Prosa - Academia Brasileira de Letras

Fernando Henrique Cardoso

Ciclo de Conferências 

Centenário de Morte de Nabuco I 

Democracia e memória 

em Joaquim Nabuco * 

Fernando Henrique Cardoso 

Senhor Presidente desta ilustre Academia, meu prezado amigo, 

senhores que estão aqui nos acompanhando na mesa, senhores 

acadêmicos, senhoras e senhores. Começo por agradecer. Eu nunca 

imaginei que meu nome fosse lembrado para estar aqui esta tarde 

falando sobre Joaquim Nabuco na casa que foi dele na época da 

fundação. E não fossem a estima, a amizade e os préstimos do meu 

caro amigo Marcos Vilaça, estimulados por muitos outros amigos 

que tenho aqui, nada justificaria chamar-me para prestar esta homenagem. 

Apesar do que foi dito pelo presidente Vilaça, estou longe 

de ser um especialista em Joaquim Nabuco, e mesmo nos temas com 

os quais ele lidou. Começo também por me desculpar, porque estou 

afastado da vida acadêmica em um percurso, como todos sabem, 

bastante atribulado na vida política. De modo que é uma ousadia 

dirigir-me a essa Academia para celebrar o centenário de Nabuco. 

* Texto apresentado no Ciclo “Centenário de Morte de Joaquim Nabuco I”, em 18 de 

marçco de 2010, no Teatro R. Magalhães Jr. (ABL). 

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Sociólogo, 

cientista político e 

político brasileiro. 

Professor emérito 

da Universidade 

de São Paulo, 

lecionou também 

no exterior, 

notadamente na 

Universidade de 

Paris. Senador da 

República (1983 

a 1992), Ministro 

das Relações 

Exteriores (1992), 

Ministro da 

Fazenda (1993 e 

1994) e Presidente 

do Brasil por duas 

vezes (1995 a 

2002). Em sua 

bagagem literária, 

destaca-se A arte 

da política: a história 

que vivi.


No tormento enorme da responsabilidade de falar sobre o homenageado 

procurei ler, reler, onde possível e dentro das minhas limitadas possibilidades 

de tempo, o que foi escrito por ele ou sobre ele. E dentre os muitos textos 

lidos voltei a algumas conferências que Nabuco proferiu nos Estados Unidos, 

notadamente uma em Yale. E quase desisti de vir aqui. Quase desisti porque 

era fácil perceber o cuidado que Nabuco tinha para preparar as suas falas, em 

qualquer lugar, nos Parlamentos, nos comícios, na campanha abolicionista, 

mas sobretudo nas universidades. E da sua pena, da sua voz, saíram obras literariamente 

perfeitas. Mais do que isso, o raciocínio dele fluía cartesianamente. 

E sempre envolto por palavras bem escolhidas, com uma lógica que convencia 

e uma maneira de escrever que seduzia. A tal ponto que, na conferência que 

fez sobre Camões, em Yale, fiquei fascinado. Primeiro, ele traduziu, verteu 

para o inglês – ele próprio, ele mesmo – poemas de Camões – que mais tarde 

foram publicados no Brasil. Teve o cuidado de fazer o que todos os oradores 

que são bons na relação com o auditório sabem fazer: escolheu um jovem 

americano, de um professor amigo, para que lesse os poemas que ele havia 

vertido. Com isso fazia pausas, quebrava a monotonia da fala. Isso mostra 

seu cuidado extraordinário ao falar. Não só tinha uma cultura basicamente 

francesa como tinha domínio do inglês, meu Deus, que inveja! Nós que somos 

obrigados a falar, e mal, em várias línguas, sabemos como é difícil falar bem 

– escrever, nem se fale – numa língua estrangeira. Pois isso era Nabuco. Fazia 

tudo isso com muita competência. 

Portanto, não dispondo dos dotes de Nabuco eu lhes dirijo a palavra, realmente 

com ousadia, e também com uma certa vaidade. Todo mundo diz que 

eu sou vaidoso; reconheço a vaidade de ser ouvido aqui nesta sala. 

Mas essa não foi a razão que me trouxe aqui. Seria ridículo. A razão foi, 

não só o convite amável, como a admiração, que sempre senti, por Nabuco. 

Ainda era aluno da Faculdade de Filosofia, lá se vão muitos anos, no começo 

dos anos 50, 51, 52, eu ainda não era nem professor assistente e trabalhava 

numa pesquisa dirigida por Roger Bastide e por Florestan Fernandes sobre 

as relações raciais entre negros e brancos. Mais tarde eu próprio fiz pesquisas 

sobre o tema no Rio Grande do Sul. Mas muito antes disso, quando 

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Democracia e memória em Joaquim Nabuco 

trabalhávamos sob a direção de Roger Bastide e de Florestan Fernandes li O 

abolicionismo do Nabuco. E posso dizer com toda sinceridade, que nós, jovens 

na época, ansiosos por mudar o Brasil, queríamos um país mais igualitário, 

queríamos transformar o Brasil. Ao lermos o capítulo sobre “O mandato da 

raça negra”, que é um dos mais belos capítulos do abolicionismo, ele teve um 

efeito sobre nós, se me permitem de novo a ousadia, equivalente ao que Renan 

causou em Nabuco quando mudou o seu modo de ver. Com uma diferença: 

Renan era cético. Nabuco não. Nabuco nos infundia esperança. A quase certeza 

de que o manto da escravidão, que tinha coberto o Brasil, que obscurecia 

o Brasil, um dia iria acabar. Duraria tempos, para que se dissolvesse o manto 

da escravidão. Nós éramos testemunhas em nossas pesquisas das duas coisas. 

Não só de que a luta de Nabuco tinha sido recompensada com a abolição, 

mas que as consequências da escravidão permaneciam, e nós ainda as estávamos 

estudando nos anos 50. Mas nós depositávamos esperanças no futuro, 

como Nabuco, e nos inspiramos nele para entender melhor o que acontecia. 

A ideia de um mandato, concebida pelos abolicionistas como uma espécie de 

delegação, que é irrenunciável, trazia consigo a visão política de Nabuco. Diz 

ele, que não terá sido por generosidade ou por compaixão, nem mesmo religiosa, 

que os advogados da causa emancipacionista a abraçaram: “Abraçaram- 

-na como homens políticos, por motivos políticos. E assim representamos” 

– aí a delegação – “os escravos e os ingênuos, na qualidade de brasileiros que 

julgam o seu título de cidadão diminuído, enquanto houver brasileiros escravos”. 

Isto é, eles abraçavam a causa no interesse de todo o país e no próprio 

interesse. Nabuco concebia, portanto, a luta contra a escravidão como uma 

luta pela cidadania. Junto com essa concepção, havia uma outra muito forte, 

de que, além da injustiça praticada contra o escravo, que era um mártir, a 

emancipação significaria também “a eliminação simultânea dos dois tipos 

contrários, no fundo os mesmos: o escravo e o senhor.” Essa afirmação tem 

uma força muito grande, porque o horizonte de Nabuco não se restringia ao 

institucional e nem se limitava à análise da pequena política. Ele se orientava 

por valores e tinha uma visão abrangente do processo sociopolítico. A escravidão 

era ruim para o escravo, mas ela também transformava o senhor em parte 

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do mesmo sistema. Embora, como quase todos que trataram da biografia de 

Nabuco sublinham, ele fosse um rebento excelso da aristocracia – diga-se 

de passagem, no caso mais de uma oligarquia burocrática do que propriamente 

uma aristocracia – e tivesse gosto pelo estilo de vida próprio dessa camada, 

eu acho que o espírito de Nabuco corria solto. Exemplificaria talvez o que 

Karl Mannheim acreditava ser o específico da camada intelectual. A capacidade 

de olhar o conjunto despindo-se de sua condição de classe. Mannheim 

não negava, obviamente, a existência das classes, e mesmo o papel decisivo que 

elas têm na História, e não era infenso, obviamente, à ideia de luta de classe. 

Mas acreditava que, por características específicas da secularização do mundo, 

e pela democratização, incluindo-se nesta a mobilidade social, o intelectual se 

tornara capaz de integrar no pensamento as discrepâncias da vida em sociedade, 

a despeito do seu travejamento social. Para mim isso foi o mais expressivo 

em Nabuco. Ao mostrar, por exemplo, que a abolição não nascera de uma 

compaixão religiosa mas de um sentimento político, ele na verdade retomou 

a linha, aqui mencionada pelo nosso querido Presidente, de José Bonifácio, 

na Representação à Assembleia Geral de 1823. Bonifácio foi uma espécie de 

ancestral intelectual direto de Nabuco, indo até mais longe, porque descreve 

com minúcias o que fazer para assegurar aos ex-escravos acesso à terra, educação, 

e tudo o mais. 

Provavelmente no século XIX só esses dois pensadores – José Murilo de 

Carvalho mencionou isso uma vez – tiveram a visão de que era preciso uma 

integração efetiva do escravo à vida nacional. Do negro à vida nacional. A 

obsessão de José Bonifácio em terminar a escravidão estava diretamente ligada 

ao que José Murilo, num livro que eu aprecio muito, chamado Pontos e 

bordados, chama de “a razão nacional”. Não era outro o projeto de Nabuco. 

Como formar a nação se ela está sendo carcomida pela degradação da escravidão? 

Os dois estavam sendo carcomidos: o senhor e o escravo. Era preciso 

um projeto de nação que os integrasse. Esse é o ponto de partida da visão de 

Nabuco. E em condições especiais, como também José Murilo notou, pois no 

Brasil, diferentemente dos Estados Unidos, a miscigenação racial conduzia à 

miscigenação política. Ou nos recuperávamos todos, ou o projeto nacional 

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continuaria capenga. E Murilo de Carvalho acredita mesmo que a influência 

da vertente filosófica, que em outros países teve muito peso na luta contra a 

escravidão, aqui não teve tanto peso assim. Nabuco era familiarizado com os 

pensadores da época. Qualquer um que tenha tido acesso aos seus livros sabe 

disso. E no livro de Marco Aurélio Nogueira, sobre o encontro de Joaquim 

Nabuco com a política há ampla referência às origens do pensamento de Nabuco, 

a seu liberalismo etc. Outro autor que tratou, ainda mais em detalhes 

a formação intelectual de Nabuco, Vamireh Chacon, no livro Joaquim Nabuco: 

revolucionário conservador, também mostra a teia imensa de autores com que 

Nabuco era familiar. E muitos deles foram e são fundamentais para o desenvolvimento 

das ideias básicas de individualismo, de liberalismo, e mesmo na 

discussão sobre Montesquieu e os rousseaunianos etc. Entretanto, em nosso 

caso, a ideia de liberdade e a noção de direito natural não foram os argumentos 

fundamentais da posição abolicionista. Não se vê isso em Nabuco. Vê-se em 

José Bonifácio, que, numa certa altura, na mesma representação mencionada, 

apela a algo próximo da ideia da liberdade, um direito inerente ao indivíduo, 

para justificar a abolição. E faz uma frase muito bonita perguntando como 

poderia haver justiça quando não só os escravos, mas os seus filhos e os seus 

netos continuarão sem ter acesso à liberdade. 

Em Nabuco não existe a mesma fundamentação. Sua fundamentação vem 

de outro lado. A verdade é que, quando se lê José Bonifácio, e eu vou citar 

apenas um pequeno trecho, fica claro o fundamento de seu pensamento antiescravidão: 

“A sociedade civil tem por base, primeiro a justiça, e por fim 

principal” – e isso é grego – “a felicidade dos homens. Mas que justiça tem 

um homem para roubar a liberdade de um outro homem? E o que é pior, 

dos filhos deste homem e dos filhos desses filhos”? Quando alguém critica 

a liberação dos escravos porque ela ofenderia o direito de propriedade, Bonifácio 

contrapõe o argumento dizendo que a liberdade humana é um valor 

maior do que qualquer outro direito. Há nele, portanto, uma fundamentação 

abolicionista em termos filosóficos, em função da ideia da liberdade. Mas 

tanto em José Bonifácio como em Nabuco, a liberdade chamada liberdade dos 

antigos, isto é, da organização política e da preeminência dos valores da vida 

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pública e dos direitos públicos, obscurece as preocupações pela liberdade dita 

dos modernos, isto é, as preocupações dos que veem nos direitos inalienáveis 

do indivíduo o fundamento da democracia. Não é por esse ângulo que eles 

olham a questão. É pelo outro. 

Mais tarde, depois que Nabuco fez sua primeira viagem aos Estados Unidos, 

descobriu essa nova forma de liberdade. Mas não foi a partir dela que 

fundamentou o abolicionismo. Em Um estadista do Império, que é a grande obra 

de Nabuco, ou mesmo na correspondência, em suas notas soltas, em seus 

pensamentos breves, quem sabe mesmo em Minha formação, talvez fique a impressão 

de que Nabuco teria sido o que hoje se chama um cientista político, e 

dos melhores. Era arguto na análise das pessoas, dos interesses, sem se despreocupar 

das instituições. Entretanto, mesmo no abolicionismo, – quem sabe eu 

puxo a brasa para a minha sardinha – há mais de sociólogo na visão de Nabuco. 

Ele não via a política “à la Machiavel”, como fruto apenas das ambições 

dos homens, da vaidade, da cobiça. Procurava ver, ao mesmo tempo, o que 

estava por trás da vida política e analisar as estruturas das sociedades. Como 

já disse, Nabuco se apaixonava por suas causas, não fazia uma separação nítida 

entre coração e razão. Tinha uma visão muito mais complexa. E nunca usou 

argumentos puramente econômicos para defender a abolição. O que o preocupava, 

não era somente a questão do escravo como instrumentum vocalis, como 

se dizia na época, um instrumento que fala. Não há no raciocínio em defesa 

do abolicionismo uma ideia propriamente econômica, como, por exemplo, 

a de que o trabalho livre seria mais proveitoso para a economia, argumento 

que posteriormente eu próprio usei na tese que escrevi sobre capitalismo e 

escravidão, e da qual alguns historiadores discordam. Em certas condições, 

utilizar a escravidão talvez fosse mais vantajoso do que usar o trabalho livre. 

Não é a minha visão, pelo menos no caso do Rio Grande do Sul, quando 

comparei as charqueadas livres da Argentina e do Uruguai com a charqueada 

na base escrava do Brasil. Não vou entrar nesses detalhes, porque eu fiz uma 

interpretação usando Marx, e também (meu Deus... naquela época a gente fazia 

tanta coisa confusa!) Lukács, para discutir o tema da consciência em si, da 

possibilidade do escravo ter consciência liberadora quando não podia desejar 

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a generalização de sua condição, o que suporia a escravidão, pois do contrário, 

tornar-se igual a seu contrário, o senhor, que era livre. 

Nabuco mostra isso bem. Seria preciso que o escravo se transformasse no 

outro, e portanto virasse cidadão e não escravo. Mas isso são outras histórias. 

Refiro-me a elas só para dizer que Nabuco não utilizava esse tipo de argumentação 

econômica como fundamento de sua posição abolicionista. E ele 

pensava, na verdade, que “a raça negra é um elemento permanente da população, 

parte homogênea da sociedade.” Mesmo porque dizia: “a raça negra não 

é tampouco para nós uma raça inferior, alheia à comunhão ou isolada cujo 

bem-estar nos afete como qualquer tribo indígena maltratada pelos invasores 

europeus.” Ele achava que o negro era parte da nacionalidade. Em seu projeto 

nacional, ou bem se incorporava o escravo, como homem, como negro, ou 

não haveria possibilidade da formação da nação. A frase que eu acabei de ler 

pode dar a impressão, um pouco equivocada, de que, referindo-se aos outros, 

às tribos isoladas, Nabuco guardasse um certo preconceito racista. Mas não. 

Na verdade ele estava criticando os abolicionistas europeus, que nunca se 

preocuparam, não precisavam se preocupar, com o efeito da abolição sobre 

o sistema político, porque estavam lidando com alguma coisa muito distante 

deles, enquanto Nabuco e seus colegas abolicionistas lidavam com algo muito 

próximo. Nabuco queria que o ex-escravo, livre, fosse alfabetizado para ser 

cidadão e votasse. Estava, portanto, dizendo: “Olha, nós achamos que tem de 

ser assim, e apesar de sabermos que isso vai ser assim, queremos que isso seja 

assim”. Ou seja, não se trata de um pensamento piedoso, religioso, mas de um 

pensamento político, reafirmado nas frases relativas à integração dos escravos. 

De onde proviria essa estranha empatia para com uma “raça”, que na época, 

mesmo os “bem pensantes”, e quem sabe até hoje relutam, ou relutavam, em 

deixar de considerar, ainda que subliminarmente, como uma raça inferior. 

Em Nabuco isso não existe. Em todos os seus escritos, há o tempo todo uma 

apreciação diferente do que era o ser negro e o ser escravo. Mais ainda o ser 

negro, não só o ser escravo. 

Nabuco já foi esquadrinhado, como toda gente sabe, por seus biógrafos, 

desde a filha Carolina Nabuco, passando por vários outros, passando mais 

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recentemente, por Ângela Alonso, ou por Luiz Viana Filho, que escreveu livros 

realmente deliciosos sobre Nabuco. O certo é que dele se sabe quase tudo. 

Sabe-se até demais. Sabe-se de seus flertes, de suas paixões, enfim, de detalhes 

a respeito de sua pessoa. É difícil encontrar alguma coisa nova e humana sobre 

Nabuco, porque tudo já foi devassado. Até sua beleza: ele tinha um apelido, 

“Quincas, o belo”, imaginem. Quem não gostaria de ter um apelido desse, 

não é? Nabuco tinha também uma espécie de voracidade de conhecer os grandes 

da época. Quando se vê em Minha formação com que prazer ele descreve seu 

contato com os grandes pensadores franceses, os escritores, os filósofos. Nos 

Estados Unidos ele chega quase ao narcisismo. Não obstante, a explicação de 

como Nabuco desenvolveu laços afetivos tão fortes com os escravos e com os 

negros é menos clara. As páginas clássicas a respeito estão no capítulo mais famoso 

de Minha formação, que é o “Massangana”, sem dúvida alguma uma joia. 

Do ponto de vista literário, do ponto de vista de reminiscência, do ponto de 

vista da descrição do que era o sistema escravocrata e tudo o mais. Nabuco resume 

nesse capítulo seu sentimento e seu pensamento e mostra que o escravo 

estava acorrentado a uma ordem social injusta e a uma ordem que, não obstante, 

moldou-o, a ele, Nabuco. Moldou tanto que às vezes se tem a impressão, 

não se poderia dizer que ele escreveu ao modo de Gilberto Freyre, mas 

ao contrário, Gilberto Freyre escreveu ao modo de Nabuco. Chegou a dizer 

que os negros tinham tanta doçura que foram capazes, de alguma maneira, de 

contaminar os senhores com o seu ser. E se refere, estranhamente para quem 

era Nabuco, a virtudes quase míticas atribuídas ao negro, como sendo as que 

produziram na cultura brasileira e no modo de ser dos brasileiros alguma 

coisa muito especial. Na verdade ele estava mostrando que as relações entre 

os senhores e os escravos, afinal, acabaram por ser muito próximas mesmo. 

Leio um pequeno trecho. Diz ele em Minha formação: “Quanto a mim,” – sobre 

a escravidão – “absorvia o leite preto que me amamentou. Ela envolveu-me 

com uma carícia muda toda a minha infância. Aspirei-a da dedicação de velhos 

servidores que me reputavam herdeiro presuntivo do pequeno domínio 

de que faziam parte. Entre mim e eles, deve ter-se dado uma troca contínua 

de simpatia, de que resultou a terna e reconhecida simpatia que vim a ter pelo 

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seu papel.” São reflexões bastante curiosas porque revelam que, de alguma 

maneira, foram os negros que trouxeram para os senhores as qualidades de 

doçura que se atribuem aos brasileiros, e que os senhores as absorveram. Com 

isso Nabuco quase absolve também os senhores. Como quem dissesse, “temos 

uma cultura que envolve a todos”. Se fosse Gilberto Freyre a dizer isso, 

eu entenderia, porque ele tinha uma visão mais abrangente do papel do negro 

e de sua cultura na formação da nacionalidade. No caso de Nabuco, que era 

muito mais agressivo na crítica à ordem escravocrata, parece até um tanto estranho. 

E ele diz mais: “Na escravidão da infância, eu não posso pensar sem 

um pesar involuntário. Tal qual o pressenti em torno de mim, ela conserva-se 

em minha recordação como um jugo suave, orgulho exterior do senhor, mas 

também orgulho interno do escravo. Alguma coisa parecida com a dedicação 

do animal que nunca se altera, porque o fenômeno da desigualdade não pode 

penetrar nela.” 

São frases estranhas, quando ditas por Nabuco. É certo que ele faz a ressalva: 

“isso não é geral”. É só nas antigas propriedades, é só em certas circunstâncias 

que se produz esse casamento. E eu não estou reproduzindo estes 

textos para diminuir a grandeza de Nabuco. Isso seria uma injustiça, um 

exercício vulgar de iconoclastia, que não tem nada a ver com o ambiente em 

que nós estamos, que é, ao contrário, um ambiente para entendê-lo e entender 

a sua grandeza. Acho, entretanto, que é preciso ver um pouco mais a fundo 

que ambiguidade é essa. Que relação complexa é essa, de um homem que, 

ao mesmo tempo, tem a capacidade de desvendar a ordem escravocrata, que 

critica duramente os senhores e, depois, demonstra essa relação um pouco 

ambígua no tema que dominava. Em certo momento, quando Nabuco volta a 

Massangana, doze anos depois de ter deixado o engenho, se pergunta sobre o 

porquê de ele se revoltar contra a escravidão. Qual foi o episódio que o iluminou 

sobre seu significado? Volta a Massangana e rememora o que aconteceu. 

Numa tarde, ele estava sentado na escadaria, quando de repente se aproxima 

um escravo de 18 anos mais ou menos e lhe pede, pelo amor de Deus, que seja 

comprado por sua madrinha, que era senhora de Massangana. Na casa onde 

vivia com outro senhor, diz o escravo, era maltratado, era castigado. Nabuco 

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teria sentido naquele momento, naquele episódio, todo o horror da escravidão. 

É possível. E para quem é como eu, mais ou menos ingênuo em matéria 

psicológica, teria a impressão, meu Deus, de que, de fato, a partir daquele 

momento, o menino se revoltou. Entretanto, como é possível que alguém que 

é um senhorzinho de repente se tome de uma paixão arrebatadora por uma 

causa e se identifique tanto com ela? 

Por coincidência, ao reler O abolicionismo, eu tinha lido um ensaio chamado 

Acaso, destino e memória, de um psicanalista, Luiz Meyer, que também se entusiasmou 

pelos textos de Massangana e tratou de verificar melhor, do ponto 

de vista de alguém que penetra mais na alma humana, o que teria produzido 

tanta paixão em Nabuco, no ser complexo que ele foi. Luiz Meyer tomou um 

outro texto em que Nabuco descreve a morte da madrinha como base para sua 

interpretação. É um momento em que o Nabuco está absolutamente comovido 

pelo que aconteceu. Ele foi despertado no meio da noite pela criadagem, 

todos choram. Descreve a cena comparando-a a um naufrágio, uma tragédia. 

Uma experiência que o tocou profundamente. E o autor continua analisando 

um pouco mais em detalhe. A certa altura do capítulo Nabuco diz: “O traço 

todo da vida é para muitos, um desenho da criança esquecido pelo homem, 

mas ao qual ele terá sempre que se cingir, sem o saber. Os primeiros oito anos 

da vida foram assim como certos sentidos da minha formação instintiva ou 

moral definitiva.” Diz mais: “Só eles” – os traços da infância – “conservam 

a nossa primeira sensibilidade apagada. Eles são, por assim dizer, as cordas 

soltas, mas ainda vibrantes, de um instrumento que não existe mais em nós... 

Meus moldes de ideias e sentimentos datam quase todos dessa época.” 

Portanto o próprio Nabuco está revelando no local em que reviveu sua infância, 

em Massangana, ao recontar sua história, o que ele tem de mais profundo. 

Luiz Meyer acha que a frase que eu acabei de citar fornece um insight, uma intuição 

tão forte, que até parece que: “Nabuco foi freudiano avant la letre, antes de 

Freud ter escrito. Porque efetivamente ele está se referindo a que o traço todo da 

vida provém daquela experiência infantil. Na verdade foi um momento dramático 

aquele em que Nabuco viu que seu mundo estava se acabando”. Freud tem 

uma frase muito parecida com o que disse Nabuco. Com uma diferença, neste 

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ponto, entra o Luiz Meyer, para os psicanalistas não se pode tomar a recordação 

como se fosse a expressão do que verdadeiramente ocorreu. A recordação, em 

geral, é uma reconstrução, ex-post, sobre o que teria ocorrido parcialmente e cada 

vez que nós nos recordamos, nós mudamos um pouco. Muitas vezes, a recordação 

pode também expressar, não o que nós realmente queremos dizer, pois 

podemos estar substituindo o que não queremos dizer pelo que dizemos. Eu, 

repito, não sou psicanalista, mas o achado é interessante. Meyer foi buscar no 

texto ao qual me referi sobre a morte da madrinha, a descrição de um momento 

realmente dramático para Nabuco. Por quê? Porque naquele momento ele também 

foi despossuído. Ele tinha 8 anos. Nabuco três ou quatro meses depois de 

nascer foi entregue à mulher do compadre do pai dele, Conselheiro Nabuco. 

Ele viveu longe da família. A família que se tornou sua era a da madrinha. Os 

escravos, a mãe, ele se refere várias vezes também a sua ama-de-leite, uma escrava. 

Mas a mãe era a madrinha, que se referiu a ele escrevendo a seu pai, como 

“o nosso filhinho”. Ela tinha um carinho todo especial por Nabuco. Havia a 

presunção de que Nabuco fosse herdar Massangana. Não era uma presunção do 

ponto de vista de uma ambição material, mas os escravos que o rodeavam, segundo 

o próprio Nabuco, teriam o “sonho” de um dia pertencerem ao domínio 

dele, Nabuco. Enquanto ele teria o “sonho” de ser o senhor de Massangana. A 

madrinha morreu e não lhe deixou como herança Massangana, que foi destinada 

a um outro sobrinho, sem relação com Nabuco. Deu-lhe outra fazenda, mas 

de fogo morto, isto é, sem escravos, além de uma casa em Recife. 

Ao ver de Luiz Meyer, a experiência dramática que levou Nabuco a uma 

identificação tão próxima dos escravos é que ele passou por essa experiência 

que guarda alguma similitude com a dos escravos: também ele foi “vendido”. 

E teve muita dificuldade, de início, para se readaptar, no Rio de Janeiro, à 

vida com a mãe natural. Passou, portanto, pela experiência vicária sobre o 

que significa ser transposto subitamente de uma situação de vida à outra. Daí 

que toda a sua experiência inicial tivesse sido refeita por essa mais traumática. 

Digo-lhes isso, para mostrar-lhes que, apesar de todos os livros e de tudo que 

se falou sobre Nabuco, ainda há quem possa dizer coisas novas sobre nosso 

personagem. Talvez nem mesmo os que estão no auditório e são conhecedores 

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de sua vida e obra soubessem que ainda é possível alcançar uma interpretação 

mais profunda do que a do próprio Nabuco em Minha formação, sobre motivações 

que expliquem o quanto ele se identificou com o que ocorria no Brasil, e 

as razões pelas quais lutou com tanta energia para mudar tudo. 

E quando Nabuco diz que na verdade o sistema escravocrata forma tanto 

o escravo como o senhor, e que é preciso libertar dele todos, esse “todos” 

tem um sentido muito profundo, que é libertar todos de uma situação que 

abriga a uma injustiça tão profunda. Não posso seguir por mais tempo nesse 

tipo de análise, mas o indiscutível é que não houve outro personagem 

na época que tivesse tido a sensibilidade, ao lado da capacidade intelectual, 

de desvendar tanto a escravidão como Nabuco, provavelmente por causa das 

experiências vitais pelas quais passou. Não sou psicanalista, mas toda gente 

sabe que a experiência da infância marca, mas não define. A vida se refaz, se 

reconstrói. Não se trata de um destino, de uma condenação marcada pela 

infância. Portanto eu não estou dizendo que Nabuco foi grande como foi, só 

porque teve essa vivência. Ele foi grande porque teve outros atributos. Soube 

transformar essa vivência em elaboração intelectual e em ação política, em 

capacidade transformadora. O certo é que, daí por diante, Nabuco se revolta 

contra tudo que a escravidão representava. E seu comportamento foi assim a 

vida inteira. Mesmo sendo, como se dizia, um dândi (estroina) manteve-se fiel 

a suas convicções antiescravagistas. Torrou toda a herança que recebeu numa 

viagem à Europa, onde passou um ano. Vendeu a casa, vendeu as terras e foi 

para a Europa. Contra a opinião do pai. E tinha razão Nabuco, porque na 

Europa se refez, teve contatos etc. Mas mesmo que se diga tudo isso e mais, 

que foi um homem entre dois mundos – há um trabalho que eu li muito interessante 

do João César de Castro Rocha sobre Nabuco, retomando alguns 

desses temas – mas nada disso obscurece o que eu estou ressaltando. Nabuco 

continuou a dedicar sua vida à luta contra a injustiça. Realmente para ele a 

política sempre foi a entrega a uma causa. Ao abolicionismo, e, com menos 

intensidade, à Monarquia. Mais tarde aceitou os fatos da vida e se tornou, 

não digo republicano, mas entendeu a República e foi seu embaixador. Apaixonou-se 

pelo pan-americanismo. Ao contrário do que muitos disseram, teve 

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uma forte vocação política a vida inteira, uma constante presença política, 

uma motivação política. Do que ele não gostava era do dia a dia da política. 

Não gostava dos conchavos, e ao descrevê-los, ao descrever as trocas de favores 

(isso hoje não surpreende ninguém...). Mas ele não gostava desse aspecto da 

política. Eu entendo que não gostasse. É terrível mesmo. Dito pelas próprias 

palavras de Nabuco: “Esse gosto especial do político, na luta dos partidos, 

não conheci. Procurei na política o lado moral. Imaginei-a uma espécie de 

cavalaria moderna, a cavalaria andante dos princípios e das reformas. Tive 

nela emoções de tribuna, por vezes de popularidade, mas não passei daí. Não 

passei do liminar.” Com bases em suas próprias afirmações muita gente diz 

que Nabuco não se interessava por política, que seria mais um esteta, mais um 

artista, mas isso não é certo. Ele não se interessou pelo tipo de política que 

estava criticando. O próprio José Veríssimo, numa edição da Minha formação 

publicada pela Topbooks, diz que Nabuco era um diletante na política. Era 

comum mostrar o contraste entre o amor que Nabuco tinha pelas artes, o 

Nabuco italiano, o Nabuco estético, e o Nabuco como político. Mas, na verdade, 

como ele mesmo confessa, sua inaptidão era para as rusgas do combate 

político cotidiano. Ele não tinha esta aptidão. Mas na verdade, o tempo todo 

ele é ambíguo nesse ponto. Quando nas memórias registra as experiências na 

Europa, ora diz que passou um ano na Europa tão encantado pelo que viu na 

literatura e nas artes que isso teria apagado nele por um ano o que chama a 

faculdade política. Entretanto acrescenta noutra parte das memórias: “Apesar 

de tudo, eu tinha faculdades políticas inapagáveis.” Numa página diz que 

eram apagadas, noutra diz que eram inapagáveis. E poderiam, quando muito, 

ficar secundárias, subordinadas à atração puramente intelectual. Secundárias, 

mas presentes como cinzas num braseiro. Logo que surgisse um ideal que o 

encantasse, essas cinzas viravam chama outra vez, não estavam extintas. Disse 

também, é verdade, que nunca sentiu amargor, nem ressentimento da política 

porque só se consagrou às grandes causas. Na frase que já foi usada contra ele, 

diz que se interessava pelo cenário do mundo e não pelo que ocorria no Brasil. 

Mas diz ao mesmo tempo: ah, por que então eu me interessei pela abolição? 

Quem sabe porque a Abolição naquele momento fosse parte do cenário do 

23


mundo? Na verdade, ele se interessava pelos dois. Pelo cenário do mundo e 

apaixonadamente pelo que estava acontecendo aqui. Há uma certa ambivalência, 

uma certa ambiguidade em suas reflexões, as quais decorre do drama 

humano do intelectual que participa da política, se entrega a ela em dados 

momentos, mas não perde seus valores, nem se deixa engolfar em posições que 

possam ser contrárias ao que Nabuco chamava o interesse social maior. Não 

se trata de uma ambiguidade específica, para que se critique Nabuco. Quem 

não é ambíguo nessas situações? De certa maneira, quem, sendo intelectual, 

não vive momentos sem vontade de participação política alguma, tal o espanto 

do cotidiano? E quem, uma outra vez, não reacende a chama quando vê 

uma causa a que vale a pena consagrar-se, em nome do interesse social maior? 

Aliás, assim Nabuco definiu a política, ao falar sobre o pai, que para ele era 

um modelo: “A qualidade principal do político é adaptar os meios aos fins, 

e não deixar periclitar o interesse social maior por causa de uma doutrina ou 

de uma inspiração.” 

A permanente busca do interesse social maior, busca de uma relação entre 

meios e fins na qual os meios sejam subordinados aos fins, caracterizou 

Nabuco a vida inteira. E mais, nos Pensamentos soltos, em uma edição bem caprichada, 

diz algo muito interessante: “Não é possível exprimir senão lados 

do pensamento. O pensamento no seu conjunto retira-se, mal percebe que o 

querem prender.” 

Esses lados, ora são visíveis, vê-se um lado, ora outro. Nabuco achava que 

era impossível ver o conjunto do pensamento e tinha mais horror ainda a um 

pensamento que controlasse o cotidiano, o ser, das pessoas, seu quê fazer. De 

alguma maneira, fazia uma crítica antecipada ao que veio acontecer, muito mais 

tarde, nos regimes totalitários. A visão totalizadora era realmente algo completamente 

infenso a Nabuco. Acho que ele sempre viveu envolvido por esses 

dilemas e que não eram só psicológcios, mas eram dilemas que dependiam 

da posição que ele ocupava, da situação social em que ele estava. Entretanto 

essas ambiguidades, normais no decorrer da vida, nunca o afastaram de ter – e 

vou afirmar uma coisa que é contestada por alguns – sentimentos democráticos. 

Lendo Nabuco com calma, vê-se que ele tinha profundos sentimentos 

24


democráticos. A imagem de Nabuco, e até mesmo os preconceitos e invejas 

diante de alguém com tantas qualidades e virtudes, provoca sempre uma certa 

reação, deixa a impressão de Nabuco como um homem “das elites”. Era, mas 

com sentimentos democráticos. Por isso, achei que valia a pena aprofundar um 

pouco mais a relação do pensamento de Nabuco com o pensamento de outro 

grande homem, Alexis Tocqueville, que fez, como todos sabem, análises brilhantes 

sobre o Antigo Regime na França e sobre a democracia na América. 

 

Tocqueville escreveu na primeira metade dos anos do século XIX e Nabuco 

na segunda do século XIX. Não escreveram, portanto no mesmo período. 

De qualquer maneira, se nós analisarmos a reação dos dois sobre certos momentos 

da história ressalta meu argumento sobre o sentimento democrático 

de Nabuco. Ninguém duvida da capacidade intelectual de Tocqueville, nem 

de sua condição social, marquês, provindo de família secular, e também um 

homem que tinha orgulho dessa posição, que se afirmava como um aristocrata. 

Pois bem. Tocqueville, em vários momentos, ao discutir o Antigo Regime, 

num livro que muitos conhecem (o Weffort, que está aqui presente, publicou 

uma seleção interessante desses textos de Tocqueville), mostra que o Antigo 

Regime caiu não só por causa da Revolução Francesa, mas também porque os 

reis da França foram retirando funções da nobreza em benefício de sua dinastia. 

E essas funções eram de vária natureza, inclusive fiscal. O rei foi criando 

pouco a pouco um Estado mais centralizado, nomeando fiscais das províncias, 

que coletavam os impostos, esvaziando a função da aristocracia. Isso 

para Tocqueville foi o que começou a arruinar o antigo regime. Tocqueville 

reafirma o tempo todo sua condição de homem empenhado na volta... nem 

digo da volta, que ele sabia ser impossível, mas empenhado em expressar sua 

empatia com o Antigo Regime. Ao olhar para a Inglaterra, diz “Ah, a França 

foi destruída não só por causa do Jacobinismo, – da Revolução Francesa, o 

próprio rei estava começando a minar a aristocracia, a nobreza”. Vendo o e 

que estava acontecendo à volta pregava: “Olhemos a Inglaterra.” Apaixonou-se 

25


pela Inglaterra como Nabuco. Mas se apaixonou pelo quê? Pela aristocracia 

inglesa. Então diz ele “A Inglaterra é o único país onde a aristocracia continua 

exercendo o poder e sendo a classe dominante.” 

Nabuco também se apaixonou pela Inglaterra. Não só na sua primeira viagem, 

mas desde jovem. Já no Recife havia lido Bagehot, sobre a Constituição 

Inglesa, e se apaixonou pelas instituições do país. Em seus escritos mostrou, 

como sabido, que na Inglaterra existe um regime parlamentar e que o regime 

parlamentar não é propriamente fruto de Montesquieu, porque o Executivo 

e o Legislativo estão casados. Entretanto, diz Nabuco, acontece que, estando 

casados, o Executivo e o Legislativo, há uma sensibilidade muito grande da 

opinião pública na relação com a Câmara. “Quando há uma mudança de 

opinião a Câmara também muda, pois pode-se pedir sua dissolução e não 

é o rei quem a dissolve”. Neste ponto compara com o que ocorria no Brasil, 

onde era o imperador que, formalmente na escuta da opinião nacional, 

dissolvia a Câmara para reequilibrar o sistema. Mas era o imperador quem 

agia. Na Inglaterra não. Nabuco se entusiasma com a Inglaterra em função 

dos mecanismos democráticos vigentes. Para ele o que caracterizava, o que 

assegurava realmente à Inglaterra uma posição especial no sistema político é 

que a força política equilibradora e efetiva residia no Judiciário, na decisão do 

juiz. Há um texto em que Nabuco diz com todas as letras, de que modo via 

a política na Inglaterra: “Somente na Inglaterra pode-se dizer que há juízes. 

Só há um país no mundo em que o juiz é mais forte do que os poderosos. O 

juiz sobreleva à família, à aristocracia, ao dinheiro e o que mais que tudo, aos 

partidos, à imprensa, à opinião. Não tem o primeiro lugar no Estado, mas 

tem na sociedade.” E dá um exemplo: “O Marquês de Salzburg e o Duque de 

Westminster estão certos de que diante do juiz são iguais ao mais humilde de 

sua criadagem.” 

Esse sentimento da igualdade de direitos, ou da pessoa mesmo na mais 

extrema desigualdade de fortuna, é a condição, é o fundo da dignidade anglo- 

-saxã. Vê-se assim a diferença entre um conservador verdadeiro – Tocqueville 

– apesar de brilhante e analista capaz, e alguém, como Nabuco, que não tem 

essa sensibilidade conservadora. O que este último via na Inglaterra não era 

26


apenas a monarquia. Ele justificava a monarquia inglesa dizendo: lá, entretanto, 

o poder monárquico é neutro. Ele é simbólico. Entra nesse passo, quem 

sabe, o lado estético de Nabuco. Ele aprecia a monarquia. Mas seu lado de 

pensador político não está colocando ênfase na aristocracia nem na monarquia. 

Está colocando ênfase nos direitos do cidadão, está colocando ênfase na 

questão da liberdade, na possibilidade de acesso à justiça para todos; é uma 

visão bastante diferente da visão de Tocqueville. 

Diga-se de passagem que é fascinante ler um outro livro de Tocqueville, 

Lembranças de 1848. Tocqueville, marquês, legitimista (ou seja, favorável aos 

descendentes em linha direta de Luiz XIV, não simpático aos descendentes 

do irmão de Luiz XIV, que foram os Orleans), homem arraigadamente favorável 

à tradição, se elegeu deputado e foi membro da Assembléia Nacional 

na França, durante e depois da Revolução de fevereiro de 1848, a primeira 

tentativa de revolta popular depois da Monarquia. Uma das edições do livro 

contém um prefácio belíssimo de Ferdinand Braudel que ressalta que Tocqueville 

(como, penso eu, também Nabuco) se interessava pela política, mas 

desnudava, ao mesmo tempo, a sociedade que lhe dava ensejo. Ele descreve o 

que estava acontecendo no dia a dia de Paris. Pode-se fazer outra comparação, 

que não vou fazer, com o 18 de Brumário. São livros gêmeos, tanto Marx, como 

Tocqueville estão se referindo aos mesmos acontecimentos. E a percepção de 

um e de outro é extraordinária. E curiosamente ambos se juntam num ponto: 

no horror à burguesia, horror ao que Tocqueville chama de “classe média”. 

A classe média na época era a burguesia. Ambos têm horror à burguesia. Um 

porque quer ver o proletariado triunfante; outro porque quer ver a aristocracia 

atuante. 

 

Voltemos ao tema, para não me enroscar em Marx e Tocqueville. Quando 

se vê a maneira quase desdenhosa como Tocqueville descreve tudo que não é 

a tradição, e se compara suas predisposições com as atitudes de Nabuco, vê- 

-se que neste não há nada equivalente. Nabuco foi um homem com os olhos 

27


bastante abertos para as mudanças, inclusive as mudanças democráticas, mesmo 

em suas apreciações com relação a França de 1870. No que diz respeito 

à Inglaterra, é ainda mais fácil notar as diferenças nas avaliações de cada um 

dos dois autores. No outro grande livro de Tocqueville sobre a Democracia 

na América, que é uma Bíblia para muitos de nós, Tocqueville descreve o que 

acontecia nos Estados Unidos nos anos 1830. Homem oriundo da tradição 

europeia, com tudo hierarquizado, encontra nos Estados Unidos uma sociedade 

de iguais, de pessoas, de indivíduos sem amor às hierarquias. Pode haver 

hierarquias, mas os americanos não têm amor a elas. Diante do que viu, Tocqueville 

fez uma crítica dura à igualdade. Dura. Ele diz que o sistema que se 

estava formando nos Estados Unidos estava levando a uma cultura em que a 

classe média – outra vez, a burguesia – transforma o gozo dos bens materiais 

em fruição suprema. E impedia que as pessoas vissem o interesse público, 

porque cada um forma sua própria associação, posto que há muita liberdade. 

E como nos Estados Unidos, diz Tocqueville, existe não só o individualismo, 

mas também a possibilidade da associação sem o cunho da autoridade, cada 

qual se filia às organizações não governamentais, como diríamos hoje, que 

queira. Para nosso autor, o que salva a América das consequências negativas 

de tanta da igualdade é a liberdade de imprensa e são essas associações. Mas 

quais seriam as consequências negativas da igualdade? Seriam que, contraditória 

e progressivamente, os americanos iam ter mais governo. Tocqueville 

escreveu frases absolutamente claras sobre o que para ele seriam as consequências 

negativas da combinação entre espírito igualitário e organização livre da 

sociedade civil. Elas ensejariam a formação de um governo centralizador no 

qual os americanos ficariam felizes porque iam eleger seu tutor e cada um 

cuidaria de sua vida privada sem se preocupar com a coisa pública. Ele achava 

que haveria um risco nisso, mas, curiosamente, via um antídoto: “O que salvaguarda 

isso tudo?” É que a liberdade tem um antídoto contra os seus males: 

a liberdade de imprensa e a liberdade de associação.Tocqueville reconhece, 

portanto, o processo democrático em marcha na América. Mas não o vê com 

empatia. Sabe que ele é inevitável e que a formação de uma sociedade democrática 

está acontecendo no mundo todo e não só na América. Mas a reação 

28


cautelosa de Tocqueville é clara, como se dissesse: “Ah! Eu compreendo, sei 

que é assim. Há lados fascinantes em tudo isso. Mas com essas transformações 

não me sinto em casa.” Ele não diz propriamente isso. Estou exagerando 

para expressar mais abertamente o que aparece nas entrelinhas. 

E Nabuco? Nabuco também vai aos Estados Unidos e também se fascina. 

Mas ele vê outra coisa lá. E é bastante moderno na percepção de que os 

Estados Unidos transformaram-se muito, como ele afirma reiteradamente. 

Ressalta como Tocqueville o sentimento de igualdade que existia nos Estados 

Unidos, embora acreditasse que a liberdade existente na Inglaterra fosse maior 

do que a prevalecente nos Estados Unidos, posto que este país não tinha as 

garantias, os direitos dos cidadãos garantidos pelo Judiciário tão plenamente 

como na Inglaterra. A igualdade, tão valorizada nos Estados Unidos, não 

seria para todos, universal. Circunscrever-se-ia ao universo americano. Em um 

de seus textos diz: “Esta igualdade, que leva uma educação para todos, que 

é característica dos Estados Unidos, encobre também alguns problemas que 

podem mais tarde ser complicados. Porque essa igualdade, essa educação é 

para eles, americanos, e dá a eles o sentimento de superioridade”. Diz ele: 

“Não há povo no mundo que se sinta melhor do que o americano.” Esse sentimento, 

essa excepcionalidade americana, como se diria hoje – foi reiterada 

por Nabuco para mostrar que os americanos viam nos Estados Unidos uma 

situação singular no mundo: “É válido. Essa igualdade é válida. Mas olhem 

bem o que acontece em volta. Sete milhões de negros americanos não têm 

acesso a isso. Os sins (chineses) e os negros,” diz ele, “acho mesmo que nem 

seriam por eles considerados da mesma ordem que nós, os humanos.” E diz 

mais: “E eu quero ver se os americanos acham que são iguais aos seus vizinhos 

de Cuba ou do México. Não! Eles têm um sentimento de orgulho. Essa 

igualdade se traduz, mais tarde, em orgulho, a superioridade, e isso vai lhes 

dar” – a expressão é dele – “um destino manifesto.” E ele se coloca absolutamente 

irmanado com os sins, com os negros, com os migrantes que estão 

parados nos portos dos Estados Unidos e são barrados no ingresso ao país, 

com os latino-americanos. Novamente Nabuco manifesta seu sentimento genuinamente 

forte de igualdade substantiva. Embora ele pudesse reconhecer 

29


aqui e ali certos riscos no igualitarismo, não fechava seu espírito aos méritos 

desse sentimento. 

Quando se compara um conservador à antiga, como é o caso de Tocqueville 

(e eu me refiro a um homem que admiro profundamente por sua capacidade 

de análise, sem nada de restrição intelectual a Tocqueville) com Nabuco, dá 

para ressaltar o que eu comecei dizendo: Nabuco mantinha um sentimento de 

outra ordem, um sentimento democrático. Ele viu nos Estados Unidos, como 

viu na Inglaterra e como quis no Brasil, o contrário daquilo que na aparência 

é a percepção de um aristocrata, de um dândi, de um “esteticista”. Ele pode 

ter sido tudo isso, ambiguamente, mas na política, não vou dizer que tivesse 

sido um revolucionário, como o tachou Gilberto Freyre dizendo que ele era 

um revolucionário conservador. Vamireh Chacon tirou de Freyre o título do 

seu livro. Não direi sequer que não tivesse sido liberal conservador. Sim, mas 

era liberal. Com o tempo, mudou um pouco a sua sensibilidade. 

No fim da vida suas paixões e suas admirações deslocaram-se da Europa 

para os Estados Unidos. Em sua fase de embaixador, quando voltou aos Estados 

Unidos, foi nosso primeiro embaixador nos Estados Unidos depois 

de haver sido agregado à delegação brasileira no Império; mais tarde, já na 

República foi embaixador. Os monarquistas obviamente criticaram-no por ter 

aceito representar a República. Mas Tocqueville também votou pela República 

justificando-se: “Eu vou votar pela república porque os grupos que estão 

na Assembleia Nacional – os orleanistas que queriam a restauração através 

dos Orleans, e os legitimistas, que queriam a sucessão em linha direta, não se 

entendem, e os republicanos menos ainda com eles; dessa forma não se faz 

maioria; então, é melhor a república. Até porque” – e isso mostra de novo o 

que é o verdadeiro conservador – “até porque, quem vai ocupar a república 

já tem o poder”. E quem tinha o poder era um homem que ele odiava, Luís 

Bonaparte, que foi mais tarde Napoleão III. Foi até exilado por ele. Mas era 

melhor Napoleão III do que o caos. E como ninguém se entendia na Assembleia, 

seria melhor ter alguém mesmo um autoritário como Napoleão III, que 

utilizou as consequências da revolução popular-republicana para se transformar 

em imperador, do que manter a estagnação e o caos que dela poderiam 

30


advir. Pois bem. Se Tocqueville encontrou argumentos ad terrorem para justificar 

seu apoio à República, Nabuco justificou a modificação em sua ação pela 

“causa maior”. A causa maior era o Brasil. A causa maior era entender o papel 

que podemos desempenhar no mundo. 

Nabuco temia muitas coisas que poderiam advir da nova forma de governo. 

Por isso escreveu Balmaceda, que é um livrinho admirável. Admirável porque 

composto por crônicas publicadas em jornais, no Jornal do Commercio, eu creio, e 

nelas descrevia o que estava acontecendo no Chile no final do século XIX, em 

1891, 1892, quando havia no Chile um presidente que seria, o que hoje se chamaria 

nacional-desenvolvimentista, Balmaceda. Tratava-se de um homem muito 

devotado à causa da difusão das ciências, queria o crescimento da economia, e 

se chocou com o Congresso. E foi um presidente forte. Talvez o mesmo horror 

que Nabuco teve a Floriano, por causa do Jacobinismo, ele sentiu por Balmaceda. 

Até hoje os chilenos têm muita dúvida sobre as interpretações desse livro de 

Nabuco, porque a saga de Balmaceda tem sido incorporada às vicissitudes atuais 

como se ele fosse um ancestral político de Allende. Tratam-no como um homem 

com conotação muito mais progressista, usando uma expressão moderna. 

Entretanto o argumento crítico de Nabuco não é de ordem econômico-social. É 

político, pois Balmaceda estaria asfixiando os poderes do Congresso, e Nabuco 

acreditava que só o Brasil e o Chile, na América Latina, tinham regimes relativamente 

estáveis que permitiam liberdade e um Congresso autêntico. Nesses 

países havia algo de liberalismo, ainda que canhestro. Com todas as críticas que 

se possam fazer ao tipo de liberalismo que tivemos, haveria espaço para o liberalismo. 

