Rocktopía-Mx-Número-8-Octubre-Noviembre-Diciembre-2016

Revista Digital Mensual / NÚMERO 8 / OCT. • Nov. • Dic. 2016
RocktopiaMx RocktopiaMx RocktopiaMx RocktopiaMX@outlook.com
PRIMER ANIVERSARIO
Rocktopía MX

EQUIPO Rocktopía Mx:
CARTA DEL DIRECTOR GENERAL / EDITOR DE ESTILO:
GABRIEL LEMUS GRANADOS
● DIRECTOR GENERAL - EDITOR DE ESTILO - ESCRITOR ●
@LicenciadoRock
SOWEN ZERO
● EDITOR DE DISEÑO - ESCRITOR ●
ESCRITORES:
@SowenZeroo
/sowenzeroo
El 17 de noviembre del año 2015 se hizo realidad un sueño, un equipo de escritores
independientes publicamos la primera edición de Rocktopía Mx, revista digital
independiente sobre Rock, hecha en México. Desde entonces hasta ahora ha sido un
largo camino, lleno de trabajo y de esfuerzo, pero sobre todo de mucha felicidad por
poder compartir con el mundo nuestra forma de hacer Rock. En el presente, con gusto
notamos que estamos consolidados y creciendo como una alternativa para nuestros
lectores y para bandas de Rock en distintos países en los que se habla y/o se entiende
el español, por supuesto nuestro amado México, Argentina, Brasil, Venezuela y España,
lugares desde los que nos han contactado para comentarnos que les gusta nuestra revista;
sabernos leídos más allá de nuestras fronteras e incluso más allá de las barreras
del idioma nos llena de felicidad, de honor y de gratitud. Hemos comprobado que cuando
las cosas se hacen con amor y siempre con la intención de mejorar a cada paso, los resultados
son maravillosos y llegan de forma natural.
JOSS MOTZ
//JossMotzRock
RICARDO CÉSAR
@ric3toib
/ric3toib
GRACIAS, es una de las palabras más hermosas que existen en la vida y aplica en este
momento:
-Al Equipo Rocktopía Mx, a los Ex Integrantes y a los Colaboradores
Especiales.
-A las Bandas de Rock que conocimos sin importar las fronteras.
MIGUEL BECERRIL
/dezkonexion REBECCA DAZA VELASCO
@reberock91
rebecadaza.91@hotmail.com
-A Nuestros Patrocinadores.
-A los Medios de Comunicación (Independientes y Convencionales) que nos han
apoyado.
-A las Páginas y Cuentas que conocimos en redes sociales y han difundido nuestros
contenidos.
DISEÑADOR LOGOTIPO OFICIAL:
MANUEL DONNADIEU
/tatooineart
EX-INTEGRANTES:
♪ PATSY CORONEL
♪ RICARDO JACK
COLABORADORES
ESPECIALES:
♪ ANA TRUEBA
♪ ARTURO GOVEA
-A NUESTROS LECTORES, A NUESTROS SUSCRIPTORES, A NUESTROS SEGUI-
DORES EN REDES SOCIALES. TODOS USTEDES MANTIENEN VIVA Y EN CONS-
TANTE CRECIMIENTO ESTA UTOPÍA DEL ROCK. MÁS ALLÁ DE ESTADÍSTICAS
SOBRE CUÁNTOS SOMOS, LO QUE IMPORTA ES LA CONEXIÓN QUE HEMOS
LOGRADO ENTRE ROCKTOPÍA MX Y SU PÚBLICO.
¡GRACIAS INFINITAS!
¡EN ESTA EDICIÓN ESTAMOS CELEBRANDO NUESTRO 1ER ANIVERSARIO!
¡QUEREMOS QUE LA GRAN FAMILIA ROCKTOPÍA MX SIGA CRECIENDO, TODOS
HERMANADOS ONDEANDO LA BANDERA DEL ROCK N’ ROLL!
