drawing from what falls next to you - 10 Years HZT

drawing from what
falls next to you
3
HZT Berlin

6

drawing from what
falls next to you
HZT Berlin

4 Man lernt ja nicht das, was man lernen soll. Sondern eher
aus dem Augenwinkel.
Die Dinge, die hängen bleiben und uns prägen, geschehen
auf Nebenschauplätzen, am Rand, nebenher.
Im HZT wird häufig mit der Stoppuhr getimt, in Form von
Aufgaben getanzt und alles immerzu moderiert. Aber dann
wieder beginnt ein Semester mit einem Ritual, zu dem
Steine, Konfetti, Blüten gehören, die auf dem Hof verbrannt
werden.
Zwanzig Kilo Brotteig werden für ein Seminar vorbereitet,
um den Laib oder die Leiber zu erforschen.
Eine Bürobesprechung heißt Playground, Leitgedanke ist ein
Experiment mit Ratten im Drogenentzug.
Und plötzlich reißt jemand voller Verzückung das Fenster
auf, weil auf dem Campus im Kreis gejodelt wird.
Susanne Vincenz schaut mit frischem Blick auf das HZT. Sie ist seit 2016 Gastprofessorin.

5

6 Die Publikation drawing from what falls next to you
erscheint 2017 zum 10-jährigen Bestehen des
Hochschulübergreifenden Zentrum Tanz Berlin (HZT).
hochschul
übergreifendes
zentrum tanz berlin
Das HZT Berlin wird getragen von der Universität der
Künste Berlin (UdK) und der Hochschule für Schauspielkunst
»Ernst Busch« (HfS) in Kooperation mit TanzRaum-
Berlin, einem Netzwerk der professionellen Tanzszene
Berlins.

7

8 Einleitung I
drawing from what
drawing from what falls next to you ist eine Sammlung von
Texten und Zeichnungen, die skizzieren, was das HZT
heute ausmacht und was es morgen werden könnte.
Manche Texte drehen sich um ein spezielles Thema und
fragen: Was kommt als nächstes? Andere geben einen
Einblick in die Qualitäten und Werte, die wir nicht aus den
Augen verlieren möchten. In kurzen Momentaufnahmen
geben ehemalige Studierende, Lehrende oder Wegbegleiter*innen
einen persönlichen Einblick ins HZT. Zwischen
den Texten stößt man auf kleine Aufgaben. Inspiriert von
Efva Liljas 100 Exercises for a Choreographer and Other Survivors
fordern diese auf, etwas zu tun oder auszuprobieren.
Die Zeichnungen des Künstlers Andreas Töpfer begleiten
die formulierten Gedanken als eine Art kommentierendes
Echo.
Die folgenden Seiten sind eine Einladung, einzelne Texte
und Zeichnungen herauszugreifen, zwischen den Seiten
zu springen, kreuz und quer zu lesen und dabei zu entdecken,
was einem zwischen die Finger gerät und vor die
Füße fällt.

9

10 Einleitung II
what falls next
2010 erschien der Artikel Tanz studieren wie man Philosophie
studiert – das Experiment HZT von Constanze Schellow auf
dem Web-Portal des Goethe-Instituts. Der Text endete mit
dem Satz:
Man darf gespannt sein, ob das ungewöhnliche Konstrukt zwischen
Hochschulen und freier Kunstszene am Ende nur als kulturpolitische
Maßnahme oder als zukunftsfähiges innovatives
Modell in die Geschichte deutscher Tanzausbildungen eingeht.
Heute – zehn Jahre nach seiner Gründung und sieben Jahre
nach Erscheinen des zitierten Artikels – gilt das HZT als
eine der wichtigsten Ausbildungsinstitutionen für zeitgenössischen
Tanz und Choreographie in Europa.

Welche Veränderungen kündigen sich für das Studieren
von Tanz und für das Studieren an Kunst- und Musikhochschulen
insgesamt an? Wie aufmerksam und beweglich
muss ein Studienprogramm bleiben, wenn heute kaum
absehbar ist, wie sich künstlerische Arbeitsbedingungen
und Handlungsmöglichkeiten in der näheren Zukunft
verändern werden?
11
Die Theoretikerin Irit Rogoff beschreibt, dass Hochschulen
heute zunehmend zu Orten kollektiver und öffentlicher
Teilhabe werden. Studium und Forschung finden hier
nicht mehr isoliert und zurückgezogen statt, sondern in
und mit Gemeinschaften. Wie lässt sich diese Entwicklung
nutzen, um das Wissen und die Fähigkeiten, die in
Kunsthochschulen entstehen, breiter in der Gesellschaft
zu verankern? Wie können Künstler*innen zukünftige
Lebens- und Arbeitsentwürfe aus der Perspektive ihrer
Praxis mitgestalten? Welche gesellschaftlichen Handlungsräume
stehen Tanz und Choreographie offen und für
welche muss sich diese Kunstform erst noch öffnen?
Wo kann und muss ein künstlerisches Ausbildungszentrum
eigene Impulse geben, um weiterhin als Teil einer
Szene zu agieren und diese mitzugestalten?
Wir brauchen mutige Menschen, kluge Körper und
bewegliche Köpfe, die es verstehen, Tanz einen Schritt
weiter zu denken und Gedanken in neue Richtungen zu
spielen. Genau solche Menschen versucht das HZT auszubilden
und sich dabei selbst überholen zu lassen, denn die
Studierenden von heute sind die Lehrenden von morgen.

12 Ort
what falls where
In vielen deutschen Städten hat sich die lokale Tanzszene
unter dem Einfluss einer Ausbildungsinstitution entwickelt.
In Berlin verlief diese Entwicklung umgekehrt: Der
Impuls zur Gründung des HZT kam aus der seit Jahrzehnten
aktiven und dynamischen freien Szene.
Dieser Historie und dem Weitblick der beteiligten Personen
ist es zu verdanken, dass das HZT von Anfang an als
Teil der Uferstudios gedacht wurde. Im denkmalgeschützten
Ziegelbau-Areal der ehemaligen Zentralwerkstätten
der Berliner Verkehrsbetriebe (BVG) versammeln sich
Ausbildung, künstlerische Produktion, Präsentation und
Informationsangebote zu zeitgenössischem Tanz unter
einem Dach. Als Teil eines der lebendigsten Tanzorte in
Berlin, an dem ein ständiger Austausch zwischen Studierenden,
Künstler*innen und der Öffentlichkeit stattfindet,
kann das HZT beides bieten: den geschützten Raum einer
künstlerischen Ausbildung und die direkte Verbindung in
die Stadt und die internationale Szene.
→ 40 Kooperation → 60 Zeitraffer → 44 Berlin

13

14 Tanz
what gets you dancing
Kannst du tanzen? Egal ob du dich selbst oder andere
danach fragst, wahrscheinlich hat fast jede*r ein, zwei
Erinnerungen daran, wie es ist zu tanzen und sich dabei
großartig zu fühlen. Manche tanzen lieber wenn sie
alleine sind, andere brauchen erst mal ein Glas Wein.
Manchmal bist du selbst überrascht, wie ausgelassen und
fantastisch du tanzen kannst, vielleicht auf einer Hochzeit
oder während dieser einen Clubnacht. Und manchmal bist
du überrascht, weil du zwar Lust hättest zu tanzen, dich
jedoch nicht traust, auch nur vom Stuhl aufzustehen.
In seiner Medienpublikation Material for the Spine fragt der
Tänzer Steve Paxton, wie es kommt, dass wir glauben, Tanzen
müsse unterrichtet werden? Wie kommt es, dass wir
die Fähigkeit verlieren, einfach zu tanzen, wie Kinder es
tun? Was hindert uns daran zu tanzen – eine Aktivität, die
uns gut tut, die sozial und gesund ist?
Was müssten wir in unseren Schulen und Gesellschaften
verändern, um die Freude und Neugier am Tanzen nicht
zu verlieren?
Und jetzt? In genau diesem Moment? Was könnte dich
zum Tanzen bringen? Welcher Song? Welche Freunde?
→ 48 Öffnung → 52 Technik

15

16
Bring zwei
deiner Körperteile
zusammen,
die sich heute
noch nicht
berührt haben.
Sheena McGrandles ist in Nordirland auf dem Land aufgewachsen. Da es dort keinen
Tanzunterricht gab, hat sie Musikvideos aus dem Fernsehen auf VHS aufgenommen,
Moves in ihrem Zimmer geübt und Ballett aus einem Buch gelernt. Später hat sie am

17
Laban Centre in London und im Masterstudiengang Solo/Dance/Authorship (SoDA) am
HZT studiert. Sie ist Gastdozentin am HZT und Kodirektorin von Agora MOVE – einer
Plattform für Tanz und Choreographie in Berlin-Neukölln.

18 Zahlen
how many
1 Zentrum
2 Trägerhochschulen
3 Studiengänge
9 Studios
10 Studienabbrecher*innen in 10 Jahren
12 Lehrende, die sich 7 Stellen teilen
18 Mitarbeiter*innen insgesamt, 15 davon auf Teilzeitstellen
30 Studierende, die jedes Jahr beginnen und 30,
die ihr Studium abschließen
49 Nationalitäten in 10 Jahren
75 öffentliche Veranstaltungen pro Jahr
76 Studierende zusammen in allen 3 Studiengängen
109 verschickte Newsletter seit 2010
133 Kooperationen in 10 Jahren
141 Gäste pro Jahr
142 Absolvent*innen in 10 Jahren
255 Studienbewerber*innen pro Jahr
3.653 Tage HZT-Aktivitäten in 10 Jahren
729.902 Webseitenaufrufe seit 2013
1.750.000 Euro jährliches Budget
→ 60 Zeitraffer

19

20 Experiment
what if
Welche Bewegungssequenz steckt in meinem morgendlichen
Duschritual? Was, wenn das eine Choreographie
wäre? Wie sähe ein Tanz aus, der nur aus Umarmungen
besteht? Wie könnte eine Situation, die andere zum Tanzen
bringt, eine Choreographie sein?
Was verstehen wir unter Tanz und Choreographie, und
welche neuen Formen und Herangehensweisen an diese
Kunstform können wir entwickeln? Der Unterricht am
HZT versucht Situationen herzustellen, in denen Studierende
miteinander und im Dialog mit Lehrenden eine
forschende Auseinandersetzung mit Tanz und Choreographie
führen. Was war diese Kunstform zu verschiedenen
Zeiten, was ist sie aktuell und wie lässt sie sich immer
wieder neu erfinden?
Eine künstlerische Ausbildung, die nicht nur Gegebenes
und Bekanntes reproduzieren will, muss ein Umfeld für
experimentelle Formen des Lernens herstellen, in dem
Ideen zirkulieren und Gewissheiten ins Taumeln geraten
können.
→ 54 Ablenkung → 40 Kooperation

21

22
Ziehe ein Paar
lederne Bauhandschuhe
an. Im
besten Fall haben
die Handschuhe
über die Zeit ein
bisschen die Form
deiner eigenen
Hände angenommen.
Ziehe sie jetzt
aus und schmeiße
sie möglichst ohne

Umdrehungen
hoch in die Luft...
23
Gucke ihnen
dabei zu.
Wenn sie ihren
höchsten Punkt
erreicht haben,
stelle dir vor du
trägst sie noch.
Niels Bovri ist turntablist und construction and dance man. Mit seinem Körper, seiner Stimme,
viel Handwerkszeug, Elektronik und damit erstellter Musik forscht er u. a. nach dem
zeitgenössischen Handwerkerheld und dem Maximalismus. Dennoch stellt er sich in jeder
Arbeit die Frage, ob außer Fantasie überhaupt noch technische Mittel notwendig sind. Er
studierte von 2012 bis 2014 im Masterstudiengang Solo/Dance/Authorship (SoDA) am HZT.

