Formato PDF - Casa de la Danza

REVISTA DE LA CASA DE LA DANZA ÁNGEL CORELLA / Nº 15 ENERO-MARZO de 2007
DANZAen escena
JOSE CARLOS MARTÍNEZ
DAVID CAMPOS/ CARLOS PINILLOS / PREMIOS NACIONALES
DE DANZA 2006/ EL BALLET DE ESSEN/COMPANHIA NACIO-
NAL DE BAILADO /NUEVA COMPAÑÍA DE BALLET DE ESPAÑA

4
Editorial
Pepe Viyuela
5
SDHS, CORD, CND
Nèlida Monés i Mestre
6
PORTADA:
Jose Carlos Martínez
Iratxe de Arantzibia
10
Cia de Ballet de Sta. Coloma de
Gramanet. David Campos
Ester Vendrell
12
Premios Nacionales de Danza:
Chevi Muraday y Ananda Dansa
13
El Ballet de Essen
Celi-ka
14
Entrevista:
Carlos Pinillos
Iratxe de Arantzibia
S u m a r i o
16
Picasso y los Ballets rusos de
Serge Diaghilev
Daniela Reyes
18
Lucía Lacarra y Cyril Pierre en el
concierto de año nuevo
Iratxe de Arantzibia
20
Un Ballet Real para España
Céida Villalón
21
Companhia Nacional de Bailado
de Portugal
23
Exposición fotográfica:
Baires Tango-Mila Ruiz
Martín Schmitt
24
Críticas
Iratxe de Arantzibia
26
Yoga Iyengar
Helena Ferrari
27
El Ballet Chonchoi
Fredy Rodríguez
28
Actividades de la Casa
de la Danza
29
Medicina y danza
Antonio Díaz Pérez
30
Audiciones para la nueva
Compañía de Ballet España
30 / 31 / 32
Agenda de festivales
Libros
Calendario
33
VITRINAS ABIERTAS:
Juanjo Linares
Ana Isabel Elvira
34
Breves

DANZA
e n e s c e n a
Nº15, ENERO - MARZO de 2007
PRESIDENTE DE HONOR:
Ángel Corella
EDITORA:
Mila Ruiz
COORDINADOR:
Perfecto Uriel
CONSEJO DE REDACCIÓN:
Iratxe de Arantzibia, Victor M. Burell,
Delfín Colomé, Ana Isabel Elvira, Nèlida
Monés i Mestre, Fredy Rodríguez
COLABORADORES:
Celi-ka, Antonio Díaz, Helena
Ferrari,Daniela Reyes,Martín Schmitt,
Ester Vendrell, Célida Villalón,
Pepe Viyuela.
FOTOGRAFÍA:
Icare, Mila Ruiz, Jacques Moatti, Rosalie
O’conor, ORF, Amir Sfair, Bettina Stöss
ILUSTRACIONES:
Sol Undurraga
FOTOMECÁNICA-IMPRENTA:
Trama Impresores, S.A.L.
PUBLICIDAD:
Rampa Ediciones Culturales
DIRECCIÓN:
Casa de la Danza Ángel Corella,
Rua Vieja 25, 26001 Logroño (La Rioja)
Telf: 941 246 365
Fax: 941 246 749
Email:danzaenescena@hotmail.com
DL: LR-249-2005
(Las colaboraciones son gratuitas y
responsabilidad de sus autores)
*Danza en escena puede adquirirse de
forma gratuita en la Casa de la Danza
FOTOGRAFÍA PORTADA:
Jose Carlos Martínez,
fotografía dedida por José Carlos Martínez
Editorial
MÁS BAILAR Y MENOS DOMESTICAR
La danza, poesía en movimiento, es quizá la primera de las artes. Hija del
deseo de nuestros ancestros de conectarse con lo divino. Ellos buscaron, a su
través, la llegada del trance que los transportara a los territorios del espíritu,
precisamente los más humanos que existen.
La danza expresa y regala, otorga estados de gracia y con ella nuestro cuerpo
es capaz de hacer llegar hasta la superficie de la piel los poemas que brotan de
lo más profundo de nosotros. La danza escribe en el aire, de forma fugaz pero
imperecedera, latente siempre en las piernas y en los ojos de quien baila y
quien ve bailar, discursos que hablan de la inmensa belleza del ser humano.
El movimiento descrito por un cuerpo que danza sublima la concepción que
tenemos de nosotros mismos; huye de la utilización cotidiana de nuestros brazos
y piernas; convierte nuestros pies en elementos sublimes al servicio de la
sensibilidad y la capacidad de comunicar.
La danza nos enseña que el ser humano, de forma sencilla, sin alardes, es
capaz de elevarse a las alturas y mostrarnos lo mejor de sí mismo. A través de
ella constatamos que el mundo podría ser mejor si nos dejáramos llevar por la
intuición creadora, en lugar del afán de destrucción.
Los niños bailan de forma intuitiva, el ritmo nace con nosotros y es necesario
muy poco para hacerlo brotar. Con el paso del tiempo, este impulso hacia el
movimiento va siendo cercenado por una cultura que privilegia las formas
rígidas y escuetas. Y terminamos por usar nuestro cuerpo únicamente para
aquellas tareas productivas, o directamente domésticas, de la vida cotidiana.
Olvidamos que podemos movernos de forma bella y gratuita, que las manos,
por ejemplo, no sirven únicamente para tomar cosas, sino que también pueden
ayudarnos a expresar y a renacernos.
En este mundo tan aquejado de conflictos, de injusticias, de desigualdades y
desastres, de abusos, amenazas, violencia, mercantilismo y vulgaridad, necesitamos
de la danza como necesitamos de la esperanza para sobrevivir. Es preciso
dedicar más tiempo a la danza y al arte en general, debemos trabajar por
un mundo que no considere la expresión artística como un aderezo sino como
una absoluta necesidad para la convivencia.
Lamentablemente se intenta orientar profesionalmente a los jóvenes hacia profesiones
que les sean económicamente más rentables, sin pensar nunca en su
felicidad o en la ampliación de su capacidad creativa. La imaginación se relega
a favor del sentimiento de productividad.
La tendencia es formar productores y consumidores de bienes, en lugar de
seres humanos creativos, sensibles e imaginativos. Se nos olvida apostar por
personas solidarias, capaces de comunicar sus sentimientos y de contribuir a
crear un mundo menos competitivo y más apto para tolerancia y la convivencia.
En definitiva, apostamos por el verbo "competir" y nos olvidamos del
verbo "vivir". Ojalá la educación fuera más bailar y menos domesticar.
Pepe Viyuela. Actor

SDHS, CORD, CND
Del 21 al 24 de junio de 2007 en Paris se celebrará el
congreso Rethinking Theory and Practice/Repenser
Practique et Théorie en el Centre National de la Danse,
organizado por el SDHS, CORD Y el CND.
El SDHS, Society of Dance History
Scholars, es una asociación mundial
miembro de las American
Council of Learned Societies con base
en Estados Unidos que organiza un
congreso anual, publica los Dance
Studies y las actas de los congresos.
Se fundó en el año 1978 y precisamente
una de sus fundadoras, Selma
Jeanne Cohen, fallecida el año pasado,
ha legado a la asociación una
suma considerable para poder realizar
todas sus actividades.
El SDHS concede además dos premios,
el Gertrude Lippincott Aword al
mejor artículo y el Selma Jeanne
Cohen Award al mejor estudiante que
presente una conferencia.en cada edición,
más unas becas para estudiantes
undergraduates, Gradates Student
Travel Grant, para asistir, además,
con los gastos pagados al congreso
anual, cada año en una Universidad
diferente o centro, y cada tres o cuatro
años en Europa.
El SDHS está dirigido por el Board´s
Director's y el Editorial Board que se
renuevan parcialmente cada tres años
por votación directa de sus miembros
y una presidenta, actualmente Susan
Manning. En el Board Director's hay
cuatro comisiones y la asociación
también tiene grupos de trabajo que
se comunican on line y se encuentran
en los congresos (para su listado ver
la página web).
Además en cada congreso se concede
el único premio dedicado a la Historia
de la Danza, el de la Bueno Torre
Prize, al mejor libro de historia de la
danza publicado en lengua inglesa.
También hay otra asociación, CORD,
Congress on Dance Research, fundada
en 1965 que también organiza un
congreso anual, publica las actas y el
Dance Research Journal, una revista
de investigación semestral. También
está dirigido por un Board´s directors
y un Editorial Board con su presidencia
en Ray Miller en la actualidad.
De vez en cuando, esto ocurrió en el
2000 en Washington con Dancing in
the Millenium se reunen las dos asociaciones
en un macrocongreso. Este
año, también ocurrirá en Paris en el
CND, Centre National de la Danse,
con el congreso titulado Rethinking
Theory and Practice /Repenser
Practique et Théorie. Además esta edición
será bilingüe: inglés-francés, con
traducción simultánea.
En cada edición hay un comité científico
dirigido por un académico. Este
año lo forman diferentes profesionales
dirigido por la profesora Susan
Leigh Foster del departamento World
Arts and Cultures de California.
Los últimos congresos del SDHS fueron
en en el centro de las Artes de
Banff (Canadá) en 2006, Chicago, en
la Northwestern.University en 2005
en, Duke University Carolina del
Norte, 2004 y el 2003 en Irlanda en
la.Universidad de Limerick.
En esta edición, el comité lo ha tenido
difícil, ya que han recibido 440 solici-
tudes entre Conferencias (papers),
Workshops, Lecture Demostrations y
Panels. Seguramente, habrá más
europeos que en otras ediciones y
será un buen momento para contrastar
el nivel académico de la teoría de
la danza en el mundo, para poder
hablar con colegas afines y salir un
poco de la soledad del investigador
de la danza, aunque también hay
miembros de otras artes escénicas,
como el teatro, la música o la performance.
Para finalizar, animar a los estudiantes
españoles, los futuros investigadores,
a que soliciten una beca para
asistir, ya que un congreso de estas
características, y este año con un título
tan sugestivo y tan cerca, en Paris,
donde habrá teoría pero también
práctica y asistencia de coreógrafos
conocidos, siempre es enriquecedor y
con el diploma de asistencia puede
llenar un Curriculum Vitae, que nunca
viene mal.
Nèlida Monés i Mestre
Miembro del Board's Directors del SDHS
Webs de contacto e información:
www.sdhs.org
www.cordance.org
www.cnd.fr
DEE 5

PORTADA
Su gran estatura -1,89 centímetrosestá
aderezada por un amplio sentido
del humor y una gran simpatía
natural. José Carlos Martínez
(Cartagena, 1969), Bailarín Estrella del
Ballet de la Ópera de Paris, habla con
la sinceridad y madurez propia de
quien sabe que atraviesa su momento
de madurez artística y se plantea una
vida después del escenario. A sus 37
años, el intérprete cartagenero se
encuentra en el cenit de su éxito, celebrando
una década en la máxima categoría
de la compañía parisina, una de
las cunas más señeras en la historia del
Ballet con mayúsculas. Una casualidad
hizo que comenzara en el arte de
Terpsícore, al descubrir a la edad de
diez años la danza, a través de su hermana
pequeña. Al cabo de tres años,
su primera profesora, Pilar Molina, le
animó a continuar ampliando su formación.
Así recaló el bailarín cartagenero
en Cannes, en el Centro de Rosella
Hightower. Obtener el Premio de
Lausanne (1987) le puso en bandeja la
entrada en la Escuela de la Ópera de
Paris. A partir de ahí, pronto empieza a
despuntar, siendo seleccionado para el
Cuerpo de Baile de la compañía gala
en 1988, por un Jurado presidido por
Rudolf Nureyev. En menos de diez años,
Martínez escala toda la jerarquía de
grados del Ballet de la Ópera parisina:
Solista (1990-1997), Primer Bailarín
(1992-1997), y, finalmente, Bailarín
Estrella (a partir de 1997). Tampoco tardan
en llegar los galardones: Prix
L'Arop (1991), Prix Carpeaux (1992),
Premio de la Prensa Española (1993),
Premio Danza&Danza (1998), Premio
Leonide Massine (1998), y un largo
etcétera. En un momento de altibajo
profesional, José Carlos se vio refrendado
por la obtención de la Medalla de
Oro del Concurso Internacional de
6 DEE
JOSE CARLOS MARTÍNEZ
LA ALTURA DE UNA ESTRELLA CON GRAN SENTIDO DEL HUMOR
JOSÉ CARLOS MARTÍNEZ, UNA DÉCADA COMO BAILARÍN ESTRELLA DEL BALLET DE LA ÓPERA DE PARÍS
Por Iratxe de Arantzibia
Varna (1992), siendo el único español
que la posee. Su país también se acuerda
de él, reconociendo su trayectoria
con el Premio Nacional de Danza
(1999), mientras que su lugar de adopción
le distingue con el nombramiento
como Caballero de la Orden de las
Artes y las Letras (2001). Muy querido
en su localidad de origen, Cartagena
no ha dudado en otorgarle la Medalla
de Oro (2001), así como en apoyar
masivamente su candidatura al Premio
Príncipe de Asturias (2004). En la actualidad,
compagina su faceta como intérprete
con una incipiente carrera como
coreógrafo, habiendo estrenado recientemente
la obra "Favorita" con el junior
ballet de la Escuela de la Ópera de
Paris.
"Ahora sigo bailando y creo que, a nivel
de interpretación, he llegado a una
madurez. Pienso que técnicamente ya
no voy a seguir progresando, sin embargo,
el hecho de haber bailado muchos
ballets y de seguir haciéndolo, de tener
un repertorio bastante amplio, me
ayuda en este momento en el que puedo
ir más lejos, en el que puedo profundizar
más en cada papel de los que hago.
Creo que ya no me queda mucho tiempo
para bailar. Ya voy pensando en
cómo va a seguir evolucionando mi
carrera. Estoy aprovechándolo al máximo.
Intento que cada actuación sea un
momento único, porque nunca se sabe si
un ballet que voy a bailar y está programado,
lo volveré a hacer o será la última
vez que lo hago, porque el repertorio
es muy amplio y, en todo caso, en la
Ópera no se hacen todos los ballets
todos los años. Puede ser que alguno
sea la última vez. Quiero que cada interpretación
sea como que me lo pase muy
bien bailando". De esta manera, define
el bailarín cartagenero el momento pro-
fesional en el que se encuentra, en el
transcurso de una entrevista que tuvo
lugar en su camerino del parisino Palais
Garnier.
SU PRIMER PAPEL INFANTIL, JOHN
TRAVOLTA EN "GREASE"
Un buen día, un niño de diez años
acompañó a su hermana a una fiesta
de su clase de ballet, para ayudarle a
prepararse con el disfraz. Ése fue el primer
contacto de Martínez con la danza.
"Empecé a los 10 años, por casualidad.
Era mi hermana la que iba a clases de
ballet y antes de las vacaciones de
Navidad, había una fiesta de disfraces.
Mi hermana tenía 5 años y mi madre no
pudo ir para ayudarle a vestirse, así que
fui yo. Y Pilar me dijo:' ya que estás aquí,
quédate, no vas a irte'. Y aquello era una
fiesta de disfraces. Todo el mundo bailando,
y pensé que era genial. Al venir
mis padres a buscarme, Pilar les dijo que
el niño tenía ritmo y que si quería, podía
seguir yendo. Después de Navidad, fui a
la primera clase y comprendí qué era
una clase de ballet y pensé que no era
para mí. Pero el espectáculo de la
escuela era dos meses después y la profesora
me dijo: 'tú, si quieres, no hagas
mucha barra, vienes a la escuela, bailas
y te defiendes'. En el espectáculo de la
escuela, bailé "Grease", yo era John
Travolta, que era la moda de la época.
Una vez que me subí al escenario, dije
que estaba de acuerdo en trabajar si
hacía falta para poder bailar en un
escenario". Pilar Molina fue quien, en
cierta manera, le inculcó la manera de
trabajar en la Ópera de Paris, siendo la
enseñanza más preciada de Martínez.
"Lo más importante que me enseñó Pilar
Molina es que había que hacer las cosas
poco a poco, tener paciencia para que

