DOCK11 Dokumentation 2010

Foto: Kirsten Seeligmüller - Produktion: andropolaroid von Yui Kawaguchi in Zusammenarbeit mit theater-51grad 

DOCK 11 Dokumentation 2010

T A N Z 

Get A Leg Up 

ein Tanzstück von Clint Lutes / Death by Glitter 

Eine Hellseherin sieht ihren großen Durchbruch bevorstehen. Für Erfolg und Ruhm 

geht sie bis zum Äußersten. Zusammen mit einem Prinzen schmiedet sie einen 

teufl ischen Plan - ein Feuer, genährt von bösen Mächten. Niemand siegt. Nicht 

einmal Barmherzigkeit. Clint Lutes verwandelt eine wahre Begebenheit in eine 

fiktive Geschichte voller Verquickungen aus Gier, Verrat, Wohltätigkeit und Tod. Die 

Ereignisse basieren auf der Brandkatastrophe des Bazar de la Charité in Paris am Ende 

des 19. Jahrhunderts. Die Charaktere sind träumerisch und arrogant, hinterhaltig und 

bewundernswert, tragisch und kühl. 

# Choreografie: Clint Lutes und die Tänzer 

# Tanz: Florian Bücking, Celia Gondol, Michael Löhr, Clint Lutes, Vasso Lykoura, Yuko Sato, 

Andrea Schiefer, Bérengère Valour, Stella Zannou 

# Mit freundlicher Unterstützung von Festspielhaus St. Pölten/Joachim Schlömer, 

Association Mâ Lyon, DOCK11 Berlin, Eliashof Berlin, Uferhallen AG und studio blixa 6. 

# Internet: www.deathbyglitter.wordpress.com 

P R E M I E R E: 

7. Februar 2010 

W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N : 

8.-10. Februar 2010 im DOCK 11

Fotos: Kirsten Seeligmüller



T A N Z 

The Revolution on Drums 

Solokonzert mit Mohammad Reza Mortazavi, Ruth-Preisträger 2003 

Der im Iran geborene und in Berlin lebende Musiker Mohammad Reza 

Mortazavi spielt zum Auftakt seiner GREEN HANDS Solo-Tour 2010 im Dock11. 

Mortazavi stellt neue Kompositionen für Tombak und Daf vor, die auch auf 

seiner nächsten CD Green Hands zu hören sein werden. Mohammad Reza 

Mortazavi nutzt die traditionellen persischen Handtrommeln Tombak und Daf 

nicht allein als Rhythmusinstrument. Er erschafft Stücke von melodischer Dichte 

mit mehrstimmigen Klangstrukturen. Sein einzigartiger Stil zeichnet sich durch 

die Entwicklung neuer Spieltechniken und Klangeffekte aus, die von virtuoser 

Kreativität zeugen. Man muss Mortazavi Live sehen, um glauben zu können, dass 

es sich hier um reine Solo-Stücke handelt, so komplex und vielschichtig ist sein 

Klangspektrum. 

Mohammad Reza Mortazavi (geb.1978 in Isfahan/Iran) begann mit sechs Jahren Tombak- 

Unterricht zu nehmen. Mit 10 Jahren – wie alle darauf folgenden Jahre auch – gewann er 

erstmals den im Iran jährlich stattfindenden Tombak-Wettbewerb. Bereits mit 20 Jahren galt 

er als der beste Tombak-Spieler der Welt. Mit 22 Jahren reiste Mohammad Reza Mortazavi 

das erste Mal nach Deutschland und trat mit durchschlagendem Erfolg in München auf. Er 

veröffentlichte daraufhin mehrere CDs und wurde auf verschiedenen Konzerten in Europa 

eingeladen, wo er Begeisterungsstürme auslöste. 2003 gewann er – als einer von über 600 

Kandidaten – den Nachwuchspreis der Weltmusik RUTH. 

www.moremo.de 

GREEN HANDS 

Solo-Tour 2009/2010 

30. November 2009 20.00 h Ballhaus Ost, BERLIN 

20. Dezember 2009 20.00 h Ballhaus Naunynstr., BERLIN 

15. Januar 2010 20.30 h Dock11, BERLIN 

18. Februar 2010 20.00 h Schwartzsche Villa, BERLIN 

11. März 2010 20.00 h Philharmonie, BERLIN 

22. Mai 2010 20.00 h Festival Sommerblut, KÖLN 

18. September 2010 20.00 h Gasteig Black Box, MÜNCHEN 

08. Oktober 2010 20.00 h Alt.-Kath. Kirche St.Ursula, FREIBURG 

09. Oktober 2010 20.00 h Heinrich Pesch Haus, LUDWIGSHAFEN 

06. November 2010 20.00 h Edwin Scharff Haus, ULM 

K O N Z E R T: 

15. Janaur 2010 

im DOCK 11


T A N Z 

Parsème ein Tanzinstallation von Morgan Belenguer 

In dieser Arbeit existieren, wie in einem Chemieexperiment, Materialien, Tinkturen 

und Substanzen in einem Raum, wo sie offen für Beobachtungen und Interkation 

sind und eröffnen somit die Möglichkeit das Konzept der globalen und individuellen 

Wahrnehmung von Objekten und deren Fähigkeit Identitäten zu kreieren, zu 

erforschen. Es hinterfragt das Resultat zusammengefügter Elemente und die Interpre 

tationsmöglichkeit seiner Bewegungen, Interaktion und Form. Es wird eine Erzählung 

und Geschichte suggeriert, welche vom Beobachter interpretiert werden kann. Dabei 

kann sich die Perspektive der Zuschauer transformieren und dessen eigene Realität 

und vielleicht auch dessen Wissen darüber verformen. 

# Choreography,sound,video,objects: Morgan Belenguer 

# Light design: Fabian Bleisch 

Morgan Belenguer (1976), Morgan is a French choreographer based in Berlin. 

He completed his education at the atelier Rudra Béjart. Belenguer participated at the 

choreographic competition Hannover, where he won the 2nd prize with Alchera in 1999 

and the next year the critic award for L’incessante which was then invited to the Holland 

Dance Festival. Since 2000, he has pursued his choreographic work internationally for: Ballet 

du Rhin / Stadtheater Braunscheig / Theaterhaus Stuttgart/Rotterdam Dance Academy / 

Stadtheater Hannover/ CCR Dance Company Istanbul. He collaborated with Melanie Lane as 

artists in residence at Dock 11/ Berlin. Their two last productions were Riddle 2007 & Held 

2008. Belenguer produced the music video clip BIM for the musician Ellen Allien (bpitch 

control),septembre 2008. Exhibition immediate Archeologies in collaboration with the architect 

Luis Berríos-Negrón at Program Gallery Berlin ; august 2009. Creating props,videos and objects 

in collaboration with the artiste Pablo Zuleta Zahr for the live music performance Happily Ever 

After Again composed by Matt Sims. Work in progress ,septembre 2009. Belenguer was invited 

to perform on the spatial device “mobile, curatorial unit” designed by Luis Berrios-Negron and 

The Product at the Beck’s gold urban experiences in Hamburg ,Novembre 2009. The performing 

installation Parsème ,Co-produced by Dock 11 with the participation of Manon Greiner has a 

performer, January 2010. Ehibition Undo with the Fashion designer Emilie Luc-Duc at the HBC 

Gallery Berlin,february 2010. 

P R E M I E R E : 

21 Februar 2006 

W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N: 

22.-24. Januar 2010 

im DOCK 11



T A N Z 

The Corner 

eine Perforamnce von Lucida. und Kassandra Production 

Ein Künstler steht in der Ecke. Ist er das Opfer einer gesellschaftlichen Manipulation 

und an ihn gestellte überhöhte Erwartungen oder hat er sich selbst in diese Situation 

hineinmanipuliert? Auf alle Fälle weiß er, dass er sich verändern muss, um aus der Ecke 

wieder herauszukommen. Oder er rückt weiter in die Ecke hinein, um irgendwann 

endgültig zu verschwinden. 

In einer kreativen Verbindung von medialer und installativer Kunst und Performance 

wird das klassische Thema „In der Ecke stehen “ gewollt reduziert inszeniert. 

THE CORNER spielt mit den Erwartungen des Publikums – es wird manipuliert, in 

die Irre geführt und auch mit unerfüllten Erwartungen und daraus resultierender 

Frustration konfrontiert. Inspiriert durch das beliebte Gesellschaftsspiel „Spiel des 

Lebens“ entstand eine Produktion, die mit Humor, Fantasie und einem Schuss 

Gesellschaftskritik den Blickwinkel des Außenseiters thematisiert. 

Die Installation - Performance “THE CORNER” ist das Ergebnis der Zusammenarbeit 

zwischen Sven Kuntu (Estland), Naoko Tanaka (Deutschland, Japan), Annika B. 

Lewis (Dänemark) und Morgan Nardi (Deutschland, Italien), die im Frühjahr 2009 

im tanzhaus nrw, Düsseldorf im Rahmen von „Temps d’Images 2009“ uraufgeführt 

wird. Aufgrund des überraschenden Todes von Sven Kuntu (Estland) im Herbst 

2007 erfolgte die Wiederaufnahme des Projektes mit den Annika B. Lewis und dem 

verstorbenen Künstler gewidmet. 

# Konzept: Morgan Nardi (D/I), Naoko Tanaka (D/J), Sven Kuntu (Est.) 

# Performance: Annika B. Lewis, Morgan Nardi, Naoko Tanaka 

# Komposition: Sven Kuntu 

# Musical assistance: Siim Soop 

# Visual assistance: Wiebke Rompel 

# Lichtdesign: Tobias Heide, Revo Koplus 

# Organisation: Martin Brüggemann 

# Management: Mechtild Tellmann 

# co-produced by tanzhaus nrw, Düsseldorf – Germany/ Kanuti Gildi Saal, Tallinn – Estonia, 

Kulturhus Århus, Århus – Denmark / Centro Coreográfico de Montemor-o-Novo – Portugal / 

Sponsored by Kulturamt Landeshauptstadt Düsseldorf, Kunststiftung NRW, Ministerpräsident 

des Landes Nordrhein-Westfalen, Fonds Darstellende Künste, Stiftung van Meeteren, Düsseldorf 


28. Januar 2010 


29.-31. Janaur 2010 

im DOCK 11




T A N Z 

Water in my solo ein Tanzstück von Caroline Bo 

Als Tänzerin verfügt Caroline Bo über ein ausgeprägtes Körper und 

Gesundheitsbewußtsein und das Trinken von Wasser ist für Sie existenziell und kennt 

dessen Symptome wie Dehydration und Hyponatremia (Über-Hydration). Trozt eines 

großen Respektes gegenüber Lehrern und Traditionen kann sie Trink-Vorgabe bei 

Yoga und anderen Techniken nicht immer akzeptieren. Ihr Solo, soll den Mut zum 

eigenen Trinkryhtmus und eigenen Willen zu geben, ohne den Respekt vor alten 

Traditionen und Kulturen zu verlieren. 

# Choreographie und Tanz: Caroline Bo 

# Musik: Jean-Philippe Barrios 

# Licht: Jean-Bastien Nehr 

# Kostüme: Annajung 

# Produktions-Manager: Elyane Buisson 

# Koproduktion: Ballet National de Marseille 

# gefördert vom Französischem Kulturministerium DRAC Provence Alpes Cote d’Azur 

# Partner: DOCK 11, TanzFabrik, Berlin; Le Merlan Scène Nationale à Marseille; IALS, Rome,; 

Algopix, graphics 

# mit freundlicher Unterstützung des Institut Francais 

# www.carolinebo.org 


11. Februar 2006 


12.-13. Februar 2006 

im DOCK 11


T A N Z 

shu shu ein Stück für drei Tänzer und Video 

Menschen unter Druck. 3 Personen in einem abgeschlossenem Raum- einem Verhörzimmer. 

Keiner kann raus. Wer ist unschuldig? Ist irgendjemand unschuldig? 2 Männer 

und eine Frau. Unter Druck entstehen neue Konstellationen und Beziehungen zueinander. 

Wer bricht als erster zusammen. Vertrauen als die Wichtigste Komponente. 

Wem vertraue ich? Wen verdächtige ich? Werde ich verdächtigt? Kann ich überhaupt 

jemandem trauen? Die Verdächtigen werden selbst zu Ermittelnden. 

Konstante Überwachung. 

Ich werde beobachtet – ich beobachte andere. Die Kamera sieht jeden und keiner kann 

ihr entkommen. Die Figuren testen sich gegenseitig unentwegt. Niemand ist sicher. 

Die Geheimnisse müssen offengelegt werden, damit das Problem – vorgegeben durch 

Raum und Situation (Verhör) – gelöst werden kann. Der Verhörraum als eine Paraphrase 

eines politischen Konfliktraumes (zum Beispiel des Nahen Ostens). 

Eine Erzählung auf multiplen Ebenen, die homogen und gleichberechtigt die Performer, 

vorproduziertes Material und Live- Videoeinspielungen benutzt. Speziell für den Abend 

Komponierte/Kompilierte Musik bildet eine weitere Erzählebene. Die Arbeit basiert auf 

dem Konzept von sichtbaren und unsichtbarem Material. Die Zuschauer sehen alles, 

sowohl die Live-Performance wie auch die Zuspieler und das Live Material der versteckten 

Kameras. Die Performer bekommen nur einen bestimmten Ausschnitt davon 

mit. Die Spannung entsteht aus dem Verhältnis des „omnipotenten“ Zuschauers, der 

scheinbar über alle Informationen verfügt, und der „behinderten“ Sicht der Performer. 

(Eine Situation, die übertragbar ist auf die Verhältnisse in der Realität: Die ganze Welt 

beobachtet einen bestimmten Konflikt und die daran beteiligten Parteien. Können wir 

mehr sehen als die Beteiligten? Sind wir in einer besseren oder schlechteren Position 

um über den Konflikt zu Urteilen?) 

Untersuchung der Beziehungen zwischen Menschen unter enormen Druck der Anklage. 

Das Vertrauen zu hinterfragen auf dem Hintergrund der politischen Realität eines 

brennenden Konflikts. Was kann ich machen? Was haben die anderen gemacht? Wer, 

zum Teufel, hat angefangen? Und was macht es mit dem „privatem“ Menschen – dem 

Performer oder mir selbst? Und wann und wie wird das ganze lustig? Wann kann ich 

endlich lachen? 

# Choreografie: Efrat Stempler 

# Tanz: Brit Rodemund, Anat Vaadia, Alex Sieber 

# Video: Jens Crull 

# Foto: Anja Beyer 

# gefördert durch Mittel des Hauptstadtkulturfonds Berlin. 

W I E D E R A U F N A H M E: 

18.-21. Februar 2010 

im DOCK 11






T A N Z 

Express Fight Club 

(Version III) - I am not my job 

eine Multimedia-Perforamnce von post theater [new york / berlin / tokyo] 

„I am not my job“ – der Roman und Film „Fight Club“ setzt sich mit Arbeit auseinander 

– und wie sie Identität schafft – oder eben nicht. Sind wir mit unseren Jobs 

zufrieden? Oder wovon träumen wir? „Express Fight Club“ zeigt, wie sich in kürzester 

Zeit eine besondere Gruppierung formieren kann. 

„The show corrupts you with it’s formal rigour.“(Jan Brachmann in Berliner Zeitung on 

“Fight Club: A Chorus”) 

performance in english language 

# Konzept / Regie: post theater 

# Tanz / Spiel: 30 Performer – in wechselnder Besetzung (Bekanntgabe bei Vorstellung), sowie 

Alexander Schröder 

# Dramaturgie: Max Schumacher 

# Choreographie: wechselnde Berliner Choreographen (Bekanntgabe bei Vorstellung) 

# Medienkunst: Yoann Trellu, Hiroko Tanahashi 

# Soundart / Musik: Sibin Vassilev 

# Technische Leitung / Lichtdesign: Fabian Bleisch 

# Produktionsleitung: Mario Stumpfe – ARTkrise 

# www.posttheater.com 

# ermöglicht aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds, mit Unterstützung durch die Tanznacht 

Berlin, die Staatsoper Berlin und das National Museum of Singapore 

V O R S T E L L U N G E N: 

22. Februar, 1., 9., 15., 29. März, 5. April 2010 

im DOCK 11



T A N Z 

ich sage, dass es (m)ein russischer abend ist 

(Soloversion) von Anna Melnikova 

Inventur/Räumung von Gabriele Reuter - 2 Solos. 2 Berlin 

Premieren. 

„Pljaska- Tanz ist die Muskelfreude, die das Blut zum Kochen bringt.“ Igor Moiseev. 

Zum ersten Mal zeigen sich die beiden jungen Choreografinnen Anna Melnikova und 

Gabriele Reuter mit Ihren Soloarbeiten in Berlin. Ihre gemeinsame Suche nach der 

Verbindung von Sprache und Bewegung, Ernsthaftigkeit und Humor macht diesen Abend 

zu einem besonderen Treffen. 

In ihrem Solo thematisiert Anna Melnikova ihren eigenen Tanzkörper unter dem 

sozialistischen Regime. Volkstanz als Produkt von Drill und Leidenschaft- pure 

Muskelfreude auf dem klingenden, klagenden russischen Holzboden. Die üppige Fülle 

bestimmt das erste Stück. Die vollkommene Leere ist das Thema des Zweiten. 

Mit dem Abbau der Holzbühne beginnt Gabriele Reuters Inventur des Raumes. In einer 

Art Hindernislauf durch unsichtbare Türen, leere Stellen und viel zu volle Ecken, wird der 

Prozess zum eigentlichen Produkt des endlosen Definierens und Auflistens von Tanz und 

dem Raum für Tanz. 

# Choreographie Text / Video / Performance: Anna Melnikova 

# Sounddesign: Claude Chassevent 

# Musik: Dr. Bajan 

# Bühne: Werner Wallner 

# Kostüm: Friederike Donath, Mariya Yordanova 

# gefördert aus den Mitteln von Berliner Senat- Kulturelle Angelegenheiten- Interkulturelle 

Projektarbeit und Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ 

# Choreographie / Performance: Gabriele Reuter 

# Dramaturgie: Michael Pinchbeck 

# Licht: Wassan Ali 

# Musik: Simon & Garfunkel, Johannes Batesaki 

# unterstützt von Dance4, Tanzfabrik Berlin and Phorms School Berlin # 

www.gabrielereuter.de 


5. März 2010 


6.-7. März 

im DOCK 11


T A N Z 

the featuring body eine Studie Angela Schubot 

Nach Zohar’s Einladung die Abende zu teilen, entschied sich Angela Schubot, nicht an einem 

Stück mit dramaturgischer und repräsentativer Struktur des Körpermaterials zu arbeiten, 

sondern eine Art „featuring body“ für Zohar`s Stück „if only i was a bear“ zu sein, indem sie 

vier kurze Material-Konzepte zeigt, welche sich hiermit beschäftigen: 1. die Kreatur 2. Der 

Mensch 3. Der Tänzer 4. Das soziale Tier. 

# Performance: Angela Schubot 

if only i was a bear ein Stück von Zohar Frank 

Eine Maske aufsetzen und verborgen spielen. Kann man sich wirklich selbst übertreffen? Ein 

gezähmtes Tier, ein Schlachtfeld der Gegensätze, in irgendeiner Weise immer im Verborgenen. 

Die Maske mag eine Verschleierung sein, doch der Körper überliefert unweigerlich das 

Geständnis seiner Erfahrung und Erinnerung. Die Art sich zu verstecken gibt am meisten 

über sich Preis. 

