in seinem Überblick
über die österreichische Kunst über Peschka: „Seine Bilder sind
durchdringend, sprengen die Form des Hergebrachten und
bauen glücklich eine neue Darstellung auf ... Man fühlt, daß
hier ein Künstler ist, der Großes vollbringen könnte, der das
Zeug dazu vollkommen in sich trägt.“ Fritz Karpfen
Gemeinsam mit Broncia Koller-Pinell, Heinrich Schröder, F. A.
Harta u. a. wurde er Mitglied des 1918 von Egon Schiele
gegründeten Sonderbundes.
1922 –1935 war er als Mitglied des Hagenbundes bei fast
allen Ausstellungen mit Werken vertreten. Mitglied der von
Felix Albrecht Harta und Anton Faistauer 1919 begründeten
Künstlervereinigung „Wassermann“, Salzburg. Ebenso war er
an Ausstellungen der Künstlergruppe „Maerz“, Linz vertreten,
die 1913 von Brosch, Sedlacek, Lutz und Bitzan gegründet
wurde. Kubin, Eckl und Zülow waren Mitglieder. 1939 wurde
diese Künstlervereinigung unter dem Nationalsozialistischen
Regime verboten.
Im Jahre 1993 wurde der Peschkaweg in Wien, Hietzing
nach ihm benannt.
Ausstellungen:
1910 Ausstellung der Neukunstgruppe, Wien
1910 –1919 Künstlerhaus, Wien
1920 Kunstschau, Museum für Kunst und Industrie,
Wien/MAK
1922 –1935 Ausstellungen des Hagenbundes
1940 Gedächtnisschau A. Peschka, Zeditzhalle Wien
1993 „Die verlorenen Moderne, der Künstlerbund Hagen“,
Halbturn
2019 „Faistauer, Schiele, Harta & Co“, Salzburg Museum
Werke in:
Belvedere, Wien
Albertina, Wien
Kupferstichkabinett der Stadt Wien
Wien Museum
Heeresgeschichtliches Museum, Wien
Abb.: 20
Stilles Gestade
signiert
datiert 1936
betitelt
Aquarell/Papier
34 x 48 cm
Ganz typisch für Peschkas virtuose Aquarelltechnik ist eine wunderbar,
idyllische Stimmung am Wasser dargestellt, wo am
Rande des Ufers ein kleines Segelboot vorbeizieht. Peschka
gelingt es mühelos diesen herrlichen Blick auf die Freuden der
Natur einzufangen.

ANTON PESCHKA
Wien 1885 –1940
Abb.: 21
Mondsee vom Höllkar aus
signiert
datiert 1935
betitelt
Mischtechnik/Papier
34,5 x 49,5 cm
Das Höllkar ist ein 1169 m hoher Gipfel bei Sankt Gilgen.
Dieser Berg liegt zwischen dem Mondsee, Wolfgangsee
und Fuschlsee. Es wird vermutet, dass der Name Höllkar mit
Hei, der germanischen Göttin der Unterwelt zusammenhängt
und mythologischen Ursprungs ist. Auf jeden Fall ist Peschka
hier ein grandioser Blick über die Landschaft des Salzkammerguts
gelungen. Der Künstler erreichte in der Kombination
von Aquarell und Bleistiftzeichnung eine eigene Meisterschaft.
Seine Landschaftsmotive zeugen von seinem zeichnerischen
Feingefühl und seiner intuitiven Farbgewalt.

ANTON PESCHKA
Wien 1885 –1940
Abb.: 22
Hutweiden
signiert
datiert 1937
betitelt
Aquarell/Papier
34 x 48 cm
Mit großer künstlerischer Gewandtheit erreicht Peschka immer
wieder eine fröhliche Stimmung im Bild, die auch diesen
besonderen Landschaftsausschnitt einer Weide am Rande des
Wassers so attraktiv macht. Als Hutweiden wurden früher landwirtschaftliche
Flächen bezeichnet, die als Weide für Haustiere
verwendet wurden. Ein Hirte beaufsichtigte die Tiere. Die
Wiesenflächen am Braunsberg bei der Hainburger Au wurden
z.B. oft als Hutweiden genützt.