La Bayadère
©Jacques Moatti
el cuerpo pudiera integrar lo que hacer
para levantar las piernas, para hacer un
buen 'en dehors'. Al fin y al cabo, fue
ella la que me enseñó el sistema de trabajar
de la Ópera de Paris, porque lo
que decía es que no había que trabajar
la cantidad. Había que trabajar de una
manera muy limpia, con el eje del cuerpo".
Con catorce años, el intérprete cartagenero
se trasladó a Cannes, a completar
su formación en el Centro Internacional
de Rosella Hightower. En ese lugar,
aprendió la importancia de escuchar la
música para bailar. "Allí me enseñaron
a bailar. Luego, en la Ópera, me han
enseñado muchas cosas más, pero yo
ya sabía bailar cuando fui allí. Eso fue
en la escuela de Rosella Hightower,
pero, sobre todo, fue José Ferrán. Me
enseñó a escuchar la música y a utilizarla
para bailar. Muchas veces, veo a
compañeros trabajar e intentan hacer
un paso que no les sale. Yo soy zurdo,
pero consigo hacer cosas como giros a
la derecha, siempre ayudado por la
música. Bailo escuchando la música". El
Premio de Lausanne le allanó el acceso
a la Ópera de Paris, donde permanece
desde 1988. Primero, finalizó sus estudios
en la Escuela, después entró a formar
parte de la compañía parisiense.
LA ELECCIÓN POR RUDOLF
NUREYEV, EL MOMENTO MÁS
INTENSO DE SU CARRERA
Ni su ascenso a 'étoile', el 31 de Mayo
de 1997, tras la representación de "La
Sylphide" ni otros honores de su carrera
han supuesto tanto en su fuero interno
como su selección por el mítico
Nureyev, para formar parte del Cuerpo
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Giselle © Icare
PORTADA
de Baile de la Ópera de Paris. "El
momento más importante de mi carrera
fue el hecho de entrar en la Ópera, no
mi nombramiento como 'Bailarín
Estrella' en 1997. El título de 'Bailarín
Estrella' es la garantía de que vas a
poder bailar todos los papeles, pero no
cambian mucho las cosas. El momento
más impresionante fue cuando me dieron
los resultados de esa audición.
Viniendo de Cartagena, nunca lo imaginé.
En Cannes, hacíamos clases de historia
de la danza; nos hablan de
Diaghilev que había estado en la
Ópera de Paris; era como entrar a formar
parte de la historia de la danza.
Nureyev era el presidente del Jurado
que me eligió para entrar. Ahí me di
cuenta de hasta dónde había llegado.
Creo que fue el momento más intenso
de mi carrera". Dentro del Palais
Garnier, depositario de la tradición
balletística de siglos, nunca se ha sentido
prisionero, por eso, nunca se ha
planteado cambiar de compañía, de la
que destaca especialmente la limpieza
como virtud. "Creo que la cualidad
principal de la Escuela es la limpieza.
Siempre se trata y se quiere que cada
movimiento esté muy bien hecho. Y no
cuenta tanto la cantidad de piruetas
sino la calidad. Entonces el sistema de
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trabajo es siempre que todo esté muy
bien. No hay ningún efecto así para
hacer un efecto. Que bailar sea muy
suave, sin esfuerzo. Ahora hay una evolución
muy importante de la compañía
en cuanto a obras contemporáneas y a
coreógrafos que vienen. Ahora, en los
últimos 10-12 años, la compañía ha
cambiado mucho, porque antes era
exclusivamente clásica. La diversidad
de coreógrafos y de repertorio hace
que la compañía sea tan rica. Por ejemplo,
Pina Bausch es la primera vez que
ha dado una coreografía a una compañía
que no fuera la suya. La "Giselle" de
Mats Ek, que ahora es ya casi una pieza
clásica, la primera vez que la dio a una
compañía fue a la Ópera. Lo que enriquece
también a la compañía también
es la antigüedad. En Francia, se respeta
todo, y cuando hay algo no se destruye
para crear algo nuevo. El hecho
de respetar la tradición y que la
Academia de Música tenga tantos años
-300 y pico- hace que, con el tiempo,
vaya evolucionando. Siempre se va
aumentando el repertorio y, de vez
cuando, se repone. Hay una función de
tradición, como una especie de museo
de la danza, que, a lo mejor, no hay en
otros países. En otros países, se hacen
funciones para gustar al público, para
llenar, aquí se llena la sala sola, salvo
cuando hacemos alguna obra contemporánea,
sino el teatro está siempre
lleno. No se tienen que preocupar por
llenar el teatro, a veces, no se hace ni
publicidad de los espectáculos, como se
sabe que la cosa está llena, se puede
trabajar verdaderamente según concepto
artístico".
Pese a ser un bailarín clásico en el
amplio sentido del término, la Ópera
de Paris también le ha dado la oportunidad
de explorar su parte más "gamberra".
"Al mismo tiempo es una suerte
y dificultad, mi cuerpo en cuanto a físico
y posibilidades está hecho para bailar
todos los roles clásicos, los papeles
de príncipe, pero mi temperamento no
es así. Muchas veces, bailando clásicos,
tengo que bailar unos pocos y cambiar,
no es que me aburra, pero tengo ganas
de contar más cosas que bailando "La
Bella Durmiente". Me gusta mucho más,
meterme en roles de composición, en
papeles en los que no soy yo como se
me puede ver por la calle, todos los
días. Lo he pasado muy bien bailando
"Iván, el terrible", que es un papel que
físicamente no me corresponde para
nada. Al principio, cuando la directora
quiso que lo hiciera, Grigorovich me vio
en un ensayo de "Paquita", un papel
totalmente clásico, y luego me dijo: 'lo
siento mucho, pero creo que no va a
poder ser con estas piernecillas y ahí
tan romántico'. La directora insistió. Fui
a la gala de los Premios Benois de la
Danse y la directora pensó que tenía
que verme bailar algo que no fuera clásico.
Entonces hice un fragmento de "El
sombrero de tres picos" con coreografía
de Massine. Entonces, me vio allí y así
sí hice "Iván, el terrible". Al principio, en
los ensayos, me decía que era demasiado
ligero, demasiado aéreo, para esa
coreografía. Fui componiendo un personaje
y lo que me gusta es transformarme
y poder componer otro que no
soy. También bailé el "Nosferatu" de
Jean-Claude Gallotta, que es una coreografía
contemporánea, con una peluca
de pelo largo, y es un vampiro.
Meterme en ese personaje, me lo pasé
bomba. O haciendo de madrastra en
"Cenicienta" con puntas, también me lo
paso muy bien. Es decir, que me gusta
meterme en personajes que no me
corresponden, poder ser otra cosa en
escena".

EL ÚNICO ESPAÑOL CON LA MEDALLA DE ORO DE
VARNA PIENSA EN SU FUTURO
También ha habido pequeños baches en su carrera hacia el
éxito. Siendo Solista, se presentó sin el amparo de su compañía
al Concurso Internacional de Varna, en el que obtuvo la
Medalla de Oro (1992), siendo el único bailarín patrio que
la posee. "Lo de ser el único español no es ninguna cosa especial.
Lo importante para mí fue ganar ese año y que vengan
otros detrás. Al contrario, estaría muy orgulloso de que otro
español lo volviera a ganar. Lo que fue muy importante para
mí de ese premio es que tuve que luchar para poder presentarme
a ese concurso. Ensayaba solo, después de todos los
ensayos de la Ópera. Fue en un momento en el que no pasé
a la etapa superior en la jerarquía de la Ópera y que el director
no me ponía a bailar lo suficiente. Decidí hacer ese concurso.
El director no estaba muy contento con eso. Había 10
bailarines de la Ópera que se presentaron, en equipo, representándola.
Yo me presenté solo, como español. Cuando
gané, el director, que estaba invitado en la gala de después,
tuvo que cambiar de parecer por haber ganado el premio
que, además, él había ganado unos años antes". Otro galardón
importante en su dilatado palmarés es el Premio
Nacional de Danza (1999), una distinción venida por sorpresa
de su país. "Me interrumpieron en un ensayo. No sabía ni
cómo ni porqué. Tenía un montón de llamadas en el contestador,
de periodistas que querían hacerme entrevistas. Fue la
gran sorpresa. Fue cuando mi carrera estaba encauzada en
la Ópera, que todo funcionaba aquí, ya era 'Bailarín Estrella'.
Es como si hubiera habido un divorcio, en un principio, estaba
más en España, pero ya estaba totalmente integrado en
Francia. Fue en ese momento y no me esperaba para nada el
reconocimiento de España".
Poseer la categoría de 'Bailarín Estrella' le asegura no pensar
en su "jubilación" escénica hasta los cuarenta y dos años. Sin
embargo, en la cabeza de José Carlos ya empiezan a despuntar
planes para cuando se retire del escenario, cosa que
le gustaría hacer bailando "El sombrero de tres picos". "La primicia
de mi vida después de ser bailarín sería mi broche de
oro en la Ópera. Ya no sería bailando. A partir de ahora,
puedo dejar de bailar en cualquier momento. No necesito
hacer una gira oficial para decir adiós a todo el mundo. Lo
importante es que, en las actuaciones que he hecho, haya
bailado muy bien. No me gustaría bailar peor de lo que bailé
antes. Entonces, dejaré de bailar. Cada cosa que no esté al
nivel de antes para bailar, lo dejo, sin tener que volverlo a
hacer. En el momento en el que encuentre algo que me enriquezca
más que bailar, dejaré de bailar. Creo que seguiré
siempre en el mundo de la danza, casi no lo elegí, creo que
fue la danza la que me eligió, porque hay cosas más fáciles
que la danza y que requieren menos esfuerzo. En el momento
que pueda seguir, en enseñanza, pedagogía, empezaré a
hacer coreografías. Voy a intentar que se prolongue el hecho
de bailar, a través de otras personas. Hacer que los demás
bailen en el escenario. Será el final de una etapa y el comienzo
de otra. Quizás, como intérprete, me gustaría retirarme
con "El sombrero de tres picos", concluye, en tono misterioso,
el intérprete cartagenero José Carlos Martínez, una estrella
española, en la cuna del ballet.
PORTADA
PRIMICIA PARA "DANZA EN ESCENA"
Una coreografía de José Carlos
Martínez inaugurará la temporada
2008/2007 de la Ópera de París
El Palais Garnier, emblemática sede del Ballet de la
Ópera de Paris, acogerá el debut de José Carlos
Martínez en el rol de coreógrafo con mayúsculas. La
cita será el 22 de Octubre de 2008, fecha en la que
se inaugurará la temporada 2008/2009. Tras haber
gestado con éxito la coreografía "La Favorita" para
los alumnos de la Escuela del Ballet de la Ópera de
Parçis, presentada en el Monaco Dance Forum 2006,
Brigite Lefevre, Directora de la formación parisina, le
propuso al cartagenero este reto. De momento, sólo
se pueden adelantar unos pocos datos. Se trata de
una obra inspirada en una película francesa de los
años 40, en la que no bailará el Bailarín Estrella
español. Además, el público asumirá en papel
importante. "El 22 de Octubre de 2008 hay una fiesta
en la Ópera de París. Será el estreno de la coreografía
que voy a hacer para el comienzo de temporada
de la Ópera de Paris. Hice una coreografía para
los cuarenta niños de la Escuela de la Ópera. Recibí
una propuesta a la que no me podía negar. Esta coreografía
se basa en una película francesa de los años
40, en la que el público también tiene un papel importante.
En ese sentido, voy a participar. No bailaré,
pero estaré allí", señala con una sonrisa enigmática
José Carlos Martínez, Bailarín Estrella de la Ópera de
París y nuevo coreógrafo en el orbe de la danza.
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DANZA EN ESCENA
COMPAÑÍA DE BALLET DE STA. COLOMA DE GRAMANET
DAVID CAMPOS Por Ester Vendrell, historiadora de Danza
En un momento en que la prensa no para de sondear
a la profesión, al público, y a las instituciones,
así como especular sobre la viabilidad o no de una
compañía de danza clásica en nuestro país, en la discreción,
y a escala menor, existen profesionales que trabajan
a un nivel más humilde, pero con el mismo objetivo:
fomentar un público para el ballet, un arte que no está
reñido con los tiempos actuales.
David Campos es uno de los tantos bailarines clásicos de
nuestro país que su vocación por la danza y sus ansias
de profesionalidad le llevaron lejos de nuestras fronteras
ya en los años setenta. Después de una dilatada carrera
como intérprete en Bélgica y Suiza y después de haber
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bailado el repertorio clásico y a creadores modernos
como Balanchine, Kylian etc... le pudo el impulso de
regresar a su país a intentar un sueño, o ¿una quimera?
...como titulaba su artículo el Sr. Merino publicado en la
Vanguardia el pasado mes de octubre.
De hecho David Campos regresó a Barcelona en el año
1987 junto con varios compañeros de profesión, llamados
para bailar, en una propuesta de Compañía de Ballet
que se proyectaba en Barcelona. Fue el efímero "Ballet
de Barcelona"( 1987), uno más de estos inventos sonda,
que mal gestionados, y concebidos en un periodo breve
de tiempo, sin fundamentos, fue un fracaso absoluto ,
una ruina económica y una decepción para los profesionales
que apostaron una vez más por el Ballet profesional
en su país.
Aquel momento fue decisivo para Campos y plantearse
volver a su tierra natal e intentar vehicular un proyecto
artístico propio, vinculado a otro pedagógico. David
Campos junto a la bailarina Filipina Irene Sabas fundaron
escuela y en poco tiempo querían hacer realidad su sueño
ya que veían con optimismo la efervescencia coreográfica
que vivía Barcelona en los años preolímpicos, y pensaron
que ellos podrían cubrir un hueco estilístico y estético real
en la vida coreográfica y cultural de la ciudad.
Pero no fue así. Los proyectos llevados a cabo bajo los
diferentes nombres; Ballet Ciutat de Barcelona(1989),
Ballet de Catalunya(1989) , fueron fallidas energías, ya
que existía demasiados factores en contra: nivel técnico
correcto pero no suficiente, limitación en la posibilidad
de abordar ciertos repertorios y estilos, poca homogeneidad
estilística , y lo más grave : sin dinero ni soporte institucional.
Y sin el factor económico resuelto que permita
una estabilidad y profesionalidad de los bailarines, jamás
existirá buenos y sólidos resultados.
A pesar de todas las adversidades, Campos consiguió en
el año 1993 presentar en el "Espai", un nuevo programa
"Petrouschka", " Let it be " , que si bien no era rompedor
ni revelador, demostraba una muy correcta línea de trabajo
y sobretodo haber superado el rango de trabajo
académico amateur. Las críticas no fueron malas a pesar
de que siguió sin recibir ningún tipo de ayuda oficial. De
todas formas entró en el circuito profesional de la ODA (
Oficina de Difusión artística de la Diputación de
Barcelona) y consiguió la complicidad de programadores
y público ya que su trabajo satisfacía las expectativas para
una difusión positiva de la danza.