24 Kollaboration
what brings us together
Als Kunstform, die fast nie alleine praktiziert wird, kennt
Tanz die unterschiedlichsten Arten der Zusammenarbeit.
Choreographie wird oft als kollaborative Praxis verstanden.
Die Künstlerin und Autorin Martina Ruhsam beschreibt,
wie es heute nicht allein darum geht, dass, sondern vielmehr,
wie und wie unterschiedlich wir im Tanz zusammen
arbeiten. In welcher Rolle sehen wir uns dabei – als Teil
eines Kollektivs, als Co-Choreograph*innen, als Fellow-Researchers,
als Ensemble, als Freunde oder als Kompliz*innen
in einer gemeinsamen Sache? Wie können Ideen sich
potenzieren und Entscheidungen getroffen werden?
Im Hochschulumfeld haben Studierende die Möglichkeit,
verschiedene Arbeitsweisen zu erproben, sich auszutauschen
und neue Formate der Kollaboration zu entwickeln.
Sich innerhalb wechselnder Projekt-Teams und als Teil
einer Gemeinschaft auszuprobieren, schult Fähigkeiten,
die auch gesamtgesellschaftlich von essentieller Bedeutung
sind: Wer mit anderen zusammenarbeitet, lernt, die
eigene Perspektive zu erkennen und zu kommunizieren,
Gruppenprozesse zu ermöglichen, Konfliktsituationen zu
lösen und sich immer wieder aufs Neue produktiv einzubringen.
→ 66 Bildung → 36 Diskussion

25

26 Erfolg
changing narrations of success
Studierende haben den Wunsch und das Ziel vor Augen,
nach dem Studium in ihrem Bereich erfolgreich arbeiten
zu können. Sie stellen sich die Frage: Wann bin ich als
Tanzschaffende*r erfolgreich? Ihre Vorbilder sind häufig
bekannte Künstler*innen, die durch Projektförderungen,
Residenzen, Aufführungen und Gastspielreisen in der
Tanzszene präsent sind. Das HZT kann auf viele ehemalige
Studierende verweisen, die sich inzwischen erfolgreich
im Tanz etabliert haben und nun ihrerseits zu Vorbildern
für die nächste Generation von Tanzschaffenden werden.
Heißt das automatisch, dass zukünftige Generationen
so arbeiten werden, wie die Tänzer*innen und Choreograph*innen,
die heute in der Szene als erfolgreich gelten?
Welche anderen Definitionen erfolgreicher Arbeit wären
denkbar, und welche alternativen Erfolgsgeschichten
müssten dafür im Studium und in der Tanzszene präsenter
werden? Wenn man die Aktivitäten der HZT-Absolvent*innen
verfolgt, findet man zahlreiche überraschende
Beispiele künstlerischer Arbeit abseits der üblichen
Plattformen – mit entsprechend geringer oder gar keiner
Sichtbarkeit in der Tanzszene. Beispiele dafür sind choreographische
Projekte in Schulen, künstlerische Arbeit mit
Amateurgruppen, bis hin zu ehemaligen Studierenden mit
beeindruckenden Zick-Zack-Karrieren, die Schnittmengen
herstellen, beispielsweise zwischen Tanz und Medizin.
→ 66 Bildung → 48 Öffnung

Weil solche Arbeit ebenso als Leistung und wichtiger
gesellschaftlicher Beitrag anzuerkennen ist, wurden diese
ungewöhnlichen Projekte am HZT in der Lecture-Reihe
rare tracks vorgestellt und erlangen seit 2016 eine stärkere
Sichtbarkeit im Newsletter. Mit diesem ersten kleinen
Schritt wollen wir ein Umdenken anstoßen, welche Leistungen
wie wahrgenommen und wertgeschätzt werden.
27

28 Zusammen mit neun anderen Studierenden nahm ich an
einem einwöchigen internationalen Austauschtreffen teil. An
der Wand im Eingangsbereich hing ein Plan mit den unterschiedlichen
Trainingsangeboten. Wir gingen in die Klassen,
für die wir uns eingetragen hatten, aber wir kamen immer
wieder zurück zu diesem Plan. Mit ratlosen Gesichtern fragten
wir uns, in welchem dieser Trainings wir gut aufgehoben
sein könnten und uns nicht ausgeschlossen fühlen würden.
Das Angebot schien weder für uns gemacht zu sein, noch
waren wir in einer der Klassen in unserem Element – oder
zumindest nahe dran. Nicht, dass wir es nicht versucht
hätten. Nicht, dass wir uns einfach nur widersetzen wollten
des Widersetzens wegen. Ich erinnere mich daran, wie ich
beweisen wollte, dass ich genauso trainiert wie die anderen
Studierenden bin, bis ich von einer Bewegungsfolge in den
Handstand ging und mich dabei an einer Ballettstange stieß.
Ich hatte es versucht. Aber ich war nicht dort, um irgendjemand
etwas zu beweisen und so hoffte ich, dass niemand
mich sehen würde, während ich mich beschämt davon
schlich. Schnell wurde klar: der Versuch, uns in etwas einzupassen,
was nicht für uns gemacht war, war zum Scheitern
verurteilt. Und obwohl es auch diese gute Art zu Scheitern
gibt, wie wir sie am HZT so schätzen, schien dies hier nicht
der Fall zu sein.
Daher überlegten wir uns, wie man diese Situation etwas
weniger deprimierend und inklusiver machen könnte. Einer
von uns schlug vor, in einem leeren Studio ein alternatives
Training anzubieten, das auf Austausch basieren sollte. Mit
Sara Mikolai ist Performerin, Tänzerin und Choreographin mit einem Hintergrund
in Bharatanatyam – einem klassischen indischen Tanzstil. In ihren Arbeiten verhandelt
sie sozio-politische Fragen, wie die Sichtbarkeit des Diasporischen, Trauma und
Gender. Als Künstlerin bewegt sie sich bevorzugt in Zwischenebenen und arbeitet

einem schwarzen Stift fügten wir unser Angebot dem Plan
hinzu. Diese Ergänzung markierte auf eine Weise unsere
Bedürfnisse und gab Raum für unsere Unterschiede. Und
gleichzeitig war dieses Angebot eine Chance, um unsere
persönlichen Praxen und Bedürfnisse gegenseitig kennenzulernen.
In den folgenden Tagen kamen Studierende aus
anderen Schulen zu unserem Angebot hinzu. Es war alles
DIY und sehr spontan, aber die Hierarchien hatten sich verlagert
und damit auch die Präsenz und Bedeutung unserer
Körper in Bewegung.
29
Mein Kommilitone führte uns durch ein langsames und sanftes
Warm-up, an dessen Ende wir auf dem Rücken lagen, mit
unseren Beinen und Pos in der Luft. Die nächste Anweisung
lautete: „Jetzt malt bitte mit eurem Anus eure Namen in die
Luft“, und sie war gefolgt von einem Kichern und konzentrierter
Stille – tatsächlich war es nicht so einfach und erforderte
Konzentration. Es war eine schöne Gelegenheit zu sehen,
wie mein Kommilitone sich aufwärmt. Mitzubekommen,
wie andere Menschen Kontakt zu ihrem Körper herstellen,
ist eine ungewöhnliche und wertvolle Information.
Nachdem andere mich darum gebeten hatten, gab ich eine
Stunde Bharatanatyam. Und mehr als alles andere hat es
großen Spaß gemacht, eine Gruppe mit so unterschiedlichen
Hintergründen zu unterrichten. Mir wurde bewusst, wie
verschieden die Herangehensweisen sein können, mit denen
Menschen versuchen, diverse Aspekte dieses indischen Tanzes
zu verstehen.
interdisziplinär, kollaborativ und solo. Sie studierte von 2013 bis 2016 im Bachelorstudiengang
Tanz, Kontext, Choreographie am HZT und gründete im Anschluss zusammen mit
der Künstlerin Tara Transitory das experimentelle Kollektiv und den Performance-Space
e x t a n t a t i o n in Nordthailand.

30 Unterschied
what gets lost
Egal ob im Team, bei den Studierenden, eingeladenen Gästen
oder in Kooperationen: Menschen mit verschiedenen
beruflichen und persönlichen Vorerfahrungen und unterschiedlichen
künstlerischen und kulturellen Hintergründen
bringen eine Vielzahl an Sichtweisen mit und ein, die
ein künstlerisches Umfeld bereichern.
Welche spannenden Künstler*innen und Kontexte verpassen
wir, weil wir sie nicht sehen? Und welchen Künstler*innen
entgeht das HZT, weil sie es nicht kennen?
→ 36 Diskussion → 64 Eingang

31

32 Künstlerische Forschung
what you know from doing
In jeder Praxis steckt Wissen. Besonders im Tanz stellt
sich die Frage: Wie können wir das im Tun enthaltene
Wissen erkennen und artikulieren? Um welche Formen
von Wissen handelt es sich dabei? Beispielsweise, zu
wissen, wie ich eine beobachtete Bewegung am eigenen
Körper nachvollziehen kann? Oder das Wissen und Bewusstsein
davon, wie viel Platz und welche Ausrichtung
mein Körper im Raum einnimmt?
Was fehlt uns bislang, um das Wissen, das im künstlerischen
Tun liegt, auch als solches erkennen zu können?
Welche andere Aktivität als die des Sprechens und Schreibens
könnte dieses Wissen lesbar und nachvollziehbar
machen?
Künstlerische Forschung birgt das Potenzial, dieses künstlerisch-praktische
Wissen zu erfassen, für andere zugänglich
zu machen und dabei die gängigen Wissensbegriffe
zu erweitern. Dafür muss Künstler*innen allerdings die
Möglichkeit gegeben werden, geeignete Herangehensweisen
und Formate einer solchen forschenden Praxis zu
entwickeln.
Aus diesem Grund plant das HZT in den kommenden
Jahren den Aufbau eines künstlerischen Fellowship-Programms,
das es Stipendiat*innen ermöglicht, in einem
→ 20 Experiment → 38 Wirkung → 46 Wissenschaftliche Forschung

