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N°13 – JUIN 2009
Bulletin de l’association Collège au Cinéma 37
Ciné
zooM
SUPPLÉMENTS ENSEIGNANTS
Chers Collègues, Chers Parents d’élèves,
Chers Partenaires,
Voici « la fabrique à films », notre nouveau visuel créé par
Gwénolé Drouin, un jeune graphiste tourangeau que la
caméra de Charlie Chaplin a inspiré. Il a également conçu
avec son associé, Jérémie Gineste, notre nouveau site Internet
www.collegeaucinema37.com sur lequel vous pouvez lire des
réactions de collégiens et des pistes pédagogiques sur les
films programmés. Vous pouvez également y visionner des
petits films d’animation réalisés dans des collèges d’Indre et
Loire pour fêter les 20 ans de Collège au cinéma.
Nous avons déjà fêté l’événement ensemble à Tours le 20 juin
dernier avec le réalisateur Patrice Leconte et nous vous
inviterons à le fêter aussi dans le département en septembre
prochain avec Sylvie Verheyde, la réalisatrice de Stella .
Le dispositif national Collège au cinéma dont bénéficient
chaque année 500 000 collégiens français concerne plus de
6 000 Tourangeaux, soit un collégien sur cinq en Indre et
Loire.
Amandine Bourse a gagné le concours « Bons Becs de
Rimouski » que nous proposons aux élèves de 4 ème pour la
deuxième année consécutive. Cette collégienne de Montrésor
participera au prochain Festival de Rimouski au Québec avec
Stéphanie Borderon, son professeur de lettres, en octobre
2009. Amandine aura tout l’été pour s’y préparer…
Bonne lecture de CinéZoom et à l’an prochain !
Dominique Roy
Coordinatrice départementale,
Présidente de Collège au Cinéma 37
Programmation année scolaire 2009/2010
6ème/5ème
1 – Mon Oncle de Jacques Tati (1958)
2 – Joue-la
comme Beckham de Gurinder Chadha (2002)
3 –– Le Garçon qui ne voulait plus parler de Ben Sombogaart
(1995)
4ème/3ème
1 – O’Brother de Joel et Ethan Coen (2000)
2 – El Bola d’Archera Manas (2001)
3 – Ridicule de Patrice Leconte (1996)
A propos des films…
Le petit prince a dit
Formation avec Daniel Serceau
Les Temps Modernes
Formation avec Nadia Meflah
Tex Avery Follies
Formation avec Danilo Zecevic
La Planète des Singes
Formation avec Nadia Meflah
PREMIER TRIMESTRE 2008/2009
DEUXIEME TRIMESTRE 2008/2009
TROISIEME TRIMESTRE 2008/2009
Persépolis
Formation avec Jean-Christophe Perrier
Pages 2 à 4
Pages 5 à 7
Pages 8 et 9
Pages 10 à 12
Pages 13 à 15
Concours « Bons Becs de Rimouski » Page 16
PROGRAMMATION 2009/2010 Page 17
Collège au cinéma fête ses 20 ans ! Pages 17 et 18
Édition : Association Collège au Cinéma 37
3 rue Camille Flammarion 37000 TOURS
Tél. : 02 47 46 06 14/Fax : 02 47 26 02 06
collegeaucinema37@free.fr
http://www.collegeaucinema37.com
Directrice de la publication : Dominique Roy
Conception et réalisation : Claire Tupin

Le petit Prince a dit
de Christine Pascal
Le mercredi 15 octobre 2008, l’association Collège au Cinéma 37 a invité Daniel Serceau à parler du film Le petit Prince a dit
de Christine Pascal programmé pour les élèves de 6 ème /5 ème au 1 er trimestre 2008/2009. Professeur de cinéma à Paris I
Panthéon - La Sorbonne, Daniel Serceau est spécialiste de Jean Renoir, de Kenji Mizoguchi et de Nicholas Ray a qui il a
consacré plusieurs ouvrages. Il a commencé comme exploitant de salle et travaillé comme assistant réalisateur.
Christine Pascal est une actrice, réalisatrice de cinq longs métrages. Un grand nombre d’acteurs ou d’actrices se tournent vers la
réalisation. Le cinéma français se veut être un cinéma d’auteur comme genre alors que le cinéma américain est un cinéma de
spectacles. John Ford a réalisé 123 films mais son premier film intéressant est le cinquantième.
Daniel Serceau a déjà présenté ce film devant des enseignants qui étaient choqués par la façon dont le film traite la question
des soins palliatifs. La séquence de la fin leur posait beaucoup de problèmes avec l’oreiller (Pourquoi l’oreiller Pourquoi est-il
là ). La réalisatrice met le doigt sur un problème non réglé et prend des risques. Elle fait partie des cinéastes faisant un réel
effort d’écriture cinématographique. Elle arrive à faire un film extrêmement émouvant pouvant déplaire car il touche le
spectateur. Quand on se confronte à un grand film, on découvre à chaque visionnement de nouvelles choses. Les films ne sont
pas ambigus mais ambivalents. Le spectateur est ambivalent : il a envie en même temps que tout se passe bien et que cela se
passe mal.
Corinne Galibardy, enseignante au collège
Balzac d’Azay-le-Rideau, trouve que c’est un
mauvais téléfilm avec des longueurs, mal ficelé
jouant sur les sentiments. Mais elle admet avoir
eu des a priori avant de voir le film car il est lié
au thème de la mort d’une enfant et elle
redoute les réactions de ses élèves.
Dans son cours, Daniel Serceau avait montré ce
film à ses étudiants, dont l’un était atteint d’un
cancer qui a adoré le film, une autre étudiante
dont le père était malade l’a injurié. Parfois les
réactions des élèves ne sont pas celles
auxquelles s’attendent les enseignants.
Michèle Rouzic, enseignante au collège Georges
Besse de Loches, avait montré ce film à des
élèves de primaire de 10/11 ans parmi d’autres
films pendant une année scolaire. A la fin de
l’année, ils ont choisi Le petit Prince a dit
comme film de l’année.
Nicolas Carli-Basset, enseignant aux collèges Bergson de Saint-Cyr-sur-Loire et Joachim du Bellay de Château-la-Vallière, se
dit déconcerté que le film soit raconté avec un point de vue d’adulte. Il n’a pas revu le film lors du prévisionnement du matin
mais une séquence l’avait particulièrement gêné, celle de l’examen neurologique avant le scanner. Il avait trouvé que la
réalisatrice créait un suspense malsain et que la scène était particulièrement longue.
Daniel Serceau fait remarquer que cette séquence est filmée du point de vue du père et se déroule en deux temps. Dans un
premier temps, il y a l’examen neurologique où le père est de plus en plus inquiet et dans un deuxième temps, il y a le scanner.
Très souvent, un film ne se pénètre que progressivement.
Catherine Hélène, enseignante au collège de Montrésor, pense qu’il y a beaucoup de choses à voir et beaucoup d’explications
devront être données aux élèves sans pour autant raconter le film. Pour elle, la dernière scène avec l’oreiller peut vouloir dire
que le père étouffe sa fille pour qu’elle ne souffre plus ou qu’Adam se console en serrant l’oreiller contre lui, elle-même étant
passée par ces deux sentiments en regardant cette séquence.
Pour Daniel Serceau, rien n’est plus faux que de dire que le spectateur est passif devant un film. Olivier Girolet, enseignant au
collège Montaigne de Tours, ne sait pas trop où se placer mais a l’impression que la réalisatrice elle-même ne le savait pas.
Daniel Serceau pense qu’il faut savoir si le film est accompli ou inaccompli et ajoute que le film ouvre plein d’hypothèses de
travail mais ne les ferme pas. Les élèves réagissent mal à une fin ouverte. Certes la fin est « fermée », c’est la mort mais ici,
beaucoup de choses restent ouvertes…
I - LES LIGNES NARRATIVES :
1/ Problème du choix éthique :
Laisser une enfant subir avec souffrance toute une série d’examens et de soins palliatifs ou ne lui accorder que quelques
semaines mais qu’elle les vive dans la joie Ce choix n’est pas simple : combien de temps pourra-t-elle supporter les maux de
tête Dans la scène où Mélanie fait le lit, Violette avoue à sa mère avoir toujours mal à la tête.
Corinne Galibardy ne comprend pas la violence du rapt de l’enfant par le père. Pour Daniel Serceau, cette violence peut être
expliquée par le déni du père face à la maladie de sa fille. Adam n’est plus médecin, il est biologiste. C’est typique de ces
médecins ne supportant pas le rapport avec le patient, avec la souffrance et se mettant en retrait. La mise en scène travaille
sur l’inconscient supposé des personnages. Telle qu’elle est filmée, cette scène n’est pas suffisante pour Daniel Serceau.
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Pour Catherine Foreau-Guion, enseignante au collège Gaston Huet de Vouvray, le point positif de ce film, c’est que tout est
suggéré et qu’il n’y a pas besoin d’insister.
2/ L’enjeu du film : reconstitution d’une famille nucléaire
Le sujet événementiel du film est l’évasion du père et de sa fille mais les sujets de réflexion sont les soins palliatifs, l’enfant
malade et la famille nucléaire. Pour Daniel Serceau, ce sujet est mal assumé par la réalisatrice. Il est difficile de savoir sur
lequel insister avec les élèves, un tiers venant de familles décomposées. Certains ont connu une maladie mortelle d’un enfant.
