Revista UnicaPhoto - 2.Ed/2014

Revista do Curso Superior de Tecnologia em Fotografia da Unicap - #2, mar 2014
www.unicap.br/unicaphoto
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Na web
www.unicap.br/unicaphoto
/fotografiaunicap
Expediente:
Coordenação: Renata Victor. Edição: Carolina Monteiro.
Textos: Arline Lins, Carolina Monteiro, Dario Brito,
Elyzangela Freitas, Fanuel Paes Barreto, Juliana Galvão,
Julianna Nascimento Torezani , Lindomar Oliveira, Nieja
Dias. Ensaios: Alunos do Curso de Fotografia da Unicap,
Gilberto Vieira, Lila Rios, Marina Felduhes e Renata Victor.
Diagramação: Arline Lins. A UnicaPhoto é uma publicação
semestral do Curso Superior de Tecnologia em Fotografia da
Universidade Católica de Pernambuco (ISSN 2357-8793).
2
Foto da capa: Gustavo Bettini e Lia Lubambo

EDITORIAL
No Dia Mundial da Fotografia do ano passado, em 19 de agosto, no auditório da Livraria Cultura, em
Recife, o curso de Fotografia da UNICAP teve o prazer de vivenciar a realização de três de seus projetos
mais queridos: a entrega do prêmio Alcir Lacerda, a exposição dos nossos alunos e o lançamento
da primeira edição da revista UNICAPHOTO.
O prêmio foi instituído em 2012 para homenagear um dos maiores expoentes da arte da fotografia
em Pernambuco, o nosso querido Alcir Lacerda. E, a cada ano, são escolhidos fotógrafos que contribuem
com a fotografia em Pernambuco para serem agraciados. No ano passado, os homenageados
foram Gilberto Marcelino e Pedro Luiz. Em paralelo ao reconhecimento aos profissionais que já são
ícones na nossa cena, também nesse mesmo dia tivemos a oportunidade de lançar um olhar sobre o
que os fotógrafos da nova geração - os alunos da UNICAP – têm produzido, através de uma exposição
de seus trabalhos.
Já a UNICAPHOTO foi a concretização de um sonho – uma revista que lance um olhar sobre a produção
contemporânea, sem esquecer os aspectos históricos e trate das transformações da câmera,
da estética e da linguagem pelas quais a fotografia vem passando ao longo desses 188 anos de
existência.
Para esta nova edição, trazemos algumas novidades, com o intuito de tornar a revista ainda mais
dinâmica. Assim, teremos duas novas seções: uma de entrevista, que é inaugurada com a fotógrafa
Rosângela Andrade, que fala sobre o processo analógico de cópias fotográficas, e outra que apresentará
dicas de leitura, filmes e sites relacionados com a fotografia.
A partir desta edição, a revista passa a ter o ISSN, que é um código universal que individualiza os
títulos de uma publicação em série e, por isso, facilita a identificação rápida das publicações, garantindo
em nosso caso, uma maior segurança na troca de informações no meio virtual.
Já nossa matéria de capa trata do mercado da fotografia Fine Art no Recife, um mercado promissor
que vem atraindo, sobretudo a atenção dos fotógrafos que produzem trabalhos autorais e almejam,
por isso, uma impressão de qualidade diferenciada e com longa durabilidade.
Por fim, agradeço aos professores do curso de Fotografia da UNICAP, aos alunos, ex-alunos e colaboradores
pela elaboração dos textos e produção da revista.
Agradeço, ainda, aos nossos apoiadores, ADI – Ateliê de Impressão, Escambo Fotográfico e Foto
Varela, pela valorosa parceria para a execução de mais um projeto do nosso curso.
Renata Victor
Coordenadora do Curso Superior de
Tecnologia em Fotografia da
Universidade Católica de Pernambuco

SUMÁRIO
ACONTECEU
Pág. 6
ENTREVISTA:
O
ANALÓGICO
NA ERA
DIGITAL
Pág. 8
ACERVO
UNICAP
Pág. 10
CAMINHOS
QUE SE
CRUZAM:
A FOTOGRAFIA
DE MARC
FERREZ
E NELSON KON
Pág. 12
A IMAGEM EM
PALAVRAS
Pág. 18
ENSAIOS
Pág. 20

A MELHOR
IMPRESSÃO É
A QUE FICA
Pág. 66
DICAS
Pág. 78
LEWIS HINE:
O OLHAR
SOCIÓLOGO
ATRAVÉS DAS
LENTES
Pág. 72
ANÁLISE
DE IMAGEM
- STEVE
MCCURRY
Pág. 74
INSTAGRAM:
REGISTRO DO
PRESENTE
Pág. 80
COLUNA
direito autoral e
direito de imagem
Pág. 76
COMO SER UM
PROFISSIONAL
TAMBÉM
NO MUNDO
DIGITAL
Pág. 85

ACONTECEU
Dia Mundial
da Fotografia:
exposição
19.08.13
Dia Mundial
da Fotografia:
homenageados
19.08.13
Renault
Experience
16.09.13
NO CURSO
DE FOTOGRAFIA
DA UNICAP
1ª edição da
UnicaPhoto
19.08.13
4º Concurso
de Fotografia
- Carnaval de
PE
6
02.04.14
Alunas
ganham
bolsa cultural
da Fasa
Unicap
06.03.14
Canon:
atividades
ligadas à
fotografia
17.02.14
Palestra com
maquiador
Diógenes
Coelho
14.02.14
Ciclo de
palestras
dando início
às atividades
pedagógicas
04.02.14

2º Encontro
de Fotovídeo
(oficinas)
09.10.13
2º Encontro
de Fotovídeo
(palestras)
09.10.13
Workshop de
Pinhole com
alunos da
IFPB
30.10.13
Palestra com
o fotógrafo
Bruno Terena
da Red Bull
02.11.13
Exposição
fotográfica
Gênero e
Raça
11.11.13
Colação de
grau dos
formandos do
curso
31.01.14
Exposição
Novos
Olhares
09.01.14
Exposição
do final do
semestre
06.12.13
Festival
Brasil Stop
Motion
27.11.13
Palestra com
o empresário
Fernando
Boulitreau
26.11.13
Repórter
Kety Marinho
conversa com
alunos do
curso
7
12.11.13

ENTREVISTA
O analógico na era digital
De olho em quem está trabalhando com
a Fotografia Analógica nos dias de hoje, a
UnicaPhoto traz nesta edição uma entrevista
de Niedja Dias com a laboratorista Rosangela
Andrade, de 53 anos, natural de Ribeirão
Preto, atualmente residindo em São Paulo.
Há 38 anos ela fotografa e atua no universo
do processamento químico P&B desde 1989.
Em 1992 decidiu abrir seu próprio espaço, o
Imágicas Laboratório Fotográfico, de onde
saíram diversas imagens para exposições e
livros de renomados fotógrafos do país.
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UNICAPHOTO – De onde surgiu a paixão pelo
laboratório fotográfico PB?
ROSANGELA – A paixão surgiu quando passei
a integrar a equipe da Álbum , um dos grandes
laboratórios da década de 1980, do fotografo Zé
de Boni. Lá tive contato com grandes nomes da
fotografia brasileira, entre eles Maureen Bisilliat,
Boris Kossoy, Vânia Toledo, Araquém Alcântara
LiLy Sverner, além do próprio Zé de Boni e de
Cristiano Mascaro, que foi o responsável por
esta paixão imediata. Digo imediata porque foi
ampliando uma imagem dele que percebi o amor
pelo laboratório.
UNICAPHOTO – No início, qual era o seu maior
desafio?
ROSANGELA – Conseguir interpretar o trabalho
do fotógrafo bem próximo da sua expectativa em
forma de contrastes, luzes e sombras.
UNICAPHOTO – Atualmente, qual é o grande
desafio?
ROSANGELA – Continua sendo o mesmo, alem
de ter que conseguir me manter no mercado
totalmente voltado para imagens digitais.
UNICAPHOTO – Como é continuar, em plena
fase digital, com o processamento analógico?
ROSANGELA – É bastante complicado, mas
faço o que gosto e não consigo me afastar
daquilo que amo. Hoje ainda atendo grandes
fotógrafos como German Lorca, Ed Viggiani
(meu parceiro em grupos de estudo de fotografia
analógica), Sylvia Diez, Paulo Velloso e os
amantes e amadores da fotografia.
UNICAPHOTO – Você se depara com muitas
pessoas da nova geração querendo se aprimorar
no universo analógico?
ROSANGELA – Sim, dou orientação de
interpretação de imagem preto e branco no Sesc
Pompéia. As turmas lotam e a maioria dos alunos
são jovens de 22 a 35 anos buscando este
entendimento da fotografia analógica e querendo
desenvolver projetos pessoais com câmeras
analógicas, filmes e ampliações em papel fibra
preto e branco.
UNICAPHOTO – Você se considera um peixe

