TRAKS MAGAZINE #16

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MAGAZINE
Numero 16 - agosto 2018
Zen Circus
la gavetta non
è mai finita
Cosmorama
AZ Blues al Womex
Armonite
Postino

sommario
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Zen Circus
Cosmorama
AZ Blues al Womex
Daniele Castellani
Archimedi
Merovingio Dj
Postino
Armonite
Natacha & Robie C
Vinicio Capossela
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ZEN CIRCUS la gavetta non è mai finita
Abbiamo incontrato Ufo e Appino alla presentazione del MEI, manifestazione
durante la quale la band sarà premiata in quanto “artisti indipendenti
dell’anno”: un premio alla coerenza, alla caparbietà e anche alla
follia di quattro ragazzi toscani sempre in linea con se stessi
foto Ilaria Magliocchetti Lombi
“Artisti indipendenti dell’anno”
secondo il MEI 2018: coronamento
di una carriera?
Ufo: Fortunatamente con il MEI
non siamo delle conoscenze nuove,
abbiamo un rapporto che dura
ormai da molti anni. Abbiamo
iniziato a collaborare già dalle prime
uscite sia loro sia nostre. Più
che di un coronamento parlerei di
un reciproco riconoscimento di
una realtà che è arrivata a un certo
punto. È molto bello per noi vedere
che un certo modo di intendere
il lavoro musicale parallelamente
ha continuato a porsi, a rinnovarsi,
a gestirsi. È un’ottima occasione.
Fra l’altro questo festival cadrà
proprio alla fine della nostra tournée
estiva: in quel senso sì, è un
coronamento che ci sta proprio a
pennello, visto che chiudiamo la

tournée proprio a Faenza, è bellissimo.
Ci aspettiamo quindi di passare
una bella serata.
Avete in programma sorprese o
iniziative particolari per quella
sera?
Appino: in realtà non sappiamo
cosa succederà ma essendoci in
contemporanea la premiazione e
l’ultima data del tour qualcosa di
strano succederà, qualcosa ci inventeremo,
e sarà bello.
Avete dichiarato che siete contenti
del fatto che i gruppi di
oggi non siano obbligati a una
gavetta lunghissima come la vo-
stra. Ma così non si rischia di
bruciarsi subito?
Appino: il successo effimero e veloce
è una cosa che c’è sempre stata,
fin dagli anni Sessanta e ha a
che vedere con altri fattori. Quello
che intendiamo noi è che siamo
molto felici che non ci sia bisogno
di affrontare le rocambolesche
avventure sulle quali potremmo
veramente scrivere un libro e sarà
bello magari farlo. Ma non pensiamo
sia necessario tutto questo
oggi, mentre pensiamo che sia necessario
suonare dal vivo, questo
sì. E farlo in una maniera sana, in
una maniera
che non
ecceda da
quello che
il momento
dell’artista
in questione.
Ufo: Ci
siamo anche
tutti lamentati
per
anni per il
fatto che gli
artisti italiani
facessero una gavetta eterna,
dicendo: “Guarda, in Inghilterra a
vent’anni sono già in tour…” Ora
che siamo praticamente alla pari,
direi che va bene così. Poi deciderà
anche l’artista se ha la tempra
per sopravvivere a questo scalino
che può essere anche repentino.
Ma del resto non va meglio a chi
si cimenta nei format dei talent
show. Dipende poi dalla persona,
come reagisce. Anzi lì (nei talent,
Ndr) c’è una curva esponenziale
della notorietà che ti potrebbe anche
romper le ossa. Ma è successo
anche negli anni Ottanta, nei Settanta.
Gruppetti che facevano il
45 giri indovinato... Appino: Fra
questi magari c’era anche qualcuno
che sarebbe durato negli anni
perché stava solo fiorendo. Comunque
sia la gavetta noi la stiamo
continuando a fare. Ogni concerto
io lo reputo un’esperienza
che si porta a casa, da quelli per la
strada nel ’99 ai sold out di oggi.
C’è sempre e comunque qualcosa
da imparare, c’è sempre qualcosa
da vedere per il futuro, poi a un
certo punto le leggi marziali della
natura fermeranno la cosa! È un
atteggiamento mentale. Quando
dicono “il disco della maturità”
abbiamo un po’ paura perché
la frutta quando è matura casca
dall’albero e marcisce. Ci sentiamo
sempre molto a nostro agio
con i ragazzi, se i ragazzi hanno
modo di fare musica diversa da
quella che facciamo noi vogliamo
capire, vogliamo imparare, se
possiamo anche dare consigli, ma
non è obbligatorio o necessario
andare a rompere le scatole se non
è richiesto.
Avete sottolineato come le produzioni
di alto livello oggi aiuti-
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no anche in ambito indipendente
a fare dischi prima impossibili
Appino: Io da “nerd di studio”,
visto che abbiamo questa autodeterminazione
di registrarci e
di mixarci ho veramente visto
cambiare completamente le cose.
Adesso il digitale è irriconoscibile
dall’analogico. Non lo dico io, l’ha
ammesso anche gente che lavora
con Steve Albini. Ufo: E soprattutto
si possono fare cose molto sofisticate,
prima si cercava di arrivare
al risultato ma veniva fuori una
cosa un po’…
Appino: Era parecchio difficile.
