Hieke Herbstkatalog 2022

ÖSTERREICHISCHE KUNST 

1900 - 1980 

HERBST 2022

BERATUNG & HÄNGUNG 

Selbstverständlich übernehmen wir gerne mit professioneller Unterstützung die 

Hängung eines Kunstwerkes bei Ihnen. Auch beraten wir Sie gerne in Fragen der Positionierung. 

PROBEHÄNGEN 

Sie sind sich nicht sicher ob ein gewünschtes Werk in Ihren Wohnraum passt? 

Gerne organisieren wir ein unverbindliches Probehängen, um den bestmöglichen Platz für das 

Objekt Ihrer Wahl zu finden. Sollte es nicht Ihnen nicht gefallen, nehmen wir das Werk gleich wieder mit. 

KUNSTHANDEL HIEKE 

1010 WIEN 

RAHMUNG 

Die von uns gewählte Rahmung trifft nicht Ihren Geschmack? 

Selbstverständlich beraten wir Sie auch jederzeit gerne in Fragen der Rahmenauswahl 

um dem Werk die für Sie bestmögliche Wirkung zu entlocken. 

GRÜNANGERGASSE 12 

+43 - 1 - 513 32 59 

www.hieke-art.com

Liebe Kunden, Freunde und Sammler, 

wir freuen uns Ihnen unseren diesjährigen Herbstkatalog präsentieren zu können. Es handelt sich dieses Mal um einen rein digitalen 

Katalog, der zur interaktiven Nutzung gedacht ist. 

Es ist beeindruckend in welcher Vielfalt Museen- teilweise durch Corona, teilweise bereits davor – ihre Sammlungen und Archive 

digitalisiert haben. Ein Traum für jede kunsthistorische Recherche, allerdings leider selten teilbar. So nützen wir auf diesem Wege 

die Vielfalt der Onlinesammlungen und haben ein kleines „Kunst-Wikipedia“ kuratiert, das sowohl Ausstellungshistorie, als auch 

Sammlungsbestände für Sie greifbarer machen soll. 

Neben aller Technik, freuen wir uns Ihnen unsere künstlerischen Neuheiten im Herbst präsentieren zu können: 

Helene Funke, inzwischen von kaum einer großen Ausstellung ihrer Zeit wegzudenken, ist aktuell in der Hagenbundausstellung im 

Leopold Museum zu bewundern und hier mit drei Werken vertreten. Ob Aquarell oder Ölgemälde, Funke zeigt in beiden Medien 

weshalb sie (wieder) in der Malerinnenelite zuhause ist. 

Ebenfalls im Leopold Museum umfangreich zu bewundern ist Georg Jung, von dem wir uns freuen eine wunderschöne Papierarbeit 

„Leda mit dem Schwan“ zeigen zu können. 

Broncia Koller-Pinell, die „Übermutter“ ist selbstverständlich in den Schausammlungen des Belvedere und Leopold Museum angekommen 

und in diesem Katalog mit vier Werken vertreten. Werke Koller-Pinells sind inzwischen äußert selten auf dem Markt zu finden, 

umso mehr freuen wir uns Ihnen mit „Rast auf der Brücke II“ ein durchaus museales Werk präsentieren zu können. 

Gustav Bamberger zeigt uns die Kremsmündung in ihrer herbstlichen Farbvielfalt, Heinrich Schröder beeindruckt mit seinen Reisedokumentationen 

in schönster Neuer Sachlichkeit, ebenso Carl Krall. 

André Verlon, der dieses Jahr den musealen Ausstellungsreigen im Künstlerhaus bei „Disposessions“ eröffnet hat und aktuell bei 

„Wider die Macht“ im Haus der Geschichte, St.Pölten zu sehen ist, ist mit seinen dynamischen, inhaltsaufgeladenen Werken 

vertreten. Unser Evergreen Ballabene überzeugt mit farbgewaltigen Werken aus den späten 1940er Jahren. Lydia von Spallarts 

athmosphärische Naturvisionen strömen eine willkommene Ruhe in unruhigen Zeiten aus. 

Wir wünschen Ihnen viel Freude beim digitalen Blättern. Nehmen Sie sich Zeit, am schönsten ist es natürlich vor einem großen 

Bildschirm. Doch egal ob gedruckt oder digital: erst live entfaltet Kunst ihre volle Wirkung. Auch das ist immer wieder eine schöne 

Erkenntnis. 

Dr. Ursula Hieke 

Marie-Valerie Hieke

- INTERAKTIVER KATALOG - 

Klicken Sie sich durch die Links. 

Ob Museumssammlungen, Ausstellungsinformationen 

oder Videos. 

Maße: Höhe x Breite 

Alle abgebildeten Werke sind verkäuflich 

Preise auf Anfrage 

Eigentümer, Herausgeber, Verleger: 


1010 Wien 

Grünangergasse 12 

ÖFFNUNGSZEITEN: 

DIENSTAG – FREITAG 

10.00 – 18.00 UHR 

+43 1 513 32 59 

hieke@hieke-art.com 

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22 - 26 

27 - 30 

31 

32 - 36 

39 - 41 

BALLABENE Rudolf Raimund 

BAMBERGER Gustav 

FUNKE Helene 

HAGEL Alfred 

JUNG Georg 

KÖNIG Friedrich 

KOLLER - PINELL Broncia 

KRALL Carl 

KRAUSE Heinrich 

SCHMÖGNER Theobald 

SCHRÖDER Heinrich 

SPALLART Lydia von 

STORCH - ALBERTI Anton Josef 

PÁLFFY Peter 

VERLON André

RUDOLF RAIMUND BALLABENE 

Zurndorf 1890 – 1968 Wien 

Einer unserer Evergreens. Seine Werke sind unverkennbar, seine Farbgebung typisch, sein Stil expressiv, dynamisch und 

modern. R. R. Ballabene begleitet den Kunsthandel Hieke seit der Aufarbeitung seines Nachlasses sowie der dazugehörigen 

Retro spektive – inklusive Katalog – seit 1992. 

Ballabene studierte ab 1909 in Prag Germanistik und Philosophie, das von seinem Vater auferlegte Verbot des Malberufes sollte 

ihn nach einem Abstecher in die Schauspielkunst (er gehörte 1909 – 1914 zum Ensemble des Königlich Deutschen Landestheaters 

in Prag), dennoch nicht davon abhalten zum Pinsel zu greifen. Bereits in den 1920er Jahren erwarb er sich „ungewöhnlich schnell 

[…] einen guten Ruf als Landschafter, als Maler von Prager Motiven und von überaus wirkungsvollen Blumenstücken sowie Pferde bildern“ 1 . 

Unter dem Nationalsozialistischen Regime wurden alle seine Bilder konfisziert, dadurch ist sein Frühwerk der 1920er und 1930er 

Jahre nahezu vollständig verschollen bzw. zerstört. Lediglich ein Plakatentwurf für die Raxbahn von 1928 ist nach aktuellem 

Forschungsstand bekannt (siehe hier). Zudem erhielt Ballabene 1943 Berufsverbot. Er malte weiterhin illegal. 

1945 kam er nach Wien und etablierte sich wieder sehr schnell als Künstler. Man ging in Ballabenes Ateliers, sowohl in Wien als 

auch Zurndorf, ein und aus. So war es ihm - als einem der wenigen Künstler der Nachkriegszeit - sehr schnell möglich von seiner 

Kunst zu leben. 

Sein Spätwerk ab den 1950er Jahren tendiert immer mehr zur Abstraktion, dennoch: „Vom Gegenstand werde ich mich aber nie entfernen“ 

sagt Ballabene, „denn er trägt die Farbe und Bewegung.“ 

„Der Künstler in seinem Atelier“ 

Sammlung ÖNB; Fotograf: Okamoto, Yoichi R., 1915-1985 

Ballabene, Rudolf Raimund, 1890-1968 

Datierung 1954 

Werke in: 

Albertina, Wien 

Belvedere, Wien 

Heeresgeschichtliches Museum, Wien 

Sammlung der Österreichischen Nationalbank, Wien 

Museum im Schottenstift, Wien 

Sammlung der Stadt Wien 

Landesgalerie Eisenstadt 

Ausstellungen (Auswahl): 

1946 Gemeinde Wien, Dorotheergasse 

1946 „25 Jahre Burgenland“, Schloss Esterhazy,Eisenstadt 

1958 Österreichische Lesehalle, Zagreb 

1959 Galerie Gurlitt, München 

1960 National Arts Club, New York 

1991 Landesgalerie Eisenstadt 

1992 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien 

2005 „Das neue Österreich, Staatsvertragsjubiläum 

1955/2005“, Belvedere, Wien 

2020 „Burgenland mon amour“,Landesgalerie 

Burgenland 

Mit seiner expressiven Malerei und der Darstellung von Bewegung hat Ballabene eine ganz eigene Meisterschaft erreicht.



1 Montmartre 

signiert 

Öl/Leinwand 

60 x 70 cm 

Das vorliegende Gemälde zeigt den Montmartre in Paris (Märtyrer-Hügel). Ein Hügel im Norden von Paris, sowie der 1860 durch 

Eingemeindung der Dörfer Montmartre, La Chapelle und Clignancourt entstandene 18. Pariser Stadtbezirk trägt ebenfalls diesen 

Namen. 

Die einmalige, prachtvolle Farbgebung Ballabenes erweckt das Bild zum Leben. Die Passanten am Fuße der von weitem sichtbaren 

Basilika Sacré-Cœur erinnern an das elegante Paris der 50er Jahre. Das Dorf Montmartre war im 19. und 20. Jahrhundert eine 

künstlerische und literarische Hochburg, kein Wunder, dass auch R.R. Ballabene dort verweilt ist.



2 Schuhputzer 

datiert 1946 

signiert 

Öl/Karton 

62,5 x 45 cm 

Werkverzeichnisnr. 232 

In diesem Gemälde, das sehr bald nach Ballabenes Rückkehr in Wien entstanden ist, schildert der Künstler das Motiv eines Schuhputzers 

im Vordergrund einer südlichen Stadt. Die dichte Malweise ist typisch für die Entstehungszeit. Die starken Pastositäten im Bild, 

die die Figuren fast reliefartig herausarbeiten, sowie die Farbintensität sind bereits zukunftsweisend.



3 Frühlingsblumen 

signiert 

Öl/Leinwand 

120 x 89 cm 


Ballabene arrangierte in diesem herrlichen Gemälde Pfingstrosen, Mohnblumen und Rittersporn zu einem monumentalen Blumenstilleben. 

Die Vase mit dieser Blütenpracht steht auf einem Tisch vor einem Hintergrund, der die Blumen wie eine Himmelsstimmung 

umfängt. Es ist ganz typisch für diesen Künstler, dass die Farbintensität und das Schimmern des Lichtes die Expressivität des Stillebens 

verstärken. Das Gemälde ist vor 1950 zu datieren.