über das HZT und Berlin hinausgehendem Netzwerk
künstlerische Forschungsprojekte zu realisieren. So
könnten künstlerische Ansätze und Formate entwickelt
werden, die dem spezifischen Praxiswissen choreographischer
Arbeit gerecht werden und es für andere erfahrbar
machen.
33

34 Schulter an Schulter mit einer Studentin gehe ich die Straße
zu den Uferstudios entlang. Wir laufen im Gleichschritt,
ohne dass wir das vereinbart hätten. In meiner rechten Hand
schwingt ein Hammer.
Wir gehen zügig und bestimmt, als hätten wir ein festes Ziel
vor Augen. Dabei haben wir nur die Aufgabe, schweigend
zehn Minuten lang nebeneinander die Straße entlang zu
gehen und dabei einen Hammer in der Hand zu halten. Diese
Anweisung haben uns vor ein paar Minuten zwei Studierende
des Bachelorstudiengangs Tanz, Kontext, Choreographie
gegeben. Sie ist Teil einer Prüfung, die ich zusammen mit einer
Kollegin abnehme. Die Studierenden hatten die Aufgabe,
sich einen Gegenstand auszusuchen und zu erforschen, wie
dieser den Körper oder dessen Wahrnehmung verändert.
Für die Prüfung sollten sie eine Übung entwickeln, die diese
Wahrnehmung für alle erfahrbar macht.
Im Gehen beobachte ich die Menschen, die uns entgegenkommen.
Manchmal bleiben ihre Augen einige Sekunden
auf meine rechte Hand gerichtet, um wenig später meinen
Blick zu suchen. Dann lächle ich ein wenig und sie lächeln
zurück. Ich fokussiere meine Aufmerksamkeit auch nach
innen: wie atme ich, wie setze ich die Ferse auf, wie schwingt
mein Arm, wie liegt der Hammer in meiner Hand?
Als wir eine Seitenstraße überqueren, fährt ein abbiegendes
Auto schnell und viel zu nah vor uns vorbei. Plötzlich spüre
ich deutlich das Gewicht des Hammers in meiner Hand und
seine Schwungkraft. Ich fasse den Griff etwas fester, beuge

leicht den Arm, richte meine Wirbelsäule einige Millimeter
weiter auf und muss den Impuls unterdrücken, auszuholen
und eine Beule in die Motorhaube des Autos zu schlagen.
35
Das Auto fährt vorbei, wir gehen weiter als wäre nichts
passiert. „Was war das?“ frage ich mich. Wie kommt es,
dass ich den Impuls und – ja, wenn ich ehrlich bin, sogar
die Lust – verspürt habe, mit dem Hammer auf das Auto
einzuschlagen?
Während wir immer weiter gehen, beobachte ich gespannt,
was der Hammer noch alles in mir auslöst. Vorbei an Schaufensterscheiben,
Rücklichtern, Straßenlaternen, einem auf
der Straße abgestellten Spiegel... Alles, was zerbrechlich
ist, beflügelt jetzt meine Fantasie. Erstaunt und auch leicht
irritiert realisiere ich, dass die Vorstellung, etwas zu zerschlagen,
Genugtuung in mir auslöst. Mehr noch, der Hammer in
meiner Hand ist eine potenzielle Waffe. Wenn ich wollte oder
müsste, könnte ich!
Ich bin beeindruckt von dem Effekt, den die Übung auf mich
hat. Gleichzeitig könnte sie kaum simpler sein. Hätte mich
vorab jemand gefragt, ob ich den alltäglichen Gang durch
die Stadt bedrohlich finde, hätte ich sicher verneint. Mit dem
Hammer in der Hand wird mir jedoch bewusst, dass sehr
wohl etwas in mir das Bedürfnis hat, sich verteidigen zu können.
Gegen die Stadt, die ich plötzlich als aggressiv empfinde.
Gegen den Straßenlärm, den Verkehr, das Geschrei oder
gegen die Menschen, die mich anrempeln. Unmittelbarer
lässt sich Körpertheorie kaum erfahren.
Britta Wirthmüller denkt, schreibt, plant und choreographiert am liebsten im Dialog mit
anderen. Sie ist seit 2011 künstlerische Mitarbeiterin am HZT und kann mit Höhenmesser
und Karte auch durch unmarkiertes Gelände navigieren.

36 Diskussion
what shapes your thought
Eine lebendige Diskussionskultur bietet Studierenden die
Erfahrung, dass Debatten Energie fordern, aber auch freisetzen
und dabei Denk- und Handlungshorizonte eröffnen
können.
Wie wird mir etwas klar oder wie kann ich meine Position
noch einmal überprüfen? Was verstehe ich durch die Argumente
anderer? Und wie macht man unterschiedliche
Perspektiven und Erfahrungen produktiv?
Fruchtbarer Austausch braucht nicht nur Zeit, sondern auch
eine Diskussionskultur, die Lust darauf macht, miteinander
zu sprechen. Dafür ist eine Bereitschaft notwendig, nicht
nur zuzuhören, sondern auch zu verstehen, nicht nur überzeugen
zu wollen, sondern sich auch von anderen überzeugen
zu lassen. Eine gelungene Diskussion lässt viele und oft
gegensätzliche Stimmen, Beobachtungen und Meinungen
zu Wort kommen und bietet Studierenden die Erfahrung,
dass es keine einheitliche Rezeption einer künstlerischen
Arbeit gibt.
→ 26 Erfolg → 30 Unterschied

37

38 Wirkung
what matters
Wir müssen Duchamps Urinal zurück in die Toilette bringen,
fordert die kubanische Künstlerin Tania Bruguera in ihrer
Einführung zu nützlicher Kunst und meint damit, dass Kunst
sich konkreter einmischen muss. Das Urinal zurück in die
Toilette bringen, damit es dort von Nutzen ist und Kunst
zurück zu gesellschaftlichen und politischen Realitäten
führen, wo künstlerische Praxis ganz real wirksam werden
kann.
Kunsthochschulen können leicht zu realitätsfremden und
elitären Blasen werden, in denen die betonte Unabhängigkeit
von Kunst zur Rechtfertigung für Arbeiten wird, die
sich nur auf sich selbst beziehen. Ausbildungsinstitutionen
können aber auch genau die geschützten Umgebungen
zur Verfügung stellen, in denen sich widerständige
künstlerische Strategien entwickeln lassen.
Das HZT möchte im Unterricht, beim Feedback und in
Diskussionen die Frage ins Zentrum rücken: Wie ist das
Verhältnis einer künstlerischen Arbeit und Praxis zu der
Welt, die sie umgibt? Nicht, um Antworten vorzugeben,
aber um Studierende herauszufordern, ihre eigene Arbeit
in diesem Zusammenhang zu hinterfragen: Zwischen einer
Kunst, die rein symbolisch agiert und einer Kunst, die
sich ganz real einmischt – wo verorte ich meine Praxis?
→ 66 Bildung → 36 Diskussion → 48 Öffnung

39

40 Kooperation
what to share
Das klappt ja gar nicht so, wie ich dachte.
In der Naturwissenschaft kündigt dieser Satz weitaus häufiger
neue Erkenntnisse an als der Ausruf: Ich habs! Auch
in Kooperationsprojekten kommt es immer wieder zu
Situationen, in denen beide Partner zugeben müssen: Das
hatten wir uns anders vorgestellt! Kooperationen sind ein
Realitäts-Check für alle Beteiligten. Sie rütteln an institutionellen
Routinen, entlarven unsichtbare Dogmen und
entfachen notwendige Debatten.
Eine der zentralen Gründungsideen des HZT war das
Eingehen von Kooperationen mit der lokalen Tanzszene
durch das Netzwerk TanzRaumBerlin. Kooperationen
regen zum Erfahrungsaustausch und zum Nachdenken
über die eigenen Arbeitsweisen an. Sie bieten Studierenden
die Möglichkeit, neue Netzwerke zu erschließen und
Erfahrungen in Umfeldern zu sammeln, die ihnen sonst
nicht offenstehen. Außerdem verschaffen sie Zugang zu
Ressourcen, über die ein Partner alleine nicht verfügt.
Wie lässt sich dieses bislang hauptsächlich mit Partnern aus
der Tanz- und Kulturszene erprobte Modell weiterdenken
und ausweiten? Welche Institutionen wären spannende
Kooperationspartner, um naheliegende, aber auch weniger
offensichtliche Schnittstellen mit anderen Arbeitsfeldern
und gesellschaftlichen Bereichen herzustellen?
→ 66 Bildung → 36 Diskussion

41

42
Wenn du irgendwo
ankommst, zeichne
deinen Weg zu
diesem Ort auf
ein großes Stück
Papier. Versuche,
dich an die Formen,
Gefühle, Gerüche,
Geräusche,
Gedanken und
Beobachtungen
zu erinnern, die

dir auf dem Weg
begegnet sind.
Benutze sie, um
deine Zeichnung
mit Erklärungen
zu versehen.
43
Für Sophia New sind das Leben und die Kunst nicht so einfach zu entheddern; alltägliche
Handlungen sind es ihr allemal wert, diese künstlerisch zu reflektieren. So arbeiten
sie und Daniel Belasco Rogers als Künstlerduo plan b seit über zehn Jahren mit der
Aufzeichnung von GPS-Daten ihrer alltäglichen Wege und all ihrer Textnachrichten.
Sophia New ist seit 2012 als Gastdozentin und Gastprofessorin am HZT tätig, wo sie
auch das Feedback Format Makers Open entwickelt hat.