GABRIEL LEMUS GRANADOS
@LicenciadoRock

G
R
A
C
I
A
S
-Queridos rockers, ha pasado ya un año desde que este pequeño sueño
empezó, nos ha dejado enseñanzas bastante grandes y recompensas
extraordinarias. Hacer una revista digital independiente sobre el Rock
y sus derivados es un trabajo sumamente difícil; sin embargo, no por eso
nos rendiremos o tiraremos la toalla, no, ahora tenemos más confianza
y sabemos nuestras próximas metas, sé que vienen cosas mejores para
nosotros y obviamente para ustedes como lectores, recuerden que son
nuestro motor para seguir adelante. Rocktopía Mx apenas va comenzando
y les aseguramos que planeamos algo que sacuda a este país.... ¡Gracias!-.
SOWEN ZERO
EDITOR DE DISEÑO / ESCRITOR
-Agradecimientos nunca sobran y menos para nuestros lectores. A
cada uno de los nos regalaron su tiempo para estas palabras e imágenes
(siempre insuficientes) dedicadas al Rock. A los que nos recomiendan,
a los que nos critican con la intención de que mejoremos
(igual para los que nos tiran mala leche, por qué no). Agradecimientos
a los que nos felicitan, a los que nos comparten en redes sociales,
a los que se emocionan con nuestros contenidos, a los que encontraron
una opinión valiosa sobre el Rock. Y, sobre todo, les agradecemos
que Rocktopía siga en pie por ese compromiso que asumimos con ustedes,
nuestros lectores, para compartir nuestro gusto por el Rock-.
MIGUEL BECERRIL
ESCRITOR
A todos nuestros lectores, les agradezco que
nos hayan acompañado a lo largo de este año,
ha sido un placer compartir con ustedes cada
una de las experiencias: las entrevistas, los
conciertos, las reseñas; gracias por su confianza,
por creer en este proyecto, por leerme
¡Larga vida al Rock y a Rocktopía Mx!-.
REBECCA DAZA VELASCO
ESCRITORA
-Hola, ustedes me conocen como Joss Motz. Juntos,
tanto escritores como público hemos llegado al primer
año de existencia como Rocktopía Mx. Además, se han
ido forjando lazos con nuevas bandas, colectivos, inclusive
personas con quienes pudimos establecer una
plática que inspiró alguno de nuestros artículos. Con
nuestro material publicado queremos que nuestros
lectores sigan construyendo su propia Utopía del Rock.
Los gustos entre la gente son diferentes y cada quien
tiene un concepto diferente de lo que significa el Rock,
esa palabra tan grandiosa que muchas veces hace estremecer
a millones con tan solo mencionarla. En nuestro
medio tratamos de satisfacer los gustos de todas
las personas que tienen hambre de Rock, expresado en
sus diversos géneros, grupos, cantantes, instrumentistas,
álbumes, canciones, incluso hasta imágenes, la
vestimenta y mucho más cosas que guardan diversas
connotaciones dependiendo de nuestras inclinaciones,
personalidad, o qué sé yo; al final, Rock será lo que más
se ajuste a cada persona. Durante este tiempo, para
nosotros en la revista, ha sido y es todo un gusto poder
ser parte de cada una de las diferentes Rocktopías
de nuestros lectores, uniéndolas en un solo esfuerzo
de todos los que participamos en este proyecto-.
JOSS MOTZ
ESCRITOR
-Queridos lectores de Rocktopía Mx, gracias a todos por recibirnos en cada
número de esta revista. Hace un año comenzó este proyecto, desde el momento
en que Gabriel Lemus Granados me compartió su deseo de formar una revista
digital y el enfoque que ésta tendría, tuve fe en el proyecto y sentí un deseo
enorme de participar. Ha sido una experiencia increíble todo este año en el que
he escrito para todos ustedes, además ha sido grato convivir con los demás
miembros. Han pasado muchas situaciones desde el inicio, todas han dejado
un gran aprendizaje y eso es sumamente va del equipo. Rocktopía Mx se volvió
parte importante de mi vida, gracias a todos, escritores y lectores porque han
hecho posible conjuntar dos de las cosas que más disfruto: Rock y la escritura.
RICARDO CÉSAR
ESCRITOR

Rocktopía MX
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Editorial > Oct - Nov - Dic - 2016
Rocktopía Mx está de regreso con un EJEMPLAR DOBLE que abarca tanto la celebración de nuestro
primer aniversario, así como la culminación del año 2016. Mediante el contenido de nuestra revista
queremos darles un regalo de fin de año de la mejor calidad posible, les hemos preparado UNA DE
NUESTRAS MEJORES EDICIONES, compruébenlo o refútenlo ustedes mismos.
