complimenti a.... - Siae

complimenti a.... 

di Vivaverdi 

VIVAVERDI 

1 

GIUSY FERRERI 

Si è aggiudicata il XVII premio “Tributo ad Augusto”, un riconoscimento 

che vuole ricordare l’indimenticabile leader 

dei Nomadi, scomparso nel 1992 e segnalare il personaggio 

musicale, rivelazione dell’anno passato. Domenica 

15 febbraio, a Novellara, città natale dell’artista, la 

Ferreri è stata premiata con una targa e con una somma 

in denaro che è stata devoluta all’Acesm (amici centro 

sclerosi multipla), nell’ambito dell’annuale Nomadincontro, 

davanti a migliaia di persone. 

ROBERTO CICUTTO 

E’ il nuovo presidente del Consiglio di amministrazione di 

Cinecittà Holding, e Luciano Sovena è l’ amministratore 

delegato, nominati dal ministro per i beni e le attività culturali, 

Sandro Bondi. Termina così la gestione commissariale 

del gruppo pubblico. Cicutto, fondatore della Mikado, 

è un produttore indipendente che ha finanziato, tra gli altri, 

gli ultimi film di Ermanno Olmi, Hotel Rwuanda di Terry 

George e Miracolo a Sant’Anna di Spike Lee. 

Foto G. Ziliotto 

VAIME SCARPELLI E BIANCO 

E’ stato assegnato ad Enrico Vaime, Furio Scarpelli e 

Maria Grazia Bianco il Premio Siae Lumsa Cinema, 

consegnato nell’inaugurazione ufficiale della sesta edizione 

de “La settima arte-lezioni d’autore”, svoltasi 

nell’aula magna della università romana. Il Premio Siae 

Lumsa per il Cinema è stato attribuito ad Enrico Vaime, 

autore di grandi successi scritti per la radio, il 

teatro, la televisione e, recentemente per il musical. 

Per Furio Scarpelli, la motivazione del riconoscimento 

evidenzia che “ha colto le trasformazioni del costume 

e del linguaggio della società italiana dal dopoguerra 

ai giorni nostri”. 

A Maria Grazia Bianco, profonda studiosa del rapporto 

tra cultura classica e messaggio cristiano, il premio 

è stato attribuito per aver analizzato con particolare 

intensità le tematiche relative alla comunicazione 

interculturale. 

FILIPPO SUGAR 

E’ il nuovo presidente della FEM, la Federazione degli 

editori musicali, della quale fanno parte oltre 60 società 

di editori musicali. Filippo Sugar, 37 anni, è presidente 

della Sugar Music Spa, il gruppo milanese fondato dal 

nonno Ladislao Sugar nell’immediato dopoguerra e 

tuttora interamente posseduto dalla famiglia, attivo a 

livello mondiale nel campo della editoria musicale 

classica e pop, della produzione discografica e videocinematografica. 

Succede a Paolo Corsi. Nel corso di 

un’assemblea, tenuta a Milano, sono stati anche nominati 

come vicepresidenti Claudio Buja, Managing Director 

della Universal Music Publishing Ricordi, e Roberto 

Razzini, Managing Director Warner Chappell Music 

Italiana S.r.l. 

ROBERTO FABBRI 

Il chitarrista romano, diretto da Ennio Morricone e accompagnato 

dalla Roma Sinfonietta, è stato protagonista 

il 14 febbraio del concerto di chiusura del “Guitar 

Art Festival” di Belgrado davanti a 20.000 spettatori, 

nella Belgrade Arena. Ha eseguito la Suite per 

chitarra e orchestra, proposta in prima assoluta, comprendente 

le più famose musiche da film di Morricone, ed 

è stata appositamente realizzata dal Maestro e Premio 

Oscar italiano per l’esibizione nella capitale serba. 

Foto Francesca Ricci

complimenti a.... 

di Vivaverdi 

PAOLO NAPOLITANO 

Ha esposto questo suo lavoro, Musica rubata, con 

una chitarra strangolata e una mano che ruba e manovra 

la musica, in una mostra collettiva al Museo degli 

Strumenti Musicali di Roma. Nel corso degli anni 

l’artista partenopeo ha alternato al suo lavoro di grafico 

pubblicitario la passione per la pittura esponendo in 

numerose personali, in diverse città italiane. 

ALESSANDRO BISAIL 

E’ stato eletto Presidente della Federazione della Musica, 

che raggruppa numerose associazioni del settore, dai 

teatri di tradizione ai festival, dalla lirica alle bande, 

per rispondere all’attuale grave emergenza dello spettacolo 

dal vivo. Il suo compito sarà mettere a punto 

una strategia per valorizzare un sistema musica in cui 

tutte le componenti, dalla formazione alla produzione, 

dalla distribuzione alla promozione, siano adeguatamente 

rappresentate, mirando a un ammodernamento 

della legge sulla musica datata 1967. 

VITTORIO VEDOVATO 

Ha ottenuto lusinghieri riconoscimenti per il poema 

sinfonico “Il saggio pazzo”, presentato al Teatro Salieri 

di Legnago, con l’Orchestra Filarmonica di Verona, 

diretta dal maestro Giorgio Croci. L’opera, divisa in 

cinque parti, senza soluzione di continuità, tratta dell’alienazione 

della civiltà moderna. Pianista di tecnica 

raffinata, il veneto Vedovato si è ispirato all’omonima 

commedia dello scrittore Orlando Puoti. 

LEOPOLDO LOMBARDI 

E’ stato eletto presidente dell’AFI, l’associazione fonografici 

italiani. Titolare di uno fra i più noti studi legali italiani, 

specializzato in materia di diritto d’autore, in particolare 

riguardo alla musica, Lombardi annovera fra i suoi 

clienti le più importanti case discografiche, società di 

edizioni musicali, artisti italiani ed internazionali. 

SUSO CECCHI D’AMICO 

L’associazione americana degli sceneggiatori, la Writer’s 

Guild of American West, le ha assegnato il premio Jean 

Renoir. Il riconoscimento verrà consegnato alla sceneggiatrice 

nel mese di marzo a Roma. Suso Cecchi 

d’Amico ha collaborato, nel corso della sua carriera, con 

registi come Vittorio De Sica, Michelangelo Antonioni, 

Francesco Rosi, Mario Monicelli e Luchino Visconti.

VIVAinedita 

VIVAVERDI 

3 

IL SERPENTE DELLE 

SACRE SCRITTURE 

di Valentino Zeichen 

Rèo per concorso di colpa 

Nel “peccato originale”, 

il Signore lo scacciò 

dal libro delle scritture 

ma lui vi rientrò strisciando 

da inchiostro penitente. 

Va a capo con l’enjambement 

come e quando vuole 

data la flessuosa mole. 

Si snoda lungo le righe 

o si contrae, e le frasi elide; 

altera il senso delle parole 

per confondere il lettore. 

Quando il Signore si assenta 

lui configura la ruota, si crede 

il tempo dell’eterno ritorno: girotondo; 

da tempo “lineare” va in testa-coda 

e non fa più discernere 

l’inizio dalla fine dei tempi. 

Il serpente delle scritture 

si conforma al labirinto 

fra le cupe siepi del bosco 

e il famelico giardino 

inghiotte un cherubino. 

Foto Dino Ignani 

In poche righe... 

Valentino Zeichen è nato a Fiume e vive a Roma. Iscritto 

alla Siae dal 1983, poeta e scrittore, ha pubblicato: 

Area di Rigore, Coop. Scrittori, 1974; Ricreazione, 

Società di Poesia - Guanda, 1979; Pagine di Gloria, 

Guanda, 1983; Tana per Tutti, romanzo, Lucarini, 

1983; Museo Interiore, Guanda, 1987; Poésies 

d’abbordage, Les Cahiers de Royaumont, Luzarches, 

1989; Gibilterra, Mondadori, 1991; Metafisica tascabile, 

Mondadori, 1997; Ogni cosa a ogni cosa ha detto 

addio, Fazi, 2000. Matrigna - romanzo, Il Notes 

Magico, 2002; Passeggiate romane, Fazi, 2004 ; 

Poesie. 1963-2003 - Mondadori, 2004 ; Neomarziale 

- Mondadori, 2006. 

E’ presente nell’antologia di poesia internazionale, in 

lingua tedesca, curata da Hans Magnus Enzensberger, 

Luftfracht, Internazionale Poesie 1940 bis 1990, 

Eichborn Verlag, 1991.

viale della letteratura 30 

Nella pagina accanto, da sinistra il 

Direttore Generale della Siae 

Domenico Caridi e il Presidente 

Giorgio Assumma. 

(Foto Giuseppe Ziliotto) 

SIAE 

PIU’ PROVENTI E MINORI COSTI 

PER GLI ASSOCIATI 

di Sapo Matteucci 

PIÙ PROVENTI AGLI ASSOCIATI 

Pur essendo in tempo di crisi economica 

ormai assodata, crisi che si riflette anche 

sui consumi di cultura e spettacolo, la Siae 

è riuscita, nel 2008, ad incrementare gli incassi 

per diritto d’autore e a ripartire più 

somme agli associati. Un aumento del 7,6% 

rispetto al 2007, risultato in gran parte dallo 

sblocco di rilevanti incassi arretrati, nell’ 

ambito del settore emittenza. Si tratta d’un 

risultato di non poco conto, frutto del serrato 

confronto che la Società conduce in maniera 

sempre più incisiva con chi utilizza i 

repertori tutelati, per garantire una doverosa 

remunerazione ai propri aderenti. Se 

si somma questo esito alla diminuzione delle 

provvigioni, cioè di quanto gli Associati 

pagano i servizi della Siae, si può affermare 

che la Società, nel 2008 è andata oltre le 

più rosee previsioni, distribuendo maggiori 

proventi agli Associati. 

Aumentati gli introiti per diritto d’autore e le spettanze agli Associati. Diminuiti i costi dei 

servizi, ridotti quelli di gestione. Anticipate le ripartizioni. Sul fronte dei contratti, gli utilizzatori 

giocano al ribasso. La Siae anticipa gli effetti della crisi, razionalizzando la gestione e puntando 

sulla produttività. Nuovi sistemi di riconoscimento delle opere, alleanze europee, un accordo 

d’avanguardia con la Nokia e un attestato di qualità per i nostri sistemi informatici. 

CONTENIMENTO E RIDUZIONE DEI COSTI 

Si è riusciti, allo stesso tempo, a contenere 

e ridurre i costi di gestione, nonostante il 

rinnovo della parte economica del contratto 

col personale della Siae per il biennio 

2008/2009. Una serie d’iniziative, come il 

blocco delle assunzioni, la risoluzione di numerosi 

rapporti di lavoro (con dirigenti e 

dipendenti) e la diminuzione di costi variabili, 

ha consentito di contrastare l’aumento 

fisiologico degli automatismi salariali. In 

questo quadro di razionalizzazione e diminuzione 

dei costi, vanno inserite anche le 

iniziative che hanno riguardato la rete territoriale, 

grazie alla quale la Siae monitorizza 

su tutto il territorio, le attività di spettacolo. 

Queste iniziative sono state sostanzialmente 

due: stabilizzazione dei costi dei mandatari 

e sostanziosa diminuzione della voce 

“accertamenti esterni”, che ha azzerato 

rilevanti obblighi economici e gestionali a 

carico della Società, pur mantenendo alto il 

livello di efficienza delle verifiche di utilizzazioni 

delle opere . 

LA SFIDA MERITOCRATICA 

Non è, comunque, solo la crisi economica 

a dettare l’agenda d’un necessario rinnovamento. 

Ma sono più fattori: la mutazione 

della fruizione delle opere (sempre 

più in direzione di multiformi frammentazioni 

tecnologiche) il forte concorso 

d’interessi contrapposti tra detentori di 

tecnologie e creatori di contenuti, l’ impulso 

europeo che tende a creare concorrenza 

tra le varie Società d’autori , impongono 

adeguamenti e nuovi strumenti nella 

gestione della Società. In questa prospettiva 

sono state gettate anche le basi di parametri 

meritocratici, senza i quali la sfida 

col futuro e con l’immediato presente, non 

sarebbe vinta. Significativi in questo senso, 

i corsi di formazione, indirizzati a valutare 

le performance lavorative del personale 

e innescare un processo interno 

orientato ad una sempre maggiore produttività 

che, in ultima analisi, porta al 

miglioramento dei servizi per gli Associati. 

DUE RIPARTIZIONI STRAORDINARIE DI DI- 

RITTI. QUELLE ORDINARIE, ANTICIPATE 

Oltre a quelle correnti, sono state effettuate 

due ripartizioni straordinarie di quote di 

diritti agli Associati da parte della Sezioni 

Dor (opere drammatiche e radiotelevisive) 

e Musica. Si tratta di cifre considerevoli: 15 

milioni di Euro per l’utilizzo nei pubblici 

esercizi di opere amministrate dalla Dor e 

5 milioni di Euro a favore degli Associati della 

Sezione Musica. Inoltre sono state anticipate 

di 15 giorni le corresponsioni dei diritti 

della Sezione Musica. Quest’ obbiettivo, 

è stato ottenuto, grazie all’ anticipazione di 

tutte le complesse operazioni di ripartizione, 

alla riduzione considerevole dei brani “non 

identificabili” e alla gestione ottica della documentazione 

di deposito. E’ importante sottolineare, 

come l’ intero servizio sia migliorato, 

dando la disponibilità immediata del 

deposito agli Associati, che hanno potuto accedere, 

per via telematica, tramite il Portale 

sul sito della Società, ai propri dati.

VIVAVERDI 

5 

APPROVATE LE MODIFICHE ALLO 

STATUTO DELLA SIAE 

Vi avevamo dato notizia che si restava in attesa 

dell’ approvazione, da parte del Ministero 

per i Beni e le Attività culturali, delle modifiche 

allo Statuto della Siae, già decise dall’ 

Assemblea della Società. Queste modifiche 

sono state ora approvate con Decreto del 

Presidente del Consiglio (visibile sul nostro 

sito web www.siae.it) e s’indirizzano tutte nel 

senso d’una maggiore autonomia e snellezza 

operativa della Società. Un elemento, fra 

tutti, la piena esistenza del presupposto giuridico 

per realizzare la cosiddetta “esternalizzazione” 

del Fondo di solidarietà, che produrrà 

notevoli benefici economici. 

CONTRATTI: UN FRONTE APERTO 

Va da sé che in epoca di crisi, il fronte dei 

contratti sia particolarmente caldo. Anzi rovente. 

Tutti gli interlocutori ( leggi gli utilizzatori 

del repertorio) giocano al ribasso. 

A cominciare dall’ Agis che ha già dichiarato 

di voler limare, se non escludere, voci 

d’incasso su cui calcolare l’importo dei diritti, 

fino ad oggi ritenute fondamentali, come 

le sponsorizzazioni o i contributi. Per 

cui, ad esempio, a fronte d’uno spettacolo a 

ingresso libero ma con incasso da sponsorizzazione, 

si pretenderebbe che i diritti si 

riducessero drasticamente o sparissero addirittura 

quando si tratta di contributi. Il 

denaro, insomma, assumerebbe in quest’ 

ottica, valenze diverse e per gli autori e gli 

editori si avvicinerebbe alla valenza zero. La 

discussione fra Agis e Siae prosegue civilmente 

e altrettanto fermamente da parte 

della Siae. Sono stati conguagliati, come già 

forse saprete, i contratti musica con Rai, 

Sky, Mtv, Elemedia, Rete A, Dj Tv, Music on 

Sky. Con la Rai è stato firmato il nuovo contratto 

che regola i compensi per musica, 

equo compenso cinema e le altre sezioni. 

Rinnovato anche l’accordo con Mtv, mentre 

sono in corso le trattative per il rinnovo con 

Mediaset , Fastwebnet e Sky. 

NUOVI SISTEMI DI RICONOSCIMENTO 

DELLE OPERE TRASMESSE 

Un impegno particolare è stato dedicato a 

nuove tecnologie di riconoscimento delle 

opere utilizzate. Il primo di questi è il sistema 

Monitor che registra i canali televisivi, 

quelli radiofonici e riconosce i contenuti digitali. 

Il sistema registra i segnali per 24 ore 

continuativamente, permette di richiamare 

sequenze radio - tv dal registrato e di riconoscerle 

con un fingerprint. Si sta realizzando, 

inoltre, il sistema Radiotracking in 

grado di registrare continuativamente 60 

radio, che trasmettono attraverso varie fonti 

(fm, web, satellite). L’obiettivo è quello 

di ottenere così l’esatta e completa rendicontazione 

dei contenuti trasmessi, con un 

effetto positivo anche sul piano statistico per 

ottenere le classifiche dei brani più trasmessi. 

Il Bsm permette di fare dei riconoscimenti 

su registrazioni effettuate nelle discoteche 

e nei locali notturni. E’ in fase di 

realizzazione un altro sistema molto importante: 

la Digital Library, capace di raccogliere 

tutti i contenuti digitali con le loro impronte 

informatiche e con tutti i dati relativi 

a ogni opera amministrata. 

NUOVE TECNOLOGIE:L’ACCORDO CON 

NOKIA 

Si tratta d’un accordo all’ avanguardia: quando 

la Nokia lancerà, entro il 2009, il servizio 

‘Nokia comes with music’, vi sarà un corrispettivo 

versato alla Siae per ogni brano 

del repertorio italiano utilizzato in tutti i 

Paesi europei. Ogni brano potrà essere scaricato 

e il fruitore ne resterà proprietario fino 

alla scadenza dell’ abbonamento. Nokia 

fornirà alla Siae rendiconti periodici. 

SUL FRONTE EUROPEO 

“Armonia” si chiama l’alleanza strategica fra 

Siae, Sacem e Sgae (rispettivamente le 

Società d’ autori francese e spagnola) che ha 

fra i suoi primi compiti quello di gestire su 

base paneuropea le licenze di utilizzo on line 

per i repertori delle tre Società, arrivando 

a coprire 31 territori. Con la Sacem, è in 

fase di definizione il Portale Armonia-il cui 

sviluppo è affidato a Siae-sportello unico 

per gli utilizzatori delle opere per poter consultare 

il repertorio tutelato da italiani, francesi 

e spagnoli. 

UN ATTESTATO DI QUALITÀ 

Gartner e Cineca, due Società specializzate 

nella certificazione di qualità degli assetti 

informatici, hanno eseguito una serie di studi 

sui progetti e sui risultati del Servizio sistemi 

informativi della Siae. Gartner, che 

ha svolto un’indagine di tipo economico, ha 

affermato che la Siae, a parità di risultati 

impegna per i suoi servizi informativi, risorse 

umane ed economiche inferiori di circa 

il 15% rispetto a quelle d’una struttura a 

lei assimilabile, tarata sulle medesime tipologie, 

fatturato, modello organizzativo, 

numero dipendenti. L’analisi del Cineca, 

focalizzata sugli utenti dei servizi informativi, 

sia interni, sia esterni (associati e utilizzatori) 

ha evidenziato un buon indice di 

efficienza e gradimento, con un giudizio altamente 

positivo sui servizi e sui progetti 

informatici della Siae. Un’ulteriore conferma 

di questo giudizio è recentemente venuta 

dal contesto internazionale (Cbs e Fast 

Track) che ha indicato la Siae come la Società 

che, per qualità e quantità dei dati, presenta 

la migliore banca dati opere musicali tra 

tutte le Società d’autori mondiali.

VIVAsommario 

8 

16 

30 

42 

S E R V I Z I 

VIALE DELLA LETTERATURA 30 Editoriale 4 

MUSICA Lucio Battisti, un innovatore assoluto 8 

ARTE Il futurismo, cento anni dopo 16 

TELEVISIONE X Factor, la corrida televisiva d’oggi 24 

CINEMA Povera Italia alla Berlinale 28 

TEATRO Paolo Poli, uno sberleffo al perbenismo 30 

MUSICA Angelo Branduardi, una Lauda di successo 36 

LETTERATURA Mario Desiati, scrivendo di un’altra Italia 38 

MUSICA Luca Lombardi, il Re Nudo al teatro dell’Opera 42 

DISCHI Carboni e Sinigallia, ribelli anni ‘70 47 

TEATRO Paola Cortellesi, mille volti d’attrice 48 

EDITORIA Toni Verona, in volo sull’Ala Bianca 52 

LIBRI Sordi, il mondo di Albertone 55 

TELEVISIONE Susanna Bolchi, fare bene il serial tv 56 

LIBRI Il Paese disilluso di Bruno Vespa 59 

MUSICA Midem 2009, un’edizione di passaggio 60 

MUSICA Nino Ferrer, un inguaribile guascone 64 

MUSICA Vincenzo Incenzo, autore poliedrico 66 

Lucio Battisti ha venduto oltre 25 milioni di dischi ma soprattutto ha 

reso popolarissime le sue canzoni, passate da una generazione all’altra 

e ancora molto amate da un pubblico numeroso. Il suo primo album 

è Lucio Battisti del 1969, un anno cruciale per la sua affermazione, 

nonostante avesse già ottenuto consensi per 29 settembre, scritto 

insieme a Mogol e affidato all’Equipe 84. Al festival di Sanremo presenta 

Un’avventura, vince il Festivalbar con Acqua azzurra, acqua chiara 

e scrive due brani molto popolari, Il Paradiso per Patty Pravo e 

Questo folle sentimento, per i Formula Tre. Incide anche Mi ritorni in 

mente, un classico del suo repertorio. Nel 1970 bissa il successo dell’anno 

precedente con Emozioni, il suo primo album a arrivare in vetta 

alle classifiche di vendita. Vince di nuovo il Festivalbar con Fiori rosa, 

fiori di pesco. L’anno successivo cambia etichetta discografica passando 

dalla Dischi Ricordi alla neonata Numero Uno, fondata da Mogol. 

Pubblica Amore e non amore, primo per sei settimane. Registra due 

singoli di strepitoso successo Pensieri e parole e La canzone del sole 

ed è coautore con Mogol dei brani Amore caro, amore bello, Amor mio 

e Eppur mi son scordato di te, portati al successo da altri interpreti. 

Seguono altri ellepi come Lucio Battisti Vol. 4 (1971), Umanamente 

uomo: il sogno (1972) , Il mio canto libero (1972), Il nostro caro angelo 

(1973), Anima latina (1974) , Lucio Battisti, la batteria, il contrabbasso, 

eccetera (1976), Io tu noi tutti (1977), Images (1977) , Una donna 

per amico (1978), Una giornata uggiosa (1980), E già (1982), Don 

Giovanni (1986), L’apparenza (1988), La sposa occidentale (1990), 

Cosa succederà alla ragazza (1992), Hegel (1994). 

F O T O C R E D I T I 

In riferimento alle immagini pubblicate, l’editore e la direzione di Vivaverdi dichiarano la propria disponibilità all’assolvimento 

dei diritti di riproduzione per gli eventuali aventi diritto che non è stato possibile accertare 

Distribuzione gratuita 

Le opinioni espresse negli articoli pubblicati su Vivaverdi impegnano esclusivamente i loro autori e non rappresentano 

la linea editoriale della Società 

ERRATA CORRIGE 

Nell’ultimo numero di Vivaverdi, in uno degli articoli dedicati 

a Laura Pausini (pag.14) non abbiamo citato il nome dell’autore 

Roberto Buti, il compositore delle musiche dei brani 

Strani amori, Lui non sta con te, Ragazze che, Un amico è 

così, con Angelo Valsiglio, nel cd Laura. In un album precedente 

della cantante emiliana, Le cose che vivi, Buti, batterista, 

iscritto alla Siae dal 1983, autore anche per Marco 

Masini e Mietta, ha composto la musica di Due innamorati 

come noi con Roberto Capaccioli e di Un giorno senza te. 

Ci scusiamo per l’imprecisione e ci fa piacere ricordarlo ai 

lettori.

28 

24 

Anno 81 – Nuova serie 

Numero 1 

Gennaio – Febbraio 2009 

Bimestrale 

V I V A V E R D I 

66 

48 64 

Direzione, redazione 

e amministrazione 

Viale della Letteratura, 30 

00144 Roma 

Centralino: 06.59901 

Redazione: 06.5990.2795 

Fax: 06.5990.2882 

ufficio.editoriale@siae.it 

www.siae.it 

Direttore responsabile 

Sapo Matteucci 

60 

R U B R I C H E 

COMPLIMENTI A…. 1 

VIVAINEDITA Valentino Zeichen 3 

VIVAMITID’OGGI Inscatolare la rugiada 15 

VIVAIDEE Riflessioni Doc. Quel terzo polo chiamato Sky 21 

VIVAINBREVE 22 

VIVANTEPRIME 34 

NOVANTANOVENOVITA’ 44 

VIVAHANNODETTO 50 

VIVAIDEE Fuori l’avanguardia. Il caso Allevi 63 

VIVAMEDIA 68 

VIVADALL’INTERNO 

Siae e Telethon insieme 70 

Sanremo story 71 

Distribuzione digitale 72 

Libri sul diritto d’autore 75 

Residenze europee per scrittori 76 

Hyde Park 78 

Concorsi 80 

ULTIMO APPLAUSO 82 

VIVADALL’INTERNO Il mio allenatore personale 88 

BOLLETTINO SOCIALE 90 

Comitato editoriale 

Linda Brunetta, Gianni Minà, Dario Oliveri 

Oscar Prudente, Mimmo Rafele 

Linea e Coordinamento editoriale 

Stefano Micocci 

Capo redattore 

Flaviano De Luca 

Redazione 

Antonella Gargiulo (segr. redaz. e ricerca fotografica), 

Daniela Nicolai, Letizia Pozzo 

Grafica e impaginazione 

Digitalialab S.r.l. - Roma 

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Web color Srl 

Loc. Le Campora 

67038 Oricola (Aq) 

Registrazione alla Cancelleria del Tribunale 

di Roma n. 234 del 24.7.1948 

Questo giornale è pubblicato ai sensi della 

normativa della Siae e del Regolamento per 

l’esecuzione della legge 22 aprile 1941, n. 633, 

approvato con R. D. 18 maggio 1942, n. 1369 

Di questo numero sono state distribuite 

93.500 copie 

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Viale G. da Cermenate, 70 - 20141 Milano 

Tel. 02/89515424 Fax 02/89515565. 

walter.boscarello@argentovivo.it 

Chiuso in tipografia il 28 febbraio 2009 

Hanno collaborato a questo numero: 

Hanno collaborato a questo numero: Federico 

Capitoni, Aldo Cazzullo, Luciano Ceri, Tiziana 

Colusso, Ernesto De Pascale, Alberto Ferrigolo, 

Giorgio Macellari, Valerio Magrelli, Ivano 

Malcotti, Renato Pareti, Mario Pasi, Paolo 

Petroni, Valeria Serra, Alessandro Trigona 

Occhipinti, Stefano Velotti, Cristina Wysocki 

ISSN 1972-6694

VIVAVERDI 

8 

musica 

A destra, Lucio Battisti in una esibizione live da 

affermato cantante (nella mano sinistra si scorge un 

tamburello). Chitarrista di talento, Battisti suonò 

nella sigla dello sceneggiato Rai Tv “Il circolo 

Pickwick” di Ugo Gregoretti, 1967. 

Le foto del servizio provengono da Archivio DUfoto 

dufoto@gmail.com 

BATTISTI/1 

LE NUOVE STRADE DI LUCIO 

NON FINISCONO MAI 

di Oscar Prudente 

Ho conosciuto Lucio Battisti nel Sessantotto: 

un anno celebre per i tanti avvenimenti 

di portata storica, anche in campo musicale. 

Ma questa storia parte da qualcosa di meno 

rivoluzionario, anzi allora un’istituzione 

della musica leggera italiana: il Cantagiro, 

inventato da Ezio Radaelli sul modello del 

Giro d’Italia ciclistico. Lì Battisti dimostrò 

subito le sue qualità d’innovatore, di anticonformista 

in campo musicale e anche nell’interpretazione 

vocale. Sono passati più di 

quarant’anni da quella manifestazione e già 

dieci anni dalla scomparsa del musicista. 

Il Cantagiro era una gara canora che, a tappe, 

attraversava tutto lo Stivale, una manifestazione 

itinerante che per un decennio, 

dal ’62 al ’72, ha rallegrato le estati italiane, 

oltre a rivelarsi un importante veicolo promozionale 

per le canzoni, gli artisti e - last 

but not least - la vendita dei dischi. I cantanti 

erano divisi in due gironi: i “big”, le 

stelle già affermate, e gli “esordienti”. Nel 

Sessantotto la “Ricordi” decise di iscrivere 

alla competizione i “big” Bobby Solo e i Dik 

Dik; nel girone degli esordienti finirono la 

matricola Oscar Prudente e un tale Lucio 

Battisti, che era sì esordiente come interprete 

ma non certo come autore, tanto che i Dik 

Dik portavano una sua canzone, Il vento. 

La prima cosa che mi colpì durante la sua 

esibizione fu la struttura musicale, decisamente 

innovativa, della sua canzone: Balla 

Linda iniziava - senza alcuna introduzione 

A oltre dieci anni dalla scomparsa, Lucio Battisti è sempre presente nella vita quotidiana di più 

generazioni, e canta ancora per noi. Da subito dimostrò le sue qualità d’innovatore e di 

anticonformista.VivaVerdi lo ricorda con questo ritratto di chi lo ha conosciuto bene. 

- con il ritornello invece che con la strofa, 

come raccomandava la consuetudine. Poi il 

ritmo improvvisamente cambiava: il tempo 

in 4/4 decisamente marcato del ritornello 

si trasformava in un 3/4 con accenti altrettanto 

forti; una sorta di “special” o se si preferisce 

“ponte” a tempo di valzer vagamente 

straussiano, eseguito dall’orchestra e che 

preludeva alla strofa, tornata in 4/4, ma senza 

tenere un ritmo regolare: iniziava a tempo 

ma, dopo un crescendo sia ritmico che 

melodico, nel finale rallentava allargandosi 

e aumentando simultaneamente l’intensità 

percussiva per rilanciare nuovamente il ritornello. 

Il tutto tenuto insieme dalla sua voce drammatica, 

scarna, senza orpelli, senza vibrato. 

Ricordo che il Sessantotto – pur rivoluzionario 

- proponeva fra i “Big” alcune ugole 

d’oro della migliore tradizione: Claudio Villa, 

Gianni Morandi, Massimo Ranieri, Dalida, 

Jimmy Fontana. Lucio stava invece dimostrando 

alla piazza e agli addetti ai lavori 

che si può cantare ed emozionare anche 

senza sfoggiare acuti vibranti e corde vocali 

possenti; sebbene vada notato come – specialmente 

all’inizio della sua carriera – le 

sue canzoni venissero apprezzate più della 

sua voce. Invece la forza di Lucio stava proprio 

nell’interpretazione che, priva dell’ampollosa 

retorica cui le nostre orecchie erano 

avvezze, scaturiva direttamente dal cuore. 

Lucio aveva insegnato che chiunque fosse 

intonato e con dentro qualcosa da trasmettere 

avrebbe potuto diventare un grande interprete, 

che cantare significa comunicare 

emozioni: aveva aperto una strada nuova. 

Una strada sulla quale si incamminarono in 

molti, a partire da Lucio Dalla (per sua stessa 

ammissione) fino ad arrivare alla “clonazione” 

vocale e stilistica degli Audio Due. 

Gli spostamenti dell’allegra carovana avvenivano 

in auto e - complice il fatto che Lucio 

ed io viaggiavamo nella stessa macchina 

e scendevamo con bagaglio e chitarra negli 

stessi alberghi, spesso nella stessa camera 

- nacque una profonda amicizia e una reciproca 

stima professionale. Tanto che Lucio 

mi propose di entrare a far parte della “Numero 

Uno”, la casa editorial-discografica 

che stava nascendo da una costola della Ricordi, 

insieme a Giulio Rapetti (all’epoca 

Mogol solo in arte), suo padre Mariano Rapetti, 

Franco Daldello, Sandro Colombini, 

e ovviamente lo stesso Battisti. 

Accettai, nonostante provenissimo da esperienze 

musicali diverse: io ero nato come 

batterista jazz mentre Lucio, ottimo chitar-

Sotto, Lucio Battisti, circondato dai suoi 

fan durante il Sanremo 1969. 

A destra mentre accudisce un cavallo 

durante il viaggio Milano-Roma 

con Mogol, Mario Lavezzi e Oscar 

Prudente tra il giugno e luglio del 1970 

VIVAVERDI 

10 

rista ritmico,(suonò per due anni, dal 1964 

al 1966, nel gruppo I Campioni, ndr) aveva 

seguito una strada più pop-rock. Ascoltava 

molta musica: amava il rock di Jimi Hendrix, 

gli Shadows, il folk psichedelico di Donovan, 

quello più rock di Crosby, Stills e Nash 

e aveva una grande predilezione per il 

rhythm’n’blues, in particolare per lo stile 

vocale di Otis Redding, al quale si ispirava; 

non a caso l’anno successivo duettò a Sanremo 

con Wilson Pickett, una delle icone del 

genere, in L’avventura. 

Quello di Lucio era un ascolto musicale non 

solo emotivo ma critico: analizzava in modo 

maniacale la struttura della canzone, le diverse 

parti dell’arrangiamento, provando 

magari a riprodurre quelle solistiche. Lavorava 

sempre: era capace di passare 12 ore 

ininterrotte a comporre e registrare spunti 

musicali sul suo Revox analogico, l’unico apparecchio 

“casalingo” disponibile allora. 

Migliaia di idee alcune delle quali, dopo accurata 

selezione, sarebbero state completate 

da un testo, in quel periodo solitamente per 

mano di Mogol. 

Un processo non sempre facile: in alcune 

parti della canzone infatti la lunghezza dei 

versi era talvolta eccessiva e non combaciava 

perfettamente con la metrica della 

melodia originale; una delle tante 

capacità di Lucio era però quella 

di rispettare sempre la bellezza 

del testo: riusciva ad accomodare 

nella frase musicale anche le sillabe in eccesso, 

con improvvise accelerazioni vocali 

che rendevano ancor più originale il suo modo 

di cantare. Dotato di spirito autocritico 

perfino eccessivo, era un perfezionista e nello 

stesso tempo un innovatore che non voleva 

mai ripetersi e che non aveva paura di 

prendersi dei rischi musicali: un esempio 

per tutti, le due linee melodiche (strofa e ritornello) 

che si sovrappongono sullo stesso giro 

armonico in Pensieri e parole. Un coraggio 

ripagato dal successo. 

Inoltre, eccelleva anche negli arrangiamenti, 

che nascevano in sala di registrazione: di 

solito, a partire da una semplice interpretazione 

voce e chitarra alla quale si accodavano 

batteristi come Franz di Cioccio (Pfm) 

e Tony Cicco (Formula Tre); bassisti come 

Damiano Dattoli (autore della musica di Io 

vagabondo, ndr); chitarristi come Ivan Graziani, 

Massimo Luca, Alberto Radius 

(Formula Tre), Franco Mussida 

(Pfm); pianisti come Dario Bal- 

dan Bembo; tutti strumentisti che gravitavano 

attorno alla Numero Uno, ai quali lasciava 

ampia libertà creativa. Un modo di lavorare 

che entusiasmava tanto Lucio da convincerlo 

spesso a mantenere nel master finale la “voce 

guida” della prima esecuzione; infine per i 

colori orchestrali (fiati, archi, ecc..) si avvaleva 

di arrangiatori quali Gianfranco Reverberi 

o Detto Mariano ai quali però dava sempre 

preziosi suggerimenti. Insomma seguiva 

scrupolosamente tutte le fasi della produzione 

del disco, dall’inizio alla stampa. 

Un modus operandi che durò fino al 1974, anno 

nel quale la Numero Uno venne venduta 

alla Rca e le nostre strade professionali si allontanarono. 

Il seguito della sua carriera è una 

storia che non posso raccontare, non avendola 

vissuta frequentandolo come prima, ma voglio 

ricordare la sua amicizia e il soprannome 

che mi aveva rifilato, uno scaldacqua alla romana: 

Oscar-da-bbagno. 

■

VIVAVERDI 

12 

musica 

BATTISTI/2 

IL SUO CANTO LIBERO 

di Luciano Ceri 

Foto TecheRai 

Il suo primo 45 giri, Per una lira, risale al 1966. Da allora il giovane musicista dai capelli ricci, 

ha cominciato a rivoluzionare la canzone italiana, procedendo a una originale sintesi tra l’amata 

musica angloamericana e la vena melodica italiana. Ecco un itinerario tra alcune delle sue 

pietre miliari discografiche, quelle canzoni e quegli album che hanno accompagnato le 

giovani generazioni dagli anni ’70 in poi. 

Quando nel 1969 Lucio Battisti pubblica 

il primo 33 giri il suo nome è una 

realtà ormai ben nota al pubblico, e il 

disco, intitolato semplicemente Lucio 

Battisti, fa il punto della sua attività 

di artista e di autore fino a quel momento. 

L’album per metà raccoglie, 

come si usava fare allora, gli ultimi singoli 

della sua produzione, ma l’altra 

metà del disco è subito sorprendente 

perché Battisti sceglie di interpretare in 

prima persona sei canzoni che aveva affidato 

in precedenza all’Equipe 84, ai Ribelli e 

ai Dik Dik. E se è vero che così facendo da 

una parte porge il suo ringraziamento a quei 

gruppi che per primi avevano creduto nelle 

sue canzoni, dall’altra fa subito capire che 

le sue potenzialità di artista sono di grande 

spessore, perché le scelte stilistiche che 

compie nel rileggere quei brani sono decisamente 

originali. Non era facile affrontare 

una canzone come 29 settembre ed offrire 

agli ascoltatori qualcosa che reggesse il 

confronto con la possente costruzione sonora 

dell’Equipe 84, ed invece il risultato è 

assolutamente affascinante, con la canzone 

che si muove in un’atmosfera quasi impalpabile, 

dove sono gli incastri delle chitarre 

acustiche a restituire l’atmosfera di sogno e 

di risveglio dal sogno in cui si muove il protagonista. 

Nel 1971, chiuso il rapporto artistico con la 

Dischi Ricordi, Battisti approda alla Numero 

Uno, un’etichetta creata appositamente 

per avere in prima persona il controllo totale 

sulle sue produzioni e sulla sua musica. 

E’ un periodo di straordinaria creatività, che 

lo porta a realizzare nel giro di un anno e 

mezzo tre dischi di grande successo, che costituiscono 

in qualche modo un unicum, per 

continuità ed omogeneità stilistica, ed il cui 

punto centrale è costituito da Il mio canto 

libero, pubblicato all’inizio dell’inverno del 

1972. Preceduto da Umanamente uomo: il 

sogno e seguito da Il nostro caro angelo, questo 

disco costituisce una messa a fuoco molto 

precisa del modo di fare canzoni di Battisti 

nella prima parte della sua carriera. Ne 

definisce la struttura “classica” sia nel tipo 

di scrittura che nel sound e conferma la sua 

voglia di rileggere il suo repertorio alla luce 

di una sensibilità nuova e personale, co-

VIVAVERDI 

13 

me succede per E penso a te, L’aquila e Prendi 

fra le mani la testa, canzoni che erano state 

affidate in prima battuta a Bruno Lauzi e 

a Riki Maiocchi. 

Dal 1974 in poi Battisti cambia marcia quasi 

ad ogni disco, prima di sovvertire completamente 

il modo della sua scrittura all’indomani 

del divorzio artistico da Mogol. 

E già in Anima latina è evidente la riflessione 

sulla voglia (e forse anche sulla necessità) 

di superare i limiti della forma della canzone 

classica, limiti avvertiti già in parte in 

Amore e non amore del 1971, dove i quattro 

brani solo strumentali presenti nel disco annunciavano 

un evidente interesse per la 

scrittura musicale pura, svincolata dall’ingombro 

del testo. Ma Anima latina cambia 

completamente le carte in tavola perché se 

è vero che sposa ancora la forma della canzone 

nella sua dimensione di musica e di testo, 

è anche vero che ne amplia i limiti e tenta 

la strada della mini-suite, con composizioni 

che spesso viaggiano sui sei-sette minuti 

di durata e che confermano in tutto e 

per tutto l’adesione ai moduli musicali del 

rock progressivo. A questi moduli Battisti 

era interessato sia perché i musicisti che fino 

a quel momento avevano collaborato con 

lui in sala d’incisione si erano praticamente 

lanciati tutti sull’onda di quel nuovo stile 

musicale, e sia perché intravedeva in questo 

modo la possibilità di scardinare la struttura 

classica della canzone. E non tanto per 

una insofferenza nei confronti di quella 

struttura, quanto probabilmente per una sua 

naturale curiosità e p er la voglia di non ripetere 

troppo schemi ampiamente collaudati. 

Due anni dopo, nel 1976, la scena cambia 

ancora una volta, in maniera sorprendente, 

visto che non ci sono due realtà musicali così 

lontane tra loro come il rock progressivo 

e la disco music. Non che Lucio Battisti, la 

batteria, il contrabbasso, eccetera sia un album 

specificamente “disco”, ma è certo che 

a quelle suggestioni ritmiche Battisti non 

L’universo di Lucio 

Disco dopo disco, canzone dopo canzone, tutta la 

produzione artistica del cantautore reatino viene 

analizzata nel libro di Luciano Ceri, Pensieri e parole-Lucio 

Battisti-Una discografia commentata (Coniglio 

Ed, 480 pg, euro 18,50). Il volume si concentra 

sul lavoro del musicista che ha ridefinito e 

allargato la forma canzone, valutandone la capacità 

di sopportare un totale stravolgimento, sia melodico 

che linguistico, inventandosi un modo di cantare 

proprio e originale che conserva ancora oggi 

un enorme fascino. Da un singolo all’album, Battisti 

ha mantenuto sempre alto il livello della propria 

creatività, riuscendo a conservare intatta la voglia 

di non adagiarsi sui successi ottenuti, cercando 

sempre di rinnovarsi, di tentare nuove strade, di 

avventurarsi in nuovi territori artistici, anche a costo 

di scontrarsi con i gusti del pubblico. Il libro si 

avvale di numerose testimonianze di cantanti, musicisti, 

produttori, tecnici e altre personalità che 

hanno interpretato, suonato, prodotto, registrato 

quelle canzoni destinate a diventare autentici capolavori 

della canzone italiana. Completa il volume 

una ricca Appendice, con l’elenco delle incisioni in 

altre lingue, una videografia e una bibliografia aggiornate, 

l’elenco delle registrazioni inedite e delle 

numerosissime versioni che sono state proposte, 

nel corso degli anni, da artisti italiani e stranieri. 

era rimasto indifferente e come sempre le 

rilegge a modo suo e in maniera originale. 

In questo disco più che in altri è il sound a 

costituire l’elemento di coesione tra le varie 

canzoni, e come suggerisce il titolo la ricerca 

è soprattutto ritmica, grazie anche ad 

un rinnovato gruppo di musicisti che lo seguono 

in studio di registrazione, tra i quali 

un giovane Ivan Graziani in procinto di iniziare 

la sua avventura discografica solista 

proprio alla Numero Uno. E il sound si rivela 

vincente, volutamente grezzo, quasi da 

“garage-band”, in una immediatezza sonora 

che decreta il successo del brano trainante, 

Ancora tu, particolarmente gradito al popolo 

delle discoteche che apprezzava le venature 

ritmiche latine di una canzone che 

sembrava voler contendere ai successi di 

Barry White il primato sulla scena “disco”. 

Il passo successivo per Battisti era quello di 

tentare l’avventura del mercato anglo-americano, 

visto che fino a quel momento erano 

stati soprattutto i paesi di lingua ispanica 

a premiarlo come interprete, mentre nelle 

classifiche inglesi ed americane era entrato 

essenzialmente come autore, sin dai 

tempi di Il paradiso (Half As Nice per gli inglesi 

Amen Corner) e di Balla Linda (Bella 

Linda per gli americani Grassroots). In questo 

senso va vista la trilogia composta da Io 

tu noi tutti, Una donna per amico e da Una 

giornata uggiosa, album registrati in America 

(il primo) e in Inghilterra, e ai quali doveva 

essere legato anche un progetto di incisione 

in lingua. Da un punto di vista degli 

obiettivi che Battisti si proponeva è sicuramente 

Una donna per amico il disco più riuscito: 

una perfetta realizzazione pop di livello 

internazionale, grazie alla felice mano 

del produttore Geoff Westley che riesce ad 

interpretare al meglio le canzoni di Battisti 

e ad esaltarne la forza ritmica e la ricchezza 

melodica, e che con il contributo dei validissimi 

musicisti inglesi convocati per 

l’occasione ne rende il sound competitivo 

con le grandi produzioni internazionali. E

VIVAVERDI 

14 

musica 

se Battisti avesse poi deciso di pubblicare la 

versione in inglese (già registrata) di quel 

disco probabilmente ne avrebbe ricavato più 

soddisfazioni di quante invece (e furono pochissime) 

ne ebbe da Images, la versione 

americana di Io tu noi tutti, con l’aggiunta 

di un paio di successi del passato, sempre in 

inglese. 

I vari tentativi di superare la forma tradizionale 

della canzone trovano una più compiuta 

realizzazione infine in Don Giovanni, 

1986, disco di confine e per questo ancora 

più prezioso ed intrigante. Superato il distacco 

da Mogol con il disco più naif della sua 

produzione, E già, Battisti trova nei testi di 

Pasquale Panella (suo futuro collaboratore 

da quel momento in poi) l’ideale complemento 

del progetto di destrutturazione della 

canzone che intravedeva come lo sbocco 

più naturale della sua voglia di libertà creativa. 

Non più un testo che coglie le valenze 

di volta in volta drammatiche o gioiose della 

sua musica, ma una serie di versi enigmatici 

e paradossali che fanno della ricerca linguistica 

la chiave di volta del loro senso poetico, 

svincolando l’interprete dal compito di 

“rendere conto” in qualche modo al pubblico 

del significato della canzone. E se Don 

Giovanni è ancora legato, specialmente nella 

linearità dello sviluppo di certe linee melodiche, 

alle grandi canzoni degli anni sessanta 

e settanta, è con il successivo 

L’apparenza, 1988, che la rivoluzione messa 

in opera da Battisti trova piena attuazione. 

Per la prima volta nella sua carriera scrive 

la musica sui testi che Panella via via gli 

sottopone, in una totale libertà compositiva 

che gli consente di spezzare la continuità 

melodica di una canzone in tante linee 

melodiche secondarie ma allo stesso tempo 

principali, in un completo sovvertimento 

dei canonici schemi strofa-ritornello-strofa 

che avevano sino a quel momento dominato 

il mondo della musica leggera italiana 

ed iniziando un viaggio che proseguirà con 

risultati affascinanti e spesso sorprendenti 

per i tre dischi successivi, che chiuderanno 

il percorso di un artista tra i più innovatori 

in assoluto della canzone italiana. ■ 

Giovani e Battistiani 

La popolarità delle canzoni di Battisti ha resistito 

al passare del tempo non soltanto per la fedeltà 

dei suoi ammiratori della prima e seconda ora, ma 

soprattutto grazie alla modernità della sua scrittura 

musicale, modernità che è riuscita ad intercettare 

il gusto di musicisti diversi tra loro per età e 

per gusti musicali, come è efficacemente dimostrato 

da questo interessante disco pubblicato 

nell’estate del 2005 come supplemento della rivista 

“Extra Mucchio”, estensione della storica 

testata rock “Mucchio Selvaggio”. Gli artisti coinvolti 

appartengono all’area delle produzioni indipendenti 

(con l’eccezione dei Gang e di Gianni 

Maroccolo e Giorgio Canali, artisti ormai storici 

dell’area indipendente italiana) spesso non erano 

neanche nati quando Non è Francesca o Il tempo 

di morire risuonavano nei juke-box della penisola. 

Nomi come 24 Grana, Moltheni, Lombroso, 

Acustimantico, Daunbailò, 4 Fiori per Zoe non 

diranno forse molto al grande pubblico, ma chi 

segue l’area creativa delle produzioni indipendenti 

conosce il loro percorso artistico, e dopo l’iniziale 

sorpresa di trovarli coinvolti in questo progetto ne 

apprezza ancora di più la voglia di confrontarsi 

con questo repertorio, con nessun timore reverenziale 

ma anzi con la consapevolezza di trovare in 

canzoni come 29 settembre, Il vento, Respirando, 

Confusione (e tutte le altre che compongono le 

diciotto tracce del disco) stimoli ed occasioni per 

esprimere la propria voglia di fare musica. A testimonianza 

dell’attualità di una scrittura musicale 

che offre ancora a chi voglia leggerla con curiosità 

ed attenzione inediti percorsi di interpretazione. 

(lu.ce.)

VIVAmiti d’oggi 

Fototeca della Biblioteca Panizzi di Reggio Emilia 

RUGIADA 

SENZA FRONTIERE 

di Valerio Magrelli 

Un’impresa spagnola ha iniziato a 

commercializzare un nuovo dispositivo di 

cattura e impiego dell’energia delle nuvole. 

Si chiama “captatore di nebbia” e consiste in 

una rete montata su dei pali in grado di 

intercettare le goccioline in sospensione, 

presenti nei venti che trasportano le nubi. 

Una tecnica innovativa sebbene con radici 

molto antiche. Già, nel XV secolo, gli indigeni 

delle Canarie utilizzavano degli alberi piantati 

davanti a delle pareti rocciose per raccogliere 

l’acqua. In un futuro prossimo venturo sarà 

così possibile bere nebbia, fare cin cin con la 

bruma, distillare la rugiada. 

Sembra che finalmente, per il nostro ambiente, 

le cose stiano cominciando a cambiare. 

Dopo la folle corsa all’industrializzazione 

selvaggia, una nuova consapevolezza 

inizia a farsi strada, sia nel segreto delle coscienze, 

sia negli scambi di mercato. Anche 

prima dei benemeriti proclami di Obama, è 

stato ormai assodato che l’economia “verde” 

riserva ai suoi seguaci un’enorme capacità 

d’impiego. Come risulta da un recente 

rapporto dell’Organizzazione internazionale 

del lavoro (OIT), si annuncia infatti la possibilità 

di individuare milioni di posti di lavoro, 

i quali, oltre a risolvere una situazione 

sociale sempre più difficile, “contribuiranno 

alla tutela o al ristabilimento della 

qualità dell’ambiente”. Energie rinnovabili, 

attività di riciclaggio, trattamento dei rifiuti, 

nuovi sistemi di costruzione, non andranno 

perciò considerati come altrettanti 

freni rispetto alla crescita, bensì come fattori 

di sviluppo. 

In tale prospettiva, un ruolo fondamentale 

viene ovviamente ricoperto dalla ricerca. Ed 

è proprio da questo campo che provengono 

le maggiori sorprese. L’ultima in ordine di 

tempo, insieme sorprendente e redditizia, 

riguarda una nuova fonte di energia. Stiamo 

parlando della rugiada, riguardo alla quale 

un’impresa spagnola ha cominciato a commercializzare 

un nuovo dispositivo di cattura 

ed impiego. L’idea risulta semplicissima, 

e secondo i suoi promotori potrebbe garantire 

l’accesso all’acqua per numerose comunità 

rurali costrette a vivere in regioni 

aride. Il tutto, facendo a meno di costruire 

costose infrastrutture. 

Come ha spiegato Gaëlle Dupont su Le 

Monde, quando la pioggia non cade in quantità 

sufficiente, gli uomini possono catturare 

il vapore presente nell’aria ricorrendo a 

un dispositivo dal poetico nome di “captatore 

di nebbia”. Si tratta di fissare delle reti mobili, 

in plastica o acciaio, su pali di acciaio inox 

alti dai due ai tre metri, da collocarsi di fronte 

ai venti che trasportano nuvole. Le goccioline 

in sospensione, che formano appunto la bruma, 

sono così intercettate dalle reti, dove, aggregandosi, 

finiscono per formare un filo 

d’acqua che può essere trasportato o immagazzinato. 

Il rendimento medio è di circa venti litri 

d’acqua al giorno. 

La tecnica che ispira questi “captatori” è in 

verità ancestrale. Come ha ricordato lo storico 

del clima Alain Gioda, “l’esistenza di 

alberi-fontane è stata menzionata per la prima 

volta nel XV secolo, quando i conquistatori 

castigliani si impadronirono delle 

Canarie. Già allora, per raccogliere l’acqua, 

gli indigeni utilizzavano degli alberi piantati 

davanti a pareti rocciose”. Già allora, 

dunque, il funzionamento di questa macchina 

idraulica dipendeva dalla buona localizzazione 

dei dispositivi. L’affinamento tecnologico 

ha fatto il resto: adesso, mentre la 

durata dei materiali supera i cinque anni, il 

costo appare estremamente contenuto. Va 

infine rilevato che il sistema, oltre ad essere 

del tutto silenzioso, non consuma energia. 

Ad assicurarlo è la fondazione destinata 

alla diffusione dei captatori nei paesi in 

via di sviluppo. Il suo nome: Agua sin 

Fronteras (Acqua senza Frontiere). 

Che magnifico espediente! Bere nebbia, procedere 

allo stoccaggio della rugiada… Ogni 

mezzo va bene, se si tratta di salvare 

l’ambiente. Sempre, però, che l’ambiente 

non si vendichi, e non prepari qualche repentina, 

improvvida vendetta, contro questi 

ingegnosi “ladri di nuvole”.

VIVAVERDI 

16 

arte 

A destra Fortunato Depero: 

Rotazione di ballerina e pappagalli 1917. 

Olio su tela cm. 140,5X89,5 (MART). 

Sotto foto storica dei protagonisti 

del movimento Futurista. 

Da sinistra Luigi Russolo, Carlo Carrà, Filippo 

Tommaso Marinetti, Umberto Boccioni, Gino Severini. 

Marinetti si era iscritto alla Siae il 19 maggio 1920. 

