Kunstbulletin Juli/August 2022

Juli/Aug. 2022 Fr. 10.– / € 8.–

*Aargauer Kunsthaus
14. 5. – 7. 8. 2022
Aargauerplatz CH–5001 Aarau
Di – So 10 – 17 Uhr Do 10 – 20 Uhr
www.aargauerkunsthaus.ch
Davor • Darin • Danach
Die Sammlung
im Wandel
Shirana Shahbazi, Teil der Installation Untitled II-2012, 2012
Aargauer Kunsthaus Aarau / Schenkung der Freunde
der Aargauischen Kunstsammlung
© Shirana Shahbazi

FOKUS
20 Ari Marcopoulos — Die Politik des Bildes. Kristin Schmidt
28 documenta fifteen — I like documenta and documenta likes me. Oliver Kielmayer
34 White Cube — Von Häusern und Fenstern. Isabel Zürcher
36 Kabelo Malatsie — Vom Potenzial des Fragens und des ungewissen Wissens. Marc Munter
42 Boris Mikhailov — Die Verführung durch den Tod. Urs Stahel
46 Marisa et Mario Merz — Dialogue à l’ombre de l’Arte Povera. Nadia El Beblawi
50 Davide Cascio — Mago della citazione. Barbara Fässler
52 Su Yu Hsin — There is no before and after in waves. Giulia Bernardi
HINWEISE
59 Animation — Toutes les poupées ne pleurent pas — F. Tremblay / Basel — Susanna Niederer
60 Brig — Amer Kobaslija / Genf — Robert Wilson
62 Genf — Abdo Shanan / Kriens — 201 Cadavres Exquis
64 Lausanne — Bernard Bazile / Le Locle — Exomusée
66 Olten — Put on Your Red Shoes / Rapperswil-Jona — Ursula Palla
68 Samstagern — mist / St. Gallen — Manon de Boer
70 Strassburg — Stéphane Belzère / Winterthur — Gerry Schum
72 Zürich — Marcel Van Eeden / Zürich — Rudolf Koller
74 Zürich — Sandra Vásquez de la Horra / Zürich — Benedikte Bjerre
BESPRECHUNGEN
76 Aarau — Davor, Darin, Danach — Eine Sammlung im Wandel
78 Altdorf — Pascal Danz / Daniel Comte — Vom Sehen und Verschwinden
80 Baden — Birgit Kempker — Bilder einer Wortakrobatin
82 Basel — Emmanuel Van der Auwera — Zwischen Fiktion und Realität
84 Basel — Bang Bang — Performance now!
86 Basel — Brice Marden — Räume staffeln und verwirbeln
88 Bern — Bridget Riley — Begegnung mit Farbe
90 Burgdorf — Franz Gertsch — Ein Raum in Ultramarin
94 Genf — Guerreiro do Divino Amor — Fatale Superfiktionen
96 Genthod/Genf — Open House — In räumlichen Kategorien denken
98 Grenchen — Maria Magdalena Z’Graggen — Malerei wie das Leben
100 Paris — Jochen Lempert — Bilden und erblickt werden
102 Schaffhausen — Varlin/Moser — Wild und expressiv
104 Solothurn — Balance — Die Grenzen des Wachstums
106 Thun — Lorna Simpson — Im Dunst verschwindend
108 Uster — Bechtler Stiftung — Die Kunst wohnt nebenan
110 Vaduz — Ansarinia, Azpilicueta, Invernomuto, Stingily — Viermalvier
112 Vicosoprano — Biennale Bregaglia — Wie gefällt uns die Welt?
114 Winterthur — Welt aus den Fugen — Welt 2.0
116 Zürich — Jose Dávila — Spanngurtkunst
118 Zürich — Abstrakt gedacht — Vom Motiv zur Akteurin
120 Zürich — Jack Whitten — A colored life in every way
122 Zürich — Basel Abbas & Ruanne Abou-Rahme — Fragmente des Widerstands
124 Zürich — Liz Larner — Mäandern zwischen Gegensätzen
126 Zürich — Peter Fischli und David Weiss — Transitzonen
128 NOTIERT / AGENDA / IMPRESSUM, MEDIADATEN / RÄTSEL
1

Editorial — Dann sei’s so
21.5.– 14.8.2022
Welche Fotos fesseln uns in der täglichen Bilderflut? Vor den wie
an einer Wäscheleine aufgehängten Fotografien von Ari Marcopoulos
verpufft diese Frage. Man bleibt stehen, taucht in Szenen ein,
erkennt wiederkehrende Personen und Motive: so die zwei Frauen,
die auch in einem ebenfalls in der Kunst Halle Sankt Gallen gezeigten
Film von 2022 erscheinen. Die jüngere, Kara Walker, ist die
Partnerin von Ari Marcopoulos, die ältere, June Leaf, diejenige von
Robert Frank. Beide sind Malerinnen. Erstere hat den ‹New Yorker›
mit ihrem Cover-Porträt der Autorin Toni Morrison mitgebracht –
ein expressiver Schattenriss, den die neunzigjährige Kollegin mit
erfrischender Begeisterung kommentiert. Auch die beiden Fotografen
sind anwesend und unterhalten sich. Die Kamera ruht abwechselnd
auf dem damals schon gebrechlichen Robert Frank,
auf sich berührenden Händen, auf dem vollgestellten Fensterbrett
oder schweift über die weite Landschaft dahinter.
Die Männer verbindet einiges: Beide sind emigriert, Robert Frank,
der Schweizer, lebt in Nova Scotia und Manhatten, Ari Marcopoulos,
der Niederländer, in Brooklyn. Der Ältere murmelt Sätze wie:
«Es gibt Raum … dann kommst du hierhin, und es gibt noch mehr
Raum.» Oder: «Mein Vater kam von Deutschland in die Schweiz, sie
haben ihm nie vergeben, dass er nicht so spricht wie sie …» Und,
immer wieder: «So be it» oder auf Französisch «Ainsi soit-il». Die
Frauen unterhalten sich derweil über Kunst und ihr Leben.
Ja, das muss es sein, was dieses Bild so berührend macht: Die
gelassene Heiterkeit und Offenheit, mit der sich die beiden Künstlerinnen
im Türrahmen des Studios begegnen. Auch die Aufnahmen
des gebürtigen Ukrainers Boris Mikhailov, dem wir eine Bildstrecke
widmen, zeugen von diesem Geist. Empathie und Humor – wenn
auch in aussichtsloser Lage: So be it. Claudia Jolles
TITELBILD · Ari Marcopoulos · Upstream, 2022, Pigmentdruck auf Papier, 48 x 33 cm
Simon Denny, Centralized vs Decentralized Conway’s Game of Life Box Lid Overprint: Spiel des Lebens 1972, 2018, Courtesy: The artist, Galerie Buchholz, Berlin/Cologne/New York
3

Raumfahrt VI
Badel/
Sarbach Val
Minnig
Joaquim
Cantor
Miranda 12.6.
— 25.9.2022
Museum Langmatt
Stiftung Langmatt Sidney und Jenny Brown
Römerstrasse 30, CH-5401 Baden
www.langmatt.ch
Abb. (v.o.n.u.):
Val Minnig, Insect Club, , 2019
Badel/Sarbach,
Planty of Love, , 2020 (© Pro Litteris)
Joaquim Cantor Miranda, Those dreams are true that come in the morning, , 2021
Kunst
Kunst
Kunst
Kunst
im Thurgau
Juli – Dezember 2022
Haus zur Glocke Steckborn
«Neu aufgespult: Gegenwartskunst im Dialog mit Spitzenklöppeln»
Doppelausstellung mit Strohmuseum im Park Wohlen 24.9.–22.10.
«Können wir verschwinden?» 19.11.–10.12.
Doppelausstellung mit Vinorama Museum Ermatingen 19.11.–10.12.
Kunstraum Kreuzlingen & Tiefparterre
Ukrainische Fotografie 10.7.–8.8.
Kunsthalle Arbon
Ana Strika: Taktzeit 28.8.–2.10.
Shed im Eisenwerk Frauenfeld
Sommeratelier Maureen Kägi 25.8.–22.9.
Palm Trees and Snowballs
Ein Ausstellungs-Projekt mit Michael Bodenmann,
Birgit Edelmann, Julia Körner, Stefan Rohner und
einer Performance mit Pascal Lampert 6.10.–29.10.

Gelobt, gepriesen und vergessen –
Von der Vergänglichkeit des Ruhms
1. Mai bis 18. September 2022
Kunstmuseum Thurgau
Ittinger Museum
Kartause Ittingen
www.kunstmuseum.tg.ch
Put on Your Red
Shoes (and Dance
the Blues)!
Das Kunstmuseum
KUNSTHALLE
Hemauer/
Keller
Uossa o mai —
Now or Never
10. Juli
—23. Oktober
2022
nairs.ch
Folge uns
Martha Haffter, «Badeanstalt Frauenfeld» (Ausschnitt), undatiert, um 1926, Ölmalerei, 64x 53cm
Künstlerhaus
Kunsthalle
Kulturlabor
Eric Hattan
bittet zum Tanz
Seline Baumgartner
Eva Borner
San Keller
bis 21. August 2022
Kollektiv Beton (Rebekka Friedli und Nathalie Kamber)
Jacquy Neukomm
Andy Storchenegger
Regula Stücheli und Daniell’Ficola
TANZINOLTEN
Till Velten
Viviane von Gunten
Ursula Berger
Rachel Bühlmann und Sadhyo Niederberger mit Lea Pelosi
Andrea Muheim
Ueli Sager
Kunstmuseum Olten
www.kunstmuseumolten.ch
Di–Fr 12–17 Uhr, Sa/So 10–17 Uhr
Manon
Veronika Spierenburg
Regina Graber und Sylvie Xing Chen
Lysann König
und viele mehr
Saskia Edens
Monica Germann & Daniel Lorenzi

14. August bis 4. Dezember 2022
Kunsthaus Zug
09.07. 30.10. 2022
DAVID HOCKNEY
MOVING FOCUS
RICHARD GERSTL
Inspiration – Vermächtnis
David Hockney, In the Studio, December 2017, Fotografische Zeichnung gedruckt auf 7 Papierbögen, montiert auf Dibond, 278 × 760 cm (Detail),
Tate: Schenkung des Künstlers 2018, © David Hockney, assistiert von Jonathan Wilkinson

5. FATart
Art Fair
Internationale
Ausstellungsplattform
& Kunstmesse
Women & FLINTA
in arts
100 zeitgenössische
Künstlerinnen | FLINTA
AP Projets d’Art
AP Projets d’Art is a swiss company created by persons highly competent in
their field, pooling their knowledge and experience in order to support and
develop the work of artists and operators in sculpture.
2. & 3. Stockwerk
3200m 2
Kammgarn West
Schaffhausen
fatart.ch
Monumental projects
AP Projets d’Art operates as the general
contractor for the creation of complex
and monumental projects across the
world.
09.–11.
09. 2022
Sacha Sosno, “Le Guetteur”
Cagnes-sur-Mer (France)
Exhibitions
The organisation of exhibitions of
contemporary artists around the world.
knapp — klar — kostbar
10 × =
Davide Rivalta, “Leone”
Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma (Italy)
→ für Kunstinteressierte Fr. 80.– /
€ 53.90*
→ für Studierende Fr. 47.– /
€ 35.–*
→ für Institutionen print und
online Fr. 145.– / € 110.–*
→ für Professionals print und
online Fr. 86.– / € 60.–*
(*ausserhalb der Schweiz
+ Porto)
↗ Abos: artlog.net/kunstbulletin
Kontakt: +41 (0)41 329 22 29
Fr. 86. –
→ Abo für Professionals print und online
Davide Rivalta, « Gorilla »
More info & contact: www.ap-artproject.com
Advice
Legal advice, studies and drafting of international
contracts, insurance, transport,
and installation of exhibitions.

Translokale
Performance geschichte:n
Ein Ausstellungsprojekt von Revolving
Histories/Performance Chronik Basel
und Museum Tinguely
8.6. – 21.8.2022

3.7.-4.9.2022
ÖFFNUNGSZEITEN HEURES D’ OUVERTURE
Mi / me 12:00–18:00 Do / je 12:00–20:00 Fr / ve 12:00–18:00 Sa & So / sa & di 11:00–18:00
Christine Streuli, Transmission_14, 2021,
Mixed Media auf Leinwand / mixed média
sur toile, 26,5 x 20,5 cm; Courtesy the artist
and Galerie Mark Müller, Zürich, Foto /
photo: Jens Ziehe, Berlin
(UN)CERTAIN GROUND
AKTUELLE MALEREI IN DER SCHWEIZ /
PEINTURE ACTUELLE EN SUISSE
Mitchell Anderson, Caroline Bachmann, Ralph Bürgin, Miriam Cahn,
Sylvain Croci-Torti, Philippe Decrauzat, Andriu Deplazes,
Andreas Dobler, Natacha Donzé, Barbara Ellmerer, Klodin Erb, Valérie
Favre, Louisa Gagliardi, Luisanna Gonzalez Quattrini, Inka ter Haar,
Charlotte Herzig, Andreas Hochuli, Daniel Karrer, Renée Levi, Rachel
Lumsden, Jean-Luc Manz, Sarah Margnetti, Yoan Mudry, Caro Niederer,
Giacomo Santiago Rogado, Francisco Sierra, Elza Sile, Hans Stalder,
Sereina Steinemann, Christine Streuli, Markus Weggenmann, Uwe Wittwer
Seevorstadt 71 Faubourg du Lac / CH-2502 Biel/Bienne / T +41 32 322 55 86 / info@pasquart.ch / www.pasquart.ch
Körperschriften – 170 x 220 cm
alfonsbuergler.ch – globalartsource.com

MUSÉE CANTONAL DES
BEAUX-ARTS LAUSANNE
Gustave Buchet.
Angeklagt wegen Malens
20.05.2022
– 04.09.2022
COLLECTION
Gustave Buchet, Composition. Dynamisme, 1927. Öl auf Leinwand, 160 × 130 cm. Genf, Privatsammlung
18.6.2022 –
25.9.2022
mcba.ch
NAZGOL ANSARINIA
MERCEDES AZPILICUETA
INVERNOMUTO
DIAMOND STINGILY
KUNSTMUSEUM
LIECHTENSTEIN

Contemporary Art Exhibition
Château de Vullierens (VD)
Until the end of October 2022, AP Projets d’Art has the honour to present
the artwork of two swiss artists in the art galery of Château de Vullierens.
Pierre Gattoni & Jean Mauboulès
BASEL ABBAS &
RUANNE ABOU-RAHME
21.05 – 11.09 2022
RENÉE
GREEN
24.09 2022 – 08.01 2023
Limmatstrasse 270, 8005 Zürich
migrosmuseum.ch migros-kulturprozent.ch
Pierre Gattoni
Jean Mauboulès
Visit Château de Vullierens’ spectacular gardens, overlooking the lake and the Alps. In addition to
thousands of flowers, the park features sculptures created by about 80 international artists.
St. Andreas
Slominski
Davide Rivalta
More info : www.ap-artproject.com/vullierens-2022
Davide Rivalta, Château de Vullierens
5.3. bis
28.8.2022

FOKUS
Ari Marcopoulos — Die Politik des
Bildes
Upstream, 2022, Pigmentdruck auf Papier, je 48 x 33 cm bzw. 33 x 48 cm, Ausstellungsansicht Kunst
Halle Sankt Gallen. Foto: Sebastian Schaub
20 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // ARI MARCOPOULOS 21

Ari Marcopoulos fotografiert seit vier Jahrzehnten, thematisiert
gesellschaftliche Phänomene und bewahrt sich dabei einen poetischen
Blick. Er porträtiert Bäume ebenso wie Graffiti und hält
urbane Situationen fest. Sein Werk umfasst aber längst mehr
als Fotografien, wie seine bisher umfassendste Einzelausstellung
in der Kunst Halle Sankt Gallen zeigt. Kristin Schmidt
Ein Fries aus Fotografien. Unprätenziös auf die Wand tapeziert, eine neben der anderen.
Ein Baum. Zwei Frauen in einer geöffneten Tür. Ein Passant. Eine Schar Kinder.
Wieder ein Baum, diesmal schneebedeckt. Zwei Männer hinter einem Zaun. Jedes
Bild ist wichtig. Jedem Bild folgt ein nächstes. Jugendliche. Der Innenraum einer
Apotheke. Ein geöffneter Kamerakoffer. Bilder bei Tag, Bilder bei Nacht. Komponierte
Schwarz-Weiss-Aufnahmen. Farbige Schnappschüsse.
Ari Marcopoulos zeigt in der Kunst Halle Sankt Gallen 91 Fotografien und inszeniert
sie als einen horizontal durch den Raum fliessenden Bilderstrom. Manche Bilder
zeugen mit ihren Motiven von der Pandemiezeit, andere tragen diesen Verweis
nur in der automatischen Datumsanzeige der Kamera. Wieder andere wurden deutlich
früher aufgenommen. Die Ausstellung ist während der Pandemie entstanden. Sie
verhüllt dies nicht, beschränkt sich aber nicht auf die vergangenen zwei Jahre, so Ari
Marcopoulos: «Wenn ich in einer Schachtel oder im Ordnersystem des Computers
nach bestimmten Bildern suche, finde ich andere.» Die automatische Datumsanzeige
auf vielen Fotografien ist für Marcopoulos ein wichtiges Element, das zu einer anderen
Datensammlungen in Beziehung steht: «Ich schätze On Kawaras Arbeit sehr.
Oder auch jene von Stanley Brown, der Wegbeschreibungen sammelte. Es geht um
das Aufzeichnen von Zeit und Bewegung.»
Begegnungen und Bücher
Die beiden vergangenen Jahre der Pandemie gehörten auch der Black-Lives-
Matter-Bewegung und zu einem Teil der Regierungszeit Donald Trumps. Sie gehörten
der künstlerischen Arbeit und dem alltäglichen Tun, waren die Zeit der Stille einerseits
und die Zeit politischen Engagements andererseits. Marcopoulos hängt seine
Bilder dieser Zeit in der Ausstellung hierarchiefrei aneinander. Die Bildfolge ist narrativ,
aber nicht linear erzählerisch. So lassen sich beispielsweise verwandte Motive
entdecken, wenn eine alte Frau mit der Hand ihre Zähne fasst, ein Mann zähnefletschend
grinst und auf der nächsten Fotografie eine Comicfigur ihr Gebiss bleckt.
Aber diese Nachbarschaften bleiben beiläufig und offen. Ari Marcopoulos glaubt an
die Betrachtenden als Interpretinnen und Interpreten der Arbeit: «Das Werk ist erst
vollendet, wenn sie anwesend sind, ihre eigenen Gedanken entwickeln und spüren,
was die Arbeit meint. Dank meiner Bilder kann an unbewusst vorhandene Dinge angeknüpft
werden.» Getragen ist die Arbeit von seinem Interesse für die Menschen:
«Ich erlebe sehr berührende Begegnungen mit Menschen aus meinem Quartier, mit
dem Postboten oder beispielsweise im Friseursalon. Ich fotografiere sie und habe
aus den Fotografien ein Buch gemacht mit 825 Seiten. Allen im Friseursalon habe ich
ein Exemplar gegeben. Das sind Gelegenheiten, um mit den Menschen ins Gespräch
zu kommen.»
Der Künstler ist bekannt für seine Bücher und Zines, die er seit vielen Jahren herausgibt.
Eine Konkurrenz zwischen den Büchern und den Ausstellungen entsteht
dabei nicht: «Eine Ausstellung ist kein Buch. Ein Buch ist keine Ausstellung. Bücher
existieren, Ausstellungen kommen und gehen. Ausstellungen können mehrere Dinge
gleichzeitig behandeln. Ein Buch kannst du in die Hand nehmen und durchblättern,
aber die Bilder verschwinden, wenn die nächste Seite aufgeschlagen wird. In einer
Ausstellung bist du umgeben von Bildern. Wichtig ist: Ich mache immer eine Publikation
oder ein handgefertigtes Zine.» Marcopoulos setzt bei diesen Heften und bei
seinen Büchern auf einfache und klare Gestaltung und bezieht sich auf eine Katalogtradition:
«Einige meiner Lieblingskataloge stammen aus den späten 1960ern und
frühen 1970ern. Damals hatten die Bücher oft einfache Softcover. Sol LeWitt, Robert
Morris – zu solchen Künstlern gab es einfache, dokumentierende Kataloge. Sie waren
dazu da, zu zeigen, was gewesen ist.»
Turner, Kienholz und Michelangelo
Referenzen an andere Künstler gibt es im Werk von Ari Marcopoulos in vielerlei
Hinsicht. Unter den 91 Fotografien ist ein abgelichteter Zeitungsartikel über William
Turner, eine Fotografie von Büchern über Géricaults ‹Méduse› und Kienholz’ ‹Five Car
Stud› oder ein Band über Michelangelo, der von den Händen einer Schwarzen Person
gehalten wird. Hinweise auf gesellschaftlich relevante Themen liegen auch in diesen
Fotografien: «In diesem Nebeneinander liegt die Bedeutung. Bei Géricault ist ein
Schwarzer Mann zuoberst auf dem Floss zu sehen. In dem Artikel über William Turner
ist sein Gemälde von Napoleon im Exil zu sehen. Einerseits lässt sich dessen Einsamkeit
als Anspielung auf die Situation während der Pandemie lesen. Andererseits
berichtet der Artikel darüber, wie Turner mit dem Kunstmarkt spielte. Das wiederum
führt zum kapitalistischen New York.»
Besonders verbunden waren Ari Marcopoulos und seine Partnerin Kara Walker
mit Robert Frank und dessen Frau June Leaf: «Ich bin beeinflusst durch ihn und hatte
das Privileg, in seinen letzten Lebensjahren viel Zeit mit ihm verbringen zu können.»
In der Kunst Halle Sankt Gallen zeugt das Video ‹Nova Scotia›, 2022, von dieser
Freundschaft. Es ist weniger die Dokumentation eines Besuches als ein gemeinsames
Eintauchen in Erinnerungen und Gedanken. Ein Gespräch mit langen Pausen
dreht sich um Sprache, Herkunft und Wohnort. Der in der Schweiz geborene Frank
berichtet über seine Zeit in Paris und betont, wie gern er Menschen traf. Auch diese
den Menschen zugewandte Art verbindet die beiden Fotografen. So berichtet Marcopoulos,
wie er Zugang zu verschiedenen Szenen fand: «Mit welcher Gruppe auch
immer ich gearbeitet habe, ich war sehr interessiert an den Menschen. Dieses generelle
Interesse ist ebenso entscheidend wie Offenheit. Zudem war irgendwann der
22 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // ARI MARCOPOULOS 23

Upstream, 2022, Pigmentdruck auf Papier, 48 x 33 cm
Upstream, 2022, Pigmentdruck auf Papier, 48 x 33 cm
24 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // ARI MARCOPOULOS 25

Upstream, 2022, Pigmentdruck auf Papier, je 48 x 33 cm bzw. 33 x 48 cm. Foto: Sebastian Schaub
Ari Marcopoulos (*1957, Amsterdam) lebt in Brooklyn
Einzelausstellungen (Auswahl)
2021 Laxart, Los Angeles
2021 Archive/Project Space, Pittsfield
2020 galerie frank elbaz, Paris
2019 Art Basel | Unlimited; Fergus McCaffrey, New York
2015 Marlborough Chelsea, New York
2012 V1 Gallery, Kopenhagen
2010 Foam_Fotografiemuseum Amsterdam
2009 Berkeley Art Museum, Berkeley
Gruppenausstellungen (Auswahl)
2020 Hugh Lane Gallery, Dublin
2019 University of New York at Albany, New York; Pratt Institute, New York
2018 Fotomuseum Winterthur
2016 Camden Arts Centre, London
2015 Fondazione Giuliani, Rom
2010 Whitney Biennal, Whitney Museum of American Art, New York
2008 Centre culturel suisse, Paris
2006 Kunsthaus Zürich
Punkt erreicht, dass viele Menschen meine Arbeit kannten. Ich bringe die Bilder unter
die Leute, als Zine oder auf andere Weise. Ich habe beispielsweise 300 Fotografien an
den Zaun des Basketballplatzes in meinem Quartier gehängt.»
Urbane Störmomente
Marcopoulos porträtiert nicht nur Menschen, auch Bäume finden sich häufig unter
den Bildern. Oder Graffiti: «Ich nehme die Kamera zur Hand, wenn mich etwas
besonders anzieht, etwa eine Form, eine Gestalt oder ein Ausdruck. Selbst wenn ich
Graffiti fotografiere, entstehen Porträts. Ich suche nicht nach grossartigen oder besonders
virtuosen Graffiti. Interessiert bin ich am Graffiti als Gegenpol zur Reklame.
Die Gesellschaft missbilligt Graffiti. Werbung hingegen wird nicht infrage gestellt, sie
scheint nicht zu stören. Graffiti ist ein Antidot zur Reklame.»
Marcopoulos selbst inszeniert in seiner Ausstellung Störmomente: Auf neun
kleinen Monitoren – mit bewusster Nonchalance auf dem Boden platziert – tönen
Sound- und Videoexperimente weit in den Raum hinein. Sie entstanden während
des pandemiebedingt erzwungenen Rückzugs und verbinden sich mit dem bedrohlichen
Klang der New Yorker Polizeihelikopter über den Black-Lives-Matter-Protesten.
Auch im Video ‹Alone Together with Joe McPhee› verbindet Marcopoulos sein Interesse
an der Musik mit den gesellschaftlichen Zuständen in den Vereinigten Staaten:
Der Jazzmusiker McPhee improvisiert auf einem Plastiksaxophon und rezitiert ein
eigenes Gedicht mit grosser emotionaler und politischer Dringlichkeit. Marcopoulos
führt damit im letzten Ausstellungsraum schlüssig zusammen, was ihn künstlerisch
beschäftigt und ihn längst über die Fotografie hinaus geführt hat, ohne dass er sie
hinter sich lassen musste.
Die Zitate stammen aus einem Telefongespräch mit dem Künstler am 3.6.2022.
Kristin Schmidt, Kunsthistorikerin, lebt in St. Gallen. post@kristinschmidt.de
→ ‹Ari Marcopoulos – Upstream›, Kunst Halle Sankt Gallen, bis 7.8. ↗ www.k9000.ch
26 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // ARI MARCOPOULOS 27

documenta fifteen — I like
documenta and documenta likes me
The Nest Collective · Return to Sender, 2022, Karlswiese
La Intermundial Holobiente · Komposthaufen,
Karlsaue
foundationClasscollective · Fridericianum
Oomleo Berkaraoke · Eröffnungskonzert
auf dem Friedrichsplatz.
Foto: Nicolas Wefers
28 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // DOCUMENTA FIFTEEN 29

The Randomroutines · A Dream
on Lucids, Bootsverleih Ahoi
Fondation Festival sur le Niger · Hübner-Areal
Agus Nur Amal PMTOH · Lumbung
Stories, 2022, Grimmwelt
Kassel
1972 wollte Harald Szeemann für die documenta 5 ursprünglich
keine statische Ausstellung mehr kuratieren, sondern sich nur
noch mit der Darstellung von kreativen Prozessen beschäftigen.
Exakt ein halbes Jahrhundert später bringt das indonesische
Kunstkollektiv ruangrupa nun eine zeitgenössische Variante
von der Südhalbkugel mit. Oliver Kielmayer
Szeemanns documenta 5 ist bis heute untrennbar mit Joseph Beuys verbunden, der
bereits seit den späten 1960er-Jahren entlang des von ihm geprägten Slogans ‹Jeder
Mensch ist ein Künstler› sein Konzept der sozialen Plastik entwickelte. Folgerichtig
war sein damaliger Beitrag das ‹Büro für direkte Demokratie durch Volksabstimmung›,
in welchem er 100 Tage lang mit den Besucherinnen und Besuchern seine
Vorstellungen diskutierte, wie kreatives Handeln die Gesellschaft hin zum Besseren
verändern könnte.
Warm-up
Der auf Social Media von der documenta fifteen platzierte Slogan «Hanging
out, sowing seeds» lässt nichts Gutes ahnen, klingt er doch nach dem utopischen
Wunsch, bequem vom Liegestuhl aus, mit einer beiläufigen Handbewegung Samen
verteilend, Grosses und Relevantes hervorzubringen – like a miracle. Ein bisschen
in diesem Geiste startet dann tatsächlich die Pressekonferenz im Auestadion, wo
ein schmissig vertonter Videotrailer in die diesjährige documenta einführt, ein launiger
Zwitter aus Eurovision Song Contest und ‹Spain. Everything under the Sun›. Die
Reden der Politiker bleiben kurz, und die anschliessende Vorstellung der künstlerischen
Leitung wird jeweils mit Applaus und Gejohle von einer Art Fankurve quittiert,
die sich vor allem aus den gut 1500 mehr oder weniger direkt an der documenta
beteiligten Künstler:innen gebildet hat. Eine geistreiche Performance von Agus Nur
Amal PMTOH bringt das Stadion zum Kochen, und die offizielle Präsentation endet
mit den Worten: «Make Friends, not Art». Okay, das sitzt.
Die Analyse dieser wahrscheinlich kurzweiligsten Pressekonferenz ever lässt natürlich
sofort zweifeln, ob hier inhaltlich Neues gelernt wurde. Nun, nicht wirklich viel,
aber ganz bestimmt auch nicht weniger als an früheren solchen Veranstaltungen.
Ebenso wurde die Gleichberechtigung innerhalb der künstlerischen Leitung tatsächlich
glaubhaft dargestellt und nicht nur, wie ansonsten üblich, beschworen.
Spannend ist die Frage, ob die offenkundig angestrebte Andersartigkeit am Ende
zum Selbstläufer werden könnte. Alles anders machen zu wollen kann zu Übersprungshandlungen
führen: Die Abschaffung von Länderzugehörigkeiten der Beteiligten
zugunsten von Zeitzonen gehört in diese Kategorie, wird in der Ausstellung doch
an unzähligen Beispielen deutlich, wie häufig sich die künstlerische Auseinandersetzung
an Landesgrenzen und den dadurch definierten sozialen und politischen Realitäten
orientiert.
30 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // DOCUMENTA FIFTEEN 31

lumbung
Vokabular und Terminologie der documenta fifteen sind schnell gelernt. Der zentrale
Begriff ist «lumbung», was auf indonesisch eine kommunale Reisscheune bedeutet,
in der Überschüsse gelagert werden. In der erweiterten Form bei ruangrupa
meint es eine kollektive Praxis, in der gleichberechtigte Menschen, insbesondere mit
diskursiven Mitteln, an einer gewissen Thematik, Auseinandersetzung, Problematik
arbeiten, und zwar mit demselben Ziel wie einst Michael Jackson: «Heal the World».
lumbung-Künstler:in oder lumbung-member wird man allerdings nicht allein durch
Absichtserklärung, sondern auf Einladung, wodurch eine Art gutartiges Schneeballsystem
entsteht. Das wirft einerseits Fragen zu Inklusion und Exklusion auf, andererseits
dient es als Erklärung, weshalb viele Künstler:innen, die man selber als ausgesprochen
lumbung empfindet, nicht in der Ausstellung vertreten sind.
Soundtrack
Als kuratorisches Werkzeug für die documenta hat lumbung zwei Aufgaben: Erstens
muss es seinen eigenen Anspruch einlösen, durch Kooperation und Kollektiv einen
gesellschaftlichen Mehrwert zu generieren. Zweitens muss es sich als taugliche
Klammer für eine Grossveranstaltung zeitgenössischer Kunst erweisen, und damit
auch als Fördermechanismus guter Kunst. Der Auftakt im Fridericianum gerät absichtlich
zum Schockmoment: Zwar warten die Säulen des Eingangsportals ebenso
wie die Eingangshalle mit gewohnt listigen Zeichnungen von Dan Perjovschi auf, doch
ansonsten ist das Haus eine Art alternative Schule, in der gedacht, diskutiert und
gegessen wird; inklusive Rurukids, einem Angebot für die Kleinsten.
Wer sich von eher herkömmlichen Werken überzeugen lassen will, ist besser im
Ottoneum aufgehoben, wo vom japanischen Kollektiv ikkibawiKrrr zwei Videoarbeiten
zu sehen sind: In ‹Seaweed Story› intoniert ein Chor ehemaliger haenyeo, Frauen
aus Jeju, die im Meer nach verwertbaren Produkten tauchen, ein hinreissend sentimentales
Lied über ihr Leben, in ‹Tropics Story› werden Kriegsüberreste an ehemals
vom japanischen Kaiserreich besetzten Orten besucht. Die 2-Kanal-Videoinstallation
ist in der Manier einer Diaschau konzipiert und kombiniert nicht nur das Bildmaterial
ausgesprochen intelligent, sondern fesselt durch virtuose Vertonung. Nebenan
brennt Hito Steyerl, gastierend gemeinsam mit der an landschaftlich geprägten Ökonomien
interessierten Gruppe Inland, in ‹Animal Spirits› gleich ein ganzes Feuerwerk
von Inhalten, Sound Effects und Renderings ab; es geht um eine Reality-Show, John
Maynard Keynes und Cheesecoins.
Spätestens hier wird deutlich, wie wichtig angesichts der Überfülle von Inhalten
und Erzählungen Klang und Musik geworden sind, denn sie ziehen einen wie kaum
ein anderes Medium in ihren Bann. Dies funktioniert auch in der stillgelegten Kirche
St. Kunigundis, wo Atis Rezistans | Ghetto Biennale aus Port-au-Prince ihre eigenwillige
Gruppenpräsentation optisch mit einer Art herabgehängter Decke sowie akustisch
mit einer brummenden Klanginstallation rahmen. Am weitesten geht vielleicht
The Nest Collective im Auepark: ‹Return to Sender› ist ein Pavillon aus fein säuberlich
zusammengebundenem Recyclingabfall aus Europa, der leider allzu häufig auf
afrikanischen Müllhalden oder im Meer landet. Drinnen spielt das Video ‹Return to
Sender – Delivery Details›, in welchem verschiedene Sprecher erklären, was die Flut
von nach Afrika verschiffter Second-Hand-Kleidung dort anrichtet. Interessante Zusammenhänge,
etwa wie das allgegenwärtige Tragen von gebrauchter Kleidung jegliche
eigenständige Modeindustrie verhindert, werden hier völlig zusammenhangslos,
aber durchaus angenehm mit einem wummernden Bass unterlegt.
Erzähltechnik
Die Aufbereitung von Inhalten mag für manche Formsache sein, doch gibt es Arbeiten,
die durch Erzähltechnik regelrecht begeistern. Der bereits erwähnte Agus Nur
Amal PMTOH verwendet etwa den vom Verschwinden bedrohten Erzählstil Hikayat
aus seiner indonesischen Heimatprovinz Aceh, eine Rezitationsweise traditioneller
Geschichten als Mischung von Gesang und Erzählung. Er arbeitet darin zeitgemässe
Reflexionen und Alltagsgegenstände ein und schafft derart nicht nur überzeugende
Performances, sondern ebenso faszinierende Skulpturen. Auf dem Areal des Bootsverleihs
Ahoi strukturiert randomroutines in ‹A Dream of Lucid› eine Geschichte über
kollektives Schlafwandeln, Gruppenzwang und Selbstbefreiung als Konfabulationssession
und bereitet diese zu einer packenden audiovisuellen Erzählung auf. Fawswag,
neben dem Party Office b2b Fadescha eine der eher wenigen Gruppen, die sich
mit Fragen von LGBTIQ+ und Sexualität beschäftigen, hat eine lebensbejahende Präsentation
im Stadtmuseum Kassel eingerichtet und zeigt in ‹fawswagvogue.com› das
sexuelle Werben als Vogueing-Battle in einem interaktiven Computerspiel.
Der Einbezug von Trash ist vielleicht eine der wichtigeren Lektionen seit Beuys:
Wakaliga Uganda produziert seit 2005 Spielfilme für jeweils 200 Dollar das Stück
ausschliesslich mit Einwohnern seines Quartiers. Auch sein neuestes, am Ende der
documenta-Halle gezeigtes Werk ist filmische Bricolage in Reinkultur und besticht
neben einem spannenden Drehbuch gerade dadurch. Fehras Publishing House an der
Hafenstrasse 76 wiederum wählt zur Präsentation ihrer Recherchen über das arabischsprachige
Verlagswesen das Format der Fotostory. Das Maximalergebnis lieferte
allerdings die Karaoke-Performance von Oomleo Berkaraoke am Eröffnungsabend
auf dem Friedrichsplatz, wo nach einer Aufwärmphase mit einem Elvis-Imitator mutige
Einwohner:innen Kassels auf der grossen Bühne diverse Popsongs performten
und das Publikum inbrünstig mitgrölte. Das war ein bisschen soziale Plastik und ein
bisschen 15 Minuten Ruhm, aber vollkommen lumbung.
Oliver Kielmayer, freier Autor und Direktor der Kunsthalle Winterthur, kielmayer@gmx.net
→ documenta fifteen, Kassel, bis 25.9.; Publikationen zur documenta fifteen: Handbuch, Familienguide,
Magazin und Anthologie literarischer Texte, Hatje Cantz
↗ www.documenta-fifteen.de
32 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // DOCUMENTA FIFTEEN 33

White Cube — Von Häusern und
Fenstern
Andrea Heller · Latitude, 2021, Raumansicht Zimmermannhaus, Brugg © ProLitteris. Foto: René Rötheli
Ruth Buchanan · Spiral Time, 2022, Raumansicht Kunstmuseum Basel I Gegenwart. Foto: Jonas Hänggi
Lange hat es ausgesehen, als möchte die Kunst ganz alleine
sein. Ausstellungsräume bieten dem intimen Dialog mit Kunstwerken
Schutz, halten Abstand zum verstörenden Lärm der
Welt. In jüngerer Zeit ist die Tendenz eine andere. Künstlerinnen
und Künstler thematisieren im Kontakt zum Aussenraum auch
unseren Standort im erweiterten Hier und Jetzt. Isabel Zürcher
Seit 1998 waren die Fenster im dritten Obergeschoss des Kunstmuseum | Gegenwart
in Basel vollständig geschlossen. «Unsere Kolleg:innen der Putz-Equipe konnten
nicht glauben, wo sie all die Jahre gearbeitet haben», schreibt Maja Wismer, die dem
Haus vorsteht. Abgeschirmt hatte Joseph Beuys sein eigenes Kabinett. Inzwischen
erträumt Ruth Buchanan das ganze Haus neu: Wandmalerei zitiert den Wasserlauf
des St.-Alban-Teichs und transportiert Sammlungsgut von vierzig Jahren als beweglichen
Strom in die Säle. Das eigengesetzliche Erzählen von Schenkungen und Ankaufsentscheiden
belüftet Rezeptions- wie Institutionsgeschichte. Nichts ist isoliert
zu sehen, ein spiralförmig aufgehängter Vorhang plädiert zuletzt für flexible Szenarien
und lässt den Blick ins Freie schweifen. Kunst stellt Fragen, die keine Institution
allein beantworten kann. Sie führt Weitsicht ein und das Bild einer Stadtentwicklung,
die in Basel mit dem Turmbau von Roche das vorläufig markanteste Zeichen setzte.
Das Kunstmuseum | Gegenwart ist nicht allein mit seinem Drang zur Öffnung.
Man staunte zum Beispiel, als Miriam Cahn 2019 ihren kriegerischen Bildpanoramen
im Kunstmuseum Bern den Blick in Baumkronen und zur Aare entgegenhielt. Fast
vergessen war das Gefälle der Badener Altstadt, bis Andrea Wolfensberger und Carmen
Perrin anfangs Jahr das Trudelhaus von Einstellwänden befreiten und es (auf-)
atmen liessen als Teil einer eindrücklich schroffen Topografie. Für den Bezug nach
aussen hatte sich auch Andrea Heller eingesetzt, als sie 2021 im Zimmermannhaus
ihre Reliefs aus Gips ausstellte: Mit dem Rückbau der Wandverkleidung war nicht nur
Tageslicht gewonnen. Ein Raum bleibt freigelegt, dessen Proportionen mit beidseitiger
Durchfensterung wirklich Sinn ergeben und der jetzt zulässt, Laube und Hof ins
kuratorische Handeln einzubinden.
Solche Öffnungen sind mehr als «ortsspezifisch». Der Dialog mit Architektur nimmt
deren Geschichte ernst und dringt auch in gesellschaftliche Wirklichkeit vor. Ausschliesslichkeit
ist eine wunderbare Eigenschaft nicht zuletzt fürs Betrachten von
Kunst. Doch sie riskiert, an Bedeutungshierarchien festzuhalten, die auf Dauer erstarren.
Beuys’ Auszug aus der obersten Etage des Kunstmuseums Basel | Gegenwart
wird begleitet von einer präzisen Recherche im rebellischen Format: Seine Auftritte
in Basel sind als Medienspiegel im Erdgeschoss an die Wand tapeziert. Der «Jahrhundertkünstler»
selbst ist neu im Hauptbau zuhause, wo er teilhat am schon älteren
Kanon unserer immer jetzigen Kunst.
Isabel Zürcher, Kunstwissenschaftlerin und freie Autorin in Basel und Mulhouse. mail@isabel-zuercher.ch
34 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // WHITE CUBE 35

Kabelo Malatsie — Vom Potenzial
des Fragens und des ungewissen
Wissens
Ivana Franke · Twilight. Neither perception nor non-perception, 2022, Ausstellungsansicht Kunsthalle
Bern © ProLitteris. Foto: Gunnar Meier
36 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // KABELO MALATSIE 37

Seit April leitet Kabelo Malatsie die Kunsthalle Bern. Ihr Ausstellungsprogramm
startet sie mit einer Installation der Künstlerin
Ivana Franke, bei der wir allerdings zunächst nichts sehen.
Im Gespräch erzählt Kabelo Malatsie vom Kuratieren mit Fragen
und von Gewissheiten, die bei Ivana Franke zur Diskussion gestellt
werden. Marc Munter
Munter: Sie empfangen das Publikum in Ihrer ersten Ausstellung in abgedunkelten
Räumen. Erst allmählich erkennt man feine Lichtpunkte, die auf Nylonfäden
reflektieren. Welches ist hier Ihr Zugang zur Kunst und zur kuratorischen Praxis?
Malatsie: Mir geht es beim Kuratieren darum, Fragen zu beantworten. Besonders in der
Kunsthalle habe ich bei jeder Ausstellung Fragen, die für mich relevant sind und mit
denen ich mich auseinandersetzen möchte. In der Ausstellung von Ivana Franke beschäftige
ich mich beispielsweise mit der Vorstellung von Wissen, mit approximativem
Wissen und Grenzen des Wissens. Nicht alle Fragen werden veröffentlicht, einige
aber schon: Zum Beispiel arbeite ich an einem längeren kuratorischen Forschungsprojekt
mit Julia Künzi, Assistenzkuratorin der Kunsthalle Bern, und Camilla Paolino,
einer Kuratorin und Forscherin aus Genf. Es ist der Beginn einer experimentellen
kuratorischen Praxis. Meine bisherigen Erfahrungen im Bereich des Kuratierens und
Experimentierens spielten sich jeweils auf einer Biennale-Ebene ab. Was geschieht
nun, wenn wir kontinuierlich fragen, was Kuratieren leisten kann? Wie können wir
damit in der Praxis umgehen, und welches sind die Grenzen der Zusammenarbeit?
Einige meiner Fragen sind mehr formaler Natur und beziehen sich auf die Kunstproduktion;
andere dagegen beziehen sich auf den Sehsinn oder auf unser Dasein in der
Welt. Ich bin daran interessiert, meine Vorstellungen zu verändern, mich von anderen
Sichtweisen anstecken zu lassen, die meine Sicht auf die Welt auch komplizieren.
Was sehen und was wissen wir?
Munter: Können Sie uns etwas mehr über Ihre «Frage» in Bezug auf die Ausstellung
von Ivana Franke erzählen?
Malatsie: In Ivanas Installationen geht es um Wahrnehmung, um die Frage, wie unser
Wissen, wie Bedeutung erzeugt wird. Viele denken, dass es eine objektive Wahrheit
gibt, doch handelt es sich stets um eine sozialisierte Wahrheit. Daraus ergibt sich
eine bestimmte Vorstellung, ein Konstrukt von dem, was jemand für «real» hält. Für
mich stellt Ivana Frankes Arbeit unsere Wahrnehmung infrage und thematisiert das
Unbekannte, das nicht eigentlich unbekannt, aber «dir» zum Beispiel nicht bekannt
ist. Es geht um annäherndes Wissen, nicht um die Behauptung von Unwissen an
sich. Denn, wohl wissen «es» einige Menschen und Dinge, und dem Universum ist
es bekannt, das Universum ist allwissend. Aber ich denke, unsere Sozialisierung ist
so stark und prägt unsere Sichtweise derart, dass uns unwohl wird, wenn ebendiese
infrage gestellt wird. Mich selbst interessiert also die Instabilität, die meine Soziali-
Kabelo Malatsie. Foto: George Mahashe
38 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // KABELO MALATSIE 39

sierung bis zu einem gewissen Grad aufhebt. Denn, je mehr wir vom eigenen Wissen
überzeugt sind, desto weniger empfänglich sind wir für Veränderungen.
Ivanas Installation stellt unseren Glauben an das, was wir sehen, infrage: an das Sehen
als wichtigste Sinneswahrnehmung – für diejenigen von uns, die sehen können.
Die Installation dimmt das Sehen einen Moment lang und setzt es für eine Weile aus.
Dabei werden andere Sinne geschärft, und die Installation bewirkt, dass ich mich im
Raum komplett unwohl fühle. Dieser Zustand der Instabilität und Ungewissheit, dieser
unangenehme Moment, wenn wir nicht alles sehen können und nicht über alles
im Klaren sind, das ist es.
Experiment und Kooperation
Munter: Entspricht die Instabilität einem programmatischen Ansatz, und möchten
Sie die Kunsthalle auf gewisse Weise damit prägen, gerade als Institution mit
einer langen Geschichte und Tradition?
Malatsie: An der Geschichte der Kunsthalle interessiert mich, dass stets experimentiert
wurde und dass dies auch gefördert wurde. Zum anderen beschäftigt mich das
Thema, in welcher Form wir Raum schaffen können, der unsere Sichtweise verändert.
Dies bietet sich mir in der Kunsthalle als Praktikerin an. Ich bin nicht auf grosse Gesten
aus. Für mich hat alles ein offenes Ende, und es geht darum, nicht aufzuhören,
Fragen zu stellen. Ein grosses Potenzial liegt zudem in den Herausforderungen der
Künstlerinnen und Künstler. Am produktivsten ist es, wenn mich eine künstlerische
Arbeit ständig begleitet und mich immer wieder herausfordert.
Munter: Zumal Sie eng mit Kunstschaffenden zusammenarbeiten: Haben Sie bestimmte
Ideen oder Pläne für Kooperationen mit anderen Institutionen und Leuten
verschiedener Berufe, Interessen, Affinitäten?
Malatsie: Ich denke, Kooperationen sind gelungen, wenn klar ersichtlich ist, wovon
ausgegangen wurde, beim Produkt aber alle Beteiligten miteinander «verschmelzen».
Mich interessiert, wie Institutionen zusammenarbeiten und wie weit institutionelle
Kooperation gehen kann. Wenn Zusammenarbeit kein «Hosting» darstellt, also kein
Programm einer anderen Institution, das in der Kunsthalle Bern durchgeführt wird.
Ivana, zum Beispiel, arbeitete mit Neurowissenschaftler:innen, und ihre Zusammenarbeit
inspirierte wiederum einen Wissenschaftler zu einem Forschungsprojekt. Ich
denke, dies ist produktive Zusammenarbeit, insbesondere zwischen den Disziplinen.
Kabelo Malatsie (*1987, Mphakane, Südafrika) lebt in Bern
2020 Co-Kuratorin von ‹Deliberation on Discursive Justice› an der Yokohama Triennale, Japan
2018 Co-Kuratorin von ‹In the Open or in Stealth›, MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona
2018/19 Direktorin des VANSA (Visual Arts Network of South Africa, mit über 7000 Mitgliedern)
2018 Master of Arts in Kunstgeschichte mit einer Arbeit über unabhängige und selbstorganisierte
Kunstinstitutionen in Südafrika an der Universität von Witwatersrand, Johannesburg
2016 Forschungen für die Masterarbeit im Archiv der Kunsthalle Bern
2011–2016 Stellvertetende Direktorin der Stevenson Gallery, Cape Town und Johannesburg
Munter: Denken wir an die Kunsthalle als Institution von beachtlicher lokaler und
internationaler Bedeutung und ebensolchen Interessen: Wie positionieren Sie
sich im Spannungsfeld dieser Herausforderungen und Erwartungen, Aufgaben
und Möglichkeiten?
Malatsie: Mir scheint es nicht mehr so einfach, eine Grenze zwischen dem Lokalen und
dem Internationalen zu ziehen, jedenfalls nicht mehr seit der Ausbreitung des Internets.
Auf der einen Seite gibt es die Ökologie: Wind, zum Beispiel, ist international;
Staub ist international, Pflanzen sind international. Die Frage des Lokalen – in Südafrika
würden wir es vielleicht das Indigene nennen –, das Bedürfnis, etwas als spezifisch
lokal in Anspruch zu nehmen, bedeutet auch, dass es keine Bewegung gibt. Und
falls es eine gibt, haben wir sie unter Kontrolle. Zugvögel, im Sinne der Verbreitung
von Samen, erschweren dagegen die Vorstellung des spezifisch Lokalen. Für mich
scheint die Frage nach dem Lokalen ausserhalb von Bewegung und Zeit zu stehen.
Künstlerische Praxis als Vorbild
Munter: Und wie denken Sie darüber mit Blick auf die Kunsthalle? In Anbetracht
der Internationalität und des Lokalen, der Berner Kunstszene, ihrer Relevanz und
ihren Erwartungen, besonders in Bezug auf eine Institution, die von Kunstschaffenden
gegründet wurde?
Malatsie: Hier können wir auf die künstlerische Praxis setzen. Mich interessiert, wenn
sie ausserhalb von Disziplinen operiert und damit furchtlos umgeht, wie es auch in
der Kunsthalle Bern der Fall war. Bis zu dem Punkt, da sich die Kunstgeschichte sowie
die kuratorischen Praktiken – so wie wir sie heute kennen – änderten. Dies ist
das Potenzial einer experimentellen, künstlerischen Praxis: die Fähigkeit, verschiedene
Disziplinen oder Denkweisen zusammenzubringen. Ein:e Künstler:in kann über
eine Pflanze sprechen, etwas Anderes hinzufügen, beides miteinander verbinden und
dabei wieder etwas Anderes hervorbringen. Wenn wir uns dieser Praxis zuwenden,
sind wir in der Lage, ausserhalb des Lokalen und ausserhalb von Grenzen zu sprechen.
Ich bin aber auch interessiert zu sehen, was es hier an Institutionen, an Praktikerinnen
und Praktikern gibt. Wegen ihres internationalen Rufs führt die Kunsthalle
zu Gesprächen, die über Bern hinausführen. Mir ist bisher nur bekannt, wie Leute von
ausserhalb darüber denken, aber ich bin neugierig, was die Menschen hier denken.
Denn natürlich ist es eine wichtige Institution, und so betrachtet ist es keine internationale
Institution, sondern eine lokale. In diesem Sinn ist es interessant zu sehen,
wie sich das Internationale und das Lokale aneinander reiben.
Marc Munter ist Kunsthistoriker, lebt und arbeitet in Bern, m_munter@hotmail.com
→ ‹Ivana Franke –Twilight. Neither perception nor non-perception›, Kunsthalle Bern, bis 7.8.
↗ www.kunsthalle-bern.ch
40 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // KABELO MALATSIE 41

Boris Mikhailov — Die Verführung durch
den Tod
The Temptation by Death, 2014–2018, 4 von 150 Diptychen, Schwarz-Weiss- und Farb-Fotografie
© ProLitteris
42 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // BORIS MIKHAILOV 43

Ein in Kiew errichtetes Krematorium wurde nach 13 Jahren Bauzeit
und kurz vor der Vollendung aus politischem Kalkül 2018 abgerissen.
Der heute in Berlin lebende Ukrainer Boris Mikhailov
schuf dazu einen vielteiligen Bilderzyklus, den wir hier aus aktuellem
Anlass aufblitzen lassen. Wir publizieren dazu eine Hommage
von einem Fotoexperten und Weggefährten: Urs Stahel
Gibt es Reportage- oder Dokumentarfotografie mit Selbstironie? Mit einem heiteren
Tonfall und einer offenen Hintertür, dem Zweifel also, mit der eigenen fotografischen
Behauptung vielleicht im Unrecht zu sein? Existiert das überhaupt? Bei all der Fotografie,
die wir pars pro toto als «Magnum» bezeichnen können, sehe ich das nicht.
Vielmehr findet sich da weiterhin grosser Ernst, manchmal gar Bierernst, zur Schau
gestellte Inbrunst. Und lässt nicht dieser Ernst, der die eigene Position weder mitdenkt
noch im Blickfeld hat, diese Form der Dokumentarfotografie oft unzeitgemäss
und unwahr aussehen? Mit der Aufsplitterung der Wahrheiten kriegt der Glaube an
die eine grosse Wahrheit bald einen dichten langen Bart.
Ich stelle mir diese Fragen, während ich über Boris Mikhailov (*1938, Charkiw)
nachdenke, dem 2015 der Kaiserring der Stadt Goslar verliehen wird, eine der höchsten
Auszeichnungen für zeitgenössische Kunst in Deutschland. Denn Mikhailovs inzwischen
mehr als vier Dekaden überspannendes Werk «hat» genau das. Immer wieder
zeichnen Ironie, Heiterkeit, ein Spiel mit der Wirklichkeit und mit sich selbst sein
Werk aus. Neben tiefen Gräben, aus denen die Härte der Welt mit voller Wucht, mit
dem Gestank und Sausen von Eiterbeulen in unser wohliges Leben hochdampft. Seine
postsowjetischen Arbeiten über die Ukraine lehren uns schlechthin das Grauen.
Er dokumentiert und er tanzt. Er schaut hin, genau, schliesst seine Augen nicht,
und lacht zugleich. Mit Schalk in den Augen schaut er uns an, während er Fussbälle
zu Brüsten und Milchflaschen mit Orangen zu Penissen und Hoden werden lässt.
‹The Temptation By Death› — «Die Arbeit begann während ich über Thomas Manns
Roman ‹Der Tod in Venedig› nachdachte und mit Fotografien, die im April 2014
während einer Schriftstellerkonferenz in Venedig entstanden, bei der ich zu Gast
war; vor dem Hintergrund der Fernsehnachrichten über die damaligen Ereignisse
in der Ukraine, vor dem Hintergrund einer echten venezianischen Beerdigung, deren
Boote sich mental auf die biblische Reise von Charon bezogen, der die Seelen
der Toten in die Unterwelt begleitet. Die Serie entwickelte sich durch das Hinzufügen
von Fotografien aus den letzten Jahren sowie neuen Filmaufnahmen: Fotografien
von Ereignissen auf der Strasse und im Fernsehen, Filmaufnahmen von
zu Hause und von Reisen, in der Ferne. Die Serie fand jedoch erst nach dem Besuch
des Krematoriums in Kiew im Herbst 2018 ihre Vollendung, als sich die in die
Ewigkeit führende Strasse im alten Kiew mit dem ewigen Weg des Charon, gefilmt
in Venedig, verband …» Boris Mikhailov, 2018 (zitiert nach Francesco Zanot, 2019)
Das Weltgeschehen wird ernst genommen und dann im Familienkreis nachgespielt.
Damit das Leben, bei gutem Erkenntnisgewinn, trotz allem gelebt werden, ja lebenswert
bleiben kann. Surrealistische Überblendungen, volkskunstähnliche Handkolorierungen,
Amateurschnappschüsse, Banalfotografie mit tagebuchartigen Notizen,
Selbstinszenierungen, nackt vor schwarzem Hintergrund, und direkte, harte, grelle
Farbfotografie: Das legt Boris Mikhailov seit den siebziger Jahren in seinem dichten,
vielfältigen Werke vor. Zur Ergötzung und Irritation, zur Begeisterung und Verstörung
des Publikums in Ost und West.
«Wir» – die Moderne, die fotografische Moderne, der andauernde fotografische
Doku-Ernst – tun uns schwer mit dem Grotesken, mit dem schrillen Lachen vor dem
Grauen der Welt. Boris Mikhailov jedoch tritt immer wieder als Harlekin auf, als Dandy,
als Narr, mal auch als fauler Macho, der lachend der Last für einen Augenblick die
Schwere und scherzend der Langeweile das Dumpfe entzieht. Seine Auftritte verwandeln
die Fotografie in ein grosses Welttheater, sie entlasten das Dokumentarbild
von seinem Zwang zur Direktreferenz, weil ihn die dargestellten Dinge an sich, ihre
Erscheinung, ihre Ähnlichkeit nicht alleine interessieren, sondern nur in ihrer Funktion
im «Sein der Welt».
Boris Mikhailov – klagender Sänger, lachender Narr, surrealistischer Erotiker und
scharfer Phänomenologe zugleich – hat aus seinem geschichtlichen Kontext heraus
ein Werk geschaffen, das sich über alle Grenzen hinweg manifestiert und letztlich ein
tief berührendes Bild der verwundeten, bedrohten menschlichen Seele präsentiert.
Quelle: Rede zur Verleihung des Kaiserring der Stadt Goslar, 2015
Weil morgen immer Krieg sein wird
Nachtrag, Mai 2022: Heute bleibt selbst Boris das Lachen im Hals stecken. Boris und
Vita Mikhailov erinnern mich in unserer Korrespondenz an eine ganz bestimmte Stelle
im Text von Mikhail Shiskin über die Serien ‹Dance› und ‹Salt Lakes›, den Shiskin
2003 für die Retrospektive von Mikhailov am Fotomuseum Winterthur geschrieben
hat. Er hielt darin fest: «Deshalb tanzt an russischen Tanzveranstaltungen auch stets
die Mehrzahl der Frauen mit Frauen, weil morgen immer Krieg sein wird. Und niemand
vermag den russischen Kreis zu durchbrechen. Mal das Feld, mal der Wald.
Und morgen Krieg und Opfer. Und töten werden wieder die eigenen Leute.»
Urs Stahel, Kurator, Autor, Dozent. Vormals Gründer und Leiter des Fotomuseum Winterthur, heute Kurator
und Berater an der Fondazione MAST in Bologna. ursstahel.office@bluewin.ch
© ProLitteris. Foto: Araki
44 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // BORIS MIKHAILOV 45