IGO PÖTSCH – Zwischen Expression und Realismus
Graz 1884 –1943 Wien
Pötsch war ein Künstler der österreichischen Zwischenkriegszeit,
dessen Oeuvre zwischen gemäßigtem Expressionismus
und realistisches Tendenzen zu finden ist. Mit seinen locker
und dynamisch gesetzten Pinselstrichen erreicht er in seinen
Werken immer wieder verblüffende Genauigkeit und sehr
effektvolle Akzente. Seine Vorliebe gilt der Landschafts- und
Portraitmalerei.
Er erhielt seine künstlerische Ausbildung an der Landeskunstschule
Graz als Schüler von Heinrich August Schwach und
Paul Schad-Rossa. 1904 arbeitete er als Lithograph in Dresden.
Bereits 1905 bis 1914 war er als künstlerischer Leiter
der Nußdorfer Papier- und Blechdruck-Industrie in Wien tätig.
Ausstellungen:
1919, 1920, 1928, 1929 Secession, Wien
ab 1924 Ausstellungen, Künstlerhaus, Wien
1932 „Österreichische Bildniskunst der Gegenwart“, Künstlerhaus,
Wien
1934 55. Jahresausstellung, Künstlerhaus Wien
2011 „Bildschöne Wachau“, Stift Göttweig
Werke in:
Albertina, Wien
Wien Museum
Oesterreichische Nationalbank, Wien
Österreichische Nationalbibliothek, Wien
Neue Galerie am Landesmuseum Joanneum, Graz
Lithographische Kenntnisse konnte er bei Viktor Mader an der
Graphischen Lehr- und Versuchsanstalt in Wien erwerben. Von
1922 bis 1928 war er selbst dort als Lehrer tätig.
1930 leitete er Spezialkurse für Lithographie an der Akademie
für graphische Künste in Leipzig. Schon ab 1918 widmete
sich Pötsch zusehends der Malerei.
Im Jahre 1930 wurde der Künstler Mitglied des Wiener Künstlerhauses
und beteiligte sich an diversen Ausstellungen. 1931
bildete er mit anderen Wiener Künstlern die sogenannte neue
Gruppe der Wiener Künstlergenossenschaft. Zur 200 - Jahrfeier
der Haydn-Gedenkstätte entwarf er 1932 12 Kunstblätter.
1934 erhielt Pötsch den Österreichischen Staatspreis mit
Herbert Boeckl, Wilhelm Thöny und A. P. Gütersloh.
Abb.: 23
Weitblick über die Hochlandschaft
signiert
datiert 1919
Öl/Leinwand
70 x 80 cm
In diesem dramatischen Gemälde fokussiert der Künstler einen
großartigen Blick in die Ferne über die Gipfel der Berge.
Hauptaugenmerk gilt dem atemberaubenden Schauspiel der
Wolken, wo zwischen Regen im Vordergrund schon das Licht
ein besseres Wetter ankündigt. Zugleich thematisiert dieser
weite Blick über die Gebirgslandschaft die Größe der Natur,
die uns der Künstler hier trefflich vor Augen führt.
Dok.: Künstlerhaus Wien, 1921

HEINRICH SCHRÖDER – Fulminante Städtebilder
Krefeld/D 1881–1941 Innsbruck
Schröder war Zeit seines Lebens ein Reisender. Erlesene
Blickpunkte auf Architekturmotive bestimmen sein Oeuvre. Als
Architekturmaler hat Schröder eine ganz eigene Position in der
europäischen Kunstgeschichte. „Er liest im Städtebild, in der
bebauten Natur, wie in einem wohl bekannten Gesicht ....
