15 mai ? 21 oct. 2012 - Fondation Cartier pour l'art contemporain ...

15 mai › 21 oct. 2012

HISTOIRES DE VOIR
SHOW AND TELL
Présentée du 15 mai au 21 octobre 2012, l’exposition
Histoires de voir, Show and Tell fait
découvrir les œuvres et raconte les histoires
de plus de 50 artistes du monde entier,
peintres, sculpteurs, dessinateurs et cinéastes.
Ils sont brésiliens, indiens, congolais mais
aussi haïtiens, mexicains, européens, japonais,
américains. Ils vivent à Paris ou Port-au-
Prince, à Tokyo ou dans les faubourgs de
Mexico City, en Amazonie ou dans les campagnes
non loin de Mumbai.
Ils se sont découverts artistes et ont appris à
voir dans des circonstances et des contextes
singuliers ; souvent considérés comme « naïfs »
ils ont rarement été invités à présenter leurs
œuvres dans des institutions dédiées à l’art
contemporain.
Regarder autrement
Histoires de voir est née de la curiosité d’aller voir
et de comprendre en quoi consiste l’art dit
« naïf », « autodidacte » ou « primitif », de partir à
la rencontre d’artistes empruntant d’autres chemins
que ceux imposés par les codes visuels
dominants, de revisiter les relations entre art
contemporain et art populaire, entre art et artisanat.
L’exposition répond au désir de libérer le
regard et de regarder autrement, de donner la
parole à des artistes et des communautés d’artistes
qui portent sur le monde un regard émerveillé.
Elle fait connaître des femmes et des
hommes pour qui l’art est « en lien étroit avec l’hypersensibilité
du cœur » et dont les œuvres sont « un
document de vie », selon les mots d’Alessandro
Mendini, designer et architecte italien qui scénographie
l’exposition.
Voix d’artistes
Riche de plus de 400 œuvres, accompagnée de
films et de textes qui donnent à entendre et à lire
la parole des artistes, à comprendre les contextes
dans lesquels leur art apparaît, l’exposition révèle
un vaste réseau de correspondances, de complicités
secrètes entre des œuvres issues de géographies,
de cultures et de savoirs différents. Malgré
la diversité des styles, de nombreux éléments
relient les œuvres entre elles : l’exubérance des
couleurs, la distorsion des échelles et des perspectives,
la stylisation des formes mais aussi la représentation
de la nature, des animaux et des visages,
la place du rêve et de l’imaginaire.
Histoires de voir célèbre l’existence de pensées
autres, la recherche de formes nouvelles, suggérant
qu’une multiplicité d’arts contemporains est
possible. L’exposition affirme la puissance créatrice
d’artistes pour lesquels peindre, modeler,
filmer, dessiner, coudre, sculpter est à la fois une
recherche de la connaissance et une expérience
du monde.
HISTOIRES CHOISIES
Ariel Kuaray Poty Ortega
Né en 1985 dans le village de Tamandua en
Argentine, Ariel Kuaray Poty Ortega est un
artiste guarani qui a toujours rêvé de faire des
études de cinéma. Il vit aujourd’hui au Brésil et
réalise des films avec et pour sa communauté,
grâce au programme brésilien Vídeo nas Aldeais
qui donne aux indiens les moyens de prendre la
parole par l’image en leur confiant du matériel
vidéo, et en les formant aux techniques de réalisation
et de montage.
Dans ses films, Ariel Kuaray Poty Ortega suit
sans artifice la vie quotidienne de sa communauté
mbya guarani : chaque film est l’occasion
pour ses membres de réfléchir à haute voix sur
l’image qu’ils donnent aux Jurua (les Blancs), et
de résister aux préjugés négatifs et à l’histoire
officielle portés par ces derniers. En retournant
la caméra sur sa communauté, Ariel Kuaray Poty
Ortega propose un jeu de regards où l’expression
cinématographique est un moyen d’affirmer et
de sauvegarder une identité et une culture.
Virgil et la famille Ortiz
Né en 1969, Virgil Ortiz habite à Cochiti Pueblo
(Nouveau-Mexique, USA). Cadet d’une fratrie
de six enfants, il a grandi dans un environnement
où les contes, le ramassage de l’argile, la
cueillette des plantes sauvages et la production
de poteries figuratives faisaient partie de la vie
quotidienne.