GUSTAV BAMBERGER 

Würzburg 1861 – 1936 Grafenmühl (OÖ) 

Geboren in Würzburg, studierte Gustav Bamberger Architektur in Düsseldorf und an der Technischen Hochschule Wien sowie 

Malerei an der Wiener Akademie der bildenden Künste bei Friedrich von Schmidt, wobei er 1884-1891 in dessen Büro tätig war 

und dabei u.a. Ausfertigung von dekorativen Arbeiten am Wiener Rathaus und am Dom von Fünfkirchen (ungarisch Pécs) vornahm. 

Weiters nahm er Malunterricht bei Hugo Darnaut und Hugo Charlemont in Wien sowie in Karlsruhe bei Carlos Grethe und Gustav 

Schönleber. 1893 wurde er Mitglied des Wiener Künstlerhauses. Spätestens 1893 war er Besitzer des Zehenthofs bei Scheibbs. 

Ab dem Jahre 1900 war er in Krems an der Donau als Konservator und Architekt tätig, wo er öffentliche Gebäude wie die Friedhofskapelle, 

Denkmäler wie das Sappeur-Pionierdenkmal in Klosterneuburg sowie 1912 die Neuaufstellung des Städtischen Museums 

ausführte. Im Jahre 1902 war er an der Eröffnungsausstellung des Wiener Hagenbundes beteiligt und zwischen 1900 bis 

1922 selbst Mitglied des Hagenbundes. 

Museen wie das Städtische Museum in Krems, das Niederösterreichische Landesmuseum aber auch private Sammlungen sind im 

Besitz von bedeutenden Werken - meist Landschaftsmotiven - Bambergers. 1923 zeichnete die Stadt Krems Gustav Bamberger mit 

der Ehrenbürgerwürde aus. Zu seiner Würdigung benannte die Stadt die „Gustav-Bamberger-Straße“. 

Bamberger verbrachte seine letzten Lebensjahre am Bambergerhof, heute Zehenthof in Grafenmühl bei Scheibbs. Selbst die für die 

Region untypische, fränkische Fachwerkarchitektur des Hofes deuten auf den Maler hin. 

4 Farbenpracht am Ufer der Donau (Kremsmündung) 

datiert 1907 

betitelt auf beiliegendem Brief 

signiert 

Öl/ Leinwand 

116 x 127 cm 

Ab 1900 war Bamberger in Krems tätig und als Landschaftsmaler immer wieder von Motiven aus der Wachau fasziniert. Mit dieser 

stimmungsvollen Herbstlandschaft ist dem Künstler ein absolut harmonischer Blickfang gelungen. Das wunderbar rötliche Laub der 

Bäume spiegelt sich im sanft dahingleitenden Fluss, den gerade zwei Enten überfliegen. Mit vorwiegend kleinteiligem Pinselstrich 

und vereinzelten Pastositäten gestaltete Bamberger diese monumentale Flusslandschaft im flirrenden Licht der Herbstsonne.

HELENE FUNKE 

Chemnitz 1890 – 1957 Wien 

„Funke was among the most radically avant¬garde painters in Vienna. She is now widely acknowledged to have been one of the earliest and 

strongest interpreters of the modernist principles of Matisse and the Fauves in Austria.“ Julie M. Johnson. 

Funke studierte an der Münchner Akademie und lebte anschließend in Paris, von 1906 bis 1912 im selben Haus, in dem Gertrud 

Stein ihren berühmten Künstlersalon führte und wo Picasso, Matisse, Kees van Dongen u. v. a. verkehrten. Ihre künstlerische Auseinandersetzung 

mit dem Impressionismus und in der Folge dem Fauvismus und Expressionismus in Paris führte sie zu einer Synthese 

dieser neuen Seherfahrungen, die ihre Malerei so herausragend macht. 

Bereits ab 1906 stellte sie ihre Werke in Paris neben Matisse, Derain und Vlaminck beim „Salon des indépendants“ sowie „Salon 

d’automne“ aus. Um 1911/13 zieht es die bereits erfolgreiche Künstlerin aus bisher ungeklärten Gründen nach Wien. Eine enge 

Verbindung mit dem hiesigen VBKÖ dessen korrespondierendes Mitglied sie 1910 wurde, sowie persönliche Gründe sind naheliegend. 

Ihr Aufstieg in Wien war rasant. In den 1920er Jahren wurde sie zur meist ausgestellte Künstlerin der Stadt, beschickte 

weiters Ausstellungen in Stockholm, Florenz, München, Dresden, Paris mit ihren Werken. Boeckl bezeichnete sie „Als Vorbild für die 

gesamte Künstlerschaft“. 

1928 erhielt sie von 53 Kandidaten als einzige Frau unter den 10 Preisträgern den Österreichischen Staatspreis für ihr Gemälde 

„Tobias und der Engel“. Auch die seltene Anerkennung von Seiten der Künstler war ihr gewiß. Oskar Laske verewigte sie als einzige 

Künstlerin in seinem Monumentalgemälde „Das Narrenschiff“(Sammlung Belvedere), direkt neben Schiele, Klimt und Loos. Ihre 

Werke waren regelmäßig bei Ausstellungen im Hagenbund und in der Wiener Secession vertreten. 

„Man muss sich überlegen, wie man in Wien in den Jahren 1903–1920 gemalt hat, um die Leistung der Malerin richtig abzuschätzen. Sie 

hat sich damals schon mit Problemen beschäftigt, an die das Gros der Maler heute noch nicht herankommt.“ 

„Wie aber konnten diese anerkannten, zum Teil herausragenden Künstlerinnen aus der Kunstgeschichte «hinaus komplimentiert» werden?“ 

wie Sabine Fellner formuliert; „Wie kann die Kunstgeschichte solche Löcher zulassen – und so erbärmlich versagen.“ 

Die österreichischen Künstler befassten sich noch mit dem Impressionismus als Funke bereits im Fauvismus und Expressionismus 

angekommen war und damit eine Vorreiterposition inne hatte. Mit Vorliebe widmete sie sich in ihrem Oeuvre figuralen Szenen, 

Frauenportraits und Aktdarstellungen sowie Stilleben. In ihren unkonventionellen Frauenportraits löste sie die Frau aus ihrer passiven 

Rolle in der Gesellschaft und machte sie zur aktiven Beobachterin. 

Die museale Anerkennung ihres Oeuvres begann mit der ersten Retrospektive 2007 im Lentos, Linz. 2018/19 folgten die 

Kunstsammlungen Chemnitz mit der Personale „Expressiv weiblich.Helene Funke“. Seit 2019 sind Funkes Werke, ihrer Bedeutung 

entsprechend, in der Dauerschausammlung der Österreichischen Galerie Belvedere neben Schiele und Kokoschka zu sehen. 

Helene Funke, um 1910 

aus: Kat. Ausst. „Helene Funke. Expressiv weiblich.“, Chemnitz 2018, Archiv: Dr. Peter 

Funke 

Werke in: 


Wien Museum 

Artothek - Bundesministerium für Unterricht und Kunst, Wien 


Lentos, Linz 

Niederösterreichische Landesgalerie, St. Pölten 

British Museum, London 


1904 München, Berlin, Dresden 

1906 Salon d‘Automne, Paris 

1907-11 Salon des Indépendants, Paris 

1920 -30 Hagenbund, Wiener Secession 

1948 Galerie Welz, Wien 

1998 „Helene Funke. Wien- Paris“, Kunsthandel Hieke 

2007 „Helene Funke. 1869 - 1957“, Lentos, Linz 

2007 „Wien-Paris, Van Gogh, Cézanne und Österreichs 

Moderne“, Belvedere, Wien 

2008 „Störenfriede – Der Schrecken der Avantgarde von 

Makart bis Nitsch“, Lentos, Linz 

2018/19 „Klimt ist nicht das Ende“, Belvedere, Wien, 

BOZAR, Brüssel 

2018 „Expressiv weiblich. Helene Funke“, 

Kunstsammlungen Chemnitz 

2019 „Stadt der Frauen“, Belvedere, Wien 

2021 „Wilde Kindheit. Ideal u.Realität von 1900 bis 

heute“,Lentos, Linz 

2022/23 „Hagenbund. Von der gemäßigten zur 

radikalen Moderne.“, Leopold Museum, Wien

HELENE FUNKE 


5 An der Côte d‘Azur 

um 1908/10 

signiert 

Mischtechnik/Papier 

28 x 31 cm 

Aufgrund einer Serie von südfranzösischen Motiven hat sich Funke nachweislich zwischen 1906 und 1911 häufig an der südfranzösischen 

Mittelmeerküste aufgehalten und tat es damit ihren Kollegen Matisse, Signac und Derrain gleich. Das wunderbare Motiv 

ist um 1908/1910 entstanden. Funke ist schon ganz vom Fauvismus inspiriert und es gelingt ihr hervorragend das blendend helle 

Licht des Südens voller Farbintensität einzufangen. 

Ein vergleichbares Werk war 2007 bei der Ausstellung „Wien-Paris. Van Gogh, Cézanne und die Österreichs Moderne 1880 - 

1960“ in der Österreichischen Galerie Belvedere zu sehen. 

Vgl.: 

1) P. Funke, Die Malerin Helene Funke, Leben und Werk, Wien 2011, S. 128 

2) Kat. Ausst. Belvedere, Hrsg. Agnes Husslein-Arco, 

„Wien-Paris. Van Gogh, Cézanne und die Österreichs Moderne 1880 - 1960“, S.164

HELENE FUNKE 


6 Dame im gestreiften Kleid 

Öl/Leinwand 

52 x 41,5 cm 

um 1925 

Funkes beeindruckend expressive Malweise, der für sie häufig typische spachtelmäßige Farbauftrag, sowie die Farbgebung lassen 

eine Datierung um1925 zu. Jene Zeit in der Funke zur meistausgestellten Künstlerin Wiens avanciert. 

Funke akzentuiert gekonnt die Gesichtslinien der Dargestellten, die selbstsicher und dennoch einen Hauch verlegen dem Betrachter 

entgegensieht. Ohne jegliche schmuckliche Attribute lässt sie sowohl den Ausdruck der Dame als auch ihr großes malerisches Talent 

für sich sprechen. Funke portraitiert hier möglicherweise die junge Ruth Wenger, Sängerin und Malerin. Sie wurde von Meret Oppenheim 

– ihrer Nichte – wegen ihres Kurzhaarschnitts als „moderner Mensch“ verehrt. Wenger war die zweite Frau von Hermann 

Hesse, mit dem Funke durch ihre Selbstdefinition „Ich bin eben selbst ein einsamer ‚Steppenwolf‘“ häufig assoziert wird.

HELENE FUNKE 


Rückseite 

7 Schwebende 

signiert 


46 x 30,5 cm 

Das expressive Bildnis dieser hübschen Frau ist in Bewegung eingefangen. Es gehört zu der Serie der Engelsköpfe oder Höllensturzmotive, 

die 1923/1924 entstanden sind. Mit zurückgewandtem Blick und wehenden Haaren ist diese Frau diagonal ins Bild 

gesetzt und überzeugt sofort mit den typischen leuchtenden Farben Helene Funkes. Auf der Rückseite befindet sich eine wunderbare 

Vorstudie des Ölgemäldes der Heiligen Agnes. 