Wesensart und Lebensart einer Bevölkerung prägen sich ihm
eindeutig im Bauwerk aus ...“ Wagner 1937
Anfänglich stilistisch der Wiener Secession verpflichtet, greift
er ab 1909 Impulse der Schule von Pont Aven auf. Seine
expressionistischen Städtebilder ab 1915 entstehen gleichzeitig
mit den Werken Schieles und Waldes. In den 20er und
30er Jahren erreicht sein Schaffen im Zuge der Neuen Sachlichkeit
einen weiteren Höhepunkt.
Studium in Berlin, Weimar und Paris. Ab etwa 1905 stand
Schröder in Wien in enger Verbindung mit der Familie Hugo
und Broncia Koller. 1908 wurde er in die berühmte Runde
der Klimtgruppe aufgenommen. 1909 –1914 reiste Schröder
nach Frankreich, Bosnien und Afrika und übersiedelte dann
nach München und bezog ein Atelier in der Adalbertstraße.
Er wurde Mitglied der Münchner Secession. In den 20er und
30er Jahren im Zuge der Neuen Sachlichkeit und einer regen
Reisetätigkeit z. B. Südfrankreich, Korsika, Mallorca, weite
Teile Spaniens, Italiens, Bosnien, England, Afrika erreicht sein
Schaffen einen weiteren Höhepunkt. 1925 besuchte er Italien
und hielt sich längere Zeit im Künstlerdorf Anticoli-Corrado,
ganz in der Nähe Roms, auf. 1929 unternahm er seine zweite
Afrikareise mit Hauptaufenthaltsort Tunis.
Ab 1936 galt er als entartet, da unter dem NS-Regime Künstler
der Neuen Sachlichkeit abgelehnt wurden. Sein Gemälde
„Bucht auf Mallorca“ erhielt 1933 den Albrecht Dürer Preis,
1937 wurde es von den Nationalsozialisten beschlagnahmt.
Die letzten Jahre bis zu seinem Tod verbrachte Schröder verarmt
in Tirol.
Ausstellungen (Auswahl):
1908 Kunstschau, Wien
1909 Internationale Kunstschau, Wien
1911 „Schröder, Koller“, Galerie Miethke, Wien
1923 Secession, München
1925 Künstlerhaus, Wien
1926 Glaspalast, München
1927 bis 1935 Kunstsalon Heller, München
1990 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien
1993 „Schröder, Koller“, Kunsthandel Hieke, Wien
2007/08 „Wien-Paris, Van Gogh, Cézanne und Österreichs
Moderne 1880 bis 1960“, Belvedere, Wien
2008 „Gustav Klimt und die Kunstschau 1908“ Belvedere,
Wien
Werke in:
Belvedere, Wien; Albertina, Wien; Wien Museum
Leopold Museum, Wien; Pinakothek, München
Abb.: 24
Kirche von Scheibbs
Öl/Leinwand
50 x 42 cm
Schröder wurde vor allem mit Architekturdarstellungen bekannt.
Dieses flott gemalte Motiv aus Scheibbs wird um 1910/12
entstanden sein. In jene Zeit fällt auch die Kollektivausstellung
„Broncia Koller und Heinrich Schröder“ in der legendären
Galerie Miethke.
Der dargestellte Sakralbau ist einer der größten in Niederösterreich,
er wird auch als „Dom des Erlauftales“ bezeichnet.
1314 wurde die erste Pfarrkirche von den Kartäusern aus
Mauerbach erbaut und 1505 begann man mit der dreischiffigen
Hallenkirche, die schließlich 1646 barockisiert wurde.

