st - Fingerpicking Net

LIUTERIA
Achille De Lorenzi
TECNICA
Lasse Johansson
Eric Lugosch
Bruskers
SCHERTLER
dalla Svizzera
con passione
LUCA PEDRONI
Fuori dagli schemi
AGM SARZANA
Il festival
e gli artisti
AGM SARZANA
La mostra
degli strumenti
IN PROVA: Schertler Classic CP - Schertler David Deluxe - Fender CD 280 SCE Nat - DPA 4099 GTR - Samson Studio GT

sommario
Venerdì scorso sono stato invitato
a suonare nella Casa Circondariale
di Varese. Grazie all’entusiasmo
e alla passione di Michele
Erpoli, alcuni detenuti avevano
seguìto un corso di chitarra acustica.
Alla fine di questo corso,
Michele aveva manifestato il desiderio
di organizzare un concerto/
workshop, per coinvolgerli ancora
di più e spronarli in una passione
di sicuro aiuto e supporto alla loro
attuale condizione.
Come solitamente avviene in
casi del genere, ho ricevuto una
richiesta di aiuto via e-mail da
parte di Michele, che pur senza
conoscermi si era affidato a Fingerpicking.net
nella speranza di
un feedback positivo. Ricevuto
il messaggio, ho accettato immediatamente
l’invito ritenendo
la cosa di sicuro interesse, ma
sopratutto desideroso di vivere
un’esperienza così intensa.
Lo spettacolo sarebbe dovuto
durare due ore e mezza, tanto
era il tempo concesso ai detenuti.
Allora, per evitare di propinare ai
poveri malcapitati una dose ‘letale’
di fingerpicking, ho chiesto a
Giorgio Cordini di accompagnar-
Una prigione
a sei corde
mi, invitandolo a parlare della
sua esperienza con De André e
a preparare una seconda parte
dello spettacolo dedicata al canto
accompagnato dalla chitarra.
Il tutto doveva iniziare alle due
e noi, all’una e mezza, eravamo
in un bar cercando di accordarci
sul programma da presentare.
Sia Giorgio che io eravamo
un po’ in tensione, non sapendo
esattamente cosa ci aspettava
e come avrebbero accolto una
musica così ‘difficile’. Ci rasserenava
sapere che erano stati
in sette a seguire il corso, quindi
immaginavamo una cosa molto
tranquilla e intima, per gli ‘addetti
ai lavori’ o per lo meno per gli ‘appassionati’.
Dopo i vari controlli, siamo
entrati in una sala dove era già
montata l’amplificazione e dove
il nostro pubblico ci attendeva:
cinquanta detenuti, guardie e
assistenti sociali erano pronti,
seduti sulle loro sedie. L’idea del
momento intimo era svanita e ci
ritrovavamo di fronte a una folta
platea, alla quale io per primo
avrei dovuto spiegare cos’è la
chitarra fingerpicking…
3
chitarra acustica 3 duemilaundici
sr
Vi racconto solo il finale: un
grande coro a cantare “Il Gorilla”
(coraggiosa intuizione di Giorgio)
e “Bocca di rosa”. Applausi e richieste
di bis da parte di tutti, ma
i tempi erano quelli e non si poteva
trasgredire. All’invito da parte
delle guardie di abbandonare la
sala, rimarrà indelebile negli occhi
e nel cuore mio e di Giorgio la
lunga fila che si è formata, poiché
ognuno di loro voleva stringerci
personalmente la mano e ringraziarci
prima di uscire.
Due sole riflessioni: la prima è
che, per me e Giorgio, si è trattato
sicuramente di uno dei concerti
più coinvolgenti e con il pubblico
migliore, silenzioso, attento
e curioso, ma pronto a scatenarsi
in applausi fragorosi alla fine di
ogni brano. La seconda è che
attività di questo genere, forse,
dovrebbero diventare una sorta
di obbligo in certe situazioni. La
musica riesce a creare ancora
entusiasmo e a tirar fuori il meglio
da ogni uomo. Chissà, forse la
nostra rivista questo mese avrà
cinquanta nuovi lettori.
Reno Brandoni
Editoriale
Sarzana, il Lago d’Orta, Ferentino, la Franciacorta… di Andrea Carpi pag. 3
Notizie
Un paese a sei corde 2011 pag. 6
Ferentino Acustica 2011 pag. 8
Blog
L’evoluzione di Internet di Mario Giovannini pag. 10
La chitarra e il web di Daniele Bazzaini pag. 11
Chitarra e Internet? di Beppe Gambetta pag. 12
I luoghi della musica di Luca Francioso pag. 13
Didattica Ignorante? - 2 di Giovanni Pelosi pag. 14
L’arrangiamento e la rivisitazione - 2 dei Brusker pag. 17
I miei video di Franco Morone pag. 18
Come nasce un liutaio di Aldo Illotta pag. 19
Recensioni pag. 20

sr
Artisti
Luca Pedroni di Mario Giovannini pag. 26
Acoustic Night 11 di Germano Dantone pag. 30
Sarzana 2011: gli Artisti di Andrea Carpi pag. 32
Strumenti
AGM Sarzana 2011: l’esposizione di Mario Giovannini pag. 38
Chitarra Classica Schertler Classic CP di Mario Giovannini pag. 42
Amplificatore per chitarra acustica Schertler David Deluxe di Mario Giovannini pag. 44
Chitarra Acustica Fender CD 280 SCE NAT di Mario Giovannini pag. 46
Achille De Lorenzi di Alberto Ziliotto pag. 48
Microfono DPA 4099 GTR di Daniele Bazzani pag. 50
Samson Studio GT di Daniele Bazzani pag. 52
IK Multimedia AmpliTube 3.5 di Mario Giovannini pag. 54
Notizie di mercato dalle aziende pag. 56
Tecnica
Tracce di Spagna a New Orleans di Lasse Johansson pag. 58
St. Thomas di Erich Lugosh pag. 63
Fingerstyle Rock di Stefano Barbati pag. 66
Esercizi per la mano Destra di Eugenio Polachini pag. 74
www.chitarra-acustica.net
Direttore responsabile
Andrea Carpi
andrea.carpi@fingerpicking.net
Editore
Fingerpicking.net
Via Prati, 1/10
40057 Granarolo dell’Emilia (BO)
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Reno Brandoni
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chitarra acustica 3 duemilaundici
Progetto grafico
Outline s.a.s. di Matteo Dittadi & C.
Impaginazione e coordinamento web
Mario Giovannini
Chitarra Acustica è una pubblicazione mensile
Registrazione del Tribunale di Bologna
n. 8151 del 07.12.2010
Manoscritti e foto originali, anche se non pubblicati, non si restituiscono.
È vietata la riproduzione anche parziale di testi, documenti,
disegni e fotografie.

editoriale
Sarzana, il Lago d’Orta,
Ferentino, la Franciacorta…
Ci sembra appena ieri che
siamo tornati dalla grande
abbuffata di musica e chitarre
dell’Acoustic Guitar
Meeting di Sarzana, al quale
consacriamo in questo
numero due ampi servizi.
E già ci troviamo di fronte a
nuovi ed entusiasmanti appuntamenti.
Sta per iniziare la rassegna
di Un Paese a Sei Corde
e, scorrendo il programma, c’è veramente da restare
sopraffatti dall’altissimo livello dei musicisti invitati. Presto
si svolgerà anche Ferentino Acustica, dove avremo tra le
altre cose l’occasione di riascoltare quel fenomeno di Francesco
Buzzurro, che tanto ci aveva impressionato all’AGM
sul Palco della Torre della Fortezza Firmafede, dove Fingerpicking.net
ha organizzato i suoi open mic. Parte infine
il nuovo concorso organizzato da Acoustic Fr anciacorta,
quest’anno sul tema di “Una canzone di Fabrizio De André
per la chitarra acustica”. L’anno scorso eravamo rimasti
molto soddisfatti dell’edizione ispirata alle canzoni dei Beatles,
avendo avuto modo di apprezzare gli arrangiamenti
dei numerosi partecipanti. Ci aspettiamo quindi dei risultati
altrettanto positivi e vi invitiamo a mandare i vostri MP3 a
info@fingerpicking.net per poter partecipare alle selezioni.
Desideriamo d’altra parte dare un rilievo particolare anche
alla sezione della rivista riservata a novità e prove di
strumenti. Abbiamo così voluto dedicare la storia di copertina
di questo mese a un’accoppiata di strumenti del marchio
elvetico Schertler, la chitarra Classic CP e il nuovo amplificatore
David Deluxe, con due approfonditi servizi interni,
affiancati da dettagliate dimostrazioni video realizzate da
Dario Fornara e filmate da Reno Brandoni. Come sempre,
le nostre dimostrazioni video possono essere visualizzate
nella sezione “Instruments” all’indirizzo http://fingerpicking.
net/category/strumenti/.
Sempre nel settore strumenti della rivista segnaliamo
la prova del piccolo microfono a condensatore DPA 4099
GTR, realizzata da Daniele Bazzani, e le novità relative alle
nuove chitarre acustiche Cort.
Peraltro non è ovviamente da trascurare nemmeno la sezione
riservata alla tecnica strumentale, con i nuovi spartiti
di Lasse Johansson ed Eric Lugosch, e le nuove rubriche
di Stefano Barbati e dei Bruskers.
Buona lettura!
Andrea Carpi
5
chitarra acustica 3 duemilaundici
ed
Due scorci caratteristici di Ferentino (sopra) e del
Lago D’Orta... non di sola chitarra vive l’uomo

nt notizie
Un Paese a Sei Corde 2011
Chitarre sul lago d’Orta e non solo…
L’Associazione culturale “La Finestra sul Lago”
presenta la sesta edizione di “Un Paese a Sei Corde”.
Quella che fino a pochi anni or sono pareva
una scommessa azzardata, oggi è realtà. La musica
per chitarra torna a offrire momenti di altissimo
livello nell’estate del 2011.
“Un Paese a Sei Corde” offre 19 concerti gratuiti
in 15 Comuni delle Provincie di Novara e del Verbano
Cusio Ossola, con alcuni tra i massimi interpreti
mondiali della chitarra acustica e giovani di grandissimo
talento. La rassegna offre anche l’opportunità
di visitare alcune tra le più suggestive località tra
il basso Novarese e l’alta Val d’Ossola, scoprendo
paesi e luoghi dal fascino straordinario dai panorami
formidabili.
Dal lago d’Orta al Maggiore, dalla pianura alla
montagna, 33 musicisti offriranno il meglio della
loro produzione. Ci sentiamo di poter affermare
che, nonostante le difficoltà di un momento molto
sfavorevole, si sia realizzato un cartellone di livello
assoluto, del quale non possiamo che essere orgogliosi.
In sei anni la proposta di “Un Paese a Sei
Corde” è sempre costantemente cresciuta e questa
rassegna può ormai essere considerata alla pari dei
migliori festival Europei. Vi aspettiamo per serate
indimenticabili di grande musica.
PROGRAMMA
– Sabato 18 giugno, San Maurizio d’Opaglio,
Giardino Lagna, ore 21, ingresso gratuito: Dario
Fornara e Francesco Biraghi. La ‘strana coppia’
fomata da un chitarrista classico e uno acustico,
che sul web ha spopolato con un video con migliaia
di visualizzazioni, propone una serata unica nel suo
genere per fusioni e commistioni di stili. Il programma
prevede brani vecchi e nuovi, alcuni evergreen
e alcuni standard, senza contare incursioni nel classico
(Vivaldi) o nel blues: un volo musicale a 360
gradi, dodici corde e quattro mani, per dimostrare
che i confini tra le varie ‘chitarre’ sono sovente solo
delle fragili ‘etichette’.
– Venerdì 24 giugno, Orta San Giulio, Palazzo
Ubertini ore 22.30, ingresso gratuito: Gabor Lesko.
Chitarrista, compositore e arrangiatore, turnista
molto richiesto, l’artista bergamasco da alcuni
anni sta riservando il meglio della sua produzione
proprio alla chitarra acustica. In uscita per il 2011 il
nuovo disco.
– Sabato 25 giugno, Crevoladossola, Centrale
ENEL Green Power, ore 18.30, ingresso gratuito:
Guitar Republic con Pino Forastiere, Sergio Altamura
e Stefano Barone. Tre personalità musicali
originali, unite in un progetto dall’impatto molto forte.
La ‘republica delle chitarre’ di Altamura, Barone
e Forastiere è basata sulla sperimentazione e sulla
necessità di oltrepassare i limiti costruttivi della chitarra
acustica.
6
chitarra acustica 3 duemilaundici
Dario Fornara e Francesco Biraghi
– Domenica 26 giugno, Pella, Piazza Motta, ore
21, ingresso gratuito: Clive Carroll. John Renbourn
da anni lo vuole in tour con sé. Perché l’artista
britannico sul palco è una vera forza della natura,
capace di trascinare e coinvolgere come pochi altri.
Un vero spettacolo.
– Sabato 2 luglio, Briga Novarese, Chiesa di San
Tommaso, ore 21, ingresso gratuito: Pietro Nobile.
Uno dei capiscuola della chitarra acustica italiana,
capace di creare atmosfere delicate e rarefatte. Il
chitarrista milanese ha appena pubblicato un nuovo
CD in cui dimostra di essere a proprio agio anche
con le tecniche più moderne.
– Sabato 9 luglio, Cressa, Cortile del Municipio,
ore 21, ingresso gratuito: Rolando Biscuola. Vincitore
nel 2008 del New Sounds Of Acoustic Music
di Sarzana – il concorso di chitarra acustica di maggior
prestigio in Italia – è uno dei nuovi talenti più
interessanti, dotato anche di una tecnica impressionante.
– Sabato 16 luglio, Gozzano, Cortile del Municipio,
ore 21, ingresso gratuito: Peppino D’Agostino.
Entra di diritto nel piccolo, ristretto gruppo degli
artisti che negli ultimi anni hanno fatto la storia
della chitarra acustica. Un musicista da cui non si
può prescindere nello studio dello strumento, per
innovazione, sensibilità oltre che padronanza delle
tecniche più moderne. Apre il concerto: Luciano
Pizzolante.
– Sabato 23 luglio, Gravellona Toce, Parco pubblico,
ore 21, ingresso gratuito: Paolo Giordano.
Freddie House, Master of Ceremonies per la Convention
2002 della Association of Fingerstyle Guitarists,
dopo averlo sentito suonare ha chiesto, tra
l’impressionato e l’incredulo: «Is it legal to play like
this in the States?»
– Sabato 30 luglio, Casale Corte Cerro, Cortile
delle Scuole, ore 21, ingresso gratuito: Paolo Bonfanti
& Martino Coppo. Uno dei pochi, veri uomini
di blues in Italia, accompagnato per l’occasione dal
mandolinista dei Red Wine. Un sodalizio, umano e
artistico, che negli anni ha riservato grandi sorprese
e regalato serate indimenticabili.
– Sabato 6 agosto, Stresa, Palazzina Liberty, ore

21, ingresso gratuito: Peter Finger. Oltre ad essere
uno dei più grandi virtuosi della sei corde in Europa,
Peter Finger per la sua attività di divulgazione e produzione
artistica è stato sicuramente uno dei fautori
della rinascita della chitarra acustica in questi ultimi
anni. Apre il concerto: Val Bonetti.
– Mercoledi’ 10 agosto, Paruzzaro (NO) Conc.
Autoarona, ore 21, ingresso gratuito: Beppe Gambetta
& Tony McManus. Difficile condensare in
poche righe due talenti di questo calibro, in grado
di regalare uno spettacolo unico per energia e coinvolgimento.
Una collaborazione che dura da anni e
che ha dato frutti eccellenti.
– Sabato 20 agosto, Madonna del Sasso, Piazza
dello scalpellino, ore 21, ingresso gratuito: Volare
in alto, serata dedicata a giovani esordienti, promesse
del chitarrismo italiano. Si esibiscono: Lorenzo
Favero, Nick Mantoan, Alberto Ziliotto.
– Sabato 27 agosto, Soriso, Chiesa di S. Marta,
ore 21, ingresso gratuito: Chitarra Femminile Singolare
con Sara Collodel. Giovane talento emergente
della chitarra classica, svolge da anni attività
concertistica come solista e in formazioni cameristiche,
in particolare si dedica al duo voce e chitarra
con un repertorio di musica popolare e folk songs.
Apre il concerto: Teresa Tringali.
– Domenica 28 agosto, Orta San Giulio, Fraz.
Corconio, ore 21, ingresso gratuito: Luca Pedroni.
Con due dischi come solista e svariate collaborazioni
alle spalle, il chitarrista milanese è l’autore della
sigla del talk show L’ultima parola in onda su Rai
Due, oltre che di diversi commenti musicali per la
stessa rete.
– Venerdì 2 settembre, Galliate, Cortile del Castello,
ore 21, in coproduzione con il Galliate Master
Guitar: Antonio Forcione. Lo chiamavano il ‘Jimi
Hendrix’ della chitarra acustica, non solo per il vizietto
di bruciare la chitarra… mentre continuava a
suonarla. È considerato uno dei musicisti più creativi
oltre che uno dei migliori performer della scena
europea.
– Sabato 10 settembre, Nonio, Fraz. Brolo,
ore 21, ingresso gratuito: Maurizio Geri Trio. In
vent’anni di carriera, Maurizio ha fatto parecchia
strada. Partendo dalla musica popolare della sua
terra, la Toscana, ha frequentato vie poco battute,
per approdare infine al jazz manouche, che interpreta
con talento e passione.
Pierre Bensusan
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chitarra acustica 3 duemilaundici
nt
– Domenica 11 settembre, Pogno, Chiesa di S.
Caterina, ore 21, ingresso gratuito: Edoardo Bignozzi
& Sándor Szabó. Bignozzi è un chitarrista
dallo stile sobrio ed elegante, pianista e compositore,
cresciuto nel circuito jazzistico della capitale. In
patria Szabó è considerato un autentico mostro sacro,
vero motore del movimento legato alla chitarra
acustica in continua crescita negli ultimi anni. Duo
eccezionale che crea visionarie intuizioni con l’utilizzo
di strumenti a 7, 8, 16 corde, baritone, steelstring
anche senza tasti.
– Sabato 17 settembre, Soriso, Chiesa di S. Giacomo,
ore 21, ingresso gratuito: Chitarra Femminile
Singolare con Anabel Montesinos. Vincitrice
dell’ultima edizione del ‘Pittaluga’ di Alessandria,
grande concertista fin dall’età di dodici anni, Anabel
Montesinos è una delle più acclamate signore della
chitarra classica sulla scena europea. Apre il concerto:
Silvia Faggion.
– Domenica 18 settembre, Pella, Chiesa di S.
Albino, ore 21,00 - ingresso gratuito: Pierre Bensusan.
Gli artisti veri, come il chitarrista parigino, sono
in grado di far vibrare le corde più profonde dell’anima.
Sarà per questo che è uno dei pochi in circolazione
capace di mettere d’accordo appassionati di
ogni genere: europei e americani, tradizionalisti e
sperimentatori.
Info: http://www.unpaeseaseicorde.it
Anabel Montesinos

nt notizie
Ferentino Acustica 2011
Una breve presentazione degli artisti
Cari amici, siamo arrivati alla nona edizione del
festival.
In generale, cerco ogni anno di proporre degli artisti
nuovi per la manifestazione, ma sento anche l’estremo
bisogno di una certa continuità. Ciò perché
ho sempre inteso Ferentino Acustica come il festival
di Fingerpicking.net, e questo significa ‘persone’,
non un’idea astratta.
Quindi sono particolarmente felice di annunciare
che, come avevo promesso, ci sono in programma i
concerti di Fulvio Montauti, con la sua ‘Telecaster
acustica’ ed il suo jazz, e di Roberto De Luca, con
la sua fantastica creatività. Entrambi hanno animato
la prima edizione del festival, nell’ormai lontano
2003, quando non c’immaginavamo che sarebbe
diventato un appuntamento stabile, internazionale
e di crescente prestigio.
Alex Di Reto, Reno Brandoni ed io siamo un po’
i genitori di Fingerpicking.net, e Giorgio Cordini
quantomeno uno zio prestigioso.
Non mancheranno, come dicevo, le novità; la più
soft è rappresentata dall’intervento ‘in quartet’ di Micki
Piperno.
Per la prima volta a Ferentino, ci saranno:
– Sergio Altamura, con la sua originalissima
‘acustica-elettronica’, anche lui, come Pino Forastiere
e Stefano Baroni, della prestigiosa scuderia
Sergio Altamura
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chitarra acustica 3 duemilaundici
Clive Carroll
CandyRat Records.
– La ‘peste’ Andrea Valeri: da timido ragazzino
già in grado di stupirci tutti a perfomer internazionale
di grande valore, il passo è stato brevissimo.
– Max De Bernardi & Veronica Sbergia: chi ha
visto i loro video su Fingerpicking.net non vorrà perdere
l’occasione di ascoltarli dal vivo! Che siano
dobro, ukulele o quello che volete, simpaticissimi e
strepitosi.
– Clive Carroll: l’erede di John Renbourn, ma
non solo. Questo ragazzo è un patrimonio dell’umanità,
per simpatia, tecnica, classe. Uno dei grandi
del mondo, un globetrotter apprezzato ovunque.
– Gina Trio: il ‘nostro’ Daniele Bazzani, la (almeno
un po’) ‘nostra’ Gina Fabiani, con il contrabbassista
Lorenzo Feliciati, vincitori con il loro album
Segreto del Premio Ciampi 2008 per il miglior disco
d’esordio, saranno con noi in un set che si annuncia
come indimenticabile.
– Pietro Nobile: non dovrei aggiungere altro, è
una delle poche persone da cui ha avuto origine la
diffusione della chitarra acustica italiana; uno dei
pochissimi artisti del genere ad essere messo sotto
contratto da una major discografica. Un autore, un
insegnante, un concertista, e tutto ad altissimi livelli.
– Francesco Buzzurro. Me ne vergogno, fino a
pochi mesi fa non lo conoscevo. Si tratta, per chi
avesse la stessa ‘colpa’, di un fenomeno di umanità,
arte, tecnica. Non a caso, è stato scelto da Antonella
Ruggiero per accompagnarla in diversi concerti.