Foto: Sylvia Diez
fora d´água no mercado atual?
ROSANGELA – Não, mas
quando estou em um grupo
de fotógrafos que optaram
pelo digital ouço sempre
umas piadinhas que já não me
incomodam. Acho que quando
você faz o que ama, você não
ouve os barulhos externos.
UNICAPHOTO – Como você
define a construção da imagem
analógica?
ROSANGELA – Defino como a
essência da fotografia.
UNICAPHOTO – É rentável
trabalhar com laboratório nos
dias de hoje?
ROSANGELA – Não é rentável,
mas trabalhando com isso eu
vivo; talvez se mudasse para o
digital eu apenas sobreviveria
(é maluco pensar desta forma,
mas é assim que sinto).
UNICAPHOTO – Se você
tivesse que pontuar um
momento marcante, ao longo
da sua trajetória, qual seria?
ROSANGELA – A chegada
do processo digital. Entrei
em pânico, mas já passou e agora estou mais
tranquila.
UNICAPHOTO – Tem muita dificuldade
em conseguir os insumos no comércio?
ROSANGELA – Infelizmente sim. Temos apenas
um representante da Ilford e geralmente não
consigo ter à disposição
todo tipo de papel e
sempre preciso recorrer a
mercados alternativos.
UNICAPHOTO – Pensou
em desistir em algum
momento?
ROSANGELA – Não.
Desistir nunca, mas
comprei um computador
Mac e tentei estudar
programas de tratamento
de imagem.
UNICAPHOTO – Você
adota algum critério para
Foto: Carlos Ximenes
pegar um determinado trabalho?
ROSANGELA – Não, estou disponível para todos
os fotógrafos que ainda compartilham comigo
esta paixão pelo analógico.
UNICAPHOTO – Já optou em não fazer algum
trabalho? Por que?
ROSANGELA – Não, adoro desafios, adoro
imagens e sempre quero fazer por elas o melhor.
UNICAPHOTO – Qual a importância da relação
entre o fotógrafo e o laboratorista?
ROSANGELA – Esta relação tem que ser de
cumplicidade, entrega e confiança. Se for assim o
resultado final é sempre uma bela cópia.
UNICAPHOTO – Qual o conselho que você dá
para quer seguir na contramão da tecnologia?
ROSANGELA – Ter paciência, dedicação e amar
o que faz.
Contato:
Laboratorio: Imagicas Laboratorio Fotográfico
Analógico P/B
End. Rua Arruda Alvim, 195 Pinheiros São
Paulo
Tels.: (11) 30832461/ (11) 86693831
Email: roimagicas@gmail.com
Facebook: https://www.facebook.com/Imagicas?fref=ts
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ACERVO
UNICAP
Foto: Marcos Michael
THINK DIFFERENT
Fotógrafo: MARCOS MICHAEL
Câmera: Cannon 5D MK2
Lente: 45mm Tilt-Shift/2.8
Velocidade: 1000
Ano: 2011
10

“Estava de férias com minha esposa em São
Francisco quando saiu a notícia da morte de
Steve Jobs. Era 5 de outubro de 2011 e achei
bem emblemático estar ali naquela região,
naquele momento, onde tudo começou. Daí
veio o insight de ir até uma Apple Store para
fotografar as pessoas prestando homenagens
a ele. Liguei para a Abril a fim de saber se
eles queriam algum material. Conversei com
Erthal (João Marcello Erthal), o editor da Veja.
com, sugeri um ensaio e ele topou na hora.
Peguei o equipamento e fui para lá. Dentro
da loja, todas as telas de computadores
estavam com dizeres em homenagem a
ele e ali não era permitido fotografar. Dei
uma “cariocada” e fiz uns cliques rápidos e,
depois que fui abordado sobre a proibição,
expliquei que era turista. Mas o que achei mais
simbólico desse momento estava justamente
do lado de fora: foram os “papeizinhos” que
as pessoas colavam na fachada, cada um
mais interessante que o outro. Com vários
dizeres, agradecimentos, desenhos. Cada um,
a sua maneira, ia manifestando a percepção
do quanto ele havia sido importante. Fiquei
pensando que para boa parte da nossa
geração ele foi um cara excepcional, pelos
artefatos que criou. Eu mesmo estou cercado
dessas criações: quando ouço música, ligo
para alguém, quando jogo com meu filho ou
um amigo. O ensaio foi publicado na Veja.com
em 25 fotos, com imagens das mais variadas
naturezas, sob o título de Peregrinação ao
‘templo’ da Apple”.
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Caminhos que se
cruzam: a fotografia
de Marc Ferrez e
Nelson Kon
Elysangela Freitas*
* Aluna do curso de fotografia da
Unicap, Elysangela Freitas faz uma breve
análise da trajetória da obra de Marc
Ferrez e Nelson Kon, dois fotógrafos
brasileiros que viveram em diferentes
momentos históricos, seguida de uma
análise comparativa de seus trabalhos,
especialmente no que se refere aos seus
olhares em relação às cidades onde
viveram e trabalharam.
MARC FERREZ
Marc Ferrez é um dos fotógrafos brasileiros
mais importantes de todos os tempos. Nascido
em 1843 no Rio de Janeiro, filho de um
casal de escultores e gravadores franceses
que vieram para o Brasil com a Missão Artística
Francesa, em 1867, Marc Ferrez abriu seu
próprio negócio: a Casa Marc Ferrez & Cia,
especializada em equipamentos e serviços
fotográficos.
Em 1875, a trajetória de Ferrez se transformou
radicalmente, ao receber convite para integrar,
como fotógrafo, a Comissão Geológica
do Império. A expedição percorreria os estados
de Bahia, Pernambuco e Alagoas e partes
da Amazônia. Assim, entre os anos de 1875
e 1877, viajou pelo norte e nordeste brasileiro
documentando fotograficamente a região e os
trabalhos da referida comissão.
Destaca-se por desenvolver equipamentos
próprios e introduzir experiências técnicas
como as fotografias coloridas, aperfeiçoando
a invenção dos irmãos Lumière, batizadas
por ele de autocromo. Em 1890, Marc Ferrez
começa a produzir fototipias, processo pelo
qual publica álbuns e postais, entre outros
produtos. Era um entusiasta das inovações
tecnológicas, sendo pioneiro no uso do flash
Fotos: Marc Ferrez
12

de magnésio para documentar os trabalhos no
interior das minas de ouro.
Ferrez fotografou atividades econômicas,
a construção das principais estradas de ferro,
as construções seculares da arquitetura
barroca, as minas de ouro e pedras preciosas
em Minas Gerais, as belas paisagens das
florestas e das fazendas, seus costumes e
personagens.
Primeiro fotógrafo brasileiro a visitar os
rincões do território nacional e registrá-los em
fotografias e documentos cartoriais, Marc Ferrez
foi nomeado como primeiro (e único) Fotógrafo
da Marinha Imperial e agraciado pelo
imperador Pedro II com o título de Cavaleiro
da Ordem da Rosa. O artista, mesmo após a
queda do Império, continuaria a ter posição de
destaque nos primeiros tempos da República.
A partir de 1903, realizou uma de suas
séries mais reproduzidas até hoje: a documentação
completa das obras de instalação
da Avenida Central, hoje Avenida Rio Branco,
no estado do Rio de Janeiro. Fotografou dos
antigos edifícios às construções que foram
erguidas no começo do século XX.
O fotógrafo também foi pioneiro no cinema
e seu nome está relacionado ao nascimento
desta arte no país. Em 1907, inaugurou a
primeira sala de exibição
permanente de espetáculos
cinematográficos do Brasil
— o Cinema Pathé – e
ajudou a montar salas de
cinema pelo país a fora.
Patrocinou ainda a produção dos primeiros
filmes nacionais, assim como a Casa Marc
Ferrez & Filhos tomaria para si a distribuição
da grande maioria dos filmes exibidos nas
diversas salas de cinema que surgiram no Rio
de Janeiro.
Marc Ferrez foi reconhecido, no Brasil e
no exterior, não apenas como fotógrafo de
paisagens e de obras públicas, mas também
de cartões postais e de retratos de políticos,
como o próprio Imperador D. Pedro II e a
família real, como também personalidades
que se tornariam célebres, entre eles os escritores
Machado de Assis e Rui Barbosa. Ferrez
gostava igualmente de fotografar “tipos”,
tais como vendedores de artigos variados e
artesãos que habitavam as ruas do Rio de
Janeiro, recriados com fundos neutros. Além
disso, o artista fotografaria muitos negros e
indígenas.
Em sua obra destacam-se ainda as belas
panorâmicas em negativos de grande formato
(40cm X 110cm), onde evidencia-se o seu
domínio da luz e a precisão na escolha do
ponto de vista para ressaltar no enquadramento
a qualidade estética das cenas registradas.
Marc Ferrez fotografou profissionalmente
até 1914, ano do falecimento de sua esposa.
Durante sua carreira, publicou vários álbuns,
o que muito contribuiu para a conservação de
suas fotografias. Atualmente, sua produção
fotográfica, preservada intacta por seus
familiares no último século, encontra-se
13