No Chile, desde Portales, que foi o grande fundador do estado chileno, 

havia um estado bastante forte, mas convivendo com o espírito liberal, embora 

mantivesse uma relação oligárquica no poder. Nabuco criticou Balmaceda por 

voltar-se contra o equilíbrio liberal-oligárquico dominante. O mais paradoxal é 

que quem apoiou a revolta do Congresso contra Balmaceda foi a Marinha. Os 

trabalhadores do campo, os camponeses chilenos, e a classe média ficaram contra 

o Balmaceda. Nabuco viu nos gestos de Balmaceda um exemplo de tentativa 

de quebra da continuidade democrática. Como se dissesse: cuidado! Embora 

o Chile fosse uma República, forma de governo que não era de sua predileção, 

31


era uma república liberal; melhor preservá-la. É a esse aspecto que se refere nas 

críticas a Balmaceda. No Brasil tivemos uma monarquia, mas uma monarquia 

que dava espaço para as oligarquias serem liberais. São considerações de um 

Nabuco mais maduro. 

O que Nabuco escreve mais tarde, quando embaixador nos Estados Unidos, 

é algo que deve ser entendido em perspectiva, porque é fácil criticá-lo. 

Uma vez embaixador continua a ser brilhante. O fato de ter sido recebido 

pelas universidades, naquela época, com o fato de ter sido recebido por Yale, 

pela Universidade de Wisconsin, e não sei por onde mais, de fazer discursos 

em inglês, de escrever bem nessa língua, mostrava que no Brasil existia uma 

certa sensibilidade, uma certa cultura. Enfim, que nós podíamos ser interlocutores. 

Foi um grande embaixador. E isso foi reconhecido pela imprensa em 

geral e não só no mundo da universidade. Sua presença marcante extrapolou a 

universidade. Mas o intelectual Nabuco se enamorou pelo pan-americanismo, 

pelas doutrinas de Monroe, já transformadas na época pela vocação mais intervencionista. 

Nabuco manteve relações diretas com Theodore Roosevelt, o 

homem do big stick, e com seus ministros. Simultaneamente o Brasil começou 

a se deslocar do eixo europeu para o americano, respondendo a uma mudança 

das políticas de Estado, mais que de governo. A economia já havia mudado, 

já estava indo nessa direção. Nem todos os países sul-americanos fizeram essa 

transformação como o Brasil fez. Desde a República o Brasil passou a se deslocar 

na direção do eixo americano. E Nabuco foi o proponente ativo dessa 

política. Pode parecer estranho, dadas as críticas tão severas ao que acontecia 

nos Estados Unidos que ele fez, como já mencionei. Pode parecer estranho, 

insisto, que Nabuco olhando o mundo achasse a partir de certo momento 

que fosse melhor desenvolver uma relação mais direta entre o Brasil e os Estados 

Unidos. Os críticos, como Oliveira Lima, que foi bastante crítico dessa 

posição, diziam que com isso assumíamos uma posição de subalternidade. 

Porque de fato há frases de Nabuco nas quais ele quase diz que seria bom 

para nós tudo o que os americanos fizessem. Por quê? Na verdade a intenção 

dele, talvez ingênua como dito por alguns de seus biógrafos, era a de que seria 

possível um diálogo Brasil-Estados Unidos. Ele valorizava tanto, digamos, a 

32


excepcionalidade brasileira e portuguesa (daí as conferências sobre Camões, 

para demonstrar que nós tínhamos uma cultura de alcance universal) que um 

diálogo entre o Brasil e os Estados Unidos poderia abrir espaço para o Brasil 

desempenhar um papel importante em nossa região, a América Latina. 

Não era outra a visão de Rio Branco. Com uma diferença: Rio Branco era 

mais cauteloso na formulação de sua política externa, e na formulação das 

relações do Brasil com a Europa. Nabuco ficou de tal maneira imbuído da 

excepcionalidade americana, da predestinação americana, que defendeu com 

palavras muito fortes a necessidade do pan-americanismo e por isso foi extremamente 

criticado. Não lerei seus textos, mas o que ele disse sobre os Estados 

Unidos anteriormente pareceria incompatível com a mudança de visão. Nabuco 

se explica, embora sua explicação possa não convencer ou não diminuir 

a crítica que lhe foi feita por sua adesão, digamos assim, pouco cautelosa, aos 

Estados Unidos. Mas o fato é que ele explica sua posição pelas mudanças 

ocorridas no eixo do mundo. E diz algo que é realmente muito, muito interessante: 

“Daqui a pouco, Europa, Ásia e África formarão uma só rede.” Rede 

é uma expressão que se usa muito hoje. O mundo opera em rede. Nabuco já 

usava a expressão: “Formarão uma só rede. É o sistema político do Globo, 

que começa, em vez do sistema antigo europeu. Pode-se dizer que estamos 

às vésperas de uma nova era.” Não está falando em globalização, mas quase. 

É quase uma referência à globalização. E não se esqueçam que Nabuco, com 

tudo que foi criticado, por ser moderno, por ser cosmopolita, anteviu muita 

coisa. Ele dizia: “hoje em dia, como nós temos o telégrafo, podemos acompanhar 

o mundo.” Pelo telégrafo! Ele antevia a possibilidade de um outro 

papel para o Brasil neste novo mundo. Quem sabe estivesse delineando para 

o Brasil – discute-se se a tese é correta – uma relação mais estreita com os 

Estados Unidos (que o Presidente Lula não me ouça, não, não estou falando 

do Irã). Talvez pudesse dar espaço para o Brasil se afirmar mais, em sua área 

de influência direta daquela época, função para a qual Nabuco nos achava 

credenciados, e o somos, de exercer um papel de moderação. Daí o Chile, daí 

o livro sobre Balmaceda, daí a prédica de uma ação de moderação na América 

Latina. 

33


Em suma, não é preciso reafirmar aqui, até porque o propósito deste Ciclo 

foi o de prestar uma homenagem, que Nabuco foi um homem fora de série, 

um homem excepcional. E eu me desculpo, para finalizar, dizendo o seguinte. 

Eu não sei ler. Escrevi muitas páginas, mas na hora de fazer uma exposição 

penso comigo mesmo, melhor não ler porque vai ser muito difícil. Eu não sei 

ler com graça e tenho uma inveja imensa de quem o sabe. Assisti uma vez a 

uma conferência de um antropólogo, chamado Edmund Leach, em que ele 

descrevia a solenidade na qual foi tornado cavaleiro, knight, pela rainha. Ele 

leu a conferência em um teatro. Eu fiquei fascinado. Foi, em Princeton, que 

eu ouvi o Leach, embora fosse professor de Cambridge. Tive também um 

professor, vocês conhecem, Raymond Aron. Ele lia as aulas, na Sorbonne. Eu 

ficava extasiado. Porque eu não sei fazer isso. Eu sei escrever artigo. Quando 

terminei de escrever esta conferência eu disse: “Meu Deus, eu fiz um artigo! 

Não vou poder ler isso!” Então me desculpo, perante vocês, pois eu não podia 

deixar de vir aqui, mesmo com minhas insuficiências, para me juntar às homenagens 

a Nabuco e para render meu preito de gratidão a todos os amigos que 

aqui estão. Muito obrigado. 

34

A poesia do Narciso 

de Apipucos 

A 

Lêdo Ivo 

poesia sempre esteve presente na vida de Gilberto Freyre – 

quer como fruição intelectual e emocional de uma personalidade 

habituada desde a adolescência a visitar tantas paragens 

da criação humana, quer como decorrência de encontros e descobertas 

decisivas e convívios enriquecedores, e quer como um selo 

diferenciador em sua obra. E, finalmente, como uma afirmação 

pessoal. 

Em sua formação, a leitura e as referências a poetas de várias 

escolas e nacionalidades são copiosamente registradas. O encontro 

com algumas figuras exponenciais da poesia do século xx, como o 

irlandês William Butler Yeats ou o indiano Rabindranath Tagore, é 

mais de uma vez evocado. A esses encontros de passagem acrescenta-se, 

com uma persistência inconfundível, o comércio do estudante 

universitário com uma das personagens mais notórias da renovação 

Introdução à 2. a edição de Talvez poesia. São Paulo: Ed. Global, 2011. 

Prosa 

35 

Ocupante da 

Cadeira 10 

na Academia 

Brasileira de 

Letras.

Lêdo Ivo 

poética do século passado: a excêntrica norte-americana Amy Lowell, fumadora 

de charutos, criadora e difusora do imagismo – esse imagismo que o 

também excêntrico inovador da poesia moderna Ezra Pound estampilhava 

maliciosamente de amygismo. 

A descoberta de uma experiência estética radical e característica de um 

tempo cultural regido pela inquietação criadora, por experimentalismos que 

se expandiam em várias ou numerosas direções, o diálogo aceso no casarão de 

Boston, que tanto contrastava com o espírito revolucionário de Amy Lowell, 

terão deixado traços fundos na personalidade de Gilberto Freyre, naqueles 

tempos estudiosos em que sua curiosidade intelectual se abria tão desembaraçadamente 

e respirava o novo ar do século: um ar de que emergiam tantas 

figuras tornadas preclaras e exemplares, e os ismos se alastravam em fervilhante 

colisão. 

Nesse cenário cultural que abrangia os Estados Unidos e a França, a Alemanha 

e a Inglaterra, a sede e a fome intelectuais do jovem pernambucano hão 

de ter sido generosamente aplacadas. E nutriam indelevelmente a sua longa 

trajetória literária e científica: a sua arte e a sua vida tão harmoniosamente 

entrelaçadas desde o dia em que a publicação de Casa-grande & senzala (1933) 

abalou o modorrento território cultural do Brasil, causando ora aplauso e espanto, 

ora censura e repulsa, até os dias finais, no solar de Apipucos, quando 

a sua figura se alçava como a de um velho Goethe tropical. 

O imagismo e o objetivismo de Amy Lowell, seguidos religiosamente por 

tantos dos seus fervorosos sequazes ou minimizados pela emergência de outros 

ismos mais prestigiosos, não ocupam, na posteridade, um sítio correspondente 

à importância e relevo daqueles dias afortunados em que a alegria 

de criar e inventar, e de derrubar ídolos, imperava triunfante em incontáveis 

ismos ou vanguardas, que reuniam a poesia, o romance, as artes plásticas, 

teatro, dança, música, o cinema. 

Além do imagismo de Amy Lowell, espraiavam-se o vorticismo, o surrealismo, 

o expressionismo, o criacionismo, o dadaísmo, o futurismo de Marinetti, 

o cubismo de Picasso e Reverdy e tantos outros movimentos experimentais. 

Todavia, a sua lição do imagismo – de precisão, economia verbal e 

36

A poesia do Narciso de Apipucos 

objetividade – isto é, de renúncia ao eu e ao íntimo em benefício do objeto e 

do mundo exterior – terá influído poderosamente em numerosos corações e 

mentes, numa ocorrência similar à que foi protagonizada por Gertrude Stein, 

que, em Paris, em algumas décadas do alvorejar do século xx, converteu o seu 

apartamento parisiense da 27, rue Fleurus, num dos mais célebres e fecundos 

laboratórios de invenção e experimentação literária e estética. 

Do comércio com Amy Lowell, Gilberto Freyre – que a relembra de forma 

tão enternecida em vários passos de sua obra – herdou um legado precioso: 

o sentimento da imagem, uma arte de ver expandida, até a hipertrofia, uma 

destreza ou sabedoria no registro dos seres e paisagens circundantes. Poesia: 

arte de ver e de saber ver. 

Numa personalidade artística e cultural tão poderosa como a de Gilberto 

Freyre, a lição de Amy Lowell não seria única ou exclusiva. Em sua vasta obra 

– que é ao mesmo tempo uma obra de cientista e excepcional ou talvez ou 

decerto genial artista literário, e na qual se fundem tantos ramos do conhecimento 

humano, conferindo-lhe o teor de ambiguidade e pluralidade que é um 

de seus encantos e seduções – nessa obra tão vária e tão opulenta e ondulante 

outras influências e afinidades enriquecedoras podem ser encontradas – as de 

seus mestres no plano sociológico, como Franz Boas; as de ideólogos revolucionariamente 

conservadores e intransigentes nesse conservadorismo, como 

é o caso de Charles Maurras; a dos irmãos Gouncort, que depositaram na 

mente do jovem e curioso estudante outra lição magistral: a da exploração dos 

pequenos fatos e incidentes, do detalhe iluminador e da histoire vraie. 

Esse minuciosismo, que aliás muito deve ao memorialismo ficcional de 

Marcel Proust e às explosões estilísticas à maneira de Michelet, percorre toda 

a obra de Gilberto Freyre, mestre na arte de exercer uma inteligência esmiuçadora 

e interrogar os seres e as coisas, não através da visão das integridades e 

totalidades, e sim pelo caminho das parcialidades e fragmentações, dos indícios 

reveladores e das significações curiosas. Esse lado Goncourt de Gilberto 

Freyre é tanto mais singular se levarmos em conta que ele não trouxe para 

a sua obra o style tarabiscoté dos famosos irmãos, tão chegadiços a chinesices, 

japonesices e bizantinices. Aliás, o bizarro estilo artístico que os caracteriza 

37

Lêdo Ivo 

é um dos estilos da época: o de Villiers de L’Isle Adam, desse J-K Huysmans 

que o jovem Gilberto tanto admirou, de Léon Bloy, de Barbey d’Aurevilly. 

Selecionando as lições recebidas, e as adaptando à sua natureza espiritual, 

Gilberto Freyre haverá de ter sempre um estilo predominantemente coloquial 

e familiar, com afortunadas transgressões gramaticais – uma prosa vívida e 

musculosa, irrigada pela poesia. 

As gorduras eventuais ou ostensivas desse estilo são gorduras bem-vindas, 

como as das sinhazinhas do Nordeste que comem muito açúcar e bolo de 

rolo, e se arredondam gostosa e graciosamente para os futuros e secretos apetites 

matrimoniais. Aliás, saliente-se que esse estilo, que corresponde a um uso 

magistral da língua, foi acoimado de chulo pelos austeros e severos cultores do 

idioma, cativos ao coelhonetismo e às flaubertices da então sisuda e hierática 

Academia Brasileira de Letras. 

A poesia de Gilberto Freyre: posso vangloriar-me de ter sido a primeira voz 

a incitar o mestre de Aventura e rotina a assumir a sua condição de poeta num 

livro isolado. Desse incitamento nasceu este Talvez poesia. 

Decerto o ponto mais alto de sua prática é o poema “Bahia”, publicado 

pelo autor em 1926. 

Nesse poema, que é uma das obras-primas do Modernismo brasileiro – não 

do Modernismo apenas paulista, mas de um modernismo mais vasto e mais 

matizado e que exprimiu no Nordeste o descontentamento estético dos jovens 

da década de 20 do século passado – aflora e até se escancara o Gilberto Freyre 

que, em e com o seu antiestilismo e em seu alegado chulismo, forjou um estilo 

soberbo e inconfundível. Ao celebrar a “maternal cidade gorda”, suas mulatas 

apetitosas e suas igrejas também gordas, ele não hesita em proclamar: 

eu detesto teus oradores, Bahia de todos os santos 

teus ruys barbosas teus otávios mangabeiras 

mas gosto de teus angus e das tuas mulatas. 

Nesses versos explosivos não freme apenas o seu desapreço pelos escritores 

afervorados em castigar o estilo; também se esgueira nele, na predileção pelas 

38


mulatas, o futuro cientista social e sexual, que, em viagem pela África, não 

dispensou o morno ou cálido conúbio com algumas negras – transações aliás 

consentidas pela ciosa e ciumenta Madalena, sua mulher, a qual se rendeu às 

razões invocadas pelo seu eminente marido, de que se tratava apenas de imprescindíveis 

imperativos coitos de natureza antropológica. 

A independência ostentada por “Bahia” em relação com as peças produzidas 

pelos modernistas da Semana de Arte Moderna aponta, pois, para uma 

evidência estética: a da existência de um outro modernismo – um modernismo 

regionalista e tradicionalista e não nacionalista, urbano ou cosmopolita, e que 

teve como centro de irradiação a cidade do Recife, e sob a égide do regionalismo 

haveria de eclodir, com o seu verdor, não apenas na obra do próprio Gilberto 

Freyre, mas ainda no romance de José Lins do Rego e Jorge Amado, e na poesia 

de Jorge de Lima, Manuel Bandeira, Ascenso Ferreira e Joaquim Cardozo. 

Enquanto em Pauliceia desvairada, de Mario de Andrade, transverba o futurismo 

de Marinetti, nesse poema de Gilberto Freyre vibra o imagismo de Amy 

Lowell. É um poema visual, de uma realidade minuciosamente representada, 

uma peça antecipadora do modo de exprimir-se do autor de Sobrados e mocambos. 

As mangueiras do Recife e a gorda e maternal cidade de Salvador emergem 

do texto, e ainda as igrejas magras de Pernambuco. 

Merece cabida a observação de que o imagismo e visualismo desse poema, 

de tanta concretitude, como de resto toda a produção ou expressão poética de 

Gilberto Freyre, impõe-se como uma vertente nítida em seu trajeto intelectual 

e autoral. Nesse Gilberto Freyre tão sedutoramente centrado em si mesmo, 

amorosamente autobiográfico até mesmo nos textos mais eminentemente 

científicos, nesse escritor tão enamorado de si mesmo e de sua obra – nesse 

Narciso de Apipucos, fervorosamente apaixonado pela própria imagem – a 

produção poética se distingue não por um subjetivismo latejante ou escancarado, 

mas por uma plácida objetividade em que ele procede à contemplação 

da realidade. 

Muitos dos poemas deste livro são de autoria comprovada e irrefutável de 

Gilberto Freyre. Mas em sua grande maioria são “poemas autênticos a que 

prosa do ensaísta serviu apenas de pretexto”. O tempo, que é também um 

39

Lêdo Ivo 

autor, transmudou a asserção de Gilberto Freyre de que “o leitor facilmente 

identificará tais poemas”, e descobrirá a “poesia tirada por Lêdo Ivo da poesia 

dispersa na prosa de Gilberto”. Presumo que esse trabalho de identificação – 

ou de separação entre a poesia original e a poesia extraída da prosa – é hoje 

de difícil ou impossível identificação e distinção. Cada uma das contribuições 

haverá de ter obedecido a um critério pessoal, diversificando o processo de 

redução de formas e ritmos poemáticos. 

No meu caso pessoal, cabe-me assegurar aos leitores que realizei uma operação 

de desentranhamento. Na obra de Gilberto Freyre – especialmente em 

Aventura e rotina, Nordeste e Um brasileiro em terras portuguesas, ao que me lembre – 

me limitei a extrair da prosa diante dos meus olhos a poesia que latejava nela, 

num latejo às vezes tão indócil que me intimava a libertá-la da ilha ou prisão 

prosística e assegurar-lhe o trânsito libertador, a respiração a que aspirava e tinha 

direito. Não me recordo de ter maquilado, enfeitado ou ajustado nenhum 

texto. Extraí os poemas da prosa de Gilberto Freyre como um dentista extrai 

um dente. Isto significa que dei ostensividade e visibilidade a poemas que a 

prosa escondia, guardava ou semirrevelava, a instantes grávidos de liricidade 

plena e de autonomia. 

Num leitor insaciável como Gilberto Freyre, que lia e relia uma receita 

culinária ou um atestado de óbito de senhor de engenho com a mesma atenção 

e deleite com que percorria as elegias de Camões ou os sonetos de Shakespeare, 

as marcas e transfluências poéticas que marchetam este Talvez poesia não 

se reduzem, decerto, aos poetas aqui aludidos. O seu versilibrismo reflete uma 

das preocupações mais veementes da época de sua formação intelectual, a da 

suposta libertação da arte e da poesia, despojando-a de regras que aparentemente 

a manteriam cativa ou manietada, e permitindo-lhe respirar as ares 

salubres da liberdade. Assim, liberto ou desdenhoso das rimas e métricas e 

de outras imposições dessa arte da versificação, que é o pilar supremo da arte 

poética, ele procura exprimir-se desembaraçadamente, em ritmos largos, de 

caráter respiratório. 

Outro poema seu, de notável amplitude gráfica, “O outro lado do Brasil”, 

há de comprovar que nem sempre o anseio de libertação, a teoria do 

40


desembaraço poético produz bons frutos. O seu ímpeto de expressão, decerto 

bebido em Walt Whitman, resvala escandalosamente. Na verdade ele papagueia 

o hoje esquecido Ronald de Carvalho daquele Toda a América, que quis 

ver traduzido para o inglês. São versos de cosmética exaltação nacionalista e 

enumerações insossas e fatigantes. Mais gilbertiano – e não whitmaniano ou 

subronaldiano – é o poema “Nordeste da cana-de-açúcar”, resultado extremamente 

feliz de um desentranhamento. Nele, Gilberto Freyre nada com a 

desenvoltura de quem está tomando banho no Capibaribe: 

Nordeste de árvores gordas 

de gente vagarosa 

e às vezes arredondada quase em sancho-panças pelo mel de engenho 

pelo peixe cozido com pirão. 

Nesse poema, que presumo tenha sido desentranhado por mim da magnífica 

e contagiante prosa poética de Nordeste (ou será de outro livro do Mestre?) 

– nesse poema decerto nascido como prosa e arrancado de sua condição para 

viver viçosamente na forma poética, mexe-se e respira o melhor e mais preclaro 

Gilberto Freyre. O comentário sociológico que nele palpita se engasta 

numa visualidade inarredável. O Gilberto que vê, cheira, fareja, deleita-se, 

observa e celebra as coisas e os seres, as paisagens e os instantes, espreguiça-se 

tropicalmente nesses coloridos ou foscos postais de um Nordeste que ele ao 

mesmo tempo historiou e inventou com os seus dons de cientista contagiado 

pela criação poética e pelos poderes da ficção. E, em sua poesia escondida ou 

ostensiva, soube cantar a tristeza dos mosteiros pernambucanos e as “águas 

imundas dos rios do Nordeste / prostituídos pelo açúcar”: os brasileiros 

amarelinhos, os mocambos, “os azulejos velhos das sacristias”. Soube, enfim, 

naqueles tempos de ebulição juncada de modernismos e modernices, e até de 

oswaldices, cantar o Nordeste e, por extensão o Brasil. E, viajante guloso de 

paisagens estrangeiras, até a “neve mole” de Nova Iorque. 

Mesmo nos “poemas europeus”, que registram as andanças pelas outras 

terras – especialmente pelas terras portuguesas de Portugal e pelas terras 

41

Lêdo Ivo 

portuguesas de além-mar, pelas áfricas e ásias e oceanias percorridas pelo seu 

olhar de viajante que nem sempre soube ver o que a secular colonização lusitana 

exibia ou ocultava – está presente a sua condição de brasileiro, nordestino, 

pernambucano e recifense. E está presente, de modo escandalosamente nítido, 

a sua augusta condição de Gilberto Freyre gilbertiano. O autor de Interpretação 

do Brasil jamais se demite ou abre mão de si mesmo, de sua seminal integralidade, 

de sua demorada autocontemplação, de seu propósito de semear a sua 

imagem e importância, mesmo quando se encontra nos quartos dos hotéis 

estrangeiros e auditórios ilustres. 

As perambulações científicas e líricas lhe permitem espalhar sempre, nas 

páginas de registro desses traslados, fecundas sementes biográficas e autobiográficas. 

E o mirar-se e automirar-se, a incansável contemplação num lago 

imaginário ou num espelho real, jamais haverá de esmorecer o leitor. Este 

recebe sempre com agrado, e quase sempre deleitado e seduzido, e curioso, 

as mais remotas notícias do grande autor e ator. A tão proclamada e às vezes 

tão invejada vaidade de Gilberto Freyre é uma vaidade salubre e efervescente. 

E até tonificante. 

Obra de Gilberto Freyre e de desentranhadores ou ajeitadores argutos e 

devotados, aplicados em canalizar riachos incontáveis para um rio principal, 

este Talvez poesia é o Decerto poesia, destinado a compendiar a aventura poética 

de Gilberto Freyre. 

As ajudas e descobertas, as reduções e extrações que o desvendaram em sua 

maior parte foram engolidas pelo tempo. Este livro pertence única e exclusivamente 

a Gilberto Freyre. É de sua autoria; e as subautorias notórias ou já 

esvaecidas somem na bruma ou na escuridão dos instantes. Os figurantes que 

colaboraram para a sua existência agiram como esses anônimos aprendizes 

que ajudam os grandes pintores a preparar as tintas, pendurar as telas, lavam 

os pincéis e até varrem o chão do atelier insigne. E, postumamente, Gilberto 

Freyre, o invejável enamorado de si mesmo, usuário de uma solidão juncada 

de amizades e admirações – o senhor do solar de Apipucos ou, mais precisamente, 

o invejável e invejado Narciso de Apipucos – se afirma e se impõe em 

Talvez poesia como um grande poeta do Nordeste e do Brasil. 

42


A poesia pálida de hoje, sem cor nem sabor, sem rigor e sem vigor, sem 

amor e sem dor, sem folha e sem flor, muito lucraria absorvendo os ensinamentos 

deste livro. E os poetas pálidos e taciturnos haveriam de ganhar cores 

e viço ao receber 

A luz do sol de Olinda 

que dá às lagartixas 

a coragem de passear 

pelos pés dos São Bentos 

mais sisudos; 

coragem aos passarinhos 

de pousar 

nos São Josés dos altares, 

nas próprias coroas 

de ouro 

das Nossas Senhoras? 

Onde estão os poetas de hoje, que não falam nem das lagartixas nem dos 

passarinhos? 

43

Carlos Chagas Filho

Carlos Chagas Filho 

Ivo Pitanguy 

Eu tinha vinte anos quando encontrei Carlos Chagas Filho 

pela primeira vez. Jovem estudante de medicina, havia recebido 

uma bolsa de estudos do Institute of International Education para estudar 

nos Estados Unidos. Chagas Filho e alguns educadores eram 

a base de sustentação dessa instituição. 

Do primeiro contato à entrevista, percebi ser Chagas Filho uma 

pessoa especial. A bondade, a amizade e o respeito pela formação 

do ser humano iluminavam-no. Senti-me protegido – a diferença 

de idade não se impunha –; seu entusiasmo e vontade de aprender 

deram-me a impressão de que ele era mais jovem do que eu. 

Ao escrever sobre ele, podemos dizer sobre as inquietudes das 

decisões do medo e das dificuldades surgidas, o mundo se apresentava 

como desafio saindo de árvore tão frondosa à procura de sua 

própria luz. 

Carlos Chagas Filho foi um grande cientista, um grande senhor. 

Essa grandeza não estava só nas diversas áreas do conhecimento que 

abraçou, mas principalmente na profunda compreensão dos seres 

humanos. 

45 

Ocupante da 





Ivo Pitanguy 

Sua trajetória como cientista se iniciou precocemente. Na infância transitava 

livremente pelos corredores do imponente Instituto Oswaldo Cruz e não poderia 

ter melhor guia do que o diretor, seu pai, o ilustre Carlos Chagas – personalidade 

famosa no país e de projeção internacional, descobridor do parasita 

Tripanossoma cruzi, (em homenagem a Oswaldo Cruz), que circula no sangue e 

tecidos provocando lesões teciduais graves, principalmente no coração e aparelho 

digestivo. A sua transmissão exige a participação de um vetor, no caso, 

o inseto conhecido no Brasil como barbeiro (Triatoma infestans), que afligia as 

populações vivendo em casebres de adobe. Essa patologia foi denominada 

Doença de Chagas e ocorre no continente americano e em várias partes do 

mundo. Essa descoberta foi um acontecimento único na história de Medicina, 

pois pela primeira vez se descreveu o causador, o transmissor e sua localização, 

principalmente no feixe de Hiss no coração, explicando muitas mortes súbitas 

atribuídas ao bócio, que era endêmico em Lassance, Minas Gerais. 

Precoce também foi o ingresso de Chagas Filho na Faculdade Nacional de 

Medicina, aos 16 anos. Ele conseguia conciliar as cadeiras da universidade com seu 

estágio no Instituto Oswaldo Cruz. Ele atribuía grande influência na sua vida 

acadêmica às conferências do professor Fauré-Frémiet, sobre cinética do desenvolvimento 

embrionário. Ao final do curso de graduação, recebeu o prêmio Dona 

Antonia Chaves Berchon des Essarts, como um dos alunos melhores da turma. 

O relacionamento com Carlos Chagas, como acontece com todo jovem, 

passou por várias fases, até o momento de se deixar conduzir pelo pai. Mais 

tarde, com sua modéstia, Carlos Chagas Filho afirmou em uma de suas frases 

mais divulgadas que “muito do que fiz devo ao nome que tenho”. 

Na realidade foi no Instituto Oswaldo Cruz que Carlos Chagas Filho 

consolidou sua formação científica. Começou como estagiário assistente de 

diversas cadeiras e, ao concluir o Curso de Aplicação do Instituto Oswaldo 

Cruz, foi convidado a ingressar como membro do corpo docente para lecionar 

matemática, física e físico-química. 

O concurso para a cátedra de Medicina Tropical foi vencido por Chagas 

Filho em evento largamente noticiado pela imprensa e prestigiado pelas cátedras 

da Faculdade de Medicina. No seu discurso de posse, repetiu as palavras 

46


usadas pelo pai, ao tomar posse como catedrático de Medicina Tropical, na 

mesma universidade: “A pesquisa científica não se poderia excluir do ensino, 

pois é neste, e principalmente nele, que despontam a cada passo, na complexidade 

dos fenômenos da vida e da doença, fatos novos a interpretar, problemas 

obscuros a esclarecer”. 

Sentiu a importância de guardar seu senso de humor, cultuá-lo com a delicadeza 

de seu espírito exarcebado pela graça de suas filhas Maria da Glória, 

Sílvia Amélia, Ana Margarida, Cristina Isabel e a presença extraordinária de 

Anna Leopoldina de Melo Franco, sua esposa. Para ajudar a se capacitar e cultuar 

a felicidade, acreditava sempre na procura de transformar cada dia num 

dia mais feliz e abençoado. Acordava sempre com um sorriso, acreditando que 

aquele dia trazia um sentido mágico, um tanto verdadeiro, procurando entender 

o mundo e receber essa dádiva com um sorriso de estarmos aqui presentes 

fazendo com que o outro partilhe desse momento de alegria. 

Um dos mais importantes legados de Carlos Chagas Filho foi a criação em 

1945 do Instituto de Biofísica da Universidade do Brasil, atual Instituto de Biofísica 

Carlos Chagas Filho da Universidade Federal do Rio de Janeiro. O Instituto 

tem papel fundamental nas transformações no campo científico-acadêmico 

a partir da segunda metade do século XX. Sua trajetória se confunde com a 

própria história de vida de seu criador, refletindo as relações com o Estado, a 

sociedade e a comunidade científica internacional. 

Fiel ao seu lema: “A Universidade é um local onde se ensina porque se 

pesquisa”, Carlos Chagas Filho estimulava a pesquisa constante e o aprofundamento 

das diferentes áreas a desvendar. Muito querido por seus jovens 

assistentes do Instituto de Biofísica, ele acreditava na transmissão do saber, 

jamais negando partilhar a experiência adquirida através dos anos. 

Foi convidado do governo francês nas celebrações do cinquentenário da 

morte de Louis Pasteur e um dos representantes do Brasil na I Conferência 

Geral da Unesco. Chagas Filho já percorria, há anos, com desenvoltura os espaços 

das relações científicas internacionais, quando realizou aperfeiçoamentos 

com os professores René Wurmser e Alfred Fessard, em Paris, e Archibald 

V. Hill, em Londres. 

47

Ivo Pitanguy 

Iniciou-se, assim, sua peregrinação em importantes eventos internacionais 

como representante do Brasil, levando experiência e contribuição para diferentes 

países. Tanto na UNESCO como na ONU, participou de Conferências, 

Comitês, Delegações e Reuniões Científicas de repercussão internacional. 

No Brasil participou da criação do Conselho Nacional de Pesquisa (hoje, 

Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico, CNPq), 

tendo sido diretor de sua Divisão de Pesquisa Biológica em quatro gestões. 

Presidiu a Comissão de Cursos de Pós-Graduação da Universidade Federal 

do Rio de Janeiro, implantando a Pós-Graduação na Universidade. No ano 

de 1964 passa a ocupar a Diretoria da Faculdade de Medicina da UFRJ, ao 

mesmo tempo em que era eleito Presidente da Academia Brasileira de Ciências, 

permanecendo em ambas, até 1966, ano em que foi nomeado Embaixador 

e Delegado Permanente do Brasil junto à UNESCO. 

De volta ao país, após morar por alguns anos em Paris, torna a ocupar a direção 

do Instituto de Biofísica, que fundara 25 anos antes, permanecendo no 

cargo até 1973, quando foi nomeado Decano do Centro de Ciências da Saúde 

da UFRJ. Aposentou-se compulsoriamente em 1980, tornando-se Professor 

Emérito daquela instituição, mas continuou em atividade participando do 

ensino e da pesquisa. 

Em 03 de janeiro de 1974, Carlos Chagas foi eleito para a Academia Brasileira 

de Letras, ocupando a Cadeira 9 na sucessão de Marques Rebelo, sendo 

recebido em 23 de abril de 1974 pelo Acadêmico Francisco de Assis Barbosa. 

Na Academia Pontifícia de Ciências do Vaticano, Carlos Chagas Filho ocupou 

posição singular, ao se tornar o primeiro presidente leigo da instituição. 

Cumpriu quatro mandatos consecutivos, no total de 16 anos (1972-1988). 

Sua permanência modificou profundamente a estrutura da Academia, que 

passou a receber novos membros de ambos os gêneros, de várias etnias e de 

uma multiplicidade de crenças religiosas. Implantou novos procedimentos, 

como a realização de Semanas de Estudos sobre temas científicos de interesse 

da época e ainda a discussão das relações entre religião e ciência. 

Ainda no Vaticano, conduziu o processo de reabilitação do astrônomo Galileu 

– acusado de heresia pela Inquisição pelos seus estudos que mudaram as 

48


noções sobre o Sistema Solar. Coordenou também, a pedido da Igreja, os estudos 

para elucidar a data do Santo Sudário. Depois de encaminhar fragmentos 

do manto para nove laboratórios espalhados pelo mundo, descobriu-se que o 

Sudário não era o lençol que cobria Jesus, e sim um artefato do século VI. 

Ao longo da brilhante carreira, Chagas Filho preparou diversos trabalhos sobre 

o sistema neuromuscular do peixe-elétrico (Electrophorus eletricus), fornecendo 

dados para o estudo de doenças neuromusculares, que ocasionam deficiências 

relacionadas ao mecanismo de geração de corrente elétrica e que podem impedir 

os movimentos normais do ser humano. Outro alvo de suas pesquisas foi o 

curare, veneno vegetal paralisante usado por índios sul-americanos e com muitas 

aplicações na Medicina, principalmente em procedimentos anestésicos. 

Publicou diversos ensaios, conferências e discursos, destacando-se: Carlos 

Chagas; O minuto que vem: reflexões sobre a ciência no mundo moderno; Contribuição da 

ciência e tecnologia à melhoria da qualidade de vida e sua autobiografia Um aprendiz de 

ciência. 

Carlos Chagas Filho foi um dos raros membros de três das mais renomadas 

academias brasileiras – as de Ciências (1941), Medicina (1959) e Letras 

(1974). Ele recebeu 16 títulos de Doutor Honoris Causa em Universidades nacionais 

e internacionais. No decurso de sua vida acadêmica, recebeu 19 condecorações 

entre as quais: Comendador – Ordre Nationale de la Légion d’Honneur 

– França, 1979; é Membro, entre outras academias científicas, da Académie des 

Sciences de l’Institut de France. 

Médico, professor, cientista, humanista, escritor, católico e ensaísta, Carlos 

Chagas Filho teve uma trajetória pontuada pela atuação em áreas tão diversas, 

sempre preocupado com um grande mistério a desvendar: a origem da vida. 

Ele trouxe uma nova visão e mostrou que é possível conciliar campos tão 

opostos como religião e ciência, como já pensava o filósofo e jesuíta Teilhard 

de Chardin: 

“Aparentemente, a Terra Moderna nasceu de um movimento antirreligioso. 

O Homem bastando-se a si mesmo. A Razão substituindo-se à 

Crença. Nossa geração e as duas precedentes quase só ouviram falar de 

49

Ivo Pitanguy 

conflito entre Fé e Ciência. A tal ponto que pôde parecer, a certa altura, 

que esta era decididamente chamada a tomar o lugar daquela. Ora, à medida 

que a tensão se prolonga, é visivelmente sob uma forma muito diferente 

de equilíbrio – não eliminação, nem dualidade, mas síntese, que solveria o 

conflito.” 

Chagas Filho pensava como Pasteur “Pouca ciência nos afasta de Deus. 

Muita nos aproxima”. 

Seu amor aos valores humanos fez com que Carlos Chagas Filho alcançasse 

um espaço no qual seus amigos sentem-se abrigados e protegidos. 

50

“O processo do Capitão 

Dreyfus”de Rui Barbosa 

– o texto, seus contextos 

e desdobramentos 

O 

Celso Lafer 

texto de Rui Barbosa sobre o processo Dreyfus foi redigido 

e publicado em 1895, no calor da hora do início do caso na 

França. É exemplar na discussão crítica das imperfeições do processo 

e na percepção da injustiça de que estava sendo vítima o Capitão 

Dreyfus. Antes de analisar a substância dos argumentos e do posicionamento 

de Rui, assim como seus desdobramentos, creio que vale a 

pena esclarecer facetas dos múltiplos contextos que caracterizam sua 

trajetória. Elas explicam de que modo o texto de Rui, na sua especificidade 

própria, insere-se coerentemente na sua visão de mundo. 

– I – 


A primeira observação é no sentido de apontar que Rui é um 

paradigma em nosso país, dos advogados que se valeram do Direito 

51 

Ocupante da 





Celso Lafer 

como instrumento de ação política, como observou Afonso Arinos (1965, 

p. 48). Viveu o Direito em função do agir e o seu excepcional domínio das 

doutrinas e das instituições jurídicas esteve a serviço da mudança da realidade, 

como sublinhou Miguel Reale (1956, p. 245). Rui é, assim, neste campo, um 

representante, por excelência, da tradição da Faculdade de Direito de São Paulo, 

na qual se formou em 1870. Rui foi o paraninfo da turma de 1920 e para 

esta turma que o homenageou no jubileu de ouro da sua formatura escreveu a 

sua conhecida Oração aos moços (Soares de Melo, 1974; Barbosa, 1949). 

A Oração aos moços tem como uma das suas vertentes a defesa do positivo 

papel que os advogados exercem na vida pública de uma democracia. É uma 

reflexiva reelaboração pedagógica, destinada aos jovens formandos, do exposto 

no seu discurso de posse como sócio no Instituto dos Advogados em 18 

de maio de 1911. Neste Rui afirmou que o trato usual do Direito ensina e 

predispõe a desprezar a força e apontou que “os governos arbitrários não se 

acomodam com a autonomia da toga nem com a independência dos juristas” 

(Barbosa, 1985a, p. 12, p. 22). Neste sentido, a Oração aos moços pode ser qualificada 

como um testamento político – um testamento que se converteu, para 

falar com Pierre Nora, num dominante lieu de mémoire do léxico da tradição 

cívica jurídico-política da Faculdade de Direito de São Paulo, que Rui encarnou 

e da qual é um grande ícone. 

A Oração aos moços foi lida pelo prof. Reynaldo Porchat em março de 1921 

na formatura da turma, porque Rui, adoentado, não pôde comparecer. Nela 

Rui explicita que se dedicou, no seu percurso, desde os bancos acadêmicos, à 

tarefa de “inculcar no povo os costumes da liberdade e à República as leis do 

bom governo; que prosperam os Estados, moralizam as sociedades e honram 

as nações” (1949, p. 6). Recomenda aos moços não apenas o ler mas o refletir 

(1949, p. 21). Destaca “o papel da justiça – maior que o da própria legislação” 

(1949, p. 25). Observa que a justiça tem dois braços: “a magistratura e 

a advocacia” (1949, p. 26). Critica os “togados, que contraíram a doença de 

achar sempre razão ao Estado, ao Governo” (1949, p. 30). Engloba, na missão 

do advogado, uma espécie de magistratura, a da justiça militante (1949, p. 

35). Nisto inclui: “Não colaborar em perseguições ou atentados, nem pleitear 

52

“O processo do Capitão Dreyfus”de Rui Barbosa 

pela iniquidade ou imoralidade. Nem se subtrair à defesa das causas impopulares, 

nem a das perigosas, quando justas” (1949, p. 35). 

Oração aos moços é um texto esclarecedor do papel de Rui na vida brasileira. 

Este papel, como mostrou com argúcia Bolívar Lamounier, foi o de ter se 

dedicado “à formação da esfera pública e à construção institucional da democracia 

no Brasil” (1999, p. 123). 

O Direito representou, para Rui, o caminho do seu empenho político. 

Este foi o de ser “o mais irreconciliável inimigo do governo do mundo pela 

violência”, “o mais fervoroso predicante do governo dos homens pelas leis” 

(1985a, p. 13) e um defensor do civilismo: 

“(...) o único interesse do civilismo, a única exigência do seu programa, é 

que se observe rigorosamente as condições de justiça. Civilismo quer dizer 

ordem civil, ordem jurídica, a saber: governo da lei, contraposto ao governo 

do arbítrio, ao governo da força, ao governo da espada.” (1985b, p. 44). 

As suas duas campanhas à Presidência da República, o seu papel no Senado e 

na imprensa têm este significado exemplar do civilismo, assim como a sua ação 

diplomática na Segunda Conferência da Paz de Haia em 1907. Com efeito, 

Rui, em Haia, contestou a igualdade baseada na força e sustentou, no âmbito 

do Direito Internacional Público, a igualdade dos estados. A posição do Brasil, 

pela sua voz, representa uma primeira formulação brasileira da tese da democratização 

do sistema internacional e, nesta linha, uma contestação ao exclusivismo, 

até então preponderante, do papel da gestão da vida internacional atribuída às 

grandes potências. Assim, da mesma maneira que em nosso país a sua prática de 

homem público esteve voltada para a construção de um espaço democrático e, 

neste contexto, o Direito foi o meio para o seu perseverante fazer político-institucional, 

assim também em Haia, na sua prática diplomática, voltou-se para os 

males das imperfeições do sistema internacional, indicando o papel do Direito 

na democratização do espaço internacional (cf. Lafer, 2004, cap. IV). 

Na sua lida de “sujeitar à legalidade os governos, implantar a responsabilidade 

no serviço da nação”, opor-se “à razão de estado”, como “negação 

53

Celso Lafer 

virtual de todas constituições”, insere-se o papel que teve na criação do Supremo 

Tribunal Federal, na nossa primeira Constituição Republicana e na 

subsequente sustentação do “direito-dever do STF de guardar a Constituição 

contra os atos usurpatórios do governo e do Congresso” (Barbosa, 1985a, p. 

42, p. 51, p. 58). Na mesma linha cabe apontar o seu papel como advogado, 

em conjugação com Pedro Lessa, ministro do Supremo Tribunal Federal, na 

construção da doutrina brasileira de extensão do habeas corpus como garantia 

constitucional, que inspirou o moderno instituto do mandado de segurança 

(cf. Horbach, 2007, pp. 76 e seguintes). 

54 

– II – 

Faço estas indicações mais abrangentes porque são o pano de fundo dentro 

do qual se insere, de maneira congruente, a análise de Rui do caso Dreyfus. 

Ele escreveu “O processo do Capitão Dreyfus” no período do seu exílio na 

Inglaterra, a que se viu obrigado pelas arbitrariedades ditatoriais do governo 

Floriano Peixoto. O texto data de janeiro de 1895 – dois dias depois do aviltamento 

de Dreyfus. Foi publicado no Jornal do Commercio do Rio de Janeiro 

de 3 de fevereiro de 1895 e subsequentemente passou a integrar o volume 

Cartas de Inglaterra, que reúne os seus escritos deste penoso período do exílio. A 

diversidade das matérias de Cartas de Inglaterra, explica Rui no prefácio, tem um 

espírito comum: a preocupação absorvente com a lei e a liberdade. Traduzem 

de diversos modos, como aponta Batista Pereira no prefácio à segunda edição, 

o seu protesto à ditadura de Floriano e a sua reivindicação dos ideais que o 

haviam inspirado na elaboração da Constituição Republicana (Barbosa, 1929, 

p.7; Batista Pereira, 1929, pp. 121-122). 

O texto sobre Dreyfus, realça Batista Pereira, é uma autópsia do militarismo 

que colocou em questão a legalidade jurídica, que, na França, como 

no Brasil de Floriano Peixoto, se viu ferida nas garantias processuais (1929, 

p. 84). A disciplina jurídica, diz Rui no seu texto sobre Dreyfus, preserva as 

instituições “que se não dobram aos impulsos das maiorias e as exigências 

das ditaduras” (2004, p. 43). Foi a falta desta disciplina no processo de


Dreyfus que, como disse, remetendo o texto para o Jornal do Commercio, nele 

“vibrou profundamente a corda da justiça, ainda não morta, apesar da dura 

lição que agora mesmo me está custando”. É o que registra Batista Pereira 

(2004, p. 79) e lembra J. Soares de Mello (1967, p. 113), um dos estudantes 

da turma de 1920 que liderou o convite para paraninfar a sua turma. 

Foi esta vibração que motivou Rui a cumprir a missão de advogado por ele 

destacada na Oração aos moços, qual seja a de exercer a magistratura da justiça 

militante para não colaborar em perseguições, que identificou com clareza 

no caso Dreyfus. 

Exerceu esta magistratura da justiça militante na tribuna do jornal, cabendo, 

neste contexto, lembrar, com João Neves da Fontoura, que, Rui, como jornalista, 

era “um editorialista, um articulista, um inquilino da primeira coluna 

invariavelmente assinada” (1960, p. 9), que, no caso, foi o seu espaço para 

promover a majestade da defesa. 

– III – 

A análise de Rui do processo está baseada nas informações sobre o caso 

discutido pela imprensa inglesa – o Times, a Pall Mall Gazette, o Daily Graphic, o 

Spectator, o Daily News. Cabe destacar o papel positivo da imprensa inglesa na 

transmissão de informações sobre o caso que o repercutiu nas palavras de Rui 

com a “retidão própria dos costumes jurídicos deste país” (2004, p. 38). Este 

papel contrasta com o que ocorreu na França, onde o caso Dreyfus veio a assinalar, 

como apontou Alberto Dines, o ingresso do jornalismo no caminho das 

cruzadas políticas e da guerra das manchetes e articulou, subsequentemente, a 

cisão ideológica naquele país entre “dreyfusards” e antidreyfusards” (1994, pp. 

13-33). Sublinha, neste sentido, Jean-Denis Bredin que, pela primeira vez na 

França, a imprensa no caso Dreyfus exerceu uma forte influência na vida política 

do país, dramatizando ou criando o acontecimento, sustentando ou denunciando, 

exercendo pressões e chantagens (2006, p. 515). 

55

Celso Lafer 

56 

– IV – 

Rui, em síntese, na sua análise do processo, vai apontar, como advogado no 

exercício de uma magistratura de justiça militante, que Dreyfus foi vítima de uma 

flagrante denegação de justiça por total carência de um devido processo legal. 

Realça a clandestinidade do processo que o inquina de suspeita (Barbosa, 

2004, p. 50). Indaga, a propósito da acusação de traição de ter transmitido 

informações secretas ao governo alemão: 

“Onde o corpo de delito? Onde a identificação entre o seu autor e 

o acusado? Ninguém seria capaz de mostrá-lo. Ninguém viu o processo. 

Ninguém tem notícia de documentos, ou depoimentos. Fala-se em um 

papel, cuja letra se atribui ao condenado. Mas o que a esse propósito se 

conhece, por indiscrições publicadas no Figaro, é que, de cinco peritos ouvidos 

sobre o caráter da letra nesse escrito anônimo, só três reconheceram 

a de Dreyfus, dois sustentam o contrário” (2004, p. 39). 

Aponta que “a acusação inteira assentava exclusivamente em um documento 

contestado” – como afirmou M. Demange, o advogado de Dreyfus, 

ao abrir a audiência (2004, p. 33). Indica que o General Mercier, o Ministro 

da Guerra e, além dele, outros no exército francês, formaram juízo “antes do 

processo” (2004, p. 49). Pondera que, para um observador estrangeiro, era 

difícil não concluir que Dreyfus “estava condenado pela intuição geral de 

seus compatriotas antes de sê-lo pelo tribunal secreto que o julgou” (2004, 

p. 48). No trato da opinião pública na França, naquele momento registra “o 

espasmo de ódio insaciável, que agita contra o acusado todas as classes da 

população” (2004, p. 35) e a pressão da “multidão espumante, que cercava, 

ameaçadora, a Escola Militar, bramindo insultos, assuadas e vozes de morte” 

(2004, p. 39). 

Ressalvando a sua posição voltada para a construção de esfera pública democrática 

afirma: “Pela minha parte, não conheço excessos mais odiosos do 

que essas orgias públicas da massa irresponsável. Nada seria menos estimável,


neste mundo, que a democracia, se a democracia fosse isso”, acrescentando, a 

propósito: “Se o número não souber dar razão dos seus atos, se as maiorias 

não se legitimarem pela inteligência e pela justiça, o governo popular não será 

menos aviltante que o dos autocratas”. Conclui seu raciocínio nesta passagem 

nos seguintes termos: “Mal honram a pátria as construções de um patriotismo 

histérico, que vive a se superexcitar com a obsessão de traições, que julga 

de oitiva, fulmina por palpites, e instiga os magistrados a prevaricarem, antepondo 

a popularidade à justiça” (2004, pp. 39-40). 

Rui, que via na missão do jornalista e na da imprensa uma força de liberdade 

(Cardim, 1960, pp. 715-728), não deixa de comentar que, na Inglaterra, 

“onde não chega o revérbero ardente do braseiro francês, ninguém compreende 

o encarniçamento da imprensa daquele país sobre o cadáver moral de 

Dreyfus” (Barbosa, 2004, cit. p. 40). O seu comentário está em antecipatória 

consonância com as avaliações de Alberto Dines e Jean-Denis Bredin acima 

referidas sobre o papel da imprensa francesa no caso Dreyfus. 

Rui realça o despropósito jurídico e a agravada dimensão da injustiça da 

lei votada pelo legislativo francês, logo após o julgamento de Dreyfus, à qual 

foi dado efeito retroativo, deslocando o seu degredo da Nova Caledônia para 

a Guiana Francesa. Nela identifica “uma intenção de vindita individual, um 

caracter de rancor” que representava uma nova pena, com efeito retroativo, 

contrário aos princípios essenciais que todas as legislações contemporâneas 

estigmatizaram (2004, pp. 40-41). 

Rui descreve a atroz cerimônia de degradação militar a que foi submetido 

Dreyfus e a “rebuscada e caprichosa desumanidade” do suplício da tortura 

moral que lhe foi imposta, que “revolta profundamente o sentimento contemporâneo” 

(2004, p. 34). 

