APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES

UNAAPROXIMACIÓN
ALOSGÉNEROSMUSICALES
DELSIGLO XX
Delosprecursoresdelamúsicapopular
alrockdeltercermilenio

UNAAPROXIMACIÓN
ALOSGÉNEROSMUSICALES
DELSIGLO XX
Delosprecursoresdelamúsicapopular
alrockdeltercermilenio

LicenciaCreativeCommonsAtribuciónCompartirIgual3.0

Índice
1. Introducción …………………………………
2. Pensamientos ……………………..…………
3. La Música Popular ……………………...
Origenes, Siglo xx, El Jazz, el ragtime, el blues, La
canción popular clásica, El pop y el rock, Género
musical, Clasifcación académica de los géneros
musicales, Clasifcación por función, Clasifcación
por instrumentación, Los géneros musicales en la
música actual, Música culta, Música folclórica o
tradicional, Música popular-Clasifcación de los
generos de la músicapopular-Problemática de la
clasifcación.
4. Música afroamericana …………………..
4.1. Blues ……………………………..
Boogie-Woogie, 24.-Jump blues, 24.-Blues
rock, 24.-Country blues, 24.
4.2. Funk ……………………………..
4.3. Góspel ……………………………
4.4. Rap / Hip-Hop …………………..
West coast rap, East coast rap, Crunk,
Gangsta, Freestyle rap, G-funk, Jazz rap,
Rap conciencia, Hip hop hardcore, Miami
bass, Darkness depresivo, Horrorcore, Death
rap, Rap alternativo, Rap político, Nerdcore,
Electro hop, Pop rap, Comedy hip hop,
indie hip hop,
4.5. Rhythm and blues (R&B) ………..
Boo wop,
4.6. R&B Contemporáneo ……………
New jack swing, Quiet storm,
4.7. Reggae ……………………………
Skinhead reggae, Roots reggae, Reggae
fusión, Raggamufn, Lovers rock, 24.-
Dancehall, Dub.
15
19
23
37
44
72
82
88
139
149
156

4.8. Rocksteady ……………………….
4.9. Ska ……………………………….
4.10. Soul …………………………….
5. Jazz …………………………………….
Acid jazz, Avant-garde jazz, Be bop, Post-bob,
Hard bop, Cool jazz, Dixieland, Free jazz,
Jazz funk , Jazz fusion, Jazz modal, Jazz rock,
Latin jazz, New Orleans jazz, Nu jazz,
Ragtime, Smooth jazz, Swing
6. Pop ……………………………………
6.1. Adult contemporany ……………..
6.2. Bubblegum pop ………………….
6.3. Canción de autor …………………
6.4. Canción melódica ………………..
6.5. Country pop ……………………..
6.6. Crossover clásico …………………
6.7. Dance-pop ……………………….
6.8. Europop ………………………….
6.9. Indie pop …………………………
Twee pop
6.10. Italo disco ……………………….
6.11. Música beat ……………………..
6.12. New wave ……………………….
Synth pop (Techno pop), New romantic
6.13. Pop barroco ……………………..
6.14. Pop latino ……………………….
Tropipop
6.15. Post-disco ……………………….
6.16. Power pop ………………………
Jangle pop,
6.17. Sophisti-pop …………………….
6.18. Sunshine pop ……………………
6.19. Teen pop ………………………..
6.20. Surf pop …………………………
6.21. Traditional pop ………………….
7. Rock
7.1. Country rock ……………………
Rock sureño.
7.2. Folk rock ………………………..
7.3. Garage rock ……………………..
7.4. Glam rock ………………………
161
163
169
179
217
220
221
222
224
226
226
228
231
232
236
241
242
263
264
268
269
271
271
272
275
278
283
301
309
313
323

7.5. Gothic rock ……………………..
7.6. Hard rock ……………………….
7.7. Heavy metal …………………….
Trash metal, Metal sinfónico, Metal
neoclásico, Speed metal, Glam metal, Doom
metal, Death metal, Black metal, Metal
progresivo, Rap metal, Folk metal, Funk
metal, Nu metal, Metal extremo, Postmetal,
Sludge metal, Power metal, Avantgarde
metal, Viking metal.
7.8. Piano rock ………………………
7.9. Pop rock ………………………..
7.10. Post-rock ………………………
7.11. Proto-punk …………………….
7.12. Punk rock ……………………..
Hardcore punk, Anarcopunk, Art punk,
Synthpunk, Dance punk, folk punk, Gaelic
punk, Garage punk, Deathrock,
Horrorpunk, Oi!, Punk funk, No wave,
Cowpunk, Punkabilly, Reggae punk, Pop
punk, Post-punk, Psychobilly, Punk blues,
ska punk, Skate punk, Punk metal.
7.13. Rock against communism ……..
Hatecore
7.14. Rock alternativo ……………….
Grunge, Britpop, Indie rock, Rock
industrial, Rock mestizo, Dream pop, Noise
pop, Noise rock, Shoegazing, Sadcore,
College rock.
7.15. Rock and roll ………………….
Rockabilly
7.16. Rock cristiano …………………
7.17. Rock electrónico ………………
7.18. Rock instrumental …………….
Surf rock
7.19. Rock latino ……………………
Rock brasileño
7.20. Rock progresivo ……………….
Krautrock, Zeuhl, New prog.
7.21. Rock Psicodélico ………………
Acid rock, Space rock.
329
335
341
363
364
365
369
371
380
381
395
398
402
403
411
417
430

7.22. Rock urbano …………………..
7.23. Soft rock (AOR) ………………
8. Música electrónica …………………...
8.1. Dance ……………………..…….
Eurodance, Italo dance, House, Techno,
Trance, Drum and bass, Jungle, Dubstep,
Breakbeat, Hardcore techno, Hi-RNG,
IDM.
8.2. New age ……………………….
8.3. Downtempo …………………...
Chillo ut, Trip hop.
8.4. Ambient ……………………….
8.5. Wonky ………………………….
Dark ambient
8.6. Minimal ………………………..
Electro minimal
8.7. Electronic body music ………….
8.8. Futurepop ………………………
8.9. Chiptunes ………………………
8.10. Drag …………………………..
8.11. UK Garage ……………………
2 step, Grime.
8.12. Electro ………………………..
Trap
8.13. Indietrónica …………………..
8.14. Industrial ……………………..
Noise, 24.
9. Música latina ………………………
10. Música de Variedades ……………….
10.1. Cabaret ………………………..
Dark cabaret, 24.
10.2. Cuplé ………………………….
10.3. Music hall ……………………..
10.4. Vodevil ………………………..
10.5. Revista ………………………..
10.6. Easy listening …………………
11. Músicas del mundo (World music)….
11.1 Occidental ……….
Música folk, Country, Flamenco, Copla,
Chanson, Fado, Schlager.
438
443
449
463
470
472
473
478
479
480
484
485
486
488
489
494
495
505
541
541
542
546
549
551
553
557
561

11.2. Músicas de África …………
Música del Gran Oriente Medio, Música
africana subsahariana.
11.3. Músicas de Asia …………..
J-Rock, J-Pop, Enka, C-pop, 24.-K-pop,
Fijmi, Pop indio, Raga rock, Gamelán.
12. Epílogo ………………………..
Bibliografía …..................................
590
594
601
602

Dedicado a los que hacen de la música
un argumento imprescindible.
13

14

1. INTRODUCCIÓN
Desde que el progreso y los nuevos avances tecnológicos
revolucionaron la forma de consumir la música, ha sido una
sensación tal que la hemos percibido como si el tiempo se
escurriera de las manos inexorablemente.
Efectivamente, la música ha seguido un proceso cargado
de velocidad. Un vértigo semblante al producido por el progreso
en general, especialmente en el pasado siglo.
Consecuencia de todo ello son algunos hechos esenciales
que han volteado por completo la forma de entender, interpretar y
consumir el producto musical. Hechos tales como la
interpretación y la escucha musical más allá de la educación
propiamente académica.
El siglo XX comienza con una situación fundamental: La
interpretación y composición ahora va a realizarse también por
personas con una educación musical no académica.
Otro aspecto esencial va ligado a los nuevos avances
tecnológicos capaces de grabar las interpretaciones musicales. A
partir de ese momento, la música se convierte en un producto con
una fnalidad esencialmente comercial.
La música va a pasar a difundirse por los medios de
comunicación de masas, suceso que marcará el fulgurante devenir
de la música popular hasta nuestros días.
Un intenso trayecto que comienza con estilos precursores
del rock (Jazz, Gospel, Blues, Country…) y que va evolucionando
15

hasta los estilos más actuales (Punk-pop, Un-Metal, New Alt-
Rock…), propios ya de los primeros años del tercer milenio.
Un recorrido trepidante que tiene numerosos puntos de
anclaje. Digamos Rock’n Roll, guateques e ídolos Tenn, Beat,
Rhym’n Blues, Folk, Country Rock, Rock-Pop, Surf, Soul,
Psicodelia, Fusión, Hard Rock, Glam Rock, Funk, Disco, Punk,
Break-dance, Heavy y Pop Rock de los ’80, El Rock
independiente, Rap, Hip-Hop, Canción de Autor, los DJ’s…
Tantas manifestaciones y estilos que difcultan su
clasifcación. Tantos subgéneros y subjetivismo al respecto, que se
hace complicado abarcar tanta información.
Esta publicación, aparte de organizar y enumerar
responde también a una fnalidad inherente en la propia obra, dar
una adecuada aproximación a la Historia de la Música Popular en
el Siglo XX.
Así pues, la pretensión ha sido muy clara: intentar asumir
el papel de recolector y reorganizador de una extensa información
para facilitar su consulta en papel impreso.
El libro atiende a un guion que va desgranando los
diferentes géneros y subgéneros en función del origen, localización
o características fundamentales. Por consiguiente los grupos
objeto de desarrollo son la Música Afroamericana, Jazz, Rock,
Pop, Música Electrónica, Música Latina, Música de Variedades y
World Music.
Y todo ello precedido de un capítulo dedicado a clarifcar
una serie de conceptos que es aconsejable puntualizar para una
mayor comprensión del tema. Ideas tales como La música popular
clásica y la música popular del siglo XX, estilo musical y género
musical, diferenciación entre la música culta, tradicional y
popular…
En defnitiva, unos contenidos lo sufcientemente
extensos y estructurados con la fnalidad de facilitar el manejo de
16

la información. Una selección que pretende, como fn último, dar
una visión de conjunto de una época apasionante de la Historia de
la Música. Y enfatizar la estrecha relación existente entre las
particularidades propias de cada momento histórico y social, las
singularidades de cada género, desde su origen hasta sus
infuencias más evidentes, y el vértigo que supone la subjetividad
del fenómeno musical para acoplarse a tantas sensibilidades y
formas de entenderlo en un periodo tan corto de tiempo y en
continua evolución tecnológica.
Esperando pues, que encuentres distracción y utilidad en
cada página de esta publicación, os dejamos con el extenso cuerpo
de la recopilación reafrmando aquello de que “La vida sin música
sería un error”.
17

18

2. PENSAMIENTOS
“La música es amor buscando palabras”
Lawrence Durrell
“La música puede cambiar el mundo porque puede cambiar a las personas.”
Bono (U2)
“La música expresa lo que no puede ser dicho y aquello sobre lo que es
imposible permanecer en silencio”
Victor Hugo
“Hasta cierto punto, la música ya no es mía, es tuya.”
Phil Collins
“La música es la taquigrafía de la emoción”
Leon Tolstoi
“El ritmo y la armonía encuentran su camino hacia el interior del alma.”
Platón
“Cuando la música te alcanza, no sientes dolor.”
Bob Marley
“La música hincha el temperamento”
Jim Morrison
“Me gusta que las melodías bonitas me cuenten cosas terribles.”
Tom Waits
19

“La música puede dar nombre a lo innombrable y comunicar lo
desconocido.”
Leonard Bernstein
“La música constituye una revelación más alta que ninguna flosofía.”
Beethoven
“El rock es una piscina, el jazz es todo un océano.”
Carlos Santana
“Los músicos no se retiran; dejan de tocar cuando ya no hay más
música en ellos.”
Louis Armstrong
“La música es poderosa; según la gente la escucha, es afectada por ella.”
Ray Charles
“Los críticos ven la música y oyen la pintura”
Valeriu Butulescu
“La música es un eco del mundo invisible.”
Giuseppe Mazzini
“El que escucha música siente que su soledad, de repente, se puebla.”
Robert Browning
“Componer no es difícil, lo complicado es dejar caer bajo la mesa las notas
superfuas.”
Johannes Brahms
“Todos los escritores que conozco preferirían ser músicos.”
Kurt Cobain
“Sin música, la vida sería un error.”
Friedrich Nietzsche
20

3
LAMÚSICAPOPULAR

LA MÚSICA POPULAR
3. 1. LA MÚSICA POPULAR
La música popular comprende un conjunto de géneros
musicales que resultan atractivos para el gran público y que generalmente
son distribuidos a grandes audiencias a través de la industria de la
música. Esto está en contraste tanto con la música culta como con la
música tradicional, las cuales normalmente se difunden por vía
académica o por vía oral, respectivamente, a audiencias más minoritarias.
Frente a la música tradicional o folclórica, la música popular no
se identifca con naciones o etnias específcas sino que tiene un carácter
internacional. Entre los géneros más representativos de la música popular
de nuestro tiempo se pueden destacar el pop, el rock, el hip hop y la
música electrónica, entre otros.
Otras denominaciones que recibe a veces la música popular son
«música ligera» o «música pop», aunque no son muy adecuadas al tener
ya otros signifcados más restrictivos. Por otro lado, «música popular» se
ha empleado en ocasiones históricamente para referirse a lo que
actualmente conocemos como música folclórica o tradicional, un uso
que todavía pervive en algunos contextos. Para evitar confusión con este
último sentido, a veces se emplea la expresión «música popular
moderna», o simplemente «música moderna».
El musicólogo y especialista en música pop Philip Tagg defne
el concepto a la luz de los aspectos socioculturales y económicos: "La
música popular, a diferencia de la música culta, es concebida para ser
distribuida de forma masiva, y frecuentemente a grupos grandes y socio
culturalmente heterogéneos. Es distribuida y almacenada de forma no
escrita. Sólo es posible en una economía monetaria industrial donde se
convierte en una mercancía y, en sociedades capitalistas, sujetas a las leyes del
libre mercado, según la cual idealmente debe vender lo más posible, de lo
menos posible, al mayor precio posible".
Para Cristopher Mardorf, un enfoque común para defnir la
música popular es vincular su popularidad con la escala de la actividad,
como la venta de partituras o grabaciones. Este enfoque tiene un
problema, ya que las audiciones repetidas no se cuentan, la profundidad
de la respuesta no se constata, audiencias socialmente diversas son
tratadas como un mercado conjunto y no hay diferenciación entre los
estilos musicales. Otra forma de defnir la música popular es vincular su
popularidad con los medios de difusión correspondientes. Sin embargo,
esto es problemático, ya que todo tipo de música, desde el folk hasta lo
más vanguardista, están sujetos a la mediación de masas. Un tercer
enfoque para defnir la música popular es a base de un grupo social, ya
23

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
sea una audiencia masiva o una clase social particular (lo más a menudo,
aunque no siempre la clase obrera), un enfoque que es problemático
porque las estructuras sociales no pueden ser simplemente sobrepuesto
sobre estilos musicales. Estos tres enfoques son muy parciales y estáticos
también. Además, la comprensión de la música popular ha cambiado
con el tiempo.
Orígenes
Hasta fnales del siglo XVIII, en Europa, las dos grandes
corrientes musicales que había eran la que actualmente conocemos como
música clásica, de tradición escrita y vinculada a la aristocracia, y la
música folclórica (por entonces música popular), de tradición oral y
vinculada a una población fundamentalmente rural.
Esta dualidad artística, que no hacía sino refejar la clara
división social y cultural del público, empezará a cambiar con el
desarrollo de la Revolución Industrial. En países como Reino Unido y
Francia, el crecimiento de las ciudades, la burguesía y el forecimiento de
una clase media urbana interesada en la cultura, promueven la aparición
de espectáculos músico-teatrales dirigidos a este público. Estos
espectáculos se representarán de forma regular en lugares como las
tabernas, jardines y salones de baile de Londres, o los teatros y los caféconcert
de París, y serán el caldo de cultivo para la creación y divulgación
de canciones y otras composiciones que irán conformando una nueva
corriente, la música popular urbana. Los primeros espectáculos de este
tipo son el ballad opera y el music hall en el Reino Unido, el teatro de
variedades y el vaudeville en Francia, y un tiempo después el minstrel
show en EEUU. A éstos se sumarían en las siguientes décadas nuevos
formatos de espectáculos de variedades como el cabaret, la revista, el
burlesque, etc.
Junto a este desarrollo del mundo del espectáculo se produce
también un progresivo acercamiento de la música a los hogares de la
gente, basado por un lado en el abaratamiento de los instrumentos
musicales, y por otro en una disponibilidad cada vez mayor de partituras
creadas para el consumo doméstico. Este nuevo mercado permitió que
muchos compositores, que en épocas anteriores sólo podían trabajar bajo
el encargo de una institución religiosa o como empleados de una corte o
un importante mecenas, pudieran ahora convertirse en profesionales
liberales. Sus creaciones serán comercializadas por editoras musicales que
se encargarán también de tutelar los derechos de la composición.
Ejemplos de estas creaciones se pueden encontrar en los lieder alemanes
24

LA MÚSICA POPULAR
de Schumann o las canzonette italianas de Donizetti, para voz y piano, en
las cuales hay a menudo una estructura similar a la de muchas canciones
pop modernas. Un fenómeno similar ocurre en EEUU con la industria
musical del Tin Pan Alley -con fuertes raíces en folclore angloamericanoy
su autor más conocido, Stephen Foster.
Por último, en la segunda mitad del siglo XIX también cobra
fuerza la ópera ligera u opereta, primero en París (con fguras como
Jacques Ofenbach y su popular cancán), después en Viena (de donde
surgieron los famosos valses de los Strauss) y Londres. En España
también se practicó el género de la opereta, bajo el nombre de zarzuela.
Siglo XX
Aunque los estilos de música popular del XIX seguirán
teniendo vigencia durante el siglo XX (especialmente en la primera
mitad), el nuevo siglo se va a ver sacudido por dos grandes movimientos
musicales de repercusión internacional: el jazz (en la primera mitad del
siglo) y el rock (en la segunda mitad). Ambos tienen su origen en EEUU
y ambos están fuertemente infuidos por la música de la población negra.
El jazz, el ragtime, el blues
A comienzos de siglo XX, en EEUU, empiezan a difundirse
entre la población urbana diversos géneros musicales derivados de las
tradiciones populares de los africanos que habían llegado como esclavos
al continente, infuidas ahora por las tradiciones musicales blancas.
Nacen y adquieren notoriedad de este modo el ragtime, el blues urbano
(derivado del blues primitivo que era cantado en el rural), y fnalmente,
el jazz, que combinaba la música de banda y de desfles que venía
sonando sobre todo en Nueva Orleáns, con fuertes dosis de
improvisación y con particulares características rítmicas y estilísticas.
La invención del fonógrafo primero, y de la radio después,
permiten una difusión sin precedentes de estos nuevos géneros musicales,
que eran a menudo interpretados por músicos autodidactas mucho más
ligados a una tradición musical que no a la literatura musical. Este
hecho, el origen no europeo de los intérpretes, y el citado recurso a la
improvisación, contribuyeron a crear una música de gran frescura y
vitalidad. Al contrario de aquello que había sucedido tantas veces en la
historia de la música, la tecnología ofrecía ahora a una música popular
fundada más sobre la práctica que sobre la escritura la oportunidad de ser
trasmitida y heredada en vez de ser olvidada.
25

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
La música jazz continuó desarrollándose durante todo el siglo
XX, llegando a ser una música de gran consumo en los años 20, 30 y 40,
principalmente en América, pero también en Europa. Especial
popularidad alcanzó el estilo del swing, de la mano de compositores y
directores de orquesta como Benny Goodman o Glenn Miller. Al mismo
tiempo, la canción popular norteamericana (en voces como la de Bing
Crosby y más tarde Ella Fitzgerald o Frank Sinatra) se vio fuertemente
infuida por las aportaciones estilísticas del jazz. Esta infuencia alcanzaría
más tarde también al rock, a través del rhythm and blues. A partir de los
años 40 y 50, junto al declive de las formas más populares de jazz,
empezaron a surgir subgéneros más complejos y disonantes (como el
bebop o el cool jazz), que hicieron que el género jazzístico se fuera
volviendo una "música para músicos" y para entusiastas (cuando no para
élites). No obstante, los viejos clásicos del jazz no desaparecerían ya
nunca del repertorio popular, convirtiendo a este género en una de las
mayores aportaciones musicales del nuevo continente.
La canción popular clásica
Los estilos de la música popular occidental del siglo XIX, que se
nutrieron tanto de fuentes cultas como folclóricas, siguieron su
desarrollo en el siglo XX paralelamente a la aparición de las nuevas
corrientes como el jazz o el rock.
Hasta la década de 1960, en el terreno vocal prevaleció la
canción ligera popularizada por los espectáculos de variedades y por los
comienzos de la radio y del cine sonoro, conservando ciertos caracteres
propios en cada país. Así ocurrió con el pop tradicional estadounidense
(con creaciones de Cole Porter, George Gershwin o Irving Berlin), la
canción francesa o "chanson" (con artistas como Edith Piaf o Jacques
Brel), la canción italiana (donde destaca la canción napolitana, con
Renato Carosone) o la canción alemana (representada por el Kabarett y
el Schlager). Igualmente sucede en España con la canción española, cuyo
género más representativo es primero el cuplé y después la copla (con
fguras como Concha Piquer, Antonio Molina y posteriormente Lola
Flores o Rocío Jurado). Latinoamérica por su parte exportó géneros
como el bolero (con Antonio Machín y otros) o los ritmos de baile tan
populares como el tango (con Carlos Gardel), la rumba o el mambo.
En la segunda mitad del siglo los espectáculos de variedades
entran en franca decadencia, y aunque la canción ligera seguirá gozando
de notable popularidad hasta nuestros días, irá cediendo terreno −sobre
todo entre la gente joven− ante el avance de la moderna música
26

LA MÚSICA POPULAR
pop/rock, de la cual recibirá una considerable infuencia llegando incluso
a confundirse con ella. El resultado es el género conocido como canción
melódica, representada en el mundo hispano por artistas como Raphael,
Julio Iglesias, Luis Miguel, Il Divo o el brasileño Roberto Carlos,
mientras en el mundo anglosajón se pueden destacar las fguras de Frank
Sinatra o Barbra Streisand. Otros artistas destacables de esta etapa son los
franceses Charles Aznavour y Serge Gainsbourg, la griega Nana
Mouskouri o el italiano Domenico Modugno.
Señalar por último la pervivencia en todo el siglo XX de un
género mixto entre teatro, música popular y baile que, con orígenes en el
XIX, conservará su fortaleza hasta nuestros días: el musical. Con
epicentro creativo en Broadway (Nueva York) y West End (Londres), de
la mano de autores como Leonard Bernstein o Andrew Lloyd Weber, el
musical fructifcó también en otras capitales europeas, latinoamericanas y
asiáticas, y tuvo su refejo también en el séptimo arte con adaptaciones o
creaciones originales dentro del cine musical.
El pop y el rock
El rock and roll nació en los años 50 como una música animada
y de ritmo rápido que surgía fundamentalmente de un maridaje
interracial entre el rhythm and blues negro y el country blanco. Pioneros
de este género fueron mayormente artistas de color como Chuck Berry o
Little Richard, aunque también cantantes blancos como Bill Haley y
especialmente Elvis Presley, que llevaría el fenómeno del rock and roll a
sus máximas cotas de popularidad. El nuevo género, que arraigó
fundamentalmente entre la gente joven, se combinaría en la década
siguiente con otros estilos de música popular dando lugar a una serie de
variantes conocidas genéricamente como rock, que terminarían
expandiéndose por los cinco continentes.
En la década de los 60, las fguras dominantes del rock
primigenio americano tuvieron que ceder protagonismo ante el avance
de una nueva oleada de grupos británicos que habían recibido la
infuencia del rock and roll. Surge lo que se denominaría como Invasión
británica. Bandas como Te Beatles, Te Rolling Stones, Te Who o Te
Animals, las cuales tuvieron respuesta en América con grupos como Te
Beach Boys o Te Byrds, contribuirían notablemente a la evolución del
rock y al surgimiento de la nueva cara de la música popular blanca: la
música pop. Por otra parte, al fnal de la década artistas estadounidenses
como Jimi Hendrix o Te Doors también jugarían un papel
fundamental en el desarrollo de la música rock. Al mismo tiempo, se
27

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
consolidaron nuevas tendencias entre los norteamericanos de color,
como el soul y el funk, con la fgura destacada de James Brown. Se
produjo también en Estados Unidos un revival de la música folk con la
canción protesta, representada entre otros por Bob Dylan.
Los años 70 vieron nacer nuevos estilos, como el hard rock (una
variante del rock más dura y de guitarras eléctricas más distorsionadas),
el reggae de origen jamaicano, el rock progresivo, el punk, el hip hop, la
música disco (que dominó las pistas de baile), o los primeros pasos de la
música electrónica en el ámbito de lo popular, donde despuntarán
compositores como Jean-Michel Jarre o Vangelis. Al nivel más
comercial, los mayores éxitos pertenecieron a artistas pop como Elton
John o el grupo sueco ABBA y a bandas como Led Zeppelin y Pink
Floyd. Al mismo tiempo alcanzaban repercusión internacional nuevos
ritmos latinos como la salsa cubana o la bossa nova brasileña, y, en
distintas zonas del mundo, emergían estilos que mezclaban elementos del
pop/rock occidental con la música popular local (así toman forma el
Afropop, el rock latino, el J-Pop, el pop ruso, etc.). Por último, fue esta
década la época dorada de la canción de autor en países del sur de
Europa (España, Francia, Italia...) y Latinoamérica.
La incorporación de los sonidos sintetizados y la popularidad
del videoclip marcaron la estética de la música pop de los 80, donde
destacaron fguras como Michael Jackson o Madonna, junto a grupos
pop-rock europeos de una nueva ola (New Wave) que buscaban sonidos
alternativos, como U2 o Te Police. En las discotecas, la música disco
dejaba paso a la música electrónica de baile como el post-disco, el house
o el techno. Entre los amantes de la música lenta y relajante se
consolidaba el new age y, en el otro extremo del espectro musical, el
heavy metal alcanzaba su mayor popularidad a ambos lados del
Atlántico.
En los años 90, el grunge de Nirvana y el rock alternativo
comparten protagonismo con el britpop de Blur y Oasis en las listas de
éxitos, mientras la escena EDM, vinculada a las pistas de baile, desarrolla
una cada vez más variada prole de subgéneros electrónicos (trance, drum
and bass, chill-out...). Una multiplicación similar se consolida desde la
década anterior en el ámbito del heavy metal, con derivaciones como el
thrash metal (liderado por la banda Metallica) y otros subgéneros como
el metal progresivo o el death metal. Con todo, las ventas de discos en
esta década estarán lideradas por artistas musicalmente más
conservadores como Mariah Carey y otras estrellas angloamericanas del
pop melódico.
28

LA MÚSICA POPULAR
La música popular entra así fnalmente en el siglo XXI con un
ya amplio bagaje a sus espaldas, caracterizado por la multitud de géneros
y estilos que han ido tomando forma década tras década, y conformando
un extenso y variado cuerpo de música apreciado por gente de distintos
gustos, edades, ideologías y extracciones sociales a lo largo y ancho de
todo el mundo.
3.2. GÉNERO MUSICAL
Un género musical es una categoría que reúne composiciones
musicales que comparten distintos criterios de afnidad, tales como su
función (música de danza, música religiosa, música de cine...), su
instrumentación (música vocal, música instrumental, música
electrónica...), el contexto social en que es producida o el contenido de
su texto.
Mientras que las tradicionales clasifcaciones académicas en
géneros musicales han atendido fundamentalmente a la función de la
composición musical (para qué es compuesta la pieza, como en los
ejemplos anteriores), las clasifcaciones por géneros de la música
moderna, usadas por la industria discográfca, han atendido más a
criterios específcamente musicales (ritmo, instrumentación, armonía...)
y a características culturales, como el contexto geográfco, histórico o
social; se ha asimilado así el concepto de género musical al de estilo
musical, y es habitual que hoy se califque de "géneros" al famenco, el
rock o el country (ejemplo: el rock es un género musical de ritmo muy
marcado).
Clasifcación académica de los géneros musicales
Tradicionalmente se han separado por géneros las obras
musicales según para qué fn han sido compuestas, esto es, según su
función social y su instrumentación (criterios funcionales o materiales).
Clasifcación por función
Música religiosa: la que ha sido creada para alguna ceremonia o
culto religioso (misa, etc.). Música profana: es el género al que pertenece
toda música no religiosa.
Música de danza. Música dramática: pertenecen a este género
las obras musicales teatrales, en la que los cantantes actúan representando
a su personaje a la vez que cantan (ópera, musical, etc.). Entre ellas
29

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
distinguimos: Opera seria (Italia), Intermezzo (Italia), Opera bufa
(Italia), Tragédie lyrique (Francia), Comédie-ballet (Francia), Opéracomique
(Francia), Opéra-ballet (Francia), Grand opéra (Francia),
Singspiel (área germánica), Zarzuela (España), Opereta, Musical,
Oratorio, género religioso no litúrgico.
Música incidental: es la música que acompaña una obra teatral,
un programa de televisión, un programa de radio, una película, un
videojuego y otras formas de expresión que no son en principio
musicales. Música cinematográfca: es la música, por lo general
orquestada e instrumental, compuesta específcamente para acompañar
las escenas de una película y apoyar la narración cinematográfca.
Aunque se la puede considerar como un tipo de música incidental,
constituye por sí misma un género musical.
Clasifcación por instrumentación
Música vocal: toda música en que interviene la voz. A la música
vocal sin ningún tipo de acompañamiento se le denomina “a capella”. Si
se trata de un conjunto de voces se le llama música coral.
Música instrumental: obras interpretadas exclusivamente por
instrumentos musicales, sin participación de la voz. Dentro de la música
clásica, si la agrupación de instrumentos es reducida se habla de música
de cámara. Cuando la obra musical es interpretada por una orquesta se
habla de música sinfónica. Si los instrumentos que ejecutan la obra son
electrónicos, hablamos de música electrónica.
Música pura o abstracta: es música sin referencia a lo
extramusical; no trata de describir o sugerir algo concreto más allá de lo
que el oyente sea capaz de percibir y sentir.
Música programática: es la que se basa en un programa
literario, guía o argumento extramusical. Es música que intenta contar
una historia o cuento, la vida de un personaje, etc. Una derivación de
este género es la música descriptiva, que es la que describe un paisaje,
fenómeno o acontecimiento (una batalla, una tormenta, etc.)
Los géneros musicales en la música actual
Cuando la expresión "género musical" es usada actualmente en
contextos no académicos, como los comerciales, en las sociedades de
autores o por la crítica de música popular, es utilizada como sinónimo de
estilo musical. Suelen hoy distinguirse tres grandes familias de estilos o
géneros: música culta, música folklórica y música popular.
30

LA MÚSICA POPULAR
Música culta
La música culta es también conocida como música clásica,
docta o académica. El apelativo de música clásica es un término muchas
veces impreciso pero profundamente arraigado e institucionalizado en la
sociedad, además del modo habitual de referirse a otros vocablos
similares, que aparece por primera vez en el Oxford English Dictionary
de 1836. Implica todo tipo de consideraciones teóricas, estéticas y
estructurales, y habitualmente conlleva una larga tradición escrita, por lo
que sus intérpretes suelen tener años de formación en un conservatorio.
Música folclórica o tradicional
La música tradicional se ha transmitido oralmente de
generación en generación al margen de la enseñanza musical académica
como una parte más de los valores y de la cultura de un pueblo. Así pues,
tiene un marcado carácter étnico que normalmente la hace difícil de
comprender a escala internacional, aunque existen excepciones notables
como el famenco, la jota, el tango, la samba y, en general, todos los
ritmos latinos que hayan mantenido cierta entidad propia con el tiempo.
En los últimos tiempos se han agrupado en la denominación artifcial
conocida como músicas del mundo (en inglés world music).
Música popular
La música popular se opone a la música académica y es un
conjunto de estilos musicales que, a diferencia de la música tradicional o
folclórica, no se identifcan con naciones o etnias específcas. Por la
sencillez y corta duración de sus formas, no suelen requerir de
conocimientos musicales elevados para ser interpretados y se
comercializan y difunden gracias a los medios de comunicación de
masas. Esta última afrmación es discutida desde muchos ámbitos de
compositores e intérpretes y cada vez más tiende a pensarse a la música
popular y la música culta como músicas de prácticas diferentes, si bien
comparten muchas características de su lenguaje. Existen músicas
populares que requieren habilidades musicales elevadas y por otro lado
músicas cultas extremadamente sencillas. En general puede decirse que la
música culta viene de la música escrita en partituras y la popular de la
tradición no escrita, sea ésta popular o profesional. En parte, el
31

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
surgimiento de los medios masivos de difusión y el negocio de la música
han contribuido a desdibujar los límites entre estas músicas.
Dicho brevemente, puede afrmarse que la música popular
surge en Europa con la llegada de la Revolución industrial en el siglo
XVIII, cuando la mejora tecnológica hace posible que los fabricantes
puedan comenzar a producir instrumentos musicales en serie y a
venderlos a un precio razonable, llegando así a la clase media. Otro
avance importante en el desarrollo de este tipo de música se produce en
el siglo XIX gracias al fonógrafo de Edison y al gramófono de Berliner,
que permiten al público en general grabar su propia música o escuchar la
música compuesta por los demás sin necesidad de asistir a un concierto
en directo. De hecho, a fnales de los años veinte del siglo siguiente,
muchos compositores prestigiosos e intérpretes populares ya habían
efectuado múltiples grabaciones que pudieron difundir a través de otros
inventos modernos de la época como la radio y, posteriormente, la
televisión. Pero no será hasta la década de los cincuenta cuando la música
popular alcance realmente la divulgación que tiene hoy en día gracias al
desarrollo del rock and roll y a la popularidad que alcanzaron las
gramolas en los bares, pubs, cafeterías y restaurantes. Además, no tuvo
que pasar mucho tiempo antes de que apareciesen en el sector nuevos
estilos como la música pop, música electrónica, heavy metal, punk, y hip
hop hasta tal punto que actualmente los estilos musicales son tantos y
tan variados, y las fronteras tan difusas, que es difícil saber cuando se está
hablando de uno y cuando de otro.
Actualmente existen multitud de estilos musicales en constante
evolución. Desde los que presentan una asentada concepción (tango,
blues, salsa, hip hop...); hasta amplias y difusas categorías musicales que
abarcan un marco absolutamente heterogéneo musicalmente, de nueva
creación por parte de las discográfcas para acercar la música al profano y
facilitar su clasifcación en los por ellas denominados "géneros": (música
rock, música universal o world music, música electrónica...).
Clasifcación de géneros de la música popular-Problemática de la clasifcación
Categorizar la música se hace necesario para clasifcarla
comercial e históricamente, además de conceptualizarla, distinguirla y
defnirla más claramente. El uso de etiquetas puede además actualmente
dirigir el desarrollo de la nueva música al extremo de ayudar a cultivar el
interés y la participación de la audiencia en los estadios iniciales de una
tendencia.
32

LA MÚSICA POPULAR
Sin embargo, uno de los inconvenientes al agrupar música por géneros
reside en que se trata de un proceso subjetivo que resulta muy infuido
por el conocimiento personal y la forma de cada uno de sentir y escuchar
la música. Esto es especialmente cierto en las "grandes categorías" que
clasifcan a la música en culta o música popular, debido al alto grado de
abstracción que la complejidad del conjunto requiere para encontrar
características comunes, y -en el otro extremo- en el caso de subgéneros
por especifcación detallada que contrasta también con la complejidad de
orígenes e infuencias de una obra determinada. Un ejemplo de esto
último es la música de Led Zeppelin, que puede ser llamada heavy metal,
hard rock, blues rock, en función de lo que cada uno interprete.
Algunas personas sienten que la categorización de la música en
géneros se basa más en motivos comerciales y de mercado que en
criterios musicales. Por ejemplo John Zorn, un músico cuya obra ha
cubierto una amplia gama de géneros, escribió que estos son
herramientas usadas para «hacer más cómoda y comercializable la compleja
visión personal de un artista».
33

4
LAMÚSICAAFROAMERICANA

LA MÚSICA AFROAMERICANA
4. LA MÚSICA AFROAMERICANA
La música afroamericana (también llamada música negra) es un
término dado a una serie de músicas y géneros musicales, como son el
blues, el ragtime, el jazz, el gospel, el soul o el hip hop, que provienen de
o están infuenciados por la cultura de la comunidad afroamericana de
Estados Unidos.
Esta comunidad desde hace siglos ha constituido una minoría
étnica de la población estadounidense. Algunos de sus antepasados
fueron traídos originalmente a Norteamérica a la fuerza para trabajar
como pueblos esclavos, trayendo con ellos canciones típicamente
polirítmicas de grupos étnicos tanto de África occidental como del África
subsahariana. En los Estados Unidos, como se fusionaron las culturas,
múltiples tradiciones culturales africanas fueron fusionándose
progresivamente con otras músicas tradicionales europeas, como la polka
o el vals. Más tarde se dieron periodos de considerable innovación y
cambio. Los géneros afroamericanos han sido muy infuyentes a través de
distintas clases socio-económicas y raciales internacionalmente,
disfrutando de popularidad a nivel global. La música afroamericana y
todos los aspectos de la cultura afroamericana son celebrados durante el
Mes de la Historia del Negro en febrero de cada año en los Estados
Unidos.
Rasgos históricos
Además de aportar características armónicas y rítmicas del
África occidental y subsahariana a los estilos musicales europeos, fue la
condición de cautiverio padecida por los negros dentro de la sociedad
americana la que contribuyó a las condiciones que defnirían su música.
Muchas de las formas musicales que defnen la música afroamericana
tienen precedentes históricos. Estas formas primigenias incluyen
elementos como:
Gritos de campo, canción de trabajo, llamada y respuesta,
vocalidad (o efectos especiales de voz): efecto gutural, vocalidad
interpolada , falsete, melisma, ritmización vocal. Improvisación. Escala
pentatónica y escala de blues.. Nota de blues
Polirritmia: síncopa, concrescencia, tensión, improvisación, percusión,
nota oscilada.
Textura: antifonía, homofonía, polifonía, heterofonía.
Armonía: progresiones vernáculas; armonía compleja y con varias partes,
como en los espirituales negros y el estilo barbershop.
37

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Siglo XIX
La infuencia de los afroamericanos en la música
estadounidense comenzó en el siglo XIX con la llegada del Black
Minstrel que fue una forma de entretenimiento que consistía en sketches
cómicos, varios actos, danza y música, realizados por personas de raza
blanca pintados de negro, quienes satirizaban a las personas de raza negra
como ignorantes, perezosos, graciosos, alegres, y musicales. los
afroamericanos comenzaron a incorporar una gran variedad de temas
espirituales cristianos.
Durante el período de la Guerra Civil Americana (1861 -1865),
la expansión de la música afroamericana continuó. Los Fisk Jubilee
Singers, un grupo de cantantes afroamericanos, realizaron su primera
gira en 1871. Artistas como Morris Hill y Jack Delaney ayudaron a
revolucionar la música africana de la posguerra en el este de los Estados
Unidos. El primer grupo musical de comedia de negros, Hyers Sisters
Comics Opera Co. fue organizado en 1876.
A fnales del siglo, la música afroamericana formaba parte
integral de la música estdounidense. Músicos de Ragtime (género previo
al jazz) como Scott Joplin ganaron popularidad y algunos se asociaron a
movimientos artísticos como Harlem Renaissance (Renacimiento de
Harlem) que fue el reavivamiento del arte en los Estados Unidos,
liderado por la comunidad de afroamericanos de Harlem, Nueva York,
donde se destacaban el jazz, la literatura y la pintura, y activistas de los
derechos civiles.
Comienzos del siglo XX
Los comienzos del siglo XX vieron el crecimiento gradual en la
popularidad del jazz y el blues afroamericanos. Así como el desarrollo de
las artes visuales, el Harlem Renaissance fortaleció el desarrollo de la
música.
Ante el surgimiento de artistas blancos y latinos de jazz y blues, se generó
un intercambio de culturas entre las diferentes razas existentes en los
Estados Unidos. La música judía, por ejemplo, tuvo notable infuencia
en el jazz, mientras el artista de ragtime Jelly Roll Morton, expresó que el
“tinte latino” es siempre necesario en la composición de buena música.
La música afroamericana era siempre simplifcada por la audiencia
europeo-americana, quienes no aceptaban artistas de raza negra, dando
lugar a géneros como el swing.
38

LA MÚSICA AFROAMERICANA
En escenarios, los primeros musicales escritos y producidos por
afroamericanos en Broadway debutaron en 1898 con A Trip to
Coontown, por Bob Cole y Billy Johnson. En 1901 La primera
grabación conocida de músicos negros fue la de Bert Williams y George
Walker, que incluía canciones de musicales de Broadway. La primera
opera negra fue presentada en 1911 con Treemonisha de Scott Joplins.
Al año siguiente, la primera sinfonía de orquesta de negros fue
presentada en el Carnegie Hall de Manhattan, ciudad de Nueva York.
El retorno de los musicales negros a Broadway ocurrió en 1921 con
Shufe Along de los músicos Sissle y Blake. En 1927, una serie de
música afroamericana fue presentada en el Carnegie Hall, incluyendo
jazz, música sinfónica de William Christopher Handy y música de los
Fisk Jubilee Singers.
La primera película musical con elenco de afroamericanos fue
Hallelujah de King Vidor, en 1929. La primera sinfonía escrita por un
afroamericano y presentada por una orquesta mayor fue la Afro-
American Symphony de William Grant Still con la Filarmónica de
Nueva York. Artistas negros participaron en operas como Porgy and Bess
y FourSaints in Tree Acts de Virgil Tompson en 1934. También en
1934, la Negro Folk Symphony de William Dawson se convirtió en la
segunda composición afroamericana en recibir atención de una orquesta
mayor como la Orquesta de Filadelfa.
Mediados del siglo XX
En la década de 1940 nuevas versiones de temas musicales
afroamericanos ya compuestos e interpretados por blancos se hicieron
populares llegando a los primeros lugares en las listas de ventas, mientras
las versiones originales interpretadas por negros ganaban popularidad
sólo entre los afroamericanos. En 1955, Turman Ruth convenció a un
grupo de música gospel (evangélica) a tocar en lugares seculares como el
Apollo Teater, cuyo éxito llevó a este y otros grupos del género a
realizar giras en todo Estados Unidos tocando en lugares populares.
Entre 1940 y 1950 los músicos afroamericanos desarrollaron un
género llamado Rock and Roll con exponentes como Wynonie Harris.
Pero fue con artistas de raza blanca como Bill Haley y Elvis Presley,
quienes tocaban una fusión de rock and roll negro y música country
llamada rockabilly, con quienes el rock obtuvo éxito comercial. Por ese
motivo, la música rock fue asociada más a personas blancas, aunque
algunos artistas negros como Chuck Berry también lograron un
importante éxito.
39

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
A fnales de la década de 1950, la música blues crecía en
popularidad en los Estados Unidos y Gran Bretaña. También un nuevo
estilo llamado doo-wop tomó un lugar importante. Un estilo nuevo de
música gospel secularizada llamado soul también se desarrolló con sus
pioneros Ben E. King y Sam Cooke. El soul y el rhythm and blues se
convirtieron en la mayor infuencia del estilo surf, llevando al tope de las
listas a grupos femeninos como Te Angels y Te Sangrilas, en los cuales
sólo algunas integrantes fueron mujeres blancas. Divas de raza negra
como Diana Rose & Te Supremes y Aretha Franklin se convirtieron en
las estrellas de la década de 1960. En Inglaterra, el british blues o blues
británico se convirtió en un gran fenómeno, retornando a los Estados
Unidos como lo que llamaban the british invation o invasión británica
con grupos como los Beatles quienes presentaban una fusión del clásico
rhythm and blues con blues y pop en sus aspectos tradicionales y
modernos.
La invasión británica sacudió de las listas de popularidad a otras
bandas americanas, con algunas excepciones como el grupo Te mamas
and the papas quienes mantuvieron una buena carrera de música pop. La
música soul se mantuvo popular entre los afroamericanos. La música
funk, que usualmente atribuyen su invención al cantante afroamericano
James Brown, adquiriendo infuencias de la música psicodélica y de lo
que sería la formación de la actualmente denominada música heavy
metal a través del músico Jimi Hendrix quien fue un innovador con la
guitarra eléctrica usando pedales con efectos como el pedal wah wah. En
ese tiempo el soul revolucionó la música afroamericana con letras de
contenido social que refejaban la lucha por los derechos civiles de la
época. El álbum "What’s Going On" de Marvin Gaye, lanzado en 1971,
es uno de los grandes exponentes de esta época.
Los años 1970 y 1980
Hacia fnales de los 70 el funk deriva en el llamado P-Funk, un
tipo de funk psicodélico que combina rock con el funk ya existente y una
mitología propia, bastante famosa en el momento. Ya en los 80, los
artistas de pop negro Michael Jackson, Lionel Richie, Whitney Houston,
y Prince, desarrollan una reelaboración del funk y el soul de corte
completamente pop, alcanzando un gran éxito comercial.
El Hip Hop, que había nacido gracias a festas comunitarias
(bloc parties) en Nueva York en la década de los 70 se extiende por todo
el país. Estas festas se originaron a partir de la cultura del sound system
importada de Jamaica y es una música predominantemente negra. A
40

LA MÚSICA AFROAMERICANA
principios de los 80, surge el techno en Detroit, considerada una música
afrogermánica porque auna la experimentación electrónica alemana con
las raíces de la música negra. Hasta bien avanzado su desarrollo, sus
intérpretes son fundamentalmente negros. Poco tiempo después, en
Chicago se desarrolla el house, fuertemente emparentado con la música
disco que había venido desarrollándose desde fnales de los 70.
Los años 1990 y 2000
El R&B contemporáneo, como el post-disco versión de la
música soul llegaron a ser conocidos como fue popular en todo el
decenio de 1980 y 1990. Grupos masculinos en el estilo soul como Te
Temptations y Te O'Jays son especialmente populares, entre ellos New
Edition, Boyz II Men, que terminó siendo el disco más vendido de R&B
en el género masculino de todos los tiempos, Jodeci, Blackstreet, y, más
tarde, Dru Hill y Jagged Edge. Los grupos femeninos , incluido el TLC,
Destiny's Child, y En Vogue, también fueron un gran éxito. Destiny's
Child podría pasar a ser el disco más vendido del grupo vocal femenino
de todos los tiempos.
En el 2000, el R&B se había desplazado hacia un énfasis en
artistas solistas, entre ellos Usher y Alicia Keys, aunque grupos como
B2K y Destiny's Child siguen teniendo éxito. La línea entre el hip-hop y
el R&B se difuminó gracias a productores como Timbaland y Lil Jon, y
artistas como Nelly, y André 3000, quien, con su amigo Big Boi, ayudó
a popularizar la música Southern hip hop como Outkast.
La "Música urbana" y el "radio urbano" son términos de raza
neutral, también son sinónimos con el hip hop y el R&B y está asociada
a la cultura hip hop que se originó en la ciudad de Nueva York. El
término también refeja el hecho de que son populares en las zonas
urbanas, tanto en centros de población negra y la población en general
(especialmente las audiencias más jóvenes).
En febrero de 2004, se anunciaron planes para una afliación al
Museo Nacional de Arte Africano (Washington) y de la música
americana en el Instituto Smithsoniano que se construye en Newark,
Nueva Jersey. Groundbreaking está prevista para 2006.
La experiencia musical de los afros en América
La evolución de la música afro consta de tres etapas. La primera
etapa es la auténtica, correspondiente a los misteriosos rituales traídos
por los africanos, como las ceremonias con oraciones y cantos, mezclado
41

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
con danzas guerreras. La segunda etapa de las danzas afro criollas: se
caracteriza por ser donde el negro enriquece su baile africano con fguras
de cuadrilla, contradanza y con elementos coreográfcos que ha asimilado
hábilmente del blanco. Este fue el candombe que se gestó en Urugauy, a
fnes del siglo XVIII. La última etapa es a la que corresponden las
comparsas carnavalescas, iniciadas en 1867, donde aparece la sociedad de
negros “La Raza Africana”. A esta agrupación se le fueron agregando
otras, como la de los “Negros Lubolos”, en 1874. A continuación se
analizarán tres aspectos de la música afroamericana; el jazz, los spirituals
negros, song y los cantos de trabajo.
El Jazz
El jazz ha sido creado por los negros norteamericanos, pero
además ha sido deformado y desnaturalizado por músicos blancos.
Alrededor del año 1903 diversos hombres de New Orleans organizaron
orquestas callejeras con cornetas, clarinetes, tambor, banjo y trombón,
tocando melodías negras de los viejos tiempos. Estas orquestas callejeras
se hicieron populares velozmente y pronto fueron imitadas por muchos
músicos, no sólo negros sino también blancos. La mismo ocurre en
América del Sur. Los cantos negros que nacieron en los arrabales
invadieron las casas de bailes, los salones, entre otros.
Los Spirituals
Los spirituals son el producto más característico del genio
negro. Según Alain Locke, la primera vez que se dieron a conocer en
Europa los negros spirituals fue en 1871, por un grupo de actores
llamados los “Jubilee singers”. Luego, Henry Krehbiel, un gran crítico
musical de su generación, analizó los spirituals en su obra “Afro-
American Folk song”. Estas canciones se divulgaron de tal manera,
expresando los sentimientos más profundos del alma del negro. Estos
consisten en una transacción entre la religión cristiana y el sentimiento
religioso de la raza negra adquiriendo un carácter más solemne y
expresando lo más interno de la religiosidad del negro. Los autores
populares y anónimos de estos cantos pasaron a un segundo plano, para
dejar que el spirituals se transforme. Esta transformación se produce
cuando los artistas toman los temas populares y los traducen a un
lenguaje más artístico. En la escritura de los spirituals se acompañan con
golpes de pie o con palmadas, exclamaciones y gritos. Las partes que se
acompañan con las manos o con los pies, se parecen a las partes
42

LA MÚSICA AFROAMERICANA
musicales escritas para tambores, los golpes de las manos van arriba del
pentagrama, los de los pies abajo. Estas partes no son acompañamientos
obligatorios, obedecen al gusto del compositor. Vemos como, en los
spirituals, hay muchos aportes personales, por ejemplo el cantor
acomoda el ritmo a su gusto.
Los Cantos de Trabajo
Los cantos de trabajo como los blues pertenecen a una época
sentimental de los folk song. El primer motivo de estos cantos de trabajo
fue el del agua. Un blue tan representativo como “Old man river”
recuerda precisamente esta procedencia, en el que se nota la asimilación
de los ritmos del trabajo diario. El ritmo musical de los blues es simple y
característico; la forma se adapta admirablemente a la improvisación. En
el período comprendido entre los años 1875 y 1895, la verdadera música
negra se había extinguido. Los mejores músicos negros de este período
hicieron causa común con la música clásica para ocultar su decadencia.
La música representativa del negro para el público era el “jig” y el “clog”,
una mezcla de danzas negras e irlandesa. El nacimiento del jazz se ubica
alrededor de 1918. Éste tiene su origen en el rig-time. El estilo esencial
negro, tiene según Goldberg, tres dimensiones : realezas, rig-time, jazz.
Sostiene que forman una continuidad de la música negra. El jazz original
ofrece armonía. Con él nace una distintiva racial, el jazz es básicamente
negro pero los blancos les han dado un contenido universal muy
expresivo. La orquesta se compone de tres tambores de procedencia
africana y de uso exclusivo de los negros. Además en una orquesta
corriente de jazz hay cornetín (es el más agudo, que hace la melodía), un
trombón (el contrapunto), y un bajo metálico (marca el ritmo).
43

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
4.1. EL BLUES
El blues (cuyo signifcado es melancolía o tristeza) es un género
musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y
de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce
compases. Originario de las comunidades afroamericanas del sur en los
Estados Unidos a principios del siglo XX; para los años sesenta este
género se convierte en una de las infuencias más importantes para el
desarrollo de la música popular estadounidense y occidental, llegando a
formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass,
rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy metal, hip-hop, música
country y pop.
Este género se desarrolló a través de las espirituales, canciones
de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e
irlandesas narradas y gritos de campo. La utilización de las notas del
blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la
música como en las letras, son indicativos de la herencia africanaoccidental
de este género. Un rasgo característico del blues es el uso
extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend, vibrato, slide)
y de la armónica (cross harp), que posteriormente infuirían en solos de
estilos como el rock. Las canciones de blues son más líricas que
narrativas; el cantante intenta expresar sentimientos en lugar de contar
historias, donde por lo general se manifestan emociones tales como la
tristeza o la melancolía, a menudo debido a problemas en el amor. Esto
se logra musicalmente, utilizando las técnicas vocales como «el melisma
(sostener una sola sílaba a través de varios lanzamientos), técnicas
rítmicas como la sincopación y técnicas instrumentales como ahogar o
doblar cuerdas de guitarra en el cuello o aplicar una diapositiva metálica
o cuello de botella a las cuerdas de la guitarra para crear un sonido de
gemido».
Etimología
La expresión “the blues” hace referencia a los blue devils
(diablos azules o espíritus caídos), la depresión y la tristeza. Una de las
primeras referencias a the blues puede encontrarse en la farsa Blue
Devils, a farce in one act (1798) de George Colman.
A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener
un signifcado más antiguo se atestiguó que en 1912, en Memphis
(Tennessee) el músico W. C. Handy ya utilizaba (en su tema «Memphis
44

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Blues») el término the blues para referirse a un estado de ánimo
depresivo.
Características principales
Todas las canciones del blues presentan un momento de
guitarra, ya sea largo o corto; el canto es opcional. Los géneros asociados
al blues comparten un pequeño número de características similares,
debido a que este género musical adopta su forma de las características
personales de cada artista que lo interpreta. Sin embargo, existen una
serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación
del blues moderno.
Una de las primeras formas de música conocida que guarda
similitud con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y
respuesta (música), los cuales se defnieron como «expresiones
funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la
formalidad de cualquier estructura musical».Una forma de este estilo preblues
se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos,
los cuales tomaron la forma de «canciones de un sólo intérprete con
contenido emocional».
El blues, hoy en día, se puede defnir como un género musical
basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición
de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una
interacción entre voz y guitarra.
Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada
y respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en
las raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala algunas
características determinantes del blues, como son el uso de melismas y
una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del
África Occidental y el blues. El etnomusicólogo Gerhard Kubik puede
que haya sido el primero en afrmar que ciertos elementos del blues
tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de
África.
Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos
procedentes de las regiones musulmanas de África), estaban
generalmente permitidos ya que los dueños de los esclavos consideraban
que dichos instrumentos se asemejaban a otros instrumentos europeos,
como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos que eran capaces de tocar
un banjo, u otro instrumento de cuerda, podían hacerlo con mayor
libertad. Este tipo de música solitaria de esclavo muestra elementos de un
45

LA MÚSICA AFROAMERICAN
estilo árabe-islámico basado en la huella que el Islam ha impreso durante
siglos en África Occidental.
Kubik también apuntó que la técnica Misisipi de tocar la
guitarra, mediante una cuchilla aflada (utilizada por W. C. Handy),
corresponde a un tipo de técnica musical similar usada en ciertas culturas
del África central y occidental. El diddley bow —el cual se piensa que
fue muy común en todo el sur de los Estados Unidos durante los
primeros años del siglo XX—, es una derivación de un instrumento
africano, el cual es muy probable que ayudara en la transferencia de
técnicas en los primeros comienzos del blues.
La música blues adoptó más adelante elementos del ethiopian
airs, minstrel shows y espirituales negros, incluyendo instrumentación y
acompañamiento armónico. El género también está relacionado con el
ragtime, el cual se desarrolló por la misma época, aunque el blues
«preservó mejor los patrones melódicos de la música africana».
Canciones blues de este período, como las de Leadbelly o las de
Henry Tomas muestran una amplia variedad de estructuras,
convirtiéndose en las más habituales las formas musicales de doce, ocho
o dieciséis compases, basadas en los acordes tónicos, subdominantes y
dominantes. Las raíces de la que hoy en día se conoce como la estructura
blues de doce compases, están documentadas en la historia oral y en las
partituras de las comunidades afroamericanas que habitaban las regiones
del bajo Misisipi, en la calle Beale de Memphis y en las bandas blancas
de Nueva Orleans.
Letras
La forma original de las letras de blues consistió,
probablemente, en una única línea repetida tres veces. Más adelante, la
estructura actual, basada en una única repetición de una línea seguida
por una línea fnal, se convirtió en estándar. Estas líneas solían ser
cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica
que a una melodía.
Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una
narración la cual solía transmitir mediante la voz del cantante sus penas
personales en un mundo de cruda realidad: «un amor perdido, la
crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los
tiempos difíciles». Gran parte de los blues más antiguos contienen letras
más realistas a diferencia de la mayoría de la música popular que se
grababa por aquellos tiempos; por ejemplo, la canción «Down in the
46

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Alley» de Memphis Minnie, trata sobre una prostituta que mantiene
relaciones sexuales con un hombre en un callejón.
Este tipo de música se denominó gut-bucket blues, un término
que hacia referencia a un instrumento musical casero (con forma de
bajo) fabricado a partir de un cubo de metal el cual era utilizado para
limpiar los intestinos de los cerdos para preparar chinchulín (un tipo de
comida que se asociaba con la esclavitud). Los blues gut-bucket solían ser
depresivos y trataban acerca de las relaciones ásperas y difíciles, de la
mala suerte y de los malos tiempos; debido a este tipo de canciones, y a
las calles donde se interpretaban, la música blues adquirió mala
reputación, llegando a ser criticada por predicadores y feligreses.
A pesar de que el blues solía asociarse con miseria y opresión,
también puede adquirir tintes cómicos o humorísticos, y en muchos
casos, connotaciones sexuales.
El autor Ed Morales afrma que la mitología yoruba jugó un
papel importante en los primeros blues, citando el tema «Cross Road
Blues» del músico Robert Johnson como una «referencia fnamente
velada a Eleguá, el orisha encargado de los caminos». Sin embargo,
algunos artistas prolífcos de blues, como Son House o Skip James
tuvieron en su repertorio varias canciones religiosas cristianas o de estilo
espirituales. Reverend Gary Davis y Blind Willie Johnson son algunos
ejemplos de artistas que suelen categorizarse por su música como
músicos de blues, a pesar de que las letras de sus canciones corresponden
claramente a espirituales.
Del estilo al género
Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no
estaba claramente defnida en términos de progresión de acordes. Había
una gran cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho
compases, como «How Long Blues», «Trouble in Mind», y «Key to the
Highway» del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar
temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema
instrumental de Ray Charles «Sweet 16 Bars» y en el de Herbie Hancock
«Watermelon Man». También podían encontrarse estructuras de
compases menos frecuentes, como la progresión de nueve compases del
tema de Howlin' Wolf «Sitting on Top of the World». El desarrollo
básico de una composición blues de doce compases se refeja en el
estándar de progresión armónica de doce compases, en un compás de
4/4 o (raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen
47

LA MÚSICA AFROAMERICAN
tocarse en un compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3 subdivisiones
por cada pulso).
Hacia los años treinta, el blues con una estructura de doce
compases se estandarizó. Los acordes blues asociados a una estructura
blues de doce compases suelen estar compuestos normalmente por tres
acordes distintos, los cuales son tocados a través de un esquema de doce
compases:
I7I7 o IV7 I7 I7
IV7 IV7 I7 I7
V7 IV7 I7 I7 o V7
En el gráfco superior, los números romanos indican los grados
de progresión; en el caso de que se interprete en una tonalidad de fa, los
acordes serían los siguientes:
F7 F7 o Bb7 F7 F7
Bb7 Bb7 F7 F7
C7 Bb7 F7 F7 o C7
En el ejemplo anterior, fa es el acorde tónico y sib es el acorde
subdominante. La mayoría del tiempo cada acorde es tocado dentro de la
estructura de séptima dominante. Frecuentemente, el último acorde
suele ser el turnaround dominante (en los ejemplos anteriores
corresponde a la V o a do) creando la transición al principio de la
siguiente progresión.
Las letras de los temas blues generalmente terminan en el
último golpe del décimo compás o en el primer golpe del undécimo
compás, siendo los dos últimos compases un momento de ruptura
instrumental; la armonía de estos compases de ruptura, el turnaround,
puede ser extremadamente compleja, consistiendo algunas veces en notas
sueltas que modifcan el análisis del tema por completo. El golpe fnal, al
contrario que los anteriores, suele estar casi siempre posicionado
frmemente en la séptima dominante, para proveer de tensión al
siguiente verso del tema.
Melódicamente, la música blues está marcada por el uso de
terceras menores, quintas disminuidas y séptimas menores (las llamadas
notas de blues) de la escala mayor correspondiente. Estos tonos de las
escalas pueden reemplazar los tonos naturales de las escalas o añadirse a
las mismas escalas, como en el caso de la escala pentatónica menor de
blues, donde la tercera y séptima menores reemplazan a las mayores y la
quinta disminuida se añaden entre la cuartas y la quinta justas. Mientras
que la progresión armónica de la estructura de doce compases ha sido
utilizada durante siglos, uno de los aspectos más revolucionarios del
48

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
blues fue el uso frecuente de las terceras, las séptimas e incluso de las
quintas en la melodía, junto con el crushing (tocar dos notas adyacentes
al mismo tiempo, por ejemplo como las segundas disminuidas) y el
sliding (similar a las notas de adorno).
Mientras que un músico clásico suele tocar una nota de adorno
distintivamente, un cantante de blues, o un armonicista, tocará
glissando, «golpeando las dos notas para soltar a continuación la “nota de
adorno”». En las progresiones de acordes del blues, los acordes tónicos,
subdominantes y dominantes suelen tocarse como séptimas dominantes,
siendo la séptima menor un componente importante de la escala. El
blues suele tocarse ocasionalmente en una escala menor, diferenciándose
esta de la escala menor tradicional en el uso ocasional de la quinta en la
tónica (cantada por el músico o por el instrumentista principal con la
quinta justa en la armonía).
El tema de Big Mama Tornton «Ball and Chain», interpretado
por Janis Joplin acompañada por Big Brother and the Holding
Company, muestra un ejemplo de esta técnica.
El blues en escalas menores suele estar estructurado en dieciséis compases
en vez de doce, al estilo del género musical góspel, como puede
comprobarse en el tema «St. James Infrmary Blues» y en el tema de
Trixie Smith «My Man Rocks Me».
Algunas veces, se utiliza una escala dórica para los blues de escalas
menores, siendo la nota menor la tercera y séptima pero la mayor
correspondiendo a la sexta.
Los shufes de blues refuerzan el rítmo y el patrón de llamada y
respuesta, formando un efecto repetitivo denominado groove. Los
shufes más simples, ampliamente utilizados en el blues eléctrico, el rock
and roll o en el bepop inicial de posguerra, consistían en un rif de tres
notas de las cuerdas graves de la guitarra; el efecto groove se creaba
cuando se interpretaba este rif con el bajo y la batería. Asimismo, el
walking bass era otro dispositivo que permitía crear efectos groove.
El ritmo shufe suele vocalizarse como «dow, da dow, da dow,
da» o «dump, da dump, da dump, da» y consiste en ocho notas.
El blues en el jazz difere en gran medida del blues en otro tipo
de géneros musicales (como el rock and roll, el rhythm and blues, el soul
o el funk). El jazz blues suele tocarse en el acorde V a través de los
compases 9 y 10, enfatizando la estructura tónica del blues tradicional
(resolución tónica sobre el subdominante). Esta cadencia fnal de acordes
V-I conlleva por sí misma un gran número de variaciones, siendo la más
básica de ellas la progresión de acordes ii-V-I en los compases 9, 10 y 11.
A partir de este punto, la aproximación dominante (acordes ii-V) y la
49

LA MÚSICA AFROAMERICAN
resolución (acorde I) pueden alterarse y sustituirse casi indefnidamente,
incluyendo por ejemplo la omisión completa del acorde I (compases 9-
12: ii | V | iii, iv | ii, V |). En este caso, los compases 11 y 12 funcionan
como una extensión del turn-around para el siguiente coro.
Recomendaciones para reconocer los solos de blues instrumentales.
La escala pentatónica de blues siempre incluye una 5.ª
disminuida y resuelve en la 5.ª justa de la tonalidad en la cual se esté
ejecutando la progresión (shufe); es importante recalcar que la
ejecución de esta escala es para improvisación de solos instrumentales,
mayormente en guitarra.
Orígenes
El blues ha evolucionado de una música vocal sin
acompañamiento, interpretada por trabajadores negros pobres, a una
gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo
de todo Estados Unidos y, posteriormente, de Europa y África
Occidental. Las estructuras musicales y los estilos que están considerados
hoy día como el blues, así como en la música country moderna, nacieron
en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX.
Pueden encontrarse grabaciones de blues y de country que se remontan a
los años veinte, periodo en el que la industria discográfca creó categorías
de marketing denominadas «música racial» y «música hillbilly» para
vender canciones a los negros y a los blancos, respectivamente.
En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre
los géneros blues y country, excepto por la raza del intérprete e incluso
en determinadas ocasiones este detalle solía estar documentado
incorrectamente por las compañías discográfcas.
Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana,
algunos músicos de blues ya eran conocidos a nivel mundial. Algunos
estudios sitúan el origen del espiritual negro en la exposición que
tuvieron los esclavos al góspel, (originario de las Hébridas) de sus amos.
El economista e historiador afroamericano Tomas Sowell indica que la
población sureña, negra y ex-esclava se disgregó entre sus vecinos
redneck escoceses/irlandeses. Sin embargo, los descubrimientos de Kubik
y otros estudiosos muestran claramente la esencia africana de muchos
aspectos vitales en la expresión del blues.
Los motivos sociales y económicos del inicio del blues no se
conocen en su totalidad. La primera aparición del blues no está bien
50

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
defnida y suele datarse entre 1870 y 1900, en un periodo que coincide
con la emancipación de los esclavos y la transición de la esclavitud hacia
la agricultura a pequeña escala en el sur de Estados Unidos. Paul Oliver
cita un texto de Charlotte Forten, de 1862, en el que ya habla de blues
como estado de ánimo y de cómo algunas work songs se cantaban de
forma especial, para superar los blues.
Algunos investigadores asocian el desarrollo del blues en los
primeros años del siglo XX como un movimiento desde un grupo de
interpretaciones hacia un género más individualizado, argumentando
que el desarrollo del blues está asociado con la nueva condición de
libertad de los esclavos. Según Lawrence Levine había una relación
directa entre el énfasis ideológico nacional sobre el individuo, la
popularidad de las enseñanzas de Booker T. Washington y el auge del
blues». Levine indica que «psicológicamente, socialmente y
económicamente, los negros fueron disgregados culturalmente de tal
manera que hubiera sido imposible durante la esclavitud, y es
sorprendentemente complicado que su música secular refejara este
hecho al igual que hizo su música religiosa».
Blues de preguerra
La industria estadounidense de publicación de partituras
produjo una gran cantidad de música ragtime. Hacia 1912, esta industria
publicó tres composiciones asociadas al blues, precipitando la adopción
de elementos de blues por parte del Tin Pan Alley: «Baby Seals' Blues»
de Baby F. Seals (con arreglos de Artie Matthews), «Dallas Blues» de
Hart Wand y «Memphis Blues» de W. C. Handy.
Handy fue un músico, compositor y arreglista bien formado
que ayudó a popularizar el blues transcribiendo y orquestándolo en casi
cualquier género sinfónico, con grupos y cantantes. Se convirtió en un
compositor famoso y prolífco, denominándose él mismo como el «padre
del blues»; sin embargo, sus composiciones pueden defnirse como una
mezcla de ragtime con jazz (mezcla facilitada por el uso del ritmo latino
habanera, el cual estaba presente desde hace tiempo en el ragtime). Uno
de principales temas de Handy fue «St. Louis Blues».
En los años veinte, el blues se convirtió en un elemento
principal de la cultura afroamericana y de la música popular
estadounidense, llegando incluso a la audiencia blanca a través de los
arreglos de Handy y las interpretaciones de cantantes femeninas clásicas
de blues. El blues evolucionó de interpretaciones informales en bares a
una forma de entretenimiento en teatros. Los espectáculos de blues
51

LA MÚSICA AFROAMERICAN
estaban organizados por la Teater Owners Bookers Association en
clubes como el Cotton Club y en juke joints como los que se podían
encontrar en la calle Beale de Memphis; debido a esta evolución, se
marcó el camino hacia una importante diversifcación de estilos y a una
distinción aún más clara entre el blues y el jazz. Fue en este periodo en el
cual compañías discográfcas, como la American Record Corporation,
Okeh Records y Paramount Records, comenzaron a grabar música
afroamericana.
El blues rural se desarrolló principalmente en tres regiones,
Georgia y las Carolinas, Texas y Mississippi. El blues de Georgia y las
Carolinas se distinguía por su claridad y regularidad en el ritmo; fue
infuenciado por el ragtime y la música folklórica blanca, haciéndolo más
melódico. El blues de Texas se caracteriza por un canto alto y claro
acompañado de líneas de guitarra suaves con arpejos elegidos de una sola
cuerda en lugar de acordes rasgados, dentro de los representantes de este
estilo se encuentra Blind Willie McTell y Blind Boy Fuller.
Las primeras grabaciones del blues fueron realizadas por
mujeres durante los años 1920, algunas de ellas fueron Ma Rainey, Ida
Cox, Bessie Smith, Mamie Smith. Esta última fue la primera
afroamericana en grabar un blues en 1920, con el disco "Crazy Blues" el
cual vendió 75.000 copias en el primer mes. Estos intérpretes eran
principalmente cantantes acompañados por bandas de jazz; y a este estilo
se le conoce como blues clásico. La Gran Depresión y las guerras
mundiales causaron la dispersión geográfca del sur hacia las ciudades del
norte, lo que hizo que el blues se adaptara a un ambiente urbano, las
líricas tomaron temas de la sociedad y se sumaron instrumentos tales
como el piano, la armónica, el bajo y los tambores; intensifcando la
rítmica y la emoción de la música.
Entre las ciudades en las que los blues tomaron raíces fueron
Atlanta, Memphis y St. Louis. John Lee Hooker se estableció en Detroit,
y en la Costa Oeste Aaron ("T-Bone") Walker desarrolló un estilo más
tarde adoptado por Riley ("B.B.") Rey. Riley ("B.B.") Rey. Fue Chicago,
sin embargo, que desempeñó el papel más importante en el desarrollo del
blues urbano. En los años 20 y 30 Memphis Minnie, Tampa Rojo, Big
Bill Broonzy y John Lee Williamson eran artistas populares de Chicago.
Después de la Segunda Guerra Mundial fueron suplantados por una
nueva generación de bluesmen que incluyeron a Chester Arthur Burnett
(Howlin 'lobo), Elmore James, Little Walter Jacobs, Buddy Guy y Koko
Taylor.
Mientras la industria discográfca crecía, intérpretes de country
blues como Charlie Patton, Leadbelly, Blind Lemon Jeferson, Lonnie
52

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Johnson, Son House o Blind Blake adquirieron notoriedad en las
comunidades afroamericanas. Jeferson fue uno de los pocos intérpretes
de country blues que llegó a grabar prolífcamente y puede que fuera el
primero en grabar con la técnica de slide guitar, técnica que se
convertiría en un elemento importante del delta blues. En los años
veinte, las primeras grabaciones de blues se englobaron en dos categorías:
un blues rural (country blues, más tradicional) y un blues más pulido y
urbano.
Los intérpretes de country blues solían improvisar, unas veces
sin acompañamiento y otras haciendo uso de un bajo o una guitarra. En
los primeros años del siglo XX existía una gran variedad de estilos
regionales en el country blues; el Misisipi Delta Blues era un estilo de
profundas raíces con voces apasionadas acompañadas de steel guitar.
Robert Johnson, el cual grabó muy pocas canciones, combinó elementos
tanto del blues urbano como del rural. Junto a Robert Johnson,
intérpretes infuyentes de este género fueron sus predecesores Charlie
Patton y Son House. Cantantes como Blind Willie McTell y Blind Boy
Fuller interpretaron la «delicada y lírica» tradición sureña del Piedmont
blues, estilo que utilizaba una técnica muy elaborada de tocar la guitarra
sin púa. Georgia también tuvo una tradición temprana hacia los slides.
Bessie Smith fue una cantante famosa en los inicios del blues.
El Memphis blues, el cual se desarrolló durante los años veinte
y treinta alrededor de Memphis (Tennessee), estuvo infuenciado por
bandas como Memphis Jug Band o Gus Cannon's Jug Stompers.
Intérpretes como Frank Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Joe
McCoy o Memphis Minnie (famosa esta última por su virtuosismo a la
hora de tocar la guitarra) utilizaron una gran variedad de instrumentos
atípicos como el mirlitón, el violín o la mandolina. El pianista Memphis
Slim inició su carrera en Memphis, pero su estilo tranquilo y distintivo
era mucho más suave y ya contenía algunos elementos del swing. Gran
parte de los músicos blues que vivían en Memphis se trasladaron a
Chicago a fnales de los años treinta y principios de los años cuarenta,
formando parte del movimiento de blues urbano que uniría la música
country con el blues eléctrico.
Los estilos urbanos del blues estaban más codifcados y
elaborados. El blues clásico femenino y las cantantes blues de vaudeville,
fueron famosas en los años veinte, destacando intérpretes como Mamie
Smith, Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith y Victoria Spivey. Mamie
Smith, la cual era más una intérprete de vaudeville que una artista del
blues, fue la primera afroamericana en grabar un blues en 1920; su
«Crazy Blues» vendió 75.000 copias en el primer mes.
53

LA MÚSICA AFROAMERICAN
Ma Rainey (denominada la Madre del Blues) y Bessie Smith
cantaban «... cada canción alrededor de tonos centrales, quizás para
proyectar sus voces más fácilmente hacia el fondo de la habitación».
Smith «... cantaba una canción en una afnación inusual, y su calidad
como artista mezclaba y estiraba las notas gracias a su bella y poderosa
voz de contralto para acomodarse a la interpretación de una manera
inigualable». Entre los intérpretes masculinos de blues urbano se incluían
músicos negros populares del momento como Tampa Red (denominado
ocasionalmente como el Mago de la Guitarra), Big Bill Broonzy y Leroy
Carr, tomando este último la decisión inusual de acompañarse a sí
mismo con un piano.
El boogie-woogie fue otro de los géneros importantes de blues
urbano en los años treinta y principios de los años cuarenta. Mientras
que el género suele asociarse con un único piano, el boogie-woogie solía
interpretarse con cantantes como acompañamiento en algunas bandas de
música. Este estilo estaba caracterizado por una fgura en forma de bajo,
un ostinato o rif y un cambio de nivel en la mano izquierda, elaborando
cada acorde y creando ornamentos con la mano derecha. El boogiewoogie
fue desarrollado principalmente por el músico de Chicago Jimmy
Yancey y por el trío de boogie-Woogie (Albert Ammons, Pete Johnson y
Meade Lux Lewis). Los intérpretes de este género en Chicago incluían a
Clarence Pine Top Smith y Earl Hines, el cual «enlazó los ritmos de la
mano izquierda de los pianistas del ragtime con las fguras melódicas
similares a las que interpretaba Louis Armstrong con la mano derecha».
En los años cuarenta comenzó a desarrollarse el género jump
blues, el cual estuvo infuenciado por la música big band, utilizando el
saxofón u otros instrumentos de viento, además de la guitarra, en las
secciones rítmicas para crear un sonido jazzero y desacompasado con
voces claramente marcadas. Las melodías jump blues de Louis Jordan y
Big Joe Turner, de Kansas City, infuenciaron el desarrollo de posteriores
géneros como el rhythm and blues y de ahí, con cierto aporte de la
música country blanca, al rock and roll de los cincuenta. Tanto el estilo
suave de Louisiana de Professor Longhair como el más reciente de Dr.
John, mezclaron el ritmo clásico con los géneros del blues.
Blues inicial de posguerra
Tras la Segunda Guerra Mundial, y en la década de 1950, los
afroamericanos se trasladaron a las ciudades del norte de Estados Unidos
y nuevos géneros musicales (como el blues eléctrico), se hicieron
54

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
populares en ciudades como Chicago, Detroit y Kansas City. El blues
eléctrico utilizaba guitarras amplifcadas eléctricamente, bajos eléctricos,
baterías y armónicas. Chicago se convirtió en el centro de este género a
principios de los años cincuenta.
El Chicago blues está infuenciado, en gran parte, por el género
del Delta Blues, debido a la migración de intérpretes desde el estado de
Misisipi. Howlin' Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon y Jimmy Reed
nacieron en Misisipi y se trasladaron a Chicago durante la Gran
migración afroamericana, entre la década de 1920 y 1a de 1930. Su
estilo estaba caracterizado por el uso de la guitarra eléctrica, la steel
guitar, la armónica y una sección rítmica de bajo y batería. J. T. Brown,
el cual tocó en las bandas de Elmore James o J. B. Lenoir, también
utilizó saxofones, pero de forma secundaria en vez de utilizarlos como
instrumentos principales.
Little Walter y Sonny Boy Williamson II, famosos armonicistas
(denominados harp en el argot de los músicos de blues), pertenecen a la
etapa inicial del blues de Chicago. Otros armonicistas como Big Walter
Horton también desempeñaron un papel importante en aquella etapa.
Muddy Waters y Elmore James eran conocidos por su uso innovador de
la steel guitar eléctrica. B. B. King y Freddie King, no utilizaban la steel
guitar pero fueron guitarristas infuyentes en el género del Chicago blues.
Howlin' Wolf y Muddy Waters también eran conocidos por sus voces
profundas y graves.
El bajista y compositor Willie Dixon desempeñó un papel
importante en la escena del Chicago blues; compuso y escribió muchos
temas de blues estándar de aquel periodo, como «Hoochie Coochie
Man», «I Just Want to Make Love to You» (ambos compuestos para
Muddy Waters), «Wang Dang Doodle» (compuesto para Koko Taylor y
«Back Door Man» (compuesto para Howlin' Wolf). La mayoría de los
artistas del Chicago blues grabaron sus discos para el sello discográfco de
Chicago Chess Records, fundado en 1947.
En los años cincuenta, el blues tenía una gran infuencia en la
música popular de masas de EE. UU. Mientras que músicos populares
como Bo Diddley y Chuck Berry estuvieron infuenciados por el
Chicago blues, su estilo entusiasta a la hora de tocar se diferenciaba
claramente de los aspectos melancólicos del blues y lograba encasillarlos
dentro del mundo del rock and roll. Precisamente, la forma de tocar de
Diddley y Berry fue uno de los factores de infuencia en la transición del
blues al rock and roll. Elvis Presley y Bill Haley estuvieron más
infuenciados por el jump blues, el boogie-woogie y el country,
popularizando el rock and roll dentro del segmento de población blanca
55

LA MÚSICA AFROAMERICAN
de aquellos tiempos. El Chicago blues también infuenció la música
zydeco de Luisiana, en la cual Clifton Chenier utilizaba acentuaciones
blues. Los músicos del género zydeco utilizaban guitarras eléctricas y
arreglos cajún basados en los estándares del blues.
Otros artistas de blues, como T-Bone Walker y John Lee
Hooker, no estuvieron infuenciados directamente por el subgénero de
Chicago. Nacido en Dallas, T-Bone Walker suele asociarse con el West
Coast blues, el cual es más suave que el Chicago blues y ofrece una
transición entre el Chicago blues, el jump blues y el swing, con cierta
infuencia en las guitarras del jazz. El blues de John Lee Hooker es más
personal, basado en su voz profunda y en el único acompañamiento de
una guitarra eléctrica y un contrabajo; a pesar de no estar infuenciado
directamente por el boogie-woogie, el género suele denominarse guitar
boogie. Su primer éxito «Boogie Chillen» alcanzó el número 1 en las
listas de R&B en 1949.
Hacia fnales de los años cincuenta, el swamp blues se desarrolló
cerca de Baton Rouge, con intérpretes como Slim Harpo, Sam Myers y
Jerry McCain. Este género tenía un ritmo más lento y utilizaba la
armónica de forma más simplifcada que las interpretaciones realizadas
por artistas del Chicago blues tales como Little Walter o Muddy Waters.
Algunas canciones de este género son «Scratch my Back», «She's Tough»
y «I'm a King Bee» de Slim Harpo.
Blues en los años sesenta y setenta
Al principio de los años sesenta, los géneros musicales
infuenciados por la música afroamericana, como el rock and roll y el
soul, ya formaban parte de la música popular estadounidense. Los
intérpretes caucásicos habían llevado la música afroamericana a nuevas
audiencias, tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. En
Reino Unido, las bandas de músicos emulaban a las leyendas del blues
estadounidense, y a lo largo de la década el blues inglés desempeñó un
importante papel de recuperación de cantantes afroamericanos al
llevarlos a Europa y reinterpretar sus temas clásicos.
Los bluesmen como John Lee Hooker y Muddy Waters
siguieron tocando para sus admiradores entusiastas e inspirando a nuevos
artistas en el campo del blues tradicional, como el músico nacido en
Nueva York, Taj Mahal. John Lee Hooker mezcló su estilo de blues con
elementos del rock y empezó a tocar con jóvenes músicos blancos,
creando un género musical que puede escucharse en el disco de 1971
Endless Boogie. La técnica virtuosa de B. B. King le valió el apodo de
56

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Rey del Blues. A diferencia del subgénero de Chicago, la banda de King
utilizaba soporte de viento (en forma de saxofón, trompeta y trombón),
en vez de utilizar únicamente la steel guitar y la armónica. El cantante de
Tennessee, Bobby 'Blue' Bland, al igual que B. B. King, también mezcló
los géneros musicales del blues y del rhythm and blues.
La música de los movimientos por los derechos civiles y por la
libertad de expresión impulsó en Estados Unidos un resurgir del interés
por las raíces de la música estadounidense y por los inicios de la música
afroamericana. Festivales de música, como el Newport Folk Festival,
llevaron el blues tradicional a nuevas audiencias, e hicieron que
resurgiera el interés por el blues acústico de pre-guerra y por las
grabaciones de intérpretes como Son House, Mississippi John Hurt, Skip
James y Reverend Gary Davis; muchas de estas grabaciones fueron
reeditadas, entre otras, por la compañía discográfca Yazoo Records. J. B.
Lenoir, perteneciente al movimiento del Chicago blues de los años
cincuenta, grabó varios vinilos con guitarras acústicas, en los que contó
con el acompañamiento ocasional de Willie Dixon al bajo acústico o a la
batería; sus canciones hablaban de problemas políticos como el racismo o
la guerra de Vietnam, lo cual no era muy usual por aquella época.
El interés de las audiencias caucásicas por el blues durante los
años sesenta se incrementó debido al movimiento liderado por el grupo
Paul Butterfeld Blues Band y por el blues británico (British Blues). Este
género, promovido principalmente por Alexis Korner, se desarrolló en
Reino Unido, donde grupos como Graham Bond Organization, John
Mayall & the Bluesbreakers, Te Rolling Stones, Te Yardbirds, Cream,
y los irlandeses Tem interpretaron canciones clásicas de blues de los
subgéneros Delta blues y Chicago blues.
Los músicos británicos de blues de principios de los años
sesenta inspiraron, a su vez, a un número de intérpretes estadounidenses
de blues rock, incluyendo a Canned Heat, Janis Joplin, Johnny Winter,
Te J. Geils Band y Ry Cooder. Gran parte de los primeros éxitos del
grupo británico Led Zeppelin fueron tributos a canciones tradicionales
de blues, lo que no es raro si tomamos en cuenta que su guitarrista
Jimmy Page provenía de los Yardbirds. Un intérprete de blues rock
original de Seattle, Jimi Hendrix, fue una rareza en su campo por
aquellos tiempos: un negro que tocaba rock psicodélico; Hendrix fue un
guitarrista virtuoso y un pionero en el uso de la distorsión y el 'feedback'
en su música. A través de estos y de otros artistas, la música blues
infuenció el desarrollo de la música rock.
En 1970 el trío Manal estableció en Argentina las bases del
blues cantado en castellano. Infuenciado poéticamente por el tango y la
57

LA MÚSICA AFROAMERICAN
generación Beatnik, y musicalmente por el blues, el rock, el jazz y la
música afro del Río de la Plata, el trío integrado por Alejandro Medina,
Javier Martínez y Claudio Gabis creó una música que fusionó las raíces
de un género nacido en el Delta del Misisipi con elementos de la
idiosincrasia y la geografía local Porteña.
A fnales de los años cincuenta, el West Side blues emergió en
Chicago con Magic Sam, Magic Slim y Otis Rush; su principal
característica fue el basarse en un soporte rítmico otorgado por una
guitarra rítmica, un bajo eléctrico y batería. Albert King, Buddy Guy y
Luther Allison fueron componentes de este género, el cual estaba
dominado por una guitarra eléctrica principal amplifcada.
Blues desde los años ochenta hasta hoy
Desde los años ochenta se ha experimentado un resurgir en el
interés por el blues por parte de cierto sector de la población
afroamericana, principalmente en la zona de Jackson y en otras regiones
del 'sur profundo'. El soul blues, denominado comúnmente soul sureño,
tuvo un éxito inesperado gracias a dos grabaciones del sello discográfco
Malaco asentado en Jackson: el tema de Z. Z. Hill «Down Home Blues»
(1982) y el tema de Little Milton «Te Blues is Alright» (1984). Entre
los intérpretes afroamericanos contemporáneos que trabajaron por este
resurgir puede nombrarse a Bobby Rush, Denise LaSalle, Sir Charles
Jones, Bettye LaVette, Marvin Sease, Peggy Scott-Adams, Billy Soul
Bonds, T. K. Soul, Mel Waiters y Willie Clayton. La red de cadenas de
radio de blues de EE. UU., fundada por Rip Daniels (un ciudadano
negro de Misisipi), emitió soul blues en sus emisiones y contó con la
presencia de personalidades de la radio como Duane DDT Tanner y
Nikki deMarks.
Desde 1980, el blues ha continuado tanto en su forma
tradicional como dando paso a nuevos géneros. El Texas blues nació con
la utilización de guitarras tanto para roles rítmicos como en solitario. A
diferencia del West Coast blues, el género tejano está infuenciado
principalmente por el movimiento rock blues británico. Artistas de
renombre del Texas blues son Johnny Winter, Stevie Ray Vaughan, Te
Fabulous Tunderbirds y ZZ Top. Los años ochenta también vieron el
renacer de la popularidad de John Lee Hooker, realizando
colaboraciones con Carlos Santana, Miles Davis, Robert Cray y Bonnie
Raitt, entre otros. Eric Clapton, famoso por sus actuaciones con los
Blues Breakers y Cream, grabó en los años noventa su disco MTV
58

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Unplugged, en el cual interpretó varios temas blues con una guitarra
acústica. Desde entonces ha rendido tributo a este estilo con discos que
pueden considerarse totalmente de blues, como From the Cradle o Me
and Mr. Johnson, y que han acercado el género al gran público.
En los años ochenta y noventa comenzaron a distribuirse
publicaciones de blues como Living Blues y Blues Revue, formándose
asociaciones de blues en las principales ciudades, festivales de blues al
aire libre y aumentando el número de clubes nocturnos y edifcios
asociados al blues.
En los años noventa, los intérpretes de blues exploraron un
amplio rango de géneros musicales, como puede verse en las
nominaciones para los premios anuales Blues Music Awards,
denominados con anterioridad W. C. Handy Awards, o en las
nominaciones para los premios Grammy en las categorías de Mejor disco
de blues contemporáneo y Mejor disco de blues tradicional. La música
blues contemporánea está representada por varios sellos discográfcos
como Alligator Records, Blind Pig Records, MCA, Delmark Records,
Delta Groove Music, NorthernBlues Music y Vanguard Records, siendo
algunos de los más famosos por haber redescubierto y remasterizado
rarezas del blues Arhoolie Records, Smithsonian Folkways Recordings,
Yazoo Records y Document Records.
Hoy en día, los jóvenes artistas de blues están explorando todos
los aspectos de este género musical, desde el clásico Delta blues hasta el
blues más orientado al rock; artistas que nacieron a partir de los años
setenta como Shemekia Copeland, Jonny Lang, Corey Harris, John
Mayer, Vargas Blues Band, Susan Tedeschi y North Mississippi Allstars
han desarrollado sus propios estilos.
Repercusión musical
Los géneros musicales del blues, sus estructuras, melodías y la
escala blues han infuenciado a muchos otros géneros musicales como el
jazz, rock and roll y la música pop. Artistas renombrados del jazz, folk o
rock and roll como Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis, Elvis
Presley y Bob Dylan tienen en su haber varias grabaciones importantes
de blues. La escala blues suele utilizarse en canciones populares como la
del músico Harold Arlen «Blues in the Night», baladas blues como
«Since I Fell for You» y «Please Send Me Someone to Love» e incluso en
trabajos de orquesta como las obras de George Gershwin Rhapsody in
Blue y Concerto en fa.
59

LA MÚSICA AFROAMERICAN
La escala blues está presente en gran parte de la música popular
moderna, especialmente la progresión de terceras utilizada en la música
rock (por ejemplo en el tema «A Hard Day’s Night» de Te Beatles). Las
estructuras blues se utilizan en cabeceras de series de televisión como el
éxito «Turn Me Loose» del teen idol Fabián en la serie Batman, en temas
country como los interpretados por Jimmie Rodgers e incluso en temas
famosos de guitarristas o vocalistas como el de Tracy Chapman, «Give
Me One Reason».
El blues puede bailarse como un tipo de swing, sin patrones
fjos de movimiento y centrándose en la sensualidad, el contacto corporal
y la improvisación. La mayoría de los movimientos de baile del blues
están inspirados en la música blues tradicional. A pesar de que el baile de
blues suele realizarse con temas blues, este puede realizarse con cualquier
música que tenga un ritmo lento de 4/4.
El origen del rhythm and blues puede seguirse hasta los
espirituales y el blues. Musicalmente, los espirituales fueron
descendientes de la tradición coral de Nueva Inglaterra, en particular de
los himnos de Isaac Watts y la mezcla de ritmos africanos junto con
patrones musicales de llamada y respuesta. Los espirituales, o cánticos
religiosos, de las comunidades afroamericanas, están más y mejor
documentados que los blues low-down (o blues depresivos). El canto
espiritual se desarrolló debido a que las comunidades afroamericanas
podían llegar así a reunir a más personas en sus reuniones, las cuales eran
denominadas encuentros en el campo.
Los primeros bluesmen country, además de estar infuenciados
por el canto espiritual, intepretaron música country y blues urbano;
algunos de estos músicos incluyen a Skip James, Charlie Patton y
Georgia Tom Dorsey. Dorsey ayudó a popularizar la música góspel,
género que se desarrolló en los años treinta gracias al grupo Golden Gate
Quartet. En los años cincuenta, la música soul (con artistas como Sam
Cooke, Ray Charles y James Brown) ya utilizaba elementos del góspel y
del blues. En los años sesenta y setenta, el góspel y el blues se fusionaron
en la música soul blues. El género funk de los años setenta tuvo grandes
infuencias del soul; así mismo, el funk puede considerarse como el
antecesor del hip hop y del rhythm and blues contemporáneo.
Antes de la Segunda Guerra Mundial, las fronteras entre el jazz
y el blues no estaban claras. Generalmente, el jazz utilizaba estructuras
armónicas distintas a la estructura de doce compases asociada al blues,
sin embargo, el subgénero jump blues de los años cuarenta juntó ambos
géneros. Tras la Segunda Guerra Mundial, el blues tuvo una gran
60

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
infuencia en el jazz: clásicos del bebop, como el tema de Charlie Parker
«Now's the Time», utilizaron las estructuras blues con la escala
pentatónica y las notas blues.
El bebop marcó un gran cambio en el papel del jazz, convirtiéndolo de
un género musical popular para bailar a un «alto grado», «menos
accesible y cerebral música para los músicos». La audiencia para ambos
géneros, jazz y blues, se dividió y la distinción entre ambos géneros
quedó claramente defnida. Los artistas que se mueven entre la frontera
del jazz y el blues se engloban dentro del subgénero denominado jazz
blues.
La estructura de doce compases y la escala blues fueron una
gran infuencia para el rock and roll. Un claro ejemplo de ello es el tema
de Elvis Presley Hound Dog (un tema blues transformado en una
canción rock and roll), el cual mantiene una estructura de doce compases
(tanto en armonía como en letra) y una melodía centrada en la tercera de
la tónica (además de en la séptima de la subdominante).
Muchos de los primeros temas de rock and roll están basados
en el blues: «Johnny B. Goode», «Blue Suede Shoes», «Whole Lotta'
Shakin' Going On», «Tutti-Frutti», «Shake, Rattle, and Roll», «What’d I
Say» y «Long Tall Sally»; así mismo, gran parte de estos temas retuvieron
la temática sexual y los innuendos de la música blues e incluso el
argumento de la canción «Hound Dog» contiene referencias sexuales
escondidas entre la letra y dobles sentidos en algunas de sus palabras.
Posteriormente, un rock blanco más maduro, tomó prestada la
estructura y las armonías del blues, a pesar de haber menos franqueza
sexual y una pobre creatividad armónica (por ejemplo el tema de Bill
Haley «Rock Around the Clock»). Gran parte de los músicos blancos que
tocaron temas de artistas negros cambiaban ciertas palabras de las letras:
un ejemplo corresponde al cambio que introdujo Pat Boone, en su
interpretación del tema «Tutti Frutti», modifcando la letra original
(«Tutti frutti, loose booty... a wop bop a lu bop, a good Goddamn») por
una versión más moderada.
Repercusión social
Al igual que el jazz, el rock and roll, el heavy metal y el hip hop, el blues
ha sido acusado de ser la «música del diablo» y de incitar a la violencia y
a todo tipo de comportamientos delictivos. Durante los años veinte
(periodo en el cual la audiencia blanca comenzó a interesarse por la
música blues) este género gozaba de mala reputación, siendo W. C.
61

LA MÚSICA AFROAMERICAN
Handy el primer músico en mejorar la imagen del blues ante el resto de
los estadounidenses que no eran negros.
Hoy en día, el blues es uno de los principales componentes de
la cultura afroamericana y de la herencia cultural estadounidense en
general, refejándose dicha importancia no solo en estudios universitarios
sino también en películas como Sounder, Te Blues Brothers, Crossroads
y O Brother, Where Art Tou? (película en la que aparece caracterizado,
con ciertas licencias, el guitarrista de blues Robert Johnson). Las
películas de Te Blues Brothers, en las cuales se entremezclan varios
géneros musicales relacionados con el blues como el rhythm & blues o el
zydeco, han tenido un gran impacto en la imagen de la música blues (a
pesar de que la música de la película más famosa, la primera, es
principalmente rhythm and blues); así mismo, dichas películas
promocionaron la canción de blues tradicional «Sweet Home Chicago»,
valiéndose de la versión más conocida atribuida a Robert Johnson, al
estatus de himno no ofcial de la ciudad de Chicago.
En el año 2003, Martin Scorsese realizó un esfuerzo importante
para promocionar el blues, solicitando a directores de cine famosos,
como Clint Eastwood y Wim Wenders, que participaran en una serie de
películas denominadas Te Blues. Scorsese también participó en un
tributo a los artistas más importantes del blues a través de la edición de
varios discos compactos de música.
4.1.1. El BOOGIE-WOOGIE
El boogie-woogie es un estilo de blues basado en el piano,
generalmente rápido y bailable. Se caracteriza por la ejecución con la
mano izquierda de determinadas fguras. Esta fguras que construye la
mano izquierda están escritas en corcheas, en compases de 4/4,
constituyendo así el denominado eight-to-the-bar. Usualmente se
empleaban dos tipos de fguras: la denominada "octava galopante"
(inspiradora de los "bajos galopantes" o walking bass que caracterizarán
después el rock and roll), así como los acordes rápidos conocidos como
rocks.
Los orígenes
A diferencia del ragtime, el boogie-woogie no sufrió nunca la infuencia
del repertorio pianístico europeo. Los músicos que comenzaron a forjarlo
en el sur de Estados Unidos, hacia fnales del siglo XIX y comienzos del
62

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
XX, probablemente nunca habían escuchado a un pianista de formación
clásica. No se conoce con precisión su origen, pero se supone que éste
tuvo lugar en la zona del delta del Misisipi o en Texas, en los bares
conocidos como barrelhouses (denominación con la que también se
conoció el nuevo estilo), en donde los pianistas que por lo general se
limitaban a acompañar a los cantantes desarrollaron una manera rápida y
puramente instrumental del blues con el objetivo de hacerlo bailable.
Las facultades percutivas del piano nunca habían sido tan
aprovechadas en la música pop hasta que estos inventores anónimos del
boogie-woogie lograron imponer su música en medio del bullicio de los
antros y crear efectos hipnóticos a través de sus ritmos rápidos, melodías
repetitivas en contrapunto con bajos también repetitivos y una armonía
que nunca se separaba de la tonalidad original. La básica funcionalidad
del estilo y su sencillez le provocó el desprecio de los más refnados
músicos de jazz, como Jelly Roll Morton, de quien se dice que se sentía
ofendido si se le solicitaba la interpretación de un boogie-woogie.
Entre los primeros que testimoniaron su nacimiento se
encuentran W.C. Handy, el ya mencionado Jelly Roll Morton y
Clarence Williams, quienes ya habían escuchado la ejecución al piano de
este estilo en los años diez o incluso antes. Williams añade, además, el
nombre de quien para él fue el primer ejecutante, George W. Tomas, a
quien había escuchado tocando en Houston en 1911. En efecto, las
composiciones de Tomas contienen ya elementos propios del boogiewoogie:
"New Orleans Hop Scop Blues" (compuesta y publicada en
1916), "Te Five's" (grabada en 1923 por la Tampa Blue Jazz Band) y
"Te Rocks" (grabada por el propio autor en 1923) se cuentan entre las
primeras piezas que contienen octavas galopantes.
Los pianistas pioneros de Chicago
Durante los años que mediaron entre las dos guerras mundiales, con la
intensifcación de las migraciones de gente de color del sur, hacia las
ciudades del norte en busca de menores prejuicios raciales y mejores
trabajos, tres ciudades tuvieron el privilegio de acoger la mayor cantidad
de pianistas (y de músicos en general), lo sufciente como para que se
conformaran en ellas las principales escuelas del boogie-woogie. Así,
Chicago, en primer lugar, y luego Kansas City y St. Louis, concentraron
en sus bares y estudios de grabación buena parte de estos pianistas
venidos del sur.
A Chicago llega, procedente de Texas, el ya mencionado George W.
Tomas, quien con el pseudónimo de Clay Custer graba en esta ciudad,
63

LA MÚSICA AFROAMERICAN
en febrero de 1923, su tema "Te Rocks", híbrido de ragtime y boogiewoogie
considerado como el más antiguo registro fonográfco de una
octava galopante. De Alabama, por su parte, provenía Jimmy Blythe,
quien en abril de 1924 graba su "Chicago Stomp", pieza ante la cual ya
podemos decir que nos encontramos frente a un verdadero boogiewoogie.
Sin embargo, desde 1915, Jimmy Yancey, nativo de la ciudad
pero sin la oportunidad de grabar hasta fnales de la década del treinta, se
había convertido en uno de los más populares animadores de las
llamadas house-parties (festas organizadas por los negros de los guetos
en sus propias casas con la fnalidad de recaudar fondos para el pago del
alquiler). Una de sus más tempranas composiciones, "Te Fives" (no
registrada en disco hasta 1939), había ayudado a sentar los cimientos del
estilo.
Por su parte, Cow Cow Davenport, natural de Alabama y quien
se daba a conocer como "el hombre que introdujo en América el boogiewoogie"
(según constaba en sus tarjetas de presentación), graba el 16 de
julio de 1928, en Chicago, uno de los clásicos del estilo, su "Cow Cow
Blues", una imitación musical del rodar de los ferrocarriles (de ahí el
título de la pieza y el apodo de su autor), temática que ya desde entonces
se prefguraba entre las preferidas por los intérpretes del boogie-woogie.
Con el tiempo se dirá que el sonido de los trenes en los que viajaban los
músicos ambulantes o migratorios fue el inspirador del ritmo del boogiewoogie.
De toda la primera generación de pianistas que trabajaron en
Chicago, el más reconocido es, sin duda, Pinetop Smith, discípulo de
Yancey que había venido a la ciudad, al igual que Davenport, procedente
de Alabama. Pinetop tiene el mérito de haber compuesto hacia
comienzos de los años veinte, y grabado posteriormente el 29 de
diciembre de 1928, el tema más versionado en la historia del boogiewoogie
y el que le daría nombre al estilo, el "Pinetop's Boogie-Woogie".
Acerca de la combinación de las palabras boogie y 'woogie, Smith diría
que no signifcaba nada; sencillamente las había escuchado juntas alguna
vez durante una festa. En la grabación, mientras toca el piano, Smith
dicta las instrucciones para bailar este tipo de música (…when I say stop,
don't move, and when I say get it, everybody mess around…), y emplea
el término (to boogie-woogie) sin distinción entre otros tradicionalmente
asociados al baile popular (to mess around, to shake). Estas frases
pronunciadas sobre la música se convirtieron, entre los pianistas de
boogie-woogie, en una tradición ampliamente seguida.
64

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Chicago, Kansas City y los inicios de la segunda generación
Pinetop Smith representó en Chicago el enlace entre su
generación y la siguiente. En esta ciudad, adonde llegó en 1928, se
instaló junto a los jóvenes pianistas locales Meade Lux Lewis y Albert
Ammons en el apartamento que este último ocupaba en el South Side.
Ammons era el único que tenía un piano propio, y en su habitación los
tres pianistas se reunían para tocar. Fueron meses de fructífero
intercambio que quedaron interrumpidos cuando, en marzo de 1929,
Smith moría asesinado por una bala perdida en un salón de festa de la
ciudad. El acontecimiento señaló el fn de una etapa en la historia del
boogie-woogie, y media década habría de transcurrir antes de que éste
lograse abrirse nuevamente paso en la escena musical. Afortunadamente,
poco antes de morir, Smith había enseñado a Ammons a tocar su
"Pinetop's Boogie-Woogie". A la postre, los dos jóvenes discípulos de
Smith se convertirían en los más grandes intérpretes de la escuela de
Chicago, así como en abanderados del renacimiento que experimentó el
estilo en la segunda mitad de los años treinta.
Meade Lux Lewis, en realidad, había comenzado sus andanzas
un poco antes, mas la mala fortuna signaba (y continuaría haciéndolo
durante un tiempo más) su carrera. En 1927 había grabado su futuro
clásico "Honky Tonk Train Blues", pero el disco no pudo ser editado
sino hasta dieciocho meses más tarde, en 1929, sin repercusión comercial
alguna; el cierre de Paramount Records, poco después, terminó de dejar
la grabación fuera del mercado. Corrían los tiempos de la Gran
Depresión, que muy pocos pianistas de la primera generación lograron
superar, e incluso los más jóvenes como Lewis y su compañero Albert
Ammons tuvieron que dedicarse a actividades lejanas a la música,
necesidad que, no obstante, no logró soterrar las naturales inclinaciones
de ambos. Se cuenta que durante el tiempo que compartieron trabajando
en una compañía de taxis, solían abandonar la sede de la empresa para
irse a tocar el piano; cuando el dueño de la compañía descubrió el
motivo de sus ausencias, adquirió un piano y lo colocó en la ofcina para
tener a los dos taxistas disponibles cada vez que necesitara sus servicios.
Para que la suerte comenzara a favorecerle, Meade Lux Lewis
debió esperar hasta que John Hammond, visionario productor y
promotor del jazz, el blues y el folk, descubriera la grabación de "Honky
Tonk Train Blues" e iniciara una búsqueda de su intérprete que tardaría
varios años y durante la cual también se toparía con Albert Ammons. Así
narró Hammond su rastreo del pianista:
65

LA MÚSICA AFROAMERICAN
“Cuando escuché la grabación de 'Honky Tonk Train Blues' en
1931 supe que había encontrado al ejecutante defnitivo [de boogie-woogie]
en Meade Lux Lewis. Pero sin importar dónde buscara o a quién
preguntara, no pude hallarlo. Años después, en Chicago, pregunté otra vez
por él mientras comía con Albert Ammons. '¿Meade Lux?', dijo Albert, 'claro
que sí, está lavando autos en la esquina'. Y efectivamente allí estaba”.
Ello ocurría en noviembre de 1935, y antes de fnalizar el año,
ya Lewis había reiniciado su carrera discográfca con la grabación de una
versión madurada de "Honky Tonk Train Blues". La pieza, el ejemplo
más famoso de la temática ferroviaria y de la variedad de bajos
denominada rocks en todo el repertorio del boogie-woogie, estaba
inspirada en un tren que pasaba muy cerca de una de las casas en donde
Lewis había vivido, en la calle South La Salle de Chicago, haciéndola
estremecerse varias veces al día; su título fue idea de un invitado a una de
las tantas house-parties que el pianista animó.
Por su parte, a inicios de 1936, Albert Ammons grabó
acompañado por su grupo, los Rhythm Kings, una enérgica versión del
tema de Pinetop Smith, a la que denominó "Boogie-Woogie Stomp".
Ammons añadió al estilo mayor rapidez y aún más fortaleza rítmica al
acercarlo a la pequeña formación de jazz (pocos lo habían intentado con
anterioridad: Will Ezell, un pianista por entonces caído en el olvido, en
los años veinte, y Cleo Brown apenas un año antes), con la
particularidad en este caso de la gran preponderancia de la sección
rítmica (piano, guitarra, contrabajo y batería) digna de las grandes
orquestas de jazz.
Por esa misma época, John Hammond también descubría en la
escena de Kansas City a un dúo conformado por el pianista Pete Johnson
y el cantante Big Joe Turner, quienes desde el Sunset Cristal Palace, una
de las tantas tabernas de la ciudad (conocida entonces como la "capital
del pecado") que gracias a la permisividad del polémico gobierno de
Tom Pendergast ofrecía facilidades para obtener bebidas alcohólicas y
marihuana en la época de la prohibición, comenzaban a desarrollar un
híbrido de boogie-woogie y blues vocal. Cantar un boogie-woogie no era
en realidad algo nuevo (a comienzos de la década de los treinta ya lo
hacían Speckled Red y Little Brother Montgomery), pero ellos fueron los
primeros en basar su estilo particular en esta modalidad. Turner, que
había perseguido siempre (en sus propias palabras) "el vértigo y la
sensualidad de la escena en los clubes de los suburbios", desde los catorce
años dibujaba bigotes en su rostro pretendiendo burlar a los vigilantes de
estos lugares, y pronto logró no sólo entrar, sino desempeñarse en ellos
como barman, portero o cantante. Fue trabajando en el Sunset Cristal
66

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Palace como barman que una noche en la que Johnson se presentaba allí,
se unió a éste cantando desde la barra en una actuación improvisada. Su
carismática fgura y su poderosa voz, en la tradición de los shouters
(practicantes de una técnica vocal propia del blues, previa a la invención
del micrófono, que imprimía gran volumen al canto) convencieron a
Johnson para que a partir de ese momento comenzaran a trabajar juntos.
El impacto producido por la energía del dúo y la variedad vocal de
boogie-woogie que practicaban convirtió al Sunset Cristal Palace en uno
de los locales preferidos de la ciudad, incluso para los músicos de la zona,
que cada noche, después de sus propias presentaciones, iban allí a
escucharlos.
La era del Carnegie Hall
Para diciembre de 1938, el incansable John Hammond
organizó un gran concierto en el Carnegie Hall de Nueva York con el
que quería dar una muestra al público blanco de la evolución de la
música negra americana, sus principales tendencias y su relación con la
música africana. Un proyecto de tal envergadura y que a la vez implicaba
tanto riesgo comercial no encontró más patrocinante que el semanario
New Masses, órgano de difusión cultural del partido comunista para el
cual Hammond solía escribir. El éxito del evento iba a representar un
gran paso adelante en la batalla por la integración racial y Hammond
demostraría con ello su creencia de que la música negra era la "forma de
protesta social más efectiva y constructiva". Gracias a este concierto,
tanto Lewis y Ammons como Johnson y Turner tuvieron la oportunidad
de mostrar su arte ante la multitud que llenó el más importante teatro de
Nueva York, y de compartir el cartel con fguras de la talla de Count
Basie, Sydney Bechet, James P. Johnson y Big Bill Broonzy, entre otros.
Los temas que los cuatro músicos interpretaron, especialmente los del
trío de pianos de Lewis, Ammons y Johnson (que se dio a conocer como
el Boogie-Woogie Trio) así como los del dúo de este último y Turner,
produjeron los aplausos más numerosos de la noche y estimularon la
moda del boogie-woogie en todo el país. El estilo dejaba de ser así, como
había dicho William Russell en aquel entonces, "la música más anticomercial
del mundo, en el mejor y el peor de los sentidos", y superaba
con creces sus días más brillantes antes de la Gran Depresión.
Para Lewis, Ammons, Johnson y Turner los compromisos
comenzaron a sucederse desde los días que siguieron al concierto. Entre
la última semana de 1938 y la primera de 1939, Hammond organizó
para ellos varias sesiones de grabación con distintas disqueras de Nueva
67

LA MÚSICA AFROAMERICAN
York, que dieron como resultado muchos de los discos más celebrados de
la edad de oro del boogie-woogie. Fue en estas dos semanas que se
registró en estudio por primera vez la variedad de boogie-woogie vocal
que Johnson y Turner realizaban desde sus días en el Sunset Cristal
Palace de Kansas City. "Roll 'em Pete", la canción seleccionada para la
ocasión, debía su nombre al grito con que la audiencia del citado local
animaba al pianista durante sus presentaciones. Cabe preguntarse por
qué la hibridación del blues vocal y el boogie-woogie, no había logrado
antes un ensamblaje tan perfecto, a pesar de haber contado con varios
antecedentes; pero al defnirse desde sus inicios como una forma
instrumental de gran potencia rítmica y sonora, el boogie-woogie dejaría
atrás la posibilidad de ser acompañado por la voz humana hasta que
apareciera un cantante capaz de llevar lo más lejos posible el estilo de los
antiguos shouters, y este cantante apareció fnalmente en la fgura de Big
Joe Turner.
Asimismo, tras el concierto y otra vez gracias a Hammond, el
Cafe Society Downtown acogió por espacio de unos dos años a Lewis,
Ammons, Johnson y Turner, que comenzaban a ser conocidos como los
Boogie-Woogie Boys. Este recién inaugurado club ubicado en el
Greenwich Village neoyorquino empezaba a experimentar, al igual que el
boogie-woogie, un gran momento. Su dueño, el abogado y comerciante
Barney Josephson, miembro del partido comunista y amigo de
Hammond, lo había fundado con la fnalidad de recaudar fondos para
esta organización política. Fue el primer club que tuvo en sus espacios
una audiencia racialmente integrada. El público que solía visitar el local
tuvo la oportunidad de ver en él, rodeado de murales diseñados por
Adolf Dehn, James Hof y otros pintores de la época, a artistas de la talla
de Billie Holiday y James P. Johnson, entre otros, así como de asistir a
los mejores días del boogie-woogie. Es allí donde se supone que fue
flmado, a mediados de 1941, el cortometraje Boogie-Woogie Dream,
dirigido por Hans Burger y que no pudo ser editado sino hasta 1944; en
él aparecen Ammons y Johnson interpretando el tema que le daba título
al flme.
El alcance del boogie-woogie
La moda del boogie-woogie dominó el panorama de la música
negra americana (que cada vez ganaba más terreno entre los oyentes
blancos) con gran fuerza hasta 1942, y luego, en menor medida, hasta
mediados de esa década. Durante esos años invadió prácticamente cada
club, cada estación de radio y cada jukebox del país; penetró el repertorio
68

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
de otros instrumentos (para la guitarra, Blind Blake había sentado un
precedente una década atrás) e incluso en el de otros estilos como el
country, la música académica de vanguardia (recordar las composiciones
para piano de Conlon Nancarrow) y, sobre todo, el jazz. Finalmente
sentó las bases del jump blues y de buena parte del rhythm and blues y el
rock and roll.
Dos grabaciones de Albert Ammons dan cuenta de los avances
del boogie-woogie en los años fnales de su reinado. La primera de ellas,
"Te Boogie Rocks" (1944) es una de las piezas más poderosas grabadas
por este pianista; su elocuente título parece hacer eco de la evolución que
el estilo estaba sufriendo y que no se comprobaría hasta unos diez años
más adelante, pero nuestros oídos ya reconocen en ella el sonido que
tiempo después caracterizará a pianistas como Jerry Lee Lewis y Little
Richard, los más feles herederos de esta tradición en el terreno del rock
and roll. La segunda, "Doin' the Boogie-Woogie" (1946) sintetiza, en
una canción, aquella idea del boogie-woogie orquestal en la que el propio
Ammons había comenzado a indagar diez años antes con aquella otra del
boogie-woogie vocal que habían trabajado sus amigos Johnson y Turner
también una década atrás. Instrumentalmente, la guitarra ha ganado
terreno y a la hora de los solos comparte a medias el papel con el piano.
En esencia, ya nos encontramos ante uno de los tantos estilos que con el
tiempo serán etiquetados como rhythm and blues.
4.1.2. JUMP BLUES
En los años 30 el sonido del blues se fue "urbanizando" en una
mezcla de blues clásico con letras humorísticas y ritmos heredados del
boogie woogie. Louis Jordan y su banda se consideran los pioneros de
este estilo que tuvo mucha aceptación y al que llamaron Jump Blues.
Estas bandas grababan desde blues más clásicos hasta baladas y
piezas pop. En general la guitarra eléctrica perdió su relevancia en favor
de una mayor importancia del piano o de los saxos. Se trata de una
música más bailable que el blues, podría decirse que más profunda que el
swing y más intensa que el jazz.
Este estilo se popularizó sobre todo durante los años 40 y es un
precursor del rock'n'roll.
Artistas Prominentes: Tiny Bradshaw, Louis Jordan, Roy Brown, Wynonie Harris, Big Joe
Turner, Jimmy Yancey.
69

LA MÚSICA AFROAMERICAN
4.1.3. BLUES ROCK
El blues rock es un género musical que combina elementos del
blues y del rock, enfatizando en la utilización de la guitarra eléctrica. Este
género se desarrolló en Inglaterra y en Estados Unidos a mediados de la
década de 1960 por grupos musicales como Te Rolling Stones, Cream,
Blue Cheer, Te Beatles, Te Yardbirds, Te Jimi Hendrix Experience y
Te Doors, los cuales experimentaron e innovaron a partir de la música
de intérpretes de blues como Elmore James, Howlin' Wolf, Albert King,
B. B. King y Muddy Waters.
Historia
A pesar de que tanto el blues como el rock han compartido
características comunes a través de la historia, el blues rock es un género
distinto cuyo nacimiento se remonta a la década de 1960. Este género,
originariamente británico, se desarrolló con la formación de grupos
musicales por parte de artistas como Alexis Korner y John Mayall,
grupos que desempeñaron un papel formativo en intérpretes, o grupos
musicales, como Free, Savoy Brown y las formaciones iniciales de
Fleetwood Mac; intérpretes estadounidenses como Johnny Winter, Paul
Butterfeld y Canned Heat también fueron pioneros en este género. Jimi
Hendrix, con su estilo musical revolucionario e innovador a la hora de
interpretar blues eléctrico, y especialmente su disco "Band Of Gypsys",
infuyeron notablemente en el desarrollo del blues rock.
Te Rolling Stones infuyeron mucho en este género ya que al
principio de su carrera todos sus álbumes eran Blues Rock. Eric Clapton
fue otro artista que ayudó al desarrollo de este género musical, a través de
sus colaboraciones (en las décadas de 1960 y 1970) con John Mayall,
Te Yardbirds, los supergrupos Blind Faith, Cream, Derek and the
Dominos y su extensa carrera musical como intérprete en solitario.
En los últimos años de la década de 1960, Jef Beck, otro de los
componentes de Te Yardbirds, evolucionó el concepto de blues rock en
una forma de rock heavy, mediante una serie de conciertos con su grupo,
Te Jef Beck Group, en Estados Unidos. Jimmy Page, componente de
Te Yardbirds, dejó el grupo para formar "Los nuevos Yardbirds", grupo
que pasaría a llamarse Led Zeppelin y que desempeñaría un papel
importante en la escena musical del blues rock de la década de 1970
junto con Queen. Otros intérpretes británicos destacados del blues rock
incluyen a Rory Gallagher (el cual es irlandés) y Robin Trower. Por su
parte, en los Estados Unidos los californianos Blue Cheer desarrollarían
70

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
un blues duro y contundente en su primer álbum que sirve de puente
entre el blues rock y el Hard rock, y muestra la conexión entre el blues y
el Heavy metal. Podemos citar también a la canción Yer Blues de Te
Beatles, la cual es una gran interpretación del blues rock, que además le
otorgó al grupo otro género de música interpretado por ellos, además de
la gran cantidad que ya tenían.
A principios de la década de 1970, el blues rock estadounidense
incluía géneros musicales como el rock sureño y el hard rock, los cuales
eran interpretados por grupos musicales como Aerosmith, Allman
Brothers Band, James Gang, Fabulous Tunderbirds, Foghat, ZZ Top y
Lynyrd Skynyrd mientras que la escena musical británica se centraba en
la innovación del heavy metal. El blues rock resurgió en los primeros
años de la década de 1990, continuando hasta nuestros días, con las
interpretaciones de John Mayer, Slash, Richie Kotzen, Te White
Stripes, Te Black Keys, Te Jon Spencer Blues Explosion, Silvertide y
Joe Bonamassa.
Los australianos AC/DC infuyeron en el blues rock, mezclando
canciones de hard rock con blues, cómo se puede apreciar en canciones
como Te Jack o Ride On.
Características musicales
El blues rock se caracteriza por la improvisación musical
bluesera, la utilización de patrones de doce compases, jam sessions
centradas en la guitarra eléctrica y rifs más potentes que los
caracterizados en el género musical tradicional chicago blues; así mismo,
este género suele interpretarse en un tiempo rápido, distinguiéndose de
esta manera del blues. De manera paralela fue de máxima infuencia en la
escena psicodélica de fnales de 1960's, como se puede apreciar en los
grupos de blues rock de la época quienes al practicar su estilo con el
peculiar fenómeno se denominaron rock ácido, con improvisaciones de
hasta 20 minutos por canción en sus presentaciones.
Instrumentación
Los instrumentos principales del blues rock son la guitarra
eléctrica, bajo y batería; la voz suele ser un elemento central, aunque la
gran cantidad de canciones instrumentales en este género indican que la
voz no siempre es un elemento de importancia en las mismas. También
suelen utilizarse ocasionalmente instrumentos como el piano y el órgano
71

LA MÚSICA AFROAMERICAN
Hammond El sonido de la guitarra suele estar caracterizado por la
distorsión, siendo habitual la utilización de dos guitarras, desempeñando
una de ellas el rol de guitarra principal y la otra el rol de
acompañamiento.
Artistas más representativos del género: AC/DC, Aerosmith, Big Brother & the Holding
Company, Blue Cheer, Jeff Beck, Elf, Paul Butterfeld, Eric Clapton, Cream, Creedence
Clearwater Revival, Gary Moore, Derek and the Dominos, Dire Straits, Deep Purple,
George Thorogood, Iron Butterfy, J. Geils Band, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Joe Cocker,
Alexis Korner, John Mayall, John Mayer, John Mayer Trio, Slash, Stevie Ray Vaughan,
Fleetwood Mac, Shōji Meguro, Red Marks, Richie Kotzen, Richie Sambora, Bon Jovi, Taste,
The Allman Brothers Band, The Animals, The Doors, The Beatles, The Rolling Stones, The
White Stripes, The Yardbirds, The Steve Miller Band, Tom Petty and the Heartbreakers,
Led Zeppelin, Jimmy Page, Chris Rea, B.B. King, The Black Keys, Rory Gallagher, Guns N'
Roses, Grateful Dead, Status Quo, Canned Heat, Captain Beefheart, Carlos Santana,
Whitesnake, Jack White, ZZ Top, Lynyrd Skynyrd, Pappo, Poison.
4.1.4. COUNTRY BLUES
El country blues es un género derivado de la música hillbilly
que aparece entre 1927 y 1933, básicamente gracias a las grabaciones del
músico blanco de Misisipi Jimmie Rodgers, quien se considera el
verdadero creador de la música country.
Rodgers desarrolló un concepto del blues como música folk,
entrelazado con las baladas tradicionales de los Apalaches y el yodel, que
consiguió un inusitado éxito. El género se consolidó antes de la guerra,
con fguras como los Allen Brothers, Darby & Tarlton, Jimmie Davis,
Gene Autry, Clif Carlisle y otros.
El género infuyó profundamente en músicos afroamericanos de
blues, como Big Joe Williams, Leadbelly, Mississippi John Hurt, Skip
James, Tampa Red e, incluso, Howlin' Wolf, quienes desarrollaron
variantes del mismo.
4.2. FUNK
El funk es un género musical que nació entre mediados y fnales
de los años 1960 cuando músicos principalmente afroamericanos
fusionaron soul, jazz, ritmos latinos (mambo, por ejemplo) y R&B
dando lugar a una nueva forma musical rítmica y bailable. El funk
72

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
reduce el protagonismo de la melodía y de la armonía y dota, a cambio,
de mayor peso a la percusión y a la línea de bajo eléctrico. Las canciones
de funk suelen basarse en un vamp (una fgura, sección o
acompañamiento repetidos) extendido sobre un solo acorde,
distinguiéndose del R&B y el soul, más centrados alrededor de la
progresión de acordes.
Como buena parte de la música de infuencia africana, el funk
suele construirse sobre un groove complejo creado a partir de
instrumentos rítmicos como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, el
órgano Hammond y la batería, que tocan ritmos entrelazados. Los
grupos de funk tienen en ocasiones una sección de viento formada por
varios saxos, trompetas y, a veces, un trombón, que tocan "hits" rítmicos.
Muchas de las más famosas bandas del género también tocaron
música disco y soul. El funk fue una infuencia decisiva en el desarrollo
de la música disco y del afrobeat. Por otra parte, los samples de funk han
sido utilizados de modo generalizado en géneros como hip hop, house y
drum and bass. También ha tenido una infuencia capital en el go-go.
Etimología
La palabra funk en inglés se refere originalmente a un olor
corporal fuerte, generalmente ofensivo. Según el historiador y
antropólogo Robert Farris Tompson en su obra Flash Of Te Spirit:
African & Afro-American Art & Philosophy, la palabra funky tiene su
raíz semántica en la palabra "lu-fuki" de la lengua kikongo, que signifca
"mal olor corporal". De acuerdo a su tesis, "tanto los jazzmen como
Bakongo utilizan funky y lu-fuki para alabar a determinadas personas
por la integridad de su arte, por haber trabajado para lograr sus
objetivos". Esta señal kongo de esfuerzo se identifca con la irradiación
de energía positiva por esa persona. De ahí que "funk" en la jerga del jazz
estadounidense pueda signifcar terrenal, la vuelta a lo fundamental,
auténtico." Los músicos de jazz afroamericanos originalmente aplicaban
ese término a la música con un groove lento y melodioso, y
posteriormente con un ritmo duro e insistente, relacionándolo con
cualidades corporales o carnales en la música. Esta forma de música
temprana marcó el patrón para posteriores músicos.
Es posible que funk fuera un término derivado de una mezcla
entre el término kikongo lu-Fuki (conservado en la comunidad
afroamericana) y los términos en inglés stank' y stinky (mal olor en
castellano). En fecha tan temprana como el año 1907 ya existían
canciones con títulos como "Funky Butt Ballroom" de Buddy Bolden.
73

LA MÚSICA AFROAMERICAN
En fechas tan tardías como los años 1950 y primeros 1960, cuando
"funk" y "funky" eran utilizados cada vez más en el contexto de la
música jazz (Ej: "Opus De Funk" del LP de 1952 'Horace Silver Trio
and Art Blakey-Sabu' en el sello Blue Note) y soul, los términos todavía
se consideraban de uso inapropiado y maleducado. De acuerdo a una
fuente, Earl Palmer, baterista de Nueva Orleans, "fue el primero en
utilizar la palabra funky para explicar a otros músicos que su música
debía ser más sincopada y bailable."
Características
El funk crea un intenso groove gracias a la utilización de
poderosos rifs y líneas de bajo eléctrico. Como en las grabaciones soul
de Motown, las canciones de funk utilizan líneas de bajo como motivo
central de las canciones. Tocando el bajo mediante la técnica del slap se
combinan notas bajas tocadas con el dedo pulgar y otras notas altas
tocadas con los dedos, permitiendo de este modo al bajista tener un rol
rítmico similar al de la batería, lo que se convirtió en un elemento central
del funk. Algunos de los solistas más conocidos y habilidosos en el funk
tenían un importante background en el jazz. El trombonista Fred Wesley
y el saxofonista Maceo Parker están entre los más notables músicos del
funk, habiendo ambos tocado con músicos como James Brown, George
Clinton y Prince. Algunas de las más señaladas bandas de funk de los
1960 y 1970 son Kool & Te Gang, Te Meters, Tower Of Power,
Earth, Wind & Fire, Te Blackbyrds, Te Ohio Players, Parliament,
Funkadelic, Te Brothers Johnson y Charles Wright & the Watts 103rd
Street Rhythm Band.
El funk utiliza los mismos acordes extendidos que se pueden
encontrar en el bebop, como los acordes menores con séptimas añadidas
y undécimas, o acordes de séptima dominantes con novenas alteradas.
Sin embargo, a diferencia del bebop, que posee complejos y veloces
cambios de acorde, el funk virtualmente abondonó los cambios de
acorde, creando vamps, acordes estáticos únicos con muy poco
movimiento armónico pero con una sonoridad compleja y rítmica.
Los acordes utilizados en las canciones de funk típicamente
implican un modo dórico o mixolidio, en contraposición a las
tonalidades mayores o menores habituales en la mayor parte de la música
popular. El contenido melódico se derivaba de la mezcla de estos modos
con la escala de blues. En los años 1970, la música jazz se acercó al funk
para crear un nuevo subgénero, el jazz funk, que puede oírse en
74

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
grabaciones de Miles Davis (On Te Corner) y Herbie Hancock (Head
Hunters).
En las bandas de funk, los guitarristas típicamente tocaban un
estilo percusivo, muchas veces utilizando el efecto de sonido del pedal
wah-wah y silenciando notas en sus rifs para crear un sonido percusivo.
El guitarrista Ernie Isley de Te Isley Brothers y Eddie Hazel de
Funkadelic estaban muy infuidos por los solos improvisados de Jimi
Hendrix. Eddie Hazel, quien trabajó junto a George Clinton, es uno de
los solistas de guitarra más signifcativos del funk. Ernie Isley aprendió
del propio Jimi Hendrix en sus primeros años. Jimmy Nolen y Phelps
Collins son conocidos guitarristas rítmicos y ambos trabajaron junto a
James Brown.
Historia
Las características principales de la expresión musical afroamericana están
enraizadas en las tradiciones musicales de África Occidental, y
encuentran sus primeras expresiones en los espirituales, los cánticos de
trabajo, gritos de alabanza, gospel y blues. La música funk o funky es una
amalgama de soul, soul jazz y R&B, géneros entroncados con la
tradición de la música afroamericana.
Cuando se hace referencia a la historia de la música funk, es
inevitable no hablar de la música dance ya que esta se populariza al
mismo tiempo, justo cuando empezaron a abrirse las primeras discotecas
y había una gran demanda de un estilo comercial que incitase a bailar.
No obstante, hay quienes afrman que los primeros vestigios de la música
funk se pueden encontrar más atrás en el tiempo, allá por el año 1965 y
de la mano de canciones como "Get Out My Life Woman" del
compositor de Nueva Orleans Allen Toussaint e interpretada por Lee
Dorsey y el exitoso “Papa’s Got a Brand New Bag” de James Brown de
1965. Sin embargo, no fue hasta el 1970, con la famosa canción “Get
Up (I Feel Like Being a) Sex Machine” de James Brown, que la música
funk se consolidó defnitivamente. En aquel momento el estilo de la
música representaba una forma de improvisación y espontaneidad en la
ejecución de la música, sobre todo si lo comparamos con el rhythm and
blues de la época que era mucho más previsible. El sonido se distingue
por un mayor dinamismo de la línea del bajo que, junto a la típica
estridencia en el toque de la guitarra, contribuyen a crear la base típica en
síncopa que podemos escuchar en todas las piezas del funk. Si James
Brown se defne como el precursor principal de la música funk, a nivel
comercial se puede afrmar que algunos grupos de los años 1970 como
75

LA MÚSICA AFROAMERICAN
los Earth Wind and Fire, Te Commodores y Te Chic, también
pusieron su granito de arena para contribuir al éxito y la difusión de este
género por todo el mundo. Otros artistas menos conocidos por la
mayoría de las personas pero que se ganaron un puesto en la historia de
la música funk fueron Sly Stone y George Clinton. El primero supo
conjugar en su famoso disco: “Dance to the Music” de 1967, un poco de
rock con, soul, funk y psicodelia. El éxito fue enorme al nivel que los
llevó a presentarse en el mítico festival de Woodstock. Posteriormente,
en el 1969, salió a la venta el más funky “Stand!”, otro gran éxito y en el
1971 apareció “Tere’s a Riot Goin’ On”, considerado una verdadera
obra maestra.
James Brown y otros han reconocido al baterista de giras de la
banda de Little Richard, Earl Palmer de mediados de los años 1950,
como el primero en utilizar el beat del funk dentro de el rock'n'roll, el
cual se puede escuchar en el tema "Tipitina" del pianista de Nueva
Orleans Roy Professor Longhair Byrd, como una adaptación al kit de
batería de los ritmos "segunda fla" de los desfles de los Indios negros del
Mardi Gras en Nueva Orleans. Siguiendo su salida temporal de la
música secular para convertirse en evangelista, alguno de los miembros
de la banda de Little Richard se unieron a James Brown y sus Famous
Flames, comenzando una larga cadena de hits en 1958.
Años 1960: James Brown y el desarrollo del funk
Hacia mediados de los años 1960, James Brown había
desarrollado su groove característico que dotaba de gran protagonismo al
downbeat, con un fuerte énfasis en el primer beat de cada tiempo para
grabar su sonido distintivo, en contraposición al backbeat típico de la
música afroamericana.8 Brown solía avisar a su banda con el grito "on
the one!" (en castellano, "¡en el primero!"), cambiando el acento (sustain
breve del tempo de cada pulso en la barra) de la música desde el backbeat
"uno-dos-tres-cuatro" tradicional de la música soul al downbeat "unodos-tres-cuatro",
y ello con un sincopado ritmo de guitarra tocando una
nota uniforme o niveladora con un swing repetitivo. Este beat uno-tres
lanzaba el cambio en el estilo musical de Brown, que comenzó con sus
hits "Out of Sight" de 1964 y "Papa's Got a Brand New Bag" de 1965,
cambiando bruscamente las reglas de como se suponía debía hacerse
R&B y la música para bailar en general.
Las innovaciones de Brown llevaron el estilo musical funk al
primer plano con grabaciones como "I Got it You (I Feel Good)"
76

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
(1966), "Cold Sweat" (1967), "Mother Popcorn" (1969) y "Get Up (I
Feel Like Being A) Sex Machine" (1970), desechando incluso la
estructura de doce compases típica del blues utilizaba por el cantante en
su primera época. En vez de eso, la música de Brown estaba revestida de
"vocales pegadizas, de himno" basadas en "largos vamps" en los que
llegaba a utilizar su propia voz como "un instrumento de percusión con
frecuentes gruñidos rítmicos y patrones de ritmo... asemejándose a los
polirritmos de África Occidental". Durante su carrera, las frenéticas
vocales de Brown, generalmente acompañadas de gritos y gruñidos,
canalizaron "el ambiente de éxtasis de una iglesia negra" en un contexto
secular.
En una entrevista en 1990, Brown ofreció su razón para
cambiar el ritmo en su música: "cambié del upbeat al downbeat... Tan
sencillo como eso, simplemente." De acuerdo a Maceo Parker, antiguo
saxofonista de Brown, tocar sobre el downbeat era difícil para él al
principio y le llevó tiempo acostumbrarse.
Pronto, otros grupos musicales comenzaron a tomar los rifs,
ritmos y vocales desarrollados por James Brown y su banda, y el estilo
comenzó a crecer. Dyke & the Blazers, radicados en Phoenix, Arizona,
publicaron "Funky Broadway" en 1967, quizá la primera grabación de la
era soul que llevaba la palabra "funky" en su título. Archie Bell & Te
Drells desde Houston (Texas), impusieron un funk nervioso con su
"Tighten Up" ese año. El saxofonista de R&B King Curtis coloca otra
piedra de fundamento con su single "Memphis Soul Stew", en donde la
batería sincopada de Bernard Purdie y un acorde de bajo medio
tartamudo ejecutado por Jerry Jemmott, como así lo describió el gran
Jaco Pastorius, pero manteniendo todo el ritmo, resultó ser una nueva
forma de tocar el bajo, que se hizo escuela rápidamente. Mientras, en la
Costa Oeste, Charles Wright & the Watts 103rd Street Rhythm Band
estaba publicando temas de funk desde el sencillo clásico "Express
Yourself" de 1970.
Te Meters defnieron el funk de Nueva Orleans, comenzando
con sus singles "Sophisticated Cissy" y "Cissy Strut" en 1969 bajo el
sello Josie. Otro grupo que defniría el funk en la década siguiente fue
Te Isley Brothers, cuyo número uno de las listas de R&B de 1969, "It's
Your Ting", señaló un salto en la música afroamericana, cubriendo el
puente desde el rock de Jimi Hendrix y el soul upbeat de Sly & the
Family Stone y Mother's Finest.
77

LA MÚSICA AFROAMERICAN
P-Funk y los años 1970
En los años 1970 y primeros 1980, un nuevo grupo de músicos
desarrolló y profundizó el enfoque de "funk". Este movimiento lo lideró
el pionero George Clinton junto a sus grupos Parliament y,
posteriormente, Funkadelic. Produjeron una nueva forma de funky
poderosamente infuenciada por el rock psicodélico y la incorporación de
sonidos electrónicos. Ambos grupos tenían miembros en común y suelen
ser conocidos generalmente como un único ente bajo el nombre
"Parliament-Funkadelic". El salto a la fama de Parliament-Funkadelic
dio nacimiento al término "P-Funk", que se refería a la música de los
grupos de George Clinton, y defnió un nuevo subgénero.
"P-Funk" también llegó a adoptar el signifcado de algo en su
quinta esencia, una cualidad superior o sui géneris, como en las letras del
tema "P-Funk (Wants to Get Funked Up)", un hit del álbum de
Parliament "Mothership Connection" de 1976: Quiero la bomba.
Quiero el P-Funk. Quiero mi funk sin cortar.
George Clinton jugó un rol fundamental en Bootsy's Rubber
Band y muchas otras bandas que ayudó a crear, entre las que se incluyen
Parlet, the Horny Horns, y the Brides of Funkenstein, todas parte del
conglomerado P-Funk.
La década de 1970 fue la época de mayor visibilidad de la
música funk a gran escala. Por todos lados se hacía reconocible las
imágenes de negros y latinos vestidos con estrambóticas prendas (algunas
diseño de Tommy Nutter) como el pantalón campana y peinado afro
moviéndose al son del cimbreante ritmo funky. A medida que el funk se
fue convirtiendo en parte de la banda sonora del movimiento por los
derechos civiles, este sonido se hizo parte integral de un nuevo cine sobre
negros y para negros, mostrando una nueva actitud agresiva y no lejana
al escándalo, llamado blaxploitation. Destacan artistas y películas como
Earth, Wind & Fire (Sweet Sweetback's Baadass Teme), James Brown
(Black Caesar, Slaughter's Big Rip of), Dennis Cofey (Blackbelt Jones)
y Blackbyrds (Cornbread), entre otros. En Europa, compositores como
Alan Hawkshaw y Brian Bennett para la británica compañía KPM, y
franceses como el mismo Serge Gainsbourg ("No No, Yes Yes", "Bloody
Jack"), Alain Goraguer y Francis Lai, incorporaron un fondo
absolutamente funky para series televisivas y películas.
La música funk fue exportada a África hacia el fnal de los años
1960, fusionándose con las formas de canto típicas y los ritmos del
continente para crear el Afrobeat, del que el músico nigeriano Fela Kuti
78

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
es uno de los principales representantes, estando reconocido como
creador del término.
A comienzo de los años 1970, cuando el funk se estaba
convirtiendo en un fenómeno mainstream, artistas como Parliament
Funkadelic, Rufus & Chaka Khan, los Isley Brothers, Sly and the Family
Stone, Average White Band (la primera banda integramente blanca del
género), Ohio Players, LaBelle, Confunkshun, entre otros, lograron
importantes éxitos que les llevaron a gozar de gran cobertura en la radio.
Sin embargo, de acuerdo a Billboard Magazine, solo Sly & the Family
Stone logró sencillos que alcanzasen el número 1 en Pop y no solo en
R&B. En 1970, "Tank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)" consiguió
ese primer puesto en las listas de éxitos, y posteriormente alcanzó el
mismo lugar "Family Afair’ en 1971. Ello permitió a Sly, y al propio
funk, lograr mayor éxito y el reconocimiento generalizado, antes de que
la música disco llegara. Esta le debe mucho a la música funk, viniendo
buena parte de las primeras canciones y artistas disco de un pasado funk.
Algunos hits de música disco, como "I'm Your Boogie Man" de KC &
Te Sunshine Band, "I'm Every Woman" de Chaka Khan también
conocida como Te Queen of Funk Soul, y "Le Freak" de Chic, incluyen
rifs o ritmos muy similares a los de la música funk.
Años 1980s y el "stripped-down funk"
En los años 1980, principalmente como una reacción contra la
complacencia que algunos observaban en la música disco, buena parte de
los elementos centrales que habían formado los fundamentos de la
fórmula del P-Funk comenzaron a ser tomados y reproducidos mediante
máquinas electrónicas y sintetizadores. Las secciones de viento que antes
habían sido interpretadas mediante saxos y trompetas fueron
reemplazadas por teclados sintetizados, y los vientos que quedaban
tocaban líneas más simples, y menos solos. El teclado clásico del funk,
como el órgano Hammond B3, el Clavinet Hohner y el piano Fender
Rhodes fueron progresivamente reemplazados por nuevos sintetizadores
como el analógico Sequential Circuits Prophet-5 y el digital Yamaha
DX7. Las cajas de ritmos fueron sustituyendo el "funky drummer" del
pasado y el slapping y la forma de tocar el bajo fueron reemplazadas por
líneas de bajo sintetizadas. Asimismo, las letras de las canciones de funk
comenzaron a cambiar, pasando de sugestivos dobles sentidos a
contenido más gráfco y sexualmente explícito.
Rick James fue el primer músico de funk de los años 1980 en
asumir este nuevo camino que sustituía el P-Funk que había dominado
79

LA MÚSICA AFROAMERICAN
en los años 1970. Su álbum de 1981 Street Songs, con lo sencillos "Give
It To Me Baby" y "Super Freak", llevaron a James a convertirse en una
estrella y allanaron el camino para la nueva dirección explícita del funk.
Prince utilizaba una instrumentación "desnuda" (strippeddown
en inglés) similar a la de Rick James, y logró tener un impacto tan
grande en el sonido del funk como nadie antes había conseguido desde
James Brown. Prince combinó erotismo, tecnología y una complejidad
musical creciente, con una imagen escandalosa que contribuyeron a crear
un mundo musical tan ambicioso e imaginativo como el del P-Funk.
Te Time, concebida originalmente como una banda telonera para
Prince y basada en su "Minneapolis sound", una mezcla híbrida entre
funk, R&B contemporáneo, rock, pop y new wave, llegó a defnir su
propio estilo de stripped-down funk basado en interpretaciones de
calidad y temas sexuales.
Los grupos que habían comenzado su andadura durante la
época P-Funk incorporaron parte de la sexualidad desinhibida de Prince
y desarrollos tecnológicos de última generación para continuar
produciendo éxitos de funk. Bandas como Cameo, Zapp, Te Gap
Band, Te Bar-Kays, Raydio y Te Dazz Band lograron sus mayores hits
en los años 1980. Sin embargo, hacia la segunda mitad de la década de
1980 el funk había perdido todo su impacto comercial.
Afrika Bambaataa, infuido por Kraftwerk, creó el electro funk,
un estilo de funk minimalista basado en la producción mediante
máquinas gracias a su sencillo "Planet Rock" de 1982. También
conocido simplemente como electro, este estilo de funk estaba basado en
sintetizadores y ritmos electrónicos de la caja de ritmos TR-808. El
sencillo "Renegades of Funk" fue publicado en 1983.
El funk se convirtió en un estilo de música internacional,
siendo interpretado por grupos de países como Canadá, Reino Unido,
Francia, Italia, España, Japón, Argelia, India, Sudáfrica, Brasil, Perú,
Chile y Nigeria.
Desarrollos recientes
Aunque el funk desapareció casi por completo, siendo
reemplazado en la radio comercial por hip hop, R&B contemporáneo y
New Jack Swing, su infuencia siguió extendiéndose. Los grupos de rock
comenzaron a añadir elementos del funk a su sonido, creando una nueva
combinación que se materializó en los subgéneros "funk rock" y "funk
metal". Grupos como Red Hot Chili Peppers, Living Colour, Jane's
Addiction, Prince, Primus, Fishbone, Faith No More, Infectious
80

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Grooves, Incubus y Rage Against the Machine desarrollaron este
enfoque, al que se acercaron desde pioneros del funk hasta nuevas
audiencias en la segunda mitad de los años 1980 y primera de los 1990.
Estos grupos inspiraron el movimiento underground posterior del
funkcore de mediados de los 1990 así como otros artistas de orientación
funk posteriores como Outkast, Malina Moye, Van Hunt y Gnarls
Barkley. En los años 1990, artistas como Me'shell Ndegeocello y el
(mayoritariamente británico) movimiento acid jazz al que dieron forma
grupos como Brand New Heavies, Incognito, Galliano, Omar y
Jamiroquai continuaron con importantes elementos del funk. Sin
embargo, nunca estuvieron cerca de alcanzar el éxito comercial del funk
en sus días de apogeo, con la excepción de Jamiroquai, cuyo álbum
Travelling without Moving vendió alrededor de 11.5 millones de copias.
Mientras, en Australia y Nueva Zelanda, grupos que tocaban en el
circuito de pubs como Supergroove, Skunkhour y Te Truth preservaron
una forma de funk más instrumental.
Desde fnales de los años 1980 los grupos de hip hop habían
venido sampleando antiguos temas de funk. James Brown está
considerado como el artista más sampleado de la historia del hip hop. El
género se construye en buena medida sobre breaks de funk y soul, como
el Funky Drummer o el Amen break. Otra fuente de samples frecuente
es la música de Parliament y Funkadelic, hasta el punto de haber llegado
a formar la base de un subgénero completo del hip hop, el tipo de hip
hop de la Costa Oeste denominado G Funk.
Dr. Dre, considerado como el padre del G-Funk, ha admitido
sin reparos la fuerte infuencia del funk psicodélico de George Clinton:
"tiempo atrás en los 1970 eso era lo que todo el mundo hacía: ponerse
ciego, llevar Afros, bell-bottoms y escuchar a Parliament-Funkadelic. Por
eso llame a mi álbum Te Chronic y basé mi música y conceptos en ello:
porque su mierda fue una gran infuencia en mi música. Muy grande".
Digital Underground fue una importante pieza en el renacer del funk en
los años 1990 al educar a sus oyentes explicando la historia del funk y de
sus artistas. George Clinton etiquetó a Digital Underground como "Sons
of the P", nombre de su segundo álbum largo. El primer disco de DU,
Sex Packets, está repleto de samples de funk, y el tema más famoso, "Te
Humpty Dance", samplea la canción de Parliament "Let's Play House".
Más allá del hip hop, existen otros estilos de música fuertemente
infuenciados por el funk, especialmente en la medida que samplean sus
breaks para construir sus patrones rítmicos. Es el caso del drum and bass,
construido en gran parte sobre el Amen break.
81

LA MÚSICA AFROAMERICAN
El funk es un elemento principal en la música de ciertos artistas
identifcados con la escena Jam band de fnales de los 1990 y primeros
2000. Phish comenzó a tocar jams funkys en sus sets durante 1996 y su
Te Story of the Ghost de 1998 estaba poderosamente infuido por el
funk. Medeski Martin & Wood, Robert Randolph & Te Family Band,
Galactic, Jam Underground, Diazpora, Soulive y Karl Denson's Tiny
Universe se basan en la tradición funk.
Desde mediados de los años 1990 surge la escena nu-funk, muy
relacionada con el entorno Deep Funk que producía nuevo material
infuido por el sonido de rarezas de funk antiguo. Entre los sellos más
representativos se encuentran Desco, Soul Fire, Daptone, Timmion,
Neapolitan, Kay-Dee y Tramp, que suelen publicar en 45 rpm.
A comienzos de los 2000, aparecieron algunas bandas de punk
funk como Out Hud. La banda de indie Rilo Kiley incorporó sonidos
funk en su tema "Te Moneymaker" del álbum Under the Blacklight.
Prince ha recuperado en sus últimos álbumes ha recuperado el sonido
funk, como en las canciones "Te Everlasting Now", "Musicology", "Ol'
Skool Company" y "Black Sweat".
El funk también ha sido incorporado en la música urban pop y
R&B, especialmente de vocalistas femeninas como Beyoncé Knowles en
su hit de 2003 "Crazy in Love" (que samplea el tema de Te Chi-Lites'
"Are You My Woman"), Jennifer López en 2005 con Get Right (que
samplea a Maceo Parker y su solo de viento en "Soul Power '74").
4.3. GÓSPEL
La música góspel, música espiritual o música evangélica, en su
defnición más restrictiva, es la música religiosa que surgió de las iglesias
afroamericanas en el siglo XVIII y que se hizo muy popular durante la
década de 1930. Más generalmente, suele incluirse también la música
religiosa compuesta y cantada por cantantes cristianos sureños,
independientemente de su etnia.
La música góspel, a diferencia de los himnos cristianos, es de
carácter ligero en cuanto a música. La palabra gospel se deriva del
vocablo anglosajón godspel (lit. "palabra de Dios), el cual se emplea para
referirse a los evangelios. A esta forma de cantar se la denominó de esta
forma debido que era un canto evangélico para invitar a las personas
hacia Dios. Las letras suelen refejar los valores de la vida cristiana.
82

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
La fuerte división entre blancos y afrodescendientes en EE.
UU., especialmente entre iglesias de blancos y las de afrodescendientes,
ha mantenido separadas ambas ramas del góspel, aunque esta separación
nunca fue absoluta (ambas parten de los himnos metodistas y los artistas
de una tradición cantan a veces canciones de la otra), y dicha separación
ha disminuido ligeramente en el último medio siglo. Aunque la música
góspel es un fenómeno estadounidense, se ha extendido a lo largo del
mundo.
Es un género musical caracterizado por el uso dominante de
coros con un uso excelente de la armonía. Entre los subgéneros se
incluyen el góspel tradicional, gospel negro, sureño, etc. Hoy en día hay
varios subgéneros llamados góspel.
La cantante, guitarrista y compositora Rosetta Tarpe fue la
primera gran estrella de la música góspel, durante la aparición de la
música pop en la década de 1930 y permaneciendo en la fama durante la
década de 1940 con cientos de seguidores.
Historia
La música góspel nace de la tradición de «espirituales negros»,
una música inspirada en el sufrimiento de generaciones de esclavos
africanos que fueron arrancados de su tierra y deportados a los países de
América. La música se remonta a 1619, fecha en que el primero africano
llega a la colonia de Virginia. La primera noticia de un esclavo que se
bautiza como cristiano viene del año 1641 en Massachusetts. Muchos de
los negreros europeos (británicos, franceses, españoles, portugueses)
predican la fe cristiana sólo para mantener sumisos a sus cautivos («los
mansos heredarán la tierra»). Los intereses comerciales, un clima político
favorable al lucrativo tráfco en seres humanos, y la religión dan la mano
para impedir la rebelión de los oprimidos.
Sin embargo, la historia sugiere que una interpretación
exclusivamente política no basta para explicar la conversión masiva de los
africanos al evangelio de Jesucristo.
Estos inmigrantes forzosos traen consigo un estilo musical
propio. Una vida comunitaria basada en la música y el baile, siempre
dirigido por una percusión insistente, se incorpora al rito de la recién
descubierta fe cristiana. El canto se acentúa con la animada participación
de los oyentes (exhortaciones, palmas, baile improvisado). Poco a poco la
música eclesiástica blanca, europea, estéril —a oídos de estos nuevos
conversos— se transforma, y nacen los llamados «espirituales negros».
83

LA MÚSICA AFROAMERICAN
Como señala Eileen Southern, catedrática de Música y Estudios
Afroamericanos de la Universidad de Harvard (EE. UU.), la melodía de
los espirituales suele ser modal o pentatónica, con una constante
improvisación melódica y textual. Hay frases musicales que se repiten
con variaciones, dirigiendo el cantante principal y haciendo eco el coro,
creando un patrón de llamadas y respuestas, siempre marcado con un
pulso implacable.
Otra característica del género autóctono que los esclavos
importan es la balada, la narración —la tradición oral de la tribu— de las
hazañas de los héroes antiguos. Este aspecto se incorpora en los nuevos
contenidos cristianos. Los héroes del Antiguo Testamento, como
Abraham, Josué, Gedeón, y Daniel forman parte del panteón musical.
Cruzar el río Jordan se equipara con pasar del sufrimiento de esta vida a
la felicidad celestial. El carro que lleva a Elías a la gloria sirve de
emblema, y los esclavos piden que Dios mande su carro para llevarlos a
ellos también. El ejemplo de Daniel, que sobrevive en el foso de los
leones, aviva una esperanza que vence el temor.
Además del recuerdo de los héroes de la Biblia, los espirituales
negros sirven para que los esclavos se comuniquen en clave y burlen la
vigilancia del amo. También recogen aspectos de la época como el
«ferrocarril subterráneo», nombre con que se describe la cadena de
ayudantes clandestinos que con pisos francos y documentos falsifcados
propician la huida de los esclavos de las plantaciones de algodón a las
ciudades norteñas y libres. Temas como «Mantén encendida la lámpara»
(señal que indicaba una casa segura), y el pulso implacable de la
percusión que hace eco del ruido del tren.
Los espirituales negros evolucionan en música gospel
propiamente hablando, con la incorporación de una instrumentación y
armonización más sofsticadas. La música ya no se limita a temas
modales y pentatónicos, aunque las raíces africanas siguen notándose.
Ahora la tradición oral se centra en la persona de Jesucristo. La palabra
gospel se deriva del vocablo anglosajón godspell, que signifca «palabra
buena», traduciendo el término bíblico griego euangelion, «buena
noticia». Los esclavos consideran que la mejor noticia de todas es el
evangelio de la salvación en Jesucristo. Si bien los amos propagan la fe
para mantener a las masas embrutecidas, muchos de los que componen
esas masas ahora ven en Jesús el mayor de todos los héroes antiguos, y
cantan de su amor, su poder, su sufrimiento, y su cruz.
84

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Géneros
El traditional gospel es aquel que básicamente se ha dado en las
iglesias evangélicas afroamericanas de Estados Unidos y que
normalmente lo interpreta un coro, que puede tener uno o varios
solistas. Se caracteriza por ritmos rápidos y alegres con bajo continuo, el
uso de un ejecutor (a) de pandero y la importante presencia de un
órgano "hammond". A este subgénero pertenece una de las canciones
más conocidas "Oh Happy Day" de Edwin Hawkins.
Góspel blues
Es una forma de música góspel basada en el blues (una
combinación de letras evangelísticas y guitarra de blues).
Góspel sureño ("Southern Gospel")
En ocasiones también es llamado "quartet music" (literalmente,
música de cuarteto) debido a las formaciones originales de hombres
compuestas por un líder, un tenor, un barítono y un bajo. Este tipo de
música habla de los problemas cotidianos de la vida y de cómo Dios
responde a ellos. El góspel sureño depende de las armonías, con
frecuencia con rangos muy amplios (por ejemplo, notas muy graves del
bajo frente al tenor en falsete). Un ejemplo de este tipo de agrupaciones
es Statesmen Quartet, de la década de 1950, o Te Statler Brothers, un
grupo exitoso de la música country.
Góspel negro ("Black Gospel")
Es un góspel que rompe los esquemas más conservadores del
género mezclando con energía la tradición con otros estilos, como el
funk, el rock y el blues. Son artistas muy conocidos en este subgénero
Kirk Franklin, Kurt Carr o Fred Hammond
Scriptures
Son casi en su totalidad grabaciones en las que sobresale la
recitación de los textos religiosos, acompañados o no de un hilo musical.
Las partes cantadas o las apariciones de coros son escasas. Suele estar
interpretado por predicadores, entre los que han destacado J.M. Gates o
Moses Mason.
85

LA MÚSICA AFROAMERICAN
Góspel latino ("Latin Gospel")
Es el que se interpreta en iglesias cristianas de Latinoamérica y
en iglesias norteamericananas de habla hispana. En algunos casos usan
traducciones al español de las mismas canciones tradicionales de
Norteamérica (por ejemplo, Amazing Grace o Sublime Gracia y también
How great thou Art conocido como Cuán grande es Él). También cabe
resaltar que este subgénero se ha caracterizado por incluir fusiones
musicales con ritmos latinos como la Salsa, merengue, vallenato, música
andina y diversos ritmos tradicionales, Cantantes como: Marcos Brunet,
Marcela Gandara, Alexis Peña, Destino Directo, Alex Campos, Jesús
Adrián Romero, Julio Melgar, Marcos Witt, Marco Barrientos (cantante
cristiano), Lilly Goodman, Ingrid Rosario y Juan Luis Guerra pertenecen
a este subgénero.
La música góspel fuera de los Estados Unidos
En la década de 1960 la música góspel empieza a dar el salto y a
extenderse por Europa. Así, en 1963 un coro juvenil de la Iglesia
Bautista Emmanuel en Örebro, Suecia, tras la visita del pastor Ralph
Goodpasteur y el coro gospel de "Te First Church of Deliverance" de
Chicago, decide empezar a cantar este estilo, convirtiéndose así en el
primer coro gospel europeo. En 1968 cambia su nombre por "Joybells",
nombre por el que siguen siendo conocidos hasta hoy. A partir de la
década de 1990 hay un fuerte crecimiento de la infuencia de la música
góspel en Europa, en parte gracias a la infuencia del cine, como Sister
Act o La mujer del predicador. En 1988 nace Oslo Gospel Choir, una de
las principales referencias del gospel en Europa.
Actualmente se podría hablar de una especie de subgénero
llamado "góspel europeo" debido a las aportaciones que compositores
europeos como Joakin Arenius han aportado al estilo. Recientemente
han surgido festivales de góspel europeo, como el gospelkirchentag, que
se celebra en el mes de junio en Dortmund, Alemania, desde el año
2010.
España y Argentina
En España no es hasta 1993 cuando nace el primer coro góspel,
el Coro Gloria, que surge de la Primera Iglesia Evangélica Bautista de
Valencia (más conocida como Quart por estar en esa calle), dirigido por
Sergio Martín, y que sigue funcionando hasta el día de hoy.
86

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Pero la gran expansión vino después de la gira del Coro
Evangélico Nacional de 1997 conocida como Espirituales 97, tras la que
los componentes de distintas regiones como Madrid, Castilla y León o
Barcelona decidieron seguir de forma independiente, creando coros
góspel, siempre dentro de la Iglesia Evangélica. Ya ha fnales de la década
de 1990 gozaba de reconocimiento en el área de Barcelona el Cor Carlit.
En los primeros años del siglo XXI han surgido en España diversos
grupos de góspel en formato coral como Gospel Factory, Gospel Living
Water o Gospel Shine Voices.
En el año 2008 se produce otro gran hito cuando, con motivo
de la celebración de la Exposición Internacional del año 2008 en
Zaragoza, cuyo motivo principal era el agua, se forma el coro góspel
Agua Viva con alrededor de 320 voces y 15 instrumentistas. Dirigidos
por Nancy Roncesvalles, directora del Coro Gospel de Madrid y con
artistas invitados del prestigio de Richard Smallwood, Charisse Nelson o
Anna Wiborg , este coro actuó el día 5 de julio ante alrededor de 15.000
personas.
Actualmente el góspel ha salido del entorno de las iglesias
evangélicas y se ha extendido en cuanto a subgéneros. Agrupaciones
como Soul Friends o Good News dan prueba de ello.
Por su parte, el góspel en Argentina ha tenido una gran
expansión en la última década. En sus orígenes, se puede nombrar a
Paloma Efron quien fue invitada a cantar con los Fisk Jubilee Singers en
Estados Unidos. Los Aleluyah Folk Jubilee Singers fueron, en los años
70 una agrupación pionera en el repertorio del Gospel Tradicional.
Desde los años 2000, diferentes agrupaciones que encaran un Gospel
moderno y festivo invaden la escena de Buenos Aires como El Córdoba
Gospel Choir (dirigido por Gerardo Flores), Coro Gospel Joy (dirigido
por Amado Acosta) o pequeños ensambles vocales como Kumbaya de la
ciudad de Córdoba. Algunos grupos más tradicionales como los
Afroamerican Music con Marcelo Ponce como director recorren un
repertorio que se ajusta más a las raíces del género. Sin dudas, uno de los
máximos exponentes locales y máximo conocedor del Gospel tradicional
es Gabriel Grätzer quien dirige a los Boulevard Gospel Singers. Presentó
Gospel en el Teatro Colón y fue, el guitarrista que acompañó a Gregory
Hopkins, una de las leyendas del Gospel de Estados Unidos, en su gira
por Argentina. Otras visitas importantes en la Argentina fueran las del
harlem Gospel Choir y Markanthony Henry. El gospel en el país cuenta
con más de 30 coros, un festival anual y una creciente escena local que se
sustenta en los grupos y también en diferentes talleres, escuelas y cursos
sobre esta música.
87

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
4.4. RAP / HIP-HOP
El rap es un género musical desarrollado por ARG a partir de
fnales de la década de los 60 entre la comunidad afroamericana de los
Estados Unidos. También se denomina "rap" (verbo: "rapear") a la
técnica vocal que caracteriza a este género, un tipo de sprechgesang o
recitación rítmica de rimas y juegos de palabras. En la cultura hip hop
(surgida en el South Bronx de Nueva York a mitad de los 70s) la música
rap es uno de los cuatro pilares fundamentales, de ahí que a menudo
también se le llame (de forma imprecisa) hip hop. Puede interpretarse a
capella, pero normalmente el rap va acompañado por un fondo musical
rítmico conocido con la voz inglesa beat. Los intérpretes de la música rap
son conocidos como MC, "Maestros de Ceremonias". Se ha aplicado el
acrónimo RAP, de Rhythm and poetry (ritmo y poesía) y R. A. P. Ritmo
Adaptado a la Poesía o Revolución Artística Popular. Este género
musical, que se hizo mundialmente famoso e infuyente a partir de
mediados de los años 1980, ha dado grandes raperos al mundo como
2pac, Te Notorious B.I.G., Rakim, Eminem, Eazy-E, Ice T, Ms KNival
entre otros.
La palabra inglesa fow (“fujo”), se utiliza para referirse a los ritmos creados
por palabras y sílabas por encima del beat, o sea, es la forma que tiene cada
MC para adaptarse al beat, o instrumental, así como la interacción del
esquema o patrón de rimas con el ritmo de fondo o lugar de residencia.
Muchas veces, el fow determina la soltura o nerviosismo que puede tener el
MC (sobre todo en las "batallas de gallos") durante el rapeo.
. . . . . . .
E l hip hop es un movimiento cultural compuesto por un
amplio conglomerado de formas artísticas, originadas dentro de una
subcultura marginal en el Sur del Bronx y Harlem, en la ciudad de
Nueva York, entre jóvenes afroamericanos e hispanos durante la década
de 1970. Se caracteriza por cuatro elementos, los cuales representan las
diferentes manifestaciones de la cultura: Rap (oral: recitar o cantar),
turntablism o "DJing" (auditiva o musical), breaking (físico: baile) y
grafti (visual: pintura). A pesar de sus variados y contrastados métodos
de ejecución, se asocian fácilmente con la pobreza y la violencia que
subyace al contexto histórico que dio nacimiento a la subcultura. Para
este grupo de jóvenes, ofrece rebelarse en contra de las desigualdades y
penurias que se vivían en las áreas urbanas de escasos recursos de Nueva
York, así que el "hip-hop" funcionó inicialmente, como una forma de
88

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
auto-expresión que propondría refexionar, proclamar una alternativa,
tratar de desafar o simplemente evocar el estado de las circunstancias de
dicho entorno, favoreciendo su desarrollo artístico. Incluso mientras
continúa la historia contemporánea, a nivel mundial, hay un
forecimiento de diversos estilos en cada uno de los cuatro elementos,
adaptándose a los nuevos contextos en los que se ha inmerso el hip-hop,
sin desligarse de los principios fundamentales, los cuales proporcionan
estabilidad y coherencia a la cultura.
El origen de la cultura se deriva de las festas callejeras por los
Ghetto Brothers. Cuando se conectaban los amplifcadores para sus
instrumentos y altavoces en las farolas de la 163rd Street y Prospect
Avenue. La misma idea de tomar energía de la calle misma colgándose a
las farolas las retomó DJ Kool Herc después de sus festas en la sala de
recreo del condominio en el 1520 de Sedgwick Avenue, en donde hizo
mezcla de los intermedios percusivos breaks de los temas soul y funk para
impresionar a la multitud y especialmente de algunos bailarines que
buscaban esos 'breaks' para lucirse en sus habilidades gimnastas b-boys,
mientras algún MC animaba las festas y rimaba al ritmo, es decir
rapeaban, de los diferentes beats, al tiempo que varios bailarines
competían, en ocasiones de otras pandillas. No es sorpresa que Kool
Herc sea reconocido como el "padre" del hip hop. El DJ Afrika
Bambaataa en conjunto con Zulu Nation, esbozó los pilares de la cultura
hip hop, a la que él acuñó los términos: MCing o "Emceein", DJing o
"Deejayin", b-boying y grafti o aerosol writin.
Desde su evolución a lo largo del sur del Bronx, la cultura hip
hop se ha extendido a diferentes culturas urbanas, suburbanas y
comunidades de todo el mundo. El hip-hop surgió por primera vez con
Kool Herc y Disc Jockeys contemporáneos como también imitadores,
todos estos experimentaron creando golpes rítmicos a través de loops
breaks (pequeñas porciones de canciones que enfatizan un patrón de
percusión) en dos platos. Esto más tarde fue acompañado por rap, un
estilo rítmico del canto o poesía a menudo se presenta en medidas de 16
intervalos de tiempo, y beatboxing, una técnica vocal usada
principalmente para proporcionar elementos de percusión de la música y
diversos efectos técnicos de DJs. Una forma original de baile y
particulares estilos de vestir surgió entre los fans de esta nueva música, el
breaking. Estos elementos experimentaron una considerable adaptación y
el desarrollo en el transcurso de la historia de la cultura, incluso hoy
permanece en constante evolución al ser una cultura presente en más de
200 naciones.
89

LA MÚSICA AFROAMERICANA
El hip-hop es tanto un fenómeno moderno como también
antiguo; gran parte de la cultura ha girado en torno a la idea de actualizar
las grabaciones clásicas, actitudes y experiencias al público moderno en lo
que se denomina "fipping". Actualmente aún sigue arraigándose a otros
géneros norteamericanos como lo son el blues, jazz y rock and roll,
inspirándose mayormente en el soul, el funk y, particularmente desde el
álbum "Criminal Minded" (1986) de Boogie Down Productions, con el
dancehall. Compite además con el rock, el pop y con la música
electrónica por el primer lugar en cifras de ventas a nivel mundial como
también la infuencia cultural, ya que cada uno de los anteriores cuenta
con seguidores en prácticamente cada nación de los cinco continentes,
dando lugar a la creación de cientos de estilos y subculturas.
Etimología
La creación del término hip hop suele atribuirse a Keith
'Cowboy' Wiggins, rapero que colaboraba junto a Grandmaster Flash
and the Furious Five. No obstante, Lovebug Starski, Keith Cowboy y DJ
Hollywood usaban el término como una "muletilla" verbal al improvisar
al micrófono, cuando a esta música se la conocía todavía como disco rap.
Se cree que Cowboy creó el término cuando bromeaba con un amigo
que acababa de alistarse a las Fuerzas Armadas de EEUU, al cantar
haciendo scat las palabras "hip/hop/hip/hop" de forma que imitaba la
cadencia rítmica de los soldados al marchar. Cowboy más tarde
desarrolló la cadencia de su rima "hip hop" como parte de su actuación
en directo, lo que pronto fue utilizado por otros artistas como Te
Sugarhill Gang en "Rapper's Delight".
Afrika Bambaataa, fundador de Universal Zulu Nation, está
reconocido como el primero en utilizar el término para describir una
subcultura a la que esta música pertenecía. Se ha sugerido también que
este era un término que se utilizaba para referirse de modo peyorativo a
este estilo. El primer uso impreso del término fue en Te Village Voice,
por Steven Hager, más tarde autor de una historia del hip-hop en 1984.
Las raíces del hip-hop pueden encontrarse en la música
afroamericana y fnalmente en la música africana. Los griots de África
Occidental son viajeros que forman parte de una tradición oral que se
remonta a cientos de años atrás. Su estilo vocal es similar al de los
raperos. Otras manifestaciones afroamericanas como el talking blues
(tempranos ejemplos destacan como "It's a Good Ting" de Beale Street
Sheiks de 1927 y "Whitewash Station" de Te Memphis Jug Band de
1929), signifyin', the dozens y el jazz poetry son descendientes de los
90