Continuamos dándole difusión a la escena emergente con la sección Impulsando El Nuevo Rock que
en esta ocasión se pone muy internacional pues incluye 2 nuevas propuestas provenientes de España,
nación a la cual enviamos un amoroso saludo, es un verdadero placer y un honor llegar con nuestra revista
hasta lectores y bandas al otro lado del charco; las agrupaciones recomendadas son Santonegro
y Sound Machina; ambas son exponentes contemporáneas pero que evocan parcialmente la época del
Grunge de los 90’s, conózcanlas.
Además, esta edición los llevará por un viaje a través de LO MÁS IMPORTANTE EN LA ESCENA
DEL ROCK EN MÉXICO Y EN EL MUNDO OCURRIDO LOS ÚLIMOS 3 MESES DEL AÑO:
Octubre.- Fue un mes histórico, épico, que será eterno en el tiempo y en nuestros corazones; lo anterior
aplica para quienes vivimos en la CDMX o para quienes provenientes de todas partes de la República
Mexicana e incluso de otros países, tuvimos la dicha de disfrutar en vivo (al menos en una ocasión)
las presentaciones del músico británico Roger Waters en la capital de mexicana. Con los recitales
del bajista original de la gigantesca agrupación de Rock Psicodélico/Rock Progresivo Pink Floyd, fuimos
testigos del poder infinito, cósmico y espiritual que posee el Rock, un acontecimiento maravilloso
que tocó nuestras almas, algo seguramente insuperable, de las mejores actuaciones por parte de un
rockero en territorio mexicano, no sólo en 2016 sino en lo que va de toda la historia del Rock en México.
Por si lo anterior fuera poco, ese mismo mes, una de las bandas más importantes del Rock Alternativo
a nivel mundial también brindó presentaciones en suelo azteca: Radiohead se conectó amorosamente
con sus fans mexicanos. Nuestra revista tuvo presencia en ambos acontecimientos y les trae las reseñas
que nuestros escritores lograron tras vibrar emocionalmente con la música. Rock en la Pantalla
se viste de Horror Punk para llevarlos por un recorrido a lo largo de la trayectoria musical de Misfits
y su inherente relación con las películas de terror, un tema ad hoc con las fechas conmemoradas en el
mundo a finales de octubre y principios de noviembre.
Noviembre.- La CDMX fue parte de otro de los acontecimientos más importantes en todo el año
para el mundo del Heavy Metal y del Rock: la gira The End World Tour de Black Sabbath, la agrupación
hizo vibrar a sus fans mexicanos y con un recital épico se dio el adiós definitivo entre Sabbath
y México. Para cerrar el mes y el año en materia rockera a nivel global, el 18 de noviembre se publicó el
álbum más reciente de la banda que inventó el Thrash Metal: Metallica está de regreso con HARD-
WIRED… TO SELF-DESTRUCT y por supuesto que les tenemos una minuciosa semblanza de éste
nuevo material discográfico.
Diciembre.- Fin de año, el mundo del Rock, al igual que básicamente todo el mundo hace un parón, así
que no hay mayor tema a destacar musicalmente; se da paso a la época de amor y paz, sentimientos que
deberíamos manifestar durante todo el año; lamentablemente, no en todo el mundo se viven tiempos pacíficos,
no perdamos el sentido humano y dirijamos nuestra mirada hacia los acontecimientos políticoseconómicos-sociales
que aquejan a la humanidad. Elevemos una oración, un pensamiento positivo para los
niños que sufren una guerra innecesaria (como todas las guerras) en Siria, para sus padres, para todos
los refugiados que buscan en Europa la paz que se ha perdido en los países de medio oriente, a causa de
intereses de seres poderosos e incapaces de sentir empatía: “Pigs (Three Different Ones)” referiría
Roger Waters de Pink Floyd o “War Pigs” los llamaría Black Sabbath. Prácticamente en todo el mundo,
México incluido las crisis económicas y sociales están creciendo; ante estas situaciones parecen
insuficientes las plegarias y los buenos deseos, pero tengamos fe en que la buena vibra puede cambiar
al mundo, poco a poco adquiramos conciencia y pasemos del pensamiento al activismo para mejorar el
planeta en que habitamos y sobre todo mejorarnos internamente a nosotros mismos día a día, así como
el Rock mejora nuestras vidas y nos motiva,
Al interior del equipo de trabajo Rocktopía Mx tuvimos un nuevo cambio, mismo que anunciamos con
sentimientos encontrados; Ricardo Jack quien participó como escritor en varias de nuestras ediciones
ya no participará más con nosotros de manera fija; todos los integrantes de la revista le damos las
gracias. La vida siempre tiene caminos sabios y nosotros no cuestionamos ninguno; con cariño y buena
vibra te deseamos lo mejor en tus proyectos personales Jack, Rocktopía Mx es tu casa.