Nel 1938 aveva sottoscritto, come richiesto dalle leggi 

di allora, un documento ulteriore per la validità 

dell’iscrizione alla Siae, contenente, oltre alle 

dichiarazioni sulla sua religione, su quella paterna e 

materna, anche un autoattestato spontaneo 

apponendo sotto la firma “sansepolcrista” 

FUTURISMO/1 

LA RELIGIONE 

SECOLARE DEL ‘900 

di Stefano Velotti 

Non si può far finta di ignorare, quel che tutti 

sanno, e cioè che le celebrazioni del futurismo 

specie le più affrettate - sono gravate da valutazioni 

di carattere politico. Se c’è un carattere 

incontestabile, per esempio, dell’avanguardismo 

italiano, e specialmente futurista, è senz’altro 

quello del nazionalismo, che Emilio Gentile 

ha chiamato “il mito dell’Italianismo”, della 

nascita del “nuovo Italiano”, di “un nuovo 

stile italiano” (e che Marinetti invocava, per 

esempio, come “Italianità parossista”). Dato 

poi l’attuale clima di crisi, economica e identitaria, 

e di conseguenti protezionismi striscianti 

e localismi gridati, c’è chi guarda con preoccupazione 

ai prossimi grandi anniversari storici 

che ci attendono: il 2011 (150° anniversario 

dell’Unità d’Italia) - che potrà essere una 

grande occasione di studio e riflessione e/o 

un’abbuffata di retorica e di strumentalizzazioni, 

di “azioni parallele” e bisticci – e poi, più 

lontano ma non troppo, il centenario, nel 2022, 

della funesta marcia. 

Qui vorremmo parlare però ‘dell’estetica del 

futurismo’ (o, forse meglio, della sua poetica - 

intenzioni, manifesti, tecniche, ambiti e modalità 

di intervento - e delle sue effettive realizzazioni, 

nella prospettiva di una riflessione 

estetica). Ma il fatto è che non basta guardare 

alla mitizzazione del movimento, della simultaneità, 

della macchina, o alle singole realizzazioni, 

per trovare i caratteri di una poetica o di 

una pratica futurista, perché nel futurismo non 

è possibile scindere l’estetica dalla politica, l’arte 

Il centenario del Manifesto futurista, che cominciò a circolare in tutta Europa a partire dalla sua 

pubblicazione a Parigi sulla prima pagina del Figaro del 20 febbraio 1909 – dopo essere uscito a 

Bologna e in altri luoghi nei quindici giorni precedenti – ha mobilitato in Italia e un po’ anche 

all’estero musei e istituzioni, riviste e editori, curatori e storici, critici, politici, filosofi, artisti, letterati, 

musicisti e giornalisti. Alle grandi mostre - impegnative, ben pensate e ben curate (innanzitutto a 

Rovereto, a Milano, a Venezia) – si affiancano mostre locali più focalizzate su personaggi ed episodi 

dell’avanguardia futurista, e altre messe insieme senza pensarci troppo, acquistate come un 

pacchetto estero “tutto incluso” per un evento artistico-turistico (di casa nostra). Molta critica 

internazionale, Francia in testa – mentre l’America appare divisa su valutazioni contrastanti - tende 

a circoscrivere o minimizzare l’importanza artistica del movimento, a favore di altri – ismi; in Italia, 

invece, abbiamo ormai a disposizione l’intera gamma di reazioni possibili, che coinvolgono 

inevitabilmente, data la natura totale del futurismo, piani diversi. 

dall’aspirazione a una palingenesi o rivoluzione 

totale. Perfino lo “svaticanamento” auspicato 

da Marinetti nei suoi diari e nei suoi scritti 

(e tra tutte le profezie futuriste azzeccate, questa 

è rimasta senz’altro inadempiuta), perfino 

l’ “espulsione del Papato” (insieme a quella del 

Parlamento, dell’educazione superiore e dell’analfabetismo, 

della questura – “i cittadini si 

devono difendere da sé”! – dei musei e di ogni 

ancoraggio nel passato), era solo la condizione 

per la creazione di una nuova religione secolare 

onnipervasiva. L’arte futurista, insomma, è 

solo una parte di un progetto rivoluzionariopalingenetico 

di carattere antropologico-politico-culturale 

totale. E i suoi legami profondi 

con il fascismo non devono essere minimizzati, 

né circoscritti a una fase ‘rivoluzionaria’ iniziale. 

La partecipazione attiva al fascismo di un 

Marinetti o di un Sironi, che restarono fedeli a 

Mussolini anche negli anni della Repubblica di 

Salò, non è dovuta infatti a circostanze individuali 

o contingenti, ma ha un legame profondo 

con tutta l’impresa futurista. 

Tuttavia, così come sarebbe sbagliato limitarsi 

a discettare su questioni formali o di “resa artistica”, 

senza affrontare il legame essenziale 

del futurismo con la politica, l’etica e 

l’antropologia, altrettanto sbagliato sarebbe 

schiacciare senz’altro il futurismo sul fascismo. 

Se Mussolini poteva affermare “formalmente” 

nei suoi Taccuini che, “senza futurismo non vi 

sarebbe stata rivoluzione fascista”, è anche vero 

che i futuristi vedevano nel fascismo solo una 

realizzazione parziale, minimale, dei loro idea-

li palingenetico-politici. E difficile sarebbe stato, 

per esempio, conciliare l’odio futurista per 

la tradizione e il passato con il mito fascista di 

Roma, l’anticattolicesimo dei primi con i Patti 

Lateranensi firmati nel 1929 dai secondi. 

Da anni, ormai, si parla di un ‘modernismo fascista’, 

come di una forma di modernismo alternativa 

a quelle dominanti, e inscritta in 

quell’‘estetizzazione della politica’ diagnosticata 

con allarme da Walter Benjamin nel famoso 

saggio del ’36 sull’Opera d’arte nell’epoca 

della sua riproducibilità tecnica. Ma non bisogna 

dimenticare, d’altra parte, che il fascismo 

non fu esattamente un fenomeno prevalentemente 

estetico, e che, se da un lato si espresse 

senz’altro come ‘estetizzazione della politica’, 

per altro verso cavalcò pesantemente anche 

l’altra opzione evidenziata da Benjamin – con 

speranze mal riposte -, cioè quella della ‘politicizzazione 

dell’estetica’. 

Sui nostri quotidiani e riviste si è chiesto a storici 

filosofi artisti e critici di dare una valutazione 

del futurismo, della sua eredità, del suo 

valore per il nostro tempo. Colpisce la diversità 

delle risposte, talvolta a partire da considerazioni 

analoghe: il futurismo sarebbe stato un 

movimento oscurantista e irrazionale, figlio del 

romanticismo, che ha idolatrato il nuovo ad ogni 

costo, senza la capacità di vedere che anche le 

più grandi rivoluzioni – a cominciare da quella 

americana e da quella francese – si sono compiute 

attingendo al passato e a modelli classici; 

o, al contrario, il futurismo sarebbe un erede 

della fede illuministica nel progresso – come 

tutte le avanguardie, che credono di anticipare, 

assecondare e dirigere l’onda della storia, 

di quella fede nella capacità educativa e trasformatrice 

dell’arte, della politica e della cultura, 

di quel progetto del moderno che, secondo una 

“dialettica” perversa, invece di “migliorare” il 

mondo, lo avrebbe violentato, e, incarnando 

una razionalità strumentale, avrebbe messo capo 

ai totalitarismi; o, ancora, il futurismo avrebbe 

visto prima di altri il nostro mondo attuale, 

l’annullamento delle distanze, la velocità, la simultaneità, 

il ruolo delle masse, quello della 

pubblicità e dei media, lo strapotere del design 

e la conquista dello spazio, perfino internet e 

le arringhe di Bossi... insomma quasi tutto, per 

non parlare poi dell’arte contemporanea, che 

da Fontana e Burri, dalla Pop Art alla Video Art, 

dalla nouvelle cuisine ai graffiti metropolitani 

(per non considerare la poesia, la musica, 

l’architettura, il design ecc. ecc.) senza il futurismo 

sarebbe impensabile. 

Se si eccettua l’assurda pretesa di derivazione 

dall’illuminismo (ripetuta facendo eco superficialmente 

alla discutibile diagnosi avanzata 

da Horkheimer e Adorno a proposito dei regi-

A destra Umberto Boccioni: 

Cavallo + cavaliere + caseggiato 1913-14. 

Olio su tela cm. 105X135 Roma, 

Galleria Nazionale d’Arte Moderna 

VIVAVERDI 

18 

arte 

mi totalitari nella Dialettica dell’illuminismo), 

tutte queste reazioni hanno molte ragioni dalla 

loro parte. Per vedere sinteticamente 

l’estensione e la pervasività del movimento, basta 

leggere la voce ‘Futurismo’ scritta dall’accademico 

Marinetti per il XVI volume dell’Enciclopedia 

Italiana Treccani del 1932: lì, Marinetti 

– che non peccava certo di false modestie 

e, forse unico, riusciva a fare del marketing persino 

sulla Treccani – sotto 9 titoli (Poesia futurista 

e parole in libertà, Teatro sintetico futurista, 

Pittura futurista, Scultura futurista, Arte 

decorativa, Scenotecnica futurista, Architettura 

futurista, Musica futurista, L’Arte dei rumori) 

dà conto dell’ampio ambito di intervento dei 

futuristi. Prima, però, ne ricostruisce il legame 

con la politica, ricordando tra le altre cose “la 

battaglia di Piazza dei Mercanti [a Milano, nel 

1919], prima vittoria fascista sul socialcomunismo”, 

le elezioni politiche dello stesso anno, 

in cui Marinetti, insieme a Mussolini e al futurista 

Bolzon, furono arrestati, e finalmente la 

marcia su Roma del ’22 “per l’avvento del fascismo”, 

che vide l’entusiasta partecipazione 

di molti futuristi. E poi conclude con una sezione 

intitolata a Il futurismo nel mondo, dove 

afferma che “la rivoluzione artistica iniziata dal 

movimento futurista ha generato o influenzato 

numerosi movimenti d’avanguardia: il cubismo, 

l’orfismo, il dadaismo, il simultaneismo, 

il creazionismo, il purismo, lo zenitismo, 

il surrealismo, il raggismo, il vorticismo, il costruttivismo, 

il suprematismo, l’immaginismo, 

l’ultraismo, ecc.”, a cui, a ragione, molti storici 

e critici aggiungerebbero altre etichette e altri 

nomi, in molti degli ambiti operativi ricordati, 

tanto che alla sfilza di parole-chiave che 

apre la voce di Marinetti sulla Treccani (da “Italianità 

parossista” a sintagmi memorabili come 

“modernolatria”, “splendore geometrico”, 

“estetica della macchina”, “solidificazione dell’impressionismo”, 

“lo spettatore nel centro 

del quadro”, “compenetrazione e simultaneità 

di tempo-spazio, lontano-vicino, esternointerno, 

vissuto-sognato”, “luce elettrica decoratrice”, 

“tattilismo e tavole tattili” ecc. ecc.) 

si potrebbero facilmente aggiungere quelle che 

sono divenute parole d’ordine dell’arte contemporanea, 

da “polimaterismo” a “happening”, 

fino ai nomi – numerosi – di artisti (designer, 

architetti, musicisti...) che si richiamano 

direttamente al futurismo: per restare in Italia, 

come non ricordare per esempio lo Schifano 

del Futurismo rivisitato a colori (1965), o 

l’entusiasmo futurista di un Maurizio Mochetti 

(“il futurismo è la più grande corrente artistica 

del XX secolo”)? 

La voce marinettiana della Treccani apre la terza 

fase del movimento futurista, quella segnata 

più marcatamente dal polimaterismo e dall’aeropittura, 

dopo gli anni Venti dell’“estetica 

della macchina”, e gli anni Dieci, gli inizi, caratterizzati 

più direttamente dalla pittura e scultura 

del movimento e della simultaneità. A questo 

proposito, c’è chi ha detto che La città che 

sale di Boccioni è l’opera più rappresentativa 

del Novecento. Ma lasciando da parte i primati, 

questo capolavoro è senz’altro un dipintomanifesto: 

intitolato in un primo tempo Gli uomini, 

poi Giganti e pigmei, e ancora Il lavoro, 

riceve il titolo con cui è noto nella famosa mostra 

parigina da Bernheim Jeune nel 1912: La 

ville monte (La città che sale, o La città sale, come 

traduce letteralmente Calvesi). Sullo sfondo 

di una città che si industrializza, si elettricizza 

(Milano, o forse Roma, o forse nessuna 

delle due), la forza indomabile ed esplosiva di 

un possente e gigantesco cavallo rosso, come 

sollevato in aria da un grande collare blu (complementare 

al rosso, e che dunque ne potenzia 

la carica), e affrontato a sinistra da un cavallo 

bianco, travolge tutto, mentre uomini “pigmei” 

tentano di trattenerne o incanalarne le forze 

scatenate su un asse diagonale. Forza animale 

e industria, scatenamento di forze primigenie 

e modernità. Boccioni coglie consapevolmente 

alcuni caratteri della nostra percezione sensibile-mentale, 

mai netta e immobile, mai limitata 

al presente o a una sola capacità sensoriale, 

ma “simultaneamente” attraversata dalla 

memoria (come insegnava Bergson), dal tempo, 

da sfondi indistinti e lontani, da tratti fuggevoli 

ed evanescenti, da voci e sapori. Impossibile 

stargli dietro con le parole, perfino di 

quelle spinte al limite espressivo di un Longhi. 

Il quale, giovanissimo (nel 1913), in relazione 

a Materia, scriveva che Boccioni “dallo studio 

dei piani superficiali del cubismo, per non raggelare 

la materia anzi per scatenarla, è venuto 

a concepirla come un sovrapporsi di piani che 

si sfogliano, che si smallano come intorno un 

compatto nucleo centrale: ed è il moto rotatorio 

impresso a questo nucleo che gli fa scartocciare 

la forma all’esterno come Saturno libera 

da sé gli anelli”. E quanto allo scetticismo filisteo 

– che si aggiorna di decennio in decennio 

– di chi non si sforza di capire e subodora la 

truffa di fronte a ciò che non comprende, valgano 

per tutti le parole pungenti di Longhi: “Fiori 

di Beozia cadenti dalle labbra degli abitanti 

dell’Urbe dinanzi ai quadri futuristi, nei cinque 

minuti di ispezione sospettosa... Eh! la 

paura d’esser fatti fessi, questo segnale infallibile 

dell’imbecillità!”. Mentre Boccioni 

cadeva sui campi di battaglia, non per il 

fuoco nemico, ma per una ironica sgroppata 

della sua puledra, e già deluso del suo bellicismo, 

di lì a poco il popolo di “qua nessuno 

è fesso” si sarebbe radunato entusiasta 

sotto il balcone di Piazza Venezia.

A destra Luigi Russolo al Russolophone, 

in Alexandre Grenier, Michel Seuphor 

Un siècle de libertés. Entretiens avec 

Michel Seuphor, Hazan, Paris, 1996 

VIVAVERDI 

19 

FUTURISMO/2 

LE SEI FAMIGLIE 

DEI RUMORI 

di Dario Oliveri 

Uno dei risvolti cruciali dell’intervento futurista 

era costituito dalla sua volontà di perseguire 

un rinnovamento globale dell’esperienza 

umana, dall’arte alla vita e viceversa. 

Lo dimostrano, per esempio, gli innumerevoli 

manifesti pubblicati dopo il 1909: alcuni 

davvero sorprendenti, come il Manifesto 

futurista della Lussuria, realizzato nel 1913 

dalla poetessa francese Valentine de Saint- 

Pont; altri semplicemente bizzarri, come il 

Manifesto della cucina futurista (1930), in 

cui si teorizza “l’abolizione della pastasciutta, 

assurda religione gastronomica italiana” 

e la creazione di “bocconi simultanei […] 

che contengano dieci, venti sapori da gustare 

in pochi attimi”; altri, infine, destinati a 

diventare pietre angolari della nostra percezione 

del moderno. È il caso, per esempio, 

del manifesto di Carlo Carrà intitolato 

La pittura dei suoni, rumori e odori (11 agosto 

1913), che suggerisce l’ipotesi di un rapporto 

“da lontano” con il gruppo del Cavaliere 

Azzurro di Marc e Kandinskij. Per 

quanto riguarda la musica, si segnalano invece 

le vibranti declamazioni parolibere di 

Marinetti (Battaglia di Adrianopoli, Festa 

dei motori di guerra, Battaglia simultanea 

di terra mare cielo, etc.), i tre manifesti pubblicati 

da Francesco Balilla Pratella fra il 1910 

e il 1912, la singolare esperienza dei Balli 

plastici di Fortunato Depero, ma soprattutto 

i saggi teorici e le opere, sia pittoriche sia 

musicali, di Luigi Russolo. 

L’idea che possa esistere un’arte dei rumori, o che il rumore possa considerarsi un aspetto 

dell’espressione artistica, segna i percorsi di molta musica novecentesca: da Edgar Varèse ad 

Aphex Twin, passando per la musique concrète, Stockhausen, i Beatles e il rap. A volerne 

rintracciare la genesi, il suo primo e originario apparire, ci si ritrova tuttavia nel bel mezzo del 

Futurismo italiano e del suo frenetico tentativo di “ricostruire l’universo” a propria immagine e 

somiglianza. 

Nato a Lugo di Romagna nel 1880, Pratella 

fu “il primo musicista che aderì nel ’10 alla 

causa del Futurismo” (D. Nicolodi) e l’autore 

di un famoso e controverso Manifesto dei 

musicisti futuristi in cui lo slancio antiaccademico 

si aggiunge all’aggressione contro 

“i grandi editori-mercanti” e “le opere 

basse, rachitiche e volgari di Puccini e Giordano”. 

Al tempo stesso, e per ragioni che ci 

appaiono a dir poco incomprensibili, l’autore 

esalta però “i tentativi d’innovazione nella 

parte armonica” di Pietro Mascagni e le “tendenze 

novatrici” di Sibelius e di Debussy, 

mentre condanna Richard Strauss “per 

l’aridità, il mercantilismo e la banalità dell’anima 

sua” e omette del tutto di considerare 

“quello che già bolliva in pentola nell’Europa 

musicale del primo Novecento, tra 

Parigi, Vienna e Berlino, da Ravel a Erik Satie 

e Strawinsky, da Hindemith e Bartók a 

Schönberg e alla sua scuola” (L. Rognoni). 

Come autore, Pratella è inoltre ricordato per 

alcune opere ormai desuete come la sinfonia 

Inno alla vita, presentata al Teatro Costanzi 

sotto “una pioggia ininterrotta di verdure, 

di frutta e castagnacci” (F.B. Pratella), 

come il ciclo di danze La guerra (1918) oppure 

il dramma in tre atti L’aviatore Dro 

(1911-14). Descritto da Mario Labroca come 

“un’opera di esasperante dilettantismo, 

basata per giunta su un libretto di inverosimile 

bruttezza”, il “capolavoro” di Francesco 

Balilla Pratella, rappresentato per la prima 

volta nel 1920, ebbe il singolare destino 

di attirarsi dapprima l’ostilità della critica 

fascista (dovuta alla presenza di alcuni episodi 

ritenuti scabrosi) e in seguito le riserve 

di un autore decisamente legato ai destini 

dell’avanguardia europea come Lugi Rognoni, 

che malgrado “le didascalie provocatorie 

e le ‘violenze’ sceniche” intravede 

nell’opera un deplorevole intreccio fra il 

“debussismo all’italiana allora dilagante” e 

“un tessuto armonico e melodico-vocale di 

chiara derivazione verista”. 

Ciò premesso, e pur considerando le occasionali 

convergenze futuriste di Silvio Mix 

(con il balletto Psicologia delle macchine), 

di Virgilio Mortari (temporaneamente arruolato 

al Teatro della Sorpresa), di Luigi

Sotto Luigi Russolo 

in un inedito e “prefuturista” 

Autoritratto con teschi, 1908. 

Olio su tela cm. 67X50, Milano Civico 

Museo d’Arte Contemporanea 

VIVAVERDI 

20 

arte 

Grandi (del quale si ricorda una “meccanocavalcatura 

per orchestra” dal titolo Cavalli 

+ Acciaio 1935) e di Franco Casavola (autore 

di brani come Ranocchi al chiaro di luna, 

La danza delle scimmie e la Danza dell’elica, 

in cui si realizza la stessa compresenza 

di “macchine” e strumenti tradizionali che 

caratterizza il più celebre Ballet mécanique 

di George Antheil), è chiaro che l’esperienza 

di maggiore rilievo, anche in termini storici, 

appare quella legata ai percorsi creativi 

di Luigi Russolo, autore del trattato-manifesto 

L’Arte dei rumori, pubblicato nel 1916, 

e geniale inventore di una serie di nuovi 

strumenti musicali, realizzati con Ugo 

Piatti e noti come Intonarumori o, 

più propriamente, Intonatori di rumori. 

Firmatario, insieme con Balla, Boccioni, 

Carrà e Severini del Manifesto 

dei pittori futuristi e del Manifesto 

tecnico della pittura futurista, 

entrambi del 1910, Russolo debutta 

come pittore. Malgrado la sua 

ammirazione nei riguardi di Pratella, 

è considerato da quest’ultimo 

una sorta di “intruso”, “un non addetto 

ai lavori, estraneo alle problematiche 

musicali” (L. Lombardi). 

E in effetti, si stenta a considerarlo 

un “musicista” nel senso abituale 

del termine, se si considera che 

il catalogo delle sue composizioni 

si costituisce di soli tre pezzi (Risveglio 

di una città, Si pranza sulla 

terrazza del Kursaal e Convegno di 

automobili e aeroplani), tutti eseguiti 

durante il Gran concerto futurista 

realizzato a Milano il 21 aprile 

1914. Nel suo manifesto, Russolo afferma 

tra l’altro che, con l’avvento 

delle macchine, l’orecchio umano è 

divenuto capace di apprezzare la ricchezza 

di un nuovo suono-rumore adeguato “al palpitare 

delle valvole, all’andirivieni degli stantuffi, 

agli stridori delle seghe metalliche, ai 

frastuoni delle ferriere, delle filande, delle 

tipografie, delle centrali elettriche e delle 

ferrovie sotterranee”. Ne consegue, che dopo 

tanti anni in cui Beethoven e Wagner 

“hanno squassato i nervi e il cuore” del pubblico, 

quest’ultimo è ormai sazio di quelle 

effusioni e gode “molto di più nel combinare 

idealmente dei rumori di tram, di motori 

a scoppio, di carrozze e di folle vocianti, 

che nel riudire, per esempio, l’Eroica o la 

Pastorale”. La sua risposta alla “normalità” 

(o banalità) espressiva dell’orchestra tradizionale 

consiste pertanto nell’invenzione 

dell’Intonatore di rumori (brevetto italiano 

n. 142.066 dell’11 gennaio 1914), uno strumento 

azionato da una manovella, il cui aspetto 

è quello di una scatola di varia grandezza (a 

seconda dei meccanismi contenuti) e il cui 

risultato sonoro è amplificato da una tromba 

di grammofono. Nella sua “teoria dei rumori”, 

Luigi Russolo suggerisce l’esistenza di sei 

famiglie fondamentali: 1) Rombi, Tuoni, Scoppi, 

Scrosci, Tonfi, Boati; 2) Fischi, Sibili, Sbuffi; 

3) Bisbigli, Mormorii, Borbottii, Brusii, 

Gorgoglii; 4) Stridori, Scricchiolii, Fruscii, 

Ronzii, Crepitii, Stropiccii; 5) Rumori ottenuti 

a percussione su metalli, legni, pelli, pietre, 

terrecotte, etc.; 6) Voci di animali e di uomini, 

Gridi, Strilli, Gemiti, Urla, Ululati, Risate, 

Rantoli, Singhiozzi. Dopo una fugace 

“anteprima” al Teatro Storchi di Modena (2 

giugno 1913), l’esordio ufficiale dei nuovi 

strumenti avviene al Teatro Dal Verme durante 

una “serata” conclusa da una rissa memorabile, 

con “duelli di pugni” e intervento finale 

della forza pubblica. Il 20 maggio si svolge 

una seconda esecuzione “coll’orchestra di 

Intonarumori” al Politeama di Genova, “dove 

il contegno del pubblico non fu assurdo e 

indecoroso come a Milano” (L. Russolo). Nel 

giugno dello stesso anno, il compositore viene 

infine chiamato al Coliseum di Londra per 

un ciclo di dodici concerti coronati, questa 

volta, da un incredibile successo. In quell’occasione, 

Luigi Russolo incontra Igor 

Strawinsky e pone le premesse per una 

serie di incontri con Marinetti, Balla, 

Boccioni, Carrà, Pratella e Russolo che 

ebbero luogo nel marzo del 1915 nella 

famosa Casa rosa di Marinetti, a Milano, 

e ai quale presero parte anche 

Diaghilev, Massine e Prokof’ev. 

Secondo i futuristi, Strawinsky – che 

suonò il suo Uccello di fuoco a quattro 

mani con un pianista russo – si 

divertì moltissimo e promise di organizzare 

il debutto dei “rumoristi” 

a Parigi. In realtà, l’unico effetto 

concreto fu un breve sodalizio con 

Fortunato Depero, che diede vita, fra 

il 1916 e il 1917, a due allestimenti 

del Canto dell’Usignolo e dei Fuochi 

d’artificio. Nelle sue Conversazioni 

con Robert Craft, pubblicate nel 

1958, il grande compositore dedica 

tuttavia ai futuristi italiani alcune 

pagine di grande interesse: di Giacomo 

Balla ricorda, per esempio, che 

abitava nei pressi dello zoo di Roma, 

tant’è che in casa sua “si udivano 

ruggiti di animali feroci così come a 

New York, in una stanza d’albergo, 

si sentono i rumori di strada”; delle serate 

in casa di Marinetti descrive invece i “cinque 

grammofoni [ossia gli Intonarumori] 

disposti su cinque tavolini in una grande 

stanza pressoché vuota” che emettevano “rumori 

digestivi, statici, etc., notevolmente 

simili alla recente musique concrète (quindi, 

dopo tutto, erano forse realmente “futuristi”; 

o forse i futurismi di oggi non lo 

sono abbastanza)”.

VIVAidee 

VIVAVERDI 

21 

RIFLESSIONI DOC 

IL TERZO POLO 

È NATO 

E SI CHIAMA SKY 

di Linda Brunetta 

Ormai le reti generaliste Rai e Mediaset si 

guardano e si controllano a vicenda, 

organizzando i palinsesti senza rischiare 

niente sulla qualità e sulla 

sperimentazione televisiva. Così 

l’emittente satellitare Sky, di proprietà del 

magnate australiano Rupert Murdoch, è 

riuscita a fare breccia nei gusti del 

pubblico più giovane, con proposte 

innovative, non solo sullo sport e sulla 

fiction. Ad esempio SkyTg24 ha un ritmo 

iperveloce e una forte visualità. Sky sta 

puntando pesantemente sui contenuti, 

riuscendo ad attrarre nella sua orbita star 

come Fiorello. Però la Pay tv 

multinazionale ancora nicchia sui diritti 

per lo sfruttamento delle opere degli 

autori 

Tempo di nomine Rai. Si riapre la stagione 

e sbocciano come le gemme sui rami secchi 

degli alberi i nomi dei candidati a consigliere 

d’amministrazione, presidente e direttore 

generale dell’azienda pubblica. Forse, ma 

sottolineo forse, quando uscirà questo numero 

tutte le nomine saranno già state fatte, 

commentate, digerite e finalmente in Rai 

si potrà parlare di programmi, palinsesti, 

futuro e piani editoriali, con dirigenti saldamente 

seduti sulle loro poltrone e quindi 

in grado di decidere e di assumersi le loro 

responsabilità, perché è di questo che 

qualsiasi azienda ha bisogno per sopravvivere 

e soprattutto per crescere. E’ da troppo 

tempo invece che si sopravvive, a parte 

rare eccezioni, riproponendo stancamente 

i palinsesti dell’anno prima, con la scusa che 

“del doman non v’è certezza” e nella consapevolezza 

che in un regime di duopolio senza 

una reale concorrenza con Mediaset non 

ci sia alcuna necessità di inventarsi niente, 

tanto il pubblico ha poco da scegliere: tutti 

ormai parlano di Raiset, alludendo alla piatta 

somiglianza fra i programmi delle reti generaliste. 

Nel frattempo è innegabile che il terzo polo 

è nato da un pezzo, e si chiama Sky: 4 milioni 

e 700mila abbonati, 9 per cento di share, 

senza considerare la percentuale di persone 

che attraverso Sky guardano le reti Mediaset 

o Rai. Dato che ogni punto di share 

vale milioni di euro sul piano della pubblicità, 

Sky è diventato il “nemico” che Rai e 

Mediaset devono affrontare insieme, con 

tutti i mezzi, assai ampi a disposizione, ma 

mai con l’unico mezzo che darebbe un impulso 

al mercato, cioè la qualità dell’offerta. 

Sembra invece che la mancanza della qualità 

nell’offerta venga da anni difesa con ottusa 

ostinazione da parte delle reti generaliste, 

avvitate su se stesse, che stanno invecchiando 

precipitosamente. Si assiste infatti 

ad una imbarazzante involuzione delle 

proposte e un crescente pubblico in possesso 

di decoder sta imparando a fruire in 

modo più personale e partecipato della televisione, 

decisamente meno passivo. E’ anche 

curioso il disinteresse da parte delle reti 

generaliste per il pubblico giovane, con la 

scusa che è poco consistente sul piano numerico, 

ma sembra invece molto interessante 

per gli inserzionisti pubblicitari. Il 

pubblico giovane si sta avviando a guardare 

la televisione in modo completamente diverso, 

perché il pubblico giovane sceglie e 

se non trova quello che vuole in tv, naviga, 

si informa attraverso internet, comincia ad 

accorgersi cosa c’è nel resto del mondo. Per 

esempio una volta che ci si abitua ai ritmi di 

SkyTg24 è difficile tornare ad informarsi con 

altri tg. Anche se a giugno la Rai insieme a 

Mediaset e Telecom alleate hanno in progetto 

di uscire da Sky creando una piattaforma 

satellitare alternativa, non hanno speranze 

di ridurre l’impatto del terzo polo se 

non capiranno che è sui contenuti che Sky 

sta suscitando l’interesse del pubblico, contenuti 

innovativi, originali con quel tanto di 

sperimentazione che crea curiosità, aspettative. 

E’ questa la vera forza attrattiva anche 

sulle star come Fiorello e molti altri, fra 

conduttori e comici. Si spera che il terzo polo, 

che fino a poco tempo fa è riuscito a crearsi 

un pubblico con il calcio, con le serie americane, 

ma anche con proposte di fiction innovative 

senza bisogno di ricorrere a volti 

conosciuti, anzi proponendone con successo 

di nuovi, non ricada nel vizio di giocare 

solo sulle facce, dimenticandosi che sono 

state le idee il suo punto di forza. 

In ogni caso l’ingresso nel mercato italiano 

del potente straniero Murdoch è servito a 

smuovere le acque stagnanti del panorama 

televisivo e proprio in questo momento di nomine 

di amministratori e dirigenti Rai ci sembra 

opportuno e doveroso suggerire, anche 

se sappiamo benissimo che è praticamente 

inutile, di scegliere personalità in grado per 

esperienza, cultura e formazione, di capire 

cos’è e come si fa un prodotto televisivo, perché 

è sul prodotto che si gioca la battaglia, in 

questo caso salutare, con il terzo polo. 

Gli amministratori di Sky, d’altro canto, visto 

che ogni giorno vantano pubblicamente 

guadagni e abbonati in crescita, nuovi investimenti, 

nuovi canali, hanno il dovere di 

adeguarsi alle regole del mercato dove operano, 

corrispondendo agli autori i giusti diritti 

per lo sfruttamento delle loro opere.

VIVAin breve 

a cura di Alberto Ferrigolo 

EDITORIA AUDIOVISIVA, 

2008 CON RUSH FINALE 

Un’impennata di vendite. Tutte nell’ultima 

settimana dell’anno, dal 22 al 28 dicembre: 

900 mila pezzi per oltre 11 milioni di euro, 

ciò che ha consentito di recuperare la flessione 

avuta nel 2008. L’incremento di vendite 

di Dvd e dell’ultimo ritrovato Sony, il 

Blu-ray, è stato del 16 per cento a unità e di 

quasi il 20 per cento a valore rispetto alla 

stessa settimana del 2007. Il solo Blu-ray (il 

lettore ad alta definizione per Tv, evoluzione 

del Dvd) ha conquistato una sempre crescente 

quota di mercato raggiungendo un 

+316 per cento a unità e un +290 a valore, rispetto 

al 2007. Sono i regali di Natale 2008 

last minute più gettonati. “Il pubblico ha fatto 

una scelta precisa, acquistando intrattenimento 

di qualità a basso costo” ha commentato 

Davide Rossi, presidente Univideo. 

MERCATO DISCOGRAFICO /1 

MADE IN ITALY, FATTURATO IN CALO 

2007 negativo per la discografia italiana: 

-17 per cento, con il Cd ancora in declino 

mentre cresce (+26 per cento) il download 

da Internet; la telefonia mobile rallenta. 

Secondo Deloitte il mercato discografico nostrano 

ha fatturato nel 2007, tra offerta tradizionale 

e digitale, oltre 211 milioni di euro 

(-17 per cento sui 253 milioni del 2006). 

Le confezioni vendute sono state 23,2 

milioni contro 26 milioni del 2006 (-11 per 

cento). Pesa ancora il declino del Cd album 

(-18 per cento, fermo a 195 milioni di euro 

sui 236 milioni del 2006). Sul fronte nuove 

tecnologie continua la corsa del download 

da Internet (+26 per cento raggiungendo i 5,5 

milioni di euro contro i 4,4 del 2006). È invece 

salito del 43 per cento il consumo di album 

su web, con una forte ripresa dell’album 

sul singolo, salito invece del 18 per cento. 

MERCATO DISCOGRAFICO /2 

VANNO STREAMING E VINILE 

È più che triplicato nel 2007 lo streaming 

dei video sul web. Da solo raggiunge il milione 

di euro di ricavi, considerando che si 

tratta per lo più di videoclip gratuiti per il 

consumatore finale. Considerevole anche la 

crescita dell’”album in vinile” che ha fatto 

registrare un incremento del fatturato di oltre 

il 250 per cento. Ma attenzione a parlare 

di ritorno al vecchio, caro vinile: si tratta 

solo d’una “tendenza”: il vinile rappresenta 

appena lo 0,2 per cento del valore dell’intero 

mercato audio (i Cd sono il 91 per 

cento del fatturato italiano). 

STATI UNITI, 

PER IL CD 

È UNA VERA 

CAPORETTO 

Secondo una rilevazione 

“Nielsen 

Soundscan” per il 

2008 i dati di 

vendita musicale 

per gli Stati Uniti 

fanno registrare 

-14 per cento di 

Cd venduti sul 

2007. Al contrario, crescono i download legali 

(+27 per cento per le singole canzoni 

digitali) e si registra un vero e proprio boom 

dei vinili (+89 per cento). Le percentuali 

in sé non sono sufficienti a definire la situazione: 

pur in caduta libera, i Cd occupano 

ancora la stragrande maggioranza del 

mercato. Negli Usa, nel 2008, ne sono stati 

venduti 361 milioni contro i 2 milioni 

scarsi di vinili. Il best seller dei vinili, ad 

esempio – Rainbows dei Radiohead – sfiora 

appena le 26 mila copie (poco davvero) 

contro gli oltre 2 milioni di Cd smerciati 

degli album di Lil Wayne e Coldplay. 

“DARK 

KNIGHT”, 

PECORA 

NERA 2008 

Vista dalla 

parte dei diritti 

e delle 

perdite economiche 

ingenti, 

è il film 

dello scomparso 

Heath 

Ledger quello 

che si aggiudica 

il titolo negativo 

di pellicola 

più scaricata in modo illegale: 7 milioni 

di clic. Se si fossero regolarmente versati 

i diritti, quale sarebbe stato il guadagno 

per i suoi autori e per tutta la lunga filiera 

industriale e culturale? 

BANDA LARGA, 

ITALIA IN RITARDO 

Paradossale ma vero. 

L’Italia rischia di perdere 

il treno dell’innovazione 

nelle tlc, 

settore che rappresenta 

oltre il 41 per 

cento del Pil nazionale, 

con un fatturato di 

circa 45 miliardi di euro. I dati non sono confortanti: 

alla fine del primo semestre 2008 la 

penetrazione della Banda larga sul territorio 

nazionale raggiungeva appena il 18,5 per cento 

della popolazione (in Europa la media è del 

24, con punte oltre il 30 nei Paesi del Nord). 

UE IN LOTTA 

CONTRO LA PIRATERIA 

I ministri europei della cultura vogliono

trovare una soluzione comune al problema 

della pirateria online, che violando i diritti 

d’autore consente uno scambio di film e musica 

tra milioni di utenti. Soluzione? 

“Concertata”. Ovvero, favorire la nascita di 

un’offerta legale “equa e proporzionata” di 

prodotti coperti da copyright per combattere 

lo smercio illegale. 

NEW YORK, 

NON PASSA 

LA IPOD TAX 

Il dibattito sulla musica 

online e sul come 

arginare la caduta 

degli introiti è ampio 

e variegato. Nello 

Stato di New York c’è 

poi chi ne approfitta 

per risanare le casse 

dell’amministrazione. 

Il governatore David Paterson ha pensato 

di istituire una tassa del 4 per cento su 

ogni canzone scaricata da Internet e su ogni 

altro contenuto digitale. Questo importo farebbe 

però salire il prezzo delle singole canzoni, 

che ammonta a 99 centesimi per brano. 

L’obiettivo non è salvaguardare 

l’industria e il settore musicale, quanto sanare 

un “buco” nelle casse dello Stato di circa 

15 milioni di dollari. Peterson ha anche 

previsto la tassazione dei biglietti cinematografici. 

Ma contro l’iPod tax la levata di 

scudi è stata immediata. 

MICROSOFT AFFILA 

LE UNGHIE 

CONTRO APPLE 

Annunciato un nuovo 

progetto targato 

Microsoft, stavolta 

però lontano dal web: 

aprire una catena di 

negozi con il proprio 

marchio. Una mossa 

inaspettata in tempi 

di crisi e una sfida al 

mercato, senza dimenticare che il primo 

concorrente diretto sarebbe Apple e la sua 

catena di più di 200 store in tutto il mondo. 

Redmond sente la pressione del competitor 

e vuole subito far fronte a una crescente concorrenza 

da parte di Apple, che sta ampliando 

la propria fetta di mercato dei personal 

computer e domina largamente il settore dei 

lettori di mp3 con la super-linea iPod. 

Microsoft può far leva su un ottimo mercato 

del videogaming, che nel 2008 ha visto la 

vendita di più di 300mila console Xbox 360 

nei soli Stati Uniti. 

VIDEOCASSETTE, 

IL MITO SI È 

DISSOLTO 

Il Vhs ci ha lasciati. 

Dopo più di trent’anni 

d’attività, la prima 

“tecnologia del desiderio” 

che ha cambiato 

sul pianeta il 

consumo di film, 

sport e documentari 

sulla tv di casa, le videocassette 

sono andate 

in pensione. Antiquariato. Soppiantate 

da Dvd e videostreaming. Negli Stati Uniti, 

alla vigilia di Natale ha chiuso anche l’ultimo 

distributore. La Sony mise in commercio il 

Betamax, primo sistema di videoregistrazione 

economico, semplice ma di alta qualità 

il primo giugno 1975. L’anno successivo 

arriva il Vhs (Video home system) che 

vince il duello con Betamax: costa meno e 

può registrare fino a 4 ore. Nel 1997 irrompe 

sul mercato il Dvd (Digital versatile disc) 

che ha subito un enorme successo e conquista 

il mercato. Nel 2006 Hollywood ha distribuito 

l’ultimo film in Vhs: A history of 

violence di David Cronenberg. 

SVEZIA, C’È ANCHE 

IL PARTITO 

DEI PIRATI 

Si chiama Pirat 

Partiet ed è parte del 

fronte progressista 

svedese. Rivendica “i 

diritti della Rete”, 

che poi sono il suo 

uso gratuito in barba 

ai diritti degli autori. 

Si è formato all’inizio 

del 2006 e il suo leader, 

Rickard Falkvinge, un trentenne appassionato 

di informatica, chiede la completa 

liberalizzazione di ogni copyright su Internet 

e l’assoluta libertà della Rete. Alle elezioni 

politiche di quell’anno il Partito Pirata ha 

ottenuto solo (e fortunatamente) lo 0,6 per 

cento. Ma dopo la sua nascita, in Svezia, analoghe 

formazioni si sono costituite anche in 

Spagna, Austria e Germania. Per ora, tra 

l’indifferenza dei più. 

ECCO 

UN’ALTERNATIVA 

ALLA PIRATERIA 

Scaricare musica gratuitamente 

senza per 

questo contravvenire 

alle regole del copyright? 

Si può. E come? 

Musica in cambio di 

pubblicità. Ci sono siti, anche in Italia, che 

lo consentono. Il più popolare è 

www.downlovers.it con un catalogo ricchissimo. 

Oppure se ci si vuole rivolgere al mercato 

internazionale c’è www.we7.com, ispirato 

da Peter Gabriel. E per chi ama la musica 

indipendente e i contenuti user generated 

c’è www.discollective.com. Gli introiti pubblicitari 

servono a pagare i diritti per gli autori. 

GOOGLE RICONOSCE 

IL DIRITTO D’AUTORE 

L’Association of American Publishers e Google, 

il principale motore di ricerca al mondo hanno 

raggiunto un’intesa che consentirà di rendere 

accessibili online, negli Usa, milioni di 

libri e altri testi scritti protetti dal copyright. 

L’accordo, ancora soggetto a verifica e approvazione 

da parte della U. S. District Court per 

il Southern District of New York, promette benefici 

a lettori e ricercatori, incrementando 

per autori ed editori la possibilità di distribuzione 

dei loro contenuti in forma digitale e ampliando 

l’accesso alle opere mediante Google 

Ricerca Libri. L’accordo riconosce i diritti e gli 

interessi dei titolari e fornisce loro strumenti 

per controllare le modalità d’accesso online 

alle loro proprietà e verificare i compensi ottenuti.

VIVAVERDI 

24 

televisione 

Nella pagina accanto da sinistra 

Francesco Facchinetti, Mara Majonchi, 

Simona Ventura e Morgan (nome d’arte 

di Marco Castoldi) protagonisti del 

fortunato talent show iniziato su Rai2 

il 3 marzo 2008. 

Foto ©Photomovie-Marco Rossi, 

Ufficio Stampa Rai 

XFACTOR/INTERVISTA A MARA MAJONCHI 

“L’ARTISTA VA CURATO 

SENZA MANDARLO ALLO SBARAGLIO” 

di Oscar Prudente 

Promozione, edizioni musicali, direzione artistica, produzione: pochi possono vantare una 

conoscenza del settore musicale approfondita come quella di Mara Majonchi, passata dal 

(relativo) anonimato di cui godono coloro che guidano la “macchina” musicale alla popolarità 

televisiva di X-Factor, il format considerato alla stregua di una nuova fucina di talenti futuri - 

quasi fosse una sorta di audizione collettiva. Il giudice delle qualità dei giovani cantanti l’ha 

fatto per anni in privato, aiutando e costruendo la carriera di tanti protagonisti della musica 

italiana, da Gianna Nannini a Tiziano Ferro. Ecco un suo ritratto, con intervista, firmato da uno 

La sua carriera, come spiega lei stessa, non 

era però partita dalla musica: “Terminata la 

scuola, mio padre disse: a 18 anni si lavora 

o si studia, non è che si sta a casa a far niente. 

Allora andai a lavorare, decisi che lo studio 

non era fatto per me. Nel ‘59 iniziai alla 

Saima, di Bologna, una società di spedizioni 

internazionali: facevo la stenodattilografa 

normale. Ma la mia aspirazione era Milano: 

pensavo che allora fosse veramente la 

patria del poter fare tutto quello che uno voleva, 

rappresentava veramente la speranza. 

Vi arrivai senza la valigia di cartone ma andando 

ad abitare da mia sorella - che nel 

frattempo si era trasferita a Milano, perché 

mio cognato era ingegnere alla Montedison 

- e cominciai a cercare vari lavori. Prima ho 

lavorato in un’azienda che faceva anticrittogamici: 

facevo le relazioni sui ragni, sulle 

locuste. Un’esperienza molto divertente tra 

gli entomologi, professori che si dedicavano 

all’agricoltura per difenderla dagli animali 

nocivi. Da lì sono passata agli impianti 

antincendio, alla Caccialanza, una società 

che produceva estintori idrici e a schiuma: 

lavoravo coi pompieri in campagna, dove 

avvenivano le dimostrazioni. Dopodiché 

un giorno leggo sul Corriere della sera: cercasi 

segretaria per l’ ufficio stampa di una 

casa discografica: era l’Ariston e correva 

l’anno 1967. Ho scritto, ho telefonato, mi 

hanno dato un appuntamento e Alfredo Rossi 

- un uomo molto in gamba e da cui ho im- 

storico amico della Numero Uno, la leggendaria etichetta di Nanni Ricordi. 

parato molto - mi ha assunta. Facevo l’ufficio 

stampa; andai persino a Sanremo con Ornella 

Vanoni che cantava Casa bianca in coppia 

con Marisa Sannia. Finché nel ’69 Lucio 

Battisti e soprattutto Mogol mi fecero la 

proposta di andare all’ufficio stampa della 

Numero Uno, appena nata da un distacco in 

massa dalla Ricordi di Battisti, Mogol, Sandro 

Colombini e Franco Daldello, dove mi 

sono molto divertita. Erano altri tempi, erano 

etichette italiane piccole ma che facevano 

un ottimo lavoro. Dopo la Numero Uno 

ho lavorato alla Ricordi e alla Fonit Cetra, 

mai nelle multinazionali. Alla Ricordi, prima 

della direzione artistica, ho lavorato alle 

Edizioni (Gianna Nannini è nata con me 

dal reparto editoriale). Un settore importante 

perché lì ho imparato a conoscere come 

si lavora sulle canzoni, non direttamente 

ma lavorando con gli autori, capendo come 

si strutturano, trovando la canzone adatta 

all’interprete, lavorando con i cantautori. 

L’aspetto fondamentale della musica leggera 

è la Canzone, senza la quale non accade 

nulla. Non è che noi ricordiamo i Beatles 

perché erano giovani, erano belli, erano 

divi, erano bravi, ma perché hanno sfornato 

cinquanta canzoni una più bella dell’altra”. 

E dopo la “Ricordi”? 

Mi sono messa a produrre in proprio, e con 

mio marito (Alberto Salerno, autore tra 

l’altro di Io Vagabondo, ndr) abbiamo costituito 

la “Nisa”: tra le produzioni voglio ricordare 

soprattutto Tiziano Ferro, che ha 

rappresentato un altro periodo molto divertente 

della mia vita. Con lui abbiamo avuto 

un lungo periodo di preparazione, lo abbiamo 

scoperto all’Accademia di Sanremo nel 

’98, abbiamo lavorato per circa tre anni e nel 

2001 è uscito: è stato un dilagare, come rompere 

una diga. 

E’ bello che un artista agli esordi si metta a 

disposizione per tanto tempo, ed è raro… 

Sì, è molto raro. Noi lo abbiamo amato molto 

artisticamente, forse questo ci ha permes-

so di stare insieme. Noi credevamo fermamente 

che Tiziano avesse la possibilità di 

avere un grandissimo successo, anche se nel 

momento in cui lo abbiamo trovato era ancora 

molto confuso, nello scrivere non era 

così preciso, doveva ancora determinarsi. 

Questo succede a tantissimi. Ma lui ci ha 

sempre creduto: un ragazzo di neanche vent’anni 

che però aveva la forza di sentirsi dire 

di no e di fare avanti e indietro tra Milano 

e Latina per tre anni con una determinazione, 

una voglia di colpirci, di farci capire 

e dimostrare che era forte. E questo noi lo 

immaginavamo ma non sapevamo fino a che 

punto: è stato un uomo che si è veramente 

guadagnato quello che ha, nessuno gli ha regalato 

niente. 

Poi, dopo Tiziano? 

Abbiamo creato una nuova “etichetta” la 

“Non ho l’età”. Stiamo lavorando su giovani 

talenti e - come purtroppo dimostrano i 

fatti - sono lenti da lavorare ed è sempre più 

difficile. Nel mondo si è ormai sentito tutto: 

essere originali e avere un grande talento 

non è facile. 

Come è arrivata ad X Factor? 

Io non conoscevo il format inglese che invece 

in Inghilterra funzionava molto bene 

già da tre anni, inventato da Simon Cowell, 

che è un grande produttore discografico. Per 

l’edizione italiana cercavano i personaggi 

per fare i giudici e fui contattata dalla Sony, 

che è una dei proprietari del format a livello 

mondiale: mi dissero che mi avevano segnalato 

alla Magnolia (società di produzione 

televisiva indipendente, ndr) perché tra 

i discografici gli sembrava fossi uno di quelli 

che facevano più casino. Insieme ad altri 

addetti ai lavori ho fatto il casting alla Magnolia 

e naturalmente hanno messo anche 

- giustamente - Simona Ventura per dare 

credibilità, dato che era l’unica di noi ad avere 

un nome tanto da far accendere la televisione 

alle signore, perché per me e Morgan 

non l’avrebbero accesa di sicuro.

Mara Majonchi produttrice discografica 

(Ariston, Numero Uno, Dischi Ricordi, 

Fonit-Cetra. Nel 1983 ha fondato col 

marito Alberto Salerno la NISA) uno dei 

tre giudici di XFactor. 

VIVAVERDI 

26 

televisione 

Dopodiché abbiamo cominciato a lavorare 

ed è andata abbastanza bene, anche se all’inizio 

non è che gli ascolti fossero stati allettanti. 

Poi pian piano il programma ha preso 

corpo e pur non avendo ascolti eccezionali 

era finito in crescendo; quest’anno abbiamo 

ripreso e mi sembra che gli ascolti ripaghino 

della fatica. Devo dire che nella 

scorsa edizione abbiamo avuto anche una 

grande fortuna: il successo di Giusy Ferreri, 

che è la ragazza che è arrivata seconda. 

Lei poi ha avuto capacità, fortuna e soprattutto 

è stato determinante l’incontro con Tiziano 

Ferro (autore della canzone Non ti scordar 

mai di me, ndr), perché come io credo fermamente 

sono le canzoni a fare la differenza. 

In una delle prime puntate mi è sembrato 

che ci sia stato troppo gioco, troppa recitazione 

e poca musica. Più che una competizione 

fra cantanti sembrava una competizione 

fra di voi... 

È vero! All’inizio ha avuto questa caratteristica, 

sulla quale non sono assolutamente 

d’accordo. Non siamo in gara fra di noi: se 

vince una cantante del gruppo di Simona e 

vende 300mila copie sono molto felice perché 

vuol dire che il mercato può ancora assorbire 

dei dischi in quantità notevole; se 

abbiamo dato questa sensazione, secondo 

me abbiamo sbagliato. Io non mi sento assolutamente 

in competizione con Morgan 

né con Simona: credo che in competizione 

siano gli artisti che sono su quel palco, sempre 

tenendo in considerazione il fatto che 

questi artisti sono bravi, ma che cantano successi 

conclamati. Per cui la verità è che bisogna 

stare loro il più vicino possibile, cercare 

di capirne il più possibile le caratteristiche 

per potergli dare delle canzoni che 

siano giuste per loro. 

Anche perché assegnando agli interpreti 

canzoni magari belle ma non adatte al loro 

stile si corre il rischio di mandarli in crisi. 

Tant’è vero che la concorrente Ambra Marie 

ha detto: “Sono disposta a migliorare, ma 

non cercate di cambiarmi: la cosa più brutta 

è quando ti tolgono quello che sei”. 

Ha ragione! Infatti io ho contestato e contesto 

il fatto che il cantante debba subire le 

nostre scelte, non sono assolutamente 

d’accordo. Noi dobbiamo capire chi è l’artista 

ed aiutarlo a migliorare nella sua condizione, 

altrimenti facciamo gli artisti noi. Per 

esempio, i “Bastard sons of Dioniso” io li ho 

messi su quella strada perché loro mi hanno 

dato un’indicazione di vita, di situazioni, 

ho chiesto loro che musica suonavano, 

cosa suonano adesso ecc. Dopodiché faranno 

un pezzo lento, perché nella loro evoluzione 

c’è anche quello: io cerco di seguirli 

per quello che loro sono e che saranno; e non 

si riconosceranno né nelle canzoni di Cat 

Stevens, né nei Clash... Non bisogna cambiarli, 

non bisogna metterli alla prova. Io 

trovo sbagliato che un interprete, in quanto 

tale, debba cantare qualsiasi cosa, come 

sostiene Morgan. 

Ho avuto l’impressione che ci sia stata una 

volontà di preoccuparsi troppo del look dei 

concorrenti, del loro modo di muoversi e di 

stare in scena, forse in virtù di una ricerca 

di un maggior impatto televisivo. Ma tutto 

questo fa bene alla canzone e alla musica in 

genere? Ad esempio, c’era proprio bisogno 

di trasformare una ragazza talentuosa ma 

semplice come Noemi in una hippie di 

woodstockiana memoria? 

Infatti, se tu hai sentito il mio commento, 

io mi trovo d’accordo con la Ventura che ha 

detto: non serve a niente tutta quella fuffa, lei 

(Noemi, ndr) canta bene. 

Poi per mio principio io ascolto tutti perché 

è da stupidi dire no subito. Però io 

ho visto nel 1988 un concerto dei Pink 

Floyd - uno dei loro ultimi concerti in 

Australia, coadiuvati da musicisti locali – 

ed era tutto molto semplice, solo luci posizionate 

con maestria e David Gilmour che, 

con una camicia a righe da bancario qualsiasi 

e un paio di pantaloni anonimi, suonava la chitarra 

e t’incantava. L’artista deve cantare e 

suonare. Io ho commesso un errore e lo 

dichiaro, non ho paura a dichiararlo perché 

sull’argomento coreografico-televisivo 

sono ignorante. Ma per 

esempio prendi le “Sisters of 

Soul”: in una puntata la prima 

di loro è partita in grande difficoltà 

perché ha cantato sdraiata. E’ 

stato un errore perché cantando 

sdraiati la vocalità è molto più complessa, 

più difficile. Forse Aretha 

Franklin canta anche così, ma una 

ragazza di 19 anni, ancora agli inizi... 

abbiamo fatto una sciocchezza. 

