UnicaPhoto-Edicao13

www.unicap.br/unicaphoto
REVISTA DO CURSO SUPERIOR DE TECNOLOGIA EM FOTOGRAFIA DA UNICAP
#13 • AGOSTO DE 2019

EXPEDIENTE
COORDENAÇÃO
Renata Victor
EDIÇÃO
Carolina Monteiro e Filipe Falcão
COMISSÃO EDITORIAL
Carolina Monteiro
PROGRAMAÇÃO VISUAL
Jota Bosco
DIAGRAMAÇÃO
Jota Bosco
TEXTOS E FOTOS
André Antônio Barbosa, Filipe Falcão, Julianna Nascimento Torezani, Alice
Brooks, Quel Valentim, Carol Monteiro, Mirandolina de Araújo Mouthuy,
Gisely Tavares de Melo, João Guilherme de Melo Peixoto, Rafael Aguiar,
Ricardo Marcelino e Renata Victor
FOTO DA CAPA
Renata Victor
FOTO DA CONTRACAPA
Renata Victor
Escaneie o código QR abaixo, através de
aplicativo no smartphone, e acesse todas
as edições da revista na internet
A UnicaPhoto é uma publicação semestral do Curso Superior de Tecnologia
em Fotografia da Universidade Católica de Pernambuco. (ISSN 2357 8793)
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EDITORIAL
Chegamos à 13ª edição da Unicaphoto, revista que foi
pensada para incentivar a produção acadêmica e artística
dos alunos do curso de Fotografia da Unicap.
Nesses seis anos de existência, testemunhamos a
criação e a formação de quatro turmas da especialização “As
Narrativas Contemporâneas da Fotografia e do Audiovisual”,
de cinco turmas do curso de extensão “Ganhando Asas através
da Comunicação e da Arte” e quatro edições da “Gincana
do Saber Fotográfico”; a consolidação dos sete anos do Prêmio
Alcir Lacerda e do Fotovídeo; 20 cursos de extensão; 3 grupos
de estudos; e a realização de várias exposições e atividades
de Interdisciplinaridade e transversalidade. Acreditamos que
essas iniciativas incrementam a formação dos nossos alunos,
ao inseri-los num universo mais amplo e rico do que o da sala
de aula. Esse resultado corresponde ao esforço contínuo de
ofertar o melhor no ensino, pesquisa e extensão. Para isso
contamos com um corpo docente com vasta experiência acadêmica,
mas também no mercado, com a infraestrutura e com
o corpo de funcionários da universidade que têm feito com
que os nossos alunos se dediquem à iniciação científica e se
destaquem no cenário universitário nacional, com a obtenção
de 10 prêmios conferidos pela Sociedade Brasileira de Estudos
Interdisciplinares da Comunicação.
extensão. Temos como missão a valorização e o fortalecimento
da fotografia e a formação de egressos com
iniciativas empreendedoras, inovadoras, críticas e que
revelem compromissos éticos e sociais.
Ressalto, entretanto, que a nota 5 não nos faz acomodar,
muito pelo contrário, nos impulsiona para novos
desafios.
E, para coroar essa retrospectiva, temos a satisfação de anunciar
que pela segunda vez obtivemos a nota máxima na avaliação
do Curso Superior de Tecnologia em Fotografia, pelo
MEC. Nesses quase dez anos de curso, já passamos por três
avaliações - em 2012, quando só tínhamos formado apenas
uma turma, recebemos nota 3; em 2015, recebemos 5, a nota
máxima; e agora, em agosto de 2019, repetimos a nota. Para
nós, esse novo 5 é ainda mais especial, porque o instrumento
de avaliação do MEC foi atualizado em 2018, e conseguimos
reafirmar que temos um curso de excelência. Seja na metodologia
antiga, seja na atual, atendemos às 3 dimensões (Organização
Didático-Pedagógica, Corpo Docente e Tutorial e Infraestrutura)
e os 33 indicadores. Esse resultado corresponde
ao esforço contínuo de ofertar o melhor no ensino, pesquisa e
Na oportunidade, agradeço à querida aluna Alícia Cohim
que assinou a diagramação das três últimas edições
e dou as boas-vindas ao designer Jota Bosco, que
nos presenteia com um novo projeto gráfico.
Sem mais delongas, convido os leitores para uma edição
riquíssima em ensaios e textos de professores, alunos,
ex-alunos e colaboradores.
Renata Victor
Coordenadora do Curso
Superior de Tecnologia
em Fotografia da Unicap
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SUMÁRIO
PAG. 03
Editorial
PAG. 08
Entrevista
PAG. 24
Cinema experimental brasileiro
contemporâneo: Lucas Ferraço Nassif
PAG. 40
Novos modos de produção de imagem:
Feed e Stories do Instagram
PAG. 48
A experimentação do corpo
feminino na natureza
PAG. 60
O mundo hípico
PAG. 68
Imaculados
PAG. 80
Paraty e Ilha Grande são
Patrimônio Mundial da Unesco
PAG. 06
Aconteceu
PAG. 12
Ano 33
PAG. 28
Reflexos sobre
o Sertão
PAG. 46
Autorretrato, autoconhecimento
e crescimento
PAG. 56
Você sabe o que é
deepfake?
PAG. 64
Ensaio - Donostia
PAG. 76
Manipulação de imagens
sem photoshop. E pode?!!
PAG. 88
Curso de Fotografia - conceito 5 pela 2ª vez

ACONTECEU
JANEIRO
28/01 - Formandos 2019.1 do Curso Superior de Tecnologia
em Fotografia colaram grau no Teatro Guararapes.
A aluna Natália Albuquerque foi a laureada da
turma.
MARÇO
14/03 – Chá com fotografia recebeu o projeto Outras Leituras,
com a participação de Ivan Alecrim, Mitsy Queiroz
e Társio Alves.
FEVEREIRO
12/02 – Na abertura do semestre letivo, o curso de
Fotografia recebeu as fotógrafas da Exposição “Outra
Leitura”. O aluno Felipe Correia mostrou o trabalho,
Derrubando Muros, Construindo Pontes – A Imersão na
Fotografia Social.
ABRIL
25/04 – O curso recebeu os fotógrafos Roberta Guimarães,
Ana Araújo, Luciana Dantas e Heudes Régis para
uma palestra sobre Fotografia e Cultura de Raiz, parte do
evento Abril Pras Artes na Unicap.
17/02 – Realização da exposição “Na terra pra servir”,
realizada em parceria com a Fundação Terra e com o
coletivo f8 sobre o trabalho realizado pela fundação em
Arcoverde.
MAIO
18/05 – Realização da 4ª Gincana do Saber Fotográfico,
com a participação dos professores e alunos do curso.
Foi uma manhã divertida, com muita troca de conhecimento
e interação.
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11/05 - Os alunos do primeiro módulo do Curso de Fotografia
e os alunos de Arquitetura, que pagam a disciplina
de Introdução a Fotografia com a professora Renata Victor,
visitaram o Forte de Tamandaré a convite de Lizete
Maioli, da Secretaria de Turismo.
JULHO
29/07 – Realização do curso de extensão “Tecnologia audiovisual
e seus usos em ambientes de ensino e aprendizagem”,
com Mariana Porto
JUNHO
25/06 - Gabriel Santana e Quel Valentim venceram o
prêmio Expocom nas categorias Vídeoclipe e Direção de
Fotografia, respectivamente. Os alunos foram orientados
pelos professores Filipe Falcão e Aline Grego, nas
disciplinas de “Captura de vídeo em HDSLR e edição” e
“Método e técnica de pesquisa em comunicação”.
AGOSTO
09/08 – Aula
inaugural da
quarta turma da
Especialização “As
Narrativas
Contemporâneas
da Fotografia e do
Audiovisual”, com
a professora e crítica fotográfica Simonetta Persichetti.
08/08 – Dinâmica com o psicopedagogo Abel Sotero
sobre sociologia e relações pessoais
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ENTREVISTA
“Equipamentos podem ser
importantes, mas conceitos
são fundamentais”
José Afonso Jr.
Professor Doutor PPGCOM - DCOM -
UFPE, Jornalista, Fotógrafo, Pesquisador
QUEM É VOCÊ?
Me considero um observador, meio andarilho, meio colecionador.
Totalmente envolvido pela fotografia, praticando
e pesquisando. Como pesquisador, talvez fotografando
menos do que gostaria, e como fotógrafo, pesquisando
menos do que necessário. Acho que procuro praticar a teoria
da fotografia e imagem e teorizar a prática de quem
faz um trabalho diferencial, sensível, tocante.
QUAL SUA RELAÇÃO COM A FOTOGRAFIA?
É trabalho, é forma de entender o mundo, as pessoas as
relações, a passagem do tempo, entender a fotografia
como uma arma contra o desaparecimento das coisas, o
apagamento da memória. É também elemento de identidade
do que faço, do que penso e do que sou. Houve
época em que tentei me livrar dessa ligação de paixão
com a fotografia, fazer outra coisa, mas não deu!
VOCÊ SOFREU INFLUÊNCIA DE ALGUM FOTÓGRAFO?
Como referência, primeiro a escola francesa. Cartier-
-Bresson, Doisneau, Edouard Boubat, pela elaboração e
controle da luz, composição e olhar sobre o cotidiano. Ou-
tros fotógrafos como Robert Capa, Eugene Smith, Robert
Frank também fizeram minha cabeça pela pegada humanista.
Admiro também Annie Leibovitz, Maureen Bisiliat,
Claudia Andujar, Rosangela Renó, Francesca Woodman,
a Cristina Garcia Rodero. Dos Brasileiros, Tiago Santana,
Sebastião Salgado, Cristiano Mascaro e Claudio Edinger.
Atualmente, tenho gostado muito da documentação urbana
de Robert Polidori e Andreas Gurski.
UMA EMOÇÃO?
A primeira vez que vi uma imagem surgindo na revelação
em preto e branco. Ainda hoje é algo maravilhoso de se
ver, em meio a luz vermelha, o papel fotográfico mostrando
a imagem lentamente. Incrível. Outra: ver alunos que
ensinei e foram pelo caminho da fotografia estarem trabalhando,
ou na prática profissional ou no ensino. É algo
impagável.
VOCÊ VÊ DIFERENÇA ENTRE A FOTOGRAFIA DOS OUTROS ESTADOS EM
RELAÇÃO COM A PRODUZIDA EM PERNAMBUCO?
A fotografia contemporânea é muito homogeneizada, se
fotografa muito de modo parecido, nos assuntos e abor-
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dagens. Penso que a fotografia de Pernambuco consegue
escapar um pouco disso pelo vínculo forte com as
tradições e culturas enraizadas e o interesse em que
isso demanda para ser registrado. É um traço forte de
apelo documental. Na verdade, um sintoma positivo,
creio. Que nos singulariza, mas que não define totalmente.
Há outras alternativas e perspectivas interessantes
sendo exploradas, principalmente por fotógrafos
mais novos que convergem a fotografia com a
experimentação plástica e artística.
David, João Castilho, Gilvan Barreto, Nadav Kander, Yeda
Bezerra de Melo, Hélia Scheppa e Alcione Ferreira, me
impressionam pelo olhar ao mesmo tempo atento e delicado.
O QUE SIGNIFICA PARA VOCÊ RECEBER O PRÊMIO ALCIR LACERDA?
Uma alegria, um privilégio e uma honra. Receber um prémio
que leva o nome de um homem digno, um fotógrafo
que era uma enciclopédia de conhecimento, que tinha
um coração imenso de menino e uma generosidade in-
PRETO E BRANCO OU COR?
Os dois. Mas é importante sempre voltar a praticar o
preto e branco, de vez em quando, para educar o olhar
para a luz.
ANALÓGICO OU DIGITAL?
Os dois. Se misturar um com outro, melhor ainda!
A TECNOLOGIA APRESENTADA PELOS EQUIPAMENTOS FOTOGRÁFICOS
DIGITAIS APROXIMOU OS FOTÓGRAFOS PARA A PRODUÇÃO AUDIOVISUAL.
QUAL É A SUA AVALIAÇÃO SOBRE TAL SITUAÇÃO?
Isso não é novo. Desde os anos 1930 já se explorava
esse convergência. Cartier-Bresson e Robert Frank
também fizeram cinema e Robert Capa flertou com o
cinema documental. Creio que agora é diferente pelo
fato das gramáticas e códigos da imagem estática e em
movimento serem mais interdependentes, por estarem
sendo operadas por uma geração que já nasceu
no digital e vê essa sobreposição de modo mais natural.
Não acho, contudo, que é somente pelos equipamentos
digitais assimilarem essa convergência. Com o
desenvolvimento tecnológico, de certo modo, isso seria
inevitável. Se as narrativas estão surgindo com essa
tendência é pelo fato de culturalmente e socialmente,
foto e vídeo estarem mais próximos do que nunca.
UMA SAUDADE?
Várias! Da expectativa de esperar o resultado da foto
na revelação, do cheiro do laboratório fotoquímico,
da cor incomparável nos filmes de cromo, das câmeras
que podiam funcionar sem bateria e, sobretudo,
de uma fotografia que podia ser feita com mais reflexão,
numa relação menos imediatista e apressada, de
modo mais delicado ao lidar com o tempo das coisas.
ALGUM FOTÓGRAFO DA NOVA GERAÇÃO LHE IMPRESSIONA?
Gosto e acompanho o trabalho dos brasileiros Pedro
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comparável, é algo que reverbera dentro de mim. Receber
esse prêmio no ano em que a fotografia completa 180
anos de invenção, de ser dado por um Curso de Fotografia
importante e reconhecido, com bons professores e boa
estrutura, também reforça a importância desse acontecimento
na minha vida e percurso. Prosseguindo, o fato de
eu ser um professor e pesquisador é algo simbólico que
me alegra muito, em um momento de obscurantismo, o
prêmio é também para todos aqueles que se dedicam ao
ensino e ao conhecimento da imagem, dos que jogam luz
sobre as sombras, exatamente como a fotografia faz.
UM CONSELHO PARA OS QUE ESTÃO INICIANDO NA FOTOGRAFIA?
Um bom livro de história da arte, um bom livro de história
da fotografia. Muito museu, livrarias, bons sites, galerias
de arte e fotografia. Viajar, conversar, ir a festivais, aprender,
e praticar. No mínimo, 50 fotos por dia. Só depois,
pense em comprar uma câmera. Equipamentos podem
ser importantes, mas conceitos são fundamentais.
Fotos:
Renata Victor
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ENSAIO
ano 33
Resumidamente, o Ano 33 consiste em
oferecer ao observador a experiência
de imergir através da imagem no ano da
morte e ressurreição de Cristo
Fotos:
Sérgio Maranhão