HEINRICH SCHRÖDER
Krefeld/D 1881–1941 Innsbruck
Abb.: 25
Dorfplatz in Spanien
signiert
Öl/Leinwand
43 x 42 cm
verso Etikett: Besitz H. Koller
Schröder bereiste Zeit seines Lebens weite Teile Südeuropas
und war immer wieder von den höchst ansprechenden
Architekturmotiven inspiriert. Hier zeigt er den Platz eines
spanischen Dorfes, dessen Wirkung von den harmonischen
Farben der hellen Steine bestimmt ist. Besonderer Reiz geht
zudem vom Farbauftrag, von den pointiert gesetzten Pinselstrichen
aus. Im Schatten einer Loggia, vor der Sonne geschützt,
deutet Schröder ganz schemenhaft eine Figur an. Es ist eine
wunderbare, südliche Beschaulichkeit in diesem Werk eingefangen,
das etwa um 1918/19 entstanden sein wird und
sich im Besitz Hugo Kollers, Ehemann der Malerin Broncia
Koller-Pinell befand. Beide waren mit dem Künstler engstens
befreundet.

LYDIA VON SPALLART – Lichte Naturvisionen
Wien 1898 –1961
Mitten im Berlin der 20er und 30er Jahre startete sie ihren
eigenwilligen Weg in die Naturabstraktion – stilistisch gut vergleichbar
mit Max Weiler.
Spallart gehörte in den 20er Jahren in das Spannungsfeld der
berühmten expressionistischen Künstlergruppen „Sturm“ und
„Novembergruppe“. Neben Kontakten zu Pechstein und Feininger
kann das Werk Kandinskys, für ihre künstlerische Arbeit
als Inspiration gelten. Viel weiter noch als z. B. bei Münter
geht ihre Auseinandersetzung mit der Abstraktion. Spallart thematisiert
in ihren Farblandschaftskompositionen auch den geistigen
Gehalt der Farben und ihre Veränderungen durch das
Licht und erreicht darin äußerst spannende Ergebnisse.
Nach München und Basel lebte Spallart ab 1921 in der
Kunstmetropole Berlin und studierte an der Kunstakademie bei
Segal und Helbig. Bei Segal begegnete sie einer Kunstauffassung,
die auf der Farbenlehre Goethes aufbaute. 1924 zog
sie nach Basel und heiratete 1926 den Schauspieler Johannes
von Spallart, von dem sie sich aber später wieder trennte. Ab
dem Jahr 1935 arbeitete sie in Ateliergemeinschaft mit dem
Expressionisten Seelig in Berlin.
Unter dem nationalsozialistischen Regime erhielt Spallart Malverbot
und flüchtete in die Schweiz. Nach dem Krieg lebte sie
in Bad Hall in Tirol.
Spallart widmete sich vorwiegend Landschaftsdarstellungen.
In den 30er und 40er Jahren ist ihre Malerei expressiv, der
Bezug zur Gegenständlichkeit bleibt aber noch vorherrschend.
In den 50er Jahren wird die Tendenz zur Abstraktion immer
stärker. Die Pflanzen scheinen zu wachsen, Berge und Täler
werden in ihrem, durch den jeweiligen Lichteinfall, veränderten
Farbtonus zu einem dynamisch intensiven Schauspiel.
Im Sinne Rudolf Steiners wird der geistige Gehalt der Farben
aufgespürt und auf den Betrachter übertragen.
Ausstellungen:
1923 Galerie Heller, Berlin
1930 Galerie Commeter, Hamburg
1953 Galerie Heller, Berlin
1990 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien
Werke in:
Belvedere, Wien
Oesterreichische Nationalbank, Wien
Abb.: 26
Bäume im Gebirge
Öl/Leinwand
85 x 55 cm
Werkverzeichnisnr. 18
In diesem eindrucksvollen Gemälde der Künstlerin fasziniert
der Lichteinfall zwischen den Bergen. Er erleuchtet den Wald,
wo die Bäume in den wunderbarsten Farben schillern. Der
Künstlerin gelingt es sehr gut, die Farben dem Betrachter entgegenwirken
zu lassen, sodass er die zarte Transparenz, mit
der das Licht die Natur durchschimmert, erkennt.

ANTON JOSEF STORCH-ALBERTI – Maler der europäischen Landschaft
Verona 1892 –1976 Wien
Wunderbare stimmungsvolle Blickpunkte von seinen weiten
Reisen quer durch die Landschaften Europas stammen von
Storch-Alberti, der schon zu Lebzeiten von großem Erfolg und
Beliebtheit begleitet war und 1948 noch zu den 20 prominentesten
Künstlern Österreichs zählte.