Veronica Sbergia
Sarà, per molti, una autentica rivelazione. Curiosate
su YouTube per farvene un’idea… Praticamente un
prestigiosissimo esordio nel circuito dei festival acustici.
Presenterà brani del suo CD L’ esploratore ed
altri del suo immenso repertorio.
– Gabin Dabiré ci porterà dal Burkina Faso, con
la sua voce e la sua chitarra, nella più nobile world
music che si possa ascoltare. Autore e sponsor del
progetto “Felicità in Azione”, si produrrà in un trascinante
set denso di musica e umanità.
– Jacqueline ‘Jackie’ Perkins: la cantautrice e
chitarrista newyorkese, apprezzata nelle sue esibizioni
anche nei maggiori festival di chitarra acustica,
presenterà brani del suo ultimo CD, The Still
Awakening. Delicata ed energica, rappresenta al
meglio la canzone d’autore americana.
Programma
– Giovedì 23 giugno, Palazzo Consolare, Piazza
Mazzini, ore 17: workshop “Tecniche chitarristiche
di base” tenuto da Micki Piperno; Piazza Mazzini,
ore 21: Fulvio Montauti, Giovanni Pelosi, Micki
Piperno Delta Blues Quartet, Sergio Altamura.
– Venerdì 24 giugno, Palazzo Consolare, piazza
Pietro Nobile
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chitarra acustica 3 duemilaundici
nt
ACOUSTIC FRANCIACORTA
& FINGERPICKING.NET
Una canzone di Fabrizio De André
per la chitarra acustica
Anche quest’anno nell’ambito di Acoustic Franciacorta
si svolgerà una competizione tra chitarristi,
aperta a tutti. I partecipanti dovranno presentare
un arrangiamento inedito di un brano del
repertorio di Fabrizio De André, realizzato con
una sola chitarra, completamente strumentale.
Come per lo scorso anno, saranno valutati arrangiamento,
esecuzione e interpretazione. Anche
le selezioni avverranno nello stesso modo,
inviando una registrazione in formato MP3,
tramite e-mail, a info@fingerpicking.net entro il
15 agosto 2011. Uno dei tre brani finalisti sarà
scelto dal pubblico che frequenta il sito di Fingerpicking.net,
gli altri due da una giuria composta
da sei musicisti. Gli interpreti dei brani così scelti
saranno invitati ad eseguirli sul palco di Acoustic
Franciacorta nel pomeriggio di domenica 11 settembre
2011. L’interpretazione ritenuta migliore
dalla giuria riceverà in premio un amplificatore
SR Technology JAM 150. La giuria è composta
da Reno Brandoni, Alberto Caltanella, Andrea
Carpi, Giorgio Cordini, Franco Morone, Giovanni
Pelosi.
Mazzini, ore 17: workshop su “La cura del suono
acustico” tenuto da Daniele Lupi; Piazza Mazzini,
ore 21: Reno Brandoni, Andrea Valeri, Max De
Bernardi & Veronica Sbergia, Clive Carroll.
– Sabato 25 giugno, Cortile del Palazzo Roffi-
Sabelli, via Consolare, ore 17: “Open Mic” di Fingerpicking.net;
Piazza Mazzini, ore 21: Giorgio
Cordini, Gina Trio, Pietro Nobile, Francesco
Buzzurro.
– Domenica 26 giugno, Palazzo Consolare,
Piazza Mazzini, ore 10: master class di Francesco
Buzzurro (con prenotazione al tel. 348 6521194);
Cortile del Palazzo Roffi-Sabelli, ore 17: “Open Mic”
di Fingerpicking.net; Piazza Mazzini, ore 21: Alex
Di Reto, Roberto De Luca, Gabin Dabiré, Jackie
Perkins
– Sabato 9 luglio, Grottone di Fumone, ore
21.30, serata straordinaria con Micki Piperno Delta
Blues Quartet.
Info: http://www.ferentinoacustica.it
Giovanni Pelosi

l blog
L’evoluzione di Internet
Fingerpicking.net 2.0
La conquista della Rete è partita, almeno qui da
noi, alla fine degli anni ’90. Con il consueto slancio,
con il caratteristico ardore tutto ‘italico’. L’importante
era esserci, piantare la bandierina con su scritto
www.ilmionome.it ed entrare in possesso del relativo
indirizzo di posta elettronica. Sia per i mezzi
tecnici dell’epoca quanto per la scarsa conoscenza
del medium, l’entusiasmo su Internet si è sgonfiato
con la stessa velocità della relativa bolla economica
sulle borse mondiali. Lasciando sparse per la
Rete tante piccole isole, prive di contenuti quanto
di qualsiasi collegamento con ciò che le circonda.
Anche per quanto riguarda l’ambito musicale, ancor
più forse per quanto concerne la chitarra acustica,
in pochissimi hanno saputo sfruttarne le enormi potenzialità
di tramite, di contatto, più che di potere
divulgativo in sé.
Del resto la totale disponibilità di accesso all’informazione
e alla promozione sulla Rete può essere
uguale alla sua totale assenza, senza i mezzi adeguati
per affrontarla. L’eccesso di stimoli, è stato
dimostrato a più riprese, può ridurre a zero la curiosità
dell’uomo e la sua capacità di fronteggiarli.
E, come era logico aspettarsi, l’uomo telematico ha
reagito esattamente come fa dai tempi dei tamburi e
dei segnali di fumo: ha creato dei punti di aggregazione
e si è dato delle regole, eleggendo qualcuno
che sia preposto a farle rispettare. Le community
si sono moltiplicate in maniera esponenziale negli
ultimi anni, veri vincitori della sfida al web 2.0. Facebook
e youtube sono stati i trionfatori di questa fase
dell’evoluzione di Internet.
Mentre gli espertoni si interrogano su quale sarà
the next thing, il prossimo gradino dell’evoluzione
telematica, per Fingerpicking.net è arrivato il momento
di sfruttare in maniera adeguata quello che
offre attualmente la tecnologia della rete. E lo farà
con la passione, il calore umano che ha sempre
contraddistinto il sito e, soprattutto, il forum che in
questi anni è stato il vero cuore pulsante della comunità.
Ma lo farà anche con la serietà e la profes-
10
chitarra acustica 3 duemilaundici
sionalità che in questi anni ne hanno sempre contraddistinto
le varie ‘mutazioni’. Il salto sarà enorme,
per qualità e quantità delle proposte e dei nuovi collaboratori,
che si affiancheranno allo staff storico e
ai tanti appassionati frequentatori del forum. Quello
che non cambierà assolutamente è lo spirito che sta
alla base di questa comunità, questa passione che
ci unisce e ci ‘tormenta’.
The next thing? Chi può dirlo, ma è probabile che
avrà la cassa in palissandro e la tavola in abete!
Mario Giovannini
P.S. Riproporre a più di un anno di distanza un
articolo che tratta della Rete è un piccolo atto di incoscienza,
data la rapidità con cui evolvono le cose
in questo contesto. Ma, visto che la next thing di cui
si parla è, probabilmente, questa nuova rivista e la
sua forma innovativa...

log
La chitarra e il web
Quando un link può cambiarti la vita
Non è difficile parlare di cose che si conoscono
bene, quando sono le proprie esperienze. Alla
fine degli anni ’90 ho avuto il mio primo PC, e la
connessione al web. Così, navigando, mi imbatto
in un sito dedicato alla chitarra acustica, e scopro
che è italiano, messo su da tale Reno Brandoni. Gli
scrivo, ci scriviamo, mi chiede un arrangiamento da
mettere sul sito, trascrivo il mio di “Azzurro” e glielo
mando (il web, che cosa meravigliosa). Qualche
mese dopo, camminando per i corridoi dell’hotel
Sheraton di Nashville - durante il festival dedicato
a Chet Atkins - incrocio una coppia italiana, ognuno
di noi ha la propria etichetta spillata alla maglietta,
con il nome e la nazionalità, per facilitare le amicizie
ed evitare brutte figure se non si ricorda il nome di
qualcuno. Vedo che lui mi guarda, guarda la mia
targhetta, e mi fa: «Tu sei quello di Azzurro!» In quel
momento ho capito che molte cose non sarebbero
più state le stesse, per molti come me, in molti posti
del mondo.
Non ero nessuno (più o meno come ora) e nonostante
ciò, qualcuno, mentre ero dall’altra parte del
mondo, sapeva chi io fossi. E oggi quei due, Alberto
e Luciana, sono per fortuna miei amici, e so che non
li avrei conosciuti se non grazie al web. E Alberto mi
ha fatto capire quanto siano grandi chitarristi come
Guy Van Duser e Jerry Reed.
Il web ha cambiato tutto. Mi chiedo come facessero
prima quelli che facevano il mio lavoro. È come
vivere tutti nello stesso quartiere, ci si incontra subito,
o mai, ma siamo tutti potenzialmente vicini.
Vendo dischi e libri a Roma come a Hong Kong, in
Australia e in Usa, a Cagliari e a Dortmund. Suono
più all’estero che in Italia, e come tutti, se cerco
qualcosa su internet, in pochi click ho la possibilità
di scoprire nuova musica, nuovi amici, o semplicemente
perdere tempo.
Certo, la confusione aumenta, una pagina web
non dice molto, siamo più o meno tutti uguali ad un
primo sguardo, e siamo tutti lì, quindi è più facile ma
anche più difficile, ma alla fine la qualità fa la differenza.
Un buon chitarrista rimane tale, come della
musica scritta bene. Basta cercare. E in questo, siti
come fingerpicking.net sono fondamentali, per metterci
in contatto, darci una possibilità, fare selezione,
pubblicare dischi, far lavorare insieme persone
che non si sarebbero mai conosciute.
Oggi molti dei miei amici musicisti sono entrati
nella mia vita proprio così, e quando dico amici intendo
persone con cui vado a cena, in vacanza, con
cui viaggio o divido camere di albergo. Di cui vedo
nascere figli e a cui faccio una telefonata quando
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chitarra acustica 3 duemilaundici
bl
ne ho voglia, giusto per sentirli se non ci si vede da
un po’.
Ci vogliono anni, la Rete è veloce ma il mondo
reale ha i suoi tempi, ne sono passati una decina
da quando molti di noi si sono incontrati, ma chi la
dura la vince.
Il web è straordinario, le possibilità quasi infinite,
qualcuno ne abusa scrivendo tutti i santi giorni sulle
pagine di “cosiddetti” amici solo per farsi vedere, ma
questa è la vita.
Un tempo potevamo cercare sugli scaffali di qualche
negozio di dischi ben fornito, o aspettare il nuovo
numero di una rivista straniera che forse non
sarebbe mai arrivato, magari ne avevano smesso
l’importazione o addirittura la pubblicazione. Oggi
apriamo il browser e non c’è che l’imbarazzo della
scelta, e può darsi non sia un caso che i festival
dedicati alla chitarra acustica siano aumentati in
maniera esponenziale e le riviste specializzate ci
dedichino sempre più spazio.
Siamo tutti nello stesso grande, immenso negozio,
gli scaffali sono le pagine web, i click sono i
passi che facciamo nello “store”, c’è roba buona e
schifezze galattiche, non avremo mai il tempo di
ascoltare tutto, ma ci sono i video ad aiutarci e noi -
che fino a ieri eravamo in una nicchia - ci sentiamo
dei piccoli Re, sotto gli occhi di tutti, anche se magari
nessuno ci sta guardando.
Ma quello spazio dobbiamo meritarcelo, ogni giorno,
e lavorare duro per convincere chi non ci conosce
che non suoniamo da soli perché non abbiamo
trovato nessuno che volesse suonare con noi.
Daniele Bazzani
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l blog
Chitarra e Internet?
Certo questo argomento per un ‘attempato’ chitarrista
come me è certamente controverso, o comunque
si tratta di un mondo completamente diverso
da quello in cui sono cresciuti i miei sogni, le mie
passioni, le mie speranze. Mi fa un po’ impressione
iniziare dicendo «ai miei tempi…» ma, in effetti, ai
miei tempi era tutto diverso, la crescita e la maturazione
artistica nascevano dal viaggiare, dal cercare
di incontrare gli altri musicisti, dal cercare di capire
i meccanismi tramite l’incontro diretto con l’artista,
con l’evento o con la scena musicale ed esisteva
un buon margine dedicato al sogno e all’immaginazione,
specie per lo sviluppo di quella parte che si
rivelava inaccessibile ed era spesso quella la zona
creativa.
Tutte le conoscenze che io ho maturato durante il
mio primo viaggio negli USA, viaggiando con mezzi
diversi sulle colline intorno ad Atlanta, al Festival di
Dahlonega, Georgia per poter finalmente incontrare
e vedere Doc Watson in persona e stringergli la
mano (per poi non lavare la mia mano almeno per
un mese…), tutto quello che sono riuscito ad imparare
in quel mese di viaggio partendo dall’allora
Jugoslavia per poter risparmiare sul biglietto aereo
e facendomi sballottare dal Greyhound che portava
verso il sud, oggi lo si può apprendere in pochi minuti
con un paio di click giusti su You Tube e Google
ed è certo un tesoro da non sottovalutare. Certo,
l’odore degli hamburgers (!) nel Campground non si
avverte dal computer, ma il movimento della mano
destra di Doc Watson si può vedere distintamente.
Si tratta di una tecnologia che, nei confronti della
chitarra acustica, può far fare dei passi meravigliosi
e creare una comunità internazionale che prima era
impensabile potesse esistere.
Io sono un inguaribile sognatore e la parte che
prediligo di questo mondo è sicuramente quella che
ci mette in contatto con la storia. L’idea di poter vedere
Django Reinhardt che suona con Stephane
Grappelli e tutto il Quintet con la sigaretta accesa
che pende dalle labbra è una emozione impagabile,
come è impagabile il duetto di Eddie Lang e Joe Venuti
o addirittura la gemma di Pasquale Taraffo che
suona “Stefania” con la sua chitarra a quattordici
corde filmato nel 1929 a New York, o l’ondeggiare
di Jimmy Rogers che canta e si accompagna, o le
masterclass di Andrés Segovia che tratta malissimo
allievi bravissimi… (e la cosa imperdonabile è che
tutti questi filmati non abbiano almeno qualche milione
di visioni)
Con Internet ho già scambiato registrazioni importanti,
ho scoperto materiale inedito, ho programmato
viaggi, ho contattato artisti e promoter e con la
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chitarra acustica 3 duemilaundici
mia mailing list riesco più volte l’anno a mettermi
in contatto con chi ama la mia musica in ogni parte
del globo, promuovendo concerti e progetti diversi.
Muovendoci su Internet organizziamo ormai da
undici anni l’Acoustic Night al Teatro della Corte di
Genova, una notte internazionale delle chitarre che
muove chitarristi da tutto il mondo e pubblico da tutta
Europa. Per me si tratta di un mondo nuovo di cui
cerco di usare la parte più sana senza farmi uccidere
dai suoi deliri.
Aspetti negativi ce ne sono infatti molti, il problema
da superare è la mole di dati così enorme da
essere ingestibile, il calderone immenso a cui si è
esposti nell’impossibilità di capire la qualità delle
proposte, il limite tra amatoriale e professionale, tra
sublime e mediocre, tra semolino e acqua cotta alla
maremmana. Per questo la necessità di siti professionali
che possano filtrare il bello e farlo pervenire
a chi ama la chitarra come Fingerpicking.net.
Questo progetto ha come fine la qualità, l’amore
per la musica vera, la ricerca dello stupore di fronte
ad un prodotto musicale bello e puro, la qualità tecnica
della proposta.
Occuparsi oggi di chitarra acustica ispirata alle
tradizioni (come nel mio caso) può sembrare anacronistico,
in realtà è su questa chitarra che è nata
l’energia sovrumana del folk revival americano che
tanto continua a dare ancora alla musica d’oggi . È
la chitarra acustica che è stata motore inarrestabile
di generi musicali diversi e continua ad esserlo,
nel mio campo ed in Italia in particolare il margine
di sperimentazione e ricerca è ancora ampio e variegato
e allora ben vengano i portali come questo
che aprano nuove prospettive e diano la spinta alla
crescita di una nuova comunità acustica.
Beppe Gambetta
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I luoghi della musica
Stadi, palazzetti dello sport, teatri, auditorium,
circoli culturali, sedi di piccole associazioni e pub:
questi sono i luoghi in cui solitamente suoniamo e
ascoltiamo la musica dal vivo. Ma sono davvero i
posti più adatti al linguaggio musicale? Sono davvero
le soluzioni tecniche ideali per cui la musica si
possa compiere? È vero che in fondo la musica vive
ovunque e che ogni occasione di divulgarla e ascoltarla
è una meravigliosa grazia, ma analizzando
la lista, in effetti, solo dei teatri e degli auditorium
(anche se non tutti) si può dire che siano luoghi per
e della musica, per il resto a me sembra che la musica
vada in prestito e nient’altro, come un ammalato
nelle corsie di un ospedale o gli sfollati nelle
palestre. Ognuna di queste location, infatti, è stata
pensata e costruita per uno scopo ben preciso che
di certo non è la musica, considerandone la logistica
e l’acustica. Gli stadi sono stati costruiti per le esigenze
tecniche di manifestazioni sportive, così pure
i palazzetti dello sport; le sedi delle associazioni e
dei circoli culturali spesso sono spazi simili a piccoli
uffici o a grandi case dall’acustica ingestibile;
i pub sono posti di aggregazione in cui il più delle
volte (per non dire sempre!) il musicista è una sorta
di radiolina umana, costretta a divincolarsi tra il chiacchiericcio
incurante dei clienti e un’indifferenza di
fondo sconfortante.
S. Lo Turco, Il pub,
tempera acrilica su cartone telato, 2005
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chitarra acustica 3 duemilaundici
bl
Poco importa, io credo, che la musica riesca nonostante
tutto a vincere i deficit tecnici del luogo che
le presta gli spazi, perché è l’amara realtà che va
affrontata e cioè che non esistono luoghi pensati e
costruiti unicamente per la musica, ma che ci si affida
sempre alle indomabili potenzialità del linguaggio
musicale, capace di penetrare anche le superfici
più impermeabili alla sua natura.
Se si considera, inoltre, che i luoghi molto grandi
o prestigiosi, come stadi, palazzetti e teatri, sono location
commercialmente esigenti, riservate dunque
a quei pochi artisti a cui il mercato riconosce (a
torto o a ragione che sia) una capacità di richiamo
piuttosto redditizia, ai tanti artisti che brulicano nel
sottobosco culturale rimangono solo sedi di associazioni,
circoli o pub per esibirsi, luoghi, soprattutto i
pub, in cui la musica non si sceglie di ascoltarla, ma
la si subisce.
Ma possibile che un linguaggio così utilizzato,
così nobile e dalle potenzialità di aggregazione così
importanti non abbia una casa sua? Un luogo, cioè,
pensato e costruito per la musica, da tutti i punti di
vista, logistico e acustico? Non è che questo forse
è il riflesso più realistico delle priorità della nostra
collettività allo specchio? In fondo esistono luoghi
ad hoc anche per giocare a bocce.
Luca Francioso
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l blog
Didattica Ignorante? – 2
I lettori più smaliziati, a questo punto,
avranno mangiato la foglia: voglio parlare di
didattica/apprendimento musicale per imitazione.
Il che non è originale, né dal punto di
vista pratico, né dal punto di vista ‘filosofico’:
per un chitarrista, l’apprendimento dei primi
accordi o dei primi, semplici, assoli attraverso
un ‘amico più pratico’, è l’evento più
frequente. Dal punto di vista didattico, nella
metà del secolo scorso si è affermato (abbastanza,
anche se non nella misura sperata
dall’Autore) il Metodo Suzuki, che proponeva
una didattica per imitazione (v. http://www.
suzukiroma.org/ita/metodo.htm). Scopo del
mio argomentare è quello di proporre l’insegnamento/apprendimento
per imitazione
non certo come unico modello, ma come
propedeutico per lo studio teorico: se non si
conosce un sufficiente numero di parole ed
espressioni usuali in una lingua, è ben difficile
che lo studio della sua sintassi sia efficace.
Un parallelo, tra studio della lingua e studio della
musica, mi appare possibile per questi motivi: se
è, come sembra, vero che esistono diverse intelligenze,
è pur vero che il metodo di apprendimento
relativo ad esse è paragonabile: un uccello non
impara a volare dai libri, un bambino non impara
a camminare dopo che ha imparato a leggere, né
si impara a guidare un’automobile senza montarci
sopra in compagnia di uno ‘pratico’. E questa ultima
cosa non succede in età prescolare.
Le regole
La nascita della scrittura ha consentito che si scrivessero
anche dei testi di grammatica. Nei quali i
primi grammatici hanno descritto, partendo da quelli
che si potevano ritenere dei ‘buoni esempi’, il modo
corretto di usare la lingua. Sono, cioè, state astratte
delle regole generali da ciò che di fatto esisteva, e
che preesisteva alla enunciazione delle regole stesse.
Ma si è deciso a ‘quale’ forma di lingua ispirarsi,
non senza arbitrio.
Man mano che la lingua parlata si andava discostando
da quegli esempi, la grammatica diventava
dapprima “prescrittiva”, cioè denunciava come
errore tutto ciò che si allontanava dalle regole.
Attualmente, i mutamenti della lingua vengono, se
non automaticamente, velocemente recepiti in una
grammatica “descrittiva”.
Nel lungo periodo che ha portato, in Italia ma non
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chitarra acustica 3 duemilaundici
Frederick Leighton, Lezione di musica, 1877
solo, dal latino alle cosiddette lingue neolatine, la
sola grammatica insegnata ha continuato ad essere
quella latina: d’altra parte, i soggetti che studiavano
erano davvero una ristretta minoranza, una élite
economica o ecclesiastica.
Il vantaggio della grammatica e della sintassi linguistica
è che le sue regole possono essere espresse
con lo stesso materiale di cui trattano, e cioè la
lingua. Più complicato è il rapporto con altre discipline
che la lingua è chiamata a spiegare: la matematica,
la filosofia (non a caso uno degli incubi di
Wittgenstein è stata la precisione del linguaggio),
la musica.
Per la musica, il linguaggio utilizzato si fonda non
trascurabilmente su quello matematico. Un esempio:
nella matematica dei miei tempi si diceva che
due triangoli, che hanno uguali tre lati e tre angoli,
sono uguali. Adesso si dice che sono congruenti, se
hanno i tre angoli e i tre lati congruenti. Per me, dalla
lingua italiana non deriva che cento spilli in una
scatola sono congruenti, deriva che sono uguali (se
lo sono!). Le regole musicali derivano dalla musica,
e non viceversa. Non vedo come si pensi di invertirne
il percorso nella didattica.
Eppure, tornando al linguaggio, io conosco la
grammatica inglese e so scriverlo discretamente,
ma non capisco una parola di un film, poche di una
canzone, pochissime in un telegiornale. Perché
così mi è stato insegnato…

Cenni pedagogici e neurologici
Le ragioni per le quali il Metodo Suzuki è rivolto ai
bambini in età prescolare sono di due ordini. Il primo
riguarda la impossibilità dei bambini di leggere
un testo, o di avere un’idea accurata delle frazioni di
tempo, o dei rapporti tonali nel modo formale. Il secondo
è di tipo psico-neurologico: il bambino impara
tutto per imitazione, se gli si offre l’apprendimento
come un gioco si ottengono risultati eccellenti.
Dal punto di vista neurologico, l’età prescolare è
quella in cui si sviluppano maggiormente dei complicati
meccanismi di collegamento tra diverse aree
del cervello (per semplificare, si realizzano nuove
sinapsi, cioè collegamenti tra cellule nervose), attività
che, secondo la prevalenza dei neurologi, diminuisce
con l’età.
Secondo alcuni studi, sembra che l’area di percezione
della musica possa essere localizzata
nell’emisfero destro (nei destrimani), quindi dal lato
opposto a quello della percezione e della elaborazione
del linguaggio, che è nell’emisfero dominante
(in questo caso, il sinistro).
Tra i neurologi e neuroradiologi che si sono occupati
di questi studi, la professoressa Daniela Perani,
dell’Istituto S. Raffaele di Milano, si è occupata e si
occupa approfonditamente della localizzazione delle
funzioni cerebrali (v. http://www.unisr.it/persona.
asp?id=342). La parte dei suoi studi che mi appare
più pertinente al tema riguarda le aree cerebrali
attivate nel bilinguismo e nei poliglotti, e lo studio
dell’attività cerebrale nei neonati esposti alla musica.
Riassumendo e, ahimè, banalizzando, potrei
dire che ci sono aree cerebrali differenti per la lingua
madre, per una seconda lingua, per la musica.
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chitarra acustica 3 duemilaundici
Didattica Ignorante? – 2
bl
L’attività cerebrale stimolata dall’ascolto della musica
risiede prevalentemente nell’emisfero cerebrale
opposto a quello che presiede al linguaggio.
Non è così scontato, ma mi viene da supporre che
la lettura musicale vada ad evocare strutture che si
attivano con il linguaggio, e non quelle che si attivano
con l’ascolto della musica, con le quali dovranno
pur fare i conti.
Specialmente nel bambino e nell’adolescente,
direi che lo sviluppo di sinapsi nell’area “ascolto
musicale” può essere fondamentale per quello che
chiamiamo “orecchio”. E, in sostanza, acquisire la
musica da una partitura, impegna un maggior numero
di aree cerebrali, e potremmo definire la lettura
musicale un’attività più cerebrale, e meno istintiva,
dell’acquisizione direttamente dal suono.
Suonare uno strumento musicale richiede anche,
non secondariamente, una capacità di coordinazione
psicomotoria o neuromuscolare dedicata, che va
al di là della percezione della musica. Per questa
ragione, forse, esistono più buoni ascoltatori che
buoni musicisti. Ma, anche qui, l’imitazione e l’esercizio
dovrebbero precedere e seguire ogni studio
teorico, come avviene per la maggior parte delle
attività manuali.
I generi musicali
La definizione dei generi musicali è una strada
irta di trappole: non prendete alla lettera quello che
scriverò in questa materia, nonostante abbia chiesto
lumi al ‘prof’ Andrea Carpi, perché anche lui, su
questo tema, è piuttosto prudente. Mi ha proposto
uno schemino delle discipline musicologiche, che
può aiutarci:
– Musicologia ‘tout court’: musica colta/classica.