Oggi sono incredibili le possibilità
che si hanno a disposizione. Questa
cosa, a mio modesto parere,
ha cambiato sicuramente, snaturato
per certi versi, ma comunque
migliorato le produzioni italiane.
Penso ai dischi usciti fra i primi
e la metà degli anni 2000, alcuni
sono molto belli, con grandissima
creatività, ma dal punto di vista
produttivo difficili. Ufo: prima le
cose erano così: se avevi soldi facevi
un disco bello, se non avevi
soldi facevi un disco brutto. Oppure
non avevi soldi e facevi un
disco bello, ma per combinazione.
Ora puoi scegliere: puoi fare anche
un disco brutto apposta, puoi
fare dei suoni clamorosi in camera
tua. Appino: questa cosa ha
portato anche a canzoni che non
adoro ma che suonano in maniera
futuribile e che hanno portato
avanti la musica italiana.
Tre nomi “di qualità” tra quelli
che girano oggi
Appino: per me, non per modernità
ma per qualità, Salmo è uno
che ha veramente portato avanti
il suono… Ufo: ha le basi più belle…
Appino: penso anche a un
Giorgio Poi, che ha assolutamente
impiantato un sound incredibile
per la musica italiana. Calcutta
stesso secondo me ha tirato fuori
un sound che nel 2003 sarebbe
stato difficile… Ufo: Per quanto
paghi dazio a una certa epoca
però è fatto in una maniera incredibile.
Appino: Non è neanche
una questione di quanto ci piace o
no. È una questione di quanto sia
andata avanti la musica.
Ufo: Anche Cosmo che ha tirato
fuori un format anche di spettacolo
che non c’era mai stato. Ci sono
cose ganze anche in Italia, di molti
generi. Appino: Assolutamente.
Anzi noi crediamo che sia il rock
quello che è rimasto al palo, per
questa idea obbligatoria… Penso
a molti gruppi stranieri che oggi
hanno delle produzioni incredibili
e che mescolano il garage all’elettronica,
cosa che qui ancora si
fatica a fare. Quello che vogliamo
fare noi fare con i nostri dischi,
pur essendo un gruppo rock nel
dna. Però ascoltiamo di tutto. Ufo:
Già il nostro tentativo di unire il
cantautorato italiano con l’indipendente
americano è già in origine
un tentativo di fare una mescolanza.
Per questo facevamo punk
rock con gli strumenti acustici,
cercavamo di sovvertire un po’ le
cose…
Fabio Alcini
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COSMORAMA
poteri forti & redenzione
Il rock elettronico e il pop sono i due pilastri su cui poggia il sound della
band. Nel nuovo “Redemption” sono evidenti però molti riferimenti
alla new wave degli anni ’80 ma anche sonorità shoegaze
Su quali basi poggia “Redemption”
e quali sono state, a livello
di lavorazione, le differenze con
il vostro esordio?
Il disco si basa su un metodo di
lavoro condiviso che ha visto tutti
i componenti del gruppo partecipare
alle diverse fasi di realizza-
zione di lavorazione. A differenza
di Radioscopio Alieno, Redemption
è un album integralmente scritto
e arrangiato dai Cosmorama.
L’abbiamo registrato e mixato poi
al Play Music Studio. Ogni scelta è
stata attentamente ponderata. Per
questi motivi lo sentiamo più nostro.
L’arrivo dei due nuovi membri
del gruppo (Alessia Minichinivoce
e Roberto Mirabella- basso)
ti confesso è stato fondamentale
sia in termini di scelte stilistiche
che di scrittura. E’ venuto fuori
così un prodotto finale con caratteri
maggiormente distintivi rispetto
al primo disco.
Avete scelto il concept album:
con quali motivazioni?
C’era la volontà da parte del gruppo
di trasmettere, attraverso il
concetto ricorrente della “Redenzione”,
un messaggio forte
all’ascoltatore. Con Redemption
volevamo portare all’attenzione
del pubblico un tema preciso: l’influenza
che i “poteri forti”, nelle
loro diverse declinazioni, esercitano
sulla nostra società. Essere
consapevoli di quanto le nostre
vite possano essere condizionate
direttamente e indirettamente
dall’esterno è fondamentale.
A livello sonoro le vostre scelte
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oscillano tra new wave e shoegaze.
Quali sono i vostri punti di
riferimento musicali assoluti?
Be’ in realtà la new wave e lo shoegaze
non sono gli unici generi
musicali a cui
abbiamo attinto.
Il nostro disco
affonda le sue
radici in un substrato
ben strutturato
di rock
elettronico con
qualche rimando
alla musica pop.
Un artista di riferimento
come band? I Depeche
Mode. Veniamo tutti da esperienze
musicali e di ascolto diverse ma
questo è il nome che ci mette tutti
d’accordo.
“Redemption” e “She Said” sono
stati scelti come singoli e video.
Perché proprio queste due canzoni?
Come nascono?
Tutti i brani di Redemption sono
legati da un filo rosso che, come
ti dicevo, è il concetto della “Redenzione”
Questi due brani però
sono quelli che meglio esprimono
la visione generale dell’album: il
brano “Redemption”, oltre a toccare
tutte le tematiche portanti del
disco (non a caso è la title track),
è caratterizzato da sonorità ruvide
e oscure che ci hanno
permesso di ricreare, attraverso
una sorta di cortometraggio,
un ambiente
onirico e distopico in cui
gli intrighi delle massonerie
si intrecciano con
le scelte portate avanti
dai leader più potenti del
pianeta. “She said”, invece
affronta una tematica che
negli ultimi mesi è costantemente
alla ribalta delle cronache nazionali
ed internazionali: in esso
chiediamo ai governanti dei paesi
occidentali di redimersi attraverso
la rivalutazione delle politiche di
respingimento dei migranti attuate.