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REPORTAGEM
Cinema experimental
brasileiro contemporâneo:
Lucas Ferraço Nassif
Texto:
André Antônio Barbosa
Nos últimos anos, o cinema brasileiro se fortaleceu
não só como economia mas também como
produção estética cuja qualidade o coloca em
pé de igualdade com obras de todas as partes
do mundo, seja em mostras internacionais, seja estreando
nas programações de cinema de diversos países. Esse
quadro, agora, é posto em risco com o desmonte operado
pelo governo atual. No entanto, aqui, queremos falar de
um outro cinema, que sempre existiu às margens. Pois,
por mais que o cinema brasileiro fortalecido nos últimos
tempos integre o circuito arthouse, trata-se de filmes que
não quebram sua filiação à tradição oitocentista do naturalismo:
personagens com profundidade psicológica, narrativas
com arco, causas e consequências, encenações que
se pretendem “representações” de coisas que existem “no
mundo real”. Sem visibilidade e, na maioria das vezes, sem
suporte financeiro, o cinema experimental busca explorar
outras potências da imagem em movimento, inventando
jogos inéditos de sensorialidade e fruição do suporte.
Um dos nomes que mais tem se destacado nesse sentido é
o do cineasta carioca Lucas Ferraço Nassif. Munido apenas
de uma câmera Canon DSLR e do apoio de amigos que,
enquanto performers espontâneos, se dispõem a estar na
frente dessa câmera, Nassif tem desenvolvido uma estética
que poderia ser definida como “formalismo millennial”.
Isto é: o trabalho com elementos estéticos afetivamente caros
à geração millennial (todo um repertório musical, toda
uma indulgência em atmosferas de melancolia juvenil) mas
retirados das fórmulas cansadas do realismo e do naturalismo
e tensionados ao máximo, no limite da abstração.
Sua obra mais conhecida foi o longa Being Boring (2015),
exibido na Mostra de Tiradentes (MG) e na Semana dos
Realizadores (RJ) - porém sempre fora das competições
principais. A sessão do filme em Tiradentes, por exemplo,
ocorreu à meia-noite e parte da plateia, já munida de long
necks nas mãos, começou a dançar ao invés de simplesmente
ficar sentada assistindo 1 . Um dos traços do cinema
experimental desde sempre foi estimular outras formas de
espectatorialidade, outras formas de se relacionar com as
projeções. Por exemplo, os filmes de Andy Warhol - um dos
nomes mais fortes do cinema experimental até hoje - podiam
ser exibidos em salas de cinema, bem como projeta-
1. Ver: http://revistacinetica.com.br/home/being-boring-de-lucas-ferraco-nassif-brasil-2015/?utm_source=rss&utm_
medium=rss&utm_campaign=being-boring-de-lucas-ferraco-nassif-brasil-2015
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dos durante os concertos da banda Velvet Underground,
sem qualquer prejuízo para a compreensão da “história”
dos filmes. É que esses filmes nunca se propuseram a contar
história nenhuma para início de conversa.
Aqui, vamos nos debruçar sobre um trabalho menos conhecido:
o longa Eu Sou Lana Del Rey (2016), fruto de uma
parceria entre Nassif, que assina a direção e a montagem
do filme, e o artista (carioca mas residente em Nova Iorque)
Bráulio Cruz, que escreveu o roteiro e atua como
protagonista. Trata-se de um artefato tão singular dentro
da produção audiovisual brasileira recente que é preciso
ter cuidado para não o esmagar, fraturando-o em mil pedaços
incompreendidos, com as formas correntes de que
normalmente dispomos para enxergar um filme no Brasil.
No dispositivo de encenação de Eu Sou Lana Del Rey, Bráulio,
em Nova Iorque, senta na frente de sua webcam enquanto
Lucas, no Rio e conectado a Bráulio, filma a tela do próprio
computador. Como resultado, o universo visual do filme é
constituído pela textura de baixíssima definição das vídeo-
-chamadas digitais e pela predominância do magenta, que
cria uma paleta de cores talvez involuntária, mas que acaba
por dialogar com o imaginário cheio de flores decadentes
que Lana Del Rey, cujas músicas permeiam o filme inteiro,
constrói através de seus videoclipes, capas de disco e concertos
ao vivo. Ao mesmo tempo, é quase sempre possível
ver o frágil reflexo de Lucas, de câmera na mão, na tela do
seu próprio computador. Diversas vezes Bráulio interage e
se dirige a Lucas, que em troca dá algum direcionamento
para a sequência a que assistimos.
A baixa definição de imagem, o quase monocromatismo,
o som falho e por demais “eletrônico” advindo dos alto-
-falantes do computador de Lucas, o tédio das sequências
longuíssimas são claras escolhas estéticas que criam um
universo único, a saber: não o da dificuldade experimental
de uma obra de vanguarda, mas o da melancolia fantasmática
das conversas digitais a longa distância, e o prazer
lânguido de se perder nas madrugadas frias das confissões
patéticas que às vezes temos coragem de fazer diante de
uma webcam. Eu Sou Lana Del Rey parece indulgentemente
retirar um prazer secreto dessa situação de distancia eletrônica
e anseio na solidão, como se ela fosse o portal para
um modo de ser próprio, um ethos notavelmente queer e
masoquista. Para embalar essa tristeza inútil e efeminada,
não seriam possíveis outras músicas que não as de Lana
Del Rey, o guilty pleasure pop que teve a coragem de ja-
Gold Marilyn Monroe
(Andy Warhol, 1962)
mais cantar algo alegre (nenhuma nota sequer) e que a
cada disco cria uma sonoridade mais lenta, mais circular
e mais repetitiva: o demônio-da-guarda das bichas tristes.
Na primeira sequência de Eu Sou Lana Del Rey, enquanto escuta
“Don’t Let Me Be Misunderstood”, de Lana, Bráulio faz
uma espécie de tradução simultânea da letra para o português.
A voz masculina e sem ritmo dele contrasta com os
vocais de Lana, atrapalhando a audição de sua música. Mas
a própria música chega aos ouvidos do espectador com a
interferência da baixa qualidade do som da vídeo-chamada.
É como se Nassif, em sua mise en scène, fizesse de tudo
para atrapalhar uma fruição mais emocionalmente engajada
por parte do espectador. Com a tradução de Bráulio e a
baixa qualidade, fica difícil, num primeiro momento, se relacionar
afetivamente com a música. Para completar, Nassif
pede para Bráulio repetir o que acabara de fazer, só que
com a música mais alta. O espectador, então, assiste a essa
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epetição um pouco estupefato, até o fim, e pode se perguntar
o porque daquele gesto inútil, que apenas reforça a
sensação de tédio e vazio de toda a sequência. Mas, com
efeito, se alguém procurar “função” nos movimentos do
filme de Nassif, nas repetições e nas sobreposições, está
procurando no lugar errado. Nada no filme é feito com “algum
objetivo”, mas para, numa espécie de prazer perverso
nas coisas que uma estética mais “orgânica” consideraria
supérfluas, mergulhar o espectador numa atmosfera onde
nada é verdadeiro para, no processo, talvez, se chegar a
um autêntico modo de ser.
Ao “obrigar” o espectador a, duas vezes, ouvir a letra da
música em inglês e português, Nassif esfria os afetos de
um possível engajamento com a canção, chamando atenção
para a linguagem, para a forma como as coisas são
ditas em línguas diferentes (e em vozes diferentes – uma
feminina e uma masculina), para esse gap e essa distância
que há em qualquer tradução, em qualquer diálogo, em
qualquer vídeo-chamada. Esse gap, esse vazio, essa condição
de ser remoto, de jamais poder chegar realmente perto,
é ecoado em todos os aspectos do filme, desde a baixa
resolução da imagem monocromática que está longe de
refletir os aspectos complexos da “realidade” que ela filma
até o fato de um jovem brasileiro de barba ser a pessoa
que está cantando, ao longo do filme, as músicas de uma
cantora norte-americana. Mas, antes de tudo, haveria algo
mais falso que a própria figura de Lana Del Rey? Com sua
maquiagem pesada, unhas enormes e sempre emulando
pastiches de épocas do passado e m suas roupas, músicas
e videoclipes, a estética de Lana é, ela própria, esse buraco
negro: um reino do falso. A própria “Don’t Let Me Be Misunderstood”
é um cover de Lana de uma música que já
existia antes. Mesmo assim, em Eu Sou Lana Del Rey, nesse
mundo habitado apenas por caricaturas frágeis que mal se
desenham, já se dissolvem em seus próprios excessos, o
espectador já começa escutando repetitivamente o refrão
da música: “Deus, por favor não deixe que eu seja mal compreendido”.
Em outra sequência do filme, Lucas filma a tela do seu
computador, que está conectado à webcam de Bráulio. A
qual filma não ele, mas uma nova tela: sua televisão, onde
Lana, em um concerto, tenta cantar um hit mas não consegue
porque todos os fãs da plateia já o estão cantando
com tanta força que ela se emociona. A canção continua,
cantada por uma multidão anônima desafinada que, no
extra-campo, não vemos. Há algo de falso e protocolar na
Eu Sou Lana Del Rey
(Lucas Ferraço Nassif, 2016)
reação “emocionada” de Lana, em seu rosto minúsculo e
sem cor que nós, espectadores, vemos na tela dentro da
tela. Mas, o verdadeiro importa? Por mais “falsa” que Lana
Del Rey (obviamente, aliás, não se trata do nome verdadeiro
da cantora que lhe dá corpo) seja, os fãs estão cantando
e dois artistas brasileiros estão fazendo um filme. O que
resta é o falso, mas sua condição mesmo de falso parece
torná-lo mais fascinante e perversamente mais prazeroso.
Esta sequência do filme me remeteu com toda força às
inúmeras pinturas que Warhol fez de Marilyn. Aqui como
lá, trata-se da imagem fantasmática, falsa e fria de uma
mulher cuja aura remota fascina uma sensibilidade queer
ligada ao pop. Não é possível lamentar que na nossa época
não temos mais Marilyns, mas apenas Lanas – mais falsas,
mais previsíveis, etc. A questão é que a obra do próprio
Warhol já se deleitava, de forma masoquista, na condição
remota e inalcançável da imagem de Marylin. Logo no início
de seu livro sobre o masoquismo, Deleuze, citando Dostoievski,
sintetizou bem a discussão: “É idealista demais… e
portanto cruel” 2 .
Se na primeira sequência de Eu Sou Lana Del Rey predomina
a desagradável tradução simultânea da letra de Don’t Let
Me Be Misunderstood, numa sequência seguinte, Nassif
parece “presentear” o espectador com uma performance
mais prazerosa de Braúlio: de peruca e vestido brilhante,
ele apenas dubla outra canção de Lana. Embora ainda
caricatural (especialmente quando as caretas do rosto
de Bráulio reforçam os momentos mais “emocionais” da
música), sem dúvida esta sequência chega ao espectador
como uma espécie de gratificação mais prazerosa depois
da sequência anterior. E nesse vai-e-vem de dor e prazer,
Eu Sou Lana Del Rey constrói uma dialética masoquista notavelmente
próxima da descrição dada acima por Deleuze.
2. DELEUZE, Gilles. “Coldness and Cruelty”. New York: Zone Books, 1991, p. 15. Tradução minha.
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CINEMA EXPERIMENTAL NO BRASIL
FRONTEIRA
O festival brasileiro de cinema que mais se volta para a produção experimental.
Ocorre em Goiânia: http://www.fronteirafestival.com
RISCO CINEMA
Cineclube carioca voltado apenas para a exibição e debate de filmes experimentais. Primeiro funcionou
numa pequena sala em Copacabana, mas hoje ocorre mensalmente na Cinemateca do MAM.
Mais informações: https://pt-br.facebook.com/RISCOcinema/
OSSO OSSO
Coletivo carioca de cinema experimental que usa câmeras digitais DSLR e nenhum tipo de financiamento.
Depois de vários curtas, lançou o longa Buraco Negro em 2017.
Alguns de seus filmes podem ser vistos em: https://ossoosso.tumblr.com/tagged/FILMES
DISTRUKTUR
Duo formado por Melissa Dullius e Gustavo Jahn, que, entre o sul do Brasil e Berlin, fazem experimentos
com filmes em película (8mm e 16mm), muitos deles vencidos, forjando um universo visual onírico e
inesperado. Alguns de seus filmes podem ser vistos em: https://distruktur.com
JOMARD MUNIZ DE BRITTO
um dos cineastas experimentais mais instigantes de Pernambuco, desde os anos 70 trabalhando com
8mm e, posteriormente, se aventurando em algumas produções digitais, sempre com um afiado olhar
queer. Um de seus melhores filmes da época do Super 8, Noturno em Ré-cife Maior (1981), está disponível
online em: https://vimeo.com/108592072
LUCAS FERRAÇO NASSIF
Além de Being Boring e Eu Sou Lana Del Rey, recomendamos o longa Marta L. Escreve (2017), todos disponiveis
no Vimeo do artista: https://vimeo.com/user10560880
MÁRIO PEIXOTO
Um dos primeiros brasileiros a fazer um filme experimental no país. Seu longa Limite (1931), hoje em
domínio público, pode ser conferido no link: https://www.youtube.com/watch?v=UeEArblJiMs
YANN BEAUVAIS
Cineasta experimental, curador e pesquisador francês que mora em Recife e, periodicamente, organiza
mostras e cursos envolvendo o universo do cinema experimental, das artes híbridas e das imagens
expandidas: http://yannbeauvais.com
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ENSAIO
REFLEXÕES SOBRE O SERTÃO
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A vegetação do Sertão é marcada por tons amarelos. A caatinga é o retrato
da região Nordeste e uma das representações visuais mais conhecidas no
Brasil. Uma paleta de cores que guarda lendas, histórias e causos que se
camuflam neste cenário.
Fotos e texto:
Filipe Falcão
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30

