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l Didattica Ignorante? – 2 – Etnomusicologia: musica folk o folklore musicale dei paesi europei-occidentali; e musica etnica, cioè le musiche (non solo folk) dei paesi extraeuropei-extraoccidentali. – Studi di popular music: le musiche che nascono dalla commercializzazione della musica nell ambito della nascita del capitalismo, e quindi dalla crescita di un industria culturale musicale (la musica classica veniva mantenuta economicamente dalla nobiltà o dalla Chiesa), che si sviluppa nella cultura di massa attraverso la nascita della radio, della discografia, del musical e del cinema, della televisione e così via. Naturalmente, a seconda del punto di vista da cui ci si pone, le classificazioni possibili sono infinite. Ricordo Ennio Morricone definire “relativa” la musica scritta per i film, e “assoluta” la musica scritta per se stessa. La musica alla quale sono legato appartiene senz’altro alla popular music. Il che significa un’enorme massa di brani composti da una grande varietà di autori: compositori colti che scrivono canzoni o musica strumentale per un pubblico indifferenziato; compositori ‘popolari’, che hanno avuto a volte grandissime idee compositive e le hanno realizzate, o viste realizzare, senza averle mai scritte e senza avere nozioni di teoria musicale; compositori di cultura musicale intermedia. La mia umilissima opinione è che, se un’opera nasce nella forma scritta, meglio sarebbe leggerla; se nasce in forma ‘sonora’, sarebbe il caso di ascoltarla. In entrambi i casi, ci si rapporterebbe con “l’originale”. Nel caso delle musiche nate per la chitarra fingerstyle, quasi sempre abbiamo a che fare con brani nati sulla chitarra, per i quali la partitura/tablatura è nata, scritta dall’autore o da altri, dopo la composizione, e spesso dopo la registrazione. Potremmo convenire che l’originale è la prima registrazione di quel brano, che corrisponde all’idea che l’autore/ chitarrista vuole che se ne abbia, una volta compiuta la parte di composizione, arrangiamento e preparazione dell’esecuzione. È più che verosimile, anzi, è vero, che nella maggior parte dei casi l’autore si riterrà libero, nell’ambito musicale del quale stiamo parlando, di stravolgere, reinterpretare, modificare il suo brano: nel nostro ambito, anche il semplice interprete dovrebbe acquisire la stessa libertà. Ed è evidente che questa libertà porta ad una evoluzione dei brani, se l’apprendimento è per imitazione, mentre riparte sempre dallo stesso spartito, se si impara da lì. La modifica, anche involontaria, a cui viene sottoposto un brano da un interprete, che lo mostra 16 chitarra acustica 3 duemilaundici ad un altro, ecc., viene a costituire il cosiddetto folk process. Per me, non ha senso leggere “La canzone del sole”: se non si conoscono quei tre accordi, si può farseli insegnare da un amico; il ritmo anche, e piano piano si può cercare di introdurre qualche elemento personale, senza bisogno di studiare teoria musicale. E, se si vuole comporre una canzone dello stesso genere, bisogna ‘soltanto’ avere una idea semplice e geniale, per avere la quale la teoria può non aiutare. Conclusione? Non originale e controversa, lo capisco. Ma… sembra che si faccia, ma non si debba dire: a mio modestissimo avviso, l’insegnamento migliore per cominciare a suonare la chitarra è quello per imitazione. Non solo: per un certo tipo di musica può essere l’unico veramente importante. Fermo restando che lo ‘studio della Musica’ è indispensabile per il professionista, e per chiunque voglia avere la consapevolezza di ciò che sta facendo quando suona. Lo ritengo indispensabile anche in tutti i casi nei quali la complessità della composizione e la immodificabilità della struttura esecutiva siano caratteri connaturati a un certo genere od opera musicale. E piacevole per chi ama lo studio. Molto spesso mi è capitato di incontrare musicisti diplomati presso il Conservatorio, che non si rendono conto che una nota, pur scritta, è sbagliata, cosa che sarebbe possibile se fossero stati abituati ad ascoltare e a ispirarsi ad esempi, più che imparare a leggere. Ho dovuto personalmente correggere un mio spartito per un amico diplomato (in contrabbasso, ma bravo chitarrista), perché non riusciva ad evitare un errore scritto, nonostante glielo avessi evidenziato. Dopo la disponibilità di una quantità di musica scritta mai immaginabile, grazie ad Internet, c’è ora anche una disponibilità di eccellenti video didattici, alcuni dei quali prodotti anche da Fingerpicking.net, che – nel caso non ci sia la disponibilità economicoorganizzativa per avere un insegnante – permettono di imparare imitando. L’esercizio contemporaneamente dell’analisi uditiva, della ricerca delle parti armoniche e melodiche, specialmente se guidati da un bravo e generoso insegnante (nel senso che suona sempre i brani che insegna), sono per me tutto, almeno nelle fasi precoci dell’apprendimento. A presto! Giovanni Pelosi Lascia un commento
