PREMIO INTERNACIONAL BICE BUGATTI- GIOVANNI SEGANTINI

Territorios del sur: óleos,
telas y aduanas
Reducirse a la escasa actividad artística de nuestras ciudades, a la nula intención del poder público por generarlas o a los
kilómetros que nos separan de las novedades provenientes de las capitales y desde ahí argumentar que éstas son las razones
que definen los límites de nuestras propuestas, sin duda, sería continuar sosteniendo un discurso tan cuestionable como
anacrónico.
Las pocas posibilidades que ofrecen determinados contextos influyen, es cierto, pero también lo es que, precisamente, esta
condición adversa resulta ser un gran recurso para poner en juego a la hora de accionar y relacionarse con la propia obra y
con la de los demás. De ahí que promover un proyecto de intercambio entre creadores pertenecientes a “las periferias” de
los países que habitan y cuestionar de paso los monopolios centralistas -revitalizando una zona poseedora de un complejo
pasado cultural- haya sido un reto que actualmente cumple satisfactoriamente su cuarto año.
Durante este tiempo, proyecto mARTadero (Cochabamba-Bolivia) y Bice Bugatti Club (Nova Milanese-Italia) responsables
de esta iniciativa, no sólo han logrado la transferencia de más de una treintena de obras provenientes del norte de chile, del
sur de perú, del norte de argentina y del territorio boliviano hasta el país itálico y viceversa, permitiendo la obtención de
galardones y reconocimientos a los participantes del “Premio Internacional Bice Bugatti-Giovanni Segantini”, sino
que además han dejado en manifiesto que el trabajo institucional independiente y colaborativo es la mejor respuesta ante la
desidia existente por parte de la oficialidad cultural. Y es que vincular dos espacios de esta naturaleza a favor de la creación
artística y la gestión intercontinental, sin duda, debería servir como referente a la hora de promover un trabajo con la vista
puesta, tanto en el plano “local” como en el “global”, territorios tan propios de nuestra època.
De este modo y desde un primer año, al que fueron convocados sólo artistas bolivianos, a un segundo y tercero a los que se
sumaron los pertenecientes al “Territorio Cultural- Centros del Sur” 1 , hasta este cuarto en el que se ha optado por extender
invitaciones personales a quienes anteriormente hubiesen obtenido reconocimientos dentro de “La sesión internacional”
del certamen, este proyecto se consolida como una instancia efectiva de conexión e intercambio, demostrado por el flujo
de obras sudamericanas que han cruzado las fronteras, como por la de los artistas italianos que el pasado 2011 fueron
trasladadas para ser expuestas y permanencer aquí.
Ahora bien, podríamos extendernos en los detalles de las múltiples exposiciones, premios, galerías y catálogos en los que
han sido incluidos quienes creyeron como nosotros en una iniciativa de esta magnitud, pero sería acotar demasiado el
horizonte. Por el contrario, destacar de este primer ciclo el valor de una apuesta asumida con responsabilidad tanto por los
artistas como por las instituciones que la sostienen, se hace absolutamente imprescindible. Lo mismo que reconocer como
necesarias las acciones que permitan superar los obstaculos a los que la creación y la gestión se ven enfrentadas a diario.
Finalmente, necesario también se vuelve el hecho de continuar cuestionando las hegemonias culturales propias de las
ciudades referenciales de nuestros paises, con tal de otorgarle una mirada renovada a nuestro contexto y comprender que
en lo creativo, determinado territorio sólo le puede “quedar pequeño” a quien la vida misma le resulta, infructuosamente,
inabarcable.
1
Proyecto mARTadero
Cochabamba, Bolivia, 2012
1 “Territorio Cultural - Centros del Sur” Es una red impulsada desde proyecto mARTadero, que empezó a dar sus
primeros frutos el año 2009. Su intención es la creación de un espacio transfronterizo de centros culturales y artísticos,
pertenencientes al norte argentino, al norte chileno, al sur peruano y al territorio boliviano. Proyecto simbolizado como
la proyección de la estrella del Sur en la Tierra.
PREMIO INTERNACIONAL BICE BUGATTI- GIOVANNI SEGANTINI

Territori del Sud: oli,
tele e dogane
Ridursi alla scarsa attivitá artistica delle nostre cittá, al quasi inesistente interesse del potere pubblico per generare certe
azioni o ai chilometri che ci separano dalle novitá provenienti dalle grandi capitali e, a partire da ció, sostenere che queste
sono le ragioni che definiscono i limiti delle nostre proposte, sarebbe un discorso tanto dubbio, quanto anacronistico.
Le poche possibilitá che offrono determinati contesti incidono, peró é certo che proprio questa condizione avversa
risulta essere una grande risorsa per mettersi in gioco al momento di relazionarsi con la propria opera e con quella altrui.
In questo senso, promuovere un progetto di scambio tra artisti che provengono dalle “periferie” dei paesi in cui vivono e
mettere in discussione i monopolii delle grandi capitali - rivitalizzando una zona con un complesso passato culturale – é
stata una sfida che oggi giunge, con successo, al suo quarto anno di vita.
Durante questo periodo di tempo, il proyecto mARTadero (Cochabamba – Bolivia) e Bice Bugatti Club (Nova Milanese
– Italia), responsabili di questa iniziativa, non solo sono riusciti a presentare in Italia piú di trenta opere - provenienti dal
Nord del Cile, dal Sud del Perú, dal Nord dell’Argentina e dal territorio boliviano e viceversa - , dando la possibilitá ai
partecipanti del “Premio Internazionale Bice Bugatti- Giovanni Segantini” di ricevere riconoscimenti e premi, ma hanno
potuto anche dimostrare che l’azione indipendente e collaborativa é la miglior risposta all’inattivitá delle istituzioni della
cultura ufficiale. In questo modo vincolare due spazi di questa natura a favore della creazione artistica, attraverso la
gestione “intercontinentale”, rappresenta senza dubbio un riferimento per promuovere qualsiasi progetto che mira tanto
al piano “locale” quanto al “globale”, quali territori propri della nostra epoca.
Per la prima edizione sono stati convocati solo artisti boliviani, invece la seconda e la terza sono state aperte ad artisti
appartententi al “Territorio Culturale – Centri del Sud” 2 , mentre per la modalitá della quarta edizione si é deciso di invitare
personalmente alcuni artisti tra coloro che hanno partecipato nel corso dei quattro anni. Questo progetto si é consolidato
come un punto di riferimento per lo scambio artístico e culturale, come dimostrato dal flusso delle opere sudamericane
che hanno attraversato le frontiere per giungere in Italia e dalle opere italiane che nel 2011 sono arrivate ed presentate a
Cochabamba.
Si potrebbe entrare nei dettagli delle svariate esposizioni, premi, gallerie e cataloghi a cui hanno preso parte coloro che
hanno creduto, come noi, in un’iniziativa di queste dimensioni, peró l’importante é sottolineare il valore di una scomessa
intrapresa e portata avanti con responsabilitá, sia da parte degli artisti, che da parte delle istituzioni che la sostengono.
Allo stesso modo é imprescindibile riconoscere como necessarie le azioni che permettono superare gli ostacoli con cui si
devono scontrare la creazione e la gestione culturale quotidianamente.
Infine, é necessario continuare a questionare le egemonie culturali proprie delle cittá di riferimento dei nostri paesi, per
dare una nuova prospettiva al nostro contesto e comprendere che, nell’ambito creativo, un determinato territorio solo puó
“stare stretto” a colui a cui la vita stessa risulta insostenibile.
Consulado de Bolivia
en Bergamo
2
Proyecto mARTadero
Cochabamba, Bolivia, 2012
2 “Territorio Culturale – Centri del Sud” é una rete promossa dal proyecto mARTadero, che inizió a dare i primi frutti
nel 2009. L’idea del progetto é la creazione di uno spazio trasfrontaliero di centri culturali e artistici, appartenenti al
nord argentino, nord cileno, sud peruviano e al territorio boliviano. Il progetto é rappresentato simbolicamente dalla
proiezione dalla costellazione della “Croce del sud” sulla terra.

IDEAS EN MIGRACIÓN
o Territorio Cultural –Centros del Sur: Una región que se
desplaza
“El espacio del artista no está contenido entre los límites del soporte,
sino entre las fronteras de su visión.
Somos del tamaño de lo que vemos,
de lo que podemos ver, de lo que queremos ver”.
3
(Fernando García Barros)
Ampliar la mirada, entonces, resulta clave, superar nuestras propias demarcaciones y aquellas que nos
han sido impuestas. Intentar un nuevo panorama impulsando procesos compartidos que permitan
establecer nuevas lógicas de entendimiento. Hacernos cargo de una lectura individual y a la vez
colectiva de nuestra identidad, a través de un lenguaje reflexivo y propositivo como el artístico. Dejar
de lado las conjeturas y optar por la ejecución. Asumiendo la responsabilidad de saberse parte de un
proceso reconfigurador de lo que hasta entonces, asumimos como “fronteras”.
“Territorio Cultural-Centros del Sur”, es eso, un concepto que persigue ir más allá de las limitaciones
tanto creativas como territoriales, buscando descentralizar el quehacer artístico cultural, concentrado
mayormente en las capitales de los países que lo componen (Bolivia-Chile-Perú-Argentina) a través
de la activación de nuevos nodos neurálgicos, que favorezcan un intercambio artístico a nivel local,
nacional e internacional.
La idea de redes, juega aquí un rol fundamental, en particular la que ha permitido potenciar las
relaciones entre proyecto mARTadero (Cochabamba-Bolivia) y Bice Bugatti Club (Nova Milanese-
Italia). Es por eso que ser participes, por tercer año consecutivo, en la sesión Internacional del
Concurso Bice Bugatti-Giovani Segantini, no viene más que a confirmar el hecho de no haber estado
equivocados al momento de asumir la responsabilidad de ampliar nuestra mirada y la de cada uno de
los creadores que ha sido participe de un proyecto de esta magnitud.
Al igual que entonces, hoy, continuamos completamente convencidos que es posible generar canales
de flujo transfronterizos, dinámicos y participativos que nos permitan ejecutar acciones permanentes
de intercambio, en las que tanto gestores como creadores debamos asumir un compromiso en pro
de la superación definitiva de las demarcaciones que nos reducen. Sin olvidar nunca que es en las
particularidades de cada individuo y del lugar en el que habita, donde mejor podemos reconocer las
complejidades y riquezas de nuestra diversidad.
Proyecto mARTadero
11 de mayo2011
Cochabamba-Bolivia

IDEE IN MIGRAZIONE
o Territorio Culturale – Centri del Sud: una regione in
movimento
“Lo spazio dell’artista non è contenuto dentro i limiti della cornice,
ma tra le frontiere della sua visione.
Siamo della misura di ciò che vediamo,
di ciò che possiamo vedere, di ciò che vogliamo vedere”.
F. García Barros
Ampliare la prospettiva è la chiave, superare i nostri propri limiti e quelli che ci vengono imposti.
Ricercare un nuovo panorama, promuovendo processi condivisi, che consentano di costruire nuove
logiche di comprensione. Supportiamo una lettura individuale e allo stesso tempo collettiva della
nostra identità, attraverso un linguaggio riflessivo e propositivo come quello artistico. Abbandonare
le congetture e optare per l’azione, assumendo la responsabilità di essere parte di un processo di
riconfigurazione di quelle che, fino a questo momento, abbiamo definito “frontiere”.
“Territorio Culturale - Centri del Sud” è un concetto che si ripropone di andare oltre i limiti, tanto
creativi quanto territoriali, cercando di decentralizzare la produzione artistica e culturale - per lo
più concentrata nelle capitali dei paesi inclusi nel progetto “Territori del Sud” (Bolivia-Cile-Perù-
Argentina) - attraverso l’attivazione di nuovi nodi nevralgici, che possano favorire uno scambio
artistico a livello locale, nazionale e internazionale.
L’idea delle “reti” gioca un ruolo fondamentale in questo processo e in particolare ha permesso di
potenziare le relazioni tra il proyecto mARTadero (Cochabamba, Bolivia) e il Bice Bugatti Club (Nova
Milanese, Italia). Per tale motivo partecipare, per il terzo anno consecutivo, nella sezione speciale del
Premio Internazionale Bice Bugatti-Giovanni Segantini, conferma il fatto che non ci siamo sbagliati
nell’intenzione di estendere la nostra visione e quella di ciascuno degli artisti che ha preso parte a un
progetto di tali dimensioni.
Oggi, come quando abbiamo iniziato, siamo convinti che sia possibile generare canali di “flusso
transfrontaliero”, dinamici e partecipativi, che consentano uno scambio permanente, all’interno del
quale sia i gestori che gli artisti assumono l’impegno di superare i confini che ci limitano. Senza
mai dimenticare che proprio nelle peculiarità di ciascun individuo e del luogo dove abita, possiamo
riconoscere la complessità e la ricchezza della nostra diversità.
4
Proyecto mARTadero
Cochabamba, Bolivia, 2011

TEJIDO DE TERRITORIOS
Realizar tejiendo. Tejer para realizarnos: Redes internacionales
hechas de fibras locales
“El ser humano es creativo por naturaleza y así, al crear,
nos creamos a nosotros mismos y creamos el cosmos que nos rodea.
Un cosmos a la vez complejo y esencial, formado unas veces de palabras ininteligibles,
otras veces de referencias sutiles, y otras de imágenes enigmáticas”.
5 5
(F. García Barros)
Crear el mundo re-creándolo. Darle significado re-significándolo. Comprender la profunda y siempre
sorprendente interrelación entre todas las cosas, entre todos los territorios, entre todos los pueblos.
Tomar el riesgo de identificarse a través de la diversidad, y de construir desde la unidad plural algo
nuevo, conjunto, desde ese espacio vacío –susceptible de ser llenado- que aparece siempre en el
medio de dos realidades reclamando atención. Hilvanarlo para después reforzarlo.
Porque ya que realizar significa convertir en realidad algo, y que realizarnos supone también hacernos
más reales, más cercanos al sueño que teníamos de nosotros mismos, el “Territorio Cultural-Centros
del Sur” se va configurando cada vez más como un espacio de tejidos. Tejidos corporales y culturales,
que permitan que la vida fluya a través de la cultura viva, del intercambio abierto, de la creación
permanente. Realizar tejiendo y tejer para realizarnos.
Cuatro años atrás, y a partir de un convenio firmado entre proyecto mARTadero (Cochabamba-
Bolivia) y Bice Bugatti Club (Nova Milanese-Italia), se abrió un espacio para la participación de
artistas del Territorio Cultural Centros del Sur en la sesión Internacional del Concurso Bice Bugatti-
Giovani Segantini. Y cuatro años más tarde, dicha relación italoboliviana a través de proyectos
artísticos e interinstitucionales no hace más que estrecharse, permitir nuevas posibilidades, diluir
viejas fronteras…
Es el espíritu de nuestro tiempo, el genius seculi, el zeitgeist. El intercambio produce nuevos
contenidos, nuevas formas, identidades en permanente y dinámica construcción. Los canales abiertos
en la urdimbre permiten el ir y venir de los hilos de la trama y la progresiva consolidación del tejido,
más firme cuantos más se estrechen sus fibras, y más rico cuanto más locales sean éstas.
Así, tras cuatro años de intercambio nos encontramos felices de haber emprendido este viaje conjunto.
Porque viajar , como bien decía Ortega y Gasset, “no es tan sólo moverse en el espacio… sino más
que eso, es acomodar el espíritu, predisponer el alma y aprender de nuevo”. Descubrirnos a nosotros
mismos re-conociendo y re-significando nuestros territorios –físicos y conceptuales- tal cual son…
con sus fortalezas y debilidades. Porque descubrirse es tanto conocerse como quedar al descubierto.
Una aventura y un peligro, pero sobre todo una necesidad.
Descubrirse tejiendo.
Proyecto mARTadero
Cochabamba, Bolivia, 2012

TESSUTO DI TERRITORI.
Realizzare tessendo. Tessere per realizzarci: Reti
internazionali fatte di fibre locali.
“L’essere umano è creativo per natura e così, nell’atto di creare,
creiamo noi stessi e creiamo il mondo che ci circonda.
Un cosmo complesso ed essenziale al tempo stesso,
formato a volte da parole inintellegibili, altre volte da riferimenti sottili,
e altre ancora da immagini enigmatiche”.
(F. García Barros)
Creare il mondo ri-creandolo. Dargli significato ri-significandolo. Comprendere la profonda e
sorprendente interrelazione tra tutte le cose, tra tutti territori, tra tutti i popoli. Assumere il rischio
di identificarsi attraverso attraverso la diversità e di costruire a partire dall’unità plurale di qualcosa
di nuovo, un insieme, da quello spazio vuoto – soggetto a essere riempito – che appare sempre nel
mezzo di due realtà, richiamando attenzione. Imbastirlo, per rinforzarlo in seguito.
Dato che realizzare significa convertire in realtà qualcosa, e che realizzarci presuppone anche renderci
più reali, più vicini al sogno che abbiamo di noi stessi, il “Territorio Culturale – Centri del Sud” si
configura sempre di più come uno spazio di tessuti. Tessuti corporali e culturali, che permettono
che la vita fluisca attraverso la cultura viva, lo scambio aperto, la creazione permanente. Realizzare
tessendo e tessere per realizzarci.
Quattro anni fa, a partire da un gemellaggio firmato tra il Proyecto mARTadero (Cochabamba-
Bolivia) e il Bice Bugatti Club (Nova Milanese-Italia), si è aperto uno spazio per la partecipazione per
gli artisti del Territorio Culturale – Centri del Sud del Sud nella sezione Internazionale del Premio
Bice Bugatti-Giovanni Segantini. Quattro anni più tardi, questa relazione italo-boliviana, attraverso
i progetti artistici e interinstituzionali, si rafforza, prospettando nuove possibilità, diluiendo vecchie
frontiere..
È lo spirito del nostro tempo, il genius seculi, il zeitgeist. Lo scambio produce nuovi contenuti,
nuove forme, identità in permanente e dinamica costruzione. I canali aperti nel telaio permettono
l’andare e il venire dei fili della trama e la progressiva consolidazione del tessuto, più solido quanto
più si stringono le sue fibre, e più ricco quanto più locali sono queste ultime. Così, dopo quattro anni
scambio, siamo felici di aver intrapreso questo viaggio insieme. Perchè viaggiare, come dicevano bene
Ortega e Gasset, “non è solo muoversi nello spazio…ma molto più che questo, è accomodare lo
spirito, predisporre l’anima e imparare di nuovo”. Scoprire noi stessi riconoscendo e risignificando
i nostri territori – fisici e concettuali – tali quali sono.. con i loro punti di forza e debolezze. Perchè
scoprirsi è tanto conoscersi, quanto “mettersi allo scoperto”. Un’avventura e un pericolo, però
sopratutto una necessità.
Riscoprirsi tessendo.
6
Proyecto mARTadero
Cochabamba, Bolivia, 2012