Li abbiamo scelti come singoli
anche perchéé le tematiche in essi
affrontate sono di stretta attualità
e vengono raccontate con particolare
pathos.
La vostra attività dal vivo è piuttosto
intensa. Che cosa si può
aspettare chi vi viene a vedere in
concerto?
Uno show in cui la band tenta di
coinvolgere lo spettatore attraverso
la potenza sonora dei brani che
viene resa visivamente dall’utilizzo
di video-proiezione e di scenografie
curate nel minimo dettaglio.
Questo perché crediamo che
l’esperienza artistica debba essere
multisensoriale e multicanale, in
modo da rendere più fruibile a
tutti il messaggio che si vuole trasmettere.
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AZ BLUES AL WOMEX
AlWorld Music Expo, progetto internazionale nato a Berlino, ci sarà
una folta rappresentanza italiana grazie alla società di servizi nata
nel 2015 grazie a Davide Grandi, Antonio Boschi e Lorenz Zadro
Chi è AZ Blues?
Tre anni fa, nel 2015 è nata una
nuova società di servizi dal nome
AZ BLUES s.a.s., i cui tre soci fondatori,
Davide Grandi, Antonio
Boschi e Lorenz Zadro, provenienti
da realtà diverse del panorama
musicale italiano e internazionale,
hanno deciso di unire le
loro forze per un progetto comune.
L’obiettivo ambizioso è quello
di avere una struttura di appoggio
e consulenza in un mondo, quello
della musica italiana di nicchia,
capace di rispondere alle esigenze
e attenta conoscitrice del mercato
nazionale. Partendo dalla musica
e dal blues, la principale passione,
ci si è impegnati per sviluppare
alcuni servizi coordinati da offrire
agli artisti, ai promoter, agli
organizzatori di festival e manifestazioni,
alle Istituzioni pubbliche
e private e a tutti coloro che gravitano
attorno all’universo della
Musica in Italia e all’estero, come
la studio, creazione e gestione di
siti web, dalle produzioni grafiche
alla realizzazione di CD, servizi
fotografici e video, fino alla realizzazione
di profili social con eventuale
gestione degli stessi, con
relativo ufficio stampa e booking.
Un progetto parallelo è quello legato
alla organizzazione di viaggi
dedicati alla musica “da appassionati
per appassionati”, Travel
For Fans che ha iniziato la sua avventura
coi primi viaggi nel deep
South degli USA.
Sarete al Womex di quest’anno:
quanto è importante questa manifestazione?
WOMEX, acronimo che sta per
World Music Expo è un progetto
internazionale nato a Berlino, rappresenta
il più importante mercato
a livello internazionale per
qualunque tipo di musica. L’evento
principale organizzato da Womex
è un’Expo che si tiene ogni
anno in ottobre in località diverse
in Europa, e la sua particolare
formula racchiude in sé la fiera
tradizionale, conferenze, proiezioni
di film, sessioni di networking,
showcase e prestigiose premiazioni.
A Womex si ritrovano
professionisti da tutto il mondo
musicale, folk, roots, musica etnica
e tradizionale, con l’obiettivo di
promuovere la musica e la cultura
di ogni tipo, e superare le barriere
e le diversità.
Chi sono gli artisti che porterete
al Womex?
Linda Valori, cantante dalla voce
nera con forti tinte soul, ha partecipato
a numerosissimi festival
nazionali e internazionali di
prestigio, assieme al chitarrista e
band leader Maurizio Pugno, noto
musicista blues dalla lunga e ricca
esperienza musicale, con il quale
sta lavorando adun nuovo progetto
discografico, atteso per la fine
del 2018, con canzoni inedite e
sotto la direzione musicale dello
stesso Pugno. Arianna Antinori,
altra voce femminile del panorama
italiano, ama in maniera
viscerale il rock, quel sano rock
che ha saputo contaminarsi senza
perdere identità e che affonda
le sue radici nel blues, nel soul e
nel rock’n’roll. Gospel Book Revisited,
sono a quattro giovani
musicisti che nel 2014 danno vita
a questo gruppo. La rivisitazione
dei classici è assunta a metodo,
punto d’equilibrio tra filologia e
creatività, partendo dall’idea iniziale
di celebrare le grandi interpreti
femminili della tradizione
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afroamericana, affiancando quindi
i classici con la scrittura di brani
originali, che hanno portato
al loro primo vero lavoro, “Won’t
You Keep Me Wild?”, presentato
ormai quasi in tutta italia. Mike
Sponza, un musicista a cavallo
tra Blues, soul e rock’n’roll, chitarrista,
cantante e compositore, da
oltre 4 lustri sulla scena live europea.
Una vita dedicata a sviluppare
uno stile blues personale, moderno
e ricco di differenti sapori.