Fotos: Nelson Kon
14
espalhada pelo Museu Imperial, Biblioteca
Nacional, Mapoteca do Palácio Itamaraty e
em mãos de colecionadores particulares.
Uma grande parte do acervo de Marc Ferrez
- uma coleção que totaliza cerca de 5.500
fotografias diferentes, produzidas no século
19 e começo do século 20, incluindo mais de
4 mil negativos originais em vidro - foi comprada
pelo Instituto Moreira Salles (IMS), que
lançou no Brasil e na França um catálogo fotográfico
intitulado “O Brasil de Marc Ferrez”,
reunindo detalhada biografia, cronologia de
seus principais trabalhos, ensaios escritos por
especialistas e uma coleção de 160 imagens.
A extraordinária qualidade formal e documental
da obra de Marc Ferrez, assim como a
quantidade, a diversidade e a preservação de
sua produção fotográfica o consolidam como
um dos mais importantes fotógrafos documentaristas
do Brasil.
NELSON KON
Nelson Kon nasceu em São Paulo, no ano
de 1961, e formou-se em arquitetura na Faculdade
de Arquitetura e Urbanismo da Universidade
de São Paulo (FAUUSP), em 1983,
mas nunca exerceu a profissão. Foi no Laboratório
de Recursos Audiovisuais na FAUUSP,

criado em 1979, pelo então diretor professor
Nestor Goulart Reis Filho, e coordenado pelo
fotógrafo Cristiano Mascaro, que ele teve seu
primeiro contato com a fotografia .
Já no primeiro ano do curso de arquitetura
se interessou pela fotografia, mas só começou
a atuar na profissão de fotógrafo em 1985. Em
entrevista concedida a Eduardo Augusto Costa
e Sonia Maria Milani Gouveia, publicada na
revista PÓS, Nelson Kon afirma que no período
em que estudou na FAU não fotografava
arquitetura e que seu interesse pelo estudo se
deu apenas após cinco anos de formado.
Considerando que na década de 1980 não
era dada muita importância à fotografia de
arquitetura, Nelson Kon inicialmente montou
um estúdio para fotografia publicitária, linguagem
que foi logo deixada de lado. Devido à
insatisfação do trabalho com publicidade, Kon
começa a realizar pesquisas no campo da
fotografia de arquitetura e cidades, por causa
do seu interesse pela relação do homem com
o espaço que habita.
Hoje Nelson Kon é um fotógrafo de arquitetura,
trabalha apenas com isso e é bastante
respeitado pelos arquitetos brasileiros. Com
trabalhos publicados em livros e revistas
especializados no Brasil e no exterior, Nelson
Kon registrou a obra de importantes arquitetos
como Rino Levi, Paulo Mendes da Rocha,
Oscar Niemeyer, Lina Bo Bardi, Vilanova Artigas
e Lucio Costa. Suas fotos são de grande
importância e estão presentes nos principais
livros da história da arquitetura nacional.
Atualmente, trabalha no campo da editoria
colaborando para várias editoras brasileiras
como Abril, Brasiliense, Cosac & Naify, Martins
Fontes e estrangeiras como Phaidon,
Prestel, Rizzoli, Taschen e outras. Sua trajetória
foi registrada no livro Nelson Kon, de
Simonetta Persichetti e Thales Trigo, editado
pela Editora Senac, em 2004. Em 2005 suas
imagens passaram a integrar a coleção Pirelli-MASP
de fotografia.
Embora tenha usando durante muito tempo
filmes para os trabalhos principais de arquitetura,
com uma câmera de fole – Arca Swiss
– com correção de perspectiva, na atualidade
Nelson Kon trabalha apenas com equipamento
100% digital. Ele usa uma Câmera Canon
5D, equipada com objetivas de correção de
perspectiva, e uma Câmera Arca-Swiss 6×9
cm com Back Digital Phase One e para o tratamento
de imagem utiliza os softwares Photoshop
CS4 e Capture One.
Kon não vê diferença entre fotografia
de arquitetura e de cidade. Para ele, uma
e outra se confundem, já que considera a
arquitetura como o espaço construído pelo
homem, mesmo que ela tenha a escala da
cidade, como afirmou em entrevista: “Para
mim essa distinção não faz sentido. Ao falar
de fotografia de cidade eu estou falando
de fotografia de arquitetura. Arquitetura de
forma ampla é o espaço construído pelo
homem, seja a apropriação da caverna ou
a construção da cidade”. Um dos destaques
da obra de Nelson Kon é o ensaio fotográfico
realizado para o livro Rino Levi - Arquitetura
e Cidade, de Renato Anelli, Abílio Guerra e
Nelson Kon, publicado pela Romano Guerra
Editora no ano 2001. São imagens de seis
edifícios fundamentais para a compreensão
de diversos aspectos da obra do grande
arquiteto brasileiro.
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Foto: Marc Ferrez
16
INTERFACES ENTRE FERREZ E KON
Sem dúvida os dois fotógrafos trouxeram
grandes contribuições para a História da
Fotografia no Brasil. Cada um a seu tempo.
Cada um a seu modo. Marc Ferrez trilhou
caminhos variados, abordando diversos
temas. Quer viajando pelo país, quer
retratando políticos, celebridades e anônimos.
A trajetória de Nelson Kon, por sua vez, é
relacionada à arquitetura e às cidades.
E é nas visitas realizadas às imagens
das cidades que os caminhos dos dois
artistas se cruzam, pois ambos fotografaram
com intensidade as diversas mudanças e
transformações do espaço urbano brasileiro.
Os dois fotografaram a imagem das
cidades, mas cada um aborda o tema
por aspectos completamente distantes
um do outro, pois, além de a percepção
das cidades ser subjetiva, os fotógrafos
estudados pertencem a contextos históricos e,
consequentemente, tecnológicos em relação
ao processo fotográfico, completamente
diversos.
O fotógrafo do Império registrou muitas
cidades com suas lentes, especialmente o
Rio de Janeiro, que foi sistematicamente
fotografando por mais de quarenta anos,
produzindo documentos que hoje se
configuram em instrumentos importantíssimos
de pesquisa e estudos iconológicos.
A paixão de Nelson Kon pela arquitetura
e urbanismo pode ser apreciada através de
suas imagens de obras, do patrimônio e de
cenas urbanas do Brasil. São Paulo é tema
recorrente de seus ensaios fotográficos, onde
a registra de forma monumental, mostrando
as diversas transformações urbanas pelas
quais a cidade passou nos últimos anos.
Marc Ferez e Nelson Kon fizeram/fazem o
registro histórico da evolução da arquitetura
brasileira, introduzindo uma nova dimensão
nas relações entre o homem e a sociedade,
ao tempo em que valorizam o planejamento
urbanístico e a arquitetura como manifestação
e cenário da vida cultural.

A imagem
em
palavras
tal é a concepção que fundamenta o nosso
trabalho no âmbito da disciplina Português
Instrumental, no Curso de Fotografia da
UNICAP. Para além das necessidades
urgentes no que se refere às habilidades de
produção de gêneros textuais acadêmicos
e profissionais, o caráter “instrumental” da
disciplina abrange, distintamente, o objetivo
de contribuir para o desenvolvimento de um
Fanuel Paes Barreto*
18
A principal diferença entre o usuário ocasional
de uma máquina fotográfica e o verdadeiro
fotógrafo talvez esteja em que este,
ao captar uma imagem, mais do que registrar
um momento, pretenda dizer alguma coisa.
Para o fotógrafo, a imagem é um texto, uma
mensagem, e o ato fotográfico, um evento
comunicativo, envolvendo uma intenção a
ser interpretada por quem contempla essa
imagem. O conjunto de recursos empregados
pelo fotógrafo constitui, assim, um sistema de
significação, vale dizer, um sistema semiótico,
uma linguagem.
Um dos pais da linguística e da semiótica
modernas, Ferdinand de Saussure, sustentava
que a linguagem verbal é o mais característico
dentre todos os sistemas semióticos,
além de ser o mais complexo e o mais comum
(SAUSSURE, 2005, p. 101). Já outro
linguista e semioticista, Émile Benveniste,
entendia que a linguagem verbal é o meio
para a interpretação dos demais sistemas
semióticos, pois é o único cuja natureza
comporta uma função metalinguística (BEN-
VENISTE, 1974, p. 43-66). Se aceitarmos tais
proposições, será inescapável a conclusão de
que conceber a fotografia como uma linguagem
nos autoriza o trabalho de elucidar suas
mensagens por meio das palavras.
Obviamente, essa formulação abreviada
de uma concepção possível das relações
existentes entre a imagem fotográfica e
as palavras contorna uma infinidade de
problemas conceituais e teóricos. Contudo,
olhar propriamente fotográfico, aguçando-o
em suas percepções.
E como isso é feito? Uma propriedade
fundamental da linguagem verbal entra
em foco: a iconicidade estrutural. Isso
quer dizer que, embora a relação entre as
palavras e as coisas que elas significam seja
basicamente arbitrária e convencional, a
construção dos enunciados que constituem
a mensagem representa, em certa medida,
como as situações e os fatos se organizam
na realidade. Um exemplo bem simples: “O
cantor apareceu e o público aplaudiu”. Nesse
enunciado, vemos que a ordem das orações
(1) “o cantor apareceu” e (2) “o público
aplaudiu” representa a ordem temporal em
que os fatos ocorreram, de modo que, se
invertermos a ordem das orações (formando
o enunciado “O público aplaudiu e o cantor