44 Berlin
what stays unfinished
Das HZT wäre nicht, was es ist, ohne die Berliner Tanzszene:
Diese bietet nicht nur ein Umfeld, um vielfältige künstlerische
Projekte zu erleben, sondern auch zahlreiche Möglichkeiten,
Kooperationen einzugehen oder internationale
Künstler*innen als Lehrende einzuladen. Tanzschaffende
aus der ganzen Welt schätzen Berlin als Ort, an dem Ideen
und Debatten rund um Tanz lebhaft zirkulieren.
Nicht nur die Tanz- und Kunstszene, auch die gesamte
Stadt hat sich in den letzten Jahren zunehmend internationalisiert.
Vor dem Hintergrund dieses Wandels gilt es
Atelier- und Studioräume zu sichern, damit Künstler*innen
nicht wie in anderen europäischen Metropolen aus
wirtschaftlichen Motiven aus der Stadt verdrängt werden.
Hierzu Stellung zu beziehen und zusammen mit Partnern
lokale Initiativen zu unterstützen, auch hierin sieht das
HZT seine Aufgabe.
Berlins sich ständig wandelndes künstlerisches Umfeld
und die internationalen Entwicklungen sind aber vor
allem eines: eine ständige Erinnerung daran, offen und
unfertig zu bleiben, um auf das zu reagieren, was noch
kommt.
→ 12 Ort

45

46 Wissenschaftliche Forschung
what you know about what I do
Wissenschaftliche Forschung, die den direkten Austausch
mit der künstlerischen Praxis sucht, ist für ein künstlerisches
Studienumfeld interessant und bereichernd. Welche
Bedingungen wären ideal für eine Forschung, die sich an
und in das Praxisfeld von Tanz begeben will? Wie können
Synergien zwischen künstlerischer und wissenschaftlicher
Forschung weiter wachsen?
Wissenschaftliche Arbeit kann als Untersuchung und
Nachdenken über Bestehendes beschrieben werden.
Manchmal ist sie auch ein Vordenken von neuen, noch
nicht existierenden Szenarien, die überhaupt erst aus diesen
Gedanken entstehen können. Das HZT möchte Räume
schaffen für Nach- und Vordenker*innen.
2013 wurde das HZT Research-Labor eingerichtet. Es bietet
assoziierten Forschungsprojekten die Möglichkeit, in unmittelbarer
Nähe zur künstlerischen Praxis zu arbeiten. In
den nächsten Jahren möchte das HZT neben dem Aufbau
eines künstlerischen Forschungsschwerpunkts bisherige
Kooperationen im Bereich der wissenschaftlichen Forschung
ausbauen. Einen Fokus sollen dabei Projekte bilden,
die eine direkte Verbindung zur tänzerischen oder choreographischen
Praxis herstellen. Dies können sowohl tanzwissenschaftliche
Forschungsprojekte sein als auch Projekte,
die sich aus der Perspektive anderer Fachgebiete mit
Tanz, Choreographie, Körper und Bewegung beschäftigen.
→ 32 Künstlerische Forschung → 40 Kooperation

47
Art has (at least) two things in common with life, love, and
politics. Sooner or later two questions will present themselves:
“Now that we are here, what are we going to do?“ and,
“How are we to know what is best to be done?“ One is the
question of practice, the other that of theory.
Jan Verwoert

48 Öffnung
who’s at your dance
Die Autorin eines fiktiven Artikels in einer deutschen
Zeitung aus dem Jahr 2027 merkt an: Tanz hat in den letzten
zehn Jahren eine beachtliche Öffnung in die Gesellschaft vollzogen,
und im Gegenzug ist es gelungen, dass sich die Gesellschaft
dem Tanz öffnet...
Eine solche Öffnung, die in Ländern wie Belgien, den
Niederlanden und England bereits real und weit vorangekommen
ist, steht in Deutschland noch aus. Wenn wir es
mit der gesellschaftlichen Relevanz von Tanz und Choreographie
ernst meinen, müssen wir darüber nachdenken,
welche Öffentlichkeit wir wie erreichen und einbinden,
aber auch welche Lebenswirklichkeiten wir an unsere
künstlerischen Prozesse und an uns heranlassen. Wer die
etablierten Kunstorte verlässt, kann andere künstlerische
Formate für Tanz und Choreographie erfinden, aber auch
andere Themen aufgreifen und sich mit anderen Sichtweisen
konfrontieren.
Durch Projekte außerhalb der gängigen Spielorte, durch
die Einladung von Gastkünstler*innen und in Kooperationen
möchte das HZT zukünftig eine solche Öffnung voranbringen.
Neben der Möglichkeit, performative Arbeiten
für die Bühne oder Ausstellungsräume zu entwickeln, erhalten
HZT-Studierende daher auch die Gelegenheit, sich
außerhalb der etablierten Formate auszuprobieren. So
→ 38 Wirkung → 20 Experiment

werden die studentischen Sommerprojekte des Masterstudiengangs
Choreographie 2017 erstmals im Stadtraum
präsentiert. In Vorbereitung ist außerdem das HZT-Forschungsvorhaben
Das Choreographische Dorf, ein Projekt,
in dem Künstler*innen eingeladen werden, choreographische
Arbeiten in ländlichen Gebieten zu entwickeln.
49

50 Jedes Jahr im Juli lädt das HZT im Rahmen des UdK-Rundgangs
zu studentischen Showings in die Uferstudios ein.
Einmal kam ich im Anschluss dieser Präsentationen mit einer
Besucherin ins Gespräch, die Bildhauerin war. Sie fragte
interessiert, was das Besondere am Studium im HZT sei. Ich
erzählte ihr, dass nicht alle von vorneherein das Gleiche lernen
wie beispielsweise bestimmte Tanzstile und -techniken.
Ein besonderer Fokus liegt dagegen darauf, dass Studierende
eigene Projekte entwickeln, oft in Gruppen, und dass sie
sich dann mit Unterstützung der Lehrenden das Wissen und
die jeweiligen Techniken aneignen, die sie für ihr aktuelles
Projekt benötigen.
Die Besucherin meinte daraufhin: Jetzt verstehe ich, ihr
macht das so wie im Studium der Bildhauerei. Da lerne
ich auch jeweils diejenige Technik, die ich für eine nächste
Skulptur ausprobieren möchte. Dann strahlten ihre Augen,
als sie ergänzte: Mensch, mit meinen Händen und mit all
dem, was ich als Bildhauerin über Körper weiß, – da hätte ich
bei euch auch Tanz studieren können.
Mir wurde durch ihre Reaktion bewusst, dass eine solche
Vorgehensweise im Studium der Bildenden Kunst üblich
scheint, für ein Tanzstudium aber immer noch als außergewöhnlich
wahrgenommen wird.
Eine HZT-Studentin hat es Jahre später sehr gut auf den
Punkt gebracht, als sie meinte:

Irgendwann habe ich aufgehört, das HZT als Tanzschule zu
begreifen. Es gab diesen Moment, an dem ich es für mich
neu formuliert habe, als eine Kunstakademie mit einem Fokus
auf den Körper.
51
Nik Haffner empfand nicht sein Tanzstudium, sondern die Jahre in seinem ersten
Tänzer-Job bei William Forsythe als seine eigentliche künstlerische Ausbildung. Als
Leiter des HZT betrachtet er seine Arbeit weniger als Leiten, sondern vielmehr als
Bauen – zum Beispiel das Bauen von Partnerschaften, Netzwerken und Werkzeugen
oder einer gemeinsamen Kultur und Community im HZT.

52 Technik
what triggers when you hear ‘virtuosity’
Der Science-Fiction-Film Virtuosity erhält 1996 schlechte
Kritiken – er sei glatt und seine Darsteller*innen blass.
Tanz wird oft mit virtuoser Darbietung assoziiert, auch
wenn im zeitgenössischen Tanz seit einigen Jahren debattiert
wird, ob der Begriff Virtuosität nicht überschätzt
oder sogar überholt sei. Virtuosität wird häufig reduziert
auf ein bis zum Extrem ausgereiztes technisches Können:
tanztechnisch perfekt, aber ansonsten leer, glatt und blass.
Dabei existieren heute im zeitgenössischen Tanz vielfältige
Techniken, individuelle Fähigkeiten und alternative
Körperbilder. Sich virtuos bewegen, virtuos denken,
bis hin zu einem hohen Grad an Körperwissen, Wahrnehmungssensibilität
und Offenheit für Anderes – wie
können wir den Begriff des Virtuosen über das Handwerklich-Technische
hinaus öffnen und erweitern?
→ 54 Ablenkung → 14 Tanz

53

54 Ablenkung
wasting time productively
Was ist unsere Aufmerksamkeit wert? Offensichtlich viel:
Sobald wir ein Geschäft betreten, im Internet surfen oder
durch die Stadt spazieren gehen, winkt und wedelt überall
sofort etwas, das um unsere Aufmerksamkeit buhlt. Mich
bei all diesen Ablenkungen auf etwas zu fokussieren, ist
eine Herausforderung. Wenn ich mir den Wert meiner
Aufmerksamkeit bewusst mache – kann ich dann klarer
darüber entscheiden, von was und wann ich mich ablenken
lasse und wann nicht?
Künstlerische Studiopraxis braucht Aufmerksamkeit. Und
manchmal braucht sie gezielte Ablenkung. Künstlerisch
arbeiten heißt, Dingen in einem Maße Zeit und Aufmerksamkeit
zu widmen, wie wir es im Alltag selten tun.
Egal ob ich alleine oder als Teil einer Gruppe arbeite – wie
kann ich einen Raum schaffen, in dem wir uns auf etwas
einlassen und neue Erfahrungen machen können? Wie
viel Zeit, wie viel Aufmerksamkeit oder Ablenkung muss
ich Prozessen geben, damit etwas Unerwartetes passieren
kann?
→ 20 Experiment → 66 Bildung

55

56
Geh schwimmen.
Stell dich unter
die Dusche und
lass das Wasser
verschiedene Teile
deines Körpers
treffen, während
du stehst, sitzt
oder liegst. Do it.

57
Efva Lilja ist Choreographin, Forscherin, Autorin und Kuratorin. Sie denkt und arbeitet
über Disziplinen und Grenzen hinweg, verbringt gern Zeit mit Freunden und in der
Natur. Sie ist seit 2015 Mitglied des HZT-Beirats.

58 Feedback
how to be frank
Studierende verwenden viel Zeit und Energie auf die Entwicklung
ihrer künstlerischen Arbeit und werden dabei
durch Lehrende und Mentor*innen begleitet. Wie unterstützt
man junge Künstler*innen darin, sich die besonderen
Qualitäten und Schwächen ihrer Arbeit bewusst zu
machen? Wie kann man ihnen über Feedback eine konstruktive
und gleichzeitig herausfordernde Reibungsfläche
bieten? Welche gegenseitige Aufrichtigkeit ist notwendig,
damit man trotz flacher Hierarchien Tacheles reden kann
und eine ehrliche Peer-Debatte über künstlerische Arbeiten
im Team und mit Studierenden führt? Diskussionen
und Feedback brauchen klare Vereinbarungen und Vertrauen,
damit der Meinungsaustausch nicht weichgespült,
sondern als ernsthafte Auseinandersetzung geführt wird,
an der alle wachsen – auch die künstlerische Praxis.
Seit 2014 kooperiert das HZT mit den Uferstudios im
Rahmen der jährlich stattfindenden Feedback-Labore, an
denen Berliner Tanzschaffende, Studierende und Lehrende
des HZT sowie internationale Gäste teilnehmen. Im
Unterrichtsformat Makers Open zeigen Studierende aller
drei Studiengänge work-in-progress-Skizzen und geben
einander Feedback.
→ 24 Kollaboration → 26 Erfolg

59

60 Zeitraffer
what happened
2006 Das HZT startet als Pilotprojekt im Rahmen von Tanzplan
Deutschland, einer Initiative der Kulturstiftung des
Bundes zur Förderung des Tanzes.
2007 Die ersten Studierenden werden aufgenommen.
2009 Das HZT-Team macht erstmals eine mehrtägige
Klausurtagung auf dem Land – die seither jährlich stattfindenden
AwayDays.
2010 Die drei Studiengänge werden in den regulären Studienbetrieb
der UdK Berlin und HfS »Ernst Busch« übernommen.
Umzug in die Uferstudios in Berlin-Wedding.
2013 Mit dem Einzug des Masterstudiengangs Choreographie
in die Uferstudios sind nun alle drei Studiengänge unter
einem Dach.
2017 Das HZT feiert sein 10-jähriges Bestehen.
→ 12 Ort → 18 Zahlen → 44 Berlin