# Performance: Zohar Frank 

# Musik: Mogwai 

# Text: Georges Perec 




12.-13. März 2010 

im DOCK 11




T A N Z 

Misunderstood ein Tanzstück von Kepha Oiro/Kenia 

Ein Solo im Prozeß über Riten und manchmal missverständlichen Traditionen, die das 

Sterben begleiten. Die aktuelle Version wurde gemeinsam mit Stephanie Thiersch 

erarbeitet. Kepha Oiro wird durch das Stipendiatenprogramm des Goethe Instituts und 

des ITI Germany unterstützt. 

# Choreographie / Tanz: Kepha Oiro 

# künstlerische Zusammenarbeit: Stephanie Thiersch 

# Musik: Nairobi Kinderchor, Metal and Bowls, Salala, Saly Oyugi 

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Under green Ground 

von MOUVOIR/Stephanie Thiersch (Kölner Tanztheaterpreis 2005) 

Die Welt als Bild und Vorstellung: Im Medienzeitalter gibt es kein unvermitteltes Ich. 

(Vor-)Bilder bestimmen unsere Identität und unser Denken. Die Vielfalt der möglichen 

Rollen schafft auch eine neue, spezielle Freiheit. Gleichgültig ob Alexandra Naudet als 

Botticellis Venus, als nackte Dame in Monets „Frühstück im Freien“ oder als Porno- 

Queen agiert - ihre phantastische Präsenz und Ausstrahlung verleihen Thierschs 

subversivem Spiel mit der Identität ebensoviel Tiefgang wie Bodenhaftung. Ironisch 

durchbrochen werden die wechselnden Selbstinszenierungen von einer beharrlich 

werkelnden Techniker-Crew. Under green Ground war 2006 auf die tanzplattform 

Deutschland eingeladen und tourte 3 Jahre weltweit. Im DOCK11 ist nun eine 

Neubearbeitung des Stückes zu sehen. 

„Stephanie Thiersch baut Figuren in Zeitlupe auf, lässt die eine aus der anderen 

erwachsen oder demontiert die schöne Fassade, bis nichts bleibt als ein stummer 

Schrei. Die Ikone fällt in sich zusammen - Ecce Homo. Naudet interpretiert diese scharf 

geschnittenen Frauen-Bilder in Nahaufnahme mit Intensität.“ Bettina Trouwborst, 

ballettanz international 

# Konzept / Choreographie: Stephanie Thiersch 

# Tanz / Choreographie: Alexandra Naudet 

# technische Leitung: Ansgar Kluge, Niko Moddenborg 

# Bühnenmeisterin / Tanz: Weronika Pelczynska 

# Lichttechnik: Thomas Grzegorczyk 

# dramaturgische Beratung: Andrea Heller 

# Lichtdesign / Bühne: Ansgar Kluge, Stephanie Thiersch 

# Produktionsleitung: Lieve De Scheerder 

# eine Produktion von MOUVOIR in Koproduktion mit tanzhaus NRW; in Kooperation mit und 

der koelnertanzagentur e.V., gefördert von Ministerium für Städtebau, Sport und Kultur des 

Landes NRW, Kulturamt der Stadt Köln und der SK Stiftung Kultur Köln 

WIEDERAUFNAHME: 

19.-21. März 2010 

im DOCK 11





T A N Z 

Becket Psalms 

eine Performance von und mit Howard Katz 

He wished he could be what he was on the screen / and was not / and was not / and 

was not / Seen / He sat on his cloud / as it plumets to earth / a little beginning / a sad 

and rebirth / I am Yet / I will be Yet / I was Yet / He who walks on the mountain the 

Jolly Green Giant / 1st life / 2nd life / 3rd life game / Game on / game over / game on / 

and then (Howard Katz, Abzählreim, Auszug) 

Der Performer - getrieben durch ein Chaos aus Regieanweisungen von Beckett. 

Ein Performance-Solo zwischen Beckett‘scher transzendentaler Einsamkeit und 

psychotischer Nacht, voll metaphysischer Komik und absurder Disziplin. Howard Katz 

stellt sich der Verunsicherung durch die Texte und Welten des irisch-französischen 

Dichters und Visionärs des Schweigens. 

# Performance / Choreographie: Howard Katz 

# Musik: Ansgar Tappert 

# Inspiration / Zeichnungen: Daniel Wiesenfeld 

# Dramaturgie: Paul Baiersdorf 

# Foto: Daniel Wiesenfeld 



iW E I T E R E V O R S T E L L U N G E N : 


im DOCK 11


T A N Z 

Winterreise a-capella 

ein Konzert von Nino Sandow 

Ein Abend, der frei ist von Lamoryanz, Pathos und Selbstmitleid, bescheiden in seinem 

Frohsinn, eine Entdeckung der politischen Genauigkeit ohne Bitterkeit. 

Eine Interpretation die aus dem vorprogrammierten Traurigsein herausgefällt und ein 

Trotz, eine Ironie, Spaß und Kraft die „Winterreise“ bestimmen lässt. 

# Stimme: Nino Sandow 

# Worte: Wilhelm Müller 

# Musik: Franz Schubert - Lieder ein Abend 

K O N Z E R T : 


im DOCK 11

Foto: Anna Falkenstein

T A N Z 

Brother Brother 

ein Tanzstück von und mit Clint Lutes und Tommy Noonan 

In „Brother Brother“ wird die Natur der Bruderschaft erforscht: als Blutsbande, 

Zufallsliebschaft, Seelenverwandtschaft, lockere Bekanntschaft, Erzfeindschaft und 

erschöpfte Freundschaft. Clint Lutes und Tommy Noonan decken in ihrer neuen 

Produktion feinfühlig unterschiedlichste Facetten der Beziehung zweier Männer auf 

und übersetzen sie auf einer leeren Bühne in verschiedene Formen 

und Bilder. 

Bei der Entwicklung des Stückes spielten Stimm- und Körperimprovisationen eine 

zentrale Rolle: „Wir entwickelten unterschiedliche Gefühlszustände und suchten nach 

entsprechenden Klangmustern, die sie darstellen können. Wir beobachteten, welche 

Geräusche wir produzieren während wir uns 

bewegen und welchen Effekt zum Beispiel Stille in einer bestimmten Situation hat“, 

so die beiden amerikanischen Choreografen, die auch in Gesang und Schauspiel 

ausgebildet sind. 

„Brother Brother“ zeigt im Ergebnis intensives Körpertheater. Lutes und Noonan 

setzen Rhythmus dabei ganz gezielt ein - ihre Körper arbeiten mal synchron, mal 

bewusst asynchron. Ihre Stimmen nutzen sie, um Bewegungen zu vervollständigen 

und umgekehrt. Soundcollagen entstehen – mittels 

Stimme, Körpergeräuschen und Tönen, die sie den Gegenständen um sich herum 

entlocken. Auch das Publikum wird Teil der Soundproduktion. Und alles ist subtil und 

präzise arrangiert. 

Auf diese Weise trägt „Brother Brother“ durch die verschiedensten Gefühlsstadien 

und denkbaren Qualitäten einer „Bruderschaft“: „Im brüderlichen Bund sind sämtliche 

Ebenen der Zweisamkeit enthalten: Vom Freund zum Feind, von der brüderlichen 

Liebe zum gegnerischen Hass oder von gegenseitigem Vertrauen zu spaltender 

Missgunst…Lutes und Noonan haben großartige Bilder gefunden und eindringliche 

Sounds produziert.“ (Nora Abdel Rahman, tanznetz.de) 

„Brother Brother“ ist eine Produktion von pvc-tanz Freiburg Heidelberg (Premiere: 16. 

Oktober 2009, Kammerbühne Theater Freiburg). 

# Choreographie / Performance: Clint Lutes & Tommy Noonan 

# Lichtdesign: Carl Faber 

# PR: Doreen Markert 

# mit Musik von: Edison Woods 

# Bühne und Kostüm: Moritz Müller 

# Produziert von pvc Tanz Freiburg/Heidelberg 

# Weitere Unterstützung von Studio Blixa 6, DOCK 11 Berli 


2.-4. April 2010 

i im DOCK 11

T A N Z 

4.48 

ein Tanzstück von Shang Chi Sun 

4.48 ist vom letzten Stück der britischen Dramatikerin Sarah Kane, „4.48 Psychose“, 

inspiriert. Es interpretiert die Erfahrung des psychischen Zusammenbruch in 

verschiedenen mentalen Zuständen. Die Körpersprache wird in der Manifestation der 

Konzepte auf den Text angewendet: die Angst vor dem seelischen Zusammenbruch, 

medikamentös induziertes Leiden, die Unfähigkeit, Realität von Phantasie zu 

unterscheiden. 

„Noch ein Stück über die Spaltung zwischen Bewusstsein und Körperlichkeit. Für mich 

ist es das, was Wahnsinn ausmacht.“ Sarah Kane. Interview mit Nils Tabert 

# Choreographie: Shang Chi Sun 

# Dramaturgie: Gordon Florenkowsky 

# Bühnenbild: Anita Fuchs 

# Schauspiel: Hanna Binder 

# Tanz: Pavel Povraznik, Alexandre Achour 

# Musik: Biliana Detelinava Voutchkova 

# Gefördert durch: LMF Dance Fund, Hochschule für Schauspiel Ernst Busch und HTZ 

# Foto: Sven Hagolani 

www.shangchi.de 


14. April 2010 



im DOCK 11

T A N Z 

AMMO-NITE GIG Vol. 30 

Butoh Tanz & Musik Improvisation mit Yuio Kaseki und Gästen 

AMMO-NITE GIG ist ein Spielfeld für Experimente und Improvisation von Butoh, Tanz 

und Musik und wird in zeitlichen Abständen kontinuierlich im DOCK 11 präsentiert. 

Dohee Lee ist eine koreanische Tänzerin, Musikerin und Sängerin und lebt in 

Kalifornien. Heini Nukari ist eine finnische Tänzerin / Sängerin und Yuko Kaseki ist eine 

japanische Butoh Tänzerin / Performerin, beide leben seit Jahren in Berlin. 

„Treffen, Schmelzen, Kollision, Selektion, Segmentierung, welche Art der chemischen 

Reaktion wird zwischen den drei mächtigen Multi-Kulti Frauen geschehen?“ 

# Tanz / Gesang / Performance: Heini Nukari, Dohee Lee (koreanischen Percussion-Instrumente) 

und Yuko Kaseki 

# Licht: Martin Capatinta 

# Foto: Aura Nukari, Virginie Nass 

# Eintritt: zwischen 8-15 Euro 




18. April 2010 i 

m DOCK 11

Foto: Subuddha

Foto: Subuddha

Foto: Subuddha

T A N Z 

Performing Arts Pecha Kucha 

präsentiert von Pecha Kucha Berlin und LAFT 

Das Wort “Pecha Kucha” kommt aus dem Japanischen und heißt “wirres Geplapper”. 

Die Idee zu dieser Präsentationsshow kommt aus Tokyo, ist aber in Berlin noch 

beliebter. 

Im Schnelldurchgang zeigen Menschen ihre Ideen oder ihre Arbeit. Kein Vortrag 

dauert länger als 6:40 Minuten, alle 20 Sekunden erscheint ein neues Bild auf 

der Videoleinwand. Langweile kommt nicht auf. Jetzt erstmalig ein Special mit 

KünstlerInnen aus der Berliner Tanz- und Theaterszene. Und erstmalig zu Kaffee und 

Kuchen an einem Samstag Nachmittag. Mit dabei u.a. German Theater Abroad, Gob 

Squad, post theater [new york / berlin / tokyo]. 

In Zusammenarbeit mit dem Dock 11 / EDEN und dem ZTB. Gastkurator: Max 

Schumacher für den Landesverband Freier Theaterschaffender Berlin e.V. 

www.pechakucha.de www.laft-berlin.de 

L E C T U R E : 


im EDEN*****


T A N Z 

Bones 

ein Tanzstück von und mit Sanja Tropp-Frühwald und Jule Flierl 

Die Bühne bietet Raum für die Begegnung zweier Großmütter – eine Begegnung, die 

nie stattgefunden hat - zwischen der Schneiderin aus Kroatien und der Weberin aus 

Berlin. Zweier Lebenswege, die verknüpft sind durch Zugehörigkeit zu der Generation, 

die die großen Umbrüche des 20. Jahrhunderts mit- und überlebt hat: Faschismus, 

Sozialismus und nun das Bröckeln des Kapitalismus. Ihre Erinnerungen erzählen von 

Vergessen und ihre Körper vom Gewicht der Zeit. Die Großmütter schwirren als 

Lichtbilder im Raum und treten in Dialog mit ihren Enkelinnen. Im Innern der Körper 

der 4 Protagonistinnen beginnt das Forschen über Frau-Sein, Erfahrung, Erinnerung, 

Krankheit und Tod. In der künstlerischen Zusammenarbeit von Sanja Tropp-Frühwald 

(VRUM Zagreb) und Jule Flierl (Berlin) werden Tanz und Gesang miteinander vernetzt 

eingesetzt, um tiefe Einblicke in die Wahrnehmung von Körpern zu geben. 

# Koproduktion von Zagreb Dance Center und VRUM performing arts collective 

# Tanz / Choreografie / Konzept: Sanja Tropp-Frühwald, Jule Flierl 

# Video:Goran Škofic‘, Bartek Honik 

# Musik: Damir Šimunovic‘ 

# Kostüm: Katharina Müller 




24.-26. April 2010 

im DOCK 11

T A N Z 

Sunflower Sutra von Venter 

ein Konzert mit Musik aus der Seele der Hoffnung mit Juliana Venter 

und Joseph Suchy 

Mit SUNFLOWER SUTRA präsentiert das Duo Venter / Suchy sein erstes gemeinsames 

Album. Zusammen mit der aus Südafrika stammenden Sängerin Juliana Venter hat der 

in Köln lebende Komponist Joseph Suchy eine Musik geschaffen, die dem Folksong 

eine Dimension der Moderne verleiht. 

Stürmisch und ungezügelt, aber auch unerwartet feinfühlig, geradezu kompromisslos 

sensorisch! 

DOCK 11 NETZWERK / Koproduktion 

Joseph Suchy arbeitete als Künstler über Jahre an der Ausgestaltung neuer 

gegenwartsbezogener Musiken, grenzüberschreitend, zwischen improvisierten und 

komponierten Klanggebilden (Soundtracks / Installationen / Tanztheater), immer im 

Spannungsfeld des musikalischen, künstlerischen Zeitgeschehens. 

Er ist Mitbegründer und Mitarbeiter diverser Labels (Gefriem/Grob.....) und Produzent wichtiger 

maßgeblicher Musiker und Formationen (Franz Hautzinger, Ekkerhart Ehlers, Hugh Davis, etc.), 

immer auf der Suche nach Synenergien künstlerischen Schaffens. Er ist Teil einer weltweiten 

Community fortgeschrittener Innovatoren und Neuerer zeitgenössischer Musik. 

Juliana Venter, geboren in Süd Afrika und aufgewachsen im Land der Appartheit. Sie hat eine 

Klassische Gesangsausbildung und eine unvergleichlich variantenreiche Stimme, sowie eine 

schauspielerische Ausbildung. Ihrem herausragenden Talent wurde schon von frühester Jugend 

große Aufmerksamkeit zuteil. 

Sie war Mitbegründerin des MUD ENSEMBLE, der avantgardistischen Performance Formation 

Südafrikas. Politisch anstößig, laut, rebellisch und systemverachtend galt diese Formation als 

Speerspitze des kulturellen, politischen Kampfes gegen Unterdrückung und Totalitarismus in den 

90er Jahren des letzten Jahrhunderts. Im Jahr 2000 siedelte sie nach London um , wo sie mit 

Musikern, wie BENGE (expanding records), Robert Willcocks (sleeping dogs wakes) Mike Lindsay, 

und ramsay mackay (freedoms children joburh hawk the fumes) arbeitete. 

Juliana Venter und Suchy Joseph bilden beide das Fundament von SUNFLOWER SUTRA, 

einer Musik, die Genregrenzen niederreißt und den Zuhörer in Klanggebilden versinken lässt. 

Gespeist aus den Quellen der Gegenwart, der zeitgenössischen Improvisation, der Neuen Musik 

und der mittlerweile schon klassischen europäischen elektronischen Musik, stößt die Formation 

weit über die Grenzen des Popsongs hinaus. Offene Grenzen sind das Gebot. Melancholie und 

tiefe Inbrunst bis zur ungezügelten Improvisationswut, lässt dem Zuhörer Raum, um in der 

Mannigfaltigkeit der Darbietung zu schwelgen. 

K O N Z E R T : 


im DOCK 11

T A N Z 

andropolaroid 

Performance im leuchtenden Neonröhrenwald 

Eine Begegnung von japanischen und deutschen (Körper-)Sprachen. Dunkelheit ist das 

Tor zum Ton, der Ton der Sonne ist dunkel , der Klang ist die Heimat des Tones und 

der Ton steht auf der Sonne. „Das ist keine Asienesoterik, sondern ein Schriftknoten, 

der in der Begegnung mit anderen Kulturen aufgelöst werden muss. In der extremen 

Verknüpfung zwischen Körper, Licht und Sprach- und Soundcollagen kommt sie nicht 

zur Ruhe, sucht weiter ihren Weg und schießt Polaroids vom geflickten “Ich”. 

“Yui Kawaguchi selbst wird zu einem zeichenhaften Wesen, das mit Farbe, Licht, 

Raum und Ton agiert. Mit eindrucksvoller Präzision bewegt sich Kawaguchi. … So 

anschaulich und pointiert wie hier werden komplexe Prozesse selten dargestellt. Die 

Zusammenarbeit zwischen Yui Kawaguchi und Rosi Ulrich erweist sich auch deshalb 

als besonders fruchtbar, weil die Choreografie nie bei lieb gewonnenen Motiven oder 

schönen Bildern verharrt, sondern sich zu einem delikaten Tanzkunstwerk rundet.“ 

(Kölnische Rundschau 15.5.2010) 

# ACHTUNG: Die Aufführung benutzt Ultraschallwellen 

# Konzept Choreografie Tanz: Yui Kawaguchi 

# Dramaturgie: Rosi Ulrich 

# Visuals: Acci Baba 

# Licht & Technik: Fabian Bleisch 

# Assistenz: Sabine Salzmann 

# Ton: Sibin Vassilev 

# eine Produktion von theater-51grad.com 

# co-Produktion: Festival GLOBALIZE:COLOGNE in Kooperation mit Freihandelszone – 

ensemblenetzwerk köln/ Dock11 Berlin 

www.theater-51grad.com 

DOCK 11 Produktion 


4. Mai 2010 


5.-6. Mai 2010 

im DOCK 11





MS Schrittmacher gründete sich 1998. In dieser Zeitspanne sind neunzehn Produktionen in Berlin 

entstanden, wobei es dem künstlerischen Leiter Martin Stiefermann gelungen ist, der Kompanie 

eine unverwechselbare künstlerische Identität zu geben. 

Von Anfang an verstand sich MS Schrittmacher als ein Pool von freien und festen Choreographen, 

Tänzern, Komponisten, Bühnen- und Kostümbildnern und Lichtdesignern. Die Stücke wurden 

jeweils zwischen zehn und dreißig Mal in Berlin gespielt, 225 Vorstellungen bis Heute. Dazu kamen 

Gastspiele, Einladungen zu Festivals und Koproduktionen mit anderen Theatern, mit weiteren 87 

Vorstellungen. 

Diese Kontinuität in der Arbeit und die Weiterentwicklung von Form und Idee waren und sind 

wichtige Bestandteile der Gruppe. In den vergangenen Jahren erfuhr die Gruppe mit ihren sehr 

unterschiedlichen Stücken stetig wachsende Anerkennung und Begeisterung sowohl bei der Kritik 

als auch beim Publikum. 