Sin mayor preámbulo, sean bienvenidos queridos lectores a una nueva edición (la hicimos con mucho
trabajo y sobre todo con mucho amor) de lo que pretende ser El lugar Ideal del Rock.
GABRIEL LEMUS GRANADOS
DIRECTOR GENERAL / EDITOR DE ESTILO / ESCRITOR
@LicenciadoRock
*Revista Rocktopía Mx es un foro abierto que pretende construir junto a sus lectores El Lugar Ideal del Rock, compartiendo, debatiendo y
retroalimentando gustos, críticas, ideologías y conocimientos. Las opiniones vertidas en sus páginas son responsabilidad de quien las emite
(cada escritor hace públicas sus redes sociales para contacto con los lectores),
MUCHAS GRACIAS POR LEER NUESTRA REVISTA

RESEÑA Conciertos:
Contenido
Rock en la pantalla:
RESEÑA Concierto:
ROGER WATERS EN LA
CDMX- Pag. 22
RADIOHEAD -
PALACIO DE LOS DEPORTES
Pag. 31
La banda que siempre vive
en una película de terror
Pag. 37
Rocktopía IMPULSA:
BLACK SABBATH - FORO SOL
Pag. 43
RESEÑA álbum:
“derailing” / santonegro
pag. 13
HARDWIRED... TO SELF-DESTRUCT /
Metallica - Pag. 53
“grace” / sound machina
pag. 17
Foto: Daniel Patlan

¡GRACIAS A NUESTRO PATROCINADOR!
Nota del autor: Si ya han leído mis artículos para Rocktopía Mx, sabrán que
me encanta hacer analogías y transmitir mis impresiones acotando bandas y
géneros que relaciono con lo que escucho en el presente (o sea con el material
reseñado), analogías que siempre guardan el 100% de respeto para las bandas
emergentes y por supuesto para las bandas ya consolidadas a las que refiero.
Advertidos están queridos lectores.

Revista Rocktopía Mx IMPULSANDO EL NUEVO ROCK Revista Rocktopía Mx
“DERAILING” – SANTONEGRO
Sello: Independiente ● Género: Stoner Rock
Tracklist:
1. Mom
2. I Tell You
3. Thief Of Smiles
4. Drive My Life
5. Old Station
SANTIFICADO SEA EL STONER ROCK
Por: Gabriel Lemus Granados ▶ @LicenciadoRock
Santonegro es una banda de Stoner Rock, originaria de Valencia, España. Formada en 2014
por Javier Marco (vocalista) Juan José Jover (guitarrista) Alberto Puga (bajista) y Luis Carbonell
(baterista). Su música muestra influencias del Stoner Rock, del Grunge de los 90’s y del
Rock Clásico de los 70’s. En 2015 la agrupación grabó su primer EP: DERAILING, mismo que
contiene 5 temas cargados de ese feeling tradicional del Stoner, escucharlo promete transportarnos
al mundo de estos músicos.
Me dispongo a conectarme con el Rock N’ Roll de Santonegro, para poder transmitirles a ustedes
lectores, mis impresiones sobre esta agrupación y sobre su disco.
El álbum inicia con la canción “Mom”, de inmediato estoy inmerso en esa atmósfera densa, tan
característica del Stoner Rock. Una ejecución fabulosa y una letra oscura, interpretada con una
voz impactante me hacen recordar a la legendaria banda de Grunge Alice In Chains, sin caer en
comparaciones lo que deseo es señalar que el nivel de esta pieza musical es muy alto, delicioso.
