o_198vllv931if5afe7bp1hc99s1a.pdf

Progetto Arte
"arte cultura e informazione"
giornale sfogliabile online – 1 Ottobre 2014

Progetto Arte
arte cultura e informazione
giornale sfogliabile online
Ideato dall'azienda l'occhio del critico - consulenze ed eventi arte, di Alessandro
Costanza Part. Iva: 01856070857 Cod. Fisc: CSTLSN86L23H792T
Direttore: Dott. Alessandro Costanza
Capo redattore: Maryory Stefani Petrucci giornalista
Il giornale sfogliabile online è nato per divulgare l'arte in tutte le sue forme, e
sponsorizzare gallerie ed operatori del settore, pubblicando i dati della loro attività,
gli artisti con interviste e le loro foto opere, bandi e regolamenti dei concorsi
organizzati da associazioni culturali e tutte le novità sul mondo della cultura
generale.
Viene reso disponibile GRATUITAMENTE a tutti i visitatori del sito.
Il giornale "Progetto Arte" non è classificabile come attività editoriale in quanto non
ha un costo copertina e non viene distribuito nelle edicole, e rientra perfettamente
nella categoria "altre creazioni artisiche letterarie". www.consulenzeeventiarte.it
Giornale a cadenza mensile. Terzo numero Ottobre 2014

SOMMARIO
Biennale Internazionale IL FALCO D‟ORO riaprono le iscrizioni per il 2016
Il genio dell‟informale: Pollock
Biografie d‟autore - scopri le loro opere
Speciale anteprima delle monografie Progetto Arte 2015 tutti i nomi
Ripercorriamo la storia
Le interviste agli artisti

Biennale Internazionale IL FALCO D’ORO
Riaprono le iscrizioni per il 2016
Dopo il grande successo del Concorso Biennale Internazionale IL FALCO D‟ORO
2014 SVOLTOSI a Serradifalco (CL) presso la Sala Conferenze dello storico Palazzo
Mifsud sito nel Centro Storico della cittadina, comune dell‟entroterra Siciliano,
riaprono le iscrizioni per il 2016.
Luogo e data esatta da destinarsi. Presto nel sito dell‟azienda l‟occhio del critico
www.consulenzeeventiarte.it verranno pubblicate tutte le modalità.
SEI UN PITTORE? UNO SCULTORE? UN FOTOGRAFO?UN POETA? Invia
all‟email: consulenzeeventiarte@gmail.com il tuo curriculum vitae e cinque foto
opere (nel caso della poesia, cinque poesie) per una preselezione e riceverai senza
nessun obbligo di partecipazione le modalità per aderire.

Jackson Pollock
Il genio dell‟informale
L‟artista Statunitense
(nella foto sopra).
Al mondo d‟oggi tutti parlano di Jackson Pollock come di un grande artista,
irrangiungibile artista famoso dal valore di mercato elevatissimo.
Vogliamo invece analizzare la Sua vita da un punto di vista umano, senza farci
accecare esclusivamente dai canoni tipicamente tecnici che lo hanno etichettato come
il genio dell‟informale?
Ogni artista se pur storico, è un essere umano, non bisogna vederlo come una star del
cinema: irrangiungibile. Pollock è senza dubbio il genio dell‟informale che
volgarmente chiamiamo “astratto”. Parliamo di un uomo con sentimenti, con
emozioni, con angosce e turbamenti che hanno segnato la Sua vita sino all‟attimo
della morte. Quest‟uomo così impulsivo, è riuscito a trovare se stesso attraverso la
realizzazione delle maggiori opere che ad oggi sono collocate nei Musei più
importanto al mondo e nelle collezioni privati di prestigiosi collezionisti.
Vogliamo ripercorrere le tappe della Sua vita? Vediamo cosa ci offre Wikipedia.

Jackson Pollock (Cody, 28 gennaio 1912 – Long Island, 11 agosto 1956) è stato
un pittore statunitense, considerato uno dei maggiori rappresentanti
dell'Espressionismo astratto oAction painting.
Infanzia e giovinezza
Pollock nacque nel 1912 a Cody, Wyoming, [1] ed era il più giovane di cinque fratelli.
Suo padre faceva l'agricoltore ed in seguito diventò un agrimensore alle dipendenze
dello stato. [1] Jackson trascorse la sua gioventù tra l'Arizona e la California e studiò
alla High School di Reverside e poi alla Manual Arts High School di Los Angeles,
dalle quali venne espulso per indisciplina.
Ebbe modo di entrare in contatto con la cultura dei nativi americani mentre
accompagnava il padre ad effettuare i rilevamenti. [1] Nel 1929, raggiungendo il
fratello Charles, si trasferì a New York, dove entrambi diventarono allievi del
pittore Thomas Hart Benton alla Art Students League. La predilezione di Benton per i
soggetti ispirati alla campagna americana non fece una grande presa su Pollock, ma il
suo ritmico uso del colore e il suo fiero senso di indipendenza ebbero invece su di lui
un'influenza duratura.
Il periodo trascorso a Springs e la sua singolare tecnica di
pittura
Nell'ottobre del 1945 Pollock sposò una nota pittrice statunitense, Lee Krasner, e il
mese successivo si trasferirono in quello che è ora conosciuto come il Pollock-
Krasner House di Springs, Long Island. Peggy Guggenheim prestò loro la somma
necessaria per pagare l'anticipo di una casa in legno con annesso un fienile, che
Pollock trasformò in un laboratorio. Fu lì che perfezionò la sua celebre tecnica di
pittura spontanea con cui faceva colare il colore direttamente sulla tela.
Pollock era stato introdotto all'uso del colore puro nel 1936, durante un seminario
sperimentale tenuto a New York dall'artista messicanospecializzato in murales David
Alfaro Siqueiros. Aveva quindi usato la tecnica di versare il colore sulla tela, una tra
le diverse tecniche impiegate in quel periodo, per realizzare all'inizio degli anni
quaranta quadri come Male and Female e Composition with Pouring I. Dopo essersi
trasferito a Springs iniziò a dipingere stendendo le tele sul pavimento del suo studio e
sviluppando quella che venne in seguito definita la tecnica del dripping [2] (in
italiano sgocciolatura). Per applicare il colore si serviva di pennelli induriti,
bastoncini o anche siringhe da cucina. La tecnica inventata da Pollock di versare e far
colare il colore è considerata come una delle basi del movimento dell'action painting.
Operando in questo modo si distaccò completamente dall'arte figurativa ed andò
contro la tradizione di usare pennello e cavalletto, decidendo inoltre di non servirsi
per il gesto artistico della sola mano; per dipingere usava tutto il suo corpo.

Nel 1956 la rivista TIME soprannominò Pollock "Jack the Dripper" [3] per il suo
singolare stile di pittura.
Il laboratorio di Jackson Pollock a Springs, New York.
Pollock come rispondeva alle interviste dei giornalisti dell‟epoca? Cosa pensava
veramente questo grande genio della pittura in azione?
Alcune tra le Sue più famose risposte che a mio parere sono complete e mettono in
luce tutto quanto lui provava nell‟attimo stesso di realizzare un opera. (Alessandro
Costanza critico e storico dell‟arte)
« Il mio dipinto non scaturisce dal cavalletto. Preferisco fissare la tela non
allungata sul muro duro o sul pavimento. Ho bisogno della resistenza di una
superficie dura. Sul pavimento sono più a mio agio. Mi sento più vicino, più
parte del dipinto, perché in questo modo posso camminarci attorno, lavorare
dai quattro lati ed essere letteralmente "nel" dipinto. È simile ai metodi dei
pittori di sabbia indiani dell'Ovest. »

Suo studio in una foto dell‟epoca.
Jackson Pollock ed Lee Krasner nel
« Continuo ad allontanarmi sempre di più dai soliti strumenti del pittore come
cavalletto, tavolozza, pennelli, ecc. Preferisco bastoncini, cazzuole, coltelli e lasciar
sgocciolare la pittura fluida o un impasto pesante con sabbia, vetri rotti o altri
materiali estranei aggiunti. »

« Quando sono "nel" mio dipinto, non sono cosciente di ciò che sto facendo. È solo
dopo una sorta di fase del "familiarizzare" che vedo ciò a cui mi dedicavo. Non ho
alcuna paura di fare cambiamenti, di distruggere l'immagine, ecc., perché il dipinto ha
una vita propria. Io provo a farla trapelare. È solo quando perdo il contatto con il
dipinto che il risultato è un disastro. Altrimenti c'è pura armonia, un semplice dare e
prendere, ed il dipinto viene fuori bene. »
Negli anni quaranta Pollock aveva assistito a delle dimostrazioni di sand
painting ("pittura con la sabbia") da parte di nativi americani. Anche i muralisti
messicani e la pittura automatica dei surrealisti ebbero una certa influenza sulla sua
arte. Pollock negava l'esistenza del "caso"; generalmente aveva un'idea precisa
dell'aspetto che una particolare opera avrebbe dovuto avere e per ottenerlo si serviva
del suo corpo, su cui aveva il controllo, unito al viscoso scorrere del colore, alla forza
di gravità e al modo in cui la tela assorbiva il colore. Si trattava dell'unione del
controllabile e dell'incontrollabile. Si muoveva energicamente attorno alle tele
spruzzando, spatolando, facendo colare e sgocciolare quasi in una danza e non si
fermava finché non vedeva ciò che voleva in origine vedere.
Gli studi di Taylor, Micolich e Jonas hanno analizzato la natura della tecnica di
Pollock, scoprendo che alcune opere presentano le stesse caratteristiche dei frattali e
che assomigliano sempre più a frattali con il passare del tempo e con il progredire
della sua carriera. Si spingono ad ipotizzare che in qualche modo Pollock potesse
essere consapevole delle caratteristiche del moto caotico e stesse tentando di ricreare
quanto percepiva come una perfetta rappresentazione del caos matematico più di
dieci anni prima che la stessaTeoria del caos fosse formulata.
Nel 1950 Hans Namuth, un giovane fotografo, si propose di realizzare un servizio che
ritraeva Pollock mentre era all'opera. Il pittore gli promise che avrebbe iniziato un
nuovo dipinto appositamente per il servizio, ma quando Namuth arrivò al laboratorio
Pollock gli andò incontro scusandosi e dicendogli che il quadro era già finito. Questa
la descrizione di Namuth del momento in cui entrò nel laboratorio:
« Una sgocciolante tela bagnata ricopriva l'intero pavimento... Vi
era totale silenzio... Pollock guardò il dipinto. Poi,
inaspettatamente, raccolse barattolo e pennello e iniziò a
muoversi attorno al quadro. Era come se avesse improvvisamente
realizzato che il quadro non era ancora finito. I suoi movimenti,
dapprima lenti, diventarono via via più veloci e più simili ad una
danza mentre scagliava pittura colorata di bianco, nero e ruggine
sulla tela. Si dimenticò completamente che Lee ed io eravamo lì;
sembrava non sentire il click dell'otturatore della camera
fotografica... Il mio servizio fotografico continuò per tutto il tempo
in cui dipinse, forse una mezz'ora. In tutto quel tempo Pollock non

si fermò. Come può una persona mantenere questo livello di
attività? Alla fine disse: «Ecco fatto». »
Gli anni cinquanta ed il periodo successivo
I quadri più famosi di Pollock sono quelli realizzati nel periodo del
"dripping" tra il 1947 e il 1950. Diventò molto noto in seguito alla
pubblicazione di un servizio di quattro pagine della
rivista Life dell'8 agosto 1949 che si chiedeva: «È il più grande
pittore vivente degli Stati Uniti?». Giunto al vertice della fama
Pollock decise improvvisamente di abbandonare lo stile che
l'aveva reso famoso. [5]
I suoi lavori successivi al 1951 si presentano con un colore più
scuro, spesso usa soltanto il nero, ed iniziano a reintrodurre
elementi di tipo figurativo. Pollock diventò molto apprezzato sul
mercato dell'arte e i collezionisti chiedevano con insistenza delle
nuove opere.
La morte
All'età di 44 anni, dopo aver lottato con l'alcool per tutta la vita, la
carriera di Pollock fu improvvisamente e tragicamente interrotta
l'11 agosto1956, quando perse la vita in un incidente stradale,
causato dal suo stato di ebbrezza, avvenuto a meno di un miglio
di distanza dalla sua casa di Springs. Con lui viaggiavano due
donne: la sua amante Ruth Kligman, sopravvissuta, e la di lei
amica Edith Metzger, deceduta. Il riconoscimento della salma di
Pollock venne effettuato, su incarico della Polizia, dall'amico
artista Conrad Marca-Relli, suo vicino di casa a East Hampton.
Dopo la sua morte, la moglie Lee Krasner amministrò il suo lascito
artistico, facendo in modo che la sua fama e la sua reputazione
rimanessero intatte, a dispetto del rapido succedersi delle mode e
dei movimenti nel mondo dell'arte contemporanea. Sono entrambi
sepolti al Green River Cemetery di Springs.
L'eredità
Attualmente la Pollock-Krasner House è di proprietà della Stony
Brook Foundation, una filiale no-profit della Stony Brook
University. Da maggio ad ottobre la casa e lo studio sono aperti
alle visite del pubblico.
Nel 2000 è stato girato un film biografico sulla vita dell'artista
intitolato Pollock. La realizzazione del film è stata ideata da Ed
Harris, che ha interpretato il ruolo di Pollock ed ha diretto la
pellicola. Grazie alla sua interpretazione di Lee Krasner, Marcia

Gay Harden ha vinto il Premio Oscar alla miglior attrice non
protagonista. Anche Ed Harris ha ricevuto nell'occasione una
nomination all'Oscar al miglior attore. Nella pellicola è anche
presente l'attrice, premio Oscar, Jennifer Connelly, nel ruolo
dell'amante di Pollock, Ruth Kligman.
Nel novembre 2006, l'opera di Pollock gay e/o lesbica l'attuale
proprietario sia un uomo d'affari e collezionista d'arte tedesco.
Tale primato è stato comunque superato nel 2012 dalla vendita
del quadro "I giocatori di carte" di Paul Cézanne per 250 milioni di
dollari alla famiglia reale Al Thani del Qatar. [6]
È in corso un dibattito per stabilire se ventiquattro tra dipinti e
disegni ritrovati nel 2003 in un armadio a Wainscott, New York,
siano effettivamente opera di Pollock. Alcuni fisici si sono chiesti
se l'analisi dei frattali sia utilizzabile per autenticare le opere.
L'analisi dei colori usati evidenzia che alcuni di essi non erano
ancora stati brevettati all'epoca della morte di Pollock, anche se
potrebbe esserseli procurati ugualmente da qualche
commerciante. La discussione non ha ancora prodotto risultati. [7][8]
Nel 2006, è stato realizzato un documentario intitolato Who the
Fuck Is Jackson Pollock? [9] in cui si parla del caso di una
camionista, di nome Teri Horton, che ha acquistato per cinque
dollari, ad un mercatino delle pulci, quello che potrebbe essere in
realtà un dipinto di Pollock del valore di svariati milioni.
Tecniche
La tecnica di pittura di Pollock è il "drip painting", uno stile che si
diffuse tra gli anni ’40 e ’60 del Novecento: è un modo di dipingere
in cui il colore viene fatto sgocciolare (drip in inglese)
spontaneamente, lanciato o macchiato sulle tele. L'opera che ne
risulta enfatizza l'atto fisico della pittura stessa. Pollock compie
l’opera con procedimenti automatici, gesti incondizionati e
spontanei, come i surrealisti. I suoi lavori non nascono come “arte
studiata” ma si affidano in parte anche a il caso, dipinge in modo
impulsivo e istintivo. Utilizzava degli smalti industriali molto
economici la cui marca “Duco” divenne poi anche famosa ed
usatissima.
Il rapporto con l'arte dei Nativi Americani
Nell'opera di Jackson Pollock è molto evidente l'influenza dell'arte
dei Nativi americani. Pollock e gli artisti nativi operano con
modalità molto simili; Pollock trae le proprie immagini direttamente
dall'inconscio, così come i nativi le traggono dal "mondo degli

spiriti"; si serve di un'estetica primitivista, diventa "parte" del
dipinto, similmente ai pittori con la sabbia nativi e mostra di
tendere verso temi pittorici universali. Essenzialmente,
paragonare l'arte di Pollock con quella dei nativi significa
esplorare lo stesso modello di linguaggio visuale e senza tempo.
Pollock iniziò ad essere influenzato dalla cultura nativa sin dalla
giovinezza trascorsa in Arizona, dove entrò in contatto con la loro
tradizione culturale orale, le loro cerimonie e i loro miti. Tutto
questo lo spinse, nel 1941, a visitare la mostra Indian Art and the
United States al Museo di Arte moderna. Qui vide la loro tecnica
della "pittura con la sabbia" e tornò varie volte per assistere alle
dimostrazioni pratiche che lì si tenevano. Questa forma d'arte,
praticata da stregoni in uno stato di estrema concentrazione o
simile a quello di trance, ebbe una grande influenza su Pollock
che, grazie ad essa, sviluppò la propria celebre tecnica
chiamata pouring; gli stregoni infatti erano usi versare sabbie
colorate su di una superficie piatta che potevano avvicinare da
ogni lato.
Questo modo di procedere era anche paragonabile al surrealismo
automatico, una tecnica con cui i dipinti vengono creati
"automaticamente". Un esempio di questa tecnica è rappresentato
da Meditation on an Oak Leaf, un'opera di Andre Masson che
Pollock ammirava moltissimo.
Pollock conosceva bene anche altre discipline molto "alla moda",
come la psicanalisi e il primitivismo che rappresentò un altro punto
di contatto con l'arte nativo-americana. Durante il periodo in cui
era in cura da uno psicanalista junghiano come terapia contro
l'alcolismo creò molti "disegni psicanalitici". Utilizzava poi questi
disegni per discutere con i medici del proprio stato mentale. Si
potrebbe dire che anche l'origine dei disegni -
l'inconscio/subconscio - fosse in effetti simile a quella degli artisti
nativi, che operavano in uno stato di allucinazione causato
dall'uso di droghe come il cactus di San Pedro che favoriva il loro
viaggio nel "mondo degli spiriti". Si tratta di uno stato mentale in
cui le vivide allucinazioni si combinano tra loro per comporre
immagini sia di tipo astratto che figurativo. Le rappresentazioni
che ne derivano del mondo degli spiriti presentano un'estetica
simile a quella dei disegni psicanalitici di Pollock perché entrambi
combinano appunto elementi astratti e geometrici che si originano
dai recessi più profondi della mente.

Le opinioni della critica
Il lavoro di Pollock è sempre stato al centro delle attenzioni della
critica ed ha suscitato importanti discussioni.
Harold Rosenberg ha detto del modo in cui Pollock ha cambiato il
modo di dipingere:
« Quello che doveva andare sulla tela non era un'immagine, ma
un evento. Il grande momento arrivò quando fu deciso di dipingere
"solo per dipingere". I gesti sulla tela erano gesti di liberazione dal
valore - politico, estetico, morale. »
Clement Greenberg apprezzò l'opera di Pollock sul piano formale,
in quanto si adattava bene alla sua visione della storia dell'arte
interpretata come una progressiva purificazione delle forme unita
all'eliminazione del contenuto storico. Vide quindi il lavoro di
Pollock come la migliore forma di pittura della sua epoca ed il
punto più alto della tradizione artistica occidentale che era giunta
a lui passando per Monet, Cézanne e il cubismo.
Esposizioni delle opere di Pollock dopo la morte dell'artista furono
patrocinate dal Congress for Cultural Freedom, un'organizzazione
che promuoveva la cultura e i valori statunitensi appoggiata
dalla CIA. Alcuni studiosi di posizioni liberali, tra cui Eva Cockcroft,
hanno sostenuto che il governo e la classe dominante hanno
adottato Pollock e l'espressionismo astratto con il preciso intento
di porre gli Stati Uniti in prima fila nel mondo globale dell'arte e
sminuire in questo modo il movimento del realismo
socialista. [10][11][12] Secondo le parole della Cockcroft, Pollock
diventò una delle "armi per combattere la Guerra fredda". [13]
L'opera Connoisseur del pittore Norman Rockwell [14] sembra un
commento allo stile di Pollock. Il dipinto rappresenta un uomo
elegantemente vestito in piedi di fronte ad uno dei quadri di
Pollock composti da spruzzi di colore. Il contrasto tra l'uomo e la
pittura di Pollock, insieme alla costruzione della scena, sembra
enfatizzare la differenza tra il relativamente incomprensibile stile di
Pollock ed una figura tradizionale e gli stili artistici figurativi, così
come simboleggia gli incredibili mutamenti nel senso estetico
introdotti dai moderni movimenti artistici.
Il movimento femminista ha criticato il maschilismo che sembra
caratterizzare l'espressionismo astratto, vedendo nell'opera di
Pollock la realizzazione delle fantasie fallocentriche del maschio
su delle tele simbolicamente poste in posizione supina. [10]

Altri, come l'artista, critico e autore satirico Craig Brown, si sono
dichiarati stupefatti che «dei poster decorativi fatti senza un
minimo di cervello abbiano potuto conquistare un posto nella
storia dell'arte al fianco di Giotto, Tiziano e Velázquez». [15]
Il Reynolds News in un titolo del 1959 ha scritto : «Questa non è
arte, è uno scherzo di cattivo gusto.»
Lista delle opere più celebri
(1942) Male and Female - Philadelphia Museum of Art
(1942) Stenographic Figure - Museum of Modern Art, New
York
(1943) Mural - University of Iowa Museum of Art
(1943) Moon-Woman Cuts the Circle
(1943) The She-Wolf - Museum of Modern Art, New York
(1943) Blue (Moby Dick) - Ohara Museum of Art
(1945) Troubled Queen - Museum of Fine Arts, Boston
(1946) Eyes in the Heat - Peggy Guggenheim
collection, Venezia
(1946) The Key - Art Institute of Chicago
(1946) The Tea Cup - Collection Frieder Burda, Baden
Baden
(1946) Shimmering Substance - Museum of Modern
Art, New York
(1947) Full Fathom Five - Museum of Modern Art, New York
(1947) Cathedral - Dallas Museum of Fine Arts, Dallas,
Texas, USA
(1947) Enchanted Forest - Peggy Guggenheim
collection, Venezia
(1948) Painting
(1948) Number 5 - Collezione David Martinez
(1948) Number 8
(1948) Summertime: Number 9A - Tate Modern, Londra
(1949) Number 3 - Hirshhorn Museum and Sculpture
Garden, Washington, DC, USA
(1949) Number 10 - Museum of Fine Arts, Boston
(1950) Number 1, 1950 (Lavender Mist) - National Gallery of

Art, Washington
(1950) Autumn Rhythm (Number 30), 1950 - Metropolitan
Museum of Art, New York
(1950) Number 29, 1950 - National Gallery of
Canada, Ottawa
(1950) One: Number 31, 1950 - Museum of Modern
Art, New York
(1950) No. 32 - Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen,
Düsseldorf, Germany
(1951) Number 7 - National Gallery of Art, Washington
(1952) Convergence - Albright-Knox Art Gallery, Buffalo
(1952) Blue Poles: No. 11, 1952 - National Gallery of
Australia, Canberra
(1953) Portrait and a Dream - Dallas Museum of Fine Arts,
Dallas, Texas, USA
(1953) Easter and the Totem - Museum of Modern Art, New
York
(1953) Ocean Greyness - Solomon R. Guggenheim
Museum, New York, USA
(1953) The Deep - Georges Pompidou Centre, Paris, France
Jackson Pollock ed Lee Krasner

Biografie d’autore
Parliamo di Claudio Paolo De Gregorio in Arte COG
Claudio Paolo De Gregorio in arte COG è nato a Porto Ceresio (VA) il 28.06.1953
Lo pseudonimo COG nasce agli inizi della Sua carriera. Quando inizio le esperienze
pittoriche soleva firmare le opere con l‟abbreviazione C.D.G. data però una
calligrafia non perfetta le persone leggevano la D come una O. Stanco di fornire
spiegazioni ha assunto lo pseudonimo COG.
Successivamente si trasferisce a Pescara dove attualmente vive ed opera.
Inizia ad occuparsi d'arte nel 1991, alternando linguaggi pop, neocubisti,
espressionisti e, da ultimo, aderendo ad un'arte concettuale, ironica e graffiante che
alterna composizioni molto colorate a quadri su fondo gesso-nero (cd. "lavagne).
Formatosi alla scuola di maestri del calibro di A. M. Galliani e del compianto Lucio
Spiezia di cui si definisce "L'allievo prediletto", ha partecipato a numerose
esposizioni personali e collettive e le sue opere sono state recensite da varie
pubblicazioni.
MOSTRE ED ESPOSIZIONI
• giugno 1996, prima personale Saletta Speriore Caffè "Mokambo"
di Pescara;
• 23.06.97 - 06.07.97, collettiva "Marina di Pescara";
• 11.08.97 - 20.08.97, mostra personale con il patrocinio del Comune di
Avezzano intitolata "La figura umana come spunto di introspezione";
• 21.03.99 - 28.03.99, collettiva presso la Galleria "Piergò art"
di Pescara;
• 04.07.01 - 18.07.01, mostra personale intitolata "Spigolature" Galleria
d'Arte e Design "Logos" di Roma;
• 24.07.01 - 27.07.01, mostra personale contestuale al 1° Torneo di
Scacchi "Giampaolo Coen" di Pescara;
• 19.07.01 - 31.08.01, collettiva permanente estiva Galleria "Logos"
di Roma;
• 29.09.01 - 11.10.01, collettiva intitolata "Variergarte" presso la
Galleria "Logos" di Roma;
• 10.12.01 - 24.12.01, collettiva per beneficienza "I nostri colori per ..."
presso l'Atrio del Teatro della Chiesa di S.Andrea di Pescara;

• 16.12.01 - 05.01.02, collettiva intitolata "Global Vision" presso la
Galleria "Matisse" di Roma;
• dicembre 2001, partecipazione con assegnazione di un premio al X
premio Nazionale di Pittura "G. D'Annunzio" di Pescara;
• 15.01.02 - 28.01.02, collettiva intitolata "Rifrazioni" presso la Galleria
"Matisse" di Roma;
• 12.02.02 - 23.02.02, mini personale intitolata "Lavagne" presso la
Galleria "Logos di Roma;
• 01.03.02 - 12.03.02, collettiva intitolata "Maschere e materie" presso la
Galleria "Logos" di Roma;
• 04.05.02 - 18.05.02, collettiva intitolata "Sagome visionarie" presso la
Galleria "Logos" di Roma;
• 17.05.02 - 20.05.02, partecipazione all' VIII° premio nazionale della
pittura "S. Pasquale Bajlon", con segnalazione;
• 07.06.02 - 19.06.02, collettiva intitolata "Diatonie" presso la Galleria
"Logos" di Roma;
• 03.08.02 - 11.08.02, collettiva intitolata "II fiume e le sue sponde"
presso lo spazio espositivo del "Lungo Fiume Sud" di Pescara con il
patrocinio del Comune di Pescara (segnalazione);
• 08.09.02 - 11.09.02, collettiva presso il vecchio Convento S.Nicola di
San Valentino in A.C.;
• 14.12.03 - 23.12.02, collettiva di beneficienza "I nostri colori per ..."
• 27.02.03 - 03.03.03, collettiva presso la Fiera Internazionale Artexpo
di New York:
• 26.02.03 - 08.03.03, collettiva "Metti una canzone in Cornice" di San
Remo;
• 21.03.03 - 27.03.03, collettiva AVIS ex Deposito Ferroviario Cosenza;
• 02.04.03 - 15.04.03, personale presso il complesso monumentale del S.
Carlo - Roma;
• 24.05.03 - 10.06.03, collettiva "Materie prime" Galleria "Logos" di

Roma;
• 25.10.03 - 07.11.03, ArtePadova 2003 - padiglione 5;
• 13.11.03 - 17.11.03, X Concorso Internazionale di Pittura e Grafia -
Sanremo;
• 16.07.04 - 18.07.04, collettiva d'Arte sacra - Beato N. Suplizio di
Pescara.
• 04.09.04 - 10.09.04, mostra antologica personale: 'Dall'espressionismo
alle lavagne'
Museo delle Genti d'Abruzzo - Pescara.
• 01.01.05 - 13.01.05, biennale d'Arte contemporanea, mostra collettiva:
'Il fuoco e l'artificio' - Roma.
• 01.07.05 - 17.07.05, 'Fantasmagorica', rassegna internazionale d'arte
fantastica contemporanea - Roma.
• 11.12.05 - 18.12.05, concorso di pittura e scultura 'G. D'Annunzio' - 4°
Premio assoluto nella scultura con l'opera 'Coppia'.
• 16.06.06 - 15.09.06, Biennale del Disarmo, mostra collettiva, Milano.
• 14.07.06 - 20.07.06 Mostra d'arte sacra - Chiesa del Beato Nunzio,
Pescara.
• 12.08.06 - 12.09.06 Mostra d'arte sacra - Santuario del Beato Nunzio,
Pescosansonesco.
• 22.10.06 - 28.10.06 Premiato al XIV concorso nazionale di Pittura e
Scultura 'G. D'Annunzio' Pescara.
• Luglio 2010. Premiato al Concorso Internazionale di pittura ART
MUSEUM.
• Ottobre 2010. Mostra collettiva "La materia nello spazio urbano"
MEDIAMUSEM Pescara.
• Agosto 2013. Mostra antologica personale di pittura. Castello di
Crecchio (Ch).
• Ottobre 2013. Mostra collettiva di Pittura Cral Giustizia Pescara,
presso Tribunale di Pescara.