l
Didattica Ignorante? – 2
– Etnomusicologia: musica folk o folklore musicale
dei paesi europei-occidentali; e musica etnica,
cioè le musiche (non solo folk) dei paesi extraeuropei-extraoccidentali.
– Studi di popular music: le musiche che nascono
dalla commercializzazione della musica nell ambito
della nascita del capitalismo, e quindi dalla crescita
di un industria culturale musicale (la musica classica
veniva mantenuta economicamente dalla nobiltà
o dalla Chiesa), che si sviluppa nella cultura di
massa attraverso la nascita della radio, della discografia,
del musical e del cinema, della televisione e
così via.
Naturalmente, a seconda del punto di vista da cui
ci si pone, le classificazioni possibili sono infinite.
Ricordo Ennio Morricone definire “relativa” la musica
scritta per i film, e “assoluta” la musica scritta
per se stessa.
La musica alla quale sono legato appartiene
senz’altro alla popular music. Il che significa un’enorme
massa di brani composti da una grande varietà
di autori: compositori colti che scrivono canzoni
o musica strumentale per un pubblico indifferenziato;
compositori ‘popolari’, che hanno avuto a volte
grandissime idee compositive e le hanno realizzate,
o viste realizzare, senza averle mai scritte e senza
avere nozioni di teoria musicale; compositori di cultura
musicale intermedia.
La mia umilissima opinione è che, se un’opera
nasce nella forma scritta, meglio sarebbe leggerla;
se nasce in forma ‘sonora’, sarebbe il caso di ascoltarla.
In entrambi i casi, ci si rapporterebbe con “l’originale”.
Nel caso delle musiche nate per la chitarra fingerstyle,
quasi sempre abbiamo a che fare con brani
nati sulla chitarra, per i quali la partitura/tablatura
è nata, scritta dall’autore o da altri, dopo la composizione,
e spesso dopo la registrazione. Potremmo
convenire che l’originale è la prima registrazione di
quel brano, che corrisponde all’idea che l’autore/
chitarrista vuole che se ne abbia, una volta compiuta
la parte di composizione, arrangiamento e preparazione
dell’esecuzione.
È più che verosimile, anzi, è vero, che nella maggior
parte dei casi l’autore si riterrà libero, nell’ambito
musicale del quale stiamo parlando, di stravolgere,
reinterpretare, modificare il suo brano: nel nostro
ambito, anche il semplice interprete dovrebbe acquisire
la stessa libertà.
Ed è evidente che questa libertà porta ad una
evoluzione dei brani, se l’apprendimento è per imitazione,
mentre riparte sempre dallo stesso spartito,
se si impara da lì.
La modifica, anche involontaria, a cui viene sottoposto
un brano da un interprete, che lo mostra
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chitarra acustica 3 duemilaundici
ad un altro, ecc., viene a costituire il cosiddetto folk
process.
Per me, non ha senso leggere “La canzone del
sole”: se non si conoscono quei tre accordi, si può
farseli insegnare da un amico; il ritmo anche, e piano
piano si può cercare di introdurre qualche elemento
personale, senza bisogno di studiare teoria
musicale.
E, se si vuole comporre una canzone dello stesso
genere, bisogna ‘soltanto’ avere una idea semplice
e geniale, per avere la quale la teoria può non aiutare.
Conclusione?
Non originale e controversa, lo capisco. Ma…
sembra che si faccia, ma non si debba dire: a mio
modestissimo avviso, l’insegnamento migliore per
cominciare a suonare la chitarra è quello per imitazione.
Non solo: per un certo tipo di musica può
essere l’unico veramente importante.
Fermo restando che lo ‘studio della Musica’ è indispensabile
per il professionista, e per chiunque voglia
avere la consapevolezza di ciò che sta facendo
quando suona. Lo ritengo indispensabile anche in
tutti i casi nei quali la complessità della composizione
e la immodificabilità della struttura esecutiva siano
caratteri connaturati a un certo genere od opera
musicale. E piacevole per chi ama lo studio.
Molto spesso mi è capitato di incontrare musicisti
diplomati presso il Conservatorio, che non si rendono
conto che una nota, pur scritta, è sbagliata, cosa
che sarebbe possibile se fossero stati abituati ad
ascoltare e a ispirarsi ad esempi, più che imparare
a leggere. Ho dovuto personalmente correggere
un mio spartito per un amico diplomato (in contrabbasso,
ma bravo chitarrista), perché non riusciva ad
evitare un errore scritto, nonostante glielo avessi
evidenziato.
Dopo la disponibilità di una quantità di musica
scritta mai immaginabile, grazie ad Internet, c’è ora
anche una disponibilità di eccellenti video didattici,
alcuni dei quali prodotti anche da Fingerpicking.net,
che – nel caso non ci sia la disponibilità economicoorganizzativa
per avere un insegnante – permettono
di imparare imitando.
L’esercizio contemporaneamente dell’analisi uditiva,
della ricerca delle parti armoniche e melodiche,
specialmente se guidati da un bravo e generoso insegnante
(nel senso che suona sempre i brani che
insegna), sono per me tutto, almeno nelle fasi precoci
dell’apprendimento.
A presto!
Giovanni Pelosi
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L’arrangiamento
e la rivisitazione – 2
In questo secondo articolo riguardante l’arrangiamento
e la rivisitazione presentiamo alcuni esempi
di interpretazioni di brani noti. Vedremo quindi come
alcuni grandi artisti hanno saputo andare con classe
oltre le versioni originali, per creare veri e propri
capolavori. Vorremmo soffermarci su questi casi
evidenziando in particolare gli elementi che sono
stati di volta in volta utilizzati per creare una rivisitazione
efficace. Per agevolare l’ascolto dei brani presi
in esame riportiamo per ognuno il link a YouTube.
Pur considerando ovviamente la chitarra, abbiamo
pensato di inserire riferimenti ad artisti non chitarristi,
in quanto da questi a volte si possono cogliere
idee e spunti molto interessanti. È importante inoltre
sottolineare come spesso i grandi artisti dimostrino
che sia sufficiente muovere sapientemente pochi
e spesso semplici elementi per dare la propria impronta
ai brani con cui ci si confronta.
Tra i primi aspetti da valutare nell’affrontare una
rivisitazione troviamo il ritmo, la velocità e l’accentazione.
Se nella versione originale di “So What”
di Miles Davis (Video – 1959) l’accompagnamento
della batteria durante l’esposizione del tema da
parte del contrabbasso segue un classico accompagnamento
in stile jazzistico, Marcus Miller (Video)
ha deciso di dare un taglio più energico e di sapore
r&b inserendo un groove di batteria con una forte
accentazione sul 2° e 4° quarto della battuta data
dal rullante. La velocità è stata aumentata rispetto
all’originale e l’energia del brano è sottolineata dalle
risposte al tema del basso da parte della sezione
di fiati, molto più presenti rispetto alla versione di
Davis. Rimanendo tra i bassisti, il grande Jaco Pastorius
ha reso personalissima la propria versione
rendendola molto più di carattere bebop, sfruttando
una delle caratteristiche fondamentali di questo stile
del jazz: la velocità. In questa esecuzione, inserita
in un medley (Video), Jaco ha eliminato la presenza
dei fiati nelle risposte al tema, sostituendoli con una
tastiera (in puro stile ’80s!), con il risultato di dare
maggior risalto al suo basso.
Altre volte si può invece elaborare una rivisitazione
efficace di un brano sfruttando le caratteristiche
proprie dello strumento che si ha a disposizione.
Tra le innumerevoli versioni di “Blue Moon”, notiamo
come Ella Fitzgerald (Video – 1973) e Elvis (Video
– 1954) abbiano dato vita alle proprie interpretazioni
affidandosi alle rispettive straordinarie voci
e alla capacità di questo strumento di tenere suoni
di lunga durata. Le loro rivisitazioni sono indubbiamente
di maggior respiro rispetto a quella di Tommy
Emmanuel che nella sua versione (Video – 1995),
molto più ritmica e incalzante, ha dato largo spazio
alla possibilità offerta dalla chitarra di produrre melodia
e accompagnamento contemporaneamente.
E ci è riuscito benissimo. Se escludiamo quello che
potrebbe creare un talento indiscusso quale Tommy
Emmanuel, è difficile pensare a un’interpretazione
chitarristica altrettanto efficace e convincente
di “Blue Moon” suonata alla velocità delle registrazioni
della Fitzgerald o di Elvis. Già che ci siamo
segnaliamo qui di seguito alcune registrazioni di
rilievo su cui può essere interessante soffermarsi.
Stephane Grappelli (Video – 1990), The Marcels
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chitarra acustica 3 duemilaundici
bl
(1961), Frank Sinatra (1961), Django Reinhardt
(1935), Louis Armstrong (1955), Dizzy Gillespie,
Tori Amos (1996).
Un discorso simile può essere applicato per la
celebre “Somewhere over the Rainbow”: rispetto
all’originale di Judy Garland (Video – 1939), Eva
Cassidy ha dato respiro e aria al brano distendendo
ritmicamente il tema, sfruttando pienamente le
proprie doti vocali (Video). L’arrangiamento qui è
scarno e aiuta la melodia ad emergere. Riferendosi
ancora a Tommy Emmanuel (Video) si può notare
come lui si affidi ad effetti prettamente chitarristici
per dare la propria interpretazione. Il tema è stato
prima introdotto con armonici e attraverso l’uso del
delay, ed esposto poi in modo tradizionale. Il brano
può forse essere considerato più un ottimo arrangiamento
che una rivisitazione vera e propria.
Per ultimo esaminiamo invece quello che probabilmente
è il più interessante tra gli esempi riportati:
la rivisitazione di un brano di musica classica da
parte di un interprete moderno. Nello specifico analizziamo
la versione di Django Reinhardt del celebre
brano per pianoforte “Liebestraum No. 3” (1850) di
Franz Liszt (1811-1886). Il grande Django ha affrontato
l’arduo compito di rivisitare musica classica
e lo ha fatto adattandolo perfettamente al suo stile.
Ecco l’originale (Video) e la versione di Django (Video).
La chiave di questa rivisitazione stavolta consiste
nella ripresa di alcuni elementi propri dell’originale
e nell’utilizzo di questi all’interno del brano.
Vi è una totale destrutturazione dello spartito per
pianoforte, che viene stravolto e adattato con un risultato
certamente molto efficace. Django ha preso
il tema, lo ha modificato dal punto di vista ritmico
e melodico, intercalandolo con frasi improvvisate,
e ne ha utilizzato solamente un frammento che ha
assunto la funzione di ‘collante’ del brano. L’introduzione
è stata ripresa al termine per dare maggiore
completezza all’esecuzione. Il risultato finale è una
versione che ha perso il carattere drammatico e romantico
che Liszt aveva dato al pezzo (Liebesträume
significa ‘sogni d’amore’), per acquistare ritmo
e freschezza. Django si è mosso quindi in piena libertà,
dimostrando che svincolandosi dagli originali
con intelligenza e personalità è possibile creare ottime
rivisitazioni, pur notevolmente differenti dall’intenzione
dell’autore del brano.
Per chi volesse analizzare la versione di Django
aiutandosi con lo spartito originale per pianoforte,
è possibile scaricarlo legalmente al seguente indirizzo:
http://erato.uvt.nl/files/imglnks/usimg/2/22/
IMSLP00615-Liszt-_Liebestraum_No_3.pdf
Alla prossima!
Bruskers

l blog
I miei video
Il mese scorso ero a Bologna e tra i vari impegni
c’era quello di incontrare Reno Brandoni per parlare
del progetto dei video online e di altre possibili collaborazioni.
Dopo una chiacchierata davanti a una
tazza di tè, andiamo nel suo studio dove ci sono
diverse chitarre in fila. Sento l’aria un po’ secca e
chiedo: «Hai un igrometro per misurare l’umidità?»
Nella mia casa in campagna, ho da poco spostato
le chitarre perché in inverno arriviamo anche a superare
il 70%, cosa che potrebbe danneggiarle seriamente:
«Può darsi tu abbia il problema inverso»…
Diamo un’occhiata ai primi video registrati fin qui:
veramente niente male, sia per qualità di ripresa
che audio! Questo progetto di proporre lezioni di
chitarra online può veramente essere accolto con
entusiasmo dagli appassionati e… della serie non ci
pensiamo due volte… di lì a poco registriamo!
Cambio al volo le corde su una delle Martin in fila,
mentre penso che Rod Schenk ci resterà un po’
male… ma va da sé che non prevedendo queste
sedute di registrazione, la mia Franco Morone Signature
l’ho lasciata a casa. Ma okay, qualche volta
va bene suonare chitarre diverse.
La prima ripresa è dedicata a “Flowers from Ayako”
(EADEAE) tratto dal CD Melodies of Memories.
Pur essendo già stato trascritto nell’omonimo libro,
si tratta di un brano eseguito con tecnica mista finger/flatstyle,
per cui penso sia utile una videolezione
che mostri i movimenti della mano destra e gli
accordi base.
Il brano successivo è il medley “The Star of County
Down/Gaelico” (EADEAD) dal CD The Road to
Lisdoonvarna. Molti mi hanno chiesto le partiture
di questi due brani, per cui le riprese video spero
possano compensare ed in parte esaudire queste
richieste.
Una costante nei miei arrangiamenti, è che dopo
anni le versioni incise nei CD a volte subiscono variazioni
dovute ad un processo evolutivo, o involutivo,
a seconda dei punti di vista, che a me piace
definire folk process, in opposizione all’idea concetto
di musica statica… Ho sempre pensato che non
ci sia nulla di male se dopo anni, variazioni, nuovi
ornamenti, sezioni aggiunte etc. possano ridefinire
o migliorare un arrangiamento.
È soprattutto il caso di “Followers of Dulcamara”
incisa sul CD Running Home, di recente riproposta
anche nel libro 10 Duets for Fingerstyle Guitar in
versione lenta e sempre in accordatura standard.
L’esecuzione aggiornata del brano, prevede il
basso di Mi sceso al Re per una serie di ragioni: una
tra tutte, l’opportunità di aprire il suono nell’inciso
con un basso di tonica più grave che accompagna
meglio questa sezione, poi un picking raddoppiato
nei bassi con l’uso alternato indice/pollice, la linea
melodica resta inalterata, a parte qualche lieve variazione,
rispetto al CD.
Poi è la volta di un paio di blues come “Summertime”
(EADEAD) tratto dal DVD dal vivo Acoustic
Guitar Solos (Mel Bay) e di “Poor Boy Long Way
from Home” in open D (DADF#AD), brano di primo
repertorio, arrangiato in una versione simile a quella
di John Fahey.
“Running Home” (DADGGD) tratto dall’omonimo
18
chitarra acustica 3 duemilaundici
CD, la cui traduzione significa “correndo a casa”
ma anche letteralmente “casa che corre, che fugge”
come a rimarcare una situazione ricorrente tra i
musicisti, spesso lontani per concerti. Si tratta di un
brano impegnativo, che richiede contemporaneamente
tecniche di legature e percussioni… se proprio
volete provarci consiglio due battute al giorno
prima dei pasti…
Una lezione video anche per la “Tarantella”
tratta da Italian Fingerstyle Guitar (Carisch). I tre
bassi dell’accordatura (EADEAE) in tonalità di
La, sono la tonica La, la sottodominante Re e la
dominante Mi, ed essendo corde a vuoto facilitano
l’esecuzione della melodia. Dopo aver suonato
diverse gighe irlandesi che hanno lo stesso ritmo
delle nostre tipiche danze popolari di 6/8, qualcuno
l’ha ribattezzata ‘Celtic’ Tarantella. Alcune sincopazioni
di bassi e melodia, certo contribuiscono
a rendere più interessante l’esecuzione. D’altra
parte la nostra musica tradizionale, a differenza
di quella irlandese, ha subito veramente poche
modificazioni per il fatto di non essere stata ripresa
spesso dalle nuove generazioni di musicisti…
Per finire, dall’ultima mia pubblicazione Basic Fingerstyle
– Antologia di brani facili per chitarra acustica
(Carisch), il brano “Our Fire Place” in accordatura
standard. Lo suono una volta come scritto,
poi la seconda volta apporto piccole anticipazioni
e posticipazioni, alcune variazioni nella melodia e
nei bassi, in linea col concetto già espresso prima,
un esempio che invita l’esecutore ad un rapporto
flessibile e creativo col brano, ma solo dopo avere
raggiunto l’esecuzione corretta del testo scritto.
Il giorno dopo torno da Reno per dare un’occhiata
alle registrazioni… non male per essere state pensate
e realizzate a tempo di record…
E, wow, vedo un nuovissimo igrometro vicino alle
sue chitarre, bene! Di certo una discussione sulla
temperatura e umidità ideali per custodire le chitarre,
potrà essere molto interessante perché anche
la più costosa delle chitarre può suonare male o
venire danneggiata a causa di condizioni climatiche
non ideali. Bene, vi do appuntamento al prossimo
articolo, spero apprezziate i miei video e, se vorrete
essere informati a riguardo, non avrete che da
sottoscrivere il mio canale alla pagina: http://www.
youtube.com/pickinonthestrings
Buona visione e buona musica! Franco Morone
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log
Come nasce un liutaio
La mia passione per la liuteria ha inizio nell’ormai
lontano 1990, quando, con la complicità di alcuni
amici, ho costruito la mia prima chitarra classica.
Strumento che mi ha accompagnato fino al diploma
del quinto anno di Conservatorio. L’interesse per
la costruzione ha lentamente soppiantato gli studi
musicali. Nell’anno 2000 ho deciso di intraprendere
professionalmente l’attività di liutaio, dopo aver
frequentato la Civica Scuola di Liuteria di Milano,
per quattro anni. Parallelamente a tale attività sono
stato per otto anni docente di laboratorio di costruzione
degli strumenti a pizzico moderni, presso la
scuola medesima. Nel periodo scolastico mi sono
specializzato nella costruzione e nel restauro degli
strumenti a pizzico e mi sono diplomato con una
tesi sulle chitarre dell’800 della famiglia Guadagnini
di Torino. Inizialmente mi sono occupato esclusivamente
di chitarre classiche, strumento che conoscevo
bene grazie agli anni di studio al Conservatorio,
successivamente mi sono dedicato anche
alla produzione di alcuni modelli di acustiche (folk).
Queste ultime hanno poi occupato gran parte della
mia produzione.
Ma… come ‘nasce’ un liutaio? O meglio, come
dovrebbe ‘nascere’ – secondo me – un liutaio.
È solo un mio pensiero, forse legato alla mia storia
professionale, quindi discutibile e valido fino a
prova contraria. È un modo per me di ripercorrere
un cammino intrapreso vent’anni fa e ragionare su
quali aspetti siano stati importanti e fondamentali
per la mia formazione.
Prima di tutto vi è sicuramente la passione per
la musica, nel nostro caso di quella suonata con la
chitarra. Se mi permettete, aggiungo che per me è
stata fondamentale anche la passione per la lavorazione
del legno, aspetto che magari per altri sorge
in un secondo momento. Ricordo con gioia la prima
volta che andai in Brianza ad acquistare i legni per
costruire le prime chitarre: un set in abete e acero e
due set in cedro e palissandro indiano. Per me andare
‘per legno’ allora era una festa e dopo vent’anni
lo è ancora di più!
Ma le passioni non bastano, ci vuole la formazione.
Probabilmente non tutti hanno la possibilità di iniziare
il proprio percorso frequentando una scuola,
che ritengo sia la soluzione ideale per evitare una
serie di errori e onerose perdite di tempo; un’interessante
alternativa è quella di frequentare la bottega
di un liutaio.
Esiste anche chi si avvicina alla liuteria da autodidatta,
l’ho fatto anch’io ma poi ho sentito l’esigenza
di avere dei maestri.
Chi ha iniziato in una scuola oltre che le esercitazioni
pratiche ha seguito corsi di disegno tecnico,
organologia (storia degli strumenti musicali), chimi-
19
chitarra acustica 3 duemilaundici
bl
ca, fisica acustica, verniciatura, restauro.
Formazione è anche studiare una chitarra nei minimi
dettagli per capire com’è fatta, leggere un libro
che tratti argomenti inerenti alla liuteria, visitare collezioni
di chitarre, mostre, musei.
A tutto ciò si affianca poi la parte costruttiva, perché
la curiosità, l’entusiasmo per cercare di riprodurre
ciò che si è scoperto è grande.
Per costruire non basta acquistare il legno, serve
anche un posto dove lavorarlo che non sia il tavolo
della cucina, le polveri sono nocive! Anche chi frequenta
una scuola, parallelamente deve attrezzarsi
una postazione di lavoro: una cantina (non troppo
umida!), un sottoscala, un garage, insomma un locale
anche piccolo da dedicare interamente alla nostra
attività.
Non ci possiamo dimenticare degli attrezzi: pialle,
lime, scalpelli, trapani… quelli imprescindibili e poi
tutti gli altri, secondo l’insorgere della necessità.
Quando ho sentito l’esigenza di avere un maestro,
di frequentare dei corsi, mi ero reso conto di
essere in grado solo di costruire dei ‘mobili’, belli ma
privi di personalità.
Studiare strumenti di maestri quali Torres, Hauser,
Gallinotti, Martin e altri che hanno fatto la storia
della liuteria chitarristica mi ha permesso di capire
che uno strumento musicale deve avere un’anima,
una forte caratterizzazione trasmessa dalla sensibilità
di chi l’ha creato, influenzata a sua volta dall’ambiente,
dal contesto culturale e dalla sensibilità musicale
dell’epoca in cui il liutaio è vissuto.
Essere in grado di cogliere queste sfumature permette
di crearsi una personalità e di trasferirla ai
propri strumenti. Strumenti che dovranno poi soddisfare
anche e soprattutto le esigenze dei musicisti
per i quali sono stati costruiti.
È sempre una forte emozione, e ritengo la più
grande soddisfazione del nostro lavoro, ottenere la
fusione tra l’arte liutaria e quella musicale.
Aldo Illotta
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c recensioni
Daniele Bazzani
Luca Francioso
Fingerstyle Guitar Easy
Fingerpicking.net - Carisch
Esiste un repertorio appositamente
realizzato per la didattica
della chitarra acustica fingerstyle?
Come gli studenti di chitarra
classica possono attingere
a piene mani agli “studi” dei
vari Sor, Giuliani, Carulli e altri,
possono i chitarristi acustici fare
altrettanto nella loro fase di apprendimento
delle tecniche di
base del fingerstyle moderno?
Chi desidera intraprendere uno
studio del fingerstyle più razionale
e costruttivo, non sapendo
ancora bene “cosa” suonare, o si
affida ad un insegnante (anch’egli
obbligato alla costruzione di
un percorso didattico basato
principalmente sull’esperienza
personale e su riferimenti musicali
altrui non propriamente
pensati per uno studente), o si
rivolge all’amico esperto di turno
o al mare magnum di tablature
reperibili in rete, con il rischio di
perdersi, naufragare ed abbandonare
la propria sei corde sulla
prima spiaggia pronta ad accoglierlo,
magari con playstation in
dotazione.
Il secondo titolo di questa nuova
collana editoriale dedicata alla
chitarra acustica, prodotta da
Fingerpicking.net per le edizioni
Carisch, si prefigge lo scopo di
fornire, ad insegnanti e studenti,
nuovo materiale musicale pensato
appositamente per la didattica,
grazie alla vena creativa di due
dei chitarristi acustici italiani più
prolifici e attenti all’aspetto melodico
delle loro composizioni.
Daniele Bazzani e Luca Francioso,
con sei composizioni originali
a testa, contribuiscono con
questo loro lavoro alla formazione
di un repertorio originale con il
quale uno studente può cimentarsi
per trovare nuovi stimoli, nuove
idee da sviluppare e approfondire,
come loro stessi dichiarano
nella prefazione:
“Non abbiamo la pretesa di
aver scritto la musica migliore
che possiate suonare, solo il tentativo
di sottoporre qualcosa di
utile e gradevole al tempo stesso,
l’idea è di proseguire, magari con
l’aiuto di altri musicisti, per creare
il “nostro” percorso di studio.”
La melodia, dunque, l’elemento
cardine di questo manuale: saperla
suonare, saperla interpretare,
capire in che modo poterla
arricchire, come utilizzare i bassi
per sostenerla.
Dodici brani come esempi, tutti
in accordatura standard, partendo
da semplici arpeggi, via via
più complessi, passando per il
classico “basso alternato” e l’utilizzo
di glissati, pull off e hammer
on.
Il tutto proposto con molto gusto
e sobrietà, testi in italiano ed
inglese, trascrizioni con pentagramma
e tablature ed un CD incluso
con la registrazione di tutti i
brani, eseguiti dai rispettivi autori,
ai quali lo studente deve prestare
orecchio attento se desidera
comprendere come riprodurre le
singole note con la giusta dinamica
ed intensità.
Una chitarra acustica “easy”,
come riportato anche nel titolo,
senza fronzoli o inutili tecnicismi,
ma allo stesso tempo ariosa,
cantabile, affascinante, uno
strumento che una volta che ti ha
conquistato non ti lascia per il resto
della vita.
Per i virtuosismi, poi, c’è sempre
tempo.
Alfonso Giardino
Paolo Bonfanti
Bottleneck Guitar
Fingerpicking.net – Carisch
Sapevate che la chitarra slide
non è originaria delle Hawaii? E
che Fred McDowell fosse il ma-
20
chitarra acustica 3 duemilaundici
estro di Bonnie Raitt? Queste ed
altre brevi note storico-biografiche
sui chitarristi slide di ieri e di
oggi ci introducono al mondo della
bottleneck guitar. Paolo Bonfanti
parte dall’inizio, ci presenta
e descrive i modelli da tener presente
in questo nostro percorso,
ce ne descrive le sonorità caratteristiche,
facendocene assaporare
il gusto musicale.
Si procede per gradi, dunque,
a partire da una lunga serie di
scale (su corde singole e su più
corde) per proseguire con arpeggi,
bicordi, una serie di esercizi
sull’uso dei bassi in abbinamento
ad una semplice linea melodica
ed esempi di accompagnamenti
al canto, per continuare con una
serie di venti esercizi, veri e propri
mini-brani con cui cimentarsi
per il consolidamento dell’uso del
bottleneck. Si passa, poi, ad illustrare
quindici riff tipici di alcuni
grandi interpreti della tecnica slide,
da Charlie Patton fino a Derek
Trucks, passando per Johnny
Winter, Keb Mo’ e Bob Brozman.
Questo lungo percorso si conclude
con la presentazione di
dieci brani originali, tutti composti
da Bonfanti ed eseguiti nello stile
degli stessi maestri più volte citati
in quest’opera, che vogliono
essere il punto d’arrivo per quanti
si cimenteranno con lo studio di
questa tecnica.
Il manuale è il primo frutto della
collaborazione tra Fingerpicking.
net e la Carisch, uniti nella realizzazione
di una nuova collana editoriale
dedicata alla chitarra acu-

