TRAKS MAGAZINE #17

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Numero 17 - settembre 2018
Nathalie
luce dopo
l’oscurità
Diana
Alfonso
Setti
Me, Pek & Barba
Jocelyn Pulsar
Medison

sommario
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Nathalie
Diana
Alfonso
Me, Pek & Barba
Setti
Jocelyn Pulsar
Recensioni
Medison
Masstang
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Francess
Quellochesentivo
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NATHALIE
luce dopo l’oscurità
“Into the flow” è l’ultimo lavoro discografico di Nathalie. Un concept album
con al centro l’acqua, che racchiude le diverse anime di un’artista
poliedrica, dalla voce delicata e graffiante che regala melodie magiche e
piccole perle di saggezza. Le sue canzoni nascono dall’ispirazione del momento
in una lingua o nell’altra, senza perdere mai il loro fascino etereo
Le copertine dei tuoi album sono
sempre piccoli capolavori: immagini
in cui sei rappresentata
come una creatura angelica, fatata,
un essere che appartiene al
mondo della fantasia… è così
che Nathalie sente di essere Nathalie?
Nella mia musica e nei miei testi
sono molto “visuale”, e in gene-
rale sono una persona che pensa
molto per immagini. Le copertine
dei miei album sono una sintesi
del mio mondo artistico... A dir
la verità quell’aspetto più fantasioso,
fatato lo vedo soltanto come
una delle varie parti di me, sento
di avere vari aspetti. Un aspetto
di fantasia c’è sicuramente, ma
ci sono anche elementi più forti,

grintosi, “materici”, meno eterei,
nella mia musica. Nelle mie canzoni
c’è sia luce sia oscurità, mi
piace esplorare vari stati d’animo,
immagini e atmosfere.
“Siamo specchi” è uno dei brani
del tuo ultimo album che, a mio
avviso, rappresenta la tua essenza
e riporta alle sensazioni provate
quando per la prima volta
ho ascoltato “In punta di piedi”.
Mi chiedo se c’entrano qualcosa
gli Specchi degli Esseni in questa
tua riflessione sul modo “giusto”
di amare?
Si, esattamente, nella canzone mi
riferisco anche agli Specchi Esseni.
Le relazioni, soprattutto quelle
più intense e vere, ci portano a
specchiarci l’uno nell’altro, a trovare
e riconoscere aspetti di noi
nell’altra persona o a riconoscere
alcuni nostri comportamenti attraverso
questo “specchiarsi”. Ogni
rapporto è in grado di insegnarci
qualcosa su noi stessi e di farci
evolvere, se lo vogliamo. “Siamo
specchi” è la canzone della luce
dopo tanta oscurità, mi ha accompagnato
e mi accompagna in tutti
i miei cambiamenti... Mi ha insegnato
a dare un senso ad alcune
cose nella mia vita passata e presente.
La tua scrittura è sempre stata
estremamente fluida, ti esprimi
con la stessa sicurezza in italiano,
in inglese e anche in francese…
Quando nascono le tue
canzoni hanno già una lingua
madre, o l’idea di utilizzarne
una si costruisce in corsa?
E’ la canzone che decide in quale
lingua essere scritta! A parte gli
scherzi, in un certo senso è davvero
così, la scelta della lingua è
sempre molto naturale, assecondo
molto la direzione in cui mi porta
l’ispirazione. Ogni lingua permette
cose diverse, sia a livello di suono,
sia il contenuto del testo...
Il suono varia moltissimo cambiando
lingua in cui si canta...
ed è bello poter esplorare senza
porsi limiti.
Ricordo perfettamente la tua
esperienza a X-Factor, la scelta
coraggiosa e testarda di portare
il tuo brano rifiutando quello
scritto per l’occasione da Pacifico
che alla fine si è rivelata vincente.
In cosa ti ha arricchito partecipare,
arrivando sul gradino più
alto del podio, a un talent di tale
portata, a fianco a un maestro
come Elio?
L’esperienza a X-Factor è stata
molto intensa, a tratti difficile ma
anche molto gratificante: Elio è
stato molto rispettoso della mia
personalità artistica e mi ha sempre
dato ottimi consigli, tuttora
siamo in contatto ed è sempre un
ottimo consigliere! Lui è un musicista
e artista puro, con una gran-
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de competenza e sensibilità
musicale... Ricordo che nel momento
in cui ero indecisa se accettare
il brano di Pacifico o insistere
con la mia In punta di piedi,
Elio mi lasciò libera di decidere,
senza forzarmi in alcuna direzione,
rispettò la mia capacità di
scegliere cosa fosse la cosa più
giusta per me.
In “Anima di vento” hai duettato
con Raf. Puoi raccontarci qualcosa
di questa esperienza?
Avevo conosciuto Raf due anni
prima, quando mi aveva chiamato
a cantare nel suo brano Numeri...
è stata una bella esperienza e da
lì è nata un’amicizia, quindi mi è
venuto naturale coinvolgerlo per
Sogno d’estate. Raf è un artista di
grande sensibilità, un artigiano
del pop di qualità, mi ha insegnato
molto vederlo all’opera... Ha firmato
anche una parte del testo e
ricordo che mi colpì la sua naturalezza
nello scrivere la sua strofa in
pochissimo tempo... Parole molto
belle e che si incastravano perfettamente
nello stile del brano.
Con chi ti piacerebbe collaborare
tra gli artisti della scena indie
– itpop attuale?
Degli artisti dell’attuale scena sarebbe
interessante collaborare con
Brunori Sas, abbiamo sicuramente
in comune molti degli ascolti musicali
con cui sono cresciuta!
Sei musicista, ma anche attrice,
autrice, doppiatrice… Che progetti
ci sono nel tuo prossimo
futuro?
Mi sento soprattutto cantautrice,
musicista... Tutto ciò che riguarda
l’approccio musicale mi appartiene
e lì mi sento totalmente a mio
agio. Il mondo della recitazione,
del doppiaggio, sono qualcosa in
cui mi sento più un’apprendista
curiosa, in cui posso esplorare,
anche se magari con meno strumenti
a disposizione, almeno per
ora... Mi piace continuare a imparare
e non escludo di voler approfondire
quel mondo. Nel futuro
più prossimo sicuramente suonerò
dal vivo e ho anche voglia
di scrivere nuove canzoni...
Mi piacerebbe anche comporre
per il cinema, sarebbe un modo
molto bello di unire due mie grandi
passioni... chissà!
Chiara Orsetti
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DIANA
la battaglia interiore più difficile
Roberta Arena assume un alias divino e lunare, e pubblica nove canzoni
elettroniche e lunari, per mezzo delle quali pubblica “And You Can’t
Build The Night”
Diana, dea della caccia, della
luna (e della morte improvvisa,
ma comunque…): come nasce la
scelta del tuo nome d’arte e come
nasce il progetto che le sta alle
spalle?
Sicuramente non ho scelto il
nome di Diana perché è la dea
della morte improvvisa ahahah,
anzi è proprio lei a darmi linfa
vitale! Diana è il mio secondo
nome, e quindi l’accosto sempre
alla doppia faccia di una stessa
medaglia. Lei è la parte di me che
preferisco, difficilmente saprebbe
rivelarsi in altro modo se non con
la musica. Ho scelto questo nome
anche perché può accostarsi a tanti
significati come tu ben scrivevi.