Marisa et Mario Merz — Dialogue à
l’ombre de l’Arte Povera
Marisa Merz · Sans titre, n.d, argile crue, feuille d’or, peinture, plomb, fil de cuivre, paraffine, socles en
bois, collection Merz © ProLitteris. Photo : F. Bevilacqua
L’exposition autour d’une œuvre majeure de Mario Merz en possession
des collections montre pour la première fois des travaux
de cet incontournable de l’Arte Povera face à la production mal
connue de sa femme Marisa Merz. Le lien particulier du couple
mené sur plus d’un demi-siècle se révèle fusionnel, à l’image de
la pièce en spirale conçue ensemble. Nadia El Beblawi
Depuis la disparition de Mario Merz, en 2003, sa compagne de toujours Marisa Merz
acquiert enfin une certaine visibilité. Celle reconnue comme la seule femme du
mouvement Arte Povera et présentée en 2013 comme « une voix singulière de l’art
contemporain » lors de la remise d’un Lion d’or à la Biennale de Venise, expose au
Musée Rath au même titre que son mari. Partant des travaux de chacun, l’exposition
genevoise propose des situations de dialogue pour évoquer le lien qui unissait la vie
intime et créative du couple. Avec moins d’une dizaine d’œuvres, nous découvrons
une proximité intellectuelle et une façon commune d’habiter le processus artistique,
de l’imbriquer dans le quotidien. Leur appartement de Turin devient très tôt un atelier
et même un espace d’exposition pour Marisa qui ouvre ses portes au public en 1966.
Un habitat, brouillant les frontières de l’art et de l’intime, contextualisé encore de
son vivant au Metropolitan Museum of Art de New York avec la rétrospective ‹Marisa
Merz : The Sky Is a Great Space› – titre emprunté à un poème écrit par l’artiste –,
organisée en 2017 deux ans avant sa mort, puis reprise à Los Angeles et en Europe à
Salzburg et à Porto.
C’est grâce à la collaboration avec la Fondation Merz gérée par leur fille que l’exposition
a pu être montée à Genève. La relation de travail des deux artistes est peu
explicitée en dehors de la Fondation basée à Turin, bien qu’ils se soient soutenus
toute leur vie durant. Né au milieu des années 1920, la couple cristallise une jeunesse
italienne profondément marquée par la Seconde Guerre mondiale. Mario Merz,
d’origine suisse mais né à Milan et ayant grandi à Turin comme Marisa, sera arrêté
en 1945 en tant que résistant antifasciste. C’est pendant son enfermement qu’il se
lance dans le dessin puis se consacre à la peinture. Le développement industriel effréné
de la ville piémontaise l’inspire, il commence à imaginer des constructions de
toiles incluant des objets trouvés, des matériaux organiques ou industriels et devient
l’un des protagonistes du groupe Arte Povera qui émerge en réaction contre l’art
« riche » de la société de consommation.
Rencontre autour de la table
Quant à sa femme, elle produit des œuvres mobiles constituées de tubes torsadés
en feuille d’aluminium, des ‹Living Sculpture› suspendues au plafond de la cuisine
présentées notamment lors de sa première exposition publique à Turin en 1967.
Une approche des matériaux qui anticipe sa participation au mouvement soutenu
par Germano Celant. Dans le souvenir du critique d’art, Marisa était une personnalité
46 Kunstbulletin 7-8/2022
FOKUS // MARISA ET MARIO MERZ 47

introvertie, même s’il admet les difficultés à reconnaître à cette époque le travail
des artistes italiennes. Il est vrai aussi que même si elle a régulièrement produit des
pièces, elle s’est marginalisée à force de poser ses marques en coulisses plutôt que
sur le devant de la scène artistique.
L’exposition genevoise s’articule autour d’une installation de 1985 (‹Sans titre›,
1985) donnée au MAH par Mario Merz dans le cadre de l’ancien Prix BCG. L’œuvre monumentale
reprend des éléments emblématiques de sa pratique et explicite de façon
presque démonstrative sa recherche d’une tension entre une géométrie naturelle et
une construction humaine. Elle se découvre au bas de l’escalier menant au sous-sol.
Nous sommes d’abord pris par l’odeur agréable des sarments de vigne qui s’étendent
sur plus de 7 mètres sur 14 mètres, traversés par des néons bleus reproduisant les
nombres de la fameuse suite de Fibonacci. Une progression mathématique harmonieuse
qui pourrait être associée à une forme de spirale infinie du temps. Le regard
Mario Merz (1925–2003)
Marisa Merz (1926–2019)
Expositions (sélection)
2017 ‹The Sky Is a Great Space›, Metropolitan Museum of Art, New York
1995, 2003 Kunstmuseum Winterthur
1998 Galleria d’Arte Moderna, Bologne
1996 Stedelijk Museum, Amsterdam
1994 Centre Pompidou, Paris
2005 Ouverture de la Fondation Merz, centre d’art contemporain à Turin par leur fille Beatrice Merz
La punta della matita, n.d, collection Merz © ProLitteris. Photo : Renato Ghiazza
porte jusqu’à une immense peinture sur papier maintenue au mur par des pierres de
Lauze, typique de l’architecture traditionnelle. La représentation montre une table
dressée avec des ornements naturels, feuilles et fruits. Une table promesse de vie,
d’échange, image inspirante et récurrente, en lien aussi avec Marisa.
À l’étage, la table prend des allures poétiques avec ‹Nuvola rossa con il tramonto›,
1983, (Nuage rouge avec coucher de soleil). Une longue spirale peinte sur près de 10
mètres semble prête à accueillir des convives. Face à elle, une des dernières œuvres
de Mario Merz : un grand plateau de verre sur lequel est fiché une lance en bois qui
perfore la surface, sorte d’autoportrait pour l’artiste, et lui faisant front une tête en
terre crue réalisée par Marisa. Une mise en regard du travail de chacun qui se retrouve
à nouveau agencée dans une œuvre commune placée au centre de l’espace.
Une table en spirale, dont le parcours quelque peu déstructuré, court d’une salle à
l’autre en obstruant le passage. Les éléments de verre supportent une quinzaine de
petites têtes confectionnées en terre crue, aluminium, bronze ou paraffine, elles reflètent
un travail de Marisa entrepris au début des années 1980.
Une mythologie des origines
Ses sculptures sont surprenantes, les figures difformes et partiellement effacées
semblent marquées par les strates de l’histoire. Un primitivisme dans le traitement
des volumes particulièrement évocateur lorsque les têtes sont assemblées sur des
socles, à des hauteurs différentes, comme cette salle reproduisant une installation
prévue pour la Biennale de 1988. Une approche tout aussi torturée dans les peintures
de grand format où émergent les éléments d’un visage et d’un corps. Sur la surface
du papier saturée de pigments s’ajoute du cuivre, de la feuille d’or, une main en porcelaine.
Images à la résonnance presque religieuse.
Même si les deux artistes ont mené leurs recherches créatives de manière indépendante,
ils se rejoignent dans ce besoin de confronter l’homme contemporain à
la permanence de ses besoins premiers. Mario Merz articule une histoire du monde
en travaillant sur des formes symboliques primitives, la spirale, la table comme périmètre
sacré, l’igloo. À noter que l’exposition accueille l’un des premiers igloos, au
revêtement fait de coussins en tissu, qu’il a présenté en 1972 à la Documenta 5. Il est
dédié à Marisa.
La présentation du Musée Rath parvient à thématiser avec peu d’œuvres l’échange
artistique du couple. Un dialogue qui perdurera jusqu’à la fin comme en témoigne la
reconstitution d’un des murs de l’atelier-appartement de Marisa. Elle a accroché un
de ses dessins sur des peintures de Mario. Le visage esquissé aux traits semble chercher
quelque chose au milieu des très grandes compositions. Un lien fusionnel et une
intimité presque retrouvée, fragile et poétique.
Nadia El Beblawi, critique d’art, web éditrice, vit à Bâle, nadia.elbeblawi@gmail.com
→ ‹Marisa et Mario Merz›, Musée Rath (Musée d’Art et d’Histoire Genève), jusqu’au 25.9. ; visite avec
Beatrice Merz et Samuel Gross, le 25.9. ↗ www.institutions.ville-geneve.ch/fr/mah
→ Fondation Merz, Turin ↗ www.fondazionemerz.org
48 Kunstbulletin 7-8/2022
FOKUS // MARISA ET MARIO MERZ 49

Davide Cascio — Mago della
citazione
L’opera di Davide Cascio, densa di citazioni, si adegua allo spazio
espositivo e pone un enigma ermeneutico destabilizzante. Stratificate
secondo il principio del collage, le opere si scompongono,
invece, al momento della fruizione. Per l’interpretazione necessario
scoprirne ipotetici riferimenti. Barbara Fässler
L’opera di Davide Cascio permette tanti approcci di ricezione, quanto è stratificata
da varietà materiche e riferimenti culturali. Questo lavoro complesso si presta ad un
gioco percettivo, una sorta di scommessa. Esclusivamente attraverso l’osservazione
accurata, quanto si riesce a cogliere delle intenzioni dell’artista, dei riferimenti e
delle fonti storiche che ne stanno a monte? Vediamo ad esempio ‹Spider Bee› (2022):
installazione in situ nella quale una marea incalcolabile di pezzi di un Mobile pendono
dal soffitto. I bastoni orizzontali o leggermente obliqui, rosa, verdi, blu e bianchi
sostengono a loro volta altri bastoni, oppure sono legati con delle corde a dei pezzi di
plastica trasparenti ed esagonali rossi, blu oltremare o gialli. Questi elementi formano
una caotica composizione astratta che si adatta alla sala espositiva. I riferimenti
che sorgono spontaneamente sono tanti: le composizioni dei costruttivisti russi, qui
reinterpretati per lo spazio tridimensionale; ‹Mile of String›, in cui Marcel Duchamp
nel 1942 imballava la mostra ‹First Papers of Surrealism› con delle corde bianche
come se fossero ragnatele; oppure i ‹Mobiles› di Calder con i colori primari. Nel catalogo,
Gianfranco Camesi menziona inoltre molti altri rimandi: la scultura ‹Röyi› di
Gyula Kosice (1944–1965), la ‹Sculpture de voyage› di Marcel Duchamp (1918) e la
‹Gleichgewichtskonstruktion› di Johannes Zabel (Bauhaus 1923).
Il principio metodologico citazionistico di Cascio, senza dubbio figlio del postmodernismo,
si svolge in tre fasi: 1. ricerca visiva e documentaria delle fonti, 2. progettazione
teorica e 3. costruzione e assemblaggio dell’opera. La genesi stessa delle
installazioni e dei lavori su carta è costruttivistica, nel senso che si costruisce strato
per strato. Nelle parole di Georges Didi Hubermann si tratta di «un’opera che non finisce
mai di operare». Cascio procede per collage – tecnica a sua volta presa in prestito
dai dadaisti e da James Joyce. Sul versante concettuale, l’artista ticinese stratifica
fonti visive, letterarie e teoriche. Sul versante plastico, invece, incrocia pezzi di carta
nei collage ‹Senza titolo›. Nelle installazioni ‹Out›, che barricano il passaggio nello
spazio, Cascio sovrappone assi di legno grigie, bianche e nere in senso diagonale.
Mentre nel lavoro in situ, ‹Riverrun› – a cui la prima parola del joyciano ‹Finnigans
Wake› presta il titolo – dei libri sono impilati su scaffali mai orizzontali e pericolosamente
penzolanti. L’opera di Davide Cascio si scompone, strato dopo strato, in un
processo interpretativo spiraliforme, precario e senza fine.
Barbara Fässler è artista, critica d’arte e docente di arti visive alla KMSU. barbarasic.faessler@gmail.com
Spider Bee, 2022, legno, carta, pittura acrilica, plexiglas, corda, oggetti vari, mobile di dimensioni
variabili © ProLitteris. Foto: Cosimo Filippini
→ ‹Davide Cascio – Chaosmos›, Museo d’arte Mendrisio, fino al 4.9.
↗ www.museo.mendrisio.ch
50 Kunstbulletin 7-8/2022
FOKUS // DAVIDE CASCIO 51

Su Yu Hsin — There is no before and af
ter in waves
Tidal Variations, 2021, Videostill, 1-Kanal-Videoinstallation, 14’’40’, Loop, Masse variabel, Courtesy
Galerie Alexander Levy, Aussstellungsansicht Kunsthalle Winterthur
52 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // SU YU HSIN 53

Die taiwanesische Künstlerin Su Yu Hsin untersucht, wie wir
wahrnehmen, erforschen und Schlüsse ziehen. In ihren essayistischen
Videoinstallationen stellt sie Fragen nach Machtverhältnissen
und Glaubenssätzen – und welchen Einfluss diese auf die
Vorstellung «wissenschaftlicher Objektivität» haben. Dies zeigt
ihre Ausstellung in der Kunsthalle Winterthur. Giulia Bernardi
Wir sehen Kameras, Wetterstationen und Seismografen auf einem länglichen Bildschirm,
der sich horizontal durch den ersten Raum der Kunsthalle zieht. Die Instrumente
ragen aus der grünen Landschaft des Taroko National Park empor, registrie ren
tektonische Bewegungen oder den Einfluss klimatischer Bedingungen auf Erdrutsche.
Die Aufnahmen werden collageartig neben- und übereinandergelagert, von Bildern
des Flusses Liwu flankiert, der sich durch den Park im Osten von Taiwan schlängelt.
Wir folgen ihm aus der Vogelperspektive, dann von Nahem, wie er sich den Weg
durch das Dickicht bahnt, tauchen schliesslich ein. Blasen steigen auf, das Tageslicht
schimmert noch tief im Wasser.
Diese poetischen Szenerien ergänzt Su Yu Hsin in ihrer Videoinstallation in Winterthur
mit dem Material jener Kameras, welche die Umgebung monitoren. Die taiwanesische
Künstlerin widmet sich der Frage, wie wissenschaftliche Daten erfasst und
ausgewertet werden.
Situiertes Wissen
In der zweiteiligen Videoinstallation ‹frame of reference› verweist Su Yu Hsin auf
den Prozess, den wissenschaftliche Erkenntnisse durchlaufen, dem vermeintlich
«objektive» Entscheidungen zugrunde liegen. «Schon die Positionierung einer Kamera
geht mit der Auswahl eines Ausschnittes einher», sagt Su. «Unsere Sicht ist immer
einseitig, immer fragmentarisch.»
Während wir uns also um den Bildschirm in der Kunsthalle bewegen, wird unweigerlich
deutlich, wie subjektiv auch unsere Wahrnehmung ist; wir richten unsere
Aufmerksamkeit auf ein Bild, fokussieren dann auf ein nächstes und verpassen andere
Aufnahmen, die zwischenzeitlich eingeblendet wurden. Bei dieser Überlegung
bezieht sich Su Yu Hsin auf die US-amerikanische Biologin und Philosophin Donna
Haraway. In ihrem Essay ‹Situated Knowledges› von 1988 schreibt Haraway, dass Sehen
– und die daraus resultierende Erkenntnis – immer eine Frage der Perspektive
sei. Entsprechend gilt es die eigene Position zu reflektieren, aus der beobachtet
und bewertet wird. Unsere Verortung in einem gesellschaftspolitischen Kontext wirft
nicht nur Fragen nach wissenschaftlicher Objektivität auf, sondern auch nach den jeweiligen
Machtverhältnissen, in denen Wissen entsteht und etabliert wird. Auch auf
diesen Aspekt ging Haraway ein, als sie schrieb: «Vision is always a question of the
power to see – and perhaps of the violence implicit in our visualizing practices.» Damit
knüpft sie an den Begriff der epistemischen Gewalt an, der etwa von der postko-
lonialen Theoretikerin Gayatri Chakravorty Spivak geprägt wurde. Darauf geht Spivak
in ihrem einflussreichen Essay ‹Can the Subaltern Speak?› ein, das 1988 erstmals
veröffentlicht wurde.
Wechselseitige Beziehungen
Su Yu Hsin richtet in ihrer künstlerischen Praxis das Schlaglicht auf das Bezugssystem,
innerhalb dessen einer Forschungsfrage nachgegangen wird, auf die
bewussten und unbewussten Glaubenssätze. Dabei spielt auch unser Verständnis
von «Natur» eine Rolle. Denn die Kameras, Wetterstationen und Seismografen, die
im Park aufgestellt wurden, scheinen über die jeweiligen Vorgänge zu wachen, ohne
darin eingebunden zu sein. Mit dieser Überlegung schliesst Su neben Donna Haraway
auch an den französischen Philosophen Bruno Latour an. In seiner «Akteur-Netzwerk-
Theorie», die er Ende der 1980er-Jahre formulierte, besteht eine Umgebung, etwa der
Taroko National Park, aus verschiedenen Akteurinnen und Akteuren, die in wechselseitigen
Beziehungen zueinander stehen. Das können Pflanzen oder Tiere sein, aber
auch Technologien wie Kameras oder die Vorstellungen der jeweiligen Forscherinnen
und Forscher, die diese platziert haben.
Anhand der Ausführungen von Latour wird die Komplexität deutlich, die unserer
unmittelbaren Umgebung innewohnt. Darauf bezieht sich Su Yu Hsin im zweiten Teil
von ‹frame of reference›. Auf einem länglichen, diesmal vertikal ausgerichteten Bildschirm
fährt eine Kamera einem Bohrloch entlang. Wir folgen dem Objektiv, sehen die
verschiedenen Schichten, spüren die Zeit, die dort gespeichert ist – und wie sie sich
unserer Vorstellungskraft entzieht. «Materie ist ein Archiv vergangener Ereignisse»,
fügt Su an. «Sie ist lebendig, speichert und erinnert.» Durch die Nähe der Aufnahme
und das grosse Format verlieren wir bei der Betrachtung jegliche Orientierung. Es ist
schwer vorstellbar, welche Fülle an Information dort enthalten ist.
Wird es heute regnen?
Während im ersten Raum der Kunsthalle der Fokus darauf liegt, wie wissenschaftliche
Daten entstehen, geht es im zweiten und letzten Raum um den Bezug
zu den jeweiligen Technologien, die uns diese Informationen übermitteln. «Wird es
heute regnen?» haben wir uns vermutlich schon oft gefragt, während wir den Blick
auf unser Smartphone warfen, ohne ihn vorher aus dem Fenster schweifen zu lassen.
Das ist das zugrundeliegende Thema der Videoinstallation ‹Tidal Variations›. Zu
sphärischen Klängen und digital programmierten Bildern, die an elektromagnetische
Wellen oder an das weite Meer denken lassen, spricht eine ruhige Stimme aus dem
Off. Sie schildert, wie wir mit den Informationen umgehen, die auf unserem Endgerät
angeschwemmt werden; wie wir uns durch die vielen Tabs klicken, die wir im Browser
geöffnet haben, einem Link nach dem anderen folgen. «There is no before and after in
waves», sagt die Stimme. «No beginning and no end. Only the dynamic movement of
an ongoing system.» Ähnlich wie die Erdschichten, die uns zuvor begegnet sind, kann
auch Wasser Träger von Informationen sein, wenn wir etwa an die im Meer verlegten
54 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // SU YU HSIN 55

frame of reference I, 2020, und frame of reference II, 2020, Ausstellungsansicht Kunsthalle Winterthur
56 Kunstbulletin 7-8/2022 FOKUS // SU YU HSIN 57

Su Yu Hsin (*1989, Taichung) lebt in Berlin
Seit 2019 Studium in Medienkunst ‹Expanded Cinema›, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig
2017–2019 Vordiplom in Medienkunst, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig
2012/13 ‹Post Experience Programme› in visueller Kommunikation, Royal College of Art, London
2008–2012 Bachelor in Kommunikationsdesign und 3D-Animation, Universität Shih Chien, Taipeh
Einzelausstellungen (Auswahl)
2021 ‹frame of reference›, Alexander Levy, Berlin
2019 ‹Another Order of Time›, Taipei Artist Village
Gruppenausstellungen (Auswahl)
2022 ‹Futur 21 – kunst industrie kultur›, Henrichshütte Hattingen
2021 ‹Sustainable Museum – Art and Environment›, Busan Museum of Art; ‹Toi et moi, on ne vit pas
sur la même planète›, Centre Pompidou-Metz; ‹The Rearview Landscape, or a Trip of Ownership›, UCCA
Dune Art Museum, Qinhuangdao
2020 ‹You and I Don’t Live on the Same Planet›, Taipei Biennial; ‹Critical Zones›, Zentrum für Kunst und
Medien, Karlsruhe; ‹In the Era of Asia’s Post-LCC›, Kyoto Art Center
Tiefseekabel denken. Damit stellt sich unweigerlich die Frage nach der Kolonisierung
von Lebensräumen, womit wir weg von Bruno Latour und wieder bei der anthropozentrischen
Ordnung angelangt sind.
Fehler im System
Nicht zuletzt thematisiert Su Yu Hsin auch die Informationsarchitektur, in die wir
eingebunden sind, und wie die Grenze zwischen analogen und digitalen Räumen unschärfer
wird. Hier findet auch der Glitch seine Erwähnung. Der Glitch, der eigentlich
als Fehler im System gilt, hat das Potenzial, jene Infrastruktur sichtbar zu machen,
die oft unbemerkt bleibt. Wir wissen genau, wo unser Daumen auf dem Smartphone
zu platzieren ist, um es zu entsperren. Wir sehen gar nicht erst hin, können die Stelle
haptisch von der restlichen glatten Oberfläche unterscheiden. Erst, wenn es nicht
funktioniert, wird uns bewusst, wie automatisch sich diese Handlung ereignet.
In ihren essayistischen Videoinstallationen verpasst es Su Yu Hsin nicht, auf den
Körper zurückzukommen, auf die Muster, die dort eingeschrieben werden. Entsprechend
sind in ‹Tidal Variations› Aufnahmen der Tänzerin und Choreografin Angela
Goh zu sehen. Ihr Gesicht wird in einigen Szenen von Nahem gefilmt; wir sehen ihre
braunen Augen, die schnell blinzeln, um sich von den Emissionen der Bildschirme zu
erholen. Das lässt uns nicht zuletzt daran denken, wie unser Blick durch den schnell
getakteten Content der sozialen Netzwerke wie Instagram oder TikTok geschwemmt
wird. Wir treiben mit diesen Inhalten mit, fünf Sekunden hier, sechs Sekunden dort.
Unweigerlich verändern sich dadurch auch unsere Sehgewohnheiten. Vielleicht lassen
wir inmitten dieser Informationsflut unsere Augen nicht geöffnet, um uns auf
etwas zu fokussieren, sondern schliessen sie.
Giulia Bernardi ist freischaffende Kulturpublizistin und lebt in Zürich. giulia.bernardi@outlook.com
→ ‹Su Yu Hsin – Wet Mechanics of Seeing›, Kunsthalle Winterthur, bis 24.7. ↗ kunsthallewinterthur.ch
58 Kunstbulletin 7-8/2022

HINWEISE
Toutes les poupées ne pleurent
pas — Frédérick Tremblay
Animation — Manche Filme ziehen die Zuschauenden
gleich in ihren Bann, während sich
andere damit ihre liebe Zeit lassen. ‹Toutes
les poupées ne pleurent pas› gehört ganz klar
zur zweiten Kategorie. Nur langsam entfaltet
Tremblay in seinem Kurzfilm einen routinierten,
detailgetreuen Alltag ohne viel Schnörkel.
Gemächlich zieht die Erzählung einen in ihren
Bann, hält einem gefangen und lässt so schnell
nicht wieder los. Die fehlenden Emotionen und
der monotone Alltag rufen dabei ein unbehagliches
Gefühl hervor, dass die Geschichte von
Anfang an begleitet und untermalt. Ein Gefühl,
das sich nach und nach steigert, als der Film
unerwartet düstere Wendungen nimmt.
‹Toutes les poupées ne pleurent pas› widerspiegelt
die Realität so mancher Animator:innen,
wenn die Nacht zum Tag wird, die Zeit mit dem
Bauen von Sets verbracht wird und die Details
einer Puppe plötzlich so wichtig sind wie die
eigenen. Frédérick Tremblay ist ein bekannter,
hoch angesehener kanadischer Animator.
‹Toutes les poupées ne pleurent pas› ist sein
fünfter Kurzfilm. Der mit Puppen animierte
Stop-Motion-Film gewann zahlreiche Preise an
renommierten Festivals und zeigt gekonnt, warum
Animation als Kunstform ernstgenommen
werden sollte. Dominique Marconi
Frédérick Tremblay · Toutes les poupées ne
pleurent pas, 2017, 20’06’’
↗ https://vimeo.com/326391429
Susanna Niederer
Basel — Die Galerie von Marianne Grob zeigt
eine kleine, feine Ausstellung mit Arbeiten von
Susanna Niederer (*1958, Basel). Seit über drei
Jahrzehnten ist die Ellipse Inspiration und zentrales
Motiv der Künstlerin und taucht in immer
neuen Erscheinungen auf – in Basel als Relief,
Plastik oder als Pinselzeichnung. Drei griechische
Begriffe sind für die Deutung der Werke
wichtig: «élleipsis», «ekleipsis» und «eklipes».
Mit Stille, Leere und Entmaterialisierungsstreben
schaffen die Werke eine Verbindung zur
Unendlichkeit. Auch Klang, Sprache und Rhythmus
sind Teil der vielfältigen schöpferischen
Äusserungen. Mit der Konzentration auf das
Oval reiht sich Niederer in eine Tradition der
Kunstgeschichte des 20. Jh. ein. Im Durchgang
zur Galerie wird das Publikum von fünf Ellipsen
an der Wand empfangen. ‹Seda›, 2009, heissen
die fast zwei Meter langen, flachen Ovale aus
pulverbeschichtetem Stahl. Auf unterschiedlichen
Höhen angeordnet, schimmern sie im
Licht, verändern je nach Position ihre Farbe
von olivgrün bis golden, wie auch die Form,
die sich durch die perspektivische Verkürzung
dem Kreis annähert. So wird das Publikum zum
Teil eines Bildes, das die Wandfläche zum sich
ständig veränderten Bildraum mutieren lässt.
Wie kostbare Kleinodien präsentieren sich
weitere Werke. In Goldfolie ausgekleidet ist
Raum I, eine begehbare Installation, die an
eine ägyptische Grabkammer erinnert und den
zwei Objekten, ‹Aucusi› und ‹Aucali›, 2000, eine
sakrale Ausstrahlung verleiht. Die aus polierter
Bronze und Aluminium bestehenden Ellipsoide
zeigen wie Muscheln eine feine längliche Öffnung.
In ihrer reduzierten Form erinnern sie an
‹La Muse endormie›, 1910, von Brancusi. Weiter
im Raum II mit den Arbeiten ‹Aline, Elsa, Martha›,
2022, drei stehenden Ovalen aus Papier,
die mit feinen Faltungen die Gesichtsachsen
betonen und sich dem Blick minimal entgegenwölben.
Daneben hängt die Serie ‹Lines›,
1998, ein zentrales Werk der Ausstellung. Die
wechselnden Zeilen aus feinsten rhythmischen
Prägungen auf 24 handgeschöpften Papieren
erscheinen wie eine Geheimschrift. ‹Fukei›,
HINWEISE // ANIMATION / BASEL
59

2017, zeigt kleinere und grössere elliptische
Tuschegesten, die wie Seerosenblätter auf
den Papieren schwimmen. Mit zwei goldenen,
sich überlagernden Ellipsenreliefs endet der
kontemplative Rundgang. IK
Susanna Niederer · Seda, 2009, Stahl, pulverbeschichtet,
90 x 180 cm, Galerie Marianne
Grob
Susanna Niederer · Aucusi,2000, Bronze
poliert, Raumstruktur und Aucali 2000,
Aluminium poliert
→ Galerie Marianne Grob bis 20.8.
↗ www.galeriemariannegrob.com
Amer Kobaslija
Brig — Die Porträts von Amer Kobaslija (*1975)
sind so etwas wie Meditationen über Personen
und ihre Umgebungen. Der Künstler erstellt von
der Figur geprägte Landschaften, in denen er
mit grossem Respekt für Mensch und Ort die
Zustände erfasst, die aber auch seine eigene
Gemütsverfassung widerspiegeln. Der als Jugendlicher
aus Bosnien in die USA geflüchtete
Amer Kobaslija sagt: «Ich bin bei meiner Arbeit
am Porträt immer auch auf der Suche nach
dem Sinn meiner eigenen Existenz.» Zu Gast
im Sommeratelier des Kunstvereins Oberwallis
porträtiert der Künstler nun Bürgerinnen und
Bürger der Region.
Von der Ärztin zum Hackbrettspieler, vom
Stadtpräsidenten zur Skilehrerin, vom Visionär
für Solarkraftwerke zur Bienenzüchterin,
von der Bergführerin zum Flugingenieur
eines Start-ups für Elektroflugzeuge, von der
Asylantin zum Installateur … die im Sommer
2022 entstehenden Ganzfigurenbilder von
dreissig Walliser:innen zeigen Charaktere mit
unterschiedlichem gesellschaftspolitischen
Hintergrund. Die Auswahl der dreissig Personen
wurde vom Künstler in Zusammenarbeit
mit dem Kunstverein Oberwallis erarbeitet.
Amer Kobaslija malt die Menschen übergross
im Vordergrund des Bildformates; der
Hintergrund – sei es Stadt, Landschaft oder
Interieur – wirkt dabei wie eine Bühne, auf der
die Porträtierten stehen. Der Maler trifft sich
mit seinen Modellen während einer Stunde an
einem Ort ihres jeweiligen Tätigkeitsbereichs.
Er fotografiert die Personen, manche stehend
in der Landschaft, vor einer Brücke, manche
sitzend zu Hause oder im Büro, wobei er sehr
auf Details achtet, um sie als Persönlichkeit
ganzheitlich zu erfassen. Von diesen Fotos malt
der Künstler später die Bilder. Das Foto selbst
wird vernichtet.
Die Porträtierten implizieren einen stellvertretenden
Mikrokosmos des Ortes im Oberwallis:
Wer wohnt hier, und was ist diesen Menschen
wichtig in der Region? SO
Amer Kobaslija · Roland Imhof, Stadtarchitekt
von Brig, ca. 40 x 40 cm, Öl auf Holz, Courtesy
George Adams Gallery
Amer Kobaslija · Nathalie Benelli, stellvertretende
Chefredakteurin des Walliser Boten,
Öl auf Holz, ca. 40 x 40 cm, Courtesy George
Adams Gallery
→ Galerie zur Matze/Stock alper Schloss Brig,
Eröffnung 13.8., 18 Uhr; Ausstellung bis 4.9.
↗ www.kunstvereinoberwallis.ch
Robert Wilson
Genf — Bob Wilson (*1941, Waco, Texas) hat
in den 1970er-, 1980er-Jahren den Tanz, das
Theater und die Oper revolutioniert, die auch
alle Bildkünste einschliessen können. Der
Bühnenintendant hat diese jedoch stets auch
für sich gepflegt, in ihren freien und angewandten
Formen. So sind einerseits in seiner Schau
‹The Night After the Day› im Espace Muraille
zwei Serien der Glasgefässe zu sehen, die er
1994–2005 mit dem Centre de recherche sur le
verre et les arts plastiques/CIRVA in Marseille
schuf. Andererseits läuft auch eines der Videoporträts,
die er seit 2004 mit anderen Kulturschaffenden
oder auch Tieren nach ikonischen
Gemälden, Fotografien und Filmszenen in HD
für einen Plasmabildschirm inszeniert: ‹Lady
Gaga: Mademoiselle Caroline Rivière d’après
J.-A.-D. Ingres›, 2013.
Die Schau ist jedoch vor allem deshalb bemerkenswert,
weil sie ein Abtauchen in den Keimprozess
der Schöpfungen erlaubt, der zugleich
klassisch und ganz unklassisch ist. Alle Projekte
beginnen mit Skizzen und Zeichnungen, welche
um die Glasobjekte und das Videoporträt
aufgehängt sind sowie den letzten labyrinthartig
unterteilten Galerieraum besetzen. Wilson
scheint aber mit Stift, Kohle oder Kreide kaum
eine Klärung von Konturen zu suchen. Vielmehr
geraten die Blätter unter seiner Hand zu ersten
Echoräumen von Lichtvisionen und oft bereits
in brillante Farben wie Königsblau oder Signalrot
gehüllte Studien von Bewegungsabläufen,
die meist der Kommunikation mit Fachleuten
dienen. Deren Aufgabe ist es dann, seine Geistesblitze
trotz ihres oft immensen Aufwandes
authentisch wiederzutreffen.
Oft wird an delegierter Kunst eine gewisse
Sterilität kritisiert, da sie aufgrund der zu Treue
gegenüber dem Entwurf verpflichteten Ausführenden
das Prozesshafte verlieren, durch
das sich die Projekte häufig erst anreichern
und damit eigentlich entstehen. Das Geheimnis
des Werks von Wilson liegt jedoch wohl neben
der Quecksilbrigkeit seiner Ideen und Visionen
auch an seinem Charisma, mit dem er Mitarbeitende
derart herausfordert, dass auch sie ihre
60 Kunstbulletin 7-8/2022 HINWEISE // BASEL / BRIG / GENF 61

Horizonte zu durchbrechen vermögen und Ungekanntes
in Erscheinung treten lassen. Auch
bei den gezeigten Glasobjekten musste die
Technik erst entwickelt werden, um die verhaltene
Luminosität der halbellipsoiden Schalen
und die Kraft der Bewegung in den Wänden der
zylinderförmigen Vasen zu erreichen. Im Videoporträt
zeigt uns Lady Gagy, die dafür elf Std.
verharren musste, nicht ihr Äusseres. Vielmehr
schwängert sie das tableau vivant mit ihrer
Hingabe, gelegentlichen Not und Müdigkeit. KH
Robert Wilson · The Night After the Day, 2022,
Ausstellungsansicht Espace Murailles, Genf
→ Espaces Muraille, bis 3.9.
↗ www.espacemuraille.com
Abdo Shanan
Genf — Beim Betreten des Ausstellungsraums
sollten Sie die winzige Postkarte an der Wand
nicht verpassen: Das abgebildete Meisterwerk
von Arnold Böcklin, ‹Die Toteninsel›, ist der rote
Faden des Ausstellungsprojekts. Für seine
erste Foto-Soloausstellung hat Abdo Shanan
(*1982, Oran) anhand dieses Kunstwerks eine
Art fotografisches «Memory» entworfen. Auf
spielerische Weise kann man hier und da Details
auf seinen Fotos finden (Bäume, Statuen,
eine weisse Silhouette), die Böcklins Gemälde
widerspiegeln. Böcklins Toteninsel handelt
von der letzten Wanderung – vom Leben in den
Tod. Es ist ein ähnlich dramatisches Thema,
das Shanan hier aufgreift. Sein langjähriges
Fotoprojekt ‹Dry› handelt von der Flucht, dem
Exil und der Suche nach einem Zuhause auf
dieser Erde. Dabei nützt der nordafrikanische
Fotograf seine eigene Geschichte und die von
Bekannten, Familienmitgliedern oder sogar
Unbekannten. Die meisten Fotografien sind
schwarz-weiss. Sie zeigen Gesichter, Bäume,
Skulpturen, architektonische Details, manchmal
auch Katzen – und alles zusammen ergibt
ein Puzzle. Die Fotos sind ohne Titel, die Gesichter
ohne Namen. An den Wänden befinden
sich ausserdem Zitate (Fragmente aus dem
Leben, Reflexionen über Identitätsfragen und
die koloniale Vergangenheit), die von den Porträtierten
handschriftlich verfasst wurden.
Shanan selbst wurde als Sohn einer algerischen
Mutter und eines sudanesischen Vaters
in Algerien geboren; er lebte 18 Jahre lang im
Nachbarland Libyen und kehrte dann nach
Algerien zurück. Wie er selbst sagt: «Mit ‹Dry›
möchte ich, dass Sie sich unbehaglich und unbequem
fühlen. Ich möchte, dass Sie an allem
zweifeln, was man Ihnen über nationale Identität
und Zugehörigkeit erzählt hat. Denn was
bedeuten diese sozialen Konstrukte eigentlich?»
Bisher schien Shanan vor allem ein Vermittler
zu sein: 2020 hatte er ‹Narratives from
Algeria› kuratiert, eine Panoramaausstellung
der zeitgenössischen algerischen Fotoszene
(mit vierzig Positionen) gemeinsam mit Danae
Panchaud im Fotoforum Pasquart in Biel. Und
2021/22 erhielt er mit dem ‹Collectif 2020› ein
Stipendium von Pro Helvetia für die Schaffung
eines Kunstaustauschs zwischen Marokko und
Algerien. Für ‹Dry›, das er 2017 begonnen hat,
erhielt er 2019 den Preis des CAP (Contemporary
African Photography). Panchaud, neu Direktorin
des Centre de la Photographie in Genf,
stellt ihm nun den Raum zur Verfügung. IDL
Abdo Shanan · Sans titre, aus der Serie ‹Dry›
2017–2020, Fotografien
→ Centre de la Photographie Genève (CPG),
bis 21.8. ↗ www.centrephotogeneve.ch
201 Cadavres Exquis
Kriens — Wir haben es alle schon gespielt:
Nimm ein Blatt Papier, zeichne ein Körperteil,
falte das Papier, damit das bisher Gezeichnete
verborgen bleibt, reiche es an die nächste
Person weiter, zeichne, falte um … Gemeinsam
entsteht so eine vom Zufall geleitete kollektive
Collage. Cadavre Exquis wurde als Schreib- und
Zeichenspiel Mitte der 1920er-Jahre durch die
Surrealist:innen kultiviert und wird bis heute
und nun konkret in der Ausstellung ‹Zusammen
zeichnen› im Museum im Bellpark zelebriert.
Seit 2016 lädt der Schweizer Kurator Hans Ulrich
Obrist immer wieder zu diesem Spiel, und
zwar dann, wenn er sich mit Künstler:innen,
Architekt:innen oder Designer:innen trifft. Die
vielfältigen Ergebnisse sammelt er alle und
veröffentlicht sie auf Instagram als Teil seines
‹Handwriting Project›: eine Verschmelzung von
analog und digital, ein Archiv, motiviert durch
das Anliegen, die Kunst der Handschrift ins
digitale Zeitalter zu retten.
Seit Beginn des fortlaufenden Projekts schufen
über 400 Zeichnende in immer wieder anderen
Kombinationen über 200 Blätter. Die Ausbeute
wird nun fast vollständig und erstmals
gemeinsam an einem Ausstellungsort gezeigt,
sozusagen ins Analoge zurückübersetzt. Im
Untergeschoss des Museums verweist eine
Auswahl von Publikationen und Schallplatten
der mitspielenden Autor:innen auf ihr individuelles
Schaffen – welches im Grunde genommen
die Basis für das kollaborative Projekt
bildet. Bild an Bild gleichberechtigt an die
Wände gehängt, bevölkern skurrile Figuren die
verwinkelten Ausstellungsräume. Als Besucherin
wähnt man sich inmitten eines Labyrinths
fantastischer Welten, deren Anziehungskraft
man kaum entkommt. Bilder, Worte fügen
sich auf den Zeichnungen scheinbar zusammenhangslos
aneinander und ergeben neue
absurde Kompositionen, die hie und da als
verblüffende, assoziative Einheiten funktionieren.
Im Wissen darum, dass diese während
eines geselligen Anlasses geschaffen wurden,
meint man Themen oder Fragen zu erkennen,
die sich im Dialog ergaben und in der Zeich-
62 Kunstbulletin 7-8/2022 HINWEISE // GENF / KRIENS 63

nung unbewusst ihren Widerhall finden. Hans
Ulrich Obrist ist ein Meister im Zusammenbringen
diverser Personen aus unterschiedlichsten
Wissensgebieten. Als Betrachterin dieser
kollektiven Zeichnungen schreibt man im Kopf
die Erzählungen fort und trägt indirekt zur multiplen
Autorschaft bei. Wann haben Sie Cadavre
Exquis zum letzten Mal gespielt? Nehmen Sie
ein Blatt Papier, zeichnen Sie … PK
Cadavre Exquis gezeichnet von Bobo und
Jamian Juliano-Villani
Cadavre Exquis gezeichnet von Simon Kretz,
David Chipperfield, Alice Rawsthorn und
Francis Kéré
→ Museum im Bellpark, bis 7.8.
↗ www.bellpark.ch
Bernard Bazile
Lausanne — Die Ausstellung von Bernard Bazile
(*1952, Meymac) im circuit fängt die aktuelle
Beunruhigungen bildkräftig ein. Der Altmeister
kommt im ersten der beiden Säle der Kunsthalle
aber erst einmal dokumentarisch auf seine
‹Brillances› zurück, die zwei Jahre nach seinen
ersten Auftritten in Galerien und Museen ab
1978 einsetzen. Statt im Ausstellungsraum
konkrete und soziale Erfahrungen durch das
Einschleusen verfremdeter Bedarfsgüter oder
aufgezeichneter Alltagsszenen zu beleuchten,
machte Bazile mit ephemeren Setzungen im
öffentlichen Raum die Passierenden auf die
komplexe Realität aufmerksam, in der wir existieren.
In den ersten ‹Brillances› verschob er
dazu jeweils nur den Strahl einer vorhandenen
Lampe und brachte die neu beleuchtete Fläche
durch Putzen und Flicken so auf Hochglanz,
dass in ihr die Umgebung aufschien. Ähnliche
Effekte erzeugte er später auch in Naturräumen,
jedoch mit spiegelglatt abgeschliffenen
Steinen und in Innenräumen mit vor die Wände
gehängten Scheiben, neben denen er oft eine
Glühlampe platzierte, die bei Licht auf der
anderen Seite wie in der verlorenen Installation
von Duchamp 1947 einen ‹rayon vert› erzeugte.
Bazile hob sich damit in einem Moment, als
sich eine neoprimitive Malerei der Konzeptkunst
entgegenstellte, in dieser selbst wieder
ein malerisches Feld aus, das eher im Sinne
von Manet und Seurat das moderne Leben fein
ergründet und breit vermittelt. So ist Bazile der
Ansicht: «Bewegt man sich mit Leichtigkeit in
der Kunst, ist man der Mitbürgerschaft etwas
schuldig.» Er mache deshalb in Ausstellungen
gerne ein Gebräu, das unterschiedliche
Menschen anspricht. Entsprechend sei für ihn
hier auch wichtig, dass sich in den Scheiben,
hinter denen er die Dokumente der ‹Brillances›
aufgehängt hat, sowohl die Welt vor der Kunsthalle
als auch die Installation spiegelt, mit der
er im zweiten Saal darauf reagiert hat. So hat
ihn beim Flanieren in der Stadt zwischen Epidemie
und Ukrainekrieg im Naturhistorischen
Museum ein Steinkohleblock von elf Tonnen
aus dem Wallis erschüttert, der 1941 durch die
Schweiz gekarrt wurde, um die vom Schliessen
der Grenze beunruhigte Bevölkerung mit
dem Verweis auf inländische Bodenschätze zu
trösten. Leider konnte das zerbrechliche Stück
nicht ausgeliehen werden. Dafür funkelt im
circuit nun ein von Bazile aus der Mine geholtes
Muster auf einem Lastwagen aus der Epoche.
Dahinter wölbt sich eine Werbeblache mit blauem
Himmel und Schäfchenwölkchen. Nur der
Schriftzug, der eine Zeile von Valéry von 1931
«Le Monde fini commence» mit «ICI » einleitet,
bricht mit dieser hoffnungsvollen Stimmung:
Keine Ressource ist unendlich. Bazile mahnt
jedoch: «Ich meine dies nicht moralisch, einfach
als Feststellung.» KH
Bernard Bazile · Ici le temps du monde fini
commence, Ausstellungsansicht circuit –
centre d’art contem porain, Lausanne
→ circuit – centre d’art contemporain, bis 23.7.
↗ www.circuit.li
Exomusée
Le Locle — Im Jahr 2009 wurde Le Locle
zusammen mit La Chaux-de-Fonds zum
UNESCO-Weltkulturerbe. Dies ist eine grosse
Anerkennung für die eher vergessene Region im
Neuenburger Jura, die für ihre Uhrenindustrie-
Architektur bekannt ist. Aber die Loclois sind
heute fast noch stolzer auf den wachsenden
Erfolg der Exomusées, des Streetart-Projekts,
das 2018 von der Vereinigung Luxor Factory ins
Leben gerufen wurde. «Die Leute hier haben
schon lange darauf gewartet … Endlich ein
wohlwollender Blick auf die Region!», erklärt
Sylvie Balmer, die Co-Leiterin des Projekts.
Damit man sich nicht täuscht, warnt Balmer:
«Dieses Freilichtmuseum hat ein Konzept
und eine klare Absicht, nämlich den Blick auf
Le Locle zu verändern und allen den Zugang zur
Kultur zu ermöglichen.» Das Ziel des Projekts
ist somit nicht nur, diese Stadt schöner zu
machen. Streetart, die Kunst der Peripherie, die
in den 1980er-Jahren in den amerikanischen
Vorstädten entstand, mitten im Neuenburger
Jura? Es mag exotisch klingen, aber nur wenige
Meter von der Grenze zu Frankreich entfernt
fühlt man sich hier nicht wirklich wie im Zentrum
der Schweiz, sondern eher wie an einem
Stadt(Staat-)rand.
Bis 2024 sollen fünfzig Fresken an den Fassaden
der Stadt erblühen – bis heute wurden
bereits dreissig Projekte von internationalen
Street Artists realisiert, einige davon aus der
Schweiz und die meisten aus Europa. Alle
werden von der Luxor Factory eingeladen, ein
Kunstwerk zu einem bestimmten Thema rund
um die Geschichte von Le Locle zu entwickeln
und zu produzieren. Streetart ist ein Symbol für
eine engagierte Meinung, «un art militant», wie
die Organisatoren selbst formulieren.
Einige Beispiele sind wirklich verblüffend, wie
das Fresko des Londoner Künstlers Shock-1,
der sich mit der tragischen Geschichte des
Radiums befasst. Mit seinem einzigartigen Stil
(medizinische Röntgenaufnahmen mit Sprühfarbe),
der auch als «X-Ray-Art» bezeichnet
wird, gedachte dieser Streetart-Pionier den
Opfern von Radium. Dieses radioaktive Metall,
64 Kunstbulletin 7-8/2022 HINWEISE // KRIENS / LAUSANNE / LE LOCLE 65

das über ein halbes Jahrhundert lang von der
Uhrenindustrie verwendet wurde, schädigte die
Gesundheit Tausender Frauen, die mit Radium
arbeiteten. Ein paar Strassen weiter trifft man
auf einen riesigen Enzian, der auf ein tristes
graues Gebäude gemalt ist. Dahinter steht die
in Kalifornien lebende Tessinerin Mona Caron,
bekannt für ihre botanischen Darstellungen
auf Wände, die sie als «geopoetische Räume»
betrachtet. Ihr Fresko feiert diese lokale
robuste Blume mit bitterem Geschmack. Ob
auf ganzen Fassaden oder auf kleinen Flächen,
Kunst findet man überall in Le Locle. Alle Stile
der Streetart sind vertreten, ebenso wie alle
Techniken – ein wahres Museum, das sich im
Sommer zu besuchen lohnt. IDL
Mona Caron · Grande Gentiane, 2021,
Exomusée. Foto: F. Balmer
Shock-1, Radium, 2021, Exomusée.
Foto: F. Balmer
→ Exomusée, im Aussenraum
↗ www.exomusee.ch
Put on Your Red Shoes
Olten — Manchmal kann man einfach nicht
stillsitzen. Wenn das Radio ein gewisses
Lied spielt, wenn im Club ein bekannter Beat
einsetzt, dann beginnt der Körper sich wie
von selbst zu bewegen. Kennen Sie das auch?
Dann sind Sie sicher geeignet, Mitglied von San
Kellers ‹San Dance Company› zu werden. Seit
2004 verpflichtet der Zürcher Künstler (*1971)
gewillte, tanzfreudige Individuen vertraglich
dazu, bis ans Lebensende beim Erklingen eines
selbst gewählten Songs stets das Tanzbein zu
schwingen – egal, wo man sich grad befindet.
Die bisher abgeschlossenen Vereinbarungen
zieren im Eingangsbereich des Kunstmuseums
Olten eine ganze Wand. Direkt daneben kann
man auf einem Tanzteppich unter Videoanleitung
eine eigens für die Schau entwickelte
Choreografie der Oltener Tänzerin Ursula Berger
einstudieren und den eigenen Auftritt nach
Belieben filmisch dem Museum für einen späteren
Clip zur Verfügung stellen. Der lustvolle
Imperativ des Ausstellungstitels ist also ernst
gemeint: ‹Put on Your Red Shoes (and Dance
The Blues)!› Mit der Zeile aus David Bowies Hit
‹Let’s Dance› stellt das Haus gemeinsam mit
Gastkuratorin Claudia Waldner künstlerische
Arbeiten mit Verbindung zu Tanz und Bewegung
ins Zentrum.
Die historische Dimension dieser fruchtbaren
Gattungspaarung seit der Avantgarde wird
dabei nur am Ende des Parcours angedeutet –
etwa mit wunderbaren Originalplakaten von
Otto Morach (1887–1973). Die Ausstellung setzt
im Jetzt an und zeigt mit ganz unterschiedlichen
Schweizer Positionen die ungezwungene
Selbstverständlichkeit, mit der Kunstschaffende
heute tänzerische Elemente – nebst vielen
anderen – für ihr Schaffen nutzen. Leichtfüssigkeit
ist dabei keineswegs garantiert, im
Gegenteil: Nach dem erheiternden Auftakt
werden im ersten Obergeschoss Walpurgisnacht
und Spielarten des Totentanzes aufgeführt
– zum Beispiel in der eindrücklichen
Videoperformance ‹Make-up›, 2008, von Saskia
Edens (*1975). Unter die Haut geht auch Seline
Baumgartners (*1980) neuster Film ‹Apart from
us›, 2022, in dem Erzählungen und Körpererinnerungen
eines Opfers fürsorgerischer Zwangsmassnahmen
tänzerisch umgesetzt werden.
Und das Kollektiv Beton beschwört, ebenfalls
mit einer filmischen Arbeit, gleichzeitig die
Isoliertheit der Corona-Lockdownzeit und das
Gemeinschaftsgefühl beim kollektiven Tanzen
herauf. Solche Gruppendynamik kann man
auch leibhaft noch bis Ausstellungsende jeden
Mittwochabend bei kostenlosen Tanz-Crash-
Kursen erleben. DK
Seline Baumgartner mit Gabriela Pereira und
Reut Nahum · Apart From Us, 2022 Video-
Installation
Saskia Edens · Make-up, 2008, Video, 18’11’’,
Sound: Daniel Buess
→ Kunstmuseum Olten, bis 21.8.
↗ www.kunstmuseumolten.ch
Ursula Palla
Rapperswil-Jona — In der Ausstellung ‹Like a
garden› zeigt Ursula Palla im Anschluss an ihre
grosse Retrospektive im Kunstmuseum Chur
(→ Kunstbulletin 5/2022, S. 48–55) eine Serie
neuer Arbeiten.
Fast jede Tageszeitung hat unterdessen den
sechzigsten Geburtstag des Erscheinens von
‹Silent Spring› der US-amerikanischen Biologin
Rachel Carson gewürdigt. Auch künstlerische
Arbeiten erinnern an die einflussreiche
Autorin: Eine der derzeit im Kunst(Zeug)Haus
Rapperswil ausgestellten Arbeiten von Ursula
Palla besteht aus tönernen Vogelfiguren, die
still am Boden stehen und Rachel Carson die
Reverenz erweisen.
Nicht laute, sondern ausdauernde und präzise
Beobachtung machten vor sechzig Jahren die
Texte von Rachel Carson zu einem Gründungsmoment
der modernen Umweltbewegung.
Die Biologin führte beispielsweise mit ihren
Beschreibungen von DDT-geschädigten Vögeln
die Fragilität der Umwelt vor Augen.
Mit vergleichbarer Präzision und Hartnäckigkeit
arbeitet nun die vor allem als Videokünstlerin
bekannte Ursula Palla mit Projektionen
und Raumskulpturen. Dies in genauso leisen
und eindringlichen Tönen wie einst jene der
studierten Meeresbiologin. Unkräuter und ausgestorbene
Gewächse, kunstvoll bis ins feinste
Rhizom in Bronze gegossen, erinnern im Museumsraum
an den Wert der lebenden Natur. Der
zarten Poesie von Pallas Arbeiten wohnt auch
ein unheimliches Element inne, wenn an Gräsern,
Blüten und Moosen die Unerbittlichkeit
des Lebens und Sterbens vorgeführt wird.
So fein die Arbeiten formuliert sein mögen,
sie nehmen ihren Platz selbstbewusst und
grossflächig ein: Ein Netz von vertrockneten
Wurzelfiguren erinnert an die Zeitlichkeit aller
Dinge, auch unseres Lebens. Wie schon die aus
Zucker gegossenen Möbel im Karamellzimmer
in der Villa Planta in Chur wird das Wurzelnetz
sich über die Dauer der Ausstellung verändern.
Ins Gedächtnis prägen sich ausser den feinen
Linien der verästelten Figuren vor allem das
unheimliche Bewusstsein, dass die Grenzen
66 Kunstbulletin 7-8/2022 HINWEISE // LE LOCLE / OLTEN / RAPPERSWIL-JONA 67

zwischen natürlich und künstlich fluid geworden
sind. Und dass beides, die Natur wie die
Kunst, fragile Konstruktionen sind. SVF
Ursula Palla · The Silent Spring, 2022, Ton,
ungebrannt
Ursula Palla · Talking to the Moon 2, 2022,
Installation, Federn, Farbe
→ Kunst(Zeug)Haus, bis 31.7.; Begleitheft zum
gemeinsam mit dem Bündner Kunstmuseum
Chur publizierten Katalog
↗ www.kunstzeughaus.ch
mist
Samstagern — Ein Marienkäfer lässt sich auf
den noch leeren Seiten des Notizbuches nieder,
Libellen surren gewandt über den kleinen Teich
am Fuss der ‹Froh Ussicht›, und am hochsommerlichen
Himmel fliegt eine Motorlibelle der
REGA Richtung Zürich. Während bierbeladene
Menschenscharen sich an Flüssen und Seen
mit allerlei Schwimm utensilien aufs kühlende
Nass begeben, liegen die ‹floating maniacs› von
Olaf Breuning (*1970, Schaffhausen) still da.
Zwei der drei Einhorn-Taucher-Paare ist trotz
Flucht in den Schatten sogar schon die Luft
ausgegangen. Beim kurzen Aufstieg zum Hof
sollte man den Wegweiser von Dorota Gawęda
(*1986, Polen) und Egle Kulbokaité (*1987,
Litauen) mit Vorsicht genies sen. «Where do
prayers placed at crossroads go» ist hier die
Frage; die drehbaren Kreuze spiegeln lediglich
Buchstaben und führen einen wie im Nebel in
die Irre. ‹Mist› hier im Sinne von feinem Dunst,
der Landschaft verbirgt, Konturen verwischt
und viele Sagen über abgelegene Höfe prägt.
Der zweite solche Wegweiser steht oben beim
Kirschgarten. ‹Mist› ist aber auch natürlicher
Dünger, was hier auf dem aktiv bewirtschafteten
Bauernhof von Martin Blum oberhalb von
Samstagern eine zentrale Bedeutung erhält.
«Mist ist des Bauern List» – und der Boden die
Grundlage allen Schaffens. Wie aber gehen wir
mit dieser für unsere Sesshaftigkeit so wichtigen
Ressource um? Rufen wir Bodengötter an,
wie sie Augustin Rebetez (*1986, Delémont)
grossflächig malte? Und was geschieht mit dem
Boden, wenn wir weiter so auf ihn einprügeln?
Sein kläglicher Rest wird im Jahr 2077 in einer
doppelt verglasten Museumsvitrine zu sehen
sein, wie Studierende des Bachelorstudiengangs
Umweltingenieurwesen der ZHAW
aufzeigen. Und da pro Sekunde ein Quadratmeter
Boden versiegelt wird, finden Wildbienen
keine Bleibe mehr. Lösung: der ‹Beetower›, wie
im Hofgarten vorgestellt. An zehn Stationen erzählen
die während der Sommermonate in die
öffentlich zugängliche Ausstellung eingebetteten
Installationen Geschichten über den Boden
und erforschen dabei auch neue Wege der
Wissenschaftskommunikation. Möglich machte
die Zusammenarbeit Monica Ursina Jäger, die
sowohl an der ZHAW doziert als auch zwei
eigene Werke in der Dauerausstellung verankert
hat. – Ein geflügelter Schatten fällt auf die
Buchstaben im Notizbuch. Er gehört zu einem
prächtigen Rotmilan, der über dem stillen Land
seine Runden dreht. TS
Céline Kunz, Tina Maliakal und Salome Suter ·
Beetower, 2022, Wohneinheit für Wildbienen,
Bauherr Martin Blum, Umsetzung Sumaku AG,
Projekt ZHAW
Augustin Rebetez · Ohne Titel, 2022. Foto: Andre
Springer
→ HofBlum, Froh Ussicht, bis 30.10.; Hofrundgänge:
28.8., 25.9. und 30.10.; Sommermonate:
10 Stationen aus dem Modul ‹Inszenierte
Naturräume› des Bachelor-Studiengangs
‹Umweltingenieurwesen› der ZHAW, Institut für
Umwelt und Natürliche Ressourcen
↗ www.frohussicht.ch
Manon de Boer
St. Gallen — Die Jugend telefoniert nicht
mehr. Sie bevorzugt Kommunikationskanäle,
bei denen der Ton mit dem Bild gekoppelt ist.
Die Stimme hat sich woanders durchgesetzt:
Sprachnachrichten haben den Textnachrichten
längst den Rang abgelaufen. Mitteilungen
werden ins mobile Gerät gesprochen und
irgendwann, irgendwo, vielleicht immer wieder
angehört. Die gesprochene Sprache bleibt:
Einander etwas sagen, in den Tonfall alles
hineinlegen, was sich nicht sagen lässt, sich
ganz dem Klang hingeben, der Sprachmelodie –
Sprechen vermittelt Informationen nicht nur
durch Wörter, sondern auch durch die Stimmästhetik.
Diesen Qualitäten der Stimme, dem
Hören und nicht zuletzt auch der Wirkung des
Bild-Ton-Raums widmet Manon de Boer (*1966,
Kodaikanal) ihre Ausstellung im Kunstmuseum
St. Gallen. Es ist die bisher umfangreichste
Einzelausstellung der in Indien geborenen und
in Brüssel lebenden Künstlerin. Gezeigt wird
sie im Untergeschoss des Museums. In diesem
postmodernen Raumgefüge ohne Tageslicht
kommen ihre Arbeiten aufs Beste zur Geltung,
dafür war das kräftige Orange auf den Wänden
nicht extra notwendig. Vielmehr steht es im
Kontrast zu jenen fein austarierten Zwischentönen
der Filme und Videos, der Lesung, der
Drucke und Installationen.
Manon de Boer arbeitet oft mit anderen zusammen,
sie flicht Referenzen in ihre Werke ein, wie
etwa zum Werk von Agnes Martin, zur niederländischen
Schauspielerin Sylvia Kristel oder
dem Bürgerrechtsaktivisten Richard X. Clark.
Sie spricht mit der Choreografin und Tänzerin
Latifa Laâbissi, filmt vier Teenager und bezieht
sich – immer wieder – auf Chantal Akerman.
Letztere liest in ‹A Family in Brussels›, 1998,
ihren Text über ihren eigenen Familienalltag in
Brüssel. Das zweistündige Hörstück ist ein individueller
Bericht, der zugleich auf einer übergeordneten
Ebene funktioniert: Akerman porträtiert
menschliches Zusammenleben. Damit
fügt sich ihre Arbeit aufs Beste in die Polyphonie
der Ausstellung Manon de Boers ein: ‹Che
Bella Voce› transportiert eine Vielstimmigkeit,
68 Kunstbulletin 7-8/2022 HINWEISE // RAPPERSWIL-JONA / SAMSTAGERN / ST. GALLEN 69

