PROGRAMA do FESTIVAL 2006 em formato PDF - Companhia de ...

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UM GRANDE ESPELHO - 2006
Bem-vindos ao 23º Festival Internacional de Teatro.
Há vinte e três anos que se realiza, ininterruptamente, em Almada esta Festa do Teatro.
Trata-se de uma organização invulgar, conhecida e reconhecida por especialistas, observadores
nacionais e estrangeiros, atentos e conhecedores. Sólida em saber e responsabilidade, a organização do
Festival assenta sobretudo numa enorme competência e amor ao teatro, e numa relação institucional de
grande compreensão e respeito mútuos entre a Câmara Municipal e a Companhia de Teatro de Almada.
Sentimo-nos felizes e orgulhosos pelo caminho feito, por termos sabido, conjuntamente, vencer
dificuldades e com entusiasmo erguer, ano após ano, este grande projecto cultural que ambicionamos
sempre melhor.
À Companhia de Teatro de Almada, principal responsável pela organização do Festival, e em particular
ao seu Director Joaquim Benite e ao Director Adjunto Vítor Gonçalves, as felicitações pelo seu
trabalho, pelo seu engenho e arte, pondo de pé uma festa que, em cada edição, alcança sempre um novo
êxito.
Porque esta festa constitui um grande espelho que nos encanta, reflectindo as diferentes sensibilidades
artísticas, culturais e estéticas que os actores, autores, técnicos e outros profissionais nos
trazem das quatro partidas do Mundo.
Além disso, este ano o Festival de Almada, oferece também ao mundo das artes, ao público fiel de
mais de duas décadas, a todos quantos directa ou indirectamente o vão acompanhar, um novo palco,
moderno e excepcionalmente bem apetrechado – o novo Teatro Municipal.
É o corolário de um trabalho persistente de quase três décadas em que a Cultura, a Educação e a
Arte têm sido pilares fundamentais do projecto autárquico que Almada se orgulha de protagonizar.
De 4 a 18 de Julho vamos apreciar em palco realidades culturais e sociais muito distintas, representadas
por Companhias Portuguesas e outras que chegam até nós vindas de países como Brasil,
Espanha, França, Bélgica, Itália, Colômbia, República Checa, Reino Unido e Senegal.
A todas as Companhias de Teatro e ao público do Festival 2006, desejo uma boa estadia entre
nós. Sejam muito bem-vindos ao Concelho de Almada.
O nosso abraço fraterno.
A PRESIDENTE DA CÂMARA MUNICIPAL DE ALMADA
MARIA EMÍLIA NETO DE SOUSA

E...
Beckett, Tchecov, Ostrovski, Ionesco.
Tirso de Molina, Molière, António José
da Silva, Garrett.
Arnold Wesker, Bernard-Marie Koltès, Carlo
Terron, Howard Barker, Jesper Halle.
Albert Boadella, Pippo Delbono.
e
Giorgio Strehler, Bernard Sobel.
Ricardo Pais, Christine Laurent,
Christiane Jatahy, Rogério de Carvalho, Franzisca Aarflot,
Jorge Listopad, João Mota, Emmanuel Demarcy-Mota.
e
Giulia Lazzarini, Luís Miguel Cintra,
Laurent Charpentier, Maria do Céu
Guerra, Ramon Fontseré, Sidi Larbi,
Akram Khan.
e
Piccolo Teatro di Milano, Théâtre
de Gennevilliers, Comédie de Reims, Les Ballets
C. de la B., Els Joglars,
Teatro da Cornucópia.
e
José de Guimarães, Pedro Calapez, António Lagarto,
Ezio Frigerio, Cristina Reis.
e
muitos outros nomes de Autores,
de Actores, de Encenadores, de Coreógrafos,
de Cenógrafos, de Companhias teatrais.
e
muitos outros
quase anónimos
que fazem este Festival
e
uma Cidade, um Município
que oferecem ao teatro português
um equipamento de excepção
como se (já)
fôssemos Europa.
e
tanta coisa
tão estranha, tão rara
que deveria
e
mereceria
e
precisaria
e
este espaço de vida
estes dias de paz
este encontro de gente
para toda a gente
este teatro múltiplo
fugaz.
JOAQUIM BENITE
JUNHO DE 2006
05

HOMENAGEM
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OBSERVATÓRIO DAS ACTIVIDADES CULTURAIS
A homenagem deste ano do Festival não vai para uma personalidade, mas para uma instituição.
No ano em que completa 10 anos de existência o Observatório das Actividades Culturais – um
caso de investigação metódica na área da sociologia da cultura — foi a entidade escolhida para a modesta
distinção que o Festival de Almada concede anualmente.
Com esta escolha o Festival pretende, por um lado, saudar o sério trabalho de pesquisa e análise,
imprescindível para o estudo das Artes do Espectáculo e da sua recepção, desenvolvido pelo
Observatório das Actividades Culturais, mas também chamar a atenção, num País que atribui pouca
importância à investigação, para o papel essencial que o registo, a estatística, a recolha de dados e a sua
interpretação desempenha no desenvolvimento da relação dos produtos culturais com o público.
Os estudos publicados pelo Observatório das Actividades Culturais – designadamente aquele
dedicado aos públicos do Festival de Almada, em 2000 – constituem preciosos elementos para a reflexão
dos artistas, dos produtores e dos gestores culturais no nosso País.
Criado em 1996 como uma associação sem fins lucrativos, pelo Ministério da Cultura, pelo
Instituto de Ciências Sociais da Universidade de Lisboa e pelo Instituto Nacional de Estatística, o
Observatório das Actividades Culturais tem como presidente a Professora Doutora Maria de Lourdes
Lima dos Santos e a comissão científica integra os Professores Doutores António Firmino da Costa, José
Machado Pais e José Madureira Pinto. Os vogais do Conselho Directivo são os Drs. António Berbereia
Moniz, António Martinho Novo, José Farrajota Leal, Leonor Pereira, e pelo Observatório das Actividades
Culturais, Rui Telmo Gomes e José Soares Neves.
Nos quase 10 anos de existência do Observatório das Actividades Culturais foram concluídos 31
projectos de investigação, publicados 30 livros e 14 números da revista OBS. O Observatório das
Actividades Culturais tem procurado intensificar as sua relações com organizações internacionais
(intercâmbio com outros observatórios na Europa e América do Sul) e colabora regularmente no
projecto “Cultural policies in Europe: A compendium of basic facts and trends”, que integra mais de
30 países europeus.
Maria de Lourdes Lima dos Santos é licenciada em Letras pela Faculdade de Letras da Universidade
Clássica de Lisboa (Filologia Germânica), tem os cursos de Jornalismo e de Documentalista e possui um
doutoramento em Sociologia da Cultura, pelo Instituto Superior de Ciências do Trabalho e da Empresa.
É investigadora–coordenadora no Instituto de Ciências Sociais da Universidade de Lisboa. É autora de
várias obras, entre as quais “Para uma Sociologia da Cultura Burguesa em Portugal no séc. XIX”,
“Intelectuais Portugueses na primeira metade de Oitocentos”, “Hábitos de Leitura em Portugal”. É autora
de numerosos artigos e dirigiu um grande número de projectos de investigação no Observatório das
Actividades Culturais, IPAI, Instituto Português de Museus, etc.

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DON, MÉCÈNES ET ADORATEURS (DOM, MECENAS E ADORADORES)
DE ALEXANDRE OSTROVSKI | TEATRO
THÉÂTRE DE GENNEVILLIERS – CENTRE DRAMATIQUE NATIONAL
ENCENAÇÃO DE BERNARD SOBEL, COM A COLABORAÇÃO
DE MICHÈLE RAOUL-DAVIS
FRANÇA
Dom, Mecenas e Adoradores é uma das
últimas peças de Ostrovski (data de 1882) e a
sua acção situa-se no mundo do teatro: a sua
heroína, Néguina, é uma actriz. Em seu torno
gravitam: a outra jovem vedeta do grupo, boa
camarada mas sem as exigências intelectuais,
morais e artísticas de Néguina; o dramaturgo,
forçosamente alcoólico e indigente; o director do
teatro, verdadeiro profissional mas submetido
aos poderosos da terra; o aderecista, um ancião
culto, antigo proprietário do teatro que a sua
paixão arruinou mas por cujos interesses ainda
vela.
Capacidade de empatia
MICHÈLE RAOUL-DAVIS
Da mesma forma que se diz “gostaria de
encenar o Shakespeare todo”, eu gostaria de
encenar todo o Ostrovski. E porque o meu encontro
com o poeta Ostrovski foi essencial na minha
vida, espero que possa também sê-lo para os
espectadores. Ostrovski tem uma capacidade de
empatia com os seres humanos que lhe permite
dar-se conta do seu sofrimento e não da sua
degradação. Neste teatro também há qualquer
coisa de vital, que faz com que eu não tenha a
impressão de estar a tratar apenas com fantasmas
saídos de dentro da cabeça do autor, sem
outra existência senão a literária. Estou a tratar
com um homem que observa os homens no
próprio meio em que ele vive e trabalha — e
trata-se de um mundo brutal — sem os julgar de
forma alguma, qualquer que seja a barbaridade
ou a ignomínia daquilo a que assiste, e qualquer
que seja o seu ponto de vista sobre um mundo
onde tais coisas são possíveis.
Nunca olha os outros de alto. E isto é essencial.
Esta faculdade de empatia com o ser mais
COM A PARTICIPAÇÃO DO JEUNE THÉÂTRE NATIONAL
COM O APOIO DO CONSEIL GÉNÉRAL DES
HAUTS-DE-SEINE
miserável, mais indigente, mais diferente de si,
espanta-me. Quando penso em Ostrovski, penso
também nesse velho poeta chinês do século XIII,
Kuan Han Chi. Ambos têm essa faculdade rara de
saber não julgar tudo e ter sempre um ponto de
vista, de procurar sempre o que é que cada ser
humano, mesmo colocado nas piores condições,
poderá ter de precioso. Talvez certos países, certas
épocas de extrema dureza, de extrema miséria,
permitam a certos autores, certos poetas
tocar no essencial, aquilo que sem eles seria
indefinível. Mesmo que o teatro de Ostrovski nos
mostre actos, situações e comportamentos sórdidos,
miseráveis, crápulas, nunca nos recusamos a
partilhar da humanidade das suas personagens,
sejam elas como forem.
Alexandre Ostrovski
BERNARD SOBEL
Contemporâneo de Dostoievski, Tourgueniev
e Tolstoi, Alexandre Ostrovski, nascido em 1823
em Moscovo, pertence à idade de ouro da literatura
russa. Desde 1847 até à sua morte, em 1886,
deu ao teatro russo um repertório considerável
(mais de sessenta peças).
A sua obra consagra-se principalmente à
pintura do mundo dos comerciantes, uma espécie
de burguesia detentora do capital, atraída pelo
lucro, pelo luxo e por uma alegria grosseira.
Inscreve-se na tradição de um realismo crítico, o
que lhe confere uma verdadeira modernidade.
Entre Gogol e Tchecov, Ostrovski é um autor sem
cujo conhecimento se torna impossível compreender
a história do teatro russo, designadamente
os grandes avanços teóricos e estéticos a
que deu origem no principio do século XX, e que
influenciaram todo o teatro mundial.
Entre as suas peças mais famosas encon-

tram-se A Tormenta (1859), considerada a sua
obra-prima, e A Floresta (1871), que atraiu o
reconhecimento oficial para o seu trabalho. Em
1885 torna-se director dos Teatros Imperiais de
Moscovo e propõe a criação de uma espécie de
Teatro Nacional Popular, acessível a todas as
classes sociais. A morte impede-o de concretizar o
projecto, que só em 1898 dará origem à fundação
do Teatro de Arte de Moscovo.
Bernard Sobel
Bernard Sobel, uma das figuras mais
respeitadas do teatro francês, é o criador e animador
do Teatro de Gennevilliers, uma cidade da
periferia de Paris, onde desenvolveu a sua acção
de director e encenador durante 43 anos.
Foi em 1963, depois de fazer a sua formação
no Berliner Ensemble, de Brecht, que Sobel se
instalou em Gennevilliers. Começou por fundar o
“Ensemble Théâtral de Gennevilliers” (ETG), um
grupo de jovens actores e investigadores que
adoptou um estatuto amador, e cuja intenção era
contribuir para o nascimento de uma forma
teatral diferente das que existiam nessa época. Os
primeiros espectáculos foram apresentados na
sala de Grésillons, um clube de festas populares.
Ao fim de alguns anos o ETG impôs-se como um
laboratório de pesquisas teatrais e as necessidades
económicas obrigaram-no a profissionalizar-se,
mas só em 1983 obtém do Ministro Jack Lang o
estatuto de Centro Dramático Nacional. Em 1986
a sala Grésillons é objecto de grandes obras de
remodelação e transforma-se no Teatro de
Gennevilliers. Em 43 anos Sobel montou mais de
oitenta peças, divulgando em França o reportório
russo e alemão, sempre de acordo com critérios
de excelência. Entre os autores que apresentou
em França contam-se Vichnevski, Koplov,
Volokhov, Erdman, Heiner Müller, Kleist, Schiller,
Lessing, Lenz, Heinrich Mann, Grabbe, e, naturalmente,
Brecht. Mas é também um especialista de
Moliére, de quem encenou várias obras, e o seu
repertório inclui muitos outros autores clássicos e
modernos, como Eurípedes, Marlowe ou Sarah
Kane.
Don, Mecenas e Adoradores, considerada
pelo Figaro “uma sublime celebração do teatro” e
pelo Le Monde “um melodrama magnifico”, é a
última encenação de Sobel em Gennevilliers, uma
vez que deixará o cargo em Dezembro, por ter
atingido o limite de idade.
Em 2002 esteve presente no Festival de
Almada com o espectáculo O Refém, de Paul
Claudel.
Intérpretes Éric Caruso, Éric Castex, Laurent
Charpentier, François Clavier, Isabelle Duperray,
Thomas Durand, Élizabeth Mazev, Vincent Minne,
Jacques Pieiller, Chloé Réjon e Gaetan Vassart
Tradução André Markowicz
Cenografia Jacqueline Bosson
Luz Jean-François Besnard
Figurinos Mina Lee
Maquilhagem Marie-Anne Hum
Assistência de encenação Mirabelle Rousseau
Língua francês (legendado em português)
Duração 2h30
NOVO TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA
Sala Principal
(ALMADA)
21h30 Quarta 5
21h30 Quinta 6
21h30 Sexta 7
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ZERO DEGREES (ZERO GRAUS)
DE AKRAM KHAN E SIDI LARBI | DANÇA
EM CO-APRESENTAÇÃO COM O CENTRO CULTURAL DE
BELÉM
LES BALLETS C DE LA B & AKRAM KHAN COMPANY
ENCENAÇÃO DE AKRAM KHAN E SIDI LARBI
REINO-UNIDO E BÉLGICA
Akram Khan e Sidi Larbi conheceram-se
em 2000 e rapidamente descobriram fortes
semelhanças: eram ambos filhos de famílias
islâmicas a viverem na Europa e, muito embora
cada um tenha desenvolvido a sua linguagem de
movimento, esse encontro de culturas foi tema
permanente nos seus trabalhos.
Zero Degrees obrigou estes artistas a uma
viagem em busca do ponto de referência, da
fonte, do “Zero”, do núcleo da vida. Inspirados nas
suas duplas identidades os dois procuram este
ponto central através de opostos como a
vida/morte, claro/escuro, ordem/caos.
Este trabalho acontece na presença de uma
escultura do artista britânico Antony Gormley e
da música do compositor Nitin Sawhney, cujo
som celebra o encontro entre o Ocidente e o
Oriente.
A peça Bearing, da autoria de Antony
Gormley, pertencente à Colecção Berardo,
será exposta nos dias 5 e 6 de Julho no Foyer
do Grande Auditório.
Sidi Larbi e Akram Khan
Sidi Larbi nasceu em 1976 em Antuérpia e
estudou dança na escola de Anne Teresa de
Keersmaeker, integrando a partir de 1995 a companhia
Les Ballets C. de la B., de Alain Platel. A sua
primeira coreografia, Rien de Rien, realizou uma
digressão europeia (tendo sido apresentada no
P.O.N.T.I. - Porto) e obteve o prémio para Melhor
Jovem Coreógrafo dos Nijinski Awards de Monte
Carlo. Sidi Larbi participou no festival de Avignon
em 2002 (com it) e em 2004 (com Tempus Fugit).
Em 2002 apresentou ainda D’avant na
Schaubühne Am Lehniner Platz, de Berlim. A sua
última coreografia, Loin, foi apresentada em 2005
no Ballet du Grand Théâtre de Genebra.
CO-PRODUÇÃO: SADLER’S WELLS LONDON, THÉÂTRE DE
LA VILLE PARIS, DESINGEL ANTWERPEN,
KUNSTENCENTRUM VOORUIT GENT, HEBBEL THEATER
BERLIN, TANZHAUS NRW DÜSSELDORF, SCHOUWBURG
AMSTERDAM, TEATRO COMUNALE DI FERRARA,
TORINODANZA, WEXNER CENTER FOR THE ARTS OHIO,
NATIONAL ARTS CENTRE OTTAWA, LES GRANDES
TRAVERSÉES BORDEAUX
Akram Khan é um coreógrafo/bailarino de
topo da cena inglesa, distinguindo-se pela convergência
que efectua entre a sua formação
europeia contemporânea e o Kathak, um género
clássico indiano. Tendo actuado um pouco por
todo o mundo ainda bastante jovem, participou
no The Jungle Book, dirigido por Pandit Ravi
Shankar, e no Mahabharata, de Peter Brook.
Em 2002 Akram Khan recebeu os prémios
de Melhor Jovem Coreógrafo atribuídos pelo
Dance Critics’ Circle e pela revista Time Out.
Recebeu ainda o prémio de Melhor Coreografia
atribuído pela Fundação Jerwood, e o prémio de
Melhor Coreografia Moderna 2003 pelo Dance
Critics’ Circle. Em 2004 foi-lhe atribuído o
Doutoramento Honorário em Artes, pela
Universidade de De Montfort, pelo seu contributo
para a comunidade artística britânica.
Interpretação Akram Khan e Sidi Larbi
Dramaturgia Guy Cools
Música Nitin Sawhney
Escultura Antony Gormley
Língua inglês (legendado em português)
Duração 1h10
CENTRO CULTURAL DE BELÉM
GRANDE AUDITÓRIO
(LISBOA)
21h00 Quarta 5
21h00 Quinta 6