Destaca a altivez e a surpreendente faculdade sobre-humana que deu a 

Dreyfus a energia para enfrentar a provação e proclamar a sua inocência. No 

comportamento do acusado identificou o enraizado sentimento de sua honradez 

e de sua absoluta inocência (2004, pp. 37-38). E, com inequívoca intuição 

política, entreviu que a verdadeira causa da condenação de Dreyfus era o antissemitismo, 

ao observar que o processo que corria num tribunal militar era “pleito 

57

Celso Lafer 

de antemão sentenciado pela ‘opinião pública’ e tratando-se, por cúmulo, de um 

acusado em cujas veias circula sangue judeu” (2004, p. 50). Esta observação, 

aponta Tavares Guerreiro, Rui extraiu de sua própria reflexão acerca da propaganda 

antissemita que açulava contra Dreyfus a opinião pública francesa. Ela é 

reforçada pela citação do artigo do Times, que Rui qualifica de memorável, que 

destaca como a acesa propaganda antissemita, na França, avivava a hostilidade 

contra Dreyfus (Barbosa, 2004, p. 53; Tavares Guerreiro, 1994, pp. 86-87). 

Batista Pereira, que foi dedicado colaborador e genro de Rui e, como seu 

sogro, um filho espiritual da Faculdade de Direito de São Paulo (Lacombe, 

1975, pp. 5-7), escrevendo sobre Rui e o caso Dreyfus em abrangente reflexão 

sobre o antissemitismo, afirmou que “Rui Barbosa execrava o antissemitismo. 

Atribuiu-a, na quase totalidade dos casos, à inveja e à rivalidade e, excepcionalmente, 

à paixão”. Narra encontro que tinha tido com Léon Daudet em 

1908. Menciona, a propósito da paixão, que este conhecia o livro de Joseph 

Reinach sobre o processo Dreyfus, que não deixava um ponto obscuro sobre a 

absoluta inocência de Dreyfus. Ainda assim Daudet não dava o braço a torcer 

na questão Dreyfus e conclui: “Não era, portanto, a formidável inteligência e 

sim o temperamento que ditava ao mais corrosivo polemista da França o seu 

vulcânico antissemitismo”. Registra que, com este relato, Rui teve mais uma 

prova da sua tese (Batista Pereira, 1945, p. 15). 

O papel desempenhado pelo antissemitismo no processo Dreyfus está, assim, 

claramente presente na sensibilidade de Rui. Ela integra sua crítica aos 

tribunais de exceção, às justiças secretas e à dominação sem freios. Neste contexto, 

a análise da fragilidade das instituições francesas é também um meio 

de criticar a ditadura de Floriano que, capciosamente, colocou o bem público 

acima das leis. Era, como disse, uma lição que o Brasil daqueles dias necessitava 

e uma oportunidade para destacar os méritos das instituições inglesas: 

“Esse hábito de colocar os direitos permanentes de justiça em altura inacessível 

às conveniências do governo, às crises da política, ao clamor das tormentas 

populares é a virtude cardeal da Inglaterra” (2004, p. 54). 

Em síntese, o texto de Rui sobre Dreyfus, na clarividência da sua especificidade 

própria, não é um acidente na sua trajetória. Está em perfeita consonância 

58


com a sua visão das coisas, de “irreconciliável inimigo do governo do mundo 

pela violência” e de “fervoroso predicante do governo dos homens pelas leis” 

para valer-me de suas palavras no discurso de posse no Instituto dos Advogados 

mencionado no início deste artigo. 

– V – 

A questão Dreyfus teve um grande significado histórico-político e é imensa 

a bibliografia sobre a matéria. Alberto Dines, na edição brasileira que organizou 

e apresentou dos Diários completos do Capitão Dreyfus, aponta, com conhecimento 

da bibliografia, vários destes múltiplos significados. Entre eles as 

transformações da imprensa, o papel dos intelectuais, a gênese do sionismo, 

que foi fruto do impacto que a cobertura jornalística do caso provocou em 

Theodor Herzl, o impacto das ideologias nas sociedades de massa. 

Hannah Arendt trata da questão na primeira parte de Origens do totalitarismo, 

na qual discute as características do que qualifica o antissemitismo moderno 

como uma ideologia laica do mundo moderno, que resultou das transformações 

ocorridas na Europa a partir do fim do século XVIII. Identifica, no caso 

Dreyfus, “no qual as forças subterrâneas do século XIX vêm à plena luz nos 

registros da história”, uma “antevisão do século XX” e, citando Bernanos, 

aponta, no processo, a presença do tumulto de paixões desenfreadas e das 

chamas do ódio (Arendt, 1989, p. 143, p. 116). Na arquitetura de Origens 

do totalitarismo, a parte 1. a , sobre o antissemitismo, e a parte 2. a sobre o imperialismo 

representam a cristalização de elementos que antecipam os modos 

de atuação da dominação totalitária, da qual o nazismo foi uma das grandes 

vertentes. São alguns desses elementos elaborados por Hannah Arendt, na terceira 

parte do seu livro, que se encontram presentes na questão Dreyfus, que 

vou apontar com o intuito de sugerir que deles Rui teve clarividente intuição 

no seu texto de 1895. 

Um dos elementos da dominação totalitária, para Hannah Arendt, é a 

opacidade do poder. A crítica de Rui, no seu texto, a tribunais secretos e à 

59

Celso Lafer 

clandestinidade do processo é a crítica de um democrata à opacidade do poder, 

que, de forma inédita, viria a caracterizar o arbítrio do totalitarismo. 

Um outro elemento da dominação totalitária, para Hannah Arendt, é o uso 

da mentira como instrumento de poder. No caso do antissemitismo moderno, o 

tema é a mentira de uma conspiração judaica voltada para um projeto de poder 

universal. Foi com esse intuito que, no século XIX, a polícia secreta czarista elaborou 

os Protocolos dos sábios do Sião, uma falsificação que serviu amplamente na Europa 

para fins de propaganda antijudaica, ao inventar acontecimentos para ajustá-los 

à ideologia antissemita. Os riscos para a legalidade e a preservação das garantias 

processuais provenientes de falsificação de provas nos processos estão claramente 

presentes na crítica de Rui. É o destaque por ele dado à mentira de um inexistente 

corpo de delito que permitiu atribuir a Dreyfus uma falsa traição. 

O conceito de “inimigo objetivo” é outro elemento de dominação totalitária. 

O “inimigo objetivo” é aquele grupo que, independentemente de sua 

conduta, pode, a critério da liderança totalitária, eventualmente discordar da 

“verdade oficial”. Por isso deve ser discriminado, isolado, punido e eliminado. 

No caso Dreyfus foi ele de antemão condenado não pelo que fez, vale dizer, 

por sua conduta, mas sim pela sua origem judaica, como indicou Rui na análise 

do processo. Foi a suspeita generalizada que o cercou, que dele fez um 

“inimigo objetivo”, condenado a uma pena sem culpa. 

Pierre Ansart mostrou na obra de Hannah Arendt e na sua análise do antissemitismo 

o papel dos ressentimentos que animam a obscuridade dos ódios 

públicos, que estão presentes na dinâmica dos movimentos totalitários (Ansart, 

2004, pp. 17-33). Creio que um dos pontos altos da análise de Rui é precisamente 

o de apontar a corrosiva e malévola presença dos ódios públicos na 

questão Dreyfus. Esta crítica está em consonância com a sua visão geral dos 

riscos para a justiça das paixões públicas. Em seu O dever do advogado, apontou 

que “não faltam na história dos instintos malignos da multidão, no estudo instrutivo 

da contribuição deles para os erros judiciários, (...) casos de lamentável 

memória“sobre as iniquidades da justiça”, lembrando que “Circunstâncias há, 

(...) ainda entre as nações mais adiantadas e cultas, em que esses movimentos 

obedecem a verdadeiras alucinações coletivas.” (Barbosa, 1985b, p. 46). 

60


Na questão Dreyfus a tese geral de Hannah Arendt sobre o antissemitismo 

moderno como instrumento de poder tem clara presença. Jean Baubérot, 

tratando da história da laicidade na França, indica como o antissemitismo, 

ou seja, no caso, o repúdio àquilo que Eduard Drumont, com ímpeto panfletário, 

chamou no seu livro La France juive (1886), tem vínculos com a oposição 

à escola laica e republicana. Esta era criticada pela França tradicional 

e conservadora como impregnada de protestantismo que “desfrancesava” o 

país, levava ao outre manchisme da cumplicidade com a Inglaterra e estava sob 

impacto perverso da maçonaria. Explica Baubérot que o anticlericalismo foi 

o cimento de união entre a França operária e socialista e a França burguesa e 

liberal. Neste contexto, o antissemitismo politicamente objetivou a dissolução 

desta aliança e serviu como meio para buscar uma composição entre a França 

católica e clerical e a França operária e socialista, acrescida dos desapontados 

com a França burguesa e liberal por meio de uma ação conjunta contra o 

perigo do mítico poderio da “França judaica”. Este consenso, que induziu 

os ódios públicos de um patriotismo histérico superexcitado com a obsessão 

da traição, apontado por Rui, foi catalisado na questão Dreyfus. Levou, subsequentemente, 

à batalha ideológica entre “dreyfusards” e “antidreyfusards”, 

que é parte da afirmação do republicanismo e um componente do combate 

entre distintas visões da França (Baubérot, 2010, pp. 59-62). 

Neste combate e na batalha das ideias engajaram-se os intelectuais, defensores 

dos direitos humanos e das “luzes” da Ilustração, que se opuseram aos 

conservadores e à tradição anti-intelectualista. A questão Dreyfus, com o J’accuse 

de Zola, inaugurou a era dos manifestos como forma típica de protesto dos 

intelectuais na arena política contemporânea (Bobbio, 1997, pp. 57-108). 

Os protestos dos intelectuais na França adquiriram abrangência quando 

Esterhazy – o verdadeiro autor do documento que propiciou a condenação 

de Dreyfus – foi absolvido em 1898 por um conselho de guerra e aclamado 

herói pelos nacionalistas quando da sua saída do Tribunal. A questão Dreyfus 

assinalou, por obra das manifestações, o ingresso dos professores e da Universidade 

no debate político (cf. Julliard e Winock, 1996). Os “dreyfusards”, 

na sua ação, exprimiram não apenas uma exigência moral de Verdade e Justiça, 

61

Celso Lafer 

mas, como aponta Jean-Denis Bredin, a reivindicação do espírito livre contra 

o fanatismo cego, o método científico contra a improvisão passional, o 

escrúpulo contra o arbítrio. Foi uma revolta da inteligência em estado puro 

(2006, pp. 518-519). O texto de Rui sobre Dreyfus foi, neste contexto, uma 

premonitória intervenção pública em nome da liberdade, voltada, em consonância 

com sua visão de mundo, para defender a Verdade e a Justiça por meio 

da razão do rigor jurídico. 

No seu texto, realçou que Dreyfus padeceu uma nova pena, com efeito 

retroativo, ao arrepio dos princípios da legislação penal, em função da lei 

votada pelo legislativo francês após seu julgamento, que deslocou o degredo 

para a Guiana Francesa. Nela identificou o rancor da vindita pessoal apontando 

que o novo local foi escolhido “por ser mais áspero, mais inóspito, menos 

habitável do que as contempladas na lei sob que se proferiu o julgado” (2004, 

p. 41). A tortura do degredo de Dreyfus e o rancoroso caráter da vindita de 

que foi vítima está documentado nas instruções do Ministério das Colônias 

do governo francês sobre como deveriam ser administradas as condições de 

sua vida de deportado na Ilha do Diabo (cf. Dreyfus, 1994). 

Os quatro anos que passou na Ilha do Diabo, na Guiana Francesa – numa 

cela de quatro metros quadrados, incomunicável e sob guarda permanente 

(cf. Dines, 1995, p. 40) – nos quais, nas suas palavras, ficou “separado do 

mundo dos vivos” (Dreyfus, 1994, p. 47), é um prenúncio do isolamento psicológico 

imposto nos campos de concentração, como um componente básico 

da ubiquidade da dominação totalitária na análise arendtiana. E não deixa de 

ser mais uma injustiça que se estendeu à sua família o fato de que a sua neta 

preferida Madeleine – assistente social, ligada às organizações de salvamento 

e amparo aos refugiados e integrante da Resistência – foi presa pela Gestapo 

e morreu em Auschwitz (cf. Dines, 1995, p. 97). 

Jean Louis Levy, outro dos netos de Dreyfus que combateu na Resistência 

e chegou ileso ao fim da Segunda guerra Mundial, escreveu um posfácio 

aos Cinq annés de ma vie do seu avô. Nele explica de maneira admirável como 

este não foi um herói da questão em que esteve mergulhado – com os grandes 

“dreyfusards” Bernard Lazare, Zola, Clemenceau, Jaurès e tantos outros. 

62


Mostra como a História atribuiu a Dreyfus um papel que ele não escolheu. 

Assumiu este papel com soberana grandeza não como um herói, mas como 

testemunha. Jean Louis cita Hannah Arendt a propósito do papel de testemunha, 

que não é o de enunciar princípios de ação, mas traçar os limites que os 

nossos atos não podem ultrapassar (Levy, 1994, p. 238, p. 248). Esta referência 

me permite observar, na linha de Hannah Arendt, que Dreyfus prenunciou 

aquilo que foi, no século XX, uma experiência compartilhada por tantos que 

sofreram a História e aos quais, independentemente de sua vontade e deliberações, 

a Política infligiu um destino. Foram, assim, com suas narrativas, 

testemunhas da experiência, do mal sofrido de uma pena sem culpa, para falar 

com Bobbio na sua reflexão sobre Auschwitz (2002, pp. 182-183). 

A legalidade às avessas promove a injustiça individual como mostrou Rui 

na análise do caso Dreyfus. A radicalização inédita do avesso da legalidade, 

com a ascensão dos nazistas ao poder, promoveu uma extensão em larga escala 

da injustiça. Com efeito, como apontou Hannah Arendt, o que caracterizou o 

regime de Hitler foi qualificar de legais atividades normalmente consideradas 

como criminosas pelos sistemas jurídicos (cf. Arendt, 2004, pp. 101-103). 

A antecipatória clareza em relação a esta vertente do totalitarismo no poder 

deve-se, no Brasil, a Batista Pereira, que, em 1933, a formulou em explícito 

desenvolvimento do legado de Rui. 

Batista Pereira deu, na Casa Rui Barbosa, em 5 de novembro de 1933, 

conferência sobre O Brasil e o anti-semitismo. O seu artigo, “O advogado de 

Dreyfus”, inserido no livro organizado por Homero Senna, Uma voz contra a 

injustiça, Rui Barbosa e o caso Dreyfus, é trecho extraído desta Conferência. Nela 

diz: “O antissemitismo perante a antropologia é uma irrisão, perante a história 

uma blasfêmia, perante a evidência uma mentira, perante os direitos de 

consciência um crime” (1945, p. 16) e registra: “É indubitável que o governo 

nazista deliberou de sangue-frio destruir os judeus expulsando-os dos seus 

empregos, tornando-lhes a vida impossível e ao mesmo tempo impedindo-os 

de emigrar” (1945, p. 41). 

Na conclusão de sua conferência, cujo subtítulo é “A legalização jurídica 

do homicídio”, premonitoriamente afirma, em 1933, que o nazismo “não é 

63

Celso Lafer 

uma febre passageira”. É o fruto de “uma atitude determinada e refletida, o 

produto de uma ideologia que se não esconde e que reclama o seu lugar ao 

sol.” (1945, p. 64). Os juristas nazistas, continua, vêm “defendendo o direito 

do homicídio das hordas nazistas”, e o poder de tornar “fora da lei” qualquer 

membro da comunidade, tendo em vista “a completa extirpação do inimigo 

interno, (...) necessária para a restauração da honra germânica” (1945, p. 64). 

Admoesta que: “É preciso que todas as nações tomem posições no grande 

prélio que se está ferindo entre o Direito e a Força. Não são os destinos da 

Alemanha que ali se jogam. Mas os de todos nós. Os de toda a Civilização” 

(1945, p. 65). 

Arremata o seu raciocínio – e friso novamente o momento em que o formulou, 

novembro de 1933 – asseverando: 

“Um terremoto abala-nos debaixo dos pés o mundo moral convulsionado. 

Sentimo-nos aturdidos. As coisas mais simples mudaram de significado. 

Roubar não é mais roubar, matar não é mais matar, consciência não é 

mais consciência, o crime não é mais crime: é patriotismo” (1945, p. 65). 

Sublinha que o empenho hitlerista em implantar o império da força “precisa 

proceder ao extermínio da inteligência”, apontando que “é fácil arrancar a 

máscara do nazismo e mostrar que ele não é mais que o predomínio da força 

sobre o direito (...) Para isso o misticismo da violência. Para isso a prédica do 

ódio” (1945, pp. 66-67). 

Em síntese, Batista Pereira extrai as consequências do legado de Rui com 

inequívoca e pressentida compreensão das consequências do antissemitismo 

nazista, do qual o caso Dreyfus foi um “ensaio geral” cristalizador dos instrumentos 

do totalitarismo. 

64


– VI – 

Feita esta avaliação de ordem mais geral de desdobramentos da análise de 

Rui pertinentes para o entendimento do alcance histórico que teve a questão 

Dreyfus, creio que cabe concluir com uma menção a dois contextos específicos 

da sua vida que se viram marcados pelo artigo de 1895. 

Rui publicou, no Rio de Janeiro, quatro anos após a inserção deste no Jornal 

do Commercio, uma tradução para o francês com o título Le Premier Plaidoyer 

pour Dreyfus. Dreyfus recebeu este texto no fim de maio de 1900, a ele faz 

referência no capítulo III das suas Recordações (1899-1906). Cita vários trechos 

relevantes da análise de Rui, por ele qualificado como “o grande estadista 

brasileiro”, e conclui o capítulo dizendo que “denotava, em seu autor, uma 

notável capacidade de avaliação e uma grande liberdade de espírito” (Dreyfus, 

1994, pp. 280-282). 

Esta avaliação contribuiu para o sucesso da atuação de Rui na Segunda Conferência 

da Paz de Haia, na qual chefiou a delegação brasileira. É o que relata Batista 

Pereira, que foi secretário desta. Nela, teve a incumbência, por instruções escritas 

do Barão do Rio Branco, de lidar com a imprensa e desfazer a má vontade inicial 

que cercava Rui, cujas posições remavam contra a maré dos interesses tradicionais 

das grandes potências (Batista Pereira, 2004, Lacombe, 1975, p. 5). 

Como se sabe, a Conferência de Haia teve como uma de suas inovadoras 

características a presença da opinião pública nos corredores do poder diplomático. 

Entre as figuras relevantes e atuantes nestes corredores, tanto na 

Primeira quanto na Segunda Conferência de Haia, estava William T. Stead, 

jornalista britânico que foi um influente articulador e porta-voz das aspirações 

pacifistas da sociedade civil (cf. Tuchman, 1990, cap. 5). Stead começou 

crítico de Rui, mas o trabalho de aproximação de Batista Pereira foi bem sucedido. 

Teve como um dos elementos a informação sobre a pioneira posição 

de Rui no caso Dreyfus e o reconhecido apreço do próprio Dreyfus sobre esta 

posição (cf. Batista Pereira, 2004, pp. 79-88). 

Stead, no seu livro O Brasil em Haya, capítulo II, no qual trata do delegado 

do Brasil e avalia como Rui se impôs e tornou-se um dos grandes protagonistas 

diplomáticos da Conferência de Haia, diz ter sido Rui 

65

Celso Lafer 

“(...) entre seus contemporâneos o primeiro a descobrir o erro judiciário 

de que foi vítima o Capitão Alfred Dreyfus e publicamente condenou a 

sentença, antes de qualquer outro protesto. Este fato, recentemente atestado 

pelo próprio Capitão Dreyfus, deu ao Dr. Barbosa um novo cunho de 

distinção.” (Stead, 1925, p. 9). 

Como se vê, no contexto de Haia, o artigo de Rui a ele conferiu, perante a 

opinião pública esclarecida, o soft power de uma legitimidade política adicional. 

Distinto foi o outro contexto dentro do qual, na vida de Rui, teve um papel 

o seu texto sobre Dreyfus. Refiro-me ao episódio das cartas falsas atribuídas 

a Artur Bernardes com o objetivo de indispô-lo com os militares e atropelar 

a sua candidatura presidencial. O caso destas cartas falsas foi qualificado por 

Afonso Arinos como “uma questão Dreyfus sem grandeza” (1976, p. 761). 

No aceso da questão, no âmbito da qual a divulgação das cartas vinha obtendo 

grande ressonância no Congresso e na imprensa, Barbosa Lima apelou 

para Rui. Em carta de 15 de janeiro de 1922, reproduzida no livro de João 

Mangabeira, disse: 

“Estou certo de que o homem que levantou do exílio o seu protesto, em 

nome da justiça, contra o sacrifício de Dreyfus ao ódio de raça, não deixará 

de responder a este apelo, cedendo ao ímpeto da justiça, que tem sido a 

força motora de toda a sua grande e nobre vida” (1960, p. 351). 

Rui sabia que este apelo ao seu ímpeto de justiça carregava no seu bojo 

desconforto político e pessoal. Bernardes tinha sido um dos que, em 1919, 

organizara o mundo político contra a sua candidatura. As paixões políticas 

estavam exacerbadas. Muitos dos jornais que sempre o apoiaram afirmavam 

a autenticidade das cartas. Ainda assim, enfrentou a matéria e deu um laudo 

pela falsidade destas. João Mangabeira considera esta tomada de posição, do 

ponto de vista moral, o “ato mais nobre em sua vida”, pois diante do “espetáculo 

da injustiça de um homem de bem vitimado por uma campanha de 

calúnia” não hesitou em afirmar a verdade, apesar de saber que a defesa da 

66


verdade beneficiaria um adversário político com o qual tinha, pessoalmente, 

trato difícil (1975, p. 351). 

Em síntese, tanto numa tomada de posição mais distante da sua atuação 

no Brasil, como foi o caso do texto sobre o processo Dreyfus, quanto numa 

tomada de posição mais próxima do calor das paixões da vida política brasileira 

em que estava envolvido, como foi o caso do laudo sobre a falsidade das 

cartas atribuídas a Bernardes, Rui foi coerente. Exerceu com coragem política 

a magistratura da justiça militante, que, no seu entender, cabia na missão do 

advogado. Esta englobava, para concluir relembrando suas palavras na Oração 

aos moços: “Não colaborar em perseguições ou atentados, nem pleitear pela 

iniquidade ou imoralidade. Nem se subtrair à defesa das causas impopulares, 

nem a das perigosas, quando justas.” (1949, p. 35). 

Referências bibliográficas 

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das Letras, 1989. 

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Assy e André Duarte trad. de Rosana Eichenberg, São Paulo, Cia. das Letras, 

2004. 

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_____. Oração aos moços, edição comemorativa do centenário de Rui, São Paulo, Reitoria 

da USP, 1949 (explicação prévia de J. Soares de Melo, facsimile do texto 

original de Rui, com cartas documentos e recortes da imprensa). 

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67

Celso Lafer 

_____. Discursos no Instituto dos Advogados Brasileiros, Porto Alegre, Instituto dos Advogados 

Brasileiros, Fundação Casa de Rui Barbosa, Sérgio Antonio Fabris Edit., 1985a. 

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Filho, Fundação Casa de Rui Barbosa, 1985b. 

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_____. O Brasil e o antissemitismo, Rio de Janeiro, Imprensa Nacional, 1945. 

_____. Figuras do Império e outros ensaios, prefácio de Américo Jacobina Lacombe, 3. a 

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Bobbio, Norberto. Os intelectuais e o poder, trad. de Marco Aurélio Nogueira, São Paulo, 

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Fontoura, João Neves da. Rui Barbosa, orador, Rio de Janeiro, Ministério da Educação 

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68


Horbach, Carlos Bastide. Memória jurisprudencial: Ministro Pedro Lessa, Brasília, Supremo 

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Lacombe, Américo Jacobina, prefácio a Batista Pereira. Figuras do Império e outros 

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Paulo, Edit. Giordano Ltda., 1994, pp. 35-98. 

Tuchman, Barbara W. A torre do orgulho, trad. João Pereira Bastos, Rio de Janeiro, Paz 

e Terra, 1990. 

69

José Sarney

José Sarney: política 

e literatura 

Arnaldo Niskier 

“José Sarney, ao mesmo tempo que faz política, faz literatura, e 

com esta característica: como político, não é literato; como homem 

de letras, não é político” 

Josué Montello 

 


A chegada à Academia Brasileira de Letras 

Eleito em 17 de julho de 1980 para a Cadeira 38, sucedendo 

a José Américo de Almeida, José Sarney foi recebido em 6 de novembro 

de 1980 pelo também maranhense Josué Montello. Em seu 

inflamado discurso de posse, assim definiu a realização do sonho 

de se tornar acadêmico: 

“A Academia era para mim um horizonte longínquo. Leve sedução 

transformada na ambição que, sem coragem de ser desejo, 

era um desejo de desejá-la e, desejando desejá-la, tornou-se desejo, 

esperança e sonho. Sonho que se realizou e, como diz Jorge 

Luis Borges, quem realiza um sonho constrói uma parcela de sua 

própria eternidade.” 

71 

Ocupante da 






Josué Montello, na mesma noite, ao recepcioná-lo, realçou: 

“Quando vos candidatastes à Academia, visastes à sucessão de um grande 

escritor, que foi também um grande político, mas na verdade tínheis 

também outra intenção – a de fazer voltar às glórias de nossa terra a Cadeira 

aqui fundada por nosso conterrâneo Graça Aranha e que hoje vos 

pertence, com o aplauso e o júbilo de todos nós.” 

A chegada à Academia Brasileira de Letras era mais um capítulo na trajetória 

ascendente de José Sarney. Aliás, a Casa que teve entre seus fundadores 

escritores de renome como Machado de Assis e Lúcio de Mendonça sempre 

flertou com o estado do Maranhão. Basta uma pequena pesquisa para saber 

que, quando foi criada, a Academia abrigou cinco maranhenses entre os seus 

40 membros: Raimundo Correia, Coelho Neto, Aluísio Azevedo, Graça Aranha 

e Artur Azevedo. Isso corresponde a mais de 10%, um número expressivo. 

Da mesma forma, são cinco os patronos maranhenses, a saber: Adelino 

Fontoura, Gonçalves Dias, João Francisco Lisboa, Joaquim Serra e Teófilo 

Dias de Mesquita. Sem esquecer dos também maranhenses Sotero dos Reis e 

Odorico Mendes, que são patronos dos sócios-correspondentes. 

De 1897 até nossos dias, além dos maranhenses pioneiros, a Academia 

Brasileira de Letras abrigou Humberto de Campos, Odylo Costa, filho, Viriato 

Correia, Josué Montello e, é claro, José Sarney. 

Além da Academia Brasileira de Letras e da Academia Maranhense de Letras, 

José Sarney é membro do Instituto Histórico e Geográfico do Maranhão, 

da Academia Brasiliense de Letras e da Academia das Ciências de Lisboa, 

além de ser Doutor Honoris Causa da Universidade de Coimbra (1986). 

 

Solidariedade, marca registrada 

A disposição de José Sarney em colaborar com manifestações culturais e 

ajudar os amigos vem de muitos anos. Podemos confirmá-la num depoimento 

de Josué Montello que registrou em seu livro Diário do entardecer. Por ocasião 

72

José Sarney: política e literatura 

da elaboração de sua obra-prima, Os tambores de São Luís, Josué Montello encontrava 

muitas dificuldades, que aos poucos foram resolvidas com apoio de 

amigos, dentre eles, José Sarney: 

“Quanto ao processo da Baronesa de Grajaú, tenho comigo, graças ao 

senador José Sarney, os respectivos autos judiciários. Daí a nitidez de sua 

recomposição. Num romance como Os tambores de São Luís, a verdade histórica 

é a própria substância ficcional”. 

O mais interessante foi a forma como José Sarney conseguiu os originais. 

Ele trabalhava no Tribunal de Justiça do Maranhão, e um dia observou 

que havia uma fogueira no pátio: estavam queimando processos antigos. Por 

curiosidade, ele pegou uma parte do material e viu que se tratava de documentos 

pertinentes ao processo da Baronesa de Grajaú. Prontamente, guardou 

consigo os papéis em seus arquivos, conservando-os com o maior carinho, 

até que, na ocasião devida, os repassou para o amigo. As palavras de agradecimento 

de Josué Montello são comoventes, como se pode ler no livro Diário 

do entardecer: 

“Emocionado, recebo o gordo maço de papéis amarelados, vejo que o 

processo está completo, e reconheço mais uma vez que há um santo, lá no 

Alto, encarregado por Deus de ajudar, neste mundo, os pesquisadores à 

procura da verdade histórica”. 

 

O lado humano do autor 

José Sarney teve o seu romance O dono do mar, de 1995, transposto para as 

telas de cinema, em 2005, valorizando a cultura maranhense e mostrando as 

belezas do litoral. A direção de Odoryco Mendes foi primorosa. Aliás, trocando 

o “y” pelo “i”, o cineasta é um homônimo do político e escritor maranhense 

Odorico Mendes, patrono da cadeira 17 de sócio-correspondente da 

Academia Brasileira de Letras. A história da vida do pescador Antão Cristório 

73


foi muito bem adaptada para o cinema, com muitos efeitos especiais, valorizando 

o trabalho que José Sarney teve para produzir o livro: foram três anos 

de pesquisas sobre o dia a dia, os modismos, os folclores, os anseios, a linguagem 

e a vida dos pescadores. O filme foi realizado entre 2001 e 2004, quando 

entrou em circuito nacional. 

A participação dos atores também foi fundamental para que o resultado 

final fosse o melhor possível: Jackson Costa, Daniela Escobar, Regiane Alves, 

Paula Franco, Samara Felippo e Pepita Rodrigues. Esta última, por exemplo, 

que no filme interpreta a feiticeira Geminiana, assim se expressou em depoimento 

à imprensa: “Amei o texto, amei o livro. É um autor maravilhoso. Fiquei 

emocionada. Me senti ignorante por não ter lido os outros livros dele”. 

Ferreira Gullar, outro maranhense ilustre, reconheceu a importância de 

José Sarney para a cultura do seu estado, em recente entrevista: 

“Eu sou amigo de juventude de José Sarney. Fizemos revistas literárias 

em São Luís do Maranhão, ele fazia uma e eu outra, com outro amigo. 

(...) Tenho que admitir que o Sarney salvou São Luís. Mesmo com o crescimento 

da economia em torno, a cidade, que é colonial, teve seu casario 

preservado”. 

Ao prefaciar o livro Tempo de Pacotilha, o Acadêmico Alberto da Costa e Silva 

nos faz refletir sobre o lado político e literário de José Sarney: 

“Para ele a política foi sempre a sua segunda vocação. Escritor antes de 

tudo, mantém-se entranhadamente fiel à literatura e às suas admirações, a 

maior delas pelo Padre Antônio Vieira. Dele não se esquece jamais, como 

não se cansa de advertir que os países não progridem nem enriquecem 

quando descuidam da cultura”. 

O escritor José Louzeiro relembra em entrevista o seu início na vida jornalística 

no Maranhão, quando foi companheiro na redação de O Imparcial de 

grandes profissionais, dentre eles José Sarney, que também estava iniciando 

74


sua carreira naquele veículo: “Conheci grandes poetas maranhenses como 

Ferreira Gullar, José Sarney, Lauro Machado... Todos no suplemento literário 

do O Imparcial”. 

 

Uma vida política intensa 

Em 1956 começou a caminhada política de José Sarney, a princípio como 

suplente de deputado federal. A reeleição para os mandatos de 1958-62 e 

1962-66 apenas confirmava a aceitação popular dos ideais do maranhense 

que aos poucos galgava os degraus que o levariam ao patamar mais alto da 

vida parlamentar. Vale registrar que hoje ele é o parlamentar mais antigo em 

atividade no Congresso Nacional. 

Em 1965, José Sarney foi eleito governador do estado do Maranhão. Data 

desse período uma experiência importante e única, que merece nosso registro. 

Como era amigo do cineasta Glauber Rocha, teve o seu discurso de posse 

filmado por ele, que registrou o entusiasmo das palavras do eleito e a emoção 

da população que lotou a praça para prestigiar o novo governante. A direção 

do documentário, que hoje pode ser visto no youtube, foi de outro cineasta 

famoso: Luiz Carlos Barreto, o Barretão. Vale lembrar que outro acadêmico 

teve a honra de ser filmado por Glauber Rocha: Carlos Castello Branco, o 

saudoso Castellinho, teve uma participação especial no filme “A idade da 

terra”, em 1980. 

No fim do mandato de governador, José Sarney assumiu a cadeira no Senado, 

de 1970 a 1978, sendo reconduzido para o período 1979-1986. Não 

chegou a fim do período por força de acontecimentos políticos importantes 

que tiveram a sua participação efetiva. Eleito vice-presidente da República 

pelo colégio eleitoral, em janeiro de 1985, tendo Tancredo Neves como presidente, 

se viu obrigado a assumir o principal cargo do país com o dramático 

falecimento deste. 

Depois do período como presidente da República, de 21/4/1985 a 

15/3/1990, José Sarney se elegeu senador pelo estado do Amapá, em 1990, 

75


sendo reeleito em 2006. Ou seja, até 2014, estará entregue às atividades políticas, 

defendendo os interesses do estado do Amapá. 

Uma boa forma de analisar a trajetória política do Acadêmico José Sarney é 

assistir ao documentário “José Sarney – um nome na história”, que teve direção 

de Fernando Barbosa Lima e roteiro de José Augusto Ribeiro. A obra traz todos 

os momentos da sua vida política, alguns deles decisivos, como a formação da 

chapa, com Tancredo Neves, para concorrer à primeira eleição após o fim da 

ditadura, e a posse como presidente, após a morte de Tancredo. 

 

José Sarney (Trechos) 

Trechos de Saraminda 

“Compadre Clément, só depois comecei a montar as coisas e conhecer o 

caminho do sofrimento. Eu, Cleto Bonfim, fiquei prisioneiro dessa paixão, uma 

cadeia sem limites. O francês trouxe o vestido, mas ela não queria vestir. Ficou 

fascinada de ver e tocar. Tirava da caixa, olhava, cheirava e suspirava, como se 

encontrasse um perfume mágico, e tornava a cheirar e me obrigava a cheirá-lo. 

Depois se deitava e fazia como fez com o vestido de noiva, botava na rede, ao 

lado dela, e o vestido era de uma cor rosa que contrastava com sua cor escura, 

e achei que tinha um jeito de usado, mas era bonito. Depois vi o tamanho e me 

pareceu ser maior que Saraminda. Mas ela não via nada, não estava atenta aos 

defeitos. Para ela era o fascínio de um vestido de Paris, presente que ela julgava 

de Kemper e não da Equatoriale, pois ela não atinava o que era a Société. Tudo 

isso eu senti quando ela me disse: 

– Esse moço de olhos azuis veio da França para me trazer esse vestido, sem 

me conhecer. Quem disse para ele que eu estava aqui? 

– Saraminda, esse homem é o portador da empresa que compra e vende 

meu ouro e viaja por ordem dela. Eles querem me agradar e, para me agradar, 

têm que começar por você. Ele trouxe, também, uma caleça que mandei buscar 

para você. 

– Meu Deus, Cleto Bonfim, você me deu um carro para andar? 

76


– Sim, Saraminda, está desembarcado no porto do Firmino, esperando 

transporte para cá. E aqui não tem caminhos para ele, é preciso abri-los. 

– Como é caleça, Bonfim? 

– É um coche de duas rodas, com uma coberta de lona, bancos de couro, 

para ser puxado por dois cavalos... 

– Eu vou ter um carro com dois cavalos? 

– Vai, Saraminda, com portas bordadas de ouro, com as rodas douradas. 

– E como vai passar nestes caminhos? 

– Vou mandar abrir uma estrada só para você, ninguém nela vai andar, sai 

de nossa casa até meu barracão. Você vai e volta, de sombrinha e vestida com 

essa roupa de Paris. 

– É mentira, Cleto, não chegou caleça. Chegou um cabriolé, coisa já fora 

de uso que eles remeteram para enganar você. 

Eles sabiam que aqui no Laurent não tinha caminho para carros puxados 

por cavalos. Mais do que coche, landau eu mandei buscar para Caiena, e todo 

mundo até hoje ouve seu trote nas ruas, puxado por uma parelha de cavalos 

brancos, e o povo de Caiena ia para a porta vê-lo, batia palmas e dizia: Viva 

Clément e o progresso de Caiena. Mas eu mandei também trazer uma cadeira 

de trono para ela. Veio com o carro, e o francês não sabia. Mandei vir tudo 

que uma dama de sociedade tinha em Paris. Eu queria que ela fosse deusa. Eu 

gostava muito da chamada liteira de Saraminda. Uma casinha com duas janelas, 

uma de cada lado, com cortinas, e dentro almofadas de veludo vermelho e 

franjas amarelas. Estava montada em dois caibros dourados com acolchoados 

nas pontas, para dar conforto aos dois homens, um na frente e outro atrás, 

carregando o palanquim. E eu, Cleto Bonfim, mandei buscar um ourives e 

mandei gravar em ouro, do lado de fora, o nome Saraminda dos dois lados. 

Eu fiz isso e ela não ficou satisfeita e me pediu para mandar gravar embaixo 

Amor de Ouro. E eu perguntei: Por que amor de ouro? E ela simplesmente, 

com aquela voz, me respondeu: Sou eu. E me pediu: Me beija, Bonfim. E eu 

beijei....” 

77


“ – Tire a roupa, você é mulher de bordel, não tem que pensar, nem romance, 

quero ver seus peitos – falou cambaleando. 

Saraminda retrucou, resoluta: 

– Seu Cleto, me trate com respeito. Não sou coisa suja, sou mulher para 

ser tratada com gosto. Aprecio modos. Entrei na vida, mas não sou uma sem- 

-vergonha. 

– Arrematei você por preço alto e quero receber a mercadoria. Sou assim 

e não sei esperar. Pago mulher para ela ser como eu quero. Deixa de sestro. Já 

estou me chateando (...) 

– Não sei – retrucou Saraminda – isso é questão sua. Veja lá, Seu Bonfim 

– abriu a blusa e mostrou os seios, apertando os mamilos –, isto não é 

mercadoria para ser comprada assim. É coisa minha, rara da natureza, que eu 

não jogo fora. Veja o valor deles e me trate de outro jeito, sem bebida e sem 

brutalidade. 

Cleto abriu bem os olhos e viu nos seios escuros as pepitas incrustadas, de 

um amarelo intenso, derramado, a mesma cor das pequenas flores da ucuuba. 

– Que é mesmo que eu estou vendo? – balbuciou Cleto, quase caindo. 

– Pois veja, Cleto Bonfim.” 

“Eu soube o que era amor. E eu fui implorando para ela se entregar, e ela 

era uma cobra sucuri que se enrolava em mim e fugia sem fugir, assim junta 

e sussurando. (...) Ali estavam os bicos dos seios que eu apenas tinha entrevisto, 

amarelos como ouro bruto, tirado da terra, mas do brilho trabalhado 

por mãos de ourives, artista do bonito. As pontas eram grandes, altas, duras, 

roliças, faiscavam como tição...” 

Trecho de Marimbondos de fogo 

“Eu, de nome José, 

rasguei os olhos da vida 

em cinza manhã de abril. 

Chorei e o campo chovia 

78

onde a cidade pedia 

tempos, clemência e amor. 

Bendito sejais chão Pinheiro 

com o canto dos bois 

e os patos selvagens 

que deixam as nuvens 

e os ventos gigantes 

que lhe guiaram as asas 

cruzando oceano 

e pousaram 

à beira dos Defuntos 

onde sacodem a viagem 

e fazem ninho 

na folha das plantas aquáticas 

que flutuam como anjos deitados 

na mansidão dos lagos.” 

As principais obras 


A canção inicial (poesia). São Luís: Afluente, 1952. 

A pesca do curral (ensaio). São Luís: Editora Revista de Geografia e Estatística, 1953. 

Norte das águas (contos). São Paulo: Martins Editora,1970. 

Marimbondos de fogo (poesia). Rio de Janeiro: Artenova Editora, 1978. 

Dez contos escolhidos. Brasília: Editora Horizonte, 1985. 

Brejal dos guajas e outras histórias. Rio de Janeiro: Editora Alhambra, 1985 

O dono do mar (romance). São Paulo: Siciliano, 1995. 

Saraminda (romance). São Paulo: Siciliano, 2000. 

Saudades mortas (poesia). São Paulo: Editora ARX, 2002. 

Canto de página: notas de um brasileiro atento (crônicas). São Paulo: Editora ARX, 2002. 

Tempo de Pacotilha (artigos). Rio de Janeiro: Academia Brasileira de Letras, 2004 (Coleção 

Austregésilo de Athayde). 

A duquesa vale uma missa (romance). São Paulo: Editora ARX, 2007. 

79


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Montello, Josué. Diário do entardecer, Rio de Janeiro, Nova Fronteira, 1991. 

Niskier, Arnaldo. Uma nova maneira de pensar, Rio de Janeiro, Edições Consultor, 

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Sarney, José. Norte das águas, São Paulo, Livraria Martins Editora, 1969. 

Sarney, José. Saraminda, São Paulo, Editora Siciliano, 2000. 

Sarney, José. Tempo de Pacotilha. Rio de Janeiro, ABL, 2004 (Coleção Austregésilo de 

Athayde). 

Site da revista Veja. 

Site do Jornal Copacabana. 

80

Desconstrução dos 

gêneros literários * 


Eduardo Portella 

Até a chegada dos tempos modernos, a literatura, o fazer 

poético, vivia uma vida sem grandes sobressaltos. Algumas 

surpresas, não muitos desafios. O quadro era razoavelmente estável. 

As belas letras, nem sempre tão belas, se enquadravam disciplinadamente 

no organograma oficial dos gêneros literários. Quando muito 

se compraziam em registrar inflexões líricas, trágicas ou cômicas. 

Certas contorções titânicas nunca se fizeram de rogadas. O melodrama 

jamais deixou de se mostrar presente. 

Com o advento progressivo das modernidades, bruscas transformações 

foram ocupando o espaço público. Verificou-se igualmente 

um descentramento do pensar, em meio à voracidade de pressões, 

impressões e percepções difusas. A ideia de totalidade, que tanto 

protegera as gerações anteriores, tornou-se relações paradoxais; 

* Conferência inaugural do Ciclo Gêneros Literários: um Olhar Atual, proferida na Academia 

Brasileira de Letras, em 15.03.2011. 

81 

Ocupante da 






papéis intercambiáveis, tonalidades múltiplas, o anúncio, a espera, os sonhos, 

a fronteira sinuosa passaram a configurar outras pautas, com índices de perplexidade 

e risco insuportáveis. 

As colisões do sujeito, despreparado para o arriscado tráfico da cidade moderna, 

apontavam na direção de choques desalentadores do “eu” no meio da 

rua. Aqueles mesmos que Edgar Allan Poe e Charles Baudelaire conheceram 

por dentro no exato instante do seu deslocamento para fora, da saída do espaço 

privado para a esfera pública. A era posterior do anonimato, ou da perda 

acelerada da singularidade, apressou a marcha batida do indivíduo cindido. 

Na ordem da representação verifica-se o deslocamento ou o alargamento 

do olhar. E, consequentemente, os gêneros literários estáveis foram deixando 

de dar conta desse mundo cada vez mais instável. 

O vigor do impulso poético rompe a barreira dos gêneros e denega as concepções 

clássicas, neoclássicas e classicizantes. Essas espécies individualizadas, 

que se imaginavam irreversivelmente saudáveis e opulentas, se viram inesperadamente 

submetidas a um processo de desidratação, ao longo do percurso 

que vai da alta modernidade ao que venho chamando de baixa modernidade, 

no lugar de pós-modernidade. 

Quando se verifica a desmobilização dos gêneros literários? Creio que a 

partir do momento em que começam a ruir as hierarquizações institucionalizadas, 

e tomam corpo e alma desestabilizações sintáticas e semânticas pouco 

ou nada previsíveis. Verifica-se, portanto, quando a modernidade entra na sua 

contagem regressiva. 

Fica fácil entender por que a teoria dos gêneros literários, codificada pela retórica 

hegemônica, assumiu a postura de uma prática fascista. Ela preferiu a exclusão 

à inclusão, ignorou as diferenças complementares, a força da mescla, da hibridização 

e, mais que tudo, supervalorizou a existência de gêneros puros e superiores. 

À medida que a ânsia legítima da forma foi sendo substituída pela ansiedade 

ilegítima do formato, o empreendimento artístico, que trazia consigo 

um passado honroso, foi se degradando. Não falo evidentemente dos desvios 

de conduta de construções pretensamente literárias: telenovelas monotonamente 

formatadas, romances de autoajuda ou de trapaças esotéricas, poesias 

82

Desconstrução dos gêneros literários 

altissonantes, de ambições políticas ou de celebrações evangélicas; muito menos 

das crônicas opacas de eventos pontuais ou das memórias autoinflamáveis, 

que recolhem displicentemente essas proliferações do discurso recessivo. 

Inclino-me a me ocupar de combinações inesperadas, de interfaces criativas, 

desse vasto elenco de imprevisibilidades. Um poeta da altitude de João 

Cabral de Melo Neto traz consigo, introjetado no poema, uma poética aguda. 

A tal ponto que, para interpretá-lo, não necessitamos nada mais do que lê-lo. 

Os seus escritos sobre poesia, a sua exegese referencial do pintor catalão Joan 

Miró, a sua metalinguagem particularmente nos confiam a chave do tesouro 

escondido. Não necessitamos sair de dentro dele para falar dele. E ele foi 

tão ouvido que promoveu severa e oportuna mudança de rumo em nossa 

poesia do pós-guerra, que parecia encaminhar-se para o histrionismo e o escândalo 

verbais. João Cabral bloqueou a passagem do dilapidador de palavras. 

Por quê? Porque é o poeta que pensa, portador de um “coração inteligente”. 

Como José Paulo Moreira da Fonseca, Paulo Mendes Campos, Geraldo Holanda 

Cavalcanti, César Leal, Mário Chamie, Ivo Barroso, Marco Lucchesi. 

A tarefa do poema consiste em não dilapidar, nem lapidar. Antes ser a 

palavra como ela é, e como ela não é. A palavra sendo. É assim que leio a poesia 

de Ferreira Gullar. É assim que os verdadeiros poetas se distinguem dos 

vendedores ambulantes. A compreensão da literatura requer certa emoção e 

nenhuma comoção. 

Mas a poesia não é, já afirmara anteriormente, propriedade privada do 

poema. Ela pode estar superiormente situada na narrativa de João Guimarães 

Rosa ou de Clarice Lispector, na crônica, vazada de superior ironia, de Luís 

Fernando Veríssimo ou no sotaque “radical chique” de Arnaldo Jabor. Para 

não falar no patriarca Rubem Braga, ou no geralmente desconcertante Nelson 

Rodrigues. Prefiro deixar de lado o instantaneísmo oco do relato virtual. 

Em João Cabral de Melo Neto convivem, harmoniosamente, o inventor do 

poema, e o crítico, ou seja, o servidor do texto dotado de aguda consciência 

crítica. Em Adonias Filho e Clarice Lispector nota-se alternadamente, em 

aberto conluio com o poema em prosa, uma desterritorialização da narrativa 

empurrada pelo que de há muito venho designando de realismo imaginário. 

83


Já no pós-guerra, contrariando todas as crenças evolucionistas, teve lugar 

um retrocesso, com o estancamento da experiência moderna, em plena 

consolidação pelos romancistas do Nordeste e pelos narradores e poetas do 

eixo Centro-Sul. A irrupção da contramodernidade de 45 procurou recuperar 

as formas fixas, enfaticamente o soneto, mas já era tarde. Ela apenas 

conseguiu repeti-lo redundantemente: monótono e opaco. Com os prazos 

de validade vencidos, a carência de forças criativas, as ambições excessivas 

logo se extraviaram. 

O crítico exemplar que foi José Guilherme Merquior, que hoje reverenciamos 

20 anos depois de sua partida, inesperada e inaceitável, denominou com 

agudeza “degeneração de 45”. Assim, ela foi a bolha retórica lançada no retrovisor 

da história, toda voltada para trás. Temas sublimes, sensações decrépitas, 

vocabulário obsoleto, conteúdos crepusculares. É a literatura “bolha”, que se 

antecipava à “bolha econômica” dos nossos dias. Ela infla de repente e vertiginosamente 

se esvai. Não tem nada de transitiva, porque é tão só transitória 

– efêmera, fugaz, volátil. 

Um dos romances mais importantes do século XX, que vem a ser O homem 

sem qualidades (os espanhóis traduziram como O homem sem atributos), de 

Robert Musil, este romance traz dentro dele alguns encartes ensaísticos. O 

mesmo que ocorre com o nosso Octávio de Faria. Dentro de inflexível código 

disciplinar submisso aos mandamentos das leis ilegítimas da retórica oficial, 

eles estariam fora de cogitação. Só quem não sabe disso é o norte-americano 

Harold Bloom, entrincheirado no seu bunker ortodoxo, onde os gêneros e o cânone 

alternam papéis, e o francês Régis Debray, ex-heterodoxo e talvez mais 

ciclotímico, hoje promotor ardente do “elogio das fronteiras”. E o que dizer 

do teatro de Samuel Beckett? Ou da narrativa mais recente de Rafael Argullol? 

Todos em dissonância com a estrutura lógico-temporal do romance acabado, 

redondo, com princípio, meio e fim. 

Outra espécie literária que vem tendo no Brasil um desdobramento policêntrico, 

desde Machado de Assis, João do Rio, Lima Barreto, Benjamin Costallat, 

é a chamada crônica. Caracteriza-se predominantemente pela leveza, 

pela aguda percepção instantânea. É um texto espontâneo, sem ser ingênuo. 

84


Ao lado de cronistas que chamaríamos de profissionais, outros grandes escritores 

excursionaram por esses domínios. Manuel Bandeira, Carlos Drummond 

de Andrade, Rachel de Queiroz, José Lins do Rego, Clarice Lispector, 

Fernando Sabino, Vinicius de Moraes, Paulo Mendes Campos. A lista 

é interminável. Alguns desavisados a consideram uma manifestação menor. 

Não assinaria essa sentença aparentemente irrevogável. O que pode existir são 

profissionais menores, como acontece em outras latitudes. 

Há mesmo o caso de um escritor que assegurou a sua presença na literatura 

brasileira contemporânea apenas ou sobretudo com a sua obra de cronista. 

Ele se chama, é fácil de se prever, Rubem Braga. A ele, sou tentado a juntar o 

exemplo vertical de Carlos Heitor Cony, sobre o qual voltarei mais adiante; 

a prosa matizada, satírica, e bem-humorada de Luís Fernando Veríssimo, e a 

eclosão atual, liricamente superlativa, criticamente emancipada do polifacetado 

Ferreira Gullar, não devem passar despercebidas hoje. 

O cronista de veio opiniático, frequentemente pesado e insosso, jamais 

consegue alcançar o patamar aprazível do que o mexicano Octavio Paz chama 

de “jornalismo de ideias”. Não é o caso do sensato e bem calibrado Marcelo 

Coelho. Ele consegue. 