La luna è sicuramente una fonte
inesauribile di ispirazione, compongo
quasi sempre di notte, magari
con un bel bicchiere di vino
accanto.
Racconti che pubblicare questo
disco è stato un prevalere dell’esigenza
di rendere noti i brani,
rispetto a quella di tenerli nascosti…
Da quanto tempo li serbavi
e quanto è durata questa battaglia
interna?
È la battaglia interiore più difficile
che io abbia mai combattuto e credo
che durerà per sempre. I brani
sono per la maggior parte storie
di vita vissuta e questo “raccontare”
al mondo ciò che si è, senza
filtri, svelando le proprie debolezze,
raccontare dei propri dolori e
delle proprie emozioni non è mai
facile. In realtà è un po’ la mia terapia.
L’essere onesti con se stessi
non è mai semplice. Ci sono brani
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che ho scritto da più tempo parecchi
anni fa, altri invece sono più
recenti. Spesso rimangono scritti
lì per poi essere ripresi quando
sarà il momento, quando magari
si è concluso un ciclo.
Il tuo non è l’unico album contemporaneo
influenzato da sensazioni
“cosmiche”: posto che
non è più epoca di grande popolarità
delle esplorazioni spaziali,
a che cosa è dovuta tutta questa
voglia di fuga verso le stelle?
Le stelle e l’universo sono l’emblema
dei Sogni dell’essere sospeso,
della libertà o forse della fuga
come tu ben dici o comunque
della scoperta. Non posso dirti
perché molti siano influenzati da
questo, però sono sicura che in
questo momento storico abbiamo
tanto bisogno di sognare, di evadere,
di andare in un posto dove
non ci siano pregiudizi, dove tutto
è possibile! L’ignoto affascina sempre
e questo posto così bello e irraggiungibile
è un po’ l’idea dell’amore
più puro… E’ tutto
così incerto che tutto lì sembra
possibile...
Sono incuriosito dal titolo del
disco e dalla canzone omonima:
vorrei sapere da che tipo di ispirazioni
nascono l’uno e l’altra.
Ho scelto di chiamare così l’album
perché è stata la prima canzone
che ho deciso di scrivere volontariamente.
Nel momento in cui la
scrivevo non era solo un “buttare
giù degli accordi, un’idea fine a
se”, lei doveva essere una canzone,
un inizio di un percorso. Questo
pezzo è proprio la nascita di Diana,
una notte di novembre iniziai
a scrivere di botto questo testo e
questi accordi accompagnati da
un riverbero che risuonava nelle
mie cuffie, in quel momento ho
deciso che stavolta dovevo essere
io a raccontare senza filtri né paure.
Avevo raggiunto questa maturità.
Quando si soffre per qualcosa
non riesci a “costruire” la notte,
non riesci a mettere insieme i pezzi
della mente, non riesci a dormire,
se c’è una cosa che ti fa soffrire.
La notte è per me un momento
fondamentale, perché si tirano
le fila della giornata, si svuota la
mente e inizi a pensare. Di notte si
dice sempre la verità.
Tre nomi di artiste senza le quali
non saresti qui ora a parlare del
tuo nuovo disco.
Dato che mi parli di artiste donne
posso dirti dei nomi di artiste senza
le quali non avrei imbracciato
la chitarra e imparato a suonare.
PJ Harvey, Janis Joplin e come
nostrane Carmen Consoli. Ti
rispondo così di botto perché
tra due minuti mi verranno in
mente cento nomi e mi mangerò
le mani ahahah. Solitamente
quando compongo non ascolto
musica di proposito per evitare
influenze, ma sicuramente un’artista
donna che mi ha fatto appassionare
all’elettronica è
Grimes.
Fabio Alcini
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ALFONSO
Accompagnato dalla sua inseparabile chitarra “Brigida”, arriva
al debutto il giovane cantautore di Lodi con un concept album dal
titolo “1 kg di problemi e due etti di insalata”
Ci vuoi raccontare la tua storia?
La mia esperienza iniziò circa
quattro anni fa, dopo essermi licenziato
da un postaccio presi la
mia liquidazione e andai diretto in
un negozio di strumenti musicali,
avevo voglia di imparare a suonare
la chitarra, in un nanosecondo
mi innamorai di una Epiphone
dove-pro, venne a casa con me e la
chiamai “Brigida”; Da quel giorno
posso dire di aver iniziato a essere
Alfonso. Portavo sempre un quadernino
appresso dove annotavo
qualsiasi cosa, in una maniera
maniacale mi ritrovavo a descrivere
qualsiasi situazione: il mio stato
d’animo, le mie perplessità e qualche
ricordo… Presero vita così le
prime canzoni. Di sicuro prevalse
la voglia di esprimermi come volevo
io.
“1 kg di problemi e 2 etti di insalata”
è un concept: qual è l’ispirazione
alla base del disco?
“In un mondo preconfezionato
dove il prodotto perfetto si trova
in prima fila sullo scaffale, io sono
uno di quelli che sceglie il prodotto
finito in fondo perché non lo
ha ancora toccato nessuno, sono
proprio io quel prodotto. Scartato,
schiacciato, quello dietro agli
altri. 1 kg di problemi e due etti di
insalata parla di tutto quello che
si vede da quaggiù per ricordarvi
che la vita da imperfetti è quella
che vi portate
a casa ogni volta
che scegliete di
essere voi stessi”.
Queste sono le parole
che ho scelto
per descrivere il
lavoro svolto finora,
il titolo e il
senso di tutto l’ho
realizzato il giorno
dello shooting
fotografico per la
copertina del cd.
Avevo in mente
qualcosa ma ero
molto indeciso perché cercavo un
titolo che con poche lettere potesse
descrivere al meglio 30 minuti
di musica, e se ci pensate non è
per niente facile! Per la copertina
avevo questa malsana idea di
mettere il mio testone in un contenitore
per alimentari, brutto e
impacchettato stando li a guardare
il coltello che da lì a breve mi
avrebbe fatto a pezzetti… Ok detto
così non si capisce molto, ma
il senso di questa immagine nella
mia mente è che per me la musica
(intesa come entità paranormale)
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è qualcosa di veramente sacro, la
puoi studiare una vita e darle tutte
le forme che vuoi ma non riuscirai
mai a dominarla, nonostante questo,
secondo me la musica viene
trattata male, anzi quasi data per
scontata proprio come un prodotto
del supermercato che dove vai
trovi sempre, per questo motivo
mi sono infilato in un contenitore
per alimenti aspettando la mia
fine, dentro quel contenitore c’è
Alfonso, un ragazzo che dai per
scontato, imperfetto ma che ha
tanto da dire…
Hai scelto un registro ora ironico
ora amaro per le tue canzoni.
Ma dietro quella maschera lì, veramente,
che tipo sei?
Ciao, mi chiamo Valerio Alfonso
Savini nato a Codogno il
05/06/1994, sono daltonico, ho la
“R” moscia e da che ho memoria
scrivo con la mano sinistra, però
non suono come Jimi Hendrix,
bensì come tutti i destrorsi. Scusa-
mi, adoro avere due identità, una
delle cose più belle è avere la possibilità
di indossare una maschera
prima di salire sul palco e (passami
il termine) avere “carta bianca”
per potersi esprimere nel modo
che si ritiene più opportuno. Mi
dicono che questa cosa è tipica dei
“Gemelli”, bene! è il mio segno zodiacale
preferito :)
“Son contento” è una canzone
basata sui contrasti e sulle aspettative
(social) tradite. Come nasce
la canzone?
