Rock And Roll Chronicles: Die Geburt der Music

Alexander Gresbek
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© 2023 Alexander Gresbek
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Hilfe Für Die Ukraine
Das Ende der 50er Jahre markierte
das Ende einer Ära, die
des Rock and Roll. In dieser Zeit
entstand eine revolutionäre Musik,
die die Welt im Sturm eroberte
und eine Kultur der Jugend und
Rebellion schuf. Doch während
wir uns über das Ende einer musikalischen
Ära Gedanken machen,
sehen wir uns auch mit dem Ende
einer anderen Ära konfrontiert -
dem Zerfall der Sowjetunion und
dem daraus resultierenden Krieg
in der Ukraine.
Vor eineinhgalb Jahenr begann am
24. Februar 2022 die Invasion russischer
Truppen in die Ukraine.
Seitdem hat dieser Angriffskrieg
mit zunehmender Härte und Zerstörung
angedauert. Die genauen
Opferzahlen sind unbekannt, aber
die Auswirkungen auf die ukrainische
Bevölkerung sind verheerend.
Millionen von Menschen haben
ihr Land verlassen, um vor der Gewalt
zu fliehen. Laut dem UNHCR
haben 13,7 Millionen Ukrainerinnen
und Ukrainer seit Februar
2022 ihr Land verlassen, wovon
einige wieder zurückgekehrt sind.
Gegenwärtig sind 6,3 Millionen
Menschen in europäischen Nachbarstaaten
geflüchtet, während
mehr als 7 Millionen innerhalb
der Ukraine auf der Flucht sind.
Die humanitäre Lage ist erschütternd,
mit mehr als 1,4 Millionen
Menschen in der Ostukraine, die
keinen Zugang zu fließendem
Wasser haben.
Die internationale Gemeinschaft
hat auf die russische Aggression
reagiert. Die Nato- und EU-Staaten
haben umfangreiche Sanktionen
gegen Russland verhängt, um den
Druck auf das Land zu erhöhen.
Gleichzeitig erhalten die Ukraine
und ihre Bevölkerung humanitäre
Hilfslieferungen, um die
dringend benötigte
Unterstützung
zu gewährleist
e n .
D a r ü b e r
hinaus
h a b e n
v i e l e
Länder,
darunter
auch
Deutschl
a n d ,
Waffen geliefert,
um die
Verteidigungsfähigkeit
des Landes
zu stärken.
Der Krieg in der Ukraine ist eine
traurige Erinnerung daran, dass das
Ende einer Ära nicht immer von
positiven Veränderungen geprägt
ist. Während wir uns an vergangene
Zeiten erinnern und die Musik der
50er Jahre feiern, dürfen wir nicht
vergessen, dass wir auch aktuelle
Herausforderungen bewältigen
müssen.
Die Konflikte und
Krisen, mit
denen wir
konfrontiert
sind, erfordern
unsere
A u f -
merksamkeit
und Solidarität.
Es liegt in
unserer Verantwortung,
uns für Frieden,
Gerechtigkeit und die
Bewahrung der Menschenrechte
einzusetzen.
Möge die Musik uns weiterhin inspirieren,
Zusammenhalt zu schaffen
und eine bessere Zukunft anzus-
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Alexander Gresbek
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treben, in der solche tragischen
Ereignisse wie der Krieg in der
Ukraine der Verganenheit angehören.
Als Zeichen der Solidarität und
des Engagements für die humanitäre
Hilfe möchten wir
bekanntgeben, dass alle Einnahmen
aus dem Verkauf dieses
Buches für Hilfsmaßnahmen in
der Ukraine gespendet werden.
Wir sind zutiefst bewegt von den
Leiden und Herausforderungen,
mit denen das ukrainische Volk
konfrontiert ist, und wir möchten
unseren Beitrag leisten, um
ihnen in dieser schwierigen Zeit
beizustehen.
Die Spenden werden gezielt eingesetzt,
um dringend benötigte
Hilfsgüter bereitzustellen, medizinische
Versorgung sicherzustellen,
Trinkwasser und Nahrungsmittel
zu liefern und denjenigen
zu helfen, die auf der Flucht vor
Gewalt und Zerstörung sind. Wir
sind fest davon überzeugt, dass
jeder Beitrag, sei er noch so klein,
einen Unterschied machen kann
und Menschenleben positiv beeinflussen
kann.
Indem Sie dieses Buch erwerben
und lesen, tragen Sie dazu bei,
dass Ihre Unterstützung direkt
den Menschen in der Ukraine
zugutekommt. Gemeinsam können
wir dazu beitragen, die Not
zu lindern und den Menschen
Hoffnung und Erleichterung zu
bringen.
Wir möchten allen danken, die
sich entscheiden, dieses Buch zu
kaufen und somit einen Beitrag
zur humanitären Hilfe zu leisten.
Ihre Unterstützung bedeutet viel
für uns und vor allem für diejenigen,
die sie dringend benötigen.
Gemeinsam können wir einen
positiven Unterschied machen
und denjenigen helfen, die am
meisten Hilfe benötigen.
Vielen Dank für Ihre Unterstützung
und Ihren Einsatz für die humanitäre
Hilfe in der Ukraine.
Alexander Gresbek
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Über Dieses Buch
“Rock ‘n’ Roll Chronicles: Die Geburt der Musik” von
Alexander Gresbek ist eine fesselnde Reise durch eine
der bedeutendsten Ären in der Geschichte der Musik –
die Ära des Rock and Roll. In diesem Buch werden die
Anfänge, die Entwicklung und der Einfluss dieser bahnbrechenden
musikalischen Bewegung umfassend beleuchtet.
Der Autor, Alexander Gresbek, nimmt Sie mit auf eine
spannende Reise zurück in die 1950er Jahre, als der Rock
and Roll die Welt im Sturm eroberte und eine kulturelle
Revolution auslöste. Mit tiefgründigem Wissen und einer
lebendigen Erzählweise entführt er Sie in eine Zeit voller
Energie, Rebellion und einer Musik, die die Jugendlichen
dieser Zeit prägte.
Das Besondere an diesem Buch sind die zahlreichen Abbildungen,
die die Atmosphäre und die Ikonen dieser
Ära lebendig werden lassen. Von legendären Künstlern
wie Elvis Presley, Chuck Berry, Buddy Holly und Little
Richard – Sie werden einen faszinierenden Einblick in
das Leben und die Kunst dieser Musikgrößen erhalten.
“Rock ‘n’ Roll Chronicles: Die Geburt der Musik” ist jedoch
mehr als nur ein Rückblick auf vergangene Zeiten. Es
ist eine Hommage an die Musik und an die Künstler, die
den Rock and Roll geprägt haben. Es erinnert uns daran,
wie wichtig es ist, unsere musikalischen Wurzeln zu verstehen
und zu würdigen. Es zeigt uns, wie der Rock and
Roll nicht nur die Musiklandschaft veränderte, sondern
auch die Gesellschaft und die Kultur beeinflusste.
Dieses Buch lädt sowohl Kenner als auch Neueinsteiger
in die Welt des Rock and Roll ein. Mit großer Leidenschaft
und Expertise werden Sie durch die Geschichte
des Rock and Roll geführt und können die Energie und
den Geist dieser Ära hautnah spüren. Tauchen Sie ein
in die aufregende Zeit des musikalischen Aufbruchs
und entdecken Sie die Wurzeln einer der prägendsten
Musikrichtungen aller Zeiten.
Wir möchten betonen, dass die Erlöse aus diesem Buch
an Organisationen gespendet wird, die humanitäre Hilfe
in der Ukraine leisten. Ihr Kauf dieses Buches leistet
einen Beitrag, um Menschen in Not zu unterstützen
und ihnen Hoffnung und Unterstützung zu bieten.
Wir hoffen, dass “Rock ‘n’ Roll Chronicles: Die Geburt
der Musik” Sie begeistert, unterhält und inspiriert.
Möge es Ihnen eine fesselnde Lektüre bieten und Sie
dazu ermutigen, die unvergessliche Ära des Rock and
Roll neu zu entdecken.
Vielen Dank, dass Sie sich für dieses Buch entschieden
haben. Rock on!
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Einleitung
"I play Buddy Holly every night before I go on,
that keeps me honest." (Bruce Springsteen)
Die Anfänge des Rock and Roll markieren eine
Zeit des Umbruchs und der musikalischen
Revolution. In den 1950er Jahren entstand eine
neue musikalische Strömung, die die Welt für immer
verändern sollte. Ohne die Pioniere dieser Ära
gäbe es Stars wie Bruce Springsteen und Rock vicht
in der Form, wie wir ihn heute kennen.
In den späten 1940er Jahren begann sich eine
einzigartige Mischung aus Rhythm and Blues,
Country, Gospel und Blues zu formen. Dieser
musikalische Schmelztiegel fand seine Wurzeln in
der afroamerikanischen Kultur und dem Geist der
Rebellion. Künstler wie Chuck Berry, Little Richard,
Fats Domino, Bo Diddley und Elvis Presley
brachen mit den konventionellen Normen und
brachten eine neue Energie und Freiheit in die
Musik.
Diese Pioniere des Rock and Roll öffneten die
Türen für eine Generation von Künstlern und ebneten
den Weg für eine neue musikalische Bewe-
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gung. Wie erwähnt, Stars wie Bruce Springsteen, einer
der größten Rockstars der Geschichte, wurde stark
von diesen frühen Rock'n'Roll-Künstlern beeinflusst.
Die bahnbrechenden Beiträge dieser frühen Pioniere
des Rock and Roll haben die musikalische Landschaft
für immer verändert. Ihr rebellischer Geist, ihre kraftvollen
Rhythmen und ihre unverwechselbaren Stimmen
haben eine ganze Generation von Musikern inspiriert.
Ohne sie wäre der Rock and Roll nicht das,
was er heute ist - eine kraftvolle und bedeutende Ausdrucksform
der Popkultur.
Die Anfänge des Rock and Roll
sind ein wichtiges Kapitel in der
Geschichte der Musik, das den
Grundstein für die Entwicklung
des Genres gelegt hat. Die Innovationen
und Kreativität dieser Pioniere
haben den Weg für eine neue Ära des
Rock geebnet, die Generationen von
Musikern beeinflusst und geprägt hat.
Der Rock and Roll wird für immer
von den Wurzeln und Pionieren profitieren,
die den Weg geebnet haben.
Ihre Beiträge haben eine musikalische
Revolution ausgelöst
und das Fundament gelegt,
auf dem sich der Rock and
Roll entwickeln konnte.
Die Einflüsse und Inspirationen
dieser Pioniere sind in
der Musik von heute deutlich
zu spüren und werden noch
viele weitere Generationen
von Musikern inspirieren,
die die Rock-Tradition
fortsetzen werden.
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“Hot funk, cool punk,
even if it's old junk -
It's still rock and roll
to me.” (Billy Joel)
Die Geschichte des Rock and
Roll ist eng mit der musikalischen
Entwicklung und den
sozialen Veränderungen des 20.
Jahrhunderts verbunden. In den
1950er Jahren entstand dieser einflussreiche
Musikstil in den Vereinigten
Staaten und läutete eine kulturelle
Revolution ein, die bis heute
spürbar ist. Der Rock and Roll hat
nicht nur die Musiklandschaft nachhaltig
verändert, sondern auch
eine Generation von Musikern und
Fans inspiriert. Mit seiner kraftvollen
Energie, den mitreißenden
Rhythmen und den rebellischen
Texten, prägte der Rock and Roll
nicht nur die musikalische Szene,
sondern wurde zu einer Ausdrucksform
für eine neue Generation, die
sich von den gesellschaftlichen Konventionen
befreien und ihre eigene
Identität formen wollte. In diesem
Buch werden wir die Anfänge des
Rock and Roll in den 1950er Jahren
genauer betrachten, seine musikalischen
Merkmale, seine kulturelle
Bedeutung und den Einfluss, den er
auf die nachfolgenden Jahrzehnte
und Genres hatte. Tauchen wir ein
in die aufregende und revolutionäre
Welt des Rock and Roll.
Die Anfänge des Rock and Roll in
den 1950er Jahren markierten den
Beginn einer kulturellen Revolution,
die die Musiklandschaft nachhaltig
veränderte. Die Wirkung
dieser Zeit ist bis heute spürbar,
da der Rock and Roll als eine der
einflussreichsten und beliebtesten
Musikgenres in der Geschichte gilt.
Die Künstler dieser Ära haben den
Grundstein für die Rockmusik gelegt
und eine kraftvolle künstlerische
Bewegung ins Leben gerufen,
die Generationen von Musikern
und Fans inspiriert hat.
In den 1950er Jahren brachte der
Rock and Roll eine Reihe von musikalischen
Einflüssen zusammen,
darunter Rhythm and Blues, Blues,
Gospel, Country und Pop. Die Fusion
dieser verschiedenen Stile
schuf eine aufregende und neue
Klanglandschaft, die von energiegeladenen
Rhythmen und mitreißenden
Melodien geprägt war. Die
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Musik war nicht besonders komplex,
aber sie war mit einer rohen Energie
und Leidenschaft durchdrungen, die
die Zuhörer sofort in ihren Bann zog.
Ein charakteristisches Merkmal
des Rock and Roll war der starke
Rhythmus, bei dem der Fokus auf
den Schlägen zwei und vier der Taktmaße
lag. Dieser rhythmische Beat
erzeugte eine mitreißende Wirkung,
welche die Zuhörer dazu brachte,
sich im Takt zu bewegen und emotional
von der Musik mitreißen zu
lassen. Die Texte des Rock and Roll
handelten oft von Themen, die Jugendliche
ansprachen, wie Romantik,
Tanz, Schule, Musik und Sexualität.
Es waren einfache Geschichten
über das alltägliche Leben, die jedoch
eine tiefe Resonanz bei der jungen
Generation fanden.
Rockmusik wurde zu einem Katalysator
für Jugendliche, um eine eigene
Gruppenidentität zu formen.
Die Musik wurde zu einem Symbol
der Rebellion gegen die wahrgenommene
Starrheit und Banalität einer
Ära, die von konservativer Politik
und Mainstream-Musik dominiert
wurde. Der Rock and Roll bot den
Jugendlichen eine Plattform, um
ihre Stimme zu erheben und ihre
Unabhängigkeit auszudrücken.
Die Ablehnung der Erwachsenen gegenüber
Rockmusik spiegelte auch
den inhärenten Rassismus jener Ära
wider. Da Rockmusik (richtigerweise)
als grundlegend schwarzer
Herkunft und Natur erkannt wurde,
betrachteten die meisten weißen
Eltern sie als "tierisch" oder "gefährlich".
Die Musik war jedoch
nicht nur auf eine bestimmte ethnische
Gruppe beschränkt, sondern
wurde von Jugendlichen verschiedener
Hintergründe gleichermaßen
geliebt und akzeptiert. Sie überwand
Barrieren und schuf eine gemeinsame
Kultur, die Menschen unterschiedlicher
Hautfarben und Herkunft
zusammenbrachte.
Für die meisten Erwachsenen war
jedoch etwas Unheimliches an
dieser Musik. Eltern, die oft durch
militärische Ausbildung, die hierarchische
Struktur von Arbeit und
Familie und das konformistische
gesellschaftliche Klima sozialisiert
wurden, empfanden die Reaktion
ihrer Kinder auf diese Musik als
beängstigend. Ihre Nachkommen
reagierten auf eine nicht gewünschte
Weise. Eltern sahen in den Songs mit
zweideutigen Texten über Sex und
Romantik einen negativen Einfluss
auf ihre Kinder.
Trotz der Kontroversen und des
Widerstands der älteren Generation
gewann der Rock and Roll schnell
an Bedeutung und Verbreitung. Die
jungen Menschen erkannten, dass
diese Musik ihnen guttat und ihnen
eine Stimme verlieh. Die Rock
and Roll-Bewegung wuchs und entwickelte
sich weiter, während immer
mehr Künstler und Bands ihre
eigene Interpretation des Genres
präsentierten.
Der Einfluss des Rock and Roll
wurde durch die aufkommenden
Medien wie Radio und Fernsehen
verstärkt. Jugendliche konnten
ihre Lieblingsmusik jederzeit und
überall hören und die aufstrebenden
Stars der Rock and Roll-Szene
live im Fernsehen sehen. Dies trug
dazu bei, die Musik zu popularisieren
und eine breitere Jugendkultur
zu formen. Der Rock and Roll wurde
zu einer wichtigen Ausdrucksform
für die jungen Menschen und beeinflusste
ihre Kleidung, ihren Tanzstil
und ihre Einstellungen zum Leben.
Die Anfänge des Rock and Roll
in den 1950er Jahren hatten eine
enorme Auswirkung auf die nachfolgenden
Jahrzehnte. Die Energie,
die Leidenschaft und die rebellische
Natur dieser Musik bewegte nicht
nur die Massen, sondern inspirierten
auch eine neue Generation von
Musikern. Der Rock and Roll schuf
einen kreativen Freiraum, in dem
sich Künstler ausdrücken und neue
musikalische Grenzen überschreiten
konnten.
Die Künstler dieser Ära wie Elvis
Presley, Chuck Berry, Little Richard
und Jerry Lee Lewis wurden zu
Legenden und haben die Musikgeschichte
maßgeblich geprägt. Ihr
Einfluss reichte weit über ihre eigene
Zeit hinaus und beeinflusste nachfolgende
Genres wie Rock, Pop, Punk,
Metal und viele andere.
Der Rock and Roll wurde zu einer
universellen Sprache, die Menschen
aller Altersgruppen und Kulturen
verband und weiterhin verbindet.