Di COG e della sua pittura si sono occupate anche varie pubblicazioni
specializzate, tra le quali:
- Annuario Mondadori 2002 - 2003
- Avanguardie Artistiche 2004
- Dizionario Enciclopedico Internazionale d'arte 2002 - 2003
- ART (Edizioni Regard) prestigioso volume d'arte stampato in Francia
dedicato ai principali artisti dal XV al XXI secolo.
Le sue opere sono state recensite da:
Paolo Levi, Simotti, Spada, Valignani, Baitello, Alessandro Costanza.
Di COG e della sua pittura si sono occupate varie pubblicazioni
specializzate, tra le quali:
L'Annuario Mondadori 2002 - 2003
Avanguardie Artistiche 2004
Il Dizionario Enciclopedico Internazionale d'arte 2002
- 2003
ART (Edizioni Regard) volume d'arte dedicato ai
principali artisti dal XV al XXI secolo.
ART è un prestigioso volume d'arte della casa editrice francese Regards
dedicato ai principali pittori dal XV al XXI secolo. Pubblicando su un'intera
pagina una delle più significative opere di COG (La Marcia degli imbecilli) gli
autori scrivono:
Cog a traversé les courants artistiques et atteint sa pleine dimension expressive.
Entre ironie et tèmoignage il dèpeint l'humanitè telle qu'il la perçois avec ses travers
et ses faiblesses. Spontanèe e vivante, la peinture de Cog nous renvoie à notre propre
image...

Cog ha attraversato le correnti artistiche raggiungendo la sua piena
dimensione espressiva.
Tra ironia e testimonianza egli dipinge l'umanità così come la percepisce con
le sue traversìe e le sue debolezze. Spontanea e vivace la pittura di Cog ci
rimanda alla nostra propria immagine...
La marcia degli imbecilli - tecnica mista - 50x70 – 2001
L‟artista sarà presto presente nella monografia dedicata alla Sua arte denominata
“Progetto Arte 2015” che verrà resa disponibile all‟acquisto entro la fine del 2014 in
tutte le migliori librerie italiane tra cui La Feltrinelli, Mondadori, Amazon, e la
versione elettronica in PDF su Google Play Store.

Biografia del M° Federico Tamburri
Federico Tamburri nato il 06 Ottobre 1949 ad Atri (TE) ove vive ed opera.
Pittore, scultore, grafico poeta e Maestro Vetraio, ha studiato al Liceo Artistico ed
alla Facoltà di Architettura di Pescara. Dal 1977 Direttore Artistico della “CAMPER”
dove assieme alla moglie produce vetrate artistiche per il Sacro e per l‟arredo. In
questo settore ha prodotto vetrate policrome tessute a piombo, dipinti con grisaglie a
base di ossidi, cotte a gran fuoco (600° circa); vetrate collocate in edifici pubblici e
privati; opere situate in tutto il mondo di cui tra le più importanti:
Moschea di GEDDA (dimensione dell‟opera 240 mq) (Arabia Saudita).
Chiesa parrocchiale Madonna di Lourdes in ETIOPIA.
Cappella nuova stazione ferroviaria di Pescara.
Cappella della Marina militare di ANCONA.
Caserma di PT “IV” Novembre della Guardia di Finanza di Ostia Lido (Roma).
Sala Inkostatt MOSCA (Russia).
Suchi bar ASTANA (Kazakistan).
Thaj bar ALMA ATA (Kazakistan).
Vetrate per civile abitazione OSAKA (Giappone).
Vetrate per civile abitazione AMBURGO (Germania).
Vetrate per civile abitazione COBLENZA (Germania).
Vetrate per civile abitazione GEDDA (Arabia Saudita).
Vetrate per civile abitazione SALVADOR DE BAHIA (Brasile).
Vetrate per civile abitazione LUGANO (Svizzera).
Vetrate per civile abitazione TORONTO (Canada).
Vetrate per civile abitazione SALONICCO (Grecia).
Vetrate per civile abitazione OMSK (Russia).
Vetrate per civile abitazione PARIGI (Francia).

Chiesa San Antonio FEIRA De SANTANA (Brasile).
Gioielleria Sauro Girombelli MONACO di BAVIERA (Germania).
Chiesa Sacra Famiglia di Saronno (VA).
Chiesa S. PIO V ROMA.
Chiesa S. Barbara ROMA.
Santuario S. Maria dei Padri Mercedari di Carpignano di Grottaminarda (AV).
Chiesa Madonna del Carmine Ariano Irpino (AV).
Chiesa S. Maria Assunta Silvi Marina (TE).
Chiesa Beato Nunzio Sulprizio PESCARA.
Chiesa S. Maria a Porchiano NAPOLI.
Chiesa Madonna del cucito Riccò di Tresana Nave di Bargallo (MS).
Santuario del Miracolo Eucaristico Lanciano (CH).
Chiesa S. Antonio TERAMO.
Convento P. Pio Chiesa Sacra Famiglia (mosaici) Pietrelcina (BN).
Santuario Madonna dei Bisognosi Perano (AQ).
Santuario di Pietracquaria Avezzano (AQ).
Duomo S. Massimo L‟Aquila.
Chiesa San Domenico Sulmona (AQ).
Chiesa San Giovanni Battista già San Domenico Atri (TE).
Chiesa S. Nicola Atri (TE).
Chiesa S. Agata già S. Filippo Neri Sulmona (AQ).
Chiesa San Pasquale Ostra Vetere (AN).
Chiesa S. Antonio di Padova S. Benedetto del Tronto (AP).
Chiesa S. Francesco d‟Assisi Bari.

Chiesa Buon Pastore Bari.
Chiesa Santa Chiara Spinazzola (BA).
Istituto Nostra Signora Pescara.
Chiesa Santa Barbara Chieti.
Istituto dei Salesiani Macerata.
Istituto Opere Antoniane Cutrofiano (LE).
Chiesa Sant‟Agnese Pineto (TE).
Chiesa S. Rocco Vicoli (PE).
Chiesa San Michele Arcangelo Ancona.
Chiesa S. Felice Vastogirardi (IS).
Chiesa S. Lucia V.M. Montemitro (CB).
Chiesa Santa Maria Immacolata Galugnano (LE).
Opera di S. Tommaso Apostolo Ortona (CH).
Chiesa S. Cosma e S. Damiano Caprara d‟Abruzzo (PE).
Opere pittoriche sono presenti in diversi Musei:
Civica Raccolta d‟Arte ROSETO degli Abruzzi (TE).
Museo Didattico degli Strumenti Musicali Medioevali e Rinascimentali ATRI (TE).
Pinacoteca di S. Giuliano di Puglia (CB).
Fondazione Villa Parnaso GONZAGA (MN).
Museo Nazionale “Gli Etruschi” VADA (LI).
Sala Assicurazioni Generali VENEZIA (VE).
National Art Gallery KUALA LUMPUR (MALAYSIA).
Sharyah Art Museum SHARYAH (Emirati Arabi).
Galleria “Centro Storico”FIRENZE (FI).

Galleria “Il Ponte” ROMA (RM).
Palazzo dei Duchi d‟Acquaviva ATRI (TE).
MOSTRE e RASSEGNE d'ARTE del M° FEDERICO TAMBURRI
001 - I Collettiva di pittori atriani (Palazzo Ducale) ATRI (TE) 1973.
002 - XXVII Mostra Internazionale di pittura F. P. Michetti FRANCAVILLA al
Mare (CH) 1973.
003 - XXVIII Mostra Internazionale di pittura F. P. Michetti FRANCAVILLA al
Mare (CH) 1974.
004 - IV Concorso Internazionale di pittura del piccolo formato CHIETI 1974
(segnalazione speciale).
005 - Mostra di pittura Castello di Balsorano - BALSORANO (AQ) 1974.
006 - Premio Internazionale di pittura II edizione PESCARA 1974 (premiato).
007 - Ente Biennale "G. D'Annunzio" II premio di pittura PESCARA 1974.
008 - Premio Internazionale di pittura III edizione PESCARA 1975 (premiato).
009 - III premio Internazionale di pittura " Città di Ortona" ORTONA (CH)
(premiato) 1 Novembre 1975.
010 - Concorso di pittura "Prisma 80" GENOVA 1976.
011 - III Gran Premio Nazionale di pittura "Città di Giulanova" Galleria d'Arte "LO
SCACCO" GIULIANOVA LIDO (TE) 1977.
012 - Mostra d'Arte e Artigianato atriano ATRI (TE) 1977.
013 - II Incontro Regionale di pittura "Città di Chieti" CHIETI 1978 (premiato).
014 - Personale alla Galleria "La Piccola di Balocco" TORINO 1978.
015 - II Incontro Regionale di pittura, scultura e grafica Autunno-Inverno Cento
Culturale Giano PESCARA 1979.

016 - VII Concorso Nazionale di pittura e scultura "Premio G. D'Annunzio"
MONTESILVANO (PE) 1979.
017 - Premio Nazionale di pittura e scultura "Trofeo Luigi Van Vitelli Città di
Caserta" CASERTA 1980 (premiato).
018 - VI Premio Internazionale "G. D'Annunzio" PESCARA 1980 (premiato)
019 - Collettiva di pittura e scultura CHIETI 1980 (premiato).
020 - VII Premio Internazionale "G. D'Annunzio" PESCARA 1980 (premiato).
021 - Collettiva di pittori abruzzesi GAGLIANO ATERNO (AQ) 1980 (premiato).
022 - VIII Concorso Nazionale di pittura e scultura "Premio G. D'Annunzio
MONTESILVANO (PE) 1980.
023 - Rassegna d'Arte Sacra CHIETI 1980.
024 - II Premio Internazionale di pittura PRATOLA PELIGNA (AQ) 1980.
025 - V Premio Internazionale di pittura sul tema "Emigrazione" e "Libero"
PRATOLA PELIGNA (AQ) 1981.
026 - Premio Biennale di pittura "Città di Alatri" ALATRI (FR) 1981.
027 - I Premio Concorso Nazionale di pittura e grafica fantastica CHIETI 1981.
028 - V Premio del piccolo formato "G. De Nittis" Galleria d'Arte Golia BARLETTA
(BA) 1981.
029 - Collettiva di pittura "Circolo degli Amici" ATRI (TE) 1982.
030 - VIII Premio Internazionale di pittura sul tema "Emigrazione" e "Libero"
PRATOLA PELIGNA (AQ) 1984.
031 - I Mostra Collettiva "AtriArte" ATRI (TE) 1985.
032 - I Mostra Concorso Nazionale Arti Figurative e del miniquadro DERUTA (PG)
1986.

033 - II Mostra Concorso Nazionale Arti Figurative PERUGIA 1986.
034 - Collettiva di pittura Centro d'Arte "Parnaso" PESCARA 1987.
035 - Luci e Colori a Venezia poetiche a confronto Sale Assicurazioni Generali
Piazza S. Marco VENEZIA 1988.
036 - VIII Concorso Nazionale di pittura, scultura e grafica PONZANO VENETO
(TV) 1988.
037 - XIII Concorso Nazionale di pittura e grafica "Cristoforo Marcaroli"
SALSOMAGGIORE TERME (PR) 1988.
038 - Natale a Perugia, I Concorso Nazionale del Miniquadro e della piccola
Scultura e della Poesia PERUGIA 1988.
039 - I Mostra Concorso Nazionale Arti Figurative "Città di Giulianova"
GIULIANOVA LIDO (TE) 1988.
040 - Concorso Internazionale d'Arte "San Giovanni Bono" PONTE ABBADESSE
CESENA (FO) 1988.
041 - Pescara nella Poetica D'Annunziana (casa del Poeta) PESCARA 1989.
042 - Perugia nella storia e nell'arte contemporanea" PERUGIA 1989.
043 - II Edizione Premio "Agazzi" di pittura Città di Mapello MAPELLO (BG)
1991.
044 - IX Gran Premio Internazionale di pittura MARTINSICURO (TE) 1992.
045 - I Concorso Internazionale di pittura "Jacopo da Ponte" BASSANO DEL
GRAPPA (VI) 1992.
046 - Maestri Italiani del Colore AMSTERDAM (NL) 1992.
047 - III Concorso Internazionale di pittura FORLI' 1992.
048 - Javits Convention Centre ARTEXPO, Fiera Internazionale d'Arte
Contemporanea NEW YORK (USA) 1992.

049 - Art Bujers Caravan Apparel Hart ATLANTA (USA) 1992.
050 - Art Bujers Caravan hjatt Regencj DFW DALLAS (USA) 1992.
051 - Premio d'Arte "Colombo 500" SANREMO (IM) 1992.
052 - Oscar "93" Galleria d'arte "Centro Storico" FIRENZE1993.
053 - The 3rd TIAS Trade Centre Harumi TOKYO 1993.
054 - Mostra al "Gran Caffè Schenardi" VITERBO 1993.
055 - Trofeo della Russia '93, Mostre a SAN PIETROBURGO ed a MOSCA 1993.
056 - Premio di pittura "Città di Viareggio" VIAREGGIO (LU)1993.
057 - Premio di pittura "Le Grand Arc" de la Defense PARIGI (F) 1993.
058 - Premio Mundial Centenario Joan Mirò BARCELLONA (E) 1993.
059 - Premio Pegasus Magia Arte Hotel dei congressi ROMA 1994.
060 - Personale alla X Biennale Europea PARIGI (F) 1994.
061 - London Art Season Premio Internazionale "Lingotto d'Argento Europa"
LONDRA (GB) 1994.
062 - Rassegna Nazionale Arti Figurative Marina di Pescara , Porto Turistico
PESCARA 1994.
063 - Premio "La Serenissima" Mostra Città Di Venezia, VENEZIA 1995.
064 - Personale alla Galleria "S. Rocco" COLORNO (PR) 1995.
065 - Premio Biennale di Venezia, VENEZIA 1995.
066 - Le Prix Paris, Salone Renoir rue Amlot PARIGI (F) 1996.
067 - Premio Quadriennale di Roma, Galleria L'Agostiniana ROMA 1996.
068 - Collettiva "Il Ricambio Generazionale" Galleria del Sempione ARONA (NO)
1996.
069 - Mostra di pittura Atri in Arte ATRI (TE) 1997.

070 - XXVIII Premio Primavera, Mostra Nazionale di pittura e B\N FOGGIA 1997.
071 - Premio Internazionale "Athena" '97 CATANIA 1997.
072 - Concorso Nazionale di pittura e grafica Città di Milano, MILANO 1998.
073 - Gran Premio Felsina "La Dotta" Bologna, Concorso Internazionale di pittura,
grafica e scultura BOLOGNA 1998 (I° Premio).
074 - Premio Città di Novara, Concorso di pittura, grafica e poesia NOVARA 1998
(I° Premio per la grafica):
075 - Grand Prix de la Cote d'Azur Nice, Radisson sas Hotel Nice NIZZA (F) 1998.
076 - Trofeo Città di Padova '98 PADOVA 1998.
077 - I Biennale dei Dogi Città di CAMOGLI, Portofino Coast, Golfo Paradiso (GE)
1998.
078 - Premio Calabria Cultura e turismo, Castello dei Ruffo di Scilla, Manifestazione
Internazionale di arte, lettere, fotografia e video REGGIO CALABRIA 1998.
079 - International Prix Art in the World '99, Grand Hotel Olivi SIRMIONE (BS)
1999.
080 - Oscar Europa Arte '99, Rassegna Internazionale di pittura, grafica, scultura e
naive, Sala mostre Antoniano BOLOGNA 1999.
081 - X Gran Premio Internazionale di pittura, grafica, scultura e naive BOLOGNA
1999 (I° Premio speciale giuria).
082 - Conferimento del Telegatto Arte '99 per la pittura A,C.A. del Q.M. MILANO
1999.
083 - Rassegna di pittura, scultura, grafica e poesia "Confronti", Galleria d'Arte
Moderna "ALBA" FERRARA 1999.

084 - Collettiva di scultura, Atelier Belle Arti Centofiere VILLAPOTENZA (MC)
Maggio 1999.
085 - IV Concorso Internazionale di pittura e scultura "Biscione Visconteo", Mostra
al teatro del castello GRAZZANO VISCONTI (PC) 1999.
086 - MAC 21 Istituto Diffusione Arte en MAC 21 Feira Internacional de Arte
Contemporaneo, Centro de Exposiciones sur Explanada de la Estacion , costa del sol
MALAGA (E) julio de 1999.
087 - LIFA (Langkawi International Festival of Art) Hotel Sheraton LANGKAWI
(MALAISYA) Ott-Nov 2000.
088 - LIFA (Langkawi International Festival of Art) Hotel Andman LANGKAWI
(MALAISYA) Ott-Nov 2000.
089 - Proposte per il collezionismo del III millennio "Gli artisti del Salotto dell'arte
FIORANO (MO) Dic-Gen 2001.
090 - Rassegna Internazionale '01, Mostra d'Arte al Palagio di parte Guelfa,
FIRENZE Giugno 2001.
091 - Rassegna Internazionale '01, Mostra d'Arte al Palazzo Barberini, ROMA
Giugno 2001.
092 - V Trofeo Remo Brindisi, Galleria il Ponte, ROMA Aprile 2002.
093 - Premio Capitolium Campidoglio ROMA Maggio 2002.
094 - Collettiva di pittura Hotel Cala Blanca, Figueral, IBIZA Baleares (E) Luglio
2002.
095 - Mostra di Pittura Grand Hotel San Pietro, PALINURO Ago-SEt 2002.
096 - Mostra "OLtre il muro" "Hinter der Mauer" Galerie Pinna BERLINO (D) Ott-
Nov 2002.
097 - Mostra KontemporArte Marriott Hotel Cape d'Ail MONTECARLO 19 Dic
2002-2 Gen2003.

098 - Coulers et Form, Collettiva di artisti italiani contemporanei Atelier Gustave
PARIS 24 Febbraio - 08 Marzo 2003.
099 - Premio Capitolium Area Museale dell'Esercito ROMA 23-30 Aprile 2003.
100 - Mostra alla Galerija Laurus LOUVRAN (CROAZIA) 17 - 30 Maggio 2003.
101- Mostra collettiva Espressioni - Galleria Omnia Arte - SILVI MARINA (TE) -
Giugno 2003.
102 - Mostra Hotel Sheraton R. Latino Coelho,1 LISBONA (PORTOGALLO) -20
Giugno - 5 Luglio 2003.
103 - Mostra al Marriott Hotel Rue A. Orts 3-7 B - BRUXELLES (BELGIO) - 25
Ottobre - 27 Novembre 2003
104 – Mostra d‟arte della solidarietà per “Corte Samuele” di Frate Tonino 19
Dicembre 2003 - 11 Gennaio 2004 Area Expo CEREA (VR).
105 - Rassegna di Mail Art “L‟Arcobaleno degli angeli” Palasport di San Giuliano
di Puglia (CB) 26 Ottobre 2003 – 04 Gennaio 2004.
106 - The Space 15 Dover Street – LONDRA (GB) Gennaio 2004.
107 - Premio Capitolium Hotel Bernini Bristol P.zza Barberini 23 ROMA - 20/27
Marzo 2004.
108 – Mostra Attimi di emozioni Ramada Hotel – AMSTERDAM (NL) – Aprile-
Maggio 2004.
109 - Mostra Personale al 41° Premio Nazionale di Arti Figurative “Città di
LEGNAGO – CEREA (VR) 06-27 Giugno 2004 Padiglione “A” Expofiere di
CEREA.
110 – Mostra Galleria Zelezna PRAGA (CZ) –Settembre ottobre 2004
111 - Primo premio internazionale “FEDERICO II” BARI dal 020405 al 08 04 05
112 – FOGGIA palazzetto delle arti dal 16-04-05 al 22-04-05

113 – Castello di Oria BRINDISI dal 01-05-05 al 06-05-05
114 – Il Castello LECCE dal 14-05-05 al 20-05-05
115 – Primo premio nazionale Milord GROTTAGLIE (TA) dal 04-06-05 al 11-06-05
116 – ContemporaneArte Palazzo Comunaledi VETRALLA (VT) 11 – 19 Giugno
2005.
117 – Galleria Tveckaya MOSCA (RU) 28 Giugno – 12 Luglio 2005.
118 – ALITALIA per l „Arte Sala AMICA Scalo Nazionale – Aeroporto Leonardo da
Vinci - FIUMICINO (RM) Agosto – Novembre 2005.
119 – Galleria “Il Sorpasso” BUSALLA (GE) 04 – 11 Marzo 2006.
120 - Galleria “ Socrate” TODI (PG) _13 – 25 Aprile 2006.
121 – Mostra antologica d‟Arte Multiversale “Il Pescatore di Stelle” Museo d‟Arte
Moderna “Vittoria Colonna” 01- 20 Luglio 2006 PESCARA
122- Personale alla Casa della Cultura Spoltore sotto le stelle Spoltore agosto 2007
(PESCARA)
123 – Mostra d‟arte Palauniverso Silvi Marina 09 – 24 maggio 2009 Silvi Marina
(TERAMO)
124 – Collettiva “Viaggio tra Forme, Colori, Emozioni” Città Sant‟Angelo
(PESCARA) Palazzo Neri 18/26 luglio 2009.
125 - Mostra “Fra tradizione e innovazione” Pinacoteca Comunale “Massimo
Stanzione” Palazzo Ducale ”Sanchez de Luna D‟Aragona” S. Arpino (CASERTA)
25/06- 11/07 2011
126 – XXII Mostra Mercato d‟Arte Moderna e Contemporanea PADOVA 2011
127 – “Luci Colori e forme del Terzo millennio” Cetro d‟Arte San Vidal Campo
San Zaccaria 04 10 maggio 2012 VENEZIA
128 – XXIII Mostra Mercato d‟Arte Moderna e Contemporanea PADOVA “012
129– Mostra collettiva “ Linee artistiche a confronto” Galleria “La Pigna 16/22
marzo 2013 ROMA
130 – “Dialogando con la Biennale” Centro d‟Arte San Vidal Campo San Zaccaria
29 giugno 10 luglio VENEZIA

131 – Arte Capri Galleria d‟Arte “ANACAPRI” 05- 13 ottobre 2013 – ANACAPRI
(NA)
132 - XXIV Mostra Mercato d‟Arte Moderna e Contemporanea PADOVA “013.
133 – Natale a Napoli – galleria d‟Arte Chiatamone 57 – 21/30 dicembre 2013
NAPOLI.
134 – 1 Biennale della Creatività Palaexpo Verona 12-16 febbraio 2014 VERONA
135 – Premio Conca d‟Oro Tributo alla Sicilia 1/31 marzo 2014 Ex Monastero dei
Benedettini MONREALE (PA)
136 – TERRA ARIA FUOCO ACQUA Impatto del Cantico delle Creature
Sull‟uomo moderno 5/14 aprile 2014 Galleria “La Pigna” ROMA
137 – ROYAL ARTS ARCADE (ROA) GALLERY Pall Mall street 19/ 26 aprile
2014 LONDRA
138– Mostra Ri-forme artistiche 31maggio/14 giugno 2014 Galleria 20 TORINO
139 – Terra, Aria, Fuoco, Acqua, impatto del “Cantico delle Creature” sull‟uomo
moderno Galleria la Pigna ROMA 16 giugno 2014
140 - TERRA ARIA FUOCO ACQUA Impatto del Cantico delle Creature Sull‟uomo
moderno 7/16 giugno 2014 Pinacoteca d‟arte “Le Porte” NAPOLI
141 - Premio Cavalieri di Malta O.S.J. Club- Casino Maltese 19/25 luglio 2014 La
Valletta MALTA
142 - TERRA ARIA FUOCO ACQUA Impatto del Cantico delle Creature Sull‟uomo
moderno 19/28 luglio 2014 Centro d‟Arte San Vidal VENEZIA
143 - Personale alla Galleri “Anacapri” 6/19 agosto 2014 isola di Capri
NAPOLI
144 - prossime mostre in preparazione: Spoleto incontra Venezia palazzo
Falier 27sett/ 24ott 2014
145 Biennale di Parigi 5/8 dic 2014
Recapiti dell’artista:
Viale Risorgimento 10 - 64032 ATRI (TE) Tel. 085.87363 - Cell. 340.8228313
federico.art@tiscali.it