die sich einerseits in übertragenem Sinne als
ein Neben- und Miteinander von Haltungen und
Gedanken lesen lässt und sich andererseits
wörtlich verstanden in facettenreichen Klängen
äussert. Dazu gehören auch die Geräusche
der Natur als Resonanzraum für menschliches
Denken und Sein. Ob Mensch oder Landschaft:
Manon de Boers Werk überzeugt durch ihren
präzisen filmischen Blick und ihr aufrichtiges
Interesse am Wesen der Dargestellten. KS
Manon de Boer · Resonating Surfaces, 2005,
Courtesy Jan Mot. Foto: Stefan Rohner
Manon de Boer · Caco, João, Mava and
Rebecca. From nothing to something to
something else (Teil 2), 2019, Courtesy Jan
Mot. Foto: Stefan Rohner
→ Kunstmuseum St. Gallen, bis 9.10.
↗ www.kunstmuseumsg.ch
Stéphane Belzère
Strassburg — Seit über dreissig Jahren entwickelt
der französisch-schweizerische Künstler
geduldig und mit Humor eine figurative Malerei,
die er aus dem Widerstand des «Fleischs der
Welt» gewinnt. Jetzt bilanziert er in Strassburg
mit dem japanischen Vanitas-Begriff des
ukyo-e – der fliessenden, vergehenden Welt.
Bevor Sie weiterlesen, sollten Sie von Ihrem
Geschirrspülmittel die Etiketten entfernen.
Stellen Sie sich dann mit dem durchsichtigen
Flacon voll farbiger Flüssigkeit vors Fenster.
Heben Sie nun die Flasche auf Augenhöhe und
schauen Sie hindurch auf die Welt da draussen.
Sie sehen: noch kein Bild und längst kein
Gemälde. Viel eher das, was dem wiedererkennenden
Blick widersteht, ihn verlockt, ihm widerspricht,
ihn verzerrt. Diese ästhetische Erfahrung
durchwirkt Stéphane Belzères (*1963,
Argenteuil) Werk. 2003 richtete der Künstler ein
Regal mit bunten Haushaltsreinigern im Wohnzimmerfenster
einer Pariser Privatwohnung ein.
Das Diaphane von Kirchenfenstern erschien
durch banale Alltagsflüssigkeiten. Kurz danach
sollte er tatsächlich Fenster für die Kathedrale
im südfranzösischen Rodez realisieren. Knapp
zwanzig Jahre nach dem Pariser Reiniger-Stillleben,
das bereits den etwas unbotmässigen
Humor des Malers vermittelt, hat Stéphane
Belzère in Strassburg Regale gebaut. In seiner
insgesamt 74 Gemälde umfassenden Monografie
auf 300 m 2 stehen rund 200 naturhistorische
Präparate, entliehen aus dem örtlichen zoologischen
Museum. Schlangen, Insekten oder
Fledermäuse in Alkohol tauchen durch farbige
Trägergläser blau oder rot aus dem Glaszylinder
auf. Schaut man hindurch, erscheinen an der
gegenüberliegenden Wand auch jene ‹Bocaux
anatomiques› verzerrt, die der Künstler über
viele Jahre im nationalen Museum für Naturgeschichte
in Paris malte. «Ich durfte nachts im
sogenannten ‹Saal der Weichteile› arbeiten»,
erklärt er mit Verweis auf ein 130 x 300 cm
grosses Gemälde, «dort gab es einen Quastenflosser.
Mit dieser 300 Millionen Jahre alten
Spezies fand ich während unheimlicher Nächte
etwas Fundamentales: In den Farben und Figu-
ren dieser Gläser liegt ein ganzes Universum.»
Er durchdrang es malend, bis zum Boden der
Gläser, die sich nun als acht Meter lange Landschaftsgemälde
auf den Wänden erstrecken.
Erlebbar werde, so Belzère zu seiner künstlerischen
Arbeit, was sich im Prozess zur Form
widersetzt. Belzère arbeitet seit 1990 immer
vor Ort: «Nach Fotografien malen galt bei uns
in der Familie als Todsünde», erzählt der Sohn
des Maler-Ehepaares Suzanne Lopata und Jürg
Kreienbühl. In ‹Immersions›, zwei grossformatigen
Gemälden, setzt er das Auge der Betrachtenden
an die Stelle des Präparats. Wir sehen
den Blick, eingelegt im Präparat der Malerei,
auf eine verzerrte, fliessende Welt. Belzères
Kunst bearbeitet das Leben unermüdlich als
eines, wie es seit der Renaissance durchs Bild
als Fenster erscheint – als Reflexionen einer
«Welt da draussen». JES
Stéphane Belzère · Immersion bleue 1,
2001–2003, Vinylfarbe auf eingefärbter
Leinwand, 300 x 230 cm © ProLitteris
Stéphane Belzère · La Salle des Pièces Molles-
Nocturne, 2000, Vinyl, Leinwand © ProLitteris
→ Musée d’art moderne et contemporain de
Strasbourg, bis 27.8.; mit Katalog
↗ www.musees.strasbourg.eu
Gerry Schum
Winterthur — Das Kunst Museum Winterthur
widmet der ‹Fernseh- und Videogalerie› von
Gerry Schum die bisher umfassendste Schau
in der Schweiz. Die Fragen um den Pioniergeist
des Filmproduzenten und Kameramanns, der
in den Jahren von 1969 bis 1973 die Kunst im
TV sowie per Video demokratisieren wollte
und aus serhalb klassischer Distributionswege
dachte, sind heute so aktuell wie damals.
Auf dem Schwarz-Weiss-Schirm zieht ein
Bulldozer mit seiner Schaufel entlang den
Rändern des Screens ein Viereck in den Sand.
Bald werden die Wellen die Form wieder «getilgt»
haben. Die Materialien, die in einer Vitrine
im Kunst Museum Winterthur präsentiert
werden, lassen uns erkennen, dass es sich um
ein gezieltes Spiel zwischen Landschaft und
Medium handelt in ‹12 Hours Tide Object with
Correction of Perspective›. Fotos illustrieren,
dass der Holländer Jan Dibbets (*1941) von
einem Bus filmte, mit einer Perspektive, dass
im Fernsehformat aus dem Trapez ein Rechteck
wurde. Damit ist das Projekt typisch für die ambitionierte
‹Fernsehgalerie Gerry Schum›, die
am 15. April 1969 auf dem Sender Freies Berlin
ausgestrahlt wurde und sich dem Crossover
von Land Art und dem neuen Distributionsmedium
widmete. Sie versammelte dabei junge
Künstler wie Richard Long, Robert Smithson
und Walter de Maria … Der Filmproduzent und
Kameramann Gerry Schum (1938–1973) und
seine Partnerin Ursula Wevers (*1943) waren
«Avantgarde», ohne zu übertreiben. Sie wollten
das Massenmedium TV und die VHS-Kassette
nutzen, um zeitgenössische Kunst auszustellen
und zugänglich zu machen! «Eine unserer
Ideen ist die Kommunikation von Kunst anstelle
des Besitzes von Kunstobjekten.» Dieser Idee
widmet Winterthur die erste umfassende
Museumsausstellung in der Schweiz, welche
in einem Raum alle Videos sowie erhellende
Zusatzdokumente versammelt.
Die Land Art, die sich Vermarktung und Vermittlung
im Galerieraum entzog, bildete für Schum
den idealen Startpunkt. Die zweite Sendung am
30. November 1970 im SWF, ‹Identifications›,
70 Kunstbulletin 7-8/2022 HINWEISE // ST. GALLEN / STRASSBURG / WINTERTHUR 71

kreiste um Themen wie Materialien oder Prozesse
mit zwanzig Beiträgen von Joseph Beuys,
Daniel Buren, Mario Merz bis Richard Serra.
Trotzdem war dem Projekt im Fernsehen kein
Erfolg beschieden. Schum vertrieb die Filme
fortan als unlimitierte Editionen. Weiter gründete
er die spezialisierte ‹videogalerie schum›,
wo er Werke im neuen Medium mit Kunstschaffenden
aufnahm und diese zu moderaten
Preisen in grosser Auflage verkaufte.
Bis zu seinem frühen Tod 1973 entstanden so
legendäre Arbeiten wie von Serra ‹Hand Catching
Lead› von 1968, wo der Künstler versucht,
Bleifolien zu fangen, wobei sich seine Hand
schwärzt. Zwar sind solche Arbeiten wie auch
der Pionier längst Kunstgeschichte – werden
aber selten wie in dieser Schau so umfassend
kontextualisiert und präsentiert. Dies wirft
zeitlose Fragen um Distributionswege, Präsentationsarten
und Zugänglichkeit auf. AD
Gerry Schum · Fernsehgalerie, Ausstellungsansicht
Kunst Museum Winterthur. Foto: Reto
Kaufmann
→ ‹Gerry Schum – Fernsehgalerie, Kunst
Museum Winterthur, bis 11.9.
↗ www.kmw.ch
Marcel Van Eeden
Zürich — Ich bin die Summe meines Lebens,
konstatiert der holländische, in Zürich lebende
Künstler Marcel Van Eeden (*1965) – und diese
Summe ist die Aussparung von all dem, was
vor seiner Zeit existierte. Mit seinem Langzeitprojekt
einer malerischen Zeitstudie entwirft
er anhand von Fotos und Figuren aus Druckerzeugnissen
der frühen 1960er-Jahre ein
Epochenbildnis. Auf Basis von Illustrationen,
Fotoansichten, Grafiken, farbigen Ornamenten
und Comicfiguren zeichnet der Künstler
atmosphärische Bilder, die eine seltsame Form
von Nostalgie erzeugen. Mit Kohle und Pastellkreiden
auf grossformatigen Leinwänden
entworfen, evoziert er flüchtige Momente, die
sich zu einer Erzählung aus «Facts and Fiction»
verspinnen: Parfumfläschchen und Giftdöschen
im Mahagony-Boudoir, gewaltige Metallturbinen,
süsse kleine Kätzchen und weisse Tischtücher
mit Zigarre rauchenden Männern. Es
war die Zeit des Kalten Krieges, des schnellen
Fortschritts. Städtische und ländliche Gebiete
lagen nicht nur räumlich weit auseinander. Die
Wahrnehmung von Zeichen und Notizen als
Katalog visueller Erzählungen bilden Van Eedens
Beschreibung dessen, was im Jahr 1965
vorhanden war. Und die Gegenwart im Heute –
seine eigene Existenz! – bezeichnet er folglich
als das Negativbild der Vergangenheit. JEN
Marcel Van Eeden · Ausstellungsansicht Galerie
Barbara Seiler 2022. Foto: Stefan Altenburger
→ Galerie Barbara Seiler, bis 27.8.
↗ www.barbaraseiler.ch
Rudolf Koller
Zürich — Selbst wenn man Rudolf Koller
(1828–1905) gut kennt, ist er immer wieder
für Überraschungen gut. Den jüngsten Beweis
liefert die Kabinett-Ausstellung im Zürcher
Kunsthaus, die so reich ist, dass man auch
nach einem zweiten Besuch längst nicht alles
«ausgeguckt» hat. Koller, dieser stimmungsvolle
Schweizer Realist, tritt uns hier als ein
Künstler entgegen, dem wir bei der Aneignung
von Wirklichkeit über die Schulter schauen
können – zeichnend, unmittelbar, in der ihm
eigenen wechselvollen Handschrift. Sein zeichnerischer
Kosmos ist in einer Fülle von Skizzenbüchern
bewahrt, von denen sich 67 Bände
unterschiedlichster Formate in der Grafischen
Sammlung des Kunsthauses befinden. Sie
wurden nun in mehrjähriger Arbeit restauriert
und digitalisiert; zehn der wichtigsten sind
inzwischen auf digital.kunsthaus.ch abrufbar,
und die von Jonas Beyer kuratierte Schau setzt
der vorangegangenen Arbeit die Krone auf.
Aus der Unmenge der mehr als 3600 Skizzenblätter
wurden über sechzig ausgewählt,
ergänzt durch zwölf Gemälde, die mit ihnen in
direkter Verbindung stehen. Vom vollendeten
Blatt bis zum auf wenige Zeichen verkürzten
Stenogramm ist da alles zu sehen, und man
mag aus heutiger Sicht bedauern, dass Koller
nur für sich, aber nicht für die Öffentlichkeit
zeichnete. Lebendigkeit, Direktheit, Spontaneität
und Dynamik sind da zu spüren, aber
auch Innigkeit, Aufgehen in der Landschaft,
ja Glücksmomente im Begegnen von Tieren –
Hunden, Pferden, Ziegen, Schafen und immer
wieder Kühen, einzeln und in Gruppen –, von
Tieren als Mitgeschöpfen des Menschen: Im
Skizzieren und Festhalten der Wirklichkeit
kommt uns Koller oft näher als in manchen seiner
ausgeführten Gemälde. Einen Beweis liefert
etwa der ‹Ruhende Löwe›, den Koller wohl
1851 im Tiergarten Schönbrunn gesehen hat.
Das kleine Blatt ist von unglaublicher Naturwahrheit
und zählt zu den Meisterwerken der
Grafischen Sammlung. Seine Ausführung besticht
durch die vollendete Verbindung von Hell
und Dunkel, von Präzision und leichter Hand.
Später hat Koller den nun mit offenen Augen
ruhenden Löwen – im Hintergrund bleicht ein
Gerippe – in die Wüste versetzt (wo Koller nie
war): ein schönes Gemälde mit Variationen von
Beige- und Brauntönen und Anklängen von
Genremalerei, aber kein Meisterwerk. Direkt
unter dem Gemälde befindet sich eine von drei
Medienstationen, die je das Digitalisat eines
Skizzenbuches bieten, an dieser Stelle das mit
den Wiener Löwenbildern. Es lohnt sich, an
jeder Station ausgiebig Halt zu machen. Man
stösst dabei nicht nur auf vieles, was einem
hilft, Koller besser zu sehen und den suchenden
Künstler zu erkennen, der so virtuos Volumen
und Licht in der freien Natur darzustellen
wusste, sondern auch auf hübsche Details von
Pariser Kunsterfahrungen – oder das absolut
berührende Kälblein auf dem Tragreff. AM
Rudolf Koller · Ruhender Löwe, aus: Skizzenbuch
P 65, fol. 2, 1851/1855, Grafitstift auf Papier,
13,8 x 38 cm, Courtesy Kunsthaus Zürich
Rudolf Koller · Studie zu: Kühe im Wasser, aus:
Skizzenbuch P 55, fol. 32, vor 1869, Feder in
Braun und Grafitstift auf Papier, 10,5 x 16,7 cm,
Courtesy Kunsthaus Zürich
→ Kunsthaus Zürich, bis 14.8.
↗ www.kunsthaus.ch
72 Kunstbulletin 7-8/2022 HINWEISE // WINTERTHUR / ZÜRICH 73

Sandra Vásquez de la Horra
Zürich — Die Kunstakademie Düsseldorf war
der Grund dafür, dass Sandra Vásquez de la
Horra (*1967, Viña del Mar, Chile) 1995 nach
Deutschland kam, wo sie bei Jannis Kounellis
und Rosemarie Trockel studierte. Und obwohl
ihr künstlerisches Werk stark von den
religiösen und kulturellen Traditionen ihres
Herkunftslandes geprägt ist, wählte sie fortan
Deutschland zu ihrer Wahlheimat und lebt
heute in Berlin.
Letztes Jahr wurde ihr in Dresden, von der
Sächsischen Akademie der Künste, der Hans-
Theo-Richter-Preis für Zeichnung und Graphik
verliehen, der sie als eine der bemerkenswertesten
Zeichnerinnen der Gegenwart würdigte.
«Sandra Vásquez de la Horras Zeichnungen
beschäftigen sich mit Grenzerfahrungen,
Weiblichkeit, Angst und Tod, aber auch Poesie.
Ihre Themen verweisen weit über Episodisches
hinaus auf menschliche Urerfahrungen»,
schrieb die Jury.
Nun präsentiert die Künstlerin neueste
Arbeiten in der Zürcher Galerie Haas, die sie
schon seit 2017 vertritt. Zu sehen sind auf zwei
gegen überliegenden Wänden eng sich aneinander
schmiegende Zeichnungen unterschiedlichen
Formats. Sie bilden, fast wie in einer
Wolke gruppiert, Werkgruppen, die nicht nur
formale, sondern auch inhaltliche Bezüge aufweisen.
Obwohl diese Hängung auf den ersten
Blick zufällig wirkt, wurde sie von der Künstlerin
akribisch geplant.
Auffällig ist die additive Zusammensetzung
grösserer Zeichnungsformate, wie bei der Arbeit
‹Nino Cielo Estrellando›, 2022. Statt eines
einzigen Papierbogens, wird das Endformat
aus vier einzelnen Blättern kombiniert, die im
alles überziehenden Motiv lineare Frakturen
erzeugen. Obwohl jedes Sujet in sich makellos
und abgerundet erscheint, oszillieren diese
grossen Blätter zwischen Fragmentierung und
Vollendung, je nachdem, wo der Blick pausiert,
wenn er über das Bild wandert. Sämtliche
Blätter werden in Wachs gebadet, der ihnen
eine Art Haut verleiht. Neu ist bei ‹Nino Cielo
Estrellando› die strahlende Farbigkeit. Eine
kleine schwarze, in Grafit angelegte, männliche
Figur wird von einer gelb-grün-rot glühenden
grossen weiblichen Figur, die wie ein weiblicher
Buddha in der Hocke sitzt, vereinnahmt. Beide
sind im Profil dargestellt, und auch hier erzeugt
der markante Kontrast eine Art Vexierbild. Das
Auge springt von einer Figur zur nächsten und
hat Mühe, beide synchron zu erfassen. Natürlich
dominiert die in Aquarell und Gouache zum
Leuchten gebrachte Figur der «Göttin». Aber
ohne den Schatten des schwarzen Wiedergängers
aus einer anderen, dunklen Welt ist sie
nicht zu haben. MH
Sandra Vásquez de la Horra · Niño Cielo Estrellando,
2022, Aquarell, Gouache und Bleistift
auf Wachspapier, 212 x 156 cm
Sandra Vásquez de la Horra · Pacha Mama,
2018, Aquarell, Gouache und Bleistift auf
Wachspapier
→ Galerie Haas, bis 22.7.
↗ www.galleryhaasag.com
Benedikte Bjerre
Zürich — «Born to shop» scheint unser gegenwärtiges
Schicksal zu sein, aber dazu müssen
wir erst einmal liefern. In der Ausstellung von
Benedikte Bjerre bei Lullin + Ferrair sind die
Begriffe Tempo, Reproduktion und physische
Warenströme zentral und zugleich Erklärungshilfen.
Sieben in Aluminium gegossene, silberne
Röhren-Dreiecke (‹Labor›) bilden den Auftakt
der Ausstellung. Man fragt sich, an was die am
Boden liegenden Formen erinnern, und ja, liest
man den Titel der Ausstellung ‹Who delivers›,
sind es den Einheitspaketen des Lieferdienstes
Fedex nachempfundene Objekte. Die dänische
Künstlerin Benedikte Bjerre (*1987), welche
zunächst ein Soziologistudium abgeschlossen
hatte, beginnt hier mit einem ersten Gedankengang:
Das neue Lieferdienst-Prekariat
unserer Gesellschaft ist dafür zuständig, die
Paketströme am Laufen zu halten. Aber nicht
nur die Lieferant:innen, die in urbanen Zentren
mit Velos, Trittfahrern und in Minivans ihre Ware
verteilen, sind in einer global organisierten
Wirtschaftsstruktur, gemäss dem Begleittext
zur Ausstellung, gezwungen, in irgendeiner
Form zu «liefern». Sei es, um karrieremässig
voranzukommen, seine Kinder zu versorgen
oder einfach nur, um ein Leben zu haben. Den
Begriff der «Warenströme» verbildlicht Bjerre
auch in gebrauchten Windeln (‹Done Thing›) und
platziert diese auf einem Pelicase, dem handelsüblichen
Warenkoffer für schweres Gerät,
unter anderem für den Transport von Waffen.
Die lebensphilosophische Einsicht, dass wir
in unserer kapitalistischen Geschäftigkeit
angesichts der grossen Zusammenhänge im
Universum klein und unbedeutend werden,
zeigt Bjerre mit goldenen Brotscheiben am
Himmel (‹Starry nights›). Mit der Technik des
direkten Gusses profaner Brot- und Toastscheiben
in Bronzemetall transformiert sie Vergängliches
in Beständiges. Wie leuchtende Sterne
schimmern die von Bjerre an der Decke und den
Galeriewänden verteilten Brote über uns. Die
Objekte lassen verschiedene Interpretationen
zu: Der Kommentar der Künstlerin zur aktuellen
politischen und wirtschaftlichen Situation ist
offensichtlich, und die Zitate ihrer Arbeiten
stammen aus verschiedenen Kontexten. Nicht
zuletzt in Anlehnung an Walter Benjamins Aufsatz
über das ‹Kunstwerk im Zeitalter seiner
technischen Reproduzierbarkeit› von 1936
bezeichnet Bjerre eine nach unten geöffnete
Fedex-Verpackung als ‹Reproduktion›. Gut
vorstellbar, hier von der Schachtel einen Bezug
zum menschlichen Körper herzustellen, denn
Bjerre durchlebte während den Vorbereitungen
zur Schau eine Schwangerschaft, und die
offene Kartonschachtel wäre ein Uterus, aus
dem die Ware – das Kind – gefallen ist. Yup,
delivered! Parallel zu Bjerres minimalistisch
anmutender Installation würdigen die Galeristen
im Nebenraum mit einer kleinen, bunten
Retrospektive Klodin Erb, Trägerin des diesjährigen
Prix Meret Oppenheim. JEN
Benedikte Bjerre · Labor, 2022, Aluminium
geschweisst in 7 Teilen, je 16 x 16 x 98 cm
Benedikte Bjerre · Done Thing, 2022, direkter
Bronzeguss von Babywindeln montiert auf
luftdichtem Pelicase, 37 x 62 x 53 cm
→ Galerie Lullin + Ferrari, bis 16.7.
↗ www.lullinferrari.com
74 Kunstbulletin 7-8/2022 HINWEISE // ZÜRICH 75

BESPRECHUNGEN
Davor, Darin, Danach — Eine Sammlung im Wandel
Die Sonderausstellung im Aargauer Kunsthaus bietet einen
lustvollen, pointierten Streifzug durch zeitgenössische Werke
Schweizer Kunst von 65 Kunstschaffenden. In drei Kapiteln
werden überraschende Erzählbögen gespannt und das Raum-
Zeitgefüge befragt.
Aarau — Das Aargauer Kunsthaus hat immer zeitgenössisch gesammelt, wie die
Kuratorin Katrin Weilenmann betont. Die aktuelle Schau richtet ihren Fokus auf die
eigenen, über die Zeit zusammengetragenen Bestände und bietet so einen Einblick
in die umfassendste öffentliche Sammlung Schweizer Kunst. Der Titel ‹Davor, Darin,
Danach› verspricht ein Kapitel pro Etage. Wie stellt man sich diesen Erzählbogen vor?
Im Untergeschoss wird beinahe leitmotivisch ein melancholischer Blick zurückgeworfen:
Ugo Rondinone visualisiert in ‹Diary of Clouds› den Versuch, eine flüchtige
Wolke in 64 Plastikformationen aus Wachs zu bannen. Auf kollektive Erinnerungen
verweist Marc Bauer in seiner vielschichtigen Arbeit ‹Sphinx, 1931, 1935/1947› mit
Bezug auf den Aargauer Künstler Karl Ballmer (1891–1958), dessen Werke als «entartete
Kunst» dem NS-Regime zum Opfer fielen. Julian Charrière nähert sich mit seiner
Videoinstallation ‹Towards No Earthly Pole› der Vergänglichkeit der Antarktis an,
während der von Valérie Favre erstmals gezeigte Bildzyklus ‹Selbstmord›, basierend
auf Vorlagen aus Kunst und Literatur, ganz auf Selbstbestimmung fokussiert.
Die Gegenwart wird im Erdgeschoss verhandelt: In Shirana Shahbazis umfassendem
Arrangement ‹Untitled II-2012› überlagern sich Bildräume in analogen Fotografien.
Dem im Ausstellungstitel angekündigten «Darin» entspricht das Gefühl in der
begehbaren Teekanne ‹Little Planetery Harmony› von Mai-Thu Perret. Auch räumlich
erfahrbar ist die aus Aluminium und Holz konstruierte fragmentarische Behausung
‹The Dancer and the Dance›, die sich über eine quadratische Grundstruktur erstreckt,
sowie die Intervention mit dem brachialen Wanddurchbruch ‹The Intelligence of Flowers›
von Urs Fischer, die auf den totalen Durchblick in Architektur und Kunst setzt.
Wegweisend empfängt uns Miriam Cahns pulsierender ‹baum› des Lebens im
lichtdurchfluteten Obergeschoss. Mit einem Augenzwinkern durchleuchtet Zilla Leutenegger
in ‹Der Mann im Mond› Geschlechterkonstrukte, und Francisco Sierra setzt
seinen fantastischen Kreaturen einen fotorealistisch gemalten Flughafen entgegen.
«Was wirklich oder was vorstellbar ist. Was möglich scheint. Was nicht vorhanden,
unsicher oder unwahrscheinlich ist» fasst Alex Hanimann die Essenz dieses üppigen
Rundgangs in seiner applizierten Textarbeit zusammen. Ursula Meier
→ ‹Davor, Darin, Danach – Die Sammlung im Wandel›, Aargauer Kunsthaus Aarau, bis 7.8.
↗ www. aargauerkunsthaus.ch
John Armleder · Staz, 2012 Mischtechnik auf Leinwand, 275 x 275 cm; Mai-Thu Perret, Little Planetary
Harmony, 2006, Aluminium, Holz, Trockenmauer, Latex-Wandfarbe, Neonbeleuchtung, Acryl auf Sperrholz,
353 x 665 x 365 cm, Ausstellungsansicht Aargauer Kunsthaus, Aarau. Foto: Ullmann
Alex Hanimann · Ohne Titel, 1999/2022, Dispersionsfarbe auf Wand, Masse variabel, Aargauer Kunsthaus,
Aarau © ProLitteris. Foto: Ullmann
76 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // AARAU 77

Pascal Danz / Daniel Comte — Vom Sehen und Verschwinden
Werke von Pascal Danz und Daniel Comte, ein Maler und ein Fotograf,
treten im Haus für Kunst Uri in Altdorf in einen Dialog. Sie
verdienen, beide für sich, hohe Beachtung. Eine vertiefte Zwiesprache
ist aber abhängig von der Bereitschaft der Besucherinnen
und Besucher, sich auf Vergleiche einzulassen.
Altdorf — Pascal Danz (1961–2015) nimmt in der Schweizer Kunst der vergangenen
Jahrzehnte eine wichtige Position ein. Dem Gegenständlichen verpflichtet, befragt er
die Malerei auf alle möglichen Aspekte einer Wiedergabe des Sichtbaren. Er nähert
sich der Realität über das Medium der Fotografie an – sei sie aktuellen Publikationen
entnommen oder selbst gemacht. Gegenstand seiner Reflexion sind die Gegensätze
Schärfe/Unschärfe, Licht/Schatten und Nah-/Fernsicht, aber auch der überraschend
«unklassische» Bildschnitt, dem Alltag entnommene Motive oder ikonische Bilder,
wie etwa Polizeifotos oder Bilder mit politischem Hintergrund. Dem rasch, wenn auch
bewusst aufgenommenen Foto setzt er eine bedachte, sorgfältige und qualitativ
hochstehende Malweise entgegen, die oft einer fahlen und distanzierten Farbigkeit
verpflichtet ist. Seine Gemälde sind meist von irritierender Mehrdeutigkeit.
Das fotografische Werk des früheren Werbegrafikers und Fotografen Daniel Comte
(*1963) ist ein Sonderfall. Die in Altdorf gezeigten Bilder (meist schwarz-weiss) entstanden,
nachdem Comte 2014 im Alter von erst 51 Jahren mit der Diagnose Alzheimer
konfrontiert wurde. Die Krankheit schritt rasch voran, doch die kurze Zeitspanne,
während der ihm kontrolliertes Arbeiten noch möglich war, nutzte er intensiv, um mit
der Kamera im Sinne traditioneller Street Photography Alltagssituationen in Schweizer
Städten einzufangen und so höchst lebendige Bilder zu schaffen. Sie bezeugen
sein Gefühl für Proportionen, Licht- und Schattenwirkungen und für den spontanen,
oft humorvollen Schnappschuss, der auch Skurriles und Lifestyle-Eskapaden einzufangen
vermag. Heute kann Comte seiner Arbeit nicht mehr nachgehen. Er ist nicht
mehr ansprechbar. Seine Interessen vertritt sein Sohn Anatol Comte mit dem Verein
‹Stolen Moments›, der Comtes Werk 2020 eine umfangreiche Publikationen widmete.
Die Kuratorin Barbara Zürcher präsentiert die Werkgruppen in Beziehung zueinander,
mischt sie und befragt sie so auf ihre Wirklichkeitsbezüge. Manche Gegenüberstellungen
wirken zufällig. Andere legen spannende Wahrnehmungsschichten
frei. Die Schau macht es den Besucher:innen nicht einfach, Zugang zu den in ihren
Absichten und ihren Strategien doch recht unterschiedlichen Werken zu finden. Aktives
Mitdenken ist gefragt. Wichtig ist die Präsentation nicht zuletzt, weil sie sowohl
dem Maler Pascal Danz wie auch dem breit gefächerten Thema Demenz in einem
eher unüblichen Rahmen zu starker Präsenz verhilft. Niklaus Oberholzer
→ ‹Daniel Comte / Pascal Danz – Unsichtbar›, Haus für Kunst Uri, bis 21.8. ↗ www.hausfuerkunsturi.ch
Pascal Danz, crowd (flashing light), 2006, Öl auf Leinwand, 158 x 122 cm; Daniel Comte, Berns Jungbrunnen
vor dem altehrwürdigen Bundeshaus/Seniorentreff/Table dance, 2013/14, Fotografie, je
40 x 60 cm, Ausstellungsansicht Haus für Kunst Uri, 2022. Foto: F. X. Brun
78 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // ALTDORF 79

Birgit Kempker — Bilder einer Wortakrobatin
In der Grundschule dienten die blauen Sudelhefte einst als
Übungsmaterial vor dem Eintrag ins Reinheft: Rund hundertdreissig
dieser Exemplare hat die Basler Autorin Birgit Kempker
zwischen 2017 und 2022 mit Zeichnungen und Notizen gefüllt.
Anfassen und Durchblättern sind erwünscht.
Baden — Auf rauen Holztischen in der Bibliothek des Museums Langmatt liegen
zahlreiche Notizhefte der deutsch-schweizerischen Schriftstellerin Birgit Kempker
(*1956). Nun ist man eingeladen, in ihre Zeichnungen und Wortkaskaden einzutauchen.
Leicht wird es einem allerdings nicht gemacht, denn die Fülle der Eintragungen
überfordert beinahe. Wie soll man vorgehen? Spontan oder doch eher systematisch
Zeichnungen und Wortschöpfungen herauspicken und auf künstlerische oder literarische
Besonderheiten achten? So oder anders – man verliert sich sehr bald darin.
Nur das Bimmeln der Pendule erinnert im Halbstundentakt daran, wie die Zeit
verrinnt. Der Blick schweift vielleicht aus dem Fenster in den Park, wo bei unserem
Besuch eben ein Hochzeitspaar für die Fotografin posiert und Rosaherzen im Winde
wehen. Auf einem Notizheft ziert eine Schriftgirlande einen gehörnten Tierkopf. «You
burried it. No marriage? No marriage!» steht drauf, und über allem prangt der Titel:
«Aus der Traum». Zufall des Augenblicks? Birgit Kempker schreibt und zeichnet wild
und spontan ihre persönlichen Bilder und tangiert doch immer wieder Universelles.
Zeichnungen mit Filzstift, Notizen in englischer und deutscher Sprache, expressiv
gemalte Köpfe mit Kugelschreiber, Collagen mit Werbebotschaften ziehen vorüber.
Man begegnet gefrässigen Amazonen, sich übergebenden Frauen und Coronaviren
in Form von witzigen Strichmännchen. Eine weinende Frau mit Niere auf dem Kopf
und Vulva in der Magengegend (‹Telemetrisch übertragen›), ein flotter Torero (‹Esel
meines Lebens›) oder eine Nonne von zartem Strich (‹My story as a nun›) bevölkern
das Universum. Kurzum: Eine überbordende Mischung von rohen und fast kindlich
anmutenden Zeichnungen offenbart sich der Leserin. Mehr noch, dadaistische Wortschöpfungen
geben Rätsel auf. Oder weiss jemand, was mit «Quellenspukverbund»
oder «Tropfenstrom» gemeint ist? Kempker wurde einst mit dem Skandal um das
Prosastück ‹Als ich das erste Mal mit einem Jungen im Bett lag› bekannt. In den letzten
Jahren hat sie sich als Film- und Hörspielautorin profiliert. Heute arbeitet sie unter
anderem als Dozentin an der Zürcher F+F Schule. Eine Kostprobe ihres Multitalents
gibt die Baslerin in der Langmatt auch mit dem Digitalbuch ‹I wanted to be your
skirt›, das in Kooperation mit der Medienkünstlerin Esther Hunziker entstand, und
ein Stockwerk höher mit der freakigen Audioinstallation ‹Meet my spirits›. Kempkers
Dämonen sind in der Tat obsessiv, verstörend und – humorvoll. Feli Schindler
→ ‹Birgit Kempker›, Museum Langmatt, bis 4.9.; Präsentation des Digitalbuchs mit Birgit Kempker und
Esther Hunziker, 25.8., 18:30 Uhr ↗ www.langmatt.ch
Birgit Kempker · Telemetrisch übertragen, 2018–2021, Mischtechnik auf Papier, 29,7 x 21 cm.
Foto: Serge Hasenböhler
80 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // BADEN 81

Emmanuel Van der Auwera — Zwischen Fiktion und Realität
Was haben Avatare, KI-Überwachungsvideos und YouTube-
Streams gemeinsam? Sie gehören zum kollektiven Bilderstrom
unserer digitalisierten Lebenswelt. Dieser spürt Emmanuel Van
der Auwera im HEK in raumgreifenden, immersiven Videoinstallationen
und beeindruckend ästhetischen Bildtableaus nach.
Basel — Der Bildschirm als technische Apparatur der Sichtbarmachung wird selbst
zum Material in den Werken des belgischen Künstlers Emmanuel Van der Auwera
(*1982). Acht hell strahlende Screens zeigen im HEK einen Film, der nicht zu sehen
ist, da die Polarisationsfilter der Geräte entfernt wurden. Der Bildschirm, sonst ein
Fenster zur Welt, bietet nichts als einen leeren Anblick. Sichtbar wird der Film erst
durch die schwarzen Glasplatten, die auf dem Boden liegen und auf denen die Bilder
farblich und räumlich invertiert zu sehen sind. Sie basieren auf Texten des Science-
Fiction-Autors Rick Ferguson und erzählen auf poetische Weise von Künstlicher Intelligenz
und digitaler Unsterblichkeit. Durch die filmisch-räumliche Inszenierung
macht uns der Künstler zu aktiven Teilnehmenden – auch in der Videoskulptur ‹The
World’s 6 th Sense›: Dunkle Plexiglasplatten sind auf zehn Stativen montiert im Raum
verteilt. Neugierig betrachten wir ahnungslose Fussgänger:innen in den Strassen
von Las Vegas, die von einer privaten Rüstungsfirma zu Werbezwecken mit einer als
«sechster Sinn» angepriesenen Wärmebildtechnologie aufgenommen wurden.
Ausgehend von realen Ereignissen und Material aus dem Netz entwickelt Van der
Auwera raumgreifende, immersive Videoinstallationen, die um die Bedeutung von
Bildern im Zeitalter von KI, 3D-Scans und Deep Fakes kreisen. ‹Seeing is Revealing›
lautet der Titel der von Sabine Himmelsbach kuratierten Ausstellung im HEK, für die
gleich mehrere neue Arbeiten produziert wurden. Das Sehen als Enthüllen, als Sichtbarmachen
von Unsichtbarem, zieht sich durch das ganze Werk des Künstlers, der
aufmerksam beobachtet, wie Realität medial abgebildet, dekonstruiert und gleichzeitig
konstruiert wird. Es geht um die gesellschaftskritische Frage, wie Technologie
verändert, was wir sehen und wie wir etwas sehen. So erklingt etwa in der Drei-Kanal-Videoarbeit
‹The Sky Is on Fire› aus dem Off die Stimme eines Mannes, der das
Heilsversprechen der Technologie «predigt». Währenddessen zeigt ein langsamer
Kameraschwenk die subtile Verwandlung eines idyllischen amerikanischen Vororts
in eine dystopische Stadtkulisse. Die Arbeit entstand im Kontext der Tragödie des
Schulmassakers in Parkland, Florida, 2018 und besteht aus digital verarbeiteten 3D-
Scans realer Orte: eine konstruierte, nicht real existierende Welt, ein unheimlicher
Nicht-Ort, an dem die Grenze zwischen Fiktion und Realität zu verblassen scheint.
Was sehe ich, und kann ich meinen Augen überhaupt trauen? Andrea Brun
→ ‹Emmanuel Van der Auwera – Seeing is Revealing›, Haus der Elektronischen Künste, bis 7.8.
↗ www.hek.ch
Emmanuel Van der Auwera · The Sky Is on Fire, 2019, Ausstellungsansicht HEK. Foto: Franz Wamhof
Emmanuel Van der Auwera · VideoSculpture XXV (Archons), 2022, Ausstellungsansicht HEK.
Foto: Franz Wamhof
82 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // BASEL 83

Bang Bang — Performance now!
Mit Archivmaterial, Diskussionen und Live-Performances feiert
das Museum Tinguely diesen Sommer die Performance-Kunst.
Ziel ist es, einen Überblick über eine reichhaltige Breite dieser
ephemeren Kunstform zu erlangen und ihr dadurch Raum und
Sichtbarkeit zu verleihen: Bang Bang!
Basel — «Ni dieux, ni mari, ni maître» – der Slogan über der Bühne inmitten des Ausstellungsraums
steht sinnbildlich für die Emanzipation und die Freiheit der Performance-Kunst.
Diesen Idealen folgt auch das Sommerprojekt im Museum Tinguely,
bei dem der verhältnismässig jungen Kunstgattung ein vielgestaltiger und fluider
Raum zugestanden wird. Das Herzstück der Schau stellt das zum Entdecken und
Stöbern einladende Archiv dar, welches vom Projektteam rund um die Basler Künstlerinnen
Lena Eriksson, Muda Mathis, Chris Regn und Andrea Saemann zusammengetragen
wurde. Per Open Call forderten sie die Schweizer Performance-Szene dazu
auf, Dokumentationsmaterial ihrer Aktionen einzureichen. Erstmals zusammengeführt,
ergibt das einen lebendigen, anarchischen und variablen Überblick über die
letzten Jahrzehnte der hiesigen Performance-Landschaft. Während auf drei Monitorinstallationen
und einzelnen Schaustationen ausgewählte Einsendungen in kuratierter
Form gezeigt werden, sind auf Computern alle Beiträge in frei wählbarer
oder zufälliger Reihenfolge einsehbar. Das Archiv verstehen die Initiantinnen nicht
als abgeschlossen. Entsprechend läuft der Open Call auch weiter, Zusendungen sind
immer noch willkommen. Ergänzt wird dieser einzigartige Überblick schweizerischer
Performance-Kunst von drei kleineren aufeinanderfolgenden Wechselausstellungen.
Dazu wurden einzelne Performer:innen eingeladen, ihr Werk retrospektiv zu präsentieren.
Den Auftakt machte das Duo Porte Rouge, aktuell läuft die Ausstellung von
Sarina Scheidegger, und im August wird ein Projekt von Angela Marzullo gezeigt.
Im Gartenpavillon, der als öffentlicher «Backstage-Raum» verstanden wird, kann
man mit den Initiantinnen Tee trinken und diskutieren. Jedes Wochenende kommt zusätzliche
Live-Action auf. Am Freitagabend wird jeweils ein Videoprogramm gezeigt,
am Samstagabend finden Performances statt, und am Sonntag wird mit eingeladenen
Personen diskutiert. Jedes Wochenende ist dabei einem unterschiedlichen Thema
gewidmet, wobei das aktuelle Kapitel sich gar über vier Wochen erstreckt: ‹Soziale
Eleganz› rückt mit diversen Events im Solitude Park Netzwerke, Kollektivität und
Gemeinschaft als Charakteristika der Performance-Kunst ins Zentrum. Danach wird
mit ‹Direktübertragung› die spezifische Rezeptionserfahrung von Live-Kunst befragt,
und ‹Freckly Night› feiert schillernde Momente zwischen Vergangenheit und Zukunft.
Die Einladung zur Party ist ausgesprochen – wir kommen! Martina Venanzoni
→ ‹Bang Bang – translokale Performance Geschichte:n›, ein Ausstellungsprojekt von Revolving
Histories/Performance Chronik Basel und Museum Tinguely, bis 21.8.
↗ www.tinguely.ch ↗ www.performancechronikbasel.ch ↗ www.panch.li
Davide-Christelle Sanvee · Je suis Pompidou.e.x, 2021, Centre Pompidou, Paris. Foto: Centre Pompidou/
Hervé Véronèse
Marie-Anne Lerjen · Rückgängig, 2019, Performance Reihe Neu-Oerlikon. Foto: Markus Goessi
84 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // BASEL 85

Brice Marden — Räume staffeln und verwirbeln
Brice Marden malt mit Pinsel, Ästchen und Spachtel. Seine Bilder
pendeln zwischen Fläche und Raum, westlicher Gestik und
östlicher Kalligrafie, Antike und heutigem Lebensgefühl. Eine
dichte stimmige Schau schlägt den Bogen von seinen Entwürfen
fürs Basler Münster zum späteren Schaffen.
Basel — Was ist vorne, was hinten? Was sind Lichtreflexe und was Korrekturen? Das
Liniengeflecht scheint sich zu bewegen wie ein Gewebe, das sich bläht und zusammenzieht.
Das Werk gehört zur fünfzehnteiligen Serie ‹15x15› – und es wäre kein Brice
Marden (*1938, Bronxville, NY), wenn die im Titel suggerierte Geometrie nicht sogleich
infrage gestellt würde: Die 15 x 15 Inch betreffen nur die quadratische Fläche,
die der Künstler auf den Papierbogen ausgemessen und bemalt hat. Auf drei Seiten
liess er die Linien über den Blattrand hinausschlingern. Doch einen breiten Sockelstreifen
sparte er so aus, dass das Papier physisch fassbar bleibt.
«Kann Malerei reine Präsenz sein?», fragt Brice Marden in einem zu Beginn der
Ausstellung gezeigten Film. Ja, wie seine Werke beweisen. Fürs Basler Münster arbeitete
er während sieben Jahren an Entwürfen für die Neuverglasung der Fenster.
Mit glühendem Rot, Grün, Gelb und Blau knüpfte er an die mittelalterliche Tradition
der edelsteinbunten Glasfenster an, welche die Transzendenz vom irdischen zum
göttlichen Licht symbolisierten. Und mit sich überschneidenden horizontalen, vertikalen
und diagonalen Streifen sorgte er in den monochromen Flächen für räumliche
Tiefe und Bewegung. So radikal zeitgemäss die Entwürfe heute wirken, ausgeführt
wurden sie nie – wohl weil sie der klerikalen Ikonografie zu wenig entsprachen.
Die von Josef Helfenstein sorgfältig kuratierte Schau zeigt, wie sehr dieses Projekt
und die räumliche Gliederung durch Horizontale und Vertikale sein weiteres
Schaffen prägte. Das statische Prinzip von Pfosten und Architrav, das Marden auch
in der griechischen Antike wiederfand, variiert er in ‹Post and Lintel› als serielles minimalistisches
Motiv. Dafür arbeitete er Grafit und Wachs so ins Papier ein, dass die
Bildfläche jetzt mineralisch wirkt. Gegenüber hängen die zarten Blätter der Gruppe
‹Mirabelle Addendum› – seiner Tochter gewidmet, die ihren Mittagsschlaf hielt, während
er mit krakeligen Linien eine Fensteröffnung und flimmernde Strukturen auf das
handgeschöpfte Papier kritzelte. Daneben zieht eine zweigeteilte Leinwand mit aufgespachtelter
Wachsfarbe einen grauschwarzen Horizont auf – so weit wie das Meer.
Der dritte und letzte Raum ist den von asiatischer Kalligrafie inspirierten späteren
Werkzyklen gewidmet: den ‹Cold Mountain Studies› und der erwähnten ‹15 x 15›-Serie.
Und, ist das Weiss jetzt vorne oder hinten? Der zur Eröffnung angereiste Künstler
überlegt ein Momentchen. Dann huscht ein Lächeln über sein Gesicht: «Ich werde es
dir nicht sagen.» Und dann: «Es ist wie im Leben, Dinge können sich ändern – manchmal
ist etwas vorne und dann im Hintergrund.» Claudia Jolles
Brice Marden · 15 x 15 6, 1985, Tusche und farbige Tinte auf Papier, 50,8 x 38,1 cm, Sammlung des
Künstlers © ProLitteris
→ ‹Brice Marden – Inner Space›, Kunstmuseum Basel, bis 28.8. ↗ www.kunstmuseumbasel.ch
86 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // BASEL 87

Bridget Riley — Begegnung mit Farbe
Wie Bridget Riley in Ägypten auf Farben stiess, die eine entscheidende
Wende in ihrem langjährigen Œuvre auslösten,
macht eine fokussierte Werkschau von Studien und Gemälden
erfahrbar. Bildkonzepte und Werkprozesse, aber auch die Sinnlichkeit
ihrer Bilder kommen so auf neuartige Weise zur Geltung.
Bern — Wer in der aktuellen Ausstellung von Bridget Riley (*1931) im Zentrum Paul
Klee nach ihren schwarz-weissen, optisch illusionistischen Bildern Ausschau hält,
wird kaum fündig. Denn auf die bekannten, der Op Art zugeschriebenen Werke der
englischen Künstlerin wurde hier gänzlich verzichtet. Die Ausstellung fokussiert dagegen
auf eine Werkperiode, die mit Rileys Entdeckung der «ägyptischen Farbpalette»
in den 1980er-Jahren einsetzte. Die so reduzierten wie raffinierten Kompositionen
wirken jedoch ebenso stimulierend wie die erstgenannten Gemälde – ganz im
Sinne von Rileys Credo, dass es beim Betrachten ihrer Bilder hauptsächlich um einen
«Akt des Sehens und die Freude an der visuellen Auseinandersetzung» gehen soll.
Dabei kam sie eher zufällig zur Farbe, während eines Zwischenstopps in Ägypten
auf einer Reise nach Tokio im Winter 1979/80. Hier beeindruckte sie die Vielfalt altägyptischer
Wandmalerei mit ihrem beschränkten, jedoch stimmigen Farbenspektrum
aus Türkis, Blau, Rot und Gelb. Zurück in London, adaptierte sie die «ägyptische
Palette» für ihre Arbeit, ergänzte sie um Schwarz und Weiss und schuf zunächst nur
Streifenbilder in wechselnden Farbkombinationen. Zu den ersten zählt beispielsweise
‹Ka 6›, 1980, der Auftakt zur Berner Ausstellung. Später kamen weitere Farbtöne
hinzu, doch schon zu Beginn wird deutlich, welch unterschiedliche Wirkungen
die Künstlerin durch bestimmte Farbabfolgen erzielte: Mal sind es geradezu harte
Kontraste, ein buntes Neben-, Vor- und Hintereinander; mal erzeugen sie ein Flimmern
oder einen Schleier bunten Graus, ähnlich einem pointillistischen Gemälde.
Tatsächlich setzte sich Riley intensiv mit Künstlern jener Stilepoche wie Seurat oder
Cézanne auseinander; übrigens auch mit Paul Klee. Zusehends öffnen sich ihre Bildflächen
dann zu Bildräumen. Vertikale treffen auf diagonale Strukturen und mutieren
zu «rhomboiden Gemälden», und Kreissegmente bilden sogenannte Kurvengemälde.
Wie die Bilder ist die Schau wohl durchdacht und erfolgte in enger Zusammenarbeit
der Künstlerin mit ihrer eigenen Kuratorin, Susanne A. Kudielka, und Martin
Waldmeier vom Zentrum Paul Klee. Anhand der Bildfolge sowie zahlreicher Originalentwürfe
wird ebenso Rileys präzis angeleiteter Werkprozess ersichtlich, denn die
Studien und Gemälde werden stets von Assistent:innen ausgeführt. Nicht zuletzt
dank der analogen Verfahren und des Realitätsbezugs der Werke – Titel wie ‹Saraband›,
1985, ‹Bloom› oder ‹Temple Music›, je 1987, machen es deutlich – erhalten die
Bilder ein Eigenleben und werden sinnlich erfahrbar. Marc Munter
Bridget Riley · Saraband, 1985, Öl auf Leinen, 166,4 x 136,5 cm
→ ‹Bridget Riley – Looking and Seeing, Doing and Making›, Zentrum Paul Klee, bis 21.8. ↗ www.zpk.org
88 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // BERN 89

Franz Gertsch — Ein Raum in Ultramarin
Blau und monumental, so präsentiert sich aktuell der Hauptsaal
im Museum Franz Gertsch. Der Namensgeber des Hauses ist
seit 2019 in seinem Alterswerk in eine neue «blau-ultramarine
Phase» eingetreten – ein lang gehegter Wunsch und eine neue
Form der monochromen Malweise, wie er im Gespräch erläutert
Burgdorf — Lapislazuli, so verheissungsvoll der Name, so teuer ist das Pigment
und so aufgeladen dessen Geschichte: Seit rund vier Jahren arbeitet Franz Gertsch
(*1930) mit dem Farbstoff, der aus dem gleichnamigen, in Afghanistan abgebauten
Halbedelstein stammt. Fra-Angelico-Blau heisst er in seiner hochwertigsten Form
nach alter Rezeptur, die Gertsch für das Gemälde ‹Gräser VIII› von 2019 verwendete.
Auch die weiteren vier Gemälde der neuen «blauen» Serie beruhen auf Naturmotiven
aus dem Repertoire des Künstlers und bilden einen Farbraum von besonderer Intensität.
Nun bin ich als Kunsthistoriker angesichts der Lebensphase des Künstlers
und des kunsthistorisch prägenden Pigments versucht, der Farbe eine fast metaphysische
Dimension zuzuschreiben. Doch viel schöner formuliert es der Saaltext:
Gertsch «gönnt sich seit 2019 das völlige Eintauchen in eine intensive ‹blau-ultramarine
Phase›». Der Künstler selbst sagt zur Farbe und deren Aufladung: «Nachdem
ich das erste Lapislazuli-Bild gemalt hatte, beschloss ich, einen blauen Raum zu verwirklichen
– ein alter Traum von mir. Manch mystische Eigenschaft wird dem blauen
Stein zugesprochen. Das hat sicher meine Wahl beeinflusst. Aber schlussendlich war
es seine einzigartige Schönheit.»
Auch im Umgang mit den Bildvorlagen zeigt der Künstler eine freiere Praxis. Basierten
die tiefblauen ‹Gräser VIII› 2019, oder ‹Blauer Sommer›, 2020, aus dem bekannten
‹Jahreszeitenzyklus› noch auf den originalen Diaaufnahmen, entstanden
die neueren Gemälde ‹Gräser IX› von 2020 und ‹Blaue Pestwurz› nach Abbildungen
der eigenen Holzschnitte. Ersteres sei sehr frei nach ‹Das grosse Gras› von 2001 geschaffen
worden und Letzteres nach einem Dia eines Holzschnitts von 2005. Im Bildvergleich
von ‹Gräser IX› mit dem dreiteiligen Druck zeigt sich auf der Leinwand ein
geschlossenerer Bildeindruck und eine grössere Tiefenwirkung. Auf der Holzplatte
dagegen, in der Drucktechnik begründet, ergeben sich ein einheitlicherer Farbraum
und präzise abgegrenzte Weissflächen. Auf der Leinwand ist die Reduktion der detaillierten
Blattstruktur zugunsten einer Betonung des Lichteinfalls mittels heller
Bereiche auf den Halmen zu beobachten. Der Hintergrund zeigt weiche, fast wolkige
Strukturen. Die Gräser verwandeln sich in eine Art Dickicht, wobei Halme im Gegensatz
zum Vorbild plötzlich hinter einem Stängel verschwinden oder vor einem weiteren
hervortreten. Franz Gertsch erklärt das Verhältnis von Malerei und Holzschnitt
so: «Es ist reine Primamalerei und lässt keine Korrektur zu. Der Holzschnitt besteht
aus ja und nein. Ja ist die Einkerbung mit einem Hohleisen in die Holzplatte. Nein ist
die unversehrte Platte.» Die Vorstellung eines Farbfilters, der Details reduziert und
farblich verfremdet, beschreibt treffend den Eindruck der Gemälde. «Mit dem Holzschnitt
gelangen mir monochrome Bilder, ein alter Traum. Lange glaubte ich, dies sei
dem Holzschnitt vorbehalten. Erst mit der blauen Farbe gelangen mir monochrome
Malereien mit all den Möglichkeiten des Farbauftrags. Bei meinen Bildern heisst das,
mit Borstenpinsel die Temperafarben in das ungrundierte Baumwollgewebe einzumassieren»,
sagt Franz Gertsch.
Das fünfte Gemälde ‹Blauer Waldweg (Campiglia Marittima)› von 2021 ist nun
erstmals zu sehen. Es zeigt den titelgebenden Pfad, dessen Licht- und Schattenspiel
in eine schon fast abstrakte Ornamentik übergeht. Im Untergeschoss des Museums
ist schliesslich ergänzend zu den fünf Malereien eine erhellende Auswahl an Holzschnitten
von 2001 bis 2016 zu sehen, welche Vergleiche der Techniken zulässt – Nuancen
von Tonwerten, Sättigung, Tiefe, die sich am besten bei einem Ausstellungsbesuch
vor Ort selbst nachvollziehen lassen.
Gertsch ist derweil weiter beständig an der Arbeit, solange es ihm möglich ist:
«Im Atelier hängen an zwei weissen Wänden zwei der monumentalen Malereien, die
eine vollendet, die andere in Arbeit. Ich arbeite noch zwei bis drei Stunden täglich.
Das heisst, ich male schneller als früher.» Wobei der oben erwähnte ‹Waldweg› einen
weiteren Aspekt dieser Serie illustriert. Nur das erste Gemälde ‹Gräser VIII› wirkt auf
den ersten Blick wie «reines» Lapislazuli. Gertsch nutzt weitere Farben, Weissmischungen
oder zusätzliche Blautöne, die er verwischt oder auch gezielt mit einem
Stift aufträgt. Es sind diese Feinheiten, die einem Gesamteindruck von zu viel Pathos
entgegenstehen. Sie machen aus der Beschäftigung mit der symbolträchtigen Farbe
weit mehr als das Spiel mit einer besonderen Wertigkeit, und es ist zu hoffen, dass
weitere Gemälde aus der blauen Phase ihren Weg ins Museum finden. Franz Gertsch
sagt: «Wichtig ist eine positive Beurteilung meiner Frau Maria des jeweiligen Tagwerks,
denn meine Bilder sind in solche aufgebaut.» Adrian Dürrwang
→ ‹Franz Gertsch – Blau›, Museum Franz Gertsch, bis 28.8. ↗ www.museum-franzgertsch.ch
90 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // BURGDORF 91

Franz Gertsch · Blauer Waldweg (Campiglia Marittima), 2021, Eitempera auf ungrundierter Baumwolle,
180 x 263 cm. Foto: Dominique Uldry
92 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // BURGDORF 93

Guerreiro do Divino Amor — Fatale Superfiktionen
Der schweizerisch-brasilianische Multimediakünstler Guerreiro
do Divino Amor hat auch etwas vom Talent Homers, Hesiods
oder des Apostels Paulus. Umfassend gebildet, weiss er, wie
man versprengte Glaubensinhalte miteinander verbindet. Und
nutzt dies für eine eindrückliche Kritik an denselben.
Genf — Antoine Golay (*1983, Genf) schuf für den Architekturmaster zwischen der
Hochschule für Architektur in Grenoble und jener für Kunst in La Cambre 2004–2006
eine Collage zu den spirituellen Fantasien, die Brüssel urbanistisch bewegen. Unter
einem Pseudonym, das er für einen Auftritt mit seiner Band in der von seiner Stiefmutter
in Rio de Janeiro geleiteten Pfingstkirche (Divino Amor) und nach seinem Namen
mütterlicherseits (Guerreiro) gebildet hatte, wandelte er sich bald zum Künstler
und begann an einer Freske zu arbeiten. Nicht nur entwickelte er dabei einen barocken,
vom Brazil Pop inspirierten 0.2-Copy-Paste-Stil mit Theaterelementen. Ihm
ging zugleich auf, wie stark die in Europa zwischen Mittelalter und Neuzeit wurzelnden
Mentalitäten in Südamerika immer noch eine skrupellos ausbeuterische Gesellschaft
in Gang halten. Dies spiegelt er seither in einem superfiktionalen Weltatlas.
Mit dem in der Retrospektive im Centre d’art contemporain Genève erstmals aufgeschlagenen
Kapitel ‹The Miracle of Helvetia› geht GDDA nun auch auf sein Vaterland
und dessen Vorstellung von zivilisatorischer Perfektion ein. Man tritt in einen Marmortempel,
in dessen Vorhalle die Göttin Helvetia auf einem Brunnen rotiert. Wechselnd
zeigt sie uns ein Haupt, das taub, stumm und blind ist, und ein Gesicht, das mit
Argusaugen über die Ausbeute ihrer Nation wacht. Diese wird von ihren 13 Töchtern
von Scopula über Calvina bis zu Nidustia verkörpert, die im nächsten Raum auf sakral
wirkenden Leuchtkästen auftreten, ehe das ganze Pantheon im letzten Raum in
einem Film nochmals aufscheint und beim Ausgang in einer Broschüre erklärt wird.
Religion braucht Multimedialität und Wiederholung – auch in satirischer Form!
Spannend sind die Seitenkapitel, die sich zudem zwischen den brasilianischen
und den schweizerischen Fresken auftun und einen Krieg zwischen Helvetia und
Amazonas um Marktkontrolle und Ressourcen suggerieren. Letztlich scheint GDDA
der Geschichte des Christentums als buchhalterischer Religion auf der Spur zu sein.
Die globalen Folgen – mit denen sich bereits der Sozioökonom Max Weber und der
Historiker Fernand Braudel befasst haben – werden auch heute erst bruchstückhaft
deutlich. Immer noch werden Feudalwirtschaft oder Kapitalismus als rationale Ordnung
zur irrationalen Bereicherung propagiert. Wer draussen bleibt, wird höchstens
als Projektionsfigur für diejenigen systemrelavant, die sich nach einfachen Lebensformen
und Authentizität sehnen. Doch wie die Schau zeigt, kommen wir allmählich
an die apokalyptischen Grenzen dieser Imaginationen. Katharina Holderegger
→ ‹Guerreiro do Divino Amor – Superfictional Sanctuaries›, Centre d’Art Contemporain, bis 7.8.;
mit Gratisbroschüre ↗ www.centre.ch
Guerreiro do Divino Amor · Superfictional Sanctuaries, Ausstellungsansicht Centre d’Art Contemporain
Genève, 2022. Foto: Julien Girard
Guerreiro do Divino Amor · Supercarioca Superfictional Cosmogony, 2006–2017, digitale Collage für
Leuchtvitrine mit animierter LED-Beleuchtung, 100 x 200 cm
94 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // GENF 95

