Histoires de voir, Show and Tell - Fondation Cartier pour l'art ...

15 mai › 21 oct. 2012

HISTOIRES DE VOIR
SHOW AND TELL
4
INTRODUCTION
À LA VISITE
par Alessandro Mendini
6
PARCOURS
DE L’EXPOSITION
Visite guidée par la voix des artistes
7
HISTOIRES CHOISIES
Par Bruce Albert, Valéria Macedo, Patrick Vilaire,
André Magnin et Amilton Pelegrino de Mattos
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CATALOGUE
Regards sur l’exposition
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LES SOIRÉES
NOMADES
Revues et résidence
21
ACTIVITÉS
POUR ENFANT
Ateliers et parcours en famille
22
INFORMATIONS
PRATIQUES
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AUTOUR
DE L’EXPOSITION
26

HISTOIRES DE VOIR
SHOW AND TELL
Présentée du 15 mai au 21 octobre 2012, l’exposition Histoires de voir, Show and Tell fait découvrir
les œuvres et raconte les histoires de plus de 50 artistes du monde entier, peintres, sculpteurs,
dessinateurs et cinéastes. Ils sont brésiliens, indiens, congolais mais aussi haïtiens, mexicains,
européens, japonais, américains. Ils vivent à Paris ou Port-au-Prince, à Tokyo ou dans les faubourgs
de Mexico City, en Amazonie ou dans les campagnes non loin de Mumbai. Ils se sont découvert
artistes et ont appris à voir dans des contextes et des circonstances singuliers ; souvent considérés
comme « naïfs » ils ont rarement été invités à présenter leurs œuvres dans des institutions dédiées
à l’art contemporain.
Regarder autrement
Histoires de voir est née de la curiosité d’aller voir
et de comprendre en quoi consiste l’art dit « naïf »,
« autodidacte » ou « primitif », d’aller à la rencontre
d’artistes empruntant d’autres chemins que ceux
imposés par les codes visuels dominants, de revisiter
les relations entre art contemporain et art populaire,
entre art et artisanat. L’exposition répond au désir
de libérer le regard et de regarder autrement,
de donner la parole à des artistes et des communautés
d’artistes qui portent sur le monde un regard
émerveillé. Elle fait connaître des femmes et des
hommes pour qui l’art est « en lien étroit avec
l’hypersensibilité du cœur », et dont les œuvres
sont « un document de vie », selon les mots
d’Alessandro Mendini, designer et architecte italien
qui scénographie l’exposition.
Voix d’artistes
Riche de plus de 400 œuvres, accompagnée de fi lms
et de textes qui donnent à entendre et à lire la parole
des artistes, à comprendre les contextes dans lesquels
apparaît leur art, l’exposition révèle un vaste réseau
de correspondances, de complicités secrètes entre
des œuvres issues de géographies, de savoirs et de
cultures différents. Histoires de voir célèbre l’existence
de pensées autres, la recherche de formes nouvelles,
suggérant qu’une multiplicité d’arts contemporains
est possible. Elle affi rme la puissance créatrice
d’artistes pour lesquels peindre, modeler, fi lmer,
dessiner, coudre, sculpter est à la fois une recherche
de la connaissance et une expérience du monde.
L’exposition
Histoires de voir présente un vaste ensemble d’œuvres
d’une rare diversité. Parfois associées à l’art
populaire, naïf, singulier, tribal ou folklorique selon
le contexte dans lequel elles ont été réalisées, elles ont
la particularité de se situer en dehors des canons de
l’art occidental et d’échapper aux codes académiques.
Transcendant les genres et les catégories, l’exposition
s’appuie sur une sélection guidée par la puissance
esthétique et l’originalité plastique des œuvres.
Peintures et sculptures naïves du Brésil, poteries
cochiti du Nouveau-Mexique, drapeaux vaudous
d’Haïti et peintures tribales de l’Inde sont quelques
exemples qui témoignent de la spectaculaire
diversité des styles et des sentiments présents dans
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l’exposition. Certaines œuvres contiennent un fi l
narratif ou fi guratif, comme les paysages intenses
du brésilien Neves Torres, tandis que d’autres
– telles les éclatantes peintures de motifs sur tissus
de l’africain Djilatendo – tendent vers l’abstraction.
Les dessins rudimentaires de Taniki, le premier indien
yanomami (Brésil) à avoir jamais utilisé un feutre
sur du papier pour représenter une image, contrastent
avec les représentations élaborées de faune et
de fl ore mythologiques de Jangarh Singh Shyam,
peintre appartenant à la tribu des Gond (Inde).
Correspondances esthétiques et narratives
Au-delà de la diversité des styles et des formes,
le parcours de l’exposition révèle en fi ligrane
un vaste réseau de correspondances et de complicités
entre des artistes issus de continents et de milieux
différents. L’épure graphique des œuvres de
l’indienne Chano Devi entre en résonance avec
la simplicité monochromatique des sculptures
du serbe Dragiša Stanisavljevic. ˇ
Le vaste ensemble
de peintures congolaises des années 1930 et 1940
renvoie à la naissance d’une nouvelle forme
d’art au sein d’une culture, tandis que les dessins
de l’indien yanomami Joseca témoignent de
la naissance d’une pratique de la représentation
visuelle au sein d’une communauté qui jusqu’à
présent en était dépourvue.
Véritable mise en scène, la scénographie
d’Alessandro Mendini laisse parler ces artistes
et ces œuvres, et en dévoile les histoires et
le sens profond.