Alejandro Sejas,”Sangre de Pez II” 2002, 50 x 100 / 100 x 100 / 50 x 100 cm.
7
Curadorías 2009

CUERPO INDIVIDUAL. CUERPO SOCIAL. CONFLICTOS
GENERADORES.
Cuando el cuerpo social se
transforma, se fractura, se re-crea, se
reconoce - al fin - en su complejidad,
nuestro cuerpo individual opta por el
aislamiento, la indiferencia, o la lucha.
El reconocimiento de la complejidad
de las pulsiones personales y sociales
lleva a los artistas a re-presentar
poética, mítica, o íntimamente, esa
realidad en la que viven. Porque el
cuerpo, ya sea individual o social, es
objeto de conocimiento y detonador
del mismo, y las tensiones externas se
acusan tanto en los tejidos corporales
como en los tejidos sociales.
Desgarros. Cirugías. Suturas.
Cicatrices. Vendajes. Tumores.
Gadamer hablaba de la imposibilidad
absoluta de disociar el cuerpo de la vida
3 , un cuerpo sexuado, vulnerable,
soporte y raíz de experiencias universales de dolor, enfrentamiento, flujo, familia, nacimiento y renacimiento...
Interesa, por ello, la relación establecida entre el cuerpo y los discursos, hegemónicos y de resistencia; entre el cuerpo y
lo factual. El cómo se ejercen las relaciones de fuerza, el poder, sobre el cuerpo, en el cuerpo, entre cuerpos. 4
Moisés Anturiano, “Domingo de invierno”, 2009, 1.04 m. x 1.04 m.
Las heridas, acusadas y desveladas por Erika Ewel, hablan –como toda su obra- de la condición
femenina. El fondo poético, trabajado como un imaginario patrón estético, contrasta con la realidad
de los impactos sufridos por el propio cuerpo.
En el caso de Alejandro Sejas, el flujo viscoso de cuerpos y simbólicos peces, alude al fluido seminal,
generador ya sea de vida o placer, en un contexto todavía represivo para la visibilización y el ejercicio
de la sexualidad.
La familia, como entorno que acoge y marca, con miradas fundantes y traumas subyacentes, se presenta
como tema en Moisés Anturiano y en Mónica Murillo. El sombrío, fragmentado y desdibujado
panorama familiar en el primero contrasta con el colorido aunque misógino grupo que la segunda nos
propone. La ausencia, la tensión por la distancia, parece reconstruir un pasado nebuloso que marca
un presente incierto. Y los cuerpos –como las miradas- surgen del ayer buscando algo parecido a un
mañana.
El Marsh, mediante la mirada del arquetípico lustrabotas de La Paz, realiza una cita desde lo
3GADAMER, Hans-Georg, 1998, Philosophie de la santé, Paris, Grasset-Mollat, pp. 82, 83.
4 PENTIMALLI, Michela, 2002, Introducción a “El cuerpo en los imaginarios”, memoria del coloquio del mismo
nombre, La Paz, Espacio patiño, p. 7.
cotidiano, desde lo pop, al Ejército Zapatista de Liberación Nacional de Chiapas, abarcando la realidad
latinoamericana desde su similitud, y tomando la ocultación del rostro como leit motiv ante un poder
indefinido pero lejano. La apropiación poética, local y diminutiva la afronta desde un uso lúdico del
nombre, de los símbolos y de los objetos cotidianos de trabajo, como la cajita de lustrabotas.
La espera del guerrero y la lucha mítica –que recrea el mundo según la simbólica- son contextualizados
por Pablo Villagómez, llevándolos a La Paz. Jugando con sugerencias en nombres, personajes,
tiempos y espacios, cuestiona la autonomía local de la vida frente a la pervivencia cíclica del mito que
nos envuelve.
Por su parte, Daniela Bolívar se centra más en abstraer la división social a una tensa relación entre
iguales, iguales enfrentados por una asimetría basada en escala y posición, y en un fondo incierto y
oscuro.
Con una visión más optimista, Mauricio Sánchez rescata la complejidad que compone el tejido
social, representado por ese collage colorido y caótico, reforzado por el título VIA que es tanto parte
del nombre asignado al país, como la asunción del necesario camino a tomar desde la celebración de
la diversidad.
Fragmentos de visiones, de luchas, de posicionamientos ante una realidad en profundo cambio. Una
realidad que requiere nuevos significados, renovadas miradas y la generación de espacios creativos de
encuentro…como el mARTadero, espacio antes de muerte que ahora proponemos como vivero de
las artes, para el cambio social.
El Director Nacional de Patrimonio del gobierno actual de Bolivia -miembro además de la comunidad
GLBT y conocido Drag Queen- comentaba atinadamente durante un show que toda verdadera revolución,
para serlo, ha de llevar en sí las pequeñas y necesarias revoluciones pendientes.
…y es que en la Bolivia de hoy el cuerpo –individual y social- quiere ser visibilizado, reconocido,
respetado, cuidado, curado, y –sobre todo- querido.
8 9
Fernando García Barros
Director proyecto mARTadero

CORPO INDIVIDUALE. CORPO SOCIALE. CONFLITTI GENERATORI.
Quando il corpo sociale si trasforma, si frattura, si
ri-crea e, in fine, si riconosce nella sua complessità,
il nostro corpo individuale opta per l’isolamento,
l’indifferenza, o la lotta. Il riconoscimento della
complessità delle pulsioni personali e sociali
portano gli artisti a rappresentare poetica/mitica/ o
intimamente quella raltà nella quale vivono.
Perchè il corpo,che sia individuale o sociale, è oggetto
di conoscenza e detonatore della stessa, e le tensioni
esterne si accusano tanto nei tessuti corporei, quanto
nei tessuti sociali.
Sfregi. Chirurgie. Ciccatrici. Bendaggi. Tumori.
Gadamer parlava dell’impossibilità assoluta di dissociare
il corpo dalla vita 5 : un corpo sessuato, vulnerabile,
sostengno e radice di esperienze universali del dolore,
scontro, flusso, famiglia, nascita e rinascita..
Interessa, perciò la relazione stabilita tra il corpo e i
discorsi, egemonici e di resistenza; tra il corpo e il fatto. Il come
vengono esercitate le relazioni di forza, il potere sul corpo, nel
corpo e tra i corpi 6 .
Le ferite, accusate e rivelate da Erika Ewel, parlano -come tutta la sua opera- della condizione
femminile. Il fondo poetico, interpretato come un immaginario patrono estetico, contrasta con la
realtà dei colpi sofferti dal proprio corpo.
Nel caso di Alejandro Sejas, il flusso viscoso dei corpi e di pesci simbolici allude al fluido seminale,
generatore sia della vita che del piacere, in un contesto ancora repressivo per l’esercizio della sessualità.
La famiglia, come ambiente che accoglie e segna, con sguardi di fondo e traumi sottostanti, si presenta
come tema in Moisés Anturiano e in Mónica Murillo. Il cupo e frammentato panorama famigliare
inizialmente del primo artista contrasta con il colorato, benchè misogeno, gruppo che la seconda ci
propone. L’assenza, la tensione per la distanza sembra ricostruire un passato nebbioso che segna un
presente incerto. E i corpi -come gli sguardi- sorgono dallo “ieri”, cercando qualcosa di simile a un
“domani”.
El Marsh, attraverso lo sguardo dell’archetipo lustrascarpe di La Paz, presenta una citazione dal
qutidiano, dal pop, all’Esercito Zapatista di Liberazione Nazionale del Chiapas, interpreta la realtà
latinoamericana dalle sue somiglianze, e prendendo il volto nascosto come leit motiv di fronte a un
potere indefinito però lontano. La appropriazione poetica e locale viene affrontata dall’uso ludico
del nome, dei simboli e degli oggetti quotidiani del lavoro, come la scatola di legno dei lustrascarpe.
5GADAMER, Hans-Georg, 1998, Philosophie de la santé, Paris, Grasset-Mollat, pp. 82, 83.
6PENTIMALLI, Michela, 2002, Introducción a “El cuerpo en los imaginarios”, memoria del coloquio del mismo
nombre, La Paz, Espacio patiño, p. 7.
10
ELMARSH, “Comandante markitos”.
50x70 cm aerografia, mixta, 2009

L’attesa del guerriero e la lotta mitologica -che ricrea il mondo atraverso la simbologia- sono
contestualizzati da Pablo Villagómez, riportandoli a La Paz. Giocando con i suggerimenti di nomi,
personaggi, tempi e spazi mette in discussione l’autonomia locale della vita di fronte alla persistenza
del ciclo del mito che ci avvolge.
Daniela Bolívar si concentra più nell’astrarre la divisione sociale a una tesa relazione tra uguali,
uguali che si scontrano a causa di un’asimmetria su scala e posizione, e in uno sfondo incerto e oscuro.
Con una visione più ottimista Mauricio Sánchez recupera la complessità che compone il tessuto
sociale, rappresentato da questo collage colorato e caotico, rafforzato dai titolo, VIA, che è tanto parte
del nome assegnato al paese Bolivia, quanto l’assunzione del cammino che è necesario intraprendere
dalla celebrazione della diversità.
Frammenti di visioni, di lotte e di posizioni di fronte a una realtà in profondo cambiamento. Una
realtà che richiede nuovi sgnificati, sguardi rinnovati e la creazione di spazi di incontro creativi….
Come il mARTadero, prima un luogo di morte, che ora proponiamo invece come “vivero de las
artes” per il cambio sociale.
Il Direttore Nazionale del Patrimonio dell’attuale Governo in Bolivia -membro inoltre della comunità
GLBT e conosciuta Drag Queen- commentava durante uno show che “ogni vera rivoluzione, per
essere tale, deve portare in sè altre piccole e necessarie rivoluzioni”.
… e nella Bolivia di oggi il corpo -individuale e sociale- vuole essere reso visibile, riconosciuto,
rispettato, curato e –soprattutto- amato.
11
Fernando García Barros
Director proyecto mARTadero

Diego García, “Intención contra el letargo”, 114x79 cm, 2010
12
Curadorías 2010

LA DEFINICIÓN DE LOS LÍMITES Y EL ESPACIO ABIERTO COMO
CAMPOS TERRITORIALES DE ACCIÓN Y REACCIÓN.
El espacio del artista no está contenido
entre los límites del soporte, sino entre
las fronteras de su visión. Somos del
tamaño de lo que vemos, de lo que
podemos ver, de lo que queremos
ver. El nuestro es un spatium 7 creativo
que constituye nuestro verdadero
territorio, un territorio que está,
primordialmente, conformado por
relaciones, y supone por ello un
valioso campo de fuerzas.
Territorio. m. Terreno o lugar concreto, como una cueva, un árbol o
un hormiguero, donde vive un determinado animal, o un grupo de animales
relacionados por vínculos de familia, y que es defendido frente a la invasión de otros
congéneres.
Diccionario de la Real Academia de la Lengua Española
No hay un único mundo, sino muchos mundos, y todos discurren en paralelo,
mundos y antimundos, mundos y sombras de mundos, y cada uno de ellos lo sueña,
lo imagina o escribe alguien en otro mundo.
Paul Auster en Un hombre en la oscuridad
Los guaraníes de nuestras tierras
peregrinan buscando su Yvymarae´ÿ,
la prodigiosa Tierra sin Mal, un “lugar
privilegiado, indestructible, donde la tierra
produce por sí misma sus frutos y donde
no hay muerte” 8 , donde toda semilla
germina y donde los hombres no
pierden la vida. Por ello decimos que el Guaraní “es un pueblo en éxodo, aunque no desenraizado, ya que la
tierra que busca es la que le sirve de base ecológica” 9 Alberto Díaz Parra, “Horizontes Minerales”, 120x120 cm,2010
. Como el artista, que busca provocar no la distracción,
sino una efectiva contextualización en una realidad posible, heterotópica, deseando huir sus raíces en una
tierra que es tiempo y espacio, en un territorio que puede estar aquí mañana o en otro lugar hoy, en
un paraíso que constituye una frágil combinación de tiempo y espacio.
Como tiempo y espacio se entrelazan en un territorio envolvente que los quechuas y aymaras
denominan pachamama, madre tierra, madre tiempo…Con enigmáticos conceptos que la desvelan,
como ñaupi, vocablo que significa paralelamente –espiralmente- el pasado en el tiempo y el futuro en
el espacio…
Nosotros, los artistas y gestores del Territorio Cultural Centros del Sur, reivindicamos ese pasado y
todos los posibles futuros, y hemos optado por la visualización de un paisaje operativo que posibilite
7 Spatium, del latino “estar abierto”
8 Clastres, Heléne en La Tierra sin Mal
9 Melià, Bartomeu, en El Guaraní: Experiencia religiosa
la verdadera sinergia creativa. La asunción de aquellas raíces comunes que permiten alimentar nuestra
profunda interdependencia.
Ese es nuestro territorio de fuerzas posibles, de potenciales de realización, de configuraciones infinitas
en un medio dinámico… En él buscamos, nos perdemos, nos re-encontramos buscando…formas,
conceptos…
Porque el territorio -como el mundose
construye también con palabras.
Palabras que se conforman, se forman y
se deforman según su fluir en el tiempo
y el espacio. Así, en la búsqueda de
Roly Arias, las tipografías evolucionan
orgánicamente, prefigurando siluetas
imprecisas como los recuerdos, que
sólo adquieren presencia al disfrutar de
la propia ausencia de ser. Un territorio
modelado mediante memorias
reconstruidas, frecuentemente reimaginadas.
Y un proceso gráfico que
intenta registrar ese territorio poblado
de emociones que –como afirmaba Roly Arias, “Reflejos y duplicaciones,”140x170 cm, 2009
Stansilavsky- constituyen la verdadera
materia prima del artista. La re-presentación como recurso, la duplicación y el reflejo como figuras
retóricas de una lingüística gráfica… Sensaciones vitales que, como en el trabajo de Ana Marcela
Rebori, constituyen el palpitar sanguinolento y contundente de la vida en un territorio tejido de
horizontes sinuosos, el de esa Argentina del norte que supera las pampas volviéndose andina,
elevándose libre por encima de su lejanía de la capital omnipotente.
Tejidos. Tejidos de tiempo y espacio. Territorios con urdimbre, telar y trama. Franjas textiles de
horizontes minerales, secos, oxidados. Como los capturados por Alberto Díaz Parra con una
abstracción deshabitada, infinita y paralela como las líneas de desierto y mar que dibujan el norte
chileno. Una esencialidad infinita que coloca al ser humano ante su propia finitud, por contraste con
un paisaje inconmensurable que aspira a despertar lo sublime, y que -en la obra de Pablo Forero,
pintada sobre un mosaico de pequeños cubitos blancos y neutros- se enriquece mediante la ironía con
el juego de sugerencias alrededor de la meditación y la plástica.
Traspasar horizontes. Ir más allá, plus ultra. Olvidar rostros, sufrir fronteras, acumular visados y píxeles
borrosos… En el trabajo de Carlos Vargas encontramos de nuevo el juego de la re-presentación
del territorio, interior y exterior. Huyendo de la literalidad y estableciendo sugerentes figuraciones
cruzadas, donde el norte –Madrid- se invierte, y donde la localidad fronteriza de tambo quemado
incendia el soporte, mientras un rostro se pixela enigmáticamente, como el mismo territorio, que sólo
adquiere sentido por quienes viven en él.
Así, ponemos nombre y apellido a los lugares, aceptamos su existencia por ser morada de alguien para
nosotros. Y constituimos axis mundi alrededor de nuestros desplazamientos y sus estabilidades. Ello se
evidencia en la axialidad canónica de la obra de Magenta Murillo, donde el minero –que horadaba
la tierra minándola- constituye ese eje de notable fuerza, pero de impermanente territorio, haciendo
referencia a la trasposición física y productiva de un sector estratégico de la economía boliviana,
relocalizado y reconvertido. La compleja influencia icónica y un marcado talante pop son elegidos
por Marco Vinicio para ponerlos a dialogar en una caja de memoria colectiva que pueda contener
13 14

estilos, referencias y guiños del propio interés del artista. Algo similar encontramos en la más intimista
propuesta de Anuar Elías, de sugerente título Mors Ultima Ratio, que recoge la afirmación latina y el
tradicional género vanitas medieval y barroco, llevado a una reinterpretación personal en un escenario
vital emplazado por la única verdad: su finitud. El cierto final de un camino que da sentido al mismo,
que empuja a la intensidad, al carpe diem que nos hace ser uno con el mismo espacio y territorio que
nos envuelve.
Y es esa vida efímera la que pone en juego, dentro de este territorio, Iván Cáceres, dibujando
entornos antropométricos alrededor del jazz en acción, envolviendo a la figura con sencillos trazos
de tinta china de enorme potencia expresiva, recordando por su dinamismo a los experimentos del
ballet triádico de Schlemmer en la Bauhaus.
Más abstractas son las aproximaciones de Marcelo Montaño y su estruendo -una sugerente descarga
de energía telúrica de incandescencia volcánica- y de Diego García y su intención contra el letargo, un
ejercicio onírico y surrealista que adquiere –con hallazgos propios y sugerencias de Dalí y Bacon- un
dominio del territorio de los sueños poblándolo de símbolos personales.
Así es. Los territorios son multidimensionales, y cada dimensión tiene múltiples posibles territorios…
Porque hay muchos mundos que están en éste, como diría Paul Valery, y las hibridaciones, mestizajes
y superposiciones generan posibilidades de combinaciones infinitas: topologías alteradas, complejas,
que resultan –como en la obra de Alejandra Alarcón- sorprendentes y enigmáticas, remitiéndonos
al territorio del cuerpo, de los cuerpos, de las sugerencias simbólicas y psicoanalíticas que tienen base
en él, en sus pulsiones más atávicas.
Y porque Bolivia se mueve, hoy en día –y como sus artistas intuyen en las obras aquí presentadas-
entre la resignificación de un pasado ya agotado, la búsqueda de nuevos sentidos emergentes, o la
huida de una realidad complicada a través del viaje, del sueño, o de la imaginación. Todo ello en un
territorio que, como en el caso de la propuesta de Julio César Soria, de Perú, sorprende por la fuerza
de la materia primigenia que lo conforma, y que percibimos sólo por pequeños rasgos esenciales.
Y, como en un iceberg, sabemos que lo mejor –probablemente la fuerza creativa que transforma el
mundo y la sociedad- está todavía sumergido, y necesitamos una fuerza proporcional que –a través de
nexos, formación, posibilidades, conexiones, etc- logre hacerlo emerger.
Y es en ese contexto que el norte argentino, el norte chileno, el sur Bolivia y el de Perú intentan
estructurar este territorio cultural desde un mismo espíritu, un genius loci que les permita adaptarse a un
contexto interdependiente, voluntaria y progresivamente construido, orientando nuestro propio eje
de coordenadas para generar un verdadero espacio abierto, inspirado por los principios del proyecto
mARTadero de innovación, investigación, experimentación, rigor conceptual y formal, integración,
intercambio e interculturalidad. Ese es nuestro deseo.
15
Fernando García Barros
Director proyecto mARTadero