A partir del año 2000 Campos reinicia con fuerzas
renovadas su compañía, con un núcleo de
bailarines de buen nivel, algunos salidos de la
cantera del Ballet Nacional de Cuba que residían
en Barcelona y empezó la última y definitiva
tentativa. Con "Petrouschka", y "La Máscara roja
de la muerte," así como "Rock réquiem", consiguió
unas críticas favorables, y el azar quiso que
se entrevistara con un político amante del Ballet
que no podía concebir como su trabajo no tenía
ningún tipo de soporte institucional. Después de
una primera cita y un proyecto encima de la
mesa, se reunieron de nuevo para firmar contrato:
Una compañía de ballet dependiente del
Ayuntamiento de Sta Coloma de Gramanet.
Esto fue febrero del 2004.
En un tiempo récord y una brevedad de residencia, la compañía
ya había estrenado dos grandes proyectos "Eurasia" estrenada
en las fechas del Forum 2004 y una versión moderna
del "Cascanueces" para las navidades del 2004.
Con el soporte del Alcalde y el Ayuntamiento consiguió ser
esponsorizado por Caixa Catalunya y conseguir uno de los
proyectos de "residencias de compañías "del nuevo plan del
Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya. EL
presupuesto total actual ronda los 180.000 Euros. Poco dinero,
pero suficiente para empezar.
Campos arriesgó para asegurar una vida media al proyecto:
hizo la apuesta de contratar a doce bailarines con un plan
laboral estable. Se acreditó e hipotecó hasta los dientes. A
partir de aquí se podía empezar a construir todo lo demás. La
apuesta fue fuerte y el 80 por cien de los profesionales son de
fuera del país.
Terminado el primer año de trabajo, la satisfacción fue mutua
entre municipio y coreógrafo y prometieron mantener la propuesta
hasta finales de la legislatura municipal, (termina esta
primavera).
La Compañía ha ampliado el repertorio con trabajos como
"Don Quijote"(2005) y "Turn me on"(2006). En esta última
combina el lenguaje de la danza clásica, un concepto contemporáneo
de coreografía, música electrónica en directo y
proyecciones multimedia.
En el breve espacio de trabajo el proyecto se está consolidando,
ya que puede cristalizar en breve en una escuela de grado
elemental de danza y otra de grado medio para seguir después
con la profesionalización de la cantera. Además se ha
creado un programa de difusión y divulgación de la danza en
las escuelas. Se han hecho ya programas pedagógicos especiales
para los maestros del municipio, (más de doscientos
acudieron a la primera cita) y hay proyectada una campaña
escolar que David considera imprescindible para la captación
de nuevos públicos y nuevas vocaciones.
Sin ir más lejos, su "Cascanueces", una versión revisada y
actualizada que se ha alzado como uno de los mayores
logros, ha podido verse este invierno en el Teatro Condal de
Barcelona.
DANZA EN ESCENA
DEE 11

DANZA EN ESCENA
2006
PREMIOS NACIONALES DE DANZA
interpretación: CHEVI MURADAY
creación: ANANDA DANSA
Chevi Muraday "por su
extraordinaria creación interpretativa
en la temporada
2005-2006, tanto para su propia
compañía como para la
Compañía Nacional de Danza
2 y por sus colaboraciones
internacionales, sobresaliendo
su calidad técnica y artística".
Ananda Dansa "por su especial
campaña creativa con sus últimas
obras coreográficas,
resultado de una extraordinaria
labor personal de 25 años,
siendo compañía pionera en la
difusión de la danza contemporánea
y en la captación de
nuevos públicos".
12 DEE
El bailarín Chevi Muraday y la compañía
Ananda Dansa han obtenido
el Premio Nacional de Danza 2006, en
su modalidad de interpretación y creación,
respectivamente, que otorga el
Ministerio de Cultura, a través del
Instituto de las Artes Escénicas y de la
Música (INAEM).
Estos premios, que concede anualmente
el Ministerio de Cultura, están dotados
con 30.000 euros en cada modalidad.
Chevi Muraday,
nacido en Madrid en 1969, comenzó
en 1989 su carrera profesional como
bailarín en la compañía de Carmen
Senra, donde había iniciado sus estudios
de danza cuatro años antes.
Completó su formación en las escuelas
de Alvin Ailey, Steps, Peri Dance y
Martha Graham. Como bailarín ha trabajado
también en Londres y Alemania,
en las compañías Transition Dance
Company, Nower Tanz y S.O.A.P Dance
Theatre.
Su primera pieza como coreógrafo, Por
el campo entre las flores te busqué y no
te encontraba, que data de 1992, le
procuró el premio al bailarín sobresaliente
en el VII Certamen Coreográfico
de Madrid. En 1997 decidió crear su
propia compañía, Losdedae Danza ,
que se ha convertido en una de las más
fecundas del panorama nacional. En el
cine, ha realizado trabajos coreográficos
para las películas Imagin Argentina,
20 centímetros, de Ramón Salazar, y el
último largometraje de Julio Medem,
aún por estrenarse.
Desde 1997 dirige su propia compañía
Losdedae. Coreografías como “De tripas
corazón”, “Light Off”, “De 9 a 3”,
“El cemento crió hierba” y los espectáculos
“El que espera”, “Diferencias”,
“Vergine, Shime”, “Quiero tenerte cerquita”,
“Boceto en Negro y Morfología
de la soledad -estrenada en enero de
2004- son una muestra de su creación.
Ha prestado sus servicios con compañías
como el Nuevo Ballet Español. Ha
estrenado para la Compañía Nacional
de Danza 2 Inside y recientemente
"Instrucciones para dejarse caer al otro
lado del vacío". Su visión de la danza
incluye mucha destreza física en la interpretación,
sentido del humor y una estética
propia muy definida.
Ananda Dansa,
dirigida por la coreógrafa Rosángeles
Valls y el director teatral Dison Valls, la
compañía Ananda Dansa fue fundada
en Valencia en 1981, se ha caracterizado
por la constante exploración de las
formas de expresión en la danza,
encontrando un lenguaje propio en el
que anexiona elementos del teatro.
A lo largo de este camino de experimentación
han realizado en trabajos como
“Homenaje a K” (1998), “Basta de
dansa” (1995), “Toda una vida” (2000)
y “Soñando Alicia”, entre otros (2005),
en total 18 espectáculos estrenados por
los que han recibido un gran número de
premios de reconocimiento a su dilatada
trayectoria, como el Premio de las
Artes Escénicas de la Generalitat
Valenciana, recibido en 1983 por el
montaje “Borgia Imperante” y en el año
2000 por “Mago de Oz”; el Premio al
Mejor Espectáculo por “Vivo en tiempos
sombríos” otorgado por la Feria de
Teatro de Aragón en 1998, y el Premio
Max en 2002 por su trabajo infantil
“Peter Pan”.
Este año la compañía cumple su 25 aniversario,
por lo que este nuevo premio
se unirá a las celebraciones y felicitaciones
tan merecidas.

Valeria Lampadova © Bettina Stöss
El Aalto-Theater de la ciudad de Essen
(muy representativa de la cultura alemana)
es de una esplendida y orgánica
arquitectura futurista imaginada por
el arquitecto finlandés Alvar Aalto en
1959. Treinta años después, Aalto ya
fallecido, se inauguró el teatro. Opera,
Ballet, Conciertos, Opereta, Musical, el
Aalto con sus 1125 localidades, su bellísima
sala, sus balcones claros sobre líneas
y dibujos azul noche (digno de un
Corbusier) es uno de los teatros mas
importantes de Alemania.
El pasado 7 de Octubre 2006, Martin
Putke director del ballet desde 1995, ofrecía
a su público dos creaciones mundiales
de alto nivel: "Cármina Burana" (mus. Carl
Orff, ch. Ralf Dörner) y "Solitaire" (mus.
Béla Bartók para instrumentos de cuerda,
piano, arpa y celesta, ch. Stephan Thoss).
Carl Orff procura encontrar en su
"Cantata escénica" el espíritu pagano,
buscando la fuerza de los géneros dramáticos
primitivos. Un lenguaje musical
"amartelado y simplificado".
Música con fuerza intrínseca, coral, cantores
líricos, textos de la edad media en
latín, "Cármina Burana representa un desafío
para cualquier coreógrafo. Pasar a
través de los textos, "fotografiar la música",
con cuerpos y movimientos repetidos.
Encontrar un género propio sin herir la
concepción del Compositor. Dörnen
habla de su "decisión": "Tiempo y lugar
son indeterminados. "En mi obra no hay
una historia que contar. Lo importante son
las preguntas, en general, sobre el destino
humano. "Así las escenas se suceden,
emociones tematizadas individuales, o en
grupos".
Un trabajo que hace bailar a toda la
Compañía, muchos efectos y la excelente
Orquesta Filarmónica de Essen, bajo
la dirección de Rasmus Baumann, bellísimos
cantantes, la Soprano Astrid Corp.,
el Tenor Albrecht Kludzuweit y el magnifico
barítono Heiko Trinsinger así como
el coro de niños también entusiasmaron
al público.
Stephan Thoss es seguramente uno de los
coreógrafos contemporáneos más importantes
de las últimas décadas del siglo XX
hasta nuestros días. Más de 15 fabulosas
creaciones para el Ballet de la Opera de
Hannover que dirigió entre 2001 y 2005,
hablan de su inmenso talento y trabajo.
Informar al público e incentivar jóvenes
talentos también forman parte de sus
"extra-actividades": Mauro de Candia,
solista en Hannover es hoy un coreógrafo
ya famoso en Europa y Yuri Mori sigue los
mismos pasos.
Una temporada, "free lancer" antes de
ascender a la Dirección del Ballet de
Wiesbaden, Stephan continua sorprendiéndonos.
Su despedida del Ballet de
Hannover con "Le Sacré du Printemps" es
una rara, pero bellísima interpretación de
la extraordinaria composición de Igor
Stravinski, una oda a la "maravillosa
maquina": que es el cuerpo humano. Un
mes después un cambio total de registro.
Una nueva coreografía hecha para el
joven Ballet del Aalto de Essen.
"Solitaire" es otra pieza magistral de
Thoss, en su temática sobre "la pérdida
del deseo". El deseo que propulsa nuestros
actos, que nos motiva, que nos llena
de satisfacciones. Una joven bailarina,
Yoo-Jin Jang, nos inunda de preguntas sin
respuesta entre la oscuridad y su misteriosa
presencia en su vestido blanco bordado
de mariposas: "un sueño, caminar a
través de un mundo de fantasía… Más
allá de un momento de apariencia externa
él nos abre la pequeña puerta cerrada
por la llave del interior, y nos hace reconocer
lo que existe a nuestro alrededor, lo
que nos rodea" dice Thoss.
Dos muros blancos separados por una
pequeña abertura vertical, dos puertas
entreabiertas. En el espacio de arriba un
fragmento triangular de los muros encuadran
los personajes. Sólo se escapan por
las puertas, por ese mínimo trazo negro
entre los muros. Entre lo consciente y lo
inconsciente. Sueño, deseo y angustia por
lo desconocido.
DANZA EN ESCENA
EL BALLET DE ESSEN
"Solitaire" y "Carmina Burana"
Por Celi-Ka
Michelle Jamamoto, joven bailarina, desbordando
sensibilidad y expresividad,
mismo vestido en marrón y con los mismos
gestos que la "otra", su sombra… Es
un momento muy intenso, acentuado por
la bellísima música de Bartók, que durante
toda la obra es drama, angustia, desesperanza…
También momentos ardientes
(segunda frase musical), mezclados de
un humor "disonante". Momento brillante
de los intérpretes masculinos.
Stephan Thoss es extremadamente musical,
traduce e interpreta los instrumentos
haciéndonos comprender el profundo
sentido de la composición elegida. Tiene
un estilo muy individual, denso en intenciones
perfectamente estructuradas por su
inteligencia lógica además de una aguda
sensibilidad, que nos desarman.
Elementos clásicos, neo-clásicos, lenguaje
de Rudolf von Laban y Kurt Joss aparecen
en su obra. A Thoss le gusta citar la frase
de Joss: "la danza de expresión no es "sin"
estilo, sino libre de estilo…".
Kas Tjebbes, excepcional ingeniero de
luces, gran profesional, colaborador del
N.D.T. el Ballet de la Ópera de Paris, el
Royal Ballet (entre otras célebres
Compañías), dotó à la coreografía con
especial delicadeza, sensibilidad y matices
en filigrana, emociones propias de Bartók
y de Thoss, siempre in crescendo.
Esplendido Dragan Selakovic, técnica
estupenda, sentido del fraseado musical
que hace de su danza una "tensión" permanente
entre la melodía y el ritmo. Su
"partenaire" Ludmila Nikitenko es fabulosa,
expresiva y bella. Hablar de Yoo-Jin
Jang es hablar de una sensibilidad increíble,
de una entrega sobre la escena sin
restricciones. Una magnifica "non" interpretación,
por esto muy emocionante.
Entre los solistas también se destacó Alicia
Olleta maravillosa bailarina española
"Solitaire" una obra esplendida, donde
todo es esencia, nada superficialidad. Un
"ensemble" sorprendente con calidad
artística y técnica, ofreciendo un bello
homenaje a su director Martin Putke!.
DEE 13

ENTREVISTA
PERSONA ANTES QUE BAILARÍN
CARLOS PINILLOS
BAILARÍN PRINCIPAL
DE LA COMPANHIA
NACIONAL DE BAILADO
DE PORTUGAL
14 DEE
La integridad como persona y la búsqueda
de la felicidad son dos de los ejes fundamentales
de este intérprete español, afincando
en Lisboa. Carlos Pinillos (Madrid,
1977), Bailarín Principal de la Companhia
Nacional de Bailado de Portugal, es el más
joven de aquella magnífica cosecha de bailarines
con el inconfundible sello de Víctor
Ullate. Comenzó su aprendizaje en danza
con seis años y, con la mayoría de edad,
entró a formar parte de la Compañía del
maestro zaragozano. Un lustro después,
alcanzó la categoría de Bailarín Principal en
la misma formación. Entre medias, se alzó
con el primer premio del Concurso
Internacional de Danza de Viena (1998). En
2001, recaló en la capital lusitana, donde
es una de las figuras principales de la
Companhia Nacional. Su experiencia portuguesa
le ha hecho crecer profesional y
humanamente. Primero de los bailarines
españoles establecidos en Lisboa, hace las
veces de oráculo para los otros jovencísimos
intérpretes que acaban de llegar allí. A
'Pini', como ellos le llaman, le consultan
desde sus lesiones, hasta sus problemas
personales. Recientemente ha sido noticia
por bailar la nueva versión de Mehmet
Balkan, director artístico de la formación
lusa, de "El lago de los cisnes", teniendo
como partenaire a Alina Cojocaru,
Bailarina Principal del Royal Ballet. En
breve, volverá a repetir esta experiencia en
Madrid, su casa, a la que vuelve exultante
de alegría. En su hogar lisboeta, Carlos
Pinillos reflexiona sobre su carrera profesional
para "Danza en Escena".
A sus 29 años, se encuentra en un momento
espléndido, en la que prima parte interpretativa
a la técnica desnuda. "Creo que
siempre he tendido a buscar la interpretación.
La época en que usé más la técnica y
la fuerza sobre un escenario fue una etapa
muy corta. Probablemente, porque, a lo
mejor, la idea que tengo yo del bailarín es
que, para mí, realmente somos actores que
bailamos. Ésta es la idea que yo desarrollo.
Texto: Iratxe de Arantzibia
Fotos: Amir Sfair
Ha sido algo que me ha servido, me sirve y me
va a servir durante muchos años todavía, aunque
vaya a cumplir 30 ", comenta entre risas.
Y, como única meta actual, el madrileño se
plantea ser feliz. "Quiero vivir el día a día, eso
lo tengo clarísimo. ¿Por qué? Porque mi experiencia
del día a día, me ha traído cosas buenísimas
que no esperaba. Porque momentos
muy malos que he pasado, momentos en los
que creía que no era justo lo que me pasaba,
en los que he estado a punto de tirar la toalla,
decidí quedarme en mi sitio, ser fiel a mí
mismo, aprender a ser feliz, porque tenemos
la obligación de ser felices, porque lo tenemos
todo para ser felices. Eso me ha hecho ser
quien soy hoy, me ha llevado a hacer lo que
hago, como lo hago. Hoy por hoy, no me
puedo marcar una dirección salvo la de ser
feliz".
EL NIÑO PEQUEÑO DE LAS AULAS DE VÍCTOR ULLATE
Cambió el karate por la danza, con apenas
seis años, para empezar a recibir clases con
Víctor Ullate, un año después. Sin embargo,
hasta que no vio un espectáculo del Ballet del
Siglo XX de Maurice Bejart, no decidió ser bailarín
profesional. Con Ullate, aprendió a
amar la danza y compartió aulas con los
grandes como Tamara Rojo, Ángel Corella,
Lucia Lacarra, Igor Yebra… "Lo más importante
que Víctor [Ullate] me ha enseñado es a
poner la mano en la barra cada día, por muy
cansados que estuviésemos y a dejarnos los
dientes. Conclusión: amar la danza. Lo más
importante que Víctor ha hecho conmigo es
que yo con él he aprendido a amar la danza.
Y quizás este pequeño detalle sea lo que en
algunos momentos marca la diferencia.
Cuando hablo de danza, cuando hago la
danza, cuando pienso la danza, lo hago con
mucho amor. Cuido mucho el trabajo, lo que
doy al público que va a ver un espectáculo,
cuido mucho lo que hago en el día a día que
no tenga un espectáculo, aunque sólo tenga
hacer una clase. Esto es lo que Víctor me ha
transmitido". En sus recuerdos infantiles en las
clases de Ullate, era 'Carlitos'. "En la escuela,