Hans Ankwicz-Kleehoven, der bekannte Sammler, Archivar
und Journalist österreichischer Kunst nannte ihn „den Maler der
europäischen Landschaft“.
Nach seinem Studium an der Wiener Akademie reiste
Storch-Alberti durch ganz Europa (18 Länder). In Paris,
Venedig, Chioggia, damaliges Jugoslawien, Griechenland,
Kopenhagen, Stockholm, Insel Gotland und Amsterdam und
Schweiz verweilte er längere Zeit. In Wien wohnte er im 19.
Bezirk in der Bellevuestraße 33.
1954 präsentierte er in der Österreichischen Staatsdruckerei
unter dem Thema „Quer durch Europa“ an die 200 Werke
aus 18 europäischen Ländern. Die Wiener Zeitung schrieb
am 16.5.1954 über ihn: „Dort zeigt ein Maler das geistige
Antlitz dieses Kontinents. ... Es ist die Quintessenz von unermüdlichen
Wanderfahrten kreuz und quer durch alle Länder.
Wahre Kunst kann mehr als sprechen, sie kann fesseln und
überzeugen.“
In seinem Oeuvre ist Landschaft das Hauptthema, Städte, Berge
und Seen ergänzen seinen herrlichen Ausblick auf die Vielfalt
der Welt. In seinen Motiven legt er Wert auf die Genauigkeit
seiner Darstellungen bringt jedoch mit markanten malerischen
Akzenten einen ganz eigenen Charme in seine Bilder. Seltener
sind figurale Darstellungen, etwa elegante Damen beim
Schwimmen oder sportive Skifahrer. Ebenso stammen aber
auch gekonnte Portraits, z. B. der berühmten Filmschauspieler
Vilma Degischer, Fritz Kortner u. a. von seiner Hand.
Storch-Alberti erhielt diverse Ehrungen für sein Schaffen z. B.
1911 die Ehrenplakette des Wiener Künstlerhauses, 1914
die Große Goldene Fügermedaille und 1918 den Rom-Preis.
Ausstellungen (Auswahl):
1914 – 1918 Künstlerhaus Wien
1919/20 Secession, Wien
1922 Ausstellung Heimischer Künstler, Bozen
1930 „Zermatt und seine Berge“, Kunstgemeinschaft
Hofgarten, Wien
1935 „Die skandinavische Landschaft“, Visby, Insel Gotland
1932 „Die Schweizer Landschaft“, Zürich
1948 „Der Wolfgangsee“, Haus der deutschen Kunst,
München
1954 Personale, Österreichische Staatsdruckerei, Wien
2010 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien
Werke in:
Wien Museum; Wiener Diözesanmuseum; NÖ Landesmuseum,
St. Pölten; Landesmuseum Klagenfurt; Heimatmuseum
Bozen; Wachaumuseum, Weißenkirchen
Abb.: 27
Piz Bernina von der Diavolezza
signiert
verso datiert 1931
Öl/Leinwand
54 x 73 cm
Der Piz Bernina ist der einzige Viertausender der Ostalpen.
Er liegt im Grenzgebiet zwischen der Schweiz und Italien.
Storch-Alberti hat hier eine großartige Ansicht dieses Gletschergipfels
geschaffen. Er erreicht eine unglaubliche Tiefenentwicklung
im Bild. Der Berg ist von kleinen Wolkenschwaden
begleitet und wirkt dadurch etwas entrückt. Der Betrachter
steht am Rande des Berges bei einem Felsen und ist von der
Ruhe und Macht dieses Anblicks gebannt.