Heute, mehr als sieben Jahrzehnte
nach den Anfängen des Rock and
Roll, lebt die Energie und Leidenschaft
dieser Musik weiter. Neue
Generationen von Musikern und
Fans entdecken und interpretieren
das Genre auf ihre eigene Weise,
während sie sich auf die Wurzeln der
Rockmusik zurückbesinnen.
Der Rock and Roll wird immer ein
Symbol für Freiheit, Rebellion und
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die Kraft der Musik sein, die Herzen
und Köpfe bewegt. Wie auch
ihr Publikum suchten die klassischen
Rocker nach musikalischen
und emotionalen A u s -
drucksmöglich- keiten.
Durch ihre Expo- sition gegenüber
schwarzen u n d
weißen musikalischen
Wurzeln
schufen diese Pioniere
des Rock eine Fusion
verschiedener
Stile.
Es entstanden
zwei deutlich
voneinander
unterscheidbare
Generationen: überwiegend
schwarze Künstler, die
vor 1956 populär wurden,
und die von Elvis angeführte,
weiße,
vom Country beeinflusste
Gruppe,
die das Genre zu
außergewöhnlichem kommerziellem
Erfolg führte.
Die erste Generation der klassischen
Rocker - Fats Domino, Bill Haley,
Chuck Berry und Little Richard -
stiegen zwischen 1953 und 1955 zu
Ruhm auf.
Sie führten die Rock and Roll-Explosion
an und etablierten das klassische
Rock-Genre als eine lebensfähige
kommerzielle Kraft in der
populären Musik.
Diese Musiker waren jedoch mehr
als nur Ikonen der Bühne. Hinter
den Hits und dem Glamour waren
sie ganz normale Menschen mit
Träumen, Hoffnungen und persönlichen
Herausforderungen. Ihre Geschichten
zeigen uns, dass sie zwar
außergewöhnliche
Talente hatten, aber
auch mit den alltäglichen
Höhen und
Tiefen des Lebens konfrontiert
waren.
Viele von ihnen
wuchsen in einfachen
Verhältnissen
auf und kämpften
sich hartnäckig nach
oben. Sie arbeiteten in
Fabriken, hatten Nebenjobs
und spielten in kleinen Clubs,
bevor der große Durchbruch kam.
Ihre Entschlossenheit und ihr unbeirrbarer
Glaube an ihre Musik
trieben sie voran und führten zu Erfolgsgeschichten,
die bis heute inspirieren.
Die Erste Generation
Zwischen 1953 und 1955
tauchte die erste klassische
Rock'n'Roll-Generation (Fats
Domino, Bill Haley, Chuck Berry
und Little Richard) in den populären
Musikcharts auf. Drei von
ihnen waren schwarzer Herkunft
und spielten eine Musik, die ihre
Wurzeln im Blues oder Rhythm
and Blues hatte. Bill Haley, mit
seiner Band The Comets, präsentierte
Texte, die von
der Country-Musik
beeinflusst waren.
Mit eingängigen
Melodien und fröhlichen
Botschaften
über Tanz, Romantik
und das Leben der
Teenager, forderte
Haley das Publikum
zum Mitmachen
auf und schuf eine
mitreißende Atmosphäre.
Fats Domino, bekannt für sein pulsierendes
Klavierspiel, führte seine
Texte mit der Energie einer kraftvollen
Rhythm and Blues-Band
an. Seine Songs handelten von Liebe,
Freude und den alltäglichen
Freuden des Lebens. Mit einer
unwiderstehlichen Kombination
aus eingängigen Melodien und
mitreißenden Rhythmen eroberte
Domino die Herzen der Zuhörer.
Chuck Berry hingegen war ein
außergewöhnlicher Innovator. Als
Pionier des Rock and Roll definierte
er bestimmte Elemente des Genres.
Seine Texte waren von Blues-Einflüssen
durchdrungen und konzen-
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trierten sich stark auf das Gitarrensolo.
Little Richard brachte die provokativsten
Elemente des Rhythm and
Blues in den Rock and Roll ein. Mit
seinem einzigartigen Geheul, seiner
extravaganten Bühnenpräsenz und
seiner musikalischen Kraft erzeugte
er eine intensive und elektrisierende
Atmosphäre. Seine Texte verkörper-
Liebe aber auch Sex, Schule, Tanzen
und Rock'n'Roll-Musik selbst.
Obwohl einige Texte subtil "unanständig"
waren, kritisierten nur
wenige Songs offen das System. Es
war erst in den sechziger Jahren, wo
musikalisch auch offen nach entschieden
nach Veränderung gerufen
wurde.
schwarze Musik und einem sich
entwickelnden Gefühl der Teenager-Identität
und Gemeinschaft.
Bis 1955 bevölkerten junge weiße,
von der Country-Musik beeinflusste
Musiker den Süden und hörten
die erste Generation des Rock und
passten diese Klänge ihren eigenen
kreativen Visionen an.
Bald darauf würden diese Musiker -
Elvis, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis
und die Everly Brothers - die Bühne
erobern. Als zweite Generation des
klassischen Rock würden sie die Gitarren
in den Vordergrund rücken,
sich fast ausschließlich auf Romantik
konzentrieren und einen kommerziellen
Erfolg und wirtschaftliche
Belohnungen ernten, die ihre kühnsten
Träume übertrafen.
Trotz der Kontroversen und Widerstände
konnte Rock and Roll nicht
aufgehalten werden. Er wurde zu
einer kulturellen Bewegung, die
Generationen von Musikern und
Fans inspirierte. Die klassischen
Rocker der ersten Generation legten
den Grundstein für eine neue Ära
der Musik, die bis heute einen bedeutenden
Einfluss hat.
Der Rock and Roll verkörperte die
Stimme der Jugend und diente als
ten die wilde und freie Natur des
Rock and Roll und fesselten das
Publikum auf eine ganz besondere
Weise. Sie blieben eng mit ihren
musikalischen Wurzeln verbunden
die Texte handelten von Romantik;
Texte und Musik der klassischen
Rock-Ära haben die Lebensstile
von Jugendlichen neu definiert. Sie
öffneten eine Büchse der Pandora,
gefüllt mit einer spontanen, emotionalen
Reaktion auf diese im Grunde
Für viele Erwachsene war diese Entwicklung
beunruhigend. Sie sahen
den Rock and Roll als eine Bedrohung
für die Moral und den sozialen
Zusammenhalt. Die Musik wurde
oft als "wild" und "unzüchtig" abgestempelt,
und es gab Vorurteile und
Rassismus gegenüber den schwarzen
Künstlern, die einen großen Einfluss
auf den Rock and Roll hatten.
Ventil für ihre Gefühle und Träume.
Er war eine musikalische Revolution,
welche die Welt veränderte und
bis heute als eine der wichtigsten Entwicklungen
in der Geschichte der
populären Musik gilt.
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Bereits 1949 nahm Antoine "Fats"
Domino seinen ersten Rhythmand-Blues-Hit
"The Fat Man" auf,
der bis 1953 eine Million Exemplare
verkaufte. Doch Domino wurde
nicht der erste Superstar des Rock
and Roll. Obwohl er ein versierter
Pianist war und die meisten
seiner Hitsongs mitschrieb, fehlte
seinem Bühnenauftritt und
somit auch einem Großteil seiner
öffentlichen Persönlichkeit die
explosive Rebellenhaftigkeit von
Elvis oder Little Richard. Domino
und seine Musik waren zu
entspannt.
Als eines von neun Kindern
wurde Domino am 26. Februar
1928 in New Orleans geboren. In
seiner Familie wurde hauptsächlich
Französisch-Kreolisch
gesprochen, und sie war tief in
der reichen musikalischen Tradition
der Stadt verwurzelt. Sein
Vater war ein bekannter Geiger,
aber Domino lernte hauptsächlich
von seinem Onkel, dem Jazzgitarristen
Harrison Verrett. Verrett,
der mit Jazz-Pionieren wie Kid Ory
Fats Domino
und Papa Celestin zusammengearbeitet
hatte, brachte dem neunjährigen
Domino das Klavierspielen
bei, indem er Notenbuchstaben mit
schwarzer Tinte auf die weißen Klaviertasten
schrieb. Innerhalb weniger
Jahre spielte der Junge in örtlichen
Honky-Tonks für Trinkgelder
und verdiente 1,50 Dollar pro Tag
mit Rasenmähen.
Im Dezember 1949 schlug der New
Orleans Bandleader und Trompeter
Dave Bartholomew Lew Chudd,
dem Präsidenten von Imperial Records
in Los Angeles, vor, Domino
auftreten zu sehen. Chudd war beeindruckt,
und Domino ging mit Bartholomews
Band ins Studio, um "The
Fat Man" aufzunehmen.
Dies markierte den Beginn einer
Zusammenarbeit, die bis in die
1960er Jahre dauerte. Das Duo
Domino-Bartholomew, bestehend
aus dem Interpret-Komponisten
Domino und dem Bandleader-Arrangeur-Produzenten-Komponisten
Bartholomew, wird mit mehr Rockmusikhits
in den Charts als jeder
klassische Rockkünstler außer Elvis
Presley in Verbindung gebracht.
Das Studio, in diesem Fall das J&M
Studio, befand sich hinter einem Möbelgeschäft
an der Ecke von Rampart
und Domaine in New Orleans. Wie
viele andere Studios war J&M ein
Ort, der den Klang einer Region, den
New Orleans R&B Sound, einfing. Es
präsentierte eine spezifische Gruppe
von Musikern unter der Leitung
von Bartholomew; der Studiosound
wurde vom Besitzer Cosimo Matassa
abgemischt; und lokale Aufnahmekünstler
wie Domino, Lloyd Price
und Huey "Piano" Smith betraten
neue Wege.
Aus heutiger Sicht waren die Aufnahmebedingungen
an diesem
frühen Standort des J&M Studios
primitiv.
"The Fat Man" stieg im April 1950
in die R&B-Charts ein und erreichte
Platz 6. Vor 1955 veröffentlichte
er fünf weitere Goldplatten
(Millionenverkäufe). Im Juli 1955
erreichte "Ain't It a Shame" Platz 10
in den Charts der populären Musik
und ermöglichte Domino erstmals
den Zugang zur jugendlichen Amerika.
Pat Boones Cover des gleichen
Songs stieg gleichzeitig in die Charts
ein und erreichte schließlich Platz 1.
In den 1950er Jahren und bis Anfang
der 1960er Jahre schuf das
Team Domino, Bartholomew und
der "Cosimo"-Sound eine Serie von
fünfunddreißig Top-40-Hits. Basierend
auf der traditionellen R&B-Besetzung
aus Schlagzeug, Bass, Klavier,
E-Gitarre und Saxophon(en)
wurde Domino's Sound, der 1954
noch als Rhythm and Blues bezeichnet
wurde, bis 1956 als Rock and Roll
gefeiert. Obwohl Domino nie einen
Nummer-1-Hit hatte, gehörten seine
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zehn Top-10-Hits dazu: "Blueberry
Hill" (#2, 1956), "Blue Monday"
(#5, 1957), "I'm Walkin'" (#4, 1957),
"Whole Lotta Loving" (#6, 1958)
und "I Want to Walk You Home"
(#8, 1959).
Wie die meisten klassischen Rocker
stammte Fats Domino aus bescheidenen
Verhältnissen im Süden.
Die reiche musikalische Tradition
von New Orleans brachte ihm
vielfältige Einflüsse. Sein Klavierstil
wurde von Boogie-Woogie-Spielern
wie Meade Lux Lewis, Albert
Ammons und Pete Johnson beeinflusst.
Die Aufnahmegruppe
von Domino (Dave Bartholomews
Band) bestand aus einigen der
besten R&B-Musiker, die in New
Orleans verfügbar waren. Seine
musikalische Mischung umfasste
Domino's eigene kreolisch akzentuierte,
melodiöse Gesangsstimme - "I
found my thrill on Blueberry Hill"
-, starke Drums und Bass, jazzig
geprägte, melodische Saxophonsoli
und das synkopierte Honky-Tonk-
Klavier.
Trotz des Fehlens eines Nummer-
1-Hits in den Popcharts war Fats
Domino einer der kommerziell
erfolgreichsten klassischen Rocker.
Früh in seiner Karriere folgte
Domino dem Rat seines Onkels
und behielt die Songwriting-Tantiemen
für seine Kompositionen. So
erhielt Domino beträchtliche Geldsummen,
egal ob seine Songs durch
eigene Aufnahmen oder durch
Coverversionen anderer Künstler
populär wurden.
Rock-and-Roll-Künstler, die einen
hohen Grad an kommerziellem
Erfolg erreichen, tun dies nicht nur
aufgrund ihres individuellen Talents,
sondern auch, weil sie von einem
Team begabter und hochmotivierter
Personen unterstützt
werden.
Fats Domino hatte ein solches
Team. Der Mitkomponist Dave
Bartholomew war ein erfahrener
musikalischer Leiter und Plattenproduzent,
das Studio und
die Technik von Cosimo Matassa
passten perfekt zum "New Orleans
Sound" und Imperial Records von
Lew Chudd war eines der größten
unabhängigen Plattenunternehmen
des Landes - mit ausreichenden
Ressourcen, Motivation und Talent,
um seine Künstler zu vermarkten.
Obwohl Domino keinen einflussreichen
Manager von der Klasse von
Elvis' berüchtigtem "Colonel" Tom
Parker hatte, bot Harrison Verrett
ihm solide Geschäftsberatung und
-führung. Dieses Support-Team fehlt
vielen, weniger erfolgreichen Künstlern
dieser Ära.
Fats Dominos Vermächtnis ist der
Klang und das Gefühl, die mit seinem
"Good-Time" Rock and Roll
einhergehen. Seine Musik war
schwungvoll, seine Texte, die einen
unverdorbenen, romantischen Lebensstil
darstellten und durch seine
entspannte Darbietung und seinen
stilvollen Singsang verstärkt wurden,
präsentierten eine relativ asexuelle,
nicht bedrohliche Vision für Jugendliche
und Eltern.
Domino war von Natur aus schüchtern
und bescheiden, aber er leistete
einen bedeutenden Beitrag zum
Genre des Rock and Roll. Elvis
Presley erklärte, dass Domino ein
“großer Einfluss auf mich war, als ich
anfing”. Als sie sich 1959 zum ersten
Mal trafen, bezeichnete Presley ihn
als “den wahren König des Rock ‘n’
Roll”.
Domino’s Einfluss auf die Musikwelt
lässt sich nicht leugnen. Sein
einzigartiger Klavierstil und sein
unverkennbarer Gesangsstil prägten
zahlreiche nachfolgende Künstler
und Bands. Vier von Dominos Aufnahmen
wurden aufgrund ihrer
Bedeutung in die Grammy Hall of
Fame aufgenommen: “Blueberry
Hill”, “Ain’t That a Shame”, “Walking
to New Orleans” und “The Fat Man”.
Diese Songs haben sich als zeitlose
Klassiker erwiesen und sind bis heute
bekannt und geschätzt.
Im Jahr 1986 wurde Domino als Teil
der ersten Gruppe von Künstlern
in die Rock and Roll Hall of Fame
aufgenommen. Er hat eine kulturelle
Bewegung mitgeprägt und das Genre
auf eine neue Stufe gehoben.
Die Auswirkungen von Dominos
Musik sind auch heute noch spürbar.
Sein Erbe lebt in der Musik
vieler Künstler und in der Popkultur
weiter. Domino hat während
seiner Karriere Schätzungen zufolge
mehr als 110 Millionen Platten verkauft
und sein Einfluss wird noch
viele Generationen von Musikern
und Musikliebhabern inspirieren.
Sein Name wird immer mit der Energie,
der Leidenschaft und dem unverwechselbaren
Sound des Rock
and Roll in Verbindung gebracht
werden.
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29 | Rock ‘n’ Roll Chronicles: Die Geburt der Musik

Alexander Gresbek
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Im Frühjahr 1955 hatte Bill Haley
alles, was er brauchte. Sein-
Hit "Rock Around the Clock" erreichte
die Nummer 1, er führte eine
aufregende Rock'n'Roll-Band an
und hatte durch seine (meistens)
weißen Zuschauer einen Zugang
zum Mainstream-Erfolg, weil er
dieselbe Hautfarbe hatte. Doch
Haley konnte sich nicht als erster
Teenager-Schwarm des
Rock'n'Roll durchsetzen. Mit 28
Jahren fehlte ihm das jugendliche
Charisma und die sexuelle
Ausstrahlung, um zum König des
Rock'n'Roll zu werden.
Haley war jedoch einer der Pioniere
der Rock'n'Roll-Musik.
Er integrierte sein intuitives
Gespür und seine Erfahrung mit
Country-Musik, Blues, Jazz und
Rhythm and Blues und schuf
bewusst eine Collage aus rhythmusbetonten
Tanzmusikstücken.
Bill Haley
William Haley wurde am 6. Juli
1925 in Highland Park, Michigan,
geboren.
Als Bill sieben Jahre alt war, brachte
er sich selbst das Gitarrespielen bei
und nahm an Amateurwettbewerben
in einem Country- und Westernpark
in der Nähe seines Hauses
teil.
Haley stammte aus einer musikalischen
Familie - seine Mutter unterrichtete
Klavier und sein Vater
spielte Mandoline. Er begann als
Country- und Western-Sänger und
traf bald auf Hank Williams: "Hank
brachte mir ein paar Akkorde bei
und beeinflusste mich. Er war ein
großartiger Blues-Sänger und weckte
mein Interesse an Rhythm and
Blues-Musik, damals als Race Music
bezeichnet."