apareceu”), fica sugerida também uma
inversão da ordem dos fatos. A iconicidade
(do grego, eikōn, ‘imagem”), portanto, é a
propriedade que a linguagem verbal tem de
“decalcar” a estrutura dos fatos.
A conclusão natural seria então: se as
palavras organizadas em enunciados têm a
capacidade de decalcar os fatos, então há
uma evidente correlação entre a linguagem
verbal e a linguagem fotográfica. Contudo,
é necessário cautela: os modos de captar a
estrutura dos fatos não são os mesmos nas
duas linguagens, e certamente há muitos
traços da realidade captados por uma que
não podem ser diretamente traduzidos na
outra. No entanto, residem exatamente aqui
as vantagens e a importância de se fazer um
trabalho de conversão do discurso imagético
para o discurso verbal. Com esse trabalho,
atendemos à necessidade de ampliar os
limites da percepção e da expressividade,
no esforço de aproximar os dois modos de
representar o mundo.
Por exemplo: entre as formas de
representação dos fatos na linguagem
verbal encontramos a narração e a
descrição. Em sua definição mais simples,
a narração envolve a sucessão temporal
dos fatos, enquanto a descrição importa
na apresentação das características de um
objeto apreendido em um dado momento de
tempo, ou sem qualquer referência temporal.
Um mecanismo essencial na distinção
entre essas duas formas está no emprego
dos tempos verbais: “Pedro já se afastara
alguns metros do bar, quando ocorreu uma
inflamada discussão entre dois homens e um
deles disparou o revólver várias vezes. Pedro
não retornaria mais ao local naquela noite.”
Percebe-se nessa passagem narrativa que
as formas verbais destacadas distinguem
fatos propriamente narrados, que se sucedem
(ocorreu, disparou), de comentários que
contextualizam esses fatos (afastara,
retornaria). Já em uma passagem descritiva,
os tempos verbais sugerem exatamente a
ideia de um “congelamento” do objeto em um
dado tempo: “A casa tinha (tem) uma ampla
varanda que dava (dá) para um jardim com
plantas variadas.” Intuitivamente, somos
levados a estabelecer uma aproximação
mais estreita entre a forma descritiva de
representação verbal e a imagem fotográfica.
Mas isso é tudo? Será que um instante
fotográfico não pode contar uma história?
Como, então, se poderia desdobrá-lo em uma
passagem narrativa?
A proposta do trabalho com a língua portuguesa
no Curso de Fotografia envolve, entre
outras tarefas mais óbvias, a de estimular o
aluno a transitar entre dois modos de conceber
e representar o mundo, o da imagem e
o das palavras, e, ao fazer isso, ampliar sua
capacidade de manejar os recursos disponibilizados
por esses dois sistemas de significação.
Referências
BENVENISTE, Émile. Problèmes de linguistique
générale, vol. 2. Paris: Gallimard, 1974.
SAUSSURE, Ferdinand de. Cours de linguistique
générale. Paris: Payot, 2005.
* Fanuel Paes Barreto é professor da disciplina
de Português Instrumental do Curso de
Fotografia da Unicap
19

20
ENSAIOS

Antes
Por Marina Feldhues
21

Olhares sobre
Gênero e Raça
32
Alunos dos cursos de Fotografia
e de Serviço Social da Unicap
realizaram no mês de novembro
de 2013 uma exposição coletiva
sobre Gênero e Raça. A ideia era
lançar vários olhares sobre o tema
como parte das atividades do Dia
da Consciência Negra. Depois de
uma troca de experiências entre
alunos e professores do dois
cursos, os futuros assistentes
sociais aprenderam um pouco
sobre fotografia e os futuros
fotógrafos profissionais aprenderam
sobre questões contemporâneas
e perspectivas históricas sobre
gênero e raça no Brasil. Um resumo
do resultado deste trabalho está
exposto aqui.

Welliton
Por Gilberto Vieira
Aluno do curso de fotografia da Unicap,
Gilberto Vieira apresenta em imagens Welliton,
mais conhecido como “Galeguinho”, morador
da Região Metropolitana do Recife, que numa
tarde de final de inverno sem energia elétrica
percorre à luz de velas os cômodos da sua
casa mobiliada apenas por uma mesa e duas
cadeiras de plástico enquanto fala sobre a sua
infância sofrida, sobre falta de afeto, sobre
o tempo que morou nas ruas e sobre o orgulho
de ter superado grandes dificuldades para
construir com seu trabalho duro como vendedor
ambulante o patrimônio que conquistou. “Sou
feliz por ter hoje uma casa para morar. Ainda
sou muito carente, falta tudo dentro da minha
casa, mas com fé em Deus e muito trabalho vou
conseguir me levantar e ter uma vida melhor”.
44

Recortes de Manhattan
Por Renata Victor
50
Ficha técnica:
Canon EOS 6D,
lente Canon EF, 24-105mm, f: 4
e lente canon EF, 40mm, f 2.8.

Porto de Galinhas
Por Lila Rios
60

A melhor
impressão é a
que fica
O processo Fine Art, ainda pouco
compreendido pelos fotógrafos, é a
melhor garantia de que o produto
vai ser preservado de uma maneira
perfeitamente fiel
Arline Lins*
66
Uma Ferrari do modelo California F1, com
460 cavalos de potência, zero KM, custa
cerca de R$ 1,5 milhão. Comprar um carro
desses para andar nas ruas do Recife seria
insanamente ousado. Muitos chamariam
de loucura. Essa é a comparação feita pelo
fotógrafo Gustavo Bettini quando o assunto
é impressão Fine Art. “De que adianta você
produzir uma foto com uma preocupação
artística, tratar com todo o cuidado e, na hora
da impressão, não escolher a Fine Art?”,
ele pergunta e responde segundos depois:
não fez nada. Embora importantíssimo para
a qualidade dos serviços fotográficos, este
processo de impressão ainda não é bem
compreendido pela maioria dos profissionais.
Muitos precisam de uma certa catequese
para decidir pagar um pouco a mais pela impressão
e lembrar que certas economias não
valem a pena. A principal característica deste
serviço de impressão é garantir uma longevidade
maior ao produto: 150 anos, em perfeitas
condições, exatamente como foi impresso.
Contudo, muitas outras preocupações estão
envolvidas na evolução da imagem, desde a
concepção até tê-la em mãos, para garantir a
excelente e duradoura qualidade.
De início, já se pode pensar em fazer
uma captura em RAW, ter um espaço de cor
grande (como o Adobe RGB) e trabalhar com
arquivos em TIFF, para ter baixa compressão.
Bettini lembra, porém, que quem não fotografar
seguindo esses padrões também vai conseguir
um bom resultado. Ele, por exemplo, já
imprimiu uma exposição inteira com fotos tiradas
em um celular. Isso porque outros fatores,
na hora do tratamento da imagem, continuam
o processo Fine Art. Para trazer a novidade ao
Recife e atender à Região Nordeste do País,
há seis anos, Gustavo e mais dois sócios criaram
o ADI Atelier de Impressão, que fica na
Rua da Moeda, dentro da Arte Plural Galeria,
no bairro do Recife. Ele ficou sozinho aqui e
os sócios cuidam da filial em São Paulo, que
atende ao Sudeste.
Dentro do atelier, Bettini tem um ambiente
com a temperatura e a umidade controladas
para garantir que o produto vai durar 150
anos. A cor das paredes é de uma tonalidade
específica do cinza para ajudá-lo a ter uma
percepção perfeita na hora de tratar as
imagens. Os monitores Eizo – considerados
os melhores do mercado – garantem uma
visão perfeita da imagem, se periodicamente
calibrados, é claro. As lâmpadas do
local também são específicas e têm uma
temperatura de 5.000K, que imita a luz
branca natural emitida pelo sol em céu aberto
ao meio-dia. No atelier, Bettini e Michelly –
parceira de trabalho – só tocam nas fotos
com luvas de algodão, para garantir que a
acidez da pele, do suor, não vai passar para a
imagem.
Para o fotógrafo Chico Barros, dono
do Centro Capibaribe da Imagem (CCI),
o segredo do processo Fine Art é o
gerenciamento de cor. Para alcançar a tão
desejada excelência na impressão é preciso
ter os equipamentos adequados ao que se
propõe fazer, como os monitores calibrados e
uma impressora com vários cartuchos de tinta.
Os papéis em algodão e alfa-celulose também
são fundamentais na constituição da arte que
sai das lentes e vai para o material palpável.

Foto: ADI Atelier de Impressão/Divulgação
67

68
E é nesse intervalo que entra a importância
do equipamento. “Às vezes o profissional
faz a foto já com uma concepção de Fine Art
e faz o tratamento em casa. Ele acha que
está bom, mas se engana porque o monitor
utilizado não estava devidamente calibrado.
Quando ele chega aqui no CCI, colocamos as
imagens nos nossos computadores e fazemos
os ajustes necessários antes de partir para
a impressão”, pontua Barros, que fotografa
há 20 anos e começou a trabalhar com a
impressão Fine Art em 2013.
No ADI, Gustavo Bettini usa duas impressoras
que trabalham com tintas minerais,
com 12 cartuchos cada. Elas têm uma saída
de 1,10m e um espectrofotômetro incorporado,
para ler as cores que imprimiu, checando
se está atingindo cada uma da maneira
correta; se o alvo está sendo alcançado. Os
papéis são de alfa-celulose e de algodão,
assim como os de Chico Barros, das marcas
Hahnemühle e Canson (linha Infinity). “Eles
são verdadeiramente brancos porque não
sofrem o processo de branqueamento óptico.
Essa característica garante que o papel não
vai ficar amarelado, como os papéis normais,
que passam pelo procedimento artificial para
ficarem brancos”, conta Gustavo. Os papéis
fineart também encapsulam a tinta para que
ela não desbote ao longo dos 150 anos. Além
disso, eles são ligeiramente alcalinos para
neutralizar uma possível contaminação por
acidez. “Existe um perfil de cor para cada papel
e para cada impressora. A impressão sai
muito fiel à imagem”, garante o fotógrafo.
Há também alguns profissionais que ousam
e fazem um tipo de impressão fineart com
finalidades que não são grandes exposições,
como trabalham Bettini e Barros. A fotógrafa
e professora Cecília Maria utiliza papéis
experimentais (como o de manteiga e o
de desenho) para fazer livros e pequenas
exposições de seus alunos. São fotografias
destinadas à venda. Para ela, não existe um
tipo de impressão melhor, mas a qualidade
adequada ao que se propõe. “Nesse conceito
de fineart, temos a vantagem da gama de
texturas e da longevidade do produto. Mas
a impressão fica melhor em alguns tons do
que em outros”, explica. Cecília também usa
Foto: Cecília Maria/Divulgação