Un buen solo de guitarra es el puente que conduce hacia el final de la pieza.
Turno para “I Tell You”, es el single promocional del disco y fue elegido atinadamente pues
ES UNA JOYA, -Les garantizo que desearán escuchar esta pieza en más de una ocasión-.
Todos los instrumentos están unidos a un nivel de ejecución sensacional, destacan la voz y esos
cambios de ritmo que impregna el conjunto español: de lento (muy pesado) a velocidad media
(con distorsiones), probablemente estoy ante la mejor canción de esta muy buena banda española.
Una referencia monstruosa (en el buen sentido) que vino a mi mente fue Melvins.
Con únicamente 2 temas, Santonegro ya me ha hecho evocar a 2 auténticas maravillas del Rock
en los 90’s, y que quede claro que estos rockeros españoles muestran su propio estilo.
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Revista Rocktopía Mx IMPULSANDO EL NUEVO ROCK Revista Rocktopía Mx
Al iniciar la siguiente obra: “Thief Of Smiles”, se escucha brevemente una sonrisa inocente
por parte de un niño, esto da la pauta para entender el título (“Ladrón de Sonrisas”). Se trata
de una canción bastante oscura y lenta (en el buen sentido), como el buen Stoner, con Riffs
explosivos que aparecen y desaparecen de forma contundente, una base rítmica pesada y una
letra bastante interesante: la frase “Take Me To The Right Direction” cierra con una melodía
grata que gana poder hacia el final -¡Carajo! O como dirían en España: “¡Joder tío!”. Si toda
la escena rockera en España tiene este nivel, estoy seguro de que las cosas en el futuro
pintarán muy bien para aquella nación en cuanto al Rock se refiere- Así continúa un disco
denso y de gran nivel.
La penúltima rola de esta obra musical estalla con todo el poder del Stoner, al instante me
encontré a mí mismo headbangeando y disfrutando, la causante se denomina: “Drive My Life”.
Entre vaivenes y cambios de ritmo esta pesada pieza es una obra magistral, con ésta ocurre lo
que ocurre cuando el Rock se te mete a la sangre y te recorre todo el cuerpo guiándote hacia el
éxtasis total. La letra me ha atrapado y llega el gran final de la canción, subiendo en decibeles
y en distorsión grave, a un ritmo más y más pesado cada vez y con un excelente solo de guitarra
(aunque efímero) -Ya sé, esto es Stoner y no Rock Progresivo, así que no tengo queja alguna
jeje-. En definitiva he escuchado mi canción favorita del disco, un disco que me ha hecho muy
difícil elegir una pieza como la mejor, y aún falta una más. La banda española muestra calidad
de sobra a cada track.
Después de 4 tracks de una calidad impresionante, ha llegado el momento de la última canción:
“Old Station” (“La Vieja Estación”). Ésta posee una línea musical que me hizo evocar a la clásica
agrupación madre del Stoner Rock: Kyuss. La referencia a tan importante conjunto se debe a
que mi asombro al escuchar a Santonegro es demasiado. Reitero: -¡Qué calidad de banda!- En
la vieja estación, como dictan los cánones del clásico Stoner Rock, así termina este disco. Es
tiempo de decirle adiós a Santonegro y su Rock N’ Roll espeso.
A título personal
5 tracks son la prueba necesaria que con contundencia establecen: SANTONEGRO TIENE
MADERA DE BANDA GRANDE. Sin duda alguna este EP ha sido algo profundamente gratificante,
a esperar un nuevo álbum que ojalá sea más extenso y constituya la consolidación de estos
rockeros españoles quienes otorgan calidad en un género de esos que reivindican el buen Rock.
El vocalista Javier Marco realiza un trabajo asombroso, con ese sonido crujiente y rasposo,
muy a la usanza de Layne Staley (Alice In Chains) o de Scott Weiland (Stone Temple Pilots/
Velvet Revolver). Evidentemente no soy ni gringo ni inglés, pero mi percepción es que el acento
natural del idioma mencionado está presente en todo el trabajo de Santonegro, cero conflictos
con el acento característico de nuestros hermanos españoles. La ventaja de cantar en inglés,
el idioma original del Rock N’ Roll es que el alcance del grupo se potencializará. La guitarra manejada
por Juan José Jover suena emotiva e introspectiva, aparece en los momentos idóneos
y derrocha virtuosismo. El trabajo en los sonidos graves provenientes del bajo ejecutado por
Alberto Puga y la batería que hace sonar Luis Carbonell destacan en todo el disco, protagonistas
en todo momento. 4 músicos virtuosos, de Valencia España para todo el mundo del Rock.