Dokumentiert: 

1) Kunsthandel Hieke, Helene Funke Paris-Wien, Wien 1998, Abb. 15 

2) Peter Funke, Die Malerin Helene Funke, Leben und Werk, Wien 2011, S. 217

ALFRED HAGEL 

Wien 1885 – 1945 

Alfred Hagel kann als einer der wenigen Künstler in Österreich gelten, die dem Stil des Art Deco und der Neuen Sachlichkeit zuzuordnen 

sind. Seine Vorliebe gilt der figuralen Darstellung. Die Themata findet Hagel großteils in Szenen des Alltags, aber auch 

im mythologischen und sozialkritischen Bereich, die er zumeist humoristisch interpretiert, manchmal geht es bis zur Karikatur. Etwa 

eine Zeichnung, die Karl Kraus während eines Vortrages zeigt (Wien Museum). 

Hagel studierte bis 1909 an der Wiener Akademie und anschließend bei Julius Diez an der Münchner Akademie. Ab 1913 war 

er als Illustrator für verschiedene Bücher und Zeitschriften wie etwa „Die Jugend“ tätig, die Zeitschrift von der sich der Begriff 

„Jugendstil“ ableitet. 

In Zusammenarbeit mit dem Architekten Paul L. Troost gestaltete er mehrere Luxusdampfer für den Überseeverkehr des Bremer Lloyd 

(heute Hapag Lloyd) aus, wie die „Europa“, „Berlin“, „Sierra Ventana“ und „Columbus“. Ebenso war er für die „Münchner Vereinigten 

Werkstätten“ tätig, die ähnlich wie die „Wiener Werkstätte“ eine Synthese zwischen Kunst und Handwerk anstrebten. 1925 

beteiligte er sich an der Ausstellung „30 Münchner Künstler“ im Münchner Kunstverein. Im Jahre 1930 kehrte der Künstler wieder 

nach Wien zurück, wo er mit großem Erfolg bis 1938 tätig war. Danach arbeitete er, von der Öffentlichkeit abgeschnitten, nur 

mehr in Zurückgezogenheit. 

Schon 1987 konnte der Kunsthandel Hieke eine große Präsentation seiner Werke zeigen. Heute gelten seine vorwiegend 

kleinformatigen Gemälde und Aquarelle bereits als Raritäten. 

8 Die Schönbrunner 

betitelt 


24 x 23 cm 

Joseph Lanner war neben Johann Strauß der Komponist, der den Wiener Walzer im 19. Jahrhundert bekannt machte. Zu seinen 

bekanntesten Werken zählte der Walzer „Die Schönbrunner“. Alfred Hagel hat zu diesem Thema eine sehr attraktive und geschmückte 

Inszenierung mit einem tanzenden Paar am Fuße der Gloriette in Schönbrunn geschaffen.

GEORG JUNG 

Salzburg 1899 – 1957 Wien 

Als Autodidakt ist Jung eine Ausnahmeerscheinung in der österreichischen Malerei, vom Expressionismus zur Neuen Sachlichkeit. 

Anfänglich vom Expressionismus kommend entwickelte der Künstler sehr bald ein kubistisches Formenvokabular, das besonders von 

Licht- und Farbwirkungen geprägt war. Schon früh beschäftigte er sich mit dem Problem der Farbe als Ausformung von Lichtquantitäten. 

Ab Ende der 20er Jahre ist sein Beitrag zur Neuen Sachlichkeit von großer Bedeutung für die österreichische Malerei. Durch 

Hans Goltz, Münchner Galerist, mit dem Jung in Verbindung stand, lernte er Davringhausen und Schrimpf kennen und ließ sich 

von ihnen zu herausragenden Werken dieser künstlerischen Strömung inspirieren. Ebenso gehörte er zur Avantgarde der PostWar 

Periode. 

Von 1924 bis 1938 Mitglied des Hagenbundes. 1935 – 39 übernahm Jung von seinen Eltern die Leitung des Hotel de l’Europe 

in Salzburg, das er mit Fresken und Möbeln ausstattete. Die Sonnenuhr am Universitätsgebäude und ein Fresko in der Franziskanergasse, 

Salzburg stammen von ihm. 1939 übersiedelte er nach Wien und erhielt 1942 Ausstellungsverbot, er galt damit als entartet. 

1945 – 52 Mitglied der Wiener Secession. 

Abgesehen von seiner Bedeutung für das österreichische Kunstschaffen der Zwischenkriegszeit, gelangte Jung mit seinem Beitrag 

zur abstrakten Malerei nach 1945 zu einem neuen Höhepunkt. Er beschäftigte sich mit ungegenständlichen Farbstudien, indem er 

die Farben personifizierte und verschiedene Farbformen in dramatische Auseinandersetzung miteinander brachte. 

9 Leda mit dem Schwan 

signiert 


34, 5 x 24, 5 cm 

Georg Jung beschäftigte sich immer wieder mit dem Thema Leda mit dem Schwan. Diese Papierarbeit ist ein herausragendes 

Beispiel seiner expressiven Phase und dürfte gleichzeitig wie das 1925 datierte Gemälde gleichen Inhalts entstanden sein. Die 

griechische Sage erzählt von Zeus, der sich in Leda verliebt und sich ihr in Form eines Schwans näherte. Damit griff Jung ein in der 

Kunstgeschichte beliebtes erotisches Thema auf. Als wichtiger Vertreter der österreichischen Malerei ist er derzeit in der 

Hagenbund- Ausstellung im Leopold Museum zu sehen. 

Vgl.: 

Kat. Aust. „Georg Jung. 1899-1957“, Salzburg Museum Carolino Augusteum, 1982, S.96, Abb. 60a

FRIEDRICH KÖNIG 

Wien 1857 – 1941 

“Der Beschauer, der vor die Werke Friedrich Königs tritt, fühlt sofort, dass hier ein tief innerlicher Künstler zu ihm spricht, ein Maler, der der 

Natur mit fast frauenhafter Zartheit nachspürt, ein Dichter, dem Stift und Pinsel die Mittel sind, seine Träume zu schildern.“Josef Engelhart, 1929 

Als Gründungsmitglied der Wiener Secession gehört König zur Malerelite der Wiener Jahrhundertwende. Er bildete mit Josef Engelhart, 

Rudolf Bacher und Maximilian Lenz einen eigenen Kreis innerhalb der Secessionisten. König war berühmt für seine figuralen 

Szenen und seine Landschaftsbilder verführen mit besonders zarten, duftigen Impressionen. 

Er studierte an der Wiener Kunstgewerbeschule und 1878 bis 1883 an der Wiener Akademie unter Christian Griepenkerl, August 

Eisenmenger und Carl von Blaas, anschließend war er Student der Münchner Akademie. Studienreisen nach Italien, Deutschland, 

Spanien und Frankreich folgten. 

Neben Plakatentwürfen, Bildbeiträgen für die Zeitschrift „Ver Sacrum“, gestaltete er etwa auch die Innendekoration der 1. Ausstellung 

der Secession 1897. 1898 – 1899 entwarf er Wandmalereien für ein Kinderzimmer des von Josef Olbrich erbauten Hauses 

in der Hinterbrühl. 

Um 1900 arbeitete König an zwei Gemälden, die als Wandverkleidung für das Musikzimmer im Stadtpalais von Karl Wittgenstein 

in der damaligen Alleestraße, heute Argentinierstraße gedacht waren. Ab 1890 war König Mitglied des Hagenbundes und der 

späteren Wiener Secession. Er wurde 1929 als ältestes Mitglied mit einer Austellung seiner Werke geehrt. Zusätzlich lehrte er an 

der Kunstschule für Frauen und Mädchen, wo er Gustav Klimt, Hans Tichy und Adolf Böhm zu seinen Kollegen zählen konnte. Wie 

viele anderen Secessionisten war auch er ein guter Freund von Broncia Koller-Pinell und ging in ihrem Haus in Oberwaltersdorf ein 

und aus. Das Haus der Kollers war zu einem Zentrum der Wiener Gesellschaft geworden. 

10 Im Wienerwald 

verso Etikett mit Oevrenummer 134 

Öl /Karton 

56 x 43 cm 

Der Betrachter wird hier sofort von der duftigen Atmosphäre dieses von Licht durchfluteten Waldweges eingefangen. Die Äste der 

Bäume, zeichnerisch filigran, rahmen wie zartes Gewebe den Pfad. Die helle pastellfarbene Gestaltung vermittelt wunderbar die 

romantische Stimmung des Frühlings.

BRONCIA KOLLER-PINELL 

Sanok/Galizien 1863 – 1934 Oberwaltersdorf 

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts ist Koller-Pinell als bedeutendste Künstlerin des engen Klimtkreises zu nennen. Durch ihre Auseinandersetzung 

mit der französischen Avantgarde sind ihre Werke auch im internationalen Kontext zu sehen und durchaus vergleichbar 

etwa mit Pissarro oder Derain. Auch in den 20er Jahren ist sie im Zuge der Neuen Sachlichkeit durch ihre Bekanntschaft mit Carl 

Hofer ganz am Puls der Zeit, der sie 1921/22 portraitiert (Sammlung Belvedere). 

Studium in Wien und an der Münchner Akademie. Nach München lebte Koller ab 1903 wieder in Wien. Die Kontakte zu den 

Künstlern der Wiener Secession und der Wiener Werkstätte intensivieren sich. Das Haus der Kollers in Oberwaltersdorf, von Hoffmann 

umgebaut und mit Arbeiten der Wiener Werkstätte ausgestattet, wird zu einem Zentrum der Künstlergesellschaft, wo Klimt, 

Gustav und Alma Mahler, Josef Hoffmann, Egon Schiele, Kolo Moser u.v.a. verkehren. Auch Lou Andreas Salomé, Freundin von 

Nietzsche und Rilke, ist zu erwähnen. 

Mit der Ausstellung ihrer Werke bei den Kunstschauen der Klimtgruppe in Wien hat Kollers Schaffen einen ersten Höhepunkt 

erreicht. Ihre fruchtbare Zusammenarbeit mit dem jungen Shootingstar Heinrich Schröder fällt in die Zeit von 1906 bis 1912. Eine 

gemeinsame Ausstellung mit ihm fand in der Galerie Miethke 1911, Wien statt und wurde von Bertha Zuckerkandl eingehend 

beschrieben. 1919 wurde sie zur ersten Ausstellung der Künstlergruppe „Der Wassermann“ in Salzburg eingeladen. 

Neben Landschaften sind immer wieder Blickpunkte ihrer näheren Umgebung, aus ihrem Gut in Oberwaltersdorf und dessen Park 

eine Anregung für wunderbare Gemälde, die das Flair der Wiener Secession hervorragend vermitteln. In der zweiten Hälfte der 

20er Jahre ist in ihrem Werk eine Auseinandersetzung mit der Neuen Sachlichkeit zu bemerken. 

Erst heute wissen wir, dass auch Schiele in seinen letzten Lebensjahr engste Kontakte zu Broncia Koller-Pinell und ihrer Familie 

pflegte. Gemeinsam mit ihr, Heinrich Schröder und Gütersloh wurde eine Künstlervereinigung gegründet. 