La storia di questa canzone è molto
particolare, per quel che mi
riguarda è un chiaro attacco alla
mia personalità, nonostante
le difficoltà che si possono
trovare tutti i giorni, pur
dormendo su un pavimento
perché non avevo più un tetto
sopra la testa ero felice. La felicità
in questione si riduceva
a essere al passo con le tecnologie
o il semplice apparire,
tralasciando gli optional più
importanti e con delle radici
molto significative, come una
casa…
Chiudo domandandoti tre
nomi imprescindibili per la tua
crescita musicale
Guarda, mentre in casa si ascoltavano
i grandi della musica italiana,
il mio primo amore fu il
punk americano. Questo non vuol
dire che ho distrutto i dischi di
mio padre (anche se nei testi dei
gruppi che ascoltavo ci si andava
vicino), anzi piano piano mi sono
avvicinato alla musica italiana, la
amo ogni giorno. Più che nomi di
artisti ti darei tre titoli di album
che mi hanno davvero lasciato
senza respiro. Nero a metà - Pino
Daniele , Dalla - Lucio Dalla e Artide
Antartide di Renato Zero.
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ME, PEK & BARBA
La folk band di Parma ha appena celebrato i quindici anni di attività e ha
pubblicato da poco l’album “Vincanti”, dedicato al vino e ricco di ospiti
“Vincanti” è un concept album
sul vino. Che cosa vi ha convinto
a pubblicare un disco così “alcolico”?
L’idea è nata coltivando la vite.
Federico, nostro fisarmonicista
e autore insieme a Sandro delle
canzoni, qualche anno fa, ha
proposto allo zoccolo duro del
gruppo di aiutarlo nell’impianto
e nella coltivazione di un nuovo
vigneto. Questa esperienza ci ha
insegnato tante cose: la fatica del
lavorare la terra, la gioia della vendemmia
e anche la delusione che
giunge quando purtroppo la pianta
si ammala e il raccolto viene
compromesso. Questa esperienza
di vita, oltre ovviamente al fatto
che amiamo bere buon vino, ci ha
spinti a scrivere “Vincanti”.
La produzione del disco è firmata
da Elisa Minari, che oltre
a essere una musicista esperta
è parte della band dal 2015. In
un mondo, come quello della
produzione, dominato dai nomi
maschili, finalmente una novità
significativa, va detto. Com’è stato
per Elisa lavorare sul disco in
questa doppia veste?
E’ stata un’esperienza impegnativa
e appagante per me, che ho
sempre privilegiato le situazioni
che permettessero di lavorare
con la musica in modo personale
e creativo. Inoltre la proposta di
seguire la produzione di Vincanti
è arrivata al momento giusto,
fresca com’ero di esperienze
e mansioni simili a quello che mi
veniva richiesto. Nel caso dei Me
Pek e Barba la complessità è data
dal numero di strumenti e musicisti
da gestire, ma allo stesso
tempo questo prezioso organico
ha consentito di sviluppare al meglio
armonie e arrangiamenti. Il
fatto di essere anche componente
del gruppo serve perché si conoscono
le caratteristiche dei propri
compagni di viaggio, e io credo
sia fondamentale sfruttare le caratteristiche
di ogni musicista. Sì,
è prettamente ancora un mondo
maschile quello della produzione,
ho testato personalmente la cosa.
Te ne accorgi dall’atteggiamento
che gli addetti ai lavori hanno nei
tuoi confronti, a volte basta una
frase, o avvertire la difficoltà di
un uomo che deve fare quello che
gli chiede una donna in regia. Al
contrario in questo gruppo non
c’è stato nulla di tutto ciò, c’è stato
molto rispetto per i reciproci ruoli,
cosa non scontata da trovare!
Sono numerosi gli ospiti del disco
(c’è anche un winemaker…):
potete spendere qualche parola
per ognuno di loro?
Con piacere. Omar Pedrini: Sandro
era rimasto colpito qualche
anno fa da un’intervista nella quale
Omar raccontava della nuova
vita, iniziata a seguito del primo
importante intervento chirurgico
subito al cuore; in sostanza, diceva
che era comunque felice perché
i medici gli avevano comunicato
che avrebbe potuto continuare
con una delle sue grandi passioni,
ossia bere, con moderazione,
buon vino. Un’esperienza musi-
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cale ci fece incontrare e quando
gli raccontammo del progetto e
gli proponemmo di scrivere un
testo, accettò subito con entusiasmo
e di seguito venne in studio a
fare le seconde voci. E’ un grande!
Roberto Cipresso: E’ un winemaker
di fama mondiale. Da un suo
racconto dedicato al vino Madeira,
Sandro ha preso ispirazione
per scrivere il testo della canzone
“Saudade”. Digitando il suo nome
su Google scoprimmo che è anche
un appassionato di musica e chitarrista.
Gli scrivemmo una mail
raccontando del progetto e della
canzone e lo invitammo a suonare
la chitarra come ospite del brano.
Tra un viaggio e l’altro per vigneti
sparsi in mezzo mondo, passò
dallo studio di registrazione, non
portando con se la chitarra, bensì
una borsa in pelle piena di armoniche,
che poi suonò divinamente
all’interno del pezzo! Andrea Grignaffini:
condirettore di “Spirito
di vino” e curatore della guida vini
della rivista L’Espresso, parmigiano
DOC, ci ha onorati del dono di
una prefazione con la quale si apre
il libretto del nostro cd. Marino
Severini: Cantante dei Gang ci ha
scritto un bellissimo racconto che
ripercorre la lunga storia del vino
nelle diverse culture, contenuto
sempre all’interno del booklet
che accompagna il cd. Siamo suoi
grandi fan. Nel precedente album
dal titolo CartaCanta, pubblicato
nel 2015 e interamente dedicato ai
libri, fu ospite nella canzone “La
Tigre d’Ogliastra” ispirata dal libro
“Memorie del vuoto” di Marcello
Fois. Gli ospiti musicali sono stati
Rocco Rosignoli che ha suonato il
mandolino nella canzone Riempi
la tua testa di vino e Davide Guiso
che ha suonato le launeddas
ne i brani Vitalia e Filastrocca. In
quest’ultimo brano ha curato la
parte musicale cantata in lingua
sarda. Poi ci sono tutti gli ospiti di
Filastrocca.
“Filastrocca”, che avete scelto anche
per il video, mescola dialetti
e interventi: come nasce il brano?
Il brano nasce dall’idea che i vini,
come i dialetti, essendo così diversi
tra loro da zona a zona, da
regione a regione siano un importantissimo
patrimonio della
nostra bella Italia. Abbiamo così
ideato una filastrocca cantata da
Michela in italiano e da Sandro
nel nostro dialetto, inviata poi ad
alcuni amici per chiedere loro di
cantarla ed elaborarla nel rispettivo
dialetto, o per meglio dire:
in alcuni casi una vera e propria
lingua. Gigi Sanna degli Istentales
in lingua sarda, Franco Giordani
(chiamato il Mé, Pék e Barba in
Friuli) in lingua friulana, Puccia
degli Aprés la Classe in lingua salentina,
Dario Canossi dei Luf in
lingua camuna.