Open House — In räumlichen Kategorien denken
Das Projekt ‹Open House› präsentiert sich den ganzen Sommer
über im Grossformat im Parc Lullin unweit von Genf in Genthod
am Lac Léman: 37 Pavillons und Bauprototypen sind dort zu
sehen und bringen die Konzepte von Utopie und Funktionalität
durch Kunst und Architektur zusammen.
Genthod/Genf — Für Simon Lamunière, Kurator des Open House, hat dieses Projekt
seine Wurzeln in einer noch grösseren Veranstaltung, der Art Basel, die er gut kennt.
Er kuratierte zwischen 2000 und 2011 die Art Unlimited, den Sektor für monumentale
Kunstwerke an der Art Basel: «Zu dieser Zeit begannen einige Entwicklungen in
Kunst, Design und Architektur starke Konvergenzen zu zeigen. Ausstellungen wie Art
Unlimited, Design Miami, die Kunst- und Architekturbiennalen oder die Serpentine
Pavillions zeugten von einem Tätigkeitsfeld, das sich im Aufbruch befand. Nicht nur
Künstler schufen bewohnbare Module, sondern auch Architekten entwarfen Skulpturen,
und Designer dachten in räumlichen Kategorien.»
Experimentieren – in eine Vielzahl von Richtungen – scheint das Schlüsselwort
von ‹Open House›: «Es gibt nicht nur eine Art, die Welt zu bewohnen oder ein Zuhause
zu haben», sagt Lamunière. «Auch wenn man zuerst an eine schützende Hülle oder
einen Unterschlupf denkt, ist das Wohnen viel mehr als das. Es kann sowohl einem
Ideal als auch sozialen oder wirtschaftlichen Zwängen entsprechen. Die Ausstellung
möchte dem Publikum die Möglichkeit geben, diese unterschiedlichen Bedürfnisse
zu hinterfragen und so die Beziehung zwischen Form und Funktion räumlich zu
erfahren.» Zeugen dieser Form-Funktions-Befragung sind historische Stücke wie
der 1938 von Charlotte Perriand und Pierre Jeanneret entwickelte Schutzraum, als
‹Refuge Tonneau› bezeichnet, welcher von der Genfer Kunstschule HEAD neu gebaut
wurde, oder das ‹Fun House›, das der amerikanische Architekt Ken Isaacs im Rahmen
seiner Recherchen über ‹Living Structures› in den 1970ern konzipiert hatte.
Architekt:innen, Forschende der EPFL und der ETH Zürich, aber auch Kunstschaffende
sind hier zu Hause. Achtung! Den Blick ab und zu in die Baumkronen heben. Auf
Ästen platziert, erinnern uns die versteckten Stühle des Genfer Künstlers John Armleder
daran, dass das Feld des Wohnens unendlich ist. Die spielerische und utopische
Seite darf uns nicht vergessen lassen, dass Wohnen für die meisten Menschen immer
noch eine ernste Sache ist. Die Problematik der ‹Notunterkunft› wird hier durch
einige Möglichkeiten der vorübergehenden Unterbringung repräsentiert, so wie sie
von der humanitären Hilfe des UNHCR und des IKRK zur Verfügung gestellt werden.
Könnte man sich eine Fortsetzung dieses Projekts und eine Biennale der offenen Türen
vorstellen? Für Lamunière ist das durchaus denkbar: «Es eröffnen sich uns viele
Möglichkeiten, dieses Thema weiter zu verfolgen.» Ingrid Dubach-Lemainque
→ ‹Open House – Experiment The Habitat›, Parc Lullin, bis 28.8. ↗ www.openhouse2021.ch
Ken Isaacs · Fun House, 2022. Foto: Annick Wetter
96 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // GENTHOD/GENF 97

Maria Magdalena Z’Graggen — Malerei wie das Leben
Im Kunsthaus Grenchen zeigt Maria Magdalena Z’Graggen neue
Bilder. Wie Angehörige derselben Familie haben sie bei gleicher
Grundlage ungleiche Temperamente. Am Rande der konzentrierten
Arbeit im Grossformat entlädt sich im Kleinen ein Irrsinn –
heiterer Tanz von Nebenprodukten, Auftritt purer Fantasie.
Grenchen — Über Monate hat sich die neue Bilderreihe für die Ausstellung im Kunsthaus
Grenchen aufgebaut. Mit allen Unabsehbarkeiten, mit angespannter Vorfreude
auch. Zu Neujahr hingen weiss grundierte Holztafeln an den Atelierwänden. Acht
Grossformate, bedeckt mit geschliffenem Gesso und getränkt von einer Vorstellung,
die drei Ebenen gleichberechtigt miteinander in Kontakt bringen will. Da ist ein
Grundton. Mit breitem Pinsel aufgetragen, gibt je ein Klang jeder Tafel ihre Basis und
Energie. Einmal getrocknet, folgt eine Schicht in Öl. Ein Spachtel drängt das schwerere
Material in die Fläche, bevor im dritten «Akt» eine einmalige Geste mehrere
Pigmentspuren in die noch weiche Farbschicht zieht.
Es gibt keine Probe in diesem Farborchester. Rasch entscheidet Öl über Gültigkeit
oder Ausschluss, Nass in Nass sind Korrekturen so gut wie ausgeschlossen. Vom
Widerstand, von der Breite und vom momentanen Druck des Spachtels hängt ab, wie
Farbe sich von der Wulst in die Fläche mitnehmen lässt. Dabei wird sichtbar: Pigmente
haben mehr als eine farbliche Intensität. Sie lassen auch ihr physikalisches
Temperament aus an der Malerei, haften mehr oder weniger auf dem vorbereiteten
Grund, wollen überlistet werden, erzeugen Risse oder verschenken sich an ihre Nachbarschaft
in sämiger Glätte. Maria Magdalena Z’Graggen anerkennt den Eigensinn
der einzelnen Pigmente und weiss, dass ihr Material ziemlich macht, was es will. Erfahrung
zählt, doch kann Farbe jede vorgefasste Idee zum Scheitern bringen. Das in
Vorbereitung der neuen Serie entstandene Logbuch der Künstlerin konnte also Farbkonstellationen
nur auf Zusehen hin anlegen. Zuletzt bleibt Malerei ein Abenteuer,
die Frucht des unerschrockenen Ausprobierens: Wie reagieren Aggregatzustände
aufeinander? Welche Kombination von Grund und Motiv, von Warm und Kühl erzeugt
jene Bewegung, die jede abschliessende Übersicht auf Dauer unterlaufen kann?
Wie Fremdlinge im eigenen Land kommen neue Bilder an im Atelier, während
sich am Rand der konzentrierten Arbeit Reste sammeln: Langsam trocknende Wulste
an Pigment, Farbmuster auf Papier, Abschnitte von Schablonen, in Gesso erhärtete
Schnur. Seit einigen Jahren schon formieren sich solche Nebenprodukte von
Z’Graggens Malerei zu autonomen Figurinen und bilden kokett ihren eigenen Cortège
aus. In Grenchen sind sie erstmals ausgestellt. So entlädt sich die Hochspannung,
die den Balanceakt zwischen Entscheiden und Geschehenlassen im Grossformat
begleitet, in skurrilen Marginalien. So lacht Malerei über sich selbst. Isabel Zürcher
→ ‹Maria Magdalena Z’Graggen – Un affare di famiglia›, Kunsthaus, bis 25.9. ↗ kunsthausgrenchen.ch
Maria Magdalena Z’Graggen · #1380122 Uadf (Un affare di famiglia, Zirkon-Coelinblau), 2022, Öl auf
Holztafel, 127 x 157 cm. Foto: Serge Hasenböhler
Maria Magdalena Z’Graggen · 3 Kleinskulpturen (Zurli), 2022, Atelieraufnahme. Foto: Serge Hasenböhler
98 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // GRENCHEN 99

Jochen Lempert — Bilden und erblickt werden
Vor über dreissig Jahren begann der Hamburger Biologe mit Fotografie.
Ab 2005 entdeckte ihn Paris, trotz vieler internationaler
Auftritte steht die Schweiz noch aus. Nun zieht das Centre
Pompidou Bilanz eines, so der Kurator Florian Ebner, «immer
sanften, nie sentimentalen Blicks auf die gemeinsame Umwelt».
Paris — Das Fotografie-Kabinett im Centre Pompidou zeigt künstlerische Positionen,
die fragen: Was macht das Bild? Wodurch wird es fabriziert? Jochen Lempert gibt
mit einer präzise komponierten Schau Antworten. Intensiv wirken die Bilder, persönlich
und anrührend, nicht trotz, sondern wegen der soliden wissenschaftlichen und
kunsthistorischen Kenntnis, die sie tragen. Ein Leitthema: Symmetrie und Körperbau.
Ein mit Leuchtalgen erzeugtes Fotogramm hängt neben einer mit Sommersprossen
übersäten Schulter. Erzählt das Motiv etwas über die Lehren des Ähnlichen, so wird
die Verbindung zwischen bildgebendem Objekt und vorgestelltem Subjekt deutlich.
«Die Leuchtalgen haben das Bild quasi selbst gemacht», so Lempert, «weil ihre
Biofluoreszenz das Licht liefert, um diese Spuren auf dem Papier zu hinterlassen.»
Das führt zum wichtigsten Aspekt: Zeichnen mit Licht. Seine schmunzelnden
Dekonstruktionen bildnerischer Anthropomorphismen zeichnen filigran unbewusste
Formensprachen nach – sei es in Vogelschwarm-Formationen oder von kleinen
Fröschen, die er unterm Belichter auf dem Fotopapier umherhopsen lässt. Beutet
der auf Libellen spezialisierte Entomologe das Tier als ästhetischen Assistenten
aus, wie man es Tomás Saraceno für seine Spinnen vorhalten könnte? «Ich bin Beobachter,
nicht Jäger», erklärt er, «mir geht es um eine Schule des Sehens.» Das
wechselseitige Gestalten gemeinsamen Lebensraums «von Menschen und anderen
Tierstämmen» verkörpert eine Gottesanbeterin, die vermeintlich direkt ins Auge des
Betrachters blickt. Fotografie als Lebensraum wandelt eine Auto-Antenne zum Insektenfühler,
Wellen und deren Schaumkronen zu ungestümen Pferden. Aby Warburg
eingedenk, erzeugt der 64-jährige Künstler solche Wahlverwandtschaften durch den
Ausstellungsaufbau: «Ich entwickle vor Ort mit den Bildern eine Komposition.» Darin
erscheint der Mensch von seiner Umwelt selbst erblickt. Wie jener an einer Bushaltestelle
von einem leuchtenden Fliegenschwarm begleitete Mann, der nicht das Geringste
bemerkt. Seit 1989 bearbeitet Lempert, 2017 mit dem Camera-Austria-Preis
für zeitgenössische Fotografie ausgezeichnet, Lichtbilder als Material. Auf dem Fotopapier
lässt er der Chemie Spielraum zur Weiterentwicklung, klebt die Abzüge mit
kleinen Pflasterröllchen direkt auf die Wand. Für das Museum «eine kleine Revolution»:
Restaurator:innen mussten überzeugt, zusätzliches Wachpersonal eingestellt
werden. Lempert meint dazu augenzwinkernd: «Es sind jeweils Einzelwerke, aber
man kann sie auch wieder abziehen.» J. Emil Sennewald
Jochen Lempert · Automimikry, 2018, Gelatine-Silber-Print, 28 x 23 cm, Courtesy BQ, Berlin and
ProjecteSD, Barcelona © ProLitteris
→ ‹Jochen Lempert›, Centre Pompidou Paris, Galerie de photographies, bis 5.9. ↗ centrepompidou.fr
100 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // PARIS 101

Varlin/Moser — Wild und expressiv
Der Titel passt. Denn ‹Exzessiv!› steht für die «exzessiven Wahrheitssucher»
Varlin und Wilfrid Moser, die sich ein Leben lang
ihre Wildheit bewahrt haben und im Museum zu Allerheiligen
beweisen, wie aktuell ihr Schaffen ist. In ausgesuchten Werken
begegnen uns zwei Zürcher von europäischem Rang.
Schaffhausen — Zum Glück für alle ist die Schau viel grösser geworden als geplant:
sieben Räume für Varlin und Moser, darin gut hundert Werke zu sieben Themenblöcken
gruppiert; und die Begeisterung von Gastkurator Matthias Frehner, der sich
für die beiden Künstler engagiert, ist ansteckend. Denn auch das wird deutlich: Da
geht es nicht nur um die Entdeckung von Gemeinsamkeiten, die Willy Guggenheim
(1900–1977) alias Varlin und Wilfrid Moser (1914–1997) verbinden, sondern, wie in
der Begleitpublikation vertiefend dargelegt, auch um die Bedeutung dieser «Schlüsselfiguren
der Schweizer Kunst des 20. Jahrhunderts», die hierzulande und in der
internationalen Kunstgeschichte einen besseren Platz verdienten. Ihre «Gegenständlichkeit»
– sogar Mosers informelle Malerei bleibt wirklichkeitsbezogen, stellt
Frehner fest – mag dem entgegenstehen. Beim Gang durch die sehr sinnlich wirkende
Ausstellung rücken theoretische Fragen in den Hintergrund. Im vergleichenden
Schauen sind zwei absolute Vollblutkünstler zu erleben, die sich der Wirklichkeit
stellen, sich und ihre Zeit und die Conditio humana reflektieren, unheimlich dynamisch,
schonungslos nach allen Seiten, bedrohlich lebendig; explosiv. Manche Werke
behaupten eine abgrundtiefe, aus weiten Echoräumen hallende und zugleich körperliche
Präsenz. Ihre Energie, ihre Ausdrucksfülle schwingt lange nach.
Die Einzelgänger Varlin und Moser sind sich früh begegnet. Unabhängig von einander
haben sie zu ähnlichen Motiven gefunden, die charakteristisch sind für ihr
Werk: Metzgereien mit ihren Fleischauslagen, Fleischhallen und geschlachtete Körper;
blutige Opfer, Zeugen des Todes. Dazu Plätze, Strassen, Hausfassaden – «Fassaden
mit Gesicht», wie Varlin sagte –, Kirchen, auf- und abwärts Stürzendes, eine Fülle
von Bildthemen, in denen sich der existenzialistische Realismus der beiden Künstler
manifestiert. Beide haben auf der Suche nach Existenzbewältigung auch ihre ganz
individuellen Motive entwickelt: bewegend Varlins Atelier- und Friedhofsbilder, beeindruckend
seine Goya-Paraphrasen, dazu Varlin der Porträtist, der mit hingehauenen
Pinselstrichen Menschen erkennt. Moser, der Intellektuellere der beiden, kein
Porträtmaler, aber einer, der in seinen ‹Maisons ouvertes› oder den Labyrinthen der
Métro den Menschen als panisch Getriebenen, Ausgelieferten, Verlorenen zeigt, besticht
zudem mit Stein- und Felsbildern und packender Mythennähe. Beruhigt ist da,
wie bei Varlin, gar nichts. Stattdessen Aufruhr, in jeder Hinsicht. Angelika Maass
→ ‹Varlin/Moser – Exzessiv!›, Museum zu Allerheiligen Schaffhausen, bis 25.9. ↗ www.allerheiligen.ch
Varlin · Das geschlachtete Schwein, 1972, Öl und Kohle auf ungrundierter Leinwand, auf Sperrholz
aufgeklebt, 180 x 140 cm, Sammlung Sonzogno, Italien
Wilfrid Moser · Aux Halles, 1962, Öl und Collage auf Papier auf Leinwand, 97 x 120 cm, Privatbesitz
102 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // SCHAFFHAUSEN 103

Balance — Die Grenzen des Wachstums
Die Kombination Kunst und Ökologie ist angesagt. Kunstschaffende
verstehen sich als wichtige Stimmen in aktuellen Diskursen.
Die Schau ‹Balance› im Kunstmuseum Solothurn spürt den
Entwicklungen einer Kunst nach, die sich für Umwelt und Gesellschaft
engagiert, von den 1970er- bis in die 1990er-Jahre.
Solothurn — Künstlerische Forschung, Ecological Art, nachhaltige Kunst: Begriffe
wie diese haben in der aktuellen Kunstlandschaft einen festen Platz. In den letzten
Jahren sind die Grenzen zwischen Kunst, Naturwissenschaft, Gesellschaftskritik
immer durchlässiger geworden. Die Ausstellung ‹Balance. 1970–1990: Kunst, Gesellschaft,
Umwelt› im Kunstmuseum Solothurn geht der Entwicklung dieses künstlerischen
Engagements nach. Als Auslöser definiert Direktorin Katrin Steffen zusammen
mit Gastkuratorin Marianne Burki den ersten Bericht des Club of Rome, der 1972 «die
Grenzen des Wachstums» verkündete. Eine Auswahl an Arbeiten von 15 Kunstschaffenden,
die meisten weiblich, will zeigen, wie Kunst sich Themen aus Politik, Gesellschaft,
Ökologie angeeignet hat, und welch tragende Rolle Frauen dabei einnahmen.
Zu den deprimierenden Erkenntnissen, die sich beim Rundgang durch die Ausstellung
einstellen können, gehört, dass unsere Gesellschaft in Umweltfragen offenbar
seit einem halben Jahrhundert auf der Stelle tritt. Obwohl man es besser wüsste.
Arbeiten wie Miriam Cahns unheilvolle Zeichnung ‹baum (bl.arb) (gift)› aus dem Jahr
1992 oder Hans Haackes ‹Denkmal der Strandverschmutzung› von 1970 zeigen, dass
Probleme wie Littering, Bodenverschmutzung, Gift im Grundwasser und die dadurch
entstehenden Folgen für Pflanzen- und Tierwelt seit Langem bekannt sind.
Die Schau zeigt zudem, dass nicht nur bestimmte Fragen, die von der Kunst aufgeworfen
werden, sich im Lauf der Jahrzehnte kaum verändert haben. Auch der Blickwinkel
ist ähnlich: Aus Bildern wie ‹Le Sacre du Printemps›, 1980, oder ‹Rauchhexe›,
1977, von Agnes Barmettler oder Maria Dundakovas Video ‹Sun Rite›, 1991, spricht
eine Mythologisierung von Natur und Weiblichkeit, die heute wieder aktuell ist. Dass
eine esoterische Komponente in der Auseinandersetzung mit der Gesellschaft und
handfestes politisches Engagement sich nicht gegenseitig ausschliessen müssen,
zeigen Werke von Doris Stauffer. Installationen wie ‹schneewittchen und die acht
geisslein›, 1966, Fotos, Handzettel, die für ihre ‹Hexenkurse› an der von ihr mitbegründeten
F+F Schule für experimentelle Gestaltung warben, vermitteln ein Bild der
fantasievoll kämpferischen Künstlerin, die sich selbst als «Fotografin, Musikerin,
Mannequin, Babyschwester, Erzieherin, Verkäuferin, Hausfrau, Hausfrau, Hausfrau,
Hausfrau, Hausfrau, Demonstrantin!» bezeichnete. Ihre künstlerischen Lebenszeugnisse
sind eine echte Wiederentdeckung. Im Graphischen Kabinett des Museums sind
sie in Nachbarschaft zu Dokumenten zu Joseph Beuys zu sehen – einem der gros sen
Kunst-Polit-Umwelt-Aktivisten der 1970er- und 1980er-Jahre. Alice Henkes
Maria Dundakova · Sun Rite, 1988–1990, Filmstill, rituelle Performance und Fotografie © ProLitteris
Hans Haacke · Monument to Beach Pollution, 1970/2000, C-Print, 85,1 x 127 cm, Courtesy Paula
Cooper Gallery © ProLitteris
→ ‹Balance. 1970–1990: Kunst, Gesellschaft, Umwelt›, Kunstmuseum, bis 31.7. ↗ kunstmuseum-so.ch
104 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // SOLOTHURN 105

Lorna Simpson — Im Dunst verschwindend
Begleitet von einem beständigen, melancholisch anmutenden
Pfeifen, tauchen wir in die mit Metaphern gespickte Welt von
Lorna Simpson ein. In der Einzelausstellung im Kunstmuseum
Thun schiebt sich dabei das Dunstige in den Vordergrund: trüb,
ortlos, verqualmt.
Thun — In den neuesten Arbeiten von Lorna Simpson (*1960, Brooklyn) ist die Farbe
Blau auffallend. Es ist eine gefühlsträchtige Palette, die Traumhaftes und Tiefsinn
vereint. «To feel blue» steht für eine bedrückte Stimmungslage, und die Bezeichnung
des Musikgenres «Blues», das sich in der afroamerikanischen Gesellschaft entwickelte,
ist eine Verkürzung von «blue devils» – des englischen Idioms, das soviel bedeutet
wie Trübsinn oder Melancholie.
Die grossformatigen Malereien in vorwiegend kühler Farbigkeit erscheinen wie
arktische Landschaften, wobei sie gespickt sind mit Textpassagen und Ausschnitten
aus schwarz-weissen Porträtfotografien. In ‹Detached Night›, 2019, beispielsweise
evoziert das Blau auf der Leinwand eine Tiefe, in der wir uns verlieren können, doch
ein auf uns gerichtetes Auges holt uns sogleich in die Realität zurück. Simpson verweist
hier auf die Metapher des Eisbergs, dessen Spitze stets mit dem unter Wasser
verborgenen grösseren Teil verbunden ist. Eis steht für Simpson sowohl für Stillstand
wie auch für Transformation oder das Unklare. Skulptural taucht es in Form von gläsernen
Würfeln auf. Transparent und gleichzeitig die Durchsicht verzerrend, liegen
diese auf gestapelten ‹Ebony›- und ‹Jet›-Magazinen, Zeitschriften, die vorwiegend
eine afroamerikanische Leserschaft adressieren. Doch die Sicht auf die Covers ist
getrübt, ebenso wie die immer noch vorurteilsbehaftete Wahrnehmung von Schwarzen
Menschen in den USA.
‹Ebony›-Ausgaben dienen der Künstlerin zudem als Material für Collagen, mit welchen
sie die Grenzen zwischen Dokumentation und inszeniertem Bild befragt. Doch
auch hier gibt es keine klaren Antworten, vielmehr öffnet sich ein breites Assoziationsfeld
für eigene Deutungen. Die Melodie, welche die Besucherinnen und Besucher
wie hartnäckige Nebelschwaden umhüllt, stammt aus der Videoarbeit ‹Cloud scape›,
2004. Der Künstler und Musiker Terry Adkins stimmt darin ein Kirchenlied an, das sich
im Verlaufe des Videos verfremdet: In Endlosschleife vorwärts und wieder rückwärts
laufend, werden visuelle und akustische Elemente wiederholt und neu gemischt. Dabei
kommt Nebel auf, der immer dichter wird, bis der Protagonist allmählich im Dunst
verschwindet. Dunst – «Haze» – verdeckt und weckt die Vorstellung: Was sehen wir,
und was glauben wir zu erkennen? Es ist die subjektive Wahrnehmung, die es bei
Lorna Simpson stets zu überprüfen gilt. Katrin Sperry
→ ‹Lorna Simpson – Haze›, Kunstmuseum Thun, bis 14.8. ↗ www.kunstmuseumthun.ch
Lorna Simpson · Haze, 2022, Ausstellungsansicht Kunstmuseum Thun; vorne: 12 Stacks, 2018,
12 Stapel Ebony- und Jet-Magazine, Polyhülsen, Bronze, Glas, gefundene Hocker, Courtesy Hauser &
Wirth. Foto: David Aebi
106 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // THUN 107

Bechtler Stiftung — Die Kunst wohnt nebenan
Mit Geduld und Beharrlichkeit Kunst fördern, ihr Sichtbarkeit
und Zeit geben, das tut die Walter A. Bechtler Stiftung seit 1995.
Nun eröffnete sie neue Räume mitten in einer Wohnsiedlung
und bringt damit die Transformation des Zellweger Parks in
Uster zum krönenden Abschluss.
Uster — Die Kunst war schon da, als die Bechtlers die Entwicklung des vormaligen
Industrieareals der Zellweger Luwa AG in ein Wohn- und Arbeitsquartier angingen.
Der ‹Moosfelsen› von Peter Fischli und David Weiss lag wie ein Urgestein im Gehölz.
Tadashi Kawamatas ‹Drift Structure›, die als Brücke über den Weiher führt, erschien
wie von Schwemmholz gebildet. Im Schatten der Bäume ruhte Sol LeWitts ‹Cube›,
als hätte es die vielen Querelen um ihn nie gegeben. An dieser selbstverständlichen
Anwesenheit von Kunst haben auch die zahlreichen Bauten, die von namhaften Architekturbüros
rund um den Weiher entstanden sind, nichts geändert. Im Gegenteil:
In der jüngsten und letzten Wohnsiedlung des Masterplans wurde die Kunst sogar
Teil des Raumprogramms. Von aussen als Schuppen getarnt, ist zwischen Grillplatz,
Kleingarten und Kinderspielplatz Pipilotti Rists Video ‹I Couldn’t Agree With You
More› von 1999 eingezogen. Der von der Künstlerin gestaltete Raum hat die Intimität
eines Zimmers, in dem die wandfüllende Projektion wie das vergrösserte Display eines
Smartphones oder Tablets erscheint. Die Künstlerin fixiert die Kamera; auf ihrer
Stirn spiegeln sich nackte Menschlein, als wären es verborgene Seiten des Ichs, die
aus dem Unterholz aufgescheucht wurden. Gut möglich, dass ab und zu Anwohnende
dem Alltag entschlüpfen und sich hier der Selbstreflexion stellen.
Weniger subversiv, weil grösser und institutioneller, ist die Halle für Walter De Marias
500 m 2 umfassendes Werk ‹The 2000 Sculpture›, das eben noch im Bührlesaal des
Kunsthaus Zürich zu sehen war, für den der Künstler es 1992 geschaffen hatte. Nach
der Schliessung der Hallen für Neue Kunst in Schaffhausen gibt es nun wieder einen
Ort, an dem ein Hauptwerk der Minimal Art dauerhaft sichtbar ist. Mit ihm verbunden
ist ein kleinerer Raum für Wechselausstellungen. Als Erstes kuratierte Bice Curiger
mit ‹All Chemie› eine Gegenüberstellung von Sigmar Polke und Pamela Rosenkranz.
Mit den neuen Räumen der Walter A. Bechtler Stiftung erhält Uster eine Kulturinstitution,
die sie noch mehr zur Stadt werden lässt. Die international renommierte
Kunst wird auswärtiges Publikum anziehen. Doch ist es keine Pilgerstätte. In der
Wohnsiedlung ist die Kunst die etwas andere Nachbarin. Und der Zellweger Park
bleibt in erster Linie ein öffentlicher Raum, in dem Angestellte wie Anwohnende Ruhe
und Erholung suchen. Der ‹Moosfelsen› hält sich bedeckt, der ‹Cube› schweigt, die
Tür zum Schuppen öffnet und schliesst sich leise. Meret Arnold
→ ‹All Chemie – Sigmar Polke und Pamela Rosenkranz›, bis 18.9., permanente Installationen zugänglich
zu den Öffnungszeiten: Walter De Maria ‹The 2000 Sculpture›, Pipilotti Rist ‹I Couldn’t Agree With
You More›, Bechtler Stiftung ↗ www.bechtlerstiftung.ch
Pipilotti Rist · I Couldn’t Agree With You More, 1999, Ausstellungsansicht Bechtler Stiftung, 2022
© ProLitteris. Foto: Flavio Karrer
Bechtler Stiftung, Aussenansicht, 2022. Foto: Flavio Karrer
108 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // USTER 109

Ansarinia, Azpilicueta, Invernomuto, Stingily — Viermalvier
Drei Künstlerinnen und ein Künstlerduo befassen sich im
Kunstmuseum Liechtenstein mit feministischen Anliegen, mit
Kolonialgeschichte oder mit der Lebenssituation Schwarzer in
den Vereinigten Staaten. Der rote Faden durch die vier räumlich
getrennten Positionen ist die Vaduzer Museumssammlung.
Vaduz — C 4 ist eine Limousine für die einen und Plastiksprengstoff für die anderen. C 4
oder C(hoch)4 ist die Formel für eine vierteilige Ausstellung im Kunstmuseum Liechtenstein.
Das C steht dabei für Collection, Crossover, Community und Contamination:
Letizia Ragaglia hat für ihre erste Ausstellung als Direktorin am Kunstmuseum Liechtenstein
weit ausgeholt und doch auch wieder nicht. Sie positioniert sich global und
richtet zugleich den Blick auf die eigene Sammlung. Sie wählt Trendwörter, verbunden
mit Themen, die eine zeitgenössisch positionierte Institution heute kaum mehr
ausblenden kann. Zugleich forderte sie die Künstlerinnen und Künstler auf, ein Werk
des Museums auszuwählen, um es gemeinsam mit ihrer eigenen Arbeit zu zeigen.
Diese Ausgangslage hat zu ebenso schlüssigen wie überraschenden Kombinationen
geführt. Nazgol Ansarinia (*1979, Teheran) etwa präsentiert ihr ‹The Inverted
Pool›, 2019–2022, neben ‹Cellule no. 5›, 1992, von Absalon: Hier das nach innen gewendete
Haus, das die Kindheitserinnerungen der Künstlerin, aber auch ein aktuelles
iranisches Lebensgefühl transportiert, dort die minimalistische Zelle, die als
Wohnklause und als Denkraum konzipiert ist. Die beiden Volumina bestimmen den
Ausstellungssaal, der eine als schlanker geöffneter Zylinder, der andere als hermetischer
Quader, mit Stahlleiter und somit auf seine Art einladend. Mercedes Azpilicueta
(*1981, LaPlata, Argentinien) umkreist in ihrem Werk Frauen, ihre Initiativen und
Netzwerke. Die Künstlerin verwebt es schlüssig mit Objekten der Vorarlbergerin Anne
Marie Jehle. Eigens dafür hat sie Podeste entworfen, die von Möbelstücken penetriert
werden. Auch die textilen Objekte nehmen einen geistreichen Dialog mit Jehle
auf. Diamond Stingily (*1990, Chicago) hat eines der ältesten Gemälde im Besitz des
Museums ausgewählt, ein barockes Blumenstillleben. Es wird zum dekorativen Element
im Rahmen ihrer Reverenz an den Friseursalon ihrer Mutter. Einerseits würdigt
Stingily mit der retrospektiven Werkzusammenstellung familiäre Frauennetzwerke,
andererseits verweist sie auf kollektive Erfahrungen Schwarzer in den Vereinigten
Staaten. Mit dem Künstlerduo Invernomuto kommen schliesslich die italienische
Volkskultur und Italiens Kolonialgeschichte ins Spiel, verknüpft mit Pino Pascalis
‹Ponte levatoio›. Der gemeinsame künstlerische Nenner ist die erzählerische Qualität.
Für alle Positionen gilt: Die Impulse funktionieren in beide Richtungen, hin zur
Sammlung und von ihr ausgehend. Kristin Schmidt
→ ‹C 4 – Nazgol Ansarinia, Mercedes Azpilicueta, Invernomuto, Diamond Stingily›, Kunstmuseum Liechtenstein,
bis 4.9. ↗ www.kunstmuseum.li
Nazgol Ansarinia · Ausstellungsansicht Kunstmuseum Liechtenstein, 2022. Foto: Sandra Maier
Diamond Stingily · Ausstellungsansicht Kunstmuseum Lichtenstein, 2022. Foto: Stefan Altenburger
110 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // VADUZ 111

Biennale Bregaglia — Wie gefällt uns die Welt?
Die zweite Biennale Bregaglia öffnet Türen, die jahrzehntelang
verschlossen waren, fügt ein, wovon man nicht wusste, dass es
fehlt, und malt anders, wo rigide Rollen vorherrschen. Damit
stösst sie neue Narrative an, denen es gelingt, Bestehendes
auszuloten, ohne es gleich komplett zu überschreiben.
Vicosoprano — Wie zwei Ufos, kurz davor zu landen, erhellen zwei bunte Leuchten
die Maira, den Fluss, der sich durchs Tal zieht. Es sind zwei Designerlampen, denen
Nevin Aladağ Strümpfe überzog. Dieses Aufeinandertreffen ist schon unüblich. Nun
hängen die Objekte auch noch an einem Ort, wo beides nicht hingehört. Doch sie passen
bestens dahin, sorgen abends für eine besinnliche Atmosphäre. Und tagsüber
ergänzen sie als Farbtupfer die historische Steinbrücke sowie die Berglandschaft
dahinter. Sie gehören zu den wenigen nicht ortsspezifisch geschaffenen, doch von
den Kuratorinnen Bigna Guyer und Anna Vetsch ebenso durchdacht platzierten Arbeiten
im ehemaligen Bergeller Hauptort Vicosoprano.
Unterwegs zu insgesamt zwölf Werken begegnet man immer wieder Sina. Sie verkörpert
eine Art Bergeller Pippi Langstrumpf, benannt nach einer Bekanntschaft, die
Zoé Cornelius in der Region machte. Die Fotografien, auf denen Sina in lokalen Szenerien
herumturnt, befinden sich auf dem Grund der zahlreichen Brunnen im Dorf.
Selbstbewusst nimmt die Figur den öffentlichen Raum ein. Zugleich entzieht sich ihr
Abbild durch die bewegte Wasseroberfläche allzu klaren Festmachungen. Die Arbeit
fand durch die Ausschreibung einer «Wildcard» hierher und versprüht eine emanzipatorische
Laune, die einen roten Faden zu anderen Werken spinnt. Dass selbstbestimmtes
Verhalten gerade für Frauen bis in die Neuzeit fatal enden konnte, führt
Lena Maria Thüring in einem eindringlichen Videoessay vor: Darin verweben vom Bergeller
Chor gesprochene Zeilen die suggestiven Fragen aus Protokollen lokaler Hexenprozesse
mit jenen aus aktuellen Anhörungen zu Sexualdelikten. Zugleich huldigt
sie auf Bildebene und mit einem Duft dem einst von den Mächtigen gefürchteten,
heute kommerzialisierten Kräuterwissen. Andriu Deplazes wiederum beeindruckt
mit Malereien, auf denen Körper traditionellen Familienrollen entweichen oder mit
ihrer Umgebung verschwimmen. Sie beleben ein Wohnhaus, dessen Fassade für seine
reichen Sgraffiti zwar bekannt ist, doch das seit Jahrzehnten unbewohnt und verschlossen
blieb. Einen Windhund dieser Hauswand repliziert Jeanno Gaussi in ihren
‹Hanging Narratives›. Auf bedruckten Leinwänden hat sie lokale Motive vervielfältigt
und unbeschwert neu arrangiert. ‹Die Verbindung der Bergeller Dörfer zueinander›,
das vorgegebene Thema der aktuellen Biennale Bregaglia, bleibt eher vage, doch das
ist auch gut so. Die Schau besticht gerade dort am meisten, wo sich ausgehend vom
Spezifischen vor Ort eine Relevanz weit übers Tal hinaus entfaltet. Irène Unholz
→ ‹Biennale Bregaglia – Die Verbindung der Bergeller Dörfer zueinander›, Vicosoprano, bis 24.9.
↗ www.biennale-bregaglia.ch
Jeanno Gaussi · Hanging Narratives, 2021/22, Installationsansicht Biennale Bregaglia.
Foto: Michel Gilgen
Nevin Aladağ · Color Floating I + II, 2020, Installationsansicht Biennale Bregaglia, 2022.
Foto: Michel Gilgen
112 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // VICOSOPRANO 113

Welt aus den Fugen — Welt 2.0
Neun Rauminstallationen von elf Künstler:innen setzen sich im
Kunst Museum Winterthur in der Ausstellung ‹Welt aus den Fugen›
mit den Krisen und Herausforderungen des Jetzt auseinander.
In imposanten Installationen lassen sie zukünftige Dystopien
entstehen. Bleibt auch Platz für Hoffnung?
Winterthur — «Die Zeit ist aus den Fugen geraten», murmelt Hamlet in William
Shakespeares Stück, nachdem er vom Mord an seinem Vater erfahren hat und mit
seinem Schicksal hadert. Auch gerne übersetzt als «die Welt ist aus den Fugen geraten»,
funktioniert das Zitat, obwohl verstaubt, als Zeitdiagnose: Klimakatastrophe,
Pandemie und Kriege – in den Fugen ist die Welt nicht.
Dementsprechend eröffnet Anne Imhofs Installation ‹Room› die Schau in Winterthur:
Auf einer gesprungenen Glasscheibe prangt ein Graffiti. Dahinter findet sich ein
nüchternes Zimmer mit Bett und einer E-Gitarre. Die Jugendliche, die hier wohnen
könnte, ist ausgeflogen. Vielleicht in den nächsten Raum, von wo aufdringliches Weinen
ertönt. Wer dem Lärm folgt, steht bald vor Bildschirmen, in denen sich Menschen
die Seele aus den Leibern heulen. Aber etwas stimmt nicht: Wenn man genau hinschaut,
erkennt man Pixel in den Augen – es sind computeranimierte Figuren. Ekel,
Mitleid, Unverständnis – die digital generierten Bilder vom Künstler Ed Atkins berühren.
Aber warum? Weil sie das Endstadium des digitalen Homo Sapiens reflektieren?
Keine Fragen lässt Pamela Rosenkranz mit ‹Anamazon (Green, Blue, Green)› offen.
Dem Regenwald gewidmet, schimmert der Raum in leuchtstoff-grellem Grün, von der
Decke tropft Wasser aus einem Katheter. Die Metapher ist sprechend: Genauso wie
der Katheter irgendwann leer sein wird, wird der Amazonas irgendwann gerodet sein.
Alle Installationen sind immersiv und hochwertig – und teilen eine dystopische
Schlagseite. Das Gefühl kommt auf, dass unsere Gegenwart eine tickende Zeitbombe
ist. Bestätigt wird der Verdacht bei Raphaela Vogels Installation, in der ein menschliches
Skelett von der Decke baumelt. Ein Zeigefinger berührt bereits den Boden – es
ist die Conditio humana, kurz vor dem Aufprall, wir rasen auf ein Ende zu. Warum
schaffen Künstler:innen so wuchtige Werke zur Gegenwart? Vielleicht findet sich die
Antwort bei Shakespeare, wenn Hamlet klagt: «Die Zeit ist aus den Fugen. Fluch ihren
Tücken, dass ich zur Welt kam, sie zurechtzurücken!» Zur Generation zu gehören,
die sämtliche Krisen der Gegenwart ausbaden wird, ist nicht lustig – aber der Zeitgeist
ist damit nicht ganz eingefangen. Ein Blick aufs Saalblatt verrät, was fehlt: Alle
Künstler:innen sind vor 1990 geboren. Der «Fridays for Future»-Widerstand ist nicht
vertreten. Schön wäre eine Folgeausschau à la: ‹Welt 2.0›. Weil – wenn wir schon bei
Zitaten sind –jedes Ende, selbst das der Welt, auch ein neuer Anfang ist. Noëmi Roos
→ ‹Welt aus den Fugen – 9 Installationen›, Kunst Museum Winterthur | Beim Stadthaus, bis 14.8.
↗ www.kmw.ch
Pamela Rosenkranz · Anamazon (Green, Blue, Green), 2017, Ausstellungsansicht Kunst Museum
Winterthur. Foto: Gunnar Meier
Raphaela Vogel · Fuge meam propinquitatem!, 2020, Ausstellungsansicht Kunst Museum Winterthur.
Foto: Gunnar Meier
114 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // WINTERTHUR 115

Jose Dávila — Spanngurtkunst
Künstlerische Materialbeherrschung ist schon lange nicht mehr
allein an die ausgewogene Form gebunden. Sie gleicht eher einem
Experimentierfeld, in welchem die Belastbarkeit des Materials
ausgelotet wird. Ein Meister dieser Disziplin ist im Haus
Konstruktiv zu entdecken, der Mexikaner Jose Dávila.
Zürich — Das verblüfft: Wie Stämme eines abgestorbenen Wäldchens ragen dunkle
Doppel-T-Träger aufrecht in die Höhe des lichten Saals im Erdgeschoss des Haus
Konstruktiv. Zählten wir nach, kämen wir auf einundzwanzig. Sie sind unterschiedlich
hoch, die höchsten an die vier Meter. Damit die Stelen so stehen können, wir ahnen,
dass sie nicht am Boden fixiert sind, hat sich ihr Schöpfer Jose Dávila einen Trick
einfallen lassen. Jeder Stahlstumpf ist am Ende durch eine Trosse über die Decke mit
einem wackeren Granitbrocken verbunden. Dieser hält seinen Widerpart in der Vertikalen.
‹The Act of Being Together› heisst die eigens für diesen Ort geschaffene Arbeit.
Jose Dávila (*1974) ist kein ausgebildeter Künstler, sondern Architekt. Zur Kunst
kam er durch Neugier. Wohl darum scheren sich seine Arbeiten kaum um klassische
Parameter der Skulptur. Seine Arbeiten gleichen Versuchsanordnungen. Sie loten die
Grenzen der Gravitation aus. Statik interessiert den Künstler nur, insofern er das Material
dynamisieren kann. So erinnern viele seiner Arbeiten an Richard Serra, die Arte
Povera oder auch Arbeiten einer Virginia Overton. Ein Mittel des Künstlers, um die
Skulptur «schneller» zu machen: der Spanngurt.
Damit werden Scheiben zu Licht-Bildflächen in der Diagonale gehalten (‹Shadows
I und II›, 2022), Benzintonnen im Winkel an die Wand gespannt (‹The Rope
Some times Bursts›, 2022) oder ein Stahlreifen an den Sockel geknebelt, und das lange
Knebelende darf noch eine Arabeske auf dem Boden vollführen (‹The Act of Perseverance›,
2022). Überzeugender ist da die Arbeit ‹Will has moved mountains›, 2020.
Das ist skulpturale Spanngurtequilibristik zum Staunen und im Zwischengeschoss
gelungen mit der fünfteiligen Farbfeldmalerei ‹Memory of a Telluric Movement›, 2020,
an der Stirnwand kombiniert. Auf einem Podest hält ein sicher fünfzig Meter langes
schwarzes Band hintereinander vier leicht gekippte Spiegelwände. Band und Spiegel
wiederum werden durch schwere Gegenstände, Steine, Kuben, Holzquader gerade so
gehalten, dass sie uns nicht entgegenkippen können. Hier beginnt ein faszinierendes
Spiel im Auge der Betrachtenden: Die Spiegel erweitern den Raum und entziehen ihn
zugleich. Wir sehen uns, aber nichts ist dahinter, und wir halten uns an den Gurten,
den Gegenständen, die sich nun magisch zu heben, senken und zu stürzen scheinen.
Das ist an Dramatik kaum zu überbieten. Nichts wie hin! Max Glauner
→ ‹Jose Dávila – Memory of a Telluric Movement›, Museum Haus Konstruktiv, bis 11.9.
↗ www.hauskonstruktiv.ch
Jose Dávila · The Act of Being Together, 2021 Stahl, Metall, Natursteinbrocken, variable Masse.
Foto: Stefan Altenburger
Jose Dávila · Ausstellungsansicht Museum Haus Konstruktiv, 2022. Foto: Stefan Altenburger
116 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 117

Abstrakt gedacht — Vom Motiv zur Akteurin
Hermann Haller ist bekannt für seine Bronzeakte. Mit der aktuellen
Ausstellung ‹Abstrakt gedacht› in seinem Atelier stehen
seine klassischen Frauenplastiken Positionen gegenüber, die
mit ihrem abstrakten Vokabular den Esprit der Avantgarde erahnen
lassen, zu dem sich Haller künstlerisch nie vorwagte.
Zürich — Den Auftakt bilden sieben grossformatige C-Prints von Kyra Tabea Balderer
(*1984). Die an einem von der Künstlerin konstruierten Gerüst gehängten Aufnahmen
zeigen vor abstraktem Hintergrund undefinierbare Objekte. Werktitel wie ‹Apparat›
verweisen auf Gegenständliches. Tatsächlich verwendet Balderer alltägliche Objekte,
die sie in Bronze giesst und danach analog ablichtet. Alleine durch lichttechnische
Effekte und die Wahl des gezeigten Ausschnitts erscheint das Ausgangsmaterial so
entfremdet, dass es sich als solches nicht mehr zu erkennen gibt.
Anders als Balderer, die nichts dem Zufall überlässt, geht Shannon Zwicker
(*1992) für ihre kleinformatigen Aquarelle eher intuitiv vor: Scheinbar ohne Zutun der
Künstlerin zerfliessen Lasuren von Farbe ineinander, Linien schlängeln sich in Bögen
über die Malfläche. Kontrastreich in der Farbigkeit, scheinen die Bilder zu pulsieren.
An der Wand über einem Regal hängend, in dem Hallers Bozzetti liegen, erhalten
auch Zwickers Aquarelle den Charakter von Studien. Obwohl die abstrakten Arbeiten
keinem direkten Abbild verpflichtet sind, zeugen Werktitel wie ‹Lick me› von einem
Interesse an der Erkundung körperlichen Begehrens. Verweise auf körperliche Zustände
sucht man in den beiden auf dem Boden gezeigten Arbeiten ‹Any which way is
up› von Clare Goodwin (*1973) hingegen vergeblich. Die monochrom oder zweifarbig
bemalten Keramikplatten stehen mit ihrem motivisch gegenstandslosen Charakter
in Opposition zu Hallers Gipsskulpturen wie der ‹Tänzerin›, denen sie eine Art Bühne
bilden. Wie eine geometrische Figur wirkt auf den ersten Blick Sonia Kacems (*1985)
‹Prototype 2›. Die in ihrer filigranen Statur schwebend leicht wirkende Plastik aus
Holz und Metall auf der Galerie des Ateliers lässt an ein Korsett denken; ein Kostüm,
das Frauen noch zu Hallers Zeit trugen. Dem eher rationalen Ansatz Goodwins
und Kacems gegenüber stehen die drei gezeigten grossformatigen Malereien Sabine
Schlatters (*1977): Ihren Bildern, in denen abstrakte, scheinbar strahlende Gebilde
vor wolkenartigen Hintergründen zu sehen sind, haftet etwas Esoterisches an.
Frauenfiguren waren das beliebteste Motiv von Hermann Haller (1880–1950).
Die derzeitige Schau im ehemaligen Atelier des Künstlers setzt sich provokativ von
seinem Interesse an der klassischen Figuration ab: Die fünf gezeigten, abstrakten
zeitgenössischen Positionen treten im Dialog mit Haller den Beweis an, dass Frauen
nicht nur in Bronze gegossen eine gute Figur machen, sondern auch dann, wenn sie
eigene Kunst schaffen. Tiziana Bonetti
→ ‹Abstrakt gedacht›, Atelier Hermann Haller, bis 2.10. ↗ www.stadt-zuerich.ch/atelierhermannhaller
Clare Goodwin, Kyra Tabea Balderer und Hermann Haller, Ausstellungsansicht Atelier Hermann Haller,
2022
118 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 119

Jack Whitten — A colored life in every way
Jack Whitten hat ein Universum der Malerei und ihrer Reflexion
hinterlassen, in dem es noch viel zu entdecken gibt. Erstmals
sind bei Hauser & Wirth in der Schweiz seine Gemälde aus den
1960er-Jahren zu sehen. Diese vermitteln einen Eindruck seines
eigenständigen Spätwerks.
Zürich — Bei aller Vielfalt dieser Ausstellung scheint es sich um rein gestische Malerei
zu handeln, um in sich verschlungene, flüchtige Anspielungen auf Gesichter und
Figuren in Landschaften oder auf heftige abstrakte Ereignisse in lichten, mehrfach
überblendeten geometrischen Feldern. Tatsächlich waren Willem de Kooning und
Franz Kline wichtige persönliche Begegnungen für den jungen Maler Jack Whitten
(1939–2018), der 1960 aus Alabama in New York ankam. De Kooning erzählte ihm,
wie eine Geste zur nächsten führe, sobald der Pinsel die Leinwand berühre. Und so
erfahren sich Whittens Bilder als Rhythmen mit Stopps und Sprüngen, mit überraschenden
Wechseln zwischen Erzählung und freier Gestik.
Raum hat für Jack Whitten nicht nur eine landschaftliche oder eine kosmische
Dimension. Er ist auch ein politisches Spannungsfeld, in dem sich das «colored life»
eines Schwarzen Künstlers unter «American apartheid» abspielt: Zwei Bilder erinnern
im Titel an Martin Luther Kings ‹Traum› und an Kings Ermordung. Der Clash ausfliessender
Farben und hektischer Striche in ‹NY Battle Ground›, 1967, reflektiert die
alltägliche Gewalt der Metropole, die Bombardierungen während des Vietnamkriegs
und deren massenmedialen Konsum. Eine feine, schwarz gemalte Rahmung evozierte
damals den Fernsehbildschirm. Uns heute trifft diese zerrissene Landschaft wie
aktuelle Szenen aus den Drohnenkriegen auf wechselnden Displays.
Whitten ringt bei der Bestimmung seiner Formate schon früh um das Bild als
plastisches Objekt und als scharf ausgezeichnete Zone des Illusionismus. Ein Tondo,
vier abgeschrägte Ecken, arrondierte oder rechtwinklig schwarz gemalte Rahmen
und Binnenbilder definieren den multiplen Ort dieser Malerei. Bereits in den frühen
Bildern finden sich Spuren jener umfassenden Reflexion des malerischen Vorgehens,
die Jack Whitten schliesslich zur grossflächigen abstrakten Malerei mit Rakel – Jahre
vor Gerhard Richter – und zur Acrylfarbe als Rohstoff für farbige Bildmosaike geführt
hat, stets auch begleitet von plastischen Arbeiten in stupend diversen Materialien.
Die Bilder der 1960er-Jahre sind noch eher erzählerisch und bestimmt von den
Beziehungen zwischen Figuren und Objekten, Objekten und Raum. Später wird das
Verhältnis zwischen Licht, Materie und Raum dominieren. Doch immer werden wir
bei Jack Whitten an die Dynamik der Raumzeit erinnert. Die Statik seiner Malerei ist
eine vibrierende Fusion aus Farbstoff und Energie, die fesselt, die keine abgeklärte
Distanz erlaubt. Hans Rudolf Reust
→ ‹Jack Whitten›, Hauser & Wirth, Limmatstrasse, bis 20.8. ↗ www.hauserwirth.com
Jack Whitten · King’s Wish (Martin Luther’s Dream), 1968, Öl auf Leinwand, 172,4 x 131,4 cm.
Foto: John Berens
120 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 121

Basel Abbas & Ruanne Abou-Rahme — Fragmente des Widerstands
Das künstlerische Archiv von Basel Abbas und Ruanne Abou-
Rahme bringt Kunstwerke hervor, spinnt Netzwerke und verschafft
Kulturschaffenden Zugang zu Ressourcen. Diesen
Sommer ist es im MoMA, an der Berlin Biennale und im Migros
Museum zu sehen.
Zürich — Wie kann aus einem Fragment etwas Politisches entstehen? Die Frage
treibt das Schaffen von Basel Abbas (*1983, Nikosia, Zypern) und Ruanne Abou-Rahme
(*1983, Boston) an. Seit dem Arabischen Frühling vor über zehn Jahren sammelt
das zwischen New York und Ramallah arbeitende Künstlerduo im Internet Materialien
aus politisch instabilen Regionen. Sie schauen auf Menschen, die singend und
tanzend ihrer Kultur Ausdruck verleihen, aber auch von Verlust und Trauer erzählen.
Es sind Fragmente des Widerstands, die sie vor dem «Internet des Vergessens» retten
und in einen künstlerischen Echoraum überführen. Aus den vorgefundenen Themen
entstehen poetische Texte oder Zeichnungen; eingeladene Tänzer:innen und
Musiker:innen greifen Melodien und Gesten für eigene Performances auf. ‹May amnesia
never kiss us on the mouth› nennen Abbas und Abou-Rahme das Langzeitprojekt,
das von der Dia Art Foundation und dem MoMA in New York produziert wurde.
Das Archiv ist das Herz dieses wachsenden Wissenskörpers. Es nimmt immer
wieder neue digitale und physische Formen an. Erstmals trat es Ende 2020 als Webplattform
in Erscheinung. Deren Besuch lohnt sich, um zu verstehen, wie die beiden
aus der Montage von Film, Sound und Text Erzählräume schaffen. Sie fixieren die
Fragmente nicht in linearen Narrationen. Das Material bleibt offen und in Bewegung.
In der weitläufigen Videoinstallation im Migros Museum brechen senkrecht stehende
Platten die Projektionen auf. Aus den Bildüberlagerungen entstehen dynamische
Verbindungen zwischen tanzenden und singenden Körpern, schriftlicher und gesprochener
Sprache. Und auch unsere Silhouetten werden für kurze Momente Teil davon.
Die Landschaft ist der einzige schweigende und ruhende Körper. Doch bleibt sie
nicht unberührt. In der zweiten Installation ‹Where the soil has been disturbed› zeigt
sie sich als umkämpftes Territorium. Platten, wiederum wie Stellwände montiert und
mit Archivausdrücken versehen, und Ziegelsteine, in denen getrocknete Disteln stecken,
beschreiben ein bruchstückhaftes Feld. Das stachelige Gewächs hilft zerstörten
Böden, sich zu regenerieren. Im Nahostkonflikt vermag es bislang nicht zu heilen.
Israel schränkte die Ernte der bei der palästinensischen Bevölkerung beliebten Nutzpflanze
ein. Bekannt wurde das Schicksal eines Jungen, der erschossen wurde, als er
durch einen Zaun kroch, um sie zu pflücken. Es ist nur eine von vielen Geschichten,
die Basel Abbas und Ruanne Abou-Rahme in ihrem Archiv vor dem Verschwinden bewahren
und in ihrem Werk widerhallen lassen. Meret Arnold
→ ‹Basel Abbas & Ruanne Abou-Rahme – May amnesia never kiss us on the mouth›, bis 11.9.,
Migros Museum für Gegenwartskunst ↗ www.migrosmuseum.ch ↗ mayamnesia.diaart.org
Basel Abbas & Ruanne Abou-Rahme · May amnesia never kiss us on the mouth: Only sounds that
tremble through us, 2020–2022 (Detail), 4-Kanal-Videoprojektion (HD, Farbe, Ton) auf Stellwand,
Metall- und Betonplatten, Gel-Filterfolie, Performer:innen: Rima Baransi, Haykal, Julmud, Makimakkuk.
Foto: Stefan Altenburger
Basel Abbas & Ruanne Abou-Rahme · Where the soil has been disturbed, 2022 (Detail), Archiv-Tintenstrahldrucke
auf Metall- und Betonplatten, getrocknete syrische Disteln und Mariendisteln, Ziegelsteine.
Foto: Stefan Altenburger
122 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 123

Liz Larner — Mäandern zwischen Gegensätzen
Das Schaffen der in Los Angeles lebenden Künstlerin Liz Larner
lässt sich nicht so einfach fassen. Ihre Skulpturen verbindet ein
ausgeprägter Sinn für Material und Form, aber auch Geschichten.
In der Kunsthalle Zürich kommt eine Ahnung davon auf, mit
einer anderen Zeitlichkeit konfrontiert zu werden.
Zürich — ‹above›, im oberen Stock der Kunsthalle Zürich, sind 13 Skulpturen aus Keramik
an den Wänden angebracht. Sie rahmen eine Auswahl von in den Raum gesetzten
Skulpturen der kalifornischen Künstlerin Liz Larner (*1960), die zwischen 1988
und 2020 entstanden sind. Die Wandobjekte zeigen Studien, in denen sie Grenzen
und Möglichkeiten von Keramik durch unkonventionelle Techniken und Materialien
auslotet: Die ausgefransten Ränder sind genauso roh, wie die seidig schimmernde
Glasur Resultat einer sorgfältig ausgestalteten Idee ist. Sorgfältig glasiert oder bewusst
«verunreinigt» mäandern die Objekte zwischen Schönheit und Versehrtheit.
Wenden sich Betrachter:innen von den Wänden ab, werden sie von der sorgfältigen
Setzung der grossen wie auch mikroskopisch kleinen Arbeiten durch Korridore
geführt. Ob inmitten der unheimlich figurativen, an Kettchen hängenden Hände aus
Zinn der Installation ‹Hands›, 1994, oder zwischen den blauen Paneelen und dem
flauschig-orangefarbenen Gerippe von ‹Corridor Orange/Blue›, 1991, hindurch, können
verschiedene Perspektiven eingenommen werden. Die geschaffenen Übergänge
ermöglichen neue und nahe Blickwinkel auf Larners Schaffen, das sich bewusst einem
einheitlichen Stil entzieht. So versucht ‹below above›, der Titel der Ausstellung,
Larners Praxis als inhaltliches Pendeln zwischen Gegensätzen zu fassen.
Im unteren Stock der Ausstellung – ‹below› – wird eine weitläufige Bodenskulptur
bestehend aus den Werkgruppen ‹Meerschaum Drift› und ‹Asteroids›, 2020/21, gezeigt.
Erstere ist eine Übersetzung des angesammelten Plastikmülls, den die Künstlerin
und ihr Umfeld über ein Jahr angehäuft haben. In einem Gespräch erzählt Liz
Larner, dass sie sich viele Gedanken darüber macht, wie Kunst – auch ihre – mit
der Zeit zerfallen wird. Man steht vor einer Meerlandschaft, die an Gräuelbilder von
Greenpeace erinnert. Offensichtlich kritisiert sie den Konsum und daraus entstehenden
Plastikmüll, und man fragt sich, wo die Grenze zwischen Kunst und Aktivismus –
und vor allem deren Mehrwert – liegt. Larner erschafft ein auf verschiedenen Ebenen
kitschiges und abgegriffenes Bild einer Landschaft, das mit dem traditionellen – und
auch tragischen – Begriff der Schönheit spielt. Durch die ‹Asteroids›, die zwischen
den Plastikwellen gesetzten Skulpturen aus gebrannter Tonerde, bekommt die Installation
jedoch inhaltlich wie formal eine durchaus interessante Ebene: Sie hinterfragen
unser menschliches Selbstverständnis und unsere Versuche, ins Weltall zu
expandieren. So verwandelt Liz Larner die Szenerie in eine begehbare Landschaft,
die aus der drohend nahen Zukunft zu kommen scheint. Gianna Rovere
Liz Larner · below above, Ausstellungsansichten Kunsthalle Zürich, 2022. Fotos: Annik Wetter
→ ‹Liz Larner – below above›, Kunsthalle Zürich, bis 18.9. ↗ www.kunsthallezurich.ch
124 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 125