CONJUGADO
DE CHRISTIANE JATAHY | TEATRO
EM COLABORAÇÃO COM O FESTIVAL DE CÁDIS
CIA VÉRTICE DE TEATRO
ENCENAÇÃO DE CHRISTIANE JATAHY
BRASIL
Apego. Isolamento. Repetição.
Que armadilhas criamos para nós mesmos?
Podemos fugir do embate com os outros?
Conjugado fala da situação limite de solidão
e isolamento a que se pode chegar nos grandes
centros urbanos. O tema é apresentado através de
uma personagem feminina cujo quotidiano sintetiza
as características deste processo de isolamento.
Foram entrevistadas mulheres de distintas
idades e níveis sociais. As declarações foram
gravadas em vídeo digital e compõem uma vídeo-
-instalação integrada no espectáculo.
No início o público é voyeur, assistindo,
através de frestas de persianas que cercam o
cenário, às noites de uma mulher… mas, pouco a
pouco, as persianas são abertas e inicia-se um
novo jogo. Um jogo que afectará profundamente
essa mulher…
Conjugado foi apresentado no Festival
RioCenaContemporânea em Novembro de 2003,
obtendo excelentes críticas em vários jornais
(“Ousado e bem produzido, Conjugado expõe o
fazer teatral com carisma e extrema precisão.
Um espectáculo imperdível.”, in Folha de S.
Paulo). Foi indicado para o Prémio Shell de 2004
(melhor actriz e melhor cenário), e para o Prémio
Qualidade Brasil nas categorias de melhor espectáculo,
melhor encenação e melhor actriz. Foi
igualmente considerado um dos dez melhores
espectáculos do ano de 2004 pelo jornal O Globo.
Christiane Jatahy
Christiane Jatahy, para além de encenadora,
é também dramaturga, actriz, professora e tradutora.
Dirigiu espectáculos que obtiveram grande
reconhecimento de crítica e de público, entre os
quais Memorial do Convento, a partir do romance
de José Saramago, Carícias, de Sergi Belbel,
Trilogia da Iniciação, com o Grupo Tal, no Parque
Lage, e adaptações dos textos literários Alice,
Pinóquio e Peter Pan, espectáculos que tiveram
mais de cem mil espectadores e doze prémios.
Escreveu La cruzada de los niños de la calle,
projecto que envolvia seis dramaturgos latino-
-americanos e estreou no Centro Dramático
Nacional de Madrid. Escreveu e dirigiu Monólogos
do Êxodo para a exposição do fotógrafo Sebastião
Salgado.
Intérprete Malu Galli
Cenário Marcelo Lipiani
Luz Afonso Tostes
Música Marcelo Neves
Documentário Márcia Derraik
Língua português
Duração 45 minutos
NOVO TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA
SALA DE ENSAIOS
(ALMADA)
17h00 Sábado 8
16h00 Domingo 9
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ZONA PORTUÁRIA
DE QUICO CADAVAL | TEATRO
ENCENAÇÃO DE QUICO CADAVAL
ESPANHA
Zona Portuária é um espectáculo no qual,
graças à voz aveludada do narrador e à magia da
palavra, se manifestam na cena dúzias de personagens:
Ismael o negro, o filho de Parga, o
carabineiro, o senhor Meio-Mundo, a senhora
Carme a Carreirana, José o protestante, Carminha a
penteadora, o senhor Arestim, o porteiro do cinema
Elma, Del Rio Rodriguez, o senhor Franco,
Deus o mecânico, o do bar Santa Eugénia, António
o do Nordeste, Ventim o taxista, etc.
Quico Cadaval não interpreta todas estas
personagens prodigiosas, e ainda bem.
Simplesmente, lembra-as.
Ismael, o Negro é uma história que se passa
nos anos 70 na zona portuária de uma pequena
vila piscatória das rias baixas da Galiza. Trata-se
de um exercício de memória que se manifesta
num palco, sem dor nem saudosismo, com o
mesmo sorriso que exibem no circo os contorcionistas.
Mas aqui os únicos músculos que se
contorcem são as lembranças de Quico Cadaval.
O texto será proferido em galego-português
ou português de contrabando, ou em
galego que quer ser português sem deixar de ser
galego. Enfim, uma coisa muito mais simples do
que parece.
QUICO CADAVAL
Quico Cadaval
Quico Cadaval, actor, encenador e dramaturgo
galego, tem participado em diversos festivais
de contadores de histórias tanto na Europa como
na América Latina. Tem integrado igualmente
projectos escolares de narração de histórias na
Galiza e em instituições penitenciárias espanholas
e portuguesas. Como conferencista e contador de
histórias participou em eventos nas universidades
de Trier, Varsóvia, Cracóvia, Salamanca, Berlim,
Paris e Lisboa, bem como no pólo da Fundação
Gulbenkian de Paris.
Para além da sua actividade como actor e
encenador, Quico Cadaval publicou as seguintes
obras de teatro: Um Códice Clandestino, O
Rouxinol da Bretanha, A Caza do snark, Se o
Velho Sinbad Volvesse às Ilhas e O Ano do
Cometa (as duas últimas a partir do romance
homónimo de Álvaro Cunqueiro).
Língua galego | português
Duração 1h10
PALCO GRANDE
ESCOLA D. ANTÓNIO DA COSTA
(ALMADA)
22h00 Domingo 9

VÁLKA MEZI ROZMARYNEM ´ A MAJORÁNKOU ´
(GUERRAS DE ALECRIM E DE MANJERONA)
DE ANTÓNIO JOSÉ DA SILVA | TEATRO
COM O APOIO DA EMBAIXADA CHECA EM LISBOA
MESTSKE DIVADLO ZLÍN
ENCENAÇÃO DE JORGE LISTOPAD
REPÚBLICA CHECA
A famosa peça de António José da Silva, o
Judeu, não merece ser conhecida apenas pelo
seu público natural (isto é, o português). Por isso
foi levada, pela primeira vez na íntegra, noutra
língua, para fora do seu território. Foi montada
em checo, com actores, músicos e bonecreiros
checos, para o prazer de milhares de pessoas
desse país, onde se encontra em cena desde
Junho passado. O público do Festival de Almada
assistirá às Guerras de Alecrim e de Manjerona
tal qual como esta peça foi produzida a mais de
3.000 quilómetros de distância.
As diferenças naturais que surgirão do ponto
de vista artístico e cenográfico devem-se exactamente
à possibilidade de transformar a peça de
António José da Silva numa matéria teatral
extraordinária em qualquer parte do Mundo.
JORGE LISTOPAD
António José da Silva
António José da Silva, o Judeu, um dos mais
representativos autores dramáticos portugueses,
viveu na primeira metade do séc. XVIII, sendo-lhe
geralmente atribuídas oito óperas joco-sérias. São
elas: Vida de D. Quixote de la Mancha e do Gordo
Sancho Pança; Esopaida, ou Vida de Esopo; Os
encantos de Medeia; Anfitrião, ou Jupiter, e
Alcmena; Labirinto de Creta; Guerras de Alecrim,
e Mangerona; Variedades de Proteo; Precipício de
Faetonte. São-lhe ainda atribuídas uma Glosa ao
soneto de Camões “Alma minha gentil, que te
partiste”, na morte da infanta D. Francisca, bem
como as Obras do Diabinho da Mão Furada.
Em 1737 foi preso pela Santa Inquisição, juntamente
com a sua mãe e esposa (Leonor de
Carvalho, que era sua prima e também judia). Foi
torturado e descobriu-se que tinha sido circuncisado.
Uma escrava negra testemunhou que o
dramaturgo observava o Sabbat.
António José da Silva, nascido no Rio de
Janeiro em 1705, foi estrangulado e queimado
num Auto-da-Fé em Lisboa em Outubro de 1739.
Língua checo (legendado em português)
Duração 2h30 (com intervalo)
PALCO GRANDE
ESCOLA D. ANTÓNIO DA COSTA
(ALMADA)
22h00 Terça 11
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NA SOLIDÃO DOS CAMPOS DE ALGODÃO
DE BERNARD-MARIE KOLTÈS | TEATRO
EM CO-APRESENTAÇÃO COM A CULTURGEST
COMPAGNIE DU TOURNESOL
ENCENAÇÃO DE PHILIP BOULAY
FRANÇA
O projecto de voltar a trabalhar A Solidão,
desta vez em versão portuguesa, prende-se com
este percurso em comum com o texto ao longo do
tempo e com os dois actores lusófonos que são
Victor de Oliveira e Diogo Dória. As minhas idas e
vindas a África também contaram. Koltès revela
de forma perturbante algumas realidades
urbanas africanas. De modo que iremos também
explorar as ressonâncias e deflagrações de sentido
da língua koltesiana em Moçambique (representações
em Maputo e na Beira): provavelmente,
algumas palavras do Dealer, sejam elas
ditas em Lisboa ou na antiga colónia portuguesa
– e claro, ou mesmo sobretudo, as respostas do
Cliente – serão ouvidas em toda a sua dimensão
de uma troca (ou de um desejo) Norte / Sul. A
menos que se trate do contrário: uma linha Sul /
Norte que não seja forçosamente a do arame
farpado como em Mellila ou Ceuta.
PHILIP BOULAY
Philip Boulay
Philip Boulay fez em 1995 a sua primeira
encenação, com 27 anos. Montou textos de
Antonio Tabucchi, Molière, Elsa Solal, Mishima,
Marivaux e Musset. Trabalhou em teatros como o
Athénée / Louis Jouvet, Ferme du Buisson, Théâtre
Gérard Philippe, Théâtre de Gennevilliers, Forum /
Banc-Mesnil, e em países como a Finlândia, Chile,
Roménia, Gabão, Camarões, Angola, Congo,
Espanha, Turquia e Alemanha. De Koltès encenou
ainda Tabataba, apresentado primeiro nos subúrbios
de Kinshasa (2003) e depois em Seine Saint-
-Denis (2005), e Roberto Zucco, em 2004, também
em Kinshasa, com uma equipa artística congolesa.
EM CO-PRODUÇÃO COM CULTURGEST, FESTIVAL DE
ALMADA, CENTRO CULTURAL FRANCO-MOÇAMBICANO
(MAPUTO), COM A PARTICIPAÇÃO DO FORUM, SCÈNE
CONVENTIONNÉE DE BLANC-MESNIL E DO SERVIÇO
CULTURAL DA EMBAIXADA DE FRANÇA EM MOÇAMBIQUE
Intérpretes Diogo Dória e Victor de Oliveira
Tradução Nuno Júdice
Cenografia Jean-Christophe Lanquetin
Luzes Stéphane Loirat com a colaboração de Quito
Timbe
Responsável pela produção Jean-Christophe
Boissonnade
Língua português
Duração 1h30
CULTURGEST
GRANDE AUDITÓRIO
LISBOA
21h30 Terça 11
21h30 Quarta 12
21h30 Quinta 13
21h30 Sexta 14
21h30 Sábado 15
17h00 Domingo 16
CRIAÇÃO NO FESTIVAL

