Histoires de voir, Show and Tell - Fondation Cartier pour l'art ...

CATALOGUE
Publiés dans le catalogue de l’exposition, les textes écrits par Laymert Garcia dos Santos et Sally Price constituent
une approche transversale et complémentaire, en même temps qu’un regard critique sur l’exposition.
Laymert Garcia dos Santos,
« Regarder autrement »
[EXTRAITS]
Si une exposition revisitant l’art naïf peut
avoir lieu, c’est certainement parce que,
les critères traditionnels du monde
de l’art se trouvant troublés, s’ouvre un
espace où l’on osera essayer de regarder
autrement (et non plus selon les règles
des codes visuels dominants).
Il s’agit de voir différemment le différent,
c’est-à-dire, comme dirait Elias Canetti,
de faire place au différent qui fl ue de
toutes parts dans un monde de « réalité
croissante », à côté de l’ancien (les vieilles
cultures du passé, de plus en plus
déterrées, redécouvertes) et du nouveau
(les technologies, y compris celles
qui s’emparent de la production artistique).
Il s’agirait donc de retrouver ou de trouver
un regard désirant redécouvrir ce qui a
été « oublié » ou, au mieux, mis entre
parenthèses, par le système occidental
de l’art, depuis que celui-ci a décidé
de considérer comme « déplacé » ce qui
ne relevait pas de ses canons. Il est vrai
que, pour l’homme de nos sociétés, ce
regard ne se produit pourtant pas d’un
coup, et de lui-même. Pour y parvenir,
aussi bien que pour s’entraîner au
désinvestissement des habitudes visuelles
et des clichés, il faut le poser, d’une part,
sur les objets rituels des peuples
traditionnels et y percevoir la puissance
de leur beauté et la beauté de leur
puissance et, d’autre part, sur des objets,
des êtres et des milieux de la vie
contemporaine comme s’ils faisaient partie
d’un registre ethnologique aussi étrange
et surprenant qu’est, pour nous, la vie des
« primitifs ». Bref, il faut tremper le regard
dans des marges temporelles et spatiales
qui se trouvent en deçà ou au-delà de
la société civilisée. En ce sens, l’art naïf,
par certains aspects, s’apparenterait à l’art
brut, tous deux étant poussés par des
dynamiques dites irrationnelles,
irréfl échies ; cependant, l’art brut lui serait
« supérieur », aurait un supplément
esthétique vis-à-vis de l’art naïf, dans la
mesure où l’on reconnaît plus facilement
« de l’art » dans la violence créatrice
produite par l’inconscient du fou que
dans le regard émerveillé du naïf.
L’art naïf est l’art de l’émoi, un cri du cœur.
Mais pourquoi le cœur pousserait-il un cri,
sinon parce qu’il vient d’être touché ou
frappé, affecté, saisi par un événement qui
le bouleverse ? On passe sans transition
de la perception à l’affection, de ce qui
vient du dehors à ce qui monte du dedans.
L’effet magique se produit dans le regard,
il cristallise l’image ; toutefois, en le
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comblant, l’enchantement suscite une
réaction qui, tout en se déclarant hors
de lui, dans la poitrine, mobilise
néanmoins le corps tout entier. L’art naïf
est un cri du cœur parce que, l’espace
d’un instant, le corps est hanté par l’image
qu’il reçoit.
Sally Price, « Voix d’artistes »
[EXTRAITS]
Regarder une œuvre d’art peut provoquer
plusieurs types de réactions. L’une d’entre
elles, bien sûr, est une réaction de pur
plaisir esthétique. Une autre de ces
réactions implique d’imaginer quelle était
l’intention de l’artiste en réalisant
cette œuvre. Même un expert aussi
farouchement attaché à la dimension
esthétique que Jacques Kerchache a pu dire
que la chose la plus importante pour lui
lorsqu’il regardait une œuvre d’art était
de comprendre « la capacité de l’artiste à
trouver des solutions plastiques originales »,
c’est-à-dire d’imaginer l’artiste dans son
cheminement vers l’œuvre d’art en cours
de réalisation, d’entrer dans sa tête au
moment où il (ou elle) conceptualise
la forme qu’elle prendra.
La question devient alors : Quelle est la
meilleure façon d’accéder à la
compréhension de l’intention de l’artiste
au cours du processus de création ?
Comment pouvons-nous raconter le mieux
possible cette histoire ? Une tradition
respectée de cette discipline qu’est l’histoire
de l’art autorise le recours à une méthode
qui ressemble de près à la critique littéraire
et qui consiste à déduire l’intention à partir
de la combinaison de la perception visuelle
esthétique et de la connaissance générale
des circonstances dans lesquelles l’œuvre
a été réalisée (dans quelle partie du monde,
au sein de quelle société, à quelle époque
historique, etc.).
Du point de vue de l’ethnologue, cette
approche pose un vrai problème, du simple
fait du pouvoir qu’elle attribue aux « idées
reçues » ou aux stéréotypes populaires
concernant l’art produit hors des territoires
traditionnellement étudiés par l’histoire
de l’art, tels que la Grèce antique, l’Italie
de la Renaissance ou l’Europe moderne.
Et elle pose un problème similaire quand
il s’agit de comprendre un art qui, tout
en étant produit au sein de ces « zones
traditionnelles », est l’œuvre d’artistes
considérés comme « naïfs », « marginaux »
ou « visionnaires ». Déchiffrer l’intention
créatrice des artistes présentés (par
exemple) dans l’aile Rockefeller du
Metropolitan Museum of Art de New York
ou au musée du quai Branly à Paris est une
entreprise particulièrement délicate et
intimidante, en ce qu’elle demande aux
visiteurs pétris de points de vue culturels
« occidentaux » (qu’ils vivent à Paris,
Chicago, Tokyo, Lagos ou Kuala Lumpur)
d’évacuer de leur esprit toutes les idées
préconçues qu’ils ont acquises avec le
temps au sujet des « peuples primitifs ».
D’une manière très semblable, comprendre
les formes d’art présentées dans
l’exposition Histoires de voir, Show and Tell
de la Fondation Cartier demande un effort
particulier afi n d’éviter les préconceptions
face à ce qui est souvent le résultat de
visions personnelles et idiosyncratiques.
Comment pouvons-nous accomplir cette
tâche diffi cile ? Une réponse évidente
pourrait être : en écoutant les artistes.
Mais il peut s’avérer plus dur qu’on ne
l’imagine de se défaire de préconceptions
généralisatrices au sujet de personnes
qui sont d’une certaine manière
fondamentalement différentes de soi – que
ce soit sur le plan de l’identité culturelle,
de la psychologie personnelle, du niveau
d’éducation ou de toute autre variable.
Le catalogue de l’exposition
Conçu dans le prolongement de
l’exposition, le catalogue Histoires de voir
se déroule lui aussi comme une succession
d’histoires autour des artistes et de leurs
œuvres ainsi que, le cas échéant, celles
de leurs communautés. Avec près de
400 images des sculptures, peintures
et dessins exposés, une documentation
visuelle importante, et des textes de
spécialistes, le livre constitue une occasion
unique de mieux connaître l’univers
de ces artistes.
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