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
griots. Destacados artistas del Jazz como Cab Calloway ("Minnie Te
Muncher" y "Jungle King" de 1941) y Louis Armstrong (en la película
"New Orleans" y el tema de 1953 "Spooks", por citar unos pocos), del
Gospel (impresionante rima larga duración de Te Jubilaires en "Te
Preacher and Te Bear" de 1941) y del Soul/Funk ("Te Clapping Song"
por Shirley Ellis de 1963,"Say It Loud, I'm Black and I´m Proud" por
James Brown de 1968, "Good Love 69969" por Isaac Hayes de 1971,
etc) dieron muestras notables de su débito a la tradición oral africana de
recitar al ritmo de música de fondo. Adicionalmente, grupos de "humor"
musical como Pigmeat Markham (con su notable "Here Comes Te
Judge" de 1968), Rudy Ray Moore y Blowfy están considerados por
algunos como los abuelos del rap.
En la ciudad de Nueva York, las interpretaciones similares a los
griots de poesía hablada y música por artistas como Te Last Poets, Gil
Scott-Heron y Jalal Mansur Nuriddin tuvieron un importante impacto
en la cultura posterior al movimiento por los derechos civiles en los años
1960 y años 1970.
Todos los ejemplos anteriores juntos pueden bien considerarse
Proto-Rap, o ejemplos adelantados de Rap antes de la exposición ofcial
en grabaciones del género dentro de la cultura hip hop desde 1979.
El hip hop surgió durante los años 1970 en block parties,
haciéndose cada vez más popular en la ciudad de Nueva York,
especialmente en el Bronx, donde las infuencias afroamericanas. Las
block parties comenzaron a incorporar DJs que pinchaban géneros de
música populares, especialmente funk y soul. Como consecuencia de la
positiva acogida, los DJs comenzaron a aislar los breaks de percusión de
las canciones más populares. Esta técnica era similar a lo que se intentaba
hacer en los sound systems jamaicanos,. Uno de los primeros DJs en
Nueva York que utilizó esta forma de mezclar fue DJ Kool Herc (Clive
Campbell), que nació en Jamaica pero emigró a Estados Unidos en
1967. La música rhythm & blues se había hecho popular en Jamaica en
los 50 gracias a la infuencia de los marineros estadounidenses y las
transmisiones de radios de Miami y Nueva Orleans. Para satisfacer a los
fans más jóvenes, grandes sound systems como impresionantes
"discotecas ambulantes" fueron creados por jamaicanos con pocos
recursos. Como a la audiencia de Nueva York no le gustaba
especialmente ni el dub ni el reggae, Herc pasó a pinchar discos de funk,
soul y disco. Dado que los breaks de percusión eran cortos, Herc y otros
DJs como Grandmaster Flash comenzaron a extenderlos utilizando una
91

LA MÚSICA AFROAMERICANA
mesa de mezclas y dos discos iguales que iban rebobinando y turnando
entre sí.
Las técnicas de turntablism, como el scratching (aparentemente
inventado por un jovencísimo Grand Wizzard Teodore en 1977), y
beat juggling se desarrollaron en paralelo a los breaks, creando una base
sobre la que se podía rapear. Esas mismas técnicas contribuyeron a la
popularización de los remixes a medida que el looping, el sampling y el
remixing de la música de otros músicos, muchas veces sin su
conocimiento o consentimiento, se desarrollaba como una expresión
"paralela" a la misma música dub jamaicana, y terminaría por convertirse
en el sello de identidad del estilo hip hop, hacer música nueva a partir de
grabaciones ajenas.
A parte de los proto-rap antes mencionados de la cultura
afroestadounidense, los inmigrantes jamaicanos también tuvieron gran
infuencia sobre el estilo vocal del rap al aportar sencillos raps
característicos que entonaban en las festas y que estaban inspirados por
la tradición jamaicana del toasting. Los DJs y MCs solían añadir cánticos
de "llamada y respuesta", frecuentemente formados por estribillos
básicos, que permitían a los intérpretes espacio para reunir sus
pensamientos (por ejemplo: "one, two, three, y'all, to the beat").
Posteriormente, los MCs lograron una mayor variedad en su entrega
vocal y rítmica, incorporando rimas breves, muchas veces de temática
sexual o escatológica, en un esfuerzo por diferenciarse de otros MCs y de
entretener a la audiencia. Estos primeros raps incorporaban the dozens,
un producto típico de la cultura afroamericana. Kool DJ Herc & the
Herculoids fueron el primer grupo de hip hop en lograr reconocimiento
en Nueva York, [cita requerida], pero el número de equipos de MC no
dejaba de aumentar constantemente. En ocasiones estas colaboraciones
tenían lugar entre antiguas pandillas, como la Universal Zulu Nation de
Afrika Bambaataa (actualmente una organización cultural internacional).
Melle Mel, rapero junto a Te Furious Five, suele reconocerse como el
primer letrista del rap en llamarse a sí mismo "MC."(maestro de
ceremonias).
Durante los primeros 1970 surgió el B-boying en las block
parties, a medida que los b-boys y b-girls se situaban frente a la audiencia
para bailar de un modo frenético y característico. El término "B-boy"
(Break boy) fue acuñado por DJ Kool Herc para describir a los
muchachos que esperaban a la sección del break en la canción,
colocándose en frente de la audiencia para bailar de forma distintiva. El
estilo fue documentado para la audiencia global por primera vez en
documentales y películas como Style Wars, Wild Style y Beat Street.
92

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Aunque se dieron casos de MCs que grabaron en solitario de
modo signifcativo, como DJ Hollywood, Busy Bee y Spoonie Gee, la
presencia de artistas en solitario no fue habitual hasta mucho más tarde,
con la aparición de solistas como Kurtis Blow y LL Cool J. La mayor
parte del primer hip hop estuvo dominada por grupos donde las
colaboraciones entre miembros era una parte integral del show. Un
ejemplo sería el grupo de hip hop temprano Funky Four Plus One,
quienes actuaron de esta manera en Saturday Night Live en 1981.
La música rap era un vehículo y una voz para la juventud
marginada que habitaba en las zonas con menos recursos económicos, al
ser una cultura que refejaba las realidades sociales, económica y políticas
de sus vidas.
Infuencia de la música disco
La música Rap fue infuida tanto por la música disco como por
la reacción que se produjo contra ella. De acuerdo a Kurtis Blow, los
primeros días del Hip Hop estuvieron caracterizados por divisiones entre
fans y detractores del disco. El Hip Hop había surgido en buena medida
como "una respuesta directa a la música disco rebajada y europeizada que
se había hecho con las ondas", y estando el primer Hip Hop basado
principalmente en loops de hard funk (James Brown, Dennis Cofey,
Te Jimmy Castor Bunch, etc). Sin embargo, hacia 1979, las
instrumentales basadas en temas de disco se había convertido en buena
parte de la base del Hip Hop. Este género adoptó el nombre de "disco
Rap". Irónicamente, la música Hip Hop tuvo un papel central en la
decadencia que a continuación vivió la música disco.
DJ Pete Jones, Eddie Cheeba, DJ Hollywood y Love Bug
Starski eran DJs de Hip Hop con una signifcativa infuencia del disco.
Su estilo se diferenciaba de otros músicos de Hip Hop que se centraban
en rimas rápidas y en estructuras rítmicas más complejas. Los MC's que
acompañaban a los DJs del Bronx Afrika Bambaataa (entre otros
Soulsonic Force y Lisa Lee) y a Grandmaster Flash (Te Furious Five)
pertenecían al segundo grupo. Por otro lado, empresarios independientes
como Paul Winley (que hizo la primera compilación de 'breaks' en vinilo
en su propio sello en 1979 llamado "Super Disco Breaks"), Bobby
Robinson del sello Enjoy, y especialmente Sylvia Robinson en su sello
Sugar Hill Records, dieron el primer empuje discográfco al incipiente
movimiento.
En Washington, D.C. surgió el go-go como una reacción
contra la monolítica música disco, incorporando en un momento dado
93

LA MÚSICA AFROAMERICANA
características del Hip Hop en los primeros años 1980. La música
electrónica se comportó de modo similar, pasando a convertirse más
adelante en lo que se conoce como house en Chicago y techno en
Detroit.
Transición hacia reputación
Se considera de modo generalizado que el primer disco de hip hop fue
"Rapper's Delight" de Te Sugarhill Gang, publicado en 1979. Sin
embargo, existe cierta controversia en torno a esta afrmación, en cuanto
a la publicación unas semanas antes del "King Tim III (Personality
Jock)" de la banda funk Te Fatback Band, y su consideración como un
disco de rap. Hay otros que también reclaman el título de primer disco
de hip hop de la historia.
En los primeros años de la década de los ochenta todos los
principales elementos y técnicas que dan forma al hip hop se habían
desarrollado ya. Aunque todavía no había llegado a tener audiencias
masivas o mainstream, el hip hop había traspasado más allá de Nueva
York. Se podía encontrar en ciudades tan diversas como Atlanta, Los
Ángeles, Washington, D.C., Baltimore, Dallas, Kansas, San Antonio,
Miami, Seattle, St. Louis, Nueva Orleans, Houston y Toronto. En ese
contexto, "Funk You Up" (1979) fue el primer disco de hip hop
publicado por un grupo femenino. El segundo sencillo publicado por
Sugar Hill Records fue interpretado por Te Sequence, un grupo de
Columbia, South Carolina, en el que tocaba Angie Stone.
A pesar de la creciente popularidad del género, Filadelfa fue
durante muchos años la única ciudad cuya contribución podía ser
considerada equivalente a la de la ciudad de Nueva York. La música hip
hop se hizo popular en Filadelfa a fnales de los 1970. El primer disco
que se publicó allí fue "Rhythm Talk", del discjokey de radio Jocko
Henderson (quien también fue un precursor de la rima al micrófono ya
en los 50). El periódico New York Times había denominado a Filadelfa
la "Capital Mundial del Grafti" en 1971. La DJ nativa de Filadelfa
Lady B grabó "To the Beat Y'All" en 1979, y se convirtió en el primer
artista de hip hop femenino en grabar un disco. Posteriormente,
Schoolly D, otro artista de Filadelfa, contribuyó a inventar lo que más
adelante se conocería como gangsta rap.
Años 80
La década de 1980 dio paso a la diversifcación del hip hop
como género, pasando a desarrollar diferentes estilos con creciente
94

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
complejidad. Las primeras muestras de este proceso de diversifcación
pueden identifcarse en temas como "Te Adventures of Grandmaster
Flash on the Wheels of Steel" de Grandmaster Flash (1981), un tema
completamente construido a partir de samples de otras canciones que
supone un hito fundacional del turntablism. El tema "Planet Rock" de
Afrika Bambaataa, con su fusión de diferentes estilos y su sonido
electrónico inspirado por los alemanes Kraftwerk y los japoneses YMO,
es un punto defnitorio del electro que se defne como el primer
subgénero musical dentro del hip hop. "Beat Bop" (1983) de
Rammellzee & K-Rob es una slow jam (tema de ritmo lento) con una
poderosa infuencia del uso típico del reverb y el eco como en el dub
jamaicano, para crear estructuras y efectos de sonido. A mediados de los
años 1980, el Hard rock tuvo una cierta infuencia sobre el hip hop, con
la publicación de álbumes como King of Rock de Run DMC y Licensed
to Ill de Beastie Boys, que incluyen temas con baterías programadas
pesadas y guitarras de rock.
La utilización generalizada de una generación de cajas de
ritmos, como los modelos Oberheim DMX y Roland 808, es
característica de muchas de las canciones y producciones discográfcas de
los 80. Hasta la fecha, el sonido sampleado del golpe de bombo de la
TR-808 sigue siendo utilizado por los productores de hip hop. Con el
tiempo la tecnología de sampling se volvió más empleada que esas cajas
de ritmos. El primer álbum de Public Enemy fue creado con la ayuda de
loops de cinta. Con el surgimiento de una nueva generación de samplers,
como el Akai S900 y E-mu SP-12, a fnales de los 1980, los productores
dejaron de necesitar la ayuda de loops de cinta. El proceso de convertir
un break en un loop para formar un breakbeat se hizo más sencillo y
accesible con el sampler, que permitió hacer digitalemente el trabajo que
antes tenía que hacer manualmente el DJ. De paso, también samplers
como el E-mu SP-1200 y Akai MPC posibilitaban combinar en
secuencias cortos samples de distintas fuentes creando composiciones
hechas como verdaderos 'collage sonoros'.
El contenido lírico del hip hop también evolucionó. Los
primeros estilos presentes en los años 70 pronto fueron reemplazados por
letras metafóricas, sobre instrumentales cada vez más complejas. Artistas
como Melle Mel, Rakim, Chuck D y KRS-One revolucionaron el hip
hop al transformarlo en una forma de arte más madura. El infuyente
sencillo "Te Message" (1982) de Grandmaster Flash and the Furious
Five está ampliamente considerado como pionero del rap consciente al
abandonar la temática evasiva y festera de los raps del comienzo para
95

LA MÚSICA AFROAMERICANA
tomar letras donde se narraba la cruda realidad de la ciudad (el
desempleo, la exclusión, las drogas, racismo, etc).
Durante los primeros años 1980, la música electrónica se
fusionó con elementos del movimiento hip hop creando el Electro. Este
proceso estuvo liderado por músicos como Cybotron, Hashim, Planet
Patrol, Man Parrish y Newcleus. El pionero de esta corriente sería Afrika
Bambaataa.
Algunos raperos llegaron a convertirse con el tiempo en artistas
de pop mainstream. La aparición de Kurtis Blow en un anuncio de
Sprite fue la primera ocasión en que un músico de hip hop representaba
un producto masivo. La canción de 1980 "Rapture" de la banda de new
wave Blondie fue una de las primeras canciones en las listas pop en usar
"rapeos"; incluso su cantante, la rubia Debbie Harry, hace mención de
personajes insignes del mundo hip hop neoyorquino como Grandmaster
Flash y del graftero y promotor Fab Five Freddy, amigo personal de la
banda.
Nacionalización e Internacionalización
Con anterioridad a los años 1980, el hip hop se limitaba
básicamente al entorno geográfco de los Estados Unidos. A partir de
entonces comenzó a expandirse, dando lugar a escenas propias en
docenas de países diferentes. En la primera mitad de la década, el b-
boying se convirtió en el primer aspecto de la cultura hip hop que llegó a
países como Alemania, Japón, Australia y Sudáfrica. El músico y
presentador Sidney se convirtió en el primer presentador negro de la
televisión francesa con su show H.I.P. H.O.P., emitido en TF1 durante
1984. Radio Nova contribuyó a la aparición de otras estrellas francesas
como Dee Nasty, cuyo álbum de 1984 Paname City Rappin' y sus
recopilatorios Rapattitude 1 y 2 contribuyeron a aumentar la conciencia
sobre el hip hop en Francia.
El hip hop siempre había tenido una estrecha relación con la
comunidad latina en Nueva York. DJ Disco Wiz y la Rock Steady Crew
eran de Puerto Rico y estuvieron entre los primeros innovadores al
combinar letras en inglés y castellano. Te Mean Machine grabó su
primer disco en el sello Disco Dreams en 1981, mientras que Kid Frost
de Los Ángeles comenzó su carrera en 1982. Cypress Hill se formó en
1988 en el suburbio de South Gate a las afueras de Los Ángeles cuando
Senen Reyes (Sen Dog) y su hermano menor Ulpiano Sergio (Mellow
Man Ace) se trasladaron desde Cuba a South Gate con su familia en
1971. Se les unieron desde la banda Queens (Nueva York) Lawrence
96

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Muggerud alias DJ Muggs (ex miembro de 7A3) y Louis Freese (B-
Real), un mexicano/cubano-americano nativo de Los Ángeles, y
formaron un grupo de rap. Tras la marcha de "Ace" para continuar una
carrera en solitario, el grupo adoptó el nombre de Cypress Hill, en honor
a las dos calles que cruzaban su barrio del sur de Los Ángeles, y con ese
nombre se hicieron mundialmente famosos.
Se dice que el hip hop japonés comenzó cuando Hiroshi
Fujiwara volvió a Japón y comenzó a pinchar discos de hip hop a
comienzos de los 1980. El hip hop japonés suele estar muy infuido por
el old school hip hop.
New School Hip Hop
La new school of hip hop (o nueva escuela de hip hop en
castellano) fue la segunda ola de la música hip hop, originándose en
1983–84 con los primeros discos de Run-D.M.C. y LL Cool J. Al igual
que ocurrió con el hip hop que la precedió, la nueva escuela venía
predominantemente de Nueva York. La new school se caracterizaba
inicialmente por el minimalismo de sus patrones rítmicos construidos
mediante caja de ritmos y las infuencias de la música rock. Es
característico de este estilo los insultos y provocaciones sobre la forma de
rapear de los demás, y la temática socio política, ambos asuntos lanzados
con un estilo agresivo y auto aseverativo. Tanto en su imagen como en
las canciones, los artistas proyectaban una actitud dura, cool, callejera y
b-boy. Estos elementos contrastaban profundamente con la estética funk
y disco, las bandas en directo, los sintetizadores y las rimas festivas de los
artistas anteriores a 1984, lo que hizo a esta corriente anterior ser
considerada como old school (vieja escuela). Desde 1986 la música hip
hop se hizo comercialmente exitosa, cambio ejemplifcado por el álbum
Licensed to Ill de Beastie Boys, que fue el primer álbum de rap en
alcanzar el nº 1 en las listas de Billboard.
Edad de oro del hip hop
La "edad de oro" del hip hop (o simplemente "edad dorada") es
el nombre dado a un período en la historia del hip hop, que suele
considerarse comprendido entre 1987 (álbum "Paid In Full" de Eric B &
Rakim y mediados de los años 1990. Se caracteriza por su diversidad,
calidad, innovación e infuencia. Se desarrollaron poderosas temáticas de
afrocentrismo y de militancia política, sobre una música experimental y
con un sampling ecléctico. Se produjo una infuencia importante del
97

LA MÚSICA AFROAMERICANA
jazz. Los artistas más reconocidos habitualmente asociados con esta fase
son dr dre, Public Enemy, Boogie Down Productions, Eric B. & Rakim,
De La Soul, A Tribe Called Quest, Gang Starr, Big Daddy Kane y
Jungle Brothers.
El gangsta rap es un subgénero del hip hop que refeja los estilos
de vida violentos de los jóvenes, especialmente afroamericanos, de los
barrios periféricos y marginales de las ciudades. Gangsta es una
pronunciación particular de la palabra gánster. Entre los precursores del
género entre principios y mediados de los años 80 están raperos como
Schooly D y Ice T, fue popularizado a fnales de los 80 por grupos como
N.W.A. Ice-T publicó en 1986 "6 in the Mornin'", que suele ser
considerado como la primera canción de gangsta rap.
N.W.A es el grupo que con más frecuencia se asocia gangsta
rap, siendo considerado como uno de los pioneros del género. Sus letras
eran más violentas, abiertamente provocadoras y chocantes que aquellas
de otros grupos de rap más establecidos en la escena nacional. Incluían
blasfemias constantes y, de modo controvertido, el uso repetido de la
palabra insultante "nigger". Estas letras eran cantadas sobre
instrumentales duras, con frecuentes rifs de guitarra de rock, lo que
contribuía al sonido agresivo de su música. Su álbum Straight Outta
Compton (1988) fue el primer álbum superventas del gangsta rap. Daría
pie al establecimiento del west coast rap como un estilo considerado
como tal, y estableció Los Ángeles como rival legítimo a la capital
tradicional del hip hop, Nueva York. Straight Outta Compton disparó la
primera gran controversia relacionada con las letras del hip hop cuando
su canción "Fuck Ta Police" provocó una carta del Asistente del
Director del FBI, Milt Ahlerich, expresando la queja y preocupación de
la policía sobre ella. A raíz de la infuencia de Ice T y N.W.A, el gangsta
rap suele reconocerse como un fenómeno original de la Costa Oeste, a
pesar de la contribución al mismo de grupos de la Costa Este como
Boogie Down Productions.
Tras la atención nacional generada por Ice-T y N.W.A, el
gangsta rap se convirtió en el subgénero de rap más rentable para la
industria discográfca. También infuyó en marcar la imagen oscura del
hip hop con que se identifca a los rappers hasta la actualidad, en
contraposición a la imagen disco de la old school o la festiva y militante
de la "época dorada".
Años 1990
En 1990 MC Hammer logró un gran éxito comercial con el
álbum multiplatino Please Hammer Don't Hurt 'Em. El disco alcanzó el
98

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
primer puesto y su primer sencillo, «U Can't Touch Tis», entró en el
Top 10 del Billboard hot 100. MC Hammer se convirtió en uno de los
raperos más exitosos de los primeros noventa y uno de los primeros
nombres en ser conocidos en todos los hogares. El álbum llevó al rap a
un nuevo nivel de popularidad. Fue el primer álbum de hip hop en ser
certifcado disco de diamante por la RIAA por alcanzar ventas superiores
a los diez millones. Se mantiene como uno de los discos que más ventas
han logrado en la historia del género. Hasta la fecha, el álbum ha
vendido al menos 18 millones de unidades.
En 1992, Dr. Dre publicó Te Chronic. Además de permitir
que el west coast gangsta rap fuera más viable comercialmente que el east
coast hip hop, este álbum creó un estilo denominado g funk, que pronto
pasaría a dominar el hip hop de la Costa Oeste. El estilo fue desarrollado
y popularizado por Snoop Dogg con su álbum de 1993 Doggystyle.
Wu-Tang Clan saltaron a la fama alrededor de la misma época.
Siendo de Staten Island (Nueva York) Wu-Tang Clan llevó el East Coast
de vuelta al mainstream en una época en la que la West coast dominaba
ampliamente el rap. Otros artistas decisivos en el llamado «renacimiento
del East Coast» fueron Te Notorious B.I.G., Jay-Z y Nas.
Los Beastie Boys, que habían comenzado como grupo de punk
pero se habían reconvertido en un atrevido e innovador grupo de rap
formado por chicos blancos, continuaron con su éxito durante toda la
década, cruzando líneas de raza y logrando el respeto de muchos artistas
diferentes.
Algunos sellos discográfcos de Atlanta, St. Louis y Nueva
Orleans lograron cierta fama por su escena local. La escena del midwest
rap también fue notable, gracias al rápido estilo vocal de artistas como
Bone Tugs-n-Harmony, Tech N9ne y Twista. Hacia el fnal de la
década, el hip hop era parte integral de la música popular, y muchas
canciones de pop estadounidenses contaban con componentes de hip
hop.
West Coast Hip Hop
Comprende a cualquier artista o música hip hop que se
produzca en la Costa Oeste de los Estados Unidos, en contraposición el
East Coast rap (de la Costa Este). Hacia el fnal de la década de 1990, el
foco del hip hop volvió a dirigirse hacia la Costa Este, así como a la
escena del sur que estaba en rápido crecimiento. El máximo exponente
del rap de la costa oeste fue el fallecido Tupac Shakur con éxitos como
Dear Mama, Me Against Te World, California Love entre muchos
99

LA MÚSICA AFROAMERICANA
otros. También, después de su muerte, siguió triunfando con éxitos
como Changes. Tupac es toda una leyenda en el mundo y es considerado
como el mejor y más importante artista de rap en la historia del hip hop.
La escena de hip hop de la Costa Oeste comenzó en 1978 con
la formación de Uncle Jamm's Army, que comenzaron bajo el nombre
Unique Dreams Entertainment. El grupo estaba infuenciado por Prince,
east coast electro, Kraftwerk y Parliament-Funkadelic. En 1980 Uncle
Jamm's Army se convirtieron en los mayores promotores de festas en
LA. En 1983, el líder del grupo Roger Clayton, bajo la infuencia del
álbum de Funkadelic "Uncle Jam Wants You" cambió el nombre del
grupo. 1984 fue el año en que Uncle Jamm's Army publicó su primer
sencillo, "Dial-a-Freak", concidiendo con la publicación por Egyptian
Lover del álbum "Nile". En la ciudad de Compton el ex bailarín Alonzo
Williams formó el grupo de electro hop World Class Wreckin' Cru
junto a Dr. Dre y DJ Yella. Williams fundó Kru-Cut Records y creó un
estudio de grabación en la parte trasera de su discoteca Eve's After Dark.
El club era el lugar al que solían acudir el camello local (Jibaro) Eazy-E y
Jerry Heller, así como otros raperos. Dre Dre, Dj Jella y Eazy E serían
más tarde integrantes del grupo N.W.A, el cual contribuyó a aumentar la
fama de la coesta oeste y el gangsta rap.
El Gangsta Rap como subgénero del West Coast rap
predominó durante los años 90, tanto en emisión en radio como en
ventas. Después de que el grupo N.W.A se disolviera, Dr. Dre publicó
Te Chronic en 1992, alcanzando el #1 en las listas de éxitos de
R&B/hip hop, nº 3 en las listas de pop y #2 en los sencillos de pop con
«Nuthin' but a "G" Tang». Te Chronic llevó el west coast rap en una
nueva dirección, fuertemente infuenciado por el P funk, fusionando
sórdidos beats de funk con letras cantadas lentamente. A este estilo se le
denominó g-funk y dominó el hip hop durante un buen número de años
gracias a un grupo de artistas que publicaban en Death Row Records y
entre los que se encontraban Tupac Shakur, cuyo sencillo «To Live &
Die in LA» fue un gran éxito, y Snoop Dogg, cuyo Doggystyle incluía las
canciones «What's My Name» y «Gin and Juice», que entraron en el top
10 de Estados Unidos.
Aparte de esta escena se encontraban otros artistas como
Freestyle Fellowship, Te Pharcyde así como otros miembros de la
escena underground como el colectivo Solesides (DJ Shadow y
Blackalicious entre ellos) Jurassic 5, Ugly Duckling, People Under the
Stairs, Te Alkaholiks, y unos primerizos Souls of Mischief que
representaban un regreso a las raíces del hip hop.
100

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
East Coast Hip Hop
En los primeros años 1990 el east coast hip hop estaba
dominado por el colectivo Native Tongues, compuesto de modo fexible
por De La Soul junto al productor Prince Paul, A Tribe Called Quest,
Te Jungle Brothers, así como sus afliados 3rd Bass, Main Source, y un
menos exitoso Black Sheep & KMD. Aunque tuvo originalmente una
daisy age, una etapa donde se hacía hincapié en los aspectos positivos de
la vida, pronto apareció otro material musical más oscuro (como «Millie
Pulled a Pistol on Santa», de De La Soul).
Artistas como Masta Ace (particularmente en SlaughtaHouse)
& Brand Nubian, Public Enemy y Organized Konfusion tenían una
pose más abiertamente militante, tanto en sonido como en sus formas.
Biz Markie, el «príncipe payaso del hip hop», estaba causando, tanto a sí
mismo como a otros productores de hip hop, un problema con su
apropiación de la canción «Alone again, naturally» de Gilbert O'Sullivan.
Hacia mediados de los 1990, artistas como Wu-Tang Clan, Big
L y Te Notorious B.I.G. incrementaron la visibilidad de Nueva York en
una época en la que el éxito del hip hop estaba mayoritariamente
dominado por los artistas de la Costa Oeste. Desde mediados hasta
fnales de los 1990 apareció una generación de raperos como los
miembros de D.I.T.C. y o Big Pun.
La producción de RZA, especialmente para Wu-Tang Clan,
causo una gran infuencia sobre artistas como Mobb Deep, como
consecuencia de su combinación de loops instrumentales, baterías
altamente procesadas y comprimidas y contenido gangsta. Algunos
álbumes de los afliados a Wu-Tang como Only Built 4 Cuban Linx de
Raekwon the Chef y Liquid Swords de GZA son clásicos centrales de
Wu-Tang.
Otros productores como DJ Premier (fundamentalmente para
Gangstarr pero también para otros MCs como Jeru the Damaja), Pete
Rock (con CL Smooth y otros), Buckwild, Large Professor, Diamond D
y Te 45 King, proporcionaban bases de gran calidad a un amplio
número de artistas independientemente de su localizción. Álbumes como
Illmatic de Nas, Reasonable Doubt de Jay-Z y Word...Life de O.C.
fueron hechos a partir de beats de este conjunto de productores. Varios
de ellos tuvieron una importancia capital en el desarrollo del jazz rap,
como Premier con la saga Jazzmatazz, o Pete Rock.
La rivalidad entre raperos de la Costa Este y la Costa Oeste
llegó a convertirse en una cuestión personal, a lo que contribuyeron en
gran medida los medios de comunicación musicales.
101

LA MÚSICA AFROAMERICANA
Aunque la mayor parte del mercado del hip hop estaba
comercialmente dominado por la industria musical, al fnal de los 1990 y
comienzo de los 2000 se vio aparecer a un buen número de sellos
independientes en la Costa Este que gozaron de éxito. Entre ellos están
Rawkus Records (con quien Mos Def logró gran éxito) y posteriormente
Def Jux.
Diversifcación de estilos
A fnales de los años 1999 los estilos de hip hop se
diversifcaron. El Southern rap se hizo popular en los primeros 90,50
con la publicación de 3 Years, 5 Months & 2 Days in the Life Of... de
Arrested Development en 1992, Soul Food de Goodie Mob's en 1995 y
ATLiens de OutKast en 1996. Los tres grupos eran de Atlanta, Georgia.
Posteriormente, Master P (Ghetto D) creço un conjunto de artistas (la
posse No Limit) con base en Nueva Orleans. Master P incorporó
infuencias de g funk y Miami bass, así como sonidos característicos del
sur. St. Louis, Chicago, Washington D.C., Detroit y otros lugares
también comenzaron a lograr cierta popularidad.
En los años 1990, diferentes elementos del hip hop siguieron
siendo asimilados por otros géneros de música popular. El Neo soul, por
ejemplo, combinaba hip hop con soul. En los 1980 y 1990, rapcore, rap
rock y rap metal, fusionaron hip hop con hardcore punk, rock y heavy
metal, haciéndose populars entre audiencias amplias. Rage Against the
Machine y Limp Bizkit están entre los grupos más conocidos de esta
área.
La publicación por Digable Planets en 1993 de Reachin' (A
New Refutation of Time and Space) causó gran impacto, siendo uno de
los discos más reoconocidos del jazz rap gracias a sus sampleos de Don
Cherry, Sonny Rollins, Art Blakey, Herbie Mann, Herbie Hancock,
Grant Green y Rahsaan Roland Kirk. El sencillo «Rebirth of Slick (Cool
Like Dat)», alcanzó el #16 en el Billboard Hot 100.
Aunque algunos raperos blancos como Beastie Boys, House of
Pain y 3rd Bass habían logrado cierto éxito popular o aceptación crítica
dentro de la comunidad hip hop, el éxito de Eminem, que comenzó en
1999 con el disco de platino Te Slim Shady LP, sorprendió a muchos.
102

LA MÚSICA AFROAMERICANA
4.4.1. WEST COAST RAP
El West Coast rap o West Coast hip hop es un subgénero de
música hip hop que comprende cualquier artista o música que se
produzca en la Costa Oeste de los Estados Unidos, en oposición el East
Coast rap de la Costa Este. El gangsta rap es un subgénero del West
Coast rap, que se convirtió en dominante tanto en emisión de radio
como en ventas durante los años 1990. Hacia el fnal de la década de
1990, el foco del hip hop volvió a redirigirse de nuevo hacia la Costa
Este, así como a la escena en rápido crecimiento del sur. El máximo
exponente del rap de la costa oeste fue el fallecido 2Pac. También otros
raperos como Eazy-E, Dr. Dre, Ice Cube, Snoop Dogg, entre otros
raperos que también conformaron la edad de oro del hip hop.
Historia
Primeros años
Existe una teoría poco aceptada según la cual los cuatro
elementos de la cultura hip hop, que incluyen B-boy, DJ, grafti y MC,
existían tanto en la Costa Este como en la Oeste de los Estados Unidos
simultáneamente durante mediados de los años 1970. Esta teoría corre
en oposición a la convicción universalmente aceptada de que todos los
elementos fundamentales del hip hop nacieron y se cultivaron
exclusivamente en la Costa Este, especialmente en la ciudad de Nueva
York.
La escena de hip hop de la Costa Oeste comenzó en 1978 con
la formación de Uncle Jamm's Army, que comenzaron bajo el nombre
Unique Dreams Entertainment. El grupo estaba infuenciado por Prince,
east coast electro, Kraftwerk y Parliament-Funkadelic. En 1980, Uncle
Jamm's Army se convirtieron en los mayores promotores de festas en
LA. En 1983, el líder del grupo Roger Clayton, bajo la infuencia del
álbum de Funkadelic "Uncle Jam Wants You" cambió el nombre del
grupo. 1984 fue el año en que Uncle Jamm's Army publicó su primer
sencillo, "Dial-a-Freak", concidiendo con la publicación por Egyptian
Lover de su álbum "Nile". En la ciudad de Compton el ex bailarín
Alonzo Williams formó el grupo de electro hop World Class Wreckin'
Cru junto a los futuros miembros de N.W.A Dr. Dre y DJ Yella.
Williams fundó Kru-Cut Records y creó un estudio de grabación en la
parte trasera de su discoteca Eve's After Dark. El club era el lugar al que
solían acudir el camello local Eazy-E y Jerry Heller, así como otros
raperos.
103

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Gangsta rap
Schoolly D, Ice-T y Moriah Rhunkie suelen citarse como los
fundadores del gangsta rap. Varios años tras su aparición, el grupo de la
ciudad de Compton N.W.A. debutó, contribuyendo a que el gangsta rap
recibiera una atención mayor. En un momento dado, N.W.A. y su sello
discográfco Ruthless Records recibieron una carta del Federal Bureau of
Investigation (FBI) criticando su álbum de Straight Outta Compton por
su temática lírica y contenido. Hacia los primeros años 1990, el gangsta
rap se había convertido en la forma de hip hop más común en la Costa
Oeste, comprendiendo numerosos artistas crítica y comercialmente
exitosos.
Escena alternativa y underground
En los primeros años 1990, algunos de los MC's con más
talento y apertura de miras de Los Ángeles acudían al Good Life Cafe
para poner a prueba sus habilidades y desarrollar su arte. Músicos como
Del Ta Funkee Homosapien, Abstract Rude, Ahmad, Freestyle
Fellowship, Jurassic 5, the Pharcyde, Skee-Lo, un pre-Te Dogg Pound
Kurupt y muchos otros tocaron allí en las noches de micro abierto de los
jueves desde fnales de los ochentas hasta mediados de los noventas.
4.4.2. EAST COAST RAP
El East Coast rap o East Coast hip hop es un subgénero
regional del hip hop que se originó en la ciudad de Nueva York (Estados
Unidos) durante los años 1970. El East Coast hip hop ha sido defnido
como la forma primera y original del hip hop. El estilo surgió como
género defnitivo una vez que fueron apareciendo artistas de rap en otras
regiones de Estados Unidos o del mundo.
El término East Coast hace referencia a la Costa Este de los
Estados Unidos.
Estilo musical
En contraste con la sencillez de los patrones rítmicos y
estructuras del old school hip hop, el East Coast hip hop se caracteriza
por su énfasis en la destreza lírica. También se ha llamado la atención
sobre la presencia en este subgénero de rimas multisilábicas, historias
complejas, un fow continuo y fuido y metáforas intrincadas. Aunque el
104

LA MÚSICA AFROAMERICANA
East Coast hip hop no posee un sonido uniforme o un estilo
estandarizado, tiende a gravitar en torno a beats agresivos y collages de
samples. Los beats duros y agresivos fueron practicados especialmente
por grupos como EPMD y Public Enemy, mientras que artistas como
Eric B. & Rakim, Boogie Down Productions, Big Daddy Kane y Slick
Rick son signifcativos por su habilidad lírica. La temática lírica durante
la historia del East Coast rap han comprendido desde los "temas
conscientes" de artistas como Public Enemy y A Tribe Called Quest
hasta el mafoso rap de raperos como Raekwon y Kool G Rap.
Historia
El East Coast hip hop en ocasiones es conocido como "New
York rap" por su origen y desarrollo en las block parties organizadas en la
ciudad de Nueva York durante los años 1970. De acuerdo a Allmusic,
"en el amanecer de la era del hip hop, todo el rap era East Coast rap".
Entre los primeros artistas del género se encuentran DJ Kool Herc,
Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, Sugarhill Gang, Kurtis Blow,
Jam Master Jay y Run-D.M.C., pioneros del East Coast hip hop durante
el primer desarrollo del rap. A medida que el hip hop se fue
desarrollando, la temática lírica evolucionó gracias al trabajo de músicos
de la Costa Este como Native Tongues, un colectivo de artitas de hip
hop asociados con temáticas generalmente positivas, de corte
afrocéntrico, y cohesionado gracias a la fgura de Afrika Bambaataa.
Grupos de Nueva York como De La Soul, A Tribe Called Quest y
Jungle Brothers también ganaron reconocimiento por su eclecticismo
musical.
Renacimiento de la Costa Este (primeros a mediados de los 1990)
Aunque el East Coast hip hop fue dominante hasta fnales de
los años 1980, el disco Straight Outta Compton del grupo N.W.A
"inauguró" el sonido más duro del West Coast rap de la Costa Oeste,
que trataba temáticas más callejeras y descarnadas. En 1992, el disco Te
Chronic de g-funk de Dr. Dre llevaría el West Coast hip hop hasta el
mainstream. Junto a su capacidad para servir de música de festa, el hip
hop de la Costa Oeste se convirtió en la fuerza dominante durante los
primeros años 1990. Aunque el g-funk fue la variedad de hip hop más
popular en esa época, la escena East Coast hip hop se mantuvo como
una parte importante de la industria musical. Multitud de raperos de
Nueva York de la escena underground publicaron en estos primeros
105

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
1990 discos muy aplaudidos. Esta época marca el cénit de la conocida
como edad de oro del hip hop.
El disco Illmatic, debut de Nas, ha sido considerado como uno
de los puntos álgidos de la escena East Coast hip hop, e incluía
producciones de productores de Nueva York tan reconocidos como
Large Professor, Pete Rock y DJ Premier.
4.4.3. CRUNK
El crunk es un género musical que fusiona la música hip-hop y
la Música electro y que se originó con el concepto de la palabra crunk,
que viene de la unión de dos palabras, crazy y drunk, que en español
signifcan loco y borracho. El crunk se originó a mediados y fnales de los
años 90 y obtuvo un aumento de popularidad entre los años 2003 y
2004. Hay algunas canciones en este género a partir del 2009. Los
intérpretes de este género son muchas veces nombrados como crunksters.
Una arquetípica pista musical del género crunk normalmente
utiliza una Caja de ritmos, bajo potente, Voces roncas o ásperas, y a
menudo en la manera de llamar y responderse artísticamente.
El término crunk erróneamente es usado a menudo como un
término general para referirse a cualquier estilo del Southern rap.
Etimología
Antes de su nuevo signifcado, la palabra crunk signifcaba un
grito ronco y áspero.
En 1999, la revista Rolling Stone en inglés, publicó el titular
glossary of Dirty South slang que traducido al español seria: Glosario de
la jerga Dirty South, donde el crunk se defnió como "Emocionarse
súbitamente".
La letra del tema "Who U Wit?", canción interpretada por Lil'
Jon en el año 1996, contenía el primer uso de la palabra crunk en el
contexto de la música crunk.
Características musicales
El instrumental: Por sonido, crunk inspira en gran medida a
músicas de bajos pesados y a la manera de llamar y responderse
musicalmente de los años 80 en el Hip Hop.
106

LA MÚSICA AFROAMERICANA
A diferencia del estilo de Hip Hop del East Coast, el crunk (a
veces llamado Krunk) es una mezcla de cantos repetitivos y ritmos de
baterías electrónicas, la Roland TR-808 es la más popular. Muchas de las
baterías y ritmos que ellos producen eran previamente muy conocidos en
la música dance. La forma de las rimas del crunk, junto al Dirty South,
está basada en un rebote rítmico el cual es muy efectivo en las discotecas.
La lírica: En las canciones crunk, generalmente los artistas
suelen gritar sus letras, creando un estilo agresivo y pesado del hip hop.
Mientras que otros subgéneros del Hip Hop están orientados a
una dirección socio-política o intereses personales, la música crunk es
casi exclusivamente música de Fiesta, favoreciendo consignas de llamadas
y de respuesta entre los artistas, en lugar de los enfoques más sustantivos.
Historia
Origen del crunk
A fnales de los años 1980 y principios de 1990 el concepto de
el crunk apareció en el sur de Estados Unidos. Al principio no estaba
conectado particularmente a ningún tipo de música, pero se asoció a un
escenario de alta energía con multitudes fuera control en clubes
nocturnos del sur. Un miembro de la agrupación Tree 6 Mafa sugirió
que el carácter violento de la música crunk estaba conectado a ese
signifcado inicial de crunk.
En 1991, dos Discjockey's de Memphis, DJ Paul y Juicy J,
comenzaron a hacer su música original, que fue característico por sus
lentos BPM en los ritmos, cantos simplistas y repetitivos. Este dúo
pronto fue conocido como Tree 6 Mafa. Frecuentemente con la
participaciones de raperos como Project Pat, Lord Infamous y Gangsta
Boo en sus lanzamientos, se convirtieron en un papel decisivo en la
formación de la música crunk.
En 1996, ahora en Atlanta, Lil' Jon y su grupo llamado "East
Side Boyz" lanzaron su primer álbum, titulado "Get Crunk, Who U
Wit: Da Album". Lil' Jon, indicó que ellos fueron los primeros en
utilizar la palabra crunk en una estrofa de una canción, afrmó que
habían comenzado a llamarse a sí mismos un "grupo de música crunk"
en lo que lleva en este álbum. Sin embargo, Te New York Times negó
que "Get Crunk, Who U Wit" fue el primer álbum de la música crunk.
Lil' Jon fue la fgura clave en la popularización de la música
crunk en sus primeros años. En la década de 1990, produjo dos
grabaciones de oro independientemente, antes de frmar con TVT
Records en el 2001. Pero el crunk no se asocia exclusivamente con Lil'
107

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Jon y la agrupación Tree 6 Mafa, en sus tempranas etapas, artistas
como Ying Yang Twins, Bone Crusher, Pastor Troy de Atlanta, y David
Banner de Mississippi también ayudó a popularizar este género.
Aumento de popularidad
La canción titulada " Get Low (2003), a cargo de Lil' Jon &
Te East Side Boyz con Ying Yang Twins, es reconocido como el tema,
que puso música crunk el centro de atención nacional. "Get Low"
alcanzó el número dos en la posición de Billboard Hot 100 de la música,
en general, que gastó más de 21 semanas en las estadísticas. Aunque los
raperos que no son de Dixie han tendido a evitar ser asociados con el
género Southern hip hop, antes que Busta Rhymes y Nelly, aceptaron
grabar remixes de "Get Low". Lil Jon, titulado "Kings of Crunk", que
contenía el tema "Get Low", se convirtió en el doble platino.
En el año 2004, la música crunk es mezclado con la música
Urbana contemporánea, cuando Lil' Jon produjo la canción Yeah! de
Usher, esta mezcla formó el subgénero crunk & b.
El crunk surgió de la música Miami bass antes del año 19962
en el sur de los Estados Unidos, particularmente de los clubes
Afroamericanos de Striptease de Atlanta, Georgia.
En los años 2000, algunos de los éxitos de la música crunk
como "Get Low", "Goodies" y "Yeah!", producido por Lil Jon subió al
Top10 de Billboard. Tanto "Yeah!" y "Goodies", fueron las primeras
pistas en introducir el sub-estilo crunk y el R&B llamado crunk & b al
público. Ambos temas ( Realizados por Usher y Ciara respectivamente ),
fueron los éxitos principales en el año 2004.
En el período de los años 2005-2006 el crunk conquistó las
estadísticas americanas del R&B y especializadas con la música rap. En el
2007, un artista de 17 años de edad en ese entonces Soulja Boy hizo el
éxito masivo llamado "Crank Tat", que disfrutó la posición número
uno en Billboard Hot 100 durante 7 semanas, fue nominado para los
premios Grammy y se había convertido en uno de los éxitos más
destacados del año. Alrededor de ese mismo año, una gran cantidad de
sitios de Internet especializados en el crunk y el Hip Hop hicieron su
aparición en la red, lo que causó el crecimiento de la popularidad de el
género crunk. El solista y rapero T-Pain popularizó el efecto del autoajuste
en la música crunk.
El creciente interés en la música crunk entre los productores de
música a nivel internacional ha provocado la aparición de diversos
subgéneros del crunk, incluyendo eurocrunk, crunkcore, crunkczar,
108

LA MÚSICA AFROAMERICANA
aquacrunk; el crunk empezó a ser intensivamente mezclado con el
Dubstep.
4.4.4. GANGSTA RAP
Gangsta rap es un subgénero del rap que persigue refejar el
estilo de vida violento de la juventud de las zonas menos favorecidas de
la ciudad. Gangsta es una pronunciación particular de la palabra
gangster. El género surgió hacia mediados de los años 1980 en Estados
Unidos de la mano de raperos como Schoolly D y Ice-T, y fue
popularizado en la última parte de la década de los ochenta por grupos
como N.W.A. Gracias a la atracción mediática que Ice-T y N.W.A
lograron entre fnales de los años ochenta y comienzos de los noventa en
su país, el gangsta rap pasó a convertirse en el subgénero más lucrativo en
términos comerciales del hip hop. Algunos raperos gangsta de Estados
Unidos han sido asociados fuera del circuito musical con gánsters reales,
afrmándose la existencia de lazos con pandillas como los Bloods o los
Crips.
Temática gangsta temprana
El álbum de 1973 Hustler's Convention de Lightnin' Rod y
Jaren Clark trataba en sus letras con la vida de la calle, incluyendo el
proxenetismo y la venta de drogas. Jalal Mansur Nuriddin, miembro de
Te Last Poets, llevó a cabo vocales rimadas en la jerga urbana de su
época, y junto a otros miembros de Last Poets fue muy infuyente sobre
grupos posteriores de hip hop como Public Enemy. Muchos raperos,
como Ice T y Mac Dre, han reconocido la infuencia del chulo y escritor
Iceberg Slim en sus letras.
Las películas de Rudy Ray Moore basadas en el personaje
Dolemite, su alter ego proxeneta, también tuvieron un cierto impacto
sobre el gangsta rap y son toadavía una importante fuente de samples.
Finalmente, las películas blaxploitation de los años 1970, con sus
descripciones vívidas de fguras negras del underworld fueron una
importante inspiración también. Por ejemplo, la pieza que abre el disco
Doggystyle de Snoop Dogg es un homenaje a la famosa escena de la
ducha de la película de 1972 Super Fly, mientras que el rapero
Notorious B.I.G. tomó su alias "Biggie Smalls" del personaje de la
película de 1975 Let's Do It Again.
109

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Orígenes: 1984-1990
Comienzos: Ice-T & Schoolly D
En 1986, el rapero de Los Ángeles Ice-T publicó "6 in the
Mornin'", que suele ser considerada como la primera canción del estilo
gangsta rap. Ice-T había sido MC desde comienzos de los años 1980. En
una entrevista en la revista PROPS, Ice-T dijo:
Este es el orden cronológico exacto de lo que realmente pasó: el
primer disco que salió del estilo fue "P.S.K." de Schoolly D. Entonces la
síncopa de aquel rap fue utilizada por mi cuando hice "6 in the Mornin'".
La parte vocal era la misma: "...P.S.K. is makin' that green", "...six in the
morning, police at my door". Cuando oí aquel disco pensé, "¡oh, mierda!"
(...). Mi disco no sonaba como P.S.K., pero me gustaba la forma en que
fuía. P.S.K. hablaba de Park Side Killers pero de forma vaga. Esa era la
única diferencia, cuando Schoolly lo hizo, fue como "...uno por uno, me los
estoy cargando a todos." Todo lo que hizo fue representar una pandilla en su
disco. Yo tomé eso y escribí un disco sobre pistolas, dar palizas a gente, y todo
eso con "6 in the Mornin'". Al mismo tiempo que mi disco salió, Boogie
Down Productions lograron un hit con Criminal Minded, que era un
álbum basado en tema gánster. No trataba sobre mensajes o "Tu Tienes que
Aprender", era todo sobre gangsterism.
Ice-T siguió publicando álbumes de gangsta por el resto de la
década: Rhyme Pays en 1987, Power en 1988 y Te Iceberg/Freedom of
Speech...Just Watch What You Say en 1989. Las letras de Ice-T también
contenían potentes mensajes políticos, y solía combinar la glorifcación
del estilo de vida gangsta y la crítica del mismo como una situación sin
ganadores.
Boogie Down Productions publicó su primer sencillo, "Say No
Brother (Crack Attack Don't Do It)", en 1986. Fue seguido por "South-
Bronx/P is Free" y "9mm Goes Bang" el mismo año. El último de ellos
es el tema con mayor contenido gangsta de los tres. En él KRS-One
presume de disparar a un camello de crack y su pandilla hasta la muerte
(en defensa propia). El álbum Criminal Minded le siguió en 1987,
siendo el primer álbum de rap en incluir armas de fuego en su portada.
Poco tiempo tras su publicación, el DJ, Scott LaRock, murió disparado.
Tras esto, los siguientes discos de BDP estuvieron más "centrados".
El primer gran éxito comercial del gangsta rap fue el álbum
Straight Outta Compton del grupo N.W.A, publicado en 1988. Straight
Outta Compton establecería el West Coast hip hop como un género
vital y alzaría a Los Ángeles al estatus de rival legítimo de la capital de
110

LA MÚSICA AFROAMERICANA
todos los tiempos del hip hop, Nueva York. Straight Outta Compton
dio comienzo a la primera controversia importante en relación a las letras
de su canción "Fuck Ta Police", a causa de la cual el grupo recibió una
carta del Asistente del Director del FBI Milt Ahlerich. Como
consecuencia de la infuencia de Ice T y N.W.A, suele atribuirse a la
Costa Oeste el origen del gangsta, a pesar de las contribuciones de
grupos de la Costa Este como Boogie Down Productions.
A comienzos de los años 1990, el antiguo miembro de N.W.A
Ice Cube infuenciaría aún más el gangsta rap con sus álbumes hardcore
y socio políticos, que pusieron de manifesto el potencial del gangsta rap
como medio político para dar voz a la juventud más desfavorecida. El
tercer álbum de N.W.A, Efl4zaggin (1991) (publicado tras la marcha de
Ice Cube del grupo), logró ser el primer álbum de gangsta rap en
alcanzar el #1 en la lista de éxitos pop Billboard.
1990-presente
Ice-T
Ice-T publicó uno de los álbumes seminales del género, OG:
Original Gangster, en 1991. También contenía una canción de su nuevo
grupo de thrash metal Body Count. El grupo logró gran repercusión
mediática a raíz de la controversia por su canción Cop Killer.
Su siguiente álbum, Home Invasion, fue pospuesto como consecuencia
de la controversia, y fnalmente se editó en 1993. Aunque contenía
elementos gangsta, fue su álbum más político hasta la fecha. Tras este,
dejó la compañía Warner Bros Records. Los siguientes álbumes de Ice-T
recuperaron la temática gangsta, pero nunca tuvieron tanta popularidad
como sus anteriores discos. Había alienado a su audiencia con su
acercamiento al metal, su énfasis en política y sus beats rápidos al estilo
de Bomb-Squad en un tiempo en el que el estilo más popular era el g-
funk.
G-funk y Death Row Records
En 1992, el antiguo miembro de N.W.A Dr. Dre publicó Te
Chronic, logrando un tremendo éxito de ventas llegando a alcanzar el
triple disco de platino, demostrando que el gangsta rap explícito podía
conseguir el mismo atractivo de masas logrado hasta la fecha por otros
raperos más orientados hacia el pop como MC Hammer, Te Fresh
Prince y Tone Lōc. El álbum consolidó el dominio del gangsta rap de la
Costa Oeste y del sello discográfco de Dre Death Row Records,
111

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
propiedad de Dre y su anterior guardaespaldas Marion "Suge" Knight.
El álbum también supuso el nacimiento de un nuevo subgénero del hip
hop conocido como g-funk, que consistía en una forma de hip hop de
tempo lento y sonido "arrastrado". Durante un tiempo, este estilo
dominó las listas de éxitos.
Con un sampleo intensivo de grupos de p-funk, especialmente
Parliament y Funkadelic, el g-funk se caracterizaba por tener múltiples
capas de sonido, si bien su estructura era sencilla y en la pista resultaba
fácil de bailar. El mensaje simple de sus letras, centrado en que los
problemas cotidianos podían ser superados mediante las armas, el alcohol
y la marihuana, le proporcionaron un gran éxito entre los adolescentes.
El single contenido en el disco "Nuthin' but a "G" Tang" se convirtió
en un hit que cruzó estilos, y su vídeo se convirtió en básico en la cadena
MTV, a pesar de la orientación tradicional de la emisora hacia el rock.
Otro éxito de g-funk en la época fue el álbum Predator de Ice
Cube, publicado al mismo tiempo que Te Chronic en 1992. Vendió
cerca de 5 millones de copias y alcanzó el #1 en las listas de éxitos,
gracias al sencillo "It Was a Good Day". Otro de los grandes éxitos del
estilo lo consiguió el protegido de Dre Snoop Doggy Dogg, con su disco
Doggystyle, publicado en 1993. En 1996, 2Pac frmó con Death Row y
publicó el álbum doble multi platino All Eyez on Me. Poco tiempo
después, su muerte violenta llevó el gangsta rap a los titulares de la
prensa nacional.
Mafoso rap
Mafoso rap es un tipo de hip hop hardcore creado por Kool G
Rap hacia fnales de los años ochenta. Se trató de la extensión mafosa del
hardcore rap de la Costa Este, y está considerado como la contrapartida
del g-funk rap de la Costa Oeste. El mafoso rap se caracteriza por
fastuosos y lujosos temas, con multitud de referencias a famosos
mafosos, organizaciones criminales, materialismo, drogas y champagne
caro. Aunque el género desapareció durante varios años, reapareció en
1995 cuando el miembro de Wu-Tang Clan Raekwon publicó su álbum
en solitario Only Built 4 Cuban Linx.... En 1995 también vio la luz el
álbum Doe or Die de AZ, protegido del rapero Nas. Estos dos álbumes
llevaron el género al reconocimiento mainstream, e inspiraron a otros
raperos de la Costa Este como Nas, Notorious B.I.G. y Jay-Z, quienes
adoptaron la misma temática en álbumes como It Was Written, Life
After Death y Reasonable Doubt.
112

LA MÚSICA AFROAMERICANA
Era comercial
Antes del fnal de los años 1990, el gangsta rap, aunque era un
género con grandes ventas, se veía como externo al mainstream pop. Sin
embargo, el ascenso de Bad Boy Records, gracias al éxito del cabeza del
sello Sean "Pufy" Combs y su álbum de 1997, No Way Out, tras la
atención mediática generada por los asesinatos de 2Pac y Te Notorious
B.I.G., señalaron un gran cambio estilístico en el gangsta rap en la
medida que mutó en un nuevo subgénero del hip hop que sería todavía
más comercial y socialmente aceptado.
El temprano y todavía controvertido éxito de temas de gangsta
rap como "Gin and Juice" dieron paso a una nueva forma de gangsta rap
que se haría comúnmente aceptado en las listas de éxitos pop hacia
fnales de los noventa. Por ejemplo, entre la publicación del álbum de
debut de Te Notorious B.I.G. Ready to Die en 1994 y su continuación,
el póstumo Life After Death en 1997, su sonido cambió desde una
producción tensa y oscura, con letras que proyectaban desesperación y
paranoia, hacia un sonido más limpio y relajado y una temática basada
en el consumo popular (si bien las referencias a las armas, la venta de
drogas y la vida como mafoso de la calle permanecían).
Los ganchos al estilo del R&B y los samples instantáneamente
reconocibles de canciones de soul y pop de los 1970 y 1980 fueron la
base de este sonido, abanderado principalmente por la producción de
Sean "Pufy" Combs para Te Notorious B.I.G. ("Mo Money, Mo
Problems"), Mase ("Feels So Good") y los artistas de Bad Boy como Jay-
Z ("Can I Get A...") y Nas ("Street Dreams"). Con niveles similares de
éxito surgió en la época un sonido similar de la mano de Master P y su
sello No Limit en Nueva Orleans.
Muchos de los artistas que lograron éxito de masas en los años
2000 como Jay-Z, DMX, T.I., 50 Cent y G-Unit, surgieron en la escena
East Coast de los noventa y estaban poderosamente infuenciados por
grupos y artistas como Te Notorious B.I.G, Wu-Tang Clan y Nas.
En España
En España existen diferentes colectivos que practican este subgénero
desde los años 2000 como Gamberros Pro, o Uglyworkz. Entre los
artistas que lo desarrollan se encuentran Mucho Muchacho, Trad
Montana, Chirie Vegas, Costa, Mitsuruggy (si bien el artista no se
considera dentro de esta corriente), Xcese, Raiz Records o Primer Dan.
Diferentes raperos de otras corrientes de hip hop español como Chojin,
113

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Nach, Rapsusklei, Tote King, Nega o Elphomega criticaron el gangsta
rap en España. En el documental Spanish Players 2 los artistas debaten
acerca del fenómeno.
Crítica al gangsta rap
La temática en la que se basa el gangsta rap ha provocado una
gran controversia desde su nacimiento. La crítica ha venido desde
distintas posiciones, tanto de la izquierda como de la derecha, así como
de líderes religiosos, quienes han acusado al género de promover la
violencia, lenguaje soez, sexo, homofobia, promiscuidad, misoginia,
pandillas, tiroteos, vandalismo, robo, tráfco de drogas, consumo de
alcohol, consumo de las drogas y consumismo.
4.4.5. FREESTYLE RAP
El freestyle rap o, simplemente, freestyle se refere comúnmente
a un estilo en que se hacen las letras del rap. Se caracteriza por ser creado
en el momento, improvisando a la vez que se rapea, expresando lo que se
ve o lo que se siente mediante palabras sobre un ritmo. Literalmente el
término freestyle es «estilo libre», aunque en la jerga del hip-hop
castellano, se usa la palabra «improvisación» como traducción.
Su difusión es gracias a las competencias de freestyle (que se
basan en medirse frente a un rival y vencerlo) y encuentros underground
en distintas zonas de Latinoamérica y otros países de habla hispana y
parte de Estados Unidos.
Aspectos de freestyle
El término freestyler o "mc" defne al que hace una
improvisación, aunque generalmente se utiliza el término MC. La
diferencia radica en que el freestyler únicamente improvisa, mientras que
el MC es alguien que hace rap y que, además, la mayoría de las veces,
también improvisa. Este último suele ser el caso habitual, ya que
prácticamente no existe ningún «freestyler puro», aunque sí que hay
MC's que brillan más por su capacidad improvisadora que por sus temas;
con mucho valor a retar a tu oponente. MC se le llama a un
sobrenombre que se les daba a las personas cuando animaban en festas y
el DJ colocaba la música.
Las reglas de freestyle son simples: Hay una serie de formas de
producir freestyle; freestyle libre que es en una ronda de personas o más
114

LA MÚSICA AFROAMERICANA
que lo hacen por diversión, o competición que trata de atacar al otro
sobre la base de sucesos, remarcando sus defectos, haciendo
comparaciones, superándolo técnicamente en rimas, y más aspectos (1v1,
2v2, 3v3, 4v4, 1v1v1v1v1 y muchas más) con micrófono, o sin él, con
una temática a la que sujetarse o sin ella, en una tarima o sobre el suelo,
etc.
Esta es la clásica forma de batalla: MC - MC - MC - MC , con
jurados. Si los jurados estiman que ganó un MC, lo apuntan o escriben
su nombre en una pizarra, de lo contrario se establece una «réplica», o
«ronda extra» a modo de desempate.
Batallas entre MCs
El aspecto más conocido del freestyle rap es la competencia
entre MC's, en donde dos improvisadores compiten por ver quién rapea
mejor y quién concibe las mejores rimas. Estas batallas de MC's,
conocidas con el nombre de batalla de gallos, se han popularizado desde
el lanzamiento de películas como 8 Mile.
Entre los MC's reales, se improvisa en sesiones jams y en
conciertos como parte íntegra del espectáculo, pero también en la calle o
juntándose en casas de amigos para la diversión de todos los raperos y
muestra de talento para ganar el respeto de los congéneres, o solamente
para entretenerse.
La mayoría de las competiciones quedan grabadas por una
cámara, y luego se suben a YouTube con el nombre de competidores o el
grupo o crew.
Además de las competencias estadounidenses que aunque sean
del país de origen no son las más importantes, existen varias
competencias de freestyle en Latinoamérica y otras zonas de habla
hispana como España y Colombia.
Habla hispana
Red Bull Batalla de los Gallos: Por excelencia la más conocida
competencia de freestyle mundialmente, que reúne a MCs de todos los
países de habla hispana en los que tengan competencias de Red Bull
desde el año 2005. Es patrocinada por la conocida bebida energética Red
Bull, lo cual realiza su difusión en todo el mundo. Para competir es
necesario tener más de 14 años y como eslogan posee la frase «Muchos
hablan, pocos riman, solo los mejores improvisan».
115

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
De las once ediciones que se han realizado, tan solo cuatro países han
conseguido coronarse como campeones de la Red Bull Batalla de los
Gallos. El primero de ellos es España, con cinco raperos vencedores:
Rayden (2006), Noult (2009), Invert (2014), Arkano(2015) y Skone
(2016), seguido de Argentina con otros dos raperos (Frescolate y Dtoke
y de 2005 y 2013 respectivamente), Puerto Rico (Link One, 2007),
México (Hadrián, 2008).
La sede de Red Bull es rotatoria ya que cambia de lugar cada
año: Puerto Rico en 2005, Colombia en 2006, Venezuela en 2007,
México en 2008, España en 2009, Argentina en 2013, España en 2014,
Chile en 2015, Perú en 2016 y la edición de 2017 se realizó nuevamente
en México.
En Argentina (la jungla), existen una gran cantidad de
competencias debido a que en todas las zonas del país se ha estado
desarrollando el freestyle. La repercusión de esta disciplina está en
constante desarrollo y cada sector del país tiene sus propios eventos
renombrados. Cabe destacar que los grandes representantes del país no
solo están en el centro del mismo (Bs.As., Córdoba, Santa Fé) sino que
cada vez son más los exponentes que salen de distintos lugares del
territorio argentino. Algunas competencias recomendadas son A Cara de
Perro Zoo en Bs. As. Rosario UnderFree en Rosario, Tierra Santa en
Misiones, El Kingto Elemento en Formosa, Norteground (competencia
que año tras año va rotando su sede entre las provincias del norte
argentino), Halabalusa Movimiento Under en Claypole, Buenos Aires,
BDM Argentina, El Campito Free, entre otras. Actualmente, la
competición callejera más reconocida en Argentina es El Quinto
Escalón, la cual ha contado con la participación de MKS, Sony, Dtoke,
Duki, Dani, Klan, Replik, Dam, Ecko, Underdann, Midel, Wos, Acru,
Shair, Wolf, Dozer, Lit Killah, Luchito, entre otros.
En los últimos años, Argentina ha tenido grandes exponentes de esta
disciplina como Tata, Sony, Dtoke (único bicampeon nacional), Kodigo,
Papo MC.
Red Bull Batalla de los Gallos Argentina: En Argentina la competencia
más importa es la Red Bull Batalla de los Gallos. Esta esta compuesta, a
partir de 2017, por tres Semifnales Nacionales que se realizan en
Mendoza, Rosario y Buenos Aires. Los mejores de cada Semifnal se
clasifcan a la Final Nacional que se realiza en la ciudad de Buenos Aires
y el campeón de esta representara al país en la Red Bull Final
Internacional.
116

LA MÚSICA AFROAMERICANA
Los campeones argentinos de la Red Bull por año son:
Frescolate (2005), CNO (2006), Cebos (2007), Obie (2008), Tata
(2012), Dtoke (2013), Sony (2014), Dtoke (2015), Papo (2016), Wos
(2017).
Argentina fue sede de la Red Bull Batalla de los Gallos Final
Internacional 2013, en la cual el argentino Dtoke se coronaria como
campeón luego de superar en la fnal a su par mexicano Jony Beltrán.
En el año 2017 la organización de Red Bull Argentina
consiguió hacer historia al lograr que la cultura Hip Hop llege al mitico
estadio Luna Park en el cual el gallo Wos logro coronarse como campeón
argentino en ese año tras vencer a Klan.
México es de los países que presenta más potencial en América
de habla hispana junto con Venezuela, Chile y Argentina. En este país el
nivel de freestyle en los últimos años ha alcanzado puntos máximos en
esta rama, ya que muchos freestylers se inscriben a torneos y los que
logran clasifcar demuestran un nivel bueno. En este país se encuentra
Hadrian, invicto hasta el 7 de enero de 2017, donde el chileno Kaiser le
arrebató dicho invicto en la God Level Fest 2017. Además de él se
encuentra Aczino, es el mexicano con más premios de rap, además de ser
el único MC en representar a un país ajeno al de su origen (quien fue
Colombia en 2012). En 2014 se coronó como campeón nacional de la
Red Bull Batalla de Gallos en México, y lo representó en España, donde
perdió en los cuartos de fnal contra Invert, en una polémica batalla. En
abril de 2015 participa en la Batalla de Maestros de Chile donde se
corona campeón al derrotar a Teorema en la fnal. En mayo participa en
la God Level Fest de Chile, coronándose también como campeón al
vencer a Cristofebril en la fnal y, fnalmente, coronándose campeón de
la Red Bull Batalla de los Gallos 2015 al vencer en la fnal a Lobo
Estepario. En diciembre del mismo año Aczino tiene un papel
importante en la RBBDLG Internacional obteniendo el tercer puesto.
Destacan gallos como Aczino, Hadrian, Jony B, RC, Dominic, Proof,
Danger, Eptos Uno entre otros.
En España hay diversas competencias de estilo libre tal como
puede la Red Bull Batalla de los Gallos en la que al igual de lo que ocurre
en otros países como Argentina, Mexico o Chile, en España se realizan
competiciones regionales para clasifcar a la competencia nacional. La
Full Rap que se realiza en las distintas regiones es un festival de rap en el
que también se realizan batallas de gallos, tanto individuales como
grupales. También destacan otras competiciones como Hipnotik,
117

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
GoldBattle y BDM España. Destacan gallos como Piezas, Arkano,
Chuty, Invert, Skone, Zasko, Errecé, Axis, BTA, Blon, Chester, Mister
Ego, Juan SNK, Khan, Hander, Dary, Babi, Botta, Kensuke, Jado, Vybs,
Elekipo, CompareFlow, SweetPain, Joanarman, Criterioh, Rayden,
Noult, Jonko, Force , Walls, Souljah Jerome, Greensoul, Gonchifalo .
Chile también se considera una de las potencias en cuanto al
freestyle se refere, al haber creado la competición Batalla de Maestros
(BDM). Destacan gallos como Kaiser (segundo clasifcado internacional
en 2014), Teorema (subampeón y campeón de la internacional de BDM
en 2015 y 2016 respectivamente, campeón de la Big Bang Double AA
2017 y subcampeón Copa Camet 2017), Tom Crowley (segundo
clasifcado internacional en 2015), Drose, Nitro, Radamanthys, Sador,
Ricto, DrefQuila, Pepe Grillo, entre otros.
Colombia y Venezuela: Estos dos países se les considera la
futura quinta potencía por que su freestyle viene en crecimiento, los
gallos mas importantes de estos dos países son Valles T (Campeon Red
Bull Colombia 2016) Big Killa (Campeon Red Bull Colombia 2014)
Ñko (Representante Colombiano en BDM 2016 y Campeón en Perú)
Elevn (Campeón de Red Bull Colombia 2017) y cuenta con algunos
historicos como Mena (SubCampeon Internacional Red Bull Mexico). Y
por otro lado Venezuela cuenta con grandes exponentes que no necesitan
presentacion los cuales son Akapellah, Mcklopedia (Rammses) y otros
menos conocidos pero con gran talento como: Imigrante (Campeón
Redbull Venezuela 2015) Lancer Lirical (Campeón Redbull Venezuela
2016) Y hay muchos quienes consideran que el gallo Summer es el mejor
de la tierra Venezolana, quien actualmente se encuentra en prisión.
Resto de Latinoamérica: También en Latinoamérica, países
como Puerto Rico, República Dominicana, Ecuador, Perú, Costa Rica,
El Salvador y también Uruguay hay competencias con buenos raperos,
ya que el estilo libre es un factor que la mayoría de MCs tienden a
dominar. Los más representativos freestylers de dichos países son Cezhar,
de Costa Rica, y en Perú los más destacados son Jota y Nekroos, entre
otros Gallos de gran nivel en los diferentes países.
Valores al improvisar en una batalla de free
Existen una serie de factores importantes que se valoran especialmente a
la hora de improvisar:
118

LA MÚSICA AFROAMERICANA
Ingenio: El ingenio consiste en tener buenas ideas,
originalidad. En caso de ser una batalla, realizar un buen ataque a los
defectos del rival (lo que en la jerga se conoce como clavar rimas) o
contestar correctamente a los ataques del rival que se hubieran
producido, así como rimar sobre sucesos que ocurriesen es ese momento
demostrando improvisación real.
Flow: El fow puede defnirse de muchas formas, la traducción literal es
«fuidez». Normalmente se refere a la capacidad para improvisar
adaptándose correctamente a la base (la melodía sobre la cual se
improvisa). Su importancia es variable y muy subjetiva, ya que cada MC
lo valora de diferente manera: algunos opinan que para improvisar hay
que tener ante todo ingenio y valoran mucho lo que se dice, otros opinan
que la improvisación es una forma de rapear, y por lo tanto, debe ceñirse
a la base. Actualmente, la tendencia en la competición es a valorar más el
ingenio y dejar el fow en un segundo plano.
Actitud: La actitud se defne como la soltura, es especialmente
importante en las batallas. Un MC debe improvisar con fuerza, decisión,
desparpajo y seguridad para causar el mayor impacto y mostrar (y
demostrar) su superioridad verbal (que a fn de cuentas es de lo que se
trata en una batalla, de ser más gallo). Si el MC tiene nervios o cierto
pánico escénico (algo común en los MC's cuando empiezan, porque
subirse por vez primera a rimar a una tarima impone y es algo a tener en
cuenta), no debe dejar que se note ni que infuya en su improvisación,
pero habitualmente, y como es natural, estos problemas desaparecen con
el tiempo y la experiencia.
Implicar al público: Normalmente, las competiciones las
deciden diversos jurados basándose en criterios propios (ya sea en batalla
o en «improvisación libre»), pero también miden el ánimo recibido por
el público en cada MC y su reacción. En esto también juega un papel
importante el hecho de ser conocido o de jugar en casa, así como el
ingenio, dado que una rima imaginativa puede levantar al público de
manera instantánea. También el fow puede ser útil, puesto que una
sucesión de rimas rápidas sin trabarse puede ser igualmente muy bien
apreciada por el público. No obstante el efecto del fow sobre el público
habitualmente es inferior al causado por las rimas ingeniosas, lo cual
refuerza la posición de aquellos que opinan que el fow está infravalorado
a nivel de batalla.
Este factor es importante, puesto que el nivel de «ruido» que
tenga un MC puede hacer que la balanza se decante en un lado u otro a
la hora de que el jurado decida el ganador. En caso de batalla igualada, el
119

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
público manda (casi siempre), aunque puede no ser decisivo. también
conocido como punch line
Estructura: La capacidad de enlazar y concatenar rimas
diferentes y alternarlas. Esta faceta, a pesar de su difcultad, es tal vez algo
menos valorada y está relegada a un segundo plano. Habitualmente, la
improvisación, especialmente a nivel de competición, está regida por
pareados, ya que la amplia mayoría de los MC's deciden no complicarse
y hacer rimas en forma de pareados para poder pensar mejor y mostrar
más ingenio a fn de obtener mayor reconocimiento por parte del
público, ya que este, en ocasiones, no capta bien las estructuras. De ahí
que habitualmente se diga que el fow y las «estructuras» son dos facetas
que sólo las saben apreciar realmente aquellos que son MC's o bien
tienen un criterio muy bien formado acerca del freestyle, ya que en
múltiples ocasiones un improvisador hace una estructura y el público, en
ese momento, puede quedarse con la sensación de que no lo ha sido.
Una estructura es la manera de alternar rimas en la misma rima,
es crear una frase con rimas para aumentar la difcultad, y para aquellos
que aprecien bien las estructuras, estas rimas pueden ser no con dos, sino
con tres palabras más, o cuatro, o rimando todas las palabras de un
pareado, o volviendo a una rima anterior. existen muchos tipos de
estructuras de rimas: a-b+a-b a-a-b-a
Punchline: Tiene dos variantes. Por un lado, el punchline
negativo es una frase que ataca a su oponente, dejándolo ver como
alguien con poca capacidad al momento de rapear o bien, recordando
algún imperfecto en la vida del oponente. También puede enaltecer al
rapero que dice la frase (punchline positivo), denotando superioridad
sobre el contrario.
Ejemplos:
Aczino vs. Invert (RBBDG 2014): «¿Crees que jugar en casa te va a dar
suerte? Lo mismo dijo Brasil y ya ves, le metieron siete».
Tata vs Kodigo (RBBDG Argentina 2015): «Me parece que estás muy
poco cebado y con la plata del Estado te volviste codicioso».
Trueno vs Replik vs Dani (Quinto Escalón 2016): «Replik sos muy
bueno, la podés acotar, pero Trueno solo hay uno y eso nunca va a
cambiar».
Teorema vs. Drose (BDM Chile 2017): «En realidad eso fue parte del
proceso. Me caí, me levanté, en eso se basa el progreso».
120

LA MÚSICA AFROAMERICANA
4.4.6. G-FUNK
G-funk (Gangsta-funk o Ghetto-funk) es un subgénero del hip
hop que surgió a partir del gangsta rap de la costa oeste a principios de la
década de los 90. Este género está caracterizado por una temática de
corte hedonista en la que las referencias al sexo, la violencia y las drogas
son frecuentes. El G-funk se convirtió en el sub-estilo principal del
mainstream del hip hop por un espacio de tiempo de cerca de cuatro
años, un período que comenzaría con el lanzamiento de Te Chronic por
Dr. Dre en 1992 y culminaría con la caída de Death Row Records en
1996.
Orígenes
Existe un cierto debate acerca de a quién corresponde la
paternidad del género "G-funk". Generalmente se reconoce a Dr. Dre y
a su hermanastro Warren G como los creadores de este sonido, pudiendo
ser el single Alwayz Into Something de N.W.A. (1991) considerado
como pionero del G-funk. El primer single de G-funk propiamente
dicho de Dr. Dre fue "Deep Cover" publicado en 1992, canción que
aparece en la banda sonora de la película de mismo nombre, y que
también sirvió para introducir al joven Snoop Dogg en el mundo del hip
hop.
Sin embargo, existe una corriente de opinión que afrma que
Dr. Dre robó el concepto de G-funk del rapero Cold 187um del grupo
Above the Law, cuando N.W.A. y Above Te Law fueron fchados por
Ruthless Records a principios de los 90. Above Te Law clama que el
álbum Black Mafa Life, aunque fuera lanzado después de Te Chronic,
fue desarrollado mientras Dre todavía estaba en Ruthless, y que éste sólo
fue capaz de concebir el sonido de su álbum gracias a que escuchó los
temas del disco de Above Te Law, a quienes presuntamente habría
imitado. Muchas canciones de Black Mafa Life suenan similares a Te
Chronic, como por ejemplo "Pimp Clinic", que está basada en el mismo
sample que el éxito de Dre "Let Me Ride". Above Te Law continúan
defendiendo que ellos son los arquitectos del G-funk, motivo que llevó a
Cold 187um y Kokane a realizar una "diss song" a Dre y Death Row
Records por robar e imitar el sonido que supuestamente inventaron. Este
tema aparece en el álbum de Kokane titulado Funk Upon A Rhyme.
También se han hecho comparaciones entre el G-funk y la
Mobb Music de San Francisco, que nunca ha tenido éxito en el
121

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
mainstream pero incorpora elementos similares al G-funk, con más
variaciones de ritmo, sintetizadores y más instrumentos en directo.
Características musicales
El G-funk es un tipo de rap basado en música funk a un tempo
muy bajo, y se caracteriza por incorporar múltiples capas de melodía
generadas mediante sintetizador, un groove suave e hipnótico, líneas de
bajo profundas, vocales femeninas de fondo y acordes de teclado en
tonos especialmente agudos. Destaca la frecuencia con que el género
samplea temas de P-funk, siendo probable que la denominación del
término copie la forma de llamar al subgénero del funk que preconizaba
George Clinton y sus Parliament-Funkadelic. También se suele hacer
uso de talk-box un instrumento que hizo my popular Roger Troutman
en el tema california love de 2pac.
Es también característico del género la forma de rapear,
normalmente arrastrada y "vaga", lo que sirve para acompasar la letra al
tempo y para hacer más entendibles las palabras. En cuanto a la temática,
suele estar centrada en las mujeres, el sexo, la violencia y las drogas, lo
que le ha valido al género múltiples críticas por su simplicidad, misoginia
y culto al delito.
Infuencia
Tras el lanzamiento de Te Chronic, muchos productores de la
Costa Oeste e incluso algunos de la Costa Este comezaron a producir en
el estilo G-funk o a imitarlo. Un gran ejemplo de G-Funk á la New York
fue el hit de Notorious Big, Big Poppa, producido por Sean "Pufy"
Combs. Productores como Warren G y DJ Quik produjeron su material
más reconocido en el estilo G-funk, al igual que Dre, Daz Dillinger y
Easy Mo Bee.
Final de la era G-funk
En 1996, con la salida de Dr. Dre de Death Row Records, el
asesinato de Tupac Shakur y el encarcelamiento de Suge Knight
condenado por asociación mafosa, la era G-funk llegó a su fn. Al poco
tiempo, Dre intentó actualizar y extender el sonido con la grabación de
álbumes como Dr. Dre Presents...Te Aftermath o Nas, Foxy Brown,
AZ, and Nature Present Te Firm: Te Album (1997). Aunque dichos
122

LA MÚSICA AFROAMERICANA
discos lograron el estatus de disco de platino, tuvieron poco impacto en
la escena del hip hop, quizá saturada en ese momento de ese sonido.
Sin embargo, el sonido G-funk ha tenido un impacto muy
duradero en el hip hop y su infuencia puede ser rastreada desde entonces
en álbumes como la aclamada reaparición en 1999 de Dr. Dre con 2001,
con un estilo de producción considerablemente diferente a Te Chronic
pero aún enraizado en el sonido de su antiguo disco. Otro álbum
representantivo del G-funk (pese a sus malas ventas) es Te return of the
regulator de Warren G, una mezcla de sonidos, lirica y composición que
algunos consideran cumbre del G-funk más puro. En el año 2013,
Snoop Dogg bajo el nombre Snoopzilla, compuso un álbum llamado 7
days of funk, el cual ha tenido buena recepción por parte del público y la
crítica.
4.4.7. JAZZ RAP
Jazz rap es un subgénero de fusion que incorpora la música de
jazz con la música de rap, desarrollado entre fnales de los años ochenta y
principios de los noventa. Suele tener letras de contenido políticamente
consciente y de temática afrocéntrica. Este estilo supone un intento de
fusionar la música afroamericana del pasado con una nueva forma
dominante en el presente, rindiendo tributo y revitalizando la anterior al
tiempo que expande los horizontes de la última". Musicalmente, utiliza
ritmos típicos de hip hop y no de jazz, sobre los cuales se construyen
fraseos e instrumentaciones de jazz que incluyen trompeta, contrabajo o
saxo. La improvisación varía entre artistas: algunos improvisan letras y
solos, mientras que la mayoría no lo hace.
Precursores
Peter Shapiro, en su Rough Guide to Hip-Hop clasifca la
grabación "Heebie Jeebies" de Louis Armstrong publicada en 1925
dentro de su línea temporal del hip hop. En los años 1970, Te Last
Poets, Gil Scott-Heron y Te Watts Prophets situaban su spoken word y
poesía rimada sobre un fondo de temas de sonoridad jazz. Existen
también posibles paralelismos entre el jazz y las frases improvisadas del
freestyle rap. A pesar de estos momentos dispares de unión, el jazz rap no
surgió como género hasta fnales de los años 1980.
123

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Comienzos de una tendencia
En 1985, la banda de jazz fusion Cargo, liderada por Mike
Carr, publicó el sencillo "Jazz Rap", que apareció en el álbum Jazz Rap,
Volume One.2 En 1988, Gang Starr publicó su sencillo debut "Words I
Manifest", en el que sampleaba el tema "Night in Tunisia" publicado en
1952 por Dizzy Gillespie, y Stetsasonic publicaba "Talkin' All Tat
Jazz", sampleando a Lonnie Liston Smith. El álbum debut de Gang
Starr, No More Mr. Nice Guy (Wild Pitch, 1989), y su tema "Jazz
Ting" (CBS, 1990) para la banda sonora de Mo' Better Blues,
contribuyeron a popularizar el estilo de jazz rap.
Native Tongues
Los grupos que formaban el colectivo Native Tongues Posse
tendían hacia discos de sonido jazzy. Entre estos se incluyen el debut de
Jungle Brothers, Straight Out the Jungle (Warlock, 1988), y los discos
People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm (Jive, 1990) y Te
Low End Teory (Jive, 1991) de A Tribe Called Quest. Te Low End
Teory se ha convertido en uno de los álbumes de hip hop más
aclamados de la historia, y también logró el reconocimiento del bajista de
jazz Ron Carter, quien toca el bajo en un tema. Buhloone Mindstate
(Tommy Boy, 1993), del grupo De La Soul, incluye contribuciones de
Maceo Parker, Fred Wesley y Pee Wee Ellis, y samples de Eddie Harris,
Lou Donaldson, Duke Pearson y Milt Jackson.
También de este período es el disco And Now the Legacy
Begins (4th & B'way) del artista de Toronto Dream Warriors, publicado
en 1991. Produjo los sencillos de éxito "My Defnition of a Boombastic
Jazz Style" y "Wash Your Face in My Sink". El primero se basaba en un
loop tomado del tema de Quincy Jones' "Soul Bossa Nova", mientras
que el segundo sampleaba una reedición del tema de 1967 de Count
Basie "Hang On Sloopy". Al mismo tiempo, en Los Ángeles, el grupo de
hip hop Freestyle Fellowship seguía una ruta diferente llevando a cabo
grabaciones con vocales bajo la infuencai del scat.
Los artistas del jazz se acercan al hip hop
Aunque el jazz rap había alcanzado escaso éxito comercial, el
último álbum de la leyenda del jazz Miles Davis (publicado
póstumamente en 1992), Doo-Bop, se basaba en beats de hip hop y
colaboraciones con el productor Easy Mo Bee. El ex miembro de la
124

LA MÚSICA AFROAMERICANA
banda de Davis Herbie Hancock volvió a las infuencias hip hop hacia
mediados de los noventa, publicando el álbum Dis Is Da Drum en 1994.
El músico de jazz Branford Marsalis colaboró con el productor de Gang
Starr DJ Premier en su proyecto Buckshot LeFonque ese mismo año.
Años 1990 hasta el presente
El disco de Digable Planets de 1993, Reachin' (A New
Refutation of Time and Space), fue un hit de jazz rap sampleando a Don
Cherry, Sonny Rollins, Art Blakey, Herbie Mann, Herbie Hancock,
Grant Green y Rahsaan Roland Kirk. Incluía el sencillo de éxito
"Rebirth of Slick (Cool Like Dat)". También en 1993, Us3 publicó
Hand on the Torch en Blue Note Records. Todos sus samples provenían
del catálogo del sello Blue Note. El sencillo "Cantaloop" fue el primer
disco de oro de Blue Note.
Este período marcó el cénit de la popularidad del jazz rap entre
los oyentes del hip hop, y a partir de él el género comenzó a verse como
una tendencia pasada de moda. Las referencias musicales al jazz dejaron
de ser tan obvias y las referencias líricas cada vez más escasas. Sin
embargo, el jazz ha seguido siempre formando parte de la paleta de la
producción del hip hop, y su infuencia continuó tras los duros relatos de
Nas (Illmatic, Columbia, 1994), o apoyando la sensibilidad más
bohemia de grupos como Te Roots y Common Sense. Desde el 2000 se
puede detectar en el trabajo de productores como Te Sound Providers,
Kanye West, J Rawls, 88-Keys, Crown City Rockers, Kero One,
Nujabes, Freddie Joachim, Asheru, Fat Jon, Madlib, el dúo inglés Te
Herbaliser, o los franceses Hocus Pocus, entre otros.
Un proyecto de hip hop que continuó manteniendo la
conexión directa entre el jazz y el hip hop fue la serie Jazzmatazz del
rapero Guru, que utilizaba músicos de jazz en vivo para grabar en el
estudio. Desarrollándose desde 1993 a 2007, sus cuatro volúmenes
cuentan con luminarias del jazz como Freddie Hubbard, Donald Byrd,
Courtney Pine, Herbie Hancock, Kenny Garrett y Lonnie Liston Smith,
y las interpretaciones de artistas de hip hop como Kool Keith, MC
Solaar, Common y el compañero de Guru en Gang Starr, DJ
Premier.Otra de las fguras del Jazz Rap fue Nujabes, que es un
productor de origen asiático muy infuenciado por el Cool jazz. En
2011, vio la luz el disco llamado Jazz Magnetism del autor Kase-o.
Septiembre 2014, Statik Selektah publica su álbum "What Goes
Around" con una infuencia notable de Jazz Rap, único en la atmósfera
actual del rap.
125

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
4.4.8. RAP CONCIENCIA
El rap conciencia (del inglés conscious rap), también llamado
hip hop consciente (conscious hip hop) o hip hop positivo (positive hip
hop) es un subgénero de la música y cultura hip hop que fue iniciado en
los años 1970 por DJ Kool Herc, Afrika Bambaataa, Grandmaster Flash
y otros pioneros de la cultura hip hop, bajo el lema «el hip hop se trata
de paz, amor, unidad y diversión» («peace, love, unity and having fun»).
El objetivo era unifcar las diferentes pandillas callejeras de los
negros y los latinos que estaban luchando entre sí, parar las matanzas,
crear una consciencia colectiva positiva y mejorar la vida de los
oprimidos y pobres a través del conocimiento, la música, el arte del
grafti, el break dance, y la diversión pacífca en festas hip hop.
Temática
Los principales temas de las letras de música hip hop
consciente/hip hop positivo incluyen la espiritualidad afrocéntrica, el
activismo político, la atracción por el sexo opuesto, la música de
diversión pacífca y de festa y el rechazo de la delincuencia y de la
violencia. Aunque a veces se ha sostenido que el hip hop consciente y el
hip hop político son lo mismo o casi lo mismo, en realidad son géneros
distintos que a veces se solapan. En concreto, el hip hop consciente
muestra mucho más claramente aversión a la delincuencia y a la violencia
de lo que lo hace el hip hop político.
Artistas y canciones del género
Vieja escuela
La mayoría o casi todas las canciones de hip hop de la vieja
escuela (old school hip-hop) (1973-1985) son del género rap
positivo/rap consciente. Algunos ejemplos son «Rock the Message Rap»
de Grand Master Chilly-T & Stevie-G, y el éxito «Rapper's Delight» de
Sugarhill Gang.
Edad dorada
El hip hop positivo y consciente fue también prominente
durante la edad de oro del hip hop (1985-1993), durante este período de
tiempo coexistió con los inicios del gangsta rap. Ejemplos de canciones
de rap consciente de la edad de oro son «Growing Up» de Whodini,
«Cappucino» de MC Lyte, «Rap Summary (Lean on Me)» de Big Daddy
126

LA MÚSICA AFROAMERICANA
Kane, «Do the Right Ting» de Redhead Kingpin and the F.B.I.,
«Watch Roger Do His Ting» de Main Source, «Stop the Violence» de
Boogie Down Productions y todas las canciones de artistas como Def Jef,
Divine Styler, Kid 'n Play, Queen Latifah, Monie Love, De La Soul, A
Tribe Called Quest, y el colectivo Native Tongues.
Uno de los grupos de hip hop positivo más importantes es
Public Enemy, que hizo notables canciones conscientes contra las drogas
y contra la violencia, tales como «Night of the Living Baseheads» (que
habla de los adictos a la pasta base) y «Give It Up» (cuya letra y video es
una crítica al gangsta rap).
Años 1990
Un gran éxito de la década de 1990 fue «I Used to Love
H.E.R.» («Yo solía amarla») del rapero Common, lanzada en 1994, en la
que habla del hip hop como «ella», como si fuera una mujer, y critica al
gangsta rap y la dirección que el hip hop estaba tomando durante el fnal
de la edad de oro, cuando el gangsta rap se estaba convirtiendo en el tipo
principal y más conocido de rap y el único en el que los artistas de rap
podían tener éxito comercial.
Otros éxitos de rap positivo de los años 1990 fueron «What
Tey Do» de Te Roots, y «Defnition» de Black Star (Mos Def & Talib
Kweli) que es una versión de «Stop the Violence» de Boogie Down
Productions. La canción de Black Star fue lanzada poco después de que
la rivalidad entre las pandillas de la costa este y costa oeste de los Estados
Unidos llevara a los asesinatos de los gangsta rappers 2Pac y Te
Notorious B.I.G.. De hecho, la letra de «Defnition» hace referencia a
estos homicidios («they shot 2pac and Biggie, too much violence in hiphop,
wayo»).
Durante la segunda mitad de los años 1990, KRS-One, que con
su grupo Boogie Down Productions había incursionado (a fnes de los
80 y comienzos de los 90) tanto en el gangsta rap como en el rap
consciente, se convirtió defnitivamente en un artista de rap
positivo/consciente.
Nueva escuela
Artistas recientes, del siglo xxi, también han incursionado en el
rap consciente: algunos son Oddisee, Lupe Fiasco, Blu, Kendrick Lamar,
Blue Scholars, y J-Live. Algunas canciones populares contemporáneas
han sido «Daydreamin'» y «Words I Never Said» (feat. Skylar Grey),
ambas del rapero Lupe Fiasco. Además, artistas de la edad dorada como
127

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
De La Soul, Public Enemy y X Clan, y otros de los años 1990 como
Talib Kweli, continúan haciendo rap positivo.
Rap consciente de habla hispana
Muchos artistas de habla hispana también hacen rap conciencia
(hip hop consciente). Entre ellos están los chilenos Tiro de Gracia y
Makiza; los venezolanos Canserbero, Apache, Lil Supa y el dúo femenino
Mestiza & Neblinna; el peruano Norick (con su disco de 2016 "Karma")
y su grupo Rapper School; los cubanos Los Aldeanos; los
puertorriqueños Calle 13 y Vico C; los mexicanos Bocafoja y Akil
Ammar; los colombianos Ali A.K.A. Mind, Alcolirykoz, Aerophon
Crew; c el ecuatoguineano Meko y los españoles Falsalarma, Frank T,
Nach y Zénit, entre otros artistas de habla hispana.
Algunas canciones que por esencia son de rap conciencia son
«Viaje sin rumbo» de Tiro de Gracia; «Psicosis» de Rapper School y «Rap
conciencia» de Bocafoja con Akil Ammar.
4.4.9. HARDCORE HIP HOP
Hardcore hip hop (asimismo hardcore rap) es un género
musical del hip hop, caracterizado por su concurrente agresividad.
Este es un término musical usado en el entorno del colectivo
del hip hop en español a partir del término inglés del hardcore hip hop
para englobar a este tipo de rap. Se desarrolló a través del rap de la Costa
Este durante los años 1980, donde los pioneros fueron KRS-One y Kool
G Rap.
Se caracteriza por su constante agresividad (aunque casi siempre
justifcada por sus compositores); es un género directo y contundente en
sus letras, generalmente contra la política e injusticias de la sociedad,
sobre la situación callejera, contra la opresión, describiendo la realidad
sin censuras ni tapujos, frecuentemente con el uso de lenguaje obsceno.
En ocasiones se incluyen voces rotas o rasgadas, coros sin armonía y
asonoros, melodías difusas u oscuras (minimalistas) y bombos potentes.
Algunos exponentes son Mobb Deep, Wu-Tang Clan, Artifacts, Jeru
Te Damaja, Black Moon entre otros.
Ejemplos de estas canciones son Apostle's Warning de Mobb
Deep, Bring Da Ruckus de Wu-Tang Clan, Notty Headed Nigghuz de
Artifacts, D-Original de Jeru Te Damaja y Powerful Impak! de Black
Moon.
128

LA MÚSICA AFROAMERICANA
Durante el auge de la música hip hop en español, sobre el año
1998, se produce la necesidad de distinguir y catalogar entre los distintos
estilos de rap, aunque este ya gozaba de gran popularidad en Estados
Unidos.
4.4.10. MIAMI BASS
Miami bass (también conocido como booty music, un término
que también puede incluir otros géneros) es un tipo de música hip hop
que comenzó a hacerse popular en la década de los 80 y 90, conocido
por utilizar la caja de ritmos Roland TR-808, 'dance tempos' altos y de
vez en cuando contenido sexual en sus letras. Este estilo nunca ha tenido
mucha aceptación en el mainstream, pero ha tenido un impacto
profundo en el desarrollo del drum'n' bass, southern rap y otros géneros
musicales.
El autor musical Richie Unterberger ha nombrado a
Maggotron (James McCauley, también conocido como DXJ, Maggozulu
2, Planet Detroit y Bass Master Khan) como el "Padre del Miami Bass".
El Miami Bass esta estrechamente relacionado con los géneros
modernos Ghettotech y Booty House, que combina el Detroit techno y
el Chicago house con el Miami Bass.
4.4.11. DARKNESS DEPRESIVO
El darkness depresivo es un subgénero del rap, elemento
principal de la cultura hip hop. Sus letras y bases son relatos de temas
satánicos, brujería, magia, espiritismo y ocultismo, entre otros; también
refeja justifcación de la existencia de Dios, y argumentación en su
contra. Su origen se sitúa a fnales de los años 90.
En Latinoamérica, especialmente Colombia, podemos ver a El
judío y El Samurai exponentes principales de este subgénero. Psych
Ward también mantiene una lírica de este tema, al igual que Porta en sus
temas "Confesiones", "Decide rápido o muere despacio" y "El jugador
también forma parte del juego".
4.4.12. HORRORCORE
Horrorcore es un subgénero de hip hop basado en el horror con
temas de contenido lírico. Mientras que el estilo es raramente popular,
algunos artistas se han vendido bien en la escena mainstream. Es
129

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
principalmente un subgénero temático, que se plasma en diferentes subestilos
musicales del hip hop.
La temática extremadamente explícita, con temas de horror,
pronto se vieron en el hardcore rap y en el gangsta rap, los orígenes
estilísticos del horrorcore pueden atribuirse a una serie de artistas en la
década de 1990. El álbum Te Geto Boys, We Can't Be Stopped (1991)
incluye la canción: Chuckie, basada en el personaje Chucky de la
película de horror Child's Play. El álbum de Ganksta N-I-P de debut,
Te South Park Psycho (1992), incluye la canción: Horror Movie Rap,
que las muestras de la banda sonora de la película Halloween 1978. El
primer single de Big L debut llamado: Devil's Son (1993) se considera
horrorcore. El grupo Insane Poetry, tiene su álbum debut de horrorcore
llamado: Grim Reality (1992). El rapero Esham, tuvo su álbum debut
llamado: Boomin' Words from Hell (1989), contiene imágenes de
horror incorporada con sus letras. Kool Keith afrma haber "inventado
horrorcore". Aunque hay mucho debate sobre quién acuñó el término,
su uso no ganó importancia hasta 1994, con el lanzamiento de Flatlinerz'
U.S.A. (Under Satan's Authority). El super-grupo Gravediggaz tuvo su
álbum llamado: 6 Feet Deep, que aplica una gran cantidad de humor
negro en sus letras, además de parodias del cine del horror.
Si bien el género en su conjunto no es popular entre el público
general, artistas como Insane Clown Posse, Tree 6 Mafa, y Eminem se
han vendido bien.
Horrorcore defne el estilo de la música hip hop que se centra
alrededor de horror con infuencias temáticas que incluyen el satanismo,
el canibalismo, el suicidio, asesinatos, humor negro, ciencia fcción,
historias de terror, o temas sobrenaturales. Las letras están inspiradas en
películas de horror más temperamental, ritmos de hardcore.
4.4.13. RAP ALTERNATIVO
El Rap alternativo o Hip Hop alternativo se refere a los grupos
de hip hop que se rehúsan a conformar cualquier estereotipo tradicional
del Rap como, por ejemplo, Gangsta, Bass, hardcore, o de festa. En vez
de eso, ellos mezclan el hip hop con géneros que van desde el funk, jazz y
el soul.
El Rap en Argentina comienza con grupos y Mcs como: Jazzy
Mel, POD-CRE, Mike Dee (Bola 8), $uper A, Natural Rap, Illya
Kuryaki and the Valderramas, Sindicato Argentino del Hip Hop,
Tumbas, En contra del Hombre, entre otros. Se caracterizaban por
130

LA MÚSICA AFROAMERICANA
rapear en un castellano neutro. Estos raperos surgieron de la primera ola
de Rap en Argentina a principio de la década del '90. Con esto salieron
varios discos importantes, Illya Kuryaki and Te Valderramas - Chaco
(1995), Actitud Maria Marta - Acorralar a la bestia (1996), Geo Ramma
- Pon Paz a tu muerte (1997) y el primer compilado de Rap argentino
Nación Hip Hop (1997).
Más allá de Jazzy Mel y POD-CRE como primeros referentes,
luego los Illia Kuryaki dándolo a conocer, el Rap de Argentina
prácticamente no existía en el mercado hasta entonces. Para los
incondicionales del Hip Hop fue una gran satisfacción tener un material
tangible ya que, en la región, la cultura Hip-Hop ya estaba muy
avanzada. En Argentina llegó mucho más tarde debido a que en los años
'80, mientras en otros países utilizaban la música como fuente de
expresión y liberación cultural caso Brasil, Uruguay, Puerto Rico y
Venezuela entre otros, no siendo así para Argentina donde en 1985/87 a
solo 5 años de haber terminado con la dictadura militar, el país estaba
siendo golpeado por una dura crisis infacionaria, pobreza y con políticas
comerciales, cultural y social todavía con miedos instalados. Por eso en
las radios locales después de 1983 músicos como Charly Garcia, Spinetta
o Leon Gieco, por nombrar algunos, ocupaban más del 90% de las
músicas escuchadas. Después de 1985 se acentuó aún más con bandas
como Virus, Los Abuelos de la Nada, Soda Stereo y los Enanitos Verdes
(todas bandas de Rock) del momento que ocupaban el interés y
culturalmente alimentaba podemos decir al 100% de la población. Fue
también en los años '80 que la cultura del tango perdía el interés de las
nuevas masas de jóvenes que preferían el pop, el rock-nacional o el pop
internacional de moda, con tan poca apertura de mercado para otros
géneros musicales se hacía imposible pensar que pudiera llegar en los 80
un nuevo pensamiento tan contestatario como usaba el Rap en EE. UU.
o en otros países con los mismos ideales como el racial, uno de los
motores principales instalado en la cultura Hip Hop.
Sin muchos referentes que promovieran éste género en un país
golpeado por los militares hasta 1983 y lo que signifcó la apertura a
nuevas culturas y a lo importado, esto solo cambiaría con un personaje
aunque no menos importante abriría las puertas a la importación,
dolarizó la economía y luego de 1989 con el país mas estable junto el
boom cultural de todo importado llegaron en cantidades masivas los
discos, cassettes y CD importados de todos los géneros musicales, aun así
la mente del público no estaba preparada, en los comienzos de los '90
por ejemplo en Capital Federal, en el Parque Rivadavia se podía
conseguir las primeras cintas pirateadas de Rap, Soul, R&B y Reggae,
131

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
entre otros estilos musicales con raíces negras como novedad para un
cierto público que jamás había escuchado esos géneros.
Por eso podemos decir que después de 1990 se dieron muchos
factores para la llegada del Rap o cultura Hip-Hop, pero que nunca tuvo
un referente o algún artista que lleve la bandera instalándolo como
cultura o moda como fue en EE.UU, Brasil, España, Francia por
ejemplo y cabe destacar que aun hoy el Hip Hop como movimiento
podríamos decir que no es un género musical con grandes ventas y
seguidores en el mercado Argentino, para bien o para mal todavía existe
un enorme público en el mercado hoy si ya preparado para captar a
nuevos artistas de este género. después de tantos años de recitales o cintas
piratas, fnalmente hoy se concreta un registro perpetuo de estos artistas
pasados.
En la historia esa unión de bandas dio cierta credibilidad, así
Nación Hip Hop, mal o bien, pudo marcar un comienzo, un punto en el
tiempo que sirvió para llegar a otra gente fuera del Hip Hop y sembrar
raíces infuyendo directa o indirectamente en nuestra escena. Claro que
con el paso del tiempo, esa unión se disolvió y además el público se fue
desarrollando en cuanto a exigencias musicales mirando con otro
concepto a los Mcs y a las bandas. La evolución del Hip Hop los dejó
atrás. Nación Hip Hop fue grabado y mezclado por Adrián Taverna en
el estudio Supersónico, producción artística: Zeta Bosio, realizado y
dirigido por Alejandro Almada, publicado y distribuido por BMG,
Argentina.
La segunda ola de Rap en Buenos Aires, viene
aproximadamente en el 98, con el grupo "La Organización", una
revolución para lo que se escuchaba en ese entonces. Con un estilo mas
hardcore dejando de lado el neutro y utilizando el dialecto argento, Beats
menos Funk y más Underground. Sus integrantes eran el bboy y Mc
Apolo Novax, Chili Parker y Mustafá Yoda, aunque en los beats estaba
Mangaka (Dj Juan Data) nunca se lo reconoció como miembro. Su
Disco se iba a llamar "La Diferencia", lamentablemente esto quedó como
una promesa para el Hip Hop argentino, ya que nunca se cumplió
debido a que antes de que se terminara y publicara Mustafá Yoda decidió
separarse y comenzar su carrera en solitario. El resto de la banda decidió
seguir pero con otro nombre Koxmoz.
Desde el año 2000 en adelante salieron nuevos artistas y se
disolvieron bandas importantes del Rap argentino, dejando a Geo
Ramma, primera banda de Rap/Funk como solistas, sin lograr publicar
su segundo disco Resistiendo.
132

LA MÚSICA AFROAMERICANA
En el año 2000 el disco del grupo ya retirado Bola 8 sale a la
luz, Bolacalipsis siendo el primer disco profesional de este nuevo milenio
en Argentina en cuanto a rap se habla.
Un gran salto para el rap argentino fue el Grammy Latino
ganado por la banda en el 2001 por su disco Un Paso A La Eternidad.
Ese mismo año saca su primer referencia como solista Elevado,
con un Rap más llevado al lado del R&B y el funk. Por el 2002 se
realizan las primeras batallas de freestyle en Córdoba donde Mustafa
Yoda se llevó el título los dos primeros años 2002 y 2003.
En el 2003 sale el segundo disco de Actitud Maria Marta ya sin
Alika llamado igual que el nombre de la banda. También sale el disco de
Apolo 11 - Show Del Flow, entre otras maquetas.
En el 2004 Mustafa Yoda crea el primer sello de hip hop
argentino Sudametrica al mismo tiempo saca su disco debut Cuentos
Para Chicos Grandes, dejando el Rap argentino en otro nivel.
En el 2005 se dio un gran paso en la historia de este género en
la argentina: El grupo Iluminate saca su primer referencia profesional
llamada Iluminate al cual muchos llaman el disco promesa de Rap
argentino.
En el año 2006 ya se empieza a masifcar la música Rap y el
Hip Hop, en la televisión, en las calles, etc. También este año salieron
varios discos que destacan en el Rap argentino, el gran primer dobledisco
de Rap argentino de la gran banda Koxmoz que literalmente
revolucionó el Rap en Argentina, y otros discos que inundaron las redes
y las calles como el primer disco de Emanero y el de Buenos Aires
Subterráneo, el primer vinilo de Rap argentino de mano de Mustafa
Yoda con el nombre de Prisma El Elemental, entre otros discos que se
mantuvieron mas underground.
A partir de estos años salen empiezan a sonar más Mcs que ya
estaban de hace tiempo y también aparecieron nuevos artistas y grupos
como Marcianos Crew, Saltos Ornamentales, Núcleo a.k.a. Tinta Sucia,
Magnus Mefsto, Tripulación Sursaidaz, G-Fonk, ArsBellum... entre
otros con una gran variedad de estilos que le devolvieron al Hip Hop un
prestigio y respeto que se creía perdido.
También aparecerían Emanero y Dante a inicios del 2010 y
Matias Carrica, en 2015, entrando en los rankings de televisión y radio.
El disco de Emanero - "Arjé" fue un éxito gigante, abriendo las puertas a
los más jóvenes al Rap. El disco "Buscavida" de Matias Carrica infuyó
en la gente que no conocía el género, debido a su triunfo en el reality
Elegidos (La música en tus manos), emitido por Telefe. Muchos jóvenes
133

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
pudieron conocer la cultura urbana gracias Steven Zeta que combino
elementos del Hip-Hop Argentino y lo fusiono con el metal gòtico,el
rapcore y otros subgéneros, creando así el primer estereotipo de rapero
dark con su primer trabajo profesional llamado Infnito donde se puede
describir como Hip Hop alternativo.
4.4.14. RAP POLÍTICO
El hip hop político o rap político (también conocido en inglés
como political hip hop o political rap) es un subgénero del hip hop
nacido en los años 1980, inspirado en cantantes afroamericanos de
temática política de los años 1970, tales como Te Last Poets y Gil
Scott-Heron, así como en los mensajes socio-políticos del jazz de la
primera mitad del siglo XX, y del soul y el funk. Public Enemy es a
menudo considerado como el grupo más importante de political hip
hop. Grandmaster Flash and the Furious Five lanzaron el primer trabajo
sociopolítico conocido en el ambiente del rap, con la canción de 1982
"Te Message", que inspiró a numerosos raperos para hacer frente a
temas sociales y políticos.
Las letras del hip-hop político hablan de temáticas raciales,
sociales, históricas y económicas, a veces con un lenguaje fuerte y
agresivo muy similar al del hardcore hip hop pero sin el mensaje negativo
de glorifcación de la violencia, el delito y las drogas propio del gangsta
rap.
La música de Public Enemy, Dead Prez, Immortal Technique,
X Clan, Kam, Paris, 2Pac, Boogie Down Productions/KRS-One, A
Tribe Called Quest, Brand Nubian, Gang Starr, Jungle Brothers, Big
Daddy Kane, Common, Mos Def, Te Roots, Kendrick Lamar o Talib
Kweli se puede considerar en el sentido más amplio dentro del género
del rap político.
En él se inscribieron artistas en idioma español como los
chilenos Anita Tijoux, Panteras Negras (banda), Legua York y Salvaje
Decibel; el colombiano Ali A.K.A. Mind; los cubanos Los Aldeanos y El
B; el ecuatoguineano Meko; los españoles Dani Ro, El Chojin,
Falsalarma, Frank T, Geronación, Rafael Lechowski, Nach, Rapsusklei,
Rayden, Ose, Xhelazz, Zatu, Zénit, ZPU y CharfeX; el mexicano
Bocafoja; los puertorriqueños Temperamento Eddie Dee y Calle 13.
Hay cientos de artistas cuya música se podría describir como
"política". Véase Anexo:Artistas de political hip hop para ver una lista
parcial.
134

LA MÚSICA AFROAMERICANA
4.4.15. NERDCORE HIP HOP
Nerdcore hip hop, o geeksta rap, es un subgénero de la música
hip hop que es interpretado por nerds o geeks y es caracterizado por
temas y asuntos considerados de interés general para ellos, aunque
pueden ser de interés para otros. MC Frontalot acuñó el término en el
año 2000 en la canción "Nerdcore Hiphop". Como un nicho del género,
el nerdcore generalmente se apega a la ética DIY, y tiene una fuerte
tradición amateur de auto-publicación y auto-producción.
Aunque los raperos nerdcore hacen rimas acerca de casi todo,
desde el uso no medicinal de Dextrometorfano (MC Chris, "Te
Tussin") hasta política (MC Frontalot, "Special Delivery"; MC Lars
"UK Visa Versa"), existen temas recurrentes en el nerdcore, incluyendo
Star Wars (Frontalot, "Yellow Lasers"; 2 Skinnee J's, "Mind Trick"; mc
chris, "Fett's Vette"; MC Lars, "Space Game"), ciencia (MC Hawking,
"Entropy"; 2 Skinnee J's, "Pluto"), y computadoras (Optimus Rhyme,
"Reboot"; Monzy, "Drama in the PhD"; MC Plus+, "Computer Science
for Life"). Hacer música sobre estos temas no lo hacen automáticamente
a uno nerdcore, también son temas populares en rock geek, flk, Freak
metal y otros géneros nerds; la combinación de Hip Hop y el tema los
hace nerdcore. Aunque algo menos común, hay artistas de Hip Hop que
han grabado composiciones que se enfocan en temas similares, pero no
son generalmente considerados nerdcore. (Un ejemplo sería
Blackalicious, que no son generalmente considerados artistas nerdcore a
pesar de canciones orientadas a la ciencia como "Chemical
Calisthenics".) Por el contrario uno no necesita enfocarse en esos temas
para ser nerdcore: la mayoría de las canciones por dos de los líderes
indiscutibles del género, Frontalot y Mc Chris, no se enfocan
exclusivamente en temas estereotípicamente nerds. La diferencia es en
gran medida la auto-identifcación: Blackalicious no se identifca como
"nerd", mientras que Frontalot y Chris sí lo hacen.
La palabra "nerdcore" es usada ocasionalmente también como
un adjetivo para describir un "hardcore nerd" (que es, alguien que
públicamente está orgulloso de ser nerd) o algo que es nerd a un nivel
extremo, algo considerado complementario en la comunidad.
Sonido
El nerdcore no tiene un sonido musical unifcado, y el sonido
varía ampliamente de MC a MC. Una canción común, especialmente en
los días tempranos del género, es música sampleada.
135

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
MC Frontalot trata esto directamente en su canción de 1999
"Good old Clyde", un agradecimiento a Clyde Stubblefeld por la
Música break "Funky drummer" - que fue sampleada para proveer el
ritmo de la canción. Las fuentes de sampleo en el nercore varían de
Vanilla Ice ("Ninja Rap", sampleado en el "Bad (dd) Runner)"de Mc
Chris) a Mozart ("Rondo Alla Turca", en "Computer Science for Life"
de Mc Plus+. Nerdrap Entertainment System de YTCracker es un álbum
entero hecho primariamente con sampleados de juegos de 8 bits de
Nintendo. Aunque algunos artistas se han dejado de hacer esto
-Frontalot, por ejemplo, completamente remixó varias canciones para
remover samplados no claros antes de comercializarlos en su álbum del
2005 Nerdcore Rising- aún sigue siendo algo común, ya que la mayoría
de las pistas nerdcore no son hechas comercialmente y por lo tanto
atraen poca o ninguna atención de la RIAA.
Varios DJs han probado ritmos y hecho remixes para muchos
artistas nerdcore, más notablemente Baddd Spellah, quien actualmente
mezcla la mayoría de las pistas de Frontalot. Spellah también ganó la
competición de remixes de Mc Chris en el 2004.
Historia del nerdcore
El término "nerdcore hip hop" fue acuñado en el 2000 por MC
Frontalot. Sin embargo, el género en sí mismo data de al menos 1998.
Incluso antes, artistas tan variados como Kool Keith, Deltron 3030, MC
900 Ft. Jesus, y Daniel Dumile comenzaron a explorar asuntos muy
lejanos al de la cultura hip hip tradicional, incluyendo temas
estereotípicamente "nerds" como el espacio y la ciencia fcción. Aunque
estos artistas underground estaban generalmente fuera de la cultura geek
y no son considerados nerdcore, podría decirse que ellos prepararon el
escenario para artistas como Frontalot, quien ha escuchado a varios de
ellos como infuencia. El nerdcore tuvo clara infuencia de la cultura geek
también, incluyendo rockeros geek como Tey Might Be Giants,
parodistas como "Weird Al" Yankovic (quien lanzó un rap llamado "It's
All About Te Pentiums" en 1999 y "White & Nerdy" en el 2006), y
otros.
En 1998 2 Skinnee J's lanzaron el álbum $upermercado,
presentando la canción llamada "Riot Nrrrd", que, a pesar de haber sido
anterior al término "hip hop nerdcore" por al menos dos años, puede,
sin embargo, ser llamada la primera canción verdaderamente nerdcore en
ganar amplia difusión. El título, es un juego de palabras del movimiento
punk underground ""riot grrrl", y pudo haber venido de la infuencia de
136

LA MÚSICA AFROAMERICANA
la novela de Douglas Coupland del año 1995 llamada Microserfs. "Riot
Nrrrd" apareció como la canción de la película Jamás besada un año
después. Sin embargo fue solo en el siglo XXI que el nerdcore apareció
por sí solo, con Frontalot como líder. El nuevo género era popular en la
comunidad nerd desde el principio. Nuevos artistas comenzaron a
aparecer y ganar prominencia, aunque solo unos pocos ganaron
seguidores reales.
En el 2005, el nuevo subgénero de geeksta rap (llamado así por
el gangsta rap) emergió defnitivamente, muy independiente del más
tradicional nerdcore. La diferencia estaba en la lírica y la actitud; los
artistas geeksta (mayoritariamente computer scientists) se enfocaron en
proclamar su proeza con computadoras y otras habilidades técnicas.
El artista MC Lars logró algo de éxito con "Download Tis
Song en el 2006, especialmente en Australia. El single recibió amplia
difusión en la radio y el vídeo era pasado en canales de TV. Éste pasó
ocho semanas en los rankings de la RIAA de Australia, llegando al puesto
29.
4.4.16. ELECTRO-HOP
El Electro-hop, electrónica hip-hop, rap electrónico, electrorap,
dance-rap o hip hop robot es un género musical surgido de la fusión
de la música electrónica y el hip hop. El movimiento electro-hop surgió
del underground en la costa este de los Estados Unidos, ganando
popularidad con artistas como Black Eyed Peas, Mantronix, Man
Parrish, Newcleus, Dope, Planet Patrol
Importantes artistas han llevado al género del Electro-hop a lo
más exitoso del mundo, siendo un género dominante y reconocido a
fnes de la década de 2000 e inicios de la década de 2010; es el caso de
Black Eyed Peas, llamados los Reyes del Electro-hop, LMFAO, Flo Rida,
Far East Movement, Nicki Minaj, entre otros.
4.4.17. POP RAP
El Pop Rap es un estilo de Hip Hop y un subgénero de la
música pop. Las letras son a menudo alegre, contando una historia
humorística (DJ Jazzy Jefy Te Fresh Prince) Otro indicador fácil de
pop rap es una muestra de que es instantáneamente reconocible (como
"Ice Ice Baby" de Vanilla Ice) o tal vez mucho más suave y más tranquilo
137

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
(PM Dawn), y más de radio orientado, nuevo atractivo para el público
fuera del ámbito propio del hip hop.
El estilo tuvo una gran cantidad de críticas por parte de la élite del
hardcore rap, y para fnales de los 90 artistas como P. Diddy y Ja Rule
estaban haciendo himnos de radio con letras que hablaban de un fondo
hardcore. Los resultados fueron aún peores, pero esta forma de pop rap
todavía se pueden encontrar hoy en día y es mucho más popular que los
esfuerzos iniciales, más alegre.
4.4.18. COMEDY HIP HOP
El comedy hip hop o comedy rap (hip hop cómico) es un
subgénero de la música hip hop que contiene letras satíricas o algún valor
otro cómico. Mientras que una gran cantidad del comedy hip hop podría
considerarse como una parodia del género original, no es siempre el caso.
Aunque algunos raperos como Eminem y Ludacris suelen tener letras
cómicas, no son generalmente considerados en este subgénero, pero
Eminem tiene un estilo plasmado de humor negro e ironías, por lo
general relacionado con famosos o familiares (ejemplos son My Name Is
o Without Me). Afroman, un rapero de Palmdale, a menudo usa la
marihuana y el sexo como un elemento cómico. Otros grupos de hip
hop, como los Beastie Boys Gravediggaz y Insane Clown Posse aplica
una grán cantidad de humor negro en su contenido, especialmente en
sus primeros álbumes. Te Lonely Island, conocidos por su trabajo en
Saturday Night Live, han logrado el éxito con canciones como "Lazy
Sunday", "I'm on a Boat", y otras canciones de su álbum Incredibad. En
el último tiempo, han surgido bandas del género como 3OH!3, Libertad
Gigoloz, Jamie Kennedy & Stu Stone, Asher Roth, y Gym Class Heroes.
El nerdcore hip hop es un subgénero que se ocupa de la cultura
geek, a menudo también incorporando temas cómicos.
Comedy Hip Hop en el mundo hispano: En España,
populares artistas como Hate, SFDK, El Chojin, Sons of Aguirre y Duo
Kie están plagadas de humor. En el exitoso álbum Ser humano!! de Tiro
de Gracia, el joven Zaturno ponía un toque humorístico, con su voz
marcada por el rap soul. El chileno Lechero Mon mezcla en casi todos
sus trabajos humor chileno con payas. El grupo La Excepción es una
gran referencia del subgénero en España, conocidos por mezclar sus
letras con humor y alegría conservando el mensaje y la esencia del hip
hop.
138

LA MÚSICA AFROAMERICANA
En República Dominicana raperos como Mozart La
Para,Nfasis, Sensato Del Patio y Black Point son perfectos ejemplos de
Comedy Hip Hop en la isla. Black Point en temas como Mi Mujer No
Era Mala, Watagatapitusberry y Hooky Party muestra que tan cómico
puede llegar a ser.
4.4.19. INDIE HIP HOP
Indie hip hop o Underground hip hop (abreviación del término
inglés independent hip hop) y más conocido como Underground hip
hop es un estilo de música rap surgido de la escena underground.
El término rap underground puede referirse al estilo de música
descrito como indie hip hop (el cual según sus propios artistas se
relaciona con sello(discográfcas) independientes) o bien puede
describirse como rap alternativo (el cual se defne como estilo musical
que se diferencia del rap más común como por ejemplo el gangsta rap.)
Puesto que el término “Indie hip hop” hace referencia, más que
al estilo musical en si, a los artistas que producen este tipo de música, no
se trata de un género concreto sino que cubre una amplio abanico de
variedades de rap que poseen unas características propias.
Del mismo modo que los artistas de indie rock, los artistas de
indie hip hop dan una gran importancia al hecho de tener completo
control sobre su música y sobre sus carreras. Acostumbran a producir sus
discos a través de discográfcas independientes (a veces puede incluso
tratarse de sus propias discográfcas) y su promoción depende de los
conciertos, el boca-oreja, y de las cadenas de radio independientes. De
todos modos, algunos de los artistas más populares del indie hip hop
terminan emigrando a las principales discográfcas gracias al éxito
cosechado en su etapa independiente. Entre algunas de los sellos
independientes se encuentran Babygrande Records, Casa Babilonia
Records, Defnitive Jux, Nature Sounds, IndieGente, 3G Producciones,
Rawkus Records, Quilomboarte en Resistencia y Quannum Projects.
El artista Danger Mouse es uno de los artistas que, a pesar de
comenzar a través del indie hip hop, recientemente ha frmado un
contrato con la conocida discográfca Parlophone.
4.5. RHYTHM AND BLUES
El rhythm and blues, a menudo abreviado como R&B o RnB,
es un género de música popular afroamericana que tuvo su origen en EE.
UU. en los años 1940 a partir del blues, el jazz y el gospel. Se la describió
139

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
como "una música basada en el jazz, movida, urbana y con un ritmo
insistente". Constituyó la base musical para el desarrollo del rock and
roll.
El término ha sufrido desde entonces algunas variaciones de
signifcado. En los primeros años de la década del 50, se solía llamar
rhythm and blues a los discos de blues, pasando pocos años después a
referirse a un blues eléctrico que incorporaba gospel y soul. En los años
70, "rhythm and blues" se convirtió en un término genérico que incluía
la música soul y el funk. En los 80, se desarrolló un nuevo estilo de
R&B, alejado ya del original, que pasó a conocerse como "R&B
contemporáneo".
En la actualidad es habitual usar el término rhythm and blues
(o R&B) para referirse a este último género contemporáneo.
Rhythm & blues clásico
El término musical rhythm and blues fue introducido en
Estados Unidos en 1948 por Jerry Wexler, de la revista Billboard.
Sustituyó al término "race records" (discos de raza, referido a la raza
negra), considerado ofensivo en la época de la posguerra, y empezó a
usarse como categoría en las listas musicales de Billboard en junio de
1949.
Fats Domino.
En su primera manifestación, el R&B fue el predecesor del rock
and roll (no son pocos que hasta dicen que la diferencia solo era de
nombre) y el sucesor del rockabilly (al mezclarse con corrientes varias del
country). Tiene fuertes infuencias del jazz y el jump, además de la
música gospel, y compases africanos.
Las primeras grabaciones de rock and roll consistían de
canciones R&B como "Rocket 88" de Ike Turner y "Shake, Rattle and
Roll" de Big Joe Turner, haciendo aparición en las listas de música
popular y en las de R&B. "Whole Lotta Shakin' Goin' On", el primer
éxito de Jerry Lee Lewis, fue una versión de un tema de R&B que
alcanzó el puesto más alto en las listas de música popular, R&B y
country.
Los músicos prestaron poca atención a la diferencia entre el jazz
y el R&B y, frecuentemente, grababan para ambos géneros. Numerosos
artistas de swing (por ejemplo: Jay McShann, Tiny Bradshaw y Johnny
Otis) también grabaron música R&B. Count Basie tenía una emisión
140

LA MÚSICA AFROAMERICANA
semanal en directo desde Harlem. Incluso un icono del bebop como era
Tadd Dameron estuvo dos años como pianista de Bull Moose Jackson
tras establecerse en el bebop. Además, muchos de los músicos para los
que Charlie Mingus tocaba jazz eran veteranos del R&B. Otras leyendas
fueron Lionel Hampton y Eddie Vinson.
La década de los 50 fue la primera del R&B. Coincidiendo con
otros géneros como el jazz y rock and roll, el R&B también desarrolló
otras variaciones regionales. Algunos artistas notables fueron Fats
Domino (con los éxitos "Blueberry Hill" y "Ain't Tat a Shame"),
Professor Longhair, Clarence "Frogman" Henry, Frankie Ford, Solomon
Burke, Irma Tomas, Bo Diddley, Te Neville Brothers y Dr. John.
Posteriormente, en los años 60 y 70, el rhythm & blues
tradicional evolucionó hacia nuevos estilos como fueron el soul, el funk y
la música disco, quedando rhythm & blues como un término empleado
de forma genérica para referirse a todos ellos.
Rhythm & blues contemporáneo
El rhythm and blues contemporáneo (conocido también como
contemporary R&B o simplemente R&B), surge tras la decadencia de la
música disco y el funk en los años 80, convirtiéndose a partir de entonces
en la corriente principal (mainstream) del R&B. Entre las características
que lo diferencian del rhythm & blues de la década anterior (constituido
mayormente por los estilos soul, funk y disco) están la introducción de
sonidos sintetizados y cajas de ritmos, además de un mayor acercamiento
al género del pop, llegando en cierto modo a integrarse en él. Otras
características son su cuidada producción y el frecuente empleo del
melisma en la voz. Las primeras fguras de esta nueva era del R&B son
Michael Jackson, Prince, Tina Turner, Janet Jackson Whitney Houston,
Rihanna y Amy Winehouse, Chris Brown.
Surgió también una tendencia de "boy bands" en Estados
Unidos y Reino Unido que mezclaban melodías con bases típicas del pop
acompañadas de instrumentos y letras del R&B, y a veces incluso
"rapeos" del hip-hop. Ejemplos de esto fueron New Edition y New Kids
on the Block, seguidos más tarde por Boyz II Men, Backstreet Boys y 'N
Sync.
En 1986, Teddy Riley comenzó a producir grabaciones de
R&B que incluían infuencias del cada vez más popular género hip hop.
Esta combinación del género R&B y los ritmos del hip hop fue conocido
como new jack swing y fue continuada por otros artistas. Esta infuencia
141

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
del hip hop se vería también en el estilo hip hop soul producido por
Mary J. Blige.
A principios de los 90, el grupo Boyz II Men popularizó de
nuevo el soul clásico inspirado en la armonía vocal. Por su parte,
Babyface y algunos contemporáneos suyos grabaron en un género
tranquilo y suave de R&B conocido como quiet storm.
A mediados de los años 90 Mariah Carey publicó el tema
Fantasy, que logró convertirse en la primera canción femenina en
debutar directamente en el #1 del Bilboard Hot 100. Con este y otros
éxitos Mariah Carey se consolidó como la más grande exponente del
R&B moderno.
A fnales de los 1990 y principios del siglo XXI, las infuencias
del dance en el R&B pudieron ser escuchadas en los trabajos de varios
artistas de R&B, los más notables Jennifer Lopez, Aaliyah, NSYNC y 98
Degrees. El líder de la banda juvenil 'N Sync, Justin Timberlake,
continuó haciendo grabaciones en solitario en las que se mostraba una
clara infuencia en su música tanto de R&B como de hip hop, llegando a
convertirse en una de las principales fguras del género. Otras estrellas
que realizan música muy infuida por el R&B (en ocasiones referido
como "hip hop" o "dance") son Christina Aguilera, Gwen Stefani, Nelly
Furtado y Sugababes.
Subgéneros derivados del R&B
Además de los ya mencionados, como el soul o el funk,
surgieron en distintos momentos de la historia del R&B otros
subgéneros que se citan a continuación.
Quiet storm
Quiet storm es una amplia categoría del R&B y jazz que
destaca por ser suave, relajada y a menudo romántica. El nombre
proviene de un innovador programa de radio llamado WHUR, de la
Universidad Howard de Washington DC, de mediados de los años 70,
nombrado así tras el éxito del single "Quiet Storm" de Smokey
Robinson (1975). A diferencia del R&B contemporáneo, el quiet storm
muestra poca infuencia del hip-hop y tuvo gran éxito en la década de los
80s con artistas como Luther Vandross, Anita Baker, Sade, Lionel Richie
y Gerald Levert y más tarde en los años 90 con Joe, Brian McKnight y
Vanessa Williams.
142

LA MÚSICA AFROAMERICANA
New jack swing
Una fusión de R&B y hip-hop, el new jack swing se popularizó
a fnales de los años 80 y se distingue por el empleo signifcativo de
estribillos rapeados y por el prominente uso de cajas de ritmos como la
Roland TR-808. Teddy Riley y su grupo Guy son reconocidos como los
inventores del género y algunas notables fguras de este género son
Bobby Brown (ex New Edition), Michael Jackson, Justin Timberlake,
Chris Brown, Jimmy Jam & Terry Lewis, Jodeci y Boyz II Men.
New jill swing
Es el género del R&B, que denota al New jack swing en el cual
destacan las voces femeninas, es una alternativa femenina del New jack
swing. Este género musical fue denominada como new jill swing a fnales
de la década de los 90´s por "Te Villague Voice" magazine, fue apoyada
por artistas como Janet Jackson, Neneh Cherry, Total, Shanice, TLC,
Aaliyah y SWV.
Neo soul
El neo soul combina desde su aparición a mediados de los 90
una infuencia del hip-hop en el sonido R&B con el soul clásico de los
años 70. El verdadero neo soul está caracterizado por un sentimiento
poco sofsticado, acentuado por armonías de soul, y acompañado por
beats de hip-hop alternativo. Algunos artistas de estos géneros son Tony!
Toni! Toné!, Angie Stone, Amy Winehouse, Erykah Badu, Lauryn Hill,
la misma Aaliyah, Jill Scott Alicia Keys, Adele, Jessie J.
Ska
El ska es un género musical originado a fnales de los 50 y
popularizado durante la primera mitad de los 60 que deriva
principalmente de la fusión de la música negra estadounidense (R&B) de
la época con ritmos populares propiamente jamaiquinos, siendo el
precursor directo del rocksteady y más tarde del roots rock reggae. Al ser
un género particularmente apto para fusiones ha sido incorporado, a
través de distintas variantes, a los más diversos lenguajes musicales.
Desde un principio, las versiones ska de populares composiciones para
cine y televisión (“Te James Bond Teme”, “Exodus”, “A Shot in the
Dark”, “Te Untouchables”, etc.) perfló su particular identidad, entre
callejera, nostálgica y “misteriosa”, característica que conservaría a través
143

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
de las épocas. Estuvo fuertemente asociado a los Rude Boy y a la
independencia de Jamaica del Reino Unido, aunque se hizo popular en
todo el mundo desde muy poco tiempo después de su nacimiento.
Roots Rock Reggae
El Roots Rock Reggae se desarrolló a partir del rocksteady en
los años 1960. El cambio del rocksteady al roots rock reggae es ilustrada
por el empleo del shufe en el órgano, cuyo pionero fue Byron Lee. Este
rasgo ya aparecía en algunos singles de transición como "Say What
You're Saying" (1967) de Clancy Eccles o "People Funny Boy" (1968)
de Lee "Scratch" Perry. El tema "Long Shot Bus' Me Bet" publicado por
el grupo Te Pioneers en 1967 es considerado como el ejemplo grabado
más temprano del nuevo sonido que pronto sería conocido como roots
rock reggae. Es hacia comienzos de 1968 cuando los primeros discos de
roots rock reggae genuino fueron publicados: "Nanny Goat" de Larry
Marshall y "No More Heartaches" de Te Beltones. El hit "Hold Me
Tight" del artista estadounidense Johnny Nash de 1968 ha sido
reconocido como el primero en poner el roots rock reggae en las listas de
éxitos de Estados Unidos. Te Wailers, una banda formada por Bob
Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer en 1963, son quizá el grupo más
conocido que hizo la transición a través de las tres etapas la primera
música popular jamaiquina: ska, rocksteady y roots rock reggae. Otros
pioneros roots rock reggae incluyen a Prince Buster, Desmond Dekker y
Jackie Mittoo. En el desarrollo que llevó el ska hacia el rocksteady y
posteriormente al Roots Rock Reggae.
R&B Latino
El R&B Latino se desarrolló en Latinoamérica en los años 80
con la aparición de diferentes cantantes R&B latinos, entre ellos Barrio
Boys, Melodie JOy entre otros.
4.5.1. DOO WOP
El doo wop (conocido en castellano con el nombre
onomatopéyico du duá) es un estilo vocal de música nacido de la unión
de los géneros rhythm and blues y góspel. Se desarrolló en comunidades
afroamericanas de los Estados Unidos durante los años 40 y alcanzó su
144

LA MÚSICA AFROAMERICANA
mayor popularidad entre los 50 y los 60. Surgió de las calles de ciudades
industriales de la región noreste de ese país: Nueva York, Filadelfa,
Chicago, Baltimore y Pittsburgh, donde los muchachos se reunían
llevando a cabo interpretaciones. En un principio, fue un estilo musical
que estaba dirigido a una audiencia principalmente adulta y
afroamericana, para posteriormente extenderse a un mercado adolescente
y multirracial.
Algunos historiadores aseguran que durante esta época se
grabaron en los Estados Unidos más de quince mil discos de este estilo, y
que su sonido armónico de voces entrelazadas que incorporaban
elementos de rhythm and blues, jazz, swing y gospel, consistieron en el
modelo que le dio formato al rock and roll.
Aunque se ha romantizado que sus inicios comenzaron en las
esquinas de callejones, (Street corner style) realmente comenzó en los
porches y garajes de las casas de los jóvenes, en pequeñas reuniones de
cinco o seis adolescentes que intentaban sorprender a sus novias o
adquirir cierta popularidad. Con su expansión, comenzó a practicarse en
los callejones y prácticamente en cualquier lugar que pudiera ofrecer un
eco que reforzase sus arreglos vocales. De hecho, este procedimiento fue
el que dio nombre a la frase que posteriormente, en 1975, se convirtió en
el tema Looking for an echo - "Buscando un Eco" - de Richard Reicheg
(autor que recibió junto con su banda un premio Grammy en Mejor
Composición Instrumental al año siguiente).
Se caracteriza por sus contenidos de voces a capela y por
consistir en melodías en las que un vocalista principal es acompañado
por los coros y frases del resto del grupo, el cual usualmente se compone
de tres cantantes o más. Las composiciones incluyen un amplio rango de
voces; contratenor, falsete, tenor, barítono y bajo vocal.
En la mayoría de grabaciones de estudio su instrumentación es
muy ligera, reducida a un mero acompañamiento de fondo. Las
actuaciones mantienen un ritmo de batería muy simple, otorgando el
absoluto dominio a los diversos registros melódicos de las voces la
riqueza armónica. Debido a esto, el Doo wop es también conocido por el
sobrenombre de icecream changes.
Las primeras interpretaciones sonaban a grupos de estudiantes
que le dedicaban una canción a su novia o amiga. Sus letras, compuestas
de sílabas sin sentido y usualmente de una melodía simple y de carácter
romántico captaban la atención de las adolescentes al sentirse claramente
identifcadas con el mensaje que enviaban, por lo que se convirtieron en
típicas de las verbenas y de encuentros en los patios de recreo de los
145

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
institutos, donde también era frecuente hacer «piques» entre ellos para
demostrar quiénes eran mejores.
Con su proliferación y junto a la aparición e impacto del rock
and roll vocal, llegó también una oleada de jóvenes que comenzaron a
lucir tupés y vestimentas para identifcarse con el movimiento, como era
el caso de algunas féminas usando prendas con lunares.
Algunos músicos del Bronx acudían a las escuelas públicas para
enseñarles a los muchachos la técnica, y posteriormente, muchos colegios
y centros sociales les proporcionaban un lugar donde pudiesen ensayar,
de modo que se mantuviesen alejados de las calles, de la drogadicción y
de la delincuencia. Algunas iglesias como la de San Anthony, (de la cual
surgió el grupo femenino Te Chantels, cuyo exclusivo sonido tenía su
raíz en la música litúrgica de esta institución) colaboraron junto a
estaciones de radio a promocionar el estilo.
El mánager de la estación de radio "WWRL Rocky Bridges",
circulaba con una furgoneta por las calles del Bronx promocionado el
género, mientras que la compañía "Co-Op" organizaba eventos
musicales entre distintas formaciones de muchachos. Asimismo, el Doo
wop colaboró en romper barreras raciales entre bandas de blancos y de
color que colaboraban juntas.
Etimología
Existen desacuerdos sobre el verdadero signifcado y comienzos
de uso del término, aunque los expertos coinciden en que consiste en un
estilo de voces armoniosas basadas en el Blues y que suelen incluir sílabas
sin sentido que forman su base principal. Generalmente, las voces de
acompañamiento incluyen la frase "doo wop ah doo wop", de donde se
estima que proviene su nombre.
Al principio, durante su apogeo, no se le llamaba así, este tipo
de música no tenía un nombre específco; el término Doo wop no se
usaba. En 1950, a este tipo de sonido armonizado se le conocía
principalmente como Rock and Roll. y en menor medida Rhythm and
blues. Sin embargo, este último era también un término generalizado,
puesto que incluía solistas, instrumentista y bandas de Jump blues, así
como grupos vocales. Puede ser que el término más preciso usado en esos
días fuese «Vocal group harmony» (grupo de armonía vocal), pero
todavía no contaba con nombre ofcial, a pesar de que a fnales de 1950 y
principios de 1960 dominaba las principales listas de éxitos.
Existe cierta confusión sobre cuál fue la primera grabación que
contenía la frase «doo-wop». Generalmente se reconoce a When You
146

LA MÚSICA AFROAMERICANA
Dance, del grupo Te Turbans (Herald Records H-458) de 1955, como
al primer tema de éxito en usar estas sílabas en su portada, así como al
primero en el que se escucha el término «doo-wop». Sin embargo, Tim
Lucy, un fan de la armonía vocal, reveló que, el primer sencillo en usarla
fue el tema Never en 1954, de un grupo de Los Ángeles llamado Carlyle
Dundee & Te Dundees (Space 201), en donde el coro acompaña al
vocalista cantando la frase doo wop. Algunos miembros de esta banda se
convirtieron posteriormente en una banda llamada Te Calvanes.
Erróneamente se informó de que la frase la había acuñado el
disc jockey de radio Gus Gossert a principios de 1970. Sin embargo, el
mismo Gossert dijo que ya la usaban antes que él para categorizar los
discos en California. Luego de algún tiempo, el término cuajó como
descripción y categoría para el rythm and blues de armonía vocal.
Muchas colecciones que se componían exclusivamente de composiciones
originales de este género se vendieron bajo el nombre de doo wop, el
cual sigue vigente hoy día.
Larry Chance, el vocalista de la banda Te Earls, comentó en
una entrevista que; «el Doo wop se había convertido en un arte olvidado
debido a la creciente proliferación de bandas británicas, así como el
sonido Motown, hasta que una serie de dee jays como Gus Gossert, Jerry
Blavat y Don K. Reed entre otros, rehusaron aceptar su fn y mostrar a la
industria discográfca que todavía había mercado para las viejas bandas
de armonía vocal».
Estilo
Partitura que representa la típica progresión armónica usada en
las composiciones estadounidenses de música popular del oeste.
El estilo representaba la culminación de largas horas de práctica, y la
creatividad de los adolescentes junto al sueño de obtener éxito en el
mundo de la música mediante el cruce de estilos, además del amor que
sentían por la armonía vocal. Desde su perspectiva, la mejor ruta hacia el
éxito consistía en adaptar los estándares de la música popular del
momento a los estilos contemporáneos de voces negras. Los
pronunciados rasgos de rhythm and blues y gospel en su trabajo,
refejaban las infuencias que habían adquirido en su entorno desde su
infancia; la iglesia, las actividades sociales y los problemas raciales que
aforaban en los ghettos.
El doo wop está marcadamente relacionado con el entramado
rockabilly, prueba de ello se encuentra en el popular tema Little Darlin',
de la lista estadounidense American Top 40, escrito por Maurice
Williams y publicado por primera vez por Te Zodiacs en 1957, el cual
147

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
se basa en una melodía doo wop con prominente énfasis en clave rítmica.
Cabe destacar que, siendo una de las piezas más populares de la época,
ha sido interpretada por numerosos artistas, como lo hizo Elvis en su
álbum Moody Blue o la banda Sha Na Na en el Woodstock Festival del
69, aunque también las Lennon Sisters, con una apreciada pero corta
interpretación que rodaron durante su propio espectáculo musical,
emitido desde 1969 hasta 1970 en la cadena de radio y televisión
estadounidense ABC. Asimismo, se encuentra dentro de los 100 grandes
éxitos de este género.
Las voces de armonías vocales se interpretan y suenan como un
eco por debajo de la voz del vocalista principal, el contratenor. Al mismo
tiempo, el tenor, de timbre más claro y brillante, canta junto al barítono
uniendo sus voces al unísono, permitiendo al tenor llevar el falsete sobre
la voz principal, al tiempo que la voz del bajo se posiciona reverberando
de fondo al fnal. A menudo los arreglos se hacen de oído, en contraste
con los típicos sofsticados arreglos del a capela contemporáneo.
Uno de los temas más afamados y representativos del género
doo wop es el sencillo Earth Angel, grabado y publicado por el grupo
Te Penguins en septiembre de 1954, bajo el sello Doctone, pero que
había evolucionado de otras bandas antes de que ellos lo publicasen por
primera vez.
Bandas como Dion and the Belmonts, Te Platters, Te Crests
y un largo sinfín de agrupaciones que se dividían en grupos de blancos y
de negros generó temas muy distintos entre ellos, incluso dentro del
mismo estilo. Los grupos negros poseían mayor inclinación al rhythm
and blues de los 40, mientras que los blancos, de procedencia italiana,
recordaban a las tarantelas napolitanas.
Como peculiaridad, cabe destacar que existía cierta tendencia
en algunas bandas a usar nombres de aves en su presentación comercial.
De este modo surgieron varias agrupaciones, entre las que cabe
mencionar: Te Ravens, Te Penguins, Te Cardinals, Te Crows y Te
Flamingos entre muchos otros.
Orígenes
Sus raíces provienen de los años 1930 y 1940, evolucionando a
partir de grupos que cantaban gospel en las iglesias de las aldeas africanas
de Estados Unidos. Sin embargo, en este mismo momento se le
incorporaron también infuencias del blues, dándole su propia identidad.
En ocasiones, algunos miembros de las iglesias que cantaban gospel,
148

LA MÚSICA AFROAMERICANA
entre unas 3 y 6 personas, se acumulaban en las esquinas con su propia
música y letras, en general, cantando sobre el amor o las relaciones
sentimentales.
Entre uno de los primeros ejemplos grabados en vinilo de
música vocal afroamericana se encuentra la canción My Prayer, de los
Ink Spots en 1939, los cuales junto a Te Mills Bros, fueron uno de los
grupos vocales de color más populares entre comienzos de la década de
1930 y 1940. La infuencia que los Ink Spots tuvieron en otros grupos
vocales fue notable durante este periodo y puede escucharse en las
interpretaciones de muchos de ellos, como por ejemplo en Te
Temptations.
Se estima que la época de su momento principal como estilo,
está defnida entre dos grabaciones primarias en 1948, It's Too Soon To
Know publicada por Te Orioles en su álbum It's A Natural y el
lanzamiento en 1961 de On Lover's Island por los BlueJays en su álbum
Milestone.
A lo largo de la historia se ha desestimado ampliamente la
contribución que los hispanos le proporcionaron a los grupos de armonía
vocal. Se estima que la razón de esta exclusión fue el hecho de que
muchos de ellos se encontraban en una prominente posición para llevar a
cabo el rol de cruzado étnicamente en los grupos vocales. En los
primeros desarrollos del sonido street corner, especialmente en las
ciudades de la costa este de Estados Unidos, los puertorriqueños solían
ser los principales vocalistas en algunos grupos, junto a negros y blancos.
Como ejemplo, cabe destacar a Te Crests, Frankie Lymon & Te
Teenagers, Five Discs y Tune Weavers que entre muchos otros incluían
a latinos para darle formato al sonido del grupo.
4.6. EL R&B CONTEMPORÁNEO
El R&B contemporáneo (también conocido simplemente como
R&B) es un género musical que combina elementos de hip hop, soul,
R&B, pop, funk, y EDM
Aunque la abreviatura «R&B» se originó a partir de la música
rhythm and blues tradicional, en la actualidad el término R&B suele
utilizarse para describir un estilo de música afroamericana que se originó
a partir del declive de la música disco en los años 1980. Algunas fuentes
se referen a este estilo como urban contemporary —el nombre de la
radiofórmula que pone hip hop y R&B contemporáneo—. R&B
también ha sido utilizado para referirse a rhythm & bass (en español,
149

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
ritmo y bajo) aunque la exactitud de esta abreviatura está abierta a debate
ya que el bajo forma parte del ritmo junto a la batería.
El R&B tiene un estilo de producción discográfca muy cuidada
y limpia, ritmos basados en la utilización de caja de ritmos, ocasionales
notas de saxo que le dotan de una sonoridad jazz —normalmente en los
temas de R&B contemporáneo anteriores a 1993— y un estilo suave y
aterciopelado de arreglos vocales. Las infuencias electrónicas son cada
vez más patentes, si bien la dureza y aspereza del dance o rap son
atemperados. Los vocalistas de R&B contemporáneo suelen hacer uso de
melisma, popularizado por vocalistas como Michael Jackson, Stevie
Wonder, Whitney Houston y Mariah Carey.
Historia
Años 1980
Con la transición del soul al R&B de principios a mediados de
los 1980, el solista Luther Vandross y nuevas estrellas como Prince
(Purple Rain) y Michael Jackson (Of the Wall, Triller) dominaron
durante toda la década. El álbum Triller de Michael Jackson popularizó
la música negra R&B (soul y funk), además del hard rock (Beat it) y se
convirtió en el disco más vendido de todos los tiempos en el mundo
entero.
Cantantes femeninas de R&B como Whitney Houston y Janet
Jackson adquirieron mucha popularidad durante la última mitad de la
década; y Tina Turner, por entonces rondando los 50 años, regresó a la
escena musical con una serie de éxitos. También fue popular New
Edition, un grupo de adolescentes que sirvieron de prototipo para
posteriores boy bands como New Kids on the Block, Backstreet Boys y
NSYNC.
En 1986, Teddy Riley comenzó a producir grabaciones de
R&B que incluían infuencias del cada vez más popular género hip hop.
Esta combinación del género R&B y los ritmos del hip hop fue conocido
como new jack swing, con artistas como Keith Sweat, Guy, Jodeci y
BellBivDeVoe. Otro popular pero efímero grupo con raíces de R&B más
pronunciadas fue LeVert, liderado por Gerald Levert, hijo de Eddie
Levert, líder vocalista de O'Jays.
Años 1990
A principios de los 90, el grupo Boyz II Men popularizó de
nuevo el soul clásico inspirado en la armonía vocal y varios grupos
similares como Shai, Soul for Real y Dru Hill seguirían sus pasos. Boyz
150

LA MÚSICA AFROAMERICANA
II Men y varios de sus competidores benefciaron a productores como
Babyface y Jimmy Jam and Terry Lewis, quien llevó a la fama a Janet
Jackson —hermana de Michael— a fnales de los 80 y principios de los
90. Como solista, Babyface y contemporáneos como Luther Vandross,
Brian McKnight y Vanessa Williams se abstuvieron de las destacadas
infuencias del hip-hop, y grabaron en un género tranquilo y suave de
R&B conocido como quiet storm.
Por entonces, el rock alternativo, la música adulta
contemporánea y el gangsta rap mandaban en las listas, y los artistas de
R&B comenzaron a añadir más de un sonido de hip-hop en sus trabajos.
Surgió un nuevo género llamado hip hop soul producido por Mary J.
Blige. Ella y otros artistas como R. Kelly, Montell Jordan, Brandy y
Aaliyah más algunos predecesores del new jack swing trajeron el argot,
estética y actitudes del hip hop al R&B. Este subgénero también incluye
una fuerte infuencia del gospel con infexiones vocales y sonidos. El
género se hizo menos popular hacia fnales de los años 90, pero más
tarde resurgió. El sonido del hip hop soul continuó sonando con artistas
como Jaheim, Ashanti, Amerie y Keisha Cole.
Durante mediados de los 1990, exitosos artistas como Mariah
Carey, Aaliyah, el grupo femenino TLC y los ya mencionados Boyz II
Men hicieron al R&B contemporáneo atraer a todos los públicos. Boyz
II Men y Mariah Carey grabaron varios número 1 de Billboard Hot 100,
incluyendo One Sweet Day, una colaboración entre ambos que hizo
historia al ser el single que más semanas estuvo en lo más alto de la Hot
100. Además, tanto Boyz II Men como TLC lanzaron álbumes en 1994,
II y CrazySexyCool, respectivamente, que vendieron alrededor de diez
millones de copias, recibiendo el certifcado de disco diamante de la
RIAA. Otros artistas superventas fueron Aaliyah, Toni Braxton, el
cantante/productor/compositor R. Kelly y el grupo femenino En Vogue.
A fnales de los 1990 y principios de siglo, las infuencias del
dance en el R&B pudieron ser escuchadas en los trabajos de varios
artistas de R&B, los más notables Jennifer Lopez, Aaliyah, NSYNC y 98
Degrees. El líder de la banda juvenil NSYNC, Justin Timberlake,
continuó haciendo grabaciones en solitario en las que se mostraba una
clara infuencia en su música tanto de R&B como de hip hop. Otras
estrellas que realizan música muy infuida por el R&B —en ocasiones
referido como «hip hop» o «dance»— son Christina Aguilera, Gwen
Stefani, Nelly Furtado y Sugababes.
En el Reino Unido, el R&B encontró su camino en el 2-step,
subgénero del UK garage, tipifcado por el género de canto del R&B
acompañado por ritmos de breakbeat y jungle. El artista más notable de
151

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
2-step es Craig David, que llegó al público estadounidense del R&B a
comienzos del presente siglo.
Años 2000
A principios de siglo xxi, la unión entre el R&B y el rap llegó a
un punto en que, en algunos casos, la única diferencia entre ambas
categorías se encuentra en que las voces sean rapeadas o cantadas. El
R&B contemporáneo se está caracterizando por conceder más
importancia a la fgura del artista en solitario por encima del grupo.
Desde 2010, Te Weeknd, se ha convertido en uno de los
artistas masculinos más exitosos y un claro exponente de la música R&B,
llegando a ser comparado con artistas como Prince o Michael Jackson. El
R&B más tradicional y alejado de los sonidos más comerciales cuenta
con artistas de la talla de Jason Derulo, Ne-Yo, Bruno Mars, Alicia Keys,
Rihanna, John Legend, Beyoncé, Craig David, Toni Braxton y la
ganadora del American idol Fantasia Barrino. Hoy día, podemos
encontrar algunas nuevas fusiones que introducen elementos de la
música caribeña, el dancehall.
El quiet storm, todavía existente, no es una presencia
dominante en las listas de música popular y generalmente es reducido a
la radio urbana contemporánea adulta. La mayoría de los artistas
destacados del quiet storm, como Babyface y Gerald Levert, dieron
comienzo a sus carreras musicales en los 80 y los 90, aunque artistas más
recientes como Kem sean de los exponentes actuales del subgénero. Su
infuencia todavía puede ser vista en singles como el We Belong
Together y Don't Forget About Us de Mariah Carey, Burn de Usher y
Cater 2 U de Destiny's Child.
En los años 2000 la cantante Beyoncé ha tenido mucho éxito
con canciones como Ego, If I Were a Boy, Love on Top, Crazy in Love,
Irreplaceable, Flaws & All, Single Ladies, y más. El artista Justin
Timberlake es otro gran exponente de este género, gracias a sus dos
álbumes Justifed y FutureSex/LoveSounds y a temas como Cry Me a
River, My Love, SexyBack, What Goes Around... Comes Around, 4
Minutes —junto a Madonna—, Ayo Technology y Rehab —junto a
Rihanna—, también podemos nombrar a Tiziano Ferro que en 2001
debutó con su disco Rosso Relativo / Rojo Relativo y Nelly Furtado, que
el año 2006 triunfó con este género con su disco multiplatino Loose, del
cual desprenden grandes éxitos como Promiscuous, Maneater y Say It
Right.
152

LA MÚSICA AFROAMERICANA
4.6.1. NEW JACK SWING
New Jack Swing o swingbeat es un género dirigido y
popularizado por Teddy Riley y Bernard Belle que se hizo muy popular a
fnales de la década de los ochenta y principios de los noventa. Su
infuencia, junto con el hip-hop, se hizo un hueco en la cultura pop y fue
el sonido defnitivo de la innovadora escena neoyorquina de los clubs
nocturnos.
Combina los ritmos, las muestras y las técnicas de producción
del hip-hop y el dance-pop con el sonido urbano contemporáneo de
R&B. El New Jack Swing fue desarrollado como muchos estilos
anteriores mediante la combinación de elementos clásicos con corrientes
más recientes. Utilizó voces de estilo R&B cantadas sobre el hip-hop y la
instrumentación de estilo dance-pop.
El diccionario en línea Merriam-Webster defna el New Jack
Swing como "música pop generalmente interpretada por cantantes de
raza negra que combina elementos del jazz tradicional, el jazz suave, el
funk, el rap, el rhythm, el blues y la música electrónica.
Por su parte, los compositores y los productores utilizaron los
sampler SP-1200 y la caja de ritmos Roland TR-808 para establecer un
ritmo insistente bajo melodías claras y voces claramente enunciadas. Los
productores más importantes fueron Babyface, Bernard Belle, Jimmy
Jam y Terry Lewis, LA Reid y Teddy Riley.
Historia
Una colaboración entre los miembros de Te Time, Jimmy Jam
y Terry Lewis, además de Janet Jackson, originaron el estilo que vino
después a ser conocido como New Jack Swing con el tercer álbum de
estudio de Janet, Control (1986). Jam y Lewis usaron las mismas
infuencias con otras provenientes del hip-hop y del R&B. Mientras
Jackson fue previamente popular en la escena R&B, Control estableció
su paso hacia una carrera más comercial. El musicólogo Richard J.
Ripani, autor de Te New Blue Music: Changes in Rhythm & Blues,
1950-1999 (2006), observa que el álbum fue uno de los primeros éxitos
en infuir en el despegue del New Jack Swing tras crear una fusión del
R&B, el rap, el funk, el disco y una percusión hecha con sintetizadores.
El éxito de Control, según afrma Ripani, estableció un lazo entre la
música R&B y el rap. El afrma también que "desde que el álbum de
Jackson fue lanzado en 1986 y resultó ser un éxito, no es irrazonable
asumir que tuvo al menos algo de impacto en las nuevas creaciones que
153

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
llegarían de Teddy Riley. Los primeros discos de Mantronix a mediados
de los años ochenta también tenían nuevos elementos jack.
El término New Jack Swing fue acuñado el 18 de octubre de
1987 en el diario Te Village Voice por Barry Michael Cooper. Describe
un sonido producido y diseñado por artistas de R&B y hip-hop y el
productor Teddy Riley. Riley es un cantante americano de ambos estilos,
además de un compositor, músico y productor musical. Marchó de la
banda Guy a fnales de los ochenta y de Blackstreet en los noventa.
La web vh1.com indica que, mientras en los 2000's, el hip-hop
y el R&B son primos hermanos, a principios de de los ochenta, los dos
géneros rara vez coincidían. Asimismo, a fnales de los ochenta, Riley y
André Harrell fusionaron y comercializaron los dos sonidos con una
música sexy y exclamativa que los críticos califcaron como un nuevo
swing. Todo esto provocó una revolución. Riley afrmó que antes del
New Jack Swing, los raperos y los demás cantantes no querían saber los
unos de los otros porque, mientras unos eran suaves, los raperos eran
más agresivos y callejeros. El nuevo estilo de Riley mezclaba una melodía
dulce y grandes ritmos. La sensibilidad de la fusión de ambos estilos
cambiaría el emparejamiento de la música pop y hip-hop, popularizado
más adelante con Bad Boy en los años noventa a través de muchas de las
mismas técnicas. Riley, de 19 años y natural de Harlem, rápidamente se
convirtió en un productor reconocido y produjo los trabajos de multitud
de artistas. La estética de la cultura también se extendió a las audiencias
blancas a través de New Kids on the Block, entre otros.
Infuencias
En la película de 1989 Cazafantasmas II, aparece la canción de
Bobby Brown On Our Own, el cual fue apodado como el Rey del New
Jack Swing. La sitcom de NBC El Príncipe de Bel Air mostraba en
ocasiones ciertas facetas de esta cultura, como la estrella de la serie, Will
Smith, el cual era conocido por su dúo de hip-hop con DJ Jazzy Jef, el
cual aparece espontáneamente en la serie. En el primer episodio, Will
baila con el sencillo de Soul II Soul Back to Life.
A Diferent World y In Living Colour son otros de los programas
estadounidenses que mostraban la infuencias del New Jack Swing.
Video Soul, Soul Train, Showtime at the Apollo, así como los talk show
nocturnos como Te Arsenio Hall Show ayudaron incluso a
promocionar a los artistas de esta corriente.
House Party con Kid 'n Play, Boyz n the Hood, Juice, New
Jack City, Boomerang, Above the Rim, Poetic Justice, Blankman y
154

LA MÚSICA AFROAMERICANA
Bebe's Kids utilizaron el New Jack Swing para sus bandas sonoras.
Artistas mundialmente conocidos como Michael Jackson, Donnar
Summer, Sheena Easton, Debbie Gibson, Laura Branigan, Jane Childe,
Joey Lawrence, Paula Abdul, Kylie Minogue y Bell Biv DeVoe añadieron
a sus trabajos elementos del jack a fnales de los ochenta y principios de
los noventa. Hasta la fecha, el mayor éxito del New Jack Swing es el
álbum Dangerous (1991) de Michael Jackson, el cual ha vendido 30
millones de copias.
4.6.2. QUIET STORM
Quiet storm es un formato de radio nocturna, en el que
destacan las "slow jams" (improvisaciones lentas), pionero en la mitad de
la década de los 70 por la entonces estación interna WHUR-FM, de
Melvin Lindsey en la Universidad Howard de Washington DC. El éxito
de Smokey Robinson en 1975 llamado «Quiet Storm» prestó su nombre
al formato y al programa de radio que lo introdujo al público.
Cuando el Te Quiet Storm de Lindsey debutó en 1976, la
primera canción que se pudo escuchar en el tocadiscos fue el éxito de
siete minutos de duración de Robinson. Te Quiet Storm tenía cuatro
horas de duración de emotiva y relajada música, hecho a medida para el
público nocturno y sobre todo, adulto.
El formato fue un éxito inmediato, siendo tan popular que en
pocos años la mayoría de estaciones de radio de música negra de Estados
Unidos adoptó un formato similar para su espacio de noche.
Melvin Lindsey murió de sida en 1992, pero el formato quiet
storm que él originó continua hoy en día en la programación de la radio,
casi 30 años después de su creación.
Hoy en día, el quiet storm es también un subgénero musical de
suave, relajado y romántico R&B, soul y jazz. Abarcando una mezcla de
géneros de música afroestadounidense, la música quiet storm es
distinguida por su dinámica suave y dulce, y sus ritmos lentos y
relajados, además de por expresar sentimientos románticos. Quiet storm
es una música similar al soft rock y a los estilos adultos contemporáneos,
pero está más estrechamente relacionado con el R&B, y a menudo con el
jazz.
El quiet storm está acreditado con el lanzamiento de las carreras
de Luther Vandross y Anita Baker, y con introducir al público
estadounidense a Sade. Clásicas grabaciones de quiet storm incluyen el
«Golden Time of Day» de Frankie Beverly y Mazé; «Let's Get It On» de
Marvin Gaye; las orquestaciones del Philadelphia soul; varios temas de
artistas como Al Green, Barry White y Bill Withers; la mayor parte del
trabajo del guitarrista de jazz Wes Montgomery durante sus años en CTI
155

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
(Creed Taylor, Incorporated), y el trabajo del saxofonista de funk/jazz
Grover Washington, Jr.
La radio WHUR todavía mantiene shows de quiet storm, y muchas
emisoras de radio urbana negras aún reservan su programación nocturna
para la música quiet storm.
4.7. REGGAE
El reggae es un género musical que se desarrolló por primera
vez en Jamaica hacia mediados de los años 1960. Aunque en ocasiones el
término se utiliza de modo amplio para referirse a diferentes estilos de
música jamaiquina, por reggae se entiende en sentido estricto un género
musical específco que se originó como desarrollo de otros anteriores
como el ska y el rocksteady.
El reggae se caracteriza rítmicamente por un tipo de
acentuación del of-beat, conocida como skank. Normalmente, el tiempo
del reggae es más lento que el del ska y el rocksteady[cita requerida]. El
reggae suele acentuar el segundo y cuarto pulso de cada compás, y utiliza
la guitarra para poner o bien énfasis en el tercer pulso o para mantener el
acorde desde el segundo hasta el cuarto. Es generalmente este "tercer
beat", tanto por la velocidad como por la utilización de complejas líneas
de bajo, lo que diferencia al reggae del rocksteady.
Te Wailers, una banda formada por Bob Marley, Peter Tosh y
Bunny Wailer en 1963, son quizá el grupo más conocido que hizo la
transición a través de las tres etapas la primera música popular
jamaiquina: ska, rocksteady y reggae. Otros pioneros del reggae incluyen
a Prince Buster, Desmond Dekker y Jackie Mittoo.
Etimología
La edición de 1977 del Diccionario de inglés jamaiquino
incluía "reggae" como "una expresión recientemente establecida para
rege", equivalente a rege-rege, una palabra que podía signifcar tanto
"trapos, ropa andrajosa" como "una pelea o riña". El término reggae con
un sentido musical apareció tanto en Desmond Dekker como en el hit
rocksteady de 1968 "Do the Reggay" de Te Maytals, pero ya se
utilizaba en Kingston, Jamaica, para denominar una forma más lenta de
bailar y tocar rocksteady. El artista reggae Derrick Morgan expresa en
este sentido:
156

LA MÚSICA AFROAMERICANA
“No nos gustaba el nombre rocksteady, así que probé diferentes
versiones de "Fat Man". Cambió el ritmo, el órgano se utilizó para
sorprender. A Byron lee, el productor, le gustaba. Él creó el sonido con
el órgano y la guitarra rítmica. Sonaba como 'reggae, reggae' y ese
nombre simplemente despegó. Byron Lee comenzó a utilizar la palabra
(sic) y pronto todos los músicos estaban diciendo 'reggae, reggae, reggae'.
El historiador del reggae Steve Barrow atribuye a Clancy Eccles
la alteración del término patois streggae (mujer fácil), convirtiéndolo en
reggae. Sin embargo, según Toots Hibbert:
Hay una palabra que solíamos utilizar en Jamaica llamada
'streggae'. Si una chica pasa y los chicos la miran y dicen “tío, ella es
streggae", eso signifca que no viste bien, que se ve reggay (andrajosa). Las
chicas dirían lo mismo de un hombre también. Esta mañana yo y unos
amigos estábamos jugando y yo dije, 'vale tío, hagamos el reggay'. Fue
solo algo que me vino a la cabeza. Así que empezamos a cantar 'do the
reggay, do the reggay' (haz el reggay, haz el reggay) y creamos un beat.
La gente me dijo después que le habíamos dado al sonido ese nombre.
Antes de eso la gente lo llamaba blue-beat y todo tipo de nombres.
Ahora está en el Libro Guinness de los Records.
Se dice que Bob Marley atribuía como origen de la palabra
reggae un término del idioma español para referirse a la "música del rey"
Precursores
Aunque poderosamente infuenciada por el mento y el calipso
tradicionales, el jazz estadounidense y el primer rhythm and blues, el
reggae es deudor directo en su origen de los diferentes desarrollos que
tuvieron lugar en el ska y el rocksteady durante los años 1960 en
Jamaica. Uno de los individuos que más contribuyeron a este desarrollo
fue Count Ossie.
El reggae le debe su éxito en Inglaterra al movimiento skinhead
que lo adoptaron como su música propia y a esto también surge la "Gran
guerra del reggae".
El ska surgió en los estudios de Jamaica alrededor de 1959. El
ska se caracteriza por un tipo de línea de bajo llamado walking bass o
"bajo galopante", ritmos de guitarra o piano acentuados en el ofbeat, y
en ocasiones rifs de viento similares a los del jazz. Además de ser muy
popular dentro de la subcultura jamaiquina de los rude boys, hacia 1964
también había ganado una larga audiencia en la cultura mod inglesa.
Los rude boys comenzaron a poner deliberadamente los discos
de ska a la mitad de velocidad, ya que preferían bailar más despacio
157

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
como parte de su imagen de tipos duros. Hacia mediados de los años
1960, muchos músicos habían comenzado a tocar ska con ese tempo
lento, al tiempo que ponían énfasis en el walking bass y los ofbeats. El
sonido más lento fue denominado rocksteady como consecuencia de un
single de Alton Ellis. Esta fase de la música jamaiquina duró hasta 1968,
cuando los músicos comenzaron a aumentar la velocidad de la música de
nuevo, añadiendo también otros efectos. Ello condujo a la creación del
reggae.
Historia del reggae
El reggae se desarrolló a partir del rocksteady en los años 1960.
El cambio del rocksteady al reggae es ilustrada por el empleo del shufe
en el órgano, cuyo pionero fue Byron Lee. Este rasgo ya aparecía en
algunos sencillos de transición como "Say What You're Saying" (1967)
de Clancy Eccles o "People Funny Boy" (1968) de Lee "Scratch" Perry.
El tema "Long Shot Bus' Me Bet" publicado por el grupo Te Pioneers
en 1967 es considerado como el ejemplo grabado más temprano del
nuevo sonido que pronto sería conocido como reggae.
Es en los comienzos de 1968 cuando los primeros discos de
reggae genuino fueron publicados: "Nanny Goat" de Larry Marshall y
"No More Heartaches" de Te Beltones. El hit "Hold Me Tight" del
artista estadounidense Johnny Nash de 1968 ha sido reconocido como el
primero en poner el reggae en las listas de éxitos de Estados Unidos.
Otros pioneros del reggae incluyen a Prince Buster, Desmond
Dekker y Jackie Mittoo y Te Wailers, una banda formada por Bob
Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer.
En el desarrollo que llevó el ska hacia el rocksteady y
posteriormente al reggae, fue fundamental la contribución de varios
productores jamaiquinos. Entre los más importantes están Coxsone
Dodd, Lee "Scratch" Perry, Leslie Kong, Duke Reid, Joe Gibbs y King
Tubby. Chris Blackwell, que fundó el sello Island Records en Jamaica en
1960, se mudó a Inglaterra en 1962, donde continuó promocionando la
música jamaiquina. Se alió a Trojan Records, fundado por Lee Gopthal
en 1968. Trojan publicó discos de artistas reggae en UK hasta 1974,
cuando Saga compró el sello.
En 1972, la película Te Harder Tey Come, en la que actuaba
Jimmy Clif, generó un considerable interés y popularidad para el reggae
en Estados Unidos, y la versión de Eric Clapton en 1974 del tema de
Bob Marley "I Shot the Sherif" ayudó a llevar el reggae al mainstream.
Hacia mediados de los años 1970, el reggae recibía un considerable
158

LA MÚSICA AFROAMERICANA
espacio en la radio inglesa, especialmente gracias al programa de John
Peel. Lo que se conoció después como la "edad dorada del reggae"
corresponde aproximadamente al apogeo del roots reggae.
En la segunda mitad de los años 1970, la escena de punk rock
de Gran Bretaña comenzaba a formarse, y el reggae fue una importante
infuencia para ello. Algunos DJs de punk ponían canciones de reggae
durante sus sesiones y numerosas bandas de punk incorporaron estas
infuencias reggae en su música. En Inglaterra el reggae se expandió
gracias a la nueva inclusión del género en la música de Te Rolling
Stones[cita requerida] con mayor infuencia desde 1974. Al mismo
tiempo, el reggae comenzó una cierta recuperación en Inglaterra en los
años 1980 abanderada por grupos como Steel Pulse, Aswad, UB40 y
Musical Youth. Otros grupos que recibieron interés internacional a
comienzos de los 1980 fueron Tird World, Black Uhuru y Sugar
Minott.
Subgéneros
Early reggae: También conocido como skinhead reggae debido
a su popularidad dentro de esa subcultura inglesa de clase obrera, fue el
primer reggae que existió después del Rocksteady, comenzó hacia fnales
de los años 60; A medida que la infuencia de la música funk de sellos
estadounidenses como Stax comenzó a penetrar en la forma de tocar de
los músicos de reggae. Lo que caracteriza al early reggae del rocksteady es
el órgano Hammond "burbujeante", un estilo percusivo de tocar que
atrajo mayor atención hacia la subdivisión en ocho octavas dentro del
groove. Los "skanks" de la guitarra en la segunda y cuarta nota del
compás eran frecuentemente "doblados" en estudio utilizando efectos
electrónicos de eco, complementando de ese modo la sensación de dobletiempo
del órgano. En general se daba mayor énfasis al groove de la
música. La creciente tendencia en la época de grabar una "versión" en la
cara B del single produjo, además, innumerables instrumentales lideradas
por vientos o el órgano.
Entre los principales grupos de skinhead reggae se incluyen
John Holt, Toots & the Maytals, Te Pioneers y Symarip. Eran
frecuentes las versiones de temas de soul de sellos como Motown, Stax y
Atlantic Records, refejando la popularidad de la música soul entre los
skinheads y los mods.
Roots reggae: Es un tipo de música espiritual cuyas letras se
dedican predominantemente a enaltecer a Jah (Dios). Entre los temas
más recurrentes se encuentran la pobreza y la resistencia al gobierno y a
159