61

62 Manchmal fallen sie mir gleich frühmorgens ins Auge: die
teils verrotteten, teils nach sieben Jahren immer noch erstaunlich
frisch leuchtenden Reste von grünem Klebeband
an der Eingangstüre zum heutigen Büro der Uferstudios
GmbH, meinem Arbeitsplatz. Fremde rätseln, welche Buchstabenfolge
sich wohl ergäbe, wären die Lücken der Klebebandreste
geschlossen. Ich erinnere das Wort deutlich: AF-
FAIRS. So hieß 2010 das Festival des neuen Studiengangs
im ebenso noch neuen Hochschulübergreifenden Zentrum
Tanz Berlin. Die Plattform war von den Studierenden selbst
organisiert, ihr Festival-Büro war Zentrum des kollektiven
Planungsprozesses. Bei AFFAIRS wurden viele Ideen im
Moment kreiert und manche auch sofort wieder verworfen.
Unterschiedliche Hintergründe der Studierenden und die
Suche nach eigenen künstlerischen Ansätzen generierten
eine ästhetische Diversität und spiegelten gleichzeitig den
Geist der neuen Ausbildungsinstitution wider. Mit ihren
individuellen Arbeitsweisen und ohne hierarchische Reglementierung
tauchten die Künstler*innen kollektiv in die
AFFAIRS ein. Auch wenn die kollektive Arbeitsweise nicht
ohne etwas Durcheinander und Leerlauf auskam, war es für
mich ein nachdrückliches, sehr lebendiges und überraschendes
künstlerisches Ereignis. Als Leiterin der Tanztage Berlin
hatte ich zuvor schon viele Schulaufführungen besucht,
aber dieses Festival bleibt mir spannender und lehrreicher
in Erinnerung, weil es sich nicht darin erschöpfte, Gelerntes
lediglich zu repräsentieren.

Wenn das HZT ohne Angst vor AFFAIRS (= Skandalen) den
studierenden Künstler*innen den Freiraum und die Zeit für
Verdichtung und Konfrontation künstlerischer Arbeitsweisen
ermöglicht, ist dies von hohem Wert. Umso mehr wenn dies
damit einhergeht, sich über den gesellschaftlichen Kontext
bewusst zu werden und nach wirksamen Strategien auch für
künstlerische Freiheit nach dem Ende des Studiums zu suchen.
Ich hoffe, die organisierte Szene der freien Tanzschaffenden
Berlins, die als Geburtshelferin für das HZT agierte,
bleibt am Ball und vergisst ihre unterstützende und kritische
Rolle nicht – das HZT bleibt unsere AFFAIR!
63
Barbara Friedrich legt Herz und Seele in ihre Arbeit und nimmt sich dennoch oft
Zeit für das Gespräch am Fenster ihres Büros. Sie ist Mit-Knüpferin des Netzwerks
TanzRaumBerlin und entwickelte die Uferstudios für zeitgenössischen Tanz zu einem
inspirierenden Ort, der auf Offenheit und Partizipation setzt.

64 Eingang
which doors could be yours
Immer noch kursiert weitläufig die Annahme, dass nur
Tanz studieren kann, wer bestimmte Stile tanzt und das
von Kindheit an. Egal, ob sie aus dem Hip-Hop, dem indischen
Tanz oder dem Bereich physical theatre kommen,
ob sie zuvor ein Soziologie- oder Mathematikstudium
absolviert haben – oft sind Bewerber*innen überrascht,
wenn sie einen Studienplatz angeboten bekommen. Für
viele war es alles andere als naheliegend, sich überhaupt
zu bewerben.
Am HZT werden Menschen aufgenommen, die das künstlerische
Potential mitbringen, sich mit Tanz als Kunstform
und mit seinen Bezügen zu heutigen Gesellschaften
auseinanderzusetzen. Alter, tanztechnische Vorkenntnisse
oder körperliche Voraussetzungen sind dagegen, anders
als in vielen anderen Studiengängen für Tanz, nicht ausschlaggebend.
Wie können wir zukünftig mehr qualifizierte Bewerber*innen
erreichen, die von selbst nicht auf die Idee kämen, sich
für ein Tanz- und Choreographie-Studium zu bewerben?
Wie findet man die interessanten Köpfe, die vielleicht
noch nie etwas von einer derartigen Ausbildung gehört
haben? Wie muss gerade in Deutschland das künstlerische
Niveau tänzerischer Vorausbildung verbessert werden,
damit mehr Menschen sich auf ein entsprechendes Tanzund
Choreographie-Studium vorbereiten können?
→ 14 Tanz → 30 Unterschied

65
Movement art – one could say rather than dance – is really
about refining the intelligence of our human behaviour.
Gill Clarke

66 Bildung
too many or not enough
15 BA- und 15 MA-Studierende machen jedes Jahr am HZT
ihren Abschluss. Sind 30 Absolvent*innen zu viele oder
nicht genug?
Betrachtet man ausschließlich die bislang gängigen
beruflichen Perspektiven im Tanzsektor, die durch internationalen
Wettbewerb und starke Konkurrenz geprägt
sind, sind 30 weitere Tanzschaffende pro Jahr viel. Betrachtet
man diese Zahl jedoch vor dem Hintergrund, dass
Kreativität heute zu einer der wichtigsten Fähigkeiten
in fast allen Berufsfeldern zählt, liegt die Antwort nahe,
dass noch nicht genügend Menschen in künstlerischen
Bereichen studieren. Denn verbunden mit der Frage, wie
wir zukünftig arbeiten werden, stellt sich auch die Frage
nach neuen Lebensentwürfen und gesellschaftlicher Teilhabe.
Kollaborative Arbeitsweisen, soziale Kompetenzen,
Selbstmanagement und Fragen der Vermittlung sind mittlerweile
wichtige Inhalte künstlerischer Studiengänge.
Daher ist die Ausbildung kreativ denkender und künstlerisch
agierender Menschen für unsere sich wandelnden
Gesellschaften auch jenseits der traditionellen Kunstoder
Tanzberufe relevant.
→ 26 Erfolg → 24 Kollaboration

67

68
Gib dir selbst eine
Aufgabe, die dich
reizt und dir gleichzeitig
Angst macht
und versuche, sie
zu erfüllen.
Irina Demina setzt sich in ihrer choreographischen Arbeit mit Utopien, Zauberei und
Fantasiewelten auseinander. Sie findet es aufregend, eigenen Ängsten zu begegnen und
diese zu überwinden. Sie studierte von 2014 bis 2016 im Masterstudiengang Choreographie
am HZT. Ihre Abschlussarbeit Traumlabor war ein Tanzstück für junges Publikum in
Kooperation mit dem Theater Strahl Berlin.

69

70 Index
Zeichnungen / Drawings
← 9 Einleitung I
→ 83 Introduction I
← 13 Ort
→ 87 Location
← 15 Tanz
→ 89 Dance

← 19 Zahlen
→ 93 Numbers
← 27 Erfolg
→ 101 Accomplishments
← 21 Experiment
→ 95 Experiment
← 31 Unterschied
→ 105 Difference
← 25 Kollaboration
→ 99 Collaboration
← 33 Künstlerische Forschung
→ 107 Artistic Research

← 37 Diskussion
→ 111 Discussion
← 45 Berlin
→ 119 Berlin
← 39 Wirkung
→ 113 Effect
← 49 Öffnung
→ 123 Opening
← 41 Kooperation
→ 115 Cooperation
← 53 Technik
→ 127 Technique

← 55 Ablenkung
→ 129 Distraction
← 67 Bildung
→ 141 Education
← 59 Feedback
→ 133 Feedback
← 61 Zeitraffer
→ 135 Time Lapse

74 Referenz
Deutsch / English
8 / 82 Efva Lilja: 100 Exercises for a Choreographer and
Other Survivors, 2012
10 / 84 Constanze Schellow: Tanz studieren wie man Philosophie
studiert – das Experiment HZT, 2010
11 / 85 Irit Rogoff: Fugitive Study, Infrastructure and Education,
Vortrag im Rahmen der Konferenz Rethinking
Art Education, 2015
14 / 88 Steve Paxton: Material for the Spine. A Movement
Study, 2008
24 / 98 Martina Ruhsam: Kollaborative Praxis: Choreographie.
Die Inszenierung der Zusammenarbeit und ihre
Aufführung, 2011
38 / 112 Tania Bruguera: Introduction on Useful Art, 2011
47 / 121 Jan Verwoert: No new kind of duck. Would I know
how to say what I do?, 2016
58 / 132 Labor zu Feedback in künstlerischen Prozessen, im
Rahmen von Life Long Burning (LLB), Kulturprogramm
der Europäischen Union
65 / 139 Gill Clarke in: Katrina McPherson, Simon Fildes:
Energy Sculpting Part1, Videodokumentation eines
Improvisations-Workshops von Kirstie Simson
und Gill Clarke, 2006

Credits
Impressum / Imprint
75
Konzept / Concept: Nik Haffner, Britta Wirthmüller
Herausgeber / Publisher: HZT Berlin
Design: milchhof atelier: Carsten Stabenow, Andreas Töpfer
Zeichnungen / Drawings: Andreas Töpfer
Lektorat Deutsch / Editing German: Frank Weigand
Lektorat Englisch / Editing English: Ruby Wilson
Übersetzung / Translation: Christopher Langer
Druck / Print: Ruksaldruck
ISBN: 978-3-00-056366-9
www.hzt-berlin.de
Sofern nicht anders gekennzeichnet sind alle Texte dieser Publikation in
gemeinsamer Autorschaft von Nik Haffner und Britta Wirthmüller entstanden.
Grundlage hierfür waren die vielen Gespräche der vergangenen zwei
Jahre, die innerhalb des HZT-Teams sowie mit Studierenden, Gastlehrenden,
Kooperationspartnern und dem HZT-Beirat geführt wurden.
Eine Institution wäre nicht, was sie ist, ohne die Menschen, die in
ihr und für sie wirken. Allen ehemaligen und aktuellen Studierenden,
Mitarbeiter*innen, Gästen, den Partnerhochschulen, dem TanzRaumBerlin
Netzwerk und allen Wegbereiter*innen und Wegbegleiter*innen, sei an
dieser Stelle herzlich gedankt für die ersten zehn Jahre des HZT Berlin.
Unless listed otherwise, texts in this publication were created in co-authorship by
Nik Haffner and Britta Wirthmüller. Many conversations that took place in the
last two years among the HZT team as well as among students, guest teachers,
cooperation partners and the HZT advisory board were the basis for this project.
An institution wouldn’t be what it is without the people who work in it
and for it. All past and current students, staff, guests, partner universities, the
TanzRaumBerlin network and all who have accompanied the process so far: a
heartfelt thank you for the first ten years of the HZT Berlin!

drawing from what
falls next to you
HZT Berlin

78
You never learn what you are supposed to. Instead, you learn
from what you catch in the corner of your eye.
The things that stick, that continue to influence us, happen
first in our periphery, at the edges, by chance.
At HZT, sessions are often timed with stopwatches, choreographies
are developed out of tasks and everything is constantly
being facilitated by a moderator… And then, out of
nowhere, a semester might begin with a ritual that includes
rocks, confetti and blossoms being burned in the courtyard.
Twenty kilograms of dough are prepared for a seminar that
explores the relationship between loaves of bread and human
flesh.
An office meeting is called playground; the motivating concept
being an experiment where cocaine addicted rats go
cold turkey.
And suddenly someone, full of joy, rips open a window, because
people are yodelling in the courtyard.
Susanne Vincenz takes a fresh look at the HZT. She has been a guest professor since 2016.