los diferentes grados se basaban en la
capacidad de aprendizaje de cada bailarín.
Yo correspondía al perfil de aprendizaje
de gente mucho más mayor que yo,
entonces, estaba con el grupo. Me vi obligado
a aprender al mismo ritmo que ellos.
'Carlitos' se hizo muy conocido en la escuela
porque era como un señor mayor en
cuerpo pequeñito. Tenía dos caras: a la
hora de exigir, me exigían lo mismo que a
los demás, pese a tener 2-3-4 años menos
que los demás; en algunos momentos, si
existía algún protegido frente a alguna
situación, automáticamente era el niño
pequeño, es decir, 'Carlitos'. No solamente,
he sido el protegido por el maestro, sino
también de los compañeros. Recuerdo a
gente como Igor [Yebra] mirando por mí, o
Tamara [Rojo]. Muchas veces, me fastidiaba
muchísimo que me tratasen como un
niño pequeño, porque yo trataba de integrarme
en el grupo".
"De la gente que ha salido de Víctor, creo
que, además de buenos bailarines, y me
atrevo a decirlo, sobre todo, creo que
somos supervivientes y eso bien lo sabe
mucha gente, pero también se ve en el
escenario. Creo que a cada uno de nosotros
va a hacernos llegar más lejos.
Tenemos mucho que contar y que hacer
sobre un escenario", añade el bailarín
madrileño. Sin embargo, su tono se vuelve
más entrañable, cuando recuerda su debut
con la Compañía de Víctor Ullate (1995-
2000). "Me vi alcanzando un sueño.
Recuerdo que el primer espectáculo que
hice con la compañía era el "Amor brujo" y
me acuerdo que antes había salido Ángel
[Corella] de la Compañía y entré yo. Otros
que se fueron antes que yo dejaron el listón
muy alto. Recuerdo estar compartiendo
escenario con Antonio Márquez. Me llegó
todo de golpe. Recuerdo un año tener más
de 160 espectáculos. Era un ritmo frenético.
Todos cuando hemos subido al escenario
con Víctor éramos unos niños. Muchas
veces, cuando voy a algunos teatros de gira
intento sentir el olor de los teatros. Cada
teatro nuevo lo huelo e intento asociar el
olor, buscar algo que me recuerde a mi primer
espectáculo en el Teatro Principal de
Valencia". En esa época, concretamente en
1998, Carlos Pinillos obtuvo el galardón
del Internacional de Danza de Viena, una
experiencia de la que no guarda un grato
recuerdo. "Cuando hice en concurso, no
sabía bien qué iba buscando. En el fondo,
buscaba medirme con lo que había fuera.
Me medí con cuatrocientos veintitantos participantes
para ver qué es lo que hay, qué
es lo que tienes, dónde vas, qué es lo que
vas a hacer. Yo era muy joven y estaba
siguiendo un ritmo de trabajo muy frenético.
Enfoqué esta idea del concurso como
una forma de comprobar lo que había en el
panorama internacional de la danza y
conocer un poco tu sitio. Me ayudó a situarme,
a ver qué tipo de bailarín era. Por eso,
a veces, tenemos que recurrir a factores
externos como los que puedan ser un concurso,
que recuerdo como algo muy desagradable.
Es de las cosas más desagradables
que un bailarín puede hacer. Para mí,
es lo más parecido a una feria de ganado,
pero con bailarines".
TRIUNFAR EN PORTUGAL Y BAILAR CON
ALINA COJOCARU
Buscándose a sí mismo, a la salida de la
Compañía de Víctor Ullate, rechazó el contrato
con el English National Ballet y recaló
en la capital portuguesa. "Cuando yo estaba
con Víctor, de una forma u otra, era
consciente de que me veía dentro del círculo
de la danza, donde todo se movía,
donde todos se conocían, donde todos
sabían qué hacía el otro. Estaba encima de
ese tren. Simplemente, decía bajarme, salir
de todo aquello y encontrarme a mí mismo.
Tuve una necesidad de crecer a nivel humano.
Sentía que a nivel profesional había
crecido mucho, pero necesitaba crecer a
nivel humano. Sentía tal descompensación
entre el artista y la persona que no conseguía
convivir con aquello. Salí y me pareció
que la compañía de Portugal me ofrecía un
buen repertorio y un sitio donde yo no iba
a encontrar lo que si me hubiesen preguntado
unos años antes hubiese pensado.
Años antes, hubiese dicho que quería ir al
ABT, al Royal Ballet o al San Francisco
ENTREVISTA
Ballet. Cuando salgo de allí, creo que la
opción para mí, para la persona, no para el
bailarín, es venir aquí, porque, a fin de
cuentas, quiero que la persona salga al
escenario a hacer arte. No quiero ser bailarín
las 24 horas al día. Y aquí encontré eso".
Con la Companhia Nacional de Bailado
de Portugal, ha vivido muchas noches de
éxito. El encuentro con Alina Cojocaru,
Principal del Royal Ballet, ha supuesto un
momento de plenitud en su carrera profesional.
En dos actuaciones (4 y 8 de Enero),
el Teatro Camoes de Lisboa disfrutó de
Cojocaru en el doble rol Odette/Odile y de
Pinillos como el apuesto príncipe Siegfried.
"Ha sido un estado de plenitud brutal, porque
soy una persona muy sensible.
Sensibilidad combinada con vueltecitas y
saltitos. Hace tres años, tuve la suerte de
compartir escenario con una bailarina brasileña,
Daniela Severian. Lo que se consiguió
representar en los escenarios, cuando
bailábamos juntos, era indescriptible.
Daniela Severian se va y he pasado todo
este tiempo, muy feliz bailando solo, hasta
Alina Cojocaru. Creo que entendemos de
una forma muy parecida lo que tenemos
que contar en el escenario y no hemos tenido
que hablar tanto. Ha sido todo muy
espontáneo. No tener que pensar ni que
premeditar, simplemente, dejar fluir, ha
dado lugar a esta sensación de plenitud.
Ha sido un placer cómo una bailarina de la
categoría de Alina ha entrado en sintonía
conmigo, hasta el punto de que se tiene
que olvidar de que es Alina Cojocaru, una
estrella. Ha sido una de las experiencias
más bonitas que he tenido encima del escenario.
Gente así encuentras muy poca.
Gente a la que le mires a los ojos y no esté
pensando en el 'en dehors' hay un 2%, la
experiencia me lo demuestra. Soy tan tonto
y cuando bailo con una persona que está
pensando en el 'en dehors' del pie, me pillo
una depresión delante de 1.000 personas,
que tengo que tapar eso no sé cómo,… con
piruetas. Adoro que la gente nos vea a ella
o a mí, o a quien esté bailando, no vea ni
el pie…que nos vea a nosotros y eso con
Alina ha sido muy fácil. El talento de Alina
sea precisamente eso. Es la persona. Son
las personas las que bailan en el escenario,
no los bailarines y los artistas. Los bailarines
y los artistas son lo que el público ve,
pero los que bailan son las personas", concluye
Carlos Pinillos, Bailarín Principal de la
Companhia Nacional de Bailado de
Portugal, quien, presumiblemente, volverá
a compartir las mieles del éxito con Alina
Cojocaru, el próximo 11 de Febrero. Esta
vez, será en casa, en Madrid, donde ejercerá
de anfitrión de la formación lusa.
DEE 15

DANZA EN ESCENA
PICASSO
Y LOS BALLETS RUSOS DE
SERGE DIAGHILEV
Por Daniela Reyes
(Primera parte)
Una de las facetas más desconocidas de Picasso, es la
que le liga al mundo del teatro y la danza. Gran
parte de las colaboraciones que realizó, las hizo con
"Los Ballets Rusos", de Serge Diaghilev, siendo estos:
"Parade", "Le Tricorne", "Pulcinella", "Cuadro Flamenco",
"Antígona" y "Mercure". En todos ellos establece una estrecha
colaboración con compositores, bailarines, poetas y dramaturgos.
Personajes y amigos, que enriquecieron su imaginario
y que terminaron en su estudio, posando para él.
Serge Diaghilev, de origen ruso, viajaba representando sus
espectáculos de danza y teatro por Europa, con bailarines
y compositores de la talla de Nijinsky, Anna Pavlova,
Chernicheva, Massine, Debussy, Stravinski, Fokine, Satie,
Falla, entre otros. Diaghilev encauzó el ballet hacia una
modernización que reunía el talento de bailarines, coreógrafos,
dramaturgos y pintores, que por aquel entonces,
representaban la vanguardia en sus respectivas disciplinas.
Las colaboraciones con los Ballets Rusos de Diaghilev
comenzaron a mediados de 1916 con "Parade". Picasso fue
convencido por Satie y Cocteau, para colaborar en la novedosa
puesta en escena.
Para la realización de "Parade" se traslada a Roma, donde
conoce a Olga Koklova, una joven bailarina de los Ballets,
con la que se casa y tiene a su primer hijo, Paulo. "Parade"
fue un ballet innovador y moderno. La idea de Cocteau, se
16 DEE
Realización de telón en Covert Garden, Londres.
Picasso y Olga en Londres, 1919.
inspiró en el cuadro de Seurat "Parade", de 1887. Como
parte de la obra, los personajes iban asociados a sonidos
y ruidos de la vida moderna, lo que provocó un cierto
temor en Picasso, a ser tildado de pintor futurista, como
luego efectivamente sucedió, por parte de la prensa de la
época.
Cocteau había concebido sólo 3 personajes: un chino, una
americana y un acróbata, que realizarían delante de una
carpa de circo, sus actuaciones. Pero una vez en su interior,
el espectador entraría a la dimensión privada de los protagonistas,
descubriendo sus verdaderas personalidades y las
posibilidades que ello comportaba. Todo lo cual conectaba
con las corrientes psicoanalíticas, en boga por aquel entonces.
Picasso crea un vestuario lleno de colorido, utilizando el
lenguaje cubista y encontrando en la tradición de gigantes
y cabezudos española, una solución que le permitió elevar
la altura de los personajes y liberarlos de cualquier restricción
espacial.
El telón de Parade de 10,60 x 17,25 metros, contiene dos
conjuntos de figuras. El primero a mano derecha, representa
un grupo de personajes populares: Pierrot, esclavo, picador
con guitarra, un arlequín y una muchacha sentados a
la mesa. A los pies un perro echado. Las figuras de la
izquierda, son profundamente simbólicas. Por una parte el

Pegaso alado que amamanta a su cría, es el símbolo de la pureza.
Sobre su lomo, una bailarina o un ángel, -supuestamente
Olga-, acariciando en un gesto lleno de ternura al mono, animal
con el cual sabemos que se identificaba Picasso, símbolo del temperamento,
la sabiduría y el mal. A los pies del Pegaso, una esfera
azul, con el sol y las estrellas, símbolo del universo y una escalera
por la cual trepa el mono que se alza hasta el infinito. Una
alegoría con la cual Picasso pretendía obsequiar a Olga.
El segundo ballet con el que colabora Picasso es "Le Tricorne", con
música de Manuel de Falla y coreografía de Massine. "Le Tricorne"
es la adaptación de "El Corregidor y la Molinera" de Pedro Antonio
de Alarcón. En opinión de Vicente García-Marqués: "El sombrero
de tres picos se sitúa en un período decisivo para la evolución estética
de Picasso. En esta obra -la segunda realizada para el teatrose
perpetúan los elementos más representativos de su fase de creación
anterior, marcada por el cubismo y la constante experimentación
sobre la aprehensión del espacio y de la perspectiva. Si el
telón de boca y los acróbatas de Parade auguraban una estética
más clasicista, El sombrero de tres picos señala la consolidación de
esta tendencia, dominante en sus obrar posteriores (1)".
En los bocetos de escenografías, el paisaje cobra protagonismo.
La casa del molinero, el puente, la plaza de toros donde es manteado
el corregidor, son lugares comunes de su vida, que debe
universalizar para poder ser comprendidos por un público internacional.
El trabajo es arduo y para realizarlo se traslada a Londres, donde
se instala en el hotel Savoy junto con Olga. Desarrolla más de 50
bocetos de decorados, realiza innumerables croquis de los bailarines
con los pasos que según él, podrían realizar y que son mostrados
a Massine, para que los incluya en su coreografía. La larga
mano de Picasso se proyecta en la propia danza.
En el vestuario, realiza unos esbozos recargados, para luego continuar
desarrollando una idea que se acerca más a lo popular y
conservador, pero sin tanto artificio y más acorde a los requerimientos
de los bailarines, que no sólo son meros portadores inmóviles
de los trajes. Lo cual no desdice la calidad plástica de los mismos,
ni la inventiva desplegada en ellos. Picasso se recrea hasta
en los más mínimos accesorios, como mantones, sombreros,
pañuelos y abanicos.
(1)-"Picasso. El sombrero de tres picos". Catálogo de la exposición. Fundación Juan
March, 1º edición 1993.
Decorado de “Le Tricorne”
DANZA EN ESCENA
IX NACIONAL
CONVOCATORIA DE
DANZA CIUDAD DE
CASTELLON
19 y 20 de mayo 2007
PREMIOS FUNDACIÓN
DÁVALOS FLECHER
Premio a la Interpretación: 3.600,00 €
Premio Danza Clásica: 1.200,00 €
Premio Danza Contemporánea: 1.200,00 €
Premio Danza Española: 1.200,00 €
Premios del Público: 600,00 y 1.200,00 €
ESTANCIAS EN CENTROS Y COMPAÑÍAS DE
PRESTIGIO, NACIONALES E INTERNACIONALES
Edad: entre 16 y 22 años
Preselección: filmación audiovisual VHS
plazo de entrega hasta el 24 de marzo de 2007
Información, solicitud bases y envíos a:
ASOCIACIÓN CULTURAL TERPSÍCORE
Centro Municipal de Cultura - Antonio Maura, 4
12001 CASTELLÓN
Telf. 964 22 31 32 - Fax 964 26 02 71
e-mail : terpsicore@streetmailcentro.com
DEE 17