Daniel Serceau conseille de commencer par dire aux élèves que ce n’est qu’un film.
Relations entre les parents de Violette ambiguës :
Dès le début du film, Adam (Richard Berry) teste sa fille pour savoir si Lucie, sa nouvelle compagne, peut venir vivre avec lui. Il
exprime donc le souhait de refaire sa vie mais dès la séquence avec Minerve, la nourrice, deux éléments posent problèmes :
Adam passe son doigt dans l’échancrure de son ex-femme, Mélanie (Anémone), avec un regard complice à Violette. Cette
situation va se répéter dans le film. Le couple d’Adam et de Lucie n’a pas l’air solide. De plus, avant la séquence où Lucie et
Adam rentrent un peu ivres et s’apprêtent à faire l’amour, Violette se maquille puis les regarde par l’entrebâillement de la
porte ; il y a une rivalité par rapport à sa belle-mère.
Quand Adam s’enfuit avec Violette, il n’appelle pas Lucie et à la fin du film, Adam est odieux et injuste avec Lucie sans
pourtant que la mise en scène explique ce comportement. Les trois personnages d’Adam, de Violette et de Mélanie s’allient
contre le mauvais objet, le bouc émissaire : Lucie ; le chien est le catalyseur. Ils reconstituent ainsi la cellule familiale, seule joie
de la fin du film. Le spectateur peut se demander si les parents épousent le souhait de leur fille au moment de sa maladie ou si
cette maladie devient le prétexte permettant au couple de se reformer.
Hypothèse de la mauvaise mère :
Soulevée au début du film par les propos de
Violette, elle est contredite ensuite car c’est
Mélanie qui insiste pour qu’Adam consente à
faire examiner sa fille (Adam se bute à dire que
Violette a toujours été maladroite et gauche)
et à la fin du film, Mélanie sait où le père et la
fille vont se réfugier.
Franchissement de la montagne :
C’est une scène clé du film dans le rapport
père/fille. Au début du film, le père veut
imposer à sa fille des choses qui sont de l’ordre
de l’effort comme à la piscine, mais lors de la
scène du petit déjeuner, Adam abandonne ses
exigences quand il voit sa fille se goinfrer, ça n’a
plus de sens. Cependant Violette se rend
compte qu’elle n’a pas le droit de se goinfrer et
arrête.
Comportement du père en tant que chercheur :
Il y a une opposition entre la vélocité du père et la pesanteur du corps de Violette. Dans les premières scènes, il y a la lourdeur
du corps de Violette alors qu’Adam court après le temps. Les parents sont accaparés par leurs métiers respectifs et laissent
Violette à la nourrice, Minerve. Alors qu’au début du film, le père n’a pas le temps pour sa fille (« Ma fille à livrer »), Violette
va ensuite devenir la valeur des valeurs d’Adam en raison de la découverte de la maladie.
Règles du père :
Le père en tant que père, celui qui fixe les règles : « l’idéal du moi » qui est de ne pas être mou, ce qui impose de surveiller son
poids, la scène des longueurs à la piscine montre son exigence de dépassement de soi.
La mère : quelqu'un qui est dans l’oralité, le plaisir immédiat, une certaine forme d’abandon. Cf. sa première apparition
déterminante avec le verre de vin blanc « toujours des demi-bouteilles ».
Ambivalence de Violette avec ses parents :
Dans la voiture, Violette dit à son père qu’elle se demande ce qu’elle va faire avec sa mère pendant une semaine et plus tard,
le spectateur ressent et voit la relation fusionnelle entre la mère et la fille.
II - ETUDE DES PREMIERS PLANS
Dans un film, l’entrée dans la fiction est fondamentale. Ici, il y a une construction en boucle car le film commence sur Violette
de dos et il se terminera sur le visage de Violette. Elle apparaît de dos comme pour montrer le retournement du
comportement de son père.
Au début du film, le spectateur peut voir que Violette est une habituée de l’hôpital : elle sait où aller chercher ce que son père
lui a demandé. Son père est obnubilé par sa carrière, l’enfant n’a pas de place mais avec sa maladie, il va changer. La
caractérisation du personnage est sa boulimie, c’est une fille trop ronde et peu active. Violette est en faute dès l’arrivée du
père avec la réplique « Dépêche-toi » ; au fond, il est toujours dans le rythme du travail. Quand ils arrivent à l’hôpital
rapidement, il y a un contraste entre Adam et Violette car il court alors qu’elle prend son temps et de la distance vis-à-vis de
son père.
Beaucoup d’éléments annonciateurs sont présents dans la mise en scène pour réussir à préparer émotionnellement le
spectateur. Au laboratoire où Violette récupère les souris pour son père, une blouse blanche est accrochée à la porte et le
personnage porte un scaphandre pour se protéger (de la maladie). Une mise en scène travaillée est imprégnée de beaucoup
d’éléments. Violette tourne autour d’un poteau avec le bac à souris et elle a la tête qui tourne, première fois que le spectateur
voit que Violette est malade.
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Un des principes est de naturaliser tout ce qui a trait au film et en même temps, tout ce qui touche à la fiction. Quand le
spectateur a compris la logique du début, ça l’imprègne.
Quant à Adam, il se protège de la maladie avec des gants ce qui est vraisemblable de par son métier. Adam appuie
rapidement sur la poire déclenchant des clichés du microscope. Non seulement le spectateur voit le métier du père mais
également sa rapidité. Quand Violette fait tomber les souris, Adam lui dit « Mais qui est ce qui m’a donné une fille comme
toi » et Violette lui répond que c’est sa mère. Cette réplique renforçant l’hypothèse de la mauvaise mère est confortée par le
plan suivant où Mélanie vide une bouteille de vin. De plus, Minerve, la nourrice, explique à Mélanie comment s’occuper de
Violette pendant la semaine. Ensuite, lorsque Violette et son père arrivent, Violette contredit le dialogue « Qu’est ce que je vais
faire une semaine chez maman » car elle court dans les bras de sa mère.
Quand Adam est au téléphone avec Lucie, Violette est déjà hostile envers Lucie, l’amie de son père, elle s’oppose à ce couple.
Sur un plan, Adam est au téléphone avec Lucie et le plan suivant, il passe son doigt dans l’échancrure de Mélanie puis regarde
sa fille pour avoir son approbation.
Violette et Mélanie attendent le départ du père pour s’enlacer et le spectateur les reverra de nouveaux enlacées quand le
père viendra la chercher. Par certains côtés, la fillette est manipulatrice en faisant passer chaque parent comme le meilleur.
Il y a beaucoup de pages blanches dans l’album de Violette. Mélanie n’a pas fait le deuil de son couple, les parents de Violette
ont peut-être le désir de se réunir mais le désir de Violette ne peut suffire à réunir ses parents. Quand elles arrivent à la
dernière photo de l’album (photo de Lucie et de Violette), Violette ferme violemment l’album.
Séverine Moulay, enseignante au collège Beaulieu de Joué-lès-Tours, a peur que les élèves pensent qu’ils ont le pouvoir de
rabibocher leurs parents séparés.
Séquence à partir de 9 minutes et 20
secondes :
Quand Adam vient chercher sa fille chez
Mélanie, il s’approche sans se faire
remarquer et les voit enlacées. Il retourne à
sa voiture pour klaxonner, elles se
dépêchent ; Violette va chercher ses affaires
tandis que Mélanie commence à faire la
vaisselle (importance du paraître devant
Adam). Quand Violette marche au bord de
la rivière, sa démarche somnambulique
laisse suggérer la maladie. Ensuite, plan
rapproché de Violette regardant en arrière
pendant que ses parents sont réunis pour
parler, elle fait tout pour qu’ils se remettent
ensemble. Pourtant la scène suivante
contredit l’espoir de Violette : Adam et
Mélanie se disputent. Quand Mélanie dit à
Adam qu’il est médecin, il refuse le titre.
Examen de Violette : 17 minutes 33 secondes
Pendant cette séquence, le spectateur voit la progression. Les premiers examens neurologiques se passent puis la marche
déséquilibrée de Violette commence à inquiéter le médecin et Adam puis l’examen de la vue entraîne la programmation d’un
scanner. Presque filmée en temps réel, cette scène est longue mais ce n’est peut-être pas possible de faire autrement sans
enlever l’effet documentaire, elle est émotionnellement très forte.
Pour Dominique Roy, enseignante au collège Sainte Jeanne d’Arc de Tours, ce film est tout en nuances.
Catherine Hélène fait remarquer que tout au long du film, le rapport au temps est présent : Adam perd sa montre, ensuite il
prend celle de sa fille puis il y a la chanson du Petit prince a dit. Daniel Serceau pense que c’est un film se positionnant comme
un cinéma d’auteur qui doit aller jusqu’au bout de ses pensées mais malheureusement, le film ne le fait pas totalement. Il
pense également que le dispositif Collège au cinéma ne prend pas assez de films qui ont de la consistance pour travailler
l’image.
Dominique Roy, présidente de l’association Collège au Cinéma 37, remercie Daniel Serceau pour sa venue à Tours et pour son
analyse du film Le petit Prince a dit.