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
la opresión racial. Muchas de las canciones de Bob Marley y de Peter
Tosh pueden considerarse roots reggae. La cima creativa del roots reggae
se dio hacia fnales de los años 1970 con cantantes como Burning Spear,
Gregory Isaacs, Freddie McGregor, Johnny Clarke, Horace Andy,
Ijahman Levi, Barrington Levy, Big Youth y Linval Tompson, y bandas
como Culture, Israel Vibration, Te Meditations y Misty in Roots,
mano a mano con productores como Lee 'Scratch' Perry y Coxsone
Dodd. Musicalmente, en la canción "Roots, Rock, Reggae" Marley
concibió un nuevo estilo de música "of beat" con un compás de seis
beats, donde el skank de la guitarra tiene lugar en el cuarto y sexto beat.
Aunque totalmente separado de los ritmos del ska, rocksteady, reggae,
skank, fyers, rockers y otros estilos, este ritmo único está tan asociado a
Marley que muy pocos otros lo adoptaron.
Dub: El dub es un género de reggae desarrollado en sus
primeros tiempos por productores de estudio como King Tubby o Lee
Perry. Se caracteriza por basarse en la remezcla (remix) de material
previamente grabado, y por dar un particular énfasis a la batería y la línea
de bajo. Las técnicas utilizadas provocaban en el oyente sensaciones
viscerales, descritas por Tubby como "un volcán en tu cabeza". Augustus
Pablo y Mikey Dread fueron otros importantes proponentes de este
estilo.
Rockers: El estilo rockers fue creado hacia mediados de los
años 70 por Sly & Robbie. El rockers es descrito como un estilo fuido,
mecánico y agresivo de tocar reggae. Un artículo describe el rockers
como la "edad dorada del reggae".
Lovers rock: El subgénero del lovers rock subgenre se originó
en el sur de Londres a mediados de los años 1970. Las letras tratan
normalmente sobre amor. Es similar al rhythm and blues. Algunos
artistas signifcativos de lovers rock incluyen Gregory Isaacs, Freddy
McGregor, Dennis Brown, Maxi Priest y Beres Hammond. Bob Marley
en su disco Kaya, hizo un prototipo de lovers rock con sus baladas
románticas reggae entre ellas "Waitin in Vain".
Derivados
Rap y Hip hop: El Rap es un estilo de cantar o hablar sobre un
disco instrumental que fue utilizado por primera vez en Jamaica en
1960, donde se le conocía como Toasting, por deejays como U-Roy y
Dennis Alcapone. Este estilo infuyó poderosamente sobre el DJ
jamaiquino Kool Herc, quien utilizó este estilo en Nueva York, pero
usando las partes instrumentales de discos de funk, a mediados de los
años 1970, sentando el precedente directo del hip hop y el rap. El sonido
160

LA MÚSICA AFROAMERICANA
de bajo y bombo saturado en la música dub también infuyeron sobre el
sonido de buena parte del hip hop.
Dancehall: El dancehall, primero conocido como rub-a-dub,
fue desarrollado alrededor de 1980, por artistas como Yellowman, Super
Cat y Shabba Ranks. El estilo se caracterizó por cantar como los deejay y
rapear o hacer toasting sobre rhythms crudos y rápidos. Ragga (también
conocido como raggamufn) y reggae fusión son subgéneros del
dancehall donde actualmente la instrumentación principalmente es
llevada a cabo mediante música electrónica y sampling (el primer ritmo
100 % digital fue "Under My Sleng Teng", de la mano del productor
Prince Jammys y el cantante Wayne Smith por el año 1984 y que en su
primera aparición hizo ganar al sound de Jammy's en un clash contra
Black Scorpio). Entre los pioneros del ragga están Shinehead y Buju
Banton.
Reggae fusión: El reggae fusion es una mezcla de reggae o
dancehall con elementos de otros géneros, como hip-hop, R&B, jazz,
rock, drum and bass, punk o polka.
Reggae latinoamericano
Los principales intérpretes y grupos de reggae en Latinoamérica
son:
Chile: Gondwana y su ex-líder Quique Neira, Zona Ganjah (grupo
chileno-argentino).
Argentina: Los Cafres, Los Pericos, Dread Mar-I, Nonpalidece.
Brasil: Os Paralamas do Sucesso, Cidade Negra, Natiruts.
Colombia: De Bruces A Mí, Alerta Kamarada y Lion Reggae.
Otros países: Cultura Profética de Puerto Rico; Tierra Sur, Semillas y
Laguna Pai de Perú; Pipa para Tabaco, La Siega Roots y Cultura Nativa
de Paraguay; Matamba de Bolivia; Desorden Público, Mulato y
Aguamala de Venezuela; y Sudakaya de Ecuador.
Reggaeton: El reguetón es un género musical bailable que tiene
sus raíces en la música de América Latina y el Caribe. Su sonido se deriva
del reggae jamaicano,[cita requerida] infuenciado por el hip hop. Se
desarrolló por primera vez en Panamá en los años 1970 y principios de
los años 1990 en Puerto Rico, nace y surge a raíz de la comunidad
jamaicana cuyos ancestros llegaron a Panamá, junto a inmigrantes de
ascendencia afro-antillana durante el siglo XX.
161

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
4.8. ROCKSTEADY
El Rocksteady es un género musical que se originó en Jamaica
hacia 1966. Sucesor del ska, y precursor directo del reggae, el rocksteady
solía ser tocado por grupos vocales jamaiquinos como Te Gaylads, Te
Maytals y Te Paragons. El término rocksteady viene de una forma de
baile que es mencionada en la canción de Alton Ellis "Rock Steady". Los
movimientos de baile ejecutados al bailar rocksteady eran menos
enérgicos que los del primer ska. El primer hit internacional de
rocksteady fue "Hold Me Tight" (número 5 en el Reino Unido y
Estados Unidos) del cantante de soul estadounidense Johnny Nash
(1968).
Características
El rocksteady ocupa varios elementos musicales típicos del
rhythm and blues y del ska. Uno de esos elementos son los ritmos ofbeat:
dos o tres acordes mayores tocados a la guitarra que crean un sonido
claro, vibrante y típicamente alto. El rocksteady es más lento y relajado
que el ska. La caja en la batería juega un rol esencial en el mantenimiento
del tempo, y se caracteriza por un poderoso golpe en el tercer tiempo de
cada compás ('one drop'). El bajo es pesado y más prominente que en el
ska, y las líneas de bajo reemplazaron el estilo "caminante" ('walking
style') del ska por fguras más rotas y sincopadas. En el rocksteady se
reducía (pero no eliminaba) el uso de vientos. A cambio, la guitarra
eléctrica, el bajo y el piano se hicieron más destacados. La guitarra
eléctrica toca la principal melodía, generalmente imitando la línea de
bajo, en el estilo característico de Lynn Taitt. El bajo eléctrico es el
principal instrumento rítmico, ayudando a crear un sonido más
percusivo.
Historia
El rocksteady surgió durante una época en al cual la juventud
jamaicana empezaba a sobrepoblar los llamados ghettos de la ciudad de
Kingston - en barriadas como Riverton City, Greenwich Town y
Trenchtown.
Pese al optimismo que contagiaba el ambiente posterior a la
independencia de la isla, la juventud no pudo compartir este
sentimiento. Muchos de ellos se volvieron delincuentes que demostraban
alguna identidad y estilo en ello. A estos jóvenes se les llamó Rude Boys.
162

LA MÚSICA AFROAMERICANA
Los Rude Boys
El fenómeno de los rude boys fue contemporáneo del periodo
ska, pero cobró fuerza durante la era del rocksteady en canciones como
Rude Boy By Gone A Jail (el rude boy que fue a la cárcel) de los
Clarendonians; No Good Rudie (rudie nada bueno) de Justin Hinds &
the Dominoes y Don't Be Rudie (no seas un rudie) de Te Rulers.
Aunque se sostiene que el creador del Rocksteady fue Alton Ellis con su
éxito Girl I've Got a Date (nena, tengo una cita), existen otros
candidatos a tal título, incluido Take it Easy (tómalo con calma), autoría
de Hopeton Lewis; Tougher Tan Tough (más reci que recio) de
Derrick Morgan y Hold Tem (literalmente 'sostenlos') de Roy Shirley.
El productor musical Duke Reid dio a conocer el single Girl
I've Got a Date de Alton Ellis en su frma discográfca Treasue Isle, así
como discos de Te Techniques, Te Silvertones, Te Jamaicans y Te
Paragons. El trabajo de Reid junto con estos grupos sirvió para establecer
el estilo vocal del Rocksteady. Los artistas solistas más sobresalientes
incluyen los nombres de Delroy Wilson, Bob Andy, Ken Boothe,
Desmond Dekker, Derrick Harriott y Phyllis Dillon (conocida también
como la Reyna del Rocksteady).
Temáticas
Las letras de Rocksteady van desde temas románticos hasta
temáticas de los rude boys - o eran simplemente tonalidades bailables. En
ocasiones, los vocalistas Rocksteady hacían covers de canciones que
habían sido éxitos en Estados Unidos. Los músicos cruciales en la
creación de la música incluían al guitarrista Lynn Taitt, al tecladista
Jackie Mittoo, al baterista Winston Greenan, el bajista Jackie Jackson el
saxonofsta Tommy McCook.
Decadencia
Hubo varios factores que infuyeron en la evolución del
Rocksteady al Reggae a fnales de los años 60. La migración de los
músicos y productores Jackie Mittoo y Lynn Taitt - y el proceso de
modernización tecnológica de los estudios jamaicanos - tuvo un efecto
marcado en el sonido y el estilo de las grabaciones. Los patrones de bajo
se volvieron más complejos y los arreglos incrementaron su dominio, y el
piano tuvo que dar lugar al órgano eléctrico. Otros desarrollos incluyen
instrumentos de viento velados como fondo; una guitarra más 'rascada' y
percusiva; y un estilo más preciso e intrincado del uso de la batería.
Para inicios de los años 70, conforme el movimiento Rastafari
ganaba popularidad, las canciones se enfocaron menos en los temas
163

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
románticos y más en la conciencia racial, la política y la protesta. Pese al
hecho de que el Rocksteady fue una fase transitoria muy corta dentro de
la música popular jamaicana, tuvo un rango de infuencia para los estilos
Reggae y Dancehall que le sucedieron. Muchas líneas de bajo siguen
siendo utilizadas en la música jamaicana contemporánea.
4.9. SKA
Ska es un género musical originado a fnales de la década de
1950 y popularizado durante la primera mitad de los años 1960, que
deriva principalmente de la fusión de la música afroamericana de la
época, con ritmos populares propiamente jamaiquinos, siendo el
precursor directo del rocksteady y más tarde del reggae. Al ser un género
particularmente apto para fusiones ha sido incorporado, a través de
distintas variantes, a los más diversos lenguajes musicales.
Estuvo fuertemente asociado a los Rude Boy y a la
independencia de Jamaica del Reino Unido, aunque se hizo popular en
todo el mundo desde muy poco tiempo después de su nacimiento.
Historia
El ska nació en Kingston, la capital de Jamaica, a principios de
los 50, en un momento en que la población empezaba a afuir del medio
rural al urbano. En las ciudades los habitantes se congregaban en plazas
donde las “sound systems” pinchaban las últimas novedades
estadounidenses de jazz, soul y, sobre todo, “rhythm & blues”. En un
principio se trataba de furgonetas con un ruidoso y primitivo equipo de
sonido. Las dos principales fueron Trojan de Duke Reid y Sir Coxsone
Downbeat, de Clement «Coxsone» Dodd, a los que más tarde se les
uniría Cecil Bustamante, conocido como Prince Buster. Las “sound
systems” no tenían otro remedio que pinchar música de Estados Unidos,
puesto que la industria musical jamaiquina era inexistente. Salvando
algunas cintas de mento de Stanley Motta, hasta 1954 no apareció el
primer sello musical, Federal, que, además, está orientado hacia la
música estadounidense. Sus propietarios se desplazaban a Miami o
Nueva Orleans en busca de material nuevo con el que satisfacer la gran
demanda musical que había en la isla. Para gozar de exclusividad sobre
las grabaciones y mantener la exclusividad sobre la clientela, se recurría a
trucos como quitar la etiqueta de los discos para que no fueran
identifcables, o enviar matones (Dance Crashers) a los “sound systems”
de la competencia para boicotearlos.
164

LA MÚSICA AFROAMERICANA
El catalizador que inició la carrera musical jamaicana fue el
futuro primer ministro Edward Seaga, que en 1958 fundó West Indian
Records Limited, produciendo música de artistas locales, reinterpretando
ritmos estadounidenses. Ese mismo año, Chris Blackwell produjo una
grabación del aún desconocido Laurel Aitken. Un año después, Duke
Reid y Clement Coxsone, viendo la posibilidad de tener grabaciones
exclusivas para sus “sound systems”, fundaron sus propios sellos,
Treasure Isle y Studio One, respectivamente. A fnales de la década los
músicos de Kingston comenzaron a experimentar con la fusión de jazz y
“rhythm & blues” estadounidenses con ritmos autóctonos del Caribe,
como el mento y el calypso, adaptándolo al gusto de la isla según las
tendencias que se imponían en las Sound Systems.
Olas del Ska
Primera Ola (Ska Tradicional)
En los estudios Federal se registró el tema Easy Snappin, de
Teophilus Beckford, producido por Clement Dodd, con Cluet Johnson
al contrabajo y el saxofonista Roland Alphonso, posterior miembro
fundador de Skatalites, banda de estudio del sello Studio One. Este tema
se podría califcar como la primera grabación de música jamaiquina
moderna.
En 1961 Prince Buster terminó de defnirlo durante las
primeras grabaciones para su sello Wild Bells. La sesión estaba fnanciada
por Duke Reid, que debía quedarse con la mitad de los temas a
distribuir. Finalmente solo recibió uno, del trombonista Rico Rodríguez.
Entre los temas grabados estaban “Tey Got To Go”, “Oh Carolina” y
“Shake a Leg”. Según el historiador del reggae Steve Barrow, durante
aquellas sesiones, Prince Buster pidió al guitarrista Jah Jerry que
“cambiara la marcha” (“change the gear, man, change the gear”). El
guitarrista empezó a enfatizar el segundo y cuarto pulso, dando origen al
nuevo sonido. La percusión se obtuvo de los estilos tradicionales
jamaicanos y de marchas. Lo que hizo Prince Buster fue invertir los
“shufes” de “rhythm & blues”, acentuando los “ofbeats” con la ayuda
de la guitarra y un ritmo de batería 4/4, acentuando el segundo y cuarto
pulsos. A partir de 1970 destacó otro éxito del ska de Desmond Dekker
“Israelites”, que sirvió para popularizar el ska en Inglaterra primero y
después en Europa.
Los orígenes del nombre ska son difusos, y las hipótesis que se
barajan son inciertas. Los integrantes de la banda Skatalites afrman que
ese nombre se tomó del saludo del bajista Cluet Johnson, quien usaba
165

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
como expresión al ver a sus amigos “Love Skavoovie”, a imitación de los
hipsters estadounidenses. El guitarrista Ernest Ranglin defendía que era
la forma que usaban, tanto él como otros músicos, para describir el
sonido que hacía la guitarra, con un “ska! ska! ska!”. Es probable que
fuera una mezcla de ambas, ya que el mismo Cluet Johnson usaba ska
como una forma onomatopéyica de explicar el sonido de esta música.
En el Ska ya está plenamente asentado como la música por
excelencia de Jamaica, y suenan temas ad hoc con motivo de la
independencia de la isla del Reino Unido, como Sound of Freedom de
Skatalites o Forward March de Derrick Morgan. En 1964, aprovechando
la Feria Mundial de Nueva York se presenta este estilo en sociedad ante
el mundo, siendo los elegidos para ello Byron Lee & Te Dragonaires,
con la ayuda de Prince Buster y Peter Tosh. En ese mismo año,
alcanzaba el número 1 en las listas británicas y el número 2 en las lista
norteamericanas de popularidad de Billboarduna versión del éxito de
1957 de Barbie Gaye, My Boy Lollipop, interpretada por Millie Small,
con Ernest Ranglin encargado de los arreglos de guitarra, y Rod Stewart,
conocido entonces como Rod the Mod, tocando la armónica que fue
prácticamente un éxito mundial.
Durante el resto de la década de 1960, se implanta en Europa
rápidamente, gracias a la popularidad de la que gozó en el Reino Unido,
país al que se trasladaron un gran número de estrellas jamaicanas como
Laurel Aitken, Derrick Morgan o Alton Ellis para proseguir allí sus
carreras, pues este estilo contaba con una gran aceptación entre la
numerosa colonia antillana que había inmigrado a la metrópolis, donde
abundaban los Rude Boys, y entre la juventud británica, principalmente
entre los mods. Después, en la segunda mitad de la década, a medida que
el soul americano se hace más pausado y suave, el ska evoluciona
paralelamente en rocksteady.
Sin embargo, los tímidos intentos de copiar esa música por
parte de músicos europeos, dieron unos resultados de no mucha calidad,
como las aproximaciones de Georgie Fame. Los intentos en castellano,
fueron por lo general mediocres aproximaciones al ritmo original, como
atestigua el tema de 1966 Operación Sol de Los 4 de la Torre, o La
canción del trabajo del mismo año de Raphael, que no respetaban
demasiado el estilo original, y llegaban cuando el ska ya había dejado
paso al rocksteady, un ritmo de baile más relajado y que permitía unas
armonías vocales más elaboradas. Fue en 1968 con Ob-La-Di Ob-La Da,
166

LA MÚSICA AFROAMERICANA
un experimento ska de Te Beatles cuando el género empezó a tomar
popularidad.
Latinoamérica
También a mediados de los años 60's en Latinoamérica, Toño
Quirazco, Mayte Gaos, Los Yorsy's, Los Socios del Ritmo (México) Las
Cuatro Monedas y Los Diony en Venezuela, Ronnie Montalbán en
Argentina, entre otros artistas, versionaron temas clásicos del ska en
castellano que han sido valorizados por muchos seguidores del sonido
jamaiquino de esta parte del mundo. Las Cuatro Monedas de la mano
del productor y músico Hugo Blanco, realizaron arreglos de temas como
Shanty Town, (llamado Buena Suerte), Soul Time, (Ritmo del Alma)
I've been hurt, (Me siento herido) Hold Me Tight, (Caminando por la
calle) y Los Dionys que hicieron el clásico Jamaica Ska que también fue
interpretado tanto por Toño Quirazco como Montalbán, lo que
constituye el génesis del sonido jamaiquino en dichos países antes del
éxito que tuviese el Ska 2 Tone (blue beat británico) gracias a la
amalgama entre el punk, new wave y el ska clásico que es cuando
realmente el Ska logra masifcarse en el resto del mundo gracias a esta
última infuencia.
Segunda Ola (Two Tone)
La segunda ola se dio por la infuencia de Jamaica en el Reino
Unido con el British Pop (Rock Inglés) , el ska jamaicano y el blue beat.
El Two Tone tiene hasta la fecha infuencia en la mayoría de bandas
nuevas que tocan ska. Se dio de 1978 a 1983 aproximadamente porque
del 2 tone fue un periodo muy corto, el auge fue en 1979 y 1980, y poco
a poco fue terminando, sin embargo otras bandas en otros países,
principalmente Estados Unidos, Alemania y España lo siguieron pero ya
era considerado 3ra ola.
Aparece el punk en Inglaterra, obviamente con un poco de
tendencia del two tone. Un par de años se mezclarían ska y punk para
darle paso al Oi, es diferente al ska punk porque las letras son más de
critica social y el ska punk solo el ritmo de la música.
Entre fnales de los 70 y principios de los 80, en plena era New
Wave inglesa, el sello Two Tone —entre otros— dio a conocer a algunos
de los grupos más famosos internacionalmente. Tales fueron Madness y
Te Specials —cuyo teclista Jerry Dammers fundaría el sello Two Tone
—, Te Selecter o Bad Manners. Otros exponentes de la época, con
167

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
diferentes estilos, fueron Te Bodysnatchers, Rhoda Dakar, Te Beat
(llamada Te English Beat en Estados Unidos) y Fàshiön Music (que
luego cambiaría de cantante y guitarrista y cambiaría al género New
Romantic, transformándose en Fashion).
Tercera Ola (third Wave)
Mientras que por una parte hay bandas que continúan el estilo
2 Tone, como Te Busters, Mr Review, Scofaws, Te Pietasters, Te
Toasters o Pama International otras recuperan el ska clásico, llamado a
veces revival, que se distancia completamente de la Segunda Ola y se
acerca más a los sonidos originales, como Te Slackers junto a Chris
Murray, Westbound Train, Hepcat, Inspecter 7, Moon Stomper e
Israelites.
Es importante resaltar que en esta ola es cuando se genera la
incursión "masiva" del género musical a Latinoamérica, incursión que
daría como resultado la mezcla de los acordes e instrumentación de cada
país; dicho de otra forma, cada país pasaría a desarrollar su propia forma
de ska usando sus instrumentos locales y tradición propios, siendo este
un fenómeno bastante curioso puesto que en si el Ska asimilo muchas de
las culturas latinoamericanas con total facilidad mismas que generaron y
aun generan propuestas bastante novedosas además de que en muchos
casos las canciones si bien tienen su actitud pueden hablar casi de
cualquier tema sin suponer una pérdida de identidad y estilo si no
consolidándose como una propuesta sólida en el ámbito musical y en la
subcultura correspondiente.
Entre estas propuestas se encuentran: Los Fabulosos Cadillacs,
Te Refrescos, Los Intocables, Os Paralamas do Sucesso, La Matatena,
grupo pionero del Ska en México,Panteón Rococó, Ska-p, La Tremenda
Korte, Salon Victoria, Los Auténticos Decadentes, La Mosca Tse Tse,
Potato, Skalariak, SeverOreveS, Dr. Calypso, Banda Bassotti, deSKAraos
SKA BAND, La Gran Orquesta Republicana, Maldita Vecindad y los
Hijos del Quinto Patio, Inspector , Desorden Público, JAS y X Dinero.
Algunos programas de televisión usaron temas Ska como apertura y
cierre de los mismos, un ejemplo de esto es la serie animada KaBlam! de
Nickelodeon quienes usaron mucho material de Te Toasters o como el
programa venezolano "La Hojilla" que tiene como cortina musical la
canción "Latinoamérica" de Sin sospechas.
168

LA MÚSICA AFROAMERICANA
El concepto de "Rude Boys"
Antes del Inicio del ska, a mediados de los 50 en Jamaica, ya
existía una tribu urbana, los rude boy. Eran jóvenes de la clase obrera, a
los que les gustaba imitar el estilo ganster de la época, con pantalones
negros, cafés o grises, playera blanca, tirantes y sombrero, la vestimenta
no era tan estilizada como ahora se conoce. Disfrutaban de bailar en el
dancehall con los Djs que viajaban con sus camionetas troyanas. El
orgullo Rude Boy era pertenecer a la clase trabajadora y su lucha era en
contra de la burguesía de la corona inglesa, para 1958 ya aparecería el
Ska y el inicio de lucha de independencia de la Isla. Por eso ahora se
comenta que los rude boy cargaban con armas, algo lógico en una lucha
de independencia. Los rude boy de la primera generación así se
mantuvieron, con la evolución del ska en rocksteady hasta su migración
y el nuevo ritmo entre Jamaica e Inglaterra: El skinhead reggae; aquí se
da la primera fusión entre jamaiquinos e ingleses, visten botas Dr.
Martens, pantalones arremangados, cabeza rapada y tirantes, o camisa a
cuadros, chaleco de lana, bomber, la primera generación de skinhead,
blancos y negros unidos, la infuencia fueron los rude boy y los mod para
crear esta nueva tendencia, también copian la conducta violenta, dance
hall crashers. Su conducta fue reprimida por la policía, desapareciendo y
quedando algunos feles como los suedeheads o los Smoothies.
Para mediados de los 70's, se iniciaría una segunda generación
de ska, con músicos que tocaban ska revival y reggae. Le mezclaron el
ritmo del característico y afamado rock inglés. Y nace el 2 Tone. Es una
generación con más ideología, retoman el orgullo Rude Boy como
imagen de su nueva propuesta, La igualdad, representándola con el anti
racismo y como bandera cuadros negros y blancos, expresando la unión,
el respeto. Actualmente, muchas de estas costumbres ya se perdieron
entre los nuevos rude boy. La forma de vestirse de esta 2ª generación, es
más estilizada, al estilo mod, trajes sastre con los pantalones más cortos,
que permitan ver el contraste entre zapatos negros, medias blancas y
pantalones negros; también se usaba camisa blanca, corbata, tirantes,
gafas obscuras. Se modifca la forma de bailar con pasos muy marcados.
El 2 Tone y el ska casi aparecen a la par, el street punk, punk
callejero, el más genuino se puso el nombre de Oi!, y a los jóvenes
ingleses que les gusto, muchos siendo hooligan, tomaron la idea de ser
skinheads, una parte era de izquierda y anarquista y la otra de la extrema
derecha nacionalista. Para los 80's se crearía un grupo de skinheads para
ir en contra de los llamados 'Skinheads neonazis' (Boneheads - Cabezas
169

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Huecas). Los S.H.A.R.P. Skinheads Against Racial Prejudice (Cabezas
Rapadas en Contra de los Prejuicios Raciales).
Su música es el Oi!, Punk, Ska Tradicional, Skinhead reggae y
Ska-Oi!. Todo esto ya en la tercera ola del ska. Para principios de los 90's
surge otro grupo de skin head, más radical pero con mayor apertura a los
círculos sociales.Los R.A.S.H. Red & Anarchist Skin Heads (Rojos y
Anarquistas Cabezas Rapadas). Crearon varias Secciones alrededor del
mundo, su posición es más anti capitalista, antifascista y multiracial,
antihomofóbica, acepta en sus líneas a punk, skankers, rudes, o toda
aquella gente que quiera participar en movilización activa.
4.10. SOUL
El soul es un género musical originario de Estados Unidos que
combina elementos del góspel, del doo-wop y del rhythm and blues. De
acuerdo con el Rock and Roll Hall of Fame, el Soul es un tipo de
«música que surgió de la experiencia de la comunidad afrodescendiente
en América a través de la transmutación del góspel y del rhythm & blues
en una forma de declaración funky y secular». Los ritmos pegadizos,
acentuados por palmas y movimientos corporales espontáneos, son un
importante elemento del soul. Otras características son la llamada y
respuesta entre el solista y el coro, y un sonido vocal particularmente
tenso. El género utiliza también, ocasionalmente, añadidos improvisados,
giros y sonidos auxiliares.
Historia-Comienzos (fnales de los años 1950 a 1967)
Tras la Segunda Guerra Mundial, llegó un periodo de
posguerra lleno de pobreza, y en especial para las capas más bajas de la
sociedad, donde estaba la población negra. Aparece el fenómeno de las
migraciones de la población hacia el norte y el oeste por la inmensa
presión que aguantaban de la población blanca. El soul comienza a ser
aceptado por parte de la población blanca. Actores negros como Sidney
Poitier y Harry Belafonte se convierten en estrellas, y Dorothy
Dandridge es nominada al Oscar. Con la aparición del disco la música
obtiene un mayor desarrollo y expansión. Desaparece la etiqueta de
"Race Music" (música racial).
Sam Cooke, Ray Charles y James Brown son considerados
comúnmente y a grandes rasgos los pioneros del género. Algunas de las
grabaciones de Solomon Burke a fnales de los años 1950 y principios de
170

LA MÚSICA AFROAMERICANA
los años 1960 en Atlantic como "Cry to Me", "Just Out of Reach" y
"Down in the Valley", codifcaron el estilo y le dieron algunas de sus
bases. Es muy frecuente encontrar citas que proclaman el góspel
secularizado de "I Got A Woman"(1954, Atlantic Records) de Ray
Charles como el primer tema soul de la historia.
Esta pieza también era ejecutada por el Blues, el cual provenía
de los barrios bajos y obreros de Estados Unidos. Tanto el soul como el
blues lograron combinarse a la perfección a lo largo de la historia. Siendo
casos a lo largo de las décadas como los de Etta James, Janis Joplin,
Glenn Hughes.
En Memphis, la compañía discográfca Stax comenzó a grabar a
artistas como Otis Redding, Wilson Pickett y Don Covay. En 1965 Joe
Tex grabó "Te Love You Save" que dio un nuevo giro emotivo al estilo.
Otro gran centro de grabación y creación del soul fue la ciudad de
Florence (Alabama), donde estaban los Fame Studios; donde trabajó a
principios de los años 1960 gente como Percy Sledge, Arthur Alexander
y Jimmy Hughes; y donde más tarde lo haría también Aretha Franklin.
En estos estudios obtuvo gran fama la banda de grabación denominada
Muscle Shoals, que mantenía también una estrecha relación con Stax.
Otra importante discográfca que trabajó en Memphis fue
Goldwax Records, propiedad de Quinton Claunch. En esta etiqueta
estaban James Carr y O.V. Wright.
Revolución soul (1967/1970)
Es un tiempo de lucha por los derechos civiles, marcado por
líderes como Martin Luther King, en el que estaba foreciente la
conciencia racial y a la orden del día los motines callejeros. En este
tiempo es cuando la música soul adquiere un valor de símbolo dentro del
contexto social. Se descubre el R&B en Europa, lo que hace posible la
aparición de fenómenos de fans como Te Beatles o Te Rolling Stones.
En 1967 llegó la revolución del soul, acrecentada por la
reivindicación de los derechos raciales y la aparición del álbum de Aretha
Franklin "I never loved a man the way I love you", y singles de tal
impacto como "Respect". Estos momentos son considerados como los de
máximo apogeo del soul. Durante este tiempo artistas de Stax como
Eddie Floyd y Johnnie Taylor hicieron grandes contribuciones. Por estos
momentos el fenómeno Motown estaba en lo más alto con artistas como
Te Supremes, Gladys Knight & Te Pips, Te Temptations, Stevie
Wonder o Marvin Gaye. Atlantic seguía manteniendo en lo más alto a
artistas como Ray Charles. En 1968 artistas como James Brown y Sly &
171

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Te Family Stone empiezan a dar un nuevo sentido al soul; debido a la
muerte de Marthin Luther King en abril de ese año, y la pérdida de
aquellos ideales de revolución soul. Los mencionados y otros más como
Te Meters contribuyen en añadirle la dureza y mayor agresividad
rítmica y sonora acorde a los tiempos que se vivían entonces, dando paso
al funk.
Revolución disco (años 1970)
La industria del disco había crecido a pasos agigantados, y con
ella la industria del espectáculo. Aparece una nueva burguesía negra en
Estados Unidos. Hay un fenómeno entre la población negra en el que es
común convertirse al islam, el cual también tiene consecuencias políticas,
como los Black Muslims. Con la primera crisis del petróleo había una
especie de necesidad de diversión, motivo por el cual se puede explicar el
éxito a ultranza de la música disco.
Con la llegada de la década de 1970 el soul comienza a decaer y
a renovarse, surgiendo nuevos estilos derivados. Cada vez empezaba a
quedar menos de la esencia góspel, que sólo conservaban puramente
artistas como Te Staple Singers. Uno de los fenómenos musicales fue Al
Green, que incluso con uno de sus temas creó un subgénero
denominado quiet storm. Por este tiempo surgió también el retro soul, el
soul sinfónico (Barry White) y el soul psicodélico (los Temptations desde
"Psychedelic Shack" de 1967, Fifth Dimension, Stark Reality), a la par
que de aquí derivaban estilos como el disco con artistas como Gloria
Gaynor , Donna Summer e Isaac Hayes. Hi Récords continuó la
tradición de Stax con cantantes como Ann Peebles, Otis Clay o Syl
Johnson. Dos de las representantes máximas de este tiempo, con un
arrullador sonido suave y nuevo fueron Roberta Flack y Minnie
Riperton. Bobby Womack y Curtis Mayfeld fueron dos de los máximos
exponentes del chicago soul y el blaxplotation, con evidente toque funky.
Motown hacía crecer las carreras de Marvin Gaye y las carreras en
solitario de Diana Ross, Michael Jackson y Smokey Robinson. En estos
tiempos la música disco tenía una mayor incursión en el género. De este
acercamiento comercial hubo artistas como Parliament, Earth, Wind &
Fire y otros, que se acercaban al funk, al rock y a la música disco como
MFSB. A fnales de la década casi toda la música soul estaba invadida
por la música disco, con grupos como Te Spinners, Tramps y Te
O'Jays.
172

LA MÚSICA AFROAMERICANA
Nuevas tendencias (1980/1990)
Se dice que con el asesinato de Marvin Gaye en 1984 fnaliza
una era. Por ese tiempo la música negra era altamente popular, y se
convierte en sello de calidad haciendo triunfar a artistas como Michael
Jackson y Whitney Houston.
Con la llegada de los años 1980 la música disco empezó a
decaer, y el soul resurgió en forma de retro soul y quiet storm antes de
que sufriera otra metamorfosis. A mediados de la década se transformó
en urban por la infuencia del disco y el hip hop . En este tiempo
triunfaron artistas como Michael Jackson, Chaka Khan, Sade, Shalamar
que tenían un estilo que combinaba el soul o funk con la música disco
europea de los años 1980, pero surgieron dentro del urban otros que
daban un nuevo sonido al soul, como Whitney Houston, Babyface, New
Edition, Midnight Starr, Janet Jackson... Pero también las viejas glorias
del soul como Stevie Wonder, Aretha Franklin o Patti Labelle se
adaptaban a las nuevas formas del género, teniendo gran éxito. Cabe
mencionar que en los años 1980 se formó en Europa Simply Red, grupo
británico de mucho éxito.
En la década de 1990 el urban derivó en el R&B
contemporáneo, que a fnales de la década tomaría un giro hacia sus
raíces dando lugar al hip hop soul (cuya inicial transición fue el New
Jack Swing del ex New Edition Bobby Brown, Bell Biv Devoe, Jodeci y
Joe Public), y más actualmente al neo soul, con un sonido mucho más
puro; siendo representado por artistas como la pionera Mary J. Blige,
Amy Winehouse, Estelle, Adele, Mariah Carey, Seal, TLC, Lauryn Hill,
Erykah Badu, India Arie, Joss Stone, Jill Scott, Leela James, D'Angelo,
Macy Gray, Alicia Keys, James Morrison, Dufy, Jennifer Hudson,
Florence and the Machine, Paloma Faith y Marc Broussard.
4.10.1. NEO SOUL
El neo soul es un estilo musical análogo al R&B
contemporáneo en el que sus artistas tienen devoción por el soul clásico,
sobre todo por la letra y el mensaje que remite el soul de los años 1970
por artistas como Marvin Gaye, Stevie Wonder y Curtis Mayfeld, pero
también añadiendo formas interpretativas y sonidos de la década de los
los 60 y artistas de la talla de Aretha Franklin, Otis Redding, James
Brown, Wilson Pickett, etc. El jazz prevalece ante las corrientes actuales
en las que el hip hop permea la música afroamericana, lo que permite
que este género también tenga su infuencia dentro del neo soul.
173

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Se suele tener como creadores del género a la banda Tony!
Toni! Toné!, liderada por Raphael Saadiq, a mediados de los 90; pero el
término "neo soul" no comenzó a sonar hasta que llegó el álbum debut
de Joi Pendulum Vibe, que rescataba las sintonías del soul de los 70. En
1995, D'Angelo editó Brown Sugar en donde volvía al soul más clásico
infuido por Stevie Wonder y Donny Hathaway. Ese mismo año
aparecía en escena el dúo Groove Teory, compuesto por la cantante
Amel Larrieux y el rapero y productor Bryce Wilson. En 1997 Erykah
Badu editó su debut Baduizm, el cual contó con un notable
reconocimiento, y dio un nuevo sentido a Motown. Pero el primer gran
éxito neo soul no llegó hasta que Lauryn Hill debutara en solitario con el
disco Te Miseducation of Lauryn Hill, con el cual llegó a ganar cinco
Grammys.
Después de que Lauryn Hill desapareciera de los escenarios,
otros artistas alcanzaron nuevos éxitos entre los que destacan Macy Gray,
Angie Stone, Musiq Soulchild e India Arie. Pero en 2001 llegó Alicia
Keys y con debut Songs in A Minor, con el cual triunfó en los Grammy
y se llevó las mejores críticas. En ese mismo año, otros artistas tuvieron
éxitos menores que sonaron con gran fuerza en las emisoras de R&B
como Lucy Pearl, Floetry, Glenn Lewis, Res, Truth Hurts y Bilal. Quizá
Maxwell sea el menos reconocido, sin embargo ha sido aclamado por
todos los tipos de críticos musicales.
Desde el Reino Unido vino otra camada del neo-soul, liderada
por una joven cantante, Joss Stone, que con su disco de 2003 Te Soul
Sessions hizo tributo a grandes leyendas de las décadas de los 60 y 70,
pavimentando así, con tan solo 16 años recién cumplidos, el camino a la
aparición de artistas como Corinne Bailey Rae, Amy Winehouse, Estelle,
Dufy o Adele. Luego en 2007, el neo soul inglés tuvo su consolidación
con la llegada del disco Back To Black de la cantante Amy Winehouse,
cuyo álbum pronto se colocó a la cima de las carteleras y su sencillo
Rehab hasta el momento ha vendido más de diez millones de copias en el
mundo. Amy también triunfó en los Grammy de 2008 con cinco de sus
seis categorías, superando a grandes artistas como el rapero Kanye West y
llegando a convertirse en la primera británica en conseguir cinco
Grammys en una noche con un disco de neo soul.
Recientemente, han destacado una nueva ola de artistas neo
soul con claras infuencias R&B que han logrado un considerable
impacto en el mainstream mundial, entre los que destacan John Legend,
que está fuertemente infuenciado por Stevie Wonder y es posiblemente
el máximo exponente actual de esta nueva generación neo soul; Raheem
DeVaughn, que combina una variada mezcla de distintos géneros,
174

LA MÚSICA AFROAMERICANA
creando un estilo único; Chrisette Michele, que combina el neo soul con
el jazz, el hip hop y el soul más clásico; además de otros artistas de las
primeras generaciones del neo soul, y que siguen cosechando un gran
éxito, como es el caso de Joss Stone, Alicia Keys, Cee Lo Green,
Maxwell, Erykah Badu, Jill Scott, Anthony Hamilton, Leela James,
Frank Ocean y Estelle,.
4.10.2. HIP HOP SOUL
El hip hop soul es un subgénero del R&B contemporáneo. El
término generalmente describe un estilo de música que combina el R&B
y la producción de hip hop. El género es un punto medio entre el new
jack swing y el neo soul, siendo muy popular a mediados de los 1990.
Muchos de los artistas que han hecho grabaciones de hip hop
soul previamente lo han hecho de new jack swing (o new jill swing, para
las artistas femeninas), como por ejemplo Jodeci, SWV y TLC. La
diferencia principal entre los dos fue que el hip hop soul era más duro y
violento, y tenía menos infuencias del R&B que el new jack swing. Por
ejemplo, el hip hop soul usaba samples en vez de sintetizadores y
destacaban fuertemente los elementos del hip hop de la costa este de los
90 y el gangsta rap. Uno de los pioneros en el género es el rapero gangsta
Ice Cube con su canción It Was a Good Day, marcado con el particular
estilo del West Coast. Mientras que el new jack swing estaba más
infuenciado por el R&B, el hip hop soul lo estaba por el hip hop, y sus
principales artistas eran Montell Jordan (el primer artista de R&B en
frmar por el sello de hip hop Def Jam Records), Blackstreet (liderado
por Teddy Riley, el "inventor" del new jack swing), Groove Teory,
Mariah Carey y la "Reina del Hip Hop Soul" Mary J. Blige, entre otros.
El hip hop soul también está considerado más "maduro" que
otros estilos del R&B contemporáneo, y tiende a tener más éxito entre el
público más veterano. Los artistas del hip hop soul usan un lenguaje y
unos temas más adultos que otros subgéneros del R&B.
Actualmente, el hip hop soul tiene mucha popularidad debido a
jóvenes artistas que se han incorporado a este estilo. Algunos artistas son
Jaheim, Amerie y Anthony Hamilton.
En España destaca All Day Green que combina castellano e
inglés (dada su procedencia nortemericana). Este artista se relaciona con
artistas de hip hop español, tal es el caso de sus colaboraciones con DJ
Makey o con Juaninacka. También ha colaborado con Nach en el disco
de "Un Día en Suburbia", con Arma Blanca en su disco "Autodidactas"
y con SFDK en su disco "Los Veteranos".
175

5
JAZZ

JAZZ
5. JAZZ
El jazz (pron. /ʤæz/ en inglés, /ʝas/ en español) es un género
musical nacido a fnales del siglo XIX en Estados Unidos, que se
expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.
Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo
fenómeno del jazz, el crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt,
en su obra clásica El jazz: de Nueva Orleans al jazz rock, señala:
El jazz es una forma de arte musical que se originó en los
Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música
europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan
principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo
y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se
derivan de la música africana y del concepto musical de los
afroamericanos.
El mismo autor continúa describiendo tres elementos básicos
que distinguen el jazz de la música clásica europea:
-Una cualidad rítmica especial conocida como swing.
-El papel de la improvisación.
-Un sonido y un fraseo que refejan la personalidad de los músicos
ejecutantes.
A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple
música de baile popular a una forma de arte reconocida en todo el
mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las
actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times
se refería a ella como «el retorno de la música de los "salvajes"», mientras
que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al
jazz como un «destacado modelo de expresión» y como un "excepcional
tesoro nacional". Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido
la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la
historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra
de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista.
Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el jazz
se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el
reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha
dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.
La identidad musical del jazz es compleja y no puede ser
delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término
se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por
ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en realidad una
familia de géneros musicales que comparten características comunes,
179

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
pero no representan individualmente la complejidad de género como un
todo; en segundo lugar, sus diversas "funciones sociales" (el jazz puede
servir como música de fondo para reuniones o como música de baile,
pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y concentrada)
requieren un ángulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial
siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su
recepción por parte del público. Si bien el jazz es un producto de la
cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a infuencias de otras
tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por
músicos de diversas partes del mundo con un trasfondo muy diferente.
En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de músicos
comerciales, nota que los afcionados y la crítica han considerado
subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que
el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han
sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes.
Etimología
Aunque no parece existir un acuerdo defnitivo en cuanto al
origen y signifcado exactos del término jazz, algunos historiadores sitúan
su origen alrededor de 1912, e indican que procede de la jerga de los
periodistas deportivos de la Costa Oeste de los Estados Unidos, quienes
utilizaban el término en sus comentarios dedicados a la Pacifc Coast
League, una liga menor de baseball, para referirse a la energía y vitalidad
de los jugadores del San Francisco Seals. El ejemplo más antiguo de este
uso del término, encontrado por el bibliotecario de la Universidad de
Nueva York George A. Tompson, Jr. en 2003, apareció en Los Angeles
Times el 2 de abril de 1912, en una referencia al pitcher de Portland
Beavers, Ben Henderson, donde este afrmaba: La llamo la "pelota jazz"
porque "tiembla" y, simplemente, no puedes hacer nada con ella.
A partir de 1913, en una serie de artículos de E. T. "Scoop"
Gleeson para el San Francisco Bulletin, aparece ya el término jazz de
forma más habitual, aplicado a la música. La referencia más antigua de
su uso musical, corresponde al 3 de marzo de 1913 y en ella el término
se utilizaba con un sentido negativo. Tres días más tarde, el 6 de marzo,
Gleeson usó el término de forma más exhaustiva cuando al reseñar el
tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército, señaló que sus
integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz.
Sin embargo, no fue hasta 1915, en Chicago, que el término
comenzó a usarse completamente para defnir un tipo de música. Para
fnales de 1916 y principios de 1917 el uso del término estaba ya
180

JAZZ
bastante extendido. La primera vez que se utilizó la palabra jazz en
Nueva Orleans (también escrita jas o jass en los comienzos) fue en el
Times-Picayune el 14 de noviembre de 1916, un hecho que fue
descubierto por el lexicógrafo Benjamin Zimmer, en 2009.
No obstante, muchos estudiosos creen que el término tiene una
raíz fanti (África occidental) y se refere al acto sexual o relativo al amor.
Antecedentes
Medio siglo después de la fundación de la ciudad de Nueva
Orleans, en 1764, Francia la cedió a España para recuperarla
nuevamente en 1801. Dos años más tarde, en 1803, pasó a ser parte de
Estados Unidos como consecuencia de la compra de la Luisiana. Por
ello, los franceses y españoles, junto a alemanes, italianos, ingleses,
irlandeses y escoceses contribuyeron en la formación de la escena cultural
de la ciudad. La procedencia de los habitantes de raza negra era diversa,
siendo mayoritariamente de la zona occidental de África o del Caribe. Es
en este heterogéneo contexto cultural donde tuvo su origen la aparición
de estilos musicales tan diversos como el jazz, la música cajun, el zydeco
o el blues.
En muchas áreas del Sur de Estados Unidos el batir de
tambores estaba prohibido por la ley y en zonas como Georgia se
prohibió el uso de cualquier instrumento musical por parte de los
esclavos. Sin embargo a comienzos del siglo XIX los festivales con música
de tambores y danzas africanas se organizaban con frecuencia tanto en
Nueva Orleans, en la Plaza del Congo, como en Memphis, Kansas,
Dallas o San Luis. Se usaban instrumentos de percusión y de cuerda
similares a los utilizados en la música africana indígena. Los esclavos
solían tener el domingo libre y organizaban festas en la Plaza del Congo
que se prolongaron aproximadamente hasta 1885, coincidiendo con el
surgimiento de las primeras bandas de jazz. Las canciones y danzas
interpretadas eran en gran medida funcionales, ya fuese para el trabajo
con canciones o gritos de campo, o para rituales. La característica
principal era su gran riqueza rítmica. La tradición africana hacía uso de
melodías simples y de técnicas de música de llamada y respuesta. Estos
elementos no tardaron en combinarse con conceptos armónicos
procedentes de la música europea. Los ritmos refejaban patrones
africanos y de las escalas pentatónicas surgieron las notas del blues,
utilizadas posteriormente para sentar las bases del blues y el jazz.
Los estamentos eclesiásticos intentaron controlar la música de
los esclavos obligando a las personas de raza negra a que cantasen salmos
181

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
e himnos para «convertirles» a estilos musicales más europeos. En
muchos casos, el efecto fue contrario. Alan Lomax, erudito de la música
afroamericana, comentó: «Los negros habían africanizado los salmos a tal
nivel que muchos observadores describieron los himnos de los negros
como misteriosa música africana. En vez de actuar de forma individual,
fusionaban las distintas voces, obteniendo increíbles armonías, en las que
cada cantante hacía variaciones de la misma melodía. El resultado fue
una música potente y original como el jazz, pero profundamente
melancólica, ya que la cantaba gente muy presionada».
Blues
El blues es un género musical que apareció en la segunda mitad
del siglo XIX en las ciudades del sur de Estados Unidos, directamente
derivado de los hollers o shouts y las work songs de las plantaciones de
algodón. Es una música, pues, de origen africano y carácter social. Al
contrario que las antiguas canciones de trabajo o gritos de campo llenos
de ritmo y disciplina, representaba el desahogo del intérprete, a quien
permitía mostrar su dolor, opresión, deseos, etc. Ello ha llevado a
algunos autores a considerar al blues como la primera música de origen
africano plenamente americana.
El etnomusicólogo Gerhard Kubik afrma que ciertos elementos
del blues tienen sus raíces en la música de los países islámicos de la parte
central y occidental de África: Los instrumentos de cuerda (los preferidos
por los esclavos procedentes de las regiones musulmanas de África),
estaban generalmente permitidos ya que los dueños de los esclavos
consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a otros
instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos
que eran capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda,
podían hacerlo con mayor libertad. Este tipo de música solitaria de
esclavo muestra elementos de un estilo árabe-islámico basado en la huella
que el islam ha impreso durante siglos en África Occidental
El blues, como estructura musical, adoptó un formato de doce
compases que depende de armonías tónicas y acordes dominantes y
subdominantes, además de la utilización de la llamada nota de blues.
Este formato era extraño para los músicos de tradición europea, sobre
todo por la longitud del mismo. Pero los músicos de blues, con sus raíces
en las canciones de trabajo y otras músicas del tipo call and response,
estaban acostumbrados a estos patrones asimétricos.
El papel del blues en la historia del jazz es esencial,
conformándose como la «espina dorsal» de este. Como género desarrolló
182

JAZZ
su propia historia y sus propios estilos, en ocasiones fusionados con el
mismo jazz, pero como «estructura compositiva» ha integrado el
repertorio básico de todos los estilos de jazz que han existido.
Los primeros músicos reconocidos de blues fueron Robert
Johnson, Blind Lemon Jeferson, Charlie Patton, Son House o
Leadbelly, entre otros. Robert Johnson sigue siendo el más conocido de
los cantantes de delta blues del Misisipi, a pesar de que no llegó a vender
muchos discos hasta su muerte en 1938.
Ragtime (1890-1900)
En el último tercio del siglo XIX, y debido a una serie de
factores de tipo social y económico muy similares a los que darían lugar
al nacimiento del jazz en Nueva Orleans, se desarrolló en la ciudad de
San Luis, Misuri, un estilo musical, usualmente considerado como
pianístico, que se conoció como jig piano style y, más tarde, a partir de
1879, ragtime, es decir, ritmo roto o sincopado. Su consideración como
música para piano deriva de las partituras publicadas a partir de 1897,
que se editaban para ese instrumento, y del hecho de que, en una época
en que no se realizaban aun grabaciones, los rollos de pianola permitían
recoger las interpretaciones pianísticas. Pero, en realidad, se trató de un
género ampliamente utilizado como música de orquesta. Respecto a su
papel en la formación del jazz primigenio, suele considerarse como
fundamental. El estilo pianístico se caracterizaba por el rígido y sólido
marcaje del ritmo con la mano izquierda, mientras la derecha marcaba la
melodía, de forma muy sincopada, con infuencias de los ritmos de banjo
de las plantaciones del sur de Estados Unidos Se trataba de una música
"compuesta", esto es, no improvisada, y se nutría de formas clásicas
como el minueto o el vals, organizadas en varias partes o secciones de 16
compases, cuya temática melódica podía ser totalmente independiente.
Esto ha llevado a muchos autores a considerar que el ragtime es uno de
los primeros ejemplos de música específcamente americana.
La primera partitura de ragtime se publicó en 1897 y su autor
era el músico blanco William H. Krell, aunque ya desde mucho antes se
tocaban rags en los espectáculos de minstrel, confundidos con frecuencia
con los cakewalks. Aunque en algunas ocasiones se incluye al ragtime en
la línea directa del jazz como primera manifestación del mismo,nota 2
«fue más bien una actividad complementaria que acabó siendo absorbida
por el jazz según ambas músicas fueron desarrollándose». La gran fgura
del rag fue Scott Joplin, cuya forma de tocar se conoce por haber sido
profusamente trasladada a rollos de pianola, aunque tocaba
183

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
frecuentemente con bandas. Además de Joplin, pianistas de ragtime
clásicos fueron Tom Turpin, James Scott, Louis Chauvin o Eubie Blake.
Nueva Orleans (1890-1910)
Aunque en el periodo que va desde el fnal de la Guerra de
Secesión hasta el fn del siglo XIX, ya existían algunas bandas que
tocaban un jazz rudimentario, como las de los cornetistas Sam Tomas,
Louis Ned, James L. Harris o Robert Baker o la banda que usualmente
tocaba en el Kelly's Stables de Nueva Orleans, suele considerarse a
Buddy Bolden como la primera gran fgura y el iniciador del primer
estilo defnido de jazz.
Convencionalmente se denomina «estilo Nueva Orleans» a esta
forma inicial del jazz. Aún no se había desprendido de las infuencias del
minstrel y contenía todas las características propias del hot. Las
improvisaciones, en el sentido que hoy las conocemos, no existían. De
hecho los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema
principal (usualmente integrado por dos canciones diferentes), en
tempos muy lentos o medios, nunca rápidos. Las bandas eran
ambulantes y solían preferir interpretar espirituales, ragtimes, marchas y
cantos de origen afrocubano. El peso sonoro y conceptual de la música
recaía en la corneta que era quien desarrollaba las melodías, apoyada por
el trombón y el clarinete, que elaboraban variaciones improvisadas sobre
la melodía base. Es lo que Peter Clayton llama «la Santísima Trinidad
del jazz de Nueva Orleans». El resto de los instrumentos (usualmente
banjo, tuba, caja y bombo, aunque paulatinamente fueron
introduciéndose el contrabajo, el piano y la batería) tenían una función
meramente rítmica. En ocasiones se usaba el violín como complemento
en la sección de metales.
Fue una escuela de bandas célebres, como la de Johnny Schenk
(1893), la de John Robechaux (1895), la del cornetista Freddie Keppard
(1900-1909), y otras de renombre histórico como la Onward Brass
Band, la Eagle Band o la Tuxedo Brass Band del trompetista Papa
Celestin, esta anterior al cambio de siglo. También estaban las bandas del
cornetista Papa Mutt Carey, que se considera como el introductor de la
sordina de «desatascador» (plunger) y su típico efecto de wah-wah, y que
tenía a Sidney Bechet en el clarinete; la banda de Lorenzo Tio, o la
Original Creole Orchestra, etc.
184

JAZZ
Dixieland (1910-1920)
A poco de comenzar el siglo XX, los blancos y criollos pobres
del Delta del Misisipi comenzaron a interesarse por el Hot y su
infuencia produjo algunas variaciones en la forma de tocar de las bandas
de Nueva Orleans: se desarrollaron más las improvisaciones, se agilizaron
los tempos y se buscaron estructuras rítmicas menos "africanas". El
nuevo estilo era "menos expresivo, pero con mayores recursos técnicos",
con melodías más pulidas y armonías "limpias". Además, se introdujeron
el piano y el saxofón, y se desarrollaron técnicas instrumentales nuevas,
como el estilo tailgate de los trombonistas.
Sus principales fguras fueron, en una primera época, el
baterista Papa Jack Laine, que se reputa como el «padre del Dixieland»;
el trompetista Nick La Rocca y sus Original Dixieland Jass Band; los
Louisiana Five de Anton Lada; el trombonista Edward "Kid" Ory; o los
"New Orleans Rhythm Kings" del cornetista Paul Mares. En la década
de los 40, el Dixieland disfrutó de un poderoso revival, obteniendo éxito
mundial grupos como los Dukes of Dixieland, de los hermanos Frank y
Fred Assunto, y aun hoy en día existen bandas con nombres como
Tuxedo Jass Band u Onward Jazz Band.
El jazz de Chicago y Nueva York (1920-1930)
El cierre por las autoridades de Nueva Orleans del barrio de
Storyville en 1917, supuso un importante contratiempo para la mayor
parte de los músicos de jazz de la zona, pues en este distrito de ocio se
concentraban casi todos los locales de música en vivo. Este hecho inició
la gran migración de los músicos de jazz hacia las ciudades del norte, y
especialmente hacia Chicago, que gozaba por entonces de una agitada
vida nocturna, con una poderosa escena de blues y ragtime, desde una
década antes. King Oliver, Louis Armstrong, Sidney Bechet, Jelly Roll
Morton o Johnny Dodds, entre otros muchos, se trasladaron a la «ciudad
del viento» y grabaron allí sus primeros discos, a comienzos de la década
de 1920.
En Chicago se desarrolló un estilo más crudo y dinámico, con
un lenguaje escueto y lacónico, desbrozado de adornos, económico en
recursos, bañado «en una atmósfera exasperada, de un dinamismo
acalorado, de una rígida tensión hot». El sonido perdió plasticidad al
ajustarse la afnación por infuencia de los músicos blancos y
abandonarse la desincronización propia de la rítmica africana pero, por el
contrario, se desarrolló enormemente el concepto de improvisación
185

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
individual y las melodías paralelas, dejando los pasajes polifónicos para el
ciclo fnal (sock chorus). El material temático tendió hacia un abandono
de los rags y stomps y su sustitución por blues y canciones de infuencia
europea, con arreglos musicales escritos. De hecho, esta época es la de la
explosión del llamado «blues clásico», con artistas como Bessie Smith,
que se rodeaban de bandas de jazz en sustitución del tradicional
acompañamiento de guitarra o piano solo.
El estilo de Chicago se desarrolló como consecuencia de la
conjunción de los músicos negros de Nueva Orleans y de jóvenes
estudiantes y afcionados blancos que imitaban a aquellos, y supuso
algunos cambios importantes incluso en la instrumentación típica, al
comenzar a asentarse el saxofón. Un buen número de músicos de gran
relevancia son representativos del estilo: Erskine Tate, Eddie Condon,
Muggsy Spanier, Wingy Manone, Pee Wee Russell o, como fgura más
relevante, Bix Beiderbecke.
Desde muy temprano, el jazz se introdujo también en Nueva
York, inicialmente a través de los pianistas que tocaban ragtime y boogie
woogie en los honky tonks, como James P. Johnson, Willie "Te Lion"
Smith o Luckey Roberts, pero también gracias a bandas, como la de
Jimmy Reese Europe o "Te Memphis Students", dirigida por Will
Dixon y Will Marion Cook, en época tan temprana como 1905.
Algunos autores destacan también el papel que músicos como Nick La
Rocca o el baterista Louis Mitchell, originario de Filadelfa, tuvieron en
la extensión del jazz en la ciudad. Sin embargo, el verdadero estilo de
Nueva York, o High brow, como se le denominó en su momento,
comenzó con la orquesta de Fletcher Henderson, en la que tocaron todas
las grandes fguras del jazz de los años 1920. Sería precisamente
Henderson quien mejor representó la nueva forma de tocar un tipo de
jazz estilizado, menos localizado y más universal, «realizado sobre la base
de una fórmula de transacción que estriba en orquestaciones preparadas
de antemano y escritas para conjuntos cuyo número de instrumentos no
hacía posible la polifonía hot». Pero la escuela de Nueva York dio un
nombre de mayor proyección aun, Duke Ellington, procedente de
Washington D. C., que alcanzó gran fama con sus sesiones en el Cotton
Club de Harlem. Otros referentes importantes del estilo fueron Red
Nichols y sus "Five Pennies", los McKinney's Cotton Pickers de William
McKinney y Don Redman, así como la banda del pianista Sam
Wooding o la del panameño de nacimiento, Luis Russell.
El estilo de Nueva York, con el impulso que supuso a las big
bands, fue la corriente principal de desarrollo del jazz a fnales de la
década de 1920, desembocando en el swing.
186

JAZZ
La era del swing (1930-1940)
En el último tercio de la década de 1920, los estilos de two beat
habían agotado sus posibilidades de desarrollo, mientras que en Nueva
York se estaba desarrollando una nueva forma de hacer jazz, que se
consolidó sobre todo como resultado de la migración masiva de músicos
de Chicago hacia la "ciudad de los rascacielos". Las bandas de Fletcher
Henderson, Duke Ellington, Jimmie Lunceford y Chick Webb, fueron
las que marcaron el rumbo de este nuevo estilo cuya principal
característica fue la formación de grandes orquestas, las big bands.
Además, aportaron elementos novedosos respecto de la tradición hot: la
conversión de los ritmos de dos tiempos (two beat) a ritmos regulares de
cuatro acentos rítmicos por compás; la utilización como recurso de
tensión del rif, frase corta repetida con crescendo fnal; la
predominancia de pasajes melódicos interpretados straight, es decir,
conforme a partitura; la extensión del fenómeno del "solista"; la
revalorización del blues; etc. Este proceso no se desarrolló exclusivamente
en Nueva York, puesto que en otros lugares, como Kansas City tuvo
lugar una evolución similar en big bands como las de Bennie Moten o
Count Basie.
El estilo toma su nombre de una de las características del nuevo
jazz: el swing como elemento rítmico. Se trató de una operación
comercial de los agentes de Benny Goodman, que dirigía una de las
bandas más populares de la época, al designarlo como "Rey del swing".
Esto llevó al público, pero también a muchos críticos, a creer que swing
era el tipo de música que hacía esta banda, consolidándose el nombre.
Algunas de las bandas de la época alcanzaron un enorme éxito popular y
de ventas, generando un subestilo comercial que, a la larga, acabaría por
lastrar las posibilidades de desarrollo del swing: Artie Shaw, Harry James,
Glenn Miller, Tommy Dorsey... Sin embargo, no todas derivaron hacia
ese camino, y algunas de ellas establecieron las bases de los grandes
cambios conceptuales del jazz de la década de 1940: Woody Herman,
Stan Kenton, Lionel Hampton o Jay McShann. En algunos casos, se
desarrollaron escenas regionales con gran proyección y personalidad
diferenciada, como es el caso del Western swing (que fusionó músicas de
origen folclórico) y, en Europa, del llamado jazz manouche, impulsado
por Django Reinhardt.
El swing fue, además, un estilo rico en grandes improvisadores,
muchos de los cuales establecieron verdaderos cánones en sus respectivos
instrumentos: Coleman Hawkins, Art Tatum, Chu Berry, Gene Krupa,
Teddy Wilson, Fats Waller, Johnny Hodges, Benny Carter, Rex Stewart,
187

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Harry Edison y muchos otros. Fue también, paralelamente, un estilo que
favoreció la proyección de los cantantes, especialmente de las cantantes
femeninas: Ella Fitzgerald, Ivy Anderson (que permaneció casi doce años
en la banda de Ellington, a partir de 1932), Billie Holiday, June Christy,
Anita O'Day, Lena Horne o Peggy Lee. Algunos de estos instrumentistas
fueron determinantes en el proceso de evolución que llevó desde el swing
al be bop y al cool, destacando entre ellos el trompetista Roy Eldridge y
el saxofonista Lester Young.
Bebop (1940-1950)
Tras la era del swing, el jazz era conocido y apreciado en todo el
mundo, reconocido incluso por compositores clásicos de la talla de
Stravinsky. Sin embargo, el término swing gozaba de mala reputación
entre los músicos: se consideraba que solo los profesionales de menor
talento se dedicaban a este tipo de música comercial, de modo que los
músicos más «serios» —como Duke Ellington— se estaban alejando del
estilo. El declive de las big bands de swing dio lugar a un nuevo tipo de
música radicalmente diferente, cuyos únicos rasgos en común consistían
en una instrumentación similar y en el interés por la improvisación.
Los músicos bebop ponían el acento en el papel del solista,
cuyo papel ya no era el de entertainer de épocas pasadas, sino un artista
creador al servicio solo de su propia música. La síncopa característica del
swing quedaba destinada a favorecer la interpretación de las melodías; la
sección rítmica se simplifcaba, relegándola únicamente al contrabajo —
que crecía en importancia— y a la batería, —que dejaba a un lado su
antiguo papel de mero metrónomo—, incrementando con ello la
libertad de bajistas y bateristas; se introdujeron disonancias, polirritmos,
nuevas paletas tonales y fraseos más irregulares; se abandonó la melodía
en favor de la improvisación, y el formato de big band por el de combo,
formado por muy pocos músicos; y se adoptó, incluso un look
característico en el que no podía faltar sombrero, gafas de sol y perilla.
El nacimiento del estilo tuvo lugar en 1941 cuando Dizzy
Gillespie, Milt Hinton, Charlie Parker, Telonious Monk y Kenny
Clarke se reunieron en el Minton's Playhouse de Nueva York para una
serie de conciertos informales. Dizzy Gillespie fue uno de los líderes del
movimiento, con un estilo trompetístico que resumía perfectamente las
características de la nueva música y una serie de temas que entraron a
formar parte enseguida del repertorio básico de los músicos bop, como
«A Night In Tunisia» o «Salt Peanuts». Charlie Parker fue el otro gran
padre del bebop introduciendo un nuevo lenguaje de improvisación,
188

JAZZ
extendiendo el aspecto melódico y el rango rítmico del jazz hasta ese
momento, y con un estilo emocional y sorprendente que quedó
inmortalizado en clásicos como «Yardbird Suite», «Ornithology»,
«Donna Lee», «Billie's Bounce» o «Anthropology», entre otros muchos.
Otros músicos de importancia dentro del estilo fueron los
saxofonistas Dexter Gordon, quien adaptó el estilo de Parker con el alto
al saxo tenor, y Sonny Stitt; el trompetista Fats Navarro; los
trombonistas J. J. Johnson —quien adaptó el lenguaje bop al trombón
—, Benny Green o Kai Winding; los pianistas Bud Powell, Telonious
Monk, Lennie Tristano, Oscar Peterson, Ahmad Jamal, George
Shearing, Erroll Garner, Herbie Nichols o Tommy Flanagan; los bajistas
Oscar Pettiford o Paul Chambers; los bateristas Kenny Clarke o Max
Roach; o la cantante Sarah Vaughan. En el campo de las big bands,
algunas de ellas, como las de Charlie Barnett, Woody Herman, Lionel
Hampton o Stan Kenton, supieron adaptar su sonoridad a las nuevas
exigencias, y otras, como la de Earl Hines establecieron puentes entre el
viejo y el nuevo sonido. Solo algunas lograron convertirse en verdaderas
big bands de be-bop, como es el caso de las orquestas de Boyd Raeburn,
Billy Eckstine y Dizzy Gillespie.
Cool jazz y hard bop (1950-1960)
El nacimiento formal del movimiento cool tuvo lugar en 1948
con la publicación del álbum Birth of the Cool de Miles Davis, todo un
manifesto autodefnitorio y una de las grabaciones más infuyentes de la
historia. El nuevo estilo se derivaba directamente del bebop, pero
resultaba una música más cerebral, que tenía como principal objetivo el
establecimiento de una atmósfera "calma" y "meditativa". El cool jazz
resultó particularmente popular entre músicos blancos como Lennie
Tristano, en parte por su alejamiento de las raíces africanas del jazz, pero
también encontró un hueco entre las preferencias de músicos negros que
estaban pasando de ser simples entertainers a adoptar un papel más
activo y serio en la búsqueda de su identidad musical.
Miles Davis, quien había comenzado su carrera con Charlie
Parker, dio inicio al movimiento con Birth of the Cool (1948), el
primero de una serie de álbumes —Walkin (1954), Miles (1955),
Cookin', Relaxing, Working o Steaming, todos de (1956)— que
sentaban las bases del estilo. Te Modern Jazz Quartet —originalmente
la sección rítmica de Dizzy Gillespie, integrada por Milt Jackson, John
Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke— publicó Modern Jazz Quartet
with Milt Jackson (1953), Modern Jazz Quartet Volume 2 (1953), y
189

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Django (1956), donde presentaban sus elegantes composiciones, en el
límite entre lo barroco y lo jazzístico. Gunther Schuller fue el iniciador
ofcial del third stream, una corriente que establecía un puente entre la
música clásica y el jazz, que tiene como ejemplo paradigmático su Jazz
Abstractions (1959), y que cuenta también entre sus principales
representantes a Bob Graettinger. Gil Evans produjo Gil Evans and Ten
(1957), Out of the Cool (1959), o Into Te Hot (1961), Bill Evans —
junto a Scott LaFaro y Paul Motian— introdujo un nuevo sonido en el
trío de jazz infuenciado por la música clásica europea, y George Russell
sobresalió como intérprete de temas modales. Otras fguras destacables
fueron el vibrafonista Teddy Charles, el pianista Ran Blake o la
imaginativa cantante Betty Carter.
West Coast jazz
En esa misma época, en la Costa Oeste, la evolución del jazz se
desarrolló por caminos menos infuenciados por los músicos
neoyorquinos de bebop, directamente herederos de Lester Young y de la
evolución que habían tenido big bands como las de Woody Herman,
Conrad Gozzo, Stan Kenton o Wardell Gray. El nuevo estilo, que
acabaría conformándose como la línea principal de desarrollo del cool,
fue impulsado especialmente por músicos como Howard Rumsey,
Shorty Rogers o Shelly Manne, y generó obras que tuvieron una enorme
repercusión comercial, como es el caso de Time Out, de Dave Brubeck y
Paul Desmond, que se convirtió en el primer disco de jazz en vender más
de un millón de copias, gracias al tema «Take Five». También obtuvo un
importante éxito comercial Stan Getz, otro de los líderes del movimiento
cool, que procedía de las orquestas de Stan Kenton, Benny Goodman y
Woody Herman y que terminaría popularizando la bossa nova, con sus
discos West Coast Jazz, Early Autumn (1948) y Quartets (1950),
mientras que Lee Konitz es considerado por algunos críticos como la
quintaesencia del músico cool. Gerry Mulligan, otro de los principales
representantes de esta corriente, editó Mulligan Plays Mulligan (1951),
Gerry Mulligan Quartet (1952), y Mulligan Quartet (1952); Art Pepper
grabó Discoveries (1954), Art Pepper Quartet (1956), Meets the
Rhythm Section (1957) y Omega Alpha (1957); Jimmy Giufre lanzó
Jimmy Giufre (1956) o Western Suite (1958); Chet Baker publicó
Grey December (1953), Chet Baker & Strings (1954) o Chet Baker
Sextet (1954); Chico Hamilton grabó Spectacular (1955), Quintet In Hi
Fi (1956) o Mr Jo Jones on Quintet (1956); Jim Hall, por último,
destacó por un sonido limpio y tranquilo —justo la antítesis de Charlie
190

JAZZ
Christian— que anticipaba la llegada de un tipo de jazz más suave y
relajado.
Hard bop
Como reacción ante el intelectualismo del bebop, los músicos
del hard bop reivindicaron el retorno del jazz a sus orígenes, con especial
acento en la energía y la espontaneidad de la música. El elemento rítmico
quedaba reforzado, y los solos, derivados del lenguaje de los músicos
bebop, adquirieron más fuerza y vitalidad, conformando una música
agresiva e intensa. De hecho, el adjetivo hard («duro») tiene en esta
expresión la connotación de «intenso». Tuvo especial incidencia entre los
músicos de la Costa Este, y está especialmente vinculado a los músicos
negros de las ciudades de los Grandes Lagos, como Chicago o Detroit. A
ellos, "les gustaban las improvisaciones a pleno pulmón, los sonidos
cálidos, las frases de ángulos puros, los ritmos explosivos". Para muchos
autores, el hard bop fue una relectura del bebop "en pro de una vía que
se abría a la prosecución de una tradición ininterrumpida en la que las
raíces más profundas seguían teniendo un peso específco importante".
Max Roach fue uno de los iniciadores del movimiento, junto a
Art Blakey o Sonny Rollins. Destacaron asimismo los saxofonistas
Cannonball Adderley, Phil Woods, Tina Brooks, Hank Mobley, Joe
Henderson, Pepper Adams, Benny Golson o Jackie McLean; los
trompetistas Woody Shaw, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Donald
Byrd, Blue Mitchell, Art Farmer o Clark Terry; los pianistas Mal
Waldron, Bobby Timmons, Horace Parlan o Duke Pearson; la vocalista
Abbey Lincoln; el guitarrista Kenny Burrell; los contrabajistas Reginald
Workman, Paul Chambers y Charles Mingus; el batería Pete La Roca; o
las big bands de Tad Jones o Maynard Ferguson.
Soul jazz/ Funky jazz
Íntimamente relacionado con el hard bop, se desarrolló un
estilo de tocar el jazz basado en la utilización de estructuras blues en
tempo lento o medio, con un beat frme y sostenido, con emoción
interpretativa, que se llamó inicialmente funky y, después, soul jazz. Un
subgénero que exhibía al Hammond B3 y a sus pioneros (Wild Bill
Davis, Jimmy Smith o Jimmy McGrif) como protagonistas, y que
hundía sus raíces en los trabajos de músicos como Horace Silver, Junior
Mance, Les McCann, Gene Harris, Ramsey Lewis o Ray Charles.
Otras fguras destacables del género fueron los organistas
191

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Brother Jack McDuf, Shirley Scott, Charles Earland, Larry Young o
Richard "Groove" Holmes; los guitarristas Wes Montgomery y Grant
Green; o los saxofonistas Stanley Turrentine, Willis "Gator" Jackson,
Eddie "Lockjaw" Davis, David "Fathead" Newman, Gene Ammons,
Houston Person, Jimmy Forrest, King Curtis, Red Holloway, Eddie
Harris y Hank Crawford.
En los primeros años de la década de 1970, sellos como CTI
Records, hicieron de este estilo, ya muy evolucionado, seña de identidad
propia, consiguiendo importantes ventas con algunos de sus artistas,
como George Benson, Grover Washington, Jr., Eumir Deodato o
Johnny Hammond, que abrieron el camino a fusiones más comerciales
que desembocaron en el smooth jazz.
Free jazz y post-bop (1960-1970)
El bop evolucionó muy rápidamente durante la década de los
cincuenta y algunos músicos (George Russell o Charles Mingus entre
ellos) desarrollaron, a partir de los conceptos de intuición y digresión que
había anunciado la música de Lennie Tristano, formulaciones similares a
las que ya se habían dado en la música clásica en los años veinte, con la
irrupción, por ejemplo, de la atonalidad en el jazz de los años sesenta.
Está generalmente aceptado por la crítica que, al margen de los
antecedentes ya citados, el free jazz toma carta de naturaleza en 1960,
con la publicación del disco homónimo de Ornette Coleman y su doble
cuarteto, que supone una revolución estilística en el jazz, pero «no
solamente eso, sino una puesta en crisis, una relectura y una superación
virtual de todo lo que había sido el jazz, cuestionando los fundamentos
socio-culturales tanto como su desarrollo histórico». Coleman había ya
editado anteriormente algunos discos que anticipaban esta explosión,
como Te Shape of Jazz to Come o Tis Is Our Music, ambos para
Atlantic Records.
El free jazz prescindió de elementos hasta entonces esenciales en
el jazz, como el swing, el fraseo o la entonación, abriéndose además a
infuencias de músicas del mundo y politizándose de forma muy
ostensible. En los primeros años sesenta se asistió a una, aparentemente,
irresistible ascensión del free jazz que, paralelamente, recibió una ingente
cantidad de rechazos resumibles en una sola frase: «Esto no es música».
Críticas que, por otra parte, provinieron no solo del público o de
periodistas especializados, sino de músicos de jazz, como Roy Eldridge o
Quincy Jones. A mediados de la década, prácticamente todos los músicos
jóvenes de jazz estaban infuidos por el free. Cecil Taylor, Eric Dolphy y
192

JAZZ
Don Cherry fueron los principales iniciadores de esta línea, pero a ellos
se sumaron Carla Bley, Mike Mantler, Muhal Richard Abrams, Dollar
Brand, Anthony Braxton, Marion Brown, Jimmy Giufre, Eddie Gomez,
Charlie Haden, Steve Lacy, Yusef Lateef, Gary Peacock, Sun Ra, Archie
Shepp, Sonny Sharrock, Manfred Schoof y John Surman, entre otros. A
mediados de la década, el free jazz se había convertido en una manera de
expresión ricamente articulada que abarcaba todas las temáticas y
comandaba todas las vías de desarrollo del jazz. Sin embargo, a partir de
1967 comenzó a apreciarse una clara recesión del favor del público
respecto del free jazz.
Post-bop
Un cierto número de músicos de bop habían desarrollado
conceptos de improvisación más avanzados a fnales de los años 1950,
realizando un «jazz modal» directamente impulsado por fguras como
Miles Davis o, muy especialmente, John Coltrane ya a comienzos de la
década de 1960. Sus «sábanas de sonido», según bautizó el crítico Ira
Gitler al sonido del cuarteto del saxofonista, abrieron el camino a un
estilo que se ha dado en llamar post-bop. Este adaptó a las experiencias
hard bop un buen número de las innovaciones que había traído el free
jazz, convirtiéndose en la línea de desarrollo principal (mainstream) del
jazz moderno, hilo conductor hasta llegar al neo bop o "neotradicionalismo"
de los años 1980, encabezado por Wynton Marsalis.
Salvo excepciones, como Bill Evans, el sello discográfco Blue Note
recogió a los principales músicos del estilo: Wayne Shorter, McCoy
Tyner, Herbie Hancock o Lee Morgan.
Fusiones: la década de 1970
El lanzamiento en 1970 de Bitches Brew, un álbum de Miles
Davis que contaba con Tony Williams, Ron Carter, Herbie Hancock,
Wayne Shorter o John McLaughlin, entre otros, supuso una nueva
revolución en el sonido del jazz, introduciendo una instrumentación y
unos esquemas rítmicos más cercanos al rock y marcando el inicio de un
nuevo género que recibiría posteriormente la denominación de jazz
fusion. La infuencia de los grupos de rock que estaban experimentando
con el jazz en la época (Soft Machine, Blood, Sweat & Tears,
Colosseum, Caravan, Nucleus, Chicago y, sobre todos ellos, las distintas
formaciones de Frank Zappa), terminó de perflar un género que daría
lugar posteriormente a otros muchos subestilos, siendo particularmente
193

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
evidente en aspectos como la instrumentación de las nuevas bandas de
jazz rock —que reemplazaron el contrabajo por el bajo eléctrico y donde
la guitarra o el órgano abandonaban la sección rítmica para situarse
como instrumentos solistas de pleno derecho— o en la mayor
importancia de los grupos respecto a sus miembros, otra característica
heredada del mundo del rock.
Uno de los primeros representantes de la nueva corriente del
jazz rock fue Gary Burton, quien, con la ayuda de Steve Swallow, Larry
Coryell y Roy Haynes, había empezado a experimentar con rítmos de
rock en Te Time Machine (1966), y había introducido elementos
country en Tennessee Firebird, editado ese mismo año. Tony Williams,
quien se había hecho famoso en el quinteto de Miles Davis, ya había
editado bajo su nombre Life Time (1964) y Spring (1965) antes de
poner en marcha su Lifetime, una banda que contaba originalmente con
Larry Young y John McLaughlin y que se convertiría en uno de los
grupos más relevantes del género. Herbie Hancock no tardó en erigirse
como uno de los máximos representantes del género a la cabeza de su
grupo Te Headhunters —una banda que, inspirada en los ritmos
funky-psicodélicos de Sly Stone, logró el mayor éxito de ventas de la
historia del jazz con su álbum homónimo editado en 1973—, mientras
que Chick Corea hizo lo propio con sus Return To Forever,
originalmente con Flora Purim, Joe Farrell, Stanley Clarke y Airto
Moreira. Keith Jarrett publicó Gary Burton & Keith Jarrett en 1970, e
hizo incursiones en el latin jazz en Expectations (1971), mientras que
McCoy Tyner colaboró con músicos como Bennie Maupin, Bobby
Hutcherson, Gary Bartz, Wayne Shorter, Alice Coltrane o Ron Carter
en Expansions (1968), Cosmos o Extensions, ambos de 1970. Desde el
área del free jazz, músicos como Charlie Haden, Carla Bley, Michael
Mantler o Paul Motian se encontraban elaborando una música compleja
y personal, con raíces muy diversas e infuencias muy heterogénas.
El guitarrista Larry Coryell fue otro de los pioneros del jazz
rock, con su participación en el álbum de 1966 Out of Sight And
Sound, del grupo "Free Spirits". El álbum marcó el inicio de una serie de
grabaciones bajo su nombre que culminarían en Introducing Te
Eleventh House (1974), primer disco de una banda —Te Eleventh
House— que se situaría entre las más famosas de los grupos de jazz rock
de la década de 1970. Weather Report, formado originalmente por Joe
Zawinul, Wayne Shorter, Miroslav Vitous, Airto Moreira y Alphonso
Mouzon no solo se convirtió en el grupo más importante del
movimiento, sino —según Piero Scaruf— en uno de los dos grupos
más importantes de la historia del jazz. La banda obtuvo un considerable
194

JAZZ
éxito desde sus inicios, pero la llegada del bajista Jaco Pastorius en 1976
supuso un nuevo empuje para la agrupación, que con álbumes como
Black Market (1976) o Heavy Weather (1977) alcanzó un notable éxito
comercial. John McLaughlin recogió el testigo del revival del blues que
había tenido lugar en el Reino Unido con grupos como Te Rolling
Stones o Cream, pero tras editar un primer álbum bajo su nombre
(Extrapolation, 1969) con John Surman y Tony Oxley, fue convocado
por Miles Davis para la grabación de Bitches Brew. Su My Goal's
Beyond, de 1971 muestra ya abiertamente la pasión del músico por la
música hindú, un interés que desarrollará con la Mahavishnu Orchestra
a lo largo de la década en álbumes como Te Inner Mountain Flame
(1971) o Birds of Fire (1972), y, especialmente con Shakti, una banda
que contaba con la participación de músicos hindúes.
El baterista y pianista Jack DeJohnette es otra fgura clave del
movimiento, con una serie de álbumes —Have You Ever Heard (1970),
Collect (1974), Untitled (1977)...— con los que quiso efectuar una
nueva lectura de los clichés del jazz rock y en los que participaron
músicos como John Abercrombie o David Murray. Gary Bartz había
debutado con Libra (1967), un álbum en el que mostraba su estilo
enraizado en la tradición del bebop y sus cualidades como compositor,
pero tras reemplazar a Wayne Shorter en el grupo de Miles Davis, formó
sus "NTU Troop" en 1970, para publicar un disco (Harlem Bush Music
- Taifa, de 1970) en el que presentaba una música enérgica, con
elementos del soul, del funk, del jazz y del rock. Billy Cobham —que
había participado en Dreams junto a Randy y Michael Brecker y a John
Abercrombie, y que también había pasado brevemente por el grupo de
Miles Davis— editó Spectrum y Crosswinds en 1973, y Total Eclipse en
1974, todos ellos álbumes importantes en la historia del subgénero. John
Abercrombie debutó discográfcamente en 1974 con Timeless, con Jack
DeJohnette y Jan Hammer para seguir editando álbumes en la misma
línea con músicos como Marc Johnson, Peter Erskine, o Dave Holland.
Los hermanos Randy y Michael Brecker formaron en 1975 Te Brecker
Brothers, para editar una música de gran complejidad a medio camino
entre el hard bop y el funky antes de emprender sus respectivas carreras
en solitario.
Oregon publicó en 1972 un primer álbum —Music of Another
Present Era— que mostraba una sofsticada combinación de jazz, música
clásica, improvisación, complejidad compositiva y elementos étnicos.
Lonnie Liston Smith editó en 1973 su Astral Travelling, primer disco de
una banda —Te Cosmic Echoes— que pronto derivaría hacia el funky
soul con álbumes como Expansions (1974). Steps Ahead, un supergrupo
195

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
de virtuosos con Mike Mainieri a la cabeza publicó su primer trabajo —
Step By Step— en 1980, el mismo año que Ronald Shannon Jackson
publicó Eye on You con su grupo Decoding Society; o que Joseph
Bowie, hermano de Lester, publicó "Defunkt" primer álbum de su
banda homónima.
Jean Luc Ponty fue el responsable de llevar el violín a la era de
la electrónica, desde el comienzo de su carrera al lado de Frank Zappa en
fecha tan temprana como 1968, pasando por sus colaboraciones con
John McLaughlin y culminando en su carrera en solitario con álbumes
como Upon Te Wings Of Music, de 1975. El bajista y violonchelista
Ron Carter había publicado Uptown Conversation (1969) con el
contrabajo como protagonista, antes de editar Piccolo (1977), un álbum
en el que empleaba el bajo piccolo, un híbrido entre el contrabajo y el
cello. El virtuoso checo Miroslav Vitous destacó también en el
contrabajo en álbumes como Infnite Search (1969), o Purple (1970),
pero fue Stanley Clarke el encargado de poner el bajo eléctrico en el
punto de mira de los afcionados, con Stanley Clarke (1974) y School
Days (1976). Jaco Pastorius fue, sin embargo el gran revolucionario de
ese instrumento, tanto en sus tempranas colaboraciones con Pat
Metheny (Bright Size Life, 1976) o Weather Report (Heavy Weather,
1977) como, sobre todo, con su debut en solitario que, lanzado en 1976
con el título de Jaco Pastorius, fue el disco que, no solo popularizó el
bajo fretless, sino que lo situó como uno de los instrumentos más
expresivos del jazz fusión. Destaca igualmente, en una línea muy funky,
el bajista Jamaaladeen Tacuma (Show Stopper, 1983). Otras fguras
importantes, dentro de un estilo de fusión que proviene del free jazz e
incorpora elementos de la música third stream, fueron el contrabajista
David Friesen (Color Pool, 1975), Collin Walcott (percusionista de
Oregon y uno de los músicos más innovadores en su instrumento), el
saxofonista John Klemmer (Touch, 1975), los pianistas Art Lande (Red
Lanta, 1973), y Steve Kuhn (Ecstasy, 1974), y el bajista Steve Swallow
(Swallow, 1991).
Tras la gran infuencia de guitarristas de jazz más mainstream
de las décadas de 1950 y 1960, como Joe Pass, Wes Montgomery y
Barney Kessel, entre otros, la guitarra eléctrica había alcanzado gracias a
la infuencia del rock una popularidad sin precedentes, que no tardó en
verse refejada en el mundo del jazz fusión con la aparición de un buen
número de músicos, que la veían como el instrumento dominante en la
escena del jazz, tal y como el saxofón lo había sido en épocas anteriores.
Sonny Sharrock (Black Woman, 1969; Monkie-Pockie-Boo, 1970) o
James Blood Ulmer (Revealing, 1977) se encuentran entre los primeros
196

JAZZ
representantes de esta corriente, al igual que Ralph Towner (Diary,
1973), el guitarrista de la banda Oregon. Hacia mediados de la década
de 1970, el guitarrista de Te Crusaders, Larry Carlton, aportó el sonido
de la guitarra rock más duro a una banda original y esencialmente
jazzística, y Pat Metheny había publicado en 1976 su Bright Size Life
con Jaco Pastorius y Bob Moses, un disco que tenía a la guitarra eléctrica
como principal protagonista pero que, también, introducía el bajo
eléctrico en el sonido del jazz, y mostraba el estilo naturalista y original,
típicamente «blanco», al igual que Carlton, que Metheny desarrollaría en
posteriores álbumes ya con su banda Pat Metheny Group (Group 1978;
American Garage, 1979). El japonés Kazumi Watanabe grabó una serie
de afamados discos, que se inició con Endless Way (1975), mientras que
John Scofeld, que había colaborado con Billy Cobham y Charles
Mingus, editó su primer trabajo en solitario en 1977, con el título East
Meets West. El virtuoso Al DiMeola, publicó también sus primeros
trabajos a mediados de la década (Land Of Te Midnight Sun, 1976;
Elegant Gipsy, 1977), al igual que Steve Tibbetts (Steve Tibbets, 1976;
Yr, 1980), Steve Khan (Tightrope, 1977; Te Blue Man, 1978) y Mike
Stern, que asentaría su carrera a comienzos de la década siguiente, al lado
de Billy Cobham y de Miles Davis (1981-1983).
En el ámbito europeo destacaron los británicos Neil Ardley,
Mike Westbrook, Mike Gibbs, Kenny Wheeler, John Surman, Keith
Tippett, Elton Dean, Basil Kirchin o el grupo Nucleus; los noruegos Jan
Garbarek y Terje Rypdal; el danés Niels-Henning Orsted-Pedersen; los
alemanes Wolfgang Dauner, Joachim Kühn y Eberhard Weber; el
italiano Enrico Rava; el polaco Michal Urbaniak; o el ruso Serguéi
Kuriokhin.
Jazz latino y jazz afrocubano
En los primeros tiempos del jazz ya se produjo una temprana
incorporación de elementos latinos a la música hot. De hecho, los ritmos
de habanera, calinda, contradanza o fandango eran usuales en la música
de Nueva Orleans. La presencia de elementos latinos se mantuvo en el
jazz de los años 20 y 30, aunque sin la intensidad necesaria para gestar
una verdadera fusión. Sin embargo, a mitad de los años 1940, la
infuencia cubana sobre el bop generó un estilo de fusión cuyo mejor
exponente fueron la big band de Machito, y los trabajos de Dizzy
Gillespie, que integraban elementos característicos del bebop con ritmos
afrocubanos. De todos los estilos que surgieron tras la era del swing, el
latin jazz ha sido uno de los que ha disfrutado de mayor popularidad, y
197

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
sus esquemas básicos no han cambiado demasiado a lo largo de su
historia, a través del trabajo —por citar solo a tres de las más importantes
— de las orquestas de Tito Puente, Poncho Sánchez o Mario Bauzá.
A partir de mediados la década de 1960 y, especialmente,
durante los años 1970, este estilo de fusión con músicas latinas, se asentó
de forma defnitiva en la escena del jazz. Dentro de la amplia
denominación de "jazz latino", suelen incluirse músicas tan diferentes
como las de origen brasileño (bossa nova, especialmente), las de origen
cubano y otras de fusión con otras músicas de carácter latino (y de forma
especial, el tango). Entre los muchos artistas que han desarrollado su
obra en las distintas variantes de este género, cabe citar, dentro del jazz
de fusión de origen brasileño, a Flora Purim, Airto Moreira, Charlie
Byrd, Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto, Baden Powell, Hermeto
Pascoal, Dom Um Romão, Egberto Gismonti o Claudio Roditi. Y, en el
entorno de la fusión de jazz con la música afro-cubana y portorriqueña,
encontramos a Irakere, Arturo Sandoval, Ray Barretto, Emiliano
Salvador, Cal Tjader, Chico O'Farrill, Mongo Santamaría, Cándido,
Sabú Martínez, Chano Pozo, Chucho Valdés, Steve Turre o Paquito
D'Rivera, además de pianistas como Hilton Ruiz, Gonzalo Rubalcaba y
Michel Camilo, en los que el elemento latino se incorpora de forma
indistinguible a su origen post-bop.
Mucho más apegados a los estilos tradicionales cubanos, incluso
a la salsa, encontramos a músicos como Willie Bobo, Cachao, Carlos
"Patato" Valdes, Tata Güines, Willie Colón, Jesús Alemany o Francisco
Aguabella, además de orquestas que históricamente tuvieron una gran
proyección comercial, como las de Xavier Cugat y Pérez Prado. Fuera del
mundo antillano, destacan músicos que han desarrollado trabajos de
acercamiento entre el jazz y músicas tradicionales de otros lugares de
América latina: Astor Piazzolla (con sus discos en solitario o con Gerry
Mulligan), Gato Barbieri, Osvaldo Tarantino, Alex Acuña...
El estilo ha dado origen a lo largo de los años a toda una serie
de subgéneros relacionados entre los que se encuentran el boogaloo, el
jazz cubano, el jazz brasileño y, por encima de todos en popularidad y
proyección, la bossa nova.
Pop fusión y smooth jazz
A mediados de la década de 1970 el soul jazz y el jazz de fusión
experimentaron un viraje hacia terrenos más comerciales que tuvo como
protagonistas a destacados músicos de jazz como George Benson. Benson
había iniciado su carrera como guitarrista al lado del organista Jack
198

JAZZ
McDuf, en 1964, y tras haber registrado una serie de aclamados discos
en la tradición bop se situó, desde mediados de la década de 1970, como
un fenómeno comercial con álbumes como Breezin (1976) o Give me
the Night (1980), en los que primaba su faceta como cantante. Chuck
Mangione, desde una perspectiva similar, se especializó en baladas
orquestales que integraban a partes iguales elementos bebop con
melodías ligeras inspiradas en el pop más comercial, inaugurando en
discos como Bellavia o Chase the Clouds Away (1975) el sonido
característico de lo que luego se conocería como smooth jazz. Al Jarreau
había comenzado una prometedora carrera como cantante de jazz con
We Got By (1975), pero pronto derivó hacia la interpretación de baladas
soul y jazz-pop de índole más comercial (Jarreau, 1983). Te
Yellowjackets, por su parte, exhibía un sonido a medio camino entre el
jazz fusión más experimental de Weather Report y el pop-soul más
comercial (Mirage a Trois [1982], Samurai Samba [1983]). También ya
en los años 1980, la banda Spyro Gyra obtuvo un éxito comercial sin
precedentes con una música que mezclaba elementos del pop ligero, el
soul y el jazz fusión, jugando un papel importante al familiarizar al
público no afcionado con los sonidos del jazz.
El smooth jazz se desarrolló a partir de una reelaboración más
comercial del legado que habían dejado los músicos de fusión,
caracterizándose por el uso frecuente de sintetizadores; por un ritmo
ligero y sin pretensiones, de bases funky; por un sonido elegante y
alejado de la racionalidad del bebop o de la energía del soul jazz o del
funk; y donde el aporte general de la banda importaba más que cada uno
de sus elementos por separado. Entre otros artistas que han trabajado en
el género cabe destacar a David Sanborn, Russ Freeman, Bob James, Ben
Sidran, Larry Carlton, Najee, Eric Marienthal, Jef Lorber, Candy
Dulfer o Fattburger.
Jazz famenco y otras fusiones étnicas
El jazz famenco tiene su origen en la década de 1960, cuando
comenzaron a surgir algunas propuestas primitivas de fusión con el
famenco de parte de artistas como Miles Davis (Sketches of Spain,
1960; Flamenco Sketches, incluido en Kind of Blue, 1959) o John
Coltrane (Olé, 1961). Sin embargo, en España hubo de esperar hasta
1967, año en que el saxofonista Pedro Iturralde editó su Jazz Flamenco
(MPS), un disco que contaba con la colaboración de Paco de Lucía y que
se considera usualmente como la obra fundacional del género. Discos
como My Spanish Heart de Chick Corea (1976) o Friday Night in San
199

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Francisco, una grabación de 1980, en trío, de los guitarristas Al
DiMeola, John McLaughlin y Paco de Lucía, abundaban en la idea de la
fusión de ambos géneros, dentro de una corriente de renovación en el
famenco, que después se denominó nuevo famenco, un concepto que
De Lucía reelaboró en sus trabajos con el sexteto integrado por él mismo,
su hermano Pepe de Lucía, Ramón de Algeciras, Carles Benavent,
Rubem Dantas y Jorge Pardo (Live... One Summer Night, 1984). A
partir de mediados de esa década, Benavent, Dantas y Pardo iniciaron
sus carreras en solitario, ayudando a consolidar un estilo donde no
tardaron en aparecer trabajos de fguras del jazz español y el famenco,
como Joan Albert Amargós, El Potito, Antonio Carmona, Chano
Domínguez, Ángel Rubio, Guillermo McGill, Gerardo Núñez, Jerry
González, Juan Manuel Cañizares, Agustín Carbonell "El Bola", Perico
Sambeat o Javier Colina, artistas que continúan explorando el camino
abierto por Davis, Coltrane, Iturralde y Paco de Lucía más de medio
siglo atrás.
En el resto del mundo distintos músicos de tradiciones muy
diversas continúan elaborando fusiones estilísticas que a menudo tienen
al jazz como coprotagonista. Esta orientación parte en la década de 1950,
con artistas como Dizzy Gillespie, Dollar Brand, Sun Ra o Yusef Lateef,
y se afanza, más tarde, a fnales de los años 1960 y en la década de 1970,
cuando Don Cherry, John McLaughlin, Don Ellis o Andy Narell
comenzaron a fusionar elementos étnicos tales como instrumentación,
armonías o ritmos, de distintas procedencias (África, la India, Bulgaria,
Francia, Brasil, Japón, la Polinesia, Marruecos, el Caribe...), en trabajos
donde la improvisación característica del jazz tenía un lugar importante.
Esta familia de géneros de «fusión étnica», cuya cercanía al jazz
varía de un artista a otro, suele agruparse dentro del término generalista
world music, denominación que incluye además otros estilos poco o
nada relacionados con el jazz. Entre los artistas que han desarrollado su
trabajo en esta línea, además de los citados, se encuentran Shakti,
Babatunde Olatunji, Zakir Hussain, Paul Winter, David Amram, Rabih
Abou-Khalil, Anouar Brahem, Paul Horn, Lou Harrison, Codona,
Harry Partch, Trilok Gurtu, Manu Dibango, Lakshminarayanan
Shankar, Alpha Blondy, Strunz & Farah, Toshinori Kondo, M'Lumbo,
Elek Bacsik, Najma Akhtar, Richard Bona o Hugh Masekela.
La década de 1980. La crisis del jazz y el nuevo tradicionalismo
El auge del «neo-tradicionalismo» que tuvo lugar con la llegada
de la década de 1980 marcó el punto más alto de la crisis que había
200

JAZZ
afectado al jazz desde la popularización masiva del rock, en la década de
1960. El jazz representaba para los negros norteamericanos la alternativa
popular a la música clásica, pero en el momento en que comenzó a
derivar, primero hacia el free jazz y luego hacia las distintas fusiones que
tuvieron lugar en la década de 1970, fue alejándose cada vez más de sus
orígenes, entrando en una crisis de identidad que a fnales de esa década
aún no había sido resuelta. En ese período el término jazz se solía
identifcar simplemente con la música instrumental, los músicos blancos
estaban logrando más éxito que los negros y el panorama creativo en
general era bastante desalentador. Sin embargo, la llegada de los neotradicionalistas
cambió el orden de las cosas: en lugar de abanderar una
nueva revolución en el género, reivindicaron una vuelta a sus orígenes
trasladando los términos del debate desde la dicotomía free jazz/jazz
fusión al debate entre los defensores de la pureza del estilo (neo
tradicionalismo) y los partidarios de su evolución.
Scott Hamilton, con su A Is a Good Wind Who Is Blowing Us
No Ill (1977) inauguró el revival del jazz clásico, el mismo año en que se
publicó el primer disco del quinteto V.S.O.P., liderado por Herbie
Hancock. Una vuelta a los principios del bop, que se vio continuada en
la obra de los pianistas Kenny Barron, Joanne Brackeen, Jessica
Williams, Mulgrew Miller, Fred Hersch, Marcus Roberts o Brad
Mehldau; de los saxofonistas Ernie Krivda, Joe Lovano, Bobby Watson,
Dave Liebman, Joshua Redman, James Carter o Courtney Pine; de los
trompetistas Jack Walrath, Tom Harrell, Terence Blanchard, y Roy
Hargrove; o del trombonista Steve Turre.
Mención aparte merece Wynton Marsalis, el principal
representante de una saga familiar de Nueva Orleans que se inicia en la
obra de Ellis Marsalis, padre del anterior (y de Brandford, Delfeayo y
Jason, todos ellos destacados músicos de jazz), y un importante educador
que tuvo entre sus alumnos más destacados a Terence Blanchard,
Donald Harrison, Harry Connick, Jr., Nicholas Payton, o a Kent y
Marlon Jordan, entre otros. La llegada a la escena de Wynton Marsalis,
considerado por la crítica como el músico de jazz más famoso desde
1980, supuso la inauguración del movimiento de los Young Lions
(jóvenes leones), un movimiento que tuvo como resultado la
contratación por parte de las grandes compañías discográfcas —incluso
de aquellas que nunca habían mostrado interés alguno en este tipo de
música— de los jóvenes talentos del jazz. Con un conocimiento
enciclopédico de la tradición de su instrumento, Marsalis ha sido
criticado por su papel conservador como director de la Lincoln Center
Jazz Orchestra, una banda dedicada a preservar la identidad musical del
201

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
jazz de los afroamericanos, pero también ha destacado por su papel de
divulgador de la cultura del jazz, y como introductor de nuevos talentos.
El movimiento M-Base y el acid jazz
Fotografía promocional de la banda británica de acid jazz Incógnito.
A mediados de la década de 1980 surgió en Nueva York el colectivo M-
Base, un grupo de músicos inspirados por las ideas armónicas de Ornette
Coleman cuyas obras giraban en torno al free jazz y al funk, con
elementos procedentes de la música, la flosofía y la espiritualidad del
África Occidental. Entre los representantes más destacados del colectivo
se encuentran los saxofonistas Steve Coleman, Gary Tomas y Greg
Osby; el trompetista Graham Haynes; el trombonista Robin Eubanks; el
guitarrista Jean-Paul Bourelly; los pianistas Geri Allen y Jason Moran; la
bajista Meshell Ndegeocello; o la cantante Cassandra Wilson.
En 1988 aparece, de la mano del DJ británico Gilles Peterson (dedicado
en esa época a editar remezclas de clásicos del jazz con bases hip hop) el
término acid jazz, aplicado a un nuevo estilo musical que integraba
elementos del jazz, del funk y del hip hop. El término pasó a ser el
nombre de una discográfca creada por el mismo Peterson para dar salida
a grupos del estilo y, fnalmente, se impuso como denominación del
propio género. Entre sus primeros representantes se encuentran el
guitarrista Charlie Hunter o el trío Medeski Martin & Wood, pero no
tardaron en surgir derivaciones más enfocadas a las pistas de baile como
Stereo MCs, James Taylor Quartet, Brand New Heavies, Groove
Collective, Galliano, Incógnito o los exitosos Jamiroquai. Otras bandas
importantes del movimiento fueron Mondo Grosso, United Future
Organization, Te Jazz Warriors, Count Basic, o el guitarrista Ronny
Jordan, que desarrollaron el grueso de su discografía ya entrada la década
de 1990.
New-age jazz
En 1975 el guitarrista norteamericano William Ackerman había
acuñado el término new age para defnir un estilo de música
instrumental de corte atmosférico, cuyo origen se podía rastrear en las
fronteras del jazz con la música clásica, el folk, e incluso con la música
psicodélica, la electrónica y las flosofías orientales. La nueva música,
dirigida a un público acomodado y urbano, era una música
202

JAZZ
genuinamente blanca, cuyo centro neurálgico se situaba en la Costa
Oeste de los Estados Unidos.
Ya Tony Scott con su Music For Zen Meditation (1964) y Paul
Horn (In India, 1967), entre otros, habían experimentado con la fusión
del jazz con las tradiciones musicales de oriente, pero el género tuvo que
esperar hasta mediados de la década de 1970 para que músicos como
Mark Isham o David Darling comenzaran a trazar sus líneas defnitivas,
que quedaron bien establecidas a lo largo de toda la década siguiente en
la obra de George Winston, Michael Hedges, Daniel Kobialka, Michael
Jones, David Lanz, Liz Story, Mark Nauseef, Glen Vélez, Rob
Wasserman o el grupo Shadowfax.
El jazz contemporáneo
Los años 1990 y el post-jazz
Desde mediados de la década de 1970 la ciudad de Nueva York
estaba experimentando una "nueva ola" de creatividad musical, tanto en
el mundo del rock como en el mundo del jazz y la música de vanguardia.
La revolución neoyorquina nacía de diversas raíces, y la cuestión racial
era una de ellas: los músicos blancos lideraban el movimiento, y los
músicos negros habían sido apartados de facto tanto de la escena de la
música rock como de la clásica. El jazz se había cruzado anteriormente
con otras músicas negras —el blues, el funk, el soul...—, pero hasta
entonces no lo había hecho con estilos como el rock o la música clásica
de vanguardia, tradicionalmente dominadas por músicos blancos. La
revolución neoyorquina cambió el orden de las cosas.
Entre los primeros músicos en catalizar toda esta serie de
elementos estuvieron el saxofonista John Zorn; el guitarrista Elliott
Sharp, cuyas composiciones son un ejemplo de síntesis de disonancia,
repetición e improvisación; Eugene Chadbourne, que integraba
elementos del jazz de vanguardia con la música blanca de origen rural; el
guitarrista Henry Kaiser ; el violoncelista Tom Cora; el guitarrista
irlandés Christy Doran; el baterista judío Joey Baron; y otros muchos
músicos de la misma generación.
La revolución neoyorquina se dejó sentir tanto en el tipo de
material en el que los músicos se estaban embarcando como en el tipo de
técnicas que empleaban para improvisar, recogiendo infuencias de todo
tipo y fusionándolas sin limitaciones conceptuales. Así, el saxofonista
Ned Rothenberg se estableció entre la primera línea de las nuevas
generaciones de improvisadores. Otros músicos, como el trombonista
Jim Staley, o Tom Varner, un virtuoso del corno francés, se situaron
203

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
entre los más originales de su generación. Mucho más conocido, el
guitarrista Bill Frisell asimiló en su obra infuencias del jazz y del rock,
pero también del folk, de la música de las marching bands o incluso de la
música eclesiástica. Solistas como el violonchelista Hank Roberts, o
Mike Shrieve (exbaterista de Santana) pusieron también su capacidad
integradora en primera línea.
Big bands de la era del post-jazz
La segunda mitad de la década de 1990 conoció un revival de la
música para las big bands, una tendencia que se había originado en la
década anterior, en la obra de músicos como el bajista Saheb Sarbib o el
cornetista Butch Morris. El teclista Wayne Horvitz desarrolló su idea del
«jazz progresivo de cámara», mientras que el veterano multinstrumentista
Marty Ehrlich recogía la infuencia del jazz tradicional, la improvisación,
la música ligera y la música clásica de vanguardia, y la estadounidense
María Schneider, alumna de Gil Evans, resucitó el estilo de su maestro
en diversos álbumes para orquesta.
Las nuevas escenas de Chicago y Nueva York
Durante la década de 1990 la ciudad de Chicago se convirtió en
un foco de creatividad musical donde surgieron fguras de interés como
la pianista Myra Melford, que había debutado en 1984. El saxofonista
Ken Vandermark ofreció Big Head Heddie en honor a Telonious
Monk y al gurú del funk George Clinton, antes de embarcarse en una
carrera singular en la que experimentaría con distintos formatos y
aproximaciones. El violonchelista Fred Lonberg-Holm, pupilo de
Anthony Braxton se unió a la nueva ola de improvisadores creativos,
mientras que el saxofonista/clarinetista Scott Rosenberg, otro alumno de
Braxton, expandió el vocabulario del jazz con una cierta anarquía
polifónica, ya en los albores del siglo XXI.
Antes de fnalizar la última década del siglo XX, apareció en la
escena de Nueva York una nueva generación de jóvenes músicos que
encontraron en la improvisación el elemento clave de su música: la
arpista Zeena Parkins, el fautista Robert Dick, el trompetista Toshinori
Kondo, o el guitarrista Alan Licht. Otros, como el pianista Uri Caine o
el trompetista Dave Douglas, exploraron la relación entre el hard bop, el
free jazz y la música clásica.
204

JAZZ
El jazz en el siglo XXI
A fnales del siglo XX el legado del free jazz era muy visible
entre la comunidad negra de músicos de jazz, particularmente en la
escena de Nueva York, donde destacaban nombres como el saxofonista
David Ware, el irreverente trombonista Craig Harris, o el pianista
Matthew Shipp, quien coqueteaba con el hip hop. El clarinetista de
formación clásica Don Byron había hecho su aparición en la escena
neoyorquina a principios de la década de 1990, al igual que el
saxofonista Roy Nathanson o el trombonista Curtis Fowlkes, ambos
exmiembros de Jazz Passengers. Por último, el grupo B Sharp Jazz
Quartet insertó su obra entre el hard bop y el free jazz.
Más allá de las fronteras de Nueva York, continuaban
apareciendo en los últimos años del siglo pasado una serie de artistas, que
desarrollarían el grueso de su trabajo —en el que reelaboraban los
conceptos establecidos por generaciones de jazzistas anteriores de
múltiples y creativas maneras— ya en el nuevo siglo. Por ejemplo, el
bajista Michael Formanek había debutado en 1990, y el argentino
Guillermo Gregorio o el canadiense Paul Plimley, ya habían editado
discos a mediados de la misma década. El yugoslavo Stevan Tickmayer,
por su parte, colideró Te Science Group, un intento de fusionar la
música de cámara con la improvisada. Otros músicos destacados de esta
primera generación del nuevo siglo, son Greg Kelley, y el violinista
canadiense Eyvind Kang, uno de los más eclécticos músicos de su
generación88 También a comienzos de los años 2000, aparecieron los
discos de confrmación de músicos como el trombonista Josh Roseman,
el contrabajista Ben Allison, el saxofonista David Binney, o el pianista
Jason Lindner, todos ellos norteamericanos. Destacan también los
trabajos del francés Erik Trufaz y del trompetista israelí Avishai Cohen.
Jazz electrónico
La revolución que había traído consigo la música electrónica
ejerció también su infuencia en el desarrollo del jazz, que asistió al
surgimiento de una nueva generación de improvisadores, que venían de
la tradición del free jazz pero que recogían la infuencia de la vanguardia
clásica y de la electrónica: Ben Neill, el guitarrista y teclista Kevin
Drumm, el percusionista suizo Günter Müller, o Miya Masaoka, de
origen japonés pero nacida en Washington D. C.. Otros creadores, como
Tyondai Braxton, o el trompetista noruego Nils Petter Molvær,
205

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
experimentaron con la manipulación de loops orquestales y, caso
también de Greg Headley, manipularon electrónicamente los sonidos de
sus instrumentos mientras que, por último, grupos como Triosk
efectuaron contribuciones importantes en la misma dirección.
En el campo del jazz rap, que ya se había desarrollado bastante
en las últimas décadas del siglo XX, y comienzos del XXI, se produce una
gran cantidad de obras, por parte de grupos y músicos provenientes del
hip hop, como Kanye West, Crown City Rockers, Nujabes, A Tribe
Called Quest, Madlib, el dúo inglés Te Herbaliser, o los franceses
Hocus Pocus, entre otros.
Elementos del jazz
Fraseo
Una de las mayores diferencias entre el jazz y la música clásica
europea tiene que ver con la formación del tono: mientras que los
distintos integrantes de una sección de instrumentos en la orquesta
clásica aspiran a obtener el mismo sonido de sus instrumentos, de forma
tal que puedan ejecutar los pasajes del modo más homogéneo posible, los
músicos de jazz aspiran a lograr un sonido propio que los distinga del
resto. El criterio no es ya la «pureza» de sonido que buscan los músicos
clásicos, sino lograr expresividad con el instrumento, y así se puede decir
que en el jazz la expresión está por encima de la estética. Esta
característica explica que muchos afcionados al jazz sean capaces de
distinguir quién está tocando tras las primeras notas, un fenómeno que
suele asombrar a los no iniciados.
El fraseo de jazz tiene sus particularidades: Kid Ory, por
ejemplo, solía tocar melodías circenses y de marchas militares, pero su
característico sonido convertía su música en jazz, mientras que Stan Getz
poseía un sonido similar al de los saxofonistas clásicos, pero su fraseo y el
tipo de melodías que solía ejecutar hacían de él un músico de jazz. El
fraseo en el jazz tiene su origen en la música de los esclavos africanos en
los campos de trabajo, caracterizada por el esquema básico de call-andresponse
(«pregunta-respuesta»), y también en el modo que los negros
americanos tenían de tocar los instrumentos clásicos europeos.
Por otra parte, se ha discutido con frecuencia sobre la cuestión
racial en el jazz. Roy Eldridge, por ejemplo, afrmó poder distinguir a los
músicos blancos de los negros, pero en una prueba a ciegas a la que fue
sometido falló constantemente.[cita requerida] Con independencia de
cualesquier consideraciones, lo cierto es que músicos negros y los blancos
206

JAZZ
han colaborado a menudo con resultados muy positivos (Fletcher
Henderson y Benny Goodman; Neal Hefti y Count Basie), que algunos
músicos negros como Charlie Mingus han estado al frente de la
vanguardia experimental reservada comúnmente a los músicos blancos, y
que algunos músicos blancos, como Gerry Mulligan o Al Cohn han
señalado constantemente la importancia de elementos típicamente
negros como el swing o el blues.
Improvisación
La improvisación es una de las características defnitorias del
jazz. Se trata de un concepto muy antiguo, que se remonta a la obra de
grandes compositores clásicos como Johann Sebastian Bach, quien
improvisaba a menudo sobre las armonías de sus obras. Aunque los
primeros ejecutantes de jazz no sabían nada acerca de los compositores
clásicos, el jazz adoptó rápidamente la idea, convirtiéndose desde su
nacimiento en una música esencialmente improvisada, donde los
músicos parten de unos esquemas previos y de sus conocimientos y
habilidades adquiridas a través de sus años de estudios para ejecutar solos
improvisados sobre la estructura armónica de los temas. Un solo es, por
defnición, una pieza musical ejecutada por un instrumentista con o sin
acompañamiento, y en algunas obras didácticas se dice que la habilidad
para ejecutar un buen solo se asemeja a la habilidad para contar una
historia, donde no importa solo «lo que se dice», sino también «cómo» se
dice. Para crear un solo, los músicos necesitan conocer algunos
elementos básicos, como la estructura de acordes del tema sobre el que
están ejecutando el solo, la función que cada acorde juega dentro de la
estructura armónica del tema o las escalas que se derivan de cada uno de
los acordes que componen el tema, y luego deben integrar todos esos
elementos con la melodía, que servirá en muchos casos como "guía" para
el solista. Además deben disponer de los conocimientos y la experiencia
necesarios para poder interpretar toda esa información, lo que en la
práctica signifca conocer a fondo el lenguaje del jazz y de sus distintos
dialectos: jazz tradicional, swing, bebop, hard bop y las innovaciones
rítmicas y armónicas que tuvieron lugar después.
La estructura
La mayoría de los temas de jazz desde la era del bebop en
adelante están basados estructuralmente en la forma de alegro de sonata
de la teoría clásica: una introducción opcional, la exposición del tema
207

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
(que a veces se repite), una sección de desarrollo y el fnal, seguido
opcionalmente por una coda. En la terminología del jazz, tales secciones
reciben comúnmente los siguientes nombres:
Intro, que es donde se fja el carácter de la pieza. Tiene carácter
opcional.
Tema (head en inglés), que es donde se ejecuta la melodía.
Vueltas, ruedas o sección de solos (solo section en inglés), que
es donde los músicos ejecutan, por turno, sus solos.
Vuelta a tema (head out en inglés), donde se vuelve a ejecutar
la melodía.
Coda, que da por concluida la interpretación de los músicos y,
con ello, la pieza. Como la intro, tiene también carácter opcional.
Aunque no todos los temas de jazz se ajustan a esta forma, la
inmensa mayoría de ellos sí lo hacen. Durante la sección de solos, la
sección rítmica (comúnmente formada por piano, contrabajo y batería)
continúa tocando los acordes de la progresión armónica del tema para
que los solistas improvisen por turnos sobre ella. Cada vez que se llega al
último de los acordes se vuelve de nuevo al primero, para iniciar una
nueva "rueda" de acordes (chorus, en inglés) que será aprovechada por el
mismo solista para ampliar su solo, o por otro distinto para tomar su
turno.
Dentro de este esquema básico, las dos estructuras más
comunes entre los standards de jazz son el blues y el esquema AABA. La
mayoría de los temas de blues son variaciones del esquema básico de
blues de doce compases, mientras que el esquema AABA, muy popular
no solo entre los temas de jazz sino también en todo tipo de música
popular desde principios del siglo XX hasta la llegada del rock'n'roll,
consiste en dos secciones:
La sección A, comúnmente llamada "verso"
La sección B, denominada "puente"
Estas estructuras son solo dos de las más conocidas y empleadas por los
músicos de jazz, que suelen utilizarlas como guía para la improvisación.
No obstante, a lo largo de la historia, distintos músicos free como Cecil
Taylor han demostrado que es posible crear jazz sin necesidad de
atenerse a este tipo de estructuras formales.
El arreglo
Puede parecer que el arreglo y la improvisación son dos aspectos
contradictorios, pero en realidad los arreglos se han estado utilizando en
el jazz desde la época de Nueva Orleans, no como un obstáculo a la
208

JAZZ
improvisación, sino como una ayuda a la creatividad. Cuando existen
arreglos, el músico solista sabe a qué atenerse, y de hecho, algunos de los
más grandes improvisadores de la historia, como Louis Armstrong,
exigían tocar siempre con arreglos. Por otra parte, Fletcher Henderson, el
primer gran arreglista de jazz de la historia, concedía gran importancia a
la improvisación en su orquesta, así como Jelly Roll Morton o Duke
Ellington, otro de los más grandes arreglistas del jazz. Los arreglos en el
jazz estuvieron presentes ya desde su surgimiento, en la obra de artistas
como King Oliver, Clarence Williams o los ya citados Louis Armstrong y
Jelly Roll Morton, así como en otras agrupaciones de Nueva Orleans y
de dixieland.
A diferencia de la música clásica europea, en el jazz el arreglo no
está siempre escrito, y muchos arreglistas y directores musicales tienen la
costumbre de discutir oralmente con sus músicos los arreglos antes de la
ejecución de la banda. El head arrangement, un término que se utiliza
desde la década de 1930, se refere a este fenómeno, y conceptualmente
se sitúa entre la improvisación y el arreglo escrito propiamente dicho. A
lo largo de la historia del jazz el arreglo —como la improvisación— ha
sufrido una serie de transformaciones que lo han llevado desde la música
de Charlie Parker o Miles Davis hasta las complejidades del free jazz, con
su énfasis en el carácter improvisado de la música. Las distintas tomas del
mismo tema que Parker registraba en el estudio eran tan diferentes entre
sí que podían considerarse piezas nuevas, y John Lewis, del Modern Jazz
Quartet subrayaba la conexión entre el trabajo de un arreglista y el de un
compositor de jazz, conexión sobre la que se extiende Berendt: El
término «compositor de jazz» es, así, una paradoja: jazz signifca
improvisación y «compositor» signifca, al menos en Europa, exclusión
de la improvisación. Pero la paradoja puede hacerse fértil: el compositor
de jazz estructura su música en el sentido de la gran tradición europea y
deja sin embargo un espacio libre para la improvisación.
Teoría y armonía
Para poder tocar su música, el intérprete de jazz necesita
disponer de una serie de conocimientos teóricos y armónicos que son
fruto a menudo de un largo período de formación —sea autodidacta, sea
en escuelas de jazz—, o de la experiencia práctica adquirida en jam
sessions. La teoría básica en el jazz comienza con la teoría de intervalos y
la formación de tríadas y cuatríadas que se deriva de ella, así como sus
inversiones. La escala mayor y sus siete modos —el jónico, el dórico, el
frigio, el lidio, el mixolidio, el eólico y el locrio— forman parte también
209

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
de la teoría básica que debe dominar por completo un músico de jazz, al
igual que el círculo de quintas.
Otro aspecto importante en la teoría del jazz es la relación
acorde-escala, es decir, la correspondencia que se establece entre los
acordes que componen la progresión armónica de un tema y las escalas
que el músico emplea para improvisar sobre ellos. En este sentido, las
cuatro escalas más importantes, de las que se derivan la mayoría de las
armonías utilizadas por los compositores de jazz son la escala mayor, la
escala melódica menor, la escala disminuida y la escala de tonos enteros,
y el conocimiento de todas ellas, así como de sus modos es una parte
importante del aprendizaje de todo músico de jazz. Otras aportaciones
importantes son las escalas bebop —modos jónicos, dóricos y mixolodios
de la escala mayor y la escala melódica menor con una nota de paso
añadida—, las escalas pentatónicas mayores y menores, las distintas
variaciones armónicas del blues y, por último, los rhythm changes, un
esquema armónico estándar basado en la progresión armónica del clásico
«I Got Rhythm», de George Gershwin.
La rearmonización, por otro lado, es una técnica que los
músicos de jazz emplean frecuentemente para reinterpretar un tema,
dándole un toque más interesante y personal. Consiste, básicamente, en
cambiar los acordes del tema que se está ejecutando, sustituyéndolos por
otros distintos sin alterar en exceso la melodía y el espíritu original del
tema. Para rearmonizar un tema pueden seguirse distintas estrategias:
Alterar sus acordes.
Aumentar el número de acordes.
Reducir el número de acordes.
Sustituir un acorde, o un grupo de ellos, por otro(s).
En la práctica, dos de las técnicas más comunes para ello son la
rearmonización de un acorde dominante por una progresión II-V, y la
sustitución por tritono.
El jazz modal
Capítulo aparte en la teoría del jazz merece el jazz modal, un
subestilo caracterizado por el uso de pocos acordes y mucho espacio
armónico, que fue popularizado por Miles Davis en su álbum de 1959
Kind of Blue. En el disco se encuentra «So What», un tema de solo dos
acordes que resume a la perfección la esencia del jazz modal: dejar
mucho más espacio para la improvisación en cada acorde de lo
acostumbrado en la mayoría de temas y standards, de manera que resulte
natural para el músico explorar con detalle la escala musical o modo
210

JAZZ
derivado de cada acorde, en lugar de centrarse simplemente en las notas
del acorde.
La sección melódica y la sección rítmica. Ritmo y swing
Toda agrupación de jazz dispone, con independencia de su
tamaño, de una "sección melódica" y una "sección rítmica". La primera
está compuesta de instrumentos melódicos como el saxofón, la trompeta
o el trombón, mientras que la segunda la componen instrumentos como
la batería, la guitarra, el contrabajo y el piano, siempre y cuando no
pasen a primer plano ejecutando, por ejemplo, un solo. En general, la
sección rítmica es la encargada de proveer el colchón armónico y rítmico
sobre el que tiene lugar la ejecución de melodías y solos, aunque pueden
producirse excepciones e inversiones de esta regla, especialmente en el
jazz moderno. Algunos críticos opinan que la sección rítmica está
íntimamente conectada con los orígenes africanos del jazz, mientras que
la melodía y la armonía proceden de la música clásica europea, una
música donde, tradicionalmente, el ritmo ha jugado un papel menos
importante, una diferencia que resulta especialmente patente si la
comparamos con la música tradicional de otros lugares del mundo.
La unidad rítmica básica en el jazz es el beat, el pulso que en
principio han de marcar a lo largo de la pieza el baterista y el bajista, o al
menos uno de ellos; esto es así en la inmensa mayoría de las ocasiones,
aunque en muchas otras, sobre todo en el free jazz, se dé por
sobreentendido y no se marque. Respecto al swing, J. E. Berendt nos
dice:
[El swing] se produjo ahí donde el sentido rítmico del africano «se aplicó» al
compás regular de la música europea y a través de un largo y complejo
período de fusión.
A lo largo de la historia del jazz, y con cada una de sus etapas,
ha prevalecido una concepción diferente de los ritmos fundamentales,
que fueron muy distintos para los músicos de las eras del ragtime, del
dixieland, del swing o del bebop. Los músicos del free jazz no se
limitaron ninguna fórmula básica; algunos reemplazaron el beat por lo
que denominaron el pulso, una unidad rítmica rápida y nerviosa que no
resultaba fácil identifcar o aislar; otros utilizaron fórmulas rítmicas
heterogéneas, introduciendo ritmos exóticos que procedían de la música
africana, árabe o hindú, hasta el punto de que no es infrecuente
encontrarse con quien piensa que el free jazz, una vez desaparecido el
211

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
patrón básico del swing, ya no puede considerarse estrictamente como
jazz.
Por último, a partir de la década de 1970 la corriente
mainstream volvió a un cierto tradicionalismo en el aspecto rítmico, al
tiempo que surgió el jazz rock y el jazz fusion, con un planteamiento
muy diferente: los bateristas de ese estilo, como Billy Cobham,
sustituyeron los patrones ternarios (atresillados) de subdivisión del swing
tradicional por patrones de subdivisión binaria que se acercaban a los
ritmos utilizados por los músicos de rock o de la música latina.
La melodía
La melodía, íntimamente relacionada con la armonía, ha
recorrido una evolución singular a lo largo de la sucesión de las distintas
etapas de la historia del jazz. En el jazz primitivo apenas existía algo que
pudiésemos llamar melodía, que en todo caso, no difería mucho de las
melodías de la música de circo, de las marchas militares, o de la música
de piano y de salón del siglo XIX. Conforme el fraseo de los solistas
evolucionaba, fue ejerciendo una notable infuencia en la melodía,
modelando poco a poco un tipo de melodía característica, la «melodía
jazzística», caracterizada por su fuidez, su naturaleza improvisada, su
renuncia expresa del uso de negras y corcheas y por su gusto por los
matices y la individualidad de la interpretación.
En el ámbito del free jazz se han observado dos tendencias
opuestas respecto a la melodía: por un lado la de aquellos músicos que
quisieron conservar toda la fuerza expresiva del fraseo de los músicos de
generaciones anteriores como Lester Young y Charlie Parker, y por el
otro la de aquellos que prefrieron desplazar el énfasis hacia el sonido, tal
y como, por ejemplo, Bubber Miley hizo con sus «sonidos de la selva».
La melodía concreta del tema sobre el que se improvisa se ha
vuelto progresivamente menos importante con el transcurrir del tiempo,
y algunos de los músicos más modernos improvisan tanto que la melodía
pierde para ellos casi su sentido; frecuentemente, de hecho, el tema es
irreconocible para el oyente, pues el músico no improvisa sobre la
melodía del tema, sino sobre sus acordes, a menudo rearmonizándolos o
alterándolos de algún modo alejándose por completo del tema original.
El arte de inventar nuevas melodías sobre progresiones armónicas
conocidas se ha ido desarrollando a lo largo de la historia del jazz; los
primeros improvisadores recorrían «verticalmente» las notas
correspondientes a cada acorde, mientras que en el jazz moderno se
212

JAZZ
buscan líneas melódicas «horizontales» que trascienden las limitaciones
de la armonía que imponían los acordes en los primeros tiempos.
Los primeros músicos bop se saltaban a propósito las divisiones
estructurales para difcultar la orientación de los colegas que pretendían
copiar sus ideas. Así, para los oyentes del bop resultaba difícil determinar
dónde comenzaba y dónde acababa un solo, una tendencia que encontró
su máxima expresión entre los músicos del movimiento free, una música
en la que improvisaba colectivamente hasta la propia forma del tema,
con momentos de tensión que iban seguidos de otros momentos de
calma. El contraste entre tensión y relajación tiene su origen en los
músicos de Kansas City de la década de 1930, aunque fue Charlie
Christian quien adoptó la técnica en su estilo de improvisación,
alternando la ejecución de rifs con improvisaciones melódicas que
resolvían la tensión creada por los primeros.
Instrumentos e instrumentistas
Desde fnales de la primera década del siglo XX, y hasta
aproximadamente 1950, la instrumentación básica usada por los músicos
de jazz fue esencialmente la misma: dos metales (trompeta y trombón),
dos instrumentos de lengüeta (saxofón y clarinete) y la sección rítmica
(batería, contrabajo, piano y, en ocasiones, guitarra). La historia del jazz
puede ser escrita para cada instrumento, pues en cada uno de ellos han
ido apareciendo fguras y revoluciones que han ido moldeando con el
tiempo no solo su técnica, sino la manera de conceptualizar su función
dentro de la banda. Desde una perspectiva similar, la historia del jazz se
caracteriza por el lugar predominante que cada instrumento ha ido
adquiriendo a través de sus distintas etapas:
El piano dominó el período del ragtime. Los "Reyes del Jazz"
(King Oliver, Louis Armstrong...) fueron siempre trompetistas durante
la época de Nueva Orleans y Chicago. La era del swing fue la edad
dorada del clarinete. Lester Young y Charlie Parker impusieron el
saxofón como el instrumento principal, al principio el tenor, luego el
alto y después nuevamente el tenor. Desde principios de la década de
1970 la instrumentación electrónica (pianos, guitarras y bajos eléctricos,
sintetizadores) fue cobrando cada vez un mayor protagonismo en el
sonido del jazz.
Ha habido tres grandes transformaciones en cuanto a la
instrumentación en el mundo del jazz: la primera, cuando Lester Young
introdujo la idea de que con cualquier instrumento se podía tocar jazz; lo
jazzístico no dependía tanto del timbre del instrumento como del hecho
213

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
de que con él se pudiese ejecutar el fraseo adecuado con la sufciente
fexibilidad y claridad; La segunda tuvo lugar a mediados de la década de
1970, al irrumpir con fuerza los instrumentos eléctricos y electrónicos,
redefniendo «el sonido del jazz» e introduciendo nuevos instrumentos
que posibilitaban novedosas formas de expresión artística; y la tercera, al
abrirse el jazz al mundo de la world music, con nuevos sonidos
instrumentales.
214

6
POP

POP
6. POP
La música pop (del inglés pop music, contracción de popular
music) es un género de música popular que tuvo su origen a fnales de
los años 1950 como una derivación del tradicional pop, en combinación
con otros géneros musicales que estaban de moda en aquel momento.
Los términos música pop y música popular se usan a menudo
de manera indistinta, aunque el segundo tiene un sentido más amplio al
dar cabida a otros géneros distintos del pop que se consideren populares.
Como género, la música pop es muy eléctrica, tomando
prestado a menudo elementos de otros estilos como el urban, dance, el
rock, la música latina, el rhythm and blues o el folk. Con todo, hay
elementos esenciales que defnen al pop, como son las canciones de corta
a media duración, escritas en un formato básico (a menudo la estructura
verso-estribillo), así como el uso habitual de estribillos repetidos, de
temas melódicos y ganchos. La instrumentación se compone
habitualmente de guitarra, batería, bajo, guitarra eléctrica, teclado,
sintetizador, etc.
Defnición
El Diccionario de la lengua española defne «pop» como «un
cierto tipo de música ligera y popular derivado de estilos musicales
negros y de la música folclórica británica», siendo el término procedente
del inglés pop, un acortamiento de popular (popular).
Los autores y estudiosos de música David Hatch y Stephen
Millward defnieron la música pop como: «un cuerpo de la música, el
cual es distinguible de la música popular, el jazz y la música folk».
El término canción pop se registró por primera vez en 1926,
usado en el sentido de una pieza musical «que tenga atractivo popular».
A partir de la década de 1950, el término «música pop» se ha utilizado
para describir un género distinto, destinado a un mercado joven, a
menudo caracterizado como una alternativa suave al rock and roll. Según
el musicólogo T. Warner, «a raíz del auge de los artistas británicos de la
conocida como invasión británica, alrededor de 1967, el término fue
utilizado cada vez más en oposición al concepto de música rock, para
describir una forma musical más comercial, efímera y accesible».
Aunque la música pop es a menudo vista como orientada a las
listas de ventas de sencillos, como género no consiste simplemente en la
suma de todos los éxitos musicales, que ha contenido siempre canciones
procedentes de una variedad de fuentes, entre ellas la música clásica, el
217

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
jazz o el rock, sino que confgura un género con una existencia y
desarrollo separados.
Infuencias y desarrollo
A lo largo de su existencia, la música pop ha absorbido
infuencias de la mayoría de los otros géneros de música popular. El pop
de los comienzos se inspiró en la balada sentimental para tomar su
forma, tomó del góspel y el soul su uso de las armonías vocales, del jazz,
el country y el rock su instrumentación, de la música clásica su
orquestación, del dance su tempo, de la música electrónica su
acompañamiento, del hip hop elementos rítmicos, y recientemente ha
incorporado también los pasajes hablados del rap.
Así mismo, ha sacado partido de las innovaciones tecnológicas.
En los años 1940 un mejorado diseño del micrófono hizo posible un
estilo de canto más íntimo, y diez o veinte años más tarde los discos de
45 r.p.m. —baratos y más duraderos— «revolucionaron la manera en
que se diseminó el pop» y ayudaron a conducir a la música pop a «un
star system de disco/radio/cine». Otro cambio tecnológico fue la amplia
disponibilidad de la televisión en los años 1950; con las actuaciones
televisadas, «las estrellas del pop tenían que tener una presencia visual».
En la década de los 60, la introducción de receptores de radio baratos y
portátiles signifcó que los adolescentes podían oír música fuera de casa.
La grabación multipista (de los 60) y el sampling digital (de los 80) han
sido usados también como medios para la creación y elaboración de
música pop. A comienzos de los 80, la promoción de la música pop se
había nutrido del auge de los programas y canales musicales de
televisión, como la MTV, que «favorecieron a aquellos artistas como
Michael Jackson y Madonna que poseían un fuerte atractivo visual».
La música pop ha estado dominada por la industria musical
norteamericana y británica, cuya infuencia ha hecho de la música pop
una especie de monocultura internacional, pero la mayoría de las
regiones y de los países tienen su propia forma de pop, a veces
produciendo versiones locales de tendencias más amplias y prestándoles
características locales. Alguna de estas tendencias (por ejemplo el
europop) han tenido un signifcativo impacto en el desarrollo del género.
De acuerdo con Grove Music Online, «los estilos occidentales
de pop, ya sea coexistiendo o marginando a los géneros de carácter local,
se han expandido por el mundo y han llegado a constituir unos
denominadores estilísticos comunes en las culturas globales de música
comercial». Algunos países no occidentales, como Japón, han
218

POP
desarrollado una industria próspera de música pop, la mayoría de la cual
se enfoca al pop de estilo occidental, y ha producido durante varios años
una cantidad de música mayor que cualquier otro país excepto Estados
Unidos. La expansión de la música pop de estilo occidental ha sido
interpretada de manera variada como la representación de procesos de
americanización, homogeneización, modernización, apropiación creativa,
imperialismo cultural, y/o un proceso más genérico de globalización.
Características
Los musicólogos suelen identifcar una serie de características
como típicas del género de música pop: un enfoque en canciones
individuales o sencillos (singles), en lugar de obras extensas o álbumes; el
objetivo de atraer a un público general, en lugar de dirigirse a una subcultura
o ideología; una preferencia por la artesanía por encima de
cualidades formales artísticas; cierto énfasis en la grabación, producción y
tecnología, antes que la actuación en vivo; y una tendencia a refejar las
tendencias existentes en lugar de a los desarrollos progresivos.
El principal elemento de la música pop es la canción, a menudo
de entre tres y cinco minutos de duración, generalmente marcada por un
elemento rítmico constante y notable, un estilo afín a la corriente
dominante, y una estructura tradicional y simple. Las variantes más
comunes son la estrofa-estribillo y la forma de treinta y dos compases,
con una especial atención a las melodías pegadizas y un estribillo que
contrasta melódica, rítmica y armónicamente con la estrofa. El ritmo y
las melodías tienden a ser sencillos, con un acompañamiento armónico
limitado. Las letras de las canciones pop modernas se centran
típicamente en temas sentimentales o de la vida cotidiana,
particularmente las relaciones amorosas, las experiencias personales y los
temas sociales, entre otros.
La armonía de la música pop coincide con la de la tonalidad
europea clásica, utilizando a menudo los ciclos de subdominantedominante-tónica,
aunque también con infuencias frecuentes de la
escala de blues.
Críticas
El pop, al tiempo que es el género musical con mayor difusión
y popularidad, es también blanco de diversas críticas. Según la opinión
del crítico de rock y sociólogo británico Simon Frith, la música pop se
produce «como una cuestión de empresa, no de arte… está diseñado
219

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
para atraer a todo el mundo» y «no proviene de ningún lugar en
particular o marca ningún gusto particular». No está «conducida por
ninguna ambición signifcativa, excepto el lucro y la recompensa
comercial... y en términos musicales, es esencialmente conservadora». Es
«provista siempre desde lo alto (por las compañías discográfcas,
programadores de radio y promotores de conciertos) en lugar de estar
hecha desde abajo... El pop no es una música “hecha por uno mismo”,
sino que es profesionalmente producida y envasada».
Por otro lado, algunos críticos musicales, comentaristas sociales
e investigadores de la industria de la música indican que la música pop
contemporánea sufre de un declive en calidad. Este declive puede
refejarse en el descenso de las ventas, la opinión pública cada vez más
desfavorable, estudios históricos y el descenso en la audiencia de los
conciertos. Además las investigaciones demuestran que las canciones pop
cada vez son más similares entre sí, además de que su composición se ha
vuelto mucho más minimalista, como consecuencia del descenso del
interés por parte de los compositores en incorporar novedades en sus
producciones, optando en su lugar por imitar a sus predecesores y
contemporáneos.
6.1. ADULT CONTEMPORANY
El adult contemporary music —en español, música
contemporánea para adultos—, frecuentemente abreviado como AC, es
un tipo de música popular que algunas estaciones de radio emplean
como formato dirigido principalmente a una audiencia adulta (de entre
aproximadamente 25 y 44 años de edad). Se compone principalmente de
música pop, R&B, soul y jazz contemporáneos; no incluye hip hop, hard
rock, heavy metal, pop juvenil o teen pop, ni dance de ritmo fuerte.
El AC ha generado con el paso de los años subgéneros que
incluyen el «hot AC», el «soft AC» («AC suave», también conocido como
«AC liviano»), el «urban AC», el «rhythmic AC» y el «Christian AC» (un
tipo más suave de música cristiana contemporánea). Algunos canales de
radio solo emiten «hot AC», «soft AC» o sólo uno de los variados
subgéneros. El AC no es considerado usualmente como un género
específco de música, ya que está compuesto únicamente por un
conjunto de pistas seleccionadas de músicos de diferentes géneros.
Soft adult contemporary
El soft adult contemporary (o soft AC o lite AC) es también
conocido como música lite o liviana en español[cita requerida], y muchas
220

POP
de las estaciones de radio que emiten este formato se autodenominan lite
stations (estaciones livianas). Otros sobrenombres para este tipo de
música son «Magic», «Warm», «Sunny», «Bee» (o simplemente «B») y
particularmente en Canadá «EZ Rock». El formato puede ser visto como
un sucesor mas moderno o en combinación a otros formatos como el
middle of the road (MOR), la beautiful music, el easy listening y el soft
rock.
Hot adult contemporary
Las estaciones de radio emisoras del hot adult contemporary
emiten una variedad de temas clásicos y música corriente contemporánea
dirigidos a un público adulto. Algunas de las estaciones Hot AC se
concentran un poco más en la música pop y rock alternativo para
poderse enfocar a la audiencia de la generación Z, a pesar de que
incluyen también la música más juvenil del pop adolescente, el urban y
el rhythmic dance.
Este formato incluye a menudo el pop bailable (como las
canciones alegres de Madonna, Cher, Gloria Estefan y Kylie Minogue),
el pop empoderado (principalmente por grupos vocales masculinos como
Backstreet Boys y Westlife), y la música rock suave orientado para
adultos y que está impulsada principalmente por la balada (típicamente
por los Eagles, Sting, Toto y los Moody Blues). En general, las estaciones
de radio Hot AC mantienen un grupo de audiencia de entre 18-54 años
de edad, tanto de hombres como de mujeres.
6.2. BUBBLEGUN POP
El bubblegum pop o música bubblegum o simplemente
bubblegum es un género musical de la música pop de carácter melódico
y ritmo animado, comercializado para atraer a los preadolescentes y
adolescentes. Es frecuentemente producida en un proceso de línea de
montaje, impulsado por productores que emplean a menudo cantantes
desconocidos.
El período clásico del bubblegum tuvo lugar desde 1967 hasta
1972. La segunda oleada de bubblegum comenzó dos años más tarde y
funcionó hasta 1977 cuando el disco tomó el mando y el punk rock
apareció.
El género fue predominantemente un fenómeno de sencillos en
lugar de álbumes, al entender que los adolescentes y los preadolescentes
tenían menos dinero para gastar en álbumes y, por lo tanto, eran más
221

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
propensos a comprar sencillos que álbumes. Además, dado que muchos
grupos habían sido fabricados en el estudio con músicos de sesión, un
gran número de canciones bubblegum fueron maravillas de un solo
éxito. Entre los más conocidos de la época de oro de este género están
1910 Fruitgum Company, Te Ohio Express y Te Archies, un grupo
virtual (sin existencia real; basado en una serie televisiva de dibujos
animados) que tuvo la canción bubblegum más exitosa, «Sugar, Sugar»,
la cual fue el sencillo número uno de la revista Billboard en 1969. El
cantante Tommy Roe, sin duda, tuvo más éxitos bubblegum que
cualquier otro artista en este período.
En la década de 1990, con la aparición de la música dance, se
desarrolló el estilo bubblegum dance, que tuvo éxito y presencia
internacional a partir de la canción «Barbie Girl», del grupo Aqua,
aunque este estilo ya existía desde años atrás con intérpretes como
Whigfeld, Scatman o Toy Box. El bubblegum pop está muy relacionado
–llegando a veces a confundirse- con el teen pop, género representado en
la actualidad por cantantes de gran popularidad como Justin Bieber,
grupos como One Direction y artistas juveniles de la factoría Disney.
Características
Las características principales del género bubblegum son que es
música pop o rock elaborada y comercializada para atraer preadolescentes
y adolescentes, producida en un proceso de línea de montaje impulsado
por productores —lo que le ha valido críticas de ser un estilo
"prefabricado"—, con un ritmo animado, coros para cantar en grupo,
una aparente temática infantil y una elaborada inocencia, a veces
combinados con un trasfondo sexual de doble sentido. Las canciones
bubblegum también son defnidas por tener una melodía pegajosa,
acordes simples, armonías sencillas, ritmos bailables, ostinati, ganchos
repetitivos, el uso de los nombres de las notas, y un estribillo a varias
voces. El bubblegum rara vez tiene solos de guitarra, por lo general
cuentan con órganos, y con frecuencia usa la palmada (sola o doble)
como instrumento de percusión.
6.3. CANCIÓN DE AUTOR
Cantautor es un músico, por lo general solista, que escribe,
compone y canta sus propias canciones, incluidas letra y melodía.
Aunque hay muchos cantantes de diversos géneros que escriben sus
propias canciones, el término cantautor se refere a un tipo específco de
222

POP
artista que se adscribe por lo general a una tradición folk-acústica y suele
incorporar a sus letras temáticas sociales, políticas, personales y
flosófcas, aunque hay cantautores que cantan sobre todo al amor.
Durante un tiempo se denominó a este tipo de música canción
protesta. Hoy en día el término se encuentra menos cargado de
connotaciones críticas o reivindicativas que en el pasado.
Orígenes y desarrollo
La canción de autor tiene una gran tradición en los países de
cultura mediterránea de Europa y en la mayor parte de América Latina.
Es un género reivindicativo, contra las injusticias sociales, pero que
también puede incluir canciones sobre el tema de la juventud, y también
sobre todo el amor.
Este tipo de música tuvo su época dorada en los años 1960 y
1970 (ligado a los movimientos sociales que se estaban desarrollando en
esa época). En los países hispanos recibió el nombre de Nueva Canción,
tanto en España (con artistas como Paco Ibáñez, Joan Manuel Serrat,
Luis Eduardo Aute, Víctor Manuel o Joaquín Sabina) como en
Latinoamérica (Violeta Parra, Silvio Rodríguez, Pablo Milanés o
Atahualpa Yupanqui). Fue también importante el movimiento en EEUU
(Woody Guthrie, Pete Seeger, Bob Dylan, Joan Báez), Francia (Charles
Trénet, Léo Ferré, Charles Aznavour), Italia (Domenico Modugno,
Franco Battiato) y en países de la Europa del Este.
En los años 1980 este género comienza a estar representado por
fguras asociadas al Rock en español como: Charly García, Luis Alberto
Spinetta, Fito Páez, Andrés Calamaro, Joaquín Sabina, Franco de Vita y
Miguel Mateos y a los géneros latinos las fguras más destacadas fueron:
Ruben Blades y Juan Luis Guerra
Durante los años 1990 resurgió con una nueva hornada de
jóvenes autores que revolucionaron la tradicional música de autor,
desprovistos ya de ribetes mesiánicos, y por tanto más libres en cuanto a
ritmos, formas expresivas y letras. Poco más tenían en común que el
hecho de ser autores de sus propias composiciones. Algunos nombres
destacados de esta generación son: Pedro Guerra, Jorge Drexler,
Alejandro Sanz, Ricardo Arjona, Rosana e Ismael Serrano. Entre los
cantautores románticos más destacados pueden citarse a: Armando
Manzanero, Roberto Carlos, José Luis Perales y Juan Gabriel.
223

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
6.4. CANCIÓN MELÓDICA
La canción melódica es un género musical cantado en español,
en el que abunda una gran presencia de orquestación y es interpretado
habitualmente por cantantes solistas de destacadas cualidades vocales.
Predominan en él las baladas, aunque también puede tener infuencias de
otros estilos. Sus letras hacen casi siempre referencia a temas románticos
y/o sentimentales.
Como género dentro de la música popular la canción melódica
hispana es equiparable a otros géneros de gran difusión como la chanson
francesa, el pop tradicional y el soft adult contemporary anglosajones, o
la canción napolitana. Son ejemplos típicos de este estilo musical:
«Como una ola», de Rocío Jurado. «Hey», de Julio Iglesias. «Y te vas», de
José Luis Perales. «Tómame o déjame» de Mocedades. «Melina» de
Camilo Sesto. «Te quiero, te quise y te querré» de Manolo Galván. «Libre»
de Nino Bravo. «Fuiste mía un verano» de Leonardo Favio. «Cuando me
acaricias» de Mari Trini. «Otro ocupa mi lugar» de Miguel Gallardo. O
«Soledad» de Emilio José, por citar unos pocos.
Orígenes
La canción melódica surgió como estilo musical en la primera
mitad del siglo XX. Sus primeras infuencias fueron el bolero, la copla
andaluza y el cuplé. En comparación con estos géneros, la canción
melódica ponía más énfasis en el estribillo y fue eliminando
progresivamente los elementos más folklóricos de sus infuencias,
sustituyéndolos por orquestas, o incluso, más adelante,
instrumentaciones pop. Posteriormente la canción melódica evolucionó
bajo la infuencia de la chanson francesa y de la música romántica
italiana, en particular al infujo del Festival de la Canción de San Remo,
que se celebró por primera vez en 1951. También fue relevante la
infuencia de la música los cantantes crooners estadounidenses. En los
años cincuenta, artistas como Gloria Lasso, Elder Barber, Monna Bell y
José Guardiola se convirtieron en algunas de las primeras estrellas de la
canción melódica.
Época dorada: años sesenta y setenta
En los años 1960 y 1970 la canción melódica se convirtió,
probablemente, en el estilo de música más popular, cantado en
castellano.
224

POP
En estos años el estilo se consolidó con la aparición de grandes
estrellas como Raphael (1943-), Julio Iglesias (1943-), Camilo Sesto
(1946-), Nino Bravo (1944-1973), Rocío Dúrcal (1944-2006), Mari
Trini (1947-2009), o el argentino Sandro (1945-2010).
También ayudaron a la consolidación del estilo el Festival
Internacional de la Canción de Benidorm (iniciado en 1959) y el Festival
OTI de la Canción (iniciado en 1972).
En su época de mayor popularidad, la canción melódica era
generalmente un tipo de balada romántica acompañada de arreglos
tradicionales y ligeros, frecuentemente interpretados por una orquesta.
Posteriormente, en los años setenta, también obtuvieron gran éxito
artistas como Pablo Abraira, Mocedades, José Vélez (1951-), Dyango
(1940-), Manolo Otero (1942-2011), Paloma San Basilio (1950-) o José
Luis Perales (1945-).
Los años ochenta
A lo largo de los años ochenta, las nuevas generaciones fueron
perdiendo interés por el estilo de la canción melódica, que pasó a
considerarse como algo pasado de moda o desfasado, en comparación
con los nuevos estilos musicales del momento. Aun así artistas como
Julio Iglesias (1943-), Raphael (1943-) o Francisco (1959-), siguieron
cosechando éxitos, aunque fuera entre un público cada vez más adulto.
La canción melódica siguió siendo popular en Latinoamérica,
con artistas como Leonardo Favio (1938-2012), José Luis Rodríguez «El
Puma» (1943-), Sandro (1945-2010), José José (1948-), Juan Gabriel
(1950-2016) Emmanuel (1955-) y, posteriormente, María Martha Serra
Lima (1942-), Valeria Lynch (1952-), Pimpinela (1955 y 1961) o Luis
Miguel (1970-), entre otros.
Otros artistas como Facundo Cabral (1937-2011), Joan
Manuel Serrat (1943-), José Feliciano (1945-), Víctor Manuel (1947-) o
Ana Belén (1951-), si bien no son considerados exponentes típicos de la
canción melódica, han incursionado en esta frecuentemente. Por otra
parte, artistas de la copla andaluza como Rocío Jurado (1946-2006)4 e
Isabel Pantoja (1956-). incorporaron cada vez más infuencias de la
canción melódica en su repertorio.
Años noventa y época actual
En los años noventa, la canción melódica recuperó cierta
popularidad, si bien el estilo evolucionó hacia infuencias más pop, como
225

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
en el caso de Luz Casal (1958-), Sergio Dalma (1964-), Alejandro Sanz
(1968-), Luis Miguel (1970-) y, posteriormente, Álex Ubago (1981-) y
Tamara (1984-). Aunque actualmente son pocos los artistas
especializados exclusivamente en la canción melódica, su infuencia sigue
siendo importante en la balada romántica, y la música más ligera cantada
en castellano.
Compositores
La mayor parte del repertorio de los grandes intérpretes de
canción melódica no ha sido compuesto por ellos mismos sino por
autores que habitualmente han permanecido en la sombra. Entre los
artífces de muchas de las canciones más conocidas cabe mencionar las
fguras de Manuel Alejandro, Augusto Algueró, Rafael Pérez Botija, Juan
Carlos Calderón, o el dúo de José Luis Armenteros con Pablo Herrero. A
ellos se suman algunos autores que paralelamente han hecho carrera
también como cantantes de éxito, como son José Luis Perales, Roberto
Carlos, Pablo Milanés o Juan Pardo.
6.5. COUNTRY POP
El country pop, es un género musical, formado a través de la
música country con infuencias del pop y el soft rock, que surgió en
Nashville y se hizo popular en los años 1970.
ARTISTAS DESTACADOS: Anne Murray, Alessandra Sierra, Estelle Lature, Billy Ray Cyrus, Bridgit
Mendler, Canaan Smith, Carmen Rasmusen , Carrie Underwood, Cassadee Pope, Charlie Daniels,
Chips, Debby Ryan, Dixie Chicks, Dolly Parton, Eddie Rabbitt, Faith Hill, Glen Campbell, Jamie Lynn
Spears, Jennette McCurdy, Jessica Simpson, Jewel, John Austin, Juice Newton, Julianne Hough, Keith
Urban, Kellie Pickler, Kenny Rogers, Kikki Danielsson, Lady Antebellum, LeAnn Rimes, Lucy Hale,
Lynn Anderson, Mac Davis, Mickie James, Miley Cyrus, Nancy Sinatra, Olivia Newton-John, Rascal
Flatts, Restless Heart, Ronnie Milsap, Sara Evans, Shania Twain, Taylor Swift, The Band Perry, Trace
Adkins, Yulie Ruth.
6.6. CROSSOVER CLÁSICO
Crossover clásico denominado también como pop operístico o
pópera, es un género musical que mezcla y fusiona elementos del estilo
de música clásica (canto lírico, ópera y música culta) con la música
popular (pop, rock, ligera y latina).
El término "classical crossover", en inglés, fue acuñado por las
compañías discográfcas en la década de 1980. Como un género musical
226

POP
defnido, ha ganado en popularidad desde la década de 1990 y ha
adquirido su propia lista de Billboard.
Entre los grupos musicales y cantantes que interpretan el
crossover clásico destacan; Andrea Bocelli, Sarah Brightman, Il Divo e Il
Volo.
Orígenes
Según los historiadores de la música, las canciones de crossover
clásico se convirtieron más frecuentes con el aumento de los músicos
durante los años 1900.
Una infuencia fue la gran afuencia de inmigrantes italianos a
los Estados Unidos que popularizaron cantantes como Enrico Caruso e
inspiraron la creación de "canciones de la novedad", utilizando el
dialecto italiano.Las canciones a menudo utilizadas con repertorios
operísticos "para hacer un punto satírico o tópico."
Subgéneros
Fusión de canto lírico y música de cámara con música pop:
Pópera - Pop operístico: El grupo Il Divo, desde sus orígenes en 2003,
ha instaurando una revolución en la música clásica y en todo el
panorama musical, legitimando un nuevo estilo musical pionero,
denominado pop operístico o pópera, dentro del género de crossover
clásico. Urs Buhler, Sebastien Izambard, Carlos Marin y David Miller
fueron los precursores de un género musical totalmente nuevo,3 el
cuarteto destaca entre otros, por su mezcla y fusión musical, el
denominado crossover, una revolución dentro del puro género de la
ópera debido a su combinación musical de ópera (canto lírico y música
culta), con temas de distintos géneros, como la música latina, el pop, el
folclore, la mamba, la música sacra, el bolero o el tango.
Fusión de canto lírico con varios idiomas: Sarah Brightman y
Andrea Bocelli con la canción Time to Say Goodbye, donde se aprecia la
combinación del inglés y el italiano.
Fusión de música de cámara con rock: La mezcla de
Scorpions al lado de la Orquesta Filarmónica de Berlín.
A partir del año 2009 IL VOLO, un trio de jóvenes italianos
-dos tenores y un barítono- se convirtieron en los embajadores del pop
operístico internacional. Fueron los primeros artistas extranjeros en
frmar un contrato directo con un sello Americano. En 2014 ganaron el
227

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
premio Billboard Latino y en 2015 vencieron con su canción "Grande
Amore" el afamado Festival de la Canción de San Remo, lo que los
catapultó al ámbito internacional y logró el reconocimiento de sus
connacionales. Sus versiones de arias de ópera famosas, canciones
populares napolitanas y de América Latina han logrado unir en el gusto
por este género musical a tres generaciones de espectadores.
6.7. DANCE POP
El dance pop es un estilo de música pop orientada al dance que
se originó a principios de los años 1980. Desarrollándose a partir del
post-disco, new wave, synth pop y house, es una música de ritmo
animado idónea para discotecas con la intención de ser bailables, aunque
es también apta para radiofórmulas. La música dance pop se caracteriza
generalmente por poseer un ritmo o beat fuerte y una estructura sencilla,
más similar a la canción pop que las que pueden tener otras formas de
música dance, con un énfasis en las melodías y en los estribillos
pegadizos. En cuanto a los sonidos, utiliza mayoritaria o totalmente
instrumentos electrónicos (sintetizador, caja de ritmos, etc.) El género es
normalmente impulsado desde el lado del productor, aunque hay
notables excepciones.
El dance pop ha tomado prestado infuencias de otros géneros,
que variaban por el productor, artista y período. Tales incluyen R&B
contemporáneo, house, electro, trance, techno, electropop, new jack
swing, funk, synth pop y algunas formas de la música disco. Siendo
sobre todo un género mainstream infuido por el pop, el sonido de dance
pop a menudo estuvo infuido por el período.
Algunos artistas y grupos exponentes destacados de dance pop
son Madonna, Michael Jackson, Britney Spears, Christina Aguilera,
Justin Bieber, Justin Timberlake, Kylie Minogue, Bananarama, Rick
Astley, Backstreet Boys, Spice Girls, Ace of Base, Cascada, Pet Shop
Boys, New Kids on the Block, Big Time Rush, Rihanna, Lady Gaga,
Katy Perry, entre otros.
Un estilo muy próximo al dance pop es el eurodance,
producido inicialmente en Europa y con artistas como Culture Beat, La
Bouche, Real McCoy, Pandora Fun Factory, Gala y otros. En España
han destacado en el dance pop cantantes como Alaska, Marta Sánchez,
Mónica Naranjo o Soraya Arnelas.
228

POP
Historia
Como el término "disco" comenzó a pasar de moda a fnales de
los años 1970 hasta principios de los 80s, otros términos se utilizaron
comúnmente para describir la música basada en el disco, como "postdisco",
"club", "dance" o "dance pop". Estos géneros fueron, en esencia,
una variante más moderna de la música disco conocida como post-disco,
que tendía a ser más experimental, electrónica e impulsada por el
productor o DJ, a menudo utilizando secuenciadores y sintetizadores. La
música dance pop surgió en la década de 1980 como una forma de dance
o post-disco, que era uptempo, de carácter de club, impulsada por el
productor y pegadizo. El dance pop fue más uptempo y bailable que el
pop regular, sin embargo, más estructurada y de menos forma libre de la
música dance, usualmente combinando una estructura fácil de pop y
melodías pegadizas con un fuerte ritmo de dance y naturaleza up-tempo.
La música dance pop fue creada, por lo general, compuesta y producida
por los productores discográfcos que luego contratarían a cantantes para
interpretar las canciones. En la década de 1980, el dance pop estaba
estrechamente alineado con otros géneros electrónicos uptempo, como
Hi-NRG. Los productores prominentes en la década de 1980 incluyeron
a Stock, Aitken & Waterman, quienes crearon artistas de Hi-
NRG/dance pop como Kylie Minogue, Dead or Alive y Bananarama.
Artistas y grupos de dance pop prominentes de la década de
1980 incluyen a Madonna, Pet Shop Boys, Whitney Houston, Paula
Abdul, Mel and Kim, Samantha Fox, Tifany, Janet Jackson y Michael
Jackson.
Para la década de 1990, el dance pop se había convertido en un
género importante en la música popular. El dance pop tomó prestado
infuencias de otros géneros, que variaban por el productor, el artista y el
período. Tales incluyen R&B contemporáneo, house, techno y synth
pop. Siendo principalmente un género mainstream infuido por el pop,
el sonido de dance pop a menudo era infuido por el período. Varios
grupos y artistas de dance pop surgieron durante la década de 1990,
como Spice Girls, Britney Spears y Christina Aguilera. A fnales de los
años 1990, las infuencias electrónicas se hicieron evidentes en la música
dance pop; El álbum críticamente aclamado y comercialmente exitoso,
Ray of Light (1998) de Madonna, incorporó techno, trance y otras
formas de música electrónica de baile, trayendo a la electrónica en la
corriente principal de dance pop. Además, también en 1998, Cher lanzó
una canción dance pop llamada «Believe», que hizo uso de una
innovación tecnológica de la época, Auto-Tune. Céline Dion también
229

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
lanzó una canción dance pop, «Tat's the Way It Is» a fnales de 1999.
Cuenta con un tempo moderadamente lento, pero una canción up-beat.
Un procesador de audio y una forma de software de modifcación de
tono, se utilizó comúnmente como una forma de corregir el tono, así
como para crear un efecto especial. Desde la década de 1990, el Auto-
Tune se convirtió en una característica común de la música dance pop.
A principios de la década de 2000, la música dance pop todavía
era prominente y altamente electrónica en estilo, infuido por géneros
como el trance, house, techno y electro. Sin embargo, como el R&B y el
hip hop se hicieron muy populares desde la primera parte de la década
en adelante, el dance pop a menudo tomaba prestado una gran cantidad
de sus infuencias de la música urbana. Estrellas de dance pop de los años
1980 y 1990, como Britney Spears, Christina Aguilera, Madonna, Janet
Jackson y Kylie Minogue siguieron logrando éxito a principios de la
década. Mientras que una gran cantidad de dance pop en ese momento
era infuido por el R&B, muchas grabaciones comenzaron a regresar a
sus raíces de disco. Álbumes de Kylie Minogue como Light Years (2000)
y Fever (2001) contenían infuencias de la música disco, o una nueva
versión del siglo XXI del género conocido como nu-disco; sencillos
exitosos como «Spinning Around» (2000) y «Can't Get You Out of My
Head» (2001) también contenían rastros de disco. En el caso de
Madonna, su álbum Music (2000) contenía elementos de la música
eurodisco, en especial el exitoso primer sencillo del mismo nombre. Sin
embargo, no fue sino hasta la parte media y fnal de la década en que la
música dance pop volvió en gran medida a sus raíces de disco; esto se
puede ver con el álbum Confessions on a Dance Floor (2005) de
Madonna, que tomó prestado fuertes infuencias del género, sobre todo
de artistas y bandas de los años 1970, como ABBA, Giorgio Moroder,
Bee Gees y Donna Summer. El álbum Blackout (2007) de Britney
Spears contenía infuencias de eurodisco.
Desde mediados hasta fnales de la década de 2000, se vio la
llegada de varios nuevos artistas dance pop, incluyendo a Rihanna,
Kesha, Lady Gaga y Katy Perry. Este período de tiempo también vio el
regreso del dance pop a sus raíces más electrónicas además de los de
disco, con fuertes infuencias de synth pop y electropop. Sencillos de
Rihanna en el género dance pop, incluyendo a «Don't Stop the Music»
(2007) y «Disturbia» (2008), contenían infuencias electrónicas, el
primero de los cuales tiene elementos de la música house, el segundo,
electropop. Los sencillos de Lady Gaga, «Just Dance» (2008) y «Poker
Face» (2008) también estuvieron fuertemente infuido por el synth pop y
electropop. El sencillo debut de Kesha, «Tik Tok», (2009) también fue
230

POP
altamente electrónico en estilo y emplea un ritmo de videojuego. Los
sencillos «Hot n Cold» (2008), «California Gurls» (2010), y «Firework»
(2010) de Katy Perry, que fueron grandes éxitos comerciales, también
presentaron infuencias de electropop y música house.
La década de 2010 hasta la fecha tiene, de manera similar a
fnales de los años 2000, fuertes infuencias electrónicas presentes dentro
del dance pop y también un gran énfasis en ritmos de batería y bajo.
Artistas dance pop como Lady Gaga, Katy Perry, Madonna, Kesha,
Christina Aguilera, Usher y Rihanna continúan siendo populares y varios
artistas nuevos dentro del género tienen o están empezando a surgir. Los
álbumes Red (2012) y 1989 (2014) de la cantante de música country,
Taylor Swift, contienen un sonido más infuido por el pop que cuenta
con la producción de los productores de dance pop, Max Martin y
Shellback. «Problem» de Ariana Grande fue un gran éxito en 2014.
Características
El dance pop generalmente contiene varias características notables, que
se relacionan aquí: Uptempo, música animada para discotecas, con una
naturaleza bailable. Canciones pegadizas con una estructura fácil basada
en el pop. Un fuerte énfasis en pulsos y ritmos. Ganchos
prominentes..Letras simples. Producciones pulidas.
6.8. EUROPOP
Europop se refere a un género de música desarrollado en
Europa desde los años 1980 y que se caracteriza por ritmos pegadizos,
canciones simples y letras superfciales. Una de las principales diferencias
entre el europop y el pop estadounidense es que el primero tiende más a
la música dance y el techno.
El europop llegó a dominar las listas de éxitos durante los años
1980 y 1990. Algunos de los artistas surgieron de Francia, Alemania,
Italia y Países Bajos, pero la gran mayoría eran de origen sueco. En los
años 1970 estos grupos eran famosos principalmente en países del
continente europeo, pero en los años 80 y principios de los 90, Ace of
Base de Suecia, Whigfeld de Dinamarca o Princessa de España, copan
los primeros puestos de las listas en el continente y abren el mercado a
Asia, asentándose en Japón. Army of Lovers introdujo con éxito el
europop entre las audiencias británicas y estadounidenses. En los años
90, grupos de pop como Spice Girls y Backstreet Boys muestran
infuencias del género.
231

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
El término se usa principalmente en los países de habla
anglosajona y a veces se emplea como sinónimo de pop europeo. Existen
diferencias de uso entre Estados Unidos y el Reino Unido. Mientras que
Kylie Minogue o Sophie Ellis-Bextor pueden ser clasifcadas como
europop en el Reino Unido, Estados Unidos e incluso Australia, en
Reino Unido se suele emplear exclusivamente para el pop de Europa
continental. Los grupos británicos Girls Aloud y Take Tat, nunca serían
califcados como europop en su país de origen.
6.9. INDIE POP
Indie pop o pop indie o también "Nu pop" se refere a la
música indie basada en las convenciones de la música pop. Debido a que
el término pop a veces engloba a toda la música indie en general, el indie
pop puede ser considerado como un subgénero del pop. Otras veces los
términos son utilizados para indicar una división entre pop dentro de la
escena indie. El indie pop es un derivado del pop cuyas melodías suelen
ser más suaves, melódicas y menos ruidosas con respecto al pop. El indie
pop es la música pop que se mueve fuera de los límites de la música pop
convencional. Es a menudo lo-f, o por lo menos «inusual».
Historia
La raíces del indie pop se encuentran en pioneros como
Jonathan Richman y algunas canciones de Velvet Underground, así
como en los sonidos más suaves del garage pop/rock de los años 60, y en
artistas famosos de los 60 como los Beatles, los Beach Boys y los
primeros Pink Floyd. Los grupos de chicas de los 60 también infuyeron
en gran medida al indie pop, tanto musical como estilísticamente, siendo
un ejemplo Te Shangri-Las. Los Ramones y su mezcla de melodías de
los 60 con las guitarras crudas del punk rock, también fueron una
infuencia clave. Los Buzzcocks y su punk-pop también fueron una gran
infuencia, al adaptar el sonido de los Ramones para convertirse en uno
de los pilares del sonido del indie pop posterior. Es un más indie que
pop.
Indie pop británico
El indie pop probablemente puede ser localizado en los pequeños
fanzines fotocopiados, en la escena derivada del punk y en los pequeños
sellos discográfcos, como Postcard Records o Rough Trade Records. A
232

POP
principios de los 80, había docenas de sellos en el Reino Unido. La
publicación de una lista semanal de singles y álbumes indies a principios
de 1980 coincidió con el crecimiento de la música indie en el Reino
Unido. Al año siguiente fue el quinto aniversario del movimiento de
Gran Bretaña de sellos discográfcos independientes y de Rough Trade
Records. Para conmemorarlo, el semanario británico de música New
Musical Express lanzó un álbum en casete que marcaría una época: C81.
La partición del indie entre "pop" y "rock" fue expuesta por los escoceses
pioneros del Post-punk: Orange Juice, que mostraban un sonido de
guitarras tintineantes y tarareo de voces, junto a un humor burlón hacia
ellos mismos, lo que contrastaba con la seriedad y el mensaje más
político de otras agrupaciones de post-punk como Crass o Killing Joke.
A pesar de nunca haber pertenecido a la escena del indie pop,
los Smiths (Rough Trade Records), infuyeron a muchas bandas. Como
compositores, Morrissey y Johnny Marr combinaban un sonido de
guitarras con letras sobre la vida en la Gran Bretaña de Tatcher,
cubriendo temas que van desde la ambigüedad sexual, la soledad y la
muerte hasta el vegetarianismo. Otro grupo que logró éxito comercial
durante este período es el de los escoceses Te Jesus and Mary Chain. Su
álbum debut Psychocandy infuyó a grupos como Te Shop Assistants y
My Bloody Valentine.
En 1986 New Musical Express lanzó otro álbum en casete, esta
vez titulado C86, intentando promover la escena británica de un pop
independiente más suave. Así grupos como Te Pastels, Te Wedding
Present, Te Soup Dragons, Primal Scream y Te Bodines llegaron a un
público más amplio.
El álbum C86 causó mucha expectación en Estados Unidos,
donde estaba surgiendo un sonido más pop al estilo Ramones, frente al
sonido más rockero de los Sex Pistols.
A mediados y fnes de los 80 se eleva la popularidad de géneros
como el hip hop, el acid house y el rave. Varios de los grupos indies que
continuaron, cambiaron de estilo a fnales de los 80. El principal ejemplo
es Primal Scream, que fue uno de los primeros exponentes del Indie
dance.
Te Pink Label, 53rd & 3rd, y Te Subway Organisation
fueron sólo algunas de las discográfcas que extendieron singles de grupos
de indie pop importantes como Te Shop Assistants, Razorcuts, Te
June Brides, Te Flatmates y Talulah Gosh. El último puede ser
considerado como el primero de los grupos que fundó la segunda ola del
indie pop: el Twee pop.
233