Lucía Lacarra (Zumaia, 1975), Bailarina Principal del
Ballet de la Ópera de Munich, cumplió un sueño de
infancia al actuar en el tradicional Concierto de Año
Nuevo de Viena. Acompañada por su pareja y habitual
partenaire, Cyril Pierre, la zumaiarra brilló con luz propia
en su primera intervención en este recital austriaco de valses
y polcas. Ya en el tiempo de los bises, tras la salutación
y felicitación de Zubin Mehta y de la Orquesta Filarmónica
de Viena, la batuta del septuagenario director indio comenzó
a desgranar los primeros acordes del vals "El bello
Danubio azul" (1876), firmado por Johann Strauss hijo. En
ese momento, la emisión por el canal internacional de la
ORT trasladó a una audiencia estimada en cien millones de
televidentes de 60 países, al bello Palacio de Schönbrunn,
residencia veraniega de los emperadores Francisco José e
Isabel, conocida popularmente como Sissi. A partir de ahí,
Lucía Lacarra se convirtió en toda una princesa de cuento,
ataviada por un vestido escote palabra de honor, en tonos
azules degradados y rematado con altos guantes. Como
pareja, su príncipe azul, Cyril Pierre, Bailarín Principal del
Ballet de la Ópera de Munich.
Los diez minutos que duró "El bello Danubio azul" fueron un
ejemplo de concepción televisiva de un espectáculo. La
coreografía de Christian Tidy, pensada por y para la emisión
televisiva, combinó las escenas corales con varios
pasos a dos de Lucía y Cyril, un solo de la étoile
guipuzcoana, un paso a dos de Olga Esina
y Wolfgang Grascher (Solistas del Ballet de la
Ópera de Viena). Interpretado en directo, el
vals del Danubio Azul fue seguido por los bailarines,
a través de altavoces situados en el
suntuoso Palacio de Schönbrunn. La concepción
televisiva fue perceptible en el empleo de
la concatenación de planos, la alternancia de
imágenes entre la Sala Dorada de la
Musikverein -lugar del concierto de la
Orquesta Filarmónica de Viena- y el recinto
palaciego, además de un estupendo picado
que mostraba al elenco femenino. Desde el
punto de vista coreográfico, la creación de
Christian Tidy constituye una estilización balletizada
del tradicional baile de salón vienés:
piruetas, developés, portés, etcétera, de gran
vistosidad todos ellos, cualidad ampliada por
un vestuario de ensueño. Además de la dificultad
de la realización en directo de la pieza,
Lucia tuvo otros inconvenientes palaciegos
18 DEE
LA PRINCESA DEL VALS
LUCÍA LACARRA BRILLÓ EN EL CONCIERTO DE AÑO NUEVO DE VIENA
Por Iratxe de Arantzibia
Fotos ©ORF
como la moqueta o el suelo de parqué, cuestiones que solventó
sin problemas en la emisión. Aparte de las excelentes
cualidades artísticas de la bailarina vasca, "El bello
Danubio azul" también puso en evidencia su especial química
con su partenaire, Cyril Pierre. La etérea Lucía parecía
una pluma deslizándose con suavidad por el palacio
austriaco y, en casi todas las escenas, contó con el trabajo
en equipo de Pierre, del que dice es "el mejor partenaire".
UNA EXPERIENCIA INOLVIDABLE EN FORMA
DE CUENTO DE HADAS
Confiesa haber sentido una emoción especial cuando fue
invitada a este evento, siendo la primera bailarina vasca en
recibir tal honor. Hace dos años, Mikel Jauregi le precedió
con su participación en el Concierto de Año Nuevo, en calidad
de miembro del Ballet de la Ópera de Viena. "Me hizo
mucha ilusión cuando me invitaron a bailar en Viena, porque,
desde pequeña, seguía el Concierto de Año Nuevo, ya
que era la única oportunidad de ver ballet en televisión. Así
que la primera vez que me probé el vestido para bailar en
Viena me sentí como una princesa en un palacio de cuento
de hadas". Con una perpetua sonrisa tatuada en su cara,
Lucía y Cyril bailaron ante el mayor público que nunca

habían podido soñar -una audiencia estimada en millones
de espectadores-, en un palacio digno de cuento, con un
lujoso vestuario. En su primera actuación en el Concierto de
Año Nuevo, Lucia Lacarra, Premio Nijinsky (2002) -considerado
el oscar de la danza-, Premio Benois de la Danse
(2003) y Premio Nacional de Danza (2005), entre otros
muchos galardones, demostró porqué es una de las princesas
más etéreas y mágicas del Olimpo mundial de la
Danza. "La impresión que hemos sacado ha sido buenísima.
Hemos hecho un trabajo que, para nosotros, era algo desconocido,
en un sentido. Nunca habíamos bailado en televisión,
en directo, para tantos millones de personas en muchísimos
países. Es algo muy especial y muy importante, una
experiencia inolvidable", señala la bailarina zumaiarra.
Los nervios no se apoderaron de Lucía y Cyril, pese a las
dificultades añadidas del recital de valses del comienzo de
2007 (interpretación en directo, suelos poco aptos para la
danza, gran cantidad de horas de trabajo). La ilusión y
emoción pudieron con los posibles atisbos de los mismos.
"El Concierto de Año Nuevo -comenta Lucia Lacarra- es algo
muy importante y son muy pocos los bailarines que tienen la
oportunidad de poder participar. Es una tradición que yo he
seguido desde pequeña en televisión y poder estar ahí ha
sido maravilloso. Pero no tiene nada que ver con los nervios,
estaba ilusionada, pero no nerviosa. Más que nada era algo
inédito para nosotros hacer una pieza de danza en directo,
pero con la música interpretada por la orquesta en otro sitio,
en la Ópera, mientras nosotros estábamos en el castillo de
Schönbrunn. El trabajo de coordinación que exigía eso era
bastante importante. Hemos trabajado muchísimas horas y
de una manera diferente a lo que estamos acostumbrados.
Pero era muy interesante trabajar con las cámaras, teniendo
en cuenta los ángulos de los planos, las luces, etcétera".
LA EMOCIÓN DE SUS MADRES,
EL MEJOR REGALO
Después de su brillante intervención en el Concierto de Año
Nuevo 2007, Lucía Lacarra y Cyril Pierre han recibido felicitaciones
por doquier. Sin embargo, para ellos, el mejor
regalo fue compartir esta experiencia con sus respectivas
madres, quienes, muy emocionadas, siguieron en el set de
producción el espectáculo. "Nos felicitaron muchísimas personas
allí mismo, luego también nos reconocían en el hotel
y también nos han felicitado muchas personas en Alemania.
Pero pienso que la que más ilusión nos hizo fue la de nuestras
madres. Mi madre y la de Cyril estaban allí, detrás de
las cámaras, con la regidora, viendo a través de las pantallas
de televisión de producción. Y lo que más ilusión nos
hizo fue ver lo emocionadas que estaban ellas. La verdad es
que ver aquello, con aquel vestuario y el ámbito del castillo
es bastante especial", apunta la bailarina guipuzcoana.
Su próxima cita con los escenarios vascos, está prevista
para los días 16 y 17 de Febrero, en el Teatro Arriaga de
Bilbao. Esta vez no será un vals sino una "Soireé Roland
Petit". A buen seguro que volverá a demostrar su exquisitez
bailando. También contará con Cyril Pierre, porque no en
vano asegura que "Cyril es el mejor partenaire que una bailarina
pudiera desear tener. Trata a las bailarinas con quienes
baila con un cariño, dulzura y seguridad únicos. Yo me
siento tan segura en sus brazos, que, al bailar con él, puedo
alcanzar una sensación de libertad en mis movimientos que
es muy difícil de conseguir".
DEE 5

DANZA EN ESCENA
La noticia de la creación de una compañía de ballet
clásico en España, que llamarían Ballet Real de
España, ha cruzado el Atlántico, y llegado a las costas
de América despertando gran interés.
El reportaje primeramente aparecería en al rotativo El
Mundo, de la capital española (oct. 2), y al día siguiente
sería publicado en el "The Guardian", de Londres. En el
diario madrileño se daba casi por sentada la fundación
del colectivo, con Tamara Rojo, distinguida bailarina principal
del Real Ballet de Londres, como directora artística,
llevando a su lado como "madrina", a la octogenaria
Alicia Alonso, legendaria bailarina cubana, directora
artística absoluta del Ballet Nacional de Cuba.
Sin embargo, en la nota periodística londinense, no parecía
que todos los planes estuvieran finalizados. Solo bastarían
unas horas para que la noticia comenzara a dar
señas de ser una "filtración" no autorizada a la prensa
-posiblemente de alguien con una agenda personal
determinada-, sobre un proyecto muy lejos de estar finalizado.
Empero, ya fueran las noticias precipitadas o
manipuladas, los comentarios en la prensa española han
continuado, sembrando dudas sobre la realidad de tal
intento.
Para terciar sobre este tema desde el otro lado del océano,
hay que analizar ciertos factores que deben ser tomados
en cuenta en la creación de un ballet clásico estable
en suelo español, con una importante escuela anexa, que
como muchos esperan, evitará el éxodo de los valores a
otras fronteras, y ayudará a crear las nuevas estrellas del
futuro.
En primera instancia, sorprende que se haya ignorado la
Casa de la Danza Ángel Corella para este intento, ya que
desde hace varios años existe, y mantiene su sede principal
en Logroño. No obstante, no parece acertado que bailarines
en plenitud de facultades y juventud (ya sean Rojo
o Corella los llamados a dirigir) con muchos años todavía
en el futuro para continuar obteniendo triunfos sobresalientes,
interrumpan sus brillantes trayectorias con las
preocupaciones y responsabilidades que implica dirigir
una empresa tan difícil. Esa labor siempre ha recaído
sobre artistas retirados; sin embargo, un bailarín/a en
20 DEE
UN BALLET REAL PARA ESPAÑA, BAJO TOTAL
DIRIGENCIA ESPAÑOLA
Por Célida Villalón
activo pudiera aportar brindar una ayuda invaluable
como asesor, lo cual no implicaría menoscabar su carrera.
En el caso específico de colocar a la Alonso en posición
directriz (con un personal para ayudarla que incluiría un
asistente, una secretaria, y sendas gerencias de producción
y dirección, según la nota de prensa), pasando por
alto a bailarines españoles que han abandonado la escena
después de honrosas carreras, se nos antoja incomprensible,
y hace sospechar la presencia de maquinaciones
personales.
Si los bailarines españoles han confesado infinidad de
veces en la prensa que marchan de su país en busca de
mejores oportunidades artísticas, el Ballet de Cuba es
notorio por las deserciones constantes que ocurren en sus
filas, que ocurren, de acuerdo con las propias declaraciones
de los que se exilian, debido a la rigidez administrativa
predominante. Por la interrogante situación que
impera actualmente en la isla caribeña, la Alonso parece
haber atacado con gran diligencia -en estos precisos
momentos que la dictadura en Cuba parece estar en sus
momentos finales-, la posibilidad de asegurarse una posición
cómoda y bien remunerada en un país tan acogedor
como España.
Según uno de los últimos reportajes sobre el tema (diario
ABC, oct. 10), representantes del Instituto Superior de
Danza Alicia Alonso que existe hace varios años anexo a
la Universidad Rey Juan Carlos, y lleva en su seno el
Joven Ballet de Cámara, ya están en comunicación con las
autoridades de Fuenlabrada, para la constitución de la
nueva compañía en dicha municipalidad. El escrito explica
que "este Joven Ballet es el embrión sobre el que se
plantearía la creación de la compañía", la cual contaría
con una plantilla de 65 bailarines, y un presupuesto de
nueve millones de euros.
El Ballet Real de España, que puede ser una realidad cercana,
debe ser formado bajo la égida de elementos del
país. De antemano se sabe que este plan es complicado,
pero confiamos en que los ciudadanos españoles y su
gobierno abran los bolsillos, y presten amplia ayuda a
una aventura tan hermosa.

DANZA EN ESCENA
C O M P A N H I A
NACIONAL DE BAILADO
U n a r e a l i d a d p o r t u g u e s a
Doce años después de haber sido
creado el Ballet Gulbenkian, nace
el Ballet Nacional de Portugal
(Companhia Nacional de Bailado), que
actualmente se presenta como la única
gran compañía de repertorio clásico en
todo el territorio peninsular. Es muy
gratificante descubrir como una formación
de medio formato es muy capaz
de poner sobre el escenario grandes
piezas del repertorio balletístico.
Alo largo de 30 años, desde que en
1977 fuera fundada, pasaron por
sus filas los directores Armando Jorge,
Isabel Santa Rosa, Jorge Salavisa, Luisa
Taveira, Mark Jonkers y Mehmet
Balkan, siendo tres de ellos los que
marcaron las etapas más significativas
de esta compañía.
Los primeros 15 años la dirección
corrió a cargo de Armando Jorge.
La compañía presenta las primeras
realizaciones nacionales de producciones
integrales de ballets como La
Sylphide, Raymonda, El Lago de los
Cisnes, Coppelia, D. Quijote o Romeo y
Julieta; se recuperaron otros clásicos
como Pas de Quatre, Giselle, Les
Sylphides, Petrchka, La Bayadera, El
Pájaro de Fuego, El Casca-Nueces, La
Consagración de la Primavera, Las
Bodas o La Fille mal Gardeé entre
otros. Presentó también obras de
Balanchine, Lifar, Lichine, Joos, Limón,
Van Dantzig, Nebrada, del propio
Armando Jorge, Fernando Lima,
Carlos Trincheiras u Olga Róriz.
En 1996, con la llegada a la dirección
de Jorge Salavisa, el repertorio
de la compañía se moderniza. Se
estrenan piezas de coreógrafos ya consagrados
como W. Forsythe o Anne
Teresa De Keersmaeker, y se da oportunidad
a otros tantos nuevos talentos
como David Fielding o Rui Lopes
Graça. No en tanto no se renuncia a la
identidad de compañía de repertorio
clásico y se apuesta por la creación de
un estilo propio que aun hoy, se mantiene
como sello personal de este
grupo en las grandes producciones
como La Bella Durmiente de Ted
Brandsen, Giselle de Jorge García o El
Lago de los Cisnes del ahora director
artístico Mehmet Balkan. Con este último,
la compañía entró definitivamente
en una dinámica de crecimiento indiscutible,
tanto a nivel de número espectáculos
como de asistencia de público,
que en estos últimos años aumentó en
un 80%.
Hoy, en el repertorio de la CNB
podemos encontrar nombres de
coreógrafos como Petipa, Lifar,
Nijinsky, Balanchine, Michael Corder,
Forsythe, Kylian, Duato, van Manen,
Bigoncetti, Robert North, Uwe Scholc,
Spoerli u Olga Roriz.
Sylvie Guillem, Manuel Legris,
Fernando Bujones, Carlos Acosta o
Alina Cojocaru son ejemplos de estrellas
que han colaborado con la compañía.
En la Compañía también hay nombres
españoles que forman parte
importante de los programas del
repertorio: Alba Tapia, Monica García,
Anabel Segura, Ana Campos, Victoria
Monge, Africa Sobrino, Carlos Labiós,
Angel Blanco, Juan Torres, Alfonso
Palencia y Carlos Pinillos -como primer
bailarín de la compañía- son el ejemplo
claro de ese innumerable listado
de profesionales que siguen buscando
una salida digna para ejercer su profesión.
Ellos están a la vuelta de la esquina
y no me cabe la menor duda que
también estarían encantados de poder
residir y desarrollar su labor en
España.
Pronto (primera quincena de febrero)
todos estos profesionales, junto a
sus compañeros de la Companhia
Nacional de Bailado de Portugal, se
presentarán en Madrid para ofrecernos
una formidable revisión del Lago
de los Cisnes, acompañados por estrellas
del Royal Ballet. Merece la pena
disfrutar de la propuesta y darse cuenta
del enorme talento que se encierra
en las filas de esta modesta pero brillante
formación portuguesa.
Danza En Escena
DEE 21