Quindi voi guardate le coreografie 

prima delle esibizioni? 

Le conosciamo il giorno prima. Il sabato sera 

vado alle prove e vedo le coreografie. L’anno 

scorso mi ero rifiutata su certe situazioni di avere 

il ballo, le scenografie strane: è stata un’aggiunta 

fatta quest’anno, ed è un rischio perché 

non si può pensare che un artista alle 

prime armi canti bene, entri 

nella canzone, balli bene... 

quello lo fa Madonna, 

che ha 50 anni, una 

grandissima carriera alle 

spalle e si diverte. Io 

sono un po’ lenta nel capire, 

per principio ho 

rispetto del lavoro degli 

altri, ma quando arrivo 

sono decisa: credo che 

modificherò 

certe cose. 

Ufficio Stampa Rai ©Photomovie Marco Rossi

X FACTOR 

SE LA CANZONE POPOLARE 

DIVENTA IL SOTTOFONDO 

PER UNA SFIDA DA COLOSSEO 

di Gianni Minà 

VIVAVERDI 

27 

Povera musica popolare, messa in crisi dalla 

mancanza di prospettiva di quelle che erano le 

case discografiche, dall’insipienza e dall’arroganza 

di molte delle radio che dicono di sostenerla 

e infine schiacciata dall’uso che ne fanno 

adesso i network televisivi. 

Una volta la musica che la gente cantava era la 

regina della programmazione televisiva, serviva 

addirittura a rialzare l’audience, quando in 

uno studio di intrattenimento o divulgazione 

magari si sbrodolavano parole. 

Entrava un cantante e subito si impennavano i 

picchi d’ascolto. Adesso, spesso, un interprete 

per poter farsi ascoltare deve mortificarsi in 

un reality show. 

E’ successo, per esempio, a Fausto Leali, una 

delle voci più belle ed intriganti del nostro mondo 

della canzone. Ma c’è di peggio: non solo nel 

poco spazio riservato alla musica popolare si 

privilegia il personaggio, magari un po’ stonato, 

all’artista dalla voce indiscutibile, ma addirittura 

si ha l’impressione che nei programmi, 

in teoria basati sulla forza dei brani e dell’interpretazione, 

si preferisca la capacità di lite dei 

giurati, più o meno adeguati ad esprimere un’opinione, 

all’esecuzione stessa del brano. 

Insomma, molte volte, in programmi come 

Amici di Maria De Filippi o lo stesso XFactor, 

si ha l’impressione che la musica popolare, in 

teoria protagonista dello show, debba essere, o 

sia, un riempitivo inutile fra una polemica, una 

baruffa e una filippica. 

E’ vero, in questi spettacoli ci sono troppe volte 

veri dilettanti allo sbaraglio, che però vengono 

esaltati “per come si muovono o si propongono” 

come fossero future madonne o Amy 

Winehouse, indipendentemente dal timbro e 

dalla quadratura del loro canto, ma quando si 

vedono scartare quelle poche voci intonate e 

indiscutibili, selezionate a quelle trasmissioni 

che sembrano circhi della musica, capisci 

che la canzone, specie quella d’autore, è in ostaggio. 

E’ solo una scusa per ricreare uno spettacolo 

da Colosseo, dove tutto sia ammesso e scorra 

possibilmente il sangue. 

Chiedo scusa se mi sbaglio agli autori di questa 

Molto spesso, le trasmissioni in televisione sembrano circhi della musica in cui la canzone, specie quella 

d’autore è in ostaggio o pare un riempitivo 

tv detta innovativa, ma giuro che l’impressione 

che se ne trae è questa. 

XFactor sembra più propenso a lasciarsi travolgere 

dalla musica, ma se poi per “esigenze di 

ritmi televisivi” (che non sono state mai dimostrate) 

mortifichi le canzoni, riducendone la 

durata quando le eseguono i giovani concorrenti 

e facendo spesso perdere (essendo brani 

famosi) il fascino della loro costruzione, certo 

non fai del bene all’educazione musicale dello 

spettatore e alla formazione del suo gusto. 

Già il titolo, XFactor (un format di intenzioni 

“guerresche” nato ovviamente negli Stati Uniti), 

presuppone che il successo possa venire da 

un elemento inaspettato, inedito, non dalla propria 

bravura. Qualche volta è così, non lo nego, 

ma quell’artista rivelatosi per un fattore x, quasi 

sempre non dura più dello spazio di un paio 

di stagioni, se non gli hanno insegnato a puntare 

sulla qualità. 

Per questo il tono più giusto di questi spettacoli, 

dove la musica popolare o il ballo moderno 

sono troppo spesso equiparati al numero della 

“donna cannone”, mi pare quello di Mara 

Majonchi, antica combattente per la difesa della 

musica popolare, che svicola dalle situazioni 

a volte grottesche di XFactor, con l’ironia della 

sua terra emiliana e la saggezza di chi nello 

spettacolo ha già visto tutto. 

E’ la stessa via che ha scelto per il Festival di 

Sanremo Don Chisciotte Paolo Bonolis, con il 

suo Sancho Panza Luca Laurenti. 

Anche al cinquantanovesimo Festival la musica 

popolare non è riuscita ad uscire completamente 

indenne dalla mortificazione a cui, da 

qualche tempo, è condannata in tv. 

Ma credo che il “varietà” messo in piedi da Bonolis, 

a piccole pillole fra un brano e l’altro, non 

le abbia nuociuto più di tanto e abbia semmai 

salvato una qualità di canzoni decisamente mediocre. 

Il fatto, poi, che Bonolis abbia scelto solo o prevalentemente 

ospiti italiani di valore, che han- 

no fatto la storia della nostra canzone, è servito 

a ricordare che la musica popolare, nel nostro 

paese, è esistita e non è morta, e che questa 

costatazione può aiutare il mondo dei nostri 

autori ad uscire dal deserto creativo nel quale 

i manager del disco, spesso esageratamente 

colonizzati dalle mode e dall’insipienza e dai ricatti 

delle radio che vivono di musica, hanno 

relegato la nostra canzonetta. 

Il problema, semmai, in queste gare da arena, 

è il cosiddetto televoto che, in generale, così come 

viene utilizzato ora, non sembra affidabile 

e può sciupare le migliori intenzioni o iniziative 

interessanti come il concorso Sanremofestival 

59, basato sull’ascolto di canzoni di esordienti 

tramite web. 

Il fatto è che nelle canzoni di oggi si parla e non 

si canta, senza avere neanche la sincerità dei 

veri rap. Sono rap all’amatriciana, che fanno 

forse sentire moderni, ma sono molto lontani 

dall’essere il parto di un artista. 

Canzoni dignitose già ce n’è poche, con melodie 

senza respiro, ritmi che sono improbabili 

copie di quelli alla moda in quella stagione a 

Londra o a Los Angeles e testi non solo con tutti 

gli accenti sbagliati e le parole storpiate per 

farle entrare nei tempi della musica, ma di una 

banalità disarmante. 

Far giudicare, come nella classifica finale del 

59° Festival di Sanremo, questo materiale con 

il televoto di giurati divisi per età, come se i giovani 

sotto i venticinque anni fossero una specie 

protetta e i vecchi sopra i quaranta anni persone 

solo malate di nostalgia, è un servizio pessimo 

alla musica popolare. 

Il caso di Giusy Ferreri, che non ha nemmeno 

vinto a XFactor ma ha poi venduto 600.000 copie 

della sua canzone, è emblematico. 

Il televoto, insomma, per come è organizzato 

adesso, e per i risultati che ha dato al 59° Festival, 

non è uno strumento per giudicare la musica 

popolare, ma un congegno per metterla ancora 

più in crisi di credibilità.

VIVAVERDI 

28 

cinema 

BERLINO 

I PRODOTTI ITALIANI 

RELEGATI IN CUCINA 

di Mimmo Rafele 

Difficile parlare di questa 59° edizione della 

Berlinale a un pubblico italiano, ancora 

di più a un pubblico di ‘addetti ai lavori’ come 

quello di VivaVerdi. Difficile rendere 

conto di un festival internazionale che presenta 

un numero enorme di film (più di 100 

nelle rassegne principali, Concorso, Panorama 

e Forum, e almeno altri 300 nelle sezioni 

collaterali) provenienti da ogni angolo 

del pianeta, in mezzo ai quali il cinema 

italiano semplicemente non esiste. Lo sapevamo 

da quando all’indomani della presentazione 

del programma, il sottosegretario 

allo spettacolo Francesco Giro aveva accusato 

il direttore Dieter Kosslick di avere 

colpevolmente dimenticato i nostri film, accusa 

rispedita al mittente con una semplice 

e crudele motivazione: non ce n’era nemmeno 

uno che meritasse di essere proiettato 

sui numerosi schermi del festival. Pare 

che andrà meglio a Cannes: a sentire le prime 

indiscrezioni, sulla Croisette l’Italia dovrebbe 

invece essere ben rappresentata. Alla 

fine, però, spulciando il monumentale 

programma della Berlinale qualcosa si trova: 

Terra madre, un bel documentario di Ermanno 

Olmi, e l’ormai ‘vecchio’ (ha già vinto 

un premio a Venezia l’anno scorso, ha fatto 

il giro dei festival di mezzo mondo ed è 

stato uno dei maggiori successi della stagione) 

Pranzo di Ferragosto di Gianni Di Gregorio. 

Entrambi però inseriti nella bizzarra 

sezione Culinary Cinema, in cui i film sono 

Da sempre la Berlinale è molto severa col cinema italiano. 

Quest’anno però il festival tedesco non ha presentato nemmeno 

un film del Belpaese. Sintomo di una crisi reale italica o di un radicato pregiudizio teutonico? 

Forse le due spiegazioni sono entrambe valide. La grande quantità di pellicole mostrate, 

provenienti da ogni angolo del pianeta, è andata, però, a scapito della qualità. Sugli scudi la 

produzione dell’America Latina che ha portato a casa l’Orso d’oro con il peruviano La teta 

asustada di Claudia Llosa e quello d’argento ex aequo con Gigante di Adrian Biniez. 

un pretesto per la presentazione da parte di 

rinomati chef dei loro piatti. Il che è perfettamente 

in linea con l’unico indiscutibile 

successo dell’Italia nel mondo: la cucina, 

appunto. Sono pronto a scommettere che 

Herr Kosslick è un assiduo frequentatore dei 

ristoranti italiani a Berlino, ce n’è più di mille, 

di cui almeno quattro o cinque figurerebbero 

tra i migliori anche in patria. 

Certo faceva un po’ tristezza aggirarsi per i 

vialetti ghiacciati di Potsdamer Platz, il cuore 

della Berlinale, tappezzati di manifesti di 

film in tutte le lingue del mondo meno la 

nostra. Tanto che ho finito per avere un sussulto 

patriottico quando, sotto un titolo francese, 

Eden à l’Ouest, ho visto la bella faccia 

di Riccardo Scamarcio, protagonista del film 

franco-inglese-greco di Costa-Gavras presentato 

fuori concorso alla fine del Festival. 

Non è una novità che la Berlinale sia particolarmente 

severa col nostro cinema, l’anno 

scorso i film italiani si contavano sulle dita 

di una mano, ma almeno ce n’era uno in concorso, 

Caos calmo di Antonello Grimaldi con 

Nanni Moretti protagonista, e, soprattutto, 

l’Orso d’Oro alla carriera era stato assegnato 

al grande Francesco Rosi. E’ questa la realtà? 

Berlino è uno specchio fedele o un riflesso 

distorto del nostro cinema? C’è, in 

generale, un pregiudizio germanico nei confronti 

dell’Italia e della sua cultura? Qualche 

precedente, in effetti, esiste. Qualcuno 

ricorderà una copertina dello Spiegel di qualche 

anno fa che illustrava un reportage sull’Italia 

con la foto di una pistola appoggiata 

su un piatto di spaghetti… O un’antica e mai 

riassorbita ruggine sportiva che risale alla 

mitica semifinale dei mondiali di calcio del 

‘70, Italia-Germania 4-3… Per cercare di 

rispondere a queste domande vado a cena 

(culinary report…) col direttore dell’Istituto 

Italiano di Cultura, Angelo Bolaffi, che 

vive a Berlino da qualche anno e di Germania 

si occupa da sempre. E che mi conferma 

subito che il pregiudizio esiste eccome. 

L’Italiano è generalmente considerato 

disordinato, bugiardello, insofferente alle 

regole, inaffidabile. E fin qui siamo nello

Sotto Claudia Llosa regista del film 

peruviano vincitore dell’Orso d’oro 2009 

“La teta asustada” 

VIVAVERDI 

29 

stereotipo dei ‘caratteri nazionali’. Le cose 

però non vanno meglio se dalla ‘common 

opinion’ passiamo agli ‘opinion maker’ intellettuali, 

artisti, gente di cultura. Per la 

maggior parte di loro semplicemente non 

esistiamo, nel senso che la cultura italiana 

è pressoché sconosciuta. Sono lontani i tempi 

in cui il ‘viaggio in Italia’ era meta obbligata 

per ogni uomo di lettere o di scienze. 

Goethe, alla fine del ‘700 lo percorre tutto, 

il nostro paese, dal Brennero a Palermo, dove, 

abbagliato dall’intreccio di culture diverse 

ma così mirabilmente fuse tra loro, 

esclama: “Qui comincia tutto!”. A fine ‘800, 

Freud esita a lungo prima di varcare le Alpi: 

anche lui sente l’Italia, soprattutto Roma, 

come il luogo primordiale, da cui tutto ha 

origine, e ha quasi paura di vederla da vicino. 

Altri tempi, appunto. Dal dopoguerra in 

poi, mi dice Bolaffi, l’Italia si è come eclissata 

nell’orizzonte culturale tedesco. Si fa 

una gran fatica, mi confessa, a mostrare e 

far apprezzare l’altra faccia della luna, ma 

alla fine si ricevono anche molte soddisfazioni: 

rotto il muro del suono, i nostri vicini 

nordici ritrovano il feeling perduto, riscoprono 

che non siamo soltanto un popolo 

di mafiosi e di mandolinari, o, nei casi più 

benevoli, di cuochi e di calciatori. 

Archiviata la nostra piccola disputa 

nazionale, torniamo al merito, 

ai film. Primo grande festival dell’anno, 

la Berlinale, per quantità e 

qualità dell’offerta, aspira a essere 

il termometro della cinematografia 

mondiale. Se è 

così, possiamo dire che il 

Cinema non ha certo la 

febbre, anzi. La sensazione 

è che il livello medio 

dei film, anno dopo anno, 

tenda verso il basso. 

Come se l’overdose audiovisiva 

che ormai ci 

sommerge stia irrimediabilmente 

degradando 

la qualità, il nitore 

della rappresentazione 

cinematografica. Fino 

agli anni ’70, a prevalere 

era l’estetica della ‘sottrazione’: comunicare 

il massimo di significato col minimo 

di immagini, per cui ognuna di esse veniva 

caricata di senso, e il capolavoro nasceva 

da questo difficile equilibrio. Oggi il panorama 

è tutto diverso. I film sono mediamente 

‘sporchi’, ostentano nell’anarchia 

formale la loro cifra stilistica. Trionfa il minimalismo, 

magari calligrafico (Cheri, di 

Stephen Frears dal romanzo di Colette), anche 

i grandi temi vengono trattati a bassa voce, 

quasi scusandosi di doverli tirare in ballo. 

Il peruviano La teta asustada, letteralmente 

La tetta spaventata, della giovane regista 

Claudia Llosa, vincitore dell’Orso d’Oro, 

evoca in questo modo una antica leggenda 

sul latte ‘malato’ delle donne che hanno subito 

violenza. L’altro film sudamericano (il 

sub continente latino americano è il trionfatore 

del Festival), l’argentino-uruguaiano 

Gigante, Orso d’Argento e premio per la 

migliore regia, racconta una bizzarra storia 

d’amore tutta vissuta tra gli scaffali di un supermercato. 

Questo programmatico generale 

abbassamento di tono è risultato così 

evidente anche perché (gioco del caso o acuta 

e maliziosa scelta dei selezionatori?) la 

retrospettiva del Festival quest’anno era dedicata 

ai film in 70mm., e si chiamava ‘Bigger 

then life’. Il contrasto tra i film del passato 

‘più grandi della vita’ – da Cleopatra e 

Ben Hur a Lord Jim e West Side Story – e la 

modestia (lo dico in senso buono) del panorama 

contemporaneo non poteva essere 

più stridente. Se la qualità non è più la stessa, 

la quantità testimonia comunque che il 

Cinema ha ancora una sua vitalità, anche se 

bisogna andarlo a cercare come una pepita 

d’oro nella sabbia, e spesso trovarlo dove 

meno te l’aspetti. Ne ho colto il riflesso in 

un film austriaco, Der knochenmann 

(L’uomo delle ossa) del giovane regista Wolfang 

Murnberger, un ‘noir’ bizzarro, che 

gronda talento e sembra pensato da uno dei 

nostri scrittori del genere, come Ammaniti 

o Lucarelli. O in un documentario, come 

quelli che si facevano una volta, immagini 

splendide per ‘documentare’, appunto, realtà 

lontane o poco conosciute. Si chiama Il 

baule della sposa coreana, di una regista tedesca, 

Ulrike Ottinger, e ci racconta con humor 

e sottile ironia la sopravvivenza di antichissimi 

riti nuziali nella Corea del Sud di 

oggi, ipertecnologica e postmoderna. A un 

certo punto, curiosamente, compare anche 

l’Italia, quando il film ci mostra una bizzarra 

macchina con cui si fanno fotografare le 

giovani coppie di Seul, capace di trasformare 

la foto nel ritratto di un pittore. Si può 

scegliere la tecnica - a olio, a tempera, a carboncino 

- e anche lo stile dell’artista, e qui 

le scelte possibili sono tre: alla Raffaello 

Sanzio, alla Michelangelo Buonarroti, alla 

Leonardo Da Vinci. Almeno tra i coreani, 

insomma, andiamo 

fortissimo…

VIVAVERDI 

30 

teatro 

A destra, uno scatto d’autore di Paolo 

Poli, tratto dal libro “Siamo tutte delle 

gran bugiarde” edito nel gennaio di 

quest’anno dalla Giulio Perrone Edizioni. 

Una biografia sottoforma di intervista 

realizzata dallo scrittore 

Giovanni Pannacci. 

Per gentile concessione della Perrone 

Edizioni e di Guido Harari 

PAOLO POLI/1 

LE SUE OPERETTE MORALI 

CASTE E PERVERSE 

di Aldo Cazzullo 

“Sono come Eduardo. Dicono: ha un piede nella fossa, bisogna andarlo a vedere”. 

Avessero tutti gli uomini di spettacolo l’autoironia di Paolo Poli. Anzi, per lui la definizione di 

uomo di spettacolo è riduttiva. Uomo e donna insieme. Un grande del teatro e della cultura 

italiana, giunto a pochi mesi dagli ottant’anni, festeggiati portando in giro i Sillabari, tratti 

dall’opera di Goffredo Parise. 

L’ho intervistato una volta sola. Ero stato a 

teatro - due volte, a Milano e a Roma - a vederlo 

calarsi nei panni di sei donne giornaliste, 

da Irene Brin a Natalia Aspesi, in un 

vortice di travestimenti collaterali, ora cantante 

bionda - in una parodia della Rettore 

- ora cardinale. Erano i giorni in cui si 

discuteva del matrimonio gay introdotto in 

Spagna da Zapatero e in Gran Bretagna da 

Blair, e del tentativo più modesto dei Dico 

di italica invenzione. Una prospettiva che a 

Paolo Poli non garbava molto: “Il bello degli 

amori omosessuali” mi disse “è la loro 

libertà e la loro riprovazione. La storia non 

fa salti. Zapatero introduce in Spagna il matrimonio 

omosessuale? Ne sono felice. Ma 

qui in Italia l’unico sovrano è il Papa. E il Papa 

fa il suo mestiere. Non possiamo pretendere 

che ci benedica e ci inviti a inchiappettarci 

l’un l’altro. E poi il matrimonio tra gay 

non mi interessa, come non mi interessa 

quello tra uomo e donna. Io voglio seguire 

l’istinto e la perversione, non tornare a casa 

e trovare qualcuno che mi chiede cosa voglio 

per cena. ‘Caro, ti faccio la besciamella?’. 

Fuggirei subito, con un principe o con 

un marinaio. Chi vuole l’unione civile e 

l’iscrizione al registro comunale non se ne 

intende. Io sì”. 

Di politica Poli non ha mai parlato volentieri. 

“Non me ne frega molto. Intendiamoci: 

noi ragazze non capiamo nulla di politica”. 

Eppure nulla di umano gli è estraneo, conosce 

il pubblico e quindi gli italiani come nessuno, 

non gli sfuggono le tendenze della società. 

Ovviamente, preferisce quelle eterogenee, 

diverse, irregolari. “I Gay Pride mi 

mettono una tristezza infinita, come il Carnevale 

di Viareggio. Meglio affidarsi all’istinto, 

come mi hanno insegnato Balzac e 

Tolstoj e come mi ha ripetuto Freud: il sesso 

non è tra le gambe ma nel cervello, il giudizio 

morale non esiste, siamo tutti buoni e 

cattivi, casti e perversi. Questo bisogno di 

tenersi per mano come finocchie contente 

è roba da psicanalisti. Un marito non l’ho 

mai voluto. Al sesso sopravvive la stima, della 

passione resta l’amicizia. La quotidianità 

è noia; io volevo un vestito e una cravatta come 

non li aveva nessuno, il mio primo impermeabile 

era rosa, il primo cappello verde 

tirolese. C’è stato un uomo importante 

nella mia vita, che si è svenato per me. Ma 

ho sempre difeso la mia solitudine. A volte 

mi sveglio, avverto un richiamo antico, tasto 

il letto, sento che non c’è nessuno e penso: 

che sollievo. Avere al fianco uno che russa 

non significa non essere soli”. 

Della famiglia, Poli ha sempre trasmesso 

un’immagine disincantata. Ha messo in scena 

madri assassine e bambini spietati; al 

contrario della madre, convinta con Rousseau 

che la natura umana e infantile in particolare 

è buona e la società cattiva, Poli è 

consapevole delle note torbide che si nascondono 

o almeno possono nascondersi 

nel fondo del più innocente degli animi. E 

non esita a raccontarle, volgendole nel burlesco, 

nella satira, mai però nel volgare e nel 

pecoreccio. Ha saputo vellicare gli istinti degli 

italiani ma spingendoli verso l’alto, non 

trascinandoli verso il basso. 

La storia di Poli comincia negli Anni Trenta, 

quando l’educazione sessuale - racconta 

lui - avveniva in famiglia. “Noi eravamo 

sei bambini, poveri, figli di un carabiniere 

e di una maestra montessoriana. Io mettevo 

il ditino sotto la gonna delle mie sorelle 

e loro toccavano me; la domenica mattina 

mi infilavo nel letto di papà. Ho capito fin 

da piccolo di essere gay. Mi garbava il fornaio. 

Poi sono andato al cinema, a vedere 

King Kong, quello vero, e scoprii che mi garbava 

pure il gorilla. Invidiavo le mie sorelle 

che avevano le bambole, io con i fucili non

Foto Guido Harari

VIVAVERDI 

32 

teatro 

Sotto e a destra, 

Paolo Poli in I sillabari, 

di Goffredo Parise con 

scene di Emanuele Luzzati. 

Paolo Poli sarà all’Eliseo a Roma dal 14 

aprile al 17 maggio. 

Le foto sono di Fiorenzo Niccoli 

sapevo giocare: mi sparai in un occhio, per 

un anno portai una benda da pirata. Le istituzioni 

ecclesiastiche non riuscirono a recuperarmi, 

anzi. Sollevavo le gonne delle 

suore e quel che vedevo mi confortava nella 

mia omosessualità. Ammiravo i bambini 

ebrei che uscivano di classe durante le lezioni 

di religione, fin da allora sono un filosemita 

convinto. Da mia madre ho imparato 

che il legame matrimoniale non conta, 

che la vera moglie non è la donna che si è 

sposata ma quella che si ama, che ti accompagna, 

che si sacrifica per te. Mamma difendeva 

Anita Garibaldi, non tollerava sentirla 

definire ‘l’amica’ dell’eroe; era Anita 

la vera moglie, Menotti il vero figlio, non 

la contadina rimasta in Sardegna. Anni dopo, 

sarà la Petacci la vera moglie di Mussolini. 

E se questo vale per uomini e donne, 

a maggior ragione vale per noi”. 

Ammette Poli che però un figlio l’avrebbe 

voluto, con la seguente motivazione: “Nella 

specie umana, come tra i cavallucci marini, 

il maschio è più portato della femmina 

alla cura della prole”. Così 

si fece dare in affido due fratellini, 

figli di una prostituta. 

“Avevo un cane, il pallone, 

il giardino, ma loro 

non sapevano che 

farsene, volevano 

tornare dai 

preti per giocare 

a calciobalilla. 

Ho provato 

con l’adozione. 

Sono stato esaminato 

da una giudichessa 

che però mi 

individuò subito come 

pessimo soggetto”. 

Poi, verso la metà degli 

Anni Sessanta, a Roma 

sciolsero l’opera maternità e 

infanzia. “Ci sono andato, insieme 

con una dama benefica che aveva 

portato le caramelle. C’erano stanze 

piene di bambini che a quattro anni 

camminavano a stento e dicevano 

solo ‘cacca’ e ‘cioccolato’. Una suora di 

quelle pietose mi disse: ‘Ne prenda due 

e scappi’. Io sognavo una bambina 

bionda e buona e una bruna e cattiva, come 

nelle fiabe, ma non feci in tempo a scegliere, 

in due mi saltarono al collo e mi chiamarono 

‘mamma’. ‘Ottimo inizio’ pensai, e feci 

per guadagnare l’uscita. Mi fermò un infermiere, 

un sindacalista, che me le fece posare: 

meglio figlie dello Stato che di una ragazza 

irrecuperabile come me”. 

Ha scritto Anna Bandettini, la collega di Repubblica 

cui si deve l’intervista più recente 

a Poli, che il ridicolo, il patetico, il meschino, 

perfino il nero di questi sordidi anni diventano 

in lui leggerezza, grazia, 

ironia. Nessun artista come 

Paolo Poli conserva il talento 

di rendere tutto 

chic, nobile, spensierato. 

La sua ultima riscoperta 

è Goffredo Parise, 

il più coraggioso - anche 

fisicamente: si pensi ai 

suoi reportage con le 

truppe americane 

in Vietnam - 

della sua 

generazione di giornalisti-scrittori. A Poli 

interessano in particolare i Sillabari, la raccolta 

di storie minime in cui si racconta dell’Italia 

minuta, della gente comune. Lui 

l’aveva incontrato insieme con Pasolini, a 

casa della sua grande amica Laura Betti: 

“Erano questi professori veneti che negli 

anni del boom a Roma scoprirono un nuovo 

linguaggio. Pasolini quello dei Ragazzi di 

vita, Parise la semplicità dello scrivere”. Una 

semplicità profonda, “come è più profondo 

il Leopardi dell´Infinito che quello della Canzone 

all´Italia”. A Poli uno come Parise garba 

anche perché “non divideva il mondo in 

buoni e cattivi. Io stesso quando vedo un ennesimo 

film coi cattivi tedeschi mi annoio, 

perché mi ricordo del tedeschino buono che 

mi dava le fette di pane, o il capitano tedesco 

con cui ballavo il valzer”. 

Alla Bandettini, Poli ha raccontato di essere 

diventato omosessuale per troppo amore 

del padre, e di come la madre tutto sommato 

non l’abbia dissuaso. Ricordo di avergli 

chiesto se aveva provato attrazione anche 

per le donne. Fu come spalancare una diga: 

“Certo che qualche donna l’ho amata anch’io. 

Da ragazzo, al tempo in cui vien duro 

facilmente. A sette anni vidi Clara Calamai 

e ne rimasi incantato. Ricordo Anna Magnani 

dietro le quinte di Bellissima farsi 

mettere le lacrime finte dai truccatori: 

‘Non devo piagne’ io, devo 

fa’ piagnere gli altri’. Aveva 

ragione, così come aveva 

ragione Diderot e torto 

Rousseau: la finzione conta 

più della sincerità. Sono stato 

amico di Laura Betti, ai tempi 

della Dolce vita, campammo 

una settimana a whisky e noccioline. 

Con la Mondaini ho fatto una Canzonissima 

nel 1961, travestiti da bambini. 

Adoravo Greta Garbo. Non ho amato la 

Callas: temeva il pubblico al punto che al bagno 

evitava il vaso dei comuni mortali e faceva 

pipì nei lavandini, all’amazzone. Amo 

mia sorella Lucia: il suo uomo sta al pianterreno, 

lei al primo, il figlio al quarto. 

L’unica famiglia felice è quella ben distanziata”. 

Come fai a non portare i figli a vedere 

- almeno per una volta - un personaggio 

così? ■

PAOLO POLI/2 

UNO SBERLEFFO 

AL PERBENISMO 

di Paolo Petroni 

Paolo Poli a ottanta anni, (li festeggerà il 23 

maggio), resta sempre un bambino, e non 

si può disgiungerlo da quella vocina impertinente 

della sua celebre lettura e interpretazione 

di Pinocchio, figlio di Collodi e buffo 

palazzeschiano sin nell’impronta toscana 

del suo eloquio. Così come non si può separarlo 

dalla malizia con cui raccontava favole 

per i più piccoli o novelle famose alla Radio 

negli anni Settanta, che è poi la cifra di tutti i 

suoi spettacoli futuri, legati a testi classici come 

alla letteratura rosa, ma sempre con la capacità 

di sfruttarne i pregi per tirarne fuori i 

difetti, quel lato paradossale che è proprio della 

vita, sopra e fuori di un palcoscenico. 

Attore brillante per vocazione, dalla comicità 

intelligente e provocatoria, ma sempre 

con un sottofondo giocoso, come nei suoi 

famosi en travesti, ama i testi surreali, i lati 

onirici, il ridicolo del sentimentalismo, il 

rapido sberleffo, l’ironia che smonta e rivela 

anche quella sotterranea nota malinconica 

e esistenziale propria di ogni vero artista. 

Pare prendersi gioco di tutto, e così è, ma 

per poterlo fare con tanta sicurezza e per un 

così lungo arco di tempo, bisogna saper 

prendere prima tutto sul serio, avere un criterio 

critico certo, una sensibilità vera, se si 

vuole passare con lo stesso atteggiamento 

dalla letteratura alla vita; per esempio non 

nascondendo la propria natura omosessuale, 

cosa seria, ovviamente, ma su cui scherza 

con la stessa impertinenza di tutto il resto. 

A questo modo, riesce analogamente a 

mettere sullo stesso piano letteratura alta e 

bassa, procedendo un po’ come un istintivo 

Umberto Eco, con naturalezza e in compagnia 

di Ida Omboni, che ha firmato con lui 

i testi di tanti celebri spettacoli, da Liala, Carolina 

Invernizio o le storie popolari di santi 

e mistici, a Savinio, Queneau o Flaiano. 

Senza dimenticare alcuni eroi romantici e 

icone scolastiche come l’Alfieri, del resto 

già strapazzato sarcasticamente da Gadda. 

Paolo Poli è nato nel 1928 a Firenze ed è laureato 

in letteratura francese con una tesi su 

Henry Beque. Ha cominciato lavorando in 

radio e nel teatro vernacolare, sino a quando 

entra a far parte, a Genova, della Borsa di 

Arlecchino fondata da Aldo Trionfo e poi approda 

Roma, alla Cometa con uno spettacolo 

sul Novellino nel 1961, cominciando il suo 

viaggio attraverso testi letterari di ogni genere. 

Particolarissimo e spettacolare affabulatore 

sarcastico, ha il suo primo momento 

di vera gloria con Santa Rita da Cascia nel 

1967, che scandalizza e viene accusata di vilipendio 

alla religione. Da allora la sua carriera 

e il suo successo non conoscono soste, 

passando dalla Invernizio e la Vispa Teresa 

a Marinetti o Aldo Nicolaj e, nel fatidico 

1969, proponendo La nemica di Niccodemi 

con una compagnia di soli uomini e dando 

vita a una scatenata, italica mamma duchessa 

tutta vezzi, gesti ad effetto, che si sventola 

le ascelle con un ventaglio o si mordicchia 

provocatoria il povero boa di struzzo, gorgheggiando, 

intonando vocine di ogni tipo e isteriche 

urla. Recita come sempre beato, pronto 

a improvvisare col pubblico battute salaci e 

ammiccamenti, nella creazione sempre diversa 

di un suo personale varietà tra lustrini e 

esibizione di bandiere, a smontare tutto un 

mondo, quello borghese a cavallo tra Otto e 

Novecento, che ha portato senza alcuna coscienza 

il paese alla guerra e al fascismo. E così 

è tutto il suo teatro immoralista dell’ambiguità 

e della crisi dei valori, vissuto e esibito 

anche nella vita, sulla propria pelle con 

spavalda provocazione per rompere gli ipocriti 

confini del perbenismo.

VIVAanteprime 

a cura di Letizia Pozzo 

OMAGGIO A NINO MANFREDI AL TAORMINA FILM FEST 

La 55° edizione del Taormina Film Fest si svolgerà dal 

13 al 20 giugno 2009. I direttori artistici sono Deborah 

Young (cinema) ed Enrico Castiglione (Musica e Danza). 

I Nastri d’Argento saranno consegnati il 27 giugno a 

Taormina. E’ stato anche istituito il Premio Nino Manfredi 

e, dal 24 al 26 giugno, il Palazzo dei Congressi ospiterà 

una retrospettiva dedicata all’attore che fece la sua 

ultima apparizione in pubblico proprio sul palcoscenico 

del Teatro Antico di Taormina. Dopo l’Egitto e la Turchia, 

il Festival cinematografico festeggerà come Ospite 

d’Onore la Francia. Il Festival Campus Taormina diventerà 

un appuntamento ancora più interattivo per i 400 

studenti universitari che lo frequentano. Spazio Taormina 

sarà dedicato a produttori, distributori e buyers del 

settore Industry. Tre le sezioni in concorso: Mediterranea, 

Oltre il Mediterraneo e Cortometraggi Siciliani. Nutrito 

anche il cartellone del programma di musica e danza 

con l’Aida, Cavalleria rusticana, il Russian Ballet Gala 

e altri appuntamenti per tutto agosto. 

CONCERTI GRATUITI A BOLOGNA 

Per il ventunesimo anno, il Centro La Soffitta del Dipartimento 

di Musica e Spettacolo - Università di Bologna 

presenta, nell’ambito dei progetti di teatro, danza, musica 

e cinema una ricca stagione musicale fino al 12 

maggio con artisti di fama internazionale e giovani laureati 

Dams. Al grande repertorio cameristico classico 

e romantico si affiancano i capolavori del Novecento, 

insieme a prime esecuzioni assolute di giovani compositori 

contemporanei. I concerti si svolgono ad ingresso 

libero e gratuito, alle ore 21 in Aula absidale (via de’ 

Chiari 25/a, Bologna) e all’ Aula Magna di Santa Lucia 

(via Castiglione 26, Bologna). Per informazioni: Dipartimento 

di Musica e Spettacolo – Centro La Soffitta. 

www.muspe.unibo.it. 

REGGIO EMILIA, LA CITTA’ DELLE STORIE 

E’ in programma per l’8 e il 9 maggio la quarta edizione 

di Regionarra, il grande festival dedicato all’arte della 

narrazione che trasforma ogni anno Reggio Emilia in 

una vera e propria “città delle storie” coinvolgendo adulti 

e bambini. Numerose le tappe di avvicinamento all’appuntamento 

di maggio che sarà in particolare dedicato, 

in conformità con l’invito dell’Unione Europea che ha indetto 

per il 2009 l’anno della creatività, al tema Raccontare 

storie. La manifestazione promuove un percorso 

che vuole valorizzare il talento creativo del narratore 

rielaborando la tradizione della letteratura infantile. 

LA MUSICA DI ADA GENTILE A LINZ 

Successi hanno riscosso le esecuzioni di brani musicati 

da Ada Gentile non solo in Italia (a Foligno, Milano, 

Recanati e Roma), ma anche a Copenaghen, Budapest 

e molte altre città europee. L’8 maggio al “Festival 4020” 

di Linz, verrà eseguita in prima assoluta, la composizione 

dal titolo Notti di gatto (su testo di Franzina Ancona) 

commissionata dalla città di Linz che sarà, nel 2009, insieme 

a Vilnius, capitale europea della cultura. 

VENT’ANNI DI MUSICA D’AUTORE A MACERATA 

Musicultura aprirà la 20° edizione con 8 vincitori, scelti 

tra duecento, che si esibiranno sul palco dello Sferisterio 

durante le serate finali del festival - il 26, 27, 28 

giugno. La Siae assegnerà un premio per la migliore 

musica. Saranno inoltre assegnati, oltre a quello del vincitore 

assoluto, la Targa della Critica e i premi Imaie e 

Unimarche rispettivamente per la migliore interpretazione 

e il miglior testo. “Vent’anni di nuove canzoni mi portano 

a dire che la tipografia della canzone popolare 

d’autore è attivissima”– commenta il Direttore Artistico 

Piero Cesanelli nel ruolo di presidente della giuria di 

ascolto. “Ogni anno da quando a Musicultura sono state 

di nuovo introdotte le audizioni live – commenta Cesanelli 

– tutti abbiamo potuto constatare che esiste ancora 

un’Italia che scrive e canta per sottolineare i momenti 

più emozionanti della vita con una canzone”. La 

selezione è compiuta dal Comitato Artistico di Garanzia 

composto dai più noti autori. 

TRA LA TERRA E IL CIELO DI MILANO 

Dal 14 al 26 aprile a Milano il teatro dell’Elfo ospiterà 

Tra la Terra e il cielo, il nuovo spettacolo di Giorgio Barberio 

Corsetti presentato a Benevento nel settembre 

’08. Un “mistero” laico tra il moderno e profano che 

racconta la giornata di quattro personaggi che incontrano 

angeli e diavoli. L’impronta più originale del nuovo 

spettacolo di Giorgio Barberio Corsetti è l’uso del video, 

utilizzato non solo in senso scenografico, ma come elemento 

costitutivo della stessa drammaturgia. In teatro 

la tecnica cinematografica del chroma-key crea un corto 

circuito tra presenza e immagini, realtà e immaginazione 

che ben si presta al tema metafisico della pièce. 

Nello stesso tempo lo spettatore può vedere gli attori 

in azione, l’elaborazione del modellino e la sovrapposizione 

delle immagini sullo schermo.

VIVAVERDI 

35 

BRUXELLES, GIORNATE PROFESSIONALI DEL CINEMA 

Si svolgeranno a Bruxelles, dal 15 al 18 giugno 2009, le 

prime Giornate professionali del cinema a livello europeo. 

L‘evento si chiamerà European Cinema Summit e interesserà 

gli operatori di diciotto paesi. Saranno attivi circa 28 

mila schermi. Il paese dove si svolgerà l’European Cinema 

Summit cambierà ogni anno. Sede della manifestazione 

nella capitale belga sarà il Kinepolis Theater. 

IL SOLE DENTRO DI ME DI PINO DANIELE 

E’ il Blue Note di Milano ad ospitare, il 29 marzo, la prima 

tappa del tour di Pino Daniele, che proseguirà ad 

aprile, organizzato e prodotto da F&P Group e Blue Drag. 

Anticipato dal singolo Il sole dentro di me, il suo nuovo 

album di inediti Electric Jam sarà presentato nella tournée. 

Dal titolo si percepisce la volontà del cantautore 

napoletano a voler tornare al passato, alle sonorità da 

jam session suonando di nuovo con i compagni degli 

esordi per condividere con loro i blues che lo hanno reso 

famoso. Pino Daniele duetta anche con il rapper J 

Ax, nel singolo Il sole dentro di me. 

MOGOL PER IL TOUR MUSIC FEST DA ROMA 

La terza edizione del Tour Music Fest – Festival Nazionale 

della Musica emergente – parte da Roma il 5 maggio. 

Il successo riscosso nelle edizioni precedenti ha reso 

il primo festival italiano itinerante dedicato alla musica 

emergente un momento di incontro per appassionati, 

cantanti, musicisti, band, giornalisti, addetti ai lavori 

e soprattutto, discografici. Il Tour Music Fest torna 

con la novità di un premio discografia. Il Tour Internazionale 

arriverà anche in Francia, Spagna e Inghilterra. 

La finale sarà nello storico Piper Club di Roma con una 

giuria presieduta da Mogol, Luca Pitteri, Franco Fasano, 

Robert Steiner, Giampaolo Rosselli (Sony Bmg), Massimo 

Bonelli (Cni Music), Sandro Comini. Per partecipare 

al Tour Music Fest 2009, consultare il sito: 

www.tourmusicfest.it. 

ANTEPRIMA NAZIONALE DI HIJAB O DEL CONFINE 

La Fondazione Aida Teatro Stabile di Verona presenta, in 

anteprima nazionale, l’ 8 e 9 maggio a Verona (ore 21.00 

Teatro Filippini), Hijab o del confine, per la regia di Letizia 

Quintavalla. Lo spettacolo nasce dal progetto biennale ReconcArt 

acronimo di Reconciliation through Art: perceptions 

of Hijab finanziato dalla Commissione Europea per Crossing 

Borders-Connecting Cultures, Cultura 2007-2013,con 

l’obbiettivo di esplorare, attraverso il linguaggio teatrale, le 

questioni fondamentali legate all’uso del velo islamico. E’ 

un modo di unire donne musulmane e italiane attraverso 

l’arte. Il progetto nacque nel 2007 quando, a Verona, si è 

formato un gruppo di donne residenti nella città scaligera 

provenienti da Algeria, Marocco, Palestina, Brasile e Italia 

coordinate da Gabriel Maria Sala (direttore Master in Mediazione 

culturale-Università di Verona). 

Lunezia 2009 

ANTEPRIMA DEL DOCUMENTARIO SU RINO GAETANO 

AL CAPRI FILM FESTIVAL 

Nel corso della terza edizione di Capri Film Festival, in 

programma dal 16 al 19 aprile nell’isola, sarà presentato 

in anteprima un documentario sulla vita del cantautore 

Rino Gaetano. Nel docufilm intitolato E cantava le 

canzoni, il regista Luca Federico ha ricostruito la vita 

del cantautore attraverso una serie di interviste di Giampiero 

Marrazzo alla sorella e agli amici. 

I QUINTORIGO OLTRE I CONFINI MUSICALI 

I Quintorigo tornano in concerto con due spettacoli distinti 

e paralleli e ripercorrono le tappe di una carriera 

iniziata nel 1996. Un repertorio che ha evidenziato la loro 

naturale propensione ad abbattere i confini tra generi 

musicali. A 30 anni esatti dalla scomparsa di Charles 

Mingus (1922-1979), i Quintorigo riportano sul palco il 

grande tributo al genio del compositore statunitense 

con cui si sono aggiudicati il prestigioso titolo di “Miglior 

formazione del 2008” secondo il referendum annuale 

indetto dalla rivista Musica jazz. Dopo Roma, San Ginesio, 

Padova e Napoli, Cervia, Genova il tour si conclude 

a Reggio Calabria il 25 aprile. 

PREMIO LUNEZIA, PARTNER-SHIP CON 

WARNER MUSIC ITALIA 

Dopo la scoperta di Giua, di Domenico Protino (vincitore 

del Festival di Vina del Mar 2008) il Premio Lunezia 

ripone aspettative anche per l’ultima vincitrice della sezione 

nuove proposte: la cantautrice romana Pilar. 

L’edizione 2009 presenta la novità della partner-ship con 

Warner Music Italia, grazie alla quale si procederà ad un 

preascolto live di tutti i finalisti fra il 23 e il 25 Giugno 

presso il “Massive Arts Studios” di Milano. Le iscrizioni 

si chiuderanno il 31 Maggio. Le serate del Lunezia Nuove 

Proposte si svolgeranno a Marina di Carrara il 23 

Luglio e in Aulla il 25/26 Luglio.

A destra l’ultimo libro con cd di 

Branduardi “La pulce d’acqua” 

del 2007, Gallucci editore 

VIVAVERDI 

36 

musica 

ANGELO BRANDUARDI 

IL MIO VIAGGIO 

NEL FUTURO ANTICO 

di Flaviano De Luca 

Foto di Emanuele Merlo 

Tre attori, dodici ballerini e diversi musicisti 

sul palcoscenico per la Lauda di San 

Francesco, in scena al teatro Sistina di Roma 

dal 10 al 12 aprile, un progetto che si lega 

direttamente a L’infinitamente piccolo, 

il disco uscito nel 2000 con undici canzoni 

tratti dalle fonti francescane. “Mi avevano 

proposto di farne un musical ma è un’operazione 

troppo inflazionata e non m’interessa 

affatto - racconta Branduardi - così ho deciso 

di ripercorrere i modi della lauda, lavorando 

sulle fonti. Salgo sul palcoscenico 

col mio violino, per cantare e recitare, suonare 

e parlare col pubblico, come i menestrelli-narratori 

che ereditarono i modi della 

lauda, una forma poetica che risale al tredicesimo 

secolo. La storia è quella di Francesco 

e del suo amore per la vita, la forte comunione 

di fede con Chiara, il percorso comune 

con frate Bernardo, insomma i tratti 

salienti della vita del santo, sullo sfondo di 

una dimensione coreografico-mimica mentre 

io da narratore offro il raccordo in un intreccio 

di dialogo e momenti musicali”. 

Nella sua lunga carriera, è stato più volte definito 

“menestrello della musica italiana” 

per la sua produzione fortemente influenzata 

dal madrigale, dalla musica rinascimentale, 

da una certa tradizione italiana. Lei ha 

studiato a lungo spartiti (e tecniche) medievali 

ma quando è scattata la necessità e la forma 

dell’approfondimento? O c’è una maniera 

di adattare e inglobare strutture sonore 

Autore di fama internazionale, cantante e polistrumentista, Angelo Branduardi è da anni 

impegnato nella ricostruzione filologica della musica medievale. Il suo ultimo spettacolo, La 

Lauda di Francesco, sulla base delle parole del santo di Assisi, sarà di nuovo in scena nelle 

città italiane in primavera prima di un lungo tour all’estero che partirà da Dusseldorf, in 

Germania, il 18 aprile e poi toccherà anche Lussemburgo, Belgio, Austria e Svizzera. L’abbiamo 

intervistato per capire meglio il senso di questa complessa operazione sonora e visuale. 

d’epoca? 

Zappa che ha scritto più volte i testi dei suoi 

“Io sono il trovatore e sempre vado per molti 

paesi e città. Ora che sono arrivato fin qui, in particolare? 

brani. Può raccontare la genesi di qualcuno 

lasciate che prima di partirne io canti.” Questa 

anonima citazione di un antico mene- 

miei brani a quattro mani, ma lei ne ha tre. 

Io e mia moglie Luisa scriviamo i testi dei 

strello tedesco è perfettamente adeguata a Posso ricordare la genesi della Pulce d’Acqua, 

descrivere il mio ruolo. Io ho sì studiato ispirata ad un racconto dei nativi d’America. 

spartiti e tecniche medioevali, ma le ho Il suo significato nascosto è che la musica 

adattate ed inglobate in strutture sonore esorcizza le ombre, e la peggiore delle ombre, 

cioè la morte. 

odierne. Il tentativo è quello di fare un 

passo indietro per farne in realtà due avanti. 

E’ il significato di quello che io chiamo to spesso lo scozzese Donovan e ha avuto lun- 

Tra i suoi modelli ispiratori lei ha cita- 

Futuro Antico. 

ghe frequentazioni con Paul Buckmaster e 

Come spiegherebbe il mistero della composizione 

musicale per lei, cantautore e policuni 

momenti precisi del suo itinerario mu- 

Maurizio Fabrizio, che hanno scandito alstrumentista. 

Si sente più metodico o intuitivo? 

Si mette alcune ore al giorno alla chimento, 

delle trasformazioni progressive nel 

sicale. Ci sono state delle tappe di avvicinatarra 

e così le vengono idee nuove o le arrivano 

in momenti diversi della giornata? rio genere, dall’adattamento delle poesie di 

suo repertorio che ha toccato estremi di va- 

Il mistero della composizione musicale è autori latini alle composizioni dei nativi 

l’intuizione pura. Ciò non toglie che al 10% d’America? 

all’ispirazione si debba affiancare il 90% di Qualcuno ha detto che la mia musica è come 

l’aglio, cioè un gusto preciso che piace 

traspirazione. Per dirla in maniera poetica, 

il tormento e l’estasi. 

molto o fa schifo. In questo senso mi auguro 

ci sia stata evoluzione nel mio Una persona importante è sua moglie Luisa 

repertorio,

Foto di Elise Valere 

VIVAVERDI 

37 

l’avvento della cultura digitale restituisce 

importanza alla forma “concerto”, che torna 

ad essere il centro ed il motore dell’espressione 

musicale. Non ho particolari suggerimenti 

o critiche da muovere alla Siae se 

non il compito di tutelare la creatività, che 

non può morire a causa dei download più o 

meno legali. 

L’avvento della cultura digitale dovrebbe 

portare ad un incremento di creatività e genialità, 

che invece non si notano, la finta democrazia 

che dovrebbe consentire ad ognuno 

di esprimersi al meglio, si risolve in realtà 

nel rumore del traffico, cioè quella cosa 

di cui ti accorgi solo quando smette. 

certo non rivoluzione e spero neppure involuzione. 

Lei è un autore molto amato dalle giovani 

generazioni cattoliche probabilmente per la 

forte carica spirituale del suo repertorio ma 

anche per l’attenzione sempre avuta verso 

certo tematiche sociali e solidaristiche, dimostrate 

anche col grande concerto, davanti 

a Papa Giovanni Paolo II, nel 2000 a Roma. 

Una straordinaria sensibilità che lei ha 

analizzato e mostrato nella sua serie di album 

accomunati dall’idea di Futuro Antico. 

Può spiegare il suo atteggiamento? Non 

a caso il suo lavoro recente, La Lauda di Francesco, 

uno spettacolo di canti, balli e suoni, 

ispirato al “poverello di Assisi”, che porta 

in giro da qualche anno, richiama un pubblico 

di appassionati e di giovanissimi... 

Io sono un autore amato dalle giovani generazioni 

cattoliche per la forte carica spirituale 

che, a mio giudizio, è alla base di qualsiasi 

forma di espressione musicale. 

La musica infatti è estranea al luogo ed al 

momento, cioè non è qui ed ora, ma è uno 

sguardo gettato al di là della porta chiusa. 

In questo senso “oltre” è parte fondamentale 

della musica, e andare oltre significa 

trascendere. Nella Lauda di Francesco, che 

richiama un pubblico di appassionati e giovanissimi, 

questo concetto è basilare. 

Da Alla fiera dell’est del 1976 a La pulce 

d’acqua, da Cogli la prima mela a Si può fare, 

i suoi grandi successi hanno avuto una 

buona accoglienza anche in altri paesi europei, 

come la Germania, la Svizzera, la Francia. 

C’è un sottofondo comune che li rende 

familiari e popolari anche per pubblici differenti 

come possono essere le platee tedesche, 

francesi o inglesi? 

La mia musica, oramai da trenta anni, è popolare 

un po’ in tutta Europa. Credo che il 

motivo vada ricercato nell’italianità che 

esprime e nel mio personaggio che i giornalisti 

definiscono molto “italiano”. Non un 

rappresentante del bel canto come ad esempio 

Ramazzotti, ma una sorta di reincarnazione 

di un signore rinascimentale. 

Il mondo della musica vive una trasformazione 

epocale con l’avvento della cultura digitale 

e il calo del supporto fisico. Quale deve 

essere il ruolo della Siae in questo periodo? 

E quali sono gli eventuali suggerimenti 

o critiche da muovere alla Società degli 

Autori ed Editori? In particolare come dovrebbe 

comportarsi per proteggere e far crescere 

le nuove leve di strumentisti e compositori? 

Il mondo della musica sta vivendo una trasformazione 

epocale che ne farà un’altra cosa. 

Cosa, con esattezza, non mi è dato di sapere. 

E’ d’altronde inutile lottare contro i 

mulini a vento. La trasformazione sarà gestita, 

spero, dalla Siae e dagli altri operatori, 

in modo che sia possibile ancora vivere 

di musica. 

Tendo a far notare che paradossalmente 

In poche righe... 

Angelo Branduardi è nato nel 1950 a Cuggiono, 

nella verde campagna milanese. 

Diplomato in violino al conservatorio, iscritto alla 

Siae dal 1973, qualche anno dopo arriva al grande 

successo con Alla fiera dell’est, una canzone e 

un album vendutissimi in tutta Europa. Nel 1978 

viene pubblicato La pulce d’acqua che sarà portato 

in giro dalla Francia alla Germania insieme con 

la Carovana del Mediterraneo (composta da altri 

grandi artisti come Banco del Mutuo Soccorso, il 

suonatore di launeddas Luigi Lai, Maurizio Fabrizio, 

Mizrahi). Nel 1979 presenta i brani del nuovo 

album, Cogli la prima mela, e si esibisce alla Fête 

de l’Humanité, a Parigi, davanti a 200mila persone. 

Nel 1983 esce l’album Cercando l’oro, con la 

presenza dell’ospite Alan Stivell all’arpa celtica e 

alle cornamuse, l’anno successivo cura la colonna 

sonora di State buoni se potete, il film di Luigi Magni 

(seguiranno poi quelle per Momo, 1986, di Johannes 

Schaaf, Luci lontane, 1987, di Aurelio Chiesa, 

Secondo Ponzio Pilato, 1989, di Luigi Magni). 