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Muchos de estos grupos, al igual que muchos grupos de Twee
pop, contaban con miembros femeninos, una hecho insólito en esa
época. El indie pop siempre ha tenido un fuerte sentido de igualdad
entre los sexos. Tal vez, su aspecto "flosófco" más importante es
abanderar el punto de vista "anti-sexista".
Indie pop estadounidense
En los Estados Unidos se origina una revolución similar en el
pop “underground” en Olympia, Washington. Beat Happening era una
banda indie con una estética bastante similar a sus pares británicos,
tocando joyas del pop bastante alejadas de la escena hardcore-punk del
momento. Beat Happening lanzó su primer disco en 1985 en la
discográfca que fundaron: K Records. Otras discográfcas fueron
creciendo, como Bus Stop (1987), Picturebook (1987), Harriet (1989) y
Slumberland (1989), concentrando el sonido del indie pop
estadounidense, que era un poco más crudo y moderado que el británico,
más suave, armonioso y “Twee”.
Alcance internacional
El indie pop ha logrado expandirse a todo el mundo. Además
de en Gran Bretaña y Estados Unidos, han crecido el número de bandas
jóvenes desde 1985 en Nueva Zelanda, grabando para Flying Nun
Records, como Te Bats, Te Chills y Te Clean. Reconocibles por sus
insistentes rasgueos de guitarras tintineantes y sus coros suaves de voces
masculinas, estas bandas fueron el modelo a seguir en otros países. Países
como Alemania, Suecia, Japón, Grecia, España y Canadá han tenido
también una escena de indie pop considerable. Australia siempre ha sido
un país de bandas de indie pop, desde Te Go-Betweens (quienes, a
pesar de ser considerados "pop" e "indies" no pertenecían realmente al
"indie pop") hasta Te Pearly Gatecrashers, Te Sugargliders y Te
Lucksmiths y, actualmente, Architecture In Helsinki.
Indie pop en España
Durante La Movida a principios de los 80, se crearon los
primeros sellos independientes españoles, como La Fábrica Magnética,
DRO o Grabaciones Accidentales, que sentaron las bases para el
surgimiento del indie pop en España. Dentro del indie español y sus
234

POP
variantes, cabe destacar ciertos sonidos propios de la escena española
como el Donosti Sound.
Donosti Sound: En 1988 en la ciudad de San Sebastián nació
el grupo Aventuras de Kirlian, claramente infuenciado por el indie
británico, dando origen al denominado Donosti Sound, que tuvo una
enorme infuencia en el indie pop español. El Donosti Sound lo
encabezaron bandas como La Buena Vida, Le Mans o Family.
A partir de los años 90 el indie español experimenta una
revolución a nivel nacional que se debe, entre otras causas, al nacimiento
de la banda granadina Los Planetas, infuenciada por grupos como Joy
Division o Te Velvet Underground. A partir de entonces, el indie
español se encuentra en continuo movimiento, con focos localizados de
más actividad, tales como Madrid, Barcelona o Granada, ciudad a la que
pertenecen Lagartija Nick y Lori Meyers. También fueron importantes
representantes del indie pop de los noventa grupos como El Niño
Gusano desde Zaragoza, Australian Blonde desde Gijón (Xixón Sound),
La Habitación Roja desde Valencia y Cecilia ann desde Granada.
Tonti pop: Hacia 1997 surgió en España una escena
encabezada por Los Fresones Rebeldes que reivindicaba tanto el pop más
melódico de los 60, como la actitud despreocupada de los 80. La prensa
lo llamó Acné Pop, aunque también se ha denominado, a veces,
despectivamente como Tonti pop debido a su actitud naif y sin
pretensiones. Con la canción Al Amanecer, Los Fresones Rebeldes
obtuvieron bastante popularidad, llegando incluso a sonar repetidamente
en las emisoras de música. Otros representantes de este sonido eran los
madrileños Meteosat, Niza, La monja enana, L-KAN, los barceloneses
La Casa Azul y TCR, las asturianas Nosoträsh o los murcianos
Vacaciones, grabando muchos de ellos en el sello madrileño Elefant
Records, sello abanderado del género.
Década de los 2000: La década de los 2000 viene marcada por
grupos como Pauline en la Playa, Supersubmarina, Izal, Parade, Maga,
Sunday Drivers, Astrud o Sr. Chinarro, Niño y Pistola, los solistas
Deluxe e Iván Ferreiro, los populares Vetusta Morla, los recién llegados
Magnética o El hombre percha y los originales Love of Lesbian.
También han surgido grupos como Souvenir, Plastic D'amour, y Les
Très Bien Ensemble, que se caracterizan por cantar en francés. En Vigo
hay también una reciente y emergente escena indie con bandas como Cat
People, Te Blows, Ectoplasma, Los Marcianos, Eladio y los seres
queridos, Igloo, Múnich, Anenome, etc. A fnales de la década muchos
de los grupos indie españoles han tenido una mayor repercusión gracias a
su asistencia a los diferentes festivales que se celebran en España, sobre
235

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
todo en la época estival, tales como el Festival Internacional de
Benicassim FIB (desde 1995), el Sonorama (desde 1998) o el
Contempopránea (1996); así como nuevos festivales emergentes y
prósperos como Indiemálaga que se desarrolla en esa misma ciudad o
Ebrovisión que se celebra el tercer fn de semana de septiembre en la
ciudad de Miranda de Ebro.
6.10. ITALO DISCO
Italo disco es una de las primeras formas de música de baile
completamente electrónica de la historia, creado en Italia a fnales de los
años 1970 como una evolución particular del eurodisco a partir de su
propio subgénero space disco fusionado con electropop, post-disco y
dance-rock al que se le añade melodía procedente del pop italiano.
Etimología
El término italo disco se originó retrospectívamente a partir de
la serie Italo Boot Mix, un megamix formado por eurodisco de
procedencia italiana y alemana, de Bernhard Mikulski, fundador del sello
alemán ZYX Music. Antes de 1983, la música era simplemente
considerada disco hecho en Europa o rock electrónico.
Los presentadores del programa musical italiano Discoring
(producido por RAI) llamaban a los temas de italo disco "rock
elettronico" (rock electrónico) o "balli da discoteca" (disco dance) antes
que el término italo disco llegara a existir.
Historia
Orígenes: 1976–1982
La entrada de los sintetizadores y otros efectos electrónicos en la
música disco produjo como resultado la música electrónica de baile, con
estilos como el Hi-NRG en Estados Unidos y el space disco, como un
primer gran subgénero del eurodisco, en Europa. La sensación
generalizada del público era la de estar ante un sonido completamente
nuevo, tanto por la sonoridad de la nueva tecnología musical como por
los efectos de la iluminación de las discotecas de la época.
El eurodisco fue muy infuenciado por la obra de varios
productores discográfcos como el italiano Giorgio Moroder, los músicos
franceses Didier Marouani y Cerrone, el sonido electropop de
(Kraftwerk, Yellow Magic Orchestra, Telex, Devo y Gary Numan) y los
236

POP
primeros álbumes de Hi-NRG del productor de San Francisco Patrick
Cowley con cantantes como Sylvester James y Paul Parker, dando lugar
al space disco.
Tras unos años de transición, el space disco de sonido futurista
fue dando paso, junto al hi-NRG y el Canadian disco, a sonidos con más
melodía tomados de la música pop italiana y consolidándose así, hacia
1982, el italo disco en Italia y otras partes de Europa. Las canciones eran
en ocasiones totalmente electrónicas, utilizándose para su composición
cajas de ritmos, melodías pegadizas, vocoders, letras de amor cantadas en
inglés con fuerte acento extranjero y, ocasionalmente, letras sin sentido
alguno (debido al pobre conocimiento de inglés de los cantantes). Para
una audiencia que predominantemente no hablaba inglés, la voz era
considerada como un instrumento adicional, concediéndose poca
importancia al mensaje. Junto con el amor, otras temáticas habituales del
italo disco son los robots y el espacio exterior (que posteriormente vino a
ser el subestilo space synth) combinándose en ocasiones los tres temas,
como en las canciones "Robot is Systematic" (1982) de Lectric Workers
o "Spacer Woman" (1983) de Charlie. El italo disco sonaba
ampliamente en emisoras de radio y en las discotecas europeas, pero en el
mundo anglosajón era un fenómeno underground.
Apogeo 1983-1986
1983 fue el año en que el término fue, supuestamente, acuñado
por Bernhard Mikulski, fundador del sello alemán ZYX Music, cuando
publicó el primer volumen de su serie Te Best of Italo Disco. La etapa
más gloriosa del género se podría considerar que transcurrió entre ese
mismo año y 1986, en los que el género alcanza la máxima popularidad y
cuando está más de moda, con su sonido más puro y característico.
Artistas como Ryan Paris con su tema Dolce Vita, Gazebo con "I like
Chopin", P. Lion con "Happy children", Silver Pozzoli con "Around my
dream", Romano Bais con "Dial my number" o Miko Mission con How
Old Are You?, además de una multitud de sencillos más, alcanzaron
posiciones de éxito es esos años. También surgieron un buen número de
sellos discográfcos entre los que destacan American Disco, Crash,Merak,
Sensation y X-Energy. El sello Disco Magic publicó más de treinta
sencillos en un año.
Durante estos años aparecieron variaciones del género que
tuvieron su incidencia a nivel principalmente europeo:
Canadian disco (1980/1984): En Canadá, especialmente en
Quebec, surgieron varios grupos signifcativos como Trans-X, con su
237

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
enorme éxito internacional "Living on Video", Lime con "Angel Eyes",
"Baby, we´re gonna love tonight" o "Guilty", Pluton & the Humanoids
con "World Invaders", Purple Flash Orchestra con "We Can Make It" o
Tapps con "Forbidden Lover". A estas producciones se les incluyó
genéricamente como italo disco en Europa y Hi-NRG en Estados
Unidos.
German disco (1982/1987): En Alemania, donde el término
italo disco fue acuñado originalmente y comercializado por ZYX Records
en 1983, surgieron otros nombres para describir el género como
eurodisco o disco fox. Las producciones alemanas también eran cantadas
exclusivamente en inglés y se caracterizaban por su énfasis en la melodía,
una exagerada sobreproducción y un acercamiento más serio a la
temática del amor. Son ejemplos los trabajos de Modern Talking, Fancy,
Bad Boys Blue, Joy, Lian Ross, C.C. Catch y otros.
Sabadell sound (1985/1988): En España surgió el Sabadell
Sound o Sonido Sabadell en el que se engloba al italo disco producido en
los estudios de música del área de Sabadell y publicado en sellos como
Blanco y Negro, Max Music, Indalo Music y Don Disco. Una gran
cantidad de recopilatorios y remezclas hechos en estos sellos incluían
temas de artistas pertenecientes a este sonido, como David Lyme4 con
"Let's go to Sitges", "Bambina" o "Play boy", Daydream con "Crazy"5 o
Alan Cook6 con "Bad dreams" y "Do you want to stay".Para algunos
especialistas del género el Sonido Sabadell era un estilo de italo
diferenciado más pop y menos robótico o sofsticado.
Space synth(1983/1987): Desde mediados de los 80 se
desarrolló el space synth, como subgénero. Este estilo es un cruce entre el
italo disco y el space disco y es normalmente instrumental, centrado en
los sonidos espaciales. Son características las producciones de Koto,
Proxyon, Rofo, Cyber People, Hipnosis y Laserdance.
Disco polo (1988/1996): El Disco polo fue un estilo regional
de música disco fuertemente infuenciada por el eurodisco, el italo disco
y la música folk polaca. Entre las bandas y artistas más populares de éste
género, está Bayer Full, Boys o Shazza (nombre artístico de Magdalena
Pańkowska, apodada "la reina del disco polo"), entre otros.
Evolución y géneros relacionados
En 1987 el estilo decae y se intenta adaptar a otros estilos más
comerciales de la época y sobre todo a un sonido más eurobeat o
directamente se transforma en italo house.
238

POP
Eurobeat: A medida que el italo disco declinaba en Europa, los
productores italianos y alemanes se adaptaron a los gustos de los oyentes
japoneses, creando el eurobeat. Aunque el eurobeat original sonaba casi
idéntico al italo disco, la mayor parte del eurobeat moderno suena más
rápido. Los dos sellos más conocidos de eurobeat son A-Beat-C Records
y Hi-NRG Attack.
En Italia, a mediados de los 80 surgieron cantantes femeninas
cuyo estilo italo disco fue poco a poco cediendo paso al surgimiento de
un ritmo mundial llamado dance. Ejemplo de ello fue la artista Spagna,
cuyas producciones (1986) Easy Lady y (1987) Call Me fueron grabadas
en versiones cortas para radio y versiones extendidas en 12" y versiones
remezcladas.
Italo house: En la segunda mitad de la década de 1980 el italo
disco decayó, siendo reemplazado por el italo house, también
denominado italo NRG, que combinaba italo disco a con elementos de
house, uno de los pilares de la incipiente música dance.
Revival italo disco (1998/2003): Una fuerte vuelta del italo
disco comenzó en 1998, cuando el dúo alemán Modern Talking se juntó
de nuevo adoptando la música electrónica y el rap para remezclar
algunos de sus éxitos de la década anterior de German disco. Algunos
artistas como C.C. Catch, Bad Boys Blue, Fancy, Sandra, Gazebo,
Savage y Ken Laszlo, remezclaron sus propios éxitos en estilo eurohouse,
dándoles nueva vida. El canal Rete 4 en Italia, Hits 24, Goldstar TV y
Prosieben en Alemania y el canal "Nostalgia" de TVE comenzaron a
programar este Nu-Italo y artistas como Gigi D'Agostino o Eifel 65 lo
llevaron al mainstream durante unos años.
Siglo XXI
Al principio del siglo XXI el género ha consolidado una cierta
escena, con clubs underground programando sesiones del estilo. ZYX
Records ha vuelto a publicar discos desde 2000 y otros como Panama
Records y Radius Records están reeditando clásicos olvidados.
En 2012 los italianos Fred Ventura y Paolo Gozzetti lanzan el estilo
Italoconnection, que incluye remezclas de temas italo disco legendarios
con elementos actuales y remezclas de temas actuales.
El célebre club Patrick Miller de la Ciudad de México es
posiblemente el último lugar establecido en todo el mundo donde se
programan festas italo disco y hi-NRG de manera regular desde hace
poco más de 30 años[cita requerida]. En el mismo club también se
239

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
presentan ocasionalmente artistas del género[cita requerida]. Anualmente
se celebra el Patrick Miller Fest, con una afuencia calculada en 10.000
personas[cita requerida] en cada una de sus dos últimas ediciones (2015
y 2016) festival celebrado en el Palacio de los Deportes de la capital
azteca.
Estilo
La conformación regular de la corriente italo disco tiende a la
descomposición de las notas musicales tradicionales y el acomodo
armónico de éstas por medio de sintetizadores tomando como base el
manejo de los clásicos ritmos 8 x 8. Su interpretación, por lo regular es
en inglés, aplicándose letras que se referen a la vida cotidiana con un
toque de fantasía y otras usan el romanticismo con un distinguido buen
gusto. La gran mayoría de estas producciones se instalan en estribillos y
tonadas vocales contagiosas y fácilmente asimilables, una ventaja que fue
parte fundamental para su desarrollo, crecimiento y expansión. Las
interpretaciones eran en su mayoría realizadas por hombres solistas,
aunque las interpretaciones femeninas y en grupos fueron, por lo general,
muy bien aceptadas en un destacado número. La velocidad raramente
rebasaba los 128 beats por minuto.
Las interpretaciones se caracterizan por aparecer en varias
versiones. Una es el súper sencillo o versión extendida, cuyo tiempo de
duración varía entre los 5:30 y 7:00 minutos con su espacio libre de
sonidos en conjunto, voces y líricos. También versiones para radio, cuyo
lapso de duración está entre los 3:30 y 4:00 minutos para dar a conocer
los pormenores de cada obra. La versión instrumental es la que le
permite experimentar, editar y recrear a las personas que se dedican a la
difusión de este género, como los pinchadiscos. Además de las versiones
remezcladas, de una sola obra se pueden realizar un sin fn de remezclas,
sin dañar el concepto original. Algunos intérpretes de la primera época se
aventuraron a lanzar producciones de larga duración que contenían hasta
10 temas y dependiendo de estas súper sencillos o versiones largas como
promocionales.
UNA PEQUEÑA LISTA DE ARTISTAS ITALO DISCO ORIGINALES: Alan Ross, Alan Cook,
Albert One, Argentina, Atrium, Bobby "O", Ryan Paris, Baby's Gang, Baltimora, Belouis
Some, Bizzy & Co, Brian & The Eden, Brian Ice, Buckingham Palace, Carrara, Charly
Danone, Closed, Cruisin' Gang, Cyber People, Daydream, David Lyme, Den Harrow, Divine,
Duke Lake, Eddy Huntington, Fancy, Fred Ventura, Fun Fun, Gary Low, Giorgio Moroder,
Gazebo, J. D. Jaber, Joe Yellow, Kano, Kasso, Ken Laszlo, Koto, Laban, Lee Marrow, Max-
240

POP
Him, Michael Belford, Mike Cannon, Miko Mission, Mikron, My Mine, P. Lion, Paul Sharada,
Radiorama, Raf, Raggio Di Luna, Righeira, Rofo, Ross, Roy, Rudy & Co, Sabrina Salerno,
Sandy Marton, Savage, Scotch, Silver Pozzoli, Spagna, Styloo, Swan, Taffy, Tatjana, The
Flirts, Tom Hooker, Torrevado, Topo & Roby, Tracy Spencer, Valerie Dore, Via Verdi.
6.11. MÚSICA BEAT
La música beat - en español, golpe o golpear - fue un género
nacido en el Reino Unido a principios de los años 1960. Una parte de
este estilo se denominó como Merseybeat, en referencia a los grupos
surgidos en la región de Merseyside a la que pertenece Liverpool, la
ciudad que vio nacer a Te Beatles y a otros grupos del género.
Los instrumentos habituales de la música beat fueron la guitarra
eléctrica, el bajo eléctrico y la batería y su sonido se caracterizó por la
sincronización de estos dos últimos. La parte vocal puede recordar al doo
wop con coros repitiendo sílabas sin signifcado, pero a diferencia de este
género, los falsetes y los tonos demasiado graves no son habituales. En
un principio, los grupos beat tocaban fundamentalmente canciones de
rock and roll y R&B, hasta que Te Beatles comenzaron a grabar sus
propias canciones.
El género se originó en Liverpool, aunque muchos de sus
grupos pasaron temporadas actuando en la ciudad alemana de
Hamburgo, interpretando canciones de R&B con infuencias de doo
wop, skife y en mayor medida rock and roll. Además de Te Beatles,
otras bandas importantes del género procedentes de Liverpool fueron
Te Searchers, Gerry and the Pacemakers y Te Merseybeats, quienes en
su mayoría se curtieron actuando en el Cavern Club de esta ciudad
inglesa.
Las bandas beat más importantes, además de las de Liverpool,
fueron Te Hollies, Herman's Hermits, Te Dave Clark Five, Te
Monkees, los primeros Te Zombies y los australianos Easybeats.
Su época dorada tuvo lugar entre los años 1963 y 1965. A
mediados de esta década inició su decadencia cuando la mayoría de las
bandas beat comenzaron a tocar rock psicodélico. Muchos de estos
grupos dieron lugar a la llamada Invasión británica, como fue conocida
la oleada de artistas de rock británico que obtuvieron una gran
popularidad en Estados Unidos a mediados de los años 60, liderados por
Te Beatles.
Mersey beat: El mersey beat (también conocido como
merseybeat o mersey sound) era el sonido de Liverpool, era el nombre de
241

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
un tipo de música (melodía con ritmo), alrededor de los años 60. Quizás
el grupo más famoso de este género fueron Te Beatles. Otros
importantes grupos fueron Gerry and the Pacemakers, Te Searchers y la
cantante Cilla Black.
Los primeros grupos musicales de este género pueden ser Rory
Storm and the Hurricanes (el baterista era Ringo Starr) o Kingsize
Taylor and the Dominoes.
6.12. NEW WAVE
New wave (en inglés: nueva ola)? es un término global para
varios estilos pop/rock de fnes de la década de 1970 y mediados de la
década de 1980, con vínculos con el punk y ciertos géneros del rock de
los años 1970.8 Inicialmente, al igual que con el posterior rock gótico, la
new wave se mantuvo prácticamente análogo al post-punk antes de
ramifcarse como un género distintamente identifcado (aunque la new
wave apareció primero que el post-punk), incorporando música
electrónica, experimental, mod, disco y pop. Posteriormente engendró
subgéneros y fusiones, incluyendo new romantic y rock gótico.
Difere de otros movimientos con vínculos con la primera ola
del punk, ya que presenta características comunes a la música pop, a
diferencia del más "artístico" post-punk, aunque incorpora gran parte del
sonido y ethos originales del punk rock; mientras que podría decirse que
exhibe una mayor complejidad tanto en la música como en la letra. Las
características comunes de la música new wave, al margen de sus
infuencias del punk, incluyen el uso de sintetizadores y producciones
electrónicas, la importancia del estilo y las artes, así como una gran
cantidad de diversidad.
La new wave es vista como uno de los géneros defnitivos de los
años 1980. El género se convirtió en un fjo en MTV, y la popularidad
de varios artistas de new wave se ha atribuido en parte a la exposición
que les fue dada por el canal. A mediados de la década de 1980, las
diferencias entre la new wave y otros géneros de la música comenzaron a
desdibujarse. Ha disfrutado de un resurgimiento desde la década de
1990, después de un aumento de la "nostalgia" por varios artistas
infuenciados por el género. Los reavivamientos en la década de 1990 y
principios de 2000 fueron pequeños, pero se hicieron populares en 2004.
Posteriormente, el género ha infuido en una variedad de otros géneros
de la música.
242

POP
Historia
El concepto «new wave» fue el término utilizado por el
periodismo, la gente de las discográfcas y los programadores
radiofónicos para designar a los nuevos sonidos que comenzaban a nacer
terminando la década de los años 1970 y la llegada de los años 1980.
El término en sí fue acuñado por Ian Copeland, conocido
agente, descubridor de R.E.M. y hermano, además, de Stewart
Copeland, el baterista de Te Police, banda clave del género; que se
convirtió en punto de partida, junto con Squeeze, de la primera nueva
ola llegada a los Estados Unidos de la mano de Ian y de Miles Copeland,
mánager y jefe de la discográfca IRS. El propio Ian Copeland relata todo
esto en su autobiografía Wild Ting.
El fnal del Punk como alternativa comercial, obligaba a los
distintos actores del ambiente musical a buscar alejar cualquier
reminiscencia a su legado de rudeza, mensajes directos y escándalos. Por
ese motivo fue dejado de lado el término Post punk, y apareció con
fuerza el de New wave, que aludía a un movimiento artístico-intelectual,
supuestamente parecido al que estaba ocurriendo.
En Estados Unidos, por ejemplo, se dio una dicotomía bastante
extraña entre lo que era punk y lo que se consideraba new wave. Dentro
del primer estilo se consideraba a bandas como Richard Hell, mientras
que en el segundo estaban Blondie y Talking Heads.
Optar por la etiqueta new wave era adquirir un estatus diferente
y, además, tener más posibilidades de ser contratado por una
multinacional. Así se subieron al carro nuevas agrupaciones como Te
Cars, Te Motels, Te Go Go's, Pere Ubu, Jonathan Richman, Te B-
52's, R.E.M., Devo, X, Te Blasters, Te Residents y otras tantas más,
que habían moldeado su sonido a partir del género punk.
Todo era new wave, y bajo esta premisa, dentro de sus límites
caben proyectos tan diferentes como el grupo Te Motels o el bizarro art
punk de Pere Ubu (que tomó su nombre del personaje de la obra Ubú
rey, escrita por el dramaturgo Alfred Jarry a principios del siglo XX.).
Bandas revisionistas del rock como Te Blasters eran New
wave, pero también lo era el dance punk de estética kitsch de los B-52's.
Sin embargo, con esfuerzo podemos encontrar características
que cruzan el estilo y que van más allá de lo meramente musical. Acerca
de este último punto, podemos fjarnos en la aparición de la tecnología
aplicada al sonido, que se hace instrumento en el sintetizador.
Paralelamente, y en algo que había quedado descuidado con el punk, se
243

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
hace visible una preocupación constante por el tema estético. La idea era
acompañar la música con un concepto visual de fácil identifcación.
Para algunos, dichas inclinaciones eran parte de su propia
vocación de vida. Por ejemplo David Byrne, Chris Franz y Tina
Weymouth (del grupo Talking Heads) se conocieron en la Escuela de
Diseño de Rhode Island (EE.UU.), lugar donde forjaron la idea de
formar un grupo musical. Sus inquietudes artístico-intelectuales se
refejaron tanto en su sonido como en su imagen. La preocupación por
lo externo era también un signo de una década y del cambio de
paradigma que se había gestado hacia el posmodernismo, mutando
también lo que antes se entendía como arte.
La new wave inauguraba con sus sonidos creativos y sus
melodías innovadoras una nueva década alrededor del mundo, y el Reino
Unido no era la excepción. Allí también la heterogeneidad era la regla.
Estaba el veloz sonido de los Rezillos (la versión escocesa de los B-52's),
el dark/gótico de Joy Division -cuyos integrantes formarían más tarde el
grupo de techno New Order, tras el suicidio de su vocalista, Ian Curtis-,
el noise-rock de Te Pop Group, el new wave-reggae melódico de Te
Police, el reggae-funk con mensaje feminista de Te Slits y el rock gótico
de Te Cure.
Muchos de estos grupos que pasaron por la música new wave
inauguraron nuevas corrientes. Te Cure y Joy Division, por ejemplo, se
sumaron a otros como Siouxsie and the Banshees para sentar las bases de
lo que se conocería como dark wave. En el otro margen del espectro
Ultravox y Orchestral Manoeuvres in the Dark dieron origen al "Cool
Wave", que fue retomado por Te Human League, Depeche Mode y
otros para su propio trabajo; con lo que nació el tecno pop, siendo uno
de los puntos de partida del incipiente techno pocos años después, la
música industrial y toda la ya reconocida música electrónica de baile que
va desde los 1980's en adelante.
Y en la palabra alternativo encontramos el destino de la new
wave. Hoy, lo que alguna vez fue new wave es rock alternativo, en otro
más de los múltiples usos que se le ha dado al término. Hoy en día, new
wave se aplica a los grupos que hacen una relectura del punk de
principios de los setenta, y que a fnales de esa década no era comercial.
Reino Unido
Mientras el punk perdía la popularidad alcanzada en 1976 y
1977, todo el Reino Unido fue epicentro de varias formaciones de
bandas New wave. Caben destacar lugares en Inglaterra, como
244

POP
Merseyside, Gran Mánchester, Lancashire, Yorkshire, Bristol y Londres;
en Escocia, como Glasgow y Edimburgo; y también en Irlanda del
Norte, donde éstas agrupaciones se fueron formando. Cada condado,
con su respectiva capital, sería el centro de una escena que marcó época
en los países británicos.
La raíz de esas bandas New wave fue el punk. Además de que
bandas como Sex Pistols o Te Clash, visitaran cada lugar del país,
también se formaban grupos. En Mánchester, se formaron los
Buzzcocks, originalmente una banda punk que fue evolucionando con el
tiempo, y cuyos miembros salieron a formar parte de distintas
agrupaciones, siendo la más destacada e infuencial Magazine, formada
por Howard Devoto, quien salió de Buzzcocks a comienzos de 1977; en
Liverpool se formaron distintas bandas, no sólo infuenciadas por Sex
Pistols o Te Clash, sino también por la banda local Deaf School,
saliendo de allí Echo and the Bunnymen y OMD; en Birmingham
surgieron grupos mundialmente conocidos como Duran Duran e UB40,
y otros sólo conocidos en la zona como Fashion y Toyah. De Escocia
surgieron artistas importantes, pero muchos de ellos sólo a nivel local,
como Te Skids, Associates u Orange Juice; y otros a nivel mundial,
como Midge Ure y Simple Minds. De Gales también salieron bandas
importantes, pero no tanto para el mercado de habla hispana como
Young Marble Giants y Scritti Politti.
Merseyside: Liverpool, Eric's, etc.
Ola musical de Merseyside (punk y new wave): Liverpool,
capital del Merseyside, había engendrado a Te Beatles hacía casi 20
años. A la separación de sus cuatro integrantes, no volvió a haber otra
banda de rock de similar popularidad. Sin embargo, a mediados de los
años setenta aparece una banda glam local llamada Deaf School, cuyo
miembro, Eric Shark, inaugura un lugar de diversión llamado Eric's
Club (El Club de Eric). Allí, músicos como Pete Wylie, Julian Cope, Ian
McCulloch, Ian Broudie, Holly Johnson, Bill Drummond, Alan Gill y
otros asistirían y formarían sus propias bandas: Cope forma Teardrop
Explodes, Wylie forma Wha! y McCulloch Echo And Te Bunnymen.
Otra banda de la zona fueron Big in Japan.
Gran Mánchester: Factory Records, Mánchester
Mánchester, capital del Gran Mánchester, era un sitio
considerado aburrido o calmado en comparación con Londres, a pesar de
245

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
que allí se habían originado grupos; destacando los de rock progresivo,
como Barclay James Harvest, un grupo salido de la clase obrera que
abunda en esa ciudad, y Van Der Graaf Generator, otro pero compuesto
por estudiantes de clase media de la Universidad de Mánchester, una de
las más destacadas del país.
En 1975, Howard Devoto y Pete Shelley, dos estudiantes de
una escuela politécnica en Bolton, forman el infuyente grupo punk
Buzzcocks, lo cual en 2001, a Tony Wilson, fundador del sello Factory,
le causó declarar que eso signifcaba que ellos estarían más adelantados
que el resto de Mánchester.24 Hour Party People, 2001. Luego de unas
pocas giras, en febrero de 1977, Devoto se va de la banda y funda la suya
propia , Magazine, la cual infuiría a muchos otros grupos y solistas más
adelante. Buzzcocks siguió evolucionando en cuanto a estilo hasta su
separación en 1981 y su posterior reagrupación en 1989.
Magazine, formada por Howard Devoto, combinaba diferentes
estilos como el Krautrock y el punk, haciendo de esta banda una de las
primeras New wave en Mánchester. Un sencillo muy reconocido, «Shot
by Both Sides», de 1978, que les valió una presentación en Top of the
Pops, es uno de los materiales más importantes de esta banda. El estilo
de su guitarrista John McGeoch, fallecido en 2004, ha infuido mucho
en guitarristas como Johnny Marr (Te Smiths), Roddy Frame (Aztec
Camera) y John Frusciante (Red Hot Chili Peppers). Sin embargo,
después del lanzamiento de su álbum debut, Real Life, la venta de los
siguientes discos fueron bajas, separándose en 1981.
Joy Division fue una de las bandas que marcó época en la
historia del rock, a pesar de no tener grandes éxitos. Formada por Ian
Curtis, el guitarrista Bernard Sumner, el bajista Peter Hook y el baterista
Stephen Morris, la banda comenzó como Warsaw y tocando material de
sonido más punk. Al frmar su contrato con Factory Records, empiezan a
hacer diversas canciones que conformaron parte del repertorio de su
historia, un grupo de éstas agrupadas en dos álbumes, Unknown
Pleasures, en 1979, y Closer, en 1980, ambos producidos por Martin
Hannett. Ovacionados en sus conciertos, también experimentaron con
sintetizadores, lo que más tarde conformaría un elemento esencial en la
agrupación. Pero ese elemento esencial llegó con New Order en 1980,
meses más tarde del suicidio de Ian Curtis, quien se colgó a los 23 años,
poco antes de una gira en Estados Unidos. Este acontecimiento marcó el
fn de Joy Division y su estilo de rock gótico, pero meses más tarde causó
que los demás integrantes probaran nuevos horizontes, orientando su
música a la electrónica.
246

POP
Los miembros restantes de Joy Division cambiaron
radicalmente su estilo, llamándose New Order, banda que cosechó éxitos
en la década de los ochenta. La música electrónica sería la esencia del
grupo, y el guitarrista Bernard Sumner pasaría a la voz.
Muchos de estos grupos que nacieron en Mánchester como Te
Smiths y Stone Roses llegaron a infuenciar más tarde a muchos artistas
indie.
Devoto, Joy Division, Magazine y otros serían sus
representantes; John Foxx (cantante de Ultravox) y Stuart Adamson
(guitarrista de Te Skids y cantante de Big Country) también pasaron
algún tiempo ahí, aunque el primero lo frecuentaba desde su natal
Chorley y el segundo pasó sus primeros años allá.
Londres
Londres, como capital del país, ciudad central del reino y
escena principal de todo espectáculo cultural y artístico británico, daría
buena cantidad de bandas y artistas New wave; el ex-vocalista de los Sex
Pistols, John Lydon, fundaría su Public Image Ltd., mientras que
nombres como Adam & the Ants, Te Cure, Bow Wow Wow, Tomas
Dolby, Te Buggles, Ian Dury, Te Jam, Madness, Gary Numan, Elvis
Costello, Duran Duran, Spandau Ballet Siouxsie & the Banshees o los
mismos Te Police surgirían de Londres o de sus suburbios.
Midlands: Birmingham
De la ciudad de Birmingham surgirían Duran Duran y
Spandau Ballet como nombres más conocidos, más concretamente en el
ámbito new romantic, bandas que alcanzaron masividad más allá de la
new wave propiamente dicha.
Escocia
Escocia por su parte, originaría nombres muy importantes
como Aztec Camera, Orange Juice, Big Country, Simple Minds, Midge
Ure o Cocteau Twins, etc. Grupos como Ultravox, Japan, Magazine,
Te Human League o XTC eran algo más vanguardistas, y se
mantuvieron como nombres de culto, con audiencias menos numerosas.
Francia
La New wave en Francia, simbolizó una época importante de la
música pop gala de los 80's. Los principales grupos que destacaron
fueron Indochine, Anima, Partenarier Particulier, Luna Parker o Nigara,
además de ser epicentro del subestilo Coldwave.
247

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
New wave en los países hispanos
Argentina: Este género fue liderado por grupos como Soda
Stereo y su líder Gustavo Cerati, Virus y su líder Federico Moura, Sumo
y su líder Luca Prodan y solistas como Charly García, Daniel Melero y
Miguel Mateos, quienes revolucionaron en gran parte el rock
latinoamericano en los 80s. Comenzó hacia 1980 durante la época del
Proceso de Reorganización Nacional, con la edición del disco "Metegol"
y "Televisión" de Raúl Porchetto y tuvo su gran suceso a mediados de los
ochentas, pero terminó con las muertes lamentables de Federico Moura
de Virus y Miguel Abuelo de Los Abuelos de la Nada, ambos en 1988; y
de Luca Prodan de Sumo en 1987 en Roma.
Chile: Los Prisioneros fue el grupo más importante, pasando
por infuencias de punk, new wave y synthpop en sus primeros 3
álbumes. Esta banda fue, junto a la banda Soda Stereo los más
contribuyentes de este género en Latinoamérica en la década de los 80s .
Otra banda importante fue La Ley , que por sus inicios fue una banda
new wave a fnes de la década de 1980 y principios de los años 1990, con
mayor notabilidad en sus primeros 2 discos, desiertos y su primer ep, la
ley ep. La primera banda New Wave chilena fue Banda Metro. La Banda
Metro nació en los tempranos 80's con John Bidwell en voz, Eric
Franklin en batería, Roberto Lee en guitarra y Pepe Aranda en bajo.
Poco después surgieron una gran cantidad de bandas como
Electrodomésticos, Banda 69, Primeros Auxilios, Upa!, Aparato Raro,
Viena y Valija Diplomática entre otros, que destacaron por ir desde la
New Wave convencional al synth pop más vanguardista.
España: en España la nueva ola surgió en torno a 1978-79 con
bandas como Kaka de Luxe, Alaska y los Pegamoides, Radio Futura, Los
Secretos, Mamá, Nacha Pop, Los Bólidos, Los Zombies, Paraíso o
Aviador Dro. Defnida a veces con el término Movida madrileña o "La
Movida" a secas, en realidad se extendió por todo el país y dio lugar a lo
que también se conoce como "La Edad de Oro del Pop Español".
Durante el resto de la década de los 80 surgieron miles de bandas por
toda la geografía nacional, infuenciadas por los sonidos de la new wave
anglosajona, el tecno-pop, el punk, el post-punk, el rock gótico y las
nuevas tendencias musicales de la época. Aunque sería imposible
mencionar siquiera una mínima parte de ellos en un artículo de estas
características, vayan, como ejemplo, los nombres de Loquillo y los
Trogloditas, Los Rebeldes, Los Pistones, Alaska y Dinarama, Siniestro
Total, Parálisis Permanente, Golpes Bajos, La Mode, Los Ilegales,
Gabinete Caligari, Derribos Arias o Glutamato Ye-Yé. Y, ya en un
248

POP
sentido más comercial, Mecano, Olé Olé, Hombres G, La Unión o Tino
Casal. A partir de 1984-85 muchos de esos grupos alcanzaron un notable
éxito de ventas y público en su país, dominando la escena musical y
cultural española e, incluso en algunos casos, siendo conocidos en
Hispanoamérica.
Perú: incluyó nombres como Voz Propia, Lima 13, Cenizas,
Cardenales, Dolores Delirio, Miky Gonzales, Bajo sospecha, Textura y
en general mucho de lo que se llamó la Movida Subterránea en los
principios de los 80s.
Uruguay: terminada la dictadura se produjo una verdadera
eclosión de bandas, la mayoría de corte punk en una reacción similar al
Boom español de los 80, pero en menor escala y dentro de los
parámetros de la avejentada sociedad uruguaya. Las agrupaciones más
recordadas son Los Estómagos (que en realidad son anteriores), Los
Vidrios, Traidores, ZERO, Los Tontos, Neoh 23, etc., las cuáles
tuvieron relativo éxito. Algunas siguen hasta el momento actual.
Venezuela: el género quedó plasmado principalmente en
bandas y solistas como Témpano, PP'S, Melissa, Aguilar, Aditus, Cyan,
Sentimiento Muerto, Fuga, y La Seguridad Nacional. Éste movimiento
terminó con la llegada de los 90' y la disolución de Sentimiento Muerto
y La Seguridad Nacional en 1993.
Países del antiguo Bloque Oriental
Polonia: En Polonia el movimiento de la "nowa fala" tuvo su
auge principalmente en Varsovia y otras ciudades principales,
infuenciada principalmente por el punk-rock y post-punk britanicos, así
como por otras agrupaciones del bloque oriental; entre sus principales
exponentes se encuentran Siekiera, Republika, Kryzys, Brygada
Kryzys,Madame, Socrealizm, 1984, Lech Janerka, Variété, Kult, Bikini,
Made in Poland, Obywatel G.C. y Novelty Poland, entre otros.
Unión Soviética: en la URSS el rock nunca fue muy popular y
era considerado por las autoridades como «antisoviético» por lo que el
número de bandas de rock nunca fue muy grande y siempre editadas por
sellos pequeños (excepto algunas que fueron editadas por Melodiya).
Una de las bandas más representativas fue Kinó, grupo liderado por el
legendario Víktor Tsoi, fundado a principios de los años 1980 en
Leningrado.
Yugoslavia: era el país socialista más abierto de todos, y en
donde el rock se desarrolló más tempranamente. La new wave aparece
hacia fnales de los años 1970 en todas las repúblicas de la federación
249

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Yugoslava, donde era conocida como Novi Val o Ноби Талас, y se
desarrolla plenamente hacia 1980 con la aparición de bandas como VIS
Idoli, Šarlo Akrobata, Azra, Electrični Orgazam, Film, Prljavo Kazalište,
Haustor y muchas otras, algunas de las cuales habían evolucionado desde
el punk a la Novi Val. Declina hacia 1984 cuando varias bandas
comenzaron a evolucionar hacia el rock y pop más convencional (por
ejemplo, Azra y Electrični Orgazam) o hacia el rock alternativo (por
ejemplo Ekatarina Velika). Es considerada como la «era dorada» del pop
y rock en los países que aparecieron tras la desintegración de Yugoslavia.
New wave electrónico: dark wave, electropop y synth pop[editar]
A partir de 1977 surgieron una serie de grupos que, siguiendo
la línea de Kraftwerk, nacieron infuidos por la estética sonora y visual de
la new wave, y su música se basaba en sonidos programados, secuencias y
sintetizadores, como Ultravox, pero con sonidos siniestros, ambientales,
sonando ciertamente a post-punk. Eso daría nacimiento a un término
que señalaría el ambiente creado por estos nuevos sonidos, dark wave,
con bandas como Clan Of Xymox, Dead Can Dance y Cocteau Twins.
Paralelamente devinieron el synth pop y su cruce más pop, el
electropop, que apareció por 1981. En esos años se los conoció como
tecno-pop. Los representantes más conocidos fueron Gary Numan, Te
Human League, Depeche Mode, Orchestral Manoeuvres in the Dark
(OMD), New Order o Propaganda y ya posteriormente con infuencia
dance pop, Pet Shop Boys, Modern Talking etc...
Estos grupos eran defnidos como new wave por esos años (pues
no era común antes de ellos escuchar a bandas trabajando con pura
música electrónica) ya que su estética sonora, su vanguardia y su look
emergió dentro de los márgenes (márgenes que luego serían
trascendidos) de la new wave.
Terminología
Las grandes bandas New wave fueron o son muy trascendentes,
como es el caso de Duran Duran, Te Police, Te Clash, Te Cure,
R.E.M., Depeche Mode y U2. Mucha de la música pop de hoy tiene una
deuda con ella; la "New wave", sin duda marcó una parte importante en
la historia del rock contemporáneo y de la música electrónica.
Pero New wave es en realidad un término ambiguo, siendo
todo lo que ocurrió después del punk rock, combinando este género con
otros como el ska, reggae, rock progresivo, glam rock, experimental, etc.
Claro que estas infuencias marcaron más unas que otras en distintas
250

POP
bandas, pues Te Beat y Te Cure son New wave, porque ambas
combinaban punk o rock con distintos géneros previos, pero la primera
banda combinaba más ska y reggae, por lo que pertenecía al género 2
Tone, mientras que la segunda combinaba más el glam y rock
progresivo. Simon Reynolds en su libro "Rip It Up and Start Again"
describe todos esos grupos como post-punk, porque surgieron después
del punk, pero también son llamados New wave indistintamente.
6.12.1. Synth pop (Techno pop)
El synth pop (en castellano pop sintetizado), es un género
musical derivado de la música electrónica, combinada con la música
disco, la new wave y el pop y desarrollado a fnales de los años 70 y
principios de los años 80, principalmente en el Reino Unido y Alemania.
También sirvió de plataforma para el surgimiento de los nuevos
estilos de música electrónica como el house, el techno y el trance, y
también dio paso del sonido disco al sonido dance.
Infuidos por David Bowie, Brian Eno, Donna Summer (de la
mano de uno de los pioneros en el género Giorgio Moroder), Kraftwerk,
Ultravox (primeros años) y otros, los representantes de este género
desarrollaron un nuevo estilo musical, marcando la década de 1980.
Características
Mientras la música popular más común en el mundo
industrializado era realizada con instrumentos electrónicos, el synth pop
tenía sus propias tendencias estilísticas que lo diferencian de otra música
producida con los mismos medios. Estos incluyen la explotación de la
artifcialidad (los sintetizadores son usados para imitar instrumentos
acústicos), el empleo de ritmos mecánicos, arreglos vocales como
contrapunto a la artifcialidad de los instrumentos y el modelo ostinato
como efecto. Las estructuras de canciones synth pop son generalmente
iguales a las de la música popular.
Los instrumentos que se usaban básicamente eran:
La caja de ritmos Roland TR-808.
La caja de ritmos Roland TR-909.
El módulo de línea de bajo TB-303 de Roland, usado al principio, en
1981 y 1982.
Linn Drum Box: esta caja de ritmo fue utilizada por grupos de la época.
Prophet 5 de Secuential Circuits fue un sintetizador analógico usado a
principios de los años 1980.
251

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
La línea de sintetizadores Moog también fue pilar del movimiento synth
pop.
También el desarrollo del sistema de informática musical MIDI permitió
la comunicación universal entre ordenadores y sintetizadores, que se usa
en la actualidad.
Historia y desarrollo del synth pop
Los orígenes del synth pop se remontan al desarrollo de los
sintetizadores y la música electrónica, pero su verdadero desarrollo se
inició cuando los pioneros de la electrónica, el grupo alemán Kraftwerk,
graban su cuarto álbum Autobahn en 1974, cambiando el desarrollo de
la música electrónica y popular. El uso que se le dio a los sintetizadores
por parte del entonces trío conformado por Ralf Hütter, Florian
Schneider y Wolfgang Flür los catapultó al éxito internacional. Su
revolucionario trabajo, futurista y original para la época, sería decisivo en
el desarrollo de la música en los años posteriores e infuenciaría
fuertemente a los artistas que vendrían unos años después, especialmente
en el Reino Unido.
Los primeros años (1977-1979)
En plena explosión punk, una serie de artistas infuenciados por
Kraftwerk y además por otros músicos como Roxy Music, Brian Eno y
David Bowie, iniciarán la experimentación con sintetizadores y
comenzarán a incorporarlos como un instrumento más junto con las
guitarras, baterías y bajos. De esta manera el Reino Unido iniciaría con
una costumbre de pocos músicos que más tarde cosecharía éxitos e
infuiría en el mundo. Sin embargo el punk, género vigente en esos años,
y sus derivados directos, como el post punk y el indie rock, opacarían al
synth pop durante esa época.
En el Reino Unido, el género fue primero representado por
bandas como Ultravox, Japan, Be-Bop Deluxe, Landscape, Te Human
League, Tubeway Army, Dalek I Love You, Red Noise, Vice Versa,
Cabaret Voltaire, Trobbing Gristle, Orchestral Manoeuvres in the Dark
(famosamente abreviados como OMD), Soft Cell, Visage, Blancmange,
Te Buggles, New Musik, y posteriormente Depeche Mode. También
algunos solistas como Gary Numan (cantante de Tubeway Army),
Tomas Leer y Robert Rental.
En 1973, Brian Wilson grabó un EP de música experimental
llamado Mount Vernon and Fairway (A Fairy Tale), el mismo fue
252

POP
editado junto al álbum Holland en el citado año. Más tarde, Wilson
grabó para Te Beach Boys el álbum Love You, inspirado en Switched-
On Bach de Wendy Carlos (un álbum de piezas de Bach interpretadas
con sintetizadores), así la instrumentación de Love You fue está
compuesta casi en su totalidad por sintetizadores analógicos con
tecnología de última generación, como el Minimoog. Los arreglos y
mezclas de estos instrumentos fueron hechos como el característico muro
de sonido (wall of sound), debido a la fascinación que tenía Brian
Wilson del trabajo de Phil Spector.
Ultravox lanzó sus dos primeros álbumes en 1977, Ultravox! y
Ha! Ha! Ha!, en los cuales Billy Currie usaba los teclados de una manera
muchas veces no tan protagónica pero lo hacía extensamente en las dos
canciones fnales de cada álbum, My Sex e Hiroshima Mon Amour,
respectivamente, pero el grupo no dio el gran paso hasta 1978, cuando
lanzó Systems of Romance, que además es considerado un referente en el
origen del movimiento new romantic. Te Human League lanza en
1978 su primer sencillo Being Boiled, donde usaron solo sintetizadores,
caja de ritmo y cintas magnéticas como instrumentos dando origen al
subgénero electropop. En noviembre de 1978 debuta Tubeway Army
con un álbum homónimo, grupo liderado por Gary Numan, que se
convertiría en una de las fguras synth pop más reconocidas. Japan graba
a fnales de 1977 su primer álbum Adolescent Sex y lo lanza a comienzos
de 1978, con un sonido glam rock mezclado con el sintetizador de
Richard Barbieri. Landscape lanza en 1977 un EP llamado
U2XME1X2MUCH. Al mismo tiempo, otros grupos como Te Buggles
y New Musik, formados en 1977 y que tenían como cantantes a dos
futuros productores aclamados, Trevor Horn y Tony Mansfeld,
respectivamente, esperarían hasta 1979 para grabar y lanzar los materiales
que los harían debutar: Video Killed Te Radio Star y Straight Lines,
respectivamente.
En el condado norteño de Merseyside, se formaban Dalek I
Love You, en 1977, y Orchestral Manoeuvres in the Dark, en 1978,
cuyos primeros materiales tampoco tendrían un éxito sufciente.
Debido a que el uso de los sintetizadores era poco convencional
y especialmente por lo fuerte que era el punk en ese momento, estos
artistas pasaron casi inadvertidos hasta su declive en el Reino Unido
hacia 1980.
Transición y cambios (1979-1980)
Muchas de las primeras bandas de synth pop no lograron el
éxito debido a muchas circunstancias, entre ellas el punk. Por eso los
253

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
cambios no se hicieron esperar, tanto en el estilo de hacer música, que
era de modo más experimental, como en el de alineaciones en ciertos
grupos. A partir de ahí, lo que no se logró en la década de los setentas, se
pudo hacer en la siguiente, logrando hacer del sintetizador una
predominancia. Hubo casos de bandas de tendencia más rockera que
experimentaron momentáneamente con los sintetizadores, como en el
caso de Te Skids (Goodbye Civilian, 1980) y Joy Division (As You
Said, 1980).
Para 1979, Ultravox ya había sufrido una serie de cambios de
sonidos en su repertorio. Años atrás, era más notoria su infuencia del
glam rock y el punk, como parte de sus dos primeros álbumes Ultravox!
y Ha! Ha! Ha!, respectivamente, mientras que sus orientaciones hacia el
synth pop eran destacadas con poca notoriedad, pero dando sus primeros
pasos en las canciones fnales de estos dos discos (y los sencillos de la
época), habiendo, en cambio, una gran predominancia en la guitarra
eléctrica. Para Systems of Romance, los roles empezaron a cambiar, con
los sintetizadores adquiriendo cada vez más protagonismo que la
guitarra. Pero en 1979, John Foxx, cansado de los fracasos comerciales y
las tensiones con el resto de los miembros, abandona el grupo para
hacerse solista. Ese mismo año, el tecladista y violinista de la banda Billy
Currie empieza a formar parte del proyecto Visage, donde conoce a
Midge Ure, con quien entabla su amistad. Ure, interesado en ayudarlo a
completar el alineamiento de Ultravox, decide reemplazar a Foxx y el
guitarrista Robin Simon (separado poco antes que Foxx) a la vez, siendo
aceptado un poco después. A fnales de ese año, el renovado Ultravox
emprende una nueva gira y en 1980 sale el álbum Vienna, cuya canción
homónima (y su vídeoclip) les abre las puertas del éxito. Vienna es un
álbum con más elementos de sintetizador que los anteriores con John
Foxx.
Por su parte, John Foxx grabó su primer álbum solista a fnales
de 1979, ya con un uso casi completo de sintetizadores y otros materiales
electrónicos, llegando a sonar casi al estilo de Kraftwerk y Te Human
League; el álbum se llamaría Metamatic, salido a comienzos de 1980,
que llegaría a estar en los puestos más altos del chart británico, con
canciones destacadas como Underpass y No-One Driving, sacadas
también en sencillos.
Te Buggles, inicialmente fue compuesto por Trevor Horn,
Geofrey Downes y Bruce Woolley. Este trío compuso Video Killed the
Radio Star y Clean Clean en 1977, año en que se formaron y vivían
juntos en un apartamento. En 1979 Woolley se separa del grupo y forma
Bruce Woolley And Te Camera Club con Tomas Dolby y lanza ese
254

POP
año English Garden, que contenía ambas canciones que había
compuesto en Te Buggles. Video Killed Te Radio Star fue sacado en
dicho año como sencillo tanto por éstos como por Woolley y su grupo,
pero la versión de los primeros terminó con más éxito.
Aunque Joy Division era conocido por sus tendencias al género
gótico, habiéndose iniciado como muchas bandas de su época en el
punk, en 1980 llegó a lanzar una canción llamada As You Said y su
último álbum Closer, los cuales mostraban una orientación hacia la
electrónica, especialmente en el caso del primero. El guitarrista y
tecladista Bernard Sumner y el cantante Ian Curtis admiraban también el
synth pop de Kraftwerk, mostrando su otro lado musical antes del
trágico suicidio de Curtis en mayo de 1980. Con Closer lanzado
póstumante, poco después el resto de la banda cambia su nombre a New
Order, y cambiarían paulatinamente al género synth pop.
Te Human League estaba formado originalmente por Philip
Oakey, Martyn Ware e Ian Craig Marsh. La banda lanza su primer
álbum, Reproduction, en 1979, y Travelogue, en 1980. A pesar de ser
una de las primeras bandas de synth pop en sacar un disco dedicándose
completamente a ese género (a diferencia de Ultravox, Tubeway Army y
Japan), Te Human League no alcanzó éxito, conduciendo a una serie de
cambios: Ware (quien no se llevaba bien con Oakey) decidió irse, siendo
seguido por Marsh. Oakey se quedó con el nombre de Te Human
League y reclutó a unas chicas en una discoteca para hacer de reclamo del
grupo. Por su parte Ware y Marsh formaron brevemente un proyecto
llamado BEF, que invitaba a diversos cantantes a tomar parte en su
repertorio; luego forman Heaven 17 con Glenn Gregory, un viejo
conocido quien previamente era visto por ellos como el cantante de Te
Human League.
Japan, como Ultravox, estaba enraizado en el glam rock y
utilizaba algunos sonidos electrónicos. Como Billy Currie en Ultravox,
Richard Barbieri era el único de su grupo que proveía el sintetizador.
Después del lanzamiento de Adolescent Sex y Obscure Alternatives,
comienza una transición en el sonido de la banda, saliendo Quiet Life,
que proveía un sonido un poco más electrónico y sin mucho uso de la
guitarra. A pesar del éxito, Japan sale del sello Hansa y frma contrato
con Virgin, el cual le provee en 1980 su primer gran álbum Gentlemen
Take Polaroids, con un sonido más electrónico y evolucionado. Sin
embargo el resultado más esperado vendría en 1981 con Tin Drum, el
cual contendría éxitos como Ghosts.
También Trevor Horn al desintegrarse el grupo Te Buggles,
decide experimentar con el grupo Te Art of Noise creando una
255

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
combinación armoniosa entre synth pop, Ambient y sonidos
experimentales, ayudándose del entonces nuevo Fairlight CMI, el primer
sintetizador sampler.
En 2009 la BBC presentó un documental llamado SYNTH
BRITANNIA donde habla sobre la historia del synth pop en el Reino
Unido.
En este documental presenta grupos, como por ejemplo:
Cabaret Voltaire, Te Human League o Heaven 17 hablando de su
historia e infuencias para el mundo.
Años 1980
Para 1980 surgirían grupos como Orchestral Manoeuvres in the
Dark o Visage y otras bandas que arraigaron un estilo propio, seguido
por una legión de grupos que combinaban típicas melodías pop con
sonidos electrónicos generados por sintetizadores, cajas de ritmos, cintas
magnéticas y secuenciadores, apareciendo el subgénero tecno-pop.
La mayoría de los grupos synth pop también serían new wave
destacándose en ambos estilos, ya que el synth pop era considerado un
subgénero del new wave. Ya en la primera mitad de los años 80
aparecerían otras agrupaciones como Duran Duran, Depeche Mode,
Alphaville, Pet Shop Boys que seguiría una fórmula a lo Kraftwerk, el
dúo Soft Cell, Heaven 17, Blancmange o Yazoo.
Tomas Dolby lanza en 1981 su primer álbum, Te Golden
Age of Wireless, que incluía el tema «She Blinded Me With Science».
Te Human League lanzó Dare!, álbum que contenía el éxito mundial
Don't You Want Me.
En 1984 se levantaría Modern Talking. Yazoo se desintegró en
1983, entonces Vince Clarke -quien ya había abandonado Depeche
Mode también- realizó el proyecto Te Assembly en 1984 sacando un
solo sencillo y al año siguiente se juntó con Andy Bell para formar
Erasure. En paralelo su ex-compañera, Alison Moyet, sacaría su primera
producción discográfca como solista llamada Alf.
En 1982 hubo una nueva oleada de grupos new wave/synth
pop como A Flock of Seagulls o Talk Talk. Y así hasta 1984 donde el
synth pop inicia su caída (coincidiendo con la aparición de Te Smiths),
y muchos de los grupos que cultivaban el estilo comenzarían a
desaparecer o a practicar otros géneros, como Tears For Fears hacia
1985. Ese mismo año debuta A-Ha con gran éxito, aunque en la segunda
mitad de los 80, el synth pop prácticamente es solo cultivado por bandas
256

POP
surgidas a principios de la década como Depeche Mode o Gary Numan.
El synth pop resurgiría gracias a bandas llamadas neo synth pop como
los alemanes de Camoufage, Fersaw XE o Romania, pero el movimiento
no tendría la importancia que tuvo en su época de esplendor.
Europa
El movimiento se expandió, aparte del Reino Unido, muy
especialmente en Alemania. No en vano fue el grupo alemán Kraftwerk
quien inició de algún modo el movimiento y el sonido synth pop.
Kraftwerk lanzó al mercado su primer álbum del mismo nombre en
1970. Kraftwerk, que había provenido del movimiento del rock
progresivo, decidió ir más allá con la experimentación sonora creando un
innovador concepto multidisciplinario en las futuras generaciones de la
música electrónica. Los más importantes exponentes del synth pop en
Alemania son, además de Kraftwerk, Alphaville, Celebrate the Nun,
Camoufage, Molly Nilsson -oriunda de Suecia- y Modern Talking. Así
el synth pop se fue extendiendo por el resto de Europa.
En Bélgica salió el grupo Front 242. En sus inicios empezaron
en la corriente del synth pop; posteriormente comenzaron con el
movimiento EBM.
En Francia, las infuencias del virtuoso músico Jean-Michel
Jarre, hijo del célebre músico francés Maurice Jarre quien dejó el
conservatorio para desarrollar su talento en la experimentación sonora de
la música electrónica.
En España, inicia su andadura en 1980 el grupo Aviador Dro,
fundadores del sello independiente DRO con el que grabarán la mayoría
de grupos del pop español de los años 80. También en 1981 nace el dúo
Azul y Negro que iniciará una exitosa carrera tanto nacional como
internacional. Otros grupos españoles de esta tendencia son WAQ,
Esplendor Geométrico, o los valencianos Glamour quienes crearon
escuela en su ciudad con grupos como Betty Troupe o Vídeo. También
fueron etiquetados como tecno en un principio uno de los más
importantes grupos de pop españoles: el trío Mecano.
Finalmente, a comienzos del 2000, surgió en España una nueva
ola de bandas synth-future pop, liderada por los canarios Re/Move y los
malagueños Culture Kultür, emergiendo notables bandas como Estatuas
de Sol, Te Tractor, Silica Gel, Ultraviolet, OBK, Maralian,
Conmutadores, Destino Plutón, After Te Rain, Lemon Fly, etc.
En Italia aparecieron también algunos grupos, ya en los años
1970, que practicaban este estilo de música. Uno de los mayores
257

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
representantes del movimiento synth pop italiano fue Giorgio Moroder,
[cita requerida] quien en 1978 ganó el Óscar por la composición del
tema («Te Chase») de la película El expreso de medianoche (Midnight
Express).
Otros países
Devo fue uno de los primeros grupos de synth pop en Estados
Unidos. Hasta ese momento había una importante resistencia al uso de
sintetizadores en la escena estadounidense. Devo alcanzó fama mundial
con éxitos como Whip It, Working In the Coal Mine y Peek-a-Boo,
entre otros. Hoy por hoy es considerado un grupo de culto.
Posteriormente, en la mitad de la década de los ochenta
aparecerían también grupos de gran relevancia como Information
Society.
En Quebec (Canadá) cabe destacar a la formación Trans-X, con
su enorme éxito internacional Living on Video.
La banda Flans, con la canción No controles, en 1985 (una
versión de la canción del grupo español Olé Olé), fue la primera canción
con tintes tecno-pop interpretada en México.
En los años 80 apareció una banda llamada Size integrada por
el cantante Illy Bleeding, el bajista Dennys Sanborns (también escritor
en la Revista Sonido), el guitarrista y tecladista Tis Grace y el baterista
Dean Stylette. Comenzaron tocando post punk, para pasar después a
géneros como el New Romantic y el propio synth pop. En 1984
intentaron sacar el álbum Nadie puede vivir con un monstruo, sin éxito
porque no encontraron compañía que los respaldara (el disco vio la luz
en la década de 1990).
Al mismo tiempo surgen grupos como Syntoma, Interface,
Casino Shanghai, Silueta Pálida, Década 2, Duda Mata, o Volti,
formando un movimiento de culto subterráneo a mediados de la década
de 1980. En 1991 aparece Mœnia; a la par apareció La Siguiente Página.
La agrupación con más relevancia en toda Hispanoamérica de
synth pop, fue la banda argentina Virus, caracterizada por ser la primera
banda de Hispanoamérica de Synth pop la cual estuvo tocando desde su
formación en 1980 hasta 1990, en 1988 el cantante de la agrupación
Federico Moura muere debido a que se encontraba infectado con sida y
fue reemplazado por su hermano Marcelo Moura hasta que el grupo se
disuelve fnalmente en 1990. Finalmente en 1994 vuelven a tocar
además de participar en la agrupación "VIDA" la cual es la agrupación
entre Soda Stereo y Virus
258

POP
A fnales de noviembre de 1978, en Japón, aparece el disco
homónimo de Yellow Magic Orchestra, banda que llevaría la senda
iniciada por Kraftwerk en el uso de los sintetizadores hacia otros
horizontes.
Otra banda que también sería importante es P-Model, una
banda que también inició su andadura a fnales de los años 70, y que
permaneció activa hasta que el vocalista, Susumu Hirasawa comenzó su
carrera en solitario en 1989 manteniendo el mismo estilo hasta ahora. A
pesar de todo, el synth pop no llegó a alcanzar la popularidad que
alcanzó en Europa ya que se trataba de un estilo visto por muchos como
escasamente comercial. Esto cambió en hacia mediados de 1990, cuando
surgieron bandas como Denki Groove, que llevarían el género hasta
estratos más comerciales que las bandas anteriormente citadas.
Hoy en día, este estilo está frmemente asentado en el panorama
musical japonés gracias a bandas como Capsule y Perfume, aunque el
género también ha estado unido a fenómenos como el Anime o los
videojuegos conocidos como Novelas visuales, áreas en las cuales han
destacado agrupaciones como I've Sound o fripSide.
Siglo XXI
El indie electrónico comenzó a despegar en el nuevo milenio
como la nueva tecnología digital desarrollada, con actos de difusión en el
Reino Unido, Justice en Francia, Lali Puna en Alemania y Ratatat o Te
Postal Service en Estados Unidos, la mezcla de una variedad de sonidos
indie con la música electrónica, en gran parte de los pequeños sellos
independientes. Del mismo modo, el subgénero electroclash comenzó en
Nueva York a fnales de la década de 1990, la combinación de synth
pop, techno, punk y el arte de las performance. Fue iniciado por SI, con
su tema Space Invaders (1998), y perseguido por artistas como Felix da
Housecat entre otros. Se captó la atención internacional a principios del
nuevo milenio y se extendió a las escenas en Londres y Berlín, pero
rápidamente se desvaneció como un género reconocible como actos que
comenzaron a experimentar con una variedad de formas de la música.
En el nuevo milenio, un renovado interés en la música
electrónica y la nostalgia de la década de 1980 llevó a los inicios de un
renacimiento del synth pop, con actos como adultos y Fischerspooner. A
partir de 2003 comenzaron a moverse en el género bandas como Te
Knife con su destacado sencillo Heartbeats, Cut Copy con Hearts on
Fire, M83 con Kim & Jessie, MGMT, Chromatics, Ladytron, Te
Bravery, Te Killers, todos los registros que se producen con un
259

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
sintetizador incorporaron sonidos y estilos que contrastan con los
géneros dominantes de post-grunge y Nu Metal.
Te Killers, Te Bravery y Te Stills dejaron su sonido synth
pop atrás después de sus álbumes de debut y comenzaron a explorar el
rock clásico, pero el estilo fue recogido por un gran número de artistas,
intérpretes o ejecutantes, en particular las mujeres artistas en solitario de
la mano de Lady Gaga con su sencillo Just Dance, que se convirtió en
éxito número 1 en varios países, al igual que Poker Face (2008) con la
que lo llevó a tener éxito con sus álbumes Te Fame, Te Fame Monster,
Te Remix y Born Tis Way, denominado por los medios de
comunicación británicos una nueva era de la estrella femenina de electropop,
citando a los actos de la banda, tales como Little Boots, La Roux y
Ladyhawke.
Otros artistas japoneses de techno-pop pronto siguieron esta
estela, incluyendo Aira Mitsuki, Mizca, Sawa, Saori@Destiny y Sweet
Holiday. Aunque artistas masculinos también surgieron en el mismo
periodo, como Calvin Harris, Frankmusik, Hurts, Kaskade y LMFAO
con su álbum Sorry For Party Rocking.
En los años 2010 continúan sobresaliendo muchos DJ's y
bandas interesados en este género.
Porter Robinson. Único DJ que ha logrado entrar al top 100 de
la famosa y aclamada revista DJ Magazine con este género en la posición
#56; su álbum debut Worlds fue considerado como "Mejor Disco del
Año" en el ranking de Beatmash Magazine. Además, fue considerado el
DJ más infuyente por THUMP.
Crystal Castles con su destacado sencillo Not In Love, que
junto con la participación de Robert Smith de la banda Te Cure
cosecharon críticas muy positivas en los medios en 2010.
Arcade Fire comenzaron a introducir elementos electrónicos en
su música creando así Te Suburbs, el cual ganó el Grammy al álbum del
año en 2010. Se destaca especialmente como sencillo synth pop Sprawl
II (Mountains Beyond Mountains).
Molly Nilsson, con su álbum Zenith tuvo una considerable
repercusión, cosechó buenas críticas y se hizo conocida en varios países
de Hispanoamérica y del mundo.
Twin Shadow con el álbum Forget en 2010. La canción que le
dio más fama fue Five Seconds, en 2012.
Neon Indian se hizo famoso por su álbum llamado Era Extraña
(2011), sobre todo por su canción Polish Girl.
El ex-guitarrista de la mítica banda Red Hot Chili Peppers,
John Frusciante, lanza con su EP Letur-Lefr en 2012 su inicio dentro del
260

POP
género del synth pop, marcando una diferencia en su estilo, respecto a su
historial musical, siguiéndole a este, los álbumes como PBX Funicular
Intaglio Zone (2012), un EP llamado Outsides (2013) y Enclosure
(2014). Empezó a combinar el estilo de producción que se utilizaba en
los años 60 y el principio de los años 70 con la producción electrónica
moderna; también balanceando la música pop con formas abstractas de
música.
Iamamiwhoami llamó la atención con una fuerte campaña
audiovisual. Su álbum Kin se ganó a la crítica especializada.
M83 siguió elevando su éxito tras lanzar el álbum Hurry Up,
We're Dreaming, en el cual se distingue su famoso sencillo Midnight
City.
Metronomy con el álbum Te English Riviera.
Grimes con el álbum Visions en 2012. Su sencillo Oblivion fue
nombrado la mejor canción de la década por la revista Pitchfork Media.
Kavinsky logró popularidad con su sencillo Nightcall al estar
incluido en la banda sonora de la película Drive, en la cual predomina
música electrónica con reminiscencias de los ochenta.
Trust con su álbumes TRST y Joyland.
Chvrches con Te Bones of What You Believe tuvieron un
álbum synth pop signifcativo en 2013 y en 2015 el álbum "Every Open
Eye" con muy buen sonido].
Sky Ferreira.
And Finally se mantuvo durante semanas en el Top de
recomendados de iTunes con su álbum de debut Heartbreak Empire que
incluía los éxitos Same Reality, She Drank My Life y Kill Him.
6.12.2. New Romantic
New Romantic (llamado en español Nuevos Románticos) fue
un subgénero musical new wave y un movimiento de moda que tuvo
lugar principalmente en Inglaterra a inicios de la década de 1980. El
género emergió durante la predominancia de la diversa escena new wave.
El género destacó por el uso de los sintetizadores, de ropa
glamurosa y, aunque no necesariamente, poco o mucho maquillaje.
Aunque por el uso de los sintetizadores, a este tipo de música se le
cataloga erróneamente como synthpop, siendo este una evolución del
estilo new wave el cual evolucionó a un sonido ya sin infuencias del
punk y utilizando a su vez más los sintetizadores, cajas de ritmos,
samplers, baterías electrónicas, etc., y suprimiendo cada vez más baterías,
bajos y guitarras incluso en su totalidad - a veces para mucha gente
261

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
resulta confusos estos estilos y les resulta difícil diferenciarlos. Más
adecuadamente destaca por la apariencia de sus representantes y la
infuencia musical de éstos, por ejemplo, David Bowie y Roxy Music era
representantes del glam y el new wave y aunque añadían más sonido de
sintetizadores.
Aunque el movimiento tuvo su base mayoritariamente en
Londres, artistas de otras partes de Inglaterra fueron relacionadas,
adecuadamente o no, con el género.
Descripción
Los nuevos románticos se distinguían por su apariencia visual/estética y
por su música. A diferencia del punk rock, cuyos años de gloria estaban
fnalizando durante el origen del nuevo romanticismo, los nuevos
románticos aparentaban una fgura física y estética más elegante e
impuesta, destacando su ropa elegante (terno, en ocasiones corbata,
zapatos o zapatillas), apariencia física (peinados atractivamente estilizados
y, en muchas ocasiones, maquillaje), lo que hacía que los artistas y otras
personas recurrentes al género destacaran por su glamour. Su música era
acorde con aquel estilo, siendo también elegante, además de bailable,
agregando el uso del sintetizador.
Historia
El origen del género tuvo lugar en gran parte dentro de clubs
como Billy`s en Dean Street, Londres,[cita requerida] que dirigieron
David Bowie y Roxy Music, y se desarrolló en el sumamente exitoso y
elitista Blitz Club en Great Queen Street,[cita requerida] que contaba
con Steve Strange como portero y con Boy George como dependiente
del guardarropa. El club produjo cientos de derivados similares dentro y
alrededor de Londres, entre los cuales estaban Croc's en Rayleigh, Essex,
y Te Regency en Chadwell Heath, donde Depeche Mode y Culture
Club hicieron sus actuaciones debuts como nuevas propuestas.
El fenómeno new romantic es una evolución del glam rock y
del new wave con ritmos muy marcados de bajo (incluso con infuencias
de funk). En la estética deriva del glam y el new wave, ropa afeminada,
ropa de principios del siglo XIX, a menudo con camisas de petimetre
rizadas, cintas en el pelo, a veces también teñidos, y usaban cosméticos
tanto hombres como mujeres. David Bowie era una obvia infuencia, y
su disco sencillo de 1980 Fashion podría ser considerado un himno para
los new romantics, como lo fueron Brian Eno y Roxy Music. Sin
262

POP
embargo, como en muchos movimientos artísticos juveniles, cuando se
tomó este "himno" como bandera, el mismo movimiento, a pesar de
proyectar satisfactoriamente muchas ideas elegantes futuristas y visiones
nuevas (con referencias varias a la ciencia-fcción), las fuerzas comerciales
las aprovecharon y los grandes almacenes produjeron copias y versiones
abreviadas baratas.
A pesar de los lazos del movimiento con el glam rock, las
actitudes y temas explorados por los new romantic diferían
considerablemente de los examinados por sus supuestos antecesores
(comparen los chillidos del "Coz I luv you" de Slade con el más lánguido
"Fade to Grey" de Visage).
REPRESENTANTES: A-ha, ABC, Adam And The Ants5, Adam Ant, A Flock of Seagulls,
Alphaville, The Associates, Blancmange, Berlin, The Blow Monkeys, China Crisis, Classix
Nouveaux, Culture Club, Duran Duran, Eurythmics, Fashion, Helden, Japan6, John Foxx,
Kajagoogoo, Modern English, Roxy Music, Simple Minds, Soft Cell, Spandau Ballet, Tino
Casal, Talk Talk, The Breakfast Club, The Human League, The Fixx, Thompson Twins,
Ultravox, Visage, Wang Chung, White Door, Yazoo, Zaine Griff, Zee.
6.13. POP BARROCO
El pop barroco es un género de música derivado del orchestral
pop surgido a mediados de los años 1960 que se caracteriza por utilizar
arreglos orquestales o instrumentos propios de la música clásica como
violines, violonchelos, fautas, arpas, trompetas, así como antiguos
teclados como el clavicémbalo y el órgano, instrumentos característicos
del barroco.
Esta denominación engloba a grupos como Te Left Banke,
Te Zombies, o Te Association. También se emplea para califcar el
sonido de los Beach Boys a partir de su disco Pet Sounds (obra cumbre
del pop barroco), así como para ciertas canciones de otros artistas de los
60's como Los Beatles en sus famosos álbumes de 1966 Revolver, con
temas como «For no One» y «Eleanor Rigby», y de 1967 Sgt. Pepper's
Lonely Hearts Club Band con «She's Leaving Home». También con este
sonido preciosista destacaron Donovan, los Rolling Stones con el éxito
"Lady Jane" de su LP Aftermath y su Between the Buttons o Love,
especialmente en su disco Forever Changes, así como la banda británica
Kaleidoscope (banda de Reino Unido) con su disco Tangerine Dream.
En Europa continental el estilo fue especialmente bien acogido
y tuvo muchos seguidores y practicantes en su momento (1966-1970).
Sobre todo en Francia, donde destacaron en este estilo France Gall,
Françoise Hardy, Michel Polnaref o, más tangencialmente, Serge
263

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Gainsbourg; en España, con ejemplos como Los Íberos, Los Ángeles, Los
Pop Tops o Solera; o en Italia, donde grupos como I Pooh, los primeros
New Trolls o solistas como Lucio Battisti también pueden ser adscritos a
ese estilo, al menos en sus discos de fnales de los 60.
Pop de cámara o chamber pop
Es la denominación que se da en la actualidad a la música con
estas características. Los artistas más importantes que se pueden califcar
de esta manera son Lana Del Rey, Florence + Te Machine, Ali Project,
Belle & Sebastian, Te Divine Comedy, Camera Obscura, Kings of
Convenience, Te High Llamas, Te Decemberists, Sufan Stevens,
Arcade Fire, Hidden Cameras, Raven Wings, Les Ondes Martenot,
Antony and the Johnsons, Te Last Shadow Puppets, Jens Lekman,
Panic! at the Disco, Woodkid, Lorde o Tori Amos, en sus primeros
discos, también pueden ser incluidos en este género musical.
6.14. POP LATINO
El pop latino se refere generalmente a aquella música pop que
tiene sonidos o infuencia latina, esto es, de la música originaria de
Latinoamérica, pero también puede ser música pop de cualquier parte
del mundo de habla hispana y portuguesa. La música pop latina suele
estar cantada en español y portugués. Además, muchos artistas
internacionales de Francia e Italia a menudo cantan en español para el
público de habla hispana.
En ocasiones se confunde el concepto de pop latino con el de
pop hispanoamericano, pop latinoamericano y/o pop en español, los
cuales aunque tienen importantes zonas de coincidencia presentan
algunas diferencias entre sí. Dentro del pop latino existe ciertos alias
honorífcos como se pueden mencionar los siguientes: La madre del Pop
Latino es la cantante cubana Gloria Estefan, El padre del Pop Latino es
el cantante mexicano Luis Miguel , La diosa del Pop Latino es la
colombiana Shakira, el dios del pop Latino es el cantante puertorriqueño
Chayanne , el rey del Pop latino es el cantante puertorriqueño Ricky
Martin la Reina del pop latino es la cantante mexicana Paulina Rubio, el
príncipe del Pop Latino es el cantante puertorriqueño Luis Fonsi, la
princesa del pop latino es la cantante mexicana Belinda y la reina del
Electro Pop Latino es la cantante mexicana Fey, títulos que se han
ganado por su trayectoria, su infuencia en la música popular y por ser
feles al género pop latino.
264

POP
Historia
El pop latino surge de la confuencia de estilos tradicionales
latinos como el bolero, la balada y otros con la música pop procedente de
los países anglosajones en los años 50 y 60 del siglo XX. La principal
corriente es la cantada en español, a veces por artistas procedentes de
otros idiomas que cantan para audiencias hispanas. También sucede el
fenómeno contrario, artistas de lengua española que adaptan sus
canciones a otras lenguas como el inglés o el francés, sin dejar de ser pop
latino.
Algunos de los artistas de pop latino más destacados en la
actualidad son Paulina Rubio, Ricky Martin, Shakira, Enrique Iglesias,
Talía, Belinda, Chayanne, Alejandro Sanz, Miguel Bosé, Luis Fonsi,
Laura Pausini, Gloria Trevi y Luis Miguel. Mención especial merece la
fgura de Gloria Estefan, quien a partir de los años 1980 ejerció un papel
fundamental en la popularización de este género más allá de sus fronteras
naturales, especialmente en Estados Unidos, lo que le valió el título de
"La madre del pop latino".
Una corriente paralela y próxima al pop latino, con la que a
veces se confunde o se entremezcla, es la canción melódica —conocida a
veces como balada latina—, con artistas como José José, Rocío Dúrcal,
Julio Iglesias, Camilo Sesto, José Luis Rodríguez, Cristian Castro, Yuri o
José Luis Perales.
Una de las prácticas habituales dentro del pop latino consiste en
la adaptación de ritmos latinoamericanos o ibéricos con el fn de
convertirse en un producto que pueda ser oído más allá de su público
tradicional. Desde los años 1950, ya se hacía esta práctica con el fn de
penetrar en el mercado norteamericano. Uno de los ejemplos más
notables es el éxito de Dámaso Pérez Prado en los Estados Unidos. En
los años 1990 se intensifcó dando privilegios a los sonidos más atractivos
para el público panamericano, pero no hay un estilo que se quede detrás:
banda, cumbia, famenco, merengue, norteña, salsa, samba, vallenato,
tango, tex-mex, etc. Un caso notable es Carlos Vives quien hizo de la
música tradicional colombiana un producto pop, así como el grupo
Bacilos, ya separado.
Debido a que el pop latino es en esencia popular se han
entendido como pertenecientes a este género artistas de otros estilos
musicales que cobraron moda durante algún tiempo. Es el caso del rock
en español a fnales de los 80s y en los 90s, en que bandas como Soda
Stereo, Enanitos Verdes o Maná, debido a la popularidad que gozaban,
fueron considerados como referentes tanto del género pop como del
265

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
rock. A partir del año 2000 las tendencias se acercan más al hip hop,
pero la variante latina, que es el reggaeton, es la que está cobrando el
mismo interés que alguna vez lo hizo el rock en español, con artistas
como Daddy Yankee o Don Omar, y por ello muchos artistas han
tomado la esencia de este genero para fusionarlas al genero pop latino
siendo pionera la cantante mexicana Paulina Rubio quien en el año 2004
en su disco «Pau-latina» realizo la canción «perros», la cual era una
combinación de música pop con reggaeton.
Algunos artistas nacidos en países no latinos han grabado
canciones en español o con contenido latino; algunos de ellos son: «La
isla bonita», «Verás» y «Lo que siente la mujer» de Madonna; «Dov'è
L'Amore» de Cher; «Irremplazable», «Oye» y «Si yo fuera un chico» de
Beyoncé; «Mambo n.º 5» de Lou Bega; «Los Amores» de Kylie Minogue;
«Vuelve a Mí» de Janet Jackson; «Héroe», «El amor que soñé» y «Mi
todo» de Mariah Carey, entre otros.
6.14.1. Tropipop
Tropipop es un Género musical originado en Colombia a
fnales de los años 90 y principios de los 2000. Consiste en una mezcla
de géneros musicales tradicionales de la Región Caribe Colombiana,
principalmente el Vallenato, con infuencias extranjeras tales como la
Salsa, el Merengue, y el Pop y Pop Rock. El término "tropipop" viene de
la combinación de las palabras "tropical" y "pop" describiendo la mezcla
que hace el género de raíces latinas tropicales con Música de los Estados
Unidos.
Algunos artistas exitosos de tropipop son Pasabordo, Bonka,1
Jerau Mauricio y palo de agua , Gusi , Fonseca y Lucas Arnau.
Historia-Orígenes tempranos
Desde la aparición del en los años 60 y 70, bandas como
Génesis (Colombia) empezaron a experimentar fusionando música
tradicional colombiana con pop rock. En las décadas siguientes, bandas
de rock como Aterciopelados continuaron involucrando canciones como
"Safa", que se consideran pioneras del género.
Carlos Vives & La Provincia
Los orígenes musicales del Tropipop pueden rastrearse a 1993
cuando Carlos Vives lanzó al mercado su álbum Clásicos de la Provincia.
Este muy exitoso álbum llamó la atención por el uso de instrumentos
266

POP
tales como guitarra eléctrica para cantar vallenatos tradicionales. Vives y
su banda, La Provincia, continuaron experimentando la fusión de
vallenato y cumbia colombiana con pop, rock y funk en sus siguientes
dos álbumes, La Tierra del Olvido y Tengo Fe.
Para su siguiente álbum, El Amor de Mi Tierra, Vives colaboró
con el productor cubano-estadounidense Emilio Estefan. Estefan estilizó
la música de Carlos Vives dándole un sonido más pop, con menos
secciones instrumentales, más importancia a las partes vocales, y menos
prominencia de los elementos de vallenato y cumbia. Vives continuó con
este sonido en sus siguientes dos álbumes, y tuvo un gran éxito. Fue este
sonido fusión estilizado el que adoptaron posteriormente los artistas de
tropipop. La infuencia y éxito de Carlos Vives fue tal que se ha dicho
que los artistas que vinieron después tocando fusión de vallenato con
pop son "o imitadores o parte de la escuela que él formó".
Tropipop
En la Guajira colombiana se fusionaba música folclórica
vallenata, blues, bolero, jazz entre otros en Riohacha, con La Vieja
Guardia, en gran parte surge este suculento genero urbano. Con
Guajjazz un impulsador empírico, Tony Márquez en 1985, innova con
su guitarra y aún se dedica en hacer música instrumental vallenata
inéditas, hasta ahora es el único en Colombia dedicado y ha mantenido
su caracter creativo. A comienzos de la década de los 2000, jóvenes
músicos de Bogotá y otras grandes ciudades colombianas,antes, después
algunos inspirados por el éxito de Carlos Vives, empezaron a grabar
fusión de vallenato, tropical y pop rock (salsa, merengue, merecumbe)
dando ese toque jocoso. Lo que una década antes hubiera sido
considerado experimental, era ahora la moda. El grupo de músicos que
tocaban esta música empezaron a ser agrupados bajo el término
"Tropipop". Durante la década de los 2000, el Tropipop fue el género
más popular en Colombia junto con el hip hop. Además, algunos artistas
también fueron exitosos en el exterior: Mauricio & Palo de Agua fue
nominado a Grammy Latino en 2004 y 2009, y el cantante bogotano
Fonseca ganó uno en el año 2006. El tropipop, aunque se mantiene a la
innovación de Carlos Vives, ha sido modifcado por cada banda para
darle un toque único y original. Algunos grupos como Tinto se le miden
al rock, y otros como Sin Ánimo de Lucro y Bonka enfatizan en la
mezcla de sus letras con el sonido del vallenato. Ahora falta esperar las
nuevas sorpresas de este género musical. Tanto Majua, Bonka, Sin
Ánimo de Lucro, Tinto y todos los otros grupos que ya tiene tiempo o
267

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
están comenzando, les queda bastante camino por recorrer y, en sus
intentos de ser diferentes, persistir el la sociedad colombiana y alcanzar a
todo el mundo que tendrá altas expectativas en esta música.
Crítica
Debido a la naturaleza simple de la música de algunos de sus
exponentes y su falta de prominencia de elementos tradicionales en favor
de una marcada estructura pop, el tropipop ha sido criticado por sectores
del público y los medios de comunicación por su supuesta superfcialidad
y falta de originalidad.
Por ejemplo, se ha dicho que el Tropipop es "un coctel que
tiene un poco de rock, dos gotas de acordeón, una pizca cumbia y el
'look' un poco 'fashion' de los cantantes; leáse Sin ánimo de lucro,
Fanny Lu, etc, etc.".
Los críticos generalmente coinciden en decir que los músicos
del tropipop no han investigado realmente el folklor colombiano para
añadir genuinamente música tradicional colombiana a la fusión.
Aquellos también suelen dar preferencia a fusiones de música
colombiana con música anglo diferentes al tropipop tales como lo que
tocan Sidestepper, ChocQuibTown y Bomba Estereo. Sin embargo,
algunos defenden la intención del tropipop, teniendo en cuenta que
evidencia un interés por parte de la juventud de incluir elementos
caribeños en su música.
El tema del Tropipop ha tenido alcance académico. El
sociólogo colombiano Oscar Beltrán Santos defende la idea de que esta
música, al menos en un breve período de tiempo, fue pertinente para
consolidar una necesidad nacional, dada la emergencia por encumbrar
un sonido que identifcara el país en un período de reconstrucción de los
arquetipos nacionales.
6.15. POST-DISCO
El post-disco hace referencia a un movimiento en las
postrimerías de la música disco y un género temprano de la música
electrónica de baile caracterizado por el uso prominente de instrumentos
electrónicos (como sintetizadores, secuenciadores y cajas de ritmos). Más
específcamente, es un período de la historia del pop que comienza con el
declive de la música disco en EEUU a fnales de los años 70 y termina
con la popularización de la música house en la segunda mitad de los 80.
268

POP
Muy popular en las pistas de baile, estilos característicos de este género
fueron el boogie, el italo disco y el dance alternativo inicial.
El dance-pop, el house y el techno tienen sus raíces en el postdisco.
Infuidos por Parliament-Funkadelic, Kashif, Quincy Jones,
Mtume, Evelyn "Champagne" King y otros, los representantes de éste
género, entre los que se encuentran fguras de la talla de Michael Jackson
o Madonna, dejaron una fuerte impronta en la década de 1980.
6.16. POWER POP
El power pop es un género de música popular que se inspira en
el pop rock estadounidense y británico de la década de 1960.
Típicamente incluye una combinación de dispositivos musicales como
melodías fuertes, voces claras y armonías vocales nítidas, arreglos
económicos y rifs de guitarra prominentes. Los solos instrumentales
generalmente se mantienen al mínimo y los elementos de blues se
minimizan en gran medida.
Los discos tienden a mostrar valores de producción que se
inclinan hacia la compresión y un ritmo de batería contundente. Los
instrumentos suelen ser una o más guitarras eléctricas, un bajo eléctrico,
una batería y, a veces, teclados eléctricos o sintetizadores.
Si bien su impacto cultural ha sufrido altibajos durante décadas,
el power pop es uno de los subgéneros del pop más perdurables.
Precedentes
La primera vez que se utilizó el término fue en 1967 por Pete
Townshend, guitarrista de Te Who, para defnir la música de su grupo,
la cual se cita a menudo como antecesora del power pop junto a la de
otros grupos coetáneos como Te Beatles, Te Byrds, Te Beach Boys,
Te Hollies, Te Zombies, Te Easybeats o Te Kinks.
Los grupos iniciales
Se considera que el power pop moderno surgió a comienzos de los años
70 con los discos del grupo Badfnger, banda que reinterpretaba el
sonido inicial de Te Beatles y que llegó a ser producida por el propio
Paul McCartney y a grabar sus primeros discos en el sello del grupo de
Liverpool, Apple Records. Aunque no obtuvieron gran repercusión
comercial, fueron una pieza clave en el desarrollo del género.
269

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
La banda Raspberries fue la primera catalogada como power
pop en la revista Rolling Stone. Su música, con la que obtuvieron un
importante éxito en Estados Unidos, combinaba el sonido de los grupos
de los 60 con enérgicas guitarras eléctricas.
Otro grupo esencial fueron Big Star, quienes también
recuperaban la frescura del mejor pop de la década anterior y se
convertirían en grupo de culto, infuyendo a multitud de bandas
posteriores. Otros artistas importantes durante este periodo fueron Todd
Rundgren, Emitt Rhodes, Blue Ash, Artful Dodger, Te Records y
Dwight Twilley.
Todos estos grupos coincidían en recibir gran infuencia de las
bandas de la invasión británica, algo que estaba considerado pasado de
moda en una época dominada por la exhibición del virtuosismo del rock
progresivo y el hard rock, o por el soft rock de artistas como Te
Carpenters.
El éxito comercial
A fnales de los 70 y comienzos de los 80, el género vivió su
época más prolífca coincidiendo con el auge del punk y la new wave,
con los que tenían muchas más similitudes que con los géneros
anteriormente citados. Los grupos estadounidenses más importantes en
esta época fueron Te Cars, Dwight Twilley, Te Plimsouls, Te
Romantics, Te Flamin' Groovies, Cheap Trick y Te Knack, quienes
obtuvieron un enorme éxito en todo el mundo con su canción My
Sharona.
Otros grupos también incluidos en el punk o el revival mod
como Te Jam, Buzzcocks, Te Undertones, Rezillos, Te Rich Kids,
Tom Robinson Band, 999 o Te Vapors o Blondie también pueden
califcarse como power pop. Al igual que ciertos artistas new wave, como
Nick Lowe, Elvis Costello & the Attactions, XTC, Squeeze o Te
Pretenders, entre otros.
Además otros grupos iniciaron a principios de los 80 lo que se
conocerán más adelante como el college rock y el indie rock.
Power pop contemporáneo
A partir de los 90 se hicieron populares otras corrientes del rock
alternativo como el britpop o el pop punk, entre otros. Varios de esos
grupos relacionados con el género tuvieron un notable éxito durante y
después de los 90 como lo fueron Weezer, Blur y Foo Fighters. A fnales
270

POP
de los 90 una nueva generación de bandas de power pop fueron
infuenciadas por el noise pop, britpop o el grunge. Éste era el caso de
Teenage Fanclub, Te Posies, Matthew Sweet, Redd Kross, Nada Surf,
Gigolo Aunts y Fountains of Wayne.
6.17. SOPHISTI-POP
Sophisti-pop es un género musical surgido entre mediados y
fnales de la década de 1980 que combina jazz, soul, pop y New Wave.
Algunos representantes ya habían experimentado algo de éxito, como
Sting, dos miembros de Swing Out Sister, Te Christians o Joe Jackson,
y otros recién comenzaban.
En su tiempo, el género fue criticado por Melody Maker,
especialmente por Simon Reynolds y David Stubbs.
6.18. SUNSHINE POP
Se llama Sunshine pop es un Subgénero de pop caracterizado
por una actitud alegre, ricas armonías vocales y producción y arreglos
sofsticados -aunque no existe una defnición formal del mismo- que se
desarrolló a fnales de la década de 1960. El término "sunshine pop" fue
acuñado en los 90 cuando este tipo de música gozó de un efímero revival
en la prensa musical a fnales de dicha década.
Historia-Los años 60: El origen
Se originó en la costa oeste de los Estados Unidos durante la
segunda mitad de la década de 1960, representando una forma de
escapar de la agitación política y social de la época. Mientras que otros
artistas como Bob Dylan o Pete Seeger componían música de género pop
y la utilizaban para difundir ideologías políticas, el llamado Sunshine
pop buscaba claras armonías y producción y arreglos sofsticada y de fácil
escucha dejando de lado la política en sus letras, transmitiendo así un
sonido alegre, fresco y animado. Se encuentra muy ligado a estilos como
el Bubblegum pop, el Soft rock, el Pop psicodélico o el MOR.
Decaída y legado
A principios de la década de 1970 su popularidad comenzó a
disminuir. Nuevos estilos como el Rock, el Hard rock, el Rock
271

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
progresivo, el Jazz rock o la música de cantautor se conviertenen
mainstream excluyendo otros tipos de música. No obstante, experimentó
un ligero "renacimiento" a fnales de la década de 1990 que ha dado
lugar a la re-edición y remasterización de algunos álbumes de grupos que
obtuvieron gran fama en su época, esta popularidad se mantiene en
aumento en la década del 2010' con la vuelta a escena de algunos grupos
emblema del género entre ellos Te Beach Boys.
6.19. TEEN POP
La música teen pop es un género de la música pop que está
orientada hacia los adolescentes, con intérpretes adolescentes. Sus
orígenes culturales se remontan hacia mediados de la década de 1980 en
los Estados Unidos. Las consolas más utilizados son la caja de ritmos, el
sintetizador y la voz. Este también es conocido como teen rock, teen
punk, teen R&B. Aunque realmente se ha hecho mencionar que esta
forma de género musical realmente surgió a mediados de los 70, con la
aparición de Los Jackson Five y más tarde en la década de los 80 en
Latinoamérica, en la era de los grupos juveniles como Menudo,
Timbiriche y Los Chicos.
Historia
Primera generación
Britney Spears y Christina Aguilera están dentro de las artistas
juveniles más exitosas de su tiempo, siendo consideradas, además, como
las responsables de la existencia de muchas artistas femeninas en la
actualidad.
El género tomó fuerza e importancia a mediados y fnales de la
década de 1980, alcanzando su máximo apogeo en la década de 1990 e
inicios de la década de 2000, donde surgió una generación plagada de
artistas pop adolescentes que tuvieron enorme éxito e impacto cultural
en los adolescentes de todo el planeta. Esta generación se caracterizó por
las impresionantes ventas de discos vendidos y convocar a masas de
adolescentes de alrededor del mundo en cada presentación en vivo. Todo
esto provocó que la escena musical del pop de aquella época girara en
torno a estos artistas.
En 1984 surgió una de las primeras boybands, los New Kids on
the Block. Con más fama que estos últimos surgió Backstreet Boys en
1993, quienes gozaban de gran éxito. Estas bandas no solo dieron inicio
a la era del teen pop sino que también dieron inicio a la etapa de las
272

POP
"boyband". Los Backstreet Boys dominaban la escena musical libre hasta
el año 1998, cuando apareció otra boyband muy exitosa, llamada 'N
Sync, sus más grandes rivales, ambas agrupaciones procedentes de los
Estados Unidos. Hanson, un trío de hermanos estadounidenses, también
fguraron en esta generación alcanzado una enorme popularidad en la
segunda mitad de la década de los 90 y principios de los 2000 teniendo
grandes éxitos en los Estados Unidos, Europa y Latinoamérica. Del otro
lado del Atlántico, en 1996, aparecía el grupo musical femenino más
famoso y exitoso, las Spice Girls, quinteto británico que dominó las listas
pop de todo el planeta a fnales del siglo pasado e inicios del nuevo
milenio. Los siguientes años se darían a conocer otras dos boybands
también procedentes del Reino Unido, 5ive en 1997 y Westlife en 1998,
aunque con un éxito de menor magnitud que sus competidores
americanos. Las dos bandas británicas lograron gozar de gran fama en
Europa, Asia, Oceanía y algunos países de Latinoamérica. En 1996
surgió el grupo australiano Savage Garden, que a pesar de sólo haber
lanzado 2 álbumes logró vender más de 25 millones de copias en todo el
mundo convirtiéndolos en el dúo pop más exitoso de la historia.
Posteriormente en el año 1999, aparecieron en escena cantantes de pop,
Britney Spears y Christina Aguilera, dando inicio a la etapa de las
"princesas pop" junto con cantantes como Jessica Simpson y Mandy
Moore, quienes también surgieron en 1999 pero que no tuvieron tanto
impacto comercial como Britney y Christina, cuyos estilos eran muy
parecidos. Ya para la etapa fnal de esta primera generación aparecieron
dos grupos mixtos: S Club 7 en 1999 procedentes del Reino Unido y el
cuarteto sueco A*Teens en 1998 . Ambas agrupaciones obtuvieron
mucha popularidad principalmente a lo largo de toda Europa y Asia
convirtiéndolos en fenómenos pop. A fnales de 1999 se dio a conocer
un dúo pop femenino procedente de Noruega, M2M, que se dio a
conocer gracias a la canción incluida en la banda sonora de Pokémon:
Te First Movie, pero su primer álbum fue lanzado en el año 2000 y
gozaron de gran éxito a principios del nuevo milenio, convirtiéndolas en
ídolos en su país de origen así como en el resto de Europa y lugares como
Chile y México. Por último, también a mitad de 1999 apareció otra
boyband estadounidense compuesta por chicos entrando en la pubertad
llamada Dream Street, aunque este grupo tuvo un éxito menor solo en
su país de procedencia, pero destacados por haber hecho conciertos para
caridad y haber interpretado una canción para una película de Pokémon.
273

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Segunda generación
En esta segunda generación, llevada a cabo principalmente por
Disney Channel, Nickelodeon, Te X Factor (Estados Unidos) y Te X
Factor (Reino Unido) infuyen artistas como Justin Bieber, Ariana
Grande, Miley Cyrus, Selena Gomez, Fifth Harmony, One Direction,
Meghan Trainor, Austin Mahone, Demi Lovato, 5 Seconds of Summer,
Bridgit Mendler, Little Mix, DNCE entre muchos otros. Ellos han
ganado fama gracias a programas de televisión, por su música y mediante
YouTube. Ariana Grande y Justin Bieber son reconocidos por Billboard
como los dos artistas adolescentes en tener más top 10's en la lista
Billboard Hot 100.
Las prestigiosas revistas Te Times y Te New York Times han
nombrado a Ariana Grande como "La Nueva Princesa del Pop".
Billboard la ha nombrado como la artista pop Millennial más exitosa.
Mientras que MTV y Fox News la describieron como "la Britney Spears
moderna".
Tercera generación
En la tercera generación, generalmente llevada a cabo por
YouTube y programas de talento fguran artistas como Halsey
(cantante), Charlie Puth, Troye Sivan, Melanie Martinez, MØ, Alessia
Cara, Hailee Steinfeld, Becky G, Zara Larsson, Sabrina Carpenter, Dua
Lipa, Bebe Rexha, Shawn Mendes, Camila Cabello, Sofa Carson, Daya,
entre otros. Estos artistas acaban de comenzar su carrera de 2014 para el
presente año y tienen bastante menos reconocimiento que los de la
primera y segunda generación. Shawn Mendes es considerado el artista
más exitoso de esta tercera generación, ya que tiene dos hits mundiales y
varios éxitos en Europa y otros países.
El teen pop en español
Primera generación: Este género musical ha sido difundido en
distintos países de habla hispana a través de grupos musicales como
Timbiriche, Los Chamos, RBD, OV7 y Menudo, así como de estas
mismas generaciones de cantantes que se empezaron a formar desde los
años 80 se han destacado fguras de la música como Chayanne, Luis
Miguel o Ricky Martin, desde los años 90 también destacan artistas
como Shakira, Juanes, Talia, Paulina Rubio.
274

POP
Segunda generación: De inicios del año 2000 y a fnales de
dicha década en adelante, en este género infuyen cantantes o grupos
musicales como David Bisbal, Belinda, Reik, Sin Bandera, Noel Schajris,
Río Roma, Jesse & Joy, Ha*Ash, RBD, Miranda, Maite Perroni,
Camila, Mon Laferte, Chino & Nacho y Paty Cantú
Tercera generación: En la tercera generación, generalmente
llevada a cabo por YouTube, programas de talento o series juveniles
fguran artistas como Abraham Mateo, Lali Espósito, Isabella Castillo,
Tini Stoessel, Danna Paola, Eiza Gonzalez, CNCO, Piso 21, Sofía
Reyes, CD9, Sebastian Yatra, Karol Sevilla, Danny Ocean y tambien
Maria Gabriela de Faria entre otros. Estos artistas acaban de comenzar su
carrera y tienen bastante menos reconocimiento que los de la primera y
segunda generación.
6.20. SURF POP
La música surf es un género de música popular asociado con la
cultura del surf, en particular, del Condado de Orange y otras áreas del
sur de California. Fue particularmente popular entre 1961 y 1965,
posteriormente se recuperó y fue muy infuyente en la música rock.
El surf como género, con referencias al sol y la arena, las
carreras de coches trucados y los bólidos y, de un modo menos directo, al
sexo, era una música californiana para pasar el rato que sirvió de banda
sonora para las películas playeras de la época, así como de documentales
como Te Longest Wave o Crystal Voyager, que celebraban el surf y el
estilo de vida asociado a este deporte.
Se pueden considerar dos tendencias principales: el surf rock,
instrumental en gran medida, con una guitarra eléctrica o un saxofón
tocando la melodía principal, representada por primera vez por artistas
como Dick Dale and Te Del-Tones, y el pop surf vocal, que incluye
baladas y música de baile, a menudo con armonías fuertes que son
asociadas principalmente con Te Beach Boys. Muchas bandas de surf
notables han destacado tanto por el surf instrumental como por el pop
surf, de modo que la música surf se suele considerar como un solo
género a pesar de la variedad de estos estilos.
Historia
El estilo surf comenzó a defnirse en las festas de la playa que se
celebraban a lo largo de la costa del Pacífco, sobre todo cerca de Los
Ángeles donde, a diferencia de lo que ocurría al Este en la costa de
275

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Carolina, existía una industria discográfca. Hasta 1962, en las festas de
surferos se bailaban los discos que se podían encontrar: los
instrumentales de Sandy Nelson, como «Teen Beat» (1959) y de Te
Ventures, como «Walk Don't Run» (1960); el viejo shufe de Bill
Dogget, «Honky Tonk» (1956); un remake del «Guitar Boogie Shufe»
de Arthur Smith hecho por Te Virtues en 1959; «Stick Shift» (1961) de
Te Duals, en el que incluso sonaba un motor de coche andando; «Hide
Away» (1961) de Freddie King, virtuoso guitarrista de blues; y
«Memphis» (1963), una versión instrumental de Lonnie Mack de la
misma canción de Chuck Berry. El éxito constante de esta serie de temas
en las festas condujo a los músicos locales a dirigir sus discos a la escena
surf emergente.
Dick Dale and Te Del-Tones fueron uno de los primeros en
desarrollar un repertorio de canciones con letras que se referían
exclusivamente al argot y las actividades surferas, como «Let's Go
Trippin'» de 1961, editado por el sello Deltone, propiedad de Dale, que
fue un éxito menor en 1962. Llegó a gestarse una potente tendencia de
surf instrumental, con temas como « Wipe Out» (1963) de Te Surfaris
o «Pipeline» (1963) de Te Chantays, instrumentales semicomerciales
con connotaciones surf, grabados por pequeños sellos independientes
que llegaron a alcanzar los primeros puestos de las listas nacionales en
1963.
Los títulos de estos discos, pese a ser expresiones de argot
surfero, sonaban sufcientemente bien en la radio como para ser
califcados como discos de pop formales, por lo que el mundillo del surf
sirvió de plataforma para que cualquier intérprete pudiera hacerse un
nombre y alcanzar las listas nacionales. Pese a la lentitud de la industria
discográfca en valorar el potencial de una escena musical de base, varios
de los mayores sellos de la Costa Oeste, como Capitol, Liberty o
Imperial, respondieron fnalmente. Otra temática que se sumó, paralela a
la del surf, fue la de las carreras de bólidos, o música Hot Rod, hasta el
punto que un grupo de músicos formaron un equipo, con doble
identidad, que tan pronto grababa temas de surf bajo el nombre de los
Te Marketts como temas de bólidos como Te Routers.
Los principales componentes de la escena surf fueron: el dúo
Jan and Dean; varios productores independientes, como Lou Adler,
Steve Barri, Bruce Johnston, Terry Melcher y Gary Usher; el disc-jockey
Roger Christian; y los compositores de Te Beach Boys, Brian Wilson y
Mike Love, para los que el mundillo del surf era una genuina afción y,
probablemente, el único tema sobre el que componer con alguna
276

POP
convicción. Para la mayor parte del resto, el surf y su cultura eran un
planteamiento que resultó conveniente para orientar sus carreras. Así, a
mediados de la década, con la popularización del folk por un lado y el
beat de la «invasión británica» por otro, la mayoría de ellos se pasaron a
formas pop más convencionales y el mundillo del surf se desvaneció.
Surf rock
El surf rock instrumental fue el estilo que se basaba más en la
guitarra del primer rock'n'roll, por lo que ejerció una gran infuencia en
subsiguientes estilos de tocar la guitarra eléctrica. Como reconocido
padre del surf rock, Dick Dale desarrolló un estilo de guitarra
reverberada que buscaba evocar las olas y las «carreras» de la subcultura
adolescente del surf que surgió inicialmente, a fnales de la década de
1950, en California y Hawái. Su técnica se basaba en la interpretación
con trémolo de instrumentos de cuerda pulsada de Oriente Medio como
el buzuki, manteniendo las notas al puntear las cuerdas arriba y abajo. El
sencillo de Dale and the Del-Tones «Let's Go Trippin», publicado en
1961, desencadenó la locura por la música surf y propició el surgimiento
de centenares de grupos. Este tema fue versionado con posterioridad por
Te Beach Boys en su álbum Surfn' USA.
La infuencia de Dick Dale fue muy grande; Dale tocaba sus
guitarras rasgueando con la mano izquierda y al revés, en un estilo que
impresionó a Jimi Hendrix y posteriormente a una generación del heavy
metal. Recibió el premio Surfer's Choice de 1962 y ayudó, durante la
grabación de tres álbumes en 1965, a desarrollar, probar en carretera y
popularizar toda una serie de equipos de la Fender Electric Instrument
Company, como amplifcadores y unidades de reverb, así como una
guitarra adaptada para zurdos, la Stratocaster dorada metalizada.
Resurgimiento
En los años ochenta la música surf tuvo un cierto renacimiento,
y ciertos sellos especializados, como Surfdog Records, mantuvieron un
estatus de culto. Por otro lado, su sonido de guitarra sigue ejerciendo
infuencia en géneros más contemporáneos. Desde 2003 existe el Surfer
Joe Summer Festival que reúne bandas de surf de todo el mundo.
277

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Surf pop
Al margen del surf instrumental, los intérpretes que más éxito
comercial alcanzaron fueron el dúo vocal Jan and Dean y Te Beach
Boys, el más duradero de los grupos de surf.
Te Beach Boys tuvieron una gran infuencia del estilo de los
grupos vocales de la década de 1950, así como de las armonías de Te
Four Freshmen y del rock'n'roll de Chuck Berry (hasta el punto que su
primer éxito, «Surfn' USA» (1963) está basado en el «Sweet Little
Sixteen» (1958) de Berry). A partir de 1963, con la dirección creativa de
Brian Wilson, Te Beach Boys dejaron en gran medida los temas de surf
y ampliaron su ámbito, siendo sus mayores logros el álbum Pet Sounds,
publicado por Capitol Records el 1966 y el sencillo «Good Vibrations»
6.21. TRADITIONAL POP (CROONER)
La denominación crooner se aplica a ciertos cantantes
masculinos que interpretan cierto tipo de canción popular clásica, un
género que en Estados Unidos se conoce como traditional pop o pop
standards. La palabra crooner es de origen estadounidense y en inglés
tiene connotaciones semejantes a trovador. Un crooner suele poseer una
voz grave y normalmente se hace acompañar por una orquesta o una big
band. Originalmente se aplicaba de forma peyorativa, lo que supuso que
muchos cantantes considerados como tal renegaran del término. Éste fue
el caso de Frank Sinatra, quien declaró que no creía que él o Bing
Crosby fueran crooners.
Evolución
El crooning tiene sus raíces en el Bel canto de la Ópera italiana
y en los intérpretes vocales de Jazz. Algunos crooners, como Frank
Sinatra, Bing Crosby o Dean Martin también incorporaron otros
géneros en su música, como el Blues o el Dixieland. Se convirtió en la
música vocal más popular en los Estados Unidos desde los años 1920
hasta comienzos de los años 1960, coincidiendo con los inicios de la
radio y las grabaciones musicales. Una prueba de este éxito era el show
radiofónico Kraft Music Hall, conducido por Bing Crosby y emitido
entre 1935 y 1946, el cual era seguido cada semana por 50 millones de
personas.
278

POP
Decadencia
Después de 1954 la música popular en EEUU estuvo dominada
por otros géneros, especialmente el rock'n'roll, mientras la música de
otros cantantes modernos como Perry Como o Matt Monroe era
califcada como easy-listening. Algunos crooners siguieron manteniendo
su popularidad entre los seguidores del pop más tradicional, como en el
caso de Tony Bennett, Tom Jones o Engelbert Humperdinck.
Crooners clásicos y actuales
Entre los crooners clásicos se pueden destacar, además de los
mencionados anteriormente, a Nat King Cole, Andy Williams, Paul
Anka, Sammy Davis Jr., Neil Sedaka, Bobby Darin o Del Shannon. Pese
a ser llamado como el rey del rock and roll, el cantante Elvis Presley con
su amplia variedad de estilos interpretados a lo largo de su carrera, que
incluyen blues, baladas, gospel y cansonetas italianas entre otros, es
considerado por algunos como un crooner.
En la actualidad se pueden considerar crooners a cantantes
como Sam Smith, Nick Cave, Robbie Williams, Rod Stewart, Al
Martino, Harry Connick Jr, David Bowie, Jens Lekman, Jean Sablon,
Roger Cicero, Jamie Cullum, Michael Bublé, Julio Iglesias, Bertin
Osborne y Luis Miguel.
Infuencia
Otros artistas de pop han sido infuidos por los crooners
clásicos y a menudo han sido vinculados a ellos, como Scott Walker,
Serge Gainsbourg o Lee Hazlewood. La tradición de cantantes que han
sido considerados en alguna ocasión crooners en el mundo del rock se
consolidó especialmente con cantautores como Leonard Cohen, y algo
más tarde con Tom Waits y Nick Cave. Todos estos artistas unieron la
idea de crooner a un concepto artístico mucho más iconoclasta y
rompedor.
Más recientemente, otros cantantes, especialmente en el pop
alternativo, también han recibido una gran infuencia de los crooners.
Éste es el caso de Mark Lanegan de Screaming Trees, Chris Isaak, Jarvis
Cocker de Pulp, Adam Green de Moldy Peaches, Neil Hannon de Te
Divine Comedy, Stuart Staples de Tindersticks, Richard Hawley, Jay-Jay
Johanson, Mario Biondi, Matteo Brancaleoni.
279

7
ROCK

ROCK
7. ROCK
La El rock es un término amplio que agrupa a una variedad de
géneros de música popular. Su forma originaria, conocida como rock
and roll, surgió mayormente de la combinación de dos géneros anteriores
como eran el rhythm and blues y el country. La música rock también se
nutrió fuertemente del blues y el folk, e incorporó infuencias del jazz, la
música clásica y otras fuentes. El rock se ha centrado en la guitarra
eléctrica, normalmente como parte de un grupo de rock con cantante,
bajo, batería y, algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y
el piano. Típicamente, el rock es una música centrada en las canciones,
habitualmente con compás de 4/4 y usando una estructura versoestribillo,
pero el género se ha vuelto extremadamente diverso y las
características musicales comunes son difíciles de defnir. Como la
música pop, las letras se centran a menudo en el amor romántico, pero
también tratan un rango amplio de otros temas con un enfoque
frecuente en lo social y lo político. El rock pone más énfasis en la
composición, la actuación en vivo y la autenticidad que la música pop.
A fnales de la década de 1950, referida como la "era dorada" o
el periodo del "rock clásico", surgieron distintos subgéneros distintivos
del rock, híbridos como el blues rock, folk rock, country rock y el jazz
rock fusión, muchos de los cuales contribuyeron al desarrollo del rock
psicodélico, infuenciado por la escena psicodélica contra-cultural. Los
nuevos géneros que emergieron de esta escena incluyen el rock
progresivo, que extendió los elementos artísticos; el glam rock, que
resaltó el espectáculo en vivo y el estilo visual; y el subgénero mayor,
diverso y longevo que es el heavy metal, que se centraba en el volumen,
el poder y la velocidad. En la segunda mitad de los años 1970, el punk
intensifcó y reaccionó contra algunas de estas tendencias para producir
una música cruda y energética. El punk fue una infuencia en la década
de 1980 en el desarrollo subsecuente de otros subgéneros, entre ellos el
new wave, el post-punk y el movimiento del rock alternativo. Desde la
década de 1990, el rock alternativo comenzó a dominar el género y saltó
a la fama en las formas de grunge, Britpop e indie rock. Desde entonces
han aparecido otros subgéneros de fusión como el pop punk, rap rock y
nu metal, así como intentos conscientes de recordar la historia del rock,
incluyendo la restauración de principios del nuevo milenio del garage
rock, el post-punk y el synth pop.
La música rock también abarcó y sirvió de vehículo para los
movimientos culturales y sociales, llevando a la creación de subculturas
importantes incluyendo los mods y los rockers en el Reino Unido, y la
283

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
contracultura hippie que se propagó en San Francisco (Estados Unidos)
en la década de 1960. De forma similar, la cultura punk de la década de
1970 originó las subculturas visualmente distintivas Emo y Gótico.
Heredera de la tradición folclórica de la canción de protesta, la música
rock ha sido asociada con el activismo político así como los cambios en
las actitudes sociales sobre el racismo, el sexo y el uso de drogas, y es
usualmente vista como una expresión de la rebelión juvenil contra el
consumismo y conformismo.
Cronología y evolución
La música rock tiene sus raíces en el rock & roll de los años
1950. En su forma más pura, el rock and roll tiene tres acordes, un
fuerte e insistente ritmo de acompañamiento y una melodía pegadiza. El
rock and roll primigenio se inspiraba en una variedad de fuentes,
fundamentalmente el blues, el R&B, y el country, pero también el
gospel, el pop tradicional, el jazz y el folk. Todas estas infuencias se
combinaron en una estructura simple basada en la canción de blues que
era rápida, bailable y pegadiza. A mediados de los años 1960, la música
rock se combinó con la música folk para crear el folk rock, con el blues
para crear el blues rock y con el jazz, para crear el jazz-rock fusión, y sin
una marca de tiempo para crear el rock psicodélico. En los años 1970, el
rock incorporó infuencias del soul, el funk, y la música latina. También
en los años 1970, el rock desarrolló varios subgéneros, como el soft rock,
el hard rock, el rock progresivo, el heavy metal y el punk. Los subgéneros
del rock de los años 1980 incluyen el new wave, el new romantic, el
glam rock, el synth pop, el hardcore punk, rock alternativo, el thrash
metal, y el speed metal. Los subgéneros del rock de los años 1990
incluyen el grunge, el britpop, el indie rock. A continuación se exponen
algunos de los momentos de mayor relevancia en la evolución del género
por orden cronológico:
Años 1950
Elvis Presley considerado "el rey del rock and roll"
En 1954 Elvis Presley grabó la canción "Tat's Alright Mama"
que, según la revista Rolling Stone, es la primera canción de rock and
roll de la historia, sin embargo otros investigadores del tema aseguran
que la primera canción fue "Fat Man", de Fats Domino y luego "Rocket
88" (1951), de Jackie Brenston e Ike Turner (ex esposo de Tina Turner)
aunque "Te Fat Man" sonaría más parecida a un rhythm blues y
284

ROCK
"Rocket 88" a un boogie boogie. En un comienzo Elvis no llegó a un
gran público debido a que no era un artista consagrado y su difusión se
limitaba al circuito sureño. Recién en 1956 con el pase de la Sun
Records local de Memphis a la RCA, comenzó el fenómeno de Elvis y
con ello el fenómeno del rock and roll. Los movimientos pélvicos, bailes,
atractivo físico y versátil voz contribuyeron a la popularidad de Presley,
quien fue llamado "el rey del rock and roll" o "el rey". Además Elvis fue
el primer cantante blanco que interpretó y fusionó el country y el blues
(netamente afroamericano hasta ese entonces) en un estilo que sería
llamado "rockabilly".
Chuck Berry, Bo Diddley y Little Richard; el rock
eminentemente "negro".
Bill Haley, Gene Vincent, Vince Taylor, Eddie Cochran, Jerry
Lee Lewis y Roy Orbison Popularizan muchos éxitos, acercando el rock
and roll a la población blanca.
Popularización del rock a gran escala.
"El día que murió la música". Buddy Holly, Ritchie Valens y
Te Big Bopper murieron en un accidente de avión. Años más tarde,
Don McLean trataría este tema en su canción "American Pie".
A lo largo de los años 50, se cultiva el surf rock y el rock
instrumental, que continuaría a lo largo de los primeros 60 con grupos
como Te Shadows.
El gran salto a la fusión del rithm & blues y el rock vino desde
Detroit con la fundación del sello Tamla/Motown, por el productor y
compositor Berry Gordy, quien hizo el milagro de la colaboración entre
artistas y el trabajo de producción en serie al estilo de la gran industria
automovilística de esa ciudad. Los músicos de sesión se intercambiaban
un niño bailarín y de voz blanca de soprano-tenor que llevó a la cima del
éxito a sus hermanos. En los setenta ya sería solista con su nombre,
Michael Jackson.
Phil Spector revoluciona la forma de grabar música con su Wall
Of Sound y se convertiría en el modelo a seguir para los productores
musicales de los años 60. Nace el soul gracias a la mezcla de gospel y
rhythm and blues impulsada por Ray Charles y Sam Cooke, estilo que
en su evolución fue exitosamente promovida por los sellos Stax y
Motown.
El rock and roll llega al [Reino Unido con músicos como Billy
Fury y Marty Wilde. Se populariza el skife de Lonnie Donegan y
grupos como Te Quarrymen (que más tarde se convertirán en Te
Beatles).
Surgen íconos como Te Everly Brothers
285

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Años 1960
Surgen Te Beatles y la denominada "Invasión británica": Te
Rolling Stones, Te Kinks, Small Faces, Te Who, Te Yardbirds, Te
Animals. Nace el movimiento mod, liderado por varios de estos grupos.
En Estados Unidos se inicia el denominado "surf rock", género del que
Te Beach Boys son los principales exponentes, con melodías pegajosas y
letras que hacen referencia al estilo de vida playero y despreocupado de la
juventud de clase media americana.
Bob Dylan utiliza la guitarra eléctrica en canciones con base
folk, creando el folk rock. Le seguirían Te Byrds, Simon and Garfunkel
o Crosby, Stills and Nash.
El rock psicodélico nace en California con Grateful Dead,
Jeferson Airplane, Te Doors, Te Turtles, Love y Iron Butterfy o el
pop rock infuenciado por el hippismo de Te Mamas and Te Papas y
Association. En el Reino Unido es asimilado por los grupos de la
"Invasión Británica", encabezados por Te Beatles y su Revolver, su Sgt.
Pepper's Lonely Hearts Club Band y su Magical Mystery Tour, entre
otros. Te Rolling Stones con Teir Satanic Majesties Request. Surgen
también otras bandas innovadoras como Pink Floyd, Trafc, Jethro Tull
y Soft Machine, que más tarde darían lugar al rock progresivo. Se
populariza el uso del sintetizador Moog, el mellotron y el sitar.
Muchos de estos grupos tienen una fuerte tendencia al blues rock, de la
que serían grandes exponentes como Janis Joplin y su banda Big Brother
& Te Holding Company, además de formaciones como Canned Heat.
Jimi Hendrix, Keith Richards y Eric Clapton con Cream
revolucionan la forma de tocar la guitarra eléctrica.
Frank Zappa y la banda Mothers Of Invention fueron una temprana
muestra del rock progresivo y sinfónico más inclasifcable e iconoclasta,
con infuencias de Edgar Varèse y Stravinsky, la comedia, el rock y las
referencias contraculturales.
A mediados de la década, Creedence Clearwater Revival y
Bufalo Springfeld, grupo del que saldría Neil Young, se encargan de
mantener el lado más clásico y purista del rock and roll en una década
convulsa y experimental, facturando un rock de impronta añeja y
melodías trabajadas, no exento de mensajes reivindicativos.
En 1967 se publica el primer disco de Leonard Cohen, que consolida en
una dilatada carrera la fgura de cantautor y crooner del rock, infuyendo
en muchos artistas que más tarde desarrollarían este concepto.
En 1969 el primero en solitario de Neil Young, que aúna
lirismo acústico con distorsión y crudeza, aderezada con espíritu
286

ROCK
psicodélico. Esta fórmula inspiraría a varias generaciones de músicos, y
muy en concreto a la generación grunge. También en 1969 publica Led
Zeppelin sus dos primeros álbumes.
Te Velvet Underground; el lado más oscuro, lírico, y artístico
del rock;8 inspirados por "Te Factory" de Andy Warhol dejan una
huella indeleble en el rock, infuyendo en el punk, el rock gótico, y en
toda la escena posterior alternativa. Su líder, Lou Reed, evolucionaría
posteriormente en su carrera solista, a caballo entre la poesía y el rock,
tocando glam rock en los 70 con discos como Transformer o Berlín.
King Crimson en 1969 lanza su primer disco, In the Court of the
Crimson King, considerado el primer álbum de rock progresivo.
A principios de los 60 aparecen en España los primeros grupos de rock:
en Madrid Los Relámpagos, Los Continentales, Los Pekenikes y en
Barcelona Los Sirex, Los Mustang y Los King's Boys. Se crea una especie
de rivalidad, que lleva a celebrar unos encuentros en el entonces
conocido Palacio de los Deportes de la calle Lérida en Barcelona.
Años 1970
Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple, Queen, Blue
Cheer; empiezan a combinar elementos de otros géneros musicales y
sientan las raíces de lo que sería el heavy metal, que alcanzó su máxima
popularidad en la década de los ochenta.
Mexi Core aparece como los primeros gestos del Rock Fronterizo de la
mano de Richard Valentino.
Con los discos Black Sabbath y Paranoid de Black Sabbath y
Led Zeppelin de Led Zeppelin se da por sentada la creación del heavy
metal.
Gracias a la gira de Te Rolling Stones American Tour 1972 se
populariza la frase "Sexo, drogas y rock and roll".
Paul Rodgers salta a la fama con Free, principalmente a través del tema
"All right now", a fnales de los años 1960 y principios de los 70, para
luego formar Bad Company. Faces, con Rod Stewart a la cabeza, son
otro exponente de ese rock de crudeza clásica, a caballo entre el blues
rock y el hard rock.
La banda Queen salta a la fama con una mezcla de hard rock,
rock progresivo, heavy metal, glam rock y ópera rock. Primeros años 70.
Además se considera que el single Stone Cold Crazy fue la primera
canción de Trash metal.
Te Stooges, New York Dolls y MC5, y más tarde Te
Runaways, comienzo del proto-punk.
287

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
En 1974 nace el punk rock con uno de los pioneros del género,
Ramones. Esta música está caracterizada por ser más simple, con
canciones de entre uno y dos minutos de duración y sin solos de guitarra
complicados. Otra característica son las letras reivindicativas hacia los
problemas políticos y sociales. Nace Kiss con su característico maquillaje
esta vez apegados al Heavy metal y al rock and roll.
Nace el funk, a partir de innovaciones rítmicas en el soul de
gente como James Brown, Te Meters en Nueva Orleans y con otros
artistas como Sly & Te Family Stone, Kool & Te Gang y George
Clinton aportando diferentes perspectivas al género. Todos ellos junto
con Marvin Gaye, Isaac Hayes o Curtis Mayfeld dieron lugar al
movimiento blaxploitation y fueron fundamentales para el desarrollo de
la música disco y el hip hop.
Jethro Tull, Pink Floyd, Genesis etapa Peter Gabriel, Yes, Rush
y King Crimson: el rock progresivo y el jazz rock. Pink Floyd publica
Te Dark Side of the Moon, que se convertiría en el disco más exitoso
del género, postulándose asimismo como padres del space rock, que
tendría en Hawkwind su continuidad.
Emerge el glam rock con artistas como Elton John, T. Rex,
Queen, David Bowie, Roxy Music, Alice Cooper, Slade y Sweet, a los
que se sumaron Lou Reed y Te Stooges. El glam actualizó, con
provocación y maquillaje, la frescura del rock and roll de los años 50
frente al virtuosismo del rock progresivo, e infuyó posteriormente en el
punk y en todos los géneros que nacieron a partir de él a fnales de la
década.
Ola de hard rock norteamericano. Mountain y Grand Funk
Railroad crean un nuevo estilo y son pioneros del hard rock y el heavy
metal norteamericano. Aerosmith salta a la fama, con una mezcla de
hard rock con ritmos funkys. Paralelamente surgen grupos como Kiss,
Cheap Trick y Ted Nugent. En Australia nace AC/DC y en Irlanda
Tin Lizzy, mientras en Inglaterra emergen Motörhead, quienes
impondrían una mayor velocidad en los rifs, adelantándose al crossover
punk-metal y al thrash.
Segunda etapa y desarrollo fnal del heavy metal. Rainbow,
UFO, Judas Priest, Scorpions, Nazareth, Uriah Heep como algunas de
las bandas dentro del movimiento.
El power pop recupera las melodías de los grupos de la Invasión
británica, combinándolas con guitarras enérgicas con artistas como Big
Star, Todd Rundgren o Te Raspberries. A fnales de la década el género
vive su éxito comercial gracias a grupos como Te Knack. A partir de los
90 grupos de rock alternativo como Teenage Fanclub y Te Posies
288

ROCK
revitalizarían el género.
Kraut-rock, derivación alemana del rock sinfónico o progresivo,
en la se comienza a usar el sintetizador, derivado del Moog, de una cierta
manera que provocaría el nacimiento de la música electrónica. Can,
Neu!, Kraftwerk.
La gran explosión inglesa del punk, tras la aparición de Te
Ramones, Misfts, Patti Smith, Iggy Pop y Te Dictators, seguidos por
Dead Boys y Te Heartbreakers en Estados Unidos y como reacción a
los excesos, vuelta a lo básico; surgen en el Reino Unido Sex Pistols, Te
Clash, Te Damned, Buzzcocks, Te Slits.
Desde Jamaica el reggae alcanza popularidad en todo el mundo
gracias a Bob Marley y otros artistas como Peter Tosh y Jimmy Clif.
Otro ritmo jamaiquino, el dub, se populariza de la mano de Lee
«Scratch» Perry. El reggae marcaría profundamente a muchos músicos de
rock, como Te Rolling Stones, y especialmente a la generación punk y
new wave, entre ellos Te Clash y Te Police. A partir de esa fusión de
punk y reggae evolucionaría el ska moderno o 2 Tone.
El new wave, tributario del rock and roll de los años 60, tras el
fn del punk. Te Police, U2, Blondie, Talking Heads, Te B-52's, Elvis
Costello.
Van Halen revoluciona a partir de su primer disco en 1978 la
forma de tocar la guitarra eléctrica en el hard rock.
Surgimiento del post-punk: Siouxsie & the Banshees, Te Cure, Joy
Division, Bauhaus, Public Image Ltd., Gang of Four, Parálisis
Permanente.
Uso del sintetizador en el synth pop a fnales de la década:
Kraftwerk, Gary Numan, Ultravox, Human League.
Rock gótico en Europa, deathrock en Estados Unidos y dark
wave en Alemania, Holanda y otros países de Europa infuenciados por
el post-punk, el Glam rock y el New wave. Bauhaus, Te Sisters of
Mercy, Te Cure, Siouxsie & the Banshees, Joy Division, Te Damned,
Clan Of Xymox, Dead Can Dance, Christian Death, Alien Sex Fiend,
Specimen.
Raíces del rock industrial: electrónica y rock comienzan a
fusionarse. Trobbing Gristle, KMFDM, Einstürzende Neubauten.
Tom Waits y más tarde Nick Cave, representarían la fgura del
crooner desde un punto de vista iconoclasta y underground, en una
dilatada carrera que se extiende desde los años 70 hasta la actualidad, y
cuyo mayor apogeo tiene lugar en los años 80.
El soft rock es representado por grupos como America e Eagles.
La NWOBHM surge en Inglaterra con bandas como Iron
289

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Maiden, Diamond Head, Saxon, Angel Witch, Tygers of Pan Tang y
Def Leppard como estandarte.
Tuvo también su mayor esplendor el rock sureño, género
surgido a fnales de la década de los 60, que mezclaba rock and roll, blues
y country. Sus canciones tienen aires rurales, ya que la procedencia de las
bandas era del sur de los Estados Unidos. Sus máximos exponentes
fueron bandas como Te Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd, ZZ
Top, y algunos temas de Creedence Clearwater Revival y posteriormente
bandas como Outlaws y Black Oak Arkansas.
Años 1980
El rock neoprogresivo (a veces acortado a neo-prog) es un
género musical derivado del rock progresivo que alcanzó su auge en la
década de 1980. Se caracteriza por composiciones transmitidas mediante
letras oscuras y una cuidada teatralidad en el escenario; Marillion es
quizás la banda más importante del género, cuyos discos Misplaced
Childhood y Clutching at Straws alcanzaron altos puestos en las listas de
éxitos. Otras bandas como IQ, Pendragon, Pallas, Jadis o Arena también
consiguieron buenas ventas en esta época.
El pop rock de radiofórmula continúa mostrando la infuencia
de la new wave: Tears for Fears, Duran Duran, INXS, Te Cars, Adam
and the Ants, Billy Idol.
Surge el rock melódico o soft rock, caracterizado por potentes solos de
guitarra y melodías a cargo de los teclados; estilo encabezado por bandas
como Journey, Toto, Foreigner y Boston.
En el campo del rock más comercial y renombrado a nivel
mundial, Michael Jackson, Madonna y Prince cosechan numerosos
éxitos.
El rock estadounidense revive gracias a Tom Petty y Bruce
Springsteen, este último califcado como "el futuro del rock and roll" o
"Te Boss". Músicos como John Cougar Mellencamp o John Hiatt
destacan en el estilo, mientras Joan Jett, procedente de Te Runaways, y
Pat Benatar triunfan con numerosos éxitos de rock FM; Dire Straits y
Bryan Adams continuarían el concepto de rock radiable a lo largo de la
década.
El hard rock de los 80, también denominado glam metal o hair
metal por las vestimentas y los peinados propios de esa década, alcanza su
mayor auge con grupos como Bon Jovi, Cinderella, Europe, L.A. Guns,
Kiss, Vinnie Vincent Invasion, Mötley Crüe, Poison, Ratt, Tesla, Quiet
Riot, Twisted Sister, Warrant, White Lion y Whitesnake entre los más
290

ROCK
exitosos.
Rock cristiano: El rock cristiano es una forma de música rock
tocada por bandas cuyos miembros son cristianos, y que a menudo
centran en la letra en temas religiosos. La medida en que sus letras son
explícitamente cristianas varía entre bandas como lo fue la primera banda
de este naciente género Stryper.
Las discográfcas independientes creadas a partir del punk
posibilitan el nacimiento del indie y el indie pop representado por
bandas como Te Smiths, Orange Juice o Te Go-Betweens. En 1986
NME publicó un casete con el título C86 que daría origen al
movimiento del mismo nombre.
En 1980 lanza su primer álbum, llamado simplemente Boy,
uno de los grupos más importantes de la historia, U2, quienes
posteriormente infuenciarán toda una generación de bandas.
Primeros grupos de rock alternativo: Te Cure, Siouxsie & the
Banshees, R.E.M., U2, Te Smiths, Primal Scream, Pixies, Sonic Youth,
Jane's Addiction, Dinosaur Jr. y Red Hot Chili Peppers en el Reino
Unido y Estados Unidos, marcan las bases del género, en sus inicios en
un plano underground, y para iniciados, y más tarde como fenómenos
de masas.
Nace el rap metal, estilo alternativo cuyos pioneros fueron
Run–D.M.C. y Beastie Boys.
El Trash metal marcó el inicio de este género con Megadeth,
Venom, Celtic Frost, Metallica, Slayer, Testament, Anthrax, Sepultura,
Suicidal Tendencies, Pantera, Overkill. En Alemania, Kreator,
Destruction, Sodom y Tankard. El heavy metal adquiere más velocidad y
aparece speed metal que daría posteriormente el thrash metal
mencionado y el power metal. La dureza e infuencias del género
aumenta debido a las distintas perspectivas de unos grupos y otros,
creando el death metal con bandas como Death o Morbid Angel y el
black metal con bandas como Venom de nuevo, Hellhammer, Bathory o
Mayhem. El death metal se fusionaría con el hardcore punk creando un
género denominado grindcore, la banda más popular del género es
Napalm Death.
En 1987 Guns N' Roses redefne el hard rock utilizando
elementos del heavy metal en el disco Appetite for Destruction. Esto
implica un cambio en la temática y actitud preparando un cambio en la
siguiente década apartándose así de la frivolidad y diversión del Glam
metal. Otras dos bandas que marcaron una diferencia sustancial en el
género fueron Dogs D'amour y Te Cult, estos últimos en su etapa más
roquera y menos siniestra; por su parte, tanto Skid Row como los
291

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
escoceses Gun, facturando un hard rock ligeramente más modernizado,
Sleaze rock, se mantendrían en la escena de los primeros 90, ya
dominada por el grunge.
Se comienza a apreciar la fuerte infuencia en el rock de grupos
de hip hop como N.W.A. Cypress Hill, Public Enemy.
Surge en la ciudad de Mánchester la escena madchester, que
mezcló el indie con ritmos bailables y le dio a la música un tinte
psicodélico. Bandas como Te Stone Roses, Happy Mondays, Inspiral
Carpets y 808 State serían representantes del género. Este sonido infuyó
bastante a U2, lo cual es evidente en la grabación del álbum Achtung
Baby.
El shoegazing fue un género de música indie surgido a fnales
de los ochenta y principios de los años noventa en el Reino Unido. Está
representado por grupos como My Bloody Valentine, Ride y Slowdive,
entre otros.
Años 1990
Segunda oleada de black metal a lo largo de los años 90 junto a
toda la polémica que la rodea, aparece también la Oasismania y una
segunda invasión de bandas británicas. Fue durante este periodo cuando
el desarrollo del black metal se hizo patente y más evidente, sin embargo
el origen del género hay que situarlo mucho antes a principios y
mediados de los 80s. Fueron los británicos Venom, quienes con su demo
de 1979, prepararon el camino para la oleada de black metal que debía
venir. Los fans se dividieron en opiniones respecto a este grupo, quien
con su segundo disco, del año 1982, titulado Black Metal, dieron el
nombre al género. Otras bandas infuyentes en establecer las bases del
género, fueron, en cuanto a la estética, Kiss, y la danesa Mercyful Fate
que en 1982 se estrenó con un EP con cuatro temas denominado Nuns
Have No Fun. El black metal se fusionaría con lo sinfónico y orquestal
con bandas como Emperor y más tarde Dimmu Borgir entre otros.
El death metal se divide en varias ramas, apareciendo el un
estilo más bruto, contundente y técnico en bandas como Cannibal
Corpse, Immolation o Dying Fetus, uno más melódico con In Flames,
At Te Gates, Dark Tranquillity, con progresismos o rock progresivo
con Edge Of Sanity, Cynic o Opeth e incluso mestizado con música jazz
en bandas como Cynic de nuevo o Cephalic Carnage. También está el
doom/death de Anathema, Paradise Lost o My Dying Bride, que
cogerían elementos doom (subgénero o variante del heavy metal) creados
por Black Sabbath y Candlemass, años más tarde se mestizaría con la
292

ROCK
subcultura gótica creando el género denominado gothic metal.
Rock de fusión: El rock, el metal y el punk se fusionan con el rap y el
funk e incorporan otros elementos como rock progresivo. Red Hot Chili
Peppers, Fishbone, Living Colour, Faith No More, Incubus, Infectious
Grooves, Primus y Rage Against the Machine. En Holanda se darían a
conocer Urban Dance Squad.
El rock alternativo y el grunge revolucionan el género a raíz del
éxito del sencillo Smells Like Teen Spirit, del álbum Nevermind, de
Nirvana. Seattle se convierte en el centro del rock; además de Nirvana
surgen Pearl Jam, (renacidos de las cenizas de los seminales Mother Love
Bone), Screaming Trees, Soundgarden, Stone Temple Pilots, Blind
Melon y Alice In Chains, además de Hole, Te Afghan Whigs, y
Garbage, bandas que luego le abrirían el camino a otras de corte más
comercial como Nickelback o Collective Soul. El grunge también infuye
en la escena hard rock, y las hair bands prácticamente desaparecen con la
nueva tendencia, observando un cambio en las temáticas, que huye de la
frivolidad y la diversión. En el rock alternativo triunfan Weezer, Te
Smashing Pumpkins o Jane's Addiction gracias al festival Lollapalooza.
A ello se le viene a sumar el auge del rock industrial y el metal industrial,
con bandas como Nine Inch Nails, Marilyn Manson, Ministry y
Rammstein.
El metal de los 90 comienza a impregnarse del espíritu del rock
alternativo; Sepultura innovan con los álbumes Chaos A.D. y Roots, al
igual que Metallica adaptan sus presupuestos a la nueva década, mientras
que Pantera desbanca a Michael Jackson del número uno de la lista
estadounidense con un disco de metal extremo llamado Far Beyond
Driven.
Surge el stoner rock o rock desértico, fusión del rock
psicodélico de los 70 con el rock alternativo de los 90, con la música de
Black Sabbath; caracterizado por densos rifs de guitarras oscuras y
ritmos lentos, utilizando las afnaciones más graves de los instrumentos,
contrastado por Melvins y otras bandas americanas provenientes de
California como Kyuss (considerados fundadores del estilo), Fu Manchú
o Nebula pero sin llegar a alcanzar el éxito comercial de las bandas de
Seattle y del movimiento grunge; el estilo tuvo su continuidad con
bandas como Queens of the Stone Age durante la siguiente década.
Grupos de hard rock y heavy metal con tendencia a incorporar
elementos del rock psicodélico y el punk, así como de la cultura de "Serie
B", comienzan a popularizarse y triunfar en Estados Unidos: Monster
Magnet, White Zombie, Y Danzig, banda del antiguo líder de Te
Misfts.
293

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Te Black Crowes contrastan como rara avis en la nueva escena
por su propuesta fuertemente retro, infuenciada por Faces o Te Rolling
Stones. A lo largo de los años 90 desarrollarían más su estilo hacia el
concepto de jam-band, entrocando así con un incipiente revival 70's,
secundado por la personal propuesta de Blind Melon, quienes desde
1992 conjugan el rock alternativo y ciertos aspectos del grunge con una
estética y sonido retro, y seguido en menor medida, Spin Doctors y una
nueva hornada de grupos infuenciados por Grateful Dead que
despuntarían en la segunda mitad de la década, entre ellos, Phish y Blues
Traveller.
Esta tendencia retro hacia sonidos de los 70, la confrmarían
grupos como Counting Crows o 4 Non Blondes, que saltarían a la
fama con sus dos respectivos hits, "Mr. Jones" y "What's up", temas que
sonarían de forma insistente durante el resto de la década en las
radiofórmulas, convirtiéndose ambos en temas de referencia de la década.
El britpop nace en el Reino Unido a mediados de los años 90, como
reacción a la creciente popularidad del grunge que invadía las radios
locales, de la mano de grupos como Oasis, Blur, Radiohead, Pulp,
Suede, Te Verve y Placebo. El britpop toma infuencia de los géneros
madchester, indie, shoegazing, new wave y el rock de los 70 y 60.
Oasis lanza (What's the Story) Morning Glory?, su segundo
disco, que vendió más de 22 millones de discos en todo el mundo. La
banda se volvió muy popular y llegó a realizar dos megaconciertos en
Knebworth Park para 125.000 personas cada noche, lo que fue un
récord en su país.
Prodigy, Te Chemical Brothers, Fatboy Slim, Apollo 440 y otros
artistas de big beat combinan rock con distintos géneros de música
electrónica, alcanzando una notable popularidad entre las audiencias
rock.
Surge el pop punk con grupos como Te Ofspring, Green
Day, Blink-182, Rancid y NOFX (procedentes de la escena hardcore
punk melódica) principalmente, que se encargan de llevar el punk a un
plano menos contracultural y rupturista que el punk original, y
musicalmente más limpio y melódico. También el género forma gran
parte de la segunda oleada punk.
Bandas como Redd Kross, Urge Overkill o Jellyfsh, reivindican de
nuevo la música e imagen de los años 70, esta vez desde una óptica y
sonido cercanos en ocasiones a Cheap Trick o los primeros Kiss, y a
melodías Beatlelianas arropadas por enérgicas secciones rítmicas tomadas
del punk y el hard rock.
Los años 1990 es también la década en que triunfan solistas, en
294

ROCK
ocasiones cercanos a la fgura del crooner o del cantautor, pero con
propuestas marcadamente personales, arriesgadas e iconoclastas, que en
muchas ocasiones toman un rumbo fuera del género, como Jef Buckley,
PJ Harvey, Björk o Tori Amos. Un artísticamente renacido Johnny Cash
produce sus últimos discos para American Recordings.
Radiohead publica OK Computer, álbum que según la prensa
musical se convierte en su obra cumbre y uno de los más importantes de
la década, infuyendo en grupos posteriores como Travis, Delirious?,
Keane, Muse y Coldplay.
De la mezcla de grunge, funk y hip hop surge, a mediados de
década, el nu metal, estilo muy popular hasta mediados de la siguiente
década. Bandas como Korn y Deftones serían los precursores del estilo,
que alcanzaría su máxima popularidad con la aparición de bandas como
Limp Bizkit o Linkin Park
Segunda etapa del gothic metal y tercera etapa del gothic rock,
encabezado principalmente por la banda alemana Unheilig desde 1999.
Se suprimen las voces guturales del death en el metal gótico: Nightwish,
Moonspell, Within Temptation y Anabantha fusionan metal gótico con
ópera. Comienzan bandas que muestran infuencias del metal gótico
fusionado con otros géneros como metal alternativo o Doom metal:
Epica, Within Temptation, Terion. Te 69 Eyes, HIM, Xandria,
L'Âme Immortelle, Entwine (1996 - 1998).
Segunda mitad de la década: nueva ola de rock, llamado en
ocasiones action-rock, fusionando hard rock con punk, como reacción a
la intelectualidad del grunge y el alternativo, vuelta al rock más básico. El
movimiento proviene de Escandinavia principalmente; Turbonegro,
Backyard Babies, Te Hellacopters, Hardcore Superstar o Gluecifer; sin
olvidar la respuesta americana, con Buckcherry o Nashville Pussy. Ello
trae consigo un cierto revival del glam rock, y grupos como L.A. Guns o
Poison vuelven a girar o editar discos.
Últimos años 90, y primera mitad de la nueva década, se
populariza el country alternativo o americana, así se llama al nuevo rock
estadounidense; country y música de raíces americana fusionado con
rock alternativo; Drive-By Truckers, Steve Earle, Lucinda Williams, Son
Volt, Wilco o Cracker. Vuelta a las raíces, pero con otro punto de vista
más actual, partiendo del legado de Gram Parsons, y cuyas raíces se
sitúan generalmente en el grupo Uncle Tupelo.
En España, hacen auge grupos como Extremoduro y Platero y
Tú y nacen muchos otros como Dikers, Marea y La Fuga prevaleciendo
el rock urbano sobre el pop rock clásico, este auge se ve infuido por la
separación de Héroes del Silencio.
295

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Desaparecen los últimos grupos que defnieron el rock durante
los años 70. Pink Floyd, líder en el rock psicodélico y progresivo, se
termina separando.
Años 2000 en adelante
Aunque el Rap Metal tuvo su éxito durante la década de los 90,
con bandas como Rage Against Te Machine, su verdadero éxito, fue al
comienzo del milenio con bandas como Linkin Park que lanzó su primer
álbum Hybrid Teory, además se convirtió en el álbum debut más
vendido de la década. Limp Bizkit que lanzó Chocolate Starfsh and the
Hotdog Flavored Water, Papa Roach, Deftones, Korn, y Slipknot con su
álbum homónimo.
Auge del metalcore y deathcore, con bandas como As I Lay
Dying, Killswitch Engage y Shadows Fall como principales exponentes.
Tras las fusiones entre géneros que se dieron en la década de 1990, el
rock vuelve a su concepto más básico en el 2000 como garage rock o
garage rock revival, con infuencias y enfoque alternativos, con grupos
como Te Strokes, Yeah Yeah Yeahs, Te White Stripes, Te Black Keys,
Te Libertines, Te Vines, Te Hives, Kings of Leon, BRMC, entre
otros.
La Nueva ola del post-grunge; con grupos como Audioslave, 12
Stones, Tree Days Grace, Seether, Taproot.
Sigue la oleada del pop punk entre 2000 y 2005 con bandas como Te
Ofspring, Green Day, Blink-182, Sum 41, NOFX, entre otros.
En el deathcore destacan Job for a Cowboy, Despised Icon y As Blood
Runs Black.
En el plano del rock alternativo destacan Muse, Placebo, Te
Smashing Pumpkins, Radiohead, Linkin Park, Keane, Coldplay, Foo
Fighters, Green Day, Evanescence e Incubus.
En 2001 aparece el segundo álbum de System of a Down banda de nu
metal titulado Toxicity el cual tuvo mucho éxito en la industria musical.
En el año 2005 la banda californiana Green Day da su más grande
concierto en Milton Keynes siendo este el concierto más grande en la
historia del punk rock.
Queens of the Stone Age continúan durante la nueva época el legado
stoner rock de Kyuss, añadiéndole otros matices, instrumentación y
estructuras a algo que defnen como Robot Rock.
En el Reino Unido, Te Libertines reinventa el britpop,
dándole un tinte menos comercial que el de bandas como Oasis o Blur.
Con letras más autodestructivas, pero sin variar demasiado la fórmula de
296

ROCK
las bandas anteriores, logran ser una banda de culto, a la vez que abren el
camino a bandas como Franz Ferdinand, Boy Kill Boy, Bloc Party,
Arctic Monkeys, Kasabian, Maxïmo Park, y Kaiser Chiefs. Otras bandas
de post punk revival, como Mando Diao (Suecia), actualizan el legado
del post-punk y del britpop.
Las principales bandas de hard rock y heavy metal vuelven a su
sonido clásico de los años 80, luego de largas etapas de experimentación
con sonidos típicos de los años 90.
Surgen bandas de indie rock, post punk revival, otras ramas de
la nueva ola (post-punk), (new wave) como Te Strokes, Te Killers y
Te Bravery (entre las que ha habido rivalidades), Franz Ferdinand,
Vampire Weekend y Arctic Monkeys (indie), Arcade Fire e Interpol
(1998 – presente) de post punk revival, banda cuyo estilo oscuro ha sido
comparado con el de Joy Division, Interpol es una de las pioneras y más
infuyentes bandas del post punk revival.
En Estados Unidos grupos como LCD Soundsystem, !!! o Te
Rapture adaptarían la parte más bailable del género dando lugar al dance
punk y al dance rock con bandas como Panic! at the Disco.
En 2007 El solo de la canción Blackbird de la banda Alter Bridge fue
nombrado el mejor solo de todos los tiempos por la revista Guitar
Magazine.
En 2007 el álbum debut de Klaxons, Myths of the Near
Future, lanzado el 29 de enero del 2007 da paso al nuevo género llamado
new rave, en los cuales también hay grupos como Datarock, Hot Chip y
Cansei de Ser Sexy. El estilo denota la infuencia del rock de la década de
2000 con parte de la cultura rave (electrónica) de los 90, la etiqueta de
new rave se le aplica frecuentemente y tal vez erróneamente a grupos con
infuencias electrónicas.
Muse se consagra en Europa con su mezcla de rock alternativo
con música clásica y toques progresivos, con giras alrededor de todo el
mundo presentando sus discos Absolution (2003) y Black Holes and
Revelations (2006), dando dos shows agotados en el nuevo estadio de
Wembley en Londres presentando este último.
La tradicional fgura del cantautor iconoclasta en el rock tiene
su continuidad con el éxito de Antony and the Johnsons y su disco I am
a bird now, mientras Rufus Wainwright sorprende en sucesivas entregas
con su estilo personal que recuerda en su tonalidad vocal a Jef Buckley,
practicando ambos músicos diversas fusiones estilísticas que enlazan con
el trabajo a caballo entre rock y lírica de artistas como Lou Reed,
mientras Mark Lanegan continúa con su sonido profundo e
introspectivo tras la disolución de Screamin' Trees.
297

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Te Darkness, Te Answer y Airbourne vuelven a poner en el
primer plano de actualidad la esencia del hard rock con una gran
atención a la puesta en escena, guitarras energéticas y cuidadas, diversión
como leit-motiv principal, e incluso voces en falsete. Por su parte, Velvet
Revolver suman al género la infuencia del post-grunge y el grunge,
debido a que su ex-vocalista era procedente de la banda de grunge Stone
Temple Pilots.
Wolfmother y Jet cosechan éxitos de audiencia con su hard
rock de impronta retro.
Tanto la banda Scissor Sisters como el solista Mika fusionan el
pop rock con el funk y la música disco de corte retro, cosechando un
notable éxito.
El rock progresivo y el rock experimental consiguen un relativo
auge gracias a grupos como Porcupine Tree y Te Mars Volta, este
último es el más notable por sus infuencias de punk rock, jazz fusión,
funk, dándole toques psicodélicos del rock de los 60 y 70 como los de
Jimi Hendrix y Carlos Santana. El metal progresivo crece en popularidad
gracias a bandas como Ayreon, Dream Teater, Mastodon, Opeth, Pain
of Salvation, Riverside, Symphony X y Tool.
Avenged Sevenfold, DevilDriver, Disturbed, Lamb of God, Machine
Head y Trivium son algunas de las bandas que forman parte del
movimiento conocido como NWOAHM (nueva ola de heavy metal
estadounidense).
Las bandas de rock más populares del siglo xx regresan, aunque
la mayoría como solistas o en pequeñas reuniones. El evento Live 8
permitió el último regreso de bandas como Pink Floyd. Led Zeppelin se
reúne en un concierto luego de casi 25 años de su separación, mientras
que Queen se une con Paul Rodgers para formar Queen+Paul Rodgers.
Roger Waters, bajista de Pink Floyd, realiza un el Dark Side of the
Moon World Tour y posteriormente regresa para conmemorar los 30
años de Te Wall con Te Wall Live. Bandas como Oasis y R.E.M. se
separan, y otras como Te Police se reúnen. John Fogerty realiza un tour
con las canciones de Creedence Clearwater Revival.
Algunas de las bandas de la vieja escuela continuaron
publicando álbumes de estudio y realizando giras mundiales como
AC/DC con Black Ice; Aerosmith con Just Push Play, Honkin' on Bobo
y Music from Another Dimension!; Iron Maiden con Dance of Death, A
Matter of Life and Death y Te Final Frontier; o Def Leppard con X y
Songs from the Sparkle Lounge, entre otros.
298

ROCK
Impacto social
Los distintos géneros del rock fueron adoptados y esenciales
para la identidad de diversas subculturas. En las décadas de 1950 y 1960,
respectivamente, los jóvenes británicos adoptaron las subculturas Teddy
boys y Rocker, ambas centradas en el rock and roll de Estados Unidos.
La contracultura de la década de 1960 estaba muy relacionada con el
rock psicodélico. La subcultura punk de mediados de la década de 1970
comenzó en los Estados Unidos y Gran Bretaña casi simultáneamente y
tomó una imagen distintiva creada por la diseñadora Vivienne
Westwood que se popularizó en todo el mundo. Desde la escena punk,
las subculturas Emo y Gótica crecieron presentando sus estilos visuales
propios.
Cuando una cultura internacional del rock se ha desarrollado,
consiguió destronar al cine como la mayor infuencia en la moda. Los
seguidores de la música rock usualmente desconfaron del mundo de la
moda, al que usualmente han visto como una exageración de la
importancia de la imagen a costa del contenido. La moda del rock ha
sido considerada una combinación de culturas y periodos distintos, así
como una expresión de visiones divergentes sobre la sexualidad y el
género, y la música rock en general ha sido vista y criticada por facilitar
una mayor libertad sexual. El rock también ha sido asociado con varias
formas de uso de drogas, incluyendo los estimulantes consumidos por
algunos mods en los inicios y mediados de la década de 1960, por el
LSD relacionado con el rock psicodélico al fnal de los años 1960 e
inicios de 1970; y ocasionalmente la marihuana, cocaína y heroína, todas
elogiadas en las canciones.
El rock ha recibido crédito por cambiar las actitudes raciales al
abrir la cultura afroamericana a una audiencia más amplia; pero también
ha sido acusado de apropiarse y explotar esa cultura. Mientras que el
rock ha absorbido muchas infuencias e introdujo al público occidental a
tradiciones musicales distintas, su popularidad a nivel mundial ha sido
interpretada como una forma de imperialismo cultural. El rock tomó la
tradición folclórica de la música protesta, haciendo declaraciones
políticas sobre temas como la guerra, la religión, la pobreza, los derechos
humanos, la justicia y el medio ambiente. El activismo político alcanzó
su punto máximo con el sencillo "Do Tey Know It's Christmas?"
("¿Saben ellos que es Navidad?", de 1984) y el concierto Live Aid para
Etiopía en 1985, que mientras concienciaron con éxito sobre la pobreza
y el altruismo, también han sido criticados (junto con otros eventos
similares), por dar una plataforma para mejorar el prestigio propio y
299

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
proporcionar mayores ganancias para los intérpretes involucrados.
La música es una de las expresiones artísticas más importantes
que ha creado el hombre, y donde ha sabido representar todos los
sentimientos y emociones que lo han caracterizado a lo largo de la
historia. A través de ésta, se han representado distintas etapas en la
evolución del hombre y distintas formas que ha tenido para pensar y
razonar sobre la vida. Beethoven, Mozart, Vivaldi, y tantos otros músicos
han podido dar testimonio, y refejar distintas épocas en la historia, que a
la vez, han mostrado diferentes ideologías sobre el mundo. El rock surgió
como un movimiento contracultural de los jóvenes y para los jóvenes,
con el cual mostraran su propia identidad y sus propias ideas a una
sociedad que sólo los veía como unos simples proyectos de adultos, sin
voz, ni opinión. Fue así como surgieron imágenes y personas que
representaban felmente a los jóvenes, y que les mostró a la sociedad un
nuevo grupo que antes no lo conocían: los jóvenes. Elvis Presley, Te
Beatles, Te Doors, Janis Joplin, Sex Pistols, Pink Floyd, U2 y Nirvana,
fueron y son algunos de los pioneros más representativos de una
juventud que se diversifcó en distintas ideas y modas en la segunda
mitad del siglo. A su vez, ese producto modifca a la sociedad misma,
porque la agrupa de diferentes maneras, genera grupos de pertenencia,
produce alienación, implanta valores, ideales, los difunde, genera
modelos e ídolos, inserta nuevos actores sociales, se generan nuevas
creencias, todo con la consecuente re signifcación de la música,
formándose un ciclo de constante re signifcante. En la mayoría de países
latinoamericanos se ha fortalecido el movimiento de música Rock, un
género controversial para unos y considerado peligroso para otros. Las
letras de muchas de las canciones pueden contener textos violentos,
sexualmente sugestivos o de elementos preocupantes (drogas, suicidio,
muerte, satanismo). En Estados Unidos se estudió la capacidad de los
adolescentes para repetir la letra de las canciones, concluyendo que
solamente un 30% de los adolescentes conoció la letra de su canción
favorita o un 40% si eran fans de música heavy. Su compresión varía en
función de la edad. Se sabe que los jóvenes construyen su identidad con
el vestuario, el peinado, el lenguaje, así como también con la apropiación
de ciertos objetos emblemáticos, en este caso, los bienes musicales,
mediante los cuales, se convierten en sujetos culturales, de acuerdo con la
manera que tienen de entender el mundo, y de vivirlo, de identifcarse y
diferenciarse. Los jóvenes se constituyen en grupo. Los amigos son el
núcleo donde se generan los patrones de conducta que se le propone
seguir al adolescente. El deseo de ser independiente de la familia lo va a
suplir con la dependencia de un grupo. Allí se escogerán los signifcados
300

ROCK
sociales que atribuyen a los bienes culturales que consumen. El consumo
cultural los identifca y los cohesiona, les dicta patrones de conducta,
códigos, formas de aprendizaje, inclusive su lenguaje se arraiga en los
objetos que consumen. En defnitiva, se establece un sistema de
creencias. Los miembros del grupo actúan siguiendo estas creencias. En
los grupos en los cuales, el elemento de cohesión, es la música, las
creencias se generan a partir de ella.
Desde sus inicios tempranos la música rock ha sido asociada
con la rebelión contra las normas sociales y políticas, lo cual era más
obvio en el rechazo en el rock and roll temprano hacia la cultura
dominada por los adultos. El rechazo de la contracultura hacia el
consumismo y el conformismo y el rechazo del punk hacia todas las
formas de convención social, pueden ser vistos como una forma de
explotación comercial de estas ideas y una forma de distraer a la juventud
de la acción política, social y ambiental.
7. 1. COUNTRY ROCK
Se denomina, usualmente, country rock a un género musical
mixto que, partiendo de fundamentos estéticos e instrumentales propios
del rock, toma sus bases musicales de las tradiciones folclóricas de los
Estados Unidos, no sólo de las directamente vinculadas con el country y
el hillbilly, sino también con el blues sureño y otros géneros
tradicionales.
Con frecuencia, el campo del country rock se solapa con el de
otras etiquetas musicales, como rock sureño o folk rock.
Origen
La iconografía tradicional del folk rock sitúa el nacimiento del
género en el giro dado por Bob Dylan a su música en el Festival de
Newport de 1965, en coincidencia con el triunfo de las propuestas
discográfcas de Te Byrds , pero esto no deja de ser un
convencionalismo. En realidad, el proceso se había iniciado a fnales de la
década de 1950, con la fuerte evolución sufrida por el Bluegrass, las
innovaciones que fueron consolidándose a través del Grand Ole Opry y
la aparición de grupos como New Lost City Ramblers, Te Weavers,
Peter, Paul & Mary o Scottsville Squirrel Barkers, que incluía a músicos
tan esenciales en el country rock como Chris Hillman o Bernie Leadon.
En cualquier caso, para el último tercio de la década de 1960, el Folk
rock, y vinculado a él, el Country rock, aparece ya como un estilo
consolidado.
301

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Características
Musicalmente, el country rock recoge los conceptos del pop y el
rock de los años 1960, tanto en las bases instrumentales, como en los
conceptos rítmicos y melódicos, por lo que puede afrmarse que,
básicamente, es rock. La aportación folkie se concreta en la elección de la
temática, la introducción de temas propiamente country en el repertorio
de las bandas y, sobre todo, en los arreglos instrumentales. Elementos
más cosméticos, por tanto, que de fondo.
La banda-tipo del género, incorpora una primera línea de dos o
más guitarras, acústicas y eléctricas, incluyendo usualmente una Pedal
steel guitar y, en ocasiones, una mandolina o un dobro, instrumentos
muy vinculados con el bluegrass. A veces tienen presencia otros
instrumentos, caso del violín o del fddle (p.ej. Charlie Daniels) o el
saxofón-fauta (p.ej. Jerry Eubanks), aunque no es lo usual. La línea
rítmica, por el contrario, es clásicamente rock, con teclados (usualmente,
piano eléctrico u órgano), bajo y batería.
Aunque muchos de los temas tienen partes vocales claramente
pop o rock, las bandas suelen incluir estribillos y partes cantadas por tres
voces armonizadas en estilo bluegrass (voz aguda principal en la tónica,
con armonías del tenor en terceras y del barítono).
Historia y evolución
El paso más decidido desde el folk rock californiano hacia el
country rock, lo dieron los propios Te Byrds cuando publicaron su
sexto álbum, en 1968, titulado Sweetheart of the rodeo. Otras bandas,
como Bufalo Springfeld o Hearts of Flowers, ya estaban trabajando en
líneas coincidentes. El área de San Francisco y, en general, California
había dado impulso a una serie de artistas que, provenientes del folk,
habían asumido la cultura musical psicodélica y establecido unas bases
propicias para ese desarrollo: Country Joe & Te Fish, Te Grateful
Dead...
Pero en los últimos años de la década, y primer tercio de los
años 1970, las bandas de country rock comenzaron a forecer,
especialmente tras la separación de grupos emblemáticos como Te
Byrds y Bufalo Springfeld: Chris Hillman y Gram Parsons formaron los
Flying Burrito Brothers; Bernie Leadon formó Dillard & Clark y,
después, se incorporó a los Burrito; Randy Meisner y Jim Messina
crearon otra de las bandas básicas del género, Poco; Stephen Stills formó
Manassas y, junto con David Crosby y Graham Nash, Crosby, Stills &
302

ROCK
Nash, a los que se unió Neil Young, que también estuvo en Bufalo
Springfeld. Además, estaban Rick Nelson y su Stone Canyon Band,
otras bandas como New Riders of the Purple Sage y artistas como
J.J.Cale.
Avanzada la década de los años 1970, el género se consolidó y
algunos de los grupos citados consiguieron importantes ventas en todo el
mundo, como Poco (Indian Summer, 1977 y Legend, 1978), ya sin
Richie Furay, y sin Meisner ni Messina (que se había marchado para
formar Loggins y Messina), pero con el polifacético Rusty Young y Paul
Cotton al frente. El enorme éxito alcanzado, al comienzo de la década,
por las bandas de blues sureño (Allman Brothers Band y, más tarde,
Lynyrd Skynyrd) favoreció igualmente el despegue del género y la
aparición de una gran cantidad de bandas a caballo entre el country rock
y lo que desde entonces se conoció como rock sureño: Marshall Tucker
Band, Charlie Daniels Band, Cowboy, Little Feat, Rich Mountain
Tower ...
De entre todas las bandas aparecidas en este contexto, la que
alcanzó mayores ventas fue, sin duda, Eagles, el grupo formado por
Randy Meisner tras dejar a Poco, y por Bernie Leadon, que abandonó a
los Burrito en 1971. El quinto de sus álbumes, Hotel California, supuso
el punto álgido, en cuanto a éxito popular, del género (y, a la vez, su
despegue de él). Otros grupos que habían comenzado en la línea del
country rock o del rock sureño, como los Doobie Brothers en sus
primeros discos, Black Oak Arkansas, Wet Willie o Delaney & Bonnie
& Friends, fueron también, de forma paulatina, apartándose del género.
A fnales de la década, el género ya no estaba de moda, en parte
por el giro que el rock dio hacia el punk, en parte porque el circuito del
country no había acabado de asimilarlo, aunque sí asumió parte de sus
planteamientos instrumentales (Dwight Yoakam, etc.). No obstante, las
bandas de country rock continuaron durante la década de 1980 e,
incluso, en los años 1990, aparecieron nuevas bandas de rock que
recogieron parte del legado sureño (Brothers Brooks, Black Crowes...).
Pero el nacimiento del punk originará, en los noventa, la
aparición de una nueva generación de músicos que desde diferentes
puntos de los Estados Unidos y con gran diversidad musical, tendrán en
común la utilización de las guitarras y un estilo musical basado en las
raíces musicales y el country rock y que serán etiquetados como
'insurgent' o 'new' country. Es el caso de grupos como Jayhawks y
Lambchop o de Uncle Tupelo, semilla de lo que serán Wilco y Son Volt,
o de cantautores como Steve Earle y Kim Richey.
303

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
7. 1.1. ROCK SUREÑO
El southern rock o rock sureño es un subgénero del rock; que
mezcla algunas propiedades del rock con otras del country. El southern
rock nació en los Estados Unidos como una mezcla entre rock and roll y
boogie rock y enfocado especialmente en la guitarra y la voz. En
ocasiones, esta denominación se solapa con otras como blues rock.
Los 50 y 60: Raíces
Los orígenes de rock and roll recayeron principalmente en los
habitantes del sur de los Estados Unidos, de donde provenían muchas de
las primeras estrellas del género como Elvis Presley, Little Richard, Bo
Diddley o Jerry Lee Lewis.
La invasión británica de los años 60 por su parte, popularizó el
folk rock y el rock psicodélico. Posteriormente se trasladó el centro
neurálgico del estilo desde el rural americano hasta grandes ciudades
como Liverpool, Londres, Los Ángeles, Nueva York o San Francisco.
A fnales de los 60, los californianos Creedence Clearwater
Revival y los canadienses Te Band revitalizaron los orígenes rurales del
rock, siendo una de las raíces del género. Desde otra perspectiva, bandas
de blues rock al estilo tradicional (blues sureño en la nomenclatura de la
crítica norteamericana), comenzaron a focalizar la atención de los
medios.
Te Allman Brothers Band hizo su debut en 1969 y
comenzaron a conseguir cierta popularidad gracias a su mezcla de blues,
la improvisación del jazz y la inclusión de algunos elementos del country
y folk del sur de los Estados Unidos.
70: Máxima popularidad
Con la nueva década, la popularidad de los Allman Brothers
aumentó, hasta el punto de que la muerte de su líder y guitarrista Duane
Allman, en 1971, no les ocasionó ningún tipo de pérdida de seguidores,
sino que la actividad de la banda continuó hasta 1981, debido a su
separación por problemas internos (no obstante, editaron un nuevo disco
en 1990). Como el rock se inventó en el sur de los Estados Unidos, el
teclista Gregg Allman declaró que el término "southern rock" es
redundante: "es como decir rock rock".
Los Allman Brothers frmaron un contrato con Capricorn
Records, al igual que otras bandas exponentes del género, como Marshall
Tucker Band, Wet Willie o Elvin Bishop Band, todas ellas con orígenes
304