Projeto que resultou na produção de um
pequeno livro artesanal com tiragem
limitada em 150 exemplares, essa série
busca um diálogo entre a narrativa por
meio de imagens e gêneros literários
como o diário e a poesia.
Autor: Roberto Vietri
Publicação: Prólogo Selo Editorial
Impressão: Cecília Maria
papéis da Canson e da Hahnemühle, alfacelulose
e algodão, mas também dá espaço
ao bambu.
Trabalhando com o processo Fine Art para
obter um material que dure mais, Gustavo
Bettini realizou uma exposição, em março
deste ano, na Arte Plural Galeria, no Bairro
do Recife. A Entre-Meios, trabalho feito em
parceria com a amiga e fotógrafa Lia Lubambo,
mostra imagens de vários municípios do
Sertão de Pernambuco capturadas à noite.
“Resolvemos fotografar o Sertão porque ele
é encantador, mas é um pouco triste ver
que essa região é retratada de uma maneira
miserável, sofrida, árida. É sempre o sol
quente, o chão rachado, as pessoas tristes.
Mas o sertanejo é forte e lindo. Então a gente
quis mostrar uma outra cara do Sertão”, conta.
Todas as imagens foram pensadas, desde
o primeiro momento, com a captura que
garantiria a melhor qualidade de impressão. O
ambiente, a profundidade de campo, o enquadramento,
tudo foi debatido antes de tirar
a foto.
A dupla usou aplicativos para saber a hora
que a lua ia nascer e onde as estrelas estariam.
Eles trabalharam com o ISO baixo porque
queriam um grande tempo de exposição –
algumas imagens tiveram uma hora de captura
depois do clique. Não foi um trabalho de
muitas fotos porque cada uma exigiu uma
grande produção. Ao todo, 57 foram tiradas
69

nesta primeira edição. Dessas, 29 estão na
exposição, que tem curadoria de Simonetta
Persichetti. Gustavo e Lia também fizeram algumas
gravações em vídeo para captar o som
ambiente, com o intuito de deixar a exposição
mais interativa.
Todo esse trabalho teve uma finalização
à altura com impressão Fine Art, claro.
O problema de muitos profissionais não
conhecerem o processo é que acabam sendo
enganados por alguns estabelecimentos.
O fotógrafo precisa estar atento às
características de impressão quando for
escolher o local para fazer o trabalho. Frutos
da interpretação e da intenção do artista
com o produto, as imagens devem ser
integralmente respeitadas no transcurso de
tratamento e finalização. Com a chegada ao
mercado recifense de mais prestadores do
serviço, o processo de impressão Fine Art
caminha para deixar de ser uma novidade
e se tornar a opção mais segura de ter a
fotografia como parte das Belas Artes.
Fineart no Recife
Algumas opções:
Capibaribe Centro da Imagem (CCI)
Rua da Aurora, n 533, 1˚ andar - Boa
Vista
3032.2500
contato@cci.art.br
ADI Atelier de Impressão
Rua da Moeda, n 140 - Recife
3424.1310
contato@atelierdeimpressao.com.br
Cecília Maria
Casa Amarela
contato@ceciliamaria.com.br
* Arline Lins é estudante do 8º período do
Curso de Jornalismo da Unicap.
Foto: Gustavo
ASSINATURA COLETIVA
O trabalho de Lia Lubambo e Gustavo Bettini é inteiramente feito
em conjunto. Para eles, o importante é cercar-se de cuidados para
garantir uma boa qualidade de impressão. Para fazer as imagens
da Entre-Meios, os dois viajaram pelo Sertão durante dez dias.
Passaram pelas cidades de Arcoverde, Vale do Catimbau, Serra
Talhada, Moxotó, Floresta, Algodões e Santa Rita. Durante o dia, eles
avaliavam o local e onde a foto seria tirada. À noite, voltavam para
fazer o trabalho. Como o ISO era baixo e o tempo de exposição era
longo, o processo depois do clique também era combinado antes.
70
HISTÓRIA - “Na imagem da igreja, eu começava obstruindo o céu
e a cruz com a tampa da lente. Aí eu dava um primeiro assovio e ela
acendia a luz de cima da construção. Eu deixava quatro ou cinco
segundos, assoviava, e ela apagava. Ela já sabia que o terceiro era
só para piscar a luz. Porque na primeira luz eu tinha a iluminação da
cruz ia dar a luz no chão, na frente da igreja. A segunda vez era só
para ter o brilho da cruz, sem dar um estouro. No quarto assovio, ela
acendeu a lamparina dentro da igreja. No quinto, ela apagou e saiu
com a lamparina e entrou na próxima capelinha,” lembra. Todo esse
processo foi feito em cerca de quatro minutos. O intuito era captar a
luz do céu, já que a Lua estava nascendo por trás da igreja. Os dois
não trabalham como assistentes um do outro. São parceiros que
fotografam juntos, da ideia ao clique.

Bettini e Lia Lubambo
71

72
Lewis Hine: o
olhar sociológico
através das lentes
Juliana Galvão
Lewis Wickes Hine nasceu nos Estados
Unidos, em setembro de 1874, e estudou
sociologia e pedagogia. Após a compra de
sua primeira câmera, reconheceu na fotografia
uma ferramenta pedagógica eficaz para
a divulgação de assuntos do seu interesse,
tais como a pobreza e o trabalho infantil. Por
ter sido contratado pelo Comitê Nacional do
Trabalho Infantil, viajou pelos Estados Unidos
para registrar as crianças em atuação nas
minas, fábricas, comércio e produção agrícola,
com o intuito de denunciar as condições
precárias em que viviam.
Para fotografar o ambiente de trabalho
das crianças, ele se valia de artifícios. Assim,
não raras foram as vezes em que se passou
por inspetor de incêndio, escondendo a sua
câmera com objetiva grande angular, por ser
mais discreta, em suas vestimentas. O esforço,
entretanto, foi recompensado, pois esse
registro fotográfico foi fundamental para a
criação de leis contra o trabalho infantil.
Nos dias atuais, toda criança é protegida
contra a exploração no trabalho em
declarações de direitos humanos, mas na
época em que Hine viveu, a realidade era
outra. Eram os anos de surgimento das fábricas,
da produção em série e o trabalho assalariado
provocou o êxodo rural e o crescimento
desordenado das cidades. Os trabalhadores
eram submetidos a jornadas excessivas e
condições insalubres de trabalho. E os donos
das fábricas passaram a contratar mulheres
e crianças, a quem ofereciam salários ainda
mais indignos.
É o cotidiano dessas crianças que Lewis
Hine se propõe a retratar, com o intuito de
denunciar as condições sub-humanas a que
são submetidas e de estimular o debate sobre
a necessidade de criação de leis para a sua
proteção.
A imagem sobre a qual
ora se debruça foi capturada
em 1908 e, sobre
ela, Hine fez a seguinte
anotação “The Mill: a
moment’s glimpse of the
outer world. Said she was
11 years old. Been working
over a year. Rhodes Mfg.
Co. Lincontlon, North Carolina”.
Assim, sabe-se que a
garota tinha 11 anos e que
trabalhava há mais de um
nesse moinho, na cidade
de Linconlton, na Carolina
do Norte.
O núcleo de interesse
da foto é a menina, que,
por estar centralizada, confere
um equilíbrio estático
à imagem. Poder-se-ia
até imaginar que Hine, ao
compor a cena de maneira
tão simétrica, queria tanto
conferir imobilidade, quanto
passar a ideia de que o
tempo, dentro da fábrica,
havia parado e de que o
movimento, a dinâmica da
vida, concentrava-se para
além da janela.
O plano que permeia a
obra de Lewis Hine, para
essa imagem também
utilizado, é o geral. Os documentaristas o
preferem, diante da necessidade de se contextualizar
a situação representada, o que
seria muito mais difícil com o registro apenas
de detalhes. Some-se a isso a necessidade
de se registrar as condições de trabalho para
fomentar o debate sobre a criação de leis contra
o trabalho infantil e está explicada a sua
preferência pelos planos gerais.
E essa é a realidade que se nos impõe.
A imagem de uma menina de 11 anos, que
trabalhou numa tecelagem dos Estados Unidos,
no começo do século 20, surpreende-nos
como uma súplica por redenção. Isolada por
madeira e aço, o que lhe resta apenas é a
ânsia pelo olhar de fora que lhe é negado; são
sentimentos e sonhos facilmente desviados
Foto: Lewis Hine

pela “voz de metal” que irritantemente lhe chega
aos ouvidos. Mas às vezes, a menininha
consegue driblar a vigilância das máquinas
e corre para o seu refúgio predileto – aquele
lugar em que não distingue mais o que é
sonho e o que é realidade – realidade para os
que estão além da janela, é verdade – mas
uma realidade quase palpável e à distância de
uma rua, naquela mesma em que se vê uma
família, num sábado à tarde, a sorrir.
E é porque já faz mais de oito horas que
a menina escuta a voz metálica e sente o
tremor dos botões, que ela não sabe mais
qual cena é a realidade e qual é o sonho.
Ela está tão cansada e o sonho do outro
lado da rua se separa da sua realidade por
uma pilha de tijolos tão fina, que as cenas
se entrelaçam. E essa pode ser a solução
ou a criação de um problema maior, não de
discernimento, mas de loucura, de quando
não se faz mais a separação do que se é, da
realidade da qual não se pode fugir, daquilo
que se deseja desesperadamente ser. E é
aí que a criança se enverga, porque lhe falta
identidade. Apesar da idade, já não pode
mais ser criança. O peso do que poderia
ter sido lhe enverga tão precocemente que
nem a janela é capaz mais de lhe salvar.
Agora, só lhe resta o consolo da lente de um
fotógrafo, que dirá para sempre da beleza de
se procurar no olhar de fora o sonho, e até a
loucura, como salvação, como um encontro.
73