HISTOIRES DE VOIR, SHOW AND TELL
5

INTRODUCTION
À LA VISITE PAR
ALESSANDRO MENDINI
Pour l’exposition Histoires de voir,
Show and Tell, Alessandro Mendini
a réalisé une scénographie où les
matériaux, les formes et les couleurs
créent un univers délicat. Dans ce texte,
il explique son intention et dévoile
son regard sur l’exposition :
Cette scénographie est pensée comme un écrin,
simple mais précieux, conçu pour contenir,
protéger et montrer un art tout particulier
qui est en lien étroit avec l’hyper-sensibilité
du cœur. Chacune des œuvres exposées se présente
comme un document de vie, exprimé directement
par son auteur, avant et au-delà de son
refroidissement par l’organisation culturelle
de l’art. Cette exposition est donc chaleureuse.
Voilà pourquoi la scénographie proposée est
comme un instrument cardiographique
dont l’objectif est de rendre hommage à ces
exceptionnelles « histoires de voir », en mettant
en évidence la magie de l’hyper-humanité.
C’est ainsi que nous nous trouvons devant tout
un tas de souvenirs chargés de magie,
parce que les œuvres représentent et racontent
véritablement les histoires de leurs auteurs
et expriment souvent par leur panthéisme
l’amour de la fi gure animale.
Les couleurs du projet, les formes, les séquences,
les matériaux et les lumières choisies visent
à créer une atmosphère de délicatesse animiste,
abstraite et conceptuelle.
ALESSANDRO MENDINI,
MILAN, MARS 2012
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PARCOURS
DE L’EXPOSITION
En consacrant à chaque artiste
un espace conséquent permettant
de découvrir une part importante
de son travail, l’exposition s’attache
à montrer une œuvre, mais présente
aussi un parcours de vie, une culture
et un univers à travers les histoires
développées sur les totems dessinés
par Alessandro Mendini.
REZ-DE-CHAUSSÉE
GRANDE SALLE
José Antonio da Silva
NÉ EN 1909 À SALES OLIVEIRA
(ÉTAT DE SÃO PAULO, BRÉSIL)
MORT EN 1996 À SÃO PAULO
« Cette merveille que la Nature elle-même a créée
pour enrichir, rendre heureux, éduquer, ressentir,
pour donner des arguments à ceux qui sont
les véritables artistes, à ceux qui sont poètes,
pour soutenir leur art, pour que leur art parle,
pour que leur art chante, pour que leur art
excelle, pour que leur peinture sourie.
La Nature est avec moi, et je suis avec la Nature.
La Nature est mon Dieu, et je suis Silva. »
Tadanori Yokoo [4]
NÉ EN 1936 À NISHIWAKI
(PRÉFECTURE DE HYOGO, JAPON)
VIT À TOKYO
« En tant que peintre, j’ai fait mes débuts en
copiant des tableaux. Et au cours de ce processus,
j’ai ressenti une joie extrême à jouer avec
les esprits des peintres que je copiais, tout en
engrangeant en moi la créativité de chacun
d’entre eux. »
Antônio de Dedé
NÉ EN 1953 À LAGOA DA CANOA
(ÉTAT D’ALAGOAS, BRÉSIL)
VIT À LAGOA DA CANOA
« Quand j’étais enfant, je faisais de petites
sculptures et je les mettais sur les étagères
de mon armoire. C’était l’exposition de mon
travail. Il faut montrer son travail pour être
découvert. Un jour il est valorisé. »
Hans Scherfi g [2]
NÉ EN 1905 À COPENHAGUE
MORT EN 1979 À HILLERØD (DANEMARK)
« La nature est plus merveilleuse que
n’importe quelle autre création artistique. »
Nilson Pimenta
NÉ EN 1957 À CARAVELAS (ÉTAT DE BAHIA, BRÉSIL)
VIT À CUIABÁ (ÉTAT DU MATO GROSSO, BRÉSIL)
« Je suis autodidacte, je n’ai voulu suivre aucun
cours parce que je veux être moi-même, avec mes
propres thèmes, peindre la forêt, les plantations,
les animaux sauvages. »
Cícero José da Silva
NÉ EN 1957 À CARUARU
(ÉTAT DU PERNAMBOUC, BRÉSIL)
VIT À CARUARU
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Jangarh Singh Shyam [1]
NÉ DANS LA SECONDE MOITIÉ DES ANNÉES 1960
À PATANGARH (ÉTAT DU MADHYA PRADESH, INDE)
MORT EN 2001 À TOKAMACHI
(PRÉFECTURE DE NIIGATA, JAPON)
« La première fois que j’ai trempé mon pinceau
dans les gouaches aux couleurs vives, à Bhopal,
mon corps a été parcouru de tremblements. »
Takeshi Kitano
NÉ EN 1947 À TOKYO (JAPON)
VIT À TOKYO
Aurelino dos Santos
NÉ EN 1942 À SALVADOR
(ÉTAT DE BAHIA, BRÉSIL)
VIT À SALVADOR
Sibrun Rosier
NÉ EN 1956 À PALMISTE-À-VIN
(COMMUNE DE LÉOGÂNE, HAÏTI)
VIT À MARTISSANT
(BANLIEUE DE PORT-AU-PRINCE, HAÏTI)
Jean-Baptiste Jean Joseph
NÉ EN 1966 À DITÊTE
(COMMUNE DE BAINET, HAÏTI)
VIT À CROIX-DES-BOUQUETS (HAÏTI)
Valdir Benites [3]
NÉ EN 1978 À LIMEIRA (CHAPECÓ)
(ÉTAT DE SANTA CATARINA, BRÉSIL)
VIT DANS LA TERRE INDIGÈNE ITAÓCA
(ÉTAT DE SÃO PAULO, BRÉSIL)
« Autrefois, les animaux étaient nombreux
sur notre terre, maintenant on en voit peu.
Ils se sont réfugiés au plus profond du peu
de forêt qui nous reste. »
Lucas Piragi
NÉ EN 1973 DANS LA FORÊT PARAGUAYENNE
VIT À PUERTO BARRA (DÉPARTEMENT
DE L’ALTO PARANÁ, PARAGUAY)
Salustiano Portillo
NÉ EN 1956 DANS LA « COLONIA FORTUNA »
DE CURUGUATY (DÉPARTEMENT
DU CANINDEYÚ BAJO, PARAGUAY)
VIT À LUQUE (DÉPARTEMENT CENTRAL,
PARAGUAY)
Ronaldo Costa
NÉ EN 1976 DANS LE VILLAGE
DE KA’A GUAÇU (ARGENTINE)
VIT À TIARAJÚ (ÉTAT DE SANTA
CATARINA, BRÉSIL)
« Le travail que j’ai vraiment choisi c’est
de fabriquer des petits animaux de la forêt
avec le bois et le feu. »
Barcilicio Gauto
NÉ EN 1971 DANS LA COMMUNAUTÉ D’YVYKU’I
JOVAI (DÉPARTEMENT DE CAAGUAZÚ, PARAGUAY)
VIT DANS LA COMMUNAUTÉ D’YVYKU’I JOVAI
Mercedes Noguera
NÉE VERS 1937 AUX ALENTOURS DU VILLAGE
DE TOBATÍ (DÉPARTEMENT DE LA CORDILLERA,
PARAGUAY)
VIT AUX ALENTOURS DU VILLAGE DE TOBATÍ

REZ-DE-CHAUSSÉE
PETITE SALLE
Virgil Ortiz
NÉ EN 1969 À COCHITI PUEBLO
(NOUVEAU MEXIQUE, ÉTATS-UNIS)
VIT À COCHITI PUEBLO
« J’ai eu l’impression que mon destin était
de sauvegarder la tradition de ces fi gures cochitis
se tenant debout. […] Ce que je veux faire,
c’est continuer la chaîne, passer le savoir-faire
à la génération suivante et maintenir
la tradition en vie. »
Véio [4]
NÉ EN 1947 À NOSSA SENHORA DA GLÓRIA
(ÉTAT DE SERGIPE, BRÉSIL)
VIT À NOSSA SENHORA DA GLÓRIA
« Je suis né comme ça, inspiré par les choses
anciennes, par les choses de l’univers. »
Alessandro Mendini
NÉ EN 1931 À MILAN
VIT À MILAN
José Bezerra [2]
NÉ EN 1952 À BUÍQUE, VALLÉE DE CATIMBAU
(ÉTAT DU PERNAMBOUC, BRÉSIL)
VIT À BUÍQUE
« Le bois, il apprend avec nous et on apprend
aussi un peu avec lui. »
Dragiša Stanisavljević
NÉ EN 1921 À JABUCJE ˇ (SERBIE)
VIT À JABUCJE ˇ
Chano Devi
NÉE EN 1938 À JITWARPUR
(ÉTAT DU BIHAR, INDE)
MORTE EN 2010 À JITWARPUR
Alcides Pereira dos Santos
NÉ EN 1932 À RUI BARBOSA
(ÉTAT DE BAHIA, BRÉSIL)
MORT EN 2007 À SÃO PAULO
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SOUS-SOL
GRANDE SALLE
Francisco da Silva
NÉ EN 1910 À ALTO TEJO (ÉTAT DE L’ACRE, BRÉSIL)
MORT EN 1985 À FORTALEZA (ÉTAT DU CEARÁ,
BRÉSIL)
« J’ai grandi en étant toujours bien entouré.
Je n’avais pas besoin d’aller à l’école.
J’avais déjà la nature. »
Gregorio Barrio [1]
NÉ EN 1978 À SAN ANDRÉS COHAMIATA
(ÉTAT DE JALISCO, MEXIQUE)
VIT À MEXICO
« J’ai appris dans un atelier de la communauté,
avec un professeur de ma communauté, de mon
village. C’était un atelier de quinze ou vingt
personnes environ, tous des Huichol. J’ai appris
petit à petit, d’abord avec les photos : je devais
tout copier à l’identique. Je devais apprendre
à voir. Après deux ou trois ans, j’avais appris
les formes, tous les personnages. Je les savais.
Par cœur. J’avais appris à voir… »
Mamadou Cissé
NÉ EN 1960 À BAGHAGHA (CASAMANCE, SÉNÉGAL)
VIT À FRESNES (FRANCE)
« Je vois les villes en hauteur, je trouve qu’elles
sont bien conçues. […] Dans le futur, je souhaite
qu’on ait assez de terre pour l’agriculture,
qu’on ait assez de terre pour les forêts. Et qu’on
soit bien logé. »
Neves Torres
NÉ EN 1932 À CONSELHEIRO PENA
(ÉTAT DU MINAS GERAIS, BRÉSIL)
VIT À SERRA (ÉTAT DE L’ESPÍRITO SANTO, BRÉSIL)
« Avec mes couleurs, je veux transmettre
du bonheur, avec le dessin je veux montrer
que la simplicité est belle. »
Ciça [3]
NÉE EN 1935 À JUAZEIRO DO NORTE
(ÉTAT DU CEARÁ, BRÉSIL)
VIT À JUAZEIRO DO NORTE
Ratna Raghia Dushalda
NÉ AU DÉBUT DES ANNÉES 1950 DANS LE DISTRICT
DE THANE (ÉTAT DU MAHARASHTRA, INDE)
MORT EN 2003 DANS LE DISTRICT DE THANE
Jivya Soma Mashe
NÉ EN 1934 DANS LE DISTRICT
DE THANE (ÉTAT DU MAHARASHTRA, INDE)
VIT DANS LE DISTRICT DE THANE
Taniki [7]
NÉ VERS 1940 DANS LA RÉGION DU HAUT RIO
CATRIMANI, DANS LE NORD DE L’AMAZONIE
BRÉSILIENNE (ÉTAT DE RORAIMA, BRÉSIL)
VIT DANS LA COMMUNAUTÉ DE KUREMAPII SITUÉE
EN AVAL, DANS LA MÊME RÉGION, AU CŒUR
DE LA TERRE INDIGÈNE YANOMAMI