Haley hörte auch die Jump-Band-
Jazzmusik von Louis Jordan, Lionel
Hampton und Lucky Millender.
Mit fünfzehn Jahren trat Haley der
Gruppe Cousin Lee bei, die eine regelmäßige
Radiosendung bei WDEL
in Wilmington, Delaware hatte. Haley
wurde professioneller Countryund
Western-Musiker und reiste
viel im Mittleren Westen, gab jedoch
schließlich das Touren auf, heiratete
und kehrte nach Chester zurück, wo
er bei WPWA als Discjockey, Sportreporter
und Moderator seiner eigenen
Live-Musikshow arbeitete.
Auf der Bühne war der jodelnde, Gitarre
spielende Sänger schüchtern
und zurückhaltend, .
Chester, Pennsylvania, beherbergte
eine blühende Musikszene. Nicht
nur die Four Aces und Frankie Avalon
kamen aus dieser Gegend, Haley
trat auch in Clubs im schwarzen Viertel
auf. "
Haley war ein Visionär, der bewusst
versuchte, seine Country-Wurzeln
mit Rhythm and Blues zu vereinen.
"Ich hatte das Gefühl, dass ich,
wenn ich zum Beispiel einen Dixieland-Song
nehmen und die ersten
und dritten Schläge weglasse
und die zweiten und vierten betone
und einen Beat hinzufüge, zu dem
die Zuhörer klatschen und tanzen
können, genau das liefern könnte,
wonach sie suchen."
So war Bill Haley ein mit Cowboy-Stiefeln
ausgestatteter Country-
und Western-Sänger, als er 1952
einen R&B-Titel namens "Rock This
Joint" auf dem kleinen Independent-Label
Essex aufnahm. Seine
Band, die Saddlemen, war eine
Country-Band mit Akkordeon und
Steel Guitar sowie Bass, Schlagzeug,
Gitarre und Klavier.
Haley hatte "Rock-a-Beatin' Boogie"
für eine andere Gruppe geschrieben
und erfuhr, dass der Discjockey Alan
Freed es zur Eröffnung seiner Radioshow
in Cleveland verwendete. Die
Worte "Rock, rock, rock everybody
/ Roll, roll, roll everybody" waren
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33 | Rock ‘n’ Roll Chronicles: Die Geburt der Musik

Alexander Gresbek
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ansteckend.
Die Zeit für Haleys persönliche
Veränderung war gekommen: Die
Stiefel und der Country-Name
wurden abgelegt und die Tuxedos
kamen zum Vorschein. “Bill Haley
and the Saddlemen” wurden zu “Bill
Haley and The Comets”.
Die Country-Band wurde zu einem
kraftvollen Rock'n'Roll-Ensemble
mit Schlagzeug, Bass, zwei
elektrischen Gitarren, Klavier, Steel
Guitar und Tenorsaxophon. Haley
begann, mehr Emotionen in seinen
Gesang einfließen zu lassen, und
Rudy Pompellis Saxophonsolos und
R&B-inspirierte "down on your
knees"-Bühnenauftritte brachten das
Publikum zum Toben.
Sie nahmen "Crazy Man Crazy" auf,
das mehr als 1 Million Exemplare
verkaufte und 1953 in die Top 20
der Billboard-Charts gelangte. Die
Gruppe weckte das Interesse aller
drei großen Plattenlabels (Columbia,
RCA und Decca) und unterzeichnete
schließlich bei Decca.
Im April 1954 versammelte sich
die Gruppe in New Yorks Pythian
Temple zu ihrer ersten Decca-Aufnahmesession.
Es war selten, dass
eine erste Session so vielversprechend
verlief. Sie nahmen "Rock
Around the Clock" auf, einen Song,
der von zwei weißen, mittelalterlichen
Musikbranchenveteranen geschrieben
wurde. Obwohl er gesunde
75.000 Exemplare verkaufte, blieb
der Song zunächst weitgehend unbemerkt.
Die Band nahm auch ihre musikalisch
und textlich bereinigte Coverversion
von Big Joe Turners R&B-
Hit "Shake, Rattle and Roll" auf, der
es auf Platz 12 schaffte. Die Entscheidung,
"Rock Around the Clock" hinter
den Vorspann des Films "Die Saat
der Gewalt" von 1955 zu setzen, sicherte
dem Song und Bill Haley einen
Platz in den Geschichtsbüchern.
Der Song stieg auf Platz 1 und blieb
unglaubliche acht Wochen dort. Er
hat seitdem 30 Millionen Exemplare
verkauft.
Haley wurde damit der erste weiße
Rock'n'Roll-Star. Er tourte mit den
großen Package-Shows, trat als
Hauptact bei Konzerten auf und
wurde in Europa zum Rock-Idol.
Ende 1955 wurde Haley von der
Zeitschrift Downbeat zum Rhythm
and Blues Personality of the Year
ernannt, was zeigte, dass er auch in
der schwarzen Musikgemeinschaft
beliebt war. Anfang 1956 erreichte er
noch einmal die Top 20 mit "See You
Later, Alligator" (#6).
Doch Amerika suchte immer noch
nach einem Teenager-Idol, und
der leicht kahle, mollige und etwas
schüchterne Haley passte nicht in
dieses Bild.
Haley tourte in den nächsten zwei
Jahrzehnten weiter und wurde zu einem
Star in der Rock-Nostalgie-Bewegung
der späten 1960er Jahre.
Ende der 1970er Jahre befand er sich
in schweren körperlichen und finanziellen
Schwierigkeiten. Sein Saxophonist
und musikalischer Leiter,
Rudy Pompelli, der ihm die ganze
Zeit treu geblieben war, verstarb im
Jahr 1976. Dieser schmerzliche Verlust
erschütterte Bill Haley zutiefst
und hinterließ eine Lücke in seinem
Leben und seiner Musik.
Die letzten Jahre von Bill Haley waren
von persönlichen und finanziellen
Schwierigkeiten geprägt. Er kämpfte
mit Alkoholismus und gesundheitlichen
Problemen.
In diesen Jahren verlor Bill Haley
den Kontakt zur Realität und wurde
von seinen inneren Dämonen geplagt.
Trotz des Ruhmes und des
Einflusses, den er während seiner
Karriere erlangt hatte, fand er sich
einsam und isoliert.
Am 9. Februar 1981 verstarb Bill Haley
in Harlingen, Texas, allein und
von vielen unerkannt.
Bill Haleys Verdienste und sein Einfluss
auf die Musikindustrie sind von
dauerhafter Bedeutung. Als einer der
Pioniere des Rock ‘n’ Roll hat er einen
unvergesslichen Sound geschaffen,
der die Grenzen zwischen verschiedenen
Musikgenres überwand
und Generationen von Künstlern
nachhaltig inspirierte.
Haley war ein Wegbereiter, der mit
seiner Band, den Comets, eine musikalische
Revolution entfachte. Sein
markanter Stil und seine energetische
Bühnenpräsenz zogen das Publikum
in den Bann. Doch seine wahre Innovation
lag in der Verschmelzung
verschiedener musikalischer Einflüsse.
Durch die Kombination von
Country, Rhythm and Blues und Jazz
schuf er einen einzigartigen Sound,
der die Grundlage für den aufstrebenden
Rock ‘n’ Roll legte.
Bill Haleys Beitrag zur Musikgeschichte
erstreckt sich weit über seine
eigene Karriere hinaus. Sein Einfluss
prägte nachfolgende Generationen
von Künstlern und legte den Grundstein
für die Entwicklung des Rock
‘n’ Roll als eigenständiges Genre.
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Alexander Gresbek
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Charles Edward Anderson Berry,
besser bekannt als Chuck
Berry, war ein ikonischer amerikanischer
Sänger, Gitarrist und
Songschreiber, der
eine entscheidende
Rolle bei der Entstehung
und Entwicklung
des Rock’n’Roll
spielte. Geboren am
18. Oktober 1926 und
verstorben am 18.
März 2017, hat Berry
die Musikbranche nachhaltig
geprägt und
sich den wohlverdienten
Titel “Vater des
Rock’n’Roll” erworben.
Chuck Berry
Durch seinen innovativen
Ansatz von
Rhythm and Blues
formte er den unverwechselbaren
Sound
des Rock’n’Roll und
schuf zeitlose Hits wie
“Maybellene” (1955),
“Roll Over Beethoven”
(1956), “Rock and Roll Music”
(1957) und “Johnny B. Goode”
(1958).
Eine der herausragenden Eigenschaften
von Berry war seine
Fähigkeit, Texte zu schreiben,
die das Wesen des Teenager-Lebens
und des Konsums einfingen.
Er schuf Lieder, die der Jugend jener
Zeit nahe waren und ihre Sehnsüchte
und Anliegen ansprachen. Darüber
hinaus war Berrys Musikstil geprägt
von elektrisierenden Gitarrensoli
und mitreißendem Showmanship,
Elemente, die eine große Wirkung
auf nachfolgende Generationen
von Rockmusikern hatten.
Berrys Leidenschaft für Musik
zeigte sich bereits in jungen
Jahren, und er gab sein erstes
öffentliches Konzert während
seiner Zeit an der Sumner High
School. Jedoch nahm sein Leben
eine Wendung, als er als Schüler
wegen bewaffneten Raubüberfalls
verurteilt wurde, was zu seiner
Inhaftierung in einem Erziehungslager
von 1944 bis 1947 führte.
Nach seiner Entlassung fand Berry
seinen Platz im Eheleben und
arbeitete in einer Automobilfabrik.
In dieser Zeit ließ er sich
von dem Blues-Musiker T-Bone
Walker inspirieren und integrierte
dessen Gitarrenriffs und Showmanship-Techniken
in seine Auftritte als
Mitglied des Johnnie Johnson Trio.
Im Mai 1955 erfolgte Berrys Durchbruch,
als er nach Chicago reiste
und Muddy Waters traf, der ihm
empfahl, Leonard Chess von Chess
Records zu kontaktieren. Diese Begegnung
führte zur Aufnahme von
“Maybellene”, Berrys Adaption des
Country-Songs “Ida Red”. Der Song
war außerordentlich erfolgreich,
verkaufte sich über eine Million
Mal und erreichte Platz eins der
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Alexander Gresbek
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Rhythm-and-Blues-Charts des Billboard-Magazins.
Gegen Ende der 1950er Jahre hatte
sich Chuck Berry als etablierter Star
etabliert. Er hatte zahlreiche Hit-Singles,
Auftritte in Filmen und eine
lukrative Tourneekarriere. Zudem
eröffnete er seinen eigenen Nachtclub,
das Berry’s Club Bandstand,
in St. Louis. Allerdings nahm sein
persönliches Leben im Januar 1962
eine turbulente Wendung, als er wegen
Verstoßes gegen das Mann Act
zu drei Jahren Haft verurteilt wurde.
Berry hatte eine 14-jährige Minderjährige
über Staatsgrenzen hinweg
transportiert, um unerlaubten
Geschlechtsverkehr zu haben. Nach
seiner Entlassung im Jahr 1963 hatte
Chuck Berry noch einige weitere erfolgreiche
Songs wie “No Particular
Place to Go”, “You Never Can Tell”
und “Nadine”. Allerdings erreichten
diese nicht den gleichen Erfolg
oder die langfristige Wirkung wie
seine Hits der 1950er Jahre. In den
1970er Jahren war er vor allem als
Nostalgie-Künstler gefragt und trat
mit örtlichen Begleitbands unterschiedlicher
Qualität auf.
Im Jahr 1972 erreichte Berry einen
neuen Höhepunkt, als seine
Live-Version von “My Ding-a-Ling”
sein einziger Song war, der die
Charts anführte. Seine Forderung
nach Bargeldzahlung führte jedoch
1979 zu einer viermonatigen Gefängnisstrafe
und gemeinnütziger
Arbeit wegen Steuerhinterziehung.
Chuck Berry wurde 1986 als einer
der ersten Musiker in die Rock and
Roll Hall of Fame aufgenommen. Er
wurde für seine Verdienste gewürdigt,
nicht nur den Klang, sondern
auch die Haltung des Rock’n’Roll
geprägt zu haben. Berry ist in mehreren
“Greatest of All Time”-Listen
des Rolling Stone Magazins vertreten.
Er belegte den fünften Platz in
den Listen der 100 Greatest Artists of
All Time von 2004 und 2011. Zudem
sind drei seiner Songs, “Johnny B.
Goode”, “Maybellene” und “Rock
and Roll Music”, in den 500 Songs
That Shaped Rock and Roll der Rock
and Roll Hall of Fame enthalten.
“Johnny B. Goode” ist sogar der
einzige Rock’n’Roll-Song, der auf der
Voyager Golden Record zu hören ist.
Chuck Berry hinterließ einen bedeutenden
musikalischen Nachlass, der
sein Erbe als einer der einflussreichsten
Künstler des Rock ‘n’ Roll
zementierte. Seine Musik und sein
Einfluss erstreckten sich über Generationen
von Musikern und prägten
das Genre nachhaltig.
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Berry wird oft als “Gründungsvater
des Rock ‘n’ Roll” bezeichnet, da er
es wie kein anderer verstand, alle
essenziellen Bestandteile zusammenzuführen.
Bereits in seiner ersten
Single “Maybellene” kombinierte er
geschickt Country & Western Gitarrenriffs
mit dem Rhythmus und
Blues, was zu einem einzigartigen
Sound führte.
Mit Songs wie “Maybellene”, “Roll
Over Beethoven”, “Rock and Roll
Music” und “Johnny B. Goode” verfeinerte
und entwickelte Berry den
Rhythm and Blues zu den markanten
Elementen, die den Rock ‘n’ Roll
ausmachten. Seine Texte waren darauf
ausgerichtet, den jungen Teenager-Markt
anzusprechen, indem sie
grafische und humorvolle Beschreibungen
von Jugendtänzen, schnellen
Autos, dem Highschool-Leben und
der Konsumkultur verwendeten.
Während die meisten Classic Rocker
von der Liebe sangen, schrieb Chuck
Berry Geschichten über das Leben
von Teenagern, die eine Frische,
einen Humor und eine Bildung
aufwiesen, die an die professionellen
Songschreiber der Tin Pan Alley
erinnerten. Es ist paradox, dass
ein Mann, der bereits dreißig Jahre
alt war, als “Roll Over Beethoven”
1956 ein Hit wurde, so präzise für
eine Generation von Jugendlichen
sprechen konnte, die zum ersten
Mal Rebellion erlebte. Vielleicht ermöglichte
ihm die unauslöschliche
Erfahrung, als schwarzer Jugendlicher
aus dem Süden an der Grenze
aufgewachsen zu sein, einen Einblick
in die Unterdrückung und Frustration,
die von einer neuen Generation
von Jugendlichen empfunden wurde.
Chuck Berry’s Fähigkeit, die Gedanken
und Gefühle dieser neuen
Generation auszudrücken, wurzelt
möglicherweise in seinen eigenen
einzigartigen Lebenserfahrungen.
Als schwarzer Jugendlicher, der im
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Alexander Gresbek
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Süden an der Grenze aufwuchs,
hatte er wahrscheinlich aus erster
Hand Kenntnis von der Unterdrückung
und Frustration, die junge
Menschen zu dieser Zeit empfanden.
Diese Perspektive ermöglichte
es ihm, sich einfühlsam in die
Gedankenwelt und Gefühlswelt der
Jugendlichen einzufühlen und sie
in seinen Liedern auszudrücken.
Sein Gitarrenspiel und seine Bühnenpräsenz
hatten einen großen
Einfluss auf die nachfolgende Rockmusik.
Berry prägte das Genre auf drei
wesentliche Arten: mit seinem unwiderstehlichen
Selbstbewusstsein,
dem Fokus auf dem Gitarrenriff als
Hauptmelodie und der Betonung
des Geschichtenerzählens in seinen
Songtexten. Seine Platten sind
eine reiche Quelle für die wesentlichen
lyrischen, showtechnischen
und musikalischen Komponenten
des Rock ‘n’ Roll. Viele bedeutende
Musiker haben seine Songs interpretiert,
darunter die Beatles, die
Rolling Stones und die Beach Boys.
Als Gitarrist hatte Berry einen
einzigartigen Stil. Obwohl er technisch
nicht versiert war, setzte er
elektronische Effekte ein, um den
Klang von Bottleneck-Bluesgitarristen
nachzuahmen. Sein Gitarrenspiel
wurde von Musikern wie Carl
Hogan und T-Bone Walker beeinflusst
und prägte den Sound vieler
späterer Gitarristen.
Berry’s Bühnenshow war von
großer Showmanship geprägt und
hatte einen nachhaltigen Einfluss
auf andere Rockgitarristen. Seine
ikonische “Duck Walk” und seine
energiegeladenen Auftritte machten
ihn zu einem Vorbild für viele
Musiker.
Chuck Berry wurde für seine
musikalischen Leistungen vielfach
geehrt. Er wurde in die Rock and
Roll Hall of Fame aufgenommen
und erhielt den Grammy Lifetime
Achievement Award. Er wird als
einer der größten Rock ‘n’ Roller
aller Zeiten betrachtet und seine
Musik wird auch in Zukunft Generationen
von Musikern inspirieren.
Chuck Berry’s musikalischer Nachlass
ist von immenser Bedeutung
und sein Einfluss auf die Rockmusik
wird auf ewig weiterleben.
Als Pionier und Innovator hat er
das Genre geprägt und seine Musik
wird als zeitloses Vermächtnis in
die Geschichte eingehen.