Quelques sites utiles :
http://www.abc-lefrance.com/fiches/petitprinceadit.pdf
Fiche technique sur le film
http://www.lux-valence.com/image/fpdf_film.phpid=127
Fiche sur le film avec des pistes de travail du CRAC (Centre de Recherche et d’Action Culturelle de Valence)
http://ww2.ac-poitiers.fr/daac/spip.phparticle458
Pistes pédagogiques réalisées dans le département de Charente-Maritime
http://www.cndp.fr/tice/teledoc/mire/teledoc_petitprince.pdf
http://www.crdp.ac-lyon.fr/c/c4/articles/Petitprince_light.pdf
Fiche pédagogique réalisée par Hervé Le Sourd de l’académie de Lyon
http://www.collegeaucinema92.ac-versailles.fr/article.php3id_article=22
Présentation du film réalisée par l’académie de Versailles
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Les Temps Modernes
de Charlie Chaplin
Biblio : Chaplin et les femmes de Nadia Meflah.
Introduction :
Un des thèmes récurrents dans le cinéma de Chaplin est : comment se nourrir Il n’y a solidarité que lorsque la faim est prise
en compte. C’est ce que l’on appelle la reconnaissance par le ventre. Ce film n’est donc pas un porte-drapeau du collectivisme
de la grève mais plutôt du communisme du ventre.
C’est un film très actuel car il évoque le thème de la souffrance au travail.
C’est aussi un film singulier dans l’histoire du cinéma de par l’originalité de la bande son (film muet musicalisé à 90%).
Contrairement à ce que l’on pourrait penser, il n’y a plus de films muets à Hollywood depuis 1926. Les Temps modernes est
donc très original, un pari aberrant en 1936. Ce film dit quelque chose de la société et du pouvoir.
C’est aussi un film poétique en raison des mimiques et de la gestuelle (caractéristiques du burlesque). Chaplin est une
figure universelle par le mime et le jeu, c’est son côté très puritain par rapport à la parole.
C’est aussi un des rares films de Chaplin avec un « happy end » : la grâce de l’amour vient réveiller le personnage.
Enfin le personnage de « la gamine » est caractéristique avec son côté asexué, comme une réminiscence de tous les Charlots
(irrespectueux, jouissif, sans toit ni loi).
1. Présentation de Chaplin :
1.1 Une mère malade psychologiquement:
Né le 16/04/1889 à Londres, il a un demi-frère Sydney de 4 ans son aîné,
son père et sa mère sont des artistes de music-hall. Sans Sydney, Chaplin
n’aurait jamais fait de cinéma. Sydney sera toujours le mentor, le
gardien, l’agent de Chaplin. Le couple des parents va connaître
une grave crise (violence familiale et alcool) qui va les mener au
divorce. La mère va se remettre avec un autre homme et avoir un
autre enfant qui sera kidnappé par son père alors qu’il est âgé de
quelques mois.
La mère va alors connaître une lente détérioration à la fois physique et
morale : ceci restera très présent dans la mémoire de Chaplin. La mère
va faire de nombreux allers-retours en hôpital psychiatrique (quand
Chaplin était âgé de 5 à 14 ans) : ces nombreuses absences et mises en
institution vont laisser chez Chaplin de profondes marques :
humiliations, violence, solitude, nudité, pudeur et sentiment d’être
totalement abandonné.
Il est à la fois fasciné et tyrannisé par sa mère et voudrait être
quelqu’un d’autre, son frère aîné va lui ouvrir les voies du théâtre.
Errance /jeu /solitude sont constitutifs de l’enfance de
Chaplin.
1.2 Un père alcoolique et violent :
Le père est souvent sommé par la justice de payer ce qu’il devait à ses
fils. Il ne s’occupera vraiment d’eux qu’une seule fois : cela va durer
deux mois et demi. Chaplin va observer son père et être le témoin de
deux choses :
- Du génie absolu de son père.
- De la violence extrême de son père à cause de l’alcool.
Grâce à son père Chaplin entre vers 8-9 ans dans une école de
comédiens. Sa scolarité est chaotique, il est presque analphabète : il sera
toute sa vie obsédé par les mots et il apprendra jusqu’à la fin.
1.3 Les débuts cinématographiques aux Etats-Unis :
Lors de son second voyage aux Etats-Unis (automne 1913), Chaplin se voit proposer un contrat. En février 1914, il se révèle un
interprète catastrophique. Il va aussi jouer dans deux courts métrages : il va alors inventer le personnage de Charlot
(course de karting à Venice avec mise en abyme).
En 1914, il tourne 34 films et est repéré par d’autres maisons de production. La moitié de ces films sont réalisés par Chaplin :
l’effet est immédiat sur le public. Chaplin comprend qu’il doit faire lui-même les films et ne pas se contenter d’être
interprète.
En 1918, il crée ses propres studios, ainsi qu’une association d’artistes (cette association comprend les trois plus grandes stars
hollywoodiennes de l’époque) et un label indépendant. Il devient le maître absolu.
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2. L’œuvre : Charlot, le fruit d’une lente mutation :
Les Temps modernes représente la fin de cette mutation. Charlot a incarné toutes les fonctions sociales : il n’a pas de
nom, d’identité sociale (ex : il est le vagabond). C’est un principe de base dans le burlesque : « Je est un autre ».
Charlot est complètement immergé dans la société : il incarne la classe moyenne, la classe ouvrière et la petite bourgeoisie.
Il veut occuper le cadre, être dans le réel, donc survivre mais en même temps il y a toujours une perturbation, un délire : le
rapport aux objets est toujours surréaliste car ils sont détournés de leur utilisation. Le péché mignon de Charlot
est la répétition.
Charlot est un personnage qui ne rentabilise pas : il n’a pas de famille, pas de femme, pas d’argent : il a juste un
présent immédiat. Dans le monde burlesque, les objets sont animés, ont une âme. C’est un monde d’une inquiétante
étrangeté, on n’est pas loin de la folie. Peu à peu, le personnage va devenir une fureur.
Au début, Charlot n’éprouve pas de compassion (il est prêt à voler même un enfant), cela ne viendra que plus tard.
Après Les Lumières de la ville, un tournant :
Après ce film (un triomphe), Charlot ressent le besoin de faire un break : il va voyager pendant 18 mois autour du monde et
rencontrer beaucoup de monde dans cette fuite en avant (Keynes…), dont une femme, Paulette Goddard, qui a le même
parcours que lui : ce sont deux solitudes qui se rencontrent.
2.3 Chaplin, un despote
Le défaut de Chaplin est de vouloir tout contrôler, et de vouloir façonner les gens. Les acteurs du studio étaient payés
même quand ils ne tournaient pas.
Les tournages de Chaplin étaient très longs (à l’époque la moyenne était de deux mois), les montages aussi car Chaplin
n’avait ni banquiers ni producteurs derrière lui.
2.4 Les Temps modernes :
Ce film a connu plusieurs versions car l’enjeu était de taille : « Je me lance mais dans quel monde Pour la première fois le
personnage ne s’amuse plus. Auparavant il y avait une douce folie au travail.
Dans ce film comme dans Le Dictateur, Chaplin développe le thème de la parole aliénante et dépossédante. Le régime
totalitaire passe par une maîtrise des canaux de communications. On peut donc se poser la question aujourd’hui de l’utilisation
de la musique dans les gares, ascenseurs, etc… de quoi veut-on nous déposséder
3. Analyses de séquences :
3.1 Première séquence :
On peut y voir un parallèle entre les moutons et les hommes qui vont travailler puis c’est le début du travail. Analogie : les
ouvriers sont des moutons qui vont à l’abattoir.
On peut comparer cette séquence à la première séquence du film de Fritz Lang Métropolis. L’horloge symbolise le temps et le
temps, c’est de l’argent.
Les ouvriers forment une masse mais dans cette masse il y a un mouton noir. Cette masse est indistincte comme une vague, on
peut la manipuler, elle est filmée en plongée, indéfinie, donc indéterminée.
Question à poser aux élèves : que fabrique cette usine On ne le saura jamais. Paradoxe : à la fois abstrait (on ne sait pas
ce que fabrique l’usine) et concret (c’est quand même une usine). C’est un film abstrait qui échappe à toute
temporalité.
Ce film présente une régression dans la narration car il y a plusieurs unités spatio-temporelles que l’on peut dissocier les
unes des autres : le film apparaît comme une juxtaposition de plusieurs court métrages.
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On constate une opposition entre le patron policé cravaté et l’ouvrier principal très « nazi » ou « dieux du stade », d’ailleurs
c’est le patron qui parle et non l’ouvrier (cf ce qui est dit plus haut sur la parole).
Thèmes du fordisme et du taylorisme abordés (cf dossier enseignants, bonus DVD et programme histoire géographie de
quatrième).
3.2 Quelle est la nature du dérèglement
Thème du corps : il y a des corps mais les ouvriers n’ont pas de corps (donc arythmie). La loi du travail est très forte : il y a
une discipline mais à quel prix Elle entraîne une dépossession du corps.
Même l’abeille n’a pas sa place dans ce monde.
L’usine semble se nourrir de l’homme, le flux humain ressemble à de la nourriture, la machine avale mais ne broie pas. Il y a un
parallèle entre la machine et le temps : c’est Chronos qui dévore ses enfants. Qu’est-ce qui fait entrave au temps Les
chômeurs et les enfants car ils échappent au temps, à la machine. Si je n’ai pas le temps de chasser une mouche, quand puis-je
prononcer mon humanité à mon camarade
La parole : il y a dichotomie car la bande son est tout sauf naturaliste. Le son est industriel car la voix humaine est
indirecte (via un écran), dépersonnalisée, déshumanisée, déresponsabilisée (« c’est pas moi »). C’est un film de terreur car le
lieu de travail rend fou, casse les rapports humains : la rue qui était le lieu de tous les possibles devient un lieu fascinant,
terrifiant, déshumanisé. Le seul lieu de réconfort est la prison. Ce film annonce Le Dictateur et les régimes totalitaires.