“MS Schrittmacher ist heute eine der impulsgebenden Kompanien in Deutschland, deren Stücke seit 

1998 in Berlin im Spannungsfeld zwischen Kunst, Tanz und gesellschaftlichen Realitäten enstehen.” 

Tip August 2008 

Die Kompanie erhielt mehrmals Einzelprojektförderung und vier Jahre (2001-2004) Basisförderung 

vom Senat für Wissenschaft, Forschung und Kultur Berlin, Förderung vom Hauptstadt Kultur Fonds, 

Fonds DAKU, Siemens AG und Kulturamt Prenzlauer Berg. Tourneen wurden unterstützt vom 

Goethe Institut und vom internationalen Performance Netz und führten die Kompanie nach Sibirien, 

Ungarn, Düsseldorf, Herne, Nürnberg, Essen, Ludwigshafen, Freiburg, Potsdam, etc. Zwischen 2001- 

2006 kooperierte die Kompanie mit dem Oldenburgischen Staatstheater. 

T A N Z 

Wahllos reloaded 

ein Tanzstück der MS Schrittmacher über Auswahl, 

Ausgrenzung und Ausschuss 

Das menschliche Miteinander lässt sich als permanentes Auswahlverfahren begreifen: 

Die Entscheidung für eine bestimmte Person ist in der Regel verbunden mit der 

Entscheidung gegen eine andere. Fortlaufend findet sich der Mensch in solchen 

Prozessen wieder, in denen er über jemanden entscheidet, während gleichzeitig andere 

über ihn entscheiden. Die Auswahl erfolgt oft unbewusst, willkürlich – wahllos. 

Zunächst scheint alles in einem dynamischen Gleichgewicht zu sein. Und doch 

– irgendwann behalten bestimmte Menschen die Oberhand, während sich andere 

zunehmend ausgegrenzt sehen. Im Lauf der Zeit manifestiert sich die latente 

Rollenzuweisung vor allem bei den Verlierern, denn während sich ein Sieg sozusagen 

von selbst verarbeitet, wirkt sich eine Niederlage ungleich dramatischer auf das 

Individuum aus. Dies provoziert wie von selbst die Szenen, in denen sich Gewinner 

und Verlierer, Täter und Opfer, mehr und mehr in ihren Rollen bestätigen. Die 

Verstrickungen werden dichter, die Ausbruchversuche schwieriger. 

Auf einem großen Spielfeld bestimmen sieben Tänzer immer wieder neue Regeln. Sie 

schließen ständig wechselnde Bündnisse untereinander und mit den Zuschauern. Doch 

diese bleiben passive Zeugen eines sich unaufhaltsam entwickelnden Geschehens: Wer 

gewinnt, wer verliert und wer bleibt am Ende übrig? 

Wahllos reloaded ist die überarbeitete Fassung des ursprünglichen Stücks und wurde 

von MS Schrittmacher im Herbst 2009 neu auf die Bühne gebracht. 

“Nicht nur, weil die Zuschauer ihnen physisch so nah sind, entfalten die Tänzer eine 

ungemein hohe Präsenz.Ihre zuweilen markigen Posen, ihr vehementer Körpereinsatz, 

die Wendigkeit ihrer Körper und die Derbheit ihrer Körpersprache scheinen direkt 

ins Nervensystem der Zuschauer zu dringen. Nein, entziehen kann man sich der 

Anwesenheit dieser hervorragenden Selbstdarsteller nicht so einfach” Tanzjournal 

“So radikal war Stiefermann noch nie.” Nordwest Radio 

# Choreographie und Ausstattung: Martin Stiefermann 

# Musik: Glenn Branca 

# Licht: Max Wikström 

# Dramaturgie: Diether Schlicker 

# mit: Laura Caldow, Raisa Kröger, Johanna Lemke, Caroline Meyer Picard, Florian Bücking, 

Jon Buckels, Nicky Vanoppen 

# produziert von MS Schrittmacher 

# unterstützt von DOCK11 und DINAMIX 

# Tourmanagement: parallelwerk 

# Foto: Andreas J. Etter 




im DOCK 11

T A N Z 

Matkot ein Tanzstück von Nir de Volff / TOTAL BRUTAL 

Sehnst Du Dich nach Deinem Traum-Strand? Enjoying the sun on your body, the 

sound of the waves going deeper in your Gehirn, connecting with harmony and 

nature? 

Put your self together. Und komm zu uns, komm zum MATKOT-Strand. Nir De Volff 

/ TOTAL BRUTAL garantiert Dir schreiende Babys, kläffende Hunde und hunderte 

von Beachball-Spielern und nackten Körpern, die näher und näher kommen. At our 

strand you get a daily fresh supply of kloake and the extra thrilling sound of tractors 

building another luxury hotel just in walking distance. 

MATKOT, hebräisch für Beach-Ball, erforscht die soziale Komplexität am Strand und 

unser widersprüchliches Verhältnis als Besucher und Nutzer der Natur. MATKOT is 

about the need to relax, the moment when a dream is falling apart and the process 

of collecting bits and pieces struggling to construct a new image. 

# Idee & Konzept: Nir De Volff 

# Von und mit Johanna Chemnitz, Hyoung-Min Kim, Ido Portal und Nir De Volff 

# Künstlerische Beratung: Tatiana Saphir 

# Musik: jayrope 

# Song: „People who need no people“ von Nir De Volff und Claus Erbskorn 

# Bühnenbild: Judith Philipp 

# Kostüm: Pieter Bax 

# Licht: Benjamin Schälike 

# Graphik: Dorit Bialer 

# Fotos: Bernhard Musil 

# Produktion & PR: ehrliche arbeit - Freies Kulturbüro 

# Choreographische Assistenz: Zuhal Toptas 

# Bühnenbildassistenz: Max Johns 

# Kostümassistenz: Veronika Weinhold. 

# Gefördert durch die Kulturverwaltung des Landes Berlin 

# Unterstützt von und produziert im DOCK 11 

# Dank an Hakvutza Jaffo / Tel Aviv Dance Studios 

# www.totalbrutal.net 

„... die Gewöhnlichkeit des Strandlebens wird (...) permanent mit unvermittelten Ausbrüchen 

von Selbst- und Fremdaggression durchbrochen. Der Kontrast aus lieblicher Urlaubsstimmung 

und hochschießender Gewalt ist das Leitmotiv.“ 

Tom Mustroph, Neues Deutschland, 04.12.2009 

„Wie schon in seinen vorherigen Arbeiten, verdreht De Volff die Realität, indem er diesem 

surrealen Tanzstück über Strandkultur eine gesunde Dosis Absurdität und Humor verabreicht. 

(...) Seine Ehrlichkeit und absurde Logik machen De Volff zu einem der originellsten jungen 

Choreographen in Berlin.“ Adam Goldmann, Forward, 08.01.2010 

DOCK 11 Produktion 




22. - 23. Mai 2010 

im DOCK 11







T A N Z 

Ihiii ein Tanzstück von die elektroschuhe 

„Michael Jackson ist tot. Er hat diese Welt und seine Fans verlassen...“ Viele Fragen 

bleiben unbeantwortet: Warum ist er gestorben? Fühlte er sich verlassen? Ist er 

wirklich tot? Trifft Jackson sein Vorbild Jesus nachdem er gestorben ist? Trifft der 

suizidale Fan Michael im Paradies? Entspricht ein Idol wirklich dem Bild, dass wir von 

ihm haben? Die nicht abreissende Berichterstattung über den „King of Pop“ zeigt 

uns wie schwer es ist die Übersicht zu bewahren und in der Beurteilung gerecht zu 

bleiben. Vergötterung und Verdammung liegen dicht beieinander. Und dazwischen 

eingeklemmt ist unsere Gesellschaft und ihr Glaube an das Leben, wie es von den 

Medien präsentiert wird. 

Sehen Sie: Götter in Weiß, Fans tragen Schwarz. Und Michael Jackson braucht einen 

neuen Sturzhelm. 

# von: Ini Dill 

# mit: Elly Fujita, Daniel Drabek, Katja Scholz, Maik Riebort 

# Produktion: die elektroschuhe 

Unterstrom ein Tanzstück von BLONDFLUG 

Kraft und Vitalität aus der Natur // Stress-Killer // Aromatischer Zitronen- Kräuter- Tee 

Zutaten : geheim // Zubereitung: 2 TL, bei einem großen Stressausbruch // Einnahme: 

10min vor außer Kontrolle geraten einnehmen, egal wie! // Wichtiger Hinweis: 

Der Körper spricht als Erstes. Zuhören ist Angebracht. In unserem Leben sind wir von 

der Gesellschaft gezwungen, uns bestimmten Formaten anzupassen. In alltäglichen 

Situationen bis hin zu schwierigen Herausforderungen im Privaten. Stress kann in 

einer Gruppendynamik zu einem Wirbelsturm eskalieren. 

X Personen //X Geschichten // Und ein Ereignis. 

Im Theaterkino UNTERSTROM suchen verschiedene Charaktere nach ihren 

Zusammenhängen. Alle verbindet dieser eine ausschlaggebende Moment. Wir öffnen 

das Puppenhaus und sehen in jeden Raum. 

# Konzept: Olivia Court Mesa, Johanna Lemke 

# Darsteller: Wolfgang Häntsch, Tatjana Nekrasov, Olivia Court Mesa, Johanna Lemke 

# DJ X 





im DOCK 11

Fotos: Kirsten Seeligmüller (Iphone)


T A N Z 

andropolaroid 

eine Performance im leuchtenden Neonröhren 

Eine Begegnung von japanischen und deutschen (Körper-)Sprachen. Dunkelheit 闇 

ist das Tor zum Ton, der Ton der Sonne ist dunkel 暗 , der Klang 響 ist die Heimat des 

Tones und der Ton 音 steht auf der Sonne. „Das ist keine Asienesoterik, sondern ein 

Schriftknoten, der in der Begegnung mit anderen Kulturen aufgelöst werden muss. 

In der extremen Verknüpfung zwischen Körper, Licht und Sprach- und Soundcollagen 

kommt sie nicht zur Ruhe, sucht weiter ihren Weg und schießt Polaroids vom 

geflickten “Ich”. 

“Yui Kawaguchi selbst wird zu einem zeichenhaften Wesen, das mit Farbe, Licht, 

Raum und Ton agiert. Mit eindrucksvoller Präzision bewegt sich Kawaguchi. … So 

anschaulich und pointiert wie hier werden komplexe Prozesse selten dargestellt. Die 

Zusammenarbeit zwischen Yui Kawaguchi und Rosi Ulrich erweist sich auch deshalb 

als besonders fruchtbar, weil die Choreografie nie bei lieb gewonnenen Motiven oder 

schönen Bildern verharrt, sondern sich zu einem delikaten Tanzkunstwerk rundet.“ 

Kölnische Rundschau 15.5.2010) 

# ACHTUNG: Die Aufführung benutzt Ultraschallwellen 

# Konzept Choreografie Tanz: Yui Kawaguchi 


# Visuals: Acci Baba 




# eine Produktion von theater-51grad.com 

# co-Produktion: Festival GLOBALIZE:COLOGNE in Kooperation mit Freihandelszone – 

ensemblenetzwerk köln/ Dock11 Berlin 

# Foto: Julia-von-Vietinghoff, Barbara Dietl 

# www.theater-51grad.com 


10.-13. Juni 2010 

im DOCK 11


T A N Z 

on we go 

eine Performance von goEX!T 

Gehen ist so selbstverständlich wie Atmen. Jeder Schritt bringt uns weiter weg oder 

näher ran, ist Statement und der Anfang eines Rhythmus. Mit welchem Tempo 

durchmessen wir unsere Lebensräume? Was erzählt der Schritt über den, der ihn 

geht? 

Ein Blick auf den Gang verschafft tiefere Einsichten in die Gedanken-Gänge und 

Lebens-Wege. on we go stellt das Denken vom Kopf auf die Füße. Schritt für Schritt 

machen sich Performer und Publikum auf den Weg, das eigene Gehen und Auftreten 

besser kennenzulernen. Gehen ist auch Denken. on we go ist Benjamin, Handke und 

Solnit und Denkraum für Eigenes. Alles beginnt mit dem Auftritt. 

„Muskeln spannen sich an. Ein Fuß löst sich vom Boden. Das eine Bein hält, einer 

Säule gleich, den Körper aufrecht zwischen Himmel und Erde. Das andere wird 

vorgeschwungen. Das Gleichgewicht verlagert sich. Die Ferse berührt den Boden, 

dann die Zehen. Ein Schritt, der den Bogen vollendet. Die Ferse hebt sich, das 

Gleichgewicht verlagert sich. Und das andere Bein wird vorgeschwungen. Gehen, 

mit einem Wort. … Dieses Gehen, es gerät so leicht hinein in Religion, Philosophie, 

Landschaft, Anthropologie, Anatomie, Allegorie, Liebeswerbung und Herzeleid.“ - 

Rebecca Solnit 

# Idee: Elke Schmid 

# Konzept / Performance: Elke Schmid, Thomas Schütt 

# Technische Leitung: Jochen Massar 

# eine goEX!T-Produktion von EX!T Ausgangspunkt Theater, Berlin 


3. Juni 2010 



im DOCK 11




John Barret, Irish-born newcomer to Berlin. Studied under Kazuo Ohno for four years, subsequently 

working with poets such as Rene Schmalz, and video artists for site specific installations : Crystal Spirit 

with Ko Nakajima, at Videoforemes Clermont Ferrand, Deniz with Cem Yardimci at VideoDanse 

Centre Pompidou Paris, Ahead the Rain with Julia Pascali at Canto Guardian Pirenoploslis. Numerous 

collaborative works with choreographers and dancers, notably Yvonne Tenenbaum and Gencho Morita. 

First collaboration with Yuko Kaseki at the EXIT Festival in Schloss Brollin. Currently setting a series of 

poems, lyrics and texts to music and sound 

Margarete Huber lebt als Sängerin und Komponistin in Berlin. Ihre sängerischen Engagements reichen 

von Barockopern bis zu Neuer Musik, Uraufführungen (zuletzt 2009 Lieder von Charlotte Schlesinger) 

und Freier Improvisation. Für ihren Gesang wurde sie mehrfach bei internationalen Wettbewerben für 

Neue Musik mit Preisen ausgezeichnet. Als Komponistin schrieb sie bisher über 30 Werke vom Solo 

bis zum Orchesterwerk, darunter das abendfüllende Musiktheater,„springteufel“ nach einem Text von 

Kathrin Röggla, das von der Presse als „virtuos“ und als „klangliches Feuerwerk“ bezeichnet wurde. 

T A N Z 

AMMO-NITE-GIG Vol. 31 & 32 

butoh Tanz und Musik Improvisation mit Yuko Kaseki 

AMMO-NITE GIG ist ein Spielfeld für Experimente und Improvisation von Butoh, Tanz 

und Musik und wird in zeitlichen Abständen kontinuierlich im DOCK 11 präsentiert. 

Yuko Kaseki wird mit internationalen Peformer und / oder Musiker, Künstler 

improvisieren, den Raum verändern, Zeit verwechseln, Realität ta(ä)uschen. 

Vol. 31 - 12. Juni, 20:30h 

Yuko Kaseki (Tanz), John Barret (Piano) 

Vol. 32 - 13. Juni, 20:30h 

Yuko Kaseki (tanz), Margarete Huber (soprano), Charlotte McGowan-Griffin(Visual 

Art), Licht: Martin Capatinta 

Yuko Kaseki lives and works as a freelance dancer, choreographer and teacher in Berlin since 

1995. Yuko Kaseki and Marc Ates founded the dance company cokaseki in 1995 and have been 

involved in various projects with musicians and visual artist. Solos and ensemble performances 

are performed throughout Europe, Japan, Canada, Mexico and the USA.These works are based 

on Butoh dance, western contemporary dance and performance technique to create concise and 

precise dreamlike dance theater. 

Yuko Kaseki performs and organizes improvisation series “AMMO-NITE GIG” with international 

performers and musicians since 2004. Numerous Collaboration with inkBoat (SF) since 2001, 

CAVE (NY), FLOOR OF SKY Project (SF), Theater Thikwa (Berlin) and others., www.cokaseki.com, 

www.youtube.com/cokaseki 

Charlotte McGowan-Griffin London-born artist creates large-scale sculptural installations from 

paper and light. Combining monotone cut paper silhouettes with a delicate sub-layer of illumination, 

projection and shadow, she increasingly seeks unusual temporary contexts for her work and possibilities 

for interdisciplinary collaboration, in order to reveal something about the creative process itself. Recent 

site-specific works have been created/hosted in venues in Japan, Iceland, Berlin, Paris and Zürich, and this 

autumn she will create a major new installation work for an exhibition at the Hamburger Kunsthalle. 

http://www.mcgowan-griffin.net 

P R E M I E R E Vol 31: 


P R E M I E R E Vol 32: 


im DOCK 11

vol. 31 // Foto: Yana Kraeva



Catherine Jodoin 

1977 in Montreal (Kanada) geboren, schließt dort auch ihr Tanzstudium (LADMMI) ab und arbeitete 

danach u.a. mit José Navas und Dominique Porte. Sie zog nach Berlin und hat dort seit 1999 über den 

Produktionen Hautnah, Deluxe Joy Pilot, Gender Observation, Secret Service, Ring, Love Zoo, Mush 

Room, Messiah Game und Placebo mit Felix Ruckert zusammengearbeitet. Darüber hinaus entwickelt 

sie seit 2004 auch ihre eigene Solo Arbeit (Raum zu mieten/Montreal-Berlin, Edle Stille/Berlin, Meat 

Market/Torino und Shoot me/Berlin). Seit 2005 arbeitet Jodoin zudem mit Arthur Kuggeleyn (Masters 

of Complications, Heiz Körper, After Effects) zusammen. Sie hat mit mehreren Choregraphen in Europa 

zusammengearbeitet, sowie Tino Sehgal, Veronika Riz, A.Rudelbach / A.Effroy und Helge Letonja. Parallel 

ist sie Praktikerin der Grinberg Methode - Stufe 1 - und unterrichtet in Berlin Tanz für Profis und Yoga. 

“TIGHT” ist das erste Stück dass Laura und Catherine zusammen kreieren. 

Laura Frigato 

After obtaining a diploma from the Professional Dance School of Milan, she began her professional 

career, performing with Susanna Beltrami and Enzo Procopio. She decided to move to Paris in 1991 where 

she was engaged by the Blanca Li’ Company and Jean Marc Matos. Since 1996, the encounter with the 

german choreographer Felix Ruckert led her life in between Berlin and Paris, participating to almost all of 

Felix’s projects. 

In France, Laura has worked with Haïm Adri and Luigia Riva and in Berlin, with Isabelle Schad and Bruno 

Pocheron. From 1998 till 2001, she was engaged by Compagnie Maguy Marin in Lyon. Beside the 

intensive work as a dancer, she also pursued a deep pedagogical work with children and beginners. 

It’s in 2003 that she started her personal work during the creation of Napoli11 collective, a group of 

international artists. In 2005 she created « Upsidedown », an event for the opening of the Museo 

Faravelli in Italy. In 2008, after a nine months trip by jeep from France to Nepal through eleven countries 

with Léonard Rainis, she created together with him the film-performance « Projet 2L ». She also worked 

as an assistant with Luigia Riva for the piece « Innocenti « , a dance piece commitioned by the Ballet 

National de Lorraine. 

Since 2008, she works with the Association WOO in Lyon. She also joined the collectif Le pôle in Lorient 

for performances and pedagogical actions. In 2009, she has been invited as co-coreographer from the 

Opera of Tirana (Albany) for a new version of « The General of the Dead Army ». 

In the automn 2008 Laura obtained the diploma as Dance Professeur from CND (Paris) and started a 

pedagogical work with the University of Arts and Letters in Lyon. 