Apreciables y conocedores lectores, estoy seguro que ustedes se engancharán pronto con
esta banda de talento innegable que se resume en: -¡Densidad total, llevada entre Riffs constantes,
virtuosa técnica vocal, y ritmo pesado, todo en conjunción!-
Lo anterior hace del material discográfico DERAILING, algo de lo más destacable que he escuchado
proveniente de la escena under de España, con calidad de nivel mundial.
El Stoner Rock es uno de mis subgéneros favoritos, y con ese cariño y conocimiento hacia el
género puedo establecer que Santonegro es un digno representante. En Rocktopía Mx le seguiremos
la pista para continuar sentenciando: SANTIFICADO SEA EL BUEN STONER ROCK. ♪
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“GRACE - SOUND MACHINA
Sello: Pan Pot ● Productor: Alberto Macias
EN ESTADO DE GRACIA,
LA CARA PACIFICA DEL POST GRUNGE
Por: Gabriel Lemus Granados ▶ @LicenciadoRock
Tracklist:
1. Love is Strong
2. Now
3. Away
4. Continue to Live
5. Hey Man
6. Layne
7. After the World
8. Let Down
9. Pure
10. Sacred Jail
Proveniente de Bilbao, España; aparece en las páginas de Rocktopía Mx: Sound Machina.
Banda de Post Grunge formada a finales del 2013. Durante los siguientes 2 años, Sound Machina se
dedicó a la composición de lo que sería su disco debut: GRACE, un álbum integrado por 10 tracks
y del cual se grabaron la música, los solos y la voz en 14 horas, según informa la agrupación. Estos
rockeros españoles basan su estructura musical en el sonido clásico del Rock de los 90’s. A modo
de referencia, GRACE está inspirado por grupos como Pearl Jam, Alice in Chains, The Cult, Pink
Floyd, así como una carga considerable de grupos Post Punk.
Sound Machina son: José (vocalista), Álvaro (guitarrista principal), Sergio (guitarrista rítmico),
Endika (bajista), y Máx (baterista).
Ha llegado el momento de escuchar GRACE en su totalidad…
El primer track es “Love is Strong”, un título
que dice mucho, me dispongo a escuchar y a entender
lírica y musicalmente. Armonía y melodía
constantes son el sello de la canción, un mensaje
respecto a las facetas y etapas que se viven en la
vida, relaciones, incluso con uno mismo, es decir,
en el aspecto interno; pasado, presente y futuro,
unidos por una constante: el amor. Buena pieza
que conecta con el inicio del disco.
Como segundo tema aparece “Now”, esta pieza
nos aclara el panorama respecto a la propuesta
de la agrupación española, define mejor las características
del sonido propuesto y se hace evidente
la influencia noventera. La siguiente canción:
“Away”, supera a la anterior. Guiada por una
contundente calidad vocal, una agradable letra y
sobre todo una melodía muy pegajosa, es de las
más armónicas hasta el momento en GRACE. Sobre
este track, me parece sería ideal para ser un
single promocional que refleje el sentido de todo
el disco.
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Revista Rocktopía Mx IMPULSANDO EL NUEVO ROCK Revista Rocktopía Mx
“Continue to Live” mantiene la línea y es una de las piezas más calmadas, con un estilo para disfrutar gratamente. Es el turno para
“Hey Man”, este track es la muestra de la armonía que existe entre la guitarra solista y la guitarra rítmica, siendo los instrumentos
que más sobresalen. Pese a su calidad, en lo personal me hizo desear un sonido más sucio y distorsionado.
A continuación una canción con dedicatoria especial. Fue inspirada y creada en memoria de un ícono del grunge: el gran Layne Staley.