Peter Fischli und David Weiss — Transitzonen
Knapp vierzig Jahre nach dem ersten ‹Flughafen›-Bild von Fischli/
Weiss ist die Serie gemeinsam mit den ‹Autos› in der Galerie
Eva Presenhuber ausgestellt. Vieles ist heute anders. Doch die
Werke eignen sich immer noch bestens, die Welt und unser Tun
darin zu befragen.
Zürich — Es ist heiss. Langsam und zähflüssig blendet ein Bild ins nächste über.
Flughafen um Flughafen. Für einen Moment scheint es so, als würden sie sich ineinander
auflösen, sich verwandeln in abstrakte Kompositionen. Doch dann tritt das
neue Bild deutlich hervor: vielleicht Rio, London oder Frankfurt. Die funktionalen
Architekturen sind austauschbar und lassen sich nicht lokalisieren. Im Hintergrund
murmeln die Stimmen aus einem Funkradio. Eine Sendung, unklar, aus welcher Zeit,
von welchem Ort. Der Beamer rauscht wie ein Triebwerk, während die Lichtschau
durch 469 Ansichten von Flughäfen gleitet. Die Flugzeuge aber rühren sich nicht. Keines
hebt ab oder landet. Die Zeit scheint stillzustehen.
Über zwanzig Jahre lang, von 1987 bis 2012, haben Peter Fischli und David Weiss
Flughäfen fotografiert. Wir sehen die Spiegelungen und Regentropfen auf den Scheiben
von Terminals und Passagierbrücken, durch die sie geschaut haben, in Tokio, Zürich,
Sydney oder New York. Transiträume, durch die wir geschleust werden, ohne Zugang
zu ihnen zu haben. Es sind Momentaufnahmen, die zu Tableaus gerinnen. Nun
blicken wir durchs Museumsglas auf diese Stillleben. Und in der vom Klimawandel
verursachten rekordhohen Juni-Hitze, nach der zweijährigen Pandemie verlieren die
Bilder alle Unbeschwertheit mühelos reisender Touristen. Sind die Rümpfe, Tragwerke,
Lösch- und Tankfahrzeuge, Hebebühnen und Gepäckträger, die in der endlosen
Weite des Rollfelds verstreut sind, ein zeitgenössisches Memento mori?
Pathos passt nicht zur Kunst von Fischli/Weiss, die sich in den Gefilden des Alltags
bewegt und gerne humorvoll agiert. Und trotz der mehr als besorgniserregenden
Weltlage schaffen es die Werke, uns auf einer direkten, individuellen Ebene anzusprechen
und zu erwärmen. In der Auswahl der gerahmten Prints von Ende der
1980er- bis zu den späten 1990er-Jahren, die hier zu sehen sind, leuchtet wie aus einem
Fotoalbum mein persönliches Erinnerungsbild auf: Der erste Langstreckenflug,
entkoppelt ohne Smartphone, die aufregend flirrende, heisse Luft, die weite Welt.
Der Wechsel zwischen dem «Grossen» und dem «Kleinen» ist ein Spiel mit der
Massstäblichkeit, das typisch für das Künstlerduo ist. So in den ebenfalls aus den
1980er-Jahren stammenden Autos aus Gips, die auf Sockeln vor den Flughäfen ruhen.
«Bin ich mein Auto?» lautet eine Frage aus ihrer Textsammlung ‹Findet mich das
Glück?›. Wir sollten sie uns stellen, wenn wir uns wieder über die Parkplätze in unseren
Städten streiten. Meret Arnold
→ ‹Peter Fischli und David Weiss – Airports and Cars›, Galerie Eva Presenhuber, bis 30.7.
↗ www.presenhuber.com
Peter Fischli/David Weiss · Airports and Cars, Ausstellungsansichten Galerie Eva Presenhuber, Maag
Areal, Zürich 2022
126 Kunstbulletin 7-8/2022 BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 127

NOTIERT // KUNSTRÄUME
Volkshaus
Basel — Einst stand hier eine Burgvogtei,
dann eine Brauerei mit Konzerthalle, seit 1925
dann das ursprüngliche Volkshaus, welches
an der Rebgasse eine eigentliche kleine Stadt
in Kleinbasel bildete. In den 1970er-Jahren
ging die Identität des Gebäudekomplexes
durch Umnutzung und bauliche Massnahmen
verloren. Kurz vor dem Abriss vergab die Stadt
2011 das dannzumal leer stehende Volkshaus
im Baurecht an zwei Investoren. Schon 2012
konnten Brasserie und Bar wieder eröffnet
werden, seit 2020 ist auch das Boutique-Hotel
mit 45 Zimmern und Suiten fertig, und der
Innenhof ist mit schattenspendenden Platanen
gesäumt. Die Kunst nimmt in den sorgfältig renovierten
Räumen eine zentrale Rolle ein; in der
Hotellobby wurde der Boden mit Stahlträgern
verstärkt, um tonnenschweren Skulpturen Halt
zu bieten. Im November 2020 stellte die Galerie
von Bartha mit ‹von Bartha Insight› ihr Off-Site-
Konzept im Volkshaus vor und präsentiert seither
fünfmal jährlich Werke. Zudem wurden im
September letzten Jahres, ebenfalls in Kooperation
mit von Bartha, Imi Knoebels Glasfenster
für die Bar eingeweiht (→ KB 11/2021, S. 118). Ein
Tee in diesem Ambiente – Krüglein und grosse
Tasse – kostet sieben Franken. TS
Temporäres Kunsthaus Klosters
Klosters — Im Rahmen des 800-Jahre-
Jubiläums von Klosters hat eine engagierte
Gruppe ortsverbundener Kunstfreund:innen
ein temporäres ‹Kunsthaus Klosters› initiiert.
Untergebracht ist es im alten Primarschulhaus,
einem Bau aus den 1930er-Jahren, in dem bis
2019 noch Kinder das Einmaleins lernten. Nun
zeigen hier 53 Künstlerinnen und Künstler,
darunter geladene und jurierte, in 13 Räumen
ihre Werke. Es sind einheimische, nationale
sowie internationale Kunstschaffende der
Gegenwart sowie einige bereits verstorbene
Künstler:innen, die inhaltlich, formell oder privat
mit Klosters und der Walser Kultur verbunden
sind. Darüber hinaus bleibt das ‹Kunsthaus
Klosters› während der gesamten Laufzeit durch
jeweils zwei bis vier Artists-in-Residence in
Bewegung: Untergebracht in der ehemaligen
Hauswartwohnung, treten sie während ihres je
siebenwöchigen Aufenthalts mit dem vorgefundenen
Ort und der gezeigten Kunst – oder
auch den Künstler:innen – in Dialog, um ihre
Vision von Klosters in den noch freien Räumen
zu manifestieren. Dieser Prozess wird jeweils
begleitet von öffentliche Workshops, Performances,
Happenings oder Finissagen.
(*1997) und Jack Pryce (*1990) haben sich
zusammengetan, um mit marytwo einen neuen
«Melting Pot in der Altstadt» zu realisieren. Ein
Schwerpunkt liegt dabei auf dem Experimentieren,
der engen Kooperation mit den jeweiligen
Künstler:innen und auf der Förderung neuer
Werke. Für Letzteres steht in Beromünster
zusätzlich zum Ausstellungsraum ein kleines
Gastatelier zur Verfügung. Die Auswahl der
Künstler:innen soll die gesamte Bandbreite von
jungen, aufstrebenden und etablierten Positionen
aus dem In- und Ausland abdecken. Neben
regelmässigen Ausstellungen, teils unter Einbezug
von Gastkurator:innen, sind Artist Talks,
Konzerte und Kollaborationen mit diversen Gästen
und der direkten Nachbarschaft geplant.
Nach der «Vorsaison» mit zwei Gruppenausstellungen
im Frühling eröffnet marytwo offiziell
Mitte August mit einer ersten Soloschau des
britischen Künstlers Billy Morgan.
endlich sein Haus an der Seine: «Wir haben tiefen
Respekt vor der unglaublichen kulturellen
Gemeinde dieser Stadt», gibt er zu Protokoll,
«viele unserer Künstler gehören bereits fest
dazu.» Auch «unterstützten» Pariser Sammler
und Institutionen das Programm der Galerie.
Freilich gilt Paris bis dato nicht als Umsatzmotor.
Ob die kommende ‹Paris+›-Messe von MCH
(Art Basel) das ändert, sei dahingestellt. Wie
allen geht es Wirth um den «French touch», um
Auftritt, um mondäne Geste. Die Rue François
1 er ist dafür ideal: Parallel zu den Champs
Elysées und direkt an der Modemeile Avenue
Montaigne kreuzt hier die Klientel, die es nach
aufwendigem Umbau des üppigen Stadthotels
aus dem Jahr 1877 braucht. 800 Quadratmeter
Ausstellungsfläche auf vier Etagen zeigen
nebenbei dem jüngst im eher als Künstlerviertel
imaginierten Marais auf ebenso vielen
Quadratmetern aufgeschlagenen Konkurrenten
David Zwirner das Standing der Lage. Die steht,
zehn Gehminuten von Larry Gagosian entfernt,
hier auf High Society. JES
marytwo, Luzerner Altstadt, Aussen ansicht
→ Billy Morgan, ab 19.8., 18:00 Uhr, bis 24.9.
↗ www.marytwo.one
Barry Flanagan · Pirat Wheel, 2005, Bronze,
213 x 198 x 77 cm, Volkshaus Basel, Lobby
↗ www.volkshaus-basel.ch/kunst
Ehemaliges Primarschulhaus, jetzt Kunsthaus
Klosters, Aussenansicht
↗ www.kunsthausklosters.ch
marytwo
Luzern — In der ehemaligen Jazzschule in Luzern
eröffnet Mitte August ein neuer Offspace.
Die beiden Kunstschaffenden Elvira Bättig
Hauser & Wirth
Paris — «Es gibt derzeit ein Paris-Revival»,
sagte die einflussreiche Sammlerin Marie-
Aline Prat während des grossen Gala-Dinners
im Centre Pompidou, «gegenüber London oder
New York ist Paris eine intellektuelle Stadt ohnegleichen.»
Das findet Iwan Wirth schon lange.
Zum dreissigjährigen Galeriejubiläum hat er
Hauser & Wirth, Paris, Aussenansicht
↗ www.hauserwirth.com
Espace Nina Keel
St. Gallen — Seit Mai 2021 ist im Linsenbühl-
Bau in St. Gallen – einem Zeugnis des Neuen
Bauens in der Ostschweiz – der Espace Nina
Keel eingerichtet. Der spartenübergreifende
128 Kunstbulletin 7-8/2022 NOTIERT // KUNSTRÄUME 129

Ausstellungsraum befindet sich hinter zwei
gros sen Schaufenstern, wovon die Namensgeberin
Keel gemeinsam mit der Kuratorin Anna
Vetsch eines zuvor bereits für die Videoausstellungs-Reihe
‹Einfache Projektionen›
genutzt hatte (→ KB 4/2021, S. 113). Nun bietet
das Ladenlokal in zwei bis drei Ausstellungen
pro Jahr eine Plattform für zeitgenössische
Positionen an der Schnittstelle von bildender
Kunst und Architektur. Zu sehen sind zum einen
Arbeiten von Künstler:innen, die sich mit Stadt
und Architektur befassen oder raumgreifende
Installationen schaffen. Zum anderen präsentiert
Keel kunstvolle Entwürfe und Ideen von
Architekt:innen. Bauten und Orte werden so bezüglich
ihrer formalen, poetischen und gesellschaftspolitischen
Dimension reflektiert. Die
nächste Ausstellung ist der zwischen Hamburg
und London lebenden Künstlerin Paula Baader
(*1988) gewidmet. Ihre reduzierten, grossformatigen
Malereien sind künstlerisch übersetzte
Erfahrungsmomente des Urbanen: sich in einer
Stadt orientieren, einleben, flanieren …
werden im Rahmen der Rencontres de la photographie
in den zahlreichen geschichtsträchtigen
Bauten der Provence-Stadt präsentiert. Sie decken
unterschiedliche Themen des gegenwärtigen
kulturellen und politischen Diskurses ab.
Als Resultat einer 18 Jahre währenden Recherche
der Wiener Sammlung Verbund beispielsweise
stellt die Ausstellung ‹A Feminist Avantgarde
of the 1970s› fotografische Praktiken von
Frauen als emanzipatorisches Mittel gegenüber
männlichen Berufskollegen vor. Frieda Orupabo
wiederum zeigt ihre Werke, die stereotype Darstellungen
des Schwarzen Körpers dekonstruieren.
Postkoloniale Themen werden auch mit
der Satelliten-Ausstellung von James Barnor
bei Luma in den Blick genommen, andernorts
führen Ritual Inhabitual oder Bruno Serralongue
die Ausbeutung natürlicher Ressourcen und den
Kampf Indigener Völker um ihr Land vor Augen.
Des Weiteren bietet das Festival verschiedene
Workshops und Führungen.
im Miteinander-in-Kontakt-Treten entstehen,
und macht dieses Leitthema auch auf organisatorischer
Ebene zum Gebot: Ihre Ausstellung
hat sie in Kooperation mit drei Kunstschaffenden
entwickelt. Als Co-Kurator:innen haben
sie eigene Beiträge zur Triennale realisiert und
dafür wiederum Künstler:innen eingeladen:
Memory Biwa (Windhoek, Namibia) stellt mit
fünf Künstlerinnen aus dem südlichen Afrika
den postkolonialen Diskurs rund um historische
Aufladung und Restitution von Objekten in den
Fokus. Gabriel Rossell Santillán (Mexico-City/
Berlin) setzt ausgehend von einem alten Wandteppich
verschiedene Zeiten und Kulturen rund
um den Pazifik in Dialog. Und Antje Majewski
(Berlin) hat mit einer Gruppe von Kunstschaffenden
im nahen Wald Skulpturen installiert
und daran die Vereinbarung geknüpft, dass der
Wald künftig nicht mehr menschlich vereinnahmt
werden darf. Insgesamt sind mehr als
50 Positionen in der Ausstellung zu sehen,
darunter auch die Zürcher Künstler:innen Lisa
Biedlingmaier und Sabian Baumann. Veranstaltungen
wie Lesungen, Workshops und Konzerte
begleiten die Schau.
Während 18 Tagen wird ein reichhaltiges
Programm mit nationalen und internationalen
Beiträgen aus den Bereichen Theater, Tanz,
Musik, Zirkus und Performance geboten. Unter
anderem treten die junge Performerin Davide-
Christelle Sanvee, der Choreograf und Performer
Martin Zimmermann oder die Tänzerin und
Performerin Eugénie Rebetez auf. Satte 132
Aufführungen finden an 45 verschiedenen Orten
statt. Schauplätze sind nicht nur klassische
Theaterbühnen und Konzerthäuser, sondern
auch das Einkaufszentrum Meyrin Centre, die
Esplanade du Lac oder die Villa Bernasconi.
Angela Rabaglio & Micaël Florentz (Tumbleweed)
· The Gyre, 2018, Tanz-Performance
→ 25.8.–11.9. ↗ www.batie.ch
Film Festival Locarno
Espace Nina Keel, Aussenansicht
(mit Projektion von Hannes Schüpbach)
→ Paula Baader, 12.8.–17.9.
↗ www.ninakeel.com/de/projekte/espacenina-keel
GROSSANLÄSSE
Rencontres de la photographie
Arles — Im Sommer wird Arles jeweils zu einem
Zentrum für Fotografie: Rund vierzig Ausstellungen
von zeitgenössischen Künstler:innen
Babette Mangolte · Trisha Brown bei der
Probe zu ‹Line-up› in ihrem Broadway-Loft mit
W. Perron, J. Ragir, T. Brown, M. Sulzman und
E. Garren, 1977
→ bis 25.9. ↗ www.rencontres-arles.com
Triennale Kleinplastik Fellbach
Fellbach — Zum 15. Mal findet in der Alten Kelter
in Fellbach auf 3000 Quadratmetern Fläche
die Triennale Kleinplastik statt. Die aktuelle Kuratorin
Elke aus dem Moore, Direktorin der Akademie
Schloss Solitude in Stuttgart, stellt ihre
Ausgabe unter das Motto ‹Die Vibration der Dinge›.
Sie spielt damit auf die Resonanzen an, die
Sabian Baumann · Signes et Sentiments,
2021, Courtesy Galerie Mark Müller, Zürich.
Foto: Peter D. Hartung
→ bis 3.10. ↗ www.triennale.de
La bâtie
Genf — Die 46. Ausgabe des multi-disziplinären
Festivals La Bâtie soll sich dieses Jahr
endlich wieder in gewohnter Form im Grossraum
Genf und in der Stadt selbst entfalten.
Locarno — Das Locarno Film Festival feiert
dieses Jahr sein 75-jähriges Bestehen. Es
gehört zu den weltweit bedeutenden Events
dieser Art und ist alleine schon wegen der
einmaligen Kulisse der Piazza Grande, die für
jeweils zehn Tage zum gigantischen Open-Air-
Kino wird, eine Reise wert. Daneben wird in
Kinos, Theatern und anderen Orten der Stadt in
mehreren Wettbewerben und Themenblöcken
«fuori concorso» ein Programm mit Schwerpunkt
auf dem Autor:innenfilm gezeigt. Talks
mit Filmemacher:innen und Schauspieler:innen
begleiten die Screenings. Erst wenige Details
zur Jubiläumsausgabe, welche die zweite
des neuen künstlerischen Leiters Giona A.
Nazzaro ist, waren zum Zeitpunkt des Redaktionsschlusses
bekannt. Unter anderem war
130 Kunstbulletin 7-8/2022 NOTIERT // KUNSTRÄUME / GROSSANLÄSSE 131

ereits die Gewinnerin des diesjährigen ‹Vision
Award Ticinomoda› bestimmt: die New Yorker
Performance-Künstlerin, Musikerin und Filmemacherin
Laurie Anderson (*1947). Sie wird
den Preis am 10. August auf der Piazza Grande
entgegennehmen und tags darauf einen Artist
Talk geben. Zudem werden zwei ihrer Filme im
Programm gezeigt. Auch die deutsche Künstlerin
Hito Steyerl (*1966) wird mit ihrer Installation
‹Submarine Leonardo› und für ein Gespräch
in Locarno präsent sein.
antreibt», so heisst es vonseiten der Veranstaltung,
«ist, uns nicht mehr darauf zu beschränken,
die Welt durch den Verstand zu erfassen,
sondern durch Affekte und unsere geteilte
Fähigkeit, zu empfinden.»
davon aus dem Kosovo, aus der Schweiz ist Ugo
Rondinone vertreten.
Screening auf der Piazza Grande, Locarno Film
Festival 2019. Foto: Locarno Film Festival/
far° été
Massimo Pedrazzini
→ 3.–13.8. ↗ www.locarnofestival.ch
Nyon — Seit über 35 Jahren werden die
Augustwochen in Nyon durch das far° Festival
das arts vivant auf erfreuliche Weise
«gestört». Spartenübergreifend erkundet die
Veranstaltung aktuelle und neue künstlerische
Praktiken. Positionen aus der Schweiz und
dem Ausland präsentieren ihre Produktionen
aus den Bereichen Theater, Tanz und Performance
– in Sälen, aber auch im Parc du Borion,
im Herzen der jurassischen Hochebene oder in
einem Wohnwagen. Für die diesjährige Ausgabe
sind etwa Marion Zurbach (*1984) oder das
schweizerisch-argentinische Duo Elvio Avila &
Savino Caruso mit von der Partie. Thematisch
legt die aktuelle Ausgabe einen Schwerpunkt
darauf, Möglichkeiten wiederzuentdecken oder
zu erfinden, wie wir mit anderen in Verbindung
treten können. «Der Grundgedanke, der uns
Annamaria Ajmone · La notte è il mio giorno
preferito, Tanz-Theater, ca. 50’. Foto: Andrea
Macchia
→ 10.–20.8. ↗ www.far-nyon.ch
Biennale Matter of Art
Prag — Die junge Biennale Matter of Art scheint
ein Händchen zu haben für Themensetzungen,
die – in fast prophetischer Weise – den Nerv der
Zeit treffen: Noch bevor die Pandemie anrollte,
wurde die erste Ausgabe für 2020 unter dem
Motto ‹Come Closer› konzipiert. Die diesjährige
zweite Edition untersucht nun Hintergründe der
Identität Mittel- und Osteuropas als «Zwischenraum»
– gefangen zwischen der Zugehörigkeit
zur «Festung Europa» und dem ewig peripheren
Status. Obwohl der Krieg in der Ukraine, den das
Organisationsteam klar verurteilt, die Arbeit
an der Ausstellung massiv beeinträchtigte,
wurden die Vorbereitung vorangetrieben. Mit
berücksichtigt wurden diesmal Perspektiven
von «Kleinen» und Minderheiten wie Kindern,
Enthusiast:innen, Analphabet:innen oder
chronisch Kranken «als handelnde, sinnstiftende
und bewusste Akteure». Die beteiligten
Künstler:innen stammen mehrheitlich, aber
nicht ausschliesslich, aus Osteuropa. Die
visuelle Identität wurde von Ondřej Báchor
gestaltet, der an der ECAL studiert hat und 2019
einen Swiss Design Award erhielt.
Tarek Lakhrissi · Revenge Fantasy, 2022, Ausstellungsansicht
Fondation d’entreprise Hermès,
Brüssel, Courtesy Fondation d’entreprise
Hermès und Vitrine. Foto: Isabelle Arthuis
→ 21.7.–23.10. ↗ www.matterof.art/2022
Manifesta 14
Pristina — Vor dem Hintergrund der Pandemie
und anderer globaler Krisen verstärkt die
europäische Wanderbiennale Manifesta ihr
Ziel, ein nachhaltigeres Modell für Biennalen zu
entwickeln. Der Fokus der diesjährigen 14. Ausgabe
in Pristina liegt somit weniger auf dem
temporären Event der Ausstellung, als vielmehr
auf der Initiierung von langfristigen, inklusiven
Praktiken. Dazu hat man im Vorfeld die lokale
Bevölkerung befragt. Als zentrale Bedürfnisse
zeigten sich etwa die Rückgewinnung des
öffentlichen Raums, die Stärkung der partizipativen
Demokratie, der Ausbau der kulturellen
Infrastruktur in den Vororten und eine umweltfreundlichere
Gestaltung Pristinas. Darauf reagiert
die Manifesta, indem sie beispielsweise
ein Lernzentrum für Öko-Urbanität einrichtet,
auf einer alten Bahnlinie zusammen mit der
Bevölkerung einen «Grünen Korridor» errichtet
oder die ehemalige Kommunalbibliothek in ein
interdisziplinäres ‹Centre for Narrative Practice›
für Jung und Alt umfunktioniert, an dem
Aktivitäten rund ums Archivieren, Geschichtenerzählen,
Podcasten oder Performen gepflegt
werden. An rund 22 ungewöhnlichen Lokalitäten
sind daneben wie üblich künstlerische
Interventionen zu finden. Es sind insgesamt
77 Kunstschaffende beteiligt, rund die Hälfte
Centre for Narrative Practice, Manifesta 14,
ehemalige Bibliothek Hivzi Sylejmani, Pristina.
Foto: Majlinda Hoxha
→ 22.7.–30.10. ↗ www.manifesta14.org
Zürcher Theater Spektakel
Zürich — Die Landiwiese am Zürichseeufer
wird ab Mitte August wieder zum Ort des geselligen
Beisammenseins und zum Treffpunkt der
internationalen Theaterszene: In den nunmehr
42 Jahren seines Bestehens ist das Zürcher
Theater Spektakel zu einem der wichtigsten
europäischen Festivals für zeitgenössische
Formen der darstellenden Künste aus aller
Welt geworden. Auch in den zwei Jahren der
Pandemie hatte sich das Organisationsteam
um die horizontöffnende Internationalität bemüht.
Für das diesjährige Festival konnten aber
Gruppen in vielen Ländern erstmals wieder
ohne Hindernisse proben und weitgehend frei
anreisen. Mit dabei sind auch stets Positionen
mit Bezug zur Bildenden Kunst, dieses Jahr
etwa die Choreografin Meg Stuart, der Künstler
Ragnar Kjartansson oder die Komponistin
Lina Lapelyté, deren viel beachteter Beitrag im
Litauischen Pavillon der Biennale Venedig 2019
den Goldenen Löwen erhielt. Am Spektakel
steigt sie für ihr neues Stück ‹What Happens
with a Dead Fish?› gemeinsam mit dem Seefelder
Kammerchor selbst in den Zürichsee,
um über das Absinken und die Vergänglichkeit
zu reflektieren. Kjartansson wiederum wird
gemeinsam mit dem Musiker Davíð Þór Jónsson
und der Schauspielerin Saga Garðarsdóttir
an vier Tagen für jeweils drei Stunden auf der
132 Kunstbulletin 7-8/2022 NOTIERT // GROSSANLÄSSE 133

Saffa-Insel performen. Restaurants und Darbietungen
von Strassenkünstler:innen auf dem
Areal laden vor und nach den Aufführungen
zum gemütlichen Verweilen ein.
Lina Lapelytė · What Happens with a Dead Fish,
2021, Kunstenfestivaldesarts, Brüssel.
Foto: Bea Borgers/Kunstenfestivaldesarts
→ 18.8.–4.9.
↗ www.theaterspektakel.ch
AUSSENPROJEKTE
videocity.ch — ‹Augen-Blick› für ukrainische
Kunstschaffende
Basel — Bis Anfang August ist das e-Board am
Congress Center in Basel wieder eine Plattform
für Kunst. Die Initiative videocity.ch, die sich für
die Präsentation von Videowerken an öffentlichen
Plätzen starkmacht, stellt den diesjährigen
Filmzyklus am Messeplatz in Basel
unter das Motto ‹Augen-Blick›. Es geht um das
Beobachten und das Beobachtetwerden – ein
Thema, das im Zeitalter digitaler Medien stets
brisant ist. Der aktuelle, zweite Programmblock,
der unter diesem Motto gezeigt wird,
ist sieben ukrainischen Kunstschaffenden
gewidmet, für die das Thema aktuell nochmals
eine ganz neue Bedeutung gewonnen hat. Daneben
flimmern auch Werke der Videopionierin
Valie Export oder des Konzeptkünstlers Peter
Weibel (der in Odessa geboren wurde) über den
Bildschirm. Verbunden wird die Präsentation
mit einer Spendenaktion: Das Geld fliesst in die
Honorare der beteiligten ukrainischen Kunstschaffenden
und in eine Präsentations-Allianz
für deren Videos, die sich von Basel aus bereits
über Bern, Wien und Duisburg erstreckt und
weiter wachsen soll.
Mykola Ridnyi · Seacoast, 2008, Fimstill,
SD-Video, 1’, Loop
→ Congress Center, e-Board, bis 7.8.
↗ www.videocity.org/donate-for-ukraine
Geneva Biennale Sculpture Garden
Genf — Die grösste öffentliche Grünfläche
der Stadt Genf ist diesen Sommer wieder
ein Ort der Kunst: Initiiert von der artgenève
und in Kooperation mit dem MAMCO und der
Stadt Genf findet zum dritten Mal die biennale
Freilichtausstellung ‹Sculpture Garden› im Parc
La Grange und dem daran angrenzenden Parc
des Eaux-Vive statt. Devrim Bayar, Kurator des
Wiels Contemporary Art Center in Brüssel, hat
die aktuelle Ausgabe mit 26 Kunstwerken –
rund die Hälfte davon eigens für den Anlass
entstanden – verantwortet. Die eingeladenen
internationalen Künstlerinnen und Künstler,
darunter Liz Deschenes, Koenraad Dedobbeleer,
Ceylan Öztrük oder Manfred Pernice,
untersuchen mit ihren Werken die dem öffentlichen
Raum innewohnenden Spannungen, aber
auch dessen Emanzipationspotenzial. Zwei
ebenfalls eingeladene ‹Special Projects› stellen
gemeinschaftliches kreatives Schaffen in den
Vordergrund: Axelle Stiefel mit der Plattform
vorstellen.network für kollektives Schreiben
sowie Sonia Kacem mit Studierenden aus
dem Work.Master der HEAD, einem Programm
für multidisziplinäre Gemeinschaftsprojekte.
Mit weiteren Ausflügen in den Bereich der
Architektur, der Fotografie oder der Videokunst
anlässlich eines Screenings im MAMCO zeuge
der diesjährige ‹Sculpture Garden› davon, wie
«sich die Kunst im Lichte der zeitgenössischen
Herausforderungen ständig neu erfindet».
Alia Farid · In Lieu of What Is, 2022, produziert
in Kooperation mit Kunsthalle Basel, Geneva
Biennale Sculpture Garden 2022. Foto: Julien
Gremaud
→ bis 30.9.; Videoscreening MAMCO: 1.9.
↗ www.sculpturegarden.ch
Art Catch und artlist.net
Winterthur/Schweiz — Viele Städte der
Schweiz sind eigentlich auch kostenlose
Freilichtmuseen, gibt es doch überall Kunst
im öffentlichen Raum, die man zu fast jeder
Tageszeit und ganz ohne Eintritt besichtigen
kann. Um die Vermittlung dieser Werke zu
stärken, greift die Stadt Winterthur proaktiv
auf die digitalen Medien zurück: Die kostenlose
App ‹Artverse› der Softwarefirma Freisicht wird
bereits von einigen Schweizer Museen als Tool
genutzt, um Führungen durch Sammlungen und
Ausstellungen vielseitig aufzubereiten. Nun
hat Winterthur die Tour ‹Art Catch› lanciert, die
via Smartphone oder Tablet zu vorerst neun
Kunstwerken im öffentlichen Raum führt.
Augmented-Reality-Technologie schafft einen
spielerisch lustvollen Zugang. Für jedes ausgewählte
Werk, etwa von Max Bill, Katja Schenker
oder Donald Judd, wurden spezifische auditive
oder visuelle AR-Elemente entwickelt.
Die bereits 2020 von Kunstbulletin entwickelte
Web App artlist.net, die über den Browser
runtergeladen werden kann, bietet zusätzliche
Hintergrundinformationen zu zahlreichen
weiteren öffentlichen Kunstwerken – in Winterthur
und in der ganzen Schweiz: Verschiedene
Städte und Kantone nutzen die Möglichkeit,
um ausgewählte Objekte auf der Plattform
zu präsentieren und Informationen dazu der
interessierten Öffentlichkeit von überall her
zugänglich zu machen. Die Stadt Winterthur
hat auf artlist.net ganze dreissig Werke mit
Basisinformationen und mit literarischen Texten
der Autorinnen Tanja Kummer und Andrea
Keller attraktiv aufbereitet. Artverse App in den
Stores von Apple und Google Play erhältlich.
‹Art Catch› von Artverse in Aktion, Winterthur
↗ stadt.winterthur.ch/smartcity
↗ www.artlist.net
Ursula Palla — Polizei- und Justizzentrum
Zürich — Das Terrain rund um das neue Polizeiund
Justizzentrum Zürich scheint unwirtlich für
Pflanzen. Vor dem Gebäudekomplex, der sich
als imposanter Riegel zwischen die viel befahrene
Hohlstrasse und die Bahngleise geschoben
hat, breitet sich ein Platz aus Asphalt aus.
Doch tatsächlich spriessen aus diesem Asphalt
nun Blumen – zwei übergrosse, bronzene Nachbildungen
der Wegdistel. Ein weiteres Exemplar
ist gar im Eingangsbereich des Neubaus zu
finden. Ursula Palla (*1961), die aktuell auch im
Kunst(Zeug)Haus in Rapperswil-Jona zu sehen
ist (→ S. 67), hatte sich Ende November 2020 mit
ihrem Kunst-und-Bau-Projekt ‹Listen to the
Flowers› in einem Wettbewerb gegen drei andere
Kandidat:innen durchgesetzt. Vorbild für ihre
Skulpturen war jene gemeine Distelart, die sich
134 Kunstbulletin 7-8/2022 NOTIERT // GROSSANLÄSSE / AUSSENPROJEKTE 135

als widerspenstiges «Unkraut» selbst in gepflastertem
Boden ausbreiten kann. Die sanfte,
stolze Wehrhaftigkeit des Gewächses sowie
seine Eigenschaft als Heilpflanze und Bienenweide
machen es – gerade im Kontext eines
Polizeigebäudes – zum Symbol für die Kraft der
Blumen in revolutionären Prozessen wie etwa
der Nelkenrevolution in Portugal 1974. Diese
Lesart unterstreicht die Künstlerin mit dem
poetischen Werktitel, der an das Antikriegslied
‹Where have all the flowers gone› oder an
die Flower-Power-Ära denken lässt. Auch die
Machart setzt ein Zeichen gegen Gewalt: Eingegossen
in die Blütenköpfe sind geschredderte
Teile von Waffen, welche jeweils freiwillig von
der Bevölkerung bei der Zürcher Kantonspolizei
abgegeben werden – rund drei Tonnen pro Jahr.
So wünschte man sich, dass der Wind den Keim
von Pallas Disteln in die Welt hinaus trägt …
Ursula Palla · Listen to the Flowers, 2022,
PJZ Zürich
↗ www.zh.ch (Suche: Ursula Palla)
Performance Reihe Neu-Oerlikon
Zürich-Oerlikon — Gegründet von der Künstlerin
und Kuratorin Maricruz Peñaloza, erkundet
die Performance Reihe Neu-Oerlikon seit nunmehr
13 Jahren das Potenzial der Performance
im öffentlichen Raum und verhandelt dabei
Fragen rund um diesen vieldeutigen Ort. Das
Thema ist aktueller denn je: Mit der Pandemie
wurden die Grenzen zwischen Public Space und
Privatraum neu geordnet. Bewegen wir uns von
der privaten in die öffentliche Sphäre, ohne unser
Wohnzimmer zu verlassen? Oder betritt die
öffentliche Sphäre unser Wohnzimmer? Solche
Fragen stellen die Organisatorinnen mit der
aktuellen Ausgabe, während sie überzeugt sind:
Gerade im öffentlichen Raum wird das soziale
Gefüge wiederhergestellt, das in den vergangenen
zwei Jahren auf die Schnittstelle von Zoom
und anderen Plattformen reduziert worden war.
Sie haben zehn Positionen, die meisten aus der
Schweiz, aber mit Verbindungen ins Ausland,
eingeladen, um unter diesen Vorzeichen einen
Nachmittag lang zu performen. Zudem wird
eine Audioinstallation und im Anschluss an die
Auftritte eine Gesprächsrunde mit den beteiligten
Künstler:innen präsentiert.
Johanna Barilier/Jhafis Quintero · Tree of
Life, 12. Performance Reihe Neu-Oerlikon
2022. Foto: Sandra Ramos
→ Oerliker Park 27.8.
↗ www.performancereihe.com
NAMEN
Paul Bernard
Biel — Paul Bernard wird neuer Direktor des
Kunsthaus Pasquart. Der 37-jährige Franzose
ist Kunsthistoriker und hat an der Université
Rennes 2, an der Université Paris 8 und an der
Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales
in Paris studiert. Seit 2013 arbeitet er als Kurator
am Musée d’art moderne et contemporain
MAMCO in Genf. Dort konzipiert und realisiert
er Ausstellungen und betreut die Sammlung.
Davor war er unter anderem am Institut d’art
contemporain in Villeurbanne tätig. Auch hat er
von 2012 bis 2018 an der Haute Ecole d’Art et
de Design HEAD in Genf gelehrt. In Biel folgt er
im Oktober auf die langjährige Direktorin Felicity
Lunn, die im März als Leiterin des Fachbereichs
Gestaltung und Kunst an die HKB in Bern
gewechselt hat (→ KB 12/2021, S. 104).
Paul Bernard. Foto: Julien Gremaud
Robin Byland
Grenchen — Auch am Kunsthaus Grenchen
gibt es dieses Jahr einen Wechsel: Robin Byland
(*1988) wurde zum neuen Künstlerischen
Leiter per September gewählt. Er hat an der
Universität Basel Kunstgeschichte und Bildtheorie
sowie Deutsche Philologie und Medienwissenschaften
studiert. Seine Masterarbeit
beschäftigte sich mit Mark Rothko. Danach
war er als Kunstvermittler im Schaulager in
Münchenstein und als Praktikant im Aargauer
Kunsthaus tätig. Von 2017 bis 2022 arbeitete er
als wissenschaftlicher Assistent im Kunstmuseum
Solothurn bei Christoph Vögele. In dieser
Funktion kuratierte er Ausstellungen, verfasste
Publikationstexte und war in der Kunstvermittlung
tätig. Zudem eignete er sich die praktischen
Kenntnisse sämtlicher Aufgabengebiete
eines Kunstmuseums an. In Grenchen folgt
er auf Claudine Metzger, die das Haus nach
sechsjähriger erfolgreicher Tätigkeit verlässt,
um sich neuen Herausforderungen zu stellen.
Robin Byland
Julia Wallner
Remagen —Mitte August tritt Julia Wallner
(*1974) als neue Direktorin am arp museum
Bahnhof Rolandseck an. Die Kunsthistorikerin
sowie Literatur- und Politikwissenschaftlerin
hat 2006 zur amerikanischen Künstlerin Jenny
Holzer promoviert und war im Anschluss bis
2011 als Kuratorin am Kunstmuseum Wolfsburg
tätig. Seit 2013 leitet sie das Georg Kolbe
Museum, Berlin, im ehemaligen Künstlerhaus
des gleichnamigen Bildhauers. Wallner richtete
das Haus internationaler aus und verantwortete
eine Sanierung des denkmalgeschützten
Gebäude-Ensembles aus den 1920er-Jahren.
In der Kuration legte sie einen Schwerpunkt
auf die Wiederentdeckung weiblicher Positionen
der Skulptur des 20. Jahrhunderts. Sie ist
Mitglied zahlreicher Kunstpreis- und Stipendien-Jurys
und wirkt seit 2016 im Vorstand des
Landesverbands der Berliner Museen mit. Am
arp museum, das die Kunst von Hans Arp und
Sophie Taeuber-Arp sowie Sonderausstellungen
präsentiert, folgt sie auf den langjährigen
Direktor Oliver Kornhoff, der im Dezember als
Gründungsdirektor des neuen Museums Reinhard
Ernst in Wiesbaden antrat.
Julia Wallner. Foto: Helmut Reinelt
PREISE
Helvetia Kunstpreis
Basel — Im Rahmen der Ausstellung Plattform22
in der Kunsthalle Palazzo in Liestal
haben die Helvetia Versicherungen ihren Preis
für Nachwuchskünstler:innen vergeben: Er
geht 2022 an Jonas Van Holanda (*1989). Der
gebürtige Brasilianer absolvierte den Bachelor-
Studiengang an der HEAD in Genf. In seinen
immersiven Installationen verbindet er oftmals
136 Kunstbulletin 7-8/2022 NOTIERT // AUSSENPROJEKTE / NAMEN / PREISE 137

Videos und eigene Texte. Dabei bewegt er sich
zwischen inhaltlicher Prägnanz und poetischer
Narration, so die Medienmitteilung. Mit seinem
Ausstellungsbeitrag ‹Moving Towards Us›, 2022,
nähert er sich den Möglichkeiten körperlicher
Verwandlungen, konkret der Idee des Wandels
von Fleisch in Klang. Das komplexe Gedankenspiel
fusst in Van Holandas laufender Forschung
zur negativen Entropie und in seiner eigenen Realität
und Identität als Trans-Künstler. Die Jury
zeigte sich «beeindruckt von dem erfrischenden
Umgang mit einem äusserst komplexen Thema,
bei dem es Jonas Van Holanda gelingt, mittels
Quantenphysik den Raum für eine gesellschaftliche
Utopie zu eröffnen und gleichzeitig die
Zartheit eines poetischen Raumes zu respektieren».
Van Holanda erhält zusätzlich zum
Preisgeld von CHF 15’000 im Jahr 2023 eine
Solopräsentation auf der Liste Art Fair.
Jonas Van Holanda
Pax Art Award
Basel — In der Art-Basel-Woche im Juni
wurden im Haus der Elektronischen Künste
die diesjährigen Pax Art Awards für Schweizer
Medienkunstschaffende vergeben: Mit dem
Hauptpreis à CHF 30’000, der je zur Hälfte
in die Förderung eines neuen Werks und
einen Werkankauf investiert wird, ehrt die
Art Foundation Pax den Zürcher Künstler Pe
Lang (*1974). Dieser machte in den 1990er-
Jahren zunächst mit Sound-Projekten auf sich
aufmerksam, bevor er sich auf die bildende
Kunst fokussierte. Mit einem Interesse für
physikalische Gesetzmässigkeiten befragt
er seither in minimalistischen, kinetischen
Installationen scheinbar einfache, alltägliche
Maschinen und Materialien. «Dabei entlockt er
der Form, der Farbe, dem Raum, dem Rhythmus
und dem Klang immer wieder neue Fragen»,
so die Medienmitteilung. Zwei weitere Preise
à CHF 15’000 wurden an junge, aufstrebende
Medienkunstschaffende vergeben: Johanna
Bruckner (*1984) fächert in ihrem Schaffen
eine kaleidoskopische Vielschichtigkeit aus
Bewegtbild, Ton, Narration, Performance und
elaboriertem theoretisch-poetischem Unterbau
auf. Dabei verhandle sie auf visuell eindrückliche
Weise aktuelle Diskurse zu Identitätspolitik,
Feminismus, Queer-Theorie, Posthumanismus
und der Kapitalisierung von Körperlichkeit
und Intimität. Auch die Arbeit von Jennifer
Merlyn Scherler (*1996) umfasst verschiedene
Medien und Formate, die von Lecture Performances
über Videos und Fotografie bis hin zu
Installationen reichen. In ihrer Bildsprache
verwendet sie Fantasiewelten, popkulturelle
Referenzen, Found Footage und Inhalte aus
dem Netz, die sie mit persönlichen Reflexionen
und Textfragmenten zu fesselnden Narrativen
über zeitgenössische Internetkulturen verwebt.
Pe Lang
Johanna Bruckner. Foto: Ruth Bruckner
Jennifer Merlyn Scherler
Kulturförderpreis der Alexander Clavel-Stiftung
Basel/Riehen — Seit 1983 fördert die Alexander
Clavel-Stiftung mit einem Preis à
CHF 35’000 jährlich Künstler:innen oder
Kulturinstitutionen. Dieses Jahr geht die Auszeichnung
an Simone Holliger (*1986, Aarau).
Die heute in Basel lebende Künstlerin erlangte
einen Bachelor in visueller Kunst an der HEAD
in Genf und der HSLU in Luzern und anschliessend
einen Master im selben Fachgebiet an
der HEAD. Ihr Werk wurde bereits mehrfach
ausgezeichnet, 2019 etwa mit einem Swiss Art
Award. In ihrem Schaffen betreibt sie Materialrecherchen,
basierend auf Zeichnungen zur
Formfindung der räumlichen Umsetzung. Seit
einigen Jahren ist der Werkstoff Papier für sie
nicht nur Bildträger, sondern auch Werkstoff:
Aus steifem, an den Kanten mit Heissleim
verleimtem Papier entstehen raumgreifende,
oft signalfarben bemalte Objekte, die fragil und
massiv zugleich anmuten. In letzter Zeit sucht
sie nun eine Weiterentwicklung der Papierskulpturen
bis hin zum Übergang zu anderen
Materialien. Dies zeigte sich auch in ihrer
Ausstellung im Rahmen der Preisverleihung in
der Riehener Villa Wenkenhof, die im Juni stattfand:
Zahlreiche Papierelemente hatte Holliger
hier mit Epoxyharz überzogen, um daraus eine
Brunnenskulptur für das Bassin der französischen
Gartenanlage zu formen. Im Gartensaal
der Villa präsentierte sie zudem geschnitzte
Skulpturen aus Polyurethan.
Simone Holliger
Schweizer Grand Prix Musik
Bern — Das Bundesamt für Kultur gab im Mai
die Vergabe des Schweizer Grand Prix Musik
bekannt, der dieses Jahr auch die Aufmerksamkeit
der Kunstwelt erhalten dürfte: Auf
Empfehlung der Eidgenössischen Jury für Musik
erhalten Dieter Meier und Boris Blank vom
Elektro-Pop-Duo Yello die CHF 100’000 starke
Ehrung. Yello wurde in den späten 1970er-
Jahren in Zürich als Trio gegründet und ist seit
dem vierten von insgesamt 14 Studioalben eine
Zweimannformation. Blank ist zuständig für das
Musikalische. Dieter Meier, der auch als Künstler
bekannt ist, steuert die Texte, seine tiefe
Frontmann-Stimme und die visuellen Konzepte
bei. Insbesondere die Verwendung von Samples
und synthetischen Klängen haben – auch international
– Chart-Geschichte geschrieben. «Seit
über 40 Jahren haben Boris Blank und Dieter
Meier ihr durchdachtes und originelles Schaffen
weitergeführt und sich den Digitalisierungsprozess
in der Musikkultur zunutze gemacht»,
so die Medieninformation. Auch unter den
gleichzeitig verkündeten Schweizer Musikpreisen
ist eine Position mit Verbindung zur Kunst:
Der Schlagzeuger und Komponist Fritz Hauser,
der kürzlich im Kunsthaus Baselland zu sehen
war (→ KB 3/2022, S. 88/89), erhält eine der Auszeichnungen
à CHF 40’000.
Dieter Meier und Boris Blank (Yello).
Foto: Helen Sobiralski
Fritz Hauser. Foto: Priska Ketterer
Jan-Tschichold-Preis
Bern — Mit dem Jan-Tschichold-Preis würdigt
das Bundesamt für Kultur BAK jährlich
hervorragende Leistungen in der Buchgestaltung.
2022 geht die mit CHF 25’000 dotierte
Auszeichnung an die Non-Profit-Organisation
Volumes. Gegründet wurde das Kollektiv 2013
von einem starken Frauenteam aus Zürich:
Anne-Laure Franchette (*1979), Künstlerin
und Kunsthistorikerin, Patrizia Mazzei (*1979),
Kunsthistorikerin und Dozentin, sowie Gloria
Wismer (*1984), Mitarbeiterin des Verlags
Patrick Frey. Ihr Ziel ist die Förderung der
verschiedenen Formen der internationalen
Kunstpublikationen und deren Vermittlung an
ein breiteres Publikum in der Schweiz mit Veranstaltungsreihen
und Forschungsprojekten.
Bekannt ist vor allem die in Zürich veranstaltete,
mehrtägige Messe mit Kunstprogramm im
November, bei der sich nationale und internationale
unabhängige Verlage sowie Kunstschaffende
mit Eigenverlag und beschränkten
Produktionsmitteln präsentieren. 2020 lancierte
Volumes auch einen jährlichen Buchpreis
für dieses Segment. Gleichzeitig entstand der
Volumes Book Club, eine Gesprächsreihe, die
Menschen und Bücher in kleineren Veranstaltungen
zusammenbringt.
138 Kunstbulletin 7-8/2022 NOTIERT // PREISE 139

Kollektiv Volumes: Gloria Wismer, Anne-Laure
Franchette, Patrizia Mazzei. Foto: Bettina Diel
↗ www.volumeszurich.ch
Aeschlimann Corti-Stipendium 2022
Bern — Mitte Mai wurden die Gewinner:innen
der diesjährigen Aeschlimann Corti-Stipendien
bekannt: Das Hauptstipendium im Wert von
CHF 20’000 geht 2022 an Lorenzo Salafia
(*1983). Der heute in Solothurn lebende Künstler
absolvierte von 2011 bis 2014 ein Bachelor-
Studium an der Hochschule der Künste in Bern.
In seiner künstlerischen Arbeit subvertiert er
die Auffassungen von Modell und Massstab
und lässt seine Werke zwischen Realem und
Surrealem, Traum und Wirklichkeit hin- und herpendeln,
wobei sie stets von einer humorvollen
Komponente begleitet werden. In der Stipendienausstellung,
die von Mai bis Juni im Kunsthaus
Langenthal gezeigt wurde, präsentierte
er zwei Arbeiten, die beide die umgebende
Atmosphäre als wesentlichen Bestandteil ihrer
selbst einschliessen und sich einem musealen
Verständnis von Archivierung und Erhaltung
von Kunst entziehen. Die Jury würdigt mit dem
Hauptpreis Salafias langjähriges und intensives
Schaffen und lobt seine «beeindruckende
Präzision … sowohl in der Ausarbeitung als auch
in der Setzung». Zusätzlich wurden im Rahmen
der Ausstellung auch drei Förderstipendien à
CHF 10’000 vergeben. Sie gingen an Olivia Abächerli
(*1992), Livio Baumgartner (*1982) und
Julia Znoj (*1990). Das Aeschlimann Corti-Stipendium
der Bernischen Kunstgesellschaft BKG
gilt als eines der wichtigsten privaten Förderinstrumente
für bildende Künstler:innen unter
40 Jahren im Kanton Bern. Dieses Jahr waren
aus 64 Bewerbungen insgesamt 20 Positionen
zur zweiten Wettbewerbsrunde im Kunsthaus
Langenthal zugelassen worden.
Lorenzo Salafia. Foto: Flavia Schaub
Olivia Abächerli. Foto: Anders Stoos
Livio Baumgartner
Julia Znoj. Foto: Celia Ott
Kanton Thurgau — Förderbeiträge
Frauenfeld — Der Kanton Thurgau hat im
Juni seine Förderbeiträge für das Jahr 2022
vergeben. Ausgezeichnet werden Thurgauer
Kunstschaffende aller Sparten, «die mit einem
überzeugenden Vorhaben in ihrer Karriere
einen Schritt weitergehen möchten». Mit Hannes
Brunner, Sonja Lippuner und Thi My Lien
Nguyen gingen gleich drei der insgesamt sechs
Preise an Vertreter:innen der Bildenden Kunst.
Hannes Brunner (*1956) wurde in der Laudatio
als ein Künstler gelobt, der sich mit seinen
Arbeiten «oft in Denkbereiche begibt, in denen
Wissen und Erfahrungen noch immer ungesichert
sind». Den Förderbeitrag erhält er für sein
Projekt, bei dem er zusammen mit Spezialistinnen
und Spezialisten aus Robotik, Biologie und
Computertechnologie eine Versuchsanordnung
aufbaut, in der ein Industrieroboter, ein Steuerprogramm
und eine Pilzkultur mit ihm als
Künstler zusammenarbeiten. Sonja Lippuner
(*1987) wird als eine Künstlerin gewürdigt, die
in den letzten Jahren aus einer skulpturalen
Praxis heraus einen beachtlichen Weg über die
Zeichnung auf Tuch und hin zur raumgreifenden
Malerei zurückgelegt hat. «Selbstbewusst und
formal wie atmosphärisch stringent versetzt
sie seither ganz unterschiedliche Räume mit
ihren bunten Wirbeln in Vibration.» Den Förderbeitrag
will sie unter anderem nutzen, um sich
mithilfe von Fachleuten in den Möglichkeiten
der Textilverarbeitung weiterzubilden. Thi My
Lien Nguyen (*1995) schliesslich hat die Jury
durch ihre fotografische und partizipative Praxis
überzeugt, in der sie erforscht, wie Begriffe
wie Zugehörigkeit und Heimat verhandelt und
erweitert werden. «Ihre Begeisterung und Hartnäckigkeit
im Versuch, ihre eigenen, auch ambivalenten
Erfahrungen zu verstehen und die
Formung von kulturellen und sozialen Gemeinschaften
zur Diskussion zu stellen, zeichnet ihr
vielfältiges Werk aus», so die Laudatio. Weitere
Auszeichnungen wurden im Fachbereich
Literatur an Lea Frei und Michael Frei sowie
im Bereich Musik an Fabian Ziegler vergeben.
Jeder Preis ist mit CHF 25’000 dotiert.
Hannes Brunner, Thi My Lien Nguyen
© ProLitteris; Sonja Lippuner
Possehl-Preis für Internationale Kunst
Lübeck — Der amerikanische Künstler Matt
Mullican (*1951) erhält den zweiten Possehl-
Preis für Internationale Kunst. Damit ehrt man
einen wegweisenden Vertreter der sogenannten
Pictures Generation, die Mitte der 1970er-Jahre
den Einfluss massenmedialer Bilder in der
alltäglichen Wahrnehmung untersuchten und
sie somit als festen Bestandteil künstlerischer
Auseinandersetzung deklarierten. Mullican, der
heute in Berlin und New York lebt, war bis 2019
auch Professor für zeitbezogene Medien an der
HfBK Hamburg. Sein Schaffen reicht von Malerei
über verschiedene druckgrafische Techniken bis
hin zu bildhauerischen Arbeiten und Performances.
Er versucht, die Unterscheidung zwischen
High & Low in den Künsten ad absurdum zu
führen, da sie – seiner Ansicht nach – die Kreativität
einschränke, und die Grenzen der Kunst hin
zu anderen Disziplinen weiter zu öffnen. Damit
habe er «bis heute massgeblichen Einfluss auf
jüngere Künstlergenerationen» ausgeübt, so die
Jury, zu der auch Fanni Fetzer, Direktorin des
Kunstmuseums Luzern, gehört. Der Possehl-
Preis für Internationale Kunst wird seit 2019
alle drei Jahre vergeben und besteht aus einem
Preisgeld von € 25’000 sowie einer Ausstellung
in Lübeck. Mullicans Präsentation startet Mitte
Juli mit einer Bepflanzung auf der Domwiese
und wird im Oktober mit Leinwandarbeiten in
der St.-Petri-Kirche sowie einer Überblicksschau
in der Kunsthalle St. Annen komplettiert.
Matt Mullican. Foto: Max Ehrengruber, Courtesy
Galerie Mai 36
→ Florale Inszenierung Domwiese, 17.7.–9.10.
→ Ausstellung, St.-Petri-Kirche, 9.10.–6.11.
→ Werkschau, Kunsthalle St. Annen, 30.10.–8.1.
↗ www.possehl-stiftung.de
Stipendium Vordemberge-Gildewart
Wien — Die Rapperswiler Stiftung Vordemberge-Gildewart
hat ihr Stipendium dieses Jahr
im Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig
in Wien an Huda Takriti (*1990) vergeben. Die in
Damaskus, Syrien, geborene Künstlerin studierte
Malerei an der Faculty of Fine Arts der Damaskus
University und TransArts an der Universität
für Angewandte Kunst Wien, wo sie heute
lebt. In der Ausstellung im mumok, die zwanzig
nominierte Positionen versammelt, zeigt Takriti
die Installation ‹Refusing to Meet Your Eye›,
2022, bestehend aus einem Film, Schauvitrinen
und Texttafeln. Ausgangspunkt ist eine Flugzeugentführung
von 1969, bei der erstmals eine
Frau federführend war. Die missglückte fotografische
Dokumentation der Sprengung des leeren
Passagierfliegers nimmt Takriti zum Anlass, um
mit einer Fülle von Archivmaterialien und computergenerierten
Bildern über den Zusammenhang
von Bildmacht und Geschichtsschreibung
sowie den Wahrheitsgehalt des Bildes nachzu-
140 Kunstbulletin 7-8/2022 NOTIERT // PREISE 141

denken. Die Jury zeigte sich «beeindruckt von
der Fähigkeit der jungen Künstlerin, uns auf
eine Reise durch Raum und Zeit zu entführen
und dabei mit den Mitteln des Bildes selbst den
Status des Bildes zu hinterfragen». Takriti kann
sich über ein Preisgeld von CHF 60’000 freuen.
Das Stipendium für Künstler:innen unter 35 wird
jährlich in wechselnden europäischen Städten
vergeben. Austragungsort für das kommende
Jahr ist das Kunstmuseum Appenzell.
Huda Takriti
→ ‹nominiert … Vordemberge-Gildewart
Stipendium 2022›, mumok, bis 21.8.
↗ www.mumok.at
Art Vontobel Förderpreis
Zürich — Dongkyun Vak (*1992) wurde im Mai
mit dem dritten Art Vontobel Förderpreis für
junge Fotografie ausgezeichnet. Der südkoreanische
Künstler beleuchtet in seiner Arbeit
das Spannungsfeld zwischen Natur und Kultur,
Mensch und Technologie im Anthropozän. Dabei
fokussiert er nicht etwa auf die menschlich verursachte
Zerstörung des Planeten. Vielmehr baut
er sein Studio in einen visuellen Denkraum um.
Es entstehen stark stilisierte Objektwelten, die
das Verführerische wie auch das Befremdliche
der von neuen Technologien geprägten Umwelt
widerspiegeln. Er erkundet so die langsame
Entwicklung der Technologie zu einem eigenen
«Organismus» und stellt die Frage nach der Verantwortung
neu. Das Thema ‹Verantwortlichkeit
im Zeichen des Anthropozän› stand im Zentrum
der diesjährigen Förderpreis-Ausschreibung. Sie
wird alle zwei Jahre veranstaltet und konzentriert
sich stets auf eine andere Weltregion – die aktuelle
Ausgabe auf Südostasien. Der Gewinn geht
einher mit einer Preissumme von CHF 20’000
und einer Ausstellung in den Zürcher Räumen
des Schweizer Investmenthauses Vontobel. Die
Schau von Vak wurde kuratiert von Urs Stahel,
freier Kurator von Art Vontobel, und Georgina
Casparis, Head & Curator Art Vontobel. Darüber
hinaus ist ein Begleitkatalog mit Texten des
Kuratorenduos sowie des koranischen Anthropozänforschers
Buhm Soon Park erschienen.
Dongkyun Vak
↗ anewgaze.vontobel.com
Kunstpreis Stadt Zürich 2022
Zürich — Der mit CHF 50’000 dotierte Kunstpreis
der Stadt Zürich geht dieses Jahr an
Ursula Biemann. Die 1955 in Küsnacht geborene
Videokünstlerin zählt zu den international
profiliertesten Kunstschaffenden Zürichs. Sie
erlangte ihren Bachelor of Fine Arts 1986 an der
School of Visual Arts in New York und absolvierte
ein Postgraduiertenstudium am Whitney
Independent Study Program. In den 1990ern
kehrte sie in die Schweiz zurück und war 1995
bis 1998 unter anderem auch als Geschäftsführerin
und Kuratorin an der Shedhalle in Zürich
tätig sowie bis 2014 Senior Researcher an der
Zürcher Hochschule der Künste. Ihre eindringlichen
künstlerisch-essayistischen Werke machten
sie weit über die Schweiz hinaus bekannt.
Vorrangig im Medium der Videoinstallation
beschäftigt sie sich mit essenziellen Themen
der Gegenwart – von Gender, Globalisierung
und Mobilität bis zu Ressourcen, Ökologie und
Klima. Zudem schlägt sie als Theoretikerin
und Aktivistin immer wieder Brücken zwischen
Kunst und sozialem Engagement.
Ursula Biemann
AUSSCHREIBUNGEN
Prix Anne et Robert Bloch
Delémont — Die Fondation Anne et Robert
Bloch pour la promotion de la création culturelle
dans le Jura (FARB) hat ein Atelier stipendium
für das Anwesen ‹La Sarrazine› in Lubéron,
Frankreich, ausgeschrieben. Das Stipendium
beinhaltet die kostenlose Unterkunft und einen
finanziellen Beitrag an die Lebensunterhaltskosten.
Die Dauer des Aufenthalts liegt zwischen
drei und vier Monaten (März bis Juni oder
Juli bis Oktober). Bewerben können sich Schweizer
Künstler:innen und Fachleute, die im Bereich
des kulturellen Erbes der Schweiz tätig sind.
→ Eingabeschluss: 15.8.
↗ www.fondationfarb.ch
Schloss Haldenstein — Druckgrafik-Ausstellung
Haldenstein — Das Schloss Haldenstein
organisiert im Dezember 2022 eine Ausstellung
zum aktuellen druckgrafischen Schaffen. Es
lädt darum Mitglieder der Vereine Druckwerkstatt
Schloss Haldenstein, visarte Graubünden,
visarte Ost, visarte Liechtenstein, Kabinett der
Visionäre sowie weitere druckgrafisch tätige
Kunstschaffende mit Bezug zu Graubünden
ein, sich zu bewerben. Eine Fachjury, die vom
Vorstand des Vereins Schloss Haldenstein
zusammengesetzt wird, entscheidet über die
Auswahl der Werke.
→ Eingabeschluss: 30.9.
↗ www.druckwerkstatt-haldenstein.ch
St.-Leopold-Friedenspreis für humanitäres
Engagement
Klosterneuburg (AT) — Der nach dem Stiftsgründer
benannte St.-Leopold-Friedenspreis
zeichnet Kunstwerke aus, die sich kritisch mit
humanen und gesellschaftspolitischen Themen
auseinandersetzen. Zugelassen sind Werke
Malerei, Grafik, Fotografie und Bildhauerei,
die zusätzlich zum künstlerischen Anspruch
humanitäres Engagement zeigen und das vorgegebene
Thema (s. Website) umsetzen. Bewerben
können sich Künstler:innen und Kollektive
jeder Nationalität, politischer und religiöser
Überzeugung. Das Preisgeld beträgt € 12’000.
→ Eingabeschluss: 30.9.
↗ www.stift-klosterneuburg.at
AICA International — Incentive Prize for Young
Art Critics
Paris/International — Die Internationale
Vereinigung von Kunstkritiker:innen AICA
hat einen Förderpreis für junge Schreibende
ausgeschrieben. Junge und Mid-Career-
Kunstkritiker:innen, die regelmässig in
Zeitungen, Magazinen, im Radio oder Fernsehen
publizieren, können sich mit einem
Essay ihrer Wahl im Umfang von 2000 bis 5000
Worten bewerben. In Aussicht stehen drei
Preise im Wert von $ 1000, $ 500 und $ 250.
Die Gewinner:innen werden auf dem AICA-
Kongress in Chile im kommenden November
verkündet.
→ Eingabeschluss: 15.9.
↗ aicainternational.news/young-critics-prize
Kreativwettbewerb — Stiftung für die Frau
Zürich — Die Stiftung für die Frau mit Sitz an
der Mittelstrasse in Zürich schreibt erneut einen
Wettbewerb ohne Themenvorgabe für gestalterische
und künstlerische Arbeiten aus. Es
sind alle Medien und Stile zugelassen. Einzige
Bedingung ist, dass die eingereichten Werke
2022 entstanden sind. Es steht ein Preisgeld von
insgesamt CHF 40’000 zur Verfügung. Teilnahmeberechtigt
sind Einzelpersonen, Gruppen,
Teams oder auch Familien. Eingaben von Kindern
und Senioren sind willkommen und werden
separat juriert. Die Namen der Preisträger:innen
werden auf der Website und in den Schaukästen
der Stiftung für die Frau veröffentlicht.
→ Eingabeschluss: 31.10.
↗ www.chemical-moon.squarespace.com
142 Kunstbulletin 7-8/2022 NOTIERT // PREISE / AUSSCHREIBUNGEN 143