stica. Testi in italiano ed inglese,
notazioni musicali con pentagramma
e tablature e un CD a
corredo, con la registrazione di
tutti gli esempi musicali trascritti.
Bonfanti, da grande professionista
qual è, ha ideato e realizzato
un percorso d’apprendimento
molto rigoroso, graduale nella
sua fruizione, conscio delle varie
difficoltà che potrebbe incontrare
il lettore-chitarrista, difficoltà che
è possibile superare solo con l’esercizio,
con lo studio paziente
che, tappa dopo tappa, ti consente
di acquisire una tecnica difficile
da padroneggiare, ma che può
riservare grandi soddisfazioni interpretative.
Genovese, classe 1960, Paolo
Bonfanti ha iniziato a suonare la
chitarra nel 1975, con alle spalle
studi di teoria musicale, armonia
e pianoforte. Nei primi anni ’80
si è perfezionato con Armando
Corsi e Beppe Gambetta. Nell’estate
1986 ha seguito un corso al
Berklee College of Music di Boston.
È laureato al DAMS di Bologna
con una tesi sul blues. Al
suo attivo undici album e infinite
collaborazioni con musicisti italiani
e internazionali, partecipazioni
a festival in Italia e all’estero. Chitarrista,
autore, produttore, è ormai
da anni una delle personalità
di spicco della scena roots rock
italiana.
Alfonso Giardino
Alberto Caltanella
L’albero della vita – Tree of Life
Fingerpicking.net
Forse da un flatpicker, più che
da un fingerstyler, ci si aspetterebbe
una maggiore fedeltà ad
uno standard musicale a stelle e
strisce, una certa predisposizione
a ricalcare orme intrise di country
e bluegrass. Più di un figerstyler,
infatti, un flatpicker ha a disposizione
un repertorio, su cui formarsi,
maggiormente caratterizzato
e caratterizzante per genere
musicale.
Alberto Caltanella, invece, ha
intrapreso un percorso molto
personale, mettendo la sua ottima
tecnica al servizio di una
musica varia, personale, con precisi
riferimenti europei, privilegiando
l’aspetto melodico nelle sue
composizioni e nella scelta degli
standard da arrangiare (molto
bella la sua interpretazione della
“Ave Maria” di Franz Schubert –
ve l’aspettereste da un praticante
del plettro?) pur non disdegnando
ritorni alle origini, sempre personali,
nel bluegrass (come nel
brano “My Grass”, appunto…).
Anche in questo suo secondo
CD, di recente uscita per
l’etichetta Fingerpicking.net, Alberto,
com’è naturale che accada
in un musicista che matura col
tempo, ha sentito l’esigenza di
esplorare nuovi confini (l’utilizzo,
oltre alla standard, di sei diverse
accordature alternative ne è la
conferma) ricercando anche altri
suoni cui accompagnarsi. La
voce di Michela Grena, i flauti di
Mauro Martello, le corde di Riccardo
Alfarè o la sua stessa chi-
21
chitarra acustica 3 duemilaundici
rc
tarra in sovraincisione: innesti
che danno alla sua musica respiri
nuovi, diversi, per poterla vivere
non limitata al suo strumento
solista.
I nove brani originali e i tre arrangiamenti
proposti da Caltanella
si susseguono sobriamente,
alternando generi e colori, sorprendendo
anche chi, dopo una
partenza movimentata con “Festival”
e “Flat Fuga Blues”, incontra
l’Intermezzo dalla “Cavalleria
Rusticana” di Pietro Mascagni e
poi si ritrova ad ascoltare “Both
Sides Now” di Joni Mitchell (con
la voce di Michela Grena), oppure
quando dopo un “Saltarello”
resta ammirato di fronte all’“Ave
Maria”.
Sarà forse la suggestione creata
dalla copertina, dai colori di
questo bosco ricco più di luce
che di ombre, dall’espressione
di Alberto tranquilla, in armonia
con la natura che lo circonda, ma
l’ascolto di questo CD (complice
la qualità delle registrazioni) riesce
a trasmettere una piacevole
sensazione di freschezza, di
serenità, ponendo l’ascoltatore
nell’ideale stato d’animo per chi
vuole fermarsi, sedersi e abbandonarsi
alle storie che questo
bravo musicista gli vuole raccontare.
Alfonso Giardino

c
Davide Citrolo
Afterblues
www.myspace.com/davidecitrolo
Dopo quasi trent’anni dedicati
allo studio, alla pratica e
all’insegnamento della chitarra
blues, principalmente nella sua
versione rurale, Davide Citrolo
è giunto finalmente all’incisione
del suo primo CD, autoprodotto,
nel quale di blues… ce n’è giusto
un assaggio. Strano? Forse, ma,
come stesso lui dichiara nelle
note di copertina, potrebbe non
essere un caso che «improvvisamente
in un momento di grande
intensità artistica ci si metta a
comporre musica scoprendo sonorità
che prendono le distanze
dal blues e approdano ad atmosfere
forse più mediterranee».
Afterblues, quindi, un viaggio
alla scoperta delle proprie radici
più intime, lasciando la via maestra,
esplorando le sonorità e le
sensazioni che, forse, ci si porta
dentro da sempre. Ed ecco che
dopo il blues Davide ritrova i colori
e le immagini della sua Sicilia
(“Primo giorno d’estate”, “Monte
Pellegrino DADGAD”), i ritmi
antichi secondo i quali si scandiscono
le giornate dell’infanzia
(“Tempus fugit”, “L’ozio”), le
ansie di fronte alle incognite di
una vita ancora tutta scoprire
(“L’attesa”, “Insonnia”, “L’ultimo
giorno”), il viaggio e il desiderio
d’avventura (“Viaggio a Sud”,
“Strade”), il blues che ritorna (“Pianeta
Giove”).
No, queste immagini non me
le ha suggerite Citrolo in perso-
na, ma la bella foto di copertina:
una vecchia foto seppia degli
anni venti-trenta (di famiglia?).
Oddìo, non che Davide sia così
vecchio, ma vedere capeggiare il
titolo-dichiarazione su di un momento
di vita antica, mi sembra
comunichi chiaramente che dopo
il blues per Davide Citrolo c’è il
ritorno alle proprie origini.
Un disco, questo, di sola chitarra,
un viaggio intrapreso con
il passo deciso del fingerpicking
classico, talvolta anche ostinato,
muovendosi, però, all’interno di
sonorità inusuali per un bluesman,
utilizzando anche accordature
fino ad oggi non praticate
come la DADGAD.
Dieci composizioni originali imperniate
su strutture armoniche
articolate, con poche concessioni
alla melodia, quasi a voler ulteriormente
sottolineare il cambio di
direzione rispetto ad un genere
che fa della cantabilità una sua
prerogativa.
Questo CD, pubblicato a fine
2009, non è l’ultima fatica di Citrolo:
è appena stato pubblicato il
nuovo CD Acquerelli, un progetto
che Davide ha realizzato insieme
all’armonicista Leonardo Triassi
e che siamo in attesa di ascoltare
al più presto.
Alfonso Giardino
Paolo Gianolio
Pane e nuvole
RCA Italiana
Lo dico subito: a Paolo
‘Paolone’ Gianolio mi legano
una lunga militanza comune (da
22
chitarra acustica 3 duemilaundici
più di dieci anni, ormai, collaboriamo
– seppure su fronti diversi
– con Claudio Baglioni) ed
una altrettanto lunga stagione
di amicizia e stima reciproca. Al
contrario di ciò che qualcuno – in
perfetta (e comprensibile) buona
fede – potrebbe essere portato a
pensare, però, queste mie riflessioni
sul suo Pane e nuvole non
sono né ispirate, né condizionate
da ciò che ci lega. E la ragione è
semplice: l’amicizia, infatti, è effetto
– non causa – delle qualità
della persona e del musicista.
E il valore di questo lavoro, non
dipende né dalla mia amicizia,
né dalle mie parole, ma l’una e
le altre da ciò che le orecchie di
chiunque possono verificare ascoltando
questo album.
È vero: Gianolio non è propriamente
un fingerpicker. Potremmo,
semmai, definirlo un multipicker.
Polistrumentista, arrangiatore,
orchestratore, produttore è, in effetti
(e lo si avverte chiaramente
in queste dieci tracce), un total
musician di formazione talmente
ampia e di esperienze così vaste
e prestigiose (Mina, Morandi,
Celentano, Rossi, Ramazzotti,
Battiato, Zucchero, Pausini, alcune
tra le innumerevoli collaborazioni)
da poter essere a
ragione annoverato nell’alto di
gamma dei professionisti della
musica ‘popolare’ del nostro
Paese. Non c’è dubbio, però, che
la chitarra sia il suo strumento.
L’alfa e l’omega del suo rapporto
con la musica. Il suo sodalizio con
le sei corde è un sodalizio intimo
e ‘antico’. Iniziato nella stagione
del grande rock (Beatles, Stones,
Hendrix, Yarbirds, Cream, Led
Zeppelin e sodali) è proseguito
in quella del ‘super jazz’ di menti
come Coltrane, Davis, Mingus ed
Evans e, ‘ovviamente’, di chitarre
come Reinhardt, Hall, Pass, Kessel
e Christian.
Ma la lingua di Gianolio non è
frullato, né somma, né semplice
accostamento di tutte queste
tendenze, forme e influenze. Più
autenticamente (e più significativamente)
essa rappresenta il
modo nel quale la luce di queste
diverse tradizioni e culture musicali
si è scomposta (e tutt’ora

si scompone) attraversando il
prisma della sensibilità e della
creatività di un musicista autentico
e completo. L’iride che ne
viene fuori è un’iride definita,
personale, riconoscibile, chiara,
che segnala talento, sapienza,
intelligenza, gusto. C’è il mestiere
e, ovviamente, c’è la professione,
com’è innegabile che
sia per i tanti lustri di onorevole
carriera. Ma sono tutti elementi
che non si muovono mai disgiunti
da passione, interesse, curiosità,
onestà professionale e intellettuale.
Né dal desiderio/bisogno di
scoprire e apprendere cose nuove,
per poter dire e dare sempre
cose nuove. C’è la testa, ci sono
le mani, ma c’è anche il cuore. E,
soprattutto, c’è la musica ricca,
densa, multiforme e ispirata di un
musicista che ha visto, sentito e
suonato tanto e che sa fondere la
concretezza (“pane”) della terra
che lo ha generato, con la materia
impalpabile (“nuvole”) di cui
sono fatti i sogni, per consegnarci
il distillato prezioso di quanto
sentito, visto e suonato.
Narra la leggenda che il mitico
Filippo Daccò (il grande maestro
a cui Gianolio deve gran parte
della sua formazione) ebbe a
dirgli: «Non ho più niente da insegnarti».
Con la saggezza e
l’ironia delle persone di qualità,
Paolo si schernisce di fronte a
quanti glielo ricordano, ma ascoltandolo
si capisce che la
leggenda nasconde un fondo
di verità. «Sono contadino della
musica» dichiara sul suo sito,
con misurato understatement:
«Mi piace seminare le note e raccoglierle
quando sono mature».
Sono mature, caro Paolo, sono
mature. Grazie di averle raccolte
e confezionate per noi.
Giuseppe Cesaro
Paolo Mari
Brazilian Guitar Solos
Carisch
Esce per la collana “Learn &
Play” della Carisch questo librocd
Brazilian Guitar Solos, che
contiene arrangiamenti originali
in ‘chord-melody’ di dieci standard
brasiliani, tutti curati dal
chitarrista Paolo Mari. Nella prefazione
al suo lavoro, Paolo chiarisce
bene le scelte didattiche
che ha adottato, dichiarando di
aver scelto per i suoi arrangiamenti
quelle tonalità nelle quali
«le corde a vuoto possono facilitare
il lavoro del chitarrista».
Si parte da un semplice arrangiamento
in Re di “A banda”,
tanto per gradire, per poi passare
ad arrangiamenti più complessi,
da “Água de beber” in Si minore
a “Manhã de Carnaval” in La minore,
da “Maria Ninguém” in Sol
via via fino ad arrivare a “Tristeza”
ancora in Re. Una bella versione
di “Mas que nada”, poi, la
potrete trovare anche sul nostro
sito nella sezione “Video”.
Le trascrizioni sono riportate
nella doppia notazione con pentagramma
e tablatura e, in appendice,
sono presenti i testi
di tutte le canzoni con sopra
l’indicazione degli accordi utilizzati.
Il libro, inoltre, ha in dotazione
un CD dal quale è possibile
ascoltare per intero tutti i brani
proposti.
L’esecuzione di questi rispecchia,
per scelta, i tempi indicati
nella partitura, senza quegli ‘anticipi’
e ‘ritardi’ tipici della bossa
nova. Mari, infatti, non ha voluto
‘imporre’ la sua interpretazione,
suggerendo al lettore di ascoltare
le tante versioni disponibili di
questi classici brasiliani, al fine
di giungere ad una propria personale
interpretazione.
Questo lavoro nasce dalla
grande esperienza del chitarrista
milanese, maturata in venticinque
anni di insegnamento della chitarra,
e dalla sua enorme passione
per la musica brasiliana, che
lo ha condotto nel gennaio e febbraio
2010 a svolgere una lunga
tournée in Brasile, esibendosi in
numerosi teatri all’aperto e festival
con la cantante Silvia Parisotto
e il gruppo Cuore del Mondo.
Attualmente Mari è titolare della
cattedra di chitarra moderna
della scuola CMM di Grosseto e
dell’Accademia ‘Omero Martini’
23
chitarra acustica 3 duemilaundici
rc
di Massa Marittima. Tiene inoltre
seminari e workshop sulla chitarra
brasiliana (samba e bossa
nova) collaborando, tra le altre,
con le scuole Nuova Audio Musicmedia
di Milano, Musicaperta
di Milano, MusicAcademy 2000
di Bologna, Accademia Musica
Moderna di Milano. Nel 2008 ha
pubblicato, sempre per l’editore
Carisch di Milano, il libro-dvd Violão
– La chitarra brasiliana.
Alfonso Giardino
Giampaolo Radicati
with Peo Alfonsi
Lanime
Fingerpicking.net
Giampaolo Radicati, eclettico
chitarrista ormai svizzero
d’adozione (dal 1996 vive a Zurigo),
ha al suo attivo una lunga
carriera ricca di esperienze e
importanti collaborazioni. Mentre
frequenta il conservatorio di
S. Cecilia a Roma, inizia le sue
prime partecipazioni a varie band
rock, pop, funk e anche jazz, per
poi approdare al lavoro di turnista
collaborando con musicisti del
calibro di Cesare Chiodo (bassista
di Laura Pausini), Karl Potter
(percussionista in forza anche
alla PFM) e il gruppo celtico Rasna.
Continua la sua esperienza
da turnista anche dopo il suo
trasferimento a Zurigo, mantenendo
intatta la sua passione per
la musica dal vivo con diverse
band locali, e giunge oggi a collaborare,
tra i tanti, con il cantautore
Pippo Pollina. Come spesso
accade nella carriera di un musicista,
le molteplici collaborazioni
fanno poi nascere il desiderio di

c recensioni
confrontarsi con se stessi, con il
proprio mondo e, per meglio intraprendere
questa ricerca, Radicati
si è affidato al suono intimo
di una chitarra con le corde di nylon,
con la quale sperimentare e
creare nuove atmosfere.
Con Lanime, prodotto per
Fingerpicking.net, Radicati ha
senz’altro realizzato un prodotto
importante, omogeneo per sonorità
e ambientazione, nel quale
– pur affrontando generi diversi –
non lascia mai la barra del timone,
dritta verso un orizzonte di melodie,
di armonie calde, di ballate
velatamente malinconiche (struggente
“Nostalgie”) ma ricche di
speranza e di passione (“Oltre i
confini”, “I piedi sull’ardesia”, la
title track “Lanime” e “Most beautiful”
ne sono l’esemplificazione).
Radicati non è solo nel suo viaggio,
lo accompagna la chitarra
di Peo Alfonsi, musicista che ha
seguito un percorso analogo a
quello di Radicati: studi classici
che fanno da contrappunto alla
passione per il jazz e la world
music, riconoscimenti internazionali
e prestigiose collaborazioni
con musicisti tra i quali (troppo
lungo l’elenco, faremmo torto a
qualcuno…) basti qui citare Al
Di Meola, del cui quartetto, New
World Sinfonia, fa stabilmente
parte come seconda chitarra.
La somiglianza delle carriere
e la comune passione per una
chitarra vissuta come sincera
espressione del proprio intimo,
sono forse state le chiavi che
hanno fatto incontrare questi due
artisti e che hanno reso possibile
la realizzazione di questo lavoro
uniforme, di ampio respiro, privo
di inutili protagonismi, ricco di
scambi e di intensa partecipazione.
Una raccolta di tredici brani
originali, tutti composti da Radicati
e arrangiati con Alfonsi, con
il primo che tesse sapientemente
le armonie e porge le melodie al
secondo, che le sviluppa, le arricchisce,
le fa crescere per poi ri-
condurle nelle mani del loro compositore.
Alfonso Giardino
Giovanni Bailo
Partial Capos
Carisch
Diciamoci la verità, di manuali
per chitarra ne è pieno il mondo,
reale e virtuale.
Oggi come oggi un’aspirante
chitarrista, più che di un manuale
generico per chitarra, va in cerca
del manuale scritto dal proprio
beniamino, dal chitarrista di cui
desidera ricalcare le orme, lo stile
e i tasti.
È, quindi, una piacevole sorpresa
trovarsi di fronte un manuale
per chitarra che si fa apprezzare
per i contenuti originali e
stimolanti.
“Un nuovo modo di suonare
e comporre per chitarra. 10 studi,
10 brani completi”: questo
l’obiettivo che Giovanni Bailo
si è prefissato di raggiungere
con il suo Partial Capos, lavoro
che vede la sua pubblicazione
all’interno della collana Carish
Music Lab.
Dopo una breve presentazione
degli accessori utilizzati (capotasto
che copre 5 corde, capotasto
che copre 3 corde, Transpo
Capo [http://transpocapo.com],
Spider Capo [http://www.spidercapo.com],
Woodies G-Band
24
chitarra acustica 3 duemilaundici
[http://www.woodiesgband.com/
html/home.htm]), l’autore invita
subito il lettore alla sperimentazione.
Supportato dall’ascolto del
CD in dotazione, ben suonato
e ben registrato, e senza troppi
giri di parole, si parte immediatamente
con il primo studio in pentagramma
e intavolatura, nella
quale le note suonate sulle corde
a vuoto premute dal capotasto
sono raffigurate all’interno di un
piccolo cerchietto, per meglio
comprenderne la funzione. E per
illustrare il posizionamento del
capotasto, trovate una foto che
mostra come attrezzare il manico
della nostra chitarra.
Gli studi sono stati sviluppati in
modo da suggerire all’esecutore
idee, suggestioni, immagini musicali
da cui partire per costruire
proprie digressioni. Anche i brani,
tutti originali, oltre ad avere una
propria completezza compositiva
ed esecutiva, son lì principalmente
ad evidenziare le sonorità
e le soluzioni tecniche che con i
vari capo è possibile sviluppare,
alternando, inoltre, all’acustica
una resofonica National e un
banjo a sei corde.
È la curiosità del chitarrista che
Bailo desidera principalmente
stuzzicare: a partire dalla ricerca
dei vari capotasti proposti, fino
alla scoperta di un nuova prospettiva
nella quale inquadrare
l’utilizzo della propria chitarra.
Giovanni, consulente enologico,
suona la chitarra dall’età
di dodici anni e si è diplomato
presso il Centro Studi Fingerstyle
di Arezzo di Davide Mastrangelo,
il quale introduce alla lettura di
questo manuale con una sua presentazione.
Giovanni Bailo ha già pubblicato,
sempre per Carish, una
raccolta di suoi arrangiamenti di
composizioni di Ludovico Einaudi,
Einaudi for Guitar, e ha
prodotto tre CD con brani per lo
più di propria composizione.
Alfonso Giardino

ar artisti
Luca Pedroni
Classe ’79, con una formazione molto varia e articolata
alle spalle, Luca Pedroni è uno dei chitarristi
acustici di nuova generazione più interessanti. Nel
2010 ha partecipato a L’Ultima Parola su Rai – di
cui ha realizzato la sigla - e da allora alcuni suoi
brani vengono utilizzati all’interno servizi televisivi e
pubblicità in onda sulla stessa rete. Attualmente è
in studio alle prese con la realizzazione di un nuovo
disco, un po’ fuori dagli schemi, e ne abbiamo approfittato
per una breve chiacchierata con qualche
anticipazione.
Vogliamo cominciare con una versione ‘breve’
della tua storia artistica, anche per presentarti
ai nostri lettori?
Ho cominciato con la chitarra elettrica, confesso!
Ho lavorato parecchio in giro, sia con alcune band
che in studio. Verso la fine del 2005 poi ho cominciato
ad appassionarmi alla chitarra acustica. Anzi
sono ‘tornato’ a innamorarmi dell’acustica, che in
fondo è stato il punto da cui sono partito all’inizio,
ma che non avevo mai approfondito. Da chitarrista
elettrico un po’ ‘smanettone’ ho ritrovato una dimensione
più intima, più raccolta. Allo stesso tempo, ho
trasferito sulla stelle strings diverse tecniche che
avevo appreso in tanti anni di studio.
Ma hai frequentato anche il conservatorio, vero?
26
chitarra acustica 3 duemilaundici
fotografi di Diego Boldini e Karen Berestovoy
Sì, parallelamente all’elettrica ho studiato anche
chitarra classica. Anche se mi sono reso immediatamente
conto che il mondo accademico non avrebbe
mai fatto al caso mio. Però, per affrontare la professione,
era necessario avere anche una formazione
di quel tipo. Anzi, devo ammettere che sono
stati gli studi che mi hanno dato di più in assoluto.
C’è un rigore, una ricerca della perfezione tecnica
che ti da gli strumenti per andare avanti. Ti insegna
a studiare. Se la chitarra elettrica era la parte
divertente della musica e quella classica il rigore
accademico dello strumento, nella chitarra acustica
ho trovato il naturale congiungimento di questi due
mondi, quella che in fondo è la mia dimensione naturale.
Se aggiungi che sono sempre stato un grosso
appassionato della musica di Michael Hedges
e di tutta la west coast, CSN in testa, non poteva
andare diversamente. La cosa più dura è stata trovare
il coraggio di salire su un palco da solo… non
è esattamente come dirlo. Superata la prima volta,
ho scoperto che mi piaceva anche.
Stai lavorando su disco nuovo in questo periodo?
Paradossalmente, dopo tanto girare e suonare da
solo, ora sto tornando un po’ indietro. E il nuovo di

sco sarà un progetto abbastanza ambizioso, con il
tentativo di conciliare la chitarra acustica con il mondo
della musica elettronica. Che è l’altra mia grande
passione. Con Luca Martegani - che ha lavorato con
Andy dei Bluvertigo, Mephisto, Don Carlos, Xeliusproject,
è stato menzione d’onore al concorso internazionale
di musica elettronica L. Russolo - con
cui ho già collaborato in passato, soprattutto per le
produzioni in Rai, stiamo realizzando questo nuovo
progetto, che è quasi pronto. Per vari problemi
editoriali abbiamo rimandato tutto all’autunno, ma
in realtà saremmo già stati a posto per l’estate. Ci
saranno anche canzoni vere e proprie, interpretate
da voci femminili.
Come state lavorando in studio?
Essenzialmente si parte dal brano, con la mia
scrittura, che realizzo come ho sempre fatto, con il
metodo seriale. Si tratta di pezzi essenzialmente minimalisti,
con un loop iniziale che viene man mano
sviluppato ed esteso. Luca prende questi brani, e
senza intervenire con elettronica ‘attiva’, cioè senza
modificare realmente le sonorità della chitarra, rielabora
tutti i suoni, li filtra e li rimonta arrangiando il
brano in chiave completamente diversa. Vengono
fuori delle idee incredibili: una sorta di orchestrazio-
27
chitarra acustica 3 duemilaundici
Luca Pedroni
ar
ne dello strumento, realizzato attraverso lo stesso.
Spesso io stesso rimango sorpreso dal risultato finale,
sembra incredibile che tutto provenga solo da
una chitarra.
E’ un tentativo anche abbastanza coraggioso e
controtendenza per l’ambito della chitarra acustica,
in cui si tende sempre a esaltare il ‘tutto in
presa diretta’.
Sono sempre stato, per natura, abbastanza controtendenza.
E’ anche un intenzionale tentativo di
uscire da una nicchia che, in Italia, negli ultimi anni
è diventata un po’ troppo autoreferenziale. Ci si conosce
tutti, si fanno un po’ sempre le stesse cose.
Vorrei rivolgermi a qualcuno anche ‘oltre’ la solita
cerchia. Non sarà semplice, ma voglio provarci.
Come lavori in fase di composizione e arrangiamento?
Mi interessa molto approfondire l’uso
del seriating che fai…
Non è una scelta razionale che abbia basi didattiche,
deriva piuttosto dall’ascolto di tanti musicisti
innovativi del ‘900 come Leo Brouwer,Steve Reich,
Chick Corea, John Martyn e John Cage. Si parte essenzialmente
da una cellula musicale di base, cui