3.3 Scène de la pause :
Charlot a un corps mécanique au début de la pause, il lui faut du temps pour récupérer son corps. L’écran symbolise la
déshumanisation car il n’est plus nécessaire de parler aux gens, de plus il est impossible de parler à une image.
Avant cette scène, Chaplin jouait avec la machine, après il est sans force comme s’il avait subi une cassure.
3.4 Scène du repas :
C’est une séance de torture qui reprend tout : la nation est moquée avec le maïs symbole des Etats-Unis d’Amérique,
l’infantilisation car il est emmailloté comme un enfant, la vengeance, l’humiliation et le viol en lui faisant ingérer du fer. Il n’est
plus possible de revenir en arrière après cela car même le moment du repas est déshumanisé.
Comparaison avec Ils ne mouraient pas tous mais tous étaient frappés (2005) : scène d’entretien entre une psychologue
clinicienne et sa patiente où sont énoncées la pénibilité du travail et la déshumanisation qu’entraîne ce type de travail
« mécanique ».
Quelques sites utiles
http://www.abc-lefrance.com/fiches/lestempsmodernes.pdf
Fiche technique sur le film
http://www.lux-valence.com/image/fichefilm.phpid=172
Fiche sur le film avec des pistes de travail du CRAC (Centre de
Recherche et d’Action Culturelle de Valence)
http://etablissements.acamiens.fr/0601178e/rvluso/article.php3id_article=534
Pistes pédagogiques réalisées par Joëlle Bonnissant et Sandrine
Guillamet, professeurs de lettres de l’académie d’Amiens
http://cinehig.clionautes.org/article.php3id_article=135
Pistes pédagogiques réalisées par Gilles Sabatier, professeur
d’histoire-géographie au lycée François Mauriac-Forez
Andrézieux-Bouthéon (Loire)
http://cinehig.clionautes.org/telechargement/prem-tempsmodernes.pdf
Pistes pédagogiques réalisées par Eric Charavay, professeur
d’histoire (stagiaire en 2002-2003)
http://cinehig.clionautes.org/IMG/tempsmodernes-sc.pdf
Pistes pédagogiques réalisées par Sylviane Costerg, professeur
d’histoire en lycée Marie Curie d’Echirolles (Isère)
http://www.charles-chaplin.net/accueil.php
Site consacré à Charlie Chaplin
http://www.lettres.ac-aix-marseille.fr/college/charlie.doc
Activités pédagogiques proposées par Christabel Grare, IPR-IA
de Lettres au rectorat d’Aix-Marseille
http://college.ronsard.laclasse.com/IMG/pdf/tempsmodernes.pdf
Fiche d’exploitation réalisée par Evelyne PY, professeur
d’histoire géographie au collège Ronsard de Mornant (Rhône)
http://www.curiosphere.tv/chaplin/chaplin.htm
Fiches pédagogiques réalisées en partenariat entre MK2 et
France 5
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Tex Avery Follies
de Tex Avery
Le mercredi 7 janvier 2009, l’association Collège au Cinéma 37 a invité Danilo Zecevic pour donner son point de vue sur les
films Tex Avery Follies de Tex Avery programmé pour les élèves de 6 ème /5 ème au deuxième trimestre 2008/2009. Danilo Zecevic
est chercheur en cinéma à Paris VII, doctorant sur le cinéma d’animation hollywoodien et rédacteur en chef de la revue de
cinéma numérique en ligne Acme. (http://www.revue-acme.com)
Pour commencer, Danilo Zecevic souligne que le programme de cartoons choisis n’a aucune logique, aucune thématique mais
il trouve intéressant de montrer des cartoons au cinéma initialement réalisés pour la télévision.
IMPRESSIONS DE LA SALLE
Pour Yvonne Pacquier, enseignante au collège Bernard de Fontenelle de Savigné-sur-Lathan, One cab’s family (Bébé Taxi)
est assez amusant et permet d’étudier l’effet caricatural du cartoon.
Henri Destouches, enseignant au collège du Parc de Neuillé-Pont-Pierre, pense que ces cartoons vont plaire aux collégiens, luimême
les ayant passés à ses filles quand elles avaient leur âge. De plus, Scott Bradley a une culture musicale d’une grande
diversité.
Pour Danilo Zecevic, les enfants ont l’habitude de regarder ce genre de cartoons. Les cartoons de Tex Avery sont des anti-
Disney qui font référence à Disney et à Hollywood.
L’ANIMATION
Ce terme existe depuis les Romains et signifie
« donner vie à quelque chose, à un corps, qui ne
devrait pas en être doté » (flip book, praxinoscope…).
L’animation est inventée avant le cinéma en prise de
vue réelle. Vers 1907, les premiers films d’animation
apparaissent ; parmi eux, Fantasmagorie d’Emile
Cohl.
Les films d’animation sont réalisés avec plusieurs
techniques : marionnettes, dessin animé, numérique
3D. Gertie le dinosaure sera le point de départ des
cartoons aux Etats-Unis. Les films d’animation sont
réalisés à l’aide d’un banc-titre (table où on installe
les dessins et où on les fait passer un par un). Dans
Tex Avery, c’est le décor qui bouge (celluloïd). Les
frères Fleischer inventent le rotoscope : les
dessinateurs calquent les mouvements d’une
danseuse à partir d’images réelles.
Les réalisateurs dessinent à partir d’images filmées
(ex : Steamboat Willy, troisième dessin animé où
apparaît Mickey Mouse). Disney est le premier à
utiliser le Technicolor jusqu’en 1938, les autres utilisant
une autre technique moins performante du fait que
Disney en détient le brevet.
LE CARTOON
Tex Avery suit des cours de dessin à Chicago donnés par des cartoonistes (dessinateur de caricature dans les journaux). Inspirés
par la bande dessinée, les cartoons ont la même façon de traduire les sentiments (exemple : apparition d’une ampoule pour
une idée).
LES STUDIOS DE CINEMA
La Metro Goldwyn Mayer (MGM) est le plus grand studio américain mais en 1931, aucun cartoon n’est encore projeté alors que
chaque studio a déjà son département de cartoonistes. Ils engagent donc Ub Iwerks, créateur graphique de Mickey Mouse qui
réalise 38 cartoons de Flip the frog et Willy Whoper. En 1934, les cartoons ne faisant pas assez d’audience, ils engagent
Hermann et Herzing, poulains de Disney mais ce sera également un flop. Quand Fred Quimby hérite du département cartoon
de la MGM en 1937, il engage Hanna et Barbera (créateurs de Tom et Jerry) et Tex Avery rejoint l’équipe en 1942.
TEX AVERY
Il commence par faire des caricatures. Ses bandes dessinées ne se vendant pas, il se résout à faire des dessins animés. En 1934,
Universal l’engage puis Warner Bros. Certains réalisateurs avec qui il travaille chez Warner partagent la même façon de
dessiner, Warner sera une formation pour Tex Avery.
Quand il est engagé à la MGM, les producteurs lui laissent carte blanche sur les cartoons tout en ayant conscience de la censure
(sexualité, violence….). A chaque fois, il soumet son scénario au comité de censure avec des choses osées ; la scène qu’il souhaite
vraiment est acceptée, jugée moins provocante que les autres.
La difficulté est de différencier les cartoons de Tex Avery.
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SLAP HAPPY LION (1947) de Tex Avery
Le premier carton du générique fait apparaître le nom des studios MGM avec la tête de lion. La deuxième image du
générique indique le nom du cartoon ainsi que le réalisateur avec une musique, une police d’écriture et les dessins spécifiques
au domaine du cirque.
La troisième image du générique donne le nom des scénaristes. Tex Avery rédige lui-même ses gags et les transmet à Heck
Allen, scénariste, avec qui il partage l’amour des westerns. Ensuite Tex Avery réalise le story-board, découpe les séquences. Puis
les animateurs vont dessiner les parties entre les deux images du story-board. Enfin, le chef décorateur dessine les décors. En
réalisant le story-board, Tex Avery va chronométrer ses scènes, la durée ayant une incidence sur le budget.
Fred Quimby est placé en dernier dans le générique. Etant donné qu’à la Warner, c’est le réalisateur qui est placé en dernier,
Fred Quimby sera longtemps considéré comme le réalisateur des cartoons à la MGM.
Tex Avery a fait passer le lion pour un fou en le faisant
trembler, fumer cigarette sur cigarette et boire. Le cartoon
utilise une mise en abyme en présentant le narrateur sous la
forme de la souris (grosse voix pour une petite souris).
L’apparition de l’île marque le début du récit. Le lion est
présenté comme la terreur de la jungle avec un même gag
répété plusieurs fois avec des variantes. C’est un comique qui
s’appuie sur une règle de trois (kangourous, crocodiles…).