T A N Z 

TIGHT 

Durch die Beobachtung der Welt um uns herum, bemerken wir eine natürliche 

Tendenz zu “halten”, unsere Referenzen einzufrieren, um uns nicht zu verlieren. Wir 

halten fest was wir kennen. So ist unserer Alltag, durch eine Menge von Versuchen 

gebildet, die darauf zielen, uns durch wiederholende Handlungen und Rituale zu 

beruhigen. Setzt man fort, Tag für Tag, sich zu entdecken oder macht man sich eher 

in der Identifizierung unserer Gewohnheiten, unsere Routinen vor? 

Ein Duett; zwei Tänzerinnen, mit einem Jahrzehnt gemeinsamer Erfahrung als 

Performerinnen, bauen eine Welt, die um ihre Körper, ihre Herzen und ihre Stimmen 

herumwirbelt. Mit einem Schwung ohne Grenzstein erfüllt, werden sie den Raum 

mit Kraft und Ironie überschwemmen, werden Sie verführen und schockieren. Sie 

werden Sie halten. Sie werden Sie nicht « fallen » lassen. 

# Choreographie: Laura Frigato und Catherine Jodoin 

# Tanz: Laura Frigato und Catherine Jodoin 

# Musik: Matthieu Burner 

# Licht: Asier Solana 

# Bühne / Kostüme: Laura Frigato und Catherine Jodoin 





im DOCK 11




T A N Z 

On Air 

ein Tanzstück von Nir de Volff / TOTAL BRUTAL 

Analog zu dem TV-Format „Big Brother“ bringt die Tanzperformance „ON AIR“ 

Performer zusammen, die sich zuvor nicht kannten und unterschiedlicher nicht sein 

könnten: israelische Tänzer / Akrobaten und Ladyboys aus Bangkok. Der individuelle 

soziale und kulturelle Hintergrund aller Performer, sowie ihre unterschiedlichen 

Lebensrealitäten fliessen als Material mit in die Performance ein. Die aktuelle politische 

Situation in Thailand und Israel wurde mit den Beteiligten während der Probe 

diskutiert und spiegelt sich in den Charakteren der Aufführung wider. Genauso wie 

im Big-Brother-Haus werden Klischees als ‚Cultural Clash‘ absurd in Szene gesetzt. 

Und selbstverständlich wählen die Zuschauer am Ende des Abends ihren Gewinner. 

Natürlich nicht ohne ironische Brechung, denn Nir De Volff ist nicht nur bekannt für 

seine Provokationskunst, sondern auch für seinen offensiven Humor. 


# Konzept & Choreografie: Nir De Volff. 

# Von und mit: Elik Niv, Amata Piyavanich, Ido Portal, Rajanikara Kaewdee, Lerwith Sangsith, 

Theerawat Thongmitr und Jitti Chompee. 

# Bühne: Christopher Platz und Nir De Volff 

# Kostüme: Bon und Nir De Volff 

# Musik: Suriya Phuengthongthai. 

# Lichtdesign & Technische Leitung: Felix Grimm. 

# Foto: Kittiwat Sitti. 

# Produktion Thailand / Regieassistenz: Jitti Chompee. 

# Pressearbeit: AUGUSTINPR. 

# Produktion Berlin & Öffentlichkeitsarbeit: ehrliche arbeit – Freies Kulturbüro. 

Der Tape Club & Gallery, in unmittelbarer Nähe zum Hauptbahnhof, vereint in einem innovativen 

Konzept zeitgenössische Kunst und Club-Kultur. Das künstlerische Profil soll um die Sparte der 

Performancekunst erweitert werden. „ON AIR“ ist eine der ersten Veranstaltungen innerhalb 

dieser neuen Sparte. 

Eine Nir De Volff / TOTAL BRUTAL Produktionin Kooperation mit Tape Club & Gallery, 

Goethe-Institut Bangkok und Patravadi Theatre Bangkok. Gefördert aus Mitteln des 

Hauptstadtkulturfonds. Unterstützt durch Dock 11 Berlin. 





im DOCK 11

T A N Z 

fliegende Seele ein Tanzstück von Yui Kawaguchi 

und Toshiko Oka, mit der Pianistin Aki Takase 

Die drei japanische Künstlerinnen Toshiko Oka (Tanz), Yui Kawaguchi (Tanz) und Aki 

Takase (Klavier) widmen diesen Abend, dem dem Roman „(fl iegende Seele)“ von 

der japanischer Schriftstellerin Yoko Tawada. Sie nehmen ein Kapital der Geschichte 

(Rauch-Blume) als Thema auf und drücken durch tänzerische und musikalische 

Improvisationen die Vergänglichkeit des Rauchs und der Blume aus. 

# Tanz: Yui Kawaguchi, Toshiko Oka 

# Piano Aki Takase 

# Licht: Fabian Bleisch 



im DOCK 11


T A N Z 

Icon 

eine Tanzperformances von Walter Bickmann 

icon” thematisiert Aspekte von Identität, Souveränität, Intimität und Öffentlichkeit 

im Kontext menschlicher Interaktion und Verständigung. Wie beeinflussen 

digitale Medien und ihre Tendenz zu Abstraktion und Rationalisierung unsere 

Kommunikationsprozesse? Welche Effekte hat der Verlust physischer Präsenz bei der 

Erschließung neuer Handlungs- und Erlebnisräume im Netz? 

Der Choreograph und Videokünstler Walter Bickmann realisiert in seinen Projekten 

eine komplexe Struktur von Bild-, Klang- und Bewegungsebenen. Filmprojektionen 

werden dabei integraler Bestandteil der Live Performance und ermöglichen eine 

zusätzliche, virtuelle Ausdrucksdimension die reale Grenzen überschreitet und 

unerwartete Blickwinkel mit atmosphärischer Dichte erzeugt. 

# Konzept: Walter Bickmann, Doris Kolde 

# Choreographie/ Inszenierung: Walter Bickmann 

# Tanz / Kreation: Lydia Klement, Stella Zannou, Erol Alexandrov, Andy Zondag 

# Choreographische Assistenz: Lydia Klement 

# Video: Walter Bickmann, Doris Kolde 

# Lichtdesign: Asier Solana Arce 

# www.walterbickmann.de 

# Gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds und das Bezirksamt Pankow von Berlin/ Amt für 

Kultur und Bildung. Produziert im und unterstützt von DOCK 11 Berlin 





im DOCK 11




T A N Z 

The Second Time in Between 

a nonsense urban drama von Periferic / Martha Hincapié Charry 

Durch Globalisierung und Migration prallen Sprachen, Kulturen, Werte- und 

Lebenssysteme, Armut und Reichtum aufeinander. Die üblichen Definitionen von 

normalem und adäquatem Verhalten funktionieren nicht mehr und lassen die Welt 

als absurdes Kaleidoskop erscheinen. In „The Second Time In Between“ finden sich 

die Protagonisten in einer Parallelwelt voll seltsamer Antagonisten wieder. Um die 

absurden Begegnungen heil zu überstehen, sind sie beständig herausgefordert, sich 

zu behaupten, sich selbst zu definieren und ihren Platz in der verdrehten Logik dieser 

Welt zu finden. Tanz, Multimediainstallationen und Performance kreieren in diesem 

Stück einen Zerrspiegel urbaner Lebenswirklichkeit. 

# Konzept / Choreographie: Martha Hincapié Charry 

# Kreation / Tanz: Jenny Angulo, Vincent Bozek 

# Musik: Anton Berman 

# Video: Leo Carreño 

# Dramaturgie: Jan Viethen 

# Produktion: Periferic 

# gefördert von Senatskanzlei Berlin - Kulturelle Angelegenheiten 

# produziert im und unterstützt von DOCK 11 EDEN***** Berlin 

weiterer Auftritt am 22.7. beim Kaltstart-Festival in Hamburg im Haus 73 Schulterblatt 73 

Hamburg. www.kaltstart-hamburg.de 

Martha Hincapié Charry studierte Tanz in ihrer Heimat Kolumbien, in Argentinien und Kuba, 

später Tanzstudium, Aufbaustudium Solotanz und Multimedia an der Folkwanghochschule 

Essen, unter der Leitung von Pina Bausch. Tanzte am Wuppertaler Tanztheater, Stadttheater 

Münster, Bochumer Schauspielhaus, am Theater Aachen, sowie für diverse freie Produktionen. 

Wurde mit ihren eigenen Stücken auf Festivals nach Paris, Zagreb, Rom, Bogotá, Medellín, 

Cali , Bucaramanga, Aachen,Erlangen, Essen, Wuppertal und Berlin eingeladen. Gewinnerin 

verschiedener Preise und Stipendien. Ihre letzte Coreographie „Autorretrato con Máscara 

– Selfportrait with Mask” wurde mit dem Publikumspreis beim Festival 100° Berlin 2009 

ausgezeichnet und auf zahlreichen Theatern und Festivals in Kolumbien und Deutschland 

aufgeführt. “Autorretrato” wurde als bestes Stück der Saison 2009 des Theaters R101 

in Bogota ausgewählt und erhielt eine “honorable mention” beim Videoftanzestival 

“imagenenmovimiento”. Martha Hincapié Charry lebt und arbeitet zwischen Deutschland und 

Kolumbien. PERICERIC ist ein kolumbianisch-deutsches Projekt, dass Künstler unterschiedlicher 

Sparten zusammenbringt. Periferic wurde gegründet von Martha Hincapié Charry und dem 

Schauspieler und Dramaturgen Jan Viethen. 


7. Juli 2010 


8.-10. Juli 2010 

im DOCK 11



Hyoung-Min Kim, geb. 1980 in Seoul, Kora, studierte 1998-2002 Tanz an der Korea National University 

of Arts, school of Dance und war 2002-2003 Gaststudentin am EDDC (NL). Sie tanzte u.a. mit Constanza 

Macras/Dorky Park und Toula Limnaios, Berlin. 

Seit 2002 choreographiert sie eigene Stücke, gezeigt u. a. auf der Tanzmesse Düsseldorf “D.M.Z”, am 

Theater Wintertour “Hipocampus”, in Seoul und in Berlin. 2008 entstand “Hello” (Melkweg, Amsterdam, 

Peak Nam Jun Art Cener Opening, Korea) und “Call back”, das beim Spring Wave Festival in Seoul und in 

den Sophiensaelen bei den Tanztagen aufgeführt wurde. 2009 choreographierte sie zusammen mit Lena 

Meierkord “(making of)District“, gezeigt während der Tanztage in den Sophiensaelen sowie beim Seoul 

Internation Dance Festival, in Bremen und in Mainz. 

Beim 10. Solo Tanz Theater Festival in Stuttgart erhielt sie ein Auszeichnung für “The Room. 

Sie unterrichtet an verschiedenen Universitäten in Korea Improvisation, zeitgenössischen Tanz und 

Komposition. 

Thomas Zeuggin, geb. 1974 in Basel (CH), studierte an der Ecole Internationale de Theatre Jacques Lecoq 

in Paris und am Centre National de Danse in Paris. Er arbeitet als Schauspieler, Clown und Tänzer u.a am 

Theater Basel mit Sabine Harbeke, im Tessin mit Tiziana Arnaboldi, in Paris mit Jos Houben, in Prag mit 

„Farm in the Cave“.f 

Eigene Projekte u. a. in Australian „No one but me“ (National Choreographic Center) ,in England „Drip“ 

(Best Physical Theatre Award, Fringe Festival Edinburgh)“ in Deutschland, „I should not have looked back“ 

(Finale „Bestes Tanzsolo“ Euroscene Leipzig“). 

Seit 2002 unterrichtet er regelmäßig in der internationalen Theaterschule von Philippe Gaulier in Paris. 

Alessio Castellacci (Rom, 1975) studierte Psychologie an der Universita’ La Sapienza (Ita) sowie Tanz an 

der EDDC/Arnhem Dance Academy (Nl). Er arbeitete unter anderem für Maddai (Ita), Canvas Performing 

Arts (Nl), Noema Dance Works (Nl/Ciprus), ‘St Company (Hu), Gabriella Maiorino (Ita/Nl), Mati Elias (Nl), 

TheDamCompany (Nl, SA), Morgan Nardi (D), H.M.Kim (Kor/D), Dani Brown (Usa/D) & Marta Navaridas (Sp/ 

Aus)und ist eins der Gründungsmitglieder des Tanz-Künstler-Netzwerks „Findersix“. 

Als Sänger betreibt er Studien über die Stimme als Instrument des ganz persönlichen Ausdrucks, über die 

Beziehung zwischen Bewegung und Stimme und über Obertontechniken. Er ist als Lehrer, Performer und 

Klangkomponist in ganz Europa tätig. 

Benjamin Schälike arbeitet seit 1991 als freischaffender Lichtdesigner für Theater, Tanz und Performance, 

u. a. für : 2 FISH; Gesine Danckwart ; Modjgan Hashemian ; Hanna Hegenscheid; Hans-Werner Kroesinger 

; Adam Lindner ; Felix Marchand ; Anja Müller ; Irina Müller ; Helge Musial ; Hyoung-Min Kim ; Juli Reinartz 

; White Horse ; Nir de Wolf ; Peter Zadek. 

Er ist Mitbegründer und technischer Leiter der Tanztage Berlin. In dieser oder ähnlicher Funktion hat er für 

weitere Festivals (Expo 2000, Mobile Akademie, Ruhrfestspiele Recklinghausen, Tanz im August, Impulse 

Tanz Wien, Tanznacht, Love Parade, Tanzfestival Luxemburg) gearbeitet. Zusammen mit Inge Koks hat er 

2007 die Tanztage Berlin programmiert und künstlerisch geleitet. 2006 („Wir steigern uns ...“) und 2007 

(„Das schwierige ist ja, das es viel einfacher ist ...) hat er eigene Inszenierungen in den Sophiensaelen 

gezeigt. 

Seit 2007 gibt er Seminare als Gastdozent für Lichtdesign an der Kunstakademie Düsseldorf ; 

Ernst Busch Schule für Choreografie ; HZT Berlin und EDU.CON Berlin. 

T A N Z 

GUEST 

ein Tanzstück von und mit Hyoung-Min Kim und Tommi Zeuggin 

GUEST handelt von der menschlichen Grausamkeit, Orte und Gesellschaftsmodelle 

mit Gewalt zu verteidigen und geht der Frage nach, wie der Mensch auf Bedrohungen 

reagiert und wann sich Verzweiflung und Verlangen nach Sicherheit in Brutalität 

verwandeln. Es ist eine Meditation über unsere Angst um unser Leben und 

unseren Besitz sowie über die Suche nach sicheren Orten und einem guten Leben. 

Der Überlebenskampf mit all seiner Widersprüchlichkeit, Zerbrechlichkeit und 

Grausamkeit spiegelt sich in Geschichten aus Nordkorea, Afghanistan, Nigeria und den 

Flüchtlingsheimen in Berlin. Aber es geht nicht um die Anderen, es geht um uns - um 

die Sorge aller Menschen, die ein besseres Leben suchen. 

# Tanz / Regie: Hyoung-Min Kim und Tommi Zeuggin 

# Musik: Alessio Castellacci 

# Licht: Benjamin Schälike 

# Ausstattung: Anja Steglich 

# Dramaturgie / Presse / Produktionsleitung: Katja Timmerberg 

# Gefördert durch den Regierenden Bürgermeister von Berlin – Senatskanzlei – Kulturelle 

Angelegenheiten 

# unterstützt von DOCK 11 und Tanzfabrik 


16. Juli 2010 


17.-18. sowie 20.-24. Juli 2010 

im DOCK 11 

DOCK 11 Produktion






T A N Z 

Mohammad Reza Mortazavi 

GREEN HANDS ein Solo-Konzert 

„die schnellsten Hände der Welt“ (zdf-aspekte) 

Nach dem ausverkauften Konzert Anfang des Jahres bietet sich an zwei Abenden 

nun erneut die Gelegenheit die Kunst der „schnellsten Hände der Welt“, wie das zdfaspekte 

Mohammad Reza Mortazavis Spielvirtuosität bezeichnete, zu erleben. 

Der im Iran geborene und in Berlin lebende Musiker überrascht immer wieder mit 

neuen Kompositionen für Tombak und Daf, in denen er sich mit westlichen und 

zeitgenössischen Musikstilen auseinandersetzt. Er entlockt diesen ursprünglich 

traditionellen Iranischen Trommeln ein vielschichtiges Klangspektrum, das in seiner 

Dichte und Komplexität über die Grenzen musikalischer Genres geht. Die aktuelle CD 

GREEN HANDS zeugt von diesem spielerischen Können und der musikalischen Freiheit, 

die seinen einzigartigen Stil prägt. 

Credits: Mohammad Reza Mortazavi 

Mohammad Reza Mortazavi (geb.1978 in Isfahan/Iran) begann mit sechs Jahren Tombak-Unterricht zu nehmen. Mit 10 Jahren 

– wie alle darauf folgenden Jahre auch – gewann er erstmals den im Iran jährlich stattfindenden Tombak-Wettbewerb. Bereits 

mit 20 Jahren galt er als der beste Tombak-Spieler der Welt. Mit 22 Jahren reiste Mohammad Reza Mortazavi 

das erste Mal nach Deutschland und trat mit durchschlagendem Erfolg in München auf. Er 

veröffentlichte daraufhin mehrere CDs und wurde auf verschiedenen Konzerten in Europa 

eingeladen, wo er Begeisterungsstürme auslöste. 2003 gewann er – als einer von über 600 

Kandidaten – den Nachwuchspreis der Weltmusik RUTH. www.moreno.de 


29 und 30. Juni 2010 

im DOCK 11

T A N Z 

MIDBAR 

Wer in die Wüste geht und wiederkehrt, ist nicht mehr derselbe. 

Arabisches Sprichwort 

MIDBAR ist das hebräische Wort für Wüste, das Meer aus MATKOT ist plötzlich 

verschwunden – unvermittelt, gleich einem harten Filmschnitt, setzt MIDBAR ein: 

zwei Israelische Männer, auf der Flucht in einem Auto, stecken in der Wüste fest. In 

diesem naturgewaltigen, politisch und sozial aber nicht definierten Ort wird aus einem 

anfänglichen absurd-humoresken verbalen Schlagabtausch ein Kampf um die bloße 

physische Existenz. Jede körperliche Kommunikation und Interaktion ist hart, agonal und 

auf den Überlebenskampf ausgerichtet. Die zwei Männer werden durch die extremen 

Verhältnisse der Wüste, dem Ausgeliefertsein in der gleißenden Sonne und dem Entzug 

von Wasser in einen Ausnahmezustand versetzt. Die Suche nach Wasser wird zu einer 

Obsession. And when the body is dehydrated a Fata Morgana appears on the horizon. 

Diese Fata Morganen sind nicht einfach nur Halluzinationen, sondern der Inbegriff aller 

Utopien und Sehnsüchte dieser Personen, die sich in ihr konkretisieren: Zunehmend 

kann nicht mehr unterschieden werden, ob die zwei Männer immer noch in der Wüste 

sind, oder vielleicht in Las Vegas, oder vielleicht doch ganz wo anders? Die surreale 

Überlagerung der Bilder und Orte, die Unmöglichkeit die Wüste noch als Wüste und damit 

als existentielle Bedrohung zu erkennen, lässt die Hoffnung zu, das am Ende die Flucht der 

Männer vielleicht doch gelungen ist – oder gelingen könnte. 

# Konzept & Choreographie: Nir De Volff 

# Von & Mit: Elik Niv, Tatiana Saphir, Jan Sebastian Suba & Nir De Volff 

# Musik: Claus Erbskorn 

# Bühnebild: Judith Philipp 

# Kostüme: Pieter Bax 

# Produktion & Öffentlichkeitsarbeit: ehrliche arbeit – Freies Kulturbüro. 

# Eine Produktion von Nir De Volff / TOTAL BRUTAL. Gefördert durch die 

Kulturverwaltung des Landes Berlin. 