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SETTI
“Arto” è il successore di “Ahilui”: costellato da numerose collaborazioni,
nasce a distanza di quasi quattro anni dal disco precedente ed è un
condensato di quattro anni di scrittura paziente e non semplice
Hai lavorato quattro anni al disco
e, se capisco bene, non sono
stati quattro anni facili...
La lavorazione del disco è durata
quattro anni per varie ragioni.
In ogni caso sono contento delle
canzoni che sono finite nel disco
(ne ho scartate moltissime), di
come lo abbiamo realizzato e delle
persone che mi hanno aiutato a
farlo. E’ stato a tutti gli effetti un
lavoro in team. Non è stato facile
perché anche il processo di scrittura
richiede abbastanza scavo
per me, come anche quello di arrangiamento
che ho fatto insieme
a Luca Mazzieri e Luca Lovisetto
che sono stati fondamentali per
ottenere il risultato che cercavo.
Sono stati difficili ma è stato un
bene. Mi piacciono le sfide stimolanti,
il difficile è stato arrivare a
cose semplici. Poi ci sono aspetti
della vita che non riguardano di-
rettamente la musica che hanno
altri livelli e tipologie di difficoltà,
conciliare la passione col lavoro e
gli altri impegni. In ogni caso amo
molto anche la parte di home recording,
quindi sono usciti svariati
ep non ufficiali nel frattempo e
penso ne usciranno altri.
L’album non è un concept, tuttavia
sono piuttosto evidenti alcuni
temi di fondo che uniscono
le canzoni. Per esempio da dove
nasce il lato “americano”?
Non è un concept perché non è
nato come tale in effetti. Le canzoni
sono state scritte indipendentemente
e poi si sono messe
insieme da sole. Sono una strana
comitiva queste canzoni ma per
me hanno una loro compattezza
insieme, sono una squadra. Non
ci ho mai riflettuto sulla ragione
del lato americano ma penso che
derivi dall’immaginario delle opere
letterarie, cinematografiche,
musicali che amo. Probabilmente
ha influenzato la mia immaginazione.
Poi l’Emilia, in cui vivo, mi
fa pensare a tratti ad alcuni paesaggi
americani. Il Po è una specie
di piccolo Mississipi, i campi
sono piccole praterie. Secondo
una visione molto astratta e personale.
Lo trovo anche gotico a
suo modo. A volte ho detto che
è una visione salgariana perché
parlo di posti in cui non sono mai
stato e li uso per raccontare altro.
Ci saranno di certo dei fili rossi,
oltre alla mia visione delle cose,
ma al momento penso ancora di
essere nel labirinto. E’ un viaggio
che vorrei fare con chi ascolta, ci
penserò. I titoli con gli Stati Americani
li ho usati da quando ho
iniziato nel 2008 più o meno, era
un omaggio al progetto di Sufjan
Stevens, che amo molto. Poi è diventato
un gioco tutto mio, un
confine fatto a tavolino.
L’album è dedicato ad Arto
Lindsay e nell’arco del disco citi
altri artisti e band, ma qual è
stato il disco che hai ascoltato di
più mentre lavoravi al disco?
L’album si chiama Arto per molte
ragioni diverse. Tra queste il fatto
che era il titolo di lavorazione
e non ho trovato un’altra parola
che lo rappresentasse meglio. Non
posso dire che sia dedicato ad
Arto Lindsay, ma lo amo molto,
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in particolare il pezzo Simply are.
È una delle mie canzoni preferite:
cercare di fare cose che “semplicemente
sono” poi mi sembra
un buon metodo. Detto questo
ascolto davvero molte cose, sono
piuttosto curioso e ho molti amici
che mi consigliano. Quando
scrivo e registro in realtà cerco di
non ascoltare molto per non essere
troppo influenzato ma penso
che qualcosa defluisca nei pezzi.
Ho ascoltato molti dischi e canzoni
ma non uno in particolare,
anche perché la lavorazione è stata
molto lunga. Forse l’unico pezzo
in cui ho cercato di catturare
il mood di un gruppo filtrandolo
nel mio modo e immaginario è
stato Woods che è nato in qualche
minuto e racconta una storia vera,
quasi una cronaca di un concerto
a cui non sono riuscito ad arrivare.
Per farlo ho ascoltato molto
i dischi dei Woods ovviamente,
in particolare era appena uscito
il bellissimo City Sun Eater in the
River of Light. Poi mi avevano regalato
l’ultimo disco di Devendra
Bahart. Ho ascoltato moltissimo II
dei Wolther Goes Stranger, Vacation
dei Baseball Gregg, Everyday
Robots di Damon Albarn, i dischi
dei The Drums, quelli di Arthur
Russell, quelli di John Grant i singoli
della Sarah Records, Durante
un assedio degli Havah. I R.E.M. e
Beck li ascolto molto spesso. Così
come Conte e Battiato. Forse quello
che ho sentito di più in quel periodo
è stato Carrie and Lowell di
Sufjan Stevens, che penso sia davvero
un capolavoro, ma non credo
abbia influito sul disco.
Hai suonato un po’ ovunque,
compresa una cella frigorifera...
Quello nel frigo è stata una delle
cose più belle che mi siano capitate.
Diciamo che il mio modo di
fare le cose è questo: guardo quello
che ho a disposizione e mi chiedo
“che cosa potrei fare di bello e
stimolante qui? Che cosa mi piacerebbe
fare?”. Quindi parto dalla
realtà e cerco di pensare a cose
che mi piacciono e che reputo belle.
Per i concerti ad personam nel
frigo mi aveva invitato Alessandro
Formigoni a suonare nella sua
galleria Hiro Proshu. La galleria
era una vecchia macelleria con un
frigo in muratura, con un’acustica
bellissima. Ho fatto un sopralluogo
e ho pensato: “io sto nel frigo,
entra una persona alla volta e faccio
un pezzo soltanto a lei, soltanto
noi due”. Fare un pezzo a una
persona guardandola in faccia,
isolati dal resto, penso sia la vera
essenza di quello che cerco di fare.
Poi c’era anche il lato ironico di
fare una performance à la Marina
Abramovich, in una galleria, ma
senza pubblico. E’ stato davvero
molto intenso, mi è piaciuto davvero
molto farlo.
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25

JOCELYN
PULSAR
Provocatorio fin dal titolo,
“Contro i giovani” è il nuovo album
del cantautore romagnolo che ha
all’attivo quindici anni di carriera.
E che ha ancora qualche sassolino
nelle scarpe da levarsi, qui e là
Direi che il titolo, paradossale e
ironico, meriti una spiegazione.
Perché “Contro i giovani”?
“Contro i giovani” è naturalmente
una provocazione data dal fatto
che tutto ciò che esce sul mercato
oggi, dalla musica alla televisione,
al cinema, è prevalentemente
destinato a un pubblico di giovanissimi;
nel suo piccolo, questo disco
no: è il disco di un quasi quarantenne
che parla principalmente
ai suoi coetanei, e che ritiene (ma
probabilmente a torto) che i giovani
della sua generazione avessero
qualche risorsa in più rispetto a
quelli di oggi, che sono veramente
facili, troppo facili da “fregare”.