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Alexander Gresbek
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Little Richard, mit bürgerlichem
Namen Richard Penniman,
strebte immer danach, als
König des Rock'n'Roll anerkannt zu
werden. Er trat in die erste Ära des
Rock'n'Roll ein und hatte eine Reihe
von Top-40-Hits. Sein einzigartiges
Bühnenauftreten und sein
Live-Performance-Stil wurden von
vielen seiner Zeitgenossen imitiert.
Seine Persönlichkeit und Vorliebe
für einen kontroversen Lebensstil
waren beispiellos. Doch Richard
war einfach zu außergewöhnlich, zu
ungeschliffen und zu schwarz, um
die Krone zu erlangen, die er sich
so sehr wünschte. Amerika würde
auf den Aufstieg eines anderen zum
Thron warten.
Little Richard wurde am 5. Dezember
1932 in seinem Zuhause im
angenehmen Pleasant Hill-Viertel
von Macon, Georgia, geboren. Er
war das dritte Kind und der zweite
Junge in einer Familie mit letztendlich
zwölf Kindern. Sein Vater, der
Sohn eines Predigers, war Maurer
und verkaufte nebenbei illegalen
Little Richard
Schnaps. Seine Mutter, Leva Mae,
war wahrscheinlich nett, als sie einmal
sagte: "Richard war der schwierigste
von ihnen allen." Richard
war lebhaft, ein Spaßvogel und in
seinen Teenagerjahren unkontrollierbar.
Als Jugendlicher behauptete
er, Erfahrungen mit Männern, Jungen,
Frauen und Mädchen gemacht
zu haben.
Im Alter von dreizehn Jahren
landete Richard aufgrund seines
wilden Verhaltens auf der Straße.
Er ging als Sänger für Dr. Hudson's
Medicine Show auf Tour und verkaufte
"Tonikum". Nach seiner Rückkehr
nach Macon
wurde
Richard von
einem weißen
Paar, Ann und
Johnny Johnson,
aufgenommen,
die einen Nachtclub
namens Tick
Tock Club betrieben.
Von diesem
Zeitpunkt
an konzentrierte
sich Richard darauf,
eine Karriere
in der Musik
anzustreben.
Das herausragende
Merkmal
von Little Richards
Musik war
sein einzigartiger
Gesangsstil.
Dieses hoch
emotionale Singen,
sein schwebender
Falsett
und die jubelnden Schreie hatten
ihren Ursprung in seiner gospelbezogenen
Herkunft - dem Singen
in Chören, Wettbewerben sowie bei
Erweckungs- und Zelttreffen. Ob es
sich um die Pfingstgemeinde, die
AME Methodistische Kirche oder
den Holiness Temple Baptist Church
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Alexander Gresbek
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
handelte, der Gospel-Stil war emotional
und musikalisch. Richard war
offensichtlich gut genug, um Lead-
Sänger in mehreren kirchlich angegliederten
Gesangsgruppen zu sein,
darunter Ma Sweetie's Tiny Tots.
Diese Wurzeln sind nicht nur in seinem
Gesangsstil, sondern auch in
seinem energiegeladenen Bühnenstil
erkennbar.
Im Jahr 1951, im Alter von achtzehn
Jahren, gewann Richard einen Plattenvertrag
bei RCA
Records in einem
Talentwettbewerb.
Die acht aufgenommenen
Songs
hatten wenig Einfluss,
ermöglichten
es Richard jedoch,
eine herausragende
Rhythm-and-
Blues-Band, die
Upsetters, zusammenzustellen.
Nach der Rocklegende
arbeitete Little Richard als
Geschirrspüler im Greyhound-Busbahnhof
in Macon, als "der Anruf "
von Art Rupe von Specialty Records
in Los Angeles kam. Was die Legende
auslässt, ist, dass Richard bereits
ein etablierter regionaler Künstler
mit einer erstklassigen Band war,
der Rupe gnadenlos wegen der Demo-Tapes
belästigte, die er sieben
Monate zuvor eingereicht hatte. Specialty
schickte Little Richard nach
J&M Studios in New Orleans, um
mit dem Produzenten Bumps Blackwell
(dem musikalischen Mentor
von Quincy Jones und Ray Charles)
aufzunehmen. Blackwell beschrieb
die Session folgendermaßen: "Als
ich reinkam, war da dieser Kerl mit
einem lauten
Hemd, dessen
Haare bis
zu sechs Zoll
über seinem
Kopf aufgestellt
waren. Er redete
wild und
kam auf Ideen,
nur um anders
zu sein, weißt
du. Ich konnte
erkennen, dass
er eine Mega-Persönlich-
keit war."
Richards erster Durchlauf von "Tutti
Frutti" ließ Blackwell ratlos zurück.
Die Musik und die Stimmung des
Songs waren explosiv, aber die Texte
waren zu anzüglich: "Tutti Frutti,
guter Hintern / Wenn es nicht passt,
erzwing es nicht / Du kannst es
schmieren, leicht machen."
Die in New Orleans ansässige
Blues-Autorin Dorothy La Bostrie
wurde hinzugezogen, um die Texte
umzuarbeiten, und Richard nahm
den Song mit Unterstützung von
Bartholomews Studioband in fünfzehn
Minuten auf. Im Januar 1956
erreichte der Song Platz 2 in den
R&B-Charts und Platz 17 in den
Pop-Charts. In den nächsten zwei
Jahren hatte Little Richard acht weitere
Top-40-Hits.
Wenn die Texte von Richards
Songs ein Hinweis auf sein Leben
waren, war es ziemlich eindimensional.
Er genoss einfach das
"Rocken", "Rollen" und "Feiern" mit
seinem Kreis von R&B-Schönheiten.
Sie reichten von Sue und Daisy,
welche die bereinigte Version von
"Tutti Frutti" repräsentierten, bis
hin zu Miss Molly, Long Tall Sally,
Lucille, Jenny und vielen mehr.
Entweder die weiße Gesellschaft war
sich der sexuellen Zweideutigkeiten
in diesen Songs nicht bewusst oder
sie genoss den Nervenkitzel dieser
unverblümten Anspielungen.
Little Richard's Bühnenbild war
bekannt für seine extravagante und
auffällige Ästhetik. Er kleidete sich
in schillernde, farbenfrohe Outfits,
die seine ausgeprägte Persönlichkeit
und seinen einzigartigen Stil
widerspiegelten. Seine Bühnenkostüme
waren oft mit glitzernden
Pailletten, Metallic-Stoffen und aufwendigen
Verzierungen versehen.
Er trug gerne lange Mäntel, weite
Hosen und enge Oberteile, die seine
schlanken Proportionen betonten.
Ein charakteristisches Merkmal von
Little Richard's Bühnenbild war sein
aufwendig gestyltes Haar. Seine Frisur
bestand aus einer hohen, pompadourartigen
Tolle, die bis zu einem
Fuß über seiner Stirn aufragte. Oft
wurde sein Haar glatt nach hinten
gekämmt und mit Pomade oder
Haarspray fixiert. Diese auffällige
Frisur war ein wichtiger Bestandteil
seines Bühnenimages und trug zu
seinem markanten Erscheinungsbild
bei.
Auf der Bühne war Little Richard für
seine energetischen und mitreißenden
Performances bekannt. Er
sprühte vor Lebendigkeit und schien
mit seiner Musik zu verschmelzen.
Während seiner Auftritte sprang er
oft auf das Klavier, spielte darauf und
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53 | Rock ‘n’ Roll Chronicles: Die Geburt der Musik

Alexander Gresbek
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hämmerte dabei Boogie-Akkorde.
Sein Gesangsstil war hoch emotional
und seine Stimme konnte von
leidenschaftlichen, schwebenden
Falsett-Tönen zu kräftigen, schreienden
Ausbrüchen wechseln. Seine
Performance war geprägt von einer
kraftvollen Bühnenpräsenz und einem
Charisma, das das Publikum
mitriss.
Darüber hinaus war Little Richard
für sein
provokatives
und
m a n -
c h m a l
kontroverses
Verhalten
auf der
B ü h n e
bekannt.
Er zeigte
eine unverblümte
und
selbstbewusste
Sexualität, die in den 1950er Jahren
revolutionär war. Seine Auftritte
waren voller Energie, Selbstbewusstsein
und einer gewissen rebellischen
Attitüde, die seine Fans begeisterte
und Aufsehen erregte.
Insgesamt war Little Richard's Bühnenbild
ein visuell beeindruckendes
Spektakel. Seine extravaganter Kleidungsstil,
seine charakteristische
Frisur und seine mitreißenden Performances
machten ihn zu einem
einzigartigen und unverwechselbaren
Künstler, der das Publikum in
seinen Bann zog.
Im Herbst 1957, auf dem Höhepunkt
seiner Karriere, kündigte Little Richard
jedoch an, dass er die weltliche
Musik aufgeben und sich am Oakwood
College in Huntsville, Alabama,
einschreiben werde. An dieser
siebenten Adventistenschule wollte
er ein Bibelstudium absolvieren, um
sich auf den Dienst vorzubereiten.
Laut der Rocklegende traf er diese
Entscheidung während einer Tournee
in Australien. Die genauen Einzelheiten
sind unklar, aber Richard sah,
hörte oder spürte ein Zeichen von
Gott.
Dieser Verzicht auf Rockmusik kam
für Specialty Records überraschend.
Sie überstanden die Krise, indem sie
zuvor aufgenommene Sessions bis
weit ins Jahr 1958 hinein veröffentlichten,
darunter "Good Golly Miss
Molly".
Richard widmete sih dem Studium,
sang und nahm Gospelmusik auf.
Little Richard versuchte Ende der
1960er Jahre ein großes Comeback
und nahm auf dem Okeh-Label soulbeeinflusstes
Material auf.
Doch während einer Tournee in England
im Jahr 1962 änderte er seine
Richtung und trat mit vielen seiner
alten Hits auf - sehr zur Freude seiner
Fans. Dieser Wechsel zwischen
zwei Genres - klassischem Rock und
Gospel - setzte sich bis in die 80er
Jahre fort.
Zweimal schaffte er es in die Top 100
der Charts und sorgte für Kontroversen
in Talkshows als seine Bisexualität
öffentlich bekannt wurde.
Trotz seines zunehmend extravaganten
Verhaltens betonte Richard
stets, dass seine Musik eine heilende
Wirkung habe: "Ich glaube, meine
Musik ist heilende Musik... weil sie
die Menschen inspiriert und erhebt."
Obwohl sein Songkatalog nicht
so viel Einfluss auf nachfolgende
Rockgenerationen hatte wie der von
Berry und Holly, waren Little Richards
Live-Auftrittsstil und seine gefühlvolle
Gesangstechnik wichtige
Grundbausteine des Rock 'n' Roll der
60er Jahre.
Little Richard hatte einen erheblichen
Einfluss auf zahlreiche Künstler
und hinterließ ein kulturelles Erbe,
das bis heute spürbar ist. Sein revolutionärer
Musikstil und seine charismatische
Bühnenpräsenz inspirierten
viele nachfolgende Musiker und
prägten die Entwicklung des Rock 'n'
Roll sowie anderer Genres.
Viele berühmte Rock- und Popkünstler
haben öffentlich ihre Bewunderung
für Little Richard zum Ausdruck
gebracht und seine Einflüsse
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
in ihrer eigenen Musik reflektiert.
Mick Jagger von den Rolling Stones
nahm Richards energiegeladenen
Bühnenstil und seine exzentrische
Persönlichkeit als Vorbild.
David Bowie übernahm nicht nur
Richards androgynes Bühnenimage,
sondern auch seinen impulsiven
Gesangsstil.
Jimi Hendrix wurde von Richards
Gitarrenspiel beeinflusst und auch
Prince nahm Richards sexuell aufgeladenen
und provokativen Stil in
seine Musik auf.
Darüber hinaus trug Little Richard
zur Überwindung von Rassenschranken
in der Musikindustrie
bei. Als schwarzer Künstler in
den 1950er Jahren erreichte er ein
breites Publikum, das auch weiße
Zuhörer umfasste. Sein Erfolg ebnete
den Weg für andere schwarze
Künstler und trug dazu bei, dass
Rock 'n' Roll zu einer integrativen
Musikform wurde.
Der Nachlass von Little Richard
besteht nicht nur aus seiner
Musik, sondern auch aus
seinem kulturellen Erbe.
Seine Songs wie "Tutti Frutti", "Long
Tall Sally" und "Good Golly Miss
Molly" sind zu zeitlosen Klassikern
geworden und werden weiterhin
weltweit gehört und geschätzt.
Sein einzigartiger Gesangsstil, seine
energetische Bühnenpräsenz und
sein Beitrag zur Entwicklung des
Rock 'n' Roll haben ihn zu einer
Legende gemacht.
Darüber hinaus hat Little Richard
mit seiner Persönlichkeit und
seinem mutigen Umgang mit gesellschaftlichen
Normen Pionierarbeit
geleistet. Er war einer der ersten
offen bisexuellen Künstler in der
Musikindustrie und trug dazu bei,
die Vielfalt und Akzeptanz von sexuellen
Orientierungen in der Popkultur
voranzutreiben.
Obwohl Little Richard 2020 verstorben
ist, bleibt sein musikalisches
Erbe lebendig. Seine Einflüsse sind
in der Musik zahlreicher Künstler
zu hören, und seine kulturelle Bedeutung
wird weiterhin gefeiert. Als
einer der Pioniere des Rock 'n' Roll
hat Little Richard die Musiklandschaft
für immer verändert und
wird als eine der größten Ikonen der
Popkultur in Erinnerung bleiben.
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57 | Rock ‘n’ Roll Chronicles: Die Geburt der Musik

Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Die Zweite Generation
"Today’s music ain’t got the same soul -
I like that old time rock ‘n’ roll." (Bob Seger)
In dem lebendigen und sich ständig
weiterentwickelnden Musikgenre
des
Rock'n'Roll
markierte
das
Jahr 1957
den Aufstieg
einer
neuen
Generation
von klassischen
Rockern.
D i e s e
G r u p p e ,
bestehend
aus legendären Künstlern wie Elvis
Presley, Jerry Lee Lewis und Buddy
Holly, katapultierte sich an die Spitze
der Musikszene und hinterließ einen
unauslöschlichen Eindruck auf das
Genre.
Im Gegensatz zu ihren Vorgängern,
die den Grundstein für den
Rock'n'Roll gelegt hatten, verliehen
diese zweite Generation ihrer Musik
einen einzigartigen, von der Country-Musik
geprägten Geschmack.
Ihr einzigartiger Stil legte einen
größeren Schwerpunkt auf gitarrenorientierte
String-Bands, mitreißende
elektrische Gitarrensolos und Texte,
die sich hauptsächlich um Themen
der Romantik und Liebe drehten.
Elvis Presley, der "King desRock
and Roll", verkörperte die Essenz
dieser neuen Ära. Mit seiner magnetischen
Bühnenpräsenz und seiner
gefühlvollen Stimme eroberte Elvis
die Herzen von Millionen Menschen.
Seine Ballade "Love Me Tender"
wurde zu einer Hymne für Liebende
und zeigte seine Fähigkeit, Emotionen
hervorzurufen und eine tiefe
Verbindung zu seinem Publikum
herzustellen.
Buddy Holly brachte frische und
jugendliche Energie in die Szene.
Seine Beiträge als Singer-Songwriter
und seine Meisterschaft auf der
elektrischen Gitarre waren entscheidend
für den Klang des Rock'n'Roll.
Songs wie "True Love Ways" veranschaulichten
Hollys introspektiven
und herzlichen Ansatz zur Musik
und sprachen auf einer tiefen Ebene
mit den Zuhörern.
Jerry Lee Lewis, bekannt für sein
überschwängliches Klavierspiel
und energiegeladene Auftritte, fügte
der zweiten Generation der klassischen
Rocker ein dynamisches Element
hinzu. Sein Beitrag war von
großer Bedeutung für die Entwicklung
des Genres. Seine Musik verband
Elemente des Rock'n'Roll mit
dem unbändigen Geist des Country.
Er lieferte Hits wie "Great Balls of
Fire" und "Whole Lotta Shakin' Goin'
On", die sein Publikum mit ihrer Energie
und Leidenschaft mitrissen.
Die zweite Generation der klassischen
Rocker hinterließ einen dauerhaften
Einfluss auf die Musikgeschichte.
Mit ihrer einzigartigen Mischung aus
Country, Rock'n'Roll und Romantik
schufen sie einen Sound, der bis heute
die Herzen der Menschen erreicht
und Generationen von Musikern inspiriert.
Ihre Musik wird immer als
Meilenstein in der Entwicklung des
Rock'n'Roll und als Teil des kulturellen
Erbes betrachtet.
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61 | Rock ‘n’ Roll Chronicles: Die Geburt der Musik

Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Buddy Holly
Buddy Holly, eigentlich Charles
Hardin Holley, wurde am 7.
September 1936 in Lubbock, Texas,
geboren. Er gilt als eine zentrale und
wegweisende Figur des Rock and
Roll der 1950er Jahre. Aufgewachsen
in einer musikalischen Familie
während der Zeit der Großen Depression,
erlernte er bereits früh das
Gitarrenspiel und das Singen gemeinsam
mit seinen Geschwistern.
Sein Stil wurde von Gospel-Musik,
Country-Musik und Rhythm and
Blues beeinflusst, die er gemeinsam
mit seinen Freunden aus der High
School in Lubbock aufführte.