# unterstützt von und produziert im DOCK 11 & EDEN***** Berlin 


6. August 2010 

W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N 

7. sowie 11. bis 15. August 2010, 

jeweils 20.30 Uh im DOCK 11








T A N Z 

andropolaroid 

eine Tanzperformane im leuchtenden Neonröhrenwald 

Im Spannungsfeld zwischen Tradition und Moderne, zwischen deutschen und 

japanischen Codes, zwischen den (Körper-)SprachendesTheaters und des Tanzes, 

zwischen Funktion und Emotionsucht Yui Kawaguchi ihre eigene ideale Gestalt zu 

kreieren. In einem Neonröhrenwald auf der Bühne verknüpfen sich Sprachfetzen mit 

Bewegung und Soundcollagen mit einer komplexen Lichtinstallation zu einer Matrix, in 

der die Tänzerin nie zur Ruhe kommt, immer weiter ihren Weg sucht und Polaroids von 

ihrem geflickten Ich schießt. 

# nominiert zum Kölner Tanzpreis 2010 

# Konzept / Choreographie / Tanz: Yui Kawaguchi 





# Foto: Barbara Dietl 

# www.theater-51grad.com 

Lounge im Neon-Wald 

die Lounge zur Performance! 

Mitten im Neonröhrenwald, dem Bühnenbild von andropolaroid, lässt es sich auf Kissen 

liegen und unter der pulsierenden Sound-Licht-Installation kühle Getränke genießen und 

japanische Snacks knabbern. Anregend-entspannend, aufregend, erregend, verwirrend 

und irritierend! 

# eine Installation von Yui Kawaguchi, Sibin Vassilev und Fabian Bleisch 




19.-21. August 2010, 

im DOCK 11

T A N Z 

3SOME –Special Show 3 Jahre 

eine Performance von Nir de Volff, Knut Berger und Sahara Abu Gosh 

Der Mikro- und Makrokosmos von Scham und Schande. Adam und Eva tauschten ihr naives Glück 

gegen Erkenntnis. Nur wer unwissend ist, ist wirklich frei von Scham. Im ersten Teil trifft der Israeli 

Nir de Volff auf den Deutsche Knut Berger, im zweiten Teil trifft der Israeli auf die Palästinenserin 

Sahara Abu Gosh. Was sind die Unterschiede von nationaler und privater Scham? Was ist schlimmer, 

Israeli zu sein, oder Deutscher? Wo sind die geistigen und wo die körperlichen Grenzen im 

Kontakt zwischen einem israelischen Mann und einer palästinensischen Frau? 

„Knut Berger and Nir de Volff, from Germany and Israel presenting world conflicts in the form of 

clownish comedy, rejecting literal events and dealing only in metaphor. The opening segment ends 

and we are tossed into a hilarious, zany, comic-book world where Berger and de Volff are soaping 

each other down in a bathtub... 3Some’s complexities are memorably depicted in the scene that 

closes the play...It is the play’s most vivid scene and also one of its most darkly disturbing. For 55 

colourful minutes, one never knows what is going to happen next.” Kenneth Kwok, The Inkpot 

Singapore 

# von und mit: Nir de Volff, Knut Berger und Sahara Abu Gosh 

# Foto: Bernhard Musil 

W I E D E R A U F N A H M E 



28. und 29. August 2010, 

im DOCK 11

PREMIERE 

DORODORO Quarks 

DancePoemPerformance - First Duet of Minako Seki and Yuko Kaseki 

Minako Seki, 

Tänzerin und Choreographin, Co-Director der Berlin Post School for Physical Theatre-Dance. Sie gehört 

der dritten Generation der Butoh-Tänzer an (Dance Love Machine) und war 1987 Mitbegründerin des 

ersten deutsch-japanischen Butoh-Ensembles „tatoeba - theatre danse grotesque“. 1996 begründete 

sie die Minako Seki Company. In ihren Stücken untersucht sie die Kommunikation zwischen Bewusstsein 

und Unterbewusstsein, beschreibt emotionale Zustände und die Grenzen von Realität und Illusion. Ihren 

Tanzstil nennt sie “Dancing Between” - im „Raum des Zwischen“ findet sie unendliche Möglichkeiten für 

den Tanz. Sie unterrichtet und spielt ihre Stücke in Südamerika, den USA, Asien und Europa. Ihre neueste 

Produktion „Second Sleep“ wurde im Dezember 2009 im Radialsystem V in Berlin uraufgeführt. 

Yuko Kaseki 

war Mitglied der Tanzcompany Dance Butter Tokio von Anzu Furukawa, 1991-2000. 1995 gründete sie 

mit Marc Ates die Company cokaseki und realisierte zahlreiche Produktionen in Zusammenarbeit mit 

bildenden Künstlern und Musikern. Solo und Ensemble Performances in Europa, USA, Kanada, Mexico 

und Japan aufgeführt wurden. Die Arbeiten basieren auf Butoh und westlicher Performance-Technik und 

verbinden dies zu einem klaren und bildhaften Bewegungs-Theater. Die Dringlichkeit der Existenz wird 

in tragischen Komödien beleuchtet und in dichten Zeit- und Raumchoreografien zu kaleidoskopartigen 

Geschichten gebündelt. Kollaborationen mit Company inkBoat (SF), CAVE (NY), Tableau Stations (SF), 

Theater Thikwa (Berlin), u.a.. 

Yuko Kaseki organisiert und tanzt die Improvisations-Serie AMMO-NITE GIG seit 2004. 

An experiment of searching 

Atom of word, sound, movement and body 

to boil a genesis soup. 

Spices of Onomatopée, 

Slice of Micro-Copy the Body 

Source with Motion and Emotion 

Desert in Black hole 

Children of Physics, we scream 

Re-birth the Words of UR 

Hear the Noise of Quarks 

Dig the Roots of Sound 

Eternal Spinning 

Doro Doro ist eine „Otone“(Wurzel des Geräusches), also eine Geräuschwurzel oder ein 

sogenanntes Urwort, das durch ein Körpergefühl hervorgerufen wird. Im japanischen 

werden diese Urwörter im normalen, alltäglichen Sprachgebrauch benutzt. Quarks sind 

die kleinsten atomaren Teilchen, die bisher nachgewiesen wurden. Sie gelten heute als 

die fundamentalen Bausteine, aus denen alle Materie aufgebaut ist. „Otone“ sind die 

Bausteine, aus denen Sprache entstand. Yuko Kaseki und Minako Seki untersuchen in 

ihrem Stück Körpersprache und ihre eigenen Tanzwurzeln. 

# Direction / Choreography / Dance: Minako Seki, Yuko Kaseki 

# Music: Zam Johnson 

# Light Design: Marc Ates 

# Co-Direction: Elias Cohen 

# Production Assistenz: Christin Bolte, Daniela Schmidtke 

# Foto / Design: Subuddha 

www.minakoseki.com, www.cokaseki.com 

W I E D E R A U F N A H M E 

5. September2010 


6.-9. September 2010 

im DOCK 11

P R E M I E R E 

Cooking 

eine Tanz- und Videoinstallation von Vidal Bini, Michaël d‘Auzo 

Vidal Bini, Founder of KHZ. In his choreographic work, he explores improvised somatic and social 

dynamics, as ways to create meaningful moments of presence in a performance context. In parallel, 

he also develops collaborations with other artists such as Robert Clark, Michaël d‘Auzon and Olivier 

Meyer to challenge these practices and achieve a deeper questioning and understanding of the act 

of performing, looking for other forms of representation. 

www.khz-vidalbini.com 

Michaël d’Auzon, Commissioned choreographer in various theaters in France and abroad, and 

artistic director of the Compagnie l’Instant in Nancy (F), he sets numerous creations since 1998. 

His approach is defined by a plastic conception of the choreographic writing. Working at the same 

time in Berlin since 2007, he is involved in research on the improvised movement, its capture and its 

distortion. Recently, he creates several video installations around the visual persistence of the body. 

# Installation / Performance: Vidal Bini, Michaël d‘Auzon 

# Video: Michaël d‘Auzon 

# Musik: Vidal Bini 

# Produktion: KHZ / Compagnie l‘Instant 

# produziert im und unterstützt von DOCK 11 EDEN***** 

„Cooking“ 

# www.michaeldauzon.com 

P R E M I E R E .’ 

9. September 2010 


10.-12. September 2010, 

im EDEN

W I E D E R A U F N A H M E : 

Parsème 

eine Performance von Morgen Belenguer 

Parsème, eine Installation dessen Elemente sowohl der Bewegung sich verbreitender Samen 

als auch einem Mix aus satelliten–gleichen Umdrehungen und geometrischen Manifestationen 

gleichen. Einer der konstituierenden Bestandteile Parsème`s ist der Kreis, eine 

Figur welche im Tanz, als Impuls für choreographische Posen dient, mehr noch in Form 

von flüssigen Bewegungen, auf die ursprünglichen Kosmologien anspielen kann. 

Ein weiteres bedeutendes Element ist der Zen-Garten als Verbindung zwischen Erkenntnis 

und dem Zustand der gleichzeitigen Anwesenheit, Abwesenheit und Zeitlosigkeit. 

Während des Stücks entwickelt sich die schwebende Impression der Satelliten in eine 

Serie von Posen, welche untereinander artikulieren und kommunizieren, ähnlich der 

Verbindung einer Knochenstruktur. 

Dieser Verweis auf den Körper, welcher durch metallische Elemente kreiert wird, vor 

allem durch, aus einfachen Linien geschaffenen Flugzeugen, ruft auch die Verbindung 

zur koexistierenden Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft auf, moderne Objekte und 

ein Imaginarium schaffen den Verweis zu Altem und Organischen. Abstraktes führt uns 

zurück zu universellen Aspekten des menschlichen Wesens, genutzte Konstellationen 

können sowohl für Strukturen als auch für Aktionen von Individuen geltend gemacht 

werden. 

# Performance: Morgan Belenguer. 

# Performer: Manon Greiner, Morgan Belenguer 

# Musik-Konzept-Props: Morgan Belenguer 





im DOCK 11


ODILE & ODETTE 

eine Recherche von und mit Caroline Allaire und Janyce Michellod 

2 Schwäne ... ODILE & ODETTE, 2 Kräfte, 2 Häuser, 2 Räume ... Es geht um eine 

Freundschaft, um zwei Künstlerinnen, die sich drei Jahre über Tanz praktisch und 

theoretisch austauschten. Sie hinterfragten ihre Überzeugungen, ihre Leistung und 

Kompetenzen und was es heißt, eine gute Tänzerin zu sein. Sie untersuchten die 

Flugbahnen der Phantasie, von Körper und Geist, sie recyceln Energie, von bereits 

Vorhandem, ohne äußerlich etwas zu tun. Sie erforschen spielerisch unbewusste Welten 

und schaffen einen Rahmen, um diese Recherche, Freude und Leidenschaft zum Tanz mit 

dem Publikum zu teilen. Es ist feine Kommunikation durch Rhythmus, Raum, Assoziation 

und Ideen. 

# Choreographie / Tanz: Janyce Michellod, Caroline Allaire 

# Musik: Bernhard Loibner 

# Licht: Asier Solana 

# Foto: Vidal Bini 

# unterstützt von DOCK 11 EDEN 

Caroline Allaire, born in Nice in 1977 ,Caroline Allaire studied dance in the Conservatoire de Nice, 

and in the Conservatoire Supérieur de Paris. In 1995 she joined the Ballet de l‘Opéra de Nice, for 

2 years. Then, in the Ballet de l‘Opéra du Rhin for 5 years she danced ballet pieces like „Giselle“ 

and „Swan Lake“, and works from choreographers such as George Balanchine, William Forsythe, 

Maurice Béjart. She participated to creations with Lucinda Child, Michel Kelemenis, Claude 

Brumachon, Félix Ruckert.. Since 2004 she is a free-lance dancer, and collaborates with Félix 

Ruckert (Berlin), Louis Ziegler (Strasbourg), l‘Association Woo (Lyon), Christian and François Ben- 

Haïm (Paris), David Brandstätter-Malgven Gerbes (Berlin) l‘association KHZ-Vidal Bini (Berlin) and 

Janyce Michellod (Suisse-Berlin). She also pursues her research in improvisation with Kirstie Simson. 

Janyce Michellod was born and raised in Switzerland. She graduated from the ‘Züricher 

Hochschule der Künste’ and holds a Bachelor’s degree of performing arts from ‘Codarts 

Rotterdam’. Then she was a participant on the Daghdha Mentoring Programme (DMP) in 

Dance&Choreography in Ireland. In 2006/07 she worked as a choreographic assistant, rehearsal 

director and company teacher for Daghdha Dance Company’s artistic director Michael Klien and in 

2009/10 to Stammer Production’s artistic director Colette Sadler. Since 2006 she regularly teaches 

ballet and improvisationto professional dancers. 

Since 2004 she has been developing her own choreographic projects, some of which have been 

presented in The Netherlands, Switzerland, Italy, Germany and Ireland. In 2009 her work was 

supported by Tanzplan Dresden, funded by Tanzplan Deutschland. In 2010 she created the dance 

company ‘Lastalaïca Productions’. 



W E I T E R E V O R S T E L L U N G 

17. September 2010, 

im DOCK 11

Scentrifug/ Petter Jacobsson & Thomas Caley, ist eine zeitgenössische Tanzkompanie aus Stockholm. 

Schweden, deren künstlerische Bandbreite von Bühnenstücken, über Videokunst, Events, Filme, Installationen, 

bis hin zu Opern und Workshops reicht. Petter & Thomas schufen mehr als 20 Arbeiten in Schweden 

als auch u.a. New York, Berlin, London und Tokyo. Die neuesten Produktionen sind No mans land – no 

lands man für das Kulturhaus, Stockholm, Flux für die Gallerie Färgfabriken, Stockholm and Untitled partner 

für das Moderna Dansteatern in Stockholm. Paradise? Gelangte im Moderna Dansteatern zur Premiere 

und wurde auch im Skånes Dansteater in Malmö präsentiert. Niagara – ein für die Universät für Tanz kreiertes 

Stück wurde ebenfalls beim Studentenfestival in Chartre gezeigt. Ebenfalls große Anerkennung erhielt 

1999 und 2000 In nooks and crannies, eine performance arts installation für das Königliche Opernhaus 

in Stockholm, das auf eine Tradition seit 1773 zurück blicken kann. Diese ungewöhnliche Inszenierung 

mit dem Ballettensemble als auch dem Orchester des Königlichen Opernhauses arbeitete in unbekannten 

fast privaten Räumen des Opernhauses und öffnete diese dem Publikum als Aufführungsraum. Scentrifug 

wurde mit der „Goldenen Maske“ für die beste Choreografie 2003 für “Chess the musical” ausgezeichnet. 

Ihre Videoarbeiten wurden u.a. bei internationalen Festivals in Basel, Barcelona, Tokyo, Durham North 

Carolina, Breil und Los Angeles präsentiert. 

Petter Jacobsson wurde an der Königlich Schwedischen Ballettschule und Vaganova Akademie in St Petersburg 

ausgebildet. Er began seine Laufbahn als erster Solist des Sadler’s Wells Royal Ballet in London and 

setzte sie in New York bei der Twyla Tharp Dance Company fort, ebenso arbeitete er mit Irene Hultman 

Dance and studierte bei der Merce Cunningham Company und bei Susan Klein und Barbara Mahler. Er war 

von 1999 bis 2002 der Künstlerische Leiter des Königlich Schwedischen Balletts. Im letzten Jahr arbeitete er 

mit Deborah Hay am Solo Market präsentiert am Tanzhaus in Stockholm. 

Thomas Caley – Nach seinem BFA Abschluss am Purchase College 1992, war er von 1993 bis 2000 Tänzer 

der Merce Cunningham Dance Company. Ab 1996 besuchte er die Cunningham School und begann dessen 

Choreografien und die Cunningham Technik international zu unterrichten. 2000 - 2002 arbeitete er als 

Trainer und Repititor für das Königlich Schwedische Ballett als auch als Freelance Performer. Zuletzt wirkte 

er in der Choreografie von Boris Charmatz “50 ans de danse” mit, die u.a. bei Tanz im August zu sehen ist. 


No mans land - no lands man 

eine Tanz- Musik- und Videoperformance 

von Petter Jacobsson & Thomas Caley / Scentrifug 

“Petter Jacobsson und Thomas Caley, Scentrifug, kreieren mit No mans land – no lands man einen 

buchstäblich großen Bogen frei hinaus in die große Wildnis der Ästhetik. Ist das New York oder 

Stockholm? - Es ist tänzerisch, eine Installation und zugleich unterhaltsam und einfallsreich. Sie 

bürsten das abgenutzte Konzept „Research“ mit einem allarmierend guten Gespür frisch auf. 

Margareta Sörenson – Expressen 

„… denn das Suchen und das Lernen ist tatsächlich ganz und gar Wieder-erinnerung. Platon 

Streiflichtartig erforschen wir den menschlichen Zustand, in einer Zeit in der wir noch 

ohne Bewusstsein fungierten, in der unsere Idee vom Selbst, oder das Fehlen derselben, 

aufgehoben war in einer symbiotischen und linearen Wachsamkeit für das Jetzt, dieses 

atmend. No mans land – no lands man liegt in der unbestimmten veredelten Mitte, 

fokussiert und ziellos zugleich, ohne Geschichte, reine Geografie - es ist eher eine 

schwebende und periphere Erfahrung denn intensiv und ekstatisch. 

Die Videoarbeit für dieses Stück ist eine VJ’d Collage, eine animierte Studie von Energie 

und den Kräften menschlicher Ausdrucksfähigkeit. Die Korrespondenz von Tanz und 

Video stellen unsere ästhetischen Normen in Frage, halten sie gegeneinander. 

Sie machen, was kein anderer macht im schwedischen Tanz. Und was sie machen und 

tanzen, ist urban, ist underground und avant-garde.DN Örjan Abrahamsson 

Scentrifug wird gefördert von: The Swedish National council for Cultural Affairs, The Culture Department 

of Stockholm und the Swedish Arts Grants Committee 

# Konzept, Choreographie, Video und Room: Petter Jacobsson & Thomas Caley 

# Performers: Petter Jacobsson and Thomas Caley 

# Musik: Mattias Petersson 

#Licht und Fotos: Andreas Söderberg 

# Video editing, VJ: Björn Eriksson 

# Produktion: Scentrifug 

# premier autumn 2009 Stockholm Culture House 





im DOCK 11


habibi problem 

ein Tanzstück von cieLaroque / helene weinzierl 

Die wahre Geschichte zweier iranischer Jugendlicher wird in einer Interaktion 

von Video und Bühne erzählt. Tanz, Performance und Comic bewegen zeit- und 

gesellschaftspolitische Kritik. „Geht ans Fenster, legt beide Hände auf das Fensterbrett 

und späht angestrengt durch die Scheibe nach draußen. Doch vor dem Fenster ist 

keine Landschaft, nur ein farbloser Raum, ein rein abstraktes Konzept. Zeit verstreicht. 

Versucht zu gehen, aber kommt nicht vorwärts. Die Muskeln erinnern sich nicht mehr 

daran, wie man richtig geht. Wieder vergeht einige Zeit. Denkt, niemand weiß, dass ich 

hier bin. Soviel ist klar. Niemand weiß, dass ich hier bin. Wir wissen es. Aber wir haben 

nicht die Macht einzugreifen.“ nach Haruki Murakami, Afterdark. 