ROCK
en los estados del sur de EE.UU. Sin embargo, no todas las bandas
formadoras del género contrajeron contratos musicales con Capricorn,
como es el caso de Barefoot Jerry y Charlie Daniels Band, que compuso
el primer gran éxito del southern rock, "Te South's Gonna Do It
Again", en 1975. Un año antes, el propio Charlie Daniels fundó el
primer festival de rock sureño, Volunteer Jam, en el estado de Tennessee,
que dio a conocer a varias bandas de la época. Este festival aún se
mantiene en activo, y se celebra todos los años en la ciudad de
Nolensville, Tennessee.
A comienzos de la década de 1970, varios grupos comenzaron a
mezclar el southern rock con el hard rock, con un ritmo más marcado y
una interpretación guitarrera más veloz. El grupo de mayor éxito dentro
de esta corriente, y el que más fama alcanzó durante los 70, fue Lynyrd
Skynyrd, un grupo de blues sureño, autores del éxito "Sweet Home
Alabama" y que se retiraron del panorama dominante musical después
de la muerte de varios de sus miembros en un accidente de avión en
1977. Otros grupos importantes durante esta época fueron Te Outlaws,
.38 Special, Molly Hatchet, Blackfoot, Point Blank y Black Oak
Arkansas.
Sin embargo, no todos los grupos de southern rock se amoldan
a estas características. Por ejemplo, las bandas Atlanta Rhythm Section y
Amazing Rhythm Aces enfocaban su trabajo hacia las armonías vocales,
mientras que Louisiana's Le Roux mezclaron el boogie con el arena rock,
y Sea Level y Dixie Dregs incorporaron elementos del jazz fusión.
Los 80: Continuando con la difusión
Hacia el comienzo de la década de 1980 el escenario mostraba a
Lynyrd Skynyrd y Te Allman Brothers Band como grupos disueltos, el
sello Capricorn Record se encontraba quebrado. Al igual que muchos
grupos de rock, representantes del southern rock comenzaron a verse
sometidos por rock corporativo o al arena rock. Con la creciente
popularidad de la MTV, géneros como el glam metal o el new wave
hicieron que el southern rock se viese relegado a un segundo plano.
Bandas como Better Tan Ezra, Drivin N Crying, Dash Rip Rock,
Cowboy Mouth, Kentucky Headhunters o Tird Day ganaron una cierta
popularidad en el sudeste de los Estados Unidos durante las décadas de
los 80 y 90. Una excepción notable fue Te Georgia Satellites, que tenía
algo de popularidad en los mediados a fnales de 1980, aunque el grupo
Doc Holiday alcanzó un buen número de seguidores durante esa época.
Otra notable excepción fue la realizada por ZZ Top, que, aunque se creó
305

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
en los 70, emergió en los 80 con una gran base de fans gracias al uso del
sintetizador. Otros representantes notables los encontramos con los
naturales de Florida Tom Petty and the Heartbreakers que cosecharon
éxitos durante esta década.
Los años 90
Durante los años 90, los Allman Brothers se reunieron y
reanudaron su actividad de conciertos y grabaciones y la escena jam band
revivió el interés en la música improvisada extendida. A su vez, la vuelta
a los escenarios de una reencarnación de los Lynyrd Skynyrd hizo que
algunas emisoras de radio norteamericanas comenzasen a propagar los
antiguos éxitos de estas bandas. Grupos de rock duro con toques de rock
sureño como Jackyl renovaron cierto interés en el rock sureño.
Estaciones de radio de rock clásico tocaban algunas de las más conocidas
obras de 1970, y el festival Volunteer Jam de Charlie Daniels todavía se
mantenía. Phil Walden resucita Capricorn Record sólo para volver a caer
en bancarrota. Uno de los puntos fnales Capricorn Record fue un
esfuerzo en solitario del ex front man de Wet Willie, Jimmy Hall,
renombrado como Rendezvous With the Blues.
Otros grupos mantuvieron su presencia, por ejemplo los
texanos ZZ Top logran alcanzar siete veces la posición número 1 del
mainstream rock con "My head of Mississippi" (1990), "Doubleback"
(1990), "Give it up" (1991), "Pincushion" (1993), "She just killing me"
(1996), "Rhythmeen" (1996) y "Fearless Boggie"(1999). Igualmente
Tom Petty and the Heartbreakers con "Learning to fy" (1991), "Mary
Jane last dance" (1993) y "You don't know how it fell" (1994) llegó a la
posición más alta de esta lista.
Entre los grupos nuevos aparece Te Black Crowes, procedentes
del Estado de Georgia, que con el tema "Hard to handle", también
logran alcanzar la posición número uno en el año 1990. Grupos como
Brothers Brooks iniciaron el siglo XXI con un sonido totalmente
infuenciado por las bandas históricas.
Incluso el grunge se tiñó de los toques del renaciente southern
rock, con canciones como “Dissident” de Pearl Jam, “Spank Tru” de
Nirvana o “Interstate Love Song” y “Big Empty” de Stone Temple
Pilots. Nuevos grupos del sur de los Estados Unidos incorporaron las
infuencias del rock sureño en su música como los geogianos R.E.M.,
Widespread Panic, o el grupo de Florida Sister Hazel o Blind Melon, el
guitarrista texano Stevie Ray Vaughan, Te Fabulous Tunderbirds y Joe
Ely incorporando música sureña y temas líricos aunque sin alianza
306

ROCK
explícita con cualquier movimiento de rock sureño.
Otros grupos con infuencias del sonido del southern se
encuentran en bandas como Hootie & the Blowfsh, de Carolina de Sur,
que llegan a los primeros lugares con temas como "Only wanna be with
you", "Hold my hand" o "Let her cry". Igualmente Dave Matthews
Band, procedentes de Virginia, con temas como "What would you say"
consiguen una audiencia numerosa, como también lo hizo Blues
Traveler en el año 1994 que lograron éxito con canciones como "Hook"
y "Run around", al igual que lo hizo la banda de Kenny Wayne
Shepherd, guitarrista proveniente de Louisiana.
La década de 1990 también vio la infuencia del rock sureño
tocar metal. A principios de la década, varias bandas del sur de los
Estados Unidos (sobre todo Nueva Orleans con su escena de metal),
como Eyehategod, Acid Bath, Soilent Green, Corrosion of Conformity y
Down, la infuencia de los Melvins, mezclado con el estilo metálico de
Black Sabbath, hardcore punk y el rock sureño para dar forma a lo que
se conoce como sludge metal. La mayoría de las bandas de slude metal
provienen desde el sur de los Estados Unidos. Otro músico de metal que
musicalmente expresó su infuencia del rock sureño es el guitarrista Zakk
Wilde (ex Ozzy Osbourne) con sus proyectos paralelos "Pride and
Glory" y "Black Label Society" o las giras en solitario donde incluía un
abundante repertorio de bandas clásicas de éste subgénero.
Nuevo milenio: Resurrección
En el año 2001, Kid Rock evolucionó desde una perspectiva
rap metal hacia el southern rock y el country gracias a su álbum Cocky.
Sus posteriores álbumes (Kid Rock y Rock N Roll Jesus) siguieron la
constante establecida por Cocky. En estos álbumes han colaborado Leon
Wilkenson y Billy Powell (ambos de Lynyrd Skynyrd). En el 2008 su
single "All Summer Long" (con samples de "Sweet Home Alabama" y
"Werewolves of London") se convirtió en uno de sus mayores éxitos
hasta la fecha. El miembro de Allman Brother Dickey Betts se unió Kid
Rock como parte de su Gira Revival Rock N Roll in 2008 y Lynyrd
Skynyrd abrió para él. En 2009, se relanza la gira con el mismo nombre.
En 2010 lanzó "Born Free", un álbum de rock sureño sin rap o metal en
él.
En 2005, la aparición de Bo Bice en el popular programa de
televisión American Idol tocando canciones como “Whipping Post” (de
Te Allman Brothers Band) y “Free Bird” y “Sweet Home Alabama”
(ambas de Lynyrd Skynyrd) hizo que el southern rock fuese introducido
307

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
en el primer plano del panorama musical estadounidense. A fnales de
2007, Bo Bice unió veteranas leyendas del rock sureño como Jimmy Hall
- voz / saxo / armónica (Wet Willie Band), Henry Paul - voz / guitarra /
mandolina (Outlaws, BlackHawk), Steve Gorman - batería (Black
Crowes, Jimmy Page) , "Dangerous" Dan Toler - guitarra (Te Gregg
Allman Band, Te Allman Brothers, Dickey Betts & Great Sur), Reese
Wynans - teclados (Stevie Ray Vaughan), Mike Brignardello - bajo
(Giant, reconocido músico de sesión), Jay Boy Adams - guitarra (solista
de blues de Texas) para grabar "Brothers of the Southland" celebrando el
rock sureño con un espíritu renovado y madurez.
Algunas bandas de post-grunge como Shinedown, Saving Abel,
Pre) Ting, Nickelback, Saliva, 3 Doors Down, 12 Stones, Default,
Black Stone Cherry y Teory of a Deadmanhan han incluido infuencias
del southern rock en sus composiciones hasta el punto de versionar
canciones clásicas como “Simple Man” y “Tuesday's Gone” de Lynyrd
Skynyrd. Metallica ha versionado temas como “Turn the Page” de Bob
Seger, y Tuesday's Gone, de Lynyrd Skynyrd en su álbum Garage Inc..
Además grupos de rock como Drive-By Truckers, Bottle
Rockets, Te Black Crowes, Band of Horses, My Morning Jacket, State
Line Mob, Te Steepwater Band, Zach Williams & Te Reformation,
Kings of Leon y Greasy Grapes por su parte, mezclan el southern rock
con otros estilos, como el garage rock, el country o el blues rock.
Gran parte del viejo estilo de rock sureño (así como otros
clásicos del rock) ha hecho su transición en el género de la música
country, consolidándose a lo largo del país fuera en los últimos años.
Bandas como Lynryd Skynyrd y Charlie Daniels con frecuencia tocan en
locales de música country, y la infuencia del rock sureño se puede
escuchar en muchos de los artistas country de la actualidad, vocalistas
especialmente varones. Algunos ejemplos son artistas en solitario Toby
Keith y Jimmy Aldridge y el dúo de Big & Rich.
Varios grupos originales de Rock Sureño de los década de 1970
siguen realizando giras en 2011. Esta lista incluye a Atlanta Rhythm
Section (ARS), Marshall Tucker, Molly Hatchet, Outlaws, Gregg
Allman, Allman Brothers Band, Lynyrd Skynyrd, ZZ Top, Canned
Heat, Black Oak Arkansas, Blackfoot, .38 Special y Dickey Betts.
Nuevos grupos como Dixie Witch, Blackberry Smoke, Gator Country,
Widespread Panic, Te Black Crowes, Gov't Mule, Southern Rock
Allstars, Te Derek Trucks Band y Greasy Grapes siguen la forma de arte
rock sureño. Pudiendo acotar la reunión de Creedence Cleawater Revival
como Creedence Cleawater Revisited, con sesiones interesantes de rock.
Además, el resurgimiento de rock sureño ha visto nuevas
308

ROCK
bandas como "Te Deadstring Brothers", "Fifth on the Floor" and
"Whitey Morgan and the 78's" combinar el sonido de rock sureño con el
country, bluegrass y blues. Esto ha sido impulsado por los sellos
discográfcos como Bloodshot Records y Lost Highway Records.
7. 2. FOLK ROCK
El folk rock, en un sentido amplio, es un género musical que
combina elementos de la música folk, el blues y el rock. Sin embargo el
término se suele usar preferentemente, aunque no exclusivamente, en
referencia a la música de fusión surgida en los Estados Unidos y Reino
Unido, a mediados de los años sesenta, resultado de la incorporación de
elementos del rock, sobre todo del rock de la Costa Oeste, y
especialmente en el terreno instrumental y rítmico, a la música de
tradición folclórica local. Algunos autores denominaron este género folk
pop. En muchos aspectos, el folk-rock se solapa con otras
denominaciones aplicadas a fusiones de música tradicional
estadounidense y rock, como es el caso del country rock o del llamado
rock sureño.
Los ejemplos de fusión de rock o pop y música folclórica de
otros lugares del mundo u otras culturas, suelen recibir denominaciones
más específcas (zydeco, celtic fusion, world music, etc.), aunque la
etiqueta "folk rock" se aplicó también, de forma usual, a la música de los
grupos británicos de esa misma época.
Origen
La iconografía tradicional del folk rock sitúa el nacimiento del
género en el giro dado por Bob Dylan a su música en el Festival de
Newport de 1965, en coincidencia con el triunfo de las propuestas
discográfcas de Te Byrds, pero esto no deja de ser un
convencionalismo. En realidad, el proceso se había iniciado a fnales de la
década de 1950, con la fuerte evolución sufrida por el bluegrass, las
innovaciones que fueron consolidándose a través del Grand Ole Opry y
la aparición de grupos de gran proyección popular entre los jóvenes. En
cualquier caso, para el último tercio de la década de 1960, el folk rock
aparece ya como un estilo consolidado, tanto en Estados Unidos como
en Reino Unido.
309

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Evolución del género
El primer grupo que se encaminó por esta vía, fue el Kingston
Trio, que ya consiguió una gran proyección hacia 1957, con su versión
"pop" del tema "Tom Dooley", que vendió tres millones de unidades.
Tras ellos, grupos como los New Lost City Ramblers, Te Weavers,
Peter, Paul & Mary o Scottsville Squirrel Barkers, grupo éste que incluía
a músicos tan esenciales como Chris Hillman o Bernie Leadon, fueron
derivando desde posiciones más puramente folkies hacia planteamientos
cercanos a la música pop.
El gran paso hacía la concienciación del folk-rock como género,
como ya se ha dicho, se dio con los arreglos claramente eléctricos de Te
Byrds y Bob Dylan, a partir de 1965. Esta denominación se popularizó
en todo el mundo en 1965, cuando la banda californiana Te Byrds
grabó una versión de la canción "Mr. Tambourine Man" de Bob Dylan.
En ella, el grupo angelino utilizaba los juegos de voces característicos del
pop junto con cristalinas guitarras eléctricas, sobre la base de la canción
de Dylan. Este nuevo sonido hizo que el cantautor estadounidense
realizara un giro eléctrico a su música,6 aportándole elementos pop y
rock. Así, cuando en el Newport Folk Festival de 1965, Bob Dylan
utilizó la guitarra eléctrica y una banda de acompañamiento, el público
le abucheó clamorosamente.
Hay que recordar que, en aquella época, el folk en Estados
Unidos era un vehículo para expresar la crítica y el descontento con la
sociedad establecida y muy especialmente con la guerra de Vietnam.
Prueba de ello eran las reivindicativas letras de sus dos máximos
exponentes en ese momento: Joan Baez y el propio Bob Dylan. El
público folk estaba formado fundamentalmente por activistas de
izquierda y universitarios progresistas, que consideraban al rock y el pop
como géneros superfciales y poco comprometidos.
Paralelamente, ya en la segunda mitad de los años sesenta, en
Gran Bretaña, algunos grupos de formación pop, asumieron la tradición
de la música medieval inglesa, como es el caso de Pentangle o Fairport
Convention, cuyo bajista Ashley Hutchings fundó otro ícono del folkpop
británico, Steeleye Span. Junto a ellos, otros músicos investigaron en
la tradición celta, estableciendo su propia vía de desarrollo, diferenciada
de la anterior.
Con la llegada de los años setenta, el género se asentó con
grupos como Country Joe & Te Fish, Bufalo Springfeld, Eagles y
otros, evolucionando de forma paralela al country rock.
310

ROCK
Características
El resultado sonoro se resume en apretadas armonías vocales y
una instrumentación relativamente "limpia", es decir, sin demasiados
efectos de distorsión o de pedales para los instrumentos eléctricos. Dylan
incorporó como fórmula característica en sus arreglos el piano
interpretado al estilo Country ("Just like Tom Tumb´s blues"), o
Gospel (Like a Rolling Stone), y -muy destacadamente- el órgano
Hammond, un instrumento tradicionalmente usado en templos e iglesias
de todos los cultos en Estados Unidos. Asimismo, también mantuvo en
sus interpretaciones "eléctricas" el uso de la Armónica diatónica,
instrumento de viento de sencilla construcción muy claramente
identifcado con el folk y el blues. La presencia de estos instrumentos se
tornó habitual en los arreglos de numerosos artistas del género,
dotándolo de una sonoridad muy característica y representativa de la
música rock con raíces tradicionales. El repertorio se tomó, en parte, de
fuentes populares, pero esencialmente se utilizaron composiciones
propias de los artistas, realizadas con estructuras y melodías con claras
reminiscencias del folk escocés, británico e irlandés, que fueron las
fuentes originales del folclore estadounidense, y en especial del bluegrass.
Principales artistas
Bob Dylan: Es uno de los principales artistas que dieron nacimiento al
folk rock, sobre todo con sus discos Bringing It All Back Home y
Highway 61 Revisited, el cual incluía, la sensacional Like a Rolling
Stone, que fue abucheada por el público en el festival folk de Newport
por incluir instrumentos eléctricos.
Te Byrds: Obtuvieron un enorme éxito con su característico sonido
basado en la guitarra Rickenbacker de doce cuerdas y sus armonías
vocales. En el comienzo de su carrera fueron conocidos como "los
Beatles estadounidenses". Su sonido derivó desde la evocadora psicodelia
folk que practicaban en sus primeros discos hasta el country rock.
Te Mamas & the Papas: Otra de las piezas fundamentales del folk rock
de California. Eran un grupo vocal formado por dos parejas que
representaba la cara más amable del movimiento hippie, que
previamente habían estado en otro grupo importante del folk-rock: Te
Journeymen. Su sonido se caracterizaba por los juegos de voces chicochica
y, aunque fueron muy populares a mediados de los sesenta,
tuvieron una carrera muy corta. Algunos de sus éxitos más importantes
fueron "California dreamin" o "Monday, monday"
311

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Crosby, Stills and Nash (and Young): Supergrupo formado por excomponentes
de Te Byrds, Bufalo Springfeld y Te Hollies. Hacían
canciones con una fuerte carga política y social que iban desde el Rock
Psicodélico hasta el folk pop acústico, en las que destacaban sus
características armonías vocales. Relacionados con ellos, el grupo
Manassas.
Simon & Garfunkel: Fueron una de las mejores y más populares
formaciones de folk rock. Naturales de Nueva York, grabaron varios
discos memorables en los que Paul Simon demostraba su enorme talento
compositivo en canciones que la dulce voz de Art Garfunkel terminaba
de redondear.
Neil Young: Compositor canadiense, considerado ampliamente como
uno de los más infuyentes de su generación. Tanto su carrera solista
como el integrar bandas como Bufalo Springfeld o Crosby, Stills &
Nash (and Young).Su trabajo más reconocido se divide en dos estilos
musicales: el acústico, con canciones folk y country rock como «Heart of
Gold» y «Old Man», y el eléctrico, con canciones hard rock como «Hey
Hey, My My (Into the Black)» y «Rockin' in the Free World».
Peter, Paul and Mary: Con el éxito de "If I Had a Hammer", se
consolidan como una de los exponentes más reconocidos de este género.
Gracias a este trío, el folk rock se abrió a todo el mundo y no solo a los
Estados Unidos, siendo muy popular en las festas juveniles en Europa y
Latinoamérica.
Donovan: Cantante escocés que comenzó como émulo de Bob Dylan y
evolucionó hasta obtener un estilo propio, añadiendo pinceladas de jazz
o música hindú a su sonido, dominado por el folk pop y el pop
psicodélico. Fue el primer artista pop en usar el sitar en sus canciones, en
las que mezclaba misticismo y sentido del humor, siempre con un toque
ingenuo y sin pretensiones que le hacía único.
Nick Drake: Cantautor británico cuya música no obtuvo repercusión
comercial en su momento, aunque con los años muchos artistas
alternativos han reconocido su infuencia, siendo objeto de creciente
culto. Sus canciones tenían un tono confesional y torturado, a las que la
cálida voz de Drake y su original forma de tocar la guitarra dotaban de
una extraña belleza. Se suicidó en 1974 a los veintiséis años.
Cat Stevens: cantautor británico con raíces en el folk rock, aunque con
toques de jazz y pop en algunos temas, vendió millones de discos a fnes
de la década de 1960 y principios y mitad de los años 1970. Sus
canciones hablaban de romances generalmente, aunque muchas de sus
canciones más famosas tratan de paz, armonía interior y de la vida.
Moonshadow, Father and Son, Morning Has Broken e Into White son
312

ROCK
claros ejemplos de ello, su voz y su guitarra con melodías fuidas y
armoniosas fueron sin duda gran aporte al folk rock.
Tracy Chapman: Es una cantautora estadounidense, dada a conocer a
comienzos de la década de 1990.
7. 3. GARAGE ROCK
El rock de garaje (en inglés, garage rock) es una forma sencilla y
cruda de rock and roll creada en Estados Unidos y Canadá a mediados
de los años sesenta.
El término rock de garaje viene del hecho de que sus intérpretes
eran grupos compuestos por adolescentes y jóvenes amateurs, con una
escasísima preparación musical, que solían reunirse «para tocar y ensayar
en el garaje de sus casas». La música de estas bandas era, por lo general,
mucho menos elaborada que los originales en los que se inspiraban (dado
que sus intérpretes poseían escasa pericia instrumental. Chicos de entre
quince y veinte años, apenas sabían tocar unos pocos acordes); pero, a
cambio, estaba repleta de pasión y energía juvenil, lo que algunos
consideran el verdadero espíritu del Rock'n'Roll. La mayor parte de las
bandas utilizaban sencillas secuencias de notas octavas y quintas debido,
además de a lo anteriormente explicado, a que los amplifcadores de la
época poseían mucha distorsión a un volumen alto y se sobre-saturaban.
Con el uso de esas notas (a lo que se añadía una batería agresiva y unas
letras pegadizas) se disimulaba este problema y se conseguían
sorprendentes resultados.
A principios de los 70's, cuando el movimiento ya había
desaparecido como tal pero (paradójicamente) fue redescubierto por la
crítica musical, llegó a usarse la palabra "Punk" para defnir tanto este
tipo de música como a los grupos que la tocaban. De ahí que garage rock
y garage punk sean términos prácticamente intercambiables. O que, a
veces, se emplee también el término Sixties Punk (o "60's Punk") como
otra denominación para el Rock de Garaje original. Y de ahí también
que, cuando en 1976-77 surgió el movimiento Punk propiamente dicho,
muchos de sus miembros se autorreivindicasen ideológica, musical y
estéticamente, declarándose herederos directos de las bandas de garaje de
mediados de los años sesenta.
Nacimiento y auge del garage rock durante la década de 1960
Sobre el nacimiento del Rock de Garaje hay cierta polémica. La
crítica europea vio el fenómeno, durante mucho tiempo, como una
313

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
consecuencia de la Invasión Británica. Según esa teoría, los jóvenes
americanos, deslumbrados por el éxito de las bandas procedentes de
Gran Bretaña, se dedicaron a intentar reproducir los sonidos que venían
del otro lado del Océano Atlántico (sobre todo los más ásperos, como el
Rythm'n'blues de Te Rolling Stones, Te Yardbirds, Tem, Te Pretty
Tings o los primerísimos Te Kinks) aunque de una forma más amateur
y, en consecuencia, mucho más cruda, lo que terminó otorgando a su
estilo un carácter diferencial. En cambio, los críticos estadounidenses han
demostrado que ya antes de la British Invasion el estilo estaba casi
defnido. Y que pueden rastrearse sus antecedentes en el surf
instrumental, el Frat-rock, el Rockabilly o los sonidos primitivistas de
clásicos como Bo Diddley o Link Wray y otros pioneros del Rock'n'roll
de los años 50.
En cualquier caso, lo que está claro es que miles de combos de
garaje aparecieron en los Estados Unidos entre 1963 y 1968, pero sólo
unos pocos — Te Shadows of Knight, Te Count Five, Te Seeds, Te
Leaves, Question Mark & the Mysterians, Te Blues Magoos, Te
Remains o Te Standells — tuvieron algo de éxito (y aun éste relativo, ya
que la mayor parte de las veces sólo alcanzaron las listas estatales, no las
nacionales), mientras la inmensa mayoría se limitaron a grabar singles
aislados, con tiradas muy escasas y una distribución prácticamente
inexistente más allá de su condado natal. En realidad, las canciones
relacionadas con el garage rock que más alto llegaron en listas fueron
Louie Louie de Te Kingsmen y Surfn' Bird de Te Trashmen, las dos
en el año 1963. A pesar de que ninguno de estos dos grupos puede ser
considerado una "banda de garaje" en sentido estricto (los primeros eran
semi-profesionales, y estaban relacionados con el Frat-rock, mientras que
los segundos eran un grupo de música surf), ambos temas forman parte
de la historia del género (y de la música en general) e infuyeron
tremendamente en el sonido de las bandas surgidas posteriormente. De
hecho, Louie Louie ha sido descrita, alguna vez, como el prototipo
perfecto del "sonido garaje" y la primera canción punk propiamente
dicha.
Si bien es cierto que no tuvieron éxito a nivel nacional, hay que
aclarar que las garage-bands sí solían tener su "minuto de gloria" en el
reducido ámbito de sus ciudades y comarcas. La extensa red de radios
locales estadounidenses posibilitaba que las pequeñas emisoras tocaran
con frecuencia los singles de las bandas de su localidad. Así, hoy todavía
resulta curioso leer las listas de éxitos de minúsculas estaciones
radiofónicas (con un área de escucha de apenas unos pocos kilómetros a
la redonda) en las que, junto a grandes clásicos como Te Rolling Stones,
314

ROCK
Te Beatles, Te Byrds, Tom Jones, Aretha Franklin o Te Beach Boys,
aparecen temas de garage-bands semi-ignotas como Te Outcasts, Te
Others, Te Squires, Te Litter o Te Tird Bardo. Casi en igualdad de
condiciones.
Por otra parte, la existencia de eventos conocidos con el
nombre de Battle Of Te Bands y que se celebraban con frecuencia tanto
en grandes ciudades como en pequeños pueblos de todo el país y en los
que varias docenas de bandas competían entre sí para conseguir un
premio (la grabación de un single de 45rpm, la mayor parte de las veces)
suponía la posibilidad de darse a conocer siquiera fuese en los condados
o pueblos vecinos.
Hay que aclarar que en su momento (1963-68) el rock de
garaje no tuvo conciencia de sí mismo. Las bandas y los jóvenes que las
integraban no eran conscientes de formar parte de un movimiento ni de
tener nada especialmente en común (más allá del hecho de tocar
rock'n'roll). De hecho, la expresión "garage-band" tenía, en principio,
cierto sentido peyorativo. Al igual que la otra palabra usada para
nombrarlos: "punk". Ambas aludían a su escasa o inexistente pericia
instrumental, su falta de profesionalidad y ambiciones, su amateurismo y
su extremada juventud. Algo que se percibía como negativo y fallido. La
consideración del Garage Rock como un auténtico movimiento musical,
estético e incluso ideológico vino después, a mediados de la década de
1970, cuando todo había terminado y generaciones que no habían
participado en ello descubrieron y reivindicaron ese tipo de sonido y
actitud.
Existe una especie de lugar común según el cual la mayor parte
de las bandas de garaje surgieron en el centro de los Estados Unidos (el
Mid-West), pero lo cierto es que el fenómeno se extendió por todo el
país. Así, ejemplos prototípicos de garage-bands fueron Te Sonics, que
eran de Tacoma (Washington), Te Seeds o Te Music Machine, que
provenían de California, Te 13th Floor Elevators que eran texanos,
Question Mark & the Mysterians (banda integrada en su totalidad por
jóvenes de origen chicano) que surgieron en Michigan o Te Remains,
que procedían de Boston. E incluso en Canadá el movimiento tuvo
enorme presencia (podemos citar como ejemplo a Te Haunted; pero
hubo muchos más grupos).
Como detalle adicional, hay que señalar que en los últimos años
se ha querido incluir en la categoría de rock de garaje o Garaje-Punk
"original" (de los años 60) a algunas bandas de otros países (como
Australia, Reino Unido, Países Bajos, España, Italia, Japón, Perú o
Uruguay), cuyo sonido, espíritu y trayectoria las emparenta
315

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
estrechamente con sus contemporáneas norteamericanas. A ese respecto,
hay que dejar claro que, a pesar de los evidentes puntos de contacto, el
movimiento fue exclusivamente estadounidense (y que, como mucho,
pueden incluirse también grupos originarios de Canadá).
Cosa distinta fue el Revival que tuvo lugar a partir de la década
de 1980, que sí afectó a otros países, sobre todo a Europa Occidental (y,
en mucha menor medida, a Latinoamérica) y que se verá en su apartado
correspondiente.
Desaparición del garage rock original en torno a 1968
Hacia 1968 las bandas de garaje y el Garage Rock
desaparecieron casi de un día para otro. Se han señalado diversas
circunstancias para explicarlo. En primer lugar, la aparición de nuevos
estilos musicales como la psicodelia, el rock progresivo, el country rock o
el renacimiento del blues eléctrico, trajeron consigo un cambio estético y
musical evidente. Para interpretar ese tipo de músicas se requería una
pericia instrumental de la que la mayor parte de los componentes de las
bandas de garaje carecían. Además, el espíritu era muy distinto: el
amateurismo de las garage-bands llevaba implícito, ya desde el principio,
un plazo de vida muy corto para la inmensa mayoría de los grupos. Los
chavales crecían, buscaban trabajo, se casaban, formaban una familia y
(por así decirlo) "sentaban la cabeza", abandonando la música. Su
periodo en una banda de garaje se consideraba apenas una aventura
juvenil, pues nunca se habían planteado (ni habían tenido ocasión de
hacerlo) la profesionalización.
No obstante, hubo ejemplos de grupos que sí evolucionaron y
desarrollaron una carrera más allá del Garage Rock. Bandas tan famosas
en la historia de la música Rock como Te Grateful Dead, Quicksilver
Messenger Service, Creedence Clearwater Revival y ZZ Top procedían,
respectivamente, de garage-bands denominadas Te Warlocks, Te
Brogues, Te Gollywogs y Te Moving Sidewalks. Sir Douglas Quintet
fue otra agrupación que mantuvo una trayectoria muy larga (llegó hasta
los años 90), abandonando el Garage Rock a fnales de los años 60 para
centrarse cada vez más en los sonidos tex-mex. En cualquier caso, hay
que reconocer que estos casos fueron la excepción.
En cuanto a la responsabilidad que la aparición de la psicodelia
tuvo en el fn de las bandas de garaje, hay quien ha matizado que el rock
psicodélico no era un estilo incompatible con el Garage Rock sino todo
lo contrario. De hecho, la primera vez que la palabra "psicodelia"
apareció impresa en la carátula de un disco lo hizo, precisamente en
316

ROCK
1966, incluida en los títulos de los primeros álbumes de dos grupos de
garage tan representativos como Te 13th Floor Elevators y Te Blues
Magoos. Algunas bandas garajeras mantuvieron, además, una relación
estrecha (y muy fructífera) con los sonidos psicodélicos, como fue el caso
de Te Electric Prunes o Te Chocolate Watchband. Siendo eso cierto,
también parece claro que la propia evolución de la psicodelia y su deriva,
entre otras cosas, hacia el rock progresivo, representaba algo totalmente
diferente al espíritu original del garage-punk; incluso incompatible.
Por último, hay que recordar que por aquel entonces en
Estados Unidos existía el Servicio Militar Obligatorio y que la guerra de
Vietnam estaba en su apogeo; de forma que el reclutamiento fue una de
las causas (y no de las menores) del fn de muchas garage-bands.
Lo que está claro es que a partir de 1968 y tras la llegada de
nuevos estilos musicales y la desaparición de las bandas amateurs, hubo
una especie de olvido casi total del Garage Rock durante muchos años.
No obstante, grupos como Te Stooges, MC5 (que, en su origen, en
torno a 1966-67, habían sido auténticas garage-bands), Te Flamin'
Groovies (que se mantuvieron escrupulosamente feles a los viejos
sonidos y ajenos a las modas dominantes) o Te New York Dolls
supusieron, ya en la década de 1970, un nexo de unión entre el viejo
Garage-rock de los 60 (o, como también fue llamado a partir de ese
momento: "Sixties Punk") y el nuevo punk surgido en 1976-77; hasta el
punto de ser considerados como ejemplo de lo que podría llamarse
"Proto-punk.
Resurgimiento. El Revival de los años 80
En 1972 Lenny Kaye (que poco después sería miembro de la
banda punk de Patty Smith) recopiló en un doble Lp llamado Nuggets
-subtitulado "Original Artyfacts From Te First Psychedelic Era (1965-
1968)"- dos docenas de grupos (y canciones) de Garage Rock de los años
60 que dormían en el olvido. La publicación del disco pasó desapercibida
al principio, pero apenas dos o tres años después fue creando una legión
de seguidores entre las nuevas generaciones que no habían conocido la
escena original y que odiaban el "rock de FM", el rock sinfónico y "de
gran estadio" (que percibían como algo domesticado, previsible, serio y
adulto) dominante en las radiofórmulas de mediados de los 70 tras la
muerte prematura del Glam Rock y su punto lúdico. Al mismo tiempo,
bandas protopunk como Te Stooges, MC5, Te Flamin' Groovies o
Te New York Dolls se encargaron de mantener viva la llama y de servir
de nexo de unión entre la escena original de los 60 y el posterior
317

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
movimiento punk surgido en 1976-77.
Como directa consecuencia de todo eso, es a partir de 1976-77
(con la aparición del movimiento Punk) cuando se inicia la verdadera
reivindicación del sonido de las bandas garajeras de la década anterior.
Grupos como Te Ramones o Te Dictators (entre otros muchos)
reconocían sin ambages su querencia por el viejo rock'n'roll salvaje de
1965 o 1966 (que habían escuchado de críos y que habían redescubierto
gracias a la recopilación de Lenny Kaye). Los punk-rockers americanos
de 1976-77, al tiempo que rechazaban los sonidos de los años 70 -sobre
todo el Rock Sinfónico, el Rock Progresivo, el "Rock de FM", el AOR y
similares-, se declaraban herederos directos del garaje-punk americano de
mediados de los 60. De hecho, el empleo del mismo término (punk) fue
un nexo de unión, explícito, conscientemente buscado, con la vieja
escena del Garage Rock y, al mismo tiempo, una especie de puente con
aquella época. Un puente que unía ambos movimientos y pasaba por
encima de todo lo realizado desde fnales de los años 60 hasta mediados
de los 70 (el Rock mainstream y cualquier cosa que se percibiese como
una "domesticación", una desviación y una profesionalización del
verdadero espíritu juvenil y rabioso del Rock'n'roll primitivo).
En pleno 1977 nacen en Nueva York Te Fleshtones, una
banda que aprovechó la estela del movimiento punk pero que, desde el
principio, se diferenciaba de sus contemporáneos al reivindicar sin
ningún disimulo el sonido del viejo Garage rock (además de otros estilos
sesenteros asimilables como el frat-rock, el surf, el beat y el soul). Casi al
mismo tiempo aparecen en California Te Cramps, con una estética en
principio muy diferente, pero con un espíritu más fel, si cabe, a la
tradición del rock de garaje y del rock'n'roll primitivo y amateur de la
escena Sixties-punk. La aparición de esos dos grupos (y de algunos más,
como Te Modern Lovers, o los diversos avatares de Stiv Bators entre la
disolución de Te Dead Boys y la creación de Te Lords of the New
Church) supuso un auténtico punto de infexión que desembocó,
inevitablemente, en el surgimiento de varias bandas que siguieron, con
mayor o menor fdelidad, su estela durante los primeros años de la
década de 1980 (caso de los seminales DMZ).
Pero fue sobre todo a partir de 1983-84 cuando se produjo una
auténtica explosión que trajo consigo la resurrección literal del garage
rock (lo que se conoció como el garage revival), de la mano de bandas
como Te Fuzztones, Te Chesterfeld Kings, Te Lyres, Te Cynics,
Te Miracle Workers y docenas más. En este caso no se usaron coartadas
estéticas ni ideológicas. La revindicación del viejo rock'n'roll de garaje
era tan explícita que los nuevos grupos intentaban reproducir el sonido
318

ROCK
de los sesentas de forma casi arqueológica (en sus discos recurrían a
trucos de estudio y producción para conseguir que sonaran viejos).
Incluso imitaban en su aspecto, en sus ropas y en sus cortes de pelo a las
bandas originales de 1966 o 1967. Este movimiento, que se conoció en
su día con el nombre de "Garage revival", nació en Estados Unidos pero
se extendió rápidamente por todo el mundo (sobre todo por la Europa
continental, Australia y Japón) y conoció su auge entre 1985 y 1990.
Miles de grupos surgieron a la largo y ancho de todo el planeta,
destacando especialmente Suecia (donde la moda arraigó de forma
especial. Desde la aparición de Te Nomads, Te Creeps, Te Sinners y
otros a principios de los 80, es uno de los países que más bandas de
garage revival ha aportado al mundo), Australia, España (donde se
desarrolló la segunda escena más potente de Europa, tras la sueca, con
grupos como Sex Museum, Te Nativos o Los Furtivos), Japón,
Alemania, Italia, Grecia (donde destacaron Te Last Drive) y Francia
(con formaciones como Les Surrenders o Les Vietnam Veterans).
Además, se reeditaron los viejos discos de las bandas de los años 60, así
como multitud de recopilatorios (el mítico Nuggets se convirtió en una
serie, seguido por Pebbles, Back From Te Grave y cientos más, donde
se exhumaban grabaciones de grupos prácticamente ignotos) y se
ofcializó el término garage Rock (y su alternativa garage punk o Sixtiespunk),
con lo que el género alcanzó una enorme popularidad a nivel
mundial (aunque ninguna canción o banda relacionada con él se acercó
nunca a las listas de éxitos).
Este movimiento coincidió, además, con un resurgimiento del
Rock'n'Roll clásico de raíces americanas (lo que con el paso de los años
ha dado en llamarse Americana), del surf rock, del beat, del soul clásico,
de la cultura mod y, sobre todo, de la psicodelia (la "neopsicodelia" de
los 80, el Paisley Underground estadounidense, etc), de forma que más
que de un "Revival del Garaje-Rock" podría hablarse de un "Revival de
los años 60" en sentido amplio. Esta ola revivalista fue tan intensa que es
imposible obviar su infuencia en buena parte de la música y la estética
pop de la segunda mitad de los años 1980 (incluido el mainstream). Hay
quien afrma que sin ella no podría entenderse el nacimiento, ya a
principios de la década de 1990, del rock alternativo (o indie), de cierto
sector temprano de la música dance (por ejemplo, la que surgió en la
estela del Manchester Sound) y del grunge (que, según algunos, fue en
parte infuenciado por el rock de garaje que hicieron en Seattle, veinte
años antes, bandas como Te Sonics o Te Wailers. Siendo una
afrmación discutible, sí es cierto que pueden apreciarse débitos con el
319

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
garage rock en el sonido de grupos como Mudhoney o los primeros
Nirvana).
El garage rock en los últimos años
Tras el revival de los 80, el rock de garaje (o garaje punk) se ha
mantenido activo a lo largo de los 90 hasta la actualidad, ya entrados los
2010, gracias a multitud de sellos discográfcos independientes que han
seguido apostando por las bandas de rock and roll primitivo. Algunos de
los sellos discográfcos independientes más prolífcos han sido Estrus, Rip
Of, In Te Red, Telstar, Crypt, Dionysus, Get Hip, Bomp! y Sympathy
for the Record Industry en Estados Unidos. En Europa destacaron el ya
desaparecido New Rose (Francia) y, sobre todo, Munster Records
(España).
A fnes de los años 90, Steven van Zandt ("Little Steven",
guitarrista de la E Street Band de Bruce Springsteen), se convirtió en
portavoz y defensor del rock de garaje promoviendo conciertos y
festivales por todo Estados Unidos. En el año 2002 creó un programa de
radio llamado Little Steven's Underground Garage y el canal
Underground Garage en la red de radio por satélite Sirius Satellite
Radio. Van Zandt ha defnido el formato musical de sus programas
como "grupos que han inspirado a Los Ramones, grupos inspirados por
Los Ramones y Los Ramones."
A mediados de la década del 2000, el garage rock experimentó
un nuevo resurgimento. Hasta el punto de que algunas bandas que
podrían ser consideradas como parte de la escena garajera adquirieron
presencia en los grandes medios y cobertura en la radio comercial, algo
que nunca había pasado hasta ese momento. Este nuevo impulso fue
dado, en primer lugar, por grupos como Te Strokes (que en un primer
momento jugaron la baza del garage rock), Te Hives y Te White
Stripes. De los tres, quizás los más interesantes sean estos últimos. Te
White Stripes provenían de la destacada escena garajera de Detroit (que
también incluye a Te Detroit Cobras, Te Dirtbombs, Von Bondies,
Te Go o Te Payback). Hasta su reciente disolución fueron un ejemplo
de fdelidad al espíritu original del garage rock (a pesar de que no pueden
encasillarse en modo alguno en el género) en medio de un ambiente
plenamente mainstream y, quizás, el único caso en que un grupo con
vocación de garage band ha alcanzado algo parecido al éxito
internacional. No obstante, hay que insistir que presentar a Te White
Stripes como ejemplo de rock de garaje es, cuando menos, reduccionista
y que su trayectoria les ha hecho abarcar otros géneros del Rock'n'roll.
320

ROCK
Además de las citadas, ha habido bandas como Te New Bomb
Turks, Te Black Lips, Te Black Keys, Oblivians, los japoneses Guitar
Wolf, Lost Sounds, Black Rebel Motorcycle Club y, sobre todo, los
suecos Te Hellacopters que han tenido también presencia en la escena
underground y, puntualmente, en el mainstream.
El Garage Rock en Latinoamérica
Años 60. Los pioneros
Aunque ya se ha mencionado que el rock de garaje, como
movimiento (y estilo) sólo existió realmente en USA y Canadá, hay que
reconocer que en Latinoamérica (como en otras partes del mundo
-Europa, Australia o Japón-) hubo muchas bandas que se acercaron al
género, tanto en espíritu como en estética. En Perú durante los 60,
existió una escena que, quizás, es lo más asimilable al garage rock original
que existió fuera de Norteamérica y que allí se denominó "Rock
Colérico". Los Saicos fueron la banda más destacada (aunque hubo otras,
como Los York's, el solista Jean Paul "El troglodita" o Delai Alamos y
sus King Stars). Los Saicos, en concreto, fueron auténticos precursores
del punk. Grabaron exclusivamente en castellano y, en lugar de hacer
versiones, solamente editaron canciones propias. Sus temas producidos
entre 1964 y 1966 son, posiblemente, lo más cercano al espíritu garagepunk
original que existió por aquel entonces fuera de los Estados
Unidos. De hecho, la reedición de sus discos a partir de los años 2000
por sellos europeos (españoles) los ha terminado consagrando, a nivel
mundial, como verdaderos pioneros del proto-punk, con todos los
honores.
México también destacó con bandas como Los Sleppers con su
tema titulado "Zombie" (que es de 1961 y por lo tanto muy anterior a la
Invasión Británica; pero en el que se aprecian ya elementos claramente
proto-punks), Los Sinners con su tema "Rebelde Radioactivo" de 1964,
Los Monjes, Los Yaki, Los Ovnis y otros. Su cercanía a Estados Unidos
se dejó notar en una especial tendencia a los sonidos crudos y ásperos
entre ciertos grupos y, también, por una evidente receptividad (siquiera
fuese implícita) hacia lo que estaba ocurriendo "al otro lado de la
frontera". En México siempre pesaron mucho las tendencias e infuencias
musicales estadounidenses, más que en ninguna otra parte de
Latinoamérica (con la posible y fugaz excepción de la Cuba prerevolucionaria
y del inevitable Puerto Rico). De forma que incluso la
"invasión británica" llegó, de alguna manera, a través del fltro de los
USA.
321

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
No hay que olvidar a bandas de otras partes que, en un
momento u otro, se acercaron al estilo, como Los Gatos, Los Bestias o
Los Knacks de Argentina; Los Jocker's y Los Vidrios Quebrados de
Chile; Los Flippers, Los Speakers y Los Yetis de Colombia; y, sobre
todo, Los Shakers y Los Mockers de Uruguay (estos últimos uno de los
grupos latinoamericanos de los 60 cuyo sonido, totalmente infuido por
los Rolling Stones, más se acerca al sonido garajero original de las bandas
estadounidenses de la época).
No obstante, hay que insistir en que en ninguno de los países
citados existió una escena de rock de garaje, algo que sólo puede aplicarse
a las bandas estadounidenses y canadienses.
El revival del Garage Rock en Latinoamérica (años 80 hasta la actualidad)
El garage revival de los 80 también terminó llegando a
Latinoamérica, aunque con cierto retraso y con menor intensidad que en
los Estados Unidos, Europa o Australia. Aun así, hubo dos países donde
el revival tuvo especial incidencia a fnales de los 80 y principios de los
90: Argentina y México. Y, muy posteriormente, ya en la década de los
años 2000 y 2010, otros tres: Brasil, Colombia y Uruguay.
En Argentina, a pesar de ser el país con la tradición rocanrolera
más larga y constante de toda Latinoamérica, el Revival del garage rock
tuvo lugar, como ya se ha señalado, relativamente tarde (aunque antes
que en el resto del subcontinente). Así, no fue hasta fnales de los '80 y
principio de los '90 cuando surgieron algunos grupos como Los
Telépatas, Amor Indio y La Celebración que, inspirados en bandas
clásicas como Te Kinks y Te Sonics o más modernas como Te
Fuzztones, reivindicaron los sonidos sixties. En la actualidad dichas
bandas siguen existiendo y son la infuencia fundamental para nuevos
grupos que practican, de una u otra forma, estilos similares al rock de
garaje como Los Peyotes, Te Tormentos (éstos más escorados hacia el
surf instrumental), Satan Dealers (en su primera época) o Utopians (que
sin ser exactamente una banda de Garage-rock, incluyen ese sonido entre
sus referencias).
También en México surgió, aunque algo más tarde (ya a fnales
de los años 1990 y principios de los 2000), una escena underground
muy potente relacionada con el Garage, el Sixties Punk y los sonidos
crudos del rock and roll, que ha llegado con excelente salud hasta
nuestros días. En ella destacan, entre otros muchos, grupos como Los
Mustang 66, Las Ultrasónicas, Los Explosivos, Los Inferno, Twin
Tones, Los Jóvenes Salvajes, Jessy Bulbo, Los Chicos Problema, Las
322

ROCK
Pipas de la Paz, Las Vinylators, Olaf From Te Future, Hastinos, Los
Agradables o Los Bigams. De hecho, la escena garajera mexicana es, a día
de hoy, de las más vitales y dinámicas de toda Latinoamérica. Aparte de a
su propia tradición rocanrolera (sólo comparable a la argentina tras el
"bache/paréntesis" que sufrió en los 70), esa pujanza puede deberse a la
evidente cercanía a la fuente original del Rock de Garaje (Estados
Unidos) y, también, a la fuidez de sus contactos e infuencias con la
escena europea (en concreto la española).
A destacar, a partir de los años 2000, la escena garajera de
Brasil, un país que cuenta con una tradición musical especialmente
notable, original e idiosincrática (ella sola ha dado al mundo estilos tan
característicos como la bossa nova y otros). En los años 50 y 60 alumbró
multitud de bandas y solistas que practicaban una peculiar fusión de
pop, rock'n'roll y (en su momento) psicodelia, con unas cualidades que
los diferencian del resto del subcontinente. No obstante, el revival
garajero de los 80 no tuvo especial incidencia. Hubo que esperar hasta la
década de los 2000 para que apareciesen grupos infuenciados por ese
tipo de sonidos. Entre ellos destacan los extraordinarios Os Haxixins -a
día de hoy una de las mejores bandas de garage rock de toda
Latinoamérica-, Te Human Trash o Garotas Suecas (más escorados
hacia el soul).
La Nueva escena garajera de Colombia surgió a partir del año
2006 en la ciudad de Bogotá, con agrupaciones como Los Neuronas,
Nanook el último Esquimal, Los Plankton, Te Kitsch, Te Suck's o
Billy Garage & Los Esqueletos; cuyos sonidos retoman desde el Beat de
los 60 hasta el Garage Revival de los 80; y que están infuenciadas por
bandas como Te Sonics, Te Monks y Te Gruesomes. Desde la ciudad
de Cali se pueden reconocer propuestas afnes con la sonoridad del
Garage rock en bandas como Te Black Foxes y Los Macarras, las cuales
aparecieron en escena aproximadamente desde el año 2014.
Por último, reseñar que también Uruguay se ha incorporado
vigorosamente a la escena garajera latinoamericana a principios del siglo
XXI con ejemplos recientes y tan notables como Te Funtastic Vagoos,
Jesse & the Sheena Lovers y Los Ultraman, bandas que recogen el testigo
dejado en los 60 por grupos tan importantes y ya citados como Los
Mockers o Los Shakers.
7. 4. GLAM ROCK
El glam rock es un estilo visual dentro de géneros musicales
nacido en Gran Bretaña, cuyo apogeo tuvo lugar entre 1971 hasta la
323

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
década de los 80. Su nombre es un apócope de la palabra «glamour».
Nació en una época en la que el rock psicodélico derivó hacia unos
estilos que abusaban del virtuosismo y los largos desarrollos en las
canciones, en perjuicio de la frescura que se podía encontrar en el viejo
rock'n'roll. Por ello, muchos artistas, como Marc Bolan de T.Rex y
David Bowie, comenzaron a buscar esa espontaneidad perdida.
Algunos de sus pioneros y máximos exponentes son David
Bowie, Elton John, T. Rex, Gary Glitter, Roxy Music, Sweet, Slade,
Queen, Kiss, New York Dolls, Te Rolling Stones, Duran Duran, Virus
y algunas de las canciones más famosas son «Life On Mars?», «Ziggy
Stardust» (ambas de David Bowie), «Get It On», «20th Century Boy»
(ambas de T. Rex), «Rock & Roll part one», «Rock & Roll part two»
(ambas de Gary Glitter), «Cum On Feel the Noize» de Slade
(popularizada más tarde por Quiet Riot), «Fox On Te Run» de Sweet y
«Killer Queen» de Queen.
Estética glam
Si por algo se caracterizaba este estilo era por dar tanta
importancia a su música como a su estética (o, mejor dicho, su estética
era también parte de su música). Así que frente a la imagen de machorock
imperante en esos días, se rebelaron dando uso masculino a
elementos del vestir tradicionalmente femeninos y exhibiendo una
actitud descarada y provocativa.
El pionero fue Marc Bolan, entre cuyos "hallazgos" estéticos se
encuentran los estampados de leopardo, las chisteras, las botas de pluma
y la purpurina. Conforme iba creciendo el género, se fueron
popularizando los trajes futuristas brillantes, las botas con plataforma, los
peinados imposibles y los kilos de maquillaje y purpurina que utilizaban.
David Bowie también contribuyó a la estética como en el maquillaje al
inspirarse en las travestis neoyorquinas del entorno de Andy Warhol, por
cuya estética sentía predilección. Otra banda en infuenciar la estética
glam fueron los estadounidenses Te New York Dolls con su ropa de
vinilo y colorida, peinados cardados, look travestido y maquillaje que
también dio paso musical al posteriormente naciente punk rock. Así
nació la extravagante imagen glam, que solo podía haberse dado en una
década tan propensa a los excesos estéticos como la de los 70's.
La guinda en el pastel la puso la teatralidad que ostentaban en
sus actuaciones, tomada directamente de las performances de Lindsay
Kemp y del teatro de vanguardia.
324

ROCK
Subgéneros
Glitter rock
El término se acuñó haciendo honor a Gary Glitter, después del enorme
éxito que obtuvo en el año 1971 su canción «Rock & roll» y hace
referencia a la facción del glam más festiva y comercial.
Fue creada por Marc Bolan, líder de T. Rex, que fue el primer
artista glam y el que mejor supo reunir en su música un poco de todas las
corrientes que caracterizaban al género. Bolan puso las bases del glam
rock canónico con su boogie rock pegadizo, inspirado en melodías
bailables y en potentes rifs de guitarra, añadiendo unas letras hedonistas
y superfciales y una forma de cantar premeditadamente sexy.
Bajo la sombra del sonido creado por T. Rex, surgieron
multitud de grupos y artistas como Slade, Gary Glitter, Sweet, Mott the
Hoople, Cockney Rebel o, Suzi Quatro, quienes a pesar del éxito de sus
singles en las listas británicas no sobrevivieron al declive del movimiento.
Buena parte del éxito de muchos de estos artistas se debió a las
producciones y composiciones de Nikky Chinn y Mike Chapman,
auténticos reyes Midas del glam rock.
Genios del glam
Paralelo a esta corriente, varios artistas cuyos talentos
trascienden a cualquier clasifcación estilística, también adoptaron la
flosofía y el sonido glam, pero dotándoles de mucha más sofsticación y
profundidad tanto en la música como en las letras.
Por una parte estaba David Bowie, quien se convirtió en la
mayor estrella del movimiento cuando mutó en Ziggy Stardust, un
personaje de su invención cuyas vicisitudes cuenta en Te Rise and Fall
of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, disco que inyectó al glam
grandes dosis de dramatismo, convirtiéndose en el LP clave del género y
considerado uno de los mejores discos de la historia del rock. También
ejerció de productor en varios de los discos más importantes del estilo.
Mención especial merece Mick Ronson, guitarrista de su banda de
acompañamiento “Te Spiders from Mars” que contribuyó
enormemente al sonido glam con su forma hipnótica de tocar la guitarra.
Otra banda que merece reconocimiento por su aportación a la
música glam-rock es Queen. Los cinco primeros álbumes de la banda
liderada por Freddie Mercury y Brian May, especialmente Queen,
Queen II y Sheer Heart Attack, son claros ejemplos de la estética y el
sonido glam, mezclados con los entonces nacientes hard rock y heavy
metal. Esta mezcla de infuencias queda patente en su siguiente trabajo, A
325

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Night at the Opera (1975), ampliamente alabado por la crítica musical.
Posteriormente, la banda fue poco a poco perdiendo su sonido original;
si bien conservaron en parte sus raíces musicales.
Por su parte, Roxy Music, cuyos miembros más destacados fueron Bryan
Ferry y Brian Eno, hacían un art rock en el que cabían las baladas
vanguardistas y la experimentación electrónica. Brian Eno dejó la
formación después de su segundo disco For Your Pleasaure. En su
primer álbum en solitario, Here Comes Te Warm Jets, siguió la
tradición glam, que abandonaría en su trayectoria posterior, más
centrada en la música electrónica.
Incluso el sobrio Lou Reed sucumbió ante las lentejuelas y el
rímel en esos días, después de que su anterior grupo, Te Velvet
Underground - que fue un claro precursor del glam y el punk en lo
estrictamente musical- se disolviera. Fue entonces cuando frmó uno de
los mejores discos de su carrera, Transformer, que fue producido por
Bowie. En su siguiente disco, Berlin, recoge la vena más dramática y
sórdida del glam en un álbum conceptual al estilo de los que ideaba su
amigo Bowie y en el que plantea la historia de una prostituta de dicha
ciudad alemana.
Shock rock
También nacido en Estados Unidos, era una combinación entre el hard
rock y glam. Sus creadores fueron Alice Cooper (infuido por Arthur
Brown entre otros) y posteriormente lo adoptarían Kiss, grupo que
vendió varios millones de discos a fnales de los años 1970. Del glam
tomaban su teatralidad para convertirla en algo mucho más espectacular,
introduciendo el terror lúdico como parte del show, planteado desde el
gamberrismo más provocativo de Alice Coopper. Otras bandas como
W.A.S.P., Twisted Sister, Ozzy Osbourne, Wendy O. Williams, Marilyn
Manson, y posteriormente Lordi, también hicieron uso de este estilo
visual y musical.
Óperas glam
Fue inevitable que surgiera alguna ópera rock basada en el espíritu glam,
ya que los dos estilos vivieron su máximo esplendor en las mismas fechas
y sus características los hacían muy compatibles. Se pueden considerar
como "Óperas glam" a dos películas: la divertida “Te Rocky Horror
Picture Show” (Jim Sharman, 1975), sobre un extraterrestre travestido
sediento de sexo; y la más oscura y satírica “El fantasma del paraíso”
(Brian De Palma 1974) que se basa en la historia de “El fantasma de la
326

ROCK
ópera” para contar el enfrentamiento entre un músico de rock y un
malvado productor musical.
Otros
El grupo Queen también estuvo vinculado a este estilo, pero ellos lo
combinaron con rock progresivo y hard rock con tintes épicos. Un claro
ejemplo de este estilo es la canción Liar de su álbum debut de título
homónimo. Fruto de este estilo obtuvieron una enorme popularidad que
caracterizó a la banda durante sus primeros años y con sus primeros 5
álbumes, posteriormente la banda migró a estilos más convencionales y
amigables con la radio, como el Punk rock, Arena rock y Funk rock
principalmente, los cuales le dieron a la banda el éxito mundial y
defnitivo unos cuantos años más adelante.
El glam también se puede intuir en la imagen extravagante y
algo marciana de otro fundamental artista Elton John.
Pocos años después, surgieron otros grupos de corta duración,
como Cinema Bizarre, Tiger Lily y Slik, cuyos miembros formarían
posteriormente la banda Ultravox
Infuencia posterior
En los años 1980
Cuando estos mismos chicos se lanzaron a crear nuevos estilos,
el pop y el rock de los '80 se llenaron de herencia glam. No es difícil
encontrar sus huellas musicales y estéticas en artistas New Wave como
Adam & Te Ants o Billy Idol. En el rock gótico de Te Cure, Bauhaus,
Specimen (banda) o Siouxsie and the Banshees. En el synth pop de Gary
Numan, Soft Cell, A Flock Of Seagulls, Te Human League, Modern
Talking, Falco, entre otros, todos en los '80. O en los grupos califcados
new romantics como Japan, ABC.
En esas fechas en España, el legado del glam es evidente en casi todos los
artistas que formaron parte de lo que se llamó Movida madrileña.
Burning, Alaska y los Pegamoides, los primeros Radio Futura, Zombies,
las primeras películas de Pedro Almodóvar, las performances de Fabio
McNamara, los cuadros de los Costus, la llamativa imagen de Tino Casal
tienen innumerables referencias al glam rock.
También en los '80 surgió un subgénero enmarcado en el hard
rock y el heavy metal que se denominó hair metal y cuya estética debe
mucho a la imagen de los New York Dolls y a la espectacularidad del
shock rock. Los grupos más importantes fueron: Bon Jovi, KISS, Vinnie
327

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Vincent Invasion, Stryper, Guns N' Roses, W.A.S.P., Quiet Riot,
Twisted Sister, Mötley Crüe, Ratt, Skid Row, Poison, Europe,
Cinderella, Whitesnake y White Lion Van Halen.
A partir de los años 1990
El glam rock está en el subconsciente de todos las bandas
británicas de rock alternativo, pero no es común que surjan artistas que
lo reivindiquen explícitamente. A pesar de esto, durante los '90 apareció
un grupo de evidente ascendencia glam, Suede, que reunían en su sonido
lo mejor del David Bowie de Ziggy Stardust. Esta referencia también es
válida para el grupo Placebo, actualmente en activo. Los dos grupos
adoptan el dramatismo y la ambigüedad sexual de los artistas glam, pero
con una imagen mucho más sobria y menos exagerada, más acorde con
la estética Indie.
Desde 1989 la artista Alaska y su compañero Nacho Canut
forman el grupo de música electrónica Fangoria que adopta infuencias
de artistas del glam desde sus comienzos en la música.
Por otra parte, la herencia del shock rock ha sido llevada al
límite por grupos de rock industrial como Marilyn Manson y otros
grupos mucho menos andróginos como White Zombie o Rammstein.
En la actualidad, el grupo Scissor Sisters hacen una
combinación de glam rock, electro pop y música disco.
Actualmente, uno de los cantantes de glam rock más
infuyentes es Adam Lambert. La portada de su álbum debut For Your
Entertainment desató polémica, ya que era bastante andrógina y un
homenaje al pasado. Lambert ha aceptado ser un gran admirador de
David Bowie. Realizó versiones de «Let's Dance», «Fame» y «Life on
Mars» en el tour de American Idol 2009, y en su última gira Glam
Nation, versionó la canción de T. Rex «20th Century Boy».
También uno de los grupos más infuyentes en Europa es el grupo
alemán Cinema Bizarre quienes actualmente están en un descanso
indefnido. Dicho grupo adoptó la infuencia del glam rock y visual kei,
su vocalista Strify confesa estar infuenciado por la música de David
Bowie.
En Sudamérica el glam rock llegó inspirado por bandas como
Guns N' Roses, Bon Jovi, Mötley Crüe y Warrant, entre otras, y como
precursor del género con algunas variaciones hacia el metal se destaca la
banda chilena Fahrenheit.
328

ROCK
7. 5. GOTHIC ROCK
Se denomina rock gótico, gothic rock o goth rock al conjunto
de ritmos musicales que tienen en común el gusto por lo siniestro. En ese
aspecto podemos afrmar que hay una concepción amplia y concreta del
término. En un sentido amplio, el rock gótico abarca una corriente
musical que evolucionó del post-punk y el glam rock de fnales de la
década de 1970 pasando posteriormente por la música deathrock y dark
wave. En un sentido estricto, rock gótico se refere solo a los sonidos más
cercanos al rock, quedando fuera de la defnición la música electrónica e
industrial.
El rock gótico nació como una rama del post-punk británico de
fnales de los años 1970 con grupos como Siouxsie And Te Banshees,
Joy Division, Bauhaus, y Te Cure fueron etiquetados dentro de estas
dos corrientes. El rock gótico se desarrolló como tal a principios de la
década de 1980 con la apertura del club Batcave y el comienzo de la
subcultura gótica. A mediados de esta década, grupos góticos como
Sisters of Mercy (infuenciado por la música de Iggy Pop), Te Mission o
Fields of the Nephilim fueron alcanzando las listas de éxitos del Reino
Unido, mientras grupos pioneros como Siouxsie & the Banshees y Te
Cure renovaron y ampliaron su sonido, logrando el éxito internacional a
fnales de los años 1980.
Características
La escena batcave, en su concepto original, cuenta con voces
andróginas (Christian Death) o barítonas (Bauhaus) y generalmente se
les añade un efecto de eco. Las guitarras no son pesadas, sino que se
enfocan en crear atmósferas que pueden variar desde etéreas, pasando por
melancólicas y sobre todo siniestras, además que también puede llevar
una continuidad en pequeños arpegios oscuros de guitarra (usado por
ejemplo en bandas como Fields of the Nephilim o Te Sisters of Mercy).
Un elemento preponderante y capital es el bajo, que siempre destaca por
aparecer adelante junto con las voces sonando igual o más
predominantemente que las guitarras a diferencia de otros estilos de rock
donde el bajo pasa solo de fondo. Finalmente, la batería tiende a ser
repetitiva y constante.
En cuanto a la atmósfera de la música, no debe sobreentenderse
que todos los grupos góticos tengan atributos depresivos y siniestros ya
que desde los años 1980 hasta hoy existen bandas góticas que son
depresivas y siniestras y quiénes no lo son. En un inicio, el gótico estaba
329

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
dirigido a crear atmósferas que produjeran horror y depresión, algo
generalmente muy teatral. El lado oscuro que emanaba de la música
llevó, en cualquier caso, a que muchos grupos produjeran cortes de tipo
depresivo, incluyendo a los creadores Bauhaus y Christian Death. Hoy
en día, ambos tipos de atmósfera conviven y muchas veces se mezclan.
A fnales de la década de 1970 en adelante surge el movimiento
deathrock en Los Ángeles (California, Estados Unidos). Estuvo en auge
con bandas como Christian Death (formada en 1979), Kommunity FK,
Super Heroines, Ex-Voto, Radio Werewolf, Screams for Tina, 45 Grave
y Te Gun Club (1981) bajo la infuencia de artistas como Iggy Pop y
Alice Cooper, mientras Christian Death estaba grabando su álbum debut
Only Teatre of Pain en 1982, su líder Rozz Williams sabía de la escena
inglesa, pero jamás había escuchado material de ellos. Christian Death se
hizo popular en Europa y estuvo de gira en 1984. Sus siguientes álbumes
Catastrophe Ballet y Ashes muestran el interés de su líder Rozz por el
surrealismo y el dadaísmo. Te Gun Club, otra banda estadounidense,
también tocaron en Europa, teloneando a Te Sisters of Mercy y fue allí
donde Andrew Eldritch conoció a la bajista Patricia Morrison a la cual
posteriormente contactaría y contrataría para formar parte de Te Sisters
of Mercy.
Algunos grupos de la escena que comenzaron a experimentar
con el synth pop a fnales de la década de 1970 terminaron por crear el
dark wave que se enfoca en el uso del sintetizador y el teclado creando
atmósferas siniestras y melódicas como Clan of Xymox que se les
considera pioneros de este nuevo sonido; posteriormente Depeche Mode
también tendría su faceta dark wave, aunque no todo el dark wave tiene
infuencias en el synth pop ya que también aparecieron en la escena
bandas como Dead Can Dance y Cocteau Twins que también fueron de
los primeros en hacer dark wave pero teniendo poco que ver con el synth
pop.
Primera generación (1979-1985 aprox.)
Siouxsie And Te Banshees fueron infuencia principal para las
primeras bandas góticas dejando un gran legado musical. Siouxsie And
Te Banshees con su primer álbum Te Scream han inspirado a sus
compañeros de Joy Division y fueron citados infuenciados por ellos. Los
álbumes de Siouxsie and the Banshees, Join Hands (1979), Juju (1981) y
su álbum en vivo Nocturne (1983) infuenciaron las bandas que vienen
después de ellos. La vocalista Siouxsie Sioux se convirtió rápidamente en
una icona con los ojos rodeados de negro, los labios rojos y el pelo
330

ROCK
rizadas desafando la gravedad.
Joy Division tuvo una corta vida, ya que su vocalista y líder Ian
Curtis se suicidó en 1980, pero sus dos álbumes editados, Unknown
Pleasures (1979) y Closer (1980), fueron también infuencia principal
para las primeras bandas góticas dejando un gran legado musical a pesar
de su corta carrera. Los restantes miembros de Joy Division fundaron
New Order, cuyo primer álbum Movement (1981) continuó el estilo de
Joy Division. Con el tiempo, New Order se convirtió en una banda
cercana al new wave y el dance.
En cuanto a Te Cure, con su líder Robert Smith, fueron sus
primeros álbumes como Tree Imaginary Boys de 1979 (grabado en
1978), Seventeen Seconds de 1980 y Faith de 1981 las que infuenciaron
a la escena gótica, siendo Pornography de 1982 su álbum donde se nota
claramente su ingreso total al rock gótico y años más tarde,
Disintegration. Después de eso, estuvieron cercanos al new wave, pero
nunca saliendo de la escena gótica. Asociar la escena batcave con las
precursoras bandas góticas puede ser un poco controvertido. Esto se debe
a que la palabra gótico comenzó como una etiqueta de algunos grupos
que formaban parte de la gran escena post-punk y new wave (fue un
término aplicado erróneamente ya que no era gótico sino post-punk). El
resultado es que no todas las personas a las que les gustaban esos grupos
eran parte de la escena gótica. Es casi seguro que el hecho de asociar
alguna de las primeras bandas con la escena gótica causará protestas por
parte de los fans que no son góticos y no quieren que su banda favorita
se asocie con ese término, dejando así a los seguidores de dichas bandas
la decisión de asociarse o no con la etiqueta gótica.
Los primeros grupos de post-punk que se catalogaron como
góticos fueron Siouxsie and the Banshees y Joy Division en 1979
entonces Te Cure en 1981. Ellos eran parte de una ola de bandas que
experimentaban con sonidos nuevos entre 1978-79.
Llegó Bauhaus a la escena (originalmente llamados Bauhaus
1919) con su sencillo Bela Lugosi's Dead, el cual llegó a ser el himno de
la escena gótica, refriéndose a una película de terror interpretada por
Béla Lugosi, cuya letra llamaba a seguir sus pasos dentro de lo que era el
gótico. Su música está fuertemente infuida por el glam rock inglés
(David Bowie y T. Rex) y por el cine de serie B.
Con algunas excepciones, como Christian Death de Estados
Unidos, Virgin Prunes de Irlanda, Xmal Deutschland de Alemania y Te
Birthday Party de Australia, la mayoría de los primeros grupos góticos
fueron ingleses.
331

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Cabe destacar que estas bandas además de inspirar al rock
gótico también lo hicieron con otros estilos nacidos poco después del
inicio de los años 80 como el rock alternativo infuenciando a bandas
como U2, R.E.M., Sonic Youth y Te Smiths que fueron las primeras
bandas de este estilo.
Más bandas llegaron entre 1980-81, como Dance Society,
Teatre of Hate, Play Dead, Te Sisters of Mercy o Red Lorry Yellow
Lorry. En febrero de 1981, Abbo de UK Decay tildó a este emergente
movimiento como gótico, y de ahí pasó de ser una etiqueta de un
pequeño grupo de personas a moldearse como un movimiento sólido.
UK Decay comenzó como una banda punk en los 70, y poco a poco
adquirieron un sonido más gótico. Se hicieron importantes a principios
de los 80.
Echo and the Bunnymen fue otra temprana banda de postpunk,
que tuvo una infuencia sustancial en la imagen gótica y en la
música, particularmente con el álbum Crocodriles (1980), y canciones
como Happy Death Men o Killing Moon.
Los orígenes de la moda gótica pueden trazarse desde Siouxsie
and the Banshees, Bauhaus y Te Cure, con algunas infuencias de Te
Damned (banda punk del 77, cuyo vocalista Dave Vanian vestía como
un vampiro). Siouxsie y Te Cure mantuvieron su imagen gótica durante
sus carreras, pero su música poco a poco se alejó del gótico. Después del
álbum Nocturne, las letras de Siouxsie fueron más livianas, a
contraposición de Bauhaus que mantuvo su línea original, hasta su
disolución en 1983. Algunos miembros de Bauhaus tenían un proyecto
paralelo llamado Tones on Tail, quienes continuaron a mediados de los
80, creando música gótica infuida por la psicodelia.
1982 fue el año en que el rock gótico se transformó completamente en
una contracultura, no precisamente por las bandas emergentes que
consiguieron popularidad como Gene Loves Jezebel, Sex Gang Children,
Kommunity FK, Southern Death Cult, Te March Violets, Super
Heroines, Specimen, Skeletal Family o Alien Sex Fiend, sino por que se
inauguró el club nocturno Te Batcave en Londres, un lugar con el
propósito de reinventar el glam rock de David Bowie y en parte también
de los New York Dolls por parte de Specimen (anftriones del club Te
Batcave) con una mezcla de oscuridad y horror.
Poco a poco se convirtió en el prototipo de un club gótico. En
1984 la música colocada por los Dj's variaba desde Siouxsie, Te
Cramps, Sweet, Specimen, Eddie Cochran, y Death Cult. Entre 1982 y
1983 la escena gótica ganó bastante atención de la prensa inglesa, y
332

ROCK
lugares como la Batcave fueron masifcándose en toda Inglaterra.
Cevin Key y Nivek Ogre formaron un grupo en 1982, quienes
querían hacer su propia música, apartados de la escena deathrock. Ellos
fueron una infuencia para muchas bandas que vinieron después.
Mezclaron la naciente música industrial con algunas características del
gótico.
Muchos fans del gótico temprano están abrazando un
renacimiento del deathrock y el dark wave, volviendo al concepto
musical original, como también a la estética de la primera generación
gótica.
Segunda Generación (1985-1995)
En el Reino Unido, las bandas mencionadas más arriba
comenzaron a ser más populares durante este periodo, al igual que la
subcultura que habían generado. Así, fue notable el aumento de la
popularidad de bandas de rock gótico como Te Sisters of Mercy (la cual
tenía fuertes infuencias del icono del rock Iggy Pop y de la banda
Motorhead), Fields of the Nephilim, Te Mission, mientras que en
Estados Unidos por 1986 se forma la banda de rock gótico Te Wake.
Después también se formaba la nueva alineación del deathrock de
Christian Death y la creación de la banda de rock gótico Mephisto Walz,
grupo formado por un ex miembro de Christian Death, Barry Galvin
(también conocido como Bari Bari). Bari Bari fue uno de los principales
músicos que infuyó en la creación del disco Atrocities, cuyas canciones
las traspasó al repertorio de Mephisto Walz. Por su parte, en Francia, se
forma la banda Corpus Delicti en 1993, banda con estilo post-punk
siniestro y voz que emana desesperación.
Por otro lado, a lo largo de los 80 hubo una importante fusión
entre las distintas escenas goth europeas, el deathrock estadounidense y
levemente el punk rock y la new wave. Alrededor de 1985, la era postpunk
comenzaba a decaer y varios de los grupos pioneros se habían ya
disuelto o habían variado de estilo. Esa era concluyó con el álbum debut
de Te Sisters of Mercy, First and Last and Always (1985), que fue todo
en éxito en las listas del Reino Unido y representa de alguna manera la
transición de la primera a la segunda generación gótica. A pesar de
haberse formado en 1980, Te Sisters of Mercy infuenciaron más a la
segunda generación.
Fue durante la segunda generación que el término y el estilo
comenzaron a ser noticia fuera de los pequeños círculos alternativos. El
término comenzó a aparecer en medios ingleses tales como Te Face o el
333

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
NME, y el gótico a generar fanzines y clubs por todo el país, siguiendo el
ejemplo del Batcave. En 1983, la película sobre vampiros Te Hunger
(traducida en España como El ansia) que protagonizaba David Bowie y
aparentemente apoyada por Bauhaus, marca defnitivamente el paso del
gótico y la estética glam al mainstream. Esto se ve refejado en la
creciente popularidad en Europa y en radios universitarias
estadounidenses de bandas del sello 4AD como Clan of Xymox, Dead
Can Dance y Cocteau Twins, además de una serie de éxitos de Siouxsie
and the Banshees quienes se alejaron de la escena gótica en sus últimos
lanzamientos, acercándose más al pop y al new wave.
Varias revistas góticas aparecieron durante este tiempo, y quizás
la primera fue Propaganda (la cual se convirtió después en una revista
porno gay). Las revistas góticas fueron cambiando su orientación al
tiempo que la escena. Revistas pioneras como Permission se combinaron
con las raíces punk del gótico para orientarse hacia la música industrial,
mientras que el resto de las revistas como Carpe Noctem se enfocaron
más en la poesía y la música romántica, creando los patrones para los
futuros baby bats (bebes vampiro). El grupo alemán Lacrimosa, formado
en 1989, fue considerada una de las bandas más representativas para lo
que sería una muestra de esta nueva moda.
Tercera Generación (1995-presente)
Los 90 signifcaron el crecimiento de bandas populares de los
80 (las cuales revisamos en las dos primeras partes de este artículo), como
también de la aparición de muchas otras bandas, como los
estadounidenses London After Midnight y Switchblade Symphony
quienes fueron respaldados por el sello Cleopatra Records y Apocalyptic
Vision. Mientras tanto, en el Reino Unido estaban en auge las bandas
como Children on Stun y Rosetta Stone, de quienes no se han tenido
grandes novedades. Defnitivamente a estas alturas el gótico emigró de
las islas británicas.
Otras bandas góticas se hicieron populares en los 90. Las más
signifcativas fueron Te Cruxshadows, Te Frozen Autumn, Te Last
Dance, Noctivagus, Sunshine Blind, Trance to the Sun, Te Empire
Hideous, Te Shroud y Voltaire, Two Witches.
Un hecho importante, que conmocionó a la opinión pública
internacional, fue cuando unos jóvenes en Estados Unidos entraron a su
escuela y comenzaron a disparar a sus compañeros (escuela Columbine,
1999, de hecho hay una canción de Te Cruxshadows sobre este
acontecimiento). Aquellos jóvenes estaban relacionados con la escena
334

ROCK
gótica estadounidense y ésta comenzó a ser denigrada por los medios de
comunicación, como también sufrieron muchos ataques por parte de
organizaciones conservadoras (Iglesia, partidos políticos, etc.), lo cual
signifcó una enorme caída en el surgimiento de nuevas bandas ya que
los espacios para estas corrientes musicales y la escena en general se
cerraron (al menos en dicho país).
Rock gótico en Iberoamérica y España
En cuanto al rock gótico en España, la banda iniciadora del post-punk y
de la etiqueta siniestro sería la banda de rock de culto Parálisis
Permanente, formados en 1981.
En Argentina sería la banda Euroshima formada a mediados de
los 80, en Perú Voz Propia formados en 1985, en Brasil Arte No Escuro
creada en 1985, en Uruguay la banda RRRRRRR formada en 1987, en
Colombia CO2 formados en 1989, en México Las Animas Del Cuarto
Oscuro se forman en 1987 (aunque se suele dar más reconocimiento a El
Clan, formados en 1991), en Costa Rica Umbral, etc.
7. 6. HARD ROCK
El hard rock, en ocasiones también denominado rock duro, es
un vagamente defnido subgénero de la música rock surgido de los
movimientos del garage, blues y rock psicodélico a partir de la segunda
mitad de la década de los sesenta del siglo XX.
Dentro de sus orígenes e infuencias se pueden mencionar
estilos y géneros tan variados como el rock and roll clásico, el blues rock,
el garage rock, el rock psicodélico y la música folk pero, desde diferentes
puntos de vista, fue eliminando elementos externos y se constituyó como
identidad propia. El término hard rock abarca normalmente a los
derivados y subgéneros de rock más pesados y rudos que el tradicional,
entre los cuales se puede mencionar al heavy metal, el grunge, el glam
metal, el rock sureño, el stoner rock, el punk rock o incluso el AOR,
entre otros, a los cuales se puede considerar como subgéneros
comprendidos dentro del hard rock, o géneros derivados del mismo.
Aunque Te Kinks fue el primer artista conocido en incursionar
en este género con su canción de 1964 «You Really Got Me», otra mítica
banda de rock como Te Jimi Hendrix Experience, con su virtuoso
guitarrista Jimi Hendrix, serían considerados (a partir de 1966) uno de
los verdaderos creadores del rock duro como entidad tangible y concreta.
Asimismo, durante los 60, otras bandas practicaron variantes primitivas
335

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
de este estilo, siendo consideradas como pioneras del género, entre estos
artistas aparecen Steppenwolf, Vanilla Fudge, Te Amboy Dukes, Iron
Butterfy o Blue Cheer.
Sin embargo, comúnmente se considera que quienes
consolidaron al hard rock, fueron las tres bandas británicas: Deep
Purple, Black Sabbath, Led Zeppelin.
Luego, a mediados y fnales de los setenta, los australianos
AC/DC, o los glamurosos Aerosmith, Kiss, Whitesnake, Queen, Alice
Cooper y Van Halen dieron continuidad al rock duro, junto a grupos
como Bad Company, Rainbow, los progresivos Rush, Scorpions, Tin
Lizzy, UFO, los escoceses Nazareth o la Ian Gillan Band, nombres que
terminaron de moldear al género en su totalidad.
Características
El hard rock posee múltiples características. Sus canciones
suelen estar en una tonalidad mayor, con un uso maestro de las
tonalidades menores, especialmente en baladas. Se usa mucho la escala
pentatónica, característica heredada del blues y los acordes tradicionales
se sustituyen normalmente por «acordes de quinta» o «acordes de poder».
En los 80, se generaliza también el uso de escalas diatónicas
como la escala jónica y la lidia. También adquieren cierta popularidad la
escala frigia y la escala menor armónica, escalas más usadas en el heavy
metal y que se caracterizan por ser más oscuras. Las progresiones de
acordes se asocian a menudo a los grados I-V o I-IV-V de la escala, al
igual que en el rock and roll. Los altos efectos de distorsión de las
guitarras cobran protagonismo, la batería puede alcanzar un rango de
100 a 150 golpes por minuto, siendo 120 un valor habitual.
El solo de la guitarra es una parte muy importante de la canción, los
cuales suelen ser complejos, tanto como la letra y la melodía de la voz.
También son muy comunes el órgano Hammond y los sintetizadores,
con gran protagonismo en los 80, en el contexto del glam metal y el
AOR.
Historia
Orígenes (los sesenta)
La primera era del hard rock surgió a fnales de los 60 en Gran
Bretaña con nombres como Cream, Te Beatles, Te Rolling Stones, Te
Jimi Hendrix Experience (a la sazón residente en Londres), Te Who,
336

ROCK
Te Jef Beck Group (con Rod Stewart); o Vanilla Fudge y Blue Cheer
del otro lado del Atlántico, y se consolidó a inicios de la década de 1970,
cuando las bandas ` Led Zeppelin, Deep Purple, Black Sabbath o T.Rex,
entre otros, alcanzaron el estrellato mundial.
Asimismo, otros grupos pioneros secundaron a aquellos,
enriqueciendo la escena del rock duro en los primeros años 70, entre los
que destacaron internacionalmente Grand Funk Railroad, Uriah Heep,
Blue Öyster Cult, Alice Cooper, Status Quo, Kiss, Aerosmith, ZZ Top,
Queen o los pioneros de las "guitarras gemelas": Wishbone Ash.
Posteriormente otros grupos como AC/DC, Scorpions o Van Halen
también alcanzarían el éxito, siguiendo una similar senda estilística.
Los arriba mencionados Black Sabbath, oriundos del Reino
Unido y surgidos a fnales de los 60, crearon rápidamente un género
musical mucho más pesado, el cuál luego fue denominado heavy metal,
uno de los derivados más importantes del rock y nacido directamente del
hard rock. Este género nuevo tendría un considerable predicamento
desde fnes de los 70 hasta mediados de los 80, recobrando popularidad
en los 90, a través de subgéneros más fuertes.
Década de los setenta: la expansión y el éxito masivo
A principios de la década de 1970 los Rolling Stones
desarrollaron su sonido de hard rock con "Exile on Main St". (1972).
Inicialmente recibió críticas mixtas, según el crítico Steve Erlewine,
ahora es «generalmente considerado como el mejor álbum de los Rolling
Stones». Ellos continuaron persiguiendo el sonido-rif pesado en álbumes
incluyendo It's Only Rock 'n' Roll (1974) y Black and Blue (1976). Led
Zeppelin comenzó a mezclar elementos de la música popular del mundo
con su hard rock en Led Zeppelin III (1970) y Led Zeppelin IV (1971).
Este último incluye la canción "Stairway to Heaven", que se convertiría
en la canción más tocada en la historia de la radio.
Black Sabbath, por su parte, llevó un papel muy importante
dentro del hard rock, sobre todo en el desarrollo del heavy metal, debido
a que destacaba la banda con un sonido más denso, más pesado y rudo,
sobre llevando los límites del hard rock con sus discos Paranoid (1970) y
Master of Reality (1971), el éxito del grupo fue muy masivo en todo el
mundo, llegando a vender 4 millones de discos en todo el mundo en
1971.
Deep Purple continuó defniendo el hard rock (con más
infuencias del blues), sobre todo con su álbum Machine Head (1972),
que incluyó las canciones "Highway Star" y "Smoke on the Water", y
337

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
hacia 1974 con la aparición del mismísimo David Coverdale, sacando
tres discos entre ellos los exitosos "Burn" y "Stormbringer" En 1975 el
guitarrista Ritchie Blackmore abandonó Deep Purple para formar
Rainbow, y después de la disolución de Purple, el vocalista David
Coverdale formó Whitesnake. En 1970 Te Who lanzan Live at Leeds, a
menudo visto como el arquetipo de un disco pesado en vivo, y al año
siguiente lanzaron su aclamado Who's Next mezcla de rock pesado con
un amplio uso de los sintetizadores. Álbumes posteriores, incluyendo
Quadrophenia (1973) y Who Are You (1978), su último álbum antes de
la muerte del baterista Keith Moon, aún mantienen trazos de rock duro.
En 1974 el grupo estadounidense Kiss aparece en la escena con
su disco homónimo Kiss que en ese momento es considerado la forma
mas extrema de rock. En 1979 el grupo australiano AC/DC saca a la
venta su disco Highway to Hell, lo cual hizo que el grupo tuviera un
reconocimiento internacional debido que este disco es considerado un
clásico del género, ese mismo año Cheap Trick saca su disco Live at
Budokan lo cual hizo que el grupo alcanzara el estrellato internacional
debido a su enérgico sonido y mejores interpretaciones.
Década de los ochenta: el glam metal
La década de 1980 fue la época de menor éxito comercial del
hard rock reencarnado como glam metal (también conocido como hair
metal), y arrastrado por la creciente popularidad del heavy metal, su
estilo hermano. En 1980 la banda australiana AC/DC, publica uno de
los álbumes más exitosos y vendidos en la historia de la música rock en
general: Back in Black con Brian Johnson como vocalista, luego de la
trágica muerte del anterior cantante, Bon Scott. Otros artistas
importantes del género hard rock, que tuvieron fuerte presencia a inicios
y mediados de los 80 (mayormente practicando un rock glamoroso),
fueron el ya veterano Ted Nugent, Quiet Riot, Night Ranger, Bon Jovi,
Van Halen (con Sammy Hagar y con David Lee Roth), Twisted Sister,
David Lee Roth como solista, Def Leppard y Whitesnake banda
surgiente en el 70 pero rotundamente exitosa en los 80 y 90 por unos de
los padres del hard rock David Coverdale .
Surgidos en los años 70 en los que llegaron a ser algunas de las
bandas más exitosas del panorama musical americano, KISS y Aerosmith
volverían a gozar de la notoriedad de la década anterior y se confrmarían
como una de las infuencias más claras para todo una serie de bandas
surgidas en la escena americana como Bon Jovi, Cinderella o Poison. En
el año 1978 la banda norteamericana Van Halen revolucionó el
338

ROCK
panorama musical. El estilo a la guitarra de Edward Van Halen, el
carisma sobre el escenario de su cantante David Lee Roth y la actitud
festiva unida a la mezcla entre melodía y Hard Rock clásico hicieron del
primer disco de Van Halen un modelo a seguir para toda una serie de
bandas que surgirían en los años 80. Con frecuencia asociados con la
NWOBHM, en 1981 Def Leppard lanzó su segundo álbum High and
Dry, mezclando Glam Rock con Heavy Metal y ayudando a defnir el
sonido del Hard Rock durante la década. El siguiente álbum Pyromania
(1983), alcanzó el número dos en las listas estadounidenses y los sencillos
Photograph, Rock of Ages y Foolin, ayudados por el surgimiento de
MTV, llegaron al Top 40. El estilo de Def Leppard, Kiss, Aerosmith y
Van Halen fue ampliamente emulado, particularmente por la emergente
escena californiana de Glam Metal. Esta década fue dominada
principalmente por la mencionada corriente denominada glam metal
(estilo que tenía elementos mezclados, del glam rock de los 70, del hard
rock y del heavy metal), y el cual gozó de alta popularidad en los medios
de difusión, con grupos como Bon Jovi, Ratt, W.A.S.P., Poison, Mötley
Crüe, White Lion, Guns N' Roses, Skid Row, los renacidos Kiss (ya sin
maquillaje) o los más melódicos Nelson, conjuntos que lograron éxitos
en el circuito comercial, en buena parte gracias a la alta difusión dada
por la cadena televisiva MTV (a través de videoclips), y las radios de
frecuencia modulada.11 De manera underground, y ya dentro del
ámbito del metal puro, también se gestaron grupos orientados hacía un
sonido más extremo, con números como Metallica, Anthrax, Slayer o
Manowar.
Dos de los álbumes más exitosos de esta década fueron Slippery When
Wet de Bon Jovi, editado 1986 y que vendió más de 29 millones de
copias en todo el mundo, convirtiéndose en el álbum de glam metal más
vendido de la historia, y el laureado Appetite for Destruction de Guns
N' Roses, que vio la luz en 1987 y combinaba elementos heavy metal,
hard rock y glam rock, llegando a vender más de 32 millones de copias a
nivel mundial, siendo el álbum debut más vendido de la historia del
rock.
Década de los noventa: el grunge
El principio de los 90 marcaría el fn de la extravagante y frívola escena
del glam metal, principalmente porque la televisión y las radios
dirigieron su atención hacia un nuevo movimiento que estaba ganando
terreno: el grunge, el cual se basaba en un sonido de rock duro menos
339

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
artifcioso, más crudo, fuertemente infuido por bandas de los 70 (como
Black Sabbath o Led Zeppelin), por el punk, y con una estética
muchísimo más despojada, opaca y pesimista.
Este movimiento tuvo bandas muy infuyentes tales como
Nirvana, Pearl Jam, Alice in Chains y Soundgarden, entre las más
conocidas. Cabe destacar también a Guns N' Roses y Skid Row, como
bandas de hard rock que tienen su pico de popularidad a principios de
los 90, coincidiendo brevemente con la época más vigorosa del grunge.
El grunge decaería en cuanto a popularidad a mediados de los 90, en
parte debido a la muerte del vocalista, guitarrista y principal compositor
de Nirvana, Kurt Cobain, y a la separación de estos mismos, quienes
fueron el grupo más popular del género en aquellos años, y en parte
debido a un rápido agotamiento del estilo, en general.
Viejas glorias setenteras como Kiss, AC/DC, Aerosmith o
Scorpions experimentan cíclicos picos de recobrada popularidad, según
publiquen nuevos álbumes, más o menos exitosos, aunque siempre
manteniéndose en el candelero. Del mismo modo existieron bandas que,
a la sombra del popular grunge, permanecieron feles a su sonido hard
rock, dentro de las cuales se pueden mencionar a House of Lords, Giant,
Gotthard, Tesla, Red Dawn, Firehouse, Harem Scarem o los
mismísimos Ratt y W.A.S.P..
Siglo XXI
Con el cambio de siglo, en la década de los años 2000, llega el
resurgimiento, el reciclaje, el revivalismo y los retornos a las fuentes.
El stoner rock (también conocido como stoner metal, en su
variante más pesada), surgido en los 90 con Kyuss a la cabeza, como un
revival que aunaba elementos del primer Black Sabbath, con guiños
sesentistas y atmósferas de rock espacial y jam session, se hace fuerte en
esta década (2000s), con bandas como Monster Magnet, Nebula, Fu
Manchu, Los Natas, Spiritual Beggars y, comercialmente hablando, con
Queens of the Stone Age, grupo formado por el guitarrista de Kyuss,
Josh Homme, que se destapan como banda de alcance mainstream.
Por otra parte, nombres como Te Darkness, Turbonegro, Te
Answer, Te Hellacopters, Wolfmother o Airbourne practicaron y
practican un retorno al glam metal ochentero y al hard rock de otrora,
aunque algo más humorístico, pesado y hasta paródico. Además cabe
destacar el regreso de la banda Glam metal Europe, millonaria en ventas
en los 80 y aclamada por la crítica en su día, o de Axl Rose con Guns N'
340

ROCK
Roses, amén de otros conjuntos, como Whitesnake, Stryper, Winger y
Van Halen con David Lee Roth, quienes siguieron en la brecha. Hacia el
fnal de la década del 2000, quizás por una cuestión de revivalismo, el
hard rock pareció haber recuperado "musculatura" frente a la década
anterior.
7. 7. HEAVY METAL
El heavy metal, o simplemente metal —en español traducido
literalmente como «metal pesado»— , es un género musical que nació a
mediados de los años sesenta y principios de los setenta en el Reino
Unido y en los Estados Unidos, cuyos orígenes provienen del blues rock,
hard rock y del rock psicodélico. Se caracteriza principalmente por sus
guitarras fuertes y distorsionadas, ritmos enfáticos, los sonidos del bajo y
la batería son más densos de lo habitual y por voces generalmente
agudas.
Hasta el día de hoy no existe un consenso preciso que defna
cual fue la primera banda de heavy metal, algunos mencionan a Led
Zeppelin y Deep Purple, mientras que otros dejan ese sitial
exclusivamente a Black Sabbath. Por aquel mismo tiempo, a fnales de
los años 1960 y principios de los años 1970, surgieron muchas bandas
que si bien no tuvieron el impacto mediático de las mencionadas
también fueron un aporte al nacimiento del género como UFO, Blue
Cheer, Wishbone Ash, Budgie y Blue Öyster Cult, entre otros.
Posteriormente surgieron agrupaciones como Scorpions, Rainbow, Judas
Priest, estos últimos introdujeron la combinación del doble bombo con
ritmos rápidos en semicorchea de bajo y guitarra, y eliminaron las
últimas infuencias del blues, y Motörhead, quienes incluyeron algunos
elementos del punk rock, dándole un nuevo énfasis en la agresividad y
velocidad. En la segunda mitad de los setenta y en pleno auge del punk
surgió la Nueva ola del heavy metal británico, liderada por Iron Maiden,
Saxon y Def Leppard, que dio un nuevo valor al género derivando en el
nacimiento de una posterior subcultura.
Con la llegada de los ochenta comenzaron a aparecer los
primeros subgéneros del metal; por un lado el glam metal que lideró las
ventas y las listas musicales de los principales mercados y por el otro el
metal extremo que provenía de la escena underground. De este último
surgió con una amplia popularidad el thrash metal liderada por
Metallica, Megadeth, Slayer y Anthrax. Sin embargo, en la década
posterior dicho éxito comercial decayó ante el auge de nuevos sonidos
alternativos, principalmente por el grunge.
341

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Actualmente existe una infnidad de subgéneros, cada uno con
características específcas y con infuencias de otros estilos como la
música clásica, música industrial, funk y el rap, por ejemplo, que han
ampliado la defnición de metal. A su vez, su popularidad se ha
incrementado durante los últimos años principalmente en Europa,
Estados Unidos, Latinoamérica y Japón.
Etimología
Hasta el día de hoy el origen exacto del porqué se usa el
término heavy metal en el ámbito musical es desconocido. Lo que si es
cierto es que durante varios siglos dicha frase se empleó en la química y
en la metalurgia, y hace alusión a algunos elementos químicos que
poseen ciertas características en común (metal pesado). Uno de los
primeros usos en la cultura popular ocurrió en 1961, cuando el escritor
estadounidense William Burroughs creó el personaje Uranian Willy: Te
Heavy Metal Kid en su novela Te Soft Machine. En su siguiente obra
Nova Express de 1964, Burroughs volvió a desarrollar el término para
identifcar a una raza de alienígenas de Urano y también a un tipo de
música que escuchaba una segunda raza; la gente insecto.
Según el historiador de música Ian Christe su defnición
provendría del lenguaje hippie; heavy sería un sinónimo de potente o
profundo y metal describiría un estado de ánimo como la pesadez. En
ese sentido la palabra heavy haría referencia a las bandas que tocaban con
una amplifcación mayor a lo que interpretaba la música popular de
mediados de los sesenta. En cuanto a su contexto musical las primeras
referencias al heavy metal sería el álbum debut de Iron Butterfy llamado
precisamente Heavy, y su primer uso en las líricas de una canción sería
en «Born to Be Wild» de los estadounidenses Steppenwolf publicado en
junio de 1968.
Por otro lado, el primer documento escrito que utilizó el
término para identifcar a un tipo de música rock apareció en una
revisión de la revista Rolling Stone, cuyo autor fue Barry Giford. Dicha
revisión se escribió el 11 de mayo de 1968 y trató sobre el disco A Long
Time Comin' de la banda Te Electric Flag donde Giford comentó:
«Nadie que haya escuchado a Mike Bloomfeld —como cantante o
instrumentista— en los últimos años esperó algo como esto. Esta es una
nueva música soul, la síntesis del white soul y el rock heavy metal».
Hasta mediados de 1970 varios críticos de revistas como la
mencionada Rolling Stone, Te Village Voice o Creem acuñaron la
defnición downer rock que en nuestro idioma se defnió como un rock
342

ROCK
decepcionante, es decir, un tipo de música que iba en contra de lo que
hasta ese entonces se conocía, como la música de Te Beatles por
ejemplo. De acuerdo a la publicación Classic Rock, el downer rock
giraba en torno al uso excesivo de metacualona y vino. Sin embargo, ese
término no duró mucho, siendo reemplazado en su totalidad por el
heavy metal. Cabe mencionar que durante la primera parte de la década
de los setenta la prensa expresaba que el hard rock y el heavy metal eran
sinónimos, por ello muchas de las bandas que hoy se conocen como
heavy metal eran consideradas como hard rock y viceversa.
Características
Desde un principio el heavy metal se caracterizó por poseer
guitarras fuertes y distorsionadas, junto a ritmos enfáticos. Los sonidos
del bajo y la batería son más densos de lo habitual y las voces,
generalmente, agudas. Con el pasar de los años y con el surgimiento de
sus subgéneros dichas características se enfatizaron, alteraron u
omitieron, e incluso en ciertas ocasiones se agregaron nuevos atributos.
Según el periodista Jon Pareles de New York Times: «En la taxonomía
de la música popular, el heavy metal es la mayor subespecie del hard
rock. Eso si, con menos síncopa, menos blues, más talento para el
espectáculo y fuerza más bruta». La típica formación de una banda
consta de un baterista, un bajista, un guitarrista líder, un guitarrista
rítmico y un cantante que en ocasiones puede ser instrumentista.
También puede incluir a un teclista para engrosar el sonido en los
conciertos en vivo o en las producciones de estudio, sin que este sea
necesariamente un miembro activo de la agrupación.
La guitarra eléctrica y la potencia que proyecta a través de la
amplifcación ha sido históricamente el elemento clave del género, cuyo
sonido proviene de un uso combinado de altos volúmenes y una gran
distorsión. A lo largo de los años los guitarristas han innovado en las
técnicas y efectos que produce el instrumento como el tresillo, seisillo,
palm mute, bend, hammer-on, tapping y el sweep-picking
principalmente. Además, es muy importante el rif, el power chord y
sobre todo el solo que defnen a una canción y al subgénero en la que se
interpreta. También el guitarrista cumple un rol importante en el heavy
metal que en ocasiones provoca una tensión amistosa con el vocalista,
para defnir quién es el frontman de una agrupación.
Por otro lado, y como ya se mencionó anteriormente, una
banda puede tener a dos guitarristas; uno líder y otro rítmico, pero hay
casos donde es uno solo o en situaciones específcas pueden ser incluso
343

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
tres. Además, en algunas bandas los guitarristas aplican el término twinguitars
—guitarras gemelas en nuestro idioma— donde ambos pueden
ser líderes, tocando simultáneamente un solo o intercalando su
participación dentro de este. Una de las primeras bandas que aplicó
dicho concepto fue Wishbone Ash, sin embargo, varios críticos sitúan a
Judas Priest y a Scorpions —estos últimos durante sus primeros años—
como las agrupaciones que realzaron y engrosaron dicha técnica.
Otro de los elementos importantes es la voz que de acuerdo al
crítico Simon Frith; «... el tono [de la voz] es mucho más importante que
las letras de las canciones». La voz se caracterizó en un principio por ser
aguda, con un gran uso del vibrato y una amplitud enorme de octavas.
Algunos de los cantantes que cumplen con dichos factores son Ian Gillan
de Deep Purple, Bruce Dickinson de Iron Maiden y el fallecido Ronnie
James Dio, por ejemplo. Otra de las técnicas que se utiliza y que no
poseen todos los cantantes es el falsete, algunos de ellos tienen un
dominio perfecto de esta técnica sin afectar su voz como por ejemplo
Rob Halford de Judas Priest y King Diamond. Con el pasar de los años
algunos vocalistas emplearon un tono más rudo y más alejado a la
agudeza propia del género. Uno de los primeros fue Lemmy Kilmister de
Motörhead, que incluyó una voz rasposa y que fue un punto clave en los
posteriores cantantes del thrash metal, death metal y black metal. Estos
se caracterizan por tener una voz gutural; una técnica que utiliza sonidos
graves, similares a gruñidos y que en ocasiones provoca una difícil
comprensión de las letras de sus canciones. A pesar que las voces del
metal son principalmente masculinas, las mujeres también han
incursionado en el género como es el caso de Kim McAulife de
Girlschool y la alemana Doro, considerada como la «reina del heavy
metal».
Por su parte, el bajo, los teclados y la batería cumplen un rol
importante en la sección rítmica. El bajo proporciona una gama de
sonidos bajos que son cruciales en la música, que varían en complejidad
desde ser solo acompañamiento rítmico a participar en la interacción de
la guitarra líder y rítmica. Al igual que los guitarristas, el bajista puede
utilizar algunas técnicas en las cuerdas como el tapping y el número de
ellas pueden variar desde las cuatro a seis dependiendo del subgénero que
se interpreta. En ciertas situaciones también el bajista suele ser el músico
principal de una agrupación como en Motörhead por ejemplo. En
cuanto a la batería, esta debe crear un ritmo fuerte y constante basándose
en la velocidad, potencia y precisión. Según los autores Mick Berry y
Jason Gianni: «El baterista requiere una cantidad excepcional de
resistencia, una velocidad considerable, una coordinación y una destreza
344

ROCK
absoluta para tocar los intrincados patrones del metal». Una de las
características propias del batería del metal es la utilización del cymbal
choke, que es tocar los platillos y silenciarlos rápidamente con la mano.
En adición a ello la confguración del número de tambores, bombos y
platillos es normalmente mayor a lo que se emplea en otros tipos de
música rock.
Por último, los teclistas pueden engrosar el sonido de una
canción con el órgano, los sintetizadores y los teclados propiamente tal.
Su sonido proviene principalmente del rock psicodélico y se efectúa en
su gran mayoría como acompañamiento rítmico para dar un ambiente
más oscuro. Aun así, hay casos donde el teclista puede interpretar solos
como por ejemplo Jon Lord en Deep Purple y Mic Michaeli en Europe.
También otro músico de la banda puede cumplir dicho rol, como es el
caso del guitarrista Eddie Van Halen de la banda del mismo nombre.
Además, existen situaciones donde el teclista puede ser un músico de
sesión en las producciones de estudio o en los conciertos en vivo.
Lenguaje musical
Ritmo y tiempo
Según la socióloga enfocada en la cultura musical, Deena
Weinstein, el ritmo del género es enfático y posee tensiones deliberadas.
Weinstein observa que los diferentes efectos sonoros disponibles en los
bateristas, proporcionan un patrón rítmico que asume una gran
complejidad. En muchas de sus canciones el groove principal es corto, de
dos a tres notas, que generalmente se componen de corcheas y
semicorcheas. Esta estructura rítmica principalmente se acompaña de
varios staccatos, hechos por la técnica del palm mute del guitarrista
rítmico.
La principal característica del ritmo es el rif que crea el gancho
temático de una canción denominada hook. Esta estructura también se
emplea de manera más lenta, añadiéndoles redondas y acordes enteros
para así crear una power ballad. En cuanto a su tempo era generalmente
lento durante sus primeros años, pero a partir de mediados de los setenta
este aumentó dando origen al speed metal y posteriormente al power
metal. Los tempos del metal varían desde la lentitud de una balada (60
pulsaciones por minuto) a extremadamente rápidos creados por el blast
beat (350 pulsaciones por minuto).
345

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Estructura típica de la armonía
El heavy metal se basa generalmente en el rif que es creado a
partir de tres rasgos armónicos principales; progresiones de la escala
modal, tritono y/o progresiones cromáticas y el uso del pedal point. El
heavy metal tradicional o también llamado clásico tendió a utilizar las
escalas modales, en especial el modo eólico y el modo frigio, que en
términos prácticos y para dar un ejemplo sería (la, si, do, re, mi, fa, sol y
la) y (la, sol ♭ , la ♭ , si ♭ , do, re ♭ , mi ♭ y fa) respectivamente.
El tritono se ha empleado en el metal en varias progresiones de
acordes y que se defne como un intervalo que abarca tres tonos enteros,
por ejemplo do y fa ♯ . Dicha disonancia fue prohibida en la música
eclesiástica medieval, ya que los monjes consideraban que eran tonos del
diablo a lo que ellos titularon como diabolus in música, que al español se
traduce como «el diablo en la música». Desde el principio el género
utilizó el tritono tanto en los rif como en los solos de guitarra, y debido
a ello y durante sus primeros años, se apodaba como música diabólica.
Por su parte, el pedal point generalmente se ha usado como
base armónica de muchas de las canciones del metal. En simples palabras
se puede defnir como un tono bajo sostenido, por la cual se mueve a
través de otros (tonos) brindando un cambio en la armonía.
Volumen
La necesidad del aumento de volumen provino de artistas como
Cream, Jimmi Hendrix, Te Who y en especial de Blue Cheer, que en
palabras de su vocalista Dickie Peterson: «Lo único que sabíamos era que
queríamos más poder». Según el psicólogo Jefrey Arnett en su libro
Metalhead considera que el volumen de los conciertos es como «el
equivalente sensorial de la guerra». Por su parte, la doctora Weinstein
aclara que es vital para cualquier banda de metal y además argumenta
que: «...de la misma manera que la melodía es el elemento principal del
pop y el ritmo es el foco principal de la música house; el sonido, timbre y
volumen potente son los puntos claves del heavy metal».
A mediados de los ochenta el volumen era tan importante como
el espectáculo mismo para algunos grupos como Accept, Motörhead y
Manowar. Incluso estos últimos ingresaron al Libro Guinness de los
récords en 1984 como la «banda más ruidosa del mundo». Sin embargo,
y diez años más tarde, rompieron su propio récord ya que durante una
presentación en vivo en Hannover, tocaron a 129. decibelios generados
por diez toneladas de amplifcadores. Aun así, el récord no fue registrado
346

ROCK
en el libro Guinness luego que retiraron dicha categoría afrmando que
no alentarán los daños auditivos.
Relación con la música clásica
Desde un principio el heavy metal ha tenido una fuerte relación
con la música clásica, que de acuerdo al musicólogo Robert Walser; «es la
mayor infuencia para el género desde sus primeros años». Él argumenta
que los guitarristas son los más infuenciados y que la adaptación y
apropiación de la música clásica desarrolló el virtuosismo de dichos
músicos. En un artículo escrito para Grove Music Online, Walser
menciona; «...los años ochenta trajeron una adaptación generalizada de
las prácticas de acordes de los modelos europeos del siglo XVIII,
especialmente de Johann Sebastian Bach y de Antonio Vivaldi». Por su
parte, Kurt Bachmann de la banda Believer opina que; «la música clásica
y el metal son probablemente los géneros que tiene más en común en
cuanto a sentimiento, textura y creatividad».
El guitarrista Ritchie Blackmore de Deep Purple se ha
considerado como el primer interlocutor entre la música clásica y el
heavy metal siendo Concerto for Group and Orchestra de dicha banda,
la primera producción que unió una orquesta y un grupo de rock.
Posteriormente Jason Becker, Uli Jon Roth, Marty Friedman, Eddie Van
Halen, Randy Rhoads e Yngwie Malmsteen dieron un mayor hincapié
en la mezcla de ambos estilos musicales y llevaron a mediados de los
ochenta a la creación defnitiva del subgénero metal neoclásico. Ya a fnes
de los noventa y principios del siglo XXI, diversos grupos han retomado
la relación de su música con orquestas sinfónicas para producciones de
estudio o conciertos en vivo como es el caso de Scorpions, Metallica y
Kiss, entre otros.
Temas
El contenido temático del heavy metal ha sido durante mucho
tiempo un objeto de críticas, cuyas opiniones van de que solo son temas
juveniles y banales a que son defensores del ocultismo y de la misoginia.
Según los críticos David Hatch y Stephen Millward las bandas del metal
han concentrado sus letras «en la materia oscura y deprimente, en una
medida sin precedentes hasta ahora para cualquier forma de música
popular». De acuerdo a ellos el disco Paranoid de Black Sabbath sería el
precursor de las letras oscuras, cuyas líricas van desde el trauma personal
en «Paranoid» y «Fairies Wear Boots» a temas de guerras como en «War
Pigs».
347

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Cabe mencionar que los temas que se tratan en las canciones
dependen exclusivamente de las bandas y del subgénero que se
interpreta. Durante los años setenta agrupaciones como los mencionados
Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple, Rainbow, Blue Öyster Cult,
Judas Priest, Scorpions y Kiss entre otros, emplearon en varias de sus
canciones temas como el ocultismo, violencia, sexo, muerte, fantasía,
alcoholismo, drogadicción y el amor. Con la llegada de los ochenta y con
la creación de los respectivos subgéneros, dichos conceptos fueron
abordados con mayor especifcación como es el caso del metal extremo
(violación, aniquilación, suicidio e inquisición, etc), el glam metal (sexo,
orgías, festas y prostitución) y en la Nueva ola del heavy metal británico
(velocidad, motocicletas, mitología y ciencia fcción).
A pesar de la diversidad de conceptos que tratan las bandas,
estas no estuvieron ausentes de problemas legales. Durante la década de
los ochenta el organismo Parents Music Resource Center pidió al
Congreso de los Estados Unidos regular los contenidos de la industria
musical, en especial las canciones de heavy metal.36 Además, crearon la
lista Filthy Fifteen, las quince asquerosas en español, que eran canciones
que según ellos debían ser censuradas y de las cuales nueve son de
agrupaciones del género, entre ellas «Possessed» de Venom e «Into the
Coven» de Mercyful Fate.
Por último, en algunos países musulmanes el heavy metal se ha
denunciado como una amenaza a los valores tradicionales de la religión.
En ciertos estados como Marruecos, Egipto, Líbano y Malasia, se han
dado casos de músicos y fanáticos del género que han sido arrestados y
encarcelados por tratar, o según sus legislaciones «defender», los temas ya
mencionados.
El heavy metal como subcultura
La doctora Weinstein argumenta que el heavy metal ha
sobrevivido a muchos otros géneros del rock, en gran parte debido a la
aparición de una extensa subcultura mayormente masculina. En sus
propias palabras: «Esta es solo tolerante con los que siguen sus códigos de
vestimenta, apariencia y de comportamiento», además; «no solo se
fortalece con ir a un concierto y compartir ciertos elementos en la moda,
sino también revistas de metal y últimamente páginas webs». A su vez
defne que la escena del heavy metal establece su propio código de
autenticidad, que pone varias exigencias a los artistas: «Deben estar
completamente dedicados a su música y leal a la subcultura que los
soporta, deben ser desinteresados en las radios o el llamado mainstream y
348

ROCK
nunca deben venderse». Además y para algunos afcionados se suma la
oposición a la autoridad establecida y la separación del resto de la
sociedad.
Para el músico y cineasta Rob Zombie afrma que el metal es
«música de afuera para niños de afuera». Por su parte, algunos estudiosos
del tema afrman que: «Existe una tendencia de parte de los fanáticos de
clasifcar y rechazar algunos artistas, y en ciertos casos a otros seguidores.
También es propia de los fanáticos de considerar poseros a los que
pretenden ser parte de la subcultura, pero que carecen de autenticidad y
sinceridad».
Apariencia e imagen
La imagen y la apariencia juega un papel importante para
algunos artistas, que incluso van de la mano con las letras y el sonido.
Dicha imagen se expresa en las carátulas de los discos, logotipos,
escenografías, vestuario y en los vídeos musicales.
Un rasgo característico tanto en los artistas como en los
fanáticos —aunque no en todos los casos— es el pelo largo y desgreñado
que según Weinstein es la «característica distinguida más crucial de la
moda metal». Adoptado originalmente de la subcultura hippie, el cabello
de los metaleros por los años ochenta y noventa «simbolizaba el odio, la
angustia y el desencanto por el sistema de una generación que no parece
sentirse en casa», según el periodista Nader Raham. Además, Raham
comenta que el pelo largo dio a la comunidad metal «el poder que ellos
necesitaban para rebelarse contra nada en general».
El uniforme clásico de los seguidores a grandes rasgos consiste
en pantalones jeans, poleras negras, chaquetas de cuero o jeans, chaleco
de parches y botas militares. Por su parte, las camisetas son generalmente
estampadas con los logos u otra representación visual de las bandas
favoritas. Además, pueden incluir elementos del masoquismo y del
fetichismo sexual como cadenas, pinchos metálicos, cráneos, cruces y
cuero. En los años ochenta una variedad de fuentes, desde la música
punk y gótica a las películas de terror, han infuenciado ese aspecto
superfcial o visual del metal.
También y en la década de los setenta muchos artistas
comenzaron a utilizar instrumentos brillantes, coloridos y con formas
peculiares para realzar sus puestas en escena. Dicho estilo fue muy
importante para las bandas del glam metal, que tenían pelos largos y
teñidos con un aspecto agresivo y que dio origen al llamado hair metal.
Además poseían ropa llamativa, incluyendo camisas y chalecos de
349

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
leopardo pegadas a la piel, botas de vaqueros apretados, pantalones de
spandex o cuero y accesorios tales como cintas y joyas. De igual manera
el maquillaje era importante y que consistía en delineadores de ojos y
lápices labiales. Por su parte, en Japón e infuenciados por la banda X
Japan, surgió el movimiento llamado visual kei que incluye muchas
bandas que no necesariamente son metaleras y que dan importancia a
elaborados trajes, estilos de cabello y maquillaje.
Gestos físicos
Dentro de la subcultura del heavy metal, el metalero, heavies u
originalmente denominados metalheads han creado ciertas posturas
físicas que van en apoyo de la vestimenta, carácter y jerga. Uno de ellos
es el headbanging, que es agitar la cabeza al ritmo de la música y que es
enfatizado por el pelo largo, y que fue creada por varios músicos en las
presentaciones en vivo.
Otro de los gestos típicos es la mano cornuta o también llamada
la «mano del diablo», que consiste en empuñar la mano pero
manteniendo los dedos índice y meñique estirados. Uno de los primeros
en enfatizar esta postura fue el vocalista Ronnie James Dio,
principalmente mientras estaba en Black Sabbath y luego en Dio. Según
él es una seña popular de un pueblo italiano donde vivía su abuela, a la
cual llamaban malocchio y que servía para ahuyentar a los malos
espíritus. Dicho gesto también se le atribuye al bajista Gene Simmons de
Kiss, que la realizó en la portada del álbum Love Gun de 1977, pero que
se diferencia con la anterior por tener el pulgar también estirado.
También la doctora Weinstein menciona que el baile no es
parte de los metaleros y que se debe a que el público es mayoritariamente
masculino, y a la «extrema ideología heterosexual de la audiencia». Ella
distingue dos tipos de posturas que sustituyen al baile; el headbanging y
el estiramiento del brazo, que a su vez es un signo de desprecio y un
gesto rítmico. Por último, agrega que es muy popular entre los fanáticos
el air guitar, que consiste en simular tocar una guitarra tanto en los
conciertos como cuando se escucha un disco en la casa.
Historia
Antecedentes: fnes de 1950 y mediados de los años sesenta
La manera de tocar la guitarra en cuanto a power chord y rif
provino de la década de los cincuenta, principalmente de guitarristas del
blues eléctrico y del memphis blues como Joe Hill Louis, Willie Johnson
350

ROCK
y en especial de Pat Hare. Este último interpretó una de las primeras
distorsiones en el power chord, en la canción «Cotton Crop Blues» del
vocalista estadounidense James Cotton y que data de 1954. Ya a fnes de
los cincuenta y principios de los sesenta las canciones «Rumble» de Link
Wray (1958), «Let's Go Trippin'» (1961) y «Misirlou» (1962) del
guitarrista Dick Dale, y el cover de «Louie Louie» realizado por Te
Kingsmen (1963) son consideradas como el estándar del garage rock y
con ello una infuencia temprana del heavy metal.
Sin embargo, la infuencia directa del género provino del blues
y que tuvo una gran repercusión en las bandas británicas de mediados de
los sesenta. Agrupaciones como Te Rolling Stones y Te Yardbirds
desarrollaron el blues rock con temas clásicos del blues, pero con un
tempo acelerado. Como consecuencia de este experimento musical las
bandas británicas desarrollaron un nuevo estilo de guitarras
distorsionadas y fuertes, y que se convertiría en una de las características
del género. Dentro de este nuevo sonido la canción «You Really Got
Me» de Te Kinks (1964) jugó un papel importante.
El emergente sonido distorsionado de guitarras fue facilitado
por la nueva generación de amplifcadores y pedales de efectos como el
fuzz tone, con el que experimentaron guitarristas como Dave Davies
(Te Kinks), Pete Townshend (Te Who) y Jef Beck (Te Yardbirds).
Por su parte, los estilos de batería del blues rock, basados en modelos
pequeños y simples, fueron sustituidos por una técnica más compleja y
sonora para poder equipararse con el volumen de las guitarras
amplifcadas. De manera similar, los vocalistas modifcaron su técnica e
incrementaron su dependencia con la amplifcación, a menudo
consiguiendo voces más estilizadas y dramáticas.
La combinación de blues rock con el rock psicodélico formó en
gran parte la base original del heavy metal. Una de las bandas más
importantes en fusionar estos géneros fueron los británicos Cream,
quienes ejemplifcaron el concepto de power trio que posteriormente se
convertiría en habitual dentro del metal. Por su parte, sus dos primeros
discos; Fresh Cream de 1966 y Disraeli Gears de 1967, son vistos como
prototipos esenciales del futuro género. De igual manera el álbum debut
de Te Jimi Hendrix Experience, Are You Experienced (1967), también
logró una gran infuencia principalmente por la técnica de Hendrix y por
su canción «Purple Haze», que para ciertos críticos es identifcada como
el primer hit del heavy metal.
351

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
El metal a fnales de los sesenta y comienzos de los setenta
Hasta el día de hoy no existe un consenso claro de parte de los
críticos, para defnir cual fue la primera banda del heavy metal. Muchos
de los críticos estadounidenses dan su apoyo a Led Zeppelin, mientas
que los comentaristas británicos dan crédito a Black Sabbath y Deep
Purple. También y en otros casos se nombran a Iron Butterfy,
Steppenwolf, Vanilla Fudge o Blue Cheer como los pioneros del género.
En lo que si llegan a coincidir es que en 1968 el sonido que se
llamaría heavy metal empezó a crearse. En enero de ese año los
estadounidenses Blue Cheer publicaron su sencillo «Summertime Blues»
—cover de Eddie Cochran— que se extrajo de su álbum debut Vincebus
Eruptum y que es considerado como el primer registro del verdadero
heavy metal. En el mismo mes Steppenwolf debutó con su álbum
homónimo y que incluyó el sencillo «Born to Be Wild» que hace alusión
a las motocicletas con el término «heavy metal thunder». Ya en junio
Iron Butterfy lanzó el disco In-A-Gadda-Da-Vida que contenía el éxito
del mismo nombre y que también se postuló como una de las primeras
grabaciones del género.
Otras producciones que se consideran como proto-heavy metal,
se encuentra el álbum Truth de Te Jef Beck Group publicado en
agosto de 1968, la canción «Helter Skelter» de Te Beatles y que salió a
la venta en noviembre, y las canciones «I See You» y «Old Man Going»
del disco S.F. Sorrow de los británicos Te Pretty Tings, publicado en
diciembre del mismo año. Además, algunos críticos han considerado que
las bandas MC5 y Te Stooges infuyeron directa y principalmente en la
distorsión del sonido de las posteriores agrupaciones de punk y más tarde
al heavy metal. Por último, algunos grupos ajenos al futuro género
musical, endurecieron su sonido en ciertas canciones como es el caso de
«Ibiza Bar» y «Te Nile Song» de Pink Floyd consideradas como las
canciones más pesadas que el grupo alguna vez creó. También el tema
«21st Century Schizoid Man» de King Crimson fue tildado como protoheavy
metal.
Para 1969 Led Zeppelin debutó con su álbum homónimo que
incluyó dos aspectos cruciales para el emergente género; guitarras fuertes
y distorsionadas por parte de Jimmy Page y una voz dramática y con
grandes agudos de parte de Robert Plant. A su vez y a fnes de ese año
Ian Gillan y Ritchie Blackmore renovaron el sonido de Deep Purple,
dejando atrás la fuctuación de estilos de sus primeros años para asimilar
completamente el hard rock y en buena medida el heavy metal. A
principios de 1970, Black Sabbath debutó con su álbum homónimo,
352

ROCK
cuyas canciones estaban cargadas de letras oscuras. Asimismo, el
guitarrista Tony Iommi, luego de sufrir un accidente en su trabajo que le
signifcó perder la punta de sus dedos corazón y anular de la mano
derecha, adaptó unas prótesis de goma en sus dedos y bajó la afnación
de la guitarra con el fn de que las cuerdas quedaran menos tensas para
no provocarle dolor. De esta manera, creó la tonalidad característica del
género (C♯ ).
Aun así, algunos críticos han considerado que en 1970 se dio
un principal desarrollo a este nuevo género musical, principalmente por
las producciones Black Sabbath y Paranoid de Black Sabbath e In Rock
de Deep Purple. En ese mismo año dos bandas británicas debutaron pero
con un sonido diferente al que posteriormente se hicieron conocidos;
Uriah Heep con Very 'eavy... Very 'umble y UFO con UFO 1. Por su
parte, Wishbone Ash hicieron su debut con su disco homónimo que
contenía las primeras twin-guitars. Cabe mencionar que las letras oscuras
de Black Sabbath y Uriah Heep fueron muy importantes para el
desarrollo del metal, a tal punto que Led Zeppelin asimiló dichos
elementos en su cuarto álbum lanzado en 1971. Estas mismas líricas
oscuras fueron fundamentales también para el debut de Budgie en 1971,
quienes fueron uno de los primeros grupos de heavy metal en nacer
como power trio.
Por su parte, los estadounidenses Bloodrock publicaron su disco
homónimo en marzo del mismo año y que incluyó rif de metal, letras
sádicas y macabras, y voces bruscas. En diciembre Sir Lord Baltimore
iniciaron su carrera con Kingdom Come, considerado como punto clave
para el posterior progreso del metal realizado en los Estados Unidos.
Otras bandas estadounidenses que se identifcaron con el metal
emergente fueron Blue Öyster Cult (1972), Aerosmith (1973) y Kiss
(1974) que en su momento fue considerada la banda más extrema de
rock. Mientras que desde Alemania salieron los exponentes Lucifer's
Friend (1970) y Scorpions con Lonesome Crow de 1972. También otros
grupos se identifcaron con el recién creado heavy metal, a pesar de
poseer más características del hard rock y del rock progresivo como es el
caso Queen con su producción homónima de 1973, los irlandeses Tin
Lizzy (1971), los escoceses Nazareth (1971) y los australianos AC/DC
con High Voltage de 1975.
Mención aparte es para los británicos Judas Priest que
debutaron en 1974 con Rocka Rolla, y que de acuerdo a Christe: «...
unifcaron y amplifcaron los duelos de guitarras de Tin Lizzy, la puesta
en escena de Alice Cooper y las voces dramáticas de Queen. Por primera
vez, el heavy metal se convirtió en un verdadero género en sí mismo».
353

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
El heavy metal a mediados de los años setenta
Durante los primeros años de la segunda mitad de los setenta,
la popularidad del metal continuaba en alto en varios países
anglosajones, europeos y en Japón. A su vez, aparecieron nuevas
agrupaciones como Motörhead y Rainbow, este último formado luego
de la salida de Ritchie Blackmore de Deep Purple. Para el crítico Steve
Huey de Allmusic considera que 1976 es el año crucial para la evolución
del género gracias a los discos Rising de Rainbow, Virgin Killer de
Scorpions y Sad Wings of Destiny de Judas Priest.
Las diversas agrupaciones continuaron agregando nuevos
atributos al género como es el caso de Judas Priest con Sin After Sin de
1977, que introdujo la combinación del doble bombo con ritmos
rápidos en semicorchea de bajo y guitarra, que llegó a defnir el género.
También dicha banda junto a Motörhead, UFO, Scorpions y Rainbow
aceleraron el tempo de sus canciones dando paso al speed metal. Por
último, las giras de conciertos eran cada vez más extensas y las
presentaciones como tal eran cada vez eran más elaboradas.
Durante esos años nuevos grupos comenzaron a aparecer en la
escena underground del Reino Unido como Iron Maiden, Saxon, Def
Leppard y Diamond Head, entre muchas más. Estas infuenciadas por la
mezcla de heavy metal tradicional y la velocidad de punk dieron paso a la
llamada Nueva ola del heavy metal británico. Por su parte, en los Estados
Unidos surgieron bandas como Van Halen, Dokken y Quiet Riot que en
la década posterior obtendrían un gran éxito en los mercados mundiales.
Sin embargo, durante los últimos años de la década varias
bandas clásicas se separaron o realizaron hiato como Blue Cheer,
Steppenwolf o Deep Purple por mencionar algunos. Además, las ventas
del metal disminuyeron drásticamente por el auge del punk rock, la
música disco y el rock más comercial.
Los años ochenta y el éxito comercial
Durante la década de los ochenta la popularidad del metal
retornó a los principales mercados del mundo, estableciendo un éxito
comercial hasta ese entonces nunca antes visto. Por un lado, esta nueva
oleada de agrupaciones británicas posicionaron al género en los top diez
de las listas inglesas con discos como el homónimo de Iron Maiden y
Wheels of Steel de Saxon, como también por Heaven and Hell de Black
Sabbath, Ace of Spades de Motörhead y British Steel de Judas Priest.
Incluso el directo No Sleep 'til Hammersmith de Motörhead llegó hasta
354

ROCK
el primer puesto en los UK Albums Chart, convirtiéndose en el primer
álbum del género en lograr el top 1 en dicha lista.
Esta popularidad también ayudó a otros artistas musicales como
Michael Schenker Group, Gary Moore, Ozzy Osbourne y Gillan a
situarse en los primeros puestos en varias listas europeas. Con un éxito
menor en ventas pero no por ello menos importante grupos como
Diamond Head, Venom, Praying Mantis, Angel Witch o Blitzkreig
tuvieron una importante infuencia en el desarrollo del heavy metal
posterior.
Aun así la escena británica no fue la única en popularizar el
heavy metal, ya que desde principios y mediados de los setenta el género
ganó una enorme atención en Alemania. Tanto Scorpions como
Lucifer's Friend elaboraron el hard rock/heavy metal alemán, que más
tarde continuaron desarrollando Accept, Running Wild, Axel Rudi Pell,
Grave Digger y Warlock. Por su parte, en los Estados Unidos surgió una
nueva ola de bandas más underground y en contraposición al glam metal
como Manilla Road, Alcatrazz y Manowar. Estos últimos dieron a partir
de sus letras un enfoque flosófco al signifcado del metal y al orgullo de
ser metalero, bajo la consigna de que el heavy metal nunca morirá. Sin
embargo, estos no serían los únicos países en desarrollar el metal, ya que
desde España surgieron Barón Rojo, Obús, Ángeles del Inferno y Los
Suaves, y también desde Argentina aparecieron los primeros grupos de
Sudamérica como Rif y V8. Por su parte, desde Suiza aparecería Krokus
y desde Suecia, Europe.
Entre 1983 y 1984 las ventas de las bandas del heavy metal
aumentaron de un 8% a un 20% de entre todos los discos
comercializados en los Estados Unidos. Esta alza también se refejó en
varios países europeos y Japón, y que se vio apoyado por los medios de
comunicación entre ellos la naciente MTV y las revistas profesionales
Metal Hammer y Kerrang!. En 1985 la revista Billboard declaró: «...el
metal ha ampliado su audiencia; la música metal ya no es dominio
exclusivo de los adolescentes varones. Dicha audiencia va desde mujeres
(universitarias), pre-adolescentes y más».
Además, el género fue apoyado por la aparición de grandes festivales
como el Monsters of Rock, Rock in Rio y sobre todo por el US Festival
de 1983, que durante el día del heavy metal donde tocaron Van Halen,
Scorpions, Judas Priest, Ozzy Osbourne, Mötley Crüe, Triumph y Quiet
Riot reunió a más de 375. 000 personas, convirtiéndose en el día más
concurrido de todo el certamen.
La década también vio el auge y la caída de uno de los
subgéneros más controvertido, el glam metal, que tuvo su origen en la
355

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
costa oeste de los Estados Unidos específcamente en los clubes y bares
del Sunset Strip en Los Ángeles. Esta nueva oleada de bandas estaban
inspiradas en el heavy metal tradicional, el hard rock de Van Halen,
Alice Cooper, Kiss y Aerosmith, pero principalmente en la estética visual
del glam rock de los setenta.
Los primeros grupos comenzaron a aparecer en la escena
estadounidense a principios de los ochenta como Kix (1981), Twisted
Sister con Under the Blade de 1982, Mötley Crüe con Too Fast for Love
de 1981, Ratt con Out of the Cellar de 1984 y W.A.S.P. con su disco
homónimo de 1984. Además, estas agrupaciones poseían un estilo de
vestir más glamoroso; pantalones y chaqueta de cuero frecuentemente
coloridos, botas tejanas, pañuelos en la cabeza, pelo rizado y largo, y uso
frecuente de maquillaje.50 Este nuevo estilo también recaló en España
donde surgieron bandas como Sangre Azul, Bella Bestia y Niágara.
A mediados de los ochenta el glam metal dominaba las listas
musicales, la música en televisión y los principales circuitos de conciertos
en los Estados Unidos.91 Además, una gran cantidad de agrupaciones
siguieron apareciendo como Poison, Cinderella, Warrant y sobre todo
Bon Jovi, que gracias a su disco Slippery When Wet se convirtieron en
uno de los grupos glam más vendedores de aquella década. Sin embargo,
el glam lentamente comenzó su declive durante los últimos años de la
década, debido a la aparición de nuevas bandas como Guns N' Roses con
un sonido más cargado al hard rock de los setenta y a Jane's Addiction
identifcados como uno de los primeros exponentes del metal alternativo.
Nuevos subgéneros del metal: década de los ochenta, noventa y años 2000
Durante la década de los ochenta muchos subgéneros se
desarrollaron lejos de la escena comercial y desde entonces varios han
sido los intentos por clasifcar este mundo del metal underground, tanto
por editores de Allmusic o Rolling Stone, como también por el crítico
Garry Sharpe-Young. De acuerdo a Sharpe-Young este circuito
underground se divide en cinco grandes categorías; doom metal, thrash
metal, death metal, power metal y black metal.
Doom metal
Emergió a mediados de los ochenta con las agrupaciones
estadounidenses Saint Vitus, Te Obsessed y Trouble, y por los suecos
Candlemass. Este movimiento a diferencia de los otros subgéneros utiliza
356

ROCK
tempos más lentos y con líricas infuenciadas en los primeros trabajos de
Black Sabbath. A simples rasgos el doom acentúa la melodía utilizando
ritmos melancólicos y un estado de ánimo más decaído en relación a las
otras variedades de metal. Además, y derivados de estas cualidades,
surgió a fnales de la década el sludge metal, que mezcla el doom con el
hardcore punk, cuyas bandas pioneras fueron Eyehategod y Crowbar.
Según la crítica, en 1991 comienza una nueva ola de doom
metal con la aparición del disco debut Forest of Equilibrium de los
ingleses Cathedral. En ese mismo período también apareció el estilo
death/doom de bandas británicas como Paradise Lost, My Dying Bride y
Anathema que dio origen al metal gótico europeo, con la característica
principal de los arreglos de doble vocalistas ejemplifcados por los
noruegos Teatre of Tragedy y Tristania y por los neoyorquinos Type O
Negative.
Ya a principios de los noventa e inspirados en las primeras
bandas de doom y del heavy metal tradicional, los californianos Kyuss y
Sleep encabezaron el auge del stoner rock, mientras que desde Seattle la
banda Earth ayudó a desarrollar el drone doom. A fnes de los noventa
nacieron las últimas importantes agrupaciones del género; Goatsnake
con un sonido de stoner/doom y Sunn O))) quienes mezclan el doom,
drone y metal dark ambient.
Thrash metal
Surgió a principios de los ochenta bajo la infuencia del speed
metal, de la Nueva ola del heavy metal británico y la energía y la agresión
del hardcore punk. Este movimiento comenzó en los Estados Unidos,
principalmente en la bahía de San Francisco, lo que se conoció como la
Bay Area thrash metal. Su sonido se caracteriza por ser más rápido y
agresivo al metal clásico y al posterior glam metal, incrementando la
distorsión de las guitarras y empleando técnicas como el scratching y el
shred. Por su parte, sus canciones tratan principalmente sobre temas
sociales bajo un lenguaje violento y visceral.
Este subgénero fue popularizado por los llamados Big Four of
thrash metal: Metallica, Slayer, Megadeth, y Anthrax. De igual manera
desde Alemania las agrupaciones Kreator, Sodom, Destruction y
Tankard jugaron un papel central al llevar este género a Europa, dando
inicio así al thrash metal alemán. A parte de Alemania y de la costa oeste
de los Estados Unidos, surgieron desde Nueva Jersey, Overkill, y desde
Brasil, Sepultura, que también tuvieron gran participación en el auge del
género.
357

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
A pesar que nació desde la escena underground, el thrash logró
un gran éxito comercial a principios de los noventa. Artistas como
Metallica y Megadeth posicionaron varios de sus discos en los primeros
lugares de la lista Billboard 200 y con ventas millonarias que se vio
refejada en varias certifcaciones discográfcas. Con un éxito menor en
ventas, las bandas Anthrax y Slayer lograron posicionar algunos de sus
trabajos en los top diez en varias listas mundiales. Otras agrupaciones
que lograron un éxito relativo durante aquella época fueron los ya
mencionados Overkill y Sepultura, como también Testament y Exodus.
Desde la mitad de los noventas su popularidad decayó ante los
cambios de sonido que muchas agrupaciones hicieron y también por el
auge de nuevos sonidos como el grunge. Sin embargo, el thrash metal
volvió a cobrar fuerzas a mediados de los años 2000 con la aparición de
nuevos artistas como Violator, Evile, Warbringer, Municipal Waste y
Suicidal Angels entre muchas otras, y por el retorno de varias de sus
bandas clásicas.
Death metal
Este movimiento extremo surgió a mediados de los ochenta
derivado de la evolución del thrash, que de acuerdo a MTV News: «La
música de Slayer fue el responsable directo del nacimiento del death
metal». Nacido tanto en Norteamérica como en Europa, desde un
principio enfatizó varios elementos de la blasfemia, el satanismo, la
violencia y la destrucción, acompañados de una música agresiva y rápida
y con cambios constantes en su tempo. Sus características principales son
sus voces sombrías, profundas y rasposas —denominada voz gutural—,
guitarras distorsionadas y una gran velocidad en la percusión.
Sus principales mentores son los estadounidenses Death y
Possessed, a quienes también se les acredita como los creadores del
nombre de este subgénero debido a la maqueta Death by Metal (1984) y
a la canción «Death Metal» del disco Seven Churches (1985)
respectivamente. La escena death metal se llevó a cabo en los ochenta en
Florida con las bandas Death, Obituary, Morbid Angel y Deicide,
mientras que en el Reino Unido fue liderada por Napalm Death,
Extreme Noise Terror y Carcass. A principios de los noventa nació una
nueva oleada de bandas en Escandinavia, las cuales terminaron de defnir
este nuevo estilo.
Por último, y durante las últimas décadas ha sufrido varias
innovaciones en su sonido, que dieron paso a nuevos subgéneros y
358

ROCK
fusiones como el death metal melódico, death metal progresivo, brutal
death metal, slam death metal, death n roll, deathcore y deathgrind,
entre otros.
Black metal
Es un subgénero que al igual que el death metal deriva del
thrash, por ello son muy parecidos en cuanto a agresividad, potencia y el
ambiente oscuro que proyecta. Sin embargo, enfatizan la mezcla de las
voces agudas, llamadas shriek, con las voces graves casi guturales, un
amplio manejo del tremolo, una producción lo-f y el uso del corpse
paint. También la temática satánica es común en sus canciones, aunque
muchas agrupaciones toman inspiración del antiguo paganismo
generando un retorno a los valores del precristianismo. Además,
numerosas bandas también mezclan sus sonidos con otros estilos como el
folk, la música clásica, la música electrónica y el avant-garde.
La primera ola del black metal surgió a principios de los
ochenta en Europa, liderados por los británicos Venom, los daneses
Mercyful Fate, los suizos Hellhammer y Celtic Frost y por los suecos
Bathory. Más tarde los noruegos Mayhem y Burzum encabezaron la
segunda oleada. Por último y a principios de la década siguiente
comenzaron a aparecer nuevas bandas provenientes de Alemania, Francia
y Polonia.
A principios de los noventa algunos grupos de la escena black
metal escandinava fueron asociados con la violencia, en especial los
integrantes de Mayhem y Burzum quienes se les acusaba de quemar
iglesias, lo que la prensa denominó el Inner circle. Al respecto Gaahl,
exvocalista de Gorgoroth mencionó: «El black metal nunca tuvo la
intención de llegar a un público... (Nosotros) teníamos un enemigo en
común que era, por supuesto, el cristianismo, el socialismo y todo lo que
la democracia signifca». En 1993 la violencia de sus músicos llegó hasta
la prensa mundial, cuando Varg Vikernes líder de Burzum asesinó al
guitarrista Euronymous de Mayhem.
En 1996 cuando muchos pensaron que el género se estaba
estancando, muchos grupos clave, incluidos Burzum y Beherit,
evolucionaron hacia un sonido más ambiental llamado dark ambient,
mientras que el black metal sinfónico fue explorado por los suecos
Tiamat y los suizos Samael. Ya a fnes de los noventa y principios de los
2000 las agrupaciones Cradle of Filth y Dimmu Borgir acercaron el
black metal al circuito comercial.
359

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Power metal
El power metal nació como una reacción a la dureza del metal
extremo, siendo su infuencia clave el speed metal. Su principal
característica son sus letras que van desde historias y hechos medievales a
la fantasía y en ocasiones a la mitología. A pesar de ser un estilo
underground en Norteamérica, goza hasta el día de hoy de una gran
popularidad en Europa, Japón y en Sudamérica.
Surgió a mediados de los ochenta con la aparición de la banda
alemana Helloween, que estableció a partir de sus primeros álbumes una
combinación de rif rápidos con el shred, un enfoque melódico y unas
«voces agudas limpias» tomadas de artistas como Judas Priest y Iron
Maiden. Otras bandas de la llamada primera oleada son los suecos
HammerFall, los ingleses DragonForce y los estadounidenses Iced Earth
quienes adoptaron la rapidez de la Nueva ola del heavy metal británico
con las letras épicas de Rainbow y Dio. A su vez, otros grupos como
Kamelot, Nightwish, Stratovarius, Sonata Arctica y Rhapsody of Fire
comenzaron a emplear los teclados y órganos que dieron paso al power
metal sinfónico.
Durante la década de los noventa el movimiento generó una
gran popularidad en Europa con la aparición de nuevas agrupaciones
como Blind Guardian, Gamma Ray y Edguy por citar algunas. Además,
el subgénero llegó a los circuitos de conciertos con gran éxito en
Sudamérica, de donde nacieron los brasileños Angra y los argentinos
Rata Blanca.
Como muchos de los subgéneros del metal, varios grupos le
otorgaron nuevos atributos que dieron paso a algunas subdivisiones. La
más importante de ellas es el metal progresivo, que mezcla la rapidez del
power con la complejidad compositiva del rock progresivo en especial de
Rush y King Crimson. Este nuevo estilo surgió en los Estados Unidos
liderada por Queensrÿche, Crimson Glory, Fates Warning y por Dream
Teater.
Los años noventa y nuevas tendencias
La llegada de los noventa renovó en gran medida la
denominada época dorada del heavy metal. Por un lado el glam metal
comenzó a perder popularidad en los principales mercados del mundo
ante el nacimiento del grunge, liderado por bandas como Nirvana, Alice
in Chains y Pearl Jam. Esta nueva ola de grupos estaban infuenciadas
por el heavy metal, pero rechazaban los excesos de muchas agrupaciones
360

ROCK
de los ochenta, como la imagen ostentosa y los virtuosos solos de
guitarra. Además, la incursión del thrash en las listas musicales y la
eclosión del llamado groove metal fueron puntos importantes de esta
renovación musical.
Liderada por Perry Farrell, la banda Jane's Addiction encabezó
un nuevo estilo musical llamado metal alternativo, que junto con el
grunge comandaron en gran parte las listas musicales, las ventas
discográfcas y los conciertos en vivo durante los primeros años de los
noventa. Aun así, las bandas Pantera, White Zombie y Sepultura con un
sonido más agresivo tuvieron gran repercusión en los Estados Unidos,
mientras que Aerosmith y Guns N' Roses fueron uno de los pocos
grupos que se mantuvieron viables comercialmente. También la
aparición del festival Lollapalooza sirvió como una enorme oportunidad
para que nuevas bandas se hicieran conocidas.
De igual manera esta nueva década trajo consigo nuevas
tendencias, donde las bandas emergentes fusionaron diversos géneros
musicales con el metal, creando así nuevos subgéneros. Agrupaciones
como Faith No More mezclaron el rock alternativo con el funk, punk,
metal y hip hop. Por su parte bandas como Primus, Red Hot Chili
Peppers y Rage Against the Machine combinaron elementos del funk
con el metal alternativo, dando paso al llamado funk metal. A su vez, la
mezcla del metal con los sonidos electrónicos de sintetizadores, samplers
y teclados dieron como resultado al metal industrial, liderada
mayormente por Rammstein, Ministry, Fear Factory y Nine Inch Nails.
Otra de las fusiones surgidas a principios de la década fue el rap metal,
que enfatizaba la potencia y sonido del metal con la complejidad rítmica
y lingüística del rapeo.
Por último y a fnes de los noventa nació en los Estados Unidos
el nu metal, que combinaba los elementos del metal alternativo con el
hip hop y que gracias a festivales como el Ozzfest lograron cautivar a la
nueva generación de metaleros. Aun así, este nuevo estilo no ha sido
reconocido por los seguidores del heavy metal, quienes lo tildan como
posero. Sin embargo, este subgénero logró durante los primeros años de
la década siguiente una gran aceptación en los mercados mundiales,
donde agrupaciones como Limp Bizkit, Slipknot, Deftones, Papa Roach,
Linkin Park y KoRn lograron vender millones de copias. Pero a partir de
2005 el movimiento comenzó a decaer; por un lado grupos como Linkin
Park y Disturbed cambiaron su estilo e imagen acercándose al metal
alternativo y por el otro grupos como KoRn, Limp Bizkit y Maximum
the Hormone siguieron teniendo éxito con el nu metal aunque en menor
escala.
361

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
En 1999, la revista Billboard anunciaba que había más de 500
radios en los Estados Unidos especializadas en música metal, cerca de
tres veces más que hace diez años. Estas nuevas emisoras reactivaron el
heavy metal tradicional que durante la década estuvo ensombrecido por
las bandas emergentes, donde muchas de ellas se separaron o lanzaron
álbumes alejados de su sonido clásico, con diversas críticas tanto de sus
seguidores como de la prensa.
Años 2000 y el retorno del metal clásico
La llegada del nuevo milenio trajo consigo un retorno del metal
clásico principalmente en Europa, Latinoamérica y Japón. Muchas de las
agrupaciones que se separaron volvieron a lanzar nuevos trabajos de
estudio, muchos de ellos con su alineación clásica de los ochenta por
ejemplo, Iron Maiden con Brave New World, Judas Priest con Angel of
Retribution o Manowar con Warriors Of Te World. A su vez en
Escandinavia comenzó una nueva generación de bandas con gran éxito
en los mercados, mientras que países como Bélgica, Países Bajos y sobre
todo Alemania se convirtieron en los mercados más importantes para el
género en Europa.
Muchas de las agrupaciones que nacieron en los noventa dentro
del circuito underground como por ejemplo Blind Guardian, Nightwish,
Children of Bodom, In Flames, HammerFall o Te Haunted
comenzaron a tener un gran éxito en los mercados europeos, con miles
de ventas y participaciones en los principales festivales del viejo
continente. Además, algunos críticos utilizaron el término retrometal
que ha sido aplicado a principios y mediados de los años 2000 a grupos
como los británicos Te Darkness. y los australianos Wolfmother.136
Dicha expresión también alude a las nuevas bandas que reviven el sonido
del hard rock y del heavy metal de los ochenta como por ejemplo Steel
Panther, Stone Gods, Hardcore Superstar, Te Answer y Airbourne.
Sin embargo y durante los primeros años de la década surgió el
último subgénero de importancia hasta el día de hoy el metalcore,
considerado como un híbrido entre el metal extremo y el hardcore punk.
Sus raíces provienen desde mediados de los ochenta con la escena
crossover thrash de grupos como Suicidal Tendencies, Dirty Rotten
Imbeciles y Stormtroopers of Death. Durante los noventa se mantuvo
como un fenómeno underground lideradas por las agrupaciones Earth
Crisis, Hogan's Heroes, Converge, Hatebreed y Shai Hulud, pero con la
llegada de los 2000 algunos grupos han logrado posicionarse en los
primeros puestos de las listas musicales, entre ellos Killswitch Engage con
362

ROCK
Te End of Heartache y Shadows Fall con Te War Within. Al igual que
todos los subgéneros, muchas de sus bandas les han atribuido nuevos
sonidos dando paso a una serie de subdivisiones como el grindcore,
deathcore y el metalcore melódico por mencionar algunas.
Por último y desde mediados de la década anterior comenzó en
los Estados Unidos una nueva generación de bandas, que la prensa
denominó Nueva ola de heavy metal americano y que está integrado por
diversos estilos entre ellos el metal alternativo, groove metal, nu metal y
el metal progresivo por ejemplo. Algunas de sus agrupaciones como
Machine Head, Mastodon, Lamb of God, Black Label Society o
Avenged Sevenfold han tenido un gran éxito comercial en los últimos
años e incluso han liderado varios de los festivales más importantes del
mundo.
7. 8. PIANO ROCK
El piano rock es un género musical derivado del rock basado en
el piano. Diferente de la formación clásica del rock que combina una
guitarra eléctrica líder, posible guitarra rítmica o teclados, bajo, batería y
voz, el piano rock incluye y sitúa al piano, o instrumentos derivados
como el sintetizador o el órgano, al protagonismo del sonido.
Encontrando sus tempranos orígenes en pioneros como Fats Domino,
Little Richard y Jerry Lee Lewis, este género fue perfeccionado
posteriormente por grandes artistas como Elton John, Queen, Te
Beatles, John Lennon, Billy Joel y Carole King. Otros exponentes que
continuaron con el estilo son Dresden Dolls, Ben Folds Five, Charly
García, Tori Amos y Supertramp. También se destaca en bandas de los
90 como Radiohead en su sencillo "Karma Police o Ocean Colour Scene
en su sencillo Better Day.
En la actualidad (años 2000 para adelante), el piano rock se
encuentra presente a través de bandas como Muse en algunas canciones
como por ejemplo "Sunburn", "Ruled by Secrecy", "Starlight",
"Resistance" o "Space Dementia", Coldplay (con canciones como
"Clocks" y "Trouble"), Evanescence (en canciones como My heart is
broken, Erase this, My Immortal...), John Legend en su balada All of
Me" o "Videotape", la banda Embrace ("Gravity" y "Nature's Law"),
Te Fray ("How To Save A Life" y "You Found Me"), Augustana
("Boston" y "Sweet And Low") o OneRepublic ("Apologize" y "All We
Are"), Vanessa Carlton en su sencillo A Tousand Miles, Say Something,
de A Great Big World con Christina Aguilera, entre otras. Uno de los
363

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
ejemplos más representativos del género es Te Gabe Dixon Band,
aunque quizá la banda más destacada de la actualidad sea Keane, cuyo
primer disco Hopes and Fears contenía piano y teclados y ninguna
guitarra. Sus singles más conocidos son "Everybody's Changing" y
"Somewhere Only We Know. Tras ese disco, han continuado
incorporando piano rock en sus posteriores discos.
7. 9. POP ROCK
Pop rock es un genero musical que combina melodías y letras
típicas de la música pop con elementos propios del rock como son una
mayor presencia de guitarras eléctricas o un ritmo más fuerte. Existen
diversas defniciones para el término que van desde una forma más lenta
y suave de rock hasta un subgénero dentro del pop.
En un sentido más amplio, se utiliza también pop-rock como
término genérico que engloba a aquellos estilos que se encuadran tanto
dentro del pop como del rock, en particular los de carácter mainstream,
es decir, aquellos que gozan de mayor popularidad entre el gran público
y que son por ello objeto de mayor atención en los medios de
comunicación y en las radiofórmulas. Otras posibles grafías para el
término empleado en este último sentido son pop/rock y pop&rock.
Estándares
George Starostin defne el pop rock como un subgénero de la música
pop que utiliza pegadizas canciones pop que son sobre todo basadas en la
guitarra. Starostin afrma que la mayor parte de lo que tradicionalmente
se llama power pop cae en el subgénero pop rock. Afrma que el
contenido lírico del pop rock es "normalmente secundario a la música".
El crítico Philip Auslander argumenta que la distinción entre el
pop y el rock es más pronunciada en los Estados Unidos que en el Reino
Unido. Auslander afrma que en los Estados Unidos el pop tiene sus
raíces en cantantes blancos como Perry Como, mientras que el rock tiene
sus raíces en las formas afroamericanas con infuencias como el Rock and
Roll. Auslander señala que el concepto de pop rock, que mezcla al pop y
el rock, está en contradicción con la concepción típica de pop y rock
como opuestos. Auslander y varios otros estudiosos, como Simon Frith y
Grossberg argumentan que la música pop es a menudo representada
como una forma inauténtica, cínica, "hábilmente comercial" y basada en
fórmulas de entretenimiento. En contraste, la música rock es a menudo
considerada como una forma auténtica, sincera y anti-comercial de la
364

ROCK
música, que hace hincapié en escribir canciones de los cantantes y
bandas, virtuosismo instrumental, y una "conexión real con el público".
El análisis de Simon Frith de la historia de la música popular de
los años 1950 y 1980 ha sido criticado por BJ Moore-Gilbert, quien
sostiene que los académicos como Frith y otros han puesto demasiado
énfasis en el papel del Rock en la historia de la música popular al
nombrar a todos los nuevos géneros con el sufjo de "Rock"; así, cuando
surge en la década de 1960 un estilo basado en el folk, Frith lo denomina
"folk rock", o a los estilos que beben del pop en la década de 1970 los
llama "pop rock". Moore-Gilbert afrma que este enfoque injustamente
pone al rock en la cima de los movimientos musicales, y hace que todo
otro tipo de infuencia sea considerada como un complemento al núcleo
central del rock.
Ejemplos
Como ocurre con muchos géneros musicales, es subjetivo determinar
qué constituye "pop rock" y qué no. Así, los periodistas y críticos
musicales diferen a veces sobre la categoría en que se debería encuadrar a
una banda. Con todo, algunos ejemplos de artistas o grupos
habitualmente considerados como pop-rock son Roxette, Te
Cranberries, Elton John, Dire Straits, Te Police, Te Beatles, R.E.M.,
U2, Alanis Morissette, Sheryl Crow, Avril Lavigne, Robbie Williams,
Pink, OneRepublic, Coldplay, Oasis etc. En el ámbito hispano se puede
mencionar a Virus, Soda Stereo, Hombres G, Maná, La Ley, El Canto
del Loco, Juanes, Caifanes y muchos otros.
7. 10. POST-ROCK
Post-rock es un término que fue usado por primera vez por
Simon Reynolds en una edición de la revista Te Wire (en mayo de
1994) para describir el sonido de algunas bandas de rock que utilizan
instrumentos propios del rock, pero incorporando ritmos, armonías,
melodías, timbres y progresiones armónicas que no se encuentran dentro
de la tradición del género. La mayoría de sus bandas producen música
puramente instrumental. Sin embargo, muchos sostienen que el uso del
término no es adecuado: por ejemplo, se usa para hablar de la música de
Tortoise al igual que la de Mogwai, dos bandas que tienen poco en
común (salvo que su música es principalmente instrumental).
365

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Origen del término
El término "Post-rock" fue acuñado por el crítico Simon
Reynolds en su reseña del álbum Hex de Bark Psychosis, publicado en el
ejemplar de marzo de 1994 de la revista Mojo. Reynolds expandió esa
misma idea en el ejemplar de mayo de 1994 de la revista Te Wire.
“Tal vez el área realmente provocativa para un desarrollo futuro
de la música yace en... el rock cyborg; no en un abrazo incondicional a la
metodología Techno, pero sí algún nivel de interacción entre el desempeño
musical en vivo, con instrumentos reales y el uso de efectos y mejoras
digitales.”
Simon Reynolds
En una entrada de julio de 2005 en su blog, Reynolds declaró
que había usado el término "post-rock" antes de publicarlo en Mojo, en
un diario de música llamado Melody Maker. Más adelante también
declaró que había encontrado que el término no fue de su propia
creación, publicando en su blog que "a pesar de que yo genuinamente
creí que estaba acuñando el término, he descubierto que este ha estado
fotando en el ambiente por más de una década". El término también fue
usado por James Wolcott en un artículo de 1979 sobre Todd Rundgren,
a pesar de que Wolcott lo utilizó con un signifcado completamente
distinto. El término también fue utilizado en "Te Rolling Stone Album
Guide" para denominar un estilo musical similar al avant-rock.
Historia
Precedentes del género
El post-rock aparenta tomar una gran infuencia de la banda de
fnes de la década de 1960, Te Velvet Underground y su estilo
dronescape, también a Pink Floyd y su estilo experimental lo cual según
Reynolds "defne aproximadamente el cincuenta por ciento de la
actividad post-rock actual".
El grupo británico Public Image Ltd (PiL) fue una banda
pionera del género, descritas por la revista NME como "probablemente
la primera banda de post-rock". Su segundo álbum Metal Box de 1979
casi abandonó las estructuras tradicionales del rock en favor de un sonido
más denso, repetitivo e inspirado en el krautrock.
366

ROCK
Años 1990
El término "post-rock" fue utilizado originalmente para
describir la música de bandas como Cul de Sac, Stereolab, Laika, Disco
Inferno, Moonshake, Seefeel, Bark Psychosis, y Pram, aunque,
frecuentemente, también se utilizó para describir una variedad de música
creada antes de 1994, infuenciada por el jazz, el krautrock y la música
electrónica.
Una de las bandas que infuenció al movimiento fue Talk Talk,
que originalmente era una banda de synth pop perteneciente al
movimiento New Romantic (más conocida por éxitos como "It's My
Life" y "Such A Shame"), pero que desde su tercer álbum se movió en
una dirección completamente distinta, y que con Spirit of Eden y
Laughing Stock introdujo un sonido minimalista basado en texturas
inspiradas en el jazz y el ambient, con canciones más largas y
atmosféricas. Slint también fue muy infuyente con su álbum Spiderland,
editado en 1991.
Tortoise fue una de las bandas fundadoras del movimiento.
Luego de su segundo LP, Millions Now Living Will Never Die, la banda
se convirtió en un icono del post-rock. Muchas bandas (como Do Make
Say Tink) comenzaron a grabar música inspirada por Tortoise, y fueron
descritas como post-rock.
A fnes de los años 1990, Chicago, Illinois, se volvió el centro
de muchos grupos importantes. John McEntire (de Tortoise), al igual
que Jim O'Rourke (de Brice-Glace, Gastr del Sol y otras bandas) se
volvieron importantes productores de varias bandas del género.
Godspeed You Black Emperor! (luego renombrada "Godspeed
You! Black Emperor") y Mogwai estaban entre las bandas más
infuyentes de la escena que surgió en ese época. El post-rock comenzó a
abarcar desde el sonido lento y atmosférico basado en guitarras de
Boxhead Ensemble, al rock de Radiohead, hasta la electrónica de
Stereolab.
Otra de las locaciones más importantes dentro del movimiento
post-rock es Montreal, donde Godspeed You! Black Emperor y otras
bandas similares como Do Make Say Tink, A Silver Mt. Zion y Fly Pan
Am entre otras, graban y lanzan sus discos a través de Constellation
Records, una de las discográfcas más importantes del género.
Años 2000
A principios del 2000, el término "post-rock" se volvió
367

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
controvertido ya que muchos críticos condenaron su uso. Incluso bandas
consideradas parte del movimiento como Cul de Sac, Tortoise, y
Mogwai comenzaron a rechazar el término. La gran cantidad de estilos
que el término cubría hicieron que el mismo perdiera gran parte de su
utilidad. Bandas como My Bloody Valentine son frecuentemente
consideradas parte del "post-rock" como consecuencia del uso excesivo
del término cuando se caracterizan bandas con un aspecto más
"experimental".
Algunas bandas relativamente "comerciales" como
Yourcodenameis:milo y Hope Of Te States adoptaron el enfoque
compositivo de bandas como Mogwai. Sin embargo, el movimiento no
ha sido demasiado infuyente en el mainstream. Bandas como Akira, Red
Sparowes y Agents in Panama siguen siendo parte del underground.
Cabe destacar el reconocimiento recibido de ciertas bandas como la
islandesa Sigur Rós, Explosions in the Sky, Pelican, I'msonic Rain, y
Mono, cuyos niveles de popularidad han ido subiendo con los años.
A pesar de las críticas al uso del término, todavía surgen bandas
de post-rock; 65daysofstatic, Youthmovies, Austin TV, Aurora Somnia,
MojiMoji, AMBR o Parahelio, Kermit, Oso de Hielo, La Oveja
Eléctrika, Way 98 que se abre paso en la escena post rock de
Latinoamérica hacia el mundo, aún mantienen los principios
fundamentales del género.
Actualmente también podemos encontrar bandas emergentes
españolas como Dreamer Strings o Twisted Face Of Fading Beauty que
mezclan el rock instrumental y el post-rock como elementos principales
en su música.
Características musicales
El sonido post-rock puede incorporar una gran variedad de
géneros musicales, entre los que destacan el rock progresivo, la música
electrónica, la música experimental y el jazz. Muchas bandas tempranas
del género incluyeron una infuencia muy fuerte del krautrock de la
década del '70, uno de los subgéneros más signifcativos del rock
progresivo, particularmente tomando elementos del "motorik", el ritmo
característico del krautrock. El enfoque, que incluye énfasis en el trabajo
instrumental y las texturas sonoras, es similar al que inicialmente tenía la
música new age, la cual derivó de la tradición moderna del folk.
Las composiciones de post-rock usualmente hacen uso de la
repetición de arreglos musicales, y de delicados cambios de ritmo y
dinámica. En algunos puntos, el post-rock es similar a la música de Steve
368

ROCK
Reich, Philip Glass, y Brian Eno, pioneros de la música minimalista.
Típicamente, las piezas musicales post-rock son de larga duración y
puramente instrumentales, conteniendo estructuras repetitivas de timbre,
dinámica y textura.
Generalmente, no hay voces cantadas en las composiciones de
post-rock, sin embargo, esto no necesariamente signifca que la voz
humana esté totalmente ausente. Cuando se incluyen voces, su uso es no
tradicional: algunas bandas del género incluyen voces como elementos
puramente instrumentales e incidentales con el sonido, en lugar de un
uso más "limpio", donde la voz es claramente interpretable y se utiliza
para dar un sentido poético y lírico a la canción. Sigur Rós, una banda
conocida por su distintivo uso de voces cantadas en sus composiciones,
fabricó un lenguaje que llamaron hopelandic (‘idioma de la Tierra de la
Esperanza’), el cual fue descrito por la banda como «una forma de
galimatías que encaja en la música actuando como otro instrumento
más».
7. 11. PROTO-PUNK
Proto-punk (a veces llamado punk rock de los sesenta o rock
agresivo) es un término que describe a un grupo de bandas innovadoras y
por mucho tiempo inclasifcables que surgieron a partir de la primera
mitad de la década de 1960 y fueron precursores o más bien los
creadores del punk rock.
Descripción
El término no describe a un género musical sino a un grupo de
bandas. Tampoco fue un movimiento musical propiamente dicho. Las
bandas que son clasifcadas de esta manera fueron inclasifcables en su
momento y esto no cambió hasta bastante tiempo después del
surgimiento del punk, momento en que esta clasifcación se empieza a
usar retrospectivamente para unir bajo una sola palabra a todas estas
bandas. Hasta este momento no había nada que uniera a las bandas lo
sufciente.
Estas bandas presentaban un sonido y letras desafantes para las
modas y tendencias de su época, completamente opuestos al utopismo y
optimismo del movimiento hippie. Esto los llevó a un lugar marginal
dentro de la escena y la industria. Gran parte de ellas fueron ignoradas en
su momento y no revalorizadas hasta mediados de la década de 1970
cuando la escena punk comenzaba a tomar forma.
369

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Historia
Las primeras bandas proto-punk en todo el mundo fueron Los
Saicos y Te Velvet Underground que surgieron en 1964 en Lima (Perú)
y Nueva York (Estados Unidos) respectivamente, por sus polémicas
letras, su pionero uso del feedback, la distorsión y el noise, su
impredecible experimentalismo y su amateurismo.
La escena de Detroit fue esencial para el proto-punk con dos
bandas de gran importancia, Te Stooges y MC5. El año clave es 1969
en el cual se editan los álbumes debut de ambas bandas, el homónimo
Te Stooges y Kick Out the Jams de MC5, ambos dueños de un sonido
muy crudo y canciones casi amelódicas. Otras bandas del llamado
Detroit Rock que infuenciaron a bandas punk con su sonido crudo a
fnales de los 60 y principios de los 70 son ? & Te Mysterians y Destroy
All Monsters (donde tocó Ron Asheton de Te Stooges) aunque sus
nombres sean más asociados con el garage rock que otras bandas como
Te Stooges y MC5. El garage rock fue una gran infuencia también para
el punk con bandas como Te Flamin' Groovies que fueron
reivindicadas con el surgimiento del punk.
A principios de los 70 en Nueva York, los New York Dolls
comenzaban lo que fnalmente se convertiría en la escena punk con un
sonido muy infuenciado por Te Rolling Stones y una imagen
glamourosa que los incluiría también dentro de la escena glam rock
(estilo que es muy cercano al proto-punk y que ejerció gran infuencia
sobre las bandas punk). Otras bandas de Nueva York como Te
Dictators con su disco Te Dictators Go Girl Crazy! y Suicide, aunque
no editaron ningún disco hasta la segunda mitad de los 70, también
pueden ser clasifcadas como proto-punk.
En el Reino Unido la mayoría de las bandas precursoras del
punk están incluidas dentro de la escena glam rock o pub rock. Artistas
como T-Rex, Mott Te Hopple, Slade y David Bowie fueron grandes
infuencias para los primeros artistas y sellos punk británicos. Te Who y
Te Kinks también son consideradas bandas proto-punk inglesas.
También bandas de garage rock como Te Troggs y todo el movimiento
pub rock fueron importantes para los artistas punk y reivindicadas por
algunos de ellos.
Cabe destacar también ciertos temas de hard rock, como
Communication Breakdown de Led Zeppelin, Paranoid de Black
Sabbath o I'm Eighteen de Alice Cooper), algunos temas de rock
psicodelico, como Break on Trough (To the Other Side) de Te Doors
que servirían de antecedentes a la música punk y que son comúnmente
370

ROCK
considerados como temas proto-punk.
También podemos considerar proto-punk al surf rock
californiano, caracterizado por su velocidad, su experimentalidad y
primitivismo. Especialmente podemos mencionar a la canción Surfn'
bird de Te Trashmen, versionada por los Ramones.
Hispanoamérica
Paralelamente en 1964 aparecería en Lima (Perú) la banda Los
Saicos, banda con sonidos estridentes, rasgados y temáticas rebeldes,
considerados por varios especialistas como una de las primeras bandas
hispanoamericanas clasifcadas como proto-punk. Una de las canciones
más representativas es Demolición, (en 2011 fue lanzado un
documental, Saicomanía sobre su historia, música y legado en el rock
mundial).
7. 12. PUNK ROCK
El punk, también llamado punk rock, es un género musical
dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970. Este género se
caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y
contracultural. En sus inicios, el punk era una música muy simple y
cruda, a veces descuidada: un tipo de rock sencillo, con melodías
agresivas de duraciones cortas, sonidos de guitarras amplifcadas poco
controlados y ruidosos cargados de mucha distorsión, pocos arreglos e
instrumentos y, por lo general, de compases y tempos rápidos.
Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la
crudeza del sonido amplifcado y muy distorsionado, generalmente
creando un ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage
rock. El bajo, por lo general, sigue solo la línea del acorde y no busca
adornar con octavas ni arreglos la melodía. La batería por su parte lleva
un tempo acelerado, con ritmos sencillos de rock and roll. Las voces
varían desde expresiones fuertes e incluso violentas o desgarradas,
mientras las letras se caracterizan por tratar temas como los problemas
políticos y sociales (llevando con esto un mensaje de conciencia que se
extiende, tratando de denunciar por medio de la música este tipo de
problemas e incluso se llegan a tratar temas como el no a las drogas,
amor, pacifsmo, etc). Aunque desde fnales de los 70s e incluso antes (a
excepción de la lírica) , estos aspectos fueron cambiando gracias a que las
bandas que se formaron en ese tiempo (por general bandas del estilo
hardcore y otras bandas más tradicionalistas) fueron agregando cambios
371

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
de acorde muy rápidos en la guitarra, arreglos (para mayor complejidad)
y solos de guitarra (heredados directamente del rock and roll y
rockabilly), en el bajo se introdujeron los arreglos con octava, y la batería
aceleraba más el ritmo y el tempo, las voces eran muchas fuertes.
El punk rock explotó en la corriente musical a fnales de los
años 70 con bandas británicas como Sex Pistols, Te Clash y Te
Damned y bandas estadounidenses como Ramones, Te Dead Boys y
Blondie. Más adelante en la década de los 80, dentro de la escena
independiente surgirían dos movimientos dentro del punk rock que se
caracterizarían por seguir las ideas de la ética Hazlo tú mismo, y con una
fórmula musical mucho más agresiva, rápida, y veloz; en Estados Unidos
el Hardcore (con bandas como Black Flag, Minor Treat, Dead
Kennedys, Circle Jerks, Bad Brains, quienes ayudaron e infuenciaron a
músicos que más tarde conformarían la escena hardcore melódica, skate
punk, nardcore e incluso straight edge/youth crew) y en el Reino Unido
el UK '82 (representado por Te Exploited, GBH, Chaos UK,
Discharge, Varukers, estos últimos dos dieron continuación e infuencia
a formas más extremas del punk como D-beat, crust punk y grindcore).
Muchos músicos infuenciados por el punk rock (pero con distintos
intereses musicales) más tarde formarían bandas de post-punk, heavy
metal, grunge, emo, noise rock, ska, new wave, rock alternativo y gótico.
En los 90, aparece el grunge con Nirvana; más tarde bandas californianas
de skate punk y hardcore melódico seguirían vendiendo millones de
discos como Ofspring, Rancid y NOFX. A mediados de los 90. A fnales
de los 90 el mercado musical promovería a bandas de pop punk como
Green Day o Blink-182; asimismo, bandas de punk hardcore y street
punk siguieron formándose como Te Casualties, Unseen, Blanks 77,
Agnostic Front, Violent Society, Restarts, First Step, Battery, Good
Clean Fun, entre muchas más bandas.
Características
Filosofía punk
“El punk es la lucha constante contra el miedo de las repercusiones sociales.”
Greg Grafn.
La forma originaria del punk era un tipo de rock sencillo y algo
ruidoso para expresarse con sus propios medios y conceptos. Entre las
primeras bandas musicales representantes del punk están Te Ramones,
Dead Boys, Te Voidoids, Blondie, Te Heartbreakers, Tuf Darts, Te
Cramps, Te Misfts, Black Flag, Te Gun Club, Te Bags, Cherry
372