ESODO (ÊXODO)
DE PIPPO DELBONO | TEATRO
EM CO-APRESENTAÇÃO COM O CENTRO CULTURAL DE
BELÉM
COMPAGNIA PIPPO DELBONO
ENCENAÇÃO DE PIPPO DELBONO
ITÁLIA
Com uma linguagem teatral que se aproxima
cada vez mais da vida, com a procura de uma
palavra simples, que mantenha uma forma de
resistência poética e combativa, Pippo Delbono
realizou Esodo, uma abordagem à realidade dos
imigrantes extra-comunitários.
Usando as palavras de Brecht, de Primo
Levi, da Bíblia, de Charlie Chaplin, de Pasolini, de
Nichiren Daishonin, o espectador é convidado a
reflectir sobre a guerra. É-lhe contado o êxodo de
quem foi expulso da sua própria terra, de quem
fugiu de uma ditadura, de quem tem a sua
alma dentro de outro corpo, de quem deixou o
manicómio, de quem não sabe para onde vai, de
quem tem medo da morte.
Magda Poli, do Corriere della Sera, considerou
Esodo um “retrato sarcástico e cruel de uma
sociedade vazia e obtusa, que não vê, nem quer ver,
os que sofrem: uma sociedade que marginaliza
aqueles que não têm esperança”.
Valeria Ottolenghi, da revista italiana
Sipario, considerou o espectáculo de uma
“grande beleza (graças às imagens, à densa
unidade, à loucura, à graça, à comiseração) e de
uma riqueza teatral (entre o cómico e a tragédia,
visões de sonho e de uma crua realidade) verdadeiramente
extraordinária)”.
Franco Quadri, crítico do La Repubblica,
apontou a “corrente súbita de aplausos” que se
seguiu ao final do espectáculo a que assistiu.
Pippo Delbono
Pippo Delbono nasceu em Varazze em 1959
e começou a estudar teatro numa escola tradicional,
que abandonou após conhecer o argentino
Pepe Robledo. Com este, partiu para a Dinamarca,
onde trabalhou sob a direcção de Iben Nagel
Rasmussen. Segue-se um período de viagens no
Oriente, onde toma contacto com o teatro e a
EM CO-PRODUÇÃO COM EMÍLIA ROMAGNA TEATRO
FONDAZIONE
dança locais. De volta à Europa, trabalha com Pina
Baush e apresenta espectáculos em Itália que
também realizam digressões na América do Sul.
O teatro de Delbono consiste num espaço
aberto, para além das convenções teatrais, onde
tudo é revelado em cena, e sobretudo onde são
abolidas as fronteiras entre actores e as pessoas
do nosso dia-a-dia.
Intérpretes Fadel Abeid, Dolly Albertin, Gianluca
Ballarè, Bobò, Enkeleda Cekani, Piero Corso,
Pippo Delbono, Lucia Della Ferrera, Fausto
Ferraiuolo, Gustavo Giacosa, Simone Goggiano,
Elena Guerrini, Mario Intruglio, Nelson Lariccia,
Maura Monzani, Akram Telawe, Giovanni
Ricciardi e Pepe Robledo
Técnicos Sergio Taddei, Fabio Berselli e Angelo
Colonna
Produção Letizia Sacchi
Responsável de digressão Sandra Ghetti
Língua italiano (legendado em português)
Duração 1h25
CENTRO CULTURAL DE BELÉM
GRANDE AUDITÓRIO
(LISBOA)
21h00 Quinta 13
21h00 Sexta 14
15

16
GIORNI FELICI (OS DIAS FELIZES)
DE SAMUEL BECKETT | TEATRO
COM O APOIO DO INSTITUTO ITALIANO DE CULTURA
PICCOLO TEATRO DI MILANO
ENCENAÇÃO DE GIORGIO STREHLER, REPOSTA POR
CARLO BATTISTONI
ITÁLIA
Giorni Felici estreou-se em Maio de 1982
com uma leitura dita “positiva”: um Beckett em
plena luz, quase privado da aura niilista que
muitas vezes caracterizava as interpretações cénicas.
Para Strehler, Beckett era sobretudo um
poeta e, explicava o encenador, “quando, como
em Os Dias Felizes, a poesia grita com uma voz
assim tão alta, o homem não se nega: afirma-se”.
Nascia desta forma um espectáculo que
teria interessado o próprio Beckett, no qual, sem
se acrescentar palavras, mas através dos gestos,
era sublinhada a vontade da protagonista em
viver “até ao fim”.
Franco Cordelli, crítico do Corriere della
Sera, escreveu o seguinte a propósito da interpretação
de Giulia Lazzarini: “Trata-se de uma arte
exorcista de afastar o mal, de o combater a
golpes de florete. O chapéu encarnado, as costas
possantes, os braços robustos, as maravilhosas,
petulantes e faladoras mãos. Ei-la. Giullia
Lazzarini. Assim se perceberá o que é o teatro: um
exercício de memória para combater o tempo,
para não se render nunca”.
Samuel Beckett
Assinala-se este ano o centenário do nascimento
de Samuel Beckett (1906 – 1989: vide
biografia na pág. 36), um dos maiores dramaturgos
do século XX, cuja obra, inscrita na linha do
teatro do absurdo, lança um olhar pessimista e
desencantado (mas pleno de humor) sobre a
condição humana. Peças como À Espera de Godot
e Dias Felizes farão para sempre parte do cânone
da dramaturgia mundial, quer pela sua originalidade,
quer pelo seu simbolismo, quer pela capacidade
de abordar a essência humana, desligada de um
espaço e tempo específicos: as suas personagens, em
cenários inóspitos, limitam-se a esperar que o
tempo passe, agarrando-se a tarefas rotineiras
para continuar a viver, à espera de… nada.
O Festival de Almada assinala este centenário
com a apresentação de três peças de
Samuel Beckett (Os Dias Felizes, À Espera de Godot
e Todos os que Caem), uma peça de marionetas
sobre a temática beckettiana (Nada, ou o Silêncio
de Beckett) e uma exposição fotográfica dedicada
ao dramaturgo irlandês.
Giorgio Strehler
Giorgio Strehler (1921 – 1997) diplomou-se
na Accademia dei Filodrammatici em 1940, passando
a integrar posteriormente algumas companhias
itinerantes como actor. Realiza a sua
primeira encenação em 1943, mas logo de seguida
tem de procurar asilo político na Suíça, para
escapar ao serviço militar. Aí estreia Calígula, de
Camus, em 1945. Em 1947 funda, juntamente
com Paolo Grassi, o Piccolo Teatro di Milano, o
primeiro teatro italiano de gestão pública e de
“teatro para todos”. Renuncia à representação e
chega a encenar dez espectáculos por ano. Quer
dar a conhecer ao público italiano um repertório
que este nunca conhecera, devido à censura
fascista. O enorme sucesso popular de Arlequim
Servidor de Dois Amos, de Goldoni, que se manterá
em cartaz durante mais de quarenta anos,
assegura o renome do Piccolo.
A partir de 1955 Strehler apresenta
grandes encenações, que ficaram para a história
do teatro contemporâneo: O Ginjal, de Tchecov, A
Ópera dos Três Vinténs, de Brecht, em 1955,
Baroufe à Chioggia, de Goldoni, em 1964, e Os
Gigantes da Montanha, de Pirandello, em 1966.
Colabora com grandes cenógrafos como
Luciano Damiani e Ezio Frigerio. Não renuncia à
grande tradição estética da cultura humanista
europeia, levando-a ao seu nível mais elevado,
mesmo quando o acusavam de praticar um
realismo fora de moda.

Em 1972 Strehler afirma o Piccolo como
um “teatro de arte”, e relega para segundo plano
a vocação cívica das suas encenações. O teatro
deixa de estar ao serviço do Mundo, mas passa a
ser o próprio Mundo. O teatro é, para Strehler,
“o modo mais elevado de conhecimento da
História”. Nesta altura monta Shakespeare (Rei
Lear, 1972, A Tempestade, 1978) e óperas no
Scala de Milão e em Paris (Falstaff, de Verdi, As
Bodas de Fígaro, de Mozart, etc.). Em 1978 monta
a Trilogia da Vilegiatura, de Goldoni, na Comédie
Française.
De 1983 a 1990 Jack Lang dá-lhe a oportunidade
de criar e dirigir o Théâtre de l’Europe, o
Ódeon, a “primeira instituição teatral europeia
que um país da Europa ofereceu à Europa”.
Em 1984 encena a Ilusão, de Corneille. Em
1987 cria a sua sexta versão de Arlequim, no
Piccolo Teatro, que realiza uma digressão mundial.
O Piccolo entra na União de Teatros da Europa, e
Strehler obtém uma nova sala para o seu teatro,
mas, devido a um desaguisado com a Câmara da
cidade, e aos atrasos das obras, o Nuovo Piccolo
só será inaugurado após a morte do seu director,
que ocorreu a 25 de Dezembro de 1997.
A sua concepção do teatro influenciaria
vários encenadores da geração seguinte, como
Ariane Mnouchkine, Patrice Chéreau, Lluis
Pasqual, Roger Planchon, Peter Stein, etc.
Giulia Lazzarini
Giulia Lazzarini nasceu em Milão e formou-
-se em Roma no Centro Sperimentale di
Cinematografia. Inicia ainda bastante jovem uma
longa colaboração com o Piccolo Teatro di Milano,
cujo director era Giorgio Strehler, que a dirigiu em
espectáculos que marcaram a história do teatro
italiano, tais como: Arlequim, Servidor de Dois
Amos, de Goldoni (espectáculo que realizou uma
digressão mundial no 40º aniversário do Piccolo, e
que foi apresentado em Almada), O Egoísta, de
Bertolazzi, Platonov, de Tchecov, Galileu e A
Ópera dos Três Vinténs, de Brecht, O Ginjal, de
Tchecov, O Balcão, de Genet, Os Dias Felizes, de
Beckett, A Tempestade, de Shakespeare, Elvira ou
a Paixão Teatral, de Jouvet, Night Mother, de
Norman, Grande e Pequeno, de Botho Strauss, A
Entrevista, de Natália Ginzburg, Estamos
Momentaneamente Ausentes, de Squarzina,
Fausto – Fragmentos parte I e II, de Goethe (no
papel de Margarida, com Strehler no papel de
Fausto), Os Gigantes da Montanha, de Pirandello,
e Morte de um Caixeiro Viajante, de Miller.
A sua interpretação de Winnie, em Os Dias
Felizes, valeu-lhe os títulos de “Maravilhosa”
(Corriere della Sera) e “Magistral” (Il Tempo) na
imprensa italiana.
Intérpretes Giulia Lazzarini e Franco
Sangermano
Tradução Carlo Fruttero
Cenário Ezio Frigerio
Figurinos Luisa Spinatelli
Música Fiorenzo Carpi
Movimentos mímicos Marise Flach
Luzes Gerardo Modica
Língua italiano (legendado em português)
Duração 1h40
NOVO TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA
SALA PRINCIPAL
(ALMADA)
21h30 Quinta 13
21h30 Sexta 14
17

18
RHINOCÉROS (RINOCERONTE)
DE EUGÈNE IONESCO | TEATRO
EM CO-APRESENTAÇÃO COM O TEATRO NACIONAL D. MARIA II
LA COMÉDIE DE REIMS C. D. N.
CO-PRODUÇÃO THÉÂTRE DE LA VILLE (PARIS)
ENCENAÇÃO DE EMMANUEL DEMARCY-MOTA
FRANÇA
A história desta peça pode resumir-se de
uma forma muito simples: trata-se de uma
cidade cujos habitantes se metamorfoseiam em
rinocerontes. Todos menos um, o último homem:
Bérenger. Mas a simplicidade aparente desta
fábula mascara uma opacidade diabólica. Ao
raspar o verniz desse mundo tranquilo e civilizado
surge uma humanidade surdamente arruinada
pelo catrastofismo: todos os animais foram
dizimados pela peste, o calor é abrasador, as
paisagens são desérticas, os nómadas não são
recebidos… mesmo os circos foram banidos há
muito. Parece-me claro que Ionesco partia da
propagação e da adesão aos totalitarismos —
tanto o nazismo como o estalinismo — mas via
igualmente o homem como capaz de revelar a
sua monstruosidade noutras circunstâncias,
como afirmou: “Tenho a sensação de me encontrar
junto de pessoas extremamente educadas,
num mundo mais ou menos confortável, e de
repente qualquer coisa se desfaz, se dilacera, e
surge esse carácter monstruoso dos homens. É este,
creio, o ponto de partida do Rinoceronte”.
EMMANUEL DEMARCY-MOTA
Emmanuel Demarcy-Mota
Emmanuel Demarcy-Mota criou a Compagnie
de Théâtre de Millefontaines em 1989, que reunia
um grupo de alunos do liceu Rodin. Estudou filosofia
na Université René Descartes, e em 1994, com 23
anos, montou L’histoire du Soldat, um espectáculo
que permaneceria dois anos em digressão.
Emmanuel Demarcy-Mota é desde Janeiro de
2002 director da Comédie de Reims (Centro
Dramático Nacional), onde criou Le Diable en
partage e L’Inatendu, de Fabrice Melquiot, Six personnages
en quête d’auteur, de Pirandello (apresentado
no 21º Festival de Almada), Ma Vie de chandelle,
e Marcia Hesse, de Fabrice Melquiot.
COM O APOIO DA ASSOCIATION FRANÇAISE D’ACTION
ARTISTIQUE
Interpretação Hugues Quester, Serge Maggiani,
Valérie Dashwood, Charles-Roger Bour, Sandra Faure,
Gaelle Guillou, Stéphane Krahenbuhl, Ana das
Chagas, Olivier Le Borgne, Gérald Maillet, Cyril Anrep,
Pascal Vuillemot, Jauris Casanova e Céline Carrère
Assistente de encenação Christophe Lemaire
Músicos Jefferson Lembeye, Walter N’Guyen e
Arnauld Laurens
Cenografia Yves Collet, com a colaboração de
Michel Bruguière
Luzes Yves Collet, com a colaboração de
Sébastien Marrey
Música Jefferson Lembeye, com Walter N’Guyen
e Arnaud Laurens
Trabalho corporal Marion Lévy, com Anne
Mousselet
Figurinos Corinne Baudelot, assistida por
Annabelle Rambaud
Máscaras Mirjam Fruttiger, com, para a realização,
Mathilde Meignan e Audrey Duflot
Maquilhagem Catherine Nicolas
Acessórios Laurent Marquès-Pastor
Colaborador artístico François Regnault
Conselheiro literário Marie-Amélie Robiliard
Construcção do cenário Espace et compagnie
Operação de luzes Régis Guyonnet
Electricista Soizick Provost
Técnico de palco Pascal Daubie
Assistente de camarim Séverine Gohier
Assistente de adereços Mohamed Rezki
Língua francês (legendado em português)
Duração 2h00
TEATRO NACIONAL D. MARIA II
SALA GARRETT
(LISBOA)
21h30 Quinta 13
21h30 Sexta 14

LA MIRADA DEL AVESTRUZ (O OLHAR DA AVESTRUZ)
DE TINO FERNÁNDEZ | DANÇA
EM COLABORAÇÃO COM O CELCIT
L’EXPLOSE
COREOGRAFIA E ENCENAÇÃO DE TINO FERNÁNDEZ
COLÔMBIA
Nove personagens sem nome, com histórias
próximas e estranhas ao mesmo tempo, falam-
-nos da sua própria marca, da sua exclusão e das
suas contradições, numa peça de dança que
procura reflectir sobre a realidade do país. Uma
metáfora que pretende, num espaço cénico feito
de terra negra, moldar sentimentos, emoções e
vivências pessoais, relacionados com a evasão a
que às vezes recorremos para, como a avestruz,
escapar à realidade.
A metáfora que sustenta este trabalho
propõe diferentes níveis de significação: o
primeiro tem que ver com o olhar que todos parecemos
centrar na nossa vida individual, onde nos
refugiamos em consequência de um mecanismo
de evasão, de sobrevivência.
Mas, o que sucede nesses espaços das vidas
individuais? Aí mesmo é que estão presentes, sob
formas muito subtis e profundas, os traços da
violência.
O espectáculo, apresentado o ano passado
em Almada, foi votado pelo público como
Espectáculo de Honra de 2006.
A companhia L’Explose foi fundada por Tino
Fernández em Paris e posteriormente na
Colômbia, fruto de um intenso trabalho de investigação
em dança contemporânea, e celebrou
recentemente o seu 14º ano de actividade.
O grupo surgiu da necessidade de expressão
própria, encontrando o seu caminho na ênfase do
aspecto emocional, mais do que no movimento. O
resultado é que na realização do seu trabalho, e
através de uma energia rude e violenta, consegue
expressar o seu encontro com a realidade e a
recusa de codificar um imaginário íntimo numa
sociedade de artifícios.
Os seus objectivos essenciais são a promoção
e a divulgação da dança contemporânea.
L’Explose é também um lugar de encontro de
artistas de diferentes disciplinas para a realização
de projectos coreográficos propostos pelo seu
director.
Intérpretes Angela Bello, Wilman Romero, Paola
Escobar, Vladimir Rodríguez, John Henry Gerena,
Leyla Castillo, Marvel Benavides, Natália Orozco e
Tino Fernández
Iluminação Humberto Hernández
Figurinos Eunice García (Canesú)
Fotografia Carlos Lema, Zoad Humar
Imagem Iván Onatra
Produção Zoad Humar
Cenografia Victor Sánchez
Vídeo Charles le Pick
Dramaturgia Juliana Reyes
Duração 1h10
PALCO GRANDE
ESCOLA D. ANTÓNIO DA COSTA
(ALMADA)
22h00 Sábado 15
ESPECTÁCULO DE HONRA 2006
19