Nel 1992 nuova casa discografica, l’Emi, e nuovo 

disco, Si può fare, con la collaborazione del canadese 

Zachary Richard poi un disco dal vivo, Camminando 

camminando (1996) e quello coi testi di 

Giorgio Faletti, Il dito e la luna (1998). In quel periodo 

comincia la serie di Futuro Antico, con adattamenti 

di musiche e canzoni medievali, e collaborazioni 

con un ensemble classico Cominciamento 

di Gioia diretto dal maestro Renato Serio. Nel 2000 

è l’ora di L’infinitamente piccolo, ispirato alla lauda e 

tratto dalle scritture di san Francesco d’Assisi. Nel 

2003 viene pubblicato Altro ed altrove, parole d’amore 

di popoli lontani.

VIVAVERDI 

38 

letteratura 

MARIO DESIATI 

“SONO STATO UN DIVORATORE DI LIBRI 

E OGGI LI VOGLIO FAR CRESCERE BENE” 

di Alessandro Trigona Occhipinti 

“Sono nato nel ’77, a Locorotondo, Bari” racconta 

“ma sono di Martina Franca. E lì ho 

vissuto fino a quando non mi sono trasferito 

a Bari per studiare giurisprudenza all’Università. 

Dopo ho vissuto per qualche tempo 

a Milano e poi a Roma, dove oggi vivo e 

lavoro”. Mario Desiati è uno scrittore di appena 

trentuno anni. Tre i romanzi da lui pubblicati: 

Neppure quando è notte (PeQuod, 

2003), Vita precaria e amore eterno (Mondadori, 

2006), Il paese delle spose infelici 

(Mondadori 2008). 

Mario Desiati è di buona famiglia di estrazione 

cattolica. Il padre è avvocato, la madre 

insegnante. Cresce, quindi, in un ambiente 

in cui la cultura è di casa e i libri sono presenti 

non tanto per riempire uno scaffale, 

ma per essere aperti e letti. “Ho iniziato leggendo 

poesie. Sono state il mio primo amore 

letterario. Leggevo e scrivevo poesie. Da 

lì, il passaggio alla letteratura è stato automatico”. 

Grazie ad una nutrita biblioteca di 

famiglia, il giovane Desiati trascorre le sue 

giornate a sfogliare i libri di poesia e narrativa 

per ragazzi. Lo si può immaginare sdraiato, 

a pancia in giù, su di un tappeto intento 

a sfogliare libri. E a sognare. “Le mie prime 

letture sono state: Cuore, Marcovaldo di Calvino, 

Pinocchio del quale avevo un’edizione 

speciale del tutto particolare. Era un grande 

libro con tante immagini nelle quali mi 

perdevo. Un altro libro importante per me 

fu l’Odissea che mi introdusse nel mondo 

Ha pubblicato il suo primo romanzo, Neppure quando è notte, poco più di cinque anni fa. Da 

allora Mario Desiati ha cominciato il suo apprendistato alla rivista Nuovi Argomenti di cui è 

stato capo redattore. Ma si è confermato come uno dei brillanti giovani talenti della scrittura, 

transitando dalla Roma del Giubileo a quella del precariato e dei lavori atipici, fino a tornare al 

sud natìo con Il paese delle spose infelici passando per la raccolta di Italville, gli scrittori che 

avevano voglia di raccontare le diverse Italie. 

magico dei classici greci. Una grande scoperta, 

per tanti versi illuminante”. 

Avrebbe mai pensato di fare lo scrittore? 

La scrittura mi appartiene. Guardavo quei 

libri, li leggevo, recitavo le poesie e provavo 

grande ammirazione per i loro autori. Ma 

forse la mia non era solo ammirazione. 

Il richiamo della natura? Lui sorride all’idea. 

E lo fa con gli occhi e con tutta la sua 

espressività ancora giovanile. 

Possiamo anche dire così: il sangue non è 

acqua e allora inutile resistervi. Bisogna solo 

capire l’intensità di quel richiamo e la reale 

capacità di concretizzare una siffatta aspirazione. 

Ma la scrittura è anche inganno. Desiati appare 

imbarazzarsi e, ridacchiando, si confessa. 

Un giorno, a scuola, non avendo fatto i compiti, 

scrissi una poesia spacciandola per un 

testo poetico di un anonimo del medioevo. 

Ovviamente la professoressa comprese 

l’imbroglio e, pur divertita, mi redarguì con 

severità. 

Quella fu la sua “iniziazione” alla scrittura? 

Fu solo un modo per cercare di evitare una 

nota di demerito. Cominciai a scrivere, invece, 

in modo sistematico intorno ai quindici, 

sedici anni. Tutti scritti che, poi, mi sono 

premurato di distruggere. Nella biblioteca 

dei miei genitori c’erano anche libri 

proibiti: Henry Miller, per esempio. Ma anche 

Moravia, tutto Moravia, ed io, naturalmente, 

leggendoli, ne rimanevo colpito. Cominciai 

così a leggere con sempre maggiore 

avidità. In modo quasi ossessivo. Leggevo 

di tutto: Pasolini, Tondelli, Kafka, che ho 

molto amato. Le poesie di Montale, le opere 

di Goffredo Parise, che ritengo essere uno 

scrittore importantissimo, direi fondamentale 

per poter scrivere oggi. Inoltre, già da 

allora, ero un gran cultore di riviste letterarie, 

di poesia: Nuovi argomenti, Linea 

d’ombra. Di tutto insomma. 

Com’era il rapporto con i suoi genitori? 

Ottimo, anche se, tenuto conto della differenza 

di età, soffrivo un po’ vedendo i miei 

compagni avere genitori più giovani. Una 

discrasia di cui parlo ne il paese delle spose 

infelici.

Mario Desiati, poco più che trentenne, 

all’attivo tre romanzi, si è già imposto 

all’attenzione della critica e del pubblico 

E come era da ragazzo? Un classico bravo ragazzo, 

un po’ secchione, sempre sui libri oppure…? 

A scuola il giudizio era il classico: “può fare 

di più”. E, nonostante la mia provenienza 

borghese, ragazzino frequentavo la schiuma. 

Che intende per schiuma? 

Sono sempre stato un appassionato di calcio. 

Frequentavo, così, i campetti insieme a 

ragazzi della zona, tutti o quasi di estrazione 

sociale diversa dalla mia. Ragazzi con seri 

problemi in famiglia, abbandonati a se 

stessi. 

L’immagine è quella di un bravo ragazzo, di 

corporatura esile, che gioca a pallone in un 

campetto di periferia con tanti ragazzi di 

strada. Lui è inevitabilmente diverso. Ma 

non ci fa caso o finge di non farlo. 

L’importante è giocare mantenendo sempre 

un buon rapporto con gli altri. 

Non è che fossi bravo, mentre lì, c’erano alcuni 

ragazzi che lo erano davvero. 

Come Cassano, il genio e sregolatezza di Bari 

vecchia? 

Avevano la sua stessa rabbia e, se vogliamo, 

disperazione ma meno talento, ovviamente. 

Così sono cresciuto con loro e ne sono 

orgoglioso. Quella del calcio, in quella particolare 

situazione, è stata per me una vera 

e propria palestra di vita. 

Torna alla mente il personaggio di Veleno, 

studente borghese, appassionato di calcio, 

del romanzo Il paese delle spose infelici, e 

il suo rapporto con Zazà, che vive, invece, in 

quartieri popolari. 

Scrivere, per molti versi, è raccontarsi, cosa 

molto difficile da fare riuscendo ad astrarsi 

da se stessi. I personaggi, allora, divengono 

una trasposizione del proprio modo di 

essere, delle proprie esperienze. Al liceo, 

invece, è cambiato tutto. O quasi. Altra scuola, 

altri compagni, nuove amicizie. 

Non più “schiuma”? 

Non per cattiva volontà o snobismo, ma quale 

inevitabile conseguenza di un cambio di 

scuola. I nuovi amici erano, comunque, persone 

eccezionali con le quali ho condiviso 

esperienze, passioni. Molti dei quali frequento 

ancora. Amici di vecchia data, insomma. 

In quel periodo, inoltre, ho cominciato 

a scrivere per giornalini scolastici. E 

anche a collaborare con riviste locali: Martina 

Oggi (Martina Franca, ndr), Puglia 

Press. Tutte esperienze che sono maturate

VIVAVERDI 

40 

letteratura 

In basso a sinistra, l’ultimo libro di 

Desiati “Il paese delle spose infelici” 

(Mondadori, 2008): Zazà, Veleno e 

Annalisa, tre adolescenti agli inizi degli 

anni ‘90 in un meridione marcescente, 

conoscono il potere 

totalizzante dell’amore. 

In basso a destra “Neppure quando è 

notte” (PeQuod, 2003), racconta in una 

Roma decadente di fine millennio, 

dei dolorosi segni del nostro presente, 

visti con gli occhi di un ventenne 

quando già frequentavo l’Università. 

Niente “lettere”? 

Rimaneva la mia vera passione. Per quanto 

riguarda invece gli studi, spinto anche da 

mio padre, mi iscrissi a giurisprudenza, studi 

che mi hanno permesso oggi di avere 

un’impostazione mentale (sottolineo mentale) 

e una preparazione che mi è molto utile 

nella mia attività quotidiana. 

La questione dei diritti d’autore? Perché 

scrivere, non è solo lo sviluppo drammaturgico 

di un romanzo, ma è la gestione dei diritti 

che dall’utilizzo di un’opera derivano. 

Essere consapevoli dei propri diritti è fondamentale. 

Uno scrittore oggi non può prescindervi. 

Di questo io ne sono perfettamente 

consapevole talmente che, se mi posso definire 

scrittore, poeta, sceneggiatore (de Il 

paese delle spose infelici sarà tratto un film, 

ndr), editor, presto potrei anche presentarmi 

come agente letterario! 

E ride sotto i baffi, sotto quei baffetti, un 

po’ radi, che ha. E lo sguardo sembra tradire 

una scelta quasi fatta. Quasi. 

È un discorso particolare quello del diritto 

d’autore. All’inizio della mia attività di scrittore 

non credevo, o almeno non immaginavo 

che potesse essere così importante, poi, 

progressivamente, ne ho preso coscienza e 

l’aver studiato giurisprudenza mi ha permesso 

di essere in grado di gestirmi e gestire 

tutte le problematiche che, attorno alla 

produzione di un’opera, ruotano. 

E la Siae? 

Diciamo che ancora non mi è chiaro il rapporto 

con la Siae. Per uno scrittore, in modo 

particolare uno giovane, la Siae è come 

un gigante che sta lì, fermo, immobile. Tu 

sai che c’è, che può esserti utile, ma non riesci 

a capire come. Contestualmente hai la 

sensazione che anche questo gigante sia consapevole 

di poterti essere utile, ma non sappia 

come farlo. Ma la questione vera è se, in 

effetti, il gigante Siae non lo sappia oppure 

se gli è impedito di farlo. Il tutto, allora, diviene 

una non semplice questione di volontà, 

volontà politica intendo. 

Diritti d’autore, Siae, gli scrittori, una questione 

che rimane aperta e che, in un modo 

o nell’altro, sarà necessario risolverla… in 

un modo o nell’altro. Ma torniamo lì dove 

abbiamo lasciato il nostro studente universitario 

di Martina Franca, allora ancora aspirante 

scrittore. Desiati si diverte e prosegue 

il racconto. 

Lui sta bene! Studia e scrive, continua a farlo 

perché gli appartiene, è nel suo Dna. Tanto 

che riesce a laurearsi in giurisprudenza 

con una tesi su Kafka. 

Il che è il massimo! Un aspirante avvocato 

che si laurea con una tesi di letteratura. 

È la passione che inevitabilmente fa capolino 

e, anche allora, mi spingeva ad andare 

in una direzione piuttosto che in un’altra. 

Non era certo un caso che, mentre davo gli 

esami della mia facoltà, frequentavo le lezioni 

di filosofia e lettere, in particolare un 

corso speciale sulla letteratura tedesca. E 

leggevo, continuavo a leggere tanto. Molti 

esordienti italiani. A quel punto la mia scrittura 

si concretizza nel romanzo, Neppure 

quando è notte, scritto nel 2000 ma pubblicato 

da PeQuod nel 2003. Era un libro nato 

dalla mia prima esperienza romana. Infatti, 

in attesa di potermi laureare ed essendo 

l’anno del Giubileo, decido di andare a Roma 

per fare esperienza, una sorta di anno 

sabbatico. Tornato a Martina Franca, scrivo 

il libro che parla della Roma del Giubileo, 

delle nuove povertà, di fenomeni allarmanti 

come la microcriminalità, che va diffondendosi, 

delle “vecchie” tossicodipendenze 

in un’ambientazione da “corte dei miracoli” 

underground di fine millennio. Il libro 

è recensito da Enzo Siciliano su l’Unità. 

Lo contatto per ringraziarlo per le egregie 

parole spese nei miei confronti e lui mi offre 

l’opportunità di venire a vivere e lavorare 

a Roma a Nuovi argomenti. 

È l’occasione per Desiati di mettersi in mostra. 

Ma lavorare in una redazione, in una 

città particolare come Roma, non è sufficiente 

per vivere. Allora, per affrontare le 

difficoltà di sostentamento, si dà da fare ed

Foto Sicilia Marilia/Olycom 

“L’unico filo conduttore 

nella mia vita è la passione per i libri 

e ovviamente per la lettura, 

prima ancora che la scrittura”, 

dice Mario Desiati 

è costretto a lavoretti di ogni genere. Conosce 

così la realtà del precariato, la parcellizzazione 

del mondo del lavoro. 

Da questa esperienza nasce Vita precaria e 

amore eterno, scritto nel 2004 e pubblicato 

da Mondadori nel 2006. Un romanzo che 

parla proprio delle dinamiche del mondo 

del lavoro di oggi, le difficoltà del vivere da 

precario, senza diritti né sicurezze. Intanto 

il mio arrivo a Nuovi argomenti crea una sorta 

di piccola rivoluzione interna. La rivista, 

infatti, aveva un suo gruppo storico di riferimento, 

col mio arrivo avviene una trasformazione. 

Si crea un gruppo giovane di 

cui fa parte una serie di giovani scrittori: 

Alessandro Piperno, Roberto Saviano, Leonardo 

Colombati, Chiara Valerio, Carlo Carabba, 

Paolo Giordano. Un gruppo eterogeneo, 

senza una sua appartenenza geografica 

precisa, come di solito accade in 

tutti i gruppi letterari. 

Si crea quindi un gruppo? 

Questo no. È una nuova generazione che si 

propone e che deve evitare di porsi come aggregazione 

parodistica, cercando di mantenere 

la stessa curiosità per tutto ciò che è la 

letteratura e questo anche nel momento in 

cui si dovesse diventare, per dirla alla Arbasino, 

i “soliti stronzi”. 

Una cricca di potere letterario? 

È il rischio da evitare in assoluto. Bisogna 

mantenere la stessa attenzione per gli altri, 

per i più giovani senza chiudersi nell’autoreferenzialità. 

Sarebbe un suicidio. Il mio 

lavoro editoriale, per fortuna, mi permette 

di guardare oltre al mio universo. 

Qual è il suo rapporto con gli scrittori più 

“grandi”? 

Con i “grandi” il rapporto è ottimo. Ho imparato 

molto da loro ed ho con loro un eccellente 

rapporto. Lo è stato con Siciliano, 

ma lo è anche con Dacia Maraini, Ferruccio 

Parazzoli, Goffredo Fofi, Franco Cordelli. 

Tutte persone dalle quali si ha sempre qualcosa 

da imparare. 

E con i Marco Lodoli, Isabella Santacroce, 

Niccolò Ammaniti, Silvia Ballestra? 

Non esiste un vero rapporto personale. Ho 

letto e apprezzato i loro libri, ma niente di 

più. Conosco personalmente Ammanniti, 

ma non ci frequentiamo molto. 

E Antonio Moresco? 

L’ho amato molto e lo ritengo fondamentale 

per capire gli anni ’70 e il perché in Italia 

oggi c’è un certo modo di pensare ed esiste 

un certo tipo di classe dirigente. Mi piace 

molto la letteratura di “rottura”, quella che 

divide e in questa mia predilezione Moresco 

è un punto di riferimento. Ho adorato i 

suoi Lettera a nessuno e I primi canti del 

caos. 

Poi Desiati torna a parlare della sua attività 

di editor, del suo ruolo nell’editoria. 

È un lavoro duro, intenso, che se da un lato 

può arricchirti dall’altro può toglierti energie 

ed entusiasmo. È una questione di autodisciplina. 

Se riesci a tenere distinti i ruoli 

allora va bene, altrimenti soccombi. Come 

mi disse una volta un grande della letteratura, 

Luigi Malerba: riuscirai a fare questo 

mestiere se manterrai la testa pulita, senza 

farti condizionare troppo, nella tua scrittura, 

da logiche puramente editoriali. 

L’intervista si chiude con un accenno al nuovo 

romanzo. Parlerà di amianto, dell’Eternit. 

Letteratura di denuncia, quindi. 

Non si può fingere di non vedere, di non sapere. 

Accenna, ancora, alla sua passione per la 

Slow-life. 

È quella che manca oggi. Si vive da dannati 

sempre all’inseguimento di qualcosa, affannati, 

sempre di corsa e sempre in ritardo. 

Senza più avere il tempo di riflettere. ■

VIVAVERDI 

42 

musica 

Bozzetto di “Gabalo” personaggio 

de “Il re nudo” divertimento in tre atti di 

Luca Lombardi, su libretto 

di Sandro Cappelletto. 

Nella pagina accanto Luca Lombardi 

alla sua prima opera comica. 

Foto di Roberto Masotti 

INTERVISTA A LUCA LOMBARDI 

UNA FAVOLA CONTRO 

IL CONFORMISMO 

di Federico Capitoni 

Che i sovrani siano nudi ormai non è una 

novità. Quello che stupisce, semmai, è che 

nessuno di loro si vergogni. La favola del 

re nudo è estremamente attuale, spesso il 

suo insegnamento è applicabile a molte più 

situazioni e individui di quanto possiamo 

immaginare. E allora Luca Lombardi, uno 

dei nostri compositori più prolifici e internazionalmente 

noti, su questa storia ha 

deciso di scrivere un’opera. La sua quarta, 

dopo Faust. Un travestimento, Dimitri, 

o l’artista e il potere e Prospero: “ma questa 

è la mia prima opera comica, le altre 

tre, pur con dei momenti burleschi, erano 

abbastanza serie”. Non che Il re nudo, 

divertimento in due atti in prima assoluta 

al Teatro Nazionale di Roma il 20 marzo, 

non abbia un connotato morale: 

“L’argomento è serissimo – dice Lombardi 

– sono io a cercare di renderlo più leggero”. 

Complici di questa levità, un libretto 

brillante e dinamico scritto da Sandro 

Cappelletto e, in mezzo a tante voci liriche, 

per così dire “serie”, quella non impostata 

ma efficacissima di Elio: “Averlo 

scelto,mi fa pensare che, invecchiando, 

invece di chiudermi, mi apro a nuove esperienze. 

Quando fui contattato per scrivere 

una canzone per lui, ed era pochi anni fa, 

non sapevo neppure chi fosse”. 

Dunque, maestro Lombardi, cos’è Il re nudo? 

È un’opera da camera, anche se l’organico è 

piuttosto allargato: ci sono una decina di 

Lo definiscono un “compositore europeo” perché ha studiato, lavorato e ottenuto riconoscimenti 

un po’ dappertutto, da Basilea a Norimberga. Le sue opere, profondamente innovative, sono 

caratterizzate da un umanesimo impegnato, sulla scia di Dallapiccola e Nono. Dal 20 marzo a 

Roma, porta in scena la più recente, Il re nudo - basata sull’omonima pièce dello scrittore 

satirico russo Evgenij Schwarz, che combina insieme tre fiabe di Andersen - un’opera da 

camera con decine di personaggi, un coro e un’orchestra di trenta elementi, col libretto scritto 

da Sandro Cappelletto e la voce di Elio delle Storie Tese. 

personaggi, il coro e un’orchestra di una 

trentina di elementi. È la mia versione musicale 

di una pièce teatrale di Evgenij 

Schwarz, autore russo dell’epoca di Stalin. 

Come altre sue commedie, fu subito proibita, 

anche se lui in realtà prendeva di mira 

Hitler e il nazismo. Ma, si sa, tra dittatori c’è 

solidarietà… L’idea di quest’opera risale a 

più di venti anni fa, e quando il Teatro dell’Opera 

di Roma mi ha proposto una commissione, 

ho pensato che fosse venuto il 

tempo di realizzarla. 

La storia è però il risultato di tre favole legate 

tra loro… 

Sì. Sono tre favole di Andersen molto note, 

I vestiti nuovi dell’imperatore, La principessa 

sul pisello e Il guardiano dei porci. 

Schwarz ha assemblato le tre storie. Per dire, 

il guardiano è uno dei due sarti che fanno 

i vestiti dell’imperatore, mentre la principessa 

è la stessa che si innamora del porcaro 

e promessa sposa di quello che sarà il 

re nudo. Mi interessava affrontare la sempre 

attuale questione dei re nudi (perché 

non ce n’è uno solo, e di certo non soltanto 

nella politica, ma ovunque, ovviamente anche 

nella musica). Spesso la gente, per conformismo 

o ipocrisia, apprezza ed esalta cose 

del tutto inconsistenti. Si accettano valori 

consacrati senza analizzarli criticamente. 

È un problema noto a tutte le epoche, che 

ho voluto affrontare in maniera leggera, rivolgendomi 

a un pubblico anche giovanile. 

E a chi è dovuta questa incapacità di vedere 

la nudità? Alle persone, all’establishment, 

ai re? 

Un po’ a tutti. Certamente le dittature impongono 

un certo modo di vedere le cose e 

di comportarsi – questo vale anche per le 

mode, o dittature culturali. Basterebbe, però, 

un po’ di senso critico. Quando si assiste 

a qualcosa (una mostra, un concerto, una 

rappresentazione teatrale…) non bisogna 

avere paura di esprimere il proprio giudizio 

o nascondersi dietro quello che dice la persona 

“autorevole”, altrimenti ci si comporta 

come gli spettatori dei vestiti nuovi del re: 

poiché i due sarti burloni li hanno convinti

VIVAVERDI 

43 

che solo chi è intelligente può vedere e apprezzare 

quei vestiti inesistenti, nessuno 

vuole passare per stupido e tutti lodano e celebrano 

il nulla. 

Diceva che l’opera è indirizzata anche ai giovani. 

Che musica ha scritto? 

Ho cercato, senza tradire me stesso, di scrivere 

in maniera piuttosto disinibita. Noi 

musicisti abbiamo un “super-io” musicale, 

dato dalla tradizione, dai maestri, dagli studi 

fatti. Questo super-io spesso ci impedisce 

di fare cose che vorremmo, ma che non 

osiamo fare per non trasgredire appunto 

quelle regole interiorizzate. Del resto, comporre 

è una scoperta continua, non si possono 

porre limiti alla creatività. Penso che 

l’universo della musica contemporanea sia 

molto composito. Negli anni della mia giovinezza, 

anche in musica c’era una “guerra 

fredda” che contrapponeva il blocco dei 

compositori d’avanguardia a quello dei compositori 

conservatori (Šostakovic, Britten, 

per fare due soli esempi). Oggi apprezzo 

compositori diversissimi tra loro, non solo 

Stockhausen (col quale andai a studiare alla 

fine degli anni sessanta), ma, per esempio, 

Bernstein. Componendo questa commedia, 

mi veniva di esclamare, parafrasando 

uno slogan politico degli anni sessanta e 

settanta: viva Bernstein, viva Weill, viva Offenbach! 

Si tratta, ovviamente, di riferimenti 

ideali, senza alcuna citazione stilistica. Un 

altro riferimento ideale potrebbe essere a 

Rossini. Ma, tornando alla sua domanda, devo 

dire che con i giovani ho fatto sempre ottime 

esperienze. E’ il pubblico adulto a essere 

spesso prigioniero dei propri pregiudizi. 

E il libretto? Che linguaggio viene usato? 

È un testo spiritoso, satirico, spesso in rima. 

C’è anche un coro dei maiali, che alla fine 

proclamano la “morale della favola”. 

Il re nudo è definito nel sottotitolo “divertimento”. 

Ma come spesso succede, le favole 

hanno risvolti amari. Alla fine di due ore 

di opera comica c’è il rischio che lo spettatore 

si alzi con l’amaro in bocca? 

Non credo. Se però lo spettatore capisce bene 

ciò di cui si parla, e se abitualmente si 

comporta come il popolo che acclama il re 

nudo, potrebbe “accenderglisi una lampadina”. 

Ma in genere non ci si identifica mai 

con gli ipocriti e i conformisti, quelli sono 

“gli altri”, noi siamo sempre diversi e migliori… 

Alla fine dell’opera tutti mettono in 

guardia dai re nudi, compreso il re nudo 

stesso…. 

Oltre all’Italia lei ha due paesi che predilige 

e dove ha scelto di vivere parte della sua 

vita. Uno di questi è la Germania, dove ha 

anche studiato. È ancora vero che sia uno dei 

migliori luoghi per la formazione e 

l’espressione di un musicista? 

Nonostante tutto è ancora così, ma anche lì 

le cose stanno cambiando. Del resto, niente 

rimane così com’è, tutto è in movimento 

e anche da quella che ci può apparire una 

decadenza dei valori in cui crediamo, potrà 

nascere qualcosa di valido. Non bisogna rimpiangere 

il passato, ma continuare a fare le 

cose in cui si crede, con mente aperta a ciò 

che di nuovo si sviluppa. Quando avevo dieci 

o undici anni venni presentato (da Amedeo 

Baldovino, violoncellista del “Trio di 

Trieste”) a Hindemith, allora il più famoso 

compositore tedesco, come il più giovane 

compositore italiano. Ebbene, malgrado la 

mia età, mi sento ancora tale! 

L’altro paese è Israele… 

Sì, ho deciso di passare periodi sempre più 

lunghi in Israele, paese del quale recentemente 

ho preso la cittadinanza, pur non rinunciando 

a quella italiana. Questa scelta è 

la mia personale risposta all’atteggiamento 

anti-israeliano, molto diffuso non solo da 

noi. A mio avviso si tratta di un “travestimento” 

del vecchio antisemitismo. Non è 

sicuramente facile superare duemila anni di 

odio anti-ebraico, cosa che, per quanto riguarda 

la Chiesa cattolica, è cominciata ad 

avvenire solo pochi decenni fa con Papa Giovanni 

XXIII. Visitando Israele, mi sono reso 

conto che è completamente diverso da come 

viene generalmente raffigurato dai nostri 

media. È un paese bellissimo, che invito 

tutti a visitare per rendersene conto di 

persona. Proprio a Jaffa (Tel Aviv), dove abito 

a due passi dal mare, ho finito poche settimane 

fa di orchestrare Il re nudo.

VIVAnovantanovenovità 


Piero Ciampi 

GLI SPARTITI 

Ricordi 

I 20 testi delle canzoni, 

con i rispettivi spartiti di 

questo autore, scomparso 

nel 1980, lontani da qualsiasi 

logica commerciale, 

sono di grande valenza 

storica nella musica popolare 

italiana. Ernesto De Pascale, 

definisce Ciampi nella 

prefazione “più un poeta 

che un cantante”. Scriveva 

con lui Gianni Marchetti, (autore 

di molte musiche), con 

il quale strinse un sodalizio 

fin dagli anni ’70. Insieme 

hanno creato brani come 

Livorno, Sporca estate, 

Quaranta soldati, quaranta 

sorelle. Membro della giuria 

del premio dedicato al 

grande compositore, De 

Pascale spera che “la 

stampa degli spartiti di 

Ciampi sia di stimolo per la 

ristampa dei dischi in vinile 

del cantautore, divenuti 

sempre più rari”. 

Fernando Fratarcangeli 

MINA, PAROLE… 

PAROLE… PAROLE…. 

Arcana 

Non è un saggio critico, né 

una biografia dettagliata e 

neanche un’analisi approfondita 

di questo personaggio 

amato dal pubblico di tutte 

le età. Come scrive l’autore: 

“è un omaggio semplice e 

diretto verso l’Artista, composto 

da tanti aneddoti, da 

tanti ricordi, da tante canzoni, 

da tante parole…parole… 

parole!” ma è 

anche la storia di un intreccio 

tra l’icona Mina e le pagine 

migliori del nostro pop 

negli incontri con gli autori 

del periodo. Il libro è arricchito 

dalle preziose immagini 

di locandine e copertine 

dei dischi. Un’appendice 

racchiude la storia delle sue 

canzoni, e racconta come, 

quando e perché sono nate. 

L’autore, Fernando Fratarcangeli, 

è critico musicale, 

giornalista, conduttore 

radiofonico e direttore del 

mensile Raro! al quale collabora 

dal 1987. Con le edizioni 

Coniglio ha pubblicato 

anche un libro su Patti Pravo 

(2007) e Eros Ramazzotti 

(2008). 

Maria Grazia Terreni 

NON SOLO PIAF 

Minofrabettiproductions 2008 

Artista con un’esperienza pluridecennale nel teatro, nel 

doppiaggio, Maria Grazia Terreni si è esibita con musicisti 

jazz quali Tony Scott, Carlo Loffredo, Michele Pavese 

e Mandrake. In radio e televisione ha collaborato 

con Silvio Gigli, Corrado e Bruno Canfora. In questo primo 

album troviamo eleganza, passione, capacità interpretativa, 

la voglia di emozionare e di emozionarsi, sia 

quando interpreta i successi di Edith Piaf, sia nei classici 

sempreverdi quali Feelings, duetto con Tom Sinatra 

o Malafemmena in una versione di nostalgica atmosfera 

anni sessanta, ma soprattutto nei quattro brani di cui è 

autrice insieme a Mino Frabetti quali Les Amoureux c’est 

nous, Pour toi, Une femme fatale, Y yo me voy. Infine 

in Io sono così, brano autobiografico, Maria Grazia Terreni 

sprigiona la sua passione evocando in chi l’ascolta 

sentimenti di una vita vissuta in lotta tra amore e ragione. 

Gli arrangiamenti sono di Giorgio Costantini. 

Ivan della Mea 

ANTOLOGIA 

Ala Bianca 

Un documento sonoro e visivo, un Cd e un Dvd, di rara 

importanza. E’ l’unica raccolta dei brani più significativi 

della lunga carriera di Ivan Della Mea, artista-scrittore-compositore–giornalista-etnomusicologo-studioso 

e 

ricercatore. Il Cd contiene 20 brani, tra i quali Contessa 

di cui 4 inediti. Il Dvd contiene il film A quel omn sulla 

vita dell’artista, regia di Isabella Ciarchi. Il primo a tentare 

di descrivere Della Mea fu Umberto Eco che lo definì 

archetipo. E’ molto difficile catalogare questo personaggio 

che mischia canzoni d’amore e canzoni politiche. 

Gianni Mura lo definisce “cantacronista” che riprende 

la tradizione dei cantastorie alla Marino Piazza con 

una maggiore convinzione personale e politica. 

Ernesto De Pascale 

MY LAND IS YOUR LAND 

Esoteric recordings/ 

Cherry 

Red/Audioglobe 

L’album, un progetto italo-inglese, 

sarà presentato 

dal vivo all’edizione 

2009 del prestigioso festival 

che i Fairport Convention 

organizzano ogni 

anno nel primo week-end 

di agosto a Cropedy nelle 

Midlands inglesi. Nato 

dall’incontro tra il giornalista-produttore-musicista 

Ernesto de Pascale e Ashley 

Hutchings, icona del 

folk britannico, il Cd è una 

raccolta di 13 brani originali 

con la partecipazione 

di 40 artisti internazionali 

da Clive Bunker cofondatore 

dei Jethro Tull, Peter 

Zorn e Chris Simpson, 

agli italiani Graziano Romani, 

Marian Trapassi e 

tanti altri. I brani sono realizzati, 

in equa parte, da 

musicisti italiani e britannici, 

che si misurano sul 

terreno comune della canzone 

d’autore, del folk, del 

rock con temi che vanno 

dalla cultura alla società, 

dallo sport al cibo, dalla 

memoria all’amicizia. 

Patrizio Fariselli 

STORIE ELETTRICHE 

Auditoriumedizioni 

L’autore è stato il tastierista 

degli Area, uno dei 

gruppi più importanti nella 

storia della musica italiana, 

dal 1972 per dieci 

anni. Dopo l’irrimediabile 

scomparsa di Demetrio 

Stratos ha continuato a 

suonare in modo brillante 

e poliedrico senza alcuna 

preclusione di stile, vivendo 

le tensioni degli incontri 

e delle “storie elettriche”. 

Dai momenti fondamentali 

con gli Area alle 

sperimentazioni teatrali si 

snocciolano racconti di 

un’intera vita con un tono 

molto appassionato, ma 

anche discreto e informale. 

Ne esce la coerenza di 

un musicista che ha vissuto 

(e vive) con le mani 

sulla tastiere del pianoforte 

ma che riesce a ricordare 

con simpatia personaggi 

picareschi (memorabile 

l’incontro con il primo 

chitarrista degli Area). 

Enrico Francioni 

SEGNI DEL TEMPO 

Wp-Dr 

L’autore, contrabbassista e compositore, ha arrangiato 

i lavori di Astor Piazzolla curandone l’incisione (Agorà). 

Vive nel Montefeltro dove, per dodici anni, si è dedicato 

alla composizione dei brani contenuti in questo Cd di 

musica contemporanea da camera, tra un concorso internazionale 

e l’altro. Protagonista dei pezzi è sempre 

il contrabbasso accompagnato da composizioni per viola, 

violoncello o arpa o chitarra o flauto. I brani si contraddistinguono 

per la perizia tecnica con pezzi registrati 

ottimamente e la capacità di cercare nuove strade 

in un genere musicale poco sfruttato.

VIVAVERDI 

45 

Alessandro Galati 

g PLAYS G 

2U Records 

Alessandro Galati è uno dei grandi talenti poco noti del 

pianismo jazz. E’ uno dei pochissimi - un altro è il 

cremasco Mario Piacentini - che con il suo suono e la 

sua originalità, si è lasciato davvero dietro le spalle il 

jazz per avventurarsi in un settore più sperimentale. Il 

Cd, che ricorda la prima esecuzione assoluta di uno dei 

capolavori del compositore George Gershwin, la suite 

Un americano a Parigi, è la registrazione live nel dicembre 

2008 a Firenze, del concerto che ha avuto lo scopo 

di finanziare il progetto benefico in Burkina Faso, a 

cura dell’Associazione culturale Oltre L’Arte, il cui ricavato 

sarà utilizzato per un service del Lions International 

Distretto 108 La Toscana: “Tutti a Scuola nel Burkina 

Faso”. g plays G (Galati plays Gershwin) è il titolo del programma 

del concerto del pianista fiorentino. Tra le più importanti 

collaborazioni di Galati quelle con David Murray, 

Steve Lacy, Lee Konitz, Enrico Rava, Paolo Fresu. 

Nicola Piovani 

EPTA 

Egea 

Il primo lavoro discografico che Piovani realizza per 

Egea. Il rapporto di collaborazione tra l’artista e 

l’etichetta scaturisce da un’intesa di fondo sul lavoro di 

ricerca, di costante attenzione alle tradizioni culturali, 

musicali del nostro paese. Epta è una suite orchestrale 

per sette musicisti che eseguono un ciclo di sette movimenti 

ispirati al numero sette, al suo fascino nella tradizione 

poetica, mitologica, biblica e nella matematica 

antica e contemporanea. Ognuno dei sette brani ha uno 

strumento principale che dialoga con gli altri sei. “Epta 

-scrive Piovani- è un progetto talmente impegnativo, 

anche dal punto di vista emotivo, che lo rimandavo di anno 

in anno. Ho incontrato due anni fa il professor Odifreddi 

a Crotone, al premio Pitagora, e a quall’incontro sono 

seguiti scambi di lettere che mi hanno dato il coraggio di 

mettere la matita sui pentagrammi. Il sentimento dominante 

di questa piccola suite nasce dalle peculiarità strettamente 

matematiche del numero sette, coniugate con l’ avvincente 

maestà delle sette porte di Tebe”. 

Giorgio Assumma, Gaia Mari, Giovanni Riffero 

MANUALE DI DIRITTO DELL’UNIONE EUROPEA 

Edizione Artemide 

Il testo costituisce la trascrizione elaborata delle lezioni 

tenutesi nell’ambito del Corso di “Diritto dell’Unione 

Europea” presso l’università romana Lumsa, facoltà di 

lettere e filosofia, Laurea specialistica in Lingue per la 

Comunicazione Internazionale. Gli autori dell’opera sono 

il Presidente della Siae Giorgio Assumma, Gaia Mari 

del Centro Studi Giuridici della Siae e Giovanni Riffero 

avvocato che opera nel campo del diritto d’autore e delle 

comunicazioni. La prima parte del volume è dedicata 

alla trattazione di alcuni temi considerati istituzionali 

in relazione allo studio dell’ordinamento giuridico comunitario. 

La seconda parte affronta l’analisi dei Diritti fondamentali 

sanciti dalla Costituzione Europea con speciale 

riferimento ai valori e agli obiettivi che ivi si trovano 

consacrati, nonché ai diritti e alle libertà fondamentali 

dei cittadini europei rispetto ai quali la seconda parte 

della Costituzione rappresenta un vero e proprio ‘catalogo’ 

formale ed ufficiale. 

Pasqualino Maione 

IO SARO’ LI’ CON TE 

Prodotto e realizzato da Stefano Cenci 

Un team di grandi autori per questo primo cd di Pasqualino 

Maione. Stefano Cenci e Paolo Audino (che hanno 

firmato successi come Brivido felino) sono i produttori 

e autori, insieme a molti altri, (tra i quali Roberto Zappalorto 

e Andrea De Palma), di questo primo album di 

Pasqualino, detto “Paky” Maione, finalista di Amici nell’annata 

2007/2008. La canzone Io sarò lì con te, primo 

singolo che dà il titolo all’omonimo cd, è una canzone 

d’amore, ma anche una dichiarazione nei confronti 

dei suoi fan. E’ un album realizzato con le sonorità pop 

storicamente più accattivanti. 

A cura di Sarah Zappulla 

Muscarà 

LUIGI E STEFANO 

PIRANDELLO NEL TEMPO 

DELLA LONTANZA 

Editore 

Salvatore Sciascia 

È un prezioso carteggio 

che può essere anche 

considerato un saggio sul 

rapporto padre-figlio in 

quella ‘benedetta lontananza’ 

di Pirandello tra Parigi 

e Berlino. La curatrice del 

libro, Sarah Zappulla Muscarà, 

ha ringraziato la 

Siae per l’ospitalità al Burcardo 

dove è stato presentato 

il volume. Il carteggio 

fornisce chiarimenti sugli 

aspetti più importanti 

della vita e dell’opera dell’ 

autore affermato, ma angosciato 

dai problemi 

economici della sua famiglia 

densa di conflitti, divenuti 

materia letteraria 

tramite la capacità creatrice 

sia di Luigi sia del 

primogenito Stefano, 

scrittore e drammaturgo 

anch’egli. Una vicenda 

che si dipana in un arco 

di tempo che va dal 15 

aprile del 1919 al 30 settembre 

del 1936, alla soglia 

della scomparsa dell’autore 

agrigentino. 

Sergio Palumbo 

PIU’ CUORE NELLE 

TUE MANI 

Prodotto da Sergio Palumbo 

e Mauro Spenillo 

Il titolo e l’omonimo brano, 

è la sintesi delle 14 

tracce contenute in questo 

cd di Sergio Palumbo, 

un progetto realizzato dall’autore, 

che è anche un 

religioso camilliano, per 

far emergere la straordinaria 

figura di San Camillo. 

Palumbo ne sottolinea 

gli aspetti salienti in tre 

brani: Camillo (chi era Camillo), 

Conversione (momento 

decisivo della vita 

del Santo) e Carità Carità 

(il messaggio). Più cuore 

nelle tue mani è stato arrangiato 

da Mauro Spenillo. 

Collaborazioni: duetto 

in Attimo Presente con 

Rosario Morisco (Sanremo 

2008). Il sacerdote, 

autore dei brani, che ha 

conosciuto Madre Teresa 

di Calcutta in India, racconta 

i lunghi 15 anni spesi 

al servizio dei malati 

per diffondere un messaggio 

di speranza. Anche 

con la musica.

VIVAnovantanovenovità 

Servillo Girotto Mangalavite 

FUTBOL 

Il manifesto cd 

I tre musicisti si sono passati di mano in mano il libro 

dello scrittore Osvaldo Soriano, Futbol-storie di calcio, 

che ha ispirato la realizzazione di questo cd. Tredici brani 

che ruotano intorno a un pallone, profumati d’Argentina 

(il fiatista Javier Girotto è di Cordoba come il tastierista 

Natalio Mangalavite) e di forte caratterizzazione teatrale, 

con la voce di Peppe Servillo, degli Avion Travel, a 

dettare tempi e modi di questi curiosi personaggi. Come 

Obdulio Varela, il capitano dell’Uruguay, che vinse la 

Coppa del Mondo contro il Brasile al Maracanà nel 1950 

facendo piangere un paese intero, convinto di riuscire 

a battere in finale la nazionale del piccolo paese rioplatense. 

O il divo degli anni ’80, Diego Armando Maradona, 

descritto dagli inizi in un piccolo suburbio di Buenos 

Aires fino alla gloria planetaria. Tra Lo sfogo del mister 

e Per fare un gol, c’è pure l’unica canzone non originale, 

No te mueras nunca, un ‘espressione idiomatica, non 

morire mai, che tu possa vivere sempre, portandoci allegria 

e divertimento, dedicata sempre al pibe de oro. 

Samuel Adler 

LO STUDIO DELL’ORCHESTRAZIONE 

I manuali Edt/Sidm 

L’edizione italiana e la traduzione di questo volume sono 

curate dal compositore Lorenzo Ferrero che si è basato 

sulla terza ristampa (2002) dell’originale The Study 

of Orchestration pubblicato per la prima volta nel 1882 

e sempre più arricchito di contributi. Il Maestro Ferrero 

mette in evidenza che il libro nasce “ dalla convinzione 

che l’orchestra non sia la semplice somma delle sue 

componenti e che sia possibile individuare nelle partiture 

dei classici degli ultimi due secoli principi essenziali 

alla formazione degli studenti di composizione”. La 

principale preoccupazione del musicista Ferrero è stata 

quella di “arricchire dove possibile le informazioni utili, 

con particolare riguardo alle notizie storiche sugli 

strumenti e alle traduzioni in varie lingue anche dei termini 

di uso meno frequente”. 

Waywarson 

ALONE 

Prodotto da Paris Scaglione 

Un Cd di musica rock o, come ama definirla Paris Scaglione, 

una sorta di rinascita del rock adulto e melodico. 

I brani si avvalgono dell’apporto di Jorg Busellu e Anthony 

Miles. Il mare è una costante presenza in diverse 

canzoni insieme all’inutilità della guerrra e il rischio 

dell’alienazione creato dal mondo virtuale di Internet. 

L’album, registrato nel 2003, è stato re-mixato e rimasterizzato 

da Bruno Guerrini. 

Mario Baudino 

PER AMORE 

O PER RIDERE 

Guanda 

Un giallo ipnotico, sotteso 

sul filo d’una passione bizzarra: 

quella per le ragazze 

strabiche, che porterà il 

protagonista nel cuore della 

Provenza. Giocato sul crinale 

della peripezia, in un 

vorticoso giro di truffe, apparizioni, 

tradimenti, avventure 

dentro e fuori la legge, 

fino alla rivelazione (non 

definitiva) d’una setta esoterica. 

Un romanzo arioso 

ma serrato, ilare e amaro 

come un gioco di specchi 

picaresco che si rifrange 

tra Patty Pravo (i versi del 

titolo, da Pensiero Stupendo) 

e Jean Giono, per approdare 

all’ incanto di Marcel 

Pagnol nell’ era di internet. 

Solo la letteratura sa 

fare certi miracoli. 

Alain Elkann 

L’EQUIVOCO 

Bompiani 

Due amici avanti negli anni, 

si ritrovano, per caso 

dopo molto tempo e vanno 

alla scoperta del proprio 

passato, che non 

passa, anzi è più vivo che 

mai. Ma la dolcezza delle 

rimembranze, a poco a 

poco, si trasforma nell’opposto. 

Tornano i figli e 

con loro gli equivoci, gli 

inganni, le rivelazioni, con 

l’inconfessabile che viene 

a galla attraverso una 

lettera. Anche verso la fine, 

le “braci” continuano 

ad ardere. 

Antonio Del Giudice 

LA PASQUA BASSA 

Edizioni San Paolo 

La Pasqua bassa, secondo 

diffuse opinioni popolari, 

porta con sé sciagure. 

Parte da qui il romanzo 

d’esordio di Antonio 

Del Giudice, giornalista. 

Lo sfondo storico è l’8 

settembre 1943. Pinuccio, 

figlio di Peppino e Caterina, 

soldato sbandato, 

è a pochi chilometri da casa 

quando viene freddato 

da una raffica di mitra tedesca. 

Peppino lo viene a 

sapere da un soldato che 

si è salvato. Ritrova il figlio 

riverso su un mucchio 

di sassi della spiaggia 

adriatica. Con la morte 

del figlio comincia anche 

l’agonia del padre e la tragedia 

d’una famiglia contadina 

unita da povertà e 

solidarietà. C’è odore e 

sapore di Sud e tradizioni 

solide in queste pagine: 

terra, campi, fatica, uomini 

che lavorano e donne 

forti che mantengono viva 

la struttura sociale, gli 

affetti, le relazioni, tengono 

unito un mondo. Pagine 

intense, semplici, in un 

racconto intenso e «innocente», 

come scrive Ermanno 

Rea nella postfazione. 

Pagine da teatro o 

da film alla Olmi. (A.F.) 

Mimma Gaspari 

PENSO CHE UN “MON- 

DO” COSI’ NON RITORNI 

MAI PIU’ 

Baldini Castaldi Dalai 

L’epoca d’oro della discografia 

italiana -gli anni della 

Rca e di Morricone, di 

Gene Pitney e Claudio Baglioni, 

di Enzo Jannacci e 

Connie Francis- raccontata 

da una protagonista, 

Mimma Gaspari, una vita 

di lavoro nel mondo della 

musica. Per oltre trent’anni 

la Gaspari si è occupata 

delle strategie promozionali, 

dall’ufficio stampa 

alle apparizioni televisive, 

dei personaggi più importanti 

dello spettacolo musicale, 

passando dal festival 

di Sanremo al Cantagiro, 

dalle Messaggerie 

Musicali di Milano agli studi 

di via Teulada della Rai. 

Un viaggio autobiografico 

e divertente, ricco di 

aneddoti e curiosità. Funzionari 

e persone che stavano 

dietro le quinte di famosi 

programmi radiofonici 

che aiutarono a svecchiare 

l’universo italiano 

delle sette note; cantanti 

di successo e quelli che 

semplicemente lo sfiorarono. 

Tutto in un una godibile 

narrazione, una brillante 

storia del costume 

ambientata in anni formidabili.

Foto Rosy Romano 

dischi 

VIVAVERDI 

47 

CARBONI / SINIGALLIA 

SOGNO E SREGOLATEZZA, 

LA MUSICA DEGLI ANNI ’70 

di Stefano Micocci 

Luca Carboni ha avuto un’idea splendida: un 

disco che riproponesse alcune canzoni significative, 

che in qualche modo hanno caratterizzato 

gli anni settanta. Non le canzoni da hit 

parade, ma alcune di quelle che hanno massaggiato 

il cuore di quella generazione, riscoperte 

poi, in seguito, per motivi a volte misteriosi, 

anche dalle generazioni seguenti. Musiche ribelli 

non è un “omaggio a”, non è una collection, 

una compilation e neppure l’inizio di una 

raccolta antologica di poeti della musica. E’ 

un’intuizione felice di Luca che ridà luce e forza, 

a suo modo, a una serie di “perle” d’autore, 

scelte alla fine di una riflessione molto arguta 

sulle canzoni della “diversità culturale”, della 

unicità intellettuale. Quella diversità culturale, 

quella visione della vita e del lavoro dell’autore, 

che unisce anche Luca Carboni e Riccardo 

Sinigallia e li ha portati a collaborare a questo 

tenero e struggente lavoro discografico. Musiche 

ribelli è anche un progetto live curato dalla 

“Friends e Partners” che andrà avanti nei teatri, 

da marzo e aprile fino all’estate 2009. 

“Luca mi ha proposto di fare questo disco con 

lui: abbiamo affittato una casa con giardino a 

Capo Perla, nell’Isola d’Elba e abbiamo lavorato, 

per due mesi, agli arrangiamenti e le performance, 

registrando parte dei brani sull’isola. 

Mentre i mixaggi sono stati fatti, in seguito, 

a Roma. Con Luca ho curato la produzione artistica 

del disco, e insieme con altri musicisti 

abbiamo suonato in tutti i brani. 

Ma l’aspetto altrettanto importante di questo 

viaggio insieme, sono i concerti live: la prima 

Luca Carboni e Riccardo Sinigallia in un disco “insieme” intitolato Musiche ribelli. Ma ci 

sono anche De Gregori e Claudio Lolli; Dalla, Guccini, Bennato e Battiato; Finardi, Jannacci e 

Pierangelo Bertoli, che Carboni ha reinterpretato scegliendo quei brani capaci di raccontare 

completamente i loro autori. In modo assoluto. Il risultato è un manifesto politico, culturale, 

poetico degli anni ’70, di rara completezza e bellezza. 

parte del concerto è dedicata al disco, e sono 

ospite di Luca per cantare insieme Ho visto anche 

degli zingari felici e La casa di Hilde. Nella 

seconda parte, cantiamo insieme Bell’amore 

(nel primo disco Riccardo Sinigallia), Amici 

nel tempo (che era nel disco Incontri a metà 

strada, ndr) e Gli autobus di notte. Ma inseriremo 

anche Cosa sarà di Dalla e De Gregori e 

Genova per noi, a proposito di collaborazioni 

artistiche, per ricordare Bruno Lauzi con una 

canzone di Paolo Conte. 

Ma probabilmente aggiungeremo altri brani 

che, al momento, stiamo solo provando. 

I concerti vanno molto bene, capita di avere davanti 

al palco, il pubblico dei grandi nomi della 

nostra musica. Il momento è difficile, ma la 

situazione è tale per cui si stanno delineando i 

giusti valori. Se i numeri delle vendite discografiche 

sono sensibilmente diminuiti, ai concerti 

la gente viene volentieri, c’è e si emoziona, 

partecipa e la voglia di musica dal vivo è sempre 

più forte. Me ne accorgo anche personalmente: 

sono due anni che sono costantemente 

“in concerto” chitarra e voce, in un’atmosfera 

di libertà assoluta, anche perché non ho niente 

da perdere. Nei locali, come nei grandi spazi. 

Il pubblico c’è, sempre, e anche quando so- 

no le 200 persone di un locale, si tratta di un 

pubblico cosciente, motivato e motivante, non 

ci sono malintesi, sa chi sei ed è lì per te…E 

questo ti da una carica straordinaria!”. 

Una nota sul disco: Ho visto anche degli zingari 

felici di Claudio Lolli, che nel disco Luca 

Carboni canta con Riccardo Sinigallia, riascoltata 

oggi, è più attuale e “provocatoria” 

di una canzone-manifesto come Eppure soffia, 

che pure rimane bellissima. Anche per 

i nostri attuali problemi con le etnie “altre 

da noi” così presenti nel nostro paese. Giusta 

anche la scelta de La casa di Hilde, sempre 

di De Gregori, che Carboni e Sinigallia 

interpretano insieme: del resto è una canzone 

evocativa di un periodo irripetibile di 

amicizia e collaborazione artistica, di Francesco 

con Edoardo De Angelis, con Giorgio 

Lo Cascio, con Antonello Venditti. E con musicisti 

come Centofanti, Ciotti, Giammarco, 

Minotti, Buzzi, Ciccaglioni e Montanari che 

in seguito si sono affermati anche come solisti 

e grandi performer, ed erano presenti, 

sin da allora, nel disco di De Gregori. I primi 

due anni dei ’70, sono uno spartiacque 

culturale epocale, tra un “prima” e un “dopo”, 

per la musica italiana.

“La mia avventura nello spettacolo 

è cominciata a tredici anni, per caso”, 

dice Paola Cortellesi. 

Le foto sono di Fabio Lovino 

VIVAVERDI 

48 

teatro 

INTERVISTA A PAOLA CORTELLESI 

FAR RIDERE? 

UN GIOCO DA RAGAZZE 

di Linda Brunetta 

Si è in parte 

disarmati 

di fronte 

all’eclettismo di 

Paola Cortellesi, 

quasi unico fra le attrici 

italiane della sua 

generazione. Attrice, autrice, 

cantante, presentatrice, 

imitatrice, le riesce tutto bene ed è 

anche bella e… molto alta! Si è quasi disarmati 

anche di fronte alla sua modestia, al suo 

essere così poco “star”, sempre pronta a 

creare sinergie, a lavorare insieme, a giocare 

insieme agli altri, che siano ospiti famosi, 

quasi sempre anche amici (nei suoi show 

televisivi) o attrici e attori in teatro e al cinema. 

Ma com’è cominciata la sua avventura nel 

mondo dello spettacolo? 

A tredici anni per caso. Confesso che 

mi esibivo in piccoli spettacoli per amici 

e familiari pazienti e comprensivi, 

in particolare adoravo cantare 

e un amico dei miei, Claudio 

Mattone, che in quel 

periodo collaborava come 

autore per il programma 

Indietro 

Tutta di Arbore, mi 

chiamò quasi per 

scherzo in uno studio 

di registrazione 

Le sue imitazioni del ministro Gelmini o di Sarah Palin sono irresistibili. Autentica regina della 

comicità femminile che passa con disinvoltura dal successo televisivo a quello teatrale e 

cinematografico, Paola Cortellesi possiede un talento e una versatilità straordinari. In 

quest’intervista, confessa di aver cominciato cantando e poi è passata al suo primo amore, il 

teatro classico, ma la voglia di scherzare l’ha portata in televisione. 

a cantare il jingle dell’immaginario sponsor 

della trasmissione: Cacao meravigliao. 