LA DEFINIZIONE DEI LIMITI E LO SPAZIO APERTO COME I
CAMPI TERRITORIALI DELL’AZIONE E DELLA REAZIONE.
scorrono in parallelo, mondi e antimondi, mondi e
ombre, e ciascuno di essi sogna, immagina o scrive
di qualcuno in un altro mondo.
16
Territorio. m. terreno o luogo concreto, come una
grotta, un albero o un formicaio, dove vive un
determinato animale o un gruppo di animali legati
da vincoli familiari, e che è difeso dall’invasione di
altri della stessa specie.
Dizionario della Reale Accaemia della Lingua Spagnola
Non c’è un solo mondo, ma tanti mondi, e tutti
Paul Auster in Un Uomo nell’oscurtià
Lo spazio dell’artista non è contenuto dentro i limiti della cornice, ma dentro le frontiere della sua
visione. Siamo della misura di ciò che vediamo, di ciò che possiamo vedere, di ciò che vogliamo
vedere. Il nostro è uno spatium 10 creativo che costituisce il nostro vero territorio, un territorio che è
primordialmente, conformato dalle relazioni, motivo per il quale presuppone un importante campo
di forze.
I guaraníes delle nostre terre peregrinano cercando il loro Yvymarae´ÿ, la prodigiosa “Terra senza
Male”, un “luogo privilegiato, indistruttibile, dove la terra produce da sola i suoi frutti e dove non c’è morte” 11 , dove
tutti i semi germinano e dove gli uomini non perdono la vita. Per questo diciamo che i Guaraní “sono
un popolo in esodo, benchè non sradicato, poiché la terra che cerca è quella che serve loro come base ecologica” 12 . Allo
stesso modo l’artista, che cerca di provocare non la distrazione, ma un’effettiva contestualizzazione, in una
realtà possibile, eterotopica 13 , desiderando di sfuggire dalle sue radici in una terra che è tempo e spazio,
in un territorio che può essere qui domani o in un altro luogo oggi, in un paradiso che costituisce una
fragile combinazione di tempo e spazio.
Come tempo e spazio si intrecciano in un territorio avvolgente che i Quechua e gli Aymara chiamano
pachamama, madre terra, madre tempo…con enigmatici concetti che la rivelano, quali il ñaupi, un
termine che significa parallelamente – e con movimento a spirale- il passato nel tempo e il futuro
nello spazio…
Noi, artisti e gestori del Territorio Culturale Centri del Sud, rivendichiamo quel passato e tutti
quei futuri possibili, e abbiamo optato per la visualizzazione di un paesaggio operativo che renda
possibile una vera sinergia creativa. L’assunzione di quelle radici comuni che ci permettono alimentare
la nostra profonda interdipendenza.
Questo è il nostro territorio di forze possibili, di potenziali di realizzazione, di configurazioni infinite
in un ambiente dinamico…In questo perlustriamo, ci perdiamo, ci ri-incontriamo alla ricerca di
forme, concetti..
Il territorio -come il mondo- si costruisce anche con le parole. Parole che si conformano, si formano
10 Spatium, dalla radice latina spa- aprire, distendere, allargare, spalancare.
11 Clastres, Heléne in La Tierra sin Mal.
12 Melià, Bartomeu, in El Guaraní: Experiencia religiosa.
13 Eterotopia è un termine coniato dal filosofo francese Michel Foucault per indicare «quegli spazi che hanno la
particolare caratteristica di essere connessi a tutti gli altri spazi, ma in modo tale da sospendere, neutralizzare o
invertire l’insieme dei rapporti che essi stessi designano, riflettono o rispecchiano».

e si deformano secondo il loro fluire nel tempo e nello spazio. Così nella ricerca di Roly Arias,
le tipografie 14 si evolvono organicamente, prefigurando delle silouette imprecise come i ricordi, che
prendono vita solo nel momento in cui si apprezza l’assenza del loro esistere. Un territorio modellato
attraverso memorie ricostruite, spesso ri-immaginate.
Un processo grafico che cerca di registrare quel territorio popolato di emozioni che – come affermava
Stanislavsky- costituiscono la vera materia prima dell’artista. La ri-presentazione come risorsa, la
duplicazione e il riflesso come figure retoriche di una linguistica grafica.. Sensazioni vitali che,
come nel lavoro di Ana Marcela Rebori, costituiscono il palpitare sanguinante e contundente della
vita nel territorio, tessuto di orizzonti sinuosi, quello del Nord dell’Argentina che supera la Pampa
trasformandosi in Ande, elevandosi libero sulle sue cime lontane dalla capitale onnipotente.
Tessuti. Tessuti di tempo e spazio. Territori con ordito, telaio e trame. Frange tessili di orizzonti
minerali, secchi, ossidati, come quelli catturati da Alberto Díaz Parra attraverso un’astrazione
disabitata, infinita e parallela come le linee del deserto e del mare che disegnano il nord cileno.
Un’essenzialità infinita che colloca l’essere umano di fronte alla sua propria limitatezza, in contrasto
con un paesaggio incommensurabile che tende a risvegliare il sublime, e che –nell’opera di Pablo
Forero, dipinta su un mosaico di piccoli cubi bianchi e neutri- si arricchisce grazie all’ironia con il
gioco di suggerimenti relativi alla meditazione e alla plastica.
Oltrepassare gli orizzonti. Andare più in là, plus ultra. Dimenticare visi, soffrire le frontiere, accumulare
immagini e pixel sfuocati Nel lavoro di Carlos Vargas troviamo di nuovo il gioco della ri-presentazione
del territorio interiore ed esteriore. Sfuggendo dalla letteralità e stabilendo suggestive raffigurazioni
incrociate, dove il nord -Madrid- si inverte, e dove la località di frontiera di Tambo Quemado 15 incendia
il supporto, mentre un viso viene pixelato enigmaticamente, come lo stesso territorio, che acquisisce
un senso solo per coloro che vivono al suo interno.
Così, mettiamo nome e cognome ai luoghi, accettiamo la loro esistenza per il fatto qualcuno ha
posto dei riferimenti per noi. Costituiamo un axis mundi intorno ai nostri spostamenti e ai nostri
stanziamenti. Questo si evidenzia nell’assialità canonica dell’opera di Magenta Murillo, dove
il minatore- che perforava la terra minandola- costituisce un’asse di forza notevole di un territorio
temporaneo, facendo riferimento alla trasposizione fisica e produttiva di un settore strategico per
l’economia boliviana, che viene trasferito e convertito. Una complessa influenza iconica 16 e un forte
carattere pop vengono scelti da Marco Vinicio per metterli a dialogare in una scatola di memoria
collettiva che possa contenere stili, riferimenti e allusioni propri dell’artista. Qualcosa di similare si
può ritrovare nella proposta più intimista di Anuar Elias, dal suggestivo titolo Mors Ultima Ratio,
che raccoglie l’affermazione latina e il tradizionale genere vanitas medioevale e barocco 17 , in una
reinterpretazione personale e in uno scenario della vita che si fonda su un’unica verità: la sua finitezza.
La certezza finale di un cammino che da senso allo stesso, che spinge all’intensità, al carpe diem che ci
fa diventare un tutt’uno con lo stesso territorio e spazio che ci avvolgono.
Ed è quella vita effimera che mette in gioco, all’interno di questo territorio, Iván Cáceres, disegnando
contorni antropomorfi attorno al “jazz in azione”, avvolgendo la figura con tratti di china. Con
14 Tipografia, dal greco τύπος, “impronta” e γράφειν, “scrivere”.
15 Tambo Quemado, città della Bolivia alla frontiera con il Cile, situata nel Dipartimento di La Paz, situata ai piedi
del monte Sajama.
16 Iconico, che concerne l’immagine, che rappresenta per mezzo di immagini realistiche figurativo.
17 Vanitas, in pittura, è una natura morta con elementi simbolici allusivi al tema della caducità della vita. Il nome
deriva dalla frase biblica vanitas vanitatum et omnia vanitas e, come il memento mori, è un ammonimento all’effimera
condizione dell’esistenza.
17

una forte potenza espressiva, ricorda così per la sua dinamicità gli esperimenti del Balletto Triadico di
Schlemmer nella Bauhaus 18 .
L’approccio di Marcelo Montaño è più astratto con il suo “estruendo” (in italiano frastuono)– una
suggestiva scarica di energia tellurica di incandescenza vulcanica- e quello di Diego García e la sua
“intención contra el letargo”, un esercizio onirico e surrealista che acquisisce -con soluzioni proprie e con
suggerimenti di Dalì e Bacon- il dominio del territorio dei sogni, popolandolo di simboli personali.
I territori sono multidimensionali, e ogni dimensione ha molteplici possibili territori.. perché ci sono
molti mondi che vivono all’interno di questo, come direbbe Paul Valery, e gli ibridi, i miscugli e
le sovrapposizioni generano possibilità di combinazioni infinite: topolgie 19 alterate, complesse
che risultano -come nell’opera di Alejandra Alarcón- sorprendenti e enigmatiche, richiamando il
territorio del corpo, dei corpi, delle suggestioni simboliche e psicoanalitiche che trovano base nel
corpo stesso e nelle sue pulsioni ataviche.
Oggi la Bolivia si muove -come i suoi artisti intuiscono nelle opere qui presentate- tra
la riscoperta di un passato già esaurito, la ricerca di nuove sensazioni emergenti, o la fuga da una realtà
complicata, attraverso il viaggio, il sogno o la propria immaginazione. Tutto questo in un territorio
che, come nella proposta di Julio Cesar Soria, del Perù, sorprende per la forza della materia prima
che lo costituisce e che percepiamo solo per brevi tratti essenziali. Come in un iceberg sappiamo che
il meglio- probabilmente la forza creativa che trasforma il mondo e la società- è ancora sommerso e
abbiamo bisogno di una forza proporzionata che -attraverso nessi, formazione, possibilità, connesioni
etc.- riesca a farlo emergere.
In questo contesto nord argentino, nord cileno, sud boliviano e peruviano cercano di strutturare
quel territorio culturale partendo da uno stesso spirito, un genius loci che permetta loro adattarsi a
un contesto interdipendente, costruito volontariamente e in modo progressivo, orientano così il
nostro stesso occhio verso delle coordinate per generare un vero spazio aperto, ispirato ai principi del
proyecto mARTadero di innovazione, investigazione, sperimentazione rigore concettuale e formale,
integrazione, scambio e interculturalità. Questo è il nostro desiderio.
Fernando García Barros
Director proyecto mARTadero
18 Il Balletto Triadico, capolavoro del maestro scenografo Carl Shlemmer, iniziato a Stoccarda nel 1912 in
collaborazione con i ballerini Albert Burgen ed Elza Hotzel. La prima esecuzione del balletto intero avvenne nel 1922,
al Landerstheater di Stoccarda: dodici brani coreografici, in diciotto diversi costumi realizzati con imbottiture, con
forme rigide in cartapesta dipinta a colori o in toni metallici, indossati da due ballerini e una ballerina.
19 Topologia, dal greco τοπος, luogo, e λογος, studio: studio dei luoghi, è una delle più importanti branche della
matematica moderna. Si caratterizza come lo studio delle proprietà delle figure e delle forme che non cambiano quando
viene effettuata una deformazione senza “strappi”, “sovrapposizioni” o “incollature”. Concetti fondamentali come
convergenza, limite, continuità, connessione o compattezza trovano nella topologia la loro migliore formalizzazione.
18

PREMIO BICE BUGATTI - GIOVANNI SEGANTINI 2010
Sección Internacional
Motivaciones del jurado
En nombre de los jurados del de 51° Premio Bugatti Segantini, en primer lugar quiero dar las gracias
a Fernando García Barros, director del proyecto mARTadero y a todos los artistas que, con diferentes
lenguajes y formas expresivas, han querido y han sido capaces, creo, de ponernos en crisis ...
Permítanme abrir una breve introducción, que se vincula al texto curatorial muy denso de Barros, al
presentar las razones de las decisiones de las motivaciones de la elección de los premios a través de
un viaje desde las orígenes y las etimologías de las palabras.
Como decia, nos han puesto en crisis.
Nada preocupante, sin embargo, si pensamos que la palabra crisis, al igual que la palabra crítica, ambos
derivan de krínein, verbo griego que significa elegir.
Esto por decir que, antes de seleccionar a los ganadores, hemos optado por deponer, destituir, o
más bien “olvidar en la memoria”, como dijo un importante artista conceptual, Vicenzo Agnetti, los
criterios habituales de selección y la lectura del arte occidental.
Hemos tenido, y apreciado, probar a entrar en contacto, hablar con las formas, los alfabetos visuales
propuestos por los artistas sudamericanos que han participado al Premio.
Hemos discutido y entendido, una vez más, que la libertad del arte requiere códigos y direcciones.
Sobre todo cuando nuestros ojos se ven obligados a tomar decisiones con respecto a lenguajes que
no entienden de inmediato, o no inmediatamente reconducibles a un panorama iconográfico – y de
contenido – conocido y abitual.
Gracias por la crisis en que nos han obligado, entonces. Una crisis de la que surgieron las decisiones
críticas, como hemos dicho al principio, que demuestran la importancia de estos proyectos,
promoviendo el intercambio cultural.
Estas consideraciones han surgido también las evaluaciones que siguen.
El primer premio fue otorgado a Diego García, un artista de Bolivia, con el trabajo Intención
Contra El Letargo. Un cuadro compuesto, hecho con la superposición y el diálogo entre múltiples
materiales y técnicas que nos han parecidos dominados con sabiduría y experiencia. En términos
de expresión, la obra evoca derivaciones oníricas y surrealistas, de Dalí a Bacon, como ha señalado
acertadamente Barros.
Como cadavre exquis, técnica de composición surrealista de gran éxito, tambien en nivel literario, la
pintura está construida pieza por pieza, aparece a nuestros ojos como la obtención de un sueño al
despertar, cosido por la memoria y los fragmentos de tiempo. Contiene la energía del espacio y la
suspensión del tiempo, elementos que estan a la base del concepto de territorialidad operacional
expresada por el Director del mARTadero. Por lo tanto, hemos pensado que el trabajo podría ser signo
de un camino que se desarrolla a través de las demás obras del proyecto, no solo las seleccionadas,
sino todas, por su validez e intesidad de significados.
El segundo premio ha sido asignado a la obra de abstracción Horizontes Minerales del chileno
Alberto Díaz Parra: si bien ha sido inmediato el enfrentamiento con la experiencia occidental en el
campo del lenguaje no figurativo, tratamos de reflexionar sobre las diferencias y de las operaciones
19

formales que presenta el trabajo. El tema del espacio que surgió de las bandas de tierra de la materia
pictórica, se comunica con el enfoque, con la percepción visual, centro de la investigación suramericana
del siglo de XX hasta el presente, sobrellevando la actualidad de la cuestióm, interpretada de manera
nueva por un artista de la corriente generaciones. El título de la obra, narrativo y evocador en relación
a la elección de las pinturas abstractas, más aún evidencia el contraste e invita a la reflexión.
Hemos premiado con una medalla Roly Arias, con la obra Reflejos y duplicaciones, por la
aparición del problema de los signos y por la calibrada relación entre el elemento de la profundidad
espacial, en la superficie bidimensional del trabajo, y el componente del tiempo necesario para la
visión y la de-codificación de la obra. Aspectos que parecen haber sido tocado en muchas de las obras
propuestas por el proyecto mARTadero.
El tema de la identidad individual y colectiva, expresado a través del lenguaje popular e inmediato,
virado en los tonos del azul y de sus derivados en la obra de Magenta Murillo, Centro y Periferia,
en contraste con las fotografías de Rosa Celorio, artista ecuatoriana no participe del proyecto
mARTadero, donde el tema del marco se vuelve el limite de la expresión de un rostro, jaula y al mismo
tiempo y rejilla interpretativa misma de sus pasiones y esperanzas.
Por eso hemos decidido signalar estos dos artistas, juntos con un tercero, Julio César Soria, cuyo
trabajo, NN de la Concepción, plantea la germinación orgánica a través del abrazo estridente de
materiales pictóricos que reflejan, brillantes, opacos y absorbentes, en un diálogo encaminado entre
potencialidades iconográficas y negaciones de la materia.
Nosotros creemos, pero también nos gusta dudar, haber interpretado así, través de estas elecciones,
el significado del proyecto Territorios del Sur propuesto por mARTadero y aceptado en el marco del
51° Premio Bugatti-Segantini.
Pero sobre todo esperamos, como hemos dicho antes, tener nuevas oportunidades de un diálogo
artístico intercontinental para poder, felizmente y nuevamente, socavar nuestra seguridad, nuestros
parametros de visión y de juicio.
¿No es justamente esto el objetivo del arte?
20
Ilaria Bignotti,
14 de julio de 2010