79

80 drawing from what falls next to you is being published in
2017 for the 10 th anniversary of the Inter-University Centre
for Dance Berlin (HZT).
hochschul
übergreifendes
zentrum tanz berlin
The Inter-University Centre for Dance Berlin is administered
by the University of the Arts Berlin (UdK), Hochschule
für Schauspielkunst »Ernst Busch« (HfS) in cooperation
with TanzRaumBerlin, a network of Berlin’s professional
dance scene.

81

82 Introduction I
drawing from what
drawing from what falls next to you is a collection of texts
and images. It creates a sketch of what HZT has become,
and what it could become tomorrow.
Some texts touch on specific subjects relevant to HZT and
ask: what next? Other texts introduce our perspective on
what we consider to be the qualities and values that we do
not want to lose sight of. Short snapshots from past students,
teachers or other companions from various points
along our path offer personal insights into HZT. You will
stumble across some simple tasks among the following
texts. Inspired by Efva Lilja’s 100 Exercises for a Choreographer
and Other Survivors, they were written as invitations
for you to do or try some things. Drawings by the artist
Andreas Töpfer echo the thoughts formulated in the texts
and serve as an accompanying commentary.
The following pages invite you to pick out particular texts
or drawings, to jump from page to page and to read from
up to down or crossways and, in doing so, discover what
falls next to you.

83

84 Introduction II
what falls next
The article Studying dance like you study philosophy – the
HZT experiment by Constanze Schellow was published on
the Goethe-Institut web portal in 2010. The text ended
with the statement:
We can all ponder whether the unusual construction that exists
between universities and the independent art scene will enter
into the history of German dance education simply as a measure
of cultural politics or as a sustainable and innovative model.
Today, ten years after its founding and seven years after
the above article was published, HZT is considered one of
the most important educational institutions for contemporary
dance and choreography in Europe.

Which changes to the study of dance – and the studying
of art and music in general – are on the horizon? How
alert and flexible must a study programme be if we can
only barely anticipate how artistic working conditions and
available courses of action for artists might change in the
near future?
85
The theoretician Irit Rogoff describes how universities
today are increasingly becoming locations for collective
and public participation. Studies and research no longer
take place in isolation or seclusion, but rather within
and alongside communities. How can we use this development
to anchor the knowledge and abilities that are
cultivated in art schools to a larger proportion of society?
How can artists shape the ways we think about living and
working in the future? What possibilities for social action
already exist for dance and choreography? And which
avenues for change does this art form still need to wake
up to and strive to access? In which contexts is it possible
and necessary for an artistic educational centre to offer
impulses in order for it to continue being an influential
part of the local dance scene?
We need brave people, intelligent bodies and flexible
minds that understand how to take dance one step further,
who can move their ideas in new directions. HZT
tries to educate precisely these kinds of people, and is willing
to allow itself to be overtaken in the process – because
today’s students are tomorrow’s teachers.

86 Location
what falls where
Local dance scenes in many German cities have developed
under the influence of an educational institution. In Berlin,
it was the other way around: the incentive to found
HZT came from an independent scene that had been active
and dynamic for decades.
It is thanks to the independent scene and the foresight of
the people involved that HZT was considered as part of
the Uferstudios from the very beginning. In this landmark
red-brick building, once the central garage of the Berliner
Verkehrsbetriebe (BVG), education, artistic production,
presentation and information on contemporary dance
are together under one roof. As part of one of the most
vibrant dance locations in Berlin, where a constant exchange
between students, artists and the public takes
place, HZT offers both a protected space for an artistic
education and a direct connection to the local and the international
contemporary dance scene.
→ 118 Berlin → 114 Cooperation

87

88 Dance
what gets you dancing
Can you dance? If you ask yourself or anyone around you,
most of us would be able to fondly recall a memory or two
of dancing and feeling great while moving our bodies.
Some people prefer dancing when they are alone, others
need a glass of wine. Sometimes you surprise yourself
with what a fantastic dancer you can be – perhaps at a
wedding or on a night out. And sometimes you surprise
yourself because, even though you feel like dancing, you
don’t dare to get out of your chair.
In his media publication Material for the Spine, the dance
artist Steve Paxton asks: Why is dancing something we
think needs to be taught? Why do we lose our ability to
just dance around like kids do? What prevents us from
dancing – an activity that does us good, that is social and
healthy?
What would we need to do differently in our schools and
in our societies in order to maintain a natural curiosity
and joyful relation to ‘just dancing around’?
And right now? At precisely this moment? What could get
you to dance? Which song? Which friends?
→ 122 Opening → 126 Technique

89

90
Put two of your
body parts together
that haven’t yet
touched today.
Sheena McGrandles grew up in the countryside of Northern Ireland. Having no access to
dance classes, she recorded endless music videos from the TV onto VHS, practiced ‘moves’
in her bedroom and learned ballet from a book. She later studied at the Laban Centre

91
in London and then at HZT’s MA Solo/Dance/Authorship (SoDA) programme. She is a
guest teacher at HZT and the co-director of Agora MOVE, a platform for dance and
performance in Berlin-Neukölln.

92 Numbers
how many
1 centre
2 administrating universities
3 study programmes
9 studios
10 dropouts in 10 years
12 teachers sharing 7 teaching positions
18 members of staff, 15 of which are on part-time contracts
30 new students starting and 30 students graduating
every year
49 nationalities in 10 years
75 public presentations per year
76 students in total in all 3 programmes
109 newsletters since 2010
133 cooperations with local, national and internationa
partners in 10 years
141 guests per year
142 graduates in 10 years
255 applicants every year
3,653 days of HZT activities in the last 10 years
729,902 web site hits since 2013
1,750,000 Euro annual budget
→ 134 Time Lapse

93

94 Experiment
what if
What movement sequences are part of my morning shower?
What if it were a choreography? What would a dance
that is only made up of hugs look like? How can I view choreography
as a situation where I am simply getting people
to dance?
What do we already understand dance and choreography
to be, and what new forms and approaches to this art
form can we develop? Classes at HZT attempt to create
situations in which students research dance and choreography
with each other and as part of a dialogue with their
teachers. What was this art form in different eras, what is
it now and how can it be re-invented over and over again?
An artistic education that endeavours to do more than just
reproduce the status quo and regurgitate what is already
known must create an environment for experimental
forms of learning wherein ideas may circulate freely and
concepts that were previously considered certainties are
left reeling.
→ 128 Distraction → 114 Cooperation

95

96
Put on a pair of
leather work
gloves. If possible,
the ones that have
already moulded
to the form of
your hands. Take
them off now and
throw them into
the air with as
little rotation as
possible…

Watch them.
97
When they reach
their highest point,
imagine that you
are still wearing
them.
Niels Bovri is a turntablist and a construction and dance man. With his body, his voice,
plenty of tools, electronics and the music he makes with them, he is on the search for
modern handymen heroes and maximalism, among other things. However, in every piece
of work he poses the question whether, besides fantasy, any other technical means are
needed at all. He studied in the MA Solo/Dance/Authorship (SoDA) study programme at
HZT from 2012 to 2014.

98 Collaboration
what brings us together
As an art form that is rarely practiced alone, dance itself
knows an extremely wide variety of approaches to working
together. Choreography is often understood to be
a collaborative practice. The artist and author Martina
Ruhsam describes how it is not only an issue that we work
together in dance, the question is rather how and how
differently. What role do we see ourselves in – as part of a
collective, as co-choreographers, as fellow researchers, as
an ensemble, as friends or as accomplices on a common
mission? How can ideas be made potent and the right decisions
reached?
In the context of university, students have the possibility
to test different ways of working, to communicate with
one another and to develop new formats for collaboration.
The exploration of what it means to work in ever changing
teams on projects within a community teaches the student
a skill set that is also of essential importance to society:
people who work with others learn how to recognise
and communicate their own perspective, enable group
processes, solve conflicts and repeatedly contribute in a
productive way.
→ 140 Education → 110 Discussion

99

100 Accomplishments
changing narrations of success
Students graduate with the aim of going on to work as
successful professionals in their field. They ask themselves:
when exactly can I call myself successful as a dance
professional? Their role models are often well-known artists
that are active in the dance scene thanks to receiving
public funding and offers for residencies, performances
and tours. Many HZT alumni have established themselves
successfully in the field of dance and are now in turn
becoming role models for the next generation of dance
professionals.
Does that automatically mean that future generations
will work in the same way as dancers and choreographers
who are currently seen as being successful in the scene
do? What are other conceivable definitions of success, and
which alternative success stories should be more widely reported
in study programmes and in the dance scene so that
the concept of what “success” is changed? If one examines
the activities of former HZT students, one finds numerous
surprising examples of artistic work beyond the usual
platforms – although they are not given much recognition
within the dance scene. Examples range from choreographic
projects in schools and artistic work with amateur
groups, to former students with careers that impressively
zig-zag across various industries. These contemporary artists
produce work in which two fields that normally remain
separate, now collide, such as dance and medicine.
→ 140 Education → 122 Opening

As this kind of work needs to be equally recognised as an
accomplishment and as important contribution to society,
these unusual projects were presented at HZT in the rare
tracks lecture series. They have also received more attention
in the newsletter since 2016. With this first small
step, we would like to initiate a shift in thinking about
which accomplishments are recognised and valued and
how.
101