Com a chuva, o caminho percorrido pelos cangaceiros no
passado se torna menos pesado ao menos para olhos
contemporâneos. Árvores secas logo ganham flores e galhos
que parecem cobrir o céu com suas novas folhas.
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A chuva quando chega à região faz uma onda verde
brotar do solo seco. O amarelo vira verde e a esperança,
assim como a vegetação, cresce a se perder de vista.
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Na rota até Angico, pedras e
vegetação foram testemunhas dos
passos silenciosos de Lampião e de
Maria Bonita. Vilão e herói, homem
justiceiro e assassino sádico. Lampião.
No Sertão sergipano, a grota de Angico, palco do
massacre que dizimou Lampião e seu bando, guarda
memórias dos tempos dos cangaceiros. Duas cruzes
marcam o lugar. Reflexão e lembrança diante da história
daqueles homens e mulheres da caatinga.
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36

A chuva é efêmera no Sertão. O sertanejo sabe que a paisagem verde não vai
durar. Logo o velho amarelo volta a ser a cor dominante. A beleza continua.
O Sertão é antes de tudo um lugar lindo. O verde parece chamar mais os
nossos olhos apenas por ser uma tonalidade mais rara na região. Até que
venha a próxima chuva.
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REPORTAGEM
Novos modos de produção
de imagem: Feed e Stories
do Instagram
Texto:
Julianna Nascimento Torezani
Em tempos em que a fotografia deixou de lado o
papel e apareceu nas telas, novas formas de criação
e exibição de imagens surgiram, especialmente
nas redes sociais. O elemento antes estático
torna-se híbrido em configuração com outras linguagens
visuais. A fotografia expande-se e encontra com o vídeo
numa mescla de novos formatos de elaboração, aliada às
ferramentas que as plataformas digitais criaram. Mudou
a criação das imagens e mudou a exibição também, pois
esta é modelada por uma nova temporalidade, ou seja,
as imagens deslocam-se de uma para outra, pois estão
em fluxo, o que Antonio Fatorelli (2013, p. 7) chama de
“experiências da duração, da simultaneidade e da ubiquidade”,
diferentes da fotografia instantânea e do cinema
narrativo clássico.
No Instagram, criado desde 2010 por Mike Krieger e Kevin
Systrom, há duas formas de exibição de imagens: no
Feed, em que as cenas (fotografias e vídeos) podem estar
isoladas, em mosaico, ou em sequência; nos Stories, em
que as cenas desaparecem após 24 horas da publicação.
Este recurso foi criado em 2016, semelhante ao que existia
no aplicativo SnapChat. Exceto as highlights (histórias
destacadas) que ficam disponíveis pelo tempo que o usu-
40