ANALISE DE
IMAGEM
Experimentando a prática de leitura de
imagens, os alunos da disciplina Linguagem
Fotográfica I desenvolveram uma atividade de
análise de fotografias. Os discentes são representados,
nesta edição da UnicaPhoto, por
Lindomar Oliveira. A prática foi desenvolvida
pelo professor Leonardo Ariel. “A análise de
Lindomar traz uma foto de Steve McCurry em
um tributo a um grande mestre da foto colorida”,
explica.
Uma breve biografia do fotógrafo:
Steve McCurry começou sua carreira de
fotojornalismo cobrindo a invasão soviética
ao Afeganistão. Explorando a fotografia documental
humanista, a estética cujo foco é voltado
para o homem, sua cultura e seu ambiente
natural, tornou-se um celebrado fotografo da
cor.
Steve ganhou o direito de utilizar o último
rolo de filme Kodachrome, filme produzido
pela Kodak nos anos de 1935 a 2010. A
maioria das fotos de Steve McCurry é produzida
com este filme, cuja características importantes
são a qualidade de reprodução de
cores e arquivamento, o que também passou
a ser uma característica do próprio fotógrafo,
com suas fotos em cores fortes e brilhantes.
janela. Steve McCurry afirma ser um menino
indiano com o rosto coberto de gulal, um pó
avermelhado, participando da tradicional festa
hindu de Ganesh Chaturthi em Bombaim.
Análise
Nesta foto percebemos todas as
características do trabalho do fotógrafo: cores
fortes e vibrantes que valorizam e dão vida à
imagem prendendo a atenção do observador.
O olhar enigmático do menino que parece
querer nos dizer algo, também é uma
característica dos retratos de Mccurry.
Em uma composição harmoniosa e
equilibrada, devido à escolha certa do plano
de tomada e enquadramento perfeito dos
elementos dentro da imagem. Steve mostra
Foto: Steve McCurry
74
Descrição
Foto em formato horizontal, colorida
(foi produzida com filme Kodachrome),
tendo como elemento principal, no primeiro
plano, um menino pintado na cor vermelha,
encostado numa coluna de cor verde
clara, no segundo plano desfocado, e
com predominância da cor azul, se vê um
segundo menino também em vermelho e uma

em primeiro plano o elemento humano,
que é sua prioridade. Com foco especifico
na expressão do olhar que é onde aflora
a sensibilidade humana. Utilizando com
mestria o contraste de cores quentes e
frias, num jogo de luzes e sombras, ângulo
normal, mas posicionando os elementos em
ângulo oblíquo, desfoque do segundo plano,
proporcionando assim uma imagem com
perspectiva, textura, onde as formas dos
elementos sobressaem do papel, prendendo
a atenção do observador. Fazendo com isto
que nosso olhar percorra toda imagem, mas
volte sempre para o elemento humano que
Steve quer mostrar, com seus sentimentos
mais profundos. Como no caso desta
imagem em que nos perdemos quanto à
ambiguidade da expressão do menino. Isto
nos faz lembrar a frase de Steve McCurry: “Se
o fotógrafo fizer as pessoas esquecerem a
máquina fotográfica, a alma delas aparece na
fotografia”.
Elementos citados
Ângulo normal, primeiro plano, foco especifico,
composição harmoniosa, equilíbrio,
textura, alto contraste luminoso e tonal, perspectiva,
enquadramento dos elementos de
acordo com a regra dos terços, forma.
Veja mais imgens do fotógrafo:
http://stevemccurry.com/
75

DIREITO AUTORAL E
DIREITO DE IMAGEM
Julianna Nascimento Torezani
LEGISLAÇÃO INTERNACIONAL DE
DIREITO AUTORAL
Toda produção humana é considerada
uma obra intelectual que deve ser protegida
visando ser utilizada de forma correta pelas
pessoas. Estas obras são expressas de
alguma forma, através de textos, objetos,
filmes, roupas, fotografias. Com a proliferação
das imagens fotográficas, principalmente
pela Internet, é importante que as pessoas
conheçam as regras de uso e proteção de
tais obras. No cenário legal, há uma série de
documentos jurídicos que tratam da legislação
específica no âmbito internacional e nacional
diante das questões que envolvem o direito
autoral.
Estes textos foram criados, inicialmente,
na Idade Moderna, em função do momento
em que muitos autores de livros não tinha a
posse de seus textos e nem mesmo o nome
nas capas das cópias, por conta da impressão
em grande escala, graças aos tipos móveis
de Gutemberg. Assim, em 1710 foi criado, na
Inglaterra, o Estatuto da Rainha Ana, como
o primeiro documento que reconhece oficialmente
o direito de autor para publicação de
suas obras. A partir deste uma série de eventos
foram organizados com o intuito de discutir
a questão de autoria e propriedade das obras
e, a partir de tais eventos, outros documentos
foram criados e assinados por vários países
reconhecendo também estes direitos.
Atualmente, temos os seguintes textos de
legislação internacional sobre direito autoral
que tratam das regras de autoria e que indica
as diretrizes para a criação de leis nacionais:
Declaração Universal dos Direitos Humanos,
Convenção de Berna e Convenção Universal
de Genebra. Estas convenções coexistem
como documentos jurídicos internacionais que
tratam do direito autoral e foram assinados
por vários países, inclusive o Brasil.
Declaração Universal dos Direitos Humanos*:
1948, Artigo XXVII indica quanto a
criação e proteção de obras intelectuais:
1. Toda pessoa tem o direito de participar
livremente da vida cultural da comunidade,
de fruir as artes e de participar do progresso
científico e de seus benefícios. 2. Toda
pessoa tem direito à proteção dos interesses
morais e materiais decorrentes de qualquer
produção literária ou artística da qual seja
autor.
Convenção de Berna*: texto de 1971 e
revisão em 1979. Documento da Organização
Mundial da Propriedade Intelectual (OMPI),
organismo da ONU, trata da proteção autoral
e utilização de obras intelectuais:
ARTIGO 2: Os termos “obras literárias e
artísticas” compreendem todas as produções
do domínio literário, científico e artístico,
qualquer que seja o seu modo ou forma de
expressão, tais como: os livros, folhetos e
outros escritos; [...] as composições musicais
com ou sem palavras; as obras cinematográficas,
às quais são assimiladas as obras
expressas por um processo análogo à cinematografia;
[...] as obras fotográficas, às quais
são assimiladas as obras expressas por um
processo análogo ao da fotografia; as obras
de artes aplicadas [...].
Convenção Universal de Genebra*: texto
de 1952 , revisão em 1971, em Paris. Documento
da Organização Mundial da Propriedade
Intelectual (OMPI), organismo da ONU,
trata da proteção autoral e utilização de obras
intelectuais:
Artigo I - Cada um dos Estados Contratantes
compromete-se a tomar todas as
medidas necessárias a assegurar uma concreta
e eficaz proteção dos direitos dos autores
e de quaisquer outros titulares destes
direitos sobre obras literárias, científicas e
artísticas, tais como os escritos, as obras musicais,
dramáticas e cinematográficas e as de
pintura, gravura e escultura.
*Todos os documentos são encontrados na
Internet.

DIC
Dica: livro sobre curadoria
para fotografia
O curador de algumas das mais importantes
exposições de fotografia do Brasil, Eder Chiodetto
(foto), lançou em setembro de 2013 através do
Prémio Funart Marc Ferraz de Fotografia 2012, o
e-book “Curadoria em Fotografia: da Pesquisa à
Exposição”.
O livro aborda os desafios, as etapas e os
diferenciais que um curador de fotografia deve ter,
além de relatar as experiências adquiridas pelo
autor nos seus 10 anos de carreira e mais de 60
exposições realizadas.
“Curadoria em Fotografia: da Pesquisa à Exposição”
tem um destaque especial uma vez que
não existia no Brasil e no mundo uma publicação
que tratasse especificamente em curadoria para
exposições de fotografia.
O e-book foi desenvolvido inicialmente, voltado
Foto: Alcir Silva
para fotógrafos e pesquisadores, mas estudantes,
amantes da arte e o público em geral também
conseguem ter um contato mais amplo sobre o
assunto devido a forma como o livro foi escrito e
montado, no formado de PDF interativo.
“Curadoria em Fotografia: da Pesquisa à
Exposição” pode ser baixado vou visualizado
gratuitamente no site oficial de Eder Chiodetto
(http://ederchiodetto.com.br). Para saber mais
sobre o autor, vale conferir visita a entrevista dada
ao site Olhavê (http://olhave.com.br/blog/entrevistando-eder-chiodetto).
A dica é de Germana Soares, fotógrafa e professora
das disciplinas de Curadoria e Gerenciamento de Cor
do curso de Fotografia da Unicap
78