Hanno scritto sull’artista i sotto elencati critici d’arte
Angelo Balocchi
Alessandro Costanza
Assogna Ugo
Belgiovine MariaRosaria
Caggiano Antonio
Camplone Massimo
Carlino Serena
Chetta Francesco
Cipollini Piergiorgio Maria
Crapanzano Angelo
D'Arcangelo Ottavio
De la Riva y Marin Enrique
Di Diodoro Sergio
D’Intinosante Roberta
Dommarten Guichard Jean
Falossi Giorgio
Farrel Martin
Ferrante Anton Giulio
Finizii Emilia
Giunco Mario
Lamperini Renato
Lepri Luciano
Levi Paolo

Manco Carmine
Marcone Emilio
Marucci Italo
Mazzetti Carolina
Migone Vincenzo (Vingae)
Monaco Maria Paola
Montanaro Gennaro
Montane’ Joan Lluis
Pasolino Alfredo
Perdicaro Salvatore
Pinto Rosario
Premoli don Alfredo
Proterra Rosanna
Rubini Aleardo
Scandolo Serenella
Scarfogliere Angelo
Soccio Zito
Tamburri Mario
Tode William
Varallo Franca
Varani Alberto
Venturoli Marcello
Zanni Pino Ulisse

Giudizio critico su Federico Tamburri a cura del Dott. Alessandro Costanza
storico dell’arte
L‟arte di Federico Tamburri racconta meravigliose scene di carattere metafisco e
surreale dall‟impatto fortemente emozionale ed introspettivo.
Nelle Sue opere possiamo ammirare attimi della mitologia greca romana, e dalle
forme anatomiche e strutturali che percorrono divinità e concetti chiave di una pittura
magistralmente e tecnicamente elevata.
Una forma espressiva di carattere figurativo, sfuma nelle composizioni e nelle
prospettive conferendo risalto ai soggetti composti da luci ed ombre sapientemente
amministrate e distribuite sulla superfice pittorica.
Un ampio panorama quello proposto dall‟artista che risulta per qualità tecnica ed
innovazione uno degli artisti viventi più importanti al mondo classificabile come
artista metafisico e surreale.
Una perfetta fusione di tecniche dalla cromia accesa e ben accostata, con una
tavolozza ricca di tinte che variano dai blu con tutte le sue sfumature al rosso ed al
giallo con relative tonalità derivanti, caratterizzano questa immensa ed epica pittura
che non solo compisce lo spettatore, ma ha la grande forza espressiva di portarlo con
se in un mondo composto da divinità greche romane, attimi di apocalittica visione,
fiamme che divampano e che fondono i loro misteri e segreti in un contesto dove la
musica diviene epica, e l‟epica prende forma imponente ed estremamente
affascinante.
Federico Tamburri è un vero maestro del mistero, dal fascino intriso in ogni soggetto
rappresentato, ed ecco che ogni dipinto è uno squarcio aperto verso orizzonti
all‟umano occhio lontani ed al profondo sentimento creativo, assai vicini.
I sogni prendono forma, le visioni oniriche sono tangibili nelle forme e nei colori, le
pagine di storia epica sono realtà visive, e le poetiche visioni sono mete da percorrere
insieme a chi accetta questo meraviglioso e colorato mondo.
Da un attenta analisi critica emerge chiaramente che il Maestro Tamburri possiede
non solo una preparazione accademica al disegno ed all‟incisione (vedi le opere
grafiche realizzate) ma anche un immensa preparazione espressiva che affonda le sue
radici nella storia dell‟arte di cui evidentemente conosce ogni recondito segreto
tecnico ed applicativo.
Federico Tamburri supera le barriere tridimensionali, oserei definirlo un artista che
possiede la capacità tecnica di rappresentare concetti e intere pagine di storia in

composizioni surreali (rappresenta mani che si trasformano in serpenti, persone che
da lingue di fuoco prendono forma e dal fuoco si disgregano divenendo aria) a dir
poco museali dall‟elevata qualità espressiva dall‟anatomia accademica ed al tempo
stesso originale.
Composizioni che portano lo spettatore delle Sue opere in un avventura quasi
fiabesca, in contesti storici ed isole apparentemente lontane dal quotidiano fluire
degli avvenimenti.
Un chiaro, vivo richiamo è dato alla natura, con tutti gli elementi che la compongono.
Non mancano infatti tematiche ricorrenti che ritraggono ACQUA, FUOCO, ARIA E
TERRA che sostiene e da vita all‟essere. L‟essere inteso come uomo, come donna,
come animale, cavallo, creatura che evolve e che assume sembianze sempre diverse
in base al concetto chiave che desidera esprimere nell‟atto di realizzazione pittorica.
Dunque un magistrale artista, che non ha bisogno commenti se non quello di carpire
il significato intenso e profondo rappresentato in ogni Suo soggetto, in ogni scena, in
ogni attimo vissuto e che aspetta ognuno di noi per rivivere all‟infinito come infinito
è il ciclo delle stagioni e dell‟alternarsi della vita e della morte, le stesse emozioni,
mentre il pianeta Terra assiste a mutevoli cambiamenti che non perderanno mai la
loro naturale e meritata storicità. La storicità di Federico Tamburri.
Fuori cornice matita e pastello 30 x 40 cm
Meccanica di un apocalisse acrilico 60 x 70 cm

Il Maestro Federico Tamburri sarà presente nella collana di storia dell‟arte
contemporanea denominata “Progetto Arte 2015” con una monografia a Lui dedicata.
Reperibile prossimamente (entro la fine del 2014) in tutte le migliori librerie italiane
e store online di oltre 1900 circuiti di vendita libri e versione elettronica in comodo
PDF ebook su GOOGLE PLAY STORE.
Ferdinando Ragni
Note biografiche:
Ferdinando Ragni nasce a Collamato, un paesino dell‟entroterra marchigiano, alle
falde dei monti Appennini il 10 Agosto 1943.
Sin da bambino mostra la Sua passione e le Sue capacità artistiche, disegnando con
dei pezzi di carbone sui muri della casa del nonno, paesaggi e personaggi fantastici.
Già nelle scuole elementari partecipa a piccoli concorsi locali e vince un primo per
aver illustrato un racconto del libro “Cuore”.
Frequenta l‟Istituto Tecnico Industriale di Fabriano ed una volta diplomato, lavora
prima a Milano poi si trasferisce, sempre per lavoro, in Somalia a Mogadiscio.
Le atmosfere africane e gli straordinari tramonti, risvegliano in Lui la vecchia
passione, tra l‟altro mai sopita per il disegno e la pittura.
Incontro con l‟arte del pittore Bruno Disopra lo stimola a presentare la Sua prima
personale all‟Italian Club di Mogadiscio.
Sempre in Somalia partecipa a varie manifestazioni artistiche vincendo premi e con
l‟esposizione permanente delle Sue opere alla S. M. O. di Mogadiscio.
Rientrato in Italia si trasferisce in Sardegna dove lavora come agente di commercio.
Le splendide coste, gli aspri paesaggi interni, le rocce, gli alberi contorti dal vento, gli
fanno amare questa terra così bella e così diversa. In una mostra collettiva a Cagliari,
conosce il Maestro Fantini che lo stimola a continuare la strada intrapresa ed a
perfezionare la Sua tecnica. Essendo autodidatta e sempre alla ricerca della
perfezione si cimenta nella riproduzione dei Maestri del passato con ottimo successo.
Partecipa a vari concorsi, nazionali ed internazionali con premi e riconoscimenti.
La Sua pittura figurativa esprime la poesia della natura e l‟arte della realtà che ci
circonda. Guardando le Sue opere si entra in contatto con le emozioni più profonde
dove le immagini coinvolgono lo stato d‟animo dell‟osservatore in un senso di
avvolgente serenità.

CONCORSI E PARTECIPAZIONI
1960/66 Partecipazione a vari concorsi di disegno e pittura a carattere regionale
(Fabriano, Ancona) con riconoscimenti e premi.
1966 Mostra personale all‟Italian Club di Mogadiscio.
1967 Mostra collettiva all‟Italian Club di Mogadiscio, il cui ricavato venne
devoluto ai terremotati della Sicilia.
Partecipazione alla manifestazione 1° Luglio patrocinata dal governo Somalo.
secondo premio ed esposizione permanente delle opere alla S.M.O. di
Mogadiscio.
1968 Partecipazione alla manifestazione Folclore locale indetta dal comune di
Fabriano. Primo premio Città di Collamato.
1969 Partecipazioni a manifestazioni collettive Città di Quartu S. Elena.
1971 Mostra collettiva alla BCL di Cagliari.
1972 Mostra collettiva alla inaugurazione delle galleria Il Cavalletto di Quartu
S. Elena e mostra personale sempre nello stesso anno.
Partecipazione alla collettiva Festa di S. Elena indetta comune di Quartu S.
Elena.
1973 Partecipazione al premio nazionale indetto da Centro studi e ricerche
Advertising Agency P.P. con diploma di merito ed inserimento gratuito nel
Dizionario Biografico dei meridionali, categoria pittori.
Partecipazione alla seconda edizione del premio internazionale d‟arte Ai Frati
di Cagliari.
Partecipazione alla seconda edizione del premio internazionale Il Pavone
d‟oro, Milano.
1974 Partecipazione al premio internazionale di pittura e grafica Francesco
Datini presso la galleria Orlandi di Prato. Premiato con medaglia e diploma.
Partecipazione alla terza edizione del premio internazionale Il Pavone d‟oro a
Milano, con opera segnalata e diploma di merito.
Mostra collettiva alla galleria d‟arte Il Ragno di Quartu S. Elena.
1975 Partecipazione alla quarta edizione del premio internazionale Il Pavone
d‟oro, a Milano, con opera segnalata e diploma di merito.
1976 Mostra collettiva a scopo didattico e artistico organizzata della biblioteca
comunale di Quartu S. Elena.
1978 Mostra collettiva a scopo culturale presso la Base NATO di
Decimomannu (CA).
Concorso di pittura e grafica presso la Madonna del Carmine, premiato con
medaglia e diploma.
1979 primo concorso di pittura Città di Quartu patrocinato dal comune stesso,
premiato con coppa e diploma.
Concorso di pittura alla galleria d‟arte Il Ragno, secondo premio.
X rassegna d‟arte Città di Avellino.

Concorso d‟arte figurativa Primavera Cagliaritana, secondo premio.
Mostra d‟arte Pittori Contemporanei a Sa domu e Farra di Quartu S. Elena.
Quarto concorso di pittura Primavera Quartese.
Primo concorso di pittura e grafica Il Ragno d‟oro, a Quartu S. Elena.
1980 Mostra collettiva dei pittori contemporanei indetta dal comune di
Selargius.
1987 Mostra collettiva di arti figurative presso la sede sociale di Poggio dei
Pini.
2000 Mosta collettiva Pittori Poggini presso il circolo sociale di Poggio dei
Pini.
2005 Partecipazione al XXIII concorso nazionale Prosa Poesia Pittura
Fotografia indetta da 50&Più Fenacom presso Riva del Garda. Premiato con
Farfalla d‟oro per la poesia.
2006 Partecipazione al XXIV concorso di Prosa Poesia Pittura Fotografia
indetta da 50&Più Fenacom. Premio Nazionale Levico Terme (Trento).
Menzione speciale della giuria per la pittura.
2007 Partecipazione al XXV concorso di Prosa Poesia Pittura Fotografia
indetta da 50&Più Fenacom. Farfalla d‟argento al Premio Nazionale, Levico
Terme (TN)
Mostra personale alla sede Sociale di Poggio dei Pini.
2008 Mostra personale alla galleria d‟arte La Bacheca di Cagliari.
Seconda edizione di Pittori nel Mondo, Cacciano di Fabriano (AN).
Partecipazione al XXVI concorso di Prosa Poesia Pittura Fotografia indetta da
50&Più Fenacom a Levico Terme (TN). Premiato con Farfalla d‟oro per la
pittura.
E sempre per la pittura “il super premio nazionale” con trofeo e soggiorno
gratuito
2009 Partecipazione alla mostra Artisti Italiani a Vilnius Lituania
Mostra collettiva degli Artisti di Poggio dei pini
Partecipazione a Gubbio alla mostra internazionale ARTE PITTORICA DAL
MONDO
Partecipazione al concorso “ Schizzi d‟Arte” a Varedo MI
Partecipazione al XXVII concorso di Prosa ,Poesia,Pittura, Fotografia 50&
PIU‟ Fenacom
Primo premio assoluto
Partecipazione alla mostra collettiva “Buskars Festival di Ferrara
Partecipazione alla mostra collettiva nel castello dei Biandrate TO (Ass.cult.
IMMAGINE ARTE
“Arte in cartolina “ Concorso editoriale di Arete Visiva 12° Edizione
SANREMO
Mostra collettiva a SPA in Belgio.
FEDERAZIONE NAZIONALE ARTISTI Mostra Internazionale di Arte
contemporanea A HANGZHOU Cina
Mostra Collettiva “DONNA ARTE “ Capoterra CA

Contempotary Italian art Galleria ROSSO CINABRO Roma
Collettiva del piccolo formato“ ARTE IN MINIATURA” Poggio dei Pini
2010 1° concorso nazionale IMMAGINE ARTE al castello di Foglizzo TO
1° concorso internazionale di pittura scultura e grafica città di NEW YORK
1° Concorso Nazionale “IL LUPO DI GUBBIO “ Gubbio PG
ROSSO CINABRO Roma “ UNTITLED 23-02-2010
Mostra Internazionale Italia Arte TO Villa Gualino
L‟EROS mostra presso la galleria ROSSO CINABRO Roma
Concorso di pittura “Colori in Emersione” Napoli
La via Dell‟Arte concorso di pittura Tricarico Matera
Trofeo d‟Arte Strabino TO
Tendenze artistiche contemporanee ARTE E‟ ART Civitanova Marche
ARTMOSPHERE Galleria Rosso Cinabro ROMA
Trofeo d‟Arte ARTE MUSEUM il LOUVRE ( PA )
Prima Biennale Internazionale d‟Arte Lecce
Trofeo on line LASTRYGONIA
XXVIII Concorso di Pittura Fotografia Prosa e Poesia LEVICO TERME TN
Mostra Nazionale Svedese VASTERAS Svezia
Premio Nazionale di Pittura FIGHILLE di CITERNA PG
Raccolta d‟ARTE CONTEMPORANEA ITALIANA Museo di Monreale PA
Albo internazionale Pittori e Scultori 2010
AD-ART 1° 2° 3° concorso nazionale di pittura on-line
Espressione Libera Concorso on-line
Premio Internazionale Arte Laguna Venezia
EXPO Officine Artistiche Concorso Nazionale di pittura BOLOGNA
XI Edizione Premio Internazionale d‟Arte DAVID di MICHELANGELO
Brindisi
CENTRO ARTE E CULTURA “ Arte in cartolina” SANREMO
Avanguardie Artistiche 2011 Palermo
ARTE METROPOLITANA Concorso nazionale Villa Gualino TORINO
2011
Dizionario Enciclopedico Internazionale
Premio Internazionale Città di Tokio Galleria Amarl Louise di Bruxelles
L‟ESSENZA delle DONNE mostra collettiva Casa Melis Capoterra
AD-ART 5° e 6° concorso di Pittura on line
Premio ARTISTICA Web FIAFT Terni
ASSOCIAZIONE ARTISTI CON IL CUORE concorso on line
Mostra Internazionale ITALIA ARTE Villa Gualino TO
Movimento Arte XXI secolo inserzione pubblic. Sulla rivista
PROPOSTE D‟ARTE Artisti sui quali investire

AD-ART 7° concorso on line
L‟ARTE CONTEMPORANEA Premio Thirus Artistica
Mostra Collettiva Internazionale itinerante in SVEZIA Vasteras- Koping-
Visbo nella regione del Vestmaland
Mostra collettiva EMOZIONARTI II Poggio dei Pini Capoterra
Collettiva di Pittura IL COLORE Cagliari
EFFETTO ARTE Rivista d‟arte
Concorso Letterario VIBRAZIONI DELL‟ANIMA con opere e poesia
Catalogo delle quotazioni
Premio ECCELLENZA STILISTICA (PA)
Premio RICONOSCIMENTI D‟ARTE (PA)
Mostra Personale al Castello MALLEUS Recanati
Accademia S. SARA Arte figurativa del XXI secolo
Accademia Gentilizia Internazionale IL MARZOCCO Firenze
Mostra Internazionale d‟Arte TRIENNALE DI ROMA
AD-ART 9° concorso on line
Mostra on line “CARATTERI DIVERSI” ROSSO CINABRO Roma
PREMIO SPECIALE CRITICA (PA)
Concorso “ IL CAVALLETTO DIGITALE “ Albo d‟Oro On line
XII EDIZIONE PREMIO V. VAN GOGH Per i Diritti Umani Lecce
Concorso “ DANZA ARTE “ Roma
Concorso “ AUGURI IN PICCOLO FORMATO”
Mostra Collettiva Galleria “ IL COLORE “ Cagliari
AD-ART 10° Concorso on line
2012
Mostra collettiva Web di BLUARTE
Inserzione nella Grande Iciclopedia ENKY
1° Premio CRITICA Foglizzo TO
Concorso ALLEGRIA DI NAUFRAGHI Torino
II Edizione ENOZIONI D‟ARTE Palermo
Concorso NATALE DI ROMA Roma
AD-ART 13° Concorso on line e Premio APICE
TRIENNALE D‟ARTE ON LINE Lecce
Concorso ARTISTI nel MONDO Cacciano di Fabriano
PREMIO ON LINE “MIPP”
Premio MERE NOSTRUM Messina
1° BIENNALE DI PALERMO
EMOZIONARTI III Mostra collettiva Poggio dei Pini
Gran premio on line Città di SAVONA
Mostra on line ARTE SHOP MAGAZINE
Percorsi Artistici Contemporanei COMUNIC ART Sogliano Cavour
PREMIO INTERNAZIONALE NOBEL DELL‟ARTE Principato di Monaco

I GRANDI DELL‟ARTE CONTEMPORANEA Palermo
2012 Studi Aperti Palazzo Siotto Cagliari
AD-ART 16° concorso on line 2° Premio critica
IV Concorso Arte XXI Secolo
Rassegna d‟Arte AUTUNNO IN CITTA‟ Cagliari
Grifio Art Gallery Concorso on line
Triennale d‟Arte On line le Chimere Lecce
Arte Fiera ARTXPO‟ Padova
AMG EXPO‟Art Web Galleria Virtuale
Festa di Natale, Brindisi città di Savona
Luci e Colore del mare 1° trofeo Boemia
Accademia dei Dioscuri, “ I maestri Italiani del colore” Mostra itinerante
Taranto, Bruxelles
Cracovia, Auschwitz, Roma
AD-ART 19° concorso on line 1°Premi critica e 2°Premio Artisti
Premio COMBAT PRIZE on line
Premio on line “Il Salotto degli Artisti
2013 EXPOCALENDA Pesaro
Catalogo delle quotazioni
Catalogo Internazionale d‟Arte “ I SEGNALATI”!
21° concorso on line AD-ART 1° premio critica 2° premio Artisti
Passione e Resurrezione Mostra ad ALBA Cuneo
Il Pittore dell‟Anno Galleria Centro storico Firenze
Arte in Movimento Firenze
Ciao Primavera Bastioni di S.Remy Cagliari
Mostra collettiva a Bruxelles
VILLACIDRART Rassegna d‟arte contemporanea
Manifestazione TERNI Arte
EMOZION ART Rassegna d‟Arte contemporanea IV edizione
Comune di Capoterra Mostra Collettiva Casa Melis

Accademia dei Dioscuri Premio PARGA V Edizione
Catalogo Internazionale L‟ELITE
Premio AFRODITE III Edizione
ART FIGHT Svezia
ART WUPPERTAL Germania
11° Edizione Premio Internazionale WWARP WORLD WEB
1° Concorso Nazionale di Pittura Città di Cossato
Autunno in città Collettiva Cagliari
Arte In volo Accademia Internazionale dei Dioscuri Mostra itinerante Taranto,
Castel del
Monte, Salerno, slo, Caponord, Roma.
AMORE VINO ARTE E PASSIONE Collettiva on line Galleria BLU ART
THE BEST MODERN CONTEMORARY ARTIST Volume
2014 Biennale “ IL FALCO D‟ORO”
27° Concorso on line AD-ART 1° Premio Critica 3° Premio Artisti
PITTART Concorso on line
VARAZZE ARTE Mostra Nazionale
Il Natale di Roma Galleria Tornatora
ART ADDICTION Londra Concorso on line
V° Concorso on line città di Savona
Recapiti:
FERDINANDO RAGNI
STR 45 Poggio dei Pini n9 09012 Capoterra (CA) Fisso 070 725118 Cell. 392
9061789
Giudizio critico sull’arte di Ferdinando Ragni a cura del Dott. Alessandro
Costanza storico dell’arte
Il Maestro Ferdinando Ragni è un profondo conoscitore dell‟arte figurativa.
Nelle Sue opere evince l‟espressione più alta di una raffinata ricerca pittorica mirata
alla bellezza della natura e dei suoi frutti. In ogni dipinto, spesso raffigurante

paesaggi della Sardegna e meravigliosi tramonti, una forte carica emozionale travolge
lo spettatore in un contesto limpido e incontaminato dall‟uomo.
Anche le nature morte non sono statiche ma dinamiche, in quanto ogni frutto, cesto,
ed elemento che compone le Sue creazioni pittoriche sono l‟essenza viva di Madre
natura.
Ci troviamo dinanzi un artista che nella Sua semplicità è riuscito ad elevare la Sua
anima, lasciandola trasparire attraverso i colori, le prospettive, le perfette
proporzionalità composte da luci ed ombre, da effetti cromatici che creano
ambientazioni a dir poco spettacolari.
Un perfetto equilibrio delle tonalità adoperate, crea un atmosfera di incantevole
magia, una sensazione di profondo benessere, quel benessere che tanto ha cercato
l‟artista e che ha raggiunto solo con sudato sacrificio fatto di esperienza e grande
consapevolezza delle regole che compongono la ritrattistica e la natura.
Immergersi nelle opere di Ferdinando Ragni equivale a fare un bagno nelle acque
plastiche e limpide di un mare che rappresenta il fulcro dei sentimenti dell‟uomo che
riversa come le onde che spumeggiano nelle coste e sulla sabbia, i resoconti di ogni
azione e pensiero. Un artista classico, ma estremamente originale che tratta le
tematiche sociali e sentimentali in ritrattistiche dal fascino elegante e delicatamente
sensuale, dall‟aspetto quasi fotografico ma dalle tonalità vive, attive, calde, e
soprattutto visivamente gradevoli.
L‟amore, i valori della famiglia, le tradizioni popolari delle sue nature morte,
ritraggono perfettamente ambientazioni di altissima qualità accademica, rispettevole
di precisa proporzione e rapporto chiaroscuro.
Una tavolozza che per tanti versi può ricordare quella degli artisti macchiaioli con la
fondamentale diversità che Ferdinando Ragni adopera il colore con una puntigliosità
eccellente tale da paragonare per nitidezza di immagine al primo decennio dell‟800
francese riconducibile all‟operato di Jean Auguste Dominique Ingres.
Lo stagno

Un allegra tristezza
Il M° Ferdinando Ragni e la Sua arte presto sarà presente (entro la fine del 2014)
nella prestigiosa collana di storia dell’arte contemporanea denominata “Progetto
Arte 2015” con una monografia completamente dedicata alla Sua arte.
Il volume verrà redatto in formato cartaceo ed elettronico, ed inserito in oltre 1900
store online tra i più famosi La Feltrinelli, Mondadori, Amazon, Google Play Store.

Jole Caleffi
Una vita per l’arte
Giudizio critico alle opere di Jole Caleffi a cura del Dott. Alessandro Costanza
storico dell’arte
Nelle opere di Jole Caleffi emergono esperienze e circostanze vissute espresse
attraverso contesti cromatici e stilistici che per tanti versi possono essere connessi
all’arte informale e talvolta concettuale.
Ci troviamo dinanzi un artista molto profonda, che assimila ogni sentimento
esprimendolo attraverso composizioni informali, in cui ogni piccolo tratto o
spatolata (pennellata) sul supporto pittorico diviene spazio temporale in cui far
affiorare ogni sensazione vissuta, provata, applicata alla realtà che la circonda.
In alcune opere l’artista esprime la dimensione astrale della concezione naturale di
ogni elemento che la circonda, e di ogni pensiero vissuto.
Dall’astratto emergono figure nascoste, le figure dell’inconscio che affiorano e che
portano voce all’attento osservatore il quale ne carpisce i segreti più profondi.
L’artista dimostra di aver viaggiato molto, sia in termini reali che astrali, e le Sue
opere dimostrano che dal buio arriva la luce, dall’oscurità emergono i colori, e dai
colori emerge la vita.
Molto affascinanti e radicalmente innovative, alcune opere ricordano la tecnica di
Jackson Pollock. Un informale che conduce dal caos alla libertà interiore, al volo da
spiccare verso la felicità assoluta.
I colori adoperati sono ricchi di tonalità accese ed ben equilibrate che fanno capire
non solo l’estrema delicatezza dell’anima dell’artista ma anche una realtà meditativa
molto rilassante, in cui uno stato di assoluta eleganza e privazione di negative
sensazioni viene espresso nella maniera più completa possibile.
Un artista che propone una tecnica innovativa, un eleganza molto fine, un mezzo
comunicativo altamente meditativo e riflessivo.
Jole Caleffi è un artista molto espressiva, trova la Sua naturale collocazione in un
contesto di grande fascino delle tecniche all’avanguardia, in cui l’amore e le

emozioni svolgono il ruolo fondamentale, ed in cui ogni colore assume un significato
latente e molto ben radicato nei concetti dell’umana esistenza.
L’artista è una profonda conoscitrice delle tecniche della pittura classica con una
ricerca assoluta che conduce chi osserva il Suo operato verso dimensioni spazio
temporali a dir poco curativi per lo spirito e riflessivi evocando i colori presenti in
natura e portando l’attenzione verso mete ancora da scoprire.
opera pittorica di Jole Caleffi
L‟artista Jole Caleffi sarà presente nella collana di storia dell‟arte contemporanea
denominata “Progetto Arte 2015” con una monografia a Lei dedicata.
Reperibile prossimamente (entro la fine del 2014) in tutte le migliori librerie italiane
e store online di oltre 1900 circuiti di vendita libri e versione elettronica in comodo
PDF ebook su GOOGLE PLAY STORE.