Titulada “Layne”, esta pieza tiene una letra introspectiva y con matices oscuros. Mantiene la esencia de Sound Machina y es
algo más ruidosa que el resto de los temas; la guitarra solista llora ruidosamente en varios momentos y genera una sensación de
nostalgia. Estoy ante una de las canciones más destacadas de todo el álbum -¡La disfrutarán en todo momento!-. El recorrido
musical continúa con “After the World”, un título bastante interesante. Se nota un sonido otra vez quieto y reflexivo en suma con
una letra profunda y depresiva, la cual más que un sentido apocalíptico de (“Después del Mundo”) remite a atmósferas de soledad.
Es muy buena y comienza a consolidar el trabajo de esta banda; tiene un buen solo de guitarra de esos nostálgicos -Aquí es cuando
revive el Grunge auténtico, muy al estilo de Pearl Jam-.
A continuación una canción con dedicatoria especial. Fue inspirada y creada en memoria de un ícono del grunge: el gran Layne Staley. Titulada “Layne”,
esta pieza tiene una letra introspectiva y con matices oscuros. Mantiene la esencia de Sound Machina y es algo más ruidosa que el resto de los temas; la
guitarra solista llora ruidosamente en varios momentos y genera una sensación de nostalgia. Estoy ante una de las canciones más destacadas de todo el
álbum -¡La disfrutarán en todo momento!-. El recorrido musical continúa con “After the World”, un título bastante interesante. Se nota un sonido otra
vez quieto y reflexivo en suma con una letra profunda y depresiva, la cual más que un sentido apocalíptico de (“Después del Mundo”) remite a atmósferas
de soledad. Es muy buena y comienza a consolidar el trabajo de esta banda; tiene un buen solo de guitarra de esos nostálgicos -Aquí es cuando revive el
Grunge auténtico, muy al estilo de Pearl Jam-.
Llega la recta final del disco y “Let Down” aparece para fungir como la consolidación total en el sonido de la banda, se marca definitivamente el estilo
que ya he mencionado antes, queda muy clara la esencia de Sound Machina. La siguiente canción muestra un ligero cambio en la vibra sonora de Sound Machina,
por instantes remite al Folk o al Country permeando una estela de nostalgia, se trata de “Pure”; con el andar de la canción desaparecen los matices
Folk, Country, y se consolida un sonido más equiparable al Rock Alternativo. En esta rola resaltan la voz y el solo de guitarra al 4:06.
Para despedir el material discográfico suena “Sacred Jail”, la última rola y es quizás la que refleja de mejor manera otro ritmo y otra faceta de la
banda, un guitarreo más rápido y algo más distorsionado. Este track generó en mí una sorpresa, durante toda su duración y mientras escuchaba atentamente
la voz cantante, me pasó que no pude evitar recordar a uno de mis vocalistas favoritos en la historia del Rock: Eddie Vedder de Pearl Jam. Cuando
escuchen la canción entenderán por qué, esa es mi opinión, mi deseo no es comparar voces. Independientemente de lo anterior que brinca hacia mis oídos,
la canción es muy buena, me gusta bastante y es una de mis favoritos de todo el material. La defino como -Ese Rock de cambios rítmicos con un sonido
mayormente apegado al Grunge que te atrapa en todo momento-.
GRACE deja una buena impresión de Sound Machina, talentosa banda que está buscando ganarse un sitio en la escena rockera -Estoy seguro de que
lo logrará con este álbum-. Detalles a pulir existen, pero precisamente de eso se trata, no sólo en el Rock sino en la vida misma, ir progresando y superando
los parámetros establecidos por uno mismo.
A Título Personal
Para concluir, el álbum GRACE es una pieza muy disfrutable, con una atmósfera pacífica, es de esos discos que escuchas en su totalidad y te ponen en
un estado de calma. Para agradecer que una banda nueva realice 10 temas en su primer trabajo, eso demuestra la cohesión entre sus integrantes y la pasión
por la creación rockera. La voz de José es técnicamente educada y encaja a la perfección con la música de la agrupación; sin embargo, requiere tener
un estilo más particular y que se vaya particularizando con el tiempo, esto para evitar que quienes somos comentócratas de Rock hagamos referencias a
otros cantantes. Las guitarras cortesía de Álvaro (guitarra solista) y de Sergio (guitarra rítmica) están muy bien ligadas y parecen siamesas, →
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Revista Rocktopía Mx
En conci erto
Revista Rocktopía Mx
unidad y entendimiento total con sus sustanciales diferencias. Endika realiza un buen trabajo
como bajista y complementado con Máx en la batería, llevan el peso específico en las situaciones
rítmicas del grupo. Todos son grandes músicos. GRACE es un disco que volveré a escuchar
varias veces, me gusta para esos momentos con tintes de nostalgia pero mucha paz, eso me han
transmitido estos amigos españoles.