102 Together with nine other students, I attended a week-long
international meeting for dance students. There was a timetable
hanging on the hallway wall with the options for the
morning classes – all were different kinds of dance training.
We joined the classes we had signed up for, but repeatedly
found ourselves coming back to the timetable – asking ourselves
with puzzled faces where we could possibly fit in and
not feel excluded. The programme didn’t seem to be meant
for us, nor did any of the classes put us in our element – or
even close to it. Not that we didn’t try. Not that we simply
wanted to resist for the sake of resisting. I remember trying to
prove that I was just as trained as the students from the other
schools, until I bumped into a ballet barre while moving from
a movement sequence into a handstand. I had tried – but I
wasn’t here to prove anything and hoped nobody would see
me while I sneaked out in shame. So, although all of us really
did try, we soon realised that trying to make ourselves fit into
something that did not take into account who we were and
what we could possibly contribute was doomed to fail. And
although there is the concept of a good kind of failure that we
embrace at HZT, this situation didn’t seem to be one of those.
So we started thinking about how we could turn the situation
into something less ‘doomed’, something more inclusive.
One of us proposed taking over an empty studio and creating
an alternative training that was based on exchange. We
added our proposal by writing it onto the timetable with a
black marker. This supplement to the timetable somehow
marked our needs and gave space to our differences, and at
Sara Mikolai is a performer, dancer and choreographer with a background in Bharatanatyam,
a classic Indian dance style. In her works, she addresses the socio-political
questions such as the visibility of the diaspora, trauma and gender. As an artist, she
prefers to move between different levels, and works interdisciplinarily, collaborati-

the same time presented us with a new opportunity to get
to know our own personal practices and desires. Over the
next few days, some students from other schools joined our
exchange-driven class – it was all DIY and very spontaneous
– yet the hierarchies had shifted and so did the presence and
meaning of our moving bodies.
103
After a slow and soft warm-up, which was led by my colleague,
we ended up on our backs, with legs and bottoms in
the air. The next instruction, “Now, please paint your name
with your anus in the air”, caused giggling, followed by a
serious silence – it actually wasn’t that easy and required
concentration! It was nice to see what my colleague does as
a warm-up. Becoming familiar with people’s different ways
of getting in touch with their bodies is quite valuable information,
and information that is often hard to come by.
After it had been requested of me, I gave a Bharatanatyam
class. And more than anything, it was fun to teach a group
that was so diverse in backgrounds and to experience the
different approaches they took in trying to understand the
many different aspects of this form of Indian dance.
vely and solo. She studied in the BA Dance, Context, Choreography study programme
at HZT from 2013 to 2016; afterwards, alongside the artist Tara Transitory, she found -
ed the experimental art collective and performance space e x t a n t a t i o n in northern
Thailand.

104 Difference
what gets lost
No matter whether it’s in a team, among students, invited
guests or within cooperations: people with different professional
and personal experiences and different artistic
and cultural backgrounds offer and contribute numerous
perspectives that enrich an artistic environment.
Which exciting artists and points of view are we missing
out on because we are unable to see them? And which
artists are missing out on HZT because they don’t know
about it?
→ 110 Discussion → 138 Entrance

105

106 Artistic Research
what you know from doing
Knowledge is at the heart of every kind of practice.
Especially in dance, we raise the questions: how can we
recognise and articulate the knowledge that is inherent in
doing? What are the forms of knowledge in question? For
example, the knowledge of how to reproduce an observed
movement with my own body? Or the knowledge and
consciousness of how much space my body takes up and
in what direction my body is oriented?
What are we lacking that would enable us to recognise the
knowledge that lies in artistic action? What other activities
besides speaking and writing could make this knowledge
coherent and comprehensible?
Artistic research has the potential to grasp this artistic/
practical knowledge and make it accessible to others, thus
expanding standard concepts of knowledge. To do so,
artists must be given the opportunity to develop suitable
approaches and formats for such research practice.
For this reason, HZT is planning, in the next few years, to
establish an artistic fellowship programme that enables
scholarship holders to realise artistic research projects in a
network that goes beyond the HZT and Berlin. In this way,
artistic approaches and formats can be developed that are
precisely fitted to the specific knowledge of practice in
choreographic work so as to make it discernible for others.
→ 94 Experiment → 112 Effect → 120 Academic Research

107

108 Shoulder to shoulder with a student, I walk along the street
to the Uferstudios. We are walking in step without having
agreed to do so. A hammer is swinging from my right hand.
We are moving quickly and decisively, as though we have a
goal. However, we only have an assignment to walk silently
along the street next to one another for ten minutes, holding
a hammer. The directions were given to us a few minutes
earlier by two students of the BA Dance, Context, Choreography
study programme. They are part of an exam that a
colleague and I are assessing. The students were given the
assignment to select an object and do research on how this
changes the body or our perception of the body. For the
exam, they were asked to develop an exercise that makes
this perception tangible to everyone.
While I am walking, I observe the people who approach us.
Sometimes their eyes remain focused on my right hand for a
number of seconds, then they look me in the eye so I smile a
bit and they smile back. I focus my attention within: how am
I breathing, how do I place my heel on the ground, how is my
arm swinging, what does the hammer feel like in my hand?
When we cross a side street, a car makes a quick turn far too
close to us. Suddenly I clearly feel the weight of the hammer
in my hand and its momentum. I grab the shaft harder, bend
my arm slightly, straighten my back a few millimetres and
have to suppress the urge to swing and put a dent in the hood.

The car passes, we continue as though nothing had happened.
“What was that?” I ask myself. Why did I feel the urge
and – if I am honest, the desire – to slam the hammer down
on the car?
109
While we continue, I observe with curiosity what other
things the hammer triggers within me. Walking past shop
windows, brake lights, street lanterns, a mirror lying on
the street… everything that is breakable now animates
my fantasy. Amazed and slightly irritated, I realise that the
idea of smashing something causes a sense of satisfaction.
Moreover, the hammer in my hand is a potential weapon. If I
wanted to or had to, I could!
I am impressed by the effect that the exercise has on me,
yet it could hardly be more simple. Had someone asked me
beforehand if I find walking through the city on a daily basis
menacing, I would have certainly said no. But with the hammer
in my hand, I become conscious that there is something
within me that very much has the need to be able to defend
itself… Not just against the city that I suddenly find to be
aggressive but from many things. To defend itself against the
street noise, the traffic, the yelling. The people who bump
into me. The theory of the body can hardly be experienced in
a more direct way.
Britta Wirthmüller prefers to think, write, plan and choreograph in dialogue with others.
She has been an artistic research associate at HZT since 2011 and, when equipped with
an altimeter and a map, she can also navigate through unmarked territory.

110 Discussion
what shapes your thought
A vibrant culture of discussion gives students the chance
to experience how debates demand but also release energy,
and how they can expand horizons of thought and
activity.
How does something become clear to me? How can I calibrate
my stance? What do I learn from others’ arguments?
And how can we make different perspectives and experiences
productive?
Fruitful exchange not only requires time, but also a
culture of discussion that nurtures our desire to speak
with one another. To do this, a willingness to not only
listen, but also to understand is necessary; to not only
want to convince, but to also be open to letting yourself
be convinced by others. A successful discussion allows
for many different and often contradictory voices, observations
and opinions, and it allows students to truly
experience that there is no unified response to any given
work of art.
→ 100 Accomplishments → 104 Difference

111

112 Effect
what matters
We have to put Duchamp’s urinal back in the restroom, the
Columbian artist Tania Bruguera demands in her Introduction
to Useful Art. What she means here is that art needs to
get more concretely involved in society… returning the
urinal back to the restroom so that it can be useful there,
and leading art back to social and political realities where
artistic practice can have a meaningful effect.
Art schools often tend to become elitist bubbles that
hover far from reality, where emphasis on art’s independence
becomes justification for works that are completely
self-referential. Yet educational institutions can also serve
as protected environments wherein artistic strategies that
may serve as forms of political resistance can be developed.
In classes, feedbacks and discussions, HZT wishes to focus
on the following question: how does artistic work and
practice relate to the world that surrounds it? Not to force
an answer, but rather to challenge students to question
their own work in this context: between an art that is
self-referential and an art that gets involved in the sociopolitical…
where do I locate my practice?
→ 140 Education → 110 Discussion

113

114 Cooperation
what to share
This isn’t working anything like the way I thought it would.
In the natural sciences, this sentence announces new
knowledge far more often than the exclamation: I’ve got
it! And in cooperative projects, there are always situations
in which both partners have to admit: we envisaged that
completely differently! Cooperative undertakings of any
kind are a reality check for everyone involved. They shake
up institutional routines, unveil invisible dogmas and initiate
necessary debates.
One of the central and initial ideas of HZT was to engage
in cooperative projects with the local dance scene through
the TanzRaumBerlin network. Cooperative projects inspire
an exchange of experience, as well as meditations on
one’s own work methods. They offer students the opportunity
to gain access to new networks and gather experience
in contexts that would otherwise be closed to them.
In addition, they also give access to resources that one of
the cooperating partners alone would never have.
How can we further develop and expand this model,
which has until now been primarily tested with partnerships
within the dance and cultural scene? Which
institutions, that wouldn’t necessarily immediately come
to mind as potential partners, would in fact make exciting
partners for cooperative projects that lead to crossovers
with other industries and areas of society?
→ 104 Difference → 118 Berlin → 122 Opening

115

116
When you arrive
somewhere, draw
the journey of
coming to that
place on a large
piece of paper.
Try to remember
the shapes,
feelings, smells,
sounds, thoughts
and observations
you made along
the way.

Use these to
annotate the
drawing.
117
Sophia New believes that art and life are not so easy to untangle and that everyday
actions are worthy of reflection within artistic production. Working together with her
partner Daniel Belasco Rogers as plan b they have over a decade of GPS data of their
daily whereabouts and all their text messages. Sophia New has been a guest teacher
and professor at HZT since 2012, where she has also developed the feedback format
Makers Open.