ROCK
Vanilla y Wayne County & the Electric Chairs y en el proto-punk Te
New York Dolls, Te Velvet Underground (la banda de Lou Reed), Iggy
Pop y Te Stooges, MC5, la cantante Patti Smith, Television y Te
Dictators entre otros, todo esto en Estados Unidos.
En el Reino Unido proliferarían agrupaciones como Sex Pistols,
Te Clash, Te Damned, Buzzcocks, Te Adicts, Te Pretenders, Te
Jam, Te Stranglers, U.K. Subs y Adam & the Ants, además de David
Bowie, Marc Bolan de T-Rex y Te Who entre otros, quienes también
infuenciaron al punk igual que paralelamente lo hicieron las bandas
proto-punk de garage rock de EE.UU.
Ramones se presentaban a sí mismos como banda de rock, sin
pretensiones declaradas de mensaje directamente innovador o rompedor
salvo en lo musical. Después surgiría la etiqueta punk y Ramones serían
considerados los primeros en representarla. Por otro lado había una
forma de transgresión, buscando liberarse de los estigmas sociales. Esta
rama no daba explicaciones y buscaba incomodar a lo establecido
chocando, ofendiendo y molestando al buen gusto, la moral y la
tradición. Se buscaba básicamente la provocación a través de
demostraciones de transgresión estética o giros de lenguaje
contradictorios, absurdos o insolentes. Es el estilo que popularizaron Sex
Pistols, relacionado ligeramente al nihilismo y otras formas de
escepticismo.
Más adelante, especialmente con la aparición del hardcore punk
y marcado por la herencia de la actitud del colectivo Crass, se hizo
presente todo un abanico de enfoques de crítica social, posicionamientos
políticos y afnidad a campañas de protesta. El ejemplo musical más
clásico son Crass y Te Clash. La flosofía punk puede resumirse en:
"Hazlo tú mismo" o "hazlo a tu manera". Rechaza los dogmas y
cuestiona lo establecido. Desprecia las modas y la sociedad de masas
(aunque su estética también puede considerarse una moda preestablecida
por el punk). En sus canciones, estas bandas expresan un serio
descontento con los sistemas e instituciones que organizan y controlan el
mundo. En ocasiones también la música sirve de plataforma para
propuestas flosófcas e ideológicas.
Durante la década de los 80, el punk en Estados Unidos estuvo
permeado de contenidos políticos, principalmente progresistas, en
oposición al gobierno conservador de la época. Ejemplos de esta época
son las bandas Dead Kennedys y Bad Religion. En Europa, el punk es
una música especialmente utilizada como medio de difusión por gente
afín a movimientos políticos y sociales outsiders, mayoritariamente de
izquierda, aunque existe una corriente de derecha que lo utiliza, siendo
373

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
criticada y denostada por la mayoría de los movimientos punk.
A principios de los 90, las publicaciones amateur del punk y las
canciones de los grupos también sirvieron como vehículo de los
planteamientos y denuncias de los movimientos antiglobalización.
Historia
Antecedentes
Garage rock y moda
A comienzos y mediados de los años 1960, las bandas de garage
rock, que son reconocidas como las progenitoras del punk rock,
comenzaron a aparecer en diferentes lugares de América del Norte. Te
Kingsmen, una banda de garage rock de Portland, Oregon, tuvo un éxito
con su versión de Louie, Louie de 1963, citada como "el urtext que
defne al punk rock". El sonido minimalista de muchas bandas de garage
rock fue infuenciado por el ala más dura de la invasión británica. Los
éxitos de Te Kinks de 1964, You Really Got Me y All Day and All of
the Night, se han descrito como "precursores de todo el género de tres
acordes de Ramones; por ejemplo, "I Don't Want You" de 1978, fue
puro Kinks".
En 1964, Te Who rápidamente progresó desde su sencillo
debut, I Can't Explain a My Generation. A pesar de que tuvo poco
impacto en las listas estadounidenses, el himno de Te Who presagiaba
una mezcla más cerebral de ferocidad musical y postura rebelde que
caracterizó a gran parte del primer punk rock británico: John Reed
describe la aparición de Te Clash como una "ajustada bola de energía
que recuerda tanto en imagen como en retórica a un joven Pete
Townshend con obsesión por la velocidad, ropa pop-art y ambición de
escuela de arte". Te Who y Te Small Faces fueron algunos de los pocos
viejos roqueros conocidos por los Sex Pistols.
En 1966, el mod ya estaba en declive. Las bandas de garage
rock de Estados Unidos comenzaron a perder fuerza en un par de años,
pero el sonido crudo y la actitud desconocida de bandas de rock
psicodélico como Te Seeds presagiaba el estilo de bandas que se
conocerían como las fguras arquetípicas del proto-punk.
Uno de los antecedentes del estilo punk, y para algunos la
primera muestra del género, ocurrió en la década de los años 1960 en
Perú con la banda Los Saicos formada por jóvenes de 19 años. Aunque la
banda ha indicado que ellos solo tocaban rock and roll, aceptan ser
llamados los precursores del punk.
374

ROCK
Proto-punk
En 1969, aparecieron los álbumes debut de dos bandas de
Míchigan que son conocidos comúnmente como las grabaciones
principales del proto-punk. En enero, MC5 de Detroit lanzó Kick Out
the Jams. "Musicalmente el grupo es intencionalmente crudo y
agresivo", escribió el crítico Lester Bangs en Rolling Stone:
La mayoría de las canciones apenas se distinguen unas de otras en
sus estructuras primitivas de dos acordes. Usted ha oído todo esto antes en
bandas notables como Te Seeds, Blue Cheer, Question Mark and the
Mysterians y Kingsmen. La diferencia aquí [...] está en el bombo, la
superposición de revolución adolescente y cosa llena de energía que oculta esta
vista de clichés y ruido feo. [...] "I Want You Right Now" suena exactamente
(hasta en la letra) como una canción llamada "I Want You" de Te Troggs,
un grupo británico que salió adelante con una imagen similar de sexo y
sonido crudo hace un par de años atrás (¿recuerdan Wild Ting?).
En agosto, Te Stooges de Ann Arbor, lanzaron su álbum
homónimo. De acuerdo con el crítico Greil Marcus, la banda, liderada
por el cantante Iggy Pop, creó "el sonido del Airmobile de Chuck Berry
después de que los ladrones lo desarmaran".10 El álbum fue producido
por John Cale, un exmiembro del grupo de rock experimental Te
Velvet Underground. Habiendo ganado una "reputación como la
primera banda de rock under", Te Velvet Underground inspiró, directa
o indirectamente, a muchos de los músicos que estuvieron involucrados
en la creación del punk rock y el heavy rock.
Son también etiquetados como proto-punk las bandas New
York Dolls, Dictators o incluso Te Who; además de temas de hard rock
como Comunication Breakdown, de Led Zeppelin, Paranoid de Black
Sabbath o I´m Eighteen de Alice Cooper.[cita requerida]
Orígenes y contexto cultural
A fnales de los años 1960, una corriente de jóvenes del Reino
Unido, Estados Unidos y otros países consideraban que el rock había
pasado de ser un medio de expresión para los jóvenes, a una mera
herramienta de mercado y escaparate para la grandilocuencia de los
músicos de ese entonces, alejando la música de la gente común. El punk
surgió como una burla a la rigidez de los convencionalismos que
ocultaban formas de opresión social y cultural.
Las características del punk rock fueron precedidas por el garage
rock (por ejemplo, Pushin Too Hard de 1966 de los californianos Te
375

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Seeds), recrudeciendo más el sonido fuerte del rock y con composiciones
menos profesionales, infuenciados por el sonido de la invasión británica,
como Te Beatles, Te Kinks o Te Who, y cogiendo elementos del
sonido ruidoso del garage rock de Te Stooges o Te Velvet
Underground. También se recogen infuencias del frenético surf rock.
Estas variadas infuencias se conocen ahora como proto-punk. Dentro de
las mismas se puede incluir también entre las infuencias tempranas a
Bobby Fuller Four autor del sencillo I Fought the Law, que fuera
versionado por Te Clash, y a Modern Lovers autores de Roadrunner
dados sus ritmos acelerados, no tan cercanos al punk rock posterior pero
si alejado del rock convencional y típico de la época, con acordes simples
pero aún sin distorsión o volumen alto. Te Dictators también fueron
una banda crucial para el surgimiento del punk rock, empezaron como
garage rock que posteriormente sería llamado proto-punk para luego
emerger en el mismo punk rock que ellos mismos habían ayudado a
formar. Dead Boys fue otra banda de punk estadounidense formada en
1976 y debutando en el mítico club CBGB.
Ramones hicieron composiciones sencillas, cuyas ácidas letras
trataban temas como la discriminación de otros jóvenes, la anti-moda y
las drogas, una pauta para las bandas por venir.
La visita de estos a Londres (actuaron en el mítico Roundhouse el 4 de
julio, día de independencia estadounidense, paradójicamente) hizo que
grupos ya existentes, como Sex Pistols, comenzaran a usar sus
instrumentos como medios de expresión y provocación para mostrar su
descontento hacia lo que consideraban una sociedad de mentalidad
estrecha y represora.
Te Damned son otra de las emblemáticas primeras bandas de
punk rock de Inglaterra. A diferencia de Te Clash, sus acordes de
guitarra eran más trabajados, siendo considerados precursores del
hardcore punk que se caracteriza precisamente, por tener canciones de
punk con acordes más trabajados como los del thrash metal por ejemplo;
su vocalista y líder Dave Vanian llevaba una estética vampírica que luego
infuyó a la estética de la subcultura gótica y a las bandas de rock gótico.
Blondie fue otra banda que sobresalió en la primera oleada del
punk rock estadounidense. Empezaron sus conciertos en el CBGB y se
iniciaron junto a otras bandas como Ramones y Television. Fueron de
crucial importancia para lo que posteriormente sería el new wave,
derivado del punk rock.
Con el tiempo el género tomaría diferentes caminos y en su
paso evolucionaría en muchos subgéneros y recogería infuencias de otros
estilos musicales. Los subgéneros del punk se defnen a veces por
376

ROCK
características musicales, y en otros casos por el contenido del mensaje o
la ideología que lo inspira.
Tal como después sucedería en muchos otros países, en el
Reino Unido pronto los grupos tomaron infuencias de otros géneros.
Una de las primeras fusiones del punk fue con el reggae y el ska de los
emigrantes jamaicanos en el país. Como primer y más representativo
ejemplo se puede mencionar a la banda Te Clash y sus temas Police and
Tieves (una versión del jamaicano Junior Murvin), Te Guns of
Brixton y (White Man) In Hammersmith Palais.
Otra fusión en el punk fue con otro estilo negro, el funk, el que
se puede oír en trabajos como Te Idiot de Iggy Pop, y bandas como Ian
Dury and Te Blockheads, Gang Of Four, A Certain Ratio, como los
mismos Te Clash en su Magnifcient Seven.
En los inicios también surgió el estilo hardcore punk, que se
caracterizó por ser una versión más rápida de la forma sucia de tocar el
punk. Te Damned fue la principal banda en infuenciar a esta nueva
rama del punk, seguidos por otras bandas como Te Misfts, Bad Brains,
Middle Class y Black Flag. Otra banda temprana en este estilo fueron
Teen Idles.
Etimología
El término inglés punk tiene un signifcado despectivo que suele variar,
aplicándose a objetos (signifcando "basura", "suciedad") o a personas
(signifcando "vago", "despreciable", "sucio" o, también, "basura" y
"escoria"). Se utiliza de forma irónica como descripción del sustrato
crítico o descontento que contiene esta música. Al utilizarlo como
etiqueta propia, los punkies (o punks) se desmarcan de la adecuación a
los roles y estereotipos sociales. Debido al carácter de este signifcado, el
punk a menudo se ha asociado a actitudes de descuido personal, se ha
utilizado como medio de expresión de sentimientos de malestar y odio, y
también ha dado cabida a comportamientos neuróticos o
autodestructivos.
El término punk se utilizó como título de una revista fundada
en 1976 en Nueva York por John Holmstrom, Ged Dunn y Legs
McNeil que deseaban una revista que hablara de todo lo que les gustaba:
las reposiciones por televisión, beber cerveza, el sexo, las hamburguesas
con queso, los cómics, las películas de serie B, y el rock n' roll que
sonaba en los garitos más mugrientos de la ciudad: Te Velvet
Underground, Te Stooges y New York Dolls, entre otros.
Más tarde el signifcado también serviría para inspirar las
377

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
corrientes izquierdistas del género, como etiqueta que deshace la
condición de clase o rol social con deudas de reputación o apariencia.
Subgéneros y corrientes que han asimilado rasgos del punk
Como movimiento creativo, el sonido punk dio aparición a
numerosas vertientes. Muchos de los grupos se movían de uno a otro
género, existiendo diferentes niveles de permeabilidad, evolución y
fusión, pudiendo hablarse de bandas que encajan en el perfl de más de
dos subgéneros. Estos estilos individuales fueron popularizándose hasta
formarse subgéneros musicales, categorías de obras y artistas que
compartían un rasgo defnido común.
Entre algunos de sus subgéneros se pueden identifcar los siguientes:
Por rasgos comunes musicales
Hardcore punk: fue la primera evolución del punk a fnales de
los 70 en Estados Unidos, más extrema, más rápida y más agresiva.
Destacan bandas de la primera oleada como Bad Brains, Black Flag,
Teen Idles, Dead Kennedys, Circle Jerks, Minor Treat, o Youth
Brigade.
Crossover thrash: es la rama del thrash metal con más
infuencia del hardcore punk. Tal vez el más antiguo antecedente (prethrash
incluido) puede haber sido la banda británica Motörhead. Se
cuentan nombres como D.R.I. o Suicidal Tendencies. Este estilo está
infuido por el thrash metal (grupos como Metallica, Megadeth o
Anthrax), si bien a menudo también posee alta armonía y diversidad de
sonidos.
Hardcore melódico: basado en el hardcore punk, de ritmos
rápidos y bases fuertes de guitarra, pero con interpretaciones vocales
melódicas. Un ejemplo claro es el de las bandas estadounidenses Bad
Religion o Rise Against.
Gypsy punk: es el subgénero que mezcla la música tradicional
rumana y/o música de cabaret con el punk rock clásico, ejemplos de
bandas son Gogol Bordello, DeVotchKa, Chunga-Changa, etc.
Post-punk: género más experimental y melódico que se
caracterizó por la deceleración del ritmo, la infuencia de otros estilos
musicales y un cierto clima de melancolía. Finalmente derivó en la
génesis del rock gótico. Está representado por bandas como Te Cure,
Siouxsie and the Banshees, Joy Division, Bauhaus, Alaska y los
378

ROCK
Pegamoides o Parálisis Permanente.
No wave: movimiento de música experimental dentro del ambiente
punk de Nueva York, representado por Yeah Yeah Yeahs, Lydia Lunch,
Glenn Branca, Sonic Youth o Birthday Party.
Ska-Punk: es el sonido del punk combinado con el ska, con
ritmos rápidos y uso de instrumentos como trompetas o saxofones. Los
ejemplos más signifcativos están en No Doubt, Operation Ivy (a quienes
muchos señalan como los pioneros), Rancid, Kortatu, Ska-P, Skankin
Pickle o Less Tan Jake, varias canciones de NOFX, Te Ofspring y
Propagandhi, Hesian etc.
Deathrock: subgénero del punk y del gótico, con elementos de
terror y atmósfera oscura. Tiene cierta similitud con el post-punk, como
por ejemplo el uso prominente del bajo y el ritmo desacelerado, pero a su
vez algunas bandas incorporan elementos de rockabilly y glam rock. Las
bandas principales representativas de este estilo son Christian Death,
Alien Sex Fiend, Specimen, 45 Grave y Teatre of Ice.
Psychobilly: es la mezcla del punk rock con el rockabilly.
Algunos grupos representativos son Te Cramps, Quakes, Te Meteors y
Nekromantix.
Pop-punk o también conocido como popular punk: es un
subgénero cuyo sonido es más melódico y limpio. En muchos casos, las
bandas representativas de dicho género no difunde los ideales nihilistas
debido a su carácter más comercial. Surge principalmente en Estados
Unidos y fue popularizado a fnales de los los 90 y comienzos de los los
2000 como gran parte de la "segunda oleada punk" por bandas como
Blink-182, Green Day, Sum 41, Simple Plan etc., aunque New Found
Glory es el pionero en el pop punk ya que implementó el pop como su
género desde sus inicios como banda y hasta el momento siguen en el
pop punk, así como Green Day y Blink-182.
Skate-punk: subgénero del punk que combina la escena del
Skateboarding con el punk, siendo estos dos últimos muy relacionados al
ser el Skateboard un deporte que está enlazado con la música. Bandas
típicas de este género son: No Fun At All, Suicidal Tendencies (el
antiguo), Circle Jerks, Te Descendents, Te Adolescents, etc.
Celtic-punk o punk celta: género divergente de la mezcla entre el punk
rock y la música celta tradicional. Es característico por contener
instrumentos como fautas irlandesas, el acordeón, el banjo, etc. Este
género fue principalmente fundado en 1980 por Te Pogues. Sus letras
generalmente contienen temas refriéndose a la dicha de ser irlandés o de
un país celta; enfocándose en lo político-social con letras generalmente
referidas a la clase trabajadora u obrera. Bandas típicas del punk celta
379

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
son: Flogging Molly, Dropkick Murphys, Te Prodigals, Te Real
Mckenzies, Street Dogs, etc.
Electropunk: una mezcla de letras y actitud punk, con música
electrónica de clara referencia underground proveniente del new beat
centroeuropero, breakbeat-hardcore inglés y la creciente infuencia de
sintetizadores a mediados de los 80 de la escena EBM y la música
industrial. Sus principales representantes comenzaron en 1990, en Essex
(Londres): Te Prodigy.
Por temática o enfoque
Anarcopunk: grupos que enlazan su música con temáticas o
prácticas anarquistas. El grupo pionero fueron los británicos Sex Pistols,
pero bandas como Dead Kennedys o Crass fueron las que más infuyeron
en una temática anarquista. El anarcopunk está ligado con la anarquía.
Horror punk: se caracteriza principalmente por sus letras
relacionadas con las películas de terror y de Serie-B y toda la imagen que
las acompaña, como zombis, ghouls, vampiros, esqueletos, etc; su estética
y su música es muy similar al deathrock, usando maquillaje, peinados
(como el devilock, popularizado por la pionera banda Misfts). 45 Grave
también representaron a las primeras bandas de horror punk como
Misfts. Algunas bandas son Misfts, Creepersin, Goblins, Diemonsterdie
y 45 Grave entre otras.
Gothic punk: es la rama del punk que mezcla el punk y el
movimiento estético gótico.
Straight edge: grupos que abogan por el no a las drogas y
algunos a favor del vegetarianismo. Minor Treat fueron pioneros.
Oi!: relacionado con la temática skinhead. Suele asociarse a la clase
obrera y/o a los hooligans. Algunos ejemplos pueden ser Cockney
Rejects, Sham 69, y Blitz.
Skate punk: generalmente de estilo hardcore punk o hardcore
melódico, grupos relacionados a la subcultura del skate.
Queer punk o queercore: grupos con componentes
homosexuales.
7. 13. ROCK AGAINST COMMUNISM
El Rock Against Communism (RAC),(Rock Contra el
Comunismo o Rock Anti-Comunista), es una corriente musical que
suele estar conectada con ideologías fascistas y neonazis. Surgido en
Inglaterra en 1977, a raíz de la separación de Skrewdriver del
380

ROCK
movimiento convencional de la música Oi!, y con el auge del idealismo
político en los Skinhead ingleses de fnales de los 80's. Dentro del estilo
se pueden encontrar numerosos grupos, de tendencias musicales diversas,
enmarcados dentro del rock.
El RAC nació al amparo de la formación política National
Front que reunía a un amplio grupo de nacionalistas ingleses, cuyo
máximo exponente sería Ian Stuart. Herederos de este movimiento en la
actualidad aparecen formaciones como Blood & Honour o
Hammerskins, relacionados directamente con el neonazismo.
La irrupción del género en la música, en los últimos años, ha
supuesto una infexión en el desarrollo de la escena musical neonazi.
El RAC en España
El RAC está considerado en España como un instrumento de
difusión de las ideologías ultraderechistas dentro de la juventud. En los
conciertos se producen intercambios de todo tipo, desde ideológicos
hasta económicos. Los puntos fuertes de distribución del RAC y de la
música neonazi en general se encuentran en Madrid, Valencia, Barcelona
y, en menor medida, en Sevilla. La distribución se reparte entre las
páginas web, los apartados de correos de los fanzines y las tiendas
dedicadas a esta temática ideológica.
7. 14. ROCK ALTERNATIVO
El rock alternativo es un género musical que nació en los años
80 y que muchas veces utiliza música compuesta por sonidos y elementos
musicales no tradicionales, apegándose a la llamada cultura underground
(es decir, un género antipopular, anticomercial y contrario a los estilos
comunes y populares). Alcanzó sus mayores cuotas de madurez y
popularidad en los años 90, así como a todos los subgéneros que han
surgido a partir de él desde entonces.
El término "alternativo" se acuñó para describir una nueva y
distinta forma de hacer "rock", estilo que comúnmente está asociado a
ser muy masivo y de alta popularidad al igual que el pop; mientras que
este nuevo género no ponía el énfasis en el éxito o las ventas, sino que
casi al contrario, con un sonido menos melódico que se movía entre
pequeños bares, pubs o clubes del circuito underground (es decir, que no
se ajustaban a la música mainstream de la época.); también, no se valían
de la radio para popularizarse, sino que más bien del "boca a boca"; otra
381

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
característica común de estos artistas o grupos era que grababan sus
álbumes en discográfcas independientes. Entre los diversos géneros que
han surgido en la escena independiente, cabe destacar el shoegazing, el
noise rock, el grunge, el britpop o el indie rock, entre muchos otros.
Estos estilos tienen en común la herencia del espíritu del punk y de los
géneros que surgieron a partir de él.
Aunque la denominación hace referencia al rock, algunos de los
subgéneros que engloba también reciben la infuencia de otros estilos
como el folk, o el jazz entre otros. En ocasiones el término se ha
empleado equivocadamente a partir de los 90 como una expresión
comodín para denominar, paradójicamente, al rock en general.
Durante los 80, el éxito comercial de algunos grupos de rock
alternativo que no abandonaron sus planteamientos originales como
Sonic Youth, R.E.M. o Te Cure, supuso que no se diera tanta
importancia a grabar para una discográfca independiente o tener éxito
únicamente en circuitos underground, como a ser una alternativa a la
música comercial.
En los 90, además de la maduración y la profundización del género,
algunos subgéneros alcanzaron el esquivo éxito popular, de la mano de
sonidos más comerciales, como el grunge en los Estados Unidos y el
britpop en el Reino Unido. Otra tendencia que se consolida a partir de
esta década, particularmente en los países latinos de Europa y América,
es el rock mestizo, con grupos como Mano Negra.
Entre los álbumes de rock alternativo más alabados por la
crítica se encuentran OK Computer (que también es considerado como
uno de los mejores álbumes de todos los tiempos) y Te Bends de
Radiohead,, Siamese Dream de Smashing Pumpkins, Grace de Jef
Buckley, Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers, Out of
Time de R.E.M, Ten de Pearl Jam y (What's the Story) Morning Glory?
de Oasis. En volumen de ventas, el más exitoso es el álbum de grunge
Nevermind de Nirvana, con más de 30 millones de copias.
Música y sonido
En términos de sonido, tiene grandes similitudes con el postpunk
con sonidos menos armónicos, menos melódicos, depresivos,
desgarradores y carentes de todo sentido alegre o festivo. Como ya se ha
dicho, utiliza música compuesta por elementos y sonidos musicales no
tradicionales, y a veces hasta pasa por alto elementos de la estructura
musical como armonía y ritmo. La composición y la creación musical
382

ROCK
suele concentrarse en el sonido general de la obra más que en el
lucimiento de un sólo instrumento o músico, al igual que en el rock
experimental y el rock progresivo; Los vocalistas suelen cantar con una
voz y un tono carente de todo sentimiento; Generalmente, el ritmo de
las canciones es lento y, con mucha frecuencia, sobrepasan los cuatro
minutos de duración mínima y no es frecuente el uso de solos de
guitarra. También esta fuerte relación se aprecia en la composición lírica,
donde muchas veces los versos no riman unos con otros. La evolución en
relación al post-punk, se nota a partir de nuevos sonidos y formas de
tocar la guitarra (muchas veces se ocupan guitarras con sonido
distorsionado), pudiendo también incluir la guitarra acústica por
ejemplo. También, en el caso de algunas bandas y artistas, el rock
alternativo toma infuencias del hard rock en la agresividad y solos de
guitarra de las canciones, aunque la diferencia radica en que estos solos
suelen ser mucho más ruidosos y antimelódicos (ejemplo: Radiohead,
"My Iron Lung"; Te Smashing Pumpkins, "Soma"; Jef Buckley, "So
Real"). Con el tiempo, ha evolucionado a una manera más libre, en
donde la guitarra no es necesariamente la protagonista y añadiendo
instrumentos como teclados, sintetizadores, piano y sinfónicos, y
poniendo atención en sonidos atmosféricos (ejemplo: Radiohead, "All I
Need"; Te Verve, "Bitter Sweet Symphony"; Soda Stereo, "Nuestra
Fe"), compartiendo así elementos con el rock experimental y el rock
progresivo.
Cuando se compara el rock alternativo "clásico", con sus
subgéneros, aparecen claras diferencias. El britpop agrega sonidos más
melódicos, menos depresivos, mezclados con pop rock, lo que también le
dio la gran popularidad que tuvo en los 90'; el grunge es mucho más
centrado en la guitarra, con claras infuencias del punk rock/hardcore y
el heavy metal/hard rock; el shoegazing es una variación extremadamente
focalizada en la atmósfera y es fuertemente infuenciado por la
neopsicodelia. Con uno de los subgéneros que guarda mayores
diferencias es con el indie rock, ya que en términos de sonido, son casi
opuestos. En realidad la paternidad del rock alternativo hacia el indie
rock se asocia a que el primero abrió las puertas para el nacimiento de
diversos movimientos de música independiente.
El término rock alternativo
La música conocida actualmente como rock alternativo fue
denominada bajo otras etiquetas antes de que el adjetivo «alternativo»
fuera de uso común. En el Reino Unido se utilizó la expresión «college
383

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
rock» para defnir la música que se programaba en las emisoras de radio
universitarias y los gustos de los estudiantes que las escuchaban. En
Estados Unidos el término más empleado fue «indie», denominación que
nació alrededor de 1985 para agrupar a varios subgéneros y que sigue
vigente en la actualidad. «Indie rock» fue la expresión equivalente en EE.
UU. hasta el auge comercial que vivió el género en los primeros 90,
debido a que la mayoría de estos grupos grababan en compañías
independientes. Hacia el año 1990 se popularizó el término «rock
alternativo», aunque la expresión comenzó a utilizarse a mediados de los
80.
El rock alternativo se ha defnido desde sus inicios por su
rechazo al mercantilismo de la cultura establecida. Los grupos
alternativos de los 80 actuaban en pequeños clubes, grababan en
discográfcas independientes y eran conocidos por sus seguidores a través
del boca a boca. El rock alternativo no es un estilo musical como tal, sino
una denominación muy amplia que abarca desde las guitarras
distorsionadas y las letras depresivas del grunge, hasta la inocencia
desaliñada del twee pop, pasando por el pop revivalista del britpop, las
melodías etéreas del dream pop o la experimentación del post rock.
Historia
En los años ochenta las radios universitarias de EE. UU.
comenzaron a difundir el rock alternativo mientras las emisoras
comerciales ignoraban a estos nuevos grupos. Sin embargo, en el Reino
Unido fue divulgado en la BBC One por varios disc jockeys, entre los
que destaca especialmente John Peel, célebre en todo el mundo por sus
famosas Peel Sessions. Por este motivo, algunos artistas que eran
considerados de culto en Estados Unidos, obtuvieron un considerable
éxito en el Reino Unido. En 1986 nació el programa nocturno 120
Minutes en la cadena de televisión MTV, espacio que se convertiría en el
escaparate más popular del rock alternativo hasta su explosión comercial
en los 90.
Aunque la mayoría de los artistas alternativos de los 80 no
consiguieron grandes ventas de sus discos, ejercieron una considerable
infuencia en los músicos que crecieron en esta década y pusieron la base
para su posterior éxito masivo. El éxito comercial del álbum Violator de
Depeche Mode, editado en 1990, llevó a muchos grupos de rock
alternativo (a pesar de que "Depeche Mode" no es una banda alternativa)
a introducirse en el mainstream, cosechando grandes ventas a la vez que
buenas críticas por parte de la prensa especializada. Sin embargo, muchos
384

ROCK
de estos artistas rechazaban el éxito por contradecir la ética do it yourself
y la idea de autenticidad artística en la que siempre habían creído antes
de obtener la popularidad. Después de que la mayoría de estos grupos se
disolvieran o se apartaran voluntariamente del foco de atención, el rock
alternativo dejó de ser popular entre las audiencias mainstream.
Rock alternativo en el Reino Unido
El post-punk británico jugó un papel importante dentro del
rock alternativo, fueron bandas de post punk como Te Cure o Siouxsie
And Te Banshees las que empezaron a experimentar y renovar su estilo
musical post punk/new wave hasta llegar a lo que seria el rock alternativo
de principio de los años 80. Joy Division aunque nunca llegó a
categorizarse como una banda de rock alternativo, ayudó e infuencio a
que otras bandas que ya tocaban con infuencias post punk
evolucionaran su música hasta el rock alternativo como lo son U2 y Te
Smiths llegando estas dos bandas a lograr grandes ventas mientras
infuían a toda una generación de bandas.
Su utilización de la guitarra eléctrica en una época dominada
por los sintetizadores, es visto como el fnal de la New wave en el Reino
Unido, logrando convertirse también en un grupo de culto en muchos
otros países. Tras la disolución de los Smiths en 1987, su cantante
Morrissey inició su carrera en solitario tan infuyente como la
desarrollada con su antiguo grupo, al mismo tiempo que otros grupos
como Te Housemartins, James (banda) y Te Wedding Present
incidieron en el mismo estilo que los Smiths. Una canción de Te
Wedding Present fue incluida en el célebre casete C86 que publicó el
New Musical Express.
Esta cinta dio nombre al movimiento musical del mismo
nombre y se convirtió en la principal infuencia en el desarrollo de la
escena alternativa británica en general y del indie pop en particular.
Otros grupos que aparecían en el mismo casete fueron Te Pastels,
Primal Scream y Soup Dragons, bandas estas dos últimas que cambiarían
su sonido utilizando elementos de música electrónica pocos años más
tarde.
En el Reino Unido también surgieron otras formas de rock
alternativo durante los 80, como el que practicaban New Order, grupo
que surgió de las cenizas de Joy Division tras el suicidio de su líder Ian
Curtis y que experimentaba con infuencias de la música electrónica y del
house integrándolas en canciones indie. Asimismo, el estilo de Te Jesus
and Mary Chain, que se basaba en melodías pop envueltas en muros de
385

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
guitarras ruidosas, junto al dream pop de grupos como Cocteau Twins y
el space rock de Spacemen 3 fueron las principales infuencias de la
corriente shoegazing nacida a fnales de la década.
Este movimiento fue bautizado de esta forma por la costumbre
de los miembros de los grupos que lo integraban de mirar hacia abajo
mientras actuaban en directo, entre estas bandas destacaron My Bloody
Valentine, Slowdive, Ride o Swervedriver y fueron predominantes en la
prensa británica a fnales de la década. El shoegazing compartió
protagonismo con la escena Madchester surgida en la ciudad de
Mánchester alrededor de la discoteca Te Haçienda y del sello Factory
Records y estuvo representada por grupos como Happy Mondays, Te
Stone Roses o Te Charlatans, que combinaban el indie, el rock
psicodélico y la cultura rave.
A principio del año 2000, los ingleses Muse empiezan a coger
una gran popularidad en el rock alternativo, añadiéndole a este estilo
algo de pop rock, rock clásico, melodías rápidas, agresivas y sonidos
distorsionados propios de la banda.
Britpop y post-britpop
Con el declive de la escena Manchester y lo poco glamuroso del
shoegazing, el grunge americano dominó la escena alternativa y la prensa
británica en los primeros 90, en cambio, solo unos pocos grupos
alternativos, como Radiohead, U2 o Te Cure, fueron capaces de
conseguir repercusión en EE.UU.
Como reacción a esta invasión estadounidense, surgieron varios
grupos insolentemente británicos que se propusieron «mandar a paseo al
grunge» y declararon la guerra musical a Estados Unidos con ayuda del
público y la prensa del Reino Unido. Bautizado como Britpop por la
prensa musical y con Oasis, Blur, Suede, Te Verve, Pulp y más adelante
Placebo como cabezas visibles, el movimiento se convirtió en el
equivalente británico a la explosión grunge e impulsó al rock alternativo
de este país a fgurar en las listas de ventas de otros muchos, además de
provocar una revitalización de la cultura juvenil británica que fue
conocida como Cool Britannia. En 1995 el fenómeno britpop culminó
con la publicitada rivalidad de sus dos grupos de cabecera, Oasis y Blur,
simbolizada cuando lanzaron sus respectivos nuevos singles en el mismo
día. Blur ganó la batalla del Britpop, pero el álbum de Oasis (What's the
Story) Morning Glory se convirtió en el tercer disco más vendido en la
historia del Reino Unido, éxito que tuvo continuación en muchos otros
países.
386

ROCK
El britpop comenzó a decaer cuando el tercer disco de Oasis Be
Here Now recibió críticas poco entusiastas y Blur fue incorporando a su
música infuencias del rock alternativo estadounidense a partir de su
álbum homónimo. Paralelamente, Radiohead consiguió que su disco OK
Computer fuera aclamado por la crítica marcando un gran contraste con
el tradicionalismo del britpop e infuyendo a muchísimos músicos y
grupos. El indie rock británico reciente ha resurgido en parte gracias al
éxito cosechado por Te Strokes en el Reino Unido, mayor que en su
país de origen. Al igual que ocurre en el indie rock estadounidense
actual, muchos grupos alternativos británicos como Franz Ferdinand,
Te Libertines, Bloc Party o Arctic Monkeys recogen la herencia de
bandas post punk como Joy Division, Wire, Gang of Four o Te Cure.
Rock alternativo en los Estados Unidos
Los primeros grupos alternativos estadounidenses como Dj
Rafafre Violent Femmes o Te Feelies combinaban las infuencias del
punk con música folk norteamericana y sonidos más comerciales.
R.E.M. fue el primer grupo alternativo en tener éxito comercial cuando
su álbum de debut de 1983, Murmur, entró en el Top 40 en EE.UU.27
La corriente llamada Paisley Underground, surgida en Los Ángeles y
representada por grupos como Dream Syndicate o Green on Red,
también estaba muy relacionada con el sonido de R.E.M. al incorporar
en su música infuencias del rock psicodélico y armonías vocales y juegos
de guitarras característicos del folk rock, combinadas con la herencia del
punk y de grupos de culto como Te Velvet Underground. Todas estas
bandas fueron agrupadas en Europa bajo la denominación «Nuevo rock
americano», nombre que se popularizó a mediados de los 80 para
referirse a este sonido.
Varias discográfcas indie estadounidenses, como SST,
Twin/Tone, Touch and Go, Dischord Records o Sub Pop
protagonizaron la transición desde el hardcore punk, que fue la corriente
dominante en la escena underground norteamericana a principios de los
80 hasta los diferentes estilos de rock alternativo que estaban surgiendo
de este. Los grupos de Minneapolis Hüsker Dü y Te Replacements
fueron representativos de este cambio, ya que procediendo del hardcore
pronto ampliaron sus infuencias evolucionando hacia un sonido más
melódico que culminó en los álbumes Zen Arcade de Hüsker Dü y Let it
Be de Te Replacements, ambos publicados en 1984. Estos dos discos,
así como los siguientes que grabarían ambos grupos, fueron aclamados
por la crítica y llamaron la atención hacia el emergente rock alternativo.
387

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
En el mismo año la discográfca SST también publicó discos de otros
grupos que contribuyeron a la expansión de la escena, como es el caso de
Minutemen y Meat Puppets, quienes combinaban el punk con funk y
country respectivamente.
Al igual que estos grupos, otras bandas comenzaron a sumar
otras referencias a su sonido para el rock alternativo, partiendo del
hardcore. Dentro de la activa escena de Washington D.C. impulsados
por la discográfca Dischord Records y grupos como Rites of Spring y
Embrace, cuyos miembros formarían la infuyente banda Fugazi en
1987. Al mismo tiempo Bad Religion se convirtió en el grupo más
importante del hardcore melódico, dando cobijo a otros grupos del
mismo género que fueron evolucionando hasta el rock alternativo en la
discográfca de su propiedad Epitaph Records. Bandas que hicieron su
transición de hardcore punk hacia el rock alternativo son por ejemplo la
banda Soul Asylum.
A fnales de la década, la escena independiente estadounidense y
las radios universitarias estaban dominadas tanto por el college rock de
Tey Might Be Giants, Camper Van Beethoven, o Trowing Muses,
como por el noise rock de Sonic Youth y Dinosaur Jr, o por las
propuestas más ruidistas y desafantes de los Pixies, Big Black, Butthole
Surfers o Pussy Galore.
Durante este periodo, varios grupos alternativos comenzaron a
frmar contratos con discográfcas multinacionales, como fue el caso de
Hüsker Dü y Te Replacements, quienes obtuvieron una mínima
repercusión. Por el contrario, otros grupos como Coin (banda), R.E.M.
y Jane's Addiction consiguieron discos de oro y platino, preparando así el
camino para la explosión alternativa posterior. El caso de los Pixies fue
diferente, ya que consiguieron una notable repercusión en Europa
mientras en su país fueron ignorados por el público y la industria.
El grunge y el éxito comercial
El grunge fue un subgénero del rock alternativo que nació en la
ciudad de Seattle a mediados de los 80 y que sintetizó el hard rock de los
primeros 70 y el hardcore punk mediante el uso de guitarras
distorsionadas, efectos fuzz y acoples. El año 1991 se convirtió en un año
clave en el rock alternativo en general y en el grunge en particular debido
a la publicación de Nevermind, el segundo y más conocido álbum de
Nirvana, así como de los álbumes Ten de Pearl Jam, Badmotorfnger de
Soundgarden, además de álbumes alternativos como Out of Time de
388

ROCK
R.E.M. y Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers. El
sorprendente éxito de Nirvana con Nevermind provocó que las radios
comerciales comenzaran a programar rock alternativo y abrió las puertas
del mainstream a otros grupos, al mismo tiempo que las multinacionales
discográfcas, confusas por el éxito del género e impacientes por sacarle
partido, empezaron a contratar masivamente a grupos alternativos.
La explosión del rock alternativo contó en Estados Unidos con
la ayuda de la cadena televisiva MTV y de Lollapalooza, un festival
itinerante que ayudó a popularizar a grupos alternativos como Nine Inch
Nails, Primus, Te Smashing Pumpkins, o Hole. A mediados de los 90
la música alternativa era sinónimo de grunge para los medios de
comunicación no especializados y para el público general, y la supuesta
«cultura alternativa» comenzó a ser comercializada al igual que ocurrió
con la contracultura hippie a fnales de los 60. Durante los 90 muchos
artistas de música comercial como Alanis Morissette o Hootie and the
Blowfsh fueron promocionados por las discográfcas multinacionales
como artistas alternativos aprovechando la popularidad del género, al
mismo tiempo que otros grupos como Tird Eye Blind, Goo Goo Dolls
o Matchbox 20 tomaron ciertas características del rock alternativo para
darles un sonido más comercial y convencional. El New York Times
afrmó en 1993 que «el rock alternativo no parece ya muy alternativo,
cada multinacional tiene un puñado de grupos guitarreros con camisas
anchas y vaqueros raídos, grupos con aspecto rebelde y buenos rifs que
cultivan lo oblicuo y lo evasivo, que ocultan melodías pegadizas con
ruido y música de artesanía con despreocupación».
Pese a esta banalización, la música alternativa que se mantuvo
alejada de las compañías multinacionales y el ruido mediático vivió una
época de gran creatividad en la que surgieron multitud de grupos noveles
y nuevos sellos como Domino Records, Matador Records o Merge, que
se sumaron a los creados durante los 80. También surgieron otros
géneros de rock alternativo como el Lo f (en español baja fdelidad),
representado por grupos como Pavement, Sebadoh o Guided by Voices,
movimiento que volvía a las raíces del rock alternativo dando más
importancia a la música y la actitud que a la pericia instrumental y a las
grabaciones sofsticadas. Otros nuevos géneros como el post-rock y el
math rock se caracterizaron por explorar nuevas vías combinando el jazz,
el rock experimental y el krautrock con el rock independiente.
Por su parte, el movimiento Riot Grrl, cuyo mayor exponente
fue el grupo Bikini Kill, reivindicaba un mayor protagonismo de las
mujeres en el rock y se inspiraba en mujeres como Kim Gordon o Kim
Deal y en grupos femeninos como Hole, L7 o Babes in Toyland. Las
389

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
mujeres, a diferencia de otras corrientes musicales anteriores, tuvieron un
gran peso en el rock alternativo; muchas bandas contaron con chicas
instrumentistas en su formación y grupos y artistas como Trowing
Muses, Belly, Te Breeders, Liz Phair, Juliana Hatfeld, Come, Sleater-
Kinney o la británica PJ Harvey entre otras, destacaron por sus letras en
las que trataban temas como el amor y el sexo desde una perspectiva
femenina y en ocasiones feminista.
El protagonismo del rock alternativo en el mainstream
comenzó a declinar por varios motivos, entre ellos la muerte de Kurt
Cobain en 1994 y el litigio de Pearl Jam contra la promotora de
conciertos Ticketmaster, que provocó que no pudieran actuar en buena
parte de los Estados Unidos. Sin embargo, otros grupos como Te
Wallfowers (Banda formada por Jakob Dylan, hijo del legendario
músico Bob Dylan), Weezer o Foo Fighters y grupos de punk rock como
Green Day y Ofspring que también fueron etiquetados como
alternativos en la época, siguieron gozando de grandes ventas a mediados
de la década. En 1998 otro hecho signifcativo mostró el declive del rock
alternativo más orientado al mainstream cuando el festival Lollapalooza
no pudo encontrar un cabeza de cartel para la edición de ese año, a lo
que se refrió la revista Spin cuando afrmó que «en estos momentos
Lollapalooza se encuentra en una situación comatosa al igual que el rock
alternativo». A comienzos del siglo XXI los principales grupos
alternativos que consiguieron éxito en la década anterior como Nirvana,
Te Smashing Pumpkins, Soundgarden, Alice in Chains, Rage Against
the Machine y Hole se habían disuelto. Mientras tanto, el indie rock se
estaba diversifcando por medio de grupos como Modest Mouse, Bright
Eyes o Death Cab for Cutie, y de otros que revisitaban el garage rock
como Te White Stripes, Linkin Park, Te Strokes o el post punk como
Interpol, bandas que consiguieron llevar otra vez el rock alternativo a las
listas de éxitos. Debido al éxito de estos grupos, la revista Entertainment
Weekly publicó en 2004: «Después de casi una década de dominio de
grupos de rap rock y nu-metal, el rock alternativo de éxito por fn vuelve
a ser bueno».
Rock alternativo cristiano
Música Alternativa Cristiana (MAC) es una forma de rock
alternativo la música que se basa en una lírica cristiana en su visión del
mundo. ACM sus siglas en inglés no se limita a estilos como el rock
alternativo, pero también incluye rap y hip hop. A diferencia de la
Música cristiana y Rock cristiano, ACM en general, hace hincapié en el
390

ROCK
estilo musical sobre el contenido lírico. El grado en que la fe aparece en
la música varía de un artista a artista. La música alternativa cristiana tiene
sus raíces en la década de 1980, como los primeros esfuerzos en el
Christian punk y la música new wave fueron grabadas por artistas como
Daniel Amos, Andy McCarroll y el apoyo moral, Undercover, Te 77s,
Adam Again, Quickfight, Coro Juvenil (más tarde rebautizada El Coro),
Salvavidas Underground, Michael Knott, Los monaguillos, Desayuno
con Amy, Steve Taylor, 4-4-1, David Edwards, Clavel Negro y Vector.
En la década de 1990, muchas de estas bandas se había
separado, ya no se realizan o se realizaban por sellos independientes
porque su música tiende a ser líricamente más complejas (ya menudo
más controvertida) de corriente La música pop cristiana. Estas etiquetas
temprana (la mayoría ya desaparecido) incluido Rubia de vinilo,
Frontline, Exit, Y Refugio. El mercado moderno se encuentra
actualmente con el apoyo de marcas como Tooth & Nail Records, Gotee
y Floodgate. Estas empresas son parcialmente de propiedad de las
etiquetas de mercado general, tales como Warner, EMI, y Capitol
Records, ofreciendo a los artistas una oportunidad de éxito "cruzan" en
los principales mercados. El estilo es a veces mezclada con alternative
metal y rap-rock infuencias, en casos como el Pillar (banda).
Rock alternativo en otros países
En Australia han surgido muchos grupos de rock alternativo de
diversos estilos desde los años ochenta, desde Nick Cave and the Bad
Seeds, hasta los más recientes Te Vines, pasando por el indie rock de
Te Go-Betweens, el garage revival de Jet o el grunge de Silverchair.
En Canadá el rock alternativo ha experimentado un notable
ascenso en los últimos años que han situado a este país como uno de los
más activos dentro de la escena alternativa con grupos como Nickelback,
Arcade Fire, Tree Days Grace, Te Hidden Cameras entre otros.
En Finlandia el máximo representante de estilo es el grupo Poets of the
Fall, galardonado con numerosos premios y que ya cuenta con tres
discos. Te Rasmus y HIM.
En España empezaron a destacar numerosos grupos en la
década de los 80 gracias a la Movida Madrileña a nivel nacional. Pero fue
a fnales de los 80 y a partir de los 90 cuando aparecieron grupos como
Dover, o Sôber que tuvieron éxito internacional. Más tarde empezaron a
aparecer grupos como Nothink, Dikers, Ragdog, Vértigo (actualmente
UVE), Pereza, Pignoise (los dos últimos llegaron a obtener mucho éxito
entre las grandes masas).
391

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
En Francia muchos artistas alternativos han adaptado la
herencia del pop de su país al rock alternativo de origen anglosajón. En
los 90 comenzaron a destacar Dominique A, Diabologum, Yann Tiersen
o Françoiz Breut, y en los años 2000 han aparecido artistas como
Benjamin Biolay, Keren Ann o Coralie Clément que inciden en esta
fusión.
También Islandia tiene un lugar en el panorama alternativo
internacional desde que Te Sugarcubes se popularizasen a fnales de los
80 y posteriormente su cantante Björk se embarcara en su exitosa carrera
en solitario. Otros grupos destacados surgidos en la última década han
sido Sigur Rós y la agrupación de indietrónica Múm.
Rock alternativo en Hispanoamérica
En Argentina: Soda Stereo es uno de los grandes referentes del
rock latino, y también del rock alternativo latino. Si bien su carrera
siempre fue cercana al pop, en los 80 se habían acercado bastante al postpunk,
y fue en el comienzo de su "segunda etapa" cuando entraron más
de lleno en el rock alternativo. El álbum Dynamo de 1992, marcó su
camino por la escena alternativa. Más tarde, en 1995, lanzaron Sueño
Stereo, también inspirado en ese sonido. El mismo Dynamo,
infuenciado directamente por el shoegaze, es considerado el disco
referente de la escena sónica argentina y un antes y un después en la
historia del rock en español. Prueba de esto son todas las bandas
infuenciadas por este trabajo, por ejemplo, Babasónicos y Los Brujos.
Además Soda Stereo ayudó a la popularización de estas bandas ya que
muchas de ellas fueron invitadas a telonear los conciertos de la banda.
Considerando las infuencias de Soda Stereo, mencionamos a Te Cure y
muchas bandas del género Alternativo. El mismo Gustavo Cerati
incursionó el rock alternativo en su etapa solista, dejando dos discos muy
destacados como lo son Amor Amarillo de 1993 y especialmente
Bocanada de 1999 que es considerado su obra maestra. Fun People,
banda de hardcore-punk, que también ha sido importante y ha
infuenciado a muchas otras bandas locales, Olvidar (Río Gallegos, Santa
Cruz) Infuenciados por muchas bandas como Don Tetto y bandas
nacionales como Attaque 77 (banda de punk alternativo), y El Otro Yo,
grupo que cuenta con pasajes punk e infuencias principalmente de
Nirvana, que logró afanzarse como una banda importante. Además,
otras bandas, como Bersuit Vergarabat e Illya Kuryaki and the
Valderramas, también fusionaban sus ritmos pegajosos con un
392

ROCK
toque de música alternativa. Estos últimos conocidos como IKV se
consideraban un grupo raro y entre sus infuencias se destacaban a Prince
con mezclas similares a Red Hot Chili Peppers y otras bandas más
dentro de la escena del rock alternativo. Llegado el nuevo milenio se
sumaron al sonido bandas como Cuentos Borgeanos, quienes
introdujeron aspectos brit-pop e indie-rock, Carajo desde el Nu metal,
Él Mató a un Policía Motorizado desde el Noise Rock. Posteriormente
nuevas bandas han crecido y redefnido el género de "Rock Alternativo",
entre ellas se puede destacar Experimental Blah Blah, característica de la
escena indie de Argentina en la primera década del 2000, Superchería,
Te Painful Stage of Jimmy, Tulús, Phonalex, El Silencio de IGOR,
Nimbo, La Teoría del Caos, etc. Desde la segunda década del 2000
aparecen en gran medida nuevos grupos de la escena underground
inspirados en su mayoría en la escena alternativa argentina de los 90 y en
la estadounidense de los años 80, entre ellas se destacan Bestia Bebé, Mi
Amigo Invencible, Valentín y Los Volcanes, Los Totales, Tobogán
Andaluz, Los Reyes del Falsete, Chaboncitos, Viva Elástico, Sr. Tomate,
Rayos de la Niñez, El Perrodiablo, Shaman y Los Pilares, Los Monos, La
Ola Que Quería Ser Chau, Monstruo!, Dlirio J. Seventy, entre otros.
En Perú: Para fnes de la década de los 80 grupos como Rio y
Arena Hash ya daban indicios de los que se vendría en los 90. En 1992
aparece en escena la banda de rock Mar de Copas (uno de sus temas más
clásicos es "Un día sin sexo", lanzado como sencillo en 2005);
posteriormente aparecería en la escena en 1997 la banda Amen que lanza
su álbum debut titulado Libre. Para 1998 Libido uno de los grupos más
emblemáticos del rock alternativo peruano e hispano lanzaba su primera
producción titulada homónimamente Libido el cual marcaría un punto
distinto ya que era un disco con un sonido Alternativo e infuencias de
bandas como Radiohead, Nirvana, grunge al cual le seguirían dos
álbumes muy exitosos Hembra (2000) y Pop Porn (2002), así mismo la
banda Cementerio Club (1998) y Huelga de hambre (1998) banda con
mucha infuencia grunge, alternativa y hard rock, ya para el nuevo
milenio bandas como Zen y Madre Matilda seguirían con este género en
Perú. En Lima surgió el grupo llamado AlternativaMente. También en
solos como Pedro Suárez-Vértiz.
En Chile: Los más conocidos surgieron a fnales de la década de
los 80 y los 90. Bandas como Los Prisioneros, La Ley y Los Tres
marcaron una tendencia en la polarizada sociedad chilena de la época y
se volvieron muy populares, hasta el día de hoy. También muchas
bandas han surgido de la escena musical chilena hacia la internacional
como Saiko, Lucybell, Sinergia, Te Ganjas, Los Bunkers, y Rekiem.
393

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
En Colombia: Aterciopelados lidera la escena de la música
alternativa colombiana con fama y repercusión internacional, también
hay otros muchos grupos como Aviones, Donna Joe Radio, Persei4, Te
Hall Efect, Te Mills, Dyënno, El Sin Sentido, Latam, Mundo
Invisible, V for Volume, Tres y Yo y Te Other Planet, que mezclan
sonidos roqueros disímiles como David Bowie, Foo Fighters, Nick Cave
and Te Bad Seeds, Portishead, Radiohead, Sonic Youth, Linkin Park y
Pixies entre otros, con letras profundas, armonías simples y sonidos
densos.
En México: Caifanes, Neón, Bon y los enemigos del silencio
fueron los iniciadores del movimiento en este país, sin embargo el mayor
auge en los 90's se dió gracias al sello discográfco Culebra, en dónde se
grabaron albumnes históricos del rock mexicano de grandes bandas
como: La Castañeda, Santa Sabina, Botellita de Jerez, La Lupita, Tijuana
No! Cuca. También fguraron con gran fuerza: Café Tacvba, Fobia,
Molotov, Plastilina Mosh, Zurdok.
En Ecuador: El circuito indie de Rock ecuatoriano tiene como
exponentes a los Víbora Julieta, banda de garaje que con infuencias de
los norteamericano Soundgarden y los británicos Black Sabbath, han
lanzado una propuesta sólida alejada de disqueras internacionales y la
desaparecida banda guayaquileña Luciérnaga, con el recordado disco
rojo, que refejo destellos de vanguardia y experimentación con estilo y
potencia en su corto periodo de 5 años de existencia. Por otro lado, los
Mamá Vudú están fuertemente infuenciados por el sonido de bandas
como Joy Division, Sonic Youth y Te Smiths. También otras como
Rayuela banda quiteña con algunos años en escena, infuenciado por
Nirvana y Soundgarden, entre otros. Otros grupos destacados que
pueden considerarse como de "rock alternativo" son la mítica banda Sal
y Mileto, Anti Dopping, Alicia se tiró por el Parabrisas, el solista
Christian Stephen, Mad Brain y Silla de Astillas (2000-2007).
En Paraguay: Flou, En poco tiempo, logró la atención de un
gran número de personas y ha conseguido un lugar destacado dentro de
la escena local del Paraguay. Se puede decir que están entre los músicos
más populares de su país.
En República Dominicana: Toque Profundo con álbumes como
Moneda y Cría Cuervos; Al Jadaqui con su álbum Toma uno; Poket y
Tabu-Tek, con Syntetic.
En Costa Rica: La escena roquera costarricense se puede decir
que nace a fnales de los 80 con la agrupación Café con Leche, liderada
por José Capmany (fallecido en el 2001), en los noventa grupos como El
Parque e Indigo lideran una efervescente escena, la cual dio paso a
394

ROCK
grupos como Evolución, Gandhi y otros. Después la escena alternativa se
encuentra liderada por grupos como los anteriormente citados El Parque,
Evolución y Gandhi, además de Parque en el Espacio entre otros.
En Uruguay: Buenos Muchachos, en permanente ascenso,
toman elementos de bandas como Sonic Youth o Pixies.
En Venezuela: La Vida Boheme y Caramelos de Cianuro son
los dos exponentes más reconocidos del rock alternativo de este país. Sin
embargo, las bandas "míticas" del rock venezolano son Zapato 3 y
Sentimiento Muerto (80 y 90), también se destacan Solares, Claroscuro
y Dermis Tatú; otros grupos interesantes son Autopista Sur, Sur
Carabela, Submarino y Los Telecaster. En la escena posterior también se
encuentran Los Paranoias, Los Mentas, Te Asbestos, Los Mesoneros,
Tomates fritos y Set Sobrio.
7. 15. ROCK AND ROLL
El rock and roll (también rock 'n' roll o rock & roll), en
español rock and roll. Es un género musical de ritmo marcado, derivado
de una mezcla de diversos géneros de música folclórica estadounidense,
(doo wop, rhythm and blues, hillbilly, blues, country y western son los
más destacados) y popularizado desde la década de 1950. El cantante
más representativo fue Elvis Presley; su guitarrista más infuyente, Chuck
Berry; su pianista más importante, Jerry Lee Lewis y sus bandas más
representativas, Eddie Cochran, Little Richard, Buddy Holly y Bill
Haley and Te Comets, entre otros. La expresión rock and roll ya venía
utilizándose en las letras del rhythm and blues desde fnales de la década
de 1930, pero fue el locutor estadounidense Alan Freed quien comenzó a
utilizarla para describir el estilo.
Signifcado del término
El vocablo rock and roll proviene del slang usado por los
afroamericanos durante la primera mitad del siglo XX, con
connotaciones claramente sexuales. Según la Real Academia Española el
término tiene dos signifcados: “un género musical característico y
popularizado en los 50” (que corresponde con la defnición de rock and
roll) y “cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock
and roll”, (que sería la defnición del género contemporáneo llamado
rock, y que históricamente vino cumpliendo el término rock and roll).
Sin embargo, en la práctica existen muchos artistas dentro de la música
rock que, sin realizar rock and roll de los 50, continúan denominando a
395

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
su música “rock and roll”.
Por otro lado, aunque el Diccionario de la lengua española
reconoce, en su vigésima segunda edición, el término rock and roll como
voz inglesa a modo de anglicismo, en el avance de la vigésima tercera
edición el artículo ha sido enmendado tomando “rocanrol” como
término en español derivado del inglés.
Literalmente, el término rock and roll hace referencia a dos
tipos de movimiento: por un lado, rock es un movimiento de delante
atrás y de atrás adelante (como el de una mecedora, que en inglés se
denominan rocking chairs); y por otro lado, roll es un movimiento de
balanceo vertical alternado (traducido en términos de aeronavegación
como alabeo).
Historia
Origen del término
El disc jockey estadounidense Alan Freed comenzó a transmitir
por radio rhythm and blues y música country para una audiencia de
diversos orígenes étnicos. A Freed se le ha atribuido ser el primero en
utilizar la expresión rock and roll para describir la música que difundía;
su uso también se le ha atribuido a Leo Mintz, patrocinante de Freed,
quien lo impulsó a difundir ese estilo de música.
La expresión a su vez, fue tomada por Freed de la propia música
negra que difundía, que solía contenerla en las letras de las canciones,
como el tema Rock and rolling (1939) de Bob Robinson, Rock and
rolling mamma (1939) de Buddy Jones y Cherry Red (1939) de Joe
Turner. Tres diferentes canciones con el título Rock and roll fueron
grabadas a fnes de la década de 1940, creadas por Paul Bascomb en
1947, Wild Bill Moore en 1948 y Doles Dickens in 1949. Para entonces
la expresión era de uso común en las letras del R&B. En 1949 Erline
Harris, grabó el tema Rock and Roll Blues, en el que repite
constantemente la expresión y que le valió el apodo de Erline “Rock and
Roll” Harris.
La expresión también fue incluida en 1950 en la publicidad del
flm Wabash Avenue, protagonizado por Betty Grable y Victor Mature,
donde se decía que Grable era “la primera dama del rock and roll”.
Primeros cantantes y orígenes
En la década de 1950, en Estados Unidos, los adolescentes
buscaban nuevos sonidos, nuevas sensaciones. Por primera vez, una
396

ROCK
música se dirigía directamente a ellos: el rock and roll.
En tiempos de la esclavitud en los Estados Unidos las
comunidades negras desarrollaron un potencial musical en el que
predominaban los cánticos religiosos y ritmos propios que marcaban los
días de trabajo en las diversas plantaciones que habitaban en aquel
entonces. A nivel musical la infuencia de los ritmos y sonidos africanos
se hacían presentes generando en un estilo propio y diverso que luego se
materializó en el blues, el cual se convertiría en el ingrediente musical
que más tarde revolucionaría la música a nivel mundial. Por otro lado
también la infuencia de los músicos blancos a través del género musical
denominado country y la aparición de la guitarra eléctrica daría
nacimiento a lo que se llamó rhythm and blues, padre del rock and roll.
Uno de sus precursores fue Muddy Waters en 1949.
El término rock and roll empezó a utilizarse para aminorar
musicalmente el popular ritmo rhythm and blues, el cual denotaba en
demasía las luchas raciales para la época, y aunque en esencia los dos
géneros musicales representaban lo mismo, se quiso diferenciar uno del
otro para dar paso a los cantantes blancos y a la música que no mencione
el conficto racial.
Sus inicios combinan elementos del blues, del boogie-woogie, y
del jazz, con infuencias de la música folclórica Apalache, (hillbilly),
góspel, country y western especializado. Suele acreditarse a Muddy
Waters como al músico que “pavimentó” el camino hacia el rock and
roll.
Hay quienes datan su origen en 1954, con el trabajo
discográfco de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets,
especialmente con Crazy man crazy (1954) y su gran éxito Rock Around
the Clock (1954), que tanta infuencia tendría en John Lennon. Otros
consideran como creador a Chuck Berry o a Little Richard. También es
posible que se haya originado con los trabajos discográfcos Te Fat Man
de Fats Domino (1949) Y Rocket 88 de Ike Turner (1951).Entre los
músicos destacados de la época se pueden citar a Jerry Lee Lewis, Bo
Diddley, Fats Domino, Buddy Holly, Eddie Cochran, Gene Vincent, y
Elvis Presley entre otros.
Desarrollo y evolución
A partir de los años 1950 tuvo un importante desarrollo y
evolución que se expresó a través de gran cantidad de bandas, de ritmos y
de estilos que lo convirtió en un fenómeno cultural y musical que se
extendió alrededor del mundo. Consiste en una conjunción rítmica que
397

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
se cimenta esencialmente sobre la música negra. Su popularización sirvió
para que muchos músicos pudiesen expresarse y llegar a difundirse en
medios locales y nacionales. Esa es la historia de muchos rockers negros,
como el mismo Chuck Berry, quien plasma la realidad social de su
entorno en la canción Johnny B. Goode.
No es sino a partir de los años 1960, cuando decae y deja de ser
el ritmo que representaba a los jóvenes rebeldes en los 50, dando paso al
género denominado rock o música rock, que marcaría un hito entre la
naciente generación joven de los 60.
Sin embargo, de él nacieron distintos subgéneros como el
rockabilly, el doo wop o el hard rock, y fenómenos como el de los Teen
Idols o las Girl Groups, estos últimos patrocinados principalmente por
Phil Spector y de él han derivado géneros como el garage rock, el punk
rock, el rock progresivo o el glam rock, goth rock y entre todos ellos
siguen existiendo elementos comunes provenientes del rock n' roll. Así
algunos artistas de hard rock como AC/DC y Dr. Feelgood les agrada
defnirse como músicos de rock n' roll, para poner en evidencia su
infuencia musical.
Análisis musical
En sus inicios y en el estado menos evolucionado, el rock and
roll fue un estilo de música sin ninguna infuencia blanca,[cita requerida]
que se sirvió de las nuevas técnicas de amplifcación de guitarra para
comenzar a darle el papel fundamental que lo caracterizaría el resto del
siglo. Aparte de la guitarra, la batería y el piano fueron elementos
igualmente fundamentales.
La improvisación también juega un papel dentro del género,
utilizando la escala pentatónica con un par de alteraciones, lo que pasará
a ser conocido posteriormente como “escala de blues”.
7. 16. ROCK CRISTIANO
El rock cristiano es una forma de música rock tocada por
bandas cuyos miembros son cristianos, y que a menudo centran en la
letra todo lo referente a la fe cristiana. La medida en que sus letras son
explícitamente cristianas varía entre bandas. Mucho rock cristiano tiene
vínculos con la música cristiana contemporánea (MCC), mientras que
otros grupos son independientes. El género rock cristiano es más popular
en los Estados Unidos. Nace inicialmente el rock cristiano dentro de las
398

ROCK
iglesias en los Estados Unidos, diversas bandas juveniles se formaron por
todo el país y empezaron a trascender en otros países del mundo.
Historia
Raíces del "rock cristiano" (fnales de 1960-década de 1980)
Posiblemente la primera aparición documentada de una banda
de rock tocando en la iglesia es Mind Garaje en 1967, cuya “Electric
Liturgy” fue fnalmente grabada para el sello RCA en 1969 en el "estudio
de Nashville Sound", que fue bajo la dirección de Chet Atkins en su
momento. Liturgia fue lanzado en 1970. Sin embargo, Mind Garaje no
es ampliamente conocido por sus contemporáneos.
Larry Norman era un popular músico de rock cristiano que se
enfrentó a la oposición sostenida por algunos cristianos conservadores
(en su mayoría fundamentalistas) que la música rock era anti-cristiana.
Una de sus canciones, "Why Should the Devil Have All Te Good
Music?" (Porque Satanás tiene que tener la mejor música), dicho esto se
convirtió en pionero de la música rock cristiano. El primer álbum Randy
Stonehill, fue grabado en 1971, con la ayuda fnanciera de Pat Boone. El
álbum, obtuvo el primer lugar por su gran actuación en vivo, fue
grabado con tan solo 800 dólares., y de acuerdo a Stonehill, que "suena
cada centavo de él!" También fue uno de los primeros pioneros en el
movimiento de los primeros años del rock cristiano.
All Been Ready" aparece en la película de la Iglesia Evangélica
Cristiana como ladrón en la noche. Y apareció en el álbum cristiano Clif
Richard's 'Small Corners' junto con 'Why Should the Devil Have All
Te Good Music? ".
Rock cristiano se considera a menudo como una parte marginal
de la naciente Contemporary Christian Music (CCM) o Música
Cristiana Contemporánea y la industria gospel contemporánea en la
década de 1970 y 80, aunque los artistas de rock cristiano como Bruce
Cockburn y artistas del rock fusión como Phil Keaggy han tenido cierto
éxito como una identidad Cristiana del Hard Rock como Stryper que
adquirido cierta fama durante la década de 1980 e incluso había algunos
videos en MTV, una de ellas "To Hell With Te Devil", e incluso hubo
algún tiempo de transmisión en estaciones de radios seculares, con su
canción "Honestly".
En realidad, el rock cristiano empezó a convertirse en un gran
negocio en la década de 1980, la revista Billboard comenzó a publicar
listas de los 10 álbumes cristianos más vendidos "Hot Christian Songs ',
estaciones de radio y revistas de música se crearon para centrarse en el
399

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
rock cristiano.
En 1985, la música de Amy Grant comenzó a llegar a un
público más amplio, cuando sus discos Unguarded y "La Colección"
estuvieron charts en general.
1990-presente
La década de 1990 vio una explosión de rock cristiano,
fuertemente inspirada por el éxito de U2, así como por el estilo musical
de las bandas de grunge.
Muchas de las bandas cristianas populares de los 90s fueron
inicialmente identifcadas como "rock alternativo cristiano", como Jars
of Clay, Audio Adrenaline, y otros. Fuera de los países de habla inglesa,
bandas como Ofcina G3 (Brasil) y Te Kry (Quebec, Canadá), han
logrado un éxito moderado. Esta década también vio un auge notable en
sub-géneros como el "punk cristiano", "metal cristiano", "hip-hop/rap
cristiano", entre otros.
En la década de 1990 y principios de 2000, se vio el éxito de
bandas de cristianos como Delirious?, Skillet, Switchfoot, Tousand
Foot Krutch, Decyfer Down, Underoath, Legend Seven, Kutless, y
Relient K, se produjo un giro hacia la exposición general en el escenario
del rock cristiano. Tooth & Nail Records vio su lista de artistas y bandas
que lograron una mayor popularidad y reconocimiento a pesar de que
existe fuera de las paredes de una industria dominante tradicional.
El rock cristiano ha sido principalmente un fenómeno
protestante. Algunos grupos de ortodoxia de rock cristiano, en su
mayoría de Rusia y la ex-Unión Soviética, comenzaron a actuar a fnales
de 1980 y 1990. Alisa y Black Cofee se acreditan como ejemplos más
destacados. Las letras cristiano-ortodoxas de estos grupos a menudo se
superponen con las canciones históricas y patrióticas sobre la antigua
Rus. También hay algunos grupos católicos, como Critical Mass
(Canadá) y Rosa de Saron (Brasil). Entre los artistas solistas se presenta el
caso del vocalista estadounidense de heavy metal Rob Rock.
Defnición
Existen varias defniciones de lo que califca como una banda de
"rock cristiano". Bandas de rock cristiano que explican el estado de sus
creencias en sus letras, como Servant, Tird Day y Petra, tienden a ser
consideradas como una parte de la música cristiana contemporánea
400

ROCK
(MCC) de la industria y el juego de un mercado predominantemente
cristiano.
Otras bandas tocan música infuenciada por su fe cristiana, pero
ven a su público como el público en general. Se puede evitar una
mención específca de Dios o de Jesús, o pueden escribir letras más
personales, crípticas, o humorísticas sobre su fe en vez de cantos de
alabanza directa.
Estas bandas son a veces rechazadas por la escena de la MCC y,
a su vez, pueden rechazar la etiqueta de MCC, sin embargo, muchos han
sido aceptados como bandas cristianas. Otros grupos pueden
experimentar con estilos musicales más abrasivos, que hasta hace poco se
reunieron con la resistencia de la escena de la MCC.
Sin embargo, a partir de los años 1990 y 2000 se logró una
aceptación mucho más amplia, (incluso por los puristas religiosos) de
metal cristiano, música industrial cristiana y punk cristiano. Muchas de
estas bandas son en su mayor parte de las disqueras cristianas, como
Tooth & Nail Records y Facedown Records.
Soy un artista que es cristiano, yo no escribo la música para evangelizar.
Ahora, si eso sucede, sucede.
Scott Stapp, vocalista principal de Creed.
Muchos artistas de rock como Switchfoot, Blind Guardian y
Collective Soul no pretenden ser "bandas cristianas", sino que incluyen a
los miembros que abiertamente profesan ser cristianos, o en ocasiones
puede presentar el pensamiento cristiano, las imágenes, la escritura o de
otras infuencias en su música.
Algunos de estos grupos como Creed, interpretaron el
contenido espiritual de su música y fueron ampliamente considerados
una "banda cristiana" por los medios de comunicación populares, a pesar
de sus desmentidos posteriores de la etiqueta. Algunos grupos rechazan la
etiqueta porque no quieren atraer a los afcionados exclusivamente
cristianos, o porque se han identifcado con otro género musical en
particular, como heavy metal o indie rock, y la sensación de parentesco
con los miembros más creativos del escenario.
Objetivos evangélicos
Los objetivos para hacer música cristiana varía entre los
diferentes artistas y bandas. A menudo, la música hace llamadas
evangelistas de formas cristianas de alabanza y adoración.
401

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Esto va acompañado de forma extensiva en las calles, festas,
funciones de la iglesia, y muchas otras formas de interior o (alma) de
expresión. En este milenio en curso hemos visto la talla de los artistas
cristianos, tales como Tird Day, Kutless, y Tousand Foot Krutch, que
cantan canciones cristianas más explícitas a la incorporación de letras que
adoran a Jesús directamente. Otras bandas, como Underoath,
Blessthefall, y Haste the Day, incorporan el simbolismo y los mensajes
cristianos de una manera menos directa para atraer a los oyentes no
cristianos y cristianas a su música.
Otros grupos no necesariamente se hacen llamar bandas
cristianas (aunque todos los miembros son cristianos), pero tienen letras
de canciones espirituales y dicen que su fe cristiana afecta a su música.
(P.O.D., Te Fray, Paramore, Flyleaf, y Te Classic Crime, son buenos
ejemplos de esto.) Bandas como Switchfoot han dicho que tratan de
escribir la música para los cristianos y no cristianos por igual.
Evanescence, que se distribuyeron en el mercado cristiano en su álbum
de debut, ya han anunciado su desvinculación con el género y
removieron su material de las tiendas de música cristiana.
Skillet también es una de las bandas más conocidas por los
cristianos y no cristianos, a incorporado mensajes explícitos en álbumes
anteriores y participado en soundtracks de juegos de video.
7. 17. ROCK ELECTRÓNICO
El Rock electrónico (también llamado Synthrock, Electrorock,
Techno-rock o Digital rock) es un género musical caracterizado por el
uso combinado de instrumentos relacionados con la música electrónica
como sintetizadores, caja de ritmos, samplers e instrumentos asociados
con el rock como guitarras eléctricas, bajo y batería. Fue concebido en
los años 50 pero se popularizó durante los 60.
Historia
1960s: A partir de fnes de los años 60, bandas como Silver Apples, Te
Doors, Te Beatles, Emerson, Lake & Palmer empezaron a utilizar el
sintetizador Moog en sus composiciones.
1970s: No fue hasta mediados de los años 70 donde su uso se popularizó
aún más entre bandas de rock progresivo como Pink Floyd, Yes, Electric
Light Orchestra. Por otro lado, el krautrock se vio fuertemente
infuenciado por el uso del sintetizador en bandas como Kraftwerk,
Tangerine Dream y Ash Ra Tempel.
402

ROCK
1980s: En los años 80, el rock electrónico se vio infuido por la llegada
de nuevas tecnologías como el MIDI y el audio digital. Artistas como
Gary Numan, Te Human League, Depeche Mode y muchos otros
crecieron en popularidad en este período.
1990s: Los años 90 estuvieron marcados por el big beat de los artistas
pioneros en este género Fatboy Slim, Te Chemical Brothers, Te
Prodigy y Te Crystal Method, y bandas de industrial rock/metal como
Nine Inch Nails y Rammstein, con infuencias provenientes del rock
alternativo, el heavy metal y la música electrónica.
2000s: Al llegar el nuevo milenio en los 2000s, la banda británica
Radiohead después de a ver gozado de un increíble éxito y crítica
aclamada en 1997 con su álbum OK Computer a comienzos de esta
década la banda experimenta con la música electrónica en su álbum del
año 2000 Kid A y luego con el rock electrónico con su discos Amnesiac y
Hail To Te Tief. La banda de rock alternativo Placebo también hizo lo
mismo con su álbum de 2003 Sleeping With Ghosts.
En la década la popularidad del rock electrónico se vio
incrementada con bandas como Pendulum, Justice, M83, LCD
Soundsystem, Te Rapture, Radio 4, Phoenix, Digitalism, Datarock,
Celldweller, Ladytron, Le Tigre, Groove Armada, Basement Jaxx,
Klaxons, Goldfrapp entre otros artistas más que lograron rotundo excitó
comercial durante la década, incluyendo los artista de la anterior década
de los 90s.
Incluso artistas más electrónicos como Daft Punk incorporaron
el rock electrónico en su álbum del 2005 Human After All.
La década también estuvo marcada con el desarrollo y
popularidad de subgéneros como la indietronica, dance punk,
electroclash y new rave.
2010s: En esta década la banda Linkin Park experimentó con este estilo
en sus discos A Tousand Suns y en Living Tings, Evanescence en su
tercer disco homónimo Evanescence, Papa Roach en su disco Te
Connection, Skillet en su álbum Rise, Muse con sus discos Te 2nd Law
y Drones, Bring Me the Horizon en su quinto disco Tat's the Spirit.
7. 18. ROCK INSTRUMENTAL
El Rock instrumental es un súbgenero de rock and roll que
hace hincapié en los instrumentos musicales, y que cuenta con ninguna o
muy poca voz en los temas. También se considera música de fondo,
aunque otros instrumentos son casi siempre traídos al primer plano de la
403

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
mezcla en lugar de la voz. Ejemplos de rock instrumental se pueden
encontrar en prácticamente todos los subgéneros del rock. Entre los
músicos y bandas de rock que se especializan en este estilo se destacan
Carlos Santana, Buckethead, Joe Satriani, Steve Vai, Link Wray, Eric
Johnson, Chuck Berry, Surfaris, Dick Dale, Te Ventures, Te Shadows,
Jef Beck, Te Beatles, Paul Gilbert, Kansas, Booker and the MGs, Te
Champs, Guthrie Govan, entre otros.
La formación básica del rock instrumental se compone de una o
dos guitarras, bajo y batería. Algunas bandas también utilizan
sintetizadores y otros instrumentos no tan comunes en el rock como
violines, cellos, arpas, xilófonos, etc.
Historia
Tuvo su gran apogeo durante la primera década de existencia
del rock and roll (mediados de 1950 hasta la mitad de 1960), antes de la
invasión británica.
De los primeros temas instrumentales se destacaron el llamado
"Honky Tonk" de Bill Doggett Combo, que tenía un ritmo suave,
tocada con saxofón, guíado por un órgano. Y el intérprete de blues
Jimmy Reed con "Boogie in the Dark" y "Roll and Rhumba".
El saxofonista de jazz Earl Bostic revivió su carrera con temas
instrumentales como "Harlem Nocturne" y "Rhumboogie Earl's Court".
Otros músicos de jazz también obtuvieron grandes éxitos con temas
instrumental como: Tab Smith y Arnett Cobb.
Hubo varias canciones notables de blues instrumental durante
la década de 1950, Little Walter con su tema "Juke" la cuál fue un gran
éxito.
Varias canciones instrumental de éxito de diferentes bandas,
hacían hincapié en el órgano electrónico (Te Tornados - "Telstar",
Dave "Baby" Cortez - "Te Happy Organ") o el saxofón (Te Champs -
"Tequila"). Pero en la guitarra el más prominente fue Duane Eddy1 que
obtuvo varios éxitos, como su obra más conocida "Rebeld 'Rouser'".
Eddy fue el primer artista de rock & roll en poder lanzar un álbum en
estéreo.
Te Fire Balls, con el distintivo trabajo de George Tomsco en la
guitarra , comenzó su carrera en los últimos años de la época de los
cincuenta, con éxitos instrumentales como "Torquay" y "Bulldog". La
banda fue pionera en el uso de la guitarra, bajo y batería dentro de los
temas instrumentales, allanando el camino para otros grupos Te
Ventures, Te Shadows, y la escena de la música surf. Fueron una de las
404

ROCK
pocas bandas instrumentales, que con éxito cambiaron su estilo a temas
vocales, realizando su mayor éxito en 1963 llamado "Sugar Shack".
Otras bandas y diferentes estilos
Te Shadows provenientes del Reino Unido, empezaron
utilizando guitarras estadounidenses Fender Stratocaster con
amplifcadores británicos, con la guitarra líder usando el reverb como
principal recurso. Este grupo con Clif Richard dominó las listas de
popularidad de Reino Unido desde 1959-1963 hasta que llegó la Beatlemanía.
Te Ventures con un preciso trabajo de guitarra fue una gran
infuencia más tarde en muchos guitarristas de rock , sino que también
ayudó a la formación de la música surf, que en esta etapa consistieron
casi exclusivamente en temas instrumentales de guitarra con mucha
reverberación.
La música surf fue muy popular en la década de 1960, y sus
sonido fue en general bastante simple y con una melodía monótona a
excepción de Dick Dale, que saltó a la fama por su forma rápida de
tocar, a menudo infuenciado por la música del Oriente Medio y con
frecuencia utilizando escalas exóticas.
Años 70
La música funk y disco produjo varios éxitos instrumentales
durante la década de 1970.
Te Allman Brothers Band no se considera totalmente una
banda de rock instrumental, pero tienen muchos temas instrumentales y
hacen versiones largas de sus canciones. Un buen ejemplo es la versión de
22-minutos de Whipping Post en el LP At Fillmore East. Sus
instrumentales, "In Memory of Elizabeth Reed" y "Jessica" son muy
populares.
El guitarrista Jef Beck también grabó dos discos totalmente
instrumentales en los años 70 llamados "Blow by Blow" y "Wired".
King Crimson ganó una audiencia masiva a fnales de los años
1960 y 1970 con sus producciones de rock instrumental explosivos que
fusionó con los estilos de Jazz, la Música clásica y el Heavy metal.
Tubular Bells de Mike Oldfeld, un álbum de rock progresivo, que es
totalmente instrumental (salvo algunas partes habladas) fue lanzado en
1973 y es uno de los álbumes instrumentales más vendidos de todos los
tiempos con 16 millones de copias vendidas.
405

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Años 80
Durante la década de los 80, el género del rock instrumental
fue dominado por varios solistas de guitarra.
El virtuoso sueco Yngwie Malmsteen se hizo un nombre por sí
mismo en 1984 tocando en la popular banda Alcatrazz, y luego lanzó su
álbum debut como solista llamado Rising Force a fnales de ese año, que
llegó hasta la posición # 60 en el Billboard 200. En 1987 el álbum
Surfng With Te Alien de Joe Satriani fue un sorprendente éxito, que
contiene la popular balada instrumental "Always With Me, Always With
You", y el blues distorsionado "Satch Boogie". Dos años después llegó el
siguiente álbum instrumental de Satriani nombrado Flying in a Blue
Dream.
Después de que Malmsteen dejó Alcatrazz, fue reemplazado por
el extravagante guitarrista Steve Vai, quien previamente había estado
tocando con la banda de Frank Zappa. Continuando con la línea (y tras
un breve paso en la banda de David Lee Roth de 1986 a 1988), Vai
lanzó un buen número de discos como solista.
Jason Becker también fue considerado por muchos como un
gran intérprete de la guitarra, que lanzó dos álbumes con la banda
Cacophony. Fue un grupo básicamente instrumental con Becker y Marty
Friedman como integrantes. Después del lanzamiento del segundo
álbum de Cacophony Go Of! en 1988, Becker lanzó dos álbumes en
solitario antes de ser diagnosticado con ELA. Actualmente está confnado
a una silla de ruedas y es completamente incapaz de realizar
movimientos.
Años 90
Steve Vai salto a la fama por su fascinante álbum instrumental
Passion and Warfare.
En 1990, Steve Vai lanzó su álbum Passion and Warfare, el
cual es una fusión de rock, jazz, clásica y tonalidades orientales. Este
álbum fue un punto y aparte a través de las técnicas empleadas en cuanto
a lo que podría lograrse en el campo de la composición de la guitarra y el
rendimiento técnico. Este fue seguido por el álbum de 1995 llamado
Alien Love Secrets, el cual es considerado por sus fans el más complejo y
épico de Vai hasta la fecha, su otro álbum Fire Garden fue lanzado un
año después.
En 1995, Michael Angelo Batio de la famosa banda de glam
metal Nitro lanzó su CD, No Boundaries, con el cual comenzó su
406

ROCK
carrera en solitario. Sus álbumes, son mayormente predominantes en el
rock instrumental, aunque a veces cuentan con la voz de Batio o alguno
de sus vocalistas. Hasta el momento Batio ha publicado ocho discos en
solitario.
En 1996, el batería y guitarra de Dream Teater, Mike Portnoy
y John Petrucci (El verdadero candidato para guitarra seria Dimebag
Darrell, pero la discográfca Magna Carta quería una banda compuesta
por integrantes de Rock Progresivo), el tecladista Jordan Rudess (Dixie
Dregs) y el Bajista Tony Levin (Peter Gabriel, King Crimson) formarían
Liquid Tension Experiment, una banda instrumental de Rock
Progresivo. Liquid Tension Experiment lanzó dos álbumes, Liquid
Tension Experiment (1998) y Liquid Tension Experiment 2 (1999) a
través de Magna Carta. 'También hicieron algunos espectáculos en
directo en New York, Filadelfa y Los Ángeles. En el año 2007 se edita
un nuevo disco bajo el nombre de "Liquid Trio Experiment",
conformado por antiguas grabaciones que Mike Portnoy tenía
guardadas. Todas las melodías son sesiones de improvisación realizadas
durante la grabación de "Liquid Tension Experiment 2" en la ausencia
de Petrucci que estaba pendiente del nacimiento de su hija. Durante
2008 se edita un disco en vivo de Liquid Trio Experiment llamado
When the Keyboard Breaks, grabado durante un show en Chicago,
EEUU, en el cual, el teclado de Jordan Rudess sufre una grave falla. Los
músicos restantes se prestan a iniciar una larga sesión de Jams de
aproximadamente una hora mientras Rudess junto a sus técnicos tratan
de reparar su instrumento.
El directo Quentin Tarantino, tuvo gran éxito con la película
Pulp Fiction ya que hizo un gran uso de instrumentales de rock en su
banda sonora, al estimular el interés en algunos temas instrumentales
clásicos, y la revitalización de la carrera de Dick Dale.
Años Recientes
En los últimos años han sido lanzados nuevos álbumes de rock
instrumental. La mayoría de los populares guitarrista de la década de
1980 han vuelto a relucir, gracias en gran medida para poder revitalizar
el sonido que manifestaron en sus últimos lanzamientos. Artistas como:
Steve Morse, Marty Friedman, Paul Gilbert, Ron Jarzombek, Joe
Satriani y Yngwie Malmsteen han seguido lanzando álbumes de rock
instrumental y realizando giras con gran éxito. Sin embargo, todavía es
muy raro escuchar una canción de rock instrumental en la radio, o ver
una en las listas populares de música.
407

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
La década de 2000 dio paso a un nuevo estilo de artistas. John
5, lanzó un álbum instrumental en solitario después de salir del grupo de
Marilyn Manson en 2003. Su álbum Vértigo compuesto de una fusión
de metal, rock, rock and roll, blues y demás estilos musicales es una clara
muestra de sus versatilidad en los temas instrumentales. El álbum fue un
éxito, y después lanzaría otro llamado, "Songs For Sanity", que cuenta
con las colaboraciones de Steve Vai y Albert Lee, siendo esté -uno de los
discos más vendidos en el sello Shrapnel-. A este le siguieron en 2007
otro álbum llamado "Te Devil Knows My Name", donde participan
Joe Satriani, Jim Root y Eric Johnson.
En los últimos años se ha visto un aumento en la popularidad
de las bandas que han sido etiquetados como post-rock, muchos de estos
grupos han creado canciones de rock instrumental. Constellation
Records ha publicado algunos de los ejemplos más conocidos de
instrumental post-rock, como: Godspeed You! Black Emperor y Do
Make Say Tink. Mogwai, God Is An Astronaut, Russian Circles y
Explosions in the Sky son otros ejemplos de post-rock instrumental .
ALGUNAS BANDAS DE ROCK INSTRUMENTAL: The 440 Alliance, 65daysofstatic, The
Album Leaf, Davie Allan & the Arrows, Apocalyptica, Bambi Molesters, The Bel-Airs, Billy
Mahonie, The Black Mages, Blotted Science, Bozzio Levin Stevens, Break of Reality, The
Challengers, The Champs, The Chantays, Dirty Three, Djam Karet, Do Make Say Think, Don
Caballero, Dysrhythmia, Explosions in the Sky, Finch Finch, Jon Finn Group, The Fireballs,
Friends of Dean Martínez, The Fucking Champs, Ghosts & Vodka, God is an Astronaut,
Godspeed You! Black Emperor, Gone, Gordian Knot, Grails, Hella, Ilium, Jakob, Karma To
Burn, Kåre and The Cavemen, La Mar, Laika & the Cosmonauts, Les Fradkin & Get Wet,
Liquid Tension Experiment, The Lively Ones, Malkuth (MX), Maserati, MegaDriver, The
Mercury Program, The Mermen, The Minibosses, Mogwai, Mono, Niacin, The Octopus
Project, Ozric Tentacles, Pelican, Planet X, Powerglove, Ratatat, Red Sparowes, The
Mahavishnu Orchestra, The Roots of Orchis, Rovo, Russian Circles, Santo & Johnny,
Satellites LV, Scale the Summit, The Shadows, Shadowy Men on a Shadowy Planet, The
Six Parts Seven, Los Straitjackets, SubArachnoid Space, The Surf Coasters, The Surfaris,
This Will Destroy You, Tortoise, Toundra, Tribal Tech, Tristeza, Unwed Sailor, The
Ventures, We Be the Echo, Weather Report, Yawning Man, The Black Valiants, Perversity
of dead.
7. 18.1 SURF ROCK
La música surf es un género de música popular asociado con la
cultura del surf, en particular, del Condado de Orange y otras áreas del
sur de California. Fue particularmente popular entre 1961 y 1965,
408

ROCK
posteriormente se recuperó y fue muy infuyente en la música rock.
El surf como género, con referencias al sol y la arena, las
carreras de coches trucados y los bólidos y, de un modo menos directo, al
sexo, era una música californiana para pasar el rato que sirvió de banda
sonora para las películas playeras de la época, así como de documentales
como Te Longest Wave o Crystal Voyager, que celebraban el surf y el
estilo de vida asociado a este deporte.
Se pueden considerar dos tendencias principales: el surf rock,
instrumental en gran medida, con una guitarra eléctrica o un saxofón
tocando la melodía principal, representada por primera vez por artistas
como Dick Dale and Te Del-Tones, y el pop surf vocal, que incluye
baladas y música de baile, a menudo con armonías fuertes que son
asociadas principalmente con Te Beach Boys. Muchas bandas de surf
notables han destacado tanto por el surf instrumental como por el pop
surf, de modo que la música surf se suele considerar como un solo
género a pesar de la variedad de estos estilos.
Historia
El estilo surf comenzó a defnirse en las festas de la playa que se
celebraban a lo largo de la costa del Pacífco, sobre todo cerca de Los
Ángeles donde, a diferencia de lo que ocurría al Este en la costa de
Carolina, existía una industria discográfca. Hasta 1962, en las festas de
surferos se bailaban los discos que se podían encontrar: los
instrumentales de Sandy Nelson, como «Teen Beat» (1959) y de Te
Ventures, como «Walk Don't Run» (1960); el viejo shufe de Bill
Dogget, «Honky Tonk» (1956); un remake del «Guitar Boogie Shufe»
de Arthur Smith hecho por Te Virtues en 1959; «Stick Shift» (1961) de
Te Duals, en el que incluso sonaba un motor de coche andando; «Hide
Away» (1961) de Freddie King, virtuoso guitarrista de blues; y
«Memphis» (1963), una versión instrumental de Lonnie Mack de la
misma canción de Chuck Berry. El éxito constante de esta serie de temas
en las festas condujo a los músicos locales a dirigir sus discos a la escena
surf emergente.
Dick Dale and Te Del-Tones fueron uno de los primeros en
desarrollar un repertorio de canciones con letras que se referían
exclusivamente al argot y las actividades surferas, como «Let's Go
Trippin'» de 1961, editado por el sello Deltone, propiedad de Dale, que
fue un éxito menor en 1962.3 Llegó a gestarse una potente tendencia de
surf instrumental, con temas como « Wipe Out» (1963) de Te Surfaris
o «Pipeline» (1963) de Te Chantays, instrumentales semicomerciales
409

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
con connotaciones surf, grabados por pequeños sellos independientes
que llegaron a alcanzar los primeros puestos de las listas nacionales en
1963.
Los títulos de estos discos, pese a ser expresiones de argot
surfero, sonaban sufcientemente bien en la radio como para ser
califcados como discos de pop formales, por lo que el mundillo del surf
sirvió de plataforma para que cualquier intérprete pudiera hacerse un
nombre y alcanzar las listas nacionales. Pese a la lentitud de la industria
discográfca en valorar el potencial de una escena musical de base, varios
de los mayores sellos de la Costa Oeste, como Capitol, Liberty o
Imperial, respondieron fnalmente. Otra temática que se sumó, paralela a
la del surf, fue la de las carreras de bólidos, o música Hot Rod, hasta el
punto que un grupo de músicos formaron un equipo, con doble
identidad, que tan pronto grababa temas de surf bajo el nombre de los
Te Marketts como temas de bólidos como Te Routers.
Los principales componentes de la escena surf fueron: el dúo
Jan and Dean; varios productores independientes, como Lou Adler,
Steve Barri, Bruce Johnston, Terry Melcher y Gary Usher; el disc-jockey
Roger Christian; y los compositores de Te Beach Boys, Brian Wilson y
Mike Love, para los que el mundillo del surf era una genuina afción y,
probablemente, el único tema sobre el que componer con alguna
convicción. Para la mayor parte del resto, el surf y su cultura eran un
planteamiento que resultó conveniente para orientar sus carreras. Así, a
mediados de la década, con la popularización del folk por un lado y el
beat de la «invasión británica» por otro, la mayoría de ellos se pasaron a
formas pop más convencionales y el mundillo del surf se desvaneció.
Surf rock
El surf rock instrumental fue el estilo que se basaba más en la
guitarra del primer rock'n'roll, por lo que ejerció una gran infuencia en
subsiguientes estilos de tocar la guitarra eléctrica. Como reconocido
padre del surf rock, Dick Dale desarrolló un estilo de guitarra
reverberada que buscaba evocar las olas y las «carreras» de la subcultura
adolescente del surf que surgió inicialmente, a fnales de la década de
1950, en California y Hawái. Su técnica se basaba en la interpretación
con trémolo de instrumentos de cuerda pulsada de Oriente Medio como
el buzuki, manteniendo las notas al puntear las cuerdas arriba y abajo. El
sencillo de Dale and the Del-Tones «Let's Go Trippin», publicado en
1961, desencadenó la locura por la música surf y propició el surgimiento
de centenares de grupos. Este tema fue versionado con posterioridad por
410

ROCK
Te Beach Boys en su álbum Surfn' USA.
La infuencia de Dick Dale fue muy grande; Dale tocaba sus
guitarras rasgueando con la mano izquierda y al revés, en un estilo que
impresionó a Jimi Hendrix y posteriormente a una generación del heavy
metal. Recibió el premio Surfer's Choice de 1962 y ayudó, durante la
grabación de tres álbumes en 1965, a desarrollar, probar en carretera y
popularizar toda una serie de equipos de la Fender Electric Instrument
Company, como amplifcadores y unidades de reverb, así como una
guitarra adaptada para zurdos, la Stratocaster dorada metalizada.
Resurgimiento
En los años ochenta la música surf tuvo un cierto renacimiento,
y ciertos sellos especializados, como Surfdog Records, mantuvieron un
estatus de culto. Por otro lado, su sonido de guitarra sigue ejerciendo
infuencia en géneros más contemporáneos. Desde 2003 existe el Surfer
Joe Summer Festival que reúne bandas de surf de todo el mundo.
Surf pop
Al margen del surf instrumental, los intérpretes que más éxito
comercial alcanzaron fueron el dúo vocal Jan and Dean y Te Beach
Boys, el más duradero de los grupos de surf.
Te Beach Boys tuvieron una gran infuencia del estilo de los
grupos vocales de la década de 1950, así como de las armonías de Te
Four Freshmen y del rock'n'roll de Chuck Berry (hasta el punto que su
primer éxito, «Surfn' USA» (1963) está basado en el «Sweet Little
Sixteen» (1958) de Berry). A partir de 1963, con la dirección creativa de
Brian Wilson, Te Beach Boys dejaron en gran medida los temas de surf
y ampliaron su ámbito, siendo sus mayores logros el álbum Pet Sounds,
publicado por Capitol Records el 1966 y el sencillo «Good Vibrations»
7. 19. ROCK LATINO
Rock latino, traducción al español del término inglés «Latin
rock», es un término empleado por la prensa musical especializada en
rock, que también usa la expresión «rock de fusión latina» en ocasiones,
para defnir un subgénero musical consistente en la fusión del rock con
ritmos, motivos y sonidos de la música iberoamericana y caribeña. Sin
embargo, se popularizó en distintos medios de comunicación,
principalmente de origen angloparlante, utilizar el término «rock latino»
411

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
para referirse a cualquier tipo de rock realizado por músicos
pertenecientes a países de habla hispana y portuguesa (o pertenecientes a
etnias relacionadas con dichos idiomas) llevando esto a una controversia
sobre el alcance geográfco-estilístico musical del término.
El rock latino no debe ser confundido con «rock
latinoamericano» (que sería toda la música rock realizada en
Latinoamérica, con independencia de su estilo y subgénero) ni con «rock
en español» (que sería el realizado exclusivamente en ese idioma, también
con independencia de su estilo). Aunque sí guarda una estrecha relación
con el movimiento conocido, desde principios del siglo XXI, como
alterlatino o «Latin Alternative Music» (que sí incluye entre sus
elementos defnitorios la mezcla de los sonidos latinos con el rock, el
pop, la música electrónica, el indie pop o el hip hop).
Historia
Los precedentes (años 50 y 60)
El nacimiento del rock se dio a partir de la fusión de distintos
géneros, principalmente de los provenientes de la música afroamericana
en Estados Unidos. En menor medida, la música tradicional latina
también ejerció cierta infuencia en ella. Ritmos caribeños como el
calypso se dejaron notar en lo que sería conocido como «surf music»; y
sobre la base de sonidos como el chachachá o el mambo se escribieron
distintos temas de rock and roll, con un fn netamente bailable.
El rock latino o «Latin rock» (aunque aún no se llamase así)
nació como tal en los Estados Unidos y sus antecedentes pueden
remontarse a fnales de los 50. Ya en 1958 fue un éxito mundial el tema
rock La bamba, adaptación de una canción tradicional mexicana
realizada por Ritchie Valens, nombre artístico del cantante de origen
chicano Ricardo Valenzuela. Ese mismo año, el grupo de rock
instrumental Te Champs publican la canción Tequila, que incorpora de
forma evidente ritmos latinos (y que fue compuesta por el músico de
origen chicano Danny Flores).
A lo largo de los años 60, hubo más ejemplos de fusiones y
aportes de sonidos latinoamericanos en el rock estadounidense. Bandas
como Te Midniters, Question Mark & the Mysterians, Sam the Sham
and the Pharaohs o Sir Douglas Quintet incluyeron ritmos de origen
latino en su música (que iba del rock and roll tradicional al rythm and
blues, pasando por el garage rock). A eso se unió la explosión, en el sur
de California (sobre todo en el área de la ciudad de Los Ángeles) de lo
que dio en llamarse «chicano rock»; aunque a ese respecto hay que
412

ROCK
aclarar que no todas las bandas y solistas que componían ese movimiento
incorporaban elementos latinos a su música (ya que algunas practicaban
estilos netamente anglosajones, sin otras infuencias adicionales).
Al mismo tiempo, en las escenas nacionales de algunos países
latinoamericanos, hubo bandas y solistas que fusionaron, siquiera fuese
de forma ocasional, la música rock con los sonidos locales. Pero dejando
aparte casos aislados en Perú, Colombia o Argentina, el país
iberoamericano donde se desarrolló el principal movimiento relacionado
con lo que luego se conocerá como «Latin rock» fue Brasil. Allí aparece,
durante la segunda mitad los 60, lo que se denominó Tropicalismo, una
corriente musical que fusionaba en mayor o menor medida el rock, la
bossa nova, la psicodelia, los sonidos autóctonos del país y otros ritmos
no estrictamente brasileños (incluyendo los afrocaribeños y los de otras
partes del subcontinente) y en la que destacan, como precedentes
directos del género, los primeros discos publicados entre 1967 y 1970
por grupos y solistas como Os Mutantes, Gal Costa y Caetano Veloso.
El nacimiento del término «Latin rock» (años 70)
Pero es en 1969 cuando, tras la publicación del primer álbum
de la banda estadounidense Santana (liderada por el guitarrista
mexicano-estadounidense Carlos Santana), el término «Latin rock»
aparece, por primera vez, en los medios musicales de Estados Unidos y
del resto del mundo. Con él se trata de defnir el estilo que el nuevo
grupo practica, y que es una fusión explícita de ritmos latinoamericanos,
sonidos afrocaribeños, soul, jazz, funk, blues, psicodelia y rythm and
blues sobre una base claramente rock. Al fn y al cabo, la propia
expresión «Latin rock» no es sino la traslación directa al ámbito del rock
de la que venía utilizándose desde mucho tiempo antes en los ambientes
jazzísticos para denominar a la mezcla del jazz con los sonidos
hispanoamericanos, brasileños y, sobre todo, afrocaribeños (latin jazz).
A Santana le siguen, por el mismo camino, otros grupos
estadounidenses como Malo, Ocho, Mandrill, El Chicano, Eddie
Palmieri's Harlem River Drive, War, Sapo o Azteca ya a principios de los
años 70. Con todos ellos, el género se populariza enormemente, tanto en
su país de origen (Estados Unidos) como en el resto del mundo a partir
de 1970-1971.
Como es lógico, en Iberoamérica surgen bandas que adaptan
los sonidos y ritmos locales a su estilo, en la estela de lo que han
comenzado a hacer los grupos estadounidenses de «Latin rock». Así, en
Perú aparecen formaciones como Telegraph Avenue, Trafc Sound, Te
413

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Mad's, El Polen y, sobre todo, Black Sugar, que fusionan el rock con el
jazz, los sonidos peruanos tradicionales, el rock progresivo y los ritmos
latinos en general. En Colombia destacan Siglo Cero, Génesis y La
Columna de Fuego. Por su parte en Argentina merecen ser mencionados
Arco Iris y en Chile los seminales Los Jaivas.
La nueva corriente llegó incluso a Europa, donde destacaron los
españoles Barrabás, los neerlandeses Massada o los afro-británicos
Osibisa.
Al mismo tiempo, se produjo la eclosión, en todo el mundo del
reggae. Este ritmo, procedente de la isla caribeña (y angloparlante) de
Jamaica, había surgido durante los años 60, evolucionando desde el ska,
el rocksteady y el bluebeat. Y, desde sus inicios, junto a la suma básica
del rock y el rythm and blues con los propios ritmos autóctonos
jamaicanos, incorporó la infuencia de sonidos procedentes de todo el
Caribe (las pequeñas Antillas y también Cuba o República Dominicana)
y de los países iberoamericanos continentales. No obstante, hay que dejar
claro que, a pesar de incorporar esas infuencias, ni el reggae ni el ska han
sido considerados nunca parte del «Latin rock».
Por último, señalar que otras de las corrientes musicales que
dominaron la década de los 70 fue la música disco. Y que también en ella
se dejaron notar, desde el principio (y como uno de sus componentes
principales, junto al soul o el funk) los evidentes débitos con el «Latin
rock» y los sonidos afrocaribeños y latinoamericanos en general.
Evolución posterior (años 80, 90 y siglo XXI)
Tras el estallido punk de fnales de los 70, el género se adaptó
con sorprendente facilidad a las nuevas corrientes. De hecho, puede
decirse que se produjo una verdadera revitalización del rock latino
durante los años 80. Incluso bandas británicas tan representativas del
punk y la new wave como Te Clash incorporaron sonidos claramente
transportables al género en su álbum Sandinista! (1980). Junto a ellos,
pueden nombrarse otros grupos que firtearon con el estilo, en uno u
otro momento, como Bow Wow Wow, Gang of Four, Te Slits o
Special AKA.
En España, bandas como Los Coyotes, Mestizos y Radio
Futura, que habían surgido como bandas infuenciadas por los sonidos
británicos de la new wave y el post-punk, terminaron decantándose
también, a partir de mediados de los 80, por estilos que incorporaban
claramente infuencias de la música popular hispanoamericana y del
«Latin rock». El camino sería retomado, en la década posterior, por
414

ROCK
solistas y grupos españoles como Macaco, Amparanoia o Jarabedepalo.
En Francia, bandas como Les Négresses Vertes practicaban un
rock fusionado con world music que incluía sonidos eminentemente
latinoamericanos. Pero es Manu Chao el que alcanzó mayor éxito con su
banda Mano Negra (y, posteriormente, en solitario) sentando las bases
de lo que, a partir de ese momento, se llamaría mestizaje. La fusión del
rock, con los ritmos latinos, la música árabe, el punk, el rap, el famenco,
el ska y el reggae.
Y en Estados Unidos (que seguía siendo el foco original y el
principal semillero del género) grupos y solistas procedentes de diversas
escenas como David Byrne (ex-líder de Talking Heads), Peter Gabriel,
Paul Simon, Willy Deville, Los Lobos, El Vez, Red Hot Chilli Peppers o
Rage Against Te Machine desarrollan también esos nuevos sonidos
«mestizos» (aunque con mucha mayor incidencia en los sonidos
latinoamericanos que en los otros), trazando una senda que después
recorrerá la música electrónica.
Pero es ya en la década de los 90 cuando el género encuentra,
por fn, su «lugar natural» en la propia Latinoamérica. Aparecen así
bandas iberoamericanas como Río Roma (México), Maná (México),
Caifanes (México), Café Tacuba (México), Aterciopelados (Colombia),
Paralamas do Sucesso (Brasil), Bersuit Vergarabat (Argentina), Karamelo
Santo (Argentina), Maldita Vecindad (México), Carmina Burana
(Argentina), Los Fabulosos Cadillacs (Argentina), Los Tres (Chile),
Octavia (Bolivia), Karnak (Brasil), Verde (Ecuador), Chancho en Piedra
(Chile), Julieta Venegas (México) , Los Rabanes (Panamá) y
principalmente Soda Stereo (Argentina), que empiezan a incluir ritmos
tradicionales de sus países u otras partes de América Latina (en especial
Caifanes y Los Fabulosos Cadillacs). Con todos ellos se consolida un
estilo, una nueva forma de entender el rock, que fue acogido con
particular entusiasmo en todo el subcontinente, ayudando a reforzar y
renovar la identidad del género.
Los estilos fusionados no tienen límite, pueden ser la salsa, el
merengue, la cumbia, la música brasileña, las rancheras o la música
andina.
Polémica y controversias sobre el término
A fnales de los años 90, la creciente importancia (tanto a nivel
numérico, como social y económico) de la población estadounidense de
origen latinoamericano («Latin/o» en inglés de Estados Unidos), ya que
el término había ido sustituyendo, progresivamente desde fnales de los
415

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
60, al tradicional -pero reduccionista, confuso e incorrecto- «Spanish» o
al demasiado culto y nunca muy popular «Hispanic») llevó a la industria
discográfca de ese país a crear la Academia Latina de Artes y Ciencias de
la Grabación como un sub-departamento de la National Academy of
Recording Arts and Sciences. La compartición de estilos y mercados
discográfcos en ese país facilitó el éxito y la difusión de grupos y solistas
de origen latinoamericano y concienció a la industria de que existía un
mercado «latino» tanto dentro de Estados Unidos como, sobre todo, en
los países del resto de América. El proceso culminó en el año 2000 con la
creación de la categoría de Premios Grammy Latinos. Así, los medios
generalistas no especializados comenzaron a referirse a la música hecha
por y para el público hispanoparlante (y, por extensión, para el de origen
iberoamericano) con el adjetivo «latino»: «pop latino», «rock latino», etc.
La novedad tuvo un inusitado éxito en ciertos países
latinoamericanos, donde los medios también decidieron emplear el
adjetivo con el mismo signifcado. Esto extendió, a nivel popular y
mediático, el empleo del término «rock latino» con un signifcado
diferente al que hasta ese momento había tenido: según la nueva
acepción, sería «rock latino» el rock hecho por artistas de origen
latinoamericano; y, en según que ocasiones, incluso podría referirse
exclusivamente al que se expresa en español y portugués.
Desde entonces, existe cierta confusión y polémica en torno a la
expresión. Si, como hemos dicho, en ambientes populares y medios no
especializados se usa cada vez más el término «rock latino» para referirse
al rock hecho en Latinoamérica o por personas de origen
latinoamericano, por contra, en los medios musicales especializados, la
única acepción válida sigue siendo la original (un subgénero del rock que
fusiona éste con sonidos y ritmos latinoamericanos y afrocaribeños, sea
cual sea el origen étnico-cultural-geográfco de sus intérpretes).
En su nº 100, la revista Rolling Stone (versión argentina)
publicó la siguiente frase de Vicentico, cuando era el cantante de Los
Fabulosos Cadillacs, como una de las más destacadas de la historia de la
revista: “Ya estoy grande para boludeces. Y eso del rock latino es una
pendejada. Yo estoy seguro de esto: nosotros somos mejor banda que Te
Clash.”
Vicentico, junio de 1998.
7. 20. ROCK PROGRESIVO
El rock progresivo, también conocido como prog rock o prog,
es un subgénero de la música rock, que se originó en el Reino Unido,
416

ROCK
con posterior desarrollo en Alemania, España, Italia y Francia, durante
mediados y fnales de los años 60 y 70. Se desarrolló a partir del rock
psicodélico y se originó, al igual que el art rock, como un intento de dar
mayor peso y credibilidad artística a la música rock. Las bandas
abandonaron el corto sencillo pop en favor de técnicas de
instrumentación y de composición más frecuentemente asociadas con el
jazz o la música clásica en un esfuerzo por dar a la música rock el mismo
nivel de sofsticación musical y respeto de la crítica. Las canciones fueron
reemplazadas por suites musicales que a menudo se extendían hasta 20,
30 o incluso 40 minutos de duración y contenían infuencias sinfónicas,
temas musicales extendidos, letras de contenido flosófco-esotérico y
orquestaciones complejas.
El rock progresivo vio un alto nivel de popularidad en toda la
década de 1970, especialmente a mediados de ésta. Bandas como Pink
Floyd, Rush, Yes, Jethro Tull, Te Moody Blues, King Crimson,
Genesis y ELP fueron los grupos más infuyentes del género y fueron
algunos de los actos más populares de la época, aunque hubo muchas
otras bandas, a menudo altamente infuyentes, que experimentaron un
menor grado de éxito comercial. La popularidad del género se desvaneció
durante la segunda mitad de la década. El consenso mayoritario sostiene
que el surgimiento del punk rock causó esto, aunque en realidad una
serie de factores contribuyeron a esta disminución. Bandas de rock
progresivo lograron éxito comercial hasta bien entrada la década de
1980, aunque con formaciones cambiadas y estructuras de las canciones
más compactas.
El género surgió a partir del rock espacial de Pink Floyd y los
experimentos de rock clásico de bandas como Te Moody Blues, Procol
Harum y Te Nice de la década de 1960. La mayor parte de las bandas
destacadas del auge del género de 1970 entran en la categoría "prog
sinfónico", en el que orquestaciones y técnicas de composición clásicas se
funden con la música rock. Existen otros subgéneros, incluyendo el más
accesible rock neoprogresivo de la década de 1980, el sonido de
Canterbury de los años 1960 y 1970 infuenciado por el jazz, y el Rock
in Opposition de fnales de 1970 y en adelante, más político y
experimental. El rock progresivo ha infuenciado géneros como el
krautrock y el post-punk, y se ha fusionado con otras formas de la
música rock para crear subgéneros del heavy metal como el metal
neoclásico y el metal progresivo. Un resurgimiento, a menudo conocido
como new prog, se produjo a comienzos del siglo XXI y ha disfrutado de
un seguimiento de culto desde entonces.
417

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Historia-Fuentes del rock progresivo
Desde el punto de vista instrumental, la obra de algunos
músicos de comienzos del siglo XX como Bartók, Debussy y Stravinski
es una referencia esencial para todo el rock progresivo. Su infuencia se
hace especialmente visible en el desarrollo de pasajes rítmicos intrincados
y compases irregulares (5/4, 7/8, 13/16 etc.), que tienen también un
precedente en la música del este de Europa. En el costado más
experimental del género se observa también la infuencia de los
compositores vanguardistas de música electrónica, como Karlheinz
Stockhausen. De la combinación de elementos clásicos con otros
tomados del jazz y del rock procede la sonoridad peculiar propia del rock
progresivo.
Precursores
Allmusic cita la poesía de Bob Dylan y las bandas Te Mothers
of Invention con Freak Out! (1966) y Te Beatles con Sgt. Pepper's
Lonely Hearts Club Band (1967) como muestras de los "primeros
sonidos de rock progresivo y art rock", mientras que progressiverock.com
cita a este último como su "punto de partida". Ya en álbumes anteriores,
como Rubber Soul y Revolver, habían comenzado a utilizar música
oriental e instrumentos que no son comunes en el rock. La banda East of
Eden también lo hizo con el uso de armonías orientales e instrumentos
como el saxofón sumerio en el álbum Mercator Projected de 1969. Esto
luego se extendería a bandas de rock progresivo como Yes, King
Crimson, Emerson, Lake & Palmer, Electric Light Orchestra, Jethro
Tull, Supertramp, o Gentle Giant.
Freak Out!, lanzado en 1966, era una mezcla de rock
progresivo, rock de garaje y vanguardia. En el mismo año, la banda "1-2-
3", que luego cambió a su nombre a Clouds, comenzó a experimentar
con la estructura de las canciones, incluyendo improvisaciones y arreglos
multi-capa. En marzo de ese año, Te Byrds lanzaron "Eight Miles
High", un sencillo pionero del rock psicodélico, con la guitarra líder
fuertemente infuida por el estilo jazzero de John Coltrane. Más tarde ese
mismo año, Te Who lanzó A Quick One, el primer ejemplo de ópera
rock y considerada por algunos como el primer álbum de rock progresivo
épico.
En 1967, Jef Beck lanzó el sencillo "Beck's Bolero", inspirado
por el bolero de Maurice Ravel y más tarde ese mismo año, Procol
Harum lanzó el sencillo "A Whiter Shade of Pale", infuido por Bach.
418

ROCK
También en 1967, the Moody Blues lanzaron Days of Future
Passed, combinando música clásica orquestal con la instrumentación
clásica del rock y la estructura de canción. El primer álbum de Pink
Floyd, Te Piper at the Gates of Dawn (1967), contenía cerca de 10
minutos de improvisación instrumental en la canción "Interstellar
Overdrive".
A fnes de los años 1960, muchas bandas de rock comenzaron a
incorporar instrumentos de música clásica y oriental, así como a
experimentar con improvisaciones y composiciones más largas. Algunas,
como la inglesa Soft Machine, comenzaron a experimentar con mezclas
de rock y jazz. Otras bandas y artistas grabaron álbumes con orquestas
completas como Deep Purple en su disco Concerto for Group and
Orchestra (1969) y Te Nice en su obra Five Bridges (1970). Este uso de
la música clásica se consolidaría en los años 1970 con trabajos como la
grabación orquestal de Amon Düül II en Made in Germany (1975),
Pink Floyd con Atom Heart Mother (1970), Rick Wakeman con
Journey to the Center of the Earth (1974), o varios trabajos de Frank
Zappa, por citar algunos.
Primeras bandas
Las bandas que alimentaron al rock progresivo en sus primeras
etapas fueron Trafc, Jef Beck, Family, Jethro Tull y Genesis; mientras
que King Crimson, Yes y Van der Graaf Generator representan al género
en su punto máximo. Las bandas del género se formaron a fnes de los
años 60 y principios de los 70, incluyendo a Te Moody Blues (1964),
Pink Floyd (1965), Soft Machine (1966), Barclay James Harvest (1966),
Gong (1967), Genesis (1967), Van der Graaf Generator (1967), Jethro
Tull (1967), Te Nice (1967), Yes (1968), Caravan (1968), King
Crimson (1969), Supertramp (1969), Gentle Giant (1969), Curved Air
(1970) la Electric Light Orchestra (1970) y Te Alan Parsons Project
(1976)
Aunque estas bandas provienen mayormente de las Islas
Británicas, el género fue creciendo en popularidad en Europa
continental, descollando la escena alemana. Uno de los países con una
escena prog más fuerte siempre fue Alemania (el llamado krautrock), con
nombres de la talla de Triumvirat, Embryo, Guru Guru, Eloy, Amon
Düül II, Can, Jane o Faust, entre muchos otros, mientras que Tangerine
Dream, los primeros Kraftwerk o Popol Vuh eran los referentes de la
música progresiva electrónica germana (Berlin School), que se
encontraba muy relacionada con la música progresiva. El rock progresivo
419

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
italiano ha sido también un subgénero importante y muy fértil (más que
una variante geográfca) liderado por PFM, Le Orme y Banco del Mutuo
Soccorso, quienes ganaron un importante reconocimiento internacional.
Destaca entre los pioneros de este país el Franco Battiato de la década de
los setenta (en la reedición de Darwin! de Banco del Mutuo Soccorso, de
2013, hay un tema que interpretan a dúo) Otras bandas italianas
notables fueron New Trolls, Area, Goblin, Campo di Marte, Museo
Rosenbach, Il Balletto di Bronzo, Maxophone o Locanda delle Fate.
Del mismo modo, en otros países de Europa comenzó a
emerger un movimiento de bandas de rock progresivo, como Focus,
Kayak, Ekseption y Trace formadas en los Países Bajos, Ange, Gong y
Magma en Francia, o Aphrodite's Child en Grecia, liderada por el
pionero de la música electrónica Vangelis junto al cantante y bajista
Demis Roussos, quienes tras sus inicios de pop psicodélico, coronaron su
carrera con un doble álbum de rock progresivo antes de separarse: 666
(1972).
Escandinavia, por su parte, estuvo representada por bandas
suecas como Samla Mammas Manna o Kaipa, y la banda fnlandesa
Wigwam, entre otras.
Pico de popularidad y ocaso
La popularidad de las bandas de rock progresivo alcanzó su
punto más alto a mediados de los años 70, cuando los artistas del género
lideraban con regularidad las encuestas de lectores en las principales
revistas de música popular en Gran Bretaña y Estados Unidos, y álbumes
como Tubular Bells de Mike Oldfeld encabezaban las listas. En ese
tiempo, se habían formado varias bandas de rock progresivo en América
del Norte. Kansas, que había existido en realidad de una forma u otra
desde 1971, se convirtió en una de las bandas de rock progresivo de
mayor éxito comercial.
Asimismo, Electric Light Orchestra, que se formó en 1970, con
fuerte infuencia de Te Beatles, sonido marcadamente sinfónico y fuerte
presencia de instrumentos de cuerda, tuvo su mayor éxito a mediados de
la década de 1970, cuando se orientaron a un estilo más accesible. La
estrella del pop Todd Rundgren se volcó al prog con su nueva banda,
Utopía, y los canadienses de Rush se convirtieron en una banda
importante, con una serie de álbumes exitosos que se extienden desde
mediados de la década de 1970 hasta el presente.
Eder afrma que este álbum "adolecía de mal sonido y falta de
inspiración" y "volvió aún más tenue la devoción de los fans y los
420

ROCK
críticos." Afrma que "el fn [del rock progresivo] no se hizo esperar: en
1977, la nueva generación de oyentes estaba aún más interesada en pasar
un buen rato que las audiencias de la década de 1970, y no tenía
paciencia para una suite de 30 minutos de rock progresivo o álbumes
conceptuales basados en historias tolkienescas". Afrma que a fnes de la
década de 1970 y principios de 1980, "ELP apenas funcionaba como
una unidad, y no producía música con toda su energía; Genesis se
redefnió a sí misma... como una banda de pop-rock; y Yes había vuelto a
escribir canciones de cuatro minutos... y hasta a lanzar sencillos."
En 1974, cuatro de la más grandes bandas de rock progresivo,
Yes, Emerson, Lake & Palmer, Genesis y King Crimson, entraron en
recesos indefnidos o experimentaron cambios en sus formaciones. Los
miembros de Yes y ELP comenzaron a realizar trabajos solistas, como así
también Peter Gabriel el cantante de Genesis, quien dejó la banda (que
continuaría con Phil Collins como vocalista), y Robert Fripp, quien
anunció el fn de King Crimson luego del lanzamiento de Red.
Cuando en 1977, Yes y ELP volvieron a tocar, tuvieron cierto
éxito pero fueron incapaces de mantener su dominio anterior. Rush
también cambió su sonido: según Te Canadian Encyclopedia, de "1975
a 1982... cuando Rush co-produjo su música con Terry Brown, el trío
fusionó elementos de rock progresivo (como los compases complejos y el
virtuosismo) con el énfasis en el heavy metal que había mostrado en los
primeros discos". Sin embargo, la revista Progressive Rock Central
afrma que Rush sólo editó dos discos d e rock progresivo A Farewell to
Kings y Hemispheres.
El advenimiento del punk rock y la música disco en la década
de 1970 ayudó a movilizar a la opinión crítica y al público del Reino
Unido hacia un estilo más simple y más agresivo de rock, con lo cual las
bandas progresivas fueron cada vez más descartadas por ser pretenciosas y
exageradas, terminando el reinado de rock progresivo como un estilo
líder dentro del rock. Sin embargo, las bandas de rock progresivo
establecidas conservaban una fuerte base de fanáticos; Rush, Genesis,
ELP, Yes, Queen y Pink Floyd ingresaban con regularidad en las listas de
álbumes más vendidos y realizaban masivas giras de presentación.
En muchas bandas que surgieron a raíz del punk, tales como
Japan, Cabaret Voltaire, Ultravox, Simple Minds, Television y Wire, hay
infuencias del rock progresivo, así además del punk.
421

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Renacimiento en la década de 1980
En el decenio de 1980 se produjo un renacimiento del género,
dirigido por artistas como Marillion, UK, Twelfth Night, IQ,
Pendragon, Quasar o Pallas. Los grupos que surgieron durante este
tiempo a veces se conocen como neoprogresivos o neo prog. Las bandas
de este estilo fueron infuenciadas por los grupos de rock progresivo de
los '70 como Genesis, Yes y Camel, pero incorporan algunos elementos
de la música new wave y otros elementos de rock de la década de 1980.
El sintetizador digital se convirtió en un instrumento importante en el
estilo. El Neo-prog continuó durante la década siguiente y más allá aún
con bandas como Arena y Jadis.
Algunas bandas incondicionales del rock progresivo cambiaron
su dirección musical, simplifcando su música y haciéndola más viable
comercialmente. En 1981, King Crimson reapareció incorporando un
sonido más new wave, posiblemente infuido por Talking Heads (con
quién el nuevo vocalista del grupo, Adrian Belew, colaboró) y Asia
publicó su primer álbum orientado hacia el pop. Esto demostró un
mercado para el rock progresivo británico más comercial -un estilo muy
similar al de Styx y Journey. Génesis cambió hacia una dirección más
comercial durante la década de 1980, y Yes regresó con el álbum 90125 ,
con su único sencillo número uno en Estados Unidos, "Owner of a
Lonely Heart". Kiss aparece con el disco Music from "Te Elder" en
1981 y del mismo modo, A Momentary Lapse of Reason de Pink Floyd
en 1987 fue un quiebre con respecto a sus álbumes conceptuales
anteriores, con canciones mucho más cortas y un sonido más electrónico.
Este fue el primer disco que la banda grabó tras la partida de Roger
Waters, su principal compositor durante la etapa anterior de la banda.
Sin embargo de la referida simplifcación o comercialización del
sonido está década produjo algunos temas hoy considerados clásicos
dentro del género, que recogen la esencia del rock progresivo hecho en
los años 80', como "Subdivisions" de Rush; "Home by the sea" (part I y
II) de Genesis; "Without you" de Asia; "Changes" de Yes o "Ammonia
Avenue" de Alan Parsons Project.
Décadas de 1990 y 2000
El rock progresivo disfrutó de otro resurgimiento en la década
de 1990. Un impulso notable para este renacimiento fue la fundación de
Swedish Art Rock Society en 1991, una asociación creada para rescatar
los valores del rock progresivo clásico, con Pär Lindh como
422

ROCK
presidente.16 Esta sociedad fue un catalizador para nuevas bandas suecas
como Anekdoten, Änglagård, Landberk y Pär Lindh Project, que se
unieron a la escena musical entre 1992 y 1994. Estas bandas se
convirtieron en parte de la "tercera ola" del rock progresivo, encabezada
por Te Flower Kings de Suecia, Porcupine Tree del Reino Unido,
White Willow de Noruega y Dream Teater, Spock's Beard, Echolyn,
Proto-Kaw (una reencarnación de una de las primeras formaciones de
Kansas) y Glass Hammer de los Estados Unidos. El proyecto Ayreon de
Arjen Anthony Lucassen, con el respaldo de una gran variedad de
talentos del rock progresivo, produjo una serie de innovadores álbumes
conceptuales de metal progresivo a partir de 1995.
Varias de las bandas de metal progresivo -las estadounidenses
Queensrÿche, Fates Warning y Dream Teater, así como también la
banda sueca Opeth– citan a Rush como una de sus principales
infuencias, aunque su música también exhibe infuencias de bandas de
metal y rock duro más tradicionales como Black Sabbath o Deep Purple.
Tool (Estados Unidos) menciona a King Crimson como una infuencia
en su trabajo. King Crimson abrió los conciertos de Tool durante su gira
de 2001 y expresó su admiración por el grupo a la vez que continuó
negando la etiqueta de "progresivos". El rock progresivo ha servido de
inspiración para géneros como post-rock, avant-garde metal, power
metal, neo-classical metal y symphonic metal. El ex baterista de Dream
Teater Mike Portnoy ha reconocido que el uso prominente de
elementos y calidades progresivas en el metal no se limita a las bandas
convencionalmente clasifcadas como "metal progresivo". Muchos estilos
de metal underground (especialmente los estilos de metal extremo, que
se caracterizan por una velocidad muy rápida o muy lenta, altos niveles
de distorsión, orientación épica y a menudo melodías altamente
inusuales, escalas, estilos vocales, estructuras de canciones y, sobre todo
en death metal, tempo abrupto, cambios de clave y de compás; folk
metal es conocido por emplear instrumentos poco frecuentes a menudo y
otros elementos poco comunes) y algunas bandas como Watchtower,
Death, Celtic Frost (una banda que fue pionera en varios estilos) o Te
3rd and the Mortal siguen siendo poco conocidas incluso para los
afcionados al género.
Los antiguos miembros de la banda pionera del post-hardcore
At the Drive-In, Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez-López
formaron Te Mars Volta, una progresiva exitosa que incorpora jazz,
funk, punk rock, música latina y ruido ambiente en canciones que varían
en longitud desde unos pocos minutos a más de treinta. Alcanzaron
cierto éxito con su álbum de 2005 Frances the Mute, que alcanzó el #4
423

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
en el conteo 200 de Billboard después de que el sencillo "Te Widow" se
convirtió en un éxito en la radio de rock moderno.
Coheed and Cambria son otra banda conocida por sus largos
solos y su forma de componer dejando de lado las estructuras, en el que
cada canción corresponde a un evento importante en la novela gráfca y
en las series de novela, Te Amory Wars, que fue escrito por el cantante
y guitarrista Claudio Sánchez. Otras bandas de rock exitosas son
Radiohead y Muse, que han sido citados en la prensa masiva como los
herederos del manto del rock progresivo, junto con Sleepy Hollow,
Oceansize, Amplifer, Pure Reason Revolution, Te Pineapple Tief, and
Mew.
La primera década de los 2000 vio al rock progresivo ganar
popularidad en Europa del este, especialmente en Rusia, donde se fundó
el festival InProg en 2001, y bandas como Little Tragedies, EXIT
project, Kostarev Group o Disen Gage lograron cierto éxito dentro del
rock ruso y fueron conocidas en otros países. Otras bandas notables de
Europa del norte y del este son la banda turca Nemrud, Olive Mess de
Letonia y Riverside de Polonia. De la ex-Unión Soviética o Asia se
podría mencionar a From.Uz de Ucrania o Teru's Symphonia de Japón.
Algunas de las bandas que fueron pioneras del género durante
los años '70 aún continúan tocando. Este es el caso de Rush que aún
mantiene a sus tres miembros originales, Yes que ha tenido algunos
cambios de formación, Van der Graaf Generator y Jethro Tull. Cuando
los otros proyectos de sus miembros se lo permiten también King
Crimson y Camel vuelven a los escenarios.
A pesar de la falta de masividad actual del género, se muestran
notables resurgimientos y un renovado interés en muchos y muy
diferentes países, desde Japón, hasta Perú, pasando por México y
Argentina, este género musical sigue atrayendo público y admiradores de
todas las edades.
Rock progresivo en España
En España el rock progresivo también obtuvo campo idóneo
para crecer, con sus características propias, y tuvo su máximo auge
durante los años 70, con el nacimiento simultáneo de tres grupos clave
del movimiento: los madrileños Módulos (1969), los catalanes Máquina!
(1969) y los andaluces Smash (1969). Módulos fueron los que más éxito
comercial obtuvieron gracias a su fusión de rock sinfónico con el pop
comercial y letras en castellano.
Por otra parte, un subgénero muy particular, el rock andaluz,
424

ROCK
aglutinó a una serie de conjuntos que fusionaban el rock progresivo con
la sensibilidad del famenco y hasta el jazz fusión, destacando una buena
cantidad de nombres como Triana, Goma, Guadalquivir, Tabletom,
Cai, Imán, o algo más tarde fusionando jazz y metal la banda del norte
de Tenerife Psikopolis, Medina Azahara, estos últimos aportando una
impronta hard rock al sinfónico andaluz.
Rock progresivo en Latinoamérica
En Argentina los máximos exponentes del rock progresivo son
Crucis, M.I.A., Alas, Espíritu, Aquelarre, La Máquina de Hacer Pájaros,
Serú Girán, Almendra, Invisible, Spinetta Jade, Vox Dei, El Reloj, entre
otros. En la década de 1970, el rock progresivo argentino generó a su vez
el subgénero tango rock fundado por Luis Alberto Spinetta, Charly
García y Gustavo Moretto con el grupo Alas.
El rock progresivo mexicano tuvo su auge durante la década de
los '70 y sobre todo en los '80. A comienzos de la década del 70 varias
bandas de rock incursionaron parcialmente en el género, como El Ritual
("El Ritual", 1971), Luz y Fuerza ("We Can Fly", 1971), Toncho
Pilatos, en su debut homónimo (1971), donde el rock ácido, toques de
blues y hasta jazz se mezclan con la música folk mexicana, Los Dug
Dug's, que ya transformados en trio comienzan con un cambio
fundamental, acercarse fuertemente al rock progresivo, pero solo en su
segunda placa "Smog" (1972) y Náhuatl (homónimo, 1974), donde
algunas experimentaciones en su primer disco acercaron al grupo a
movimientos progresivos interesantes en un par de cortes.
A fnales de los 70 y en los años 80 se formaron otros grupos
como Nobilis Factum ("Mutante", 1982), Iconoclasta (homónimo,
1983), Delirium ("El Teatro del Delirio", 1984), (" Praxis ("La
Eternidad de lo Efímero", 1987), Maná - ("Falta Amor", 1989). Cabe
destacar al grupo de Rock originario de la Ciudad de Mexicali Cast
("Sounds of Imagination", 1994), quienes fueron reconocidos
internacionalmente inclusive en países lejanos como Japón, pero en su
país solo eran seguidos por un escaso público.Otros como Arturo Meza
("No Vayamos a Irnos Sin Mar", 1984) ("Venadito de sol", 1993) y el
ex-Chac Mool Carlos Alvarado (en grupos como Via Lactea y Tony
Rayola) incursionaron también en el género. También surgió una
propuesta más cercana al Rock in Opossition y al jazz con Banda Elástica
("Banda Elástica 2", 1986).
A fnales de los 90 y vigentes en la actualidad, surgen nuevas
generaciones de músicos incursionando en el género y renovando el
425

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
sonido con fusiones con el jazz, la música tradicional mexicana y música
académica; de los que destacan Cabezas de Cera ("Cabezas de cera",
2000), Gallina negra (Parachicos y paraviejos, 2009), Xochipilli, Alonso
Arreola, La Perr, Arteria. Todos ellos han impulsado un renacimiento del
género y han surgido nuevas bandas en los últimos 5 años como Luz de
Riada ("Cuentos y fábulas", 2011), Govea ("Danza Urbana", 2012),
Sonor-Am ("Soy Sonido" 2014), Deuol, Umpalumpas, Komodo, Saena,
El Retorno de los brujos, La Gorgona y Khan Karma.
Existen grandes bandas actualmente en actividad como Jinetes
Negros, Baalbek, Maná, Presto Vivace, Sonor-Am, Laquesis y Bandera
Negra.
Tanto es así que la gran cantidad de festivales Internacionales
de Rock Progresivo visitados lo demuestran. En México el "Baja Prog",
el "Summers end progressive Rock Festival" (en Bristol), el festival de
Rock Progresivo de Perú de 2011, el Festival "La Plata Prog" de
Argentina, y otros muchos festivales que convocan miles de seguidores
cada año, son algunos ejemplos.
En Chile destacan Fulano y Los Jaivas, banda nacida en 1963 y
cuyo música se caracteriza por su fusión con raíces latinoamericanas,
avant-garde y rock clásico. Una de las características principales de las
composiciones de Los Jaivas es el acompañamiento con instrumentos
electrónicos que le otorga en algunos de sus clásicos temas una atmósfera
cósmica. Se destaca el último álbum grabado por la formación original,
"Obras de Violeta Parra", como el más cercano al rock progresivo con
temas como "Arauco tiene una pena", "Y arriba quemando el sol" o "En
los jardines humanos" con largos intervalos instrumentales. Se podría
situar a Violeta Parra como una precursora del género, específcamente
con la canción "El gavilán".
En un inicio tenemos bandas ligadas a la primera escena
peruana de rock (1957-1975) en el que destacan El Polen, Trafc
Sound, Pax, Tarkus, El Álamo, Red Amber, etc. Algunos con tintes más
folklóricos, otros ligados al hardrock de la época y los más psicodélicos.
En la década de los 80's destaca la banda Frágil que desde 1976 hasta la
actualidad ha evolucionado y recorrido los distintos tonos del rock
progresivo. En 1990, con la tercera ola del progresivo, aparecen grupos
como "Fulgor Sedano", "Zendra", "Seres Humanos", "El Aire". En la
década del 2000 suenan "Flor de Loto" y "Supay", entre otros,
manteniéndose hasta la fecha.Existen dos festivales importantes en peru
dedicados al rock progresivo "Una Noche de Rock Progresivo" que ya
cuenta con 9 ediciones y el Lima prog Fest que ya cuenta con cuatro
ediciones, ambos organizados por Sonidos latentes producciones. Se
426

ROCK
puede encontrar videos y audios de estas agrupaciones en la internet .En
la década del 2010 ha surge una "escena limeña" de rock psicodélico que
agrupa diversas bandas con ediciones en CD y vinyl en Latinoamérica y
Europa como Cholo Visceral, Tortuga, Búho Ermitaño, Virgen Sideral,
Tabla Espacial, Spatial Moods, etc. Estas agrupaciones están dentro del
marco de una movida de rock psicodélico llamada "Nueva psicodelia
Latinoamericana", algunas con tintes más progresivos (como Cholo
Visceral), otras más ligadas a la música pesada y otras al noise.
En Cuba la agrupación "Anima Mundi" ha publicado desde el
2002 cuatro álbumes de Rock Sinfónico Progresivo de buena calidad,
realizando presentaciones en vivo en Europa. De Honduras se puede
mencionar la banda Requiem, quizá la única banda del género, activa en
su primera etapa entre 1986 y 1992, pioneros en Honduras y
Centroamérica. Se reformó en 2009, lanzando al mercado el CD
'Requiem'. Sigue activa, lanzando al mercado "Requiem II" (2010),
"Requiem III" (2012) y "La Misa Católica Rockmana" (2013).
Sonido
Las composiciones progresivas se caracterizan por el uso de
movimientos, como en las obras de música clásica, y por la adición
paulatina de nuevos instrumentos que van desarrollando los temas
musicales planteados en la pieza y la improvisación, cercana a menudo a
los cánones del jazz, junto con un componente experimental heredado
de la música electrónica. Son características del género las canciones
largas, los álbumes conceptuales, las letras ambiciosas, el virtuosismo de
los instrumentistas y un uso prominente del melotrón y sintetizadores.
Aunque no todos estos rasgos se dan siempre, son habituales en las
bandas que dieron forma al género, como Soft Machine, Te Moody
Blues, Te Nice, King Crimson, Emerson, Lake & Palmer, Camel,
Focus, Genesis, Gentle Giant, Jethro Tull, Pendragon, Supertramp,
Mike Oldfeld, Te Alan Parsons Project, Pink Floyd, Rush, Renaissance
o Yes. Los conciertos de estas bandas son generalmente grandilocuentes y
espectaculares, especialmente en los grupos populares de la década de
1970, tales como Yes o Pink Floyd, mientras que sus letras suelen tener
pretensiones literarias, a diferencia de las de los grupos de otros géneros.
Una de las infuencias principales de este tipo de música se
encuentra en la música minimalista (que incluye a artistas como Steve
Reich, John Adams, y Philip Glass) y el "Gamelan", la música de Java.
En ambos tipos de música predomina un elemento repetitivo e
hipnótico, potencialmente inductor del trance. En este sentido, el rock
427

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
progresivo conecta con las aspiraciones de la psicodelia, pudiendo
considerarse muchas composiciones del género como música creada para
acompañar el viaje psicodélico o reproducir, sin ayuda química, su
estructura y efectos. Un ejemplo temprano de la aplicación de la técnica
minimalista al rock es la composición «Sister Ray» de Te Velvet
Underground.
Cabe deslindar el rock progresivo del llamado rock sinfónico.
Aunque ambos géneros se solapan con frecuencia, el adjetivo "sinfónico"
alude sobre todo a la sonoridad orquestal, integrada en algunas canciones
pop (p.ej. «She's Leaving Home», de los Beatles y «Nights In White
Satin», de Te Moody Blues) mediante el uso de secciones de cuerda u
orquestas enteras, o evocada (de forma más económica) mediante
samplers primitivos como el mellotron o sintetizadores analógicos.
Subgéneros y corrientes
Dentro del rock progresivo hay muchas variedades, estilos y
mixturas. Entre algunos de los movimientos más conocidos que pueden
considerarse subgéneros del rock progresivo, o corrientes emparentadas
con él, se encuentran los siguientes:
Sonido Canterbury: Dentro del rock progresivo británico
surge una corriente con un estilo peculiar, cercano al jazz y menos
grandilocuente, llamada sonido o escena Canterbury. La integran grupos
como Soft Machine, Camel, Caravan, Hatfeld and the North, Matching
Mole y Gong.
Zeuhl y RIO: Hay dos subgéneros mucho más experimentales
y radicales que el anterior: el zeuhl, inventado por la banda francesa
Magma; y el RIO (Rock in Opposition), que tiene como principales
exponentes a Henry Cow y Univers Zéro. Estos dos subgéneros destacan
por su complejidad y por las infuencias del jazz, de compositores avantgarde
y de música clásica, y no obtuvieron mucho éxito comercial.
Krautrock: A fnales de los 60 surge en la contracultura de la
Alemania Occidental una corriente experimental denominada krautrock,
que se considera a menudo parte del rock progresivo y que contó con
grupos como Ash Ra Tempel, Eloy, Neu!, Can, Faust, Amon Düül II,
La Düsseldorf, Popol Vuh, Cluster y Embryo. En esta línea experimental
hay que destacar también la infuencia de los primeros discos en solitario
del británico Brian Eno. Está caracterizado por el empleo de
sintetizadores, acercándose a la música electrónica y al rock espacial.28
Avant-garde: En Estados Unidos, Frank Zappa & Te Mothers
428

ROCK
Of Invention, Te Velvet Underground, Captain Beefheart y Te
Residents practican una estética avant-garde (vanguardista) muy infuida
por el jazz, con continuos cambios de ritmo, múltiples melodías y
cambios de estilo dentro de un mismo tema, además de una tendencia a
hacer música con elementos críticos (como los álbumes conceptuales de
Te Residents).
Música electrónica progresiva: La música electrónica
progresiva (progressive electronic en inglés) es un estilo fundado por
bandas y artistas que introdujeron sintetizadores en un contexto de
música progresiva y frecuentemente experimental. Entre los nombres
más notables de esta corriente destacan Tangerine Dream, Vangelis,
Klaus Schulze o Popol Vuh como pioneros y referentes. El grupo catalán
Neuronium o el reconocido artista francés Jean-Michel Jarre también
pertenecen a esta corriente.
Rock espacial: En este subgénero Tangerine Dream también
fue importante, junto a Pink Floyd, Hawkwind, Ozric Tentacles o
Ayreon, desarrollando una mixtura de las sonoridades lisérgicas del rock
psicodélico con las estructuras complejas del prog, en la cual la música
electrónica y los efectos de sonido "futuristas" no están ausentes.
Neo-prog: Fue practicado por bandas que comenzaron a surgir
en los años 80, quienes reivindicaban los parámetros originales del rock
sinfónico bajo un punto de vista más bien purista. A este nuevo
movimiento se le conoce con el nombre de rock neoprogresivo (neo-prog
en inglés), y sus miembros son herederos de la complejidad de Genesis o
Yes, aunque con un sonido modernizado, el cual a veces se acerca al
AOR e incluso a la New wave. Marillion fue y es el paradigma del neoprog,
junto a nombres también importantes como Pendragon o Arena.
Hard rock progresivo - Metal progresivo: El rock pesado ha
sido desde siempre un género emparentado con el rock sinfónico, como
lo demuestra desde 1969 el grupo Deep Purple cuando se fusionó con
una orquesta en su obra Concerto for Group and Orchestra. En los años
70 los mismos Deep Purple junto a bandas como Black Sabbath,
Wishbone Ash, Queen, Kansas o Uriah Heep también contribuyeron a
seguir acercándose a la corriente progresiva. Sin embargo, los canadienses
Rush (al igual que sus menos conocidos compatriotas de Triumph) y
Kiss con el disco Music from "Te Elder" de 1981, son considerados el
antecedente más preciso del subgénero, el cual comienza propiamente
con Queensrÿche en los 80, siendo los nombres salientes que moldearon
el metal progresivo (prog metal en inglés). Se trata de un híbrido en el
cual el rock pesado adquiere la forma de estructuras ambiciosas,
canciones extensas de tono serio y sobrecargado (muchas veces suites), y
429

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
un especial virtuosismo en la ejecución. A diferencia del power metal,
más basado en la épica guerrera, las temáticas del prog metal suelen girar
en torno a cuestiones más eruditas, flosófcas, mitológicas o hasta
psicológicas. Otras bandas a mencionar de este subgénero son Tool,
Fates Warning, Dream Teater, Crimson Glory, Symphony X , Voivod
o, en España, Dark Moor. Grupos pilares del heavy metal "tradicional"
como Judas Priest o Iron Maiden han incursionado con frecuencia en el
metal progresivo.
Post-rock: Aunque se lo podría emparentar marginalmente con
el rock progresivo, el llamado post-rock ciertamente recoge usos,
estructuras y características muy propias del prog, especialmente de
bandas como Yes, Pink Floyd o diversos artistas kautrock. Del mismo
modo, recoge infuencias de la música electrónica, del ambient y del rock
experimental, así como del rock sinfónico, sobre todo a través del uso de
instrumentos de cuerda, generando un estilo marcadamente personal y
heterogéneo a la vez. También desarrollan temas muy extensos y
ensamblados de una manera que recuerda las suites del prog rock de los
años 70. Entre algunos nombres fundamentales de este subgénero se
hallan Sigur Rós, Mogwai, Godspeed You! Black Emperor, Tortoise o
Explosions in the Sky.
7. 21. ROCK PSICODÉLICO
El rock psicodélico es un estilo de música rock que está
inspirado o infuenciado por la cultura psicodélica e intenta replicar y
potenciar las experiencias con drogas psicodélicas que alteran la mente, la
más notable siendo el LSD. A menudo utiliza nuevos efectos y técnicas
de grabación y se inspira en fuentes como los ragas y pedales de la música
india.
Fue iniciado por músicos de pop y rock como Te Beatles, Te
Beach Boys y Te Byrds surgiendo como un género a mediados de la
década de los 60 entre las bandas basadas en música folk, blues y jazz en
el Reino Unido y Estados Unidos. Alcanzó su punto máximo entre 1966
y 1969 con eventos hito como el Verano del Amor de 1967 y el Festival
de Woodstock de 1969 respectivamente, convirtiéndose en un
movimiento musical internacional, y asociado a una contracultura
generalizada antes de iniciar un descenso; ya que el cambio de actitudes,
la pérdida de algunos individuos clave y un movimiento de volver-a-lobásico
llevaron a los músicos sobrevivientes a moverse hacia nuevas áreas
musicales.
En los años 60, había dos principales tipos de rock psicodélico:
430

ROCK
la variante caprichosa británica y la más fuerte con el rock ácido de la
costa oeste de Estados Unidos. Los términos "rock psicodélico" y "rock
ácido" son comúnmente usados indistintamente, sin embargo "rock
ácido" a veces se refere a las corrientes más extremas del género. El rock
psicodélico infuenció la creación del soul psicodélico y sirvió como
puente en la transición del rock basado en el blues y el folk al rock
progresivo, glam rock, hard rock, y como resultado ha infuido en el
desarrollo de sub-géneros como el heavy metal. Desde fnales de los 70 se
ha reavivado en varias formas de neopsicodelia.
Características
Como estilo musical, el rock psicodélico intentaba replicar y
potenciar los efectos de las drogas alucinógenas, incorporando nuevos
efectos electrónicos y de grabación, solos extendidos e improvisación;1 y
fue particularmente infuenciado por el misticismo oriental, refejado en
el uso de instrumentación exótica, particularmente de la música india o
la incorporación de elementos de la música oriental. Las principales
características incluyen: guitarras eléctricas, a menudo utilizadas con
acople, wah-wah y saturación; efectos de estudio elaborados, tal como
backmasking, panning, phasing, largos loops y reverberación extrema;
instrumentos no occidentales, especialmente los utilizados originalmente
en la música clásica de India como el sitar y la tabla; una fuerte presencia
del teclado, especialmente órganos, clavecines, o el Mellotron (un
temprano sampler de cinta); amplios solos, especialmene de guitarra, o
jams instrumentales; complejas estructuras de canción, cambios de
armadura y signatura de tiempo, melodías modales y pedales;
instrumentos electrónicos como sintetizadores y el theremín; letras que
hacen referencia directa o indirecta a las drogas alucinógenas, como
«White Rabbit» de Jeferson Airplane o «Purple Haze» de Jimi Hendrix;
letras surrealistas, excéntricas, inspiradas en la literatura o el esoterismo.
Etimología y rock ácido
El término "psicodélico" fue usado por primera vez en 1956
por el psiquiatra Humphry Osmond como una opción alternativa para
las drogas alucinógenas en el contexto de la psicoterapia psicodélica.
Conforme la escena contracultural de desarrollaba en San Francisco, los
términos rock ácido y rock psicodélico fueron usados en 1966 para
describir la nueva música infuenciada por las drogas y eran ampliamente
utilizados en 1967. Los términos de rock psicodélico y rock ácido se
431

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
utilizan indistintamente, pero el rock ácido puede ser distinguido como
una variante más extrema, pesada y fuerte que se basa en jams largos,
concentrada más directamene al LSD y con un mayor uso de distorsión.
Historia-Antecedentes
Desde la segunda mitad de la decada de 1950, los escritores de
Beat Generation como William Burroughs, Jack Kerouac y Allen
Ginsberg tomaron y escribieron acerca de drogas, incluyendo el cannabis
y la bencedrina, sensibilizando a las personas sobre el tema y ayudando a
popularizar su uso. En el mismo periodo la dietilamida de ácido
lisérgico, mejor conocida como LSD o "ácido" (en aquel tiempo una
droga legal), comenzó a usarse en los Estados Unidos y Reino Unido
como un tratamiento experimental, inicialmente promocionado como
una potencial cura para las enfermedades mentales.
A pricipios de los 60s el uso de LSD y otros alucinógenos fue
defendido por proponentes de la nueva "expansión de consciencia",
como lo fueron Timothy Leary, Alan Watts, Aldous Huxley y Arthur
Koestler. Sus textos infuenciaron profundamente el pensamiento de la
nueva generación de jóvenes. Los efectos sensoriales del LSD pueden
incluir alucinaciones de patrones de colores, patrones geométricos que se
arrastran, rastros de obejtos moviéndose, sinestesia y efectos auditivos
como una distorsión de sonidos similar al eco y una intensifcación en
general de la experiencia de la música.
A mediados de la misma década, el estilo de vida psicodélico ya
se había desarrollado en California y se había dearrollado una subcultura
entera. Esto era verdadero particularmente en San Francisco, debido en
parte a la primera fabrica clandestina grande de LSD, establecida ahí por
Owsley Stanley.
Dentro de las primeras bandas que dan atisbos de rock
psicodélico tenemos a la escena de Canterbury con los Wilde Flowers, o
también con el otro nombre que adquirió, Daevid Allen Trío.
Posteriormente, los integrantes de estas bandas darían origen a
importantes grupos como Soft Machine, Gong y Soft Heap entre otros.
En 1962, el rock británico se embarcó en una frenética carrera
de ideas que se extendió por EE.UU. a causa de la llamada Invasión
británica de la música rock. El entorno de la música folk también
experimentó con las infuencias externas. En la misma línea de la
tradición jazz y blues, muchos músicos comenzaron a tomar drogas, e
incluyeron referencias a éstas en sus canciones. En 1965 Bob Dylan
tomo infuencias de los Beatles y Te Animals y trajo la instrumentación
432

ROCK
eléctrica de la música rock en su álbum Bringing It All Back Home, pero
la banda de Los Angeles Te Byrds le superaron en ello con un disco
sencillo (single) de una pista de un álbum suyo con rastros de psicodelia,
Mr. Tambourine Man (en efecto, un "cover" de Dylan), que jugueteaba
con los sonidos eléctricos y voces algo etéreas.
Estados Unidos de América en los años 60
La psicodelia musical dio sus primeros pasos en EE.UU.
primero en el campo de grabaciones de corte experimental académico
como el LP "Tis Is It" , que hizo en 1961 el flósofo de origen inglés
Alan Watts, y que contenía música ritual y evocaciones de la temática de
la expansión de la conciencia. Luego en los entornos folk, con la banda
neoyorkina Holy Modal Rounders introduciendo el término en 1964 en
su tema "Hesitation Blues", en la línea que canta: "...I got my
psychedelic feet/In my psychedelic shoes/Oh lordy momma/I got the
psychedelic blues...". Una banda folk similar llamada Mother McCree's
Uptown Jug Champions de San Francisco recibieron infuencias de Te
Lovin' Spoonful, cambiando su instrumentación acústica por una
eléctrica en 1965. Cambiaron su nombre por Te Warlocks, toparon con
los Merry Pranksters (grupo de personas interesadas en la literatura y la
fgura de Ken Kesey, uno de los íconos de la generación hippie) en
noviembre de 1965, y cambiaron nuevamente su nombre a Te Grateful
Dead el mes siguiente.
Pero es 1965 cuando toma verdadera forma las características
del rock psicodélico: Primero, cuando el grupo estadounidense Te
Charlatans (no confundir con el grupo británico creado en 1989)
materializa la primera actuación de una banda bajo efectos del LSD, en
su presentación en el Red Dog Saloon de Virginia City, Nevada, el 29 de
junio. En menos de un mes de ese bizarro acontecimiento, el productor
de entre otros, la banda surf Te Rivingston, Kim Fowley, lanza en julio
el primer tema rock con una clara temática referente a la experiencia
psicodélica llamado "Te Trip" que logró un relativo éxito. En agosto de
ese mismo año, la banda contracultural neoyorkina Te Fugs, hace la
primera referencia explícita al LSD en la letra de una canción de rock en
su "I Couldn't Get High", aunque su música no sonaba "psicodélica".
Los californianos Te Doors tienen temas de carácter psicodélico en sus
álbumes con el sabido uso de drogas de Jim Morrison, de cuya
inspiración nacieron temas como "Moonlight Drive", "Te End" y otros.
Ya en 1966, California demuestra ser el mayor impulsor de la
psicodelia norteamericana, con actividades psicodélicas como los Acid
433

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Test organizados por Ken Kesey y sus Merry Pranksters, el Trips Festival
organizado por Stewart Brand (pionero en el concepto multimedia, y
responsable de presentar la música electrónica a la generación
contracultural); y sobre todo, el lanzamiento de discos fundacionales de
la psicodelia, como el sencillo con toques indios "Eight Miles High" de
Te Byrds (febrero 1966), el barroquismo sinfónico del "Pet Sounds" de
Te Beach Boys, y la experimentación con coqueteos con la música
concreta del "Freak Out" de Te Mothers Of Invention liderado por
Frank Zappa.
Bandas psicodélicas como Fifty Foot Hose y Lothar and Te
Hand People en California, y Silver Apples o Te United States Of
America, se hicieron de culto por atreverse a crear alucinantes efectos con
primitivos instrumentos electrónicos, entre ellos osciladores, theremin y
aparatos de radio.
Los 70
Se suele mencionar que en los setenta la mayoría de las bandas
psicodélicas de los sesenta que continuaron siendo activas en EE.UU. y
el Reino Unido (Pink Floyd, Te Pretty Tings, Te Society of Fleeting
Mysteries, etc) dejaron atrás la psicodelia y en muchos casos mutaron
hacia el estilo conocido como Rock progresivo y a géneros similares (ej:
Te Soft Machine hacia el jazz fusión, los Camel con sus referencias al
folk celta y toques de jazz rock, Yes que apareció desde miembros de
bandas psicodélicas desaparecidas como Tomorrow y Syn). Hubo casos
en Reino Unido y en los EE.UU. en que hubo otra tendencia hacia
desarrollar un estilo más convergente con lo que aparecía en el
mainstream (ej: Jeferson Airplane que se transformó en la banda de
rock-pop Jeferson Starship o el caso de los británicos T. Rex que
mutaron desde el acid folk hacia el Glam rock con Marc Bolan). Una
tercera tendencia mantuvo una perspectiva psicodélica mientras
desarrollaban su sonido hacia el rock progresivo o el space rock (ej:
Gong, Hawkwind o Arthur Brown).
En Alemania aparecieron algunas bandas con un estilo postpsicodélico
y de rock progresivo muy experimental. Bandas posteriores
como Kraftwerk, Neu, Faust, Can, Tangerine Dream y Amon Düül III
usualmente clasifcadas dentro de la etiqueta krautrock. Can mantiene
una fuerte infuencia psicodélica con toques de dadaísmo mientras que
Tangerine Dream desarrolló el space rock (en Alemania conocida como
Kozmicsche Muzik) y evolucionó en cierta forma hacia el ambient
electrónico para ser en muchos casos asociada con la música New Age
434

ROCK
junto con Klaus Schulze y la llamada Escuela de Berlín. A fnes de los
años setenta aparecieron bandas usualmente clasifcadas dentro del
nombre post-punk. Dentro de estas destacaban Te Soft Boys, Te
Teardrop Explodes y Television Personalities; las cuales tenían una clara
infuencia del rock psicodélico de los sesenta.
Los 80
En los ochenta aparecieron nuevas bandas con infuencias
psicodélicas claras. En California especialmente pero también en otros
lugares de EEUU aparecieron bandas a las que les fue asignado el
término Paisley underground y aquí destacan Green on Red, Te Tree
O'Clock, Te Dream Syndicate, Plasticland, Te Secret Syde, Te Inn y
Lord John. En éstas la infuencia de Te Byrds era importante y en
muchos aspectos eran cercanas al sonido conocido como Jangle pop.
En el Reino Unido en los ochenta aparecieron bandas asociadas
con el término New Wave como Siouxsie and the Banshees con el álbum
A Kiss in the Dreamhouse y Echo & the Bunnymen. XTC desarrolló el
rock psicodélico bajo el pseudónimo Te Dukes of Stratosphear. En
EEUU por otra parte, Te Grateful Dead y la banda Phish siguieron
dando conciertos en un estilo conocido como jam band y acompañados
por feles seguidores.
A fnes de la década de la los ochenta de desarrollaría la escena
rave en el Reino Unido. Allí se impuso el género de música electrónica
bailable psicodélica conocido como Acid House. Este y la escena rave
infuenciarían a bandas de rock de sonido neo-psicodélico como Te
Happy Mondays, Te Stone Roses y el resto de la escena conocida como
Madchester, Te Shamen, Nick Nicely Martin Newell con Te Cleaners
from Venus, Te Barracudas, Mood Six, Te Prisoners, Doctor and the
Medics, Te Cardiacs y Te Brotherhood of Lizards.
Una banda aparecería en el Reino Unido que tendría una
notable infuencia en bandas posteriores de psicodelia, space rock y noise
rock, Spacemen 3, la cual fusionaba infuencias del garage rock de Te
Stooges, la psicodelia de Te 13th Floor Elevators, y el Krautrock; al
mismo tiempo que tenía un explícito contenido relacionado con las
drogas en sus letras.
Los 90
Entre fnes de los ochenta e inicios de los noventa, en el Reino
Unido se desarrollaron dos géneros similares y conectados fuertemente
435

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
por una perspectiva infuenciada por la psicodelia. Por un lado está el
Dream pop y por otro el Shoegazing. El dream pop se caracterizó por un
fuerte melodicismo con tendencias texturales y letras con contenido
nostálgico, agridulce, introspectivo y evocador de estados oníricos.
Cocteau Twins, Te Chameleons, Te Sundays, Te Passions, Dif Juz,
Lowlife y A.R. Kane desarrollaron este sonido que en muchos casos
evitaba un sonido demasiado apoyado en guitarras fuertes e incorporaba
en forma importante efectos de estudio. Posteriormente aparecerían
bandas con este sonido dentro de los EEUU como, Alison's Halo, Low,
Mazzy Star, Velour 100, Love Spirals Downwards, Ars Poetica y Duster
and Frownland.
El Shoegazing, por otro lado, es similar en temática y en el
énfasis textural al dream pop pero se diferencia en el que suele recurrir a
un fuerte sonido grueso de guitarras infuenciadas por grupos como Te
Velvet Underground, Sonic Youth, Spacemen 3, Dinosaur Jr. y Te
Jesus and Mary Chain. Así pues destacan grupos como My Bloody
Valentine, Ride, Lush, Chapterhouse, y Slowdive. My Bloody Valentine
especialmente resultó ser el grupo más infuyente y aclamado por la
crítica al producir el álbum Loveless, que fgura siempre en las listas de
los mejores álbumes de los años noventa.
Bandas posteriores de psicodelia aparecieron en el Reino Unido
como Kula Shaker, Ozric Tentacles, Sun Dial, Te Bevis Frond, y Te
Magic Mushroom Band. En EEUU aparecieron bandas que fueron
agrupadas dentro del apelativo de Te Elphant 6 collective como Te
Apples in Stereo, of Montreal, Neutral Milk Hotel, Beulah, Elf Power,
Grandaddy, Modest Mouse, Te Essex Green, Te Gerbils, Te Ladybug
Transistor y Te Olivia Tremor Control. Otras bandas aclamadas con
un sonido similar son Te Flaming Lips y Stereolab. Estas bandas
mezclaban sus infuencias de la psicodelia de los sesenta con los nuevos
sonidos electrónicos disponibles.
Por otro lado en el sur de California emergió un sonido en
alguna forma similar al grunge debido a infuencias similares como Black
Sabbath, Led Zeppelin, Te Stooges y MC5 así como cercano al sludge
rock. Este es el género de heavy metal y acid rock conocido como Stoner
Rock en el que destacan bandas como Kyuss, Monster Magnet, Queens
of the Stone Age, y Nebula, y en Argentina principalmente Los Natas.
Este género se destaca por fuertes referencias a drogas psicodélicas y se lo
denomina "stoner" por ser un nombre que se le suele designar en EEUU
a los afcionados al consumo de marihuana. Así por un lado están bandas
con un sonido más hard rock como Nebula y otras que aparecerían
después cercanas al Doom metal como Electric Wizard y Cathedral del
436

ROCK
Reino Unido, bien por otra parte bandas de Stoner Rock más atípicas se
acercaron más a la psicodelia, ejemplos claros destacan Weird Owl,
Radio Moscow, Colour Haze, Sungrazer o Dead Meadow, bandas que
destacan por largos sets de jams, uso de múltiples efectos en vivo y en
estudio, letras enteógenas y el prolongado uso de Fuzz y Overdrive.
Siglo XXI
Algunos de estos géneros continuaron en los años 2000 como el
Dream pop, el stoner rock así como bandas infuenciadas o emergidas
del shoegazing como Spiritualized. Por otro lado emergerían bandas de
rock espacial psicodélico de larga duración y contenido improvisatorio.
Así pues tenemos la banda de Filadelphia Bardo Pond la cual conjuga la
infuencia del dream pop y el shoegazing con la del rock espacial de
bandas como Pink Floyd (los precursores) o Spacemen 3. Así mismo
destaca la banda japonesa Acid Mothers Temple la cual une al rock
espacial con el rock ácido con un fuerte contenido improvisatorio
inspirado en Frank Zappa, Grateful Dead y Sun Ra. Otras bandas
similares son SubArachnoid Space de California y Mogwai de Escocia.
Es relevante mencionar también a la banda australiana Tame Impala que
a través de la creación de Kevin Parker ha introducido nuevos sonidos
dentro del rock psicodélico, en varias ocasiones su sonido está
considerado como neo psicodelia.
Paralelo a este desarrollo de neo-psicodelias dentro del rock se
desarrolló una fuerte escena global de psicodelia electrónica bailable en
los noventa conocida como la escena goa trance y psytrance. Esta escena
logró concentrar un fuerte colectivo neo-hippie en muchos casos mayor
al que concentraban las tendencias de rock psicodélico de los noventa y
2000. Por otra parte neo-hippies también tendieron a seguir la escena de
las jam bands como Te Grateful Dead y Phish. Te Grateful Dead dejó
de existir a fnes de los noventa en mucho debido a la muerte de Jerry
García. También alcanzaron notoriedad reciente la banda MGMT con
su disco Oracular Spectacular.
En los 2000 tomarían fuerza denominaciones como noise rock
y post-rock. Estos géneros suelen tener fuertes componentes electrónicos
y tendencias hacia la atonalidad y la disonancia infuenciados por bandas
como Spacemen 3, My Bloody Valentine, Sonic Youth, Pere Ubu, e
inclusive la música ambiental contemporánea y el avant-garde
electrónico de la música clásica contemporánea. Dentro de estas bandas
podríamos considerar a bandas con tendencias psicodélicas como Animal
Collective, y CocoRosie. En este milenio, se empezaron a recordar
437

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
grupos de rock psicodélico como Pink Floyd.
En Latinoamérica encontramos exponentes del género como el
conglomerado argentino/peruano TLÖN, liderado por Christian Van
Lacke, la Patrulla espacial y La manzana cromática protoplasmática
(Argentina), Nubosidad Parcial (Chile), La Máquina Camaleón
(Ecuador) además de La Ira de Dios, Te Dead-End Alley Band, Cholo
Visceral, Los Silver Mornings y Spatial Moods (Perú), quienes fueran
editados en formato vinilo, CD's y compilatorios por sellos europeos
como G.O.D Records, Tonzonen Records y Nasoni Records. Cabe
resaltar que estos grupos han surgido como parte de la creciente escena
"Nueva Psicodelia Latinoamericana" de los últimos años.
7. 22. ROCK URBANO (ESPAÑA)
Rock urbano es un término usado en España para referirse a
una corriente musical nacida durante el tardofranquismo y la transición
(básicamente entre 1973 y 1978) y que, con evidentes modifcaciones y
sumando sucesivas infuencias, ha llegado con fuerza hasta nuestros días.
Originariamente, el movimiento surgió infuido por el hard
rock de grupos como Led Zeppelin, Tin Lizzy o Deep Purple, el blues
rock de fnales de los sesenta y principios de los setenta, el rock sinfónico
y los primeros ejemplos del heavy metal. Sólo mucho más tarde, ya en
los años ochenta y noventa, se abrió a otros sonidos como el punk y el
hardcore.
Contexto y precedentes
La eclosión de este movimiento coincide, más o menos, con los
tiempos del destape, del aperturismo tardío y post-franquista y del
trabajoso consenso para la construcción de una España democrática y
parlamentaria. En ese sentido, hay que señalar que es inmediatamente
posterior al auge del rock progresivo (lo que se conoció en su día como
"underground"), rigurosamente contemporáneo de otras corrientes
surgidas en el país al mismo tiempo que él, como el rock andaluz, el rock
sinfónico y el rock laietá (con las que forma parte de un movimiento
cultural y estético al que en su día se denominó el rollo); y, sobre todo,
anterior al punk, el pop y la new wave de la movida, con la que llegó a
chocar a fnales de los 70 en una especie de antinomia estéticoideológica.
Ya se ha señalado que en su génesis está la confuencia de varios
438

ROCK
géneros. Algunos nuevos, como el heavy metal y otros con un largo
recorrido anterior. Entre ellos, el rock sinfónico, el rock progresivo, el
blues rock y, sobre todo, el hard rock, que ya habían sido profusamente
cultivados en España (o lo estaban siendo al mismo tiempo).
En ese sentido, cabe mencionar que, a pesar de lo que alguna
vez se ha afrmado, el rock urbano no fue la primera manifestación
española de este último género. En absoluto. Ya desde fnales de los años
60 había existido una escena española de blues rock con grupos como
Los Buenos, Vértice, Smash, Gong, Cerebrum y otros. Parte de ese
movimiento evolucionó hacia el rock progresivo (conocido en España
como «underground»), mientras que otro sector terminó decantándose
claramente por el hard rock. A partir de 1970-71, bandas como Storm,
Época, Tapiman o los históricos Lone Star cultivaron el estilo sin ningún
tipo de duda. Cantando indistintamente en inglés y castellano,
practicaban un hard rock absolutamente explícito y muy infuenciado
por los grupos británicos de la época (desde Led Zeppelin y Deep Purple
hasta Black Sabbath). Precedentes claros del movimiento urbano, a estos
grupos les faltaba, no obstante, el componente sinfónico que sus
herederos desarrollaron (y que ellos nunca tuvieron) estando a cambio
mucho más cerca de las fuentes originales del género (sobre todo del ya
mentado blues rock). Y lo que es más importante, al desarrollar su
carrera durante una época en la que todavía estaba en vigor el régimen
franquista, sus letras no pudieron abordar de la misma forma los temas
que las bandas urbanas comenzaron a tratar a partir de 1975. Algo (la
explicitud en la crítica social, cultural y política) que es una característica
fundamental del movimiento.
En cualquier caso, insistir en que el principal ingrediente del
sonido de las bandas de rock urbano fue, precisamente, el hard rock, en
la estela tanto de lo que ya venían haciendo grupos anglosajones como
Deep Purple, Led Zeppelin, Tin Lizzy, Bad Company, Black Sabbath,
Free, etc, como los españoles ya mencionados (Storm, Época, Tapiman,
Lone Star y algunos más).
Nacimiento y desarrollo (1973-1978)
El término “urbano” se debe a que es una forma de rock
surgida en las calles y en los barrios obreros de la periferia de las grandes
ciudades. La visión que da de la sociedad post-industrial es francamente
negativa, presentando la ciudad como algo hostil y alienante. Sus letras
tratan sobre temas marginales (alcohol, drogas, prostitución, alienación
cultural y laboral), injusticias sociales y otros tópicos de la vida cotidiana,
439

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
con los que la gente de a pie se siente identifcada fácilmente. Y,
evidentemente, se benefció del fn de la dictadura franquista (y la
consiguiente abolición de la censura, así como los cambios políticosociales)
a la hora de tratar todos esos temas con una franqueza que hasta
ese momento no había podido ser empleada.
Una diferencia fundamental con respecto a los grupos que
habían predominado inmediatamente antes (los del Rock progresivo) fue
el empleo del castellano. Mientras las bandas del "Underground",
dominantes entre 1969 y 1973, se habían expresado mayoritariamente
en inglés, las nuevas bandas "urbanas" recuperan el español de forma
generalizada.
Como se ha señalado, el fenómeno surge a partir de 1973 con
nombres como Asfalto (que ya habían publicado sus primeros singles en
1972), Ñu, Banana o Coz; a los que siguen poco después Topo, Unión
Pacifc, Red Box, Tarántula, Atila, Volumen, La BEPS, Moon,
Cucharada; y -sobre todo- Leño, que será la banda más importante e
infuyente del movimiento, a pesar de lo tardío de su aparición (1978).
De hecho, el sonido del movimiento se acabó asociando a una propuesta
musical y estilística algo diferente a la que había caracterizado a sus
inicios (y más afín a las composiciones de Leño, sobre todo a partir de
1980).
Hay que insistir en que el Rock Urbano no fue exactamente un
género sino un movimiento, por lo que el estilo de estos grupos,a pesar
de mantener unos puntos comunes y ser reconocible, difere
notablemente entre sí. Unos están todavía muy cercanos al rock
sinfónico, como Asfalto, Atila, Topo, Tarántula en su primera etapa o
Ñu (estos últimos claramente infuidos por los ingleses Jethro Tull). En
otros, esa infuencia es menos perceptible o está casi ausente,
decantándose por un hard rock más inmediato, como Volumen, Red
Box o Coz; o incluso por el boogie rock (al estilo de los británicos Status
Quo) como ocurría con La BEPS y Banana. Los hay con un sonido tan
duro que prefguran ya claramente el naciente heavy metal, como es el
caso de Tarántula en su segunda etapa, Unión Pacifc o Moon; mientras
una formación como Cucharada es difícilmente clasifcable, pues mezcla
casi por igual infuencias hard, sinfónicas, glam y hasta nuevaoleras.
Y, sobre todo, están los fundamentales Leño que, a los sonidos
ya mentados, unen incluso infuencias punk y new wave (básicamente a
partir de 1980); y cuyo estilo terminará fjando el canon del género.
Todas estas bandas serán apoyadas por discográfcas como Discos Chapa
(que dio el pistoletazo de salida al estilo con la publicación del primer
volumen de una serie de Lp's colectivos titulados "Viva el Rollo" en
440