Quando isso não acontece, a tribuna improvisada se transforma em tribunal 

de sentenças de última instância, ou em confuso departamento de relações 

públicas. 

Não poderia deixar de juntar aqui os nomes de Antonio Maria, o cantor 

da alma do Rio, e do nome muito especial do meu elenco preferido: Sergio 

Porto, a reconstituição amorosa do Rio de Janeiro pré-urbano, dos almoços 

familiarmente coletivos na praia de Copacabana e a chegada voraz dos arranha-céus, 

em A casa demolida, bem como do seu heterônimo Stanislaw Ponte 

Preta, a prosa, a crítica e o humor cariocas apontados energicamente contra as 

mazelas do golpe militar de 1964, reunidos no Febeapá. 

O exemplo mais acabado de desconstrução está aqui ao meu lado e atende 

pelo nome de Carlos Heitor Cony. Sinto muito não poder falar de Nélida 

Piñon e de Ana Maria Machado, porque estou falando de uma época em que 

elas ainda não haviam nascido. Não gostaria de me esquecer de um sociólogo 

85


titular de um estilo densamente literário, Gilberto Freyre, aquele que um dia 

enveredou pelas “seminovelas”. 

Carlos Heitor Cony sempre foi e é o dissidente de carteirinha. Sou levado a 

pensar que há nele, em suas obras mais diversas – Informação ao crucificado, O ato 

e o fato, Quase memória, Eu, aos pedaços – uma mesma fidelidade à dissidência. Não 

se trata do dissidente pelo gosto pueril da divergência. Trata-se do dissidente 

pela insubmissão frente ao estabelecido, à indolência intelectual, às centralidades 

petrificadas, a tudo o que possa ser, ou parecer, negação da liberdade. 

Em O ato e o fato, Cony combate “a força e o arbítrio” sem qualquer concessão 

ideológica. Aí é o íntegro dissidente, longe de qualquer ideologia, que está 

em ação. O severo e honrado testemunho com que denuncia o golpe de 1964 

como exemplo de subserviência aos interesses norte-americanos. 

Não faz muito tempo, Carlos Heitor Cony nos entregou o seu Quase memória, 

literatura não só de estilo, porém de carne e osso. Ou de estilo trabalhado discursivamente 

com carne e osso, o registro trepidante da tragicomédia humana 

pelos vãos e desvãos do cotidiano. O “quase” é também a recusa do “absoluto 

literário”, que nos impunha modelos sacralizados, plenos e sublimes, e nos seduzia 

com as promessas fictícias da estética da apoteose, em geral insensíveis às 

infiltrações memorialistas a que não escapa o acontecer existencial. E fazendo 

questão de ignorar que toda memória que se preza é uma “quase memória”. É 

verdade que, quando a individualidade do memorialista se projeta desmesuradamente, 

termina se inscrevendo na possível categoria da pós-memória. E o autor 

deixa de ser a pessoa para ser o personagem. É o caso, por exemplo, do memorialista 

Gilberto Amado. Aquele que, ao conferir as suas contas no suposto livro 

do caixa da vida, se inclui na coluna do haver e jamais do deve. 

Recentemente, o memorialista agora assumido publica o livro Eu, aos pedaços. 

São memórias, “quase memórias”, pedaços de vida, estilhaços, imune às 

classificações canônicas. Esses pedaços, essas partículas dispensam a ênfase, 

recolhem e revalorizam a dúvida. São pedaços inteiros, sem a menor nostalgia 

ou a mínima concessão ao catecismo dominante. 

O intelectual autocentrado, autoritário e autista já não sensibiliza ninguém. 

Porque deixou de ser a consciência da sociedade, ou porque a sociedade deixou 

86


de ter consciência, ou ainda porque a consciência deixou escorrer pelo ralo da 

história o que fora um dia a sua verdade. Os pedaços, o quase e o que se esquiva 

para além do quase passaram a ser metáforas vivas de nossa realidade. 

A crônica de abertura deste livro, “Roteiro”, logo se constitui no manifesto 

afirmativo contra todas as manifestações do establishment, em franco dissídio 

frente às propostas do saber preguiçosamente hegemônico. E então o dissidente 

imprevisível, talvez mesmo o outsider insólito, oferece ao nosso espanto 

a inesperada coleção de pedaços inteiros. 

Este é um livro das coisas cravadas no fundo da alma. Não se trata de um 

ajuste de contas com a memória, onde os fatos se sucedem dentro de uma ordem 

mais ou menos previsível. Mesmo as passagens antes conhecidas recebem 

um outro aggiornamento que lhes dá vida nova. O narrador maduro e jamais 

passado intensifica as batidas cardíacas do texto. O que acontece com a devida 

altivez, indiferente às objeções de tribunais autoproclamados e à estridência 

vazia dos aplausos criticamente aleatórios. 

Entre os recursos mais viscerais na obra de Carlos Heitor Cony, em grande 

parte consequência da sua aversão congênita pelas ortodoxias, encontra-se o 

cultivo apurado das contradições. Jamais a contradição inabalavelmente remetida 

para a síntese, para a anulação pura e simples dos polos da contenda, em 

nome de uma harmonia artificial. A transcendência e a cotidianidade podem 

coabitar criativamente, sob os auspícios da imaginação. Esses estranhos regimes 

de convivência não param de nos surpreender. Quando a temperatura 

dramática começa a subir, e talvez a divisar o trágico, Cony desconstrói; interrompe 

e estanca a cena, introduzindo o corte da navalha afiada do humor. São 

artes e artimanhas de Carlos Heitor Cony, dissidente full time. 

Convém lembrar enfim dos diários, que, quando resistem às tentações narcisísticas 

do sujeito mais do que feliz, nos trazem uma outra memória – a 

memória ao vivo. 

Ia me esquecendo do ensaio, a forma informal, minha imprecisa praia. 

Logo eu que não faço outra coisa senão ensaiar o tempo todo. O laborioso 

texto do ensaio confirma que linguagem e pensamento são reciprocamente 

constitutivos. 

87


O ensaio nunca se distingue pelo peso do compêndio nem pela descontração 

da crônica. Por isso, podemos falar desde Michel de Montaigne, seu 

inventor moderno, a José Ortega y Gasset, encarnação superlativa, de Gilberto 

Freyre, Eduardo Lourenço, a Roland Barthes, protagonistas do ensaísmo de 

ponta, na sustentável leveza do ensaio. 

Por tudo isso, se alguém com uma jovem vocação de escritor me perguntasse 

sobre o que deveria fazer para se transformar em um escritor, responderia 

sem pestanejar: siga adiante ao largo da canonização dos gêneros literários. 

88

Constâncio Alves * 

A 

Alberto Venancio Filho 

Academia comemora este ano com o brilho de sempre o 

Ano Joaquim Nabuco, como comemorou nos anos anteriores 

o Ano Euclides da Cunha e o Ano Machado de Assis, três grandes 

figuras da cultura brasileira que honraram esta Casa. 

Mas, dos 207 acadêmicos falecidos, há muitos, porém, para os 

quais a imortalidade foi ingrata, e hoje se encontram no esquecimento. 

Certa vez nesta Casa cheguei a propor a homenagem ao 

“acadêmico desconhecido”. 

Homenageio um deles na data de nascimento, ocorrida este mês, 

e que deve ser desconhecido da grande maioria dos acadêmicos. 

Ressalvo o Presidente Vilaça, ocupante da Cadeira 26, e que dele já 

se ocupou com a habitual proficiência. 

Refiro-me a Constâncio Alves, ocupante da Cadeira 26, nascido 

em Salvador em 1865 e falecido em 1933. 

Formado em Medicina pela Faculdade da Bahia, jamais exerceu a 

profissão, mas apresentou tese de doutoramento sobre assunto ainda 

* Exposição nas Efemérides da sessão de 22 de julho de 2010. 


89 

Ocupante da 






hoje atual, a “Cremação e inumação perante a Higiene”. Disse ele certa vez 

no jubileu de Miguel Couto que “aprendeu os sintomas da peste de Atenas 

nos sombrios versos de Lucrécio e quando precisou de informações sobre a 

famosa epidemia de Florença consultou o livro imorredouro de Boccaccio”. 

Iniciou-se no jornalismo no Diário da Bahia, na cidade natal, mas se transferiu 

cedo para o Rio, trabalhando inicialmente no Jornal do Brasil. Três anos 

depois foi convocado para o Jornal do Commercio com uma seção, inicialmente 

“Dia a Dia”, assinada C.A., escrevendo semanalmente. 

Ingressou no serviço público como funcionário da Biblioteca Nacional e 

alcançou a Chefia da Seção de Manuscritos. Na coluna de jornal e no serviço 

público exauriu a atividade intelectual até ingressar na Academia. 

Humberto de Campos retratou-lhe a figura com fidelidade: 

“pequeno, trajando o seu antiquíssimo e invariável fraque preto, um maço 

de jornais amarrotados debaixo do braço, as costas ligeiramente curvas, a 

cabeça estendida para diante, como a das tartarugas que espreitam, a marchar 

lentamente, a arrastar imperceptivelmente os pés, sem fazer o mais 

ligeiro ruído como sombras que se estampam nos muros”. 

Rui Barbosa, avesso aos elogios, dirá do intelectual: “tipo de qualidades 

generosas e brilhantes, que uma camada exterior de simplicidade e melancolia 

oculta aos que lhe não procurarem, sob a crosta da negligência e timidez, as 

riquezas escondidas”. Era, para Rui, “o escritor de raça, em quem o espírito, 

a distinção, o estilo, o bom senso, o tato dos mestres da prosa moderna se 

casam com a paciência, a curiosidade, a penetração, o indefesso labor e os 

hábitos meditativos de um beneditino”. 

E Afrânio Peixoto assim o definiu: 

“Constâncio Alves – perene conflito de sua timidez com o seu talento, 

conflito sempre indeciso, se não sempre com elas as aparências do triunfo 

e ele obrigado as derivações do humor – é como Machado de Assis 

humorista, sem infidelidade ao gênero. Prosa ou verso que escreva, sabia 

90

Constâncio Alves 

lição de biblioteconomia ou bibliofilia que lhe dê, ou deliciosa, e cordial 

palestra que conceda aos seus interesses admiradores, tudo é humorismo e 

de primeira”. 

O prestígio intelectual na época pode ser avaliado por dois encargos que 

recebeu: o primeiro, o de saudar Rui Barbosa em nome da Bahia no jubileu 

literário de Rui Barbosa comemorado em 1919 na Biblioteca Nacional, e o 

segundo, falar em nome da Academia em 1922 no sepultamento. 

Por ocasião da fundação da Academia, não aceitaram o convite de Lúcio de 

Mendonça para pertencer à Casa Ferreira de Araújo Constâncio Alves, Ramiz 

Galvão, mais tarde acadêmico, e Capistrano de Abreu, este alegando que só 

pertencia a uma sociedade, a sociedade humana. 

Três anos após a fundação, Nabuco escrevia a Machado de Assis, quando 

da vaga de Taunay: 

“Agora queira dizer-me como se vai formando em seu espírito a sucessão 

do Taunay na Academia. O Loreto disse-me anteontem que na Revista, aonde 

não vou há muito, falava-se em Arinos e Assis Brasil. Eu disse-lhe que minha 

ideia era o Constâncio Alves. O Taunay era um dos nossos, e se o substituímos 

por algum ausente, como qualquer daqueles, teríamos dado um golpe 

no pequeno grupo que se reúne e faz de Academia. O elogio do Taunay pelo 

Assis Brasil podia ser uma peça forçada; confesso-lhe que não vejo como o 

Constâncio; mas se V. não pensa que o Constâncio tem a melodia interior, a 

nota rara, que eu lhe descubro, submeto-me ao mestre. Com o voto do Dória, 

que me prometeu, e o meu, o Constâncio já tem dois. Se. V. viesse, era o 

triângulo, e podíamos até falsificar a eleição. Sério!”. 

Nabuco em outra carta dirigiu-se a Constâncio ao ausentar-se do país: 

“Meu caro amigo. Deixei-me dizer-lhe adeus, acrescentando que de 

nada levo tão agradável impressão da minha presente estada no Rio como 

da nossa convivência no Jornal do Brasil. Creia que de longe continuarei a 

91


acompanhá-lo com a simpatia que me inspira um talento de que se pode 

dizer que é a pérola de um caráter”. 

E ainda uma vez: 

“Haverá quem não sinta a música inata de Constâncio Alves? Este é 

bem da ordem dos pássaros, tem o canto, a prosa dele gorjeia, sobe, trina 

como a voz de um rouxinol; no entanto se quisesse reduzir a verso a ironia 

melodiosa que tem em si, que restaria dela?”. 

Humberto de Campos comenta a eleição de Constâncio para a Academia: 

“Permanecia o morto-vivo nesse refúgio da morte (‘Dia a Dia’ do Jornal 

do Commercio), quando Afrânio Peixoto e Mário de Alencar, Lord Carnavour 

e William Carter foram desenterrar para o museu da Academia esse 

opulento Tut-Ank-Amen da literatura brasileira. 

Aberto o sepulcro na presença da geração nova da imprensa, foi um espanto. 

– Como ele era rico!... Exclamaram uns. 

E outros: 

– E ninguém sabia! 

Foi, realmente, a Academia que revelou Constâncio Alves às letras dos 

nossos dias. Infurnado na sua seção da Biblioteca Nacional, e por outro 

lado no rodapé do Jornal do Commercio, folha compulsada por uma classe que 

não lhe pode compreender a sutileza de seu espírito, seu aparecimento foi 

quase uma ressurreição”. 

Homem de excepcional cultura, revelada a todo momento, somente em 

1922, às insistências de Afrânio Peixoto e Mário de Alencar, aceitou ingressar 

nesta Casa, na qual foi acadêmico presente, publicando então um livro, reunindo 

trabalhos avulsos com o título de Figuras. 

92


Constâncio Alves seria eleito para a Academia em 6 de julho de 1922 na 

vaga de Paulo Barreto. Numa primeira eleição, em 5 de janeiro, obtivera nos 

quatro escrutínios três, doze, treze e quatorze votos, tendo como concorrentes 

Eduardo Ramos, Viriato Corrêa e Gustavo Barroso. Na segunda eleição 

foi eleito com vinte votos contra Viriato Corrêa, três votos, e Eduardo Ramos, 

dois votos. 

Quando da publicação do volume Efemérides acadêmicas, Constâncio destacou 

a importância para a história da Academia: 

“As efemérides da Academia Brasileira de Letras – organizadas com escrupulosa 

probidade intelectual e paciência incansável pelo Sr. José Vicente 

de Azevedo Sobrinho – não constituíram simplesmente uma lista de datas 

memoráveis daquela instituição. 

Os acontecimentos que recordam, não rara ultrapassam o alcance restrito 

de glórias de família. São, muitas vezes, interesse nacional, pertencem à 

nossa literatura e à nossa história. 

Trazendo-as para as colunas dos jornais por onde escorrem para logo 

resumir, a vulgaridade das coisas do dia, aquele escritor nos dá oportunidade 

de reparar esquecimentos injustos, e aponta à nossa contemplação altas 

e nobres figuras”. 

Relata-se a aventura de um candidato à Academia, que deixou para a véspera 

da eleição as últimas visitas, as que se lhe afiguravam menos importantes. 

Tomou um táxi depois do jantar, na certeza de que faria a visita, uma e outra, 

cinco minutos aqui, dez minutos ali e assim por diante. Pareceu-lhe de bom 

alvitre começar por Constâncio, que não conhecia nem mesmo por ouvir 

dizer. Encontrou Constâncio, na tranquilidade do gabinete pobre, entre os 

velhos livros amados. Pouco a pouco o candidato se entusiasmou com a conversa. 

O candidato esqueceu-se de tudo, esqueceu-se da própria Academia, 

e saiu de lá alta noite. Estavam perdidas as outras visitas. Perdida, talvez, a 

eleição. Para cúmulo, havia o táxi, com o chofer adormecido: marcava mais de 

cem mil réis. 

93


É estranho que um homem com essas características pessoais tenha sido 

um bravo polemista, mas tal ocorreu em disputa com Carlos de Laet. 

Carlos de Laet era afeito a polêmicas e se prestava em atingir aqueles que 

julgava trânsfugas. Ao receber em 1911 Dantas Barreto, sucessor de Joaquim 

Nabuco, se aproveitou para atingir o autor de Minha formação. 

No dia seguinte Constâncio Alves declararia que: “fora, pois, a Academia 

quem fuzilara Nabuco com um tiro disparado por Laet”. No dia 14 de janeiro 

nesse mesmo jornal, José Veríssimo, em nota, declarava não considerar a 

Academia absolutamente responsável nem solidária por tais opiniões, já que a 

censura se exerce em limites muito restritos. 

Carlos de Laet já mencionara Constâncio certa vez com ironia: “macio 

dizedor de verdades ásperas”. 

Em polêmica em 1901 com o Dr. Felício dos Santos, Carlos de Laet fez 

referência desprimorosa a Constâncio Alves. Na sua mansidão, Constâncio 

Alves se transformou em leão e reagiu com violência à polêmica, que tomou 

caráter pessoal. Constâncio Alves levou a melhor, Carlos de Laet não respondendo 

ao último artigo dele. 

Convém citar algumas das expressões de Constâncio na polêmica: “palavras 

mansas a um bichano bravio”, “arrolhado por distração”, “meu velhusco 

e patusco Laet”, “tigre acocorado”, “grulhão murcho”. Comentando o 

refúgio em Minas de Laet, quando da revolta da Armada, falaria: “ele foi o 

Nelson de Mar de Espanha”. Conclui Eugênio Gomes a respeito: “A carta 

de valente que lhe deu a polêmica com o bravo Carlos de Laet há de ter sido 

mesmo algo incômodo para Constâncio, que afinal não era homem de briga 

por temperamento”. 

As crônicas do Jornal do Commercio são modelos no gênero, escritas com 

finura e sensibilidade e erudição sem afetar a linguagem, comentando os 

fatos do dia com espírito e muitas vezes com uma dose de ironia. A Academia 

Brasileira de Letras na seção “Guardados de Memória” vem publicando 

algumas dessas crônicas como “Os livros vão e não voltam o que está dentro 

deles”. 

Humberto de Campos ressaltou a importância das crônicas: 

94


“Coube-lhe, então, estabelecer no jornalismo carioca um gênero que, ou 

não existia, ou havia sido olvidado: a análise literária dos acontecimentos 

do dia. Eram pequenos trechos de atualidade, pequenos comentários oportunos, 

mas a que Constâncio imprimiu o cunho de sua cultura dando-lhe 

vida mais longa nas letras. O seu cabedal de leitura era enorme, de modo 

que ele podia tirar diariamente do mealheiro, a moeda precisa, sem que isso 

fizesse falta ao milionário”. 

Algumas dessas crônicas foram incluídas no livro Figuras, com temas variados 

de erudição e sensibilidade sobre Leconte de Lisle, Tenyson, Ruskin, 

Bartolomeu Mitre e Zacarias de Goes, Machado de Assis, André Rebouças, 

Raymundo Corrêa. De Joaquim Nabuco traça um belo perfil e conclui: 

“Se toda a sua obra não contém a sua alma; se toda a sua vida não se 

acha registrada e explicada completamente o que resta, de uma e de outra, 

pela sua elevação e pela sua formosura, garante lhe o direito de perdurar, e 

consola um pouco aos que o amaram, com a esperança de que se realize a 

sua ambição de guia de mocidade”. 

Além de Figuras publicou com Afrânio Peixoto uma antologia de Vieria Brasileiro, 

de Castro Alves e dos dois José Bonifácio. A introdução é de Afrânio, 

podendo se supor que Afrânio insistiu pela colaboração de Constâncio, como 

implícito na introdução. No prefácio, Afrânio registra a colaboração de Constâncio 

Alves: “sábio humanista, primoroso escritor, crítico e artista, meu mestre 

e meu amigo, que assim acostumarei talvez, tudo é possível, a ver o próprio 

nome no dorso de um livro: não será o menos formoso da antologia”. Em 1943 

a Academia reuniu textos escritos sobre Santo Antônio, que não era o de Pádua, 

nem o de Lisboa, nem o militar no Brasil que o nosso confrade Macedo Soares 

tratou em excelente livro, mas o Santo Antônio da Aldeia do Carmo, pequena 

localidade na Bahia. 

Em Figuras há um estudo sobre Paul Stapfer, escritor e crítico literário que 

ganhou notoriedade na defesa de Alfred Dreyfus e que procurava em seus 

95


escritos assegurar a imortalidade de sua obra, mas ficou inteiramente esquecido. 

A lembrança de Constâncio deste autor parece ter sido a premonição de 

seu próprio destino. 

No centenário do Jornal do Commercio em 1927, falou das relações entre o 

jornal e a Academia, se referindo aos patronos da Casa: 

“Notei que muitos dos colaboradores do jornal passaram-se do Jornal do 

Commercio para a Academia Brasileira, até alguns que saíram da vida antes 

da existência dessa instituição. 

Para o jornal, isso não faz dúvida, entraram por seu gosto. Mas estarão 

contentes com a sua situação de padroeiros inamovíveis de cadeiras acadêmicas? 

A dúvida é possível, porque houve e há quem não queira pertencer à 

Academia, nem vivo, nem morto, e isso é, a meu ver, razão mais forte para 

não se admitir alguém, senão depois de ter declarado expressamente que 

tem muita honra em pertencer àquele grêmio. 

Não ocorreu, porém, à Academia a lembrança de consultar os defuntos, 

que incluía na lista dos patronos; e graças a Deus, até agora, nenhum reclamou. 

Calaram-se, logo consentiram”. 

A última crônica publicada três dias antes da morte no Jornal do Commercio 

com título sugestivo de “Pontapés futuros”, crônica que é um modelo de ironia. 

Descreve a reação de uma personalidade diante dos ataques de um livro 

de memórias. Dizia o ofendido: “se me encontrar com ele no outro mundo, 

mesmo em presença do Padre Eterno, hei de pregar-lhe dois pontapés no 

lugar adequado”. 

Constâncio comenta: 

“Mas . . . será possível uma desordem dessas no céu? Permitirá Deus 

tamanho desrespeito à sua casa e às suas barbas? 

Ele que tudo sabe, e portanto prevê tudo, deixará de tomar as providências 

precisas para evitar semelhante escândalo? 

96


Parece que não. 

Desconfio, pois, que não se passará no céu o prometido ajuste de contas. 

E quero crer que ficarão em promessa os pontapés num espírito desencarnado 

que talvez não tenha mais onde o receba. 

O outro mundo é grande, e pode ser que lá não se encontrem nunca os 

autores de ‘Memórias’ desagradáveis e os que pretenderem puni-los”. 

Poeta bissexto, tem poesias de raro valor como o soneto “Mater”, dedicado 

a Jackson de Figueiredo. 

Afrânio Peixoto, o grande Presidente desta Casa, um dos responsáveis pelo 

prédio onde trabalhamos, tinha o dom de fazer amigos, dentro da Academia, 

como Mário de Alencar, Aloísio de Castro, Alcântara Machado, Luís Viana 

Filho, e fora da Academia, como Wanderley do Pinho, Demóstenes Madureira 

do Pinho, Anísio Teixeira, Francisco Venancio Filho, e descreveu a figura do 

amigo: “Um dos encantos de minha vida foi ser amigo de Constâncio Alves 

durante trinta anos, sem um dia, uma hora de inconstância, de reticência. Um 

amigo assim é uma obra-prima literária”. 

E coube a Manuel Bandeira definir o intelectual: 

“Bissexto em tudo e não somente na poesia, médico, jamais escreveu 

uma receita, jornalista a vida inteira, poderia encher algumas dezenas de 

volumes com suas crônicas sempre de boa forma literária, repletas de sabedoria 

e de malícia, mas totalmente despreocupado de glória, como todo 

autêntico bissexto, só deixou o volumezinho Figuras”. 

Ribeiro Couto, na sucessão da Academia, diria que 

“seus melhores trabalhos foram os que escreveu fora da imprensa e depois de 

entrar para a Academia, cedendo à pressão dos que o admiravam e lhe pediam 

largos estudos e largas conferências. Em qualquer deles o estilo é de uma graça 

envolvente, a análise é penetrante, a apropriação do assunto é completa”. 

97


E assinalava: 

“Se foi pouca, pouquíssima a literatura de imaginação que nos legou, 

nem por isso deixamos de apreciar a riqueza de sua melodia interior nos estudos 

sobre a Sensibilidade Romântica, Júlio Verne, Renan, Anatole France, 

Gregório de Matos, Laurindo Rabelo. O artista aí está, nessas lições modelares 

de um letrado perfeito, que mereceria de Afrânio Peixoto este juízo 

elegante: o mais letrado dos acadêmicos”. 

E acrescentava: 

“Esse doutor melancólico tinha nos dedos um poder demiúrgico. Tema 

erudito em que tocasse animava-se de uma vida estranha, trate-se de Gregório 

de Matos, da sensibilidade romântica ou de Júlio Verne, de uma doutrina 

literária ou de uma questão biográfica. Podemos, então, representar o 

seu mundo interior como o velho parque da casa aparentemente morta”. 

No dia 9 de fevereiro de 1933 encontrava-se Constâncio à meia-noite no 

gabinete de trabalho da residência modesta nas Laranjeiras, na leitura habitual, 

quando os familiares ouviram o baque e verificaram que morrera fulminado. 

O seu sepultamento foi modesto, assim como fora sua vida, apenas presentes 

três amigos. O silêncio perdurou no esquecimento de sua obra. Cabe à Academia 

retirar da penumbra os membros que se destacaram em sua época e que 

honraram a nossa Instituição. 

98

Crônica de um encontro 

entre Rubén Darío e 

Machado de Assis * 

Rio de Janeiro, agosto 

ou setembro de 1906 

I 

Antonio Maura 

Em algum lugar do Rio de Janeiro, em agosto – ou setembro –, 

de 1906, reuniram-se o veterano escritor Joaquim Maria Machado 

de Assis e o maduro poeta Rubén Darío. É uma pena que apenas 

nos ficaram poucas referências desse encontro e que não se saiba 

onde nem como aconteceu, embora se tenha o testemunho do poeta 

nicaraguense, que o fez, em um soneto de dois quartetos. 

Em 1906, Machado não era um homem feliz – Carolina, sua 

mulher, morrera havia dois anos –: estava doente e se sentia só. 

Acabava de publicar Relíquias da casa velha e trabalhava para dar forma 

a seu próprio retrato de sábio, não isento de tristeza, que também 

se encontraria em alguns personagens de seu romance Memorial 

de Aires. E, pelo contrário, Félix Rubén García Sarmiento, Rubén 

* Tradução de Maria Helena Leitão 


99 

Escritor, jornalista, 

crítico e professor 

universitário 

espanhol, publicou 

mais de cem artigos 

e trabalhos sobre a 

literatura e a arte 

brasileiras. Entre os 

galardões recebidos 

se encontram o 

Prêmio Machado de 

Assis, em 1993, da 

Academia Brasileira 

de Letras; o Prêmio 

Os Melhores de 

1996, pela melhor 

divulgação da cultura 

brasileira no exterior, 

da Associação de 

Críticos de Arte de 

São Paulo; e o Grau 

de Oficial da Ordem 

de Rio Branco, em 

1997.

Antonio Maura 

Darío, ou simplesmente Rubén, estava exultante: havia chegado à cidade do 

Rio de Janeiro como secretário da delegação de seu país à II Conferência Pan- 

-Americana e ainda era recente a edição de seu Cantos de vida y esperanza (1905), 

uma das obras mais otimistas e célebres de sua trajetória poética. Ao Rubén 

mestiço, americano e espanhol, índio e europeu, o encontro com aquele socrático 

escritor não poderia deixar de impressionar. Não é em vão que o define 

como mulato aristocrático, procedente de um país – Índia – comentado 

em seus poemas como terra de elefantes, palácios e princesas. Mas, além de 

“mulato da Índia”, o escritor carioca é também mandarim e sábio grego. Ao 

exótico acrescenta, assim, o mais puro das tradições ocidental e oriental. 

Onde e sobre o quê conversaram? Nada se sabe. Machado não registra o 

encontro. Apesar disso, no poema vislumbra-se uma tarde ardente e se esboça 

uma profunda reflexão sobre a grandeza humilde e a inveja mesquinha e miserável, 

vaidosa e fátua. Algo deve ter remexido o coração do poeta para que dedicasse 

a Machado estas palavras que, possivelmente, faria chegar às suas mãos 

e que, mais tarde, seriam incluídas em seu livro Del chorro de la fuente (1916). 

Conhecia Rubén a obra de Machado? É possível, já que o jornal La Nación, 

de Buenos Aires, em que o poeta nicaraguense colaborava habitualmente, publicou 

em 1905 uma tradução anônima de Esaú e Jacó. Teremos que esperar que 

os arquivos de Rubén Darío possam dar alguma luz sobre o breve e intenso 

encontro do qual tomei a liberdade de escrever uma crônica imaginária. 

 

Crônica imaginária 

100 

II 

Queima o alento da tarde. Duas silhuetas caminham lentamente buscando 

o frescor da sombra das palmeiras: um ancião de uns 70 anos e um jovem que 

ainda não terá 40. Até ao Jardim Botânico, onde passeiam, chega o vago rumor 

da cidade e, vindo de mais longe, nesse emaranhado de sons, o retumbar 

surdo do mar. A tarde se desvanece em vários aromas. O ancião olha o chão

Crônica de um encontro entre Rubén Darío e Machado de Assis 

para não tropeçar; o jovem, para o céu onde vagam figuras feitas de nuvens. 

Enquanto um sente a atração da terra como as plantas que buscam um novo 

renascer ao murcharem, o outro sonha com as águias, sentindo-se, ele próprio, 

pássaro de altos voos. O diálogo pareceria impossível se não fora pela enorme 

admiração mútua. O jovem reconhece a aristocracia do pensamento e a nobreza 

da arte do venerável ancião e, este, a força vigorosa de uma juventude 

exuberante, o otimismo da nova raça americana à qual os dois pertencem. No 

ancião há sangue negro, no jovem, sangue índio, mas, em ambos, a herança 

ocidental brilha no esplendor de suas mentes e de suas diferentes escrituras: 

mansa uma; outra, torrencial. São tão diferentes! O homem que se aproxima 

dos 70 usa lentes para seus cansados olhos, barba e cabelos brancos, muito 

cuidados. O outro, que pouco lhe falta para seus 40 anos, tem a fronte despejada 

e a mirada intensa. O primeiro viveu toda sua vida na cidade, conhece 

todos e cada um de seus rincões e todas aquelas minúsculas histórias de seus 

habitantes; o segundo chegou há pouco, menos de duas semanas, acompanhando 

o ministro de seu país à Conferência Pan-Americana. E ainda ressoam 

em seus ouvidos os rotundos versos que leu, recentemente, na Academia que 

preside o velho de olhos tristes que caminha ao seu lado. 

La armonía el cielo inunda, 

y la brisa va a llevar 

la canción triste y profunda 

del mar. 

[A harmonia o céu inunda, 

e a brisa vai levar 

a canção triste e profunda 

do mar]. 

Recorda o silêncio atento e fervoroso que provocaram seus poemas, os 

movimentos de cabeça dos acadêmicos e de suas esplêndidas mulheres vestidas 

de sedas. A admiração arrebatada em suas miradas quando lhes falava da 

101

Antonio Maura 

juventude perdida, de seus amores apaixonados e ternos, sonhadores e passionais. 

E, de repente, na sala emudecida e expectante, entoava o canto épico do 

poeta e exaltava sua missão: 

¡Torres de Dios! ¡Poetas! 

¡Pararrayos celestes 

que resistís las duras tempestades, 

como crestas escuetas, 

como picos agrestes, 

rompeolas de las eternidades! 

[Torres de Deus! Poetas! 

Para-raios celestes 

que resistis às duras tempestades 

como cristas secas 

como picos agrestes, 

quebra-mares das eternidades!] 

A sala, toda ela, ficou de pé e começou a aplaudir o homem que anunciava 

“a mágica esperança” e negava a “canibal cobiça”. Havia muito tempo que 

ninguém recitava assim naquela sala, palavras tão rotundas, com voz muito 

clara e sonora. O jovem poeta explicou ao seu auditório que havia publicado 

aqueles poemas na Espanha, em um livro com título significativo: Cantos de 

vida y esperanza. E não era outra sua missão naquela cidade e naquele país que 

irradiar a energia de seu otimismo: a América ressurgiria de suas cinzas, como 

uma ave fênix, e recuperaria sua voz mulata, mestiça e cafuza para “cantar 

novos hinos” nas “línguas da glória.” O velho que agora caminhava junto a ele 

escutava-o entre admirado e surpreendido. Não era que não gostasse de seu 

otimismo, mas desconfiava daquela alegria: pássaro que voa demasiado veloz, 

que sulca as vidas e se perde a uma distância inalcançável. Que fazer então 

com as plumas que ficaram enganchadas na lama? Como silenciar a lembrança 

daqueles dias e daquelas horas? O velho procura um lenço no bolso de sua 

102


jaqueta e o leva aos olhos, onde brota uma inesperada lágrima. Escutava o poeta 

e recordava, escutava e desconfiava. Logo, na despedida, depois do jantar de 

homenagem, convidou-o a visitá-lo qualquer tarde. Não vivia muito longe, era 

uma casa simples, com jardim. O jovem aceitou o convite e prometeu aparecer 

por lá. E passaram-se os dias, dois, cinco. No sexto dia, quando se acabava de 

ouvir as quatro da tarde, apresentou-se na casa o homérico índio vestido com 

um terno de linho branco e um lenço vermelho na lapela. O velho recebeu-o 

atento e hospitaleiro. Fez que passasse a seu escritório e mostrou-lhe sua 

biblioteca. Quase não falou, somente escutou e houve ocasião de manifestar 

alguma dúvida, alguma vaga incerteza. Faltarão, talvez, anos para que desperte 

essa América heroica de remota estirpe. As gentes são simples e mesquinhas e 

a morte tem sempre uma sombra demasiado espessa. E estes objetos? Perguntou, 

surpreendido, o poeta. “São de Carolina…, minha mulher”, respondeu 

o ancião. “Morreu há apenas dois anos.” O poeta sentiu um rangido no ar, 

como se o espaço invisível, inconsútil se tivesse rasgado. Notou então a opressão 

do calor sufocante. E começou a suar copiosamente. O velho ancião adivinhou 

tudo o que lhe passava pela cabeça e o lamentou. O silêncio, às vezes, 

nega as palavras. A verdade simplesmente exposta é mais contundente que um 

punho de bronze. No rosto enérgico do olímpico poeta se observava a névoa: 

descia desde as alturas dos picos onde dizem que se aninha a águia. O velho 

escutou um suspiro que soava como o bafo vespertino de um boi. Fazia calor. 

Convidou-o a refrescar-se no Jardim Botânico. Um esplêndido parque que os 

monarcas portugueses fundaram na cidade. O poeta índio aceitou. E juntos 

saíram, pegaram um carro e chegaram a este caminho de palmeiras e troncos 

retorcidos. Agora, passeiam um ao lado do outro. Não falaram durante todo 

o trajeto e continuam calados. O velho sente como reverberam em seu sangue 

o orgulho e a vitalidade do poeta. Pensa em continuar, que é sua obrigação 

transmutar-se naquele velho diplomata que imaginara para seu último romance. 

Ele nunca viajou, mas conhece todas as paisagens e as cidades através dos 

livros. Seu personagem poderá falar de tudo e saberá, ademais, realizar seu 

ideal de arte: articular os sentimentos humanos como um músico faz com 

as notas. Saberá encontrar as distintas melodias vitais e fará que todas elas 

103

Antonio Maura 

sejam ouvidas harmoniosamente. Como um regente de orquestra. Como um 

deus em uma terra alheia aos deuses. Sim, deve continuar, ainda que se ressintam 

suas costas curvadas sobre a mesa, ainda que lhe doam seus olhos e o 

assustem as doenças e a morte. Dará vida a esse personagem no qual plasmará 

seu sonho de beleza. O jovem poeta olha o céu e sente o peso das nuvens, a 

nobreza do sol agonizante. Quisera parecer-se ao ancião que caminha ao seu 

lado, agradável, destilando simplicidade e sabedoria. Com quase 40 anos já 

sabe que a juventude é uma ave migratória e que, em seu caso, falta pouco para 

que empreenda o voo e abandone seu corpo às sombrias claridades do outono. 

Ah, se ele pudesse ser como o velho acadêmico que caminha junto a ele 

com titubeante passo, se pudesse vestir-se com a verdade de seu silêncio eloquente! 

Continuam calados. Não tardam em chegar à entrada do parque. O 

ancião pede desculpas, deve regressar a sua casa: o trabalho o espera. O jovem 

também tem obrigações de protocolo para esta noite: não por acaso chegou à 

cidade em uma viagem oficial. Despedem-se com afeto. Em seus olhos brilha 

a admiração que se professam. Os dois reconhecem-se aristocratas do sentimento 

e da palavra. Separam-se com dificuldade, mas aparentam o contrário. 

Um dia depois, o ancião recebe um envelope em sua casa. Dentro há um 

poema manuscrito. Reconhece a letra afetada e redonda, de altos voos, do 

poeta que recitou na Academia e o acompanhou em seu passeio da tarde anterior. 

Trêmulo, lê: 

Dulce anciano que vi, en su Brasil de fuego 

y de vida y de amor, todo modestia y gracia. 

Moreno que de la India tuvo su aristocracia; 

aspecto mandarino, lengua de sabio griego. 

Acepta este recuerdo de quien oyó una tarde 

en tu divino Río tu palabra salubre, 

dando al orgullo todos los harapos en que arde, 

y a la envidia ruin lo que apenas la cubre. 

104


[Doce ancião que vi no seu Brasil de fogo 

e de vida e de amor, todo modéstia e graça. 

Mulato que da Índia traz sua aristocracia; 

aspecto de mandarim, língua de sábio grego.] 

[Aceita esta lembrança de quem ouviu numa tarde 

em teu divino Rio, tua palavra saudável 

dando ao orgulho todos os farrapos em que arde, 

e à inveja ruim, o pouco que lhe cobre.] 

O ancião sorri, com um movimento de cabeça concorda, ruborizado. Depois, 

guarda o poema no envelope e continua trabalhando. Não conhecemos 

sua resposta nem sequer se chegou a entregá-la, por escrito. Nada mais cabe 

supor. É possível, certamente, fazer suposições de quase todas as coisas da 

vida, já que as certezas, se existir alguma, são mais escassas. O certo é que 

os acontecimentos desta história são imaginários, mas os personagens como 

também os poemas não o são. 

105

Maria Clara Machado

Dez anos sem Maria 

Clara Machado 


Laura Sandroni 

Há vinte anos, no dia 19 de julho de 1991, aniversário da 

Academia Brasileira de Letras, o Prêmio Machado de Assis, 

principal láurea da Instituição, foi concedido a Maria Clara 

Machado, dramaturga, atriz e diretora, por sua obra inteiramente 

dedicada à infância. 

Ao recebê-la disse Dom Marcos Barbosa em seu discurso de saudação: 

“Há mais de 10 anos, desde que ingressei nesta Academia – 

fundada, tenho orgulho em lembrá-lo, por meu tio-avô Lúcio 

de Mendonça – trazia uma ideia fixa: promover a outorga do 

Prêmio Machado de Assis por conjunto de obra a Maria Clara 

Machado, que já então o merecia. Sempre lembrava o seu nome, 

que era muito bem recebido, mas outros acabavam passando 

à frente, inclusive por questão de idade. Maria Clara ainda 

era bastante jovem para esperar. Mineiramente fui esperando, 

até que se deu um paradoxo: preparara tão bem o terreno que 

107 

Bacharel em 

Adminstração 

Pública (FGV), 

mestre em 

Literatura 

Brasileira (UFRJ) 

e especialista em 

Literatura Infantil e 

Juvenil. É autora de 

De Lobato a Bojunga: 

as reinações renovadas 

e Ao longo do caminho 

(seleção de resenhas 

publicadas em O 

Globo de 1975 a 

2002). Tem ensaios 

publicados nas 

principais revistas 

especializadas no 

Brasil e no exterior. 

É membro do 

Conselho Curador 

da Fundação 

Nacional do Livro 

Infantil e Juvenil, 

que dirigiu nos seus 

primeiros 16 anos.


Maria Clara foi eleita sem o meu voto, ausente da Academia por doença. 

Mas o nosso caro Presidente, * que parece adivinhar os nossos desejos, 

designou-me para a saudação de hoje, que me permite assim um voto 

público, não só de admiração como de amizade.” 

Maria Clara Machado celebraria em 2011 mais duas datas redondas: seus 

90 anos e os 60 de seu filho querido, o grupo de teatro amador O Tablado. 

Na sua falta, os que a conheceram e as crianças de todas as idades que tiveram 

o privilégio de assistir e se emocionar com uma ou várias das 29 peças que 

criou, montou e dirigiu receberam valioso presente: o livro Teatro infantil completo, 

lançado em fins do ano passado pela Nova Aguilar. 

A leitura desses esplêndidos textos da dramaturgia brasileira reavivou-me 

a lembrança dos momentos inaugurais em que assisti a eles com prazer e 

emoção, na juventude, depois com os meus filhos e agora com a expectativa 

de voltar a vê-los com os netos. A presente edição se distingue pelo fato de 

que, pela primeira vez, um autor de obra destinada a crianças, embora muito 

apreciada por adultos, alcança este privilégio: a publicação das 29 peças e 

preciosas informações sobre datas das estreias, autoria de cenários e figurinos, 

direção, nomes de atores e músicos, quando era o caso, e as partituras das 

canções em único livro de esmerada produção gráfica. 

Organizado com atenção impecável e afetuosa por Luiz Raul Machado, 

o livro reúne em ordem cronológica 24 peças originalmente publicadas pela 

editora Agir em seis volumes entre 1970 e 1986, acrescenta A coruja Sofia, 

publicada separadamente, e mais quatro peças inéditas em livro. Na introdução 

Luiz Raul nos conta um pouco da vida de Maria Clara, nascida em Belo 

Horizonte no dia 3 de abril de 1921, filha do escritor Aníbal Machado, que 

em 1925 se muda para o Rio de Janeiro e logo passa a morar na casa da Rua 

Visconde de Pirajá, 487, em Ipanema. Mais tarde Maria Clara definiu-se: 

“Sou mineira até não poder mais, mas vivo aqui desde os quatro anos, gosto 

mesmo é do mar de Ipanema”. 

* À época o presidente da ABL era Austregésilo de Athayde 

108

Dez anos sem Maria Clara Machado 

Aos domingos o autor de João Ternura, intelectual respeitado e, para a filha, 

“o homem mais sábio que conheci”, recebia poetas, escritores, jornalistas, artistas 

para um encontro semanal de bate-papo inteligente, que marcou época 

na vida literária da cidade. 

Dom Marcos Barbosa descreve esses encontros dominicais: 

“Mas antes de terminar, quero ainda evocar, na Rua Visconde de Pirajá, 

já não lembro que número, um simpático chalezinho como tantos outros 

de então, e que agora, como o quarto de Manuel Bandeira, só existe intacto, 

suspenso no ar, e não mais neste mundo de aparências. Atrás do chalé, 

ninguém imaginaria existir uma outra construção, de um só andar, uma 

sala apenas, com algumas poltronas e quatro paredes cobertas de livros. 

Os frequentadores da casa sabem da sua existência e se encaminham logo 

para lá. Antes que os habitantes do chalé e o dono da biblioteca possam ir 

fazer-lhes sala, dizem a uma das meninas: ‘Você, que é a palhaça da casa, vai 

lá entreter as visitas’. E Maria Clara não se fazia de rogada.” 

E quem seriam as visitas? Murilo Mendes, sem dúvida; o grupo de Otto 

Lara Resende, Hélio Pellegrino, Paulo Mendes Campos; mas também os do 

Norte (“são os do Norte que vêm”), como Jorge de Lima ou Rubem Braga; 

os do Sul como um Paulo Armando. Todos aqueles que chegam ao Rio e querem 

ingressar na vida literária, ali em plena ebulição. Um ambiente semelhante 

ao do Tablado, que talvez não tivesse existido sem esta plataforma de onde 

se lançou ao ar, como a menina ao vento. Assim hoje, com Maria Clara e o 

Tablado, podemos dizer que entram para a Academia, meu velho e saudoso 

amigo Aníbal Machado, com seus livros e seus pupilos. 

As lembranças da infância, principalmente da fazenda de seu avô em Nova 

Granja (MG), onde passava tempos, é descrita por ela de forma poética mostrando 

a importância da natureza em sua formação. Ela e as irmãs lá passaram 

momentos inesquecíveis. 

A morte da mãe é a outra lembrança marcante da infância, mas já no Rio 

de Janeiro: 

109


“Foi em 1930. Eu tinha nove anos. Era estranho ser tão abraçada e beijada 

sem saber por quê. Ou melhor, eu sabia, mas tinha que guardar para 

mim (...) Precisei de vinte anos de análise para me livrar do fantasma da 

perda. (...) Mais tarde consegui exorcizá-la através da arte”. 

Maria Clara cursou o colégio São Paulo e em 1938 entrou para o movimento 

Bandeirante, que teve grande importância em sua formação. “Numa 

época especialmente repressiva para as mulheres, ser bandeirante favorecia o 

exercício da liberdade, do companheirismo e da aventura com responsabilidade”, 

nas palavras do organizador do livro. Diz a própria Clara: “A convivência 

com o bandeirantismo me deu um grande espírito de grupo, de camaradagem, 

de simplicidade, de valorização da coragem e espírito de aventura.” Foi exatamente 

nessa época, entre os anos 40 e 50, que conheci Maria Clara, primeiro 

como a organizadora e “diretora” dos fogos de conselho, atividade com que 

encerrávamos os dias nos acampamentos. Era o momento em que as vocações 

artísticas despontavam. Representávamos, cantávamos ao som do violão, algumas 

recitavam ou contavam histórias, sob a batuta de Clara. Minha chefe 

Eddy Rezende, sua grande amiga, chamou-a uma vez para falar-nos numa 

reunião do curso de chefes. Sua vivacidade e inteligência encantaram a todas. 

Com a participação do Brasil na guerra, decide ser enfermeira atuando 

como bandeirante no ambulatório do Patronato Operário da Gávea, mas logo 

percebe não ser essa a sua vocação. Vai então trabalhar com as crianças no 

mesmo Patronato e decide montar um teatro de bonecos. Instalou o ateliê 

onde preparava os cenários e as roupas na garagem de sua casa e as titereiras 

eram as amigas bandeirantes entusiasmadas com a nova atividade. Começaram 

então a se apresentar em festas infantis. Lembro-me que minha mãe, também 

bandeirante, convidou o grupo para uma apresentação em nossa casa, no 

Cosme Velho, no aniversário de meu irmão Roberto Athayde, que mais tarde 

tornou-se teatrólogo. A peça foi a primeira que Maria Clara escreveu: um auto 

de Natal, O boi e o burro a caminho de Belém. Estávamos em fins de novembro e o 

tema tão adequado fez o maior sucesso entre crianças, jovens e adultos. 

110


Dom Marcos Barbosa chama a atenção para o fato de ser um auto de Natal 

a primeira peça de Maria Clara. Lembra a origem religiosa do teatro: 

“O sacerdote é sempre o primeiro ator, representando Deus para os homens 

e representando o povo no altar da divindade. O teatro grego nasceu 

da celebração dos feitos do deus Baco, à medida que os narradores foram 

se juntando ao coro. (...) Foi no Natal que o teatro teve origem na Península 

Ibérica, representado, não na igreja, mas no palácio, a viagem dos Reis 

Magos ao presépio, como a sugerir Nossa Senhora e o Menino, na rainha 

que então dera à luz o príncipe. (...) Lembro-me bastante de O boi e o burro 

a caminho de Belém, no qual a autora já introduzia, típica invenção de Maria 

Clara, as três Rainhas Magas, a caminharem com suas longas agulhas, tricotando 

agasalhos para o Menino Jesus.” 

Em 1941 Aníbal Machado escreveu para a filha, que se encontrava em um 

acampamento internacional de bandeirantes nos Estados Unidos: “Se não 

me engano, a sua vocação mais acentuada é mesmo para o teatro (...) não é 

uma perspectiva que me pareça absurda para o seu futuro, apenas exige muito 

trabalho, tenacidade e entusiasmo.” 

A disciplina bandeirante e a capacidade de liderança que ali adquiriu, somadas 

ao entusiasmo que a animava, permitiram que Clara realizasse a grande 

obra que apenas começava a tomar forma. 

Em 1949/1950 estava em Paris para seguir o curso criado por Jean Louis 

Barrault e aproveitou para assistir diversos espetáculos e trocar experiências 

com seus colegas. No ano seguinte voltou a Paris para aprender mímica com 

Etiénne Decroux, mestre de Marcel Marceau. Ao voltar em 1951 funda junto 

com seu pai, Martim Gonçalves, Carmen Sylvia Murgel, Eddy Rezende, 

Jorge Leão Teixeira, João Sérgio Marinho Nunes e outros, o teatro amador O 

Tablado, no Patronato Operário da Gávea. Trabalha como diretora e atriz, de 

início em peças de autores estrangeiros. 

O moço bom e obediente, de Barr e G. Stevens, Sganarello, de Molière, em 1952. 

No ano seguinte escreve e dirige, O boi e o burro a caminho de Belém, agora com 

111


atores. No mesmo ano cria O rapto dos cebolinhas e ganha o prêmio da Prefeitura 

do Distrito Federal. Dirige A sapateira prodigiosa, de Federico Garcia 

Lorca, peça em que também trabalha como atriz. Em1954 escreve A bruxinha 

que era boa, que recebe o mesmo prêmio no ano seguinte, mas só é montada em 

1958. Atua em Nossa cidade, de Thornton Wilder, dirigida por João Bethencourt. 

Em 1955 produz seu maior sucesso Pluft, o fantasminha traduzido para 

vários idiomas. Neste mesmo ano é convidada para substituir Henriette Morineau 

em O diálogo das carmelitas, de Bernanos, e monta Tio Vânia, de Tchecov, 

no Tablado. Nas palavras da crítica Bárbara Heliodora: 

“Quando Pluft perguntou pela primeira vez ‘mamãe, gente existe?’ No 

teatrinho do Patronato da Gávea, não terá tido sua primeira plateia noção 

do alcance do mundo que se abria à sua frente naquele momento. Maria 

Clara Machado tem como mérito supremo saber conviver com o Universo 

da curiosidade e da capacidade para o encantamento das crianças sem que 

jamais aflore em seus textos o mais remoto resquício de indulgência ou 

superioridade”. 

Realmente foi um privilégio assistir a essa estreia: cenário de Napoleão 

Moniz Freire – tão cedo desaparecido –, Kalma Murtinho no papel da mãe 

que fazia deliciosos pastéis de vento e falava sem parar ao telefone, Carmete, 

o próprio Pluft e mais Vânia Veloso Borges, Eddy Rezende, João Sérgio Marinho 

Nunes, Emílio de Mattos e João Augusto, sob a direção de sua criadora. 