PREMIO BICE BUGATTI - GIOVANNI SEGANTINI 2010
Sezione Internazionale
Motivazioni della giuria
A nome della Giuria del 51° Premio Bugatti-Segantini, desidero innanzitutto ringraziare il curatore
Fernando García Barros, direttore del progetto mARTadero, e tutti gli artisti che con diversi linguaggi
e forme espressive, hanno saputo e voluto, credo, metterci…in crisi.
Mi sia permesso aprire una breve parentesi introduttiva, che ben si apparenta al denso testo curatoriale
di Barros, introducendo le motivazioni delle scelte, dei premi e delle segnalazioni attraverso un
percorso alle origini ed alle etimologie delle parole.
Dicevo, mettere in crisi.
Nulla di preoccupante, tuttavia, se pensiamo che la parola crisi, come la parola critica, derivano
entrambe dal verbo greco krinein, che significa scegliere.
Questo per dire che, prima di selezionare i vincitori, abbiamo dovuto scegliere di deporre, accantonare,
o meglio “dimenticare a memoria”, come disse un nostro importante artista concettuale, Vincenzo
Agnetti, i parametri abituali di selezione e lettura artistiche occidentali.
Abbiamo dovuto, e apprezzato, provare ad entrare in contatto, dialogare con le forme, gli alfabeti
visivi proposti dagli artisti sudamericani che hanno aderito al Premio.
Abbiamo discusso e abbiamo compreso, ancora una volta, che la tanto declamata libertà dell’arte
esige dei codici e delle direzioni.
Soprattutto quando il nostro sguardo è obbligato a operare scelte nei confronti di linguaggi a noi
non immediatamente comprensibili, o non subito riconducibili a un panorama iconografico – e
contenutistico – noti e abituali.
Grazie per la crisi in cui ci avete costretto, dunque. Una crisi da cui sono emerse delle scelte critiche,
come dicevamo all’inizio, che dimostrano l’importanza di questi progetti di scambio culturale da
promuovere e proseguire.
Da queste considerazioni sono anche emerse le valutazioni che seguono.
Il primo premio è stato assegnato a Diego Garcìa, artista boliviano, con l’opera Intención contra
el letargo. Un dipinto composito, realizzato con la sovrapposizione ed il dialogo tra più materiali e
tecniche che ci sono parsi sapientemente padroneggiati. Dal punto di vista espressivo, l’opera rievoca
giustamente atmosfere oniriche e surreali derivazioni, da Dalì a Bacon, come giustamente ha indicato
Barros.
Come un cadavre exquis, tecnica di composizione surrealista di grande successo anche a livello letterario
(1), il dipinto si costruisce pezzo per pezzo, emerge al nostro sguardo come l’addensarsi di un sogno al
risveglio, cucito dalla memoria e dai frammenti del tempo. Contiene l’energia dello spazio e le sospensioni
del tempo, elementi alla base del concetto di territorialità operativa espressi dal curatore di mARTadero.
Abbiamo per questo pensato che l’opera potesse essere vessillo di un percorso che si sviluppa attraverso
gli altri lavori del progetto, non solo i selezionati, ma tutti quanti, perché ciascuno valido e intenso.
21

Il secondo premio è stato assegnato all’opera astratta Horizontes Minerales del cileno Alberto
Diaz Parra: se da un lato è stato immediato il confronto con le esperienze occidentali nel campo
dei linguaggi non figurativi, abbiamo cercato di riflettere sulle differenze operative e formali che
quest’opera ci presenta. Il tema spaziale, emerso dalle bande terrose del materiale pittorico, dialoga
con la messa a fuoco, con la percezione visiva, al centro delle ricerche sudamericane dal Novecento ad
oggi, risollevando l’attualità del problema e la fresca interpretazione datane da un artista delle attuali
generazioni. Il titolo dell’opera, narrativo ed evocativo rispetto alla scelta pittorica astratta, ancor più
fa stridere il contrasto e invita alla riflessione.
Abbiamo premiato con una medaglia Roly Arias, con l’opera Reflejos y duplicaciones, per l’emergere
del problema segnico e per la calibrata relazione tra l’elemento della profondità spaziale, agita sulla
superficie bidimensionale dell’opera, e la componente del tempo necessario alla visione ed alla decodificazione
dell’opera. Aspetti che ci pare siano stati toccati in molte delle opere proposte dal
progetto mARTadero.
Il tema dell’identità individuale e collettiva, espresso attraverso il linguaggio popolare e immediato,
virato nei toni del blu e delle sue derivazioni dell’opera di Magenta Murillo, Centro y Periferia,
contrasta con gli scatti fotografici di Rosa Celorio, artista ecuadoriana non partecipe del progetto
mARTadero, dove il tema della cornice diventa limite dell’espressione di un volto, gabbia e al
contempo griglia interpretativa delle sue passioni e speranze.
Per questo abbiamo deciso di segnalare questi due artisti, unitamente ad un terzo, Julio Cesar Soria,
la cui opera, Concepción de NN, fa emergere germinazioni organiche attraverso lo stridente abbraccio
di materiali pittorici specchianti, rilucenti, assorbenti e opachi, in un dialogo teso tra potenzialità
iconografiche e negazioni materiche.
Crediamo, ma ci piace anche dubitare, di avere interpretato così, attraverso anche queste scelte, il
senso del progetto mARTadero proposto e felicemente accolto nel contesto del 51° Premio Bugatti
Segantini.
Ma soprattutto auspichiamo, come abbiamo detto all’inizio, nuove occasioni di dialogo artistico
intercontinentale per potere, nuovamente e felicemente, mettere in crisi le nostre sicurezze, i nostri
parametri di visione e di giudizio.
Non è forse questo lo scopo dell’arte?
Ilaria Bignotti,
14 luglio 2010
22

Julio Cèsar Soria Justo, “Marea Negra” 1.10 mt. x 1 mt., 2011
23
Curadorías 2011

LOS INVISIBILIZADOS TERRITORIOS DEL SUR: ÓSMOSIS TERRITORIAL DE
IDEAS ENTRE CIUDADES SUPUESTAS Y SUPERPUESTAS
(...) La Ciudad -según sentencian los Filósofos- no es más que una gran casa y, del
mismo modo, la casa no es sino una pequeña Ciudad; (...) […] pertenece al arte, por
tanto, la responsabilidad de construir las cosas con buenos cimientos.
De re aedificatoria. Leon Battista Alberti
“El infierno de los vivos no es algo que será; hay uno, es aquel que existe ya aquí, el
infierno que habitamos todos los días, que formamos estando juntos. Dos maneras hay
de no sufrirlo. La primera es fácil para muchos: aceptar el infierno y volverse parte de
él hasta el punto de no verlo más. La segunda es peligrosa y exige atención y
aprendizaje continuos: buscar y saber reconocer quién y qué, en medio del infierno, no
es infierno, y hacerlo durar, y darle espacio”.
Las ciudades invisibles. Italo Calvino
Los artistas no son un tipo especial
de personas, sino que cada persona
somos un tipo especial de artista,
afirmaba acertadamente la entidad
transpersonal post situacionista Hakim
Bey. El ser humano es creativo por
naturaleza y así, al crear, nos creamos
a nosotros mismos y creamos el
cosmos que nos rodea. Un cosmos a
la vez complejo y esencial, formado
unas veces de palabras ininteligibles,
otras veces de referencias sutiles,
y otras de imágenes enigmáticas.
Signos y símbolos que configuran Rossmary Mamani, “Territorio Libre”, 150 cm x 96 cm, 2011
nuestro tiempo y nuestro espacio de
forma dinámica, en una realidad que se desplaza, buscando continuamente sentido a través de nuevos
horizontes, exteriores e interiores…
Durante este año, decidimos que la Ciudad fuese nuestro espacio de sentido y nuestro territorio
de trabajo en el proyecto mARTadero. No sólo como soporte de las acciones, sino más bien como
objeto mismo de reflexión. Una Ciudad siempre infinitamente soberbia, que creó su propio entorno
naturalmente artificial, pero que se sabe profundamente dependiente y tensionada frente a su
territorio. Un territorio en permanente construcción y resignificación, y constituido por todas las
ciudades posibles, imaginadas, pobladas, y construídas justamente a través de imágenes e imaginarios.
La ciudad es por ello, ante todo y sobre todo, un espacio de expresión y comunicación. Es, a la vez,
contexto, pretexto y texto de nuestras vidas…Un entorno rico de diversidad, de múltiples posibilidades.
Como el tiempo. Como la realidad. Un infinito terreno de juego, cuyos espacios muertos, fisuras,
intersticios, anécdotas, constituyen escenarios útiles para la ensoñación.
Buscabamos así aprender de nuevo a mirar, a reconocer la magia de lo inesperado, de lo posible,
de todo aquello que sorprendentemente se esconde en la rutina diaria, como en esos horizontes
marinos y superpuestos de las obras de Sandra de Berduccy y de Mercedes Ruiz, en esas figuras
fantasmagóricas a la vez familiares y lejanas de Rossmary Mamani y de Gunnar Quispe, en esos
signos encriptados en trazos que se densifican de Roly Arias, Diego García y Julio César Soria, o en
esta dimensión mítica de lo cotidiano representada por Maria Luisa Buccianti, Andrés Justiniano y
Nivardo Torrico.
Hilos de lana, pintura y memoria,
que conectan las diversas propuestas
y que Arianna nos lanza hoy como
ayer, para encontrar la salida del
laberinto. Hebras que salen del
cuerpo femenino de la ciudad y tejen
húmedos oleajes entrelazando técnica
y poesía Palabras y escenarios que
dejan de ser signos para convertirse
en símbolos de una tercera cosa,
que sólo el artista o poeta nombra,
haciéndola más evidente
Esa ciudad que se teme, se vive,
se recuerda…desde el miedo ante
una naturaleza inexplicablemente
implacable, evocada desde esos
títulos que tensionan el espacio
intersticial. Una indefensión que
el salteño Roly Arias experimenta
mientras Afuera está oscuro, cuando
las palabras son trayectorias de luz y protección segura, y que permite levantar un abstracto enredo
de significantes ajenos a los antes todopoderosos significados. Un espacio de pérdida, que Andrés
Justiniano comparte en su Chau, gracias por todo último momento de intimidad y tensión, desde el
pequeño microcosmos limitado por nuestro espacio inmediato, envuelto en un escenario urbano tan
onírico como el momento que vivamos. Un lugar de frustraciones y ausencias representadas en Yo
nunca vi el mar, de la salteña Mercedes Ruiz , con una visión teñida de pop y de lugares comunes, en un
espacio delimitado por la indefinición y la imposibilidad perspéctica. Un campo de dolor, de Cicatrices
que no se borran, que se profundizan con los años y los recuerdos, y que Gunnar Quispe lleva a un
espacio ritual, mágico, atemporal, surcado por la precisión de los trazos y por ese claroscuro interior
que se proyecta en esos párpados cerrados tras una exposición excesiva a zonas de luz. Un sinsentido
impreciso, expresado por esa Marea Negra, de Julio César Soria, claramente emocional, materializado
en una metáfora densa y abstracta sin formas definidas pero espesas de sugerencias.
Esa ciudad que se desea, se sueña, se puebla de historias que quizás nunca sucedieron… pero que
se proyectan con Sandra de Berduccy hacia Ultramar en un sutil tejido de ausencias y de referencias,
entre husos textiles y horarios, teñidos de azul cielo, azul mar, azul recuerdo y blanco de posibilidad y
pureza. Un lejano mar-madre-ciudad, ya que las tres comparten el ser símbolos del cuerpo maternal,
ese que nos acoge exigiendo esa protección y límite, y del que nos despegamos para encontrarnos
con la realidad del Territorio libre, duro “centro” del cuerpo rendido al trabajo metálico y terrestre,
que dimensiona cotidianamente a la persona, como refleja Rossemary Mamani. Una vivencia que en
Fragmentos visuales de Universo, enigmático jeroglífico de universos interiores, poblados de fantásticos
animales y propuesto por Diego García, nos lleva a través de un mapa mental de recorridos íntimos,
susceptibles sólo de Manejo y no de control, como Maria Luisa Buccianti refleja mediante la focalización
cenital en extremidades y en un ovillo que adquiere dimensiones míticas…
24 25
Sandra deBerduccy “ULTRAMAR-k´isa Larama” Dimensiones:
Variables entre 1 metro y 30 cm de alto y 120 cm de ancho, 2011

Foucault se preguntaba si la vida de cada persona no podría ser considerada una obra de arte. Nosotros
creemos que sí, por su carácter procesual y contextual, por su tendencia a lo simbólico y metafórico,
por los hipervínculos que referencian siempre a otro momento, a otro tema… y por tantas cosas.
Y lo urbano es un contexto siempre pertinentemente mítico. Sabemos que creando nos creamos a
nosotros mismos, y nos hacemos mejores personas… De ahí que Baudelaire se preocupase sobre la
ciudad y la condición humana en ella, el estado de esa gente que la puebla. Así, de su opción radical
por la ciudad extraía los elementos necesarios para su creación.
Porque las ciudades no son sino la acumulación de sucesivas capas creativas, vitales… y desde una
perspectiva, es allí donde la vida “tiene lugar”, se estructura, se vuelve geometría… mientras desde
otra, es allí donde la vida “se desarrolla”, activamente, desde la historia macro y micro…
Los artistas de los Centros del Sur sondeamos narrativas cotidianas que cuenten quienes somos.
Exponiendo, nos exponemos y exponemos nuestros territorios, interiores y exteriores, sin
grandilocuencias. Descubrimos en ciudades y regiones deslocalizadas nuestro propio contexto local.
Entendemos por todo ello la Ciudad –construida justamente por esas pequeñas historias- como el
marco principal de creación, permitiendo que se vaya creando ella misma así. Vamos entendiendo
que sus límites son los nuestros, que nosotros mismos los delimitamos. Superarlos, resignificarlos,
reinventarlos es una obligación para “abrir las calles de lo posible contra las direcciones prohibidas”,
como decían en el mayo del 68, para hacer que “el tiempo de las cerezas retorne” y mandar “a la
mierda la felicidad” desabotonando nuestro cerebro…
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Fernando García Barros
Director proyecto mARTadero

GLI INVISIBILI TERRITORI DEL SUD: OSMOSI TERRITORIALE DI IDEE
TRA CITTA’ PRESUPPOSTE E SOVRAPPOSTE
“(…) La Città – secondo alcuni Filosofi – non è altro che una grande casa e,
allo stesso modo, la casa non è altro che una piccola città; (…) […]
appartiene all’arte, perciò, la responsabilità di costruire le cose con buone
fondamenta.”
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De re aedificatoria. Leon Battista Alberti (Trad. libera)
“L’inferno dei viventi non è qualcosa che sarà; se ce n’è uno è quello che è gia
qui, l’inferno che abitiamo tutti i giorni, che formiamo stando insieme. Due
modi ci sono per non soffrirne. Il primo riesce facile a molti: accettare l’inferno
e diventarne parte fino al punto di non vederlo più. Il secondo è rischioso ed
esige attenzione e approfondimento continui: cercare e saper riconoscere chi e
che cosa in mezzo all’inferno, non è inferno, e farlo durare, e dargli spazio.”
Le città invisibili. Italo Calvino
Gli artisti non sono una categoria speciale di persone, ma ogni persona è un tipo speciale di artista,
affermava giustamente l’entità traspersonale post situazionista Hakim Bey. L’essere umano è creativo per
natura e così, nell’atto di creare, creiamo noi stessi e creiamo il mondo che ci circonda. Un cosmo
complesso ed essenziale al tempo stesso, formato a volte da parole inintellegibili, altre volte da riferimenti
sottili, e altre ancora da immagini enigmatiche. Segni e simboli che configurano il nostro tempo
e il nostro spazio in modo dinamico, una realtà che si spande, cercando continuamente un senso
attraverso nuovi orrizzonti, esterni ed interni...
Quest’anno, come Proyecto mARTadero, abbiamo deciso che la Città doveva essere il nostro spazio
e il nostro territorio di lavoro. Non solo come campo d’azione, ma anche come oggetto stesso di
riflessione. Una Città sempre estremamente superba, che ha creato il proprio ambiente naturalmente
artificiale, che però si riconosce profondamente dipendente dal suo territorio. Un territiorio in
permanente costruzione e ridefinizione, costituito da tutte le città possibili, immaginate, popolate e
costruite attraverso immagini e immaginari.
La città perciò è, prima e soprattutto, uno spazio di espressione e comunicazione. Allo stesso tempo è
contesto, pretesto e testo delle nostre vite.. un contesto ricco di diversità, di molteplici possibilità. Come
il tempo. Come la realtà. Un infinito terreno di gioco, i cui spazi morti, fessure, interstizi, aneddoti
costituiscono scenari utili per le fantasie.
Abbiamo quindi cercato di imparare di nuovo ad osservare, a riconoscere la magia dell’inatteso, del
possibile, di tutto ciò che sorprendentemente si nasconde dietro la routine quotidiana, come quegli
orizzonti marini sovrapposti delle opere di Sandra de Berduccy e Mercedes Ruiz, in quelle figure
fantasmagoriche e allo stesso tempo famigliari e lontane di Rossmary Mamani e Gunnar Quispe, in
quei segni criptati nei tratti in cui si concentrano Roly Arias, Diego García e Julio César Soria, o nella
dimensione mitica del quotidiano rappresentata da Maria Luisa Buccianti, Andrés Justiniano e Nivardo
Torrico.
Fili di lana, pittura e memoria, che connettono le diverse proposte e che Arianna ci lancia, oggi come
ieri, per trovare l’uscita del labirinto. Fili che fuoriescono dal corpo femminile della città e tessono
onde intrecciando tecnica e poesia, parole e scenari che smettono di essere solo segni per convertirsi in
simboli di una cosa terza, che solo l’artista o il poeta possono evocare, rendendola evidente.
Quella città che si teme, si vive, si ricorda.. dalla paura di fronte a una natura inspiegabilmente