# Konzept / Regie / Choreographie: Helene Weinzierl 

# in Zusammenarbeit mit den Tänzern: Erich Rudolf, Yuri Korec 

# Musik: Oliver Stotz 

# Video: Markus Huber 

# Videobearbeitung/Schnitt: Petra Hinterberger 

# Licht / Lichttechnik: Peter Thalhamer 

# Lichtdesign: Albrecht Haderer 

# Bühnenbild: Johannes Stockinger 

# Fotos: Peter Huber 

# Produktion/ Management: Martina Leitner / Aurel Thurn 

# Infos: www.cieLaroque.at 

# eine Koproduktion mit der ARGEkultur Salzburg 

# mit Unterstützung von Stadt Salzburg:Kultur, Land Salzburg:Kultur, bm:uk, ERSTE-Salzburger 

Sparkasse-Kulturfonds 

„Habibi problem“ thematisiert Homosexualität in islamischen Ländern, insbesondere dem Iran 

sowie die Todesstrafe. Der Arena-Jurypreis des diesjährigen Festivals in Erlangen „ARENA. der 

jungen Künste“ ging an die Salzburger Choreographin Helene Weinzierl und ihre Kompanie 

cieLaroque. Die fünfköpfige Fachjury bezeichnete cieLaroques Performance ‚habibi problem‘, als 

die gelungenste, rundeste und bewegendste Produktion des Festivals.“ 




1.-2. Oktober 2010 

im DOCK 11


in::finitum ein exklusives Konzert von ULRIKE HAAGE 

in einem exklusiven Konzert für das Bechstein Centrum Berlin mit 

Kompositionen von ihrem neuen Album IN::FINITUM 

Dabei steht der Flügel mit seinem akustisch - rhythmischen Klangspektrum im 

Vordergrund. Neu und aufregend sind die Zusammenarbeit mit der Mezzosopranistin 

(Franziska Markowitsch). Weitere Gastmusiker sind der nun schon langjährige Duo 

Partner Eric Schaefer, Percussion und Uwe Steinmetz, Saxophon. 

Zu IN::FINITUM schreibt der Journalist Klaus Hübner (Jazzthetik, Westzeit): „Was nie 

gehört wurde - auf einem Ton hinaus gegangen, auf einer Klangwelle zurückgekehrt, 

mit U(h)rzeiten vermessen und in Spiegeln verdoppelt. Ulrike Haage holt verborgene 

Klänge ans Licht - für den Moment und für die Unendlichkeit.“ 

ULRIKE HAAGE ist Pianistin, Komponistin und produziert künstlerische Werke für den Rundfunk. 

Mit ihren Solo Alben (SÉLAVY, WEISSES LAND, IN::FINITUM) behauptet sie sich wieder einmal 

als außerordentliche Klangkünstlerin. Jeder Sound und jeder Klang besitzen Bedeutung, jedes 

Spannungsmoment fügt sich in die Struktur, jeder Song ist ein Kunstwerk. Eine stilistische 

Grenzgängerin, die nahtlos Übergänge findet zwischen impressionistischer Farbigkeit, der 

reduzierten Harmonik der Minimal Music und den Flügel in ein universelles Perkussionsinstrument 

verwandeln kann. 


1. Oktober 2010 

im STILWERK, Kantstraße in Berlin / Charlotenburg


DramaTischTage 2010 

echs szenische Lesungen, je zwei Stücke von KATHARINA SCHLENDER, 

ROLF KEMNITZER und ANDREAS SAUTER 

Die DramaTischTage 2010 präsentieren in sechs szenischen Lesungen je zwei Stücke 

von KATHARINA SCHLENDER, ROLF KEMNITZER und ANDREAS SAUTER, die sich 

mit den unterschiedlichsten Familienkonstellationen beschäftigen. Sie thematisieren 

Erwachsenwerden, Familienrituale und ihre Folgen. Kinder stellen ihre Eltern in Frage, 

wollen wissen, warum sie die geworden sind, die sie jetzt sind. Eltern geben Antworten, 

die in den seltensten Fällen ausreichen. Jede Generation setzt sich auseinander, geht in 

Opposition zur vorherigen. In familiären Strukturen wohnt eine besondere dramatische 

Kraft, die die Beteiligten bis zum Äußersten treiben kann. Die Autoren haben sich 

ihrer bedient und Stücke geschrieben, die alle das Thema Familie umkreisen. Selbst die 

Abwesenheit von Familie, in zweien der Stücke, erzählt in manchen Momenten mehr 

über sie, als ihre Anwesenheit. Die drei Autoren sind die Gründer der Battle-Autoren, 

einer Gruppe von Theaterschaffenden, die mit ihrer „Autorenerklärung“ – von fast 

zweihundert Theaterleuten aus dem deutschsprachigen Raum unterzeichnet – eine 

breite Diskussion um die Rolle des Autors im Theater ausgelöst haben. Ihr erklärtes Ziel 

ist, sich mit ihren Stücken in die Gesellschaft einzumischen. Sechs Regisseure werden 

an drei Abenden die Stücke der Autoren mit insgesamt 37 beteiligten Schauspielern 

szenisch einrichten. 

PROGRAMM 

1.10.2010 SOMMER LIEBEN von Katharina Schlender. Regie: Lars Vogel 

1.10.2010 TRUTZ von Katharina Schlender. Regie: Sebastian Wirnitzer 

2.10.2010 DER WASCHBOY, EIN FAMILIENEPOS 

von Rolf Kemnitzer. Regie: Bettina Rehm 

2.10.2010 DAS GESCHREI DER GARTENZWERGE IM TRAUM, 

EINE SOMMERNÄCHTLICHE HORRORIDYLLE 

von Rolf Kemnitzer. Regie: Olek Myrzak 

3.10.2010 FIEGE, EIN STÜCK OHNE GEILHEIT 

von Andreas Sauter & Bernhard Studlar. Regie: Oliver Bierschenk 

3.10.2010 LIZA, AM LETZTEN ABEND BAUCHFREI 

Komödie von Andreas Sauter. Regie: Olek Myrzak 

Im Anschluß an jede der szenischen Lesungen Publikumsgespräch mit Autor 

und den Beteiligten. Sechs Regisseure richten an drei Abenden die sechs 

Stücke der Autoren mit insgesammt 37 beteiligten Schauspielern ein. 




2.-3. Oktober 2010, 

im DOCK 11


Der 30. Kunstsalon geleitet von Hartmuth Behrsing 

Gäste dieses Jubiläums-Salons sind Ruth Hohmann und Uschi Brüning, bekannte 

Jazz-Interpretinnen, Lothar de Maizière als Kammermusiker sowie Überraschungsgäste. 

Seien Sie mit uns gespannt und freuen sich auf einen weiteren 

Höhepunkt im Rahmen des 20-jährigen Bestehens des Kunstvereins Pankow e. 

V., der nicht nur musikalische Highlights bietet, sondern auch an die Anfänge 

erinnert u.a. mit einem „historischen Video“ und weiteren Gästen. Im Anschluss 

wird es sicher noch viele interessante Gespräche bei Getränken und Imbiss im 

Café geben. 

# weitere Informationen: www.kunstverein-pankow.de 



im DOCK 11

F E S T I V A L 

15 Jahre TEN PEN Chii art labor 

“TEN der Himmel, CHi die Erde, PEN die Änderung, das letzte i steht für anders. Wenn der Himmel 

sich ändert, ändert sich die Erde. Kurzgefaßt: natürliche Katastrophe. (Japanisch) Die japanischdeutsche 

interdisziplinäre Kunstformation kreiert seit 1995 Performances. TEN PEN CHii koloriert 

nicht das Inferno. Vielmehr findet die Gruppe Ausdrucksmittel dafür, das gewalttätige Verhältnis 

von Mensch, menschengemachter Natur und ebensolcher Technik darzustellen. Sie vergißt dabei 

nicht, daß manches vom Menschen gemachte über das Maß des Initiators hinausschießt. TEN PEN 

CHii hat einen Sinn entwickelt für das Nicht–Beherrschbare, für das, was losbricht, wenn eine 

kritische Masse überschritten wird. Die Tänzerin und Choreographin Yumiko Yoshioka und der 

Bildhauer und Designer Joachim Manger, haben ein Vokabular an ritueller Magie erarbeitet, das 

diese Momente zu artikulieren weiß. Als Gegengewicht zur konventionellen Verspieltheit westlicher 

Kunst, konfrontieren sie den verletzlichen Menschenleib mit der anonymen Härte der künstlichen 

Apparatur. Die Kunstformation TEN PEN CHii art labor arbeitet seit Jahren mit einer Vielzahl von 

Künstlern, Tänzern und Performern, welche aus der ganzen Welt kommen. Viele der Performances 

werden unterstützt und mit geprägt durch den Musiker und Komponist Zam Johnson” Tom Mostroph 

Bi-KA - DIE VERSCHÖNERUNG eine Performance von TEN PEN CHii 

Bei Bi-KA soll das Thema Schönheitswahn und Körperkult behandelt werden. Schön 

sein, Attraktiv sein, fit sein, ..... so lautet der moderne Wunschzettel für scheinbar 

erfülltes Leben. Erfolg und äußeres Erscheinungsbild hängen scheinbar eng zusammen. 

Ästhetische Normen, welche die ewige Jugend signalisieren, werden Leitmotive. Doch 

echte ewige Jugend können uns die Forscher nicht versprechen, Bis dahin möchten 

viele Menschen jedoch nicht warten und versuchen mit den derzeitigen Möglichkeit ihr 

Aussehen zu verändern. Sie greifen tief in die Tasche und ganze Industrien leben davon. 

Schönheitsoperationen, Hautstraffung, Brust- und Penisimplantate, Genmanipulation, 

Anti Aging Pillen, skulptural geschaffene menschliche Körperpartien, übernatürliches 

Bodybuilding, Botoxspritzen und sogenannte Nahrungsergänzungsmittel, verschaffen 

der Kosmetik-, Pharma- und Schönheitsindustrie Millionenumsätze. Die Risiken der 

Eingriffe werden oft klein geredet und der Eindruck entsteht, dass alles weitgehend 

komplikationsfrei möglich sei. Bei Bi-KA werden diese Auswüchse behandelt, 

Schwerpunkte bei der Recherche werden jedoch die gescheiterten Ergebnisse sein 

# Regie, Konzept, Installation, Bühne, Licht: JoaXhim Manger ( D ) 

# Choreographie, Tanz: Yumiko Yoshioka ( J ) & Team 

# Komposition, Musik: Zam Johnson ( US) 

# Performance: Camilla Giani ( I ), Cynthia Gonzalez (Bol, PL), Jesus Soberon ( ES), Slava Inazemtsev 

Viachaslau ( BY ), Tlathui Benavides Trejo (Mex), Yuko Kominami (J), 

# Videokunst-Dokumentation: Mario Morleo (D/I), Yoann Trellu ( F ) 

#Produktion: Gefördert vom Ministerium für Bildung, Wissenschaft und Kultur Mecklenburg – 

Vorpommern, Landkreis Uecker-Randow, Land Steiermark, graz/kult&gvv. + steierischekulturinitiativ 

e, und unterstützt vom schloss bröllin e.V., 80er Raster und DOCK 11 

P R E M I E R E: 7. Oktober 2010 

W E I T E R E V O R S T E L L U N G E N : 8.-10. Oktober 2010 

im DOCK 11

WA-KU DE´JA-VU eine Performance von TEN PEN CHii 

WA-KU bedeutet herausquellen, heraus fließen, hervorkommen, aktivieren und 

symbolisiert den Wunsch nach ständigem Forschen und Entwickeln. Die Revolution 

der Wissenschaft hat es geschafft Gene zu manipulieren und Kreaturen wie das 

Klonschaf Dolly sind Wirklichkeit. Der Mensch der heutigen Realität befindet sich 

in der ersten Generation einer Dopplung zwischen natürlichem und künstlich, von 

Menschenhand erzeugtem, Leben. Erschreckende, faszinierende Kreaturen werden 

geboren. Die Spätfolgen sind nicht bekannt. 

Über unnatürliches Eingreifen werden Lebensbedingungen verändert, werden 

Verjüngungen möglich, nach dem Wunsch wie er im Sinne des Jungbrunnens seit 

Jahrtausenden besteht. Durch das streben nach Verjüngung wird durch manipuliertes 

Material in die natürlichen Altersprozesse eingegriffen. Der Mensch macht sich 

die technischen Möglichkeiten zu nutze und geht über ethische und moralische 

Bedenken hinaus. Manipulation wird zum Instrument, zur Normalität. Ein neuer 

Zustand entsteht. Das Unnatürliche wird zum Bestandteil des Natürlichen. Neue 

Realitäten entstehen. Fest stehende Werte brechen ab, für den Menschen wird nichts 

mehr fassbar, vertretbar. Es resultiert ein ethisch-moralischer Kampf, im mentalen 

sowie im realen- sinnbildlich erscheint bei WA-KU ein Boxkampf. Ein Kampf im 

mentalen Zusammenbruch. 

# Regie, Konzept, Installation: JoaXhim Manger ( D ) 



# Performance: Anita Konarska (PL), Camilla Giani ( I ), Chris Dugrenier ( F ), Cynthia Gonzalez 

(Bol, PL), Tlathui Benavides Trejo (Mex), Yuko Kominami (J), Yumiko Yoshioka ( J ) Yumino Seki 

# PR: Heike Thierbach ( D ) Jenny Galow (D) 

# Graphik: Ollie Peters (D); 


# Assistenz: Michael Krause ( D ), Tom A-dam ( NL ), 

# Übersetzungen: Anna Raczynski ( GB ) 

# Produktion: Gefördert vom Ministerium für Bildung, Wissenschaft und Kultur Mecklenburg – 

Vorpommern, Landkreis Uecker-Randow, Land Steiermark, graz/kult&gvv. + 

steierischekulturinitiative, und unterstützt vom schloss bröllin e.V., 80er Raster und Dock 11. 

W I E D E R A U F N A H M E P R E M I E R E: 



22. - 24. Oktober 2010 

im DOCK 11

T A N Z 

KET-SUi DIE ENTSCHEIDUNG 

eine Performance von TEN PEN CHii 

Das Wort KET-SUi ist japanisch und bedeutet „Entscheidung“. 

Eine Entscheidung ist eine bewusste Wahl zwischen Alternativen oder zwischen 

mehreren unterschiedlichen Varianten anhand bestimmter Präferenzen von einem oder 

mehreren Entscheidungsträgern. Sie kann spontan bzw. emotional über den Instinkt, die 

Intuition, zufällig oder rational über das Wissen, die Weißheit, die Erinnerung erfolgen. 

Es folgt so oder so Veränderung. Einmal entschieden, wird ein Prozess losgetreten, 

welcher scheinbar steuerbar erscheint, jedoch auch unvorhersehbare Folgen kreieren 

kann. 

Dieser kleine Zwischenmoment, welcher Lebenslinien verändert, bzw. den Lebenszug 

über eine umgestellte Weiche auf ein anderes Gleis setzt und somit die Richtung 

komplett verändert, wird bei KET-SUi thematisiert. 

In dem Grenzbereich zwischen Getriebenen und Treibenden, zwischen Akzeptanz und 

Abstoßung entsteht ein neuer Zustand, eine aktivierende Reibungsfläche. 

Den Zuschauer erwartet ein Spiel wie auf dem Golffeld. Der Golfschläger symbolisiert 

hierbei die äußere Manipulation auf die Entscheidungsfindung. Mit den Performern 

wird ein Entscheidungsspiel mit ungewissem Ausgang gespielt: Entscheiden, agieren, 

reagieren und eine Aktion kreieren ist die Folge. Ausgang offen.... 

# Regie, Konzept, Installation: JoaXhim Manger ( D ) 



# Performance: Camilla Giani ( I ), Cynthia Gonzalez (Bol, PL), Jesus Soberon ( ES), Matilde (ES ), 

Slava Inazemtsev Viachaslau ( BY ), Tlathui Benavides Trejo (Mex), Yuko Kominami (J), Yumino Seki 






# Produktion: Gefördert vom Ministerium für Bildung, Wissenschaft und Kultur Mecklenburg – 


steierischekulturinitiative, und unterstützt vom schloss bröllin e.V., 80er Raster und Dock 11. 

WIEDERAUFNAHMEPREMIERE: 


WEITERE VORSTELLUNGEN: 

15.-17. Oktober 2010 

im DOCK 11

UN-MEi SCHICKSAL eine Performance von TEN PEN CHii 

Die Definitionen von Schicksal ist vielfältig. Zum einem wird es verstanden 

als eine Art persönliche höhere und kontrollierende Macht, welches 

unabhängig des Geschickes des Individuum, den Lauf der Dinge bestimmt. 

Damit verbunden die Vorstellung sich den Schicksal ergeben zu müssen, da 

es scheinbar göttlich und unüberwindbar vorbestimmt scheint. Zum anderen 

aber das gestaltbare Schicksal, welches das Individuum selbst durch seinen 

Geist in die Hand nimmt und somit auch gestaltet. Verbunden hiermit, 

sind das Glück und Unglück, welches man selbst kreiert, die Gedanken 

welche positiv oder negativ unseren Geist beeinflussen und somit unsere 

Gewohnheit bestimmen. Die Gewohnheit wiederum prägt unseren Charakter, 

der Charakter führt unser eigenes Schicksal, welches Einfluss auf die Welt 

nimmt und somit durch unseren Geist die Welt im kleinen mitprägt. „UN- 

MEi“ betrachtet das gestaltbare Schicksal, welches verbunden ist mit dem 

Gewinnen und Verlieren des einzelnen Individuums. Ausdruck von Gewinn 

oder Verlust ist für viele das Geld. Geld war zunächst ein gleichwertiges 

Tauschmittel. Erzeugt es einem realen oder spekulativen Mehrwert, gilt es als 

Medium das Wünsche erfüllt, wird es zum scheinbaren schicksalhaften Glück 

oder Unglück, oft zu Gier und es ist Ausdruck von Macht und Erfolg. Macht, 

Erfolg und der daraus resultierende Besitz, machen sexy, sind erotisch und 

erzeugen Anziehungskräfte. Dieses interessante Gesamtgemenge kann schnell 

schicksalhaft unsere Gedanken manipulieren, uns dominieren, und somit zum 

Ziel des Lebens werden. Die Entwicklung nimmt seinen lauf. Den Zuschauer 

erwartet eine aktive Body-Dance-Lust-maschine, welche ein absurdes Spiel von 

Gier, Dominanz, lasterhafter Macht, Erotik und Kontrolle kreiert. 

# Regie, Konzept, Installation, Bühne, Licht: JoaXhim Manger ( D ) 

# Choreographie, Tanz: Yumiko Yoshioka ( J ) 


# Performance: Yumiko Yoshioka ( J ) 






# Produktion: gefördert vom Ministerium für Bildung, Wissenschaft und Kultur Mecklenburg – 


steierischekulturinitiative 

# unterstützt vom schloss bröllin e.V., 80er Raster und DOCK 11 


28. Oktober 201 


29. - 31. Oktober 2010 

im DOCK 11

T A N Z 

Fe Reichelt 13 Jahre Berlin 

ein Jubiläum von Fe Reichelt 

Wasser–NERO von Ulrike von der Linden 

Der Tanz ist der dritte Teil meines Stückes „SVALA“, das sich mit der Zerstörung der 

Natur durch Feuer und dem Wiederaufleben der Fruchtbarkeit beschäftigt, die nur durch 

Zeit und Wasser wieder entstehen kann. Ausgehend von den verheerenden Waldbränden, 

die in jedem Sommer besonders in Griechenland wüten, ist mein Anliegen die 

Unzerstörbarkeit der Kraft der Natur zu zeigen. Die „musikalische“ Begleitung sind 

Meeresgeräusche. 