ário quiser, alguns perfis destacam alguns itens para facilitar
a navegação dos usuários, elemento que pode ser
usado como estratégia de algumas empresas para mostrar
seus produtos.
Ao teorizar tais elementos de publicação de registros
observa-se a partir de Fatorelli (2013) que há novos modos
de observar e experimentar as imagens na atualidade,
já que o espectador contemporâneo atua de forma
interativa com as mensagens que cria e recebe. Fatorelli
(2013, p. 18) aponta que “convertidos em algoritmos, os
diversos elementos expressivos – sons, imagens e textos
-, que tradicionalmente condicionaram as linguagens e
as estéticas associadas aos meios, têm as suas especificidades
questionadas. A passagem do sinal de luz para o
sinal eletrônico marca a transição da modernidade para
a contemporaneidade, colocando em perspectiva os valores
materiais e simbólicos, associados à representação
fotocinematográfica baseada no modo analógico de inscrição,
projeção, difusão e recepção da imagem”.
Assim, temos nessas novas mídias os elementos de inovação
tecnológica, mutações estéticas, publicação do
cotidiano imediato e redimensionamento do tempo. Em
função desse último item, o usuário oscila ao escolher
ver as imagens do Feed ou do Stories, passando de uma
observação rápida a uma maior atenção, inclusive dando
feedback às cenas vistas. Mas, muitas vezes, a visualização
dos Stories torna-se prioritária, já que estas imagens
não permanecem, são efêmeras. Desse modo, vale aplicar
as observações de Fatorelli (2013, p. 23) em seu estudo
sobre a imagem contemporânea quando diz que “as
fotografias são submetidas ao tratamento sequencial ou
serial, editadas de modo a comportar certo encadeamento
e certa duração, entrevendo uma narrativa e uma temporalidade
multidirecionais”. Como ocorre nos Stories, os
usuários ao publicarem as imagens colocam em determinada
ordem contando uma história, haja vista os perfis
dos viajantes quando mostram os lugares onde estão, da
mesma forma das pessoas que publicam textos em partes,
enquanto a temporalidade é definida pela plataforma
em que a imagem fica aparente por alguns segundos.
De acordo com a teoria de Boris Kossoy (2007) que indica
a questão do tempo na fotografia, há o tempo da criação
da imagem, o que chama de primeira realidade (já que o
ato de registro é efêmero), e o tempo da representação
como a segunda realidade por ser a foto em si, podendo
ser eterna, já que congelou um momento passado. Observando
o cenário atual, Kossoy indica que essas clássicas
temporalidades estão em mudança, já que temos a
onipresença da imagem, a grande produção de registros
e os tempos de criação e de representação reelaborados,
que ele chama de tempo reciclado. “Os antigos cenários,
hoje irresistivelmente manipulados, ressurgem em sedutoras
estetizações: é a morte do tempo histórico da criação,
é a morte de sua representação. É, contudo, a aurora
do tempo reciclado, ponto de partida para o mundo
das representações sintéticas” (KOSSOY, 2007, p. 141). O
Stories opera nos dois tempos, mas ambos efêmeros, no
que diz respeito à visualização das imagens no Instagram,
por segundos observo a cena e tenho apenas um dia para
isso, tem assim um tempo reciclado.
Podemos afirmar que diante de tais elementos há uma
cena imagética contemporânea, em que no Instagram as
imagens ficam entre o armazenamento do Feed e a atualização
das Stories, pois estão em projeção e em movimento,
na passagem de cena para outra, o que requer uma
especial atenção de quem observa: “uma disposição física
e psíquica do espectador, ele mesmo confrontado com os
pressupostos da variabilidade, instabilidade e multiplicidade
proporcionados pela dinâmica de atravessamento
das imagens” (FATORELLI, 2013, p. 82). Assim, para além
da fotografia estática, o Instagram promove novas formas
de ver imagens, com fluidez e de forma híbrida com
outras linguagens numa escala de tempo intensivo, já que
a imagem transita na tela dos smartphones. Lembrando
que “a fotografia ocupa o lugar de uma metalinguagem,
de uma mídia capaz de processar e de ressignificar outras
formas visuais” (FATORELLI, 2013, p. 33). Já que cada usuário
vê as publicações das pessoas que segue, observamos
entre os perfis os seguintes tipos de publicação: pessoas
que mostram seu cotidiano todos os dias; indicação
de eventos; registros de viagens; indicações de cursos,
livros, filmes ou séries; frases motivacionais; campanhas
sociais; receitas; e, claro, peças publicitárias de diversas
empresas, as marcas de roupas, por exemplo, fazem desfiles
com modelos e clientes com comentários sobre os
trajes. Vale ressaltar que as narrativas pessoais são as
que mais aparecem, já que fotografar o cotidiano é fazer
parte dele, numa era de estética háptica o corpo produz a
imagem e/ou participa dela.
José Afonso da Silva Junior (2015) aponta as intencionalidades
dos sujeitos ao criar e publicar suas imagens
quando estuda o “segundo clique da fotografia”, no que
tange aos modelos da fotografia digital, onde através dos
41

aparelhos tecnológicos não basta fotografar, visto que a
imagem pode circular na rede. “Se for clicada, mas não
circulada, a imagem produzida carece de uma existência
completa, pois não sincroniza-se com os demais valores
pertença da produção simbólica com que convive” (SILVA
JUNIOR, 2015, p. 8). Pois é o clique que torna sensível o
instante do tempo capturado como fenômeno estético e
social. Desta forma, opera a questão do pertencimento
através da fotografia no século XXI, o que já ocorrera antes
no século XIX quando através do retrato o sujeito afirmava
a sua identidade, de igual modo no século XX com
os processos industriais da produção fotográfica com o
volume de cenas para mostrar os acontecimentos e a vida
cotidiana, em que milhões de filmes foram revelados e
ampliados em papel.
Neste novo cenário Silva Junior (2015, p. 9) afirma que “a
ampliação desses cenários de circulação, principalmente
em redes sociais como Instagram e Facebook, deflagra
através do hiperatributo uma economia da atenção diferenciada,
onde o pertencimento é destacado. A ênfase,
portanto, recai em um grau de alta exposição do self através
de imagens. Ver e ser visto, sobreposto a onipresença
de câmeras conectadas, móveis acionam o pertencimento
simbólico como atributo desta fotografia contemporânea
em seu uso cotidiano e vernacular”. Fotografar está ligado
ao primeiro clique como uma forma de capturar o tempo,
já o segundo clique torna visível este tempo capturado
através da Internet. Quando se olha o Stories aplica-se o
pensamento de Silva Junior (2015, p. 11) quando coloca
que “são fotos para serem tiradas, disponibilizadas, curtidas
e esquecidas no fluxo incessante de sucessão no
qual são produzidas”. Desse modo, para além do que se
discute sobre o tempo para fotografar e o tempo de olhar
o que foi fotografado entre as nossas próprias cenas e
das outras pessoas há as questões sociais envolvidas
nestes atos em que as imagens contam histórias, narram
viagens, indicam lugares e atividades, entre tantas outras
possibilidades.
Joan Fontcuberta (2012, p. 30) indica que a fotografia digital
atende a uma sociedade que tem o tempo acelerado,
em que tudo está em velocidade e requer imediatismo.
Para o pesquisador de fotografia, “não existem mais fatos
desprovidos de imagem, e a documentação e transmissão
do documento gráfico já não são fases indissociadas
do mesmo acontecimento”. Quando observamos as imagens
do Instagram, especialmente dos Stories, notamos
que os acontecimentos estão sendo apresentados visualmente
para os demais seguidores, no mês de julho, geralmente
período de férias para quem trabalha com educação,
“viajei” através de alguns amigos, fui a Roma com @
carla, visitei Paris com @marina, conheci três festivais de
chocolate em Paris, em São Paulo e na Bahia com @karla,
me diverti pela Itália, Suíça e Alemanha com @andrea, assisti
trechos de shows de amigos que foram a festivais de
música, por exemplo, isso com uma grande quantidade
de fotos diárias e com comentários, de certo modo obtive
como espectadora uma experiência em termos de viagem
e fotografia. Desse modo, Fontcuberta (2012, p. 30)
afirma que “transmitir e compartilhar fotos funciona então
como um novo sistema de comunicação social, como
um ritual de comportamento que está igualmente sujeito
a normas particulares de etiqueta e cortesia”. Mais um
exemplo que gostaria de mencionar, ao fazer um curso
de culinária, o professor montou um bolo de chocolate
com uma calda e não deu a receita, disse que quem quisesse
buscasse nos Stories do perfil dele, ou seja, esse
tipo de imagem está tomando o espaço das cenas para
posteridade, para a imagem do presente para o agora.
No Instagram, o instantâneo da captura da tomada se
torna o instantâneo da visualização da cena, pelo deslocamento
temporal que as imagens passam a ter. A fotografia
se expande e, de acordo com Fatorelli (2013, p.
34), “abandona a condição de objeto único compartilhado
pelas imagens artesanais para materializar a condição de
imagem em trânsito, que tem o seu significado condicionado
ao modo de circulação e de atualização”. Discute-se
a partir dessa concepção o visível de forma fixa ou efêmera
e de acordo com Fontcuberta (2014) “isto nos imerge
num mundo saturado de imagens: vivemos na imagem
e a imagem nos vive e nos faz viver”. Mas o que o Instagram,
e especialmente o Stories, traz é não apenas o ato
de fotografar e ver imagens, mas a interação social que
essas ações possibilitam, sobretudo de reconhecimento
e pertencimento, nessa operação de disciplina e controle
no qual a produção e visualização da imagem está
submetida, já que compartilhar imagens é compartilhar
ideias, sonhos, experiências.
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DICA
Fotografia
e as novas
mídias: estudo
de Antonio
Fatorelli
Texto:
Julianna Nascimento Torezani
FATORELLI, Antonio. Fotografia contemporânea: entre
o cinema, o vídeo e as novas mídias. Rio de Janeiro:
Senac Nacional, 2013.
No momento que chamamos de contemporâneo
há uma expansão da fotografia para além dos
processos analógicos, visto que com a tecnologia
digital e outras linguagens essas fronteiras
se alargaram. No livro Fotografia contemporânea: entre o
cinema, o vídeo e as novas mídias, Antonio Fatorelli apresenta
diversos caminhos dessas novas conexões em que
a imagem fotográfica se apresenta. A obra foi lançada
pela Editora Senac Nacional, em 2013, e abre com uma
Nota do Autor que indica as novas configurações entre a
imagem fixa e a imagem em movimento, criando obras
híbridas presentes em museus, galerias e demais espaços
de arte, performances e exposições. Para Fatorelli (2013,
p. 7), “nesse território de negociações recíprocas entre as
imagens estáticas e as imagens em movimento, emergem
modalidades singulares de inscrição temporal, referidas
às experiências da duração, da simultaneidade e da ubiquidade,
irredutíveis às definições convencionais da fotografia
instantânea e do cinema narrativo clássico”.
As produções imagéticas com os processos químicos
eram situadas ao lugar, já as produzidas por esses novos
dispositivos imagéticos estão relacionadas ao tempo, pois
temos referências de sentido em fluxo. Portanto, com
a influência entre os meios, como exemplo fotografia e
cinema, existem concepções temporais que têm atravessamentos
de linguagens, necessitando inclusive de um
espectador contemporâneo, que vai além de observar,
também experimentar a obra. Fatorelli (2013, p. 11) indica
que “diversas imagens do tempo – tempo intensivo, tempo
bifurcado, tempo paradoxal, tempo complexo, tempos
simultâneos – foram empregadas com o intuito de descrever
os efeitos, muitas vezes desestabilizadores, proporcionados
pelas narrativas não lineares e pela inscrição
43