Ci hai messo due anni per finire
questo disco: per un iperproduttivo
come te è tutto sommato anomalo.
Cosa ti ha “frenato”?
È vero, è un tempo atipico per me:
la verità è che le prime quattro canzoni
sono state registrate in un primo
momento, e dovevano uscire in
autonomia, senza un’idea precisa:
volevo forse creare una mia label,
ci avevo anche pensato, ma poi ho
lasciato perdere perché non è cosa
per me. Così ho semplicemente caricato
i pezzi su Youtube, nient’altro;
poi, quest’anno ho avuto nuove
idee, sono tornato a registrare
da Enrico (Berto, del MushRoom
Studio) e ho pensato di creare un
unico disco da queste due sessioni,
così lontane tra di loro. Non è che
si senta poi tanto, in effetti.
C’è chi si spaventa molto di fronte
alla definizione “disco della
maturità”: tu come la vedi?
Ne ho fatti tanti di dischi, quello
della maturità temo sia già passato,
questo è già il disco dell’inizio
del declino: scherzi a parte, la maturità
in sé forse non esiste, si va
sempre un po’ più avanti, dunque
la trovo una definizione discutibile.
E poi, i dischi d’esordio di solito
sono i migliori, proprio perché
immaturi.
Ho trovato particolarmente
“vera” (e amara) “Bangladesh”:
come nasce?
“Bangladesh” è una canzone che
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pur parlando, unica nel disco, di
musica indipendente in senso
stretto, rimane comunque fedele
al clima generale: ovvero, il tema
è il suonare in giro, con gli anni
che passano, quando diventa sempre
più difficile, con la famiglia, il
lavoro il giorno dopo. È una canzone
che piace molto anche a me,
un po’ amara, e che riserva alla
fine una benevola (ma mica tanto)
tirata d’orecchie alla stampa musicale
“specializzata”.
Domanda da “veterano” del settore:
che cosa ti piace di più e che
cosa ti piace di meno della scena
(scena?) indipendente italiana?
Fatico a farti dei nomi: il disco
di Calcutta l’ho comprato per esigenze
di copione (vedi il nuovo
videoclip), non mi dispiace ma
nemmeno mi fa impazzire.
Altro non saprei: gli Zen Circus
si sono un po’ incattiviti, inscuriti,
mi convincevano di più prima,
per il resto c’è tanta trap, sono
cose che non seguo, che non mi
interessano. È molto bello il singolo
di Riccardo Sinigallia, lui è
un fuoriclasse.
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RECENSIONI
TURCO, “VIA ROMA”
Turco, cantautrice
e polistrumentista
tarantina,
pubblica Via
Roma. Aperto
da una rumorosa
Intro, il disco inizia in modo
effettivo con Ti vedi, un pop elettronico
dotato di buona eleganza e
morbidezza. Si prosegue con Ansia
che racconta di piccoli disagi
continui. Nella testa si presenta
in modo più inquieto e fervido,
con un lungo ingresso elettronico
che piano piano lascia spazio a
sonorità dance. Treni, molto giocosa
e vivace, è sbilanciata sul lato
pop, con stimmate di freschezza.
Spunti televisivi applicati alla realtà
sono al centro di Ho visto
Laura Palmer, canzone dai ritmi
marcati e di nuovo molto vicina
alla dance. Sharon dice che la
vita è un tropismo evanescente è
uno strumentale delicato ma vivo.
Ogni volta riparte da una struttura
acustica che viaggia a ondate
successive. Eroi vede l’intervento
di Molla, per un pezzo che narra
piccole storie di grandi persone.
Volevo dirti va sul personale ma
non sul melenso: il pezzo anzi è
robusto e ha un drumming martellante.
Si chiude con Buona vita
(per te), pezzo dolce e quasi del
tutto vocale, che rappresenta un
congedo gentile dall’album. Un
disco significativo e talvolta sorprendente,
costellato di canzoni
ben scritte ed eseguite con cura.
GRANDI INSEGNE
IL GRANDE ALLIBRATORE
“AD OGGI MANCANO”
Scarso rispetto per la sintesi e
qualche problema con le d eufoniche.
Ma Grandi insegne il
grande allibratore pubblica Ad
oggi mancano è un disco di notevole
interesse. Si parte da Sottomarino,
tra immagini di autoreclusione
e di soddisfatto odio
per il mondo. Su panorami bdsm
si costruisce una cruda e inquietante
Rossella. Ad oggi manca-
no, la title track, apre acustica ma
raddoppia subito con l’elettricità
e un cantato rabbioso. Parte con
un coretto anche
Camposanto,
che per legge di
contrasto ha un
percorso rock
allegro. Il re
dei topi arriva
da lontano e poi inserisce accordi
acustici su idee folk e indie. Si
va piano con Aria buona, ballata
che parte dalla gentilezza per alzare
la voce. Albero filtra la voce
e organizza una sorta di canzoncina
ottimista, provvedendo poi
a mandare in vacca tutto. Si va
sull’onirico con Una casa tutta
per noi, tra le più malinconiche
del disco, su ritmi rallentati. Neve
parte pesante, con risonanze sinistre
che si sviluppano in un allargamento
vocale che sa di hardcore.
Perderti è stato meglio che
incontrarti è molto più cantautorale
e narrativa, con archi, fiati,
incisi, un’atmosfera da festa triste.
Si chiude con l’eponima Grandi
insegne il grande allibratore, con
la quale si torna all’acustico, per
un’ultima scheggia di tristezza,
condita da particolari reali quasi
alla Carver. Fra problemi di lavoro
e stiratura. Un disco violento, doloroso,
che parla con il tuo fegato
e gli tira dei pugni. Ma come non
se ne sentono tanti.
NODe, “RCADE”
I NODe, acronimo di “Not ordinary,
dead”, pubblicano Rcade. Su
basi elettroniche pure si innestano
elementi spuri provenienti dall’indie,
dal punk, dalla new wave.
We are, we are cala l’ascoltatore
fin dall’immediato in una selva di
suoni elettronici scintillanti. Danny
rules again propone atmosfere
pop con molti synth. Si passa a
elementi giocosi
con S.O.D.A.,
per uno sviluppo
funkeggiante,
tra videogame
e cocktail. Voci
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RECENSIONI
robotiche presiedono We can’t
save the world, today, a cerchi
concentrici. Le citazioni anni Ottanta
sono letterali all’interno di
Wrecked Star. Inizio gentile e sviluppi
ambigui per Precious treasures.
Ritmica continua e oscurità
nel cuore di This human kills.
Tocca poi a Summer of ‘69, ricca
di chitarra ma diretta e semplice.
Theme from “We are, we are”,
ripropone il brano d’apertura con
variazioni. I NODe hanno sviluppato
la propria storia arricchendosi
il suono, fino a risultati barocchi
ma anche molto spassosi.
PIQUED JACKS,
“THE LIVING PAST”
Ne parlano come del “figlio” di
un periodo complicato: i Piqued
Jacks tornano con The Living
Past. Che il disco sia sofferto lo
si capisce subito: Loner vs. Lover
è “dilaniata” tra una prima parte
compatta e una seconda che si
scompone con echi, rimanenze di
sogni e incubi. P.A.I.N.T. è semistrumentale
di raccordo e di resipiscenza.