20
EN UN LUGAR DE MANHATTAN (NUM LUGAR DE MANHATTAN)
DE ALBERT BOADELLA | TEATRO
EM CO-APRESENTAÇÃO COM O TEATRO NACIONAL D. MARIA II
ELS JOGLARS
ENCENAÇÃO DE ALBERT BOADELLA
ESPANHA
En un lugar de Manhattan centra-se no jogo
entre a ficção e a realidade, e desenvolve-se em
dois planos que se vão inter-relacionando.
Por um lado, a montagem de uma obra de
teatro ultra-moderna e vanguardista, da qual
se chegam a ver representadas algumas
sequências. E por outro lado a chegada de um
par de personagens peculiares e estranhas, que
têm pouco que ver com os ensaios e a forma
com que os actores representam com elas para
fugir ao cansaço criativo em que se encontram.
Quando se procuram restos da irradiação
quixotesca na nossa sociedade contemporânea, é
assombroso constatar que não resta um único
vestígio desse passado. Por mais que nos esforcemos
a esquadrinhar as suas ruínas, depressa
chegaremos à conclusão de que em muito poucas
décadas desapareceram as marcas de algo que
em Espanha havia perdurado durante séculos.
Para mais, se actualmente alguém tentar levar a
cabo actividades imitadoras de tal tessitura
moral, ou é automaticamente marginalizado, ou
corre o risco de ser tomado como um doente mental.
Aquela herança estilística e ética, mescla de
ideais góticos e de cavalaria cristã, não só deixou
de ter vigência, como também já não é possível
captar nenhuma analogia com o que nos rodeia.
Ante a impossibilidade de estabelecer paralelismos
contemporâneos, e afastados da ideia
de tentar recriar no palco a obra de arte literária,
abordámos o Quixote reflectindo precisamente
sobre o fracasso grotesco desta quimera.
Brincando com o ridículo de qualquer pretensão
“modernizadora” do mito literário, a obra incide
também na incapacidade actual para reconhecer
as virtudes de um suposto Quixote no actual contexto
em que vivemos.
ALBERT BOADELLA
EM CO-PRODUÇÃO COM COMUNIDAD DE MADRID
Intérpretes Xavier Boada, Xavi Sais, Dolors
Tuneu, Jesus Agelet, Minnie Marx, Francesc Pérez,
Pilar Sáenz, Ramon Fontseré e Pep Vila
Assistentes de encenação Joan Roura e Gerard
Guix
Cenário Anna Alcubierre
Figurinos Dolors Caminal
Iluminação Cesc Barrachina
Som Guillermo Mugular
Direcção técnica e realização cenográfica
Jordi Costa
Produção executiva Josep M. Fontseré
Assessor literário Rafael Ramos
Coreografias Bebeto Cidra e Jordi Basora
Técnico de palco Jesus Díaz-Pavón
Língua castelhano
Duração 2h05
TEATRO NACIONAL D. MARIA II
SALA GARRETT
(LISBOA)
21h30 Domingo 16
21h30 Segunda 17
21h30 Terça 18

SIMBAU (A DANÇA DO FALSO LEÃO)
DE BABACAR DIENG | DANÇA
EM COLABORAÇÃO COM O CELCIT
N´DIENGOZ
COREOGRAFIA DE BABACAR DIENG
SENEGAL
A Dança do Falso Leão, também conhecida
como Simbau, é um espectáculo originário de
Walo, região situada no Norte do Senegal.
Executada por jovens com disfarces e
atavios aterradores, a dança desenrola-se ao
compasso de ritmos, cantos e palavras mágicas,
capazes de domar um verdadeiro leão.
Os jovens que tomam parte no espectáculo,
isto é, falsos leões, são pessoas que pelo menos
uma vez na sua vida conseguiram afugentar leões
que tentaram atacar populações.
Quando um destes jovens se irrita, fica com
o carácter e a coragem de “Gainde”, o leão. Para
os acalmar, os artistas da povoação encarregam-
-se de os entreter com cânticos e palavras mágicas
chamadas “Yat”.
O grupo N´Diengoz foi fundado por Babacar
Dieng na sua cidade natal de Louga (Senegal), em
1989. Esta denominação significa que todos os
seus membros fazem parte da mesma família,
cujo apelido é Dieng. Herdeiros da tradição Griôt,
tanto o avô de Babacar, como o seu pai foram,
respectivamente, Grande Tambor e Primeiro Griot
do Senegal. O grupo começou por realizar festas
na sua localidade e pouco a pouco deu espectáculos
em todas as cidades do país, para mais tarde
actuar em diferentes festivais de música em
França, Suíça e Espanha.
O estilo da sua música sempre consistiu
essencialmente na percussão, dança e canto.
Ainda que tenham variado estilos, os Diengoz
sempre misturaram o estilo afro-oriental, o rap
senegalês e a música tradicional própria da sua
região.
Intérpretes Babacar Dieng (percussão e voz),
Ndiaga Dieng (percussão), Madior Dieng (percussão),
Assane Dieng (percussão), Bekay
Jorbatek (cora), Abou Dieng (baixo), Susane Kante
(dança e coros) e Bontou Gueye (dança e coros)
Duração 1h20
PALCO GRANDE
ESCOLA D. ANTÓNIO DA COSTA
(ALMADA)
22h00 Terça 18
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24
NADA OU O SILÊNCIO DE BECKETT
DE JOÃO PAULO SEARA CARDOSO | TEATRO DE MARIONETAS
TEATRO DE MARIONETAS DO PORTO
ENCENAÇÃO DE JOÃO PAULO SEARA CARDOSO
PORTO
Nada ou o Silêncio de Beckett é um espectáculo
construído a partir de impressões de
Samuel Beckett e nasce de uma forte contaminação
dos criadores e actores pelas paisagens e
personagens do mundo beckettiano.
Este espectáculo é como um sonho difuso e
amarelado no qual vagueamos com os Winnies,
Didis, Gogos e toda essa galeria de homens e
mulheres impregnados de um estranho silêncio
vazio, sempre tocando ao de leve na obscuridade
para nos fazer sentir, afinal, poeticamente a possibilidade
de um mundo mais luminoso.
Nada ou o Silêncio de Beckett venceu os
prémios de Melhor Encenador e Melhor
Companhia do festival de marionetas World
Festival de Praga, e colheu as seguintes reacções
junto da imprensa portuguesa: “Um espectáculo
notável: provavelmente um dos melhores
espectáculos dirigidos por João Paulo Seara
Cardoso. Indispensável ver, se possível.” (Carlos
Porto, in Jornal de Letras); “É obrigatório assistir
às transmutações, transfigurações, variações e
desenvolvimentos que João Paulo Seara Cardoso
recriou a partir do universo de Beckett.” (Manuel
João Gomes, in Público); “Um espectáculo notável.”
(Susana Oliveira, in Visão7).
João Paulo Seara Cardoso
João Paulo Seara Cardoso tem formação nos
domínios da animação sócio-cultural, do teatro e
do teatro de marionetas, frequentando os cursos
do Institut National d`Éducation Populaire e do
Institut International de la Marionnette, em
França. Trabalhou com João Coimbra, Marcel
Violette, Jim Henson e Lopez Barrantes. Integrou o
quadro nacional de formadores do Instituto da
Juventude e é professor de Interpretação do curso
de Teatro no Balleteatro — Escola Profissional.
Em 1982 iniciou o estudo e divulgação do
Teatro Dom Roberto, fantoches tradicionais por-
tugueses, que efectuou já cerca de 1500 representações.
É fundador e director artístico do Teatro de
Marionetas do Porto, tendo realizado várias encenações.
Com a companhia ou com espectáculos-
-solo actua frequentemente no estrangeiro, tendo
efectuado representações em festivais e
digressões em Espanha, França, Itália, Bélgica,
Suíça, Irlanda, Inglaterra, Israel, Alemanha, Brasil,
Polónia, Cabo Verde, República Checa e Holanda.
Intérpretes Edgard Fernandes, Sara Henriques e
Sérgio Rolo
Cenografia João Paulo Seara Cardoso
Marionetas e figurinos Júlio Vanzeler
Música Roberto Neulichedl
Desenho de luz António Real
Produção Mário Moutinho
Pintura de marionetas Emília Sousa
Operação de som e luz Rui Pedro Rodrigues
Assistente de produção Paula Anabela Silva
Secretária de produção Sofia Carvalho
Direcção de montagem Igor Gandra
Técnicos de construção Abílio Silva, Filipe
Garcia e Vítor Silva
Confecção de figurinos Branca Elíseo
Colaboração Patrícia Falcão, Isabel Leite da Silva
Fotografia de cena Henrique Delgado
Ilustração Júlio Vanzeler
Língua português
Duração 1h00
PALCO GRANDE
ESCOLA D. ANTÓNIO DA COSTA
(ALMADA)
22h00 Terça 4

A MATA
DE JESPER HALLE | TEATRO
COM O APOIO DA REAL EMBAIXADA DA NORUEGA EM LISBOA
ARTISTAS UNIDOS
ENCENAÇÃO DE FRANZISCA AARFLOT
LISBOA
A Mata aborda uma jornada comovente
nas memórias reprimidas de um grupo de crianças
que cresceram no mesmo bairro de onde uma
delas desapareceu. Ao mesmo tempo, a estrutura
da peça assemelha-se a um mistério sobre um
crime que mantém os espectadores em suspenso
até ao fim. O possível abuso e assassinato de uma
rapariga pequena só se revela gradualmente. Este
mistério não é totalmente esclarecido. Os
espectadores esperam respostas no final, mas o
caso não é resolvido, nem o assassino travado. A
peça centra-se no bairro, nas crianças que vivem
lado a lado. Como reagem aos vários acontecimentos,
como sentem uma ameaça, sem, no
entanto, a perceberem claramente. E, claro, como
estas crianças conseguem lidar (ultrapassar ou
reprimir) o facto.
Jesper Halle
Jesper Halle nasceu em 1956, em Oslo. Desde
1984 que escreve para teatro, rádio e televisão, já
tendo escrito mais de vinte peças. Escreve sempre
materiais para serem representados – letras para
canções, sketches cómicos, monólogos, teatro
radiofónico, peças para marionetas, séries para
televisão e peças para teatro. Já viu mais de dez
das suas peças serem representadas. Trabalhou
como dramaturgo no Det Åpne Teater por vários
períodos de tempo. As suas principais peças são
Life is a Sandy Beach (1990), Wild Ducks (1996),
The Light of Days (1996) – que recebeu o Ibsen
Award for Best New Norwegian Play em 1997, e
foi nomeada para o Award for Best Nordic Play,
em 1998 -, West of Eden (2000), 24 Unsuccessfull
Norwegians, Little Woods – que recebeu o Prémio
da Fundação Wilhelm Hansen para Melhor Nova
Peça Nórdica e o Hedda Award – e Nora’s
Children. Algumas das suas peças foram representadas
fora da Noruega, na Suécia, e em Nova
Iorque, estando neste momento a ser planeadas
produções na China e na Rússia. A Mata foi apresentado
na Suécia, Estados Unidos da América,
Alemanha, Dinamarca e agora em Portugal.
Intérpretes António Simão, Armando Luís,
Bernardo Chatillon, Cecília Henriques, Flávia
Araújo, Heloise Ro, Jéssica Anne, João Delgado,
Leogizy Mary Gaspar, Nikki, Pablo Malter, Pedro
Carraca, Paulo Pinto, Ricardo Batista, Ricardo
Carolo, Rúdy Fernandes, Sandra Roque, Sara
Moura, Sérgio Conceição e Tinto
Tradução Pedro Porto Fernandes
Cenografia Inger Astri Kobbevik Stephens
Montagem Daniel Fernandes, com o apoio de
Rita Lopes Alves
Figurinos Rita Lopes Alves
Luz Pedro Domingos
Assistência de encenação Andreia Bento, João
Meireles, Ricardo Carolo, Pedro Carraca e
António Simão
Língua português
Duração 2h20 (com intervalo)
NOVO TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA
SALA EXPERIMENTAL
(ALMADA)
19h00 Quarta 5
19h00 Quinta 6
19h00 Sexta 7
19h00 Sábado 8
17h00 Domingo 9
19h00 Terça 11
21h00 Quarta 12
19h00 Quinta 13
19h00 Sexta 14
17h00 Sábado 15
17h00 Domingo 16
17h00 Terça 18
CRIAÇÃO NO FESTIVAL
CO-PRODUÇÃO COM O DET APNE TEATER E O CHAPITÔ
CENOGRAFIA E FIGURINOS COM O APOIO DE JOAQUIM
RAMALHO E FILIPE FAÍSCA E DOS ALUNOS DE OFÍCIOS
DO SEGUNDO ANO DO CHAPITÔ
25