processual da imagem fixa”.
Na Parte I, Mutações entre a imagem fixa e a imagem em
movimento, o autor trata da modificação da criação de
imagens através de sistemas organizados por algoritmos,
em que há uma transformação do modelo hegemônico
da fotografia. Partindo das inovações tecnológicas, elementos
da cultural digital e mutações estéticas, há novos
estados da imagem. Para dar conta de situar essa imagem
contemporânea, Fatorelli traz aspectos da história do cinema
e da fotografia, como elementos da Photo Secession
(movimento artístico ocorrido nos Estados Unidos no
início do século XX), para analisar o atual momento de produção
visual, pois já havia intercâmbios entre as obras visuais.
Importante mencionar a necessidade de um amplo
repertório cultural por parte do espectador para dar conta
de compreender e experimentar essas novas obras. “As
alternâncias de velocidades da imagem projetada – que
oscila entre imobilidade da fotografia e a superaceleração
da imagem em movimento – confronta o observador
com duas disposições: o seu modo habitual de percepção
das imagens em movimento e o seu próprio modo de
experienciar a passagem do tempo” (FATORELLI, 2003, p.
26). Nesta parte foram analisadas algumas obras, entre
elas: de Lucas Bambozzi, intitulada Postcards (2000), que
une fotografias de cartões postais em vídeo, acionando as
questões sobre tempo, memória e indicialidade; de Feco
Hamburguer, em que a instalação Neutrino (2009), permite
interação numa tela imaterial; de Rosângela Rennó, há
uma foto-projeção na instalação Experiência de cinema
(2004/2005); de Doug e Mike Starn, o mosaic Double portrait
in swirl (1985-1986), discute a mobilidade fotográfica.
Ao ler o livro o autor indica os sites onde as obras audiovisuais
podem ser vistas, o que faz com que se torna uma
experiência diferenciada de leitura.
A Parte II, Reconfigurações das imagens, Fatorelli aponta
que essas novas criações visuais estão em trânsito e
requerem um espectador participativo, pois evocam mudanças
perceptivas numa ampla possibilidade expressiva
que a tecnologia digital proporciona. Essa nova produção
é híbrida, quando não se determina onde começa a fotografia
e termina o vídeo, a imagem agrega várias linguagens
através de superposições e interseções. De acordo
com Fatorelli (2003, p. 85), “o trânsito das imagens e entre
as imagens, inaugurado pela mobilidade da fotografia e
expandido pelas tecnologias imagéticas eletrônicas e digitais,
estabelece novas dinâmicas entre a obra e a sua
percepção da ordem da mutabilidade”. Nas configurações
entre imagem fixa e em movimento, o tempo é o fator
preponderante, tanto na construção da obra, já que as
máquinas de captura de luz são máquinas de explorar o
tempo, como na recepção desta, no momento da percepção
criativa. Nesta parte há a análise das obras do próprio
autor, como O ar azul da enseada de Botafogo (2009), e
de Katia Maciel, como Ver de (2009), que discute o movimento
e a imobilidade, a cor e o preto e branco, o interior
e o exterior, entre outros aspectos. Desse modo, há uma
expansão da visão por parte do espectador, já que as criações
requerem uma atitude crítica e participativa.
Imagem e afecção intitula a Parte III do livro que trata
sobre a participação do corpo na fruição da obra visual,
visto que afecção indica o modo como o sujeito se sente.
Neste sentido o autor estuda como o corpo absorve essa
nova produção como uma experiência singular, despertando
para novas formas de percepção. Nesse sentido, a
imagem mobiliza a memória através de novos hábitos, “as
novas mídias passam a convocar o corpo como um processador
de informação, agora chamado a desempenhar
as funções seletivas anteriormente delegadas às interfaces
midiáticas” (FATORELLI, 2003, p. 141). Da visão para o
tato, Fatorelli indica uma ampliação no modo de absorver
a imagem através da afectibilidade do corpo, o que permite
criar uma estética háptica. Um bom exemplo desse
tipo de interação é a instalação, como a obra de Jeffrey
Shaw, Place: a user’s manual (2008), em que o usuário fica
numa plataforma giratória e controla as imagens que serão
expostas nas telas. Outro exemplo é a criação de Rafael
Lozano-Hemmer, Under Scan, Relational Architecture
11 (2005), em que aparecem imagens fluidas projetadas
através de sensores eletrônicos em função do movimento
do corpo do espectador.
O livro abre a possibilidade de ver e rever obras contemporâneas
a partir dos conceitos e análises abordadas e nos
faz refletir sobre essa mescla de linguagens nas produções
visuais, sobretudo pelas novas inscrições temporais
em que a cultura digital requer participação e reinvenção.
Desse modo, a mudança tanto nas obras quanto nos espectadores
amplia o modo de criação que traz inovação,
mutação, reconfiguração, interação e diferentes temporalidades,
entre a imobilidade da imagem e seu movimento
há conexões, atravessamentos, simultaneidades que resultam
numa criativa cena visual contemporânea.
Antonio Fatorelli é doutor em Comunicação e Cultura pela
Universidade Federal do Rio de Janeiro, onde é professor
da Escola de Comunicação, além de pesquisador de imagem
e novas mídias através do Núcleo N-Imagem.
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FOTO SÍNTESE
Autorretrato,
autoconhecimento
e crescimento
Foto e texto:
Alice Brooks
Ao iniciar como autodidata na fotografia, em meados de 2011, acreditava
que o grande trunfo daquele que tira fotos é não estar nelas.
A fotografia parecia um mundo onírico onde o(a) autor(a) deveria
ser ausente, ou quase como um vulto: a sedução provocada pelas
vozes da fotografia “de momento” onde o assunto aparece, quase que por
coincidência milagrosa, na frente da câmera. Mas algo não resiste à enorme
vontade de se mostrar para o mundo como ser de opinião, direito e personalidade:
a adolescência e suas nuances.
A adolescência é caricata e estereotipada pelas grandes mídias, onde tudo se
resume em namoricos, sociais e um novo corte de cabelo. Mas algumas adolescências
não cabem nesta categoria fictícia quase que perfeita; é um período,
na verdade, de muitos questionamentos e conflitos internos para alguns.
No meu caso, estes conflitos eram pesados, brutais e dilacerados pelo fator
depressão. O jovem não é capturado pelas lentes em sua tristeza. O jovial,
o fantástico, o novo, tem de ser alegre. “Sorria!” diziam eles, sem saber que
agonizavam em mim metais sobre os dentes. O olhar talvez pessimista criado
por mim não é pessimista, mas sim, diria, intimista e realista. Na necessidade
de ser vista, e obter representação, comecei a explorar o autorretrato em
meados de 2012/2013, e continuo a praticar esse exercício. Quase sete anos
depois, a câmera ainda se encontra não mais apenas atrás dos meus olhos,
mas bem em frente a eles.
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Os medos, inseguranças e nuances de um ser. Uma menina, que
as lentes foram focando com os anos e viram se transformar mulher.
A rejeição, o afeto, o autocuidado, a autodestruição e todas as
experiências pessoais diante de lentes. Não, o fotógrafo não precisa
estar sempre por trás da câmera, ajustando as configurações e
apontando para frente. Às vezes, apontar para dentro pode ser o
ato de maior ousadia fotográfica. E ao entender essa dinâmica, essa
dança lenta entre personalidade, representação e foto, há um crescimento
que não poderia ser imaginado no começo dessa jornada
quase incidental. A famosa frase “A câmera só registra” não poderia
estar mais equivocada quando se percebe que a própria imagem,
capturada pelas próprias mãos, transcende o registro. Cria uma conexão
no espaço e tempo onde a figura ali projetada, daqueles anos
efervescentes, jamais poderá se apagar. E espero, com o fundo do
coração e alma, que não apague.
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ENSAIO
A EXPERIMENTAÇÃO DO CORPO
FEMININO NA NATUREZA
O
problema delimitado como enfoque do projeto foi escolhido
por contemplar questões em constante acionamento
pela sociedade contemporânea: o feminismo e a natureza.
O dispositivo utilizado para tal expressão em convergência
dessas problemáticas foi o audiovisual, por contemplar dois sentidos
dos mais prestigiados entre a maioria dos seres humanos, que são a
visão e a audição. A imagem acaba sendo objeto de apreciação e de
experiência constante entre todos e a escuta também aciona subjetividades
e abstrações que complementam essa interação tão forte nas
realizações audiovisuais. A estética da videoarte traz liberdade ao fazer
audiovisual, sem necessidade de seguir uma linha narrativa tradicional
linear, mas sim em busca experimental por conexões não cronológicas
do tempo e dimensionando também o espaço sem correlações geográficas
precisas. O que atrai o projeto é essa fluidez do pensamento que
a videoarte consegue traduzir em linguagem fílmica.
Fotos, texto e vídeo:
Quel Valentim
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REPORTAGEM
Você sabe o que é
deepfake?
Texto:
Carol Monteiro
No campo da fotografia e do audiovisual os
avanços tecnológicos costumam ser comemorados
especialmente pelos profissionais do
campo, uma vez que oferecem mais qualidade
de imagem, facilidade de tratamento e edição e melhoria
de resultados. No entanto, alguns recursos desenvolvidos
para incrementar a produção também podem ser usados
para fins perigosos, especialmente em um ambiente político
polarizado e dominado pela desinformação e pelas
notícias falsas. É o caso das tecnologias que usam inteligência
artificial para criar imagens falsas cada vez mais
realistas, agora não mais em foto mas em vídeo.
Chamadas de deepfakes, as notícias falsas em vídeo permitem
fazer montagens de pessoas reais falando e fazendo
coisas que nunca fizeram na vida real. Até o momento,
as principais vítimas são celebridades e políticos inseridos
em montagens pornográficas ou de humor, algumas
já com repercussões negativas e constrangimentos mas
é preocupante o que a tecnologia pode vir a provocar,
especialmente em períodos de campanha eleitoral, por
exemplo. O termo deepfake surgiu em dezembro de 2017
quando um usuário do fórum Reddit usou este nome
numa conta para postar vídeos de sexo falsos com atrizes
famosas como Gal Gadot e Emma Watson. O rosto delas
eram inseridos digitalmente em cenas de filmes pornô
com um realismo que impressiona e assusta.
Os efeitos especiais usados no cinema para criar personagens
fictícios ou até mesmo reviver atores e atrizes não são
novidade, mas o risco é que esta tecnologia está cada vez
mais acessível para usuários finais em softwares de fácil
manuseio e até aplicativos que permitem criar um vídeo
falso em pouco tempo, e com grau de realismo capaz de
enganar espectadores com pouco senso crítico para o conteúdo
que recebe em grupos de Whatsapp ou redes sociais.
Para criar um vídeo falso, basta ter acesso a um bom processador
gráfico, um software baseado em bibliotecas de
código aberto para edição e um conhecimento relativamente
básico sobre algoritmos e deeplearning, como é
chamada a capacidade das máquinas de aprenderem e
responderem a comandos para transformar um rosto em
outro, reproduzindo expressões e, no caso da manipulação
de áudio, a voz da pessoa com a imagem falseada. Por
enquanto, também é preciso ter um grande acervo de imagens
da pessoa alvo da falsificação em várias situações e
condições de iluminação, por exemplo, e, por isso, as vítimas
até o momento são pessoas públicas, sobre as quais é
possível ter acesso a um grande número de fotos e vídeos
reais na Internet. Mas é apenas uma questão de tempo até
a tecnologia precisar de cada vez menos dados para gerar
resultados realistas. A Samsung, por exemplo, já anunciou
a tecnologia para criar um vídeo a partir de uma única imagem
de um rosto.
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Reprodução/Internet
As fotos e vídeos reais são automaticamente
processados por uma rede neural capaz de
aprender como é determinado rosto, como
se mexe e como reage a luz e sombras. Com
tempo e recursos de memória e processamento,
a máquina procura pontos em comum
entre o rosto de origem e o rosto de
destino e vai modelando a falsificação até
que ela se torne o máximo possível realista.
Reprodução/Internet/Samsung
Há no mercado softwares de grandes fabricantes,
como a Adobe, por exemplo, que
facilitam esse aprendizado tanto do rosto
quanto da voz, a partir de amostras reais da
voz da vítima. Alguns desses vídeos estão
sendo criados para alertar as pessoas sobre
os riscos deste tipo de manipulação, entre
eles alguns com o ex-presidente americano
Barack Obama falando absurdos ou do presidente
Jair Bolsonaro e do ministro da justiça
Sérgio Moro em paródias no canal de humor
do jornalista Bruno Sarttori. O objetivo
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Reprodução/Internet
tanto é fazer humor quanto alertar para o atual nível de
qualidade das falsificações em vídeo para que as pessoas
tenham mais senso crítico quando receberem um conteúdo
mal intencionado.
É claro que a tecnologia não produz resultados perfeitos e
indetectáveis mas são realistas o suficiente para enganar
muita gente. As consequências do uso mal intencionado
das deepfakes são inimagináveis e envolvem questões
éticas, legais, riscos à integridade e à vida das pessoas,
famosas ou anônimas, além de ameaçar a democracia e
os processos eleitorais. Por isso, é preciso que a tecnologia
seja exposta e, principalmente, que as pessoas sejam
educadas para questionar e checar o conteúdo do que recebem
nas redes sociais.
É preciso também entender que a tecnologia não é maléfica
por si só. As técnicas de inteligência artificial para criar
vídeos realistas têm aplicações benéficas na indústria do
entretenimento, alguns de seus princípios são usados em
funções de filtros do Instagram e Snapchat, por exemplo,
e fora do entretenimento, é possível pensar em aplicações
como videoconferências com a imagem do palestrante
falando em outras línguas para públicos estrangeiros, por
exemplo. O problema não é a tecnologia existir ou estar
disponível, mas as pessoas criarem conteúdos deliberadamente
mal intencionados e, principalmente as pessoas
que recebem, não saberem discernir os fatos ou checar
minimamente a veracidade do que recebe e compartilha.
E também não adianta ensinar as pessoas a reconhecerem
um vídeo falso por recursos como a má qualidade
das imagens ou tecnicalidades como o fato das deepfakes
não piscarem (sim, elas hoje já piscam) ou olhar os detalhes
ao redor da boca (área mais sensível para o aprendizado
da máquina). É preciso que as pessoas aprendam
a questionar o conteúdo das falas, o sentido e a coerência
do que é dito. Também é preciso que as plataformas
(Google, Facebook, Twitter, YouTube etc), se impliquem
na discussão e unam esforços para barrar conteúdos falsos
de qualquer natureza, como também a imprensa precisa
fazer seu papel de checagem de fatos, e os políticos e
as autoridades criarem mecanismos legais que punam a
distribuição de conteúdo malicioso.
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59