Traumseelenwandlungen von Fe Reichelt 

„Flüchtig ist das Leben ...dahin .....wohin? – tief verborgen „die Tränen, die zu Perlen 

wurden“ Fe Reichelt ging immer wieder durch Untiefen des Irdischen, in denen sich der 

Himmel spiegelte. Wieder auftauchend, spiegelt sie in der Präsenz des Momentes, im 

Augenblick, eine viel“schichtige“ Zeit-l o s i g k e i t. 

GOLEM ... ein Wesen, aus Lehm in Handarbeit gemacht 

von Elena Walter 

Das Hebräische Wort golem bedeutet laut Alten Testaments und Talmud eine „noch ungeformte 

und unvollendete Masse“– ein „stummes geistloses Wesen ohne freien Willen 

und Zeugungskraft“…aus Lehm von Menschenhand gemacht, um sich dem menschlichen 

Willen zu unterwerfen und seinem Schöpfer und Herrn zu dienen….bis zu seiner 

Auslöschung. Viele Sagen und Geschichten ranken um diese mystische Figur…getrieben 

durch den Wunsch des Menschen, gottgleich einen Diener erschaffen und ebenso nach 

eigenem Gutdünken wieder vernichten zu können? 

Die Geschichte meines Golems beschreibt eine scheinbar hoffnungsvolle Wandlung vom 

geistlosen ungeformten Lehmgebilde in ein beseeltes Wesen –zur Befreiung und Emanzipation 

hinstrebend, mit der Intension die Erkenntnis seines Selbsts zu erlangen…doch 

vergeblich ist letztendlich sein Bemühen, seinem Schicksal zu entweichen. Im Unterschied 

zum jüdischen Golem ist jenem Golem jedoch vergönnt in die Bewusstheit seines Schicksals 

zu gehen und dies immerhin mit der Erkenntnis, dass nun mal unabwendbar ist, was 

ihm vorherbestimmt war. 

Worttanzrondo von Eva Weißmann 

Du siehst wie leicht es ist zement in der nähe zu haben In diesem wort tanzt rondo komponiere 

ich Sätze von Eric Satie und Gertrude Stein und abstrakte Bewegungen miteinander. 

Es entstehen eine Performance und ein Konzert. 



im DOCK 11

PREMIERE 

SOFT LANDING 

PERFORMANCE CONCERT von battleROYAL 

Soft Landing präsentiert Momente unverständlicher Vergangenheit und undefinierter 

Erinnerungen, die eine Erfahrung der Ohnmacht und der Unbestimmtheit 

des Alterns auslösen. Die schonungslos sanfte Ausführung von Soft Landing 

erzeugt ein bedrückendes Gewicht der Passivität. Seine bestimmte und gruselige 

Sanftheit macht die sonderbare und unbequeme Kraft der Arbeit aus.Das 

vermenschlichte Marionettensystem stellt die dünnen Grenzen dar, die unsere 

Gesellschaft regieren und uns gleichzeitig unterstützen und einschränken. Es 

lässt die Figuren auf der Bühne hängen und gibt ihnen manchmal ein seltenes 

Freiheitsgefühl. 

Soft Landing versucht keine Geschichte zu erzählen, sondern eher eine feine 

physische Stimmung zu erzeugen, die den tief bewegenden Live-Klängen der 

australischen Band Bombazine Black folgt, in dem Versuch eine Empathie zu der 

älteren Figur herzustellen. 

www.battleroyalprojects.com 

www.bombazineblack.com 

http://www.youtube.com/watch?v=L1dwMHlPcf8 

# Konzept, Choreografie: Brendan Shelper (Choreografie in Zusammenarbeit mit den Tänzern) 

# Assistenz Choreografie: Susana Beiro 

# Tänzer: Florian Bücking, Jonathan Buckels, Janine Joyner, Susana Beiro 

# Musiker: Matt Davis, Jayne Tuttle, Malte Weberrus 

# Musik: Bombazine Black 

# Video: Timm Ringenwaldt 

# Licht: Alesandra Beiro 

# Kostüme: Sophie vom Scheidt 

# Ton: Aaron Ghantus 

Unterstützt von: Kulturstiftung Liechtenstein, Karl Mayer Stiftung, Dr. Peter Goop, Vaduz, Stiftung 

Fürstl. Kommerzienrat Guido Feger. 

Soft Landing presents moments of ungraspable pasts and foggy memories, producing an 

experience of the impotence and redundancy of age. 

The relentlessly gentle execution of the performance produces an oppressive weight of passivity. Its 

determined and creepy softness and slowness is the work‘s uncomfortable, strange power. 


4. November 2010 


5.-7. November 2010 

im DOCK 11

FILM 

POOL 10 - INTERNATIONALE TanzFilmPlattform BERLIN 

Filmfestival / Competition / Networking / Workshop 

Conversations with Boxing Gloves von Phil Harder, Rosane Chamecki, Andrea Lerner, USA 2009, 5:00 min. 

A kinetic revisit of a long lost segment from the 1916 futuristfilm „La Vita Futurista“. 

# Director / Regisseur: Phil Harder, Rosane Chamecki, Andrea Lerner 

# Choreographer / Choreograph: Rosane Chamecki, Andrea Lerner 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: Rosane Chamecki, Andrea Lerner 

# Composer of music / Musikkomponist: Josephine Wiggs 

30 Cecil Street von Dan Canham, Laura Dannequin, William Hanke, UK 2010, 7:20 min. 

30 Cecil Street is a short dance film shot in the dilapidated premises of the old Theatre Royal in the Limerick Athenaeum 

building. With a history that stretches back over 150 years, the Royal has been closed to 

the public for the last 13 years, since it was last used as a venue for live music and 

performance. Engaging with the atmosphere and past of this near-derelict building and using a soundtrack made up of found sounds and 

interviews carried out with people associated with the Athenaeum, 30 Cecil Street explores the state of a building that was once a hub of 

cultural activity within Limerick and now lies empty and closed to the public. 

# Work by: Dan Canham/Laura Dannequin/Will Hanke 

# Director / Regisseur: Dan Canham, Laura Dannequin, William Hanke 

# Choreographer / Choreograph: Laura Dannequin 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: Dan Canham 

# Composer of music / Musikkomponist: Dan Canham 

POOL ist eine seit 2007 jährlich wiederkehrende Plattform für Tanz- und Animationsfilm. 

Im Wettbewerbsprogramm werden aus allen Einsendungen Filme für zwei Filmabende 

und die Siegerfilme - die PEARLS 10 – für einen dritten Abend ausgewählt. Die 

diesjährigen Sieger gewinnen eine Residence in den EDEN***** Studios und die Filme 

werden wie die vorherigen PEARLS zu anderen Festivals auf Tournee geschickt und 

promotet. Das Rahmenprogramm bietet u.a. durch Workshops und Showings die 

Möglichkeit zum Erfahrungsaustausch, zur Weiterbildung und zum Networking. 

# Jury: Elizabeth Markevitch, Herbert Schwarze, Angela Haardt 

# Logo: Hiroko Tanahashi 

# Organisation: DOCK 11 

# unterstützt vom Kulturamt Pankow 

www.pool-festival.de 

Screening 

5. und 6. November 2010, jeweils 19.00 Uhr 

Void Decked von Azhar Shukor, Singapure 2010, 3:41 min. 

A Void Deck is typically found under apartment blocks in Singapore. With a constant flow of human traffic, the Void Deck is almost never 

a Void. 

# Director / Regisseur: Azhar Shukor 

# Choreographer / Choreograph: Elysa Wendi 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: Roslina Yusof 

# Composer of music / Musikkomponist: Sofian Roslan 

BEyond von The Line, Norwegen 2010, 6:29 min. 

The movie BEyond contains a lot of twisted steps from different dancestyles put together in the ironic way that only The Line can do. We 

use references from a wide range (contemporary, folk, mtv and so on..) and set them in a new context inspired from tired clichés. The Line 

consists of Ole Martin Meland, Ida Wigdel and Kristina Søetorp, all educated at The College of arts in Oslo. The company made their first 

performance Three Pieces in 2006, and have since performed at various important events. In February 2010 they released the well-received 

dancefilm BEyond during the New Norwegian dance festival at Dansens Hus in Oslo. This summer they had their international debut with 

their show BEyond the face at I like to watch too, Julidans in Amsterdam which became a big success. 

# Director / Regisseur: The Line (Ole Martin Meland, Kristina Søetorp, Ida Wigdel) 

# Choreographer / Choreograph: The Line 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: The Line 

# Composer of music / Musikkomponist: Prodigy 

Derrière elle, von Ishrann Silgidjian, Thomas Turine, Natalia Sardi, Laida Aldaz, Belgien 2009, 12:41 min. 

Derrière Elle is the result of a meeting between dancers Natalia Sardi and Laida Aldaz Arrieta, filmmaker Ishrann Silgidjian and music 

composer Thomas Turine.,It is a cinematographic writing born from the spacial and temporary improvisation research, where the 

movement form a symbiotic relationship. A strange film where nothing revealed easily. A life hidden behind another one, imaginary…They 

are two... but how many are they really? What is left? What happened? Did it really happen? 

# Director / Regisseur: Ishrann Silgidjian, Thomas Turine, Natalia Sardi, Laida Aldaz 

# Choreographer / Choreograph:Delivery Cie: Natalia Sardi, Laida Aldaz 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: Natalia Sardi, Laida Aldaz 

# Composer of music / Musikkomponist: Thomas Turine 

Echo von Marcela Donato, Brazil 2009, 7:00 min. 

In the end of the 19th and beginning of the 20th century, Freud diagnosed any and every society as neurotic. Nowadays, we 

diagnose that the bipolar disorder, in its stronger or weaker degree, became the existential condition of humanity. Normally used 

to define the repetition of a sound or another phenomenon, the word ECHO nominates, in this work, the sequence of disorders 

that disturb the mind of the contemporary individual 

# Director / Regisseur: Marcela Donato 

# Choreographer / Choreograph: Marcela Donato 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: Sandra Lolax 

# Composer of music / Musikkomponist: Rabotnik 

parental guiDance von Catherine Radam, Österreich 2010, 5:49 min. 

„Tanzende Mädchen, Passanten und eine Parkgarage - treffen aufeinander.“ 

# Director / Regisseur: Catherine Radam 

# Choreographer / Choreograph: Nina Steinschaden 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: Fanny Stapf, Victoria Nurek, Magdalena Haas, Ntascha-Anna Buchholc, Soffi Schweighofer 

# Composer of music / Musikkomponist: Ecut 

KUNATINU, von Florent MAHOUKOU, Congo Brazzaville 2010, 53 min. 

„KUNATINU“ s’articule autour de la lutte pour l’amélioration de l’environnement particulièrement agressé au Congo par l’abus 

des sacs plastiques. 

L’industrie du plastique a gagné le marché planétaire. Partout dans le monde les sacs plastique sont utilisés abusivement. Les pays 

pauvres et non industrialisés, consommateurs, sont envahis par ces emballages peu coûteux et non recyclables qui, après usage, se 

transforment en déchets non biodégradables qui contribuent à l’asphyxie et à la détérioration des sols. 

# Director / Regisseur:Florent MAHOUKOU 

# Choreographer / Choreograph: Florent MAHOUKOU 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: Fanny MABONDZO 

# Composer of music / Musikkomponist: Exixtant

PEARLS 10 

7. November 2010, 19.00 Uhr 

Going Up? von Marcela Donato, Brazil 2007, 5:30 min. 

“Sobe?” is a dance video inspired by a behavior “no no list”. We’ve chosen the elevator as our spatial and social focus; how 

should one behave in an elevator? What would be a “no-no” action for those specific situations? We break social silent 

agreements in order to displace this common everyday action into a performative context. 

# Director / Regisseur: Marcela Donato 

# Choreographer / Choreograph: Marcela Donato 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: Marcela Donato, Carolina Campos, Fernando Klipel, Fernando Nicolini, Jamil Cardoso, Amanda 

Lima and Calixto Neto 

# Composer of music / Musikkomponist: Music Colage By Helena Chaves 

REOPENING THE PAST von Liliana Resnick, Croatia / USA 2010, 12 min. 

Although it has been 20 years since the war has ended a few women still await the return of their missing husbands. 

# Director / Regisseur: Liliana Resnick 

# Choreographer / Choreograph: Liliana Resnick 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: Blazenka Kovac 

# Composer of music / Musikkomponist: Dalibor Bukvic 

Julia, So Young Yang, Deutschland / USA 2010, 7:50 min. 

A contemporary dancer is practicing ñ in a trial to find out the dynamic relationship between the weight of bones and the spinal 

alignment in conjunction with gravity and space. The positions of her body are extremely restless, a phenomenon which stems 

from the dancerís acute awareness of gravity and her effort to maneuver the perception of it. 

To a video maker who is observing this session, the physicality of the movement that accumulates into a moment turns into a 

paranoiac psychological experience. 

In this work, the psychological feelings are the other force in performance with the ìnever arrivingî JULIA. 

# Director / Regisseur: So Young Yang 

# Choreographer / Choreograph: Julia Kathriner 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: Julia Kathriner 

# Composer of music / Musikkomponist: So Young Yang, Stravinsky 

Jacky & Judy, Phil Harder, USA 2009, 4 min. 

An ode to Norman McLarens Pas De Deux. 

# Director / Regisseur: Phil Harder 

# Choreographer / Choreograph: Rosane Chamecki, Andrea Lerner 

# Main Dancer/s / Haupttänzer: Rosane Chamecki, Andrea Lerner 

# Composer of music / Musikkomponist: Noel Kupersmith 

Rahmenprogramm 

Workshop I – www.medienundbildung.com am 5. November 2010 

Workshop II – Yoann Trellu am 6. November 2010 

im EDEN***** , Breite Strasse 43, 13187 Berlin

T A N Z 

andropolaroid eine Performance im leuchtenden Neonröhrenwald 

mit Yui Kawaguchi / theater-51grad.com 

Yui Kawaguchi gehört derzeitig zu den faszinierendsten Performerinnen Berlins und 

erorbert die freie Szene auch mit ihren eigenen Choreographien. Für ihr Duo „Die Stadt 

im Klavier“ wurde sie von Arnd Wesemann in der ballet-tanz als Tänzerin des Jahres 

2009 gewürdigt. In ihrem aktuellen Solo bewegt sie sich im Spannungsfeld zwischen 

deutschen und japanischen Codes, begegnet Tradition und Moderne und sucht mit 

virtuoser Neugier nach ihrer eigenen idealen Gestalt. Dabei ist sie von einem Wald aus 

Neonröhren umgeben, der blitzlichtartig aufleuchtet und ihre Empfindungsinseln als 

emotionale Momentaufnahmen festhält – ebenso wie die Polaroids, die sie fortwährend 

von ihrem geflickten „Ich“ schießt. In einer Doppelbelichtung von Mensch und Roboter 

kommt Yui Kawaguchi nie zur Ruhe. 

„Ein delikates Tanzkunstwerk... Yui Kawaguchi bewegt sich mit eindrucksvoller Präzision 

und wird zu einem zeichenhaften Wesen, das mit Farbe, Licht, Raum und Ton agiert.“ 

(Kölner Rundschau) 

Dunkelheit ist das Tor zum Ton, der Ton der Sonne ist dunkel, der Klang ist die 

Heimat des Tones und der Ton steht auf der Sonne. Dies ist keine Asienesoterik, sondern 

ein Schriftknoten, der in der Begegnung mit einer anderen Kultur aufgelöst 

werden muss. So verknüpft sich Yui Kawaguchi zu einem deutsch-kybernetischen 

Japanorganismus und entfaltet ihr Erscheinungsbild in der extremen Verflechtung von 

Körperbewegungen, Sprachfetzen, Soundcollagen und einer komplexen Lichtinstallation. 

„Es ist eine elektrische kalte Welt - die flackernden Neonröhren, Störgeräusche, Zischen. … von allen 

Seiten flüstert es japanische Sätze, Fragmente einer für uns fremden Sprache. Kawaguchi stimmt ihre 

Bewegungen auf die Sprache ab - oder ist es umgekehrt? - Sehenswert!“(aKT 06/2010) 

„...In ihrer Soloperformance wirft Kawaguchi einen Blick auf unsere durchrhythmisierte Gegenwartskultur 

mit ihren Ich-Konstruktionen. Tänzerisch überzeugend setzt sie sich als androides, von Soundcollagen 

angetriebenes und im Lichterwald umherirrendes Wesen in Szene.“ (Tanznetz.de) 

# Konzept / Choreographie / Tanz: Yui Kawaguchi 



# Sound-Design & Surround-Mix: Sibin Vassilev 


# Eine Produktion des theater-51grad.com in Kooperation mit Freihandelszone – ensemblenetzwerk 

köln und Dock11 Berlin. 

# Die Berliner Wiederaufnahme wird produziert von NICO AND THE NAVIGATORS, mit der 

freundlichen Unterstützung der Keio Universität, Japan. 

# In der Neon-Lounge bieten wir Euch „Takoyaki“ an, den populären japanischen Snack! 

# Nominiert zum Kölner Tanzpreis 2010 

„Yui Kawaguchi selbst wird zu einem zeichenhaften Wesen, das mit Farbe, Licht, Raum und Ton 

agiert. Mit eindrucksvoller Präzision bewegt sich Kawaguchi. … So anschaulich und pointiert wie 

hier werden komplexe Prozesse selten dargestellt. Die Zusammenarbeit zwischen Yui Kawaguchi 

und Rosi Ulrich erweist sich auch deshalb als besonders fruchtbar, weil die Choreografie nie 

bei lieb gewonnenen Motiven oder schönen Bildern verharrt, sondern sich zu einem delikaten 

Tanzkunstwerk rundet.“ (Kölnische Rundschau 15.5.2010) 


11., 12., 13. November 2010 

im DOCK 11

WIEDERAUFNAHME 

LET ME CHANGE YOUR NAME? 

ein Tanzstück der AHN EUN-ME COMPANY - Korea 

Let Me Change Your Name? ist ein Tanzstück mit Tänzern aus verschiedenen 

Kulturen. Aus der Kollision und Vermischung ihrer Köper entstehen die 

Bewegungen der Produktion. Es entsteht eine Welt der Realität die den 

herkömmlichen Sinn von Raum und Zeit transzendiert. 

Eine endlose Vernehmung von stereotypen Vorstellungen, unser Verständnis der 

Wiederholung im täglichen Leben, unsere Flucht von und zu einer Gesellschaft 

der Anonymität, ein Aufgeben der Grenzen, und eine Versöhnung mit dem 

Ungewohnten ... Dieses Mosaik unterschiedlicher Ansätze der Wahrnehmung 

mit unserer Wirklichkeit wird aus der künstlerischen Perspektive von Ahn Eun- 

Me dekonstruiert und rekonstruiert . 

Das Thema des Diskurses ist der menschliche Körper. Die Bühne ist der Lärm 

von Tänzen, die wie lebendige Worte pulsieren. Der Geist des Tanzes und der 

Gesänge verbindet das Publikum mit den gleichen Geist des Tanzes unserer 

Vorfahren und dem Geist der Heiterkeit erschaffen aus menschlicher Weisheit. 

Mit diesem Geist des Tanzes und der Heiterkeit, fragt diese Produktion ob Sie 

gerne Ihren Namen ändern möchten? 

Lass mich deinen Namen ändern? 