„Wir empfanden, dass Schiele ein Mensch war, der uns allen sehr nahestand, selbst Vater hatte eine aufrichtige Freude an ihm, 

die Idee des neuen Bundes wurde damals gerade wahr. [..] Er brachte Gütersloh zu uns, Faistauer war auch da, von uns Mutter, Schröder 

und ich. Es war ein kleines Festmahl, es wurde Schampus auf den neuen Bund getrunken. Die drei Freunde hatten am Nachmittag vorher die 

ersten Beschlüsse gefaßt, Mutter und Schröder waren Mitglieder, die darauffolgenden Wochen waren schön.“ 

Aus dem Tagebuch der Silvia Koller, Oktober 1918 

1918 beginnt die enge Beziehung zu Egon Schie le, die durch seinen frühen Tod leider nicht von Dauer sein konnte. Es sind innige 

Briefwechsel aus jener Zeit erhalten, die die Nähe und Wertschätzung der beiden Künstler zueinenader dokumentieren. 

Im selben Jahr por trä tiert Schiele Dr. Hugo Kol ler (Sammlung Belvedere) und zeich net Rupert und Sil via Kol ler. Bron cia malt das 

Ehe paar Schie le, das sich im August in Ober wal ters dorf erholt. 

Broncia Koller-Pinell, um 1930 

Werke in: 



Leopold Museum, Wien 

Wien Museum, Wien 

Lentos Kunstmuseum, Linz 



1893 Glaspalast, München 

1908 Kunstschau der Klimt Gruppe, Wien 

1909 Internationale Kunstschau der Klimt Gruppe, Wien 

1911 „Koller und Schröder“, Galerie Miethke, Wien 

1911 Internationale Kunstausstellung, Rom 

1919 Jahresausstellung „Der Wassermann“, Salzburg 

1928 Münchner Secession 

1980 „Die Malerin Broncia Koller“, NÖ- Landesmuseum 

1991 Personale, Kunsthandel Hieke, Wien 

1993 „Eine Künstlerfreundschaft. Broncia Koller-Pinell 

und Heinrich Schröder“, Kunsthandel Hieke, Wien 

1993 „Broncia Koller-Pinell. Eine Malerin im Glanz der 

Wiener Jahrhundertwende“,Jüdisches Museum,Wien 

2007/8 „Wien-Paris, Van Gogh, Cézanne und die öster. 

Moderne“, Belvedere, Wien 

2008 „Klimt und die Kunstschau 1908“, Belvedere,Wien 

2013/14 „Facing the Modern: the Portrait in 

Vienna 1900“, National Gallery, London 

2016 „Kunst für Alle, Der Farbholzschnitt in Wien1900“ 

Kunsthalle Schirn, Frankfurt 

2017 „Die bessere Hälfte“, Jüdisches Museum, Wien 

2019 „Stadt der Frauen“, Belvedere, Wien 

2019 „Faistauer,Schiele,Harta & Co“,Salzburg Museum 

2021/22 „Sammlung Schedlmayer“, Leopold Museum



11 Rast auf der Brücke II 

verso Nachlassstempel 

Öl auf Leinwand 

90 x 63 cm 

Broncia Koller hat sich in ihren Gemälden mit Vorliebe ihrem persönlichen Lebensraum und ihrer näheren Umgebung gewidmet. Vor 

allem Motive von ihrem Gut in Oberwaltersorf waren immer wieder Inspiration für ihre Werke. Die „Rast auf der Brücke II“ zeigt die 

Holzbrücke über den Mühlbach im weitreichenden Park von Oberwaltersdorf. Das Motiv mit zwei schemenhaft dargestellten Figuren 

auf der Brücke muss der Künstlerin ein besonderes Anliegen gewesen sein, da sie es an Hand einer kleineren Skizze vorbereitet 

hat. Der dynamische Pinselstrich und die gewaltige Expression des Bildes deuten auf eine Datierung um 1919/20 und bezeugen 

einmal mehr ihr großartiges malerisches Talent. 

Dokumentiert: 

1) Ausstellungskatalog „Broncia Koller“ Niederösterreichischen Landesmuseum, Wien 1980, Katalog Nr. 6, Abbildung Nr. 3 

2) S. Baumgartner, „B.Koller-Pinell“, Salzburg 1989, Gemälde Nr.156



12 Bildnis eines Knaben (Rupert Koller) 

um 1908 

verso Etikett 

Kohle, Öl/Leinwand 

50 x 51 cm 

In diesem erlesenen, fast zarten Gemälde, widmete sich die Künstlerin ihrem Sohn Rupert, der 1896 geboren wurde und zum Entstehungszeitpunkt 

des Werkes etwa 12 Jahre gewesen sein wird. Das empfiehlt eine Datierung um 1908. 

Koller konzentriert sich vor allem auf das Gesicht des Knaben, der mit klarem Blick dargestellt ist. Mit einer Vielzahl an kleinen Pinselstrichen 

formt sie seine feinen Gesichtszüge während das Umfeld freizügiger gestaltet ist. Der Brustteil ist mit einer Kohlezeichnung 

angedeutet und der Hintergrund erhellt mit dynamischem Farbauftrag das Antlitz Ruperts. 

Rupert Koller 1896 – 1976 war Pianist und später Kapellmeister. Er war kurzzeitig mit Anna Mahler, der Tochter von Gustav und 

Alma Mahler, verheiratet. Später lebte er zurückgezogen in Oberwaltersdorf, wo die Familie ein von Josef Hoffmann und der Wiener 

Werkstätte ausgestattetes herrschaftliches Gut besaß. Auf diesem Anwesen verkehrte zu Lebzeiten der Künstlerin die künstlerische 

Elite Wiens. 

Dokumentiert: 

S.Baumgartner, „Broncia Koller-Pinell“, Salzburg 1989, Gemälde Nr. 126



13 Camelie 

signiert 

verso betitelt 

Öl/Leinwand 

68 x 50 cm 

Blumenstilleben gehören zu den bevorzugten Sujets der Künstlerin. Diese herrlich blühende Camelie zeugt von der ausdrucksstarken 

Malweise Kollers um 1925. Der Blumenstock steht umhüllt von der nuancenreichen Tischdraperie bei einem geöffneten Fenster. Ein 

Vergleich mit den aufwendig drapierten Tüchern in Cezannes Stilleben ist naheliegend. In jedem Fall ist aber der Formenreichtum 

dieses bewusst gewählten Accessoires erstaunlich.



14 Zwischen Himmel und Erde 


Öl/Karton 

57 x 69 cm 

Mit wenigen gekonnten Strichen entwirft Koller-Pinell diese großartige Landschaft mit Figuren bei der Feldarbeit. Inspiriert war die 

Künstlerin von den Feldern der Umgebung von Oberwaltersdorf, wo sie ein herrschaftliches Gut besaß. Im Hintergrund zieht eine 

faszinierende Wolkenstimmung mit Sonnenstrahlen, die den Anninger beleuchten und den Betrachter in seinen Bann ziehen. 

Das Gemälde ist um 1912/15 entstanden. 

Dokumentiert: 

S. Baumgartner „B. Koller-Pinell“, Salzburg 1989, Gemäldenr.158

CARL KRALL 

Wien 1891 - 1975 

2015 präsentierten der Kunsthandel Hieke die erste Retrospektive zu dem erstaunlichem Werk Carl Kralls. Das Werk Kralls stellt 

einen bedeutenden Beitrag für die österreichische Malerei der Neuen Sachlichkeit dar. Ausgehend von der Inspiration durch die 

magisch-realistische Variante der Neuen Sachlichkeit eines Alexander Kanoldt und Georg Schrimpf war er als Autodidakt stärker an 

der Realität interessiert und entwickelte eine kristallklare Schärfe mit zum Teil leuchtenden Farben in seinen eindrucksvollen Bildern. 

Krall begann seine Laufbahn als erfolgreicher Werbegrafiker mit Entwürfen für Mode- und Kulturzeitschriften sowie als Plakatdesigner 

für Zigaretten, Sekt, Theater und Stummfilm. Ab den 20er Jahren widmete er sich zusehends der Malerei. 1923 wurde er als 

Mitglied in den Albrecht Dürerbund aufgenommen. In der Zeit von 1932 bis 1939 wohnte er im Sommer in der Villa Hauser in 

Klosterneuburg, (Martinstraße 115) und wurde 1938 Mitglied des Vereins „Heimische Künstler Klosterneuburgs“ und später Ausstellungsleiter 

dieser Künstlergruppe. 1944 wurden zwei Werke vom Kulturamt der Stadt Wien angekauft,1947 vom NÖ-Landesmuseum. 

Von 1945 - 1956 war er als Mitarbeiter des Bundesdenkmalamtes an der Wiederherstellung von Werken in Schönbrunn und 

Wiener Neustadt beteiligt. Diverse Sgraffiti in Wien und Mödling stammen von seiner Hand. 

Er beteiligte sich an Ausstellungen in Berlin, Haus der Kunst, in Wien, Künstlerhaus und Secession. 1933 war er bei der Jahresausstellung 

des Albrecht Dürer Bundes in der Zedlitzhalle mit 66 Werken vertreten. H. Ankwicz-Kleehoven ein bekannter Sammler 

österreichischer Kunst und Kunstreferent der Wiener Zeitung schrieb aus diesem Anlass über ihn: 

„Es macht einen Teil seiner Eigenart aus, dass er in der Behandlung der Luft die Erfahrungen des Impressionismus verwertet, und manch ein 

reizvoller Gegensatz zwischen dieser Auffassung und dem Empfinden für die Sachlichkeit macht sich, zum Vorteil der so dargestellten 

Landschaft, geltend“. 

15 Waldschlag 


Öl/Leinwand 

80 x 62 cm 

Dieses von Licht durchflutete Waldstück überzeugt sofort mit seinem klaren Bildaufbau. Es ist von einer hell/dunkel Abfolge mit Licht 

und Schatten bestimmt. Mit den stehenden und liegenden Baumstämmen erreicht Krall eine fast geometrische Ordnung, die in ihrer 

Präzision höchst anziehend wirkt. Die strenge Vereinfachung der Formen steht im Zeichen der Neuen Sachlichkeit und Krall versteht 

es perfekt eine ganz eigene Linie dieser künstlerischen Strömung der 20er und 30er Jahre zu kreieren.

CARL KRALL 

Wien 1891 - 1975 

16 Vergehen, Sein, Werden 


Öl/Leinwand 

48 x 54 cm 

Eine Art Schöpfungsmythos zwischen den Zeiten ist in dem höchst eindrucksvollen Gemälde thematisiert, das vor 1933 entstanden 

ist. Krall hat es ursprünglich als Tryptichon entworfen. Zwischen Vergangenheit und Zukunft steht der Mensch im Jetzt. Aus einer Blüte 

ragt ein prähistorischer Schädel neben einem Affen und gleichsam als Krönung darüber – der Mensch mit seiner Hand zum Licht 

weisend. Das Licht mit seinen Strahlenkreisen wird in dieser außergewöhnlichen Komposition zur erstaunlichen Wirkung gebracht. 