ENSAIO
o mundo hípico
Fotos e texto:
Mirandolina de
Araújo Mouthuy
A
relação do cavalo com as pessoas surgiu no começo das civilizações quando
se domesticou este a fim de locomoção e, em seguida, na agricultura.
Desde a modernização industrial, este animal tem sua importância do uso
substituída pelo prazer. O esporte da montaria conhecido pela elegância
foi nomeado informalmente como esporte das nobrezas europeias na caça da raposa.
Até os dias atuais, o esporte é caracterizado pelo o status e pelo seu alto custo. O
hipismo surgiu na Irlanda com o objetivo de testar os cavalos de caça. Aos poucos,
esses testes foram se tornando populares e mais criteriosos e os conjuntos (cavaleiro
e cavalo) necessitavam pular troncos, riachos, entre outros obstáculos. No século
XX, pistas desenvolvidas somente para a prática de saltos foram criadas. Em 1896, o
hipismo participou de sua primeira Olimpíada como esporte de demonstração. Somente
em 1912, em Estocolmo, este esporte foi inserido definitivamente nos Jogos
Olímpicos. O hipismo vem sendo introduzido na sociedade brasileira por suas carac-
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terísticas do entrosamento da natureza junto ao exercício
físico. Além de possibilitar que ambos os sexos e
pessoas de qualquer idade possam participar e competir
em igualdade neste esporte. O primeiro registro
de competição de hipismo no Brasil ocorreu em abril
de 1641, no Recife, organizada pelo holandês Maurício
de Nassau. O esporte consiste na boa integração do
cavalo com o cavaleiro ou amazona para obter melhores
resultados. Para isto, tanto o manejo do cavalo
como o estilo da montaria do cavaleiro foi mudando
com o objetivo de facilitar o trabalho do animal. Os
profissionais que fazem parte do cotidiano do cavalo
e do esporte são o tratador, o ferrador, o instrutor e o
médico veterinário. Todos estes profissionais são importantes
sem distinção hierárquica para o bem-estar
do majestoso atleta.
61