# Choreography: Ahn Eun-Me 

# Music / Composer: Jang Young Gyu 

# Costume & Stage Design: Ahn Eun-Me 

# Lighting Design: Andre Schulz 

# Management: Kim Ji-Myung 

# Performers: Ahn Eun-Me, Jung Wan-Young, Nam Hyun-Woo, Cho Hyung-Joon, Na 

Yeon-Woo, Han Shin-Ae, Kim Mi-Young, Koh Heung-Kyoon(double) 

G A S T S P I E L: 

16. und 17. November 2010 

im DOCK 11

P E R F O R M A N C E 

LYNCH CONCERT 

das Stuart Lynch Solo 

Stuart Lynch zieht uns sechzig Minuten mit experimentellen Sounds, einer Performance 

und Stimmarbeit in den Bann. „Lynch Concert“ ist ein einfaches wunderschönes Solo 

- berührend, ernst und humorvoll und wird durch einen außergewöhnlichen und 

einzigartigen Performer realisiert. Teils ein Konzert, eine Performance und Lecture 

Demonstration ist die Arbeit eine Kombination von Lynchs Arbeit als Butoh Tänzer, 

Regisseur und Sänger. 

„Lynch schloss den Abend mit einer atemberaubenden Arbeit, ein virtuoses Stück.“ - 

Edward Scheer - Realtime: Australien 

„Stuart Lynch‘s neue Aufführung eröffnet das Tanzfestival „Dans-K“ im Kaleidoskop und 

es ist ein kompletter Hit: aufregend, wild und viel versprechend. „- Janus Kodal, Politiken 

News ZEITUNG Dänemark 

Stuart Lynch ist Regisseur, Performance-Künstler und Lehrer in Kopenhagen. Seine LYNCH 

COMPANY wird gefördert durch das Danish Arts Council „Kunststyrelsen“ und wird im Inland 

durch Paw Petersen geleitet. International ist er von der spanischen Firma Arts Management, 

DAVID BERGA MANAGEMENT vertreten. Ursprünglich als Bildhauer und Performance-Künstler 

absolvierte er die Lehre zu Min Tanaka und leitete seine Mai Juku Dance Company in den frühen 

neunziger Jahren. Seit seinem Ausscheiden aus Japan im Jahr 1993 leitete er Theater in Australien 

und Dänemark. Im Anschluss an sein Studium im Tanz hat er eine Ausbildung in Psychologie und 

Coaching und betreibt eine Praxis in Kopenhagen. 

B E R L I N- R E M I E R E: 


im DOCK 11


All Hail Bizango 

Performance Artists Play Music von und mit Jörn J. Burmester, Janine Eisenächer, Henrik 

Vestergaard Friis, Joy Harder, Stuart Lynch, Otmar Wagner präsentiert vom Performer 

Stammtisch 

Sechs Performancekünstler, vier Sound-Universen, ein Konzert. Die Solisten Otmar 

Wagner (Wien) und Stuart Lynch (Kopenhagen) treffen die Duos Das Prinzip (Henrik 

Vestergaard Friis, Kopenhagen, Jörn J. Burmester, Berlin) und Eisenaecher/Harder 

CLAIMS (Joy Harder, Janine Eisenächer, Berlin). 

Aus unterschiedlichsten Praxen und Gründen sind die Performer zum Musik-Machen 

gekommen, unterschiedlich sind ihre Techniken und Mittel. Sie reichen von der 

ethnologisch inspirierten Neu-Interpretation archaischer Rituale über die Umnutzung 

komplexer Hightech-Komponenten zur Obszönität der Keyboard-Presets. Die Neugier 

auf die Töne der anderen bringt sie zusammen. Wie defekte Raumschiffe landen 

ihre selbst gebastelten Soundstationen in der Halle des Dock 11. Dort packen sie die 

Trümmer ihres ästhetischen Gepäcks aus. Vier Positionen stellen sich in den Raum. 

Strategien kollidieren, Angebote zur gemeinsamen Klangerzeugung werden gemacht. 

Sie schieben ihre Teile zusammen, um zu hören, wie es zusammen klingt, und um das 

Fremde zu erkunden, das die unerhörten Klänge freisetzen. 

# Von und mit: Jörn J. Burmester, Janine Eisenächer, Henrik Vestergaard Friis, Joy Harder, Stuart 

Lynch, Otmar Wagner 

# Foto: Otmar Wagner 

Stuart Lynch: Regisseur und Performancekünstler, lebt in Kopenhagen. Seine LYNCH COMPANY 

wird vom Danish Arts Council „Kunststyrelsen“ gefördert und in Dänemark von Paw Petersen 

produziert. International vertritt ihn die spanische Agentur DAVID BERGA MANAGEMENT. 



W E I T E R E V O R S T E L L U N G : 


im DOCK 11


Eisenaecher/Harder CLAIMS 

Waiting For Cargo #10. We can only be present to the hearing world 

Das Berliner Performance-Duo Eisenächer/Harder CLAIMS (Janine Eisenächer, geb. 1983, 

und Joy Harder, geb. 1981) entwickelt Performances aus der Recherche ethnologischer 

Phänomene und kultureller Konzepte von Aneignung und Transformation. Waiting 

For Cargo ist der Titel einer Serie von Performances und Interaktionen und bezeichnet 

zugleich einen Pool von Performanceobjekten, Textmaterialien und künstlerischen 

Aktionen, den sie seit 2006 ständig weiterentwickeln. Waiting For Cargo #10. We can 

only be present to the hearing world geht vom brasilianischen Konzept der Antropofagia 

(Kannibalismus) aus und konzentriert sich auf Vorgänge körperlicher Einverleibung, auf 

körpergenerierte Sounds und soundgenerierte Körper. 

# www.eatwork.de 

Joy Harder, geboren 1981 in Hamburg, arbeitet seit 2006 als freischaffende Künstlerin und 

Performerin in Kontexten interdisziplinärer Forschungsprojekte und an thematisch-konzeptuellen 

Serien. Harder studierte Publizistik und Theaterwissenschaft an der Freien Universität Berlin und 

Theatre Design an der University of Glasgow. Ihr Interesse gilt momentan dem TIER in der Kunst 

und Vorgängen der Reanimation. 

Janine Eisenächer, geb. 1983 in Strassfurt, studiert Theaterwissenschaften und Allgemeine und 

Vergleichende Literaturwissenschaft an der Freien Universität Berlin. Sie entwickelt Performances, 

Ausstellungen und Interventionen. In ihrer Soloarbeit interessiert sie sich derzeit für imaginäre 

Reisen, Gender und ökonomische Strukturen. Eisenächer ist Kuratorin des Performer Stammtisch in 

Berlin und als Tutorin des Berliner Kunstverein Flutgraben e.V. 





im DOCK 11


Das Prinzip: Instant Incantations 

Das Prinzip wurde 2009 von Jörn J. Burmester (Stimme) und Henrik Vestergaard 

Friis (Sounds) gegründet. Sie spielten bisher in Berlin im HAU und in der Bar 

25, im Warehouse 9, Kopenhagen. Das Prinzip spielt immer live und will nie ein 

Album veröffentlichen. Die komplexen konzeptionellen Performances der Gruppe 

überschreiten sämtliche Genregrenzen. Kenner wollen Elemente von Dark Metal, 

Disco und Weird Folk heraus hören. Burmester und Friis planen, spätestens nächsten 

Dienstag berühmt zu werden. 

www.myspace.com/dasprinzipdasprinzip 

Jörn J. Burmester, geb. 1962, lebt als Performancekünstler, Kurator und Dramaturg 

in Berlin. Nach Anfängen im Freien Theater der 1980er Jahre und einem Studium der 

Angewandten Theaterwissenschaft in Gießen und New York entwickelt er seit 2000 Solo- und 

Gruppenperformances. Er kuratiert und organisiert Performanceveranstaltungen und Symposien, 

unter anderem als Gründungsmitglied und Kurator des Performer Stammtisch, eines Netzwerks 

für Performancekunst und Live Art in Berlin (www.performerstammtisch.de). 

Henrik Vestergaard Friis, geb. 1971 in Aalborg/Dänemark, studierte Theaterwissenschaft in 

Kopenhagen und Berlin. Er arbeitete mit Kanonhallen und Erik Pold in Dänemark, mit Balteatret 

and Verk Production in Norwegen. 1999 bis 2009 lebte er in Berlin. 2001 gründete er sein Label 

Zarathustra‘s Onkel, dessen Produktionen We come in Peace und Gerüstbauficken international 

tourten. Zarathustra‘s Onkels vorerst letzte Produktion, Das Kanonprojekt, zeigte er u.a. 2009 

im HAU in Berlin. Henrik ist der Herausgeber von zwei Anthologien, hat zahlreiche Artikel 

geschrieben und arbeitet als Kurator. 





im DOCK 11


Abfall eine Performance on Otmar Wagner 

Otmar Wagners Konzert- Performances bestehen aus einem Patchwork politischer, 

soziologischer, philosophischer Texte, Themen und utopischer Kartographien, die 

er in Songs und Soundscapes exorziert. Für All Hail Bizango entwickelt er, unter 

weitgehendem Verzicht auf multimedialen Aktionismus, einfache Songs mit einfachen 

Instrumentarien, Abfallprodukte seiner Beschäftigung mit Philosophie, Pop und Politik, 

formalästhetisch angelagert zwischen Hans Dieter Hüsch und Hansi Hinterseer, inhaltlich 

zwischen Heidegger und Cargo-Kult. 

Otmar Wagner, geb. 1966, betreibt Utopie- und Sehnsuchtsforschung. Daneben arbeitet er 

als Performer, Bühnenbildner, Regisseur und Bildender Künstler. Zahlreiche Kollaborationen (z.B. 

Wagner-Feigl-Forschung/Festspiele mit Florian Feigl, mit den Gruppen ‚norton.commander. 

productions‘ und ‚toxic dreams‘), sowie zahlreiche Produktionen und Gastspiele (z.B. Kampnagel 

Hamburg, Black Box Theatre Oslo, Mousonturm Frankfurt, WUK Wien, FFT Düsseldorf, Schlachthof 

Bern, perfectperformance Stockholm, Tanzbiennale Venedig, Stuk Leuven u.a.). Derzeit lebt Otmar 

Wagner in Wien und Ulan Bator. 





im DOCK 11

M U S I K 

CHASTITY 

post porn trash folk mIt Felix Ruckert im EDEN***** Cafe 

Chastity ist ein Gesangs-Duo aus Berlin, besetzt mit der extrem gut 

ausehenden Sängerin Chastity und ihrem hässlichen Bruder Cell an 

der akustischen Gitarre. Ihr äußerst origineller Stil kombiniert rohe 

Lagerfeuergitarre mit komplexem Harmoniegesang, eine außergewöhnliche 

Bühnenpräsenz mit so intelligenten wie expliziten Texten in Ohrwurmqualität. 

Ihre Lieder erzählen von Lust und Schmerz der Liebe und von der Liebe zu Lust 

und Schmerz. Ihr Gesang kommt von Herzen und fährt in Kopf und Lenden. 

Weinen und Lachen und sanfter Wahnsinn. Chastity macht ihr Publikum 

lustvoll und glücklich. 

Chastity tritt nur in Begleitung ihres treuen Hundes Clito und unter dem Schutz 

ihres Bodyguard Curd auf. 

# Chastity wird produziert und gemanagt von schwelle7 / Berlin 

KONZERT 


im EDEN

TANZ 

Alte Liebe 

ein Theater–Tanz–Projekt von Britta Pudelko und Stephan Müller 

für 4 Tänzerinnen und einen Jungmännerchor 

Zeit ist das Maß der Tradition und auch ihrer Verwerfung. Die Tanzkarrieren unserer 

vier Protagonistinnen sind schon lange zu Ende, die Körper und die Leidenschaften sind 

geblieben. Jetzt kehren sie tanzend auf die Bühne zurück. Technische Perfektion kann 

das Ziel nicht mehr sein. Sie befragen mit ihrem heutigen Wissen, ihren Erfahrungen, 

mit ihren Körpern ihre den jungen Körpern vorbehaltene alte Leidenschaft. Sie befragen 

ihren Inhalt, sie spielen damit, sie befragen sich selbst. Sie gehen das Risiko ein, sich 

einen anderen, neuen Raum zu schaffen, für ihren Ausdruck, für ihre Leidenschaft. Und 

sie riskieren, daran zu scheitern, die (eigenen) Maßstäbe sind hoch. Dieses Was mache 

ich mit mir und diesem Körper? heißt immer auch: Was bleibt von mir übrig? 

# Konzept & Inszenierung: Britta Pudelko, Stephan Müller 

# Performance: Liz King, Elke Kube, Sylvia Sadowski, Barbara Voß-Kindt, Andreas Brockmeyer, 

Malte Draeger, Koray Gültekin, Richard Henschel, Benjamin Krause, Florian Lenz, Moses Leo, 

Christian Müller, Sebastian Reich, Alexander Schmidt, Carsten Stier, Marko Uebel 

# Musikalisches Arrangement & Performance: Meik Schwalm 

# Kostüme: Nina Gundlach 

# Lichtdesign: Benjamin Schälike 

# Dramaturgische Beratung & Produktionsleitung: Gabi Beier 

# Kostümassistenz: Nora Ludwig 

# Regieassistenz: Hans Reichelt 

# Regiehospitanz: Natalie Hofmann 

# Foto: Christian Schroth 

# Gefördert durch den Hauptstadtkulturfonds 2010 




26.-28. November 2010 

im DOCK 11

T A N Z 

PI morphosen 

eine Produktion von Jo Fabian Department 

Mit „PI morphosen“, einer Komposition mit 16 Tänzerinnen und 3 Musikern, setzt Jo 

Fabian in der freien Tanzszene ein Zeichen gegen die Tendenz zum Duo/Solo aufgrund 

zunehmend knapper werdender Mittel. Für dieses einmalige Event öffnet das Dock 11 

erstmals das EDEN***** für eine große Bühnenproduktion. 

„Kreiert in einer von Pi strukturierten Inszenierung, ermöglicht diese es Jo Fabian, die zukünftige 

Mensch-Maschine-Einheit, die sowohl in der Lage sein wird, Emotionen als auch Daten zu 

verwerten, in kybernetische Systeme umzuwandeln. Durch die Überlagerung mit Feedbacks der 

Tänzer, entsteht ein sich selbst generierender Automat. Aus Mathematik entsteht Leben. Pi, seit 

der Antike ein Faszinosum, ist eine reelle wie auch transzendente Zahl, ein Näherungswert, der 

überall vorkommende Kreisformen berechenbar macht, aber dennoch mathematisch nie ganz 

exakt ist, da sich die Näherung ins Unendliche bewegt. Verlinkt mit Tanz, Raum, Musik und Licht, 

werden Strukturen sichtbar: Synchronität und Individualität, Tradition und Moderne, Berechnung 

und Emotion, Kybernetik und Evolution, Automatismus und Entscheidung, Verstand und Intuition, 

Sicht- und Unsichtbarkeit, Geheimnis und Offenbarung. 

Das Material Wirklichkeit verwandelt sich unter Eurer Beobachtung in eine Energieform der 

. Eine Landschaft der Momente, die sich in schier unendlichen Einheiten dem 

Tod nähern. Poesie und Stofflichkeit entspringen nicht länger dem inszenatorischen Hirn, sondern 

der Umwandlung von Beobachtungsergebnissen des Zuschauers in Sehnsucht.“ (Jo Fabian) 

# Regie, Bühne, Kostüme, Katagraphie, Video, Programmierung: Jo Fabian 

# Katagraphische Assistenz: Annegret Thiemann 

# Klavier: Nadezda Tseluykina 

# Schlagwerk, Electronics, Programming: Lars Neugebauer 

# Schlagwerk: Maria Schneider 

# Tänzerinnen: Sara Canini, Alessandra Defazio, Viviana Defazio, Ini Dill, Unita Gay Galiluyo, 

Fatima Gomes, Sahra Huby, Raisa Kröger, Lena Soon Hee Meierkord, Magali Moreau, Anne O. 

Poncet Staab, Kerstin Rünzel, Yuko Sato, Katja Scholz, Eva Sophia Sutter, Valentina Tonelli / Sonja 

Elstermann, Annegret Thiemann 

# Lichtdesign: Jan Langebartels 

# Technische Leitung: Chris Hinze 

# Sounddesign: Lars Neugebauer 

# Assistenz Produktion: Susanne Ogan 

# 2. Assistenz: Petra Farhan 

# Assistenz Ausstattung: Tania de Silva 

# Produktionsleitung: Anna Bergel 

# Presse- und Öffentlichkeitsarbeit: Silke Wiethe 

# Eine Produktion von Jo Fabian Department in Koproduktion mit dem Künstlerhaus Mousonturm 

Frankfurt/M und in Kooperation mit dem EDEN*****/ DOCK 11. Realisiert aus Mitteln des 

Hauptstadtkulturfonds und des Bezirksamtes Pankow von Berlin. Mit freundlicher Unterstützung 

von VWA-FahrWind. 

# Danke an Gerüstbau Tisch, 

Deutsches Theater und DOCK 11 EDEN******. 

PREMIERE: 

2. Dezember 2011 

WEITERE VORSTELLUNGEN: 

3./4./9./10./11./12. 

Dezember 2010

T A N Z 

PICNICS, WEDDINGS AND FUNERALS 

eine Tanzstück von Nir de Volff / TOTAL BRUTAL 

When was the last time you went to a PICNIC, a WEDDING or a FUNERAL because you 

wanted to?!! 

Nach MATKOT (am Strand) und MIDBAR (in der Wüste) präsentiert Nir De Volff / TOTAL 

BRUTAL nun die letzte Arbeit einer thematischen Trilogie: PICNICS, WEDDINGS & 

FUNERALS. 

In einem Garten im Nirgendwo, werden soziale Rituale, wie Hochzeit, Beerdigung und 

gemeinsames Mahl – in diesem Fall in Form eines Picknicks – bis zur Erschöpfung getanzt. 

Gesten und Symbole werden wie durch ein Vergrößerungsglas wiedergegeben, verzerrt 

und ins Übergroße ausgestellt. In drei nahezu filmästhetisch aufbereiteten Akten, die 

wie plötzliche Flashbacks der Akteure wirken, verschmelzen die Rituale miteinander. Die 

Körper der Performer sind zunächst auf die kulturellen Bewegungscodes des jeweiligen 

Rituals reduziert und beginnen schließlich darüber miteinander zu kommunizieren. In 

einer entropischen Bewegung kollidiert die Choreographie schließlich in einen emotionalapokalyptischen 

„Clash of Happiness“ – Hieronymus Bosch’s „Garten der Lüste“ im Global 

Village. Have you ever been at a wedding that felt more like a funeral? 

# Konzept & Choreographie: Nir De Volff 

# Von und mit: Florian Bilbao, Benjamin Block, Ariel Cohen, Elly Fujita, Katharina Maschenka Horn, 

Chris Scherer, Neta Shlein, Jochen Stechmann & Gäste 

# Musik: jayrope 

# Kostüme: Pieter Bax 

# Bühne: Nir De Volff & Anke Gänz 

# Lichtdesign: Felix Grimm 

# Grafik: Dorit Bialer 

# Choreographische Assistenz: Monica Ferrari 

# Pressearbeit: AUGUSTINPR 

# Produktionsleitung: Uli Decker 

# Projektkoordination & Öffentlichkeitsarbeit: ehrliche arbeit – Freies Kulturbüro 

# Foto: Gal Reichert 

# Eine Nir De Volff / TOTAL BRUTAL Produktion. Gefördert durch die Kulturverwaltung des 

Landes Berlin und den Fonds Darstellende Künste e.V. Unterstützt von und produziert im Dock11 

EDEN*****Berlin. 

www.totalbrutal.net 

ÖFENTLICHE GENERALPROBE: 

2. Dezember 2010 


3. Dezember 2010 


4./5./9./10./11. Dezember 2010 

im DOCK 11

DOCK11 Dokumentation 2010

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