Holly trat erstmals 1952 im lokalen
Fernsehen auf und gründete im
folgenden Jahr die Gruppe "Buddy
and Bob" mit seinem Freund Bob
Montgomery. Nachdem er 1955 als
Vorband für Elvis Presley aufgetreten
war, beschloss er, eine Karriere
in der Musik anzustreben. Im selben
Jahr eröffnete er drei Mal für Presley,
und der Stil seiner Band wandelte
sich von Country und Western zu
reinem Rock and Roll. Im Oktober
desselben Jahres, als er für Bill Haley
& His Comets auftrat, wurde er von
dem Talentsucher Eddie Crandall
aus Nashville entdeckt, der ihm half,
einen Vertrag bei Decca Records zu
bekommen.
Hollys Aufnahmesessions bei Decca
wurden von Owen Bradley produziert,
der für die Produktion von orchestrierten
Country-Hits für Stars
wie Patsy Cline bekannt geworden
war. Unzufrieden mit Bradleys
musikalischem Stil und seiner Kontrolle
im Studio, wandte sich Holly
an den Produzenten Norman Petty
in Clovis, New Mexico, und nahm
dort unter anderem eine Demo von
"That'll Be the Day" auf.
Petty wurde der Manager der Band
und schickte die Demo an Brunswick
Records, die sie als Single unter dem
Namen "The Crickets" veröffentlichten,
was fortan der Name von Hollys
Band wurde. Im September 1957 erreichte
"That'll Be the Day" sowohl in
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
den USA als auch in Großbritannien
die Spitze der Single-Charts. Diesem
Erfolg folgte im Oktober ein weiterer
großer Hit mit "Peggy Sue".
Das Album "The 'Chirping' Crickets",
das im November 1957 veröffentlicht
wurde, erreichte Platz fünf in
den britischen
Album-Charts.
Holly trat im
Januar 1958 zum
zweiten Mal in
der "Ed Sullivan
Show" auf
und tourte kurz
darauf durch
Australien und
anschließend
durch das
Vereinigte Königreich.
Anfang
1959 formierte
er eine neue
Band, bestehend
aus dem
zukünftigen
Country-Musikstar Waylon Jennings
(Bass), dem bekannten Session-Musiker
Tommy Allsup (Gitarre)
und Carl Bunch (Schlagzeug),
und begab sich auf eine Tour durch
den mittleren Westen der USA. Nach
einem Auftritt in Clear Lake, Iowa,
charterte er ein Flugzeug, um zu seinem
nächsten Konzert in Moorhead,
Minnesota, zu reisen.
Kurz nach dem Start stürzte das
Flugzeug ab und Holly, Ritchie Valens,
The Big Bopper und der Pilot
Roger Peterson kamen bei dem Unglück
ums Leben,
das später von Don
McLean in seinem
Song "American
Pie" als "The Day
the Music Died" bezeichnet
wurde.
Während seiner
kurzen Karriere
schrieb und
nahm Buddy Holly
viele Songs auf. Er
wird oft als Künstler
angesehen, der
die traditionelle
Rock-and-Roll-Besetzung
mit zwei
Gitarren, Bass und
Schlagzeug definiert hat. Er hatte
einen großen Einfluss auf spätere
Popmusik-Künstler wie Bob Dylan,
The Beatles, The Rolling Stones, Eric
Clapton, The Hollies, Elvis Costello,
Dave Edmunds, Marshall Crenshaw
und Elton John. Bereits 1986 wurde
er als einer der ersten Künstler in die
Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.
Das Rolling Stone Magazin
setzte ihn 2010 auf Platz 13 in
seiner Liste der "100 Greatest Artists".
Buddy Hollys musikalischer Stil
war geprägt von seiner einzigartigen
Kombination aus Rock and Roll,
Country und Rhythm and Blues.
Seine Songs waren eingängig und
zeigten sein Talent als Songwriter.
Songs wie "That'll Be the Day", "Peggy
Sue", "Everyday" und "Oh Boy!"
sind bis heute Klassiker des Rock
and Roll und haben Generationen
von Musikern und Musikliebhabern
inspiriert.
Neben seinem musikalischen Erbe
war Buddy Holly auch für seine innovative
Herangehensweise an das
Musikgeschäft bekannt. Er war einer
der ersten Künstler, der aktiv an der
Produktion seiner eigenen Musik
beteiligt war und neue Aufnahmetechniken
ausprobierte. Seine Arbeit
mit Overdubbing, Mehrspuraufnahmen
und Studioeffekten trug
dazu bei, den Sound der Rockmusik
zu revolutionieren.
Darüber hinaus war Holly für sein
charismatisches Auftreten und seine
energetischen Bühnenshows bekannt.
Seine leidenschaftliche Darbietung
und sein unverwechselbarer
Gesangsstil begeisterten das Publikum.
Holly war ein Vorreiter in
Sachen Live-Performance und trug
dazu bei, dass Live-Auftritte zu einem
wichtigen Element der Rockkultur
wurden.
Trotz seines viel zu frühen Todes
hinterließ Buddy Holly ein bleibendes
Erbe in der Musikwelt. Sein Einfluss
erstreckt sich über verschiedene
Genres und Generationen hinweg.
Seine innovativen musikalischen
Ideen und sein einzigartiger Stil
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
haben den Rock and Roll geprägt
und seine Musik wird auch weiterhin
Menschen auf der ganzen Welt
begeistern und inspirieren. Buddy
Holly wird für immer als einer der
größten Pioniere der Rockmusik in
Erinnerung bleiben.
Die Cricktets
Die ursprüngliche Besetzung der
Crickets bestand aus Buddy Holly
(Leadgesang und Gitarre), Jerry Allison
(Schlagzeug), Joe B. Mauldin
(Bass) und Niki Sullivan (Rhythmusgitarre).
Gemeinsam schufen sie
einen einzigartigen Sound, der Elemente
von Rockabilly, Country und
R&B vereinte.
Im Jahr 1957 nahmen die Crickets
eine Demo-Version des Songs
"That'll Be the Day" auf. Buddy Holly
war unzufrieden mit den Ergebnissen
seiner Zeit bei Decca Records
und suchte nach neuen Möglichkeiten.
Inspiriert vom Erfolg anderer
Künstler, suchte er die Zusammenarbeit
mit Norman Petty, einem Produzenten
und Promoter. Gemeinsam
mit den Crickets ging er ins Studio
von Petty in Clovis, New Mexico, um
"That'll Be the Day" erneut aufzunehmen.
Die Demo-Version beeindruckte die
Verantwortlichen des Labels Brunswick
Records, die den Song ohne eine
neue Aufnahme veröffentlichten. Da
Buddy Holly noch bei Decca unter
Vertrag stand, konnte er den Song
nicht unter seinem Namen veröffentlichen.
Stattdessen wurde der Bandname
"Crickets" vorgeschlagen. Es
folgten weitere Aufnahmen unter
diesem Namen, während Holly gleichzeitig
als Solokünstler unter seinem
eigenen Namen veröffentlichte.
"That'll Be the Day" wurde im Mai
1957 veröffentlicht und wurde ein
großer Erfolg. Die Crickets gingen
auf Tour und traten unter anderem
im berühmten Apollo Theater in
New York City auf. Weitere Hits wie
"Peggy Sue" folgten, und die Band
hatte Erfolge sowohl in den USA als
auch im Vereinigten Königreich.
Ende 1958 trennte sich Buddy Holly
von den Crickets, da er beschlossen
hatte, dauerhaft in New York zu bleiben,
während die anderen Bandmitglieder
lieber in ihrer Heimat Texas
blieben
Der Tod von Buddy Holly hatte
auch weitreichende Auswirkungen
auf die Musikindustrie. Nach
dem tragischen Unfall begannen
neue Sicherheitsrichtlinien für
Künstler und Musiker zu gelten,
insbesondere in Bezug auf den
Transport bei Tourneen. Diese
Vorfälle führten zu einer verstärkten
Sensibilisierung für die
Sicherheit im Musikgeschäft und
trugen dazu bei, dass Künstler
und ihre Teams auf Reisen besser
geschützt wurden.
Trotz seines frühen Ablebens
wurde Buddy Hollys musikalisches
Erbe fortgesetzt. Posthum
wurden mehrere Alben
mit bisher unveröffentlichten Aufnahmen
veröffentlicht, darunter das
berühmte Album "The Buddy Holly
Story", das viele seiner bekanntesten
Hits enthält. Sein Einfluss auf die
Popmusik blieb erhalten, und seine
Songs wurden von zahlreichen Künstlern
gecovert und interpretiert.
Buddy Hollys Stil und Sound beeinflussten
eine ganze Generation
von Musikern und trugen dazu bei,
den Rock'n'Roll als Genre weiterzuentwickeln.
Seine Musik war eine
Kombination aus eingängigen Melodien,
energiegeladenen Rhythmen
und emotionalen Texten. Er war
ein Vorreiter für die Integration
von Rock, Country und Rhythm
and Blues und schuf so einen neuen
Sound, der die musikalische Landschaft
nachhaltig prägte.
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Buddy Holly wird als
einer der talentiertesten
und innovativsten
Künstler seiner
Zeit angesehen. Obwohl
seine Karriere
nur von kurzer Dauer
war, hinterließ er einen
bleibenden Eindruck
und inspirierte
unzählige Musiker.
Seine Songs sind bis
heute beliebt und
werden als Klassiker
des Rock'n'Roll betrachtet.
Der Tod von Buddy
Holly war ein großer
Verlust für die Musikwelt,
aber sein Vermächtnis
lebt weiter.
Seine Musik wird immer
noch gehört und
geschätzt, und seine
künstlerische Vision
hat Generationen von
Musikern beeinflusst.
Buddy Holly wird als
einer der größten Pioniere
des Rock'n'Roll
und als eine Legende
der Musikgeschichte
in Erinnerung bleiben.
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Alexander Gresbek
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Elvis Aaron Presley wurde am 8.
Januar 1935 in Tupelo, Mississippi,
geboren. Er war das einzige
Kind von Vernon und Gladys Presley.
Schon früh zeigte sich Elvis’ Interesse
und Liebe zur Musik. Inspiriert
von den Klängen, die er in der
Elvis Presley
Kirche und im Radio hörte, entwickelte
er eine Leidenschaft für
den Gesang.
Elvis’ Kindheit war von bescheidenen
Verhältnissen geprägt.
Seine Eltern, Vernon und
Gladys, kämpften finanziell
und mussten oft umziehen,
um Arbeit zu finden. Trotz
dieser Herausforderungen war
Elvis von liebevollen Eltern
umgeben, die seine musikalische
Begabung erkannten
und ihn ermutigten.
In seiner frühen Kindheit zog
die Familie nach Memphis,
Tennessee, in der Hoffnung
auf ein besseres Leben. Obwohl
sie immer noch mit finanziellen
Schwierigkeiten zu
kämpfen hatten, war Memphis
ein Schmelztiegel musikalischer
Einflüsse. Hier hatte
Elvis die Möglichkeit, verschiedene
Musikrichtungen wie Gospel, Blues
und Country zu hören, die seine
musikalische Entwicklung maßgeblich
beeinflussten.
Elvis’ Eltern erkannten sein Talent
und unterstützten ihn nach besten
Kräften. Seine Mutter Gladys kaufte
ihm seine erste Gitarre, und Elvis
begann, sich autodidaktisch das Gitarrespielen
beizubringen. Mit Begeisterung
und Hingabe
übte
er stundenlang,
um seine
Fähigkeiten
zu verbessern
und
seine musikalische
Leidenschaft
zum
Ausdruck
zu bringen.
Obwohl Elvis
in seiner
Kindheit oft
schüchtern
und zurückhaltend
war, entdeckte er im
Laufe der Zeit sein Selbstvertrauen
und seine Bühnenpräsenz. Er trat
bei lokalen Talentwettbewerben auf
und gewann immer mehr an Aufmerksamkeit
in der Musikszene
von Memphis.
Die Kindheit von Elvis Presley mag
von einfachen Verhältnissen geprägt
gewesen sein, aber sie legte den Grundstein
für eine außergewöhnliche
Karriere. Seine Liebe zur Musik,
seine Einflüsse aus verschiedenen
Genres und sein unerschütterlicher
Wille
führten ihn
auf den Weg,
zu einer
der größten
musikalischen
Im Sommer
1953, nahm
er bei Sun
Records/
Memphis
Ikonen des
20. Jahrhunderts
zu
werden.
Home Recording
Service
für nur
3,98 Dollar zwei Songs auf einer
45-rpm-Schallplatte auf: "My Happiness"
und "That's When Your
Heartaches Begin". Diese Songs
waren ursprünglich von der belieb-
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Alexander Gresbek
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
ten schwarzen Gesangsgruppe The
Ink Spots.
Diese Aufnahmesession markierte
den Beginn von Elvis' musikalischer
Karriere. Es sollte jedoch
der legendäre Song "That's All Right
(Mama)" sein, der seine erste kommerzielle
Veröffentlichung und
den bahnbrechenden Zusammenfluss
von Blues und Country-Musik
darstellte, was
s p ä t e r
als Rockabilly
bekannt
wurde. Ursprünglich
von dem
schwarzen
T u p e -
lo-Bluesmann
Arthur
"Big
Boy" Crudup
geschrieben,
vereinte der S o n g
den rohen und gefühlsbetonten Gesangsstil
des Blues mit den Elementen
der Stringband und des rhythmischen
Gitarrenspiels des Country.
Insbesondere Scotty Moores Gitarrensolo
im Song verkörperte diese
Fusion perfekt, indem es den Merle-Travis-Stil
des fingergezupften
Country, die Double-Stop-Slides des
akustischen Boogie und bluesbeeinflusste
Biegungen einzelner Saiten
vereinte.
Der einzigartige Stil von "That's All
Right (Mama)" übte eine unwiderstehliche
Anziehungskraft auf rebellische
weiße Jugendliche im Süden
aus, die
d a n a c h
strebten,
die raue
Emotionalität
derschwarzen
Musik mit
ihren eigenen
Country-Wur-
zeln zu
verbinden.
Mit
der wachsenden Popularität
von Elvis und der Verbreitung
seiner Musik strömten bald darauf
zukünftige Stars wie Jerry Lee Lewis,
Carl Perkins, Johnny Cash und Roy
Orbison nach Memphis, um den
einzigartigen Sound von Sun Records
zu suchen.
Diese Musiker wollten Teil dieser
aufstrebenden Musikbewegung
sein und ihre eigenen musikalischen
Fähigkeiten mit dem Rockabilly-Stil
verbinden, der sich aus
Elvis' musikalischer Konstruktion
entwickelt hatte.
Mit "That's All Right (Mama)" erzeugte
Elvis einen regelrechten
Aufruhr in Memphis. Der Song
erreichte Platz 1 der lokalen Country-Charts
und ermöglichte der
Gruppe erste Auftritte auf Tour.
Elvis' Live-Auftritte waren von
großer Bedeutung für seine
Karriere, da er mit seiner mitreißenden
Bühnenpräsenz
das Publikum in Ekstase
versetzte. Sein wackelnder
Tanzstil und seine leidenschaftliche
Performance
wurden von seinem Manager
Colonel Tom Parker
erkannt, der ihn als Manager
unter Vertrag nahm.
Parker war bekannt für seine
geschäftlichen Fähigkeiten
und sein Promotion-Talent.
Er widmete sich voll und
ganz der Karriere von Elvis
und trug maßgeblich
dazu bei, dass Elvis
zum ersten Rockstar
wurde.
Angesichts des wachsenden Erfolgs
des Classic Rock begannen
auch die großen Plattenlabels, nach
eigenen Rockkünstlern zu suchen.
RCA, eines der renommiertesten
Labels, überbot schließlich Atlantic
und Capitol und zahlte Sam
Phillips, dem Besitzer von Sun
Records, die beträchtliche
Summe von 35.000 Dollar
für das verbleibende
Jahr von Elvis' Vertrag.
Damit wechselte Elvis
von Sun Records zu
RCA, wo er unter
professionellen Bedingungen
arbeiten
konnte.
Der Moment war
gekommen, in
dem alle wichtigen
Komponenten für
den Durchbruch
bereitstanden:
der talentierte
Rockkünstler,
d a s
angesehene
Plat- tenlabel, der
clev- ere Manager,
das hochwertige
Studio und seine erfahrenen
Musiker.
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Alexander Gresbek
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Am 10. Januar 1956 betrat Elvis die
RCA Studios in Nashville, die sie mit
der methodistischen Kirche teilten.
Dort begann er mit den Aufnahmen
zu den Songs "Heartbreak Hotel"
und "I Want You, I Need You, I Love
You". RCA ermöglichte Elvis einen
gewagten Start, indem er seine erste
Veröffentlichung ohne Instrumentierung
begann und mit den Worten
"Nun, seit mein Baby mich verlassen
hat" sang. Der Mut zahlte sich aus,
denn beide Songs erreichten Platz
1 und Elvis erzielte in den nächsten
vier Jahren zehn weitere Nummer-
1-Hits und zwanzig weitere Top-40-
Hits.
RCA ermöglichte eine qualitative
und quantitative Veränderung in
Elvis' Musik.
Bei Sun Records hatten drei Jugendliche
spontane Interpretationen
von Blues- und Country-Songs mit
viel Echo aufgenommen. Bei RCA
wuchs die Rockband um Schlagzeug,
Klavier, Background-Sänger
und sorgfältig arrangierte Instrumentierungen.
Die Klangqualität
war typisch für ein Studio eines
großen Labels. Obwohl RCA versuchte,
das Sun-Echo zu reproduzieren,
konnte es nicht die gleiche
Atmosphäre schaffen. Dennoch
vereinte die energetische Sinnlichkeit
von Elvis mit der professionellen
Produktion von RCA, Chet Atkins'
Musikproduktion und Steve
Sholes' organisatorischen Fähigkeiten
einen Sound, der einen breiten
Querschnitt des Rockpublikums ansprach.