Mora & Bronski (foto Nico Cagarelli)
Mandolin’ Brothers, sono una
storica band all’attivo dal 1979
quando Jimmy Ragazzon (chitarra,
voce e armonica) e Paolo Canevari
(chitarra solista) iniziarono
la loro attività artistica come duo
per, poi, diventare quello che è
oggi l’attuale formazione dei Mandolin’
Brothers, certamente una
delle più importanti a livello nazionale
tra coloro che si cimentano
in un repertorio tipicamente di
“Americana Music” fatto di Blues,
Country e Roots Music. Ciosi, è
il nome d’arte dell’italo-argentino
Federico Franciosi, un cantante e
chitarrista acustico flatpicker con
un viscerale amore per la musica.
Le caratteristiche principali dello
stile di Ciosi sono la sua tecnica
flat-style pulita, un’anima compositiva
intensa e uno spiccato
senso melodico. Mora & Bronski
sono un power duo musicale in
bilico tra folk, blues e cantautorato
italiano, e propongono un
viaggio tra le Americhe attraverso
classici del Blues, Country, Folk
e Rock’n’Roll, unitamente a brani
originali di propria composizione.
T-Roosters nascono dal comune
amore di quattro musicisti per la
musica afroamericana, a partire
dalle sue origini sino a quella di
oggi. Per questo motivo la batteria
di Giancarlo Cova e il basso (e
contrabbasso) di Lillo Rogati sono
una sezione ritmica perfetta per
la chitarra e voce di Tiziano “Rooster”
Galli e per il “Mississippi
saxophone”, l’istrionica armonica
di Marcus Tondo. Guy Davis
e Fabrizio Poggi: tra le nostre
proposte possiamo vantare anche
due artisti candidati ai Grammy
Awards e ai Blues Awards, e non
è cosa di tutti i giorni, ma speriamo
che il bluesman statunitense
Guy Davis oltre che in tour per il
modo sia anche presto di ritorno
in Italia, dove è sempre stato accolto
con entusiasmo da pubblico
e organizzatori per le sue enormi
qualità artistiche e umane. Al
suo fianco un’altra icona del blues
italiano e mondiale, quel Fabrizio
Poggi che, nella sua ormai
lunghissima carriera, ha saputo
intrecciare la propria armonica
con la crème de la crème tra i musicisti
di tutto il mondo, soprattutto
americani ed eleggendosi
come portabandiera del blues di
casa nostra. Questa prima missione
“esplorativa” in ambito world
music e Womex speriamo sia la
prima di una serie di successivi
progetti, come quelli legati all’European
Blues Union e alla Blues
Foundation, che collegano sempre
di più AZ Blues e i suoi artisti
con il panorama mondiale della
musica afroamericana.
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DANIELE CASTELLANI
Musicista da sempre, scrive canzoni solo quando ha qualcosa da
dire: dopo svariate esperienze in band, ecco l’esordio del cantautore di
Scandiano, “Arrivederci Emilia”
Esordio da solista, dopo una
storia già abbastanza lunga con
alcune band. Perché ora e cosa
rappresenta per te?
Esordio da solista ora perché ne
ho sentito il bisogno adesso. Ho
iniziato nella musica come chitarrista
e forse per questo ho sempre
avuto la visione della band. È
anche molto divertente suonare
in una band affiatata e quindi ho
sempre cercato di ritrovare certe
sensazioni fraterne, perdute... E
quindi ora il mio esordio solista.
Puoi spiegare il titolo del disco?
L’Emilia è dove sono le mie radici
e per esempio vedo che la sua
musica, il liscio, è quasi rimasta
per pochi eletti e viene “rinnegata”
anche nelle feste di paese - la
nostra musica tradizionale viene
derisa ma la musica “folk” di paesi
esteri è cool, tipo Irish o le basi di
Samba nelle tastiere alla festa del
gnocco fritto. Quindi siamo molto
attenti alla musica straniera ma
non sappiamo da dove veniamo; e
questo è un aspetto per cui è questa
“terra” che si allontana da me.
Invece sono io che mi allontano
quando vedo che tante persone
non cambiano mai idea e parlano
per partito preso, c’è anche poca
curiosità. È vero questo succede
ovunque, potrebbe essere un “arrivederci
Italia”. E infatti tanti se
ne vanno all’estero. Però queste
pianure, colline e montagne dove
sto io non hanno colpa e a me
piacciono: “E io ci sto” come cantava
Rino Gaetano. La voglia di
fuga, ripresa anche nella canzone
omonima, viene poi a svanire in
luoghi immaginari, perché penso
che le radici, a un certo punto di
qualsiasi percorso intrapreso, riemergano.
Quindi Arrivederci.
Le canzoni rappresentano fasi
diverse della tua carriera oppure
sono un’istantanea del tuo periodo
più recente?
Le canzoni del disco arrivano da
periodi e anni diversi. Io amo fare
compilation trasversali, anche con
i miei pezzi. Mi immagino l’atelier
di un fotografo in cui è esposto
lo scatto n°7 a fianco del n° 1203.
Come vedrei l’appartamento dove
vivo pieno di quadri, foto, stili
diversi eccetera eccetera tutto
esposto assieme. Però ho il garage
stracolmo di roba e le pareti vuote.
Non è una regola questa delle
compilation, il prossimo disco ho
voglia di farlo strumentale, per
adesso.
Mi sembra che Maledetti posters
sia tra le canzoni più significative
del disco. Come nasce?
Maledetti Posters è l’incontro fortunato,
nella mia mente, tra l’ultimo
anno delle superiori e un riff
micidiale!