DIES UND DAS
Forum Schlossplatz — remise!
Aarau — Ein neues Format ergänzt das
Programm des Forum Schlossplatz in den
Sommermonaten: ‹remise!› wird jährlich von
anderen Menschen gestaltet und programmiert,
ganz im Sinne des französischen Wortes
«remise», was so viel heisst wie «Übergabe,
Aushändigung». Genutzt wird dazu der frühere
Geräte- und Fahrzeugschuppen im Park des
Haus zum Schlossgarten. Mit Atelier- und
Ausstellungsraum ausgestattet, bietet das
kleine Gebäude heute den idealen Ort für
bunte Ideen. Die erste ‹remise!› wird vom frisch
gegründeten ‹Klub Fritto Misto› bestritten. Die
Vereinsmitglieder Matteo Emilio Baldi (Autor
und Gelegenheitsjournalist), Luca Schaffer
(Fotograf und Veranstaltungstechniker) und
Stephan Wespi (Szenograf und Designer)
gestalten «in Gemeinschaftsarbeit mit vielen
Lokalheld:innen», wie sie es nennen, sechs
heitere Zusammenkünfte. Bereits stattgefunden
haben ein gemeinsames Korkenziehen mit
Lieblingsweinen aller Gäste und ein Rennen für
ferngesteuerte Autos. Bei den noch folgenden
Events steht Stückegiessen, Backen, Senden
und Ausklingen auf dem Programm.
Tatort Langmatt
Baden — Das Museum Langmatt betritt puncto
digitaler Kunstvermittlung ein weiteres Mal
Neuland: Ein Comedy-Hörstück begleitet
Besucher:innen neuerdings zu ausgewählten
Werken und Objekten der Sammlung. Während
man sich mit Kopfhörern und Tablet durch
die Räume bewegt, wird automatisch eine
Geschichte abgespielt: Das Museum Langmatt
wurde Schauplatz eines Verbrechens! Was ist
geschehen? Bereits ist Kommissarin Hugentobler
vor Ort, nimmt Ermittlungen auf und befragt
die Tiere der Sammlung. Freudig nutzen diese
die Gelegenheit, endlich aus dem Schatten der
Impressionisten zu treten und zu fabulieren.
Die eingesetzte App wurde vom Stadtmuseum
Aarau entwickelt und erst kürzlich lanciert.
Vertont werden die Dialoge von der Schauspielerin
und Parodistin Birgit Steinegger und dem
Kabarettisten Gabriel Vetter. ‹Tatort Langmatt›
ermöglicht einen leichten, spielerischen Zugang
zur Sammlung, nicht nur, aber besonders
auch für junge (ab Primarschulalter) und jung
gebliebene Besucher:innen.
eines dieser Bilder erzählen.» So beginnt der
Einführungstext zu einer aktuellen Ausstellung
der besonderen Art: ‹Leuchtendes Geheimnis –
Kinder kuratieren Klee› heisst das Projekt des
Zentrums Paul Klee. Dazu wurden via Open
Call im Frühjahr 2021 Kinder im Alter von 8 bis
12 Jahren gesucht, die sich mit experimentellen
und eigens hierfür entwickelten Methoden dem
Werk von Paul Klee nähern wollten. 13 Schülerinnen
und Schüler aus der Region Bern haben
sich auf das Wagnis eingelassen und sich während
sieben Monaten wöchentlich in Workshops
getroffen. Begleitet wurden sie dabei von Fachleuten
der Abteilung Sammlung, Ausstellungen,
Forschung des ZPK, des Kindermuseums Creaviva
und des Community-Projekts paul&ich.
Die Jungkurator:innen haben so eine vielfältige
Ausstellung zum Avantgardekünstler selbst
entwickelt – von der Themenfindung über die
Werkauswahl und die Ausstellungsgestaltung
bis hin zur Vermittlungsbroschüre. Ausgehend
von dem Werk ‹Glas-Fassade› von 1940, das
auf der Rückseite das lange unentdeckte Bild
‹Mädchen stirbt und wird› enthält, fächert die
Schau in zwölf Kapiteln zahlreiche Facetten von
Klees Schaffen auf.
museum, denn der Bau mit seinem markanten
Treppenturm wurde ab Mitte des 19. Jahrhunderts
von der damals neu gegründeten ‹Rotfarb
und Cattundruckerei› genutzt. Anlässlich des
Jubiläums lässt Direktorin Lucia Angela Cavegn
diese Vergangenheit nun vierfach aufleben:
Einerseits werden erstmals überhaupt rund
100 der insgesamt mehr als 1000 erhaltenen
Entwurfszeichnungen der ehemaligen
Kattundruckerei präsentiert. Daneben erinnern
Fotografien der Diessenhofer Fotografenbrüder
Bruno + Eric Bührer an die Eröffnung des
Museums vor 60 Jahren und an die gleichzeitig
eingeweihte Dauerausstellung mit Werken von
Carl Roesch (1884–1979). Daneben gibt es zwei
Interventionen von zeitgenössischen Positionen,
die auf den Kontext reagieren: Der heute in
Aadorf lebende Modedesigner Donegel’ Chong
zeigt neue, vom traditionellen Paisley-Muster
inspirierte Gemälde und ein Environment. Die
Diessenhofener Textildesignerin Andrea Buck
hat eine Installation mit Modepuppen entwickelt
und Zeugdrucke auf Fotografien der
1920er-Jahre appliziert. Sie lassen sich mit
dem eigenen Smartphone gar animieren. Zudem
können Fotocollagen von Buck im Museum
erworben werden. Der Erlös kommt der Produktion
von Schutzwesten für die Ukraine zugute.
Buddhistischer Löwe (Fo-Hund), sitzender Löwe,
eine Perle verschlingend, China, Ming-Dynastie,
1600–1640 oder um 1880, Irdenware, glasiert
→ Museum Langmatt, bis 11.12.
↗ www.langmatt.ch
Workshop ‹Kinder kuratieren Klee›, Depot ZPK.
Foto: Martin Waldmeier/Zentrum Paul Klee, Bern
→ Zentrum Paul Klee, bis 4.9. ↗ www.zpk.org
Klub Fritto Misto · Das Korkenziehen, Symbolbild
zum gleichnamigen Anlass für ‹remise!›
→ Veranstaltungen am 15.7., 13., 18./19.
und 27.8. ↗ www.forumschlossplatz.ch
Leuchtendes Geheimnis — Kinder kuratieren
Klee
Bern — «Paul Klee steckt voller Widersprüche
und Geheimnisse – genauso wie seine Bilder.
In dieser Ausstellung wollen wir die Geschichte
60 Jahre Museum Kunst + Wissen
Diessenhofen — Das Museum Kunst + Wissen,
direkt am Rheinufer gelegen, vermittelt heute
in Dauer- und Sonderausstellungen Kultur, Geschichte,
Natur und Allgemeinwissen. Gegründet
wurde es vor 60 Jahren als Stoffdruckerei-
Andrea Buck · Anziehend! Lauter rotes Zeug,
2022, Giclée-Print auf mattem Fotopapier aus
100 % Zellstoff, DIN A2 , Ed. 5
→ bis 18.9.
↗ www.diessenhofen.ch/museum
144 Kunstbulletin 7-8/2022 NOTIERT // DIES UND DAS 145

Who Cares?
Genf — Welche Figuren prägen unsere Vorstellung
von Pflege und Betreuung? Und wie sieht
die Realität der humanitären Arbeit aus? Unter
dem doppeldeutigen Ausstellungstitel ‹Who
Cares?› lädt das Internationale Rotkreuz- und
Rothalbmondmuseum (MICR) dazu ein, die
Geschichte der humanitären Arbeit aus der Gender-Perspektive
zu betrachten. Mithilfe einer
breit gefächerten Auswahl von Objekten und
Texten, die erstmals zusammen präsentiert werden,
wird ein kritischer Blick auf die stereotypen
Darstellungen der Pflegenden geworfen und aufgezeigt,
wie stark diese auf einem männlichen
Blickwinkel aufbauen. Die Schau entstand aus
der Partnerschaft zwischen dem MICR und der
Universität Genf und wird vom Schweizerischen
Nationalfonds zur Förderung der wissenschaftlichen
Forschung (SNF) unterstützt.
Anonyme Aufnahme, Rotkreuz-Spital ‹Vittorio
Emanuele III›, Turin 1916, Internationales Rotkreuz-
und Rothalbmondmuseum (MICR)
→ Rotkreuz- und Rothalbmondmuseum (MICR),
bis 9.10. ↗ www.redcrossmuseum.ch
steirischer herbst — Prolog: Krieg in der Ferne
Graz — Immer wieder war und ist die Steiermark
von Kriegen umringt, von denen viele nur
als Echo in der Ferne wahrgenommen werden.
Die diesjährige Ausgabe des spartenübergreifenden
Festivals steirischer herbst widmet sich
ab Mitte September dieser drohenden Präsenz
entlegener Schlachten. Schon jetzt lenkt eine
Video- und Filmschau in der Neuen Galerie als
Prolog zum Festival den Blick auf Russlands
Angriffskrieg in der Ukraine. Er erscheint als
Implosion einer bereits vorher tragischen
und gewaltsamen ukrainisch-sowjetischen
Geschichte, deren filmische Dokumente zu
den Meisterwerken des Avantgarde-Kinos des
20. Jahrhunderts gehören. Zeitgenössische
Künstler:innen aus der Ukraine greifen auf diese
Geschichte zurück und zeigen deren brutale
Umkehrung in der Gegenwart, während sie über
den seit 2014 andauernden Krieg mit Russland
reflektieren. Daneben zeigen aktuelle Dokumentarfilme,
wie sich der Krieg auf die wirtschaftlich
schwachen Regionen und die dort lebende
Bevölkerung auswirkt. Dabei wird deutlich: Trotz
der weitverbreiteten Zerstörung gibt es Raum
für Heroismus, Hoffnung und Poesie.
Dana Kavelina · Letter to a Turtledove, 2020,
Filmstill
→ Neue Galerie, bis 1.8.
↗ www.steirischerherbst.at
Save Ukrainian Culture
Kiew — Ende April haben das ukrainische Ministerium
für Kultur und Informationspolitik, die
Staatliche Agentur für Kunst und Kunstausbildung
sowie Everstake, ein führender ukrainischer
Anbieter von «dezentralem Staking» in
der Blockchain-Industrie, ihre gemeinsame
Charity-Initiative ‹Save Ukrainian Culture›
vorgestellt. «In der Ukraine gibt es sieben
UNESCO-Welterbestätten, weitere 17 Objekte
stehen auf der Vorschlagsliste als Weltkulturerbe.
Daneben gibt es Tausende kulturelle Einrichtungen
und Denkmäler von unschätzbarem
historischem Wert. Sie alle sind in Gefahr, von
den Angreifern zerstört zu werden», heisst es in
der Medienmitteilung. Die anhaltenden Bombardierungen
durch das russische Militär haben
bereits zahlreiche Museen, Kirchen, Theater, Bibliotheken
und andere kulturelle Einrichtungen
getroffen. Auch Plünderungen von beweglichem
Kulturgut sollen stattgefunden haben. Für den
Schutz dieser Güter und die spätere Wiederherstellung
der zerstörten Stätten sammelt die
Initiative nun Geld, denn: «Kultur ist die Essenz
menschlicher Existenz.» Spenden können in
Krypto- oder Fiat-Währungen getätigt werden.
↗ donate.arts.gov.ua/en
120 Jahre SGBK
Leuk —Der Berufsverband Schweizerische
Gesellschaft Bildender Künstlerinnen SGBK
feiert heuer sein 120-jähriges Bestehen.
Gegründet wurde die Vereinigung zu einer
Zeit, da Frauen die Mitgliedschaft bei der
Gesellschaft Schweizerischer Maler, Bildhauer
und Architekten GSMBA (heute Visarte) noch
verwehrt war. Seither hat sich puncto Gender
in der Kunst vieles verbessert, vieles ist noch
zu tun. Das Jubiläum der SGBK wird trotzdem
ausgiebig gefeiert mit Sonderveranstaltungen
und Ausstellungen. Die Sektion Bern/Romandie
etwa «besetzte» das Schloss Leuk und zeigt
eine Vielfalt von künstlerischen Positionen und
Haltungen. Rund fünfzig Künstlerinnen werden
in zwei Ausstellungsetappen präsentiert. Teil
der Schau ist auch das partizipative Häkelprojekt
‹Oma’s Glozzjini›, das von den Künstlerinnen
Elisbeth Fux Mattig und Manuela
Brügger initiiert wurde: Mit vielen fleissigen
Stricker:innen und Häckler:innen sollten rund
3480 Quadrate – Glozzjini eben – entstehen,
aus denen schliesslich Hauben für die Zinnen
des Schlosses erstellt wurden. Mitte August
wird vor dieser bunten Kulisse zur Jubiläumsfeier
geladen. Parallel zeigt aktuell etwa
die Galerie Carzaniga in Basel ausgewählte
Werke der Sektion Basel, und im Rahmen der
Performance-Schau ‹Bang Bang› im Museum
Tinguely wird Anfang August ein Film über die
120 Jahre der SGBK präsentiert.
Aufbau von ‹Oma’s Glozzjini› Auslegung der
gehäkelten Quadrate, Schloss Leuk 2022.
Foto: Elisabeth Fux Mattig
→ Schloss Leuk, bis 30.9.; Jubiläumsfeier:
20./21.8. ↗ www.sgbk.ch
↗ www.sgbk-bern.ch ↗ www.omasglozzjini.ch
→ Galerie Carzaniga, Basel, bis 20.8.
↗ www.carzaniga.ch
→ Museum Tinguely, Film-Screening, 3.8.
↗ www.tinguely.ch
Kunsthoch Luzern
Luzern — 30 Kunsträume bilden zusammen
Kunsthoch Luzern: Der Aktionstag der Institutionen
zeitgenössischer Kunst in und um Luzern
findet diesen Sommer zum 14. Mal statt. Er
bietet neun Stunden lang Führungen durch die
Ausstellungen, Performances, Lesungen oder
Gespräche mit Kurator:innen und Kunstschaffenden.
Zu entdecken gibt es etwa die
Soloschau ‹Floor is Lava› des Luzerners Mathis
Pfäffli im Kunstmuseum. Im Benzeholz – Raum
für zeitgenössische Kunst in Meggen sind
analoge Fotografien von Lorenz Oliver Schmid
ausgestellt, während in der akku Kunstplattform
der Auftakt des Projekts ‹Dessin – Zeichnung
in der Zentralschweiz› zu sehen ist. Aber
auch Galerien und Kunsträume präsentieren
Sehenswertes und Sonderveranstaltungen.
Um mehrere Stationen zu besuchen, bietet
sich einer der kostenlosen Rundgänge an, auf
146 Kunstbulletin 7-8/2022 NOTIERT // DIES UND DAS 147

denen Persönlichkeiten aus dem Kulturleben
Einblicke in ausgewählte Ausstellungen geben.
So führt Lynn Kost, Kurator am Kunst Museum
Winterthur, zu Fuss zu den im Stadtzentrum
gelegenen Ausstellungsorten. Für jene im
Radius der Stadt gibt es eine Velo-Tour – das
Künstlerduo Lipp&Leuthold fährt auf dem
Tandem voraus.
Naegeli entdecken: Während der Pressekonferenz
zur Ausstellung Anfang Mai dieses Jahres
schlich sich der Künstler davon, um auf der
Nordseite der St.-Peter-und-Paul-Kirche ein
Totentanzmotiv anzubringen.
Byamba Batkhuyag · Good-bye, 2020, Fotografie,
Bayan Ulgii, Mongolei
Kay Yoon · Play, Touch, Grip, 2021,
Ausstellungs ansicht sic! Elephanthouse,
Kunsthoch Luzern 2021
→ 27.8.
↗ www.kunsthoch-luzern.ch
Les jours des éphémères
Olten — Zum neunten Mal stellen ‹Les jours
des éphémères› performative und schnell
vergängliche Formen der Kunst ins Zentrum.
Nach Stationen in Solothurn, Leuk und Bern
wird das Festival 2022 im Lichtspiel-Theater
in Olten ausgetragen. Die diesjährige Jury,
bestehend aus Stefanie Steinmann, Kunsthistorikerin
und freie Kuratorin, Michael Sutter,
Leiter Kunsthalle Luzern, und dem Kunstschaffenden
und Festivalinitiant Meinrad Feuchter,
hat aufgrund einer Ausschreibung rund fünfzig
Bewerbungen aus der Schweiz, Deutschland,
Grossbritannien, Belgien, Frankreich und China
erhalten. Daraus wurden zwanzig «kurzlebige»
und prozessorientierte Projekte ausgewählt,
die sich auch thematisch mit dem Flüchtigen
und Vergänglichkeit beschäftigen. So spielen
etwa Aggregatzustände, Lichteinflüsse oder
die Schwerkraft eine Rolle in den Werken des
diesjährigen Festivals.
Franziska Lauber · Schlafende Hunde,
5 Installationen mit Zeitungspapier im öffentlichen
Raum, Les jours des éphémères,
Solothurn 2017
→ Verein Lichtspiele, 19./20.8.
↗ www.lesjoursdeséphémères.ch
art ufnau — Harald Naegeli
Ufnau — Der «Sprayer von Zürich» Harald Naegeli
(*1939) zeichnet nicht nur auf Betonwände,
sondern auch auf Papier: Zwischen 2014
und 2018 schuf der Künstler den Bilderzyklus
‹Dämonie aus dem Unbewussten›, der nun
in der Kapelle St. Martin auf der Insel Ufnau
erstmals öffentlich präsentiert wird. In dem
Sakralraum als durchgehender Fries gehängt,
stellen die 37 Zeichnungen unter dem Ausstellungstitel
‹Ufnauer Totentanz› eine Verbindung
zur mittelalterlichen und frühneuzeitlichen
Totentanztradition her – eine Tradition, die sich
auch durch Naegelis reiches Schaffen zieht. In
einer Veranstaltungsreihe wird das Thema mit
Expert:innen aus unterschiedlichen Fachgebieten
beleuchtet und zu Fragestellungen über
das Menschsein ausgeweitet. Ende August
beispielsweise spricht die Astrophysikerin und
Weltraumforscherin Katharina Altwegg über
Endlichkeit und Unendlichkeit. Und Anfang
September referiert Georges Descoeudres,
emeritierter Professor des Kunsthistorischen
Instituts in Zürich, über ‹Beinhäuser und Totentänze›.
Wer sich zu dieser oder anderer Gelegenheiten
auf die Insel Ufnau begibt, wird dann
doch auch noch einen «typischen», gesprayten
Harald Naegeli · Sprayzeichnung, 2022,
Nordseite der Kirche St. Peter und Paul, Insel
Ufenau © ProLitteris. Foto: Michael Gnos
→ bis Mitte Oktober
↗ www.art-ufnau.ch
Sustainable Mountain Art — Byamba Batkhuyag
Valposchiavo — Seit 2014 existiert das Programm
Sustainable Mountain Art, kurz SMArt,
das mittels Kunst für die vielfältigen Herausforderungen
der Bergregionen wie Klimawandel,
Biodiversität oder Migration sensibilisieren
will. Dazu werden Künstlerinnen und Künstler
aus südlichen und östlichen Ländern zu
Aufenthalten in Schweizer Partnerinstitutionen
eingeladen, während derer sie sich mit lokalen
Kunstschaffenden, anderen Fachleuten und
dem Publikum austauschen. Basierend darauf
wird ein Werk entwickelt, das die Gastregion mit
dem Blick von aussen spiegelt. Aktuell residiert
im Rahmen von SMArt im Kulturverein riverbero
in Poschiavo der mongolische Fotograf Byamba
Batkhuyag. Sein Fokus liegt auf Porträts,
Streetphotography und Alltagszenen aus dem
Ger District, dem Vorstadtgebiet, in dem er lebt.
In Poschiavo konzentriert er sich auf das Thema
Berglandwirtschaft. Ab Ende August präsentiert
er die so entstandenen Arbeiten in einer Ausstellung,
die von Vorträgen und Workshops rund
um die gewählte Thematik begleitet wird.
→ riverbero, Vernissage: 13.8., Ausstellung
bis 10.9. ↗ www.riverbero.ch
↗ www.sustainablemountainart.com
vonWegen
Winterthur — Der Skulpturort Weiertal mit
zauberhaftem Park lässt sich nur zu Fuss erwandern.
Da drängt sich das Thema Wege und
Umwege geradezu auf. Das temporäre Kollektiv
tac22 – Nico Lazúla, Ruedi Staub, Marion
Strunk und Eva Wandeler – lud vier weitere
Künstler:innen ein, so sind 19 Projekte zusammengekommen.
Da hätte man tatsächlich
gerne ein Pferd, wie von Alex Hanimann (*1955)
bereits vermutet, um schnell und ressourcenschonend
anzutraben. Doch zwei Beine müssen
auch diesmal für die üppig bestückte Schau
reichen. Beteiligt sind nebst den Initiant:innen
und vielen anderen Peter Baracchi, Victorine
Müller, Stefan Rohner, Navid Tschopp und Andrea
Wolfensberger. Die Gesamtleitung liegt in
den tatkräftigen Händen von Maja von Meiss.
Alex Hanimann · o.T. [If I had asked], 2022,
Stahl, Aluminium, 80 x 815 cm © ProLitteris
→ Kulturort Galerie Weiertal, bis 4.9.
↗ www.galerieweiertal.ch
148 Kunstbulletin 7-8/2022 NOTIERT // DIES UND DAS 149

AGENDA
Schweiz *0041
Aarau Aargauer Kunsthaus, Aarau, Aargauerplatz Davor – Darin – Danach –ı 7.8.
Altdorf Haus für Kunst Uri, Herrengasse 4, *870 29 29 Unsichtbar – Daniel Comte,
–ı 21.8.
Pascal Danz
Appenzell Kunsthalle Ziegelhütte, Ziegeleistr. 14, *71 788 18 60 R.A.W. or the sirens of Titan –ı 16.10.
Kunstmuseum Appenzell, Unterrainstrasse 5 R.A.W. or the sirens of Titan –ı 16.10.
Arlesheim Forum Würth Arlesheim, Dornwydenweg 11, *61 705 95 95 Tomi Ungerer – Sammlung Würth –ı 20.11.
Ascona Museo Castello San Materno, Via Losone 10, *91 759 8160 Lovis Corinth – Meister der Farbe – –ı 4.9.
Meister der Grafik
Museo Comunale d’Arte Moderna, Via Borgo 34,
Marianne Werefkin e Willy Fries – –ı 15.8.
*91 759 81 40
due visioni a confronto
Stiftung Ignaz und Mischa Epper, Via Carrà dei Nasi 1, Ignaz Epper –ı 30.10.
*91 791 1942
Sacchetti Contemporary, Via Beato P. Berno 14,
Maximilian Verhas – Rolling Loops –ı 13.8.
*91 791 20 79
Baar foryouandyourcustomers, Standort Baar, Bahnhofstrasse 4 Georges Wenger –ı 30.11.
Bad Zurzach Galerie Mauritiushof, Hauptstrasse 41, *56 249 2412 Skulpturen – Heinz Aeschlimann –ı 28.8.
Baden Museum Langmatt, Römerstrasse 30, *56 200 86 70 Birgit Kempker –ı 4.9.
Liebe Grüsse –ı 4.9.
Renoir unplugged –ı 4.9.
Schaufenster Archiv – Historische –ı 18.9.
Postkartengrüsse
Barbara Stutz – Growing Colours –ı 18.9.
Raumfahrt VI – Badel/Sarbach, Val –ı 25.9.
Minnig, Joaquim Cantor Miranda
Galerie 94, Bruggerstrasse 37, Merker-Areal, *79 416 92 43 Imagine – Anna Lehmann-Brauns, 18.8.–24.9.
Sabine Dehnel
Kunstfenster, Metro Shop/Fussgängerebene,
Von den Gaerten – Maria Kaegi –ı 22.7.
Bahnhofstr. 40/42
Balsthal Galerie Rössli Balsthal, Herrengasse 8, *76 575 28 68 René Myrha 21.8.–11.9.
Basel Cartoonmuseum, St. Alban-Vorstadt 28 Gabriella Giandelli –ı 30.10.
–ı 29.1.
Historisches Museum Basel, Barfüsserplatz 4,
*61 205 8600
Schöner trinken – Barockes Silber
aus einer Basler Sammlung
Kunsthalle Basel, Steinenberg 7, *61 206 9900 Yoan Mudry –ı 7.8.
Michael Armitage –ı 4.9.
Berenice Olmedo –ı 18.9.
Kunstmuseum Basel | Gegenwart, St. Alban-Rheinweg 60 Heute Nacht geträumt – Eine
–ı 14.8.
Ausstellung von Ruth Buchanan
Joseph Beuys – Die Ursache liegt in
der Zukunft
–ı 14.8.
Kunstmuseum Basel | Hauptbau & Neubau, St. Alban-
Graben 16/20, *61 206 62 62
Museum der Kulturen Basel, Münsterplatz 20,
*61 266 56 00
Variation in Print – Amerikanische –ı 28.8.
Druckgrafik
Brice Marden – Inner Space –ı 28.8.
Making the World – Spirituelle
–ı 4.9.
Welten
Picasso – El Greco –ı 25.9.
tierisch! Keine Kultur ohne Tiere
–ı 20.11.
Stückwerk –ı 22.1.
Erleuchtet! –ı 22.1.
Memory –ı 5.7.
Basler Fasnacht –ı 31.12.
Museum Tinguely, Paul Sacher-Anlage 1 Bang Bang –ı 21.8.
Jean-Jacques Lebel –ı 18.9.
Basel — Sasaki Makoto, Hebel_121 Bellinzona — Patricia Jacomella
Bonola, MACT/CACT
Anouk Kruithof –ı 30.10.
Le Définitiv – c’est le Provisoire –ı 30.4.
RappazMuseum, Klingental 11, *61 681 7121 Peter Olpe – Der schweifende Blick –ı 17.7.
ARTconcret 22.7.–9.10.
Arté Wallhoff, Klosterberg 17, *0 79 308 53 43
Mystic Compositions and Morphic –ı 28.7.
Resonances – Otto Urwyler
Kraft, Bilder und Regenerative 1.8.–29.9.
Resonanzen – Dr. Martin Wechsler
Ausstellungsraum balagan Arts, Allschwilerstrasse 101 Henna & Filmstills – Irène Hänni & –ı 28.7.
Avan Omar
Dock Kunstraum, Archiv und Ausleihe, Klybeckstr. 29, Fictional Plants –ı 4.9.
*61 556 4066
Galerie Carzaniga, Gemsberg 10
120 Jahre Schweizerische
–ı 20.8.
Gesellschaft Bildender
Künstlerinnen (SGBK)
Andrea Gabutti | Informal
Highlights: Fokus Mark Tobey |
Jürg Kreienbühl
25.8.–22.10.
Galerie Eulenspiegel, Gerbergässlein 6, Postfach 1946,
*61 263 70 80
Galerie Gisèle Linder, Elisabethenstr. 54
Galerie Marianne Grob, Amerbachstrasse 10,
*78 953 72 58
Takakazu Takeuchi
–ı 6.8.
BKG präsentiert... 10.8.–20.8.
Tamara Lise, Dario Santacroce 25.8.–8.10.
Renate Buser – Past, Future,
–ı 16.7.
Present
Susanna Niederer – Weiter immer
–ı 16.7.
Weiter!
Gallery Ann Mazzotti, Horburgstrasse 80, *76 433 17 82 Kerstin Mörsch 20.8.–1.10.
Galerie Lilian Andrée, Gartengasse 12 Kira Weber — Malerei –ı 21.8.
Guillaume Daeppen | Gallery & Space for zines,
Müllheimerstrasse 144, *79 467 90 62
STF Moscato – En attendant le
retour des bêtes sauvages
Wonky: Out The Mud – Balthasar
Bosshard
–ı 30.7.
20.8.–22.10.
Hebel_121, Hebelstrasse 121, *061 321 1503 Entgrenzter Raum II – Schrift
–ı 6.8.
und Bewegung
Helvetia Art Foyer, Steinengraben 25, *58 280 1530 Satt Sehen –ı 30.7.
Nicolas Krupp, Rosentalstrasse 28 Arnold Helbling –ı 27.8.
SGBK, Spalenvorstadt 18, *61 361 61 48 Christiane Haefelin 18.8.–3.9.
Stampa, Spalenberg 2, *61 261 79 10 Jonas Burkhalter – Mind –ı 27.8.
Véronique Arnold – And when I say –ı 27.8.
you are dreaming...
videocity.bs, Messeplatz 21/22 Eye/View (Augen-Blick) –ı 23.10.
Augen-Blick Ukraine –ı 7.8.
Vitrine, Basel, Vogesenplatz Ich Dien – Martin Chramosta –ı 4.9.
von Bartha Basel, Kannenfeldplatz 6 Olaf Breuning – Two Lakes –ı 30.7.
150 Kunstbulletin 7-8/2022
AGENDA // SCHWEIZ 151

Basel/
Münchenstein
Sarah Oppenheimer – N-03 –ı 30.7.
Wilde | Basel, Angensteinerstrasse 37, *61 311 70 51 Rafael Lozano Hemmer –
Excuse you!
–ı 20.8.
HEK (Haus der Elektronischen Künste), Freilager-Platz 9, Emmanuel Van der Auwera –ı 7.8.
*61 283 60 50
Basel/Muttenz Kunsthaus Baselland, St. Jakob-Str. 170, *61 312 8388 Gabrielle Goliath –ı 17.7.
Anne-Lise Coste –ı 17.7.
Latifa Echakhch & Zineb Sedira –ı 17.7.
Next Generation 21.8.–28.8.
Claudia & Julia Müller –ı 31.12.
Basel/Riehen Fondation Beyeler, Baselstr. 101 Passagen – Landschaft, Figur und –ı 14.8.
Abstraktion
Mondrian Evolution –
–ı 9.10.
Piet Mondrian
Künstlerhaus Claire Ochsner, Baselstr. 88, *61 641 1020 Fabelwesen – Claire Ochsner –ı 25.9.
Galerie Mollwo, Gartengasse 10, *61 641 1678
Bananensprayer Thomas
–ı 23.7.
Baumgärtel
Sommeraccrochage 31.7.–11.9.
–ı 28.8.
Bellinzona Centro Arte Contemporanea Ticino, Via Tamaro 3,
*91 825 4085
Wunderkammer – Between Reason
and Eroticism
Patricia Jacomella Bonola – The –ı 28.8.
Party Is Over: Welcome Darkness!
Museo Villa dei Cedri, Piazza San Biagio 9, *58 203 17 31 Arte et Botanica –ı 7.8.
Bern Historisches Museum Bern, Helvetiaplatz 5, *31 350 7711 Das entfesselte Geld –ı 8.1.
Kunsthalle Bern, Helvetiaplatz 1 Ivana Franke –ı 7.8.
Kunstmuseum Bern, Hodlerstr. 8–12 Heidi Bucher – Metamorphosen I –ı 7.8.
Vivre notre temps! – Bonnard,
–ı 16.10.
Vallotton und die Nabis
Naturhistorisches Museum Bern, Bernastrasse 15
The Substitute – Alexandra Daisy –ı 30.11.
Ginsberg
Weltuntergang – Ende ohne Ende –ı 30.11.
Zentrum Paul Klee, Monument im Fruchtland 3
Bridget Riley – Looking and Seeing, –ı 21.8.
Doing and Making
Leuchtendes Geheimnis – Kinder
–ı 4.9.
kuratieren Klee
casita, Schwalbenweg 6a, *79 260 6612 Bruno Fauser 19.8.–25.8.
Bern / Hettiswil
b. Hindelbank
Galerie Bernhard Bischoff & Partner, PROGR_Zentrum für
Kulturproduktion, Waisenhausplatz 30, *31 312 0666
Die Mobiliar – Öffentlicher Ausstellungsraum,
Bundesgasse 35
Elsbeth Böniger – Alchimistische
Substanz
Kunst & Nachhaltigkeit Vol. 15 –
Monica Ursina Jäger
19.8.–17.9.
–ı 26.8.
DuflonRacz Bern, Gerechtigkeitsgasse 40 Annette Barcelo 20.8.–17.9.
DuflonRacz/ProjektLinks/, Gerechtigkeitsgasse 40 Lorenzo Salafia 20.8.–17.9.
Galerie da Mihi | KunstKeller, Gerechtigkeitsgasse 40 Urs Stooss 19.8.–24.9.
Kino Rex, 9 Schwanengasse Eye/View x REX Box III –ı 26.7.
Videocity zu Gast in der REX Box
Bern
28.7.–23.8.
Museum/Galerie Illusoria-Land, Sandro Del-Prete,
Illusoria-Land, Rest. Kreuz, Hindelbankstr. 33,
3325 Hettiswil, *31 921 68 62
Biel/Bienne Kunsthaus Centre d’art Pasquart, Seevorstadt 71,
*32 322 5586
Gewölbe Galerie, Obergasse 4+10a, *32 323 49 58
Krone Couronne, 1 Obergasse, *79 523 15 42
Sandro Del-Prete, optische
Täuschungen und Holographien
–ı 31.12.
Aktuelle Malerei in der Schweiz –ı 4.9.
Gedenkausstellung Giancarlo
Tamagni & Eingeladene
Echoes – Lara Dâmaso with
N. Jagudajev, T. Johnson, M.
P. Espinoza
19.8.–17.9.
–ı 16.7.
Photoforum Pasquart, Seevorstadt 71–75, *32 322 4482 Sheida Soleimani –ı 4.9.
Binn Landschaftspark Binntal, Postfach 20 Twingi Land Art 2022 –ı 16.10.
Birsfelden City Salts, Hauptstrasse 12, *61 311 7375 Gina Proenza feat. Gina Fischli –ı 30.9.
Jean Katambayi Mukendi –ı 30.9.
Adriano Costa –ı 30.9.
Brig Galerie Zur Matze, Alte Simplonstr. 28, *27 946 01 22 Amer Kobaslija 13.8.–4.9.
Brugg Zimmermannhaus Brugg, Vorstadt 19, *56 441 96 01 Christine Bänninger, Angela Anzi 20.8.–2.10.
Brunnen kunstkabinen.ch, Bahnhof Brunnen, Bahnhofstrasse Dave –ı 27.8.
Bruzella Rolla Foundation, Rolla.info – la Stráda Végia, (ex via Where I Came From – Philip Rolla –ı 30.10.
Municipio), *77 474 0549
Büren a.A. ARTis Galerie, Hauptgasse 32, Postfach 1, *32 351 3046 Daniel Harisberger und Benji
Massa
–ı 16.7.
Burgdorf Altes Schlachthaus Bernhard Luginbühl, Metzgergasse 15,
*79 665 08 47
Altes Schlachthaus Bernhard
Luginbühl
–ı 11.12.
Museum Franz Gertsch, Platanenstrasse 3 Franz Gertsch – blau –ı 28.8.
Xenia Hauser –ı 28.8.
Katsutoshi Yuasa –ı 4.9.
Castasegna Sala Viaggiatori, 1 Via Principale Max. 5 Grussworte – Das
–ı 28.8.
Postkartenbergell
Chiasso m.a.x.museo, Via Dante Alighieri 6 Mario Comensoli –uomini in blu –ı 24.7.
Vito Noto – Quaranta anni di
–ı 11.9.
grafica e design. Il senso delle idee
Chur Bündner Kunstmuseum Chur, Bahnhofstrasse 35 Wolfgang Laib – Crossing Rivers –ı 31.7.
Jean-Frédéric Schnyder –
–ı 31.12.
Apocalypso
Forum Würth Chur, Aspermontstr. 1, *81 558 0558
François Morellet oder die
–ı 15.1.
Leichtigkeit der Geometrie
Rätisches Museum, Hofstrasse 1
Bündner Söldner – Bündner in
–ı 18.9.
fremden Diensten
Davos
–ı 4.9.
Kirchner Museum Davos, Promenade 82, Ernst Ludwig
Kirchner Platz
Fehmarndünen in den Alpen –
Ernst Ludwig Kirchner
Europa auf Kur – E. L. Kirchner,
–ı 30.10.
Th. Mann und der Mythos Davos
Iris Wazzau, Promenade 72, *81 413 3106
Davos – Aus dem Galerie-
–ı 30.9.
Programm
Diessenhofen Museum kunst + wissen, Museumsgasse 11, *52 533 11 67 Andrea Buck – Anziehend! Lauter –ı 18.9.
rotes Zeug
Auf Tuchfühlung mit dem
–ı 18.9.
Kulturerbe
Donegel’ Chong –ı 18.9.
Bezugspunkt Diessenhofen –ı 18.9.
Dietikon Holzkorporation Dietikon, Holzkorporation Kunst im Wald –ı 21.10.
Eglisau Galerie am Platz Eglisau, Obergass 23 Daniel Leber –ı 13.8.
Una Conca incantata – Rosina Kuhn 21.8.–1.10.
Engelberg Tal Museum Engelberg, Dorfstrasse 6, *637 0414 Ian Clements –ı 14.8.
Ennetbürgen Skulpturenpark Ennetbürgen, Stanserstrasse 81, *611 0510 Skulpturenpark Ennetbürgen 2022 –ı 13.11.
Freienbach Insel Ufnau, Kapelle St. Martin, Insel Ufenau Dämonie aus dem Unbewussten –ı 20.10.
Fribourg Kunsthalle Friart Fribourg, 22, Petites-Rames,
Georgia Sagri, Case_L –ı 31.7.
*26 323 23 51
Musée d’Art et d’Histoire Fribourg, Rue de Morat 12 Isabelle Krieg –ı 18.9.
Noémi Handrik – Muse(s):
Zeitgenössische Keramik
–ı 18.12.
Genève
Centre d’Art Contemporain Genève, 10, rue des Vieux-
Grenadiers
Guerreiro do Divino Amor
–ı 7.8.
Aria Dean –ı 14.8.
Centre de la Photographie Genève, 28, rue des Bains Abdo Shanan –ı 31.8.
Musée Ariana, 10, av. de la Paix Tasses ! –ı 31.7.
Alexandre Joly –ı 7.8.
Hubert Crevoisier –ı 7.8.
152 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // SCHWEIZ 153

Genève — Blair Thurman, Xippas.
Foto: Kevin Todora
Locarno-Solduno — Hans Arp, Fond.
Marguerite Arp © ProLitteris. Foto: C.R.
Musée d’Art et d’Histoire Genève, 2, rue Charles-Galland Surimono –ı 21.8.
Passe-Temps –ı 28.8.
La course du temps –ı 2.10.
Musée d’ethnographie, 65–67, blv Carl-Vogt Injustice environnementale –
–ı 21.8.
Alternatives autochtones
Musée Rath, Place Neuve Marisa et Mario Merz –ı 25.9.
Espace Muraille, 5 Place des Casemates, *22 310 4292 The Night before the Day –
–ı 3.9.
Robert Wilson
Villa Bernasconi, 8 route du Grand-Lancy Atlas arboricole –ı 24.7.
Gowen Gallery, Grand-Rue 23, *22 310 57 83 James Nachtwey –ı 27.8.
Open House, Several locations in Geneva Open House: Session IV –
–ı 27.8.
Experience
Skopia, Vieux-Grenadiers 9 Summer exhibition –ı 3.9.
Wilde | Genève, 24, rue du Vieux-Billard, *22 310 0013 Summer Collective –ı 26.8.
Xippas, Rue des Sablons 6 Blair Thurman –ı 30.7.
Giornico fabbrica culturale baviera, 7 Via Cribiago, *77 410 91 04 Spazio 1 — Kerim Seiler –ı 16.7.
Spazio 1 — Gregor Lanz 23.7.–24.10.
Spazio 2 — Heinz-Peter Kohler –ı 16.7.
Spazio 2 — Ina Barfuss,
23.7.–24.10.
Thomas Wachweger
Spazio 3 — Walter Grab –ı 16.7.
Spazio 3 — Roberto Brocco 23.7.–24.7.
Glarus Kunsthaus Glarus, Postfach 1636 Nicole Wermers –ı 21.8.
Daphne Ahlers –ı 21.8.
Glattfelden Gottfried Keller Zentrum, Gottfried-Keller-Strasse 8, Erich Steinmann, Henggart 20.8.–2.10.
*44 867 3972
Gontenschwil Galerie Schlössli, Dorfstr. 399, *44 381 04 42 Schaufenster Intermezzo Anna-
–ı 31.7.
Verena Hoffmann
Schaufenster Intermezzo
1.8.–30.9.
Beatrice Bircher
Grenchen
–ı 25.9.
Kunsthaus Grenchen, Bahnhofstrasse 53, vis-à-vis
Bahnhof Grenchen Süd, *32 652 50 22
Maria Magdalena Z’Graggen –
Un affare di famiglia
Form, Farbe, Schrift – Konkrete
–ı 5.2.
Kunst aus der Slg. L. Beck-
Barbezat (Teil I)
Grindelwald Hotel Alpenhof, Kreuzweg 36, *33 853 52 70 Hansueli Urwyler –ı 31.12.
Gruyères Château de Gruyères, Rue du Château 8 Marc-Antoine Fehr –ı 16.10.
Gstaad Studio Naegeli, Promenade 61 Split Window –ı 21.8.
Heiden Henry-Dunant-Museum / Dunant Plaza, Kirchplatz 9,
*71 891 44 04
Unternehmen Algerien
–ı 30.10.
Flagge zeigen –ı 30.10.
Hochdorf Kunstraum Hochdorf, Lavendelweg 8 ceramiche & poesie – Viviana Galli –ı 31.7.
Interlaken Kunsthaus Interlaken, Jungfraustrasse 55, *33 822 1661 Kawakami Sumio – Emil Zbinden –ı 28.8.
Galerie IHB Spectrum, Postgasse 16 Hansueli Urwyler –ı 31.12.
Klosters-
Serneus
JungfrauPark, Obere Bönigstr. 100, *33 827 5757 Hansueli Urwyler –ı 30.10.
Kunsthaus Klosters, Landstrasse 173, *78 786 65 71 Kunsthaus Klosters –ı 30.11.
Kölliken Dorfmuseum Kölliken, 43 Hauptstrasse Christa Hunziker, Roland Hächler – –ı 30.10.
Salvia
Kriens Museum im Bellpark, Luzernerstr. 21 / PF Zusammenzeichnen. 201 Cadavres –ı 7.8.
Exquis
Küsnacht Grieder Contemporary Küsnacht, Lärchentobelstrasse 25, Female Voices –ı 2.9.
*43 818 5607
Langenbruck Kloster Schönthal, Schönthalstrasse 158 if seven was five –
–ı 6.11.
Thomas Scheibitz
Langenthal Kunsthaus Langenthal, Marktgasse 13 Susi und Ueli Berger,
Latefa Wiersch
25.8.–13.11.
Lausanne Musée Cantonal des Beaux-Arts Lausanne, Plateforme 10,
Place de la Gare 16, *21 316 34 45
Circuit, 9, av. de Montchoisi (accès quai Jurigoz),
*21 601 4170
Marie Cool, Fabio Balducci –
–ı 4.9.
Dai campi all’elica
Jean Dubuffet – Donation de
–ı 18.9.
Mireille et James Lévy
Train Zug Treno Tren – Voyages
–ı 25.9.
imaginaires
Bernard Bazile –ı 23.7.
Fabienne Levy, Avenue Louis-Ruchonnet 6 Ekene Emeka Maduka –ı 17.9.
Forma, Rue Côtes-de-Montbenon 3, *21 312 1209 Smoke on the water – Lucie Kohler –ı 16.7.
Galerie Viceversa, Rue Mercerie 3, *21 323 96 34
Pépiements, omamori et
–ı 23.7.
bruissements de roche
Le Locle Musée des Beaux-Arts Le Locle, Marie-Anne-Calame 6, Charles Fréger –ı 25.9.
*32 933 8950
Le Noirmont La Nef, Ancienne Eglise, *32 951 1745 Cabane –ı 4.9.
Lens Fondation Opale, Route de Crans 1, *27 483 46 10 Présent Fugitif –ı 6.11.
Leuk-Stadt Stiftung Schloss Leuk, *79 637 50 11 Leuk – Jubiläum – 120 Jahre SGBK 2.7.–30.9.
Sektion Bern/Romandie
Locarno Museo Casa Rusca, Piazza Sant’Antonio 1, *91 756 3185 Gabriela Spector – Abbracci e
–ı 17.7.
abbandoni
Malina Suliman –ı 15.8.
la rada, via della Morettina 2 Switch the Witch –ı 18.9.
Locarno-
Solduno
Lugano
Luzern
Fondazione Marguerite Arp, Via alle Vigne 46, *91 751 2543 Jean Arp – Sono nato in una
nuvola
Fondazione Gabriele e Anna Braglia, Riva Antonio Caccia
6/a, *91 980 08 88
MASI Lugano, Piazza Bernardino Luini 6, Via Canova 10,
*58 866 4230
Personnages da Werefkin a Miró e
da Warhol a Paladino
James Barnor: Accra/London –
A Retrospective
Marcel Broodthaers – Industrial
Poems
–ı 30.10.
–ı 16.7.
–ı 31.7.
–ı 13.11.
Italienische Kunst der Moderne –ı 29.1.
Buchmann Galerie Lugano, Via della Posta 2, *91 980 0830 Fiona Rae –ı 30.9.
Hans Erni Museum, Lidostrasse 6, c/o Verkehrshaus der
Schweiz, *041 370 44 44
Typisch Schweiz!
10. Schweizerische
Scherenschnitt-Ausstellung
Sammlungspräsentation Hans
Erni-Stiftung
–ı 16.10.
–ı 31.12.
Hans Ernis Tafeln für die UNESCO –ı 31.12.
Kunsthalle Luzern, Bourbaki/Löwenplatz 11, *41 412 08 09 Von den Dingen –ı 7.8.
Unsettling Identities 20.8.–25.9.
Kunstmuseum Luzern, Europaplatz 1, *41 226 78 00 Mathis Pfäffli – Floor is Lava –ı 4.9.
David Hockney –ı 31.10.
Durch Raum und Zeit –ı 20.11.
Apropos, Sentimattstrasse 6, *41 240 15 78 Johanna Näf 20.8.–11.9.
154 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // SCHWEIZ 155

B74 Raum für Kunst, Baselstrasse 74, *78 601 80 89 Marcel Glanzmann –ı 31.7.
Zeichen und Lücken – Martin
20.8.–10.9.
Amstutz, Regula Bühler-Schlatter
Galerie Müller Luzern, Haldenstr. 7, *410 7574 Eveline Rüttimann –ı 16.7.
Galerie Urs Meile Luzern, Rosenberghöhe 4
Urs Lüthi – How to get comfortable –ı 23.7.
in an uncomfortable World
Miao Miao – Magic Carpet 30.7.–27.8.
Harlekin Art AG, Löwengraben 14, *41 248 46 56 Henri Spaeti in der Galerie Harlekin 25.8.–1.10.
Löwengalerie Luzern, Löwenplatz 6, *78 797 37 65 Cuba meets Africa 25.8.–29.9.
Lukaskirche, Morgartenstrasse 16 Vera Staub –ı 30.9.
marytwo, 2A Mariahilfgasse Billy Morgan 20.8.–24.9.
Network of Arts, Töpferstrasse 10, *41 508 24 43 Perspectives –ı 31.7.
Vögeligärtli, Frankenstrasse 12 PlakArt – Weltformat –ı 31.7.
Martigny Le Manoir de la Ville de Martigny, 3, rue du Manoir Après-hier –ı 28.8.
Les archives de nos utopies –ı 25.9.
Tinctoria – Vanessa Udriot –ı 30.10.
Melano Artrust S.A., Via Pedemonte 1, *91 649 3336 Revolutions (and uprisings) –ı 29.7.
Melchnau Kunst am Schlossberg, Forum Melchnau, Feldstrasse 1 Kunst am Schlossberg 2022
–ı 17.9.
(Outdoor)
Mendrisio Museo d’arte Mendrisio, Piazzetta dei Serviti 1 Davide Cascio – Chaosmos –ı 28.8.
Gianfredo Camesi – Dallo Spazo
–ı 28.8.
al tempo
Morges Alexis Forel Museum, Grand-Rue 54, *21 801 2647 Arts Visuels Vaud | Waadtländer
–ı 21.8.
Preis für Bildende Kunst 2022
Moutier Musée Jurassien des Arts, Rue Centrale 4, CP 729,
Niklaus Manuel Güdel – Derrière
–ı 13.11.
*32 493 36 77
la couleur
Muri AG Museum Caspar Wolf, 1. OG des Singisenflügels im Kloster Grand Tour Caspar Wolf –ı 7.8.
Muri, Marktstrasse 4, *56 664 7011
Singisen Forum, Marktstrasse 4, *56 664 70 11 Grand Tour Caspar Wolf –ı 7.8.
Muri BE Villa Mettlen, Pourtalèsstr. 35, *31 301 4720 Kunst zum Anfassen 2022 19.8.–18.9.
Neuchâtel CAN Centre d’art Neuchâtel, Rue des Moulins 37,
*32 724 01 60
Centre Dürrenmatt, Ch. du Pertuis-du-Sault 74,
*32 720 2060
Musée d’art et d’histoire de Neuchâtel, Esplanade
Léopold-Robert 1, *32 717 79 20
Ditesheim & Maffei Fine Art, 8, rue du Château,
*32 724 5700
Parallels Part 2: The Commuter –
Alan Bogana, Francesco Finizio,
Barbezat Villetard
Friedrich Dürrenmatt – Das
Arsenal des Dramatikers
Friedrich Dürrenmatt –
Schriftsteller und Maler
Du projet à l’objet
Permanent – Les automates
Jaquet-Droz
–ı 7.8.
–ı 25.9.
–ı 31.12.
–ı 28.8.
–ı 31.12.
Mouvements –ı 23.1.
Jan Vičar –ı 16.7.
Nidau Étage 19, Schulgasse 19 Postkarten usw. 18.8.–21.8.
Nyon Château de Nyon, Place du Château, *22 316 4273 vergoldet / doré –ı 14.8.
Olten Kunstmuseum Olten, Kirchgasse 8, *62 212 86 76 Put on Your Red Shoes (and Dance –ı 21.8.
the Blues)!
Mokka Rubin, Ringstrasse 16
N° 12 – Marc Aeschbacher &
–ı 3.9.
Sabine Reiss
Pfäffikon SZ Vögele Kultur Zentrum, Gwattstrasse 14 Der Tod, radikal normal –ı 18.9.
Pontresina plattner & plattner Art Gallery, Via da la Staziun 11 Gabriela Gerber, Lukas Bardill –
–ı 23.10.
Waldstücke
Porza Museo Villa Pia, Via Cantonale 24, *78 608 96 94 Fabiola Di Fulvio – Non ho titolo
–ı 4.9.
ma esisto
Porrentruy Espace d’art contemporain (les halles), rue Pierre-
Camille Dumond (1988) –ı 21.8.
Péquignat 9, *32 420 8402
Poschiavo Casa Alpina Belvedere, Casa Alpina Belvedere Simon Heusser –ı 1.10.
Riggisberg — Menschen, Tiere, Götterwesen,
Abegg-Stiftung. Foto: Chr. v. V.
Solothurn — Christoph Abbühl,
Galerie Christoph Abbühl
Prilly Locus solus, rue de la Combette 8, *77 41859 44 Aloïs Godinat –ı 28.8.
Rapperswil- Kunst(Zeug)Haus, Schönbodenstrasse 1
Ursula Palla – Like a Garden
–ı 31.7.
Jona
Leonardo Bürgi – Exo Terra –ı 31.7.
Familiensache 21.8.–30.10.
Natacha Donzé 21.8.–29.1.
Acht Räume –ı 2.4.
Riggisberg Abegg-Stiftung, Werner Abegg-Str. 67 Menschen, Tiere, Götterwesen – –ı 13.11.
Textile Schätze aus dem
Alten Peru
Romanshorn Atelier Galerie Demarmels, Amriswilerstrasse 44,
Ludwig Demarmels –ı 22.12.
*71 463 1811
S-chanf Galerie Peter Vann, Somvih 24 Textilkünst von Irma Streich-Egg 23.7.–10.9.
Sachseln Museum Bruder Klaus Sachseln, Dorfstrasse 4,
Hungerkünste –ı 14.8.
*41 660 55 83
Samstagern Froh Ussicht, Hof Blum, *44 784 2994 mist – Zauber & Nährstoff –ı 30.10.
Savièse Espace d’exposition de la collection communale, Route de Silhouettes bucoliques –ı 31.7.
Saint Germain 50, *273951018
Schaffhausen Museum zu Allerheiligen, Klosterstr. 16 Liquid Time – Monica Ursina Jäger –ı 7.8.
Varlin/Moser – Exzessiv! –ı 25.9.
Mensch und Landschaft –ı 30.10.
–ı 11.9.
Kunstkästen Schaffhausen, Bahnhof Schaffhausen/
Bahnhofstrasse, *52 625 2418
Lindenforum – about me and
the others
Scuol-Nairs Fundaziun Nairs, PF 71, Nairs 509, *81 864 98 02 Hemauer/Keller –ı 23.10.
Sigriswil Paradiesli, Feldenstr. 87, *33 251 51 55 Suter & Bult und Paul Suter –ı 28.8.
Sion Lemme, 45 Rue de Lausanne Welcome Stranger –ı 24.9.
Musée d’art du Valais, Place de la Majorie 15, *27 606 4690 Insights –ı 6.10.
Ferme-Asile, Promenade des Pêcheurs 10 Encore + De Toi –ı 1.9.
–ı 31.7.
Solothurn Kunstmuseum Solothurn, Werkhofstrasse 30,
*32 626 93 80
Galerie Christoph Abbühl, Schaalgasse 9/1. Stock,
*79 682 03 28
Fokus Sammlung – Le Crocrodrome
est mort, vive le Crocrodrome
Balance – 1970–1990: Kunst,
–ı 31.7.
Gesellschaft, Umwelt
Fokus Sammlung – Hémisphère –ı 16.10.
Die Sammlung Gerhard Saner 21.8.–30.10.
Fokus Sammlung – Dieter Roth 21.8.–30.10.
Christoph Abbühl – Arbeiten 20.8.–24.9.
auf Papier
Galerie Löiegruebe, Löwengasse 10 Gregor Lanz 20.8.–10.9.
Haus der Kunst St. Josef, Baselstr. 27, *32 621 0980
Arpeggio – On Tour: Reto Emch,
–ı 23.7.
Anet Fröhlicher
Kunstforum Solothurn, Schaalgasse 9, *79 717 67 09 Akio Takamori 20.8.–24.9.
Künstlerhaus S11, Schmiedengasse 11 Elf akustische Portraits –ı 31.7.
11erlei 12.8.–4.9.
Spiez Schloss Spiez, Schlossstrasse 16, *33 654 1506 Otto Tschumi – Surreale Welten –ı 16.10.
156 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // SCHWEIZ 157