ENSAIO PARA O GINJAL
DE ANTON TCHECOV | TEATRO
TEATRO DA CORNUCÓPIA
ENCENAÇÃO DE CHRISTINE LAURENT
LISBOA
É como se, com os actores, partíssemos de
uma página em branco ou do silêncio total, do
esquecimento do sono, e depois, devagarinho,
como se nos puséssemos a viver, ali, essa estranha
e longa jornada fictícia, inventada por Tchekov,
que se desenrola, a partir de uma aurora de primavera
fria, através da descida do crepúsculo de
um dia de verão, e de uma noite de baile trepidante,
até a uma tarde gelada de outono.
A aposta deste trabalho, é ritmar a concordância
destes quatro tempos em contraponto
com a meteorologia afectiva e pessoal de cada
uma das personagens. Algumas delas hão-de
verificar, à sua custa, como disse Vladimir
Jankélévitch, que “quem volta atrás no espaço,
não volta atrás no tempo”
CHRISTINE LAURENT
Anton Tchecov
Neto de um servo liberto, Anton Tchecov
(Ucrânia, 1860 - Alemanha, 1904) publicou alguns
contos em revistas enquanto estudava medicina. O
sucesso de uma peça de teatro, Ivanov, em 1887, e
de uma novela, A Estepe (1888), permitiu-lhe
dedicar-se exclusivamente à literatura, apesar da
tuberculose, que o forçava a permanecer longos
períodos no estrangeiro. Devido ao agravamento da
doença, fixou residência em Ialta (1899), onde
escreveu algumas das suas melhores obras (como A
dama do cachorrinho, em 1889, e A noiva, em 1903).
Nos últimos anos da sua vida escreveu as suas
maiores criações para o teatro: Tio Vânia (1897), As
Três Irmãs (1901) e O Ginjal (1904). Ambientadas na
província, as suas peças envolvem personagens da
burguesia e da aristocracia decadente. Os diálogos
tradicionais são substituídos por monólogos paralelos,
onde cada personagem deixa entrever as suas
mágoas, sentimentos mais profundos, e principalmente
a frustração e a impotência perante a vida.
26
Intérpretes Cleia Almeida, Dinarte Branco, Dinis
Gomes, Luís Lima Barreto, Luis Miguel Cintra,
Márcia Breia, Pedro Lacerda, Rita Durão, Rita
Loureiro e Sofia Marques
Tradução Nina Guerra e Filipe Guerra
Adaptação e guião de espectáculo Christine
Laurent
Cenário e figurinos Cristina Reis
Desenho de luz Daniel Worm d’Assumpção
Som Vasco Pimentel
Língua português
Duração 2h30
TEATRO DO BAIRRO ALTO / CORNUCÓPIA
(LISBOA)
21h30 Quarta 5
21h30 Quinta 6
21h30 Sexta 7
21h30 Sábado 8
17h00 Domingo 9
21h30 Terça 11
21h30 Quarta 12
21h30 Quinta 13
21h30 Sexta 14
21h30 Sábado 15
17h00 Domingo 16
21h30 Terça 18

À PROCURA DE JÚLIO CÉSAR
DE CARLOS J. PESSOA | TEATRO
TEATRO DOS ALOÉS E TEATRO DA GARAGEM
ENCENAÇÃO DE CARLOS J. PESSOA
LISBOA
À Procura de Júlio César é uma peça que
apresenta duas partes distintas. Na primeira
parte, as palavras de Shakespeare misturam-se
com o barulho e as luzes da cidade. Na segunda
parte de À Procura de Júlio César, assistimos a
uma demanda. João José, um actor desempregado,
que habita as incertezas existenciais da casa
dos cinquenta, procura Júlio César, ou melhor,
procura um emprego como motorista de Júlio
César.
O problema é encontrá-lo porque, obviamente,
Júlio César já não habita a Roma pré-
-imperial, o Egipto, ou o texto de Shakespeare.
Perdeu-se talvez nas malhas ínvias de uma rede
global ou, o que é o mesmo, em todas as palavras
e imagens que acerca dele fomos ouvindo e
vendo, aqui e ali. O anúncio deste Júlio César, que
quer um motorista, não tem pois uma morada,
porque ele não tem um lugar e será, de algum
modo, a procura errática de João José que definirá
a sua existência e o seu lugar, i. e., o lugar de
ambos. Mais do que encontrar Júlio César e apresentá-lo,
trata-se, de facto, de o procurar.
Perante a floresta imensa dos lugares, das
imagens e das personagens, João José, é claro,
não tem um plano para esta procura e, mais do
que encontrar alguém que o esclareça, é confrontado
pelos suspeitos do costume que lhe
apontam um caminho, feito de surpresas, coincidências
e teatro.
Carlos J. Pessoa
Carlos J. Pessoa nasceu em Lisboa, em 1966.
Tem o curso de Formação de Actores da Escola
Superior de Teatro e Cinema e a licenciatura em
Teatro e Educação pela mesma escola, onde é professor
e Director do Departamento de Teatro.
Co-fundador do Teatro da Garagem, em
1989, escreveu e encenou a quase totalidade das
peças que esta companhia tem apresentado desde
então. Tem publicadas as peças Cidade de Fausto,
Café Magnético, Pentateuco-Manual de
Sobrevivência para o Ano 2000 (ciclo de 5 peças)
e A portageira da Brisa.
Em 1993 recebeu o prémio Texto de Teatro,
do Teatro na Década, do Clube Português de Artes
e Ideias, pela peça Café Magnético; em 2000 foi-
-lhe atribuído o Prémio CyberKyoske99 – Género
Drama, pela peça Desertos - evento didáctico
seguido de um poema grátis.
Intérpretes Ana Palma, Carla Carreiro Mendes,
Diana Costa e Silva, Elsa Valentim, Fernando
Nobre, Jorge Silva, José Peixoto, Leonor Cabral,
Luís Barros, Maria João Vicente, Miguel Mendes,
Tiago Mateus e Vitor d’Andrade
Música Daniel Cervantes
Figurinos Maria João Vicente e Ana Palma
Desenho de luz Miguel Cruz
Direcção de produção Elsa Valentim e Maria
João Vicente
Produção Bruno Coelho e Gislaine Peixoto
Fotografia e vídeo Rodrigo Duarte
Assistente de produção Iría Menut
Operação técnica José Nuno Silva
Estagiária Antonela Silva
Língua português
Duração 1h40
PALCO GRANDE
ESCOLA D. ANTÓNIO DA COSTA
(ALMADA)
22h00 Quinta 6
27

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WAITING FOR GODOT (À ESPERA DE GODOT)
DE SAMUEL BECKETT | TEATRO
TEATRO MERIDIONAL – ASSOCIAÇÃO MERIDIONAL DE
CULTURA
ENCENAÇÃO DE MIGUEL SEABRA
LISBOA
“Uma estrada no campo. Uma árvore. Ao
anoitecer.” No que se tornou o cenário mais célebre
do teatro contemporâneo Didi e Gogo
aguardam em dois actos a vinda de um incerto
Godot que Beckett sempre se recusou a identificar
com a divindade, para realçar, talvez, não a finalidade
da espera, mas o que se produz enquanto ela
decorre. Logo na sua estreia, em 1952, foi perceptível
a verdadeira dimensão de um texto que, à
superfície, tem tanto de parábola bíblica como de
farsa clownesca, mas que o tempo se encarregou
de transformar na mais poderosa fábula do nosso
tempo.
Perguntam incessantes e curiosos: “O que
pensam acrescentar no vosso espectáculo, deste
texto multiplamente feito e reinventado, Waiting
for Godot, de Samuel Beckett?”.
Respondemos, parafraseando Beckett: “ O
que quis dizer foi exactamente o que disse!”.
Não queremos acrescentar nada — não nos
toma a preocupação obsessiva da originalidade
da obra. Queremos, como as personagens de
Beckett, ser aqueles que não sabem, aqueles que
não podem. Queremos cumprir o delito indizível e
maior, de termos nascido e de nos repetirmos. E
queremos ser o veículo da palavra simples, brincadores
do Mundo numa dupla simulação: fingir
o que se tem – como os actores, fingir o que não
se tem – como as personagens.
Queremos ser simples, não deixar a palavra
“nutrir-se” de efeitos ou de intenções, não carregar
o espectáculo de um sistema referencial
signíco e dramatúrgico, não ilustrar pleonasticamente
a mensagem ou a sua interdição.
Queremos dar forma e corpo e peso a essas personagens
fantasmáticas e teatrais, que enquanto
esperam se deslocam quietas num jogo
aparentemente elementar da vida humana.
Queremos prosseguir o risco do texto que, tal
como a existência, está cheio de indicadores de
CO-PRODUÇÃO CENTRO CULTURAL DE BELÉM
caminho, de didascálias normativas. Queremos
experimentar a exigência da pausa e do silêncio,
do jogo e da transgressão, da liberdade possível
neste território em que experimentamos também
a contingência.
MIGUEL SEABRA E NATÁLIA LUÍZA
Intérpretes António Fonseca, João Pedro Vaz,
Miguel Seabra, Pedro Gil e Luís Martinho
Tradução Francisco Luís Parreira
Assistência artística Natália Luíza
Cenografia e figurinos Ana Limpinho e Maria
João Castelo
Desenho de luz Miguel Seabra
Assistência de encenação Romeu Costa
Programa Luís Vasco e Natália Luíza
Fotografia de cena Rui Mateus e Patrícia Poção
Realização de figurinos Piedade Antunes
Operação técnica Feliciano Branco
Produção executiva Jorge Sousa
Direcção de produção Mónica Almeida
Língua português
Duração 1h20
PALCO GRANDE
ESCOLA D. ANTÓNIO DA COSTA
(ALMADA)
22h00 Sábado 8

FIORE NUDO (FLOR NUA)
ESPÉCIE DE ÓPERA A PARTIR DE CENAS DE DON GIOVANNI
MÚSICA DE WOLFGANG AMADEUS MOZART
LIBRETO DE LORENZO DA PONTE
EM CO-APRESENTAÇÃO COM O TEATRO MUNICIPAL DE S.LUIZ
TEATRO NACIONAL DE S. JOÃO
ENCENAÇÃO DE NUNO M CARDOSO
PORTO
Como a morte (se a encararmos com exactidão)
é o verdadeiro objectivo da nossa vida, tenho-me
familiarizado, de há uns anos a esta parte, com essa
verdadeira e excelente amiga do homem, a ponto de
o seu rosto já nada ter de aterrorizador para mim,
parecendo-me, pelo contrário, tranquilizante e
muito consolador. […] De noite, nunca me deito sem
pensar que no dia seguinte (por muito jovem que eu
ainda seja) talvez já cá não esteja e, no entanto,
nenhuma das pessoas que me conhecem e me frequentam
pode dizer que eu ande magoado ou
triste.
WOLFGANG AMADEUS MOZART
(Carta a seu pai, Leopold Mozart, 4 de Abril de 1787.)
Lorenzo da Ponte
Lorenzo da Ponte nasceu em Treviso em 1749
e faleceu em Nova Iorque em 1838. Por volta de
1770 faz-se sacerdote e vive em Veneza. Porém,
leva uma vida libertina, e em 1779 é expulso da
então República. Muda-se para Viena, graças ao
interesse demonstrado por Antonio Salieri na sua
habilidade, já evidente, como libretista. Data destes
anos a sua colaboração com Wolfgang A. Mozart
na criação de três obras-primas: As Bodas de Fígaro
(1786), a partir da comédia de Beaumarchais, Don
Giovanni (1787) e Così Fan Tutte (1790).
Wolfgang Amadeus Mozart
Wolfgang Amadeus Mozart nasceu em
Salzburgo, em 1756. Foi uma criança prodígio de
uma família musical burguesa, começando a compor
minuetes para cravo aos cinco anos. Em 1763,
foi levado pelo pai em digressão pela França e
Inglaterra. Entre 1770 e 1773 visitou Itália por três
vezes, onde compôs a ópera Mitridate. A eleição do
conde Hieronymus Colloredo como arcebispo de
Salzburgo mudaria esta situação. A Sociedade de Corte
vienense implicava com a origem burguesa e os
modos de Mozart, e Colloredo não admitia que um
mero serviçal passasse tanto tempo em viagens ao
exterior. Em 1781 Colloredo ordena a Mozart que se
junte a ele e à sua comitiva em Viena. Insatisfeito
por ser colocado entre os criados, pediu a demissão.
A partir daí, passa a viver da renda de concertos, da
publicação das suas obras e de aulas particulares.
Em 1786, compõe a primeira ópera em que contou
com a colaboração de Lorenzo da Ponte: As Bodas
de Fígaro. Segue-se Don Giovanni, considerada por
muitos a sua obra-prima. Mozart ainda escreveria
Così Fan Tutte, com libreto de Da Ponte, em 1789.
Em 1791 compõe as duas últimas óperas (A
Clemência de Tito e A Flauta Mágica). Na Primavera
desse ano recebe a encomenda de um Requiem
(K.626). Contudo morre a 5 de Dezembro de 1791,
deixando a obra inacabada. É enterrado numa vala
comum de Viena.
Intérpretes Ana Barros, Andresa Soares, António
Durães, Carla Simões, Fernando Guimarães, Joana
Manuel, João Merino, José Corvelo, Pedro Pernas,
Rui Massena (Piano), Carlos Piçarra Alves
(Clarinete) e Bruno Martins (Contrabaixo)
Adaptação e direcção musical Rui Massena
Dramaturgia Nuno M Cardoso
Coordenação de projecto João Henriques
Cenografia João Mendes Ribeiro
Figurinos Frederica Nascimento
Desenho de luz Nuno Meira
Desenho de som Francisco Leal
Música electrónica ambiental Miguel Pereira
Língua italiano (legendado em português)
Duração aproximada 1h20
TEATRO S.LUIZ
SALA PRINCIPAL
(LISBOA)
21h00 Sábado 8
21h00 Domingo 9
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TEATRO DE PAPEL | CONVIDADO DE PEDRA
A PARTIR DE O ENGANADOR DE SEVILHA, DE TIRSO DE MOLINA | TEATRO DE MARIONETAS
EM CO-APRESENTAÇÃO COM O TEATRO MUNICIPAL DE S. LUIZ
TEATRO NACIONAL DE S. JOÃO
TEATRO DE FORMAS ANIMADAS DE VILA DO CONDE
ENCENAÇÃO DE MARCELO LAFONTANA
PORTO
D. João, inveterado sedutor, conquista as
mulheres, faz amor com elas e abandona-as logo
após. Mulheres, sempre mulheres, num apetite
insaciável de enganador-coleccionador. Plebeias e
nobres. Uma destas descobre o logro (D. João faz-
-se passar pelo seu apaixonado primo). O pai
acorre para vingar a honra perdida da filha. D.
João, tão exímio na arte do duelo como na da
conquista, mata o pai da seduzida. Um dia, a
estátua de pedra que encima o sepulcro do
nobre senhor anima-se... É o fantasma, o
revenant, o pai da donzela que vem do outro
mundo, pela vingança, buscar o sedutor e o vai
arrastar para o inferno como anunciam, à
maneira dos coros trágicos, os músicos da companhia:
“E que o devedor não pense / que Deus
castigo não traga; / o prazo sempre se vence / e a
conta sempre se paga”.
Tirso de Molina
Tirso de Molina nasceu em Madrid, em
1579. Foi discípulo de Lope de Vega, que conheceu
como estudante em Alcalá de Henares. Foi ordenado
sacerdote em 1606, em Toledo, onde estudou
Artes e Teologia e começou a escrever.
Em 1612, vendeu um lote de três comédias, e
crê-se que já tinha escrito uma primeira versão de
El vergonzoso en Palacio. Já então tratava temas
religiosos, e as suas sátiras e comédias já lhe
tinham trazido problemas com as autoridades
eclesiásticas.
Em 1625, a Junta de Reformación, criada
pelo Conde-Duque de Olivares, primeiro-ministro
do rei Felipe IV de Espanha, castiga-o com a
reclusão no mosteiro de Cuenca, por escrever
comédias profanas “e de maus incentivos e exemplos”,
e pede o seu desterro e excomunhão em
caso de reincidência.
Mas Tirso de Molina continuou a escrever
e não se tomaram acções contra ele, apesar das
medidas moralizadoras do Conde-Duque. Entre
1632 e 1639 esteve na Catalunha, onde foi
nomeado definidor geral e cronista da sua Ordem;
neste último cargo, cria a Historia general de la
Orden de la Merced.
Morreu em Almazán em 1648. Apesar de
apenas terem chegado aos nossos dias cerca de
sessenta peças dramáticas suas (segundo o seu
próprio testemunho teria escrito trezentas ou
quatrocentas peças), foi um dos dramaturgos
mais prolíficos do Siglo de Oro.
Intérpretes Victor Madureira, Andreia Gomes,
Marcelo Lafontana
Tradução José Coutinhas
Dramaturgia e adaptação José Coutinhas,
Marcelo Lafontana
Cenografia, marionetas e adereços Luís da
Silva
Música original Eduardo Patriarca
Desenho de luz Rui Damas
Língua português
Duração 1h50
TEATRO MUNICIPAL DE S. LUIZ
JARDIM DE INVERNO
(LISBOA)
23h00 Sábado 8
23h00 Domingo 9