Era la sua voce, mentre nella trasmissione 

cantavano in playback e ballavano cinque 

brasiliane mozzafiato? 

Esatto, poi ho continuato a cantare per tutta 

l’adolescenza, nei pub, nelle feste, nei locali, 

con tre gruppi diversi, cover, ma anche 

rock e rhythm & blues. Lo facevo perché mi 

divertivo, ma soprattutto per guadagnare 

qualcosa. 

E dopo aver scoperto il primo dei suoi talenti, 

il canto? 

Poi ho mollato l’università e mi sono iscritta 

al corso di recitazione di Beatrice Bracco 

e subito ho cominciato a fare piccoli spettacoli 

nelle cantine, nei teatrini, ma non si 

trattava di spettacoli di cabaret. Per me il 

teatro è sempre stato teatro di prosa e aspiravo 

a ruoli classici: volevo fare Giulietta! 

Invece è proprio perché mi divertivo a scherzare 

e improvvisare nei camerini che mi 

hanno chiesto di fare un provino per Macao, 

il programma di Boncompagni. Ho accettato 

ed è stata un’esperienza che mi ha avvicinato 

al linguaggio televisivo. 

Ma il percorso teatrale non si è mai interrotto, 

anzi, e ne è la conferma Gli ultimi saranno 

gli ultimi, il suo recente monologo 

teatrale su un tema drammatico come la 

disoccupazione, che ha avuto un enorme successo. 

Come mai non ha mai riproposto i 

personaggi che hanno avuto successo in televisione 

anche a teatro? 

Il teatro e la televisione sono due linguaggi 

diversi. Uno sketch televisivo dura tre-quattro 

minuti e il personaggio è paradossale, 

eccessivo. Il teatro, che è il mezzo che conosco 

meglio, ha altri tempi, altri ritmi e io 

preferisco raccontare una storia, mantenere 

la fiducia che ha avuto in me il pubblico teatrale, 

solo per il fatto che è arrivato fino lì. 

Non mi sembrerebbe corretto fargli rivedere 

quello che ha già visto in televisione. 

Ha in mente un altro spettacolo teatrale nell’immediato 

futuro? 

Per il momento no. Il monologo è stato molto 

impegnativo, c’è voluto un anno per idearlo, 

scriverlo e prepararlo insieme a Massimiliano 

Bruno, Furio Andreotti e Giampiero 

Solari, poi due tournée di sette mesi l’una. 

Ci vuole una grande disciplina, anche fisica,

VIVAVERDI 

49 

per portarlo avanti. 

La televisione è meno impegnativa? 

Dipende. Quando lavoro ad uno show mi 

stanco moltissimo. E’ difficile immaginare 

per chi non l’ha mai fatto quanto lavoro ci 

sia dietro un programma: dall’ideazione, alla 

scrittura dei testi, alla realizzazione. Io ci 

tengo a seguire tutto, anche al montaggio sono 

sempre presente a rifinire, migliorare 

fino all’ultimo. 

Soprattutto perché il suo ultimo programma 

per la prima serata di RaiTre, Non perdiamoci 

di vista, era un one woman show? 

Con ospiti! E ci tengo molto quando invito i 

miei amici e colleghi a valorizzare le loro capacità, 

anche inconsuete, come quando sono 

venuti Pierfrancesco Favino e Claudio 

Santamaria che si sono trasformati in due 

perfetti trans. E ovviamente c’è bisogno di 

una preparazione accurata. Non credo che 

venga bene lo sketch quando qualcuno è a 

disagio perché è colto di sorpresa e magari 

non sa come reagire. Persino quando faccio 

il personaggio di Silvana, l’intervistatrice 

aggressiva, ho sempre fatto sapere prima le 

domande alla “vittima” di turno. Dev’essere 

un gioco, non una trappola. 

Quanto è diverso invece il lavoro come attrice? 

In un certo senso è più rilassante, in questo 

momento sto interpretando un ruolo in una 

serie televisiva per RaiUno, La casa, e in 

questo caso mi affido totalmente al regista 

Gianluca Tavarelli con il quale ho già lavorato 

in Maria Montessori. E’ una bellissima 

sceneggiatura di Sandro Petraglia e Stefano 

Rulli. 

Al cinema ha di recente interpretato una delle 

protagoniste del film di Enzo Monteleone, 

Due partite, tratto dalla omonima commedia 

di Cristina Comencini. I personaggi femminili 

scritti da una donna sono più aderenti alla 

sensibilità di un’attrice secondo lei? 

Mi sono molto identificata non solo nel mio 

personaggio, ma in tutti gli altri, un affresco 

femminile molto ironico e anche molto 

vero: “Le donne devono essere brave in tutto”, 

dice uno dei personaggi della commedia. 

Eppure sei sempre inadeguata, essere 

donna è un’aggravante: se sei una donna in 

carriera sei un caterpillar; se ti vesti seduttiva, 

sei una poco di buono; se ti copri troppo, 

sei un fagotto insignificante… 

I suoi personaggi televisivi a volte sono donne-vittime 

bistrattate dalla vita, a volte personaggi 

potenti e crudeli, tutte con un sorriso 

inquietante, che è una maschera molto 

femminile per poter dire di tutto. Come li 

sceglie? 

Io non ho un repertorio comico già testato 

a teatro negli spettacoli dal vivo, perché come 

dicevo, a teatro porto altri contenuti, e 

al cinema mi affido completamente al regista 

e cerco di interpretare al meglio il ruolo 

scritto dagli sceneggiatori, quindi se devo 

partecipare a un programma in televisione 

mi preparo prima appositamente leggendo 

giornali, guardando i talk-show, dove emergono 

i temi, i personaggi, i politici più in 

vista in quel momento, così mi è venuto in 

mente di imitare la Prestigiacomo, la Gelmini, 

Sarah Palin… 

Che ruolo ha la satira? Può anche far riflettere 

su determinati problemi di attualità? 

Io sono un’attrice comica, il comico è un dono 

e un allenamento e a mio parere non bisogna 

mai perdere di vista la leggerezza, che 

non significa superficialità. Il mio compito, 

anche se affronto un argomento che può 

essere considerato serio, è chiudere con una 

risata. Non sono né un politico, né un predicatore 

e non faccio un personaggio comico 

per fare polemiche, ma per divertire. 

In base a quali criteri fa le sue scelte artistiche? 

Considero un privilegio poter fare delle scelte, 

televisione, cinema, teatro oppure condurre 

o cantare, come ho fatto a Sanremo 

nel 2005, le canzoni scritte insieme a Rocco 

Tanica di Elio e le storie tese, che è uno 

dei miei autori di riferimento, perché anche 

la musica può essere uno sketch. Sono 

selettiva, ma non snob, di solito scelgo un 

ruolo in base alla storia. L’attore secondo 

me non è una rock star, l’attore da solo non 

va da nessuna parte, parla con gli altri. Anche 

se sei bravissimo in un brutto film nessuno 

ti noterà, perché è l’insieme che conta.

VIVAhanno detto 


FEAGARL SHARKEY, 

RESPONSABILE UK 

MUSIC (associazione 

di discografici, artisti 

e produttori) 

“L’industria deve dare 

ai consumatori quello 

che vogliono, in 

maniera legittima, 

assicurandosi che gli 

artisti, i compositori e le case discografiche 

siano pagate”. 

La Repubblica , 20 gennaio 2009 

GERD 

LEONHARD, 

AUTORE DEL 

LIBRO 

The future of 

Music 

“Dobbiamo 

metterci dalla 

parte dei 

consumatori, di 

quei ragazzi di 15 

anni che usano 

Facebook, Twitter, Songza o Youtube, loro 

sono clienti dell’industria per i prossimi venti 

anni. Io credo che non si debba combattere il 

filesharing o le forme di network sociale che si 

stanno affermando, ma bisogna andare a un 

accordo con le compagnie telefoniche e gli 

internet provider che guadagnano tantissimo 

dal download di musica, film e altri contenuti. 

Io e tanti ragazzi oggi paghiamo un 

abbonamento per una connessione a banda 

larga per poter condividere contenuti digitali 

non certo per scambiarci mail. Credo che si 

debba chiedere aiuto ai Governi, ai paesi che 

hanno cominciato a capire che non si può fare 

finta di niente. L’idea della licenza legale (un 

abbonamento mensile per scaricare ciò che si 

vuole) sta facendo grandi passi avanti in 

Francia e Gran Bretagna con l’idea di far 

pagare una quota fissa alle grandi telecom 

telefoniche”. 

Il Manifesto, 21 gennaio 2009 

BOOSTA, 

TASTIERISTA DEI 

SUBSONICA 

“Sono convinto che la 

musica goda di ottima 

salute, in 

controtendenza con 

l’andamento 

pachidermico della 

discografia e del suo 

business che non hanno saputo tenere botta 

alla tecnologia. Noi veniamo da un tour di un 

anno sempre sold out : la gente risparmia su 

memorabilia, ma non sui biglietti di un 

concerto. La morte del cd è un suicidio più che 

un assassinio. La musica è come l’acqua: meno 

dighe ci sono, più gocce arrivano”. 

Corriere della Sera, 26 gennaio 2009 

GIUSEPPE GARGANI, 

PRESIDENTE DELLA 

COMMISSIONE 

GIURIDICA DEL 

PARLAMENTO 

EUROPEO 

“Non possiamo 

smettere, ad ogni 

livello, di alimentare la 

cultura, come persone e come politici: è un 

terreno che va perennemente coltivato. Sul 

piano politico e dell’interesse generale, per 

esempio, il problema della pirateria 

rappresenta un ostacolo continuo per lo 

sviluppo della creatività. La Commissione 

giuridica del Parlamento europeo sta 

lavorando per garantire, nello stesso tempo il 

rispetto del diritto d’autore e gli interessi dei 

fruitori. In fondo, questi due principi si 

trovano nella Dichiarazione Universale dei 

Diritti Umani; in particolare l’articolo 27 

recita (al punto 2): ‘ogni individuo ha diritto 

alla protezione degli interessi morali e 

materiali derivanti da ogni produzione 

scientifica, letteraria e artistica’ ”. 

Siaenews, www.siae.it, 11 febbraio 2009 

GEOLOGIST (BRIAN 

WEITZ), ANIMAL 

COLLECTIVE 

“Oggi la gente può 

accumulare grandi 

quantità di musica in 

tempi talmente brevi 

che se ne dimentica. E 

poi la mettono sul loro 

iPod su shuffle e non 

sanno nemmeno cosa 

stanno ascoltando, mentre l’ascoltano! Oppure 

scaricano qualcosa, ne ascoltano 20 secondi e 

se non gli piace lo cancellano. Invece io da 

piccolo, non avevo molti soldi e quando 

compravo un disco lo ascoltavo tutto. Se non 

mi piaceva non lo buttavo (…) Mi dicevo: ‘ 

Però la copertina è così bella… magari è il caso 

di riascoltarlo’… e diventava uno dei miei 

dischi preferiti! Forse oggi non sarebbe 

possibile, è scomparsa l’idea che la musica sia 

qualcosa a cui devi dedicare tempo e impegno. 

Per me gli album davvero memorabili sono 

opere compiute che voglio ascoltare senza 

interruzione, dall’inizio alla fine e poi ancora. 

Noi teniamo molto all’idea di fare un disco 

con un inizio e una fine. Vogliamo che il nostro 

pubblico lo ascolti per intero. Oggi, invece, la 

regola è stare attenti all’attacco e alla coda 

delle canzoni. (…) non ho intenzione di creare 

un disco tenendo a mente come suonerà su un 

iPod shuffle”. 

Rolling Stone, febbraio 2009 

MORISSEY, LEADER 

SMITHS 

“La musica pop oggi è 

diventata un trucco per 

abbagliare la gente, 

suoni supersonici e 

produzioni pazzesche 

per distrarre 

l’attenzione. Io vengo 

dalla musica vera. 

Quando ero bambino la gente non aveva 

neanche l’autoradio. Gli appassionati erano 

visti come marziani. Ora più abusiamo della 

musica, più il suo potere diminuisce. Oggi tutti 

vivono con il sogno di far parte di un reality 

show, come se diventare rockstar fosse un 

diritto acquisito”. 

La Repubblica, 5 febbraio 2009

VIVAVERDI 

51 

BRIGITTE ZYPRIES, 

MINISTRO DELLA 

GIUSTIZIA TEDESCO 

“Sarebbe un errore 

affidare agli ISP la 

responsabilità di 

disconnettere gli utenti 

che praticano file 

sharing illegale. 

Insomma, 

l’estromissione della Giustizia ordinaria da 

ogni procedura andrebbe considerata una 

violazione grave dei diritti dei cittadini. 

Tom’s hardware on line, 4 febbraio 2009 

NEK 

“Vorrei impegni più 

seri, anche nella lotta 

alla pirateria che sta 

uccidendo il mondo 

musicale. Suggerisco 

provvedimenti 

concreti. Non sarebbe 

male se tutti noi 

cantanti smettessimo di comporre pezzi o 

eseguirli: ecco, un bello sciopero generale 

forse spingerebbe i politici a muoversi”. 

Anna, 5 febbraio 2009 

CHIARA SARACENO, 

SOCIOLOGA DELLA 

FAMIGLIA 

“C’è sempre una dose 

di irrealismo nella 

fiction italiana, si 

vedono solo case 

meravigliose, come se 

abitassero tutti 

sull’Appia Antica. E’ 

come se si parlasse 

sempre tra virgolette. E mi dispiace 

l’immagine delle donne: non accettano gli 

anni che passano. Vivono tutti sotto lo stesso 

tetto in modo irrealistico”. 

La Repubblica, 4 febbraio 2009 

DOMENICO 

PROCACCI 

“Bisogna opporsi alla 

logica per la quale è 

bello solo ciò che 

funziona 

commercialmente e 

contestare autentiche 

menzogne e 

stupidaggini come 

l’idea che senza i film di Natale non si 

potrebbero realizzare prodotti di interesse 

culturale ”. 

Giornale dello Spettacolo, 30 gennaio 2009 

GIANFRANCO FINI 

“Mai come oggi nella 

civiltà della 

comunicazione e 

dell’informazione 

appare centrale la 

ricchezza immateriale 

delle idee e della 

cultura nella vita 

collettiva, compresi i 

suoi ambiti economici. Non per niente, in 

quello che è definito il ‘Made in Italy’ sono 

molti a scorgere il segno della creatività 

italiana ed auspico che cresca la 

consapevolezza nelle istituzioni e nei cittadini 

della necessità di investire nel campo delle 

idee e della ricerca, che vanno annoverate tra 

le grandi risorse strategiche di un paese 

moderno”. 

Corriere della Sera, 17 febbraio 2009 

RENZO ARBORE 

“La tv attuale non mi è 

congeniale, è troppo 

hard, che tratti politica 

o gossip. E’ piena di 

risse verbali. Inoltre i 

giovani sono mortificati 

con il ‘velinume’ . 

Bisognerebbe tornare 

all’indice di gradimento, è l’unico sistema per 

trovare la qualità televisiva, in alternativa al 

Qualitel che è costoso. Basterebbe il voto come 

a scuola, ma questo non è possibile perché non 

lo vuole la pubblicità”. 

Corriere della Sera, 3 febbraio 2009 

FRANCESCO MARIA 

GIRO 

“Prestigiose rassegne 

cinematografiche 

internazionali, da 

Cannes, a Berlino a 

Venezia, sono state 

concepite e sono nate e 

si sono imposte anche 

con l’obiettivo di sostenere il cinema del loro 

Paese. Ammettere questo non significa dire 

una parolaccia ma dire con onestà come stanno 

le cose. Sarebbe grave e sarebbe una 

‘parolaccia’ se venissero premiati film brutti. 

Questo sì. Ma questo non può voler dire per 

forza escludere a priori, come accade da troppo 

tempo, i film italiani di qualità, che infatti 

scappano all’estero, corrono a Cannes e 

vincono, come ‘La Stanza del Figlio’ di 

Moretti, ‘Gomorra’ di Garrone e ‘Il Divo’ di 

Sorrentino”. 

AdnKronos, 2 febbraio 2009 

SERGIO ZAVOLI, 

PRESIDENTE 

COMMISSIONE 

VIGILANZA RAI 

“La Rai è di gran lunga 

migliore della fama che 

ha: in tempi difficili è 

riuscita mantenere alto 

il suo prestigio. Si può discutere 

dell’abbassamento di qualità di una certa 

programmazione, ma si tratta di un problema 

di sobrietà, di carattere etico, da porre a 

chiunque faccia comunicazione e 

informazione”. 

Apcom, 4 febbraio 2009 

CLAUDIO AMENDOLA 

“Il bello della serie i 

‘Cesaroni’ è che cerca la 

verità per quanto sia 

possibile. Non ci 

aspettavamo un 

successo simile, 

abbiamo toccato picchi 

di dieci milioni. Penso 

sia dovuto al fatto che è caduto il velo 

d’ipocrisia con cui sinora era stata raccontata 

la famiglia italiana”. 

La Repubblica, 4 febbraio 2009

VIVAVERDI 

52 

editoria 

Alcuni titoli dei 

“Dischi del Sole” 

e “Dischi del Club Tenco”. 

Nella pagina accanto 

Toni Verona, titolare 

dell’etichetta 

indipendente 

Ala Bianca, 

fondata nel 1978 

INTERVISTA A TONI VERONA 

LA MUSICA ITALIANA 

VOLA SU UN’ALA BIANCA 


L’etichetta discografica indipendente Ala Bianca, ha celebrato di recente i trenta anni di attività. 

Eppure Toni Verona, il suo proprietario e vulcanico general manager, ha ancora tanta curiosità e 

voglia di girare il mondo per promuovere “i prodotti italiani”. Ecco un piccolo bilancio di 

un’avventura partita coi Nomadi e Alan Sorrenti poi cresciuta coi “Dischi del Sole” e la dance, 

oggi conosciuta in mezzo mondo, dal Benelux al Giappone, dove continuano a chiedergli di tutto, 

Non tutti conoscono i suoi inizi, da studente 

di biologia a scrittore di testi di canzoni. 

Quando è scattato l’interruttore ossia la consapevolezza 

di voler diventare editore e discografico? 

Non sono musicista, per di più non suono alcun 

strumento ma la musica, da sempre, mi 

ha affascinato e fortemente coinvolto come 

ascoltatore. Mi ci sono accostato per passione 

e per lo stesso motivo ho scritto qualche 

testo di canzone, in taluni casi cover di brani 

americani incisi dai Nomadi e da qualche altro 

artista. Non ho mai pensato che la musica 

potesse diventare un lavoro o addirittura 

il mestiere di una vita, per questo seguii il 

percorso tradizionale, scuola ed università. 

L’esigenza di autonomia mi spinse a cercare 

un lavoro che individuai nel settore musicale 

seguendo l’istinto e la grande passione 

per la musica. Iniziai a collaborare con 

un paio di amici con i quali ci inventammo 

un ufficio di segretariato artistico ed altro: 

management, booking, produzione artistica, 

editoria, promozione, scouting. Per un 

paio di anni ebbi anche un incarico in Emi 

per ricerca di nuovi autori-artisti e qualche 

anno dopo, era il ‘78, una delle produzioni 

del nostro team per Emi divenne artista dell’anno: 

Alan Sorrenti con l’album Figli delle 

Stelle. Ebbe inizio l’attività editoriale di 

Ala Bianca in Italia ed Europa poiché Sorrenti 

arrivò ai primi posti delle charts europee, 

consolidando il successo con la hit suc- 

da Franco Trincale a Enzo Jannacci. 

cessiva, Tu sei l’unica donna per me, dall’album 

L.A. & N.Y. 

Inizialmente l’attività di Ala Bianca si limitava 

all’editoria oltre che ad un lavoro di segreteria 

artistica mentre si continuava la 

produzione discografica per conto terzi (Emi 

e Polygram sopratutto). 

Dopo quasi un decennio, nel 1987, Ala Bianca 

divenne anche produttore fonografico indipendente, 

legato ad Emi per la distribuzione 

del prodotto nei primi anni e passati 

poi alla Warner, dove siamo tuttora da quasi 

venti anni (un’anomalia per il settore!). 

Fin dall’inizio l’attività discografica fu orientata 

a 360 gradi su varie linee artistiche e, 

alla distanza, questo tipo di scelta ci ha gratificati. 

La filosofia aziendale di base fu 

orientata sempre verso progetti editoriali. 

In sostanza ci siamo occupati di artisti in 

quanto autori di brani (prima di tutto) che 

noi editavamo e pubblicavamo preoccupandoci 

di produrre il master per dare visibilità 

ad artista e prodotto. 

Ha pubblicato pure dance e musica latina. 

L’ultima compilation di Caterpillar è un’antologia 

world music. Sta allargando il più 

possibile il suo raggio d’azione e perché? 

Nel primo periodo della nostra attività 

discografica la musica dance “made in Italy” 

furoreggiava specialmente in Europa ed Asia. 

Entrammo in questo mercato pubblicando 

il primo singolo in vinile di un brano individuato 

in Germania da un nostro collaboratore 

:Electrica Salsa by Off, un deejay che 

scelse di firmarsi così e divenne una grande 

hit! Producemmo musica dance rivolgendo 

la nostra attenzione anche ad altri 

progetti editoriali-discografici di maggior 

respiro e contenuto. 

Così, un paio di anni più tardi siglammo un 

accordo con l’istituto Ernesto De Martino 

per la gestione dell’intero catalogo editoriale 

e discografico di musica popolare “I Dischi 

del Sole”, collana composta da oltre 60 

album ripubblicati dapprima su LP (vinile) 

e MC (musicassette), successivamente rimasterizzati, 

digitalizzati e ripubblicati su 

compact disc, un’operazione oltretutto a salvaguardia 

di un prezioso catalogo di musica 

popolare, un catalogo unico di tradizioni e

cultura popolare italiana raccolto sul campo 

da ricercatori ed etnomusicologi, studiosi 

ed appassionati. Le canzoni, o meglio i 

canti, abbracciano quasi due secoli di storia 

d’Italia, dal dopo rivoluzione francese con i 

canti giacobini e garibaldini al sessantotto ed 

oltre, passando attraverso i canti dell’unificazione 

d’Italia di fine ‘800, canti degli emigranti 

di inizio ‘900, canti del lavoro, dell’osteria, 

del carcere, della resistenza, ecc. 

Un enorme patrimonio di cultura popolare 

raccolto in un archivio sonoro di oltre 

20.000 titoli a cura dell’Istituto culturale 

Ernesto De Martino; un grande e costoso lavoro 

di recupero e digitalizzazione dei nastri 

analogici curato da Ala Bianca che ne ha 

sostenuto i relativi costi, senza interventi o 

sovvenzioni pubbliche. 

Può raccontare qualche aneddoto sui cataloghi 

“Dischi del Club Tenco” e “Dischi del 

Sole”. Li vende solo in Italia o anche all’estero? 

Qual è il titolo più richiesto? 

Gli album più richiesti della collana dei “Dischi 

del Sole” sono: Le canzoni di Bella Ciao 

del Nuovo Canzoniere Italiano, album che 

ad oggi ha venduto qualche milione di copie 

ed in ogni parte del mondo; Ci ragiono e canto, 

canzoni di uno spettacolo con la regia di 

Dario Fo; I treni per Reggio Calabria, un album 

di Giovanna Marini; O cara moglie, album 

di Ivan Della Mea; Contessa, di Paolo 

Pietrangeli; Nina di Gualtiero Bertelli; Per 

i morti di Reggio Emilia di Fausto Amodei 

ed altri artisti di questa collana che ingloba 

etnie regionali quali Caterina Bueno, Matteo 

Salvatore, Cicciu Busacca e tanti altri. 

“I Dischi del Sole” sono stati ben presto affiancati 

da un’iniziativa sulla canzone 

d’autore, volta a costituire quella che attualmente 

è la prestigiosa collana de “I Dischi 

del Club Tenco”, fortemente voluta da Amilcare 

Rambaldi, fondatore del Club Tenco e 

Roberto Coggiola del Direttivo del Club Tenco. 

Sono per lo più album live con registrazioni 

effettuate nel corso della Rassegna della 

Canzone d’Autore del Club Tenco che si 

tiene ogni anno a Sanremo. In altri casi trattasi 

di veri progetti artistici a tema, quali 

omaggi-tributi ad artisti stranieri, Vladimir 

Vitsoskji, Pablo Milanés, e italiani: Bruno 

Lauzi, Sergio Bardotti, Duilio Del Prete, Sergio 

Endrigo, la band degli anni ‘70 dei Pan 

Brumisti... 

In tutte le raccolte sono presenti artisti tra i più 

noti autori-interpreti di canzone d’autore, da 

Fabrizio De André a Paolo Conte, Guccini, Vecchioni, 

Jannacci, Paoli, Fossati, Mannoia, Capossela, 

Vanoni e tanti altri. 

Per la prima ed unica volta questi grandi artisti 

hanno acconsentito ad essere “compilati”, 

uniti in album-raccolte pubblicate su 

label ,“I Dischi del Club Tenco”, unica collana 

in Italia dedicata alla canzone d’autore, 

l’“Antologia” (per eccellenza) della canzone 

d’autore. Essendo prodotti unici, la vendita 

dei vari volumi è costante nel tempo. 

Maggiore è la richiesta per il vol. 1 “Club 

Tenco: Vent’anni di canzone d’autore”, “Roba 

di Amilcare”, “Il Volo di Volodjia” (Vladimir 

Vitsoskji). 

Queste collane di musica popolare e d’autore, 

unitamente ad altre particolari scelte artistiche 

praticate nel tempo, hanno permesso alla 

nostra azienda di differenziarsi nel mercato 

ponendosi in un contesto particolare, quasi 

“border line” tra cultura e mercato. 

Ala Bianca è stata anche la prima compagnia in 

Italia ad occuparsi di musica e cultura latina. 

Negli anni abbiamo pubblicato una serie di 

album dedicati, dapprima con licenze-master 

di materiale prodotto a Cuba, Miami, Columbia, 

Venezuela, ecc. poi nostre produzioni realizzate 

con artisti e produttori latini nei luoghi 

d’origine. Sono nate- consolidandosi nel 

mercato- alcune collane: “La Noche Cubana”, 

“Margarita Caliente” ed altre. 

Ala Bianca vanta poi rapporti editoriali e/o 

discografici con singoli artisti quali Enzo 

Jannacci, Marlene Kuntz, Nair, Giovanna 

Marini, Gianni Maroccolo (IG), Ivan Della 

Mea, Andhira, Rudy Marra, Franco Trincale, 

Nicola Costanti, Max Manfredi. 

La distribuzione dell’intero catalogo (cd-

VIVAVERDI 

54 

editoria 

dvd-files digitali) è affidata a Warner. 

Manteniamo tuttavia una distribuzione autonoma 

dei file digitali (on line da febbraio 

2009) e dei cd (vendita per corrispondenza 

sempre dal nostro sito web) che, grazie ad 

internet, sta consentendo promozione e vendita 

del prodotto fisico e digitale in tutto il 

mondo. 

Taluni nostri prodotti hanno il privilegio di 

circuitare in vari paesi stranieri grazie ad 

accordi di licenza-master stipulati con nostri 

partner, maggiormente in area Europa/Asia. 

In tal caso la compagnia discografica 

locale provvede alla pubblicazione-promozione-marketing 

e distribuzione del prodotto 

da noi licenziato. 

E’ un periodo di grave crisi del prodotto fisico, 

il cd, in tutto il mondo. 

C’è un grande consumo di musica ma paradossalmente 

si guadagna molto meno anzi 

davvero poco. Anche il tanto auspicato mondo 

digitale ha volumi di vendite incredibilmente 

bassi rispetto alle quantità di dischi 

venduti dieci anni fa? Esiste una luce lontana, 

una via d’uscita dal tunnel. 

L’industria fonografica attuale non ha minimamente 

previsto (tanto meno prevenuto) 

il periodo disastroso che sta attraversando 

il mercato discografico. Nonostante 

l’infittirsi delle associazioni di categoria (ben 

4 che rappresentano la quasi totalità del mercato) 

ogni azienda e di qualunque dimensione, 

sta camminando autonomamente (come 

sempre) nella speranza che qualcosa 

cambi ed in fretta (la resistenza ha un limite!) 

Le associazioni di categoria- delle quali 

Ala Bianca da sempre fa parte- non hanno 

svolto azioni a concreto supporto del settore 

e più specificatamente degli associati 

(manca ancora una legge sulla musica, l’Iva 

è tuttora al 20%, manca il riconoscimento 

di industria culturale, benefici e sostegni 

quali defiscalizzazioni ed altro restano prerogativa 

di “altra musica”, vedi ad esempio 

i fondi riconosciuti nel 2009 al Fus, pur ridotti 

del 22% ammontano pur sempre a 398 

milioni di euro). 

In una situazione come l’attuale, caratterizzata 

da una riduzione del 50-60% del mercato 

fisico a fronte di un “recupero” sul digitale del 

solo 5-6% , diventa impossibile continuare a 

produrre, fare ricerca, è difficile continuare 

a lavorare e pagare gli stipendi... 

Il disastro nel mercato è anche dovuto alla 

campagna massmediologica iniziata circa un 

decennio fa a favore “del nuovo”, della rivoluzione 

tecnologica digitale, che ha fatto 

morire cd e dvd prima del tempo a favore dei 

files digitali che ad oggi ancora non si vendono, 

salvo in qualche porzione di globo 

quale Usa ed un po’ meno Giappone. 

Tale incauta azione mediatica- perpetrata 

specialmente da stampa non di settore, non 

specializzata-, coadiuvata -ahimé- dalla 

maggiore associazione di categoria dei produttori 

fonografici, ha contribuito alla falcidia 

dei negozi specializzati, favorendo indirettamente 

la grande distribuzione. Una 

grave perdita per industria e cultura. I punti 

vendita tradizionali infatti disponevano 

di personale qualificato in grado di informare 

ed orientare il cliente, mentre il commesso 

del grande magazzino con comparto 

dedicato tratta il supporto come un qualunque 

prodotto commerciale, non conosce 

quasi mai i prodotti (ed i contenuti) e si limita 

a vendere la scarsa dotazione di cd e 

dvd inseriti negli scaffali (spesso soltanto 

prodotti di classifica). 

Si deve tuttavia ammettere che l’incredibile 

diminuzione nelle vendite di musica registrata 

(al di la di prodotto fisico o digitale) 

è dovuta principalmente all’avvento di pirateria 

on line e fisica causata da un nuovo 

costume creatosi via via in chi maneggia il 

pc. E’ convinzione comune che tutto ciò che 

si trova in rete sia libero come l’aria, a disposizione 

di tutti, per cui la musica si può 

ascoltare e scaricare gratuitamente (il web 

è considerato dai più “un selvaggio west”). 

Dobbiamo prendere atto che il lavoro tradizionale 

è finito, il mestiere che abbiamo 

imparato non si può più fare, pur tenendo 

presente che ancora oggi le aziende fonografiche 

vivono (si fa per dire) con la vendita 

dei supporti fisici. 

E’ necessario orientarsi verso il web operando 

in rete con gli stessi obiettivi precedenti, 

quelli del mercato reale. Occorre professionalizzarsi 

assumendo nuovi schemi 

mentali e diverse strategie. 

E’ innegabile che internet sia una grande 

opportunità per le aziende indipendenti. Per 

la prima volta nella storia dell’imprenditoria 

indipendente è possibile promuovere e 

distribuire l’intero catalogo in tutto il mondo 

a differenza della precedente circuitazione 

di prodotto fisico limitata agli stati nei 

quali si riusciva a licenziare e spesso un solo 

master. 

Dobbiamo saperla cogliere, pena la scomparsa 

delle nostre aziende dal mercato. 

In questo modo possiamo dare futuro al nostro 

lavoro, continuare a produrre e competere 

internazionalmente. 

Vista la drammaticità del periodo che il comparto 

musica leggera (o popolare) sta attraversando 

(e non si capisce quando finirà) e 

la totale assenza delle istituzioni al nostro 

fianco, è forse opportuno dar voce ad un organismo 

compatto che unisca le associazioni 

di autori ed editori, dei produttori fonografici, 

delle agenzie di booking e managements, 

dei musicisti, dei sindacati operatori 

di settore, fino alle strutture e società che 

si occupano di raccolta e gestione diritti, in 

primis Siae, ma anche Scf ed Imaie, al fine 

di rapportarsi al governo, uniti e chiedere il 

riconoscimento dello “stato di calamità del 

settore”, agendo per ottenerlo. Permetterebbe 

all’industria di guardare avanti organizzandosi 

e dotandosi di nuove strategie ed 

opportunità. 

In Italia l’ultima legge sulla musica è del 1967 

e si occupava solo di fondazioni sinfoniche 

e orchestre liriche. Nella scuola 

l’insegnamento della musica è fatto male. 

Che cosa si può fare per avvicinare di più le 

giovani generazioni all’universo delle sette 

note? E per fargli imparare quei rudimenti 

di storia della musica anche per affinare il 

loro gusto personale? 

Al fine di creare una nuova cultura della musica 

in Italia a favore delle nuove generazioni, 

ritengo necessario iniziare dalle famiglie. 

Dovrebbero educare i figli all’ascolto 

della musica così come li iniziano 

alla bicicletta. Successivamente le scuole 

dell’infanzia potrebbero ampliare le conoscenze 

fino ad arrivare alle scuole dell’obbligo 

le quali, avendo una funzione 

educativa e formativa, potrebbero avvicinare 

i bimbi, i ragazzi agli strumenti musicali. 

In sostanza auspico l’applicazione 

del concetto di “educazione permanente” 

alla musica a favore di chi nasce in questo 

strano paese che è l’Italia. 

Per fare ciò si devono dotare le scuole di 

educatori preparati e di supporti quali cd, 

strumenti musicali, computer...si legge 

spesso di scuole pilota dove tutto questo 

avviene grazie a sforzi prevalentemente di 

genitori e di manager scolastici illuminati, 

ma sono casi, tant’è che finiscono sui 

giornali. Il resto purtroppo è deserto.

libri 

A sinistra, il lavoro presentato all’esame 

Siae di compositore-melodista, da 

Alberto Sordi, il 9 maggio 1957. 

L’iscrizione alla sezione Dor del 27 

gennaio 1949. La successiva estenzione 

di tutela del 27 maggio 1949 alla 

sezione Olaf. (Alla sezione Cinema si 

iscriverà successivamente 

il 9 aprile 1975). 

VIVAVERDI 

55 

LIBRI 

L’ITALIA D’AUTORE 

DI ALBERTO SORDI 


A trent’anni di distanza da la Storia di un italiano televisiva, un 

saggio racconta la storia d’Italia attraverso i film di Alberto 

Sordi, dalla Roma papalina fino a Tangentopoli e Berlusconi. 

L’avvio di una ricerca più vasta che potrebbe portare “a 

risultati e a riscontri non solo importanti ma forse persino 

inattesi”. Il 5 marzo, è stata inaugurata alla Biblioteca Teatrale 

del Burcardo della Siae, la Sala Alberto Sordi. 

di, che “mette in campo i debiti di riconoscenza 

nei riguardi di De Sica e Zavattini 

(debiti che egli sempre riconobbe)”, scrive 

De Santi. 

Ma è l’incontro con Federico Fellini, sempre 

secondo il professore e saggista, “a mutare 

il segno della sua carriera”, con Lo 

sceicco bianco (1952) e I vitelloni (1953), 

dove intinse la propria immagine, complice 

sempre Fellini, in un nodo di frustrazioni 

e malinconie tipiche della provincia italiana. 

L’incontro con il soggettista e sceneggiatore 

Rodolfo Sonego l’anno seguente 

avrebbe fatto il resto. Dopo d’allora Sordi 

fu il prototipo negativo dell’Italia grigia 

e infingarda degli anni’50, spingendosi verso 

ruoli nei quali storicizzava e umanizzava 

i propri personaggi. Spaccando attraverso 

essi persino l’interpretazione corrente dei 

grandi fatti storici: rovesciando ad esempio 

lo schema retorico e celebrativo della 

Prima e della Seconda Guerra Mondiale tramite 

due “performances” a loro modo epo- 

Il giovane studioso Alessandro Ticozzi, nel 

suo primo saggio cinematografico intitolato 

L’Italia di Alberto Sordi, ha condotto la 

sua ricerca analizzando i prodromi - di forte 

sapore belliano - della maschera di Alberto 

Sordi nella Roma papalina, come anticipazioni 

di quello che poi sarà l’italiano 

medio di Sordi nella società contemporanea. 

Per poi riproporre, una volta ancora, i 

grandi affreschi storici di Sordi, dalla Prima 

Guerra Mondiale al boom economico. 

Negli anni della ricostruzione, l’attore passa 

dalla farsa alla satira. La maschera di Alberto 

Sordi diventa tragica, durante gli anni 

di piombo. Alberto Ticozzi dedica infine 

un intero capitolo al periodo che definisce 

“dal riflusso alla fine del secolo: Alberto 

Sordi tra satira e riflessioni sulla vecchiaia”. 

La prefazione del prof. Gualtiero De Santi, 

l’autore di molti volumi sui personaggi della 

storia del cinema, della letteratura e della 

poesia, evidenzia come già negli anni ’50 

Sordi desse vita a figure di personaggi, forse 

memori del giornalismo umoristico, ma 

non ancora ben delineate. Attore unico da 

subito, aggiungiamo noi, ma anche eccellente 

“autore”: come dimostrano le iscrizioni 

e relativi depositi di copioni originali 

alla Siae, presso le Sezioni Dor, Olaf sin 

dal gennaio del 1949, e alla Sezione Musica 

dal maggio del 1957. L’iscrizione al Cinema 

sarebbe arrivata più tardi, nel mese 

di maggio del 1975. Un attore-autore Sorcali, 

rispettivamente ne La grande guerra 

(1959) e in Tutti a casa del 1960 (....). La 

strada era così spianata a personaggi complessi 

come quello dell’ex partigiano giornalista 

nell’era degli arrampicatori sociali 

(Una vita difficile di Risi), o del borghese 

arricchito che vende un occhio per mantenere 

il suo tenore di vita (Il boom) (…). E’ 

questo il lato oscuro dell’istinto artistico di 

Sordi: una specie di discesa agli inferi attuata 

con le armi del grottesco e dell’istintualità 

popolare. L’ingegno già sbrigliato 

dell’attore si faceva in questi casi acre e puntuto, 

scoprendo oltre la luce della satira il 

buio dell’animo umano”. 

Oltre a proporre una bibliografia e una filmografia 

di riferimento, il libro di Ticozzi, 

si giova in appendice di alcuni autorevoli 

interventi di Luigi Magni, Mario Monicelli, 

Franca Valeri, Carlo Lizzani, Ugo Gregoretti 

e Paolo Bonolis, tutti intervistati su Alberto 

Sordi dall’autore del saggio edito dalla 

Casa Editrice “Fermenti”.

A destra la produttrice Susanna Bolchi con Natasha 

Stefanenko, che interpreta Angela, un agguerrito 

avvocato nella mini serie 

“Nebbie e delitti” in cui Luca Barbareschi 

interpreta il commissario Soneri. 

Foto di Bepi Caroli 

VIVAVERDI 

56 

televisione 

INTERVISTA A SUSANNA BOLCHI 

IL MESTIERE 

DI PRODUTTORE 

di Valeria Serra 

Dal trovare le storie allo scegliere gli attori a negoziare i contratti con le emittenti. Sono alcuni 

degli aspetti del lavoro di un produttore di fiction, con Susanna Bolchi, uno dei soci della 

Casanova Production, che ha realizzato serie di successo come Nebbie e Delitti. Un lavoro 

imparato sul campo, cominciando come segretaria di edizione e poi declinato in tutte le sue 

forme fino alla regia di documentari e spot pubblicitari. 

Prima di incontrare Susanna Bolchi, avevo 

un’idea convenzionale dunque non reale di 

chi fosse e cosa facesse realmente un produttore 

cinematografico; di come lavorasse 

e delle sfumature innumerevoli che ne disegnano 

il ritratto. Ora, osservato da vicino 

il suo modo di esser produttrice, seppure 

nel tempo di qualche ciak, il quadro è diventato 

limpido, sorprendente, avvincente. 

Il lavoro di Susanna Bolchi, che con Aureliano 

Lalli-Perisani e Luca Barbareschi dal 

2000 é socia della Casanova Entertainment, 

mi ha rivelato innanzitutto di quanto, parallelamente 

ad una dinamica attività organizzativa 

e manageriale, conti molto, moltissimo, 

essere profondamente un’umanista, di 

formazione e vocazione. Su un set della terza 

serie della fiction per Rai Due Nebbie e 

delitti, allestito a Torino all’interno della 

vuota cattedrale di cemento lasciata da Fuksas, 

capisco finalmente quanto, per esempio, 

il momento vero e proprio di ripresa sia 

solo un anello di una lunghissima catena. Il 

produttore la maneggia tutta, ne vive ogni 

centimetro e, della sua lunga costruzione, 

spartisce ogni dovere e ogni piacere. Il primo 

passo del piacere è quello di trovare storie 

nella parola scritta. Le cerca tra le pile 

di romanzi che ha sul comodino e che le rubano 

felicemente il sonno, o tra i numerosissimi 

soggetti che il postino consegna negli 

uffici della Casanova: talvolta firmati da 

autori già affermati, altre da esordienti sconosciuti. 

Trovare quell’ago nel pagliaio ove 

le pagine siano tramutabili in un film, è uno 

dei momenti più intriganti. 

Nata a Bologna nell’aprile del ’55 e trasferita 

a Roma dove il padre Sandro Bolchi vide decollare 

una gloriosa stagione di regista, Susanna 

ama leggere da sempre: passione ereditata 

da suo padre e coltivata nel tempo. 

Ma come si capisce quando un bel romanzo 

può diventare film? Quali sono le prerogative 

al di là di una bella trama e di una prosa 

alta? 

“C’è sempre una ragione anche irrazionale, 

misteriosa, puramente istintiva che ti fa dire: 

questo libro funzionerà. Tra noi soci parliamo 

molto e nel momento in cui concordiamo, 

il progetto parte. Fino ad ora, il gradimento 

di critica e di pubblico delle fiction 

realizzate, ci ha dato ragione. Evidentemente, 

l’esperienza maturata in molti anni ci aiuta 

a comprendere l’effettiva possibilità di 

portare una storia sullo schermo. Un romanzo 

intenso come La recita di Bolzano di 

Sandor Marai di cui avevamo acquistato i diritti, 

si è rivelato irrealizzabile. Anche una 

casa di produzione americana ha dovuto abbandonare 

l’idea di portare al cinema Le braci, 

dello stesso autore. Questo non soltanto 

per un problema di budget e di logistica 

ma forse, perché alcuni libri sono destinati 

a rimanere libri”. 

Ecco allora, che individuati gli sceneggiatori 

e condiviso con loro il senso della storia, 

il mestiere del produttore è pronto a declinarsi 

nelle tante voci che concorreranno alla 

realizzazione di una fiction. Quelle voci 

appartengono al mestiere che Susanna Bolchi 

ha imparato sul campo in molti anni di 

gavetta: prima come segretaria di edizione 

poi come assistente di regia ed anche come 

regista, ruolo nel quale ha esordito con alcuni 

spot pubblicitari e una serie di documentari. 

Poi, la nascita nel 1983 della prima 

casa di produzione con il padre Sandro 

e, tra gli altri, lo scrittore Enzo Biagi: la First 

Film. Da quel tempo moltissimo è cambiato 

nella filiera produttiva, che per quanto 

concerne il lavoro sul set è sostenuta da tecnologie 

che certamente semplificano e accorciano 

i tempi di realizzazione. Sicuramente 

è divenuto più complesso e articolato 

il rapporto con le committenze. La Rai in

“Il bambino della domenica” mini serie in due 

puntate su Rai1 con Beppe Fiorello e Riccardo 

Nicolosi, scritta da Alessandro Pondi, 

Paolo Logli e Andrea Purgatori 

con la regia di Maurizio Zaccaro 

VIVAVERDI 

58 

televisione 

Mio padre Sandro Bolchi 

testa, per la quale la Casanova Entertainment 

produce il novanta per cento delle sue 

fiction. L’ultima, andata in onda in due puntate 

su Rai Uno il 29 e 30 marzo 2008, è Lo 

smemorato di Collegno, diretta da Maurizio 

Zaccaro, tratta dal celebre saggio di Lisa Roscioni 

e sceneggiata da Laura Ippoliti e Andrea 

Purgatori. Sì, accade sempre più spesso 

che le storie da proporre trattino argomenti 

complessi e controversi. Nello scenario 

televisivo globale in cui pare che la leggerezza 

la faccia da padrona, c’è chi riesce ad affermare 

progetti di ben altra levatura, apparentemente 

“difficili” per il grande pubblico: 

“Nelle riunioni in Rai, la discussione su 

proposte e progetti è sostenuta da una reciproca 

fiducia costruita nel tempo. In passato 

c’era la paura del flop o una certa difficoltà 

ad affrontare temi ancora tabù come 

quelli esplorati in alcune vicende di Nebbie 

e delitti, fiction che ha una scansione molto 

diversa da quella americana, ma che ha 

ottenuto un grande successo di critica e di 

pubblico, pur con la sua voluta lentezza di 

narrazione, le sue nebbie, appunto, i chiaroscuri. 

La Rai stessa ha rischiato con noi. 

Oggi, siamo alla terza serie, quattro nuove 

puntate, con la regia di Gianpaolo Tescari e 

con i protagonisti Luca Barbareschi, Natasha 

Stefanenko e Anna Valle. 

La fiction è di fondamentale importanza per 

la Rai, i grandi ascolti si fanno con il calcio 

e con la fiction. Il 23-24% di share sono 

grandi numeri, ed è lì che i pubblicitari investono. 

Detto ciò, è giunto comunque il momento 

di far girare il cervello, di inventarsi 

qualche schema nuovo, di nuove scelte 

editoriali. 

E in questo, la Rai c’è. A differenza di altre 

emittenti, rivela ancora fortemente il suo 

retaggio storico, la sua memoria culturale e 

dunque una certa apertura di idee. Troviamo 

accoglienza, capacità, sensibilità. Come 

per Graffio di tigre e Il bambino della domenica, 

ultima miniserie in due puntate per 

Rai Uno, diretta da Maurizio Zaccaro e sceneggiata 

da Alessandro Pondi, Paolo Logli e 

Andrea Purgatori, che c’è costata molta fatica 

con un tema duro come il pugilato. Ma 

gli ascolti ci hanno premiato”. 

Con gli attori, Susanna Bolchi ha dimestichezza 

fin dalla sua infanzia, quando ai tempi 

dello sceneggiato celeberrimo I Promessi 

sposi diretto da suo padre Sandro, giravano 

per casa Massimo 

Girotti, Paola Pitagora 

o Nino Castelnuovo. 

Oggi gli attori li sceglie 

con grandissima attenzione, 

mettendo 

da parte le celebrità 

più o meno acquisite 

degli uni o degli 

altri ma cercando e 

studiando i caratteri, 

i volti, la facoltà 

di adesione 

profonda a un 

ruolo. La realizzazione 

delle fiction, 

trenta titoli 

ad oggi, ha ritmi 

sempre più incalzanti 

e per la Casanova Entertainment 

i progetti si succedono ormai senza soluzione 

di continuità. Considerando che una sola 

puntata di ciascuna fiction impegna la 

troupe per quattro settimane ed altrettante 

ne richiedono montaggio e mixaggio, il tempo 

libero di 

Susanna Bolchi 

è molto poco 

e preziosissimo. 

Quando è a 

Roma, non lo 

spende in vita 

mondana perché 

questo non è nella 

sua indole. Appena 

può viaggia, 

va al cinema e se 

qualche volta esce la 

sera è per cenare 

con pochi stretti 

amici, le tavole troppo 

affollate le diserta 

sempre: “Sette persone, 

praticamente il 

massimo di un bel 

gruppo a tavola”, scriveva 

Fitzgerald in Tenera è la notte. La sua 

socialità vive e si esprime sui set, ma spente 

le luci, c’è spazio per pochi, per affinità 

elettive e selettive. 

“Mio padre – racconta Susanna Bolchi - voleva fortissimamente 

fare il regista. Lavorava a Bologna per 

il Teatro La Soffitta che aveva fondato nel 1948 a 

soli ventiquattro anni. La Rai esponeva i tabelloni delle 

commedie in programmazione con accanto il nome 

del regista che l’avrebbe mandata in onda, naturalmente 

in diretta. La domanda ricorrente di mio 

padre era diventata quasi una gag. Si affacciava nella 

stanza del funzionario e chiedeva: ‘C’è mica niente 

per me?’ 

Lo doveva aver chiesto parecchie volte. ‘No Bolchi, 

mi pare che non ce ne sia nessuna con il suo nome…’ 

Era un uomo che non mollava mai. E c’era anche poca 

concorrenza. Fatto sta che un giorno che la stanza 

era vuota, prese un pennarello e scrisse il suo nome 

accanto al titolo di una commedia: ‘Mi pare che 

non ci sia nulla, Bolchi’ gli dissero come al solito. 

“Guardi bene, cerchi meglio” replicò mio padre. Insomma, 

scorrendo col dito, il funzionario, lesse, accanto 

al nome di un titolo da mandare in onda, il nome 

di Sandro Bolchi. “Ce l’ha, Bolchi, finalmente gliela 

hanno assegnata!” 

L’aneddoto, rievocato dalla figlia Susanna, rivela il carattere 

determinatissimo e fuori dalle righe del regista 

Sandro Bolchi, scomparso tre anni fa dopo una 

carriera poliedrica e di grandissimi successi. Era lui 

il Re degli sceneggiati televisivi trasmessi tra gli anni 

’60 e gli anni ’80, epoca aurea della televisione. 

Dopo l’esordio come regista teatrale per L’ imperatore 

Jones di O’ Neill e L’ avaro di Molière, nel 1956 

esordisce come regista televisivo con la commedia 

La frana dello scalo Nord di Ugo Betti. Nel 1963 sceneggia 

e dirige Il mulino del Po che, tratto dal romanzo 

di Riccardo Bacchelli, è considerato il suo capolavoro. 

Tra le numerose regie che si susseguono, celeberrime 

sono quelle de I miserabili da Victor Hugo, 

de I promessi sposi da Alessandro Manzoni, de Le 

mie prigioni da Silvio Pellico, de I fratelli Karamazov 

e de I demoni da Dostoevskij. Versatile e instancabile, 

dopo Puccini, una biografia del musicista, sarà la 

volta di Anna Karenina da Tolstoj, autore amatissimo. 

La sua carriera avanza febbrile e prodiga di film e sceneggiati, 

titoli tra i quali ricordiamo Disonora il padre, 

dal romanzo di Enzo Biagi, Bel Ami e, nel 1988 La coscienza 

di Zeno tratto dal romanzo di Italo Svevo. I 

suoi ultimi lavori, Solo, Assunta Spina e nel 1995 Servo 

d’ amore concludono una parabola professionale 

felicissima. (v.s.)

libri 

BRUNO VESPA 

LA NOSTRA ITALIA 

INQUIETA E DISILLUSA 

di Vivaverdi 

Vespa scrittore, ha viaggiato “nel profondo 

Nordest, dove la paura dello straniero 

ha fatto esplodere i consensi per la Lega”, 

mostrando come “la somma di inquietudini 

e insoddisfazioni abbia messo a soqquadro 

il panorama politico italiano, riducendo 

a cinque i partiti presenti in Parlamento”, 

ricostruendo in maniera inedita 

la caduta del Governo Prodi e la nascita 

fulminea del Popolo della Libertà che, in 

poche settimane, si è trovato alla guida del 

Paese, con delega pressoché totale, con la 

maggioranza più ampia che un governo abbia 

mai avuto nella storia repubblicana. 

“I capitoli dedicati al Governo Prodi – ha 

detto il giornalista abruzzese, ospite della 

trasmissione televisiva di Raidue, Quelli 

che il calcio – sembrano una fiction”. 

Ma sono raccontati realisticamente, con 

lucidità giornalistica e qualche imbarazzo 

di uomo sicuramente forte, dal successo 

consolidato, ma che non può dimenticare, 

di fronte alla preoccupante crisi finanziaria 

internazionale che in Italia è anche 

forte crisi di valori, di avere avuto un padre, 

che ora non c’è più, ma che restò disoccupato 

“senza beneficiare di ammortizzatori 

sociali. Né per sette anni, né per un 

giorno”. 

Dedicando il “viaggio” a lui e a quanti come 

lui, si sono trovati e si trovano nella 

condizione di uomini e donne senza futuro, 

coinvolgendo le proprie famiglie nel- 

l’ultimo libro di Bruno Vespa, scrittore e giornalista, è un viaggio in presa diretta, in quella che 

lui stesso definisce una “rivoluzione silenziosa”. Quella che ha determinato –e seguito – lo 

sconvolgimento elettorale della primavera del 2008. Viaggio in un’Italia diversa è anche 

un’occasione per cercare di comprendere, da scrittore, le paure degli italiani, dagli sbarchi dei 

clandestini a Lampedusa, attraverso i rom dei campi nomadi di Roma, Milano e Napoli, gli 

empori allestiti dalla Caritas per aiutare le famiglie in difficoltà, ai supermercati frequentati dai 

cittadini italiani che non arrivano alla “quarta settimana”. Nei quartieri di Napoli occupati dalla 

camorra e dai rifiuti e, da giornalista, negli stabilimenti che i rifiuti li trattano, ipotizzando con 

chiarezza le ragioni di una crisi che ha compromesso l’immagine del nostro paese all’estero. 

la morte sociale, in una depressione fisica 

e psicologica di cui non conosciamo ancora 

le reali proporzioni e gli effetti che 

produrrà. 