Maria Clara era uma intuitiva, uma vocação rara como podemos observar 

em suas própria palavras: “As explicações pseudoprofundas de alguns teóricos 

de teatro sempre me aborreceram. Talvez o faz de conta, a brincadeira me 

descansem da mediocridade da vida que me rodeia e da seriedade como ela 

deve ser vivida.” Achava que através da ação desenvolvida no palco é que se 

passa a emoção à plateia. E completa: “É sentir que nos faz viver. Amor, ódio, 

tristeza, frustrações, tudo deve estar contido numa boa peça.” 

As discussões sobre profissionalização dos atores do Tablado eram constantes. 

Maria Clara insistiu sempre em que o grupo era amador. Com isso 

112


começa a perder alguns dos diretores como Martim Gonçalves, o primeiro 

a deixá-la para fundar o Teatro da Praça. Depois os atores Rubens Correia e 

Ivan Albuquerque formam o Teatro Ipanema, Cláudio Corrêa e Castro, Emílio 

de Mattos e tantos outros. Diz Clara: “Optamos por manter os atores 

amadores. Esta opção nos custou muitas lágrimas.” 

Assim ela justifica o fato de não permitir que outros montem suas peças: 

“Tenho pena de dar minhas peças a qualquer um, porque gosto de primeiro 

experimentar em cena, gosto de inventar ainda.... Escrevo no palco 

quase sempre. Muito em função do ator que eu tenho, do espaço que eu 

tenho. É um laboratório mesmo.” 

As peças se sucedem sempre com sucesso. Em 1960 monta O cavalinho azul, 

imediatamente aclamada pela crítica. No Correio da Manhã, onde Van Jafa escreve: 

“Tomo a liberdade de também recomendar aos adultos esse poema sem 

idade que é a peça infantil O cavalinho azul, de Maria Clara Machado. (...) E 

quem não descobrir o seu cavalinho azul não descobriu o sentido da vida, 

nem a beleza do mundo, nem o milagre do viver cotidiano daqueles que 

ganharam porque acreditaram. Assisti a O cavalinho azul emocionado por 

tanta beleza gratuita.” 

E Yan Michalski no Jornal do Brasil: “Constitui um dos pontos mais altos e 

inspirados dos que tenhamos encontrado, até hoje, em qualquer espetáculo 

para crianças”. 

Do hoje acadêmico e também amigo e ator do Tablado Ivan Junqueira, 

Maria Clara recebeu este belo soneto que vale transcrever: 

E assim de azul vestiram tua imagem, 

Outrora esboço lento e fatigado, 

Andrajo submerso na paisagem 

Do tempo, como um gesto abandonado. 

113


Recordo tuas crinas, teu selvagem 

Perfil rasgando o espaço calcinado, 

Teus flancos de aleluia, tua linguagem 

Onírica – monólogo cifrado... 

Depois não vi mais nada. Em meio à bruma 

Teu vulto fez-se treva e solidão... 

Às vezes, todavia, quando o grito 

De minha infância acorda a escuridão, 

Ainda ouço teu tropel pelo infinito, 

Catarse azul, visão, corcel de espuma! 

A fortuna crítica apresentada no livro recém-publicado nos dá ideia do prestígio 

da autora. Alguns comentários entusiásticos de Carlos Drummond de Andrade 

nos anos 70, de Maria Julieta, filha do poeta (também tradutora para o 

espanhol de obras de Maria Clara) em O Globo, em 1984. Do crítico paulista 

Décio de Almeida Prado em O Estado de S. Paulo, da cronista Eneida, em O Globo, de 

Austregésilo de Athayde no Jornal do Commercio e dos críticos Van Jafa, Yan Michalski 

e Bárbara Heliodora. Há ainda textos de Luiz Paulo Horta, Maria Antonieta 

Cunha, Flora Süssekind, Miguel Falabela. O capítulo se encerra com um belo 

texto inédito de Ana Maria Machado, escrito logo após a morte da autora. 

Em 1956 Maria Clara criou a revista Cadernos de teatro, na qual colaborava com 

frequência e continua a ser publicado pelos seus amigos e colaboradores: 

“Nosso primeiro pensamento foi para os grupos novos que se iam formando 

pelo interior do Brasil, sem conhecerem nada das técnicas teatrais. 

(...) Queríamos ensinar o beabá da técnica. Como fabricar um refletor, 

uma resistência, noções de direção e interpretação, a carpintaria do palco, a 

construção dos cenários. Pequenas peças traduzidas ou adaptadas. 

Milagrosamente os Cadernos de teatro ainda estão vivendo até hoje, um 

pouco mais sofisticados com o tempo. (...) Virgínia Valli, inesquecível 

114


companheira de muitos anos, grande titeriteira e atriz, lutou durante anos 

pela sobrevivência da publicação”. 

A integração da música com o teatro era preocupação permanente de Maria 

Clara, que sempre contou com a colaboração de talentos, a exemplo de Carlos Lyra, 

John Neschling e, com mais frequência, Ubirajara Cabral. Em 1974, sua peça Maroquinhas 

Fru-Fru virou ópera com música composta por Ernst Mahler, alemão naturalizado 

brasileiro, e só dezenove anos depois, em 1995, teve uma única apresentação 

como prova de fim de curso das escolas de Música, Belas Artes e Comunicação da 

UFRJ, no salão Leopoldo Miguez da Escola Nacional de Música. 

Apenas uma récita para uma plateia de familiares dos cantores e demais participantes 

que a receberam com entusiasmo. Lembro-me que Villa-Lobos musicou 

A menina das nuvens, da pioneira Lúcia Benedetti, que jamais foi montada. 

Ernst Mahler, compositor premiado, internacionalmente conhecido, foi o 

idealizador do concurso Jovens Instrumentistas e recebeu em 95 o Prêmio da 

Associação Paulista de Críticos de Artes (APCA). 

Outra peça transformada em ópera apresentada no palco do Tablado foi O 

cavalinho azul com música de Tim Rescala cantada e tocada pelo próprio elenco 

da peça. 

Aos poucos o Tablado transformou-se em verdadeira escola de teatro, com 

cursos livres de improvisação e descoberta de novos talentos. “Não há melhor 

escola que o palco”, garantia Maria Clara. 

Professores que eram atores do grupo montavam um espetáculo ao fim dos 

seus cursos e deles surgiu o Festival de Verão. Diz Clara: “Tenho visto coisas 

ótimas, coisas boas, coisas medíocres, mas pude constatar com enorme prazer 

a força do teatro na juventude”. 

Fora do Tablado a vida trouxe a Maria Clara outras experiências. Em 1961 

é convidada para ser diretora do Serviço de Teatro e Diversões do Estado da 

Guanabara e secretária-geral do Teatro Municipal. Ganha o Prêmio Personalidade 

do Ano, da Fundação Brasileira de Teatro. 

Apesar da dedicação aos cargos que exercia, Maria Clara não deixava de 

ampliar sua obra escrevendo e montando entre outros sucessos Maroquinhas 

115


Fru-Fru (1961), A menina e o vento (1962), Maria Minhoca (1967), Tribobó-City 

(1971) e tantas mais. 

Em 1981 volta a atuar em espetáculo destinado ao público adulto substituindo 

Henriette Morineau no papel de Maude da peça Ensina-me a viver. Diz 

ela: “Tive o prazer das grandes plateias lotadas e a vaidade satisfeita por ainda 

ser capaz de comover o público.” 

Pouco depois em 1985, sob a direção do amigo Geraldo Queiroz, apresenta-se 

em Esse mundo é um hospício (Arsênico e Alfazema). E declara: “Foi uma 

tentativa agradável de voltar ao passado. E pronto. Agora chega de ser atriz”. 

Continuou dirigindo no Tablado, mas dando oportunidade a seus assistentes 

para se firmarem. Cria ainda um curso para a terceira idade: “Verifiquei na 

pele que o começo da velhice (70 anos em 1991) não deve ser obrigatoriamente 

o abandono da criatividade”. 

Maria Clara Machado recebeu todos os prêmios existentes. Entre eles o 

Golfinho de Ouro, do Museu de Imagem e do Som e o Prêmio Molière, da 

Air France, ambos em 1968 para o melhor autor teatral. Em 1981 recebe outra 

vez o Prêmio Molière, pelos trinta anos do Tablado e o Mambembe. Em 

1991 o Prêmio Machado de Assis, da ABL, pelo conjunto de sua obra. 

Antes dela haviam recebido esta láurea as escritoras Dinah Silveira de 

Queiroz (1954), Raquel de Queiroz (1958) – ambas depois eleitas para a 

Academia e ainda Cecília Meireles (1965), Carolina Nabuco (1978), Gilka 

Machado (1979) e Henriqueta Lisboa (1984). No entanto Maria Clara foi 

a primeira a ser homenageada por sua obra inteiramente dedicada à infância. 

Em 2001 Ana Maria Machado, cuja obra dirige-se em grande parte a esse 

público, também fez jus ao Prêmio Machado de Assis, sendo pouco depois 

eleita acadêmica. 

Um trecho especialmente interessante do discurso de Dom Marcos Barbosa 

ao receber Maria Clara diz o seguinte: 

“O Tablado é pois uma Academia. Mas os seus imortais, que precederam 

aqui a Maria Clara, são talvez mais de 40 e mais longevos que nós. Pois 

quando já estiverem os imortais de hoje mortinhos da silva, no imponente 

116


Mausoléu da Academia (eu vou ficar no claustro do Mosteiro, que é mais 

alegre e onde os monges fazem recreio depois do almoço), quando já estiverem 

todos no Mausoléu, os imortais de Maria Clara, verdadeiros imortais, 

estarão ainda circulando pelos nossos palcos. O fantasminha Pluft que tem 

medo de gente e se surpreende ao ver que gente tem medo de fantasma, e que 

ao ver a menina Maribel chorar, derramando o mar pelos olhos, reclama da 

mãe Dona Bolha, fabricante de pastéis de vento: ‘Eu também quero!’ ‘Fantasma 

não chora, Pluft, senão derrete.’ E também não morrerá o Cavalinho 

Azul, que o menino Vicente (depois de atravessar pelo circo e pela cidade, 

onde todos caminham ao estribilho: ‘Não temos tempo a perder!’) vê voltar, 

afinal, azul como nunca, das Capitanias Hereditárias.” 

As duas peças de Maria Clara Machado mais conhecidas e louvadas pela 

crítica permanecem não apenas na memória de quem teve o privilégio de assisti-las 

no palco (ou ainda as assistirá pois são frequentemente remontadas), 

mas também transformadas em narrativas pela própria autora e editadas com 

o devido cuidado. São elas: O cavalinho azul e Pluft, o fantasminha. 

A primeira (como já vimos escrita algum tempo depois da segunda) foi 

lançada pela Editorial Bruguera, que não mais existe, em 1969. A notar-se 

as belas ilustrações em cores de Maria Louise Nery reproduzindo o cenário 

original da peça de sua autoria. Ela e seu marido Dirceu Nery trabalharam 

várias vezes com Clara na confecção de cenários e adereços. 

O livro foi reeditado em 2001 pela Companhia das Letrinhas e agora encontra-se 

na Nova Fronteira com desenhos da premiada ilustradora Graça Lima. 

A história do menino imaginário que via o pobre pangaré puxador de carroça 

de seu pai lavrador, como um lindo corcel azul com enorme rabo branco, 

voando tal Pégaso, é contada de forma poética, engraçada e comovente. A 

presença dos músicos bandidos, desejosos de roubar tal maravilha que Vicente, 

o pequeno herói, procura por toda a parte, até nas capitanias hereditárias, 

mantém o suspense e o interesse do leitor do início ao fim. 

Pluft, o fantasminha, pela mesma Bruguera, em 1970, traz desenhos de Anna 

Letycia, conhecida por suas gravuras, reproduzindo o cenário de sua criação 

117


para uma das montagens da peça no Tablado. Inteiramente no espírito da 

história as ilustrações são engraçadas, em cores fortes dando corpo à família 

de Pluft, o fantasminha que tinha medo de gente, à menina Maribel, que se 

torna amiga de Pluft e ao terrível pirata Perna-de-pau, que anda em busca de 

um tesouro escondido na casa perdida na praia. 

No livro, tal como na peça, Maria Clara Machado mostra todo seu talento 

narrando uma história onde a graça e a ironia estão sempre presentes. O livro 

foi reeditado pela Companhia das Letras em 2001 e também está hoje na 

Nova Fronteira com desenhos de Graça Lima. Ao terminar sua saudação à 

Maria Clara Machado diz Dom Marcos Barbosa: 

“No seu livrinho Criança tem cada uma Pedro Bloch registra a frase de uma 

menina que entra no escritório do pai ao anoitecer e lhe diz: ‘Papai, o dia 

está murchando!’. 

Mas a menina que disse esta frase não murcha. Ela tem sempre um ar 

de menina espalhando em volta a claridade que traz no nome, — um dos 

mais belos que possa haver: Maria Clara. 

Você recebe hoje, Maria Clara, o mais que merecido Prêmio Machado 

de Assis. E creio que se o bruxo das Laranjeiras estivesse aqui esta tarde, 

faria questão de entregar-lhe pessoalmente o prêmio que em sua honra é 

concedido. E sem dúvida, aproveitando uma distração de Dona Carolina, 

ocupada em ajeitar o chapéu ou calçar as luvas, te daria um beijo na testa.” 

Em seu discurso de agradecimento Clara chamou a atenção para o fato de 

ser uma autora de peças para crianças e a importância, nem sempre reconhecida, 

desse gênero literário: 

“Receber um prêmio da Academia Brasileira de Letras é uma honra 

para qualquer escritor, principalmente quando leva o nome de um monstro 

sagrado como Machado de Assis, patrono desta Casa. Mas receber 

um prêmio por uma obra de teatro infantil é uma homenagem também 

à criança. 

118


Muitos consideram escrever para criança uma subliteratura. Aqueles que 

não conseguem chegar como poetas ou romancistas aos adultos se conformariam 

em escrever para a infância. No entanto, aí estão Grimm, Perrault, 

Lewis Carroll e o nosso Monteiro Lobato para provarem que isto não é 

verdade e que aqueles que na literatura universal nos presentearam com livros 

infantis são eternos, porque captaram como ninguém o verdadeiro espírito 

da infância. 

É na infância que acontecem os episódios decisivos para a formação do 

homem. É na infância que o símbolo entra na vida do adulto e lhe forma o 

caráter. O herói, a mãe, o pai, os amigos, os mistérios da natureza, tudo toma 

um sentido eterno para a criança e irá acompanhá-la por toda a vida. 

Meus queridos escritores: se vocês viram nos meus heróis infantis, nos 

meus Plufts e Cavalinhos Azuis algo de eterno, é porque vocês também 

guardaram consigo o símbolo e compreenderam sua importância na formação 

do homem.” 

E no carnaval deste ano tivemos a prova do quanto Maria Clara era querida 

e conhecida dos cariocas: a escola de samba Porto da Pedra, de São Gonçalo, 

escolheu-a para ser seu enredo no desfile na Passarela do Samba. Lá o fantasminha 

Pluft pode voar livremente pela Sapucaí. Presa a um balão e segura 

por cordas, a bailarina italiana Valentina Ribaldo fez piruetas aéreas sobre a 

bateria a dez metros acima do solo. Uma homenagem de que Clara certamente 

gostaria muitíssimo. 

Lembrando o fato de que há 20 anos Maria Clara Machado recebeu o 

Prêmio Machado de Assis, da ABL, o mais importante do país, revivi parte 

da minha própria vida como bandeirante e fã de sua obra. Assim tive o privilégio 

de acompanhar o belo caminho que ela percorreu e constatar a enorme 

influência que exerceu sobre os rumos do teatro brasileiro. 

119


Bibliografia 

Maria Clara Machado: teatro infantil completo. Organização de Luiz Raul Machado. Rio de 

Janeiro: Nova Aguilar, 2010. (1344p.) 

Machado, Maria Clara. O cavalinho azul. Il. Maria Louise Nery. Rio de Janeiro: Editorial 

Bruguera, 1969. 

Machado, Maria Clara. Pluft, o fantasminha. Il. Anna Letycia. Rio de Janeiro: Editorial 

Bruguera, 1970. 

Entrega do Prêmio Machado de Assis – 1991, saudação por Dom Marcos Barbosa. 

Revista da Academia Brasileira de Letras. Anais de 1991 – julho a dezembro. Vol. 162. 

120

Fonte da juventude 


Jorge Sá Earp 

Caminhava sem olhar o mar. A canga enrolada na cintura, o 

sutiã do maiô-de-duas-peças à mostra, os cabelos encaracolados, 

o andar apressado tentando a velocidade adolescente. Pois com 

admiração e ciúme assistia ao desfile dos corpos e rostos ainda cheios 

de vigor. Lembrou da academia (não evidentemente a de Platão, muito 

menos aquela dos velhinhos fardados da cidade) e se exigiu mais 

empenho: não podia se deixar esmorecer. Ainda tinha resistência suficiente. 

Tinha que ir até o fim, até o último número berrado pelo professor, 

aliás um mulato bem apanhado. Tinha de dobrar alternadamente 

os joelhos e ir movendo os braços abertos até a barra no fim da 

sala, mesmo suando em bicas, mesmo bufando e sentindo o coração 

em fortes compassadas. Helena e Dalita não conseguiam, desistiam 

antes. Preguiçosas e mais velhas que ela. No entanto era evidente a 

compensação positiva do seu esforço: no espelho da sala era nítida a 

diferença de sua silhueta com a da cunhada e da amiga. No final das 

aulas Sílvia revelava sem modéstia sua proeza: 

– Fiz 100 vezes hoje. Também olha só como estou. – E apontava 

a malha escurecida pelo suor. 

121 

Carioca. Estudou 

Letras na 

PUC/RJ e Teatro 

na FEFIERJ. 

É diplomata. 

Encontra-se 

atualmente na 

Costa Rica. 

Recebeu o 

Prêmio Nestlé 

de Literatura 

em 1985 pelo 

romance Ponto 

de fuga. É autor 

de Feixe lenha 

(1980, poesia), 

No caminho do vento 

(1983, contos), 

O olmo e a palmeira 

(2006, romance), 

dentre muitos 

outros títulos.


Antes da ducha fria cumprimentava o professor. Pedia conselhos sobre os 

exercícios e até sobre dieta. E bebia seu corpo apolíneo. A Laura tinha se separado 

do marido por causa de seu treinador garotão. Corajosa tinha sido. O Cláudio 

bem que fora um rapaz bonito, lembrava dele logo que se casaram e ainda 

continuava bem apessoado até hoje, charmoso, de bigodes, grisalho. Mas criou 

barriga, refestelou-se na vida. Laura teve razão ao deixar marido e filhos pelo 

garotão, que Sílvia nunca tinha visto, mas que devia ser lindo, atleta que era. 

O sol ia ficando forte, Sílvia não ia se deitar na areia mesmo que protegesse 

sua pele com óleo de bronzear. Sabia que aquela hora era perigosa para o 

advento das temidas rugas. Iria para casa, almoçaria com a família e quem sabe 

visitasse a mãe: D. Alda sempre tinha um presente em espécie para lhe dar. 

A empregada deixara a comida pronta. Os filhos se viravam – era essa sua determinação 

expressa. Nunca foi muito afeita a paparicações, a pequenos cuidados 

maternais. Era melhor para eles – concluía sob a orientação de sua intuitiva psicologia. 

À mesa presenciou briga entre os mais velhos: cena habitual, tentou apaziguar, 

o marido antes severo parecia cada vez mais manso e alheio às desavenças 

filiais. As meninas não se mostravam tão belicosas. Às vezes um ensaio de discussão 

dava a partida como um badalo breve de sino, se desenvolvia num persistente 

desarranjo instrumental, mas logo diminuía como a fuga de sons de um carro com 

o rádio ligado. A atuação dos meninos, no entanto, era rugida, esbravejante, e de 

pigmeus se agigantavam em colossos na borda da mesa com ameaças de golpes. 

Cabia a Sílvia – antes ao pai com a mão espalmada batendo com força sobre a 

toalha – reagir com um grito estrídulo de pássaro. As cenas em volta da mesa, em 

seu apartamento na Gávea, se desenrolavam quase sempre em conflagrações entre 

os comensais: havia um desequilíbrio qualquer naquele ambiente ainda misterioso 

ou desprovido de curiosidade para ela. Para Sílvia importava o silêncio ou a conversa 

banal durante as refeições. Assim poderia pensar na sua noite com calma. 

Calmas eram as noites com Lourides. O biribinha em casa da gorda Lourides 

e seu riso expansivo que exibia a dentadura ampla. As parceiras variavam, 

às vezes Dalita, mais raramente Helena, cujo marido, irmão de Sílvia, não 

tolerava o jogo, mesmo que pacificamente doméstico. Gualberto, o de Lourides, 

também não amigo das cartas, via televisão na saleta e às vezes rondava 

122


a sala em direção à cozinha. Era um homem corpulento, não propriamente 

gordo, engenheiro, que tinha como hobby a pesca nas areias do Leblon nos finais 

de tarde, juntamente com o marido de Helena. Ali, além dos apetrechos 

necessários, se provia de vários tipos de petiscos e cerveja, o que naturalmente 

contribuía para o enrobustecimento de sua anatomia. 

Quando não era noite de jogo, Silvinha ia dançar. Desde adolescente gostava 

de dançar. Nos primeiros anos de casada – e não só nos primeiros anos, 

mas até bem depois do nascimento da última filha – o marido Jonas a controlava. 

Nordestino, recebera o sangue incendiado de ciúmes. O tempo, porém, 

fora temperando esse traço e agora lhe restava uma mansidão conformada, 

essa que nem interferia na contenda dos filhos. Severo tinha sido, ultimamente 

o cansaço e a decorrente placidez se albergaram em seu espírito. 

Sílvia, que como jovem de temperamento romântico, sonhara em frequentar 

acampamentos ciganos, com danças frenéticas em frente à fogueira, animadas 

por vinho e violinos, tomara gosto pelas casas de gafieira. Lá não só se 

dançava samba mas também tango, bolero e milonga. Tendo ido aos cabarés 

da Lapa pela primeira vez com Dalita, o marido Jordi e o seu acabou por se 

prometer que ali seria o seu espaço de entretenimento. Passou então a combinar 

com outras amigas a voltarem à Lapa. Até a gorda Lourides chegou a 

ir algumas vezes e se mostrou ágil no arrasta-pé. Acontece que sua geração 

rapidamente se cansou daquela moda; foram se acomodando em seus lares 

com novela, futebol e biriba. Entretanto Silvinha se manteve firmemente fiel à 

gafieira e para isso construiu novas amizades de gerações mais recentes ou da 

sua, mais animadas, porém, que as antigas amigas. 

As noites corriam embaladas nas diversas gafieiras do Rio até que conheceu 

Djalma, um mulato baixote com bigodinho discreto e olhos chamejantes. 

Era o seu par preferido. 

– Eu mal entendo o que ele fala... – Dalita confessou um dia a Sílvia. 

– Eu também no começo tinha as minhas dificuldades... Mas agora sabe 

que não? 

Dalita também arranjou um parceiro fixo de dança: pintor, mas de paredes, 

a quem, durante a semana, quando ele tinha uma horinha, o afalbetizava. 

123


Sílvia se socorria com a cunhada com vestidos. Como a vida social de 

Helena não fosse mais como antigamente, ela os presenteava a Sílvia, que do 

apartamento da cunhada saía regalada, assim como saía da casa da mãe sempre 

com uma ajuda pecuniária significativa ao seu orçamento familiar parco 

por causa do minguados vencimentos de Jonas, corretor de imóveis. Rapaz 

esforçado, subira na vida, já que o conhecera no cinema Alvorada de Ipanema, 

onde trabalhava como lanterninha. O pai de Sílvia contra o casamento, o 

conflito tendo-se ajeitado graças à intercessão da mãe, a quem as outras filhas 

acusavam de tê-la sempre protegido. 

Apesar de aventuras escaldantes, o coração de Sílvia foi alvo da dolorosa 

flechada mesmo quando de uma festa de réveillon na casa da Lourides. Depois 

do ponto alto dos brindes de meia-noite, dos goles de champanhe, dos 

beijos e abraços verdadeiros e falsos, dos beliscos em salgadinhos e canapés 

e dos rodopios de dança em que tanto se deleitava, num dado momento, foi 

parar na cozinha não sabia bem por quê. Naquele cômodo, num momento 

em que o volume da música diminuíra na sala, e os casais apenas conversavam 

e riam esparramados pelos sofás e poltronas, eis que naquele cômodo coberto 

de ladrilhos Sílvia encontra Gualberto nem bêbado nem alto mas num estado 

mediano entre esses – se é que pode existir um. Ele a encarou com arregalados 

olhos vidrados, se aproximou da mesinha, onde jaziam bandejas com restos de 

pastas e migalhas de pão e junto à qual ela como que se protegia, agasalhada 

numa fragilidade de menina. Subitamente a abraçou e beijou-a na boca; um 

prolongado e suculento beijo. 

Depois que as bocas lentamente se descolaram rápido, o anfitrião desapareceu 

para o interior do apartamento deixando Sílvia estarrecida e trêmula. 

Nunca sentira nada por aquele homem, pelo marido de Lourides, mas ali na 

madrugada do primeiro dia do ano com os raios de sol ameaçando penetrar 

pelas frinchas das persianas o ato impulsionou seu coração; reverberava dentro 

dela como um sino incandescente. 

Permaneceu ainda uns instantes na cozinha sob um silêncio pesado, partido 

apenas por murmúrios e risinhos, vindos da sala. Atordoada, com o 

coração batendo, regressou ao convívio dos outros. 

124


Na tarde do dia 1. o levantou com a esperada ressaca, apesar dos engovs 

tomados antes e depois da celebração. Jonas já tinha se levantado (ele não 

bebia) e cuidava das várias gaiolas de passarinhos penduradas na área de serviço: 

curiós, pintassilgos, periquitos, canários e bicos-de-lacre, que gorjeavam 

ignorantes das datas convencionais. 

Sílvia, antes de se arrumar e depois de devolver ao rosto a frescura do dia 

anterior, apressou os filhos para o almoço em casa dos pais. O filho mais 

velho, esportista como Jonas, ainda assistia a uma reprise de futebol na televisão, 

o mais moço, ator, relatava seu réveillon a colegas de classe ao telefone, 

enquanto as meninas cacarejavam no quarto. Os filhos são assim – refletiu 

num jato –: uns puxam ao pai, outros à mãe; Tarcísio herdara a sensibilidade 

dela. Talvez também sonhasse em fugir com um bando de ciganos. 

Durante o almoço volta e meia vinha alfinetar-lhe a cena da madrugada 

de Ano Novo: Gualberto a beijando com fogo, com hálito de uísque. Nunca 

pensou que aquele homem sentira qualquer atração por ela. Gualberto se 

comportava sempre – desde os tempos adolescentes no Leblon – como um 

rapaz sério, bem comportado e como homem maduro muito mais. Até bastante 

sisudo. Raramente deixava escapar uma gargalhada, só se a piada fosse 

muito boa. Admirava as mulheres classudas – uma vez tinha dito. Ou teria 

sido naquela mesma noite de réveillon quando sua filha do meio confessou 

que queria se comportar como uma mulher elegante, hirta, de gestos lentos e 

voz pausada como algumas personagens de colunas sociais? Sílvia não poderia 

ser esse modelo. Gualberto conhecia o seu amor pela dança, pelo samba, pela 

gafieira. Entre seus amigos e os de Jonas, entre a família ninguém comentava 

seu hábito belle de soir de frequentar os cabarés da Lapa. Deviam sorrir maliciosamente 

ao ouvirem o marido dizer conformado: 

– Silvinha gosta de dançar... 

Portanto ela não era o tipo de Gualberto, não era mulher para Gualberto. 

Se perguntou a intervalos durante todo o almoço de 1. o de janeiro e por meses 

e meses por que ele a beijara na cozinha na noite de réveillon. E Lourides? 

Caso suspeitasse, caso levantasse a menor desconfiança a respeito do sucedido 

em sua casa no final da festa que ela oferecera aos amigos mais íntimos ficaria 

125


furiosa com Sílvia, levantaria toda sua obesidade com a ligeireza permitida 

pelo ciúme da mesa de jogo e a esbofetearia ruidosamente e sem se importar 

com as parceiras em volta. Com o rosto ardendo as lágrimas saltariam dos 

olhos, e Sílvia correria dali para se esconder não sabia onde, pois nem na 

própria casa poderia contar o acontecido. Talvez na casa da mãe. Mas e seu 

pai? Não desconfiaria? 

Por outro lado estava traindo a amiga. Que mulher tinha sido ela nos últimos 

anos! E nos meses que se seguiram ao Ano Novo ela só pensava no beijo, 

no beijo de Gualberto dado em sua boca, no abraço estonteante com que 

Gualberto a agarrara, a sufocara. 

Não podia contar às suas filhas. Há muito tempo não conversava com elas. 

A mais velha engravidara e fora morar com o namorado em Recife – isso lá 

pelo meio do ano – e a mais moça namorava um homem casado, segundo lhe 

contara. No entanto Sílvia não poderia se abrir com a caçula sobre sua mais 

recente paixão pelo marido de sua amiga. A mais moça jamais poderia saber 

que a mulher do seu homem casado era “tia Lourides”. 

– Você não vai dançar mais? Gostava tanto... – comentou uma sexta-feira à 

noitinha Jonas acomodado no sofá em frente à televisão com ar abatido. 

– Perdi a vontade. Estou ficando velha. 

O marido sorriu como se pela primeira vez a visse admitir sua condição. 

Lá pelas dez Sílvia se recolheu ao seu quarto. A cabeça no travesseiro 

pulsava o mesmo pensamento de meses: o beijo de Gualberto tinha sido o 

melhor beijo que recebera em toda sua vida: quente, úmido, lento, a língua 

dando voltas em sua boca, pelos seus dentes. O corpo todo se inflava com 

uma onda de calor ao relembrar aquele momento. Mas por que ela agora 

se comportava como se nada tivesse acontecido? Com sua fleuma habitual 

Gualberto camuflava seu real sentimento por ela. Tratava-se de um verdadeiro 

ator. E tudo para Lourides não perceber. Coitada da Lourides... Mal 

sabia ela... que seu marido a amava, ela, Sílvia... Só ela... e por que não a 

abraçara de novo? Quantas noites não fora jogar o seu habitual biriba e 

mesmo com mais frequência que antes, e ele esquivara o seu olhar e evitara 

um encontro a sós com ela? 

126


Desferiu um soco na cama à altura do rosto. Jonas veio e se atirou ao seu 

lado. Pesado, roncão, morno. Sílvia se virou e contemplou com nojo aquela 

montanha arfante. Foi para a sala, acendeu um cigarro e olhou a rua, os carros 

apressados e buzinantes na noite de sexta-feira. Iria para a gafieira. Sim, iria. 

Lá com Djalma ela espaireceria, espantaria os seus tormentos, a imagem obsedante 

do beijo de Gualberto. 

Apanhou um uísque no bar e o virou de um gole só. Se vestiu de mansinho, 

desceu, acenou prum táxi na praça do Jóquei e se mandou pra Lapa. Entrou 

no seu costumeiro Pavão Dourado. Lotadérrimo. Se acotovelou por entre dançarinos 

e desviou de mesas e garçons. Os ouvidos a princípio feridos pelos 

toques da orquestra logo foram se acostumando e se adaptando ao ritmo 

da música como um vestido de manequim inferior que custa a se ajustar no 

corpo. Reconheceu então a mesa com os companheiros de fins de semana: 

Djalma estava lá, se assanhando para tirar uma cabrocha para dançar. 

Sílvia deu-lhe um tapinha nas costas, o sambista se virou e a agarrou nos 

braços. Saíram gingando no rodopio da música. Sílvia sentiu recobrar seu 

ânimo de antes. 

A música e o corpo do parceiro colado no dela a moviam, faziam vibrar 

seus músculos, seus nervos, aceleravam as batidas de seu coração. O cheiro 

de suor e o calor das mãos de Djalma. Vieram o samba, o tango, o bolero e a 

milonga puladinha. De repente, por cima do ombro do companheiro, divisou 

Dalita e seu pintor. Deu um adeuzinho pra ela e continuou a seguir o ritmo 

da orquestra alucinada. 

Outro repente: ao longe, por entre a fumaça e os diversos corpos se 

mexendo na semiobscuridade, eis que descobriu Gualberto. Dançando animado 

com uma jambete. Se desvencilhou rápida dos braços de Djalma e 

tentou saltar todos os obstáculos que a impediam de o alcançar. Gualberto, 

Gualberto ali na sua toca, no seu salão no Pavão Dourado! Silvinha se atropelou 

por entre os foliões, escutou reclamações, levou empurrões e conseguiu 

ouvir xingamentos, mas chegou até o seu alvo: cutucou então as costas de 

seu corpanzil; – o homem virou o rosto: não era Gualberto, mas um cara 

igualzinho a ele. 

127


– Desculpe, desculpe... – Sílvia sorriu o sorriso da menina educada em 

colégio de freiras. E perdeu a vontade de continuar dançando. Desabou na cadeira 

em frente à mesa e virou goela adentro um copo grande de caipirinha. 

– Má o que que é isso, mulhé! 

Nem se dignou a encarar Djalma. Seu olhar se fixava nas cascas e bagaços 

de limão no fundo do copo. Ele insistiu que voltassem a dançar, desistiu e se 

sentou ao lado dela abraçando-a. Sílvia o encarou e soltou uma irreprimível 

gargalhada. 

– Que que cê tem? 

– Vamos embora daqui. 

– Má vamu pra onde, porra? 

Sílvia tomou-o pela mão e a custo chegaram do lado de fora. Uma chuvarada 

despencara na Lapa. Fios grossos caíam do telhado do sobrado antigo, 

onde estava o cabaré. Sílvia se escorou na parede e Djalma fez o mesmo. 

– Qué enfrentá o toró ou voltá pra lá? 

Sílvia curtia o barulho da chuva pregada na parede e com a mão presa à de 

Djalma. 

Súbito outra gargalhada explodiu, mais incontrolada que a primeira, quase 

como as de Gualberto quando a piada era muito boa. E não a conteve por 

muitos minutos, uma gargalhada ecoante, vibrante por todos os sobrados da 

velha Lapa. Quando o aguaceiro cessou, o ruído das gotas na calçada tornava 

mais inquietante o silêncio das ruas desertas. 

128 

Bucareste, 18/11/2008.

O nervo do conflito 

A 

Fenecimento e vitalidade 

na poesia de Ivan Junqueira 

Ricardo Vieira Lima 

mas quem te contemplasse saberia 

que eras enfim o nervo do conflito: 

Ivan Junqueira, soneto XIII de A rainha arcaica 


morte, enquanto símbolo, representa, em regra, o perecimento 

e a destruição da existência. Ela designa o fim absoluto 

de todas as coisas. Mas é também a introdutora ao mundo 

desconhecido do Inferno ou do Paraíso. Nesse sentido, ela é revelação 

e introdução. Filha da noite e irmã do sono, a morte desde sempre 

tem sido objeto das reflexões dos homens nos campos científico, 

religioso, filosófico ou artístico. 

Sob outro aspecto, em todo ser humano, durante todos os seus 

níveis de existência, simultaneamente coexistem a morte e a vida, 

configurando uma tensão entre duas forças contrárias. É a partir 

dessa tensão que a morte adquire um sentido iniciático de renovação 

e renascimento. Mors janua vitae (a morte, porta da vida). 

129 

Jornalista, crítico 

literário e poeta. 

É diretor do 

Sindicato dos 

Jornalistas do 

Município do 

Rio de Janeiro 

e colaborador 

das revistas Poesia 

Sempre, Metamorfoses 

e Revista Brasileira, 

publicada pela 

Academia 


Letras. Organizou 

e prefaciou a 

antologia Anos 80, 

da coleção Roteiro 

da Poesia Brasileira 

(Editora Global, 

2010). Seu livro 

inédito, Aríete, 

ganhou o Prêmio 

Jorge Fernandes 

de Poesia, da 

União Brasileira de 

Escritores – RJ.


E é dessa tensão, desse “nervo do conflito”, enfim, que se abastece e se funda 

a singular obra poética de Ivan Junqueira. 

Conquanto os quatro temas básicos dessa poesia sejam a tensão morte/ 

vida; o fluir do tempo; o amor (relacionado sempre a um sentimento de 

perda) e a arte (com destaque para a metapoesia), é sobre o primeiro tema 

que o poeta mais tem se debruçado, ao longo de uma carreira de mais de 

40 anos e de 11 livros de poemas publicados (incluindo-se, nesta contagem, 

duas reuniões de obra e duas antologias). Não por acaso, seu livro de estreia 

chama-se Os mortos, e sua obra mais recente, O outro lado. Com efeito, a maior 

parte de seus poemas trata desse tema, direta ou indiretamente, o que tem 

levado a crítica, de uma forma geral, a considerar Junqueira como “o poeta da 

morte”. Acrescente-se o fato de Ivan fazer uso frequente de um vocabulário 

arcaico e erudito, opção esta que, aliada à aparente morbidez de seus versos, 

aproxima-o, inevitavelmente, de um poeta como Augusto dos Anjos. Tal aproximação, 

contudo, não deve ser feita sem restrições. Enquanto ‘o poeta do Eu’ 

canta a putrefação da carne, Ivan Junqueira, mais contido e mais metafísico, 

lamenta com frequência a existência da morte, fazendo de sua própria poesia 

um autêntico hino à vida. 

Por essa razão, não compactuamos com aqueles que consideram o autor de 

O grifo “o poeta da morte”. Ao contrário, fazemos coro com o poeta e ensaísta 

Ruy Espinheira Filho, que, analisando a poética junqueiriana, saudou a “arte 

de um poeta maduro que fala do que deve falar a arte: da vida. Porque é dela 

que falamos quando o tema é a morte.” 1 

Não obstante Junqueira seja um poeta abrasado, obcecado e torturado 

pela unidade 2 , de acordo com a certeira observação do poeta e crítico Marco 

Lucchesi, sua percepção da tensão morte/vida sofreu mudanças significativas 

com o passar dos anos. Assim, constatamos que a poesia de Ivan Junqueira 

1 Espinheira Filho, Ruy. “Animal efêmero”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São Paulo: A Girafa, 

2005, p. 293. 

2 Cf. Lucchesi, Marco. “A poesia é maior que a morte”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida, 

p. 313. 

130


divide-se em quatro fases 3 . Na primeira, a que chamamos “O poeta é maior 

que a morte”, a ideia de fenecimento, para o jovem Ivan, é algo que não o atinge 

diretamente, já que na sua poesia inicial, como seria de se esperar, a morte 

é sempre a alheia. Uma década mais tarde, sobrevém a fase “A morte é maior 

que o poeta”, na qual Junqueira adquire a consciência da efemeridade de sua 

própria vida, o que geraria o famoso tom de lamento, que, a partir dessa 

época, passaria a ser uma das marcas mais evidentes do seu ofício poético. Na 

terceira fase, iniciada com o advento de A sagração dos ossos, Ivan afirma que “A 

vida é maior que a morte”, uma vez que a arte é maior que a morte e, se arte 

é vida e é produzida pelo homem e destinada a eternizá-lo, então o homem, 

repleto de vida (ou de arte), suplanta a morte. Em sua quarta e atual fase, o 

poeta descobre, enfim, que morte e vida se equivalem, pois são apenas faces 

de uma mesma moeda. 

A seguir, analisaremos, detalhadamente, cada uma das fases acima citadas, 

as quais configuram, em conjunto, a tensão vida/morte, “nervo do conflito” 

da poesia junqueiriana. 

1. a fase: O poeta é maior que a morte 

“Os mortos”, primeiro poema do primeiro livro – homônimo, aliás – de 

Ivan Junqueira, é prova de que, na época, a morte, para o poeta, era sempre 

a alheia. Inspirado no poema “A mesa”, de Carlos Drummond de Andrade 

(autor que exerceu grande influência na poesia junqueiriana), o eu lírico, no 

texto de Ivan, dirige-se a determinados mortos (no caso de Drummond, 

todavia, o único destinatário é o pai do narrador). No poema do autor de 

Sentimento do mundo, o que deveria ser um sobrenatural banquete, torna-se um 

acontecimento afetivo e coloquial. Já no texto de Ivan Junqueira prevalece 

3 Recusamos, aqui, a ideia de faces para esta classificação, em oposição à análise empreendida pelo romancista 

e ensaísta Per Johns, no tocante à poesia junqueiriana (“Da magia de um pequeno unicórnio 

na treva a todos os rios do mundo”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida, p. 336), uma vez que acreditamos 

que a poesia de Ivan Junqueira possui, de fato, aspectos diferentes e sucessivos. 

131


um certo tom de mistério metafísico, que, logo de início, confere ares de 

gravidade ao poema: 

Os mortos sentam-se à mesa, 

mas sem tocar na comida; 

ora fartos, já não comem 

senão côdeas de infinito. 

Quedam-se esquivos, longínquos, 

como a escutar o estribilho 

do silêncio que desliza 

sobre a medula do frio. (p. 16) 4 

Um dado curioso, já revelado em entrevistas pelo poeta, é o de que “os 

mortos” em questão foram, sobretudo, pessoas com as quais Ivan ligou-se 

literária e espiritualmente, no início de sua trajetória: os escritores Aníbal 

Machado (à memória de quem o livro é dedicado), Hélcio Martins, Odylo 

Costa, filho, Otto Maria Carpeaux e Willy Levin. O poeta não os nomeia em 

seu texto, mas roga 

Que se revelem, definam 

os motivos de sua vinda. 

Ou então que me decifrem 

seu desígnio: pergaminho. (p. 17) 

De todo modo, como já dissemos, a morte, nessa primeira fase, é menor 

que o poeta, o qual parece não acreditar, de fato, no fim da existência humana 

do artista: 

4 O número entre parênteses ao lado das citações ou transcrições dos versos ou estrofes corresponde ao 

número da página, conf. Junqueira, Ivan. Poesia reunida. 

132

Quem serão estes assíduos 

mortos que não se extinguem? 

De onde vêm? Por que retinem 

sob o pó de meu olvido? (p. 17) 


Essa convicção se mantém ao longo de todo o livro, como no caso do 

poema “Sonho”. Nesse texto de alta carga metafórica, Ivan inaugura seu bestiário 

com a figura do pássaro, que na lírica junqueiriana representa a vida, a 

liberdade. Ou a poesia. Mas o pássaro do poema é feito de cinza, e logo sua 

carne agoniza e é dissolvida por um golpe de vento. O poeta, porém, não se 

conforma e resolve agir: 

Rápido, semeio tua lembrança na concha de uma onda, 

onde a contemplo sob as águas em colóquio 

e onde, liberto de fórmulas e palavras, 

fecundo a solidão com o pólen de meu júbilo. (p. 23) 

O último verso, isolado do restante do poema, ressalta a atitude do eu lírico 

perante o fenecimento do pássaro: ao fecundar a solidão com o pólen de 

sua alegria, o poeta busca recriar a vida que se perdeu. 

Em outros poemas de Os mortos (1964), a exemplo de “Crônica”, “Ritual” 

ou “Baladilha”, a morte, quando inevitável, é sempre a alheia – ora tragando 

uma criança inocente, ora a amada do poeta. Não obstante, no antológico 

poema que encerra a obra, intitulado “Signo & esfinge”, Ivan olha para si 

mesmo e, ao autoanalisar-se, compõe esta que é uma das mais belas estrofes 

da língua portuguesa: 

Toda esfinge exibe um signo 

visível de seu enigma, 

embora quem o pressinta 

jamais lhe decifre a escrita. (p. 55) 

133


para no final reafirmar sua vitória sobre a morte, e concluir: 

Frente à esfinge, a sós contigo, 

a tudo então renuncias. 

Agora, sim: tábula prima, 

abre-se o enigma. És infinito. (p. 57) 

No livro seguinte, Três meditações na corda lírica, escrito em 1968, mas publicado 

somente quase dez anos depois, em 1977, Junqueira, confessadamente 

influenciado pelo T.S. Eliot dos Four Quartets (traduzido por ele em 1967), a 

partir da própria epígrafe escolhida, pinçada de Burnt Norton, reflete sobre o 

fluir do tempo. Contudo, não deixa de lembrar que 

O que passou (...) 

mais vivo está que toda essa harmonia 

de claves e colcheias retorcidas (p. 60) 

onde o poeta, ainda “maior que a morte”, percorre o 

caminho que retorna ao limo, à fina 

limalha do que é findo e ainda respira 

para depois, o mesmo, erguer-se a ti, 

ao que serás, porque estás vivo aqui, 

agora e sempre, antes e após de tudo. (p. 61) 

E, se “Tudo se move e muda nesta esfera, / onde amor aglutina e ódio 

esfacela (p.61) / (...) a condição do ser é não ser término” (p. 64; o grifo é nosso), 

mensagem predominante da primeira fase da poesia de Ivan Junqueira. 

134


2. a fase: A morte é maior que o poeta 

Escritos entre 1969 e 1975, mas divulgados apenas no volume A rainha 

arcaica (1980), os oito poemas que formam o conjunto de textos intitulado 

Opus descontínuo, se por um lado nos dão a impressão, a partir do próprio título 

do bloco, de que carecem de “sistematização e de coerência interna” 5 , para 

o leitor mais atento, todavia, o que avulta é justamente o oposto: com efeito, 

há uma notável unidade que permeia praticamente todos os poemas da série. 

Logo, acreditamos que a descontinuidade em questão refere-se, em verdade, à 

mudança (consciente ou não) da weltanschauung do poeta, em comparação com 

a fase anterior de sua própria obra. 

Em Opus descontínuo, a epígrafe que antecede os poemas já demonstra isso. 

Retirada do livro bíblico de Ezequiel (VII, 25), sua mensagem é desoladora: 

“Vem a destruição; eles buscarão paz, mas não há nenhuma.” 

O poema que abre essa pequena série, “Carpe diem”, inspirado na famosa 

máxima latina, incita o leitor, portanto, a “aproveitar o momento”, já que 

toda a esperança 

ó ave implume 

cega e torta 

é sempre espera 

sem resposta 

E o tempo cruza lento a noite morta (p. 69) 

A ideia de finitude das coisas prossegue nos poemas “O cofre”, “Canção 

estatuária” e “Alta, a rainha”. Esses textos, notadamente o segundo, antecipam 

o admirável ciclo de 14 sonetos que constituirá A rainha arcaica, conforme veremos 

adiante. E atestam que o poeta já possui uma nova consciência: sabe que 

não é maior que a morte. Senão, vejamos. No primoroso soneto decassilábico 

5 Cf. Jardim, Paulo de Tarso. “Poesia passada e poesia presente”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida, 

p. 260. 

135


“Quase uma sonata”, o eu lírico dirige-se à amada: “É música o rigor com que 

te moves / à fluída superfície do mistério” (p. 71), como a prepará-la para a 

morte (“o mistério”): 

Espaço e tempo são teu solo. E colhem, 

não tanto a luz que entornas, mas o pólen 

com que ela cinge e arroja as coisas mortas 

além da espessa morte que as enrola. (p. 71) 

Em sua fantasia erótica, por fim o poeta imagina a amada nua, imersa no 

mar, símbolo da vida e da morte. Compara-a, então, ao próprio mar, mas, 

neste símile, a mulher, envolta em música, transcende o símbolo: 

É música o silêncio que te cobre 

quando lampeja à noite tua nudez, 

em franjas derramada sobre o leito 

das águas, onde as algas te incendeiam 

porque semelhas, mais que o mar profundo 

o intemporal princípio e fim de tudo. (p. 71) 

Embora não transcenda a morte, esse sentimento de perda, que agora domina 

o poeta, continua em “Epitáfio”: 

De tua história, nada; 

ou tudo, se quiseres: 

entre uma e outra data, 

a fábula de seres 

(...) 

o amor, vale dizer: 

sua forma álgida e rara, 

avessa à coisa amada 

– e, súbito, colher 

136

a morte, flor cediça, 

dentro da vida. (p. 75) 


e deságua num dos mais niilistas poemas da obra junqueiriana: 

À beira do claustro 

o monge se inclina 

e na pedra aprende 

o que a pedra ensina: 

que a vida é nada 

com a morte por cima, 

que o tempo apenas 

este fim lhe adia (p. 76) 

(“Lição”) 

O aparecimento do ciclo de sonetos A rainha arcaica, bem como a publicação 

de Cinco movimentos (1982), comprovam o nascimento de um novo poeta: disposto 

a defrontar-se com o “códice da língua” 6 , Ivan Junqueira faz seu périplo 

rumo à grandeza do idioma, isto é, resolve enfrentar o desafio de empreender 

uma ousada releitura da obra de Camões a partir do mito de Inês, a bela 

infanta “que despois de ser morta foy Rainha.” (p. 86) Nessa aventura mítica 

e metalinguística, o poeta tece uma intrincada rede intertextual, que abarca 

o clássico episódio do Canto III de Os Lusíadas; a prosa de Fernão Lopes e 

alguns versos de Garcia de Resende, Fernando Pessoa e Jorge de Lima. Não 

há espaço, aqui, para analisar a importância desses 14 sonetos e, de resto, se 

o fizéssemos, sairíamos do tema deste ensaio, mas é preciso dizer, ao menos, 

que boa parte desses textos estão entre os melhores da língua, a exemplo dos 

sonetos I, II, V, VII, IX, XIII e XIV. Com relação a Cinco movimentos, o Camões 

inspirador é o da Lírica. Cada movimento é representado por um soneto. 

No todo, o conjunto, imbuído de um invulgar lirismo amoroso de cunho 

6 Cf. Junqueira, Ivan. Poesia reunida, p. 86. 

137


levemente erótico – embora em Ivan o amor seja sempre sinônimo de perda e 

sofrimento, como já dissemos –, presta uma belíssima homenagem ao talento 

do maior poeta da língua portuguesa de todos os tempos. 

Para não sairmos de vez do assunto deste estudo, citaremos, abaixo, alguns 

versos dos referidos poemas que corroboram a tese da morte maior que o 

poeta: 

Foram dois, sim, que deles guardo a injúria, 

sepulta neste pélago do mundo, 

onde mais nada me apetece ou pulsa 

e em vão meus lábios rezam a pedras mudas. (p. 84) 

(soneto IX de A rainha arcaica) 

E te amo além porque te sei perdida, 

e mais te amara fosse eterna a vida. (p. 89) 

(soneto IV de Cinco movimentos) 

Segundo a simbologia cristã, o grifo é a imagem do demônio. No bestiário 

medieval, o grifo é uma ave fabulosa com bico e asas de águia, e corpo de leão. 

Ele é a força cruel. 