La bellezza di una biografia in lingua inglese.
Un artista che ripercorre le vie della storia per esprimere se stessa.
Karen Salicath born in Denmark 1968
EDUCATION
The Royal Danish Academy of Fine Art, School of Design, graduation 1991
Karen Jamali is an American, Danish-born artist living and working in New York City.
She graduated from the Royal Danish Academy of Fine Art School of Design in
Copenhagen Denmark in 1991, and have been working as a painter and sculptor and
a photgrapher for the past 25 years. Participating in numerous solo and group
exhibitions throughout the world in museums and gallerys. She has received a
number of honors and awards from the international art community. Her built
works include several permanent pieces and are in more than 600 private
colections. When sculpting she works predominantly in granite, bronze and glass,
celebrating contrasts to carve out delicate figures from stiff and rigid materials. Her
figures are at once graceful, delicate, simple and monumental. She draws on the
human figure as a common language that speaks to, and links all people. Through
the human body she is able to achieve works that evoke the universality of the
human condition. It is a language that is accessible to all regardless of age, culture,
and education. As a result, her figures are at times intentionally impersonal and
anonymous, lacking detailed hands and faces, such that they embody a universal

generality and she is challenged to convey emotion purely through gesture and
poise. In her 2D works, she paints with rich pigments on cork canvases, or creates
textural fresco temperas using natural ground pigments bonded with archival
substrates. Her pieces aim to engage the viewer both physically and emotionally, to
bring about a level of mutual interaction to the encounter. She utilizes a
combination of ancient and modern elements, so that she may convey the language
of inner emotion through visible forms. The themes in both her 2D and 3D works are
inspired by Christian, Greek and Nordic mythology, paleolithic cave paintings,
physics, the classical elements, and the human form. Several of her pieces are
inspired by the phenomena in general relativity known as “event horizons”. An
event horizon is a space-time boundary beyond which the laws of physics as we
know them, cease to exist. It is her hope that her works speak to the soul and entice
the viewer to see beyond the mere physicality of a piece, to a level of deeper
personal understanding and emotional meaning. Her work can be seen in Jamali
gallery sohonew york.
EXHIBITIONS:
2014
1 Biennale Della Creativitia, Verona, Italy
Jamali Fine art Gallery, Soho, New York City, USA
Art and Peace Gallery, Winter Park, Florida, USA
Jamali Gallery, Fort Lauderdale, Florida, USA
2013
Gallery Mouvance, Paris, France
Jamali Fine art Gallery, Soho, New York City, USA
Art and Peace Gallery, Winter Park, Florida, USA
Hilligoss Galleries, Chicargo, USA
Corey Pope, Dallas, USA
Fifth Ave Design Gallery,Napels, USA
Filssinger Gallery, Chicargo, USA
Onessimo Fine Art,Palm Beach Gardens, USA
Horsens Art Gallery, Horsens, Denmark
2012
SAM 2012 Salon des Artist, Galleri 60 Giverny, France
EffetoBiennalen, Museo de la Ciudad de Me'rida, Mexico

Jamali Fine art Gallery, Soho, New York City, USA
Art and Peace Gallery, Winter Park, Florida, USA
HilligossGalleris, Chicargo, USA
Cory Pope, Dallas, USA
Fifth Ave Design Gallery,Napels, USA
Filssinger Gallery, Chicargo, USA
Onessimo Fine Art,Palm Beach Gardens, USA
Horsens Art Gallery, Horsens, Denmark
2011
Jamali Fine Art Gallery, New York City USA
Cory Pope & Associates, Dallas USA
Fifth Avenue Design Gallery, Naples USA
Fran Murphy Interior Design, Juno Beach USA
Onessimo Fine Art, Palm Beach Gardens USA
Hilligos Galleries, Chicago USA
Art + Peace Gallery, Winter Park USA
Horsens Art Gallery, Horsens Denmark
Gallery Sono, North Walk, USA
Catherine Kelleghan Gallery, Atlanta USA
Filsinger Gallery, Chicago USA
2010
Solo Exhibition Kume Museum, Tokyo Japan
Jamali Fine Art Gallery, New York City USA
Corey Pope & Associates, Dallas USA
Fifth Avenue Design Gallery, Naples USA
Fran Murphy Interior Design, Juno Beach USA
Onessimo Fine Art, Palm Beach Gardens USA
Hilligos Galleries, Chicago USA
Jamali Fine Art gallery, Winter Park USA
Horsens Art Gallery, Horsens Denmark
2009
SOFA Expo, Chicago USA
Adamar Fine Art, Miami USA

Catherine Kelleghan Gallery, Atlanta USA
Savage Gallery, Miami USA
Galleri Mortensen ogMarkman, Fulesang Denmark
Filsinger Gallery, Chicago USA
Burcchi Gallery, Maryland USA
Fran Murphy Gallery, Jupiter USA
Gallery Sono, North Walk USA
Jamali Fine Art Gallery, New York City USA
Art and Peace Gallery, Winter Park USA
Madison Gallery, La Jolla USA
Peddler gallery, Murfreesboro USA
2008
Art Marbella, Malaga Spain
Open Art Fair, Amsterdam Netherlands
Art Knokke, Belgium
Ulrikholms Castle, Kertemine Denmark
Interdit Museum, Beijing China
Jamali Fine Art Gallery, New York City USA
Art and Peace Gallery, Winter Park USA
Randolf Van Hein Gallery, Los Angeles USA
Madison Gallery, La Jolla USA
Forre´ Fine Art, Aspen USA
Peddler gallery, Murfreesboro USA
Art Nordic, Gøteborg Sweden
Art Nice, Nice France
Art Expo, New York City USA
Sollentuna, Stockholm Sweden
Solo exhibition Horsens Art gallery, Horsens Denmark
Danish Figuration, Gallery Mortensen and Markman, Fulesang Denmark
2007
Line Art in Belgium, Belgium
Spirit, The Spirit In Art, EstenceCarstel, Ferra Italy
Europe Art Geneva Switzerland

Solo Exhibition Amsterdam Whitney Gallery, New York City USA
Europe Museum, Malmø Sweden
Copenhagen Art Fair, Copenhagen Denmark
Gallery Susanne Eriksen, Elsinore Denmark
UlrikhomCatsel, Kertemine Denmark
Slagthustet, Konstmessa, Malmø Sweden
2006
Solo exhibition at Billich Gallery in collaboration with The Royal Danish Consulate,
Sydney Australia
Solo Exhibition at The Royal Danish Embassy, Tokyo Japan
Solo exhibition at Art Front Gallery, Tokyo Japan
Solo exhibition at Amsterdam Whitney Gallery, New York City USA
Randy Polok design Gallery, Sedona USA
International Kunstnersymposium, Sussen Germany
Solo exhibition “Space light” Gallery Mortensen and Markman, Fulesang Denmark
2005
Solo Exhibition Amsterdam Whitney Gallery, New York City USA
The Faroe Islands Art Festival, Faroe Islands
Art Copenhagen, Forum, Denmark
2004
Agora Gallery, New York City USA
Solo Exhibition Gallery Bredgade Art Trade, Copenhagen Denmark
Art Copenhagen, Forum, Copenhagen Denmark
Solo Exhibiton in Skovhuset, Værløse Denmark
Solo Exhibition Horsens Art Gallery, Horsens Denmark
Fredensborg Castle, Fredesborg Denmark
2003
Separate Exhibition Danish Culture Institute, Athens Greece
Gallery Work Place Art, London UK
Gallery Bredgade Art Trade, Copenhagen Denmark
Gallery Mortensen and Markmann, Copenhagen Denmark
Horsens Art Gallery, Horsens Denmark

2002
Exhibition “Believe”, Gallery Mortensen and Markman, Copenhagen Denmark
Solo Exhibition Horsens Art Gallery, Horsens Denmark
Kolding Art Fair, Kolding Denmark
Art Copenhagen, Forum, Copenhagen Denmark
Danish Art Fair 2002, Denmark
Gallery Haslund, Copenhagen Denmark
Solo Exhibition Odense Congress Centre, Denmark
Separate Exhibition Bredgade Art Trade, Copenhagen Denmark
2001
Admitted to the Royal Academy of Arts Summer Exhibition 2001, London UK
Thisted Old city Hall, Thisted Denmark
Solo Exhibition Leoni Gallery, Viborg Denmark
Solo ExhibitonMøsting House, Denmark
2000
Exhibition Old Town Hall, Thisted Denmark
Solo Exhibition Leoni Gallery, Viborg Denmark
1999
In Rundetårn, Copenhagen Denmark
In Gallery Kellum, Copenhagen Denmark
In Gallery Nørby, Copenhagen Denmark
1998
In Muse´ Eet, Varmland Sweden
In Æglageret, Holbæk Denmark
In Gallery Nørby, Copenhagen Denmark
Wrote an Article in Ceramics Monthly magazine, USA
1997
In Gallery Nørby “Summer Exhibition", Copenhagen Denmark
In Sjællands Ceramic Museum, Roskilde Denmark
In Gallery Pagter, Kolding Denmark

1996
Ceramic Competition Museum, Mino Japan
In Gallery Nørby, Copenhagen Denmark
Separate Exhibition with IBM Denmark, Denmark
1995
Participated in the Spring Exhibition at Charlottenborg, Copenhagen Denmark
In Kastrupgård, Kastrup Denmark
In Gallery Vromans, Amsterdam Netherlands
In Industry Museum of Decorative Art, Biennalen 1995, Denmark
1994
Exhibition at The Frie Center of Contemporary Art, Copenhagen Denmark
In the Opening Exhibition of Grimmerhus Ceramic Museum, Middelfart Denmark
Gallery Nørby, Young Ceramicists, Copenhagen Denmark
Gallery Nørby, 24 Things, Copenhagen Denmark
1993
Art association of the Danish Bank, Copenhagen Denmark
S.O.S International, Copenhagen Denmark
Gallery in the residence of the daily newspaper Politiken, Copenhagen Denmark
The Round Tower Fledgling Ceramicists, Copenhagen Denmark
Gallery Nørby, Pitchers and Lids, Copenhagen Denmark
Gallery Nørby, Candelstick Feast, Copenhagen Denmark
The Danish Art and Crafts Association, Denmark and the Baltic States
The Round Tower, Copenhagen Denmark
Gallery Nørby, Copenhagen Denmark
The Art society of the Danish Broadcasting Corporation, Denmark
1991
Graduate Exhibition of the Danish Design School, Denmark
Completed Wibroe Plaza, Elsinore Denmark
GRANTS AND SCHOLARSHIPS (1992-2007)

2009
Stipendium from the Foundation Knud Højgård
Stipendium from the Foundation Oticon
Stipendium from the Foundation F. L. Foghts
2007
Prize and Stipendium from the Foundation Solar
Stipendium from the Foundation Oticon
2006
Stipendium from the Foundation KnudHøjgård
Stipendium from the Foundation Oticon
Stipendium fron the Art of the Danish State
2005
Travel stipendium from Foundation Augustinus
2004
Working stipendium from Foundation KnudHøjgård
2003
Working stipendium from the Foundation KnudHøjgård
Working stipendium from the Foundation F. L. Foghts
Working stipendium from the Sister Caroline Koefodes Foundation
Working stipendium from the Foundation Marie Langhoff
2002
Working stipendium from the Foundation L. F. Foghts
Working stipendium from the Foundation KnudHøjgård
1999
Working stipendium from the Art of the Danish State
Working stipendium from the Foundation at the Danish National Bank
Working stipendium from the H.C. Sister Caroline Kofoeds Foundation
1997

Working stipendium from the Foundation at the Danish National Bank
Working stipendium from the Foundation at Johan Frank Runges
1996
Working stipendium from the Foundation of L. F. Foghts
Working stipendium from the Foundation of Triers
Working stipendium from the Foundation of Becket
1993
Working stipendium from the Foundation at the Danish National Bank
1992
Working stipendium from the Art of the Danish St ate
Working stipendium from the Foundation of L. F. Foghts
OTHER WORKS:
1996
Teacher at the Royal Danish Academy of Fine Art
Teacher at the Royal Danish Academy of Fine Art, Design School
1990
Participated in the making of Wibroe Place, Elsinore Denmark
2006
Designed the “Care Denmark Prize” for Care Denmark
2007
Designed the “Degitaliserings Prize” for the Scientist Ministry of the Danish
Government
Member of Who´s Who international Art club
Member of Marquis Who is Who

600+ ART COLLECTORS IN:
Queen of Denmark
Denmark
USA
Japan
Germany
England
Panama
Faroe Islands
Norway
sweden
Portugal
Spain
Italy
PUBLIC SPACES:
Wibroe Plaza, Elsinore Denmark
The Ceramic Museum, Mino Japan
Glostrup hospital, Denmark
The National Hospital, Copenhagen Denmark
The Danish Bank, Denmark
The Danish Radio, Denmark
Bikuben, Denmark
IBM, Denmark
The Union Tree, Industry and Metal, Denmark
The Copenhagen University, Denmark
Grimmerhus Ceramic Museum, Denmark
Cargo Sponsored By: Trust Art Transport, SAS Cargo Group
ARTICLES
KAREN SALICATH by Catherine Bourlet
Professor at Sorbonne Paris. Expert in judiciary technics and scientific roof art, plastic

art, and history of art.
Expert chamber Suisse. Art expert, Museum Louvre in Paris, Guggenheim New York,
and other Museums around the world. Member of AICA, Art International Critic
Association. Expert AEXEA.
”It fascinates me that an object, which apparently is dead, such as the sculpture, can
evoke so many emotions and create so much life”. These are the words of Bob
Rickett – and they match the work of Karen Salicath perfectly.
Karen Salicath is a young Danish artist, sculptor and ceramicist, born in 1968 and
graduated from the Danish School of Design, in Denmark, Copenhagen in 1991.
Hereafter she has participated in countless exhibitions throughout the world – and
has received a number of foundations and awards from the international art scene.
Her universe contains graceful sensual bodies (often feminine) carved in granite or
shaped in bronze, in deep and mused silence. As an inheritor of the proud traditions
of the sculpture, Salicaths work speaks both the ancient and the modern language –
with elements of both.
The themes are most often inspired by the Christian, the Greek and also the Nordic
mythology: The Engel, the Seraph, Leda and the Swan, the sons of Gefion. This last
myth, Nordic and popular, was the main theme in a comprehensive exhibition
presented at Gallery Art Front in Tokyo. Keen on creating a united room – but also
communicate the story of the sons of Gefion – Karen Salicath arrayed the different
sculptures in a kind of installation The Water Room to which the American musician
Bob Rickett had composed an audio tape.
In this work Salicath was interested in the four elements, which were presented
emblematic in the myth about the Kings four sons in the Swedish Gefion. Especially
the element of water was accentuated, recalled in the glass base of the sculptures in
reduced size – and especially by the music of Bob Rickett Blue Water. Karen Salicath
regards this element, water, as a symbol of emotions and love.
Simultaneously with her gallery work, Salicath has produced works for the public
audience. The delicate, feminine lines, sometimes monumental, are opposed to the

stiffness of the materials. The appearance of the bodies or rather their positions –
both graceful and powerful – create a simple and minimalistic expression- and
emotional task. More often than not the figures represent or pass on a visible and
catching feeling to the viewer.
The choice to put her work at the disposal of a public audience shows the artists
goodwill to make her art approachable – but also her interest in creating an
interactive element between her sculptures and the busy citizen. One of the most
important pillars in Salicaths art is the universal: Therefore her messages are simple
and the bodies impersonal in the way that detailed features of face, hands and feet
are deselected. Her forms are densified. This anonymity makes the artist create
more and more abstract persons, which loose their divine and mythological qualities
so that they become more human.
The pursuit for beauty is another fundamental character of her work. The lightness
in the configuration, detailed conducted – translates the form of ancient heroism
which she tries to transfer to her sculptures. Salicaths work melts naturally together
with the subtle rhythms from the music and the lightning which stages the bodies –
and give them life on their bases of glass and reflections. This kind of installation,
strengthen our perception of total beauty, which is a natural step.
The art of Karen Salicath is built on past artistic and technical values, which are the
Universal beauty. She has shown that she can evolve so that her work remains to
make sense and she shows thereby her ability to respect the past and at the same
time stay in the present. Face to face a serious and fascinating calmness shows. The
stone and the bronze wrenches under the pressure of new emotions – and her
inspirations are completely without time and place. Her art is modern filled with
dreams, reflections and eternity.
Catherine Bourlet
THE ART OF KAREN SALICATH: PLEASURE AND ENTHUSIASM by Stig Åke Stalnacke
Swedish and International Art Critic.
Member of AICA, Art International Critic Association.

The autumn day is cold and pale. Not at all like some days in autumn, flaming
beautiful. I see no nature which blaze of autumn colours and a wind tantalize my
cheek and my eyes as I walk the small distance to my mailbox.
It is a day of sadness. The affection seems so far away.
In my mailbox lies a package. It contains an art book.
I receive many art books throughout the year. Sometimes I feel so utterly tired of
art. I have seen so many meaningless decorations, art without content, that I have
become a bit blasé.
But you never stop being curious.
You never stop chasing the stroke of tenderness in art as well as in life.
I open this new book and suddenly the darkness, the distaste, the tiredness seem
gone. Suddenly I feel the stroke of fervour, beauty and passion in my eyes and in my
heart.
Precisely that; I have meet this rarity called fervour.
For a while I experience what might be called love.
The book, this book with pictures of artworks, is a book presenting the work of
Karen Salicath.
With these pictures the hope of love once again finds a place in me. I realize that
central and important things happen when humans find at place in art.
When fervour takes a place in art, miracles can happen.
Until this very day, I did not know the work of Karen Salicath. The art scene in
Sweden can sometimes be quite small and smokefilled.

To tell the truht and be quite bluntly, I have not seldom seen pictures of love in
Danish art.
This is just what the sculptor - or should we say sculptoress? - Karen Salicath tries to
do.
Work after work I enriches by her absolute pitch for the language of fervour.
Combined with the inherent sensuality great things happen. Karen Salicaht gives an
old art critic renewed comfort in the beauty and indispensability of art.
This in a time where the autumn wind haunts me and in a time where I have almost
given up hope concerning the qualities of art.
It was a wonderful day.
To say that this livingly artist faces spirituality is not sufficient.
Which art do not strive for spirituality?
I see in her work such a direct and unconditional tenderness that I wonder how she
manage to capture and manifest.
And at the same time I realize that Karen Salicath consistently seeks to describe the
beauty of human architecture and what her work does to me.
I realizes what her work wants from me.
He work reminds me of things I have almost forgotten. It is the sort of art that
reminds us all of something sacred and great.
That humans are grand masterpieces, miracles build for joy and love.
Love can be a big and frayed word.
As an art critic and as an writer I have sometimes used it.

Not every time I see a piece of art. No far from it. Sometimes, just once in a while, I
have used it when I have marvelled at the sight of an artwork. I shiver.
That is the way it is with the art of Karen Salicath.
That is the way it is with her sculptures and her paintings.
It reminds me almost intensively and tangibly of the fact that I am human and part
of a living miracle.
With simple forms and symbols she manage to create images of human emotions,
fear, dreams and instincts and yearning.
She makes her works for us to see the secrets of life and its beauty.
Words always call for limitation. An old art critic as my self would know by now.
What I have said so far also apply to her paintings.
They contain the same radiate and beautiful energy and knowledge of magic.
I would like to point out that this is about art that has given my mind and heart a
wistful excitement.
When the dimensions of life reflect in the art, like noble vine and spring water it
intoxicates and infatuates.
It is a small prayer to request.
Thank you Karen Salicath for this delightful enthusiasm.
StigÅkeStalnacke
THE LASTING ANGEL by TorbenWeirup
Danish Art Critic and Editor

Humanity is the crux of the matter in the works of Karen Salicath. And its
destiny.The basic sense of being. Given that this is hardly a unique subject among
artists, one may ask what then makes her stand out among her peers.
What immediately striking is that she's not afraid.Of being out of fashion. Of letting
her works carry a sense of pathos. In them are a certain mood and an idiom not
unlike that conveyed by memorial monuments. Anonymous in a way well suited for
universal messages.
The sculptures of Karen Salicath are silent and grave. Her human figures are often
hunched; perhaps in prayer or meditation; or apprehension and bewilderedness.
Many seem weighed down. Their silent faces bowed to the ground. Only reluctantly
and with effort can some of them raise their head, and then it seems as if they are
gazing towards an altar in subdued anticipation.
Even when the figures are paired life isn't easy. Embraces firsthand points to a
profound togetherness and one is reminded of Plato's concept of man and woman
as originally one being, on a perpetual quest for reunification ever since separation.
But alas, as the sexes unite the fusion appears suffocating and one gets the distinct
impression that love has no part of it.
There are those of her figures that seem so weighed down, so devoid of hope, so as
to suggest a society so stony, that its members have completely surrendered
personhood and have descended into one massive barren architectural
structure.And then again; there is yet hope in the works of Karen Salicath.
As the rock tumbles down the mountain, Sisyphus proceeds to drive it back up.
Gabriel weeps in one of the figures, and although one should be careful in applying a
Christian existential interpretation to Karens work, the angel is there.
There is a way out of the shadows, there is yet light in the world and that message is
ever-present. As well.
TorbenWeirup

FROMARTiS SPECTRUM VOLUME 12.2004:
Karen Salicath's forms are graceful stalely pieces.
There is a great careful simplicity and preservation of bare and minimal beauty in
her sculpture. Black Lady, one of Salicath's representational works, shows a
monumental woman rising out of af smooth black granite base.
The woman is like a siren - perfect and curvaceous in the sense of heroic classical
figuration. Her features are reduced to smooth graceful bronze swells of flesh. The
whole figure feels unified and empowered by SAlicath's union og string materials
with a monumental form. She uses the body, the "corpus" as she describes it, to
build a common starting point.
Her figues embody a type of universal generality that links all people. Working with
archetypical forms ske builds a language that speaks to everyone. Salicath, talented
across multiple sculptural mediums, graduated the Danish Design School in 1991.
She has particaped in many exhibitions throughout Scandinavia and London, and
received numerous stipendies for her work.
DANISH ART CRITIC ERIK MEISTRUP WRITES ABOUT KAREN SALICATH:
Karen Salicath is a sculptor with a sensitive feeling of the presence of elements in
the figures and their internal relationship in space. A special gentle balance always
exists in the interplay between the figures in her sculptures and between the single
figure and us as viewers.
One could also say that Karen Salicath is working with the creation of social
sculptures - social images - that weaves into the classic tradition, where excellent
Danish sculptures in the 20th century have their natural place (names as Anne Marie
Carl Nielsen, Kai Nielsen, Gerhard Henning, Astrid Noach and Hanne Varming). Karen
Salicath builds on this Danish tradition and gives it her own distinct and personal
expression, which goes directly into our present day time. Sculpture as it is known
from the long history of Egypt and especially of Greece and later of Rome deals with

the human being. Man as a frame, as a god, as a being and - with the revoltuion in
art also as a pure form. The Greek expression of form has developed since the 7th
century B.C. and deals with the fact that sculpture becomes an abstract and
universal expression of the human being. It is transformed to a geometric
expression which had to look like a human being but at the same time be an
independent aesthetic object. The statue should express the perception of beaty of
that time.
By use of elements of composition such as symmetry and repetition of lines and
curves in different scales. At first the statue was in a relaxed posture, twistings or
bendings were avoided to maintain symmetry aorund the vertical axis.
In later periods the beauty of symmetry was combined with action of a being. The
more practical Romans gave sculpture concrete and actual expression. These
expressions of form were the inheritence which Michelangelo's point of departure
in the renaissance. Later in the beginning af the 19th century Bertel Thorvaldsen
used this language of form in his statues with their clear outline and simplicity of
composition to create a sublime ideal. This very difference between ideal and reality
becomes the driving force in the modernistic development of the aesthetic form of
sculpture.
Modernism meant going back to the original Greek perception of the innate abstract
form in sculpture and creating new expression of forms. The most radical being a
totally abstract sculpture of pure geometrical sculpture. In the tension between
classical expressions and the release of sculptural possibilities by modernisme an
ocean of intermeadiate forms and compositions emerged.
Karen Salicath's expression of form:
Karen Salicath stands securely in the late-modernism and therefore combines freely
elements from tradition with modernistic elements, which will create the expression
she seeks. In this process she creates her own form of expression, where classical
elements are used to create immediate openness and accessibility to the sculpture.
It is characteristic that immediately part of the essence of sculpture can be decoded
and that this essence does not consist of outer drama or descriptions of aggression
or action. As one can see in the sculpture "Michael", where the archangel has to
lean on the flaming sword, which he no longer either can or will raise. The

sculptures desribe emotional states expressing themselves differently according to
form and surface of the material, but these are states clearly female and feministic
in their basic structure and often have exactly a shape of a woman as a central
motive.
Karen Salicath not only draws on tradition in relation to form but also on the
mythological tales which have become artistic and psychological archetypes. Here
are angels, mermaids and the tales from Greek mythology of love and betrayal are
here experienced and placed into the form and tale of today.
Again and again we seek something fantastic as frame of experience and of
explanation, something out of this world, to describe incredible things in life, we
need big frames when we meet love in one of its many forms and are struck by
muteness because the experience is larger than language.
One might also say that Karen Salicath not only uses her eyes but to the same
degree registers the surrounding world with subtle ability of social feeling of
measuring oscillation, in the same way as a Richter scale measures force and scope
of an earthquake.
In the sculpture "Seraf" she sreates at htesame time a dancing form in the upper
part with the winged arms and a quiet static form in the lower part. In the middle
the woman's big heavy breasts shine, as in Madonna paintings from the gothic age,
and of fertility to give life peace and insight.
In one of the sculptures "Leda and the swan" Leda embrace the swan and firmly
holds its wings so that it cannot fly and the erotic act is anchored to the base of the
sculpture. In the same way as the erotic feeling must be anchored in love.
Salicath can use a simplistic abstract expression of form which reminds you of
figures from the surrealistic paintings of Dali. The head of a man arises from the
stone surface of the base like an act of creation. You might also look at the figure
"Lady in arch" bent in a bow with her private parts exposed, while her possible
identity - the head - has been sunk into the underworld of the base. It is the
sensitive balance or rather the invisible soft connection between human beings that
Karen Salicath aims to describe - therefore you note the abscence of aggression or
fight. She creates the human connection in plaster, ceramics or stone either in direct

elationship between bound lovers or in the insisting demand of a single shape to be
seen and accepted by the surrounding world.
Karen Salicath knows how to make the silent but strong language of inner feelings
into visible images. The embracement becomes mere intense. The simple act to
reach out for another person becomes joined with a strong and gentle gravity,
which shows that contact will survive because of its inner will and longing. The very
embracement between the lovers, between mother and child or between
personalities is a common motive, which is handled from different perspectives -
from even the most oppressing over total surrender to love and care and further to
lightness and joy. The sculptures sometimes balnce on the edge between life and
death and between loneliness and togetherness. Even in the extreme they keep
strength and belief in the social brotherhood. The belief that life always contains
something beautifull, something gentle.
The belief that a hand will be offered for help and support like boy
"On his way" out in the world where the known and solid reality no longer suffices
and where he therefore steps out into the empty air. Karen Salicath herself balances
in her artistic works on the edge of the base, where she believes and hopes that the
world and the expression of art shall create supporting power for the life she brings
into the world through her sculptures.
L‟artista Karen Salicath Jamali sarà presente nella collana di storia dell‟arte
contemporanea denominata “Progetto Arte 2015” con una monografia a Lei dedicata.
Reperibile prossimamente (entro la fine del 2014) in tutte le migliori librerie italiane
e store online di oltre 1900 circuiti di vendita libri e versione elettronica in comodo
PDF ebook su GOOGLE PLAY STORE.