E’ anche questa l’Italia che Vespa ha voluto 

raccontare, “l’Italia che non ce la fa”, 

“che ruba il pane al discount”, la probabile 

“fine della civiltà dell’eccesso”. L’Italia 

dell’Alitalia, la sua storia e i retroscena. Il 

resto è cronaca politica raccontata da un 

giornalista che sa, si capisce leggendo. Vespa 

è un “quotidiano”, lo scrittore è un anchorman 

televisivo all’apice del successo: 

la sua Telecamera con vista (per citare il 

primo dei suoi diciotto best-seller editi da 

Mondadori), ha sicuramente la vista migliore: 

il panorama è quello che è, uguale 

per tutti, quella “Storia d’Italia da Mussolini 

a Berlusconi” (citando ancora l’Autore) 

in cui è sempre più difficile definire i 

“Vincitori e vinti”.

Sotto Donovan che 

si è esibito al Midem 2009 

VIVAVERDI 

60 

musica 

LA SIAE A CANNES 

IL FUTURO DIGITALE 

BUSSA FORTE AL MIDEM 


Foto Stuart Steel 

Anno di transizione l’edizione 2009 del Midem, tenutasi dal 17 al 22 gennaio a Cannes, che ha 

mostrato luci e ombre dell’universo musicale, con un mercato in profondo cambiamento. Da un 

lato il crollo delle vendite dei cd, un fenomeno comune dall’Europa agli States, dall’altro le 

vendite digitali ancora a livelli bassi e scarsamente redditizi tranne che per il colosso iTunes. Al 

Palais des Festivals, nello stand italiano, curato dalla Siae, si sono tenuti incontri e conclusi 

accordi tra etichette italiane e partner stranieri. Con manager, dirigenti, produttori e addetti ai 

lavori a interrogarsi sul prossimo futuro. 

La crisi economica mondiale ha morso anche 

la coda dell’industria musicale. Minor 

numero di partecipanti al Midem (circa 

8000, il 12% in meno dell’anno scorso) e 

clima generale meno febbrile e nervoso del 

solito, con riduzioni di adesioni tra i rappresentanti 

di etichette, società di distribuzione 

discografica e fabbriche di compact 

disc. Più evidente la presenza dei giganti della 

telefonia e del settore tecnologico, come 

Nokia, Sony Ericsson, Orange, Blackberry, 

che vedono la musica come un importante 

elemento strategico e di promozione per il 

loro giro di affari. “Credo che quest’anno sia 

stato una specie di spartiacque, non c’è più 

tutto il dibattito sulla musica in Internet o 

sui telefonini. Nonostante le dimensioni colossali 

del download illegali, io vedo che 

l’industria musicale si domanda come beneficiare 

di questa svolta digitale, ormai 

compiuta”, ha dichiarato Dominique 

Leguerne, la direttrice della manifestazione. 

E’ l’inizio di una nuova era, spesso i momenti 

di crisi economica costringono ad 

aguzzare l’ingegno, a esplorare nuove possibilità 

con dinamismo e creatività. La stagione 

del cd sembra irrimediabilmente al 

tramonto e i nuovi modelli di distribuzione 

digitale si diffonderanno sempre più. Anche 

i dati del Digital Music Report, presentato a 

inizio anno dall’Ifpi, la Federazione internazionale 

dell’industria fonografica, confermano 

questa tendenza. Nel 2008 il mercato 

legittimo ha continuato a crescere raggiungendo 

un fatturato di circa 3,7 miliardi 

di dollari, con 1,4 miliardi di brani scaricati, 

nonostante il 95% dei download di 

musica attraverso la rete sia ancora illegale. 

Nel 2008 la crescita del digitale è stata del 

25%, le nuove piattaforme digitali ricoprono 

oggi il 20% di tutto il mercato discografico, 

una crescita del 15% rispetto all’anno 

precedente. Il download dei singoli brani è 

anch’esso cresciuto del 25% così come gli 

album online in aumento del 36%. A livello 

mondiale la canzone più scaricata è stata 

Lollipop di Lil Wayne’s con 9,1 milioni di 

download mentre in Italia il primato per il

Nella foto sotto, da sinistra Alessandro Conte, 

Direttore dell’Ufficio Rapporti Internazionali della 

Siae, Filippo Gasparro, Direttore dell’Ufficio 

Organizzazione Eventi della Siae, Lorenzo Ferrero, 

Consigliere di Amministrazione della Siae, Ana 

Vogric, Direttore delle Vendite del Midem, 

Dominique Leguerne, Direttore Generale del 

Midem, e Christophe Chiappa, funzionario Vendite 

Internazionali del Midem 61 

VIVAVERDI 

2008 spetta a Jovanotti con il brano A te. 

“L’industria discografica - ha commentato 

John Kennedy, presidente di Ifpi - sta 

cambiando pelle, sono stati adottati nuovi 

modelli di business e si sta cercando di rispondere 

sempre più alle esigenze di un 

mercato in continua evoluzione. La lotta al 

downloading non ha prodotto risultati rilevanti. 

C’è bisogno di un nuovo approccio 

al problema del file sharing, e c’è il consenso 

di tutti a lavorare con i fornitori di accesso 

per consentire una nuova politica”. Così 

anche il problema dei DRM, i lucchetti digitali 

nei file musicali che servono a limitare 

le copie legali, è stato superato con un accordo 

tra case discografiche e aziende tecnologiche 

( prima fra tutti, l’Apple). Molti 

commentatori hanno citato l’esempio di un 

paese piccolissimo come l’Isola di Man, che 

ha creato una licenza per i fornitori di accesso 

a Internet che consente agli utenti di 

pagare una quota fissa mensile (che poi viene 

girata all’industria musicale) e scaricare 

tutto quello che si vuole. Anche Gerd 

Leohnard, analista di media americani e autore 

del libro The future of Music, è intervenuto 

sull’argomento, sostenendo la necessità 

di arrivare a una licenza legale, pagata 

direttamente dall’abbonamento alla 

banda larga. “Se potessimo avere una licenza 

in grado di far pagare a chi si connette a 

Internet un solo euro al mese per poter scaricare 

liberamente la musica, l’industria potrebbe 

guadagnare 500 milioni di euro al 

mese, circa 26 miliardi di euro l’anno”. 

Il Midem ha premiato anche due artisti di 

chiara fama, Charles Aznavour e Donovan. 

Aznavour, 84enne di origini armene, è considerato 

una leggenda in patria e fuori dai 

confini francesi ed è reduce da una lunga 

tournée d’addio fatta in America negli ultimi 

mesi del 2008, con la pubblicazione dell’album 

Duos, un’antologia di duetti con 

grandi nomi del panorama musicale mondiale 

come Julio Iglesias, Laura Pausini, 

Céline Dion e altri. Invece il folksinger e 

poeta scozzese ha presentato un filmato di 

tre ore, Sunshine Superman, The Journey of 

Donovan, una lunga intervista di Hannes 

Roosmacher intervallata da esibizioni storiche, 

con Dylan nel 1965 o coi Beatles, all’isola 

di Wight o alle trasmissione televisive 

inglesi, un fantastico percorso attraverso 

quarant’anni di musica e canzoni, che è 

un doppio dvd che va dagli anni della nascita 

della psichedelia a quelli della contestazione 

attraverso canzoni che hanno segnato 

l’epoca come Mellow Yellow, Atlantis, 

Catch the wind. 

Tutta la filiera della produzione musicale 

italiana, dai produttori ai distributori, dai 

musicisti agli editori, si è incontrata nello 

stand della Siae, una casa “azzurra” con 

tavolini e uffici, dove erano presenti più di 

cinquanta aziende che hanno visto, parlato 

e concluso affari coi loro omologhi di altri 

paesi. Anche l’Afi, una delle organizzazioni 

dei produttori musicali italiani, ha allestito 

un suo stand mentre più piccolo e artigianale 

quello di Toscana Music Office, la 

recente creatura di Mauro Valenti, l’ideatore 

di Arezzo Wave oggi Italia Wave, il festival 

sonoro che ogni anno porta in Italia il meglio 

della produzione internazionale e ha 

portato giovani artisti italiani in Europa e

Lo stand della Siae, che ha registrato 

una grande partecipazione 

di addetti ai lavori e visitatori 

VIVAVERDI 

62 

musica 

oltreoceano. Proprio al Midem, Italia Wave 

ha siglato un accordo con Sonicbids, il famoso 

sito statunitense che aiuta le band emergenti 

a trovare promoter e concerti, potendo 

contare su una comunità di 170mila band e 

15mila promoter in 100 paesi diversi, che porterà 

alcune band emergenti stranieri ad esibirsi 

al prossimo festival toscano, nel mese 

di luglio. Rai Trade ha siglato accordi per distribuire 

in dvd nei mercati internazionali altrettante 

Opere registrate in alta definizione. 

Due dal Teatro Regio di Torino (Edgar e la 

Medea per le etichette Artaus e Classic City) 

e una (i Puritani per gli inglesi della Decca) 

dal Comunale di Bologna. Pienamente soddisfatto 

Carlo Nardello, amministratore delegato 

di Rai Trade che ha sottolineato: “Il nostro 

paese non deve dimenticare di essere titolare 

di una ricchezza che non conosce deprezzamento 

e che è richiesta in tutto il mondo: 

la tradizione musicale della nostra migliore 

cultura”. 

Accordo tra Nokia e Siae 

Alla Croisette è stato annunciato un accordo tra la 

Siae e la Nokia. La multinazionale tecnologica finlandese 

ha presentato un servizio denominato “Nokia 

Comes with Music”, un nuovo e innovativo sistema di 

fruizione della musica nella telefonia mobile. Chi utilizzerà 

un cellulare Nokia Comes With Music potrà 

avere accesso a milioni di brani musicali per un periodo 

che varia da 12 a 18 mesi, rimanendo proprietario 

della musica alla scadenza dell’abbonamento. 

Questo accordo segna un momento importante della 

tutela assicurata dalla Siae alla musica italiana. Per 

la prima volta, tutte le canzoni italiane offerte nei Paesi 

europei saranno direttamente amministrate dalla Siae 

attraverso una speciale piattaforma tecnologica. Il 

servizio Comes With Music già attivo in Inghilterra dall’ottobre 

del 2008, dovrebbe essere lanciato da Nokia 

in Italia entro l’anno. 

Intanto la Siae ha anche avviato un progetto di creazione 

di una digital library, destinata a raccogliere, 

in relazione ad ogni opera amministrata, i contenuti 

digitali, le relative “impronte informatiche” e tutti 

gli altri dati connessi all’opera. La library sarà migliorata 

e arricchita attraverso flussi di informazioni 

provenienti da diverse fonti: 1) i supporti depositati 

dagli associati in fase di dichiarazione dell’opera; 

2) il sistema Monitor (già attivo per la registrazione 

e la conservazione delle emissioni di reti televisive 

e radiofoniche, ai fini del riconoscimento 

dei brani musicali utilizzati); 3) il sistema radio tracking, 

consistente nel registrare ed identificare informaticamente 

in tempo reale i brani utilizzati da 

un gruppo di emittenti radiofoniche nazionali e locali, 

rappresentativo dell’universo dell’emittenza radiofonica.

VIVAidee 

VIVAVERDI 

63 

FUORI L’AVANGUARDIA 

IL DIARIO 

INESSENZIALE 

DI ALLEVI 

di Dario Oliveri 

Tra i tentativi di mescolare cultura alta e 

cultura bassa in campo musicale, va 

sicuramente segnalato quello portato 

avanti da Giovanni Allevi. Il compositore e 

pianista marchigiano ha cominciato con la 

colonna sonora per Le Troiane di Euripide 

ma poi è passato a lavorare con Jovanotti 

e ad aprire i suoi concerti. In pochi anni 

Allevi ha ottenuto un notevole successo ed 

è circondato ormai dall’entusiasmo del 

pubblico che ha accolto con favore anche 

la sua autobiografia La musica in testa. 

L’idea di un rapporto indissolubile fra “creazione” 

ed “esecuzione” percorre, da un capo 

all’altro, la storia della musica europea e 

per moltissimo tempo i compositori sono 

stati anche e in primo luogo dei grandi strumentisti. 

L’immagine del compositore/interprete 

svanisce tuttavia dagli orizzonti dell’avantgarde 

novecentesca man mano che la 

musica assume un carattere più “concettuale” 

e la presunta originalità del segno prevale 

sulla sua reale efficacia sonora: in questi 

termini, spezzando una linea che congiunge 

idealmente i grandi maestri del periodo 

barocco ai compositori/virtuosi della 

generazione romantica e tardo-romantica 

(da Paganini, Thalberg e Liszt sino a Busoni 

e Rakhmaninov), l’estetica della Nuova 

Musica fa sì che i compositori – ormai esiliati 

dalla tastiera o dal podio – divengano 

soltanto dei compositori. 

L’idea del compositore/performer che partecipa, 

da solo o con la sua band, all’esecuzione 

delle proprie opere si riafferma tuttavia, 

verso la fine degli anni Sessanta, in relazione 

ad un’idea della musica molto lontana 

dalle avanguardie europee. Protagonisti 

di tale “innovazione” – che nei mondi 

paralleli del jazz e del rock ha sempre costituito 

la norma – sono stati dapprima certi 

autori come Frederic Rzewski, Terry Riley e 

Philip Glass, tendenti a considerare il rapporto 

con il pubblico quale aspetto essenziale 

del processo creativo e disposti, in qualche 

misura, ad attribuire alle loro opere anche 

un carattere di intellectual music for pop 

audience che costituisce un superamento 

della tipica “solitudine” della musica colta 

nel XX secolo. Un analogo tentativo di infrangere 

le barriere fra cultura “alta” e “bassa”, 

è stato compiuto in Gran Bretagna da 

Michael Nyman e Gavin Bryars. In Italia, si 

possono invece citare i nomi di Ludovico Einaudi, 

Giovanni Sollima, Carlo Boccadoro 

e, naturalmente, Giovanni Allevi. 

Quest’ultimo, è un compositore/pianista di 

quasi quarant’anni che da qualche tempo a 

questa parte gode di un’eccezionale notorietà, 

soprattutto fra il pubblico – di per sé 

assai vasto – dei “non addetti ai lavori”. Viceversa, 

molti suoi colleghi, e soprattutto 

quelli che agiscono sul fronte della “musica 

classica”, tendono guardarlo con sufficienza 

o addirittura con ostilità. Personalmente, 

ho conosciuto Giovanni Allevi a Palermo, 

nell’aprile del 2004 ad un concerto 

dell’Orchestra Sinfonica Siciliana in cui eseguiva 

per la prima volta Foglie di Beslan. 

In quella circostanza, mi sembrò una persona 

molto gentile ed un pianista perfettamente 

adeguato alle intenzioni espressive 

del pezzo (che oltretutto fu eseguito due volte, 

a grande richiesta del pubblico). Altre 

occasioni d’ascolto, mi hanno rivelato i vari 

volti di un repertorio da cui affiorano, nei 

passaggi più felici, slanci melodici solari e 

affermativi, sorretti da un dinamismo ritmico 

mai troppo invadente. La piacevolezza 

un po’ d’ameublement dell’ascolto discografico, 

assume tuttavia un rilievo assai 

diverso durante i concerti: nonostante la sua 

timidezza, Giovanni Allevi dialoga molto a 

lungo con il pubblico, racconta l’ispirazione 

e la genesi dei singoli pezzi, concepisce 

la sua performance come una sorta di diario 

condiviso, in cui si alternano musica e 

parole. Gli innumerevoli fan reagiscono con 

entusiasmo: sono gli stessi, probabilmente, 

che hanno accolto con favore anche il volume 

autobiografico La musica in testa 

(2008), un’abile sintesi dell’Allevi-pensiero 

che, malgrado il suo carattere forse un pò 

troppo auto-celebrativo, ha raggiunto in pochi 

mesi la decima edizione. Gli altri – i nonfan, 

i semplici osservatori – si confessano 

invece un po’ annoiati e rimangono perplessi 

di fronte ad una musica tecnicamente assai 

meno semplice di quanto si possa immaginare, 

ma il cui limite risiede semmai in una 

vastità di riferimenti e allusioni da cui non 

emerge – se non a tratti – una cifra essenziale, 

un gesto creativo destinato ad imprimersi 

per sempre nella coscienza. 

dario.oliveri@libero.it

In basso a sinistra Nino Ferrer e a 

destra Nino Taranto in “Io, Agata e tu” 

di Dino Verde e Bruno Broccoli (1969). 

Foto RaiTeche 

VIVAVERDI 

64 

musica 

NINO FERRER 

DA “DONNA ROSA” 

A “POVERO CRISTO” 

di Ernesto de Pascale 

Sono passati quasi dieci anni dal giorno in cui Nino Ferrer, nome d’arte di Agostino Ferrari, si 

toglieva la vita con un colpo di fucile da caccia. Nato il 15 agosto del 1934 a Genova da padre 

italiano e madre francese, con una carriera interamente divisa tra un versante e l’altro delle Alpi, 

tra l’Italia e la Francia, Ferrer è stato uno di quegli esempi di creatività esplosiva e difficilmente 

catalogabile, un artista intenso ed eclettico di cui l’Italia, ancora oggi, probabilmente non si ricorda 

Ferrer trascorre l’infanzia in Nuova Caledonia, 

dove suo padre, ingegnere, è impiegato 

in una miniera di nichel. Un’infanzia felice, 

in una famiglia dotata di una certa sensibilità 

artistica, ma interrotta brutalmente 

dall’irrompere della guerra. Nel 1939 Ferrer 

viene costretto a 

trasferirsi nuovamente 

in Italia 

con la 

madre, dove 

rimane 

fino alla 

conclusione 

del conflitto. 

Nel 

1947 Nino è di 

nuovo a Parigi, 

con la famiglia ri- 

mai abbastanza ma è stato recentemente celebrato al Premio Ciampi di Livorno. 

unita,e nella capitale francese compie gli 

studi superiori per poi laurearsi in lettere e 

filosofia, indirizzo archeologico, all’Università 

della Sorbonne. La 

passione per la musica presto lo 

travolge, gettando parzialmente 

nell’ombra quelle per la storia e 

le arti figurative. 

Al termine degli studi compie 

un viaggio a cui partecipa anche 

in veste di archeologo, ma al suo ritorno 

a Parigi, resosi conto che molti 

dei lavori erano mal pagati o poco interessanti, 

sceglie di diventare un 

musicista jazz, forte della 

passione che coltivava 

per questo genere di 

musica e del fatto di 

saper suonare numerosi 

strumenti. Suona 

prima con Richard 

Bennet and 

the Dixiecats, poi 

con Bill Coleman. 

Nasce così la carriera 

di un vero outsider, che sarà capace, 

destreggiandosi tra alti e bassi, di regalare alla 

storia della musica autentici successi. 

Alla fine degli anni Cinquanta si esibisce 

anche con Nancy Halloway, girando 

tutti i locali notturni della 

capitale francese e incidendo una 

decina di 45 giri per una piccola etichetta. 

Scrive brani dalle atmosfere 

gospel, che vanno incontro a vari rifiuti 

da parte delle etichette, fino al 

momento in cui, dopo aver ascoltato 

Sam Cooke e Sam and Dave, il suo stile 

giunge ad una svolta. Scoperto e affinato 

un suo timbro di voce del 

tutto particolare, dalle 

tonalità roche, fonda 

presto un suo gruppo 

di rhythm‘n’blues incidendo 

con esso un 

primo 33 giri che 

contiene già due 

brani destinati a diventare 

dei classici: 

Le port de salut e

Sotto “La vie chez les automobiles” 

60x50 cm. acrilico su cartone del 1987 

di Nino Ferrer 

VIVAVERDI 

65 

La polka des mandibules. 

Il cambio di marcia arriva nel 1965, sotto la 

supervisione artistica di Richard Bennet, 

che indirizzò il modo di comporre di Nino, 

a scapito di un po’ di libertà ma a vantaggio 

del risultato. Il 1966 vede Ferrer impegnato 

in 195 concerti e quasi 30 apparizioni televisive. 

L’immagine di star e seduttore che 

qualcuno, tra media e pubblico, cominciava 

ad attaccargli addosso, però, gli andava 

stretta. 

Ferrer arriva in Italia verso la fine degli anni 

‘60 dopo aver trionfato in Francia con 

Mirza (un rhythm’n’blues trascinante e divertente), 

Le téléphone (Il telefono nella 

versione italiana) e un altro brano di grande 

presa come Les cornichons (originariamente 

Big Nick) ovvero i cetriolini sottaceto 

che in Italia diverranno Il baccalà, un brano 

tutt’ora sigla del programma televisivo 

Le Iene. Ma già Mina aveva accolto a braccia 

aperte un suo brano melodico, C’est Irreparable 

che in italiano diventerà Un anno 

d’amore. Ciò che però resta nell’immaginario 

collettivo del nostro pubblico è un 

brano del 1967 rivoluzionario per testo e musica, 

Vorrei la pelle nera (Je veux être noir). 

La televisione si lega a doppio filo con il suo 

successo italiano: la trasmissione Settevoci 

di Pippo Baudo ha come sigla Donna Rosa, 

mentre per Io, Agata e tu (che lo vede protagonista 

nella prima serata del sabato con 

Raffaella Carrà e Nino Taranto) ripropone 

la vecchia Agata dei napoletani Pisano e Cioffi. 

Immancabilmente arriva anche Sanremo: 

nel 1968 interpreta Il re d’Inghilterra 

in coppia con Pilade, nel 1970 canta Re di 

Cuori abbinato a Caterina Caselli, e nel 1971 

Amsterdam. 

L’inizio degli anni Settanta segna per Ferrer 

un momento di svolta, anche dal punto 

di vista musicale. Molti imputano uno dei 

fattori di cambiamento nel modo di scrivere, 

che lo legheranno più al rock e alla psichedelia, 

alla conoscenza e amicizia con il 

chitarrista inglese Mickey Finn, (che aveva 

suonato, tra i vari, con T.Rex e Eric Clapton). 

Nasce così Metronomie, album strutturato, 

completo e musicalmente inteso. Ma con un 

po’ di delusione da parte di Nino, non fu tanto 

l’album a vendere, quanto il brano La maison 

près de la fontaine (versione nostrana: 

Il Povero Cristo), oltre 500.000 copie. 

D’altronde, la poliedricità e la capacità di 

sfuggire ad ogni etichetta musicale erano caratteristiche 

di cui lo stesso Nino era perfettamente 

consapevole, dichiarando in 

un’intervista del 1970 che ‘’Nessuno di noi 

è fatto in una sola maniera, anche nelle canzoni. 

Un giorno mi viene fuori Donna Rosa 

e un altro La Rua Madureira che è la mia preferita 

ma che purtroppo non ha fatto una lira 

o Povero Cristo che la radio sicuramente 

non trasmetterà e che quindi pochi sentiranno. 

Perché a me capita questo guaio: il 

pubblico di Donna Rosa non mi vuole in un 

genere più impegnato e non lo chiede, e 

l’altro che lo apprezzerebbe, non lo può conoscere”. 

Prima in inglese per conquistare con un album 

il mercato americano e poi in francese, 

nasce nel 1973 uno dei suoi capolavori Le 

Sud, sguardo tenero e critico verso il Sud del 

mondo, dall’Europa all’Africa. Ferrer continuerà 

a sfornare un album ogni anno/due, 

in cui si alternano la presenza di singoli di 

successo con la possibilità di riservarsi spazio 

per l’espressione artistica più creativa. 

Già dal 1970, Ferrer torna a stabilirsi in 

Francia. C’è di mezzo una love story con Brigitte 

Bardot, breve ma bersagliata dalle 

cronache rosa, che lo spinge a ritagliarsi 

uno spazio riservato, più lontano dalle luci 

della ribalta. Necessità che è stata probabilmente 

enfatizzata anche dalla volontà 

di proteggere la nascita del figlio avuto 

dalla segretaria Kinou Monestier, destinata 

a diventare sua moglie. Gli anni successivi 

lo vedono continuamente ritirarsi 

e tornare sulle scene. 

Negli ultimi anni della sua vita aveva eletto 

definitivamente la Francia, che nel 1986 lo 

aveva insignito del titolo di Cavaliere delle 

lettere e delle arti, come suo paese di residenza. 

Si era trasferito nel sud-ovest del paese, 

dove si dedicava alla pittura, la passione 

che ha assorbito gli ultimi anni della sua esistenza. 

Il suo ultimo album è del 1993: Desabusion 

che è un mix tra le parole désillusion 

e désabusement, disillusione e distacco. 

Probabilmente entrambe giocarono un 

ruolo importante nell’equilibrio della carriera 

di un artista come Nino, equilibrio definitivamente 

turbato, nel 1998, probabilmente 

dalla morte della madre. 

Se ne andava così, trovato morto in un campo 

di grano, un artista il cui valore fu probabilmente 

più grande e più intenso di quello 

all’epoca percepito, al di là della patina 

del successo e della conoscenza che di lui si 

era creata presso il grande pubblico. Tra 

Francia e Italia, tra luci e ombre, tra stile e 

talento e tra poesia e ironia. 

(Grazie a Giulia Nuti, Michele Manzotti, 

Pierre Ferrer e Santino Rocchetti)

VIVAVERDI 

66 

musica 

A fianco da sinistra Fioretta Mari, 

Marisa Laurito, Manuela Metri e 

Fiordaliso in una scena di 

“Menopause the musical” in cui 

Vincenzo Incenzo ha curato la versione 

italiana delle 28 canzoni anni ‘60. 

(Foto Marinetta Saglio) 

INTERVISTA A VINCENZO INCENZO 

“HO TANTE ANIME DIVERSE, 

DA ZARRILLO A DRACULA...” 

di Ivano Malcotti 

Il suo viaggio artistico è iniziato a diciotto anni al Folkstudio. Il “boss” Giancarlo Cesaroni, prima 

della chiusura del mitico locale capitolino, produsse la sua prima canzone, con questa nota sulla 

busta del disco: “simbolicamente è stata inserita la canzone del nostro ultimo puledro, il cantautore 

diciannovenne Vincenzo Incenzo, di cui molto probabilmente si sentirà parlare in futuro”. Da allora il 

poliedrico autore di testi romano ha firmato decine di canzoni, (fra gli altri per Renato Zero, Antonello 

Venditti, Lucio Dalla, Patty Pravo...) libri e adattamenti teatrali, senza disdegnare la pittura e 

scrivendo anche il libretto e le liriche di Dracula Opera Rock, su musiche della Pfm. 

Laureato al Dams, vincitore del premio 

Siae Autori nel 2003 e del Premio Lunezia 

per il valore poetico dei testi, Vincenzo 

Incenzo è un autore dalla produzione 

sterminata. Ha scritto testi per Renato Zero, 

Michele Zarrillo, Pfm, Antonello Venditti, 

Lucio Dalla, Sergio Endrigo, Franco 

Califano, Patty Pravo, Massimo di Cataldo, 

Silvia Mezzanotte, Paolo Meneguzzi, 

Daniele Groff, Paolo Vallesi, Albano, 

Neri per caso, Tosca e tanti altri. 

In questi anni ha collaborato e collabora 

con tantissimi artisti, ognuno di questi 

con una sua personalità molto forte e differente. 

Penso a Renato Zero, alla Premiata 

Forneria Marconi, a Patty Pravo, ma anche 

a Franco Califano, o Sergio Endrigo, 

che l’aveva scelto per scrivere le musiche 

(e non i testi) nella sua ultima produzione. 

La cosa meravigliosa di questo mestiere è 

diventare di volta in volta l’anima dell’interprete 

per cui stai scrivendo, vivere in simbiosi 

con la realtà che ti si presenta come se 

fosse da sempre l’unica che ti appartiene. Io 

ho la fortuna di poter scegliere con chi lavorare, 

per cui emotivamente sono sempre 

coinvolto. Non posso negare che Renato Zero 

e Michele Zarrillo siano, per amicizia, 

sensibilità, affetto e stima dei riferimenti 

ideali. Ho nel cuore anche il periodo, troppo 

breve purtroppo, di collaborazione con 

Endrigo. E poi ci sono le sfide. Sono impazzito 

di gioia quando mi fu proposto di scrivere 

il libretto di Dracula Opera Rock, il musical 

prodotto da David Zard su musiche della 

Pfm. Non l’ho mai detto, ma prima delle 

modifiche di regia scrissi tutta l’opera in una 

settimana, lavorando giorno e notte con entusiasmo 

febbrile, e consegnai i testi in varie 

fasi solo per non dare l’idea di un lavoro 

precipitoso. 

Una delle sue canzoni più note, Cinque 

giorni, è stata ripresa ultimamente da Laura 

Pausini, ma anche altri artisti nel mondo 

continuano ad interpretarla, come 

Amanda Miguel, Ana Gabriel. Ne esiste addirittura 

una versione di Fiorello. Com’è 

nata questa canzone?

Esattamente cinque giorni dopo la fine di 

una storia molto importante; ricordo che 

presi degli appunti, riproponendomi di elaborarli 

in seguito; frasi come “cinque giorni 

che ti ho perso” o “faccio male anche a un 

amico” appartengono più al parlato ordinario 

che ad una canzone, erano state scritte 

per fermare il concetto. Mi dicevo “poi le 

renderò più poetiche”. Invece poi tutto è rimasto 

uguale, anche perché le note di Michele 

sembravano aspettare solo quelle parole. 

Con Zarrillo divido, oltre che la canzone, 

quel momento preciso, perché anche lui 

stava vivendo la fine di un amore. Credo sia 

stato molto importante tutto questo, il brano 

è profondamente sincero, per questo credo 

arrivi tanto alla gente. 

E’ iscritto alla Siae dal 1984 e recentemente 

si è iscritto anche alla sezione Dor, per il 

lavoro di Dracula Opera Rock. 

Adoro scrivere per il teatro, ho già altri due 

musical nel cassetto, che spero presto vedranno 

la luce. Dracula è stato un viaggio 

bellissimo. Ricordo quando la Pfm mi interpellò. 

Pensai: cosa si può scrivere ancora 

su Dracula che non sia stato detto? Nel 

primo incontro con David Zard in un ristorante 

di Roma proposi di fuggire dall’ennesima 

versione della lotta tra il bene e il male 

e di mostrare non tanto il vampiro sperduto 

nelle nebbie della Transilvania, quanto 

il mostro dentro ognuno di noi; insomma 

un Dracula profondamente umano, che 

fa paura, ma che a sua volta ha paura. L’idea 

piacque a tutti da subito. Tecnicamente mi 

sono rifatto ad uno stile di scrittura spesso 

classico, ho usato tantissimo l’endecasillabo. 

In linea con la scrittura operistica, spesso 

siamo partiti dai testi, che sono stati poi musicati. 

Il vampiro mi ha permesso di tornare 

a lavorare con la Pfm (dieci anni dopo 

l’album Ulisse, la nostra prima collaborazione), 

il che vuol dire confrontarsi con un 

pezzo di storia della musica italiana, un arricchimento 

incredibile. E poi di conoscere 

Alfredo Arias, il grande regista argentino, 

e imparare in materia di teatro un’infinità 

di cose. 

Passiamo a Incenzo autore di libri. La sua 

passione per Dante l’ha portato a scrivere 

sul suo Inferno. Di cosa tratta La partitura 

infernale, eventi sonori nelle bolge dantesche, 

pubblicato da Fonopoli? 

E’ una lettura sonora del verso dantesco. 

Dante fa qualcosa di miracoloso nel suo Inferno. 

Trasponendo la disarmonia e la dissonanza 

di quei luoghi a livello linguistico, 

e ricorrendo ad un vero e proprio “simbolismo 

fonico”, ci rappresenta la terribile atmosfera 

infernale con parole di suono oscuro, 

sporco, con consonanti dure e aspre, avvolgendoci 

fisicamente in quel “corto circuito” 

acustico che nel racconto è dato dai 

latrati canini, dalle urla disumane e dai tuoni 

impetuosi. Viaggiando nella Commedia 

si può poi notare come il linguaggio, via via 

che ci si avvicini al Paradiso si alleggerisca, 

si depuri, si schiarisca, in osmosi con i luoghi 

e gli scenari, e le consonanti dure e stridule 

lascino il passo a sillabe delicate, alle 

“elle”, alle “esse”, al silenzio. Al bianco. Una 

meraviglia. 

Ha avuto anche esperienze come “traduttore” 

da altre lingue. 

Sono innamorato della parola. Morbosamente 

la scandaglio anche oltre confine. Mi 

hanno appassionato operazioni linguistiche 

come quella che ho fatto su Menopause the 

musical, di Linders, dove, curando la versione 

italiana delle canzoni, ho dovuto recuperare 

le sonorità e le cadenze originali 

dosandole con l’ironia scanzonata del centone 

italiano; o Tango delle ore piccole di 

Puig, dove la scommessa era mantenere la 

visceralità drammatica, erotica e sanguigna 

delle canzoni argentine anche nel nostro 

idioma. 

Ha pubblicato anche poesie; c’è un’analogia 

tra paroliere e poeta? Un paroliere può definirsi 

poeta? 

Il lavoro del paroliere non ha molto a che vedere 

con quello del poeta: il poeta non ha bisogno 

della musica, o meglio, le sue liriche 

hanno già “in corpore” ritmo, respiri, dinamiche, 

canto. Qui la musica intervenendo si 

sovrapporrebbe mortificando gli equilibri. 

I tentativi fatti non mi convincono, a meno 

che la musica non faccia un passo indietro 

e sia semplicemente un “vassoio” utile a portare 

in tavola la parola. Il testo di una canzone 

invece non è autosufficiente, vive in 

osmosi con le note, fortificandole e fortificandosi 

con queste: non è poesia, ma può 

essere poetico. 

E il suo rapporto con la pittura? 

Liberatorio. Per me è un non luogo dove sperimentare 

e mettermi alla prova, utile poi 

anche a corroborare il mio lavoro di autore. 

Quali sono i prossimi progetti? 

La nuova collaborazione con Renato Zero, che 

ha realizzato un disco meraviglioso. Sono onorato 

del fatto che mi abbia voluto vicino durante 

la stesura di molti testi. Lavorare allo 

stesso tavolo con lui è un’esperienza umana e 

artistica impagabile. Renato è un vulcano, un 

detonatore di creatività. 

Gli sarò sempre grato per la fiducia che ha 

avuto nei miei confronti. 

E poi c’è il mio primo romanzo, a cui ho lavorato 

con dedizione assoluta per tre anni; 

una storia d’amore estremo, un thriller dell’anima, 

ambientato nel misterioso mondo 

di internet.

VIVAmedia 

Una scelta dei principali avvenimenti legati 

alla Siae pubblicati sulla stampa italiana.

VIVAdall’interno 

RACCOLTA 2008 

L’IMPEGNO DELLA SIAE 

PER TELETHON 

Foto G. Ziliotto 

Nella campagna di raccolta fondi per Telethon 2008 la Siae si è mobilitata grazie all’impegno di molti uffici della 

rete territoriale e alla diretta partecipazione di numerosi dipendenti, raggiungendo la somma di 120.475,58 euro 

che sono stati già versati alla Fondazione Telethon. Il presidente della Siae, Giorgio Assumma che ha ricevuto un 

messaggio di ringraziamento dalla Signora Susanna Agnelli, esprime la propria gratitudine a tutti i dipendenti. 

Pubblichiamo le due lettere 

Care amiche ed amici 

a conclusione della campagna di raccolta fondi di TELETHON 2008 sono lieto di comunicarvi che, 

grazie all’impegno di molti uffici della rete territoriale e alla partecipazione di numerosi dipendenti, 

è stata raggiunta la somma di 120.475,58 euro che sono già stati versati alla Fondazione 

TELETHON. 

Mi è particolarmente gradito condividere con Voi il messaggio di ringraziamento inviatomi 

dalla Signora Susanna Agnelli. 

Sono certo di interpretare il sentimento di tutti coloro che si sono attivati per raggiungere 

tale risultato, esprimendo la soddisfazione comune per aver dato un tangibile contributo 

allo sviluppo delle ricerche che la Fondazione TELETHON porta avanti per la cura delle malattie 

genetiche. 

A tutti voi un sentito grazie ed i più cordiali saluti.


VIVAVERDI 

71 

Sotto a sinistra, Arisa vincitrice delle 

nuove proposte. 

Sotto, Marco Carta, vincitore 

di Sanremo 59. 

A destra Ania riceve dal Presidente 

Assumma il Premio Siae 

Sanremofestival59. 

Sotto una fase del convegno 

organizzato da Siae, Afi e Imaie su 

“Musica e Internet” 

Foto Ufficio Organizzazione Eventi 

59° EDIZIONE 

LA SIAE A SANREMO 

Foto Paola Arpone 

Ritornato a picchi record d’audience televisiva 

e d’interesse popolare, il Festival di 

Sanremo n.59 è stato una puntuale istantanea 

dello stato della musica italiana. Sul palco 

del teatro Ariston si sono avvicendati storici 

cantautori, gruppi rap, bande rock e interpreti 

della melodia italiana, in uno spettacolo 

abilmente confezionato dal presentatore 

e showman Paolo Bonolis. Alla fine 

ha vinto il giovane Marco Carta, già protagonista 

dell’ultima edizione del programma 

tv Amici, con La forza mia davanti a Povia 

(secondo posto con Luca era gay) e Sal Da 

Vinci (terzo con Non riesco a farti innammorare). 

Nelle cinque serate, all’insegna 

della buona musica e del divertimento, c’è 

stata anche l’esibizione dei giovani accompagnati 

da un ospite famoso, da Pino Daniele 

a Burt Bacharach, da Gino Paoli a Lucio Dalla. 

Ha vinto, in questa categoria, Arisa con 

Sincerità. Nella serata di sabato, il Presidente 

della Siae, Giorgio Assumma ha consegnato 

un Premio alla giovane cantautrice Ania, 

risultata vincitrice della prima edizione del 

concorso SanremoFestival.59, interamente 

svolto sul web, con il brano Buongiorno 

gente. La Siae ha voluto attribuire un suo riconoscimento 

ad un’opera che proprio in 

rete si è fatta conoscere. “La rete è uno 

straordinario strumento di diffusione delle 

opere -ha dichiarato il presidente 

Assumma- che consente di scoprire autori 

di valore, specialmente giovani. Ma è importante 

che i diritti di chi crea siano riconosciuti, 

perchè sono frutto di un intenzo 

lavoro”. La Siae, che fa parte del Comitato 

Tecnico contro la Pirateria Digitale e 

Multimediale costituito a Palazzo Chigi, ha 

anche promosso un convegno su “Musica e 

Internet: nuovi approcci educativi per il rispetto 

dei diritti da parte dei giovani” a 

Sanremo. L’incontro è stato promosso in 

particolare con lo scopo di fornire un aggiornamento 

sulle iniziative che Siae, Afi e 

Imaie stanno portando avanti, nell’ambito 

della campagna Emca (European Music 

Copyright Alliance), presso le scuole medie 

inferiori italiane. Filippo Gasparro, Direttore 

dell’Ufficio Organizzazione Eventi della Siae, 

ha ribadito che Emca non è una “campagna 

antipirateria” ma un’iniziativa che vuole fornire 

ai giovani gli strumenti necessari per 

effettuare scelte consapevoli nel consumo 

della musica ed ha illustrato poi altri progetti 

educativi che la Siae sta promuovendo 

su tutto il territorio nazionale. 

Foto Ilaria Berti


DISCOGRAFIA 

DISTRIBUZIONE DIGITALE, 

UN NUOVO ELDORADO? 

di Giorgio Macellari 

Luca Stante 

Con alcuni operatori del settore abbiamo 

cercato di analizzare le valenze, gli eventuali 

punti deboli e le prospettive della distribuzione 

digitale: per capire, soprattutto, 

quali vantaggi offra agli artisti e alle case discografiche; 

quali siano le differenze sostanziali 

rispetto alla distribuzione tradizionale 

e quali le opportunità di promozione e marketing 

per i prodotti artistici presenti sui 

vari store. Abbiamo loro chiesto, inoltre, 

quanto sia diffusa oggi in Italia la cultura 

Tra gli addetti ai lavori, c’è chi la definisce una “nuova frontiera” per il mercato discografico; 

altri, in modo più semplice e diretto, preferiscono individuarla come una nuova opportunità: 

stiamo parlando della cosiddetta distribuzione digitale. Una cosa è certa: le nuove tecnologie 

facilitano la diffusione globale dei contenuti, consentendo agli utenti un’estrema velocità nella 

ricerca degli artisti e dei brani preferiti, nell’accesso alle piattaforme che commercializzano la 

musica e nella scelta dei prodotti a costi accessibili. Per adesso, però, in Italia siamo ancora in 

una fase d’avviamento. 

dello scaricamento legale e quali miglioramenti 

ci si potrebbe attendere sotto il profilo 

legislativo. Ne è uscito un quadro piuttosto 

articolato e complesso, che presenta 

diverse sfaccettature. 

A esaltare la realtà e le potenzialità degli store 

online, ad esempio, è Luca Stante (37 anni, 

una laurea in Economia, con specializzazione 

in Business Administration), attuale 

direttore generale in Italia di Believe, 

azienda leader in Europa proprio nella distribuzione 

digitale. “Si tratta – dice – di un 

canale ormai consolidato, in continua evoluzione 

per quanto concerne la promozione 

e la vendita. Tra i nuovi media, sono da includere 

Internet, cellulari e Digitale 

Terrestre”. Stante, che ha scritto un libro sul 

marketing nel settore discografico ed è docente 

al Master in Discografia presso Fabrizio Brocchieri 

l’Università La Sapienza di Roma, parla con 

cognizione di causa: “Occorre considerare 

le funzionalità più innovative: l’elevato grado 

di informazione, l’interattività, la smaterializzazione, 

l’internazionalità. È appun-

VIVAVERDI 

73 

to da queste funzionalità che derivano enormi 

vantaggi. Una migliore informazione, infatti, 

contribuisce a una maggiore maturità 

del consumatore; l’interattività, a sua volta, genera 

appassionati che si sentono protagonisti 

e artisti più consapevoli; la smaterializzazione, 

inoltre, riduce in maniera drastica i costi 

di distribuzione; l’internazionalità, com’è ovvio, 

apre un mercato mondiale per tutti”. 

Assai più disincantati, per la verità, i giudizi 

espressi in merito da altri esperti. “La 

distribuzione digitale è un universo interessante, 

ma ancora da scoprire”, afferma 

Fabrizio Brocchieri (41 anni, label manager 

dell’etichetta Cinico Disincanto), produttore 

discografico e membro del direttivo nazionale 

di AudioCoop, la terza associazione 

di categoria di discografici italiani indipendenti, 

che si è costituita nel 2000 e associa 

circa 150 indies, con un fatturato pari al 5% 

del mercato discografico italiano. “Per il 

momento – aggiunge Brocchieri – è un mercato 

più virtuale che reale, almeno rispetto 

al panorama italiano, con un giro di affari 

poco significativo”. 

Altrettanto precise e motivate le convinzioni 

espresse da Mario Limongelli, presidente di 

Mario Limongelli 

Franco Bixio 

PMI (Produttori Musicali Indipendenti), 

associazione che raccoglie quasi un centinaio 

tra le più importanti imprese italiane 

medie e piccole che producono musica, con 

un fatturato pari al 15% del mercato. “Le 

evoluzioni tecnologiche – afferma – sono 

state vissute finora solo come una minaccia. 

Occorre invece rendersi conto delle nuove 

opportunità che esse offrono per il rilancio 

della musica”. Limongelli, in particolare, 

osserva alcune significative novità: le trasmissioni 

a larga banda, i servizi avanzati, 

l’evoluzione dei mercati, la contrazione delle 

vendite del prodotto fisico, la moltiplicazione 

dei canali di accesso e di sfruttamento 

dell’offerta musicale, l’entrata in scena di 

nuovi utenti e potenziali distributori, come 

le compagnie di telecomunicazioni fisse e 

mobili, i fornitori di hardware/supporti e i 

fornitori di accessi e di servizi Internet. “Ci 

troviamo di fronte – sottolinea il presidente 

di PMI – a una grande innovazione tecnologica, 

che vede le aziende indipendenti 

impegnate a non perdere l’opportunità di 

fare business distribuendo e vendendo musica 

mediante file audio e video. A tutt’oggi, 

però, tale mercato non ha soppiantato il 

prodotto fisico, cioè il cd. Ma è un dato interessante 

il fatto che a frequentare gli store, 

per l’80%, siano soprattutto i giovani dai 

13 ai 18 anni”. Insomma, anche in questo 

campo, senza dubbio, Internet ha avvicinato 

le frontiere del sapere, del comunicare, 

del conoscere. Non esistono intermediari: 

c’è il vantaggio di poter comunicare direttamente 

con gli acquirenti e gli utilizzatori; 

si creano database di potenziali fan per gli 

artisti e altrettanto potenziali clienti per le 

case discografiche. Non solo. Nascono community 

dove ci si può confrontare in estrema 

libertà. 

E intanto, proprio di recente, l’Afi 

(l’Associazione dei Fonografici Italiani), che 

dal 1948 rappresenta e tutela gli interessi delle 

Piccole e Medie Imprese di produttori audio 

e video, ha celebrato i 60 anni commissionando 

una ricerca sulla musica online. 

Il ruolo degli aggregatori 

I produttori di contenuti musicali accedono con 

maggiore facilità al mercato della distribuzione digitale, 

in genere, attraverso i cosiddetti “aggregatori” 

di contenuti. Tra i più importanti, potremmo 

citare: Believe, The Orchard, Kiver. Le etichette 

discografiche cedono una licenza per la distribuzione 

digitale sui master di cui sono titolari agli 

aggregatori, i quali, a loro volta, cedono i diritti di 

vendita al pubblico ai servizi di distribuzione web 

e mobile, come I-tunes e altri. Gli aggregatori 

si occupano delle fasi di digitalizzazione (la trasformazione 

da audio in file), di delivery (l’invio ai servizi 

di distribuzione), di promozione (la visibilità sui 

servizi di distribuzione), di rendicontazione (mediante 

un software on/line) e di pagamento delle royalties. 

Gli aggregatori, quindi, stipulano accordi con 

i grandi distributori on/line. Tale meccanismo, in 

effetti, appare in contrasto con quella che sembrava 

essere una delle opportunità del mercato digitale: 

la diminuzione dei costi distributivi e l’accesso 

diretto al mercato. Oggi, però, rimane questo l’unico 

modo per essere presenti nei negozi virtuali. 

Pertanto, i produttori riescono a distribuire i propri 

cataloghi a fronte di una percentuale che erode 

una parte delle revenues spettanti agli stessi 

produttori. Si ripropone dunque lo scenario di distribuzione 

del prodotto fisico. Per quanto riguarda 

pubblicità, promozione e marketing dei prodotti 

distribuiti on/line sugli store, le possibilità sono 

molte; ma gli spazi tradizionali (banner, sponsorship 

e campagne mirate) sono abbastanza costosi. 

Per ora, non resta che sfruttare la fantasia e le opportunità 

offerte dal web: le idee innovative e originali 

riescono spesso a ritagliarsi una discreta visibilità. 

(G. M. )


“Posso dire che il mercato della musica online, 

relativamente alle piattaforme legali, 

presenta un trend di crescita rilevante in 

termini di percentuale- sostiene Franco 

Bixio, storico produttore musicale, nel comitato 

direttivo dell’associazione - ma, in 

valore assoluto, risulta essere un mercato 

non in linea con le proprie potenzialità, soprattutto 

a causa della enorme diffusione di 

scaricamenti illegali”. 

Negli ultimi due anni, in effetti, il mercato digitale 

è aumentato di oltre il 100%; ma, per 

un’azienda indipendente, gli incassi non sembrano 

sufficienti a coprire gli ammanchi determinati 

dal calo del mercato tradizionale che, 

rispetto a dodici mesi or sono, fa registrare un 

segno negativo pari addirittura al 26%. 

Secondo i nostri interlocutori, i nomi di successo 

funzionano anche nel mercato online; 

ai cosiddetti prodotti “di nicchia”, tuttavia, 

la rete offre maggiori opportunità: infatti, 

essi raggiungono più facilmente il proprio 

target attraverso Internet, dove gli appassionati, 

a prescindere dalla localizzazione 

geografica, possono operare in modo 

semplice una ricerca mirata e precisa di brani 

e artisti che faticherebbero a trovare nei 

negozi tradizionali. 

Tutti gli addetti ai lavori sembrano poi concordare 

su un concetto fondamentale, che 

riguarda la protezione delle opere dell’ingegno 

nell’era delle tecnologie avanzate. 

“Dai dati di vendita – rileva ancora Luca 

Stante, di Believe – risulta che il download 

legale è in crescita. E sono certo che, alla 

lunga, la situazione migliorerà. Il nostro paese, 

in questo senso, appare un po’ indietro 

rispetto alle nazioni più industrializzate; più 

avanti, invece, se ci si riferisce a tanti altri 

paesi nel mondo. La legge dovrebbe perseguire 

coloro che scaricano in modo illegale 

la musica e in genere le opere dell’ingegno: 

si tratta di un diritto di proprietà inalienabile, 

che va rispettato. Solo l’autore di un 

brano può decidere se altri possano usufruire 

gratuitamente delle sue opere. Al di là della 

legge esistente – conclude Stante – si dovrebbero 

usare in modo più efficace gli strumenti 

repressivi: il clima di impunità, infatti, 

risulta deleterio per la cultura di qualsiasi 

popolo”. 

Nella medesima questione interviene il presidente 

di PMI, Mario Limongelli. “Le istituzioni 

– dice – devono comprendere quanto sia 

dannosa la carenza di una legislazione a favore 

del riconoscimento e del rispetto totale del 

diritto d’autore. Se non si interviene con norme 

efficaci contro la pirateria, compresa quella 

online, ben difficilmente le aziende che producono 

contenuti musicali riusciranno ad andare 

avanti”. 

L’Afi, attraverso Franco Bixio, sposta 

l’attenzione sulle conclusioni emerse dal 

Rapporto Einaudi relativo al filesharing: la 

maggior parte degli italiani non sarebbe disposta 

a pagare né per film né per canzoni; 

tant’è vero che il 25% degli intervistati dichiara 

di utilizzare regolarmente servizi peer 

to peer gratuiti al fine di ottenere, in modo 

illegale, brani musicali e video in formato 

digitale. “Una grande opportunità per i produttori 

di contenuti – dichiara – sarebbe data 

da una rete peer to peer legale. Per questo 

motivo, la nostra associazione, insieme 

con altri partner internazionali e la stessa 

Siae, ha sviluppato un importante progetto 

(dal titolo Axmedis), co/finanziato dalla 

commissione Europea”. 

“Il nostro obiettivo – conclude Bixio – è 

quello di rendere possibile una rete peer to 

peer legale, una transcodifica dei contenuti 

digitali in automatismo, nei formati oggi 

esistenti, per tutti i devices, una tracciabilità 

dei contenuti, una serie di report che faciliti 

la rendicontazione delle revenues, una 

concessione di licenze in automatico”. 

C’è anche chi, però, mette sotto accusa la 

politica delle major e delle grandi radio presenti 

nel circuito che conta. 

Fabrizio Brocchieri, esponente di spicco - 

come detto - di AudioCoop, si toglie il classico 

sassolino dalla scarpa: “Trasmettere su 

tutte le emittenti sempre e solo le stesse canzoni 

finisce col renderle poco appetibili per 

il pubblico più smaliziato, che arriva ben 

presto a un livello di saturazione da ascolto. 

È un vero peccato, inoltre, che le multinazionali 

abbiano di fatto rinunciato allo 

scouting sul repertorio cosiddetto local. 

Con ogni probabilità, considerano l’Italia 

una piccola provincia dell’impero, da colonizzare 

con musica d’importazione, lontana 

dal nostro Dna musicale e dalle nostre 

radici. Il risultato – conclude Brocchieri – 

è quasi scontato: si crea un diffuso disinteresse 

verso le novità, le scoperte e quindi 

verso l’acquisto, anche online, di prodotti 

in grado di rappresentare una cultura 

originale”. D’accordo, almeno in parte, 

Mario Limongelli, di PMI. “Oggi – ribadisce 

– le emittenti radiofoniche si definiscono 

quasi tutte hit/radio e programmano 

solo i brani dei soliti noti. Così, su questo 

fronte, gli indipendenti vengono di gran 

lunga penalizzati”. 

Al di là di ogni considerazione più o meno 

condivisibile, si sa che il mercato della discografia 

sta attraversando un periodo di 

forte crisi. L’unica possibilità di sopravvivenza 

rimane affidata alla qualità: lavorare, 

cioè, su progetti artistici che non evaporino 

nell’arco di poche settimane e per 

i quali si possa approntare un lavoro costante 

e meticoloso di promozione. Chi 

resiste ora nella tempesta potrebbe avere 

domani, davanti a sé, sconfinate praterie 

da esplorare. Magari, proprio grazie alla 

distribuzione digitale.


VIVAVERDI 

75 

DUE LIBRI IMPORTANTI 

GLI SCENARI FUTURI 

DEL DIRITTO D’AUTORE 

E DELL’INDUSTRIA MUSICALE 

di Letizia Pozzo 

Sui cambiamenti epocali dell’era digitale, che stanno provocando nuovi sviluppi nell’industria 

musicale e nel diritto d’autore, sono stati pubblicati recentemente due libri che rappresentano 

un contributo essenziale per comprendere il presente e il futuro: Scenari e prospettive sul diritto 

d’autore di Alberto Maria Gambino e Valeria Falce e la guida Musica & Diritto, Scenari giuridici 

per l’industria musicale di Andrea Marco Ricci. 

Il primo volume è la pubblicazione degli atti 

del convegno omonimo Scenari e prospettive 

del diritto d’autore edito da edizioni Art 

nella collana “Scuola di diritto” svoltosi presso 

l’Università Europea di Roma il 27 maggio 

2008. Il libro, curato da Alberto Maria 

Gambino (docente di diritto privato all’Uer 

e presidente del Comitato Consultivo permanente 

per il diritto d’autore, insieme a Valeria 

Falce, ricercatrice di Diritto industriale sempre 

all’Uer) è rivolto a studiosi e specialisti 

del diritto d’autore. 