implacabile, evocada già dai titoli che dilatano lo spazio interstiziale. Una situazione di impotenza
che Roly Arias sperimenta mentre Fuori è buio, quando le parole sono traiettorie di luce e protezione
sicura, che l’autore riesce a subliminare in un astratto intreccio di significazioni aliene a tutti i significati
prestabiliti. Uno spazio di perdita, che Andrés Justiniano condivide nel suo Ciao, grazie di tutto, ultimo
momento di intimità e tensione, dal piccolo microcosmo limitato dal nostro spazio immediato, avvolto
in uno scenario urbano onirico, come il momento che stiamo vivendo. Un luogo di frustrazioni e
assenze rappresentate in Io non ho mai visto il mare, dell’argentina Mercedez Ruiz, con una visione tinta
di pop e di luoghi comuni, in uno spazio delimitato dalla indefinizione e dalla impossibilità prospettica.
Un campo di dolore, di Ciccatrici che non si cancellano, che diventano più profonde con gli anni e i ricordi,
e che Gunnar Quispe riconduce a uno spazio rituale, magico, atemporale, marcato dalla precisione
del tratto e da quel chiaroscuro interiore che si proietta in quelle palpebre chiuse dopo un’eccessiva
esposizione alla luce. Un senza senso impreciso, espresso da quella Marea nera, di Julio César Soria,
chiaramente emozionale, materializzata in una metafora densa e astratta senza forme definite, però
ricche di suggerimenti.
Quella città che si desidera, si sogna, si popola di storie che forse non sono mai accadute… che però si
proiettano con Sandra De Berduccy verso l’Oltremare, in un tessuto sottile di assenze e di riferimenti,
tra fusi tessili e orari, tinti di blu cielo, blu mare, blu ricordo e bianco di possibilità e purezza. Un lontano
mare-madre-città, poichè i tre concetti condividono il fatto di essere simboli di un corpo materno, quello
che ci accoglie dandoci protezione e ponendo un limite, dal quale noi ci distacchiamo per ritrovarci con
la realtà del Territorio libero, la dura rappresentazione della parte centrale di un corpo, arreso al lavoro del
metallo e terreno, che ridimensiona quotidianamente la persona, come riflette Rossemary Mamani.
Un’esperienza che in Frammenti visivi dell’Universo, enigmatico geroglifico di universi interiori, popolati
di animali fantastici, proposto da Diego García, ci conduce attraverso una mappa mentale di percorsi
intimi, sucettibili solo di una Guida e non di un controllo, come Maria Luisa Buccianti rispecchia
mettendo a fuoco l’estremità delle gambe e un gomitolo che assume dimensioni mitiche..
Foucault si domandava se la vita di ogni persona non potesse essere considerata un’opera d’arte. Noi
crediamo di sì, per il suo carattere evolutivo e contestuale, per la sua tendenza al simbolico e alla
metafora, per i collegamenti che sempre rimandano a un altro momento, a un altro tema.. e per molte
altre ragioni. Lo spazio urbano è un contesto sempre opportunamente mitico. Sappiamo che creando,
creiamo noi stesssi, e ci rendiamo delle persone migliori.. per questa ragione Baudlaire si è preoccupato
della città e della condizione umana nella città stessa, lo stato delle persone che la popolano. Per questa
ragione, l’opzione radicale per la quale estraeva dalla città gli elementi necessari per la sua creazione.
Perchè le città non sono altro che l’accumularsi di successivi strati creativi, vitali.. e da una certaprospettiva,
è lì, dove la vita “ha luogo”, si struttura, diventa geometria.. mentre, da un’altra prospettiva, è lì dove la
vita “si sviluppa” attivamente, dalla storia macro e micro..
Gli artisti dei Centri del Sud cercano i racconti quotidiani che narrano chi siamo. Esponendo, ci
esponiamo ed esponiamo i nostri territori, interiori ed esterni, senza ostentazioni. Ci riscopriamo
nelle città e nelle regioni al di fuori del nostro contesto locale. Intendiamo quindi la Città- costruita
proprio da queste piccole storie – come cornice principale di creazione, permettendo che si crei di
per sè. Comprendiamo che i suoi limiti sono i nostri, e che noi stessi li definiamo. Superarli, ridefinirli,
reinventarli è un obbligo per “aprire le strade del possibile contro le direzioni proibite”, come dicevano
nel maggio del ‘68, affinchè “il tempo delle ciliegie ritorni” e “mandare alla merda la felicità”, aprendo
la nostra mente.
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Fernando García Barros
Director proyecto mARTadero

PREMIO BICE BUGATTI - GIOVANNI SEGANTINI 2011
Sección Internacional
Lectura Crítica De Las Obras
Cuando, el año pasado, me pidieron introducir las obras realizadas por los artistas seleccionados
por el Proyecto mARTadero, intenté analizarlas través de una comparación con la inconografía y las
modalidades narrativas occidentales, con el fin de destacar con conciencia los límites que cada uno
de nosotros tiene en la análisis de los lenguajes artísticos que pertenecen a otros ámbitos culturales.
Bolivia, el norte de Argentina, el sur del Perú y el norte del Chile están definidos, en el contexto del
Premio Internazionale Bice Bugatti-Giovanni Segantini –que para el trecer año seguido hospeda
esta importante sección curada por Fernando García Barros- “Territorios del Sur”: moviendo el axis
geografico e histórico, se mueven los parametros culturales y cambian los juicios esteticos.
El año pasado, entonces, marcaba el problema de la “crisis” de lectura de tales obras, comparandolas
con las busquedas artisticas occidentales del XX y XXI siglo: una crisis que hay que entender, ante
que todo, como un “poner en discusión nuestros parametros” frente a los lenguajes bolivianos,
argentinos, chilenos, peruvianos, pero también como necesidad positiva de encontrar campos de
encuentro y diálogo.
Hoy me gustaría empezar desde las reflexiones de Garcia Barros, tituladas “Ideas en migración o
Territorio Cultural –Centros del Sur: una región en movimiento”, en particular entiendo focalizarme sobre el
piensamiento que abre el discurso: “el espacio del artista no está contenido dentro de los limites del marco, sino
entre las fronteras de su visión”.
Observando desde esta perspectiva, las diez obras realizadas por los artistas de la sección “Territorios
del Sur” , hay diez diferentes maneras de contar el espacio: del artista y del hombre que ha realizado la
obra, de la historia y del lugar donde la obra ha sido realizada; el espacio de la visión que se compara
con lo de la creación; en los territorios intersticiales, en el in-between que se posiciona entre lo que
vemos y lo que leemos, es entonces posible identificar esa zona mediana, ese campo inexplorado
donde se encuentran culturas en aparencia diferentes, aterrizando en las islas de la mitología eterna y
de las imágenes arquetípicas.
Es aqui que se forma el concepto de espacio: la raíz “espa-”, como sugiere la etimología del término,
contiene la idea de ampliar, de “ir hacia” y “extender”, de jalar hacia si mismo y romper; espacio
también entendido como lugar o tiempo que se encuentra entre dos términos, espacio como capacidad
de contener objetos y cuerpos. Espacio individual y espacio colectivo. Espacio del cuento y espacio del
silencio. Espacios interiores y espacios exteriores; entre proyección y defensa de los espacios del alma
y del sentir, el artista elige y delimíta su propio espacio de acción, gracias a obras que seria reductivo
fijar en una idea de espacio – o mejor de territorio – generalmente reconducible al Sur America.
Entonces la necesidad de hablar de “Territorios del Sur” a los cuales pueden corresponder diferentes
resultados creativos que nos imponen, ante que todo, hacer espacio a una diferente concepción del
atre, como la que viene de otros continentes, desde tierras lejanas por historia y cultura, por eventos
sociales y políticos.
Hablar de un genérico concepto de “arte suramericana” contemporáneo sería como hablar de una
“arte europea”, sin distinuguir las particularidades y los aportes de cada País. Aunque aparezca
asumida tal especificación, han habido diferentes exposiciones y lecturas que han interpretado de
manera simplista el arte contemporáneo de la America Latina como un arte politica, empreñada
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de ansiedades revolucionarias y inspiraciones rebeldes, caracterizada por la necesidad de comunicar
su propia complejidad mezclando juntos la persistencia de los acontecimientos históricos con los
espacios del sueño y del cuento.
Si bien es cierto que estas pueden ser componentes de la creatividad suramericana es pero necesario
y más interesante probar a leer cada singulo trabajo, empezando tal vez por el concepto mismo de
“espacio”, elaborado por García Barros, con la finalidad de identificar los elementos constitutivos y
fundantes de cada una de las diez obras seleccionadas, en la busqueda de espacios abiertos al diálogo
con el otro, con el espectador, y a la vez de espacios privados, donde queda protegida la historia íntima
e individual del artista.
Las obras del ROLY ARIAS y de JULIO CÈSAR SORIA JUSTO eligen, respectivamente, el signo
y la materia para comunicar, en ambos casos, la sensación ligada a un lugar oscuro. En el trabajo del
argentino Arias, Afuera está oscuro, el espacio se delinea por el contraste entre interior – el lugar íntimo
del sentir, el alma desde la cual se observan las cosas – y exterior –el espacio desconocido y oscuro.
Así también los signos plasticos negros y grises que se destacan como gestos primordiales sobre el
rojo de la superficie indícan, través del contraste entre los diferentes campos, diferentes niveles de
profundidad espacial: afuera es la sombra, el oscuro, tal vez el vacío. El signo sigue el sentimiento, el
gesto repite la emoción del artista que, de hecho, pone en marcha la composición. Íntimo y público,
interior y exterior son remodelados en un líquido amniótico que recuerda una tierra de origen, en la
Marea Negra de Soria Justo.
Tras manchas relucientes y grumos de pintura opacos, las evoluciones elipticas y circulares creadas
por el lenguaje del artista peruviano parecen querer evocar un mundo embrional, o un caos inicial,
que puede ser interior o colectivo. La Marea Negra se descompone y se concentra en el espacio de la
obra y, respecto a la composición construida entre los confines de la tela por Arias, aqui la pintura se
derrite siguiendo más allá, superando los límites de un espacio acuático y arquetípico.
Un espacio que se condensa en los hilos de la lana que compone la obra Ultramar – k’isa Larama de la
boliviana SANDRA DE BERDUCCY. La composición revela una fuerte elevación constructivista:
estructuras cilíndricas de diferentes tamaños y longitudes están yuxtapuestas para crear una escultura
de varias dimensiones. El tejido, hilado y tratado con procedimientos tradicionales, como especifíca
el título de la obra, revela la atención del artista, una mujer, en los espacios íntimos que el trabajo de
tejer reservaba a la esfera feminina: no solo suramericana, sino también occidental y europea.
Entonces bien, ahora contenido en el recuerdo de un trabajo antiguo, el punto de encuentro entre
culturas diferentes, entre espacios de sabiduría, donde la identidad feminina podía reconocerse y
protegerse. La obra cuenta el espacio marino, intentando, en las diferentes gradaciones cromaticas,
trazar la variedad de las olas y de las profundidades: el mar, otro arquetipo y mito de las orígenes es
el espacio sobre el cual también MERCEDEZ RUIZ, argentina, elabora una obra de tipo figurativo,
Yo nunca vi el mar (Martina en el rio): con un lenguaje de colores ácidos, calibrado en las tonalidades de
los azules y de los verdes, la artista lamenta una falta, la del mar, expresada todavia través de una
imagen pintada en la fría gama cromatica, reconducible a un escenario neo-pop, de gráfico, de viñeta
. El espacio es la aunsencia y del deseo: Martina está en la playa y la artista dice que nunca ha ido, o a
lo mejor la imagen visualiza un sueño compartido entre Martina y la artista?
La tramas de otro espacio privado son simbolicamente visualizadas en la bola de lana colorada que
se encuentra en la mesa de la obra Manejo, de MARIA LAURA BUCCIANTI. La artista argentina,
elijiendo una perspectiva desde harriba hacia abajo, describe dos cuerpos tumbados en un espacio
íntimo, quizás una habitación, mientras que una serie de objetos parecen engullidos por la mesa azul,
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que incluye brazos, piernas, manos y pies: celulares, colga-ropa, lata, ojos, zapatos de niño, tal vez una
corona juguete. La imágen surreal recurre los territorios del sueño y de la pesadilla, en una atmósfera
suspendida y prohibida, como el gesto de la figura a la derecha, a cuya visión conduce al recurrido
del hilo del estambre.
Espacios surreales y oníricos aparecen visualizados en la obra de NIVARDO TORRICO, nacido en
Tarija, Bolivia, que vive en Bergamo: un curioso pajaro con alas mecanicas vuela sobre raros objetos
de cabeza casi circular, con agujeros al centro como si tuvieran ojos vacíos: parecen habitantes de una
tierra desconocida, dirigidos hacia un horizonte que no se les permite ver a los espectadores. El tema
de viaje está presente también en la obra de ANDRÉS JUSTINIANO SIERRA, argentino, que nos
saluda con las palabras Chau, gracias por todo, desde una ciudad espectral o galáctica, apenas visbile en
el fondo, atravesado por el vuelo de un avión y por una curiosa elipses lunar.
Fragmentos visuales de un Universo, también originarios de lugares oníricos e inquietantes, son visualizados
por DIEGO GARCĺA ARRÁZOLA que declara, ya en el titulo, su propia responsabilidad en
la elección de la selección de fragmentos. En un esfuerzo de recoletar y ordenar signos, objetos,
imágenes y trazas de estos universos magmáticos, el artista opta por la polifonía de materiales y
elementos compositivos, asignando a los singulos cuadros diversamente conectados y comunicantes
entre ellos, la tarea de visualizar, cuadro tras cuadro, un nuevo big-bang de inconos y mensajes que, a
lo contrario, se diluyen en la pintura de ROSSMARY MAMANI.
Se llama Territorio libre y se concentra en la parte central, torso y piernas, de un trabajador, posiblemente
un minero: son conocidos los enfrentamientos, también actuales, entre los bolivianos y el gobierno,
a causa de las condiciones del trabajo y de la pobreza del lugar. Si el arte debe hacerse cargo de la
sociedad en la que se desarrolla, el Territorio libre de Mamani aparece ser la pared sobre la cual quedan
las huellas de un paso humano, un territorio para re-escribir con las manos libres de los instrumentos
con los cuales se trabaja duro sin obtener necesarios soportes.
Es el cuerpo que se convierte en el espacio, la piel que se hace tierra sobre la cual los signos de un
acoetecimiento individual y de la historia colectiva se vuelven Cicatrices que no se boran, en la obra de
GUNNAR A. QUISPE SANJINES, boliviano de Potosí, la única ciudad americana citada en el Don
Quijote, por la riqueza mineral de su tierra, proveedora de la plata española. Las cicatrises que no pueden
ser olvidadas son entonces las de la explotación sufrida por los Indios durante el reino de Francisco
de Toledo, cuando miles de ellos morían en las minas: aun hoy, las precarias condiciones laborales
y la falta de medidas de protección determina una baja espectativa de vida de los mineros que solo
llega a los 40 años, re-abriendo las duras cicatrises infligidas por la historia. En la obra de QUISPE
SANJINES, un antiguo habitante, con la cara pintada, agarra los simulacros de su creencia y nos
observa. Desde un espacio oscuro, desde la noche de la memoria, el hombre nos mira, entregadonos
toda su historia, tatuada en su cara. Regresan en la miente las letras líricas de Jorge Luis Borges, en el
Elogio de la sombra, donde el grande escritor argentino evocaba, línea tras línea, la presencia carnal de
los recuerdos, la cara de la vejez y el destino de las cosas que han llenado su espacio.
Así parece también hacer el personaje que sale del vacio negro de esta ultima obra: el espacio del
arte se convierte asi en el lugar donde trapasar los limites y los confines geograficos, politicos, socioculturales,
pero también la tierra donde cultivar y proteger nuestra creativa individualidad.
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“(…)Esta penumbra es lenta y no duele;
fluye por un manso declive
y se parece a la eternidad.
Mis amigos no tienen cara,
las mujeres son lo que fueron hace ya tantos años,
las esquinas pueden ser otras,
no hay letras en las páginas de los libros.
Todo esto debería atemorizarme,
pero es una dulzura, un regreso.
De las generaciones de los textos que hay en la tierra
sólo habré leído unos pocos,
los que sigo leyendo en la memoria,
leyendo y transformando.
Del Sur, del Este, del Oeste, del Norte,
convergen los caminos que me han traído
a mi secreto centro.
Esos caminos fueron ecos y pasos,
mujeres, hombres, agonías, resurrecciones,
días y noches,
entresueños y sueños,
cada ínfimo instante del ayer
y de los ayeres del mundo,
(... )
Ahora puedo olvidarlas. Llego a mi centro,
a mi álgebra y mi clave,
a mi espejo.
Pronto sabré quién soy.”
32
Ilaria Bignotti, 21 agosto 2011