Die Musik von Elvis Presley
wurde zu einer der meistverkauften
populären Musikrichtungen in der
Geschichte.
Colonel Parker hatte einen umfassenden
Promotionsplan, der darauf
abzielte, Elvis medial zu sättigen. Elvis
trat 1956 mindestens zwölfmal im
nationalen Fernsehen auf, und viele
Teenager erlebten zum ersten Mal
die visuelle Kraft von Rock'n'Roll.
Nach Elvis' Auftritten in der Ed
Sullivan Show untersagten die
CBS-Zensoren jedoch Kameraeinstellungen,
die Elvis unterhalb der
Taille zeigten. Die Kritik an Elvis'
Auftritten, vor allem von Eltern, ließ
nicht lange auf sich warten.
Sie hofften, dass sich der Trend
bald wieder umkehren würde.
Typisch für die damalige Elterngeneration
waren Kommentare wie
der von Jack O'Brien in einer New
Yorker Tageszeitung: "Elvis Presley
wackelte und wand sich mit solchen
Bauchbewegungen, dass die
Burleske-Bombe Georgia Southern
wirklich Zeit verdient hätte, in gleicher
Weise zu antworten. [Presley]
kann keinen Ton singen und
gleicht stimmliche Mängel mit den
seltsamsten und eindeutig geplanten
anzüglichen Bewegungen aus,
die einer Fortpflanzungstanz eines
Ureinwohners nahekommen."
Diese Kritik konnte jedoch Elvis'
wachsende Fangemeinde nicht abschrecken,
sondern nur seinen Sta-
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
tus bei den Jugendlichen erhöhen.
Bis Ende 1956 hatte Elvis eine Reihe
von fünf Nummer-1-Hits und sieben
weitere Hits in den Top 40 erreicht.
Er beherrschte buchstäblich
die Charts. "Don't Be Cruel" und
"Hound Dog" waren eine doppelte
Nummer-1. "Love Me Tender", der
Titeltrack seines ersten Films, erreichte
ebenfalls die Spitze der Charts.
Im Gegensatz zu Bill Haley und
Chuck Berry, die Hymnen auf das
Teenagerleben und die Rockmusik
aufnahmen, blieb Elvis bei einer erprobten
Popmusik-Formel.
Er chrieb jedoch keine eigenen
Songs, sondern wählte aus Demo-Aufnahmen,
die ihm von seinem
Verleger und anderen zugeschickt
wurden.
Er wählte dabei Themen aus, die von
größter Bedeutung für sein jugendliches
Publikum waren - das Auf und
Ab jugendlicher Verliebtheit.
Einige der besten Songschreiber der
Ära lieferten Hits für Elvis, darunter
Otis Blackwell, Boudleaux Bryant
und das Duo Jerry Leiber und Mike
Stoller.
Ein weiteres Element von Colonel
Parkers Masterplan waren die Filme.
Elvis spielte in vier Filmen - "Love
Me Tender", "Loving You", "Jailhouse
Rock" und "King Creole" - bevor er
im März 1958 in die Armee eintrat.
Die Filme dienten dazu, Elvis vor
seinen Fans präsent zu halten und
dienten auch als Plattform für neue
Songs. Zwischen den Aufnahmesessions
und den Dreharbeiten gab es
einen vollen Terminkalender für
Tourneen. Unterwegs und anderswo
begleitete ihn eine große Gruppe
von männlichen Freunden aus der
Highschool und anderen "guten alten
Jungs", die ihm jeden Wunsch
erfüllten. Sie wurden als "Memphis
Mafia" bezeichnet. Was auch immer
er tat, sie taten es - einfach eine gute
alte Gang auf Gehalt.
Ende der 1950er Jahre war das
Einzige, was größer war als Elvis,
“Uncle Sam”. Colonel Tom und Elvis
waren der Meinung, dass ein gehorsamer
Elvis ein reicher Elvis sei. Deshalb
meldete sich Elvis zur Einberufung
und ließ sich gehorsam seine
Haare - ein Symbol für die Männlichkeit
eines Rockers - abschneiden.
Er diente als Jeep-Fahrer von acht
bis fünf in Westdeutschland. Elvis
wohnte außerhalb des Militärgeländes,
und seine Kumpel warteten
auf ihn und chauffierten ihn in
einer Mercedes-Limousine herum.
Viele Prognostiker der Musikbranche
spekulierten, dass Elvis' zweijähriger
Militärdienst sich negativ auf
seine Karriere auswirken würde.
Doch gestärkt durch das Bild von Elvis
als Patriot erweiterte sich tatsächlich
sein Appeal und umfasste auch
einige junge Erwachsene. Seine
Musik wurde etwas sanfter, während
RCA kontinuierlich neue Veröffentlichungen
herausbrachte.
In dieser Zeit verlor Elvis seine Mutter
und traf seine zukünftige Braut. Autor
Albert Goldman behauptet in seiner
psychologisch orientierten Biografie
"Elvis" von 1981, dass Presley den
Tod seiner Mutter nie verkraftet habe.
Goldman spekuliert, dass "sexuell
gesehen Elvis genau im Alter seines
typischen Fans, dreizehn oder vierzehn
Jahre alt, fixiert war." Daher
ist es nicht überraschend, dass Elvis,
als er Priscilla Ann Beaulieu traf, die
vierzehnjährige Tochter eines Armeeoffiziers
in Deutschland, fasziniert
war.
Sie verbrachten viele Abende in Elvis'
Schlafzimmer, und als es Zeit war, in
die USA zurückzukehren, lud Presley
Priscilla ein, mitzukommen. Sie
lebte in seiner Graceland-Villa, angeblich
unter den wachsamen Augen
von Presleys Vater und Großmutter.
Während Presley zahlreiche Starlets
traf und eine Reihe von festen
Freundinnen hatte, besuchte
Priscilla die Schule und wartete.
Sieben Jahre später heirateten sie.
dann, neun Monate später brachte
sie ihr einziges Kind, Lisa Marie, zur
Welt.
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Anfang der 1960er Jahre sah der klassische
Rock and Roll seinem Ende
entgegengegangen. Elvis entschied
sich, sich der nicht-rockigen Mainstream-Musik
anzunähern. Seine
Nummer-1-Hits umfassten die sentimental
balladesken Songs "It's Now
or Never" und "Are You Lonesome
Tonight?". Presley trat landesweit in
nicht mehr, sondern wurde einfach
ein bedeutender Aufnahmekünstler.
Er verlor seine Neigung zum Rebellion
und unterwarf sich dem Willen
seines Managers und kommerziellen
Erwägungen. Zwischen 1961 und
1967 gab Elvis keine öffentlichen
Auftritte mehr, obwohl er in zwei
bis drei Filmen pro Jahr mitspielte,
einer Phase des künstlerischen Stillstands
und einer Reihe von uninspirierten
Filmauftritten präsentierte
sich der King in einer Live-Fernsehsendung
aus Las Vegas in neuem
Glanz.
Das legendäre 68 Comeback Special
markierte einen Wendepunkt
in Elvis’ Karriere. Erschöpft von den
Belastungen des Filmgeschäfts und
dem Druck, seinen musikalischen
Erfolg aufrechtzuerhalten, kehrte
er zu seinen Wurzeln zurück. Unterstützt
von alten Freunden wie
Scotty Moore und D.J. Fontana, den
Mitgliedern seiner ursprünglichen
Band, sowie begleitet von renommierten
Studiomusikern wie Tommy
Tedesco und Hal Blaine, entfachte
Elvis das Feuer erneut.
Das Comeback Special war nicht nur
ein musikalischer Triumph, sondern
auch ein visuelles Spektakel. Elvis
präsentierte sich in verschiedenen
aufregenden Outfits und nahm das
Publikum mit auf eine Reise durch
verschiedene musikalische Epochen
und Stilrichtungen. Seine charismatische
Präsenz und seine magnetische
Ausstrahlung machten deutlich,
dass der King zurückgekehrt
war und bereit war, die Bühne wieder
zu erobern.
Das 68 Comeback Special markierte
den Beginn einer neuen Ära für Elvis
Presley. Es erneuerte seine künstlerische
Glaubwürdigkeit und legte den
Grundstein für seine spätere Las Vegas-Residenz
und seine legendären
Live-Auftritte.
einer Fernsehsendung auf, die von
Frank Sinatra moderiert wurde. Loyd
Grossman bemerkt dazu: "Rock and
Roll wurde zu bloßer Unterhaltung
und gab seine soziale und künstlerische
Rolle als Interpret der Welt für
das amerikanische Teenagerleben
auf." Elvis dominierte die Charts
deren Soundtracks seine Pop-Hits
enthielten. Der König hatte seinen
Thron aufgegeben.
Am 1. Februar 1968 erlebten Musikfans
auf der ganzen Welt ein spektakuläres
Comeback: Elvis Presley
kehrte auf die Bühne zurück. Nach
Die Intensität und Leidenschaft, mit
der Elvis auf der Bühne stand, war
spürbar. Er brachte eine Energie
und Ausdrucksstärke mit, die das
Publikum in seinen Bann zog. Sein
Auftritt war eine Mischung aus alten
Hits, neuen Interpretationen und
musikalischer Vielfalt. Von Rock ‘n’
Roll über Gospel bis hin zu Balladen
- Elvis zeigte seine Vielseitigkeit und
sein Können in einer beeindruckenden
Bandbreite.
Im Januar 1969 kehrte Elvis nach
Memphis zurück, um "From Elvis
in Memphis" aufzunehmen. Die
heimische Atmosphäre brachte eine
Reihe von hochgelobten Songs hervor,
darunter das bewegende und
zeitgemäße "In the Ghetto".
In den 1970er Jahren setzte Elvis
Presley seine Karriere mit regelmäßigen
Auftritten in Las Vegas fort.
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Las Vegas wurde zu einem bedeutenden
Schauplatz in seinem künstlerischen
Leben und lockte eine
große Anzahl von Fans an, die den
King of Rock 'n' Roll live erleben
wollten.
Elvis' Shows in Las Vegas waren
spektakulär und von großem Erfolg
gekrönt. Er trat regelmäßig
im International Hotel auf, wo er
eine Vielzahl
seiner
bekanntesten
Hits zum
Besten gab.
Seine energiegeladenen
Bühnenshows
begeisterten
das
Publikum,
das aus allen
Teilen
der Welt
angereist war, um ihn zu sehen.
Mit seiner unverwechselbaren
Stimme, seinem Charisma und seinem
unverkennbaren Stil sorgte er
für unvergessliche Momente und
hinterließ bleibende Eindrücke.
Obwohl Elvis in den 1970er Jahren
weiterhin große Erfolge feierte,
wurden auch die ersten Anzeichen
seiner gesundheitlichen Probleme
sichtbar. Sein Gewicht schwankte
stark, und er kämpfte mit Drogenabhängigkeit,
die sein körperliches
und emotionales Wohlbefinden
beeinträchtigte. Seine Konzerte
waren jedoch weiterhin von großer
Bedeutung für seine Fans und
erhielten begeisterte Reaktionen.
Im August 1977, genauer gesagt am
16. August, wurde Elvis Presley tot
in seiner Villa Graceland aufgefunden.
Der King of Rock 'n' Roll verstarb
im Alter von nur 42 Jahren.
Sein tragischer Tod wurde durch
eine Überdosis verschreibungspflichtiger
Medikamente verursacht.
Diese Nachricht schockierte die
Welt und löste eine Welle der Trauer
aus. Elvis Presley war nicht nur eine
Musikikone, sondern auch eine kulturelle
Ikone, deren Einfluss bis heute
spürbar ist.
Elvis Presleys Tod markierte das
Ende einer Ära. Mit seinem einzigartigen
Stil und seiner musikalischen
Begabung hatte er die Musiklandschaft
für immer verändert. Als einer
der Pioniere des Rock 'n' Roll hatte
er eine Revolution in der Musikindustrie
ausgelöst. Seine markante
Stimme, sein charismatisches Auftreten
und seine energiegeladenen
Bühnenshows machten ihn zu einem
Superstar, der weltweit Millionen
von Fans begeisterte.
Elvis Presleys Einfluss auf die Popkultur
und die Musikindustrie ist unbestreitbar.
Seine musikalische Fusion
aus verschiedenen Genres wie
Blues, Gospel, Country und Rhythm
and Blues schuf einen neuen und
aufregenden Sound, der damals wie
heute Menschen aller Altersgruppen
anspricht. Elvis' ikonischer Stil,
seine berühmten Tanzbewegungen
und sein rebellisches Image machten
ihn zu einem Symbol es gesellschaftlichen
Wandels und der kulturellen
Revolution
Seine Präsenz auf der Bühne und
seine charismatische Ausstrahlung
machten ihn zu einem Vorbild für
viele aufstrebende Musiker. Elvis
Presley inspirierte Generationen von
Künstlern und legte den Grundstein
für weitere musikalische Entwicklungen.
Sein Vermächtnis reicht weit
über seine eigene Karriere hinaus
und bleibt eine Quelle der Inspiration
für Musiker aller Genres.
Trotz seines frühen Todes bleibt Elvis
Presley unvergessen. Seine Musik
lebt weiterhin in den Herzen seiner
treuen Fans. Seine Hits wie "Heartbreak
Hotel", "Suspicious Minds",
"Jailhouse Rock" und viele andere
sind zeitlose Klassiker, die auch heute
noch gehört und geschätzt werden.
Elvis Presley wird als einer der
größten Künstler des 20. Jahrhunderts
und als eine der wichtigsten
Figuren in der Geschichte der populären
Musik betrachtet.
Sein Beitrag zur Musikgeschichte ist
unvergessen und sein Vermächtnis
wird auch in Zukunft weiterleben.
Elvis bleibt ein Symbol für Leidenschaft,
Talent und den unverwechselbaren
Geist des Rock 'n' Roll.
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Alexander Gresbek
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Jerry Lee Lewis
Jerry Lee Lewis, auch bekannt als
"the Killer", war eine legendäre
Figur des Rock'n'Roll. Sein Leben
war geprägt von kontroversen
Schlagzeilen
und wilden
Eskapaden.
Er hatte bereits
drei
Ehefrauen,
als er erst
zweiundzwanzig
Jahre
alt war, und
sein exzessiver
Lebensstil
mit
Alkoholund
Drogenmissbrauch
war
allgemein
bekannt.
Doch trotz
aller Skandale war Jerry Lee Lewis
eine faszinierende Persönlichkeit,
die eine einzigartige Mischung aus
dreistem Egoismus und unwiderstehlichem
Charme verkörperte.
In seinem inneren Kampf mit seinen
persönlichen Dämonen fand
er eine Intensität,
die
sich sowohl
in seiner
Musik als
auch in
seinen energiegeladenen
Live-Auftritten
widerspiegelte.
Auf dem
Höhepunkt
seiner Karriere,
1968,
war Lewis
erfolgreich
genug, um
alle bisherigen Konkurrenten um
die Krone herauszufordern. Doch
dann stolperte er, als seine geheime
Ehe mit der dreizehnjährigen Myra
Brown - Lewis' Cousine dritten
Grades - während einer britischen
Tournee ans Licht kam. Ohne die
Public Relations-Maschinerie und
den Einfluss eines großen Labels
oder eines Colonel Tom Parker, um
die Dinge zu glätten, geriet Lewis ins
Straucheln. Der Skandal war alles,
was die etablierte Presse brauchte,
um Rock'n'Roll anzugreifen, und
Lewis' Rockkarriere erholte sich nie
wieder.
Wie die meisten Klassiker des Rock
wuchs Lewis unter den arbeitenden
Menschen des Südens auf. Seine Eltern
bestritten ihren Lebensunterhalt
auf einem kleinen Stück Land,
umgeben von einer großen erweiterten
Familie.
Jerry Lee wurde am 29. September
1935 in der Nähe von Ferriday, Louisiana,
geboren. Sein Vater Elmo war
von Beruf Zimmermann und landete
im Gefängnis, weil er selbstgebrannten
Schnaps verkaufte. Elmo spielte
Klavier und Gitarre, und Lewis' Mutter
Molly war ein begeisterter Popund
Country-Musik-Fan.
In der Lewis-Mythologie spielte er
im Alter von acht Jahren eine passable
Version von “Stille Nacht” auf
dem Klavier seiner Tante. Seine
Familie hielt ihn für ein Wunderkind,
und sein Vater verpfändete das
Familienhaus, um ein neues Klavier
zu kaufen. Jerry Lees musikalische
Wurzeln ähneln denen anderer klassischer
Rock-Pianisten. Er sagte: “Als
ich noch ein junger Mann war, ging
ich in Haney’s Big House, einen örtlichen
Tanzsaal, in dem Negro-Bands
und Combos spielten.
Danach versuchte ich, die Lieder,
die ich gehört hatte, zu spielen und
mich an ihren Stilen zu orientieren.”
Berühmte Blues-Künstler wie
Muddy Waters, Tampa Red und
Sunnyland Slim waren dort aufgeführt.
Lewis hörte auch Aufnahmen
von Country-Boogie-Künstlern wie
Moon Mullican und Merrill Moore,
Jazz-Ära-Blues-Spielern wie Albert
Ammons und Pete Johnson und dem
New Orleans-Klavier von Fats Domino.
Auch in seiner Familiengeschichte
gab es eine Mischung aus fundamentalistische
Auslegung der Religion
und Episoden von exzessivem Trinken
und gewalttätigem Verhalten.