Loredana Chinatti – biografia d’autore
Loredana Chinatti, nata a Trento nel 1950 città ove risiede.
Nipote di artisti murali ( G.& GB Chinatti ) della Val Rendena-Giudicarie
prosegue la tradizione artistica diventando poetessa e pittrice.
L‟incontro con il maestro d‟arte Pino Papa (che fu allievo del Grande Maestro Renato
Guttuso)
le permise con i suoi insegnamenti di migliorare le sue capacità artistiche.
Di seguito partecipò a varie mostre collettive Nazionali e Internazionali
ricevendo dal Critico d‟Arte Giorgio Falossi vari premi e riconoscimenti con
pubblicazioni e quotazioni sulle varie riviste della casa ed.” Il quadrato”
Alcune delle sue opere sono depositate nell‟Archivio Generale Anticontraffazioni di
opere d‟arti
con certificato di autenticità e codice a barre.
Recentemente partecipò al “1° Premio Trinacria” con un opera presso la Galleria
Civica” G. Sciortino” di Monreale ( PA)
ricevendo il prestigioso premio, trofeo “Il tempio” con pubblicazione dell‟opera sulla
prestigiosa rivista” Over Art e la critica sulla rivista “Effetto Arte”diretto da Paolo
Levi.
A partecipato alla Collettiva d‟arte contemporanea 2014 città di Jesolo con ass. “Gli
amici del Quadrato di Jesolo”
ricevendo il premio - trofeo” l‟uomo e il mare” e diploma Il Drago D‟oro.
Nel 2014 riceve il premio internazionale Salvo D‟Acquisto dall‟Associazione Italia in
Arte.
Borgo montano

Ponte di Rialto Venezia tecnica tempera.
L‟artista Loredana Chinatti sarà presente nella collana di storia dell‟arte
contemporanea denominata “Progetto Arte 2015” con una monografia a Lei dedicata.
Reperibile prossimamente (entro la fine del 2014) in tutte le migliori librerie italiane
e store online di oltre 1900 circuiti di vendita libri e versione elettronica in comodo
PDF ebook su GOOGLE PLAY STORE.
BIOGRAFIA D’AUTORE – LOREDANA GIANNUZZI
L‟artista è nata a Roma, il 2 del mese di giugno di tanti anni fa e fin da piccola ha
sempre cercato d‟istinto di decorare o personalizzare quello che la circondava.
Crescendo, partecipò a numerose Collettive, ma questo a fasi sempre più alterne e
distanziate purtroppo, perché quelli che sono gli impegni di tutti i giorni, lo studio,
poi il lavoro, la famiglia, il tempo sempre appena necessario a completare gli impegni
quotidiani, la costrinsero un po‟ alla volta ad abbandonare questa passione.
Ogni tanto, riprendeva i colori ad olio o le matite colorate, o l‟acquerello, ma
l‟ispirazione era svanita e quindi smise, perchè il suo lavoro doveva avere un‟anima
ed in assenza di quella non avrebbe avuto scopo di esistere, e smise, totalmente,

completamente, per quasi 30 anni. Poi, d‟improvviso, qualche anno fa una mattina,
dopo aver acquistato vari cartoni telati, un buon numero di colori acrilici, valigetta,
tavolozza e pennelli,tutto è ricominciato come e meglio di prima.
Ma da quel momento è sortito un particolare stile personalissimo, forse influenzato da
Klimt o dalla pittura slava, poiché ama preparare lo sfondo dei suoi lavori con vernice
oro o rame, che comunque è sempre presente nei suoi dipinti, dedicandosi ad un
unico soggetto. „LA DONNA‟ ed al suo corpo. Le sue donne sono sempre unite ad un
elemento del creato, fiori piante acqua, forse per personalissime interpretazioni della
Dea Madre, di Madre Natura da cui scaturisce la vita. Alcune sono serene, alcune
sono tristi; di alcune raffigura solo il viso, di altre il corpo, parziale o intero, a
seconda dell‟ispirazione, di alcune solo una sagoma. Ma sempre e comunque
accompagnate con elementi naturali, e sempre ispirandosi alle Mitologie Greca e
Romana. Molteplici sono le Collettive ed i Concorsi a cui ha partecipato, e notevoli i
Premi ed i riconoscimenti, anche internazionali.
CURRICULUM
A Roma
Dal 1 al 11 luglio 2014, presso Il Complesso Monumentale dei Dioscuri al Quirinale
A Roma
CORONARI 111 ART GALLERI
Dal 17 aprile al 3 maggio 2014
Dal 24 maggio al 7 giugno 2014
Dall' 11 al 27 luglio 2014
Dal 10 luglio al 2 agosto 2014
Dall'1 al 10 agosto 2014
Dal 5 al 19 ottobre 2014
A Roma
Collettiva Teatro Colosseo
Collettiva DANZA CON L‟ARTE ALLA DOMUS II
Collettiva LOOK AT ME a Via dei Coronari
Collettiva VACANZE ROMANE a Via dei Coronari
Collettiva QUELLO CHE GLI ALTRI NON VEDONO a Via dei Coronari
Collettiva con I Cento Pittori di via Margutta - dicembre 2013 - Via Margutta
Collettiva IL RITRATTO DI DORIAN GRAY a Via dei
Coronari
Collettiva IL PIACERE A Via dei Coronari
CENTO PITTORI A VIA MARGUTTA DAL 12 AL 15 DICEMBRE 2013

A Roma
OPEN ART 2014 - SALE DEL BRAMANTE ROMA - 10/12 GENNAIO
A Bologna
Erotica 2014
Via San Petronio Vecchio 8/A
Sabato 27 settembre - ore 18
A Firenze
Collettiva
EQUILIBRI A CONFRONTO
Dall' 8 al 22 giugno 2013
Via Pisana 305 Firenze
A Venezia
Collettiva DREAMS
Dal 3 all'11 agosto 2013
Collettiva CLOUDS
Dal 17 al 25 agosto 2013
A Casal Palocco (Roma)
Mercato artigianale mensile "Le Terrazze"
A OSLO
GRAN PREMIO CITTA‟ DI OSLO (NORVEGIA) – Associazione Internazionale
dei Dioscuri – maggio 2014
Ad Arrone(TR)
Personale
La Terra in fiore e l'arte.
Presso il castello di Arrone
Dal 25 aprile al 12 maggio
2012
Serradifalco(CL)
MIFSUD ART EXPO DICEMBRE 2013.

ATTESTATI
Attestato Finalista CONCORSO VIRTUALE „AD-ART‟
Attestato Finalista CONCORSO „NUDO NELL‟ARTE‟
Partecipazione INTERNATIONAL YICCA CONTEST 2013
Concorso on-line VISIONARIE IX Ed
Attestato di Merito Artistico 25° Concorso di Arte Contemporanea Ad-Art 01
ottobre 2013
Certificato di partecipazione YICCA CONTEST 2013
Attestato di Merito Artistico Concorso Nudo d'Arte Contemporanea Ad-Art 20
novembre 2013
Attestato di partecipazione OpenArt Sala del Bramante, Piazza del Popolo,
Roma 10/11/12 gennaio 2014
Attestato di ammissione alla 2° Biennale Internazionale d'Arte di Palermo,
Palermo Giugno 2014
PREMI
Premio OPEN ART 2014 – SALE DEL BRAMANTE
Gran Premio Oslo Città del Nobel 2014
Diploma 1° classificata al 1° premio della clitica 2013 Arte Donna
Diploma di Accademico Benemerito All'Accademia Santa Sara
Premio Alda Merini di poesia
CATALOGHI E PUBBLICAZIONI
Catalogo ARTANTIS aprile/maggio/giugno 2013
CATALOGHI OVERART E VIDEO 3D ART GALLERY CARAVAGGIO 2013
Catalogo EXpoart
Cataloghi di Flavio De Gregorio con piccola targa d’oro commemorativa.
Prossimamente, ci saranno questi eventi:
- INSERIMENTO NELLA SEZIONE MAESTRI CONTEMPORANEI
NELLA MONOGRAFIA “IL RITRATTO” – STORIA ED EVOLUZIONE
DEL RITRATTO PITTORICO DALLE ORIGINI AD OGGI
- PREMIO PARGA 2014 (GRECIA)

- SELEZIONATA PER L‟ASSEGNAZIONE DEL PREMIO
QUADRIENNALE “LA PALMA D‟ORO PER L‟ARTE” A MONTECARLO
– PRINCIPATO DI MONACO 20 SETTEMBRE 2014
- SELEZIONATA PER L‟EVENTOEFFETTO ARTE “SPECIALE ART
SHOPPING LOUVRE” E CATALOGO “ARTISTI INTERNAZIONALI AL
LOUVRE 24/26 OTTOBRE 2014
- COLLETTIVA EROTICA 2014 – BOLOGNA 27 SETTEMBRE/12
OTTOBRE 2014
- COLLETTIVA DELL‟ASSOCIAZIONE INTERNAZIONALE
DELL‟ARTE A SAN PIETROBURGO (RUSSIA) 22 DICEMBRE 2014/6
GENNAIO 2015
- BIENNALE INTERNAZIONALE ARTE DI PALERMO 11/25 GENNAIO
2015.
Catalogo ARTANTIS aprile/maggio/giugno 2013
Cataloghi Over Art
3D ART GALLERY CARAVAGGIO 2013
Cataloghi EXpoart
Catalogo “Arte Donna” di Flavio De Gregorio.

GUARDAMI 25X30 acrilico su cartone telato

EVA 30X40 acrilico su cartone telato

MANUEL OLIVARES – un grande artista contemporaneo raccontato da tanti
professionisti.
MANUEL OLIVARES - Artista incluso nell‟elenco di artisti professionisti per
l‟affidamento di incarichi di realizzazione di opere d‟arte (del G.C. n.150 del 5 aprile
2006) Dipartimento VI Politiche della Programmazione e Pianificazione del
Territorio – ROMA CAPITALE U.O.8-PROGRAMMI COMPLESSI
Manuel Olivares è nato a Napoli nel 1967.
Dopo un lungo periodo trascorso in Norvegia nel 1992 torna a Napoli dove si
dedica unicamente alla pittura cominciando a partecipare a numerose mostre
sia in Italia che all’estero. La sua pittura decanta l’immagine fino ad esaltarne la
struttura geometrico astratto- concreta su rapporti armonici di forma colore e
luce; figure e spazio.
MAGGIO 2014
GALLERIA PICASSO NUORO
MARZO 2014
MANUEL OLIVARES – PROIEZIONE VIDEO E MOSTRA - ASSOCIAZIONE
CULTURALE “TEMPO MECCANICO” NETTUNO (RM)
AGOSTO 2013
LA VITA EEEE‟ FATTA PER ESSERE CELEBRATA
GALLERIA SPAZIO ZEROUNO BARLETTA
MAGGIO 2013
ARTE E MODA TUNNEL BORBONICO NAPOLI
SETTEMBRE 2012
“PRESENZE ASSENZE” GRAVINA

AGOSTO 2012
“IN UN MONDO SENZA NORME E LIMITI” GALLERIA SPAZIO ZEROUNO
BARLETTA
NOVEMBRE 2011
CERIDO CENTRO FICERCA DOCUMENTAZIONE PROMOZIONE ARTE
CONTEMPORANEA FIUMICELLO (UD)
NOVEMBRE 2011
ASSOCIAZIONE SEGHIZZI GORIZIA
OTTOBRE 2011
FESTIVAL DELLA LEGALITA‟ – VILLA FILIPPINA - PALERMO
MARZO 2011
UNITA‟ D‟ITALIA - CENTO CINQUANT ‟ANNI DI STORIA…OGGI – CHIESA
DI SAN DOMENICO – BUDRIO (BO)
OTTOBRE 2010
FLUXMUSEUM, COMMUNITY ARTS CENTER – FORT WORTH - TEXAS
FEBBRAIO 2010

GANO‟ - GALLERIA RODINO‟ - NAPOLI
NOVEMBRE 2009
“ PULPAINTINGS” MUSEO MINIMO – NAPOLI
OTTOBRE 2009
“ARTE IN COMUNE” Palazzo di città – GIUGLIANO (NA)
AGOSTO 2009
“GRANDMOTHER WAITS FOR YOU” - Embassy Gallery - Embassy Tower at the
Roxy Art House -
experimental exhibition/event as part of the Edinburgh Art Festival . Edinburgh
LUGLIO 2009
PRIMA RASSEGNA INTERNAZIONALE DI ARTE CONTEMPORANEA “ARTE
NELL‟ISOLA” ISOLA DELLA MADDALENA
GIUGNO 2009
Casa Italia Pescara – ETERNOLOGIE - XVI Giochi del Mediterraneo 2009 – CONI
- PESCARA
MAGGIO 2009
Honorable Concejo Municipal de Santa Fe de la Vera Cruz – ARGENTINA
MARZO 2009

“1000 ARTISTI A PALAZZO” PALAZZO ARESE BORROMEO CESANO
MADERNO
MARZO 2009
London EAST Festival, con “AUGUST art” – Londra UK
FEBBRAIO 2009
CHATEAU DES REAUX - GALLERIA PERMANENTE D‟ARTE
CONTEMPORANEA di Yevheh Yukhnytsya - Chouze sur Loire FRANCIA.
DICEMBRE 2008
“IL GIALLO DI NAPOLI” CASTEL DELL‟OVO - NAPOLI
SETTEMBRE 2008
“FUTURENERGIE” – VILLA MARIA – QUILIANO (SAVONA)
LUGLIO 2008
“VISIONI E LINGUAGGI” - OFFICINA KOINE‟ -EBOLI
MAGGIO 2008
“VUOTO E CREATIVITA‟ “ – STUDIO D‟ARS - MILANO
APRILE 2008

GALLERIA GANO‟ - NAPOLI
MARZO 2008
“FREE INTERNATIONAL ARTIST” SALA DE CERIMONIAS DE LA
INTENDENCIA MUNICIPAL DE MONTEVIDEO – MONTEVIDEO -
URUGUAY
GENNAIO 2008
“FREE INTERNATIONAL ARTISTS” MUSEO STORICO DI BERGAMO,
CONVENTO DI SAN FRANCESCO - BERGAMO
NOVEMBRE 2007
“LO SPAZIO OLTRE I LIMITI DELL‟ISTINTO”
TY‟SH – POZZUOLI (NA)
SETTEMBRE 2007
KARL –FRANZENS – UNIVERSITAT GRAZ – “STOFFTUCHER IM WIND”
GRAZ AUSTRIA
GIUGNO 2007
“XXIX RASSEGNA BICE BUGATTI” – NOVA MILANESE

MARZO 2007
“ARTE VIAGGIANTE” II° EDIZIONE – SPAZIO ART-LINE - MILANO
DICEMBRE 2006
GALLERIA HABITANTE – PANAMA - PANAMA
DICEMBRE 2006
WORLD TRADE CENTER – HONG KONG
SETTEMBRE 2006
“STUDI APERTI”- ARTERIA – NAPOLI
GIUGNO 2006
“MEDITERRANEO” LE AXIDIE VICO EQUENSE (SORRENTO)
GIUGNO 2006
“MOLTIPLICAZIONI TEMPORALI” PICA GALLERY – NAPOLI

GENNAIO 2006
“IPOTESI” - MASCHIO ANGIOINO – SALA DELLA LOGGIA – NAPOLI
NOVEMBRE 2005
“BIENNALE DI ANKARA”
SALA “ARIF HIKMET KOYUNOGLU” MUSEO DI PITTURA E SCULTURA
DELLO STATO – ANKARA - TURCHIA
NOVEMBRE 2005
”ARTE VIAGGIANTE” TORRE MEDIOEVALE COLNAGO (MI)
GENNAIO 2005
“DUALISMO” – BBLIOTECA ELSA MORANTE – ROMA
DICEMBRE 2004
GALLERIA METROPOLITAN INTERNATIONAL ART - LECCE
DICEMBRE 2004

PREMIO ELEXPO PER CALENDARIO 2005
NOVEMBRE 2004
HOTEL ART FAIR - SHERATON - CON LA GALLERIA “IL PONTE” - ROMA
NOVEMBRE 2004
“VIDEOPROIEZIONE”- GALLERIA METROPOLITAN INTERNATIONAL ART
– LECCE
NOVEMBRE 2004
CENTRO CULTURAL GRAN VIA CAJA DE LA RIOJA – LA RIOJA SPAGNA
OTTOBRE 2004
“2nd WORLD CONGRESS AGAINST THE DEATH PENALTY” PALAIS DES
CONGRES – MONTREAL - CANADA
AGOSTO 2004
PARTECIPAZIONE A: “ART AT THE MIRROR” ( PROGETTO DI RUGGERO
MAGGI ) BIENNALE DI LONDRA 2004 – LONDRA -INGHILTERRA

LUGLIO 2004
CASA DELLE CULTURE DI COSENZA – SALA PRIMO MORONI - COSENZA
LUGLIO 2004
HOTEL SIRENE - CAPRI (NA)
GIUGNO 2004
UNIVERSITY OF POMONA - LOS ANGELES - CALIFORNIA
MAGGIO 2004
PARTECIPAZIONE A : “ CAMERA 312, PROMEMORA PER PIERRE
RESTANY ” ( PROGETTO DI GIANNI OTTAVIANI ) MIART - MILANO
MAGGIO 2004
BIENNALE DI NAPOLI 2004 - ISTITUTO PALIZZI - NAPOLI
MARZO 2004

“ ARTEXPO 900‟ ” - CHAPITEAU DE FONTVIEILLE - MONTECARLO
MARZO 2004
“400 METRI PER L‟INFANZIA” PALAZZO REALE – SALA DELLA FORTUNA
- NAPOLI
GENNAIO 2004
“ ASTRATTAMENTE ” GALLERIA LOGOS - ROMA
DICEMBRE 2003
“AL CARO GIORGIO” - OMAGGIO A GIORGIO GABER - SPAZIO 12
MILANO
SETTEMBRE 2002
GALLERIA OPEN ART - MILANO
SETTEMBRE 2002
GALLERIA PRO ARTE DI LUGOJ - LUGOJ - ROMANIA

APRILE 2002
STUDIO D‟ARTE “IL PONTE” - ROMA
GENNAIO 2002
“GLOBALVISION” - SPAZIO MATISSE - ROMA
LUGLIO AGOSTO 2001
HOTEL SAVIOLI SPIAGGIA - RICCIONE
AGOSTO 2001
GALLERIA PINO PASCALI - POLIGNIANO A MARE (BA)
MAGGIO 2001
CANTIERI CULTURALI “ LA ZISA “- PALERMO
OTTOBRE 1998
“BERLINAPOLI” SALA GEMITO E GOETHE INSTITIUT – NAPOLI.

NOVEMBRE 1997
SALA ITALIA, CASTEL DELL‟ OVO IN OCCASIONE DI “NAPOLI NEL
MONDO”- NAPOLI
SETTEMBRE 1996
CHIESA DI SAN FRANCESCO – BOLSENA.
MAGGIO1995
INTERNATIONAL ART BIENNALE – MALTA.
APRILE 1995
GALLERIA ALBA – FERRARA.
LUGLIO 1994
“L‟ARTE DI UNIRE I POPOLI”, ISTITUTO CULTURALE TEDESCO GOETHE
INSTITIUT – NAPOLI.

DICEMBRE 1993
“A NORD E A SUD DEL MEDITERRANEO”, ISTITUTO CULTURALE
SPAGNOLO
CERVANTES – NAPOLI.
APRILE 1991
“L‟UOMO E L‟AMBIENTE” MUSEO DELLE SCIENZE E DELLE TECNICHE
DI S.VITTORE MILANO
Lo spazio visibile
1. La pittura di Manuel Olivares rifiuta qualsiasi schema a priori: non è
figurazione, non è astrattismo; è piuttosto la visione dettagliata e a
volte parziale di un microcosmo visionario che obbedisce a regole ben
precise. Se l'odierno concetto di bellezza è migrato dalle tele alle linee
sinuose dell'architettura organica, se il bello lo ritroviamo nell'oggetto
d'arredamento o nel design estremo dell'auto più esclusiva, vuol dire
che l'artista che è sensibile al mondo che lo circonda deve catturare

questo ritmo per creare una nuova fusione tra oggetto e spazio.
2. Idea e materia si incontrano restando perfettamente in equilibrio,
cristallizzandosi in forme pure dipinte con un virtuosismo che si svela
scrutando il lavoro di un pennello che stende la pittura ad olio domando
luce e ombra, restituendo forme e concetti: reinventandoli o
trasfigurandoli completamente. Si può dire che la sua è una pittura
concettuale perché obbedisce prima di tutto a un ordine che è mentale:
il ritmo non ferma e segrega le forme ma filtra e intensifica la vita. Il
lato concettuale non è fine a sé stesso, non è un'asserzione retorica sul
deterioramento dei soggetti dell'arte e sulla precarietà delle sue vicende
storiche, piuttosto è la ricerca di una unità del reale non come
procedimento razionale ma come sensazione emotiva della realtà
stessa.
3. Per Manuel Olivares la trasformazione è in tutto, anche negli oggetti
più banali, dal copertone di un'auto al pallone supersantos, da una
sedia di plastica a una ringhiera di ferro: è una meditazione sulla durata
delle cose o la loro lenta usura, sull'oscura identità dell'anima che
continua all'interno delle cose anche quando la loro esistenza non è più
utile. Partendo da luoghi realmente esistenti: un'Italia assolata, vuota e
metafisica e ritagliando scorci di un'architettura fascista svuotata da
ogni retorica e monumentalità, l'artista fa crescere le immagini una
dentro l'altra, come in un film, per raccontare la sorprendente bellezza
di questo paesaggio, credibile nelle emozioni appena lambite. L'occhio
smonta e ricompone la visione tenendo sempre conto dello sfondo,

della tridimensionalità dell'immagine, della sua profondità di campo.
4. La sua pittura non ha debiti con la fotografia, cosa che accade alla
maggior parte della pittura figurativa e neopop, perché è guidata da
una perfetta architettura delle parti: al centro c'è sempre la realtà che
non può essere finzione né didascalia, che non può essere appiattita
dall'obiettivo fotografico. E' come se la maggior parte delle immagini
che lo interessano e lo sorprendono non provenissero dall'arte o dalla
pubblicità, dalla televisione, come per la maggior parte degli artisti che
lavorano nella nostra epoca, ma da una realtà vissuta attraverso
l'amore per il cinema, il cinema come metafisica assoluta del mondo, il
cinema come illusione, come intreccio infinito di forme e fantasmi.
5. Il quasi bianconero delle immagini assicura infatti un minimalismo che
non conduce verso la purezza riconoscibile della forma simbolica, ma
piuttosto all'omologazione delle diverse, eccentriche forme sotto lo
sguardo di un unico discorso della luce, così spogliata, uniforme e
accanita nello svelare e velare le sfumature intermedie del grigio, e allo
stesso tempo, luogo in cui ogni colore – opportunamente illuminato –
confina con il grigio e svanisce in esso. Il bianco e nero: il bianco come
ghiaccio stratificato: solidificazione, cristallizzazione, congelamento,
fusione della superficie... strato su strato per definire la sua materia,
nelle pieghe e nelle curvature. Il nero come ombra, come linea di
demarcazione, come confine tra definito e indefinito.
6. Negli strati della visione l'immersione è totale. Il dettaglio ingrandito
della spalliera di una sedia di plastica diventa monumentale, astratto e

altrettanto geometrico quanto un edificio che si staglia contro il cielo:
tutto in uno stesso tempo e in uno stesso spazio, in una profondità in
cui tutto si materializza e appare.
7. Una sedia di plastica, una tapparella, la carrozzeria di un'auto, sono
oggetti dissolti e poi ricomposti come si possono ricomporre nella
curvatura di un'immagine sotto vetro o nel volume illusorio della
deformazione di una lente, secondo una logica combinatoria infinita, in
una trasformazione da uno stadio all'altro, da una forma all'altra per
alludere a una plasmabilità illimitata. Il più infinito e abissale dei registi
di oggi e di sempre, Kubrick, alla fine del viaggio nella più nera
profondità dello spazio, faceva trovare ugualmente – in 2001 Odissea
nello spazio – una ricurvatura delle immagini, un interno dentro
l'interno “un vetro che si rompeva” e poi un feto che rinasceva dalla
forma circolare dell'ovulo-immagine.
8. L'unicità della sua opera è tutta in questa visione allucinata, nella
potenza degli oggetti e delle loro interazioni, nella capacità di cogliere
con lo sguardo le linee di forza che li uniscono e i campi magnetici che
li attraggono e respingono, il legame ineffabile che l'intreccia e genera
un'energia, quell'onda segreta e inesplicata che nasce dagli stati di
tensione e di equilibrio della rappresentazione – in questa deformazione
della visione che curva e dilata il punto di vista in una gravità sospesa –
la disposizione degli oggetti e delle forme raggiunge l'universale nel
particolare: l'atemporalità della forma adeguata. . La strana oggettività
di cogliere il movimento dell'eterno. Di ciò che è. Il vortice, la scia, la

curvatura, il fremito, o l'immobilità nella luce che non è mai immobile,
perché la luce, per sua natura, si sa, muta a ogni istante.
Maya Pacifico
TRADUZIONE ARTICOLO DI MICHAEL K. CORBIN
Probabilmente è il più bel posto in cui non sia mai stato.
Chi rifiuterebbe un viaggio li?
Per visitare i canali di Venezia, le colline della toscana in bicicletta o passeggiare per
i negozi di Milano…che sogno!
Eppure, per me, l'emozione reale sarebbe Roma, Firenze e il fascino dell'arte.
Come si può visitare questo paese e non passeggiare con Caravaggio o cenare con da
Vinci?
C'è un paese al mondo che ha contribuito come cultura tanto come quel posto a
forma di stivale (tacco alto, naturalmente)? Non credo. Se possibile vorrei vivere da
solo su cannelloni e cannoli. Ma arrivarci è difficile. Come al solito si tratta di tempo
e denaro. Senza casa non è facile ma potrei prendere in considerazione un po‟ di
giorni. I limiti umani! che schifo no? Eppure, anche se non sono mai stato li. Eppure
anche se non sono mai stato li, l‟Italia fa librare il mio spirito. Come non potrebbe
essere altrimenti guardando la Cappella Sistina o la Mona Lisa. Mi rifiuto di credere
che sia una persona qualunque.
Comunque credo di essermi trovato in uno stato mentale “italiano” quando mi sono
imbattuto in un nuovo artista , Manuel Olivares. Per vivere in un posto cosi ricco di
storia e di cultura Manuel è uno degli artisti più contemporanei che abbia mai
incontrato. Il suo lavoro è cosi d‟impatto ,senza elogio, fresco, affascinante e
moderno.
Un pittore che crea enormi contrasti cromatici, dettagli di immagini , strutture
influenzate architettonicamente, venute fuori direttamente da fantasie
cinematografiche di vita extraterrestre. Sono liberi e fluidi, quasi liquidi. Sono
vivaci, grafici, quasi fotografici ma non pornografici, anche se si sarebbe potuto
muovere facilmente in quella direzione. Cosa ti ispira? Gli ho chiesto..