PREMIO BICE BUGATTI - GIOVANNI SEGANTINI 2011
Sezione internazionale
Lettura critica delle opere
Quando, lo scorso anno, mi fu chiesto di introdurre le opere realizzate dagli artisti del Proyecto
mARTadero, avevo cercato di analizzarle attraverso un confronto con la nostra iconografia e le nostre
modalità narrative occidentali, al fine di sottolineare con ancora più perentoria consapevolezza i limiti
che ciascuno di noi ha nell’analisi di linguaggi artistici appartenenti ad altri ambienti culturali.
La Bolivia, il nord dell’Argentina, il sud del Perù e il nord del Cile sono non a caso definiti, nel
contesto del Premio Internazionale Bice Bugatti-Giovanni Segantini che per il terzo anno ospita
questa importante sezione curata da Fernando Garcia Barros, “Territori del Sud”: spostando l’asse
geografico e storico, si spostano i parametri culturali e mutano i giudizi estetici.
L’anno scorso quindi accentuavo il problema della “crisi” di lettura di tali opere confrontandole con
le ricerche artistiche occidentali del XX e del XXI secolo: una crisi da intendersi, innanzitutto, come
messa in dubbio dei nostri parametri di fronte ai linguaggi boliviani, argentini, cileni, peruviani, ma
anche come positiva necessità di trovare terreni comuni di confronto e di fertile dialogo.
Oggi mi piacerebbe invece partire dalle riflessioni di Garcia Barros, intitolate “Idee in migrazione o
Territorio Culturale – Centri del Sud: una regione in movimento”, in particolar modo focalizzandomi sul
pensiero con il quale apre il discorso: “lo spazio dell’artista non è contenuto dentro i limiti della cornice, ma tra
le frontiere della sua visione”.
Osservandole da questa prospettiva, le dieci opere realizzate dai dieci artisti della sezione “Territori
del Sud” sono, innanzitutto, dieci diversi modi di raccontare lo spazio: dell’artista e dell’uomo che
ha fatto l’opera, della storia e del luogo in cui l’opera è stata realizzata; lo spazio della visione si
confronta con quello della creazione; nei territori interstiziali, nell’in-between che si colloca tra ciò che
vediamo e ciò che leggiamo, è allora possibile rintracciare quella zona di mezzo, quel terreno ancora
inesplorato dove si incontrano tra loro culture apparentemente diverse, approdando alle isole delle
eterne mitologie e delle immagini archetipiche.
È qui che si forma anche il concetto di spazio: la cui radice spa-, come ci suggerisce l’etimologia
del termine, contiene l’idea di stendere ed estendere, di spingersi verso e di tendere a, di tirare a sé
e di strappare; spazio anche come luogo o tempo che sta tra due termini, spazio come capacità di
contenere oggetti e corpi. Spazio individuale e spazio collettivo. Spazio del racconto e spazio del
silenzio. Spazi interni e spazi esterni; tra proiezione e difesa degli spazi dell’anima e del sentire, l’artista
sceglie e delimita il proprio spazio d’azione, grazie ad opere che sarebbe davvero riduttivo collocare
in una idea di spazio – o meglio di territorio – generalmente ascrivibile al Sud America. Ecco allora
la necessità di parlare di “Territori del Sud”, ai quali cor-rispondono i diversi risultati creativi che ci
impongono, innanzitutto, di fare spazio ad una diversa concezione dell’arte, qual è quella proveniente
da altri continenti, da terre lontane per storia e per cultura, per vicende sociali e politiche.
Parlare di una generica arte sudamericana contemporanea sarebbe come parlare di un’arte europea,
senza distinguere le specificità e gli apporti di ogni Paese. Benché appaia scontata tale annotazione,
sono state diverse, anche recenti, le mostre e le letture che hanno interpretato semplicisticamente
l’arte contemporanea dell’America Latina come un’arte politica, impregnata di ansie rivoluzionarie e
di afflati ribelli, caratterizzata dalla necessità di comunicare la propria complessità fondendo insieme
la persistenza delle vicende storiche con gli spazi del sogno e del racconto.
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Se queste possono certo essere componenti della creatività sudamericana, è però necessario e più
interessante provare a leggere ogni singolo lavoro, magari partendo proprio da quel concetto di
spazio elaborato da Garcia Barros, al fine di rintracciare gli elementi costitutivi e portanti di ciascuna
delle dieci opere selezionate, alla ricerca di spazi aperti al dialogo con l’altro, con lo spettatore, e di
spazi privati dove invece è protetta la storia intima e individuale dell’artista.
Le opere di ROLY ARIAS e di JULIUS CÈSAR SORIA JUSTO scelgono, rispettivamente, il segno
e la materia per comunicare, in entrambi i casi, la sensazione legata ad un luogo oscuro. Nell’opera
dell’argentino Arias, Afuera está oscuro, lo spazio si delinea per il contrasto tra interno – il luogo intimo del
sentire, l’anima dalla quale osservare le cose – ed esterno – lo spazio imprecisato e oscuro. Così anche
i segni plastici neri e grigi che si stagliano come gesti primordiali sul rosso della superficie indicano,
attraverso il contrasto tra le diverse campiture, diversi piani di profondità spaziale: fuori è l’ombra, il
buio, forse il vuoto. Il segno segue il senso, il gesto ripete l’emozione dell’artista che, appunto, mette
in moto la composizione. Intimo e pubblico, interno ed esterno sono invece rimescolati, in un liquido
amniotico memore di una terra delle origini, nella Marea Negra di Soria Justo. Tra macchie rilucenti
e grumi opachi pittorici, le evoluzioni ellittiche e circolari create dal linguaggio dell’artista peruviano
paiono voler evocare un mondo embrionale, o un iniziale caos che può essere interiore o collettivo. La
Marea Negra si scompone e addensa nello spazio dell’opera e, rispetto alla composizione comunque
costruita entro i confini della tela da Arias, qui la pittura si discioglie proseguendo la sua colata oltre i
margini, travalicando i limiti di uno spazio acquoreo e archetipale. Uno spazio che invece si condensa
nei fili cangianti della lana che compone l’opera Ultramar – k’isa Larama della boliviana SANDRA
DE BERDUCCY. La composizione rivela una forte ascendenza costruttivista: strutture cilindriche di
diverse dimensioni e lunghezze sono tra loro accostate a creare una scultura di dimensioni differenti.
Il tessuto, trattato e filato con procedimenti tradizionali, come specifica la didascalia dell’opera, rivela
l’attenzione dell’artista, una donna, agli spazi intimi che il lavoro della tessitura riservava alla sfera
femminile: non solo sudamericana, ma anche occidentale ed europea. Ecco allora, racchiuso nel
ricordo di un mestiere antico, il punto d’incontro tra culture differenti, tra spazi sapienziali dove
l’identità femminile poteva riconoscersi e proteggersi. L’opera racconta lo spazio marino, provando
nelle diverse gradazioni cromatiche a rintracciarne la varietà delle onde e delle profondità: il mare,
altro archetipo e mito delle origini, è lo spazio sul quale anche MERCEDES RUIZ, argentina, elabora
un’opera dall’impianto figurativo, Yo nunca vi el mar (Martina en el rio): con un linguaggio dai colori acidi,
calibrato sulle tonalità dei blu e dei verdi, l’artista dichiara una mancanza, quella del mare, resa tuttavia
possibile attraverso l’immagine dipinta nella fredda gamma cromatica, ascrivibile a uno scenario neopop,
da grafico, da fumetto. Lo spazio è quello dell’assenza e del desiderio: Martina è sulla spiaggia e
l’artista dice di non esservi mai andata: oppure l’immagine visualizza un sogno che accomuna Martina
e l’artista?
Le trame di un altro spazio privato sono simbolicamente visualizzate dal grande gomitolo di lana
colorata che campeggia sul tavolo dell’opera Manejo, di MARIA LAURA BUCCIANTI. L’artista
argentina, scegliendo una prospettiva dall’alto, descrive due corpi sdraiati in uno spazio intimo, forse
una camera, mentre una serie di oggetti paiono fagocitati dal tavolo blu che ospita braccia e gambe,
mani e piedi: cellulari, appendiabiti, lattine, occhi, scarpe da bambino, forse una corona giocattolo.
L’immagine surreale percorre i territori del sogno e dell’incubo, in un’atmosfera sospesa e proibita,
come il gesto della figura a destra, alla cui visione conduce anche il percorso del filo del gomitolo.
Spazi surreali e onirici sono visualizzati dall’opera di Nivardo Torrico, originario di Tarija, in Bolivia,
ma residente a Bergamo: un curioso uccello dalle ali meccaniche vola su un dispiegarsi di strani
oggetti dalla testa vagamente circolare, bucati al centro come se avessero grandi occhi cavi: sembrano
abitanti di una terra sconosciuta, tesi verso un orizzonte che a noi spettatori non è concesso vedere. Il
tema del viaggio è presente anche nell’opera di ANDRÉS JUSTINIANO SIERRA, argentino, che ci
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saluta dicendo Chau, gracias por todo, partendo da una città spettrale o galattica appena accennata sullo
sfondo, solcata dal volo di un aeroplano e di una curiosa ellissi lunare.
Fragmentos visuales de un Universo, anch’essi provenienti da luoghi onirici ed inquietanti, sono visualizzati
da DIEGO GARCĺA ARRÁZOLA che dichiara, fin dal titolo, la propria responsabilità nella scelta
e nella selezione di tali frammenti. Nello sforzo di raccogliere e ordinare segni, oggetti, immagini e
tracce di questi universi magmatici, l’artista sceglie la polifonia di materiali e di elementi compositivi,
affidando a singoli riquadri diversamente collegati e dialoganti tra loro il compito di visualizzare,
frame dopo frame, un nuovo big-bang di icone e messaggi che invece si stemperano nel dipinto
di ROSSMARY MAMANI. Si intitola Territorio libre e inquadra la parte centrale, busto e gambe, di
un lavoratore, forse un minatore: noti sono gli scontri, anche recenti, dei boliviani con il governo,
a causa delle dure condizioni lavorative e della povertà del luogo. Se l’arte deve farsi carico della
società in cui vive, il Territorio libero di Mamani pare allora essere quel muro sul quale restano le tracce
di un passaggio umano, un territorio da ri-scrivere con le mani libere dai mezzi con i quali si lavora
duramente senza ottenere i necessari sostegni.
È il corpo a diventare spazio, la pelle a farsi terreno sul quale i segni della vicenda individuale e della
storia collettiva diventano Cicatrices que no se borran, nell’opera di GUNNAR A. QUISPE SANJINES,
boliviano di Potosí, unica città americana citata nel Don Chisciotte per la ricchezza mineraria della terra,
fornitrice dell’argento spagnolo. Le cicatrici che non possono essere dimenticate sono allora quelle
dello sfruttamento disumano subito dagli Indios durante il regno di Francisco de Toledo, quando a
migliaia morivano nelle miniere: ancor oggi, le precarie condizioni lavorative e la carenza di elementari
misure protettive determinano la bassa aspettativa di vita dei minatori che arrivano mediamente ai 40
anni, rinnovando le dure cicatrici inflitte dalla storia. Nell’opera di QUISPE SANJINES, un antico
abitante, dal volto dipinto, regge i simulacri del suo credo e ci osserva. Da uno spazio oscuro, dalla
notte della memoria, l’uomo ci osserva, consegnandoci la sua storia, tatuata sul suo volto. Tornano
alla mente le liriche parole di Jorge Luis Borges affidate all’Elogio dell’ombra dove il grande scrittore
argentino evocava, riga dopo riga, la carnale presenza dei ricordi, il volto della vecchiaia e il destino
delle cose che han colmato il suo spazio.
Così pare anche fare il personaggio che esce dal nero vuoto di quest’ultima opera: lo spazio dell’arte
diventa così il luogo in cui travalicare limiti e confini geografici, politici, socio-culturali; ma anche il
terreno dove coltivare, e proteggere, la nostra creativa individualità.
“(…) Questa penombra è lenta e non fa male;
scorre per un mite pendio
e somiglia all’eterno.
Gli amici miei non hanno volto,
le donne son quello che furono in anni lontani,
i cantoni sono gli stessi ed altri,
non hanno lettere i fogli dei libri.
Dovrebbe impaurirmi tutto questo
e invece è una dolcezza, un ritornare.
Delle generazioni di testi che ha la terra
non ne avrò letti che alcuni,
quelli che leggo ancora nel ricordo,
che rileggo e trasformo.
Dal Sud, dall’Est, dal Nord e dall’Ovest
convergono le vie che mi han condotto
al mio centro segreto.
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Vie che furono già echi e passi,
donne, uomini, agonie e risorgere,
giorni con notti,
sogni e immagini del dormiveglia,
ogni minimo istante dello ieri
e degli ieri del mondo,
(…) Posso infine scordare. Giungo al centro,
alla mia chiave, all’algebra,
al mio specchio.
Presto saprò chi sono.
36
Ilaria Bignotti, 21 agosto 2011