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GLI ARCHIMEDI
Sono un trio d’archi e sono ugualmente apprezzati non solo nella
Classica, ma anche nel jazz e nel folk. Il loro disco di debutto si chiama
“Forvojagi” e reinterpreta numerosi classici
Come avete costruito il vostro
ensemble e soprattutto quando
e come avete deciso di non limitarvi
a un ambito “classico” ma
di spaziare fra i generi?
L’ensemble è nato circa tre anni
fa, quando abbiamo pensato di
costituire un trio cameristico, ma
con peculiarità legate al mondo
dell’improvvisazione in generale,
con deviazioni nel jazz e nel folk.
Già dalle prime prove avevamo
infatti notato che sperimentando
con l’improvvisazione si potevano
aprire nuove strade. Inoltre
questo tipo di formazione strumentale
permette di pensare in
maniera diversa il concetto di arrangiamento
rispetto a come viene
solitamente inteso in altri tipi
di ensemble. Nel nostro caso ogni
strumento mantiene un’impostazione
solistica e di accompagnamento.
Quali sono stati i criteri di scelta
dei brani che reinterpretate in
Forvojagi?
I nostri personali ascolti musicali,
principalmente legati alla tradizione
jazz, folk e classica e che
vanno al di là della nostra formazione
accademica, hanno sicuramente
influito sulla scelta dei
brani dell’album. Riguardando a
posteriori il repertorio selezionato
è apparso evidente il fil rouge di
un viaggio metaforico tra diverse
tradizioni musicali. Da qui la
scelta del titolo, Forvojagi, che in
esperanto significa “partire per un
viaggio”.
Qual è stato il brano che vi ha
causato maggiori difficoltà?
Ogni brano ha le sue peculiarità
(per esempio il sound di un reel
irlandese, la ricerca del suono che
ricordi il duduk armeno,
l’articolazione del fraseggio
nei brani jazz/ manouche
eccetera), ma tenendo conto
della nostra formazione
classica probabilmente
quello più difficile da interpretare
è stato Billie’s
Bounce di Charlie Parker
caratterizzato da un’evidente
impronta jazzistica.
Siete a metà di un tour ben avviato.
Qual è la risposta media
della gente che viene a vedere le
vostre esibizioni?
Ai nostri concerti partecipa solitamente
un pubblico variegato
per età e interessi, accomunato da
un approccio curioso alla musica
senza quindi essere per forza
appassionato a un genere preciso.
Il pubblico risponde sempre con
entusiasmo e questo è un segnale
molto importante per noi perché
è indicativo del fatto che esistono
modi diversi di intendere la musica
che possono coinvolgere, emozionare
e divertire.
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MEROVINGIO DJ
evidentemente EDM ma anche
molti riferimenti “fuori genere”.
Quali sono i tuoi ascolti e le tue
preferenze non elettroniche?
Non sei il primo che mi fa notare
che è vero che sono tracce di genere
EDM ma è anche vero che
hanno influenze che riconducono
ad altri generi. Probabilmente
influisce anche il fatto che faccio
produzione EDM solo negli ultimi
anni, prima ero un musicista (chitarrista)
e quindi vivevo la musica
sotto altri generi ovviamente.
Ascolto molto rock, apprezzo artisti
come Pink Floyd, Aerosmith,
Red Hot Chili Peppers, Muse
per fare alcuni nomi. Non ascolto
molta musica italiana.
La tua traccia “11:11” ha riscontrato
un buon successo ed è entrata
anche nella Classifica Indipendenti
Italia. Che cosa pensi
abbia di particolare il brano?
E’ stata davvero una sorpresa per
me quando “11.11” è entrata anche
nella Classifica Indipendenti
Italia. E’ la traccia (insieme ai
Si chiama “Places & Moments” il nuovo lavoro del deejay di Prato: sei
tracce in cui si percepisce la ricerca di sonorità melodiche, benché appartenenti
tendenzialmente al genere EDM/elettronico, con riferimenti e sfumature
progressive/house e trance
Vorrei sapere come nasce il tuo
nuovo “Places & Moments”, quali
sono state le fonti di ispirazione
e perché lo hai intitolato così
L’ep Places & moments è un progetto
che inizia prendere forma
ad agosto 2017. Il titolo “Luoghi
e momenti” non è casuale, ho
cercato di creare tracce musicali
ricordando magari un luogo, un
posto o un momento particolare
vissuto. Direi che questo disco ha
come fonte di ispirazioni proprio
il ricordo di un luogo o di un momento
che ho vissuto, ogni brano
riconduce a un momento particolare.
Nel disco c’è una “base” che è
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pubblicarlo.
Questo ep è un
assaggio di un
prossimo disco
lungo? Puoi
darci qualche
anticipazione?
Credo che continuerò
a pubblicare
ep invece
di album
“lunghi”, questo
non perchè mi
manca il materiale,
anzi. Preferisco
uscire
nel tempo più
più di qualità, curando al meglio
ogni particolare, sono in ponte
anche collaborazioni con cantanti
e altri producer, vediamo cosa viene
fuori.
Quando e dove hai in programma
le tue prossime esibizioni dal
vivo?
Faccio molti eventi privati, fino
adesso per scelta personale, ma
sono pronto a cambiare il trend.
Ho in ponte una collaborazione
da ottobre con un noto locale toscano,
vediamo se va in porto così
da essere un ottimo trampolino
per le mi djset live e far conoscere
anche i miei lavori.
brani “Focus” e “Reverse”) avere
più gradimento tra gli ascoltatori.