Joseca
NÉ VERS 1971 SUR LA « RIVIÈRE NOIRE » (UXI U),
AFFLUENT DU HAUT RIO CATRIMANI,
DANS LE NORD DE L’AMAZONIE BRÉSILIENNE
(ÉTAT DE RORAIMA, BRÉSIL)
VIT DANS LA COMMUNAUTÉ DE WATORIKI,
DANS LE SUD DE LA TERRE INDIGÈNE YANOMAMI
(ÉTAT D’AMAZONAS, BRÉSIL)
Shantaram Chintya Tumbada
NÉ EN 1975 DANS LE DISTRICT DE THANE
(ÉTAT DU MAHARASHTRA, INDE)
VIT DANS LE DISTRICT DE THANE
Isabel Mendes da Cunha [5]
NÉE EN 1924 À ITINGA
(ÉTAT DU MINAS GERAIS, BRÉSIL)
VIT À SANTANA DO ARAÇUAÍ
(ÉTAT DE MINAS GERAIS, BRÉSIL)
« Être artisan c’est la même chose qu’être artiste.
Je pensais que j’étais artiste, mais je croyais
aussi être artisan. Je préfère être artiste,
artisan-artiste. »
Nino [6]
NÉ EN 1920 À JUAZEIRO DO NORTE
(ÉTAT DU CEARÁ, BRÉSIL)
MORT EN 2002 À JUAZEIRO DO NORTE
« En voyant sa forme je sais tout de suite
ce qui correspond à ce morceau de bois ; je coupe
jusqu’à ce que ce soit bon. Tout d’abord,
je dessine les visages à la peinture, ensuite
je sculpte. »
Ibã, Chaman huni kuĩ
NÉ EN 1964 DANS LE SERINGAL BOM JARDIM,
RIO JORDÃO (ÉTAT DE L’ACRE, BRÉSIL)
VIT DANS LE VILLAGE DE XIKU KURUMIN,
RIO JORDÃO
« Il est temps pour nous de réorganiser notre
savoir et notre culture. Il ne s’agit pas seulement
de rassembler le savoir que nous avons reçu
mais aussi de le faire vivre. »
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6
7
Bane
NÉ EN 1983 DANS LE VILLAGE DE XIKU KURUMIN
Bane (Iran)
NÉ EN 1974 DANS LE VILLAGE DE TRÊS FAZENDAS
Isaka
NÉ EN 1985 DANS LE VILLAGE DE PÃO SAGRADO
Kixtĩ
NÉ EN 1980 DANS LE VILLAGE TRÊS FAZENDAS
Mana
NÉ EN 1996 DANS LE VILLAGE DE TRÊS FAZENDAS
Txanu
NÉ EN 1986 DANS LE VILLAGE DE BOA ESPERANÇA
MORT EN FÉVRIER 2012
Albert Lubaki
DÉCOUVERT EN 1926 À BUKAMA
(KATANGA, CONGO)
Djilatendo (Tshyela Ntendu)
DÉCOUVERT VERS 1927 AU KASAÏ (CONGO)
Pili Pili Mulongoy
Mwenze Kibwanga
Ilunga
Kayembe
Kalela
Gregor
Mbuya
Yumba
et Lukanga
DÉCOUVERTS VERS LA FIN DES ANNÉES 1940
À ÉLISABETHVILLE (CONGO)

SOUS-SOL
PETITE SALLE
Ariel Kuaray Poty Ortega [1-2]
NÉ EN 1985 DANS LE VILLAGE MBYA GUARANI
DE TAMANDUA (ARGENTINE)
VIT DANS LE VILLAGE DE TEKOÁ KOENJU AUX
ALENTOURS DE SÃO MIGUEL DAS MISSÕES (ÉTAT
DE RIO GRANDE DO SUL, BRÉSIL)
« Nous ne sommes pas morts, nous n’appartenons
pas au passé. Rendez-nous nos forêts et leurs
arbres natifs, pour que nous puissions chasser,
cultiver, tresser, tailler et réaliser nos danses
rituelles. »
Mokoĩ Tekoá, Peteĩ Jeguatá – Duas aldeias,
uma caminhada (Deux villages,
un chemin), 2008, un fi lm d’Ariel Kuaray
Poty Ortega, Jorge Morinico et
Germano Beñites, 63 min 29
Bicicletas de Nhanderú (Les Bicyclettes de
Nhanderú), 2010, un fi lm d’Ariel Kuaray
Poty Ortega, 45 min 44
Desterro Guarani (Exode Guarani), 2011,
un fi lm d’Ariel Kuaray Poty Ortega,
Patricia Ferreira, Ernesto de Carvalho
et Vincent Carelli, 38 min 27
Documentaires
D’autres fi lms ou extraits de fi lms
ponctuent la présentation du travail
d’Ariel Kuaray Poty Ortega. Centrés
autour de certains artistes de l’exposition,
ils permettent de découvrir ces hommes
et ces femmes dans leur environnement
(de vie et de travail) et de prolonger ainsi
les histoires initiées dans l’exposition.
À propos de Véio
Véio – Sertão esculpido na memória (Le Sertão
sculpté dans la mémoire), 2012, un fi lm
d’Adelina Pontual, 5 min 19 (extraits)
À propos des Warli et de Jivya Soma Mashe
Sun and Moon and the God of Rain (Le Soleil,
la Lune et le Dieu de la Pluie), 2004, un
fi lm d’Anna Pitscheider, 15 min (extraits)
À propos d’Isabel Mendes da Cunha
Isabel Mendes – Mãos que moldam um mundo
(Des mains qui façonnent un monde),
2012, un fi lm de Hilton Lacerda,
4 min 57 (extraits)
À propos de Nilson Pimenta
Nilson Pimenta – A caminho de tudo
(En direction de tout), 2012, un fi lm
de Cecília Araújo, 5 min 41 (extraits)
À propos d’Antônio de Dedé
Antônio de Dedé – Dias transparentes
(Des jours transparents), 2012,
un fi lm de Cecília Araújo, 5 min 03
(extraits)
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À propos d’Aurelino dos Santos
Aurelino – Sombra viva (L’ombre vivante),
2012, un fi lm de Rodrigo Campos,
5 min 27 (extraits)
À propos des Huni Kuĩ
O espírito da fl oresta (L’esprit de la forêt),
2012, un fi lm d’Amilton Mattos, 43 min 29
À propos de José Bezerra
José Bezerra – As coisas que esses meus olhos me
mostram (Les choses que ces yeux me
montrent), 2012, un fi lm de Hilton
Lacerda, 5 min 32 (extraits)
POURSUIVEZ LA VISITE
SUR INTERNET
fondation.cartier.com
L’exposition Histoires de voir, Show and Tell
se vit sur fondation.cartier.com
jusqu’au 21 octobre dans un feuilleton
hebdomadaire d’histoires, d’œuvres
et d’artistes. Chaque semaine retrouvez
des vidéos inédites, des textes et des
images qui explorent la richesse d’histoires
singulières, qui amorcent ou complètent
la visite, qui tissent des liens avec les
artistes et leurs communautés.
Les archives de la Fondation
Cartier sont en ligne !
Une architecture entièrement repensée,
des contenus inédits et des fonctionnalités
plus intuitives, le site fondation.cartier.com
offre de nouveaux accès à la vie de la
Fondation Cartier. Entièrement réalisé en
HTML5, le site est accessible sur tous les
supports connectés à Internet – tablettes,
smartphones, ordinateurs, etc. – et donne
à chacun la possibilité de naviguer parmi
les événements, les actualités et l’histoire
de la Fondation Cartier depuis 1984.
Avec plus de 90 000 fans, la page Facebook
de la Fondation Cartier permet de retrouver
en avant-première les annonces, photos
et vidéos des événements.
Présente sur Twitter, la Fondation Cartier
fait ses premiers pas sur Google+, afi n
d’offrir un accès complet à son actualité.
Pionnière sur iTunes U, la Fondation
Cartier offre en téléchargement gratuit des
contenus didactiques audio et vidéo liés aux
expositions, ainsi que des rencontres avec
les artistes et les conservateurs retransmises
dans leur intégralité. Sur YouTube et
Dailymotion, vous pouvez visionner en
haute défi nition des entretiens précieux
avec les artistes et contributeurs des
expositions, ainsi que des visites fi lmées.