62

A Mulher no Mundo Hípico
Homens e mulheres, infelizmente, não desfrutam das mesmas oportunidades, direitos e obrigações
em todos os campos da vida, como educação, trabalho, saúde, poder e influência. Mas, por
isso, existe a luta por igualdade de gênero, para que seja alcançada essa compatibilidade das pessoas,
independente do sexo. O hipismo é uma modalidade esportista em que homens, mulheres,
jovens e atletas mais experientes disputem provas individuais e por equipe sob as mesmas condições.
O hipismo é dividido em três modalidades: Adestramento, Concurso Completo de Equitação
(CCE) e Saltos. É o único esporte dos Jogos Olímpicos em que homens e mulheres competem em
igualdade.
Nas quatro profissões principais deste esporte envolvendo o cavalo atleta (o médico veterinário,
o tratador, o ferrador, e o instrutor), o lugar da mulher ainda é uma luta e um desfio. A ferradora
é mais difícil encontar por ser um trabalho muito braçal e necessitar de muita força para forjar
as ferraduras. As mulheres tratadoras são bem vistas na Europa pelas habilidades femininas nos
cuidados no manejo e no bem-estar em geral do animal e, devido ao instinto materno, são ditas
como mais zelosas. Assim acontece nas profissões da médica veterinária e da monitora. No entanto,
mesmo ainda sendo o hipismo um esporte de igualdade de gênero, a mulher ainda luta
com o machismo e a falta de credibilidade perante o mundo hípico em relação aos profissionais
que rodeiam este esporte. Muita coisa ainda deve ser feita. A médica veterinária nem sempre é
respeitada pelo tratador, ou o proprietário. A tratadora é mais vista como ‘baáa’ do animal. A monitora,
se não for bem rígida, não é considerada eficaz por seu aluno. Ainda há muito a mudar na
mentalidade que abrange este esporte. Mas o hipismo continua um pioneiro sobre a igualdade de
gênero no esporte, o que já é um grande avanço no mundo olímpico.
Para este trabalho, realizado no curso de Fotografia da Unicap, procurei dedicar as imagens ao
cavalo atleta e aos profissionais que o rodeiam. Desenvolvi ensaios fotográficos: Eu e Ele -volume I
e O Guia Silencioso -volume II (na graduação e na pós-graduação) e por último um documentário:
Por Trás Das Rédeas (em pós-graduação). Os ensaios revelaram a relação individual e única do
atleta hípico com o seu parceiro, o cavalo, por trás dos treinos. Esta parceria é chamada na linguagem
hípica de Conjunto. A medida em que o meu amadurecimento fotográfico e o meu lado
poético visual foram se revelando, outros temas e problemáticas surgiram ao ponto de concluírem
em um documentário sobre os profissionais que mantêm o bem-estar do conjunto e o lugar da
mulher entre estas profissões. Todos estes trabalhos foram reveladores não só na técnica, e na
ousadia do uso do equipamento celular, mas também o prazer de ver esta relação entre Homem
e Animal em um conjunto formando uma “Poesia da Vida”.
Ao longo destes trabalhos, a escolha do registro foi inteiramente no celular por muitas razões
entre elas, a praticidade. Encontrei muitas dificuldades como por exemplo, filmar com o celular
pertíssimo de um forno de 1.500Cº, ou arriscar um coice em pleno rosto ou mesmo a perda do
material. Muitas vezes senti que, como o hipismo, o que fazemos nada mais é, que um esporte radical,
literalmente. A trajetória dos projetos dentro deste percurso acadêmico foi lapidada graças
a incrível grande equipe de graduação e pós-graduação em fotografia e audiovisual da UNICAP
liderada pela coordenadora e professora Renata Victor e seus colegas.
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ENSAIO
donostia
Texto: Gisely Tavares de Melo
Fotos: João Guilherme de Melo Peixoto
Quando se fala em Espanha, imediatamente remetemos o pensamento à Madrid, Barcelona
ou Sevilha, mas o País Basco (Euskal Herria em basco), situado no norte da Espanha, é uma
região que surpreende os visitantes pelas paisagens, diversidade cultural e gastronomia.
Uma das cidades bascas mais requisitadas é San Sebastián (Donostia). A fama da capital
da província de Guipúscoa vem da praia La Concha, situada na Baía da Concha e considerada uma
das melhores da região. No século XIX, ela se tornou destino da aristocracia espanhola por causa dos
banhos de mar da rainha Maria Cristina, que adquiriu o hábito de mergulhar no mar Cantábrico por
recomendação médica para amenizar seus problemas de saúde. Até hoje muitos turistas recorrem à
cidade para fazer tratamentos dermatológicos com a água do mar.
Durante o verão, a língua basca (euskera), uma das mais antigas da Europa, preservada e falada até
hoje na Comunidade Autônoma do País Basco, e o castellano se misturam ao inglês e ao francês dos
turistas que, além de apreciar o litoral basco, vão em busca de experiências gastronômicas. Ao invés
de tapas, os visitantes são apresentados aos pinchos (pintxos), petiscos feitos com ingredientes típicos
da região, alguns deles são pratos de alta gastronomia em miniatura, não é à toa que a província é
uma das que mais concentram restaurantes com estrelas Michelin da Espanha. Os bascos costumam
sair de bar em bar para “pinchar”, entre amigos, eles se reúnem em “quadrilhas” e saem para apreciar
a gastronomia. O curioso é que os turistas, mesmo sem comungarem da tradição de “sair de pinchos”,
acabam seguindo o mesmo ritual dos nativos porque é difícil escapar do circuito central da cidade,
repleto de bares que expõem as iguarias nos balcões para atrair os clientes.
A arquitetura de San Sebastián, com igrejas de estilos gótico e barroco, palácios e prédios de estilo
francês também chama a atenção de turistas do mundo inteiro e revela fatos que ajudam a contar
a história do País. A rua 31 de agosto, por exemplo, é famosa por ter sido a única que resistiu ao incêndio
provocado pelas guerras napoleônicas no século XIX, com exceção dessa rua, toda a cidade
precisou ser reconstruída.
Depois de conhecer história e os encantos de San Sebastián, resta descobrir os segredos que mantém
as amizades bascas inquebrantáveis durante anos e anos, afinal os bascos não fáceis de conquistar,
mas como eles mesmos dizem: um amigo basco é um amigo para toda a vida.
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ENSAIO
imaculados
Fotos e texto:
Rafael Aguiar
Imaculado, que é puro, isento de qualquer nódoa moral; inocente. Essas
são características de uma noiva, ou o que se espera dela. O vestido é o
símbolo dessa representação. Sempre vivi rodeado por mulheres. Desde
criança, sempre amei o universo delas, suas lutas, seus amores, seus sonhos,
e sempre odiei o machismo e a intolerância. De alguma forma precisava
expor isso. Ressignificar o vestido de noiva propõe a mudança de ideias e
paradigmas. É um vestido apenas, uma peça, como poderia ser uma blusa,
uma calça. Só que ele carrega um histórico, uma energia muito grande em
relação ao papel da mulher na sociedade e o papel de noiva, inclusive. Trazer
isso para o homem tem um peso também. Ele veste tudo que a mulher veste
quando coloca o vestido. Trazer essa reflexão de liberdade de gêneros, roupas
e símbolos é o propósito do ensaio Imaculados. Enxergar a beleza dos vestidos
em qualquer corpo, pois o corpo é livre e a liberdade está justamente em
desconstruir tudo que nos é imposto social ou moralmente.
A experiência de cada fotografado é uma, depende dele, da sua vivência, de
seus sentimentos. O sentido de liberdade para o vestido e para o ser o humano
é a proposta do projeto. Desconstruir uma imagem que, por séculos, viveu
no imaginário da pureza e da castidade, trás uma reflexão: O quanto uma
peça, um tecido, uma cor ou uma forma influencia nossos pensamentos e a
nossa conduta? Enxergar essas novas possibilidades é ampliar o pensamento
e assim a arte nos salva a cada dia.
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REPORTAGEM
Manipulação de imagens
sem photoshop. E pode?!!
Texto:
Ricardo Marcelino
Journey into Night
(Jerry Uelsmann, 2006)
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Hoje, muito da fotografia passa pelo Photoshop.
Desde a imagem produzida com o
equipamento fotográfico mais moderno, até
aquela fotografia em negativo de 30 anos
atrás, se quisermos vê-la impressa novamente, temos
uma grande chance de precisar escaneá-la para que ela
seja impressa por um minilab digital ou em uma super
impressora jato de tinta com mais cores do que a maioria
dos impressores mais antigos poderiam sonhar.
O referido programa de tratamento e manipulação de
imagens está incorporado de forma tal ao nosso cotidiano
que teremos certa dificuldade de achar em algum
lugar uma pessoa que nunca tenha ouvido falar que a
modelo levou uma “photoshopada”. E realmente também
vai ser difícil encontrar uma modelo sem o tal tratamento,
para ficar “mais bonitinha”.
O uso extensivo de ferramentas de manipulação e tratamento
de imagens e a percepção deste uso por parte
da sociedade tem como reflexo a adoção de uma premissa
sobre alterações de imagens fotográficas. A afirmação
de que a manipulação de imagem com um nível
de requinte e qualidade que os faz serem transparentes
ao observador é resultado da era da imagem digital em
que vivemos. Vejo quase sempre a já velha afirmação:
isso só pode ser Photoshop! Corroborando com o pensamento
de que a manipulação realista e imperceptível
é um advento dos softwares de manipulação de imagem
e principalmente do onipresente produto da Adobe.
A fotomontagem , definida pela enciclopédia de artes
visuais Itaú Cultural como o “termo genericamente empregado
para designar a associação de duas ou mais
imagens, ou fragmentos de imagens, com o propósito
de gerar uma nova imagem”, é possível desde o início
do séc. 19 nos laboratórios onde já se fazia correções de
exposição e contraste nas ampliações. O conceito, em
si, tem sua origem na segunda década do século vinte e
é reivindicada por dois grupos, um formado por Raoul
Hausmann e Hannah Hock e outro por George Groz e
John Heartfield, ambos do movimento Dadaísta.
A sobreposição de imagens e texto das fotomontagens
dos artistas dadá pode ser considerado o embrião das
manipulações fotográficas que observamos nos dias
atuais. O uso de texto e imagem de forma desarmônica
foi usada por Heartfield como uma arma poderosa de
propaganda e como forma de protesto. Em uma Alemanha
arrasada pela Primeira Guerra Mundial, os integrantes
do movimento dadá se aliaram com a esquerda
e publicavam revistas, folhetos e outros materiais que
tinham na sua característica estética o uso da fotomontagem
como indicação de suas posições políticas no
combate a república burguesa de Weimar.
Na União Soviética, com Alexander Rodchenco e Lissitzki,
a fotomontagem foi utilizada como forma de expressão
artística e também como instrumento de divulgação.
Os artistas utilizam imagens manipuladas para
atingir um maior nível de impacto visual e uma linguagem
que refletisse a grandeza do regime socialista. Com
Rodchencko, que também desenvolveu um forte trabalho
no âmbito do design gráfico, vemos o tratamento
dado à fotografia como uma matéria prima, que pode
ser recortado, colado, rearrumado e refotografado para
a criação de peças de grande impacto visual e ideológico.
Os processos de manipulação de imagens em laboratório
podem chegar a um nível de realismo e refinamento
muito superiores quando comparados às fotomontagens
realizadas através de colagem e podem ser facilmente
confundidos como uma obra da tecnologia abarcada
no Photoshop.
Jerry N. Uelsman, fotógrafo americano nascido em
1934, utilizando negativos produzidos por ele mesmo e
realizando suas montagens durante o processo de ampliação
das imagens, consegue desenvolver um trabalho
com um nível de perfeição nas suas fusões que fica
difícil perceber que o resultado alcançado por ele é feito
de maneira quase artesanal, considerando as fusões de
imagens realizadas atualmente em computador.
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O trabalho de Uelsman tem um destaque na criação de imagens de fantasia, na maioria
das vezes desconectado com o real, porém com uma coerência de luz, sombra e fusão dos
detalhes que faz o espectador ter dúvidas quanto a natureza irreal de sua obra. A imagem
fotográfica é colocada em xeque quanto a sua natureza de fiel expressão da luz que atingiu a
superfície sensível do filme, sem interferência do fotógrafo no processo.
A manipulação das imagens se faz presente desde muito tempo no mundo da fotografia, de
forma bastante realista e imperceptível aos olhos do observador. Esta constatação deveria
gerar um distanciamento no nosso relacionamento com a técnica atual no trabalho do fotógrafo,
que trata e manipula suas imagens. O que estamos fazendo é apenas uma aplicação
em outra plataforma, de uma maneira de trabalhar para alcançarmos os resultados que queremos
nas nossas imagens. Não é a ferramenta em si, mas a forma como a utilizamos que
faz a grande diferença.
Sand Castle
(Jerry Uelsmann, 1990)
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ENSAIO
Paraty e Ilha Grande
são patrimonio
mundial da unesco