The Living Past, la title
track, rimette a posto le cose con
un pezzo di rock diretto. Idee melodiche
quelle di Eternal Ride of
a Heartful Mind, che assomiglia
a una ballata. Sogni di distruzione
presiedono a Sublunary, elettrica
e gridata. Dusty
Shelves lascia
molto spazio al
drumming. Si
parlava di dolore
e Being
Hurt affronta
l’argomento in modo diretto. Né si
esce dal discorso con la seguente
Mount Bonnell, che vede il pianoforte
utilizzato accanto alla chitarra
elettrica. Il disco si chiude
con Don’t Hope, Believe, che comincia
piano e poi sbarella. I Piqued
Jacks lavorano bene mettendo
a segno una serie di pezzi che
colpiscono e, a volte, segnano.
VALENTE, “IL BLU DI IERI”
Valente pubblicaIl Blu di ieri. Le
coordinate del nuovo lavoro di
Valente sono il ritorno a un beat
sostenuto e a certe atmosfere elet-
tropop e new wave. Sogni di te
apre, con passi e modi rapidi, il
disco. La rapidità non si smarrisce
con Giardino. “Ci piace veloce,
elettrico” dichiara Volume altissimo,
che ricorre a metafore musicali
per esprimere stati d’animo
piuttosto agitati. Si rallenta con
Un mondo nuovo, in cui il basso
disegna movimenti nervosi. Stai
opta per idee più intime e si dimostra
guizzante. Si torna a correre
e a ballare con Il Blu di Ieri, title
track che spinge l’ascoltatore in
avanti. Più tetra
Arrendersi,
ammantata
di dark wave.
Notti senza
sogni parla di
fiori neri e pietre
umide. L’album si chiude con
una cover di All Cats Are Grey
dei Cure. I suoni della new wave
sono esplorati in tutte le direzioni
e danno vita a un album ispirato e
vibrante.
SINFONICO HONOLULU,
“THOUSAND SOULS OF
REVOLUTION”
Steve Sperguenzie
e i
suoi Sinfonico
Honolulu colpiscono
ancora:
l’orchestra
composta soltanto
da otto ukulele, basso, percussioni
e vocalist pubblica
Thousand Souls of Revolution,
una raccolta di cover provenienti
soprattutto dal post punk e dalla
new wave. Se la copertina omaggia
i Clash di London Calling, nel
disco trovano spazio pezzi come
Personal Jesus dei Depeche
Mode, Killing Moon di Echo &
The Bunnymen, Love Will Tear
Us Apart dei Joy Division, fino
ai PIL, agli Stranglers, ai Cure,
per finire con un remake di Lonely
Boy di Black Keys. Tutto
con il solo aiuto delle corde corte
degli ukelele, per risultati spesso
sorprendenti.
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MEDISON
Nati in Puglia una decina d’anni fa, hanno vissuto molte evoluzioni nella
propria carriera. L’ultima svolta è il nuovo singolo, intitolato “Il tempo
della sera suona in quattro”
Siete una band ma anche una
compagnia teatrale: potete spiegare
questa interazione originale
alla base del vostro gruppo?
Siamo principalmente una band
con la voglia di raccontare delle
storie. Per esempio c’è stato un periodo
in cui abbiamo frequentato
un centro di accoglienza della
nostra città, dove abbiamo stretto
amicizia con alcuni
ragazzi provenienti
dal Pakistan e dal
Gambia con il desiderio
di raccontare
del loro viaggio
fino all’Italia.
Ascoltando le loro
storie ci è venuta
l’idea di raccontarle
sul palco insieme
a loro durante un
concerto, e da lì è
nato uno spettacolo
che abbiamo chiamato
“INdiVISIBI-
LI”. Si tratta in pratica
di un concerto
in cui le canzoni
vengono intervallate
dai racconti di questi ragazzi,
anche nella loro lingua madre, e
dagli interventi emozionanti di
un’attrice e di una ballerina che
spiegano le sensazioni di chi sta
dall’altra parte del mare, ad accogliere
oppure soltanto a guardare.
Come nasce “Il tempo della sera
suona in quattro”?
Di sera, all’aperto, con in braccio
la chitarra, viene spontaneo
suonare un giro di accordi su un
tempo calmo, malinconico e capita
mentre si suona di formulare
pensieri e considerazioni al termine
della giornata. Ci sono sere in
cui ci sfiora il pensiero di chiudere
una storia per darci la possibilità
di andare avanti lasciandoci dietro
il passato. Sicuramente le storie,
non solo quelle d’amore, finiscono
per la mancanza di dialogo:
“tu leggevi senza mai capire e io
leggevo senza leggere - certe cose
le capisci al volo e certi voli non si
come comprenderli” sono le frasi
che frullano in testa in quel momento
in cui si deve prendere una
decisione drastica e quel pensiero
diventa un atto di volontà come
quello di chiudersi una porta alle
spalle. I pensieri e gli accordi si
sono mescolati ed è nata Il tempo
della sera suona in quattro.
Indicate l’incontro con Davide
Pannozzo come decisivo per la
vostra carriera: in che cosa ha
contribuito?
La collaborazione con Davide è
stata preziosa da ogni punto di
vista. L’incontro con una persona
di spessore culturale e morale è
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senza dubbio arricchente, ma qui
si parla di soprattutto musica. La
sua esperienza, il gusto e ovviamente
la sua bravura, hanno dato
ai nostri pezzi un’identità che una
band all’inizio della sua carriera
non trova se non attraverso l’orecchio
di un professionista che
sa guardare alle potenzialità inespresse
dei musicisti mettendole
in luce. La scelta dei suoni e degli
arrangiamenti costituiscono parte
fondamentale dello stile di una
band alla cui formazione Davide
ha contribuito in modo decisivo.
Di che cosa è l’anticipazione il
nuovo singolo? Quali sono i vostri
progetti futuri?
Il nuovo singolo, assieme al precedente
Anche se scorro come il
Tevere, anticipa l’uscita del nostro
disco. Dunque il primo obiettivo
è senz’altro quello di portare
a termine questo lavoro. L’album
conterrà all’incirca una decina di
canzoni. Abbiamo inoltre intenzione
di portare la nostra musica
in tutta Italia e per questo organizzeremo
un piccolo tour per il
prossimo anno che ci permetterà
di ampliare il nostro pubblico, o
almeno così ci auguriamo!
Avete una consistente attività
live alle spalle. Che cosa si può
aspettare chi viene a vedervi dal
vivo?
Riusciamo a fare una decina di
concerti l’anno con a volte un
pubblico di 500 persone quando
siamo in teatro. Chi viene ai nostri
concerti ascolta musica inedita e
poche cover con cui omaggiamo
gli artisti che hanno contribuito
alla nostra formazione musicale
e alle scelte che facciamo rispetto
ai messaggi che vogliamo trasmettere
attraverso i testi. Tutto è
suonato rigorosamente dal vivo,
da musicisti che studiano e lavorano
ogni giorno sul loro strumento.
Non siamo una band da tormentone
estivo o da talent e chi
ci segue lo fa per la ricchezza dei
nostri messaggi e delle storie che
raccontiamo durante i concerti e
che lasciano un segno, invitando a
guardare alla vita con positività e
speranza.