ESTA NOITE, ARSÉNICO!
DE CARLO TERRON |TEATRO
COMPANHIA DE TEATRO DE ALMADA
ENCENAÇÃO DE MARIO MATTIA GIORGETTI
ALMADA
Um casal aparentemente feliz, Bice e
Lorenzo, vive num inferno strindbergiano. Ela é
uma mulher frontal, viciada no trabalho, ninfomaníaca,
que dirige uma agência funerária,
enquanto que ele é um intelectual, um rato de
biblioteca introspectivo, sexualmente impotente
devido aos ataques da sua esposa.
Trata-se de duas personagens simbólicas,
vivendo no limite, mas nem por isso completamente
estranhas ao nosso Mundo. Durante os
períodos de ócio, estabelecem o pacto de entrar
num jogo que lhes permita recuperar o erotismo
e a paixão extinta. Durante este duelo, algumas
verdades cruéis vêm ao de cima, assim como
alguns desejos inconfessáveis, fatias violentas de
vida, reprimida e negada, escondida nas profundezas
dos dias que correm.
Carlo Terron
Itália tem em Carlo Terron (Verona, 1910 -
Milão, 1991) o seu Anouilh do pós-guerra, e o
seu comediógrafo mais actual e vital, depois de
Ugo Betti e Eduardo De Filippo, entre os pós-
-pirandellianos.
Da tragédia ao vaudeville, Terron percorreu
todo o itinerário dos géneros teatrais. Deitou
abaixo falsas fortalezas, com a arma de dois
gumes da ironia, alcançando um grande relevo
na evolução do teatro italiano existencialista. A
consciência de um pessimismo subliminar é
constante, e confere espessura dramática, quiçá
alusiva, a muitas das suas piadas. E todas as suas
personagens a este fundo de conformação pessimista
opõem a substância da própria força
dramática, traduzindo-a num diálogo pleno de
ritmo e, muitas vezes, vibrante de divertimento
malicioso.
GIORGIO PULLINI
Mario Mattia Giorgetti
Mario Mattia Giorgetti, encenador, actor, e
director da revista Sipario, diplomou-se em 1961 no
Piccolo Teatro di Milano, onde trabalhou com Giorgio
Strehler. Encenou mais de sessenta peças de, entre
outros, Beckett, Ionesco, Camus, Osborne, Albee,
Arrabal e Molière, tendo dirigido duas produções na
Broadway. Foi director durante quatro anos do Teatro
Olimpico di Vicenza. Entre 1981 e 1984 foi director
artístico do Festival de Taormina, do Festival dos
Confrontos Internacionais do Espectáculo de
Kamarina, do Festival das Ilhas Eólias, e do Milano-
-New York Festival. Dirigiu durante dois anos o Teatro
dell’Arte de Milão, e durante quatro anos o Teatro
Litta, também dessa cidade.
Intépretes Alberto Quaresma e Teresa Gafeira
Tradução José Colaço Barreiros
Cenário Tiziana Gagliardi
Assistência de encenação Sebastiana Fadda
Luz José Carlos Nascimento
Língua português
Duração 1h20
TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA
RUA CONDE FERREIRA
(ALMADA)
21h30 Segunda 10
19h00 Terça 11
19h00 Quarta 12
CRIAÇÃO NO FESTIVAL
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QUANDO DEUS QUIS UM FILHO
DE ARNOLD WESKER | TEATRO
ENSEMBLE – SOCIEDADE DE ACTORES
ENCENAÇÃO DE CARLOS PIMENTA
PORTO
Joshua, professor de semântica, é judeu.
Martha é gentia e anti-semita. Foram casados
mas separaram-se. Connie, a filha deles, tenta
ser comediante, mas como o seu humor é
sofisticado não tem tido muito sucesso.
Regressa a casa em busca de consolo, esperando
compreender o seu desordenado e confuso passado.
Joshua regressa para convencer a ex-mulher a
investir na sua máquina detectora da verdade
através das inflecções da voz . Martha tenta mas
não consegue gostar dele nem respeitá-lo.
Arnold Wesker
Arnold Wesker, nascido em Londres em
1932, é considerado um dos mais importantes
autores do século XX, tendo escrito 42 peças de
teatro, quatro volumes de contos e dois volumes
de ensaios. As suas peças encontram-se traduzidas
em 17 línguas e foram representadas em
diversos países. No ano de 2002 Arnold Wesker
celebrou o seu septuagésimo aniversário e os
quarenta e cinco anos de carreira literária, tendo
sido armado cavaleiro em 2006.
Acerca de Quando Deus Quis um Filho, o
Sunday Times escreveu: “A escrita de Wesker é
fogosa e cheia de energia, conduzindo a sensações
de verdadeiras paixão e piedade”. O The
Guardian referiu-se à peça da seguinte forma: “As
ideias de Wesker são intrigantes. A peça tem uma
vitalidade intelectual genuína, que agarra a
atenção do público e demonstra a inquestionável
energia dramática de Wesker”.
Intérpretes Alexandra Gabriel, Emília Silvestre,
Jorge Pinto
Tradução Constança Carvalho Homem
Cenografia João Mendes Ribeiro
Vídeo Alexandre Azinheira
Desenho de luz José Álvaro Correia
Figurinos Bernardo Monteiro
Língua português
Duração 1h30
FÓRUM ROMEU CORREIA
AUDITÓRIO FERNANDO LOPES GRAÇA
(ALMADA)
19h00 Terça 11

D. JOÃO
DE MOLIÈRE | TEATRO
EM CO-APRESENTAÇÃO COM O TEATRO MUNICIPAL DE S. LUIZ
TEATRO NACIONAL DE S. JOÃO
ENCENAÇÃO DE RICARDO PAIS
PORTO
Os cinco actos em prosa do Dom Juan
foram representados pela primeira vez em Paris,
em 15 de Fevereiro de 1665. Quando estava mais
acesa a polémica contra O Tartufo, Molière
escolheu um tema de êxito seguro, provavelmente
para evitar mais escândalos. Realmente, a
anterior versão da personagem criada em
Espanha por Tirso de Molina (El Burlador de
Sevilla) nunca tinha levantado os mínimos
protestos por parte dos “conservadores”, tanto
espanhóis como franceses.
Mas não aconteceu o mesmo a Molière,
talvez porque os “devotos” seus inimigos, sentiam
que ele manifestava pouco do “furor santo” que
devia demonstrar frente a esse herói libertino,
que, pelo contrário, estava nimbado de uma certa
simpatia compreensiva. O facto é que os ataques
e as polémicas suscitadas por O Tartufo se reacenderam
contra Dom Juan. Depois de apenas
quinze representações, a companhia retirou Dom
Juan de cartaz. A obra só voltará às cenas
parisienses em 1847 e, desde aí, o número de
representações mal ultrapassou as 150.
Jean-Baptiste Poquelin
Jean-Baptiste Poquelin, mais conhecido
como Molière (baptizado em Paris a 15 de Janeiro
de 1622 - 17 de Fevereiro de 1673), para além de
ter sido actor, encenador e director de uma companhia,
é considerado um dos mestres da comédia
satírica. Teve um papel de absoluta importância na
dramaturgia francesa, até então muito dependente
da temática da mitologia grega. Usou as suas obras
para criticar os costumes da época, criando o lema
castigat ridendo mores. É considerado o fundador,
indirecto, da Comédie-Française. Dele, disse
Boileau: “No saco ridículo onde se envolve Scapin,
não reconheço mais o autor de O Misantropo”.
Como encenador, ficou também conhecido pelo
seu rigor e meticulosidade.
Intérpretes António Durães, Hugo Torres, Joana
Manuel, João Castro, Jorge Mota, José Eduardo
Silva, Lígia Jorge, Marta Freitas, Paulo Freixinho,
Pedro Almendra e Pedro Pernas, com a participação
especial do clarinetista Carlos Piçarra
Alves (por especial deferência da Orquestra
Nacional do Porto)
Tradução Nuno Júdice
Cenografia João Mendes Ribeiro
Figurinos Bernardo Monteiro
Desenho de som Francisco Leal
Desenho de luz Nuno Meira
Desenho de lutas Miguel Andrade Gomes
Improvisações musicais de Carlos Piçarra
Alves, sobre temas de Vítor Rua, Maurice Ravel e
Rahul Dev Burman
Preparação vocal e elocução João Henriques
Coordenação de movimento David Santos
1º assistente de encenação David Santos
2º assistente de encenação João Castro
A banda sonora do espectáculo inclui temas
tratados a partir dos originais:
Nodir Pare Utthchhe Dhnoa, de Rahul Dev
Burman
Dhanno Ki Aankhon, de Rahul Dev Burman
Interpretação musical Kronos Quartet
Língua português
Duração 1h50
TEATRO MUNICIPAL DE S.LUIZ
SALA PRINCIPAL
(LISBOA)
21h00 Quarta 12
21h00 Quinta 13
21h00 Sexta 14
21h00 Sábado 15
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MÃOS MORTAS
DE HOWARD BARKER | TEATRO
AS BOAS RAPARIGAS
ENCENAÇÃO DE ROGÉRIO DE CARVALHO
PORTO
Um jovem tem conhecimento de que o seu
pai está a morrer. Conduz furiosamente para o ver
ainda vivo mas já não chega a tempo. A amante
do pai mostra-lhe o quarto onde está o corpo e
deixa-o entregue à sua dor. Mais tarde aparece
o seu jovem irmão. Tinha estado presente no
momento da morte mas a sua atitude é
estranhamente ambígua. Parece relutante em se
comprometer com o seu irmão mais velho,
que imediatamente suspeita de que ele tenha
conhecimento de um segredo culpabilizante.
Até que ponto é que o homem morto
planeia os seus encontros? São as acções e pensamentos
dos presentes parte de um esquema
elaborado por ele? E quais são as intenções da
amante perante os filhos?
Howard Barker
As peças de Howard Barker (n. 1946) são
construídas na premissa de que o teatro é uma
necessidade na sociedade, um lugar para a
imaginação e reflexão moral livre das exigências
do realismo ou de qualquer ideologia. Barker
descreve o seu trabalho com a expressão Teatro da
Catástrofe. No trabalho de Barker nenhuma tentativa
é feita para satisfazer qualquer exigência
da clareza ou da simplicidade ilusória de uma só
mensagem; cada representação é como um
desafio público no qual actores e espectadores
são inspirados a encontrar o significado e a
ressonância de um grande número de interpretações.
Especialmente no continente europeu,
Barker é considerado um dos maiores escritores do
teatro moderno. Nos últimos três anos, vinte e
sete dos seus trabalhos foram representados em
seis línguas, em países tão diversos como o
Canadá, Nova Zelândia e Eslovénia.
Intérpretes Maria do Céu Ribeiro, Miguel Eloy e
Wagner Borges
Tradução Pedro Cavaleiro
Assistência de encenação Carla Miranda
Dramaturgia Rogério de Carvalho e Carla
Miranda
Desenho de luz Jorge Ribeiro
Sonoplastia Luís Aly
Figurinos Ana Luena
Maquilhagem Patrícia Lima
Arranjo cenográfico e adereços Cláudia
Armanda
Produção executiva Carla Moreira
Confecção de figurinos Sr. Saldanha e Ana
Maria Fernandes
Arranjo de figurino Maria Fernanda Barros
Montagem e operação de luz Hugo Amaral
Montagem e operação de som Luís Aly
Construção e montagem de cenário Manuel
Pereira
Construção de adereços Teatro de Ferro
Língua português
Duração 1h35
FÓRUM ROMEU CORREIA
AUDITÓRIO FERNANDO LOPES GRAÇA
(ALMADA)
19h00 Quinta 13

LEITURA ENCENADA DE FREI LUÍS DE SOUSA
DE ALMEIDA GARRETT
EM CO-APRESENTAÇÃO COM O TEATRO
MUNICIPAL DE SÃO LUIZ
TEATRO NACIONAL DE S. JOÃO
DIRECÇÃO CÉNICA DE RICARDO PAIS
PORTO
Em 1999, no contexto do ciclo Exaltação,
Simplificação e Louvor Lírico de Três Grandes
Autores, promovemos uma leitura encenada de
Frei Luís de Sousa em homenagem a Almeida
Garrett, o re-fundador do Teatro Português,
poeta, dramaturgo e homem público.
Essas quatro récitas, no horário da tarde,
praticamente só para alunos do ensino
secundário, confirmaram a minha ideia de que
este texto – que encenei em Lisboa em 1978 e que
José Wallenstein aqui encenou em 2001 – funciona
bem melhor quando o ouvimos ler.
A versão de 1999 foi acompanhada por um
programa informal onde coligimos alguns textos
que continham algumas das mais evidentes
informações sobre Garrett e Frei Luís de Sousa,
bem como a sua relação com o teatro português,
plasmada em alguns documentos fundadores da
sua obstinada e programática batalha por uma
regeneração da arte dramática, assente na criação
de um repertório nacional e, fundamentalmente,
na intransigência da defesa da língua portuguesa.
Na primeira metade do século XIX, Almeida
Garrett sublinhava, em forma de lei, a evidência
de que um Teatro Nacional também se deveria
constituir numa espécie de reserva ecológica da
língua. Inquietações que também partilhamos,
consagradas na Lei Orgânica que nos rege desde
1995, e revistas e ampliadas numa proposta
enviada à tutela, no âmbito da reforma administrativa
em curso, que visa transformar o TNSJ
numa Entidade Pública Empresarial.
RICARDO PAIS
Leitores Hugo Torres Miranda, Jorge Mota, José
Eduardo Silva, Lígia Roque, Marta Santos, Paulo
Freixinho, Pedro Almendra Manuel e Bernardo
Sassetti ao piano
Música Bernardo Sassetti
Dispositivo cénico João Mendes Ribeiro
Figurinos Bernardo Monteiro
Luz Nuno Meira
Som Francisco Leal
Preparação vocal e elocução João Henriques
Língua português
Duração aproximada 1h40
TEATRO MUNICIPAL DE SÃO LUIZ
SALA PRINCIPAL
(LISBOA)
17h30 Sábado 15
17h30 Domingo 16
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TODOS OS QUE CAEM
DE SAMUEL BECKETT | TEATRO
A COMUNA – TEATRO DE PESQUISA
ENCENAÇÃO DE JOÃO MOTA
LISBOA
Em 1956, na sequência do impacto produzido
pelas sucessivas estreias, em diferentes palcos
Mundo fora, de À Espera de Godot, Beckett recebe
um convite da BBC para escrever uma peça para
rádio. Daí resultará All That Fall/Todos os que
Caem (Setembro de 1956, data de escrita), a sua
primeira peça radiofónica e a mais extensa de
todas as que viria ainda a escrever para este meio
de comunicação, que assinala uma estreia dramatúrgica
em língua inglesa; uma vez que tanto a
enjeitada Eleutheria (sua primeira peça não
incluída no seu teatro completo, e conhecendo
apenas edição póstuma em 1995) como En
Attendant Godot e Fin de Partie, os seus três textos
dramáticos inaugurais para palco, possuem
uma versão originária em francês. Todos os que
Caem, a mais irlandesa das suas obras teatrais,
que permite ao autor revisitar ficcionalmente
lugares e personagens da sua infância em
Foxrock, teria ainda a particularidade de ser a
segunda peça de Beckett, depois de Godot, a ter
uma realização pública, uma vez que é transmitida
pela rádio britânica em 13 de Janeiro de 1957.
Samuel Beckett
Samuel Beckett nasceu em 1906 em
Foxrock, perto de Dublin. De família burguesa e
protestante, estudou francês e italiano no Trinity
College de Dublin, foi professor em Paris,
conheceu James Joyce, regressou à Irlanda em
1931, passou por Londres e pela Alemanha, voltou
a Paris quando rebentou a guerra e fez parte da
Resistência. É no pós-guerra que vive o período
mais intenso da sua produção literária, com a
escrita em francês e entre outros textos, da peça
À Espera de Godot, de uma trilogia de romances e
de quatro novelas (entre as quais Primeiro Amor).
Depois começa a traduzir os seus textos para
inglês e volta a escrever também nesta língua.
Constrói uma obra dupla, bilingue, cada vez mais
depurada. Recebe o Nobel em 1969, distribuindo
o dinheiro pelos amigos. Morre em Paris em 1989.
Celebra-se este ano o centenário do seu nascimento.
Intérpretes (ordem de entrada em cena) Maria
do Céu Guerra (cedida por “A Barraca”), Miguel
Sermão, Hugo Franco, Álvaro Correia, João
Tempera, Victor Soares, Ana Lucia Palminha, Sara
Cipriano, Alexandre Lopes e Carlos Paulo
Locução Luis Filipe Costa
Tradução Carlos Machado Acabado
Ambiente sonoro José Pedro Caiado e Hugo
Franco
Desenho de luz João Mota
Figurinos Carlos Paulo
Guarda-roupa Mestra Fátima Ruela
Feitura do fato de Mrs Rooney Cecília Sousa
Cartaz ROTA2
Fotografia Pedro Soares
Gabinete de produção Rosário Silva e Carlos
Bernardo
Operador de luz/som Alfredo Platas
Técnicos Alfredo Platas, Renato Godinho e Mário
Correia
Assistência geral Cremilde Paulo, Madalena
Rocha, Leonor Gama, Eduardina Sousa e
Assunção.
Língua português
Duração 1h20
TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA
RUA CONDE FERREIRA
(ALMADA)
16h00 Domingo 16
19h00 Segunda 17