Dokumentiert: 

1) 1933 Jahresausstellung d. Albrecht Dürer Bundes, Zedlitzhalle Wien, Zitat von Hans Ankwicz-Kleehoven 

2) Photo Atelierschau „50 Jahre Atelier Carl Krall 1917 - 1967“

CARL KRALL 

Wien 1891 - 1975 

17 Im Schlosspark 

signiert 

Öl/Leinwand 

38 x 37,5 cm 

Romantisch und etwas geheimnisvoll gestaltete Krall dieses attraktive Gemälde mit einer sitzenden Frau im Schlosspark. Der 

Be- trachter nähert sich der Szene von hinten und wird dabei an einer allegorischen Steinskulptur mit Maske und Musikinstrument 

und an einer Grotte vorbeigeführt. Die rot gekleidete Dame sitzt an einem Steintisch unterhalb einer Balustrade und scheint zu 

lesen.

HEINRICH KRAUSE 

Wien 1885 - 1983 

„Er geht den Weg, den er gehen muss, sein Talent ist viel zu mächtig, als dass es ihm da freie Wahl ließe.“ Hans Ankwicz-Kleehoven 1931 

Zur Jahrhundertwende noch unter dem Einfluß von Egger-Lienz von einer gedeckten Farbigkeit bestimmt, tendiert Krauses Malerei 

zusehends zur Formauflösung. Er meinte: „ein gutes Bild muss sich zerlegen“. Landschaften, Städteansichten, Stilleben - alles überzeugt 

durch seine spontane Gestaltung, seinen sicheren aber immer lockeren Pinselstrich. Eine trockene, fast kreidige Farbpalette ist für 

sein Werk typisch wobei seine leicht abstrahierten Motive in einem ganz speziellen Blickwinkel erfasst sind. In den 50er Jahren 

zeigt sich seine ganze Entfaltungsmöglichkeit. Krause hat daher eine sehr markante Position innerhalb der österreichischen Malerei. 

Studium an der Wiener Akademie und Freund von Albin Egger-Lienz. Er war 1914 bis 1937 Mitglied der Wiener Secession. Unter 

anderem 1919 füllten seine Werke, Landschaften, figurale Kompositionen, Bildnisse u.v.a. bei einer Kollektive einen ganzen Raum 

der Wiener Secession. Später wurde er Mitglied des Wiener Künstlerhauses. Die bekanntesten Portraits seiner Hand zeigen Franz 

Lehar und Max Mell (Dichterkollege von Hugo von Hofmannsthal). 

Von den zahlreichen Ehrungen sind 1925 und 1940 der Preis der Stadt Wien, 1928, 1937, 1965 der Österreichische Staatspreis, 

1930 die Goldmedaille der Stadt Graz, 1931 der Reichel-Preis und 1955 der Goldene Lorbeer des Wiener Künstlerhauses 

besonders zu erwähnen. Seine Werke befinden sich heute im Belvedere, der Albertina, dem Leopold Museum und Wien Museum. 

18 Mediterrane Landschaft 

signiert 

Öl/Leinwand 

61 x 47 cm 

Krause wählte hier ein ländlich, dörfliches Motiv, vielleicht aus Istrien, wo er sich auch häufig aufhielt. Im Vordergrund Olivenbäume, 

die den Blick auf eine ländliche Ansiedlung mit reduziert dargestellten Häusern freigeben. Den Künstler interessiert hier sichtlich der 

Kontrast der Formen mehr, als die topographische Schilderung.

THEOBALD SCHMÖGNER 

Wien 1911 - 1978 

Schmögner gehört zur österreichischen Avantgarde nach 1945. In Auseinandersetzung mit internationalen progressiven Kunstströmungen 

widmete er sich sehr bald der abstrakten Malerei. Schmögner wurde 1953 in den „Art Club“ als Mitglied eingeladen. 

Nach seinen Studien in Wien und später in München kehrte er 1947 nach Wien zurück und konnte sich sehr bald in das Wiener 

Ausstellungsgeschehen integrieren. Er zeigte seine Werke 1948 und 1951 im Konzerthausfoyer, 1951 im Rahmen der Ausstellung 

der Künstlergruppe „Der Kreis“ in der Galerie Würthle, 1953 in der Strohkoffergalerie des „Art Club“, 1954 im Tiroler Kunstpavillon, 

Innsbruck, im Künstlerhaus Salzburg und in der Neuen Galerie Linz. 

Schmögner erhielt 1956 den Staatspreis sowie den Preis der Stadt Wien. In diesem Jahr zeigte er seine Werke in der Wiener 

Secession. Weitere Ausstellungen folgten 1957 in der Stadthalle Hannover und 1959 in der Galerie Wolfrum, Wien, 1961 in der 

Galerie Gurlitt in München und im Landesmuseum Ferdinandeum in Innsbruck, 1963 im Internationalen Künstlerclub, Palais Pálffy, 

1968 in der Wiener Secession und in der Künstlergilde in Esslingen. 

Er war Mitglied der Künstlergruppe „Der Kreis“, 1953 wurde er Mitglied des „Art Club“ und 1955 der Wiener Secession. Seine 

Werke befinden sich heute in den Sammlungen des Belvedere, der Albertina, des Wien Museum, Lentos Linz und der Städtischen 

Sammlung der Stadt München. 

19 Die weißen Ameisen 


Collage/Karton 

70 x 100 cm 

Der Titel des Werkes findet sich in der Überschrift eines Zeitungsausschnittes, der hier äußerst phantasievoll mit anderen zu einem 

neuen abstrakten Gebilde kombiniert wurde. Nicht nur formal sondern auch farblich fein abgestimmt ist diese Collage ein sehr 

gutes Beispiel seines Oeuvres in den 60er Jahren. Die weißen Ameisen beziehen sich auf das Flimmern der ersten Röhrenfernseher.


Wien 1911 - 1978 

20 Steinformation 


Öl/Platte 

29 x 26 cm 

Die „Steinformation“ ist Thema eines kleinformatigen Gemäldes aus den 50er Jahren. Mit einem runden Formenkanon, der Farbschicht 

an Farbschicht setzt, gelingt es Schmögner eine Art Skelett einer Landschaft zu kreieren. Die Mehrzahl an harmonischen 

Brauntönen wird vom Blau des Himmels begrenzt. Die interessante Oberflächengestaltung erzeugt eine ganz eigene 

ansprechende Wirkung.


Wien 1911 - 1978 

21 Der Palast 


verso datiert 3.1.1968 

Mischtechnik/Platte 

45 x 57 cm 

Das Interesse am Experimentellen ist bei Schmögner in den 50er, 60er Jahren vorherrschend. Mit der Beimengung von Sand zur 

Farbe erhält er eine fast taktile Oberflächenstruktur. Die freien Architekturformen ergeben ein Gebäude voller Phantasie.

HEINRICH SCHRÖDER 

Krefeld/D 1881 – 1941 Innsbruck 

Schröder war Zeit seines Lebens ein Reisender. Erlesene Blickpunkte auf Architekturmotive bestimmen sein Oeuvre. 

„Er liest im Städtebild, in der bebauten Natur, wie in einem wohl bekannten Gesicht .... Wesensart und Lebensart einer Bevölkerung prägen 

sich ihm eindeutig im Bauwerk aus ...“ Wagner 1937 

Werke in: 


Leopold Museum, Wien 


Lenbachhaus, München 

Pinakothek, München 

Anfänglich stilistisch der Wiener Secession verpflichtet, greift er ab 1909 Impulse der Schule von Pont Aven auf. Seine expressionistischen 

Städtebilder ab 1915 entstehen gleichzeitig mit den Werken Schieles und Waldes. In den 20er und 30er Jahren erreicht 

sein Schaffen im Zuge der Neuen Sachlichkeit einen weiteren Höhepunkt. Studium in Berlin, Weimar und Paris. 

Ab etwa 1905 stand Schröder in Wien in enger Verbindung mit der Familie Hugo und Broncia Koller. 1908 wurde er in die 

berühmte Runde der Klimtgruppe aufgenommen. Von 1909 bis 1914 reiste Schröder nach Frankreich, Bosnien und Afrika und 

übersiedelte dann nach München und bezog ein Atelier in der Adalbertstraße. Er wurde Mitglied der Münchner Secession. In den 

20er und 30er Jahren im Zuge der Neuen Sachlichkeit und einer regen Reisetätigkeit z.B. Südfrankreich, Korsika, Mallorca, weite 

Teile Spaniens, Italiens, Bosnien, England, Afrika erreicht sein Schaffen einen weiteren Höhepunkt. 1925 besuchte er Italien und 

hielt sich längere Zeit im Künstlerdorf Anticoli-Corrado, ganz in der Nähe Roms, auf. 1929 unternahm er seine zweite Afrikareise 

mit Hauptaufenthaltsort Tunis. 

Ab 1936 galt er als entartet, da unter dem NS-Regime Künstler der Neuen Sachlichkeit abgelehnt wurden. Sein Gemälde „Bucht 

auf Mallorca“ erhielt 1933 den Albrecht Dürer Preis, 1937 wurde es von den Nationalsozialisten beschlagnahmt. Die letzten Jahre 

bis zu seinem Tod verbrachte Schröder verarmt in Tirol. 1990 zeigte der Kunsthandel Hieke einen Überblick über das Schaffen des 

damals noch wenig bekannten Künstlers. 1993 wurde sein Werk und seine Künstlerfreundschaft mit Broncia Koller-Pinell, gemeinsam 

mit einem Teil ihrer Werke präsentiert. 

Gemeinsam mit Koller-Pinell, Schiele, Faistauer und Gütersloh gründete Schröder 1918 eine Künstlervereinigug. Briefwechsel zwischen 

Schröder und Egon Schiele dokumentieren die Planung ebendieser. 

2007/08 zeigte das Belvedere seine Werke in der Ausstellung „Wien-Paris, Van Gogh, Cézanne und Österreichs Moderne 1880 

bis 1960“ und 2008 waren seine Bilder in „Gustav Klimt und die Kunstschau 1908“ im Belvedere zu sehen. 