HISTOIRES CHOISIES
« Histoires retrouvées »
L’Afrique a élargi le champ de l’art
contemporain et prend part à l’histoire
de l’art mondial depuis la fi n du XX e siècle.
Pourtant, aujourd’hui encore, bien que
nous vivions l’époque d’un art global,
tout se passe comme si, des chefs-d’œuvre
millénaires et séculaires reconnus par nos
plus grands artistes modernes jusqu’aux
peintures contemporaines de ce continent,
rien n’avait existé. Ce passage de l’un
à l’autre n’est pourtant pas l’effet
d’un miracle soudain. Comme l’écrit
Joseph-Aurélien Cornet, « les formes
venues parfois du lointain des âges ont
connu plusieurs étapes de transition jusqu’à
celles que la vie moderne et la présence
d’étrangers ont parfois inspirées ».
Au Congo (ex-Zaïre), il y eut en effet une
période des « précurseurs » de la peinture
moderne. Dès les années 1920, des
mécènes apportèrent aux artistes, dont les
peintures ornaient les parois de leurs cases,
de la toile ou du papier et des couleurs
qui assureraient la permanence d’un art
jusqu’alors éphémère. Il faut pourtant
admettre que la peinture a toujours existé
chez ces peuples africains, dont l’art ne
va jamais sans raconter des histoires. […]
C’est aujourd’hui seulement […]
que les œuvres de ces artistes sont enfi n
« redécouvertes » et admirées pour
leur beauté lumineuse, leur liberté,
leur fulgurance et leur modernité.
ANDRÉ MAGNIN,
« HISTOIRES RETROUVÉES »,
EXTRAIT DU CATALOGUE DE L’EXPOSITION.
Yanomami
Les Yanomami forment une société
amazonienne de chasseurs-collecteurs
et agriculteurs sur brûlis qui occupe un
espace de forêt tropicale d’environ
192 000 km² entre le sud du Venezuela et
le nord du Brésil. Ils forment un ensemble
linguistique isolé, subdivisé en plusieurs
langues et dialectes apparentés. Au Brésil,
le territoire yanomami, légalisé en 1992
sous le nom de Terra Indígena Yanomami,
s’étend sur 96 650 km 2 , soit une superfi cie
légèrement supérieure à celles de pays
européens comme le Portugal, la Hongrie
ou l’Irlande. Sa population est aujourd’hui
d’environ 19 000 personnes réparties en
plus de 250 groupes locaux.
Les Yanomami du Brésil ont parfois
rencontré, au début du XX e siècle,
des collecteurs de produits forestiers,
des voyageurs étrangers, des militaires
des commissions frontalières ou des agents
du Service de Protection des Indiens
(SPI). Des années 1940 aux années 1960,
quelques missions (catholiques et
évangéliques) et postes du SPI se sont
ensuite établis à la périphérie de leur
13
territoire, constituant les premiers points
de contact réguliers avec les Blancs,
sources directes de biens manufacturés et
d’épidémies meurtrières. De 1973 à 1976,
un tronçon de la route transamazonienne
Perimetral Norte a coupé le sud de leur
territoire et entre 1986 et 1989 une ruée
vers l’or sans précédent a envahi sa région
centrale, causant de lourdes pertes
démographiques et d’importants dégâts
écologiques.
Aujourd’hui les terres yanomami sont à
nouveau menacées au Brésil, à la fois par
une reprise des invasions d’orpailleurs
illégaux et par un projet législatif destiné
à ouvrir les territoires amérindiens aux
grandes compagnies minières. À ce jour,
pas moins de 790 demandes de
concessions d’exploitation couvrent déjà
la plupart de la Terra Indígena Yanomami.
BRUCE ALBERT, ANTHROPOLOGUE
Ariel Kuaray Poty Ortega
Né en 1985, Ariel Kuaray Poty Ortega
a grandi dans le village mbya guarani de
Tamandua en Argentine, où il reçoit une
éducation bilingue guarani-espagnol.
Il tient son prénom espagnol d’un ami juif
de son père, et son nom guarani de la
demeure divine de Namandu, créateur
du monde dans la croyance guarani.
À l’adolescence, il rejoint sa famille
maternelle au Brésil, sur les ruines d’une
ancienne mission jésuite, São Miguel das
Missões dans l’État de Rio Grande do Sul.
La communauté, qui a pour nom Koenju
(l’aube), lutte pour récupérer ses terres et
obtient fi nalement 200 hectares non loin
de ces ruines. Les rêves d’une vieille
femme prédisent alors qu’il doit devenir
mburuvicha (leader politique), tout comme
son grand-père qui était une personnalité
infl uente et charismatique. Bien qu’Ariel
Kuaray Poty Ortega ait toujours souhaité
faire des études de cinéma et réaliser des
fi lms, il accepte cette responsabilité.
Aujourd’hui, il conjugue passion et
responsabilité politique en réalisant des
fi lms avec et pour sa communauté. Après
avoir fait acheter des caméras par le
village, il contacte l’ONG Vídeo nas Aldeias
qui forme les communautés indigènes aux
techniques cinématographiques. Lors des
premières séances de tournage, les images
prises la journée sont projetées le soir
pour susciter la discussion et élaborer
collectivement le fi lm. La communauté
se met ainsi à réfl échir à haute voix
sur son histoire et sa situation politique et
sociale. Suite à ce premier essai, deux
autres fi lms voient le jour – tous montrés
dans l’exposition.
Pour Ariel Kuaray Poty Ortega, ces fi lms
sont un moyen de sauvegarder et
d’affi rmer une identité et une culture :
« Nous ne sommes pas morts, nous
n’appartenons pas au passé. Rendez-nous
nos forêts et leurs arbres natifs, pour que
nous puissions chasser, cultiver, tresser,
tailler et réaliser nos danses rituelles. »
Les revenus tirés de la diffusion des fi lms
sont réinvestis au bénéfi ce de la
communauté, permettant notamment
le lancement d’un programme
de reforestation sur les 200 hectares
du village.
Dessinateurs huni kuĩ
Les Huni Kuĩ s’efforcent depuis plusieurs
décennies de revitaliser les savoirs rituels
dont leurs anciens ont pu conserver
la mémoire durant les années noires
du travail dans les domaines de collecte
du caoutchouc (seringais). Leurs professeurs
bilingues, formés par une ONG locale
depuis les années 1980 1 , ont ainsi
développé des méthodes de recherche
et de documentation originales – écrites,
fi lmées ou musicales – sur leurs propres
traditions.
Ibã, né en 1964 dans un seringal où,
dans son enfance les siens étaient encore
assujettis aux patrons caoutchoutiers, est
l’un d’entre eux. Il a publié au cours des
années 2000, dans sa langue, plusieurs
compilations de chants de la liane nixi
pae (l’ayahuasca, boisson hallucinogène)
collectées auprès de son père. Puis il a
décidé de poursuivre ce travail en
inventant, avec ses élèves, un nouveau
moyen visuel qui permette à la fois de
mieux transmettre cette tradition aux
jeunes gens huni kuĩ et de la faire
connaître aux Blancs. Ces dessins illustrent
les mots des chants comme des sortes
d’énigmes graphiques et de rébus
musicaux dans lesquels, selon Ibã :
« Le dessin suit les mots des chants et les chants
peuvent aussi suivre les dessins ».
Les éléves d’Ibã – les « artistesdessinateurs
» huni kuĩ dont les dessins
sont exposés ici – ont entre 16 et 38 ans
et sont nés sur les berges du rio Jordão,
dans l’ouest de l’Amazonie brésilienne
(État de l’Acre). Ce sont : Bane, le fi ls
d’Ibã, né en 1983 et devenu professeur à
son tour, Bane (Iran) né en 1974, Isaka,
né en 1985, Kixtĩ né en 1980, Txanu,
né en 1986 (et décédé accidentellement
en février 2012) et Mana, né en 1996.
La toute première exposition de leurs
travaux a été réalisée en août 2011
à Rio Branco, capitale de l’État de l’Acre.
AMILTON PELEGRINO DE MATTOS,
PROFESSEUR D’ART, UNIVERSITÉ FÉDÉRALE
DE L’ACRE (UFAC).
1. Comissão Pró-Índio do Acre : http://www.cpiacre.org.br