ACTOS COMPLEMENTARES

ACTOS COMPLEMENTARES
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EXPOSIÇÕES
AFRICÂNIA
JOSÉ DE GUIMARÃES
EM COLABORAÇÃO COM A CASA DA CERCA - CENTRO DE ARTE CONTEMPORÂNEA
José de Guimarães, um dos mais prestigiados nomes das artes plásticas portuguesas, é o autor do
cartaz deste ano do Festival de Almada. Assinalando o acontecimento, e à semelhança do que tem sido
habitual nas edições anteriores, a Casa da Cerca – Centro de Arte Contemporânea organiza, em colaboração
com o Festival de Almada, uma exposição deste artista, que ele intitulou Africânia.
A exposição tem como referencial paradigmático a universalidade mágica que José de Guimarães
apreende como alusão lúdica. Na expressão miscigenada dos seus trabalhos a noção etnográfica de uma
clara ascendência africana intrinca-se com preposições de cariz europeu, em geral, e com a influência
de raízes populares portuguesas em particular. A par com as obras do autor serão também expostas seis
peças de Arte Africana, que no conjunto da exposição recolhem, ecoam e ampliam as ressonâncias
encantatórias que habitualmente se vislumbram nas obras deste autor.
José de Guimarães
José de Guimarães nasceu em Guimarães a 25 de Novembro de 1939. Em 1957 ingressou na
Academia Militar, completando depois a licenciatura em Engenharia na Universidade de Lisboa, em 1965.
Nos últimos anos da década de 50 obtém bases técnicas, através de lições de pintura com Teresa de
Sousa, de desenho com Gil Teixeira Lopes e ainda de gravura na Sociedade Cooperativa de Gravadores
Portugueses. Nos primeiros anos da década de sessenta dá início à criação do seu próprio código
imagético, auxiliado por viagens pelos principais centros estéticos da Europa. Entre 1967 e 1974, permanece
em Angola, em comissão de serviço militar, onde é influenciado pela cultura e etnografias
africanas. Participa em diversas manifestações culturais polémicas e, em 1968, publica o manifesto Arte
Perturbadora. Durante esse período, interessa-se cada vez mais pelas artes plásticas, o que o faz participar
em várias exposições de arte moderna, obtendo o Prémio de Gravura da Universidade de Luanda.
Em 1967 inscreve-se no curso de Arquitectura da ESBAL e em 1968 volta a ganhar o 1º. Prémio de
Gravura no salão de Arte Moderna da Cidade de Luanda. Torna-se um estudioso da etnografia africana,
sintetizando-a com a cultura europeia, o que conduz à criação de um ‘alfabeto’ autónomo, codificado,
para o qual muito contribui o vocabulário misterioso, necessariamente codificado, do homem africano.
José de Guimarães é um dos artistas mais premiados do País e com maior visibilidade internacional. A
sua obra está representada em colecções públicas e museus em todo o Mundo.
CASA DA CERCA - CENTRO DE ARTE CONTEMPORÂNEA (ALMADA)
De 22 de Junho a 27 de Setembro

EXPOSIÇÕES
PEDRO CALAPEZ: ALGUNS ESTUDOS E DESENHOS
PEDRO CALAPEZ
A exposição que agora se apresenta para a inauguração da galeria de exposições do novo Teatro
Municipal de Almada tem como ponto de partida alguns dos estudos que o pintor Pedro Calapez realizou
no âmbito da concepção da cortina de cena deste novo teatro. Uma selecção desses projectos
digitais materializados em impressões de alta qualidade demonstram as diferentes aproximações que o
artista experimentou até decidir, em colaboração com os arquitectos Manuel Graça Dias e Egas José
Vieira, qual o eleito para ser ampliado. Igualmente se mostram alguns desenhos a pastel de óleo sobre
papel, realizados posteriormente à execução da cortina, e que revelam como esses primeiros estudos se
incluem na produção plástica do pintor. Achou-se igualmente interessante revelar aos visitantes alguns
testes de cor à escala natural, permitindo assim a visualização do desenho da cortina a uma distância
que normalmente não lhes é acessível.
Pedro Calapez
Pedro Calapez nasceu em Lisboa (1953), onde vive e trabalha. Tendo iniciado estudos de engenharia
civil, transferiu-se para a Escola de Belas Artes de Lisboa em 1976, depois de ter frequentado o Curso de
Formação Artística da Sociedade Nacional de Belas Artes. Enquanto frequentou Belas Artes trabalhou
como fotógrafo profissional até lhe ser possível dedicar-se de um modo intensivo à pintura (a partir de
1985). Entre 1986 e 1998 foi professor no Ar.Co, Lisboa, tendo sido responsável pelos departamentos de
desenho e de pintura. Começou a participar em exposições ainda nos anos 70, tendo realizado a sua
primeira exposição individual em 1982. Desde aí tem exposto individualmente tanto em Portugal
(Fundação Gulbenkian, Museu do Chiado, Galeria Presença, no Porto, etc.) como no estrangeiro (Roma,
Paris, Cáceres, Witten e Valência). Colectivamente, esteve representado nas Bienais de Veneza (1986) e S.
Paulo (1987 e 1991).
Realizou igualmente cenografias para espectáculos, assim como executou diversas obras públicas,
tendo projectado uma praça para a Expo ‘98 e um painel cerâmico para o Metropolitano de Lisboa. Está
representado em diversas colecções públicas e privadas.
Pedro Calapez é também o criador do painel Nove cenas para um teatro (2005), que realizou
expressamente para o foyer do Teatro Municipal de Almada.
Recebeu, entre outros, o prémio União Latina em 1990, o Prémio de Desenho da Fundació Pilar i
Joan Miró, de Mallorca, em 1995 e o Prémio “Ciutat de Palma”, Palma de Mallorca, em 1999. No ano
passado foi o primeiro estrangeiro a receber o Prémio Nacional de Arte Gráfica, em Espanha, e este ano
recebeu o Prémio da Associação Nacional de Críticos de Arte.
GALERIA DO NOVO TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA (ALMADA)
De 1 a 31 de Julho e de 1 de Setembro a 15 de Outubro
ACTOS COMPLEMENTARES
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ACTOS COMPLEMENTARES
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EXPOSIÇÕES
ANTÓNIO LAGARTO: OLHARES CENOGRÁFICOS
ANTÓNIO LAGARTO
De António Lagarto, um dos mais conceituados cenógrafos portugueses, o Festival de Almada apresenta
um conjunto de cenografias e figurinos de diferentes espectáculos de teatro, dança, ballet e ópera, realizados
em Portugal e no estrangeiro, ao longo de uma carreira de 27 anos.
Dos seus últimos trabalhos destacam-se Medeia, de Eurípides e A Mais Velha Profissão, (ambos encenados
por Fernanda Lapa), no Teatro Nacional D. Maria II. Este último foi distinguido com o Globo de Ouro 2005,
para Melhor Espectáculo. A propósito do espaço cénico, por si criado, da Castro de António Ferreira, encenação
de Ricardo Pais, no T.N.S. João (2003), Alexandre Alves Costa (arquitecto) afirmou: “...paisagens que já são a
tragédia em si...”.
António Lagarto
Cenógrafo, figurinista e artista plástico. É Licenciado em escultura pela St. Martin’s School of Art, frequentou
a Faculdade de Arquitectura de Lisboa e é Mestre em Environmental Media pelo Royal College of
Art de Londres.
Foi Director Artístico do Teatro Nacional D. Maria II (2004 e 2005) e subdirector, de 1989 a 1993. Foi
director do Festival Internacional de Teatro – FIT (Lisboa), de 1990 a 1995.
Os seus trabalhos têm abrangido as áreas de fotografia, filme, design gráfico, ilustração e arquitectura
de interior. Colaborou com o arquitecto inglês Nigel Coates em diversos projectos, entre 1975 e 1981.
O seu trabalho tem sido apresentado nos Teatros Nacionais (S. Carlos, D. Maria II e S. João), no Ballet
Gulbenkian, no Centro Cultural de Belém, no Sadler’s Wells, no Traverse Theatre (Edimburgo), na Ópera de
Turim, no Teatro Maria Guerrero (Madrid) e no SESC em São Paulo, entre outros.
Para a Ópera de Paris – Palais Garnier e Bastille, criou os cenários de A Viúva Alegre, de Franz Léhar, encenação
de Jorge Lavelli, transmitida pelo canal Arte. Trabalhou para encenações de Ricardo Pais, Jorge Lavelli,
Alain Ollivier, Maria Emília Correia, Nuno Carinhas, Cornélia Géiser, João Grosso, Fernanda Lapa, Carlos
Pimenta, e Cândida Vieira e para coreografias de Robert Cohan, Vasco Wellenkamp, Olga Roriz, Ted Brandson,
Paulo Ribeiro, John Cranko e Georges Garcia.
Recebeu vários prémios, de entre os quais se destacam o Prémio da Associação Portuguesa de Críticos
de Teatro (1987), e os Prémios Garrett 87 e 89. Da sua programação 2005, no T. N. D. Maria II, foram ainda
distinguidos com os outros 2 Globos de Ouro, para Teatro: Luísa Cruz (Melhor Actriz) e João Grosso (Melhor Actor).
Participou em exposições no Museu de Serralves, no CCB, na Galeria Luís Serpa, nas ExperimentaDesign
2005 e 1999, na Alternativa Zero (1977) e galerias em Londres, Nova Iorque, Florença e Milão - Portugal
1990/2004, Arquitectura e Design (na galeria da Triennale).
AGRADECIMENTOS AO TEATRO NACIONAL DE S. JOÃO | MUSEU DE SERRALVES | INSTITUTO DAS
ARTES
SALA POLIVALENTE DA ESCOLA D.ANTÓNIO DA COSTA (ALMADA)
De 4 a 18 de Julho

EXPOSIÇÕES
OBSERVATÓRIO DAS ACTIVIDADES CULTURAIS OAC -
EXPOSIÇÃO DOCUMENTAL
EXPOSIÇÃO COMISSARIADA POR FERNANDO FILIPE
O Observatório das Actividades Culturais, criado em Setembro de 1996, celebra este ano dez
anos de existência. Reconhecendo o importante papel desempenhado por esta instituição no decurso da
última década, e de modo a chamar a atenção para a imprescindibilidade de uma actividade de
pesquisa e estudo sobre os fenómenos artísticos, o Festival de Almada escolheu o OAC como alvo da
habitual homenagem que todos os anos promove a figuras ou entidades de relevo no meio teatral. A
exposição sobre o Observatório inclui informações e documentos que permitirão ao público um maior
conhecimento da acção desenvolvida por esta associação.
O Observatório das Actividades Culturais é uma associação sem fins lucrativos e tem como fundadores
o Ministério da Cultura, o Instituto de Ciências Sociais da Universidade de Lisboa e o Instituto
Nacional de Estatística. Tem como Presidente a Professora Doutora Maria de Lurdes Lima dos Santos,
investigadora coordenadora do ISC – UL. A comissão integra os Professores Doutores António Firmino
da Costa (ISCTE), José Machado Pais (ICS – UL) e José Madureira Pinto (FEUP).
Os vogais do Conselho Directivo são os Drs. António Berbeira Moniz (MC), António Martinho Novo (ICS –
UL), José Farrajota Leal (INE), Leonor Pereira (NE) e, pelo Observatório, Rui Telmo Gomes e José Soares Neves.
ESCOLA D.ANTÓNIO DA COSTA (ALMADA)
De 4 a 18 de Julho.
ALGUMAS DE ENTRE NÓS
EXPOSIÇÃO ORGANIZADA EM COLABORAÇÃO COM O LE MONDE DIPLOMATIQUE
Algumas de entre nós é o título da exposição e também o nome de um colectivo de mulheres da
Maison des Tilleuls, em Blanc-Mesnil (Seine Saint-Denis).
O colectivo é constituído por um grupo de mulheres de diversas nacionalidades de origem, que
desenvolvem em conjunto uma reflexão sobre o seu lugar na sociedade, enquanto mulheres. Como se
pode hoje viver com uma dupla nacionalidade? Como cruzar os itinerários da vida? Como ser mais fortes
face à injustiça e à discriminação?
A exposição nasceu do desejo de criar colectivamente um verdadeiro diálogo com mulheres do
Afeganistão, da Palestina e do Líbano, com o objectivo de desconstruir as imagens e os estereótipos que
os media nos devolvem, e de encontrar o que nos torna, em qualquer lado em que vivamos, semelhantes.
A pergunta é: “como ser daqui e doutro sítio?”.
A exposição constitui o complemento do debate Ser daqui e doutro lado – Subúrbios em França e
Portugal, organizado este ano no âmbito dos Encontros da Cerca.
FOYER DO TEATRO MUNICIPAL DA RUA CONDE DE FERREIRA (ALMADA)
De 5 a 18 de Julho
ACTOS COMPLEMENTARES
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ACTOS COMPLEMENTARES
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EXPOSIÇÕES
BECKETT: SEM ANOS
EXPOSIÇÃO ORGANIZADA EM COLABORAÇÃO COM A REVISTA DE TEATRO ITALIANA SIPARIO E COM A
FONDAZIONE DI TEATRO ITALIANO - CARLO TERRON
Rinasce Beckett foi o título da exposição organizada pela revista de teatro Sipario, em Itália, a
propósito do centenário de Beckett, e que o Festival de Almada traz a Portugal, com a colaboração da
Fondazione di Teatro Italiano – Carlo Terron.
A obra de Beckett, nascido em Dublin em 1906, é geralmente considerada como uma das mais
importantes do século XX e a sua influência sobre o teatro em todo o Mundo não tem deixado de crescer,
desde a sua morte, em 1989.
Tanto a obra teatral como a romanesca testemunham, em Beckett, a mesma visão essencial, a nudez
da linguagem, ou mais exactamente, da palavra, que descreve com crueza a condição humana. É esta
visão que dá aos seus textos, ao mesmo tempo, a sua verdade universal e um despojamento quase
abstracto. A sua temática é aparentemente sempre a mesma, aparentemente sempre repetitiva: o tempo
humano, a espera, o quotidiano, a solidão, a alienação, a morte, a não comunicação, a vagabundagem,
o fracasso ou — às vezes — a esperança, a recordação, o desejo.
As personagens de Beckett não têm história, nem passado, nem psicologia. São, sobretudo, vozes:
vozes de toda a gente, voz do homem, dos homens, de todos os homens.
FOYER DO NOVO TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA (ALMADA)
De 5 a 18 de Julho