Nueva dirección: Plaza de San Bartolomé 3

El tango es pasión, sensualidad y
erotismo; es también arte, cultura
y belleza. Junto al mate, el
asado, el dulce de leche y el fútbol,
representa una de nuestras más
conocidas señas de identidad.
Complicado como él mismo, es una
cirugía a corazón abierto a la idiosincrasia
del pueblo argentino, aunque
sea un arte totalmente desconocido
para muchos de los que nacimos a
partir de la década del setenta. Sin
embargo, ahora, los que vivimos irremediablemente
lejos de nuestro país,
el tango es un cable a tierra, una vía
que nos acerca a la familia, a nuestras
raíces, a imaginarnos cariñosamente
a nuestros abuelos, mate y
bombilla en mano, sentados en la
cocina escuchando a Carlos Gardel,
Roberto Goyeneche, Edmundo Rivero,
Libertad Lamarque o Alba Solís. Ellos,
inmigrantes como yo, sí que vivieron
y sintieron la fuerza del tango. °Si es
que fue un invento suyo!
El tango rezuma sentimientos, sin
lugar a duda, es filosofía y tiene lenguaje
propio: el lunfardo, palabras
indescriptibles al mismo tiempo que
graciosas, que con el tiempo se han
ido agiornando y adaptando a estos
tiempos modernos. Es que así se
hablaba en los estratos más bajos de
la época, cuando el tango se inventó
en los burdeles como un baile entre
hombres para conquistar a las minas.
Luego, este baile viajó a Francia y
retornó a Buenos Aires como un arte
más refinado.
Todas estas características están perfectamente
resumidas en la exposición
fotográfica de Mila Ruiz, que
viajó al Buenos Aires de la crisis para
retratar todos los sentimientos que el
tango puede ofrecer. Y lo logra en los
escenarios más característicos y pintorescos
de mi querida ciudad.
El viaje fotográfico en blanco y negro
parte del barrio de La Boca, junto al
Riachuelo, tantas veces retratado por
pintores como Quinquela Martín,
para echar un vistazo a Caminito
(que el tiempo ha borrado, que juntos
un día nos viste pasar), en donde una
pareja de niños demuestra que las
nuevas generaciones están recuperando
los compases de nuestros
abuelos. Continúa por el distinguido
barrio de La Recoleta, en cuyos hermosos
parques, junto a algarrobos
centenarios que rodean el cementerio,
el teatro de calle dignifica el
tango. Por supuesto no deja escapar
imágenes de San Telmo y su placita
de Dorrego, tan terca y a la vez tan
lejos de mi alma. Allí, en el rastro que
alguna vez rescató Joaquín Sabina,
una 'pebeta' europea (la bella ucra-
DANZA EN ESCENA
Exposición fotográfica
en la Casa
de la Danza:
Baires Tango
Fotografías: Mila Ruiz
Texto: Martín Schmitt, periodista
argentino que trabaja en la
redacción del Diario La Rioja
niana Uliana) interpreta el tango de
una manera majestuosamente sensual
que deja sin aliento a su pareja.
Capta los orígenes del tango (dos
hombres abrazados, bailando juntos),
aunque esta vez la zona es más
céntrica y comercial, el ocio de nuestros
mayores, con el regalo hecho
fotos de los bailes de dos enamorados
en la Confitería Ideal de la calle
Suipacha, un local también centenario,
al igual que el Café Tortoni de la
avenida de Mayo, el mundo de la
enseñanza, desde el estudio de la
calle del Gral Pueyrredon, donde
imparte clases una de nuestras tangueras
más internacionales, Mora
Godoy y las clases nocturnas improvisadas
en las "milongas" de locales
como la Viruta Tango, en la calle
Armenia del barrio donde antes se
ubicaba el Mercado de Abastos de la
calle Corrientes, una zona de 'compadritos'
y 'cancheros'.
Estas imágenes logran conjugar todo
este cúmulo de sensaciones, que me
llevan a respirar otra vez los olores de
mi tierra, a escuchar los silbidos de
sus habitantes, a recibir una caricia a
la distancia de mis abuelas, a revivir
mis épocas de estudiante y a viajar a
un tiempo perdido y olvidado que se
anida en una esquina especial de mi
corazón.
DEE 23

DANZA EN ESCENA
LÍMPIDA E INMACULADA
PIEZA DE PORCELANA
7-Octubre-2006
Palais Garnier, París
La conmemoración del vigésimo aniversario
de la desaparición del coreógrafo
y bailarín Serge Lifar (Kiev,
1905-Lausana, 1986) fue recordada por
el Ballet de la Ópera de Paris con un programa
que reunía dos piezas del intérprete
y creador ruso, y el estreno de una
obra del francés Thierry Malandain. Tras
el "Desfile de Ballet" con el que los componentes
de la prestigiosa formación
parisina abrían la temporada, se iniciaba
el programa denominado "Homenaje a
Serge Lifar". Dos piezas firmadas por el
homenajeado -"Suite en blanc" y "Les
Mirages"- se unían a "L'Envol d'Icare",
nueva creación del coreógrafo y director
artístico del Ballet Biarritz, Thierry
Malandain. El espectáculo, de cerca de
tres horas de duración, permitió disfrutar
de la magia del ballet, conjurada por el
Ballet de la Ópera de París, una de las
mejores compañías clásicas del mundo,
con un extensísimo repertorio, en el que
no faltan desde los clásicos inmortales
hasta obras neoclásicas y más contemporáneas.
La limpieza en la ejecución, la
pureza de los movimientos y su elegancia
son las características más destacables
de esta señora cuna del ballet y de la
danza. Interpretan un "Lago de los
Cisnes", "La Dama de las Camelias" o
una selección de obras de Lifar, con la
intención de homenajearle, el Ballet de la
Ópera de París es siempre majestuoso en
su conjunto. La calidad y la ejecución de
la danza, muy depuradas, el sabor añejo
del recinto del Palais Garnier, el cuidado
y minucioso vestuario, en definitiva, el
conjunto brilla hasta convertir incluso un
ensayo general en una velada inolvidable
para la retina del espectador.
El Palais Garnier posee una atmósfera
muy especial, con ese sabor a antiguo y
regio. Dentro de ese ambiente, el "Desfile
de Ballet", con música de Héctor Berlioz,
supone una verdadera muestra de las
jerarquías de la compañía parisina. En
primer lugar, estudiantes de la Escuela de
24 DEE
©Jacques Moatti
Ballet, desde los más pequeños, con apenas
9 años, hasta los mayores, todos
inmaculados y precisos, abren la parada
balletística. A posteriori, el Cuerpo de
Baile, Solistas, los Primeros Bailarines y,
sobre todo, los Bailarines Estrellas, entre
los que se encuentra el español José
Carlos Martínez (Cartagena, 1969),
rematan su presentación de la temporada
2006/2007. La primera pieza del
"Homenaje a Serge Lifar", "Suite en blanc"
(creada y estrenada por el Ballet de la
Ópera de Paris, 19-Junio-1943), permitió
ver ya en acción a la prestigiosa compañía
gala. Sobre la música de Edouard
Lalo, se trata de una obra sin argumento,
una suite de diez estudios coreográficos
sin nexo temático, bailados por los
Solistas y Cuerpo de Baile, bien en solos,
pas de deux, de trois, de cinq, ensembles.
El blanco es el color predominante de la
obra, ya que tanto los tutús de las bailarinas,
como el vestuario masculino, lo
emplean, de ahí el nombre de la pieza.
De las aproximadamente 70 obras creadas
por Lifar en la Ópera parisina, esta
"Suite en blanc" ostenta el record de ser la
pieza más representada en el Palais
Garnier, durante los 30 años del coreógrafo
ruso allí. "Suite en blanc", pese a
estar desprovisto de argumento, es una
pequeña pieza de porcelana, límpida,
inmaculada y de grata visión. Sus 37
minutos se convierten en una agradable
delicatessen, exquisitamente interpretada
por la formación francesa. Una verdadera
belleza.
La novedad de la velada, el estreno de
"L'Envol d'Icare" de Thierry Malandain, no
corrió la misma suerte que su predeceso-
ra. Basada en el mito de Ícaro, el coreógrafo
francés crea una pieza corta un
tanto tediosa y repetitiva. Dice la leyenda
que el constructor del laberinto del
Minotauro, Dédalo fue encerrado en él
junto a su hijo Ícaro, con quien escapó,
empleando unas alas de plumas y cera.
Mientras que Dédalo sí consiguió huir
sano y salvo, su hijo cayó al mar, al
licuarse la cera de sus alas. La coreografía
de Malandain busca condensar todo
su dramatismo en la figura de un Ícaro
angustiado, luchando por no amerizar.
Construida con multitud de cánones, la
pieza resulta un tanto plana y repetitiva,
como si no consiguiera su propósito de
despegar el vuelo de Ícaro. Precisamente
ahí es donde se percibe la profesionalidad
del Ballet de la Ópera de París, al
defender esta obra menor de Maladain.
Como broche de oro a una noche mágica,
"Les Mirages" (creada y estrenada por
el Ballet de la Ópera de Paris, 15-
Diciembre-1947), también de Serge Lifar,
cerró la velada. Con música de Henri
Sauguet y libreto de A.M. Cassandre y
del propio Lifar, el tema principal de "Les
Mirages" es la soledad. Esta obra cuenta
la historia de la Luna que abandona su
lecho donde reposa la llave de los sueños,
hallada por un joven. Así libera a las
Hijas de la Noche, que ponen a sus pies
ilusiones como el amor o las riquezas.
Pero todo se desvanece y el joven se
queda solo con su sombra, su única compañía.
Sin embargo, lejos de quedarse
acompañados por su soledad, los miembros
de la compañía parisina terminaron
su actuación con la compañía y el aplauso
vigoroso de los asistentes. Y es que el
fino y limpio trabajo del Ballet de la
Ópera de Paris merecía el premio del
público. Así fue. Tras tres horas de
"Homenaje a Serge Lifar", los asistentes a
la velada del Palais Garnier aplaudieron
con entusiasmo el derroche de magia
balletística.
Iratxe de Arantzibia

ALINA,
EL CISNE-BAILARINA
7-Enero-2007
Teatro Camoes-Lisboa
El lisboeta Teatro Camoes acogió
una nueva lectura del clásico "El
Lago de los Cisnes" (1895) realizada
por el coreógrafo y director artístico
Mehmet Balkan, para la formación que
lidera, la Companhia Nacional de
Bailado. Sin transgredir en exceso como
para catalogarlo como una revolución
del original, esta versión del creador
turco añade poco al panorama coreográfico.
La aportación más interesante
es la invitación a Alina Cojocaru
(Bucarest, 1981), Bailarina Principal del
Royal Ballet de Londres. La intérprete
rumana fue toda una delicia danzando
con elegancia y sentimiento el rol de
Odette (cisne blanco) y con un seductor
magnetismo el papel de Odile (cisne
negro). Como réplica, un fantástico
Carlos Pinillos (Madrid, 1977), Bailarín
Principal de la formación lusa, desaprovechado
por una coreografía que le
relegó, en muchas ocasiones, al papel
de mero espectador de la escena. La
suma del trabajo conjunto entre la
intérprete rumana y el español fue más
que destacable. Se percibió que ambos
disfrutaron y, sobre todo, hicieron disfrutar
al público. Dividida en dos actos
más un prólogo y con una duración de
dos horas, "El Lago de los Cisnes" mostró,
además, que es factible la existencia
de una gran compañía de repertorio
-cuenta con 70 bailarines en sus
filas-, que brilló por encima de una versión
opaca.
"El Lago de los Cisnes" constituye, probablemente,
el icono por excelencia del
ballet clásico. A buen seguro que cualquier
lego en la materia lo citaría al
hablar de la danza. Por ello, si la relectura
de un clásico es un riesgo no apto
para tibiezas, en este caso, "El Lago de
los Cisnes" es LA obra de ballet. De esta
manera, la disyuntiva es sencilla: se respeta
el clásico, se le sacuden las telarañas
y se le dota de un sabor más actual,
o, por el contrario, se rompe con los
pilares que sustentan la esencia de la
obra. En sus 112 años de existencia, "El
Alina Cojocaru y Carlos Pinillos
©Amir Sfair Filhno
Lago de los Cisnes" ha salido indemne
de numerosas adaptaciones y/o versiones:
Aleksandr Gorski (1901), Michael
Fokine (1910), George Balanchine
(1951), Frederick Ashton (1963), John
Cranko (1963), Rudolph Nureyev
(1964) y Mats Ek (1987), entre otras
muchas. Pues bien, el creador turco
Mehmet Balkan ha sido profundamente
comedido en la tarea de versionar
el clásico de Petipa-Ivanov.
Independientemente a ello, la gran
labor en conjunto de la Companhia
Nacional de Bailado pone en pie una
anodina lectura de "El Lago…". Lo que
sí hay que reconocerle a Balkan es la
inteligencia a la hora de invitar a una
de las mejores bailarinas de la actualidad:
Alina Cojocaru. En una nueva reedición
de la alianza anglo-portuguesa
(1386), la intérprete del Royal Ballet
colaboró en dos actuaciones con la
Companhia Nacional de Bailado.
Premio de Lausanne (1997), 'Mejor
Bailarina del Año 2002' por los Critics'
Circle Dance Awards, Premio Nijinsky
(2004), Premio Benois de la Danse, 1º
Internationaler Movimentos Tanz Preis,
Medalla de Oro del Concurso de
Nagoya, Alina Cojocaru justificó con
claridad el porqué de semejante currículum,
con apenas 25 años, regalando
al público luso una grandísima interpretación
del rol dual Odette/Odile. Como
Odette, la rumana es delicada y elegante,
cualidades añadidas a su técnica
y al lirismo propio del papel. En el rol
de Odile, Cojocaru embruja no sólo al
príncipe Siegfried, sino al conjunto de
los asistentes, por su calidad artística y
la fortaleza de su técnica.
DANZA EN ESCENA
Como complemento a la excelencia de
Cojocaru, el madrileño Carlos Pinillos
bordó su papel del príncipe. El intérprete
español se empleó a fondo en las
dos variaciones y, sobre todo, en su
labor de partenaire de Alina Cojocaru,
consiguiendo que la rumana brillara
más, gracias a su silencioso trabajo.
Considerado el más joven de aquella
magnífica generación de bailarines de
la cantera de Víctor Ullate -Ángel
Corella, Tamara Rojo, Lucia Lacarra,
Igor Yebra, Joaquín de Luz…-, el intérprete
madrileño es un bailarín dúctil,
cuyo repertorio abarca desde el clásico
hasta el contemporáneo. Primer Premio
en el Concurso Nacional de Danza de
Viena, Carlos Pinillos rubrica un trabajo
limpio y preciso, encarnando al príncipe
Siegfried. Dentro de la versión de
"El Lago…" de Mehmet Balkan, el turco
se ha esmerado en la grandiosidad de
las escenas cortesanas y danzas de
carácter. En esos momentos, destaca la
labor de maestro de ceremonias del
también español Carlos Labiós, en el
rol del bufón de la Corte, Bobo.
Además, el intérprete valenciano ejecuta
un par de variaciones más que destacables,
en las que se une dificultad y
diversión. Tras de dos horas de actuación,
el espectador se queda satisfecho,
principalmente por tres cuestiones. La
primera, por la deliciosa Alina
Cojocaru, bella encarnación de un
cisne-bailarina, secundada por un fantástico
Carlos Pinillos. La segunda, por
la gran labor en conjunto de la
Companhia Nacional de Bailado,
levantando una versión anodina. La
tercera, porque "El Lago de los Cisnes"
siempre es y será EL ballet por excelencia.
Por todo ello, el público del Teatro
Camoes terminó en pie aplaudiendo
esta obra, que pronto podrá ser vista
en el Teatro de Madrid (8-11 de
Febrero). Claro que para el cisne
Cojocaru no fue una sorpresa. En su
primera actuación con la Companhia
Nacional de Bailado, su grácil aleteo
ya había conseguido la misma hazaña.
Así pues, final feliz, en todos los aspectos,
para la primera colaboración de
Alina Cojocaru con la Companhia
Nacional de Bailado de Portugal.
Iratxe de Arantzibia
DEE 25