Valdir Benites et Ronaldo Costa
Valdir Benites a 34 ans, il est né dans l’État
de Santa Catarina, au Brésil, et vit
maintenant dans celui de São Paulo.
Ronaldo Costa a 35 ans. Il est né en
Argentine et a vécu dans différents villages
guaranis des États de Rio Grande do Sul,
São Paulo et Santa Catarina où il s’est
fi nalement établi. Le premier a appris
son art d’un visiteur venu d’Argentine,
le second d’un grand-oncle qui habitait
autrefois le Paraguay. Encore adolescents,
tous deux se sont pris de passion pour
la sculpture d’animaux en bois, rehaussés
de pyrogravures. Ces animaux de la forêt
tropicale du littoral brésilien (Mata
Atlântica) sont de plus en plus rares sur
les territoire exigus où sont aujourd’hui
confi nés les villages guaranis, et qui
conservent pourtant une place centrale
dans la cosmologie et le chamanisme
de leur peuple.
Les Guarani n’ont jamais accepté les
projets de sédentarisation qu’on a voulu
leur imposer depuis l’époque coloniale.
La centaine de villages Guarani Mbya du
Brésil, sous-groupe auquel appartiennent
Valdir Benites et Ronaldo Costa, forme
ainsi un réseau de lieux animés par une
intense circulation de biens, de personnes,
de savoir et de services chamaniques.
Depuis longtemps, le commerce avec les
Blancs est devenu la principale source de
revenus de la plupart de ces communautés.
On trouve ainsi souvent, de l’État de São
Paulo à ceux du sud du Brésil, au bord des
routes ou sur les places publiques, des
Guarani qui vendent des plantes, des
produits cultivés et des objets artisanaux.
Les animaux de bois sculptés présentés ici
font partie de ces objets qui circulent entre
le monde guarani et celui des Blancs,
permettant à leurs auteurs de survivre sur
la « mauvaise terre », yvy vai, où on les
a encerclés.
VALÉRIA MACEDO, ANTHROPOLOGUE
(UNIVERSITÉ FÉDÉRALE DE SÃO PAULO-UNIFESP)
16
LES NUITS
DE L’INCERTITUDE
L’INCER
Les drapeaux vaudou
Les drapeaux vaudou tels que nous les
regardons aujourd’hui viennent en droite
ligne de la tradition artistique et artisanale
du peuple haïtien, de sa culture religieuse
et de son rapport avec les dieux.
Lors des cérémonies consacrées aux dieux
du vaudou, les hounsi canzo (initiées) sortent
des bagi (autels sacrés) des drapeaux
qu’elles font tournoyer au rythme des
tambours, autour du poteau-mitan (pylône
ventral du péristyle) du temple vaudou.
Ces drapeaux sont présentés aux quatre
points cardinaux du péristyle et devant les
vèvès (dessins symboliques des dieux) tracés
au sol. Hommage est rendu aux dieux que
symbolisent ces drapeaux.
Aujourd’hui ces drapeaux combinent
un mélange de coton brut ou cotonnade
– communément appelé siam en Haïti
et servant le plus souvent de base –,
de velours, de satin, de perles de différentes
formes et de paillettes.
[…] Certains drapeaux sont de véritables
chefs-d’œuvre où l’artiste associe
le symbole vèvè du dieu qu’il représente aux
tons sobres et pastels des paillettes. Cet art
de la paillette est prometteur et offre une
grande opportunité aux artistes.
Ces drapeaux s’apparentent aux tapisseries.
De nombreuses expositions leur ont été
consacrées à travers le monde ainsi qu’une
littérature spécialisée.
PATRICK VILAIRE,
EXTRAIT DU CATALOGUE DE L’EXPOSITION
À l’occasion d’Histoires de voir, Show and Tell, l la Fondation Cartier pour l’ar a t cont nt n em e po pora ra rain in i org rg r an anis is ise e
une série de rencontres et de discussions autour de thèmes et d’histoires abordés s pa p r l’ l’ex ex e po p si siti ti tion on on.
Pour questionner toutes ces histoires, leur « magie » et leur « hyper-humanité » – sel el e on o les es mot ot o s
d’Alessandro Mendini –, la Fondation Cartier invite, autour de Stéphane Paoli, des es art rt rtis is iste te tes, s, s
des anthropologues et des philosophes à confronter leurs visions du mond n e.
#6 L’esprit de la forêt – 1 e partie / Lundi 14 mai à 20h30
#7 L’esprit de la forêt – 2 e partie / Mardi 15 mai à 20h30
#8 Le Grand Jour /Octobre 2012
Retrouvez la programmation complète des Nuits de l’Incertitude sur fonda da d ti tion o .cartier.com o