Die Lewis-Familie besuchte die örtliche
Assembly of God-Kirche, reiste
zu vielen Erweckungsversammlungen,
sang Psalmen und tanzte, um
den Heiligen Geist zu empfangen.
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93 | Rock ‘n’ Roll Chronicles: Die Geburt der Musik

Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Der junge Jerry Lee beabsichtigte,
Prediger zu werden, und besuchte
für kurze Zeit das Southwestern Bible
School in der Nähe von Dallas.
Stattdessen entschied er sich, ein
weltlicher Musiker zu werden - eine
Entscheidung, die Lewis in einen inneren
Konflikt zwischen Rechtschaffenheit
und Satans Musik stürzte.
Nach seiner Rückkehr von der Bibelschule
- wo seine lauten Versionen
der heiligen Musik die Verwaltung
beleidigten und er einige
"Frauenprobleme" hatte - verkaufte
Jerry Lee Nähmaschinen, leitete
Gebetsversammlungen und baute
sich einen Ruf als Performer auf.
Manchmal spielte Lewis mit seinen
Cousins Jimmy Swaggart und Mickey
Gilley eine Mischung aus Country-Musik
und klavierorientiertem
Blues bei lokalen Veranstaltungen.
Er arbeitete in Clubs im nahegelegenen
Natchez, Mississippi, und
reiste sogar nach Nashville, um sein
Glück im großen Stil zu versuchen.
Wie die meisten weißen Südstaatler
wurde Jerry Lee mit einer großen
Dosis Country-Musik aufgezogen.
Seine erste Platte war ein Country-Song,
und er nahm anschließend
eine Reihe von Hank-Williams-
Songs für Sun auf. Lewis verehrte
Williams und betrachtete alle anderen
nur als Nachahmer.
Inzwischen wurde der Sun Rockabilly-Sound
im gesamten Süden
populär. Lewis machte sich auf den
Weg nach Memphis, wurde aber
angewiesen, mit einem lebhafteren
Repertoire zurückzukehren. Jerry
Lees erste Aufnahme bei Sun war
eine rockige Version von Ray Prices
Country-Hit "Crazy Arms". Für
seine nächste Veröffentlichung verpfändete
sich Sun bis über beide
Ohren und setzte alles auf eine
Karte, in der Hoffnung, dass Lewis'
Auftritt in der Fernsehshow von
Steve Allen landesweites Interesse an
der Single mit dem Titel "Whole Lot
of Shakin' Going On" (#3, Juli 1957)
wecken würde. Die Show rockte und
die Single erreichte Platz 3 und verkaufte
letztendlich 3 Millionen Exemplare.
Sun glaubte, dass Lewis bereit
war, Elvis seinen Thron streitig
zu machen.
Im November 1957 veröffentlichte
Lewis "Great Balls of Fire", das von
Otis Blackwell mitgeschrieben
wurde.
Der Song erreichte Platz 2 und die
von Blackwell geschriebene Nachfolgesingle
"Breathless" erreichte
Platz 7. Im Mai 1958 brach Lewis
mit seiner Band und seiner neuen
Ehefrau Myra, die auch die Tochter
seines Bassisten J.W. Brown war, zu
einer Tournee nach England auf. Die
britische Presse, eine konservative,
aber sensationslüsterne Institution
im Gegensatz zu ihrer amerikanischen
Gegenstück, verurteilte Jerry
Lee aufs Schärfste.
Myra war seine dritte Cousine und
zu der Zeit erst vierzehn Jahre alt,
außerdem hatte Lewis versäumt,
sich rechtlich von seiner zweiten
Ehefrau scheiden zu lassen. Keine
dieser Angelegenheiten hätte in
seinem ländlichen Süden viel Aufsehen
erregt, aber sie empörten die
britische Gesellschaft. Eine Zeitung
spottete: "Wir sagen, dass die Kinder-Entführungsaktionen
dieses Bigamisten
sehr wohl die Angelegenheit
britischer Teenager und ihrer Eltern
sind."
Lewis zeigte keinerlei Reue. Er
führte Myra auf der Bühne vor und
beteuerte vor dem Publikum seine
Liebe zu ihr. Der Rest der Tournee
wurde abgesagt und Jerry Lee kehrte
mit einer beendeten Karriere in die
USA zurück. Der Killer hatte nicht
die Fähigkeiten in der Öffentlichkeitsarbeit,
die aufschlussreiche Unterstützung
eines Managers oder den
Einfluss eines großen Labels, um einen
umfassenden Angriff seitens der
Kirche und der Presse abzuwehren.
Er stürzte aus den obersten Rängen
der Rockwelt und spielte bald nur
noch Ein-Nacht-Auftritte in Clubs
und Gasthäusern im ganzen Süden.
Nach "High School Confidential"
(#21, Juni 1958) hatte er nie wieder
einen großen Rock-Hit.
In den frühen 1960er Jahren, als seine
Karriere am Tiefpunkt angelangt
war, unterzeichnete Lewis einen Vertrag
bei Smash Records und begann,
Country-Musik aufzunehmen. Er
hatte eine Reihe von Hits und ist seit
den letzten fünfundvierzig Jahren
sowohl ein Country- als auch ein
Rockstar, der seine Live-Auftritte
mit Rock'n'Roll-Hits aus der Vergangenheit
würzt.
Lewis verkörpert einen häufigen
Kampf unter den frühen Südstaaten-Rockern,
nämlich den Kampf der
Rockmusiker mit tief verwurzelten
ambivalenten Gefühlen gegenüber
ihrer eigenen Rockmusik aufgrund
einer fundamentalistischen
religiösen Erziehung. Viele Kirchgänger,
insbesondere in den fundamentalistischen
Sekten im Süden,
betrachteten Rock'n'Roll, Blues
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
und R&B als Teufelsmusik. Rocker
wurden daher als Verbreiter dieser
Musik zu einem Leben der Sünde
und ewigen Verdammnis verurteilt.
Little Richard wechselte zwischen
verschiedenen Stilen hin und her,
konnte sich jedoch nicht endgültig
entscheiden, ob er bei der Gemeinde
bleiben oder sie verlassen sollte.
Lewis, der sich für die weltliche Wahl
entschied, umarmte die Sünde mit
Begeisterung.
Jerry Lee Lewis' Musikkarriere war
geprägt von Höhen und Tiefen, aber
sein außergewöhnliches Talent und
seine leidenschaftliche Darbietung
faszinierten weiterhin seine Fans.
Obwohl er nach dem Skandal in England
an Popularität verlor, fand er
in den 1960er Jahren in der Country-Musik
eine neue musikalische
Ausdrucksform.
Mit seinem charakteristischen Klavierspiel
und seiner einzigartigen
Stimme gelang es Jerry Lee Lewis,
sowohl im Rock'n'Roll als auch im
Country Erfolge zu feiern. Er nahm
Hits wie "Another Place, Another
Time", "What's Made Milwaukee Famous"
und "To Make Love Sweeter
for You" auf, die sich in den Country-Charts
platzieren konnten. Seine
musikalische Vielseitigkeit und sein
unverwechselbarer Stil machten ihn
zu einem der einflussreichsten Künstler
seiner Zeit.
Trotz seiner musikalischen Erfolge
blieb Jerry Lee Lewis ein kontroverser
Charakter, der immer wieder
mit persönlichen Dämonen kämpfte.
Sein exzessiver Lebensstil führte
zu gesundheitlichen Problemen und
trug zu turbulenten Beziehungen bei.
Er machte Schlagzeilen mit weiteren
Ehen und turbulenten Beziehungen,
was seine Reputation als Skandalnudel
weiter festigte.
Dennoch fand Jerry Lee Lewis immer
wieder Wege, sich musikalisch
neu zu erfinden und sein Publikum
zu begeistern. In den 1980er Jahren
feierte er ein Comeback mit dem
Album "Last Man Standing", auf
dem er gemeinsam mit zahlreichen
prominenten Musikern wie Bruce
Springsteen, Mick Jagger und Eric
Clapton auftrat. Das Album wurde
von Kritikern hoch gelobt und zeigte,
dass Jerry Lee Lewis immer noch ein
Meister seines Fachs war.
Im Laufe seiner Karriere erhielt Jerry
Lee Lewis zahlreiche Auszeich-
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
nungen, darunter die
Aufnahme in die Rock
and Roll Hall of Fame
im Jahr 1986 und den
Grammy Lifetime
Achievement Award
im Jahr 2005.
Sein Einfluss auf die
Musikgeschichte ist
unbestreitbar.
Der "Killer" des
Rock'n'Roll, mag ein
komplexer und kontroverser
Charakter
gewesen sein, aber
seine musikalische
Hingabe und sein Talent
haben ihn zu einer
unvergesslichen Legende
gemacht.
Seine Songs und sein
wildes Auftreten
werden für immer einen
Platz in der Geschichte
der Rockmusik
haben.
Jerry Lee Lewis starb
im Oktober 2022 im
Alter von 87 Jahren.
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
“Honorable Mentions”
Es gibt noch eine Reihe erfolgreicher
und innovativer Künstler
des frühen Rock and Roll, die hier
nicht unerwähnt bleiben sollen.
Bo Diddley (geboren als Elias
McDaniel) nutzte einen synkopierten
Beat, in seinem R&B-Hit
"Bo Diddley" aus dem Jahr 1955.
Als Gitarrist mit Vorliebe für eigenartig
geformte Instrumente kam
der junge McDaniel aus Mississippi
nach Chicago und spielte in der Grundschule
Violine. Zusammen mit
dem Perkussionisten Jerome Green
gründete er um 1950 eine Straßenband.
Bo Diddley wurde bei Chess
unter Vertrag genommen und wurde
während der klassischen Rock-Ära
zu einem bedeutenden Künstler in
schwarzen Theatern und Clubs. Obwohl
er keinen bedeutenden Einfluss
auf die Charts der populären Musik
hatte, coverten viele klassische Rocker
seine Songs und schrieben ihre eigenen
in dem gleichen rhythmischen
Stil (Hollys "Not Fade Away" ist ein
ausgezeichnetes Beispiel).
Gene Vincent, der charismatische
Sänger von Gene Vincent and
the Blue Caps, war eine weitere Ikone
des Rock ‘n’ Roll. Mit ihrem Hit “Be-
Bop-A-Lula” im Jahr 1956 stiegen sie
in die Charts und hinterließen einen
bleibenden Eindruck.Trotz eines
tragischen Motorradunfalls ließ er
sich nicht von seiner Musik abhalten.
Seine wilden Auftritte und sein exzessiver
Alkoholkonsum waren seine
Markenzeichen. Nach seinem Erfolg
in den USA fand Vincent in den
1960er Jahren in England eine neue
Heimat. Dort wurde er von einem
begeisterten Publikum gefeiert und
avancierte zu einem Star.
Eddie Cochran war ein herausragender
Rock ‘n’ Roll-Künstler,
der in den 1950er Jahren große Erfolge
feierte. Mit seiner einzigartigen
Stimme, seinem virtuosen Gitarrenspiel
und seinem Songwriting-Talent
hat er die Musikwelt nachhaltig geprägt.
Cochran wurde am 3. Oktober
1938 in Oklahoma geboren und
wuchs in Kalifornien auf. Schon früh
entdeckte er seine Leidenschaft für
Musik und lernte das Gitarrenspiel.
1957 hatte Cochran seinen ersten
großen Hit mit dem Song “Sittin’ in
the Balcony”. Seine energiegeladenen
Live-Auftritte und seine mitreißende
Bühnenpräsenz machten ihn schnell
zu einem beliebten Künstler. Er
war einer der ersten Rock ‘n’ Roll-
Musiker, der auch als Songwriter
große Erfolge feierte.
Eddie Cochran schrieb und sang
Songs, die das Lebensgefühl der Jugend
in den 1950er Jahren widerspiegelten.
Seine Lieder handelten
von Liebe, Freiheit und dem Lebensstil
der Teenager. Hits wie “Summertime
Blues” und “C’mon Everybody”
wurden zu Hymnen einer ganzen
Generation.
Tragischerweise endete die Karriere
von Eddie Cochran viel zu früh. Am
17. April 1960 verunglückte er bei einem
Autounfall in England und erlag
seinen Verletzungen. Er war erst
21 Jahre alt. Sein früher Tod war ein
großer Verlust für die Musikwelt.
Ricky Nelson stand irgendwo
zwischen dem lauten klassischen
Rocker und dem lauen
Teen-Idol. Sein kommerzieller Erfolg
erstreckte sich über beide Perioden.
Nelsons frühes Material und
die begleitende Band (zu der auch
der siebzehnjährige Meistergitarrist
James Burton gehörte) erinnerten
an Rockabilly und klassischen Rock,
aber seine schwache Stimme und
sein gepflegtes Aussehen ähnelten
den Teen-Idolen. Von 1949 bis 1966
spielte Ricky mit seinen Eltern und
seinem älteren Bruder in der Radiound
Fernsehserie "The Adventures
of Ozzie and Harriet".
Die Rocklegende besagt, dass Ricky
auf den Schwärm einer Verabredung
für einen Elvis-Song reagierte,
indem er sagte: "Das kann ich
auch". Der musikalisch begabte
Nelson hatte zwischen 1957 und
1962 neunundzwanzig Top-40-Hits,
darunter "Poor Little Fool" (#1, Juli
1958), "Travelin' Man" (#1, Mai
1961) und die B-Seite "Hello Mary
Lou" (#9). Im Jahr 1972 kehrte Rick
Nelson mit dem selbst geschriebenen
Song "Garden Party" in die
Charts zurück, eine kritische Antwort
auf Nostalgie-Show-Auftritte.
Auf Tournee in Texas starb Nelson
im Dezember 1985 bei einem Flugzeugabsturz
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103 | Rock ‘n’ Roll Chronicles: Die Geburt der Musik

Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
Carl Perkins, ein begnadeter
Sänger, Songschreiber und Gitarrist,
bleibt eine der einflussreichsten
Figuren in der Geschichte
des Rock 'n' Roll. Mit seinem unverwechselbaren
Stil und seinen
energiegeladenen Auftritten hat er
den Weg für viele spätere Rockstars
geebnet.
Geboren am 9. April 1932 in Tiptonville,
Tennessee, wuchs Carl
Perkins in ärmlichen Verhältnissen
auf. Schon früh entdeckte er
seine Liebe zur Musik und begann
Gitarre zu spielen. Beeinflusst von
Künstlern wie Elvis Presley, Hank
Williams und Merle Travis entwickelte
er seinen eigenen einzigartigen
Sound, der später als Rockabilly
bekannt wurde.
Perkins' Durchbruch kam im Jahr
1956 mit seinem Hit "Blue Suede
Shoes". Der Song, inspiriert von
einem Vorfall, bei dem ein Fremder
ihm sagte, er solle seine blauen
Wildlederschuhe nicht betreten,
wurde zu einem sofortigen Erfolg
und machte ihn über Nacht
berühmt. Der markante Gitarrenriff
und seine raue, emotionale
Stimme machten den Song zu einem
Klassiker des Rock 'n' Roll.
Neben "Blue Suede Shoes" schrieb
und nahm Perkins weitere Hits auf,
darunter "Matchbox" und "Honey
Don't". Sein Spiel auf der Gitarre
war bahnbrechend und beeinflusste
viele Gitarristen nach ihm. Seine
Technik des Fingerpicking und
seine schnellen Licks brachten ihm
den Ruf eines virtuosen Gitarristen
ein.
Obwohl Perkins kommerziell nicht
so erfolgreich war wie einige seiner
Zeitgenossen, war seine künstlerische
Bedeutung unbestreitbar. Er
war einer der ersten Künstler, die
die Elemente des Blues, des Country
und des Rock 'n' Roll in einer
einzigartigen Mischung zusammenbrachten.
Sein Stil war wild,
energiegeladen und hatte eine unglaubliche
Ausdrucksstärke.
Perkins' Einfluss auf die nachfolgende
Generation von Musikern
war enorm. Künstler wie The Beatles,
Eric Clapton und Johnny Cash
haben öffentlich betont, wie sehr sie
von Carl Perkins inspiriert wurden.
Sein Song "Blue Suede Shoes"
wurde von zahlreichen Künstlern
gecovert und bleibt ein zeitloser
Klassiker.bleiben.
Carl Perkins verstarb am 19. Januar
1998.
Roy Orbison, geboren am 23.
April 1936 in Vernon, Texas, war
zweifellos einer der einflussreichsten
Sänger des 20. Jahrhunderts. Mit
seiner beeindruckenden Stimmkraft
und einem unverwechselbaren Gesangsstil
hat er die Herzen von Millionen
Menschen weltweit erobert.
Doch die Frage, ob er ein Rock and
Roll Sänger war, ist nicht so leicht zu
beantworten.
Obwohl Orbison oft mit dem Rock
and Roll assoziiert wird, ist sein
Musikstil schwer einzuordnen. Er
entwickelte eine einzigartige Mischung
aus Rock, Pop, Country
und Soul, die seinen Songs eine besondere
Atmosphäre verlieh. Seine
markante Stimme, die von sanften
Balladen bis hin zu kraftvollen Ausbrüchen
reichte, war sein unverkennbares
Markenzeichen.
In den 1950er Jahren begann Orbison
seine Karriere als Teil der Sun
Records in Memphis, Tennessee, wo
auch Legenden wie Elvis Presley,
Johnny Cash und Jerry Lee Lewis
unter Vertrag standen. Seine frühen
Aufnahmen zeigen deutlich den Einfluss
des Rock and Roll, sowohl in
den musikalischen Arrangements
als auch in seiner energiegeladenen
Gesangsleistung. Hits wie "Ooby
Dooby" und "Rockhouse" zeugen
von seiner Fähigkeit, die Aufmerksamkeit
des Publikums mit seiner
mitreißenden Bühnenpräsenz zu gewinnen.