Na obra poética de Ivan Junqueira, esse animal fantástico representa a 

morte e, no plano estritamente literário, a ameaça de perecimento da poesia 

do autor. Assim, no poema que abre o volume O grifo (1987) eis que surge o 

próprio, esse monstro da delicadeza: 

Um grifo hediondo aos poucos se aproxima 

e pousa a sua garra sobre o livro; 

remexe nas imagens e nos signos, 

e apaga-lhes a música e o sentido. (p. 92) 

(...) 

E assim a besta odiosa as garras finca 

nas insondáveis páginas do livro, 

138

quebrando aqui as vértebras do ritmo, 

ali, o timbre oculto de uma rima. (p. 93) 

(“A garra do grifo”) 


Esse terrível poema dá o tom do restante da obra. Em O grifo, o poeta chega 

ao auge de seu pessimismo. Nada vivifica. Nada germina ou dá frutos. No 

poema “Áspera cantata”, por exemplo, destacam-se os antológicos versos: “É 

sobre ossos e remorsos / que trabalho.” (p. 94) 

A crítica, em geral, não tem compreendido o verdadeiro alcance dessas 

palavras. Em regra, tem usado esses versos para justificar um pretenso culto à 

morte, por parte do poeta. Enganam-se aqueles que pensam assim. Mais adiante, 

explicaremos melhor essa questão. 

Por ora, importa dizer que concordamos com Antonio Carlos Secchin, o qual 

lucidamente afirmou, a respeito da poesia junqueiriana, que “a preservação de 

uma inegável ‘pureza’ lexical em Ivan convive com a exploração dos meandros mais 

sombrios e inconfessáveis do ser humano, e o mergulho desse discurso requintado 

na matéria da miséria e da contingência gera uma zona de atrito responsável por 

alguns dos mais fecundos resultados de sua poesia” 7 . De fato, é com admiração e 

espanto que o leitor se dá conta de que, quanto mais o poeta mergulha na miséria 

da condição humana, mais aumenta a beleza de seus versos. 

Desse modo, tanto em O grifo, quanto no livro seguinte, A sagração dos ossos, 

o que vemos é um poeta absolutamente senhor de seus meios, no domínio 

pleno de sua expressão. Conquanto a poesia junqueiriana corteje o mistério e 

seus eflúvios, não há mistérios para Ivan, no que tange ao exercício dos vários 

tipos de poesia e ao manejo das formas fixas. Réquiens, baladas, madrigais, 

toadas, canções, elegias, sonetos, terzinas, dísticos, oitavas, tudo lhe serve, 

tudo é propício ao poeta que domina a arte do verso. Virtuosi ou master (na 

concepção poundiana), Ivan Junqueira não teme decassílabos, redondilhas 

(menores e maiores), tetrassílabos, hexassílabos, octossílabos e alexandrinos. 

Sua variedade rítmica e métrica, assim como o notável uso que faz da rima 

7 Secchin, Antonio Carlos. “O exato exaspero”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida, p. 277. 

139


toante (herança de João Cabral, por supuesto), o transformam num caso único 

no panorama da poesia brasileira contemporânea. 

Isso explica por que o leitor consegue apreciar, em O grifo, a dolorosa beleza 

de poemas como “Corpus meum”, “Meu pai”, “Penélope: cinco fragmentos”, 

“A morte”, “Eles se vão” ou “Morrer”, poema paradigmático da segunda fase 

da lírica junqueiriana: 

Pois morrer é apenas isto: 

cerrar os olhos vazios 

e esquecer o que foi visto; 

é não supor-se infinito, 

mas antes fáustico e ambíguo, 

jogral entre a história e o mito; 

(...) 

é nada deixar aqui: 

memória, pecúlio, estirpe, 

sequer um traço de si; 

é findar-se como um círio 

em cuja luz tudo expira 

sem êxtase nem martírio. (p. 99) 

3. a fase: A vida é maior que a morte 

Com a publicação de A sagração dos ossos (1994), aos 30 anos de carreira, 

Ivan obtém o reconhecimento quase unânime de seus pares e da crítica especializada. 

O livro arrebata dois relevantes prêmios nacionais: o Jabuti de 

Poesia e o Luísa Cláudio de Sousa, do Pen Club do Brasil. 

O êxito obtido pelo poeta é plenamente justificável. A sagração dos ossos sintetiza, 

admiravelmente, os principais temas e processos formais da poesia 

140


junqueiriana e inaugura uma nova fase, em que o pessimismo do poeta diante 

da interrupção da vida é relativizado pela descoberta de que a morte, afinal, 

não representa o fim de tudo. 

A obra se inicia com o poema “Onde estão?”, que retoma a clássica tópica 

medieval do “Ubi sunt?”. Nesse sentido, o texto é um desdobramento natural de 

“Eles se vão”, do livro anterior. No poema inaugural do volume, sob o efeito, 

ainda, da perda de parte de sua família – pai, mãe e irmãs –, Ivan indaga: 

Onde estão os que partiram 

desta vida, desvalidos? 

Onde estão, se não ouvimos 

deles sequer uma sílaba? 

Onde o pai, a mãe, a ríspida 

irmã que se contorcia 

sob a névoa dos soníferos 

e a gosma da nicotina? (p. 138) 

No texto seguinte, “O enterro dos mortos”, o poeta lamenta o fato de não 

haver podido assistir seus familiares no momento da fatal despedida: 

Não pude enterrar meus mortos: 

baixaram todos à cova 

em lentos esquifes sórdidos, 

sem alças de prata ou cobre. 

Nenhum bálsamo ou corola 

em seus esquálidos corpos: 

somente uma névoa inglória 

lhes vestia os duros ossos. (p. 140) 

Até aqui, desolação. De repente, tudo muda: Ivan, por intermédio da palavra, 

confere a dignidade tardia aos seus mortos: 

141


Quero esquecê-los. Não posso: 

andam sempre à minha roda, 

sussurram, gemem, imploram 

e erguem-se às bordas da aurora (p. 140) 

em busca de quem os chore 

ou de algo que lhes transforme 

o lodo com que se cobrem 

em ravina luminosa. (p. 141) 

Opera-se a transfiguração: ao rememorar seus familiares, o poeta transforma 

o lodo (esquecimento) que cobria os mortos em ravina luminosa (acolhida, 

reconhecimento), sendo que a ravina de que fala Junqueira é, em verdade, 

seu próprio texto poético. 

O poeta começa a driblar a morte. É uma mudança de perspectiva, que se 

completa quando Ivan resolve refletir sobre a arte. Segundo Christina Ramalho, 

autora do estudo, até o momento, mais abrangente sobre a poética 

junqueiriana, 

“A sabedoria (...) residirá na aceitação tácita do ciclo da vida, no qual o 

valor da matéria se extingue e somente o poder da memória poética pode se 

fazer oração, ladainha, canto de sagração e perpetuação lírica dos mortos. 

(...) Como sagrar os ossos é sagrar a própria vida neles contida por meio do 

recurso lírico e da memória residual faz-se mister a revisão metalinguística 

da própria poesia e da missão do poeta.” 8 

Essa revisão tem início a partir de “Poética”, texto em que Ivan Junqueira 

repensa a arte: 

8 Ramalho, Christina. Fênix e harpia: faces míticas da poesia e da poética de Ivan Junqueira. Rio de Janeiro: Academia 

Brasileira de Letras, 2005, pp. 71-72. 

142

A arte é pura matemática 

como de Bach uma tocata 

ou de Cézanne a pincelada 

exasperada, mas exata. (p. 145) 


Após uma primeira tentativa de definição, o poeta, que pretende que a arte 

seja concebida com o que chama de ostinato rigore, ou seja, “a curva austera das 

arcadas / ou o rigor de uma pilastra” (p. 145), prossegue: 

enfim, nada que lembre as dádivas 

da natureza, mas a pátina 

em que, domada, a vida alastra 

a luz e a cor da eternidade. (p. 145) 

Observe-se que, para Junqueira, importa construir uma arte banhada de 

vida, com “a luz e a cor da eternidade”. Essa ideia é ratificada na estrofe final 

do poema: 

Despencam, secas, as grinaldas 

que o tempo pendurou na escarpa. 

Mas dura e esplende a catedral 

que se ergue muito além das árvores. (p. 145) 

As grinaldas, com o passar do tempo, secam e morrem. Mas a catedral, metáfora 

da arte e do homem, dura, esplende e se ergue “muito além das árvores”. 

Essa permanência do homem, por meio da arte que ele produz ou consome 

– arte esta que se destina a eternizá-lo –, é retomada no melhor poema 

da obra, “Terzinas para Dante Milano”. Numa comovida e comovente homenagem 

ao amigo morto, Ivan agradece a Milano pelo que este lhe deu: um 

“íntimo segredo / que me fez teu herdeiro e teu irmão.” (p. 155) Mas qual 

seria esse segredo? A resposta está contida na mais bela estrofe da ode: 

143


E foi lá, entre esfíngico e campestre, 

que me ensinaste a ver como o homem pode 

tornar-se eterno sendo o que é, terrestre. (p. 154) 

Por outro lado, a eternidade em vida passa, é claro, pela continuação da espécie. 

Em “Octavus”, o poeta celebra o filho pequeno, cheio de vida e alegria. 

E conclui: “Dos que já fiz, é o quarto, / mas só o chamam de oitavo.” (p. 165) 

Como se sabe, o símbolo matemático do infinito é o número oito deitado. 

“A sagração dos ossos”, poema que encerra o livro, resume exemplarmente 

a terceira fase da poesia junqueiriana: o poeta sagra os ossos para louvar a 

vida. Pois bem. Prometemos explicar o verdadeiro significado dos versos “É 

sobre ossos e remorsos / que trabalho.” (p. 94) O osso é o símbolo da firmeza, 

da permanência. É o que fica, o que resta, é o caroço da imortalidade. Como a parte 

menos perecível do corpo é formada pelos ossos, estes exprimem, de fato, a 

materialização da vida. Portanto, ao sagrar os ossos, o poeta louva a vida. 

4. a fase: A morte equivale à vida 

Treze anos após a publicação de A sagração dos ossos, Ivan Junqueira lança O 

outro lado 9 , volume composto de 35 poemas escritos no período de 1998 a 

2006. Se em textos como “Prólogo”, “Estruge a voz do vento” e “A árvore” 

permanece a visão niilista do poeta, em contrapartida poemas como “Não 

vês, meu pai?”, e sobretudo o inesquecível “O rio”, metáfora do tempo e 

da vida, demonstram cabalmente que a morte não pode e não deve ser vista 

como o “ponto final” da existência humana. Afinal, a exemplo de Leonardo 

da Vinci, Ivan sabe que “o homem é a medida de todas as coisas”, e que, de 

acordo com a letra de “God”, a simbólica canção de John Lennon, “Deus é um 

conceito através do qual medimos a nossa dor”. 

De fato, parece ser essa uma das funções do Deus “déspota, deposto”, 

“ambíguo e pretérito”, na poesia junqueiriana. Em O outro lado, o nome de 

9 Junqueira, Ivan. O outro lado. Rio de Janeiro: Record, 2007. 

144


Deus é citado não menos do que sete vezes, quantitativo bastante expressivo, 

se considerarmos que, até o presente volume, Deus aparecera apenas outras 

sete vezes, ao longo da obra do poeta. 

Todavia, essa nova e acentuada “presença divina” não permite concluir que 

estejamos diante de um poeta religioso ou de alguém que tenha sido objeto 

de uma recente conversão. O Deus de Ivan Junqueira, por vezes próximo ao 

“deus canhoto” drummondiano, não é uma presença religiosa, nem representa 

as qualidades do homem idealizadas. Ao contrário, é a medida da dor 

humana. Ivan não deseja, jamais desejou, “restaurar a poesia em Cristo”. Para 

ele, Deus é o imponderável, o mistério, aquilo que o homem não consegue 

controlar e chama de “fatalidade” ou “destino”. 

Nesse sentido, a epígrafe que abre o livro é sintomática. Ivan Junqueira 

retirou-a da obra de Fernando Pessoa: “Há um poeta em mim que Deus me 

disse”. Esse verso retrata, com precisão, o patamar alcançado pelo autor. Até a 

publicação de A sagração dos ossos, Junqueira era mais conhecido – e reconhecido 

– como crítico literário, ensaísta e tradutor. A sagração arrebatou os mais significativos 

prêmios literários do país e alçou Ivan à condição de um dos maiores 

poetas brasileiros vivos. A partir desse feito, ele foi, aos poucos, abandonando 

os demais afazeres, para poder dedicar-se, quase que com exclusividade, à 

sua própria poesia. Daí o trecho inicial de “Prólogo”, esse admirável poema- 

-abertura de O outro lado: “Eu sou apenas um poeta / a quem Deus deu voz e 

verso.” (p. 11) 10 

Não obstante, Junqueira, ainda que lentamente, começa a despedir-se das 

coisas, dos amores, da vida. Primeiro, refletindo sobre seu ofício: 

A mão que escreve é aquela 

que compôs alguns versos, 

odes, canções de gesta 

e elegias sem metro, 

10 O número entre parênteses ao lado das citações ou transcrições dos versos ou estrofes corresponde 

ao número da página, conf. Junqueira, Ivan. O outro lado. 

145


às quais ninguém deu crédito 

nem ouvidos. Aquela 

que ergueu um brinde aos féretros 

de uma insepulta Grécia. (p. 20) 

(“A mão que escreve”) 

Em “São duas ou três coisas”, primoroso soneto composto com a paixão 

e o rigor formal que lhe são peculiares, Ivan produz um texto ambíguo, onde 

não fica claro se está falando de um amor platônico, fantasioso, irrealizado, 

ou ainda uma vez mais, da finitude de sua obra poética: 

São duas ou três coisas que eu sei dela, 

e nada mais além de seu perfume. 

Sei que nas noites ermas ela assume 

esse ar de quem flutua na janela, 

(...) 

Sei que ela vive no halo de uma vela 

e queima, sem consolo, em minha cela. (p. 23) 

O poeta das despedidas precoces, aquele que “finge partir para permanecer 

mais” 11 – de acordo com a arguta observação de Eduardo Portella –, prossegue, 

agora, em “Vai tudo em mim”: 

Vai tudo em mim, enfim, se despedindo 

neste pomar sem ramos ou maçãs, 

sem sol, sem hera ou relva, sem manhãs 

que me recordem o que foi e é findo. (p. 31) 

Ainda sob o mesmo tom elegíaco, destacam-se peças como “Indagações”, 

“Eis que envelheces”, “Carta régia”, “A tênue luz” e, principalmente, os irretocáveis 

“Testamento” e “O testemunho”, poemas que, ao lado do antológico 

e caudaloso “O rio”, estão entre os melhores do livro. 

11 Cf. Portella, Eduardo. “O legado do poeta”. In: Junqueira, Ivan. O outro lado (orelhas). 

146


Quanto ao aspecto formal da obra, avultam as elegias e os sonetos, com 

destaque, ainda, para o notável uso da terça rima dantesca, recurso que Ivan 

soube, como poucos na língua, tornar seu. O mesmo se pode dizer com relação 

à presença da aliteração no verso junqueiriano, conferindo-lhe rara musicalidade, 

a exemplo de: “os ratos roem os restos” (p. 17); “traçam a trêmula 

trama” (p. 33) ou “a fria fauna do que é findo aflora” (p. 15). 

A par do comprovado domínio das formas poéticas tradicionais, Junqueira 

realizou, desta vez, um saudável retorno ao início de sua carreira, investindo 

novamente em poemas de fatura mais prosaica, onde o verso é branco e sem 

metro, como nos casos de “A árvore”, “Una voce poco fà” ou “Baía Formosa”, 

o qual surpreende por apresentar duas belas estrofes que funcionam como 

haicais independentes do resto do poema: 

o pássaro na relva 

dia (grama) 

entre o solene e o banal 

(...) 

arbustos retorcidos 

o gemido esguio das casuarinas 

fazia frio na baía (p.67) 

Poeta de temas e dicção classicizantes, era de se esperar que, como exímio 

cultor dos princípios da chamada ars antiqua, Ivan se debruçasse sobre a tópica 

existencial do “Para aonde vamos?”, indagação fundamental do poema “O 

outro lado”, que intitula o livro: 

Diz-me: o que haverá do outro lado, 

quando do corpo a tua alma 

se desgarrar e, arrebatada, 

romper o mármore das lápides 

147


e a pompa vã dos epitáfios, 

que não são mais do que palavras 

ou frases fátuas sob as pálpebras 

da úmida noite em que jazes? (p. 91) 

(...) 

A eternidade? Deus? O Hades? 

Uma luz cega e intolerável? 

A salvação? Ou não há nada? (p. 93), 

– conclui o poeta, eivado de dúvidas, num tom pessimista semelhante ao do 

Raimundo Correia de “Fetichismo”. 

Mas Ivan Junqueira sabe que não há partida possível para quem apostou tudo 

“no infinito e na beleza” (p. 43). O poeta que acreditava que a vida era maior que 

a morte descobre, enfim, que morte e vida são apenas faces de uma mesma moeda, 

já que somos “o princípio / e o fim, na mesma medida” (p. 53); “a um só tempo 

o êxtase e a agonia” (p. 79); temos “a nossa vida, sempre diante / da morte” (p. 

85), ou estamos “na extrema fronteira entre a vida e a morte.” (p. 43) 

Essa dicotomia morte/vida se apresenta de forma indissociável nos versos 

de “O mesmo: o terceiro”: 

Mas afinal somos um mesmo, 

tal como o fogo e a labareda 

ou um do outro o igual modelo, 

rebentos de uma única cepa (p. 101) 

e refulge, soberana, nas estrofes finais do referido “Não vês, meu pai?”: 

Não vês que, morto, estou vivendo 

em meio às névoas do teu sonho, 

onde sem dor me recomponho 

e com teu sangue afim me entendo? 

148

Não vês, meu pai, que a vida é sonho 

e que só nele foi se erguendo 

da morte quem a teve, ardendo, 

e enfim triunfou sobre o medonho? (p. 29) 


Assim, a lírica junqueiriana, como um todo, pode ser lida também como 

uma elegia única – a elegia de uma despedida sem partida, formada por um 

sublime e coeso conjunto de textos, incorporados que estão ao cânone da 

poesia brasileira. 

Referências 

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Girafa, 2005, pp. 261-262. 

Amâncio, Moacir. “Versos clássicos, emoção nova”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. 

São Paulo: A Girafa, 2005, pp. 285-286. 

Andrade, Carlos Drummond de. Reunião: 10 livros de poesia. Rio de Janeiro: José 

Olympio, 1976, 7. a edição. 

Barbosa Filho, Hildeberto. “A sagração dos ossos”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. 


Bernardini, Aurora F. “Inês de Castro além da redoma do mito”. In: Junqueira, 

Ivan. Poesia reunida. São Paulo: A Girafa, 2005, pp. 252-253. 

Brandão, Junito. Dicionário mítico-etimológico da mitologia grega. 2 v. Petrópolis: Vozes, 

1991. 

Brunel, Pierre (org.). Dicionário de mitos literários. Rio de Janeiro: José Olympio, 1998, 

2.ª edição. 

Chevalier, Jean; Gheerbrant, Alain. Dicionário de símbolos. Rio de Janeiro: José Olympio, 

1999, 13. a edição. 

Eliot, T.S. Poesia. Tradução, introdução e notas de Ivan Junqueira. São Paulo: Arx, 

2004. 

Espinheira Filho, Ruy. “Animal efêmero”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São 

Paulo: A Girafa, 2005, pp. 293-294. 

_____. “Forma e essência”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São Paulo: A Girafa, 

2005, pp. 339-340. 

149


Jardim, Paulo de Tarso. “Poesia passada e poesia presente”. In: Junqueira, Ivan. Poesia 

reunida. São Paulo: A Girafa, 2005, pp. 259-260. 

Johns, Per. “Dédalo de arcaicas escrituras”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São 


_____. “Da magia de um pequeno unicórnio na treva a todos os rios do mundo”. In: 

Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São Paulo: A Girafa, 2005, pp. 336-338. 

Junqueira, Ivan. Os mortos. Rio de Janeiro: Atelier de Arte, 1964. 

_____. Poemas reunidos. Rio de Janeiro: Record, 1999. 

_____. Melhores poemas. Seleção e introdução de Ricardo Thomé. São Paulo: Global, 

2003. 

_____. Poesia reunida. São Paulo: A Girafa, 2005. 

_____. O outro lado. Rio de Janeiro: Record, 2007. 

Lemos, Tite de. “Os mortos”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São Paulo: A Girafa, 

2005, pp. 225-227. 

_____. “Ode à poesia”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São Paulo: A Girafa, 

2005, pp. 247-249. 

Lima, Ricardo Vieira. “Revelações do poeta da morte” (entrevista). In: Tribuna Bis, 

Tribuna da Imprensa, Rio de Janeiro, 13.12.1994. 

_____. “Versos para exorcizar a morte” (entrevista). In: Cultural, A Tarde, Salvador, 

10.07.1999. 

_____. “Despedida sem partida” (resenha). In: Prosa & Verso, O Globo, Rio de Janeiro, 

22.12.2007. 

Lucchesi, Marco. “A poesia é maior que a morte”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. 


Portella, Eduardo. “O legado do poeta”. In: Junqueira, Ivan. O outro lado (orelhas). 

Py, Fernando. “Os mortos: boa estreia”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São Paulo: 

A Girafa, 2005, pp. 228-229. 

_____. “A sagração dos ossos”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São Paulo: A Girafa, 

2005, pp. 297-299. 

Ramalho, Christina. Fênix e harpia: faces míticas da poesia e da poética de Ivan Junqueira. Rio 

de Janeiro: Academia Brasileira de Letras, 2005. 

Secchin, Antonio Carlos. “O exato exaspero”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São 


150


Seffrin, André. “Exatidão transbordante”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São 


Teles, Gilberto Mendonça. “As duas vozes do poeta”. In: Junqueira, Ivan. Poesia 

reunida. São Paulo: A Girafa, 2005, pp. 233-246. 

Thomé, Ricardo. “Ivan Junqueira: a poesia do palimpsesto” (introdução). In: Junqueira, 

Ivan. Melhores poemas. Seleção e introdução de Ricardo Thomé. São Paulo: 

Global, 2003. 

Veiga, Elisabeth. “O grifo: agônico e iluminado”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. 


_____. “Ruptura na tradição”. In: Junqueira, Ivan. Poesia reunida. São Paulo: A Girafa, 

2005, pp. 295-296. 

151

Jorge Amado

Releituras 


Marcos Santarrita 

Toda geração, dizia Thomas Mann, deve retraduzir os clássicos. 

Explica-se a recomendação não apenas pela necessidade 

de atualização da linguagem – que não ocorre no original, e portanto 

é dispensável – mas porque cada uma, com problemas e visões do 

mundo próprias, leria uma nova obra. Se isso se aplica às gerações, 

em geral calculadas como a intervalos de mais ou menos cinco anos, 

muito mais ainda se aplicaria aos indivíduos, que no curso da vida 

passam por várias gerações pessoais. Como afirmava o filósofo grego, 

o rio não passa duas vezes no mesmo lugar. 

Já se disse, e é verdade, que há um livro, ou tipo de livro, para 

cada idade. Aquele que se leu aos vinte anos não é o mesmo que se 

lerá aos trinta, quarenta, cinquenta. Algumas vezes até a própria trama 

muda, vemos episódios que não vimos, personagens que não notamos, 

porque não nos identificávamos com o que representavam; e 

outros, se não ficaram na memória, passam despercebidos. No meu 

caso particular, até se criam cenas inexistentes, não secundárias, mas 

daquelas que passam a representar, em nosso imaginário, a obra 

toda – e às vezes até a condená-la sem apelação. 

153 

Jornalista, 

escreveu 14 

obras de ficção 

e mais de 100 

traduções, entre 

elas alguns dos 

maiores clássicos 

da literatura 

mundial, como 

Stendhal, 

Joseph Conrad, 

Pirandello, 

Alexandre 

Dumas, 

Charlotte Brönte, 

John dos Passos 

e Thomas 

Pynchon. Duas 

vezes premiado 

pela Academia 


Letras, pelo 

melhor romance 

de 2001, Mares 

do sul, e tradutor 

(conjunto de 

obra) em 2003.


Aos dezenove ou vinte anos descobri, entre estarrecido e desnecessariamente 

envergonhado, o tamanho da minha ignorância literária. Até então, 

toda a minha vasta cultura literária se resumia às obras de William Somerset 

Maugham e Jorge Amado, e uma ou outra obra juvenil esporádica. O primeiro 

livro que me mostrou como se podia criar beleza com simples palavras do dia 

a dia, A Ilha de Coral, de Robert Ballantyne, me apareceu de repente durante 

toda a infância e adolescência – no quarto de um amigo não dado a leituras, 

numa casa grande de fazenda de cacau no fundo de uma floresta tropical, no 

baú de um colega de internato no sertão da Bahia. Mesmo depois da morna 

decisão de tornar-me escritor, ao ler Gabriela Cravo e Canela, de Jorge Amado 

– segunda e maior epifania literária – eu não era, de jeito nenhum, o que se 

poderia chamar de um rapaz lido. As pessoas do ramo que sabiam dessa veleidade 

me diziam: 

– Quer ser escritor? Então precisa conhecer a obra de Machado, Alencar, 

Cervantes, Shakespeare, os gregos... 

E por aí seguiam, deixando-me tonto não apenas com tantos nomes dos 

quais jamais ouvira falar, mas imaginando (vendo) as montanhas de livros à 

minha frente. Passado o período inevitável em que dizia a eles e a mim mesmo: 

mas eu vou escrever a partir do que tenho na cabeça; não preciso saber 

o que eles escreveram – desculpa esfarrapada para evitar o ordálio – resolvi 

enfrentar o desafio, e até hoje não parei de ler. Fui singularmente favorecido 

nisso pelo fato de estar fazendo o CPOR em Salvador. Com exceção dos períodos 

de férias, em que tínhamos de passar o dia no Forte de São Joaquim, 

na Cidade Baixa, todo o resto do ano ficávamos em casa, pois já acabáramos 

o secundário; só nos sábados nos apresentávamos, e mesmo assim de meio- 

-dia às seis da tarde. Resultado: eu passava o dia e varava a noite deitado numa 

cama patente em meu quarto de pensão, com um abajur por trás da cabeça, 

lendo, lendo, lendo. 

Primeiro foram as literaturas brasileira e portuguesa, cujas obras, esgotadas, 

eu comprava por uma ninharia no sebo do Loureiro, numa transversal da ladeira 

que descia da praça do Palácio para a Cidade Baixa. Esse mesmo livreiro, 

um benemérito da cultura baiana que forneceu obras-primas a preços mínimos 

154

Releituras 

a gerações de escritores baianos, me proporcionou um inesperado aprendizado 

de inglês: vendeu-me por dezesseis cruzeiros um dicionário que nas livrarias 

custava cento e sessenta – o mesmo dicionário que, após várias encadernações 

e reencadernações, se mantém fiel a meu lado em toda uma vida de tradutor. 

Também no Loureiro comprei meus primeiros pocket books, em geral romances 

policiais menores em cuja leitura eu nada perderia se não entendesse alguma 

coisa. Daí para O emblema rubro da coragem, de Stephen Crane, e Contraponto, 

de Aldous Huxley, foi um passo, no segundo socorrido por uma excelente 

tradução de Érico Veríssimo. Como eu trabalhava na Biblioteca Pública, na 

mesma praça do Palácio, tinha acesso a uma parte do prédio onde se amontoavam 

livros americanos, de bolso e de capa dura, mandados pelo governo 

daquele país, ao que parece, a todas as bibliotecas do mundo – sempre os 

últimos lançamentos ou reedições de obras clássicas. E aquilo tudo era só 

para mim, vejam vocês. Foi uma festa. Li antes de todo mundo Os comediantes, 

de Graham Greene, A última batalha, de Cornelius Ryan, um livro desconhecido 

intitulado Tome a primavera nas mãos, de uma americana também desconhecida, e 

muitos, muitos outros. Hoje creio poder dizer que já li mais em inglês do que 

em qualquer outra língua que conheço, incluindo a minha. 

Mas, claro, essa desembestada carreira aos livros não foi metódica, do mais 

simples para o mais complexo, e sim ao contrário. Assim, logo de cara fui pegando 

escritores complexos como Proust, Mann, Faulkner, Guimarães Rosa, e 

o que então se anunciavam como best-sellers, sinônimo de coisa simples, simplória 

até: Dr. Jivago, de Boris Pasternak, Lolita, de Vladimir Nabokov, Um dia na vida de 

Ivan Denisovitch, de Alieksandr Soljenitsin, entre outros. O primeiro é um dos 

livros mais mal escritos que já vi, não na linguagem, mas na trama: excesso de 

personagens, e sobretudo de coincidências, que irritava mesmo um plumitivo 

como eu. O segundo, apresentado pela publicidade internacional como um romance 

semipornô, me irritou pelo exato lado oposto: belissimamente escrito, 

belissimamente concebido e narrado, eu não estava à altura de entendê-lo, queria 

apenas a inexistente libidinagem, e acabei por deixá-lo de lado. 

Guimarães Rosa, o dodói da época, indicado pelo crítico paulista Leo Gilson 

Ribeiro, em visita à Bahia, tampouco teve melhor sorte: depois de cinco páginas 

155


sem entender patavina – ainda acho que o Grande sertão ficaria bem melhor traduzido 

para o português – mandei-o juntar-se aos dois primeiros. O mesmo 

destino teve O som e a fúria, de Faulkner, escrito a partir do verso de Shakespeare 

segundo o qual o mundo é uma história cheia de barulho e fúria, contada por 

um idiota, exatamente como a narrada no livro: Benjy, nome ao mesmo tempo 

de um tio idiota e uma sobrinha pequena, narra o que lhe passa pela cabeça, 

misturando tempos, pessoas, diálogos. A única frase legível é a final sobre a 

negra Dilsey: ela aguentava. Graciliano Ramos, que me parecia – e ainda parece 

– seco e pobre demais na imaginação, foi fácil. Na verdade, embora dissesse 

detestar Machado de Assis, ele era um fiel discípulo, quase imitador, do bruxo 

do Cosme Velho. Também a Machado, com toda a fina ironia e olho psicológico 

para dissecar personagens complexas, faltavam os grandes voos de imaginação 

e drama, de forma que os romances não passavam de contos esticados – e os 

contos, bem, os contos são outra história, consumadas obras-primas, romances, 

estes, sim, condensados. O mesmo se pode dizer, a propósito, de Clarice Lispector, 

autora revolucionária na forma e no conteúdo – o contrário dos dois. 

Aprovado em Graciliano e reprovado em Faulkner, enfrentei A montanha mágica, 

de Thomas Mann, o que foi um erro; devia começar pelos Os Budenbrook, 

que sempre me agradou. A essa altura, depois de ler autores europeus aparentemente 

mais fáceis – Jean-Paul Sartre e Alberto Morávia, por exemplo – eu 

desenvolvera a tese, que ainda mantenho, de que eles não escreviam romances, 

e sim ensaios: criavam três, quatro ou mais personagens, cada uma representando 

uma corrente filosófica, política, religiosa, e as punham para discutir; 

nos breves intervalos, as tênues tramas. 

O melhor exemplo disso é Tolstoi em Guerra em paz; na verdade, trata-se de 

dois livros intercalados: a história das famílias Bejukov, Rostov e Bolkonski 

(a grafia varia segundo a transliteração, em geral feita para o inglês), envolvidas 

na guerra, e um longo ensaio, sem qualquer ficção – o debate sobre se 

é o homem (no caso, Napoleão) quem faz a história, ou a história que faz o 

homem. Tolstoi, aliás, era uma exceção na rica literatura russa. Se houve autor 

que escreveu ficção pura, e sublime, apesar da linguagem pobre, foi Dostoiévski, 

para mim o maior dos romancistas – romancistas, não escritores ou 

156

Releituras 

redatores – de todos os tempos. Sem falar em toda uma época, que viu Gogol, 

Liermontov, Turguêniev, Checov, Górki, Andreiev, Goncharov, e que nem a 

censura soviética matou, como Ehrenburg e Cholocov. 

Reconheço que essas distinções são um pouco sutis demais, e só posso 

tentar explicá-las com exemplos. O escritor é o, digamos, redator, o amanuense 

que apenas põe no papel as palavras ditadas pelo romancista, segundo as 

regras da sintaxe e da gramática, não muito importantes no caso. O narrador 

é o que estrutura a história, arma as situações, desenha as personagens. E o 

romancista, bem, o romancista é o que concebe a coisa toda. 

Assim, Balzac foi um grande romancista, mas um péssimo escritor e pior 

redator e narrador, a não ser nos dois últimos romances, A prima Bete e O primo 

Pons, para os quais se inspirou nas cenas teatrais e estáticas dos folhetinistas 

franceses, que estão na origem do romance contemporâneo. Dostoiévski, talvez 

devido à pressa com que escrevia (como Balzac), foi um péssimo redator, 

um narrador sofrível, a não ser em Crime e castigo e no primeiro romance epistolar, 

Pobre gente, que publicou aos vinte e quatro anos, e, como eu já disse, o 

maior dos romancistas. O equilíbrio perfeito, quem o alcançou foi o russo 

naturalizado inglês Joseph Conrad (nascido numa província da Polônia então 

sob domínio russo, e por isso também considerado polonês); porém com essa 

perfeição mesma pecou, por assim dizer; faltava-lhe exatamente o toque de 

imperfeição que caracteriza as produções humanas – que as torna humanas. E 

não chegou à esterilidade do perfeito O velho e mar. 

Voltando a Mann, ele não me pareceu diferente da minha definição dos 

europeus, mas pelo menos consegui chegar ao fim da Montanha, em suaves 

prestações de leitura: lia cem, cento e cinquenta páginas, largava, pegava outros 

livros, voltava, e assim por diante, durante meses. Ufa! 

Mas aí aconteceu outra coisa: fiquei com uma imagem absolutamente negativa 

do romance – e do autor. Sempre que alguém pedia minha opinião 

sobre a Montanha mágica, eu respondia: 

– Olhe, um escritor que escreve vinte páginas de botânica, da estrutura das 

folhas contra o sol, sem qualquer relação direta com o livro, só para explicar a 

transparência da aba do nariz da heroína Cláudia Chauchat, não é escritor. 

157


Era, mas eu não sabia então, ao usar o mesmo argumento de André Gide 

quando, após o imenso sucesso de Proust, lhe perguntavam por que, como 

editor, recusara o primeiro volume de Em busca do tempo perdido: “Um escritor 

que leva vinte páginas para descrever como uma mulher se vira de um lado 

para outro na cama não é escritor.” E no caso de Proust havia ainda outra 

explicação: na juventude, quando era cronista social, publicara um romance 

bem fraco e o haviam confundido, pela semelhança dos sobrenomes, com o 

Abade Prévost, autor de Manon Lescaut, história romântica da qual, apesar da 

grande popularidade, ninguém gostava. Ou seja, para Gide ele já vinha com 

fama de escritor medíocre. 

Uns quinze anos depois, já redator do Jornal do Brasil, no Rio, Mário Pontes, 

editor do caderno Livros – hoje Ideias – me pediu para escrever uma resenha 

sobre a Montanha mágica, que acabava de ser relançado, traduzida por Herbert 

Caro, mas sem a tradução em pé de página da cena mais bela do romance, 

páginas e páginas em francês descrevendo a declaração de amor de Hans Castorp 

a Cláudia Chauchat, que vinha na edição da Globo de Porto Alegre. 

Mário tinha pressa e me disse que, como eu já lera o livro, só precisava fazer 

uma leitura por cima, para avivar a memória. 

Foi o que fiz, ou pensei fazer. Logo de saída, apesar de estar tudo lá, me pareceu 

outra obra, nada a ver com aquele colóquio intelectual pedante a que eu 

a reduzira – embora isso também esteja presente, mas sem intrusão, redondo, 

como se diz hoje. Li umas vinte páginas e escrevi a resenha – e continuei a ler, 

cada vez mais fascinado, não apenas com a narrativa, e sim comigo mesmo, 

com a minha falta de perspectiva na época da primeira leitura. Restava apenas 

conferir uma coisa: as vinte páginas de botânica do nariz de Cláudia Chauchat. 

Não apareciam. Não seriam tantas assim, apenas poucas, ou só uma 

ligeira referência? O diabo da cena não apareceu, primeiro onde eu a julgava 

ter lido, depois na obra inteira. 

Imaginem a minha perplexidade. Ao me encontrar com o editor, Pedro 

Paulo Sena Madureira, num lançamento, perguntei-lhe se a tinham cortado e 

ele me garantiu que não, e como lera a edição da Globo e a sua, esta fazia pouco 

tempo, cotejando as duas, ficou mais intrigado ainda. A cena simplesmente 

158

Releituras 

não existia, nunca existira. É, ao que parece eu delirara, ou, como se diz hoje, 

viajara na maionese: minha imaginação, out of nowhere, criara a cena inteirinha. 

Quanto ao corte da tradução em pé de página, sem a qual eu não poderia ter 

lido o romance na primeira vez, pois não falava língua alguma senão – mal – a 

minha, ele explicou que fora uma exigência da viúva de Mann. Segundo ela, 

quando o livro fora lançado na Alemanha, os alemães sabiam tanto francês 

quanto os brasileiros da época e de então. 

Foi então que eu, pouco afeito a releituras, comecei tudo de novo. Os únicos 

livros que relia com regularidade eram Os sertões, de Euclides da Cunha, 

Mar Morto, de Jorge Amado, e Um drama na Malásia, título brasileiro de The narrow 

corner, de Somerset Maugham, que nas vezes seguintes li no original. Para 

mim, Maugham era um mistério sedutor. Eu o considerava, e ainda considero, 

o melhor narrador na história da literatura mundial, e nisso sou apoiado 

por ninguém menos que Gabriel García Márquez. Durante uma conversa que 

tivemos no restaurante Barril, no Arpoador, o escritor inglês Graham Swift 

me disse ter lido numa entrevista de García Márquez que Maugham fora seu 

grande mestre. E no entanto todos o tinham, e ainda têm, como um escritor 

menor. Para mim, não batia. 

Aos poucos, porém, nessa releitura, fui entendendo. Por trás de um cinismo 

e de um humor que extraíam graça de detalhes sutis da sociedade inglesa 

da época, Maugham era na verdade revolucionário nos costumes, digamos 

assim, e no fundo um reacionário político, na forma e no conteúdo. 

Depois, ao ler Bertrand Russell, vi que ele classificava toda a sociedade, 

em todas as épocas, segundo essa contradição dialética. As classes altas, a elite, 

sempre foram revolucionárias nos costumes e reacionárias na política; e a 

classe baixa, ao contrário, reacionaríssima nos costumes e revolucionaríssima 

na política. Basta pensar nos mores sexuais que predominaram até meados do 

século XX no mundo ocidental, revelados logo nos anos 1920 pelos estudos 

pioneiros de Kinsey. 

Nos tempos modernos (que, ao contrário do que muitos pensam, não 

começaram agora ou no passado recente, mas na era dos descobrimentos), 

por exemplo, prevaleceu sempre o tabu da virgindade; no Brasil, isso levava 

159


– ainda na época de minha juventude – os pais mais amantes a mandarem as 

filhas “perdidas”, desonradas, povoarem os bordéis, para grande gáudio dos 

maganões, às vezes aqueles mesmos que as haviam deflorado. O adultério, por 

sua vez, crime previsto em lei e não aceito (pelos maridos e pela sociedade), 

grassava como incêndio na caatinga. Já as práticas na cama das casadas (damas 

no salão e prostitutas no leito, nupcial ou não) fariam rebentar de rubor o coitado 

do hindu Vatsyayana. Não era preciso porém o famoso Relatório Kinsey. 

No auge da Inglaterra vitoriana, revistas literárias pornográficas bem escritas, 

como The pearl, publicavam clandestinamente, nos termos e ilustrações mais 

explícitos possíveis, as sacanagens dos britânicos – da classe alta, claro; os 

pobres, embora mais liberais que nós então, só faltavam manter as mulheres 

aprisionadas em cintos de castidade, e muitos pais também mandavam as 

filhas para os bordéis. 

O brochante nessa literatura erótica dos ingleses era o estranho prazer que 

eles sentiam e sentem em ser açoitados nas nádegas – só a dor os faz ter orgasmos. 

Depois de um ou dois capítulos de libidinagens “normais”, digamos 

assim, e altamente prurientes, lá vinham os açoites, as dominadoras, os velhos 

marmanjos fingindo-se de criancinhas travessas e pedindo de joelhos perdão 

às “mamães”, metidas em sumárias roupas de pelica preta e equipadas com 

chibatas, torqueses, sutiãs e pulseiras eriçadas de pregos afiados – já se imagina 

o quadro, mais atual que nunca; é só procurar na Internet. 

Somerset Maugham não chegava a tanto, embora, homossexual, fosse também 

nesse aspecto um revolucionário, sobretudo numa Inglaterra onde isso 

era crime sério, constava do Código Penal. Só não era besta de sair saracoteando 

cheio de ademanes pelos salões, navios e ilhas que frequentava. Tampouco 

se identificaram em seus livros, como na Albertine de Proust, heróis travestidos 

de heroínas. Viveu até a morte, publicamente, com um “secretário”, que 

ficou com a rica herança. 

É, a barra era pesada, meu senhor. Que o digam o pobre Oscar Wilde 

no século XIX, e o criador do computador, Alan Turing, já em 1954. Gênio 

da matemática, Turing era pouco menos que um idiota na vida: levou 

um marginal explorador de gays para casa, e o malandro, claro, depois de 

160

Releituras 

uma semana de sexo mercenário se mandou com tudo em que pôde pôr as 

mãos. Pois bem, o brilhante inventor da Máquina Turing, cujas tendências 

e práticas sexuais todos conheciam, mas, com a famosa hipocrisia britânica, 

fingiam ignorar – a polícia só investigava os denunciados – fez isso mesmo: 

denunciou o ladrão. O preso porém foi ele, que, processado, não resistiu à 

vergonha e matou-se. Mais ou menos o que fizera Wilde no século anterior, 

sem o epílogo do suicídio. 

 

O tempora, o mores 

A essa altura, eu já dominava o inglês, o espanhol e o italiano – apenas lidos, 

não falados – e começara a traduzir artigos literários, de graça, claro, para 

jornais de Salvador. Não fora bem uma iniciativa pessoal. Com meu comunismo 

antiamericanista, eu detestava tudo que fosse ianque, y compris Coca-Cola 

e uísque. Mas adorava o cinema de Hollywood e começava a enfronhar-me 

nos sedutores mistérios do jazz, que depois vim a identificar como a grande 

música clássica do século XX; os compositores clássicos, com experimentalismos 

estéreis, haviam entregado de bandeja a batuta aos negros do Harlem e 

das fazendas de algodão do sul norte-americano. Uma contradição dialética a 

mais ou a menos não ia fazer grande diferença, ia? 

Logo no início de minha trajetória literária, porém, tive como mentor um 

grande amigo, o jovem (para mim, então, velho) crítico literário Carlos Falk, 

que se matou por amor (ah, o romantismo da Bahia naqueles anos de juventude), 

e um de seus primeiros conselhos foi: se eu queria ser escritor, tinha de 

saber pelo menos uma língua estrangeira que não fosse o espanhol; bem ou 

mal, a gente conseguia ler textos nesse idioma, em particular os que vinham 

numa revista da Cuba de Fidel dirigida ao Brasil. Anos depois, nos anos 1970, 

conversando com o argentino Ernesto Sábato em São Paulo, conversamos sobre 

isso. Qualquer brasileiro de certa cultura podia ler os livros dele, e ele só a 

custo e mal conseguia ler os meus. É assim com os dois povos. 

A cronista Eneida contava que, num congresso de escritores comunistas na 

Espanha, alguém lhe definiu a língua portuguesa como castelhano indigente, 

161


e ela respondeu que o castelhano é que era português pedante. Ninguém nos 

levava a sério, e muita gente não leva até hoje: Marion Zimmerman, autora de 

Brumas de Avalon, ficou surpreendidíssima na década de 1970 ou 80 ao saber 

que nós tínhamos uma literatura própria. No século XIX, o aventureiro e escritor 

britânico Richard Burton ainda precisava afirmar que nossa língua era 

um idioma, e não um dialeto, como dizia quase todo mundo. Um dos mais 

brilhantes intelectuais da época, ele aprendera português em pouco mais de 

três meses no Brasil (também aprendera o farsi, o hindu e o árabe, e traduzira 

clássicos como o Jardim perfumado, As mil e uma noites e os Kama sutra). Como se 

não bastasse, quando cônsul da Inglaterra em São Paulo, discutia tupi-guarani 

com os colegas brasileiros, ex catedra. 

A maior surpresa de minhas releituras, porém, foi a de À la recherche du temps 

perdu. Como eu já disse, lera os sete volumes, nas traduções de Mário Quintana, 

Carlos Drummond de Andrade, Cecília Meireles e Lúcia Miguel Pereira, 

em várias etapas – e detestara. Com o preconceito típico de destino, classificava 

as longas frases dele (algumas com mais de mil e quinhentas palavras), 

como coisa de mulher rendeira, efeminado – veado, numa palavra. Foi só 

chegar porém à descrição que ele faz da mãe, ainda no primeiro volume, A caminho 

de Swan, que não mais aguentei: caí em pranto convulso. Jamais vira coisa 

tão bonita, tão comovente, e essa opinião, esse julgamento, só se alterou ao ler 

O amor no tempo do cólera, depois de Cien años de soledad, de Márquez – sem dúvida 

a mais bela prosa já escrita, e, ao contrário de Proust, sem frases quilométricas. 

Claro, Gabo tivera como mentor outro mestre de todos: o americano 

Ernest Hemingway. Quem ler El coronel no tiene quien le escriba, como os extensos 

diálogos curtos, poderá comprovar isso. 

Com exceção daquelas releituras de antes, acrescentadas de mais umas poucas, 

continuo sempre atrás de coisas novas. Fiz um cálculo e cheguei à conclusão 

de que, se vivesse três vidas, não conseguiria ler o que preciso, para não 

falar do que gostaria. E olhe que já li à beça. Eu soube que quando perguntam 

a um amigo meu, o filósofo Carlos Nelson Coutinho, se já leu um determinado 

livro, ele não hesita: “Eu, não, mas o Marcos Santarrita certamente sim.” 

Se non è vero... 

162

Releituras 

Agora então, com a Internet, é covardia. Livros que eu jamais sonharia 

encontrar aqui, como a História, de Heródoto, Vidas, de Plutarco, obras de 

Jane Austen, Dickens, Conrad, Balzac, Guy de Maupassant, Anatole France, 

Proust, Pirandello, Manzini, encontram-se pelas letras correspondentes, 

de autores ou obras, no site Projeto Gutenberg e na Biblioteca Bodleian, da 

Universidade Oxford. Também Machado, Eça, Camillo, Júlio Diniz lá estão. 

Quem quiser beirar um pouco o limite da lei encontra até bobagens pseudoliterárias 

e pseudo-históricas como O código da Vinci, e os mais recentes best-sellers 

de John Grisham e Robert Ludlum. Até Paulo Coelho pôs toda a sua obra 

digitalizada num CD vendido junto com uma revista. 

É, tem de tudo para todos, todos os gostos. E eu lá. Armado com um 

Palmtop, que me permite total liberdade em relação à luz, tempo e lugar, 

devoro essas obras antigas e modernas – e, de quebra, ainda escrevo algumas. 

Além das leituras – Heródoto, Plutarco, Plínio, Gibbons, Euclides – voltei às 

releituras: Cervantes, Shakespeare, Lope de Vega, Alemán, o pícaro e anônimo 

Lazarillo de Tormes, Jane Austen, Dickens, Balzac, Maupassant, Eça, Camillo, 

Diniz, Alencar, Afrânio Peixoto, Inglês de Sousa, Adolfo Caminha, Manuel 

de Oliveira Paiva, Júlia Lopes Ribeiro, Simões Lopes Neto, romances sobre a 

Guerra do Paraguai, de autores paraguaios contemporâneos e mais recentes. 

É só dizer. 

163


O olho de Bluteau, o de 

Cândido Lusitano e outras 

viagens lexicográficas 

Mauro de Salles Villar 

Rafael Bluteau, um dos pais dos dicionaristas de língua portuguesa, 

nasceu na Inglaterra, filho de franceses. Apesar disso, 

foi ele, um estrangeiro, quem primeiro elaborou um grande dicionário 

da nossa língua, que se compunha de oito alentados volumes 

e mais dois adendos, e foi publicado entre 1712 e 1728. Nesse seu 

Vocabulário portuguez e latino, aulico, anatomico, architectonico, bellico, botanico, 

brasilico, comico, critico, dogmático, dialético, dendrologico, Ecclesiastico, etc., criou 

muitos adoráveis relatos de seres e coisas em suas definições. 

Cultuo muitas delas. Por exemplo, aquela em que ele define com 

elegância ave como um ‘ser volátil’. Ou aquela outra, da água, em 

que inclui, poeticamente, no conceito desse elemento, a sua faculdade 

especular, precisando tratar-se de um ‘corpo úmido líquido, fluido, 

claro, transparente, & que recebe na sua superfície todas as coisas’. 

Lembro também, por exemplo, as diversas e deliciosas asserções de 

que ele lança mão para descrever o que é um giratacachem, animal 

que nunca viu e de que fala, citando relatos de outros autores: 

165 

É coautor 

do Dicionário 

Houaiss, diretor 

do Instituto 

Houaiss de 

Lexicografia 

e membro 

da Academia 


Filologia.


“(...) diz o P. Telles, que he o mayor animal da terra, que se saiba, porque 

excede muito a grandeza dos Elephantes, posto que não he tão envolto 

em carnes; facilmente passaõ os homens por baixo delle em cima de bons 

cavallos, as mãos tem altura de doze palmos, os pés menos alguma cousa, 

& o pescosso com proporção, & comprimento, que possa descer, & pascer 

a erva do campo, da qual se sustenta.” 

Percebe-se que a descrição é de uma girafa, verbete aliás que também é entrada 

do seu Vocabulário e para o qual este remete com a sugestão de conferir. 

Numerosos outros exemplos assim poderia eu dar, mas, para introduzir o 

tema que pretendo expor, vou ater-me neste momento a um dos mais copiosos 

verbetes de Bluteau: o olho. As minhas razões para isso ficarão, eu diria, 

visíveis, em seguida. 