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MASSTANG
A distanza di quattro mesi dal lancio di “Perle Nere” è uscito “Il giorno”,
un nuovo singolo inedito. Quattro chiacchiere con un quartetto molto attento
al concetto di “evoluzione”, anche in campo sonoro
Come nasce il progetto Masstang?
Il progetto Masstang nasce quattro
anni fa, come “evoluzione” del
progetto Swordfish. Abbandonate
le sonorità più ruvide che appartenevano
alla scena crossover di fine
anni ’90, abbiamo cercato di sviluppare
di più la parte elettronica.
Poi con l’ingresso di Mari nella
band si è aperto
tutto il mondo delle
melodie vocali che
prima non utilizzavamo
e quindi molte
alternative in più.
Inoltre la ricerca di
un genere musicale
che in Italia non c’è
o perlomeno non
c’era, ci ha portati a
dove siamo ora.
Mi sembra di capire
che il concetto
di “evoluzione” sia
molto importante
per voi: potete
chiarire il discorso?
Per noi evoluzione
significa essere sempre alla ricerca
di una novità, della sperimentazione
continua. Un progetto musicale
non può rimanere “fisso” su
un modo di suonare o di cantare,
ma, a nostro avviso, deve sempre
mutare e sorprendere, anche se
questo comporta uscire dai confini
di genere. Si sentono in giro
e soprattutto in radio troppe cose
uguali… Cantano tutti allo stesso
modo, ripetono tutti gli stessi concetti,
si vestono tutti uguali… Non
crediamo che in Italia esistano
soltanto questi personaggi e non
crediamo che si debba per forza
fare indie o trap. Evoluzione è anche
superare concetti e avere coraggio
di proporre voci fuori dal
coro.
Coniugate influenze palesemente
anglosassoni con testi in
italiano: qual è il processo di
costruzione alla base dei vostri
brani?
Lavorare sulle strumentali è una
parte fondamentale della nostra
musica, e lo sarà sempre di più,
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infatti il più delle volte la costruzione
dei nostri brani nasce da un
suono o da un beat che poi spira
lo sviluppo della strumentale
e poi del testo. Diciamo la verità
con il genere di musica che facciamo
cantare in inglese è molto
più facile e funziona anche di più
e infatti abbiamo anche dei brani
totalmente in inglese, ma la nostra
idea è quella di far passare alcuni
concetti e visto che viviamo e suoniamo
in Italia abbiamo sempre
dato la precedenza alla nostra lingua.
Come nasce “Il giorno”?
Il Giorno è un brano che è nato
velocemente e di getto, e come
tutte le cose fatte di getto è uscita
particolarmente bene! Ci piace la
notte, ci piace divertirci…
a volte anche oltre i “limiti” e
quindi non è stato difficile riportare
quelle sensazioni da “gior-
no dopo” in un testo. Anche la
strumentale è stata di veloce costruzione…
volevamo un brano
downtempo incalzante che facesse
muovere e così è stato.
Potete citare tre brani fondamentali
per la vostra storia?
Domandina difficile… son tanti
gli artisti che ci ispirano… Sicuramente
i Prodigy e i Pendulum,
Depeche mode, Rudimental,
Chase n Status, Mo, Chemical
Brothers, Subsonica e tanti altri…
Tre brani…
Smack my bitch up > The Prodigy
Waiting all night > Rudimental
Get it right > Diplo

GIUSEPPE VORRO
In attesa di un prossimo ep e anche di un futuro lp, il cantautore pubblica
“I’m here”, singolo e riproposizione della sua “Sono qui”, però cantata in
inglese e da una voce femminile. Per vedere l’effetto che fa
“I’m here” è la versione in inglese
della tua “Sono qui” del 2014:
perché hai deciso di riproporla
ora e perché in questa nuova versione?
E’ da molto tempo che volevo
adattare un mio brano in lingua
inglese e farlo cantare a un’altra
persona. Un modo per uscire fuori
da me stesso e sentire una mia
canzone in terza persona per vedere
l’effetto che fa. Inoltre, questo
è il primo passo per un prossimo
ep di diversi miei brani remixati e
cantati in inglese da un cantante,
a mio avviso, molto bravo non italiano.
Vorrei provare ad affacciarmi
all’estero.
Visto che ora hai sentito un tuo
brano cantato da altri, puoi
raccontarci che effetto fa?
L’effetto è piacevole anche perché
sembra un buon lavoro. E’ come
estraniarsi da sé e ascoltare la canzone
con un altro filtro riuscendo
ad analizzare meglio la parte
melodica, di cui io non sono mai
soddisfatto.
Puoi raccontarci del video?
Il video di “I’m Here” è nato con
l’idea del contrasto buio/luce.
Una lotta tra inferi e paradiso durante
la ricerca di se stessi in un
periodo di profonda crisi personale.
Simone Tarca ha colto l’idea
e l’ha implementata con maestria.
In passato hai collaborato con
Lele Battista: che cosa ti ha lasciato?
Pensi di lavorare ancora
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con lui?
Lele Battista mi ha fatto capire
l’importanza del produttore artistico,
che ha altre orecchie rispetto
all’artista e senza pressioni consiglia
e propone idee nella realizzazione
di un brano. Ovviamente
ci deve essere un’intesa artistica e
una reciproca stima. Sicuramente
ci ritroveremo di nuovo da qui
non molto tempo in là nel suo
studio a Milano.
Nel 2019 è previsto il tuo prossimo
lavoro contenente canzoni
inedite: che cosa ci puoi anticipare
in merito?
Spero che nella seconda parte del
2019 si riesca a produrre un nuovo
disco con nuove canzoni. E sicuramente
Lele sarà della partita.
Vorrei far saltar fuori canzoni azzardate
e adagiate. Difficile e facili.
Veloci e lente. Vorrei non usare
tempi medi.
Puoi dirmi i nomi di tre artisti
che ti hanno influenzato?
Battisti per la maestria delle linee
melodiche e degli arrangiamenti.
Prince per la sua potenza ritmica
e il suo groove sensuale. I Beatles
per gli impasti vocali formidabili
oltre alla forza del loro songwriting.
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TOMMASO TALARICO
Il cantautore di origine calabrese, nato a Catanzaro nel 1974, comincia a
esibirsi nei locali della scena fiorentina fin dal 2006. A fine novembre 2016
esce il video de “Il tempo delle favole”,( con la regia di Claudia Sicuranza e
Vittoria Spaccapietra), pezzo che fa parte dell’album (il primo), intitolato
“Viandanti (canzoni da un tempo distante)”
Che cosa ti ha spinto a raccontare
dei “Viandanti”?
Credo che chiunque scriva canzoni,
su qualunque cosa, parta
dell’esigenza di dire qualcosa, di
raccontare. Non c’è un progetto
organico, almeno nelle intenzioni,
dietro al disco. Quando mi sono
ritrovato con un po’ di materiale,
la scelta è caduta su quei pezzi che
mi pareva fossero legati da un filo
conduttore, ossia delle storie, che
racchiudono anche il mio punto
di vista sul mondo e sulla realtà
circostante. I personaggi delle
canzoni sono tutti “viandanti”,
attraversano il tempo e lo spazio
senza avere più molti punti di riferimento.
Mi interessava raccontare
lo sfilacciamento dei rapporti
interpersonali, dei sentimenti e
delle idee, cui assistiamo oggi. E la
solitudine, anche.