Manuel mi ha risposto.."Ho fatto dell‟arte la mia vita, l'ispirazione viene fuori da
questa posizione piuttosto che dai singoli oggetti o situazioni. Non importa quello
che osservo, tutto è potenzialmente una fonte di
ispirazione. Io non possiedono il problema della contemporaneità di ciò
che faccio in arte. Quello che io credo sia importante per un artista, è di
essere contemporaneo egli stesso ". e ha continuato dicendomi: “lei prima ha
menzionato la sensualità riflessa nel mio lavoro; bene la mia passione per le donne,
ad esempio, non proviene necessariamente dalle scene di sesso ( che non mancano
mai)… Più spesso, mi piace trasmettere l'attrazione sensuale in quello che
sto creando. Quello che dipingo deve suggerirmi il desiderio di toccare la tela, di
possedere fisicamente l‟oggetto del desiderio. Mi piace dipingere oggetti
e situazioni che normalmente non attraggono lo sguardo. Ciò che è bello di per sè non
mi attira artisticamente. È come se, riguardo a queste cose, fossi arrivato troppo tardi.
Il mio entusiasmo deve prevaricare la situazione, in Italia diciamo : “ l‟amore è
cieco”.. E io amo la mia vita! “
Hmm… è possibile non amare la vita quando si vive in Italia? Sono sicuro che lo
è, ma hai mai sentito qualcuno dire: "io odio l'Italia"? Il lavoro di
Manuel è anche influenzato dal lavoro di suo padre che era un architetto.
Lo si può vedere chiaramente nelle curve, nelle linee, nelle tendenze strutturali dei
suoi dipinti. Per me, sono quasi matrici organiche con un tocco d‟ironia.
“Non cerco di rendere il mio lavoro glamorous”, dice Manuel
“Come ho detto prima, non mi interessa se ciò che rappresento è
contemporaneo o meno. Pali della luce, automobili, finestre, edifici.. sono i
miei paesaggi.
Quello che mi interessa è il loro atteggiamento, il modo in cui si presentano agli
occhi dello osservatore ...pieni di colori, puliti, iper eccitati dalla
loro modernità …soli! "
Gioca continuamente con l‟ ombra e la luce, elementi prioritari della
sua opera. E mentre il suo lavoro è super moderno, Manuel mi
ha convinto che essere "alla moda" e "attuale" non è ...ironia della sorte ... il suo
obiettivo.
“l‟antico è un aspetto importante del mio lavoro” dice Manuel ..”sono attratto da
tutto ciò che ha un passato, non mi interessa la sua rilevanza storica. Quello che mi
attira è il suo passato…un passato visto come profondità più che come anticaglia.
Un importante sito storico, visitato da tanti turisti, non ha lo stesso"appeal"di
un sito abbandonato.
Guardando un oggetto abbandonato, sento un emozione simile…È come se, una
volta terminata la "vita" funzionale dell‟oggetto, questo acquisti una forza narrativa.

Per quanto riguarda il mio Paese, questo influisce sicuramente sul mio lavoro"
.. parlando come un vero e orgoglioso italiano.
Credo che vivrò indirettamente le visioni di Manuel finche non andrò io stesso in
Italia.
Ai miei occhi, il suo lavoro è ciò che accade quando un eccellente
moderno incontra l‟antico.
Questo è Manuel !
Il lavoro di Manuel è presente in molti siti d‟arte.. qui un esempio,…
www.creativearchiveonline.co.uk/portfolio/olivares.
Guardate voi stessi i suoi lavori, e capirete cosa intendo.
MANUEL OLIVARES
PULPAINTINGS
dal 17 novembre al 12 dicembre Museo Minimo
Via Detta San Vincenzo, 3 angolo Via Leopardi, 47 – Napoli
inaugurazione martedì 17 novembre ore 18,00
A cura di Roberto Sanchez
“Per noi l’Acropoli di Atene è l’esempio perfetto di uno dei più antichi film”
Sergej M. Ejzenstein
Nella seconda metà degli anni trenta Sergej M. Ejzenstein portò a termine “teoria
generale del montaggio” uno dei suoi scritti più esaustivi sul linguaggio
cinematografico e non solo; il testo infatti offre un‟approfondita analisi del
montaggio cinematografico rivelando una serie infinita di connessioni di questo con
le forme di arte precedenti a partire dall‟architettura degli antichi Greci.

La progettazione da parte degli architetti Greci del percorso, e dunque la previsione
della successone di immagini cui il visitatore dell‟antica Acropoli era soggetto
costituiscono secondo il noto regista una delle più remote forme di film (montaggio
cinematografico).
Anche la pittura costituisce secondo Ejzenstain punto di partenza per un giusto
approccio allo studio del montaggio, esemplare è l‟analisi che egli compie del ritratto
dell‟attrice Russa M.N Ermolova di Serov…” il montaggio non consiste tanto nella
successione di una serie di pezzi quanto nella loro contemporaneità”.
A distanza di tanti anni credo che il cinema possa in qualche modo essere
“responsabile” di un processo inverso, e cioè di aver a sua volta influenzato altre
forme di espressione tra cui la pittura.
Manuel Olivares
Linee, tratti affusolati, presenze figurali misteriose . la sensibilità artistica di Manuel
Olivares cattura, come l‟obiettivo di una telecamera, fotogrammi di vita quotidiana e
li trasforma in visioni.
Cinema televisione, fotografia, infatti, hanno creato nuove e diverse rappresentazioni
del mondo e sono responsabili di straordinari fenomeni artistici in grado di
influenzare le tradizionali forme espressive. La pittura di Manuel Olivares non si
sottrae a questa forza, ne assimila e ne trasfigura le capacità, le mescola all‟estro
creativo. l‟esposizione al Museo Minimo di Via Detta san Vincenzo,3 è composta di
opere digitali prodotte dalla combinazione di lavori precedenti realizzati su tela e in
grandi dimensioni. L‟artista ha miscelato forme e colori in un insieme insolito e
sofisticato che schiude nuove prospettive e significati. L‟apparente caos delle
composizioni si sintetizza in un preciso equilibrio tra spazi vuoti e pieni, tre colori
freddi e caldi tra la sinuosità dei corpi contrapposti alla geometricità delle forme. Le
teste e i volti , così come taluni particolari, una scarpa, un oggetto, sono
costantemente nascosti alla vista, artificiosamente confusi, assimilati allo sfondo e
contemporaneamente immersi in un taglio di luce specifico. Un racconto pittorico che
rimanda , come spesso sottolineato, ad “inquadrature inconsuete, di taglio
cinematografico” , in una ricerca continua di nuove possibilità di espressione.
Immagini che stimolano una percezione soggettiva, fatta di emozioni arcane,
interpretazioni intime, e restituiscono al tempo stesso, un‟ inquietudine astratta ad
uno smarrimento esistenziale,-una specie di voce- scrive Antonio Filippetti - che si

interroga e cerca , attraverso la comunicazione artistica, di stabilire contatti di
autentico spessore umano.
FIORELLA FRANCHINI ( IL DENARO )
“Pulpaintings” è il titolo della personale di Manuel Olivares aperta al Museo Minimo.
Curata da Roberto Sanchez, l‟esposizione visitabile lunedì mercoledì ore 15- 18
martedì giovedì venerdì 9 -12 e fino al 12 dicembre intende offrire al pubblico un
approfondita analisi del montaggio cinematografico rivelando una serie infinita di
connessioni di questo con le forme d‟arte precedenti a partire dall‟architettura degli
antichi greci resa attraverso gli ultimi lavori del giovane artista napoletano. Con una
ricca gamma cromatica Olivares rappresenta simboli, segni e forme private della loro
intrinseca oggettività che “raccontano” la nostra storia, il nostro quotidiano e che
acquistano la funzione evocatrice per farci riflettere sul nostro destino e sulla
necessità che ha l‟arte di di rompere il velo ipocrita di questa perfettissima società
dei consumi dove tutto appare lucido, razionale e preordinato. Le opere rappresentano
lo spazio senza interruzioni geometriche formali, confini, limiti se non nella
percezione di chi le osserva da vicino o da lontano.
DANIELA RICCI ( IL MATTINO)
TY‟SH, VIA VECCHIA S. GENNARO, 15 POZZUOLI(NA)
DAL 9 AL 24 NOVEMBRE - 2007
IINAUGURAZIONE VENERDI 9 E SABATO 10 NOVEMBRE - ORE 20,00 –
24,00
INFO : labtysh@libero.it
LO SPAZIO OLTRE I LIMITI DELL’ISTINTO
CREDO CHE L’ISTINTO SIA PIU’ UTILE ALLA DIFESA CHE NON ALLA
CREAZIONE,
UNA SORTA DI “PROGRAMMA “ PRONTO A INTERVENIRE LADDOVE NON
C’E’ TEMPO O MODO PER PENSARE… IN ARTE, MA NON SOLO,
RESPONSABILE SPESSO DI RIPETIZIONI, AUTOMATISMI, STASI…

CONSIDERO L’ISTINTO L’ASPETTO PIU’ “CONSERVATORE” DELLA
NOSTRA ANIMA…
LO SPAZIO DI PER SE NON HA INTERRUZIONI GEOMETRICO FORMALI,
CONFINI, LIMITI SE NON NELLA PERCEZIONE DI CHI GUARDA DA
TROPPO VICINO O DA TROPPO LONTANO.
REALTA‟ DIFFERENTI A DISTANZE DIFFERENTI, COME IL TEMPO E LE
DIVERSE INTERPRETAZIONI CHE NE VENGONO DATE IN (SCUSATEMI IL
GICO DI PAROLE) ALTRI TEMPI..
ESISTE, ALLORA, ANCHE PER LO SPAZIO UN PRESENTE PER COSI‟ DIRE
COSMICO?
IL DISORDINE, Il CONFINE TRA COSA E COSA, LA DIVERSIFICAZIONE
DEL TUTTO INTORNO A NOI NON E‟ ALTRO CHE UN PUNTO DI VISTA A
META‟ STRADA TRA IL TROPPO VICINO E IL TROPPO LONTANO, OGNI
DIMENSIONE HA IL SUO TEMPO, IL SUO PRESENTE.
LA DILATAZIONE DELLO SPAZIO QUOTIDIANO COME MARCATURA
DELL‟ALTRIMENTI INVISIBILE COSTITUISCE PARTE DI QUESTA
RICERCA CHE SI PREFIGGE COME SCOPO L‟ANALISI DELLO SPAZIO
FISICO FUORI DAI LIMITI DELL‟ISTINTUALITA‟ VIAGGIANDO TUTTAVIA
ATTRAVERSO PANORAMI QUOTIDIANI, SPESSO ANONIMI, DOVE IL
NUOVO SARA‟ LA NATURALE CONSEGUENZA
DI UN PUNTO DI VISTA INDIVIDUALE E NON UN OBIETTIVO FINE A SE
STESSO.
MANUEL OLIVARES
Il TY’SH, dopo un anno di intensa attività che ha visto protagonisti artisti come
Paolo Bresciani, Massimiliano Mirabella, Martin Derient e Mariangela Levita,
riapre la nuova stagione espositiva con una inedita quanto attesa personale
dell’artista napoletano Manuel Olivares.
A partire dal 9 novembre fino al 24, gli ultimi lavori pittorici di Olivares
saranno presentati negli spazi dell’associazione puteolana, presieduta e diretta
da Sasi Menale, lavori di vario formato ma comunque ascrivibili alla medesima
linea di ricerca che, parafrasando il titolo della mostra: “si prefigge come scopo

l’analisi dello spazio fisico fuori dai limiti dell’istintualità”.
Un prospettivismo dove la dilatazione del quotidiano designa l’“altrimenti
invisibile”, dove la visione, sospesa tra il troppo vicino e il troppo lontano, apre
alla dimensione temporale dell’“eterno presente”.
Qui del quotidiano si indagano ameni quanto apparentemente insignificanti
anfratti, una sequela di paesaggi dove lo spazio della contemporaneità si
definisce come luogo dell’antropizzazione: gli oggetti, gli interni, la luce
artificiale ed ogni altro elemento della composizione pittorica allude ad un
realismo tutto simbolico, dove il riferimento all’attualità del presente assume
spesso caratteri parossistici e visionari.
Decisamente un segno dei tempi.
DAVIDE AURICCHIO (VIATICO)
L‟arte ha un ruolo determinante e qualche risposta plausibile di fronte all‟orrore degli
accadimenti della società contemporanea. Ecco perché Manuel Olivares, che espone
domani sera ore 20 i suoi ultimi lavori al Ty‟sh in via vecchia San Gennaro 15 a
Pozzuoli, la nuova location curata da artisti, designers, architetti con lo scopo di
incontro e scambio all‟insegna della creatività, concentra la sua ricerca sul tentativo
di interpretare la realtà circostante contraddittoria, imprendibile e frammentaria.
Dopo le due recenti personali “Ipotesi” , dove l‟artista ha posto l‟uomo al centro dei
suoi pensieri, e “Moltiplicazioni temporali” dove invece si è dedicato al tempo,
questa volta con “Lo spazio oltre i limiti dell‟istinto”, titolo dell‟esposizione
visitabile fino al 24 novembre, è attento allo spazio, all‟istintualità con cui viene
percepito e sulla possibilità di un “presente cosmico” alla ricerca di un‟armonia
perduta. “Credo – spiega Olivares - che l‟istinto sia più utile alla difesa che non alla
creazione. Una sorta di programma pronto ad intervenire laddove non c‟è tempo o
modo per pensare. In arte, ma non solo, responsabile spesso di ripetizioni,
automatismi, stasi. così considero l‟istinto l‟aspetto più conservatore della nostra
anima”. Circa 20 le opere presentate realizzate olio su tela, alcune di grandissime
dimensioni, per rappresentare lo spazio senza interruzioni geometrico formali,
confini, limiti, se non nella percezione di chi le osserva da vicino o da lontano. La
mostra intende analizzare da diversi punti di vista spesso antitetici la dilatazione dello
spazio quotidiano come sottolineatura dell‟ invisibile, inteso dall‟artista come
rapporto del singolo individuo con il proprio passato e l‟estrema dipendenza di
quest‟ultimo dal presente. “il ruolo dell‟artista – dice- risiede nella possibilità di
sperimentare visioni e di scavare nella storia e nelle logiche nascoste o
apparentemente scontate al fine di produrre un senso, una faglia critica”. Con una
ricca gamma cromatica, Olivares rappresenta simboli, segni e forme private della loro
intrinseca oggettività, che raccontano la nostra storia , il nostro quotidiano e che ci
fanno riflettere sul nostro destino e sulla necessità che ha l‟arte di rompere il velo

ipocrita di questa perfettissima società dove tutto appare lucido, razionale,
preordinato.
DANIELA RICCI ( IL MATTINO )
MANUEL OLIVARES
MOLTIPLICAZIONI TEMPORALI
PICAGALLERY - NAPOLI
GIUGNO 2006
A cura di
Maria Savarese
HO SEMPRE PENSATO CHE ANCHE IL PASSATO CAMBIA, IL MODO IN
CUI LO GUARDIAMO INTENDO…TUTTO DIPENDE DALL’OGGI,
DALLO STATO D’ANIMO ATTUALE! IL PRESENTE SE NE STA LI ,
APPARENTEMENTE FERMO, IMMOBILE, TUTTO PRESO DALLA SUA
QUOTIDIANIETA A NASCONDERCI OGNI SUA MOSSA…MA E’
PROPRIO QUESTA “CALMA PIATTA” AD IMPEDIRCI TROPPO SPESSO
DI COGLIERE L’IMPORTANZA DEI FATTI, NASCONDENDOCI QUELLO
CHE UN GIORNO DIVERRA L’INESORABILE SCENOGRAFIA DELLA
NOSTRA VITA…
UN PASSATO DUNQUE MAI TRASCORSO, UN PRESENTE E UN FUTURO
CHE SI INCONTRANO CON ESSO OGNI GIORNO; LO CAREZZANO, LO
INVOCANO,, LO INSULTANO, LO COLPISCONO…
NON IMPORTA RESTERANNO SEMPRE INSIEME.
MANUEL OLIVARES
“TELEVISIONE,CINEMA, VIDEO…VIVIAMO ORMAI DI ESPERIENZE
INDIRETTE, DI LUCE RIFLESSA! VEDIAMO SEMPRE DI PIU E CAPIAMO
SEMPRE DI MENO, COME DAL FINESTRINO DI UN’AUTO, VIA VIA CHE LA
VELOCITA’ AUMENTASI PERDONO I CONTORNI,POI ANCHE I COLORI
COMINCIANO, LENTAMENTE, A FONDERSI TRA LORO SINO A DIVENTARE

UN UNICO COLORE, IL BIANCO, IL VUOTO. MI CHIEDO SE QUESTA è
COMUNICAZIONE.”
È COSI’ CHE MANUEL OLIVARES COMMENTA LE SUE OPERE IN
MOSTRA ALLA PICAGALLERY
SUL RAPPORTO TRA L’UOMO E L’INCOMUNICABILITA’. IL TALENTO
DI SAPER VIVERE CON INTERESSE E CURIOSITA’, IL RAPPORTO CON
L’INTERO UNIVERSO DEGLI EVENTI NATURALI ED UMANI, CON LO
SPAZIO, CON IL PIANETA E CON LA STORIA DEVE IN QUALCHE
MODO ESSERE RECUPERATO POICHE’ SIAMO SPETTATORI
ENTUSIASTI DI STRAORDINARI PRODIGI DELLA TECNICA CHE
PERO’ RENDONO L’INDIVIDUO SINCRONIZZATO E
INTERDIPENDENTE NELLA MASSA VIVENDO E PENSANDO NON PIU’
COME SINGOLO MA COME COLLETTIVITA’.
CON “MOLTIPLICAZIONI TEMPORALI”, E’ COSI CHE SI INTITOLA LA
MOSTRA, OLIVARES DOPO AVER ESPOSTO RECENTEMENTE NELLA
SALA DELLA LOGGIA AL MASCHIO ANGIOINO INTENDE
DI NUOVO ANALIZZARE IL RAPPORTO DEL SINGOLO INDIVIDUOCON
IL PROPRIO PASSATO E L’ESTREMA DIPENDENZA DI QUEST’ULTIMO
DAL PRESENTE. DIECI LAVORI DI GRANDI DIMENSIONI
SOTTOLINIANO, DUNQUE LA MUTEVOLEZZA DEL PASSATO IN
CONTINUO MOLTIPLICARSI, APPUNTO, ED INTRECCIARSI CON LO
STATO D’ANIMO DEL MOMENTOE OFFRONO LO SPUNTO PER
OSSERVARE DA PUNTI DI VISTA DIVERSI , SPESSO ANTITETICI, LA
MEDESIMA REALTA’ TRASCORSA.
SEDIE DI PLASTICA, OMBRELLI ABBANDONATI, COPERTONI DI
AUTOMOBILI, OGGETTI DI USO QUOTIDIANO SONO PRIVATI DELLA
LORO FUNZIONALITA’ PER DIVENTARE PORTATORI DI ALTRI
SIGNIFICATI E VALORI. CON UNA RICCA GAMMA CROMATICA,
OLIVARES, RAPPRESENTA I SIMBOLI CHE RACCONTANO UNA
STORIA, UN PASSATO FORTEMENTE EMOZIONALE CHE APPARTIENE
AD OGNUNO DI NOI. ATTRAVERSO IL TAGLIO FOTOGRAFICO DI
QUESTE IMMAGINI, RESE CON COLORI FORTI, TONALITA’ E
CHIAROSCURI ACCENTUATI, L’ARTISTA PRIVA ANCHE LE FORME
DELLA LORO INTRINSECA OGGETTIVITA’CHE DI CONSEGUENZA
ACQUISTANO UNA FUNZIONE EVOCATRICE PER FARCI RIFLETTERE
SUL NOSTRO DESTINO IN QUESTA NOSTRA SOCIETA’ DEI CONSUMI
DOVE TUTTO APPARE LUCIDO, RAZIONALE, PREORDINATO.
DANIELA RICCI (IL MATTINO)

MANUEL OLIVARES
IPOTESI
MASCHIO ANGIOINO – SALA DELLA LOGGIA
GENNAIO 2006
A cura di
Antonella Galano
Presentazione del Presidente del Consiglio Regione Campania
Sandra Lonardo Mastella
CON TUTTO IL RISPETTO PER DIO, NON HO MAI CREDUTO CHE GLI
ANIMALI SIANO STATI CREATI PER FARE COMPAGNIA AGLI UOMINI, HO
SEMPRE PENSATO, INVECE, CHE QUALCUNO SIA ARRIVATO SULLA TERRA
DA MOLTO LONTANO E NE ABBIA MODIFICATO UNO…PROPRIO COME
STIAMO PROVANDO A FARE NOI OGGI; NON HO MAI RITENUTO NORMALE
CHE TRA TANTE SPECIE, SOLTANTO UNA SIA STATA CAPACE DI
PROGREDIRE E NON SOLTANTO DI ADATTARSI…E POI GLI UOMINI HANNO
UNO STRANO RAPPORTO CON L’AMBIENTE, E’ COME SE NON SI
SENTISSERO A PROPRIO AGIO, DEVONO MODIFICARE, CAMBIARE,
ADATTARE…
QUANDO GUARDO IL MIO CANE ROTOLARSI IN UNA NUVOLA DI TERRA,
QUANDO LO VEDO LANCIARSI IN UNA POZZANGHERA O MASTICARE I
RESTI DI UNA CAROGNA LO IMMAGINO COME UN TUTTUNO CON
L’AMBIENTE CHE LO CIRCONDA E NON COME UN’OSPITE.
ARCHITETTURE, OGGETTI, LUCI ARTIFICIALI…CONTRASTI EVIDENTI,
SEGNI TANGIBILI DELLA CONDIZIONE “UMANA”. ECCO DUNQUE LA
NECESSITA’ DI ALLONTANARSI, DI PROVARE A GUARDARE TUTTO DA UNA
CERTA DISTANZA, DA UN PUNTO DI VISTA ESTRANEO CHE NON
ATTRIBUISCE ALLA FORMA ALCUN SIGNIFICATO FUNZIONALE MA CHE

CERCA ATTRAVERSO LA DISTANZA DI RIALLACCIARE UN RAPPORTO
PERSO...
IO CREDO CHE ESISTA UN CERCHIO PIU GRANDE, LONTANO, CHE UNISCE
TUTTO E TUTTI PASSANDO ATTRAVERSO L’INFINITA’ DELLE FORME,
UNENDO L’INTIMO DEL DETTAGLIO ALL’INFINITO DELL’UNIVERSO…
MANUEL OLIVARES
PRIMA DEL MOMENTO, L‟ISTINTO SOPRASSIEDE SULL‟ARTISTA CHE
DA‟ ALLA SUA FORZA CREATRICE UN‟ ORIGINE NELLA FORMA
DELL‟ISTANTE.
GLI OGGETTI RAPPRESENTATI SONO QUOTIDIANITA‟ DISMESSE,
ESISTENTI NEL REALE E SCHIAVE DELL‟OVVIETA‟ GIORNALIERA,
VIVONO EMARGINATE NELL‟INCONSISTENZA DELL‟UOMO MODERNO;
SONO SIMBOLI DEL TRASMUTARSI CONTINUO DEL TEMPO.
PRESENTE, PASSATO E FUTURO ENTRANO IN UNA UNICITA‟ DI FORME
PLASTICHE CHE NELLA CIRCOLARITA‟ DEI MOVIMENTI RAFFIGURANO
L‟ORIZZONTE DI CHI VEDE OLTRE. IL RISULTATO FORMALE SONO
IMMAGGINI DI CHI , OGGI, IMMEMORE DELLA STORIA DI TUTTI I
GIORNI, AVVERTE L‟URLO MA NON HA CORAGGIO NELLA PROPRIA
SOLITUDINE DI URLARE; CHI TEME OGGI DI NON TACERE ?

LA PITTURA DI MANUEL, PARTECIPA ALLA VITA ATTRAVERSO UN
DIALOGO VEEMENTE TRA I SUOI SOGGETTI ANTROPOMORFI E LA
CONSAPEVOLEZZA DI CHI OSSERVA CHE TUTTO SCORRE PUR
PERMANENDO PER SEMPRE NELLA MEMORIA DI TUTTI.
MOLTIPLICAZIONI NELLA MEMORIA DI OGNUNO DI NOI CHE
DIMENTICO DEI FRANGENTI PASSATI ATTRAVERSA IL RICORDO DEGLI
AMBIENTI VISSUTI NELL‟IMMAGINARIO EMOZIONALE DI UN TEMPO. IL
PRESENTE SI MOLTIPLICA NELL ESPRESSIONE FUTURA NELLE
GEOMETRIE DELLO SPAZIO.
LUCE ED OMBRA DIVENTANO NEL CONTRASTO CHIAROSCURALE
SQUARCIO DI QUESTO SILENZIO MANCATO. OLIVARES FA RESPIRARE
LA VITA CHE SOTTRAE ALLA VITA UN CERCHIO SENZA FINE.
ANTONELLA GALANO
SEDIE E TAVOLINI DA BAR DI QUELLI ROSSO-ARANCIONE CHE SI
TROVANO ATTORNO AI CHIOSCHETTI ALL‟APERTO;LUNGHI PALI
DELLA LUCE; SARACINESCHE DI NEGOZI O GARAGE. INSOMMA OGETTI
COSI ORDINARI CHE QUANDO LI INCROCIAMO NEANCHE C BADIAMO E
MAI PENSEREMMO DI TROVARLI PROTAGONISTI DI UN CICLO DI OPERE
PITTORICHE. EPPURE è PROPRIO L‟OVVIO QUOTIDIANO AL CENTRO
DELLA PIU RECENTE RICERCA ARTISTICA DI MANUEL OLIVARES ALLE
CUI OPERE è AFFIDATO IL COMPITO DI INAUGURARE GANO‟, IL NUOVO
SPAZIO ESPOSITIVO DI PIAZZETTA RODINO‟ PENSATO COME LUOGO DI
INCONTROAPERTO ALLA DIFFUSIONE DELL‟ARTE IN TUTTE LE SUE
FORME PITTURA, FOTOGRAFIA MUSICA, LETTERATURE, TENDENZE E
DESIGN- E PER CONOSCERE MODI DI FARE E PENSARE DIVERSI, PER
DISCUTERE E CONFRONTARSI, APRIRSI AD ALTRE VISIONI DELLA
REALTA‟ CHE CI CIRCONDA.
IN PINO TARGHET, DUNQUE,LA PERSONALE DI OLIVARES, CHE SIA
PURE CON UNA TRADIZIONALISSIMA PITTURA AD OLIO SU TELA, NEL
SUO INCESSANTE TENTATIVO DI CONCILIAZIONE ARMONICA DELLE
FIGURE NELLO SPAZIO, METTE A FUOCO GLI ASPETTI PIU‟ INEDITI
DELL‟ORDINARIO TRASFORMANDOLO IN VISIONI SURREALI, QUASI
ONIRICHE, MA A BEN VEDERE ILLUMINANDOLO CON UNA LUCE CHE
NE EVIDENZIA LE CARATTERISTICHE E LE FUNZIONI. ADDIRITTURA
INGIGANTENDOLE, PER MEGLIO PORLE ALL‟ATTENZIONE DI CHI LE
OSSERVA. UN MODO PER RIFLETTERESU CIO CHE LA VELOCITA‟ DELLA
ROUTINE DELLA TV, DEL CINEMA E DEL VIDEO APPIATTISCE FINO AD
UNA TOTALE FUSIONE DI FORME INFORMI DAI COLORI INCOLOREE PER
COMINCIARE A GUARDARE IL MONDO CIRCOSTANTE CON RINNOVATA
CURIOSITA‟, CON OCCHIO VIGILE NON DA SPETTATORE PASSIVO.