„Unter jenen jungen Malern, die sich auf Gustav Klimt als Vorbild bezogen, fällt Heinrich Schröder auf, der deshalb in der Ausstellung des 

Belvedere mit mehreren Bildern vertreten war.“ Klimt und die Kunstschau 1908 


1908 „Kunstschau“, Wien 

1909 „Internationale Kunstschau“, Wien 

1910 „Internationale Jagdausstellung“, Rotunde, Wien 

1911 „Koller und Schröder“, Galerie Miethke, Wien 

1911 Internationale Kunstausstellung, Rom 

1913 „Große Düsseldorfer Kunstausstellung“, Düsseldorf 

1919 „Der Wassermann“, Salzburg 

1923 Secession, München 

1925 Künstlerhaus, Wien 

1926 Glaspalast, München 

1927 - 1935 Kunstsalon Heller, München 

1988 „Broncia Koller & Heinrich Schröder. Wiener 

Holzschnitte um 1900“, Galerie Schwarzer, Wien 

1990 „Heinrich Schröder“, Kunsthandel Hieke, Wien 

1993 „Eine Künstlerfreundschaft. Broncia Koller-Pinell 

und Heinrich Schröder“, Kunsthandel Hieke, Wien 

2007/08 „Wien-Paris, Van Gogh, Cézanne und 

Östereichs Moderne 1880 bis 1960“, Belvedere 

2008 „Gustav Klimt und die Kunstschau 1908“ 

Belvedere, Wien



22 Stilleben mit Teekanne 

um 1918 

Öl/Karton 

50 x 50 cm 

Im vorliegenden Werk stellt Heinrich Schröder die dynamische und äußerst effektvolle Inszenierung des schräg in das Bildgeschehen 

ragenden Teegeschirrs in den Mittelpunkt seines malerischen Interesses. Das Stillleben vermittelt eine ausgeprägte Körperlichkeit, 

wobei in der Malweise ein expressionistischer Gestus zum Tragen kommt. Schröder bedient sich in dieser Darstellung vorwiegend 

einer Farbpalette bestehend aus Ocker-und Brauntönen. Zügig, mit breiten Pinselschwüngen umgesetzt, zeugt dieses Gemälde 

vom malerischen Können Heinrich Schröders. Die große künstlerische Nähe zu Broncia Koller-Pinell ist in diesem Werk besonders 

ersichtlich.



23 Landschaft bei Carrara 

signiert 


Öl/Leinwand 

61 x 88 cm 

Mit dieser äußerst markanten Dorflandschaft aus den 1920er Jahren leistete Schröder seinen fulminanten Beitrag zur künstlerischen 

Strömung der Neuen Sachlichkeit. Der klare Bildaufbau mit einer glatten Farbstruktur geben dem Werk Präzision und Intensität. 

Schröder zeigt das Dorf von einer Anhöhe, sodass man weit über die Landschaft auf grüne Hügel und das Ufer der Meeresküste 

blicken kann. Diese Region in den Apuanischen Alpen, südöstlich von La Spezia, ist berühmt für ihr Marmorvorkommen. Das Wort 

Carrara bedeutet Steinbruch und stammt aus dem Keltischen. Es ist anzunehmen, dass Schröder im Februar oder Anfang März in 

dieser Gegend malte, da die Bäume noch unbelaubt dargestellt sind.



24 Ferté-Milon 

um 1909 

signiert 

verso Etikett: Besitz H.Koller verso betitelt 

Öl /Leinwand 

55 x 44 cm 

Das Erfassen architektonischer Eindrücke vielzähliger Stadtlandschaften steht im Zentrum der malerischen Auseinandersetzung Heinrich 

Schröders. Im Jahr 1909 unternimmt Schröder eine Reise durch Frankreich. Die französische Ortschaft „La Ferté-Milon“ liegt 70 

km nordöstlich von Paris. 

In der vorliegenden, sehr beschaulichen Darstellung rückt Schröder den hinter einer Häuserfassade hervorragenden Kirchturm in das 

Zentrum des Bildgeschehens. Schröder hält die Szenerie mit lockerem Pinselschwung fest, wobei die matte, vorwiegend in Erdtönen 

gehaltene Farbigkeit gleichsam eine idyllische Ruhe evoziert. Verso etikettiert findet sich der handschriftliche Verweis: „H. Schröder. 

„Kirche in La Ferté-Milon“ Besitzer: Dr. H. Koller Wien.“ Schröder stand in regem, künstlerischem Austausch und freundschaftlicher 

Verbundenheit zu Hugo Koller und Broncia Koller-Pinell. Von Maurice Utrillo ist die gleiche Ansicht erhalten, sehen Sie hier.



25 Harburg (in Bayern) 

signiert 

verso beschrieben „In Schwaben“ 

Öl/Platte 

80 x 100 cm 

Schröder war Zeit seines Lebens ein Reisender. Ungefähr ab 1914/15 ist München ein Stützpunkt zwischen seinen Reisen. 

Wahrscheinlich gegen Ende der 20er Jahre besuchte er Harburg und schildert dieses Städtchen mit der Kirche St. Barbara und 

dem Fluss Wörnitz in dieser markanten Stadtlandschaft, die bereits mit prägnanter und klarer Formgebung stilistisch die Neue 

Sachlichkeit ankündigt.



26 Mallorca (Banyalbufar) 

signiert 

Öl/Leinwand 

61 x 80 cm 

Es ist ein grandioser Blick auf diese einzigartige Landschaft an der Küste, die mit wild zerklüfteten Felsen und Terrassen ins Meer 

ragt. Dieses eindrucksvolle Motiv ist Anfang der 1930er Jahren entstanden. Ganz im Sinne der Neuen Sachlichkeit ist das Gemälde 

von einem linearen Bildaufbau und einer satten Farbgebung bestimmt. Banyalbufar liegt im Nordwesten der Insel etwas unter 

Valldemosa. Der Name des Dorfes wird auf den arabischen Begriff „buniola al bahar“ zurückgeführt. Es bedeutet Weingarten am 

Meer. Bis heute wird auf den beeindruckenden Terrassen Wein angebaut.

LYDIA VON SPALLART 

Wien 1898 – 1961 

1898 in Wien als Tochter eines Missionars geboren, erhielt Spallart in München ihren ersten Zeichenunterricht und studierte anschließend 

an der Kunstgewerbeschule in Basel. 1921 zog sie in die Kunstmetropole Berlin, wo von Dada über Expressionismus bis 

zur Neuen Sachlichkeit alle künstlerische Avantgarde vertreten war und studierte an der Kunstakademie bei Arthur Segal und Walter 

Helbig. Vor allem der Unterricht bei Arthur Segal war für ihr Werk zukunftsweisend. Bei ihm begegnete sie einer Kunstauffassung, 

die auf der Farbenlehre Goethes aufbaute. Er vermittelte seinen Schülern den Ausgangspunkt der Farben vom Licht und die daraus 

entstehenden Tiefe und Form. 

Segal: „Ich betrachtete die Natur und fand, dass in ihr nichts Übergeordnetes ist, wenn man sie als ein Ganzes, Kontinuierliches, Unbegrenztes 

betrachet.“ Weiters bemerkt er: „Es gibt keine Linie in der Natur ... es gibt kein Schwarz/Weiß in der Natur, daher gibt es bei mir nur 

Farbe.“ Der Grundtenor dieser Aussagen tendiert eindeutig in Richtung Wiedergabe des Atmosphärischen und des Ineinanderübergehens 

der Farben. Diese für Segal grundlegenden Ansätze innerhalb der Malerei wurden für Spallart prägend. 

Werke in: 


Österreichische Nationalbank, Wien 


1923 Galerie Heller, Berlin 

1930 Galerie Commeter, Hamburg 

1953 Galerie Heller, Berlin 

1990 „Lydia von Spallart. 1989 -1961“,Kunsthandel Hieke 

1924 zog sie nach Basel und heiratete 1926 den Schauspieler Johannes von Spallart. 1923 konnte sie ihre Werke in der Galerie 

Heller, Berlin und 1930 in der Galerie Commeter, Hamburg zeigen. Ab dem Jahre 1935 arbeitete sie in Ateliergemeinschaft mit 

dem Expressionisten Wilhelm Seelig in Berlin. 1937 wurde sie unter dem nationalsozialistischen Regime mit Malverbot belegt und 

flüchtete in die Schweiz. Nach dem Krieg lebte sie in Bad Hall in Tirol. 

Lydia von Spallart um 1924 

Spallart widmete sich vorwiegend Landschaftsmotiven, die in den 30er und 40er Jahren von expressiver Bildgestaltung sind. Ein 

Großteil der Bilder der Nachkriegszeit bezieht seine Motive aus den Tiroler Bergen. Im Laufe der 1950er Jahre wird die Tendenz 

zur Abstraktion immer stärker. Im Sinne Goethes wird der geistige Gehalt der Farben aufgespürt und auf den Betrachter übertragen. 

In ihren von Licht durchfluteten Farblandschaftskompositionen scheinen die Pflanzen zu wachsen, Berge und Täler werden in ihrem, 

durch den jeweiligen Lichteinfall, veränderten Farbtonus zu einem dynamisch intensiven Schauspiel. 

Der Kunsthandel Hieke präsentierte 1990 erstmals in Wien den Nachlass der Künstlerin.


Wien 1898 – 1961 

27 Jahr am Teich I (Jänner) 

datiert 57 

monogrammiert 


Öl/Leinwand 

58 x 54 cm 


Dieses Werk schildert den fantastischen Lichteinfall auf die Wasserober äche, umgeben von einer Waldkulisse. Der stellenweise 

zarte Farbauftrag in Verbindung mit der expressiven Gestaltung der Bäume, der offene Pinselschwung und die selbstsichere 

Aneinanderreihung der Farbflächen zeugen von der malerischen Ausdrucksstärke Spallarts. 

Dokumentiert: 

Katalog „Lydia von Spallart 1898-1961“, Galerie Herold, Hamburg 1981, Abb. 36


Wien 1898 – 1961 

28 Der Blaue Berg 

Öl/Leinwand 

108 x 79 cm 


Bei Spallart ist Malerei ein sensibles Aufspüren von Naturgegebenheiten, die sie in Farbeindrücke umsetzt. Inspiration für dieses 

Monumentalwerk war sehr wahrscheinlich der Piz Lad an der Grenze von Südtirol und der Schweiz (dokumentiert in einem vergleichbaren 

Gemälde). Der Berg ist in viele zarte Farbschichten fast eingehüllt. Im Tal ruht ein kleines Dorf beschaulich in seinem 

Schatten. Es ist eine wunderbare Morgenstimmung geschildert, denn schon gelangt das Licht der Sonne im Hintergrund zur 

Wirkung, wo noch Mond und Stern hervorleuchten. 

Dokumentiert: 



Wien 1898 – 1961 

29 Bergsee 

verso Nachlassetikett 


Öl/Karton 

26 x 30 cm 


Spallart ist für ihre eindrucksvollen Naturvisionen bekannt. Diese helle Landschaft wird in den 40er Jahren entstanden sein. Das 

Motiv ist nur angedeutet und wirkt wie eine wunderbare Erscheinung. Spallart überzeut in ihrem Werk immer wieder mit der 

Darstellung der Transparenz des Lichtes. Auch in dieser kleinen Landschaft ist die zarte Helligkeit, die über Berge und See gelegt 

ist faszinierend. 

Dokumentiert: 



Wien 1898 – 1961 

30 Bauernhof mit Garten 

Bleistift und Feder/Papier 

28 x 21 cm 


In diesem kleinformatigen Werk ist das hohe zeichnerische Talent Spallarts sehr gut ersichtlich. Auch ihre Vorgehensweise an Bild- 

kompositionen ist durch die Vermerke „beige grün“ auf dem Vorbau, „rosa-weiss“ auf der Fassade und „rotbraun“ auf dem Dach 

dokumentiert.

ANTON JOSEF STORCH-ALBERTI 

Verona 1892 – 1976 Wien 

Schon zu Lebzeiten von großem Erfolg und Beliebtheit begleitet, führten Storch-Albertis weite Reisen durch ganz Europa. Hans 

Ankwicz-Kleehoven, der bekannte Sammler, Archivar und Journalist österreichischer Kunst nannte Storch-Alberti „den Maler der 

europäischen Landschaft“. 1948 zählte er zu den 20 prominentesten Künstlern Österreichs. 