En 2011, il a rassemblé autour de lui quatre générations
de la famille Ortiz pour créer la série
Vertigo, composée de 21 pièces. Avec sa famille,
Virgil Ortiz a recréé un ensemble de figurines à
l’aide d’une photographie de Ben Wittick représentant
un ensemble de poteries cochiti à Albuquerque
vers 1885 : « J’ai eu l’impression que mon
destin était de sauvegarder la tradition de ces figures
cochitis se tenant debout. […] Ce que je veux faire, c’est
continuer la chaîne, passer le savoir-faire à la génération
suivante et maintenir la tradition en vie. »
(Détail)
Isabel Mendes da Cunha
Isabel Mendes da Cunha a aujourd’hui 88 ans.
Elle est née dans la vallée du Jequitinhonha
dans le Nord-Est de l’État du Minas Gerais (Brésil).
Dans cette vallée qui compte plus de 300
femmes céramistes pour 5 hommes – suite à
l’exode des maris vers les villes dans les années
1970 –, l’artisanat, et notamment la céramique,
est l’une des ressources principales. Isabel
Mendes da Cunha a appris la technique de la
céramique avec sa mère, en fabriquant des
objets usuels qui étaient ensuite vendus sur les
marchés. Après la mort de son mari, et face à la
concurrence des produits industriels, elle a
orienté sa production vers la sculpture artistique
en créant de grandes figures en céramique.
Grâce à cet acte créatif né d’une pratique artisanale
propre à toute une vallée, Isabel Mendes
da Cunha est aujourd’hui reconnue et respectée.
(Détail)
Sibrun Rosier
et Jean-Baptiste Jean Joseph
En Haïti, lors de cérémonies consacrées aux
dieux du vaudou, les initiés font tournoyer des
drapeaux sur lesquels sont représentés les vèvès
(les signes distinctifs des dieux). Ces drapeaux
sont issus de la culture religieuse et de la tradition
artistique et artisanale du peuple haïtien.
Ceux présentés dans l’exposition ont été confectionnés
par Sibrun Rosier et Jean-Baptiste Jean

Joseph, tous deux prêtres vaudous. Ils conçoivent
et dessinent les motifs des drapeaux en s’inspirant
de l’imaginaire et des caractéristiques des
dieux du panthéon vaudou : sur chaque drapeau,
l’artiste associe le symbole vèvè du dieu représenté
à des tissus, des perles et des paillettes.
(Détail)
Histoires retrouvées
L’exposition présente également un ensemble
de peintures congolaises, toutes réalisées dans
la première moitié du XX e siècle. Longtemps
ignorés, ces tableaux à base de pigments naturels
portent une beauté lumineuse, une liberté
et une fulgurance hors du commun. Les artistes
Albert Lubaki ou encore Kalela ont reproduit
sur le papier des scènes habituellement dessinées
sur les cases : représentations de la nature
environnante, de scènes de la vie quotidienne,
de motifs géométriques, mais aussi de nouveaux
sujets inspirés par la présence coloniale (comme
les voitures ou le train). Toutes les œuvres exposées
dévoilent un pan entier de l’histoire de l’art
africain resté confidentiel jusqu’à présent.
(Détail)
Jivya Soma Mashe
Située dans le district de Thane, à environ 150 km
au nord de Mumbai, la tribu des Warli compte
encore aujourd’hui plus de 200 000 membres.
Dans cette tribu qui a ses propres croyances,
coutumes et modes de vie, la réalisation de peintures
murales au sein des maisons accompagne
les grands événements (comme les mariages ou
les récoltes). Jusqu’à la fin des années 1960, cet
art était exclusivement pratiqué par les femmes.
Au cours des années 1970, un homme, Jivya
Soma Mashe, est le premier à transposer ces
peintures sur le papier, et à renouveler les sujets
et les compositions. Remarquée par les autorités
indiennes en charge de conserver et de promouvoir
l’art des Warli, son œuvre jouit aujourd’hui
d’une grande réputation.
(Détail)
Mamadou Cissé
Mamadou Cissé est né en 1960 au Sénégal, dans
le village de Baghagha. Dans son enfance, il dessine
beaucoup de portraits, de villages, et s’intéresse
à des pratiques aussi variées que le dessin
sur sable, la peinture à l’eau, la calligraphie, etc.