Cruzando el océano: artistas italianos en Cochabamba
PUENTES INVISBLES
De todos los cambios de lengua que debe enfrentar el viajero en tierras lejanas,
ninguno iguala al que le espera en la ciudad de Ipazia,
porque no se refiere a las palabras sino a las cosas. (…)
Comprendí que debía liberarme de las imágenes que hasta entonces me
habían anunciado las cosas que buscaba: sólo entonces lograría entender el lenguaje de Ipazia.
Italo Calvino, Las ciudades invisibiles
Cruzando las fronteras y cambiando el horizonte, los puntos cardinales, los espacios de referencia
físicos y mentales, varían el lenguaje y las cosas que éste nombra.
Ocurre un movimiento que pone en cuestión la relación entre los signos y los conceptos a esos destinados
por su cultura. El conocimiento de la persona oscila entre el “background” cultural que le pertenece a
él, el resultado del lugar y el tiempo en que vive, y las imágenes y los significados inesperados, se desliza
hacia una visión alternativa de la realidad que le rodea y hacia un nuevo sistema de comunicación.
Aquí, entonces, que el espacio en que el pensamiento se mueve crece, al igual que los caminos transitables,
fortaleciendo en la mente el privilegio de la duda y de la elección, de una pluralidad de visiones en las
que cada uno apela a su propia sensibilidad, el genius loci del medio ambiente en que vive, y todas esas
experiencias pueden alterar el centro de gravedad de sus ideas.
Es esencial que la visión del hombre se mantenga, por así decirlo, “multiocular”, y que base su
interpretación del mundo en la síntesis de muchos puntos de vista, rechazando una visión global única
de la dirección y la limitación de velocidad. De hecho, la creatividad no se puede atribuir a una sola
historia y a una sola categoría, no se puede leer segun parámetros fijos o simplemente habituales.
La obra de arte actúa como una variable que escapa a cualquier forma o fórmula unívoca. Entre ella y
el observador se produce un tipo de reacción química cuyos componentes están en constante cambio
con resultados imprevedibles. El arte, como un poliedro cuyas caras son visibles con una secuencia de
movimientos, requiere un espectador con una mirada y una mente fluidas, por lo tanto capaz de varios
niveles de interpretación en el laberinto de signos y significados posibles.
Un intercambio que quiere ser a la vez artístico y cultural, como lo que ha sido realizado por el Bice
Bugatti Club (Nova Milanese, Italia) con el Proyecto mARTadero (Cochabamba, Bolivia), implica un
viaje que es a la vez físico y semántico. Las obras, enviadas desde los territorios del Sur (Bolivia, norte
de Argentina, sur de Perú y norte de Chile) a Italia y viceversa, llegan físicamente a un nuevo entorno
geográfico y cultural, y a un código de interpretación y de narrativa diferente.
La imagen y el ojo. El lenguaje del arte y la valoración estética del espectador. Un encuentro cuyas
dificultades son innegables por los límites impuestos por los diversos antecedentes históricos, el origen
social y cultural, pero que no es necesario cancelar o restablecer. Porque el hombre no puede vivir en
un grado cero de conocimiento. Lo que el arte pide es la disposición a la dialéctica, una tensión viva
que pueda generar cortocircuitos que hagan perder el control de los sistemas convencionales para
generar otros nuevos. Cambian los signos, las formas y los conceptos, pero cada creación artística es
una historia del hombre y como tal pertenece a un universo arquetípico comun, una memoria colectiva
y original, un espacio compartido donde las múltiples interpretaciones utilizan códigos de expresión
diferentes, pero todos válidos.
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El hombre, la naturaleza y el sentimiento. Los paisajes de Elena Strada, Franco Marrocco y
Alessandro Savelli roban a la naturaleza las sugerencias del color, un instrumento privilegiado de
investigación, para evocar los lugares del alma, devueltos a la lona través de las trazas, de los fragmentos
de sueños y de los recuerdos. Es el espacio de lo no dicho, la falta de conexión lógica desde el cual se
libera el vuelo poético. Es la luz melanconica de Adelanto del verano, el pensamiento que escribe en un
cielo suburbano, son las impresiones de los colores de la puesta del sol que persisten en el Cielo Nocturno
justo antes que lo oscuro hunda todo en un confuso abismo. Ut pictura poesis 20 .
Elena Strada trata el lienzo como un diario intimo donde los signos, alternando la materia y la
transparencia, la libertad y el autocontrol, desenfocan las las formas negando la evidencia, volviednolas
inestables e incertas. Son lo eliminado, los sueños olvidados que salen a la superficie por un momento y
se hunden de nuevo en el sótano del ego, antes de llegar a la visión clara de un día de verano. El artista
pinta el sentimiento agridulce de ausencia, el fracaso en lograr la plenitud y lo hace con una pintura cuyos
tonos cálidos, iluminados por ocasionales pinceladas blancas, parecen amenazados por las sombras que
pasan detrás de ellos. Un creciente abismo imparable que se traga los rojos, los rosas, los naranjas, los
beiges, y sus promesas tranquilizadoras. La abstracción se hace más intensa en Trayectorias – cielo de
periferia de Franco Marrocco cuya pintura lisa logra efectos de desvanecimiento. El material de pintura
cromático se funde para convertirse en un polvo fino y evanescente, se transforma en el espacio infinito
y primitivo, el lugar no-lugar de un azul brillante. Y en este ultra-mar infinito el hombre deja el signo
de su pasaje: un pincel de color rojo que cristaliza el gesto, de lo contrario destinado a perderse en el
curso de los acontecimientos. Es el testimonio de una existencia que se niega al olvido y con terquedad
y valentía asigna un residuo de sí mismo al flujo indistinto de tiempo.
Alessandro Savelli traza las coordenadas esenciales de un mapa celeste con unos pocos elementos
pictóricos. La estructura de composición ordenada por bandas paralelas separa in primis el mar y el cielo,
pero el rigor del sistema está interrumpido por destellos repentinos de luz y explosiones a través de las
nubes que, como ventanas, abren a la visión de un espacio distante, en otra parte, destino tan deseado
de este viaje por mar ideal. A ese mar conducen el deseo de un nuevo horizonte y la guia de la luna y las
estrellas, leitmotiv reales de la poética del artista. El viajero teme los peligros de la navegación y confía en
ellos dirigiendo la mirada hacia arriba, como lo sugiere la directriz vertical en el centro de la imagen. En
la infinidad del mar y el cielo, que se avecina en la oscuridad de la noche, el reino de la indeterminación,
son los únicos símbolos familiares y reconocibles en los cuales confiar. Sólo queda una duda imposible
de disolver, que este no sea más que un espejismo engañoso, un sueño con los ojos abiertos.
El viaje, el tiempo y la casa. La luna indica el camino al navegante en Cielo nocturno no es más que el
barco en el centro de la obra El viaje de Antonio Pizzolante. Es suficiente un cambio de perspectiva.
La luna, el vehículo simbólico para las exploraciones fantásticas, se convierte en el barco, que aquí es el
medio de un viaje mucho más concreto y real. Esto se manifiesta por la elección del autor que realiza
su trabajo con el hierro, dando así al tacto una consistencia tridimensional que, literalmente, le da
cuerpo. El barco no se mueve el azul del mar, pero en la tierra marrón, una tierra cuya horizontalidad
se hace hincapié en el papel con fuerza. No es un viaje onírico entonces, pero absolutamente terreno.
Es la representación de la vida humana, el camino que cada uno de nosotros realiza en el tiempo y en
la historia en la busqueda de sí mismo y de su identidad. Las formas simples y arcaicas, el equilibrio
absoluto de la composición que con rigor distribuye llenos y vacíos, dan a la imagen y a su significado
un carácter sagrado con rasgos mitológicos.
El tema existencial que pertenece sin duda a Antonio Pizzolante es compartida con tonos muy
diferentes, por Angelo Cesana. Lejos de la ratio y del orden geométrico, el enfrenta con dramaticidad
20 Orazio en el Ars Poetica utiliza esta formula para indicar los vinculos entre las dos artes: poesia y pintura.
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el difícil caminino del hombre para la búsqueda de la verdad. Del gran libro Los signos del tiempo es la
exégesis de una búsqueda espiritual dolorosa, teñida de rojo y negro, que caracteriza la vida del hombre
desde el principio. El lienzo, página sagrada, es el escenario de una lucha en la que el alma encuentra su
camino entre las lágrimas y los tormentos, cuestionando la λόγος, el Verbo, hecho gráfico que surge de
un magma confuso, con la esperanza de encontrar respuestas al misterio de la vida . Un camino interior
doloroso representado por la pintura densa de Cesana, un esfuerzo que va más allá del tiempo de la
historia y de la memoria.
Pierantonio Verga también dirige su atención hacia lo íntimo y lo espiritual, que en este caso asume el
carácter de una espera. En Un hogar para los poetas aparecen el cielo, la tierra, dos árboles y dos montañas
donde en el punto de unión, se encuentra una casa, el hogar de los poetas, el refugio y la custodia segura
de las emociones. El poeta / artista es alguien que sabe escuchar un mensaje del cual ser profeta. Espera
con paciencia, olfatea el silencio en busca de una vibración posible. Las formas icónicas, que Verga
inmerge en una zona tranquila suspendida en el tiempo, construyen un espacio privado, oculto, que es
un lugar de conciencia, donde se mezclan el presente y los recuerdos. Aquí el poeta se retira, solo con
sí mismo, para defender sus ojos y su alma, que enérgicamente buscan el sentido y la magia más allá de
las apariencias.
Mira a las máquinas célibes de Duchamp el extraño artilugio dunas surrealista del Juego surreal en duna
de oriente de Max Marra. Un mecanismo híbrido que la imaginación reúne en formas imposibles y la
que funciona según dinámicas desconocidas. Es el reino del absurdo, donde las leyes de la lógica no
hay, y todo es posible. Marra abre los ojos a una dimensión de sueño que lleva los colores y las formas
sinuosas de los desiertos de Oriente, un encanto que tiene la sensación de una memoria borrosa y
distorsionada, que se rompe en un sueño después de un largo letargo. El artista pone en marcha la
máquina del tiempo, la pintura ganó la tercera dimensión con un hinchazón parecido a un vientre, el
pasado se vuelve futuro en el espacio y desafia nuestras percepciones.
El alma y el cuerpo. El alma que toma el cuerpo para dar la visión de su sufrimiento. El alma dolida que
revela sus cicatrices talladaa en una maetria, trabajada con la fuerza del signo, legado del arte del grabado,
y sus resultados de pintura. Esto es lo que Alessandro Carozzi representa con rasgos expresionistas en
la obra Cuerpo Emocional. Una forma androide sin cara, sin identidad, sin color, que pone al descubierto
los signos y las heridas dejadas por los recuerdos y remordimientos, por los temores y los sentimientos
experimentados o eliminados. Los dos tonos blanco / negro, interrumpido ocasionalmente por las
salpicaduras de color marrón, evoca una sensación de privación y auto-anulación, lo que reduce el alma
del artista a un maniquí sin vida, sin pulso vital. Tal vez un descanso de sí mismo y del mundo antes de
empezar una nueva vida. Una etapa larval que no se olvida, que se mantiene dentro de cada uno, como
huella indeleble de nuestra alma herida.
En su Convivencias Andrea Cereda usa de materiales pobres, de recuperación y vuelve a trabajarlos:
hojas dobladas y luego cosidas, atacado por color óxido. El artista monta cada material en un cuerpo
más grande, resultado de la unión de tantas partes que se encuentran y se ajustan de acuerdo a una
nueva red de contactos y relaciones. Construye una composición equilibrada y racional, sin eliminar los
arañazos y rozaduras de los metales. Estos son los signos del tiempo y la experiencia que cada uno lleva
consigo y que el autor tiene la intención de respetar. Sólo de esta manera es posible crear una relación
entre pasado, presente y futuro, la convivencia entre lo que fue y lo que será. El material de desecho
en las manos del artista se convierte en algo distinto de sí mismo, preservando la historia singular y
extraordinario que el tiempo ha marcado en su superficie.
La ciudad. Dónde se desarrolla la convivencia, donde las cosas suceden. Hábitat urbano y mecanizado
del hombre contemporáneo. Giovanni Cerri pinta un microcosmos brillante y algido en las paredes
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donde el cemento y las paredes descascaradas de las zonas industriales contrastan con los colores vivos
y brillantes del cielo poblado por grúas y chimeneas, mensajeros cibernéticos de un nuevo mundos y
de una nueva civilización. A sironiana metafísica 21 en versión pop, donde la quietud de la atmósfera
bloquea el dinamismo de Suburbia congelando, en una imagen clara y siniestra, la ansiedad frenética
de edificar el nuevo, la soledad y la alienación del hombre en este sub-urbs (sub-ciudad) geneticamente
modificada.
Ciudad de Pripyat de Tullio Forgione da un paso más, presentando el escenario apocalíptico de la ciudad
de Pripyat, Ucrania, abandonada en toda prisa en el 1986, tras el desastre de Chernobyl. Los residuos
nucleares, enterrados bajo montículos de tierra contaminada, destruyen la vida y el aire, que está viciado
y sofocante, cargado de partículas radiactivas que atacan todas las formas de vida, natural y artificial.
La corrosión causada por la atmósfera, representada a través de las capas de pintura, las manchas, los
arañazos y las coladas, es un agresión continua a la estructura interna de las cosas que, después de esta
tragedia, sufrió mutaciones irreversibles. El hombre se ha ido. Se fue del escenario de sus errores para
salvarse. Lo que queda son las ruinas de Pripyat, una ciudad fantasma situada en un tiempo suspendido,
en el silencio eterno de la muerte. En lo alto, en el cielo oxidado de estos sitios, sin embargo, aparece
una grieta, la posibilidad de un destino diferente. La naturaleza, ofendida y distorsionada, resiste y, con
tenacidad, va a generar una nueva vida.
La historia y la sociedad. Los colores alegres, el dibujos infantil, las formas que hacen un guiño al arte
callejero y al art-bru son el lenguaje alegre elegido por el joven artista Marco La Rocca para evocar los
acontecimientos trágicos de la guerra del agua de Cochabamba en las cuatro obras tituladas la Guerra
de Joe. En abril de 2000, más de 600.000 personas salieron a las calles de Cochabamba, y marcharon en
contra del gobierno boliviano, pora que derogara la ley de privatización del agua. El enfrentamiento
con la policía duró varios días, tomando la forma de una dura guerrilla que terminó, después de que
el gobierno abolió la medida, con muchas detenciones, heridos y muertos. El tono poco convencional
con el que La Rocca representa un universo acuático habitado por animales extraños y coloridos, cuyos
cuerpos se asemejan a las texturas de las telas tradicionales de America Latina, así como las formas
abultadas de los vasos zoomorfos con flores, contrastan con el contenido dramático provocando un
efetco de extraño distanciamiento. El sufrimiento de Joe, que personifíca en la obra el pueblo boliviano,
se convierte en un símbolo positivo de la lucha por el bien común. Un ejemplo de rebelión contra un
poder político que se ha olvidado de su deber de trabajar para la res publica, el bien común. En una
sociedad donde los valores éticos y cívicos parecen olvidadas Claudio Borghi dedica un Monumento al
no se que y a casi nada. Un monumento, un recuerdo pero mas que todo una advertencia (del latin monēre,
recordar, advertir). Con ironía desencantada y amargura brillante, el escultor da forma al vacío de
valores y sentimientos que percibe a su rededor y lo vuelve tangible para todos. El artista, el verdadero,
mira más allá de las apariencias y llama a las cosas con su nombre. Sólo así es posible aportar al cambio.
No hay entusiasmo expresivo en la escultura de expresión de Borghi. El acero corten toma formas
simples y regulares, medidas, dinamizadas por un movimiento oblicuo y de forma espiral, que en la
alternancia de la formas entre el vacío y lleno, modelan el espacio con el pudor que tiene la reflexión
silenciosa, la mirada aguda y penetrante.
Alessia Barzaghi
12 septiembre de 2011
21 Mario Sironi (1883-1961), pintor italiano que desarrolla su trabajo en el “Movimiento del Novecientos” milanese
(años ’20), conocido por su paisajes urbanos y sus periferias caracterizadas por tonos oscuros y brumosos.
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PONTI INVISIBILI
Di tutti i cambiamenti di lingua che deve affrontare il viaggiatore in terre lontane, nessuno uguaglia quello che lo
attende nella città di Ipazia, perchè non riguarda le parole ma le cose. (…) Capii che dovevo liberarmi dalle
immagini che fin qui m’avevano annunciato le cose che cercavo: solo allora sarei riuscito ad intendere il linguaggio di
Ipazia.
Italo Calvino, Le città invisibili
Attraversando i confini e cambiando gli orizzonti, i punti cardinali, gli spazi di riferimento fisici
o mentali, variano il linguaggio e le cose che esso nomina. Avviene uno spostamento che mette
in discussione i legami tra i segni e i concetti destinati loro da ciascuna cultura. La conoscenza
dell’individuo oscilla tra il background culturale che gli appartiene, frutto del luogo e del tempo in
cui vive, e immagini e significati imprevisti, scivola verso una visione alternativa della realtà che lo
circonda e verso un nuovo impianto comunicativo.
Ecco allora che lo spazio in cui si muove il pensiero si amplia, e con esso le strade percorribili,
rafforzando nell’intelletto il privilegio del dubbio e della scelta, di una pluralità di visioni in cui
ciascuno fa appello alla sua personale sensibilità, al genius loci dell’ambiente in cui vive, e a tutte quelle
esperienze in grado di alterare il baricentro delle sue idee.
È di fondamentale importanza che la visione dell’uomo si mantenga, per così dire, multioculare, e
che si affidi quindi nelle sue interpretazioni del mondo alla sintesi di più punti di vista, rifiutando uno
sguardo globale dalla direzione unica e limitante. La creatività infatti non è ascrivibile ad un’unica
storia e ad una sola categoria, non può essere letta secondo parametri fissi o semplicemente consueti.
L’opera d’arte si comporta come una variabile che si sottrae a qualsiasi forma o formula univoca. Tra
essa e l’osservatore avviene una sorta di reazione chimica i cui componenti mutano costantemente
con risultati imprevedibili. L’arte, come un poliedro le cui facce sono visibili con un movimento in
successione, esige uno spettatore dallo sguardo e dalla mente fluidi, capace dunque di più livelli di
lettura nel labirinto di segni e significati possibili.
Uno scambio che vuole essere insieme artistico e culturale, come quello intrapreso dal Bice Bugatti
Club (Nova Milanese, Italia) con il Proyecto mARTadero (Cochabamba, Bolivia), implica quindi un
viaggio che sia al contempo fisico e semantico. Le opere, spedite dai Territori del Sud (Bolivia, il
nord dell’Argentina, il sud del Perù e il nord del Cile) in Italia e viceversa, raggiungono fisicamente
un nuovo ambiente geografico e culturale, e insieme un differente codice interpretativo e narrativo.
L’immagine e l’occhio. Il linguaggio artistico e il giudizio estetico dello spettatore. Un incontro le cui
difficoltà sono innegabili per i limiti dettati dai differenti contesti storici, sociali e culturali di origine,
dei quali tuttavia non è necessaria la cancellazione o il reset. L’uomo infatti non può vivere a un grado
zero di conoscenza. Quello che l’arte gli chiede è la disponibilità al confronto dialettico, una tensione
viva in grado di generare cortocircuti che mandino in tilt i sistemi convenzionali per generarne di
nuovi. Mutano i segni, le forme e i concetti, ma ogni creazione artistica è un racconto dell’uomo e
in quanto tale appartiene a un universo archetipico comune, una memoria collettiva e originaria, uno
spazio condiviso le cui molteplici chiavi di lettura si avvalgono di codici espressivi diversi ma tutti
validi.
L’uomo, la natura e il sentimento. I paesaggi di Elena Strada, Franco Marrocco e Alessandro
Savelli rubano alla natura le suggestioni del colore, strumento di indagine privilegiato, per evocare
i luoghi dell’anima, restituiti sulla tela attraverso tracce, brandelli di sogni e di memorie. È lo spazio
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del non detto, dell’assenza di nesso logico da cui si libera il volo poetico. È la luce malinconica di un
Anticipo d’estate, il pensiero che scrive su un cielo di periferia, sono le impressioni residue dei colori del
tramonto che persistono nel Cielo notturno un attimo prima che il buio immerga ogni cosa in un abisso
indistinto. Ut pictura poesis 22 .
Elena Strada tratta la tela come un diario intimo dove i segni, in un’alternanza di materia e trasparenze,
di libertà e autocontrollo, sfocano le forme negandone l’evidenza, rendendole instabili e incerte. Sono
il rimosso, i sogni dimenticati che affiorano in superficie per un momento e subito sprofondano di
nuovo nei sotterranei dell’io, prima di raggiungere la visione limpida di un giorno d’estate. L’artista
dipinge quel sentimento dolce-amaro di assenza, quel mancato raggiungimento di pienezza e lo fa
con una pittura i cui i toni caldi, illuminati a tratti da pennellate bianche, sembrano minacciati da
zone d’ombra che incedono alle loro spalle. Una voragine in espansione inarrestabile che inghiotte
i rossi, i rosa, gli arancioni, i beige, e le loro rassicuranti promesse. L’astrazione si fa più intensa in
Traiettorie – cielo di periferia di Franco Marrocco la cui pittura levigata ottiene effetti di dissolvenza. La
materia pittorica dalla cromia dirompente si scioglie fino a diventare polvere sottile ed evanescente, si
trasforma in spazio cosmico infinito e primigenio, luogo non-luogo di un blu luminoso. E in questo
oltre-mare senza limiti l’uomo lascia il segno del suo passaggio: una pennellata rossa che cristallizza
il gesto, destinato altrimenti a perdersi nel corso degli eventi. È la testimonianza di un’esistenza che
rifiuta l’oblio e con ostinazione e coraggio affida un residuo di sé all’indistinto flusso del tempo.
Alessandro Savelli poi con pochi elementi pittorici traccia le coordinate essenziali di una mappa
celeste. La struttura compositiva ordinata per fasce parallele separa in primis mare e cielo, tuttavia il
rigore dell’impianto è spezzato da bagliori di luce improvvisi e squarci tra le nubi che come finestre
aprono alla visione uno spazio lontano, un altrove che è la meta tanto ambita di questo ideale viaggio
in mare. A condurre fino ad esso il desiderio di un orizzonte nuovo e la guida della luna e delle stelle,
veri leitmotiv della poetica dell’artista. Il viaggiatore teme i pericoli della navigazione e confida in loro
rivolgendo lo sguardo verso l’alto, come suggerito dalla direttrice verticale che l’autore fa partire
dal centro del quadro. Negli spazi infiniti del cielo e del mare, nel buio della notte che incombe,
regno dell’indeterminatezza, sono gli unici simboli familiari e riconoscibili cui affidarsi. Resta solo
un dubbio impossibile da sciogliere, che tutto questo altro non sia che un ingannevole miraggio, un
sogno ad occhi aperti.
Il viaggio, il tempo e la casa. La falce di luna che indica il percorso al navigante in Cielo notturno altro
non è che la barca al centro dell’opera Il viaggio di Antonio Pizzolante. Basta un rovesciamento
di prospettive. La luna, simbolico veicolo di esplorazioni fantastiche, diventa la barca che qui è il
mezzo per un viaggio assai più concreto e reale. Ce lo rivela la scelta dell’autore di realizzarla in ferro,
conferendole quindi una consistenza tattile e tridimensionale che, letteralmente, le dà corpo. E ancora
l’imbarcazione non si muove sul blu del mare ma sui bruni della terra, una terra la cui orizzontalità è
sottolineata sulla carta con forza. Non un itinerario onirico dunque, ma assolutamente terreno. È la
rappresentazione della vita dell’uomo, del viaggio che ciascuno di noi percorre nel tempo e nella storia
alla ricerca di sé e della sua identità. Le forme semplici e arcaiche, l’assoluto equilibrio compositivo
che con rigore distribuisce pieni e vuoti, conferiscono all’immagine e al suo significato una profonda
sacralità dai tratti mitici. La tematica esistenziale che indubbiamente appartiene ad Antonio Pizzolante
è condivisa, con toni ben diversi, da Angelo Cesana. Lontano dalla ratio e dall’ordine geometrico,
egli affronta con drammaticità il difficile cammino dell’uomo alla ricerca della verità. Dal grande libro
I segni del tempo è l’esegesi di una ricerca spirituale sofferta, tinta di rosso e di nero, che caratterizza
la vita dell’uomo fin dalle origini. La tela, pagina sacra, è teatro di una lotta in cui l’anima si fa
strada tra lacerazioni e tormenti, interrogando il λόγος, il Verbo, reso segno grafico che emerge da
un magma indistinto, nella speranza di trovare risposte al mistero della vita. Un angoscioso percorso
22 Orazio nell’Ars Poetica usa questa formula per indicare i legami tra le due arti: poesia e pittura.
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interiore quello incarnato dalla pittura densa di Cesana, uno sforzo oltre il tempo della storia e della
memoria. Anche Pierantonio Verga rivolge la sua attenzione alla dimensione intima e spirituale, che
assume però il carattere di un’attesa. In Una casa per poeti compaiono il cielo, la terra, due alberi e due
montagne al cui punto di incontro si erge una casa, la dimora dei poeti, rifugio protetto e custodia
di emozioni. Il poeta/artista è colui che sa rimanere in ascolto di un messaggio di cui farsi profeta.
Aspetta con pazienza, fiuta il silenzio alla ricerca di una vibrazione possibile. Le forme iconiche che
Verga immerge in una quiete sospesa nel tempo costruiscono uno spazio privato, nascosto, che è
luogo della coscienza, dove il presente e i ricordi si mescolano. Qui il poeta si ritira, solo, a difendere
il suo sguardo e la sua anima, che strenuamente cercano il senso e la magia al di là di ogni apparenza.
Guarda forse alle macchine celibi duchampiane lo strano congegno del Gioco surreale in duna d’oriente
di Max Marra. Un meccanismo ibrido che la fantasia assembla in forme impossibili e che funziona
sencondo dinamiche sconosciute. È il regno dell’assurdo, dove le leggi della logica vengono meno
e tutto diventa possibile. Marra apre gli occhi su una dimensione onirica che prende i colori e le
forme sinuose dei deserti d’oriente; un incanto che ha il sapore di un ricordo sfocato e deformato,
che irrompe nel sogno dopo lungo torpore. L’artista mette in moto la macchina del tempo, la pittura
conquista la terza dimensione con rigonfiamenti simili a pance, il tempo passato diventa futuro
estroflettendosi nello spazio e sfidando le nostre percezioni.
L’anima e il corpo. L’anima che prende corpo per dare visione alla sua sofferenza. L’anima che,
affranta, rivela le sue cicatrici scolpite in una materia giocata sulla forza del segno, eredità della tecnica
incisoria, e sul suo esito pittorico. Questo è ciò che Alessandro Carozzi rappresenta con tratti
espressionisti nel quadro Corpo Emotivo. Una sagoma androide priva di volto, di identità, di colore,
che mette a nudo i segni e le lacerazioni lasciate dai ricordi e dai rimpianti, dalle paure e dai sentimenti
vissuti o rimossi. La bicromia bianco/nero, interrotta solo di rado da pennellate di colore bruno,
evoca un senso di annullamento e di privazione di sé, riducendo l’anima esangue dell’artista a un
manichino privo di pulsazioni vitali. Forse una pausa da sé e dal mondo prima di ricominciare a
vivere. Uno stadio larvale che non si dimentica, che rimane dentro a ciascuno, impronta indelebile
dell’animo ferito.
Nelle sue Convivenze Andrea Cereda utilizza materiali poveri, di recupero, e li rielabora: lamiere
piegate e poi cucite, aggredite dalla ruggine e colorate. Assembla ogni materia in un corpo più grande
risultato quindi dell’unione di molteplici parti che si incontrano e si incastrano secondo una nuova
rete di contatti e relazioni. Costruisce una composizione equilibrata e razionale, senza per questo
cancellare i graffi e le abrasioni dei singoli metalli. Sono i segni del tempo e del vissuto che ognuno di
essi porta con sé e che l’autore intende rispettare. Solo in questo modo infatti è possibile creare una
relazione tra passato, presente e futuro, una convivenza tra ciò che è stato e ciò che sarà. Il materiale
di scarto nelle mani dell’artista diventa altro da sé conservando tuttavia il racconto unico e singolare
che il tempo ha segnato sulla sua superficie.
La città. Dove avvengono le convivenze, dove accadono le cose. Habitat metropolitano e meccanizzato
dell’uomo contemporaneo. Giovanni Cerri dipinge un microcosmo luminosissimo e algido dove
il cemento e i muri scrostati delle aree industriali contrastano con i colori vividi e brillanti di un
cielo popolato da gru e ciminiere, cyber-messaggeri di un nuovo mondo e di una nuova civiltà. Una
metafisica sironiana in veste pop in cui l’immobilità dell’atmosfera blocca il dinamismo di Suburbia
congelando, in un immagine limpida e sinistra, l’ansia frenetica dell’edificazione del nuovo, la
solitudine e lo spaesamento dell’uomo in questa sub-urbs (sotto-città) geneticamente modificata. Città
di Pripjat di Tullio Forgione fa un passo ulteriore, presentando lo scenario apocalittico della città di
Pripjat, in Ucraina, abbandonata in tutta fretta nel 1986 dopo il disastro di Černobyl’. Scorie nucleari
sepolte sotto cumuli di terra contaminata annientano la vita e l’aria, viziata, irrespirabile, è carica di
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particelle radioattive che aggrediscono ogni forma di vita, naturale e artificiale. La corrosione causata
dall’atmosfera, resa attraverso gli strati di pittura, le macchie, i graffi, le colature e le incrostazioni,
è un’interminabile aggressione alla struttura interna delle cose che, dopo questa tragedia, ha subito
mutazioni irreversibili. L’uomo se n’è andato. Ha abbandonato il teatro dei suoi errori per mettersi
in salvo. Ciò che rimane a Pripjat sono i resti di una città fantasma immersa in un tempo sospeso,
nell’eterno silenzio della morte. In alto, nel cielo ossidato di questi luoghi, appare però uno spiraglio,
la possibilità di un destino diverso. La natura, offesa e deformata, resiste e, con tenacia, genererà
nuova vita.
La storia e la società. I colori allegri, il disegno infantile, le forme che strizzano l’occhio alla street-art e
all’art-bru sono il linguaggio gioioso e leggero scelto dal giovane artista Marco la Rocca per raccontare
le tragiche vicende della “Guerra dell’acqua di Cochabamba” nelle quattro opere intitolate La guerra di
Joe. Nell’aprile del 2000 oltre 600.000 persone scesero in piazza e marciarono a Cochabamba contro
il governo Boliviano perchè revocasse la legge sulla privatizzazione dell’acqua. Lo scontro con le
forze dell’ordine durò diversi giorni, assumendo le forme di una dura guerriglia che si concluse,
dopo che il governo abolì il provvedimento, con arresti, feriti e alcuni morti. Il tono scanzonato con
cui La Rocca rappresenta un universo acquatico abitato da animali bizzarri e multicolori, i cui corpi
ricordano le trame dei tessuti latinoamericani così come le sagome panciute dei vasi zoomorfi che
contengono fiori, contrasta con la drammaticità dei contenuti giocando su un effetto di straniamento.
La sofferenza di Joe, il popolo boliviano, diventa così simbolo positivo di lotta per il bene comune.
Un esempio di ribellione a un potere politico che ha dimenticato il suo dovere di lavorare per la
res publica, il bene comune. In una società dove i valori etici e civili sembrano dimenticati Claudio
Borghi dedica un Monumento al non so che e a quasi niente. Un monumento, un ricordo ma soprattutto
un monito (da monēre, ricordare, avvisare). Con disincantata ironia e lucida amarezza lo scultore dà
forma al vuoto di valori e di sentimenti che percepisce intorno a sé rendendolo tangibile agli occhi
di tutti. L’artista, quello vero, guarda oltre l’apparenza e chiama le cose con il loro nome. Solo così è
possibile il cambiamento. Non c’è foga espressiva nella scultura di Borghi. L’acciaio corten assume
forme semplici e regolari, misurate, dinamizzate da un leggero andamento obliquo e spiraliforme,
che nell’alternanza di pieni e vuoti modellano lo spazio con un pudore che è riflessione silenziosa,
sguardo acuto e penetrante.
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Alessia Barzaghi
12 settembre 2011