ar
Luca Pedroni
vengono via via aggiunti elementi ritmici o melodici,
cambiando tonalità o facendo piccole variazioni per
raggiungere un effetto orchestrale dell’esecuzione.
Essendo un fan scatenato del prog anni ’70, mi
piace arrangiare, con questo metodo, brani di Pink
Floyd, PFM ma anche Police e altri, che ben si prestano
a essere utilizzati in questo contesto. L’esempio
migliore in questo senso è sicuramente la cover
di “Run Like Hell”, che è possibile vedere sul mio
canale youtube. Parto dalle peculiarità ritmiche del
brano per arrivare a valorizzarne l’aspetto melodico.
Mi piace molto, inoltre, lavorare con gli effetti
tipici della chitarra elettrica, cosa che non facciamo
in molti.
Il disco nuovo sarà distribuito su canali tradizionali
o userai anche gli store su Internet? In
generale che rapporto hai con i nuovi media?
Il CD dovrebbe essere prodotto da Rai Trade.
Sicuramente il grosso della distribuzione avverrà
attraverso canali digitali, come già è accaduto per
i miei dischi precedenti. Di fatto, il supporto fisico
ha una diffusione strettamente legata ai concerti dal
vivo, ai vari festival a cui partecipo e dove c’è una
reale richiesta del disco vero e proprio.
In generale non è facile riuscire a destreggiarsi
in questo nuovo mercato, in cui tutto è in continuo
cambiamento. Le potenzialità sono enormi, e ti
aprono prospettive impensabili solo pochi anni fa.
Malgrado io abbia ancora un approccio piuttosto
tradizionale alla gestione delle mie attività, mi rendo
conto che è importante esserci e avere eventualmente
la possibilità di sfruttare occasioni se si
dovessero presentare. Anche se al momento non
Luca Pedroni in compagnia di Luca Martegani
28
chitarra acustica 3 1 duemilaundici
è ancora successo. La comunicazione e la visibilità
sono enormemente facilitati, anche se l’effettivo ritorno
dal punto di vista commerciale al momento mi
lascia ancora qualche perplessità.
Che strumentazione stai usando in questo periodo?
Sia in studio che dal vivo.
La chitarra principale che utilizzo è una Collings
OM, una delle prime che ho comprato diversi anni
fa, ‘svenandomi’ non poco. L’ho presa da un collezionista
privato a Milano, e ha già diversi anni alle
spalle. Suona molto bene. Le chitarre, in generale,
vado a registrarle nello studio di Nobile che un’attrezzatura
fantastica ed essendo lui stesso un ottimo
chitarrista ha le idee molto chiare in proposito.
La Collings è amplificata con un sistema Schertler,
che è stato anche il punto di partenza del mio rapporto
di endorsement con loro. Uso i loro amplificatori,
David o Unico a seconda delle dimensioni della
sala in cui mi esibisco e sto aspettando le loro nuove
chitarre con il LYDiA montato di serie. Ci sono
poi due sistemi della TC Elettronics, il G Natural e
il G Major, oltre a una loop machine e qualche altra
scatoletta che non mancano mai nei miei set dal
vivo.
Permettimi di chiudere con una piccola provocazione:
sei endorser di una casa che produce
chitarre e ti occupi di prove di strumenti per la
rivista Strumenti Musicali. Non ti crea nessun
problema?
Il problema enorme è che tutte le chitarre belle
che provo vorrei comprarmele [ridendo].
Mario Giovannini

ar artisti
Acoustic Night 11
Per noi cittadini milanesi, abituati a vedere solo
tangenziali e traffico, ogni scusa è buona per raggiungere
la più vicina località marittima. L’invito di
Beppe ad assistere all’Acoustic Night 11 era quindi
una ghiotta occasione per fuggire dall’ufficio e da
Milano in un caldo venerdì pomeriggio e respirare
un po’ d’aria di mare.
E così alle tre del pomeriggio ero già in viaggio
per Genova con l’intento di fare quattro passi, respirare
aria buona, mangiare un po’ di focaccia e
recarmi con il dovuto anticipo al Teatro della Corte,
per portare a Beppe e Federica la copertina e
la bozza di stampa del nuovo Trattato di chitarra
Flatpicking che sarebbe uscito nei giorni immediatamente
successivi.
La produzione di questo libro mi ha permesso di
restare in contatto per lungo tempo con Beppe e di
seguirlo nei suoi viaggi negli Stati Uniti. Nel corso
della lavorazione infatti Beppe mi ha spesso chiamato
via Skype dai più remoti angoli degli States.
E il ricordo è andato al mio ultimo viaggio in terra
americana, durante il quale la Radio è stata assoluta
protagonista, accompagnando i lunghi spostamenti
tra la California, l’Arizona, lo Utah e il Nevada.
Proprio come gli ospiti che hanno animato questa
edizione della Acoustic Night, che provengono e diffondono
le loro trasmissioni radiofoniche da diversi
angoli dell’America.
30
chitarra acustica 3 duemilaundici
“Le radio d’America” è stato il tema di questa edizione
della straordinaria manifestazione che per la
prima volta ho avuto il piacere di vedere. Un meraviglioso
viaggio nell’anima della radiofonia americana
che, escluse le grandi e più popolose città
nelle quali la musica pop in tutte le sue modernissime
forme invade l’etere, è prepotentemente dominata
dalla musica più ‘popolare’, e cioè il country
e il bluegrass. Difficile pensare che il cuore dell’America
parli un linguaggio musicale così diverso dal
nostro immaginario.
Sul palco del Teatro della Corte i quattro protagonisti
del concerto sono stati, oltre a Beppe Gambetta,
Nick Forster (voce, chitarra, chitarra slide, chitarra
elettrica, contrabbasso), presentatore e fondatore
del programma E-town trasmesso dal Colorado;
Peter Ostroushko (voce, mandolino, violino) dal
programma Prairy Home Companion che trasmette
da Minneapolis in Minnesota, e Bryan Sutton (voce,
chitarra, basso), bravissimo ‘flatpicker’ e ospite
frequente del radio show della Grand Ole Opry a
Nashville in Tennessee.
Per quello che possiamo immaginare riguardo
questi leggendari programmi radiofonici, l’atmosfera
è stata ricreata in modo perfetto. Grazie anche
alla mescolanza di generi e di stili che contraddistinguono
questi show. La scaletta ha così spaziato
dallo “Slade Stomp” di Beppe Gambetta dedicato
all’amico Charles Sautelle, a un classico dei Mon-

oe Brothers magistralmente interpretato da Brian
Sutton e Nick Forster, al gospel “Turn your radio
on” cantato dai quattro con l’accompagnamento di
Sutton. E poi un bellissimo brano tradizionale ucraino
accompagnato da un racconto sulla famiglia e le
origini di Peter Ostroushko.
Tradizione, storia, esperienze di vita ma anche il
divertimento con l’esilarante “Bad Jokes” nel quale
a turno i musicisti raccontavano le loro ‘freddure’.
Il gruppo si arricchisce poi di Helen Forster per la
voce nel classico “Listen to the radio”.
Il tutto arricchito dalla bellissima scenografia e
dalla magistrale regia audio.
Memorabile la battuta di Beppe al termine del collegamento
radiofonico di RAI Radio3: «Ora che non
siamo più in diretta posso dire: belin!». Peccato che
il collegamento fosse ancora attivo…
31
chitarra acustica 3 duemilaundici
Acoustic Night 11
ar
Difficile per chi non frequenti i festival acustici immaginare
che un evento simile possa richiamare un
così variegato pubblico, fatto di giovani musicisti ma
anche di semplici appassionati o intere famiglie e
fare il tutto esaurito per tre giorni consecutivi in un
teatro di queste dimensioni. Per me si è trattato di
una ulteriore conferma sul successo della musica
acustica in Italia, che è dimostrato dalla qualità e
dalla passione che troverete nelle pagine della rivista
che state sfogliando.
Di certo le radio italiane avrebbero molto da imparare
da quelle americane in fatto di passione, qualità,
varietà, originalità e incontro delle proprie scelte
con la considerazione popolare.
Germano Dantone

ar artisti
AGM Sarzana 2011
Un miracolo italiano
E così, come promesso, da mercoledì 18 a domenica
22 maggio, Alessio Ambrosi e l’associazione
culturale Armadillo Club hanno trasformato
il delizioso centro storico di Sarzana e l’imponente
Fortezza Firmafede in una vera e proria ‘Città delle
chitarre’. In un momento storico come quello che
stiamo attraversando, caratterizzato da una crisi
economica che attanaglia le famiglie e da tagli indiscriminati
che mortificano il rilancio della produzione,
sembra impossibile che il mondo della chitarra
acustica, considerato tuttora una nicchia all’interno
di un settore musicale non più florido come una
volta, abbia saputo dotarsi di una manifestazione
come l’Acoustic Guitar Meeting: una rassegna così
ricca e articolata di idee e proposte, con ospiti di primo
livello, capace di richiamare più di cento espositori,
una forte partecipazione internazionale e un
pubblico fedele che affolla anche i concerti serali a
pagamento. Nel suo ambito un sicuro punto di riferimento
non solo nel nostro paese, ma anche a livello
europeo. Sembra impossibile, ma è successo: un
piccolo miracolo italiano, al quale speriamo che ne
possano seguire presto degli altri.
Il corso di formazione. Il titolo che si è dato
32
chitarra acustica 3 duemilaundici
Diane Ponzio sul palco centrale
quest’anno al tradizionale corso di formazione, con
cui il Meeting apre i battenti il mercoledì, ha dato
subito il segno di una nuova direzione che si è voluto
imprimere a questa quattordicesima edizione:
“La liuteria e la didattica per chitarra e oltre”. Oltre
la chitarra, infatti, perché lo strumento titolare della
manifestazione è stato affiancato in questo corso, e
in uno dei concerti serali in particolare, da due altri
strumenti a corda tipici delle string-band acustiche
della tradizione statunitense: il mandolino e il banjo.
E l’operazione è stata condotta ai massimi livelli. Gli
insegnanti di liuteria sono stati: John Monteleone,
uno dei più prestigiosi costruttori di chitarre archtop,
oltre che di chitarre flat-top e mandolini; l’australiano
Steve Gilchrist, il più rinomato costruttore di
mandolini di stile nordamericano; Greg Deering, il
più grande costruttore di banjo al mondo; ai quali
si è aggiunto Carlos Michelutti per un seminario
sulla messa a punto degli strumenti. Grande qualità
anche per la didattica strumentale: il fingerstyle
tradizionale e contemporaneo di Davide Mastrangelo,
coordinatore dei corsi di Sarzana dal 2005;
il flatpicking ‘globale’ di Beppe Gambetta; il mandolino
‘universale’ di Mike Marshall, coadiuvato da
Massimo Gatti; e il banjo trascendentale di Jens
Kruger.

New Sounds of Acoustic Music. L’idea di affiancare
altri strumenti alla chitarra risponde al desiderio
di non guardare a quest’ultima unicamente
in un’ottica solistica, ma di incoraggiare una sua
dimensione anche di gruppo; e, più in generale, di
avvicinare un pubblico più vasto non di soli specialisti.
In uno spirito simile l’anno scorso si è introdotta
nel New Sounds of Acoustic Music-Premio Carisch,
tradizionalmente riservato ai chitarristi solisti, una
sezione dedicata ai cantautori-chitarristi “in memoria
di Stefano Rosso”. Questa maggiore ampiezza
di vedute è favorita anche da un originale sistema
di selezione multipla, per cui i partecipanti alla finale
di Sarzana sono scelti separatamente da realtà
diverse, come l’associazione culturale Armadillo
Club che organizza la manifestazione, i centri didattici
Lizard Accademie Musicali e Centro Studi
Fingerstyle, la rivista GTR & Bass e il nostro portale
Fingerpicking.net. Queste e altre realtà sono poi
rappresentate nella giuria, che nella sua eterogeneità
finisce curiosamente per produrre sempre risultati
sostanzialmente equilibrati. La palma è stata
comunque assegnata, sul filo di lana, al chitarrista
fingerstyle Lorenzo Favero e al cantautore Enrico
Esma, ai quali sono andati rispettivamente una
Godin 5th Avenue e un sistema di amplificazione
B-Band in coppia con un ampli SR Technology; a
tutti gli altri, pubblicazioni didattiche della Carisch e
corde John Pearse.
Notte giovane. L’esibizione e la premiazione dei
giovani emergenti è stata coronata da un concerto
in loro onore. La prima artista a salire sul palco è
stata per l’occasione Giulia Millanta, vincitrice della
scorsa edizione del Premio Carisch nella sezione
cantautori. Giulia ci ha offerto un’immagine molto
positiva, dimostrando di aver saputo valorizzare il
successo ottenuto e di aver coltivato con impegno
e determinazione una sua forte crescita personale.
Sul palco, l’intesa raggiunta con la seconda chitarra
di Paolo Loppi le ha permesso di concentrarsi maggiormente
sulla propria espressione vocale e su un
uso efficamente ritmico della chitarra, con risultati
apprezzabili. Una crescita esponenziale hanno dimostrato
anche le Hussy Hicks. Da quando si sono
fatte conoscere a Sarzana nel 2008, sono migliorate
di anno in anno e diventate le beniamine dei
festival acustici in Italia. La chitarrista Julz Parker è
apparsa fin dall’inizio la personalità più rappresen-
33
chitarra acustica 3 duemilaundici
AGM Sarzana 2011
ar
Una lezione di John Monteleone
Germano Dantone della Carisch premia Lorenzo Favero
Giulia Millanta
Hussy Hicks

Andrea Braido
ar
Guitar Republic
Roberto Dalla Vecchia
AGM Sarzana 2011
Massimo Gatti, Leo Di Giacomo e Icaro Gatti
34
chitarra acustica 3 1 duemilaundici
tativa del gruppo: ottima chitarrista, con un’energia
impressionante, un gusto e uno stile personalissimi,
così come talentuosa autrice e cantante suggestiva.
Ma bisogna riconoscere alla cantante Leesa
Gentz di avere negli ultimi due anni in qualche
modo pareggiato la compagna, attraverso un lavoro
straordinario sulla sua vocalità e sulla sua tenuta
ed energia sul palco. Con loro anche quest’anno la
bassista Tracy Stephens, che rispetto all’anno scorso
è apparsa maggiormente ‘dentro’ al gruppo seppure
con discrezione. Il bravissimo Andrea Braido
propone negli ultimi anni diversi progetti personali
in differenti stili e formazioni. L’AGM è stata una
buona occasione per mantenere vivo il suo Duo
Acustico Mediterraneo, in questa circostanza supportato
dal chitarrista Marco Brusa. La serata si è
conclusa con i Guitar Republic di Pino Forastiere,
Sergio Altamura e Stefano Barone: ho temuto per
un attimo che la loro musica spinta ai confini della
‘chitarra acustica contemporanea’ potesse non
essere adatta per chiudere un concerto, e potesse
soffrire dell’incipiente frescura notturna e della stanchezza
del pubblico per il lungo show. Invece le loro
alchimie sonore tra tapping ed elettronica, ben congegnate
nelle composizioni e negli arrangiamenti in
trio, hanno conquistato Sarzana.
Notte bluegrass. Se il buon giorno si vede dal
mattino… il set di Roberto Dalla Vecchia ha rappresentato
un’ottima apertura per quello che è stato
sicuramente uno dei migliori concerti cui mi sia capitato
di assistere nel corso degli anni a Sarzana,
e non solo. A ben vedere, Roberto segue per molti
aspetti le orme del suo maestro Beppe Gambetta:
la sua musica è un flatpicking che miscela le radici
country-bluegrass con le accordature aperte e le
melodie europee, organizza nella sua città la manifestazione
vicenzAcustica con ospiti internazionali,
porta avanti un’attività didattica in seminari estivi.
Ma ogni cosa la fa con una sua cifra personale:
con un suono strepitoso della sua Manne, ha presentato
alcuni suoi cavalli di battaglia e brani dal
suo nuovo Hand in Hand. Poi sono entrati in gioco i
musicisti che già abbiamo visto volteggiare intorno
a chitarra, mandolino e banjo nel corso di formazione.
Inizia Massimo Gatti con il chitarrista Leo
Di Giacomo e il figlio contrabbassista Icaro Gatti,
suoi compagni nei Bluegrass Stuff, per un’introduttiva
full immersion nella tradizione che fa capo a Bill
Monroe. Quando viene chiamato sul palco lo straor-

dinario Jens Kruger, si forma una band bluegrass
al completo. Quindi è la volta di Beppe Gambetta,
già rodato con la sua Acoustic Night e avvezzo a
stimolare sinergie musicali, che pian piano prende
per mano la serata e dà il via a una girandola di
duetti e terzetti, chiamando in causa anche quell’altro
musicista eccezionale che è Mike Marshall. Nel
suo set da solo, Marshall passa dalla new acoustic
music alla musica brasiliana, dalle danze bulgare
a Bach, per conquistare definitivamente il pubblico
con l’esecuzione di un’intera composizione del napoletano
Raffaele Calace. L’apoteosi è con il finale
affidato ai Kruger Brothers, che vedono al fianco
di Jens il fratello chitarrista e cantante Uwe Kruger
con il bassista Joel Landsberg. I due fratelli
sono cresciuti in Europa, in una famiglia di origini
tedesche e immigrata in Svizzera, prima di trasferirsi
nella Carolina del Nord. Forse a queste peregrinazioni
è dovuta la particolare profondità musicale
del gruppo, che attraversa appieno vecchi e nuovi
orientamenti del bluegrass con reminiscenze classiche
e bachiane. Calorosissima l’accoglienza del
pubblico, con una vera e propria ovazione per “Appalachian
Concerto”, un’articolata suite eseguita in
trio ma concepita anche con il supporto di un quartetto
d’archi, dove una sezione di musica per danza
richiama addirittura il ritmo della tarantella.
Corde & Voci per Dialogo & Diritti. Dagli Stati
Uniti all’America Latina: dopo aver assegnato il
premio alla memoria di Woodie Guthrie e l’anno
scorso a Jackson Browne, il festival ha voluto ricordare
Victor Jara e Violeta Parra, due dei maggiori
esponenti del movimento della nueva canción cilena
ispirata al recupero della canzone popolare tradizionale.
Come cornice per questo importante evento
ha costruito una lunga serata dedicata alla musica
dei popoli, partendo da una collaborazione che si
richiama alla world music: il duo formato da Soumik
Datta, interprete del sarod, gioiello della liuteria
classica indiana con qualche affinità con il banjo,
e Nico Di Battista, maestro della ‘DB Guitar’, chitarra
a corde di nylon con diapason molto lungo e i
due bassi un’ottava sotto, sulla quale adotta spesso
tecniche thumb & slap con accenti funk-jazz. Datta
è formato al repertorio classico indiano, ma ha
anche studiato composizione al Trinity College of
Music di Londra, e riesce ad adattarsi con innato
talento alle incursioni di Di Battista, ritmicamente e
armonicamente più contemporanee. Si ritorna poi
35
chitarra acustica 3 duemilaundici
AGM Sarzana 2011
ar
Jens Kruger, Mike Marshall e Beppe Gambetta
Kruger Brothers
Soumik Datta
alla tradizione nordamericana con il canadese David
Essig, legato agli anni del folk music revival, e
Diane Ponzio, esponente della moderna canzone
d’autore. Tocca poi a Mauro Di Domenico, molto
legato al mondo della musica latina, collaboratore
per anni degli Inti-Illimani, oltre che in passato di

ar
Angel Parra con il guitarrón
Francesco Loccisano
Eugenio Bennato
Banjo Clan
AGM Sarzana 2011
36
chitarra acustica 3 1 duemilaundici
Musicanova e della Nuova Compagnia di Canto
Popolare, di introdurre e accompagnare l’esibizione
di Angel Parra, figlio di Violeta. Angel suonerà anche
alcuni brani con un guitarrón appartenuto alla
madre, una chitarra tradizionale cilena destinata ad
accompagnare el Canto del Poeta, con venticinque
corde divise in diversi ordini. Sarà lui a ritirare il premio
assegnato a Violeta e anche quello assegnato
a Victor Jara, su mandato della Fondazione Victor
Jara.
Dopo la cerimonia entra in scena il Sud d’Italia con
il Francesco Loccisano Quartet, vera rivelazione
della serata. Loccisano è un chitarrista calabrese
formato sia alla chitarra classica che alla chitarra
flamenca, proviene dai Taranta Power di Eugenio
Bennato e suona e compone alla chitarra battente,
in uno stile al tempo stesso fedele alla tradizione
e ricco di elementi innovativi e di tecnica superiore.
Anche il cantante Mico Corapi è un profondo
conoscitore del flamenco, e la sua straordinaria
vocalità riesce a cogliere i nessi sottili tra il
canto contadino calabrese e il cante jondo. Completano
il quartetto Vincenzo Oppedisano al basso
e Vincenzo Gagliani alle percussioni. Sale infine
sul palco lo stesso Eugenio Bennato, che regala
ad un pubblico ormai festante tutti gli inni legati alla
sua idea di Taranta Power. Per la prima volta nel
parterre della Fortezza Firmafede, dapprima timidamente
poi con più decisione, compaiono spettatori
che si trasformano in ballerine e ballerini, impegnati
nel ritmo intenso della tarantella. Un segnale da cogliere
per il futuro?
Eppure non tutto si esaurisce con il corso di formazione,
il Premio Carisch e i concerti serali. Sono
ancora tanti gli eventi collaterali di cui in quesa sede
potremo dare solo un piccolo cenno. A cominciare
dal concerto gratuito della giornata di domenica, che
presenta una scaletta di tutto rispetto: Due chitarre
per L’Aquila, un’esibizione delle scuole musicali de
L’Aquila, con le chitarre costruite nel corso di liuteria
dello scorso anno sotto la guida dei maestri Leo Petrucci
e Franco Di Filippo; Paolo Bonfanti, reduce
dalla presentazione del suo nuovo libro Bottkeneck
Guitar (Fingerpicking.net); Marco Poeta, esperto di
guitarra portuguesa e dimostratore della splendida
Martin 12 corde modello Pete Seeger; il ‘maestro’
Pietro Nobile; Riccardo Zappa, la colonna della
chitarra acustica italiana; Giovanni Palombo, che
ha presentato alcuni brani dal suo nuovo CD soli-

sta La melodia segreta / A Secret Melody (Acoustic
Music Records); il gradito ritorno dei Dago Red, con
il loro blues di atmosfera; Banjo Clan, divertente
ensemble di banjo e non solo, composto di musicisti
perlopiù in pensione, in un repertorio di swing e
standard degli anni ’30.
Per ribadire poi l’idea di affiancare altri strumenti
alla chitarra, incoraggiare la musica d’insieme e avvicinare
il pubblico dei non specialisti, vale la pena
ricordare la perdurante affermazione dell’Ukulele
Village, che ha promosso esibizioni e seminari
con Max De Bernardi & Veronica Sbergia, Ken
Middleton, Lorenzo ‘Ukulollo’, Luca Cocchiere &
Marta Terribile, Jontom. O le esibizioni nel fossato
della Fortezza di orchestre di ragazzi e non solo:
l’Orchestra di chitarre Suzuki diretta da Maria
Grazia Citterio; l’Acoustic Ciac Orchestra diretta
da Giovanni Palombo; l’orchestra di ukulele Sinfonico
Honolulu. E i concerti per le strade del centro
storico, con Max Prandi, Giulia Millanta, Max De
Bernardi & Veronica Sbergia.
Per concludere con il tradizionale contributo di
associazioni chitarristiche. Il Centro Studi Fingerstyle
ha curato seminari con Davide Mastrangelo,
Paolo Mari, Micki Piperno, Simone Valbonetti,
Pino Russo. L’ADGPA ha presentato in collaborazione
con il negozio Prina Strumenti Musicali di
Milano quattro chitarre contraddistinte da caratteristiche
sonore ed estetiche di altissimo pregio: una
Gibson 225 del 1955, una Gretsch Country Club del
1969, una chitarra-arpa mancina costruita da Massimiliano
Monterosso e una Taylor 914 CE Custom
Shop presentata al NAMM nel 2005; questi strumenti
sono stati suonati da Daniele Bazzani, Stefano
Barbati, Andrea Valeri e Fabio Casali, e il
filmato dell’evento sarà visibile a partire da settembre
su www.adgpa.it. Infine Fingerpicking.net ha
animato il Palco della Torre per tutta la durata del
festival: oltre ai fondatori Reno Brandoni, Giovanni
Pelosi e Alex Di Reto, vi hanno suonato (dimenticando
sicuramente qualcuno…) Lorenzo Favero,
Giuseppe Porsia, Luca Francioso, Giulia Millanta &
Paolo Loppi, Gabor Lesko, Giulio Redaelli, Socrate
Verona, Andrea Fascetti, Daniele Bazzani, Massimo
Valli, Marco Montemarano, Giovanni Palombo,
Andrea Valeri, Rolando Biscuola, Simone Ferrari,
Matteo Gobbato, Alberto Ziliotto, Roberto Dalla
Vecchia, Filippo Cosentino, Paolo Mari, Micki Piperno,
i Southside Blues Boys, Girolamo Sansosti,
Stefano Barbati, le Hussy Hicks… Senza dimentica-
37
chitarra acustica 3 duemilaundici
AGM Sarzana 2011
ar
Orchestra Suzuki
Sinfonico Honolulu
Francesco Buzzurro, foto di Alex Di Reto
re il memorabile intervento di Francesco Buzzurro,
che ha riscosso un successo grandissimo. Massimo
Varini ha detto di lui: «Ha la mano destra di Tommy
Emmanuel e la sinistra di Andrea Braido!» Ne torneremo
a parlare presto.
Andrea Carpi
Foto di Tiziano Gagliardi

st strumenti
AGM Sarzana 2011: l’esposizione
Foto di Tiziano Gagliardi
Borghino e Illotta sono tra i ‘giovani’ liutai
italiani più interessanti. In particolare la
Shakti di Borghino, copia della storica Gibson
di John McLaughlin - con 7 corde di risonanza
sulla tavola e una cassa in acero
occhiolinato da sogno - ha lasciato in segno.
Ne riparleremo a breve in maniera approfondita.
38
chitarra acustica 3 duemilaundici
Nuovo record di presenze
per l’esposizione
dell’AGM di Sarzana, con
ben 112 stand. La manifestazione
consolida la
sua posizione ‘guida’ nel
segmento della chitarra
acustica e si vede riconosciuta
la giusta rilevanza
non solo a livello italiano,
ma internazionale. Come
testimoniano le presenze
di Monteleone, Larrivée, Gilchrist e Derring nella
foto a sinistra, sul palco centrale con il ‘patron’ Alessio
Ambrosi. Menzione a parte per Roy McAllister
(foto sopra) e la sua chitarra dedicata al Festival, di
cui abbiamo parlato ampiamente nel n° 2.
Presente sin dalle primissime edizioni,
Bachmann è uno dei pochissimi liutai italiani
a lavorare solo legni di ‘produzione
propria’. Le sue chitarre con il caratteristico
fondo bombato, ottenuto non a piegamento
ma a intaglio, sono sempre interessanti.
Una delle novità di quest’anno, ennesima
converma della vocazione sempre
più internazionale della manifestaziona,
Rozawood è un ‘alfiere’ della tradizione
liuteristica ceca.
Costruzione impeccabile e materiali
pregiatissimi - al punto quasi di non
sembrare veri - per strumenti davvero
interessanti.