CATALOGUE
Publiés dans le catalogue de l’exposition, les textes écrits par Laymert Garcia dos Santos et Sally Price constituent
une approche transversale et complémentaire, en même temps qu’un regard critique sur l’exposition.
Laymert Garcia dos Santos,
« Regarder autrement »
[EXTRAITS]
Si une exposition revisitant l’art naïf peut
avoir lieu, c’est certainement parce que,
les critères traditionnels du monde
de l’art se trouvant troublés, s’ouvre un
espace où l’on osera essayer de regarder
autrement (et non plus selon les règles
des codes visuels dominants).
Il s’agit de voir différemment le différent,
c’est-à-dire, comme dirait Elias Canetti,
de faire place au différent qui fl ue de
toutes parts dans un monde de « réalité
croissante », à côté de l’ancien (les vieilles
cultures du passé, de plus en plus
déterrées, redécouvertes) et du nouveau
(les technologies, y compris celles
qui s’emparent de la production artistique).
Il s’agirait donc de retrouver ou de trouver
un regard désirant redécouvrir ce qui a
été « oublié » ou, au mieux, mis entre
parenthèses, par le système occidental
de l’art, depuis que celui-ci a décidé
de considérer comme « déplacé » ce qui
ne relevait pas de ses canons. Il est vrai
que, pour l’homme de nos sociétés, ce
regard ne se produit pourtant pas d’un
coup, et de lui-même. Pour y parvenir,
aussi bien que pour s’entraîner au
désinvestissement des habitudes visuelles
et des clichés, il faut le poser, d’une part,
sur les objets rituels des peuples
traditionnels et y percevoir la puissance
de leur beauté et la beauté de leur
puissance et, d’autre part, sur des objets,
des êtres et des milieux de la vie
contemporaine comme s’ils faisaient partie
d’un registre ethnologique aussi étrange
et surprenant qu’est, pour nous, la vie des
« primitifs ». Bref, il faut tremper le regard
dans des marges temporelles et spatiales
qui se trouvent en deçà ou au-delà de
la société civilisée. En ce sens, l’art naïf,
par certains aspects, s’apparenterait à l’art
brut, tous deux étant poussés par des
dynamiques dites irrationnelles,
irréfl échies ; cependant, l’art brut lui serait
« supérieur », aurait un supplément
esthétique vis-à-vis de l’art naïf, dans la
mesure où l’on reconnaît plus facilement
« de l’art » dans la violence créatrice
produite par l’inconscient du fou que
dans le regard émerveillé du naïf.
L’art naïf est l’art de l’émoi, un cri du cœur.
Mais pourquoi le cœur pousserait-il un cri,
sinon parce qu’il vient d’être touché ou
frappé, affecté, saisi par un événement qui
le bouleverse ? On passe sans transition
de la perception à l’affection, de ce qui
vient du dehors à ce qui monte du dedans.
L’effet magique se produit dans le regard,
il cristallise l’image ; toutefois, en le
18
comblant, l’enchantement suscite une
réaction qui, tout en se déclarant hors
de lui, dans la poitrine, mobilise
néanmoins le corps tout entier. L’art naïf
est un cri du cœur parce que, l’espace
d’un instant, le corps est hanté par l’image
qu’il reçoit.
Sally Price, « Voix d’artistes »
[EXTRAITS]
Regarder une œuvre d’art peut provoquer
plusieurs types de réactions. L’une d’entre
elles, bien sûr, est une réaction de pur
plaisir esthétique. Une autre de ces
réactions implique d’imaginer quelle était
l’intention de l’artiste en réalisant
cette œuvre. Même un expert aussi
farouchement attaché à la dimension
esthétique que Jacques Kerchache a pu dire
que la chose la plus importante pour lui
lorsqu’il regardait une œuvre d’art était
de comprendre « la capacité de l’artiste à
trouver des solutions plastiques originales »,
c’est-à-dire d’imaginer l’artiste dans son
cheminement vers l’œuvre d’art en cours
de réalisation, d’entrer dans sa tête au
moment où il (ou elle) conceptualise
la forme qu’elle prendra.
La question devient alors : Quelle est la
meilleure façon d’accéder à la
compréhension de l’intention de l’artiste
au cours du processus de création ?
Comment pouvons-nous raconter le mieux
possible cette histoire ? Une tradition
respectée de cette discipline qu’est l’histoire
de l’art autorise le recours à une méthode
qui ressemble de près à la critique littéraire
et qui consiste à déduire l’intention à partir
de la combinaison de la perception visuelle
esthétique et de la connaissance générale
des circonstances dans lesquelles l’œuvre
a été réalisée (dans quelle partie du monde,
au sein de quelle société, à quelle époque
historique, etc.).
Du point de vue de l’ethnologue, cette
approche pose un vrai problème, du simple
fait du pouvoir qu’elle attribue aux « idées
reçues » ou aux stéréotypes populaires
concernant l’art produit hors des territoires
traditionnellement étudiés par l’histoire
de l’art, tels que la Grèce antique, l’Italie
de la Renaissance ou l’Europe moderne.
Et elle pose un problème similaire quand
il s’agit de comprendre un art qui, tout
en étant produit au sein de ces « zones
traditionnelles », est l’œuvre d’artistes
considérés comme « naïfs », « marginaux »
ou « visionnaires ». Déchiffrer l’intention
créatrice des artistes présentés (par
exemple) dans l’aile Rockefeller du
Metropolitan Museum of Art de New York
ou au musée du quai Branly à Paris est une
entreprise particulièrement délicate et
intimidante, en ce qu’elle demande aux
visiteurs pétris de points de vue culturels
« occidentaux » (qu’ils vivent à Paris,
Chicago, Tokyo, Lagos ou Kuala Lumpur)
d’évacuer de leur esprit toutes les idées
préconçues qu’ils ont acquises avec le
temps au sujet des « peuples primitifs ».
D’une manière très semblable, comprendre
les formes d’art présentées dans
l’exposition Histoires de voir, Show and Tell
de la Fondation Cartier demande un effort
particulier afi n d’éviter les préconceptions
face à ce qui est souvent le résultat de
visions personnelles et idiosyncratiques.
Comment pouvons-nous accomplir cette
tâche diffi cile ? Une réponse évidente
pourrait être : en écoutant les artistes.
Mais il peut s’avérer plus dur qu’on ne
l’imagine de se défaire de préconceptions
généralisatrices au sujet de personnes
qui sont d’une certaine manière
fondamentalement différentes de soi – que
ce soit sur le plan de l’identité culturelle,
de la psychologie personnelle, du niveau
d’éducation ou de toute autre variable.
Le catalogue de l’exposition
Conçu dans le prolongement de
l’exposition, le catalogue Histoires de voir
se déroule lui aussi comme une succession
d’histoires autour des artistes et de leurs
œuvres ainsi que, le cas échéant, celles
de leurs communautés. Avec près de
400 images des sculptures, peintures
et dessins exposés, une documentation
visuelle importante, et des textes de
spécialistes, le livre constitue une occasion
unique de mieux connaître l’univers
de ces artistes.
Retrouvez toutes les publications
de la Fondation Cartier et commandez
vos ouvrages en ligne sur
fondation.cartier.com / publications

19
Histoires de voir
Édition Fondation Cartier
pour l’art contemporain, Paris
Version française uniquement
Relié, 26,5 x 31,5 cm, 240 pages
400 reproductions couleur
et noir et blanc
Textes de nombreux spécialistes
dont Bruce Albert, Laymert Garcia
dos Santos et Sally Price.
Prix : 47 €

LES SOIRÉES NOMADES
Les Soirées Nomades inventent les Revues, nouveau rendez-vous mensuel consacré aux arts de la scène. Carte blanche
à un artiste ou soirée thématique, chaque Revue donne l’occasion de découvrir des univers artistiques originaux.
Programmation
RÉCITATIF
Lundi 21 mai à 20h
Récitatif : n. m. Dans les musiques
dramatiques (cantate, opéra, oratorio),
fragment narratif dont la déclamation
chantée se rapproche du langage parlé.
Pour cette première Revue, les Soirées
Nomades proposent une soirée thématique
autour du récit chanté. De La Chanson
de Roland à l’œuvre de Jacques Demy,
l’histoire de ce style est longue et
hétéroclite. Récitatif en explore les
frontières contemporaines.
Lors de cette soirée orchestrée par
Pauline Curnier-Jardin, la 2b company
présente Récital, spectacle à mi-chemin
entre écriture automatique et cadavre
exquis, Pascale Murtin reprend quelquesunes
de ses 25 chansons trop courtes,
l’anthropologue italien Salvatore d’Onofrio
partage sa connaissance du sujet et
Bettina Atala, en duplex depuis Los
Angeles, analyse un scénario d’une
série télévisée musicale. Cette soirée
est également l’occasion d’entendre
le répertoire de chants anciens concocté
par Annie Couture et le Chœur des
Deux Vallées.
SWANS, AMPUTEES
Lundi 18 juin à 20h
Une proposition de Marcelline Delbecq
et Ellie Ga
À l’origine de cette soirée, une fi che de
bibliothèque de la Frick Collection
photographiée par Erica Baum, sur laquelle
on lit Swans, Amputees. Cette curieuse
juxtaposition des mots « cygnes » et
« estropiés » fait instantanément surgir des
images aussi contradictoires que connexes :
corps en mouvement et corps tronqués,
lexique poétique ou guerrier, mélange de
perfection et de trouble.
Marcelline Delbecq et Ellie Ga imaginent
une Revue contemporaine dans laquelle
se succèdent des actes performés pour
la plupart inédits. Swans, Amputees voit
s’enchaîner – sous la houlette de la
comédienne Elina Löwensohn devenue
Madame Loyale pour l’occasion – une
performance de l’artiste Tris Vonna-
Michell, une lecture de l’écrivain Claire
Guezengar, une performance des
chorégraphe et musicien Rémy Héritier
et Eric Yvelin, et la projection d’un fi lm
d’Hollis Frampton. Le tout guidé
par la fantaisie graphique d’Offi ce abc.
21
SPIRIT’S
Lundi 2 juillet à 20h
Une proposition d’Anne-James Chaton
et Carsten Nicolaï
Michael Jackson est-il vraiment mort ?
Nico a-t-elle jamais réellement existé ?
Carsten Nicolaï et Anne-James Chaton
composent un numéro de Revue sous
la forme d’une parade où chaque artiste
convié redonne vie à des œuvres passées.
Carl Michael Von Hausswolff, Olaf Nicolaï,
Joachim Montessuis, Ursula Bogner, Alva
Noto, Jean-Michel Espitallier, Nosfell et
Blixa Bargeld explicitent le moment où leur
travail s’est vu hanté par un autre, réel
ou imaginaire. La soirée sera rythmée
par de brèves contributions sous forme
de performance, de projection et
de concert, afi n de laisser toutes leurs
chances à de possibles apparitions.
ALL THE WORLD LIKES
TO DANCE TO A BEAT
Lundi 10 septembre à 20h
Une proposition de Jonathan Burrows
« Je considère que l’idée du Temps a
émergé parce qu’en prenant conscience,
ou en comprenant que notre expérience se
présente comme une suite de changements,
nous éprouvons le besoin de la mesurer. »
Victoria Lady Welby, in Time as
Derivative (1907)
Le chorégraphe Jonathan Burrows imagine
une soirée de performances sur le temps,
les choses et le rapport au rythme.
La pièce de Mette Edvardsen, Black, est
un solo sur l’apparition des choses,
l’artiste étant le médiateur entre son public
et le monde qu’elle rend visible.
Counting To One Hundred est la dernière
création de Jonathan Burrows et du
compositeur Matteo Fargion, prolongeant
ainsi leur hommage et leur réfl exion sur
Lecture on Nothing de John Cage. Quant à
la pièce Cosas – les choses en espagnol – elle
est décrite par son auteur, Alma Soderberg,
comme une pièce qui essaie de relier
à peu près tout avec presque tout le reste.
(performances en anglais)
Programmation détaillée sur
fondation.cartier.com/soireesnomades
Retrouvez les Soirées Nomades en images
sur facebook.com/soireesnomades
Autour
des Soirées Nomades
En résidence
Les Soirées Nomades accueillent pour
la première fois un artiste en résidence.
Pendant 10 mois, l’écrivain et poète sonore
Anne-James Chaton va développer un
travail d’écriture autour de l’histoire
des Soirées Nomades – histoire à laquelle
il a largement pris part puisque son
travail a été montré à la Fondation Cartier
à plusieurs reprises.
Suivez l’avancement du travail
d’Anne-James Chaton et le calendrier
de ses interventions sur
fondation.cartier.com/soireesnomades
Projet réalisé avec le soutien du conseil régional
d’Île-de-France.
L’Atelier intérieur
Poésie, théatre, performance, lecture…
En direct tous les lundis de 23h à minuit
sur France Culture, L’Atelier intérieur,
présenté par Aurélie Charon et réalisé par
Thomas Dutter, est un rendez-vous dédié
à la création contemporaine. Une fois
par mois, un artiste des Soirées Nomades
rejoint l’équipe de L’Atelier intérieur
en studio pour une proposition artistique
sur mesure.
Écoutez et podcastez l’émission sur
franceculture.fr
Informations pratiques
Renseignements et réservation
(indispensable) tous les jours, sauf le lundi,
de 11h à 19h.
Plein tarif : 9,50 €
Tarif réduit * : 6,50 €
*Étudiants, moins de 25 ans, carte Senior, demandeurs
d’emploi, Maison des Artistes, carte ICOM
Contact
Tél. 01 42 18 56 72