Mitte der 1960er Jahre erreichte Orbison
den Höhepunkt seiner Karriere.
Songs wie "Only the Lonely",
"Crying" und "Oh, Pretty Woman"
etablierten ihn als einen der größten
Balladeninterpreten seiner Zeit.
Diese Songs, die von Herzschmerz
und Sehnsucht geprägt waren, trugen
zur Bildung des Genres der
"Opern des Rock and Roll" bei. Orbisons
einzigartige Fähigkeit, tiefe
Emotionen in seine Musik zu übertragen,
verlieh seinen Balladen eine
unvergleichliche Intensität.
Obwohl Orbison oft als "Rock and
Roll Balladeer" bezeichnet wird, lässt
sich sein musikalischer Stil nicht auf
eine einzige Kategorie beschränken.
Seine Vielseitigkeit und seine
Fähigkeit, verschiedene Genres zu
vereinen, machten ihn zu einem zeitlosen
Künstler, dessen Musik sowohl
die Rock- als auch die Pop-Charts
eroberte.
Roy Orbison bleibt eine herausragende
Figur in der Musikgeschichte, die
mit ihrer unvergleichlichen Stimme
eine tiefe emotionale Resonanz erzeugt
hat.
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Alexander Gresbek
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
“Das Ende einer Ära”
Die klassische Rock-Ära begann
mit einer Gruppe hauptsächlich
schwarzer Künstler, die den Blues
und R&B neu interpretierten. Diese
Künstler lieferten eine rohe und
ungefilterte Darstellung des Lebens
um sie herum, mit Liedern
über Rebellion und sexuelle Natur.
Die Songs dieser ersten Generation
hatten einen aufsässigen und
leidenschaftlichen Charakter, der
das jugendliche Publikum begeisterte.
Künstler wie Little Richard,
Elvis Presley und Jerry Lee Lewis
brachten ihre kontroversen und energiegeladenen
Live-Performances
auf die Bühne, die sowohl bei den
Fans als auch bei den Kritikern für
Aufsehen sorgten.
Die zweite Generation von
Rock'n'Roll-Künstlern, die in den
späten 1950er und frühen 1960er
Jahren aufkam, baute auf den Erfolgen
ihrer Vorgänger auf und
veränderte die musikalische Landschaft
weiter. Diese weißen Künstler
spielten eine Mischung aus
Rockabilly, klassischem Rock und
R&B, wobei sie ihre Nähe zu den
schwarzen musikalischen Wurzeln
beibehielten. Obwohl die Songs der
zweiten Generation oft von Werbung
und Ablehnung handelten,
fehlte ihnen der rebellische und
leidenschaftliche Charakter ihrer
Vorgänger nicht.
Bis zum Jahr 1960 war die klassische
Rock-Ära jedoch vorbei. Die
Musiker wurden von verschiedenen
Faktoren beeinflusst, darunter das
Schicksal, der Druck von Regierungen,
großen Plattenlabels sowie
Kirchen- und Gemeindeleitern.
Einige Künstler gerieten in Schwierigkeiten,
andere wurden “neutralisiert.“
Chuck Berry wurde angeklagt, Jerry
Lee Lewis sorgte für Skandale, Little
Richard opferte seine Karriere für
den Glauben und Elvis meldete sich
zum Militärdienst. Bill Haley verschwand
still und leise, Fats Domino
und die andere veröffentlichten
zwar weiterhin Musik, hatten aber
keinen anhaltenden kommerziellen
Erfolg.
Am 3. Februar 1959 verunglückte
ein Flugzeug, das mehrere
Rock’n’Roll-Künstler an Bord hatte,
darunter Buddy Holly, Ritchie Valens
und The Big Bopper. Dieses Ereignis
markierte einen Wendepunkt
in der Geschichte des Rock und hatte
einen tiefgreifenden Einfluss auf die
Musikwelt.
Der Singer-Songwriter Don McLean
schrieb später den berühmten Song
“American Pie”, der sich auf den
Verlust dieser Musiklegenden bezieht
und die Bedeutung des “Day the
Music Died” in der Rockgeschichte
hervorhebt. Der Song wurde zu einer
Hymne für diejenigen, die den Verlust
dieser prägenden Künstler und
den Wandel in der Musiklandschaft
betrauerten.
Es schien, als ob die klassische Rock-
Ära ihr Ende erreicht hatte, aber
dann kam die britische Invasion.
Mit dem Aufkommen der Beatles
und anderer britischer Bands wurde
der klassische Rock wiederbelebt.
Die Beatles brachten frische Energie
und eine neue musikalische Vision
mit, die das Publikum weltweit fasz-
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109 | Rock ‘n’ Roll Chronicles: Die Geburt der Musik

Alexander Gresbek
Alexander Gresbek
inierte. Ihre eingängigen Melodien,
intelligenten Texte und innovativen
Arrangements revolutionierten die
Musiklandschaft und lösten eine
neue Ära des Rocks aus.
Die British Invasion brachte nicht
nur die Beatles, sondern auch andere
bahnbrechende Bands wie The Rolling
Stones, The Who, The Kinks und
The Animals hervor. Diese Bands
erweiterten das Spektrum des Rock
und brachten neue Attitüden und
Stilrichtungen in die Musik ein.
Die British Invasion war ein Wendepunkt
in der Geschichte des Rock,
der die Vielfalt und Innovationskraft
des Genres weiter vorantrieb.
Die Einflüsse und Klänge des klassischen
Rocks lebten in den 1960er
Jahren wieder auf und wurden
von einer neuen Generation von
Musikern aufgegriffen. Die Rockmusik
entwickelte sich weiter und
durchlief verschiedene Strömungen
und Subgenres, darunter Fusionen
mit Folk, Psychedelic Rock, Hard
Rock und Progressive Rock.
Obwohl die klassische Rock-Ära
formal vorüber war, hat ihr Erbe bis
heute überlebt. Die Innovationen
dieser Ära haben den Grundstein
für die Entwicklung der Rockmusik
gelegt und prägen immer noch die
Musiklandschaft. Stars wie Bruce
Springsteen, die in den folgenden
Jahrzehnten aufstiegen, wären ohne
die Pioniere der klassischen Rock-
Ära nicht möglich gewesen. Ihr
Einfluss ist in der Rockmusik unvergessen
und ihre Bedeutung für
die Geschichte der populären Musik
unbestreitbar.
Die 50er Jahre waren auch eine Zeit
des gesellschaftlichen Wandels. Die
Musik war eine Stimme für diejenigen,
die nach Veränderung strebten
und gegen soziale Normen und Ungerechtigkeiten
ankämpften. Sie gab
Ausdruck und eine Plattform für die
Stimmen der Unterdrückten und
Ausgegrenzten.
Mit der Einführung von Plattenspielern
und Radios verbreitete sich
die Musik der 50er Jahre in Wohnzimmern
und Jugendzimmern auf
der ganzen Welt. Die Songs wurden
zu Soundtracks des Lebens, die die
Höhen und Tiefen der Zeit widerspiegelten
und die Herzen der Menschen
berührten.
Die musikalischen Entwicklungen
der 50er Jahre legten auch den
Grundstein für die Vielfalt und
Kreativität der 60er Jahre. Die Experimente
mit neuen Klängen,
Techniken und Instrumenten in den
50er Jahren schufen die musikalische
Atmosphäre, die es den Künstlern
der 60er Jahre ermöglichte, innovative
und bahnbrechende Musik
zu schaffen. Die 50er Jahre waren
eine Zeit des musikalischen Erfindungsgeistes
und dieser Geist setzte
sich in den 60er Jahren fort.
Gruppen wie The Platters, The Drifters
und The Coasters schufen mit
ihren mehrstimmigen Gesängen
und rhythmischen Arrangements
Hits, die bis heute populär sind.
Die “Beach Boys” brachten mit
ihren sonnigen Melodien, den
mehrstimmigen Gesängen und den
rhythmischen Gitarrenklängen den
Sound der kalifornischen Strände in
die Welt.
Die 60er Jahre markierten jedoch
einen deutlichen Wandel in der
Musiklandschaft im Vergleich zu
den wilden und rebellischen Klängen
der 50er Jahre. Während der
Rock and Roll der 50er Jahre von
einer frechen und energetischen
Attitüde geprägt war, nahmen die
Songs der 60er Jahre eine zuneh-
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Alexander Gresbek
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mend gesellschaftskritische und
politische Richtung an.
Mit dem Aufkommen der Bürgerrechtsbewegung,
dem Vietnamkrieg
und anderen sozialen und
politischen Unruhen fanden Musiker
und Songwriter eine Plattform, um
ihre Meinungen und Botschaften
auszudrücken. Die Texte wurden
introspektiver und reflektierten die
sozialen und politischen Herausforderungen
der Zeit. Themen wie
Rassengleichheit, Krieg, soziale Ungerechtigkeit
und Frieden wurden in
den Songs der 60er Jahre behandelt.
Künstler wie Bob Dylan, Joan Baez,
Pete Seeger und viele andere wurden
zu wichtigen Stimmen für soziale
Veränderungen und politischen Aktivismus.
Sie nutzten ihre Musik,
um Missstände anzuprangern, zum
Nachdenken anzuregen und Menschen
zum Handeln zu inspirieren.
Ihre Songs wurden zu Hymnen der
Protestbewegungen und trugen zur
Formung der öffentlichen Meinung
bei.
Darüber hinaus wurden auch andere
Genres von diesem gesellschaftskritischen
Wandel erfasst. Im Folk-
Rock und im Psychedelic Rock
wurden oft spirituelle, philosophische
und sozialkritische Themen
aufgegriffen. Bands wie The Beatles,
The Rolling Stones und Jefferson Airplane
veränderten die Musiklandschaft
mit ihren innovativen und
experimentellen Ansätzen und ihren
Texten, die die zeitgenössische Realität
in Frage stellten.
Die 60er Jahre waren also nicht nur
eine Zeit des musikalischen Wandels,
sondern auch eine Zeit des
sozialen und politischen Wandels.
Die Musik spiegelte die turbulenten
Zeiten wider und wurde zu einer
Stimme für Veränderungen und zur
kulturellen Prägung einer ganzen
Generation. Die Songs wurden zu
Ausdrucksformen von Protest, Solidarität
und Hoffnung, die Menschen
zusammenbrachten und eine
Stimme für diejenigen waren, die
nach Veränderung strebten.
Insgesamt können wir sagen, dass die
Musik der 60er Jahre eine deutliche
Verschiebung von den wilden und
rebellischen Tönen der 50er Jahre
hin zu einer gesellschaftskritischeren
und politischeren Ausrichtung
zeigte. Die Songs wurden zu einem
Medium, um Missstände anzuprangern,
die öffentliche Meinung zu
formen und zum gesellschaftlichen
Wandel beizutragen. Die Musik
der 60er Jahre war geprägt von einer
starken sozialen und politischen
Botschaft, die bis heute ihre Bedeutung
und ihren Einfluss behalten hat.
Als Schlussfolgerung lässt sich sagen,
dass Musik bis heute ein Spiegelbild
der Gesellschaft ist und eine kraftvolle
Ausdrucksform für Jugendliche
darstellt, die nach Identität und
dem Zeitgeist suchen. Die Musik hat
sich im Laufe der Jahrzehnte weiterentwickelt
und neue Genres und
Stile sind entstanden, aber der grundlegende
Zweck ist unverändert geblieben
- Menschen miteinander zu
verbinden, Emotionen auszudrücken
und die Welt um uns herum zu
reflektieren.
Musik hat die einzigartige Fähigkeit,
uns zu berühren und tief in unsere
Herzen und Seelen einzudringen.
Sie kann uns inspirieren, motivieren
und trösten. Sie kann uns zum
Nachdenken anregen, die Welt mit
anderen Augen sehen lassen und
uns dazu bringen, unsere Stimme
zu erheben und für Veränderungen
einzutreten.
Für Jugendliche war und ist Musik
ein wichtiger Bestandteil ihrer Identitätsfindung
und Selbstausdruck. Sie
suchen nach Klängen, Texten und
Künstlern, die ihre Gefühle und Erfahrungen
widerspiegeln und ihnen
helfen, sich in einer komplexen Welt
zurechtzufinden. Musik ermöglicht
es ihnen, sich mit Gleichgesinnten
zu verbinden, Gemeinschaften
zu bilden und eine Stimme für ihre
Generation zu haben.
Die Musik wird auch weiterhin eine
kraftvolle Kraft sein, die uns begleitet
und uns durch Höhen und Tiefen
begleitet. Sie wird uns weiterhin inspirieren
und den Zeitgeist einfangen,
während wir uns in einer sich
ständig verändernden Welt weiterentwickeln.
Sie wird uns dazu ermutigen,
uns selbst auszudrücken, die
Vielfalt zu feiern und für eine bessere
Zukunft einzutreten.
In einer Welt, die oft von Spaltung
und Unsicherheit geprägt ist, wird
die Musik immer ein gemeinsamer
Nenner sein, der Menschen zusammenbringt
und uns daran erinnert,
dass wir alle Teil einer größeren
menschlichen Erfahrung sind. Egal,
welchen Stil oder Genre wir bevorzugen,
Musik wird immer eine universelle
Sprache sein, die Grenzen
überwindet und uns in unserem
Streben nach Harmonie und Verständnis
vereint.
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Bildnachweise.
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S. 26: Fats Domino By Hugo van Gelderen / Anefo - File:Fats Domino in
Amsterdam, Fats tijdens zijn optreden in het Concertgebouw, Bestanddeelnr
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php?curid=89022369
S. 32: Bill Haley By Anefo - Nationaal Archief, CC0, https://commons.
wikimedia.org/w/index.php?curid=37841411
S 38: Chuck Berry: By Pickwick Records - Billboard, page 59, 25 November
1972(Original text: Billboard, page 59, 25 November 1972), Public
Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=57400995
S. 39: By Chess - Billboard, August 6, 1955, page 58, Public Domain,
https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=132370736
S. 43: Chuck Berry By NBC Television - eBay itemphoto frontphoto
back, Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=17079114
S. 45: Chuck Berry: By Kingkongphoto & www.celebrity-photos.
com from Laurel Maryland, USA - CHUCK BERRY 00 © 2010, CC BY-
SA 2.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=74828603
S. 48: Little Richard By Okeh Records - Billboard, page 24, 1 July 1967,
Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=26946791
S 49: By Globe Poster Baltimore - liveauctioneers.com, Public Domain,
https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=90036886
S. 52: By Krächz - Own work, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=4682366
S 54. Little Richard By Robbie Drexhage - Own work, CC BY-SA 4.0,
https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=75025870
S. 56 Little Richard By Anna Bleker - Own work (Original text: selfmade),
Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=74918108
S. 64 Buddy Holly By Brunswick - Cash Box, August 3, 1957; page 19,
Public Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=132366580
S. 66: Buddy Holly By Coral Records - This file was derived from: Buddy
Holly & The Crickets publicity portrait.jpg:This is a retouched picture,
which means that it has been digitally altered from its original version.
Modifications: Picture cropped, edited to erase the signatures. The original
can be viewed here: Buddy Holly & The Crickets publicity portrait.
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wikimedia.org/w/index.php?curid=26535408
S. 67: Buddy Holly By Brunswick Records - http://popartmachine.com/
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PORTRAIT,-FACING-FRONT,-SNAPPING-FINGERS%5D-/..., Public
Domain, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=17334085
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Fortsetzung:
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Alexander Gresbek
Alexander Gresbek, geboren im Jahr
1965, ist ein renommierter Author und
Fotograf, der in London, Großbritannien,
seinen Ursprung hat. Seine künstlerische
Reise begann bereits in jungen Jahren,
als er seine Leidenschaft für Fotografie
entdeckte. Nach dem Abschluss seines
Studiums der Betriebswirtschaftslehre
mit Schwerpunkt Marketing und Außenhandel
entschied sich Alexander jedoch
zunächst für eine Karriere als Manger im
Bereich der Logistik.
Trotz seines Erfolgs in der Geschäftswelt
blieb Alexanders künstlerischer Geist immer
lebendig. Seine Leidenschaft für die
Fotografie führte dazu, dass er in seiner
Freizeit zahlreiche Reisen unternahm, um
faszinierende Orte und Menschen auf der
ganzen Welt einzufangen. Die Kamera
wurde zu seinem ständigen Begleiter, mit
der er die Schönheit und Vielfalt der Welt
festhielt.
Im Jahr 2018 entschied Alexander, seinem
kreativen Ruf zu folgen und seinen Lebensmittelpunkt
zu verändern. Zusammen
mit seiner Frau Anuschka zog er an die
sonnenverwöhnte Costa Blanca in Spanien.
Hier fand er die Inspiration und den
Frieden, um sich ganz der Kunst und Fotografie
zu widmen. Das mediterrane
Lebensgefühl und die
atemberaubende Schönheit
der spanischen Landschaften
wurden zu seiner neuen Quelle
der Inspiration.
Als Autor und Fotograf hat Alexander
Gresbek seitdem eine
Vielzahl von beeindruckenden
Werken - hauptsächlich Reisebücher
- geschaffen.
Durch seine Bücher möchte
Alexander die Schönheit und
Vielfalt der Welt teilen und
Menschen dazu ermutigen,
neue Orte zu entdecken und
die zahlreichen Facetten und
kleinen Details des Lebens zu
schätzen.
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