Mi interessa anche il sottotitolo
“Canzoni da un tempo distante”:
che influenza ha avuto il tempo,
in tutte le sue accezioni, sui pezzi
di questo disco?
Alcune di queste canzoni sono
state scritte tempo fa. Credo che le
canzoni siano un po’ come le persone.
Cambiano, soprattutto nella
testa di chi le ha scritte, maturano,
invecchiano. Però non si poteva
aspettare oltre, questo era il
momento giusto per regalare loro
una seconda vita. Detto ciò, credo
che piantino bene i piedi nella
contemporaneità. Se sono arrivate
46 47

fin qui, vuol dire che il tempo non
le ha scalfite. Le ha soltanto rese
più consapevoli.
Perché hai scelto Il tempo delle
favole come singolo e video?
Il tempo delle favole è una canzone
particolare, costruita su un
giro di accordi che si ripete sempre
uguale, pur variando la linea
melodica, e con una miriade di
protagonisti. Semplicemente, non
so perché, ho pensato che sarebbe
stato divertente fare un video
di questo pezzo, e ho immaginato
che si potesse girare in un luogo
semiabbandonato oppure in un
sottopassaggio, uno di quei luoghi
di transito pieni di murales. Credo
di averla sempre ritenuta una canzone
molto “cinematografica”. L’ho
scelta perché mi andava di fare
questa cosa, ecco tutto.
Il disco è a nome tuo ma da
come lo racconti nelle note introduttive
sembra evidente che
sia frutto anche di un lavoro di
squadra: puoi spendere qualche
parola su quello che ti hanno regalato
e hanno regalato al disco i
tuoi collaboratori?
Il disco è a nome mio perché le
canzoni le ho
scritte io. Io ho
scritto il testo
e io la musica,
per cui mi pare
ovvio. Per il resto
credo che
sia abbastanza
raro che un album
di musica
leggera sia frutto
del lavoro di
una sola persona.
La produzione
artistica
è stata fatta da
me e Gianfilippo
Boni, con
un confronto
continuo sugli
arrangiamenti
da scegliere, le soluzioni da adottare,
cosa chiedere ai musicisti che
avrebbero suonato di volta in volta
in ogni pezzo. Poi il sax,e come
viene suonato, dà un certo “colore”
a una canzone, la chitarra bossa
nova un altro, mi pare evidente
che questo produca un effetto decisivo
su “come suona” un disco.
Anche il missaggio, il mastering,
sono passaggi importanti.
Credo che una buona canzone
funzioni bene anche solo con
chitarra e voce, ma l’ apporto di
grandi musicisti ti permette di realizzare
quello che hai in testa.
Per me è stato fondamentale collaborare
con artisti di questo calibro.
Ho imparato molto, tecnicamente
e umanamente.
Mi piacerebbe sapere come nasce
“Storia di Lillo”
Molti anni fa prestai servizio civile
in una comunità per tossicodipendenti.
Durante quell’anno conobbi
molte persone, alcuni mi raccontarono
le loro storie, le loro paure
e fragilità. Storia di Lillo nasce
da quel contesto, molto tempo
dopo.
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FRANCESS
“Follow me”è il nuovo singolo e video della cantante italo-giamaicana, che
ha messo radici a Genova e che si fa apprezzare per la versatilità, come si
può apprezzare nell’ultimo disco “Submerge”
Stai seguendo il ritmo di un disco
ogni due anni, ma il tuo ultimo
disco di inediti era del 2014:
come hai affrontato il lavoro sul
nuovo disco, con quali criteri e
con quale maturità?
Il nuovo disco è nato in modo abbastanza
naturale. Tutto il lavoro
fatto negli ultimi anni mi arricchita
e guidata nella direzione scelta
per creare questi nuovi brani. Ho
acquisito consapevolezza e mi riconosco
sempre di più nel mondo
sonoro che abbiamo creato.
Come nasce “Follow me”, che hai
scelto come nuovo singolo e video?
L’anno scorso ho lavorato a un album
chiamato A Bit of Italiano in
cui ho rivisitato e tradotto canzoni
della tradizione musicale italiana
in inglese. Questa unione culturale
mi ha spinto a scrivere una nuova
canzone che mischiasse le mie
due lingue e quindi i due mondi
che coesistono dentro di me. Follow
me è un invito a seguirmi in
questo incontro.
Le tue radici sono in due continenti,
ma sei legata a Genova
in modo particolare. Che cosa
ti senti di dire a questa città in
questo momento particolare e
che cosa ha regalato a te e alla
50 51

tua carriera?
A Genova ormai ho affondato
una radice. La prima volta che
ho cantato la mia versione di Ma
se ghe pensu di fronte al pubblico
genovese avevo paura. Mettere
mano a una canzone così sentita
è sempre un rischio. Quando ho
cantato l’ultima nota e aperto gli
occhi per osservare la reazione del
pubblico però, ho visto sorrisi ma
soprattutto qualche lacrima. In
quel momento ho capito che era
successo qualcosa di speciale. Insieme
all’orchestra del teatro Carlo
Felice ho avuto l’onore di viverla
e cantarla assieme al pubblico genovese
che mi ha regalato forse le
emozioni più forti che abbia mai
vissuto su un palco fino a ora.
Per quello che è successo non ho
molte parole. Io sono solo una
cantante e quello che posso fare è
continuare a cantare questo inno
con orgoglio ma soprattutto con
tutto il cuore.
Che cosa ti ha portato a scegliere
“The Man I Love” per la cover
che chiude il disco?
Il jazz è sicuramente uno dei generi
musicali che ha influito di
piú sul mio modo di sentire e poi
di fare musica. Dopo aver reso
omaggio alla canzone italiana ho
voluto questa volta attingere dal
mio bagaglio culturale americano.
Quali saranno le prossime tappe
della tua carriera? Che cosa vedi
nel tuo prossimo futuro?
Per me fare musica è una ricerca
costante. Sono pronta a continuare
a sperimentare facendomi guidare
da istinto e passione. Dove
finirò non lo so ma intanto mi
godo il viaggio.

RICCARDO SINIGALLIA
“BELLAMORE”
#quellochesentivo
Bellamore è il singolo che avvia la carriera di Riccardo Sinigallia, uscito
nel 2003 ad anticipare l’album Riccardo Sinigallia, qualche tempo dopo
l’interruzione della collaborazione con i Tiromancino
Amore bello, Bellamore...
Sai bene che il dolore a volte serve,
che può portare in luoghi dove
anche la pace sembra di nuovo
possibile.
E ridi amara
Su un’altra ferita
Che ti ha guarito
Bellamore... so che sai anche che
il passato va lasciato alle spalle,
che le occasioni perse possono
regalare incredibili opportunità
inaspettate lungo la strada, dietro
l’angolo che ancora dobbiamo girare
insieme.
Per ogni occasione
Persa
E camminare insieme a te,
Insieme a te
Bellamore... sai che cambierà, che
camminare insieme sarà la nostra
cura, la medicina contro il tempo
che è trascorso.
E non pensare tutto contro te,
Tutto contro te
Amore che torni allontanando la
pazzia
Bellamore che vai via
Bellamore... infinito come il
mare, sincero come la gratitudine,
profondo come l’estasi della
gioia.
Come un’onda che non ha confini
Provare felicità
Chiara Orsetti
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