Janet e Greg Deering, simpaticissimo
e sempre disponibili, sono stati
davvero tra i protagonisti delle giornate
sarzanesi. Un po’ la vera novità di
quest’anno, con strumenti di livello eccellente
e una proposta estremamente
varia per finiture e fasce di prezzo.
Come se non bastassero le chitarre
a toglierici il sonno...
La Serie Tulip di Liuton si arrisce
quest’anno di un nuovo
shape, il jumbo, pur mantenendo
costanti le caratteristiche che rendono
unici questi strumenti. Bisogna
davvero provarli, una volta,
per rendersene conto.
39
chitarra acustica 3 duemilaundici
AGM Sarzana 2011
st
Tutti pazzi per i fratelli Chatelier,
quest’anno. E in particolare per quella
OM con fasce e fondo in acero che si
vede sullo sfondo della foto.
E in effetti... strumento strepitoso.
Anche in questo caso, a breve, contiamo
di tornarci sopra in maniera molto
approfondita.
Anche Gottschall partecipa all’AGM
da diversi anni e non manca mai di
stupire con il suo originale progetto ‘a
megafono’ della cassa, che applica su
strumenti di diverse tipologie.

st
AGM Sarzana 2011
Finalmente anche Taylor approda all’AGM, con
tutte le novità 2011. Interessantissima la nuova
baritona, sia nella tradizionale versione a 6 corde,
ancora di più l’innovativa 8 corde con le due centrali
raddoppiate.
Non di sola chitarra vive l’uomo... e l’Ukulele
Village, anno dopo anno, richiama
sempre più folla. Coloratissimo, simpatico e
irriverente, con la ‘scusa’ di coinvolgere i più
piccini non manca di fare ‘vittime’ anche tra
genitori chitarristi.
Matteo e Daniele della Frenexport
hanno presentato diverse novità per il
mercato italiano: Bedel Guitars e Great
Davide, ma soprattutto Gary Leavinson,
storico fondatore della Blade negli
anni ‘80, che si lancia nel settore delle
acustiche una serie di prodotti molto interessanti.
40
chitarra acustica 3 duemilaundici
Altra presenza costante del Festival l’importatore
francese di Yairi, con un incontenibile
Giorgio Mazzone nella veste di dimostratore
delle eccellenti chitarre giapponesi.
Non di sola chitarra vive l’uomo (2)... impressionante
l’assortimento di strumenti a corda proposto
da Musikalia. Realizzati in Italia ma progettati per
rirpodurre sonorità di ogni angolo del globo.

Ne abbiamo già parlato, ma merita sottolienarlo
di nuovo: Walden costruisce ottimi
strumenti a un prezzo assoluatemente interessante.
E’ distribuita in Italia da Casale
Bauer.
A fianco delle novità già annunciate negli
scorsi mesi - la serie P, le nuove Performa,
le corde SP - allo stand Martin era possibile
ammirare la nuova Pete Seeger Signature,
una 12 corde long neck molto particolare. A
breve approfondiremo il discorso.
41
chitarra acustica 3 duemilaundici
AGM Sarzana 2011
st
Aramini affianca a Lakewood, suo cavallo
di battaglia ormai da diversi anni, la
distribuzione delle chitarre Larrivée, con
tanto di benedizione impartita da Jean in
persona, in visita al Festival.
Anche della EKO Mia Varini abbiamo già parlato
diffusamente, ma vederle tutte assieme in esposizione
è un gran bel colpo d’occhio.
Allo stand Carisch, oltre al susseguirsi
frenetico delle presentazioni delle novità
editoriali, non passavano inosservate le
nuove Godin 5th Avenue, semiacustiche
caratterizzate da un eccellente rapporto
qualità prezzo.
Anche in questo caso è in progetto una
prova approfondita.

st strumenti
Chitarra classica
SCHERTLER CLASSIC CP
Parafrasando la storica rubrica di una nota rivista
di enigmistica, ‘forse non tutti sanno che’ Schertler,
il marchio elvetico che è sinonimo di rilevatori di
alta qualità per strumenti acustici, da alcuni anni
ha messo in commercio una linea di chitarre a suo
nome. Si tratta di chitarre particolari, realizzate con
grande attenzione al design, alla qualità dei materiali
e, naturalmente, all’amplificazione on board. La
progettazione è stata affidata a Claudio Pagelli. Potrebbe
già essere sufficiente a chiudere l’articolo,
ma andiamo avanti. La realizzazione viene eseguita
in fabbriche selezionate in Corea, per le steel
strings, e in Bulgaria, per la classiche. I materiali
vengono scelti direttamente in Svizzera e gli strumenti
passano alla casa madre per controllo qualità
e set up finale prima di essere messe in commercio.
In sede è presente un liutaio che si occupa espressamente
di questo.
Il modello che fa bella mostra di sé dalla copertina
di questo mese è la Classic CP. Il disegno di questi
strumenti è molto accattivante e originale. Tra l’altro
lo shape del corpo, ridotto ed ergonomico, è praticamente
identico per le acustiche quanto per quelle
con corde in nylon. È un sistema semplice e immediato
per creare una cifra stilistica legata al marchio
e, allo stesso tempo, agevolarne la produzione.
La tavola è in abete svizzero, di ottima qualità.
Chiarissimo, con venature molto compatte, spesso
non esente (ma non è il caso dell’esemplare ricevuto
in prova) da ‘graffi d’orso’. Fasce e fondo sono
in palissandro, scuro e con belle marezzature. Tutto
massello, naturalmente. La giunzione tra piano
armonico e fasce è ornata da un triplo filetto nero
e bianco, mentre la rosetta è a sbalzo, in rilievo,
in ebano. Stesso materiale per la tastiera, priva di
pallini o altri ornamenti, e per il ponte dal design
originalissimo che si armonizza in maniera elegante
con la buca, piccola e leggermente ovalizzata.
Il gioco di curve e di rimandi tra questi elementi si
sposa alla perfezione con spalla mancante e dorso
della cassa leggermente asimmetrico. Davvero bella.
La paletta (che è uguale anche per le acustiche,
già accennato) è ‘importante’ e monta sei meccaniche,
con palettina in ebano, di progettazione originale
della casa svizzera. Hanno una ratio superiore
alla media – 1:18 – e sono precise e molto graduali.
Sull’impiallicciatura in palissandro occhieggia il logo
Schertler intarsiato in perloid. L’amplificazione montata
di serie è, ovviamente, il LYDiA Dual on board,
che è un po’ il cavallo di battaglia della casa svizzera.
Pur non amando particolarmente i controlli sulla
fascia superiore della chitarra, in questo caso bisogna
ammettere che si tratta di un peccato veniale,
42
chitarra acustica 3 duemilaundici
viste le dimensioni, effettivamente molto contenute,
della placca. La realizzazione dello strumento è impeccabile,
senza sbavature o imprecisioni di sorta.
La chitarra è comoda e si imbraccia con piacere.
L’innesto del manico al XIII tasto e le dimensioni
contenute del corpo danno quasi ‘l’illusione’ di avere
per le mani uno strumento a scala corta. Ma su
una chitarra con le corde in nylon… Molto leggera
e bilanciata, pur con un leggero scompenso verso
la paletta, inevitabile viste le dimensioni, è uno di
quegli strumenti che ti senti subito bene addosso
e con cui è facile fare amicizia. Sia per la forma del
corpo che per il set up – decisamente ‘da corsa’ –
con cui è arrivata, non si può esattamente parlare
di chitarra classica. Diciamo che si colloca con au-

torevolezza nel segmento crossover, a
cavallo tra acustica e classica, ideale
per diversi generi musicali. Abbiamo
parlato di autorevolezza non a caso,
viste le qualità di questa CP: la definizione
su tutta la gamma è notevole,
ricca di corpo e di struttura. Il sustain
– e qui tornano in gioco le dimensioni
della paletta – è lungo, definito e arricchito
da una punta di riverbero naturale.
Anche salendo sui registri più alti,
queste caratteristiche vengono mantenute,
assieme alla perfetta intonazione
della tastiera. Per una volta la spalla
mancante non è solo un elemento
ornamentale. Decisamente votata al
fingerstyle jazz, alla bossa e a tutto
quello che proviene dal Sud America in
generale, è anche lo strumento ideale per chi ama
Chet Atkins, Jerry Reed e dintorni che, non a caso,
suonavano su chitarre di questo tipo.
Il LYDiA on board merita poi un piccolo approfondimento.
È un sistema di rilevamento, come tutti
quelli realizzati da Schertler, di ottima qualità, basato
su un microfono a condensatore ultralineare con
diaframma solido. La tecnologia proprietaria a ‘camera
d’aria’ garantisce una resa molto naturale ed
estremamente dinamica. In questa versione viene
commercializzato al pubblico attorno ai 500 Euro,
che equivale quasi a metà del costo della chitarra,
Chitarra classica
SCHERTLER CLASSIC CP
43
chitarra acustica 3 duemilaundici
st
tanto per fare le dovute proporzioni. Il segmento di
mercato in cui si colloca la CP è parecchio agguerrito,
ma la ‘ragazza’ ha le carte in regola per farsi
notare.
Schertler distribuisce direttamente sul territorio
italiano, attraverso centri speciali selezionati. L’elenco
è in continuo aggiornamento.
Mario Giovannini
Scheda tecnica
Tipo: chitarra classica
Costruzione: Bulgaria
Distributore: Schertler
www.schertler.com
Prezzo: € 1.308 + IVA
Top e catene: Abete svizzero
Fasce e fondo: Palissandro
Manico: Mogano
Tastiera: Ebano
Ponte: Ebano
Rosetta: Ebano
Battipenna: no
Binding: B/W/B
Meccaniche: Schertler
Amplificazione: LYDiA Dual on Borard
(con Resocoil)
Scala: 650 mm
Tasti: 18

st strumenti
Amplificatore per chitarra acustica
SCHERTLER DAVID DELUXE
L’attesa per l’uscita della serie Deluxe degli amplificatori
Schertler, tra gli appassionati, era alta.
Annunciata, poi rimandata, alla fine concretizzata
solo in occasione della fiera di Francoforte. Non a
caso, visto che la ditta svizzera è, di fatto, un riferimento
nel settore dell’amplificazione degli strumenti
acustici e i suoi prodotti rappresentano da diversi
anni un termine di paragone per il mercato. Difficile
immaginare che si potesse migliorare quello che già
era ottimo… ma ci sono riusciti.
L’esemplare arrivato per la prova è uno dei primissimi
giunti in Italia ma, al momento di andare ‘in
stampa’, nei vari centri specializzati affiliati Schertler
non dovrebbe essere difficile trovarne disponibili. Al
solito, ci siamo ‘sacrificati’ per testare il nuovo David
Deluxe, senza perderci in un inutile confronto con il
suo predecessore, che rimane comunque e sempre
un ottimo prodotto.
Il nuovo David ha 150 Watt di potenza su due canali
indipendenti, con preamplificatori in classe A. Il
tutto è contenuto in un box di legno multistrato, di
dimensioni piuttosto modeste (31 x 37 x 27 cm) ma
dal peso non indifferente di 12 Kg. I controlli sono
posizionati sul pannello superiore, in tre file distinte
e ordinate. Partendo dall’alto troviamo controlli
di Master Volume, Master Riverbero, Volume per
l’uscita in cuffia e Volume Aux, oltre alle prese per
Line Out, Aux Out, Insert, e DI Out. Sempre sul Ma-
44
chitarra acustica 3 duemilaundici
ster è presente uno switch per il taglio delle basse.
I due canali, uno per lo strumento e uno per il microfono,
hanno entrambi controllo di Gain, Volume,
Riverbero, Bassi, Medio/Bassi, Medio/Acuti, Acuti.
Sul primo è possibile attivare un’alimentazione
phantom di 10 V, ideale per tutti i sistemi prodotti
dalla casa. Sul secondo è presente la classica 48V
necessaria per microfoni di vario genere. Inoltre, sul
canale strumento è presente il famigerato tastino
Warm per l’enfatizzazione delle medie. Si tratta di
un accessorio che da sempre fa discutere gli appassionati
di questi prodotti. C’è chi lo ama e chi
lo detesta, difficile trovare mezze misure. Abbiamo
parlato del canale ‘strumento’ non a caso: gli amplificatori
Schertler sono ottimi per la chitarra acustica,
ma vengono progettati per un utilizzo più ampio
e slegato dal contesto. Non a caso sono sistemi
molto amati anche dai contrabbassisti – Stephan
Schertler suona il contrabbasso – e l’escursione dei
controlli ha un range molto (ma molto) più ampio
dello spettro normalmente coperto dalla sei corde.
La peculiarità principale del Deluxe è la progettazione
ex novo che è stata fatta dalla casa svizzera.
Tutta la circuitazione interna è frutto di anni di studi
e sperimentazioni, interamente realizzata senza l’uso
di integrati. Persino il preamplificatore della presa
per le cuffie è stato realizzato su misura. Il logo
che si illumina sul frontale, al momento dell’accen-

sione, è davvero un tocco di classe.
Una volta collegata la chitarra… inutile negarlo,
la resa è entusiasmante: il suono ha una profondità
incredibile, quasi tridimensionale. Le caratteristiche
dello strumento vengono rese in maniera trasparente
ed efficace. I controlli, come accennato prima,
hanno un’escursione che va ben oltre la gamma
di proiezione della chitarra e permettono stravolgimenti
significativi del segnale in ingresso, in caso di
necessità. Con i sistemi di amplificazione della casa
la resa è ottimale, naturalmente. Avendo a disposizione
la Schertler CP con LYDiA on board (oggetto
di un’altra prova) si apprezza la linearità con cui
questi sistemi si integrano. Ma anche con prodotti
di altre case non si fa fatica a trovare, senza grosso
impegno, il settaggio ottimale. Neanche l’utilizzo di
una chitarra baritona ha creato problemi al David
che, anzi, sembra avere un’ottima predisposizione
per le ‘basse’. Da segnalare solo il non perfetto
silenziamento di entrambi i canali con il volume
a zero: si avverte un leggero bump all’inserimento
del jack nello strumento. Ma potrebbe anche essere
solo un difetto dell’esemplare in nostro possesso.
La qualità si paga, il prezzo del David Deluxe non
è esattamente ‘popolare’, ma assolutamente adeguato
al livello del prodotto di assoluto valore professionale.
Schertler distribuisce direttamente sul territorio
italiano, attraverso centri speciali selezionati. L’elenco
è in continuo aggiornamento.
Amplificatore per chitarra acustica
SCHERTLER DAVID DELUXE
Mario Giovannini
45
chitarra acustica 3 duemilaundici
st
Scheda tecnica
Tipo: amplificatore per chitarra acustica
Made in: Svizzera
Distributore: Schertler
www.schertler.com
Prezzo: Euro 1.608 + IVA
Alimentazione: 220 V commutabile
Controlli: Master Volume, Master Riverbero
Dotazione: Riverbero su entrambi i canali
EQ: Gain, Volume, Riverbero, Bassi, Medio/Bassi,
Medio/Acuti, Acuti
In/Out: Line Out, Aux Out, Insert, e DI Out

st strumenti
Chitarra acustica
FENDER CD 280 SCE NAT
Al contrario del suo epigono Gibson, Fender non
è mai riuscita a lasciare un segno nel mercato della
chitarra acustica. Certo, i discendenti del buon Orville
in questo campo possono vantare un blasone
inarrivabile e qualche lustro in più di esperienza. Ma
la testardaggine e la costanza non sono mai mancati
agli ‘eredi’ di Leo, che in questo senso è stato
sicuramente un’ispirazione. Allo stesso tempo, lo
standard delle produzioni orientali, quella cinese
in particolare, si sono progressivamente alzati negli
ultimi anni raggiungendo livelli degni nota. Non
stupisce quindi che il catalogo delle acustiche Fender
abbia, attualmente, un’offerta molto ampia con
prezzi decisamente abbordabili. Con alcuni esperimenti
di design anche interesanti, come le serie
Sonora o Dick Dale Malibù.
Per toccare con mano il nuovo corso della casa
di Corona, però, abbiamo preferito andare sul classico,
che più classico non si può. La CD 280 è una
dreadnough dal disegno tradizionale, a spalla mancante
e con amplificazione Fishman di serie. Per la
scelta dei legni siamo andati sul sicuro: abete massello
per la tavola in due parti unite a libro, chiarissimo
e molto compatto, con mogano – laminato
– per fasce e fondo. Molto scuro e venato, gioca un
bel contrasto con il piano, evidenziato da un triplo
filetto B/W/B realizzato senza sbavature. Il ponte,
dalla forma lineare, è in palissandro come la tastiera,
che monta 21 tasti ben posati e rifiniti sul manico
in mogano. I segnatasti sono i classici dot a pallino.
E’ presente sulla fascia superiore il secondo pin per
l’attacco della tracolla. Un problema in meno per chi
deve suonare in piedi. La paletta, con la tradizionale
sagoma della casa e l’immortale logo in abalone, è
ricoperta in mogano. Le meccaniche, senza marchio,
sono cromate e svolgono eregiamente il loro
compito. All’interno della buca troviamo l’accesso al
trussrod e un’assoluta pulizia. Le dotazioni di serie
sono piuttosto spartane – niente custodia tanto per
intenderci – ma comunque un po’ sopra la media:
nella scatola ci sono un chiodino di riserva, una selletta
supplementare e un cavo jack.
Nel complesso la sensazione è molto rassicurante,
si tratta uno strumento realizzato secondo
canoni molto tradizionali, costruito con cura e con
materiali di buona qualità a un prezzo interessante.
La chitarra è molto leggera e il bilanciamento dei
pesi è ottimale. Si imbraccia bene, sia da seduti
che in posizione eretta. Il manico ha una sezione a
D corposa, ma non ingombrante. Riempie bene la
mano senza creare problemi. L’intonazione è precisa
e accurata lungo tutta la tastiera. Il suono rispecchia
fedelmente le basi del progetto: dread che
46
chitarra acustica 3 duemilaundici
più dread non si può. Medi in evidenza, bassi corposi
e presenti, cantini un po’ indietro e non troppo
squillanti. Molto sensibile alla dinamica della mano
destra, è sicuramente una chitarra da plettro con
una particolare predilezione per bluegrass e country.
Senza essere ‘boomy’, ha un taglio di frequenze
particolarmente adatto a bucare nel contesto di una
band. L’amplificazione di serie e la spalla mancante,
del resto, fanno proprio intendere una precisa vo-

cazione dello strumento
in questo
senso. Più che con
le dita, la CD 280 si
presta bene anche
a essere suonata in
tecnica mista, con
una buona resa, soprattutto
in accompagnamento
alla
voce.
Il Presys, che ha
sostituito il glorioso
Classic della Fishman,
è un sistema economico ma dà comunque
delle garanzie. Versatile, efficace e con tanto di accordatore
on board con mute della chitarra incorporato.
La placca dei controlli è di dimensioni contenute,
ma il display del tuner è ben visibile e facilmente
utilizzabile. Una volta collegata all’amplificazione,
le caratterische essenziali del suono vengono riprodotte
in maniera fedele e rispettose della timbrica
originale. Fasce e fondo in laminato e l’assenza di
microfoni nel preamplificatore sono molto utili a ridurre
il rischio di feedback che, per chi suona in un
contesto un po’ affollato, è sempre in agguato.
Nel complesso di tratta di una chitarra estremamente
azzeccata, magari non proprio destinata a
entrare tra le icone del secolo, ma funzionale e con
ottimo rapporto qualità prezzo. Con una precisa
vocazione plug & play, soprattutto sul palco, senza
farsi tanti problemi. Solo una decina di anni fa,
avere strumenti di questo livello con un costo così
contenuto era semplicemente impensabile.
Mario Giovannini
Chitarra acustica
FENDER CD 280 SCE NAT
47
chitarra acustica 3 duemilaundici
SCHEDA TECNICA
Tipo: chitarra acustica
Costruzione: Cina
Importatore: Casale Bauer,
Via IV Novembre 6/8, Candriano,
www.casalebauer.it
Prezzo: € 415,50
Top e catene: Abete
Fasce e fondo: Mogano
Manico: Mogano
Tastiera: Palissandro
Ponte: Palissandro
Battipenna: nero
Binding: B/W/B
Meccaniche: Fender
Amplificazione: Fishman Presys
Larghezza al capotasto: 44 mm
Larghezza al ponte: 56 mm
Scala: 650 mm
Tasti: 21
st

st strumenti
Achille De Lorenzi
Diplomato alla Civica Scuola di Liuteria di Milano
nel 2001, Achille De Lorenzi – dopo la quasi ‘doverosa’
gavetta che si pratica in questo settore –
dal 2006 ha intrapreso la professione di liutaio. La
sua produzione, incentrata sulle chitarre acustiche,
è varia e articolata. Pur ispirandosi alla produzione
storica del settore, ama sperimentare e provare
nuove soluzioni. I suoi strumenti si distinguono per
l’ottimo livello di realizzazione e prezzi concorrenziali.
Quello che segue è il resoconto di un pomeriggio
passato in compagnia di Achille nel suo laboratorio,
a Bannia di Fiume Veneto in provincia di
Pordenone.
Achille, parlaci un po’ di te, della tua storia:
come hai iniziato, a chi ti ispiri?
La mia formazione è avvenuta presso la Civica
Scuola di liuteria di Milano, dove mi sono diplomato
nel 2001. Ho condiviso esperienze con diversi liutai,
come assistente e collaboratore in diversi settori:
dalla costruzione della chitarra al restauro e riproduzione
di strumenti antichi, fino alla costruzione di
mandolini e rullanti per la batteria. Dal 2006 svolgo
professionalmente il mestiere del liutaio. La musica
è sempre stata la mia passione. Da piccolo mi
piaceva suonare il basso, poi però ho capito che
quello che volevo veramente era costruire strumenti
musicali.
Ho iniziato a costruire chitarre acustiche, prendendo
come modello di riferimento le prime triplo
zero costruite da Martin e apportando delle mie modifiche
personali per sperimentare nuove soluzioni.
Che tipo di chitarre costruisci?
Realizzo acustiche su forma 000, OM e Medium
Jumbo. Ora sto lavorando su una archtop semiacustica,
ma ho costruito anche chitarre elettriche e
48
chitarra acustica 3 duemilaundici
bassi acustici in precedenza. Mi diverto a costruire
diversi tipi di chitarre, credo sia la parte migliore del
mio lavoro sperimentare su diverse forme. Penso
che sia proprio l’esperienza nella costruzione diversificata
ad arricchire il liutaio, e di conseguenza i
suoi strumenti.
Che legni utilizzi per i tuoi strumenti? Parlaci un
po’ dei tuoi strumenti a livello costruttivo…
Di solito utilizzo le essenze più classiche: palissandro
e mogano per il fondo e fasce, abete italiano
per la tavola armonica, mogano per il manico. Per la
tastiera uso l’ebano. Sono molto aperto nel reperire
e utilizzare le essenze più ricercate e sperimentare
nuove accoppiate tra tavola e fasce e fondo.
Riguardo alla catenatura, seguo lo standard ‘a X’
modificando alcune piccole cose che fanno la differenza
su di una chitarra di liuteria, come l’apertura
della ‘X’ o lo spessore delle catene. Il manico viene
incollato dopo aver realizzato la cassa.
Qual è il modello di chitarra che più ti piace?
A mio parere, trovo che le chitarre triplo zero con
attacco al XII tasto e spalla mancante abbiano un
ottimo suono, in termini di volume, profondità, bilanciamento
tra alti e bassi e comodità nel suonare.
Perché un chitarrista dovrebbe comprare una
chitarra di liuteria e non una chitarra delle marche
più ambite? Che ne pensi della liuteria americana?
Mah, alla fine sono gusti. Secondo me un chitar-

ista a cui interessa ricercare un suono personale e
originale, che possa contraddistinguerlo, dovrebbe
considerare anche le chitarre di liuteria. Poi, se si
vuole ‘la chitarra di una certa marca che ha fatto la
storia’ allora sono scelte ben diverse, che però condivido.
Credo che in America ci sia molta più cultura
sulla liuteria della chitarra acustica, rispetto all’Italia.
L’origine di questo strumento è proprio americana,
dunque i chitarristi sono più ‘abituati’ alle chitarre di
liuteria. Per questo stimo molto quei liutai che fanno
delle chitarre straordinarie.
Cosa ne pensi della situazione della liuteria in
Italia?
È difficile fare il liutaio di professione. In Italia a
mio parere ci sono dei bravi liutai che fanno bene il
loro lavoro, ma purtroppo ce ne sono altrettanti improvvisati,
che si ritengono tali solo per avere tirato
un trussroad…
Per questo credo nel rapporto tra liutaio e musicista
alla base, oltre a un rapporto ‘professionale’
deve esserci un’amicizia o perlomeno una condivisione
di idee in comune!
Hai qualche endorser? Cosa dicono i chitarristi
che hanno provato le tue chitarre?
Al momento non ho endorser, come dicevo prima:
se avessi un endorser mi piacerebbe che la cosa
nascesse molto naturalmente, da uno scambio di
opinioni tra costruttore e musicista per trovare lo
strumento più adatto al gusto di uno e alle capacità
dell’altro. Ho imparato che il suono della chitarra
cambia radicalmente a seconda di chi la suona.
Quindi un chitarrista può dirmi che una determinata
chitarra suona bene in fingerpicking e un altro può
dirmi che la stessa è perfetta per lo strumming. Alcuni
dei miei clienti dicono che i miei strumenti hanno
dei particolari sonori che le accomunano tra loro,
ma le differenziano dalle altre!
Dove possiamo provare le tue chitarre? A che
49
chitarra acustica 3 duemilaundici
Achille De Lorenzi
st
fascia di prezzo le vendi?
Potete venire a trovarmi nel mio laboratorio a
Bannia di Fiume Veneto, oppure potete provarle
nei festival di chitarra acustica più conosciuti. Potete
trovare qualcosa anche in rete. Il prezzo a cui
propongo mediamente una mia chitarra è attorno
ai 2500 euro, con variazioni in base agli intarsi, ai
legni e alle personalizzazioni.
Alberto Ziliotto
Potete contattare Achille al numero 3387007578
o scrivere una mail a achillolo@libero.it; sarà presto
disponibile anche un sito web!