ANDRÉ VERLON – Erfinder des Montage-Paintings
Zürich 1917 –1994 Wien
Verlon nimmt als Weltenbürger mit seinen philosophisch-moralischen/politischen
Werken einen eigenen Platz in der
Kunstgeschichte ein. Zu Lebzeiten weltweit gewürdigt, bieten
seine Bilder eine zeitlose Veranschaulichung des Menschen im
Zwiespalt zwischen Technik, Großstadt und Krieg aber auch
Hoffnung und Zuversicht. Von Paris nach Jerusalem über Zürich
und Wien ließ sich Verlon zu seinen Werken inspirieren. Vor
allem durch seine Auseinandersetzung mit dem Dadaismus –
Kontakten mit Arp, Hausmann, Janko und Hülsenbeck – und
der empfundenen Notwendigkeit einer neuen Ausdrucksform
in der Kunst entwickelte er die einzigartige Technik des Montage-Painting.
Verlon (sein bürgerlicher Namen war Willy Verkauf) arbeitete
zunächst als Schriftsteller, dann als Buchhändler und Verleger
in Wien. 1933 emigrierte er nach Palästina, wo er einen
Verlag gründete und politisch und publizistisch für die Befreiung
Österreichs tätig war, z. B. gründete er die „Freie österreichische
Bewegung“. 1946 kehrte er nach Wien zurück,
wo er bis 1948 die Zeitschrift „Erbe und Zukunft“ herausgab.
1958 nahm Verkauf den Namen André Verlon an und widmete
sich ausschließlich der Kunst. Von 1961 bis 1971 lebte
er in Paris und danach wieder in Wien.
Einflüsse der futuristischen Collagen Boccioni‘s, der suprematistischen
Malevitch‘s, sowie der papier collés der Kubisten
sind in Verlons Werken nach eigener Definition ebenso zu
finden, wie solche der Photomontagen Heartfields. Es sind
politische Bilder voll brisanter Inhalte in einer experimentellen
Gestaltung. Schon 1961 war er bei der wegweisenden Ausstellung
„The Art of Assemblage“ im MoMA, New York neben
Werken von Duchamp, Ernst und Oppenheim vertreten.
1991 stiftete der Künstler und seine Frau den „Willy und Helga
Verkauf-Verlon Preis“ für antifaschistische Publizistik.
Ausstellungen (Auswahl):
1961 Art of Assemblage, Museum of Modern Art, New York
1962 Kunsthalle Düsseldorf
1962 Brook Street Gallery, London
1962 D‘Arcy Galleries, New York
1963 Galleria Arturo Schwarz, Milano
1963 Galleria Penelope, Roma
1976 und 1986 Belvedere, Wien
1997 und 2017 Personale Kunsthandel Hieke, Wien
2017/2018 „Genosse Jude“, Jüdisches Museum, Wien
Werke in allen internationalen Museen
Abb.: 28
Moisissure
signiert
verso datiert 1964/66
Öl/Leinwand
81 x 130 cm
Auch Städte bilden eines der Hauptthemen in Verlons Bilder.
Als Kosmopolit verdichtet er Großstädte seiner Erinnerung zu
faszinierenden Gemälden. Die Stadt als technisches Gefüge
menschlichen Zusammenlebens und ihr langsamer Prozess
des Verfalls steht hier im Zentrum seines Interesses. In diesem
spannenden Gemälde stehen vor allem die Pastositäten als
Bildstruktur im Vordergrund. Fast wie ein Relief ragen sie aus
dem Malgrund und erzeugen eine fesselnde Wirkung. Gustav
René Hocke „Im Werk Verlons, wie auch immer man darüber
streiten mag, wird eine Mutation der avantgardistischen Kunst
Europas sichtbar.“ André Verlon. Situationen. Eine autobiographische
Wortcollage, S.158
Dok.: „André Verlon, Gemälde und Collagen“, Belvedere, Wien 1976, S. 28
Ausgestellt: Centre Culturel, Campigny, 1967
Museum of Modern Art, Haifa 1969

ANDRÉ VERLON
Zürich 1917 –1994 Wien
Abb.: 29
Bewegung
signiert
verso datiert 1971
Öl/Leinwand
162 x 130 cm
Ein Hauptwerk des Künstlers zu Beginn der 1970er Jahre, das
sowohl bei Verlons erster Personale im Belvedere, Wien 1976
als auch bei jener im Jahr 1986 ausgestellt war.