Come scrive nell’introduzione 

Gambino: “…l’istituto autoriale 

non può seguire una 

prospettiva statica, fuori dal 

mercato, ammettendo la collocazione 

delle opere dell’intelletto 

creativo nel recinto 

di un dominio privato nascosto 

e inaccessibile”. E 

Gambino riconosce nel compito 

del giurista quello di dare 

assistenza all’investimento 

“di chi ha intrapreso la 

scelta felice di trafficare i talenti 

e, allo stesso tempo, ad 

impedire che qualcuno i talenti 

li asconda, impedendone 

la disseminazione”. 

Ricco di interventi dei più 

noti docenti ed esperti in 

materia, il convegno ha avuto 

il compito e il merito di analizzare i profili 

di rilievo sistematico a livello nazionale 

e internazionale. Il libro è arricchito da una 

bibliografia che rappresenta un indispensabile 

strumento di lavoro per tutti coloro che 

intendano approfondire questi argomenti. 

Di tutt’altro taglio il secondo libro, intitolato 

Musica & Diritto, Scenari giuridici per 

l’industria musicale edizioni Musica e dischi. 

Si tratta di una vera guida di facile lettura 

per musicisti e operatori 

del mondo della musica 

sulla gestione del business 

on line, sul diritto 

d’autore e la gestione collettiva 

dei diritti in epoca digitale. 

Non sono trascurati 

neanche gli aspetti fiscali 

(Iva) e previdenziali 

(Enpals) e tanti altri argomenti 

d’interesse specifico. 

La pubblicazione è curata da 

Andrea Marco Ricci, giovane 

studioso della materia, 

nato nel 1976, con un ricco 

curriculum che va dalla laurea 

in Giurisprudenza 

all’Università di Bologna al 

dottorato di ricerca in 

Informatica Giuridica e 

Diritto dell’Informatica.


A fianco, Ventspils International Writers’ 

and Translators’ House in Lettonia sul 

Baltico, poco sotto il golfo di Riga. 

(Foto di Tiziana Colusso) 

SCRITTORI 

LE DOLCI E OSPITALI 

RESIDENZE D’AUTORE 

di Tiziana Colusso* 

L’antica usanza di ospitare scrittori e artisti per dar lustro a una corte o a una città rivive oggi in 

molti paesi europei nella rete innovativa e attrezzata di Writers’ Houses, Residenze d’autore, atelier 

artistici e altre strutture di accoglienza finalizzate alla produzione creativa. Una pratica ancora da 

sviluppare nel nostro Paese, che rientra a pieno titolo nelle politiche a sostegno degli autori. 

C’erano una volta i mecenati dei letterati e 

degli artisti: non solo il Mecenate eponimo, 

consigliere dell’imperatore Augusto, che ha 

dato l’avvio e il nome al fenomeno, promuovendo 

un vero e proprio circolo di intellettuali 

e di poeti – tra i quali Orazio e Virgilio 

– ma anche tutta una genia di patroni delle 

arti e delle lettere, attivi nel sostenere artisti 

e letterati per passione delle belle opere 

ma anche per dar lustro e risonanza alla casata 

e chissà forse anche per nascondere dietro 

gradevoli note e rime magagne e macchinazioni 

politiche. Comunque sia, in epoche 

in cui ancora non esistevano quelle che 

oggi usiamo chiamare “le politiche a sostegno 

degli autori”, queste iniziative di nobili 

e in seguito anche di banchieri e mercanti 

costituivano una risorsa fondamentale e 

necessaria allo sviluppo della creatività. 

Nel XII e XIII secolo i troubadours, menestrelli 

sia di umili che di nobili origini, viaggiavano 

di castello in castello nel sud della 

Francia a cantare in rima e in melodia le 

canso o cançons declinate sui temi dell’amore 

e delle gesta dei cavalieri, per allietare 

le feste dei nobili e anche per trovare le 

condizioni favorevoli alla creazione artistica; 

la tradizione di ospitare gli artisti e gli 

scrittori “in residenza creativa” si è protratta 

per i secoli successivi, fino a culminare 

nel ‘500 nella Firenze dei Medici o nei Castelli 

sui bordi della Loira con Francesco I. 

Dopo le punte di eccellenza del Rinascimento, 

la pratica del mecenatismo a sostegno 

della cultura è continuata fin all’inizio del 

XX secolo. Basta solo ricordare l’importanza 

che ha avuto per Rainer Maria Rilke, il grande 

poeta austriaco di origine boema, il lunghissimo 

soggiorno nel castello di Duino, 

arroccato su un magnifico sperone carsico 

che si affaccia sul Golfo di Trieste. In omaggio 

ai suoi amabili ospiti, i principi Thurn 

und Taxis (ramo tedesco di una casata che 

ha anche una genealogia italiana, i conti della 

Torre e Tasso) e al Castello di Duino, Rilke 

ha poi intitolato il suo capolavoro Elegie 

Duinesi (Duineser Elegien). 

E oggi? Oggi la responsabilità di sostenere 

la creazione letteraria ed artistica è passata 

in molti paesi europei alle istituzioni pubbliche, 

che si avvalgono spesso del sostegno 

di Fondazioni e altri enti. Naturalmente il 

sostegno si può svolgere in tanti modi: restaurando 

una chiesa antica e opere d’arte, 

o promuovendo musei e biblioteche. Ma qui 

vogliamo parlare di un’accezione particolare 

del mecenatismo, ovvero il sostegno diretto 

ai singoli autori attraverso l’offerta di 

luoghi di accoglienza per la creazione, e in 

particolare delle cosiddette Residenze per 

Scrittori, le Writers’ Houses o Résidences 

d’Écrivains. 

Sfogliando alcune pubblicazioni sull’argomento 

risulta subito evidente che i centri di 

residenza per gli autori e gli artisti si trovano 

quasi tutti nei paesi dell’Europa Centrale 

(Germania e Francia soprattutto), nel 

Nord Europa - dove le istituzioni statali sono 

solide e il tenore di vita alto, come in Svezia 

- e nell’Europa dell’Est, nei paesi che 

hanno derivato dal socialismo sovietico l’idea 

di sostenere gli artisti per garantirne la libertà 

di ricerca non legata al risultato economico 

del loro lavoro, ma anche per poter 

meglio esercitare il controllo dello Stato sui 

“produttori di pensiero”. Nei paesi dell’Europa 

meridionale (Spagna, Portogallo, Italia, 

Grecia) le strutture sono scarse e quelle 

poche esistenti appartengono a Fondazioni 

private o sono in realtà degli “alberghi per 

artisti” che offrono stanze a pagamento in 

posti adatti all’ozio creativo, il che è una lodevole 

iniziativa ma appartiene più alla sfera 

del turismo che a quella del politiche a sostegno 

della creatività. Con una notevole 

eccezione, in Grecia, dove è censita una sola 

magnifica struttura: l’International Wri-

VIVAVERDI 

77 

ters’ and Translators’ Centre, aperto nel 1996 

sull’isola di Rodi, nel mar Egeo attraverso 

un partenariato di istituzioni pubbliche. 

In ogni caso le offerte e le modalità che caratterizzano 

le varie Writers’ Houses dall’Andalusia 

spagnola fino ai remoti fiordi 

norvegesi, sono moltissime e varie: ci sono 

le istituzioni di ricerca per l’eccellenza artistica 

e letteraria, come la Akademie Schloss 

Solitude di Stoccarda, che finanzia con larghezza 

i giovani talenti provenienti da tutta 

Europa, ma con un limite di età. Ci sono Case 

degli Scrittori riservate ad autori di un 

determinato paese o regione, come il Centre 

Régional des Lettres d’Aquitaine in Francia 

o gli Appartements des Artistes promossi 

dal cantone svizzero di Berna; ci sono molte 

strutture di accoglienza riservate a scrittori 

e traduttori letterari, e altre dedicate 

esclusivamente al lavoro dei traduttori, come 

il Collège Européen des Traducteurs Littéraires 

a Seneffe, in Belgio; ci sono strutture 

specialistiche, come il CipM, il Centre 

International de Poésie di Marsiglia, che in 

quasi due decenni di esistenza ha creato la 

più grande biblioteca di poesia d’Europa; ci 

sono molte strutture che accettano candidature 

spontanee di autori che vengono poi 

selezionati sulla base dei curriculum e dei 

progetti di scrittura, e ci sono invece alcune 

Residenze che si riservano il diritto di 

scegliere direttamente a chi assegnare le 

stanze disponibili e una eventuale Borsa di 

Scrittura, come Villa Concordia in Baviera. 

Anche dal punto di vista logistico, ci sono 

moltissime varianti: c’è la tipologia del maniero 

storico, come Chateau de Lavigny in 

territorio svizzero o come il magnifico palazzo 

Villa Mont-Noir, al confine tra Francia 

e Belgio, appartenuto alla famiglia di 

Marguerite Yourcenar e poi dopo varie vicende 

e traversie di vendite, bombardamenti 

e altro, è stato ora acquisito e rimesso a 

nuovo dalle istituzioni regionali, che ne hanno 

fatto un luogo di eccellenza letteraria. Ci 

sono strutture più sobrie, quasi dei ritiri 

monacali dove gli scrittori possono allontanarsi 

per un poco dai circuiti forzati della 

“società delle lettere”, come un ex-villaggio 

di pescatori su un fiordo norvegese, a Tromsø, 

appena sotto Capo Nord. 

Insomma, una varietà infinita, tutta da sperimentare, 

per scrittori che siano anche viaggiatori 

curiosi e appassionati del dialogo con 

i colleghi provenienti da altri paesi o situazioni. 

Infatti la caratteristica di queste Residenze 

è che all’ospite si offre non soltanto 

una camera-studio per scrivere, ma anche, 

quando si è stanchi della solitudine 

creativa, la possibilità di scambiare, nei luoghi 

comuni come la Biblioteca o la cucina, 

chiacchiere o opinioni con gli altri scrittori 

ospiti. 

A parte rapide visite a Villa Mont-Noir e al 

Centre International de Poésie di Marsiglia, 

ho avuto la possibilità di alloggiare come autrice 

accolta in residenza – per un intero mese 

ogni volta – in due di queste strutture: il 

Baltic Centre for Writers and Translators a 

Visby, sull’isola di Gotland, in territorio svedese, 

e la Ventspils International Writers’ 

and Translators’ House, aperta di recente 

sempre sul Baltico ma sulla costa opposta, 

in Lettonia, poco sotto il Golfo di Riga. 

Ricordo ancora con piacere e con gratitudine 

le serate a parlare, in molte lingue mescolate, 

di tutto e di niente, di cucina tipica 

e di letteratura, di politica e di festival letterari, 

di itinerari in bicicletta e di progetti 

di viaggi ulteriori. Si creano amicizie e si 

scambiano libri, indirizzi ed esperienze, in 

un’atmosfera informale dove i parametri di 

confronto sociale sono molto allentati, e non 

c’è l’alienazione delle Fiere del Libro con gli 

stand affollati, i rituali delle presentazioni 

e il pressing degli uffici stampa. Nelle Writers’ 

Houses si trovano autori di ogni età e 

formazione, ma in genere per tutti non è difficile 

dopo qualche giorno mescolarsi in questa 

allegra Babele letteraria in cui ci si presta 

i libri, le mappe stradali e i dizionari tascabili. 

Si tratta di esperienze assai istruttive, 

e la pratica delle Residenze d’autore dovrebbe 

essere non solo una possibilità ma 

quasi un “obbligo” curricolare per autori che 

vogliano essere veramente europei e adeguati 

ad un mondo dove lingue e culture sono 

sempre più interconnesse e i pensieri 

sempre più globali. 

*Tiziana Colusso (www.tizianacolusso.it ) 

scrittrice, è dal 2004 Responsabile Esteri 

del Sindacato Nazionale Scrittori e dal 2005 

membro del Board direttivo dello European 

Writers’ Congress, confederazione europea 

delle Associazioni degli autori dei vari paesi 

europei.

hyde park 

lettere dal cuore della siae 

NON DIMENTICATE LA MUSICA 

DEI BARBIERI 

Tutti i santi giorni sfoglio tanti giornali e 

leggo quello che scrivono gli altri. Non sempre 

sono d’accordo con quello che si pubblica, 

certe storie apparentemente non interessano 

nessuno! Per una volta desidero 

raccontare una storia... 

Svolgo il difficile mestiere di Maestro a 

Palermo e preparo all’antica le lezioni. Per 

molti anni sono stato Maestro “unico” nel 

senso che erano tutte donne e nel senso che 

mi sono sempre occupato di Letteratura e di 

Musica. A scuola mi siedo accanto ai bambini, 

uso la fisarmonica più vecchia della 

Sicilia, come un sussidio e costruisco le storie, 

le musiche dei vari paesi del mondo, accompagnandomi 

con questo strumento naturale 

e straordinario. I primi quindici minuti 

ascolto i bambini, che raccontano il 

mondo visto dai loro occhi. E proprio da loro 

ho imparato tanto, a loro ho dedicato i 

miei libri, piccoli e di nicchia: Il Maestro dei 

sogni; Palermo d’inverno e ultimo Musica 

dai Saloni scritto con Gaetano Pennino per 

la Casamuseo “Antonino Uccello” di 

Palazzolo Acreide. A questo libro-cd hanno 

collaborato 40 tra scrittori, giornalisti, fotografi 

affermati come Melo Minnella e 

Peppino Leone, scrittori come Andrea 

Camilleri e Matteo Collura. Volevo far conoscere 

a tutti gli italiani nel mondo quello 

che hanno rappresentato i barbieri siciliani: 

cavadenti, conciaossa, paraninfi, letterati 

e soprattutto “Maestri di Musica”. Fino 

agli anni 60 in molti paesi della Sicilia nei 

saloni dei barbieri c’era una chitarra ed un 

mandolino, che nei tempi morti erano il 

centro del mondo. Il principale ed il suo aiutante 

suonavano musiche struggenti, da ballo, 

malinconiche, serenate, polke, lenti, note 

che sembravano scendere dalle lunghe 

scale del paradiso, che sono state recuperate 

e risuonate con lo stesso stile e la stessa 

mano dopo 50 anni. Ho scritto al Presidente 

della Repubblica:-In queste musiche c’è la 

Sicilia vera quella che non raccontano mai i 

giornali che cercano “fatti di sangue”, c’è la 

Sicilia degli zolfatari, dei contadini, degli 

emigranti che sono andati nella lontana 

“Merica”, quelli che hanno sofferto in silenzio 

e con la loro musica hanno raccontato 

la loro vita, questo patrimonio appartiene 

a tutta l’Umanità e non va disperso! Al 

costo di vendermi la camicia che indosso 

cercherò di far conoscere queste musiche, 

queste storie a tutti quelli che le vorranno 

conoscere. Allo stesso modo di come hanno 

fatto i portoghesi con il “Fado” . Mi sono 

permesso di scrivere al Giornale della 

Siae di cui mi onoro di far parte come Autore 

da 30 anni, perché anche questa musica dei 

barbieri abbia spazio e dignità nel vostro 

Giornale come altri generi di musica. Questo 

lavoro di ricerca letteraria e musicale, insieme 

a Peppe Calabrese e Mimmo Pontillo 

e alla Compagnia di Canto e Musica popolare, 

è stato presentato all’Auditorium della Rai di 

Palermo ed ha avuto un successo enorme...Anche 

questa Sicilia va raccontata e per 

una volta occorre dare un momento di spazio 

a noi Maestri che lavoriamo in silenzio e costruiamo 

le fondamenta di una società onesta. 

Maurizio Piscopo, Maestro all’Istituto 

Comprensivo “Luigi Braille” di Palermo. 

(www.compagniacmp.it). 

UN TURNO DI REGISTRAZIONE 

INDIMENTICABILE 

Gentile Signori, 

sono un socio della Siae, ho sessantaquattro 

anni e sono ormai in pensione. 

Ricevo e leggo regolarmente la nostra rivista 

che trovo interessante e ben fatta. 

Particolarmente interessanti trovo le interviste 

ad amici e colleghi come Franco 

Migliacci, Claudio Mattone, Bruno Zambrini 

e tanti, tanti altri ancora con i quali ho collaborato, 

suonando il basso elettrico (un 

Fender Jazz Bass con tastiera in ebano, corde 

Burns Wounded nere ed amplificatore a 

valvole Ampeq) per oltre cinque anni. 

In seguito ho cominciato a comporre colonne 

sonore, pur continuando a suonare. Nel 

1973, la soundtrack di Pane e Cioccolata fu 

un tale successo che non ebbi più tempo per 

suonare in orchestra, ma solo per comporre 

musica da film. (…) 

E’ quindi con grande piacere ed interesse

VIVAVERDI 

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che ho letto sul n° 5 di VivaVerdi, settembre-ottobre 

2008, l’ intervista di Marco 

Molendini all’amico e collega Giovanni 

Tommaso nella quale, a pagina 44, si legge 

testualmente che Giovanni ha partecipato a: 

“Decine di incisioni di ogni genere da Cuore 

matto alla Bambola ...”. 

Negli anni tra la fine del 1967 e l’inizio del 

1973 Giovanni Tommaso ed io, entrambi 

suonando il basso elettrico, ci siamo divisi 

quasi tutto il lavoro di registrazioni di dischi 

e film che si effettuavano a Roma. Sono stati 

cinque anni di lavoro intenso e sono passati 

quarant’ anni. Ci si può facilmente confondere, 

dopo tanto tempo. Eppure, mentre 

leggevo quell’articolo, mi tornava sempre 

più nitido alla mente lo studio di registrazione 

(International Recording di via 

Urbana), il fonico (Pino Mastroianni, ex 

Rca), l’arrangiatore (Willy Brezza), il cantante 

(Little Tony) e la circostanza che ero 

stato chiamato con urgenza per sostituire un 

bassista che, non possedendo una tecnica 

chitarristica, non riusciva ad eseguire la 

parte scritta e teneva bloccata tutta 

l’orchestra in sala, essendo tutto 

l’arrangiamento costruito praticamente su 

un “a solo” di basso elettrico da eseguire 

con una tecnica chitarristica che oggi chiamano 

“stopped & plugged”. 

Il brano era Cuore matto. O no? Ho telefonato 

ad Enrico Ciacci, fratello di Little 

Tony e bravissimo chitarrista, il quale - 

secondo i miei ricordi - aveva partecipato 

a quella registrazione doppiando la mia 

parte di basso, all’ottava superiore, con la 

sua bellissima Fender Telecaster bianca. “Ti 

ricordi benissimo - mi ha detto - quando sei 

arrivato tu mancava mezz’ora alla fine del 

turno di registrazione e non avevamo ancora 

inciso niente. Ma siccome eravamo bravi, 

dopo aver provato il suono per il fonico, 

facemmo ‘buona la prima!’ e finimmo il turno 

con dieci minuti di anticipo. Con quell’ 

incisione Tony andò al Festival di San Remo 

e Cuore matto vendette 500.000 copie. 

Suonare il basso con quella tecnica, allora, 

era una cosa veramente nuova e tu ci salvasti 

la registrazione”. 

Questa telefonata con Enrico Ciacci mi ha 

tolto la paura di essermi rimbambito e di ricordare 

male le cose del mio passato. E ricordo, 

infatti, che alla batteria c’era il grande 

Enzo Restuccia. E si sente. 

Cordialissimi saluti 

Daniele Patucchi - Roma 

I CORSI A INDIRIZZO MUSICALE 

NELLA SCUOLA ITALIANA 

Come docente di Flauto della Scuola 

Secondaria di I grado “Vito Pappalardo” di 

Castelvetrano, ho avuto la fortuna di essere 

uno dei protagonisti nella crescita dell’identità 

artistico-musicale della scuola attraverso 

la programmazione di molteplici attività 

educativo-didattiche ognuna delle quali 

rivelatesi molto utili per la formazione 

umana, sociale ed artistica dei discenti. 

Oltre alla lezione di strumento in orario pomeridiano 

singola e/o in coppia, altrettanto 

importante è la pratica della musica 

d’insieme in orario antimeridiano che permette 

la formazione di un’orchestra scolastica 

arricchita dalla presenza del coro e delle 

percussioni compreso la batteria per un 

totale di circa 80 alunni. 

Tutto ciò ha consentito di organizzare negli 

anni svariate iniziative come ad esempio: 

Concerto di Natale (divenuto ormai un appuntamento 

annuale) con il coinvolgimento 

di tutte le classi quinte di Castelvetrano 

in forma corale che ha favorito di conseguenza 

l’orientamento dei fanciulli e quindi 

la promozione del corso ad indirizzo musicale; 

Concerto di fine anno scolastico (anch’esso 

divenuto appuntamento annuale); 

Concerti – Gemellaggio (con la Jugend 

Kammerorchester “Birsek” di Basilea e con 

l’Ist. Comprensivo Bolzano II – S. M. “Ada 

Negri” di Bolzano); 

Partecipazione all’annuale rassegna nazionale 

delle scuole secondarie di primo grado 

ad indirizzo musicale; 

Rassegne canore scolastiche finalizzate all’orientamento 

degli alunni delle scuole primarie 

accompagnate dall’ensemble strumentale 

e vocale dell’indirizzo musicale; 

Rassegne musicali provinciali; 

Performance per vari Enti (per favorire il 

rapporto tra scuola e territorio). 

Tra queste attività elencate una fra tutte ha 

lasciato un segno particolare nel nostro territorio 

e precisamente un concerto realizzato 

in rete, grazie alla regione Sicilia L.R. 

n. 44 del 1985, che ha coinvolto quattro 

scuole di diverso ordine e grado con la presenza 

di circa 200 alunni. 

In questa iniziativa tre scuole si sono esibite 

in forma corale e solistica accompagnate 

dall’ensemble dell’indirizzo musicale. 

Prendendo spunto dal Sistema Orchestrale 

Giovanile e Infantile Venezuelano creato dal 

Maestro José Antonio Abreu e riconosciuto 

dallo Stato Venezuelano nel 1979, ci si augura 

che anche nella nostra nazione in futuro 

si possa garantire ai cittadini almeno 

la presenza di un indirizzo musicale in 

ogni comune d’Italia secondo un criterio 

di distribuzione omogenea che permetta, 

almeno nelle grandi città, la possibilità di scegliere 

tra scuole ad indirizzo musicale e non. 

Se poi le isole felici dei C.I.M. iniziassero 

nelle scuole primarie e conseguentemente 

alla scuola secondaria di primo grado potessero 

avere continuità con la presenza dei licei 

Musicali sicuramente si creerebbero le 

condizioni basilari istruttive, formative, educative 

ed artistiche per avvicinarci alla mirabile 

realtà musicale venezuelana. 

In attesa che i sogni diventino realtà (chissà…….?), 

non possiamo fare altro che apprezzare 

ciò che è stato possibile realizzare. 

Francesco Federico – Campobello di Mazara 

(Trapani)

VIVAconcorsi 

a cura di Daniela Nicolai 

Tutte le segnalazioni di concorsi e premi riportate in queste pagine sono fatte a scopo 

puramente informativo e senza alcuna responsabilità da parte della Siae. Per i testi integrali dei 

bandi e per conoscere le modalità di partecipazione è necessario rivolgersi agli organizzatori delle 

singole manifestazioni. Gli organizzatori di premi e concorsi sono pregati di inviare, a corredo del 

bando o del regolamento, un’illustrazione e, se possibile, una rassegna stampa relativa alla 

manifestazione, nonché una comunicazione circa i risultati della stessa. I concorsi che compaiono 

in questa rubrica saranno pubblicati anche in una apposita sezione del sito Internet della Siae 

(www.siae.it) insieme a quelli che non è stato possibile segnalare a causa dei tempi redazionali. 

CONCORSO DI COMPOSIZIONE GUSTAV MAHLER 

Al 15° concorso di composizione della città di Klagenfurt 

Gustav Mahler possono partecipare musicisti di tutte le 

nazionalità. Gli elaborati, della durata di 15-20 minuti, 

devono essere inediti e mai eseguiti in pubblico. Il tema 

di questa edizione è il plurilinguismo, rappresentato da 

una canzone popolare sloveno-tedesca. Al primo classificato 

andrà un premio di 3.600 euro. Le opere, con 

le modalità richieste dal bando, devono pervenire entro 

il 5 maggio 2009 a: Musikforum Viktring-Klagenfurt, 

Gustav Mahler Kompositionspreis 2009, Stift Viktring 

Strasse 25, 9073 Klagenfurt-Viktring, Austria. Per informazioni: 

+ 43 463 282241, office@musikforum.at, 

www.musikforum.at. 

GOLDEN DISC 2009 

Il Golden Disc è un festival musicale al quale possono 

partecipare cantanti, cantautori e gruppi musicali. La 

manifestazione è divisa nelle seguenti sezioni: inediti, 

ragazzi, giovani, emergenti, adulti. Per accedere alle selezioni 

occorre inviare il materiale richiesto dal bando a: 

Segreteria Golden Disc, CP 441, 57100 Livorno. Per la 

sezione “inediti” è richiesta la partitura ed il testo del brano 

proposto. E’ prevista una quota di iscrizione. Le zone 

previste per le selezioni sono: Piacenza, Formia, Genova, 

Livorno e Reggio Calabria e il termine ultimo per l’iscrizione 

va dal 20 marzo per le selezioni di Piacenza al 5 maggio 

per le selezioni di Reggio Calabria. Per informazioni: 

www.goldendisc.it, tel. 338 5081221, info@goldendisc.it. 

CINE CORTO ROMANO 

Scade il 21 maggio 2009 il termine per la partecipazione 

al CineCortoRomano, il concorso per cortometraggi 

organizzato dal Cinecircolo Romano. La durata di 

ogni opera non dovrà superare i 15 minuti e non dovrà 

trattare soggetti di carattere familiare. Al vincitore sarà 

assegnata una targa d’argento personalizzata del 

Cinecircolo e il premio dello sponsor. Per informazioni 

rivolgersi a: Segreteria del Cinecircolo Romano in Via 

Nomentana 333/C-Roma, tel. 06.8547151 (lun/ven : 

15.00/19.00), www.cinecircoloromano.it, segreteria@cinecircoloromano.it. 

PREMIO RIVIERA 

Il concorso letterario Premio Riviera è suddiviso in due 

sezioni: opera edita e opera inedita. Possono essere inviate 

poesie e novelle in lingua italiana. Il tema è libero 

ma verrà assegnato un premio speciale all’opera che 

abbia come tema il lago di Garda. La giuria assegnerà 

il Premio speciale Mariele Ventre ad un testo che abbia 

come tema l’infanzia. Viene inoltre istituito un premio in 

collaborazione con la Casa del Sole di Mantova per gli 

studenti delle scuole superiori con tema “L’amore rende 

uguali”. Gli elaborati, con le modalità previste dal bando, 

dovranno pervenire entro il 25 maggio 2009 

all’Associazione culturale Corriere della Riviera, via Puccini 

1, 37016 Garda (Vr). E’ prevista una quota di iscrizione. 

Per informazioni: tel. 0457.255717, corrieredellariviera@libero.it, 

www.corrieredellariviera.it. 

PREMIO ANACAPRI–BRUNO LAUZI–CANZONE D’AUTORE 

E’ indetta la seconda edizione del “Premio Anacapri 

– Bruno Lauzi – Canzone d’autore” aperto ai cantautori 

e alle loro canzoni inedite. Le canzoni dovranno 

essere spedite, entro il 31 maggio 2009, in un plico 

sigillato al Comune di Anacapri in Via Caprile 30, 

indicando sullo stesso la dicitura “Premio Anacapri. 

Bruno Lauzi, Canzone d’Autore”. Alla domanda andrà 

allegato il materiale richiesto dal bando. 

Per informazioni: www.comunedianacapri.it, tel. 

081.8387217. 

PREMIO LETTERARIO MICHELE GINOTTA 

Il Cenacolo studi Michele Ginotta e la Biblioteca 

Comunale di Barge indicono la VI edizione del premio 

letterario di aneddotica Michele Ginotta. Il concorso, 

la cui giuria è presieduta dal prof. Giorgio 

Bárberi Squarotti, prevede la composizione di una 

poesia in forma chiusa (ballata, canzone poetica, madrigale, 

sestina, sonetto, ecc.) o di un testo in prosa 

che non superi le 20-30 righe di 60 battute ognuna. 

La tematica di quest’anno è l’estate. Le domande 

di partecipazione e i testi dovranno pervenire entro 

il 31 maggio 2009. Per richiedere il bando completo 

scrivere a Mauro Comba, viale Stazione, 47, 

12032 Barge (CN). Contatti telefonici: 0175.346101; 

339.2514218; 347.3227894; e-mail: maurocomba@gmail.com.

VIVAVERDI 

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PREMIO ARTEMARE 2009 

Il circolo Ufficiali Marina Mercantile di Riposto bandisce 

il Premio Nazionale Artemare 2009 sul tema “L’uomo e 

il mare”, per le sezioni: canzone marinara, fotografia, 

fatti di bordo - racconti, pittura, protagonisti del mare. 

Le domande, con le modalità previste dal dal bando, dovranno 

essere presentate entro il 31 maggio 2009. 

Solo per la sezione racconti la scadenza è anticipata al 

30 aprile per consentire l’inserimento dei lavori premiati 

nell’antologia “Storie di mare”. I primi tre classificati 

di ogni sezione saranno premiati con targhe d’argento. 

La canzone prima classificata riceverà inoltre un premio 

di 500 euro in gettoni d’oro. Per ulteriori informazioni rivolgersi 

alla segreteria del Premio Artemare, c/o circolo 

ufficiali marina mercantile, corso Italia 70 - 95018 

Riposto (CT) tel: 095/934319, copani@artemare.it. Per 

la sezione “canzone”, gli interessati potranno inoltre rivolgersi 

al direttore artistico M° Rino Bertino, tel. 

095/809093. 

PREMIO BINDI 

Il Comune di Santa Margherita Ligure in collaborazione 

con l’Associazione Culturale Le Muse Novae, organizza 

la quarta edizione del Premio Bindi, concorso nazionale 

riservato suddiviso in due sezioni: Cantautori e Musicisti 

Compositori. Le domande dovranno pervenire entro il 

31 maggio 2009 a Premio Bindi c/o Associazione culturale 

Le Muse Novae, Via Vinelli 34/3, 16043 Chiavari 

(Ge). Il vincitore del concorso riceverà un premio in denaro 

di 3.000 euro. Il bando di concorso è disponibile 

sul sito www.premiobindi.com. Per ulteriori informazioni: 

tel. 0185.311603, 348.2243585, info@premiobindi.com, 

www.premiobindi.com 

CONCORSO INTERNAZIONALE DI STRUMENTI 

A PERCUSSIONE 

L’associazione Italy Percussive Arts Society in collaborazione 

con il conservatorio G. Pergolesi organizza la 

settima edizione del Concorso internazionale di composizione 

per strumenti a percussione. Il concorso si articola 

in 5 sezioni: un percussionista, duo percussione e 

pianoforte, un percussionista e orchestra, dal duo al sestetto 

di sole percussioni, dal duo al sestetto percussioni 

e altri strumenti. La domanda di iscrizione, con il 

materiale previsto dal bando, dovrà pervenire per raccomandata, 

entro il 13 giugno 2009 a: Italy Percussive 

Society, Via Collina 22, 65013 Città S. Angelo (Pe). E’ 

prevista una quota di partecipazione. Per informazioni: 

direttore artistico M° Antonio Santangelo, antonio@santangelopercussioni.it, 

tel.fax 085.9506122, 

cell. 337.312627, www.santangelopercussioni.it. 

ROSOLINO TOSCANO 

L’Associazione musicale Minuetto indice la dodicesima 

edizione del concorso nazionale di composizione 

Rosolino Toscano, dedicata al clarinetto. Si può partecipare 

con una composizione della durata massima di 

10 minuti mai eseguita pubblicamente e mai premiata 

in altri concorsi, da presentare in sei copie. E’ prevista 

una quota di iscrizione. Ai primi tre classificati saranno 

assegnati premi in denaro. Il termine per l’iscrizione è il 

30 giugno 2009. Al primo classificato un premio di 

700 euro. Per ulteriori informazioni: Associazione musicale 

Minuetto, Viale Vittoria Colonna n.118/122, 65127 

Pescara; tel. 085.691469, assminuetto@hotmail.com, 

maurizioscati@interfree.it. 

CONCURSO INTERNACIONAL DE COMPOSICIÓN 

AUDITORIO NACIONAL DE MÚSICA 

Il ministero spagnolo della cultura, la Fondazione BBVA 

e l’Auditorium nazionale di musica organizzano la prima 

edizione del Concorso internazionale di composizione. 

Le opere, con le caratteristiche previste dal bando, dovranno 

essere inedite e mai premiate. Verrà effettuata 

una prima selezione ad ottobre 2009. I candidati che 

avranno superato la prima selezione saranno invitati a 

Madrid per la finale. Primo premio 30mila euro. Le domande 

di iscrizione devono pervenire entro il 15 giugno 

2009 a: Auditorio Nacional de Música, Calle Príncipe 

de Vergara 146, 28002 Madrid, Spagna, oppure per e- 

mail a: concurso.anm-bbva@inaem.mcu.es. La partitura, 

con le modalità previste dal bando, dovrà essere inviata 

entro il 1° settembre. Per informazioni: 

http://www.auditorionacional.mcu.es. 

SOCIETY FOR UNIVERSAL SACRED MUSIC 

La Society for Universal Sacred Music bandisce un concorso 

di composizione per brani corali da 5 a 20 minuti 

di durata, a cappella o per orchestra o per voce sola 

e orchestra fino a 10 elementi. Le partiture, con le modalità 

previste dal bando, devono pervenire entro il 30 

giugno 2009 a: Society for Universal Sacred Music, 

PO Box 854, Katonah, New York 10536 USA. Ai vincitori 

un premio di 500 dollari e l’esecuzione durante il 

Festival di Musica Sacra di New York. Per informazioni: 

tel. 914.767.0808, info@universalsacredmusic.org, 

www.universalsacredmusic.org. 

PREMIAZIONI 

CONCORSO MASSIMO BOARIO 

Il concorso nazionale di composizione di una marcia per 

banda Massimo Boario, patrocinato dalla Siae, si è concluso 

con la vittoria della composizione “Villa Santo 

Stefano” di Angelo Bartolini. Nella foto, da sinistra: il M° 

Davide Boario (organizzatore del concorso e titolare dell’omonima 

casa editrice), il Prof. M° Sandro Satanassi 

(Presidente della Commissione giudicatrice) il vincitore 

M° Angelo Bartolini e il Dr. Filippo Gagliano Direttore 

Sede SIAE di Torino.

l’ultimo applauso 

ORESTE 

LIONELLO, 

“ADDIO 

ALLE ARTI” 


Il 19 febbraio è morto a Roma Oreste Lionello, 

attore e autore amatissimo da tutti 

noi, considerato uno dei padri del cabaret 

italiano, era anche un doppiatore straordinario. 

Woody Allen ha dichiarato in una 

intervista a La Repubblica: “la mia voce mi 

mancherà, Oreste mi ha fatto sembrare un 

attore molto migliore di quanto io non 

sia…Non era un doppiatore, era un artista 

del doppiaggio, un fine intenditore di voce 

e dei suoi ritmi, dotato di un fiuto per il 

retro gusto di una battuta, come un grande 

sommelier di vini doc”. 

Lionello era un uomo entusiasta, positivo e 

lo hanno raccontato quei personaggi che facevano 

la fila per ricordarlo, commossi, al 

termine della celebrazione del suo funerale 

che ha avuto luogo nella Chiesa di Santa Maria 

in Ara Coeli, sabato 21 febbraio. Oltre al 

Sindaco di Roma Gianni Alemanno, Pier 

Francesco Pingitore, Pippo Franco, Leo 

Gullotta, i figli Alessia, Cristiana e Luca hanno 

letto e raccontato di lui in una chiesa gremita 

che ha più volte applaudito. 

Oreste Lionello era nato a Rodi il 

18/4/1927, associato alla Siae dal 1963 era 

partecipe, curioso, affezionato alla Società 

e ai suoi protagonisti. 

Attraverso la figlia Alessia, che occasionalmente 

collabora con il Giornale degli Autori 

e degli Editori “Vivaverdi”, aveva voluto 

lasciare alle migliaia di associati lettori 

della rivista della Siae, un suo personalissimo 

“Addio alle arti”. 

Con la solita intelligente ironia, a tratti insolitamente 

amara, ma anche con quella 

grande partecipazione affettiva per i lettori 

di questo nostro mondo dello spettacolo, 

del cinema, della letteratura, della musica, 

del teatro, della radio e della televisione. 

Il suo mondo, che lo ricorderà sempre 

con stima e affetto. 

Gentilissima & contraddittoria epoca ti lascio. 

Potrei aspettare Aprile 2927; il che 

coinciderebbe con il mio millesimo anno 

dalla nascita…Ma se è vero che la vita si 

allunga, non lo è per tutti. 

…La vita si allunga…ma quando?...Di 

giorno, di notte? Ma tu te ne accorgi di 

quando si allunga? E di quanto? 

Ho poco da dire per intrattenervi e il poco 

non è neanche un granché. 

Passa la vita mia…lascia la scia…che poi 

scompare e torna mare… 

(Vivaverdi, numero 5 del 2008, copertina 

dedicata a Giacomo Puccini). 

Di recente aveva interpretato un usuraio 

nel film No problem di Vincenzo Salemme. 

La storia siamo noi di Giovanni Minoli 

gli aveva dedicato un intero speciale, 

molto bello, sulla sua vita di grande artista, 

replicato proprio in questi giorni. Da ricordare 

anche la sua traduzione in versi 

del film Cyrano con Gerard Depardieu, di 

Jean-Paul Rappeneau. 

Stava recitando al Bagaglino di Pier Francesco 

Pingitore, per il 43esimo anno. 

Lionello stava lavorando anche al suo libro 

intitolato Il commendator Lo Calo: la figlia 

Alessia ha annunciato che sarà lei a terminare 

il libro di papà Oreste, che le ha sussurrato 

“il finale” negli ultimi giorni trascorsi 

insieme.

VIVAVERDI 

83 

MINO REITANO,UN UOMO SPECIALE 

CHE CANTAVA LA VITA 

di Renato Pareti 

Foto Pino Polesi 

“Offro le mie sofferenze a Gesù e alla 

Madonna e sull’esempio di Maria neanch’io 

perdo la speranza. 

Uno dei doni più belli che la vita mi ha dato 

è stato proprio quello della Famiglia: 

una moglie splendida e due figlie che mi 

sono sempre vicine e non mi lasciano mai. 

Cos’altro avrei potuto pretendere di più? 

Ne approfitto anche per perdonare tutti. 

Io stesso chiedo perdono nel caso abbia 

danneggiato qualcuno, anche se, nel limite 

delle mie possibilità, ho sempre cercato di 

aiutare e comprendere tutti. 

Io ho un Angelo speciale: sono cresciuto 

praticamente quasi senza conoscere mia 

madre, però Lei dal cielo ha vegliato su di me. 

E’ mia Madre il mio Angelo custode e poi 

c’è l’altra madre: la Madonna. 

PregateLa incessantemente, supplicateLa, 

vogliateLe bene. Vedrete che anche nei 

momenti di difficoltà non vi sentirete mai 

soli”. 

Nel rumore di tutti i giorni questa preghiera 

di Mino Reitano fa calare improvvisamente 

un silenzio rosa tramonto su chi 

come me lo ha conosciuto e frequentato in 

alcune occasioni, su chi come me si lascia 

attrarre, più facilmente dall’essere umano 

che dall’artista. E d’incanto tacciono le sue 

belle melodie, i suoi acuti, la sua voglia di 

aggiungere un’altra canzone per non finire 

mai di cantare e rivedo l’uomo. Un uomo 

dolce, tenero e sincero, sempre pronto a 

darti una mano, sempre disponibile ad 

aiutare gli altri. Mi sorprende che possa 

essere rimasto famoso fino all’ultimo, e 

miracolosamente intatto, perché, di solito, 

chi si dedica alla musica in quel modo così 

totale, si lascia indietro matrimoni, figli e 

disavventure di ogni tipo, facendoci spesso 

chiedere se ne valesse la pena. Il cosmo 

dell’arte è quasi totalmente frequentato 

dagli sponsor ed il loro agire, inquinato 

dal senso degli affari ad ogni costo, fa le 

sue vittime anche nel mondo della musica 

e dello spettacolo. E’ stato così in passato 

ma lo è sempre più spesso nel presente. 

Non tiene conto del fatto che uno sia una 

brava persona o un disonesto: non seguire 

certe regole porta direttamente al dimenticatoio. 

Con Mino, invece no, non è successo 

così! 

Passo dopo passo, seguendo quella sua curiosità 

di sperimentarsi ora come cantante, 

ora come attore, scrittore, compositore, 

egli è riuscito a rimanere intatto come 

ai nastri di partenza e tutta la gente semplice, 

quella che non ha un bisogno imprescindibile 

della cassa in quattro, ha 

continuato a seguirlo e ad amarlo. Dentro 

di sé ha sempre camminato quel giovane 

con la valigia piena di passione, una chitarra 

e cento illusioni, che partì tanti anni 

fa dalla Calabria. Mi chiedo come possa 

aver fatto! Lui era un melodista puro, di 

quelli che non si lasciano irretire dall’ingegneria 

elettronica per fare un disco che 

ha solo un riff strumentale ripetuto all’infinito 

e, magari, già preimpostato nella tastiera 

o nel computer. Mino scriveva e 

cantava canzoni per gente come lui. Adorava 

i suoi fan e non “controllava” la loro 

età. Chi è popolare in questo modo “istintivo”, 

senza un’intelligenza dee-jaycreativa, 

normalmente in Italia finisce per essere 

fastidioso, vecchio, al limite del ridicolo: 

o vai a Sanremo e allora ti trasmettono 

per convenienza di attualità o rischi di essere 

classificato “non radiofonico”. Malgrado 

queste difficoltà, le diffidenze dei 

discografici, l’ironia gratuita di alcuni addetti 

ai lavori, non si è mai scoraggiato e ha 

continuato per la sua strada. Poco importava 

se il critico di turno non gli regalava 

parole affettuose. Lui aveva certezze ben 

più importanti dentro di sé: la famiglia, la 

fede e quei milioni di persone invecchiate 

con le sue canzoni. Molti sono i cantanti, i 

melodisti puri che si sono ritirati dalle vetrine 

importanti, perché inaccettati, perché 

considerati fuori moda, vedi i casi tristissimi 

di Bindi, Endrigo, ecc. Forse anche 

Mino Reitano, durante i soprassalti 

elettronici e il vociare insipido e senza 

contenuti dei vari intrattenitori di tendenza, 

ha corso questo rischio, ma sostenuto 

da valori molto più importanti e 

l’affetto di un pubblico vastissimo, egli ha 

saputo mediare, con l’umiltà di chi ha dovuto 

aguzzare l’ingegno già in tenera età,


per necessità di sopravvivenza, le difficoltà 

che la vita inesorabilmente ti prepara lungo 

la strada. Della sua vita artistica si è detto 

tutto e non sto ad aggiungere altro. E poi 

non c’è come morire per fare resuscitare 

tutto il grande che sei. Per questo preferisco 

soffermarmi sull’uomo. Una volta lo 

chiamai per uno spettacolo di beneficenza, 

di quelli che per l’ospite non è previsto alcun 

gettone di presenza e, subito, mi disse 

sì. Erano anni che non ci vedevamo; temevo 

addirittura che non si ricordasse di me 

e invece venne puntuale alle prove e mi 

propose di cantare insieme a lui Una ragione 

di più. Gli risposi che per me era un 

grande onore, purché mi lasciasse interpretare 

le strofe, che meglio si adattavano 

alla mia estensione vocale. Quando finimmo 

di provare mi disse:- Tu hai raccolto 

molto meno di quello che hai seminato; sei 

un bravo artista e se mai dovessero darmi 

un programma in Rai, sarai uno dei primi 

ospiti che chiamerò.- Mi parlò dei suoi 

progetti, delle nuove canzoni che aveva 

scritto e m’invitò anche a scriverne una 

per lui. La sera della manifestazione concordammo 

che avrebbe cantato tre o al 

massimo quattro brani, altrimenti avremmo 

sforato con l’orario, considerati i numerosi 

ospiti intervenuti. Feci tantissima 

fatica a convincerlo ad esibirsi per ultimo, 

perché sosteneva che il pubblico sarebbe 

stato ormai stanco ad una cert’ora. Gli dissi 

più volte che molti avevano comperato il 

biglietto proprio per lui e alla fine mi accontentò. 

Quando lo annunciai alla platea 

sentii un fragore d’applausi indescrivibile 

e Mino cantò per 45 minuti con il pubblico 

in piedi che urlava il suo nome. Quella sera 

mi accorsi di quanto la gente lo amasse e di 

quanto certi addetti ai lavori fossero lontani 

dalla realtà di tutti i giorni. Mino firmò 

autografi, abbracciò i colleghi intervenuti 

e mi ringraziò per averlo chiamato. Di lui 

ho questo bellissimo ricordo. Era un uomo 

davvero speciale che, con passione, cantava 

la vita. 

ENNIO DE CONCINI, 

ADDIO AL BALZAC DI VIA CATONE 

Si è spento, in novembre, lo sceneggiatore 

Ennio De Concini che ha firmato gli script di 

oltre cento film, vincendo pure il premio 

Oscar nel 1963 con Divorzio all’italiana, di 

Pietro Germi (interpretato da Marcello Mastroianni 

e Stefania Sandrelli). Nato a Roma 

nel 1923, De Concini esordì come autore di 

commedie ma lasciò presto il teatro e nel 

1946 partecipò alla sceneggiatura di Sciuscià 

di Vittorio De Sica lavorando anche come 

aiuto regista e poi firmando la sceneggiatura 

de L’ebreo errante (1948) un film di Goffredo 

Alessandrini interpretato da Vittorio 

Gassman. Nel 1950 il suo primo lavoro autonomo, 

Il Brigante Musolino di Mario Camerini. 

De Concini dette inizio fra l’altro al filone 

storico-mitologico, genere che fece la 

fortuna del cinema italiano tra gli anni ‘50 e 

‘60. Suo è infatti il copione de Le Fatiche di 

Ercole (1958 di Pietro Francisci) con Steve 

Reeves e Silva Koscina. Suoi anche Ulisse, 

1954, di Mario Camerini e il Colosso di 

Rodi di Sergio Leone, 1961. Ma nell’epoca 

d’oro del cinema italiano, gli anni ‘60, De 

Concini tocca con la sua scrittura tutti i generi, 

dall’horror al melodramma (Madame 

Sans Gêne con Sophia Loren, 1962) alle riduzioni 

letterarie (Guerra e Pace di King Vidor, 

1956) fino alle commedia all’italiana. 

Eclettico ed instancabile, ottenne il premio 

Oscar per il soggetto e la sceneggiatura di 

Divorzio all’italiana (1963) di Pietro Germi, 

regista per il quale, cinque anni prima, adattò 

Quer pasticciaccio brutto de via Merulana 

di Carlo Emilio Gadda (sullo schermo Un 

maledetto imbroglio). Il suo nome è legato 

anche a capolavori del nostro cinema come 

Il grido (1957) di Michelangelo Antonioni, 

La maschera del demonio di Mario Bava 

(con il quale lavorò anche per La ragazza che 

sapeva troppo, nel ‘63). Tra i suoi lavori più 

apprezzati anche Operazione San Gennaro 

(1966) di Dino Risi, Via Margutta, Italiani 

brava gente, Salon Kitty (1975). Nel corso 

della sua carriera inoltre, De Concini ha anche 

diretto alcune pellicole tra cui Daniele e 

Maria (1973) e Gli ultimi dieci giorni di 

Hitler (1973). Dai primi anni ‘80 inoltre, De 

Concini ha anche lavorato per la televisione 

firmando le sceneggiature di tre stagioni de 

La Piovra - il serial poliziesco interpretato 

da Michele Placido - ma anche fiction come 

Il ricatto e Pronto Soccorso. Poi ha lavorato 

con alcuni autori del nuovo cinema italiano, 

come Peter Del Monte (Invito al viaggio, 

1982) o Roberto Faenza (Copkiller, 1983) sia 

con maestri già affermati come Franco Brusati 

(Il buon soldato, 1982) o Marco Bellocchio, 

per il quale firma la riduzione di Il 

Diavolo in Corpo nel 1986. 

GIUSEPPE GRAMITTO RICCI, 

UNA VITA NELLA MUSICA 

di Mario Pasi 

Giuseppe Gramitto Ricci ci ha lasciato lunedì 

5 gennaio. Ha avuto una lunga, bella 

vita, nel corso della quale ha saputo donare 

simpatia, amicizia e generosità. Vogliamo 

ricordarlo prima di tutto come uomo, lasciando 

per un momento in disparte la sua 

attività professionale; ma vogliamo anche 

rendergli il merito di aver saputo, con il figlio 

Alfredo, tenere in vita con onore la casa 

editrice Curci, in un momento in cui 

poteva essere comodo, come si usa dire, 

cedere l’attività magari a una Multinazionale. 

Qualcun altro l’ha fatto. 

Era nato a Palermo il 22 marzo 1921, Giuseppe 

(Pippo) Gramitto Ricci. Era diventato 

milanese, come tanti di noi, per le vie 

di una carriera nell’industria; dopo la 

guerra, laureato in legge, iniziò una collaborazione 

con la società Nestlé, mostrando 

capacità manageriali evidenti, e tali da 

portarlo alla direzione della sede di Palermo 

della industria svizzera. Ma nel 1950, 

ecco l’evento che più tardi cambierà la sua 

vita, il matrimonio con Clotilde, figlia unica 

di Alfredo Curci.

VIVAVERDI 

85 

Il dottor Gramitto Ricci - che pure veniva 

da una famiglia attenta alle ragioni dell’arte, 

e che poteva vantare una parentela con 

il grande drammaturgo Luigi Pirandello - 

in quegli anni non pensava neppur minimamente 

di diventare un editore musicale; 

il suo destino era ancora quello di dirigente 

industriale, di protagonista del 

boom economico di quegli anni. E tuttavia... 

La Casa editrice era stata fondata nel 1860 

a Napoli da Francesco Curci: era il momento 

magico del melodramma, e in Italia 

l’editoria musicale era in grande sviluppo. 

La Curci aveva sede anche a Roma e dal 

1936 anche a Milano, dove Ricordi e Sonzogno 

si contendevano il primato della lirica 

e, naturalmente, le creazioni dei migliori 

musicisti. Una casa solida, quella, 

sostenuta da veri artisti: Alberto Curci è 

stato un importante violinista, Alfredo era 

diplomato in arpa e pianoforte, Giuseppe 

era nella Società Italiana degli Autori ed 

Editori, la Siae. Un quarto fratello, Arturo, 

era un medico affermato. 

Quando nel 1952 morì Alfredo, seguito 

l’anno dopo da Giuseppe, Alberto rimase 

solo a condurre l’azienda: conscio delle 

qualità e del dinamismo del giovane manager 

palermitano, decise di inserirlo nella 

Casa editrice. Giuseppe Gramitto Ricci 

lasciò la Nestlé e si gettò con tutte le sue 

forze e una straordinaria passione nella 

nuova impresa, vincendo lo scetticismo 

dell’ambiente (“All’inizio mi consideravano 

un outsider, per non dire di peggio”, 

confessò una decina di anni più tardi) e 

cercando di modernizzare le strutture dell’azienda 

in sintonia con le esigenze dei 

tempi nuovi. 

In effetti, il mondo musicale stava rapidamente 

cambiando: i dischi a 33 giri, gli LP, 

contenevano molta musica, stava per arrivare 

la televisione, il mercato si apriva anche 

verso altri paesi, nuovi protagonisti 

animavano il mondo della musica leggera. 

Il nuovo manager capì che l’opera lirica 

non bastava più, che si doveva puntare anche 

sulla buona canzone e sull’istruzione; 

la solida amicizia con Giovanni D’Anzi, la 

voce di Milano, l’autore di motivi indimenticabili, 

fu certamente utile e positiva. 

La Curci fu la “casa” di Domenico Modugno, 

di Giorgio Gaber, di Vasco Rossi, di 

Pino Donaggio, di Toto Cutugno, di Tiziano 

Ferro e di tanti altri cantautori, musicisti, 

compositori. Con la fondazione, nel 

1960, della Carosello CEMED Giuseppe 

Gramitto Ricci pone le basi del suo clamoroso 

ingresso nel mercato discografico. 

Gli anni da lui passati alla direzione della 

Curci sono stati segnati da un rapidissimo 

sviluppo di tecnologie, strumenti, mezzi di 

informazione e di comunicazione; a queste 

nuove esigenze della società moderna occorreva 

rispondere entrando, come si usa 

dire, nel “villaggio globale” (restare fermi 

sulle pur importanti tradizioni italiane significava 

scomparire) e quindi allacciando 

sempre più stretti rapporti con editori e 

produttori stranieri, per incrementare 

scambi e partecipazioni. Se era fondamentale 

conservare il patrimonio della musica 

classica - la Curci lo fece senza fughe in 

avanti e nel solco di una serena conservazione 

dei suoi valori - altrettanto importante 

era sostenere le offerte al mondo 

giovane, con un particolare riguardo alle 

canzoni d’autore; e ancora, tener fede a 

una presenza nell’insegnamento, nella 

editoria utile, nella rappresentanza (in reciprocità) 

di prodotti musicali stranieri. 

Gramitto Ricci formulò intese con grandi 

case come la tedesca UFA, l’austriaca Wiener-Bohème, 

e le principali americane, 

dalla 20th Century Fox alla MGM, dalla 

Disney all’Universal, dalla Columbia alla 

RKO. In più egli si impegnò a fondo, nell’ambito 

della Siae e in qualità di commissario 

di sezione, per risolvere molti problemi 

relativi al Diritto d’Autore. 

Percorrendo da protagonista la seconda 

metà del Novecento, “Pippo” ebbe la forza 

di essere alla pari delle nuove esigenze: vide 

nascere la tv, accolse il passaggio, nell’economia 

discografica, dal vinile al cd; 

seguì la crescita e la decadenza delle videocassette 

messe in cantina oggi dai dvd. 