E’ particolare la storia di questa
traccia perché è stata la prima a
cui ho lavorato, poi è arrivata a
un punto “morto” e l’ho messa da
parte. L’ho ripresa dopo qualche
mese e l’ho ultimata. E pare abbia
fatto bene, perché è una traccia
si di musica elettronica ma qualcuno
l’ha definita con atmosfere
cupe e dark. Nel mese di luglio
termineranno le riprese del videoclip
ufficiale e non vedo l’ora di
volte con degli ep, o
almeno al momento
la penso così. Sono
già a lavoro per la
prossima uscita,
cercando di realizzare
un prodotto
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POSTINO
la recensione
Si chiama Samuele Torrigiani,
in arte Postino, e di sé racconta:
sono tutte quelle parole che normalmente
rimbalzano in camera
tra i muri. Il suo singolo d’esordio,
Blu, è entrato prepotentemente
nella 50 Viral di Spotify quando
ancora non si conosceva il suo
volto, e ha anticipato
l’uscita di
Latte di soia.
Sono otto tracce
di cantautorato
vibrante, di testi
semplicemente
efficaci, di piccoli
drammi quotidiani
e di grandi storie
senza tempo,
come quella raccontata
in Anna
ha vent’anni. Latte
di soia, la bevanda
consolatoria
degli intolleranti al
latte, degli attenti alla
linea, degli amanti degli
animali, da luglio
2018 è anche una sorta
di pozione magica,
che ha trasformato un dottore (un
dottore vero, è laureato in medicina)
in uno degli artisti da tenere
d’occhio.
Postino traccia per traccia
In questa notte ti sognerei / con le
tue mani tra i capelli miei / se avessi
tempo ti regalerei un’altra stupida
scelta sbagliata.
Blu è il primo singolo, appunto,
l’anima messa a nudo di un déjàvu
che sembra reale, tangibile, che
prende forma grazie alla voce, a
tratti strozzata, e grazie alla melodia
malinconica, attuale come il più
prepotente dei pezzi delle playlist
indie/itpop e nostalgico come il
più tradizionale dei cantautori nostrani.
Facile comprendere come
sia stato facile farlo balzare in vetta
alle classifiche: è un piccolo gioiello.
Chi se ne frega di cosa ha fatto
Anna / in questo momento di cambiamento
/ tanto non ci riguarda o
se ci riguarda non ci pensiamo / ma
se ci fermiamo un attimo capiamo
che Anna in fondo siamo noi
Manifesto intergenerazionale, riflessione
attuale in ogni momento
storico, arriva subito dopo Anna
ha vent’anni. Si legge che Anna
è il nome della nonna, ma Anna
è tutti e nessuno, è l’altro che sta
peggio ma non ci riguarda finché
non tocca direttamente noi, è lo
“speriamo non capiti a me”. Morbida
all’inizio, quasi in apnea nella
parte centrale, dove vengono sputati
pensieri e manifestati disagi e
riflessioni di giovani di qualsiasi
epoca, sognatori che stanno per
diventare consumatori. Luccicante
la base, illuminata da synth di tutto
rispetto ma mai invadenti.
Vorrei portarti a dormire da me
stasera / farti vedere la mia collezione
di volte andate male / e la delusione
di non offrirti la colazione
perché non ho il latte di soia
Il paradosso del nostro tempo è
che si bevono superalcolici fino a
star male sui marciapiedi, ma la
mattina si beve latte di soia perché
quello di mucca fa male alla
salute. Una storia realmente accaduta
quella raccontata in Fuori
dalla disco, dove l’incontro su un
marciapiede tra due ragazzi finisce
tragicamente sul nascere per
la mancanza di colazione adegua-
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ta. Divertente, irriverente. Uno
dei pezzi sicuramente più facili,
di quelli che ti rimangono in testa
anche se non vuoi, dal giro sintetico
di un arrangiamento studiato
alla perfezione.
Ambra era nuda e io ero vestito / Il
riflesso negli occhi di chi ha capito
/ Che alla fine vince sempre chi si
spoglia per primo
Ambra era nuda è la canzone
d’amore del 2018. La Marmellata
#25 di oggi, con in più la riflessione
illuminante del legame tra
la rapidità di spogliarsi e quella
di rimanere fregati da una
relazione. E sì, ricorda pezzi
già sentiti, anche il ritornello
con la doppia voce, ma quando
una storia finisce si rimane
comunque soli con la propria
malinconia, e sedersi a un pianoforte,
prendere in mano una
chitarra rimane la miglior medicina
per chi scrive musica.
Solo la pioggia che ci fa da colonna
sonora / In questa notte
scura fino a fonderci ancora
Quasi discomusic quella che fa da
sottofondo a Quando non parli,
analisi profonda dello stato d’animo
di un’anima selvatica che
non aspetta altro che essere addomesticata,
di silenzi che contano
sempre più delle parole. Da buon
medico, si vede che Postino ha
letto e riconosciuto sintomi di disagi
intercostali, di dolori mentali.
Le voci in testa mi hanno detto
okay / da oggi fai quello che vuoi
/ Però no, io non vi crederò / me
l’hanno detto le fragole
Si prosegue con i disturbi mentali,
qui decisamente più preoccupanti,
e sempre a cavallo di un ritmo
coinvolgente e distorto, che a tratti
ricorda la colonna sonora di un
videogame. Miope è la storia di
un paziente psichiatrico, che vede
e sente le emozioni a modo suo, e
che non vuole dare retta a medici
e infermieri, che non vedono i
suoi stessi orizzonti.