Particularités :
- Grosse tête, petit corps, petite voix
- Serpents se transformant en roues de voiture
Opposition dans les cartoons de Tex Avery :
- Le grand et le petit
- La ville et la campagne
Il y a une mise à nu des personnages physiques (la jupe du lion) et de leurs sentiments. Le roi (le lion) mis à mal par la marche
de l’armée de la souris (musique). La musique mime le mouvement de la mâchoire, en utilisant la technique de mousingtechnique,
présente dans plusieurs films des années 1930. Le lion visualise son sort avant de le vivre. La souris met le panneau
« CENSURE » car les studios n’ont pas le droit de montrer des scènes de violence. Ensuite l’acte 3 du cartoon commence avec la
poursuite du lion par la souris. Le gag « Bouh ! » de la souris est présent dans différentes situations ; même procédé que lors de
la scène de présentation du lion. L’épilogue se fait sur la conclusion de la souris et le retournement de situation où le narrateur
fuit la souris.
Le cartoon est friand de jeux de mots. C’est un art marginal. Dans les cartoons, le regard des personnages a son importance
(scène sous le rocher pour le lion et la souris, regard du loup montrant son excitation…).
Danilo Zecevic souligne que Tex Avery n’a pas de réflexion politique, c’est un instinctif.
En 1941, beaucoup d’animateurs quittent Disney après une grève. Parmi eux, Michael Lah (Cellbound) et Preston Blair
(animateur de la danse du petit chaperon rouge dans Red Hot Riding Hood) rejoignent l’équipe de Tex Avery.
CELLBOUND (1956) de Tex Avery et Michael Lah
Le titre peut être traduit de différentes façons : Retour à la case départ ou Direction prison.
Il passe d’une cellule à une autre, plus petite.
La prison de Sing Song fait référence à la prison Sing Sing de Californie. Les formes ne sont plus rondes, le corps ne bouge plus
et le visage n’est plus aussi bien dessiné qu’avant, ce qui rend le cartoon brut.
Le thème musical est répétitif et passe en accéléré ou au ralenti selon la fatigue du prisonnier.
Les dates qui défilent sur le calendrier marquent le début et la fin des cartoons (1934 et 1954). 1954 est le début de la télévision,
ce qui explique sa présence dans le cartoon Cellbound.
Lorsque le prisonnier fait remarquer au directeur ses 20 ans d’emprisonnement, les personnages ne bougent pas en même
temps : quand un personnage est à l’arrêt, l’autre bouge et vice versa. Le fait qu’il soit dans la télévision montre les trucages
au cinéma.
RED HOT RIDING HOOD (1943)
Dès le générique, Tex Avery montre qu’il sait faire du Disney en dessinant la maison comme lui. Ensuite, l’apparition du
nouveau générique donne le ton à l’histoire. « Hollywood Wolf » représente le coureur de jupons américain ; si le cartoon avait
été réalisé en France, le coureur de jupons aurait été représenté par un lapin. Il y avait une autre fin qui a été censurée où la
grand-mère épousait le loup.
Pour Danilo Zecevic, la fille fait davantage penser à Rita Hayworth qu’à Marilyn Monroe.
Le son d’avion fait sûrement référence à Superman des frères Fleischer qu’ils réalisaient à la même époque.
Dominique Roy, présidente de l’association Collège au Cinéma 37, remercie Danilo Zecevic pour sa venue à Tours et pour son
analyse du programme de films Tex Avery Follies.
Quelques sites utiles :
http://www.abc-lefrance.com/fiches/TexAveryFollies.pdf
Fiche technique sur le film
http://www.lux-valence.com/image/fichefilm.phpid=321
Fiche sur le film avec des pistes de travail du CRAC (Centre de Recherche et d’Action Culturelle de Valence)
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La Planète des Singes
de Franklin J. Schaffner
Le mercredi 21 janvier 2009, l’association Collège au Cinéma 37 a invité Nadia Meflah, critique de cinéma, à parler du film La
planète des singes de Franklin J. Schaffner programmé au deuxième trimestre 2008/2009 pour les élèves de 4 ème /3 ème .
Nadia Meflah trouve que le dossier réalisé par le CNC est assez complet. La Planète des Singes est à la fois un film daté et de
genre.
La force de ce film, c’est qu’il peut faire l’objet d’une lecture rapide et d’une lecture plus complexe pour échapper aux
contingences historiques. Le scénario laisse penser que le spectateur est dans un monde connu, sur des territoires connus.
Dans le film, les singes sont répartis dans différentes classes sociales.
Pour Edith Billault, enseignante au collège St Martin de Tours, ce film fait remarquer que les gènes des hommes sont proches
de ceux des animaux.
Nadia Meflah ajoute qu’il y a aujourd’hui un débat pour l’éviction du mot « race » du vocabulaire. Edith Billault pense que
l’on pourrait parler « d’espèce humaine ».
La régression des hommes à l’état d’animaux est l’effet comique du film.
I – Un film profondément américain
Nadia Meflah ne pense pas que ce film aurait pu être européen car il y a la notion de conquête.
Au long des vingt-cinq ans qui ont suivi la fin de la seconde guerre mondiale, les réalisateurs vétérans et les nouveaux cinéastes
ont radiographié une Amérique malade, le héros américain trébuche. Dans La Planète des Singes, Charlton Heston joue un
homme blessé qui fuit la Terre car il ne peut plus porter ce discours conquérant.
La guerre du Vietnam est très présente, donnant des films, comme Little Big Man en 1970, vision cachée de la conquête de
l’Ouest.
Depuis les attentats du 11 septembre 2001, les Américains connaissent une nouvelle période de crise, de dépression, de malaise
dans la civilisation avec des réalisateurs comme Tim Burton ou Night Shyamalan. Pour Nadia Meflah, ce dernier est un futur
Alfred Hitchcock.
Avec Franklin J. Schaffner, on est dans l’éclatement du héros, son collègue va se retrouver au zoo humain.
Le drapeau américain est présent dans le film (drapeau planté par Landon, sur les combinaisons, sur le radeau) et dans
beaucoup d’autres films américains (Impitoyable et Mystic River….). Nadia Meflah pense que le drapeau dans le cinéma
américain pourrait être un travail à faire avec les élèves.
Logan, patriote américain moyen, plante ce petit drapeau et Taylor se moque de lui car il n’y croit plus. De plus, ce plan est
révolutionnaire car c’est un crime de se moquer du drapeau américain.
Beaucoup de cinéastes d’aujourd’hui critiquent assez ouvertement les Etats-Unis en les représentant comme un Guantanamo
assez ouvert. Les cinéastes américains ont le culot de filmer leurs propres horreurs. Les Américains sont très forts dans leur
capacité réflexive (Truman Show de Peter Weir).
La Planète des Singes peut être relié à notre époque où l’homme est un loup pour l’homme.
Logan représente l’homme ordinaire de Capra. La figure du héros dans le cinéma américain est le cow boy à cheval ou à
moto.
Le sujet central du film est autrui. L’Américain devient autrui, étranger. Avant, autrui dans le cinéma américain était l’Indien,
le Noir, le Juif ou le syndicaliste ouvrier mais dans La Planète des Singes, c’est l’Américain.
Après la seconde Guerre Mondiale, la figure de l’Indien n’est plus vue comme un monstre. Il y avait un cinéma fait pour les
Noirs jusqu’à la fin de la seconde Guerre Mondiale.
Pour la figure du Noir, il y a eu Sydney Poitier dans Devine qui vient dîner ce soir
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Franklin J. Schaffner respecte la Terre Promise mais le spectateur peut se demander pourquoi le personnage de la seule
femme du vaisseau meurt.
L’art a toujours un secret de l’ordre de la prémonition. En effet, deux ans après La Planète des Singes, les premiers hommes
marcheront sur la lune (1969).
Dans les colonies, les colons étaient propriétaires de la terre qu’ils cultivaient.
Blandine Stévenard, enseignante au collège Saint Grégoire de Tours, trouve que les astronautes peuvent faire penser à
Christophe Colomb car ils ne savent pas où ils se trouvent.
Nadia Meflah fait remarquer que les astronautes se fondent presque dans le paysage. Le spectateur ne sait pas où ils sont, où
ils vont et ce qu’ils vont trouver jusqu’au moment où il y a un signe d’Eden avec la cascade. Les Américains blancs sont comme
des Indiens dans ce film.
Sylvie Bordet, enseignante au lycée professionnel François Clouet de Tours, fait remarquer que les primitifs sont typés comme
des Indiens, tous bruns.
Dans le film, alors que Taylor rappelle l’objectif de leur mission, conquérir la planète, il fait cette remarque : « Dans six mois, on
règne sur cette planète » en voyant les primitifs.
Extrait du film de Terrence Malick, Le Nouveau Monde :
L’hygiène et l’odeur reviennent systématiquement dans La Planète des Singes et dans Le Nouveau Monde entre les Indiens et
les colons.
Dans Le Nouveau Monde, l’Indienne ne sera jamais avec le colon tout comme dans La Planète des Singes où Taylor ne sera
jamais avec Zira. Le métissage est un grand tabou du cinéma américain. Le premier film évoquant ce sujet est Shadows de
John Cassavetes. Contrairement à la France, les Etats-Unis reconnaissent les ethnies. Le peuple Américain est une démocratie
qui prône l’égalité.
II – Un film manifeste
Quand il se fait capturer, Taylor va avoir beaucoup de mal à démontrer qu’il est humain.
- Extrait de La Planète des Singes : 1 h 01 min et 15 sec – Scène du tribunal
Comme dans le film Douze hommes en colère de Sidney Lumet avec Henry Fonda où le jury a l’intime conviction qu’un
homme a commis le crime. Dans La Planète des Singes, les juges font semblant car c’est un pays démocratique mais les dés
sont pipés dès le départ car Taylor est considéré comme un animal n’ayant pas de droits.