Publicado no volume de 1720, o olho de Bluteau estende-se por dezessete 

colunas e meia de texto, nas quais ele analisa extensamente tal palavra sob o 

ponto de vista linguístico, médico e anatômico, descrevendo suas estruturas 

e partes integrantes com a erudição da ciência de fins do século xvii e princípios 

do xviii. Inicia com brilho usando as seguintes frases (aqui, na sua 

ortografia de época): 

“Preciosa, & mimosa parte do corpo humano, instrumento da vista, espelho 

dos affectos d’alma. Sol do microcosmo, & admiravel orgaõ da natureza, composto 

de dous nervos, seis membranas, ou tunicas, tres humores, seis músculos, 

& muytas veas, & arterias. Os dous nervos a que chamão opticos, visorios, ou 

visuais, porque communicaõ ao cerebro as especies visuais, nascem da parte 

superior dos miolos, & sahindo divididos, se ajuntão pelo meyo antes de chegar 

aos olhos, formando uma figura quasi semelhante à letra X, o que a industriosa 

natureza ordenou assim, porque vendo os olhos huma cousa, não pareção duas, 

o que acontecèra se estes nervos foraõ apartados, & como tomão do mesmo 

principio commum o seu nascimento, tem entre si tanta sympathia, que estando 

hum dos dous doente, ou mal affecto, (particularmente por causa interior) 

padece o outro com amigavel, & maravilhoso consenso.” 

166

O olho de Bluteau, o de Cândido Lusitano... 

Prolonga-se o verbete por muito mais, analisando músculos, revestimentos, 

humores, expressões do rosto marcadas pela abertura dos olhos, doenças que 

os afetam, animais e seres mitológicos que têm muitos olhos e por aí vai. Em 

determinado passo, observa: 

“Sobre o temperamento dos olhos saõ differentes as opinioens: os que seguem 

a opinião de Aristóteles dizem, que os olhos saõ de temperamento humido: 

& os sequazes de Platão dizem, que os olhos saõ de temperamento igneo. 

Mas facilmente se podem conciliar estas duas opinioens, dizendose que em 

razão do muito humor os olhos saõ humidos, & juntamente igneos, por causa 

dos espiritos visuaes, a que Galeno chama fulgidos, & luminosos”. 

Pouco a seguir, analisa o étimo da palavra e nele viaja, dizendo, com licença 

isidoresca: “No que toca à etymologia, olho se deriva de Oculus, & Oculus 

vem de Occultus, ou porque o olho com o véo das pestanas se occulta, ou por 

antiphrasi, porque à luz dos olhos nada fica occulto”. 

Ao fim do verbete, arrola muitas dezenas de locuções, coocorrências de 

alta frequência na língua, além de outros tipos de sintagmas, idiomatismos, 

fraseologias, adágios portugueses, até citações de poesia em espanhol (Ïñes, 

dame tus ojos por una noche,/ Porque quiero con ellos matar a un hombre”). 

Os sentidos especiais da palavra olho aparecem em meio a tudo isso. 

“Olho. Ás vezes he o mesmo que o meyo de alguma coisa. Vir o vento 

pelo olho da barra, he vir pelo meyo dela. Pôr um homem no olho da rua, 

he lançallo fóra da casa donde está, & deixallo no meyo da rua. 

Olho, nas plantas, he o remate tenro dos ramos nas arvores, & dos talos 

nas hervas; o qual remate se se tirar, não cresce tanto a arvore, nem a herva. 

Das borbulhas nascem os ramos, & assim olho he differente de borbulha, 

porque esta se fórma nos lados do ramo novo da arvore fructifera, & aquele 

sahe na extremidade do proprio ramo da dita planta”. 

Os verbetes de Bluteau são mais enciclopédicos do que o que hoje chamamos 

de linguísticos e estendem-se em considerações, extensões e opiniões 

167


muitas vezes deliciosas de seguir. Têm também o caráter intermédio das obras 

que serviriam de ponte para a lexicografia monolíngue moderna, porque, 

como os dicionários renascentistas, ainda vertem para o latim as palavras e 

expressões que registram da língua vernácula. 

Por outro lado, estava-se a anos de distância da prática de organizar e dividir 

a polissemia léxica em compartimentos estanques numerados nos dicionários. 

O primeiro volume do Vocabulário de Bluteau veio a lume em 1712, enquanto o 

primeiro dicionário a lançar mão desse recurso só apareceria na Inglaterra 37 

anos mais tarde (1749). Um parêntese: curiosamente, a invenção do uso da 

numeração separatória não é creditada ao autor dessa obra, Benjamin Martin, 

mas sim a Samuel Johnson, o poeta, ensaísta, crítico, jornalista, lexicógrafo e 

mitológico proseador inglês, cujo dicionário sairia depois do de Martin, mas 

que publicara o Plano da sua obra com tal ideia em 1747, dois anos antes, 

portanto, de aparecer no comércio o dicionário de Martin: crê-se, por isso, 

que este se tenha inspirado no texto de Johnson para fazê-lo. 

Separar e numerar as acepções facilitou consideravelmente a leitura dos 

verbetes, como se pode imaginar, mas foi também um dos elementos que concorreram 

para que as pessoas passassem a acreditar que cada compartimentação 

daquelas era um sentido específico, e que os bons dicionários deveriam 

esmiuçar nos textos-fonte tantas acepções quanto fosse possível perceber, para 

mais apropriadamente retratarem a língua. Foi também uma das razões por 

que as pessoas foram levadas a pensar que os sentidos averbados nos dicionários 

semasiológicos eram fixos, constantes e partilhados por todos os falantes 

da língua. 

Só que a coisa não é bem assim. 

Os dicionários, maiores e menores, passaram a refestelar-se na minúcia e 

na variedade bem-intencionada da busca de acepções, criando registros semanticamente 

delimitados, mas que, com frequência, não eram mais que contextualizações 

de um número nem sempre muito grande de sentidos básicos 

que a língua apresenta para as palavras e expressões. Pelo método tradicional 

empregado, especialmente nos grandes dicionários, as entradas acabavam com 

tantas acepções quantas era capaz de distinguir a sensibilidade do dicionarista 

168


ou a diversidade do material com que trabalhava. Mas, uma vez que cada nova 

tonalidade, cada nova nuança de utilização acabava registrada como sentido 

ou emprego diferente, tal prática conduzia a um impasse lexicográfico, porque, 

sendo os contextos teoricamente infinitos, a prática de tais registros não 

tinha fim. 

Vou dar um exemplo, para que o tema de que falo fique mais visível ao 

leitor. Vejamos o verbete olho do Grande e novíssimo dicionário da Língua Portuguesa, 

organizado por Laudelino Freire e publicado de 1939 a 1944 – o primeiro 

grande dicionário elaborado no Brasil e que teve por objetivo, a riqueza de 

registros vocabular e de acepções. Uso aqui essa fonte, mas poderia exemplificar 

com qualquer dos nossos dicionários, inclusive o meu, pois também não 

nos livramos inteiramente, no Grande Houaiss, desse exagero em alguns casos. 

Usei uma retícula para realçar as acepções que ilustram o que disse sobre um 

mesmo sentido – no caso ‘vazio’, ‘buraco’ – registrado como se de diversas 

acepções autônomas se tratasse: 

“ÔLHO, s. m. Lat. oculus. Anat. órgão da visão, situado em órbita própria, 

de forma, mais ou menos globular, ordinariàmente em número de dois, colocados 

na parte anterior da cabeça do homem e de quase todos os animais. 

|| 2. Órgão da vista considerado como indício das qualidades ou 

defeitos do espírito, do caráter, das paixões, dos sentimentos. || 3. Olhar, 

vista, percepção operada pelo sentido da vista. || 4. Agente que distingue, 

que per cebe, que entende; agente que esclarece; luz, clarão, ilustração.|| 5. 

Atenção, esfôrço da alma aplicado a um objeto. || 6. Vigilância, cuidado, 

|| 7. Ocelo. || 8. Gota de líquido gor duroso que flutua sôbre outro líquido 

mais denso, || 9. Buraco ou furo em certos objetos por onde se enfiam 

linhas ou fios, || 10. Aro das ferramentas por onde se enfia o cabo. || 

11. Pleb. O orifício do anus. || 12. Gír. Tostão. || 13. Vão nos tímpanos 

dos arcos da ponte para dar maior vazão à água. || 14. Abertura por onde 

entra a água que faz mover a roda dos moinhos. || 15. Tip. A espessura de 

um caráter de imprimir, || 16. Tip. A abertura no e que distingue esta letra 

do c. || 17. Poro ou buraco que apresentam certas massas e especialmente 

169


os queijos. || 18. Arquit. Abertura circular ou elíptica feita nos tetos ou 

paredes dos edifícios para lhes dar claridade || 19. Metal. O buraco da 

fieira por onde passa o metal que se quer adelgaçar. || 20. Lus. Porção de 

qualquer casca, que serviu num tanque de curtimenta. || 21. Batoque ou 

orifício na parte superior e anterior dos tonéis e que serve para lhes introduzir 

o líquido e tirá-lo depois de fermentado, || 22. O buraco da pe dra 

superior ou girante (falando das mós dos moinhos) por onde cai o trigo e 

outros ce reais para serem reduzidos a farinha. || 23. O botão que se vai 

desenvolvendo na planta ou o rebento das árvores, || 24. Peixe plagióstomo, 

pardo por cima e branco por baixo. || 25. O arrofo ou capelo da 

tarrafa. || 26. Bot. Bo tão foliáceo; borbulha”. 

O que se vê aqui, portanto, é que o lexicógrafo registrou como acepções 

diferentes um mesmo sentido geral que estava, na verdade, diferentemente 

ativado por contextos diversos. 

Neste ponto, vou precisar falar de superordenados ou hiperônimos, razão 

por que explico logo do que se trata. Dentro dos grupos de palavras associadas 

quanto à sua significação, há algumas que pertencem a um grupo mais genérico 

do que outras. São os chamados superordenados ou hiperônimos, e seu 

significado inclui, mais que sinonimiza, outras palavras afins. Por exemplo, 

comboio e composição podem ser usados, em português, como sinônimos de trem, 

mas a palavra transporte tem sentido mais abrangente do que essas, contendo 

em si outras palavras além de trem: por exemplo, barca, avião, caminhão, ônibus etc. 

são também transportes. Por que estou falando nisso? Por consideram-se sentidos 

diferentes, em semântica, apenas as acepções que requerem superordenados 

distintos para serem definidas, o que não é o caso mostrado acima: ali, 

todas aquelas compartimentações numeradas para as quais chamei a atenção 

usam como hiperônimo ‘buraco, furo, aro, orifício, vão, abertura, arrofo’, vale 

dizer, conceitos muito afins. 

Mas desde quando os especialistas se aperceberam de que isso era um equívoco? 

Faz bastante tempo, há décadas; e isso ficou especialmente claro com a 

lexicografia dita contextualista. Iniciada na Inglaterra na década de 1960, ela 

170


inaugurou, em suas análises, a utilização de centenas de milhões de abonações 

da língua natural, lançando mão de programas de computação cada vez mais 

aprimorados e de imensos bancos de dados, públicos e privados. Com isso, foi 

possível descobrir uma série de características das línguas que não haviam sido 

percebidas pela lexicografia até então. A reunião de lexicógrafos, semanticistas 

e gramáticos com técnicos em informática gerou um considerável avanço na 

filosofia e no fazer dos dicionários que vem moldando os hábitos de trabalho 

de quem milita nessa especialidade em qualquer parte do mundo. 

A importância da investigação sobre certos sintagmas que pululam na língua, 

o levantamento das coocorrências mais ou menos fixas que não são mais 

que sequências memorizadas que funcionam em padrões combinatórios repetidos, 

os estudos da pragmática fraseológica, o enfoque sobre a sintaxe posta 

à frente da pura análise semântica de cada palavra que se vinha fazendo, tudo 

isso apontou novos caminhos e metas para a lexicografia. 

O processo ainda se vem desenvolvendo, mas muitas iluminações já ocorreram, 

com os trabalhos de Sue Atkins, Patrick Hanks, Charles Filmore, John 

Sinclair, Mike Rundell, Thierry Fontenelle, Adam Kilgarriff, Juri Apresjan, 

Gregory Greffenstette, Krista Varantola, para citar alguns nomes de relevo. 

A impressão de que os sentidos numerados que aparecem nos dicionários 

são discretos e exclusivos não é, realmente, sustentada pelas evidências linguísticas. 

Eles são, na verdade, contínuos, graduais e superpõem-se muitas 

vezes, sendo difícil a sua captação definitória pelos lexicógrafos. Além do 

mais, é possível afirmar “justificadamente que uma unidade léxica tem um 

sentido diferente em cada contexto distinto em que ocorre.” (Cruse,1986). O 

velho Dr. Johnson (1755) já observara: “as nuanças de sentido (...) passam 

imperceptivelmente de uma para outra; de tal modo que é (....) impossível 

determinar o ponto de contato.’’ 

As acepções dos vocábulos têm utilização bastante fluida. Seus sentidos 

expandem-se, quer horizontal, quer verticalmente, por meio de analogias, metáforas, 

metonímias, extensões de sentido e outras formas de contaminação 

semântica. Diante da flexibilidade da língua, o entendimento entre os falantes 

só se dá por sermos dotados do dom da interpretação. Praticamente qualquer 

171


palavra da língua apresenta dinâmica aberta, sempre podendo ser empregada 

e colorida de novo modo pelos seus usuários. (Sinclair, 2004) 

Então as palavras não têm sentidos fixos? Sim, eles existem, mas seria 

mais exato dizer que as palavras têm sentidos potenciais, não puramente 

“sentidos”, uma vez que fora dos contextos não há como saber o que significam. 

Se eu lhe perguntar se conhece o significado da palavra barra, você 

me dirá que sim, mas a resposta mais apropriada deveria ser ‘depende’, uma 

vez que não pode saber, fora de um contexto, se se trata da entrada de um 

porto, da foz de um rio, da borda inferior de uma vestimenta, de uma faixa 

de cor pintada numa parede, da meia grade das salas de tribunal ou de uma 

série de outras coisas. São os contextos que ativam os sentidos potenciais 

das palavras, e esses sentidos não são, na verdade, ambíguos, embora sejam, 

certamente, vagos, pelo fato de serem continuamente extensíveis e mutáveis. 

Para complicar, como bem o sabemos, seus significados vagos não deixam 

de ser precisos, uma vez que nos entendemos muito bem com as palavras 

em nossa intercomunicação. É isso que faz da língua um considerável mistério, 

mas a familiaridade que temos com ela pela vida inteira torna difícil 

percebê-lo. 

Anota Hanks (2008) que 

“O sentido potencial de cada palavra compõe-se de diversos elementos, 

que podem ser ativados cognitivamente por outras palavras do contexto 

dentro do qual ela é empregada. Esses componentes cognitivos estão ligados 

numa rede que provê toda a base semântica da linguagem, com enorme 

potencial dinâmico para dizer novas coisas e relacionar o desconhecido 

com o conhecido.” 

E a seguir observa que diferentes componentes coexistem num único uso, 

e que usos diferentes ativam um calidoscópio de diferentes combinações de 

componentes. Assim, mais que colocar questões sobre desambiguização (“Que 

acepção neste contexto tem esta palavra?”), mais exato seria perguntar “Que 

contribuição particular traz esta palavra ao sentido deste texto?”(Id.): 

172


“Considere por exemplo o comportamento do que chamamos de ‘jogos’. 

Vale dizer, jogos de tabuleiro, jogos de cartas, jogos de bola, jogos Olímpicos 

e assim por diante. Não diga ‘Eles devem ter algo em comum ou não 

seriam chamados de ‘jogos’ ’ – antes, olhe e veja se realmente existe algo em 

comum entre eles. Porque, se você atentar para eles, não verá absolutamente 

algo em comum, mas sim similaridades, relações e quanto a isso, uma série 

delas. Repetindo: não pense, mas atente! Atente, por exemplo, para os jogos 

de tabuleiro, com suas variadas características. Passe agora para os jogos de 

cartas; aqui poderá encontrar diversas correspondências com o primeiro grupo, 

mas muitas características em comum desaparecem e outras surgem. Ao 

passar para os jogos de bola, muito do que é comum mantém-se, mas diversas 

outras coisas se perdem. Serão todos eles ‘divertimentos’? Compare o xadrez 

com o jogo da velha. Haverá sempre ganhadores e perdedores ou competição 

entre eles? Pense no jogo da paciência. Nos jogos de bola há ganhadores e 

perdedores, mas quando uma criança joga a sua bola contra a parede e a apanha 

de novo, essa característica inexiste. Atente para os elementos supervenientes 

de habilidade e sorte, e para a diferença que há entre a habilidade no 

xadrez e a habilidade no tênis. Pense agora nos jogos do tipo daqueles em que 

as crianças brincam de roda cantando e a um dado sinal se agacham. Aqui 

está presente o divertimento, mas quantas outras características específicas 

desapareceram! E poder-se-ia ir bem além com isso, falando de muitos outros 

grupos de jogos do mesmo modo, percebendo como as similaridades entre 

eles surgem e deixam de existir. E o resultado disso é: vê-se uma complicada 

rede de similaridades que se superpõem e entrecruzam: por vezes, similaridades 

absolutas; outras vezes, similaridades em detalhes.” 

Esse texto escreveu Wittgenstein nas suas Philosophical Investigations (1953: n. o 

66), ponderando sobre a dificuldade de se fixarem os sentidos das palavras e 

expressões – ou seja, o próprio resvaladio material com que nós, os lexicógrafos, 

trabalhamos. 

Bem, até aqui seriei alguns dos problemas que enfrentam os dicionários 

linguísticos. Mas o que tem sido feito para contornar tais dificuldades? O 

173


que já resultou da revolução contextualista? Como, por exemplo, os lexicógrafos 

têm evitado registrar como acepções numeradas o que não passa de 

ativações de um mesmo sentido em contextos diversos? Vejamos, a esse propósito, 

como Patrick Hanks sistematizou a redação do verbete eye no New 

Oxford Dictionary of English (1998) – que é um exemplo da simples solução 

que ele sugere. 

Não vou mostrar aqui o verbete por inteiro, mas sim uma parte dele que 

nos interessa, aquela em que o lexicógrafo transita da primeira acepção, anatômica 

(que não copio), para a segunda, abrindo esta com uma definição genérica, 

totalmente abrangente, numerada como II em algarismos romanos, que 

diz “Um objeto: semelhante ao olho na aparência, forma, função ou posição 

relativa”. Passa a seguir a indicar ativações desse sentido lato nos contextos de 

mais alta frequência da língua, iniciando por “6 a O pequeno orifício numa 

agulha por onde passa o fio de linha”; b Pequeno espaço oco dentro de um 

pão e (hoje comumente) queijo”. Etc. Veja o verbete original: 

“eye /aj/ noun. (….) 

II An object: resembling the eye in appearance, shape, function, or relative 

position. 

6 a The small hole in a needle for taking the thread. oe. 

b A small hole in bread or (now usu.) cheese. lme. C A hole made in 

a tool for the insertion of a handle or some other object. mi6. d An 

opening or passage in a mill- stone, kiln, etc., for the introduction or withdrawal 

of substances; the entrance or exit of a fox’s earth, a mine shaft, 

etc. M16. 

7 A mark or spot resembling an eye occurring on eggs, insect wings, etc.; 

esp. any of the marks near the end of the tail feathers of a peacock; each of 

the three spots on one end of a coconut. LME. b GEOLOGY. A lens-shaped 

inclusion with a different texture from the surrounding rock. li9. 

8 An object resembling an eye on a plant; esp. (a) an axillary bud or leaf 

bud; (b) the centre of a flower; (c) the remains of the calyx on a fruit. lme. 

9 In pl. Spectacles. Now rare. E16. 

174


10 A loop, a ring; esp. a loop of thread in a hook and eye (see HOOK 

noun1c); NAUTICAL A loop at the end of a rope, esp. one at the top end of a 

shroud or stay.L16. 

11 fig. A place regarded as a centre of learning, culture, or the like. L16. 

12a ARCHITECTURE. The centre of any part, esp. of a volute.E18 . b The 

centre of a vortex or eddy; esp. the call centre of a hurricane or storm. M19. 

c The dense centre of a shoal of fish. M19. d The brightest spot or centre 

of light; esp. the part of a furnace observed through the sight-hole. L19. 

e The main mass of lean meat in a rasher of bacon, cutlet, etc. M20. 

A prominent natural object, such as a hill or island. 

Only in place-names.M19. 

The opening through which the water of a fountain or spring 

wells up.m19. 

A mass of ore left in a mine to be worked when other ore is becoming scarce 

or inaccessible; fig. (Austral. &NZ) the choicest portion, esp. of land.M19. 

NAUTICAL. In pl. (in full eyes of her; eyes of the ship).The extreme forward part 

of a ship.M19”. 

Essa solução é simples, fácil e, portanto, plenamente factível: partir do 

vago abrangente para chegar aos itens específicos, ativados por contextos reais 

dentro do mesmo núcleo semântico. 

Problemas mais complexos, que envolvam as áreas pragmáticas, atitudinais, 

conotativas, darão um pouco mais trabalho às novas gerações de lexicógrafos. 

É, portanto, preciso estar-se atento às necessidades da nova lexicografia. Convenhamos 

com Gil Vicente no Auto das regateiras que “Quem não olha adiante, 

do mal que vir não se espante” (985). 

Só não quero encerrar este texto sem referir o desconforto de alguns autores 

do século XVIII com a polissemia já então marota da palavra olho. Quem 

o registra é Cândido Lusitano, um frade cujo nome não arcádico era Francisco 

José Freire, num livro de 1773 intitulado Reflexões sobre a língua portugueza, a que 

tive acesso através do trabalho de Dieter Messner no seu formidável Dicionário 

dos dicionários portugueses. Nessa sua meditação, pondera o sacerdote: 

175


“Olho. Em varias cousas reflecte neste vocabulo a critica demasiadamente 

escrupulosa. Quer que em assumpto grave raras vezes se use no 

singular; a fim de se evitar alguma baixeza: v.g. não admitte que se diga 

olho papudo, olho sumido, olho encovado, mas, olhos. Não quer tambem 

que se diga olho cego, mas um dos olhos cego; fechar o olho, por morrer; 

ir com o olho atraz, por ir acautelado &c. Em fim não sofre que se use de 

olho simplemente (sic), sem determinar qual delles é, em ordem a que não 

haja alguma equivocação de sentido menos decente”. 

Cândido Lusitano, a bem da verdade, não afinava com tais pruridos, tachando-os 

de pueris e extravagantes. Mas que fazer? A malícia sempre fez parte do 

mundo; por que não existiria na mente dos críticos da lexicografia? “Lava o teu 

coração da malícia, ó Jerusalém” vociferou Jeremias na Bíblia (4:14) 

Referências 

Cruse, D.A. (1986). Lexical Semantics. Cambridge. Cambridge University Press 

Dicionário Houaiss: sinônimos e antônimos. Instituto Antônio Houaiss; diretor de projeto 

Mauro de Salles Villar. 2.ª ed. São Paulo: Publifolha, 2008 

Freire, Francisco José (Cândido Lusitano) (1773). Reflexões sobre a língua portugueza escriptas 

por Fr. José Freire publicadas pela Sociedade propagadora dos conhecimentos 

uteis, Parte segunda, Lisboa: Tipographia da Sociedade 1842, apud Messner, 

Dieter e Jutz, Sylvia, Dicionário dos dicionários portugueses, vol. xxxviii, 2002 Institut 

für Romanistik der Universität Salzburg, p. xxiii 

Johnson, S. (1755) Preface to the Dictionary of the English Language. (Coord. Jack 

Katzaros, V. [2004] ) 

Hanks, P. (2008) “Do word meanings exist?” in Practical Lexicography, coord. Thierry 

Fontenelle, Oxford University Press, Grã-Bretanha. 

176


Carlos Nejar: meditações 

sobre o homem 

António Carlos Cortez 

A obra poética de Carlos Nejar tem tido alguma fortuna em Portugal. 

Em 2003, com organização de Antonio Osório, a sua 

última antologia teve chancela da Pergaminho. Obra múltipla e imensa, 

Nejar tem escrito também ficção e inclusivamente “teatro em verso”, 

perfazendo esta parte da sua obra sete livros em cuja prosa está sempre 

presente o tom poético da sua respiração. Nejar é também ensaísta e, na 

sua vastíssima obra literária, as incursões pelo híbrido textual são uma 

das marcas da sua poética, a qual, dir-se-ia, não se apega nunca a um 

só a uma só configuração. Existindo pela palavra, fazendo da vida um 

a existência de poesia, Carlos Nejar é, sem sombra de dúvida, uma das 

mais destacadas vozes do panorama poético brasileiro. 

Nessa medida, a edição, pelas edições Quasi, de mais um livro de 

Nejar é motivo de regozijo. Desta feita, a antologia tem o inspirado 

título Pequena enciclopédia da noite, com nota introdutória de António 

Osório, amigo e intérprete do autor de Sélesis. Com a pertinácia que lhe 

é habitual, Osório pondera: “Pergunto-me com a maior perplexidade: 

177 

Poeta e crítico 

português, 

um dos mais 

importantes da 

Nova Geração. 

Colabora no 

Jornal de Letras 

e na Revista 

Colóquio/Letras, 

de Lisboa.

António Carlos Cortez 

de Camilo Pessanha são conhecidos apenas 56 poemas. Mas como ousou Carlos 

Nejar, senhor de uma obra imensa, reduzi-la a... 50 poemas? E os ‘melhores’, 

porquê os melhores? Os outros, as inúmeras centenas, não contam? Serão eles 

menores?” (p.11). Na verdade, se toda e qualquer antologia é, na sua substância, 

a exclusão e não a inclusão de textos, torna-se quase inescapável saber as motivações 

que levam a que um autor exclua uns textos, privilegiando outros. Talvez 

Nejar seja guiado por essa sede de absoluto, que, em poetas como Horácio ou 

Dante, se traduz na perseguição de um dizer monumental, na construção dum 

edifício mais eterno que o tempo, feito desse mármore incorruptível da palavra 

poética, a partir de cujas irradiações o poeta lê o homem na sua condição de 

miserável sonhador. Por isso a antologia só pode ser a antologia do mínimo e 

não do máximo. A transcendência do poético está aí, nessa sutil medida dos 

poemas; eles não pedem outra monumentalidade que não a do seu próprio dizer 

e, nesse sentido, seria talvez mais fácil (e ao mesmo tempo menos fiel) fazer uma 

antologia que contemplasse 100, 200, 300 poemas. E a arte do mínimo para se 

falar da condição do homem. 

A obra de Carlos Nejar pode, assim, ser lida de uma forma radicalmente diferente: 

estes poemas, esta enciclopédia (termo absolutamente definidor da ética que 

rege a poética deste autor, na senda dum certo iluminismo ou gosto pela sageza 

dos fundadores da modernidade, de Montaigne a Hölderlin) da noite é, bem vistas 

as coisas, o magma do seu percurso de poeta. Aqui a epopeia dantesca de Nejar 

– que escolhe justamente o autor da Divina comédia para seu guia – faz-se do amor à 

mulher medianeira (seja ela Elza ou outra figuração platonizante em outro nome), 

do amor ao Homem como ser em peregrinação permanente e de que o poeta é o 

principal representante, se quisermos, o peregrino por excelência. Jacinto do Prado 

Coelho, na leitura mais correta e reveladora que se fez da poesia de Nejar, falou 

justamente de uma obra consagrada à reflexão sobre a condição humana, mas essa 

reflexão tem como força motriz a certeza de uma tragédia íntima posta no coração 

do homem peregrino, e Nejar, como um Dante do seu tempo, também se dirige 

aos seus contemporâneos, com ecos de Camões, para dizer dessa condição e dos 

infernos mais recônditos a que só os poetas podem chegar. Um dos poemas que 

concentram a poesia de Nejar em torno da condição do Homem é esse soneto 

178

Carlos Nejar: meditações sobre o homem 

“Sem estrela” em que o poeta invectiva a morte que está em todo o ser humano. 

Através da alegoria, processo muito caro a Nejar, a morte exige uma consciência 

do perecível, mas o poeta, rindo da própria morte, resiste, pois sabe que “está em 

mim quem vai vencê-la”. Ora, temperada de sábia lição estoica, de que vitória 

se trata se se morre sempre? Da vitória da dignidade humana, daquilo que no 

Homem é talvez eterno: as ações que permanecem na memória dos vindouros. O 

discurso poético serve, neste contexto, o desígnio do poeta – dar uma lição de humanidade 

à desumanizada criação: “A história do mundo / é casa de andares, com 

/ um só vivente, o vento / (...)” e se o vento é símbolo de Deus, e o homem é feito 

à imagem e semelhança do Deus, então, o poeta vem dizer que o Homem é Deus, 

isto é, o homem pode transcender-se como esse vento eterno, que é combustão e 

história. Todavia, para ser Homem, para cantar a dignidade desejada, Nejar ataca 

não raras vezes o absurdo e a crueldade dos seus semelhantes. No poema “Aos 

senhores da ocasião e da Guerra” o tom é epopeico porque é grave o assunto a 

tratar, e o sujeito acusa, sem contemplações, a sanguínea existência dos falcões da 

guerra: “A vós, que me despejastes / nesta loucura sem telhas / é neste chão de 

desastres / acaso devo ajoelhar-me / e bendizer as cadeias? // E ser aquele que 

acata / as ordens e ser aquele / apaziguado e cordado / preso às aranhas e às teias? 

// Levando o sim em uma das mãos / e não noutras, rastejante / aos senhores da 

ocasião / e da guerra. Ser no chão / o inseto e sua caverna? // Corrente serei / no 

recuo das águas. / Resina aos frutos do exílio. / Espúrio entre as bodas. / Resíduo. 

/ Até poder elevar-me / com a força de outras asas, / para os meus próprios 

lugares. // A vós que me despejastes / nesta loucura sem telhas / e neste chão de 

desastres / com a residência das penas / aceitarei o combate.” 

Como se vê, Carlos Nejar é, no plano da expressão, um poeta extremamente 

atento à poesia como música, isto é, nele a palavra não só conta, como canta. 

As lições de Bandeira, mas também de Drummond, de João Cabral repercutem-se 

em poemas arquitetados, edificados em imponentes órgãos vivos. Da 

devastação ao amor, do tempo à compreensão do Cosmos, das circunstâncias 

mais banais à desejável apreensão da “Genealogia da palavra” é como enciclopédia 

que devemos perscrutar o ensinamento do poeta, aqui ainda símbolo do 

“coração resoluto”, cantando a esperança “até que a mó se desgaste”. 

179

Retirado do livro Conto de escola e outras 

histórias curtas de Machado de Assis.

Pais e filhos na 

ordem escravocrata: 

o conto machadiano 

“Pai contra mãe” 


João Roberto Maia 

Entre os textos de Machado de Assis que lidam com a escravidão, 

“Pai contra mãe” (1905), conto de Relíquias de casa velha, 

é certamente um dos mais contundentes. Além disso, o trabalho 

sem merecimento, deslegitimado pela vizinhança do cativeiro, na 

perspectiva do homem livre e pobre, é outra questão de peso na 

narrativa. Assim como “O caso da vara”, a publicação do conto se 

deu em período posterior à Abolição, mas o fim da escravidão era 

recentíssimo, e Machado sentiu a necessidade de acertar contas com 

ela, até em função de seu ceticismo quanto aos resultados efetivos 

da superação do regime servil, aquém das reformas necessárias para 

garantir a cidadania dos ex-escravos. 

“Pai contra mãe” é um texto cheio de nuances e ambiguidades. 

A começar pela ironia do título, o qual talvez faça pensar num desentendimento 

familiar, um conflito doméstico, de consequências 

limitadas, entre marido e mulher. O confronto de que se trata é de 

outro calibre, cuja dureza e ferocidade o título não faz prever. 

181 

Doutor em Letras pela 

UFRJ. Atualmente é 

professor-pesquisador 

da Escola Politécnica 

de Saúde Joaquim 

Venâncio da Fiocruz e 

professor colaborador 

na Pós-Graduação em 

Ciência da Literatura 

da Faculdade de 

Letras da UFRJ. Tem 

experiência na área de 

Letras, com ênfase em 

Literatura Brasileira, 

atuando nos seguintes 

temas: crítica literária 

brasileira, literatura 

brasileira, Eça de 

Queirós, trabalho e 

modernidade.


Antes de começar a narrar os acontecimentos a que se liga esse conflito 

anunciado pelo título do conto, o narrador explana sobre “ofícios e aparelhos” 

que existiam nos tempos de vigência da escravidão. O procedimento de 

que se vale, metodizado por sua recorrência nos cinco primeiros parágrafos 

que servem de preâmbulo ao entrecho, torna ostensivo o desajustamento entre 

a serenidade dos comentários, expressos friamente, sem ênfase, marcados por 

certo distanciamento calculado, e a gravidade dos assuntos postos em pauta: 

tortura como recurso de manutenção da ordem social, cuidados que a propriedade 

bárbara de seres humanos exige, fuga de escravos e o ofício de restituí-los 

a seus senhores. A sublinhar que a frieza, a qual beira algumas vezes a 

impassibilidade, é mais estranha por estar combinada com o tom firmemente 

judicativo de certas postulações daquele que narra em defesa da brutalidade 

instituída. O teor generalizante dos comentários, uma das marcas dessa postura 

judicativa, pode significar tanto uma espécie de voz geral, representativa 

da anuência coletiva, legitimada pelo abono social (tácito ou mais ou menos 

manifesto) a práticas escravistas tais como as descritas, quanto o modo de 

dar vigência à voz senhorial que se pretende incontrastável ao identificar seus 

interesses próprios de classe com a defesa do bem comum. Mesmo a tendência 

saudosista desse “saudoso narrador-memorialista”, como o caracterizou 

Ivone Daré Rabello (Rabello, s/d, p. 46), que parece lamentar-se do fim 

da escravidão com todo o aparato de tortura e punição que lhe era próprio, 

dá-se nessa perspectiva algo distanciada e amiga de generalizações. Por outro 

ângulo, não se pode desconsiderar a dose de malícia que é constitutiva desses 

comentários, a infiltração da ironia na retórica pró-escravidão, que a torna 

dúbia, incerta, bifronte, permitindo ler em contraposição ao nível semântico 

ostensivo e a contrapelo das prescrições à sociedade ditadas por consensos 

sustentados pelo alto. Vejamos mais de perto. 

O narrador lembra ofícios e aparelhos que a escravidão “levou consigo”. 

Esclarece que a citação de alguns aparelhos não é gratuita, já que estes se ligam 

a “certo ofício”, a saber, o de pegador de escravos fugitivos, de que tomará 

conhecimento o leitor após alguns parágrafos. A seguir descreve uma dessas 

182

Pais e filhos na ordem escravocrata 

peças de punição, a máscara de folha de flandres, não sem antes assinalar a 

finalidade morigerante da máscara: extinguir “o vício da embriaguez aos escravos, 

por lhes tapar a boca.” A descrição sumária está de acordo com a simplicidade 

bárbara do utensílio, no qual há apenas três buracos, “dois para ver, 

um para respirar”. O narrador sentencioso aumenta o alcance dos propósitos 

edificantes que tornavam legítimo o uso de tal peça: ao impedir o vício de 

beber, a máscara desestimulava a tentação de furtar o dinheiro do senhor para 

comprar bebida, garantindo assim a sobriedade e a honestidade. O ápice da 

racionalização aberrante está na postulação seguinte, que não nega o grotesco 

do tal aparelho, mas sentencia, como verdade última, a salvaguarda da “ordem 

social e humana”, a qual nem sempre pode prescindir do grotesco e do cruel. 

A qualificação de que se vale para caracterizar os meios empregados, precisa 

diga-se, contamina o fim almejado, cuja defesa impõe o custo da aceitação de 

práticas desumanas. Contrariamente a sua razão de ser ostensiva, trata-se de 

uma defesa que não deixa de dar lastro ao questionamento incisivo daquela 

“ordem social e humana”, na medida em que esta não pode ser sustentada 

sem a vigência reiterada do grotesco e do cruel. A última referência que faz o 

narrador às máscaras de folha de flandres aponta a existência normalizada do 

utensílio no dia a dia, sua acessibilidade a viabilizar a reprodução da violência 

cotidiana contra os escravos, na forma de mercadorias bem à vista de todos: 

“Os funileiros as tinham penduradas, à venda, na porta das lojas” (Assis, 

1997, p. 3). 

Do mesmo procedimento descritivo e avaliativo vale-se o narrador a respeito 

de outro instrumento, o ferro ao pescoço aplicado aos escravos que 

escapavam. Ele não nega que o aparelho pesava, “mas era menos castigo que 

sinal”, pois não deixava dúvida quanto à reincidência na ação de fugir, o que 

facilitava a recaptura. O tema da fuga de cativos, central no conto, introduz-se, 

no terceiro parágrafo, por um discurso marcado por uma ironia mais 

patente, fronteiriça ao intento escarninho ao constatar a fuga frequente de 

escravos, pois “nem todos gostavam da escravidão”; a mesma prática irônica 

está presente quando o narrador lembra que eram “ocasionalmente” punidos 

183


com pancada por fugirem, admitindo que “nem todos gostavam de apanhar 

pancada”. O uso do advérbio “ocasionalmente” e a sugestão, que fica subtendida, 

de que havia os que talvez gostassem da violência física ou, ao menos, 

não se importassem muito com ela, são modos de abrandamento irônico do 

sofrimento imposto à condição de cativo. Para convencer o leitor de que a 

regra não era a punição cruel, lhe é dada a informação de que grande parte 

dos fugitivos era apenas repreendida, assim como recorre-se ao argumento da 

moderação calculada da ação punitiva ditada pelo “sentimento da propriedade” 

(Idem, ibidem, pp. 3-4). Em suma, trata-se de um conjunto de argumentos 

apenas atenuadores a respeito de aparelhos e práticas do escravismo, se lidos 

de modo alheio às ambiguidades que lhe são constitutivas, mas que, ainda 

assim, não ficam indenes no fim das contas, pois têm como sua contraprova a 

brutalidade das ações que encerram o conto. 

Os dois parágrafos seguintes tratam dos meios à mão para a recuperação 

dos fugitivos: anúncios nos jornais e um ofício do tempo, o de pegar escravos 

e restituí-los a seus donos. Ao referir-se a este o narrador diz que “(n)ão 

seria nobre, mas por ser um instrumento da força com que se mantém a lei e 

a propriedade, trazia esta outra nobreza implícita das ações reivindicadoras” 

(Idem, ibidem, p. 4). Parece-me claro que estão presentes aqui os mesmos recursos 

retóricos que foram comentados antes: por um lado, ressalvas que não se 

podem omitir em face do que há de grotesco em tal lida; por outro, racionalizações 

que, por generalizantes, omitem especificidades cuja consideração dá 

vigência virtual a objeções àquelas mesmas justificativas da ordem, as quais se 

convertem em um modo insidioso de defesa que efetivamente acentua o caráter 

insustentável, em última instância, da estrutura social aparentemente legitimada 

pelo narrador. Quanto ao procedimento, há proximidade com aquele 

que foi identificado por Roberto Schwarz no capítulo em que Brás Cubas se 

ocupa mais detidamente de seu cunhado Cotrim e o faz pelo uso do elogio 

convertido em acusação ou, nos termos do crítico, o defunto-autor “trabalha 

com elogios que incriminam e justificações que condenam” (Schwarz, 1990, 

pp. 109-122). 

184


A amenização do castigo físico, que serve à defesa da manutenção da ordem, 

e o reconhecimento da nobreza implícita do ofício de capturar escravos 

fugidos, por ser um instrumento de sustentação da lei e da propriedade, 

estritamente considerados como exemplos de justificação do status quo, como 

modos de reproduzir opiniões vigentes à época, à margem da ironia que contamina 

o discurso do narrador, colocam em pauta questões que cevam ainda 

hoje o debate sobre as pesadas heranças do nosso passado. Em intervenção 

no debate sobre as cotas para estimular a entrada de negros na universidade 

pública, Luiz Felipe de Alencastro fez vir à tona deformações históricas 

brasileiras, que têm na sobrevivência da escravidão no século XIX sua razão 

decisiva, para defender uma política de ação afirmativa. Lembra Alencastro 

que segundo a lei de 7 de novembro de 1831, a qual proibiu o tráfico negreiro 

no Brasil, os africanos introduzidos aqui após a proibição eram livres e os que 

os escravizavam eram sequestradores, incorrendo nas sanções estabelecidas no 

Código Criminal de 1830. Na prática, porém, os senhores sequestradores e 

correlatamente culpados de escravização de pessoas livres foram beneficiados 

pela anistia do governo imperial. Por conseguinte, nas palavras do historiador, 

“(m)oralmente ilegítima, a escravidão do Império era ainda – primeiro e 

sobretudo – ilegal.” Para Alencastro a harmonia entre o governo e os proprietários 

de escravos criminosos “constitui o pecado original da sociedade e da 

ordem jurídica brasileira”, nas quais se consolida “o princípio da impunidade 

e do casuísmo da lei.” (Alencastro, 2010, pp. 4-5) Assim, se muitos escravos 

eram legalmente livres na época em que se situa o enredo de “Pai contra mãe”, 

meados do século XIX, a justificativa de que o ofício de capturador de escravos 

fugitivos era um recurso para a garantia da lei e da propriedade faz figura 

acabada de contrassenso, sem prejuízo de estar fundada na prática brasileira, 

no capítulo de suas aberrações históricas. O próprio narrador, aliás, se refere a 

“escravo de contrabando” – o contrabando de escravos foi prática recorrente 

após a lei de 1831. 

Em face da escravidão ilegal, nem é preciso dizer que o arbítrio senhorial 

de estabelecer os castigos e a intensidade das pancadas, como o conto dá 

185


notícia, na contramão do ânimo ordeiro e legalista daquele que narra, além de 

desumano, constituía um desrespeito acintoso à ordem jurídica, assim como é 

algo dispensável lembrar as sequelas que tais práticas deixaram num país que 

tem como uma de suas chagas abertas a prática cotidiana da tortura principalmente 

nas cadeias, infligida a pobres e negros. 

A partir do sexto parágrafo a narração dá lugar à história de um homem 

com nome, sobrenome – Cândido Neves, o Candinho – e sua família. O 

quadro doméstico com suas agruras, com os dramas, alegrias, projetos de 

vida, movimentos cotidianos, oscilações dos indivíduos que o compõem, contrasta 

com as enunciações genéricas e impessoais de afirmações, observações, 

descrições anteriores, às quais entretanto se liga e as ilustra efetivamente, na 

medida em que o personagem mais destacado em “Pai contra mãe” dedica-se 

principalmente à atividade de pegar escravos. 

O foco exclusivo na situação de Candinho, ao longo do parágrafo em que 

o personagem é apresentado ao leitor, explicita a vida precária: pobreza e um 

rol de ocupações modestas exercidas e logo abandonadas, o que lhe caracteriza 

a instabilidade. Reveladora não apenas da dificuldade do personagem de 

manter-se nos diferentes ofícios que lhe cabem, mas da condição mesma do 

homem livre e pobre na sociedade escravista é a seguinte passagem: “A obrigação, 

porém, de atender e servir a todos feria-o na corda do orgulho (...)” 

(Assis, 1997, pp. 4-5). Estampa-se aqui o problema do universo do trabalho 

sem legitimidade social, o qual constitui um dos elementos da matéria social 

formalizada no conto (Rabello, s/d, p. 45). 

Juridicamente livre, mas de vida reduzida a condições mínimas o coloca em 

situação apenas um pouco acima da do escravo, Candinho sente seu orgulho 

ferido ao submeter-se a ofício cuja obrigação de “atender e servir” lhe impunha, 

dia após dia, a consciência de seu lugar social. Esse sentimento do personagem, 

que certamente está entre as principais razões de sua não aceitação 

de outras tantas ocupações, não deixa de constituir uma forma de resistência 

ao destino ditado pela estrutura social, na medida em que a “sociedade escravista 

tornava o homem livre um pária em sentido amplo, incluindo nisso suas 

186


expectativas quanto ao padrão de vida.” Assim, “o horizonte da vida de cada 

um era o horizonte da vida de todos, por sua vez delimitado pelo trabalho 

escravo.” (Cardoso, 2008, p. 87). Na mesma ordem de considerações, em 

livro clássico Joaquim Nabuco apontou que o “artífice, (...) para não ficar debaixo 

do estigma social que a escravidão imprime aos trabalhadores, procura 

assinalar o intervalo que o separa do escravo” (Nabuco, 1977, p. 160). Em 

suma, fere a suscetibilidade de Candinho o exercício de atividades nas quais 

o imperativo de servir torna nítida a lembrança de sua pequena distância da 

condição propriamente servil. 

Estará no centro da discussão familiar o problema da falta de trabalho 

constante, regular, a partir do momento em que Cândido Neves casa com a 

órfã Clara. A família constituída, de que faz parte uma tia da moça, é muito 

pobre: aos ganhos incertos do homem soma-se apenas a renda modesta das 

duas mulheres, cuja atividade é a de coser. O projeto de ter filhos tem como 

pré-condição imperiosa a obtenção de um emprego certo pelo esposo recente, 

como afirma reiteradas vezes, com percepção da realidade, a tia Mônica. 

Firme no papel de desmancha-prazeres, as intervenções desta contrastam vivamente 

com as assertivas pouco consequentes dos cônjuges quando passam a 

ter certeza de que um filho está a caminho. Ao desmontar o providencialismo 

da futura mãe – “Deus nos há de ajudar, titia” – e por estar na contramão do 

otimismo também providencialista lavrado em clichês linguísticos dos votos 

de felicidade de que se vale o narrador – “(...) era o fruto abençoado que viria 

trazer ao casal a suspirada ventura” –, a dureza realista das falas da tia é própria 

de quem não se contenta com ilusões e tem sempre presente o peso das 

urgências materiais da vida – “Vocês, se tiverem um filho, morrem de fome”; 

“Vocês verão a triste vida” (Assis, 1997, p. 6). 

Tia Mônica é alegre e muito amiga. Sua fala dura parece ser motivada exclusivamente 

por preocupações reais com a vida da sobrinha e de seu marido. 

No entanto essa boa senhora não critica o ofício de pegar escravos baseada 

em algum tipo de interdição moral ou razão humanitária, mas simplesmente 

porque era atividade inconstante, não proporcionava proventos regulares. Em 

187


nenhuma das vezes que tenta convencer Candinho a abandonar aquela ocupação, 

ela se mostra chocada com ou ao menos incomodada pelo fato de o rapaz 

restituir homens e mulheres ao domínio senhorial. 

Por sua vez Cândido Neves também parece ser boa pessoa, que quer apenas 

manter sua família e viver alegremente. Entretanto especializou-se num ofício 

bárbaro, que exerce com grande destreza. Não deixa de sentir orgulho disso, 

até mesmo de se glorificar: “(...) preto fugido sabe que comigo não brinca; 

quase nenhum resiste, muitos logo se entregam”; “Pegar escravos trouxe-lhe um 

encanto novo” (Idem, ibidem, p 7). A dignificação pelo trabalho, cara à ideologia 

burguesa, traduz-se aqui ferinamente na versão do caçador de escravos brasileiros 

a se comprazer com sua proficiência. O ofício o nobilita na medida em 

que permite distingui-lo dos cativos, os quais o temem e sobre os quais exerce, 

como homem branco e livre, seu poder. Uma espécie de agente da ordem (com 

todas as implicações contextuais que a deslegitimam, como vimos), a serviço 

dos proprietários, que vai “atrás do vicioso” (Idem, ibidem, p. 8). Essa percepção 

de si próprio em sua lida, motivo de orgulho, de que não deixam dúvida os 

regozijos íntimos de força, as projeções imaginárias de poder e importância, é 

o outro lado da moeda relativamente àquela já referida ausência de legitimidade 

no exercício de outros trabalhos, que é a razão pela qual, em clave oposta, 

o orgulho do personagem se fere. Não obstante a ocupação de pegar cativos 

constituir meio de afirmar seu lugar entre os livres, o regozijo de Cândido não 

passa efetivamente de uma forma de compensação imaginária de força e poder, 

porque só se objetiva como um modo de subordinação aos proprietários. 

A certa altura tais habilidades para pegar escravos não são mais suficientes 

para sequer manter a vida modesta, porque aumenta a quantidade de desempregados 

no ofício: “No próprio bairro havia mais de um competidor” (Idem, 

ibidem, p.8). Homens sem posses em concorrência feroz por seu ganha-pão, 

armam-se de uma corda e vão “à caçada” – esta a palavra usada, cuja primeira 

acepção, perseguir para aprisionar e matar animais, ajusta-se bem à desumanidade 

de uma alternativa de trabalho pela qual proletários competem em 

ambiência escravista. 

188


Os apuros da necessidade levam Candinho a tomar por fugitivo “escravo 

fiel que ia a serviço de seu senhor” e até mesmo “certa vez capturou um 

preto livre”. O engano do personagem, visto em contexto histórico, não é 

caso isolado, fortuito, mas uma manifestação do que Luiz Felipe de Alencastro 

chamou de “terror escravagista”, que ameaçava qualquer indivíduo 

negro – escravo a serviço ou livre a exercer seu direito de circular pelas 

ruas do Rio de Janeiro e na região circunvizinha – de ser confundido com 

os cativos fugidos. Assim, como se explicita nas vicissitudes da labuta do 

proletário machadiano, “[s]eu trabalho propaga o terror entre os negros e 

constitui uma lembrança permanente da presença da instituição [da escravidão]” 

(Alencastro, 2005). 

A situação de dificuldades materiais crescentes, na qual se dão a gestação do 

menino e seu nascimento, acentua o drama familiar. Vemos Candinho contra 

o cerco da penúria, acossado pelas dívidas, pela escassez de mantimentos, pela 

ameaça de despejo. É comovente sua luta para salvar seu rebento do destino de 

ser entregue à Roda dos enjeitados, segundo conselho da sempre pragmática 

Tia Mônica. A experiência de sentimentos contraditórios vivida por ele, ao 

nascer o filho e em face de sua aspiração mais que legítima de criá-lo, dá a 

medida da iniquidade social de que é vítima e contra a qual luta: “(...) nasceu 

a criança. A alegria do pai foi enorme, e a tristeza também” (Assis, 1997, p. 

11). Todavia suas esperanças de superação de tais adversidades são nutridas 

pela perspectiva de fazer, uma vez mais, o trabalho que o torna parte funcional 

do sistema escravista em prol dos proprietários, contra o cativo, aquele 

que está no último degrau da sociedade. Nos antípodas de sua condição proletária, 

quando se encontra no encalço de uma de suas mais desejadas vítimas 

em potencial, a experiência vicária que o faz apropriar-se imaginariamente de 

e mimetizar certos códigos de conduta da classe proprietária, com a qual se 

identifica então, é a expressão máxima daquele orgulho que sente ao exercer o 

ofício pelo qual submete o escravo a seu poder e dele se distingue: “Cândido 

Neves parecia falar como dono da escrava, e agradeceu cortesmente a notícia” 

(Idem, ibidem, p. 11). 