Après son arrivée en France en 1978, il exerce
plusieurs métiers, dont celui de gardien de nuit
en 2001. Pour rester éveillé, il commence à dessiner
des villes avec une extrême précision. À la
fois réelles et imaginaires, les villes de Mamadou
Cissé sont toujours vues d’en haut, comme pour
mieux en dévoiler le mouvement, la vitalité et
la densité. Ses dessins reflètent en même temps
une préoccupation importante : l’urbanisme et
l’optimisation des surfaces. « Je vois les villes en
hauteur, je trouve qu’elles sont bien conçues. […] Dans
le futur, je souhaite qu’on ait assez de terre pour l’agriculture,
qu’on ait assez de terre pour les forêts. Et qu’on
soit bien logé. »
Dessinateurs huni ku
Le peuple kuni ku (ou kaxinawá) vit dans l’État
de l’Acre, dans l’Ouest de l’Amazonie brésilienne.
À la fin du XIX e siècle et jusqu’en 1985, le
développement de l’industrie du caoutchouc a
forcé les Kaxinawá à quitter leur terre, et à abandonner
peu à peu leurs savoirs et leurs traditions.
Né dans les années 1960, le chaman Ibã a grandi
dans la tradition kaxinawá que son père lui a
transmise par la parole. Après avoir consigné par
écrit tout ce savoir, et notamment les chants traditionnels,
Ibã a décidé de le transmettre d’une
autre façon, de transformer l’immatériel de cette
musique en matière à voir. Lors de séances avec
des artistes-dessinateurs kaxinawá, il reprend ces
chants traditionnels pendant que les artistes
l’accompagnent en dessinant sa musique. Ces
« dessins de chants », dont une vingtaine est présentée
dans l’exposition, sont un moyen de transmettre
un savoir et une culture aux jeunes générations,
et à tout le monde : « Il ne s’agit pas
seulement de rassembler le savoir que nous avons
reçu, mais aussi de le faire vivre. »

Tadanori Yokoo
Tadanori Yokoo est l’un des plus grands graphistes
du Japon. Après avoir assisté à une exposition
Picasso au MoMA, il décide de suivre un
rêve de jeunesse : « consacrer [ses] loisirs à peindre des
toiles qui seraient en marge de l’histoire de l’art, comme
celles d’Henri Rousseau ». Les œuvres présentées
dans cette exposition appartiennent à un
ensemble de 37 tableaux constituant un hommage
au Douanier Rousseau. Dans chacune de
ces toiles, Tadanori Yokoo a introduit un « événement
» surprenant, en s’inspirant d’une tradition
esthétique propre au Japon – que l’on retrouve
par exemple dans les manga à deux vignettes. En
modifiant ainsi la scène originale des tableaux
d’Henri Rousseau, Tadanori Yokoo associe les
modes d’expression picturale du Japon et de
l’Occident dans un esprit ludique et jubilatoire.
Alessandro Mendini
Alessandro Mendini est né à Milan en 1931.
Designer et architecte de formation, il a fondé
son propre studio en 1989, après avoir travaillé
pour Nizzoli, et mené des collaborations avec
des sociétés comme Alessi, Venini, Bisazza ou
Philips. Ses travaux échappent aux classifications
traditionnelles de l’art et du design et
intègrent souvent des références à l’art populaire
: son Cavaliere, qui rend hommage au tra-
vail de Dürer, rappelle également la statuaire
italienne et la mosaïque byzantine, tout en ayant
une silhouette ludique, proche du jouet d’enfant.
Pour l’exposition, il a réalisé une scénographie
« comme un écrin, simple mais précieux [pour] rendre
hommage à ces exceptionnelles « histoires de voir », en
mettant en évidence la magie de l’hyper-humanité ».
ARTISTES PRÉSENTÉS
Claudia Andujar, Gregorio Barrio,
Valdir Benites, José Bezerra, Ciça,
Mamadou Cissé, Ronaldo Costa,
Antônio de Dedé, Chano Devi, Djilatendo,
Ratna Raghia Dushalda,
Barcilicio Gauto, Gregor,
Bane Huni Ku (Cleiber Pinheiro Sales),
Bane Huni Ku (Iran Pinheiro Sales),
Isaka Huni Ku (Menegildo Paulino),
Kixt Huni Ku (João Sereno),
Mana Huni Ku (Pedro Mácario),
Txanu Huni Ku (José Edson Sales),
Ilunga, Jean-Baptiste Jean Joseph,
Joseca, Kalela, Kayembe, Mwenze Kibwanga,
Takeshi Kitano, Albert Lubaki,
Lukanga, Jivya Soma Mashe, Mbuya,
Isabel Mendes da Cunha,
Alessandro Mendini, Nino,
Mercedes Noguera, Ariel Kuaray Poty Ortega,
Virgil Ortiz et toute la famille Ortiz
(Dominic Ortiz, Dominique Ortiz,
Guadalupe Ortiz, Janice Ortiz, Kyle Ortiz,
Lisa Holt, Joyce Lewis, Harlan Reano),
Alcides Pereira dos Santos, Pili Pili Mulongoy,
Nilson Pimenta, Lucas Piragi,
Salustiano Portillo, Sibrun Rosier,
Aurelino dos Santos, Hans Scherfig,
Jangarh Singh Shyam, Cícero José da Silva,
Francisco da Silva, José Antonio da Silva,
Dragiša Stanisavljevi, Taniki, Neves Torres,
Shantaram Chintya Tumbada, Véio,
Tadanori Yokoo, Yumba.