DANZA EN ESCENA
Todavía no sabía caminar. Gateaba por el reluciente y cálido
suelo de madera donde mi madre impartía clases de
Gimnasia Consciente y Expresión Corporal. Cuando crecí un
poco más y ya sabía caminar me gustaba esa sala diáfana
sin muebles ni objetos, apenas un instrumento de percusión
y una foto de una persona en movimiento que invitaban a
moverse. Cuando por fin se llenaba de personas que, guiadas
por la voz de mi madre comenzaban a realizar movimientos
casi felinos en un silencio sepulcral me contagiaba
una misteriosa sensación de intimidad. Luego, mi madre,
con su voz hacía que estas personas comenzaran a comunicarse
entre ellas, y desde aquella profunda intimidad surgía
un nuevo ambiente, como una expansión o una manifestación
ancestral. Era el lenguaje del cuerpo y del movimiento
mi lengua materna.
Desde que tengo uso de razón me dedico al trabajo con el
cuerpo dentro del campo de la Expresión Corporal y el
Teatro de Movimiento. En 1976 comenzamos a representar
dentro de un ámbito desconocido: El Teatro Gestual. A nuestra
escuela de expresión asistían bailarines, actores, pintores,
profesores y gente de todos los ámbitos. Era el boom de
la expresión corporal.
Después de más de 20 años de trabajo constante apareció
el yoga. En este caso, el yoga que me interesó, por aportarme
más elementos a todo mi trabajo anterior fue el Yoga
Iyengar. Para mí era un modo de abordar
el trabajo con el cuerpo y la respiración
con unas claves nuevas pero que en
el fondo guardaba mucha relación con
los principios básicos de una educación
corporal basada en la conciencia y el alineamiento.
Por una parte, esas diferencias
o "novedades" me llevaban a toparme
con límites corporales que no sabía
que existían; por otra, eran las similitudes
las que me atrapaban por su enfoque
diferente.
Me incomodaba bastante en el momento
porque sentía cosas nuevas que no
identificaba si me gustaban o no y a
dónde me podrían conducir. Pero nunca
olvidaré la sensación corporal que me
quedó al salir de la primera clase que
tomé. Era como si me hubieran dado un
masaje interno y me hubieran amasado
los tendones, los ligamentos y las vísceras.
Sentía que había trabajado con
mucha intensidad y en profundidad pero
sin cansarme o vaciarme, me sentía
renovada.
26 DEE
YOGA OGA IYENGAR
Por Helena Ferrari
Postura: SALAMBA SARVANGASANA
Algunas de sus similitudes consisten en articular el trabajo a
partir de las sensaciones propioceptivas con objeto de conseguir
un alto grado de conciencia corporal para llegar a
interiorizar el mundo del lenguaje corporal con el mundo
interno.
La primera diferencia era construir el cuerpo de una postura,
no de un movimiento. El trabajo físico del yoga se realiza
sobre la postura o asana, que es el nombre en Sánscrito.
La postura que surge de un gesto o movimiento es diferente
a la postura construida desde la postura. El trabajo con esas
cadenas cinéticas es distinto aunque anatómicamente sean
las mismas. En ambos mundos existe la forma y la acción
pero el yoga es de naturaleza restrictiva: se reduce el movimiento,
se reduce la actividad mental y se minimizan las
emociones como resultado de apaciguamiento del sistema
nervioso. El estado al que se llega es diferente.
Una característica singular de este yoga es que se usan
soportes muy variados para construir las asanas: sillas,
mantas, tacos de madera, cuerdas, cinturones para permitir
al practicante realizar las posturas con mayor precisión, más
intensidad y mayor soltura; al mismo tiempo que previene
posibles lesiones. Con el tiempo, ayudan a comprender
acciones que hay que realizar internamente y que son fundamentales
para crear espacios: empujes, direcciones, etc.
Entonces, ¿a quién va dirigido el
Yoga Iyengar? A todo aquel que
desee trabajar con precisión, con
intensidad y con mucha observación.
A partir de una intensa observación
de la postura que nos permite profundizar
y avanzar progresivamente,
vamos adecuándonos a las condiciones
y necesidades particulares estableciendo
un verdadero contacto con
la propia realidad, que es diferente
en cada momento y en cada etapa
de la vida; todo ello nos ayuda a
comunicarnos con nosotros mismos,
con nuestro estado físico, nuestros
sentimientos y nuestro ser más intimo.
La práctica continua del yoga puede
darnos a cambio muchas cosas.
Físicamente nos puede aportar fuerza
y flexibilidad, tonificar y alinear la
columna previniendo o eliminando

dolores de espalda, reducir las molestias
del síndrome premenstrual, la
menopausia, el insomnio, las digestiones
pesadas. Mientras huesos, articulaciones
y músculos van recuperando su
equilibrio de posición y movilidad,
poco a poco encontramos, también, un
equilibrio general; un equilibrio que va
trasportándose a todos los ámbitos de
la persona.
A lo largo de los años de estudio de
este sistema he ido confirmando que
mis propias conclusiones sobre la utilidad
de este sistema coincidían con
diferentes profesionales e investigadores
que se han interesado por el Yoga
Iyengar. Su óptica específica de entender
el Yoga ha aportando recursos a
otros sistemas de yoga, y contribuido
con sus descubrimientos a enriquecer
otras múltiples disciplinas.
Como "botón de muestra", cito tres
entre los innumerables ejemplos de
personalidades que han creado métodos
y disciplinas relacionados con el
cuerpo en nuestra cultura occidental,
que han reconocido la influencia del
yoga en su trabajo:
Gerda Alexander, creadora de la
Eutonía, un método para encontrar
el equilibrio correcto y armonioso
del movimiento y la unidad
psicofísica del hombre. (1)
Por Fredy Rodríguez
Joseph Pilates creador del método
Pilates que combina técnicas de
gimnasia, yoga y reeducación
postural. (2)
C. Stanislawski creador de un
método que sistematizó la técnica
de interpretación actoral, utilizó
determinadas pautas extraídas
del yoga para abordar el trabajo
corporal del actor. (3)
En diferentes países se está incorporando
como una asignatura más en los
estudios de danza y arte dramático.
También en España, progresivamente,
se está sintiendo esta necesidad y
empiezan a desarrollarse algunas iniciativas
en esta línea en centros oficiales.
El Yoga ha calado extraordinariamente
en nuestra sociedad porque es un conjunto
estructurado de conocimientos
donde los aspectos fisiológicos están
integrados dentro un vasto sistema filosófico.
En nuestra cultura occidental el
conocimiento se ha desarrollado sobre
todo desde lo racional y lo psíquico; el
ámbito de "lo corporal" ha permanecido
durante muchos siglos relegado de
los grandes avances de la ciencia y el
conocimiento. Por eso, este concepto
filosófico de la integración cuerpo-
DANZA EN ESCENA
mente ha sido recibido en occidente
como una nueva "piedra roseta" que
resolvía muchas incógnitas y contradicciones.
La influencia de Oriente ha sido decisiva
para el avance de la cultura occidental.
El arte, la ciencia, la filosofía,
la terapia, se han revitalizado. Hemos
tomado aspectos de esa sabiduría
milenaria creando nuevos métodos y
sistemas de conocimiento adaptados a
nuestra sociedad, a nuestra cultura y
psicología. Desgraciadamente no todas
las iniciativas están a la altura de las
circunstancias; hay algunos ejemplos
que, lejos de contribuir al avance, son
fruto de la charlatanería o la mercadotecnia,
o una mera imitación de formas
orientales sin sentido. Hay que mantenerse
alerta, para poder valorar los
diamantes del conocimiento cuando
están delante de nuestros ojos.
(1) "La eutonía". Gerda Alexander,
España, Paidós. 1983.
(2) "La fuerza del Pilates" Joseph Pilates.
Divisa Ediciones. 2002.
(3) "Stanislaswski and Ramacharaka: the
influence of yoga and turn-of-the-century
occultism on the system". Publicado
en Theatre Survey 47, 1. Mayo 2006.
DEE 27

fotodanza 2007
La Casa de la Danza organiza la primera edición del
CONCURSO DE FOTOGRAFÍA “fotodanza ”,
en el que se quiere unir si cabe aún más a estas dos disciplinas
artísticas: la fotografía y la danza.
El tema será libre, siempre teniendo como protagonista a la
danza. Se prodrán presentar un máximo de tres fotografías por
autor que formen parte de una serie.
El último día para la recepción de fotografías es el 2 de noviembre
de 2007. En Enero de 2008 se realizará una exposición con
las fotografías serleccionadas y se harán entrega de los premios.
Se enviarán por correo a:
Casa de la danza (fotodanza 2007)
Rua Vieja 25 - 26001 - Logroño (La Rioja)
Las bases del concurso se pueden encontrar en la pag. web de la
Casa de la Danza: www.casadeladanza.com
www.casadeladanza.com
La Casa de la Danza ya posee su página web colgada en internet. De
momento algunos apartados están en construcción, pero esperamos que
en breve, todas las personas interesadas puedan encontrar la información
que precisen sobre el mundo de la Danza. Por lo que agradecemos todas
las sugerencias e información referente a esta disciplina que puedan
enviarnos a casadeladanza@casadeladanza.com
28 DEE
¿QUÉ ES LA CASA DE LA DANZA?
Es un proyecto activo cuyo objetivo es acoger, estudiar
y difundir el arte de la Danza en cualquiera
de sus expresiones. Un espacio abierto y versátil,
que alberga: una biblioteca, una videoteca, un
amplio fondo sonoro y una sala de exposicionesmuseo
(colecciones permanentes y temporales)
donde los profesionales, los aficionados, los estudiantes
o los simples paseantes pueden descubrir
aspectos nuevos así como el profundizar en las
variadas técnicas y dimensiones de la propia
Danza.
Esta iniciativa, nacida al amparo de una
Asociación sin ánimo de lucro -En Escena- y con el
firme apoyo del Excmo. Ayuntamiento de
Logroño, también tiene que encontrar su verdadero
motor de funcionamiento en el decidido apoyo
social.
Haciéndote ''AMIGO DE LA CASA DE LA DANZA''
participarás en este proyecto cultural colaborando
en el mantenimiento de su estructura. La aportación
que tu elijas se canalizará hacia campos
puramente divulgativos de la Danza.
Para hacerte amigo de la Casa de la Danza
Ángel Corella, envía tu nombre dirección , teléfono,
y mail a La Casa de la Danza c/Rua Vieja
25, 26001 Logroño (LA Rioja)
*Todos los datos de esta solicitud serán tratados de forma
estrictamente confidencial. Y en cualquier momento
tienen derecho a acceder, rectificar o cancelar sus propios
datos (Ley Orgánica 15/1999 de 13 de Diciembre) escribiendo
a: C/Ruavieja, 25. 26001 Logroño. La Rioja.
ACTIVIDADES:
- La Casa de la Danza va a los colegios
para mostrar el ARTE DEL PASO A DOS
(Concertar visita en: 941.24.63.65)
- TARDES CON LA DANZA. Todos los
lunes, miércoles y viernes de 19h a 20h,
sesiones de danza en vídeo para disfrutar
de los fondos de la Casa.
VISITAS:
- Los escolares de primero, segundo, tercero
y cuarto de primaria pueden disfrutar de
los fondos del museo.
(Concertar en el teléfono: 941.246.365)
Días: martes y jueves
Horario: de 10 a 12.

MEDICINA Y DANZA
EL ESGUINCE DE TOBILLO EN LA DANZA (I)
Dada la importancia del tema,
vamos a dividir en dos partes este
trabajo. En la primera se analizarán
los aspectos anatómicos, biomecánicos,
la clasificación y las causas que
pueden originar esta lesión; en la
segunda parte se pasará revista a los
tipos de tratamiento, las secuelas, cronificación
de la lesión, etc.
ANATOMÍA Y BIOMECÁNICA DEL TOBILLO.
El tobillo está formado por las superficies
inferiores de la tibia (por dentro)
y del peroné (por fuera), y por el
astrágalo que está colocado por
debajo de las anteriores superficies.
Es decir, la tibia y el peroné forman
una "pinza" sobre el astrágalo (Fig. 1).
Esta articulación así constituida se
llama tibio-peroneo-astragalina y,
además de facilitar la transmisión del
peso, permite efectuar un movimiento
de flexión-extensión del tobillo. La
sujeción principal la proporcionan los
ligamentos laterales: ligamento lateral
interno (LLI), que está situado en la
cara interna del tobillo, y el ligamento
lateral externo (LLE), que lo hace en la
cara externa. Este LLE tiene tres bandas
o fascículos: anterior, medio y
posterior y es el ligamento que con
mayor frecuencia se lesiona.
Fig.1
Representación esquemática de la articulación
del tobillo.
Por Antono Díaz Pérez, médico especialista en Traumatología y Cirugía Ortopédica
CONCEPTOS GENERALES.
Los esguinces de tobillo son los accidentes
o lesiones más frecuentes,
tanto en la vida diaria como en el
deportista. También en el bailarín es
la lesión más habitual, y se produce
cuando éste cae y no se posa correctamente
en la postura de pointe o, en
el caso de las chicas, durante un
grand allegro.
En la posición de relevé o puntas, es
decir, en flexión plantar, el tobillo
tiene mayor movilidad lateral (Fig. 2)
y si a eso se añade que el pie tiene
menos base de apoyo, se entiende
que los esguinces de tobillo ocurran
con mucha más frecuencia en la cara
externa con el pie en flexión plantar
como hemos dicho anteriormente.
CLASIFICACIÓN.
Se han propuesto varias clasificaciones,
pero a nosotros nos parece la
más esquemática y la más fácil de
recordar la que a continuación detallamos.
- De tipo I o esguince benigno.
- De tipo II o de mediana gravedad.
- De tipo III o graves.
Los de tipo I son una simple distensión
que no compromete la estabilidad de
la articulación.
Los de tipo II son aquellos que el desgarro
del ligamento es mayor.
Los de tipo III es la rotura total de los
tres fascículos. A veces se asocian con
otras lesiones: óseas, osteocondrales
y tendinosas.
Esta clasificación no es sólo teórica,
pues del diagnóstico de gravedad
dependerá el tipo de tratamiento,
como veremos en el próximo artículo.
ETIOLOGÍA O CAUSAS DE LA LESIÓN.
El esguince de tobillo se puede producir
por múltiples causas, entre ellas:
- Existencia de pies débiles.
- Mal control del tobillo (músculos
peroneos débiles).
- Falta de control sobre determinadas
posiciones.
- Zapatillas inadecuadas. Siempre
se insistirá en esta cuestión.
- Suelos incorrectos.
- Pelvis inestables por una deformidad
de columna vertebral (cifosis/lordosis).
- Trabajar con tensión o falta de
calentamiento previo.
Fig.2
Algunas posiciones de los pies que pueden originar un esguince
de tobillo.
DEE 29