EXPOSIÇÕES
IBSEN: EXPOSIÇÃO TEMÁTICA
EXPOSIÇÃO ORGANIZADA EM COLABORAÇÃO COM OS ARTISTAS UNIDOS
E COM O APOIO DA REAL EMBAIXADA DA NORUEGA EM LISBOA
A propósito da estreia da peça A Mata, pelos Artistas Unidos, que assinala a estreia em Portugal do
dramaturgo norueguês contemporâneo Jesper Halle, aquela companhia apresenta, em colaboração com a
Embaixada da Noruega e o Festival de Almada, uma exposição constituída por dez posters alusivos ao
teatro de Ibsen, o grande dramaturgo da Noruega, que foi um dos fundadores do teatro moderno.
Henrik Ibsen
Henrik Ibsen (Skien, 1828 - Oslo, 1916), dramaturgo e poeta norueguês, é o principal representante
da literatura escandinava do século XIX, tendo dedicado toda a sua vida ao teatro como director e autor.
Filho de um comerciante arruinado, aos vinte anos já tinha escrito a sua primeira peça. Em 1851 foi
nomeado director do Teatro Nacional de Bergen e adquiriu uma grande familiaridade com a vida teatral.
A sua obra conheceu bruscos altos e baixos de êxito e fracasso e, no final da sua vida, Ibsen alcançou a
glória e o reconhecimento dos seus contemporâneos.
Há dois temas constantes no teatro de Ibsen: a vocação individual e o combate sem tréguas de
forças opostas para formar o destino do homem. A sua forte personalidade manifesta-se em dramas
históricos baseados em lendas vikings (O Túmulo do Guerreiro), obras de tema clássico (Imperador e
Galileu), teatro social (Um Inimigo do Povo) e simbólico (Bygmester Solness), dramas psico-ideológicos
(Casa de Bonecas, O Pato Selvagem, Espectros) e temas fantásticos (Peer Gynt).
FOYER DO NOVO TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA (ALMADA)
De 5 a 18 de Julho
ACTOS COMPLEMENTARES
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ACTOS COMPLEMENTARES
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COLÓQUIOS E DEBATES
ENCONTROS DA CERCA
SER DAQUI E DOUTRO LADO: SUBÚRBIOS EM FRANÇA
E PORTUGAL
ORGANIZADO EM COLABORAÇÃO COM O LE MONDE DIPLOMATIQUE
Os recentes acontecimentos em Paris, que alastraram, de algum modo, à França no seu conjunto,
vieram colocar na primeira linha da atenção da opinião pública as circunstâncias que envolvem a vida
quotidiana nos aglomerados urbanos das periferias das grandes cidades. O desemprego, a exclusão, uma
cultura de guetto que decorre da não-integração nas sociedades das massas migrantes, o próprio sistema
económico regido exclusivamente por valores de mercado, que vê as pessoas como mercadorias —
todos estes factores contribuem para um mal-estar social que de dia para dia se agudiza. As respostas
baseadas na força não resolvem, naturalmente, o problema, cujas raízes são complexas. Em França, como
em Portugal e em toda a Europa, o modelo de desenvolvimento já não consegue esconder as suas feridas.
O Festival de Almada, ao organizar este colóquio em colaboração com o Le Monde Diplomatique,
quer lembrar que o teatro (e, por maioria de razões, aquele que se faz na periferia) não pode alhear-se
desta realidade.
Participantes
Aniceto Machado, sociólogo
Flora Espanca, do Gabinete de Apoio às Comunidades Imigrantes (Ministério da Administração Interna)
Marina da Silva, jornalista
Representante da Associação Moinho da Juventude
Representante do Colectif des Femmes de Tilleuls
CASA DA CERCA – CENTRO DE ARTE CONTEMPORÂNEA (ALMADA)
Sábado, dia 8 de Julho, pelas 10h30

COLÓQUIOS E DEBATES
ENCONTROS DA CERCA
OUTRO ISLÃO, OUTRO OCIDENTE
ORGANIZADO EM COLABORAÇÃO COM O INSTITUTO INTERNACIONAL DE TEATRO DO MEDITERRÂNEO
Dentro do discurso que tem alimentado as mesas-redondas organizadas pelo IITM em colaboração
com o Festival de Almada, parece-nos que seria importante interrogarmo-nos sobre os possíveis
caminhos de encontro entre o Ocidente e o Islão, no momento em que muitos pensam que a sua confrontação
bélica é o sinal de uma época que ainda vai durar muito tempo. Talvez o problema esteja no
conflito entre duas interpretações diferenciadas do Ocidente e do Islão. Interpretações em boa medida
opostas e que, não obstante, contam com os respectivos percursos e articulados pensamentos.
Mas talvez, uma vez mais, a batalha esteja a ser travada no campo do pensamento entre duas formas
que se enfrentam no interior de cada uma das partes: a que continua pondo ênfase na incompatibilidade
de duas civilizações, e a que perspectiva de um ponto de vista histórico os seus postulados,
para concluir que uma outra história os tornaria distintos.
Participantes
José Monleón, dramaturgo, ensaísta e professor universitário
David Ladra, ensaísta e professor universitário
António Borges Coelho, historiador
Cláudio Torres, arqueólogo
Representante da Comunidade Islâmica Portuguesa
CASA DA CERCA – CENTRO DE ARTE CONTEMPORÂNEA (ALMADA)
Sábado, dia 15 de Julho, pelas 10h30
JOSÉ MONLEÓN
DIRECTOR DO INSTITUTO INTERNACIONAL DE TEATRO DO MEDITERRÂNEO
ACTOS COMPLEMENTARES
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ACTOS COMPLEMENTARES
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COLÓQUIOS E DEBATES
ENCONTRO COM BERNARD SOBEL
Bernard Sobel é a imagem de um criador culto, rigoroso e brilhante. É também um grande animador
e um intelectual que pensa e age com uma energia surpreendente. A sua obra está ligada ao
Théâtre de Genevilliers, um Centro Dramático Nacional da maior importância na história do teatro
francês (vide biografia na página 9).
NOVO TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA (ALMADA)
Sexta, dia 7 de Julho, pelas 19h00
O MÉTODO DE TRABALHO DE ELS JOGLARS,
O PROCESSO DE CRIAÇÃO
Albert Boadella, escritor, dramaturgo, encenador, cenógrafo, actor e professor, fundou em 1961 a
companhia Els Joglars, que continua a dirigir. Estudou no Institut de Teatre de Barcelona e no Centre
Dramatique de l’Est – Théâtre National de Strasbourg. Muitas das suas encenações causaram enormes
polémicas, com processos judiciais, debates políticos e, inclusive, atentados contra a companhia.
Em 1978, por causa do seu espectáculo La Torna, foi acusado de injúrias ao exército e preso: evadiu-se
de forma espectacular e exilou-se em França. Uma parte do grupo foi também encarcerada, após
ter sido julgada em conselho de guerra.
As obras dos Joglars, satíricas, trágicas e cómicas, decorrem da criação de um estilo pessoal, que
consegue um espectacular índice de audiências. A mistura de investigação e popularidade permitiu a
grande implantação social das suas obras em Espanha, garantindo a total independência da companhia.
Boadella tem sido actor, director e guionista de diversas séries de televisão, actor e realizador de
cinema. É autor de diversos livros, o último dos quais, Franco y yo, foi um best-seller em Espanha.
Os seus espectáculos têm sido apresentados na maioria dos países europeus, Estados-Unidos e
América Latina.
A sua obra teatral foi recentemente reunida em dois volumes publicados pelo Institut d’ediciones.
É professor desde 1969 do Institut de Teatre de Barcelona.
Els Joglars é um caso único e inimitável de teatro na Europa. Boadella, um pensador desconcertante
e um humorista impiedoso, é uma das personalidades mais destacadas do teatro espanhol.
TEATRO NACIONAL D. MARIA II (LISBOA)
Domingo, dia 16 de Julho, pelas 16h00

COLÓQUIOS E DEBATES
BECKETT HOJE
Além dos espectáculos programados e da exposição documental, a comemoração do centenário
do nascimento de Beckett integra também um debate sobre a figura e a obra do dramaturgo irlandês.
No debate participam representantes de todas as criações de textos de Beckett no Festival de Almada.
Participantes
Giulia Lazzarini, protagonista de Os Dias Felizes
Francisco Luís Parreira, dramaturgo e tradutor de À Espera de Godot
Machado Acabado, tradutor de Todos os que Caem
Miguel Seabra, encenador de À Espera de Godot
FÓRUM ROMEU CORREIA | SALA PABLO NERUDA (ALMADA)
Quarta, dia 11 de Julho, pelas 18h30
PORTO. TEATRO. 2006
ORGANIZADO EM CONJUNTO COM O TEATRO MUNICIPAL S. LUIZ
A propósito da apresentação do Teatro Nacional de S. João e de mais três companhias do Porto,
o Festival organiza um debate sobre a situação actual do teatro naquela cidade. Na última década a
actividade teatral no Porto registou um grande desenvolvimento. Padrões de qualidade e de modernidade
aproximaram a segunda cidade do País do espaço europeu e colocaram-na na primeira linha da
criação teatral entre nós.
O êxito do trabalho desenvolvido não significa, naturalmente, a inexistência de problemas — sendo
a escassez de apoios, provavelmente, o mais agudo de todos eles.
Participantes
José Luís Ferreira, director do PONTI
Nuno Cardoso, director do Auditório Nacional Carlos Alberto
Ricardo Pais, director do Teatro Nacional de S. João
Representante da Companhia As Boas Raparigas
Representante da Companhia Ensemble - Sociedade de Actores
TEATRO MUNICIPAL S. LUIZ | JARDIM DE INVERNO (LISBOA)
Sexta, dia 14 de Julho, pelas 16h00
ACTOS COMPLEMENTARES
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ACTOS COMPLEMENTARES
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COLÓQUIOS E DEBATES
CONVERSAS NA ESPLANADA
Como habitualmente, realizam-se na Esplanada da Escola D. António da Costa encontros com personalidades
de teatro ligadas ao Festival de Almada.
O TEATRO URBANO
Com Christiane Jatahy
Sábado, dia 8 de Julho, pelas 19h00
O TEATRO DA NARRATIVA ORAL
Com Quico Cadaval
Domingo, dia 9 de Julho, pelas 23h30
CARLO TERRON E O TEATRO ITALIANO*
Com Mario Mattia Giorgetti
Terça, dia 10 de Julho, pelas 19h00
DANÇA E INTERVENÇÃO SOCIAL
Com Tino Fernández
Sábado, dia 15 de Julho, pelas 23h30
DANÇAS TRADICIONAIS EM ÁFRICA
Com o grupo N´Diengoz
Terça, dia 18 de Julho, pelas 19h00
*NOTA: Este colóquio decorrerá no foyer do Teatro Municipal de Almada (Rua Conde Ferreira) logo
após a estreia de Esta Noite, Arsénico!.

COLÓQUIOS E DEBATES
LANÇAMENTO DO Nº17 DA REVISTA DOS ARTISTAS
UNIDOS: OS TEATROS QUE VÊM DA NORUEGA
Na sequência da sua participação no Festival de Almada os Artistas Unidos lançam o número 17
da sua revista, intitulada Teatros que vêm da Noruega, que inclui seis peças de teatro de cinco autores:
Como um Trovão de Niels Fredrik Dahl, A Mata de Jesper Halle, Peça Alter Nativa e Ifigénia de Finn
Iunker, Homem Sem Rumo de Arne Lygre e Frank de Maria Tryti Vennerøds, que será lida pelo elenco dos
Artistas Unidos, com a presença da autora. A revista contém ainda artigos de análise das peças publicadas,
por Therese Bjørneboe e IdaLou Larsen.
Maria Tryti Vennerøds
Maria Tryti Vennerøds nasceu em 1978 e vive na Noruega. A sua peça Frank ganhou o Primeiro
Prémio de Competição Escandinava, no Centésimo Aniversário da Independência da Noruega. Esta peça
foi representada pela primeira vez em 2005 no Norwegian Theatre. Em 2005 recebeu também o Prémio
Ibsen pela peça Dama I Kuka. A maioria das suas peças foram representadas na Noruega. Em 2000,
estreou-se na encenação com o espectáculo Meir, da sua autoria, actividade que repetiu em 2004 com
O Serviço de Harold Pinter no Rock Club Mono de Oslo.
NOVO TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA (ALMADA)
(SALA EXPERIMENTAL)
Quinta, dia 6 de Julho, pelas 16h30
LEITURA DE BREVES TEXTOS PARA A LIBERDADE
DE JOÃO MEIRELES
João Meireles
João Meireles tem o curso do Instituto de Formação, Investigação e Criação Teatral. Elemento do
Teatro Universitário de Évora onde trabalhou com Luís Varela, Fernando Mora Ramos, Manuel Borralho.
Trabalhou depois com Ávila Costa (Cantina Velha), Adolfo Gutkin (Instituto de Formação, Investigação e
Criação Teatral) Aldona Skiba-Lickel, Marina Albuquerque, Carlo Damasco, José António Pires e Camélia
Michel. Com o Pogo Teatro colabora desde 1995 em Complexo Titanic (encenação de Ruy Otero), Sent,
Mainstream, Play Pause e nos vídeos Handicap, Naif, Road Movie e Zap Splat. No cinema participou
em António, Um Rapaz de Lisboa de Jorge Silva Melo e A Drogaria, de Elsa Bruxelas.
TEATRO MUNICIPAL DE ALMADA | RUA CONDE FERREIRA
(SALA VIRGÍLIO MARTINHO)
Sábado, dia 8 de Julho, pelas 16h30
ACTOS COMPLEMENTARES
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