Solothurn — Akio Takamori,
Kunstforum
Stans — Barbara Wälchli Keller,
Galerie Stand
Uster — Pamela Rosenkranz, Bechtler
Stiftung
Wädenswil — Katharina Lütscher,
Kunsthalle 8000
St. Gallen Kunst Halle Sankt Gallen, Davidstrasse 40 Upstream – Ari Marcopoulos –ı 7.8.
Kunstmuseum St. Gallen, Museumstrasse 32 Birgit Werres –ı 7.8.
St. Andreas Slominski –ı 28.8.
Manon de Boer –ı 9.10.
Sammlung –ı 31.12.
Perfect Love –ı 14.5.
Kunstmuseum St. Gallen – Lokremise, Grünbergstr. 7, Birgit Werres –ı 7.8.
*76 325 8251
Textilmuseum, Vadianstr. 1 Sudō Reiko – Making Nuno –ı 18.9.
Die Klause, Mühlenstrasse 17 Stefan Rohner –ı 24.7.
Lika Nüssli 16.7.–21.8.
Asi Föcker 30.7.–4.9.
Hiltibold, Stützmauer an der Magnihalde / Goliathgasse 15 Josef Felix Müller, Genevieve
–ı 9.8.
Leong
Pablo Walser, Claudia S. Bühler –ı 30.8.
St. Moritz Galerie Andrea Caratsch, Via Serlas 12, *81 734 0000 Accrochage – Künstler der Galerie –ı 15.7.
Dokoupil – Corporations &
18.7.–3.9.
Products
Luca Pancrazzi – Volare Nuvolare 18.7.–3.9.
Hauser & Wirth St. Moritz, Via Serlas 22, *44 446 80 50 Zhang Enli – Looking Outwards –ı 10.9.
Stampa Museo Ciäsa Granda, Strada Cantonale 102, *81 822 1716 Augusto Giacometti –ı 20.10.
Alberto Giacometti, Paris sans fin –ı 20.10.
Stans Nidwaldner Museum Salzmagazin, Stansstaderstr. 23,
*618 7514
Nidwaldner Museum Winkelriedhaus, Engelbergstr. 54A,
*41 618 73 40
Mutig, Trotzig, Selbstbestimmt
Nidwalden – Objekte erzählen die
Geschichten eines Kantons
Hemauer/Keller – Über den
menschgemachten Himmel
–ı 29.1.
–ı 29.1.
Sommer im Museum 24.8.–11.9.
Nachhall und Witterung –ı 30.10.
Häuser für eine Minderheit – die 24.8.–30.10.
Reformierte Kirche in Nidwalden
Liselotte Moser –
24.8.–30.10.
Künstlerinnenleben zwischen
Luzern, Detroit und Stans
Von Blättler Dädi bis Hans von
–ı 30.10.
Matt – Frey-Näpflin-Stiftung
Galerie Stans, Dorfplatz 11 Mond mit Federn –ı 24.7.
Steffisburg Kunsthaus Steffisburg, Dorfplatz / Schulgässli 15 Archaeological Exravaganza –ı 27.8.
Steinmaur/
Sünikon
Ateliers und Skulpturenpark, Park Aller Voraussicht nach ... –ı 30.10.
Strada im
Engadin
Buchdruck- und Kulturmuseum, Stradun, *81 866 3224
Gänsekiel, Gutenberg,
Gruppenchat
–ı 7.8.
–ı 29.10.
Sursee Museum Sankturbanhof, Theaterstr. 9, *41 922 24 00 Die Badi –ı 2.10.
Im Kabinett – Fabienne Immoos –ı 2.10.
Susch Muzeum Susch, Surpunt 78, *81 861 03 03 Heidi Bucher – Metamorphoses II 16.7.–4.12.
Teufen Zeughaus Teufen, Zeughausplatz 1, *71 335 8030 Florilegium Teufen (Blütenlese) –ı 11.9.
Zahnträger Wettbewerb –ı 25.9.
Thalwil ThalwilerHofKunst, Artbox Perron 4 + 6, Bahnhof Thalwil, ArtBox107 – Ansichtskaten –ı 22.8.
*44 720 78 56
Thun Kunstmuseum Thun, Hofstettenstrasse 14, *33 225 84 20 Lorna Simpson –ı 14.8.
–ı 27.11.
Unterseen
Thun-Panorama, Hofstettenstrasse 14, Schadaupark,
*33 223 2462
Sonderausstellung – Ticket zur
fremden Welt
Marquard Wochers Panorama –ı 27.11.
Atelier & Kunstgalerie Hodler, Frutigenstrasse 46 A Sommer 2022 –ı 20.8.
Kunstraum Satellit Thun, Scheibenstrasse 2 Rahel Scheurer –ı 18.8.
Kunstsammlung Unterseen, Dachstock Stadthaus, Untere
Gasse 2, *33 826 64 64
Ursula Diem, Malerei – Jürg C.
Bächtold, Skulpturen
20.8.–11.9.
Uster Bechtler Stiftung, Weiherweg 1 All Chemie – Sigmar Polke und
–ı 18.9.
Pamela Rosenkranz
Walter de Maria – The 2000
–ı 31.12.
Sculpture
Pipilotti Rist – I couldn’t agree with –ı 31.12.
you more
akku künstleratelier uster, Zeughausareal
Von Blau zu Rot – von alten zu
–ı 25.8.
neuen Industrien am Aabach
Dimitrina Sevova – Preisträgerin
–ı 5.6.
des Akku-Atelierstipendiums
2021/2022
foryouandyourcustomers, Standort Uster, Bankstrasse 1 Hans Thomann –ı 30.9.
Versam Safiental Tourismus, Safiental Tourismus/Haus Signina, Art Safiental 2022 –ı 23.10.
Hauptstrasse 35, *81 630 60 16
Vevey Musée Jenisch Vevey, 2, avenue de la Gare, *21 925 35 20 Art cruel –ı 31.7.
Kokoschka – Grand voyageur –ı 31.7.
Pietro Sarto – Chemins détournés –ı 31.7.
Vicosoprano Biennale Bregaglia 2022, Cad Martin Biennale Bregaglia 2022 –ı 24.9.
Visp Galerie zur Schützenlaube, Ecke Schützenhausgasse / Adrian Fux 20.8.–11.9.
Stapfengasse, *792788994
Wädenswil Kunsthalle 8000, Zugerstrasse 180 The Punishment Of Luxury –
–ı 3.9.
R. Gysin, E. Hiltbrunner, S. Jaeggi
u.a.
Waldenburg Biennale ‹Ville des Arts› Waldenburg / BL, Zentrum Biennale 2022 in Waldenburg –
–ı 22.10.
Ville des Arts
Walenstadt museumbickel, Zettlereistrasse 9, *81 710 27 77 Karl Bickel – Sommerausstellung 29.7.–11.9.
Warth
Kunstmuseum Thurgau / Ittinger Museum, Kartause
Ittingen, *58 345 1060
Gelobt, gepriesen und vergessen
–ı 18.9.
Josef Hofer –ı 18.12.
Claudio Hils –ı 18.4.
158 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // SCHWEIZ 159

Wettingen Galerie im Gluri Suter Huus, Bifangstrasse 1, *56 426 2969 Michael Günzburger,
14.8.–25.9.
Kilian Rüthemann
Winterthur Fotostiftung Schweiz, Grüzenstrasse 45, *52 234 1030 Georg Aerni – Silent Transition –ı 16.10.
Fotomuseum Winterthur, Grüzenstrasse 44 + 45
Wahlfamilie – Zusammen weniger –ı 16.10.
allein
Gewerbemuseum Winterthur, Kirchplatz 14, *52 267 51 36 Bilderbücher – illustriert &
inszeniert
–ı 23.10.
Yverdon-les-
Bains
Kunst Museum Winterthur | Beim Stadthaus,
Museumstrasse 52, *52 267 51 62
Kunst Museum Winterthur | Reinhart am Stadtgarten,
Stadthausstr. 6, *52 267 5172
Welt aus den Fugen
Gerry Schum
–ı 14.8.
–ı 11.9.
Italia
–ı 11.9.
Nord – Süd –ı 11.9.
Di passaggio –ı 12.2.
Kunsthalle Winterthur, Marktgasse 25, *52 267 5132 Wet Mechanics of Seeing –
–ı 24.7.
Su Yu Hsin
AXA Superblock Winterthur, Pionierstrasse 3 Nici Jost –ı 14.11.
Kulturort Weiertal, Rumstalstr. 55, *52 222 70 32 Aussenseiterinnen – Aussenseiter –ı 4.9.
vonWegen –ı 4.9.
oxyd – Kunsträume, Untere Vogelsangstrasse 4 Zones of Potential Encounters –ı 17.7.
Geschichten aus dem Hain 19.8.–2.10.
Coalmine Forum für Dokumentarfotografie, Turnerstr. 1 Thi My Lien Nguyen –ı 24.7.
kunstkasten, Katharina-Sulzer-Platz huber.huber –ı 29.7.
Centre d’art contemporain Yverdon-les-Bains, Place Genêt Mayor –ı 31.7.
Pestalozzi, *24 423 63 80
Zofingen Kunsthaus Zofingen, Gen. Guisan-Str. 12, *62 751 4829 Schaufensterausstellung Look@
–ı 12.8.
JKON
Zug Kunsthaus Zug, Dorfstrasse 27 Alles und Nichts –ı 24.7.
Richard Gerstl – Inspiration – 14.8.–4.12.
Vermächtnis
Galerie Carla Renggli, Ober-Altstadt 8 Franziska Zumbach –ı 16.7.
Galerie Urs Reichlin AG, Baarerstrasse 133 Jwan Luginbühl – Isch scho Guet! –ı 20.8.
Lakeside Gallery, Artherstrasse 3, *41 710 46 47
Symbiosen – Grönquist &
24.8.–8.10.
Grönquist
Zürich Atelier Hermann Haller, Höschgasse 8a, *44 383 4247 Abstrakt gedacht –ı 2.10.
Cabaret Voltaire, Spiegelgasse 1, *43 268 08 44 Office ektor garcia – nudos de tiempo –ı 25.9.
Ilaria Vinci – Phoenix Philosophy
–ı 9.7.
Café
Graphische Sammlung ETH, Rämistrasse 101, *44 632 4046 Linien aus Ostasien 17.8.–13.11.
Helmhaus, Limmatquai 31, *44 415 56 77
Kunststipendien der Stadt Zürich 16.7.–4.9.
2022
Kunsthalle Zürich, Limmatstr. 270 Liz Larner –ı 18.9.
Kunsthaus Zürich, Heimplatz Take Care – Kunst und Medizin –ı 17.7.
Rudolf Koller –ı 14.8.
Federico Fellini –ı 4.9.
Landesmuseum Zürich, Museumstrasse 2, *44 218 65 11 Im Wald – Eine Kulturgeschichte –ı 17.7.
Räder, Rennen, Ruhm 15.7.–16.10.
Anne Frank und die Schweiz –ı 6.11.
Prunkvolle Schlitten 22.7.–2.4.
Einfach Zürich –ı 31.1.
Geschichte Schweiz –ı 31.12.
Die Sammlung –ı 31.12.
Archäologie Schweiz –ı 1.1.
Migros Museum für Gegenwartskunst, Limmatstrasse 270 Basel Abbas & Ruanne Abou-Rahme –ı 11.9.
Aus den Fugen – Momente der
–ı 11.9.
Störung
Musée Visionnaire, Predigerplatz 10, *44 251 6657
Neverending Stories – Mario
–ı 7.8.
Cassisa, Lea Oetken
Museum für Gestaltung, Ausstellungsstr. 60 Textiler Garten –ı 30.10.
Museum für Gestaltung – Schaudepot,
Pfingstweidstrasse 96
Atelier Zanolli – Stoffe, Mode,
Kunsthandwerk, 1905–1939
Collectomania – Universen des
Sammelns
Museum Haus Konstruktiv, Selnaustrasse 25 Elisabeth Wild –ı 11.9.
Jose Dávila –ı 11.9.
Neues aus der Sammlung –ı 11.9.
Museum Rietberg, Gablerstrasse 15 Hingabe und Sehnsucht –ı 30.10.
Wege der Kunst –ı 25.6.
Museum Strauhof, Augustinergasse 9 litafrika – Poesien eines Kontinents –ı 4.9.
Denn wenn Chloe Olivia mag … –ı 4.9.
Pavillon le Corbusier, Höschgasse Architekturikonen neu gesehen –ı 27.11.
Stiftung BINZ39, Sihlquai 133
Wäre ich Feuer, würde ich die Welt –ı 13.8.
wegbrennen
Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg,
Rämistrasse 30
Marion Richter –ı 16.7.
Tichy Ocean Foundation – Prague & Zurich, 9
Lessingstrasse, *44 250 43 63
Wo der gelbe Fleck ist und das
Scheitelhaar liegt, da tut es weh
–ı 4.9.
–ı 8.1.
–ı 21.8.
A1 M.O.V.E., Bändliweg 20, *43 311 7010 Monika Amrein –ı 12.9.
Andres Thalmann Zürich, Talstrasse 66, *44 210 2002 Mirrors and Light – Ian Davenport –ı 16.7.
Annemarie Verna Galerie, Neptunstrasse 42, *44 262 3820 Artists of the Gallery –ı 17.8.
ARS 28, Weinberstrasse 17, *78 981 27 72
Marta Veinberga, Nic Hess, Carlos –ı 27.8.
Kusnir, Peter Radelfinger
Art Dock, Hohlstr. 258, *43 322 0790 Hannes R. Bossert – Eine Übersicht –ı 31.7.
Baur au Lac Park, Talstr. 1, *44 220 5010 Art in the Park 2022 – Camille Henrot –ı 17.7.
Beletage Art Space, Utoquai 41, c/o Dr. Rai Winata Olga Titus – Peristiwa Ringan –ı 19.8.
Blue Velvet Projects, Rämistrasse 3, *62 918 10 80 Adam Cruces –ı 3.9.
Chryssa Vardea Mavromichali –ı 3.9.
Christophe Guye Galerie, Dufourstrasse 31, *44 252 0111 John Yuyi –ı 27.8.
Dienstgebäude Art Space, Töpferstrasse 26, *79 211 7112 Tashi Brauen – Tomorrow –ı 16.7.
Edition VFO, Verena-Conzett-Str. 7 Rebuilding Connections –ı 1.10.
Fabian & Claude Walter Galerie, Rämistrasse 18,
*44 440 40 18
Hanna Roeckle – Zwei Skulpturen
im Park der Galerie
–ı 16.7.
Luzia Simons – Vert Perpetuel –ı 16.7.
Fabian Lang, Obere Zäune 12, *44 223 54 33 Isabelle Young – In Camera –ı 30.7.
Galerie & Edition Stephan Witschi, Zwinglistr. 12 (Hof) Home is where the chandelier
–ı 16.7.
hangs – Zena Assi
Galerie Agénor, 20 Bleicherweg, *44 500 66 40 China in the eyes of Astrid Krehan –ı 18.7.
Galerie am Lindenhof, Pfalzgasse 3
Dichotomie — Pedro Blas,
–ı 25.7.
Hony Torres
The touch of Zürich – Ein Hauch der 26.7.–1.8.
Stadt Zürich
Faris Alsaadi 2.8.–8.8.
mensch tanz 17.8.–21.8.
Begehungen – Peter Frick 23.8.–5.9.
Galerie Bernhard, Waldmannstrasse 8, 2 e Stock,
Darrel Ellis –ı 29.7.
*44 818 6843
Galerie Eva Presenhuber, Maag Areal, Zahnradstr. 21, Peter Fischli & David Weiss –ı 30.7.
*43 444 7050
Galerie Eva Presenhuber, Waldmannstrasse 6 Earthing –ı 30.7.
Galerie Francesca Pia, Limmatstrasse 268
Alvin Baltrop, Wade Guyton,
Heimo Zobernig
–ı 23.7.
Galerie Gmurzynska Paradeplatz, Paradeplatz 2,
*44 226 7070
Galerie Gmurzynska Talstrasse, Talstrasse 37,
*44 226 7070
La Main de Picasso, Roberto
–ı 31.8.
Matta – Les Témoins de l’Univers
Roberto Matta –ı 31.8.
Galerie Haas Zürich, Talstrasse 62a Sandra Vásquez de la Horra –ı 22.7.
160 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // SCHWEIZ 161

Zürich — Corina Staubli, Jedlitschka
Gallery
Zürich — Anya Kielar, Livie Fine Art
Galerie Kogan Amaro (Rämistrasse), Rämistrasse 35, Made in Brazil – Mundano –ı 22.10.
*44 422 5050
Galerie La Ligne, Heinrichstr. 237, *43 205 28 29 Vera Molnar – Lignes de fuites rouges –ı 30.7.
Galerie Lange + Pult Zürich, Rämistrasse 27, *44 212 2000 Ben Vautier –ı 20.8.
Galerie Mark Müller, Hafnerstrasse 44 Joseph Marioni: liquid light –
–ı 23.7.
portraits of color
it is, it isn’t –ı 23.7.
Galerie Philippzollinger, Schlossgasse 5 Paul Fägerskiöld – Longue Durée –ı 23.7.
Bea Orlandi, Arnaud Wohlhauser –ı 30.1.
Galerie Rosenberg, Dufourstrasse 169, *44 311 79 52 Kunsttreff Galerie Rosenberg –
–ı 29.7.
Freitags 12–19 Uhr
Galerie Rumbler, Kirchgasse 50, *44 260 44 00 New Horizons –ı 10.8.
Galerie Ziegler SA, Rämistrasse 34, *44 251 2322 XXs und Partner –ı 1.10.
XXs minus Partner –ı 1.10.
Gregor Staiger, Limmatstr. 268, *78 759 3949
Raphaela Vogel – My Appropriation –ı 23.7.
of Her Holy Hollowness
Hauser & Wirth Bahnhofstrasse 1, Bahnhofstrasse 1 Facing Infinity – Pablo Picasso and –ı 27.8.
Alberto Giacometti
Hauser & Wirth Zürich, Limmatstr. 270 Jack Whitten –ı 20.8.
Frank Bowling – Penumbral Light –ı 20.8.
Jedlitschka Gallery, Seefeldstr. 52, *44 252 3530 10. Skulpturgarten –ı 31.10.
Karma International Zürich (70), Weststrasse 70 Meret Oppenheim –ı 16.7.
Karma International Zürich (75), Weststrasse 75,
Ida Ekblad –ı 16.7.
*76 327 2278
Kunstraum Limbo, 63 Neugasse, Kino Riffraff/Foyer 3+4 Laura Ferrara –ı 31.7.
Last Tango, Sihlquai 274 Under My Skin –ı 16.7.
Livie Fine Art, Claridenstrasse 34 Pastel House – Anya Kielar
–ı 3.9.
Johannes, Johannes VanDerBeek
Lullin + Ferrari, Limmatstrasse 214, *43 205 2607
Benedikte Bjerre– Who Delivers
–ı 16.7.
Klodin Erb – Liquid Sense
Mai 36 Galerie, Rämistrasse 37 Lawrence Weiner –ı 13.8.
Markus Saile –ı 13.8.
Magnus Plessen –ı 13.8.
nano – Raum für Kunst, Röschibachstr. 57, *79 785 22 29 Rachel Bühlmann, Sadhyo
–ı 19.8.
Niederberger, Lea Pelosi
Nicola von Senger AG, Limmatstr. 275 Miroslav Tichy – 69 works –ı 16.7.
Peter Kilchmann, Zahnradstr. 21 Teresa Margolles –ı 23.7.
Peter Kilchmann (Rämistrasse), 33 Rämistrasse,
Raffi Kalenderian –ı 29.7.
*44 278 10 12
sam scherrer contemporary, Kleinstr. 16, *44 260 4433 Werner Casty – Im Grafit –ı 16.7.
–ı 8.9.
Schaufenstergalerie Stampfenbachstrasse,
Stampfenbachstrasse 31
Ausstellung zur
125-jährigen Geschichte der
Künstlervereinigung Zürich
Zürich/
Schlieren
suns.works, 249 Zollikerstrasse Salon Solaire –ı 31.7.
Tableau Zürich, Stadelhoferstr. 28/Hof Stadelhofer
Peter Hauser – Tastes great
–ı 30.9.
Passage
feels good
Tobias Mueller Modern Art AG, Waldmannstr. 8,
Alighiero Boetti – Works on paper –ı 24.9.
*44 272 5000
Verein Josua Boesch, 10 Neeserweg Wort und Metall-Ikonen –ı 31.12.
Visarte Zürich, Schoffelgasse 10, *44 252 4161
Alexandra Carambellas – Ein Stück –ı 16.7.
Heimat
WBB Gallery, Trittligasse, *79 388 73 09 Mixtura2 –ı 17.12.
We Are AIA I Awareness in art, Löwenbräukunst,
Limmatstrasse 268
Back to the Roots – Decolonize
Nature
–ı 25.9.
Weiss Falk Zurich, Sonneggstrasse 82 KP Brehmer –ı 23.7.
Windhager von Kaenel, Aemtlerstrasse 74 Earthbound –ı 30.7.
Window of Fame, Weststr. 136, *79 674 08 87
Freiheit Spricht – Riccarda Naef,
Andrea Grieder
–ı 21.7.
Kunsthalle Schlieren, Gaswerkstr. 15, *79 485 1485
New Normal – Bilder aus der
–ı 24.7.
Zeitenwende
Zuoz Monica De Cardenas Zuoz, Chesa Albertini, Aguel 41,
*81 868 80 81
Belgien *0032
Gianluca Di Pasquale
–ı 23.7.
Natur
–ı7.8.
Alex Katz, Stephan Balkenhol –ı 23.7.
Christine Streuli 30.7.–3.9.
Brüssel Bozar-Expo, Rue Ravenstein 23, *2 507 8200 Els Dietvorst – This is what you
–ı 21.7.
came for
Wiels, Av. Van Volxemlaan 354, *2 347 3050 Lucy Raven – Another Dull Day –ı 14.8.
Gent
Hornu
Dänemark *0045
Centrale for contemporary art Bruxelles, Place sainte
catherine, 44, *279 6435
S.M.A.K. – Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, jan
hoetplein, 1, *9 323 60 01
Musées des arts contemporains Hornu, 82, rue Sainte-
Louise
Els Dietvorst – This is what you
–ı 18.9.
came for
Splendid Isolation
–ı 18.9.
Lydia Ourahmane – Barzakh –ı 18.9.
N. Dash – earth –ı 6.11.
Marcel Broodthaers –ı 31.12.
Aline Bouvy – Cruising Bye –ı 18.9.
Humlebæk Louisiana Museum of Modern Art, Gl. Strandvej 13 Alex Da Corte –ı 8.1.
Deutschland *0049
Albstadt Kunstmuseum der Stadt Albstadt, Kirchengraben 11 Familienband – Otto Dix:
–ı 11.9.
Generationen
Alkersum Museum Kunst der Westküste, Hauptstr. 7 Provenienzgeschichten –
–ı 19.3.
Max Liebermann im Fokus
Arnsberg Kunstverein Arnsberg, Königstrasse 24 Malte Bartsch 15.7.–11.9.
Augsburg Galerie Noah, Beim Glaspalast 1 Anselm Reyle & Meisterschüler –ı 18.9.
Backnang Galerie der Stadt, Petrus-Jacobi-Weg 1 Backnanger Künstlergruppe –
–ı 14.8.
Plakate der Galerie
Bad
Panorama Museum, Am Schlachtberg 9 Hans-Peter Müller –ı 16.10.
Frankenhausen
Bad Honnef Insel Grafenwerth, Grafenwerth Umweltskulpturenpark Insel
Grafenwerth
–ı 31.10.
–ı 28.8.
Bayreuth Ausstellungshalle Neues Rathaus, Luitpoldplatz 13,
*921 764 5310
Kunstmuseum Bayreuth, Maximilianstrasse 33,
*921 764 5312
Ganz großes Theater – Plakate
von Frieder Grindler
20 Jahre Prof. Dr. Klaus Dettmann
Kunststiftung
–ı 16.10.
Bedburg-Hau Museum Schloss Moyland, Am Schloss 4 Joseph Beuys und die Schamanen –ı 29.8.
162 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // SCHWEIZ / BELGIEN / DÄNEMARK / DEUTSCHLAND 163

Bergisch
Gladbach
Kunstmuseum Villa Zanders, Konrad-Adenauer-Platz 8,
*2202 142 334
Inge Schmidt – an der Wand und vor
und neben
Katharina Hinsberg – Linien
im Raum
Berlin Akademie der Künste, Hanseatenweg 10 12. Berlin Biennale für
zeitgenössische Kunst
Alexander und Renata Camaro Stiftung, Potsdamer
Straße 98A
Alfred Ehrhardt Stiftung, Auguststrasse 75, *30 2009 5333
Ein Verhältnis mit Kunst –
Alexander und Renata Camaro
Herta Müller – Pfadlose Wege,
Malerei, Zeichnung, Fotografie
–ı 25.7.
–ı 7.8.
–ı 18.9.
–ı 15.9.
–ı 17.7.
naturstrukturabstrakt 23.7.–11.9.
Berlinische Galerie, Alte Jakobstr. 124–128 Nina Canell –ı 22.8.
Sibylle Bergmann –ı 10.10.
Bode-Museum, Am Kupfergraben 1, *30 2664 24242 Think Big! –ı 31.10.
Hand Große Kunst –
–ı 6.1.
Medaillenkunst in Deutschland
2007 bis heute
Deutsches Historisches Museum Berlin, Unter den Linden 2 Karl Marx und der Kapitalismus –ı 21.8.
Herlinde Koelbl – Angela Merkel
–ı 4.9.
Portraits 1991–2021
Richard Wagner und das deutsche –ı 11.9.
Gefühl
Gropius-Bau, Niederkirchnerstr. 7
Dayanita Singh – Dancing with
–ı 7.8.
my Camera
Takeover –ı 14.8.
Louise Bourgeois – The Woven 22.7.–23.10.
Child
Hamburger Bahnhof, Invalidenstr. 50–51, *30 397 8340 Under Construction –ı 9.10.
Balance –ı 9.10.
Haus am Waldsee, Argentinische Allee 30 Thomas Florschuetz –ı 28.8.
James-Simon-Galerie, Bodestraße Schliemanns Welten –ı 6.11.
Jüdisches Museum Berlin, Lindenstr. 9–14
Wir träumten von nichts
–ı 11.9.
als Aufklärung
KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst,
Michaela Melián – Red Threads –ı 24.7.
Am Sudhaus 3, *30 8 3215 9120
Kulturforum Berlin, Matthäikirchplatz #holzschnitt – 1400 bis heute –ı 11.9.
Barbara Kruger – Bitte lachen /
–ı 28.8.
Please cry
Museum Europäischer Kulturen, Arnimallee 25
Splitter des Lebens – Ein Ukraine- –ı 15.1.
Tagebuch
Museum für Fotografie Berlin, Jebensstr. 2
Bild und Raum – Candida Höfer im –ı 28.8.
Dialog mit der Sammlung
Museum für Fotografie –
–ı 19.11.
Hollywood
Neue Nationalgalerie, Potsdamer Str. 50, *30 266 2655 Barbara Kruger –ı 28.8.
Sascha Wiederhold –ı 8.1.
PalaisPopulaire by Deutsche Bank, Unter den Linden 5 Opera Opera – Allegro ma
–ı 22.8.
non troppo
Schinkel Pavillon, Oberwallstr. 1, *30 2088 6444 Between A Figure and A Letter –
Pope.L
–ı 31.7.
Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst,
Auguststrasse 69
12. Berlin Biennale für
zeitgenössische Kunst
–ı 18.9.
Buchmann Galerie Berlin, Charlottenstr. 13 Wolfgang Laib –ı 30.7.
Inselgalerie, Petersburger Straße 76A Fresh Legs –ı 2.10.
Galerie Heike Arndt, Voigtstraße 12 Fresh Legs –ı 2.10.
Galerie im Körnerpark, Schierker Straße 8 Anonyme Zeichner 2022 –ı 24.8.
Galerie Judin, Potsdamer Str. 83 (Hof), *30 3940 4840 Ian Davis –ı 27.8.
Galerie oqbo, Brunnenstr. 63, *157 7536 6352
Galerie Poll, Gipsstr. 3 / Parterre, *30 261 7091
nGbK – neue Gesellschaft für bildende Kunst,
Oranienstr. 25
Sprüth Magers Berlin, Oranienburger Str. 18
Barbara Probst, Ria Patricia Röder, –ı 30.7.
Josef Sudek, Claus Goedicke
Martina Altschäfer, Matthias
–ı 30.7.
Beckmann, Peer Boehm, Orlando
The Driving Factor –ı 27.8.
Bernd & Hilla Becher, LaToya Ruby
Frazier, Stephen Shore
Michail Pirgelis –ı 27.8.
Bochum Kunstmuseum Bochum, Kortumstrasse 147 Das Raunen der Sammlung –ı 14.8.
Sichtbar – die Eigene Sammlung –ı 31.12.
Bremen Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Teerhof 21 Den leeren Strand überqueren,
–ı 28.8.
um den Ozean zu sehen
Kunsthalle Bremen, Am Wall 207 Richard Mosse –ı 31.7.
Manns-Bilder – Der männliche Akt –ı 6.11.
auf Papier
Remix – Die Sammlung neu sehen –ı 13.11.
Weserburg Museum für moderne Kunst, Teerhof 20 Skulpturale Poesie –ı 14.8.
So wie wir sind 3.0 –ı 21.8.
Silvia Bächli –ı 9.10.
The Use of Colors – Nan Groot
–ı 22.1.
Antink, Fransje Killaars
Darmstadt Institut Mathildenhöhe, Olbrichweg 13 A Nadira Husain –ı 2.10.
Raumkunst –ı 27.7.
Donaueschingen
Dortmund
Museum Art.Plus, Museumsweg 1
Hartware MedienKunstVerein (HMKV), Leonie-Reygers-
Terrasse, *231 496 6420
Museum am Ostwall im Dortmunder U, Leonie-Reygers-
Terrasse
–ı 27.8.
Durchstarten – Take off
–ı 11.9.
Seliger – Gerullis – Seliger –ı 9.10.
House of Mirrors – Künstliche
–ı 31.7.
Intelligenz als Phantasma
doing photography
Body & Soul – Denken, Fühlen,
Zähneputzen
–ı 28.8.
–ı 13.11.
Duisburg Lehmbruck Museum, Düsseldorfer Str. 51 Janet Cardiff, George Bures Miller –ı 14.8.
Museum DKM, Güntherstrasse 13–15, *203 9355 5470 Omoshirogara –ı 4.9.
Schönheit und Urkräfte der Natur – –ı 25.9.
Claudia Terstappen
Eros in Erwartung der Ewigkeit –ı 25.9.
Düsseldorf Julia Stoschek Collection Düsseldorf, Schanzenstrasse 54 15-jährige Jubiläumsausstellung
der Julia Stoschek Collection
–ı 10.12.
–ı 25.9.
K21 Kunstsammlung NRW, Ständehausstr. 1, *211
8381204
Dialoge im Wandel – Fotografie aus
The Walther Collection
Kunsthalle Düsseldorf, Grabbeplatz 4 City Limits –ı 14.8.
Conrad Schnitzler –ı 14.8.
Kunstpalast, Ehrenhof 4–5, *211 566 42 100 Landsberg-Preis 2021 –
–ı 17.7.
Alex Wissel
Die grosse Kunstausstellung NRW –ı 17.7.
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Grabbeplatz 5, Lygia Pape – The Skin of All –ı 17.7.
*211 8381204
Galerie Ludorff, Königsallee 22 Neuerwerbungen Frühjahr 2022 –ı 30.7.
Alex Katz – Now! –ı 10.9.
Erlangen Stadtmuseum Erlangen, Martin-Luther-Platz 9 Aber Ich Lebe – Den Holocaust
–ı 28.8.
erinnern
Essen Museum Folkwang, Museumsplatz 1, *201 884 5444 Candice Breitz – Whiteface –ı 21.8.
Neue Welten – Die Entdeckung
–ı 30.12.
der Sammlung
Expressionisten am Folkwang – 20.8.–8.1.
Entdeckt – Verfemt – Gefeiert
Werke aus der Sammlung Olbricht –ı 15.1.
164 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // DEUTSCHLAND 165

Bayreuth — Frieder Grindler,
Kunstmuseum Bayreuth
Esslingen/N Galerie der Stadt Esslingen, Pulverwiesen 25 How (Not) to Fit In –ı 17.7.
Frankfurt/M Deutsches Architekturmuseum, Schaumainkai 43 Schön hier – Architektur auf
–ı 27.11.
dem Land
Museum für Angewandte Kunst Frankfurt, Schaumainkai 17 Meet asian art –ı 18.9.
Museum MMK für Moderne Kunst, Domstrasse 10,
Zollamt MMK – Mire Lee. Look,
–ı 4.9.
*69 2123 0447
I’m a fountain of filth raving mad
with love
Museum MMK – Marcel Duchamp –ı 3.10.
Tower MMK – Stéphane
–ı 30.10.
Mandelbaum
Städel Museum, Schaumainkai 63
Into the New – Menschsein:
–ı 17.7.
Von Pollock bis Bourgeois
basis, Gutleutstrasse 8–12
Selbstähnlich – Cihan Cakmak &
–ı 7.8.
Moshtari Hilal
Freiburg/B Kunstverein Freiburg, Dreisamstr. 21 Alex Ayed — Owls and Promises –ı 24.7.
Friedrichshafen Zeppelin Museum, Seestrasse 22, *7541 38 010 Beziehungsstatus – Offen –ı 6.11.
Göttingen Kunsthaus Göttingen, Düstere Straße 7 printing futures – art for tomorrow –ı 25.9.
Halle
Freiburg/B — Alex Ayed,
Kunstverein. Foto: Marc Doradzillo
Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), Friedemann-
Bach-Platz 5
Hamburg Deichtorhallen, Deichtorstrasse 1–2 Currency – Photography
beyond capture
Hamburger Kunsthalle, Glockengiesserwall 5,
*40 428 131 200
Künstlerhaus Hamburg – Bergedorf, Möörkenweg 18 B-G,
*17670732160
Museum der Arbeit, Wiesendamm 3, *40 428 13 30
Anna Franziska Schwarzbach
–ı 28.8.
Franz Marc –ı 28.8.
Dieter Goltzsche –ı 28.8.
–ı 18.9.
Von Mischwesen
–ı 31.7.
Ernst Wilhelm Nay –ı 7.8.
Give and Take –ı 28.8.
Hans Makart –ı 31.12.
Impressionismus –ı 31.12.
something new, something old,
–ı 18.2.
something desired
Atropos_soportA
Hallo, Hallo – Noriko Kawakami,
Farideh Jamshidi
Streik – Zur Ikonografie
des Protestes
–ı 24.7.
20.8.–4.9.
–ı 15.8.
Sammlung Falckenberg, Wilstorfer Strasse 71, *40 3250 6762 Charlotte March –ı 21.8.
Hannover Sprengel Museum, Kurt-Schwitters-Platz Elementarteile –ı 31.12.
Kunstverein Hannover, Sophienstrasse 2
Christiane Möbus – seitwärts über –ı 24.7.
den Nordpol
Hofbieber Kunststation Kleinsassen, An der Milseburg 2 Zusammenschau –ı 28.8.
–ı 21.8.
Hörstel DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst, Klosterstrasse 10,
*2551 69 4200
Konstanz — Hans Sauerbruch,
Städtische Wessenberg-Galerie
Hidden Landscapes – Schichten
des Anthropozän
Ausstellung – Jugend gestaltet –ı 12.9.
Kaiserslautern
mpk – Museum Pfalzgalerie Kaiserslautern,
Museumsplatz 1, *631 364 7201
Winterlicht – plants and plastics – –ı 13.3.
Nils Völker
Max Uhlig – Die verzeichnete Welt –ı 24.7.
Hans Hofmann – Chimbote –ı 18.9.
Graffiti –ı 18.9.
100 Jahre APK 30.7.–25.9.
Karlsruhe ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Lorenzstr. 19 The Artwork as a Living System –
–ı 31.7.
C. Sommerer, L. Mignonneau
BioMedien –ı 28.8.
Schlosslichtspiele 18.8.–18.9.
John Sanborn – Between Order
–ı 30.10.
and Entropy
Spatial Affairs – Worlding –ı 30.8.
Badischer Kunstverein, Waldstrasse 3 Charlotte Johannesson –ı 11.9.
Kassel Kunsthalle Fridericianum, Friedrichsplatz 18 documenta fifteen –ı 25.9.
Hugenottenhaus, Friedrichsstr. 25 Erste Hilfe – First Aid –ı 25.9.
Kiel Kunsthalle Kiel, Düsternbrooker Weg 1, *431 880 5756 Annette Kelm – Die Bücher –ı 4.9.
ÜberLeben – Die Dreigroschenoper –ı 23.10.
und die Kunst ihrer Zeit
Wildes, Wüstes, Wunderschönes.
–ı 19.2.
Natur im Fokus der Sammlung
Kochel am See Franz Marc Museum, Franz Marc Park 8–10, *8851 924 880 Tierschicksale – Franz Marc,
–ı 17.7.
Paul Klee, Gustave Flaubert
Karin Kneffel – Im Bild –ı 3.10.
Köln artothek – Raum für junge Kunst, Am Hof 50, *2212 2332 Moritz Krauth – docks –ı 27.8.
–ı 21.7.
Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Im
Mediapark 7
Photographische Konzepte
und Kostbarkeiten
Kolumba, Kolumbastraße 4 In die Weite –ı 15.8.
Museum Ludwig Köln, Heinrich-Böll-Platz Isamu Noguchi –ı 31.7.
ZADIK | Zentralarchiv für deutsche und internationale
Kunstmarktforschung, Im Mediapark 7, *221 470 89230
30 years of ZADIK – Highlights
and Insights
–ı 24.5.
Galerie Boisserée, Drususgasse 7–11 Häuser – Houses –ı 13.8.
Galerie Gisela Capitain, St. Apern Strasse 26 Ximena Garrido-Lecca –ı 16.7.
Konstanz Städtische Wessenberg-Galerie, Wessenbergstrasse 43 Zeit-Bilder –ı 4.9.
Leipzig G2 Kunsthalle, Dittrichring 13, *341 3557 3793 Mixed Feelings – Sammlung
–ı 18.9.
Hildebrand
Galerie für Zeitgenössische Kunst, Karl-Tauchnitz-Str. 9–11 Vom Haben und Teilen – Wem
gehört die Sammlung?
–ı 25.12.
MdbK – Museum der bildenden Künste Leipzig,
Katharinenstr. 10
Tino Sehgal
Unterschätzt – Künstlerinnen in
Leipzig um 1900
–ı 24.7.
–ı 14.8.
Leverkusen Museum Morsbroich, Gustav-Heinemann-Str. 80 1 Prozess, 1 Ort, 11 + 4 Räume –ı 16.9.
Lindau/ Öffentlicher Raum Lindau, Stadt Lindau
1. Biennale Lindau 2022 –ı 30.9.
Bodensee Kunstmuseum Lindau, Maximilianstr. 52, *8382 27 47 47 Mythos Natur – von Monet
bis Warhol
–ı 3.10.
Lingen Kunsthalle Lingen, Kaiserstrasse 10 a EAW – Gruppenausstellung 16.7.–4.9.
Lörrach Dreiländermuseum, Baslerstr. 143, *7621 919 370 Paul Hübner – Maler und
–ı 4.9.
Schriftsteller
Mainz Kunsthalle Mainz, Am Zollhafen 3–5 Homosphäre –ı 25.9.
Mannheim Kunsthalle Mannheim, Moltkestrasse 9 Urban Nature von Rimini Protokoll –ı 16.10.
(Haug/Huber/Kaegi/Wetzel)
Marl Skulpturenmuseum Glaskasten, Creiler Platz 1 Christian Odzuck –ı 31.7.
Memmingen MEWO Kunsthalle, Bahnhofstraße 1, *8331 850 770 Alice Morey – Conditioning Demands –ı 18.9.
Tim Smith – Die Hutterer –ı 9.10.
Vom Aussterben bedroht –ı 1.11.
KinderKunstLabor – Blau –ı 26.2.
166 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // DEUTSCHLAND 167

München Alte Pinakothek, Barer Straße 27, *89 2380 5216 Die neue Kraft der Farben –
–ı 24.7.
Raffaelino Del Garbos
Vive le Pastel! Pastellmalerei von –ı 23.10.
Vivien bis La Tour
Von Goya bis Manet –ı 31.12.
Die Neue Sammlung – The International Design Museum, Design für Olympia –ı 3.10.
Türkenstraße 15, *89 2380 5253
ERES-Stiftung, Römerstrasse 15 Alter + Ego –ı 29.10.
Tue Greenfort – Medusa Alga
–ı 1.11.
Laguna
Haus der Kunst München, Prinzregentenstrasse 1 Carsten Nicolai –ı 17.7.
Fujiko Nakaya –ı 31.7.
Archiv Galerie 2021/2022 –ı 4.8.
Christine Sun Kim –ı 21.8.
Dumb Type –ı 11.9.
Tony Cokes –ı 23.10.
Jüdisches Museum München, St.-Jakobs-Platz 16,
Heidi in Israel – Eine Spurensuche –ı 16.10.
*89 2339 6096
Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, Theatinerstrasse 8 Stille Rebellen –ı 7.8.
Münchner Stadtmuseum, St.-Jakobs-Platz 1
München 72. Olympische
–ı 31.12.
Spurensuche
Nachts – Clubkultur in München –ı 8.1.
München 72. Mode, Menschen
29.7.–8.1.
und Musik
München 72. Forum 054 – Ina Kwon 29.7.–8.1.
München/Gyeongju
Museum Brandhorst, Theresienstr. 35a, *89 23805 2286 Future Bodies from a Recent Past –ı 15.1.
Städt. Galerie Lenbachhaus/Kunstbau, Luisenstrasse 33/
Königsplatz
foryouandyourcustomers, Standort München,
Liebigstraße 22
Galerie der Künstler*Innen, Maximilianstrasse 42,
*89 220 463
Mouse on Mars
Rosemary Mayer – Ways of
Attaching
–ı 18.9.
–ı 18.9.
Magdalena Abele –ı 30.11.
Tacker 2022 – Preselection
–ı 17.7.
Mind≈Body≈Matter 28.7.–28.8.
Gudrun Spielvogel, Maximilianstr. 45 Karin Radoy – Zwillingserwachen –ı 30.8.
Kunstverein München, Galeriestrasse 4 Tony Cokes –ı 15.9.
Smudajescheck Galerie, Schwindstr. 3, *173 311 0309 Wolfgang Flad, Lev Khesin –
–ı 30.7.
Le voyage dans la lune
Münster LWL-Museum für Kunst und Kultur, Domplatz 10 Der Augenblick – Die Fotografin
–ı 14.8.
Annelise Kretschmer
Murrhardt
–ı 22.7.
Ein Fenster inmitten der Welt, Heinrich von Zügel Haus,
Wolkenhof 14, *79 545 87 62
Videocity - ein fenster inmitten
der welt
Neunkirchen Städtische Galerie Neunkirchen, Marienstrasse 2 Weiß war der Schnee – Das
–ı 17.7.
Gletscherprojekt von Thomas Wrede
Neuss Skulpturenhalle, Lindenweg/Ecke Berger Weg Bertram Jesdinsky –ı 7.8.
Stiftung Insel Hombroich, Minkel 2, *2182 887 4000
Zwischenraum – Sammlung
–ı 24.7.
als Dialog
Landschaften – Chris Durham,
–ı 30.10.
Bernd & Hilla Becher
Nürnberg Germanisches Nationalmuseum, Kartäusergasse 1,
Werkstatt Mittelalter –ı 1.10.
*911 133 1103
Kunsthalle Nürnberg, Lorenzer Strasse 32 Geordnete Verhältnisse –ı 28.8.
Neues Museum Nürnberg, Klarissenplatz
Evelyn Hofer meets
–ı 9.10.
Richard Lindner
Institut für moderne Kunst im Atelier- und Galeriehaus
Defet, Gustav-Adolf-Str. 33
Manfred Peckl –ı 28.8.
Oldenburg Oldenburger Kunstverein, Damm 2a Lea von Wintzingerode – Notes on
–ı 31.7.
radical love
Pforzheim Kunstverein im Reuchlinhaus, Jahnstr. 42 KEF! – Cycle of Chaos and Harmony 24.7.–4.9.
In Zukunft Erinnerung –ı 22.10.
Schmuckmuseum, Jahnstrasse 42 Schmuck – Sprache –ı 6.11.
Remagen Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Hans-Arp-Allee 1,
*2228 942 513
Unwesen und Treiben –ı 16.10.
–ı 28.8.
Reutlingen Kunstmuseum Reutlingen / konkret, Eberhardstraße 14,
*7121 303 2322
Kunstmuseum Reutlingen / Spendhaus,
Spendhausstrasse 4
Kunstmuseum Reutlingen / Galerie, Eberhardstr. 14,
*7121 303 2322
Vom Verrinnen – Zeitkonzepte
der Gegenwartskunst
Strawalde – Hunger nach Bildern
–ı 21.8.
Die Liebe ist ein Hemd aus Feuer –ı 25.9.
Ins Licht – Highlights der
–ı 29.1.
Gemäldesammlung
Çiğdem Aky –ı 23.10.
Riegel kunsthalle messmer, Grossherzog-Leopold-Platz 1 Rendezvous der Illusionen –ı 23.10.
Siegen Museum für Gegenwartskunst Siegen, Unteres Schloss 1,
*271 405 7710
Zweigeteilt – Antoni Tàpies
–ı 16.10.
MEINEJUDEN – Miriam Cahn –ı 23.10.
Florence Jung –ı 26.2.
Gemischtes Doppel –ı 26.2.
Singen Kunstmuseum Singen, Ekkehardstrasse 10, *7731 85 271 Schaut her! – Toni Schneiders –ı 18.9.
Stuttgart Kunstmuseum Stuttgart, Kleiner Schlossplatz 1 Tobias Rehberger –ı 28.8.
Staatsgalerie Stuttgart, Konrad-Adenauer-Str. 30–32 Moved by Schlemmer –ı 9.10.
Angespannte Zustände –ı 31.12.
Tübingen Kunsthalle Tübingen, Philosophenweg 76 Christian Jankowski –ı 30.10.
Tuttlingen Galerie der Stadt Tuttlingen, Rathausstrasse 7 Wilhelm Morat – Naturreflexion –ı 24.7.
Multimediale 2022 – Sommer-
5.8.–31.8.
Kunst-Festival im Galeriehof
Katharina Meister – Kunstkreis 30.7.–4.9.
Tuttlingen e.V.
Ulm kunsthalle weishaupt, Hans-und-Sophie-Scholl-Platz 1 Malerische Poesie –ı 9.10.
Museum Ulm, Marktplatz 9 Barock in Ulm! –ı 25.9.
Franco Clivio 23.7.–13.11.
40 Jahre Freunde des Ulmer
16.7.–20.11.
Museum e.V. & Jobst Münster
Otl Aicher 100 Jahre 100 Plakate –ı 8.1.
Stadthaus Ulm, Münsterplatz 50, *731 161 7700
Kudzu – Sabine Bungert,
–ı 18.9.
Stefan Dolfen
Völklingen Weltkulturerbe Völklinger Hütte The World of Music Video –ı 16.10.
Waiblingen Galerie Stihl Waiblingen, Weingärtner Vorstadt 12,
Cover Art –ı 16.10.
*7151 5001 1686
Weil am Rhein Vitra Design Museum, Charles-Eames-Strasse 1,
Plastik – Die Welt neu denken –ı 4.9.
*7621 702 3200
Weilburg
–ı 31.8.
fotobildlager7a + Archiv_Klaus Graubner*1938, Friedrich-
Ebert-Straße 7a
Reality Show 2020–2021 –
Klaus Graubner
Witzenhausen Baumhaushotel Robins Nest, Berlepsch 1 Via Detour – Uber Umwege –ı 25.9.
Wuppertal Von der Heydt-Museum, Turmhof 8 Jankel Adler – Metamorphosen
–ı 28.8.
des Körpers
Fokus Von der Heydt – ZERO,
Pop und Minimal
–ı 16.7.
Skulpturenpark Waldfrieden (Cragg Foundation),
Hirschstr. 12, *202 317 2989
↗ www.artlog.net/kunstbulletin
Wilheom Mundt – Klumpen
–ı 31.7.
Andreas Schmitten –ı 1.1.
168 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // DEUTSCHLAND 169

Frankreich *0033
Altkirch CRAC Alsace, 18, rue du Château, *3 8908 8259 Jonathas de Andrade – Œil–Flamme –ı 18.9.
Amilly
Les Tanneries, centre d’art contemporain, 234 rue des A. Cruzvillegas, D. De Beir,
–ı 28.8.
Ponts
G. Vappereau, L. Weinberger
Angoulême Frac Poitou-Charentes, 63, Boulevard Besson Bey Paradoxales –ı 3.10.
Annemasse Villa du Parc, 12, rue de Genève, *4 5038 8461 Des grains de poussière sur la mer –ı 18.9.
Antibes Fondation Hans Hartung et Anna-Eva Bergman, 173
Chemin du Valbosquet, *4 93 33 45 92
Arles
Fondation Vincent Van Gogh, 35, rue du docteur Fanton,
*490 930 808
Les Rencontres d’Arles, 10, rond point des Arènes
Des grains de poussière sur la mer –ı 18.9.
Les archives de la création –ı 30.9.
Nicole Eisenman et les modernes –ı 23.10.
Les Rencontres de la
Photographie 2022
–ı 25.9.
Besançon FRAC Franche-Comté, Cité des arts/Passage des arts 2 Tombé du ciel – Roman Signer –ı 25.9.
Bordeaux Frac Nouvelle-Aquitaine Méca, Bassins à flot N° 1 Nina Childress – Body Body –ı 20.8.
Caen FRAC Basse-Normandie, 9, rue Vaubenard Hippydrome –ı 4.9.
Carquefou FRAC des Pays de la Loire, La Fleuriaye Trilogie de cendres –ı 17.7.
Chamarande Centre artistique et culturel, 38, rue du Commandant Devenir [un autre] animal –ı 18.9.
Arnoux, *1 6082 5201
Chantilly Château de Chantilly, 7 Rue du Connétable Albrecht Dürer – Renaissance
–ı 2.10.
et gravure
Cherbourg- Le Point du Jour, 109, av. de Paris, *22 9923 Maxence Rifflet – Nos prisons –ı 2.10.
Octeville
Clermont- FRAC Auvergne, 6 rue du Terrail, *4 7331 8500 Charles Pollock –ı 18.9.
Ferrand
Delme Centre d’art contemporain Delme, 33, rue Poincaré Henrike Naumann – Westalgie –ı 2.10.
Dijon Le Consortium, 37, rue de Longvic Tschabalala Self –ı 22.1.
Douchy-les-
Mines
Dunkerque
Centre Régional de la Photographie Nord pas-de-Calais,
Place des Nations, *2731 3193
FRAC Grand Large, 503 Av des Bancs de Flandres,
*3 28 65 84 20
Bi Hu Suo –ı 7.8.
Nicolas Floc’h – La couleur de l’eau –ı 4.9.
Delphine Reist – Vrac Multivrac –ı 30.12.
Hyères CN Villa Carmignac, Île de Porquerolles, *170 02 33 26 Le rêve d’Ulysses –ı 16.10.
Ile de Vassivière Centre International d’Art et du Paysage Lignes de fuite –ı 6.11.
Landerneau
Fonds Hélène & Edouard Leclerc, 71 Rue de la Fontaine
Blanche, Rue des Capucins
Françoise Pétrovitch
–ı 15.1.
Ernest Pignon-Ernest –ı 15.1.
Lille Tripostal, Av. Willy Brandt, *3 2852 3000 Les Vivants –ı 2.10.
Lyon Fondation Bullukian, 26 Place Bellecour, Lyon 2 e Oniric Landscapes –ı 16.7.
L’Isle-sur-la- Villa Datris, 7, avenue des 4 Otages Toucher terre –ı 1.11.
Sorgue
Marseille FRAC PACA, 20, Boulevard de Dunkerque Â. Ferreira, W. Almendra,
–ı 25.9.
A. Weerasethakul, R. Guerreiro
Musée des civilisations de l’Europe et de la Mediterranée, Abd el-Kader –ı 22.8.
Espace Georges Henri Rivière, *4 9613 8090
art-cade, 35 Rue de la Bibliothèque Épochè (maintenant) –ı 23.7.
Triangle France, 41 Rue Jobin Jaimes –ı 16.10.
Metz
Centre Pompidou Metz, 1, parvis des Droits de l’Homme L’art d’apprendre –ı 29.8.
CS 90490, *3 8715 3939
Milly-la-fôret Le Cyclop de Jean Tinguely, Le bois des pauvres Jennifer Caubet & Thomas Teurlai –ı 6.11.
Montpellier FRAC Occitanie Montpellier, 4–6, rue Rambaud Ran Zhang – Jiggly Motions /
–ı 10.9.
Gigues moléculaires
La Panacée – Centre de Culture Contemporaine, 14, rue de La céramique, une épreuve du feu –ı 4.9.
l’École de Pharmacie, *4 3488 7979
MOCO, Montpellier Contemporain, Rue Yéhudi Ménuhin 130 Berlinde De Bruyckere –ı 2.10.
Iconoscope, 25, rue du Faubourg du Courreau, *4 6763 0384 Elmar Trenkwalder – Merveilleux –ı 16.7.
Mougins Musée de la Photographie, 67 Rue de l’Église Tom Wood – Every day is Saturday –ı 16.10.
Moulis-en-
Médoc
Château de Chasse-Spleen Centre d’art, 32 Chemin de
la Razé
François Morellet –ı 30.9.
Mulhouse La Kunsthalle, 16, rue de la Fonderie, *369 776 647 Exhumer le futur – Maarten
–ı 30.10.
Vanden Eynde
Nantes HAB/Hangar à Bananes, Quai des Antilles 21, *2808 7728 Michael Beutler – plonger et puiser –ı 2.10.
Le voyage à Nantes, 1/3 rue Crucy Le Voyage à Nantes 11 –ı 11.9.
Nice Le 109, 89 Route de Turin Power Flower – Biennale des
Arts 2022
–ı 3.9.
–ı 28.8.
Musée d’Art moderne et d’Art contemporain Nice,
Promenade des Arts
Lucia Marcucci – Les secrets
du langage
Nîmes Carré d’Art, Place de la Maison Carrée, *4 66 76 35 70 Glenn Ligon –ı 20.9.
Nogent-sur-
Marne
Maison d’Art Bernard Anthonioz, Rue Charles VII 16,
*1 48 71 90 07
Cellule de performance –ı 17.7.
Musée Camille Claudel, 10 Rue Gustave Flaubert
–ı 26.9.
Nogent-sur-
Seine
Fabienne Verdier – Alchimie
d’un vitrail
Noisiel La Ferme du Buisson, Allée de la Ferme Le palais des villes imaginaires –ı 24.7.
Notre-Dame de Le Shed, centre d’art contemporain de Normandie, 12 rue Gasiorowski, c’est tout –ı 17.7.
Bondeville de l’Abbaye, *6 8169 1918
Paris Cité des sciences et de l’industrie, 30 Avenue Corentin Cariou Grégory Chatonsky – Disnovation –ı 9.10.
Cité Internationale Universitaire de Paris, 7, bd Jourdan, Le nom du monde est forêt –ı 21.7.
*1 4416 1010
Fondation d’entreprise Pernod Ricard, 1 cours Paul Ricard Oral texte –ı 23.7.
Fondation Louis Vuitton, 8, av. du Mahatma Gandhi,
La Couleur en fugue –ı 29.8.
*1 4069 9600
Hôpital Saint Louis, 1 Avenue Claude Vellefaux Sophie Delpeux & Marc Bauer –ı 30.11.
Jeu de Paume, 1, Place de la Concorde Jean Painlevé – Les pieds dans l’eau –ı 18.9.
Kadist Art Foundation, 19–21, rue des Trois Frères Xaviera Simmons – Nectar –ı 24.7.
Le Plateau Paris, Angle r. des alouettes et r. carducci Eva Barto – Weak tongue –ı 24.7.
Musée des Arts Décoratifs, 107, rue de Rivoli, *1 4260 3214 Shocking Chic – Les mondes
–ı 22.1.
surréalistes d’Elsa Schiaparelli
Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 11, avenue du Toyen –ı 24.7.
Président Wilson
Palais de Tokyo, 13, av. du Président Wilson Laura Henno, Aïcha Snoussi –
Prix SAM
–ı 4.9.
–ı 23.7.
Plateau
d’Hauteville
Bétonsalon, 9, esplanade Pierre Vidal-Naquet,
*1 4584 1756
Galerie de Sèvres, 4 Place André Malraux
Centre d’Art Contemporain de Lacoux, Place de
l’ancienne école
Tiphaine Calmettes – Soupe
Primordiale
Ulla von Brandenburg, Hélène
–ı 22.7.
Delprat, Annette Messager
Sarah Ritter – L’ombre de la terre –ı 31.10.
Poitiers Le Confort Moderne, 185, fbg du pont-neuf, *5 4946 0808 Chris Korda – The (Wo)man of
–ı 28.8.
the Future
Reims
Domaine Pommery, 5, Place du General Gouraud,
Rêveries – Expérience Pommery 16 –ı 8.11.
*3 26 61 62 58
Rennes La Criée, centre d’art contemporain, pl. Honoré Commeurec Katia Kameli – Le Cantique
des oiseaux
–ı 28.8.
Rochechouart
Musée départemental d’art contemporain, Place du
Château, *5503 7777
Helen Mirra – du vent au vent
Prinz Gholam – Mon cœur est un
luth suspendu
–ı 18.9.
–ı 15.12.
Saint-Louis Fondation Fernet-Branca, 2, rue du Ballon, *3 8969 1077 Olivier Masmonteil –ı 2.10.
Saint-Louislès-Bitche
Musée du cristal Saint-Louis, Rue Coetlosquet,
Andrés Baron – Cling Cling Boum –ı 19.9.
*8706 4004
Saint-Nazaire Le Grand Café, Place des quatres z’Horloges, *2 4022 3766 Nicolas Deshayes – Chambre froide –ı 11.9.
–ı 28.8.
Saint-Ouenl’Aumône
Saint-Priesten-Jarez
L’Abbaye de Maubuisson, rue Richard de Tour,
*1 3464 3610
Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne
Métropole (MAMC+), Rue Fernand Léger
Laura Ellen Bacon – Chaque Fibre
de Mon Être
Thomas Ruff – Méta-Photographie
Double Je –Donation Durand-
Dessert & Collections MAMC
–ı 28.8.
–ı 18.9.
Sète CRAC Occitanie, 26, quai Aspirant Herber, *4 6774 9437 Pauline Curnier Jardin –ı 8.1.
170 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // FRANKREICH 171