Curriculum Vitae de los
artistas
Diego Alejandro García Arrázola
Cochabamba, Bolivia
Fecha de nacimiento: 6 de Septiembre de 1990
Dirección electrónica: plastimacion@hotmail.com
EDUCACIÓN
2008 Bachiller en el Instituto Eduardo Laredo; Cochabamba-Bolivia.
2009 Ingresa a la Licenciatura en Artes Visuales del Instituto Universitario Nacional del Arte; Buenos
Aires- Argentina.
2010 Continúa la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad del Museo Social Argentino;
Buenos Aires- Argentina.
2011-2012 Actualmente reside y estudia de manera autodidacta arte en Cochabamba – Bolivia.
CURSOS
2008 Clases particulares de dibujo con la artista Marcela Mérida; Cochabamba- Bolivia.
2009/03 “Curso Intensivo de Animación Stop Motion” dictado por Rodolfo Pastor; Buenos Aires-
Argentina.
EXPOSICIONES
2008 Exposición Colectiva, 7ma exposición del Taller Síntesis de Marcela Mérida, Auditorio Christian
Valbert de la Alianza Francesa. Cochabamba- Bolivia.
2010/05 Exposición colectiva, Sala Gio. I. A. Nova Milanese- Italia
2011/06 Exposición Colectiva, Sala Gio. I. A. Nova Milanese- Italia
PREMIOS
2010 Premio Adquisición Internacional Bice Bugatti-Giovanni Segantini 2010, a la obra “Intención
contra el letargo”; Nova Milanese-Italia.
2011 Medalla del Presidente de la República de Italia. Nova Milanese- Italia.
2012/01 Seleccionado en el concurso “Convocatoria de Proyectos en Artes Visuales” de la Alianza
Francesa, beneficiario de una exposición individual en el Auditorio Christian Valbert. Cochabamba,
Bolivia.
2012/04 Ganador del concurso “Las oportunidades también hablan alemán” del Goethe Institut,
con su cortometraje de animación “Warum Deutschlland?”. Beneficiario de una beca de estudios de
alemán en Alemania.
PROPUESTA
En mi trabajo creativo, trato de generar una impresión metafísica proveniente de la intuición, desde
el inconsciente, bajo un trabajo de auto observación interno y un análisis lógico para la solución de
problemas mediante la anulación de impulsos divergentes. Como una matemática de los factores
del acontecer mental, mediante una lógica siempre regida por el cultivo del sentimiento más intenso
del ser humano. Sobre un soporte determinado (papel, tela, etc.), trabajo en la materia misma con
colores y formas, que nacen en un instante de energía que se filtra, no en la representación de un
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fantasma ausente, o de una ilusión óptica, sino en la materia misma. Indago en la realidad, en la
materia que está, que tiene peso, volumen, olor, accidentes, etc. La hoja y mis herramientas, y lo que
realmente ocurre dentro de mí. Mis miedos, inquietudes, ambiciones, etc. son ilusiones, fantasmas
que no están. Trabajando trato de reducir todo ese interés a polvo, y obrar solamente inmerso en ese
velo de existencia circundante que realmente está; de esa manera pretendo solidificar, materializar y
fotografiar el instante de luz y dar testimonio del misterio de un Universo Interior, desconocido de la
consciencia, de lo racional y mundano. Intento atender mis instantes para comprender la eternidad.
Trabajar con el pecho acalorado y no con la cabeza fría. Confiar en la intuición, la sabiduría interna
que está ignorada. Inevitablemente esto genera formas orgánicas, como frutas, piedras, insectos,
olas de mar, arrugas, montañas, órganos, planetas, morfologías de la naturaleza en que existimos.
Garabateando, se traducen las incertidumbres e inquietudes acerca del Gran Misterio y muchas veces,
en lo más profundo de la psique, con el eco de un chasquido florece una respuesta. Formas similares a
una clavícula o una columna vertebral, a un pulmón o a una nube, dedos, pétalos, seres que florecen y
brillan por sí mismos. Campos de ultra-energía desconocida, intangible e inalcanzable por la limitación
de mi propia consciencia acerca de lo real. Como símbolos: árboles, cielos, estrellas, cuerpos, semillas,
que deben ser comprendidos hermenéuticamente. Rayar la superficie con un crayón, como un niño
ausente de miedo, desinteresado; potenciar campos con un círculo, provocar accidentes con manchas,
exaltar formas con un color, o con un vacío, o simplemente casar por siempre dos instantes con
una línea. Creo que así imprimo un diario de instantes referentes a un largo proceso hacia la muerte
—a partir de aconteceres y luchas internas— que no puede desligarse del sentido e impulso de mi
existencia.
Julio Cesar Soria Justo
Tacna, Perú
1974
FORMACION ACADEMICA
Escuela Superior de Formacion Artistica Francisco Lazo - Tacna del año 1995 al 1997
Escuela Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú – Lima del año 1998 al 2002
Grado Académico: Artista Plástico Profesional
INDIVIDUAL
2003
“ESPACIO LIBRE ” Sala Luis Miroquesada Garland Colegio Arquitectos del Perú
EXPOSICIONES
2011
VII Salón Internacional “Arte con Derechos” Centro Cultural PETROPERU trascenderes.
I Salón Arte Sacro – Trascenderes, Casa de Ejercicios Espirituales Sta. Ros
2010
2do. Concurso Nacional de Pintura Rápida CAJABAMBA
Galería de Arte UNIFE “Nube Abstracta” Signos y Símbolos
Galería de Arte Víctor Delfín, Centro Cultural Alberto Quintanilla UTP,
Salón De Arte Abstracto.Centro Cultural MOCHA GRAÑA “Piezas Escogidas”- Donde CORES
II Salón de Noche de Arte, Museo de Arte Contemporáneo Cusco Perú
2009
“RECOLECCION DE VERANO” Centro Cultural Peruano Japonés
PROMOTORA CALANA , galería RYOICHI JINNAI .
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2007
SALON “ARTE CON DERECHOS ” Museo de la Nación Asociación de
Artistas Plásticos del Perú TRESCENDERES
2004
“GENIO Y FIGURA ” El hombre , Galería de arte PANCHO FIERRO ,
Municipalidad Metropolitana de Lima - Promotora CALANA
2001
Vigésimo primer concurso nacional de pintura , MICHELL & CIA.
Galería de Arte Luis Bouroncle Barreda Alianza Francesa - Arequipa
Galería de Arte Escuela de Superior de Arte Corriente Alterna - Lima
1999
Exposición Pintura y Escultura Facultad de Arquitectura Urbanismo y Arte, Universidad Nacional
de Ingeniería
Sala de exposiciones, Facultad de Arquitectura Planeamiento Urbano y Artes Plásticas
DISTINCIONES
2011
1er. Lugar 52° Premio Internacional Bice Bugatti –Giovanni Segantini
III Concurso Nacional de Pintura Rápida Cajabamba – Mención Honrosa
2010
51° Premio Bice Bugatti – Giovanni Segantini Finalista
XII Salón Nacional de Pintura ICPNA Finalista
Concurso de Pintura “Paisaje Iqueño” Finalista
2007
Finalista Salón de pintura 2007 ICPNA galería Juan Pardo Heere
2006
Finalista “Arte en Libertad ” MAPFRE exposición 2003 – III
Finalista IV concurso nacional de pintura ROYAL TALENS “Rembrant 4000 años” de su
nacimiento Centro Cultural Bellas Artes.
2005
Finalista XVII concurso de acuarela - paisaje peruano - John Constable
2004
Finalista XXIV concurso nacional de pintura Michell & CIA. S.A.
PINTURA.
2002
Primer puesto concurso de pintura 84 aniversario de la ENSABAP premio ROYAL TALENTS .
Finalista XXI concurso nacional de pintura Michell & CIA S.A
2000
Tercer puesto concurso de pintura 82 aniversario ENSABAP – premio Faber Catell
Finalista Segundo Salón de Arte Joven - Museo de Arte UNMSM
1997
Primer premio concurso de afiches de arte y salud IPSS – Tacna Moquegua
1996
Finalista V salón de pintura contemporánea latinoamericana
Asociación de universidades del Sur de Ecuador y norte del Perú.
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Sandra De Berduccy
Oruro, Bolivia
Artista visual, su trabajo explora la relación entre las técnicas y procesos tradicionales de los textiles
andinos y diversos lenguajes como fotografía, videoarte, live cinema, mappings, performances
audiovisuales e instalaciones interactivas. Su trabajo se ha presentado desde 1991 en varias exposiciones
internacionales, en diferentes contextos, tales como residencias de arte, bienales, festivales de video
arte y nuevos medios, entre otros.
Desde 2011 ha estado trabajando en el proyecto TEXTO TEXTIL CÓDIGO, el mismo explora
los conceptos, técnicas y tecnologías de estos tres elementos. TEXTO - que incluye oral y escrita,
digital e impreso, en su dimensión poética, la mayoría de las veces en la lengua quechua. TEXTIL
- que abarca una gran variedad de técnicas y procesos textiles. CÓDIGO - evidenciando la idea
de la programación generativa, invirtiendo las funciones de algunos aparatos, que pueden generar
ciertos niveles de interactividad. Este proyecto, continúa un proceso creativo en busca el “ gesto “
de una tejedora, que desenvuelve su práctica de arte a través de antiguas técnicas textiles, de nuevas
tecnologías y de la búsqueda de sensaciones como una forma de permanencia de la obra de arte.
Contacto:
e-mail: dberduccy@yahoo.com
Blog: www.textotextilcodigo.blogspot.com
Rosmery Mamani Ventura Mamani Ventura
La Paz -Bolivia
Nació en la provincia Omasuyos comunidad Cajiata a orillas del lago Titicaca
Egresada de la escuela municipal de bellas artes de la ciudad de El Alto.
Premios y distinciones:
2011: Segundo Premio Internacional “Bice Bugatti-Giovanni Segantini 2011” Nova Milanese Italia.
2011: Primer premio Nacional de Pintura Salón Municipal 14 de Septiembre Cochabamba.
2010: Primer premio en pintura concurso “Cambio Climático y Seguridad Alimentaria” La Paz
2010: Premio Único concurso Octubre Negro categoría Egresados Ciudad de El Alto
2010: Tercer premio Concurso Nacional Arte Joven “Trascendiendo el yo y el Contexto Miradas a lo
Desconocido”
2009: Primer Premio Nacional de dibujo y grabado Salón Municipal”Pedro domingo Murillo” La
Paz.
2009: Primer Premio Nacional de pintura Salón Municipal 14 de septiembre” Arte Joven” Cochabamba
2009: Premio Único categoría egresados Salón anual “Octubre Negro” Escuela Municipal de Bellas
Artes de la Ciudad de El Alto
2008: Primer Premio nacional de dibujo “El Valor del Dibujo” fundación Fernando Montes
Peñaranda La Paz
2008: Segundo Premio categoría “B” Salón Anual “Octubre Negro” Escuela Municipal de Bellas
artes de la Ciudad de El Alto
2008: Tercer Premio concurso al aire libre ECOARTE La Paz
2005 Primer premio en dibujo Salón Anual de verano Escuela Municipal de Bellas Artes de la Ciudad
de El Alto.
Exposición individual en el salón Miro de la UNESCO Paris Francia.
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Moises Anturiano
Cochabamba, Bolivia
Moises Anturiano (Yawar) es arquitecto, diseñador gráfico, humorista gráfico y artista autodidacta,
reconocido por su trabajo, ha obtenido varios premios nacionales e internacionales por su trabajo
artístico, expuso su trabajo en diferentes países del mundo, como también publicó libros como
humorista gráfico de forma personal y colectiva. Actualmente se desempeña como docente
universitario e ilustrador y diseñador independiente.
Moises Anturiano (Yawar) se licenció como arquitecto en la UMSS (1997), asimismo obtuvo el
grado de Técnico Superior en Diseño Gráfico en Buenos Aires, como también el grado técnico en
Humor Gráfico en la misma ciudad porteña. Por su cuenta se formó como artista plástico de forma
autodidacta teniendo varios reconocimientos y premios en su desempeño como artista.
Entre los premios más importantes resaltan: 1er. Premio: “Humor social” (Lima, 1987); 1er. Premio:
“Humor Libre” (Buenos. Aires, 1989); 1er. Gran Premio “500 años de Resistencia Indigena y Popular”
Asamblea por los Derechos Humanos (Bolivia 1991); 2º Premio Festival Internacional de Humor
Gráfico de Santomera Murcia (España, 2006); 1er Gran Premio “Rendibú 2006” (España); Premio
de Arte Contemporáneo Bice – Bugatti ( Italia, 2009), entre otros.
Participó en Exposiciones Colectivas e Itinerantes en: Argentina, Bolivia, Colombia, Cuba,
México, Uruguay, Italia, España, Francia y Portugal. Por otra parte, realizó 3 publicaciones de sus
libros “Yawar” y “Zoociedad Salvaje” en diferentes editoriales nacionales e internacionales. Asimismo
su trabajo se publicó en diferentes revistas y diarios extranjeros y nacionales.
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Realizado por:
Associazione Bice Bugatti Club, www.bicebugatticlub.eu
Proyecto mARTadero, www.martadero.org
Impresión:
Yerba Mala Cartonera, http://yerbamalacartonera.blogspot.com
Agradecimientos especiales a los artístas que han participado en el Premio Bice Bugatti - Giovanni
Segantini, autores de las portadas de la presente edicción: Carlos Vargas, Diego Garcia, Julio Soría,
El Marsh.
Imrpeso en Cochabamba - Bolivia, 2012
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