st strumenti
Microfono a condensatore
DPA 4099 GTR
La danese DPA produce microfoni
di altissima qualità per
diversi tipi di utilizzo, il piccolo
DPA 4099GTR (480,00 euro
IVA inclusa) è un microfono a
condensatore supercardioide
dedicato alla chitarra acustica,
al dobro e strumenti simili, e
non fa eccezione in quanto a
prestazioni. Di concezione moderna
e costruito in maniera impeccabile,
si presenta davvero
ridotto in quanto a dimensioni,
e completo in tutte le parti che
lo compongono: il piccolissimo
microfono è racchiuso da una
gommapiuma protettiva che lo
rende all’apparenza più grande
di quanto in effetti non sia,
la capsula misura mezzo centimetro
ed è lunga 4,5 cm; è
attaccato tramite una struttura
in gomma nera ad un flessibile
lungo 14 cm che ci permetterà
il posizionamento di fronte allo
strumento, dal flessibile parte un cavo di 180 cm
che termina con un minuscolo connettore, noi ci abbiamo
già trovato connesso un adattatore XLR di
quelli microfonici che abbiamo utilizzato per il test.
Il flessibile è a sua volta montabile su una struttura,
sempre in gomma nera, che servirà a fissarlo al corpo
della chitarra; questa struttura è leggerissima e
non intaccherà lo strumento, dispone di un efficace
sistema di bloccaggio che si adatta allo strumento
del momento con misure che vanno da 3,5 cm a
12,2 cm, comprendendo quindi un’ampia gamma di
opzioni. È all’apparenza pensato per essere usato
sul palco, le caratteristiche di cui dispone lo rendono
perfetto sia per essere montato su un singolo
strumento che per passarlo fra diverse chitarre se
50
chitarra acustica 3 duemilaundici
si avesse la necessità di farlo, il sistema di bloccaggio
è semplice e tutto si può fare in tempi rapidissimi.
Non abbiamo avuto modo di testarlo dal vivo,
anche se lo abbiamo collegato ad un amplificatore
dedicato alla chitarra acustica per verificarne la immediata
risposta, ve ne renderemo conto a breve.
Il test
Quello che possiamo fare è innanzitutto sottoporvi
delle registrazioni di più strumenti perché ascoltiate
come si comporta ‘al chiuso’: le chitarre utilizzate le
trovate in molti altri test simili su questo sito (potete
quindi confrontare le caratteristiche di microfoni
molto diversi) e sono una Martin D28, una Larrivée
OM-10 e una classica Bruno Tozzi del 1982. Tutto

egistrato tramite una scheda
audio Presonus Firebox su
Pc dotato di Cubase SE, i file
audio non sono stati editati in
alcun modo, non ci sono effetti
né equalizzazione, tutto
può quindi suonare meglio di
così.
I file audio
Martin D-28
Larrivée OM-10
Tozzi nylon
Il posizionamento consiglia-
to dalla casa è davanti alla tastiera,
fra il XII tasto e la buca
della chitarra, ma c’è margine
per sperimentare grazie al
supporto che si può applicare
lungo tutto il corpo, sia sulla
fascia superiore che su quella inferiore. Noi troviamo
le registrazioni molto fedeli agli strumenti per
come li conosciamo, il DPA è piuttosto brillante ma
rende bene le diverse sfumature, necessita di alimentazione
phantom e se si dovesse acquistarlo
per utilizzarlo dal vivo si avrebbe comunque un ottimo
microfono per registrazioni casalinghe, quindi
una sorta di ‘doppio acquisto’. Come scritto poco
sopra, abbiamo collegato il DPA a un amplificatore
dedicato all’acustica e ne abbiamo testato il comportamento:
come accade con tutti i microfoni dotati
di grande sensibilità il volume è piuttosto ridotto
se lo si paragona alla facilità di innesco, notiamo
però una maggiore resistenza al feedback rispetto
ai microfoni da studio. Il posizionamento è cruciale,
muoverlo di qualche centimetro o avvicinarlo troppo
alla buca della chitarra cambia radicalmente la
risposta e il timbro complessivo, come sappiamo
bene. Il risultato migliore lo abbiamo ottenuto allontanandolo
dalla tastiera, dandogli modo di catturare
un po’ più di suono, accostarlo molto alle corde non
ci ha fornito grandi prestazioni, ma provarle tutte è
Microfono a condensatore
DPA 4099 GTR
51
chitarra acustica 3 duemilaundici
st
d’obbligo, e cambiare strumento ci farà modificare
ancora la posizione. Si può addirittura provare
qualche posizione ‘sperimentale’ come il fissaggio
sulla fascia inferiore sulla parte larga puntandolo
verso il ponte, il suono complessivo risulterà più
medioso ma molto caldo, da provare.
Conclusioni
Un prodotto di alto livello, se avete intenzione di
prenderlo vi consigliamo di provarlo bene, per quan-
to suoni splendidamente questo tipo di microfoni,
sul palco, soprattutto se non si è da soli, rischia di
essere più un problema che una soluzione, ci vorrà
un impianto audio di alto livello e un fonico molto
capace per risolvere eventuali problemi di innesco.
Potremmo sperimentarne la resa abbinandolo anche
a un tradizionale pickup da chitarra acustica,
come si fa con il microfono dentro la cassa, questo
offre prestazioni decisamente superiori.
Comunque, pollici alzati per il piccoletto.
Daniele Bazzani
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st strumenti
Samson Studio GT
Monitor da studio USB con scheda audio integrata
Quando i piccoli sogni, per noi che fino ad oggi
siamo stati tagliati fuori dal giro ‘importante’, iniziano
a realizzarsi.
Addirittura? E cosa sarà mai successo per realizzare
un sogno?
Semplice, avere a disposizione un oggetto innovativo
con caratteristiche davvero interessanti, tutte
utili per chi avesse la passione dell’home recording.
I problemi di spazio che affliggono le nostre esistenze
sono ormai all’ordine del giorno: sulla nostra
scrivania (quella vera, non il desktop…) vorremmo
di tutto e di più, dalle casse giuste alla scheda audio
– e tutto lo spazio per i collegamenti fra i vari dispositivi
– ecco allora che alla Samson hanno pensato
di ottimizzare il tutto inserendo, in un solo prodotto,
anche gli altri.
Le casse attive USB Samson Studio GT (275,50
Euro) non sono solo una coppia di monitor attivi a
due vie, hanno anche una scheda audio integrata in
grado di alimentare anche due microfoni a fornendo
l’alimentazione Phantom, dispongono di due uscite
cuffia e possono ricevere anche un segnale audio
esterno (tipo lettore MP3, per capirci).
Chiariamo subito un punto, non ci va di spacciare
una cosa per un’altra e sappiamo che i produttori ci
tengono che siamo onesti: a questo prezzo dobbiamo
valutare bene di cosa parliamo, una coppia di
monitor da studio può costare molto di più, quindi
attenzione perché quello che scriveremo non sarà
solo legato al prodotto, ma alla fascia di mercato in
cui si colloca. Questo non vuol dire che non ci sia
52
qualità, anzi.
chitarra acustica 3 duemilaundici
Caratteristiche
Belle nella loro finitura nera e dotate di un woofer
da 4” e di un tweeter da 1”, le Studio GT mostrano
una apparente robustezza conferita anche dal peso,
la cassa attiva pesa infatti poco più di 4 chili, l’altra
intorno ai 3. Non utilizzano i tradizionali ingressi audio,
ma si connettono al computer via USB, e non
appena connesse si configurano rendendo subito
disponibile anche la scheda audio integrata, senza
bisogno di particolari accorgimenti per l’installazione,
basta selezionarle come dispositivo di ascolto
e registrazione dal pannello di controllo del PC, o
dalle preferenze di sistema per chi usasse un Mac.
A quel punto siamo già pronti per lavorare.
Riassumiamo i punti salienti
La scheda audio ci permette di registrare e monitorare
in tempo reale – senza latenza – anche due
segnali allo stesso tempo, di ogni tipo, da quello
di un microfono dinamico o a condensatore, a uno
strumento registrato in diretta, tastiera, chitarra,
quello che vogliamo. I due ingressi sono di quelli
multi-funzione, possiamo collegarci un normale jack
da strumento o uno microfonico.
L’alimentazione Phantom si attiva automaticamente
al momento della connessione di un microfono
a condensatore, i volumi sul pannello frontale
della cassa attiva – tutti i controlli sono su questa
– ci permettono di regolare il livello in un attimo, ne

Samson Studio GT
Monitor da studio USB con scheda audio integrata
abbiamo diversi: ogni canale ha il proprio con relativo
Led che si accende in caso di segnale eccessivo
in entrata, ogni cuffia anche (possiamo ascoltare in
Mono o Stereo), un utile controllo di Mix ci permette
di miscelare la quantità di Input e Output. I monitor
si disattivano se colleghiamo una cuffia.
Sul retro abbiamo la connessione USB, i connettori
per attivare la seconda cassa che è passiva, la
presa di alimentazione sul primo monitor e un ingresso
supplementare tramite connettori Rca.
Il test
Appena connesse al PC, le Samson mostrano
una bella voce, piena di sfumature per un prodotto
di questa fascia, a volte si spendono quantità di soldi
esagerate per monitor che non suonano poi così
bene (e queste sono molto più di semplici casse),
non baseremo certo il nostro studio professionale
su queste ma sono un gran bel punto di partenza
per far capire a chi si avvicina a piccoli passi al mondo
della registrazione che anche solo per sentire
musica sul PC di casa si può fare molto, molto di
più.
Non abbiamo ovviamente modo di farvele sentire,
dovrete quindi cercarle e magari chiedere di ascoltarle,
o rischiare e acquistarle a scatola chiusa; possiamo
però farvi sentire il risultato di qualche test
di registrazione con due microfoni molto diversi fra
loro, perché la qualità della scheda audio andava
assolutamente provata e quindi condivisa con voi.
La prova è particolare perché abbiamo ripreso
diverse chitarre con due microfoni nello stesso momento,
sfruttando i due canali a disposizione sulle
Studio GT: davanti alla tastiera abbiamo posizionato
un AKG 414, mentre attaccato al corpo della
chitarra tramite asticella flessibile e sistemato in posizione
simile abbiamo invece collegato un piccolo
DPA 4099 GTR (che trovate o troverete a breve
recensito su queste pagine), quelle che ascoltate
sono quindi esattamente le stesse note riprese da
due fonti separate e passate per la scheda audio
integrata delle Studio GT.
Abbiamo utilizzato una Martin D-28, una Larrivée
OM-10 e una classica Bruno Tozzi del 1982, le differenze
sonore fra i due microfoni sono molto evidenti
come nella realtà, segno che la scheda audio
lavora bene e rende in maniera assai diversa i segnali
in ingresso con le loro sfumature.
Martin D-28 (AKG-414)
Martin D-28 (DPA)
Larrivée OM-10 (AKG-414)
Larrivée OM-10 (DPA)
Tozzi nylon (AKG-414)
Tozzi nylon (DPA)
53
chitarra acustica 3 duemilaundici
st
Come al solito non abbiamo applicato alcun tipo
di equalizzazione o effetti alle registrazioni, per far
risaltare il più possibile le reali differenze timbriche
fra le chitarre e i microfoni, quindi tutti i suoni sono
migliorabili in fase di editing.
Conclusioni
Se state pensando di comprare qualcosa di più di
un semplice paio di casse da PC e se avete il problema
della scheda audio e non sapete quale prendere,
forse la soluzione è stata appena descritta. A
questo prezzo, di solito, si trova uno o l’altro tipo di
prodotto, e non siamo neanche in fascia alta, quindi
vale davvero la pena di pensarci.
Molti, troppi, ascoltano musica da casse così scadenti
da non capire cosa significhi davvero ‘ascoltare’,
e se i file sono degli MP3 il problema è ancora
più grave. È come guardare un bel film dal buco di
una serratura.
Speriamo di aver fatto capire che ci troviamo di
fronte a un articolo davvero interessante e innovativo,
crediamo che molti produttori si muoveranno
seguendo questo esempio e proponendo la loro
versione di tutto-in-uno, la tecnologia ormai permette
cose fino a ieri impensabili, quindi prepariamoci
perché ci sarà da divertirsi.
Daniele Bazzani

st strumenti
Software di Amp Modelling
IK Multimedia AmpliTube 3.5 Gratis!
IK Multimedia, a dispetto del marchio e del sito
completamente angolofoni, è una ditta italianissima
con sede a Modena. Negli ultimi anni si è ritagliata
un posto di primo piano, in tutto il mondo, con i suoi
software di amp modelling per chitarra. Arrivando a
contendere il primato sul mercato con lo standard di
riferimento in questo settore: Guitar Rig.
Con il boom di iPhone e delle sue varie declinazioni,
IK ha puntato molto sullo sviluppo delle App e
la portabilità delle sue applicazioni su supporto mobile.
Probabilmente incoraggiata dal riscontro ottenuto,
ora ha lanciato una campagna promozionale
per AmpliTube su PC (o Mac a seconda delle preferenze)
molto interessante. Viene messa a disposizione,
gratuitamente, la versione 3.5 del software,
con una dotazione di base limitata di ampli, stomp e
rack, e la possibilità di acquistare ‘parti’ aggiuntive
singolarmente, con prezzi e modalità molto simili a
quelli delle App su iTunes. Quindi con la possibilità
di espandere il pacchetto di partenza con una
spesa molto contenuta e in maniera assolutamente
mirata. Il programma funziona sia stand alone che
come plug-in VST. Basta andare sul sito, registrarsi,
accedere all’area riservata e avviare il download.
Sì, ma a noi che suoniamo l’acustica cosa ce
ne… Di solito, se andiamo in diretta sull’impianto,
basta un riverbero. Al massimo, a esagerare, un
preamplificatore, un equalizzatore e un compressore.
Per il più coraggiosi vogliamo aggiungere anche
un chorus e un delay? Tutto questo, nella versione
free del programma c’è! Anche altro, per la verità:
equalizzatore parametrico, noise gate, diversi am-
54
chitarra acustica 3 duemilaundici
plificatori e stadi di preamplificazione, accordatore
con pitch regolabile e la possibilità di una configurazione
molto dettagliata del routing. Gratis. Quindi,
anche se non si tratta di un programma ‘tagliato’
su misura per l’acustica (chissà se mai qualcuno ci
penserà) un’occhiata merita dargliela. Ovviamente
in maniera mirata a quello che serve a noi.
Una volta compiuto il rituale dell’iscrizione e dello
scaricamento dell’installer, in pochi click il programma
è pronto a funzionare. Via mail viene inviato il
codice di attivazione con regolare licenza. Partendo
dal presupposto che chi possiede una scheda audio
‘evoluta’ sia anche in grado di settarsela per funzionare
al meglio, per gli utenti ‘base’ da hardware
integrato il consiglio spassionato è quello di installare
subito gli Asio4All regolando il buffer al massimo.
Senza scendere nel dettaglio di cosa siano e
come funzionano – sarebbe necessario un piccolo
trattato – permetteranno di far funzionare al meglio
AmpliTube (e tanti altri programmi musicali) senza
impazzire in settaggi e smanettamenti vari. Sono
facilissimi da reperire in rete con una semplice ricerca,
con licenza freeware. Quindi la chitarra va
collegata al PC all’ingresso Line In – se presente
– oppure a quello del microfono avendo cura di regolare
il guadagno di ingresso (pannello di controllo
– audio – microfono). Tempo necessario, al massimo,
mezz’ora in tutto.
Senza scendere nel dettaglio delle notevoli potenzialità
del programma, anche in versione base,
i risultati migliori con l’acustica si ottengono con la
SIM dell’ampli da basso. Gli altri sono un po’ troppo
hi-gain per i nostri legni. Una volta regolati guada-

gno di ingresso e di uscita, c’è un piccolo mondo di
effetti da esplorare a piacimento, tra pedali e rack.
Oltre alla possibilità di sperimentare due amplificatori
e/o due catene di effetti in parallelo. Ovviamente
c’è la possibilità di creare infiniti setup e richiamarli
a piacimento.
In generale la qualità dell’elaborazione del suono
è buona, anche solo con la schedina integrata di un
portatile non proprio di ultimissima generazione. Il
problema della latenza, viste le richieste piuttosto
modeste di risorse che questo tipo di utilizzo impiega,
è praticamente assente. AmpliTube può quindi
diventare un utilissimo punto di partenza per sperimentazioni
e giochini di vario tipo, che normalmente
sarebbero scoraggiati dalla spesa necessaria per
l’acquisto degli effetti. Ci sono chitarristi che con il
ribattuto lungo di un delay ci possono passare giornate
intere.
È integrato anche un registratore a 4 tracce, con
la possibilità di importare brani dall’esterno e rallentarli
per lo studio. Inoltre, una volta registrata una
traccia, è possibile intervenire sulle regolazioni degli
effetti finché non si è soddisfatti del risultato.
In effetti, però, visto che la qualità della resa non
è affatto male, assolutamente al livello di tanti pedali
di fascia medio/bassa in commercio, potrebbe
venire la voglia di portarselo appresso anche dal
vivo. Magari su un netbook, di quelli piccolini con
la batteria che dura una vita, in modo da non aver
problemi di cavetteria varia.
Visto che è uno sporco lavoro, ma qualcuno deve
pur farlo, abbiamo fatto qualche esperimento. Il programma
gira egregiamente anche su macchine dalle
caratteristiche non eccelse, mantenendo costante
la qualità della resa. Il risultato migliore si ottiene
sdoppiando il segnale, magari con una DI a doppia
uscita, e mandando sull’impianto sia il segnale
dry della chitarra che quello effettato dal PC. Con
qualche attenzione sui volumi, si ottengono buoni
risultati.
Il collegamento a un amplificatore, anche se per
acustica, invece può creare qualche problema: bisogna
avere l’accortezza di disinserire le simulazioni
di cassa e microfonazione e ‘smanettare’ un po’
per trovare la giusta quadratura. L’unica cosa che
può lasciare un po’ perplessi è il wah-wah da utilizzare
con il mouse…
Che è gratis l’abbiamo già detto?
Info:http://www.amplitube.com
Software di Amp Modelling
IK Multimedia AmpliTube 3.5 Gratis!
Mario Giovannini
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chitarra acustica 3 duemilaundici
st
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st strumenti
Notizie di mercato
dalle aziende
Walden Paolo Gianolio Signature
Le chitarre Walden hanno riscosso un ottimo riscontro
di mercato grazie all’elevato rapporto qualità/prezzo. In
collaborazione con l’importatore italiano, Casale Bauer,
nasce ora la Paolo Gianolio Signature. Artista molto apprezzato,
così descrive lo strumento: «un buon carattere
che va d’accordo con melodie e accordi. Una ricercata
calibratura per un’ottima intonazione e maneggevolezza,
oltre a un ottimo suono versatile che crea gusto a chi
suona e interesse a chi ascolta. La Walden Signature Paolo
Gianolio è una chitarra acustica che proporrei a tutti i
miei colleghi». Le caratteristiche: formato Grand Auditorium
con tavola in cedro rosso, fasce e fondo in mogano,
tutti masselli, capo in osso, nut da 44,45 mm, scala di
650 mm, trussrod a doppia azione, manico rinforzato in
grafite.
Al pubblico costa 1095 euro (IVA inclusa) ed è distribuita
da Casale Bauer.
ESP AC-30E QM
Fedele alla propria storia, ESP anche nel campo delle chitarre
acustiche mette sul mercato strumenti dal look molto forte, di
sicuro impatto, e che abbiano una chiara vocazione alla vita sul
palco. La nuova serie esce con il marchio LTD Xtone e presenta
caratteristiche assolutamente plug & play con un sistema di
amplificazione proprietario e tuner incorporato.
Queste le caratteristiche della AC-30E QM: cutaway elettrificata;
costruzione set-neck, scala 25.5”; fondo e fasce in acero
quilted; top in acero quilted; manico in mogano; tastiera in palissandro;
capotasto: 42mm standard nut; neckshape Thin U
Neck Contour; 20 tasti XJ; gold hardware; meccaniche ESP
con palettine in amber pearl; ponte in palissandro; pickup B-
Band Electret Film Transducer; elettronica B-Band T-55 4-Band
Preamp con Tuner; colore HN, STR, DBSB.
Le ESP sono distribuite da Backline.
Greg Bennet 12 corde
La D2 12CE Greg Bennet, chitarra acustica 12 corde a
spalla mancante, è uno strumento assolutamente ispirato
alla grande tradizione della prima parte del XX secolo,
con forme classiche e combinazione di legni di qualità.
Tutta la serie REGENCYTM adottano il tradizionale X
bracing delle catene e una buona qualità costruttiva, per
strumenti con un ottimo rapporto qualità/prezzo.
Le caratteristiche della D2 12CE sono: fasce e fondo
in nato; top in abete selezionato; tastiera in palissandro;
binding crema singolo; meccaniche Grover; EQ attivo a
due bande AT3000; colore natural.
Greg Bennet è distribuita da Sisme.
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chitarra acustica 3 duemilaundici