LES ACTIVITÉS ENFANTS
ATELIERS ET PARCOURS
EN FAMILLE
Dans le cadre de l’exposition Histoires de voir, Show and Tell, la Fondation Cartier
pour l’art contemporain invite les enfants à des ateliers originaux et des parcours
en famille les mercredis et samedis à 15 h.
Programmation
PARCOURS EN FAMILLE
Samedis 26 mai, 2, 9, 16, 23 et 30 juin,
7, 14, 21 et 28 juillet, 4, 11, 18 et 25 août,
1 er , 8, 15, 22 et 29 sept., 6 et 13 oct.
À partir de 7 ans, durée 1 h 30
Les enfants et les parents participent
à un parcours ludique et créatif
de l’exposition, en compagnie
d’un médiateur.
BESTIAIRE DE PAPIER
Mercredis 23 mai et 12 sept.
Atelier tampons de Clémence Passot,
graphiste.
À partir de 8 ans, durée 2 h
Comme de petits artisans, les enfants
gravent dans la gomme des animaux
sauvages et des éléments de la nature pour
réaliser leurs propres tampons encreurs.
Dans un livret, ils disposent ensuite leurs
créations pour donner vie à leur bestiaire
imaginaire.
HISTOIRES DE MASQUES
Mercredis 30 mai et 4 juillet
Atelier modelage d’Elsa Maurios,
créatrice de costumes.
À partir de 8 ans, durée 2 h
Les enfants confectionnent un masque
de terre aux multiples détails qu’ils
décorent avec de la mosaïque et des perles
aux formes originales. Cette sculpture toute
en relief s’anime par le jeu des couleurs,
du mélange des formes et des matières.
HISTOIRES DANS L’HISTOIRE
Mercredis 6 juin et 19 sept.
Atelier peinture d’Aurélia Fronty,
illustratrice.
À partir de 8 ans, durée 2 h
Les enfants façonnent une créature en pâte
à modeler et la colorient avant de l’installer
dans un environnement végétal, dessiné
à l’aide de pastels et de peinture acrylique.
Leur ouvrage est ensuite mis dans un cadre
qu’ils décorent de mille motifs. L’ensemble
compose l’univers magique de ces petites
créatures.
FENÊTRES SUR LA VILLE
Mercredis 13 juin et 18 juillet
Atelier de cartes à gratter d’Élodie Nouhen,
illustratrice.
À partir de 8 ans, durée 2 h
En utilisant la technique de la carte
à gratter sur du papier et du verre,
les enfants dessinent un environnement
urbain, où les rues, les maisons, les jardins,
les loisirs et les amis apparaissent petit
à petit dans un mélange tout en couleurs.
22
HISTOIRES DE DÉCOR
Mercredis 20 juin, 5 et 26 sept.
Atelier maquette de Christine Destours,
plasticienne.
À partir de 8 ans, durée 2 h
Les enfants créent un animal en carton
plume qu’ils habillent de sequins
et d’accessoires multicolores.
Ils le mettent ensuite en scène dans
un petit décor nocturne sorti tout
droit de leur imagination.
HISTOIRES DE PANTIN
Mercredis 27 juin et 11 juillet
Atelier créatif de Magali Attiogbé,
plasticienne.
À partir de 8 ans, durée 2 h
Les enfants réalisent un étrange pantin,
mi-homme mi-animal. Les formes et
les motifs sont réalisés à partir d’éléments
colorés et collés. Les couleurs vives
des plumes, perles et paillettes animent
ces personnages chimériques.
HISTOIRES DE CADRE
Mercredis 25 juillet et 3 oct.
Atelier collage de Magali Attiogbé,
plasticienne.
À partir de 7 ans, durée 2 h
Les enfants habillent de dessins
et de motifs le corps d’un animal de papier.
Avec des feutres noirs, de la dentelle,
des tampons et des sequins, ils décorent
minutieusement le cadre qui entourera
leur création personnelle.
Informations pratiques
Renseignements et inscription
(indispensable) à partir d’un mois avant
la date de l’atelier, du lundi au vendredi
de 10 h à 18 h.
Tarif unique : 9 €
Contact
Tél. 01 42 18 56 67
info.reservation@fondation.cartier.com
Programmation détaillée sur
fondation.cartier.com/enfants
COLORIAGES AVEC
ALESSANDRO MENDINI
Dans ce cahier, Alessandro Mendini a
redonné vie aux œuvres de l’exposition
Histoires de voir, Show and Tell.
Après Takeshi Kitano, Mœbius et Patrick
Vilaire, la Fondation Cartier pour l’art
contemporain invite Alessandro Mendini
à réaliser le quatrième numéro de
sa collection unique de cahiers de coloriage
d’artistes. À cette occasion, le scénographe
et designer italien a redessiné quelques
unes des œuvres exposées en les mettant
en scène.
Histoires de voir,
Coloriages avec Alessandro Mendini
Fondation Cartier
pour l’art contemporain, Paris
Cahier de coloriage n°4
24 pages, 24 x 34 cm
Prix : 6,50 €