118 Berlin
what stays unfinished
HZT wouldn’t be what it is without Berlin’s dance scene.
The surrounding Berlin dance scene means that the students
of HZT can not only experience a diverse variety of
artistic projects, but that there are numerous opportunities
for cooperative endeavours and that HZT can invite
international artists to be guest teachers. Dance professionals
from all over the world value Berlin as a location
where ideas and debates on dance can flourish.
It isn’t just the dance and art scene in Berlin that has
become increasingly internationalised over the last few
years – the same changes have happened throughout
the entire city. Given these changes, ateliers and studios
need to be protected so that artists are not pushed out of
the city for financial reasons, as has previously been the
case in other European metropolises. HZT is committed
to taking a position on this issue and actively supporting
partners in local initiatives.
Berlin’s constantly changing artistic environment and the
international developments are, above all, one thing: a
constant reminder that we must remain open and unfinished
in order to be able to best react to what waits for us
up ahead.
→ 86 Location

119

120 Academic Research
what you know about what I do
Academic research that seeks a direct exchange with
artistic practice is interesting and enriching for artistic
education. What conditions would be ideal for an academic
study that wishes to be conducted in close proximity to
the field of dance practice? How can synergy between artistic
and academic research continue to grow?
Academic work can be described as investigations and
meditations on what is already there. Sometimes, however,
academic work can be the catalyst that brings new, not yet
existing scenarios into existence. HZT would like to create
spaces for such reflecting and forward thinking.
In 2013, the HZT Research Lab was established. It offers
associated research projects the opportunity to work in
close vicinity to artistic practice. In the next few years,
HZT would like to expand on existing collaborations with
academic researchers along with placing more emphasis
on artistic research. A focus will be placed on projects
that have a direct connection to dance or choreographic
practice. They can be dance studies, research projects or
projects that deal with dance, choreography, the body and
movement from the perspective of other fields.
→ 106 Artistic Research → 114 Cooperation

121
Art has (at least) two things in common with life, love, and
politics. Sooner or later two questions will present themselves:
“Now that we are here, what are we going to do?“ and,
“How are we to know what is best to be done?“ One is the
question of practice, the other that of theory.
Jan Verwoert

122 Opening
who’s at your dance
The author of a fictional article in a German newspaper
from 2027 comments: In the last ten years, dance has been
opening itself up to society to an impressive degree; in return, it
has also had success in opening up society to dance as well…
Such an opening, as is already existent and even expansive
in countries such as Belgium, the Netherlands and England,
has yet to occur in Germany. If we are serious about
the social relevance of dance and choreography, then
we have to consider what public we want to reach and
include – and how. But we also have to consider the extent
to which our artistic processes – and we ourselves – need
to be in touch with the realities of life that surround us.
Those who leave established art locations open themselves
up to the discovery of other artistic formats for
dance and choreography; this creates opportunities to be
inspired by other subjects and to be confronted with other
perspectives.
In the future, HZT would like to promote such openings
of the genre by initiating projects outside of the usual
venues, inviting guest artists and cooperating with a
wide range of partners. In addition to the possibility of
developing performative works for the stage or exhibition
spaces, HZT students also have the opportunity to test
themselves outside of established formats. Thus, student
summer projects in the MA Choreography programme
→ 112 Effect → 94 Experiment

will be presented in urban space for the first time in 2017.
In addition, the HZT’s research project The Choreographic
Village is also being prepared: a project where artists are
invited to develop choreographic works in rural areas.
123

124 Every year in July, HZT invites the public to student showings
at the Uferstudios as part of the UdK Rundgang (open
day). After one such presentation was over, I started a
conversation with a visitor, who told me that she is working
as a sculptor. Interested, she asked what was special about
studying at HZT. I told her that not everyone learns the same
dance styles or techniques. On the contrary, the focus is
placed on students developing their own projects, often in
groups, and – with teachers’ support – they appropriate the
knowledge and respective techniques they require for their
current project.
The visitor replied: I see, you’re doing it like they do in sculpture.
There I also learn the particular techniques that I would
like to try out for the next sculpture. Then her eyes shone as
she added: with my hands and everything I know about bodies
as a sculptor, I could have studied dance here as well.
Her reaction made me realise that such an approach seems
to be common in the study of visual arts; however, when
studying dance, it is still perceived to be unusual.
Years later, a HZT student put it in a nutshell when she said:
I somehow stopped thinking about HZT as a dance school.
At one point, I reformulated it for myself and began to think
about it as an art academy with a focus on the body.

125
Nik Haffner considers his actual artistic education not to have been his dance training,
but rather the years in his first job as a dancer with William Forsythe. As HZT’s director,
he sees his work less within the frame of leading as more with the intention to build
– building partnerships, networks and tools as well as building a common culture and
community at HZT.

126 Technique
what triggers when you hear ‘virtuosity’
The science fiction film Virtuosity got bad reviews in 1996
– it was too smooth and its actors pale.
Dance is often associated with expert performance, even
if in the last few years a debate has been going on in the
contemporary dance world about whether the concept of
virtuosity is overrated or even outdated. Virtuosity is often
reduced to extremely exaggerated technical abilities:
perfect in terms of dance technique, but otherwise empty,
smooth and pale.
Meanwhile, in contemporary dance today, there are
diverse techniques and a wide range of individual abilities
and alternative body images. Moving virtuosically,
thinking virtuosically or reaching a high level of physical
awareness, perceptual sensitivity and openness for other
approaches – how else can we expand the concept of virtuosity
beyond skills and technique?
→ 128 Distraction → 88 Dance

127

128 Distraction
wasting time productively
What is our attention worth? Obviously a lot: as soon as
we enter a store, surf the internet or walk through the
city, something immediately winks or waves at us in a bid
for our attention. It is a challenge to focus on something
despite all this diversion. If I become aware of the value of
my attention – can I then decide more clearly what I allow
to distract me, when I can be distracted and when I can’t?
Artistic practice in the studio requires attention, and
sometimes it needs conscious diversion. Working artistically
can mean giving time and attention to tasks in a
manner and to an extent we in daily life rarely do.
Regardless of whether I work alone or as part of a group
– how can I create a space in which we can open up experience?
How much time and attention – or distraction –
must I give to my processes so that something unexpected
is able to happen?
→ 94 Experiment → 140 Education

129

130
Go for a swim.
Get in the shower
and let the spray hit
different parts of
your body while
you stand, sit or lie
under it. Do it.

131
Efva Lilja is a choreographer, researcher, author and curator. She thinks across disciplines
and works across borders, and likes to spend time with friends and in nature. She has
been a HZT board member since 2015.

132 Feedback
how to be frank
Students spend a lot of time and energy developing
their artistic work, and are accompanied by teachers and
mentors throughout their process. How can you support
young artists to make them conscious of both the particular
qualities and weaknesses of their work? How can you
offer them a constructive and simultaneously challenging
source of friction with your feedback? What kind of reciprocal
honesty is necessary to be able to speak without
compromise, to engage in an honest peer to peer debate
about artistic work in a team and with students? Discussions
and feedback need a strong foundation of understanding
and trust so that an exchange of opinions doesn’t
become too precious but is rather carried out with respect
and in a frank and candid manner. That way everyone
grows as a result of it and the artistic practice can thrive.
Since 2014, HZT has been cooperating with Uferstudios in
the context of annual feedback laboratories in which Berlin
dance professionals, students, HZT teachers and international
guests all take part. In the Makers Open teaching
format, students of all three study programmes show
work-in-progress sketches and give one another feedback.
→ 98 Collaboration → 100 Accomplishments

133

134 Time Lapse
what happened
2006 HZT starts as a pilot project as part of Tanzplan
Deutschland, an initiative of the German Federal Cultural
Foundation to promote dance.
2007 The first students are admitted.
2009 For the first time, the HZT team meet for a retreat
in the countryside – the beginning of the now annual
AwayDays.
2010 The three study programmes are integrated into the
regular study operations of the UdK Berlin and the HfS
»Ernst Busch«. HZT moves to Uferstudios in Berlin-Wedding.
2013 With the move of the MA Choreography study programme
to Uferstudios, all three study programmes are
now under one roof.
2017 The HZT celebrates its 10 th anniversary.
→ 86 Location → 92 Numbers → 118 Berlin

135

136 Sometimes they catch my eye early in the morning: the part
decaying, part surprisingly fresh and radiant remnants of
green tape on the entrance doors to the current office of
Uferstudios GmbH, my workplace. Outsiders wonder what
the lettering would say if the gaps in the bits of tape were
filled. I remember the word well: AFFAIRS. That was the
name of the new study programme’s 2010 festival in the
equally new Inter-University Centre for Dance Berlin. The
platform was organised by the students on their own; their
festival office was the centre for collective planning. At AF-
FAIRS, many ideas were created spontaneously and some
were rejected just as quickly. The different student backgrounds
and their search for their own artistic approaches
generated an aesthetic diversity and simultaneously reflected
the spirit of the new educational institution. The artists
were diving collectively into AFFAIRS with their individual
work methods and without institutional interference. Even if
the collective way of working didn’t function totally without
any degree of confusion and wasted time, to me the result
was impressive, very vibrant and artistically surprising. As
the former director of Tanztage Berlin, I used to attend numerous
school performances, but I remember this festival as
being more exciting and thought-provoking because it didn’t
limit itself to simply regurgitating what had been learned by
the students.
HZT’s emphasis on offering student artists the free space
and time for concentrating on and confronting artistic work
methods without being afraid of AFFAIRS (or causing scandals),
is highly valuable. Especially if this occurs alongside

students becoming aware of social contexts and searching
for effective strategies to gain and maintain artistic freedom
after the study programme ends. I hope the organised scene
of the independent dance professionals in Berlin, who assisted
in HZT’s birth, will remain on the ball and not forget their
supportive and critical role in the future – HZT remains our
AFFAIR!
137
Barbara Friedrich puts her heart and soul into her work, but still often takes time for
a chat at her office window. She is a co-weaver of the TanzRaumBerlin network and
developed the Uferstudios for Contemporary Dance to be the inspiring location based
on openness and participation that it is today.

138 Entrance
which doors could be yours
The assumption that only those people who dance certain
styles – and who have done so since childhood – can study
dance as further education is still omnipresent. Regardless
of whether they come from Hip Hop, Indian dance or
physical theatre, whether they completed sociology or
math studies – applicants are often surprised when they
are offered a place to study at HZT. For many, even applying
was anything but obvious.
People that bring with them the artistic potential to investigate
dance as an art form with an important relationship
with today’s society are the people that are accepted to
HZT. Age, experience in dance technique or physical
prerequisites are, in contrast to many other study programmes
in dance, not excluding factors.
How can we reach more qualified applicants who would
otherwise not think of applying for a dance and choreography
study programme? How can one find interesting
minds that have possibly never even heard of such an education?
How can the artistic quality of preliminary dance
education be improved, especially in Germany, so that
more people can appropriately prepare to study dance and
choreography?
→ 88 Dance → 104 Difference

139
Movement art – one could say rather than dance – is really
about refining the intelligence of our human behaviour.
Gill Clarke

140 Education
too many or not enough
15 BA and 15 MA students graduate every year from HZT.
Are 30 graduates too many, or too few?
If one only looks at the standard career perspectives in the
dance sector, which are characterised by strong international
competition, 30 more dance professionals per year
is a lot. But if you look at this number from the point of
view that creativity now counts as one of the most important
qualities in almost all career fields, then the answer
logically seems to be that not enough people study art.
Tied to the question of how we will all work in the future
is the question of developing new life models and means
of social participation. Collaborative work methods, social
competence, self-management and educational approaches
have become important contents for artistic study programmes.
Thus, educating creative and artistically active
people is relevant for our changing society – beyond the
realms of traditional careers in art or dance.
→ 100 Accomplishments → 98 Collaboration

141

142
Find a task that
excites and scares
you at the same
time and then give
it a try.
In her choreographic work, Irina Demina addresses utopias, magic and fantasy worlds.
She finds it exciting to confront her own fears and to overcome them. She studied in the
MA Choreography programme at HZT from 2014 to 2016. Her final project, Traumlabor,
was a dance piece for a young audience in cooperation with the Theater Strahl Berlin.

147

drawing from what falls next to you ist eine Sammlung
von Texten und Zeichnungen, die skizzieren, was das
HZT heute ausmacht und was es morgen werden könnte.
drawing from what falls next to you is a collection of texts
and images. It creates a sketch of what HZT has
become, and what it could become tomorrow.
978–3–00–056366–9