Dans ce film, les singes ont une hiérarchie de classe :
• les gorilles ne parlent pas, ils sont bruts, sanguinaires, prennent plaisir à les humains humilier, ils obéissent à la loi
(obéissance religieuse). Quand les gorilles se font prendre en photo avec des prisonniers, cela peut faire penser aux
photos des soldats Américains à Guantanamo.
• Les orangs-outangs sont blonds.
• Les chimpanzés sont doués de raison, de réflexion, de doutes : ils ont les valeurs les plus humanistes.
Cette société démocratique de singes est appuyée sur une croyance. Le film parle de la théorie de l’évolution.
Au début du film, Logan plante le petit drapeau avec le rire de Taylor et à la fin du film, on voit la statue de la Liberté
détruite.
- Extrait de The Immigrant de Charlie Chaplin
Charlot arrive aux Etats-Unis, grande terre d’exil, mais à grands coups de pied.
La Planète des Singes est un catalogue de tous les crimes commis par les hommes :
- l’esclavagisme
- la torture
- les délires médicaux
- la destruction de la race humaine
- l’arme nucléaire
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III – Notions de genre
Ce film peut être un manifeste politique, de la science fiction mais aussi un western. La seule femme intelligente meurt dès le
départ ; les hommes et les femmes ne parlent pas. Le langage fait l’homme. Dans la conception des singes, les hommes sont
bêtes car ils ne parlent pas. On va naturaliser des violences faites à l’autre.
- Extrait de La Planète des Singes : 46 min et 9 sec – Scène dans le bureau de Cornélius
Cette séquence est assez comique et montre l’effet de miroir sur l’humain, trop humain.
La présidente de l’association Collège au Cinéma 37 remercie Nadia Meflah pour sa venue à Tours et pour son analyse du film
La Planète des Singes.
Filmographie :
Le Nouveau Monde de Terrence Malick (2005)
Tarzan et sa compagne de Cedric Gibbons (1934) Tarzan trouve un fils de Richard Thorpe (1939)
Hollywood et le rêve américain, cinéma et idéologie aux Etats-Unis d’Anne-Marie Bidaud
Gerry de Gus Van Sant (2003)
Bibliographie :
Le Zoo Humain de Morris Desmond.
Quelques sites utiles
http://www.abc-lefrance.com/fiches/Planetedessinges.pdf
Fiche technique sur le film
http://www.lux-valence.com/image/fichefilm.phpid=233&partie=Outils
Fiche sur le film avec des pistes de travail du CRAC (Centre de Recherche et d’Action Culturelle de Valence)
http://ww2.ac-poitiers.fr/daac/spip.phparticle155
Pistes pédagogiques réalisées par Nathalie Rulier, Agnès Milhères, Alberte Vandel, Chantal Tordjman, formatrices DAAC et
Jean-Michel Supervie, Stéphane Rauser, formateurs DAAC
http://www.philippe.heurtel.info/SingesIndex.htm
Site Internet avec des analyses sur le film
http://www.crdp.ac-lyon.fr/IMG/pdf/ficheplanetesinges.pdf
Fiche pédagogique réalisée par Hervé Le Sourd de l’académie de Lyon
http://www.ia49.ac-nantes.fr/33397015/0/fiche___pagelibre/&RH=49ped_artcine
Pistes pédagogiques réalisées dans le département de la Loire Atlantique
http://cineprism.free.fr/images/ressources_pdf/Dossier%20comp.pdf.pdf
Dossier pédagogique réalisé par Yves Maussion, Coordinateur Cinéma Audiovisuel, Action Culturelle du rectorat de Nantes
http://www.discip.ac-caen.fr/lettres/lettres-modernes/IMG/doc/Boule_comparaison_de_2_adaptations_cinematographiques.doc
Fiche pédagogique réalisée par un(e) enseignant(e) de lettre de l’académie de Caen
http://lesyeuxverts.com/archives/documents/college/college_laplanetedessinges.pdf
Ressources pédagogiques regroupant une bibliographie, des liens Internet et des pistes pédagogiques.
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Persépolis
de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud
Le mercredi 26 mars 2009, l’association Collège au Cinéma 37 a invité Jean-Christophe Perrier, directeur d’Anima Studio,
graphiste et formateur cinéma d’animation, à parler du film d’animation Persépolis de Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud
programmé au troisième trimestre 2008/2009 pour les élèves de 4 ème /3 ème .
I - L’avis des enseignants
Français : ce film est féerique et dense, émouvant et très politique, exploitable en 3 ème (récit autobiographique) mais nous
avons besoin de pistes pour les classes de 4 ème parce qu’il est pédagogiquement plus délicat.
Arts plastiques : créer une vignette de BD pour s’approprier le graphisme, très difficile parce que graphisme en apparence très
simple.
Pour beaucoup, les films d’animation sont souvent destinés au jeune public, la production infléchit donc parfois les créateurs,
Persépoli se situe un peu à la marge.
Didactisme un peu appuyé : re-parcourir l’histoire avec un peu toujours le même point de vue (retrait à l’égard des religieux) ;
certains passages sont très précis (marxisme léninisme…). Ce film ne laisse ni le documentaire ni l’aventure individuelle dominer.
Il est intéressant de voir la représentation des épisodes historiques avec la séquence des pantins. Jean-Christophe Perrier pense
que les enseignants peuvent s’attacher à la façon dont les moments historiques sont montrés.
II - Petite histoire du cinéma d’animation français
Mettre en image le scénario : story board (peut ressembler à une BD mais n’en est pas une)
On le filme (avec la durée) pour avoir une idée du montage. Ce brouillon de film : l’animatic, est commenté par Marjane
Satrapi dans les bonus du DVD, explique les raisons qui ont motivé leurs choix. Ils ont souvent fait des compromis pour des
questions de production.
Connaître un peu l’histoire de l’animation
dans le cinéma français (Persépolis aurait
été impossible il y a seulement cinq ans, pas
de producteur, pas d’équipe technique… !).
Il est intéressant en classe de comparer la
bande dessinée et le film.
Le cinéma d’animation naît avant
l’invention de la caméra :
1892 : pantomimes d’Emile Renaud
(caméra 1895). Emile Cohl : précurseur du
cinéma d’animation, ses 18 mois aux Etats
Unis sont déterminants pour lui, c’est là que
s’invente le dessin animé.
Première BD adaptée au cinéma : Little
Nemo par Windsor McCay (anime ses
propres personnages avec la caméra)
Ladislas Starewich est un russe exilé qui fait
déjà des films avec des trucages : premier
documentaire animé !
Le cinéma d’animation est tout de suite accaparé en France par les artistes comme Fernand Léger (Le ballet mécanique avec
Man Ray, mélange des prises de vue réelles avec des prises de vues image par image, du cinéma d’animation).
En France aujourd’hui, le cinéma d’animation est souvent rattaché à un sous-genre ; or, les artistes français en font de
véritables chefs d’œuvre dans les années 30 (Bertold Bartosch avec sa caméra multiplane, Alexandre Alexeieff avec son écran
d’épingles). Il continue son parcours diachronique avec la Seconde Guerre Mondiale, notamment Paul Grimaud et Jacques
Prévert (La Bergère et le Ramoneur , diffusé partout, jusqu’au Japon, sera la première influence. Le Roi et l’Oiseau est
ultérieur, une version refaite de La Bergère et le Ramoneur)
Le mystère Picasso de Henri-Georges Clouzot (1956) : caméra derrière l’artiste, on voit l’image s’élaborer à l’écran image par
image. Face au cinéma Disney qui impose les codes (les producteurs français veulent ce qui marche), quelques cinéastes
imposent leurs idées : Yellow submarine en Angleterre, Les Shadoks en 1968, les films de Jacques Colombat…
On commence à sortir du court métrage d’auteur pour développer des productions plus longues avec Jean-François Laguionie,
papiers découpés… Chronopolis en 1982, novateur, culotté, peu diffusable… Michel Ocelot avec Les Trois Inventeurs, beau court
métrage. Emergence d’un petit studio Folimage dans les années 1980–début 1990 qui travaille pour la qualité.
1998 : événement majeur : Kirikou et la sorcière de Michel Ocelot (plus d’un million d’entrées en 18 mois) a rencontré des
difficultés avec ses producteurs français au sujet de la nudité de ses personnages. Persépolis vient après ces freins, ces censures.
La Prophétie des grenouilles en 2003, long métrage de Jacques Rémy Girard. Beaucoup de très bons auteurs de courts
métrages (partie immergée de l’iceberg), la gravure animée (grâce aux technologies numériques) avec Marie Paccou par
exemple (Un jour, 1997), films en marionnettes. Le studio parisien « Je suis bien content » qui essaie de sortir depuis une
vingtaine d’année des formats imposés par la télévision française (gens de milieux underground, rocker, contestataires…). C’est
là que commence J.C. Fink, le scénariste de Persépolis, le producteur exécutif, le directeur artistique, le décorateur du film… Ce
studio est un véritable laboratoire : émulation entre artistes, mise en réseau de spécialistes compétents. Visionnement du
second court métrage de Vincent Paronnaud Raging blues : Marjane Satrapi y a trouvé un dessin qui correspondait à sa BD.