Er studierte an der Wiener Akademie bei Kasimir Pochwalski. Seit 1911 unternahm er Studienreisen durch ganz Europa. Ausstellungen 

seiner Werke fanden unter anderen von 1914 bis 1918 im Wiener Künstlerhaus, in der Secession und im Hagenbund, 

ferner in Bozen, Trient, Venedig sowie 1933 in Raab, 1934 in Crikvenica, 1935 in Visby auf der Insel Gotland, 1932 in Zürich, 

1937 in Flims statt. Neben der Landschaft war die Darstellung des Hochgebirges ein bevorzugtes Thema in seinen Werken. In der 

Ausstellung „Zermatt und seine Berge“ zeigt er 1930 in der Kunstgemeinschaft Hofgarten in Wien 60 Bergbilder. 

1954 präsentierte er in der Österreichischen Staatsdruckerei unter dem Thema „Quer durch Europa“ an die 200 Werke aus 18 

europäischen Ländern. Die Wiener Zeitung schrieb am 16.5.1954 über ihn: 

„Es ist die Quintessenz von unermüdlichen Wanderfahrten kreuz und quer durch alle Länder. Wahre Kunst kann mehr als sprechen, sie kann 

fesseln und überzeugen.“ 

Storch-Alberti erhielt 1911 die Ehrenplakette des Wiener Künstlerhauses, 1914 die Große Goldene Füger-Medaille für Landschaftsmalerei, 

1916 den Rosenbaum-Preis, 1917 den Meisterschulpreis und 1918 den Rom-Preis. Ebenso stammen auch Portraits z.B. 

von Luis Trenker, Vilma Degischer, Fritz Kortner u.a. von seiner Hand. 

31 Matterhorn 

signiert 

verso datiert 1942 

Öl/Leinwand 

73 x 54 cm 

Dieses Wahrzeichen der Schweiz, einer der bekanntesten Berge der Welt, steht in den Walliser Alpen zwischen Zermatt und 

Breuil-Cervinia. Das eindrucksvolle Gemälde zeigt den Blick zum Matterhorn vom Schwarzsee aus. Als Schwarzsee ist eigentlich 

ein Bergrücken oberhalb von Zermatt benannt, der nördlich vom Matterhorn liegt. Namensgeber ist ein kleiner Bergsee in der 

Nähe. Schwarzsee ist einer der Ausgangspunkte zur Besteigung des Matterhorns. Am 14. Juli 1865 gelang die Erstbesteigung.

PETER PÁLFFY 

Seebarn 1899 – 1987 Wien 

Bereits 1987 widmete der Kunsthandel Hieke dem fast in Vergessenheit geratenen Künstler eine Personale, 2020 folgte eine 

weitere umfangreiche Retrospektive begleitet von einem Katalog zu seinem Werk. Pálffy gehört der internationalen Avantgarde an. 

Sein Schaffen umfaßt einen Bogen von expressionistischen über kubistische zu abstrakten Bestrebungen. 

Nach seinen Studien in München geprägt von Genredarstellungen und Milieustudien, ging Pálffy 1922 nach Berlin und studierte an 

der Hochschule für Bildende Kunst. Hier beginnt seine Auseinandersetzung mit dem Expressionismus. Corinth, Leibl und Liebermann 

sind zu nennen aber auch van Gogh kann als Inspiration gelten. Seine Reisen vor allem durch Italien 1924 bringen weitere neue 

künstlerische Impulse. Er besuchte die wichtigsten Museen von Verona, Modena, Ravenna und Florenz bis weiter in den Süden und 

studierte die Künstler des späten Mittelalters. Anschließend lebte er von 1924 bis 1933 in Paris. In Berührung mit der „école de 

Paris“ und integriert in das internationale Kunstgeschehen. Bereits 1928 hatte er Gelegenheit in der Galerie Myrbor, die von Mme. 

Cuttoli, eine Freundin und frühe Sammlerin Picassos, geleitet wurde, seine Werke zu zeigen. 

Von 1933 bis 1945 arbeitete er in der Slowakei in Kontakt mit der ungarischen Avantgarde. 1945 mußte Pálffy vor der Roten 

Armee nach Österreich flüchten, der Besitz seiner Familie und viele Werke des Künstlers mussten auf der Burg Cerveny Kamen 

zurückgelassen werden, sie sind heute im dortigen Museum aufbewahrt. Nach dem 2.Weltkrieg lebte Pálffy bis 1962 in Kitzbühel 

und anschließend in Wien. 

Er wurde 1949 Mitglied des österreichischen „Art Club“ einer zukunftsweisenden, auf Internationalität bedachten Künstlergruppierung, 

die an Bedeutung mit der Secession der Jahrhundertwende vergleichbar ist. Präsident war Albert Paris Gütersloh und als 

Mitglieder sind z.B. Arik Brauer, Greta Freist, Maria Lassnig, Arnulf Rainer und Friedensreich Hundertwasser zu nennen. 

Nach Auflösung des „Art Club“ 1960 schloss er sich der Künstlervereinigung „Der Kreis“ an. 

Im Wien der Nachkriegszeit gab es noch sehr wenige Galerien und Ausstellungsmöglichkeiten; zentrale Bedeutung kam etwa der 

Galerie Würthle in der Weihburggasse zu, in der Pálffy bereits 1951 seine Werke ausstellen konnte. München, Salzburg und 

Schloß Arbon in der Schweiz folgten. 1955 war er bereits in New York bei der Ausstellung „Austrian Painters“ in der Galerie de 

Braux mit seinen Werken vertreten. 

„In seinem Oeuvre findet sich vieles, was die großen Aufbrüche und maßgebenden Positionen der Kunst des 20. Jahrhunderts ausmacht 

und in seinen Werkgruppen kongenial und durchaus eigenständig in unverkennbarer Kontur und ebensolchem Kolorit zum Ausdruck bringt. 

Der „Kontinent“ Pablo Picasso, Kubismus und Expressionismus – letztere auch in ihren ungarischen Abwandlungen – sind hier vorrangig zu 

nennen.“ Peter Baum 2020 

Peter Pálffy, ca. 1980 

Den Katalog zu Peter Pálffy finden Sie hier 

Werke in: 


Slowakische Nationalgalerie, Bratislava 

Museum Cerveny Kamen, Slowakei (Bibersburg) 

Museum der Stadt Bratislava 

MuMoK Museum Moderner Kunst, Stiftung Ludwig, Wien 

Lentos Kunstmuseum, Linz 


1928 Personale, Galerie Myrbor, Paris 

1928 39. Ausstellung des „Salon des Indépendants“, 

Grand Palais, Paris 

1949 „Der Art Club“, Lentos, Linz 

1949 Mostra Internationale dell’Art Club, Turin 

1949 Galleria Nazionale d‘Arte Moderne, Rom 

1950 Internationale Art Club Ausstellung,Secession Wien 

1966 „20 Jahre Künstlergruppe „Der Kreis“, 

Künstlerhaus Wien 

1987 „Peter Pálffy. Gemälde 1930- 70“, Kunsthandel Hieke 

1995 „Peter Pálffy, 1899-1985. Die Wiederentdeckung 

einer europäischen Künstlerpersönlichkeit ,Lentos, Linz 

1996 „Peter Pálffy, Retrospektive 1920–1980“, 

Slowakische Nationalgalerie, Bratislava 

2000 „Farbenlust und Formgedanken, Abstrakte Wege in 

Österreich 1900 - 2000“, Universität f. angew.Kunst 

2008 „Störenfriede – Der Schrecken der Avantgarde von 

Makart bis Nitsch“, Lentos, Linz 

2013 „Moderne rundum – Die Welt hinter den Dingen“, 

Schloß Ulmerfeld 

2018 „Klimt ist nicht das Ende,Aufbruch in Mitteleuropa“, 

Belvedere,Wien 

2020 „Peter Pálffy, 1899 - 1987“, Kunsthandel Hieke

PETER PÁLFFY 


32 Schlafende 

signiert 

datiert 1942 


Öl/Leinwand 

81 x 111 cm 

Die Zeit von 1933 bis 1945 verbrachte Pálffy auf den Besitztümern seiner Familie in der Slowakei. Schon Ende der 1930er Jahre 

beginnt sich in seinem Werk eine expressivere Bildsprache als noch in den 1920er Jahren zu etablieren. Die Schlafende auf grüner 

Chaiselongue ist ein großartiges, expressionistisches Werk – das wunderbare Motiv ist mit breiten Farbbahnen konturiert und mit 

kräftigen Farben sehr ausdrucksstark akzentuiert. Tatsächlich gab es eine grüne Chaiselongue im Zimmer seiner Mutter wie in einem 

Aquarell von 1922 dokumentiert ist. 

Dokumentiert: 

Kat. Ausst.: „Peter Pálffy, Die Wiederentdeckung einer europäischen Künstlerpersönlichkeit“, Neue Galerie der Stadt Linz, (heute 

Lentos) 1995, S. 55

PETER PÁLFFY 


33 Komposition mit schwarzem Stern 

signiert 

datiert 1956 

Öl/Karton 

50,5 x 71,5 cm 

Bereits in den frühen 1940er Jahren beginnt Pálffy sich der Abstraktion anzunähern und gehört damit mitunter zu den frühesten 

Vertretern in Österreich. Die „Weltsprache Abstraktion“(Werner Haftmann), von den USA ausgehend, fand auch in Europa schnell 

Anhänger. Die Idee, dass einfache visuelle Elemente – Farbe und Linien – in den Betrachtern die immer gleiche Wirkung auslöst, 

geht weit zurück ins 18. Jahrhundert; Goethes Farbenlehre gehört zu den bekanntesten frühen Farbpsychologien. In dem Glauben 

an eine „Weltsprache Abstraktion“ lag besonders nach dem Zweiten Weltkrieg eine große Verheißung: Nach der Erfahrung der 

ultimativen sozialen Katastrophe setzten Künstlerinnen, Künstler und Institutionen wie die Documenta ihre Hoffnung auf abstrakte 

Kunst als Mittel zur kulturellen Verständigung.

PETER PÁLFFY 


34 Komposition mit weißen Linien 

signiert 

datiert 1964 


Öl/Karton 

72 x 51 cm 

Das Gemälde ist ein äußerst gelungenes Beispiel Pálffys Auseinandersetzung mit der abstrakten Malerei. Diese spannende Komposition 

mit einem Gefüge aus breiten Bahnen und weißen Linien ist ganz typisch für sein Oeuvre in den 1960er Jahren. Pálffy 

bevorzugte zumeist ruhige, klare Elemente, die er mit neuen Formerfindungen bereicherte und die jedes Bild von ihm unverkennbar 

machen. 