UNA DECINA IN TUTTO LE OPERE DI MANUEL OLIVARES, SONO TUTTE
DI GRANDE FORMATO, ANIMATE DA SCELTE CROMATICHE FORTI E
DECISE, CHE – A SECONDA DEI SOGETTI INDAGATI –SPAZIANO TRA LE
GAMME DEI VERDI E DEI BLU, DEI BIANCHI E DEI GRIGI , DEI GIALLI
ROSSO-ARANCIONE SCELTI NEI TONALITA‟ PIU SATURE E STESI E
STESI CON PENNELLATE A CAMPITURE AMPIE E SOTTILI PER MEGLIO
RAPPRESENTARE LE FORME INDAGATE. NAPOLETANO, CLASSE 1967,
FORMATOSI FUORI DAGLI AMBIENTI ACCADEMICI, DOPO UN LUNGO
PERIEODO TRASCORSO IN NORVEGIA NEL 1992, DAL SUO RIENTRO IN
CITTA‟ MANUEL OLIVARES SI è DEDICATO UNICAMENTE ALLA
PITTURA CON LA QUALE, FEDELE AL SUO STILE FIGURATIVO DECANTA
L‟IMMAGINE FINO AD ESALTARNE LA STRUTTURA GEOMETRICA
ASTRATTO-CONCRETA.
PAOLA DE CIUCEIS ( IL MATTINO )
..altro scenario è quello che da di Napoli il pittore Manuel Olivares, se a Napoli si
riferisce e non a una città utopica, nei frammenti ingigantiti da una lente che li
sottrae alla realtà oggettuale per renderli simulacri di luce e colore assunti al piano
affascinante delle idee platoniche.
Geometrie ideali avulse da ogni funzione e che quindi hanno perduto ogni valore
progettuale e concreto e perciò ogni intento persuasivo sociale.
Un platonismo che cerca l‟accordo di forme assunte a voci di inconsapevole riscatto
dalla brutalità della materia e, più che salvare porgendo una cima al naufrago, rileva
magicamente che quel rottame può nascondere anche bellezza, luce sublime e forse la
speranza che tutto il mondo in sfacelo conservi un ordine possibile dentro di sé una
armonia che sovrasti il disordine, così che dallo strappo della materia corrotta possa
la luce ricomporsi in bellezza. Non si dice che la bellezza salverà il mondo? Allora
forse occorre cercarla nei suoi rifugi la bellezza, ricomporla senza paura di uscire
dalle regole dominanti, e farla respirare all‟aria, gonfiarla di luce. Non occorre una
sentenza che decreti il giudizio, basta la volontà di non ammettere la sconfitta ne fra i
rottami ossidati delle industrie, ne tra il baluginìo assordante dei motori o
l‟inquinamento dei rifiuti urbani. Ricomporre mentalmente l‟ordine di uno scenario
che si rifiuti di indicare solo ciò che non deve essere ma che lasci emergere la volontà
di ritrovare la funzione della vita nell‟ordine del cosmo.
LUCIANA RICCI ALIOTTA ( CON- FINE )

Superfici pittoriche colme di tassellature organiche, sottili e dense campiture
cromatiche che delineano presenze figurali; linee, tratti affusolati confusi e
giustapposti che evocano simulacri d‟architettura e d‟umanità: osservando le opere di
Manuel Olivares siamo subito catturati da una sensazione di saturazione , di pienezza,
di condensamento. Campi cromatici composti da mezzi toni, con accenti di colore più
intenso, delineano le parti da evidenziare nella totalità della composizione scenica. La
risultante strutturale dell‟impianto pittorico è quella di una febbrile e concitata
visione di vedute architettoniche e di presenze ,creata da un apparente caos
compositivo , che in realtà si traduce in un preciso equilibrio tra spazi vuoti e pieni,
in una calibrata alternanza tra colori freddi e caldi e, soprattutto, in un calibrata
alternanza tra colori freddi e caldi e, soprattutto, in un efficace incidenza della luce
che illumina -e quindi evidenzia- le parti narrative del discorso pittorico.
Nelle opere di Manuel Olivares vi sono numerosissimi imput stilistici che fanno
pensare alla storia dell’arte come a un continuum temporale che dalla tradizione
giunge alla più attuale ricerca formale .nella sua pittura si ritrovano numerosi dati
compositivi . all’arte antica, Olivares si collega per una certa visione della figura in
“stile serpentinato” della rappresentazione pittorica, tipica del manierismo
.certamente il gioco ad incastri tra i volumi, tra gli spazi vuoti e pieni,tra l’incidenza
luminosa e la tassellatura del colore non può
che far pensare alle logiche compositive di Cézanne , alla pittura fluida e nervosa di
Kokoschka, ma anche ad un cubismo analitico magmatico e liquefatto. Tuttavia
anche il dato surrealista è incisivo: basti pensare ad alcune figure di Max Ernst ,
alle deformità di Dalì alle architetture fluttuanti di Escher. Da una primordiale
organicità latente, realizzata attraverso un’affusolata e precisa pittura tonale, si
arriva ad una estrapolazione coloristica più incisiva, in un processo di “messa in
evidenza” dell’architettura. Da un territorio figurale si approda ad una realtà
deforme, alterata, allucinata. Il trascendente ha, di per se , un gusto magico,
alchemico. La realtà appare dunque trasposta attraverso uno slittamento semantico,
il simulacro dell’umano è medium immaginifico.
Manuel Olivares ci propone un mondo fluttuante. Al caos della casualità, l’autore
conferisce un ordine e un equilibrio per mezzo del logos armonizzante , in una sorta
di precisione magica degli equilibri . Il movimento e la fluidità compositiva , come ci
ha insegnato Panofsky, diventano processo divisibile all’infinito e mutevole, la
deformazione viene legittimata otticamente e fisicamente come mezzo estetico.
Oppure, secondo gli scritti sull’arte di Baudelaire : “ciò che non è
impercettibilmente deformato, da una sensazione di freddezza e insensibilità; ne
consegue che l’irregolare , ciò che non ci si aspetta , la meraviglia lo stupore è un
elemento essenziale e tipico del bello”.
DARIO SALANI

La pittura si confronta oggi con tecniche estremamente sofisticate, dalle eccezionali
possibilità espressive che, a volte, fanno di uno spot pubblicitario una vera e propria
opera d’arte, per perfezione formale e capacità di suscitare emozioni. È un confronto
che sembrerebbe relegare il pittore a ruoli marginali, quando è invece fonte di
imprevedibili stimoli per la sua sensibilità artistica.
Fotografia, cinema, televisione creano diverse e molteplici rappresentazioni del
mondo che arricchiscono la percezione soggettiva, schiudendo nuove prospettive e
significati. Questi sono i più recenti aspetti di un’evoluzione visiva che in passato, la
pittura ha sempre saputo cogliere ed esprimere e che oggi assumono particolari
implicazioni, come nelle opere di Manuel Olivares.
A 35 anni, Manuel Olivares è partecipe di questa affascinante evoluzione: la sua
tecnica è tradizionale, olio su tela, e lo stile è figurativo. Sulle sue opere, i critici
esprimono interessanti e dotti giudizi, con richiami a illustri maestri del passato: i
manieristi, Escher, Dalì…certamente, Olivares, pur estraneo alle accademie d’arte,
non è immune da suggestioni o “simpatie” artistiche. Sono affinità culturali di una
ricerca espressiva, in cui lo sguardo dell’artista si volge al mare delle immagini in
cui siamo immersi e che mutano e alterano la nostra sensibilità visiva. Un
alterazione che, banalmente, spesso ci fa paragonare un bel paesaggio a una
cartolina, capovolgendo il rapporto tra reale e artificiale, tra modello e
rappresentazione. Le immagini di Olivares presentano inquadrature inconsuete, di
taglio cinematografico, dove le linee sinuose e le tonalità cromatiche suscitano
sensazioni stranianti, quasi un ingresso in un mondo parallelo. Un mondo fantastico?
Forse, ma creato da un diverso “punto di vista” che, all’improvviso, ferma un
fotogramma del film che scorre davanti ai nostri occhi. Olivares lascia
l’interpretazione alla sensibilità di chi guarda: i suoi quadri sono “Senza titolo”.
DINO ERBA
……i contrasti dei rossi, dei blu, i gialli compatti che sembrano lacca, le sfumature
di luce sulla linea d’orizzonte, che penetrano ed emozionano.
E poi che ci vuoi fare, pezzi di città piegate, deformate, angoli di balcone(postazioni
visive privilegiate- punti di vedetta), palazzi che sembrano torri-fortezze che attorno
a loro generano paesaggi apparentemente vuoti, interni rigorosi dove i mobili
sembrano fatti di luce al pari dei corpi che sembrano essi stessi pezzi di città,e poi i
materiali stessi della città, asfalti, marciapiedi,lamiere, canalizzazioni che
percorrono lo spazio….entusiasmano il mio immaginario da sempre attratto dai
materiali e dalle deformazioni della contemporaneità.
La sensazione??? una città scolpita in uno spazio apparentemente unitario……. ma
che unitario non è. Da quei balconi hai un senso di vertigine…c’è un altro spazio che
non lasci vedere, profondissimo, intenso…vertiginoso appunto.

E poi gli spessori…tutto ha uno spessore, scale, marciapiedi, parapetti, strisce
pedonali, pelle…
L’idea che mi danno le tue tele è che si alimentano d’aria, quasi che l’aria debba
penetrare tra i volumi dei palazzi, attraversare i vuoti, riempire le strade.
ALESSANDRA PANZINI
Sono scorci di ambienti e scene vissute su un remoto pianeta di un lontano sistema
solare, le immagini che mi incantano, impresse sulle tele di Manuel Olivares ? o
piuttosto si tratta di fotogrammi di vita quotidiana catturati dall’artista nella sua
Napoli, rivedute e “corrette” alla luce di un interpretazione “fantasy” di luoghi
conosciuti; quasi una mitizzazione formale di aspetti contingenti della propria realtà
che ha in un “solipsismo egotico” di goethiana memoria il suo strumento
privilegiato?
Che si tratti di immagini reali, catturate e poi metabolizzate dalla fervida mente di
Manuel o piuttosto istantanee di, un mondo lontano con cui il nostro sembra essere
in psichica comunione, poco importa. Le tele di Olivares ci riportano ad una
dimensione onirica e fantastica quasi fanciullesca, ad un universo fatato che ho
emblematicamente voluto chiamare “Urania”.
È’ innegabile che nei lavori di Manuel compaiano brandelli della sua città ma
deformati da misteriose forze e occulti avvenimenti; angoli di strade silenti, palazzi
che hanno le sembianze di torri di avvistamento e costruzioni fortificate di fattura
angioina attorniate da paesaggi scarni e immoti, spazi interni angusti e labirintici
dove gli arredi sembrano vivificarsi, divenire corpi di esseri umanoidi, anch’essi
immobili, quasi pietrificati da un’ immane forza come avvenne secoli orsono a
Pompei . E’ a mio avviso paradigmatico che un artista nato e vive a Napoli,
metropoli caotica e “casciarona” per eccellenza, si rifuggi in questo mondo
immaginifico di silenzio, immobilità e luce….novello “Cavaliere del silenzio”.
Ma ad un’ occhiata più attenta questi anfratti immersi in un impasto di colori tenui e
quasi “soffici” che avvolgono in una coltre di ovattata tranquillità, scale,
marciapiedi, parapetti, strisce pedonali, tutto insomma,, rivelano uno strano senso di
inadeguatezza che pervade al pari di un inquietante segreto queste tele altrimenti
così eteree.
Sono maggiormente le figure umane a “disturbare” l’osservatore. Nelle tele in cui
compaiono corpi , si avverte una sorta di disarmonia in questi “esseri”, enfatizzata
dalla dicotomia formale tra queste figure sinuose e gli spazi lineari in cui queste
sono inserite. Quasi fossero fuori posto ed esse stesse a disagio in un contesto tanto
metafisicamente geometrizzato, in uno spazio che riecheggia uno sfaldamento dei

volumi di memoria cubista. Perché Olivares costantemente nasconde alla vista, con
mirabile artificio, le teste e i volti, impedendoci di apprezzare i moti dell’animo dei
suoi personaggi, apparentemente divisi tra una volontà di immedesimazione , di
mimetismo- accentuato da una certa identità cromatica con il contesto – e un
ineluttabile destino di diversità e di alienazione.
E se queste figure fossero effettivamente fuori luogo in un luogo fuori dal tempo? E
se vi fossero capitate per caso , quasi sprofondate in un sonno profondo i cui sogni
sono talmente reali da avvincerle, impedendole di destarsi per tornare alla propria
caotica e frenetica
realtà? E se questi personaggi che tanto che tanto ci inquietano e avvincono al
contempo, di cui inevitabilmente ci chiediamo l’origine e la sorte, in realtà non
fossimo altri che noi stessi, catturati nostro malgrado in questa atmosfera tanto
lontana dalla nostra quotidiana realtà? Se fossimo noi ormai irrimediabilmente
assuefatti a questo mondo di fantasia che ci ammalia come la nenia di una sirena ?
Manuel Olivares conosce la risposta e, forse, la conosciamo anche noi.
ANTONELLO FANIZZI
…..I suoi spazi, per noi che viviamo a Torino ( quindi una grande città come Napoli
), ci propongono subito una dimensione conosciuta, anche se diversa; diversità nei
colori, la costante presenza di gialli e rossi; nei cieli tersi, senza nubi e con
sfumature cangianti. Gli spazi che Olivares ci propone sono in qualche misura
rilassanti, perché non sono oppressi dai colori fumosi con cui abitualmente
associamo l’agglomerato urbano. Un discorso a parte meritano i quadri dove è
rappresentata la presenza umana. Qui i rapporti si ribaltano; nei due quadri dove
sono raffigurati corpi, abbiamo avvertito come una sorta di disagio, come se queste
figure si contrapponessero agli spazi lineari in cui vengono inseriti. Ne quadro 0034
le figure guardano un manufatto in lontananza: hanno quasi lo stesso colore
dell’edificio, un associazione inquietante che viene integrata da una delle rare
atmosfere plumbee prodotte dall’artista. Mentre nel quadro 0063 la sinuosità del
corpo si contrappone alla geometricità dell’arredamento; in questo caso il colore del
corpo influenza il bianco delle pareti dando al complesso dell’immagine una tonalità
brillante, quindi la drammaticità è nella forma : l’ assenza della testa non ci fa
capire lo stato d’animo del personaggio raffigurato……
GIANNI PATRITO

Lo spazio diventa un gioco da fare puntualmente in modo diverso. Così le dimensioni
diventano tessere di un mosaico da ricostruire combinando i colori in modo da
ottenere sempre un risultato differente ed incantevole. Così Manuel Olivares,
giovane Artista napoletano, compone i suoi spazi su tela, immaginando una realtà
fatta di forme ben definite, a volte spigolose che delineano un mondo vivace nato
dall’idea dei colori che si combinano in modo perfetto ispirando emozioni e
suggerendo interpretazioni
Ed ecco che una tela diventa una fenditura….immaginate uno strappo su una tenda
pesante che permette di guardare un paesaggio inaspettato, in cui forme e colori
prendono forma sotto la luce che li attraversa.
E quando le tinte sono intense e solari, nei toni del giallo e del rosso, ci si sente
pervadere da una sensazione inspiegabile che ispira gioia e vivacità.
Non mancano i contrasti cromatici, creati di proposito per insinuarsi nell’animo di
chi guarda con l’abilità che hanno solo i colori, evocando ricordi ed ispirando nuovi
pensieri, ed associazione d’idee!
Perché è inevitabile spaziare con la mente a cospetto di una tela che è indefinita, il
cui contenuto non si ferma entro i limiti del dipinto, ma riesce a trovare il suo seguito
nello spazio circostante. Così ritorna il concetto di spazio, in un percorso ciclico,
rappresentando il punto d’inizio e quello d’arrivo di ogni ispirazione artistica.
A lasciare lo sfondo bianco di una parete dietro un quadro di Olivares si incappa
nell’inevitabile genialità della mente che si sbizzarrisce creando, su quello sfondo, la
continuazione di quei colori dipinti dall’artista, lasciandoli sfumare nella
monocromia del reale.
E forse proprio questa la magia dell’arte di Olivares: permette all’osservatore delle
sue opere di evadere dagli spazi tristi e angusti del contemporaneo, scappare dal
rigore per rifugiarsi nello spazio senza confini di un mondo parallelo , popolato di
speranze e fantasia in cui recuperare la dimensione originale di una personalità
vivace.
Con un'unica, doverosa precisazione: tutto quello spazio non è mai vuoto.
LUISA MAURELLI

La pittura di Olivares concilia il gusto della figurazione con una sensibilità più
inquieta e sperimentale, specie laddove l’opera cattura lo spaesamento e il vento
esistenziale in un impasto di colori tenui e soffici; una specie di voce che si interroga
e cerca, attraverso la comunicazione artistica , di stabilire contatti di autentico
spessore umano.
ANTONIO FILIPPETTI
Olivares’ soft, sumptuous paintings focus on the fluidity of space within
contemporary geometric
Structures. Redefining the clinical and the austere by his smooth suppleness of form
and warm and delicate colours.
JENNY BROOKMAN
The paintings of Napoli artist Manuel Olivares possess a futuristic quality impacted
by rigorous interiors where furniture flows without encumbrances and human bodies
seem sculpted from light. The contrast between the colors- the red, the blue, the dense
yellow- penetrates the volumes of the buildings and splashes through the empty
spaces, filling them up. The artist paints from offbeat points of view, creating exotic
perspectives from which the viewer can observe from unconventional vantage points.
The buildings themselves seem to ground us with their dense and substantial
construction, unobstructed by decoration and reduced to their purest form.
KRIS KLINE

L‟artista Manuel Olivares sarà presente nella collana di storia dell‟arte
contemporanea denominata “Progetto Arte 2015” con una monografia a Lui dedicata.
Reperibile prossimamente (entro la fine del 2014) in tutte le migliori librerie italiane
e store online di oltre 1900 circuiti di vendita libri e versione elettronica in comodo
PDF ebook su GOOGLE PLAY STORE.

Biografia d’autore – Massimiliano Cammarata
Massimiliano Cammarata nasce a Carini, in provincia di
Palermo, il 24 agosto del 1975. Fin da bambino mostra una
spiccata e naturale predisposizione per il disegno.
Frequenta il Liceo Artistico di Catania, conseguendo il
diploma di Maturità Artistica nel 1993.
Pur non seguendo la via dell‟arte dopo il Liceo, non perde di
vista questo interesse e questa sua passione.
Nel 2002 consegue la Laurea in Architettura.
Il suo primo vero incontro con la pittura però è piuttosto recente, datato 2009, quando
nell'ottobre di quell'anno, vincendo le ritrosie iniziali, dipinge la sua prima tela ad
olio. Il sorprendente risultato rompe il ghiaccio e lo spinge a continuare a dipingere e,
tela dopo tela, e senza mai fermarsi, da vita a più di cento opere in pochi anni!
Comincia a dipingere soggetti figurativi, quali paesaggi marini, campestri e nature
morte, ma i suoi studi sull'Arte moderna e contemporanea lo portano sempre di più ad
andare oltre e a superare la semplice raffigurazione. Le sue correnti artistiche
preferite rimangono l'Espressionismo lirico (soprattutto Kandinsky), il Surrealismo,
l'Informale e l'Espressionismo Astratto americano. La sua pittura volge sempre di più
verso l'astrazione e la soggettività. Ama molto sperimentare.
La sua pittura viene definita un “nulla del tutto”, ovvero una pittura difficilmente
catalogabile in una particolare corrente artistica, ma che abbraccia la sintesi delle
correnti sopra citate, seppur con una prevalenza verso l‟Informale e l‟Action Painting.
Ad oggi il suo linguaggio pittorico si basa sui seguenti elementi: un gesto liberatorio
spontaneo e talvolta non controllato, un uso accentuato della materia pittorica, uniti
ad un uso sapiente del colore, sempre studiato e mai casuale, per creare variopinte
armonie.
Uso di Spatole, dripping (sgocciolamenti di colore) e materiali diversi (sabbie, gesso,
glitter, vernici spry e quant‟altro) vanno a completare l‟insieme. Le sue tele a
spessore sono fatte per essere apprezzate dal vivo, poiché sono dei veri e propri
oggetti tridimensionali da ammirare da diverse angolazioni (destra, sinistra e anche
dal basso) e in diverse condizioni di luce; anche per questo motivo alcune tele hanno i
bordi spessi colorati diversamente, per dare una diversa visione a secondo del lato
osservato.

Nel Web compare anche con lo pseudonimo “McArt”.
Curriculum artistico
2011
Partecipazione al premio CROMICA per l‟Arte Contemporanea (ed.
2012) – Galleria ExpArt - Bibbiena (AR) - Catalogazione;
Partecipazione ad OMNIA ARTE FESTIVAL– Acicastello (CT) -
Attestato;
Partecipazione alla rassegna ARTPRIZE 2011 - Ass. Artists in The
World - Galleria Domus Talenti - Roma;
Partecipazione alla collettiva COLORISSIMAMENTE – Galleria
Ex Roma Club Monti – Roma.
2012
Partecipazione alla collettiva IL BELLO NELL‟ARTE
CONCETTUALE – Palazzo Fatta - Palermo – Catalogazione;
Partecipazione al premio CROMICA per l‟Arte Contemporanea (ed.
2012) – Galleria ExpArt - Bibbiena (AR) - Catalogazione;
Partecipazione alla collettiva NEL MONDO DELLA FANTASIA,
TRA SOGNO E REALTA‟ – Galleria Mnemosyne dei Federiciani -
Acireale (CT) - Attestato;
Partecipazione alla collettiva ARTE E NATURA – Galleria
Mnemosyne dei Federiciani - Acireale (CT) – Attestato;
Partecipazione alla collettiva IL MARE NELL‟ARTE – Galleria
Mnemosyne dei Federiciani Acireale (CT) – Attestato;
Partecipazione alla collettiva LA MAGIA DELL‟AUTUNNO –
Galleria Mnemosyne dei Federiciani - Acireale (CT) – Attestato;
Prima mostra personale – SULLA VIA DELL‟EMOZIONE –
Galleria Mnemosyne dei Federiciani – Acireale (CT) – Saggio
critico;
Partecipazione alla collettiva INCANTARTI – Ass. Artists in The
World - Galleria Domus Talenti - Roma;
Partecipazione alla collettiva FANTASYA – Colle Val d‟Elsa (SI);
Partecipazione al premio PRIMAL ENERGY – Orbetello (GR) -
Catalogazione;
Partecipazione alla collettiva NOVEMBRE, RIMEMBRANZE E
SPERANZE – Galleria Mnemosyne dei Federiciani Acireale (CT)

2013
– Attestato;
Partecipazione alla collettiva ARTISTI CONTEMPORANEI
NELLA CULLA DELL‟ARTE –
Galleria Pinnarò - Firenze – Pergamena con saggio critico.
Partecipazione alla collettiva AFFINITA‟ E CONTRASTI – Art
Studio Carapostol - San Donà di Piave (VE) – Attestato e saggio
critico;
Partecipazione alla collettiva SE CARNEVALE FA RIMA CON
ARTE – Galleria Mnemosyne dei Federiciani Acireale (CT) –
Attestato;
Partecipazione alla collettiva FORME, COLORI E SEDUZIONI –
Galleria Mnemosyne dei Federiciani - Acireale (CT) – Attestato;
Partecipazione alla collettiva ELLEPI, COPERTINE D‟ARTISTA –
Napoli – Catalogazione;
Seconda mostra personale – UN PERCORSO “A-FIGURALE –
Galleria Re Ba - Catania
Partecipazione alla collettiva THREE DIMENSION OF ART, 2°
Edizione – Spazio Arte e Art Center – Catania (Ciminiere)–
Catalogazione.
Pagina critica sulla rivista Effetto Arte, numero di maggio-giugno
– Inserimento nel portale Bebopart;
Premio Personalità Artistica Europea - Galleria AMART Bruxelles
- Pubblicazione sulla rivista OverArt e targa del premio;
Premio della Pace nell‟Arte G.O.M.P.A – Monreale (PA) –
Catalogazione, pubblicazione sulla rivista OverArt e targa del
premio;
Trofeo ARTISTA DELL‟ANNO ed esposizione di quattro opere
per tre mesi – Cesenatico (CE-FO) – Trofeo, attestato e nota critica;
Partecipazione al premio internazionale YICCA Contest 2013 -
Catalogazione;
Pagina con un‟opera sul dizionario DIAC d’Arte Contemporanea
2013 (Edizioni del Ghiro);
Partecipazione ad OMNIA ARTE FESTIVAL – Acicastello (CT) –
Attestato;
Partecipazione alla collettiva COLORI DELLA NOSTRA TERRA

– Galleria Mnemosyne dei Federiciani - Acireale (CT) – Attestato;
Partecipazione alla rassegna artistica DECEMBER ART – Spazio
Arte e Art Center – Catania (Palazzo Minoriti) – Catalogazione e
targa di segnalazione artistica;
Partecipazione alla collettiva NATALE, NATURA E ARTE –
Catania - Attestato
2014
Partecipazione alla collettiva AMORI E PASSIONI - Galleria
Mnemosyne dei Federiciani Acireale (CT) – Attestato;
Terza mostra personale – FATTI PER PIACERE - Galleria
Mnemosyne dei Federiciani – Acireale (CT);
Pagina critica sulla rivista Effetto Arte, numero di marzo-aprile.
Rubrica “I grandi maestri” - Pergamena;
Pagina con un‟opera sul catalogo The Best Modern and
Contemporary Artists (EA EDITORE) – Breve scritto critico;
International Prix "THE PANTOKRATOR" 2014” – Ass.
“Accademia internazionale dei Dioscuri” – Corfù - Pergamena,
brochure e rassegna stampa;
Partecipazione alla collettiva L‟ARTE A CONFRONTO (mese di
Maggio) – Galleria Farini – Bologna – Catalogazione;
Partecipazione alla collettiva GO ART TO EXHIBITIONS (mostra
mercato di fine Maggio) – Ass. Cult. “Il Trittico Arte
Contemporanea”;

Il disincanto del mito estinto

Capriccio d'autunno
L‟artista Massimiliano Cammarata sarà presente nella collana di storia dell‟arte
contemporanea denominata “Progetto Arte 2015” con una monografia a Lui dedicata.
Reperibile prossimamente (entro la fine del 2014) in tutte le migliori librerie italiane
e store online di oltre 1900 circuiti di vendita libri e versione elettronica in comodo
PDF ebook su GOOGLE PLAY STORE.