AS
A
Amnésia
Diretor: Christopher
Nolan, 2000
Interpretação da
Luz: o controle de
tons na fotografia
preto-e-branco,
1994
http://www.
dicasdefotografia.
com.br/
B
A vida secreta de
Walter Mitt
Diretor: Ben Stiller,
2013
A câmera de
Pandora: a
fotografi@ depois
da fotografia
Joan Fontcuberta,
2013
http://www.
vivianmaier.com/
C
Blow up - Depois
daquele beijo
Diretor: Michelangelo
Antonioni, 1966
Curadoria em
Fotografia
Eder Chiodetto, 2013
http://olhave.com.br/
blog/
D
Evandro Teixeira
– Instantâneos da
Realidade
Diretor: Paulo
Fontenelle, 2003
Tudo sobre
Fotografia
Editora Sextante,
2012
http://www.
studium.iar.
unicamp.br/
E
Nascidos em
Bordéis
Direção: Ross
Kauffman, Zana
Briski, 2004
Ligeiramente Fora
de Foco
Robert Capa, 2010
http://lens.blogs.
nytimes.com/
Dicas de:
A - Niedja Dias
B - Carolina Monteiro
C - Germana Soares
D - Julianna Nascimento Torezani
E - Renata Victor
79

80
Instagram:
registro do
presente
Julianna Nascimento
Torezani
Câmeras em telefones celulares, aplicativos
para edição de imagens e redes sociais
são as novas estruturas que redesenham o
modo de produção e recepção da imagem.
Agora o viver está intensivamente mostrado
aos outros pela rede mundial de computadores,
misturando o espaço público com a
esfera privada do corpo, das ideias, da intimidade.
Assim, a fotografia não é apenas a
captura do momento passado, mas passa a
ser o registro do presente, de forma altamente
efêmera.
Entre as várias formas de produção e
publicação instantâneas de imagens que

existem chegamos ao Instagram, que integra
esses elementos de elaboração de imagens
atuais. Criado em outubro de 2010 pelo
brasileiro Mike Krieger e pelo norte-americano
Kevin Systrom, tendo como origem o Burbn.
Em apenas três meses no mercado já era
usado por 1 milhão de pessoas. Em abril de
2012, foi comprado pela empresa Facebook
em um negócio que foi divulgado pela
imprensa americana por 1 bilhão de dólares.
Em junho de 2013, foi lançado o suporte
para vídeos de 15 segundos de duração,
inserindo mais uma possibilidade de criação
de imagens.
Em função da tecnologia digital em outros
equipamentos, não seria diferente com a
fotografia, em que os dispositivos trouxeram
agilidade aos trabalhos, avançando ainda
mais a invenção da instantaneidade do
Polaroid. O momento atual, através das
imagens, principalmente em plataformas
digitais, mostram os códigos da vida social
captados não apenas através da luz que
atravessa as lentes, mas com o toque e
retoque de refazer o mundo nesta nova
forma de duplicidade. Para o antropólogo
Luiz Eduardo Robinson Achutti (1995, p.
439), “fotografar é aprender um olhar sobre
o outro, este olhar é reificado em uma
imagem, imagem esta que tenha o poder de
captar olhares de outros outros. Que seria
do fotógrafo se não contemplassem suas
imagens? Fotografando, somos um olhar
que busca olhares”. Através desta frase
depara-se com a utilização do Instagram,
onde as imagens ali expostas requer olhares,
comentários, indicações “positivas”, assim
a contemplação é buscada uma vez que
se amplia a visualização através de demais
redes sociais, algo precisa ser dito. Assim o
traço físico da imagem fornece os sentidos
desta reelaborados pelos cortes, molduras
e cores, o que fica na memória não é sua
concepção física e sim os significados que
esta imagem carrega.
Guerras, cultura, natureza, pessoas,
viagens são alguns dos temas que a fotografia
registra, traduz e eterniza. Mas um em
especial teve o apogeu desde o século 19
que nunca foi perdido, o retrato, ter a sua
própria imagem em suporte, mesmo para dar
de presente ao outro, atravessa os anos. A
escolha do melhor traje, dos melhores lugares
e móveis com a pose para a posteridade,
esse encanto pessoal tornou-se um mercado
rentável, muitos retratistas vão equipar
seus estúdios com roupas e acessórios
que possam ser usados para aqueles que
se afirma em vida através da fotografia. O
filósofo alemão Walter Benjamin (1994, p. 98)
relata os acontecimentos sobre a fotografia
até o início do século 20, dando destaque aos
retratos: “os acessórios desses retratos, com
seus pedestais, balaustradas e mesas ovais
evocam o tempo em que, devido à longa
duração da pose, os modelos precisavam ter
pontos de apoio para ficarem imóveis”.
O que seriam os inúmeros retratos feitos
na atualidade, também uma afirmação da
vida? Poses, trajes e lugares são escolhidos
a todo momento e reconfigurados pelas
ferramentas de edição que possibilitam
também eliminar ou mudar algo que não
agrada. A representação humana quer
sempre anular algo e afirmar outro elemento,
a ideia do pós-humano, de mostrar além da
realidade, sempre existiu. Neste momento,
o retrato contemporâneo também quer ser
colocado à disposição do olhar do outro, mas
agora esse retrato pode mudar rapidamente
e incessantemente, sendo reconstruído no
cotidiano, o que faz surgir inclusive novas
terminologias, como “selfies”. Há uma
publicização da vida íntima, doméstica,
privada, o futuro que o artista plástico norteamericano
Andy Warhol vislumbrou em que
todos teriam 15 minutos de ‘fama’ chegou.
Com essas possibilidades tecnológicas de
criação de imagens temos uma nova estética,
que é da vida íntima, da cenografia, da cultura
da construção do mundo com a teatralização
dos momentos e dos gestos, criando assim o
pós-humano, pode-se dizer até de um neopictorialismo,
com corpos mutantes em cena
que se vislumbra uma arte contemporânea
que vai além da fotografia, mas em toda sua
performance, na instalação, no vídeo. De
acordo com a pesquisadora Lucia Santaella
(2006, p. 181), “enxames de fotos dos mais
variados tamanhos e espécies e nos mais
81

82
variados lugares, interiores e exteriores,
povoam o mundo e, além de fazerem parte da
realidade tanto quanto os objetos fotografados
o fazem, as fotos têm um poder multiplicador
que os objetos não têm”. Nesta reflexão, seria
o Instagram o telegrama contemporâneo,
numa releitura de fotografar e enviar, algo
instantâneo e com respostas instantâneas.
Encontra-se assim uma produção
fotográfica que reelabora o real, construindo
uma realidade. Filtros, molduras, foco,
desfoque e as várias alterações feitas na
imagem sugerem um outro referente, que
parte do existente e transforma-se nas
possibilidades de edição. Nessa construção
da realidade o pesquisador Boris Kossoy
(1999, p. 43) indica que “a representação
fotográfica é uma recriação do mundo físico
ou imaginado, tangível ou intangível; o
assunto registrado é produto de um elaborado
processo de criação por parte de seu
autor”. Entre os elementos que possibilitam
essa construção está o Instagram, usado
por milhões de pessoas no mundo, numa
reelaboração constante do que é visto,
trazendo os traços do real, mas altamente
produzido numa performance neo-pictorialista.
E na reflexão da professora e jornalista
Dulcilia Schroeder Buitoni (2011, p. 174), “na
produção multimídia, a tecnologia digital é
utilizada para produzir uma convergência da
imagem fotográfica estática com o cinema,
o vídeo, a fala e os sons gravados, material
de texto e imagens gráficas. Tudo isso
permite um tipo de edição transformadora,
dentro de meios previamente diferenciados,
para construir novos tipos de arquitetura
audiovisual”. Não é mais a fotografia por si só,
mas uma fotografia ligada a outros elementos,
inclusive o som, que traduz esse novo modelo
vida utilizando as tecnologias da imagem.
A experiência imagética do Instagram mescla
fotografia, vídeo, mobilidade e redes sociais
em um regime de visualidade contemporâneo
criando um novo conceito de fotografia de
se fazer e ver a imagem. O famoso slogan da
Kodak “você aperta o botão e nós fazemos o
resto” para o modelo “vocês apertam o botão
e fazem o resto”, colocando essa condição de
fazer na possibilidade de cada um pode editar

Fotos: Julianna Torezani
como quiser a imagem e publicá-la pelas redes sociais.
Ainda no paralelo sobre a Kodak e o Instagram, o jornalista e
professor José Afonso da Silva Junior (2012, p. 03-04) defende que
“podemos entender nesse eixo de antípodas entre os modelos Kodak
vs. Instagram a distribuição como um conceito que é substituído
pelo de circulação. Um sistema de distribuição opera de forma centralizada,
mantém uma hierarquia rígida entre os participantes e tem
como objetivo principal à entrega de produtos acabados e uniformes
ao consumidor. Um sistema de circulação flexibiliza e coloca em
crise a concepção de hierarquia, assimila a lógica descentralizada da
própria rede e gera a disseminação das informações como elemento
necessário à experiência. A distribuição enfatiza o consumo. A circulação
faz apologia da participação. Para a fotografia, circular é ter em
conta a consideração a desmaterialização dos suportes, a flexibilizarão
das ferramentas de tratamento da imagem e a amplificação dos
canais de acesso da fotografia como produção simbólica”. A fotografia
sempre encantou as pessoas, mesmo os retratos daguerreotípicos em
83