Come le balene / andremo a largo
a prendere fiato
Ritornello martellante, come un
mantra, come un pensiero fisso.
Come salvare una relazione. Nuotarsi
incontro, Come le balene.
Anche questo pezzo è stato scelto
come singolo, potente ed evocativo,
morbido e sfocato, come
quando si esce dal mare e gli occhi
rimangono un po’ opachi.
Il buio è nero e non si può annerire
/ La logica imporrebbe emozioni
miste all’odore del caffè che da
quando non ci sei più te non c’è
Quanto rimane addosso alla fine
di una relazione, quante decisioni
prese insieme diventano il riflesso
della persona che se n’è andata.
Quella scatola chiude l’album,
è l’ottava traccia, quella che se la
sdrai diventa infinito, ma invece
no: resta in piedi e indica la fine.
Sembra di essere in quella stanza,
di vedere la giornata che inizia in
solitudine.
Un’analisi attenta, curata e studiata
della genesi delle relazioni,
arrangiate strizzando l’occhio al
sound attuale ma potenzialmente
ristrutturabili per funzionare chitarra
e voce, piano e voce, voce e
basta. Postino ha confezionato
un piccolo album, un regalo di
laurea che sta funzionando meglio
delle più rosee previsioni e
che, mi auguro, sia solo l’inizio di
un brillante futuro. Da cantautore,
non da medico.
Chiara Orsetti
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ARMONITE
Un’etichetta americana importante e “cinematografica” come la Cleopatra
Records e un disco, “And the Stars above” per il collettivo musicale guidato
dal compositore e tastierista Paolo Fosso (che risponde alle nostre domande)
e dal violinista Jacopo Bigi
Partirei da un discorso “geografico”:
com’è successo che un duo
italiano (quasi del tutto) strumentale
venisse pubblicato da
un’etichetta losangelina come
Cleopatra Records?
L’anno scorso abbiamo inviato
un demo di 5 pezzi a un centinaio
di etichette. La Cleopatra, con
la sussidiaria Purple Pyramid
specializzata in rock progressivo,
ha risposto con entusiasmo. La
nostra musica strumentale è perfettamente
in linea con lo spirito
dell’etichetta, specialmente adesso
che la Cleopatra si è allargata
all’industria cinematografica.
Quali sono le motivazioni di
base di questo nuovo disco? Insomma
da che cosa vi siete fatti
ispirare in sede di scrittura?
Il disco nasce dall’idea di bellezza
applicata a contesti diversi e la
costante ricerca dello spirito. Lo
spirito è dappertutto, ma bisogna
essere disposti a sentirlo. Tutto
quel che appare non ci eleva, tutto
quel che ci eleva non appare;
risiede in fondo e va scoperto. Il
titolo rimanda appunto a un senso
di ascensione verticale, dalle
viscere del mondo agli astri celesti.
La vita e la gente offrono un
ampio campionario da cui trarre
spunto. Mi ispiro anche alle mie
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passioni: il cinema, la tecnologia,
i videogiochi, i libri, i viaggi...
Quando leggi un libro o guardi
un film, sei investito da una tale
quantità di idee da sviluppare che
si susseguono come in una sorta
di effetto domino. La mia musica
nasce da un’idea di movimento
che passa attraverso l’immaginazione:
scene di vita, storie, traumi,
paure, passioni che scaturiscono
da una sequenza di immagini.
Come al solito il vostro disco è
molto “popolato” di ospiti eccellenti.
Potete spendere qualche
parola per loro e/o raccontare
qualche aneddoto notevole?
Sull’album sono intervenuti Colin
Edwin (già Porcupine Tree)
e Alberto Fiorani al basso; Corrado
Bertonazzi, Emiliano Cava
e Jasper Barendregt alla batteria.
E, ancora, molti altri professionisti,
tra cui il Quartetto Indaco.
Per la bonus track A Playful Day
cercavamo un’esecuzione ritmica,
energica, asciutta, ma era difficile
ottenere quel risultato, soprattutto
a causa degli incastri ritmici e dei
frequenti avvicendamenti tra arco
e pizzicato. Dopo un giorno di
prove, abbiamo ripiegato su una
registrazione multitraccia. Jacopo
ha sovrainciso violino I, violino II
e viola, e Gabriele Monatanari il
violoncello.
Come nasce “Clouds Collide”,
che oltre a essere l’unico brano
davvero “cantato” del disco è anche
uno dei più curiosi e “teatrali”?
“Clouds collide” è l’unico brano
davvero cantato, anche se nel corso
dell’album appare e scompare
una flebile voce femminile, che
sottolinea alcuni momenti lirici.
La canzone racconta la storia di
una ragazza che si perde tra i ricordi
del tempo. La canta Maria
Chiara Montagnari: ha una voce
lieve ed espressiva che comunica
bellezza, trasparenza, forse ingenuità,
ma con l’immediatezza che
cercavamo.
Avete confessato una passione
per le colonne sonore, che potrebbe
diventare qualcosa di
concreto visto l’etichetta per la
quale avete firmato. Raccontateci
il film del quale vorreste
firmare la soundtrack.
Ahah, tratterò qualsiasi film da
musicare come il mio preferito!