30 DEE
NUEVA COMPAÑÍA
BALLET DE ESPAÑA
Director Artístico:
ÁNGEL CORELLA
Ballet de España, es una compañía de nueva creación.
Situada en el Palacio de Santa Cecilia, prácticamente en la orilla
del embalse del Pontón Alto, en San Ildefonso. Será una
compañía internacional con repertorio tanto clásico, como
obras neoclásicas completas o trabajos contemporáneos.
Las audiciones para los primeros aspirantes tendrán lugar en
Madrid en el TEATRO REAL, los días 24, 25 y 26 de marzo y
en Barcelona en el GRAN TEATRO DEL LICEO los días 19, 30
y 31 de marzo.
Los chicos y chicas audicionarán para Cuerpo de baile y
Solistas por lo que se requerirá un alto nivel en técnica clásica.
©Rosalie O’conor
AGENDA DE FESTIVALES
ENE-FEB-MAR-07
16-01-2007 al 04-03-2007
MADRID:
FESTIVAL ANDALUCIA FLAMENCA
www.flamenco-world,com
21-01-2007 al 24-02-2007
BARCELONA:
FESTIVAL COMPLICITATS
www.lamekanica.com
29-01-2007 al 25-02-2007
FESTIVAL ESCENA
CONTEMPORÁNERA
www.escenacontemporanea.com
08-02-2007 al 11-02-2007
MADRID:
FESTIVAL ALTERNATIVO DE TEATRO,
MÚSICA Y DANZA
www.teatrotriangulo.com
23-02-2007 al 03-03-2007
(Fechas pendientes de confirmar)
NAVARRA:
FESTIVAL ESCENA
www.cfnavarra.es/danza
23-02-2007 al 10-03-2007
JEREZ:
IX FESTIVAL DE JEREZ
www.festivaldejerez.es
17-03-2007 al 04-04-2007
(Fechas pendientes de confirmar)
CARTAGENA (MURCIA):
MUDANZAS
www.ayto-cartagena.es
28-03-2007 al 23-04-2007
(Fechas pendientes de confirmar)
MADRID:
MADRID EN DANZA
www.madrid.org

libros libros libros
"EN BUSCA DEL DÉGAGÉ PERFECTO"
de Solange Lebourges
El manual que se presenta contiene la
traducción de los términos más usuales
en la práctica del ballet. La autora
pretende responder, con esta publicación,
a las dudas que tienen tanto los
maestros y estudiantes como aquellos
aficionados a esta disciplina en torno
al sentido en castellano del vocabulario
en cuestión. Incluye el significado
original o el de las palabras de las cuales
derivan estos términos, una explicación
gramatical y una transcripción
fonética de cada término.
"TERPSÍCORE EN BASKETS" (POST-MODERN DANCE)
de Sally Banes y traducido al francés por Dense Luccioni.
Rally Banes, profesora en la
Universidad del Estado de
Wisconsin y autora de numerosos
libros sobre danza produce en los
años 70 unas entrevistas con las
figuras más importantes de la disidencia:
Simona Forti, Ivonne Rainer,
Steve Paxton, Trisha Brown, David
Gordon, Deborah Hay, Meredith
Monk, Lucinda Childs, Kenneth
King, Douglas Dunn, algunos de
ellos estando también agrupados en
el seno de la Gran Unión, un colectivo
dedicado a la improvisación.
"ANTOLOGÍA DEL BAILE FLAMENCO"
de Manuel Ríos Vargas
Este es uno de los escasos y raros
libros, tratados o textos que nos hablen
sobre el baile flamenco. En él quedan
representados los más loables sentimientos
sobre esta faceta no menos
noble del Arte Flamenco, vertiente ésta
a la que no se le presta ni se le dedica
la atención que merece, aunque es el
baile el obtiene del respetable público y
de las masas el principal favor, más que
evidente en la actualidad, ya que está
muy por encima del cante y de la guitarra
en cuanto a espectacularidad y
divismo se refiere.
*Estos libros se pueden consultar en la biblioteca de la Casa de la Danza
Iniciación a la Danza
Ballet Clásico
Moderno
Body Control
Contemporáneo
Danzas Orientales
Somosierra 5 Bajo,
TELF/FAX : 941 244 469
Somosierra 19 - Logroño
Telf: 941 241 898
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32 DEE
C A L E N D A R I O
ENERO
11 al 28
Barcelona
DAVID CAMPOS y CIA STA. COLOMA DE
GRAMENET
Treatro Condal
29 A31
Cornella (Barcelona)
CIA DE DANSA COTTON
Teatro Municipal
FEBRERO
1 al 4
Zaragoza
VICTOR ULLATE
BALLET
Teatro Principal
1 al 4
Barcelona
CAROLYN CARLSON
Mercat des Flors
1 al 4
Valencia
LA COJA DANSA
Carme Teatro
2
Santa Pola
PATAS ARRIBA
Casa de Cultura
2 y 3
Sevilla
SHEN WEI DANCE ARTS
Teatro Central
2 y 3
Toledo
RAFAEL AMARGO
Teatro de Rojas
3
Móstoles
CRUCETA FLAMENCO
Teatro Bosque
2 al 4
Logroño
BALLET DE LANZHOU
Riojaforum
4
Logroño
EL BALLET DE LEIPZIG
Teatro Bretón
6 al 11
Madrid
ANTONIO CANALES
Teatro Gran vía
6 al 25
Madrid
JULIO BOCCA
Teatro Albéniz
6 al 10
Leganés
CND2
Auditorio Padre Soler
7 al 18
Barcelona
DAVID CAMPOS y CIA STA. COLOMA DE
GRAMENET
Treatro Condal
8 y 9
Sevilla
MAL PELO
Teatro Central
8 a 11
Madrid
BALLET NACIONAL DE PORTUGAL
Teatro de Madrid
8 a 11
Barcelona
SOCIETAT DR. ALONSO
TOMÀS ARAGAY
SOFIA ASENCIO
Mercat des Flors
9
Ronda (Málaga)
EVA BERTOMEU
BOJNAMI DANZA Y CIA
FERNANDO HURTADO
Teatro Vicente Espinel
14
Albacete
LAURA HORMIGÓN
OSCAR TORRADO
ELENA DE LA MERCED
JOSÉ FERRERO
Teatro Circo
15 a 17
Bilbao
LUCÍA LACARRA Y LAS ESTRELLAS DE LA
ÓPERA DE MUNICH
Teatro Arriaga
17 y 18
Bilbao
BLANCA ARRIETA
Fundición Aretoa
22/02 al 04/03
Barcelona
CIA GELABERT AZZOPARDI
Espai Liure
23
Logroño
CIA MARIA PAGÉS
Teatro Bretón
23 al 25
Barcelona
ISRAEL GAVÁN
Mercat des Flors
24
Almería
ANGEL CORELLA Y LAS ESTRELLAS DEL AMER-
ICAN BALLET
Auditorio Maestro Padilla
24/02 al 4/03
Madrid
ARRIERITOS
Tearo de Madrid
25
Sevilla
TAMARA ROJO Y ESTRELLAS DEL ROYAL BAL-
LET
Maestranza
25
Málaga
JOSÉ CARLOS MARTÍNEZ Y LAS ESTRELLAS DE
LA ÓPERA DE PARÍS
Teatro Cervantes
28/02 al 7/03
Madrid
CND
Teatro Real
MARZO
2
Tui ( A Coruña)
CCG- Vacuo
Teatro Municipal
2
Almería
BALLET MADRID
Auditorio Maestro Padilla
2 al 4
Sevilla
BALLET NACIONAL DE MARSELLA
Teatro de la Mestranza
4
Cullera (Valencia)
EVA BERTOMEU
BOJNAMI DANZA Y CIA
FERNANDO HURTADO
Casa de Cultura
5 al 8
Algemesi (Valencia)
PATAS ARRIBA
Teatro Municipal
7
Logroño
JULIO BOCCA Y
EL BALLET ARGENTINO
Teatro Bretón
10 y 11
Bilbao
JUAN DOMINGUEZ
AMALIA FERNANDEZ
Fundición Aretoa
11
Elda (Alicante)
MARCO VARGAS Y CHOHÉ BRÛLÉ
Teatro Castelar
13
Alicante
JULIO BOCCA Y EL BALLET ARGENTINO
Teatro Principal
24 y 25
Logroño
VICTOR ULLATE
BALLET
Teatro Bretón
24 y 25
Granada
MARCO VARGAS Y CHOHÉ BRÛLÉ
Teatro José Tamayo
27
Málaga
MARIA PAGÉS
Teatro Cervantes
28 y 29
Vitoria
VICTOR ULLATE
BALLET
Teatro Principal
29 a 31
Barcelona
ALAIN PLATEL Y
LOS BALLETS C. DE LA B.
Mercat des Flors
30
Aldaia (Valencia)
ANANDA DANSA
Teatro Auditorio Municipal
31/03 al 4/04
Madrid
SYLVIE GUILLEN Y RUSSELL MALIPHANT
Teatro Real
Ilustración: Sol Undurraga

Vitrinas abiertas: Juanjo Linares
Por Ana Isabel Elvira, Historiadora de Danza
No es fácil condensar en tan poco espacio una carrera artística
y de magisterio tan larga en el tiempo, y tan plagada
de actividades, pero basta saber que nombrar a Juanjo
Linares significa hacer referencia a una de nuestras mayores autoridades
en lo que a danza tradicional se refiere.
A lo largo de su trayectoria profesional ha bailado junto a una lista
tan extensa de compañeros que sería imposible nombrar en este
pequeño rincón de la memoria a todos ellos, y también ha sido
miembro de un ingente número de compañías, entre las cuales
cito, sólo porque son más conocidas, el Ballet Español de Rosario,
la Compañía de Antoñita Moreno, el Ballet de Mariemma, el
Ballet Español de Pilar de Oro y Alfredo Gil y el Ballet Español de
María Rosa, entre muchos otros.
Pero la aportación de Juanjo Linares a la danza no ha quedado
reducida -ni mucho menos- a su faceta de artista, sino que se ha
ampliado con creces a través de la enseñanza y de la coreografía.
A ello se debe añadir el haber sido emprendedor y fundador de
una generosa cantidad de grupos dedicados a la danza tradicional,
no sólo en su tierra de origen, Galicia, sino en cualquier villa,
pueblo o ciudad que ha mostrado interés por este tipo de iniciativas.
Porque este incombustible maestro, todavía en activo, ha recorrido
toda España recopilando las danzas que sus habitantes han
aprendido, practicado y transmitido de padres a hijos o de nietos
a abuelos, y esa iniciativa ha permitido que muchas de ellas hayan
pervivido hasta nuestros días.
Su privilegiada memoria le ha ayudado a recordar y mantener
vivas todas esas costumbres tradicionales que dan sentido y nos
hacen comprender la danza que el pueblo ha practicado desde el
origen mismo del hombre. Gracias a ello y a su generosa entrega
como profesor, todos los que en algún momento han querido
acercarse a cualquiera de sus múltiples cursos y conferencias han
salido gratamente satisfechos de los mismos. Pero además, para
facilitar el conocimiento y la divulgación de la danza tradicional,
Juanjo Linares ha contribuido escribiendo algunos textos, entre los
cuales el más conocido es O baile en Galicia.
Inquieto y exigente, ha dedicado gran parte de su vida no sólo a
recopilar danzas, sino a investigar sobre ellas, sobre su origen, su
transmisión, su sentido y su actual conservación, buscando siempre
la veracidad en sus mensajes. Por todo ello ha sido reconocido con
premios, diplomas, medallas y homenajes, además de formar
parte de jurados en un sinfín de concursos y ser miembro de prestigiosas
instituciones ligadas a la danza tradicional.
No quisiera terminar este exiguo perfil sin dejar de citar su faceta
de coleccionista de trajes, amen de todo tipo de objetos relacionados
con la indumentaria tradicional española. En su afán por darlos
a conocer, organiza exposiciones allí dónde se lo permiten. Con
el tiempo esta colección se guardará en un museo propio ubicado
en su localidad natal, Órdenes, y se convertirá en un gran un tesoro
para todos, no lo duden.
DANZA EN ESCENA
En el museo de la Casa de la Danza se
puede ver:
“El traje de Juanjo Linares “
Foto: Danza en Escena
DEE 33

34 DEE
Breves
LAURA HORMIGÓN Y ÓSCAR TORRADO HAN SIDO INVITADOS A
BAILAR "LA BAYADERA" EN RUSIA EN MARZO DE 2007
Danzarte Ballet
Después del éxito que han cosechado con sus
representaciones de "El Lago de los Cisnes" y
"Don Quijote" los pasados días 29 y 31 de
octubre con el Ballet de la Ópera de
Ekaterimburgo, Laura y Óscar han sido invitados
a bailar "La Bayadera" en el Festival
Nureyev del próximo mes de marzo.
La coreografía es del prestigioso georgiano V.
Chabukiani, que fue bailarín estrella del Kirov
de 1929 a 1941. Durante su estancia en el
Kirov realizó notables coreografías y se convirtió
en el referente para R. Nureyev a lo
largo de su carrera. Esta es una gran producción
en la que destaca el lujo y la majestuosidad
de vestuario y escenografía, y que sólo
puede ser asumida por una gran compañía. El estreno de La Bayadera
supondrá un nuevo ballet en el amplio repertorio de esta pareja de
bailarines españoles y que les permitirá interpretarlo, hasta ahora pendiente
en su magnífica carrera profesional.
Con la interpretación de La Bayadera será la quinta vez que Laura y
Oscar bailen en Rusia, en ocasiones anteriores han bailado Don
Quijote y El Lago de los Cisnes.
PREMIOS DEL CERTAMEN BILBAO PARA JÓVENES BAILARINES
Iratxe de Atantzibia
La Asociación Bilbao Ballet Elkartea (ABBE) hizo entrega de los galardones
correspondientes a la primera edición del certamen Bilbao para
Jóvenes Bailarines, en el transcurso de una multitudinaria cena en el
Hotel Carlton de la capital vizcaína. El acto de entrega tuvo lugar el pasado
día 20 de enero y estuvo encabezado por Mª Carmen Fernández,
presidenta de ABBE. Durante el ágape, se proyectó la actuación de las
ganadoras, en el concurso que acogió el Teatro Arriaga el pasado día 12
de noviembre, cuyo objetivo es potenciar la enseñanza de las escuelas de
danza, mediante este certamen de jóvenes bailarines de edades comprendidas
entre trece y dieciséis años. En primer lugar, quedó Sara
Etxebarri, quien, con trece años, se comió el escenario con su pieza flamenca
"Alegría de Cádiz", lo que le valió un premio de 1.000 euros y la
invitación a participar en la 2ª Gala "Los vascos y la danza", prevista para
el próximo mes de junio. Con una obra neoclásica, "Arañas", Haizea
Paris, de la misma edad que la vencedora, se alzó con la segunda posición,
premiada con 600 euros. Efigenia Cervera, de dieciséis años, obtuvo
la tercera plaza por su interpretación de "Las Sylphides", galardonada
con 300 euros. La dotación económica de los galardones se destinará
íntegramente a la formación de las ganadoras.
JOSE CARLOS MARTÍNEZ PREMIO DE LAS ARTES Y DE LA CIENCIA DE
MURCIANOS DEL MUNDO.
El bailarín español José Martínez, para nosotros José Carlos Martínez,
bailarín Estrella del Ballet de la Ópera de París ha obtenido el galardón
de las Artes Escénicas y la Música como Murciano del Mundo. Este
galardón ha sido recogido por el artista el pasado 18 de enero en el
transcurso de un acto organizado en Madrid.
"José Martínez y los Bailarines de la Ópera de París", formación liderada
por este cartagenero actuarán próximamente en España.
NUEVO CONSERVATORIO PROFESIONAL DE
DANZA DE SEVILLA “ANTONIO RUIZ SOLER”
Ana Isabel Elvira
Hay muchas maneras de guardar en la memoria
colectiva los nombres de aquellos que han dejado su
huella en la construcción de nuestra sociedad, pero
quizá la más productiva es la de hacerles pervivir en
el tiempo a través de los niños y los jóvenes, nuestro
futuro a medio y largo plazo. Así han debido de
entenderlo en el Conservatorio Profesional de Danza
de Sevilla, cuyos responsables han decidido homenajear
al prestigioso bailarín Antonio Ruiz Soler, bautizando
ese centro con su nombre.
Se trata de una encomiable iniciativa que tuvo lugar
en el mes de noviembre del pasado 2006, y que estuvo
acompañada de una serie de actividades en las
que se acercó la vida y la obra de este bailarín y coreógrafo
a los alumnos del centro. Entre los actos tuvo
lugar un emotivo encuentro con tres prestigiosas bailarinas
que trabajaron con Antonio, Carmen Rojas,
Aurora Pons y Betty, y que accedieron a compartir sus
recuerdos con estos jóvenes que pugnan por convertirse
en los futuros protagonistas de la danza.
NUEVA DONACIÓN PARA EL MUSEO DE LA CASA DE
LA DANZA "ÁNGEL CORELLA"
Los responsables de la compañía
Ballet Español "Los
Goyescos" (1970), Emilio
Fernández (bailarín) y Manolo
Arrabal (bailarín y coreógrafo),
anunciaron la donación de un
traje del repertorio de su compañía
que perteneció a Carmen
Amaya para los fondos del
museo de la Casa de la Danza.
Durante muchos años, este traje
ha sido el centro de algunos espectáculos creados
por estos dos profesionales de la Danza Española.
Agradecemos este generoso acto y procuraremos
guardarlo y exhibirlo para que las nuevas generaciones
de futuros bailarines y los amantes de este
arte puedan tener un referente de la personalidad
artística de Carmen Amaya.
ADIOS A UNA GRANDE DE LA DANZA
La danza mundial está de luto por la desaparición de
Josefina Méndez, víctima de un cáncer este mes de
enero. Josefina Méndez ha sido una de las más notables
artistas de Cuba y América Latina. Su baile al
igual que el de la Alonso, el de Loipa, el de Mirta...;
que el canto de Joan Sutherland y Esther Borja, o que
la poesía de la Loynaz son los remedios infalibles contra
la tristeza o la preocupación. Todos los que aman
la danza experimentan un tremendo dolor por la desaparición
de esta artista ella de talla mundial.

ANGULO
Dr. Múgica, 22
Telf: 941 22 39 39
LOGROÑO - LA RIOJA