Lasciando l’incarico al figlio Alfredo nel 

1998, dopo sette anni di proficua associazione 

dirigenziale, egli poté guardare “da 

fuori” l’immensa ondata di Internet, i 

problemi posti al mercato della musica, la 

scomparsa di regole e confini. Accompagnare 

in un paese come il nostro un’impresa 

dal foyer famigliare al grande giro 

della modernità, con successo e senza retorica, 

è un merito che resta e che sarà nel 

tempo riconosciuto come una certezza. 

PIER GIORGIO FARINA 

Nel luglio scorso è scomparso Pier Giorgio 

Farina, musicista talentuoso che con la sua 

grande ecletticità ha saputo spaziare in 

tutti i generi musicali, primo fra tutti il 

jazz. Nato a Goro nel 1933, a cinque anni 

riceve in dono dal padre un violino e si appassiona 

alla musica. Diventa strumentista 

e gira l’Italia prima con l’orchestra di Corrado 

Bezzi e poi con la sua orchestra “Pier 

Giorgio Farina”. Sono gli anni Sessanta, il


momento del grande lancio della televisione, 

che lo vedono partecipare a “Sette 

Voci”, la celebre trasmissione di Pippo 

Baudo e a Sanremo in coppia con Orietta 

Berti con “Tu che non sorridi mai”. 

Negli anni Settanta crea un’orchestra di 

ballo liscio e riprende la sua prima passione, 

il violino. Ripropone grandi successi 

jazz e swing degli anni Trenta e Quaranta. 

La sua popolarità varca i confini nazionali 

con concerti, trasmissioni televisive e collaborazioni 

con i più famosi jazzisti internazionali 

come Didier Lookwood, Escudé, 

Jean Luc Ponty, George Colleman, Eric 

Alexander, Mulgeu Miller e Chet Baker. Ha 

eseguito anche la colonna sonora del film 

“Padrino Parte Seconda” di Francis Ford 

Coppola. 

Nel 1990 una grave malattia lo costringe al 

ritiro dalle scene ma non ad abbandonare 

la sua passione per la musica, e allo studio 

del violino e del jazz. 

GIULIO PERRETTA, UN GENTILUOMO 

AL SERVIZIO DEGLI AUTORI 

In questo mondo caotico e sgomitante, dove 

non si fa che gridare più forte, sempre 

più forte, la sua cortesia, la sua voce sommessa 

e i suoi modi d’altri tempi erano un 

piccolo miracolo che si ripeteva a ogni incontro. 

Nato a Napoli, laureato in legge e 

avvocato, Perretta ha ben presto lasciato 

quel campo per dedicare la sua creatività al 

mondo dello Spettacolo, come Autore di 

innumerevoli spettacoli televisivi, tra cui 

la felice intuizione di Domenica In, diventato 

un classico dell’intrattenimento tv. 

Ma Giulio, per noi autori soprattutto di 

Televisione, Teatro e Radio, è stato anche 

un punto di riferimento importante e insostituibile 

sui temi dell’associazionismo 

e della partecipazione diretta degli Autori 

all’evoluzione e difesa del Diritto 

d’Autore. Ci ha comunicato l’interesse per 

la vita della Siae e la voglia di impegnarci, 

anche sottraendo tempo alle nostre rispettive 

carriere artistiche, nella conoscenza 

degli ardui percorsi giuridico-tecnici che 

attengono alla tutela dei nostri Diritti, fino 

all’impegno determinato, costante e disinteressato 

di alcuni di noi all’interno degli 

Organi Sociali. 

Egli stesso era stato Consigliere di Amministrazione 

e più volte membro dell’Assemblea 

della Siae, alla quale si era iscritto 

nel 1952. Giulio Perretta è stato inoltre cofondatore, 

con amici e colleghi come, tra 

gli altri, Garinei e Giovannini, Vaime e 

Costanzo, dell’ANART, l’Associazione Nazionale 

degli Autori RadioTelevisivi e Teatrali. 

Rimane nel ricordo dei suoi colleghi come 

un esempio di gentilezza, di generosità e di 

lealtà rare. 

FRED FERRARI, 

PIANISTA DI TALENTO 

Nato a Serravalle Sesia (VC) il 7 settembre 

1941, ha avuto una brillante carriera. Come 

esecutore è stato l’anima degli “Scooters” 

e poi pianista-concertista. Come autore, 

giovanissimo, scalò la hit parade inglese 

con Be Mine (versione inglese di Mi 

seguirai) incisa dai Tremeleos. Poi il grosso 

successo in Europa con Femme cantata 

da Nicole Croisille (l’interprete lanciata 

dal successo di Un uomo una donna ). Era 

considerato in Italia uno dei più apprezzati 

arrangiatori e conoscitori della grande orchestra. 

Ha studiato al Conservatorio 

“Viotti” di Vercelli, allievo di Mozzati per il 

pianoforte e di Rosetta per l’armonia e il 

contrappunto. Personalità duttile e aperta, 

ha collaborato con i più significativi artisti 

italiani e stranieri, da Ornella Vanoni a 

Omar Sharif, Anthony Queen, Enrico Ruggeri. 

Nel ’73 vinse il Festival di Tokyo con 

un suo brano interpretato da Gilda Giuliani. 

Ha lavorato poi in Spagna (con la Cbs), 

nel Regno Unito (Bbc di Londra), in Argentina, 

in Francia e ancora per le reti Rai 

e Mediaset. Ha composto per il cinema la 

colonna sonora del film Altri Uomini 

(1997) per la regia di Claudio Bonivento, 

con Veronica Pivetti e Claudio Amendola. 

Ha orchestrato e diretto la colonna sonora 

del film Johan Padan e la discoperta delle 

Americhe, tratto da una pièce teatrale di 

Dario Fo. Nel 2007 ha partecipato come 

pianista e arrangiatore del tour europeo di 

Salomon Burke. 

CLAUDIA SBARIGIA 

A gennaio di quest’anno è deceduta, a causa 

di una malattia che l’aveva colpita nel 

maggio scorso, la sceneggiatrice Claudia 

Sbarigia. Nata a Roma nel 1958, si era diplomata 

al Centro Sperimentale di Cinematografia 

della Capitale dove aveva frequentato 

i corsi di Leo Benvenuti e dove 

insegnava a sua volta sceneggiatura. Ha lavorato 

per il cinema e la televisione collaborando 

con i registi Francesca Archibugi, 

Peter Del Monte, Bruno Cortini, Giuliana 

Gamba, Vittorio Sindoni, Marco Bellocchio. 

Fra le sue opere ricordiamo il soggetto 

e la sceneggiatura di due film poetici

VIVAVERDI 

87 

e difficili di Peter Del Monte “Compagna 

di viaggio” e “Controvento” e del film 

d’esordio di Francesca Archibugi “Mignon 

è partita” con cui ha vinto il Premio David 

di Donatello. Per la tv Claudia Sbarigia ha 

scritto, con Gloria Malatesta e Sandro Petraglia 

la serie “Raccontami”, andata in 

onda su Rai Uno, interpretata da Massimo 

Ghini e Lunetta Savino. 

UGO DELL’ARA 

Si sono svolti lunedì 19 gennaio i funerali 

del ballerino e coreografo Ugo Dell’Ara, figura 

di spicco della danza italiana e internazionale. 

Nato a Roma nel 1921, si era 

formato alla scuola del teatro dell’Opera di 

Roma ed era stato allievo delle sorelle Teresa 

e Placida Battaggi. Debuttò giovanissimo 

ne “La Giara” di Aurel Milloss e interpretò 

con l’étoile Attilia Radice numerose 

coreografie di Milloss al Teatro dell’Opera 

di Roma e alla Scala di Milano. Come 

primo ballerino alla Scala, fu protagonista 

della “Follia di Orlando” di Milloss 

(1947) e poi di vari balletti, tra cui “Mario 

e il mago” di Leonide Massine. Dell’Ara si 

dedicò poi alla coreografia e alla direzione 

del ballo con grande successo collaborando 

con Donatoni, Sciarrino, Chailly, Bussotti 

e altri musicisti di rilievo internazionale. 

Fu direttore coreografo e direttore 

del ballo alla Scala dal 1952 al 1959, e poi al 

San Carlo di Napoli. Passò poi al Massimo 

di Palermo dove fondò anche una scuola, 

insieme alla moglie Wanda Sciaccaluga. 

Con Mario Porcile fondò il Festival Internazionale 

di Nervi. Nel 1999 propose alla 

Scala la sua ultima versione del “Ballo Excelsior” 

di Luigi Manzotti con il quale aveva 

debuttato nel 1967 a Firenze. 

CIRO SEBASTIANELLI 

È deceduto il 14 febbraio scorso, il cantautore 

napoletano Ciro Sebastianelli. Nato 

nel 1940, Sebastianelli aveva debuttato nel 

1976 con il singolo “Vattenne” e poi, nel 

1978 aveva partecipato al Festival di Sanremo 

con il brano “Il buio e tu”, ottenendo il 

secondo posto. L’anno successivo ha partecipato 

di nuovo a Sanremo con “Ciao 

Barbarella” e nel 1980 al Festivalbar con la 

canzone “Marta Marta”. Oltre all’attività di 

cantautore, Sebastianelli ha composto 

brani per altri interpreti fra cui Loredana 

Berté, Giovanna, gli olandesi Mouth and 

MacNeal, Cristiano Malgioglio e Roberto 

Murolo. Fra le sue esperienze artistiche c’è 

anche il cinema, con l’interpretazione nel 

film dossier “Apocalisse di un terremoto” 

del regista Sergio Pastore, nel 1982. Interprete 

moderno della tradizione melodica 

partenopea, Sebastianelli aveva uno stile 

vocale innovativo e grintoso che risaltava 

nella commistione fra lingua italiana e 

dialetto, fra tradizione e modernità. 

MIKE FRANCIS, 

ELECTROPOP VINCENTE 

E’ scomparso il 30 gennaio scorso il musicista 

Francesco Puccioni, in arte Mike 

Francis. Nato a Firenze nel 1961, si appassiona 

subito alla musica, che studia da autodidatta. 

Suona, canta e compone tanto che 

a soli 14 anni forma una band con i compagni 

di scuola dell’Istituto Americano di Roma e 

inizia scrivere musica e testi in inglese. Viene 

presto notato nel mondo della discomusic e 

ottiene i suoi primi contratti discografici. 

Nel 1983 raggiunge il grande successo di 

pubblico con il brano Survivor e da quel momento 

prende il via la sua brillante carriera 

di interprete e di autore, dapprima protagonista 

della discomusic degli anni Ottanta e 

poi attento esploratore di altre esperienze ed 

altri linguaggi, dal fado alla bossa nova, alle 

suggestioni new age. Fra i suoi grandi successi 

ci sono i brani scritti per Ami Stewart, come 

Friends, che si piazza nelle top ten di tutto 

il mondo ma anche gli straordinari concerti 

di Manila dove diventa una star locale. 

Negli anni Ottanta e Novanta Mike Francis 

pubblica una serie di album che consolidano 

il suo successo sia in Italia che all’estero e si 

dedica anche alla composizione di colonne 

sonore per il cinema e la tv. Collabora con artisti 

di grande levatura come Mogol e Pasquale 

Panella con i quali realizza brani in lingua 

italiana. Pochi giorni prima della sua 

morte era uscita la sua ultima raccolta, The 

very best of Mike Francis, contenente anche 

alcuni inediti.


Il Maestro Massimo Scapin in 3 

fotogrammi della notazione musicale, 

con cursore mobile, ausilio 

indispensabile nell’esecuzione delle 

cadenze e dei recitativi. 

Nella pagina accanto, i dvd con le basi 

dei personaggi della Traviata: 

Germont, Violetta e Alfredo 

DIDATTICA 

IL MIO ALLENATORE PERSONALE 

A TEMPO DI LIRICA 

di Cristina Wysocki 

Un direttore d’orchestra a casa propria, su pc o schermo tv, per studiare “insieme” ed “a 

tempo” le parti solistiche della musica vocale o, in un prossimo futuro, anche strumentale. E’ 

estremamente riduttivo riferirsi con la denominazione “karaoke” ad un sistema innovativo di 

esercitazione e ausilio didattico per lo studio e la preparazione musicale, anche se 

l’immaginario collettivo impone a volte delle semplificazioni. Per dar conto sinteticamente di 

quella che si presenta, in qualche modo, come un’invenzione davvero rivoluzionaria, i suoi 

ideatori, i musicisti Alessandro Fantini ed Arman Azemoon, l’hanno più propriamente intitolata 

Un’idea che si concretizzi in qualcosa di veramente 

utile e positivo per i futuri fruitori 

nasce, per lo più, da esigenze del tutto personali. 

Alessandro Fantini, interprete vocale, 

con - in più - un’ottima perizia in campo 

tecnico-informatico, ed Arman Azemoon, 

compositore e direttore d’orchestra, hanno 

voluto portare fino in fondo l’attuazione di 

una necessità “professionale”: avere uno 

strumento di completa accessibilità e fruizione 

per lo studio e la preparazione, innanzitutto, 

delle proprie attività musicali. Alla 

fine, si sono trovati ad operare, in modo effettivamente 

innovativo, in un ambito di 

particolare interesse per interpreti e musicisti 

a vari livelli: dallo studente alle prime 

armi al solista che intende semplicemente 

“ripassare” da solo la propria parte. 

Immaginiamo di essere un cantante che deve 

studiare in pochi giorni il ruolo, ad esem- 

“My Personal Conductor”. 

pio, di Alfredo Germont nella Traviata. Dal 

buon esito dell’audizione con il direttore 

d’orchestra dipenderà, probabilmente, lo 

sviluppo della nostra carriera. Come spesso 

accade, ci hanno chiamato all’ultimo momento 

e il nostro pianista di fiducia è partito 

per una settimana romantica alle 

Barbados. Gli altri pianisti che potremmo 

contattare non sono affidabili o sono troppo 

onerosi… 

Chi opera nel campo particolare sa bene che 

per studiare le arie o, peggio, “mettere su” 

un intero ruolo, quando non si abbia a disposizione 

un buon pianista accompagnatore, 

esistono le cosiddette “basi musicali”, 

per lo più su cd audio, che contengono tutte 

le parti di accompagnamento (comprese, 

se presenti, quelle corali) e le eventuali “voci” 

di solisti diversi da quello cui la registrazione 

è destinata. In altre parole, e prenden-

VIVAVERDI 

89 

do ancora ad esempio 

il nostro Alfredo 

della Traviata, la registrazione 

destinata 

allo studio di questo 

ruolo conterrà tutto 

ciò che Verdi ha previsto, 

tranne la parte del 

giovane Germont. 

Basta inserire il cd musicale 

così pre-registrato 

in un lettore e si può cantare “insieme” 

all’accompagnamento e a tutto il resto, il che 

offre anche le sue soddisfazioni…Il problema 

sorge quando l’interprete deve, appunto, 

cantare “insieme”, seguire lo stacco dei 

tempi del direttore d’orchestra – con tutti i 

debiti rallentamenti, rubati, corone, ecc. - 

ascoltando la musica mentre è occupato ad 

ascoltare la sua stessa voce – intonazione, 

respirazione, interpretazione e così via. Alza 

il volume al massimo, nella speranza di avere 

dei rarissimi vicini di casa compiacenti, 

ma, a un certo punto, perde la sincronia con 

l’accompagnamento o la concentrazione su 

quello che sta studiando o entrambe le cose…pazienza 

compresa! 

A questo punto interviene la novità di My 

Personal Conductor: avere a video (sul computer 

o sulla televisione, inserendo un normale 

dvd) il direttore d’orchestra che “dirige” 

l’esecuzione, in una vera e propria 

“prova di sala”, mentre la notazione musicale 

scorre in sovrimpressione, con un cursore 

che va “a tempo”, perfettamente sincronizzato 

con il gesto del direttore. II filmato 

del direttore d’orchestra rappresenta 

un ausilio visivo in grado di comunicare all’utilizzatore 

i tempi di esecuzione con le 

corrispondenti variazioni oltreché gli attacchi 

stabiliti dal direttore stesso. Siamo nell’ambito 

di una realtà virtuale, con una simulazione 

della situazione teatrale: un vero 

direttore d’orchestra che guida le esecuzioni, 

finalmente a tempo con la musica. Il 

cursore mobile costituisce un ausilio di grande 

efficacia e diviene praticamente indispensabile 

nell’esecuzione delle cadenze e 

dei recitativi. In pratica, viene abbinata una 

traccia audio d’accompagnamento a due 

utilissimi ausili visivi (il filmato del direttore 

d’orchestra e quello della notazione musicale 

del solista) che consentono all’utente di 

seguire perfettamente, in ogni momento, 

l’evoluzione temporale dell’esecuzione. Il suono, 

nel prodotto attuale, è quello di un pianoforte 

gran coda di ottima qualità. 

Per essere didatticamente più efficaci, i dvd 

di My Personal Conductor sono organizzati 

su più livelli di difficoltà: si passa dallo 

studio con il “tastino” (il pianoforte fa ascoltare 

anche le note da 

cantare), a quello con 

l’accompagnamento 

pianistico completo, 

con il pentagramma in 

sovrimpressione e le altre 

parti degli “insiemi” 

vocali realizzate anch’esse 

con un “tastino”, fino 

all’esecuzione vera e propria, 

senza pentagramma: 

da soli di fronte al direttore d’orchestra a valutare 

quale livello di apprendimento del ruolo 

si sia raggiunto. 

Le scelte interpretative tengono naturalmente 

conto delle tradizioni in uso, in particolare 

nella definizione dei tempi, dei recitativi, 

delle cadenze e delle corone, nonché 

nella scelta dei “tagli” usualmente operati 

nella partitura musicale. “Non sono state 

imposte interpretazioni arbitrarie o personali 

originalismi, ma ci si è volutamente 

basati sulla prassi esecutiva” - ci rassicura 

il Maestro Massimo Scapin, direttore della 

Traviata, prima uscita della collana 

“StudiOpera” di My Personal Conductor, 

disponibile già da febbraio 2009 e distribuita 

nei tre ruoli principali - Violetta, Alfredo 

e Germont - in edizioni separate. Gli sviluppi 

futuri? Opere con accompagnamento orchestrale 

al completo, con tutte le parti degli 

altri solisti e del coro effettivamente “cantate”. 

I dvd di My Personal Conductor sono in 

distribuzione, tramite il sito Internet, 

www.mypersonalconductor.com.

VIVAVERDI 

90 

ORGANI SOCIALI 

CONSIGLIO 

DI AMMINISTRAZIONE 

RIUNIONE DEL 18 DICEMBRE 2008 

Nella riunione del 18 dicembre 2008 il Consiglio di 

Amministrazione ha approvato il Piano di esercizio 

2009, il Piano per la sicurezza sul lavoro ed alcune 

modifiche al Regolamento di Organizzazione e Funzionamento 

della Società. 

Successivamente, il Consiglio ha confermato per 

l’anno 2009 i criteri di ripartizione deliberati per 

l’anno 2008 per le Sezioni Dor, Olaf, Cinema e Lirica 

ed ha apportato, a seguito del parere della competente 

Commissione di Sezione, alcune modifiche 

ai criteri di ripartizione della Sezione Musica. 

Sono stati inoltre adottati alcuni provvedimenti in 

materia di accantonamento dei proventi collegati all’esistenza 

o alla risoluzione di controversie relative 

alla titolarità di diritti su opere tutelate dalla Società. 

E’ stato approvato il contenuto dei contratti con Sky 

per il periodo 1° luglio 2007 – 30 giugno 2010, relativi 

all’utilizzazione dei repertori delle Sezioni Musica, 

Dor e Lirica e alla determinazione dell’equo 

compenso spettante agli autori delle opere cinematografiche 

e assimilate. 

Il Consiglio ha quindi provveduto a nominare il Commissario 

Laura Piccarolo (per Giulio Einaudi Editore) 

quale componente del Comitato disciplinare della 

Sezione Olaf in sostituzione dell’Avv. Andrea Scotto 

(per Edizioni Libra) ed ha accolto le dimissioni degli 

associati che avevano chiesto la risoluzione anticipata 

del rapporto nei termini previsti dall’art. 9 del 

Regolamento Generale. 

Il Consiglio ha poi deliberato una riduzione della tassa 

istruttoria dovuta dai mandanti editori della Sezione 

Olaf ed ha valutato favorevolmente l’iniziativa 

degli Uffici di predisporre un mandato a favore degli 

editori librari per la gestione dei diritti di reprografia. 

Sono state inoltre approvate la nuova polizza assicurativa 

a favore del personale dipendente e sono 

state apportate alcune modifiche alla procedura di 

selezione dei mandatari della Siae. 

Il Consiglio ha successivamente nominato quali 

componenti del Comitato Editoriale, per la durata di 

due anni, a decorrere dal 23 dicembre 2008, Linda 

Brunetta Caprini, Gianni Minà, Dario Oliveri, Oscar 

Prudente e Mimmo Rafele. 

Il Consiglio ha infine preso atto delle trattative avviate 

con la Nokia per il rilascio di una licenza paneuropea 

per l’utilizzo del repertorio Siae con riferimento 

all’iniziativa “Nokia Comes With Music”. 

SEZIONE MUSICA 

RIUNIONE DELLA COMMISSIONE DI 

SEZIONE DELL’ 11 DICEMBRE 2008 

Il giorno 11 dicembre 2008 si è riunita presso la 

Direzione Generale la Commissione della Sezione 

Musica presieduta dal M° Franco Micalizzi. 

Erano presenti alla seduta della Commissione il 

Direttore della Divisione Autori ed Editori 

dott.ssa Sabina Riccardelli, il Direttore della Sezione 

Musica dott. Antonio Coluccini con funzioni 

di Segretario, il Dirigente Responsabile dell’Ufficio 

Ripartizione ed Utilizzazioni dott. Nazzareno 

Tirocchi, la dott.ssa Francesca Giovagnorio della 

Divisione Autori ed Editori, il dott. Giancarlo 

Pressenda e la dott.ssa Concetta Virgopia del 

Supporto Gestionale della Sezione Musica. 

La Commissione ha innanzitutto approvato il verbale 

della precedente riunione dell’8 ottobre 

2008. 

Successivamente la Commissione ha nell’ordine: 

1)reso il parere di competenza in relazione ai 

criteri di ripartizione validi per l’anno 2009; 

2)esaminato, operandone specifico confronto 

con i corrispondenti dati del 1° semestre 

2007, gli importi complessivi, suddivisi per tipologia 

di utilizzazione delle opere, relativi alla 

ripartizione del 1° semestre 2008 da liquidare 

entro il mese di gennaio 2009; 

3)reso il parere di competenza in relazione alla 

destinazione a Ripartizione Straordinaria Supplementare 

Rai di somme versate a titolo di 

conguaglio dalla citata emittente per utilizzazioni 

avvenute nel biennio 2005/2006; 

4)reso il parere di competenza in relazione alla 

destinazione degli importi che, per effetto di 

norme regolamentari e delle disposizioni dell’Ordinanza 

di Ripartizione in vigore, non sono 

stati attribuiti a seguito delle operazioni di ripartizione 

relative all’anno 2007. 

A tal fine, anche in base a quanto previsto dall’art. 

12, 4° comma della citata Ordinanza, ha 

ritenuto congrua - con effetto sulle operazioni 

di ripartizione del 1° semestre 2008 - la destinazione 

del suddetto importo totale per il 45% 

al Fondo Speciale Integrativo e per il 55% alle 

Ripartizioni Supplementari Straordinarie 

(RSS); 

5)reso, nell’ambito delle modalità di impiego del 

Fondo Speciale Integrativo, parere favorevole 

in merito alla riformulazione della Delibera 

Commissariale n. 85 del 16.12.2002 statuente 

il regime delle maggiorazioni di musica seria 

al fine della: 

a) introduzione di disposizioni specifiche, a 

carattere interpretativo, per il caso in cui i 

concerti di musica seria siano effettuati all’interno 

di Chiese o luoghi di culto assimilati 

ovvero luoghi comunque destinati allo 

svolgimento di funzioni liturgiche o attività 

pastorali; 

b) estensione, con effetto dalla utilizzazione 

del FSI 2009, del beneficio della maggiorazione 

di musica seria alle esecuzioni in forma 

concertistica effettuate da complessi 

bandistici e/o corali; 

6)confermato, quanto alle Ripartizioni Supplementari 

Straordinarie, l’attribuzione degli importi 

alle specifiche Classi e Sottoclassi di utilizzazione 

delle opere, in proporzione all’ammontare 

dei rendiconti analitici degli aventi diritto 

che hanno concorso nel periodo di riferimento 

alla ripartizione degli incassi nelle corrispondenti 

Classi e Sottoclassi che hanno generato 

i proventi non attribuiti; 

7)reso parere favorevole alla sottoscrizione di 

un contratto di reciproca rappresentanza in 

materia di diritti fonomeccanici, escluso il settore 

Internet, con la Società Bulgara MUSI- 

CAUTOR e con la Società Russa RAO; 

8)analizzato i dati statistici predisposti dagli Uffici 

ai fini dell’esame dell’andamento degli incassi 

effettuati nel periodo gennaio-ottobre 

2008, confrontandoli con i corrispondenti dati 

del medesimo periodo dell’anno precedente.

SEZIONI SERVIZI E UFFICI 

bollettino sociale 

ELENCO DEI CONTRATTI GENERALI 

DI CESSIONE PER L’ESTERO 

NOTIFICATI ALLA SIAE 

Ai sensi della normativa sociale in materia, si dà 

notizia qui di seguito dei contratti generali stipulati 

da editori originali con sub-editori stranieri 

per la gestione da parte di questi ultimi del repertorio 

dell’editore cedente. 

Cedente: DO IT YOURSELF 

Cessionario: WARNER CHAPPELL MUSIC 

ARGENTINA 

Rinnovato fino al 30/06/2011 

Territorio: ARGENTINA, BOLIVIA, ECUADOR, 

GUYANA, GUYANA FR, 

PARAGUAY, PERU, SURINAME, URUGUAY 



MEXICO SA DE CV 


Territorio: MESSICO, COLOMBIA, VENEZUELA, 

AMERICA CENTRALE 



PUBLISHING CHILE 


Territorio: CILE 

Cedente: SONZOGNO CASA MUSICALE 

Cessionario: ISRAEL MUSIC ASSOCIATES P R M 

Data: 01/01/2001 

Territorio: ISRAELE, TURCHIA 

Cedente: SONZOGNO CASA MUSICALE 

Cessionario: EDITIO BAERENREITER 

PRAHA SPOL 

Data: 01/01/2000 

Territorio: REP. CECA, SLOVACCHIA 

Cedente: ANTIBEMUSIC SRL 

Cessionario: DUBAS MUSIC LTDA 

Data: 01/01/2007 

Territorio: BRASILE 


Cessionario: TEDDYSOUND S.L. 

Data: 01/01/2002 

Territorio: SPAGNA 


Cessionario: PETRO MUSIC INC 

Data: 01/01/2007 

Territorio: GIAPPONE 


Cessionario: PRIMROSE MUSIC PUBLISHING 

Data: 01/03/2003 

Territorio: REGNO UNITO, IRLANDA 

Cedente: SUGAR GROUP 

Cessionario: A-TEMPO VERLAG 


Territorio: CILE 


Cessionario: HIGH FASHION MUSIC BV 

Data: 31/12/2006 

Territorio: BENELUX 

Cedente: BENVENUTO EDIZ. MUSICALI 

Cessionario: PARADOXX MUSIC 

Scaduto il: 31/12/1998 



Cessionario: CAIMAN MUSIC PUBLISHING 

Scaduto il: 31/12/2001 



Cessionario: CAIMAN MUSIC PUBLISHING 

Scaduto il: 30/06/2001 

Territorio: BULGARIA, ISRAELE, POLONIA, 

RUSSIA, SLOVENIA 


Cessionario: STUDIO ANALYSIS GROUP 

Scaduto il: 31/12/2002 

Territorio: GRECIA 


Cessionario: POTENZA MUSIC PUBLISHING 

Scaduto il: 31/12/2002 

Territorio: CANADA 


Cessionario: FABLE MUSIC PTY LTD 

Scaduto il: 31/12/2000 

Territorio: AUSTRALIA, NUOVA ZELANDA 


Cessionario: VALENTINE MUSIC PUBLISHING 

Scaduto il: 30/06/1998 

Territorio: SINGAPORE, MALESIA, TAILANDIA, 

HONG KONG, COREA, CINA, TAIWAN, FILIPPINE 


Cessionario: P & p MUSIC PUBLISHERS 

Scaduto il: 31/12/2004 

Territorio: SINGAPORE, MALESIA, TAILANDIA, 

HONG KONG, COREA, CINA, TAIWAN, FILIPPINE 


Cessionario: ROYNET MUSIC 

Scaduto il: 31/12/2000 

Territorio: USA 


Cessionario: A.A.M.I. MUSIC GROUP 

Scaduto il: 30/06/1998 



Cessionario: 2P’ SW MUSIC 

Scaduto il: 30/06/2001 



Cessionario: MISTY MUSIC AB 

Scaduto il: 31/12/1997 

Territorio: SVEZIA, NORVEGIA, DANIMARCA, FIN- 

LANDIA, ISLANDA, ESTONIA, LITUANIA, LETTONIA 


Cessionario: WARNER CHAPPELL MUSIC SCAN- 

DINAVIA AB 

Scaduto il: 31/12/2000 

Territorio: SVEZIA, NORVEGIA, DANIMARCA, FIN- 

LANDIA, ISLANDA, ESTONIA, LITUANIA, LETTONIA 


Cessionario: INTERNATIONAL MUSIC NETWORK

VIVAVERDI 

92 

ORGANI SEZIONI SOCIALI SERVIZI E UFFICI 

Scaduto il: 31/12/1999 

Territorio: REGNO UNITO, IRLANDA, GERMANIA, 

AUSTRIA, SVIZZERA, FRANCIA, MONACO, 

ANDORRA, RTL, EUROPE 1 


Cessionario: METEOR MUSIK RALPH SIEGEL 

MUSIKVERLAG 

Scaduto il: 31/12/2002 

Territorio: GERMANIA, AUSTRIA, SVIZZERA 


Cessionario: VICTOR MUSIC PUBL CO 

Scaduto il: 31/12/2002 



Cessionario: GOLDEN PONY MUSIC PUBL 

(S.E. ASIA) 

Scaduto il: 31/12/1999 



Cessionario: FRENCH FRIED MUSIC 

Scaduto il: 31/12/2002 

Territorio: FRANCIA, MONACO, ANDORRA, DOM 

TOM, RTL, EUROPE 1 


Cessionario: TRIMUSIC S.L. 

Scaduto il: 31/12/1999 

Territorio: SPAGNA, PORTOGALLO 


Cessionario: SANCA MUSIC PUBLISHERS 

Scaduto il: 31/12/2001 

Territorio: SPAGNA, PORTOGALLO 


Cessionario: CLIPPER’S EDICIONES MUSICALES 

Scaduto il: 30/06/2008 

Territorio: SPAGNA 


Cessionario: PROLUX 

Scaduto il: 31/12/1998 

Territorio: REP. CECA 

SEZIONE CINEMA 

COMMISSIONE DI SEZIONE 

DEL 12 DICEMBRE 2008 

La Commissione della Sezione Cinema, presieduta 

da Domenico Mezzatesta, si è riunita presso 

la sede sociale in data 12 dicembre 2008, 

presenti i componenti autori Antonino Biocca, 

Laura Ippoliti, Serafino Murri, Massimo Sani, Vittorio 

Sindoni e i componenti produttori Paolo 

Ferrari (Warner Bross Italia Spa) e Alessandro 

Fracassi (Racing Pictures srl , in liquidazione). 

Ha partecipato alla riunione, anche in veste di 

segretario, il Direttore della Sezione, Lucia Bistoncini. 

La riunione della Commissione è stata quasi interamente 

dedicata, come la precedente tenutasi 

il 28 novembre 2008, alla discussione delle 

tematiche sollevate e delle richieste avanzate 

dall’Associazione “100 Autori”. 

Conclusa la lunga disamina sulla questione, la 

Commissione ha affrontato i seguenti argomenti 

all’ordine del giorno, sollecitando previamente la 

Società a dotarsi di un sistema di monitoraggio 

tarato sulle utilizzazioni del repertorio audiovisivo, 

tale da garantire il sistematico riconoscimento 

dei titoli ed il corretto abbinamento con i relativi 

bollettini di dichiarazione; in particolare la 

Commissione ha: 

• proseguito l’attività istruttoria per consolidare 

una proposta che detti una nuova e specifica 

disciplina per la dichiarazione e la suddivisione 

dei compensi delle opere televisive seriali; 

• richiesto, in materia di norme di dichiarazione 

del contributo di adattamento dei dialoghi di 

opere cinematografiche o assimilate straniere, 

l’adozione costante ed uniforme della disposizione 

dettata dall’art. 71, 5° comma del 

Regolamento generale -che prevede che la dichiarazione 

del contributo sia corredata dalla 

documentazione fiscale relativa alla prestazione 

effettuata- , fissando la decorrenza dell’adempimento 

in modo da garantirne la conoscibilità 

da parte dei soggetti interessati. 

COMMISSIONE DI SEZIONE 

DEL 15 GENNAIO 2009 

La Commissione della Sezione Cinema, presieduta 

da Domenico Mezzatesta, si è riunita presso 

la sede sociale in data 15 gennaio 2009, 

presenti i componenti autori Antonino Biocca, 

Laura Ippoliti, Serafino Murri, Massimo Sani e i 

componenti produttori Paolo Ferrari (Warner 

Bross Italia Spa) e Alessandro Fracassi (Racing 

Pictures srl , in liquidazione). 

Hanno partecipato alla riunione il Direttore della 

Divisione Autori ed Editori, Sabina Riccardelli e il 

Direttore della Sezione, Lucia Bistoncini, anche 

in veste di segretario. 

La riunione è stata dedicata all’esame degli argomenti 

rinviati nelle due precedenti riunioni del 

28 novembre e del 12 dicembre 2008; in particolare 

la Commissione ha: 

• condiviso il testo di delibera da sottoporre al 

Consiglio di Amministrazione per attuare le modifiche 

connesse all’adozione di uno specifico 

schema di riparto per contributi applicabile alle 

opere televisive seriali, riservandosi un’ultima riflessione 

sull’opportunità di distinguere la regolamentazione 

della fiction da quella delle lunghissime 

serie, tipo soap opera e sit-com; 

• discusso e commentato, con particolare riferimento 

ai contratti da rinegoziare con i due 

maggiori utilizzatori, Rai e Mediaset, il nuovo 

scenario del mercato televisivo nazionale e 

l’esito dei primi incontri preliminari tenutisi a fine 

2008 con le due controparti contrattuali, in attesa 

di conoscere i nominativi degli autori incaricati 

di seguire più da vicino l’impostazione e 

l’evoluzione della materia e delle modalità con 

cui affrontare questa sinergica attività, emersa 

dalla richiesta dell’Associazione “100 Autori”; 

• preso atto che è fissata al 1° luglio 2009 la 

decorrenza dell’adempimento prescritto dall’art. 

71, 5° comma del Regolamento generale 

e che il comunicato sarà indirizzato all’Aidac, 

perché svolga opera di divulgazione rispetto 

ai propri aderenti, ed immediatamente 

pubblicato sul sito della Siae; 

• approvato, per la sottoposizione al Consiglio 

di Amministrazione, una parziale modifica della 

normativa vigente in materia di dichiarazione 

e suddivisione dei compensi per opere televisive 

derivate da serie straniere, nel quadro 

di una regolamentazione convenzionale che, 

al momento, è operativa, in regime di reciprocità, 

con la consorella francese Sacd.



SEZIONE DOR 

ORDINANZA DI RIPARTIZIONE DELLA 

SEZIONE DOR ANNO 2009 

ART. 1 

Il sistema ed i criteri di ripartizione dei compensi 

per l’utilizzazione delle opere assegnate alla 

competenza della Sezione DOR sono determinati 

dalle disposizioni che seguono. 

ART. 2 

Agli effetti delle operazioni di ripartizione gli incassi 

sono raggruppati in: 

a. incassi relativi ai diritti di rappresentazione, 

diffusione e riproduzione; 

b. incassi relativi al diritto di comunicazione al 

pubblico a mezzo di apparecchi riceventi televisivi 

e radiofonici, installati in pubblici esercizi; 

c. incassi relativi a diritti per la riproduzione privata 

per uso personale e senza scopo di lucro 

di fonogrammi (copia privata audio); 

d. incassi relativi a diritti per la riproduzione privata 

per uso personale senza scopo di lucro 

di videogrammi (copia privata video); 

e. incassi relativi ai diritti per la ritrasmissione 

via cavo. 

ART. 3 

Gli incassi di cui alla lettera a) – effettuati ab origine 

per le singole opere – sono attributi agli aventi 

diritto sulla base delle effettive utilizzazioni. 

ART. 4 

Gli incassi di cui alla lettera b) sono ripartiti in 

forma indiretta con riferimento ai compensi liquidati 

agli aventi diritto per trasmissioni radiofoniche 

e televisive avvenute o regolarizzate nello 

stesso anno. La quota spettante a ciascun avente 

diritto interessato è calcolata dividendo gli importi 

incassati nell’anno, relativi agli abbonamenti 

di cui alla lettera b), per l’ammontare dei compensi 

liquidati dalla sezione rispettivamente per 

le trasmissioni radiofoniche e televisive. 

ART. 5 

Gli incassi di cui alla lettera c) sono ripartiti in 


agli aventi diritto nell’anno di competenza 

per le opere riprodotte su dischi, nastri o supporti 

analoghi. 

A ciascun avente diritto interessato viene attribuita 

una quota proporzionale agli importi percepiti 

per le utilizzazioni di cui al precedente paragrafo, 

calcolata dividendo gli importi incassati 

nell’anno per l’ammontare complessivo dei compensi 

liquidati per diritti di riproduzione fonografica 

relativi allo stesso anno. 

ART. 6 

Gli incassi di cui alla lettera d) sono ripartiti in 


dalla sezione per riproduzioni videografiche 

effettuate nell’anno di competenza. 

A ciascun avente diritto interessato viene attribuita 

una quota proporzionale agli importi percepiti 

per le utilizzazioni di cui al precedente paragrafo, 

calcolata dividendo gli importi incassati 

nell’anno dalla sezione per l’ammontare complessivo 

dei compensi dalla stessa liquidati per 

diritti di riproduzione videografica relativi allo 

stesso anno. 

ART. 7 

Gli incassi di cui alla lettera e) sono ripartiti in forma 

indiretta con riferimento ai compensi liquidati 

agli aventi diritto dalla sezione per diritti di ritrasmissione 

via cavo nell’anno di competenza. 

A ciascun avente diritto interessato è attribuita 

una quota proporzionale agli importi dallo stesso 

percepiti per le utilizzazioni di cui al precedente 

paragrafo e calcolata dividendo gli importi incassati 

nell’anno dalla sezione per l’ammontare complessivo 

dei compensi dalla stessa liquidati per diritti 

di ritrasmissione via cavo. 

ART. 8 

Le somme attribuite in esito alle operazioni di 

cui alla presente ordinanza sono liquidate agli 

aventi diritto: 

• quanto agli incassi per diritti di rappresentazione 

di cui alla lett. a) nell’ultimo mese del trimestre 

successivo a quello cui le operazioni 

di incasso si riferiscono. A tal fine i trimestri 

considerati sono: gennaio-marzo, aprile-giugno, 

luglio-settembre, ottobre-dicembre. 

• quanto agli incassi per diritti di diffusione e di 

riproduzione di cui alla lettera a) con la prima 

liquidazione utile operata dalla Sezione nei trimestri 

suindicati; 

• quanto agli incassi di cui alle lettere b) c) d) e) 

annualmente. 

ART. 9 

La presente ordinanza abroga ogni precedente 

e diversa disposizione e si applica alle operazioni 

di ripartizione degli incassi effettuati dal 1° 

gennaio 2009 relativi ad utilizzazioni di opere 

già dichiarate o da dichiararsi. 

La ripartizione avviene al netto della quota spettante 

alla Siae sui compensi per l’utilizzazione 

delle opere tutelate. 

ART. 10 

La presente ordinanza entra in vigore dal 1° 

gennaio del 2009.

VIVAVERDI 

94 


SEZIONE DOR 

CONCORSO DI DRAMMATURGIA 2009 

Enti promotori: 

SIAE Società Italiana degli Autori ed Editori 

AGIS Unione Regionale Agis del Lazio 

ETI Ente Teatrale Italiano 

BANDO DI CONCORSO DI DRAMMATURGIA 

SIAE, AGIS - Unione Regionale AGIS del Lazio e 

ETI si fanno promotori di un’iniziativa volta al sostegno 

della professionalità del drammaturgo, 

attraverso un concorso nazionale della drammaturgia 

rivolto ad individuare due opere/progetti 

originali da realizzare nella stagione 2009/2010 

o 2010/2011. 

La finalità del concorso, articolato in una sezione 

“giovani”, riservata ad autori di età non superiore 

ai 35 anni alla data del 1°/1/2009, ed in una sezione 

per autori senza limite di età, è di favorire 

e rendere concreto il processo di avvicinamento 

e di collegamento tra drammaturgia e realizzazione 

dello spettacolo. 

REGOLAMENTO 

Art. 1) Verranno ammessi a partecipare al concorso 

solo autori associati alla SIAE, che - entro 

e non oltre il 30 aprile 2009 - abbiano dato la loro 

adesione inviando: 

a) la domanda di associazione alla SIAE (solo per i 

non associati SIAE), scaricabile dal sito 

www.siae.it; 

b) copia del modulo di iscrizione al concorso per 

ciascun autore – da compilarsi in stampatello 

– come da fac-simile allegato al bando e scaricabile 

anche dal sito www.siae.it; 

c) un progetto drammaturgico originale inedito, 

costituito da: 

1. soggetto dell’opera (almeno tre cartelle dattiloscritte) 

* 

2. riassunto di mezza cartella dattiloscritta 

3. stesura di almeno quindici pagine dattiloscritte 

di copione, in lingua italiana o in dialetto 

( ca. 1.200 caratteri per pagina) ** 

4. indicazione delle caratteristiche dei personaggi 

principali 

5. motivazioni poetiche formali 

6. scaletta tecnica e contenutistica dell’intero 

brano. 

Art. 2) La documentazione di cui ai punti a) e b) 

dell’art. 1 deve essere obbligatoriamente fornita 

dall’autore del progetto. I vincitori della presente 

edizione del concorso non potranno prendere 

parte alle successive due edizioni. 

Art. 3) Ogni autore non potrà presentare più di 

un progetto. 

Art. 4) I progetti inviati non saranno restituiti. 

Art. 5) Il premio, assegnato a giudizio insindacabile 

della Giuria designata, garantisce: 

1. l’erogazione di una somma di 5.000 euro 

complessivi all’autore/i del progetto che sarà 

proclamato vincitore tra quelli che appartengono 

alla categoria fino a 35 anni, e di 

7.500 euro complessivi all’autore/i del progetto 

che sarà dichiarato vincitore tra quelli 

che appartengono alla categoria senza limiti 

di età, per permettere agli autori di 

portare a termine i progetti stessi, lavorando 

in collaborazione con la produzione. 

2. l’organizzazione della fase produttiva e 

l’ospitalità delle attività necessarie alla realizzazione 

di ciascuno spettacolo, secondo 

le modalità definite dagli enti organizzatori, 

in conformità con quanto previsto dall’art. 

8 seguente. 

3. la distribuzione di ciascuno spettacolo. 

Art. 6) La Giuria, composta da sei membri più il 

Presidente, nominata da SIAE, AGIS, ETI, delibererà 

a suo insindacabile giudizio - entro il 30 giugno 

2009 - i vincitori del concorso. 

Art. 7) Le decisioni della Giuria saranno inappellabili 

ed ai vincitori verrà data comunicazione 

scritta da parte della SIAE. I nominativi saranno 

pubblicati sul sito internet della SIAE. 

Art. 8) I vincitori potranno avvalersi dell’assistenza 

di SIAE, ETI, AGIS, che attraverso l’AGIS metteranno 

a disposizione produzione, cast e strutture 

per le prove. 

I vincitori potranno proporre un diverso organismo 

produttivo, nonché cast e regia, ma in tal 

caso i costi relativi sono a carico della produzione 

prescelta. Tali proposte saranno, comunque, 

sottoposte all’approvazione da parte di SIAE, 

ETI, AGIS. 

L’ETI, sulla base delle disponibilità degli spazi 

teatrali gestiti, si farà carico di distribuire gli 

spettacoli attraverso modalità e tempi da concordare 

con autore e produzione. 

Art. 9) La documentazione di cui al punto c) dell’art. 

1 dovrà essere priva dell’indicazione del nome 

dell’autore o di qualunque altro segno che 

possa consentirne il riconoscimento da parte 

della Giuria e dovrà essere inserita in una busta 

anonima e sigillata. 

Tale busta, unitamente alla documentazione di 

cui ai punti a) e b) del suddetto articolo, dovrà 

essere inviata, in unico plico, a: Società Italiana 

degli Autori ed Editori (SIAE) – Sezione DOR – 

Viale della Letteratura, 30 – 00144 ROMA. 

Ai fini dell’accettazione della domanda, farà fede 

la data del timbro postale di spedizione. 

Art. 10) La partecipazione al concorso implica 

l’adesione integrale a tutte le clausole del presente 

bando, pena l’esclusione dal concorso. 

Art. 11) I dati personali dei concorrenti saranno 

trattati esclusivamente secondo il D.L.vo 

30/6/2003 n. 196. 

Per informazioni tel. 06/5990/2243-2743 

– e-mail: dor@siae.it. 

* il soggetto non può derivare da opere preesistenti e 

non deve mai essere stato utilizzato, neanche attraverso 

altre forme di comunicazione, né in altri concorsi. 

** Circa trenta minuti di testo divisi in più scene o in 

una singola scena o in parte di scena. Per i lavori non 

strettamente di parola, occorre presentare materiale 

cartaceo tale che possa permettere di visualizzare almeno 

trenta minuti di rappresentazione



SEZIONE OLAF 

RIUNIONE DELLA COMMISSIONE 

DI SEZIONE 

La Commissione della Sezione OLAF si è riunita 

il giorno 18 dicembre 2008 alle ore 11. Alla riunione 

erano presenti tutti i Commissari ad eccezione 

dei Commissari Laura Piccarolo e Girolamo 

Potestà. 

La Commissione ha deliberato all’unanimità 

l’adeguamento delle tariffe relative alle utilizzazioni 

ricomprese nel c.d. Piccolo Diritto Letterario 

(PDL), che risultano non incrementate da 

aprile 2007, allineandole all’indice Istat nella misura 

del 4,00%. 

La Commissione ha altresì esaminato la proposta 

formulata dalla struttura di adeguamento 

delle tariffe previste per le utilizzazioni delle 

opere delle arti visive, ferme dal 2004, ed ha 

ritenuto opportuno rinviare ogni decisione al riguardo 

alla conclusione dei lavori del tavolo 

tecnico costituito nell’ambito della Commissione 

e composto da Daniela Romano (in rappresentanza 

della componente autori), da Samantha 

Raugei (in rappresentanza della componente 

editori), con l’assistenza di Ida Baucia (in 

qualità di responsabile del Supporto Gestionale 

della Sezione Olaf), il quale esaminerà procedure 

e tariffe con l’ausilio della struttura della 

Sezione. 

Ai Commissari sono stati distribuiti alcuni esemplari 

della nuova pubblicazione della Siae “Guida 

al Diritto di Seguito. Normativa comunitaria e nazionale, 

procedure e strumenti applicativi”, che 

rappresenta utile strumento per le varie categorie 

di operatori/aventi diritto interessate all’applicazione 

della nuova normativa sul diritto di seguito. 

I Commissari hanno espresso il proprio 

gradimento per tale iniziativa. 

La Commissione ha deciso, infine, di rinviare 

l’esame degli ulteriori argomenti all’ordine del 

giorno alla riunione del giorno 22 gennaio.

VIVAVERDI 

96 

ORGANI SOCIALI 

PRESIDENTE 

Giorgio ASSUMMA 

CONSIGLIO DI AMMINISTRAZIONE 

Paolo CORSI 

Domenico DE LEO 

Roby FACCHINETTI 

Lorenzo FERRERO 

Emidio GRECO 

Giancarlo LUCARIELLO 

Giovanni NATALE 

Alfredo TARULLO 

ASSEMBLEA 

MUSICA 

Autori 

Silvano Guariso 

Vittorio Costa 

Gregorio Mascaro 

Marco Mariani 

Carmine Santaniello 

Michele Maisano 

Renato Pareti 

Domenico Scuteri 

Corrado Castellari 

Francesco Massimo Colasanti 

Luigi D’Alessio detto Gigi 

Nicola Piovani 

Alberto Testa 

Franco Piersanti 

Roberto Pischiutta detto Pivio 

Giuseppe Pirazzoli detto Pino 

Editori 

Pieronero Edizioni Musicali Sas 

Sognando e Ballando Edizioni Musicali Sas 

Unione Edizioni Musicali Sas 

La Bambolina Edizioni Musicali Sas 

Abramo Allione Edizioni Musicali Srl 

Emi Virgin Music Publishing Italy Srl 

Sugar Srl 

Warner Chappell Music Italiana Srl 

Accordo Ed. Musicali 

Universal MCA Music Italy Srl 

Ala Bianca Group Srl 

Media Songs Srl 

Edizioni Leonardi Srl 

Sony Music Publishing Srl 

CAM Creazioni Artistiche Musicali Srl 

Peermusic Italy Srl (già Peersongs Italy Srl) 

FILM E OPERE ASSIMILATE 

Autori 

Francesco Gregoretti detto Ugo 

Mario Paolinelli 

Andrea Purgatori 

Alessandro Bencivenni 

Produttori/Concessionari 

Biancafilm Srl 

Filmauro Srl 

Medusa Film Srl 

Italian International Film Srl 

DRAMMA E PROSA, RIVISTA E COMMEDIA 

MUSICALE, OPERETTA 

E OPERE RADIOTELEVISIVE 

Autori 

Manuela Marianetti 

Ennio Coltorti 

Riccardo Di Stefano 

Massimo Cinque 

Giovanna Flora 

Marco Posani 

Editori 

Grandi Firme della Canzone Edizioni Musicali Srl 

Mascotte ed. Mus. 

Concessionari/Cessionari 

D’Arborio di Ficarelli M.P. e C. Snc 

Ditta Tolnay Flavia 

OPERE LETTERARIE, MULTIMEDIALI E DELLE 

ARTI PLASTICHE E FIGURATIVE 

Autori 

Elio Pecora 

Gianni Minà 

Maria Luisa Spaziani 

Antonella Bolelli 

Editori 

Hoepli Ulrico Casa Editrice Libraria SpA 

Garzanti Libri SpA 

Zanichelli Editore SpA 

Arnoldo Mondadori SpA 

OPERE LIRICHE, BALLETTI, ORATORI E 

OPERE ANALOGHE 

Autori 

Carlo Galante 

Luciano Cannito 

Editori 

Mercurio Srl 

Universal Music Publishing Ricordi (già BMG Ricordi 

Music Publishing SpA) 

Abici Ed. Mus. Srl 

Carisch Srl 

COMMISSIONI DI SEZIONE 

SEZIONE MUSICA 

Autori 

Giuseppe Amendola 

Giuseppe Andreetto 

Vincenzo Barbalarga 

Gianfranco Borgatti 

Bruno Mario Lavezzi 

Ezio Leoni 

Franco Micalizzi (Pres) 

Carlo Pedini 

Francesco Pagano detto Mario 

Giuseppe Vessicchio 

Editori 

Bideri Cevel Spa – Silvia Bideri Villevielle (Vice 

Pres.) 

Curci Edizioni Musicali – Alfredo Gramitto Ricci 

Di Più Srl – Pier Angelo Mauri 

Emergency Music Italy Srl – Pietro Colasanti 

Galletti-Boston Srl – Anna Galletti 

Montefeltro Edizioni – Giorgio Giacomi 

Novalis Edizioni Mus. e Discografiche – Roberto Rinaldi 

Sym-Music Srl – Anna Lombardoni 

Tiber Srl –Andrea Cotromano 

Universal Music Italia Srl – Claudio Buja 

SEZIONE CINEMA 

Autori 

Antonino Biocca detto Tony 

Laura Ippoliti 

Domenico Mezzatesta (Pres.) 

Serafino Murri 

Massimo Sani 

Vittorio Benito Sindoni 

Produttori 

Warner Bros Italia Spa – Paolo Ferrari 

Racing Pictures Srl – Alessandro Fracassi (Vice 

Pres.) 

SEZIONE DOR 

Autori 

Valentina Amurri 

Flavio Andreini 

Linda Brunetta Caprini (Vice Pres.) 

Roberto Cavosi 

Michele Mirabella 

Biagio Proietti (Pres.) 

Concessionari 

D’Arborio Sirovich Paola – Paola Perilli 

Antonia Brancati Srl – Antonia Brancati 

SEZIONE OLAF 

Autori 

Massimo Nardi 

Alessandro Occhipinti (Pres.) 

Daniela Romano 

Natale Antonio Rossi 

Editori 

Giunti Editore Spa – Samantha Raugei 

Giulio Einaudi Editore – Laura Piccarolo 

Principato Giuseppe Casa Editrice Spa – Girolamo 

Potestà (Vice Pres.) 

RCS Libri Spa – Alberta Locati 

SEZIONE LIRICA 

Autori 

Marco Betta (Vice Pres.) 

Carlo Boccadoro 

Dario Oliveri 

Editori 

Fonit Cetra Music Pub. Srl – Teresita Beretta (Pres.) 

Sonzogno Casa Musicale Sas – Piero Ostali 

Sugarmusic Spa – Alessandro Savasta 

COLLEGIO DEI REVISORI 

Presidente Giancarlo Settimi 

Giuseppe Dell’Acqua 

Andrea Malfaccini 

Silvio Necchi 

Carlo Pontesilli 

Supplenti 

Riccardo Acernese 

Benito Di Troia 

CONTROLLO INTERNO Franco Tonucci 

DIRETTORE GENERALE Domenico Caridi

complimenti a.... - Siae

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