log L’arrangiamento e la rivisitazione – 2 In questo secondo articolo riguardante l’arrangiamento e la rivisitazione presentiamo alcuni esempi di interpretazioni di brani noti. Vedremo quindi come alcuni grandi artisti hanno saputo andare con classe oltre le versioni originali, per creare veri e propri capolavori. Vorremmo soffermarci su questi casi evidenziando in particolare gli elementi che sono stati di volta in volta utilizzati per creare una rivisitazione efficace. Per agevolare l’ascolto dei brani presi in esame riportiamo per ognuno il link a YouTube. Pur considerando ovviamente la chitarra, abbiamo pensato di inserire riferimenti ad artisti non chitarristi, in quanto da questi a volte si possono cogliere idee e spunti molto interessanti. È importante inoltre sottolineare come spesso i grandi artisti dimostrino che sia sufficiente muovere sapientemente pochi e spesso semplici elementi per dare la propria impronta ai brani con cui ci si confronta. Tra i primi aspetti da valutare nell’affrontare una rivisitazione troviamo il ritmo, la velocità e l’accentazione. Se nella versione originale di “So What” di Miles Davis (Video – 1959) l’accompagnamento della batteria durante l’esposizione del tema da parte del contrabbasso segue un classico accompagnamento in stile jazzistico, Marcus Miller (Video) ha deciso di dare un taglio più energico e di sapore r&b inserendo un groove di batteria con una forte accentazione sul 2° e 4° quarto della battuta data dal rullante. La velocità è stata aumentata rispetto all’originale e l’energia del brano è sottolineata dalle risposte al tema del basso da parte della sezione di fiati, molto più presenti rispetto alla versione di Davis. Rimanendo tra i bassisti, il grande Jaco Pastorius ha reso personalissima la propria versione rendendola molto più di carattere bebop, sfruttando una delle caratteristiche fondamentali di questo stile del jazz: la velocità. In questa esecuzione, inserita in un medley (Video), Jaco ha eliminato la presenza dei fiati nelle risposte al tema, sostituendoli con una tastiera (in puro stile ’80s!), con il risultato di dare maggior risalto al suo basso. Altre volte si può invece elaborare una rivisitazione efficace di un brano sfruttando le caratteristiche proprie dello strumento che si ha a disposizione. Tra le innumerevoli versioni di “Blue Moon”, notiamo come Ella Fitzgerald (Video – 1973) e Elvis (Video – 1954) abbiano dato vita alle proprie interpretazioni affidandosi alle rispettive straordinarie voci e alla capacità di questo strumento di tenere suoni di lunga durata. Le loro rivisitazioni sono indubbiamente di maggior respiro rispetto a quella di Tommy Emmanuel che nella sua versione (Video – 1995), molto più ritmica e incalzante, ha dato largo spazio alla possibilità offerta dalla chitarra di produrre melodia e accompagnamento contemporaneamente. E ci è riuscito benissimo. Se escludiamo quello che potrebbe creare un talento indiscusso quale Tommy Emmanuel, è difficile pensare a un’interpretazione chitarristica altrettanto efficace e convincente di “Blue Moon” suonata alla velocità delle registrazioni della Fitzgerald o di Elvis. Già che ci siamo segnaliamo qui di seguito alcune registrazioni di rilievo su cui può essere interessante soffermarsi. Stephane Grappelli (Video – 1990), The Marcels 17 chitarra acustica 3 duemilaundici bl (1961), Frank Sinatra (1961), Django Reinhardt (1935), Louis Armstrong (1955), Dizzy Gillespie, Tori Amos (1996). Un discorso simile può essere applicato per la celebre “Somewhere over the Rainbow”: rispetto all’originale di Judy Garland (Video – 1939), Eva Cassidy ha dato respiro e aria al brano distendendo ritmicamente il tema, sfruttando pienamente le proprie doti vocali (Video). L’arrangiamento qui è scarno e aiuta la melodia ad emergere. Riferendosi ancora a Tommy Emmanuel (Video) si può notare come lui si affidi ad effetti prettamente chitarristici per dare la propria interpretazione. Il tema è stato prima introdotto con armonici e attraverso l’uso del delay, ed esposto poi in modo tradizionale. Il brano può forse essere considerato più un ottimo arrangiamento che una rivisitazione vera e propria. Per ultimo esaminiamo invece quello che probabilmente è il più interessante tra gli esempi riportati: la rivisitazione di un brano di musica classica da parte di un interprete moderno. Nello specifico analizziamo la versione di Django Reinhardt del celebre brano per pianoforte “Liebestraum No. 3” (1850) di Franz Liszt (1811-1886). Il grande Django ha affrontato l’arduo compito di rivisitare musica classica e lo ha fatto adattandolo perfettamente al suo stile. Ecco l’originale (Video) e la versione di Django (Video). La chiave di questa rivisitazione stavolta consiste nella ripresa di alcuni elementi propri dell’originale e nell’utilizzo di questi all’interno del brano. Vi è una totale destrutturazione dello spartito per pianoforte, che viene stravolto e adattato con un risultato certamente molto efficace. Django ha preso il tema, lo ha modificato dal punto di vista ritmico e melodico, intercalandolo con frasi improvvisate, e ne ha utilizzato solamente un frammento che ha assunto la funzione di ‘collante’ del brano. L’introduzione è stata ripresa al termine per dare maggiore completezza all’esecuzione. Il risultato finale è una versione che ha perso il carattere drammatico e romantico che Liszt aveva dato al pezzo (Liebesträume significa ‘sogni d’amore’), per acquistare ritmo e freschezza. Django si è mosso quindi in piena libertà, dimostrando che svincolandosi dagli originali con intelligenza e personalità è possibile creare ottime rivisitazioni, pur notevolmente differenti dall’intenzione dell’autore del brano. Per chi volesse analizzare la versione di Django aiutandosi con lo spartito originale per pianoforte, è possibile scaricarlo legalmente al seguente indirizzo: http://erato.uvt.nl/files/imglnks/usimg/2/22/ IMSLP00615-Liszt-_Liebestraum_No_3.pdf Alla prossima! Bruskers
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