St-Paul-de-
Vence
Strasbourg Musée d’art moderne et contemporain Strasbourg, 1,
Place Hans Jean Arp
Villeneuve
d’Ascq
Villeurbanne
Wattwiller
Griechenland *0030
Fondation Maeght, 623, ch. des Gardettes, *493 9332 8163 Au cœur de l’abstraction –ı 20.11.
Marcelle Cahn – Auf der Suche
–ı 31.7.
nach Raum
Stéphane Belzère –ı 27.8.
LaM, 1, Allée du Musée, *3 2019 6870 Annette Messager – Comme si –ı 21.8.
Institut d’art contemporain Villeurbanne, 11, rue Docteur-
Dolard
URDLA Centre International Estampes & Livres, 207,
rue Francis-de-Pressensé
Fondation François Schneider, 27 rue de la Première
Armée, *3 8982 1010
La Fabrique du Nous #1 / Des voix
–ı 31.7.
traversées
La Fabrique du Nous #1 / Des voix
–ı 31.7.
traversées
Nos îles –ı 18.9.
Athina The Stathatos Mansion, Vasilissis Sofias ave./1 Irodotou str. Brice Marden and Greek Antiquity –ı 29.8.
Idra HYam – Tombazis Mansion, Tombazis Mansion Ham – Anne-Charlotte Finel,
–ı 14.8.
Lito Kattou
Italien *0039
Milano
Monica De Cardenas Milano, Via Francesco Viganò 4, MI,
*2901 0068
Fondazione Prada Milano, Largo Isarco 2, *25 3570 9200
Frammenti di un discorso amoroso –ı 29.7.
Chantal Joffe –ı 29.7.
Useless Bodies? by Elmgreen &
–ı 22.8.
Dragset
ICA Milano, Via Orobia 26, MI, *375 532 48 06 Irma Blank –ı 22.7.
Le Gallerie d’Italia Milano, 6 Piazza della Scala, MI
Marmi Torlonia – Collezionare
–ı 18.9.
Capolavori
MUDEC, Via Tortona 56, MI David LaChapelle –ı 11.9.
Museo del Novecento Milano, Palazzo dell’Arengario, MI, Aldo Rossi – Design 1960–1997 –ı 2.10.
*2 8844 4061
Museo Diocesano, Corso di Porta Ticinese, 95, *2 8942 0019 Elliott Erwitt –ı 16.10.
Palazzo Reale Milano, Piazza del Duomo 12, *2 3646 1394 Grazia Varisco –ı 18.9.
Pirelli HangarBicocca, Via Chiese 2, MI, *2 6611 1573 Anicka Yi – Metaspore –ı 24.7.
Steve McQueen –ı 31.7.
Triennale – Palazzo dell’Arte, 6 Viale Emilio Alemagna, MI Unknown Unknowns – An
–ı 20.11.
Introduction to Mysteries
Building, Via Monte di Pietà 23, MI Tadashi Kawamata –ı 23.7.
Letizia Cariello –ı 23.12.
Galleria Raffaella Cortese, Via A. Stradella 7, MI Maurizio Cattelan –ı 6.11.
Giò Marconi, Via Tadino 15 Louise Nevelson –ı 29.7.
Kerstin Brätsch –ı 29.7.
Bard Forte di Bard, Cerntro, AO, *125 833 811 Umberto Mònterin –ı 4.12.
Bergamo GAMeC, Via San Tomaso, 53, *35 270 272 Anri Sala –ı 16.9.
Christian Frosi –ı 25.9.
La Collezione Impermanente –ı 8.1.
Bologna Fondazione Massimo e Sonia Cirulli, Via Emilia 275, San Le donne di Kabul –ı 31.12.
Lazzaro di Savena, BO
Fondazione MAST, Via Speranza 42, *51 647 4345
A visual alphabet of industry, work –ı 28.8.
and technology
Fondazione Zucchelli, 90 Strada Maggiore, BO In and Out –ı 31.7.
Museo d’Arte Moderna, Via Don Minzoni 14, BO No, Neon, No Cry –ı 4.10.
Raccolta Lercaro, 57 Via Riva di Reno, BO
Cross Collection – Collezioni
–ı 18.9.
a confronto
Bolzano ar/ge kunst Galerie Museum, Museumsstrasse 29 Alessandra Ferrini – Unruly
–ı 30.7.
Connections
Fondazione Antonio Dalle Nogare, Rafensteiner Weg 19,
BZ, *471 971 626
Etel Adnan, Simone Fattal –
Working Together
–ı 6.11.
Calatafimi
Segesta
Museion Bolzano, Dantestr. 6, BZ Erika Giovanna Klien –ı 7.9.
David Medalla –ı 14.9.
Jorge Otero Pailos –ı 18.9.
Parco archeologico di Segesta, Contrada Barbaro, SR 22, Nella natura come nella mente –ı 6.11.
TP
Capena Art Forum Würth, 2, Via della Buona Fortuna, *690 103 800 Op Art, Arte Cinetica e Light Art
–ı 8.10.
nella Collezione Würth
Catania BOCS, 150 Via Grimaldi, CT, *338 2203041 Fabrice Bernasconi Borzì –ı 10.9.
Catanzaro Marca, Via Alessandro Roberto Giglio –ı 31.8.
La Serpara, *0761 914 071
–ı 31.7.
Civitella
d’Agliano
Firenze
Museo del Novecento Firenze, Piazza di Santa Maria
Novella 10
Mitico expo – Samuele Vesuvio,
Angela Wahr @ Padiglione Serpara
39 Künstler im Skulpturengarten –ı 31.12.
Luca Vitone –ı 7.11.
Palazzo Medici Riccardi, Via Camillo Cavour 1, *55 276 0444 Oscar Ghiglia – Gli anni di Novecento –ı 13.9.
Palazzo Strozzi, Piazza Strozzi 1, FI, *55 282 635 Donatello, il Rinascimento –ı 31.7.
Strozzina Centro di Cultura Contemporanea, Piazza
Let’s Get Digital! –ı 31.7.
Strozzi, *55 277 6461
Villa Romana, Via Senese 68, FI, *55 221 654 Viron Erol Vert –ı 29.7.
Giorgio Griffa –ı 16.9.
Gallarate MAGA Museo Arte di Gallarate, Via De Magri 1,
*33 170 6011
Genova
Jesi
Palazzo Ducale Genova, Piazza Matteotti 9, GE,
*10 562 440
Fondazione Cassa di Risparmio di Jesi, 4 Piazza Angelo
Colocci, AN
Screens – Culture dello schermo e –ı 25.9.
immagini in movimento
Storia e arte in Italia tra 1948 e 1980 –ı 25.9.
Genova Sessanta
–ı 31.7.
Tina Modotti –ı 9.10.
Luigi Ghirri –ı 31.7.
Lecce Fondazione Biscozzi | Rimbaud, 4 Piazzetta Giorgio Baglivi Salvatore Sava – L’altra scultura –ı 25.9.
Merano Merano Arte, Laubengasse 163 Together – Zusammen – Insieme –ı 25.9.
Modena
–ı 18.9.
Fondazione Modena Arti Visive, Corso Cavour 2, MO,
*59 203 31 66
Candice Breitz – Never Ending
Stories
Napoli
Casa Morra – Archivio d’Arte Contemporanea, 20C Salita Gli Unici –ı 31.7.
San Raffaele, NA, *81 564 1655
Fondazione Made in Cloister, 48 Piazza Enrico de Nicola Interaction Napoli 2022 –ı 17.9.
Fondazione Morra, Vico Lungo Pontecorvo 29/d Hermann Nitsch –ı 24.9.
Museo Archeologico Nazionale, Piazza Museo 19 Gianni Fiorito –ı 5.9.
Museo d’Arte Contemporanea Donna Regina, Via Luigi Lawrence Carroll –ı 5.9.
Settembrini, 79, NA
Orani Museo Nivola, 2 Via Gonare, NU Costantino Nivola –ı 15.7.
Ortisei Biennale Gherdëina, 8 Pontives, BZ Persones Persons –ı 25.9.
Parma Museo dello CSAC, Strada Viazza di Paradigna 1 Claudia Losi, Paola Mattioli, Sissi –
Storie di fili
–ı 25.9.
Ponzano
Romano
PRAC – Centro per l’Arte Contemporanea, 6 Via XX
Settembre, RM
lllusions & Mirrors – Sarah, Roja,
Shirin Neshat
Prato Centro Arte Luigi Pecci, Viale della Repubblica 277, PO Il giardino dell’arte. Opere, collezioni –ı 24.7.
Ravenna Fondazione Sabe, 31 Via Giovanni Pascoli, RA Gabriella Benedini –ı 16.7.
Reggio Emilia Collezione Maramotti, Via Fratelli Cervi 66 Carlo Valsecchi – Bellum –ı 31.7.
Tarwuk – ante mare et terras –ı 31.7.
Rivoli Castello di Rivoli, Piazza del Castello, TO Agnieszka Kurant – Crowd Crystal –ı 17.7.
Bracha L. Ettinger – Bracha’s
–ı 17.7.
Notebooks
Espressioni con Frazioni –ı 17.7.
Naturecultures –ı 22.9.
A.B.O. Theatron – L’arte o la vita –ı 6.11.
La Collezione Cerruti –ı 30.4.
Roma Chiostro del Bramante, Via della Pace, RM, *6880 9035 Crazy – La follia nell’arte
contemporanea
–ı 8.1.
–ı 9.9.
172 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // FRANKREICH / GRIECHENLAND / ITALIEN 173

Fondazione Memmo Arte Contemporanea, Via del Corso, Amalia Pica – Quasi –ı 16.10.
RM, *687 2276
Fondazione Volume!, 86/88 Via di San Francesco di Sales Benoît Maire –ı 22.7.
Forof, 1 Foro Traiano, RM Soundwalk Collective – Lovotic –ı 15.7.
Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Viale delle Belle Arti 131 Intertwingled –ı 4.9.
Chiara Bettazzi –ı 9.9.
L’Accademia Nazionale di San Luca, 77 Piazza Accademia
di San Luca, RM
MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, Via
Guido Reni 2, RM, *96 7350
Palazzo Cipolla, 320 Via del Corso, RM
Grazia Toderi – Marco (I Mark
–ı 30.7.
We Mark)
Buone Nuove – donne in architettura –ı 11.9.
Casa Balla –ı 31.12.
Giacomo Balla – Casa Balla –ı 31.12.
London Calling – British
–ı 17.7.
Contemporary Art Now
rhinoceros gallery, 19 Via dei Cerchi, RM Pablo Picasso –ı 16.10.
Senigallia Rocca di Senigallia, 2 Piazza del Duca, AN Claudia Losi – Being There –ı 25.9.
Torino Fondazione Merz, Via Limone 24, *11 1971 9437 Dia Beacon –ı 20.11.
Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Via Modane 16 Daniela Ortiz, Sayre Gomez –ı 2.10.
OGR – Officine Grandi Riparazioni, Corso Castelfidardo 22 Naturecultures – Arte e Natura
–ı 22.9.
dall’Arte povera a oggi
PAV – Parco Arte Vivente, Via Giordano Bruno 31,
Elena Mazzi –ı 23.10.
*11 318 2235
Reggia di Venaria Reale, Piazza della Repubblica 4 Tony Cragg –ı 8.1.
Quartz Studio, via Giulia di Barolo 18/D, TO, *11 429 0085 Sarah Ancelle Schönfeld –ı 16.7.
Venezia Biblioteca Nazionale Marciana, Piazzetta San Marco 7 Heinz Mack – Vibration of Light –ı 17.7.
Ca’Pesaro, Santa Croce 2076, *41 72 1127 Bice Lazzazi –ı 23.9.
Raqib Shaw –ı 25.9.
AFRO 1950–1970 – Dall’Italia
–ı 23.10.
all’America e ritorno
Chiesa di Santa Maria della Visitazione, 919A Fondamenta Rony Plesl –ı 27.11.
Zattere Ai Gesuati, VE
Complesso dell’Ospedaletto, 6691 Barbaria de le Tole, VE Penumbra –ı 27.11.
Ramin Haerizadeh, Rokni
Haerizadeh, Hesam Rahmanian
–ı 27.11.
–ı 27.11.
Conservatorio di Musica Benedetto Marcello di Venezia
(Palazzo Pisani), 2810 Sestiere di San Marco, VE
Uncombed, Unforeseen,
Unconstrained
Docks Cantieri Cucchini, Castello 40A/B, VE Alberta Whittle – Scotland + Venice –ı 27.11.
Espace Louis Vuitton, 1353 Calle Ridotto, VE Katharina Grosse – Apollo, Apollo –ı 27.11.
Fondazione Bevilacqua La Masa, Galleria di Piazza San Ha Chong-Hyun –ı 27.11.
Marco 71/c, *41 523 7819
Fondazione Emilio e Annabianca Vedova, Dorsoduro 46, Rainer – Vedova – Ora –ı 30.10.
*41 522 6626
Fondazione Forte Marghera, 30 Via Forte Marghera, VE Elisa Giardina Papa –ı 27.11.
Fondazione Giorgio Cini, Isola di San Giorgio Maggiore,
*41 271 0229
Fondazione Prada Venezia, Ca’ Corner della Regina, Santa
Croce 2215, VE
Kehinde Wiley – An Archaeology
–ı 24.7.
of Silence
On Fire –ı 24.7.
Human Brains – It Begins with
–ı 27.11.
an Idea
Fondazione Querini-Stampalia, Castello 5252 Isamu Noguci –ı 27.11.
Ewa Kuryluk –ı 27.11.
GAD Giudecca Art District, Via Giudecca, VE
Humanabilia – Dal Mirabilis alla
–ı 31.12.
Téchne
Galleria dell’Accademia Venezia, Campo de la Carità 1050, Anish Kapoor –ı 9.10.
VE, *41 522 2247
Gervasuti Foundation, Via Garibaldi
Miltos Manetas – Assange in
–ı 27.11.
Prison
Istituto Veneto di Scienze, Palazzo Loredan, *41 240 7711 Roma Women – Performative
Strategies of Resistance
–ı 27.11.
La Biennale di Venezia, Giardini – Arsenale, *41 521 8711 La Biennale di Venezia 2022 –ı 27.11.
M9 – Museum of the 20 th Century, 11 Via Giovanni Pascoli, Alberi! 30 Frammenti di Storia
–ı 10.8.
VE
d’Italia
Museo Correr, Piazza San Marco 52 Huong Dodinh –ı 9.10.
Museo del vetro, Fondamenta Giustinian, 8 Gervasuti Foundation –ı 21.8.
Museo di Palazzo Grimani, Ramo Grimani, 4858 The Flaying of Marsyas –
–ı 27.11.
Mary Weatherford
Georg Baselitz –ı 27.11.
Bosco Sodi a Palazzo Vendramin
–ı 27.11.
Grimani
Negozio Olivetti, 101 Piazza San Marco, VE Lucio Fontana, Antony Gormley –ı 27.11.
Padiglione delle Arti Applicate, 2169 Campo de la Tana, VE, Sophia Al-Maria –ı 27.11.
*415218711
Padiglione Svizzero, Giardini di Castello, VE Latifa Echakhch –ı 27.11.
Palazzo Cini, Rio Terrà San Vio, 864/Dorsoduro, *41 521 0755 Joseph Beuys – Fine-limbed –ı 2.10.
Palazzo Ducale Venezia, San Marco 1, VE Anselm Kiefer –ı 29.10.
Palazzo Loredan, S. Marco 2945, *41 240 7711 Markus Lüpertz –ı 7.8.
Peggy Guggenheim Collection, 701 Dorsoduro
Surrealism and Magic – Enchanted –ı 26.9.
Modernity
Edmondo Bacci –ı 1.10.
Procuratie Vecchie, 119 Piazza San Marco, VE Edoardo Tresoldi – Monumento –ı 11.9.
Louise Nevelson –ı 11.9.
Chutzpah –ı 11.9.
Punta della Dogana, Dorsoduro 1, VE Bruce Nauman –ı 27.11.
Salone Verde, Sestiere Santa Croce 2258, Calle della Regina Take Your Time –ı 27.11.
Scuola Grande della Misericordia, Sestiere Cannaregio, VE Future Generation Art Prize
–ı 27.11.
@ Venice 2022
Scuola Grande San Giovanni Evangelista, San Polo, 2454 Ugo Rondinone – burn shine fly –ı 17.9.
Spazio Thetis, Arsenale Novissimo di Veneia, VE Antonio Ievolella – Paranza –ı 27.11.
Zuecca Projects, 368 Salizada Streta, VE, *3357094602 Hermann Nitsch –ı 20.7.
Verona Palazzo della Gran Guardia, Piazza Bra, *02 433 53522 Bosco Sodi –ı 27.11.
Liechtenstein *0423
Schaan SchaufensterKunst, Landstrasse 62 SchaufensterKunst –ı 24.7.
Vaduz
Kunstmuseum Liechtenstein mit Hilti Art Foundation, Im Kontext der Sammlung –
–ı 7.8.
Städtle 32
Matthias Frick
Körper – Geste – Raum –ı 28.8.
C(hoch)4 –ı 4.9.
Kunstraum Engländerbau, Städtle 37, *236 6077 New Normal –ı 24.7.
Luxemburg *0352
Luxemburg
Monaco *0377
Monaco
Niederlande *0031
MUDAM/Musée d’Art Moderne Luxembourg, 3, Park Dräi
Eechelen, *4537 851
Lynette Yiadom-Boakye – Fly In
–ı 5.9.
League With The Night
Isamu Noguchi, Danh Vo –ı 19.9.
Nouveau Musée National de Monaco, 17, avenue Princesse Newton, Riviera –ı 13.11.
Grace, *98 981 962
Hauser & Wirth Monaco, Place du Casino Paul McCarthy – Pirates Stew Pot –ı 28.8.
Amsterdam Rijksmuseum, Museumstraat 1 Barbara Hepworth –ı 23.10.
Stedelijk Museum, Museumplein It’s our F***ing Backyard –ı 4.9.
Sedje Hémon, Imran Mir,
–ı 16.10.
Abdias Nascimento
Maastricht Bonnefantenmuseum, Avenue Ceramique 250 Melati Suryodarmo –ı 30.10.
174 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // ITALIEN / LIECHTENSTEIN / LUXEMBURG / MONACO / NIEDERLANDE 175

Spanien *0034
Dornbirn — Monika Sosnowska,
Kunstraum
Österreich *0043
foryouandyourcustomers, Standort Wien,
Köstlergasse 6–8
Graz — Monica Bonvicini, Kunsthaus
© ProLitteris. Foto: J.J. Kucek
Dornbirn Flatz Museum, Marktstrasse 33, *5572 306 4839 Irving Penn – Black and White –ı 10.9.
Kunstraum Dornbirn, Jahngasse 9, *5572 55 044
Kunst Raum Stadt: Eva Schlegel
–ı 21.8.
mit 2MVD
Monika Sosnowska –ı 30.10.
Graz Kunsthaus Graz, Lendkai 1, *316 8017 9200 Monica Bonvicini –ı 21.8.
Amazons of Pop! –ı 28.8.
Neue Galerie Graz, Joanneumsviertel 2, *316 8017 9100 Ein Krieg in der Ferne – Prolog –ı 1.8.
Axl Leskoschek –ı 21.8.
Paul Neagu –ı 25.9.
Ladies and Gentlemen –ı 30.10.
Halle für Kunst Steiermark, Burgring 2, *316 740 084 Anita Leisz –ı 4.9.
Yalda Afsah –ı 4.9.
Give Rise To Omsk Social Club &
–ı 12.9.
Alexander Iezzi
Hohenems Jüdisches Museum Hohenems, Schweizer Strasse 5 Ausgestopfte Juden? –ı 19.3.
Innsbruck Kunstraum Innsbruck, Maria-Theresien-Str. 34 Zoopolis –ı 27.8.
Krems Karikaturmuseum Krems, Steiner Landstrasse 3a 100 Jahre Paul Flora –ı 29.1.
Linz Lentos Kunstmuseum, Ernst-Koref-Promenade 1 Inge Dick –ı 14.8.
galerie wuensch aircube, Volksfeststrasse 36,
Collection Wuensch – Stephan
–ı 30.9.
*69988796723
Siebers
Hardrein Barth –ı 30.9.
Lustenau Dock 20 – Kunstraum und Sammlung Hollenstein,
Luka Jana Berchtold – Dicke Haut –ı 11.9.
Pontenstraße 20
Salzburg Museum der Moderne Rupertinum, Wiener-
Die Damen –ı 4.9.
Philharmonikergasse 9
Galerie Fotohof, Inge-Morath-Platz 1–3, *662 849 2964 Fotohof Bibliothek – Verlage zu
–ı 30.7.
Gast n°3: Hydra Editorial
Rudi Frey – Professione: Reporter –ı 30.7.
Thalheim b/WelsMuseum Angerlehner, Ascheter Str. 54, *7242 224 4220 Michael Vonbank –
–ı 25.9.
Dämonentheater
Wien Albertina Museum, Albertinaplatz 1 Tony Cragg –ı 30.10.
Wien Museum MUSA, Felderstraße 6–8
Augenblick! Straßenfotografie
–ı 23.10.
in Wien
Wiener Secession, Friedrichstrasse 12
Neil Beloufa, Amoako Boafo,
–ı 4.9.
B. Ingrid Olson
Eva Presenhuber Wien, Lichtenfelsgasse 4 Michael Williams –ı 23.7.
–ı 30.11.
Regula Dettwiler
Christoph Luger
Sali Ölhafen
Ulrich Plieschnig
Galerie Knoll, Gumpendorferstr. 18 Paul Horn – Erkenne dich felbft –ı 30.7.
Almería MECA: Mediterráneo Centro Artístico, 11 Calle Navarro Darax Ming Yi Chou – Color –ı 28.7.
Badajoz Meiac Alter(acción) 2.0 –ı 18.9.
Colección Extremeña del MEIAC –ı 31.12.
Barcelona Caixa Forum Barcelona, Avenida del Marqués de Domillas 6–8 Digerir el mundo donde está 19.7.–30.10.
Centre d’Art Santa Mónica, Rambla de Santa Mónica 7 La irrupció –ı 21.8.
Centro de Cultura Contemporánea, Montalegre 5 Francesc Tosquelles –ı 28.8.
Fundació Antoni Tàpies, Aragó 255, Barcelona Mika Vainio – Sondear –ı 31.7.
Melancolía – Tàpies –ı 25.9.
En movimiento – Goshka Macuga –ı 25.9.
Fundació Joan Miró, Parc de Montjuic, Barcelona,
*93 443 9470
Dies llargs, nits curtes
–ı 18.9.
El llegat més íntim – Miró –ı 26.9.
1 possessió Drift 17.7.–16.10.
Fundació Suñol, Passeig de Gràcia 98, *9349 6103 Exterior/Interior –ı 27.7.
KBr Fundación MAPFRE, Avenida Litoral, 30, *932 723 180 Bleda y Rosa –ı 4.9.
Museu d’Art Contemporani, Plaça dels Angels, 1
Teresa Lanceta – Teixir com a
–ı 11.9.
codi obert
Sismografia de les lluites –ı 25.9.
Cinthia Marcelle –ı 8.1.
Museu Nacional d’Art de Catalunya, Parc de Montjuïc Benet Rossell – Escriptures i
–ı 11.9.
trajectes
Museu Picasso Barcelona, Montcada 15–19, *93 319 6902 Proyecto – Picasso –ı 4.9.
Brigitte Baer – Picasso y los
–ı 20.10.
Grabados
Lucien Clergue – Encuentros
–ı 20.10.
con Picasso
Palau de la Virreina, La Rambla 99, *93 316 1000 Imágenes vacías – Oriol Vilapuig –ı 2.10.
Èlia Llach – Escrito en el agua –ı 2.10.
Amèlia Riera – Mrs. Death 21.7.–6.11.
Adn galería, Enric Granados, 49 Miquel García – El foc i les ferides –ı 28.8.
Regina José Galindo – No te creo –ı 28.8.
Carles Taché, Consell de Cent, 290 Bosco Sodi – Reflexiones –ı 23.7.
Galeria Àngels Barcelona, Carrer del Pintor Fortuny, 27 Mar Reykjavik – La voltereta –ı 3.9.
Joan Prats, Rambla de Catalunya 54 Hole in the ground –ı 29.7.
La Capella, Hospital 56, *9 3442 7171 El que és possible i el que no –ı 28.8.
Mirador Torre Glòries, Avinguda Diagonal 211, Barcelona Cloud Cities Barcelona –
–ı 31.12.
Tomás Saraceno
Bilbao Guggenheim Museum, Abandoibarra Etorbidea 2 Jean Dubuffet – Ferviente
–ı 21.8.
celebración
Serra / Seurat – Dibujos –ı 6.9.
Motion – Autos, Art, Architecture –ı 18.9.
The Otolith Group – O Horizon –ı 9.10.
Museo de Bellas Artes, Plaza del Museo 2, *94 439 6060 Sergio Prego – Trece a Centauro –ı 30.11.
Sala Rekalde, Alameda Rekalde 30 Irantzu Yaldebere –ı 28.8.
Ertibil Bizkaia 2022 –ı 16.10.
Burgos Centro de Arte Caja de Burgos, Saldaña s/n. Félix de la Concha –ı 25.9.
María Jesús G. Garcés –ı 25.9.
Ernesto Cánovas –ı 25.9.
Cáceres Centro de Artes Visuales Fundación Helga de Alvear, Pizarro 8 Cristina Lucas – Patterns –ı 15.7.
Castellón Espai d’Art Contemporani, Carrer Prim s/n, Castellón El descrèdit de la realitat –ı 18.9.
Córdoba Casa Árabe Córdoba, C/ Samuel de los Santos, *957 498 413 Memorias en movimiento –ı 16.9.
Coruña Fundación Luis Seoane, San Francisco, s/n. Marc Vilanova – Limen –ı 18.9.
Marcelo Expósito – Nueva Babilonia –ı 9.10.
Cuenca Fundación Antonio Pérez, Calle de Julián Romero 20 Alfonso – Cuidado con la memoria –ı 31.8.
Kimsooja –ı 31.8.
Luis González Palma –ı 4.9.
176 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // ÖSTERREICH / SPANIEN 177

Gijón
LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Los Prados,
121, *985 185 577
Girona Bolit Centre d’Art Contemporani, Pujada de la Mercè, 12,
*97 222 3305
Extinción Remota Detectada –ı 27.8.
Insectòdrom
–ı 7.8.
Biennal 2064 –ı 25.9.
Granada Centro José Guerrero, Oficios, 8 El pequeño museo más hermoso
–ı 11.9.
del mundo
Illa del Rei Hauser & Wirth Menorca, Diseminado Illa del Rei, Baleares Rashid Johnson – Sodade –ı 13.11.
Las Palmas de
G.C.
León
CAAM Centro Atlántico de Arte Moderno, Balcones 9–13,
Las Palmas
MUSAC Museo de Arte Contemporáneo León, Avenida de
los Reyes Leoneses 24, León
Myriam Mihindou – Le théâtre
–ı 18.9.
des mémoires
Homenaje a Millares –ı 18.9.
Juan Hernández –ı 18.9.
Fernando Renes – Medir tierra
–ı 11.9.
Isabel & Alfredo Aquilizan –ı 6.11.
Metanarrativas – Colección Musac –ı 22.1.
Y. Z. Kami – In a silent way –ı 22.1.
Lleida La Panera Centre d’Art, Pl. de la Panera 2, *973 262 185 Beques Art i Natura 2019–2020 –ı 2.10.
Elena Aitzkoa – Brote de peral –ı 2.10.
Laura Meseguer – Invisible –ı 2.10.
Madrid Casa Arabe, Alcalà 62, Madrid, *91 563 30 66 Mounir Fatmi – La luz cegadora –ı 18.9.
Luces o sombras de lo que fue … –ı 25.9.
Casa de América, Paseo de recoletos 2, *91 595 4800 Sculpting Reality –ı 3.9.
Centro Cultural Conde Duque, Conde Duque 9 y 11,
*91 588 5834
Devolver el fuego
–ı 17.7.
Núria Fuster – Sueños Geológicos –ı 17.7.
CentroCentro, Plaza de Cibeles 1 Archivos Lambda –ı 28.8.
The Pop Art Culture –ı 18.9.
Híbridos –ı 25.9.
Fotografía Pública – The Sixties –ı 2.10.
Circulo de Bellas Artes, Calle Alcala 42, *91 3605 400 Ana Palacios – Armonía –ı 4.9.
Carlos García-Alix –ı 4.9.
Sculpting Reality –ı 4.9.
El Águila, RamÍrez de Prado 3, *91 720 8226 Catalá-Roca –ı 18.9.
Fundación Canal, Mateo Inurria 2, *91 541 506 Al descubierto –ı 24.7.
Fundación Mapfre Sala Recoletos, Paseo Recoletos 23,
*91 581 6100
Paolo Gasparini
–ı 28.8.
Carlos Pérez Siquier –ı 28.10.
Fundación Telefónica, Fuencarral 3, *91 9001 10707 José Manuel Ballester –ı 3.10.
Liam Young – Construir mundos –ı 23.10.
Matadero, Paseo de Chopera 12, Madrid Janet Cardiff & George Bures Miller –ı 25.7.
Museo ICO, Zorrila, 3, Madrid, *91 420 1242 Juan Baraja –ı 11.9.
Museo Lázaro Galdiano, 122 Calle de Serrano, Madrid Javier Campano –ı 28.8.
Museo Reina Sofía, Santa Isabel 52
De Posada a Isotype, de Kollwitz
–ı 29.8.
a Catlett
Alejandra Riera – Jardín de
–ı 5.9.
las mixturas
Giro gráfico –ı 13.10.
Museo Thyssen-Bornemisza, Paseo del Prado 8 Alex Katz –ı 11.9.
Palacio de Cristal, Parque del Retiro, *91 574 6614 Carlos Bunga –ı 4.9.
Palacio Velázquez, Parque del Retiro, *91 573 6245 Néstor Sanmiguel –ı 19.9.
Sala Alcalà, Calle de Alcalà 31, Madrid Guillermo Mora –ı 24.7.
1 Mira Madrid, 16 Calle de Argumosa, Madrid Nil Yalter – La convivencia –ı 31.7.
Aural Galería, 68 Calle de Pelayo, Madrid Ignacio Gómez de Liaño –ı 23.7.
Blanca Berlín Galería, 28 Calle del Limón, Madrid Carlos Pérez Siquier –ı 30.7.
Canal Isabel II, Santa Engracia 125, *91 545 1000 Aleix Plademunt –ı 24.7.
Freijo Gallery, 46 Calle de Zurbano, Madrid, *91 310 30 70 Famosos y anónimos –ı 16.7.
Galería Elba Benitez, San Lorenzo 11, *91 308 0468 Francisco Ruíz de Infante –ı 30.7.
Galería Elvira González, General Castaños, 3 Albarrán cabrera –ı 22.7.
Galería Marlborough, Orfila 5 Juan Navarro Baldeweg –ı 28.7.
Galería Silvestre, 21 Calle del Doctor Fourquet, *910594112 Clara Lane Lens – Tell us we belong –ı 23.7.
Madrid/
Mostoles
Málaga
Guillermo de Osma, Claudio Coello 4 José Alemany – Mujeres –ı 27.7.
Heinrich Ehrhardt, San Lorenzo 11 Theta Wave –ı 23.7.
Helga de Alvear, Doctor Fourquet, 12 Gerardo Delgado –ı 16.7.
La Caja Negra, 17 Calle de Fernando VI, Madrid Eva Lootz –ı 29.7.
La Casa Encendida, Ronda de Valencia 2, Madrid Criaturas vulnerables –ı 18.9.
Inéditos 2022 –ı 18.9.
Eva Kot’átková –ı 2.10.
Lucía Mendoza, 10 Calle de Bárbara de Braganza, Madrid Mercedes Lara – Es cuestión de tiempo –ı 15.7.
NoguerasBlanchard, 4 Calle del Doctor Fourquet, Madrid Revelations on a shapeless sphere –ı 18.8.
PHotoEspaña, Alameda 9 International photography festival –ı 28.8.
Sabrina Amrani, 52 Calle Sallaberry, Madrid, *916 217 859 Alexandra Karakashian – Against
the Sun
–ı 23.7.
Centro de Arte Dos de Mayo, Avda. de la Constitución 23,
*91 276 0221
Centre Pompidou Málaga, Pasaje Doctor Carrillo Casaux
s/n. 29016 Muelle Uno,*, Málaga, *95 192 62 00
Álvaro Perdices
–ı 21.8.
Reflector de miríadas –ı 21.8.
Renate Lorenz & Pauline Boudry –ı 19.10.
La arquitectura japonesa
–ı 19.9.
desde 1950
Un tiempo propio –ı 15.10.
Centro de Arte Contemporáne Málaga, Calle de Alemania Erik Parker – Easy Freedom –ı 28.8.
Ben Sledsens –ı 11.9.
Museo Picasso de Málaga, San Agustín, 8, *952 127 600 Paula Rego –ı 21.8.
Menorca Hauser & Wirth Menorca, Diseminado Illa del Rei Rashid Johnson Sodade –ı 13.11.
Navarra Museo Oteiza, Calle de la Cuesta, 7 David Bestué – Aflorar –ı 15.10.
Palma de
Mallorca
Esbaluard, Plaza Porta de Santa Catalina 10
Mal Pelo – Before the words
–ı 28.8.
María Ruido – Las reglas del juego –ı 4.9.
Albert Pinya & Joan Pere Català Roig –ı 9.10.
Personae – Máscaras contra
–ı 8.1.
la barbarie
Salamanca Domus Artium, Avenida de la Aldehuela El vértigo de la vida –ı 28.8.
Lee Friedlander –ı 25.9.
Ana esteve Roig –ı 30.10.
Santa Cruz de
Tenerifa
Tea Tenerife Espacio de las Artes, Avenida de San
Sebastian 10, *92 284 9057
José Herrera – Velar la forma –ı 11.9.
Santander Centro Botín, Muelle de Albareda s/n, Kantabrien Ellen Gallagher, Edgar Cleijne –ı 11.9.
Juan Muñoz – Dibujos –ı 16.10.
Retratos – esencia y expresión –ı 31.12.
Santiago de
Compostela
Sevilla
CGAC Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Valle Inclán
s/n
CAAC – Centro Andaluz de Arte Contemporáneo,
Monasterio de la Cartuja, Sevilla
El Museo como escenario
–ı 2.10.
Narelle Jubelin – Nalgures –ı 16.10.
Raniero Fernández – O Archivo –ı 1.1.
Muntadas
–ı 4.9.
Rubén Guerrero –ı 11.9.
Valencia IVAM Centre Julio González, Guillem de Castro 118 Zanele Muholi –ı 4.9.
Arte en una tierra baldía 1939–59 –ı 4.9.
Anna Boghiguian –ı 4.9.
Julio González y las Vanguardias 21.7.–9.10.
Carmen Calvo –ı 1.1.
Valladolid Museo Patio Herreriano, Jorge Guillén 6 Una revelación –ı 1.9.
Juan Carlos Arnuncio –ı 11.9.
Dora García – La máquina horizonte –ı 25.9.
Derivaciones. Fotografía en
–ı 13.11.
España 1950–80
Vigo Museo Marco de Vigo, Príncipe, 54 Idoia Montón – Las siete ventanas –ı 4.9.
Francisco Leiro – O Antropomórfico –ı 16.10.
Vitoria-Gasteiz Artium Contemporary Art, Calle Francia, 24 Erlea Maneras Zabala –ı 18.9.
Anna Daučíková –ı 18.9.
Néstor Sanmiguel Diest –ı 1.11.
Montehermoso, Fray Zacarías Martínez 2 José Ibarrola – Mirar alrededor –ı 11.9.
178 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // SPANIEN 179

Vereinigtes Königreich *0044
Birmingham Eastside Projects, 86 Heath Mill Lane, *121 771 1778 Bijan Moosavi –ı 6.8.
Susan Philipsz –ı 1.9.
Ikon Gallery, 1 Oozells Square, *121 248 0708
Yhonnie Scarce, Salote Tawale and –ı 29.8.
Osman Yousefzada
Bristol Spike Island, 133 Cumberland Road, *117 929 2266 Eric Baudelaire & Alvin Curran –ı 18.9.
Bruton Hauser & Wirth Somerset, Durslade Farm, Dropping Lane Henry Moore – Sharing Form –ı 4.9.
Cardiff g39, Oxford St Tibro Yalp –ı 20.8.
Gateshead Baltic, South Shore Road Mounira Al Solh – A day is as long
–ı 2.10.
as a year
Glasgow The Common Guild, 21 Woodlands Terrace, *141 428 3022 Corin Sworn – Moving in Relation –ı 26.11.
Leeds Henry Moore Institute, 74 The Headrow, *113 234 3158 Henry Moore – The Sixties –ı 30.10.
The Tetley, Hunslet Road Bubu Ogisi –ı 29.8.
Liverpool Tate Gallery Liverpool, Albert Dock Radical Landscapes –ı 4.9.
Walker Art Gallery, William Brown Street
The Tudors – Passion, Power and
–ı 29.8.
Politics
Fact Liverpool, 88 Wood Street
Yaloo and Sian Fan – My Garden, 22.7.–9.10.
my sanctuary
London Camden Arts Centre, Arkwright Road Jesse Darling –ı 18.9.
cell, 258 Cambridge Heath Road, *20 241 3600 Asia-Art-Activism in Residence –ı 18.8.
Design Museum London, 224–238 Kensington High St Weird Sensation Feels Good – The
World of ASMR
–ı 20.8.
–ı 30.7.
Horniman Museum and Gardens, London Road 100,
Greater London
Harun Morrison – Dolphin Head
Mountain
ICA Gallery, 12 Carlton House Terrace, *20 7930 3647 Penny Goring – Penny World –ı 22.9.
Jerwood Space, 171 Union St/Southwark, *20 654 0171 Jerwood/FVU Awards 2022 –ı 23.7.
Serpentine Galleries (North), West Carriage Drive,
Back to Earth –ı 18.9.
Greater London
Serpentine Galleries (South), Kensington Gardens Dominique Gonzalez-Foerster –ı 4.9.
South London Gallery, 65 Peckham Road, *20 7703 6120 The show is over –ı 4.9.
Tate Britain, Millbank Walter Sickert –ı 18.9.
Cornelia Parker –ı 16.10.
Tate Modern, Bankside Surrealism Beyond Borders –ı 29.8.
Lubaina Himid –ı 2.10.
Victoria & Albert Museum, Cromwell Road, *20 942 2000 Fashioning Masculinities – The Art –ı 6.11.
of Menswear
Austrian Cultural Forum, 28 Rutland Gate, *20 225 0470 The Blue, the Pink, the Immaterial, –ı 22.7.
the Void
Barbican Art Gallery, Silk St., *20 7588 9023 Our time on earth –ı 29.8.
Chelsea space, 16 John Islip Street In transit our memory fades –ı 27.9.
Kate Morrell –ı 4.2.
Gasworks Gallery, 155 Vauxhall Street
Lou Lou Sainsbury – Earth is a
–ı 19.9.
Deadname
Hauser & Wirth London, 23 Savile Row, *207 287 2300 Luchita Hurtado –ı 30.7.
Larry Bell – New Works –ı 30.7.
Iniva (Institute of International Visual Arts), Rivington Place Emii Alrai –ı 4.9.
Kate Macgarry, 27 Old Nichol St., *20 7613 0515 Laura Gannon –ı 23.7.
Lisson Gallery London, 29 and 52–54 Bell Street Antonio Calderara –ı 20.8.
Maureen Paley, 21 Herald Street, *20 7254 9607 Alastair MacKinven –ı 31.7.
Royal Institute of British Architects, 66 Portland Place Charles Holland & Di Mainstone –ı 30.7.
The Showroom, 63 Penfold St., *20 7724 4300 Adam Shield – Amp Envelope 20.7.–17.9.
↗ www.artlog.net
Manchester Home, 70 Oxford St. British Art Show 9 –ı 4.9.
The Holden Gallery, Cavendish Street, Greater Manchester Vidoecity visits Manchester
–ı 28.7.
Loneliness II – Night Screening
Vidoecity visits Manchester
–ı 28.7.
Loneliness II
The Horsfall, 2 Jersey Street, Greater Manchester
Vidoecity visits Manchester
–ı 29.7.
Loneliness I – Into The Blue
Margate Turner Contemporary, The Rendezvous Ingrid Pollard – Carbon Slowly
–ı 25.9.
Turning
Middlesbrough mima, Centre Square Lubna Chowdhary – Erratics –ı 10.10.
Nottingham Nottingham Contemporary, Weekday Cross, *115 948 9750 Meriem Bennani – Life on CAPS –ı 4.9.
Southend-on- Focal Point Gallery, Victoria Avenue, *253 4108 Rosanna Lee – Parallel –ı 12.12.
Sea Essex
Wakefield Yorkshire Sculpture Park, West Bretton, *1924 832 631 Robert Indiana –ı 8.1.
The Hepworth, Gallery Walk, *1924 247 360 Sheila Hicks – Off Grid –ı 25.9.
Hongkong *0852
Hong Kong
Mexiko *0052
Hauser & Wirth Hong Kong, 15–16/F, H Queen’s, 80 Queen’s
Road Central, Hong Kong Island
Nicolas Party – Red Forest –ı 23.9.
Tehuantepec Casa Guietiqui, San Sebastian, OAX Videocity visits Santo Domingo
with Eye/View
Norwegen *0047
Oslo OsloBiennale, Myntgata 2 OsloBiennale –ı 31.12.
Südafrika *0027
Kapstadt
Zeitz Museum of Contemporary Art Africa, V&A Waterfont,
S Arm Road, Silo District, *087 350 4777
Vereinigte Staaten *0001
Tracey Rose – Shooting Down
Babylon
–ı 30.7.
–ı 28.8.
Aspen Aspen Art Museum, 590 North Mill Street Precious Okoyomon –ı 18.9.
Berkeley Berkeley Art Museum, 2625 Durant Avenue #2250,
Tammy Rae Carland, David
–ı 17.7.
*510 642 0808
Huffman, Lava Thomas, John Zurier
Boston Institute of Contemporary Arts Boston, 955 Boylston St. Raúl de Nieves – The Treasure
–ı 24.7.
House of Memory
Bárbara Wagner & Benjamin
–ı 5.9.
de Burca – Swinguerra
A Place for Me – Figurative
–ı 5.9.
Painting Now
Museum of Fine Arts Boston, 465 Huntington Avenue, MA, Philip Guston – Now –ı 1.9.
*617 267 9300
Chicago Art Institute of Chicago, 111 S. Michigan Ave, IL Cézanne –ı 5.9.
Denver Denver Art Museum, 100 W 14 th Avenue Pkwy ReVisión –ı 17.7.
Detroit
Museum of Contemporary Art Detroit, 4454 Woodward
Ave, *313 832 6622
dream hampton
Ground Up: Reflections on Black
Abstraction
–ı 14.8.
–ı 15.8.
Houston The Menil Collection, 1515 Sul Ross Wall Drawing Series – Marcia Kure –ı 22.8.
Long Island City MoMA PS1, 22–25 Jackson Ave at 46th Ave, NY,
*718 784 2084
Los Angeles Los Angeles County Museum of Art, 5905 Wilshire
Boulevard
Frédéric Bruly Bouabré
–ı 13.8.
Our Selves –ı 2.10.
Lee Alexander McQueen – Mind,
–ı 9.10.
Mythos, Muse
Hauser & Wirth Los Angeles, 901 East 3 rd Street, CA Paul McCarthy – A&E Drawings –ı 17.7.
Mika Rottenberg –ı 2.10.
Minneapolis Walker Art Center, Vineland Place Five Ways In – Themes from the
Collection
–ı 1.1.
180 Kunstbulletin 7-8/2022 AGENDA // VEREINIGTES KÖNIGREICH / HONGKONG / MEXIKO / NORWEGEN / SÜDAFRIKA / … 181

New York Dia Art Foundation, 535 West 22 nd Street Walter De Maria – The Broken
–ı 30.9.
Kilometer
Metropolitan Museum, 5 th Av. 82 nd Street In America – A Lexicon of Fashion –ı 5.9.
MoMA – The Museum of Modern Art New York, 11 West 53 th
Street, NY
Museum of Arts and Design, 2 Columbus Circle,
*212 299 7777
Queens Museum of Art, Flushing Meadows Corona Park
Frédéric Bruly Bouabré – World
–ı 13.8.
Unbound
Our Selves –ı 2.10.
Garmenting – Costume as
–ı 14.8.
Contemporary Art
Stephanie Dinkins – On Love
–ı 14.8.
and Data
Suzanne Lacy –ı 14.8.
Christine Sun Kim –ı 31.1.
S. R. Guggenheim Museum, 1071 Fifth Avenue Vasily Kandinsky – Around
–ı 5.9.
the Circle
Swiss Institute, 38 St Mark’s Place, NY Si onsite – Megan Marrin: 340 E.
–ı 1.9.
9 th Street
Eva Presenhuber, New York, 39 Great Jones Street, NY, Sarah Ortmeyer –ı 29.7.
*212 931 0711
Hauser & Wirth New York, 548 West 22nd Street, NY Nicole Eisenman – Untitled (Show) –ı 29.7.
Lee Lozano – All Verbs –ı 29.7.
Hauser & Wirth, 69th Street New York, 32 East 69 th Street Cindy Sherman – 1977 – 1982 –ı 29.7.
Southampton Hauser & Wirth Southampton, 9 Main Street, NY Of Making and Material –ı 10.9.
Washington Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Independence Av.
at 7 th Street SW
Laurie Anderson –ı 30.7.
Messen und Auktionen
Schaffhausen Femme Artist Table (FATart), Kammgarn Westflügel 2. & 5. FATart Fair 2022 9.9.–11.9.
3. Etage
Paris Atelier Richelieu, 60, rue de Richelieu Outsider Art 2022 15.9.–18.9.
Gijón
LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Los Prados,
121, *985 185 577
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Nachhaltige Präsenz:
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182 Kunstbulletin 7-8/2022

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im Schloss Leuk
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bis 31.7.22
bis 31.7.22
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1970 – 1990: Kunst,
Gesellschaft, Umwelt
Fokus Sammlung
Le Crocrodrome
est mort, vive
le Crocrodrome
Die Sammlung
Gerhard Saner.
Von Ferdinand
Hodler bis Max Bill
Kunstmuseum Solothurn
Werkhofstrasse 30
4500 Solothurn
DI – FR 11–17 Uhr,
SA & SO 10–17 Uhr
+41 32 626 93 80
kunstmuseum@solothurn.ch
Herzlich
willkommen!
54 Künstlerinnen in 2 Ausstellungen:
• Gruppe 1: 2. Juli bis 12. August
• Gruppe 2: 20. August bis 28. September
Juli/August | Mo–Fr: 11:30–17:00 Uhr
1. August geschlossen
September | Mo–Fr: 11:30–16:00 Uhr
Schweizerische Gesellschaft Bildender Künstlerinnen
SGBK, www.sgbk.ch, www.sgbk-bern.ch,
www.omasglozzjini.ch, www.schlossleuk.ch
www.schloss-spiez.ch
Otto
Tschumi
Surreale Welten
02/07 – 16/10/2022
Mo 14 –17h
Di bis So 10 –17h
Juli und August bis 18h
AARGAU / BERN / SOLOTHURN 183
Otto Tschumi 1941, © 2022 ProLitteris

René Myrha
21. August bis 11. September 2022
Öffnungszeiten: FR 18–21 Uhr | SA 15–18 Uhr | SO 11–14 Uhr
Skulpturen
Marmor – Holz – Ton
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Salvatore Fergola · Notturno a Capri, 1843,
Napoli Museo di Capodimonte
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Bild: Carrara Marmor poliert
Maria Magdalena
Z’Graggen
Un affare di famiglia
Galerie Rössli
Kultur im Thal
Herrengasse 8
4710 Balsthal
galerie-roessli.ch
Form, Farbe, Schrift
Konkrete Kunst aus der Sammlung
Liliane Beck-Barbezat (Teil I)
12. Juni bis
25. September 2022
Bahnhofstrasse 53 | CH-2540 Grenchen
Mi bis Sa 14–17 Uhr | So 11–17 Uhr
Feiertage siehe kunsthausgrenchen.ch
Sommerpause (Kunsthaus ist geschlossen):
25. Juli bis 16. August 2022
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Netzwerk der Schweiz
184 Kunstbulletin 7-8/2022 BERN / SOLOTHURN / INNERSCHWEIZ 185
Aktionstag am 27.08.2022 I 30 Ausstellungen zeitgenössischer Kunst in und um Luzern I kunsthoch-luzern.ch
Mit Werken von:
Jo Achermann, Elionora Amstutz, Heini Andermatt, Ursula Bachman,
Christine Bänninger & Peti Wiskemann, Hans-Ueli Baumgartner, Guido Blättler,
Jeremias Bucher, Adrian Gander, Carmela Gander, Bernhard Aldo Giger,
Pia Gisler, John Grüniger, Gertrud Guyer Wyrsch, Alois Herrmann, Karl Imfeld,
Barbara Jäggi, Monika Kiss Horvath, Matteo Laffranchi, Pi Ledergerber,
Niklaus Lenherr, Rochus Lussi, Paul Louis Meier, Aldo Mozzini, Timo Müller,
Johanna Näf, Jos Näpflin, René Odermatt, Katrin Odermatt, Andi Rieser,
Andrea Röthlin, André Schuler, Markus Schwander, Diana Seeholzer, Kurt Sigrist,
Ursula Stalder, Josua Wechsler, Stephan Wittmer, Hermann Wyss, Maria Zgraggen
Ausstellung:
Stanserstrasse 81, 6373 Ennetbürgen
Informationstafel beim Parkplatz, Restaurant Nidair
Vom 18. Juni bis 13. November 2022
in der Dauerausstellung des Skulpturenpark
Die Ausstellung ist
jederzeit zugänglich
STIFTUNG SKULPTUR URSCHWEIZ — Friedenstrasse 6 — 6373 Ennetbürgen
skulpturenpark-ennetbuergen.ch — info@skulpturenpark-ennetbuergen.ch
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Samstag / Sonntag
11:00 – 17:00
ERÖFFNUNG:
Samstag, 6.8.2022
16.00 – 19.00 Uhr
Ort: Pop-up: Fuschina 79
(Eingang Tschuffa)
Öffnungszeiten:
Donnerstag-Samstag 15-18h
und nach Vereinbarung

© Miriam Cahn, könnteichsein, 2021, Detail
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bis 16. 10. 2022
Kunstmuseum Appenzell
Kunsthalle Ziegelhütte
noch bis 17. Juli
Stäuble • Baviera • Rüthemann
20. August bis 9. Oktober
Gabriela Löffel
Luc Mattenberger
Luca Harlacher
Vernissage: Freitag, 19. August, 19 Uhr
Do 18 – 20 Uhr
Fr 16 – 18 Uhr
Sa / So 12 – 16 Uhr
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23. – 25. September 2022
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begleitet von Daniel Baumann
& Rinus Van de Velde
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Laute Fische Brigitta Gabban
Ausstellung und Buchpräsentation
30.7.2022 bis 15.10.2022
Vernissage Sa 30.07.2022 16 bis 19 Uhr
17 Uhr Einführung Christina Enderli-Fässler
Finissage Sa 15.10.2022 16 bis 19 Uhr
Öffnungszeiten:
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Via da la Staziun 11, 7504 Pontresina,
Telefon +41 81 842 01 12
Ausstellung vom
9. Juli bis 14. August 2022
Kunstraum und Tiefparterre
Gastausstellung Ukrainischer
Gegenwartskunst
Umso stärker schlägt mein Herz
kuratiert von
Kateryna Radchenko,
Gründungsdirektorin, Odesa Photo Days
und der Journalistin Katya Voropai
Alle Veranstaltungen werden auf
unserer Website und per Newsletter
publiziert.
www.kunstraum-kreuzlingen.ch
Kunstraum
Kreuzlingen
Thurgauische
Kunstgesellschaft
Bodanstrasse 7a 8280 Kreuzlingen
186 Kunstbulletin 7-8/2022 INNERSCHWEIZ / OSTSCHWEIZ / GRAUBÜNDEN 187

kunstverein.ch
präsentiert die Sektion
des Monats Juli/August
und dazu ein Videoporträt
von arttv.ch
Kunstverein
Oberwallis
Schweizer Kunstverein
Société Suisse des Beaux-Arts
Maria Xagorari
The Ocean Within
Malerei und Zeichnung
23. Juli – 14. August 2022
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Freitag, 22. Juli, 19.30 Uhr
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Canton de Vaud
BOURSE 2022 – ARTS PLASTIQUES
En plus des soutiens accordés aux artistes plasticiens-nes, essentiellement au stade de la promotion
et de la diffusion de leurs œuvres, l’Etat de Vaud tient à appuyer celles et ceux qui se trouvent
dans la phase d’élaboration d’un projet important ou qui opèrent un virage significatif dans leur
démarche artistique. A cet effet, il met au concours
Une bourse de Fr. 20’000.–
Peuvent participer au concours les artistes vivant et travaillant dans le canton depuis au moins
trois ans, cinq pour les étrangers, ayant plusieurs réalisations à leur actif et présentant un projet
artistique d’envergure.
ALLER
VORAUS-
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Pop-up-Kunstausstellung im
Skulpturenpark Steinmaur / ZH.
Bis 30. Oktober 2022
Werke von 13 Künstler*innen
zu Klimawandel und Migration.
Ruth Baettig / Josef Briechle /
Adrian Bütikofer / Veronika Dierauer /
Martin Hufschmid /
LAST nico lazúla l ruedi staub / MERESK /
Ruedi Mösch / Nina Schipoff /
Anna Schmid / Morné Swanepoel /
Hans Thomann / Markus Wyss
Täglich geöffnet / Rahmenprogramm /
Führungen
www.skulpturenpark-steinmaur.ch
Les dossiers de candidature sont à déposer sur le site de l’Etat de Vaud (www.vd.ch). Pour plus
d’informations, contactez le Service des affaires culturelles, rue du Grand-Pré 5, 1014 Lausanne,
Tél. 021 316 07 43, mail karine.kern@vd.ch ou sur le site internet : http://www.vd.ch/bourses-culture.
Les dossiers de candidature devront être déposés d’ici au 15 octobre 2022 au plus tard.
188 Kunstbulletin 7-8/2022 WESTSCHWEIZ / ZÜRICH / DEUTSCHLAND 189

Ausschreibung Werkbeiträge Kunst und Kultur 2022
Die Kulturkommissionen von Obwalden und Nidwalden schreiben für 2022 gemeinsam
Werkbeiträge für Kulturschaffende aus Obwalden und Nidwalden aus. Es werden ein
Werkbeitrag von 20’000 Franken und ein Werkbeitrag von 10’000 Franken vergeben.
Eine Fachjury entscheidet über die Dossiers.
Mit den Werkbeiträgen sollen Kunst- und Kulturschaffende unmittelbar und personenbezogen
gefördert werden, indem es diesen ermöglicht wird, sich während einer gewissen
Zeit ihrem Schaffen zu widmen.
Das Reglement und das Anmeldefor mular können unter www.ow.ch oder www.nw.ch
heruntergeladen werden.
Einsendeschluss: 31. August 2022
Amt für Kultur, Mürgstrasse 12, Postfach 1244, 6371 Stans
stefan.zollinger@nw.ch, 041 618 73 41
Weiterbildungslehrgang
Angewandte
Kunstwissenschaft
Material und Technik
Certificate of Advanced
Studies (CAS)
23. September 2022 – 14. Juli 2023
Hands-on!
Der einzigartige
Weiterbildungslehrgang
für die kunst -
wissen schaftliche
Praxis
Info/Anmeldung: sik-isea.ch/weiterbildung
Anmeldeschluss: 29. Juli 2022
Ein berufsbegleitender Weiterbildungslehrgang des Schweizerischen
Instituts für Kunstwissenschaft (SIK-ISEA) in Zusammenarbeit
mit der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK)
Empfohlen von ICOM Schweiz – Internationaler Museumsrat
Künstlerhaus
Kunsthalle
Kulturlabor
Open
Call
Artists-in-
Residence-
Programm
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Bergwelt, umgeben von Mineralquellen
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des Inns. Die Fundaziun Nairs
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10. August 2022.
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Neufrankengasse 4, CH-8004 Zürich
Telefon 0041 (0)44 298 30 30
info@kunstbulletin.ch, info@artlog.net
www.artlog.net
Onlineportal: www.artlog.net/kunstbulletin
Web App: www.artlist.net
Redaktion
Claudia Jolles (Chefredaktion)
Deborah Keller (Redaktion)
Claudia Steffens (Redaktion artlog.net, Agenda)
Ariane Roth (Administration, Vertrieb)
Françoise Ninghetto (Rédaction romande)
Boris Magrini (Redazione ticinese)
Layout/Satz
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www.directarts.ch
Druck/Papier
Druckerei Odermatt AG
Papier: Profibulk 1.1, Abokarte Maxi Offset
(FSC zertifiziert)
Designkonzept/Artdirektion
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www.susanne-kreuzer.com
Kontakt Deutschland
Miriam Wiesel
Fontanepromenade 3
D-10967 Berlin
Telefon 0049 (0)30 69 81 64 16
kunstbulletin@t-online.de
Herausgeber
Schweizer Kunstverein
Neufrankengasse 4
CH-8004 Zürich
www.kunstverein.ch
Autor:innenkürzel dieser Ausgabe
Adrian Dürrwang (AD), Angelika Maas (AM), Deborah Keller (DK),
Ingrid Dubach-Lemainque (IDL), Iris Kretzschmar (IK), Johanna
Encrantz (JEN), Jens Emil Sennewald (JES), Katharina Holdereg
ger (KH), Kristin Schmidt (KS), Mechthild Heuser (MH), Patrizia
Keller (PK), Sibylle Omlin (SO), Sabine von Fischer (SVF),
Thomas Schlup (TS)
ABONNEMENTE
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Telefon 0041 (0)41 329 22 29
aboservice@kunstbulletin.ch
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*Auslandspreise zzgl. Porto
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Für Studierende: CHF 47/€ 35*
Mit Kulturlegi: CHF 40
ERSCHEINUNGSTERMINE
Ausgabe Erscheinungsdatum Anzeigenschluss
9 September 26.08.2022 27.07.2022
10 Oktober 23.09.2022 24.08.2022
11 November 28.10.2022 28.09.2022
12 Dezember 25.11.2022 26.10.2022
Mediadaten (Inserate im Heft und online)
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Druckauflage ca. 8000 Exemplare
Abonnemente ca. 7000 Exemplare
Direktvertrieb ca. 1000 Exemplare (Buchhandel und Kiosk)
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Telefon 0041 (0)44 928 56 35
kunstbulletin@fachmedien.ch
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Laubisrütistrasse 44, CH-8712 Stäfa
ISSN 1013 – 69 40
nairs.ch
190 Kunstbulletin 7-8/2022
FUN_Inserat_Kunstbulletin_220623.indd 1 23.06.22 09:24
191

DAS GROSSE RÄTSEL
Das Ganzmöglichste
Baia di Ieranto (Italien), 22.10.21. Foto SH
«Poverino, che non sei in grado di vedere la bellezza de tu vita.» Der Spruch, in krakeligen
Buchstaben auf die Betonverkleidung einer Kurve gesprayt, ist mir auf der
ganzen Wanderung von der Strasse zur Baia di Ieranto nachgekrochen. Nun stehe ich
vor einer Terrasse, die zu einem kleinen Landhaus gehört, das umringt von steinalten
Olivenbäumen menschenleer in den Abend hineinträumt. Im Hintergrund leuchten
wässrig die berühmten Faraglioni, die Felsen vor der süd-östlichen Ecke von Capri,
tausendfach gemalt, am geheimnisvollsten vielleicht 1843 von .
Wie geht es wohl hier an einem warmen Sommerabend zu, wenn Wein auf den
Tischen steht, wenn Gelächter die Luft erfüllt und aus der Küche der Duft von Knoblauch,
heissem Öl und frisch gedünsteten Meeresfrüchten die Nüstern der Hungrigen
besäuselt? Mein Magen knurrt, und ich merke, dass sich ein salziges Schäumchen
auf der Innenseite meiner Lippen bildet. Doch hätte ich, wenn plötzlich ein Teller mit
Vermicelli und Vongole vor mir stünde, in den ich gierig meine Gabel drehen würde,
überhaupt noch ein Auge für das zauberhafte Licht am Horizont, für das Fischerboot,
das jetzt wie ein chinesisches Schriftzeichen durch das Gegenlicht ruckelt?
Vielleicht hat der Sprayer recht. Vielleicht kann ich die Schönheit nur sehen, wenn ihr
gerade etwas fehlt, wenn es allein die Fantasie ist, die den Lacryma Christi kredenzt.
Gut. Aber kann ich mich wohl so manipulieren, dass ich den Bruchteil als das Ganze
empfinde, zumindest als das Ganzmöglichste? Ich sollte es dringend lernen, will ich
kein Poverino sein. Samuel Herzog
Samuel Herzog, Textbauer, Inselbauer, Schüttsteinschaffer. info@samuelherzog.net
Wo im Heft findet sich das im Text unkenntlich gemachte Kunstwerk? Mailen Sie uns bis zum 21.8. die
Seitenzahl. Unter allen Einsendungen werden drei Preistragende ermittelt: raetsel@kunstbulletin.ch
192 Kunstbulletin 7-8/2022

Pablo Picasso, Madame Canals (Benedetta Bianco), 1905,
Museu Picasso, Barcelona © Succession Picasso, 2022 ProLitteris, Zurich
Alonso Sánchez Coello (ehemals El Greco zugeschrieben),
Die Dame mit dem Pelz, um 1580/88, Glasgow Museums, Stirling Maxwell Collection
© CSG CIC Glasgow Museums and Libraries Collections