Speciale anteprima delle monografie “Progetto Arte 2015”
CHI SONO I PROTAGONISTI?
In fase di analisi critica da parte del Dott. Alessandro Costanza critico e storico
dell‟arte, le monografie che andranno a costituire la collana di storia dell‟arte
contemporanea denominate “Progetto Arte 2015”. Vediamo di elencare tutti i nomi:
Angelo Salvatori
Antonella Rizzo
Besnik Harizaj
Carmela Sammartino
Claudio De Gregorio in arte COG
Federico Tamburri
Ferdinando Ragni
Jole Caleffi
Karen Salicath Jamali
Loredana Chinatti
Loredana Giannuzzi
Manuel Olivares
Marilisa Argentieri
Mario Zarini
Massimiliano Cammarata
Maurizio Velluti
Nicola Falcone
Osvaldo Mariscotti
Rosati Francesca
Rosati Maria Vittoria

Rosie Longhi De Bouard
Simone Azzurrini
Sylvie Poinsot
Zinetta Vasino
Fabienne De Gerolamo
Milvia Lauro
Artisti che hanno lasciato una traccia forte del Loro sentimento. Artisti che portano
con se il fascino di un arte che esprime sensazioni, emozioni, stati d‟animo,
soprattutto originale coscienza di un mondo migliore. Un mondo fatto di amore, di
pace, di uguaglianza. Linguaggi pittorici e scultorei che attraverso attimi di pura
odissea contemporanea sono riusciti con una lingua universale a parlare al mondo per
dare voce a dei messaggi ben definiti.
PROSSIMAMENTE (entro la fine del 2014) reperibili ed acquistabili nelle migliori
librerie italiane, e negli store online di oltre 1900 librerie tra le più famose: LA
FELTRINELLI, MONDADORI, IBS, AMAZON, LIBRERIA UNIVERSITARIA, E
LA VERSIONE E-BOOK IN PDF SU GOOGLE PLAY STORE.
Il Dott. Alessandro Costanza critico e storico dell’arte
nel Suo studio con una monografia di “Progetto Arte 2014” in mano.

Ripercorriamo la storia
Sin dalle remote origini delle forme di esistenza umana, il bisogno di esprimersi
attraverso linguaggi, segni e colori è stato così radicato che l‟uomo primitivo non ha
potuto fare a meno di applicare.
Ricordiamo le pitture rupestri che ancora oggi costituiscono luogo di gite, mete di
grande attrazione sia per appassionati d‟arte che per scolaresche liceali ed
accademiche.
Evidentemente quelli sono i posti in cui ogn‟uno di noi si riconosce come “artista” ci
si riconosce come veri portatori di valori quotidiani, oggi come all‟epoca, fatti e
scene di vita quotidiana.
I primi Musei ancora esposti ad intemperie? Le pitture rupestri sono il risultato della
mente umana, il frutto dell‟arte priva da ogni contaminazione umana. L‟arte fresca,
quella che al giorno d‟oggi raramente riscontriamo in un mondo pieno di
materialismo e tecnologia.
L‟uomo ha sempre avuto il bisogno di raccontare la sua vita e quella della società che
gli ruota intorno, e nonostante il mondo va avanti cercando di far capire che il futuro
della Madre Terra è nella tecnologia, c‟è ancora chi trova nel colore, nel segno e nella
composizione l‟univo vero mezzo per raccontare se stesso e la società
contemporanea.
L‟evoluzione dell‟arte non si è fermata all‟ottocento francese con gli impressionisti,
ne al novecento con le correnti dell‟informale di Pollock e di Kandisky, tantomeno
con l‟arte Pop Americana, bensì l‟evoluzione dell‟arte continua, ed il nostro dovere è
quello è testimoniarlo ai posteri.
Ciò che oggi viviamo è la storia di domani, il passato nel domani. Seguendo questo
ininterrotto ciclo, la storia non finisce mai e deve assolutamente lasciare una
testimonianza chiara e tangibile.
Nuovi Musei verranno eretti, nuove Gallerie d‟Arte nasceranno, nuovi artisti
emergeranno dal contesto sociale, nuove ricerche pittoriche e scultoree, nuovi nomi,
nuovi talenti, nuovi stili, ma forte e necessaria è l‟azione di scrivere su questi nomi,
perché questa che viviamo oggi è LA STORIA.
Dott. Alessandro Costanza critico e storico dell‟arte

Le interviste agli artisti
Sylvie Poinsot nella foto a sinistra
Sylvie POINSOT
11, Rue Ricaut
75013 Paris-FRANCE
Portable : 033 (0)7 77 85 63 42
Mail : Poinsot.sylvie@gmail.com
Site officiel : http://www.sylviepoinsot.artiste-com.com/
PRESENTAZIONE
Venendo dal teatro, Sylvie Poinsot ora lavora sul tema delle « maschere » e ritratti da
"smascherare", sulle emozioni in agguato, e strappa lo schermo della finzione. Il
lavoro dell'artista che si tratti di carboncino, pastelli, acrilico, inchiostro di china,

tratta da sempre lo stesso tema. L‟artista si concentra sul disegnare corpi e volti. E
tutta la sua opera colorata e luminosa (pastello), tende verso un espressionismo senza
concessioni, diventando l'unico personaggio sul palco con ritratti che sono tutti
autoritratti.
Sylvie Poinsot è parte della famiglia di artisti che sviluppano un lavoro
con un tema unico che rifiuta di ripetere o ricopiare se stesso. Lei sta brancolando. Si
esalta la dolcezza del colore alla violenza della mano e arriva alla dislocazione delle
teste e dei corpi. Come per torturare ancora di più quello che deve risalire dalla sua
storia... « Dipingo in gioia, anche se è la sofferenza che esce. Lascio che accada quel
che deve accadere, condensando tutto nello sguardo ",cosi ci spiega l‟artista. "Sia
saggio oh mio dolore" sussurra forse Baudelaire all‟artista mentre dal suo personale
pantheon sorgono, Kandinsky, Emile Nolde, Kirchner.
Brigitte Camus-Febraio 2012.
Cotation 2014
Cotation agrée : http://poinsot-sylvie.artistes-cotes.com/
Texte critique du critique d‟Art italien Paolo Levi Août 2014
« Un opera inquietante, che si collega alla pittura espressionista del novecento
tedesco, in particolare a quella di Emile Nolde. Ma questa pittrice va oltre, rivelando
una vena poetica che si esalta nei forti contrasti segnici e cromatici. »
« Protagonisti dell‟ Arte 2014 » Dal XIX secolo ad oggi - Paolo Levi

TESTO CRITICO DI SALVATORE RUSSO in
“Artisti Internazionali all‟Artexpo di New York ”-2014
Sylvie Poinsot élabora una pittura molto espressiva. Negli occhi dei personaggi
ritratti si puo leggere tutto chio che hanno nell‟anima .
Un‟anima colorata. Un‟anima alla ricerca della felicita perduta.
Il suo agire cromaticro la rende la pittrice della luce.
Una luce che sovrasta le tenebre e si fa portavoce di sentimenti reali. Una segnica non
legata all‟iperrealismo bensi alla comunicazione che decodifica in maniera corretta
l‟agire umano.
Sylvie Poinsot Works on a really expressive painting. In portrayed characters eyes we
can read their souls. A colored soul. A soul in search of the lost happiness. The colors
she uses gave her the nickname of « the painter of the light ».
A light that dominates the darkness becoming the mouthpiece of real feelings. A
language that is not linked to hyperrealism but to the communication that explains the
human actions.
TESTO CRITICO D‟ADELINDA ALLEGRETTI in
« Con i fiordi negli occhi. » Omaggio all'Urlo di Munch Mars-Avril 2014
Prima di arrivare al giro di boa della mostra, dove il dramma lentamente si stempera
giungendo persino a strappare al visitatore qualche sorriso, va citata l‟opera di Sylvie
Poinsot, Sans titre (2011). Un volto che sembra liquefarsi sotto il peso dell‟esistenza,
la bocca trasformata in una smorfia. Solo gli occhi mantengono una fredda lucidità. È
il ritratto della consapevolezza della drammaticità della vita umana.
Before reaching the exhibition‟s turning point, where drama slowly tones down,
winning a few smiles out of the visitor, one need to mention Sylvie Poinsot‟s Sans
titre (Untitled, 2011). Here is a face that appears to melt under the weight of
existence, the mouth reduced to a grimace. Only the eyes maintain a cold lucidity.
This is the portrait of the awareness of the drama of human existence.

TESTO CRITICO DI SALVATORE RUSSO 2013 IN “SEGNALATI”-2013
Volti che diventano la più fedele testimonianza dei pensieri dell‟essere umano. Volti
che confessano le loro verità. Volti che hanno la stessa forza evocativa dell‟urlo di
Munch. Volti che vengono dipinti dall‟abile mano dell‟artista Sylvie Poinsot.
L‟artista nelle sue opere pone grande attenzione alla mimica faciale delle sue figure.
Mimica che è l‟espressione di cio che in quel momento la figura rappresentata pensa.
Sentimenti ed emozioni. Il volto diventa una sorta di diaro autobiografico sul quale
scrivere i propri stati d‟animo. La tecnica utilizzata è molto singolare. Non vi è
iperrealismo e le figure hanno contorni labili e appositamente non definiti, per dare
maggiore importanza al concetto stesso che vogliono esprimere. La cromia in tutte le
opere è decisamente straordinaria, andando oltre il commune vedere delle cose.

MOSTRE COLLETTIVE
201 Settembre Through the Contemporar Grifio Art Roma Italia

4 lens
y Art
Gallery
Moastra
collettiva
virtuale
201
4
Aprile
Artexpo New
York
Contemporar
y Art
ARTEXPO
N.Y.
New
York
U.S.A
201
4
Marzo-
Aprile
Con i fiordi
negli occhi.
Ommagio
all‟urlo di
Munch
Contemporar
y Art
Museo del
mare
Genova
Italia
201
4
gennaio
Biennale di
Roma
Contemporar
y Art
Sale del
Bramante
Roma
Italia
201
4
gennaio
Premio
Michelangel
o
Contemporar
y Art
Gadarte
Gallery
Firenze
Italia
201
3
Novembr
e
Selection
Biennale de
Rome 2014
Contemporar
y Art
Galerie « Il
Collezionista
»
Roma
Italia
201
3
Novembr
e
Les
Hivernales
Contemporar
y Art
Palais des
Congrès
Montreui
l
Franc
e
201
3
ottobre
Nel Segno
della
figurazione
Contemporar
y Art
Galerie IL
TEMPIO
Palermo
Italia
201
3
agosto
VACANZE
ROMANE
Contemporar
y Art
Coronari111
Art Gallery
Roma
Italia
201
3
luglio
LOOK AT
ME
Contemporar
y Art
Coronari111
Art Gallery
Rome
Italia
201
3
gennaio
1 ère Biennale
d‟art
contemporai
n de Palerme
Contemporar
y Art
EEA
EDITORE
Palerme
Italia

MOSTRE INDIVIDUALI
2013 Dicemb
re
“Rinascita”
pittura/inchiost
ro
2013 Agosto Italia Pittura/inchiost
ro
2011 Agosto "Elogio della
vita"
2006 Ottobre "Essenza delle
donne"
2006 Marzo Mostra virtuale
sul tema del
circo
Pittura
Pittura /
pastello
Galerie
“Art et
Société”
Libreria
dei Salici
Galerie
« Arts et
Société »
Bar
Galerie
pastello Site :
ARTSCA
D
Parigi
Viterbo
Parigi
Parigi
Internet
2005 Luglio Italia pastello Galerie Vitorchia
no
2005 Jan-Feb. "Gli
interrogatori e le
interruzioni"
2004
-
2007
2003 Aprile « Fantasmagorie
s »
2001 Aprile-
Maggio
pastello
Théâtre de
la Main
d‟Or
Italia pastello Libreria
dei Salici
"Corpi delle
donne"
pastello
pastello /
carbone di
legna
Centre
d‟animati
on
DAVIEL
Associatio
n
« Noues »
Parigi
Viterbo
Parigi
Montreuil
Franci
a
Italia
Franci
a
Franci
a
Italia
Franci
a
Italia
Franci
a
Franci
a

RIVISTE E LIBRI D‟ARTE CONTEMPORANEA
2014
• EFFETTO ARTE : « Portrait for great Art‟s masters » Settembre / ottobre 2014:
Rivista d‟arte E.A Editore-Palerme-Italia
• OVER ARTE : in seguito a la mostre"Premio Michelangelo". Settembre / ottobre
2014: Rivista d‟arte E.A Editore-Palerme-Italia
•« Protagonisti dell‟arte» : Libro d‟Arte dal XIX secolo a oggi. Giugno 2014-A
Editore-Palerme-con testi critici di Paolo Levi.
"Artisti Internazionali all'Artexpo New York" Catalogo d'Arte Contemporanea di
Salvatore Russo-Aprile 2014-06-27-E.A. Editore-Palerme-Italia
• The New Book Collector 2014 di Tchera Niyego e Basak Malone-USA
2013:
• EFFETTO ARTE "Nello Segno della figurazione", settembre / ottobre 2013: la
Rivista d'arte diretta dal critico d'arte italiano Paolo Levi
• "SEGNALATI" arte contemporanea catalogo Salvatore Russo internazionale,
maggio 2013.
2012:
• Le Contre-Annuaire Volume1 -11 a 13 Editions, Paris
LIBRI DELL‟ ARTISTA
2004 :
• “Ritratti incrociati” Frammenti Collezione laboratorio di lettura-scrittura (Acrilico
e testi) ATRT-Parigi
2006 :

• "Dialogo con il modello" (Pastelli e testi)
2005 :
• "Richieste e rotture" (Pastelli e testi)

FORMAZIONE ARTISTICA
2010-2011:
• Atelier Yves Devaux Veeska.
2008:
• Laboratorio su modello vivente, Parigi con Jean Claude Athané, ex allievo di
Zadkine.
• Atelier Yves Devaux Veeska, creatore della fondazione "Pittura in libertà", Parigi.
1997-1998:
• Laboratorio su modello vivente , Parigi con Jean Claude Athané, scultore e
insegnante di arte, ex-allievo di Zadkine.
Dedichiamo la nostra attenzione a Parigi, vediamo cosa ci risponde l’artista
parigina Poinsot Silvye.
Giornalista: dove è nato/a ? Il Suo nome e cognome?
Sono nata a Châtenay Malabry (92) en France.
Mi chiamo Sylvie POINSOT
Da quanto tempo dipinge?
Ho iniziato a dipingere regolarmente dal 2006. Ma disegno da molto più.
Da cosa nasce l‟ispirazione che la spinge a dipingere?
Cerco di esprimere emozioni, sentimenti, stati d'animo. Lascio il mio subconscio mi
dare lei forme; O sono ispirata da dipinti di grandi maestri.

Nelle Sue opere cosa pensa che prova uno spettatore quando le vede?
Il mio lavoro può non piacere, ma non lascia indifferenti.
E quando una persona vede il mio lavoro, di solito è molto entusiasta di ciò che vede.
La Sua infanzia: cosa ricorda con amore e cosa con rammarico?
Mi piace ricordare la mia nonna materna che ho adorato, e interagire con esso
internamente. Mi dispiace niente.
Pensa che abbia influito molto infanzia ed adolescenza nel Suo presente da artista?
Mia zia è un pittore e giovane, ho riguardato i suoi quadri con grande concentrazione.
Poi, nella mia adolescenza, ho scoperto i grandi maestri che mi ispiro ogni volta.
Cosa pensa mentre dipinge?
Più che pensieri, sento emozioni, e lascio uscire lei forme.
Cosa prova quando Le viene un ispirazione a dipingere?
Sento una gioia profonda e un'energia molto intensa.
Al giorno d‟oggi tanti dipingono, come vive il rapporto o il confronto con altre
persone che si dedicano al mondo artistico?
Mi piace scoprire gli artisti che danno a vedere oltre le apparenze, le prove, i luoghi
comuni.
Noi facciamo con ciò che siamo e ogni artista è diverso. Ma essere un artista non è
prima di tutto uno stato d'animo? E tutti gli stati d'animo non si accordano.
La Sua formazione scolastica, che titoli di studio ha conseguito?
Ho partecipato a un workshop di disegno per modello vivente con Jean Claude
Athané, scultore ed ex allievo di Zadkine.

Poi ho aspettato fino al 2008 per seguire un‟ introduzione alla pittura con Yves
Devaux Veeska, creatore della fondazione "pittura in libertà."
Sans titre-Acrylique-65x50 2013-05 05

Sans titre-Pastel-65x50 2004 09

La poesia incontra l’arte
Daniela Vendramin
sinistra)
La poetessa Daniela Vendramin (nella foto a
PAROLE
Parole come mille bolle blu.
Parole che hanno un senso, il peso del significato che portano con sè.
Rimangono nell'aria come dondolanti libellule.
Nel silenzio della sera cantano un'ode, tenendosi per mano girovagano come cavalieri
erranti, planando come aquiloni sospinti dal vento.
Ascoltando eco di tempi lontani che ancora si raccontano con arcaiche parole.
Poesia: Daniela Vendramin Tutti i diritti riservati

Dipinto: Claudio Della Rocca acrilico su cartoncino 35x50cm "Bolle Blu" (nella foto
sopra)
L'ispirazione per le mie poesie solitamente nasce spontanea e dettata dalle sensazioni
che sento e che vivo. Grande fonte d'spirazione sono per me anche gli stupendi dipinti
del bravissimo Artista e Carissimo Amico Claudio Della Rocca. Artista che dipinge
istintivamente lasciando che il dipinto si manifesti e si riveli attraverso sfumature di
colore le quali sotto l'abile uso dellla spatola si muovono libere sulla tela originando
un susseguirsi di emozioni.
Queste vibranti emozioni sono ciò che anch'io come poetessa colgo; ciò che il
dipinto racchiude, ovvero l'Anima, che mi si svela sotto forma di poesia ed è per me
ogni volta una grandissima ed emozionante percezione che si rinnova.
"La poesia è una pittura che si muove e una musica che pensa"
(Baron Descamps)

Maryory Stefani Petrucci
ARTISTA POLIEDRICA
Maryory Stefani Petrucci (nella foto a sinistra)
capo redattore del giornale sfogliabile online Progetto Arte – scrittrice poetessa,
pittrice.
Maryory Stefani Petrucci è un artista poliedrica, che nellaSua travagliata adolescenza
aveva ricevuto lunsighiere proposte collaborative con giornali locali di Roma tra cui
Metro e City. Collaborazioni che per problemi familiari non sono andate in porto.
Stefani scrive da sempre le Sue emozioni. La poesia è per Lei il mezzo comunicativo
insieme alla pittura (predilige olio su tela) eccelso attraverso il quale può esternare i
pensieri più reconditi.
Di nobile animo, dedica la Sua vita alla redazione di questo giornale sfogliabile
online (Progetto Arte) alla propria famiglia; a suo padre biologico che vorrebbe
riabbracciare un giorno insieme alla madre; ed alle figlie.
La Sua naturale freschezza e la serietà con La quale coordina le iniziative
dell‟azienda l‟occhio del critico l‟hanno portata nel tempo ad essere molto apprezzata
dal pubblico lettore, dagli artisti, e dal mondo dell‟arte e della cultura in genere.
La genuinità dei Suoi scritti gli hanno permesso di raggiungere altissimi traguardi nel
campo letterario a livello Europeo.
Ricordiamo tra le salienti tappe il PRIMO PREMIO EUROPEO PER LA SEZIONE
POESIA conferito dalla F.E.B.A.C. Federazione Europea Beni Artistici e Culturali di

Messina (Sicilia) dall‟On. Pietro Fratantaro Presidente Internazionale della
Federazione.
15° Edizione Tra le parole e l’infinito Labore Civitatis Rconoscimento alla carriera
poetessa estera – PREMIO DEL PRESIDENTE. Organizzato dal Cav. Nicola Paone.
Santa Maria Capua Vetere (CE).
► L'ontano dai tuoi occhi ◄
Lontano dai tuoi occhi leggo un desiderio
che hai cacciato via a causa delle tue insicurezze.
Il vento ormai è cessato
non lasciare che il tuo cuore rimanga blindato.
Il tuo sguardo è fermo lì,
ad aspettare il momento giusto
per remare in mare aperto
lascia da parte lo sconcerto;
accetta ciò che ti è appena stato offerto.
Dentro di te si concentra una carica
per guardare oltre,
all'oceano in tempesta;
c'è ancora qualcosa che ti blocca e ti calpesta.
Non guardare indietro,
altrimenti rischierai di inciampare,
durante il percorso verso il traguardo,
prendi la tua vita con riguardo.
Non lasciare che le tue paure possano toglierti il respiro,
prendi in mano la tua biro,
per scrivere un nuovo capitolo
che hai lasciato perso;
se guardi piu' da vicino
non è mai così lontano;
sfogliando capitolo per capitolo
se guardi dentro te stesso troverai il verso.

Il Tempo
Con ferocia corre il tempo ignorando l’area circostante
Non ti lascia in tempo a prendere il respiro
Che già ti trovi senza fiato
La corsa al tempo è una sola
Altolà non ti fermare e continua a correre, la vita è una sola
Non hai altra scelta, solo quello che vuoi prendere e quello che vuoi lasciare
Ci devi pensare, con coraggio
Il tempo è un miraggio
Che non lascia soli
E aiuta a prendere i meriti
se solo sai raccoglierli con sacrificio
Puoi cadere e puoi rialzarti
Solo il coraggio può aiutarti a essere piu’ forte
Le ferite sono fatte per raccogliere tutto eccetto la morte
Non ti fermare a guardare l’ orologio
Il tempo non è fatto per essere fermato
Ma è fatto per essere ascoltato con ogni battito del cuore
Ogni singola impronta di te stesso inizia a prendere il colore
Per dipingere il cielo blu di un nuovo messaggio d’amore.

Profumo di donna
Lei è come una goccia.. cade fragile raccogliendo con sé lo sguardo di una rosa
Intorno a sé i colori perdono la direzione e si fondono nell’aria
mescolandosi con sé nell’armonia dei colori
Per poi essere rilasciati dal cielo sotto forma di poesia
Il suo sguardo lascia intravedere desideri proibiti
Che solo i sogni possono rilasciare
Dove i fiori nascono profumando un’armoniosa giostra di colori fusi al loro origine
Una cascata li raccoglie miscelandoli con accuratezza
Profumo di donna,
che aleggia ancora nell’universo
e suggerisce ogni verso,
attende ai desideri celati nel cuore di ogni uomo.
Venuto al mondo
E tutto inizia con uno sguardo
Là dove il sorriso è acceso
Il cuore in tumulto l’ha preso
Che a lungo tempo fu atteso.
Con un abbraccio lo avvolge la luce per donarlo alla vita
Non puo’ essere abolita.
Con agilità ti porta con sé regalandoti il suo calore
Là dove nasce un’ amore
Quello materno con il suo sguardo costante e odierno.

In un battito di cuore ogni dolore scompare
Per farti capire che una vita strappata vale piu’ di una parola
Che solo lui ti può ridare dicendo:
“Mamma sono qui per te non ti voglio abbandonare”!
La luce soffusa si acclama in un abbraccio
E tutto finisce in un applauso.
Scusa papà
Quel giorno credevo che sarebbe arrivato il momento per alzarmi.
Le mie gambe non erano ancora pronte, tutto intorno a me vagava in un susseguirsi
di foto sbiadite.
Il mio sorriso incorniciato attorno al desiderio di prendere quell'aquilone sopra il
tetto della mia casa,
i ricordi di quando ero bambino … spazzati via da quell'istante di follia
con Giovanni e Marco in macchina a rincorrere la falsa ironia.
La nostra mania di vederci a riprendere le ragazze in balia della notte;
la bionda perdersi nell'assenzio, nel silenzio di quell'istante insieme al suo trio di
amiche dopo avermi detto addio;
e d’io dopo essermi perso nel suo percorso,
mi sono ritrovato al pronto soccorso.
Quelli che credevo amici non erano più accanto a me.
Dalla finestra un brivido iniziò a muoversi lungo la schiena,
dove mio padre dopo cena sferrava la catena;
con rabbia e rancore mostrava la sua disapprovazione.
I miei occhi non riuscivano più a guardarlo, mentre il mio cuore pulsava verso
un’altra direzione.
Dentro di me cercavo una ragione di vita, che avevo smarrito per non aver avuto
udito il suo richiamo di attenzione,
per il mio futuro.
E d’io da immaturo mi ero nascosto dietro a un muro fatti di graffiti, risse, senza una
giusta ambizione.

Ora sono qui pentito senza puntarti più il dito,
per dirti: scusa papà non ti avevo udito.
Copyright - © - 2014
Progetto Arte
Un giornale, le monografie, l’arte di scrivere la storia dell’arte!
Il protagonista sei tu.
Chiedi le modalità di pubblicazione nel prossimo numero di Novembre 2014.
Scrivi all’e-mail: ebook@consulenzeeventiarte.it
GRAZIE DI CUORE A TUTTI COLORO I QUALI CI SEGUONO E PUNTUALMENTE
LEGGONO IL GIORNALE PROGETTO ARTE – SFOGLIABILE ONLINE.