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chitarra acustica 3 duemilaundici
Gas Addiction
Peerless Acustiche
La casa coreana estende la sua produzione al segmento
delle chitarre acustiche, introducendo nel proprio catalogo
tre dreadnought dalle forme classiche, disponibili anche a
spalla mancate ed elettrificate. Visto il livello di qualità della
realizzazione delle loro semi acustiche, sia per materiale
che per finiture, sono strumenti da tenere d’occhio. Le caratteristiche
nel dettaglio:
– PD 50E: dreadnought elettrificata; top inabete massello;
fasce e fondo in mogano laminato; manico in mogano
con tastiera in palissandro; paletta “Lady Lips”; colore: natural
lucido; preamplificatore Fishman Classic 4T; custodia
in dotazione.
– PD 55CE: dreadnought spalla mancante elettrificata; top in abete massello; fasce e fondo in palissandro
laminato; manico in mogano con tastiera in palissandro; paletta “Lady Lips”; colore natural lucido;
preamplificatore Fishman Prefix Plus-T; custodia in dotazione.
– PD75: dreadnought; top in abete massello; fasce e fondo in palissandro massello: manico in mogano
con tastiera in palissandro; paletta “Lady Lips”; colore: natural lucido; custodia in dotazione.
Peerless, che quest’anno festeggia il quarantennale della fondazione, è distribuita da Sisme.
Furch in Italia
Le chitarre della Repubblica Ceca finalmente
sbarcano nel nostro paese. Ed era ora, perché
si tratta di ottimi strumenti, ben realizzati e con
un ottimo rapporto qualità prezzo. Li distribuisce
Charon Custom Guitar Gear - Distribuzione strumenti
musicali made in U.S.A
http://www.charoncabs.com
Cort rinnova
Nuove colorazioni e nuovi modelli per le acustiche Cort. Tutta la gamma amplia la tavolozza dei colori
disponibili, introducendo inoltre due nuovi modelli. La SFX E ha top in abete massello, fasce e fondo in
mogano, manico in mogano e tastiera in palissandro, elettronica Cort CE304T, ed è disponibile nei colori
natural, black e sunburst 3 toni. La MR-E ha esattamente le stesse caratteristiche e disponibilità di colorazione,
ma con lo shape del corpo dread.
Sono made in Cina e distribuite da Backline.
st

tc tecnica
Tracce di Spagna a New Orleans
È interessante scoprire come
l’impatto delle tradizioni diverse
da quelle britanniche e africane
fosse così marcato a New Orleans
e in tutti gli Stati del Sud degli
Stati Uniti. In Mr. Jelly Lord di Alan
Lomax, Jelly Roll dice: «[…] tutti
i miei parenti provenivano dalle
coste della Francia, cioè dall’altra
parte del mondo, e arrivarono nel
nuovo mondo anni fa».
A New Orleans c’era infatti una
competizione selvaggia tra la
musica ‘più sofisticata’ di radice
franco/spagnola e quella di pura
estrazione africana. Jelly Roll
parlava spesso di alcune sue
composizioni come se avessero
delle «tracce spagnole», intendendo
dire che i ritmi erano diversi,
come nei ritmi di
habanera che abbiamo già discusso
in precedenza.
Quindi, da dove provenivano gli
ingredienti latini o spagnoli? Alla
fine del secolo molta musica latino-cubana
veniva suonata a New
Orleans, per esempio il genere
danza. Se comparate “Solace”
di Joplin con “La Celosa” di Ignazio
Cervantes, noterete che sono
simili sul piano del ritmo e dello
stile. La contradanza “Ojos criollos”
di Louis Moreau Gottschalk
ha anch’essa le stesse essenziali
figure ritmiche. Ignazio Cervantes
era un noto compositore
cubano scomparso nel 1905, e
Gottschalk scrisse “Ojos Criollos”
nel 1895 in Martinica.
È molto probabile che Scott Joplin
abbia ascoltato pianisti famosi
come Gottschalk, pianisti che
si esibivano a Cuba, nei Caraibi
francesi, a New Orleans e in altre
città americane. Bande militari
messicane suonavano lungo
la costa del Mississippi intorno
agli anni 1880, ed erano ben conosciute.
Nel 1885 New Orleans
fu sede della World Industrial and
Cotton Centennial Exposition,
dove gente proveniente da varie
parti dell’America venne a contatto
con realtà interculturali tra
i padiglioni della fiera. La banda
dell’VIII Reggimento della Cavalleria
Messicana ebbe successo
in quell’occasione.
Molti musicisti delle prime jazz
band provenivano dalle bande
militari ed erano veterani della
Guerra Ispano-Americana. Willie
Cornish, trombone di Buddy
Golden, fu uno di questi, aveva
trascorso molti mesi a Cuba;
così come aveva fatto il ‘padre
del blues’ W.C. Handy, che era
stato a Cuba nel 1910 con l’esercito
USA. Nel famoso “St. Louis
Blues” di Handy è inserita una
sezione di habanera.
La musica nata nel Nuovo Mondo
è un complesso di musiche,
non solo uno specifico gruppo
di generi musicali nazionali. Può
essere spiegato dalle comuni
origini culturali delle popolazioni
trasferite dall’Africa Occidentale,
58
chitarra acustica 3 duemilaundici
che hanno popolato l’intero bacino
caraibico, una vasta regione
compresa tra il Brasile e il Tennessee:
«[…] è la storica esperienza
di conquista, schiavismo e
repressione, e non solo il luogo di
origine dell’Africa Occidentale, a
rendere conto della coerenza dei
modi espressivi neo-africani».*
In questo gumbo di influenze
culturali dall’Africa e da diverse
parti dell’Europa si sono sviluppati
il jazz, il blues e il ragtime,
di cui si possono ascoltare fino
a oggi gli echi nelle musiche che
chiamiamo moderne e attuale.
Ho qui incluso le ultime sezioni
di “Solace Solace (a Mexican
Serenade)”, come esempio di un
ritmo di habanera usato nelle linee
di basso di un ragtime arrangiato
per chitarra fingerstyle.
In bocca al lupo !
Lasse Johansson
* Timothy Brennan, Secular
Devotion: Afro-latin Music and
Imperial Jazz, 290 pp., Verso,
2008

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Solace - a Mexican Serenade
Scott Joplin (1909)
Guitar arrangement Lasse Johansson
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Tracce di Spagna a New Orleans
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Solace - a Mexican Serenade - Scott Joplin (1909)
Guitar arrangement Lasse Johansson
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Ecco uno dei miei brani preferiti: il famoso
pezzo suonato da Sonny Rollins
e intitolato “St. Thomas”. Ho inserito
tre variazioni, ciascuna suonata due
volte prima di proseguire verso il finale.
Prendetevi tutto il tempo necessario
per impararlo: il brano si merita un po’
di esercizio. Ricordatevi che la mano
destra è altrettanto importante della sinistra.
Spero che vi piaccia, e se avete
qualsiasi domanda sarà un piacere rispondervi.
Ciao,
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Eric Lugosch

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lezioni di:
Beppe Gambetta
Bruskers
Daniele Bazzani
Davide Mastrangelo
Eric Lugosh
Fabiano Corso
Franco Morone
Giorgio Cordini
Giovanni Palombo
Giovanni Pelosi
Luca Francioso
Massimo Nardi
Massimo Varini
Muriel Anderson
Paolo Bonfanti
Paolo Capizzi
Paolo Mari
Paolo Sereno
Peppino D’agostino
Pietro Nobile
Pino Russo
Reno Brandoni
Riccardo Zappa
Stefan Grossman
Stefano Barbati
Stefano Mirandola
Val Bonetti

tc tecnica
Fingerstyle Rock
Negli ultimi anni la chitarra acustica
fingerstyle è uscita dal suo
ambito prettamente folk o folkblues
e molti chitarristi dediti a
questa tecnica hanno aggiunto
nei loro repertori brani tratti da altri
generi musicali come il jazz, il
pop, il funk e il rock. È chiaro che
la musica rock si basa essenzialmente
su una sezione ritmica di
batteria e basso e sui suoni aggressivi
delle chitarre elettriche,
è quindi importante individuare
quelle caratteristiche che, trasferite
sulla chitarra acustica,
possano dare l’idea di ‘rock’, caratteristiche
a mio avviso riconducibili
innanzitutto ad un giusto
approccio ritmico. Basti ascoltare
alcuni ‘maestri’ acustici come
Michael Hedges o Don Ross o
anche Tommy Emmanuel o Tuck
Andress per rendersi conto di
quanto il groove sia importante
nel loro playing.
Approccio ritmico
1. Backbeat. È la percussione
più semplice e che suona da
‘rullante’, posizionata cioè nel II e
nel IV quarto della battuta. La più
semplice è eseguita con il dorso
delle unghie dalle dita della mano
destra che percuotono le corde
all’altezza della buca. Si può variare
la tecnica percussiva della
mano destra eseguendo la stessa
percussione con il solo pollice
all’altezza delle corde basse in
maniera tale da far risuonare le
corde alte (es. 1).
2. Perc doppia. Un’interessante
variante ritmica al monotono
backbeat è quella di raddoppiare
la seconda percussione della
battuta (quella del IV quarto) aggiungendone
un’altra sull’ottavo
precedente eseguita con la mano
sinistra che sbatte sulle corde
all’altezza del XII tasto (es. 2).
3. Perc melodica. Può capitare
che la percussione debba essere
suonata insieme ad una nota della
melodia. In questo caso la perc
sarà suonata con il pollice all’altezza
delle corde basse (come
nell’es. 1) e la nota della melodia
sarà suonata contemporaneamente
con il dorso dell’unghia
dell’indice e/o del medio (es. 3).
Approccio armonico
La musica rock prevede, nella
maggior parte dei casi, armonie
semplici e immediate, rese prevalentemente
con i power chords.
Accordatura e power chord
Questi accordi (formati dalla
nota fondamentale, la sua quinta
e la sua ottava) possono essere
suonati sulla chitarra acustica in
maniera molto efficace sfruttando
alcune accordature aperte (Dropped
D o DADGAD e altre) facendo
½ barré con la sola terza falange
del dito indice o medio sulla
IV, V e VI corda (es. 4). Questo
metodo di eseguire i power chord
permette di lasciare libere le altre
dita per eseguire altre note.
Gli armonici
Gli armonici, naturali, artificiali
e ‘slapping’ possono essere utilizzati
come arricchimento melodico/armonico
ma anche ritmico
del brano. In questo esempio
vediamo come possono essere
incastrati degli armonici naturali
con un semplice giro di power
chord (es. 5).
Risulta assai efficace suonare
gli armonici naturali e artificiali
con la tecnica dello slapping,
ovvero percuotendo in maniera
molto decisa con l’indice della
mano destra il XII tasto rispetto al
power chord che si sta suonando
(es. 6).
Approccio melodico
A questo punto è interessante
unire alla rimica e all’armonia una
semplice linea melodica che abbia
caratteristiche rock.
Il riff
Effettivamente ciò che inquadra
in maniera esaustiva questo
aspetto sono i riff: il riff è una
frase musicale (ossia una successione
di note con una propria
identità espressiva) che spesso
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chitarra acustica 3 duemilaundici
si ripete frequentemente all’interno
di una composizione e che
viene utilizzato di solito come accompagnamento.
Nella musica rock, il riff è importantissimo
in quanto biglietto
da visita del brano stesso (la rock
song in genere ha successo e
viene riconosciuta grazie all’efficacia
del suo riff). Centinaia sono
i riff che hanno fatto la storia del
rock ma, principalmente, quelli
chitarristici sono per lo più composti
e suonati da chitarre distorte.
Il nostro obbiettivo è quello di
riuscire a far avere al riff la stessa
efficacia anche se suonato sulla
chitarra acustica. Diversi sono gli
accorgimenti che possono aiutarci
in questo scopo e molti di
essi vanno oltre il pentagramma,
perché riguardano la sfera delle
dinamiche, del tocco, dell’intenzione.
Possiamo riassumerli in
questi tre punti: 1) un attacco deciso
sulle corde; 2) doppiare il riff
con una corda a vuoto; 3)usare le
ottave e lo slapping.
1. “Purple Haze”. La trasposizione
acustica di questo famoso
e importante riff hendrixiano
prevede un accompagnamento
ostinato di bassi in semiminime
sul quale si incastra la melodia.
È importante cercare di rendere
quanto più aggressivo questo riff
cercando di suonarlo in maniera
‘ruvida’ (es. 7).
2. “Voodoo Chile”. Ancora
Hendrix che ci dà lo spunto per
questo riff nel quale le prime note
sono doppiate con la prima corda
a vuoto (es. 8).
3. “Smoke on the Water”. Il famoso
riff dei Deep Purple (come
altri in questo stile) può essere
aiutato dallo ‘slapping’ (es. 9).
… Ancora percussioni
Dopo aver preso una certa dimestichezza
con le percussioni
sulle corde (ess. 1-2-3) possiamo
avventurarci nel dare un senso
musicale alle percussioni sui
legni. È chiaro che non ci sono
regole per questo uso ‘inusuale ‘

della chitarra, ma in linea di massima
ci sono delle zone del corpo
della chitarra che suonano simili
a un drum kit. Io ne ho individuate
alcune:
– percuotendo la tavola armonica
sotto il ponte, con la zona
della mano destra tra il polso e il
palmo, otterremo un suono grave
associabile ad una grancassa;
– colpendo con le dita della
mano destra la fascia inferiore,
invece, avremo un suono più
acuto che può avere funzione di
rullante;
– i tom li possiamo immaginare
percuotendo con la mano destra
prima la tavola all’altezza della
spalla superiore e poi la fascia
superiore;
– infine anche la mano sinistra
potrebbe essere coinvolta nel lavoro
percussivo sulla fascia della
spalla inferiore o sulla tavola della
spalla superiore.
C’è da dire che tutto il sistema
percussivo non dovrebbe essere
usato a sproposito (la chitarra
non è un tamburo!), ma cercando
di usare quegli elementi che potrebbero
essere funzionali al brano
che stiamo arrangiando (non
è detto che debbano essere usati
per forza).
“Sunshine of Your Love”
A questo punto propongo un’analisi
del mio arrangiamento del
riff di “Sunshine of Your Love” dei
Cream come sintesi di tutto il discorso.
“Sunshine of Your Love” è uno
dei brani più rappresentativi del
rock-blues a cavallo tra gli anni
’60 e gli anni ’70. Sembra che
Jack Bruce abbia composto il
famoso riff dopo aver assistito a
un concerto di Jimi Hendrix nel
1967. La canzone fu completata
con il chorus composto da Eric
Clapton e le liriche di Pete Brown.
L’accordatura aperta DADGAD
si presta all’arrangiamento perché,
oltre a semplificare l’esecuzione
dei power chord, permette
di utilizzare molte corde a vuoto.
Il riff principale è diviso in due
grandi tronconi: il primo in D e il
secondo in G (es. 10.1).
Come prima operazione ho
pensato di raddoppiare il riff
all’ottava bassa, per assicurare
un attacco più deciso e suonarlo
senza utilizzare la mano destra,
ma solo con la mano sinistra
sfruttando il più possibile hammer-on
e pull-off (es. 10.2).
La mano destra, quindi, può essere
utilizzata per creare un efficace
accompagnamento percussivo
sui legni quasi ad emulare un
rock groove. Proviamo a suonarli
insieme. Per non complicare la
notazione sul pentagramma con
tab, ho pensato di aggiungere un
pentagramma con la notazione tipica
della batteria per trascrivere
le percussioni della mano destra:
la x sul fa (primo spazio) rappresenta
la grancassa; la x sul do
(terzo spazio) rappresenta il rullante
(es. 10.3)
Il passo successivo è quello di
variare la tecnica esecutiva (anche
se il riff funziona già bene)
con dei piccoli accorgimenti che
67
chitarra acustica 3 duemilaundici
Fingerstyle Rock
tc
hanno il fine di spezzare la monotonia:
innanzitutto spezzettiamo i
due tronconi del riff in due parti;
avremo così una prima e una seconda
parte in D, idem in G.
La prima parte in D verrà eseguita
in tapping con la mano destra,
mentre la sinistra si occuperà
della percussione sulla cassa;
nella seconda parte entrano le
percussioni con la destra, per
concludere con degli slapping
sulle ultime due note. In G invece
la prima parte viene eseguita
in strumming e la seconda con le
percussioni, per concludere con il
tapping della mano destra.
Quindi proviamo a suonare il
riff completo (es. 10.4).
È tutto, buon divertimento e…
keep on (acoustic) rockin’!
Stefano Barbati

tc
Traccia 1
Traccia 1
Traccia 1
Traccia 1
Dropped D Tuning n = E o q = D
= B p r = A
= G s = D
Moderate h = 100
perc
: 4 k 1
4 P
l
c
B
!
Traccia 1
Dropped D Tuning n = E o q = D
= B p r = A
= G s = D
Moderate h = 100
perc
: 4 k 1
4 P
l
k
l
c
B
!
Traccia 1
Dropped D Tuning n = E o q = D
= B p r = A
= G s = D
1
: 4 4
c
Fingerstyle Rock
P Q Q
Q
P
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Moderate h = 100
B
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ESEMPIO 1
Esempio 1
percussione Percussione semplice semplice
perc
Q Q
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ES 0
68
chitarra acustica 3 duemilaundici
P
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Esempio 2
Percussione doppia
Esempio 3
percussione melodica
Percussione melodica
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Esempio 3
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perc
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P
perc
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B
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(
H

Traccia 1
k
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Traccia 1
T raccia 1
Traccia 1
Dropped D Tuning n = E o q = D
= B p r = A
= G s = D
1
: E 4 4
k
l
k
l
c
Moderate h = 100
perc
B
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Traccia 1
Open Dsus4 Tuning n = D o q = D
= A p r = A
= G s = D
1
: E 4 4
c
Q
Moderate h = 100
B
B
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Traccia 1
Dropped D Tuning n = E o q = D
= B p r = A
= G s = D
1
: E 4 4
c
B
Moderate h = 100
slap
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POWER CHORD
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Esempio 4
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Q Q
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69
perc
Q
chitarra acustica 3 duemilaundici
Fingerstyle Rock
B B
B B
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Esempio 4
Power chord e melodia
power chord più melodia
B
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B
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Esempio 5
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B
Esempio Slapping 6
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Esempio 5
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tc
T raccia 1
Traccia 1
k
l
k
l
Traccia 1
Traccia 1
Open Dsus4 Tuning n = D o q = D
= A p r = A
= G s = D
1
4
k
l
: 4 4
c
B
B
Traccia 1
Open Dsus4 Tuning n = D o q = D
= A p r = A
= G s = D
1
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c
Moderate h = 100
B
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Fingerstyle Rock
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Purple riffHaze
riff
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B
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70
B A
B
chitarra acustica 3 duemilaundici
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B
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Traccia 1
Traccia 1
Traccia 1
k
l
k
l
k
l
Traccia 1
Dropped D Tuning n = E o q = D
= B p r = A
= G s = D
1
: 4 4
c
Moderate h = 100
U
T.H.
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12
Traccia 1
Open Dsus4 Tuning n = D o q = D
= A p r = A
= G s = D
1
: E 4 4
c
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15
Moderate h = 100
B
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Traccia 1
Open Dsus4 Tuning n = D o q = D
= A p r = A
= G s = D
1
: E 4 4
c
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Moderate h = 100
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chitarra acustica 3 duemilaundici
Fingerstyle Rock
Smoke on the water
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Smoke On
riff
The Water riff
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Esempio 9
Esempio 10.1
Esempio 10.2
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tc
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Traccia 1
Percussi.
Traccia 1
Percussi.
Traccia 1
Percussi.
k
l
Traccia 1
Open Dsus4 Tuning n = D o q = D
= A p r = A
= G s = D
k
l
k
l
1
1
: E 4 4
Traccia 1
Open Dsus4 Tuning n = D o q = D
= A p r = A
= G s = D
1
: E 4 4
c
Moderate h = 100
U
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73
chitarra acustica 3 duemilaundici
Fingerstyle Rock
SUNSHINE OF YOUR LOVE
arr. Stefano Barbati
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riff+perc
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Sunshine of your love
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B
tc
Page 1/1

tc tecnica
Esercizi per la mano destra
Quando suoniamo, come quando
parliamo, è fondamentale farsi
capire. Il discorso musicale che
abbiamo in mente a volte però
può non essere percepito con
la giusta intensità. In alcuni casi
questa carente chiarezza espositiva
può essere determinata da
una imperfetta indipendenza delle
dita della mano destra.
Vi sottopongo alcuni esercizi
che utilizzo con i miei allievi, mirati
a migliorare questa indipendenza.
Gli aspetti che si cercano
di migliorare sono la consapevolezza
del peso che ogni dito deve
dare ad ogni corda e il miglioramento
del controllo dell’intensità
del tocco. Tengo molto a sottolineare
che la letteratura didattica
chitarristica (classica e moderna)
è molto ricca di esercizi di questo
tipo; semplicemente spero di fare
cosa gradita sottoponendovi la
mia versione, che ho trovato utile
in alcune occasioni.
Vi presento quindi alcuni arpeggi
basati su diteggiature fisse
per la mano destra, che a seconda
dei casi dovrà variare la disposizione
degli accenti. La mano sinistra
utilizza una sola posizione
trasportata in avanti sulla tastiera.
Consiglio di iniziare lo studio
di questi arpeggi utilizzando le
semplici corde vuote, oppure
mantenendo una posizione fissa
della mano sinistra. Sopra al
pentagramma sono riportate le
diteggiature, mentre il simbolo >
indica la nota da accentare.
Il primo esercizio, il più semplice
e intuitivo, in tempo ternario
di 6/8, ha l’obiettivo di sviluppare
l’indipendenza del pollice per
quanto riguarda l’aspetto del
peso che dovrà avere sulla corda.
Per come è strutturato l’arpeggio,
nella semplice successione di
pollice, indice e medio, i due accenti
forti presenti in ogni battuta
cadono sempre sulla nota suonata
con il pollice. Quest’ultimo dovrà
quindi distinguersi con chiarezza
rispetto all’accompagnamento
di indice, medio ed eventualmente
anulare, che dovranno
essere assolutamente privi di
accento. È consigliabile ripetere
questo esercizio anche con le
diteggiature alternative riportate,
certamente meno naturali per la
mano ma comunque utili ai nostri
scopi. Questo esercizio può trovare
la sua applicazione pratica
in brani dove la melodia si trova
nella parte del basso.
Un aspetto che ritengo assolutamente
fondamentale è quello
della ‘preparazione’ delle dita che
andranno ad arpeggiare le corde
successive al pollice. Questa
preparazione consiste (riferendosi
alla prima diteggiatura) nell’appoggiare
alla rispettiva corda,
contemporaneamente al pollice,
l’indice e il medio, nell’istante
immediatamente precedente il
movimento del pollice. La preparazione
deve essere ripetuta ogni
volta che ritroviamo la successione
pollice, indice, medio. In
questo modo si ottiene maggiore
stabilità della mano e l’arpeggio
diventa più chiaro, fluido e con il
tempo agile e veloce.
Il secondo esercizio, in quartine,
riporta quasi invariato l’esercizio
1, ma suddiviso nel tempo
binario di 4/4. Questo comporta,
e sta in questo l’utilità dell’esercizio,
che l’accento forte cada
ogni volta su di un differente dito:
quindi prima il pollice, poi l’indice
e successivamente il medio,
per poi tornare al pollice. Il cuore
dell’esercizio sta nello sviluppare
la necessaria indipendenza della
mano sinistra per permettere di
accentare chiaramente soltanto
la prima nota della quartina. L’errore
più classico è quello di accentare
la nota corretta ma contemporaneamente
di dare troppo
peso al pollice anche quando
non compare nell’accento forte.
Anche per l’esercizio 2 consiglio
di applicarsi con pazienza a sviluppare
le diteggiature alternative
suggerite. Fondamentale è
ancora la ‘preparazione’ di indice
e medio (sempre facendo riferimento
alla prima diteggiatura).
Nell’esercizio 3 sono semplicemente
riuniti in successione i
primi due arpeggi. È importante
sviluppare accuratamente anche
questo esercizio per acquisire la
capacità di posizionare agilmente
gli accenti secondo schemi irre-
74
chitarra acustica 3 duemilaundici
golari, per poi riuscire con facilità
ad applicarli nei brani che andremo
ad eseguire.
Ho registrato tre esempi musicali
per meglio farvi capire quello
che intendo, spero che vi possano
essere utili.
Neanche a dirlo, partiamo lenti
e acceleriamo gradualmente. A
mio avviso non è necessario portare
questo tipo di esercizi a velocità
estreme, piuttosto è molto
meglio concentrarsi sulla corretta
esecuzione e sulla chiarezza del
posizionamento degli accenti.
Una breve considerazione
tecnico-musicale, riguardante il
perché io tenga particolarmente
a proporre questi esercizi spesso
considerati un po’ noiosi: a volte
mi capita di ascoltare brani, magari
bellissimi, eseguiti da chitarristi
dotati di grande musicalità e
creatività che, a mio parere, vengono
eseguiti senza evidenziare
a pieno tutte le loro potenzialità
melodiche e ritmiche. Alcuni
esempi per spiegare ciò che intendo:
la melodia non emerge, il
basso risuona esageratamente,
l’accompagnamento diventa la
parte principale, e tutto suona
leggermente confuso e indefinito.
Credo che spesso l’esecutore
abbia in mente perfettamente il
feeling di ciò che sta eseguendo,
ma a volte, a causa di qualche lacuna
tecnica della mano destra, il
suo messaggio non arriva nitido
in tutta la sua bellezza.
Lo studio degli esercizi basati
sugli arpeggi qui proposti consente
di iniziare a sviluppare una
buona indipendenza delle dita
della mano destra, permettendo
così di far ‘uscire’ chiaramente
la melodia o il basso, a seconda
delle necessità. È un punto di
partenza, che dovrà poi essere
adeguatamente sviluppato.
Spero questi esercizi vi possano
essere d’aiuto e, soprattutto,
che vi servano per esprimere al
meglio le vostre idee, potendo
ritrovare immediate applicazioni
nella vostra musica.
Ciao e buon lavoro!
Eugenio Polacchini
Bruskers

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Esercizi per la mano destra
1. Tempo ternario - accento sul pollice
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diteggiature: 1) p i m p i m
2) p m a p m a
3) p i a p i a
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chitarra acustica 3 duemilaundici
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Eugenio Polacchini
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Esercizi per la mano destra
2. Tempo binario - Quartine*
> > > > > >
diteggiature: 1) p i m p i m p i m p i m p i m p i m p i m p i m
2) p m a p m a p m a p m a p m a p m a p m a p m a
3) p i a p i a p i a p i a p i a p i a p i a p i a
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* Prima di affrontare l'esercizio 2 provare lo schema di questo arpeggio utilizzando solamente 3
corde vuote adiacenti, senza introdurre subito i cambi di corda.
Eugenio Polacchini - Bruskers - 2011
2
Esercizi per la mano destra
2. Tempo binario - Quartine*
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diteggiature: 1) p i m p i m p i m p i m p i m p i m p i m p i m
2) p m a p m a p m a p m a p m a p m a p m a p m a
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3) p i a p i a p i a p i a p i a p i a p i a p i a
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chitarra acustica 3 duemilaundici
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* Prima di affrontare l'esercizio 2 provare lo schema di questo arpeggio utilizzando solamente 3
corde vuote adiacenti, senza introdurre subito i cambi di corda.
Eugenio Polacchini - Bruskers - 2011
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diteggiature: 1) p i m p i m
2) p m a p m a
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Esercizi per la mano destra
3. Mix!
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chitarra acustica 3 duemilaundici
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diteggiature: 1) p i m p i m p i m p i m p i m p i m p i m p i m
2) p m a p m a p m a p m a p m a p m a p m a p m a
3) p i a p i a p i a p i a p i a p i a p i a p i a
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Eugenio Polacchini - Bruskers - 2011
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Esercizi per la mano destra
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