Paraty e Ilha Grande, no litoral do Rio de Janeiro, foram reconhecidas em julho de 2019,
como Patrimônio Mundial. Essa é a primeira vez que o Brasil tem um sítio misto reconhecido
por sua cultura e natureza.
Com cerca de 85% da cobertura vegetal nativa bem conservada, a área do sítio misto
forma o segundo maior remanescente florestal do bioma Mata Atlântica. Além da sua
extensão, as diferentes fisionomias vegetais forma uma natureza extraordinária.
Com um importante acervo arquitetônico e ricas paisagens com belezas naturais, a cidade
de Paraty costuma encantar a todos que a conhece.
Fotos e texto:
Renata Victor

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Curso de Fotografia
alcança conceito 5
pela segunda vez

Pela segunda vez, o Curso Superior de Tecnologia
em Fotografia da Unicap foi reconhecido pelo Ministério
da Educação (MEC) com o conceito 5, a
nota máxima oferecida aos cursos que têm seu
programa pedagógico, corpo docente e infraestrutura
avaliadas presencialmente por uma comissão externa designada
pelo ministério. O conceito já havia sido obtido
pela primeira vez em 2015 e recebeu a segunda avaliação
no início de agosto. A manutenção da nota máxima é
motivo de comemoração para o curso, criado em 2010, e
que está prestes a completar uma década formando profissionais
de fotografia para o mercado pernambucano,
com foco na fotografia contemporânea, aliando teoria e
prática.
O curso tem perfil voltado às necessidades do mercado,
formando profissionais aptos a trabalharem em qualquer
segmento da fotografia, a exemplo do fotojornalismo,
da fotopublicitária, fotodocumental, moda, pesquisas e
eventos em geral. A formação tem duração de dois anos
e está estruturada em quatro módulos. Desta forma, o
aluno poderá concluir o curso no máximo em três anos
(seis semestres), o que permite uma maior flexibilidade
ao estudante no planejamento e desenvolvimento de sua
formação.
Uma grande preocupação na formulação do projeto pedagógico
é a atualização do conteúdo para atender às
demandas do mercado atual, como a interação entre a
fotografia e o vídeo, por exemplo, o uso da internet e das
redes sociais como ferramentas de marketing e discussões
ativas sobre o futuro da imagem.
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Além dos conteúdos práticas, as disciplinas também abordam
o percurso teórico da imagem fotográfica, com disciplinas
que tratam da linguagem fotográfica, da poética
da imagem, semiótica e história da fotografia. Os alunos
também são estimulados a mostrarem a sua produção,
através da realização de exposições interdisciplinares, da
revista UnicaPhoto e da participação em eventos, como
o Intercom, Expocom e Set Universitário, com trabalhos
premiados em níveis regional e nacional.
PESQUISA
Em 2019, o curso passou a investir ainda mais na pesquisa
científica, com a inclusão dos alunos em programa de
iniciação científica (PIBIC) em pesquisas conduzidas pelos
professores do curso que tratam de Fotojornalismo e do
Audiovisual contemporâneo. Também os alunos participam
de grupos de estudo conduzidos pelos professores,
como forma de ampliar os debates em sala de aula. Alguns
dos egressos têm dado continuidade à formação
acadêmica, ingressando na pós-graduação lato sensu As
Narrativas Contemporâneas da Fotografia e do Audiovisual,
e em programas strictu sensu, como o mestrado em
Indústrias Criativas da Unicap e programas de mestrado
e doutorado em outras instituições.
EXTENSÃO
Completando o tripé Ensino/Pesquisa e Extensão, o curso
de fotografia também tem a preocupação de levar para
fora da Universidade as reflexões e a prática da fotografia,
além de tentar contribuir com o atendimento das demandas
da sociedade civil organizada. Desde 2018, todas
as ações de extensão foram concentradas no Núcleo de
Ações de Extensão Social (Naes), cuja proposta é ampliar
a atuação junto à sociedade civil em ações que aliem o conhecimento
e a prática acadêmicos à prestação de serviços.
Suas ações envolvem os alunos, bem como professores
e funcionários, em atividades realizadas em parceria
com institutos, fundações e ONGs, com fins à promoção
da justiça social por meio do uso da fotografia como instrumento
de comunicação dessas causas.
As ações de extensão também incluem a oferta do curso
Ganhando Asas Através da Comunicação e da Arte, que
tem como objetivo oferecer aos jovens com Síndrome de
Down e Deficiência Intelectual a oportunidade de participar
de cursos oficinas diferentes das aulas escolares.
São turmas que visam a inserção social, a identificação
pessoal com as atividades desenvolvidas e a ampliação
das suas capacidades cognitivas em ambientes comuns a
jovens da mesma idade.
DEPOIMENTOS
Estamos todos muito felizes
em comprovar mais uma vez a
excelência do nosso corpo docente,
da equipe, do Centro de Ciências
Sociais, ao qual o curso está
vinculado, e da instituição como
um todo. Este resultado só nos dá
ânimo para continuar trabalhando,
produzindo e investindo cada vez
mais nos nossos alunos.
Renata Victor
Coordenadora
Este 5 é o resultado de um trabalho
coletivo de todos que fazem o
curso. Professores, coordenação,
a própria universidade e claro,
os alunos. É muito satisfatória
entender este reconhecimento do
MEC como para todas estas áreas.
Acredito que o diferencial deste
nosso curso é o mix de atividades
que formam o dia a dia dos alunos.
É possível destacar as atividades
práticas, as teóricas, trabalhos
que desenvolvem e reforçam a
criatividade dos estudantes. Tudo
feito com muito profissionalismo
e carinho pelos professores. O
resultado são alunos felizes e que
se enxergam no curso.
Filipe Falcão
Professor
O curso de Fotografia da
Unicap proporciona um grande
aprendizado não apenas para
os alunos, mas também para os
professores e funcionários. É fruto
de um processo coletivo que se
constrói não só em sala de aula,
mas nos eventos que promove,
nas ações de extensão e na visão
da fotografia como instrumento
de registro e de interferência na
realidade.
Carol Monteiro
Professora
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A Universidade Católica de
Pernambuco conta com um dos
melhores, se não o melhor, curso
de fotografia do Nordeste. Com
uma equipe altamente qualificada,
dedicada e apaixonada pelo
curso que busca mostrar para os
alunos a beleza presente nessa
área artística chamada fotografia,
sempre com muito amor em cada
aula ensinada. Os alunos, por sua
vez, não são diferentes do corpo
docente: mostram paixão em cada
detalhe aprendido e apresentado
no decorrer de dois anos e, com
o apoio da universidade, correm
atrás de realizações profissionais
e pessoais, construindo suas
carreiras de maneira exemplar
numa faculdade de referência
nacional. É quase impossível falar
com tanta precisão da qualidade do
curso, quando palavras não chegam
a ser suficiente para exemplificar
as teorias, métodos, técnicas e
aprendizados que obtemos todos os
dias enquanto estamos em contato
com professores tão incríveis.
Catarina Pennycook
Aluna do 4º módulo
Como aluna do 2° módulo do
Curso de Fotografia da Unicap
só posso sentir orgulho e alegria
com o resultado da avaliação do
MEC. Nós alunos também damos
nota 5. Um curso abrangente:
tecnologia, cultura, arte, história,
contemporaneidade da fotografia
e do audiovisual. Professores e
convidados capacitados. Parabéns
a todos que contribuem para esse
resultado. Seguiremos desfrutando
de tudo que nos é ofertado com
tanto cuidado e atenção.
Renata Vaz
Aluna do 2º módulo
O curso de Fotografia da Unicap é
incrível! Os ensinamentos teóricos
e práticos nos impulsionam para
sermos fotógrafos autênticos, e
não meros funcionários, como
já diria Flusser. São dois anos de
experiências e trocas, deixando
uma saudade danada quando
acaba. Na verdade, não acaba.
Aqueles aprendizados ficam vivos
dentro da gente.
O contato com os professores,
alunos e coordenação é tão forte,
que vai muito além da sala de
aula. A Unicap é uma Universidade
maravilhosa e o curso de Fotografia
recebe a nota máxima do MEC
porque merece! Indico com o
coração transbordando de amor! Só
tenho a agradecer!
Raquel Valentim
Ex-aluna
Conquistar mais um cinco pela
avaliação do MEC, é a confirmação
da seriedade e empenho de
toda equipe de professores,
laboratoristas e estagiários,
comandada, com maestria, por
Renata Victor. Cada pedacinho
desse conceito é o estímulo e a
certeza do caminho. Parabéns a
todos!!!
Niedja Dias
Laboratorista
O nosso 5 representa excelência
acadêmica com certeza, mas acima
de tudo é tradução de um trabalho
coletivo sério e comprometido
com o pensar e o fazer crítico
de um curso em que todos e a
Universidade, da qual ele faz parte,
preza pela excelência humana.
Tenho muito orgulho em fazer parte
dessa história e da equipe do curso
de Fotografia da Unicap.
Aline Grego
Professora
No contexto da Unicap, o Curso
Superior de Tecnologia em
Fotografia foi um dos primeiros
cursos a conseguir conceito 5 na
avaliação do MEC, em 2015 .Em
2019 , é outra vez contemplado com
conceito 5 . Dessa forma entra na
história da Unicap como o primeiro
curso a obter em duas avaliações
seguidas, conceito 5 Diante
desses resultados, é um curso,
consagradamente, de excelência,
construída de forma coletiva ,sob
o comando da Profa Renata Victor
que soube juntamente com alunos
e professores transformarem
dificuldades em potencialidades
e fomentarem êxitos obtidos no
cotidiano do Curso É possível dizer
que a gestão do Curso de Tecnologia
é um exemplo de como colocar os
resultados da avaliação a serviço da
excelência.
Conceição Bizerra
Coordenadora da CPA
A nota 5 é o reconhecimento da
construção de um projeto de curso
que já chega aos 10 anos. Tenho
orgulho de fazer parte dessa
história, primeiro lá em 2014/15,
como aluno da graduação, em
seguida, entre 2016/17, cursando a
especialização, e hoje, integrando o
corpo de docentes do curso.
Paulo Souza
Ex-aluno e professor
A nota 5 reflete uma harmoniosa
integração entre docentes,
discentes e toda estrutura física e de
recursos humanos da universidade
católica de Pernambuco. Como
professor do curso, fazer parte
desta equipe é uma honra e um
prazer enorme. Parabéns e que
venham novas e desafiadoras
conquistas!
João Guilherme Peixoto
Professor
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REVISTA DO CURSO SUPERIOR DE TECNOLOGIA EM FOTOGRAFIA DA UNICAP
www.unicap.br/unicaphoto