ROCK
1975); por las nuevas emisoras de FM; por revistas como Popular 1,
Vibraziones, Star, etc; por programas televisivos como Musical Expres y
Popgrama; y, sobre todo, por periodistas y locutores como "Mariskal"
Romero, Paco Pérez Bryan o Ángel Casas. De forma que, entre 1975 y
1978 el Rock urbano se convierte, junto a su contemporáneo y pariente
el Rock andaluz , en la corriente hegemónica del Rock español y en el
estandarte musical del movimiento que dio en llamarse "El Rrollo".
Su predominio es tal que termina infuyendo incluso a bandas
que, originalmente, pertenecían a otras corrientes (un ejemplo sería el de
los cordobeses Medina Azahara, más relacionados con el Rock andaluz
pero cuyo sonido se había endurecido por infuencia "urbana"); y
haciendo que solistas y grupos de larga trayectoria (procedentes de los
60) como Miguel Ríos y los catalanes Lone Star publicasen discos, a
mediados de la década, perfectamente adscritos al movimiento "urbano"
(aunque lo de los barceloneses, como ya se ha dicho en el apartado
anterior, se debía más a una evolución interna que a infuencias
exteriores; al fn y al cabo, podemos decir que desde 1971 llevaban
practicando, claramente, Hard rock en castellano).
También hay que aclarar que algunas bandas que, a veces, se
han relacionado con el rock urbano por razones mayormente
cronológicas (ya que surgieron al mismo tiempo) nunca pertenecieron
realmente al movimiento. Hablamos de grupos como Burning,
Mermelada, Indiana, Brakaman, Tequila o el solista argentino Moris. En
realidad, todos ellos, aunque estrictamente contemporáneos del rock
urbano (con el que compartieron momento, escenarios e, incluso,
compañías discográfcas), practicaban otros estilos, alejados del Hard
rock y sin ninguna infuencia sinfónica o heavy; más cercanos al viejo
Rock and roll clásico, el Rythm and blues, o el Rock de los 60's.
Devenir posterior (años 80, 90 y siglo XXI)
La aparición del Punk y de la New Wave en España en 1977-
78, así como el inmediato surgimiento de La Movida en esos mismos
años supusieron un duro golpe para el Rock urbano y, en general, para lo
que había venido denominándose El Rrollo (que terminó diluyéndose).
A partir de ese momento, la mayor parte de las bandas o bien
desaparecieron (algunas tras intentar una fallida adaptación a las nuevas
tendencias) o pasaron a un segundo plano en el que apenas encontraron
eco a nivel de medios y de público. La década de los 80 vio cómo el
Rock urbano prácticamente desaparecía del escenario, sustituido por los
nuevos sonidos y estéticas. Sólo los ya mentados Leño soportaron el
441

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
cambio de paradigma, adaptando los nuevos sonidos a su viejo estilo,
hasta su disolución en 1983 (tras lo cual, su antiguo líder Rosendo
Mercado continuó su propia carrera en solitario manteniendo la
fdelidad a la corriente "urbana").
La mayor parte del público seguidor del Rock urbano pasó a
engrosar las flas de la recién nacida escena Heavy Metal española. Y
muchos músicos, que habían formado parte de las viejas bandas
"urbanas", fguran entre los fundadores de grupos seminales del género
en España como Barón Rojo, Obús, Banzai, Ángeles del Inferno y otros.
No obstante, durante los 80's hubo unos pocos pero notables
ejemplos de fdelidad a las raíces. Fueron los casos de los navarros
Barricada, de los gallegos Los Suaves y del ya mentado Rosendo (tras la
disolución de Leño). Los tres (y, ya algo tangencialmente, los
guipuzcoanos Leize), mantuvieron en alto el estandarte del Rock urbano
y atravesaron la década obteniendo notable éxito, aunque sin tener la
atención mediática que los sonidos nuevaoleros y La Movida acaparaban
para sí. Por otra parte, aunque fueron feles a los viejos sonidos y
estéticas, tuvieron el acierto de añadir nuevas infuencias a las que habían
recibido de sus "mayores". Así, con ellos el viejo sonido urbano se abrió,
de forma matizada, al Punk y, ya más claramente, al Heavy Metal
ochentero. Y terminó infuyendo a otros movimientos como el peculiar
Rock Radical Vasco (en el que al principio predominaban los sonidos
derivados del Punk, pero que fue también muy permeable al carácter
reivindicativo y airado del viejo rock urbano).
Pero fue con la llegada de los años 90 cuando se produjo un
auténtico resurgimiento del "estilo". La aparición de bandas como
Extremoduro (auténticos iconos del rock urbano), Reincidentes, Platero
y Tú, Soziedad Alkohólika, El Último Ke Zierre, Ska-P, Sínkope,
Porretas, Mägo de Oz, Transfer y cientos más, devuelven al Rock urbano
la visibilidad y hegemonía que había perdido durante la década anterior
y lo convierten en la corriente de Rock predominante en España (al
menos en cuanto a presencia mediática y ventas) a partir de ese
momento. Junto a eso, las nuevas bandas aportan también infuencias de
géneros como el Punk (de forma ya no matizada, sino total), el
Hardcore, el Ska, el Rock Radical Vasco etc; hasta el punto de que, más
que de una revitalización del viejo estilo podríamos hablar de una
auténtica reinvención. Aparte de eso, a las letras de carácter
reivindicativo y militante se sumó una tendencia con vocación más
poética y trabajada (por lo que ha sido denominado a veces "Rock
poético").
En el nuevo siglo XXI, la nómina de bandas adscribibles al
442

ROCK
Rock urbano no ha hecho sino crecer con nuevos nombres como Marea,
Insolenzia, La Fuga, Fito & Fitipaldis, Albertucho, Mala Reputación y
otras.
A día de hoy, el Rock urbano español sigue gozando de
excelente salud, atrayendo tras sí millones de afcionados y dando lugar a
festivales multitudinarios de carácter anual como el Espárrago Rock y el
Viña Rock.
7. 23. SOFT ROCK
El soft rock (‘rock suave’) es un estilo musical, que se distingue
de otros tipos de rock por el uso de distorsiones poco saturadas en las
guitarras, melodías fácilmente asimilables y letras poco controvertidas.
Otras denominaciones, como AOR (adult oriented rock: ‘rock orientado
a adultos’), se referen básicamente al mismo fenómeno.
Características-Sonido y letras
El soft rock suaviza, de manera consciente, las aristas
instrumentales propias del rock tradicional, tanto en la búsqueda de
sonidos (guitarras a bajo volumen, baterías relajadas...) como en la altura
de la propia voz, normalmente cantando en tesituras altas, falsetes, etc.
La selección de las letras, tiende hacia la búsqueda de temáticas
sin confrontación, planteadas en lenguaje coloquial (sin ser vulgar), con
especial incidencia en las cuestiones amorosas, la vida cotidiana y las
relaciones de amistad.
Instrumentación
Aunque muchas canciones del estilo son rítmicamente sencillas,
con métricas por lo general en compás de 4/4, la complejidad alcanzada
en su instrumentación es destacable (por ejemplo las voces en
"Somebody to love" de Queen, o la programación de sintetizadores en
Daft Punk).
Instrumentalmente se caracteriza en que a la base estándar del
rock le agrega de piano, sintetizadores y secuenciadores, y, con
frecuencia, saxofón y otros instrumentos de viento, utilizados como
background, así como en los cortes u obligados de la canción, con un
manejo de voces similar al jazz o el soul. Sin embargo, la actividad
melódica de estos instrumentos es poco habitual en el estilo.
443

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Raíces musicales
El soft rock se desarrolla, prácticamente y de manera paralela,
sobre la totalidad de los géneros dentro del rock, y tiene sus raíces en el
rock and roll melódico de Te Beatles y de los Beach Boys, en la década
de los sesenta. Grupos de fnales de la década como Bread se consideran
de las primeras bandas típicamente soft-rock.
Aunque han existido grupos que, desde su primeras
grabaciones, han estado siempre enmarcados en el soft rock (caso de
bandas como Toto, Journey o Foreigner), lo usual es que grupos que
inicialmente desarrollaban otros géneros, hayan ido suavizando sus
composiciones conforme avanzaban en edad y antigüedad, hasta quedar
totalmente enmarcados en este estilo (por ejemplo, Chicago y Te
Eagles). Un buen número de bandas que desarrollaron su actividad
dentro de este campo, estuvieron inicialmente vinculadas al rock duro,
como es el caso de Todd Rundgren, Meat Loaf, Bon Jovi, Def Leppard ,
Incubus, Europe o Gerry Raferty.
Historia
Primeros tiempos
El soft rock, como género diferenciado, tiene sus primeras
referencias a comienzos de los años setenta, en principio como reacción
al crecimiento del heavy y al rock progresivo, que dominaban el rock de
la época, pero también como refejo del cambio de prioridades culturales,
producido por el baby boom (‘explosión de bebés’, el crecimiento
demográfco de la posguerra en EE. UU).
El nuevo género llenó el espacio comercial que quedó vacío con
la práctica desaparición de la música pop de principios de los años
sesenta, desarrollando una nueva música pop, apropiada para quienes
habían educado sus gustos musicales juveniles en el campo del rock. En
esta línea, se sitúan artistas como Fleetwood Mac, Carole King, Air
Supply, James Taylor, Christopher Cross, Neil Diamond, Wings, Elton
John, Billy Joel, etc.
Popularidad
El soft rock llega a ser muy popular en EE. UU. (y un poco más
tarde, también en Europa), hacia fnales de los años setenta, como
consecuencia del desarrollo de las radiofórmulas denominadas Album
oriented rock. Hacia 1977, algunas cadenas de radio, como la New
444

ROCK
York's WTFM o la WYNY, también de esa ciudad, se especializan casi
monográfcamente en el género.
En esta época, algunos grupos que anteriormente habían
militado en otros géneros, consiguen ventas millonarias en todo el
mundo. Es el caso de Billy Joel con el álbum y la canción "Te
Stranger", Chicago, con el single "If you leave me now" (un paradigma
del soft rock); de 10cc con "I'm not in love"; o de Led Zeppelin, con
"All my love". Otros grupos que se vinculan usualmente con este estilo
(o con el AOR) fueron Survivor, Boston (cuyo primer disco, de 1976,
vendió diez millones de copias), Signal, House of Lords, Magnum o Shy.
Evolución
Durante los años ochenta, el género evoluciona, alejándose cada
vez más de los parámetros originales del rock, conformando una
categoría propiamente pop, especialmente en Europa, y fusionando
elementos de otras músicas de carácter popular (country, britpop, etc.).
Artistas como Bryan Adams o Phil Collins son fguras reconocibles del
género. Después, grupos como Radiohead han mantenido el concepto.
En general, el soft rock ha sido un género tan popular, como
poco apreciado desde los medios especializados. El cómico
estadounidense George Carlin dijo al respecto: «La "música rock suave"
no es rock, ni música. Solamente es suave».
Sin embargo, es preciso ser cauteloso con este tipo de
aseveraciones, ya que en este género puede incluirse buena parte de la
música pop de los años ochenta y noventa, incluyendo temas de mucha
calidad musical.
445

8
MÚSICA
ELECTRÓNICA

MÚSICA ELECTRÓNICA
8. MÚSICA ELECTRÓNICA
La música electrónica es aquel tipo de música que emplea
para su producción e interpretación instrumentos musicales electrónicos
y tecnología musical electrónica. En general, puede distinguirse entre el
sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel
producido utilizando tecnología electrónica que también puede ser
mezclada. Ejemplos de dispositivos que producen sonido electromecánicamente
son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra
eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse
mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el
ordenador.
La música electrónica se asoció en su día exclusivamente
con una forma de música culta occidental, pero desde fnales de los años
1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles
permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada
vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una
gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música
culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de
baile.
Finales del siglo XIX hasta comienzos del siglo XX
La habilidad de grabar sonidos suele relacionarse con la
producción de música electrónica, si bien no es absolutamente necesaria
para ello. El primer dispositivo conocido capaz de grabar sonido fue el
fonoautógrafo, patentado en 1857 por Édouard-Léon Scott de
Martinville. Podía grabar sonidos visualmente, pero no estaba hecho
para reproducirlos de nuevo.
En 1878, Tomas A. Edison patentó el fonógrafo, que
utilizaba cilindros similares al aparato de Scott. Aunque se siguieron
utilizando los cilindros durante algún tiempo, Emile Berliner desarrolló
el fonógrafo de disco en 1887. Un invento signifcativo, que
posteriormente tendría una gran importancia en la música electrónica,
fue la válvula audión, del tipo tríodo, diseñada por Lee DeForest. Se
trata de la primera válvula termoiónica, inventada en 1906, que
permitiría la generación y amplifcación de señales eléctricas, la emisión
de radio, la computación electrónica, y otras variadas aplicaciones.
Con anterioridad a la música electrónica, existía un
creciente deseo entre los compositores de utilizar las tecnologías
emergentes en el terreno musical. Se crearon multitud de instrumentos
449

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
que empleaban diseños electromecánicos, los cuales allanaron el camino
para la aparición de instrumentos electrónicos. Un instrumento
electromecánico llamado Telharmonium (en ocasiones Teleharmonium
o Dynamophone) fue desarrollado por Taddeus Cahill en los años
1898-1912. Sin embargo, como consecuencia de su inmenso tamaño,
nunca llegó a adoptarse. Se suele considerar como el primer instrumento
electrónico el Teremin, inventado por el profesor Léon Teremin
alrededor de 1919–1920. Otro primitivo instrumento electrónico fue el
Ondes Martenot, que se hizo conocido al ser utilizado en la obra
Sinfonía Turangalila por Olivier Messiaen. También fue utilizado por
otros compositores, especialmente franceses, como Andre Jolivet.
Nueva estética de la música
En 1907, justo un año después de la invención del tríodo
audion, Alexander iskenderian publicó Esbozo de una Nueva Estética de
la Música, que trataba sobre el uso tanto de fuentes eléctricas como de
otras en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas
microtonales en la música, posibles gracias al Dynamophone de Cahill:
"solo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un
continuo entrenamiento del oído, puede hacerse este material
desconocido accesible y plástico para la generación venidera, y para el
arte".
Como consecuencia de este escrito, así como a través de su
contacto personal, tuvo Busoni un profundo efecto en multitud de
músicos y compositores, especialmente en su discípulo Edgard Varèse.
Futurismo
En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en
transformación desde un ángulo diferente. Una idea fuerza de la flosofía
futurista era la de valorar el "ruido", así como dotar de valor artístico y
expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido
considerados ni siquiera remotamente como musicales. El "Manifesto
Técnico de la Música Futurista" de Balilla Pratella, publicado en 1911,
establece que su credo es: "presentar el alma musical de las masas, de las
grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los
acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas
centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso
reinado de la electricidad".
El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifesto
450

MÚSICA ELECTRÓNICA
"El arte de los ruidos" (en italiano en original, "L'arte dei Rumori"). En
1914, organizó el primer concierto del "arte de los ruidos" en Milán.
Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como
"instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos,
arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y
proyectados mediante vientos y megáfonos". En junio se organizaron
conciertos similares en París.
1920-1930
Esta década trajo una gran riqueza de instrumentos
electrónicos primitivos así como las primeras composiciones para
instrumentación electrónica. El primer instrumento, el theremin, fue
creado por Léon Teremin (nacido Lev Termen) entre 1919 y 1920 en
Leningrad, aunque fue posteriormente renombrado como el Teremin.
Gracias a él se realizaron las primeras composiciones para instrumento
electrónico, opuestas a aquellas realizadas por los que se dedicaban a
crear sinfonías de ruidos. En 1929, Joseph Schillinger compuso su
Primera Suite Aerofónica para Teremin y Orquesta, interpretada por
primera vez por la Orquesta de Cleveland y Leon Teremin como solista.
Además del Teremin, el Ondes Martenot fue inventado en
1928 por Maurice Martenot, quien debutó en París. El año siguiente,
Antheil compuso por primera vez para dispositivos mecánicos, aparatos
productores de ruidos, motores y amplifcadores en su ópera inacabada
Mr. Bloom.
La grabación de sonidos dio un salto en 1927, cuando el
inventor estadounidense J. A. O'Neill desarrolló un dispositivo para la
grabación que utilizaba un tipo de cinta recubierta magnéticamente. No
obstante, fue un desastre comercial. Dos años más tarde, Laurens
Hammond abrió una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos
electrónicos. Comenzó a producir el Órgano Hammond, basado en los
principios del Telharmonium junto a otros desarrollos como las primeras
unidades de reverberación.
El método foto óptico de grabación de sonido utilizado en
el cine hizo posible obtener una imagen visible de la onda de sonido, así
como sintetizar un sonido a partir de una onda de sonido.
En la misma época, comenzó la experimentación del arte
sonoro, cuyos primeros exponentes incluyen a Tristan Tzara, Kurt
Schwitters, Filippo Tommaso Marinetti y otros.
451

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
1940-1950
Música concreta
Desde alrededor de 1900 se utilizaba el magnetófono de
alambre magnético de baja fdelidad (lo-f). y a comienzos de los años
1930 la industria cinematográfca comenzó a convertirse a los nuevos
sistemas de grabación de sonido ópticos basados en células fotoeléctricas.
En esta época la empresa alemana de electrónica AEG desarrolla el
primer magnetófono de cinta práctico, el "Magnetophon" K-1, revelado
en el Berlin Radio Show en agosto de 1935.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Walter Weber
redescubrió y aplicó la técnica AC bias, que incrementó dramáticamente
la fdelidad de las grabaciones magnéticas al añadir una frecuencia alta
inaudible. Extendió en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophone
K4 hasta 10 kHz y mejoró la relación señal/ruido hasta 60 dB
sobrepasando cualquier sistema de grabación conocido en aquel tiempo.
En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabación en
estéreo. No obstante, estos dispositivos y técnicas fueron un secreto fuera
de Alemania hasta el fnal de la Guerra, cuando varios de estos aparatos
fueron capturados y llevados a Estados Unidos por Jack Mullin y otros.
Estos grabadores capturados sirvieron de base para los primeros
grabadores de cinta profesionales que fueron comercializados en Estados
Unidos, el Model 200 producido por la empresa Ampex.
La cinta de audio magnética abrió un vasto campo de
posibilidades sonoras para músicos, compositores, productores e
ingenieros. La cinta de audio era relativamente barata y muy confable, y
su fdelidad en la reproducción mejor que cualquier otro medio de audio
conocido hasta la fecha. Más importantemente, y a diferencia de los
discos, ofrecía la misma plasticidad que la película: puede ser ralentizada,
acelerada o incluso reproducirse al revés. Puede editarse también
físicamente, incluso sólo segmentos de la cinta. O unirse diferentes
trozos de cinta en loops infnitos que reproducen continuamente
determinados patrones de material pregrabado. La amplifcación de
audio y el equipo de mezcla expandieron todavía más allá las
posibilidades de la cinta como medio de producción, permitiendo que
múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente.
Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modifcada
fácilmente para convertirse en máquinas de eco para producir de modo
complejo, controlable y con gran calidad efectos de eco y reverberación
(lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios mecánicos).
452

MÚSICA ELECTRÓNICA
Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de
cinta o magnetófono para desarrollar una nueva técnica de composición
llamada música concreta. Esta técnica consiste en la edición de
fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales
grabados conjuntamente. Las primeras piezas de "musique concrète"
fueron creadas por Pierre Schaefer, quien colaboró con Pierre Henry. En
1950, Schaefer dio el primer concierto (no emitido) de música concreta
en la École Normale de Musique de Paris. Posteriormente ese año, Pierre
Henry colaboró con Schaefer en la Symphonie pour un homme seul
(1950), la primera obra importante de música concreta. En París en
1951, en lo que se convertiría en una tendencia global, RTF creó el
primer estudio para la producción de música electrónica. También en
1951, Schaefer y Henry produjeron una ópera, Orpheus, para sonidos y
voces concretos.
Elektronische Musik
Karlheinz Stockhausen trabajó brevemente en el estudio de
Schaefer en 1952, y posteriormente durante muchos años en el Estudio
de Música Electrónica de la WDR de Colonia en Alemania.
En Colonia, el que se convertiría en el estudio de música
electrónica más famoso del mundo, inició actividades en la radio de la
NWDR en 1951, después de que el físico Werner Meyer-Eppler, el
técnico de sonido Robert Beyer y el compositor Herbert Eimert (que se
convertiría en su primer director, hasta 1962), convencieran al director
de la NWDR, Hanns Hartmann, de la necesidad de dicho espacio. El
mismo año de su creación, 1951, fueron transmitidos los primeros
estudios de música electrónica en un programa vespertino de la propia
radio y presentados en los Cursos de Verano de Darmstadt. En 1953
hubo una demostración pública en la sala de conciertos de la Radio de
Colonia donde se dejaron escuchar siete piezas electrónicas. Los
compositores de los estudios electrónicos eran Herbert Eimert, Karel
Goeyvaerts, Paul Gredinger, Henry Pousseur y Karlheinz Stockhausen.
El programa comprendía las siguientes piezas: Karlheinz
Stockhausen: Estudio II, Herbert Eimert: Glockenspiel, Karel
Goeyvaerts: Composición No. 5, Henry Pousseur: Sismogramas, Paul
Gredinger: Formantes I y II, Karlheinz Stockhausen: Estudio I, Herbert
Eimert: Estudio sobre mezclas de sonido
En su tesis de 1949, Elektronische Klangerzeugung:
Elektronische Musik und Synthetische Sprache, Meyer-Eppler concibió
la idea de sintetizar música enteramente desde señales producidas
453

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
electrónicamente. De esta manera, la elektronische Musik se diferenciaba
abruptamente respecto a la musique concrète francesa, que utilizaba
sonidos grabados a partir de fuentes acústicas.
Con Stockhausen y Mauricio Kagel como residentes, el
estudio de música electrónica de Colonia se convirtió en un emblema del
avant garde, cuando se empezó ya a combinar sonidos generados
electrónicamente con los de instrumentos tradicionales. Ejemplos
signifcativos son Mixtur (1964) y Hymnen, dritte Region mit Orchester
(1967). Stockhausen afrmó que sus oyentes le decían que su música
electrónica les daba una experiencia de "espacio exterior", sensaciones de
volar, o de estar en "un mundo de ensueño fantástico".
Música electrónica
Si bien los primeros instrumentos eléctricos como el Ondes
Martenot, el Teremin y el Trautonium eran poco conocidos en Japón
con anterioridad a la Segunda Guerra Mundial, algunos compositores
habían tenido conocimiento de ellos en su momento, como Minao
Shibata. Varios años tras la Segunda Guerra Mundial, diferentes músicos
en Japón comenzaron a experimentar con música electrónica, a lo que
contribuyó el apoyo institucional, lo que permitió a los compositores
experimentar con el último equipamiento de grabación y procesamiento
de audio. Estos esfuerzos dieron lugar a una forma musical que fusionaba
la música asiática con un nuevo género y sembraría las bases del dominio
japonés en el desarrollo de tecnología musical durante las siguientes
décadas.
Tras la creación de la compañía Sony (conocida entonces
como Tokyo Tsushin Kogyo K.K.) en 1946, dos compositores
japoneses, Toru Takemitsu y Minao Shibata, de modo independiente
escribieron sobre la posibilidad de utilizar la tecnología electrónica para
producir música hacia fnales de los años 1940. Hacia 1948, Takemitsu
concibió una tecnología que pudiera "traer ruido dentro de tonos
musicales atemperados dentro de un pequeño y complejo tubo", una
idea similar a la musique concrète que Pierre Schaefer había aventurado
el mismo año. En 1949, Shibata escribió sobre su concepto de "un
instrumento musical con grandes posibilidades de actuación" que
pudiera "sintetizar cualquier tipo de onda de sonido" y que sea
"manejado muy fácilmente," prediciendo que con un instrumento tal,
"la escena musical sería cambiada drásticamente". Ese mismo año, Sony
desarrolló el magnetófono magnético G-Type.
454

MÚSICA ELECTRÓNICA
En 1950, el estudio de música electrónica Jikken Kobo sería fundado por
un grupo de músicos que querían producir música electrónica
experimental utilizando magnetófonos Sony. Entre sus miembros
estaban Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama y Joji Yuasa, y estaba
apoyado por Sony, empresa que ofrecía acceso a la última tecnología de
audio. La compañía contrató a Takemitsu para componer música
electroacústica electrónica para mostrar sus magnetófonos. Más allá del
Jikken Kobo, muchos otros compositores como Yasushi Akutagawa,
Saburo Tominaga y Shiro Fukai también estaban experimentando con
música electroacústica entre 1952 y 1953.La música electrónica se asoció
en su dia exclusivamente con una forma de música culta occidental pero
desde fnales de los años 1990 la disponibilidad de tecnología musical a
precios accesibles permitió que la música por medios electrónicos se
hicieran cada vez más popular
Música electrónica estadounidense
En Estados Unidos, se utilizaban sonidos creados
electrónicamente para diferentes composiciones, como ejemplifca la
pieza Marginal Intersection de Morton Feldman. Esta pieza está pensada
para vientos, metales, percusión, cuerdas, dos osciladores y efectos de
sonido.
El Music for Magnetic Tape Project fue formado por
miembros de la Escuela de Nueva York (John Cage, Earle Brown,
Christian Wolf, David Tudor y Morton Feldman) y duró tres años
hasta 1954. Durante esta época, Cage completó su Williams Mix, en
1953.
Música estocástica
Un importante desarrollo lo constituyó la aparición de
ordenadores utilizados para componer música, en contraposición de la
manipulación o creación de sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se
conoce como "musique stochastique" o música estocástica, un método
de componer que emplea sistemas matemáticos de probabilidad
estocásticos. Se utilizaban diferentes algoritmos de probabilidad para
crear piezas bajo un set de parámetros. Xenakis utilizó papel gráfco y
una regla para ayudarse a calcular la velocidad de las trayectorias de los
glissandos para su composición orquestal Metastasis (1953-1954), pero
posteriormente pasó a utilizar ordenadores para componer piezas como
ST/4 para cuarteto de cuerda y ST/48 para orquesta.
455

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Mediados hasta fnales de los 1950
En 1954, Stockhausen compuso su Elektronische Studie II,
la primera pieza electrónica en ser publicada como banda sonora.
En 1955, aparecieron más estudios electrónicos y
experimentales. Fueron notables la creación del Estudio de Fonología,
un estudio en el NHK de Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi, y el
estudio de Phillips en Eindhoven, Holanda, que se trasladó a la
Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960.
La banda sonora de Forbidden Planet, de Louis y Bebe
Barron, fue compuesta completamente mediante circuitos caseros y
magnetófonos en 1956.
El primer computador del mundo en reproducir música fue
el CSIRAC, que fue diseñado y construido por Trevor Pearcey y Maston
Beard. El matemático Geof Hill programó el CSIRAC para tocar
melodías de música popular. No obstante, el CSIRAC reproducía un
repertorio estándar y no fue utilizado para ampliar el pensamiento
musical o para tocar composiciones más elaboradas.
El impacto de los computadores continuó en 1956. Lejaren
Hiller y Leonard Isaacson compusieron Iliac Suite para un cuarteto de
cuerda, la primera obra completa en ser compuesta con la asistencia de
un computador utilizando un algoritmo en la composición. Posteriores
desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories,
quien desarrolló el infuyente programa MUSIC I. La tecnología de
vocoder fue otro importante desarrollo de esta época.
En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jünglinge, la
primera gran obra del estudio de Colonia, basado en un texto del Libro
de Daniel. Un importante desarrollo tecnológico fue la invención del
sintetizador Clavivox por Raymond Scott, con ensamblaje de Robert
Moog.
El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareció en
1957. A diferencia de los primeros Teremin y Ondes Martenot, era
difícil de usar, requería una extensa programación, y no podía tocarse en
tiempo real. En ocasiones denominado el primer sintetizador electrónico,
el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de válvula
termoiónica e incorporaba el primer secuenciador. Fue diseñado por
RCA e instalado en el Columbia-Princeton Electronic Music Center,
donde sigue actualmente. Posteriormente, Milton Babbitt, infuenciado
en sus años de estudiante por la "revolución en el pensamiento musical"
de Schoenberg, comenzó a aplicar técnicas seriales a la música
electrónica.
456

MÚSICA ELECTRÓNICA
1960-1970
Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo
para la música académica sino también para algunos artistas
independientes a medida que la tecnología del sintetizador iba
volviéndose más accesible. Hacia esta época, una poderosa comunidad de
compositores y músicos trabajando con nuevos sonidos e instrumentos se
había establecido y estaba creciendo. 1960 fue testigo de la composición
Gargoyle de Luening para violín y cinta, así como la premiere de
Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión.
En Kontakte, Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada
en un desarrollo lineal y en un clímax dramático. En este nuevo
acercamiento, que él denominó como "forma momento", recuerda a las
técnicas de "cinematic splice" del cine de principios del siglo veinte.
El primero de estos sintetizadores en aparecer fue el Buchla.
Apareciendo en 1963, fue producto del esfuerzo del compositor de
música concreta Morton Subotnick.
El theremin había sido utilizado desde los años 20, pero
mantenía una cierta popularidad gracias a su utilización en numerosas
bandas sonoras de películas de ciencia fcción de los años 50 (por
ejemplo Te Day the Earth Stood Still de Bernard Herrmann). Durante
los años 60, el theremin hizo apariciones ocasionales en la música
popular.
En el Reino Unido, en este período, el BBC Radiophonic
Workshop (creado en 1958) emergió como uno de los estudios más
productivos y renombrados del mundo, gracias a su labor en la serie de
ciencia fcción Doctor Who. Uno de los artistas electrónicos británicos
más infuyentes de este período fue Delia Derbyshire. Es famosa por su
icónica ejecución en 1963 del tema central de Doctor Who, compuesto
por Ron Grainer, según algunos la pieza más conocida de música
electrónica del mundo. Derbyshire y sus colegas, entre los que se
encuentran Dick Mills, Brian Hodgson (creador del efecto de sonido
TARDIS), David Cain, John Baker, Paddy Kingsland y Peter Howell,
desarrollaron un amplio cuerpo de trabajo que incluye bandas sonoras,
atmósferas, sintonías de programas y efectos de sonido para BBC TV y
sus emisoras de radio.
En 1961 Josef Tal creó el Centre for Electronic Music in
Israel en la Universidad Hebrea, y en 1962 Hugh Le Caine llegó a
Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el centro.
Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico
utilizando el sintetizador (llamada Composition for Synthesizer), que fue
457

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
creado mediante el RCA en el CPEMC. La colaboraciones ocurrían
superando las barreras de los océanos y de los continentes. En 1961,
Ussachevsky invitó a Varèse al Columbia-Princeton Studio (CPEMC).
Fue asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel. La intensa actividad
del CPEMC y en otros sitios inspiró la creación en San Francisco del
Tape Music Center en 1963 por Morton Subotnick, con otros
miembros adicionales como Pauline Oliveros, Ramón Sender, Terry
Riley y Anthony Martin. En el otro lado del Atlántico tuvo lugar el
Primer Seminario de Música Electrónica, en 1964 en Checoslovaquia,
organizado en el Radio Broadcast Station de Plzen.
Se siguieron desarrollando nuevos instrumentos. Uno de los
más importantes avances tuvo lugar en 1964, cuando Robert Moog
introdujo el sintetizador Moog, el primer sintetizador analógico
controlado por un sistema integrado modular de control de voltaje.
Moog Music introdujo posteriormente un sintetizador más pequeño con
un teclado, llamado Minimoog, que fue utilizado por multitud de
compositores y universidades, haciéndose muy popular. Un ejemplo
clásico del uso del Moog de gran tamaño es el álbum Switched-On Bach
de Wendy Carlos.
En 1966, Pierre Schaefer fundó el Groupe de Recherches
Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la
investigación de la música electrónica. Su programación está estructurada
a partir de un compromiso en los procesos de difusión, investigación y
creación de la música contemporánea y las tendencias en videoarte e
imagen más actuales. Sus exhibiciones y conciertos son reproducidas en
tiempo real mediante dispositivos electrónicos, interfaces de audio-video
y una plantilla de músicos y video artistas nacionales e internacionales
abiertos al uso de tecnologías punta.
Música por ordenador
CSIRAC, el primer computador en tocar música, lo hizo
públicamente en agosto de 1951. Una de las primeras demostraciones a
gran escala de lo que se conoció como computer music (en inglés,
"música por ordenador") fue una emisión nacional pre grabada en la red
NBC para el programa Monitor el 10 de febrero de 1962. En 1961,
LaFarr Stuart programó el ordenador CYCLONE de la
Universidad del Estado de Iowa (un derivado del Illiac) para tocar
canciones sencillas y reconocibles a través de un altavoz amplifcado
adherido a un sistema originalmente utilizado para temas administrativos
y de diagnóstico.
458

MÚSICA ELECTRÓNICA
Los últimos 50, los años 60 y la década de los 70 vieron
también el desarrollo de grandes marcos operativos para síntesis
informática. Desde 1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló los
programas MUSIC, culminando en MUSIC V, un lenguaje de síntesis
directa digital.
En París, IRCAM se convirtió en el principal centro de
investigación de música creada por computador, desarrollando el sistema
informático Sogitec 4X,12 que incluía un revolucionario sistema de
procesamiento de señal digital en tiempo real. Répons (1981), obra para
24 músicos y 6 solistas de Pierre Boulez, utilizó el sistema 4X para
transformar y dirigir a los solistas hacia un sistema de altavoces.
Electrónica en vivo
En Estados Unidos, la electrónica en directo fue llevada a
cabo por primer vez en los años 1960 por miembros del Milton Cohen's
Space Teater en Ann Arbor, Míchigan, entre los que estaban Gordon
Mumma y Robert Ashley, por individuos como David Tudor hacia
1965, y Te Sonic Arts Union, fundada en 1966 por Gordon Mumma,
Robert Ashley, Alvin Lucier y David Behrman. Los festivales ONCE,
que mostraban música multimedia para teatro, fueron organizados por
Robert Ashley y Gordon Mumma en Ann Arbor entre 1958 y 1969. En
1960, John Cage compuso Cartridge Music, una de las primeras obras
de electrónica en vivo.
Los compositores y músicos de jazz, Paul Bley y Annette
Peacock, fueron de los primeros en tocar en concierto utilizando
sintetizadores Moog hacia fnales de los 1960. Peacock hacía un uso
regular de un sintetizador Moog adaptado para procesar su voz tanto en
el escenario como en grabaciones de estudio.
Sintetizadores
Moog, a fnales de 1963, conoció al compositor
experimental Herbert Deutsch, quien, en su búsqueda por sonidos
electrónicos nuevos, inspiró a Moog a crear su primer sintetizador, el
"Sintetizador Modular Moog" (en inglés: Moog Modular Synthesizer).
El Moog, aunque era conocido con anterioridad por la
comunidad educativa y musical, fue presentado en sociedad en el otoño
de 1964, cuando Bob hizo una demostración durante la Convención de
la Sociedad de Ingeniería de Audio (Audio Engineering Societen)
celebrada en Los Ángeles. En esta convención, Moog ya recibió sus
459

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
primeros pedidos, y el negocio despegó.
La compañía Moog Music creció de forma espectacular
durante los primeros años, haciéndose más conocida cuando Wendy
Carlos edita el álbum Switched on Bach. Bob diseño y comercializó
nuevos modelos, como el Minimoog la primera versión portátil del
Moog Modular, el Moog Taurus (teclado de pedales de una octava de
extensión, con transposición para bajos y agudos), el PolyMoog (primer
modelo 100% polifónico), el MemoryMoog (polifónico, equivalía a seis
MiniMoog's en uno), el MinitMoog, el Moog Sanctuary, etc.
Moog no supo gestionar bien su empresa y ésta pasó de
tener listas de espera de nueve meses a no recibir ni un sólo pedido.
Agobiado por las deudas, perdió el control de la empresa, que fue
adquirida por un inversionista, aunque continuó diseñando
instrumentos musicales para él hasta 1977, cuando abandonó Moog
Music y se mudó a un pequeño poblado en las montañas Apalaches. Sin
Bob, la Moog Music se fue a pique poco después.
En 1967, Kato se acercó al Ingeniero Fumio Mieda, quien
deseaba iniciarse en la construcción de teclados musicales. Impulsado por
el entusiasmo de Mieda, Kato le pidió construir un prototipo de teclado
y 18 meses después Mieda le presentó un órgano programable. La
compañía Keio vendió este órgano bajo la marca Korg, hecha de la
combinación de su nombre con la palabra órgano, en inglés (Organ).
Los órganos producidos por Keio fueron exitosos a fnales
de los años 60 y principios de los 70 pero, consciente de la competencia
con los grandes fabricantes de órganos ya establecidos, Kato decidió usar
la tecnología del órgano electrónico para construir teclados dirigidos al
mercado de los sintetizadores. De hecho, el primer sintetizador de Keio
(MiniKorg) fue presentado en 1973. Después del éxito de este
instrumento, Keio presentó diversos sintetizadores de bajo costo durante
los años 70 y 80 bajo la marca Korg.
1970-1980
En 1970, Charles Wuorinen compuso 'Time's Encomium',
convirtiéndose en el primer ganador Premio Pulitzer por una
composición completamente electrónica. Los años 1970 también vieron
como se generalizaba el uso de sintetizadores en la música rock con
ejemplos como Pink Floyd, Tangerine Dream, Yes y Emerson, Lake &
Palmer.
Nacimiento de la música electrónica popular
460

MÚSICA ELECTRÓNICA
A lo largo de los años 70, bandas como Te Residents y
Can abanderaron un movimiento de música experimental que
incorporaba elementos de música electrónica. Can fue uno de los
primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo y Te
Residents crearon sus propias cajas de ritmos. También en los años 70
diferentes bandas de rock, desde Genesis hasta Te Cars, comenzaron a
incorporar sintetizadores en sus arreglos de rock.
En 1979, el músico Gary Numan contribuyó a llevar la
música electrónica a un público más amplio con su hit pop "Cars" del
álbum Te Pleasure Principle. Otros grupos y artistas que contribuyeron
en esta época signifcativamente a popularizar la música creada exclusiva
o fundamentalmente de modo electrónico fueron Kraftwerk, Depeche
Mode, Jean Michel Jarre, Mike Oldfeld o Vangelis.
Nacimiento del MIDI
En 1980, un grupo de músicos y fabricantes se pusieron de
acuerdo para estandarizar una interfaz a través del que diferentes
instrumentos pudieran comunicarse entre ellos y el ordenador principal.
El estándar se denominó MIDI (Musical Instrument Digital Interface).
En agosto de 1983, la especifcación 1.0 de MIDI fue fnalizada.
La llegada de la tecnología MIDI permitió que con el
simple acto de presionar una tecla, controlar una rueda, mover un pedal
o dar una orden en un micro ordenador se pudieran activar todos y cada
uno de los dispositivos del estudio remotamente y de forma
sincronizada, respondiendo cada dispositivo de acuerdo a las condiciones
prefjadas por el compositor.
Miller Puckette desarrolló un software para el
procesamiento gráfco de señal de 4X llamado Max, que posteriormente
sería incorporado a Macintosh (Dave Zicarelli lo extendió a Opcode)
para control de MIDI en tiempo real, haciendo que la composición
algorítmica estuviera disponible para cualquier compositor que tuviera
un mínimo conocimiento de programación informática.
Síntesis digital
En 1979, la empresa australiana Fairlight lanzó el Fairlight
CMI (Computer Musical Instrument), el primer sistema práctico de
sampler polifónico digital. En 1983, Yamaha introdujo el primer
461

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
sintetizador digital autónomo, el DX-7. Utilizaba síntetis de modulación
de frecuencia (síntesis FM), probada por primera vez por John
Chowning en Stanford a fnales de los años 1960.
1980-1990-Crecimiento de la música dance
Hacia fnales de los años 80, los discos de música de baile
que utilizaban instrumentación exclusivamente electrónica se hicieron
cada vez más populares. Esta tendencia ha continuado hasta el presente,
siendo habitual escuchar música electrónica en los clubs de todo el
mundo.
En los años 1990, comenzó a ser posible llevar a cabo
actuaciones con la asistencia de ordenadores interactivos. Otros avance
reciente es la composición Begin Again Again de Tod Machover (MIT y
IRCAM) para hyper chelo, un sistema interactivo de sensores que miden
los movimientos físicos del chelista. Max Methews desarrolló el
programa "Conductor" para control en tiempo real del tempo, la
dinámica y el timbre de un tema electrónico.
2000-2010
A medida que la tecnología informática se hace más
accesible y el software musical avanza, la producción musical se hace
posible utilizando medios que no guardan ninguna relación con las
prácticas tradicionales. Lo mismo ocurre con los conciertos,
extendiéndose su práctica utilizando ordenadores portátiles y live coding.
Se populariza el término Live PA para describir cualquier tipo de
actuación en vivo de música electrónica, ya sea utilizando ordenador,
sintetizador u otros dispositivos.
En las décadas de 1990 y 2000 surgieron diferentes
entornos virtuales de estudio construidos sobre software, entre los que
destacan productos como Reason de Propellerhead y Ableton Live, que
se hacen cada vez más populares. Estas herramientas proveen de
alternativas útiles y baratas para los estudios de producción basados en
hardware. Gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores, se
hace posible crear música de elevada calidad utilizando poco más que un
solo ordenador. Estos avances han democratizado la creación musical
llevando a un incremento masivo en la producción musical casera
disponible para el público en internet.
El avance del software y de los entornos de producción
virtuales ha llevado a que toda una serie de dispositivos antiguamente
462

MÚSICA ELECTRÓNICA
solo existentes como hardware estén ahora disponibles como piezas
virtuales, herramientas o plug ins de los software. Algunos de los
softwares más populares son Max/Msp y Reaktor, así como paquetes de
código abierto tales como Pure Data, SuperCollider y ChucK.
Los avances en la miniaturización de los componentes
electrónicos, que en su época facilitaron el acceso a instrumentos y
tecnologías usadas solo por músicos con grandes recursos económicos,
han dado lugar a una nueva revolución en las herramientas electrónicas
usadas para la creación musical. Por ejemplo, durante los años 90 los
teléfonos móviles incorporaban generadores de tonos monofónicos que
algunas fábricas usaron no solo para generar los Ringtones de sus
equipos, sino que permitieron a sus usuarios algunas herramientas de
creación musical. Posteriormente, los cada vez más pequeños y potentes
computadores portátiles, computadores de bolsillo y PDA´s abrieron
camino a las actuales Tablets y teléfonos inteligentes que permiten no
solo el uso de generadores de tono, sino el de otras herramientas como
samplers, sintetizadores monofónicos y polifónicos, grabación multipista
etc. que permiten la creación musical en casi cualquier lugar.
8.1. DANCE
La música electrónica de baile, EDM (por sus siglas en
inglés electronic dance music), música club, música dance, o
simplemente dance, es un conjunto de géneros de música electrónica,
como el house, trance, eurodance, italo-disco, drum and bass, el híbrido
dance pop, entre otros. Orientada principalmente al baile, se caracteriza
por estar realizada con sonidos sintéticos y organicos pre-grabados en un
estudio, y por sus ritmos bien marcados y repetitivos, con letras
pegadizas cuando no es música instrumental.
Es también frecuente, en países no angloparlantes, emplear
el término "dance" en un sentido más restrictivo -lo que puede originar
alguna confusión- para referirse a un subconjunto de la música
electrónica de baile integrado fundamentalmente por los géneros de
mayor difusión entre el gran público, como son el dance pop, el italo
dance, el eurodisco, el eurodance y el trance.
Características
El dance comprende un amplio espectro de géneros
musicales de contenido percusivo que, en buena medida, son herederos
de la música electrónica de Kraftwerk y de la música disco de los años
463

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
1970-1985. Esta música nació y fue popularizada en diferentes
ambientes de discotecas en los años 1980-1990.Hacia comienzos de los
años 1990, la presencia de la música electrónica de baile dentro de la
cultura contemporánea se había extendido ampliamente, comenzando a
ser estudiada académicamente en áreas científcas como la historia, la
cultura y la sociología. Para su creación se utilizan instrumentos
electrónicos como el sintetizador, la caja de ritmos y el secuenciador.
Generalmente se enfatizan los sonidos únicos de estos instrumentos,
incluso cuando se imita el sonido de otros instrumentos acústicos
tradicionales. En ocasiones comprende también música no destinada
primariamente al baile, pero que está derivada en todo caso de algún
género de música electrónica orientado al baile.
Estilos musicales
Los géneros más populares dentro del dance como el dancepop
y el euro-dance adoptan varias características de otros géneros
(House, Techno, Trance, Pop entre otros), sin que reúnan unas
características absolutamente propias, son siempre infuenciados por la
moda del momento.[cita requerida] Otra característica es que su música
no es compleja debido a su enfoque comercial, manejando sonidos
simples y básicos, y conjugándolos con ritmos alegres, siendo muy
diferente a la música Underground. Tienen estructuras pop, muy
simples: estrofas, estribillos, momentos de clímax, etc. Es la variante más
comercial de la electrónica. El sonido de bajo suele ser de tipo TB-303
(sin distorsionar), las letras simples que hablan de amor o festa los
sonidos de batería son la mayoría de tipo 909, incluye pocas variaciones
rítmicas, algún barrido de fltro, voces mayormente femeninas y casi
siempre una melodía principal hecha con algún tipo de sonido de
sintetizador con onda de dientes de sierra (que suele sonar después de un
estribillo cantado).
Ritmos
Como toda música, se compone de varios compases marcados por el
ritmo, que varía dependiendo del tipo de música electrónica que se trate,
siendo diferenciado principalmente por el sub-estilo que trate. Todas las
canciones usan el compás de 4/4, tan sólo variando el tempo.
464

MÚSICA ELECTRÓNICA
Historia
Dance-rock (de 1981 a 1987)
Aunque no es Dance propiamente dicho, esta evolución del
disco y de la New wave apareció con ritmos más marcados gracias a la
aparición de nuevas cajas de ritmos más potentes.
Una mezcla de post-disco, rock y NewWave dio lugar al
Dance-rock con New Order, Prince, Blondie, Daryl Hall y algunos
temas de ABC, Depeche Mode, Spandau Ballet o Wham entre otros. La
escena también produjo muchos cruces, incluyendo a Kraftwerk
consiguiendo audiencias de R&B con su disco de 1981 Computer
World, que allanó el camino para Afrika Bambaataa, "Planet Rock", y
electro en general.
Las infuencias claves del género incluyen el synthpop,
particularmente del New Romantic, mientras que los sintetizadores
ayudaron a dar forma a la nueva música
Dance pop y Freestyle (de 1982 a 1991)
Por otro lado aparecieron el Dance pop y el freestyle,
compuestos también por infuencias electrónicas del Post-disco. El dance
pop con un ritmo o beat fuerte y una estructura sencilla, más similar a la
canción pop, con un énfasis en las melodías y en los estribillos pegadizos.
Se inició priméramente en EE. UU. con Michael Jackson y Madonna y
posteriormente en Europa. El ``dance pop`` fue tomando infuencias de
otros géneros, que variaban con el mainstream del momento, incluyendo
R&B contemporáneo, House, electro, Trance, Techno, electropop, new
jack swing, funk, synthpop y algunas formas de la música disco.
En Italia esta evolución comenzó paulatinamente desde el
italo disco y fue evolucionando en la segunda mitad de la década de
1980 con Spagna y Sabrina entre otros y en Centroeuropa con Modern
Talking y C.C. Catch siendo denominado en ocasiones como Eurobeat.
En U.K. los productores Stock, Aitken & Waterman lanzaron a partir de
1986-87 a diferentes cantantes con este sonido más evolucionado Rick
Astley con "Never gonna give you up" o "Together forever" entre otras,
Kylie Minogue con "I should be so lucky" y algunos éxitos más,
Bananarama con "Venus", "Love in the 1st degree"..., Jason Donovan
con "Too many broken hearts" entre otros, por otro lado los Pet Shop
Boys llevaron al Synth pop a sonidos más bailables.
En EE. UU., paralelamente al desarrollo del dance pop
apareció elFreestyle, una fusión principalmente de Electro-funk, post-
465

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
disco, y hip hop con artistas como Shannon, Exposé o Information
Society, entre otros.
Al llegar a 1990 ambos estilos empezaron a ser fuertemente
infuenciados por el House y el Techno creándose una cultura ya
diferenciada del concepto dance. Algunos artistas mainstream del
momento, como Madonna o Paula Abdul, comenzaron a realizar
versiones remix de algunos de sus temas, más orientados al Dance a pesar
de la gran repercusión del new jack swing en EEUU en esa época. Los
BPM en esta etapa oscilan entre los 112 y 124.
Euro-House/Italo-House y TechnoDance (1990 a 1993)
Paralelamente al nuevo dance pop de infuencia house de
algunos temas de Madonna, como Vogue o Deee-Lite con Groove is in
the air, se inició la entrada en el mainstream de la musica electronica de
baile a nivel planetario. Artistas europeos como Technotronic y Snap ya
estaban en lo más alto en Europa con el Euro house de sonidos más
sinteticos y bailables y voces rapeadas, al igual que otros artistas
destacados como KLF o Twenty 4 Seven.
En Italia con una evolución particular del Italo disco
fusionado con el house aparece el Italo house con artistas como 49ers o
Capella y posteriormente Double You con su "Please don't go", que
asentó la moda de hacer covers a ritmo dance de grandes exitos pop y
rock de las décadas anterioresa. En 1991 de la fusión del italo house con
elementos hi-NRG comienza a esbozarse el popular Eurodance con el
tema de la cantante Rozzalla, "Everybody's free".
Al tiempo de la evolución dance heredada del Dance Pop,
también aparecieron desde el synthpop nuevos sonidos más
evolucionados heredados de Depeche Mode o New Order y dirigidos a
las pistas de baile con artistas como OBK, Cetu Javu, Viceversa o Ray.
Por otra parte el EBM de los 80 junto al Acid house habían
dado lugar al New beat de grupos como Plaza con Yo-yo o el DJ Chimo
Bayo con su Asi me gusta a mi prediciendo la aparición del Rave.
Posteriormente,y con acordes secos y cortos heredados del
Rave y con un moderado aumento del rango de beats por minuto
utilizados, 125-135, Twilight Zone de 2 Unlimited, Mr. Vain de
Culture Beat o U Got To Let Te Music de Capella supusieron el
comienzo del endurecimiento del sonido dance desde los sonidos
sintéticos hacia rasgos más electro que junto al aumento de beats a 135-
145 bpm y la entonacion heredada del hi-NRG supusieron el
surgimiento del eurodance.
466

MÚSICA ELECTRÓNICA
Eurodance (1993 a 1996)
A mediados de la década de 1990, la música Dance
comercial llegó a la cima, siendo muy popular en todos los países de
Europa, gracias a un boom comercial de ventas del género gracias a la
difusión masiva en radios y clubes nocturnos por parte de los DJs, que
en muchos casos eran también productores de algunas de las bandas de
moda. Alexia, Double You, Scatman John entre otros tuvieron más de
un hit entre 1995 y 1996. Durante este tiempo los productores fueron
incluyendo paulatinamente sonidos Trance menos electro y más
envolventes que dio paso al Pizzicato y al Euro-Trance en los años
subsiguientes.
Por otro lado comenzaron a surgir temas más suaves con
melodías mas alegres y desenfadadas que posteriormente desembocarían
en el Booblegum al fnalizar la década. Cantantes como Whigfeld que
destacó con su Saturday night y algunos éxitos más o Corona con Te
rythm of the night comenzaron a endulzar los temas dando origen a la
palabra "Cantadita" para defnir este tipo de temas.
En esta época también hubo un éxito destacado con temas
de velocidad mas baja, 100-115 bpm, con Ace of Base y sus temas All
that she wants o Te sign, además de Fun Factory con Celebration,
fusionando Dance-Pop con ritmos tropicales.
Pizzicato de 1996 a 1998
Muy infuenciado por el Dream-Trance de Robert Miles o
"Seven days and one week" de B.B.E. Caracterizado por sonidos
hipnóticos con repeticiones de acordes que recuerdan al Eurobeat y el
bajo en contrapunto con el bombo, mayor tendencia a los temas
instrumentales o de escaso componente vocal, las secciones rapeadas
prácticamente desaparecieron y la velocidad baja a 130-135 bpm, "Red
5" con Lift Me Up fue unos de los primeros en hacer uso del pizzicato a
su vez aparecieron "Sash" con Encore Une Fois , o Faithless con
"Insomnia", para poco a poco diluirse el estilo en el Uplifting trance.
Es una época de cambio, el bajón del Eurodance no termina de ser
relevado por ningún estilo dance en particular. El Dream Trance, el 2-
step garage o el Progressive house le restan importancia al incipiente
Euro-Trance.
467

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Euro-Trance, Vocal trance, Nu-Italo y Bubblegum dance(1998 a 2004)
El Eurodance adquirió elementos trance para sus
producciones. Tomando los efectos de reververación y tonos más épicos
de las voces con momentos de parones y subidones del tema heredados
del progressive house consiguió un moderado éxito. Artistas
reconvertidos del EuroDance como Taleesa, otros nuevos como Milk
Inc. o Silver comenzaron a despuntar. Ya en el siglo XXI Kate Ryan con
un sonido Vocal trance tuvo mucho éxito con Desenchantee. Y desde
Alemania la banda Cascada es considerada la más infuyente del género
con su sencillo "Everytime We Touch". El ritmo se fue endureciendo y
los temas dejaron de ser cantados fusionandose con el Nu-Italo y el Hard
House en Jumpstyle.
La evolución de la música electrónica desembocó a fnales
de los 90 en una revisión de la música disco con base electrónica Dance
pop. Los temas eran revisiones de temas anteriores como "September'99"
de Earth Wind & Fire o temas nuevos con estilo disco como Diana
Ross, Cher, Kylie Minogue o Madonna.
El Italo disco también fue revisado de la misma manera, con
temas clásicos remezclados y temas nuevos con sonoridad semejante a los
80. Gigi D'Agostino o Eifel con su "I'm blue". Este estilo fue
endureciendo las bases rítmicas y tomando sonidos trance hasta llegar al
Jumpstyle.
Simultaneamente al Nu-Disco refotó el sonido simple
extraido de los temas de Pop facilon de los años 50 y 60, el bubblegum
dance. Es un tipo de dance, en el que la música y sus consiguientes
autores/grupo tienen una estética colorida, afeminada, infantil y friendly.
En ellos todo parece irrealmente divertido y feliz. Con estribillos
cantados pegadizos y con ritmos de menor cantidad de beats por minuto.
Los mas represenytativos son "Up and Down" de Vengaboys y "Barbie
Girl" de Aqua.
Con más sonido dance pop, "Music" de Madonna,
"Believe" de Cher, "Sexy" de French Afair, "Can't Get You Out Of My
Head" de Kylie Minogue y en español "Cielo líquido" de Fey. Distintos
países europeos ven triunfar artistas de este género. En Grecia, Helena
Paparizou es considerada como la reina de dance, tras su éxito con el
grupo Antique. Los moldavos de "O-Zone" tuvieron gran éxito
internacional con el sencillo "Dragostea Din Tei". , aunque gran éxito
fue también el que tuvieron las Passion Fruit con el tema "Te Rigga-
Ding-Dong-Song".
468

MÚSICA ELECTRÓNICA
Etapa Underground (2004 a 2007)
Después de la desaparición del entorno comercial de la
música dance y eurodance, a raíz de la disolución durante la última etapa
del 2002 de numerosos grupos que marcaron la tendencia durante los
últimos años de la década de los 1990 y primeros años del nuevo siglo,
como Eifel 65, Alexia, Vengaboys, French Afair, Ace Of
Base,Aqua,Barcode Brothers, etc. La música Dance y Eurodance
subsistieron alejadas del público general fuera de sus países de origen,
salvo excepciones, ocupando su lugar en el entorno comercial durante la
etapa 2003-2008 por géneros como el hip hop o el reggaeton. En el
entorno discotequero el Electro house arrasa por toda Europa.
Dance Pop Electro y Electro hop de 2007 a 2014
El electro hop salta a la fama internacionalmente cuando
desde EEUU se comienza a combinar el Hip Hop imperante con el
electro exitoso de Europa por parte de grupos como Te Black Eyed Peas
que fueron seguidos por LMFAO, entre otros, o más latinizado por
Pitbull.
Siguiendo esa línea de moda electro artistas como Madonna
retoman el DancePop combinandolo con el electro y marca tendencia
seguida por Britney Spears, Lady Gaga o Rihanna entre otras. Conserva
los acordes del euro-trance, pero es utilizado como género auxiliar al
pop, además de ser fusionado con el Hi-NRG, que también fue
retomado.
Gracias a la compañía disquera Zooland Records, el
eurodance siguió vigente en Europa, gracias a artistas como
Italobrothers, Yanou y Cascada, quienes son los únicos vigentes desde la
primera generación del género. "What Is Life?" de Danzel, "Gold" de
Antoine Clamaran, "In Da Name Of Love" de Ray & Anita, "Fever" de
Cascada, "I don't care" de Icona Pop...
Actualmente el eurodance vive un proceso de renacimiento,
volviendo con fuerza al entorno comercial y al público general, gracias a
las aportaciones de los Djs que mantuvieron vivo el género dentro de la
esfera underground en sus años bajos, como Bimbo Jones, Freemasons,
Antoine Clamaran, Bob Sinclair, etc. A esto hay que sumar la
persistencia de artistas como la francesa Kate Ryan (una de las pocas
cantantes, que feles a este género, se ha mantenido con éxito durante
esta última década) y al regreso de algunos de los famosos grupos y
artistas del período anterior como los míticos Vengaboys, DJ Bobo,
469

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Aqua, Ace of Base, Masterboy, Haddaway, Toy Box y el grupo 2
Unlimited.
Sellos discográfcos signifcativos
Hasta los años 1980, no existían prácticamente sellos
discográfcos centrados exclusivamente en la música electrónica de baile.
Esto cambió a partir de 1989,cuando Larry Sherman creó el sello de
house Trax Records y el pionero del techno Juan Atkins comenzó
Metroplex Records. En Gran Bretaña, Warp Records surgió a comienzos
de los años 1990. En Argentina, Libervox Records pionero en
produccion electronica a principios de los años 1990. Otros sellos
posteriores signifcativos son Astralwerks, Ed Banger Records o Ninja
Tune.
8.2. NEW AGE
El New Age es un género musical, creado por diferentes
estilos cuyo objetivo es crear inspiración artística, relajación y
optimismo. Suele ser utilizada por los que practican yoga, masaje,
meditación, y lectura como método para controlar el estrés o para crear
una atmósfera pacífca en su casa o en otros entornos, y suele asociarse al
ecologismo y a la espiritualidad New Age.
Las armonías en la música New Age suelen ser generalmente
modales, consonantes, o incluir un bajo en forma de drone. Las melodías
suelen ser repetitivas, para crear una sensación hipnótica, y a veces se
utilizan sonidos de la naturaleza como introducción a un tema o a una
pieza. Son frecuentes las piezas de hasta treinta minutos.
La música New Age puede ser tanto electrónica,
normalmente basándose en pads de sintetizador sostenidos o largos
trozos de secuenciador, como acústica, utilizando instrumentos como
fautas, piano, guitarra acústica y una amplia gama de instrumentos
acústicos no occidentales. En muchos casos se utiliza el sampleo digital
de instrumentos de alta calidad en lugar de instrumentos orgánicos. Los
arreglos vocales solían ser extraños en la música New Age, pero a medida
que fue evolucionando las vocales se hicieron más comunes,
especialmente las que incluían cánticos de nativos americanos, sánscrito
o música tibetana. Algunos músicos New Age abrazan abiertamente las
creencias New Age, mientras que otros grupos no consideran que su
propia música pertenezca a esta forma de pensamiento, y ello aunque su
música se haya catalogado como New Age por los sellos discográfcos, las
470

MÚSICA ELECTRÓNICA
tiendas de discos o los programas de radio.
Historia
La música New Age en sus orígenes estuvo fuertemente
relacionada con el movimiento de creencias Nueva Era por lo que su
contenido ha sido constantemente asociado con cuestiones místicas
claramente presentes en el movimiento. Empezó a ser popular en la
década de 1960 en la subcultura hippie. Actualmente se relaciona más
con la relajación y mucha gente la escucha sin importar sus creencias, a
pesar de que las compañías discográfcas a menudo diseñan sus carátulas
con fuertes enfoques místicos.
Se dice que la música new age llegó a ser popular debido a
que se cree que expresa un estilo de vida espiritual, no sectario y de
expansión de conciencia, lo que permitió a millones de personas en todo
el mundo estudiar y practicar una nueva espiritualidad.
Los compositores a menudo utilizan instrumentos
tradicionales (o versiones sintetizadas de ellos) con poca relación al
contexto musical de su origen. Para muchos críticos y etnomusicólogos
esto es lo peor de este género musical: su homogeneización de
instrumentos y material musical apropiados de sus culturas originales.
Algo que caracteriza especialmente a este género, es que la mayoría de sus
compositores crean sus discos utilizando lo que llamaremos "enlace New
Age": cada canción va unida a la siguiente.
Infuencias y temáticas
De 1968 a 1973 músicos alemanes como Holger Czukay
(un anterior estudiante de Karlheinz Stockhausen), Popol Vuh y
Tangerine Dream sacaron varios trabajos con sonidos experimentales y
texturas construidas con instrumentos acústicos, eléctricos y electrónicos.
Su música, referida como "cósmica" puede ser considerada como música
Ambient o música New Age dependiendo del punto de vista. En 1968 el
fautista y clarinetista de jazz, Paul Horn, de visita en la India junto a
Te Beatles y Brian Wilson, graba solo, acompañado de su voz y fauta la
que es considerada primera grabación de la new age: Inside the Taj
Mahal.
Posteriormente Brian Eno defnió el estilo y los patrones de
la música Ambient en una forma en que fácilmente podía fusionarse y
co-desarrollarse con los estilos de muchos músicos como Robert Fripp,
Jon Hassell, Laraaji, Harold Budd, Cluster, Jah Wobble desde los fnales
471

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
de la década de 1970 hasta hoy.
Otras infuencias perceptibles han sido la música
electrónica, la música artística, el jazz y la world music, especialmente la
música celta. El minimalismo de Terry Riley o Steve Reich también se
encuentra entre esas infuencias, con artistas como Michael Nyman,
Ludovico Einaudi, Tony Conrad o LaMonte Young. Otros músicos new
age con infuencias de la música artística europea, son David Darling o
Daniel Kobialka.
El peso del jazz al estilo ECM, especialmente de músicos
como Keith Jarrett (sobre todo su disco Te Köln Concert), Ralph
Towner (Blue Sun y Solo Concert) y Lyle Mays se encuentra en artistas
de new age como George Winston, Michael Hedges, Michael Jones,
David Lanz o Liz Story. En una línea muy similar, con claras
concomitancias con el smooth jazz, se encuentra los artistas del sello
Windham Hill, incluidos Mark Isham, Andy Summers, William
Ackerman, Alex de Grassi, Kristian Schultze, Michael Hedges, y otros
como Mark Nauseef, Glen Vélez, Rob Wasserman o el grupo
Shadowfax.
En América Latina y España la música new age surge unos
años más tarde, a principios de la década de 1980, a través de músicos
como los argentinos Lito Vitale y Guillermo Carlos Cazenave, del belga
radicado en Barcelona, Michel Huygen, y del madrileño Luis Paniagua.
Controversia y rechazo
Defnir ciertos grupos o álbumes como música New Age
puede resultar controvertido entre sus afcionados debido a que los
límites de este género musical no están bien defnidos.
También, debido a que algunos artistas expresan su fliación
en creencias New Age, muchos otros declaran específcamente no formar
parte de dicho movimiento y rechazan que se catalogue su trabajo como
música New Age.
8.3. DOWNTEMPO
Downtempo (o downbeat) es un tipo de música electrónica
caracterizada por su sonido relajado, similar al ambient, con la diferencia
respecto a éste de que normalmente cuenta con ritmo o groove. Este beat
puede ser conseguido a partir de loops con una sonoridad hipnótica.
Otras veces, los ritmos son más complejos y prominentes, pero incluso
en ese caso tienen menos intensidad que en otras formas de música
472

MÚSICA ELECTRÓNICA
electrónica. El término música chill out se ha empleado en ocasiones
para referirse a esta música, pero es una palabra que se aplica también a
otros géneros. Un género relacionado con el downtempo es el trip hop,
aunque el downtempo normalmente utiliza un tempo más lento. Debido
a su sonoridad relajada e incluso sensual, y a la ausencia o el mínimo uso
de vocales, buena parte de la música downtempo ha sido utilizada como
música de fondo en el área chill out de las festas o como banda sonora
en cafés.
Historia
La década de los años 1990 trajo toda una ola de música
relajada para ser escuchada en la sala chill out de los clubs o en emisoras
de radio exclusivamente dedicadas a ella. La música downtempo
comenzó en Ibiza, cuando los DJs ponían un tipo de música específca
para escuchar disfrutando del atardecer. En 1994, el trip hop surgió en
Bristol, combinando elementos del ritmo del hip hop, de los breaks del
drum and bass y de las atmósferas y el tempo lento del ambient. Hacia
fnales de los 1990, una forma de música electrónica que incorporaba
toda una serie de sonidos de instrumentos acústicos surgió, recibiendo el
nombre genérico de downtempo.
Al fnalizar la década de 1990, el dúo austríaco Kruder &
Dorfmeister popularizó el estilo gracias a sus remixes de canciones de
pop, hip hop o drum and bass con infuencias de soul jazz de los 1970.
Los británicos Steve Cobby y Dave McSherry, produciendo bajo el
nombre Fila Brazillia, publicaron varios discos que contribuyeron al auge
del género. Mientras tanto, en Washington D. C., Eric Hilton y Rob
Garza desarrollaron su proyecto Tievery Corporation introduciendo
sonidos brasileños en el estilo y combinándolos con elementos de dub y
reggae jamaiquinos.
8.4. AMBIENT
La música ambient es un género musical en el cual se hace
hincapié en el tono y la atmósfera por encima de la estructura musical o
del ritmo tradicionales. Se dice que la música ambient evoca una
cualidad "atmosférica", "visual" o "discreta". Según las palabras de uno
de sus pioneros, Brian Eno, "la música ambient debe ser capaz de dar
cabida a muchos niveles de atención de escucha sin imponer uno en
particular, debe ser tan ignorable como interesante." Como género se
originó en el Reino Unido en un momento en el cual los nuevos
473

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
dispositivos de producción de sonidos, tales como el sintetizador, se
estaban popularizando en un mercado más amplio. El ambient se
desarrolló en la década de 1970 a partir de los estilos experimentales e
infuenciados por el sintetizador de la época. Los sonidos producidos por
Mike Oldfeld, Jean-Michel Jarre y Vangelis fueron determinantes en la
aparición del ambient. Robert Fripp y Brian Eno popularizaron la
música ambiental en 1972 mientras experimentaban con loops de cinta
magnética. Te Orb y Aphex Twin alcanzaron el éxito comercial con
canciones ambient a comienzos de los años 1990. Las composiciones
ambient suelen ser bastante largas, mucho más que las de los géneros
musicales más comerciales y populares. Algunas piezas musicales pueden
llegar a una duración de media hora, o ser incluso más largas.
Historia
A comienzos del siglo XX, el compositor francés Erik Satie
creó un estilo musical similar a la música ambiental que recibió el
nombre de música de mobiliario (Musique d'ameublement), cuyo
objetivo era el de fundirse en el ambiente, sin desviar la atención de
cualquier otra actividad que se estuviese realizando en ese momento. En
su presentación de la primera pieza musical en este estilo, se lee:
Les instamos a no tomar en cuenta la música y a
comportarse en los intervalos como si nada sucediera. Esta música...
pretende hacer una contribución a la vida en la misma manera que una
conversación privada, una pintura en una galería, o la silla en la que
usted puede o no estar sentado".
La música y teoría inicial del soundscape electrónico
provienen del trabajo de Pierre Schaefer, considerado el inventor de la
música concreta, quien siguió a los futuristas al clasifcar la música
dentro de categorías tales como hechas por el hombre, naturales, cortas y
largas. Schaefer realizó algunos de las primeras grabaciones de música
electrónica mediante el uso de tocadiscos y sonidos naturales, y cortando
cintas, haciendo el primer uso de la música experimental y de cintas
magnéticas.
El término ambient se atribuye a Brian Eno, quien acuñó
esta expresión para referirse a un tipo de música diferente del llamado
Muzak, la música enlatada de los años 50. Frente a ésta, Eno pretende
desarrollar un tipo de música que exige del oyente una escucha activa,
dinámica y profunda. En los términos de este músico, por ambient se
entiende: Un ambiente se defne como una atmósfera, o una infuencia que
nos rodea: un matiz. Mi intención es producir piezas originales
474

MÚSICA ELECTRÓNICA
aparentemente (pero no exclusivamente) para momentos y situaciones
particulares con el objeto de construir un pequeño pero versátil catálogo de
música ambiental que encajen con toda una variedad de humores y
atmósferas.
Mientras que la música enlatada les sirve a las empresas para
estandarizar ambientes dejando en blanco su acústica e idiosincrasia
atmosférica, la música ambient pretende potenciar estas. Mientras que la
música convencional de fondo se produce para despojar de todo sentido
de duda e incertidumbre (y así todo interés genuino) a la música, la
música ambient retiene esas cualidades. Y mientras que su intención es
"abrillantar" el entorno añadiendo estímulos al mismo (y así
supuestamente aliviar el tedio de las tareas rutinarias y equilibrar los
subidones y bajones naturales del propio cuerpo) la música ambient
pretende inducir la calma y un espacio para pensar.
Además de la infuencia fundamental de Brian Eno, otros músicos que
contribuyeron al desarrollo del género desde los años 70 son Wendy
Carlos, Mike Oldfeld, Jean Michel Jarre y Vangelis. Otros grupos como
Pink Floyd, Tangerine Dream y the Hafer Trio pueden mencionarse
como infuencias destacadas.
Años 1990: ambient y música electrónica
A principios de los años 1990, un grupo amplio, variado y
no necesariamemte vinculado entre sí de músicos de música electrónica
comenzaron a introducir elementos de ambient en su música. Esta
tendencia se fue acentuando progresivamente, llevando a cabo no solo
piezas con elementos del género sino obras que directamente
denominaban ambient house, ambient techno, Intelligent dance music o
simplemente "ambient". Aunque no es preciso que una canción esté
desprovista de ritmo para considerarse ambient, muchos de estos
músicos se introdujeron en el género llevando a cabo una abstracción del
techno o house que habían practicado hasta entonces, reduciendo a la
mínima expresión o eliminando los elementos más reconocibles del
patrón rítmico. Un tema prototipo de ambient de la primera mitad de
los 90 está basado en pads de sintetizador, en una forma que recuerda al
uso que se le daba en el krautrock, incorporando al mismo tiempo toda
una serie de sonidos y técnicas propias de la música de baile, como
ciertos ritmos o breaks o la sonoridad típica de la música rave.
Al principio, este tipo de música se llama Chill Out,
término derivado de la cultura de club de principios de los 90 ligada al
consumo de éxtasis. En ésta era habitual la presencia en las discotecas de
475

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
un área llamada "sala chill out" que la gente utilizaba para relajarse. En
estas salas se escuchaba un tipo de música más tranquila que la de baile,
con sonidos que oscilaban entre el dub y el ambient pensados para relajar
la mente. Un grupo seminal de este tipo de música es Te KLF y su
disco Chill Out (1990).
El ambient lo desarrollan en esta época músicos como Te
Orb, Aphex Twin, Pete Namlook, James Bernard, Geir Jenssen's
Biosphere o Higher Intelligence Agency. Destaca la escena que se
desarrolló en Inglaterra, muy ligada a la IDM. Entre los discos más
representativos de ésta se encontrarían Selected Ambient Works 85-92
de Aphex Twin, 76:14 de Global Communication, Accelerator o ISDN
de Future Sound of London o la serie Artifcial Intelligence de Warp
Records.
Posteriormente, el ambient es reelaborado y utilizado por
músicos que se ubican en el campo de la experimentación electrónica
pura como Pole, Mika Vainio o Ryoji Ikeda.
Bandas sonoras
La música ambient ha sido utilizada profusamente como
música para ambientar videojuegos, espacios televisivos y películas. Brian
Eno ha compuesto música para películas de David Lynch, mientras que
el músico electrónico Paddy Kingsland hizo la música de la serie Doctor
Who. Para retratar un mundo apocalíptico, la trilogía de videojuegos
Fallout utiliza este estilo musical, al igual que otros muchos videojuegos
Estilos relacionados o derivados
Ambient dub: "Ambient dub" es un término acuñado por
el extinto sello Beyond Records para denominar el sonido de su serie
Ambient Dub.3 Este tipo de sonido ha inspirado a músicos como Bill
Laswell. El estilo se caracteriza por fusionar elementos de ambient con
otros propios del dub jamaicano
Música ambient orgánica: Se trata de música ambient que
combina instrumentos electrónicos combinados con otros acústicos y
eléctricos. Este estilo se caracteriza también por incorporar infuencias de
la world music. La música aquí busca la armonía con el entorno natural
más que la calma en una discoteca. Entre los artistas que lo han
practicado destacan Michael Stearns, Robert Rich, Steve Roach, Spirit
Hertz, Vidna Obmana, O Yuki Conjugate, Vir Unis, James Johnson,
Loren Nerell, Tuu o Robert Scott Tompson.
476

MÚSICA ELECTRÓNICA
Dark ambient: El Dark ambient es un término general
referido a cualquier tipo de música ambient con una sensibilidad oscura
(traducción de "dark"), opresiva o angustiante. Son signifcativos en este
estilo músicos como False Mirror, Lull, Bohren & der Club of Gore,
Cold Summer, Controlled Bleeding Te Poisoner y el proyecto de
colaboración entre Robert Rich y Lustmord en el álbum Stalker.
Illbient: Aunque existen diversas variantes del Illbient, la
música se caracteriza por la utilización de paisajes sonoros basados en el
dub, la utilización al estilo hip hop del sampling y un acercamiento
comprensivo a la programación de ritmos que abarca diferentes estilos de
world music y de música electrónica. Destacan productores como DJ
Olive o DJ Spooky.
Ambient house: Ambient house es un tipo de música que
se puede encontrar hacia fnales de los años 80. Se trata de un tipo de
acid house que incorporaba elementos y atmósferas típicos del ambient.
El género no deja de lado el ritmo four-on-the-foor y los sonidos de
sintetizador, pero a la vez tiene un sonido atmosférico y envolvente.
Ambient industrial: Ambient industrial es un género
híbrido entre la música industrial y el ambient. Entre los artistas que
practican este género están Coil, CTI, Lustmord, Nine Inch Nails,
Susumu Yokota, Hafer Trio, Nocturnal Emissions, Zoviet France,
Scorn, PGR, Tomas Köner, Controlled Bleeding y Deutsch Nepal.
Space music: Space music es un tipo de música que incluye
elementos tanto del ambient como de otros géneros utilizados para crear
una experiencia de contemplación espacial. Se trata de un término cuya
defnición no es unívoca y ha ido cambiando durante los últimos 50
años. Entre los artistas más notables destacan Ash Ra Tempel, Michael
Stearns, Constance Demby, Enigma, Jean Michel Jarre, Manuel
Göttsching, Te Cosmic Jokers, Jean Ven Robert Hal, Carbon Based
Lifeforms, Peter Baumann, Robert Rich, Steve Roach, Numina, Dweller
at the Treshold, Deepspace, Telomere, Jonn Serrie, Klaus Schulze, Vlisa
Tangerine Dream, Vangelis y Spirit Hertz.
Música aislacionista: El ambient aislacionista puede
diferenciarse de otros tipos de ambient en su uso de la repetición, la
disonancia, la microtonalidad y la armonías no resueltas para crear una
sensación de desconcierto, falta de sentido y desolación. El término fue
popularizado por la revista Te Wire a mediados de los años 90 y por el
recopilatorio Ambient 4: Isolationism.
477

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
8.5. WONKY
Wonky también llamado Street bass, Aquacrunk o Purple
sound es un controvertido término utilizado para describir la tendencia a
utilizar sintetizadores inestables de medio rango, marcas de tiempo
complejas e inusuales que surgieron antes del verano de 2008 entre
diferentes géneros musicales, entre los que se incluyen hip hop, grime,
chiptune, dubstep, crunk, skwee, electro y breaks.
Visión general
En 2002, el productor estadounidese Rodney Jerkins se
anticipó al wonky con la canción de R&B "What About Us", escrita
para la cantante estadounidense Brandy. El 1 de febrero de 2004, el
artista estadounidense Jneiro Jarel publicó una de las primeras canciones
wonky de hip hop, "Get Yuh Own" y "N.A.S.A". Jneiro Jarel podría ser
considerado como uno de los pioneros de la estética rítmica del wonky.
Algunos años más tarde, el wonky se desarrolló en diferentes lugares de
todo el mundo simultáneamente. Starkey es uno de los principales
proponentes del sonido wonky. El wonky estadounidense también ha
sido denominado "street bass".
Al otro lado del Atlántico, Glasgow en Escocia podría ser
considerada como el lugar de nacimiento de este sonido. Al sonido
wonky de Glasgow también se le ha denominado aquacrunk, un término
acuñado por el músico Rustie. El club de Glasgow Numbers, la tienda
de discos local Rub-a-dub y sellos como Wireblock, Stuf y Dress 2
Sweat están asociados con el sonido aquacrunk/wonky de Glasgow.
Cabe recalcar que Hudson Mohawke, junto con Rustie, es
uno de los principales impulsores del wonky, que logró expandir al
género fuera de Escocia.
Características
Aunque la música wonky está relacionada por la tendencia a
utilizar sintes inestables de medio rango y marcas de tiempo inestables,
cada escena de música wonky tiene sus propias características específcas
en cuanto a su sonido. La escena de wonky estadounidense está
infuenciada por el broken beat y la música jazz, y la propia música tiene
una sonoridad orgánica, mientras que el aquacrunk y la escena de wonky
de Bristol están infuenciadas por la escena de música crunk y el
grime/dubstep instrumentales, respectivamente. El aquacrunk también se
caracteriza por su ritmo lento.
478

MÚSICA ELECTRÓNICA
8.5.1. DARK AMBIENT
El dark ambient es un subgénero de la música electrónica
derivado del Ambient que se caracteriza por tener tonos discordantes y
un sonido musical siniestro u oscuro. El dark ambient surgió en los años
80's con la introducción de nuevos sintetizadores y la tecnología en el
género de música electrónica y otros avances técnicos en la música. Uno
de los primeros discos del género es Ambient 4: On Land, de Brian Eno.
El dark ambient es un género diverso, ya que está relacionado con la
música industrial, el ethereal wave, el noise, e inclusive el black metal.
8.6. MINIMAL
El minimal es un concepto musical basado en la tendencia
artística del minimalismo, sonidos llevados a su mínima, pero esencial
expresión.
En el mundo de la música, en los 35 últimos años, el
término minimalismo se aplica a veces a la música que muestra alguna de
las características siguientes (o todas):
Repetición de frases musicales cortas, con variaciones
mínimas en un período largo de tiempo; Éxtasis (movimiento lento), a
menudo bajo la forma de zumbidos y tonos largos; Énfasis en una
armonía tonal; Un pulso constante.
La primera composición que se considera minimalista fue la
obra de 1964 In C, de Terry Riley, a la que siguieron, en la década de
1970 las obras de Steve Reich y Philip Glass entre otros. La música
minimalista puede sonar a veces similar a diferentes formas de música
electrónica (e.g. Basic Channel), así como a algunas composiciones
basadas en la textura, como alguna de las obras de Gyorgy Ligeti. A veces
el resultado fnal es similar, pero el procedimiento de acercamiento no lo
es. También se habla de techno minimal, un género secundario de la
música de techno, se caracteriza por un bajo desnudo, sonido
entrecortado, un compás ritimico de 4/4 simple (generalmente,
alrededor de 120-135 BPM), una repetición de bucles cortos, y cambios
sutiles.
Los productores más notables dentro de éste género son
Gaiser, Min & Mal, Droplex, Alfte, VID, Medu o Borodinm y los que
han sobresalido debido a sus grandes producciones son los Dj's más
jóvenes: Grobe & Delight
El minimal, en la actualidad, se caracteriza por usar la
tecnología para manipular el sonido y obtener texturas abstractas
479

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
creando música a partir de sonidos más que de melodías, armonía o
acordes aunque fragmentos muy pequeños de estos elementos pueden ser
encontrados en algunas canciones. Otra característica particular de este
género es que muchos productores han decidido romper con la clásica
estructura de 4/4 y utilizar otras rítmicas como 3/4 7/8 ó tresillos. La
base rítmica del Minimal comúnmente es producida a base de Glitch, lo
que hace sonarla como quebrada y repetitiva.
En la segunda mitad de 2008 el término minimal se volvió
contradictorio, pues sirve como denominador para los sonidos techhouse
del momento, muchos de los cuales debieran etiquetarse como
“máximal” en términos de contenido sonoro, en contraste con el
desnudo género electrónico minimalista.
Dentro del Minimal (Techno-Minimal) encontramos dos
estilos: Minimal-tech: Está comprendido entre unas velocidades que van
desde los 118 bpm a 124 bpm con sonidos muy underground y
atmosphericos. Minimal-progre: Es un estilo más futurista y con toques
musicales modernos, se aprecia notablemente la abundancia de Bass
(Bajos) y percusiones muy agudas. Suele ir entorno unos 128 bpm.
Este género se debe aprender a escuchar, debido a su falta
de melodías "contagiosas" y larga duración. Es por esto que tiene un
selecto número de seguidores, mientras que muchos DJ's, suelen utilizar
canciones de minimal para crear ambiente, no para otorgarle un papel
protagonista.
Califcado de género, estilo o movimiento, sin ser stricto
sensu ninguna de las tres cosas, el minimal se puede defnir como un
concepto musical minimalista y esencial, en el que caben composiciones
de músicos muy diversos, infuidos por la secuencialidad, serialidad y
repetición de Eric Satie (considerado un precursor surgido ochenta años
antes), entre los que se podría citar a: Arvo Pärt, Brian Eno, Philip Glass,
Ludovico Einaudi, Yann Tiersen, Michael Nyman, Mike Oldfeld o
Michael Hoppé, entre otros.
8.7. ELECTRONIC BODY MUSIC
Electronic body music, comúnmente abreviado como
EBM, es un género musical desarrollado tempranamente en la década de
los 80 caracterizado principalmente por secuencias repetitivas donde
predominan ritmos de baile en torno a 100 bpm así como también
distinguidos gritos con efectos. Proviene de la fusión de la música
industrial, electro minimal, electropunk y post-punk. Sus infuencias
iniciales van desde el industrial de base de Trobbing Gristle, Psychic
480

MÚSICA ELECTRÓNICA
TV (grupo creado a partir de integrantes de infuyentes bandas de la
escena), a la música de baile más agresiva (Portion Control, 400 Blows) y
la electrónica pionera (Kraftwerk, DAF).
Terminología
El término EBM (Electronic body music) fue acuñado por
la banda belga Front 242 en 1984 al describir la música de su EP No
Comment, lanzado en el mismo año. Algunos años antes, la banda
alemana Deutsch Amerikanische Freundschaft (DAF) utilizó el término
«Körpermusik» (body music) en una entrevista para describir su sonido
electrónico bailable del punk. Un término poco común que también se
ha utilizado para referirse al EBM es aggrepo, una contracción de
«aggressive pop» (estallido agresivo), usada principalmente en Alemania a
fnales de la década de los años 1980.
Características
El género se caracteriza por duros golpes electrónicos
bailables, voces claras sin distorsionar mezcladas con gritos o gruñidos
con efectos de reverberación y eco además de líneas repetitivas de
sintetizadores (loops). En ese tiempo los sintetizadores importantes eran
Korg MS-20, Emulator II, Oberheim Matrix o el Yamaha DX7. Los
ritmos típicos de EBM se basan en 4/4 golpes con algunas variaciones de
ritmo que sugieren una estructura similar al ritmo de rock.
Historia
La primera oleada
Algunos de los grupos más destacados de los primeros años
de la EBM fueron Front 242, Die Krupps, DAF, Nitzer Ebb, Borghesia,
Neon Judgement, Laibach, Klinik, Skinny Puppy, Front Line Assembly
(éstos dos últimos más vinculado con la música rock industrial en su
vertiente más "Arty" ) y varios artistas más.
Sin embargo la década de los 90, el Electronic Body Music
vivió un esplendor que duro hasta fnales de la misma. En esa época
surgieron muchas bandas como And One, Cybex Factor, Lost Image,
Signal Aout 42, DRP (banda), entre otras. Se extendió principalmente
en los clubs nocturnos de Europa y Estados Unidos, al poco tiempo
después se extendió por toda América, principalmente en México, Chile,
y Argentina.
481

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
En México la banda pionera Década 2 fundada desde 1985
fue un parte aguas para la difusión del género a nivel América de habla
hispana por el Maestro Mateo Lafontane.
La segunda oleada
Anhalt EBM
A partir de los primeros años de la década de los 2000, el
EBM tuvo nuevas señales de vida, esta vez de la mano de bandas
Europeas, principalmente de Alemania, y Suecia que autodenominan a
este fenómeno como «revival». Bandas europeas como Spetsnaz, Spark,
Container 90, Jäger 90, entre otras han marcado una nueva tendencia
dentro del llamado revival del EBM, sumado a las bandas clásicas que
siguen vigentes como D.A.F., Nitzer Ebb, Front 242 entre otros, siguen
extendiendo el género. Todo esto sin perder la esencia original musical y
cultural del género. Una referencia importante dentro de esta segunda
oleada es el sello discográfco Electric Tremor Dessau, quien además de
promover bandas exclusivamente del género EBM, organiza el llamado
Familientrefen que es un festival que reúne al talento Europeo de la
escena, además de ser un referente mundial del género. En Europa se
concentra el mayor número de fanáticos y bandas de este género. En
México se puede encontrar a: Década 2, Grosstracktor, Red Industrie,
Rebel Empire, Fuerza Rebelde, Pagan Struck entre otras. En Chile:
Dr.Body y Alt-G. Colombia: Struck 9 España: Technomader, ECM,
Larva, Electrophobia y más.
Electro Stompers
En esta nueva oleada o «revival» surgieron los llamados
Electro Stompers todos aquellos fans del género EBM, comúnmente
vestidos de chaquetas negras, pelo corto o rapado, botas y rudimentaria
militar. Su apariencia ha hecho pensar a más de una persona, que el
EBM hace apología al fascismo, pues esta vestimenta recuerda mucho al
movimiento skin head no obstante el EBM se ha mantenido al margen
con las ideologías extremistas, deslindándose totalmente de ellas.
Evolución
A partir de la mitad de los 90, la Electronic Body Music
empezó a vivir una evolución que dura hasta nuestros días. Comenzó a
482

MÚSICA ELECTRÓNICA
tomar prestados elementos melódicos del synthpop combinándolos con
la clásica contundencia y dureza rítmica de la EBM inicial. Ejemplo de
ello son grupos como VNV Nation o Dismantled, que poco a poco han
ido derivando a estructuras más propias del synth-pop o incluso otras
tendencias electrónicas (Trance) que al EBM propiamente dicho. Este
fenómeno ha provocado un debate entre los seguidores del género, sobre
la denominación más adecuada para cada tendencia: a pesar de que su
fuente inicial haya sido el EBM clásico de los 80 hoy en día su sonido
poco tiene que ver con aquellos grupos.
Por ello se acuñó la denominación EBM Old-School, para
diferenciar a los grupos clásicos (Front 242, Nitzer Ebb, Dive, etc.) de
los actuales. Y más recientemente surgió la denominación Futurepop,
para identifcar a toda esa nueva ola de grupos con un sonido ya
totalmente desligado de las reminiscencias industriales, más relacionado
con el synthpop y con elementos Trance y Techno. Se trata de grupos de
reciente creación (Neuroticfsh, 242.pilots, Icon of Coil) u otros que han
ido puliendo su sonido alejándolo progresivamente de la dureza inicial
(Apoptygma Berzerk, VNV Nation, Lights of Euphoria, etc.).
Pero entre esos dos extremos. Entre las bandas clásicas
(Old-School EBM) y las que se han aproximado ya mucho al synthpop
(Futurepop) hay un buen puñado de grupos que siguen manteniendo
felmente multitud de elementos ásperos y contundentes en su sonido,
grupos como Wumpscut, Stromkern, Funker Vogt, E-Craft, Bio-Tek,
Suicide Commando, And One, Razed in Black, Accessory, Dismantled,
etc.
La infuencia del EBM y el «cyber goth»
El Electro Body Music ha dejado huella musical, dentro de
la música subterránea o llamada underground, existen géneros musicales
de tintes electrónicos, que comúnmente son llamados EBM, no obstante
el Electro Body Music solo ha sido tomado como base musical, pero no
pueden ser considerados como EBM, ya que el esquema musical, la
composición, y la cultura a la cual pertenecen son totalmente distintos al
EBM de los años 80s y al Anhalt EBM. Los géneros comúnmente
confundidos como EBM son: synthpop, aggrotech, futurepop, dark
wave, y noise.
El EBM también es llamado «Old School» por la infuencia
que ha generado entre las bandas destacas de estos géneros infuenciados
por las bandas clásicas del EBM. No obstante estos géneros electrónicos
underground no son EBM en regla y hablando estrictamente.
483

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
8.8. FUTUREPOP
Futurepop es un género de música electrónica que emergió
a principios del siglo XXI, como un derivado del EBM que incorpora
infuencias del synth pop (como la estructura de las canciones y el estilo
vocal) y del uplifting trance/progressive trance (recargadas y arpegiadas
melodías de sintetizador), que oscila entre los 125 y 135 bpm (beats por
minuto). El término fue acuñado por Ronan Harris (de VNV Nation) y
Stephan Groth (de Apoptygma Berzerk) mientras intentaban describir el
estilo de música que sus bandas producían.
En años posteriores el concepto básico de futurepop se fue
expandiendo de varias maneras, con bandas como XP8, Covenant y
Rotersand impulsando el aspecto progressive trance del género, mientras
otras como XPQ-21 incorporaron infuencias de la música industrial y el
synth pop. Además, bandas que tradicionalmente interpretaban
aggrotech utilizaron melodías similares a las del futurepop en sus
canciones, como Suicide Commando y :SITD:. Este tipo de música
produce frecuentemente éxitos que se sitúan en numerosas listas
nacionales de música alternativa.
El futurepop es popular en las escenas cybergoth y
electrónica alternativa en general. Entre los festivales donde se presentan
bandas que interpretan futurepop se encuentran: Infest Festival. M'era
Luna Festival. Arvika Festival. Wave-Gotik-Trefen.
España
Algunos grupos de esta tendencia musical aún activos son,
por ejemplo, los malagueños Culture Kultür.
Otra banda es Re/Move, proyecto musical de las Islas
Canarias orientado a la música de directo, que combina infuencias de
futurepop con el rock electrónico y que en octubre de 2006 editó su
primer larga duración, denominado Uppercut, de la mano del sello
Italiano Decadance Records.
A principios de 2008 Re/Move hicieron pública su
separación, surgiendo de la escisión dos nuevos proyectos musicales. Por
un lado emergió And Finally, banda creada por el letrista y frontman de
Re/Move, Jesús Álvarez, que editó su primer trabajo llamado Heartbreak
Empire a fnales de noviembre de 2013. Otro grupo fue Line, proyecto
de Manuel Pérez, ex guitarrista de Re/Move, y en el que también
colaboró activamente, como bajista, Manuel Martínez (ex batería de
484

MÚSICA ELECTRÓNICA
Re/Move), formación que dejó de existir en 2011, sin que llegaran a
publicar su álbum de debut.
8.9. CHIPTUNES
Chiptunes o chip musics (a veces llamado 8-bit music) es
música escrita en formatos de sonido donde todos los sonidos son
sintetizados en tiempo real por el chip de sonido de una videoconsola.
La "era de oro" de los chiptunes fue desde mediados de los
1980 hasta principio de los 1990, cuando estos chips eran el único modo
de reproducir música en las computadoras. Este medio dio una gran
fexibilidad a los compositores para crear su propios sonidos de
"instrumentos", pero como los primeros chips de sonido solo tenían
generadores de tonos simples y ruido, también impuso importantes
limitaciones ante la complejidad del sonido. Los chiptunes suelen parecer
así "ásperos" o "chillones" al oyente corriente. Estos chiptunes están muy
relacionados con la música de los videojuegos, compartiendo con estos
cultura y origen.
Estrictamente hablando, el chiptune se caracteriza por
utilizar el chip de sonido incluido en las computadoras de 8 bits o bien
samples menores a 4 kilobytes que son reproducidos en bucle (loop) en
algún secuenciador (tracker) y utilizando envolventes de amplitud para
darles forma a estos.
El término también se utiliza hoy en día para referirse a un
género musical que utiliza el sonido distintivo de estos instrumentos
sintetizados, más por su valor artístico que por limitaciones de hardware.
Computadoras utilizadas
Una herramienta típica para la composición de este tipo de
música es el computador llamado Commodore 64, que incluye su SID
(Sound Interface Device o Dispositivo de interfaz de sonido) el cual es
un chip que permite un sonido tan fexible y expresivo como un
sintetizador avanzado. Otras computadoras muy utilizados para la
creación de este tipo de sonido fueron el MSX, AtariST, NES (Nintendo
Enteintarment System o Famicom /Family Game), y el Sinclair ZX
Spectrum
Chiptune en la actualidad
A través de los años el género musical referido como
485

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
chiptune se ha mantenido vivo en la llamada demoscene o "demoparties"
donde se realizan "compos" (competiciones dedicadas a la elaboración de
gráfcos animados y chiptunes) desafando la supuesta obsolescencia de
dichos equipos. Se han lanzado nuevos trackers disponibles para
producir sonidos chip o chiptune. Por ejemplo en 1999 la creación por
parte de Oliver Wittchow de Nanoloop, un programa minimalista de
composición y síntesis en un cartucho para la Gameboy de Nintendo,
Little Sound DJ LSDJ (del programador independiente Johan
Kotlinsky) posee una interfaz diseñada para la composición rápida de
chiptunes y ejecución en vivo. Junto con esta renovación del chiptune
como género han aparecido nuevos artistas realizando música compuesta
enteramente en Gameboy, así como presentaciones en vivo, vídeos y un
nuevo giro de la estética 8-bit.
Documentales
La escena chiptune fue objeto de un documental llamado
Reformat the Planet de 2 Player Productions. Este documental estuvo en
el 2008 South by Southwest. En 2013 se realizó el documental más
ambicioso hasta la fecha de Chiptunes Europe in 8bits de Turanga
Films, donde se repasaba la escena europea y que estuvo presente en el
Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam y El Festival
Internacional de Cine de Miami entre otros.
8.10. DRAG
El Witch house (tambien conocido como Drag o Haunted
house) es un microgénero de musica electronica con temática y estética
visual oscura y ocultista que surgió a fnales del 2000 y principios de
2010. La música está fuertemente infuenciada por paisajes sonoros de
hip-hop chopped and screwed , experimentación industrial y de noise,
además de presentar uso de sintetizadores, cajas de ritmos, samples
oscuros, repetición de zumbidos y voces fuertemente alteradas, etéreas e
indiscernibles
La estética visual del witch house incluye ocultismo,
brujería, chamanismo, obras de arte inspiradas por el horror, y el terror,
collages y fotografías, así como el uso signifcativo de mensajes ocultos y
elementos tipográfcos como símbolos Unicode.. Muchos trabajos
hechos por artistas visuales de witch house incorporan temas, de
películas de terror como El proyecto de la bruja de Blair,, la serie de
televisión Twin Peaks, vídeos de la dark web inspirados en el horror y
486

MÚSICA ELECTRÓNICA
celebridades de la cultura pop mainstream. Los elementos tipográfcos
comunes en los nombres de artista y canción incluyen triángulos, cruces
y símbolos Unicode, que son vistos por algunos como un método para
mantener la escena underground y más difícil de buscar en Internet, así
como referencias a la serie de televisión Twin Peaks y Charmed.
Infuencias y estilo
El witch house aplica las técnicas arraigadas en el hip-hop
chopped and screwed—ritmos drásticamente disminuidos con saltos,
beats con tiempos de parada— de artistas tales como Dj Screw acoplado
con elementos de otros géneros tales como ethereal wave, noise, drone, y
shoegaze.También es infuenciado por las bandas inspiradas en el postpunk
de los años 80 incluyendo Cocteau Twins, Te Cure, Christian
Death, Dead Can Dance y Te Opposition. así como ser fuertemente
infuenciados por ciertas bandas experimentales y de Industrial, Psychic
TV y Coil. El uso de caja de ritmos hip-hop, atmosfera noise, samples
siniestros , melodías principales de synthpop oscuro, reverb denso y
voces con bajos, distorsionados y fuertemente alterados; son las
principales características del sonido del género.
Muchos artistas del género han lanzado remixes en
Backmasking y con ritmo disminuido de canciones pop y hip-hop, o
mezclas largas de canciones diferentes que se han ralentizado
signifcativamente.
Orígenes y etimología
El término witch house fue insertado en el 2009 por Travis
Egedy, quien se desempeña bajo el nombre de Pictureplane. El nombre
fue originalmente concebido como una broma, como Egedy explica: "Yo
y mi amigo Shams ..... bromeábamos sobre el tipo de música house que
hacíamos, [llamándolo] witch house porque es como, música house de
temática ocultista... Hice esta cosa de lo mejor del año con Pitchfork
sobre el witch house ... Yo estaba diciendo que éramos bandas de witch
house, y que el 2010 iba a ser el año del witch house .... Despegó de
allí ... Pero, en ese momento, cuando dije witch house, ni siquiera existía
realmente ...". Poco después de ser mencionado a Pitchfork, los blogs y
la prensa de música mainstream comenzaron a utilizar el término.
Flavorwire dijo que a pesar de la insistencia de Egedy, "el género existe
ahora, para bien o para mal".
Algunos periodistas musicales, junto con algunos miembros
487

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
de bandas musicales identifcados como pertenecientes al movimiento
actual del género, consideran al witch house como una falsa etiqueta para
un microgénero, construido por ciertas publicaciones en la prensa
musical (Incluyendo Te Guardian, Pitchfork y varios blogs de música ).
El género también se conectó brevemente con el término "rape gaze",
cuyo uso serio fue públicamente denunciado por sus creadores, que
nunca esperaban que se utilizara como un género real, pero lo
consideraron simplemente una broma para burlarse de la tendencia de la
prensa musical hacia la creación de micro-géneros.
8.11. UK GARAGE
UK garage (también conocido como UKG o simplemente
garage) es una denominación genérica que engloba varios subgéneros que
surgieron a partir del house clásico y del jungle en Gran Bretaña a fnales
de los años 1990. Hoy en día esta categoría musical engloba básicamente
cuatro subgéneros: 2 step, grime, dubstep y bassline.
Historia
En Inglaterra, donde el jungle y el primer drum and bass
eran muy populares en la escena de música electrónica de baile hacia
mediados de los años 1990, el garage house estadounidense era la música
que solía programarse en la segunda sala de los clubs. A medida que fue
pasando el tiempo, los DJs locales comenzaron a adaptar ese sonido para
la audiencia jungle, acelerando los temas. Es así como surge el género
llamado speed garage, predecesor del UK Garage. Los DJs solían poner
las versiones dub, sin vocales, de los temas de house. La ausencia de voz
permitía la presencia de MCs rimando, una de las características del
estilo desde entonces. Entre los primeros promotores de speed garage
están Dream Team y Tuf Jam. El sonido comenzó a propagarse gracias
a las radios piratas inglesas. Alguno de los primeros ejemplos de speed
garage incluirían "So More (I Refuse)" de Industry Standard, "Love
Bug" de Ramsey y Fen, 'RIP Groove' de Double-99 y el remix de
Armand van Helden's del tema de Tori Amos "Professional Widow". El
speed garage se caracterizaba por sus patrones rítmicos de house
acelerados, combinados con cajas repetitivas y gruesas líneas de bajo
típicas del drum and bass. Realmente el género tomaba multitud de
elementos de la escena junglista de la época, como las vocales ragga, los
graves, los efectos en las mezclas o el desarrollo del ritmo.
488

MÚSICA ELECTRÓNICA
A medida que fue pasando el tiempo, el estilo pasó a ir
incorporando elementos del funk y del R&B contemporáneo, como las
vocales negras. Progresivamente va cambiando el ritmo, se acentúa la
sincopación y se produce el cambio fundamental que diferencia el primer
speed garage del llamado 2 step garage: se elimina en el patrón rítmico el
segundo y cuarto golpe de bombo de cada compás. Aunque la sensación
de este nuevo tipo de temas es de mayor lentitud frente al tradicional 4x4
o four-on-the-foor, se mantiene la tensión gracias a la introducción de
líneas de bajo sincopadas y el uso rítmico de otros instrumentos, como
las cuerdas o los pads de sintetizador. Algunos de los precursores de este
cambio son los productores Todd Edwards o MJ Cole. Este último
publicó hits como "Sincere" o "Crazy Love" que defnieron el estilo.
Otro productor signifcativo de 2 step sería Artful Dodger, cuyo tema
"Re-rewind" consiguió un gran éxito de ventas.
Declive del 2 step y nuevas direcciones
A partir de 2002, el estilo tomó dos direcciones: por un lado, el 2 step
comenzó a perder su sonido funky y soul para tornarse cada vez más
oscuro, en un estilo llamado grime. Por otro lado, el sonido UK Garage
pasó a tomar una consideración negativa y a asociarse a gángsters y
violencia, gracias a grupos como So Solid Crew.
El primer grime está muy asociado al dubstep (tanto que a
veces se confunden) y su origen es común. Uno de los pioneros del
sonido dubstep es El-B. Originalmente el dubstep era una forma oscura
de 2 step, en la que el bajo ganaba protagonismo gracias a la infuencia
del dub jamaicano.
8.12. ELECTRO
Electro (abreviatura tanto de electro funk como de electro
boogie o electro disco)12 es un género temprano de música electrónica
de baile directamente infuido por el uso de cajas de ritmos TR-808, la
interpretación con sintetizadores Moog y el sampling de canciones funk.
Un disco típico de este género incluye como norma general ritmos
programados mediante caja de ritmos y potentes sonidos electrónicos
desprovistos normalmente de vocales, aunque en ocasiones cuente con
ellas, si bien normalmente distorsionadas mediante vocoder. Estas
características son las que diferencian al electro de otros géneros
dominantes a fnales de los años 1970 como el disco y el boogie, en los
cuales los sonidos electrónicos eran solo parte de la instrumentación y no
489

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
la base de toda la canción como en el electro. El electro sirvió también de
base para el surgimiento de la música electrónica de baile (especialmente
en el house y sus formas derivadas) y para géneros modernos de hip hop.
Defnición y características
Electro es un tipo de música electrónica que surgió al inicio
de los años 1980 en Estados Unidos. El término se originó
históricamente como una abreviatura de "electro funk", y se utilizaba
para referirse a un tipo de funk desarrollado completamente mediante
instrumentos electrónicos que se desarrolló en buena medida al calor de
la incipiente escena hip hop gracias a productores como Arthur Baker,
quien hizo posible el mítico "Planet Rock" de 1982 para Afrika
Bambaataa, trabajos varios para Planet Patrol, Naked Eyes y hasta New
Order. En "Planet Rock", como en muchos himnos electro que
siguieron, se advierte la infuencia directa del patrón percusivo del single
"Numbers" perteneciente al álbum "Computer World" (1981) de la
banda electrónica germana Kraftwerk.
Desde sus orígenes, se viene reconociendo el sonido electro
por el uso de cajas de ritmos como base rítmica de sus composiciones.
No obstante, a medida que el estilo ha ido evolucionando, y con la
llegada de la utilización de software en lugar de hardware en la
producción de buena parte de la música electrónica, la utilización de la
caja de ritmos se hizo cada vez menos generalizada.
Los patrones rítmicos del electro suelen ser emulaciones
electrónicas de breakbeats, utilizando normalmente un golpe de bombo
sincopado, y siendo habitual la presencia de un golpe de caja o palmada
(clap) acentuando el downbeat. La diferencia entre los patrones de
batería del electro y los breaks es que el electro tiende a sonar más
mecánico, mientras que un break al uso suele tener una sonoridad
orgánica y suelta, como si fuera tocado por un batería en directo.
La defnición del electro, en todo caso, es de algún modo
ambigua, como consecuencia de los diferentes usos que se ha dado al
propio término.
El staccato o los patrones rítmicos percusivos suelen
dominar el sonido electro. Los beats suelen ser compuestos a través de la
caja de ritmos de programación en "secuencia de pasos" Roland TR-808
o un emulador de sofwtare de la misma. Otra instrumentación típica del
electro también está basada en la composición electrónica, especialmente
a través de la utilización de sintetizadores analógicos, líneas de bajo
secuenciadas, y efectos de sonido atonales creados mediante sintetizador.
490

MÚSICA ELECTRÓNICA
Es frecuente el uso intensivo de efectos como el reverb, delay, chorus
efect o phaser, así como melodías compuestas mediante cuerdas
sintetizadas o sonidos de pad que enfatizan una temática de ciencia
fcción y una sonoridad futurística. “Light Years Away”, compuesto por
Warp 9 en 1982, es "un relato sci-f sobre visitas alienígenas" escrito y
producido por Lotti Golden y Richard Scher, ejemplifcando este tipo de
electro.
La mayor parte del electro es instrumental, pero es habitual
la presencia de vocales procesadas mediante un vocoder. Adicionalmente,
la síntesis de habla puede utilizarse para crear contenido lírico robótico o
mecánico. Algunos ejemplos de electro primitivo muestran, también,
rapping, pero este tipo de estilo lírico dejó de ser popular a partir de los
años 1990.
Historia
Tras la decadencia de la música disco a fnales de los años
70, diferentes músicos de funk como Zapp & Roger comenzaron a
experimentar con talk boxes y a utilizar beats más pesados y sonoramente
electrónicos.
En 1982, el Padrino del Hip Hop Afrika Bambaataa,
oriundo del Bronx, junto a los productores Arthur Baker y John Robie
publicaron el seminal "Planet Rock", que contenía elementos del Trans
Europa Express de Kraftwerk y de "Numbers" del álbum Computer
World, también del grupo alemán. "Planet Rock" está considerado de
modo generalizado como el punto de infexión del electro como género.
El mismo año vio a Bruce Haack y a un pre-Def Jam Russell Simmons
colaborando en el disco "Party Machine", aunque nunca fuera publicado
ofcialmente.
En 1983, Hashim creó el infuyente tema de electro funk
"Al-Naafysh (Te Soul)", que se convertiría en el primer disco de
Cutting Record en noviembre de 1983. Al mismo tiempo, Hashim había
recibido la infuencia de Man Parrish a través de su tema "Hip Hop, Be
Bop", de Tomas Dolby y su "She Blinded Me With Science" y del
"Planet Rock" de Afrika Bambaataa. También en 1983, Herbie
Hancock, en colaboración con Grand Mixer D.ST, publicó el sencillo de
éxito "Rockit".
Bambataa y grupos como Planet Patrol, Jonzun Crew
(desde Boston), Mantronix, Newcleus y el grupo Cybotron, formado por
el precursor del techno Detroit Juan Atkins, tendrían una infuencia
decisiva sobre géneros como Detroit techno, ghettotech, breakbeat,
491

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
drum and bass y electroclash. Algunos de los primeros productores de
electro (especialmente Arthur Baker, John Robie y Shep Pettibone)
tuvieron un importante ascendente sobre el movimiento latin freestyle (o
simplemente "freestyle"). Hacia fnales de los años 80, el género había
perdido su inicial infuencia funk. Baker y Pettibone mantuvieron una
carrera signifcativa en la era del house, y ambos evitaron la "trampa del
género" que afectó a muchos otros contemporáneos.
Electro contemporáneo
Aunque los primeros años 80 fueron el momento de apogeo
del electro a nivel mainstream, tuvo una popularidad renovada hacia
fnales de los años 1990 gracias a artistas como Anthony Rother y DJs
como Dave Clarke. La escena todavía mantiene el apoyo de cientos de
sellos de electro así como de diferentes clubs en todo el mundo.
Electro Blackened
Es un estilo que fusiona la evolución entre el metal extremo
y deathstep de forma instrumental y en algunos casos vocales. En este
género sus principales características son la mezcla de voces guturales con
voces atmosféricas y ambientales. También se pueden notar sonidos del
trip-hop que se fusionan con guitarras distorsionadas y rifs propios del
black metal, al cual se le añaden elementos de la música industrial o
experimental, tales como efectos electrónicos, tempos característico de la
música electrónica y samples. Sus letras tratan principalmente sobre
temas de la muerte, la depresión, el suicidio, la tragedia y la melancolía
relacionándolo con el amor, la felicidad y la alegría de una forma
ocultista y gótica. En otros casos se le añadirían además como bases
rítmicas al género, estilos mucho más ambientales como el downtempo,
el glitch, el breakbeats y el noise music. El género además usualmente se
encuentra fundamentado en una combinación de estética y líricas, con
rifs, blast beats y wobbles bass más propios del dubstep. El Electro
Blackened comenzaría a desarrollarse gracias a bandas y grupos como
Samael, Ulver, Múm, Dissection, Impaled Nazarene y Burzum con su
obra maestra “Filosofem LP” pero no sería hasta la segunda década del
año 2000, con productores como Skream Noise, Moth, Code
Pandorum, 1.8.7. deathstep, Lord Swan3x y JPhelpz que evolucionaría
el género de un black doom o death metal a un deathstep donde se
mezclaría el original metal extremo con bases rítmicas o efectos simples
pero muy rotundos y directos del black metal con líneas de bajos muy
492

MÚSICA ELECTRÓNICA
marcados, sonidos duros y acelerados wobbles del dubstep, al cual se le
añadían letras puras del death metal. Y si bien el deathstep es un
subgénero de la música electrónica, pero hoy en la actualidad se
transformó en sí mismo en un género que hoy en día incluye numerosos
subgéneros. Muchos de ellos solo se diferencian en el tema de las letras
de las canciones, mientras que otros, en cambio, en la estructura musical
o la instrumentación. Hay veces resulta difícil clasifcar una banda o
productor musical dentro de un subgénero y suele ser catalogada en
varios. Por eso la categorización del deathstep por subgéneros es
rechazada por muchos y expandida demasiada por otros. Pero no sería
acuñado el nombre “Electro Blackened” hasta diciembre del 2015
cuando el DJ/Productor colombiano Skream Noise lanzaría ofcialmente
el nombre y lograría obtener los derechos de autor gracias a Play Time
Records, como un estilo musical propio del artista. En una entrevista
Skream Noise describiría el Electro Blackened como “un movimiento
revolucionario ya sea dentro del black metal industrial o dentro del
deathstep, donde generalmente se realiza una mezcla entre lo más
ambiental del downtempo y lo más demoníaco del black metal, el
Electro Blackened posee fuertes y atmosféricos efectos de sonido que
surgieron del black metal industrial así como distorsionados rellenos de
baterías sinérgicas y baterías con patrones overdistorted con tempos
bastantes variados y sonidos experimentales donde sus melodías se
aumentan de formas considerables, además en sentimiento es una mezcla
entre lo romántico y melancólico del electro y lo frío y ruidoso del black
metal.” Por otro lado en producciones como “Lifdden” de Skream Noise
se podría notar un característico sonido de un progressive house gótico
que representa el abandono de la contundencia y crudeza básica del black
metal, para evolucionar a la escasa melodía del género hacia un sonido
ambiental determinado y con ello, desarrollar una atmósfera que, pese a
alejarse de las bases del black metal, mantiene una correlación propia en
las escalas empleadas en su composición para mantener la idea y el
sentimiento del género. El álbum debut de Skream Noise, “Amour
Cosmique” es considerado también como el primer trabajo de larga
duración del género Electro Blackened. Artistas destacados del Electro
Blackened: Skream Noise, Lord Deathwish y Jocelyn M.
8.13. INDIETRÓNICA
La indietrónica, también conocida como indie electronic, es
un género musical que combina la música indie y la electrónica.
Se cree que el género nació a fnales de la década de 1990,
493

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
prueba de ello son el álbum Shrink (1998) del grupo Te Notwist y la
recopilación Indietronica Vol. 1, editada por Sónar Music en 2002, que
popularizó el término.
Historia
Los primeros precedentes importantes incluyen "la BBC
Radiophonic Workshop", y géneros como el Krautrock, el synth pop y la
música dance producida con sintetizadores, samplers, cajas de ritmos, y
los softwares musicales. Así como en el rock psicodélico se intentó
replicar de manera musical los efectos creados en la mente y provocados
por los alucinógenos. Incorporando nuevos efectos electrónicos y
grabando lo que incluía efectos elaborados en el estudio, tales como
cintas al revés, la eliminación gradual, largos bucles de retardo y
reverberación extrema. Otra característica es la fuerte presencia del
teclado, en especial los órganos, clavecines, o el Mellotron (una cinta
impulsada por principios 'sampler'); y los instrumentos electrónicos
primitivos como sintetizadores y theremin.
A fnales de los años sesenta aparecieron grupos de rock
psicodélico pioneros que incorporaron sonidos electrónicos como una
propuesta central de su música, es el caso de Te Silver Apples, Fifty
Foot Hose y Te United States of America. Algunas bandas se alejaron
de sus raíces psicodélicas e hicieron cada vez más hincapié en la
experimentación electrónica, un ejemplo es la escena musical alemana
con bandas como Kraftwerk, Tangerine Dream, Can y Faust quienes
desarrollaron una marca distintiva de rock electrónico, conocido como
kosmische musik, o en la prensa británica como "Krautrock". La
adopción de los sintetizadores electrónicos iniciada por Popol Vuh en
1970, junto con la obra de fguras como Brian Eno (por un tiempo
teclista de Roxy Music), sería una gran infuencia del subsecuente synth
rock. En Japón, el disco de rock psicodélico de Osamu Kitajima llamado
Benzaiten que se lanzó en 1974, utiliza equipos electrónicos tales como
un sintetizador y una beat machine, uno de los colaboradores de la disco
fue Haruomi Hosono, que más tarde en 1977 inició el grupo de música
electrónica Yellow Magic Orchestra.
La Indietrónica como subgénero surgió a principios de
1990, con bandas como Stereolab y Disco Inferno, y fue creciendo y
ganando popularidad en el nuevo milenio junto con la nueva tecnología
digital desarrollada, y herramientas de creación musical que se hicieron
ampliamente disponibles. La música de Stereolab combina un sonido de
rock experimental, krautrock y sonidos propios del lounge, superpuestos
494

MÚSICA ELECTRÓNICA
con voces femeninas y melodías pop. Sus registros están muy
infuenciados por la técnica motorik de 1970 utilizada por los grupos
krautrock tales como Neu y Faust. Tim Gane ha apoyado la
comparación: "Neu hizo música minimalista y experimental, pero de una
manera muy pop". Más tarde bandas y agrupaciones como Justice de
Francia, Lali Puna de Alemania, y Te Postal Service y Ratatat de los
EE.UU. mezclaron una variedad de sonidos indie con la música
electrónica. Estos se produjeron en gran medida por los pequeños sellos
independientes. En el caso de Te Difusion que están muy
infuenciados por la década de 1960 o el grupo psicodélico
estadounidense Te United States of America, con muchos de los
mismos efectos electrónicos.
Posteriormente para la década de los 2000 y más
recientemente a partir de 2010 han aparecido muchas bandas que
aunque no se etiquetan así mismos como grupos de indietrónica están
infuenciados por el género y se mueven entre la delgada frontera del sub
genero y otros tales como el dance punk, el synth pop, el electroclash,
new wave revival o la neo-psicodelia. Es así como grupos tan distintos
pero con ciertas similitudes como LCD Soundsystem, MGMT, Empire
of Te Sun, Crystal Castles, Foster Te People entre muchos otros han
dado un nuevo aire a la indietrónica a pesar de que se manejan de forma
mucho más mainstream. Entre tanto grupos como Shit Disco, Late of
Te Pier, New Young Pony Club o inclusive los mismos Clap Your
Hands Say Yeah! o !!!(chk chik chick) lo han hecho dentro de una escena
más underground.
8.14. INDUSTRIAL
Música industrial es un género de
música electrónica/experimental que hace uso de temas transgresivos y
suele estar asociada con angustia e ira contraculturales. Aunque
ideológicamente asociada al punk, la música industrial es generalmente
más compleja y diversa, tanto a nivel sonoro como lírico. El término fue
acuñado hacia mediados de los años 1970 a raíz de la fundación de
Industrial Records por la banda de Yorkshire (Inglaterra) Trobbing
Gristle y con la creación del eslogan irónico "industrial music for
industrial people" (en castellano, "música industrial para gente
industrial").
Los primeros artistas industriales experimentaron con
ruidos y temas estéticamente comprometidos, tanto musical como
visualmente, como el fascismo, los asesinatos en serie y el ocultismo. Su
495

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
producción no se limitó a la música, sino que incluyó también arte
correo, performance, instalaciones artísticas y otras formas artísticas.
Entre los músicos más destacados de la música industrial están
Trobbing Gristle, SPK, Boyd Rice, Cabaret Voltaire y Z'EV. Los
precursores que infuyeron sobre el desarrollo del género fueron
proyectos como el grupo de música electrónica Kraftwerk, bandas de
rock experimental como Te Velvet Underground y Frank Zappa,
artistas de rock psicodélico como Jimi Hendrix, compositores como
John Cage, escritores como William S. Burroughs y flósofos como
Friedrich Nietzsche.
Aunque el término fue inicialmente utilizado solo por un
pequeño círculo de individuos asociados con Industrial Records en los
70, se amplió para incluir a artistas infuidos por el movimiento original
o que adoptaban la estética "industrial". Estos artistas expandieron el
género al empujarlo en direcciones más ruidosas y electrónicas. Con el
tiempo, su infuencia se extendió, pasando la música industrial a
fusionarse con otros estilos como la música folk, el ambient y el rock,
fusiones que se catalogan como música post industrial. Entre los géneros
híbridos más populares se encuentran el rock industrial y el metal
industrial, con grupos como Nine Inch Nails y Ministry, que llegaron a
lograr discos de platino en los años 1990. El electro-industrial es un
desarrollo más moderno. Estos tres géneros suelen ser conocidos
simplemente como industrial.
Historia-Precursores
La música industrial bebe de numerosos predecesores.
Alexei Monroe afrma que Kraftwerk fueron particularmente
signifcativos en el desarrollo de la música industrial, como el "primer
artista de éxito que incorporó representaciones de sonidos industriales
dentro de la música electrónica no académica". La música industrial era
creada originalmente utilizando maquinaria mecánica y eléctrica, y
posteriormente sintetizadores, samplers y percusión electrónica. Monroe
también considera a Suicide como una infuencia contemporánea
decisiva. Entres los grupos que los propios fundadores de la música
industrial han citado como inspiración se encuentran Te Velvet
Underground, Joy Division y Martin Denny.
Chris Carter también disfrutó y encontró inspiración en
Pink Floyd y Tangerine Dream. Boyd Rice fue infuenciado por la
música de Lesley Gore y Abba. Z'EV cita a Christopher Tree
(Spontaneous Sound), John Coltrane, Miles Davis, Tim Buckley, Jimi
496

MÚSICA ELECTRÓNICA
Hendrix y Captain Beefheart, entre otros junto a la música tibetana,
balinesa, javanesa, india y africana. Cabaret Voltaire cita a Roxy Music
como su referente, así como el Trans-Europe Express de Kraftwerk.
Nurse with Wound cita una larga lista de oscura inspiración libre así
como a Kraftwerk como escuchas recomendadas.
Muchos de los primeros músicos industriales preferían citar
artistas o pensadores, antes que músicos, como su inspiración. Simon
Reynolds afrma que "ser un fan de Trobbing Gristle era como
enrolarse en un curso universitario de extremismo cultural". John Cage
fue una inspiración inicial para Trobbing Gristle. SPK apreciaba a Jean
Dubufet, Marcel Duchamp, Jean Baudrillard, Michel Foucault, Walter
Benjamin, Marshall McLuhan, Friedrich Nietzsche y Gilles Deleuze.
Cabaret Voltaire tomaron referencias conceptuales de Burroughs, J. G.
Ballard y Tristan Tzara. Whitehouse y Nurse with Wound dedicaron
algunas de sus obras al marqués de Sade.
Otra infuencia de la estética industrial fue Metal Machine
Music de Lou Reed. Pitchfork Music cita este álbum como "inspirador
de, en parte, buena parte de la escena musical contemporánea avantgarde,
y del noise en particular." El álbum consiste totalmente en
feedback de guitarra, anticipando el uso de la música industrial de
sonidos no musicales.
Industrial Records
Industrial Music for Industrial People fue originalmente
acuñado por Monte Cazazza como logo para el sello discográfco
Industrial Records, fundado por los provocadores artísticos Trobbing
Gristle. La primera ola de esta música apareció con Trobbing Gristle,
de Londres, Cabaret Voltaire, de Shefeld y Boyd Rice (grabando bajo el
nombre NON), de Estados Unidos. Trobbing Gristle tocaron en
directo por primera vez en 1976, y comenzaron como un proyecto
paralelo de COUM Transmissions. COUM era inicialmente un grupo
de rock de vanguardia, pero comenzaron a describir su trabajo como
performance para poder optar a subvenciones de la Agencia Pública
Británica de las Artes (Arts Council of Great Britain). COUM estaba
compuesto por Genesis P-Orridge y Cosey Fanni Tutti. Desde 1972
COUM realizó diversas performances inspiradas por Fluxus y el
accionismo vienés. Estas incluían varios actos sexuales y físicos de
sometimiento.
El grupo fue rebautizado como Trobbing Gristle en
septiembre de 1975, viniendo el nombre del argot para erección. La
497

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
primera aparición pública del grupo, en octubre de 1976, tuvo lugar en
una muestra titulada Prostitution presentada en el Instituto de Arte
Contemporéneo de Londres, que incluía fotos pornográfcas de Tutti así
como tampones usados y chocantes actos en directo como corte de piel
del ombligo a la vagina de parte de Tutti en su propio cuerpo, etc. Hubo
reacciones en contra de políticos conservadores. El grupo terminó en
1981.
Expansión de la escena
Las bandas Clock DVA, Nocturnal Emissions, Whitehouse,
Nurse with Wound y SPK aparecieron a continuación. Whitehouse
pretendía tocar "la música más brutal y extrema de todos los tiempos",
[cita requerida] un estilo que más adelante se conocería como power
electronics. Un colaborador de los primeros tiempos de Whitehouse,
Steve Stapleton, formó Nurse with Wound, que experimentaba con
escultura de ruido y collage sonoro. Skidoo, como Clock DVA,
fusionaban la música industrial con música de baile afro-americana, pero
también llevaban a cabo una respuesta a la world music. Clock DVA
describían su objetivo como un desarrollo del automatismo surrealista.
Cuando tocaron en el primer festival WOMAD, el grupo relacionaba su
proyecto con el gamelan indonesio. En 1984 el dadaísta catalán Jordi
Valls, bajo el nombre de Vagina Dentata Organ, realiza Te Last Supper
of Reverend Jim Jones, que era una composición de feedback con la
grabación del audio del momento en que el líder del Templo del Pueblo
(Jim Jones) obliga a 900 personas a tomar cianuro en Guyana. El grupo
sueco Leather Nun frmaron por Industrial Records en 1978, siendo el
primer grupo extranjero en tener un disco publicado en IR. Sus sencillos
recibirían bastante cobertura en la radio universitaria de Estados Unidos.
Al otro lado del Atlántico estaban teniendo lugar
experiencias similares. En San Francisco, el artista de performance
Monte Cazazza comenzó a grabar noise. Boyd Rice publicó varios
álbumes de noise, con drones de guitarra y loops de cinta que creaban
una cacofonía de sonidos repetitivos. En Italia, el trabajo de Maurizio
Bianchi a comienzos de los años 1980 también compartían esta estética.
En Alemania, Einstürzende Neubauten mezclaban percusión de metal,
guitarras e instrumentos no convencionales (como el martillo mecánico y
los huesos) en performances en las que muchas veces provocaban daños
en el local donde tenían lugar. Blixa Bargeld, inspirado por Antonin
Artaud y su entusiasmo por las anfetaminas, originó un movimiento
artístico llamado Die Genialen Dilettanten. Bargeld es particularmente
498

MÚSICA ELECTRÓNICA
conocido por sus siseos estremecedores. En enero de 1984, Einstürzende
Neubauten llevaron a cabo un Concierto para Voz y Máquinas en el
Institute of Contemporary Arts (el mismo donde la exhibición de
COUM, Prostitution, tuvo lugar), taladrando el suelo y dando lugar
posteriormente a disturbios. Este evento llegó a las primeras páginas de
los periódicos en Inglaterra. Otros grupos que practicaban una forma de
"música metal" industrial (esto es, producida con sonidos de metal
contra metal) son Test Dept, Laibach y Die Krupps, así como Z'EV y
SPK.
Siguiendo la ruptura de Trobbing Gristle, Genesis P-
Orridge y Peter Christopherson fundaron Psychic TV y frmaron por un
sello discográfco importante. Su primer álbum era mucho más accesible
y melódico de lo habitual en la música industrial, e incluía el trabajo de
músicos profesionales contratados. Su trabajo posterior volvió al collage
sonoro y a los elementos ruidosos de la primera música industrial.
También tomaban elementos del funk y de la música disco. P-Orridge
también fundó Tee Temple ov Psychick Youth, una organización cuasi
religiosa que producía vídeo arte. Las aspiraciones comerciales de Psychic
TV's fueron gestionadas por Stevo de Some Bizzare Records, que
publicó muchos de los últimos trabajos de músicos industriales como
Eistürzende Neubauten, Test Dept, y Cabaret Voltaire. Cabaret Voltaire
se habían hecho amigos de New Order y comenzaron a practicar una
forma de electropop bailable similar. Peter Christopherson dejó Psychic
TV en 1983 y formó Coil con John Balance. Coil hacía uso de gongs en
intento de conjurar energías "marcianas y homosexuales". David Tibet,
un amigo de Coil, formó Current 93; ambos grupos estaban inspirados
por las anfetaminas y el LSD. J. G. Tirlwell, coproductor de Coil,
desarrolló una versión de black comedy en la música industrial, tomando
elementos de la música lounge así como del noise. En los primeros años
1980, el sello de Chicago Wax Trax! y el canadiense Nettwerk ayudaron
a expandir la música industrial a través de los géneros más accesibles del
electro-industrial y el industrial rock.
Características
El nacimiento de la música industrial fue la respuesta a "una
era en la cual el acceso y control de la información se estaban
convirtiendo en herramientas primarias de poder". En su nacimiento, el
género de la música industrial era diferente de cualquier otra música, y
su uso de la tecnología y de letras y temas perturbadores con el fn de
derribar ideas preconcebidas acerca de las reglas de las formas musicales
499

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
apoyan la idea de que la música industrial es un tipo de música
modernista. Los mismos artistas hicieron estos objetivos explícitos,
incluso trazando conexiones con los cambios sociales que deseaban. La
página de Industrial Records explica que los músicos querían reinventar
el rock, y que sus discos sin censura trataban sobre su propia relación con
el mundo que les rodeaba.
La primera música industrial solía incluir edición de cinta,
percusiones descarnadas y crudas así como loops distorsionados hasta el
punto de que habían quedado degradados a ruidos ásperos y duros. Así
es la música de Cabaret Voltaire. Chris Carter de Trobbing Gristle
inventó un dispositivo llamado "Gristle-izer", tocado por Peter
Christopherson, que se componía de un teclado de una octava y un
número de máquinas de casete que disparaban varios sonidos
pregrabados. Los instrumentos tradicionales eran tocados de forma no
tradicional o de modo muy modifcado. Además de la guitarra, batería o
bajo, estos músicos también incorporaban nuevos instrumentos
fabricados por ellos mismos, así como diferentes módulos de sintetizador
y unidades de efectos para producir sonidos electrónicos. Además,
grupos como Trobbing Gristle también tocaban a un volumen muy alto
y ejecutaban sonidos en frecuencias sub-bajas y ultra-altas con el objeto
de producir efectos físicos, llamando a este enfoque "música metabólica".
Las vocales eran esporádicas, y podían ser tan parecidas al
bubblegum pop como eran polémicas. En algunos casos, las vocales eran
tratadas electrónicamente, como en el Stephen Mallinder de Cabaret
Voltaire. La temática de los temas solía centrarse en cuestiones
transgresivas.
Post-industrial
A fnales de los años 1980, se desarrollaron toda una serie
de estilos a partir de la ya ecléctica base de la música industrial. Estos
derivados incluyen fusiones de la música noise, ambient, folk, post-punk
y electrónica, así como otras mutaciones y desarrollos. La escena se
extendió mundialmente, y está particularmente bien representada en
Estados Unidos, Canadá, Europa y Japón. Entre los subgéneros de postindustrial
se incluyen ambient industrial, power electronics, neofolk,
electro-industrial, electronic body music, industrial hip hop, industrial
rock, industrial metal y power noise.
Entre los derivados del industrial que más éxito comercial
han cosechado están los grupos Ministry y Nine Inch Nails, ambos
ganadores de discos de platino.
500

MÚSICA ELECTRÓNICA
8.14.1. NOISE
Noise —en español: ruido—, también conocido como
ruidismo, es una categoría de música que se caracteriza por el uso
expresivo del ruido dentro de un contexto musical. Este tipo de música
tiende a cuestionar la distinción que se hace en las prácticas musicales
convencionales entre el sonido musical y no musical. La música noise
incluye una amplia gama de estilos musicales y prácticas creativas basadas
en sonidos, que cuentan con el ruido como un aspecto primordial.
Pueden incluir ruido generado acústicamente o electrónicamente, e
instrumentos musicales tradicionales y no convencionales. También
puede incorporar el sonido en directo de máquinas, técnicas vocales no
musicales, medios de audio físicamente manipulados, grabaciones de
sonido procesadas, grabación de campo, ruido generado por
computadora, proceso estocástico y otras señales electrónicas producidas
al azar como la saturación, acople, ruido estático, silbidos y zumbidos.
También puede haber énfasis en altos niveles de volumen y largas piezas
continuas. De manera más general la música noise puede contener
aspectos como la improvisación, técnicas extendidas, cacofonía y la
indeterminación, y en muchos casos el uso convencional de la melodía,
la armonía, el ritmo y el pulso se suele prescindir.
El movimiento de arte futurista fue importante para el
desarrollo de la estética del noise, al igual que el movimiento de arte
dadaísta (un buen ejemplo es el concierto Antisymphony realizado el 30
de abril de 1919 en Berlín), y más tarde los movimientos artísticos
surrealista y Fluxus, específcamente los artistas de Fluxus Joe Jones,
Yasunao Tone, George Brecht, Robert Watts, Wolf Vostell, Yoko Ono,
Nam June Paik, Ocean Music de Walter De Maria, Broken Music
Composition de Milan Knížák, los trabajos tempranos de La Monte
Young y Takehisa Kosugi.
Historia
Sus antecedentes se remontan al artista de música futurista
Luigi Russolo, con sus máquinas de ruidos, y la creación del Manifesto
Futurista titulado "L'Arte dei Rumori" traducido como "El arte de los
Ruidos" .
Japón ha ofrecido muchos exponentes de este género,
denominado japanoise, uno de los músicos más importantes, Masami
Akita (conocido por su seudónimo artístico Merzbow) declaró que «Si
por ruido (noise) nos referimos a un sonido incómodo, entonces la
501

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
música pop es ruido para mí».
Otro exponente sería Hanatarash, liderado por Yamantaka
Eye, cuyas presentaciones consistían enteramente en «destrucción en
vivo», posteriormente Boredoms, orientado a un sonido más psicodélico
con la misma tendencia noise. Algunos artistas destacados son Te
Gerogerigegege, Massona, Te Incapacitants, Frontal.
Generalmente se distingue entre el noise y géneros como el
noise rock y el noise pop, pertenecientes a la corriente del rock
alternativo que incorporan elementos de disonancia, guitarras
fuertemente distorsionadas y feedback a una estructura basada en
subgéneros del rock (como el rock alternativo, el metal, y el punk, y en el
caso del noise pop, de infuencias pop en adición a aquellas de rock), lo
que los distancia del abandono de cualquier estructura o género
propuesto por los artistas de noise.
502

9
MÚSICA
LATINOAMERICANA

MÚSICA LATINOAMERICANA
9. MÚSICA LATINOAMERICANA
La música de América Latina, también llamada música
latinoamericana, música latina o “ritmos latinos”, es la música cultivada
en los países de América Latina. Comprende géneros autóctonos de la
región como el bolero, la salsa, la bossa nova, la música tropical, el
merengue, o la bachata, entre otros, y también los géneros que derivan
de estilos más internacionales como el pop, rock y jazz latinos.
Ambigüedad de la expresión “música latina”
El término empleado popularmente “música latina” (latin
music en inglés) se empezó a utilizar a partir de los años 50 en los
Estados Unidos para referirse a los ritmos musicales típicos de América
Latina, buscando una diferenciación entre los estilos de origen
afroamericano de los afrolatinoamericanos. En este sentido, se considera
que hacen parte de la música latina un gran número de géneros: el
merengue, la bachata, la salsa, el dancehall, el Grimey, la bossa nova, la
cumbia, el tango, el fado, la milonga, el rock latino; desde la música
norteña de México a la sofsticada habanera de Cuba, desde las sinfonías
de Heitor Villa-Lobos a los sencillos sonidos de la quena. El único
elemento en común que tienen estas músicas es el uso de los idiomas
latinos, predominantemente el español y el portugués de Brasil, aunque
en este último país se prefere el término música de América Latina.
Es un neologismo de origen angloamericano que está en directa
relación con el uso del término Latino en los Estados Unidos, y que hace
creer que se trata de un solo género musical que engloba a todos los
países al sur de los Estados Unidos y que incluiría a la vez tanto música
amerindia, músicas criollas, músicas afroamericanas, así como música
moderna y pop rock interpretada por cantantes originarios de estos
países, pero también, aunque vagamente, el concepto de música latina
también se hace extensivo a la música de España y ocasionalmente a la de
Italia. Si se emplea en términos estrictos, abarcará a la música de los
países latinos de Europa, y en una interpretación forzada a la de los
países de África y Asia ex-colonias de España, Portugal y Francia
Para algunos, la expresión “música latina” designa por igual a las músicas
andinas que son en su mayoría de origen indígena y a los géneros
caribeños que, estrictamente hablando, no son latinos y tienen un gran
componente africano, tal como la música jamaiquina, la música de
Trinidad y Tobago (calypso/soca), y la música creole de Haití,
Guadalupe o de la Martinica.
505

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Para los medios de comunicación y la mayoría del público, la música
latina es esencialmente la interpretada en el idioma español, aunque
también puede incluir otros géneros, así pues es normal encontrar en las
tiendas de música que se ofrezca como música latina cualquier género sin
mayor diferenciación.
Por estas razones, el término música de América Latina es más
idóneo y preciso que el neologismo música latina.
El término música latinoamericana es usado en medios musicales
europeos para referirse también a la música clásica que fue compuesta en
países de América Latina durante el periodo colonial (s. XVII-XIX).
Características y Géneros
En su forma más generalizada, la música Latina se corresponde
a los bailes y músicas populares originarios de América latina o que
simplemente son interpretadas en español.
Existen diversos estilos de música latina en el continente americano, en
los cuales predomina en diferente grado elementos musicales europeos,
africanos o indígenas. En el pasado habían sugerido posiciones extremas,
como que la música latina estaba privada de la infuencia africana, o por
el contrario, que era puramente africana y carecía de elementos indígenas
y europeos. Hoy en día, está generalmente aceptado que los ritmos
latinos son sincréticos. Específcamente, las formas españolas de
composición de canciones, los ritmos africanos y la armonía europea son
partes importantes de la música tropical latina, así como de los géneros
más modernos como el rock, el heavy metal, el punk, el hip hop, el jazz,
el ska, el reggae y el R&B.
La décima, forma de componer canciones de origen español en
donde hay diez líneas de ocho sílabas cada una, fue la base de muchos
estilos de canciones latinoamericanas. La infuencia africana es,
asimismo, central en los ritmos latinos, y es la base de la rumba cubana,
la bomba y la plena de Puerto Rico, el tamborito panameño, la cumbia
colombiana y la cumbia panameña, la Samba brasileña, la marimba
ecuatoriana y de varios estilos peruanos como el festejo, el landó, el
panalivio, el socabón, el son de los diablos o el toro mata. En Perú hay
regiones donde la infuencia musical africana se entremezcla con la
gitana. Ejemplos de esto se hallan por todo el norte y centro del país en
ritmos tales como la zamacueca, la marinera y la resbalosa (o refalosa).
Uno de los mestizajes musicales más raros, la infuencia afrogitana se
nutre de la cultura andina, dando origen a ritmos como el tondero, la
506

MÚSICA LATINOAMERICANA
cumanana y el vals peruano. En Argentina y Uruguay, la infuencia
africana tuvo muchísimo que ver en la formación de ritmos tales como:
la chacarera, el malambo, la payada, el tango, la milonga (campera y
urbana); y por supuesto, el candombe uruguayo y argentino, con sus
variantes (el afroporteño, el afrolitoraleño, etc.).
Otros elementos musicales africanos son más prevalentes en la
música religiosa de tradiciones sincréticas y multifacéticas, como el
Candomblé brasileño y la santería dominicana y cubana.
La síncopa, técnica musical en donde se prolonga el sonido de
una nota de un compás, es otra característica de la música
latinoamericana. El énfasis africano en el ritmo también se heredó, y se
expresa mediante la primacía dada a los instrumentos de percusión (que
en conjunto se conocen como “percusión latina”). El estilo de llamada y
respuesta es común en África, y también está presente en la música de
América Latina.
Música indígena precolombina
Muy poco se sabe con certeza sobre la música en el continente
americano precolombino. Las antiguas civilizaciones mesoamericanas de
los Mayas y los Aztecas tocaban instrumentos entre los cuales se incluyen
el tlapitzalli (fauta), el teponatzli (tambor de madera), una especie de
trompeta hecha de caracola, varios tipos de sonajas y escofnas y el
huehuetl (timbal). Los primeros escritos de los colonizadores españoles
indicaban que la música azteca era enteramente religiosa, y era ejecutada
por músicos profesionales; algunos instrumentos eran considerados
sagrados, y los errores en la ejecución de éstos era castigada por ser
posiblemente una ofensa a los dioses. Algunas representaciones pictóricas
indican que la ejecución en conjuntos era bastante corriente.
Instrumentos similares se encuentran entre los Incas, quienes tenían
como instrumentos una amplia variedad de ocarinas y zampoñas.
También el kültrún mapuche es un instrumento precolombino; con el
cual se toca el loncomeo (ritmo originalmente tehuelche adoptado por
los mapuches-tehuelches); este ritmo es un ritmo folklórico de Argentina
y Chile, sobre todo de la Patagonia.
Música indígena colonial y moderna
La música indígena en algunos países andinos (Ecuador, Perú y
Bolivia) tiende a la utilización prominente de instrumentos de viento
usualmente elaborados en madera y cañas, así como en huesos de
animales. El ritmo es usualmente mantenido con tambores cubiertos con
507

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
madera y cueros con patrones rítmicos simples de variados tempos.
También esto es acompañado de instrumentos con estilo de sonajas
hechos de pezuñas, guijarros o semillas. Los instrumentos de cuerda de
origen europeo y mediterráneo han tenido adaptaciones locales: el
charango y la mandolina.
Orígenes
La llegada de los españoles y su música marca el inicio de la
música latinoamericana. En las épocas inmediatamente anteriores había
existido en España y Portugal una coexistencia de diversos grupos
étnicos, incluyendo árabes, moros del norte de África, gitanos, judíos y
cristianos, cada cual con sus propias manifestaciones musicales, que
contribuyeron a la evolución primigenia de la música latina. Muchos
instrumentos musicales de los moros fueron adoptados en España, por
ejemplo, y el estilo de canto nasal norteafricano y su frecuente uso de la
improvisación también fueron recogidos por los ibéricos. De la Europa
Continental, España adoptó la tradición francesa de los trovadores, la
cual en el siglo XVI fue parte importante de la cultura española. De esta
herencia se mantuvo el formato de composición lírica de la décima, la
cual se mantiene como parte fundamental de la música latinoamericana,
estando presente en los corridos, boleros, y vallenatos.
Algunos pueblos modernos de América Latina son
esencialmente africanos, como los garífunas de América Central, y su
música refeja su aislamiento de la infuencia europea. Sin embargo, en
general, los esclavos africanos llegaron al continente americano
modifcando sus tradiciones musicales, adaptando los estilos rítmicos
africanos a las canciones europeas o viceversa.
Música popular
Argentina
El Tango es tal vez el estilo musical más famoso de Argentina,
siendo conocido en el mundo entero, entre sus referentes se encuentran:
Julio Sosa; Piazzolla; Carlos Gardel; Roberto Goyeneche; etc. Otros
ritmos musicales incluyen la chacarera y el chamamé. El rock argentino
comenzó a ser popular a fnes de la década del '70, con grupos como
Pescado Rabioso, Almendra (banda), Patricio Rey y sus Redonditos de
Ricota; Soda Stereo; Sumo (banda); entre otros. Además el sentido del
tango (baile típico de Argentina) es demostrar pasión y cortejar a la
persona con quien se baila este.
508
La música folclórica es en la Argentina un género musical muy

MÚSICA LATINOAMERICANA
fuerte al igual que el tango; solo que este es más bailado en todo lo que es
el interior del país en el cual cada región aunque sea el mismo género
tiene su propio ritmo; uno muy famoso el chamamé o también esta la
milonga etc. En Buenos Aires también es muy bailado y muy famoso a
pesar de que el tango es el ritmo más popular, el folclore está muy
relacionado.
El cuarteto cordobés fue un ritmo muy rechazado, ya que era
un género que era tocado por gente pobre. Más tarde poco a poco este
género fue creciendo y a medida que fue creciendo, fue cada vez más
aceptado por la gente de Córdoba y más tarde reconocido y escuchado
en todo el país
Belice
La música de Belice tiene una mezcla de cultura creole, mestiza,
garífuna y maya.
Bolivia
La música de Bolivia surge posterior al período nacionalista de
los años 50, las culturas quechua y aimara lograron una mayor y mejor
aceptación, como consecuencia de esto, los estilos de música
representativos tuvieron un periodo de fusión gradual con el pop. Los
Kjarkas jugaron un papel importante en esta fusión, y en popularizar la
música folclórica en el país, siendo una de las más grandes controversias
cuando se inició un juicio contra una agrupación brasilera que plagio el
tema “Llorando se fue” e interpretándola en ritmo Lambada cuando la
versión original es en ritmo de saya. Otras formas de música nativa,
como el Huayño, un género de origen peruano pero muy popular en
Bolivia, y la danza del caporal (saya) y el taquirari son muy difundidas.
Brasil
Posee una gran historia en el desarrollo de la música popular,
que incluye desde la innovación a comienzos del siglo XX del samba
hasta la moderna Música Popular Brasileña (MPB) y el tropicalismo. La
bossa nova y jazz latino, que son internacionalmente conocidos.
Con el paso del tiempo y con el aumento de los intercambios
culturales con países más allá del al imperio portugués, elementos
musicales típicos de otros países se vuelven importantes, como fue el caso
de la ópera italiana y francesa y el bailes como la zarzuela, la zamba, el
bolero y la habanera origen español, las polcas y valses, muy populares
entre los siglos XVIII y XIX, y de jazz estadounidense en el siglo XX, que
509

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
encontraron terreno fértil en Brasil, donde enraizaron y se
transformaron.
Con gran participación negra, la música popular desde fnales
del siglo XVIII comenzó a mostrar signos de la formación de un sonido
característico brasileño. En la música clásica, sin embargo, a pesar de tal
diversidad de elementos, apareció tardíamente pero siguiendo de cerca
—dentro de las posibilidades técnicas locales en comparación con los
principales centros europeos o con México y Perú— lo que acontecía en
Europa y algo menos en la América española en cada período. Así, un
carácter específcamente brasileño se hará presente hasta llegar a la gran
síntesis realizada por Villa Lobos, ya a mediados del siglo XX.
Otros ritmos de Brasil, los más exitosos en territorio nacional
están: el Forró, originario del nordeste. El Calipso, el Brega, el
Tuturuwá, el Carimbó en el norte. Al sur de Brasil y centro-oeste el
ritmo sertanejo (escuchado en todo país) se asemeja al chamame de
Argentina con fuerte presencia de la zanfona.
El choró es otra de las tantas músicas brasileñas en la que se
emplean generalmente guitarras de siete cuerdas, guitarra, mandolina,
fauta, cavaquinho y pandeiro. Este género ya posee más de 130 años de
existencia; que nace a partir de la llegada de la familia real portuguesa,
donde llegaron varios instrumentos nuevos a Brasil, como el piano, el
clarinete, la guitarra, el saxofón, la mandolina y el cavaquinho, pero
también la llegada de varias danzas como el vals, la quadrille, la mazurca,
la modinha, el minueto, el chotis y la polca. El género nace a partir de
que las clases sociales se cansan del imperialismo portugués , por lo que
se empiezan a crear ritmos musicales para expresar el odio; de ahí nace el
choró.
Chile
La música de Chile reúne tanto el espíritu de los aborígenes
andinos del Altiplano, como los ritmos coloniales españoles. Algunos
ritmos propios de éste país son el cachimbo, el rin, la sirilla, además de la
cueca, considerado el baile nacional cual proviene de raíces africanas
congoleñas como la zamba-clueca y la zamacueca dieron vida por
evolución a la cueca chilena, historia Nicómedes Santa Cruz. Obras
Completas II. Investigación (1958-1991). Aparte el movimiento musical
de la Nueva Canción Chilena ha sido de profunda infuencia en la
canción de protesta latinoamericana de los años 60s y 70s. “Esta
tendencia musical surgió en el contexto de condicionantes sociales que
marcaron la época: la Revolución Cubana, la muerte del Che, la guerra
510

MÚSICA LATINOAMERICANA
de Vietnam, etc., brindan el trasfondo para un nuevo tipo de canciones
con mensajes más directos y comprometidos y conciencia social”.1 Entre
muchos compositores destacaron Luis Enrique Gatica Silva,
artísticamente conocido como Lucho Gatica El rey del bolero, En la
década de 1950, Chile experimentó un cambio musical al imponerse el
bolero sobre el tango como género musical favorito. Víctor Jara, Violeta
Parra, los grupos Quilapayún e Inti-Illimani, Quelentaro entre otros y
obras tales como la Cantata de Santa María de Iquique. Ya el funk, el
hip-hop, y el rock nacional surgidos posteriormente perduran como
ritmos típicos del país como el caso de Los Jaivas, Los Tres o Los
Prisioneros que tienen un tipo muy distinto de protesta. En la ultima
década destacados a novel hispano la musica chilena germino un sin
numero de semillas de distintos tipos musicales en variados géneros
destaca, como lo es la nueva cumbia chilena.
Géneros extranjeros como la cumbia colombiana, el jazz y el
heavy metal son también muy populares.
Colombia
El folclor es el compendio de todas las manifestaciones de la
cultura popular e incluye por lo tanto, las leyendas, los cuentos, las
danzas, las tradiciones, la música y multitud de expresiones artísticas
diversas. El folclor colombiano es muy rico, tanto en el número, como
en la variedad de sus manifestaciones, a tal punto que cada una de las
distintas regiones geográfcas del país, posee sus características folclóricas
propias. La cumbia es el baile representativo del país. También bailes
como el fandango dejaron como descendiente al joropo, típico de los
Llanos Orientales. Las raíces africanas son más o menos comunes en las
regiones costeñas de Colombia. Además de las culturas andinas y
africanas, se tiene como ancestro la cultura española que como las coplas,
la trajeron los conquistadores; lo mismo que la costumbre de festejar a
los santos católicos como el San Pedro, célebre en el Tolima y el Huila;
la festa de la Candelaria en Cartagena, las festas de la Virgen del
Carmen y de la Inmaculada Concepción en todo el país.
Música andina
Entre los géneros musicales andinos de Colombia sobresalen el
bambuco, uno de los géneros musicales autóctonos más reconocidos y
representativos del país, y el pasillo, género autóctono con características
folclóricas, originario de los Andes neogranadinos y grancolombianos en
las primeras décadas del siglo XIX.
511

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Música de la Costa Caribe
Algunos de los ritmos y géneros de música caribeña de
Colombia son: Cumbia, ritmo folclórico de la Costa Caribe que tuvo
alta popularidad en los años 60 y 70; en la actualidad también es muy
escuchada en toda América.
Mapalé, ritmo de ascendencia africana.
Bullerengue, ritmo de ascendencia negra interpretado exclusivamente
por mujeres.
Porro, ritmo alegre y festero, propicio para el baile en parejas.
Vallenato, género que se interpreta tradicionalmente con tres
instrumentos, acordeón diatónico, guacharaca y caja vallenata.
Costa Rica
La música de Costa Rica está representada por expresiones
musicales como la parrandera, el tambito, el vals, el bolero, la cuadrilla,
el calipso, el chiquichiqui, el mento, el corrido y la callera. Todos ellos
surgidos de los procesos migratorios y los intercambios históricos entre
indígenas, europeos y africanos. Algunos instrumentos típicos son el
quijongo, la marimba, las ocarinas, el bajo de cajón, el sabak, las fautas
de caña, el acordeón, mandolina y la guitarra.
Cuba
Cuba ha producido muchos de los estilos musicales más
extendidos por el mundo, así como un número importante de músicos
renombrados en una variedad de ritmos, entre los que se pueden
nombrar la Habanera, canto nuevo, el chachachá, el mambo, la Nueva
Trova, la Rumba, el Guaguanco, el Bolero, el Danzón y Danzonete, el
son cubano y son montuno (que juntos a la diversidad de ritmos en
Nueva York crearon la salsa). Géneros que infuenciaron a la creación de
otros géneros en toda América Latina y el resto del Caribe.
República Dominicana
El Merengue ha sido popular en República Dominicana por
muchas décadas, y es una especie de símbolo nacional. La Bachata es más
reciente. Derivada de música rural del país, la bachata ha evolucionado y
crecido en popularidad desde los últimos 40 años. A partir del siglo XXI
se han generado nuevas sonoridades y se ha gestado lo que se denomina
mambo callejero, mambo de calle o street mambo con la estructura
512

MÚSICA LATINOAMERICANA
básica del Merengue clásico se ha incorporado la tecnología por lo cual
también se le llama mambo electrónico.
Ecuador
En Ecuador hay cuatro corrientes de estilos musicales. Entre la
música culta, se encuentran el Pasillo, el pasacalle, el yaraví, el sanjuanito
y la tonada. La música indígena es la comúnmente denominada música
andina, mientras que entre la música negra destaca la bomba del chota.
De la música y danza de los mestizos e indígenas del Ecuador,
el Sanjuanito es considerado como el más representativo. Actualmente se
interpreta con instrumentos autóctonos del Ecuador como: el rondador,
Pingullo, Bandolín, Dulzainas. El Sanjuanito surgió en lo que hoy es San
Juan de Iluman perteneciente al Cantón Otavalo, Imbabura. Deriva su
nombre a que se lo baila en las festas en honor a San Juan Bautista. El
Sanjuanito, forma parte del repertorio en festas populares y reuniones
sociales de todo el país.
Se danza con el vestuario rojo de la comunidad del Natabuela,
con alpargatas blancas, sombreros de varios colores y collares.
Generalmente es interpretado con instrumentos autóctonos del Ecuador
como el bandolín, el pingullo, la dulzaina, el rondador, y también con
otros instrumentos extranjeros como la quena, la zampoña, la guitarra y
los bombos.
El Salvador
El Salvador es un país de América Central, cuya cultura es una
mezcla de Mayas, Pipiles, españoles y nada o casi nada de ascendencia
Africana, debido a una ley impuesta por los españoles y criollos alrededor
del siglo XVII, la cual fue mantenida por las autoridades aún después de
la Independencia con España en 1821 y abolida hasta casi fnales del
siglo XX, en la que no se permitía que las personas descendientes de
africanos ingresaran al país.
El Salvador es pues la sumatoria de rasgos de las diferentes
culturas que se han mezclado entre su gente a lo largo de su historia.
En su música incluye cantos religiosos, sobre todo Católicos, usados para
celebrar la Navidad y otras festas, especialmente para conmemorar al
Santo Patrono de una determinada población.
Los estilos populares en El Salvador moderno incluyen: cumbia,
merengue, salsa entre otros.
513

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Guatemala
La música de Guatemala Es el son, reúne en sí una amplia gama
de estilos de distintas proveniencias. A través de las diferentes etapas
históricas se manifesta una riqueza musical y cultural de características
muy propias y de validez universal. Edgar Ricardo Arjona Morales,
conocido como Ricardo Arjona, es un cantautor guatemalteco ,
exjugador de baloncesto y profesor de escuela.
México
La música mexicana predomina en Hispanoamérica con los
diferentes géneros musicales Mariachi, Norteño, Grupero, Banda, Trío,
Pop y Rock en español. Indudablemente la música de mariachi es la más
popular de México y según el Consejo nacional para la cultura y las artes
de Mexico el mas popular de el mundo es también un referente de la
música latinoamericana.
El huapango, la canción ranchera, los jarabes, los corridos
populares en Colombia, la banda sinaloense, los boleros, los sones
abajeños, el son de marimba o el “son jarocho” forman parte de la
variedad de géneros existentes en el país, aún y tras todo ello, se conserva
actualmente la interpretación y grabación de música prehispánica.
Muchas de las canciones más famosas y tradicionales de México
son conocidas en todo el mundo, aunque el origen mexicano de esas
composiciones a veces no es claro para quien no está familiarizado con la
cultura mexicana y se le asocia únicamente a la cultura latinoamericana
en general. “Cielito Lindo”, “La Bikina”, “La Bamba”, “Solamente Una
Vez” o “Bésame Mucho” son algunos de los ejemplos más claros; siendo
este último tema el más interpretado y traducido decenas de idiomas en
el mundo.
Nicaragua
El ritmo musical que dota de identidad nacional propia a
Nicaragua es el llamado Son nica, Otros estilos populares incluyen la
Polka, la Mazurca y el Jamaquello. En el Caribe nicaragüense, el Palo de
Mayo y la salsa. Luis Enrique Mejía López mejor conocido como Luis
Enrique, el Príncipe de la salsa es un reconocido intérprete, músico,
compositor y productor de origen nicaragüense que ha desarrollado una
exitosa carrera musical en los ritmos de salsa, pop y jazz.
Panamá
514
Panamá, por su condición de país de tránsito ha recibido gran

MÚSICA LATINOAMERICANA
infuencia musical del mundo, principalmente en la zona de tránsito
(Ciudades de Panamá- litoral pacífco y Colón litoral Caribe). Ambas
ciudades son de carácter caribeño. En la Ciudad de Panamá se baila
mucho la Salsa y el Merengue junto a ritmos caribeños como el Reggae,
el Calipso, la Bachata y otros. Es por ello que Panamá tiene excelente
referentes en los ritmos anteriormente detallados - Rubén Blades,
compositor y cantante de Salsa, Omar Alfano, compositor de salsa,
Nando Boom y El General en el reggae en español, etc.
No obstante, conserva manifestaciones musicales autóctonas de
gran arraigo popular, como la cumbia, el tamborito y la mejorana. Como
resultado de ello, el país ofrece una muy variada oferta de ritmos y bailes,
tanto autóctonos como de origen foráneo pero asimilados y adaptados
desde hace siglos, perteneciendo así al patrimonio musical de Panamá.
Según el ámbito geográfco Los bailes, ritmos y manifestaciones
musicales encontradas en Panamá son:
Tamborito: El tamborito es el baile y género musical rey en el
istmo y es reconocido convencionalmente como la más importante
expresión del folclore panameño.
Cumbia: Surge del sincretismo musical de los negros
procedentes de África, indígenas y europeos durante la Conquista y la
Colonia. Es un reconocido símbolo del folclore nacional panameño
presente en todo el país excepto Bocas del Toro, con múltiples variantes
folclóricas, como la cumbia santeña, la cumbia “atravesá”, la cumbia
chorrerana, la cumbia darienita, etc.
Punto: Posee una composición creada específcamente para el
baile, ejecutado por una sola pareja que hace gala de donaire, precisión y
gracia. Es de pura ascendencia hispánica y es considerado el baile y
género musical más bello y elegante de todo el istmo de Panamá.
Pasillo: Música, ritmo y baile de salón, de origen andino,
compartido con Ecuador y Colombia.
Bunde y bullerengue: Muy populares en la provincia de Darién.
Son ejecutados por la etnia afrodarienita.
Calipso, mento, palo de mayo: Son cantos y ritmos populares
de la provincia de Bocas del Toro, de origen afroantillano.
Paraguay
La música de Paraguay es muy particular, aunque siendo el único país de
Sudamérica donde la mayoría de los habitantes habla el idioma del
515

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
origen nativo, su música es de origen primario europeo. Esta
peculiaridad debe trasladarse hasta el periodo de colonización del país,
donde las misiones jesuíticas guaraníes tuvieron mucha relevancia en el
acercamiento y apropiación por parte del indio y mestizo local de las
manifestaciones culturales europeas, las cuales adoptó y adecuó a su
manera de sentir; así como también el propio fenómeno del mestizaje,
donde en el núcleo familiar compuesto por madre aborigen y padre
europeo era permitido cultivar elementos de ambas culturas.
Los instrumentos más populares son el arpa y la guitarra que
representa universalmente al país, habiendo sido difundida por Agustín
Barrios “Mangoré”, considerado por muchos como uno de los mayores
compositores y concertistas de guitarra clásica de todos los tiempos. El
arpa paraguaya tuvo mucha difusión y es conocida en muchos países del
mundo.
Para la danza existen unas vivas polkas y polkas galopadas. La
polka es una danza de parejas, en tanto que las galopas son danzadas por
un grupo de mujeres llamadas galoperas que giran formando un círculo,
balanceándose de un lado a otro un cántaro o un jarrón en sus manos, la
polka galopada más famosa es “La galopera”.
Otra variante es la danza de la botella, en la que la bailarina
principal danza hasta con 10 botellas en su cabeza, una sobre otra.
También están los Valseados, una versión local de los vals, como por
ejemplo “El Chopí”, “Santa Fe”, “Taguató”, “Golondrina”, etc.
En Paraguay es notable la guarania, estilo folclórico de música
creada en Paraguay por el músico José Asunción Flores en 1925 con el
propósito de expresar el carácter del pueblo paraguayo. La polka
paraguaya es considerada como la música nacional con ritmo 6/8 con
composiciones en idioma guaraní, o en “jopara” (mezcla de lenguas) y la
Zarzuela paraguaya son ritmos presentes en la cultura del país. Este
último fue heredado durante la época de la colonia, mediante el
mestizaje. Además existen otros ritmos populares como el Rasgido Doble
y la Galopa, danza popular bailada por las “Raida Poty” o mujeres con
vestimenta tradicional y cántaro o botella sobre la cabeza.
La Avanzada es un género musical que se creó en el 1970 por el
compositor paraguayo Oscar Safuán. Este género esta echo a base de la
fusión de la guarania y de la polca paraguaya, con mucha infuencias de
la música popular brasileña, además de la incorporación de varios
instrumentos electrónicos.
516

MÚSICA LATINOAMERICANA
Perú
La música peruana es muy variada. En las costas peruanas se
encuentran ritmos como el landó, la zamacueca (que le da origen a la
cueca chilena, a la cueca argentina y a la zamba argentina), el festejo, el
panalivio, cumananas y socabones -no tan usados en la actualidad- todos
estos de origen afro. Existen también el tondero, la marinera norteña,
que se caracteriza por su baile de cortejo, de movimientos ágiles y
desplazamientos libres, siendo su ejecución bastante compleja; existe
también la marinera limeña siendo está más recatada. Los valses criollos
o valses peruanos (como son conocidos en el resto del mundo) son
también parte importante de la música de la costa. La música de la selva
peruana, está muy ligada a su vez a sus bailes y de carácter alegre dónde
se usa un tipo fauta también tambores.
La música andina peruana, conserva en muchos casos
instrumentación ancestral anterior a la cultura incaica, como es el caso de
la zampoña o el pinkillo. Los ritmos y géneros musicales son muy
variados, con un sello musical distintivo en cada región e incluso entre
pueblo y pueblo. Destacan los huaynos, yaravíes, mulizas, huaylarsh,
morenadas, tuntunas, entre otros. Ésta herencia andina es la vertiente
más conocida en el mundo sobre la música peruana, siendo el tema “El
cóndor pasa” el más famoso regrabado en muchos idiomas y por diversas
orquestas internacionales como Paul Muriat.
Puerto Rico
La Isla cuenta con diferentes ritmos Folclóricos Culturales,
como la bomba y la plena; en la música jíbara o trova destacan los
diferentes seises y aguinaldos, y en la música clásica, la danza
puertorriqueña. Actualmente sus ritmos con auge internacional son la
salsa y el reguetón. Sobre estos últimos que son ritmos con raíces
extranjeras, la salsa evolucionó de ritmos mayormente reconocidos en
Cuba. El reguetón por su parte es una fusión con el hip-hop y su
antecesor el reggae en español procedente de Panamá.
Uruguay
Uruguay posee ritmos como el tango y candombe, ambos
nombrados Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por
UNESCO. La música, al igual que otras artes, no reconoce las fronteras
políticas, comparte muchos estilos con otros países de ultramar (España
por ejemplo) y con sus vecinos: por el norte y por el este con Brasil, por
el oeste y a través del Río de la Plata, con Argentina, e inclusive, con
517

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Paraguay, ya que la cultura guaranítica atraviesa las provincias del Litoral
argentino y penetra en la Banda Oriental. Así aparecen géneros
compartidos como la milonga, el gato, el estilo, la litoraleña, el pericón,
la cifra, la chamarrita, la vidalita, el rasguido doble, el triste, el cielito, la
maxixa, el xote, la polca, el chico zapateado, el malambo, la ranchera,
etc. La murga de Islas Canarias y la chirigota de Cádiz, son recreadas en
Uruguay con tintes de candombe y mejores arreglos vocales. Ambos
estilos tienen su apogeo en el Carnaval de Uruguay. También existen
ritmos netamente autóctonas como la serranera, creada en Treinta y Tres
por Rubén Lena y el milongón. Algunos estilos dentro de la música de
corte netamente rural o campera, comparten una gran similitud con la
del estado de Río Grande del Sur, Brasil. Además se ejecutan estilos
como el tango. Existen variaciones o versiones locales de la música
caribeña (música “tropical”), así como versiones locales de la música
popular anglosajona (rock, punk, heavy metal, hip hop, etc). A mucho
menor escala de popularidad y difusión entre la población, existen
fusiones como la del candombe con el jazz, dicho lenguaje también es
incorporado indirectamente a través de la infuencia de estilos que
anteriormente lo habían utilizado en parte, como la bossa nova de los
60's (Brasil). Entre los compositores de música clásica se destacan
Eduardo Fabini, Luis Cluzeau Mortet y Héctor Tosar.
Venezuela
El llanero es un estilo musical popular de Venezuela originada
en Los Llanos. También son típicos del país ritmos como la gaita zuliana
y el joropo. Existen muchos otros estilos musicales como el calipso ritmo
que llegó desde las antillas. El vals venezolano, el merengue venezolano y
oriental, los famosos golpes de tambor de la costa y sus diferentes estilos
musicales. El Chimbangle, la Fulía, etc. El pasaje, tanto llanero como
andino. la infuencia española del paso doble. Aparte de la gaita en
navidad, también existen los aguinaldos y parrandas. Durante los años
70s se creó un estilo por el compositor venezolano Aldemaro Romero,
llamado Onda Nueva. en lo que respecta a la música clásica Venezuela
posee La Orquesta Sinfónica Simón Bolívar considerada como una de las
orquestas más importantes de Latinoamérica y del mundo, apoyada en el
Sistema de Orquestas Juveniles de Venezuela, esta se considera al mismo
nivel de las mejores orquestas europeas. también se debe hacer referencia
a compositores de guitarra clásica española reconocidos mundialmente
como Antonio Lauro, Alirio Díaz o Rodrigo Riera.
518

MÚSICA LATINOAMERICANA
Estilos musicales
Bachata
La bachata es un género musical bailable de la República
Dominicana, dentro de lo que se denomina folclore urbano. Está
considerado como un derivado del bolero rítmico, infuenciado por otros
estilos como el son cubano y el merengue.[cita requerida]
En la ejecución de la bachata tradicional, las maracas del bolero
fueron sustituidas por la güira, se asumió la ejecución virtuosa y libre del
bongó propia del son cubano y se incorporaron guitarras al estilo de los
tríos latinoamericanos populares en México, Cuba y Puerto Rico.3 En
un primer momento a la bachata se la denominaba «bolerito de
guitarra».
La bachata surgió en la marginalidad urbana de los bares y
burdeles de Santo Domingo. Durante los años sesenta y principios de los
setenta, desdeñada como música de las clases pobres, fue conocida como
«música de amargue». Este concepto se refería al estado de melancolía
provocado por el desamor, siempre refejado en la temática de sus
composiciones. Su difusión por esos años, estuvo limitada a escasas
emisoras, ya que era considerada como una música vulgar.
El interés masivo por el ritmo surgió a partir de los años
ochenta, con la importancia que alcanzó el ritmo en los medios de
comunicación.
Beguine
El beguine es un ritmo y un baile, semejante a una rumba lenta,
que fue popular en los años 1930. Es originario de las islas Guadalupe y
Martinica. Es una fusión de ritmos locales, latinos y franceses y era
tocado en lugares bailables. De allí se había exportado a París. En el
creole de Martinica beke o begue signifca "persona blanca" y beguine es
la forma femenina de begue.
El ritmo se popularizó mundialmente cuando Cole Porter
escribió la canción Begin the Beguine. La canción fue incluida en el
musical "Jubilee" (1935) de Porter. Porter declaró que había escuchado
el ritmo a una banda martiniquesa en un café-concert de París. Entonces
bautizó el ritmo como una "rumba calipso", pero más tarde aseguró que
se llamaba bel-air de la lune.
En 1938 Artie Shaw y su Orquesta alcanzaron el tercer puesto
de popularidad con una versión orquestal en ritmo de swing. Entonces,
519