Entre autres : noir et blanc expressionniste, découpage, « fermeture à l’iris » lorsque la femme est désespérée
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III - Réalisation d’un dessin animé
• Film animation (dessin, marionnettes, 3D) : un scénario traduit sous formes d’images : le brouillon de film.
• On enregistre le son à cette étape-là (importance du rythme et de l’ambiance qui conditionnent le travail des dessinateurs,
metteurs en scène…).
• En parallèle : création (conceptualisation) du personnage : le modéliser, lui donner des caractéristiques, des formes
géométriques, simplifiées, on définit ses proportions (un enfant ne grandit pas), on pose des règles qui s’imposent aux décors,
mouvements…
• Lay-out : on dessine chaque plan de manière
précise, avec les personnages de manière définitive
(cela évite les erreurs de mise en scène !).
• Traçage et mise en couleurs (à la main il y a dix
ans ; aujourd’hui à l’ordinateur). Persépolis : les
réalisateurs ont voulu le traçage à la main
(épaisseur de traits différents…), la pâte de
l’artiste. Il ne restait plus qu’un traceur en France.
On n’a jamais eu autant besoin de peintres et de
dessinateurs que depuis qu’on travaille avec des
images de synthèse. C’est la façon de contrer le
côté trop froid de l’ordinateur (modelage,
peinture des couleurs).
• Recomposer avec des images de différentes
sources : dans le film de M. Satrapi et V.
Paronnaud, la neige est filmée, le dessin est ajouté
(recompositing).
• Animation.
IV - Différents procédés d’animation
- Le dessin : Dessiner chaque phase pour créer les mouvements des personnages. Une seconde d’animation : 24 images, cf. la
pin up de Tex Avery, reste saccadé, d’où la nécessité de doubler ou tripler le nombre d’images ! (la gloire est pour le chef
animateur, l’intervalliste a la tâche plus ingrate mais plus méritante) L’animation doit se faire oublier, grand mérite de
Persépolis
- « Le stop motion » : créer des mouvements à partir d’objets immobiles en les animant image par image.
- Images de synthèse en changeant les textures, lumières virtuelles (lumière de la nuit…), caméra virtuelles entrant dans les
objets
- Pixilation : faire bouger les acteurs, cf. le film Voisin
- Peinture animée (on trace avec les doigts sous la caméra, on change l’image d’une image à l’autre, éphémère, vrai contact
avec l’image). Pétrov pour Le vieil homme et la mer, couleur à la Rembrandt, à la Turner…
- L’écran d’épingles
- La gravure sur pellicule (s’affranchir de la caméra !!)
- Le papier découpé
- Le rotoscope : filmer des acteurs, techniques pour redessiner ce qu’on a vu avec des mouvements du coup très réalistes
V - Pistes pour travailler le film
Adaptation de BD en film d’animation.
Il a été plus facile de trouver des producteurs car le projet était déjà dessiné et il y avait donc des arguments très tenaces.
Problèmes techniques : personnages en deux dimensions, faits pour être lus selon l’ordre des cases et s’agit de les mettre en
mouvement (phases, cela oblige à recréer les personnages, les transformer comme les avant-bras de Popeye)
Difficulté : que garder, que retirer Les auteurs sont parfois incompétents à cet égard, ce qui entraîne des échecs (« Astérix le
Gaulois » par Goscinny Uderzo)
Séries télé : très décevantes (Marsupilami, Titeuf, Cité d’or…) adaptées de la BD avec l’aval de l’auteur. Les dessins animés sont
considérés comme des produits dérivés et les producteurs sacrifient l’aspect artistique, formatés à 24mn ; les personnages sont
de plus en plus aseptisés, le son est criard, multiplication des rediffusions (Titeuf, chaque épisode est diffusé 13 fois par an sur
France 3) La queue de Marsupilami est un motif graphique pour la narration : motif de son mouvement pour passer d’une
case à l’autre -> sacrifié dans le dessin animé. Les grosses productions comme Corto Maltese (2002) ont subi des pertes
considérables de ce qu’était l’œuvre d’Hugo Pratt. Les adaptations les plus réussies sont les films avec acteurs (on accepte alors
vraiment les changements).
Plus de réussite pour le Japon et les Etats-Unis (pour films ou pour dessins animés). Pourquoi pas de cible définie (BD pour les
enfants). Au Japon, les personnages de dessins animés sont brandis dans les manifestations et aux Etats-Unis, on arbore des
cartoons sur ses T-Shirts. (France : BD pour adultes violentes ou pornographiques). Là, on accepte les transformations, on les
exploite vraiment (Astro le petit robot). Le grand adaptateur est le réalisateur japonais, Takahata Isao.
La première série animée (avant la TV) est Superman par les frères Fleischer en 1941, décors à la main qui tournent sur une
plateforme, dessins superposés… Fritz the cat en 1973 par Ralph Bakshi.
VI - Persépolis (16h30)
Extrait du making off (bonus). Marjane Satrapi va tout mimer (objets, animaux et personnages) et les animateurs traduisent
cela sous forme de mouvements (le clignement d’œil du chien, la démarche de Marjane). Le plan validé peut alors être
colorisé. Chaque dessin est retracé par une personne : traits de contour, traits d’expression… (un an et demi de travail).
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Piste intéressante : notion d’adaptation de la BD à l’écran. Attention : si on ne donne qu’une copie d’une planche aux élèves,
on manque le « tout » : les 4 volumes sont réutilisés intégralement dans le film. On catalogue Marjane Satrapi dans la BD pour
filles. Son influence lui vient du cinéma expressionniste, cinéma néo-réaliste (façon de montrer le quotidien) et les BD de David
B. (notamment la BD autobiographique en noir et blanc « L’Ascension du Haut Mal »). Penser aussi à « Maus » de Art
Spiegelman (véritable « roman graphique », autobiographique, raconter l’histoire de son père qui a survécu au camp de
concentration, les chats en nazis, les personnages sont des souris).
Les scènes de violence sont rares et brutales et d’autant plus brutales que rares, ce qu’on retrouve aussi dans Persépolis.
Marjane Satrapi voit l’Iran à travers un filtre (famille libertaire) : c’est son point de vue.
Autre piste : l’art expressionniste (cf. Murnau, Fritz Lang), Persépolis est bourré de références :
- graphique cf. le cri de
Munch quand Marjane
trouve une main sous les
décombres
- la mise en scène fait écho à
des films précis (ouverture et
fermeture à l’iris, plan balayé
par un autre, des fondus au
noir (un fondu au blanc dans
le film)
- s’attarder sur le quotidien,
montrer les sentiments banals,
en dire beaucoup sur les
changements de la société (la
femme du cardiaque face à
son ancien laveur de
carreaux). Il est plus difficile
de montrer des personnages
autour d’une table
(mouvements de caméra…)
que de montrer une scène de
combat.
- mise en forme : les grandes ombres des femmes voilées fondant sur Marjane habillée en punk. C’est pour cette raison aussi
que Marjane Satrapi a préféré le dessin au film. (prochaine adaptation : Poulet aux prunes avec des acteurs cette fois)
VII – Analyse de séquence : scène où elle veut torturer l’un de ses copains
Ouverture à l’iris et ensuite champ/contrechamp avec différents points de vue (les enfants, Marjane et sa mère). La deuxième
scène se termine en iris sur son visage comme dans la bande dessinée. Les extraits racontant les Histoires sont stylisés et les
personnages sont des marionnettes car ces opinions peuvent être données dans cette histoire.
Marjane Satrapi ne voulait pas avoir raison mais faire un beau film.
Quelques sites utiles :
http://www.abc-lefrance.com/fiches/Persepolis.pdf
Fiche technique sur le film
http://www.lux-valence.com/image/index.phppage=film&id=319
Fiche sur le film avec des pistes de travail du CRAC (Centre de Recherche et d’Action Culturelle de Valence)
http://ww2.ac-poitiers.fr/daac/spip.phparticle537&debut_autres_a=10
Pistes pédagogiques réalisées par Nathalie Rulier, formatrice DAAC à l’académie de Poitiers
http://www.diaphana.fr/films/persepolis/presse/persepolis.pdf
Dossier pédagogique conçu par l’A.P.H.G. (Association des Professeurs d’Histoire et Géographie)
http://www.kultur-frankreich.de/cinefete/9/data/dossier/persepolis.pdf
http://www.lesyeuxverts.com/scolaire/college09detailcorreze.php
Pistes pédagogiques réalisées dans le département de la Corrèze
http://www.bdselection.com/php/rub=page_dos&id_dossier=51
Interview de Marjane Satrapi
http://www.e-media.ch/dyn/bin/1108-4890-1-persepolis.pdf
Fiche pédagogique sur le film
http://www.grignoux.be/dossiers/233/
Extrait du dossier pédagogique des Grignoux
http://www.goethe.de/mmo/priv/4062244-STANDARD.pdf
Pistes pédagogiques par l’institut Goethe sur le film en allemand
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Concours « Bons becs de Rimouski » 2008
Dans le cadre d’un partenariat privilégié depuis trois ans avec le Festival International du Film Jeunesse de Rimouski (Québec),
l’association Collège au Cinéma 37 a organisé au printemps 2008 un concours réservé aux élèves de quatrième participant à
l’opération Collège au cinéma. Ce concours avait pour but de sélectionner un jeune collégien cinéphile pour représenter la
France dans le jury international du festival (28 septembre - 5 octobre 2008).