EXPOSITION
Commissaire de l’exposition
Hervé Chandès
Scénographie
Alessandro Mendini
Conservateur en charge
de l’exposition
Leanne Sacramone
assistée de Philippine Legrand
stagiaire : Flore Vauville
Conseiller artistique
pour le Congo
André Magnin
Conseiller artistique pour l’Inde
Hervé Perdriolle
Conseiller artistique pour Haïti
Patrick Vilaire
Programmation vidéo
Thomas Delamarre
Coordination générale
Isabelle Gaudefroy
Chargée de production
Camille Chenet
assistée de Daphné Panacakis
stagiaire : Vanessa Bernardoff
Régie générale
Christophe Morizot
Conception et réalisation
audiovisuelle
Blow Out Studio
Lumières
Gerald Karlikow
Logistique
Alanna Minta Jordan
Installation des œuvres
Gilles Gioan
25
INFORMATIONS
PRATIQUES
L’exposition est ouverte au public
tous les jours, sauf le lundi, de 11 h à 20 h.
Nocturne le mardi jusqu’à 22 h.
Droit d’entrée : 9,50 €
Tarif réduit * : 6,50 €
Gratuit **
Accès libre pour les moins de 18 ans
le mercredi de 14 h à 18 h.
Réservation : magasins Fnac, fnac.com
* Étudiants, moins de 25 ans, carte Senior, demandeurs
d’emploi, Maison des Artistes.
** Moins de 10 ans, Laissez-passer, carte ICOM.
Accueil des groupes
Visite guidée avec médiateur, du mardi
au vendredi, de 11 h à 18 h (min. 10 pers.)
Tarif adultes : 10 € / pers.
Scolaires et seniors : 5 € / pers.
(gratuit pour les accompagnateurs)
Visite libre du mardi au dimanche
de 11 h à 18 h (min. 10 pers.)
Tarif adultes : 8 € / pers.
Scolaires et seniors : 4 € / pers.
(gratuit pour les accompagnateurs)
Réservation indispensable
Tél. 01 42 18 56 67
info.reservation@fondation.cartier.com
Laissez-passer
Le Laissez-passer offre un accès prioritaire,
gratuit et illimité à la Fondation Cartier,
un accès libre le mercredi pour une
personne vous accompagnant, des visites
guidées des expositions, des invitations aux
Soirées Nomades et des entrées à tarif
réduit pour les événements exceptionnels
(nombre de places limité, sur réservation),
une réduction de 5 % à la librairie ainsi
que des avantages dans de nombreuses
institutions culturelles parisiennes
(musées, théâtres…).
Adhésion annuelle : 30 €
Tarif réduit (carte Senior,
carte famille nombreuse) : 25 €
Tarif jeune (moins de 25 ans) : 18 €
Service des publics
Tél. 01 42 18 56 67
info.laissezpasser@fondation.cartier.com
Accès
261, boulevard Raspail 75014 Paris
Tél. 01 42 18 56 50 / Fax 01 42 18 56 52
Métro Raspail ou Denfert-Rochereau
(lignes 4 et 6) / Bus 38, 68, 88, 91
RER Denfert-Rochereau (ligne B)
Station Vélib’ et stationnement réservé
aux visiteurs handicapés devant
le 2, rue Victor Schoelcher
INFORMATIONS
PRESSE
Contact
Matthieu Simonnet
Tél. 01 42 18 56 77 / 65
Fax 01 42 18 56 52
matthieu.simonnet@fondation.cartier.com
Informations et images HD disponibles
sur presse.fondation.cartier.com
Le site presse
La Fondation Cartier pour l’art
contemporain a créé un site internet
dédié aux professionnels de la presse.
Grâce à cet espace, journalistes,
iconographes et blogueurs ont désormais
la possibilité d’avoir une vision globale
sur toutes les informations liées aux
expositions et aux différentes activités
de la Fondation Cartier, en France
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PROCHAINE EXPOSITION
Yue Minjun
Du 15 novembre 2012 au 17 mars 2013,
la Fondation Cartier pour l’art contemporain
présente les œuvres de l’artiste chinois
Yue Minjun. Avec plus de 30 tableaux et
sculptures ainsi que des centaines de dessins,
cette exposition sera la première
monographie importante consacrée
à Yue Minjun en Europe.

LÉGENDES ET CRÉDITS
Couverture
Images : © Bane, © Djilatendo, © Gregorio Barrio,
© Iran, © Jangarh Singh Shyam, © Joseca,
© Kayembe, © Nilson Pimenta, © Txanu, © Véio
Page 2
Isaka, 2011
Feutre et pastel gras sur carton
© Isaka
Page 5
Véio, sans titre, 2010
Bois sculpté peint
© Véio
Photo Isabella Matheus
Page 6
Alessandro Mendini, 2012
Dessins préparatoires pour la scénographie
de l’exposition Histoires de voir, Show and Tell
© Alessandro Mendini
Page 7
1 › Jangarh Singh Shyam, sans titre, 1989
Acrylique sur papier
© Jangarh Singh Shyam
Photo André Morin
2 › Hans Scherfi g, Det store træ, 1963
Huile sur toile
© Hans Scherfi g / Adagp, Paris 2012
Photo LAMBERTH
3 › Valdir Benites, sans titres, non datés
Bois sculpté et pyrogravé
© Valdir Benites
Photo André Morin
4 › Tadanori Yokoo, Heavy Smoker, 2007
Acrylique sur toile
© Tadanori Yokoo
Pages 8-9
1 › Gregorio Barrio, sans titre, 2012
Perles sur bois
© Gregorio Barrio
Photos Carlos Varillas
2 › José Bezerra, sans titre, 2007
Bois sculpté
© José Bezerra
Photo João Liberato
3 › Ciça, Máscara, 2003
Céramique peinte
© Ciça
Photo Mariana Chama
4 › Véio, sans titre, 2009
Bois sculpté peint
© Véio
Photo André Morin
5 › Isabel Mendes da Cunha, sans titre, 2008
Céramique peinte
© Isabel Mendes da Cunha
Photo João Liberato
6 › Nino, Macaco, non daté
Bois sculpté peint
© Nino
Photo João Liberato
7 › Taniki, 1977
Feutre sur papier
© Taniki
26
Page 10
1 › Ariel Kuaray Poty Ortega, village de Koenju,
août 2010
Photo Ernesto de Carvalho
2 › Ariel Kuaray Poty Ortega et Adolfo,
village de Varginha, février 2011
Photo Vincent Carelli
3 › Isaka, 2011
Feutre et pastel gras sur carton
© Isaka
4 › Jivya Soma Mashe, Fishnet, 2009
Acrylique et bouse de vache sur toile
© Jivya Soma Mashe
Photo André Morin
Page 11
Mamadou Cissé, sans titre, 2005
Feutre et encre sur papier
© Mamadou Cissé
Photo André Morin
Page 12
Txanu, 2011
Feutre et pastel gras sur papier
© Txanu
Pages 14-15
Francisco da Silva, sans titre, 1966 (détail)
Gouache sur papier
© Francisco da Silva
Photo André Morin
Pages 16-17
Jean-Baptiste Jean Joseph, Pieuvre, 2001
Paillettes, perles et sequins brodés sur tissu
© Jean-Baptiste Jean Joseph
Photo Rafaelle Castera
Page 20
Joseca, 2004-2010
Feutre sur papier
© Joseca
Page 23
Alessandro Mendini, 2012
Véio vu par Alessandro Mendini. Dessin extrait
du cahier de coloriage Histoires de voir, coloriages
avec Alessandro Mendini.
© Alessandro Mendini
Page 24
Alessandro Mendini, Il Cavaliere di Dürer, 2011
Bois, mosaïque de verre et d’or blanc
© Alessandro Mendini
Photo Lorenzo Ceretta
Page 27
Djilatendo, Jeu d’écailles, 1931 (détail)
Aquarelle sur papier
© Djilatendo
Photo André Morin
Quatrième de couverture
Shantaram Chintya Tumbada,
Flying Story (détail), 1995
Encre sur papier
© Shantaram Chintya Tumbada
PARTENAIRES MÉDIAS
Espace d’expression plurielle, de la
diversité des cultures et des points de vue,
TV5MONDE, première chaîne généraliste
mondiale en français, s’associe tout
naturellement à l’exposition Histoires de voir,
Show and Tell dont le thème est en parfaite
adéquation avec sa ligne éditoriale :
« Montrer ici ce qui vient d’ailleurs, montrer
ailleurs ce qui vient d’ici. »
Depuis cinq ans Trois Couleurs met un
point d’honneur à relayer les tendances
et l’actualité culturelle avec un regard
différent. Le magazine s’attache à rendre
accessibles au plus grand nombre des
dynamiques culturelles et des productions
méconnues du grand public. C’est donc
tout naturellement qu’il s’associe à
l’exposition Histoires de voir, Show and Tell
de la Fondation Cartier pour l’art
contemporain, avec la même envie
de participer à la mise en lumière
d’artistes exceptionnels qui nous offrent
une autre vision de l’art contemporain.
Radio de tous les territoires et de tous
les savoirs, France Culture apporte
chaque année son soutien à de nombreux
événements culturels et scientifi ques
de qualité, et délocalise ses émissions
au cœur même de l’actualité.
Des émissions à écouter, réécouter
et podcaster sur franceculture.fr.
L’exposition Histoires de voir, Show and Tell est organisée avec le soutien de la Fondation Cartier pour l’art contemporain,
placée sous l’égide de la Fondation de France, et avec le parrainage de la société Cartier.

fondation.cartier.com