La Cleopatra, per la quale
abbiamo firmato, distribuisce,
sviluppa e produce diversi film,
tipicamente horror o con una
forte componente musicale, da
The Devil’s Domain (con Michael
Madsen) a The Black Room
(in programmazione su Netflix),
Halloween Pussy Trap Kill! Kill!,
The 27 Club, England Is Mine,
A Spasso con Bob. Sono sempre
stato un cinefilo appassionato e
mi piace l’idea di poter scrivere
colonne sonore: spero che questa
collaborazione ci possa aprire
delle prospettive importanti.
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ROBIE C.
& NATACHA
Lei è una star in Svizzera, lui un producer italiano
in rapida ascesa: il risultato della collaborazione tra
Robie C e Natacha è Immagino che, versione italiana
e rilettura di “I stelle mir vor”, successo di qualche
anno fa di Natacha

Come nasce questa collaborazione
tra Robie C e Natacha?
Ci siamo incontrati varie volte durante
alcuni
eventi musicali
in Svizzera.
Natacha:
Ho notato
Robie perche
non è
soltanto musicalmente
ma anche
umanamente
un ragazzo
molto
interessante.
L’Italia, la
sua musica,
la lingua
mi piace da
sempre.
Robie: Io la
conoscevo
già da tempo,
per via
della sua
carriera musicale,
mi
era sempre stata molto simpatica,
sensibile e umana, cosa che personalmente
apprezzo molto.
Parlando a uno di questi eventi,
Natacha mi disse che un grande
suo sogno sarebbe stato di cantare
un brano in italiano e lanciarlo in
Italia, contemporaneamente ci è
venuta la stessa idea e cosi ci siamo
messi al lavoro tutti e due con
molta grinta, tanto piacere e divertimento.
“Immagino che” è un remix speciale
del brano in lingua tedesca
di Natacha «I stelle mir vor»:
come è nato il brano e l’idea di
rileggerlo in italiano?
Robie: La nuova versione è nata
cosi: ho tradotto il testo in italiano
e ci siamo messi al lavoro entrambi
per la parte musicale del brano
che ha avuto origine in Italia e poi
è stato finalizzato in Svizzera. Abbiamo
registrato insieme le voci
in studio ed è stata una bellissima
esperienza per entrambi, ci siamo
divertiti moltissimo. La versione
originale è stata cantata da Natacha
nel 2004: è un brano che parla
dell’amore, dell’amicizia, del sentimento
di avere una persona vicina.
Natacha: La cosa importante nella
vita è di avere un buon amico con
cui puoi parlare di tutto, che è qui
in ogni momento bello o brutto,
secondo me nella vita ciò svolge
il ruolo più importante, invece
di avere un partner che ami, con
cui fai sesso, ma se si ama qualcuno,
spesso sarai molto ferito. Non
dovrebbe ma purtroppo spesso
è così. Un amico può essere per
sempre, e se è un buon amico, può
essere anche con benefici! Senza
invidia, ne tradimenti, solo stare
insieme!
Ci sono aneddoti particolari da
raccontare riguardo al brano?
Robie: E stato molto divertente
poter imparare il testo insieme a
Natacha, che per la prima volta ha
cantato in italiano, ci siamo entrambi
impappinati tante volte ma
il risultato parla per sé.
Quali sono i vostri prossimi progetti?
Momentaneamente siamo in promozione
per il brano Immagino
che, che tra l’altro sta andando
molto bene e i riscontri ottenuti a
poco tempo dell’uscita sono molto
soddisfacenti.
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VINICIO CAPOSSELA
“OVUNQUE PROTEGGI”
#quellochesentivo
Tratta dal disco omonimo (Targa Tenco e secondo miglior disco nella categoria
“world” per Mojo), ma in realtà scritta alcuni anni prima, Ovunque
proteggi (2006) è una delle canzoni migliori, ma anche più “normali” di
un Vinicio Capossela, che anche quando abbassa la voce e non suona mascelle
d’asino riesce a riempire il cuore e la testa.
Se di canzoni d’amore ne sono state
scritte milioni, alcune sembrano
appartenere alle viscere ancor
prima che alla penna che le ha viste
nascere. Sa sfiorare l’assoluto
Vinicio Capossela, sa dire molto
più di quanto un cuore può sopportare.
Un cuore che può sembrare
stanco, ma che sa vibrare
ancora.
Se il meglio è già venuto
e non ho saputo tenerlo dentro me
I vecchi già lo sanno il perché
E anche gli alberghi tristi
Che troppo e per poco,
E non basta ancora
ed è una volta sola
È un viale del ritorno, ma anche
una partenza, una madre universale
custode di un amore che ha
compreso, guarito, che forse ha
anche perdonato.
Ma ancora proteggi la grazia del
mio cuore
Adesso e per quando tornerà nel
tempo
Il tempo per partire, il tempo di restare
Il tempo di lasciare, il tempo di
abbracciare
Promesse che vanno oltre lo spazio,
il tempo e l’onesto sentire.
Ricchezza e fortuna, in pena e in
povertà
Nella gioia e nel clamore, nel lutto
e nel dolore
Nel freddo e nel sole, nel sonno e
nel rumore
Ovunque proteggi la grazia del
mio cuore
Ovunque proteggi la grazia del tuo
cuore Ovunque proteggi, proteggimi
nel male
Ovunque proteggi la grazia del tuo
cuore.
Chiara Orsetti
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