189


As cenas seguintes seguem nesse regime de contrastes, agora entre o sofrimento 

do pai amoroso, no momento muito duro de entrega do recém- 

-nascido à Roda, e a determinação inflexível, desapiedada do caçador de 

escravos quando domina implacavelmente sua vítima. Ele passa da indisfarçável 

“dor do espetáculo”, ao ver o menino pronto para ser levado, à 

comoção “enorme” de alegria e esperança, ao avistar a mulata Arminda, a 

escrava fugida por cuja captura a recompensa é tentadora. Na verdade, ao 

mesmo tempo decorrência e índice da força da ordem escravocrata, trata- 

-se de incompatibilidade completa entre um proletário e uma escrava: as 

alegrias, dores, aspirações, projetos de vida de ambos são inconciliáveis, 

vigoram ou têm virtualidade apenas em chave antagônica. Mais concretamente, 

o enfrentamento de Candinho e da grávida Arminda, que esclarece 

o título do conto, significa a possibilidade aberrante da negação recíproca 

de direitos elementares entre um desvalido e alguém que não possui sequer a 

condição jurídica de livre: criar o filho com recursos próprios, como deseja 

o pai Candinho, e dar ao filho o direito à vida, do ângulo da mãe Arminda. 

Nesse sentido, com incidência da ironia machadiana em registro trágico no 

fim das contas, o antagonismo violento revoga enfaticamente a comunhão 

(vital, humana, natural, de afetos) da condição de ambos como progenitores, 

para a qual apela em vão a escrava em desespero: “Estou grávida, meu 

senhor! Se Vossa Senhoria tem algum filho, peço-lhe por amor dele que me 

solte (...)” (Idem, ibidem, p. 13). 

A determinação inabalável do pai, como caçador de escravos, contra a luta 

aterrorizada da mãe por sua libertação explicita a violência que se dá à luz do 

dia, por diferentes ruas e logradouros da cidade do Rio de Janeiro, cujos nomes 

o narrador registra como a indicar vínculos entre a barbárie e um espaço 

urbano que apresentava a maior concentração de escravos das Américas, submetidos 

a severo controle: toque de recolher, prisões e toda sorte de crueldade 

policial (Alencastro, 2.005). Por ser assim, Arminda sabe da inutilidade do 

grito para ela, mulata, nas vias de uma cidade aparelhada contra sua condição: 

“A escrava quis gritar, parece que chegou a soltar alguma voz mais alta que de 

190


costume, mas entendeu logo que ninguém viria libertá--la, ao contrário”. E a 

reprodução da brutalidade, naturalizada quase como parte constituinte dos 

costumes urbanos, expõe-se inteira na atitude de quem presencia a captura: 

“Quem passava ou estava à porta de uma loja, compreendia o que era e naturalmente 

não acudia” (Assis, 1997, p. 13, grifo meu). 

À mãe derrotada, o cativeiro e o aborto; ao pai vitorioso, a recompensa e o 

filho recuperado. A óbvia paráfrase que faço da famosa passagem do romance 

Quincas Borba, enunciada pelo personagem-título – “Ao vencido, ódio ou compaixão; 

ao vencedor, as batatas” (Idem, 1997 b, p. 9) –, não é gratuita, porque 

a fala de Candinho, que encerra o conto, tem certa afinidade com as palavras 

do filósofo maluco: constitui, em face do confronto cruel, uma espécie de versão 

proletária do predomínio dos mais fortes convertido em ideologia: “Nem 

todas as crianças vingam” (Idem, 1997, p. 14). 

Em primeiro plano, dado o embate do entrecho, o mais forte é o proletário 

contra a escrava. Entretanto, em instância última, o vencedor evidente é o 

dono de escravos, pois se trata da “contribuição do homem pobre e livre na 

perpetuação da mentalidade escravagista”, como anotou Cilaine Alves Cunha 

(Cunha, 2006, p. 33). Logo na sequência da citação acima a ensaísta faz uma 

observação sobre o conto “Pai contra mãe” que chamou minha atenção para 

o paralelo possível com a palavra de ordem de Quincas Borba, “Ao vencedor, 

as batatas”: “Em ‘Pai contra mãe’, [Machado de Assis] flagra a contraditória 

absorção, por essa camada social [a dos pobres e livres], da violência gerada 

pela escravidão, assim da ideologia positivista segundo a qual apenas os fortes 

sobrevivem”. 

Como vimos, o ofício de caçador de escravos tinha certa “nobreza”, segundo 

o narrador, por contribuir para manter a lei e a propriedade, assim como 

o marido de Clara vê-se como aquele que vai “atrás do vicioso”. Diga-se 

ainda que todo o proceder de Candinho, como caçador de escravos, contra 

Arminda investe-se de coerência inquebrantável com tais pressupostos e 

autoatribuições. Além da insensibilidade aos rogos da cativa, ele é capaz de 

dizer coisas como: “– Você é que tem culpa. Quem manda fazer filhos e fugir 

191


depois?” (Assis, 1997, p. 13). A boa tia Mônica também não deixa de dizer 

“algumas palavras duras contra a escrava, por causa do aborto, além da fuga” 

(Idem, ibidem, p. 14). Mas é a última fala de Candinho, já citada, que encerra 

o conto (“Nem todas as crianças vingam”), aquela que mais impressiona por 

sua inspiração senhorial – uma frase que poderia ter saído da boca do mais 

cínico proprietário em defesa de seus interesses escravagistas. 

Como já foi apontado por vários críticos, o Humanitismo é uma sátira 

de Machado ao florescimento oitocentista de ismos, cujo objeto mais explícito 

é o positivismo comtiano. Há também outras alusões, entre as quais 

o darwinismo social, este satirizado nas teses da luta de todos contra todos, 

que ecoam a struggle for life spenceriana. Quanto à apropriação das ideias de 

Spencer (“Ao vencedor as batatas” é provavelmente a versão machadiana da 

survival of the fittest do filósofo inglês), Roberto Schwarz sugere que a principal 

voltagem cômica do intento satírico “talvez esteja nas relações entre a 

doutrina e o ambiente social que ela encontrava no país” (Schwarz, 1990, 

pp. 155-156.). A filosofia spenceriana, aquele “produto do industrialismo 

inglês”, segundo Richard Hofsstadter (apud Schwarz, idem, p. 155), aclimatada 

pelo Humanitismo, mudava de significado nas condições brasileiras, 

nas quais vigorava a escravidão, e indivíduos como Quincas Borba e Brás 

Cubas não tinham de se submeter à competição universal preconizada pela 

doutrina prestigiosa. Não obstante, as ideias humanitistas “atestavam a tintura 

moderna – filosófica e científica – de dois figurões; davam justificativa 

ilustrada à indiferença dos ricos pelo destino de seus dependentes” (Idem, 

ibidem). Um modo de afirmar superioridade e legitimar privilégios. 

Ainda mais perturbador é o parentesco entre a palavra de ordem de 

Quincas Borba e frase de um proletário que sintetizaria os significados, 

numa espécie de moral da história, de seu embate com uma escrava em “Pai 

contra mãe”. “Nem todas as crianças vingam” é uma frase cruel, que toma 

a violência como dado natural, afirma a indiferença pelas crianças que não 

vingam, proclama vitória – registre-se que um dos sentidos figurados do 

verbo “vingar” é o de sair vencedor. Com efeito, por trás dessa constatação 

192


que falseia a desigualdade ao naturalizá-la, está a defesa da ordem social 

por uma de suas vítimas, mas que também, sintomaticamente, exerce seu 

papel no terror escravagista, não deixa de ser uma peça na engrenagem da 

escravidão. Se há descompasso entre a celebração da vitória e a manutenção 

da situação precária, provisória (nada garante que não tenha logo de levar o 

filho de volta à Roda), isso não impede Candinho de gozar o triunfo momentâneo 

e não perder a oportunidade de, mais uma vez, mostrar-se acima 

do escravo sem direitos de constituir família estável, objetivo pelo qual ele 

pode ao menos continuar lutando. 

A anotar ainda que sua responsabilidade direta no aborto se desmancha 

como problema, na medida em que se vale de uma espécie de máxima que 

revelaria um conhecimento mais ou menos cristalizado da experiência, pautado 

pelas contingências, pela não consideração das circunstâncias concretas 

da captura (que são também social e historicamente fundadas), pela naturalização 

da brutalidade, pela ideia geral que subsume o caso específico. 

Toda a insensibilidade cínica das asserções do narrador nos primeiros parágrafos 

traduz-se e sintetiza-se, de certo modo, nessa fala que encerra o conto, 

a qual expõe a insensibilidade de alguém que, não obstante contar entre os 

dominados, se compraz com o resultado trágico de sua própria ação contra 

uma escrava e seu rebento, uma vez que tal desfecho o favoreceu. Cabe a ressalva 

de que agora não há as ambiguidades detectadas nos comentários do 

narrador. Difícil imaginar fala mais dura para finalizar um dos contos mais 

acerbos de Machado de Assis. 

Referências Bibliográficas 

Alencastro, Luiz Felipe. “Racismo e cotas”. Folha de S. Paulo, Mais!, 07 03 2010, pp. 

4-5. 

_____. “‘Pai contra mãe’: o terror escravagista em um conto de Machado de Assis”. 

2005. Disponível em http: //www.freud-lacan.com/articles/article.php?url _ 

article=lpdealencastro141105. Acesso em 03 de janeiro de 2011. 

193


Assis, Machado de. “Pai contra mãe”. In: Relíquias de casa velha. São Paulo: Editora 

Globo, 1997 [1906], pp. 3-14. 

_____. Quincas Borba. São Paulo: Editora Globo, 1997 b [1891]. 

Cardoso, Adalberto. “Escravidão e sociabilidade capitalista: um ensaio sobre inércia 

social”. Novos estudos – CEBRAP n. 80. São Paulo, março de 2008, pp. 71-88. 

Cunha, Cilaine Alves. “Tristezas de uma geração que termina”. Revista Teresa 6-7. 

Programa de Pós-graduação da Área de Literatura Brasileira da USP. São Paulo: 

Ed. 34; Imprensa Oficial, 2006, pp. 32-55. 

Nabuco, Joaquim. O abolicionismo. 4.ª ed. Petrópolis: Vozes, 1977. 

Rabello, Ivone Daré. “Máximo, múltiplo, incomum”. Revista Entrelivros – n. 10, 

edição especial sobre Machado de Assis. São Paulo: Duetto Editorial, s/d, pp. 

42-47. 

Schwarz, Roberto. Um mestre na periferia do capitalismo: Machado de Assis. 2.ª ed. São Paulo: 

Duas Cidades, 1990. 

194


Visita dos Acadêmicos 

Olavo Bilac e Coelho Neto 

O dia em que o interior do estado de 

São Paulo recebeu os dois imortais 

Rodrigo Rossi Falconi 

Foi uma verdadeira apoteose a recepção que tiveram em São João 

da Boa Vista, no interior do Estado de São Paulo, em 1901, o 

poeta Olavo Brás Martins dos Guimarães Bilac e o escritor Henrique 

Maximiano Coelho Neto, brilhantes literatos, já naquele momento 

considerados verdadeiras glórias do Brasil e que se haviam tornado, 

quatro anos antes, fundadores da Academia Brasileira de Letras. 

A convite do Presidente do Centro Recreativo Sanjoanense, Coronel 

João Osório de Andrade Oliveira, e a instâncias do médico 

Dr. Pedro Sanches de Lemos, de Poços de Caldas, acompanhados 

do referido facultativo, do Comandante Arthur Affonso de Barros 

Cobra, de Henrique Leite Ribeiro e de João Corrêa Pacheco, os 

ilustres literatos chegaram a São João da Boa Vista no dia 7 de abril 

de 1901, às 11 horas da manhã, partindo pouco depois das 9 horas 

de Poços de Caldas, cidade mineira onde estiveram em tratamento 

médico. 

195 

Médico formado 

pela Universidade 

de São Paulo, 

membro-fundador 

da Sociedade 


História da 

Medicina e 

membro da 

Associação 


Pesquisadores 

de História e 

Genealogia, da 

Associação Médica 

Ítalo-Brasileira, 

da Sociedade 


Médicos Escritores 

e da Academia de 

Letras de São João 

da Boa Vista


Na Estação Ferroviária de São João da Boa Vista, da Companhia Mogiana 

de Estradas de Ferro, inaugurada em 1886, pelo Imperador Dom Pedro II, 

que estava repleta de admiradores, Olavo Bilac e Coelho Neto foram aclamados 

à proporção que o trem chegava, impulsionado pelo movimento uniformemente 

retardado. 

Assim que desembarcaram, foram abraçados e felicitados por um grande 

número de amigos que os esperavam, entre os quais estavam o Coronel José 

Procópio de Azevedo Sobrinho, Coronel João Osório de Andrade Oliveira, 

Coronel Domingos Theodoro de Azevedo Sobrinho, Major José Affonso de 

Barros Cobra, Tenente-Coronel Laurentino Proença, José de Quadros Pacheco, 

Joaquim Teixeira da Silva Monteiro, entre outros, bem como grande parte 

da generosa e adiantada mocidade de São João da Boa Vista. 

Da estação seguiram os visitantes pela Rua São João, acompanhados por 

grande massa popular, em direção ao Centro Recreativo Sanjoanense, fundado 

em 1898, passando em frente ao imponente prédio do Fórum e Cadeia, 

construído em 1887. Ao entrar no recinto do majestoso edifício do clube que 

fazia honra ao estado de São Paulo, a recepção que lhes fizeram e as aclamações 

de que foram alvo corresponderam aos desejos de todos os envolvidos 

com o momento histórico para a cidade e região. 

Ao subirem a escada do elegante alpendre que dava ingresso ao Centro Recreativo 

Sanjoanense, ao mesmo passo em que eram aplaudidos, Olavo Bilac 

e Coelho Neto foram cobertos de flores oferecidas pelas senhoras, que soem 

abrilhantar a ilustrada sociedade de São João da Boa Vista, tocando, nesse 

momento, escolhida peça musical, a filarmônica da instituição. 

Após alguns instantes, e passada a emoção do primeiro momento, fez uso 

da palavra o advogado Dr. Theophilo Ribeiro de Andrade, que, em nome do 

clube, felicitou os ilustres hóspedes e parabenizou a casa que tinha a subida 

honra de abrigar em seu seio, naquele dia para sempre memorável nos seus 

anais, tão brilhantes visitantes, tendo sido o discurso do respeitável causídico 

recebido em meio da mais delirante aclamação. 

Em seguida, falou o poeta Olavo Bilac, tomando para assunto de sua brilhante 

oração a viagem de Poços de Caldas a São João da Boa Vista, ocasião 

196

Visita dos Acadêmicos Olavo Bilac e Coelho Neto 

em que pôde observar, logo que o trem entrou no território paulista, em terras 

sanjoanenses, o que podia a atuação humana sobre uma terra fértil, palpitante 

de vida e riqueza. Na cidade, simbolizada no Centro Recreativo Sanjoanense, 

o imortal, depois denominado de “Príncipe dos Poetas”, admirou a civilização, 

em toda pujança da sua força, manifestando-se sob todos os aspectos das 

atividades do espírito humano. 

Seguiu-se o escritor Coelho Neto, abundando nas ideias do seu notável e 

querido irmão espiritual, sendo ambos os discursos, que foram verdadeiros 

primores de eloquência, de forma e do mais acrisolado patriotismo, aplaudidos 

entusiasticamente pelas senhoras e por todos os cavalheiros presentes. 

A esposa de Joaquim Teixeira da Silva Monteiro afirmou: “Não é possível 

falar melhor. Isto encanta”. Já o senhor João Ribeiro Machado disse: “Quando 

se ouve falar Olavo Bilac, sente-se a alegria de viver”. 

Após aquele primeiro momento, partiram para o Hotel Central, na esquina 

das Ruas Saldanha Marinho e Visconde do Rio Branco, próximo à Igreja Matriz, 

onde foi servido o almoço, às 12 horas e 30 minutos, que se prolongou 

até as 14 horas, tendo sido, na opinião dos presentes, “um banquete pantagruélico, 

luculino e homérico”. 

Muitos foram os discursos proferidos, sendo a palavra concedida pelo Comandante 

Arthur Affonso de Barros Cobra, que foi o clou da festa. O Dr. 

Theophilo de Andrade e o solicitador Thiers Galvão de França referiram-se à 

obra dos visitantes em palavras repassadas da mais pura eloquência e do mais 

alevantado patriotismo, tendo o último, que alguns anos depois tornou-se pai 

de Patrícia Rehder Galvão, a famosa Pagu, pedido a Coelho Neto e Olavo 

Bilac, em nome das senhoras presentes, que permanecessem na cidade durante 

o restante daquele dia, dando assim ocasião de serem elogiados e vistos pela 

sociedade de São João da Boa Vista como merecia, o que, para sorte dos sanjoanenes, 

foi prontamente aceito. 

Em seguida, falou o Dr. Pedro Sanches de Lemos, saudando o Coronel 

João Osório de Andrade Oliveira, Presidente da Diretoria do Centro Recreativo 

Sanjoanense, alma sempre aberta a todos os nobres cometimentos 

e a todas as generosas ideias, que tinham por alvo o engrandecimento da 

197


Comarca de São João da Boa Vista, em cuja obra meritória e benéfica era 

sempre auxiliado por sua esposa, Dona Maria Azevedo de Andrade Oliveira. 

Falaram também Olavo Bilac, Coelho Neto, o engenheiro Dr. Luiz Gambetta 

Sarmento, o Major Antonio Sarmento e outros senhores, sendo todos freneticamente 

aplaudidos. 

Nesta ocasião, Olavo Bilac desdobrou o programa do socialismo coletivista, 

ao saudar os fazendeiros Coronéis João Osório de Andrade Oliveira e José 

Procópio de Azevedo Sobrinho: 

“A estes notáveis cidadãos, que só davam à Comarca de São João da 

Boa Vista ótimos exemplos, ensinando ao povo que ninguém subia senão à 

custa do próprio esforço e da própria iniciativa, dando sempre a mão aos 

que eram capazes de trabalho e prosperidade, ao invés de outros que limitavam 

sua ação piedosa à esmola, coisa repulsiva e abjeta, que já passara em 

julgado, em nome da Ciência e em nome da Civilização”. 

O maranhense Coelho Neto concluiu fazendo um brinde às senhoras presentes, 

produzindo naquele momento uma das mais belas páginas literárias de 

sua nobre vida. Embora na ocasião não houvesse um taquígrafo que pudesse 

apanhar a bela oração do ilustre literato, alguns dos aspectos do discurso puderam 

ser registrados, tendo o escritor feito a apologia da arte, mostrando que 

calvário tinha que subir o artista em terras do Brasil, ele que não pertencia a 

este mundo, como todos os artistas, encarregado pela Providência de destacar 

da monotonia da vida de todos os dias os pedaços de ideal, que lhe mesclavam 

o andamento, para levá-lo ao céu, trazendo-o consagrado por Deus. Afirmou 

ainda que, felizmente, em meio de todas as dificuldades da vida e das impurezas 

da realidade, que cercavam o artista no Brasil, ele tinha para confortá-lo 

e animá-lo as senhoras brasileiras, que, a exemplo do que fizeram as mulheres 

dos que outrora combatiam contra os emboabas, somente davam hospedagem 

em suas casas aos vencedores dos inimigos da sua pátria. O efeito produzido 

pelas palavras do notável romancista provocou uma ruidosa manifestação de 

entusiasmo que impressionou a todos os presentes. 

198


Depois de um curto período de repouso, os ilustres visitantes dirigiram-se 

à residência do Coronel João Osório de Andrade Oliveira, na avenida Dona 

Gertrudes (hoje sede social do Palmeiras Futebol Clube), onde foi servida 

uma lauta mesa de doces, com champanha e cerveja à profusão. 

Nesta ocasião, Olavo Bilac, a pedido das senhoras presentes, recitou um 

belo soneto, e João dos Santos fez um esplêndido discurso em honra aos visitantes, 

o qual agradou extraordinariamente, tendo Coelho Neto afirmado, a 

propósito da magnífica peça oratória de João dos Santos: “Este homem falou 

tão bem que foi para mim uma verdadeira revelação”. 

Em seguida, o médico Dr. Pedro Sanches de Lemos saudou o fazendeiro e 

líder republicano local Coronel Joaquim José de Oliveira, como o “Patriarca 

de São João da Boa Vista” e o “Homem mais repassado de espírito cristão que 

ele conhecia”, sendo seu discurso muito aplaudido por todos. 

Finalizando a visita com um breve mas enfático discurso, o anfitrião Coronel 

João Osório, dirigindo a saudação de honra a Coelho Neto e Olavo Bilac: 

“Fostes recebidos aqui com todas as honras e em meio das nossas melhores 

e maiores galas, porque sois aristocratas do pensamento, e é essa a única aristocracia 

que respeito e admiro”. 

Estas belas palavras foram cobertas de bravos, tendo alguém afirmado que: 

“O Rio Grande do Sul não caminha na vanguarda de todos os Estados 

da República senão porque é governado discricionariamente por um aristocrata 

do pensamento, o Senhor Júlio de Castilhos”. 

Após visitarem a residência do Presidente do Centro Recreativo Sanjoanense, 

foram aos palacetes do Coronel Gabriel José Ferreira (hoje ocupado 

pelo prédio do Banco Itaú), na esquina da Praça da Igreja Matriz com a Rua 

São João (hoje Rua Getúlio Vargas), do Coronel Christiano Osório de Oliveira, 

(hoje sede da Diocese de São João da Boa Vista), na esquina das Ruas General 

Osório e São João, e, finalmente, do Coronel Joaquim José de Oliveira 

199


(hoje Museu Histórico Municipal), na esquina da Praça da Matriz com a 

Rua Quintino Bocaiuva (hoje Rua Benedito Araújo). Em todas as residências, 

foram os visitantes sempre carinhosamente recebidos, tendo na residência de 

Gabriel Ferreira falado Olavo Bilac, que recitou um belo soneto, e o Dr. Pedro 

Sanches, que saudou o dono da casa como um dos mais adiantados fazendeiros 

de São João da Boa Vista. Após deixarem a residência de Joaquim José, 

onde foi feito o mais cordial e rasgado acolhimento, os escritores retornaram 

ao Hotel Central, onde descansaram e jantaram. 

O Dr. Theophilo Ribeiro de Andrade, em eloquente discurso, convidou os 

cidadãos presentes a se dirigirem ao Centro Recreativo Sanjoanense, cuja Diretoria 

oferecia um baile a Coelho Neto e Olavo Bilac. Logo que os circunstantes, 

em crescido número, aparelharam-se para partir, o Major José Affonso 

de Barros Cobra deu um viva à Nação Brasileira, rompendo o Hino Nacional, 

executado pela banda de música local. 

Os visitantes dirigiram-se para o clube, acompanhados de grande massa 

popular e ao som da música, sendo recebidos no radiante edifício por vivas 

e repetidas aclamações. Logo que chegaram, o Dr. Reichert, promotor público 

da Comarca de São João da Boa Vista, fez, em eloquente discurso, uma 

apologia aos ilustres literatos, sendo muito apreciado. Olavo Bilac saudou o 

Maestro Aquilino de Mello, em quem descobriu ares de Carlos Gomes, tal 

era a nota artística que de sua fisionomia se desprendia, nota artística que, 

segundo ele, o brasileiro punha em tudo, indício da superioridade do povo 

sobre os portenhos, onde não havia resquício de arte. Em seguida, Coelho 

Neto, também saudando o Maestro Aquilino de Mello, fez uma bela página 

literária a respeito da música, sendo delirantemente aplaudido. 

O baile foi deveras concorrido, nele estando presente a mais distinta e seleta 

sociedade de São João da Boa Vista, ostentando as senhoras e senhoritas 

presentes ricas toaletes, sendo todos prodígios de atenções e gentilezas para 

com os ilustres hóspedes. Bilac recitou as magníficas poesias “O corvo”, de 

Edgard Alan Poe, e “Dueto da noite”, de sua lavra, que muito agradou a 

todos. As danças prolongaram-se até tarde da noite, sendo servida elegante 

e rica mesa de chás e doces, retirando-se todos contentes e certos de que, na 

200


esteira de seus passos, ficaria um rastro de luz, a cuja sombra se abrigariam, 

para todo o sempre, aqueles que um dia fossem alvos dos carinhos, das gentilezas 

e da extraordinária cortesia do povo de São João da Boa Vista. 

No outro dia, 8 de abril de 1901, antes da partida, pela manhã, visitaram 

o jornalista Silviano Barbosa, proprietário do hebdomadário Cidade de São João, o 

único então existente em São João da Boa Vista, fundado em 1891, o médico Dr. 

Francisco Carneiro Ribeiro Santiago, que foi saudado por Olavo Bilac, e a Câmara 

Municipal, onde seu Presidente, Dr. Theophilo de Andrade, saudou os convidados, 

tendo respondido Olavo Bilac, que fez a apologia do Município, célula da 

Federação, que, por sua vez, era a garantia da liberdade e da ordem, simbolizadas 

na Constituição da República do Brasil, padrão de tolerância e piedade, tanto que 

em frente dos retratos dos presidentes que haviam governado o país estava o do 

Imperador Dom Pedro II, o que indicava, da parte do povo de São João da Boa 

Vista, o exemplo da compreensão dos altos destinos dos povos cultos. 

Saindo da Rua Benjamin Constant, onde residia o Dr. Francisco Santiago, 

desceram pela Rua São João em direção à Estação Ferroviária, onde os aguardava 

agradável surpresa, pois, ao lado dos cavalheiros da sociedade sanjoanense, 

foram despedir-se as distintas senhoras e senhoritas da aprazível e civilizada 

cidade. Olavo Bilac e Coelho Neto não puderam conter-se, saudando as 

mulheres presentes, na sala de espera da Estação, com palavras comoventes e 

repassadas da mais fina cortesia, sentindo dentro da alma todas as dores do 

terrível momento da hora da partida. 

Dentro do trem, debruçados nas janelas, enquanto aguardavam o silvo da locomotiva 

que os levaria de volta à cidade de Poços de Caldas, no estado de Minas 

Gerais, Henrique Leite Ribeiro, fazendo de pregoeiro, colocou à venda uma garrafa 

de cerveja Antártica, em benefício do hospital da Santa Casa de Misericórdia 

de São João da Boa Vista, que rendeu 60$000, sendo rematada pelo Comandante 

Arthur Cobra. Ato contínuo, Henrique Ribeiro pôs em leilão um copo, que ele 

mesmo rematou pro 50$000. Os 110$000 foram entregues ao Coronel Domingos 

Theodoro de Azevedo Sobrinho para dar-lhes o conveniente destino. 

Na Estação Ferroviária esteve também o Coronel José Jacintho do Amaral 

Pinto, a quem pretendiam visitar em sua residência, na esquina ao lado do 

201


palacete do Coronel Gabriel Ferreira, mas que não houvera tempo de corresponder 

à visita. 

A locomotiva silvou, depois do sinal da partida dado pelo condutor, levando 

Olavo Bilac e Coelho Neto em direção ao território mineiro, em meio de 

estrepitosos vivas, com a alma combalida e o coração despedaçado de saudades, 

certos de que o povo de São João da Boa Visa sabia ser fidalgo e receber 

condignamente os visitantes. 

No livro de presença do Centro Recreativo Sanjoanense, que depois seria 

destruído por um incêndio na década de 1950, o poeta Olavo Bilac deixou 

assinalado: 

“O que mais encanta nesta casa não é a sua elegância nem a sua beleza, 

porque tudo quanto é paulista tem este mesmo cunho de progresso e de arte: 

o que mais cativa aqui é o carinho com que são tratados os visitantes. Também, 

quem poderá jamais esquecer as horas que passou no Centro Recreativo? Não 

as esqueceremos nós, porque levamos daqui o coração cheio de saudade...”. 

Já o escritor Coelho Neto escreveu: 

“Aqui cheguei enfermo e daqui saio saudoso. Melhor fora não ter vindo, 

porque se a minha moléstia tem cura, a saudade é incurável”. 

Como bem destacou alguns anos depois o advogado Dr. José Osório de 

Oliveira Azevedo, filho do Coronel Domingos Theodoro de Azevedo Sobrinho, 

o Centro Recreativo Sanjoanense muito se esmerou em bem receber os 

ilustres hóspedes e para se avaliar o que foram as festas e homenagens a eles 

prestadas, ficou o registro das impressões do médico Dr. Pedro Sanches de 

Lemos, também consignadas no citado livro de atas do clube: 

“Por iniciativa minha, trouxe a esta esplêndida casa os meus ilustres amigos 

e eminentes brasileiros, Olavo Bilac e Coelho Neto, correspondendo ao 

apelo que à minha pessoa dirigiu o ilustre presidente da Diretoria do Centro 

Recreativo, o amável Senhor João Osório de Andrade Oliveira. Volto para 

202


Poços de Caldas deslumbrado com a extraordinária recepção que aqui fizeram 

aos meus ilustres amigos e ela dá a exata medida do alevantado espírito e 

das excelências do coração da sociedade de São João da Boa Vista”. 

Os dois imortais da Academia Brasileira de Letras, Olavo Bilac e Coelho 

Neto, muito empolgaram a todos os moradores de São João da Boa Vista, que 

tiveram a sorte de ouvi-los, com seus discursos e declamações, sempre arrebatando 

o seleto auditório com a arte em que eram mestres. 

Alguns dias depois da visita, o hebdomadário Cidade de São João prestou uma 

homenagem aos dois notáveis vultos da literatura brasileira com um número 

especial, em 17 de abril, que se tornou a principal fonte de informações sobre 

aquele momento histórico, através do artigo “A apoteose”, assinado por P. S., 

e que contou com diversos colaboradores, como João Antonio de Oliveira, 

que publicou o texto “Coelho Neto e Olavo Bilac”: 

“Contemplar a esses dois astros no firmamento da literatura nacional é 

adorar o sol dominando o infinito azulado do céu. 

E, se o sol deslumbra essa essência de seus fogos, qual é a vida da Natureza, 

Neto e Bilac rebrilham na majestade da eloquência, palpitando na 

escrita ou na voz, como a protoforça da atividade cerebral. 

Eles personalizam a eloquência. 

Deus infundiu na natureza do homem três aptidões: a pintura, a música e a 

eloquência, tendentes ao gozo da imaginação e do coração; mas a eloquência é 

a síntese de suas irmãs; porque se o painel fere a retina e arrebata a imaginação; 

se a lira penetra como um fluido, no conduto auditivo e comove e plenifica o 

coração; o verbo abrasa e espiritualiza, acabando por dominar a razão. 

A eloquência descreve, como o pincel, a erva que é o verdadeiro tapete 

das campinas e o roble, que é o titão da natureza vegetativa, cobrindo com 

o dossel da sua fronde a crista da montanha em cujo sopé ele encravou suas 

raízes; a flor do prado embalsamando o ambiente, rediviva na pérola do 

orvalho engastada na corola e o colibri que a beija e adora; o musgo que se 

dependura das paredes como a vida brotando da morte. 

203


Como a lira, tem revoadas de alegria que expandem a alma em acordes 

de amor; fala ao coração ternuras e segredos que encantam e derrama em 

nossas feridas o bálsamo que tonifica. 

A eloquência é a orquestra misteriosa da humanidade. 

Neto e Bilac têm na palavra o pincel e a lira.” 

Com o título de “Olavo Bilac e Coelho Neto”, o Dr. Octaviano Carlos de 

Azevedo, promotor de justiça, que depois se tornaria intendente municipal 

em São João da Boa Vista, escreveu: 

“A literatura é a mais elevada expressão do sentimento e do pensamento 

de um povo, e a observação tem demonstrado que o renascimento das literaturas 

precede o renascimento das nacionalidades. 

A Ilíada e a Odisseia são as mais belas pinturas da civilização helênica; a alma 

espanhola vibra toda nas páginas admiráveis do Dom Quixote de La Mancha; o 

gênio italiano reflete-se em Petrarca e Dante; o Brasil vive nos versos de Varela, 

de Álvares de Azevedo, de Castro Alves e de Gonçalves Dias. 

Eis a razão por que não pode haver quem ame verdadeiramente a literatura 

desta terra, que deixa de render um preito de admiração a Olavo Bilac 

e a Coelho Neto, dois talentos másculos, duas organizações superiores, que 

honram o Brasil mental. 

Bem poucos, como eles, manejam com tanta correção essa língua de 

ouro e cristal, que o gênio de Luís de Camões imortalizou. 

Olavo, continuador das gloriosas tradições daqueles extraordinários bardos, 

que se chamaram Fagundes Varela, Álvares de Azevedo e Gonçalves 

Dias, é o poeta por excelência, cuja fantasia muitas vezes o leva à ambição 

de ser a concha nacarada, que dorme no fundo dos mares, e outras a alçar 

a fronte para as estrelas e ouvir-lhes as divinas harmonias. 

É mais o cronista adorável, cuja pena, qual dourada borboleta, adeja por 

sobre os fatos e as coisas, apanhando nos mínimos detalhes da vida a nota 

séria ou humorística. 

204


Coelho Neto forma com Alencar e Taunay uma trindade de geniais pintores 

de nossa esplêndida natureza em seu conjunto de cores, de tons e de 

luz; no romance, o seu talento de fino psicologista se revela de um modo 

assombroso, superior a Catulle Mendes; os seus contos determinam sensações 

tão intensas como se ouvíssemos essas ideais e divinas serenatas onde 

Schubert e Gounod vazaram todas as suas inspirações; no drama nos deu 

dentre outras essa obra-prima Ao luar, que o coloca ao lado de Ibsen e de 

Shakespeare. 

Não é, pois, sem razão, que Sílvio Romero o considera o mais fecundo 

dos escritores brasileiros e como um dos melhores manejadores da língua 

portuguesa. 

Olavo Bilac e Coelho Neto são, pois, duas poderosas organizações cerebrais. 

Ambos revestem a frase de uma forma tão correta, que resiste à mais poderosa 

das críticas: parece que despendem no torneio da palavra a mesma 

soma de tenacidade dos artistas japoneses na confecção de seus vasos. 

Apesar de unidos solidariamente pelo mesmo amor cultural ao belo, 

não deixa, entretanto, de existir entre esses dois temperamentos notáveis 

diferenciações. 

Em Olavo Bilac, vibra uma alma cheia de sonhos e de esperanças, como 

a de Alfred de Musset, o poeta da juventude apaixonada e sonhadora; em 

Coelho Neto, vibra também uma grande alma, mas uma alma que padece. 

O primeiro, do Parnaso, volve a fronte para a Via Láctea, onde se engastam 

camândulas de estrelas; o segundo vai também até os astros, mas ama 

embrenhar-se pelos sertões adustos da Pátria, onde o sol que derrama 

poeiradas de ouro não o impede de contemplar a tristeza das taperas, de 

ouvir a voz do vaqueiro e derramar uma lágrima pelas agonias dos que 

morrem aos olhos de Deus e ao clarão das estrelas vitimadas pela peste. 

Na insaciedade de um ideal de luz, ambos passam pelo nosso meio literário 

a caminho da imortalidade, não como rápidos meteoros, mas como 

duas estrelas de primeira grandeza que brilham no presente e refulgirão no 

porvir com luz própria, intensa e imorredoura”. 

205


Já o médico paraibano Dr. Leonel Estanislau Pessoa de Vasconcelos, pai do 

futuro médico parasitologista e professor da Universidade de São Paulo, Dr. 

Samuel Barnsley Pessoa, deixou assinalada sua opinião: 

“Coelho Neto e Olavo Bilac, ainda mesmo que não fossem possuidores 

do talento assombroso e das raras qualidades de romancista e de poeta, que 

todos nós admiramos, teriam um lugar de honra na galeria dos homens 

notáveis da nossa Pátria, porquanto tiveram a rara energia de dissipar as 

densas trevas que o indiferentismo criou em torno dos que trabalham e dos 

que estudam entre nós”. 

Com o título de “C. Neto e O. Bilac”, o advogado Dr. Theophilo Ribeiro 

de Andrade, que depois ocuparia por vários anos o cargo de deputado estadual 

e seria um dos mais importantes intelectuais da cidade, escreveu: 

“Não posso deixar de congratular-me no mais íntimo do coração pela 

magnífica ideia da Cidade de São João dedicando um número aos ilustres e 

fulgurantes literatos, que, há poucos dias, honraram-nos com fascinante e 

adorável visita. 

A rápida passagem que fizeram a esta cidade e que recebemos com entusiásticas 

explosões de simpatia e admiração, num anseio irresistível de conhecer 

as pessoas dos ilustres visitantes, de ouvir a palavra fácil, sugestiva e espontânea 

dos geniais cantores da nossa fecunda natureza, que, com admirável riqueza de 

forma e estilo, estudam e traduzem com calor e sentimento os íntimos segredos 

da alma, essa rápida e honrosa visita deixou gravado em nossos corações um 

suave perfume de saudade, que há de perdurar na memória dos tempos. 

Coelho Neto e Olavo Bilac são dois combatentes já laureados por seus 

pares. Suas produções literárias, de uma fulgência admirável são o encanto 

e a glória de todo o Brasil. 

Orgulho-me em consignar nestas simples linhas a expressão de minha mais 

alta e inexpressível admiração pelo talento fecundo dos valentes lutadores da 

ideia, dos cultores abençoados da literatura científica, dessas duas formosas e 

refulgentes inteligências, que todos estimamos e admiramos. 

206


Pelo talento e pela incansável laboriosidade, os ilustres homens de letras 

constituíram-se os mais decididos, os mais fervorosos combatentes do pensamento 

na causa civilizadora do engrandecimento da Pátria. 

Com a luz rútila e fecunda do gênio que os ilumina nas romarias ao 

ideal, são, pelo pensamento e pelo trabalho, os portadores mais enérgicos e 

mais ativos do levantamento da literatura em nossos dias, e, por isso mesmo, 

o Brasil saberá agradecer-lhes, honrando-os como os mais sublimes e 

prodigiosos fatores da evolução geral da nossa sociedade”. 

O promotor público da Comarca de São João da Boa Vista, Dr. E. Gomide 

Reichert, com o título de “Literatura”, escreveu: 

“Dois gênios da literatura pátria vieram honrar com sua visita esta cidade. 

Irmanados pelo coração e pelos ideais, vivem Coelho Neto e Olavo 

Bilac com seus talentos e seus livros. 

Um faz lembrar Émile Zola em suas produções literárias; outro relembra 

Alfred de Musset em suas impecáveis e sentimentais poesias. 

O dois gênios brasileiros recordam os dois gênios franceses, onde o 

espírito gaulês manifestou-se com tanta efusão. 

E aqueles, desenvolvidos em clima tropical, às aragens de perfumes de 

toda a casta de flores, ostentam o seu talento robusto e ilustração peregrina, 

para orgulhosamente honrarem sua Pátria. 

A poesia e o romance, formas da literatura, são os dois cadinhos pelos 

quais Bilac e Coelho Neto manifestam a sua pujante mentalidade. 

E, enquanto um povo tiver em seu seio mestres da literatura, como os 

dois brilhantes visitantes, a sua literatura não morrerá, antes mais elevada 

se manifestará. 

Honra, pois, a Coelho Neto e Olavo Bilac”. 

O médico Dr. Francisco Carneiro Ribeiro Santiago escreveu o artigo “Olavo 

Bilac”, no qual deixou sua opinião a respeito do “Príncipe dos Poetas”: 

207


“A vida já de si é triste porque o homem, pela fatalidade do seu destino, 

nasce trazendo na fronte a inexorável sentença da morte, o aniquilamento 

do corpo. 

Triste verdade! Nada pode subtrair-se às leis naturais da destruição, ninguém 

pode fugir à morte. Mas, esse espírito culto, que se chama Olavo Bilac, 

poeta de sublimes inspirações, cronista de fecunda imaginação, orador 

fulgurante e grandioso na tribuna, jamais se extinguirá; porque seu nome, 

ainda em vida, já se acha imortalizado na história da literatura pátria. 

Levantemos, pois, sobre o altar dos nossos corações estas duas sagradas 

e eternas imagens – Verdade e Justiça – em relação à personalidade intelectual 

de Bilac, na história da literatura brasileira. 

Quem conheceu Bilac, há 20 anos, como companheiro de estudos médicos 

no Rio de Janeiro, nunca pensou que hoje seria ele uma estrela de 

primeira grandeza nas letras! Abandonaste a carreira médica, em boa hora, 

porque não era essa a tua vocação e destino, e foste arrojar para a vida jornalística 

as deslumbrantes faíscas de teu portentoso talento. 

Em uma ocasião em que tantas pessoas te saúdam na tua passagem, de 

saudosa recordação, por estas paragens, eu não posso, como teu contemporâneo 

no curso médico, deixar o teu nome em silêncio. 

Que os aplausos e admiração do Povo de São João da Boa Vista ao teu 

possante talento sirvam de prova de que o teu mérito não é desconhecido 

pela sociedade sanjoanense. 

A dura necessidade, como bem dizer, te obriga a partir, reclama-te, a 

fim de que continues a trabalhar para o bem da Pátria. Ah! Possa eu algum 

dia rever-te neste recanto dos estados de São Paulo e Minas Gerais, não 

só para reatar o fio do teu sonho encantado, interrompido agora pela dura 

necessidade de partir, mas para ainda mais uma vez apreciar e admirar tua 

fulgurante e culta inteligência, que é um facho luminoso, brilhante farol a 

aspergir esplendores luminosos sobre o mundo literário, qual novo sol que 

leva luz e calor à alma da humanidade. 

Adeus, Bilac, fulgurante estrela da literatura brasileira!” 

208


Com o título de “Coelho Neto”, o engenheiro e intelectual Dr. Luiz Gambetta 

Sarmento escreveu: 

“Coelho Neto conhece o segredo com que os regatos choram canções 

de amor, murmúrios acariciadores, planuras plangentemente sentidas que se 

perdem por entre pedras e urzes, alegrias e tristezas que explodem no seio das 

florestas virgens, seculares, onde a passarada faz ninhos de eterna alegria... 

Conhece perfeitamente a vida poética dos bosques, o rumorejar das 

selvas, a vibração cantante dos campos, o sibilar do vento que fustiga as 

árvores vestidas de verde junquilho, o canto saudoso do sabiá, que modula 

angélicas esperanças... 

Sabe colher, dos esplendores eternos das alvoradas que se sucedem, filigranas, 

gemas de ouro, pétalas de rosas que são os seus contos adoráveis! 

Não me admiro, portanto, de que Coelho Neto seja um artista de mérito 

real, um escritor inspirado e consciencioso, plumitivo de fina têmpera, 

de fina raça, que faz honra a uma geração. 

Como estatuário do pensamento é um artista cuidadoso, aprimorado e 

irrepreensível! 

De um bloco de pedra bruta sabe fazer epopeias; com o escopro dá-lhe 

o começo da forma; imprime-lhe, depois, com o buril, novos traços característicos, 

e, por fim, cinzelando-o, vai-lhe derramando cornucópias de 

iriações luminosas, que são os fulgores de sua imaginação, animando aquilo 

que não tinha vida! 

Como orador é um audacioso, um atrevido: cativa, emociona, encanta, 

sugestiona, arrasta, subjuga pela fulguração de seu talento, pela grandeza 

épica de suas imagens, pela segurança dos gestos e pela penetração do seu 

olhar expressivo, firme e insinuante!” 

Assinado por Marcos, também no número comemorativo do jornal Cidade 

de São João, foi publicado o texto “Olavo Bilac”, com o seguinte conteúdo: 

“É ainda sob a impressão emocionante e agradabilíssima da palavra mágica 

e ardente... ardente e sugestiva de Olavo Bilac, que escrevo estas linhas 

209


em que mal debuxo a minha cultual admiração pelo extraordinário talento 

do simpático Artista do Verso, que sabe também atrair e cativar corações 

pela bizarra e fidalga lhaneza do trato. 

A par do mimoso burilador da Rima, que passa noitadas sem termo a 

confabular com as Estrelas, traduzindo-lhes em belas estrofes a misteriosa 

linguagem, que só às almas eleitas é dado esquadrinhar, vem o fino e adorável 

palestrante, que, melhor que ninguém, sabe falar a todos de forma 

brilhante com belas palavras que traduzem uma nota doce, sonora, a cada 

dia mais incisiva e mais vibrante na ausência, a nota mística da Saudade”. 

O mesmo Marcos escreveu outro texto intitulado “Coelho Neto”, no qual 

afirmou sobre o grande romancista: 

“Coelho Neto, o impecável burilador do Conto e do Romance genuinamente 

nacional, deixou-me esculpidos em relevo na retina, com uns toques 

de inexprimível melancolia, os seus traços fisionômicos, que não se confundem 

com os do comum dos homens. 

Nunca mais, anos e anos decorridos, a esponja do Tempo conseguirá 

apagar a impressão pessoal que me ficou do autor de Magdala... 

O seu olhar, firme e penetrante como dardo de ouro, vai até o nosso íntimo, 

meigo e acariciador, e aí fica a brilhar e a rebrilhar com as irradiações 

dulcíssimas de estrelas em lago azul e sossegado... 

No Álbum do Centro Recreativo ficaram do seu punho, colhidas do coração 

e impregnadas desse suave perfume que só emana das almas puras, linhas 

que traçara pouco antes de volver os ares salubérrimos de Poços de Caldas. 

Quem saberia dizer algo mais, depois de um adeus tão íntimo e expressivo?” 

Com o título “De chapéu na mão”, assinado por Fantasio, foi publicada a 

seguinte nota dedicada a Coelho Neto e Olavo Bilac: 

“Eu quero também saudar-vos, gigantes da literatura nacional, mas estou 

cá tão embaixo que o ruído de meus aplausos talvez não seja ouvido por vós. 

210


Assim, de chapéu na mão, comunico-vos, desvanecido, que estou batendo 

palmas pela vossa vinda a esta cidade, que parece ter neste momento um sorriso 

em cada ângulo pela satisfação de ver-se honrada com a vossa visita”. 

O sanjoanense João dos Santos dedicou a Olavo Bilac e Coelho Neto as 

seguintes quadras, também publicadas no número comemorativo do jornal 

Cidade de São João: 

Sobre este coração, grato, dorido 

De tanto soluçar... vago, perdido, 

Vem recostar-se o vulto da Saudade 

Dos dias imortais... 

Era um cofre vazio... um chão deserto... 

Teve outros corações de si tão perto, 

Que julgou-se feliz. Ah! Felicidade 

Que não virá mais nunca... nunca mais! 

Bibliografia 

Andrade, Theophilo de. Subsídios à história de São João da Boa Vista. São Paulo: Empresa 

Gráfica da Revista dos Tribunais S. A., 1973. 

Azevedo, José Osório de Oliveira. História administrativa e política de São João da Boa Vista 

(1896-1932), 2ª Edição. São Paulo: Editora Sarandi, 2009. 

Falconi, Rodrigo Rossi. Logradouros de São João da Boa Vista. São Paulo: Imprensa Oficial 

do Estado de São Paulo, 2010. 

Kiellander, Carlos & Irmão, editores. O Município de São João da Boa Vista na Exposição 

Nacional de 1908. São João da Boa Vista: Officina Typographica Kiellander & 

Irmão, 1908. 

Jornal Cidade de São João. São João da Boa Vista: 17 de abril de 1901. Ano XI. Número 

22. 

Martins, Antonio Gomes, organizador. O Município de São João da Boa Vista . São João 

da Boa Vista: Publicação subvencionada pela Câmara Municipal, 1910. 

Silva, Maria Leonor Alvarez & Salomão, Matildes Rezende Lopes. História de São João 

da Boa Vista. São João da Boa Vista: Promoção da Prefeitura Municipal, 1973. 

211


Página Avulsa * 

Ouvi uma voz que me disse: “Desventurado, escreve as tuas agonias”. Fiquei 

a pensar no estranho conselho que tão misteriosamente me chegara e, 

abancando, solitário, no silêncio da minha sala taciturna e fria, sobre uma 

folha branca de papel deixei a pena correr livre como um ginete selvagem pela 

vasta e álgida solidão d’uma estepe. 

Toda a noite longa e lenta passou até que as janelas se foram dourando e o 

sol alegre de Abril resplandeceu magnífico. 

Depois de tão penoso e incessante trabalhar noturno por maravilha achei-me 

diante da mesma folha de papel branca e virgem sem o rastro mais sutil do 

andar da minha pena alígera. Nem uma palavra escrita... 

Chega esse papel aos teus olhos, formosa; chega-o bem perto, tão perto que 

a luz das tuas pupilas radiantes aqueça a tinta simpática e hás de ver as lágrimas 

que aí estão encantadas aparecerem vestidas de luto. Pergunta-lhes que fazem 

elas, como coéforas, sobre tão vasta e merencória nevada? E elas responderão, em 

uníssono dolente, que são os ecos da minha angústia, repetindo sempre, soluçadamente, 

o teu nome tão doce, infiel, crudelíssima, inclemente adorada. 

Coelho Neto 

Surdina* 

212 

No ar sossegado, um sino canta, 

Um sino canta no ar sombrio... 

Pálida, Vênus se levanta... 

Que frio! 

Um sino canta. O campanário 

Longe, entre névoas, aparece... 

Sino, que cantas solitário, 

* Segundo foi publicado no jornal Cidade de São João, no dia 17 de abril de 1901, estes dois textos de Coelho 

Neto e Olavo Bilac eram inéditos e na secção de “Notas” informaram: “Os autógrafos dos inéditos de 

Coelho Neto e Olavo Bilac, que damos em página especial desta edição, assim como o clichê da primeira 

página, vão ser oferecidos pela Redação da Cidade ao Arquivo do Centro Recreativo Sanjoanense”.


Que quer dizer a tua prece? 

Que frio! Embuçam-se as colinas; 

Chora, correndo, a água do rio; 

E o céu se cobre de neblinas... 

Que frio! 

Ninguém... A estrada, ampla e silente, 

Sem caminhantes, adormece... 

Sino, que cantas docemente, 

Que quer dizer a tua prece? 

Que medo pânico me aperta 

O coração triste e vazio! 

Que esperas mais, alma deserta? 

Que frio! 

Já tanto amei! Já sofri tanto! 

Olhos, por que inda estais molhados? 

Por que é que choro, a ouvir-te o canto, 

Sino que dobras a finados? 

Treva cai! Que o dia é morto! 

Morre também, sonho erradio! 

– A morte é o último conforto... 

Que frio! 

Pobres amores, sem destino, 

Soltos ao vento, e dizimados! 

Inda vos choro... E, como um sino, 

Meu coração dobra a finados! 

E com que mágoa o sino canta, 

No ar sossegado, no ar sombrio! 

– Pálida, Vênus se levanta... 

Que frio! 

Olavo Bilac 

213


Centro Recreativo Sanjoanense, em desenho de J. Martins da Cunha, publicado no jornal 

Cidade de São João, em 1902 (imagem restaurada por Sílvia Borges) – Arquivo de Antonio 

Carlos Rodrigues Lorette 

Vista parcial de São João da Boa Vista, interior do estado de São Paulo, no início do século 

XX (foto de Augusto José) – Arquivo de Antonio Carlos Rodrigues Lorette 

214


Jornal Cidade de São João com a reprodução do livro de visitas do Centro Recreativo Sanjoanense 

assinado por Olavo Bilac e Coelho Neto (imagem restaurada por Sílvia Borges) – Arquivo de 

Antonio Carlos Rodrigues Lorette 

215


Jornal Cidade de São João (17/04/1901) 

216

Prosa - Academia Brasileira de Letras

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