Das monumentale Gemälde zielt ganz auf das dynamische
Wirken einer Bewegung. Mit großem Schwung legt der
Künstler Farbbahnen und Formstrukturen zueinander, die dem
Betrachter das wirbelnde Gefühl von einem schnellen Bewegungsablauf
vermitteln. Verlon ist für seine erfinderischen Bildgestaltungen
bekannt und in diesem großen Format erlangt
seine erstaunliche Bildidee eine gewaltige Wirkung.
In den 1970er Jahren ist seine Biografie weiterhin durch
eine rege Ausstellungstätigkeit geprägt. „Ich war mit meinen
Bildern in verschiedenen Galerien gleichzeitig vertreten, in
Basel, Mailand, München, Paris, London, Rom, New York.
Mit Mario Penelope, dem Inhaber der gleichnamigen Galerie
in Rom, später Generalsekretär der Biennale in Venedig, verbanden
mich gemeinsame Ansichten über Politik und Kunst. Er
setzte sich für einen Künstler, der ihm zusagte, voll und ganz
ein.“ André Verlon. Situationen. Eine autobiographische Wortcollage,
S.153
Dok.: „André Verlon, Gemälde und Collagen“, Belvedere, Wien April/
August 1976, S. 21
„André Verlon – Gemälde Paintings Tableaux 1960 –1985“,
Belvedere, Wien 1986

ANDRÉ VERLON
Zürich 1917 –1994 Wien
Abb.: 30
Situation humaine LII
signiert
datiert 1962
Öl/Platte
106 x 75 cm
Es ist der Mensch umgeben von Technik, Gewalt und Krieg, den
wir in Verlons aussagekräftigen Bildern begegnen. Seine experimentierfreudige
Gestaltung, er arbeitete sich mit Pinselrücken
und anderen Gegenständen durch die Farbe und akzentuierte
nachträglich die so entstandenen Formen mit Farbeffekten, ist
sehr überzeugend. Im Gegensatz zum abstrakten Expressionismus
der amerikanischen oder auch österreichischen PostWar
Malerei sind Verlons Werke der 1960er Jahre weder intuitiv
noch spontan, sondern stets von einem intellektuellen Gerüst
getragen. Die Beschäftigung mit der „Situation humaine“ sollte
ihn durch seine gesamte künstlerische Laufbahn begleiten.
Während Verlon bereits in den früher 60er Jahren weltweit
Beachtung fand, war er im österreichischen Kulturgeschehen
ein Einzelgänger. Neben Wien sollte ab 1961 Frankreich
seine zweite künstlerische Heimat werden, in der er sich häufig
in sein Pariser Atelier zurückzog. In jene Zeit fällt auch seine
Beteiligung an der wegweisenden Ausstellung „The Art of
Assemblage“ im New Yorker MoMA, sowie seine erste Solo
Ausstellung in den D’Arcy Galleries (1091 Madison Ave.,
NYC), die sich im vorangegangen Jahr mit Ausstellungen zu
André Breton, Picasso und Dalí auszeichnete.

TRUDE WAEHNER – Flimmerndes Licht in Portraits und Landschaft
Wien 1900 –1979
Internationales Flair ist in ihren Bildern aus New York, Südfrankreich,
Haifa und Venedig. Ihre Landschaftsbilder sind mit
Werken von Willy Eisenschitz vergleichbar und ihre markanten
Portraits sind immer treffende Charakterdarstellungen.
W. Koschatzky, ehemaliger Direktor der Albertina schrieb in
seinen Erinnerungen an sie: „Man spürt ihre Liebe zur Welt,
zur Umwelt in der Heimat ... doch nicht minder spürt man die
starken optischen Eindrücke und Erlebnisse auf ihren Reisen.