AUTOUR DE L’EXPOSITION
Les Nuits de l’Incertitude
À l’occasion d’Histoires de voir, Show and Tell, la
Fondation Cartier organise une série de rencontres,
de discussions et de projections, autour
de thèmes, d’œuvres et d’histoires abordés par
l’exposition, notamment celles de communautés
indigènes comme les Guarani ou les Kaxinawá.
Pour questionner toutes ces histoires, leur
« magie » et leur « hyper-humanité » – selon les
mots d’Alessandro Mendini, scénographe de
l’exposition –, la Fondation Cartier invite des
artistes, des anthropologues, des vidéastes et des
philosophes à venir échanger et confronter leurs
visions du monde.
Les Soirées Nomades
Les Soirées Nomades inventent les Revues,
nouveau rendez-vous mensuel consacré aux arts
de la scène. Carte blanche à un artiste ou soirée
thématique, chaque Revue donne l’occasion de
découvrir des univers artistiques originaux.
Pour les premiers numéros, Marcelline Delbecq,
Ellie Ga, Anne-James Chaton, Alva Noto
et Jonathan Burrows imaginent des soirées composées
: performances, concerts, lectures et créations
en tout genre.
Catalogue de l’exposition
Conçu dans le prolongement de l’exposition, le
catalogue Histoires de voir se déroule lui aussi
comme une succession d’histoires autour des
artistes et de leurs œuvres ainsi que, le cas
échéant, celles de leurs communautés. Avec
près de 400 images des sculptures, peintures et
dessins exposés, une documentation visuelle
importante, et des textes de spécialistes, le livre
constitue une occasion unique de mieux
connaître l’univers de ces artistes. Les approches
complémentaires et transversales de Laymert
Garcia dos Santos et Sally Price apportent un
regard critique sur l’exposition.
INFORMATIONS PRESSE
Matthieu Simonnet / Tél. 01 42 18 56 77
matthieu.simonnet@fondation.cartier.com
Informations et images HD sur :
presse.fondation.cartier.com
Vernissage presse le lundi 14 mai 2012
Fondation Cartier pour l’art contemporain
261, boulevard Raspail 75014 Paris
Tél. 01 42 18 56 50
fondation.cartier.com
L’exposition Histoires de voir, Show and Tell est organisée
avec le soutien de la Fondation Cartier
pour l’art contemporain, placée sous l’égide
de la Fondation de France, et avec le parrainage
de la Société Cartier.
Couverture
© Bane, © Djilatendo, © Gregorio Barrio, © Iran,
© Jangarh Singh Shyam, © Joseca, © Kayembe, © Nilson
Pimenta, © Txanu, © Véio
Pages 2-3
Famille Ortiz, Vertigo, 2011. Collection Famille Ortiz
© Famille Ortiz. Photo courtesy of Virgil Ortiz ;
Isabel Mendes da Cunha, sans titre, 2008.
Collection Galeria Estação
© Isabel Mendes da Cunha. Photo © João Liberato ;
Sibrun Rosier, Loko Atissou, 2005.
Collection Sibrun Rosier © Sibrun Rosier.
Photo © Rafaelle Castera ;
Djilatendo, sans titre, 1929.
Collection Pierre Loos, Bruxelles © Djilatendo.
Photo © André Morin ;
Jivya Soma Mashe, Fishnet, 2009.
Collection Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris
© Jivya Soma Mashe. Photo © André Morin ;
Mamadou Cissé, 2005. Courtesy Galerie Bernard Jordan,
Paris – Zurich © Mamadou Cissé. Photo © André Morin ;
Isaka, 2011. © Isaka.
Page 4
Tadanori Yokoo, Heavy Smoker, 2007.
Collection KAWS, New York © Tadanori Yokoo ;
Alessandro Mendini, Il Cavaliere di Dürer, 2011.
Courtesy Fondazione Bisazza, Alte, Vicenza
© Alessandro Mendini. Photo © Lorenzo Ceretta