C’est Pierre Thionois, élève du collège Henri Bergson de Saint-Cyr-sur-Loire, qui a été sélectionné : d’abord grâce à la critique
du film Le Tombeau des Lucioles de Takahata Isao vu dans le cadre de Collège au cinéma ; puis après une prestation orale
devant un jury composé de Gilles Blanchard, représentant de l’Inspection académique d’Indre-et-Loire, de Dominique Lecerf,
représentante du Conseil Général d’Indre-et-Loire et Dominique Roy, présidente de l’association Collège au Cinéma 37.
Son professeur de français, Nicolas Carli-Basset, qui avait présenté Pierre au concours, et qui devait l’accompagner pour ce
voyage comme « chaperon », s’est vu proposer de faire partie du jury CIFEJ (Centre International du Film pour l’Enfance et la
Jeunesse) en raison de son activité militante et passionnée autour du dispositif Collège au cinéma. Ce sont donc deux saintcyriens
qui sont allés représenter la France à Rimouski !
Pierre Thionois a donc participé au festival comme vingt et un autres jeunes jurés venus du monde entier. Des journées
chargées (projections, délibérations) lui ont permis non seulement de vivre dans l’effervescence d’un festival de cinéma mais
aussi de partager ses émotions et ses opinions avec des jeunes de son âge, avec qui il gardera des contacts. Les discussions entre
adolescents, toujours animées, ont été l’occasion de confronter les points de vue dans un domaine qui passionne ces jeunes et
d’apprendre le respect de la parole des autres. Car ce ne sont pas moins de sept prix que le jury « jeune » a attribués. Comme
ses pairs, Pierre Thionois a été hébergé chez des bénévoles du Carrousel du film de Rimouski chez qui l’accueil généreux et
chaleureux lui a permis de connaître un peu la vie québécoise.
Avec les deux autres membres du jury CIFEJ et avec nombre de festivaliers, Nicolas Carli-Basset a vécu une première
expérience dans un festival très enrichissante tant sur le plan humain que culturel. Des liens se sont tissés avec les organisateurs
des festivals analogues qui existent en Europe et sur d’autres continents.
Au moment du retour, alors que la vie quotidienne reprenait ses droits, ils ont tous deux pu mesurer la chance qui leurs avait
été accordée. Ce voyage a été financé par le Conseil Général d’Indre-et-Loire et la commune de Saint-Cyr-sur-Loire.
Lien
http://www.carrousel.qc.ca/
En septembre 2009, Amandine Bourse du collège de Montrésor, lauréate du concours « Bons Becs de Rimouski » 2009 partira
avec son professeur de lettres, Stéphanie Borderon, au Québec du 27 septembre au 4 octobre 2009 et elle nous racontera ses
aventures cinématographiques à son retour dans le CinéZoom n°14 ! En attendant, vous trouverez dans le CinéZoom élèves
n°13 (juin 2009) un article du lauréat 2008, Pierre Thionois, élève de 3 ème au collège Bergson de Saint-Cyr-sur-Loire, qui a
également tourné un petit film sur son voyage au Québec (disponible à l’association).
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A N N É E S C O L A I R E 2 0 0 9 / 2 0 1 0
P R O G R A M M A T I O N D É F I N I T I V E
1 er trimestre
2 ème trimestre
3 ème trimestre
Niveau 6 ème /5 ème
Mon Oncle
de Jacques Tati (1958)
Joue-la comme Beckham
de Gurinder Chadha (2002)
Le Garçon qui ne voulait plus parler
de Ben Sombogaart (1995)
APPEL À ADHÉSION
Niveau 4 ème /3 ème
O Brother
De Joel et Ethan Coen (2000)
El Bola
D’Archera Manas (2001)
Ridicule
de Patrice Leconte (1996)
Enseignants, manifestez votre soutien et prenez part aux décisions prises par
l’association en adhérant à titre personnel :
8 € par année scolaire !
C O L L È G E A U C I N É M A F Ê T E S E S 2 0 A N S
Depuis 20 ans, des millions de collégiens ont pu découvrir le cinéma grâce au dispositif Collège au cinéma initié par les
Ministères de la Culture et de l’Education Nationale en 1989 avec la Fédération Nationale des Cinémas Français. En Indre-et-
Loire, cette opération financée par le Conseil Général et les collèges est gérée par une association d’enseignants, Collège au
Cinéma 37. Chaque année, les collégiens de l’agglomération tourangelle découvrent ainsi les salles obscures des cinémas
« Studio » que beaucoup continuent à fréquenter par la suite.
Pour célébrer cet anniversaire, l’association Collège au Cinéma 37 a proposé en partenariat avec les cinémas « Studio » le
samedi 20 juin 2009 à Tours une journée d’événements cinématographiques qui s’est terminée par une rencontre
exceptionnelle avec le réalisateur tourangeau Patrice Leconte.
14 h - Concert conférence par Le Moine Chanteur à l’orgue de barbarie : chansons de films français des années trente. Dans
la cour du cellier St Julien attenante au musée du compagnonnage (accès par le parvis de l’église St Julien).
16 h 30 : Anna and the moods de Gunnar Karlsson (Animation – Islande – 2007 – 26 min – VOST).
Avec la voix de Björk
Alors que toute la famille attend Anna, la petite fille modèle, pour le petit déjeuner, la famille a la désagréable surprise
d’avoir devant eux une Anna version Marilyn Manson. Ne comprenant pas ce qu’il a bien pu se passer, ses parents décident de
l’envoyer dans la clinique du Dr Artmann, spécialisée dans les cas les plus extrêmes…
17 h 30 : Stella de Sylvie Verheyde (France – 2007 – 1 h 43 min)
1977. Stella entre en sixième, dans un grand lycée parisien. Stella entre dans le monde... Un nouveau monde, à l'opposé de celui
qu'elle connaît. Presque un miracle. Elle, elle vit dans un café, un café d'ouvrier, à la frontière de Paris. Cette rentrée va
changer sa vie.
20 h 45 : Ridicule de Patrice Leconte (France – 1996 – 1 h 42 min)
Grégoire Ponceludon de Malavoy, révolté par les ravages de la malaria dans la Dombes, s’est mis en tête de convaincre le roi
qu’il convient d’assécher les marais de la région. Mais, pour s’imposer à la cour, il faut d’abord avoir de l’esprit. Il se trouve qu’il
en a, ce qui lui vaudra l’appui d’une dame influente. Hélas, les jeux de l’amour sont plus compliqués que ceux de l’esprit et
tout aussi cruels.
Rencontre avec le réalisateur Patrice Leconte
Nous publierons à la rentrée 2009 un numéro spécial consacré à la vingtième édition de Collège au cinéma.
Des projections du film Stella de Sylvie Verheyde seront proposées gratuitement au public dans les différents lieux de
projections du département d’Indre et Loire avec les salles de cinéma partenaires et l’association Ciné-Off (les dates seront
communiquées sur le site Internet de l’association Collège au Cinéma 37).
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C O L L È G E A U C I N É M A F Ê T E S E S 2 0 A N S ( S U I T E )
Durant l’année scolaire 2008/2009, l’association Collège au Cinéma 37 a organisé des manifestations dans le cadre des 20
ans de Collège au cinéma.
En novembre 2008 : Ciné-débat sur le film Abouna (Tchad, 2003, 1 h 21) de Mahamat-Saleh Haroun dans le cadre du
festival Plumes d’Afrique 2008 avec la scénariste Marie Diagne-Rullier au cinéma Le Générique de Montbazon.
En mars 2009 : Séance scolaire gratuite pour 369 collégiens du film d’animation japonaise Amer Béton de Michael Arias
dans le cadre du X ème Festival du Cinéma Asiatique de Tours.
Rencontre avec Mahamat-Saleh Haroun, le réalisateur d’Abouna, pour les enseignants de collège.
En mai 2009 : Participation au 62 ème Festival de Cannes avec le CNC à la séance spéciale « Les 20 ans de Collège au
cinéma » en tant qu’association représentant tous les enseignants de collège en France.
L E S N O U V E A U T É S D E L ’ A S S O C I A T I O N
UN NOUVEAU VISUEL
A l’occasion du 20 ème anniversaire de Collège au cinéma,
l’association Collège au Cinéma 37 fait peau neuve avec ce
nouveau visuel réalisé par le Studio Reflect qui apparaîtra
désormais sur tous les documents de Collège au Cinéma 37.
UN NOUVEAU SITE INTERNET : www.collegeaucinema37.com
Lancé en 2000, le site Internet de l’association permet aux enseignants de retrouver toute l’actualité de l’association ainsi que
les nombreuses pistes pédagogiques sur les films programmés dans le dispositif depuis 20 ans. Ce site est devenu petit à petit un
site de référence auprès des autres départements, les enseignants recherchant des outils pour travailler sur les films.
Cependant, ce site personnel n’était pas hébergé et n’avait donc pas de référencement. De plus, les visiteurs rencontraient des
difficultés à naviguer sur le site (par exemple, impossibilité de naviguer à l’aide du menu). Il avait besoin d’une rénovation afin
de connaître un meilleur référencement dans les recherches effectuées par les internautes. C’est pourquoi l’association Collège
au Cinéma 37 a fait appel à Studio Reflect pour faire une refonte totale. Vous pouvez déjà vous rendre sur le site mais il est
encore en construction à ce jour.
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