... Dabei zeigen bereits die Studienblätter ihre frühe gereifte
Fähigkeit. Die Umsetzung des Erscheinungsbildes eines Antlitzes
in eine expressive Deutung war ihr in hohem Maße
gegeben.“
Studium an der Kunstgewerbeschule in Wien. 1928 –1932
war sie Schülerin von Klee am Bauhaus in Dessau und frequentierte
auch Kurse Kandinskys, dennoch wandte sie sich
gegenständlichen Themen zu. „Ich hatte das Bedürfnis mit
allen mir zur Verfügung stehenden Mitteln gegen den drohenden
Faschismus anzukämpfen und dies auch in meiner
Kunst auszudrücken.“
Waehner zählte mit Kokoschka, Strnad und Frank zu den Stützen
des Österreichischen Werkbundes und war im Umfeld
des 1929 von Schlick gegründeten Wiener Kreises zu finden.
1931 ging sie nach Berlin und stand in Kontakt zu Klaus und
Erika Mann, Brecht, Grosz und Dix. Als Antifaschistin floh sie
1933 aus Berlin nach Wien. 1938 wurde ihr Atelier in Wien
beschlagnahmt. So verließ sie aus politischen Gründen ihre
Heimat und übersiedelte nach Amerika, wo sie an mehreren
Hochschulen unterrichtete.
1946 kehrte sie nach Wien zurück und übersiedelte 1947
nach Paris. Danach war sie zumeist in der Provence, wo sie in
Dieulefit ein Bauerngut besaß, wunderbare Landschaftsbilder
ihrer Umgebung stammen von dort. Zeitweise war sie weiterhin
in Paris und Wien tätig. Zuletzt lebte sie ab 1963 in
Venedig.
Ausstellungen (Auswahl):
1937 Galerie Würthle, Wien
1940 Galerie Martina Foster Braundl, New York
1943 und 1944 Bonestell Gallery , New York
1947 Galerie Raspail, Paris
1950 Emmerik Gallery, New York
Stockholm
1955 Neue Galerie, Wien
1960 Galerie Motte, Genf
1964 La Galerie Zohar, Haifa.
1966 Albertina, Wien
1980 Belvedere, Wien
2010 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien
2019 „Stadt der Frauen“, Belvedere, Wien
Werke in:
Albertina Wien; Wien Museum; Belvedere, Wien; Musée
d‘Art Moderne, Paris; Museo del‘Arte Moderna, Bologna
Abb.: 31
Canyon beim Toten Meer
signiert
Mischtechnik/Papier
58 x 88 cm
1964 hielt sich die Künstlerin in Israel auf und damals wird sie
dieses Motiv am Toten Meer entdeckt haben. Trude Waehner
führt den Betrachter direkt an die bizarre Uferlandschaft. Die
Gesteinsformationen ragen mit schillernden Farben aus der
Schlucht hervor und ziehen den Blick fast magnetisch an. Im
Hintergrund leuchtet türkisfarben das Tote Meer.

TRUDE WAEHNER
Wien 1900 –1979
Abb.: 32
Allée des Platanes, Valréas
signiert
verso betitelt
Öl/Leinwand
45 x 70 cm
Waehner, die nach ihrer Emigration nach Berlin und die USA
ab den 1950er Jahren in Frankreich ein Zuhause fand, widmete
sich in jener Zeit häufig Motiven ihrer nahen Umgebung.
So auch z.B. Valréas, das Tal liegt in der Provence nahe dem
Tal der Rhone, wo Waehner mehrere Jahre den Sommer in
ihrem kleinen Bauernhaus in Dieulefit verbrachte. Die Künstlerin
führt den Betrachter in eine herrliche Platanenallee mit
Figurenstaffage. Die ganze Szene ist von Licht durchflutet
und der lockere Farbauftrag gibt zusätzliche Transparenz und
Bewegung. Sofort ist man vom Charme dieses französischen
Städtchens eingefangen.

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