Dokumentiert: 

Kat. Ausst.: „Peter Pálffy, Die Wiederentdeckung einer europäischen Künstlerpersönlichkeit“, Neue Galerie der Stadt Linz (heute 

Lentos) 1995, S. 133

PETER PÁLFFY 


35 Fisch 

signiert 

datiert 1966 

Öl/Platte 

49 x 71 cm 

In Pálffys Œuvre wurde das Motiv der Tiere wiederholt behandelt. Diese charmante Darstellung aus dem Jahr 1966 wurde mit - den 

für Pálffy so charakteristischen - breiten Farbbahnen konturiert und mit pastosem, erdfarbenem Farbeinsatz ausdrucksstark akzentuiert.

PETER PÁLFFY 


36 Ballspieler 

signiert 

datiert 1973 

Öl/Platte 

Gegen Ende der 1960er und Anfang der 1970er Jahre sind in Pálffys Oeuvre wieder vermehrt Assoziationen zur gegenständlichen 

Welt zu bemerken. Die Aneinanderreihung einzelner Pinselschwünge und die formale Reduktion, welche sich auch in einer 

reduzierten Farbpalette niederschlägt, sind charakteristisch für die malerischen Handschrift Peter Pálffys. Die geometrisch-abstrakte 

Formensprache zeugt von der Auseinandersetzung mit dem Kubismus, welche seit den Pariser Jahren (1924–1933) beinahe über 

das gesamte malerische Lebenswerk Pálffys hinweg evident ist.

ANDRÉ VERLON 

Zürich 1917 – 1994 Wien 

Verlon nimmt als Weltenbürger mit seinen philosophisch-moralischen Werken einen eigenen Platz in der engagierten Kunst der 

Nachkriegszeit ein. Zu Lebzeiten weltweit gewürdigt, bieten seine Bilder eine zeitlose Veranschaulichung des Menschen im Zwiespalt 

zwischen zunehmender Technisierung, Ost-West-Konflikt, Großstadt und Krieg aber auch Hoffnung und Zuversicht. Von Paris 

nach Jerusalem über Zürich und Wien ließ sich Verlon zu seinen Werken inspirieren. Es ist die „Situation humaine“ die Verlon sowohl 

durch sein literarisches wie auch malerisches Werk begleitet. 

1957 greift der damals 40-jährige Verlon - nach einer bereits bewegenden Biografie - erstmals zum Pinsel. Er folgt „dem Wunsch 

nach einer visuellen Ausdrucksform“. Durch seine intensive Auseinandersetzung mit dem Dadaismus - Freundschaften mit Jean Arp, 

Raoul Hausmann, Marcel Janko und Richard Hülsenbeck - und der empfundenen Notwendigkeit einer neuen Ausdrucksform in der 

Kunst entwickelte er die Technik des Montage-Painting, eine Kombination aus Öl und Collage. Es ist seine Antwort auf den Irrsinn 

des 2.Weltkrieges und dem weiterhin nicht aufgearbeiteten Antisemitismus in Österreich und Europa. 

Verlon alias Willy Verkauf-Verlon hat regelmäßig den Finger in die Wunden der österreichischen Nachrkriegspolitik und Gesellschaft 

gelegt. Ein aufmerksamer, höchst engagierter Mensch und Künstler, dem unter anderem zu verdanken ist, dass seit 1988 neben 

dem Hautpeingang des Wiener Künstlerhauses eine Gedenktafel für die politisch verfolgten und vertriebenen Mitglieder installiert 

wurde, wie Dr. Sophie Lillie und Ayre Wachsmut in dem Begleittext „Im Schatten der Verdrängung“ zur Ausselltung „Dispossesions“ 

aufzeigen (den äußerst lesenwerten Katalalogtext finden Sie hier, ab S.102, inkl. Abbildung der Gedenktafel). 

Als Künstler war Verlon bereits 1961 bei der wegweisenden Ausstellung „The Art of Assemblage“ im Museum of Modern Art in 

New York neben Werken von Marcel Duchamp, Max Ernst und Meret Oppenheim vertreten. Es folgten über 70 Einzelausstellungen 

in Europa und den USA. Ankäufe des MoMA, der Tate Gallery, des Museé National d’Art Moderne sowie der Österreichischen 

Galerie Belvedere zeugen von der beeindruckenden Anerkennung zu Lebzeiten. 

2020 konnte der Kunsthandel Hieke eine Präsentation seiner Gemälde in Kontext mit seinen Texten bei der Vienna Contemporary 

zeigen. 

„Da mein Weg vom vielleicht naiven Hoffnungsglauben an eine humanere Welt bestimmt ist, betrachte ich meinen Beitrag zur zeitgenössischen 

Kunst als Botschaft, ausgedrückt mit den Formmitteln unserer Zeit;[...] Kunst ist eine Sprache, ein Kommunikationsmittel - wenn nicht, 

dann wird sie zur leeren Äußerlichkeit, zum Platzfüller in einer entseelten Konsumwelt.“ André Verlon, 1963 

André Verlon, ca. 1960 

Videotipp: 

André Verlon. „Zwischen Exil und Heimat“ 

Interview auf Youtube, 1984 

Den Katalog zu André Verlon finden Sie hier 

Werke in: 



Museum Moderner Kunst, Wien 

Niederösterreichische Landesgalerie, St.Pölten 

Museum of Modern Art, MoMA, New York 

Tate Collection, London 

Collection des Beaux Arts de la Ville, Paris 

Yad Vashem, Jerusalem 


1961 „Art of Assemblage“, Museum of Modern Art New York 

1962 The Dallas Museum of Contemporary Arts, USA 

1962 San Francisco Museum of Art, USA 

1962 Solo Ausstellung, Kunsthalle Düsseldorf 

1962 Solo Ausstellung, Brook Street Gallery, London 

1962 „Verlon“, D‘Arcy Galleries, New York 

1963 „Verlon“, Galeria Schwarz, Mailand 

1965 „Dada-Surrealismus“, Johanneum Graz 

1965 „Acquisitions 1955-65“, Musée d‘Art Moderne,Paris 

1967 „Montage-Paintings. Verlon“,Galleria Penelope, Roma 

1976 „Verlon. Gemälde und Collagen“, Belvedere, Wien 

1984 Museum Moderner Kunst, Palais Liechtenstein, Wien 

1986 „Verlon“ Museum der bildenden Künste, Leipzig 

1986 „VERLON. Gemälde - Paintings - Tableaux. 

1960 -1985“, Belvedere, Wien 

2017/2018 „Genosse Jude“, Jüdisches Museum, Wien 

2021 „Dispossession“, Künstlerhaus Vereinigung, Wien 

2022 „Wider die Macht“, Haus der Geschichte, St.Pölten

ANDRÉ VERLON 


37 Schöpfung 

signiert 

datiert 1965 

Öl/Leinwand 

115 x 163 cm 

In diesem fulminanten Monumentalwerk des Künstlers wird das Geschehnis der Schöpfung mit einer großen Welle und vulkanischen 

Aktivitäten dem Betrachter vor Augen geführt. Feuer, Wasser und Erdstrukturen sind zu einem dynamischen Entstehungsvorgang 

vereint und gelangen zu höchst eindrucksvoller Wirkung. Ein besonders ausdrucksstarkes Gemälde des Künstlers. Pastositäten und 

Schraffuren in der Farbe ergänzen diese äußerst gelungene Gestaltung. Das Werk ist in dem Originalrahmen erhalten. 

Die Österreichische Galerie Belvedere widmete dem Künstler 1976 und 1986 Einzelausstellungen. 1986 war vorliegendes Gemälde 

ebenfalls ausgestellt und ist in dem Katalog zur Ausstellung dokumentiert, sowie in dem Vorwort von Dr. Gerbert Frodl erwähnt. 

Dokumentiert: 

Kat. Ausst. „André Verlon - Gemälde Paintings Tableaux 1960 – 1985“, Belvedere, Wien 1986

ANDRÉ VERLON 


38 OT4 

signiert 

Öl/Platte 

50 x 75 cm 

Eine abstrakte Landschaft voller Dynamik in der Gestaltung breitet sich vor dem Betrachter aus. Die expressive Pinselführung ist mit 

Schraffuren versehen und verstärkt die dramatische Wirkung der Farbgebung. Verlon gelingt es hervorragend das fast an einen 

wehenden Sturm erinnernde Farbgeschehen zu vermitteln. Das Gemälde ist wahrscheinlich in den 60er Jahren entstanden.

ANDRÉ VERLON 


39 Reges et Imperator III 

datiert 1963 

signiert 

Öl/Leinwand 

100 x 65 cm 

verso Ausstellungsetiketten: 

- 3° Mostra Nationale di pittura, Rom 1963 

- Galeria Penelope, Rom 1963 

- 2a mostra Mercato Nazionale d‘Arte Contemporanea, Palazzo Strozzi, Florenz, 1964 

Reges et Imperator bedeutet übersetzt „Könige und Kaiser.“ Mit starken schwarzen Pinselstrichen durchzieht Verlon kräftige Rotund 

Gelbtöne. Das Gefühl von Macht und Dominanz ist hier spürbar. Ein abstrakt-dynamisches Gefüge, das Verlon immer wieder 

in seinen Werken verwirklicht, bestehend aus Bahnen, die er mit Pinselrücken und anderen Gegenständen durch die Farben zieht. 

. 

1963 erwirbt das Musée d’Art Moderne de la Ville Paris „Reges et imperato“, den ersten Teil dieser 3-teiligen Serie.

ANDRÉ VERLON 


40 Composition 

signiert 


Montage-Painting/Platte 

46 x 65 cm 

Als einer der wenigen Künstler in den 60er Jahren integrierte Verlon die Collage in seine Bilder und erzielte damit unvergleichliche 

Werke. In dieser Composition wird einmal mehr das Thema der Technik in den Vordergrund gerückt. Die Rotation eines Gerätes 

wird dem Betrachter entgegengerichtet und lässt vielleicht an eine Situation in einem Bergwerk denken. Eine Arbeit, die wie so oft 

bei Verlon nicht auf den ersten Blick erfasst werden kann und gerade deshalb so spannend ist.

ANDRÉ VERLON 


41 Phantastische Landschaft 

signiert 

Montage Painting/Platte 

60 x 28 cm 



Mit der Kombination von Collage und Malerei hat Verlon eine ganz eigene Technik erfunden – das Montage-Painting. In diesem 

typischen Werk seiner Hand wird eine Landschaft aus Zeitungsausschnitten technischer Teile zusammengesetzt. Das Umfeld bildet 

ein abstraktes Gefüge, das Verlon immer wieder in seinen Werken verwendet, es besteht aus Bahnen, die er mit Pinselrücken und 

anderen Gegenständen durch die Farben zieht und anschließend bearbeitet. Das Werk ist in dem Originalrahmen erhalten.

GARANTIE 

Jedes von uns angebotene Kunstwerk ist echt. Dies wird bei Kauf mit Fotoexpertise 

und schriftlicher Echtheitsgarantie bestätigt. Um sicher zu gehen, 

dass die Gemälde nicht vermisst oder gestohlen wurden, legen wir Wert 

auf die Zusammenarbeit und Kontrolle des Artlossregisters. 

Wenn Sie das erworbene Kunstwerk im Laufe von Jahren nicht mehr besitzen 

möchten, bitten wir Sie, es uns zum Tausch oder Rückkauf anzubieten. 

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