albumina e prata do século XIX à imagem na
tela do telefone celular, a busca pela imagem
e a eternização dos momentos através de
índices iconográficos faz-se mover o ser humano,
em sua finitude ou espetacularização.
A cultura visual contemporânea é a cultura
do compartilhamento, deixou de se mostrar
o álbum físico a alguém para mostrar uma
imagem a todos através da Internet, assim
os dispositivos que produzem as imagens
permitem novas formas de interação humana
na transmissão do que são, desta forma as
pessoas se veem pelas imagens fotográficas.
A convergência de mídias e tecnologias favorece
um mundo imagético múltiplo e híbrido,
para ampliar as potencialidades do olhar,
surgindo assim também uma nova estética.
Refletindo nesta direção, seria o Instagram o
carte de visite contemporâneo?
Referências:
ACHUTTI, Luiz Eduardo Robinson. Imagem e Fotografia: aprendendo
a olhar. In: Corpo e significado: ensaios de antropologia social.
Porto Alegre: Editora da UFRGS, 1995.
BENJAMIN, Walter. Magia e técnica, arte e política: ensaios
sobre literatura e história da cultura. Tradução de Sergio Paulo
Rouanet. 7 ed. São Paulo: Brasiliense, 1994. (Obras escolhidas; v. 1).
Título original: Auswahl in Prei Bänden.
BUITONI, Dulcilia Schroeder. Fotografia e jornalismo: a informação
pela imagem. São Paulo: Saraiva, 2011. (Coleção Introdução
ao Jornalismo; v. 6).
KOSSOY, Boris. Realidades e ficções na trama fotográfica. Cotia,
SP: Ateliê Ed., 1999.
SANTAELLA, Lucia. Por uma epistemologia das imagens
tecnológicas: seus modos de apresentar, indicar e representar a
realidade. In: ARAUJO, Denize Correa. Imagem (ir)realidade: comunicação
e cibermídia. Porto Alegre: Sulina, 2006.
SILVA JUNIOR, José Afonso. Da fotografia Expandida à Fotografia
Desprendida: Como o Instagram Explica a Crise da Kodak e
Vice-versa. In: Anais do XXXV Congresso Brasileiro de Ciências da
Comunicação. Fortaleza: Intercom, 2012.
Foto: Julianna Torezani
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Foto: Registro.br/Reproducão

Como ser profissional
também no mundo
digital
Um bom portfólio na internet e
uma estratégia de redes sociais são
fundamentais para divulgação do
trabalho
Carolina Monteiro*
Desde que o Google se tornou uma espécie
de oráculo do mundo digital, tente lembrar
da última vez que procurou por um produto
ou serviço e não recorreu à ferramenta de
buscar para encontrar informações, endereço,
telefone ou comentários? Com os serviços
de fotografia não é diferente e quem procura
um bom profissional, seja para eternizar os
momentos mais importantes da vida ou para
contratar com segurança, também recorre ao
buscador e/ou, mais recentemente, às redes
sociais. Por isso, os fotógrafos profissionais
não devem descuidar da sua “presença online”
com um excelente portfólio digital, uma
boa posição no ranking de busca do Google e
uma estratégia correta para as redes sociais.
Como em vários aspectos da vida, a primeira
impressão é a que fica. Então, uma
presença na internet começa com um portfólio
profissional, um endereço onde você
possa mostrar as suas melhores fotos, falar
um pouco sobre suas qualificações, áreas de
especialidade e interesses, além de facilitar
o contato com os clientes em potencial. Um
primeiro cuidado deve ser registrar o domínio,
ou seja, o endereço do seu site na internet.
O ideal é que ele seja o mais fácil possível
de decorar e não fuja muito do formato www.
seunomeprofissional.com.br.
Se o endereço já estiver sendo usado
por outro profissional homônimo, a dica é
escolher um domínio.com (usado geralmente
por sites americanos, mas disponível para
quem registrar e pagar por ele). O registro
do domínio e a checagem da disponibilidade
ou não do endereço .com.br pode ser feito
no www.registro.br, ao custo de R$ 30,00
por ano. No caso dos domínios .com, o
registro é feito em sites americanos que
fornecem ou serviço ou através de serviços
que já oferecem toda a estrutura (design e
ferramenta para atualizações do portfólio)
como os que veremos a seguir.
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Se como webdesigner você é um excelente
fotógrafo, deixe o trabalho para
outros profissionais. Procure um escritório
ou designer especializado e participe ativamente
do processo de criação sugerindo
sites de outros fotógrafos que possam servir
como referência do que você procura. O ideal
é que o site seja o mais “clean” possível
para que as fotos, as grandes “estrelas” do
site, possam se sobressair. Se for contratar
um profissional ou empresa para fazer
o seu portfólio esteja atento à forma como
vai mantê-lo atualizado depois de pronto
e escolha uma proposta que lhe ofereça
também a possibilidade de que você mesmo
possa atualizar ao final de cada trabalho e
fuja das propostas nas quais o designer fica
responsável por isso. Este tipo de relação
quase sempre termina com o fotógrafo
insatisfeito porque as atualizações não são
feitas com a rapidez ou frequência que ele
precisa.
Caso a grana esteja curta para contratar
uma empresa, saiba que é possível você
mesmo criar o seu site em serviços específicos
para este fim. O resultado pode ser
surpreendente. A maioria deles funciona
com a oferta de vários “templates” (modelos
de página), que podem ser personalizados
com o endereço eletrônico do fotógrafo,
logomarca, paleta de cores e formatos das
galerias de fotos e tamanhos das imagens.
Um dos mais conhecidos deles é o Wix
(www.wix.com), que oferece várias opções
de sites específicos para fotógrafos e outros
profissionais liberais, com bom design e layouts
para vários perfis de fotógrafos (casamento,
esportes, natureza, fotojornalismo
etc). O serviço oferece o pacote completo
(endereço, design e plataforma para atualização)
por R$ 25,00 por mês. Na verdade,
é possível fazer até de graça, mas você não
poderá usar o seu endereço próprio e também
terá pequenos anúncios na sua página,
tirando a cara de site profissional que você
precisa ter.
Um formato mais simples, mais fácil de
criar porém mais limitado é o Carbonmade
(www.carbonmade.com). O endereço é
bastante usado por fotógrafos, designers e
Foto: Wix.com/Reprodução
ilustradores e custa US$ 12 por mês (o site é
americano e, portanto, todo em inglês, o que
pode dificultar a vida de quem não fala bem a
língua). De qualquer forma, o Carbonmade é
um dos mais simples e fáceis de usar. Outra
opção é o 4Format (www.4format.com), também
em inglês, com valor mensal de US$ 6
por opções de design bem minimalistas, todas
com as fotos fullscreem (tela inteira) e possibilidade
de registrar e criar ou usar o seu
endereço próprio.
Seja qual for a sua opção para criar o
portfólio, alguns detalhes não podem passar
despercebidos, entre eles a qualidade e o
tamanho das imagens. A qualidade deve
ser inerente ao seu trabalho, claro, mas as
fotos escolhidas devem ser significativas
para o ramo da fotografia na qual você atua,
além de ter qualidades técnica e estética
suficientes para causar uma boa impressão
e mostrar suas habilidades profissionais. A
resolução também precisa ser levada em
consideração para que as imagens tenham
boa visualização, sem ficarem pesadas o
suficiente para deixar o seu site lento. Por
isso, esqueça qualquer foto em RAW e
faça o upload dos arquivos em JPG, com

Foto: Carbonmade.com/Reprodução
resolução máxima de 80 dpi, que é mais do
que suficiente já que os arquivos são para
visualização em tela e não para impressão.
Quanto ao tamanho, no caso dos temas
fullscreem, a largura deve ter em média
1280px (que é a resolução de tela mais usada
pelos internautas atualmente), garantindo a
qualidade da exibição da foto.
Lançar o portfólio na internet é o
primeiro passo, mas depois de estar no ar
o ideal é que o seu endereço apareça bem
posicionado no Google quando o internauta
fizer uma busca, principalmente no seu tipo
de especialidade fotográfica. Se trabalha
registrando casamentos no Recife, a busca
que mais interessa para você é “fotografia
+ casamento + recife” ou variações destas
três “tags”, como são chamadas as palavraschave
de uma busca na web. Neste caso,
você precisa conhecer mais sobre as técnicas
de SEO (Search Engine Optmization ou
Otimização para Engenho de Busca). Tratase
de um conjunto de procedimentos técnicos
e semânticos para o um site seja bem
posicionado nas pesquisas.
Entre as estratégias mais conhecidas
estão a atualização frequente do seu site, a
divulgação do endereço em redes sociais,
blogs e fóruns de fotografia, além do preenchimento
dos campos de TAGs oferecidos
pela maioria dos serviços de publicação (Wix
e Carbonmade, entre eles) Por fim, deve-se
também nomear os arquivos de fotos com
palavras-chave relevantes
(fotocasamentorecife1.jpg,
fotocasamentorecife2.jpg
etc), em vez dos tradicionais
DSC000001.jpg, por exemplo.
Com os cuidados
devidamente tomados, a
parte final de uma estratégia
profissional de uso das mídias
digitais é a presença nas
redes sociais. Em todos os
setores, redes como Twitter,
Instagram e, principalmente,
o Facebook vêm sendo
usados como ferramentas de
marketing extremamente eficazes e rentáveis.
Neste caso, crie perfis profissionais em
quantas puder manter sempre atualizadas
(se for para não atualizar, é melhor nem
criar!), divulgue seus trabalhos mais recentes,
interaja com os internautas e com outros
profissionais e construa uma reputação digital
não apenas postando sobre você e suas
fotos, mas conversando sobre assuntos de
interesse da sua área de expertise.
* Carolina Monteiro é jornalista, mestre
em Design pela UFPE e professora da
disciplina de Mídias Digitais da Unicap
Foto: 4Format.com/Reprodução
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