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
MGM sacó la película musical "Broadway Melody of 1940" en que Fred
Astaire y Eleanor Powell bailaban "Begin the beguine".
El segundo beguine más famoso es "Beneath Te Southern
Cross" (Debajo de la Cruz del Sur) escrito hacia 1952 por Richard
Rodgers para la banda sonora la serie televisiva "Victory at Sea" (Victoria
en el mar). Rogers y Oscar Hammerstein II utilizaron luego esta misma
melodía de beguine para la canción "No Other Love" del musical "Me
and Juliet" (Julieta y yo).
Elvis Presley escribió y registró su propia canción en 1962
basada en la canción de Cole Porter "You'll Be Gone". En 1998 el título
fue tomado para una película de romántica dirigida por Raymond
DeFelitta que protagonizó Elijah Wood.
Bolero
El bolero es identifcable por algunos elementos rítmicos y
nuevas formas de composición que aparecieron en el quehacer musical
en la isla de Cuba durante el siglo XIX. Aunque comparte el nombre con
el bolero español, que es una danza que surgió en siglo XVIII y se ejecuta
en compás ternario de 3/4, el género cubano desarrolló una célula
rítmica y melodía diferente, en compás de 4/4. El bolero típico cubano
surgió alrededor de 1840. Se acepta que el primer bolero fue Tristezas,
escrito por el cubano José Pepe Sánchez enSantiago de Cuba en 1883.
Esa pieza dio origen formal al género y presentó el acompañamiento
musical que denominamos «clásico» de guitarras y percusión.
Los países del gran Caribe hispano adoptaron el producto
musical que Cuba ofertaba en los años veinte y los treinta. Con el
tiempo, el bolero se fusionó con otros géneros musicales y provocó el
surgimiento de algunos «subgéneros» como el bolero rítmico, el Bolero
son, bolero-chacha, bolero mambo, el bolero ranchero (mezcla de bolero
y mariachi mexicano), el bolero moruno (bolero con infuencias gitanas e
hispánicas) e inclusive la bachata.
Bossa nova
La bossa nova es un género musical de la música popular
brasileña derivado del samba y con una fuerte infuencia del jazz.
En los inicios, el término se usó para designar una nueva
manera de cantar y tocar el samba y vino a ser una «reformulación
estética» dentro del moderno samba urbano carioca. Basándose en una
instrumentación simple y un elegante manejo de las disonancias,
520

MÚSICA LATINOAMERICANA
desarrolló un lenguaje propio con un íntimo lirismo.
Surgió a fnales de los años cincuenta gracias a músicos como
João Gilberto, Tom Jobim, Vinícius de Moraes y otros jóvenes cantores
y compositores de clase media de la zona sur de Río de Janeiro. Con el
pasar de los años, la bossa nova se convirtió en uno de los movimientos
más infuentes de la historia de la música popular brasileña, llegando a
alcanzar proyección mundial. Algunos ejemplos fundamentales de bossa
lo constituyen canciones como «Garota de Ipanema» (La chica de
Ipanema) y «Chega de saudade», compuestas ambas por Vinícius de
Moraes y Antônio Carlos Jobim.
Calipso
El calipso (llamado también calypso) es el nombre de un género
musical originario de Trinidad y Tobago, muy popular en las Antillas,
Venezuela, las islas de San Andrés y Providencia en Colombia y gran
parte de la costa caribeña centroamericana. Es tanto anglófono como
francófono. En los países de habla mayoritariamente hispana que lo
practican también se incluyen letras en español.
Candombe
El candombe es una manifestación cultural de origen
negroafricano. Tiene un papel signifcativo en la cultura de Uruguay de
los últimos doscientos años, fue reconocido por UNESCO como
Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Es una manifestación
cultural originada a partir de la llegada de esclavos de África. Existen
también manifestaciones propias de candombe, desarrolladas desde la
época colonial hasta ahora, en Argentina y en Brasil; en este último aún
conserva su carácter religioso y lo vemos en el Estado de Minas Gerais.
Chachachá
El chachachá es un ritmo originario de Cuba creado a partir del
danzón y el son montuno por el compositor y violinista habanero
Enrique Jorrín en 1953.
Los danzones eran interpretados tan solo por instrumentos,
mientras que Jorrín le introdujo las voces de los músicos cantando a coro
para darle más potencia. Este estilo gustó a los que bailaban, que ahora
podían improvisar más e inventaron nuevas fguras. Durante sus
primeros años como compositor, Jorrín sólo componía danzones,
respetando sus cánones musicales, pero poco a poco fue modifcando
algunas de sus partes. Estos fragmentos modifcados gustaron tanto al
521

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
público que decidió independizarlos del danzón hasta llegar a lo que él
llamó cha-cha-cha.
Corrido
El corrido es un género musical mexicano desarrollado en el
siglo XVIII. Se trata de una narrativa popular en forma de canción,
poesía y balada. Las canciones pueden tratar de temas políticos, de
eventos históricos y de relaciones sentimentales. El corrido jugó un papel
importante en la historia de México como una fuente de información
sobre los movimientos, las victorias, y las pérdidas de la revolución. Los
corridos continúan siendo muy populares hoy en día en México. Los
corridos han evolucionado mucho, hoy en día hay diferentes subgéneros
por ejemplo los narcocorrido.Cabe destacar que también Chile ha
adoptado elementos del corrido, los cuales ya son parte de su folclore,
escuchándose principalmente en las zonas rurales del sur del país.
Cueca
La cueca es un género musical y una danza de parejas sueltas
mixtas. Los bailarines, quienes llevan un pañuelo en la mano derecha,
trazan fguras circulares, con vueltas y medias vueltas, interrumpidas por
diversos foreos. Generalmente, se considera un baile de conquista del
hombre a la mujer, aunque no necesariamente tiene un motivo amoroso.
Su origen está cuestionado y existen diversas teorías o corrientes sobre su
origen y evolución.
Se baila «bajo denominaciones más o menos diferentes» desde
Colombia, pasando por Perú y Bolivia, hasta Argentina y Chile, y tiene
distintas variedades, tanto en el ritmo como en la coreografía, según las
regiones y las épocas, «lo único que les diferencia es el color local que van
adquiriendo en distintos sitios, así también como el número de compases
que varía de unas a otras».
Fue ofcialmente declarada «danza nacional de Chile» el 6 de
noviembre de 1979. En 1989, el gobierno chileno declaró el 17 de
septiembre como «Día Nacional de la Cueca». El Estado Plurinacional
de Bolivia declaró la variante boliviana patrimonio cultural e inmaterial
del país el 30 de noviembre de 2015; asimismo, declaró «Día de la cueca
boliviana» al primer domingo de octubre.
Cumbia
A partir de la década de 1940, en casi todos los países
latinoamericanos se fueron conformando numerosos subgéneros
522

MÚSICA LATINOAMERICANA
teniendo como base a la cumbia colombiana comercial. Mientras tanto
en Panamá durante la misma década, Rogelio Córdoba liderizó un
movimiento musical que inició la comercialización masiva de la Cumbia
panameña folclórica, que en la actualidad es conocida de manera
genérica, tras su comercialización, como Música Típica o Pindín.
Cumbia colombiana
La cumbia colombiana es un ritmo musical y baile folclórico
autóctono y ancestral de la Costa Caribe de Colombia. Surge del
sincretismo musical y cultural de aborígenes, negros y, en menor escala,
de los europeos en la región del delta del río Magdalena en la costa
caribeña colombiana, con epicentro en la región de la población de El
Banco, Magdalena, hasta Barranquilla. Ha sido adaptada en casi toda
América Latina, donde es un ritmo popular: cumbia venezolana, cumbia
uruguaya, cumbia salvadoreña, cumbia chilena, cumbia ecuatoriana,
cumbia mexicana, cumbia peruana, cumbia argentina, entre otras.
Cumbia argentina
La cumbia argentina es un subgénero de la cumbia colombiana
propio de Argentina. Junto al cuarteto cordobés conforman la "movida
tropical" argentina.
Cumbia boliviana
La cumbia boliviana es la variante boliviana de la cumbia
colombiana con infuencias andinas, además de cumbia peruana, cumbia
argentina y cumbia mexicana, de la década de 1990 especialmente se
relaciona con la cumbia sonidera. Los grupos más destacables provienen
también de esta década.
Caracterizada por el recurrente uso del órgano, también dentro
de este estilo se puede nombrar a la cumbia andina, adaptación y
combinación musical de música folclórica regional, ramifcación de la
cumbia boliviana que también lleva sonidos electrónicos.
La cumbia andina es una adaptación y combinación musical de
música de folclore sudamericano en general; y la cumbia en México,
ramifcación de la cumbia mexicana que tiene rasgos de la cumbia
sonidera.
Cumbia chilena
La cumbia chilena, un subgénero derivado de la cumbia —
género musical y baile folclórico y tradicional de Colombia—, surgió en
523

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Chile a fnes de los años 1960 y principios de los años 1970 e incorporó
elementos de la música chilena, tanto folclóricos como populares.
Cuenta con gran aceptación en su forma tradicional y en sus variantes
más recientes —la cumbia rock chilena o nueva cumbia chilena, la
cumbia romántica chilena y la cumbia sound o tecnocumbia—.
Cumbia mexicana
La cumbia mexicana es un subgénero musical de la original
cumbia colombiana, siendo la adaptación y fusión de la misma con
géneros musicales cubanos como el son montuno y las orquestas de
mambo así como folclore mexicano de la música norteña, banda, balada
mexicana entre otros ritmos mexicanos como el huapango; la cumbia
mexicana forma parte de su idiosincrasia musical, así como la
interpretación y composición musical hecha por músicos de México.
Cumbia peruana
La cumbia Peruana, popularmente conocida como Chicha
desde su consolidación, es un subgénero musical popular de Perú,
producto de la fusión de la cumbia colombiana, el rock psicodélico, el
rock y ritmos nativos de los Andes y Amazonía del Perú, así como la
presencia en menor escala de la Música criolla y afroperuana. En los
ochentas, se comenzó a denominarla Chicha debido a que poseía diversas
características que la diferenciaban de la cumbia originaria de Colombia,
al ser un género que había pasado por un largo proceso de fusión y ya era
considerado como parte esencial de la Cultura del Perú.
Cabe señalar, sin embargo, que la cumbia peruana no es un género
totalmente unifcado desde el punto de vista del estilo. Posee muchas
variantes, tanto geográfcas como temporales y continuamente se va
fusionando con géneros internacionales, como la salsa, el merengue e
incluso el bolero), y también se producen fusiones entre los distintos
subgéneros que lo conforman.
Cumbia salvadoreña
La cumbia salvadoreña es un subgénero musical que se derivó
de la cumbia colombiana desarrollado por músicos de orquestas
tropicales salvadoreñas desde inicios de los años 1950, caracterizado por
tener un estilo propio, un compás binario (2/4), la interpretación de un
barítono o tenor, coro masculino, percusión con timbales y bombos,
guitarra y bajo eléctricos, trompetas, saxofón y acordeón.
524

MÚSICA LATINOAMERICANA
Cumbia venezolana
La cumbia venezolana es un subgénero musical del la cumbia
colombiana. Sus variantes al igual que en otros países son muchas, pero
las predominantes han sido las orquestadas y las que utilizan arpas.
Cumbia panameña
La Cumbia panameña es un género musical y danza folclórica
desarrollada por los negros esclavizados durante la época colonial y
posteriormente sincretizado con elementos culturales amerindios y
europeos.
El género es cultivado a lo largo de la geografía panameña,
teniendo vigencia en la comarca Emberá-wounaan, y en todas las
provincias del país con excepción de Bocas del Toro. Sin embargo, en la
península de Azuero se encuentra la mayor producción musical de este
género. La cumbia es practicada generalmente en las poblaciones de la
costa y vertiente del océano pacífco; con excepción de algunas variantes
que se cultivan en el interior y en la costa Caribe del país.
A raíz de la comercialización de la Cumbia panameña a
mediados del siglo XX, se toman ritmos e instrumentación de la música
latina contemporánea, pasando a ser un híbrido musical con marcada
prevalencia de paradigmas proveniente de la música folclórica panameña
e infuencias rítmicas y melódicas provenientes de los paises del caribe
insular y continental. Tras estas fusiones empezó a ser conocida
popularmente como Música Típica o Pindín.
Danzón
El Danzón es un ritmo y un baile de origen cubano creado por
el compositor matancero Miguel Faílde próximo al año 1879 y
engendrado por otro género cubano llamado danza, una variación de la
contradanza. «Baile típicamente cubano, llegó a ser el arquetipo de la
música popular con su ritmo característico». Desde principios del siglo
XX ha tenido gran arraigo en México, considerándose también parte de
la cultura popular de aquel país. En Cuba se interpreta con mayoría de
instrumentos de viento, con fauta, violines, timbales y percusión
cubana.
Guaguancó
El guaguancó es un ritmo que se originó en La Habana, Cuba,
coincidiendo con la abolición de la esclavitud en la isla en 1886. El
guaguancó es una de las formas de la rumba y contiene una fusión de
525

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
varios rituales profanos afro-cubanos . Las otras dos variedades
importantes de la rumba son el Yambú y la Columbia.
El guaguancó, por lo general con textos anónimos, es
interpretado con tres tumbadoras y por un tipo de caja de madera
percutida con palillos. A los percusionistas se les agrega un coro que
responde a un solista. Los bailadores presentan una coreografía en la que
el hombre persigue a la mujer con movimientos sumamente eróticos.
Ella , aunque en un primer momento lo rechaza, al fnal lo consiente.
Este acto, que representa la “conquista” del hombre a la mujer, recibe el
nombre del vacunao. Las composiciones más antiguas, denominadas
“guaguancó del tiempo de España”, se corresponden con el fn de era
colonial española en Cuba.
Guaracha
La guaracha es un género musical y un baile originarios de
Cuba que se desarrolló y popularizó en los años 40 con los arreglos
ejemplares de las famosas orquestas cubanas, Arsenio Rodríguez, la
Sonora Matancera, Nelo Sosa y su Conjunto Colonial el Conjunto
Casino, Machito, José Curbelo. Estas orquestas marcaron un sonido que
las llevaría en los 50 a ser las orquestas más famosas deCuba, tanto
dentro como fuera de la isla. Otros músicos como José Curbelo,
machito, la Sonora Matancera y Arsenio Rodríguez llevaron la guaracha
a Nueva York haciéndola popular, y a la cual le darían un nombre
comercial salsa, en los años 70 en la ciudad de Nueva York. Los
instrumentos utilizados en la guaracha son: timbales, bongó, conga,
guiro, maracas, trombón, saxofón, trompetas, piano, bajo, cencerro.
Mambo
El mambo es un género musical y un baile originario de Cuba.
El mambo fue creado a fnales de los años 30 por los hermanos Israel
Cachao y Orestes López, cuando formaban parte de la orquesta de
Arcaño y sus Maravillas, acelerando el danzón e introduciendo una
sincopa en la percusión. Igualmente importantes son los aportes
posteriores de Arsenio Rodríguez, Dámaso Pérez Prado, Roderico Neyra
"Rodney", José Curbelo y Benny Moré.
La palabra mambo es de origen africano, de la región del Congo, algunos
lo han traducido como "conversación con los dioses", conversación,
conocimiento. También se les llama mambo a las sacerdotisas vudú en
Haití. Luego la palabra mambo es utilizada por Arsenio Rodríguez para
designar al estilo musical que ideó. En aquellos tiempos, Lopéz Cachao
526

MÚSICA LATINOAMERICANA
formaba parte de la orquesta charanga de Arcaño y sus Maravillas, estilo
el cual llamaron mambo del danzón. Luego Dámaso Pérez Prado y Beny
Moré estilizaron el género con arreglos más "internacionales" y
agrupaciones más bien en formato de jazz. Pérez Prado tomo la síncopa
de el son montuno y el nombre mambo, del danzón de Orestes López y
desarrolla el ritmo afncado en la base del son montuno integrándole
nuevas melodías, saxofones y trombones haciéndolo famoso en el resto
del mundo a fnales de la década del cuarenta y también en los años
cincuenta.
El mambo se desarrolla a partir del danzón, el baile nacional de
Cuba y el son montuno de Arsenio Rodríguez, el danzón en los años 30
fue el género más popular en las pistas de baile habaneras. En 1940 el
son cubano evolucionó hacia un tempo más acelerado con la
incorporación de la conga, piano y otra trompeta en el conjunto de
Arsenio Rodríguez que fue incorporando estilos cada vez más atrevidos y
agresivos. La interdependencia creciente entre músicos y bailadores hizo
posible que la percusión fuera adquiriendo poco a poco un papel cada
vez más predominante. De igual forma, los arreglos orquestales de
Dámaso Pérez Prado, le aportaron una sonoridad nueva, sin precedentes
hasta ese entonces. En los años siguientes se fusionarían también el
mambo y el jazz afrocubano.
El mambo se baila siguiendo un ritmo sincopado, con cuatro
pasos por compás, o sea 4/4, nota musical tomada del son cubano y
trasmitido al son montuno en el cual se apoya la base del mambo de
Pérez Prado y de José Curbelo. Se marcan los cuatro tiempos, con
movimientos fuertes y frecuentes fexiones de las articulaciones de pies y
brazos. Este es un baile "fuerte" que requiere velocidad de pies, mucha
energía y pocas inhibiciones.
En la actualidad el mambo es uno de los ritmos latinos que se
enseñan en clases de baile de salón, aunque en muchas escuelas tiende a
confundírsele con el son montuno o guaracha comercialmente llamados
salsa en Nueva York.
Mariachi
El mariachi es un género tradicional de México. Por extensión,
se conoce también como mariachi a las y los músicos dedicados a este
género —nombrados también como mariacheros— y a los conjuntos
musicales en sus expresiones conocidas como mariachi tradicional y
mariachi moderno. En noviembre de 2011 la Unesco inscribió a El
Mariachi, música de cuerdas, canto y trompeta como integrante de la
527

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la
Humanidad.
El mariachi cuenta con dos manifestaciones reconocibles: el
denominado tradicional, que conserva el atuendo típico campesino y la
instrumentación con las cuales se desarrolló desde la época novohispana;
y el moderno, basado en el primero —de mayor medida en la variante
regional de Cocula como infuencia prototípica— pero que se modifcó
sustancialmente a partir de la década de los treinta hasta convertirse en
una manifestación propia. A mediados del siglo XX alcanzó una difusión
nacional en su país de origen gracias a su aceptación en el gusto popular
mediante su incursión en la radio, la televisión, el cine y la industria
discográfca, para convertirse con el paso de los años en popular en
muchos países del mundo. La música y vestimenta del mariachi moderno
son las más famosas en todo el mundo. Su música se acostumbra en
México en festas públicas tales como el día de las Madres o el de la
Virgen de Guadalupe (12 de diciembre), reuniones familiares, festas o
serenatas. Entre los autores y/o intérpretes de canciones para mariachi
más importantes están: Jorge Negrete, Antonio Aguilar, Pedro Infante,
Miguel Aceves Mejía, José Alfredo Jiménez, Juan Gabriel, Tomás
Méndez, Rubén Fuentes, Gilberto Parra Paz, Vicente Fernández y
Manuel Esperón. La vestimenta tradicional del mariachi moderno es el
traje de charro.
En la época contemporánea hay cerca de 30 mil músicos
dedicados a este género en México, pero se encuentra ampliamente
extendido en los Estados Unidos, y hay presencia de agrupaciones de
mariachi en decenas de países del orbe.
Marinera
La marinera es un baile de pareja suelta mixta, el más conocido
de la costa del Perú. Se caracteriza por el uso de pañuelos. Es un baile
que muestra el mestizaje hispano-amerindio-africano, entre otros. Su
origen se atribuye a un baile colonial llamado zamacueca, que era muy
popular en el siglo XIX. De todos modos, existen diversas teorías o
corrientes sobre su origen y evolución.
Su nombre se debe a Abelardo Gamarra Rondó, el Tunante,
quien en 1879 rebautizó al baile —«conocido con diferentes nombres:
tondero, mozamala, resbalosa, baile de tierra, zajuriana y hasta entonces
más generalmente llamado chilena»— como «marinera».
El 30 de enero de 1986, las formas coreográfcas y musicales de
528

MÚSICA LATINOAMERICANA
la marinera en todas sus variantes regionales fueron declaradas
Patrimonio Cultural Inmaterial (Perú) por el Instituto Nacional de
Cultura del Perú (INC),7 siendo ésta la primera declaratoria de este
orden otorgado por el estado peruano. En 2012, el Congreso de la
República del Perú declaró celebrar el Día de la Marinera el 7 de
octubre, día de nacimiento de Augusto Áscuez Villanueva, uno de sus
principales intérpretes.
Merengue
El merengue es un género musical bailable originado en la
República Dominicana a principios del siglo XIX. Es muy popular en
Hispanoamérica, donde es considerado, junto con la salsa, como uno de
los grandes géneros musicales bailables que distinguen el gentilicio
latinoamericano.
En sus orígenes, el merengue dominicano era interpretado con
instrumentos de cuerda (bandurria y/o guitarra). Años más tarde, los
instrumentos de cuerda fueron sustituidos por el acordeón,
conformándose así, junto con la güira y la tambora, la estructura
instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto, con sus
tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que
conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La infuencia
europea viene a estar representada por el acordeón, la africana por la
tambora, que es un tambor de dos parches, y la taína o aborigen por la
güira.
Aunque en algunas zonas de la República Dominicana, en
especial en el Cibao y en la subregión Noroeste, hay todavía conjuntos
típicos con características similares a aquellos pioneros, este ritmo fue
evolucionando durante todo el siglo XX. Primero, con la introducción
de nuevos instrumentos como el saxofón y más tarde con la aparición de
orquestas con complejas secciones instrumentales de vientos.
La evolución del merengue de letra decente para amenizar una
de sus rumbas. A partir de entonces, se diseminó muy rápidamente por
todo el país. En 1875 El Presidente Ulises Francisco Espaillat, (quien en
sus muchos escritos contra el merengue) inició una campaña contra el
merengue por sus bailes y letras explícitas, pero fue totalmente inútil
pues ya el baile se había adueñado del Cibao donde se hizo fuerte a tal
punto que se asocia hoy esta región como cuna del merengue.
Como fueron músicos cultos los que fjaron la forma musical
del nuevo merengue, los músicos populares trataron de imitar y seguir
529

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
este modelo, mientras que el hombre de campo continuó tocando el
merengue en su forma original. Esto dio origen a dos formas de
merengue: el merengue folclórico o típico, que aún se encuentra en los
campos, y el merengue de salón, propio de los centros urbanos. De esta
manera, desplazó a algunos otros bailes típicos como la tumba, que
requería gran esfuerzo físico y mental, mientras que la coreografía del
merengue, en la que el hombre y la mujer no se sueltan nunca, era
bastante simple, aunque poco a poco fueron desarrollándose diversas
fguras para este baile de salón.
Música tejana (Tex - Mex)
La música tejana, también llamada Tex-Mex, puede ser
categorizada como una conjunción de country, Rock, y rhythm & Blues
originada en Texas y ejecutada tanto en español como en inglés,
teniendo una vasta variedad de infuencias culturales y musicales entre las
que se encuentran incluso ritmos latinoamericanos como la Cumbia,
aunque predomina la música mexicana por el origen de los habitantes del
estado tejano, dando el nombre a esta corriente como Tex-Mex, música
mexicana hecha por tejanos (México-Estados Unidos). El mayor
exponente musical dentro de este género, quien se destacó por sus ventas
es Selena Quintanilla , reconocida como la Reina de la Cumbia y del
Tex-Mex.
Nueva Canción
La Nueva Canción es un movimiento musical latinoamericano
que fue desarrollado por primera vez en Chile y el Cono Sur durante los
años 1950 y 1960, pero que luego se extendió hacia América Central. En
si, “la nueva canción latinoamericana fue el instrumento político y
estético para difundir en las masas la ideología que habría de motorizar
los nuevos tiempos que se anunciaban en los años sesenta, y conducir a la
formación de una revolución política, con reivindicaciones sociales”.16
Combina música popular tradicional y acordes roqueros —en lo que se
llamó Neofolk—, con letras a menudo progresistas y politizadas. Obtuvo
gran popularidad, y puede considerarse como precursora del rock en
español. Destacaron como primeros antecedentes Violeta Parra,
Atahualpa Yupanqui, luego la referencia de Víctor Jara donde el estilo ya
cuajaba una clara identidad musical y posteriormente grandes
compositores como Silvio Rodríguez, Alí Primera o los grupos chilenos
Quilapayún e Inti-Illimani. Por último, como gran obra musical destaca
la Cantata de Santa María de Iquique que es una representación operesca
sobre la realidad social de Chile a principios del siglo XX.
530

MÚSICA LATINOAMERICANA
Ranchera
La ranchera es un género musical popular y folclórico de la
música mexicana, ampliamente ligada a los mariachis, pero interpretada
con cualquier formato (cantador-guitarrista, dueto, terceto, cuarteto,
conjunto norteño, banda, entre otros).
En cuanto a las letras, predominaron en un comienzo las
historias populares relacionadas con la Revolución mexicana, la vida
campesina, los caballos, la familia, los bares y cantinas y las tragedias
amorosas. Posteriormente las temáticas se han centrado especialmente en
el amor de pareja y como sucede con todo ritmo que se
"internacionaliza", su capacidad para contar historias populares se ha
debilitado por cuenta de la presión de los productores musicales.
Las canciones rancheras han sido compuestas para toda la gama
de velocidad de ejecución, desde muy lentas (rancheras de dolor) hasta
muy rápidas (rancheras de relajo).
Los cantantes profesionales de este género desarrollaron un
estilo extremadamente emocional, una de cuyas características consiste
en sostener largamente una nota al fnal de una estrofa o línea,
culminando en una "terminación fundida".
La canción ranchera presenta los siguientes metros musicales:
ranchera 2/4 (ranchera marcha o ranchera polkeada), ranchera 2/4 lenta,
ranchera 3/4 (ranchera valseada), ranchera 4/4 (2 compases de 4/4 en el
bolero ranchero).
Reggaeton
Las raíces del reguetón remontan a la aparición del reggae en
español en Panamá hacia mediados de los años 1970,17luego fue
evolucionado en Puerto Rico a fnales de los años 1980 donde recibió su
nombre actual. El reguetón empieza como una adaptación del reggae
jamaiquino (y del posterior dancehall jamaiquino) a la cultura latina en
Panamá.
Los orígenes del reggaeton empezaron con las primeras
grabaciones de reggae latinoamericanas hechas en Panamá durante los
años 1970. La infuencia del reggae jamaiquino en la música panameña
ha sido muy fuerte desde principios del siglo XX, cuando importaron
trabajadores de Jamaica para construir el Canal de Panamá, artistas como
El General, Chicho Man, Nando Boom, Renato y Apache Ness
empezaron a cantar reggae en idioma español por primera vez. Mientras
531

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
tanto, durante la década del 90 el rapero de Puerto Rico, Vico C, lanzó
discos de hip hop en español y reggae rap en su isla nativa. Su
producción ayudó a extender el sonido del reguetón, por lo cual se le da
tanto crédito a este rapero. La extensión del movimiento del reggae en
español en las comunidades latinoamericanas en los centros urbanos de
Estados Unidos ayudó a incrementar su popularidad.
Rock latino[
El rock latino (también latin rock o rock de fusión latina) es el
término que se utiliza para referirse a un género musical que se distingue
usualmente por la fusión de la música rock con los ritmos
latinoamericanos y caribeños y por el uso de idiomas y dialectos
correspondientes a esas regiones y comunidades.
Si bien sus antecedentes "nacionales" pueden encontrarse en
muchos países desde fnes de la década del 50, como movimiento
internacional popular y relativamente compacto, recién comenzó a existir
desde la segunda mitad de la década del 80, para estallar en la década del
90. De este modo, los principales exponentes del rock latino se
encuentran en, Argentina, Chile, Colombia y México.
El rock latino se ha desarrollado como movimiento autónomo
internacional en gran medida vinculado también al éxito internacional
del pop latino y al desarrollo de un amplio mercado cultural latino en
Estados Unidos, de la mano de lo que ha se llamado la
latinoamericanización de Estados Unidos, en la segunda mitad del siglo
XX. Los términos «Rock en español» y «Rock iberoamericano», así como
«Rock nacional», «Rock en tu idioma» y «Alterlatino» se encuentran
estrechamente ligados con este concepto.
Rumba
La rumba es tanto una familia de ritmos musicales como un
estilo de danza en Cuba. Este complejo musical es de raíz afrocubana.
Hay tres tipos de rumba: el yambú y la columbia, de Matanzas, y el
guaguancó, de La Habana.
La instrumentación para la rumba incluye tres tumbadoras (la
tumbadora o Congas es un tambor inventado en Cuba que, a diferencia
de los africanos, tiene llaves). Dos de los tambores, (la tumbadora prima
y el segundo o tres) marcan el ritmo básico; la tercera tumbadora,
llamada quinto, que se afna más alto, da los golpes improvisados, los
foreos dirigidos a los bailarines.
532

MÚSICA LATINOAMERICANA
Salsa
Salsa es el término «comercial» usado desde fnales de los años
sesenta para defnir al género musical resultante de una síntesis de
infuencias musicales cubanas con otros elementos de música caribeña,
música latinoamericana y jazz, en especial el jazz afrocubano. En
términos musicales, es el desarrollo del son cubano, al cual se le agregó
en la estructura melódica y armónica algunos rasgos estilísticos del Jazz.
La salsa fue desarrollada por músicos de origen «hispano» en el
Gran Caribe y la ciudad de Nueva York, desde donde se expandió al
mundo hacia inicios de los años 1970.
La salsa abarca varios estilos como la salsa dura, la salsa
romántica y la timba, teniendo diversos representantes en gran parte de
América Latina como Héctor Lavoe, Richie Ray, Joe Arroyo, Frankie
Ruiz, Charanga Habanera, etc. Además es uno de los ritmos más
populares en el mundo, siendo incluso adoptado por países europeos y
asiáticos como el Japón, donde se formó la internacional “Orquesta de la
Luz” con músicos de ése país.
Samba
El samba es un género musical de raíces africanas surgido en
Brasil, del cual deriva un tipo de danza. Es una de las principales
manifestaciones de la cultura popular brasileña y un símbolo de la
identidad nacional.
Si bien en casi toda Hispanoamérica se utiliza la voz femenina
(la samba), en Brasil y en algunos países como Argentina, Cuba y
Uruguay, se utiliza la voz masculina (el samba). No debe confundirse
con la zamba, género musical completamente distinto, de origen
hispanoamericano.
Dentro de sus características fgura una forma donde la danza es
acompañada por pequeñas frases melódicas y coros de creación anónima,
típica del samba de roda, ritmo y danza originado en el recóncavo
bahiano, región geográfca en torno a la Bahía de Todos los Santos, en el
estado de Bahía. El samba de roda, una de las bases del samba carioca y
designado en 2005 patrimonio de la Humanidad por la Unesco, fue
llevado a Río de Janeiro en la segunda mitad del siglo XIX por los negros
traídos como esclavos de África que se instalaron en la entonces capital
del imperio del Brasil.
A pesar de su presencia en varias regiones brasileñas bajo la
forma de diversos ritmos y danzas populares regionales de origen
533

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
africano, especialmente en los estados de Bahía, Pernambuco, Maranhão,
Minas Gerais y São Paulo, como género musical es considerado una
expresión musical urbana de la ciudad de Río de Janeiro, donde este
formato de samba nació y se desarrolló entre fnes del siglo XIX y las
primeras décadas del siglo XX. Fue en la antigua capital de Brasil que la
danza practicada por los esclavos libertos entró en contacto con otros
géneros musicales y los incorporó, adquiriendo un carácter singular:
polca, maxixe, lundu, xote, entre otros. De esta forma, si bien existen
otras formas regionales en Brasil, fue el samba carioca el que alcanzó la
condición de símbolo de la identidad nacional brasileña durante los años
1930.
El samba es extremadamente popular en Japón, especialmente
en sus formas más tradicionales; tanto que algunos sambistas como
Nelson Sargento, Monarco, y Wilson Moreira han grabado
específcamente para el mercado japonés y empleado mucho tiempo en
giras en este país.
Son montuno
El Son montuno es un género de música cubana. Heredero del
son, sentó las bases para el surgimiento de la salsa en los años 70.
La salsa se fundamentó en la acentuación de la síncopa,
elemento común con el son montuno,[cita requerida] creado por
Arsenio Rodríguez. El son montuno de Arsenio se inspiró en el
guaguancó, pero contó con una instrumentación más rica, por la
introducción de nuevos instrumentos como la conga, el piano y por el
uso de varias trompetas.
El desarrollo del son montuno estuvo vinculado a cantantes
como Pío Leyva y Benny Moré y también a grupos como el Conjunto
Casino, Roberto Faz, Machito y José Curbelo. Esto enriqueció al género
con elementos de la guaracha, el mambo y el bolero.
Tango
El tango es un una danza rioplatense nacida en el Gran Buenos
Aires y en Montevideo. Este ritmo-danza es característico de la Ciudad
de Buenos Aires y Montevideo, y en menor medida, de Rosario. Este
ritmo es de naturaleza netamente urbana y renombre internacional. La
música que hoy se llama tango comienza a gestarse a mediados del siglo
XIX a partir de otros géneros preexistentes, sobre todo la milonga pero
también la habanera, la música de los esclavos africanos (sobre todo el
candombe afroporteño) y montevideano, la música de las zarzuelas
534

MÚSICA LATINOAMERICANA
españolas, y una variedad de otros géneros folclóricos. A lo largo de su
historia, el tango siguió siendo permeable a músicas populares foráneas,
como las canzonettas italianas, el foxtrot, el jazz, y más recientemente el
rock, así como a la música culta europea de diversas épocas.
La mayoría de los tangos suelen tener estructura ternaria, o
simplemente binaria, de tema y estribillo (el predominio de esta última
se consolidó con el tango-canción, popularizado por Carlos Gardel).
Al tango se le conoce como “el dos por cuatro”, ya que en sus
orígenes se tocaba y escribía en compases binarios de subdivisión binaria
(2/4), con acompañamiento parecido al de la habanera (que podría
escribirse como una corchea con punto y una semicorchea, seguida de
dos corcheas), aunque su ritmo fue evolucionando hacia un
acompañamiento en compás cuaternario de subdivisión binaria (es decir,
en 4/4, que podría escribirse como cuatro negras, acentuando la primera
y la tercera).
En cuanto a los instrumentos utilizados para su interpretación y
sus combinaciones, también ha variado a lo largo de la historia; parecería
ser que la guitarra, el violín, la fauta y el acordeón fueron los
instrumentos del tango primitivo. Hacia 1900 se suma el bandoneón,
especie de organito con botonera (y no con un teclado, como algunos
acordeones) traído al Río de la Plata por los inmigrantes alemanes (que
pasaría a ser un ícono del género), el contrabajo, y también el piano, al
comenzar a tocarse el tango en locales que pudieran costearse uno.
Actualmente el tango puede tocarse con diversas combinaciones de
instrumentos, como dúos de guitarra y bandoneón, o de guitarra y
piano. Hacia principios del siglo XX surgen las llamadas “orquestas
típicas” de tango, cuya formación más característica es: un piano, un
contrabajo, cuerdas (dos violines o más, a veces viola y violonchelo) y
bandoneones (entre dos y cuatro); las orquestas típicas tienen su auge en
la década de 1940 y van disminuyendo conjuntamente con la costumbre
de bailar el tango. A partir de la década del cincuenta y de allí en
adelante se reeditan los formatos más pequeños, como puede verse en las
diversas agrupaciones formadas por Astor Piazzolla.
Algunos de los tangos más conocidos son: El choclo, La
cumparsita, Por una cabeza, Mi Buenos Aires querido, Adiós Nonino.
Tropical
Música tropical es un término genérico utilizado
principalmente en los países americanos de habla hispana para referirse a
535

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
las diversas variantes de música generada desde el siglo XIX en la región
circundante al Mar Caribe y la región antillana del continente
americano, mezcla de ritmos provenientes del continente africano y
fusionadas con el folclore y ritmos de los distintos países americanos.1
Engloba diversos géneros musicales: la salsa, la cumbia, la bachata, el
merengue, el vallenato, el reggae, la samba, y el ska, entre otros ritmos,
todo lo cual también hace que se le considere en ocasiones como parte de
la música afroantillana y de la música afroamericana.
Vallenato
El vallenato es un género musical autóctono de la Costa Caribe
colombiana con epicentro en la antigua provincia de Padilla (actuales sur
de La Guajira, norte del Cesar y oriente del Magdalena) y presencia
ancestral en la región sabanera de los departamentos de Bolívar, Sucre,
Córdoba. Su popularidad se ha extendido hoy a todas las regiones del
país y países vecinos como Panamá, Venezuela, Ecuador, y México. Se
interpreta tradicionalmente con tres instrumentos: el acordeón
diatónico, la guacharaca y la caja vallenata. Los ritmos o aires musicales
del vallenato son el paseo, el merengue, la puya, el son y la tambora. El
vallenato también se interpreta con guitarra y con los instrumentos de la
cumbia en cumbiambas y grupos de millo. El 29 de noviembre de 2013,
el vallenato tradicional fue declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de
la Nación por el Consejo Nacional de Patrimonio del Ministerio de
Cultura.
Zamba
La zamba es un género musical bailable típico de la provincia
de Salta, Argentina. Fue propuesta como danza nacional de Argentina.
Los musicólogos coinciden en parte que proviene de la zamacueca,
surgida en 1824 en Lima, en el momento en que el Perú obtenía su
independencia bajo el liderazgo del general argentino José de San
Martín.
La denominación "zamba" se refere al término que se aplica a
los individuos mestizos descendientes de una persona indígena americana
y otra negra.
Las primeras referencias sobre la zamba corresponden al primer
cuarto del siglo XIX. El músico y compositor chileno de la época José
Zapiola Cortés escribió en sus memorias: «Respecto a los bailes de
chicoteo, recordamos que por los años de 1812 y 1813 la zamba y el
abuelito eran los más populares; ambos eran peruanos (ortografía
536

MÚSICA LATINOAMERICANA
original)». Posteriormente, en su entrada del 5 de septiembre de su
Diario de mi residencia en Chile en 1822, la inglesa Maria Graham
escribió: «De vuelta a Ñuñoa encontramos a nuestros amigos
entretenidos en danzar. Habían conseguido un par de músicos y bailaban
minués y danzas populares españolas, quizás las más graciosas del
mundo. Las que me gustaron fueron el cuando y la zamba, bailadas y
cantadas con más expresión y entusiasmo que lo que permiten las
costumbres de la ciudad, pero sin salir de los límites del decoro».
Su ritmo es motivo de controversia, porque hay algunos
músicos que la defnen como una danza puramente en compás de 6/8,
mientras que otros como el músico Juan Falú consideran que en realidad
es una danza de ritmo mixto, con una base en 3/4 y una melodía en 6/8,
mientras que hay otros, como Adolfo Ábalos o Hilda Herrera que
sostienen que ésta es una danza puramente en 3/4.
Estilos importados
Entre los estilos importados de música popular, con un estilo
latino distintivo, incluyen el jazz latino, el Rock latinoamericano (véase
rock en español), el hip hop en español y todos los basados en estilos
estadounidenses (jazz, rock and roll y hip hop).
La música de otras zonas de la región del Caribe goza también de amplia
popularidad, especialmente el reggae y el dub de Jamaica, el calipso de
Trinidad y Tobago y el soca o llamado tuturuwá de Antigua y Barbuda.
537

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
538

10
MÚSICA
DE
VARIEDADES

MÚSICA DE VARIEDADES
10. MÚSICA DE VARIEDADES
Teatro de variedades, espectáculo de variedades o espectáculo
de variedad es un formato de espectáculo en el que se presentaban
diversos números artísticos o performances. Los espectáculos de variedad
frecuentemente incluían bailes, números musicales, ilusionismo,
declamación, humorismo, acrobacia, artes circenses, muestra de rarezas
biológicas, espectáculos con animales entrenados, obras dramáticas,
malabarismo, contorsionísmo, etc. Las intervenciones artísticas y
espectáculos son presentados al público sin seguir una relación
argumental, es decir, se presentan al público una serie de actos que no
siguen un orden específco. El espectáculo podía incluir la participación
de celebridades, vedettes, atletas, orquestas musicales e imitadores
reconocidos.
10.1. CABARET
Cabaré es una palabra de origen francés cuyo signifcado
original era «taberna», pero que pasó a utilizarse internacionalmente para
denominar salas de espectáculos, generalmente nocturnos, que suelen
combinar música, danza y canción, pero que pueden incluir también la
actuación de humoristas, ilusionistas, mimos y muchas otras artes
escénicas.
Se distinguen de otros locales de espectáculos, entre otras cosas,
porque tienen un bar, cuando son pequeños, y un bar y un restaurante,
cuando son grandes. A diferencia de lo que sucede en el teatro, los
asistentes pueden beber y conversar entre si, durante las actuaciones.
El público de los cabarés aplaude, con frecuencia, espectáculos
atrevidos, tanto políticos como sexuales. Fue en los cabarés donde
aparecieron los primeros travestís en un escenario y también donde se
presentaron las primeras pantomimas de homosexuales y lesbianas. Una
de las más famosas fue, seguramente, la pantomima lésbica (pantomime
lesbienne) Rêve d'Égypte (Sueño de Egipto), protagonizada por la actriz
y pin-up Colette, que luego llegaría a ser una novelista famosa, y por la
Marquesa de Morny, arqueóloga. El espectáculo se presentó en el
Moulin Rouge en 1907. Estaba previsto hacer diez representaciones,
pero sólo pudo hacerse la primera, porque la Policía amenazó con cerrar
el local.
En los cabarés se dieron a conocer muchos cantautores, como
Georges Brassens, Aristide Bruant o Serge Gainsbourg, y también
541

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
cantantes como Juliette Gréco o Édith Piaf.
Se denomina dark cabaret a un estilo musical en el que
confuyen las infuencias del cabaret alemán anterior a la Segunda Guerra
Mundial, el vodevil, la new wave, el post punk o el darkwave,
relacionado generalmente con la música gótica.
Musicalmente, puede caracterizarse la música de este estilo por
una melodía conducida por el piano y voces, masculina o femenina. La
música también puede ser ejecutada por otros instrumentos como cello,
violín, acordeón, o trompeta. Visualmente, el dark cabaret podría
defnirse como la combinación entre la estética gótica y la de cabaret.
10.2. CUPLÉ
El cuplé es un estilo musical, ligero y popular, que a veces
puede resultar algo grosero y picante.
Etimología
La palabra viene del francés couplet, que a su vez procede del provenzal
cobla. Cobla signifca pareja de versos. Según el lingüista Émile Littré, la
palabra couplet en el siglo XIX signifcó en la jerga teatral parlamento o
parte hablada. La ortografía couplet se mantuvo en España durante todo
el primer cuarto del siglo XX, hasta que se adoptó la hispanización de
cuplé.
Historia del cuplé en España
Desde el siglo XVII fueron muy célebres en los escenarios
españoles los monólogos cantados por mujeres. Así encontramos, en
primer lugar, la jácara y, ya en el XVIII, la tonadilla. Ambas piezas se
cantaron tanto dentro de obras de más extensión como por separado, y
es aquí donde hemos de buscar el origen del cuplé. A fnales del siglo
XIX, por la infuencia de los espectáculos franceses, se produce una
evolución en las tonadillas tradicionales, y así nace el cuplé. Se dice que
el primero, La Pulga, una traducción de una canción francesa, fue
estrenada por Aurora Bergès en 1893.
Las primeras obras fueron de tono picante, sicalíptico, como se dijo
entonces, si bien, ya en 1911, la aparición en escena de La Goya provocó
un cambio en este tipo de obras, que se volvieron más decentes,
convirtiéndose entonces en un espectáculo para todos los públicos, no
542

MÚSICA DE VARIEDADES
como antes, durante el periodo 1893–1911 —en que se denominó a este
tipo de teatro «género ínfmo»—, cuando las representaciones eran,
normalmente, sólo para hombres. Con La Goya, como decimos, los
«géneros ínfmos» pasaron a convertirse en «teatro de variedades».
Con el paso del tiempo los cuplés comenzaron a pasar de moda,
y nacieron otras formas de espectáculo de variedades, como la revista,
que empezará a triunfar en los años treinta, con títulos de tanta
relevancia como Las Leandras, en 1931. Terminada la Guerra Civil, el
nuevo orden político prohibirá el cuplé como espectáculo, pero
sobrevivió enmascarado en las representaciones de varietés a lo largo de
todo el franquismo.
El cuplé político en España
En el año 1868 nace en España otro género musical de teatro:
la revista política. Se trata de representaciones en que se ponen de
manifesto una serie de acontecimientos sucedidos en el año en curso. En
la representación estaban intercalados unos números musicales cuyo
tema tiene que ver con el tema de dicha representación y que por lo
general son críticas de la vida política acontecida. Nace de esta forma el
cuplé político. Son canciones sarcásticas que proceden del sector liberal y
en las que sus oponentes los conservadores son un blanco muy atractivo.
Se hacen enseguida muy populares. Los bandos de Villafrita, Las grandes
fguras, La gran vía, El año pasado por agua, Los presupuestos de
Villapierde son algunas de las obras más populares del siglo XIX.
ºUna de las obras más famosas fue la titulada La Marsellesa con libreto
de Miguel Ramos Carrión (autor de la popular zarzuela española Agua,
azucarillos y aguardiente) y música de Caballero, estrenada en diciembre
de 1876. En uno de sus cuplés se dice:
Yo quiero ver cien nobles
colgados de un farol
racimo que en un día
vendimie la Nación…
También en ciertas zarzuelas como La Gran Vía hay cancionescuplés
cuya letra y música obtienen rápidamente un gran éxito y que son
difundidas por el público. El coro de calles y plazas dice:
Van a la calle de Peligros
los que oprimen al país
543

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
y a la del sordo va el Gobierno
que no quiere oír.
Este cuplé político es una importación de Francia donde fue
muy popular desde 1770 y después durante la Revolución.
Intérpretes
Tradicionalmente han sido siempre mujeres, aunque hubo
excepciones desde sus comienzos ya que las zarzuelas arrevistadas
llevaban cuplets que cantaban los cómicos,y en la época actual (siglo
XXI) pueden estar interpretados también los cuplés por hombres y sobre
todo por travestis. Suelen ser actrices con voz de tiple, añadiendo una
buena fgura y rodeadas de una fama de vida desordenada, de lujos y de
aventuras. En un principio tenían el nombre de tonadillera, apelativo
que subsistió hasta el siglo XX junto con el de cupletista.
Cupletistas españolas
A fnales del siglo XIX, con la llegada del music-hall y otros
salones, los empresarios montaron nuevos espectáculos con artistas
españolas. El empresario Eduardo Montesinos tradujo del italiano un
cuplé titulado La pulga que estrenó la cupletista Pilar Cohen con un
éxito arrollador y que más tarde interpretarían otras artistas famosas
también. El recuerdo de este cuplé duró hasta fnales del siglo XX.
Otra cupletista famosa sobre todo durante los años de la
Primera Guerra Mundial fue La Chelito, también intérprete del citado
cuplé. Después de la Primera Guerra Mundial, las intérpretes del cuplé
eligieron temas menos pícaros y más románticos. Es el momento en que
convive el término de cupletista con canzonetista y tonadillera. La mejor
intérprete de este momento es Raquel Meller que empezó a actuar en
1908. No sólo en salas y cabarés sino en los mejores escenarios del
mundo. Desde 1920 hasta 1936 fue la artista más famosa y con mejor
sueldo del momento, se dice que por encima de Maurice Chevalier y de
Carlos Gardel. Las crónicas de la época cuentan que era tal su
importancia que se llegó a despejar la vía del tren cuando ella viajaba en
este medio, que llevaba tres cocineros en su séquito y un equipaje de
cientos de baúles. Era invitada y huésped de reyes. Sus éxitos más
famosos fueron El relicario y La violetera.
544

MÚSICA DE VARIEDADES
Pastora Imperio fue otra intérprete española de gran fama, rival de
Raquel Meller. Era andaluza. En su estilo y en sus canciones se adivina
ya el género de la copla.
El cuplé en Madrid
Hacia los últimos años del siglo XIX en Madrid, el teatro
musical está en pleno auge. Existen en ese momento once salas que se
dedican a este género, entre ellas Apolo, Zarzuela y Eslava. Zarzuelas y
sainetes hacen las delicias del público madrileño. Pasados algunos años,
estos géneros van decayendo y son sustituidos por los cuplés y las
variedades. En las variedades están incluidos los números de cuplés
interpretados por artistas que llegaron a tener mucha fama en Madrid y
en el resto de España y algunas en diversos puntos del extranjero.
En la plaza del Carmen de Madrid había por entonces un
frontón que su dueño transformó en local de variedades, llamándolo
Gran Kursaal. Allí acudía la bohemia de aquellos tiempos formada por
escritores, pintores, trasnochadores, etc. Las artistas del local eran la
Fornarina, la Argentina, Pastora Imperio y Mata-Hari. También había
una muchachita joven que por entonces actuaba de simple telonera,
llamada Anita Delgado. Esta muchacha llegaría a ser la maharaní de
Kapurtala.
Aquellos cuplés cantados en aquellos locales de variedades eran
muy atrevidos para la moral de la época, califcados como sicalípticos es
decir la «pornografía» del momento, siempre teniendo en cuenta la
moral y las costumbres de entonces. También empezó a llamarse género
ínfmo a este tipo de espectáculos. Junto con el Kursaal se abrieron el
Salón de Madrid y el Trianón Palace. En uno de estos locales fue donde
se dio a conocer el cuplé de Retana y Yust titulado Un paseo en auto,
interpretado por la Chelito, una de cuyas estrofas era coreada y
memorizada por el público madrileño:
Tanto sufría yo
al mirar que el ahogo
no lograba que aquello marchara,
que por fn me arriesgué
y al muchacho ayudé
para que su motor funcionara.
545

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
10.3. MUSIC HALL
El music hall fue una forma de espectáculo muy popular en
Gran Bretaña entre 1850 y 1960, pero que luego entró en decadencia. El
término puede referirse a:
-Una forma particular de espectáculo con una mezcla de
canción popular, comedia y baile. El music hall británico es similar al
vaudeville americano y a la revista española presentando entusiastas
canciones y actos cómicos.
-El teatro u otro lugar en donde se desarrolla dicho espectáculo.
-El tipo de música popular asociado normalmente con dichas
presentaciones.
Orígenes y desarrollo
El interior del Canterbury Hall, abrió el año 1856 en Lambeth,
Londres y tuvo sus orígenes en el espectáculo ofrecido en bares de estilo
o pubs de los años 1830. Estos lugares reemplazaron los
entretenimientos semirrurales de ferias tradicionales y jardines
suburbanos de placer tales como Vauxhall Gardens y los Cremorne
Gardens. Estos últimos fueron desplazados por el desarrollo urbanístico y
perdieron su popularidad.
El Hall era una sala en el bar donde se ejecutaba canto, baile,
drama o comedia, previo pago de una admisión. El Hall más famoso de
Londres de los más antiguos era el salón Greco en Te Eagle, City Road,
el cual aún es famoso en estos días por una canción de cuna inglesa, con
una misteriosa letra.
Arriba y abajo de City Road
Dentro y fuera de Te Eagle
Esa es la forma en que se mueve el dinero
Popular es la comadreja.
Otros como las salas "song and supper" incluían la de Evan en
el Covent Garden, el Coal Hole en Te Strand, el Cyder Cellars en
Maiden Lane, Covent Garden y el Salópiedrn Mogul en Drury Lane. El
music hall como lo conocemos, se desarrolló a partir de tales
establecimientos en los años 1850 y fue construido encima y en los
sótanos de los pubs. Algunos Music halls famosos construidos en esa era
son:
El Middlesex, Drury Lane (1851) - levantado en el lugar del Mogul
Saloon.
El Canterbury, Westminster Bridge Road, Lambeth (1856).
546

MÚSICA DE VARIEDADES
Wiltons, Wellclose Square in the East End (1856). - constituye en la
actualidad el Music Hall más antiguo del mundo
Weston's en Holborn (1857) - erigido en el lugar del Seven Tankards y
Punch Bowl Tavern.
Te Oxford, Oxford Street (1861) - construido en el sitio de un lugar de
entrenamiento llamado Boar and Castle.
El London Pavilion (1861).
Deacons en Clerkenwell (1862).
Collins en Islington (1862).
Teatro de variedades
Luego, una nueva era de 'teatro de variedades' y edifcios de
gran envergadura fue preconizada por el nuevo Pavilio de Londres en
1885. De acuerdo a Charles Stuart y a A.J. Park en su clásico Te
Variety Stage (1895):
Hasta ahora los halls han dado indudable evidencia de sus
orígenes, pero los últimos vestigios de sus viejas conexiones fueron
dejados de lado y emergieron en todo el esplendor y su renacida gloria.
Los mayores esfuerzos del arquitecto, el diseñador y el decorador fueron
puestos a su servicios y el music hall del pasado renunció al apelativo de
'teatro de variedades' de hoy en día, con sus clásicos exteriores de
mármol y piedra, su auditorio pródigamente fjado y sus elegantes y
lujosos vestíbulos, así como vastamente iluminados pasillos por miríadas
de luces eléctricas.
Uno de los más grandes nuevos halls fue el Coliseum Teatre
construido por Oswald Stoll en 1904 al fnal de la calle St Martin's Lane.
El cual fue seguido por el London Palladium (1910) en Little Argyll
Street. Como el Music hall creció en popularidad y respetabilidad, la
distribución original de un hall grande con mesas en que se servían
copas, cambió a un auditorio sin bebidas. La aceptación del Music hall
como una forma cultural legítima fue sellada por la representación
realizada ante el rey Jorge V en 1912 en el Palace Teatre. Sin embargo,
a objeto de mantener su respetabilidad, la estrella de music hall del
momento Marie Lloyd no fue invitada dado su carácter 'picante' a los
ojos y oídos de la monarquía.
La presión por conseguir mayores sueldos para los autores de
music hall llevó a la aplicación de la ley de propiedad intelectual a las
composiciones musicales. Esta situación fomentó la industria de
grabación de música y las ventas de música en fonogramas. El término
Tin Pan Alley, para la industria de publicación de la música ganó
547

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
adeptos entre editores rivales. Los editores musicales de la época como
Bill Feldman, Francis and Day, etc. eran compañías grandes y
extremadamente rentables. Ellos vendieron el derecho de cantar
canciones a artistas particulares, y ninguna otra persona tenía el derecho
de cantar las canciones en público.
Alistamiento
La Primera Guerra Mundial es considerada por muchos como
el punto álgido de la popularidad del music hall. Los artistas y
compositores se lanzaron a dar apoyo público y expresaron su
entusiasmo por los esfuerzos realizados en pro de la guerra. El Music hall
patriótico con composiciones como Keep the Home Fires Burning, Pack
up Your Troubles, It's a Long Way to Tipperary y We Don't Want to
Lose You (but we think you ought to Go), fueron cantados por los
soldados en las trincheras y por las audiencias en casa.
Muchas canciones promovían el alistamiento (All the boys in
khaki get the nice girls, todos los hombres de caqui tienen chicas lindas);
otras satirizaban elementos particulares de la experiencia de guerra. What
did you do in the Great war, Daddy criticó a los usureros y gandules; la
canción de Vesta Tilley llamada I've got a bit of a blighty one describía a
un soldado fascinado de haber sido seriamente herido y enviado a casa.
Las rimas forzadas daban una sensación de humor negro (When they
wipe my face with sponges/ and they feed me on blancmanges/ I'm glad
I've got a bit of a blighty one: Cuando limpian mi cara con esponjas y
me pegan la sarna, estoy feliz de estar un poco infectado)
El Music hall continuó durante los años 1920s, 1930s y 1940s,
pero no como la única forma dominante de entretenimiento popular en
Gran Bretaña. La llegada de la radio y la baja en los precios del
gramófono, lo dañaron enormemente. Ahora tenía que competir con el
jazz, el swing y la música de baile de las ‘Grandes Bandas’, así como con
el cine. A pesar de ello, el music hall dio origen a grandes estrellas, tales
como George Formby, Gracie Fields, Max Miller y Flanagan y Allen
durante este período.
Decadencia
Después de la Segunda Guerra Mundial, la competencia de la
televisión y otros géneros musicales, como el Rock and Roll, llevó a la
lenta desaparición de los music halls, a pesar de algunos intentos
desesperados de retener a la audiencia mediante actos desnudistas. El
548

MÚSICA DE VARIEDADES
golpe fnal vino cuando Moss Empires, la cadena más grande de Music
Hall británica, cerró la mayoría de sus teatros en 1960. De todas formas
la puesta en escena y películas musicales continuaron siendo
infuenciadas por el idioma del music hall. Oliver!, Dr. Dolittle, My Fair
Lady y muchos otros musicales mantenían fuertes raíces en el music hall.
La serie de la BBC, Te Good Old Days, que duró treinta años, recreaba
el music hall para la audiencia moderna y el Paul Daniels Magic Show
contenía varios actos especializados, cuya presencia en televisión se
prolongó desde 1979 a 1994. Enfocado a una audiencia más joven, pero
aún conservando mucho del music hall estaba también el Show de los
Muppets.
10.4. VODEVIL
El vodevil (del francés vaudeville) fue un género de teatro de
variedades que existió en EE. UU. principalmente entre los años 1880 y
1930. Se conoce también como vodevil a un tipo de comedia ligera que
se desarrolló en Francia a partir del siglo XVIII y que solía intercalar
números musicales. El vodevil americano presentaba una gran variedad
de actuaciones que pretendían entretener y provocar la hilaridad o el
asombro en el espectador, incluidos espectáculos musicales, danza,
espectáculos de comedia, espectáculos con animales entrenados,
espectáculos de magia, acrobacia, cine (presentación de cortometrajes y
canciones ilustradas), malabarismo, obras teatrales de un acto,
pantomimas y demostraciones atléticas.
Etimología
El término vaudeville surge de la expresión en francés voix de
ville (voz del pueblo) utilizada para identifcar las baladas y cánticos
populares interpretados por los juglares en la Edad Media. Otro posible
origen del término se relaciona con la localidad francesa Vau de Vire
(valle de Vire), un valle situado en la frontera de Normandía en el que
las canciones populares se convirtieron en un icono del lugar. Las
canciones compuestas en Vire se les llamó voix de Vire (voz de Vire).
El término actual que refere al espectáculo, vaudeville, surge de
varias alteraciones lingüísticas a través de la evolución de la lengua
francesa. El término como tal se empieza a utilizar en América para
designar al género de la comedia alrededor de 1871, y es sacado del
nombre de una compañía llamada Sargent's Great Vaudeville Company
of Louisville, Kentucky. La adaptación hispana del término francés es
vodevil.
549

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Historia
El origen del vodevil en Francia está en el enriquecimiento de la
comedia teatral mediante letras cantadas usando melodías populares
(vaudevilles). En EE. UU. su origen es diferente y se enmarca en la línea
de otros espectáculos de variedades como los music halls, music saloons,
freak shows, espectáculos de burlesque, nickelodeons, dime museums,
shows de minstrel y circos.
En tiempos de la Guerra de Secesión estadounidense, los
espectáculos viajeros como los circos y los dime museums (museos que
presentan objetos raros, animales exóticos o personas con anomalías
físicas a cambio de un dime) eran populares entre la población por
representar una gran novedad al presentar actos sorprendentes, animales
exóticos, objetos extraños y personas con capacidades únicas o con
anomalías físicas. En las primeras décadas del siglo XIX surgieron los
teatros callejeros y circos que mostraban la actuación de obras clásicas,
rutinas de acrobacia y demostraciones atléticas a cambio de unas cuantas
monedas; los espectáculos eran viajeros y recorrían gran parte del país
haciendo sus presentaciones. En la mitad del siglo XIX surgen
espectáculos enfocados a la audiencia adulta en los que se presentaban
rutinas cómicas con contenido sexual, tales como los espectáculos de
cabarés y espectáculos de burlesque. El minstrel, un espectáculo en el que
personas blancas que se caracterizaban como negros para hacer rutinas
acrobáticas, se populariza en las primeras décadas del siglo XIX. El
surgimiento y popularidad de los espectáculos de entretenimiento
ocasionó el mayor auge del show business en la historia.
Se reconoce que el vaudeville surgió en octubre de 1881,
cuando el empresario Tony Pastor abre por décima cuarta ocasión su
teatro callejero en la ciudad de Nueva York adaptado al gusto familiar y
auto declarado como "el primer teatro de vaudeville en Nueva York,
abastecido de buen gusto", esperando obtener una respuesta del público
femenino. Los espectáculos anteriores de Pastor eran únicamente
orientados al público masculino por presentar humor crudo y obsceno,
considerado en la época como no apto para mujeres.
El vaudeville marcó una gran transformación en la cultura
estadounidense convirtiéndose en uno de los espectáculos más populares
entre la población, ya que abandonaba completamente el conservador
estilo de vida de la Era Victoriana al sexualizar cualquier tipo de
espectáculo y convertirlo en una razón a favor para consumo, siendo
comparado así con los espectáculos de burlesque y cabaré. La utilización
de mujeres envueltas en actos y rutinas sexuales para la promoción del
550

MÚSICA DE VARIEDADES
vodevil y el recurrir a imágenes de mujeres en carteles y volantes que
atraían principalmente al público masculino, transformaron las técnicas
de mercadeo. Los medicine shows mostraban productos que alegaban ser
elixires milagrosos en ferias y teatros de vodevil, siendo el principio del
desarrollo económico de varias empresas de productos alimentcios,
cigarros y cosméticos. Algunas empresas como Coca-Cola y Nabisco
surgieron en medicine shows.
Pérdida de popularidad
Muchos establecimientos que ofrecían espectáculos teatrales
comienzan a desaparecer en los primeros años de la década de 1930.
Debido a la Gran Depresión en 1929, Estados Unidos y gran parte del
mundo queda en crisis económica, arruinando por completo el estilo de
vida de los años anteriores en el período conocido como los Felices años
veinte, en el que se gozaba de abundancia económica. Debido a la crisis
económica, muchos magnates y grandes empresarios que tenían entre sus
posesiones este tipo de establecimientos que ofrecían entretenimiento,
tuvieron que abandonar sus propiedades.
Cuando Estados Unidos se recuperó de la crisis unos años
después, comenzó la tecnologización del país al introducir nuevos
productos domésticos que superaban los aparatos utilizados en décadas
anteriores. La radio y la televisión se convierten en elementos esenciales
para el estilo de vida, lo que contribuyó al rápido descenso del vodevil.
10.5. REVISTA
Revista (francés: Revue) es un subgénero dramático de la
comedia que se desenvuelve en un tipo de espectáculo que combina
música, baile y, muchas veces, también breves escenas teatrales o sketches
humorísticos o satíricos. La revista combina elementos dramáticos del
burlesque, el vaudeville, la extravaganza y la comedia musical, pero se
distingue de todos ellos anteriores por su carga erótica y simpleza
dramática. Como en la opereta y el musical, la revista fusiona música,
baile y textos en una función, aunque sin un hilo argumental.
Historia
La revista es un subgénero de la comedia que surge de
espectáculos similares concentrados en el llamado show business del siglo
XIX, en los que se concentraban otros tipos de entretenimiento público
como el burlesque, el vaudeville, la extravaganza, el travesty, el cabaret, el
551

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
music hall y el minstrel; espectáculos dramáticos y satíricos enfocados al
entretenimiento, en los que se parodiaban diversos fragmentos de obras
clásicas y se hacía un burlesque de temas sociales como el
comportamiento de la aristocracia, el código de etiqueta y la indignación
popular. Todos estos espectáculos son principalmente ubicados en
América a mediados del siglo XIX, entre los años de la Guerra de
Secesión.
El género de revista toma diversos elementos de espectáculos
enfocados al público masculino adulto, destacando el burlesque y el
cabaret. El burlesque, el cabaret y el vaudeville se caracterizaban por
incluir entre sus números teatrales, algunos espectáculos dedicados a la
clientela masculina heterosexual en los que se recurría a la representación
de escenas eróticas en las que participaba el elenco femenino. Como un
tipo de marketing, los espectáculos eran promocionados con imágenes
eróticas en las que aparecían mujeres.
El género de revista teatral se desarrolla entre los años de 1890,
y era originalmente una colección de breves presentaciones dramáticas,
canciones y rutinas de danza, similares a las de un espectáculo de
variedades, pero todas ligadas con un argumento o tema específco. Los
espectáculos eran distinguidos por incluir diversas representaciones
satíricas y números dramáticos acompañados por piezas musicales de jazz
y ragtime, en las que frecuentemente se incluía la participación de canto
de un miembro del elenco. La revista del siglo XIX consolidó diferentes
números que requerían de vestuarios ostentosos, coloridos y con una
estética famboyant.
Época de oro (1920-1940)
En las primeras décadas del siglo XX, diversos espectáculos de
music hall comenzaron a incluir en sus programas el género de revista.
Aparecieron distintos espectáculos como el In Dahomey en 1903,
espectáculo inglés que se distinguió por tener un elenco teatral formado
completamente de afrodescendientes.
Entre la década de los años 1920, la postguerra (Primera
Guerra Mundial) y la prosperidad económica de Estados Unidos (Te
Roaring Twenties), el género de revista se convierte en un perfecto
entretenimiento entre la población. Su popularidad fue tal, que se le
llamó la Época Dorada del Revue, período comprendido entre los años
1930 y los años 1940.
Los espectáculos de revista del siglo XX, ya incluían diferentes
argumentos eróticos, números musicales, una mayor producción y
552

MÚSICA DE VARIEDADES
diferentes elementos que lo convierten en lo que es ahora. Los
espectáculos de revista eran frecuentemente presentados en teatros, casas
de burlesque y cabarets alrededor de América y Europa, predominando
en países como: Estados Unidos, Inglaterra y Argentina. Las
producciones del revue se comenzaron a centrar en un personaje
femenino específco, interpretado por una actriz renombrada de gran
belleza y talento, tal celebridad era llamada vedette. En la época dorada
de la revista se concentraron diferentes espectáculos, entre los cuales se
reconoce principalmente los producidos por Charles Cochran y André
Charlot.
10.6. EASY-LISTENING
Easy-listening (pronunciación en inglés: /ˈizi ˈlɪsənɪŋ/) es un
término adoptado de la lengua inglesa (en la que signifca ‘fácil escucha’
o ‘audición fácil’) con el que se designa un tipo de música popular que se
caracteriza por tener melodías simples, pegadizas y relajadas, con
armonizaciones sencillas e instrumentación poco llamativa. Este estilo
musical, surgido a partir de la década de 1950, evolucionó a partir de la
música swing y la compuesta para Big Band. El género easy listening es
también un formato de radio, e incluye dos tipos diferentes de música: la
instrumental y la vocal.
Cabe señalar que, en ocasiones, el término easy-listening se
utiliza en un sentido más amplio que va más allá sus propios límites
como género e incluye otros géneros como: soft rock, pop tradicional,
canción melódica, ciertas formas de jazz o la música nueva era.
Existen varios subgéneros dentro del easy-listening, algunos de
los cuales se consideran a veces como un género aparte o bien como
denominaciones alternativas: Lounge music (‘música para vestíbulo’) o
core lounge, muy relacionado con el jazz, pop orquestal, mood music
(música ambiental), música de ascensor, elevator music (en Estados
Unidos), lift music (en Reino Unido), muzak, más peyorativo, aunque
Muzak se refere específcamente a la música producida y programada
para lugares públicos por la Muzak Corporation, y no es un género
musical en sí mismo., beautiful music (‘música hermosa’). Al ser un
formato de radio, tiene estándares rígidos de instrumentación (por
ejemplo: poco o nada de saxo) y restricciones acerca de cuántas obras
vocales se pueden emitir por hora. A veces se la llama Nostalgia music.
background music (música de fondo)
En ciertos ámbitos, la música easy listening es considerada
kitsch (de dudoso gusto).[cita requerida]
553

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Frecuentemente las canciones de easy listening son versiones
instrumentales de canciones populares de todos los tiempos. El formato
de radio «easy listening» ha sido casi completamente reemplazado por el
formato Lite AC (forma coloquial de adult contemporary music: música
contemporánea para adultos).
554

11
WORLD MUSIC

WORLD MUSIC
11. WORLD MUSIC
El término World Music (en español, músicas del mundo) hace
referencia a la etiqueta comercial creada a fnales de los años 80 que
engloba un amplio elenco de géneros musicales, tanto tradicionales como
no tradicionales, de todas partes del mundo. El concepto de World Music
es muy amplio y no está cerrado, por lo que los límites entre lo que es y no
es World Music no son claros. La defnición generalizada es que la World
Music se compone de músicas no occidentales o músicas occidentales
tradicionales o fusionadas con otros estilos no occidentales. Este concepto
trata de diferenciar la música comercial Occidental del resto de músicas.
Origen de la etiqueta comercial
La comercialización de las músicas del mundo comienza en los
años 30 y se desarrolla de forma eventual y progresiva hasta fnales de los
70. Es en esta década y en su consecutiva cuando algunos etnomusicólogos
comienzan a utilizar el término World Music para describir toda la música
de la gente del mundo. Fue en los 80 cuando la World Music fundó su
propia línea dentro del currículo de la educación ofcial y terciaria, como
resultado de la percepción de la necesidad de estudiar toda la música
existente en el mundo Esa época se caracteriza por presentar una crisis
creativa de la industria musical que desemboca en una apertura de escucha
por parte de los occidentales hacia el resto del mundo. Las discográfcas
aprovecharon este boom para crear una nueva etiqueta que englobara
todas esas músicas que el público estaba ansioso por escuchar. Por todo
ello, la aparición de un gran número de discográfcas independientes que
vendían un producto sin nombre propio convergió en el famoso concilio
que dio a luz a la etiqueta World Music: En el año 1987 se reunieron una
serie de discográfcas independientes, promotores de conciertos, locutores
y demás personas dedicadas a la propagación en Gran Bretaña de música
de todo el mundo. El objetivo de aquello era aumentar las ventas de una
música con cada vez mayor popularidad, especialmente la música de
África, pero también músicas de otras partes del mundo.
Problemática terminológica
El término World Music corre el riego de confundirse con el
concepto anterior de músicas del mundo. Aunque las fronteras no están
del todo clara, hay que diferenciar entre lo que son las músicas del mundo,
que no tienen por qué estar ligadas a ningún circuito comercial, con la
557

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
World Music, que es una forma concreta de denominar a las músicas que
se encuadran dentro de esta corriente. La razón por la que las discográfcas
optaron por este término a pesar de su contradicción fue el propósito de
persuadir a los consumidores para que se diferenciasen de la música del
mainstream (corriente principal) como el pop y el rock.
La música de la World Music-La ambigüedad de la etiqueta
Ver la World Music como un género que comparte rasgos
estilísticos, rítmicos, armónicos, etc., es inviable. La clasifcación de esta
etiqueta no devino de criterios musicológicos sino que su funcionalidad
fue diferenciar quién hacía la música: El Primer Mundo o el Tercer
Mundo. El concepto de World Music ayuda a reforzar la distinción entre
Primer y Tercer mundo. Sabemos que ambos están diferenciados por una
distribución descompensada de la riqueza, y también los diferenciamos
por un distinto tipo de producción simbólica, en este caso musical. Por lo
tanto, los géneros de la World Music no se diferencian por compartir
parámetros musicales sino por compartir una simbología creada desde el
mundo occidental. Esta norma está determinada por el tipo de mensaje
que se quiera dar del producto, generalmente relacionada con el origen
geográfco de los intérpretes y de su música.
Los géneros de la World Music
Las músicas que representan esta etiqueta no son una
representación de la expresión musical no occidental sino el resultado del
contacto entre músicos que interpretan géneros que no se encuentran
dentro del mainstream (músicos no occidentales o músicos occidentales
que interpretan músicas de raíz o fusionadas) con el mercado discográfco
occidental. Esto conlleva un conjunto de estrategias e inversiones propias
del mundo discográfco, como tablas de ranking y premios (como
Billboard, Grammys, BBC awards, etc.) que determinan qué géneros
representan más la etiqueta de World Music. La clasifcación y análisis de
la World Music tiene una tendencia nacionalista. La manera de clasifcar
los géneros continúa privilegiando la nación en lo que parece ser el espacio
más estable en el mapa de las músicas del mundo. La Rough Guide de
World Music, el compendio más utilizado mundiales de estilos musicales,
toma la nación como principio de organización, con el lector de girando
por la industria discográfca mundial, girando las páginas de nación en
nación.
Del mismo modo, la denominación World Music depende del
558

WORLD MUSIC
lugar en el que se encuentre la persona que lo defna. Un ejemplo claro lo
vemos con la rumba famenca, entendida en España como música
española. Sin embargo, a ojos de algunas discográfcas internacionales, la
rumba famenca puede venderse como género de World Music, al tratarse
de una música tradicional que no es tendencia en el extranjero.
En muchas ocasiones, el propósito de la escucha de World Music
es la evocación de los rasgos del lugar representado por la música que se
oye. El llamado turismo sónico ofrece escuchar músicas de todo el mundo
y envolverte en su cultura: La posibilidad de un viajar sin la necesidad de
salir de la propia casa, y sin la molestia de los confictos de lo local.
Artistas que se engloban dentro de la World Music
Amadou & Mariam, Abdelli, Afro-celt Sound System, Ali Farka Touré,
Andy White, Ayub Ogada, Bhundu boys, Coco Mbassi, calle 13, Cheb,
Mami, Dead Can Dance, Dobet Gnahoré, DAM, Dulce Pontes, Dulsori,
Farafna, FUN-DA-MENTAL, Gabriel Levy, Guo Yue, Geofrey Oryema,
Hijas del Sol, Imelda May, Khaled, Kiko Veneno, Kila, Ladysmith Black
Mambazo, Lila Downs, Los Fakires, Mariem, Hassan, Marlui Miranda,
Mory Kanté, Nneka, Ojos de Brujo, Oysterband, Papa Wemba, Peter
Gabriel, Petrona, Radio Tarifa, Ravi Shankar, paccanapoli, piro, Salif
Keita, Sheila Chandra, Susana Baca, Shikisha, Sally Nyolo, Shooglenifty,
Tania Libertad, Toumast, Tinariwen, Temple of Sound, Teoflo Chantre,
Tambores de Burundi, Te Chieftains, Transglobal Underground,
Tenores Di Bitti, Totó la, Momposina, Vera Bila, Waldemar Bastos,
oussou N'Dour, Yungchen Lhamo.
Filosofía promovida desde la World Music
La World Music no es un producto cualquiera. Esta etiqueta
comercial reclama una forma particular de compromiso con la música
tratada y promete una forma particular de experiencia al consumidor.6 En
los años 80 los europeos y americanos era más conscientes que nunca
sobre el hecho de ser parte de una economía global y presentaron más
interés por conocer sobre otras culturas.
La Solidaridad de la World Music
El compromiso de la World Music se centra especialmente en la
lucha contra el hambre y por los derechos humanos de los países del
Tercer Mundo. Tanto el público como las discográfcas y sus artistas
559

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
trabajan para hacer de la World Music un vehículo para mejorar la
sociedad. Ya sea desde proyecto personales de músicos que se
comprometen con su tierra, ya sean aspiraciones más multitudinarios
como conciertos y festivales enfocados a este fn, el entorno que rodea esta
etiqueta intenta mostrar la apertura a otras culturas, la solidaridad y el
respeto como pilares conectados a su música.
Festivales de música
Los festivales de World Music representan el formato más
característico de promoción de su música. En concreto, el festival
WOMAD es considerado la representación por excelencia de la World
Music en forma de festival. Estos eventos sociales tratan de hacer que sus
visitantes experimenten la flosofía de la World Music, programando un
perfl de festival que no sólo se compone de conciertos sino que cuida por
realizar un entramado de talleres que promuevan de forma directa o
indirecta estos valores.
Algunas problemáticas en torno a la World Music
Exotismo descontextualizado
Una de los reproches que más se hacen a esta etiqueta comercial
critica la forma en la que las discográfcas operan con la información
referente a la música y su contexto social. El formato descontextualizado
en la que se presentan ciertas músicas de la World Music, intenta mostrar
lo que se ajusta al modelo que se quiere vender y trata de obviar otra
información. Esta estrategia, presente en cualquier otro producto, es
criticado por algunas voces actuales, opinando que se desarrolla un
concepto de lo exótico poco creíble, basado en un imperialismo cultural.
El consumidor disfruta de una música bajo unos estereotipos marcados
que en ocasiones pueden estar muy alejados de la realidad.
Occidentalización musical
El hecho de que la World Music haya promovido en intercambio
musical ha sido reconocido a nivel mundial. No obstante, existe cierto
recelo a la tendencia global que occidentaliza culturas musicales en
detrimento de las músicas que se están abandonando. Por una parte, se
crean géneros nuevos fruto de la fusión, pero a su vez se atisba una
tendencia a modifcar músicas hacia los lenguajes occidentales
560

WORLD MUSIC
(occidentalización), ya sea a consciencia (para conseguir más ventas) o de
forma espontánea. Esto está visto de forma negativa por ciertos círculos y
es tema debate no sólo en la World Music sino también en ámbitos de
índole no musical.
11.1. MÚSICA OCCIDENTAL
MÚSICA FOLK
Música folk es un término de origen anglosajón utilizado en
lengua castellana generalmente para referirse a la música folclórica
moderna. En algunos contextos, por infuencia del sentido en lengua
inglesa de la folk music, su signifcado se extiende a toda la música
folclórica, tanto la tradicional como la más moderna basada en aquella.
Los artistas de folk pueden emplear temas musicales folclóricos
ya existentes haciéndoles un arreglo musical o bien tomar simplemente el
estilo y crear sus propios temas originales. Es también característico de la
música folk emplear instrumentos típicos de cada región, como puede ser
el banjo, el violín o la armónica en Estados Unidos, el violín, bodhrán y el
tin whistle en Irlanda, la gaita en Escocia, Galicia o Asturias, el acordeón
en Francia o en Italia, la gralla y la dulzaina en Valencia y Cataluña, la
trikitixa en el País Vasco, la zampoña en Perú, Colombia o Ecuador, etc.
Etimología
El término folk, así como música folk o danza folk, es un
término más bien reciente. Algunos informes hablan de “folklore” como
un término que el inglés William Toms utilizó, en 1846, para describir
las tradiciones, costumbres y supersticiones de las clases incultas. El
término derivaría de la expresión alemana Volk, que signifca “el pueblo
como un todo”. Fue aplicado por Johann Gottfried Herder a la música
popular y nacional un siglo antes.
Orígenes y desarrollo
La música folk como movimiento dentro de la música popular
moderna surgió en EE. UU. en los años 1950 y 1960, tomando como
base la música tradicional (música folclórica) que había sido traída al
nuevo continente por los inmigrantes europeos. Posteriormente este
movimiento tendría lugar también en otros países.
Con unos contenidos a menudo sociales y de protesta política en
sus canciones, la música folk norteamericana se tocó en sus primeros
561

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
tiempos con instrumentos acústicos, pasando en los años 1960 a
incorporar con frecuencia instrumentos eléctricos en lo que se conoce
como folk-rock. Representantes destacados de esta corriente son Bob
Dylan y Joan Báez.
La música folk tuvo su eco en Europa y Latinoamérica a partir de
fnales de los años 1960, en dos corrientes claramente diferenciadas:
- la canción de autor, afín a la corriente norteamericana de
canción protesta y que más tarde se abrió otras temáticas más líricas, con
un mayor énfasis en el contenido de las letras que en los aspectos
musicales.
- la música folclórica contemporánea, enfocada en recuperar y
adaptar la música tradicional folclórica a los nuevos tiempos, con especial
atención a la música instrumental. Esta corriente es la que más se asocia en
la actualidad con el concepto (en español) de música folk.
Entre las diferentes vertientes de la música folk según países y
regiones, la que más repercusión y alcance internacional tiene en la
actualidad es la correspondiente a las llamadas naciones celtas, cuya
música folk —a veces adornada con infuencias new age— se conoce
como música celta.
El concepto de música folk se asocia principalmente con los
países occidentales (Europa y América). Cuando se quiere hacer referencia
al conjunto de músicas folk de distintos lugares del mundo se emplea
normalmente el nombre genérico de «world music» o «músicas del
mundo».
Principales grupos y artistas
Se presenta a continuación una lista grupos y artistas destacados
de la música folk, entendida como música folclórica contemporánea.
En España: Jarcha, Andalucía. La Ronda de Boltaña, Aragón.
José Ángel Hevia, Asturias. Llan de Cubel, Asturias. Felpeyu, Asturias.
Nuberu, Asturias. Xosé Ambás, Asturias. La Compañía, Castilla.
Aguaviva, Castilla. Nuestro Pequeño Mundo, Castilla. Nuevo Mester de
Juglaría, Castilla. Gandalf, Castilla y León. Joaquín Díaz González,
Castilla y León. Oskorri, Euskadi. Kepa Junquera, Euskadi. Carlos Núñez,
Galicia. Luar na Lubre, Galicia. Milladoiro, Galicia. Emilio Cao, Galicia.
Azarbe, Murcia. Al Tall, Valencia.
En otros países: Huldreslåt, Argentina - Suecia. Gwendal,
Bretaña, Francia. Alan Stivell, Bretaña, Francia. Tri Yann, Bretaña,
Francia. Dan Ar Braz, Francia. Loreena McKennitt, Canadá. Manuel
García, Chile. Nano Stern, Chile. La Montaña Gris, Colombia.
562

WORLD MUSIC
Wolfstone, Escocia (Reino Unido). Te Weavers, Estados Unidos.
Värttinä, Finlandia. Te Johnstons, Inglaterra (Reino Unido). Te
Chieftains, Irlanda. Te Dubliners, Irlanda. Planxty, Irlanda. Alborada,
Perú. Lucho Quequezana, Perú.
MÚSICA COUNTRY
Música Country (también llamado country & western o música
campirana) es un género musical surgido en los años 1920 en las regiones
rurales del Sur de Estados Unidos y las Marítimas de Canadá y Australia.
En sus orígenes, combinó la música folclórica de algunos países europeos
de inmigrantes, principalmente Irlanda, con otras formas musicales
afroamericanas ya arraigadas en Norteamérica, como el blues, el bluegrass
y la música espiritual y religiosa, como el gospel. El término country
comenzó a ser utilizado en los años 1950 en detrimento del término
hillbilly, que era la forma en que se le conocía hasta entonces, terminando
de consolidarse su uso en los años 1970.
El country tradicional, se tocaba esencialmente con instrumentos
de cuerda, como la guitarra, el banjo, el violín sencillo (fddle) y el
contrabajo, aunque también intervenían frecuentemente el acordeón (de
infuencia francesa para la música cajún), y la armónica. En el country
moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, como la
guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, los teclados, el dobro, o la steel guitar.
La familia Carter (Te Carter Family) fue la primera en grabar en
disco una canción country, junto a Jimmie Rodgers, consolidando este
género musical con el nombre inicial de "hillbilly", que luego dejaría paso
al de simplemente "country". Ambos infuyeron con sus respectivos estilos
a numerosos cantantes que les sucedieron. En los años 1940 fueron sobre
todo cantantes como Hank Williams los que contribuyeron a su creciente
popularidad. En la década de 1950, la música country adquirió elementos
del rock and roll (el vigoroso "rockabilly" de Johnny Cash, Elvis Presley,
Jerry Lee Lewis, Bill Haley o Buddy Holly), género que por aquel
entonces vivía un enorme auge, y que aportó ritmos y melodías más
desarrolladas. Si bien se pueden escuchar hoy en día toda clase de variantes
del country, el que se combina con el rock, y más recientemente con el
pop, es el que más éxito tiene ante el público masivo.
Así, el término country, actualmente es un cajón de sastre en el
que se incluyen diferentes géneros musicales: el sonido Nashville (más
cercano al pop de los años 1960), el bluegrass (popularizado por Bill
Monroe y Flatt and Scruggs, basado en ritmos rápidos y virtuosísimos,
interpretados con mandolina, violín y banjo), la música de westerns de
563

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Hollywood, el western swing (una sofsticada música basada en el jazz y
popularizada por Bob Wills), el Sonido Bakersfeld (popularizado por
Buck Owens y Merle Haggard), el Outlaw country, cajún, zydeco, gospel,
Old Time (música folk anterior a 1930), honky tonk, rockabilly o
Country neo-tradicional. Cada estilo es único en su ejecución, en el uso de
ritmos y acordes, aunque muchas canciones han sido adaptadas para los
diferentes estilos. Por ejemplo, la canción "Milk cow blues", una antigua
melodía blues de Kokomo Arnold ha sido interpretada en una amplia
variedad de estilos del country, desde Aerosmith a Bob Wills, pasando por
Willie Nelson, George Strait, Ricky Nelson o Elvis Presley El segundo
disco de Taylor Swift ("Fearless") es el disco country más exitoso y
premiado de la historia de la música.
Historia
Vernon Dalhart fue el primer cantante de country en tener un
éxito a nivel nacional (en Estados Unidos, en mayo de 1924, con "Te
Wreck of Old '97"). Otros pioneros importantes fueron Riley Puckett,
Don Richardson, Fiddling John Carson, Ernest Stoneman y los grupos
Charlie Poole and the North Carolina Ramblers y Te Skillet Lickers.
Pero como ya se dijo, los orígenes de las grabaciones del country
moderno (hillbilly) se encuentran en Jimmie Rodgers y Te Carter Family
("La Familia Carter"), que están considerados por ello, los fundadores de
la música country, ya que sus canciones fueron las primeras en ser
registradas en soportes fonográfcos, en la histórica sesión del 1 de agosto
de 1927, en Bristol (Tennessee), donde Ralph Peer ejerció como técnico
de sonido. Es posible categorizar a muchos intérpretes de country
atendiendo a si pertenecen a la rama de Jimmie Rodgers o la rama de la
Carter Family.
Infuencia de Jimmie Rodgers
Jimmie Rodgers incorporó al country el folk (hillbilly). Rodgers
escribió y cantó canciones basadas en baladas tradicionales e infuencias
musicales de sur. Partió de sus propias experiencias vividas en la ciudad de
Meridian (Misisipi) y en la gente pobre que conoció en trenes ("hobos" o
vagabundos), en los bares o las calles, para escribir las letras de sus
canciones. Desde el 26 de mayo de 1953, se celebra en Meridian el festival
"Jimmi Rodgers Memorial" en el aniversario de su muerte.
Personajes patéticos, forajidos, humor, mujeres, whisky,
asesinatos, muerte, enfermedades y pobreza están presentes en sus letras,
564

WORLD MUSIC
temas que han sido tomados y desarrollados por sus seguidores. Músicos
como Hank Williams, Merle Haggard, Waylon Jennings, George Jones,
Townes Van Zandt, Kris Kristoferson o Johnny Cash han sufrido y
compartido el sufrimiento de interpretar sus canciones basados en estos
temas. Jimmie Rodgers cantó sobre la vida y la muerte desde una
perspectiva masculina, un punto de vista que ha dominado en muchas
modalidades de country. Su infuencia ha sido crítica en el desarrollo del
honky tonk, el rockabilly y el sonido Bakersfeld.
Hank Williams
Jimmie Rodgers es una pieza clave en la música "hillbilly", pero
el artista más infuyente de la "rama de Jimmie Rodgers" es Hank
Williams. En su corta carrera (murió a los 29 años) dominó la escena
country, y sus canciones han sido interpretadas por prácticamente todos
los artistas country, tanto hombres como mujeres. Hank tuvo dos
personajes: Hank Williams, el cantautor y "Luke the Drifter", el cantautor
moralista y religioso. La complejidad de estos personajes se refeja en las
canciones más introspectivas que escribió sobre el amor, la felicidad, el
amor y los corazones rotos ("I'm so lonesome I could cry") o las más
optimistas sobre la comida cajún ("Jambalaya") o sobre las típicas fguras
de madera de indios que aparecen en las tiendas de cigarros
estadounidenses ("Kaw-Liga"). Hank Williams llevó a la música country a
otro nivel y la hizo llegar a un público más amplio, inaugurando el estilo
"honky tonk" ("country" de los bares: alcohol, mujeres, y peleas...).
Su hijo, Hank Williams Jr y su nieto Hank Williams III han sido también
grandes innovadores en la música country. Hank Williams Jr. fusiona rock
con outlaw country, mientras que Hank Williams III va más allá, rozando
el psychobilly y el death metal.
Infuencia de The Carter Family
Te Carter Family fue el otro descubrimiento de Ralph Peer. En
sus comienzos formaban el grupo A. P. Carter (voz), su mujer Sara (voz,
arpa y guitarra) y su cuñada Maybelle (guitarra). Desarrollaron una larga
carrera musical. A. P. contribuyó con un montón de canciones y baladas
recolectadas durante las excursiones que realizaba alrededor de su casa en
Maces Springs, (Virginia). Además, al ser un hombre, hizo posible el que
Sara y Maybelle se dedicasen a la música sin que ello supusiese un estigma
para ellas. Sara y Maybelle se dedicaban a realizar arreglos a las canciones
565

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
que A. P. recolectaba, además de escribir sus propios temas. Ellas fueron
las precursoras de toda una serie de cantantes femeninas de country como
Kitty Wells, Patsy Cline, Loretta Lynn, Skeeter Davis, Tammy Wynette,
Dolly Parton, Taylor Swift, Linda Ronstadt, Emmylou Harris o June
CarterCash (hija de Maybelle y posteriormente mujer de Johnny Cash).
Bluegrass
El bluegrass continuó con la tradición de las antiguas bandas de
instrumentos de cuerda estadounidenses y fue inventado, en su forma
original, por Bill Monroe. El término "bluegrass" fue tomado del nombre
de la banda que acompañaba a Bill: Te Blue Grass Boys. La primera
grabación que realizaron fue en 1945: Bill Monroe (mandolina y voz),
Lester Flatt (guitarra y voz), Earl Scruggs (banjo de cinco cuerdas),
Chubby Wise (violín) y Cedric Rainwater (contrabajo). El grupo fue el
referente para todas las bandas de bluegrass que les siguieron. De hecho,
muchas de las primeros y más famosos músicos de bluegrass fueron o
miembros, alguna vez, de Te Blue Grass Boys (como Lester Flatt & Earl
Scruggs, Jimmy Martin y Del McCoury) o tocaron con Monroe
ocasionalmente (como Sonny Osborne, Te Stanley Brothers o Don
Reno). Además, Monroe fue una gran infuencia para Ricky Skaggs,
Alison Krauss, Emmylou Harris o Sam Bush (estos últimos del grupo de la
Nash Ramblers), quienes mezclaron elementos del folky con el bluegrass.
El sonido Nashville
Durante la década de 1960 la música country se convirtió en una
industria, centrada en Nashville (Tennessee), que movía millones de
dólares. Bajo la dirección de productores como Chet Atkins, Owen
Bradley y, posteriormente, Billy Sherrill, el denominado sonido Nashville
acercó el country a un público más diverso. El sonido tomó prestados
muchos elementos del pop de los década de 1950: voces suaves
acompañadas de una sección de cuerdas y coros vocales. Los artistas más
importantes fueron Ernest Tubb, Patsy Cline, Jim Reeves y,
posteriormente, Tammy Wynette, Loretta Lynn, y Charlie Rich. Debido a
que la música country tenía una gran variedad estilística, hubo muchas
voces críticas que señalaron que el sonido Nashville estaba acotando esta
diversidad.
566

WORLD MUSIC
Elvis Presley
En los comienzos de su carrera musical Elvis, junto al guitarrista
Scotty Moore y el contrabajista Bill Black crearon el estilo rockabilly en la
compañía Sun records de Memphis. Durante un descanso en una sesión
de grabación Elvis comenzó a cantar acompañado de su guitarra, el blues
"Tat's all right Mama" pero con un ritmo acelerado, al cual se sumaron
los otros dos músicos de sesión acompañándolo en ritmo de country, de
cuya mezcla surgió el rockabilly.
Posteriormente Elvis grabaría a lo largo de su carrera numerosos
temas de corte country como "Blue Moon of Kentucky", "Milkcow
boogie blues","Old Shep", "Tiger Man", "Guitar Man", "Kentucky Rain"
entre otras, así como también el album "Elvis Country, I'm 10.000 years
old".
FLAMENCO
En El famenco es un estilo de danza propio de Andalucía. Sus
principales facetas son el cante, el toque y el baile, contando también con
sus propias tradiciones y normas. Tal y como lo conocemos hoy en día
data del siglo XVIII, y existe controversia sobre su origen, ya que aunque
existen distintas opiniones y vertientes, ninguna de ellas ha podido ser
comprobada de forma histórica. Aunque el diccionario de la RAE lo asocia
especialmente a la etnia gitana, es más que perceptible la fusión de las
distintas culturas que coincidieron en la Andalucía de la época. De todas
las hipótesis sobre su origen, la tesis más extendida es la que expone el
origen morisco, solo que el mestizaje cultural que por entonces se dio en
Andalucía: oriundos, musulmanes, gitanos, castellanos y judíos; propició
su creación. De hecho, ya existía en la región de Andalucía su germen
mucho antes de que los gitanos llegaran, teniendo también en cuenta que
había gitanos en otras regiones de España y de Europa, pero el famenco
fue únicamente cultivado por los que se encontraban en Andalucía.
En noviembre de 2010 la Unesco lo declaró Patrimonio Cultural
Inmaterial de la Humanidad a iniciativa de las comunidades autónomas
de Andalucía, Extremadura y Murcia. Además es Patrimonio Cultural
Inmaterial Etnológico Andaluz y está inscrito en el Inventario General de
Bienes Muebles de la Región de Murcia establecido por la Dirección
General de Bellas Artes y Bienes Culturales.
Su popularidad en Hispanoamérica ha sido tal que en Costa
Rica, El Salvador, Guatemala, México, Panamá, Venezuela y Puerto Rico
han surgido diversas agrupaciones y academias. Su gran difusión y estudio
567

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
en Chile ha permitido incluso la aparición de conocidas fguras nacionales
como los guitarristas Carlos Ledermann y Carlos Pacheco Torres, el cual
imparte una cátedra de guitarra famenca en el Conservatorio Superior de
Música Rafael Orozco de Córdoba. En Japón es tan popular que se dice
que en ese país hay más academias de famenco que en España.
Etimología
La palabra famenco, referida al género artístico que se conoce
bajo ese nombre, se remonta a mediados del siglo XIX. No hay certeza de
su etimología, por lo que se han planteado varias hipótesis:
Por paralelismo con el ave zancuda del mismo nombre: algunas
hipótesis relacionan el origen del nombre del género famenco con las aves
zancudas del mismo nombre. Una de ellas dice que el famenco recibe esa
denominación porque el aspecto y el lenguaje corporal de sus intérpretes
recuerda a dichas aves. Marius Schneider, en cambio, defende que el
origen del término puede estar en el nombre de estas aves, pero no en su
parecido con el estilo de los bailaores sino en que el modo de mi, que es el
predominante en el repertorio famenco, se relaciona en la simbología
medieval, entre otros animales, con el famenco.
Por ser la música de los "fellah min gueir ard", los campesinos
moriscos sin tierra: según el notario y político Blas Infante, el término
فلح منن ( ard "famenco" proviene de la expresión andalusí fellah min gueir
), que signifca "campesino sin tierra". Según él, muchos moriscos
se integraron en las comunidades gitanas, con las que compartían su
carácter de minoría étnica al margen de la cultura dominante. Infante
supone que en ese caldo de cultivo debió surgir el cante famenco, como
manifestación del dolor que ese pueblo sentía por la aniquilación de su
cultura. Sin embargo, Blas Infante no aporta fuente histórica documental
alguna que avale esta hipótesis y, teniendo en cuenta la férrea defensa que
hizo a lo largo de su vida de una reforma agraria en Andalucía, que paliase
la mísera situación del jornalero andaluz de su época, esta interpretación
parece más ideológica y política que histórica o musicológica. No
obstante, el Padre García Barrioso, también considera que el origen de la
palabra famenco pudiera estar en la expresión árabe usada en Marruecos
fellah-mangu, que signifca "los cantos de los campesinos". Asimismo,
Luis Antonio de Vega aporta las expresiones felahikum y felah-enkum,
que tienen el mismo signifcado.
Porque su origen está en Flandes: otro número de hipótesis
vinculan el origen del término con Flandes. Según Felipe Pedrell el
famenco llegó a España desde esas tierras en la época de Carlos V, de ahí
غير أرض
568

WORLD MUSIC
su nombre. Algunos añaden que en los bailes que se organizaron para dar
la bienvenida a dicho monarca se jaleaba con el grito de ¡Báilale al
famenco! Sin embargo el término "famenco" vinculado a la música y al
baile surgió a mediados del siglo XIX, varios siglos después de ese hecho.
Porque a los gitanos se les conoce también como famencos: en 1881
Demóflo, en el primer estudio sobre el famenco, argumentó que este
género debe su nombre a que sus principales cultivadores, los gitanos, eran
conocidos frecuentemente en Andalucía bajo dicha denominación. En
1841 George Borrow en su libro Los Zíncali: Los gitanos de España ya
había recogido esta denominación popular, lo que refuerza la
argumentación de Demóflo.
Gitanos o egiptanos es el nombre dado en España tanto en el
pasado como en el presente a los que en inglés llamamos gypsies, aunque
también se les conoce como "castellanos nuevos", "germanos" y
"famencos".
No se tiene certeza del motivo por el que los gitanos eran
llamados "famencos", sin embargo hay numerosas noticias que apuntan
hacia un origen jergal, situando al término "famenco" dentro del léxico
propio de la germanía. Esta teoría sostiene que "famenco" deriva de
famancia, palabra que proviene de "fama" y que en germanía se refere al
temperamento fogoso de los gitanos. En el mismo sentido el diccionario
de la Real Academia Española dice que "famenco" signifca
coloquialmente "chulo o insolente", siendo un ejemplo de ello la locución
"ponerse famenco". En un signifcado similar, el término "famenco" es
usado como sinónimo de "cuchillo" y de "gresca" o "algazara" por Juan
Ignacio González del Castillo, en su sainete El soldado fanfarrón (ca.
1785). No obstante, Serafín Estébanez Calderón que en sus Escenas
andaluzas (1847) aporta las primeras descripciones de situaciones
famencas, no utilizó ese nombre para califcarlas.
Cante jondo
Según el diccionario de la RAE, el "cante jondo" es "el más
genuino cante andaluz, de profundo sentimiento". Este diccionario recoge
como equivalentes las locuciones "cante jondo" o "cante hondo", lo que
avala que el término "jondo" no es más que la forma dialectal andaluza de
la palabra "hondo", con su característica aspiración de la h proveniente de
f inicial. Sin embargo Máximo José Kahn llegó a sostener que el término
"jondo" procede de la locución hebrea "jom-tob" o "yom-tob", desinencia
de algunos cantos sinagogales. Según García Matos e Hipólito Rossy, no
todo cante famenco es cante jondo. Manuel de Falla consideraba que el
569

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
cante jondo era el cante antiguo, mientras que el cante famenco era el
moderno.
Distinción entre famenco y folclore andaluz
El estilo famenco se fue confgurando durante el siglo XIX, sobre
el sustrato de la música y la danza tradicionales de Andalucía, cuyos
orígenes son antiguos y diversos. Sin embargo el famenco no es el folclore
de Andalucía (compuesto por seguidillas, sevillanas, fandangos, verdiales,
trovos, el chacarrá, el vito...), sino un género artístico fundamentalmente
escénico.
En ningún momento de su historia el famenco ha pasado de ser
una música interpretada por minorías, con mayor o menor difusión. El
surgimiento de los cantaores profesionales y la transformación de los
cantos populares por parte de los gitanos, hicieron que su estilo se alejara
considerablemente de las tonadas tradicionales. El famenco somete lo
popular a una estilización tan grande que lo lleva hacia lo culto, pero sin
perder su sabor popular.
Aun así el famenco se considera un atractivo turístico de primer
orden para Andalucía, tanto como espectáculo como arte para su estudio
incluso como doctorado o experto universitario. También se entregan
premios a la investigación en famenco.
Historia
Se cree que el género famenco surgió a fnales del siglo XVIII en
ciudades y villas agrarias de la Baja Andalucía, destacando el barrio de
Triana (Sevilla), aunque prácticamente no hay datos relativos a esas fechas
y las manifestaciones de esta época son más propias de la escuela bolera
que del famenco. Existen hipótesis que apuntan a la infuencia en el
famenco de tipos de baile provenientes del subcontinente indio -lugar de
origen del pueblo gitano- como es el caso de la danza del kathak.
El casticismo
En 1783 Carlos III promulgó una pragmática que regulaba la
situación social de los gitanos. Esto fue un hecho trascendental en la
historia de los gitanos españoles que, tras siglos de marginación y
persecuciones, vieron cómo su situación jurídica mejoraba
sustancialmente.
Tras la Guerra de Independencia Española (1808-1812) se
desarrolló en la conciencia española un sentimiento de orgullo racial, que
contrapone al ilustrado afrancesado la fuerza telúrica del majo, arquetipo
570

WORLD MUSIC
del individualismo, la gracia y el casticismo. En ese ambiente triunfa la
moda cañí, pues el casticismo ve en el gitano un modelo ideal de ese
individualismo. La eclosión de las escuelas taurinas de Ronda y Sevilla, el
auge del bandolerismo y la fascinación por lo andaluz manifestada por los
viajeros románticos europeos, fueron conformando el costumbrismo
andaluz, que triunfó en la corte madrileña.
Los cafés cantantes
Café cantante, en Sevilla hacia 1888. Fotografía de Emilio
Beauchy.
Los cafés cantantes eran locales nocturnos donde los espectadores
podían beber copas a la vez que disfrutaban de espectáculos musicales. En
ellos frecuentemente se producían desmanes de todo tipo, por lo que la
mayoría de la población vivía de espaldas a ellos.
Según publicó en sus memorias el cantaor Fernando de Triana,
ya en 1842 existía un café cantante en Sevilla, que se volvió a inaugurar en
1847 bajo el nombre de Los Lombardos, como la ópera de Verdi. Sin
embargo, por aquel entonces los distintos cantes e intérpretes estaban
bastante desconectados entre sí. En 1881 Silverio Franconetti, cantaor de
extenso repertorio y grandes dotes artísticas, abrió en Sevilla el primer café
cantante famenco. En el café de Silverio los cantaores estaban en un
ambiente muy competitivo, pues al propio Silverio le gustaba retar en
público a los mejores cantaores que pasaban por su café.
La moda de los cafés cantantes permitió el surgimiento del
cantaor profesional y sirvió de crisol donde se confguró el arte famenco.
En ellos los no-gitanos aprendían los cantes de los gitanos, mientras que
estos reinterpretaban a su estilo los cantes folclóricos andaluces,
ampliándose el repertorio. Asimismo, el gusto del público contribuyó a
confgurar el género famenco, unifcándose su técnica y su temática.
El antifamenquismo de la generación del 98
El famenquismo, defnido por la Real Academia Española como
la "afción a las costumbres famencas o achuladas", es un cajón de sastre
conceptual donde caben el cante famenco y la afción a los toros, entre
otros elementos castizos españoles. Estas costumbres fueron fuertemente
atacadas por la generación del 98, siendo todos sus miembros
"antifamenquistas", a excepción de los hermanos Machado, pues Manuel
y Antonio, al ser sevillanos e hijos del folclorista Demóflo, tenían una
visión más compleja del asunto.
571

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
El paladín del antifamenquismo fue el escritor madrileño
Eugenio Noel, quien en su juventud había sido un casticista militante.
Noel atribuyó al famenco y la tauromaquia el origen de los males de
España. A su entender, la ausencia de estas manifestaciones culturales en
los modernos estados europeos parecía traducirse en un mayor desarrollo
económico y social. Estas consideraciones hicieron que se estableciera
durante décadas una grieta insalvable entre el famenco y la mayor parte de
la intelectualidad.
La ópera famenca
Entre 1920 y 1955 los espectáculos famencos pasaron a ser
celebrados en plazas de toros y teatros, bajo el nombre de "Ópera
famenca". Esta denominación era una estrategia económica de los
promotores, pues la ópera solo tributaba el 3 % mientras que los
espectáculos de variedades pagaban un 10 %. En esta época los
espectáculos famencos se extendieron por toda España y por las
principales ciudades del mundo. El gran éxito social y comercial alcanzado
por el famenco en esta época eliminó de los escenarios algunos de los
palos más antiguos y sobrios, en favor de aires más ligeros, como las
cantiñas, los cantes de ida y vuelta y, sobre todo, los fandangos, de los que
se crearon muchas versiones personales. La crítica purista atacó esa
livianización de los cantes, así como el uso del falsete y el vulgar estilo
gaitero.
En la línea del purismo, Federico García Lorca y Manuel de Falla
tuvieron la idea de convocar un concurso de cante jondo en Granada en
1922. Ambos artistas concebían el famenco como folclore, no como
género artístico escénico. Por ello sentían preocupación pues creían que el
triunfo masivo del famenco acabaría con sus raíces más puras y hondas.
Para remediarlo organizaron un concurso de cante jondo en que solo
podían participar afcionados. Quedaron excluidos los cantes festeros,
como las cantiñas, que Falla y Lorca no consideraban jondos sino
famencos. El jurado fue presidido por Antonio Chacón, que por entonces
era primera fgura del cante. Los ganadores fueron "El Tenazas", un
cantaor profesional retirado de Morón de la Frontera, y Manuel Ortega,
un niño sevillano de ocho años que pasaría a la historia del famenco como
Manolo Caracol. El concurso resultó un fracaso debido el escaso eco que
tuvo y porque Lorca y Falla no supieron entender el carácter profesional
que por entonces ya tenía el famenco, afanándose en balde en buscar una
pureza que nunca existió, en un arte que se caracterizaba por la
mezcolanza y la innovación personal de sus creadores. Al margen de ese
572

WORLD MUSIC
fracaso, con la generación del 27, cuyos miembros más eminentes eran
andaluces y por tanto conocedores de primera mano del género, comenzó
el reconocimiento al famenco por los intelectuales.
Tras la Guerra Civil Española, durante la posguerra y los
primeros años del Franquismo, se miró con recelo al mundo del famenco,
pues las autoridades no tenían claro que dicho género contribuyera a la
conciencia nacional. Sin embargo el régimen pronto acabó adoptando el
famenco como una de las manifestaciones culturales españolas por
antonomasia.
En suma, el periodo de la Ópera Flamenca fue una época abierta
a la creatividad y que conformó defnitivamente la mayor parte del
repertorio famenco. Fue la Edad de Oro de este género, con fguras como
Antonio Chacón, Manuel Vallejo, Manuel Torre, La Niña de los Peines,
Pepe Marchena y Manolo Caracol.
El nacimiento de la famencología
A partir de la década de 1950 empezaron a publicarse
abundantes estudios antropológicos y musicológicos sobre el famenco. En
1954 Hispavox publicó la primera Antología del Cante Flamenco,
grabación sonora que fue un gran revulsivo en su época, dominada por el
cante orquestado y, en consecuencia, mistifcado. En 1955 el intelectual
argentino Anselmo González Climent, publicó un ensayo llamado
Flamencología, cuyo título bautizó al "conjunto de conocimientos,
técnicas, etc., sobre el cante y el baile famencos". Este libro dignifcó el
estudio del famenco al aplicarle la metodología académica propia de la
musicología y sirvió de base a los posteriores estudios sobre dicho género.
Como consecuencia, en 1956 se organizó el I Concurso Nacional
de Cante Jondo de Córdoba y en 1958 se fundó en Jerez de la Frontera la
primera Cátedra de Flamencología, la más antigua institución académica
dedicada al estudio, la investigación, conservación, promoción y defensa
del arte famenco. Asimismo, en 1963 el poeta cordobés Ricardo Molina y
el cantaor sevillano Antonio Mairena publicaron alalimón Mundo y
Formas del Cante Flamenco, convertida en obra de referencia obligada.
Con un lenguaje sencillo, el libro describe la variedad de palos y estilos, y
narra la historia del cante, defendiendo que el famenco fue obra exclusiva
de los gitanos, que lo mantuvieron en intimidad hasta que hicieron de él
su profesión. Asimismo el libro diferencia entre el cante grande
(meramente gitano) y el cante chico (afamencamiento de las tonadas
folclóricas andaluzas y coloniales). Por lo tanto, la obra de Molina y
Mairena introdujo en la famencología la "tesis gitanista" y el
573

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
"neojondismo" como líneas de investigación.
Durante mucho tiempo los postulados mairenistas se tuvieron
prácticamente por incuestionables, hasta que encontraron respuesta en
otros autores que elaboraron la "tesis andalucista", que defendía que el
famenco era un producto genuinamente andaluz, pues se había
desarrollado íntegramente en esta región y porque sus palos básicos
derivaban del folclore de Andalucía. Asimismo mantenían que los gitanos
andaluces habían contribuido determinantemente en su formación,
poniendo de manifesto la excepcionalidad del famenco entre las músicas
y danzas gitanas de otras partes de España y Europa. La unifcación de la
tesis gitanista y la andalucista ha acabado por ser la más aceptada hoy en
día. En resumen, entre los años 1950 y 1970, el famenco pasó de ser un
mero espectáculo para convertirse además en objeto de estudio.
Flamenco protesta durante el franquismo
El famenco se convirtió en uno de los símbolos de la identidad
nacional española durante el franquismo, ya que el régimen supo
apropiarse de un folclore tradicionalmente asociado con Andalucía para
promover la unidad nacional y atraer al turismo, constituyendo lo que se
denominó como nacional-famenquismo. De ahí que el famenco hubiera
sido visto por mucho tiempo como un elemento reaccionario o
retrógrado. A mediados de los 60 y hasta la transición comenzaron a
aparecer cantaores que se oponían al régimen con el uso de letras
reivindicativas. Entre estos se pueden contar: José Menese y el letrista
Francisco Moreno Galván, Enrique Morente, Manuel Gerena, El
Lebrijano, El Cabrero, Lole y Manuel, el Piki o Luis Marín, entre muchos
otros.
En contraposición a este conservadurismo con el que se asocia
durante el franquismo, el famenco sufrió el infujo de la ola de activismo
que agitó también la universidad contra la represión del régimen cuando
los universitarios entraron en contacto con este arte en los recitales que se
hacían, por ejemplo, en el Colegio Mayor de San Juan Evangelista:
“afcionados y profesionales del famenco se involucraron realizando
actuaciones de carácter manifestamente político. Fue una suerte de
famenco protesta cargado de contestación, que supuso censura y represión
para los activistas famencos”.
Conforme transcurrió la transición política, las reivindicaciones
se fueron desinfando a medida que el famenco se insertó dentro de los
fujos del arte globalizado. Al mismo tiempo, este arte se fue
institucionalizando hasta llegar al punto de que la Junta de Andalucía se
574

WORLD MUSIC
atribuyó en 2007 “la competencia exclusiva en materia de conocimiento,
conservación, investigación, formación, promoción y difusión”.
La fusión famenca
En la década de 1970, en España se respiraban aires de cambio
social y político, y la sociedad española ya estaba bastante infuida por
diversos estilos musicales venidos del resto de Europa y de los Estados
Unidos. Asimismo existían numerosos cantaores que habían crecido
escuchando a Antonio Mairena, Pepe Marchena y Manolo Caracol. La
combinación de ambos factores desembocó en un período revolucionario
llamado Fusión Flamenca.
La cantante Rocío Jurado internacionalizó el famenco a
principios de la década de los 70, sustituyendo la bata de cola por vestidos
de noche. Su faceta en los "Fandangos de Huelva" y en las Alegrías fue
reconocida a nivel internacional por su perfecta tesitura de voz en estos
géneros. Solía ir acompañada en sus conciertos por los guitarristas Enrique
de Melchor y Tomatito, no solo a nivel nacional sino en países como
Colombia, Venezuela y Puerto Rico.
El representante musical José Antonio Pulpón fue un personaje
decisivo en esa fusión, pues instó al cantaor Agujetas a colaborar con el
grupo sevillano de rock andaluz Smash, la pareja más revolucionaria desde
Antonio Chacón y Ramón Montoya, iniciando un nuevo camino para el
famenco. Asimismo propició la unión artística entre el virtuoso guitarrista
algecireño Paco de Lucía y el largo cantaor isleño Camarón de la Isla,
quienes dieron un impulso creativo al famenco que supondría su
defnitiva ruptura con el conservadurismo de Mairena. Cuando ambos
artistas emprendieron sus carreras en solitario, Camarón se convirtió en un
cantaor mítico por su arte y su personalidad, con legión de seguidores,
mientras que Paco de Lucía reconfguró todo el mundo musical del
famenco, abriéndose a nuevas infuencias, como la música brasileña, árabe
y jazz e introduciendo nuevos instrumentos musicales como el cajón
peruano, la fauta travesera, etc.
Otros intérpretes destacados en este proceso de renovación
formal del famenco fueron Juan Peña El Lebrijano, quien maridó el
famenco con la música andalusí, y Enrique Morente, quien a lo largo de
su dilatada carrera artística ha basculado entre el purismo de sus primeras
grabaciones y el mestizaje con el rock, o la trianera Remedios Amaya,
cultivadora de un estilo de tangos extremeños único, y cuña pureza en su
cante la hacen estar en este selecto grupo de artistas consagrados.
En 2011 se dio a conocer este estilo en la India gracias a María
575

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
del Mar Fernández, que actúa en el videoclip de presentación de la
película Sólo se vive una vez, titulada Señorita. El flm fue visto por más
de 73 millones de espectadores.
El nuevo famenco
En los años 1980 surgió una nueva generación de artistas
famencos que ya han recibido la infuencia de Camarón, Paco de Lucía,
Morente, etc. Estos artistas tenían un mayor interés por la música popular
urbana que en aquellos años estaba renovando el panorama musical
español, era la época de la Movida madrileña. Entre ellos destacan Pata
Negra, que fusionaron el famenco con el blues y el rock, Ketama, de
inspiración pop y cubana y Ray Heredia, creador de un universo musical
propio donde el famenco ocupa un lugar central.
A fnales de esa década y durante toda la siguiente la fonográfca
Nuevos Medios lanzó a muchos músicos bajo la etiqueta Nuevo
Flamenco, abusándose de la etiqueta "famenco" con fnes estrictamente
comerciales. Así, esta denominación ha agrupado a músicos muy distintos
entre sí, tanto intérpretes de famenco orquestado, como músicos de rock,
pop o música cubana cuya única vinculación con el famenco es el
parecido de su técnica vocal con la de los cantaores, sus orígenes familiares
o su procedencia gitana; ejemplos de estos casos pueden ser Rosario Flores,
hija de Lola Flores, o la reconocida cantante Malú, sobrina de Paco de
Lucía e hija de Pepe de Lucía, que pese a simpatizar con el famenco y
mantenerlo en su discografía ha continuado con su estilo personal y se ha
mantenido en la industria musical por sus propios méritos. Por lo demás,
se salen de cualquier estructura famenca clásica, habiendo desaparecido
todo rastro del compás, modos tonales y de las estructuras melódicas
propias de los palos.
Sin embargo, el hecho de que muchos de los intérpretes de esa
nueva música sean además reconocidos cantaores, caso de José Mercé, El
Cigala y otros, ha propiciado etiquetar como famenco todo lo que ellos
interpretan, aunque el género de sus canciones difera bastante del
famenco clásico. En cambio, otros artistas contemporáneos, como los
grupos O'Funkillo y Ojos de Brujo, siguiendo la senda de Diego Carrasco,
emplean estilos musicales no famencos pero respetando el compás o
estructura métrica de ciertos palos tradicionales. Asimismo existen
cantaores enciclopédicos como Arcángel, Miguel Poveda, Mayte Martín,
Marina Heredia, Estrella Morente o Manuel Lombo que, sin renunciar a
los benefcios artísticos y económicos de la fusión y del nuevo famenco,
mantienen en sus interpretaciones un mayor peso de lo famenco
576

WORLD MUSIC
concebido en el sentido más clásico del término, lo que supone un
signifcativo regreso a los orígenes.
La implicación de los poderes públicos españoles en la
promoción del famenco es cada día mayor. En este sentido existe la
Agencia Andaluza para el Desarrollo del Flamenco, dependiente de la
Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía y actualmente se construye
en Jerez de la Frontera la Ciudad del Flamenco, que albergará el Centro
Nacional de Arte Flamenco, dependiente del Ministerio de Cultura y que
pretenderá canalizar y ordenar las iniciativas sobre dicho arte. Así mismo,
la comunidad autónoma andaluza está estudiando incorporarlo en sus
planes formativos obligatorios.
Otro aspecto a destacar es la paulatina incorporación de la mujer
al mundo famenco. Tras una época en que a las grandes voces femeninas
sólo se les permitía canta en privado, está surgiendo una nueva generación
de artistas que arropadas por otras veteranas "de peso" están ganándose los
escenarios.
Cante
Según la Real Academia Española, se denomina "cante" a la
"acción o efecto de cantar cualquier canto andaluz", defniendo "cante
famenco" como "el canto andaluz agitanado" y el cante jondo como "el
canto más genuino andaluz, de profundo sentimiento". Al intérprete de
cante famenco se le llama cantaor en vez de cantante, con la pérdida de la
de intervocálica característica del dialecto andaluz.
El galardón más importante del cante famenco es probablemente
la Llave de Oro del Cante, que ha sido concedida en cinco ocasiones a: El
Nitri, Manuel Vallejo, Antonio Mairena, Camarón de la Isla y Fosforito.
Toque
La postura y la técnica de los guitarristas famencos, llamados
tocaores, difere de la usada por los intérpretes de guitarra clásica. Mientras
el guitarrista clásico apoya la guitarra sobre su pierna izquierda de forma
inclinada, el guitarrista famenco suele cruzar las piernas y apoyarla sobre
la que se encuentra más elevada, colocando el mástil en una posición casi
horizontal con respecto al suelo. Los tocaores modernos suelen utilizar
guitarras clásicas, aunque existe un instrumento específco para este género
llamado guitarra famenca. Ésta es menos pesada, y su caja es más estrecha
que la de la guitarra clásica, por lo que su sonoridad es menor y no eclipsa
al cantaor. Por lo general suele hacerse de madera de ciprés, con el mango
577

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
de cedro y la tapa de abeto. El ciprés le da una sonoridad brillante muy
adecuada para las características del famenco. Antiguamente también se
usaba el palo santo de Río o de la India, siendo el primero de más calidad,
pero actualmente está en desuso debido a su escasez. El palo santo
otorgaba a las guitarras una amplitud de sonido especialmente adecuada
para el toque solista. En la actualidad, el clavijero más utilizado es el de
metal, ya que el de madera plantea problemas de afnación.
Los principales guitarreros fueron Antonio de Torres Jurado
(Almería, 1817-1892) considerado el "Padre" de la guitarra, Manuel
Ramírez de Galarreta, el Gran Ramírez (Madrid, 1864-1920), y sus
discípulos Santos Hernández (Madrid, 1873-1943) que construyó varias
guitarras para el maestro Sabicas, Domingo Esteso y Modesto Borreguero.
Asimismo destacan los Hermanos Conde, Faustino (1913-1988), Mariano
(1916-1989) y Julio (1918-1996), sobrinos de Domingo Esteso, cuyos
hijos y herederos continúan la saga.
Los tocaores usan la técnica del alzapúa, el picado, el rasgueo y el
trémolo, entre otras. Uno de los primeros toques que se considera
famenco como es la "rondeña", fue la primera composición registrada
para guitarra solista, por Julián Arcas (María, Almería, 1832 - Antequera,
Málaga, 1882) en Barcelona en el año 1860. El rasgueo puede ser
realizado con 5, 4 o 3 dedos, este último inventado por Sabicas. El empleo
del pulgar es también característico en el toque famenco. Los guitarristas
apoyan el pulgar en la tapa armónica de la guitarra y el dedo índice y
medio sobre la cuerda superior a la que están tocando, logrando así una
mayor potencia y sonoridad que el guitarrista clásico. También se apoya el
dedo medio en el golpeador de la guitarra para conseguir más precisión y
fuerza a la hora de pulsar la cuerda. Asimismo el uso del golpeador como
elemento de percusión dota de gran fuerza a la interpretación guitarrística
famenca. Se denomina "falseta" a la frase melódica o foreo que se
intercala entre las sucesiones de acordes destinadas a acompañar la copla.
Asimismo se habla de tocar o acompañar por arriba (usando la digitación
del acorde mi mayor) y por medio (la mayor), con independencia de que
se haya transportado o no con la cejilla.
El acompañamiento y el toque solista de los guitarristas
famencos se basa tanto en el sistema armónico modal como en el tonal,
aunque lo más frecuente es una combinación de ambos. Algunos cantes
famencos se interpretan "a palo seco" (a capella), sin acompañamiento de
guitarra. Según el tipo de interpretación se habla de:
Toque airoso: vivaz, rítmico y sonoridad brillante, casi metálica.
Toque gitano o famenco: hondo y con pellizco, usa preferentemente los
bordones y los contratiempos.
578

WORLD MUSIC
Toque pastueño: lento y tranquilo.
Toque sobrio: sin ornamentos ni alardes superfuos.
Toque virtuoso: con dominio excepcional de la técnica, corre el riesgo de
caer en un efectismo desmesurado.
Toque corto: pobre en recursos técnicos y expresivos.
Toque frío: carente de hondura y pellizco.
Baile
El baile famenco puede acompañar distintos palos. Su
realización es similar a un ejercicio físico moderado, y tiene probados
efectos en la salud física y emocional (denominado "famencoterapia").
La enseñanza reglada del famenco en centros educativos
En España se imparten ofcialmente los estudios reglados de
famenco en diversos conservatorios de música, conservatorios de danza y
escuelas de música de varias comunidades autónomas.
Conservatorios de música
Los estudios de guitarra famenca en centros educativos ofciales
se iniciaron en España en 1988 de la mano del gran concertista y maestro
granadino Manuel Cano Tamayo, que obtuvo una plaza de catedrático
emérito en el Conservatorio Superior de Música Rafael Orozco de
Córdoba.
Existen conservatorios especializados en famenco a lo largo de
todo el país, aunque principalmente en la región de Andalucía, como el
mencionado Conservatorio de Córdoba, el Conservatorio Superior de
Música de Murcia o la Escola Superior de Música de Catalunya, entre
otros. Fuera de España, un caso singular lo constituye el Conservatorio de
Róterdam, en los Países Bajos, que ofrece estudios reglados de guitarra
famenca bajo la dirección del maestro Paco Peña desde 1985, algunos
años antes de que existieran en España.
Palos famencos
Se conoce como palo a "cada una de las variedades tradicionales
del cante famenco". Cada palo tiene su propio nombre, unas
características musicales únicas que se llaman "claves" o "modos", una
579

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
progresión armónica determinada y unos esquemas rítmicos llamados
"compás". Los palos pueden clasifcarse siguiendo varios criterios: según
sea su compás, su jondura, su carácter serio o festero, su origen geográfco,
etc.
Historia
El fandango, que en el siglo XVII era el cante y baile más
extendido por toda España, con el tiempo acabó generando variantes
locales y comarcales, especialmente en la provincia de Huelva. En la Alta
Andalucía y zonas limítrofes los fandangos se acompañaban con la
bandola, instrumento con el que se acompañaba siguiendo un compás
regular que permitía el baile y de cuyo nombre deriva el estilo
"abandolao". De este modo surgieron los fandangos de Lucena, los
zánganos de Puente Genil, las malagueñas primitivas, las rondeñas, las
jaberas, los jabegotes, los verdiales, el chacarrá, la granaína, el taranto y la
taranta. A causa de la expansión de las sevillanas en la Baja Andalucía, el
fandango fue perdiendo su papel de soporte del baile, lo que permitió un
mayor lucimiento y libertad del cantaor, generándose en el siglo XX
multitud de fandangos de creación personal. Asimismo, miles de
campesinos andaluces, especialmente de las provincias de Andalucía
Oriental, emigraron a los yacimientos mineros murcianos, donde los
tarantos y las tarantas evolucionaron. La Tarante de Linares, evolucionó
hacia la minera de la Unión, la cartagenera y la levantica. En la época de
los cafés cantantes, algunos de estos cantes, se desligaron del baile y se
adquirieron un compás libre, que permitía el lucimiento de los intérpretes.
El gran impulsor de este proceso fue Antonio Chacón, quien desarrolló
versiones preciosistas de malagueñas, granaínas y cantes mineros.
La estilización del romance y de los pliegos de cordel dio lugar al
corrido. La extracción de los romances de cuartetas o de tres versos
signifcativos dio lugar a las tonás primitivas, a la caña y al polo, que
comparten métrica y melodía pero que diferen en su ejecución. El
acompañamiento de la guitarra les dio un compás que las hizo bailables.
Se cree que su origen estuvo en Ronda, ciudad de la Alta Andalucía
cercana a la Baja Andalucía y muy relacionada con ella, y que desde allí
llegaron al arrabal sevillano de Triana, con gran tradición de corridos,
donde se transformaron en la soleá. De la interpretación festiva de
corridos y soleares surgieron en Triana los jaleos, que viajaron a
Extremadura y que en Jerez y Utrera derivaron en la bulería, desde donde
se difundieron por toda la Baja Andalucía, generando variantes locales.
En los grandes puertos andaluces de Cádiz, Málaga y Sevilla se
desarrollaron los tangos y los tientos, que tienen una gran infuencia de la
580

WORLD MUSIC
música negra americana. Asimimo en Cádiz se generó el grupo de las
cantiñas cuyo palo central es la alegría.
Algunas tonadas populares andaluzas, como los pregones, las
nanas y campesinos cantos de trilla, tienen la misma métrica de las
seguidillas famencas. A partir de ellos pudo surgir la liviana y la serrana,
que es una interpretación virtuosista y melismática de la liviana; de hecho,
tradicionalmente se interpretan juntas. Este grupo de palos también
pertenece la alboreá y la antigua playera, que se impregnó de la melodía de
las tonás dando lugar a la siguiriya, que incorporó acompañamiento de
guitarra.
Clasifcación
Alboreá | Alegrías | Bambera | Bandolá | Bulerías | Cabales | Campanilleros
| Cantiña | Caña | Caracoles | Carcelera | Cartagenera | Chufa |
Colombiana | Copla andaluza | Corríos | Debla | Fantasía | Fandango |
Fandanguillo | Farruca | Galeras | Garrotín | Granaína | Guajira | Jabegote
| Jabera | Jota famenca | Liviana | Malagueña | Mariana | Martinete |
Media | Media Granaína | Milonga | Mineras | Mirabrás | Murciana |
Nana | Petenera | Polo | Romance | Romeras | Rondeña | Rumba | Saeta |
Seguiriya o Siguiriya | Serranas | Sevillana | Soleá | Tango | Tanguillo |
Taranta o Taranto | Tientos | Toná | Trillera | Verdiales | Vidalita |
Zambra | Zapateado | Zorongo
Según la métrica de la música
Los palos pueden dividirse en cinco grupos desde el punto de vista de la
métrica, dependiendo de su compás:
Métrica de 12 tiempos (amalgama de compases de 6/8 y 3/4). Que a su
vez se dividen en los que usan el:
Compás de soleá: soleá, soleá por bulerías, bulerías, bulerías por soleá,
alegrías, caña, polo, mirabrás, caracoles, romera, cantiñas, bambera,
alboreá, romance, zapateado catalán.
Compás de seguiriya: seguiriyas, cabales, liviana, serranas, toná-liviana.
Y en la guajira y la petenera, que usan la citada amalgama de forma
simple.
Métrica binaria y cuaternaria: taranta o taranto, tientos, mariana, danza,
tangos, zambra, farruca, garrotín, rumba, danzón, colombiana, milonga.
Métrica ternaria: fandango de Huelva, fandango malagueño, sevillanas,
verdiales.
Métrica polirrítmica: tanguillo y zapateado.
581

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Métrica libre (ad líbitum): toná, debla, martinete, carcelera, cantes
camperos, saeta, malagueña, granaína, media granaína, rondeña, cantes de
las minas (minera, taranta, cartagenera, levantica, murciana).
Según la métrica de las coplas
Atendiendo a la métrica de las coplas los palos pueden dividirse
en tres grandes grupos, los que usan:
El romance: coplas de tres o cuatro versos de ocho sílabas, con rima
preferentemente asonantada en los versos pares.
La seguidilla: coplas de tres o cuatro versos alternos de cinco y siete
sílabas, con rima en los versos cortos.
El fandango: coplas de cinco versos de siete u ocho sílabas, rimando las
pares y las impares por separado. A la hora de la ejecución se repite uno de
los versos.
Según su origen musical
Romances y seguidillas son: corríos, toná, seguiriya, saeta, martinete,
carcelera, debla, liviana y cabales.
Fandangos son: fandangos, malagueña, verdiales, jabera, rondeña,
granaína, media granaína, bandolá, jabegote, minera, murciana,
cartagenera y taranta.
Coplas y canciones andaluzas del siglo XVIII son: tangos, tientos,
tanguillos, caña y polo.
Cantes camperos andaluces son: serranas, trilleras, nanas, marianas,
campanilleros, cachuchas, El vito y las sevillanas corraleras.
Cantiñas de baile son: soleá, bulerías, petenera, alboreá y todas las cantiñas
(alegrías, mirabrás, caracoles y romeras.
Cantos negros americanos son las: colombianas, rumba, guajira, milonga.
Algunos autores consideran que el fandango, los tanguillos, las bulerías y
la seguiriya también tienen origen africano.
Folclore español no andaluz son: farruca, garrotín y jota famenca.
Según la procedencia geográfca
Cantes de Cádiz y los Puertos;
Cantes de Málaga;
Cantes de Levante;
Cantes de ida y vuelta.
582

WORLD MUSIC
Según la textura musical
Los cantes "a palo seco" (a capella, sin acompañamiento de
guitarra) son las carceleras, la debla, el martinete, los pregones, la saeta, las
tonás y las trilleras. El resto suele acompañarse con guitarra.
Palos famencos más básicos:
Cantiñas: Constituye el estilo famenco que de forma más exacta
expresa el sentir del entorno gaditano.
Bulerías: Se distingue por ser un palo festero, con un ritmo
rápido y redoblado y que se presta más que otros al jaleo y las palmas.
Suele ser el baile con el que remata la juerga famenca, donde formando
un semicírculo, los bailaores, de uno en uno normalmente, salen al centro
a bailar una parte de la pieza musical.
Fandangos: Desde principios del siglo XIX, el famenco adoptó
rasgos de los fandangos andaluces, dando así lugar a los llamados
“fandangos afamencados”, que son considerados hoy en día como uno de
los palos fundamentales del famenco.
Tangos: Los tangos están considerados como uno de los estilos
básicos del famenco, existiendo varias modalidades.
Cantes del Levante: Grupo de cantes de gran infuencia en las
malagueñas y las granaínas, y entre los que se encuentran cantes propios
de Murcia.
Léxico
Ole
Adolfo Salazar recoge que la voz expresiva ole, con que se anima
a los cantaores y bailaores andaluces, puede proceder del verbo hebreo
oleh que signifca "tirar hacia arriba", poniendo de manifesto que los
derviches giróvagos de Túnez también danzan dando vueltas al son de
repetidos "ole" o "joleh". En este mismo sentido parece apuntar el uso del
vocablo "arza", que es la forma dialectal andaluza de pronunciar la voz
imperativa "alza", con la característica igualación andaluza de la /l/ y la /r/
implosivas. Es frecuente el empleo indiscriminado de las voces "arza" y
"ole" a la hora de jalear a cantaores y bailaores famencos, por lo que
podrían interpretarse como voces sinónimas. Pero la más evidencia del
origen de esta palabra puede ser del caló: Olá, que signifca Venga.
Asimismo, en Andalucía se conoce como jaleo al ojeo de la caza, esto es, la
acción de ojear, que es "ahuyentar la caza con voces, tiros, golpes o ruido,
para que se levante".
583

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Al margen del origen y signifcado de la expresión "ole", existe un tipo de
canción popular andaluza así llamada por la característica repetición de
dicha palabra.Falla se inspiró en este tipo de canción en algunos pasajes
del segundo acto de su ópera La vida breve.
Duende
Según el diccionario de la RAE (¡1956!) el "duende" en
Andalucía es un "encanto misterioso e inefable", un carisma que los
gitanos denominan duende. Federico García Lorca, en su conferencia
Teoría y juego del duende confrma esa inefabilidad del duende
defniéndolo con las siguientes palabras de Goethe: "Poder misterioso que
todos sienten y que ningún flósofo explica". En el imaginario famenco, el
duende va más allá de la técnica y de la inspiración, en palabras de Lorca
"Para buscar al duende no hay mapa ni ejercicio". Cuando un artista
famenco experimenta la llegada de este misterioso encanto, se emplean las
expresiones "tener duende" o cantar, tocar o bailar "con duende".
Junto a las anteriormente citadas, existen otras muchas palabras y
expresiones características del género famenco, como "cuadro famenco",
"tablao famenco", "juerga famenca", "tercio", "afamencar",
"afamencamiento", "famencología"...
COPLA
La copla es una forma poética que sirve para la letra de canciones
populares. Su nombre proviene de la voz (latina)copŭla, "enlace",
"unión".
El término se utiliza sobre todo para designar un tipo de estrofa
de tradición popular compuesta por tres o cuatro multiversos de arte
menor, generalmente octosílabos, dispuestos en forma de romance o tirana
(8- 8a 8- 8a), de seguidilla (7- 5a 7- 5a) o de redondilla (8a 8b 8b 8a), con
rima asonante o consonante.
Aunque esta forma es característica de la tradición popular
anónima, ha sido cultivada también por escritores como Rafael Alberti o
Federico García Lorca. La infuencia entre la corriente anónima de la
copla y sus cultivadores en la literatura ha sido mutua: los poetas se han
inspirado en el modelo popular para construir coplas que, a su vez, a
menudo han sido recogidas por la tradición e incorporadas a su caudal,
con olvido de su autor.
Como escribe Manuel Machado:
584

WORLD MUSIC
Hasta que el pueblo las canta,
las coplas, coplas no son,
y cuando las canta el pueblo
ya nadie sabe e.
Tal es la gloria, Guillén,
de los que escriben cantares:
oír decir a la gente
que no los ha escrito nadie.
Procura tú que tus coplas
vayan al pueblo a parar,
aunque dejen de ser tuyas
para ser de los demás.
Que, al fundir el corazón
en el alma popular,
lo que se pierde de nombre
se gana de eternidad.
El lenguaje de las coplas es coloquial y directo, aunque se recurre
a menudo al doble sentido para conseguir efectos cómicos, sobre todo
rítmicos.
Diferentes tipos de coplas
Las coplas de arte menor: se pueden dividir en: cuarteta de
romance, seguidilla y redondilla.
-Cuarteta de romance: esta cuarteta está compuesta por versos
octosílabos, con el primero y el tercero libres, y el segundo y cuarto con
rima asonante.
-Seguidilla: tiene el primero y el tercer verso, heptasílabos con
rima libre. El segundo y el cuarto son pentasílabos con rima asonante.
-Redondilla: tiene versos octosílabos, con el primero y el cuarto
que riman entre sí, y el segundo y el tercero, rimando entre sí.
Coplas de arte mayor: son las coplas compuestas por ocho versos
con doce sílabas cada uno (dodecasílabos). De estos versos, riman entre sí:
el primero con el cuarto, quinto y octavo; el segundo con el tercero; el
sexto con el séptimo.
CHANSON
Chanson es un término francés, que en español se refere a
cualquier canción con letra en francés y, más específcamente, a piezas
vocales de tema amoroso, y también a las de crítica social y política, en
585

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
particular las pertenecientes al estilo de los cabarets. En este contexto se
llama chansonnier al intérprete de canciones de carácter humorístico o
satírico.
En un modo más especializado, chanson es una pieza musical
polifónica de la Baja Edad Media y Renacimiento. Las chansons antiguas
tendieron a presentar una forma fja como balada, rondó o virelay, aunque
posteriormente muchos compositores usaron la poesía popular en variedad
de formas musicales.
Las primeras chansons fueron para dos, tres o cuatro voces. Al
principio la norma eran tres voces, comenzándose a usar cuatro en el siglo
XVI. Algunas veces, los cantantes eran acompañados por música
instrumental. Ligeras, rápidas, rítmicas, silábicas. Utilizan el metro
binario. La melodía está en la voz superior. Los temas de sus textos son
variados, aunque predomina el amoroso. El más célebre compositor de
este género es Clément Janequin.
Historia
Siglo XV
Guillaume Dufay y Gilles Binchois, quienes escribieron las
llamadas "chansons borgoñonas" (así llamadas por provenir ambos de la
región conocida como Bourgogne, en español Borgoña), fueron los
compositores más importantes de la siguiente generación (1420-1470).
Sus chansons son en general simples en estilo, con tres voces con un tenor
estructural. Otras fguras de esta forma musical incluyen a Johannes
Ockeghem y Josquin Des Pres, cuyas obras cesaron de estar constreñidas a
las formas fjas y comienzan a desarrollar un estilo impregnado de
imitación similar al que se encuentra en los motetes y música litúrgica de
la época.
Siglo XVI
A mediados de siglo, Claudin de Sermisy y Clément Janequin
compusieron las llamadas "chansons parisinas", en las que también
abandonan las formas fjas, en un estilo más simple y homofónico,
creando algunas veces música que es evocativa de cierta imaginación.
Muchas de estas chansons parisinas fueron publicadas por Pierre
Ataingnant. Compositores de su generación, así como otros posteriores,
como Orlando di Lasso, fueron infuenciados por el madrigal italiano.
Muchas piezas instrumentales antiguas eran variaciones ornamentadas
(disminuciones) de chansons.
586

WORLD MUSIC
La chanson fue convirtiéndose también en canzona, una de las
raíces de la sonata.
Las canciones solistas francesas se desarrollaron a fnes del Siglo
XVI, probablemente a partir de las chansons parisinas. Durante el Siglo
XVII forecieron los "air de cour", chanson pour boire y otros géneros
similares acompañados generalmente por laúd o teclado, compuestos entre
otros por Antoine Boesset, Denis Gaultier, Michel Lambert, y Michel-
Richard de Lalande.
Siglos XVIII y XIX
Durante el siglo XVIII, la música vocal en Francia fue dominada
por la ópera, pero la canción solista experimentó un renacimiento en el
siglo XIX, primero con las melodías de salón, y a mediados de siglo con
obras más sofsticadas, infuenciadas por los lieder alemanes. Una fgura
importante de este movimiento, infuenciado por Schubert, fue sin duda
Louis Niedermeyer, seguido por Édouard Lalo, Félicien David y muchos
otros. Otros conmpositores franceses del siglo XIX que crearon chansons,
también llamadas melodías, fueron Ernest Chausson, Emmanuel
Chabrier, Gabriel Fauré, y Claude Debussy, mientras que muchos
compositores franceses del siglo XX han continuado esta fuerte tradición.
Siglo XX
En el siglo XX "la chanson" se utiliza principalmente para
referirse a cantautores, especialmente de estilo trovador, como Gilbert
Bécaud, Edith Piaf, Jacques Brel, Aristide Bruant, Léo Ferré, Serge
Gainsbourg, Georges Moustaki, Alain Souchon, Charles Trenet, Boris
Vian, Cora Vaucaire etc.
FADO
El fado es la expresión más conocida internacionalmente de la
música portuguesa. En el fado se expresan las experiencias de la vida a
través del canto. Generalmente es cantado por una sola persona,
acompañado por la «viola» (guitarra española) y la guitarra portuguesa.
Los temas más cantados en el fado son la melancolía, la nostalgia o
pequeñas historias del diario vivir de los barrios humildes, pero
especialmente el fatalismo y la frustración.
Dicen unos que esta música nostálgica y profunda, estas
canciones desgarradas, nacieron hace siete siglos, cuando los árabes vivían
587

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
en la colina del castillo de San Jorge de Lisboa. Argumentan que el fado
tiene parecido con la música popular del norte de África en sus
prolongados quejidos y en el tratamiento de lo cotidiano. Otros piensan
que el fado es más joven y se cantó, por primera vez, en alguna vieja
taberna de Alfama, Graça o Mouraria, alguna noche triste del siglo XIX.
Documentalmente, solo se comprueba la existencia del fado a
partir de 1838, aunque hay quien identifca su origen con los cantos de las
gentes del mar, inspirados en la soledad, la nostalgia y los balanceos de los
barcos sobre el agua. A pesar de los numerosos investigadores —Gonçalo
Sampaio, Mascarenhas Barreto, Pinto de Carvalho o Rodney Gallop— el
misterio de sus orígenes todavía no se ha desvelado.
Una de las mejores defniciones de fado la ofrece Amália
Rodrigues (1920-1999), considerada la embajadora artística de Portugal:
«el fado es una cosa muy misteriosa, hay que sentirlo y hay que nacer con
el lado angustioso de las gentes, sentirse como alguien que no tiene ni
ambiciones, ni deseos, una persona... como si no existiera. Esa persona soy
yo y por eso he nacido para cantar el fado». Amália puso emoción y voz de
fado a grandes poetas portugueses, como O`Neill, Manuel Alegre,
Homem de Melo y Camoens. En una de sus canciones más célebres
«Todo esto es fado» canta:
Amor, celos, ceniza y fuego, dolor y pecado.
Todo esto existe; todo esto es triste; todo esto es fado.
También el escritor portugués Fernando Pessoa escribió: «El fado
no es alegre ni triste [...] Formó el alma portuguesa cuando no existía y
deseaba todo sin tener fuerza para desearlo [...] El fado es la fatiga del alma
fuerte, el mirar de desprecio de Portugal al Dios en que creyó y que
también lo abandonó».
Su origen es sin duda popular y tiene algunos paralelismos con
otros estilos relevantes de la misma época, como el tango, el rebetiko y el
famenco. Aunque protegido por las instituciones ofciales durante la
dictadura salazarista, los amantes de este cante lo siguieron preservando
durante la segunda mitad del siglo pasado. Hoy la popularidad del fado es
cada vez mayor, principalmente entre las nuevas generaciones de cantantes
portugueses.
La guitarra portuguesa que acompaña siempre el fado tiene doce
cuerdas y su origen se remonta a la Edad Media y a un instrumento
llamado «cítula». Fue introducido en Portugal en la segunda mitad del
siglo XVIII, a través de la colonia inglesa en Oporto. A fnales del siglo
empezó a ser utilizada en los salones de la burguesía. Su timbre es especial
e inconfundible y está vinculado con el fado lisboeta desde 1870. Las
guitarras de Lisboa y Coímbra varían ligeramente en su tamaño, afnación
588

WORLD MUSIC
y construcción. La estructura del fado se divide en secuencias en las que
unas veces la guitarra suena sola y en otras acompaña solamente a la voz
del fadista.
Las casas de fado son restaurantes de los barrios antiguos de
Lisboa (Bairro Alto, Alfama, Lapa o Alcântara), que suelen abrir solo por
las noches. Después de cenar y tomar un buen vino, se baja la intensidad
de la luz, se hace silencio absoluto y uno se deja llevar por el ambiente
íntimo y por las voces dulces de los fadistas. Aunque hay fados alegres, que
son los más demandados, los melancólicos tienen más admiradores
portugueses. Las composiciones de Alfredo Marceneiro y Severa son un
clásico.
En noviembre del 2011, la Unesco inscribió a El fado, canto
popular urbano de Portugal como integrante de la Lista Representativa del
Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
SCHLAGER
El Schlager (de la palabra alemana Schlag de igual signifcado que
la inglesa hit, en español: «golpe (de éxito)») es un tipo de pieza musical,
por lo general ligera y pegajosa, consistente en una canción cuyo texto
suele ser poco exigente, con acompañamiento instrumental de música
pop. Mayoritariamente, los textos de Schlager están en idioma alemán y
muchas veces tratan de temas sentimentales. Tuvo su origen en las
melodías de la opereta y desde los años 1920, con la infuencia de los
ritmos y armonías del jazz se hizo notar como género aparte en el contexto
de la música pop.
A partir de los años 1950 el Schlager se describe como "un
concepto de la nueva música popular difícil de defnir", y también como
"forma abreviada para referirse a música de baile y popular ligera.
Microsoft Encarta defnía en 2003 Schlager por una parte como "una
pieza musical que es comercialmente exitosa" y por otro, como "un género
musical de la música popular“. Sus características serían las "estructuras
musicales simplísimas y textos triviales que apelan al deseo de felicidad y
armonía de los oyentes". En este contexto, "las fronteras hacia la música
pop y hacia la música popular folclórica (volkstümlich) alemana son
difusas“.
Distribución geográfca
Además de Alemania, el género es frecuente en también en otras
zonas de Europa, principalmente en el norte, en la región de Escandinavia,
589

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
países bálticos, etc. y con menos repercusión en Francia (salvo en Alsacia)
y Países Bajos. Las canciones pueden ser baladas dulces, de melodía simple
y pegadiza. Predomina en los temas el amor, los sentimientos y la
melancolía. La variante norteña, sobre todo en Finlandia, acopla
elementos del folk nórdico y eslavo.
El Schlager tomó fuerza en el Festival de Eurovisión desde su
creación en 1956, aunque en numerosas ocasiones fue reemplazado por
otro tipo de estilos más pop. Actualmente Suecia suele llevar ejemplos de
música Schlager a Eurovisión aunque arreglada con sonidos dance que la
alejan de su esencia, por lo que los puristas de este estilo de música no
consideran Schlager a la nueva variante. El último Schlager que ganó en el
festival de Eurovisión fue en 1999, de la mano de Charlotte Perrelli (actuó
con el nombre Charlotte Nilsson) y su tema Tusen Och En Natt
(interpretado en inglés con el título 'Take me to your heaven').
En la década de 1990 cogió de nuevo fuerza en Alemania con numerosas
canciones que gozaron y gozan de mucho éxito, incluso en Hamburgo se
celebra anualmente un festival Schlager en el que no falta la estética de los
70.
El Schlager contemporáneo es a menudo mezclado con
Volksmusik.
11.2. MÚSICA AFRICANA
África es un vasto continente, teniendo sus diferentes regiones y
naciones una gran variedad de tradiciones musicales. La música del norte
de África (regiones en rojo del mapa) tiene en su mayor parte una historia
diferente de la región subsaharaiana.
El Norte de África es la cuna de la cultura mediterránea,
incluyendo a Egipto y Cartago antes de ser gobernada sucesivamente por
griegos, romanos y godos y convertirse posteriormente en el Magreb del
mundo árabe. Como los géneros musicales del Valle del Nilo y del Cuerno
de África (regiones de color azul y verde oscuro en el mapa), sus músicas
porque son dos música tiene lazos con la música de Oriente Próximo.
África del Este y las islas del Océano Índico (regiones en verde
claro en el mapa) han tenido una ligera infuencia de la música árabe así
como por la música de la India, música de Indonesia y la música de
Polinesia. Sin embargo, las tradiciones musicales indígenas de la región
están basadas en la cultura de pueblos subsaharianos como los hablantes
de lenguas Níger-Congo.
África del Sur, Central y África Occidental (regiones marrón,
590

WORLD MUSIC
azul oscuro y amarillo del mapa) comparten una tradición musical
subsahariana entendida en sentido amplio, si bien toman también
infuencias de Europa Occidental y Norteamérica. Las formas musicales y
de baile de la diáspora africana, incluyendo la música afroamericana y
muchos géneros caribeños como soca, calipso y zouk, así como géneros de
música latinoamericana como rumba, salsa, se basaron en mayor o menor
medida en la música de los esclavos africanos, lo que al tiempo infuenció
la música popular africana.
Música del norte de África
La música del norte de África abarca un amplio abanico de
tradiciones, desde la música del Antiguo Egipto hasta la música bereber y
la música Tuareg de los nómadas del desierto. El arte musical de la región
ha seguido durante siglos las reglas de la música árabe y andalusí. Entre sus
géneros populares contemporáneos se encuentra el Raï argelino.
Luego,junto a estas músicas se puede agrupar también la música
de Sudán y del Cuerno de África, incluyendo la música de Eritrea,
Etiopía, Djibouti y Somalia.
Música subsahariana
La música tradicional africana suele ser funcional por naturaleza.
Las interpretaciones pueden ser largas y hacer a la audiencia partícipe de
ellas. Entendida de esta forma "práctica", la música consiste en diferentes
tipos de canción de trabajo, piezas que acompañan el nacimiento, boda,
caza y actividades políticas, música para ahuyentar a los malos espíritus y
rendir tributo a los buenos, la muerte y los ancestros. Ninguna de estas
formas musicales se interpreta fuera de su contexto y en su mayoría está
asociada con un tipo de danza particular. Buena parte de ella, interpretada
por profesionales, es música sacra o ceremonial y en ocasiones se toca en
cortes reales.
Ritmo subsahariano
El pionero de la etnomusicología Arthur Morris Jones (1889–
1980) observó que los principios rítmicos comunes a la mayor parte de las
tradiciones musicales subsaharianas constituyen un sistema principal. De
modo similar, el maestro de la percusión y académico C.K. Ladzekpo
afrma que existe una profunda homogeneidad en los principios rítmicos
del África Subsahariana.
591

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Rítmica en cruz
La rítmica en cruz es la base de buena parte de la música de las
gentes que hablan lenguas Níger-Congo, el mayor grupo lingüístico de
África del sur y del desierto del Sahara. La rítmica en cruz fue explicada
por primera vez como base del ritmo subsahariano por el profesor C.K.
Ladzekpo y en los escritos de David Locke.
La polirritmia es la unión de dos o más ritmos. La superposición
regular y sistemática de ritmos cruzados sobre un patrón rítmico principal
crea un tipo específco de polirritmia denominado rítmica en cruz. Desde
una perspectiva flosófca de la música africana, los ritmos en cruz pueden
simbolizar los momentos de desafío o de presión emocional que todos
encontramos. Tocar ritmos cruzados frmemente enraizados en un ritmo
principal, prepara al oyente para mantener un propósito vital cuando se
enfrenta a los desafíos vitales. Multitud de lenguas subsaharianas no tienen
una palabra para ritmo, o ni siquiera para música. Desde el punto de vista
africano, los ritmos representan la misma fbra que da forma a la propia
vida, están entroncados con la gente, simbolizando la interdependencia de
las relaciones humanas.—Peñalosa (2009: 21)
División regional de África según criterios musicales
Musicalmente, África puede dividirse en cuatro regiones:
La región este incluye la música de Uganda, Kenia, Ruanda, Burundi,
Tanzania, Malawi, Mozambique y Zimbabwe así como las islas de
Madagascar, las Seychelles, Mauritania y Comor.
La región sur incluye la música de Sudáfrica, Lesoto, Suazilandia,
Botsuana, Namibia y Angola.
La región central incluye la música de Chad, la República Centroafricana,
República Democráctica del Congo y Zambia, incluyendo la música
Pygmy.
La región oeste incluye la música de Senegal y Gambia, de Guinea y
Guinea-Bissau, Sierra Leone y Liberia, de las llanuras interiores de Malí,
Níger y Burkina Faso, las naciones costeras de Costa de Marfl, Ghana,
Togo, Benín, Nigeria, Camerún, Gabón y República del Congo así como
islas como Sao Tome y Príncipe.
Instrumentos musicales
El tambor parlante, o tama, un instrumento popular en África
Occidental.
592

WORLD MUSIC
El lamelófono o mbira, un instrumento popular en el sureste del
continente africano.
Además de utilizar la voz, que ha sido desarrollada hasta poder
ser utilizada para diferentes técnicas complejas como melisma y yodel, se
utiliza una gran variedad de instrumento musical. Los instrumentos
musicales africanos incluyen una amplia variedad de tambores, maracas o
kashakas y gonkoque así como instrumentos melódicos como instrumento
de cuerda, (arco musical, diferentes tipos de arpas o instrumentos similares
al arpa como el Kora o los fddles), muchos tipos de xilófono como el
mbira, y diferentes tipos de instrumento de viento como fautas y
trompetas.
Relación con el lenguaje
Las lenguas africanas son lenguas tonales con una estrecha
relación entre música y lengua en muchas culturas africanas. En el canto,
el patrón tonal o el texto ponen ciertos constreñimientos sobre el patrón
melódico. Por otra parte, en la música instrumental un hablante nativo de
una de estas lenguas suele ser capaz de percibir un texto o textos en la
música. Este efecto también forma la base de los lenguajes de percusión
(tambor parlante).
11.3. MÚSICA DE ASIA
J-Rock: Es una denominación de la música rock desarrollada en
Japón. El nombre J-rock proviene del inglés "Japanese rock", y es uno de
los movimientos más potentes dentro de la cultura japonesa en la
actualidad.
Dentro de los años sesenta comenzaron a aparecer los primeros
artistas más autóctonos, adoptando las formas que les llegaba del rock del
exterior y adaptándolo a sus propias raíces. En esta época aparecen los
primeros cantantes que escribían las letras de sus canciones, fusionando
tonos y escalas occidentales con otras propias de la música tradicional
japonesa, y alcanzaron gran popularidad intérpretes tales como Kazuki
Tomokawa y Kan Mikami. Los cantantes de rockabilly, música beat y folk
dan origen a géneros prototipos del futuro J-Pop, mientras que bandas de
jazz, rock ácido, blues rock y principalmente rock psicodélico moldean al
próximo J-Rock. Surgida en 1966, la banda psicodélica de Tokio, Flower
Travellin' Band, debuta en el mundo comercial con su álbum Challenge!
(1968), seguido por los mini álbumes Come Back Hasagi (1969), Yoruba
593

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Child (1969), y el LP Anywhere (1970). Pero no es hasta la publicación
del magistral álbum Satori (1971) que llegan a la cima de ventas en Japón,
e inclusive venden algunas copias en Estados Unidos y Reino Unido.
Dicho trabajo tenía fuertes infuencias musicales de bandas occidentales
como Black Sabbath, Blue Cheer, Cream, Iron Butterfy o Te Jimi
Hendrix Experience. En 1974 surge Murasaki, que con su álbum debut
homónimo da la primera muestra auténtica de un disco de Hard rock y
Heavy metal hecho en el ‘país del sol naciente’. Dicho álbum estaba
infuido por bandas británicas como Deep Purple, Led Zeppelin, Te
Who y los ya mencionados Black Sabbath. Otra banda de Hard rock y
Heavy metal de esta época en Japón son los actuales integrantes de la
actual banda DIABLO GRANDE: esta banda fue formada en el año
(2008) por miembros de otras antiguas bandas que fueron muy
infuyentes en Japón.
También en esta era comenzaron a aparecer exponentes japoneses del
género emergente del Reino Unido conocido como el rock progresivo.
Algunos artistas como After Dinner, Last At Mad y Cosmos Factory
triunfaron en esta categoría.
En los 80's, bandas jóvenes con sonidos fuertes, rítmicos y agresivos
comienzan a aparecer, con infuencias europeas, géneros como doom
metal, new wave, post-punk y power metal, entre ellos: Buck-Tick, X
Japan y Dead End. Justo en esta época la música rock producida en Japón
empieza a ser denominada J-Rock por los medios de comunicación en
lugar de Nihonrokku o Nihon-Rock, que era el nombre recibido por el
público underground desde los 70, principalmente para diferenciarle del
Pop japonés infuido por Madonna y Michael Jackson, así como para
marcar diferencia con las Idols juveniles.
J-pop: (comúnmente estilizado como J-POP; en japonés: ジ ェ
イ ポ ッ プ jeipoppu; una abreviación para pop japonés), también
conocido simplemente en su país como pops, es un género musical dentro
en la cultura musical popular de Japón en los noventa. El J-Pop moderno
tiene sus raíces en la música tradicional japonesa, pero signifcativamente
en la música popular de los sesenta y la música rock, como Te Beatles y
Te Beach Boys, los cuales llevaron a bandas de rock japonés como Happy
End fusionando el rock con la música de Japón a inicios de los setentas. El
J-Pop posteriormente fue defnido por grupos de new wave a fnales de los
setentas, particularmente la banda de música electrónica Yellow Magic
Orchestra y la banda de pop rock Southern All Stars. eventualmente, el
594

WORLD MUSIC
j-pop reemplazó al Kayōkyoku (un término para la música pop
japonesa desde los veintes hasta los ochentas) en la escena musical
japonesa. El término fue creado por los medios japoneses para distinguir la
música pop japonesa del resto, y se refere únicamente al pop hecho
dentro de Japón. El género musical ha infuido en otros estilos de música,
y por lo tanto en regiones cercanas, donde el estilo ha sido copiado por sus
vecinos de Asia, que también han tomado el concepto para crear sus
propias identidades musicales.
Enka: ( 演 歌 ?) es un estilo de música japonesa consistente en una
mezcla de sonidos tradicionales japoneses con melodías occidentales,
principalmente de infuencia estadounidense. Inicialmente se creó dentro
de la Era Meiji y la Era Taishō, como una forma de música de protesta.
El término Enka ( 演 = actuar / 歌 = canción) se formó
originalmente en la era Meiji, y comenzó como una forma de expresión de
desacuerdo político, a modo de discursos en forma de música para
hacerlos más atractivos, pero su forma cambió rápidamente. Fue el primer
estilo en sintetizar las melodías japonesas con armonías occidentales para
crear un nuevo ritmo.
El pop chino: (c-pop) originalmente empieza con el género
shidaiqu, fundado por Li Jinhui en el continente; tuvo infuencias
occidentales del jazz como de Buck Clayton. Luego del establecimiento
del Partido Comunista, la compañía productora Baak Doi, terminó
abandonando Shanghái en 1952. Los setenta vieron el crecimiento del
cantopop en Hong Kong y luego, del mandopop en Taiwán. El
continente, se mantuvo al margen por décadas con un mínimo grado de
participación. Sólo en los años recientes, la juventud de la China
continental se convirtió en consumidor del mandopop taiwanés.
Igualmente China no es considerada un centro de una considerable
producción, a pesar de tener su gran población. Cuando el ícono de Hong
Kong Anita Mui interpretó en China la canción «Bad Girl» durante los
noventa, le fue prohibido volver a los escenarios por mostrar una actitud
rebelde. Para los estándares occidentales, la interpretación no fue más
rebelde que, por ejemplo, las hechas por Madonna; Mui había basado
muchos de sus movimientos en su estilo. Muchos artistas de la parte
continental, a menudo tratan de comenzar su éxito comercial en Hong
Kong o Taiwán primero, y luego volver al continente como una parte de
la cultura gangtai.
A partir del siglo XX, la música popular en la China continental
595

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
se volvió más popular. En especial, al principio del siglo XXI, los artistas
de esta misma parte de China comenzaron a producir un amplio rango de
canciones populares mandarines junto con muchos nuevos álbumes.
Muchos de estos artistas interpretaron para la promoción de los
Juegos Olímpicos de Pekín 2008.
El K-pop: (hangul; también conocido como música popular de
Corea o simplemente pop coreano) es un estilo de música integrado por
varios géneros musicales, proveniente de Corea del Sur caracterizado por
estar constituido por variados elementos audiovisuales. Aunque esté
comprendido por todos los géneros de la «música popular» de Corea del
Sur, el término es usado más a menudo en un sentido más limitado para
describir la forma moderna de música popular surcoreana que incorpora
varios estilos y géneros musicales del occidente, tales como rock, jazz, hiphop,
R&B, reggae, electrónica, techno, rave, nu metal, folk, country y
clásica por encima de la raíz musical coreana tradicional. La forma más
moderna del género surgió con uno de los primeros grupos de K-pop, Seo
Taiji y Boys, que se conformó en 1992. Su experimentación con diferentes
estilos de música «reformó la escena musical de Corea». Como resultado,
la integración de géneros musicales extranjeros se ha convertido en una
práctica común de los artistas de K-pop.
El K-pop entró en el mercado japonés a principios del siglo XXI
y rápidamente se convirtió en una subcultura entre los adolescentes y
adultos jóvenes de Asia Oriental y Sudoriental. Con el advenimiento de
los servicios de redes sociales, la actual propagación mundial de K-pop y el
entretenimiento coreano conocido como la ola coreana se ve en América
Latina, India, África del Norte, el medio Este, y en otras partes del
occidente.
Raga rock: es un término que se utiliza para describir la música
rock en la que se aprecia de forma notable la infuencia de la música de
Raga, ya sea en la melodía (por el uso de raga), en la armonía, en el ritmo
o en el timbre (mediante instrumentos como el sitar y la tabla u otros
occidentales que imitan su sonido). No se trata de un género bien
delimitado, sino de una etiqueta genérica que sirve para describir cualquier
tipo de música rock con infuencia hindú. Dado que esta infuencia se
hizo sentir sobre todo en el rock de los años 60, el término se utiliza sobre
todo para referirse a grabaciones de esa época, aunque no faltan ejemplos
de música rock con elementos hindúes en las décadas siguientes.
596

WORLD MUSIC
Las primeras grabaciones de música rock con clara infuencia
hindú son «Heart Full of Soul» de Te Yardbirds y «See My Friends» de
Te Kinks, editadas en junio y julio de 1965, respectivamente. Aunque
ninguna de las dos utiliza instrumentos orientales, en ambas la guitarra
imita el sonido del sitar. En marzo de 1966 Te Byrds publicaron el
sencillo «Eight Miles High» / «Why?», en el que también se perciben
elementos hindúes. El término raga rock aparece por primera vez en la
publicidad de este disco y la primera que lo usó en la prensa fue la
periodista Sally Kempton, en una reseña de «Eight Miles High» que
apareció en Te Village Voice. Te Paul Butterfeld Blues Band amplió el
concepto de la música rock infuida por la India con un tema instrumental
de 13 minutos llamado «East-West» que da nombre a su álbum
homónimo de 1966.
Te Beatles, y en especial George Harrison, apasionado de la
cultura hindú, popularizaron la mezcla a mediados de los 60 con
canciones como Norwegian Wood (Tis Bird Has Flown) (del disco
Rubber Soul, 1965), Love You To (del disco Revolver, 1966) y Within
You Without You (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, 1967).
En los años 70 el guitarrista John McLaughlin y su grupo, la
Mahavishnu Orchestra, practicaron con éxito una modalidad virtuosística
del raga rock. McLaughlin ha colaborado después con músicos hindúes en
los grupos instrumentales Shakti y Remember Shakti.
En los años 90 el grupo de rock inglés Kula Shaker obtuvo un
disco de multiplatino con su álbum K, que incluía éxitos de raga rock
como «Tattva» y «Govinda». La letra de ambas canciones incluye pasajes
en sánscrito. Kula Shaker volvió en 2005, tras una ausencia de varios años,
y ha seguido publicando canciones de raga rock, como «Song of
Love/Narayana».
El gamelán: es una agrupación musical tradicional de Indonesia,
especialmente en Bali y Java, caracterizado por instrumentos como
metalófonos, xilófonos, membranófonos, gongs, fautas de bambú, e
instrumentos de cuerda frotada y cuerda pulsada. Puede ser incluida una
vocalista que recibe el nombre de pesindhèn. Para la mayoría de los
indonesios la música de gamelan es una parte integral de la cultura
indonesia.
La música de gamelán se basa en un tema principal, el cual
algunos instrumentos tocan entero, sólo partes, adornos o bien llevan el
ritmo:
597

UNA APROXIMACIÓN A LOS GÉNEROS MUSICALES DEL SIGLO XX
Tema básico: tocado por instrumentos metalófonos como el
saron o el slentem.
Ornamentación: tocada por instrumentos como el gender o el
bonang que son metalófonos pero también por xilófonos, cítaras, rebab,
fauta y cantante solista femenina acompañada de un coro masculino.
Pulso y ritmo: tocado por gongs, campanas como el kempul, bloques de
madera...
Se utilizan diversos sistemas de entonación, como el llamado
slendro con 5 tonos diferentes o el pelog con 7 tonos. Existen dos estilos
de interpretación: el suave con un fujo de sonido atemporal asociado con
el canto y el Alús como danza, y el fuerte con la danza Gaga y dirigido por
la percusión. El gamelan aporta sonidos exóticos con un ritmo pausado y
la utilización de la escala pentatónica. Cada vez está adquiriendo mayor
repercusión en el resto del mundo musical.
La música flmi: es el nombre que recibe la música compuesta
para los intermedios musicales bailados obligatorios en los flmes hindúes.
Generalmente, las canciones están disponibles en cassettes y cds (piratas)
mucho antes de que se efectúe la proyección ofcial del flme, es decir, los
espectadores conocen las canciones cuando se estrena la película. Cabe
destacar que hay flmes cuyos únicos benefcios provienen de la venta de la
banda de sonido original.
La calidad de las composiciones varía notablemente, yendo de la
mediocre a la excelente. Como exponente de esta última podemos citar a
A.R. Rahman. Algunos cantantes alcanzan fama casi "heroica", como la
popular Lata Mangeshkar.
Muchas películas son flmadas en diferentes versiones, por
ejemplo en hindú y en tamil. En esos casos la música del flme sufre una
adaptación de acuerdo a la nueva lengua de rodaje. Las versiones de A.R.
Rahamn resultan más que satisfactorias a los oídos de las distintas zonas de
la India.
Remarcamos que incluso en las películas que le hacen un guiño
al público occidental, los números musicales siguen presentes. Tal es el
caso del flme "El casamiento de los monzones" de Mira Nair, más
cercano por su contenido y realización al cine de arte y ensayo que al
hollywoodense. Los musicales se mantienen en los trabajos de jóvenes
realizadores ingleses de origen hindú o pakistaní, como "Juega como
Beckham" de Gurinder Chadha, en donde Blondie y Texas comparten
598

WORLD MUSIC
melodías con Malkit Singh y Bally Sagoo.
En cierto modo, el cine hindú genera gracias a esta mezcla de
música, danzas y dramaturgia el ideal que Bhârata defnió en su tratado
Nâtya-shâsta, en el cual describe las bases del arte hindú en el escenario.
599