CUIDADO CON LAS SIMILITUDES. Pearl Jam es la banda que sin duda llega a la mente en
varios momentos del disco de Sound Machina. Evidentemente el Rock tiene un amplio espectro
de expansión y nada en el mundo es lo mismo que otra cosa, ABSOLUTAMENTE NADA; sin
embargo, con Sound Machina, más allá de esa etiqueta como Post Grunge, creo que el detalle
a pulir es adquirir con el paso del tiempo una identidad propia, y no es que no la tengan, pero
existimos toda clase de percepciones rockeras, y tanto la mía, como la de todos los integrantes
de la revista coinciden en que al escuchar GRACE es prácticamente inevitable hacer referencia
a Pearl Jam, esa influencia reconocida por la banda española que podría ser una loza con la que
estos talentosos músicos emergentes no merecen cargar. No quiero hacer una apología sobre
Sound Machina, mi ética como escritor de temas relacionados con el Rock N’ Roll me dictamina
que debo plasmar cada detalle de mi sentir respecto a la música que reseño, siempre marcando
énfasis en que ni mi percepción y mi opinión no son verdades absolutas. Así que ustedes lectores
quienes seguramente se tomarán el tiempo de escuchar a Sound Machina, tendrán la mejor
opinión de todas. Lo que sí puedo establecer es que el talento de estos rockeros españoles es
notable y únicamente tendrán que ir transitando en el camino de la música, rompiendo paradigmas
y “comparaciones”.
CONCIERTOS DE OTRO PLANETA
FORO SOL (29 DE SEPTIEMBRE) - ZoCALO (1 DE OCTUBRE)
ROGER WATERS EN LA CDMX
Sound Machina nos regala un Rock moderno pero cargado de una evocación a los años 90’s. Esta
banda pinta para buenas cosas, y a medida que persevere alcanzará niveles cada vez más altos.
Su música es su mejor carta de presentación: EN ESTADO DE GRACIA. El tiempo dirá cuál
es el destino para Sound Machina, por lo pronto, en Rocktopía Mx ha sido un verdadero placer
poder escuchar, reseñar, compartir y recomendar esta propuesta que desde España, está lista
para traspasar cualquier frontera, a través de nuestro amado lenguaje universal:
EL ROCK N’ ROLL. ♪
21
Por: Ricardo César ▶ @ric3toib

Revista Rocktopía Mx
Octubre - En concierto
Revista Rocktopía Mx
La superficie de la luna, el sonido de los latidos del corazón,
la maquinaria de un reloj, dinero siendo contado e
ingresado en una caja registradora, voces y risas dementes,
un helicóptero, un satélite del que emanan luces que se
acercan cada vez más: “Speak to Me”, la obertura y resumen
del magistral THE DARK SIDE OF THE MOON (1973).
Comienzan gritos de locura que son callados por la exquisitez
de las guitarras, la tranquilidad de los Riffs que de ellas
brota enloquece al público: “Breathe (In the Air)”, una letra
surrealista y metafórica; un deleite poder escucharla, un
goce sin igual que hayan sido estas piezas hermanas las elegidas
de Roger Waters para dar inicio a sus conciertos en
el Foro Sol y en el Zócalo de la Ciudad de México. Un inicio
mágico, majestuoso que nos hacía saber que tendríamos dos
noches inolvidables. Aunado a esto, estimulando el sentido
de la vista las pantallas dejaban ver un desierto colorido.
Y después de un saludo a México y algunas palabras arranca
otra pieza espacial, palpitante, llena de diversos recursos
musicales: “Set the Controls for the Heart of the Sun”,
la batería como protagonista con una magnífica ejecución,
los sintetizadores llevándonos a otra dimensión, la aparición
de la voz de Waters, así como la aparición por primera
vez del saxofón y seguido de éste un espectacular solo de
guitarra. En las pantallas, entre colores psicodélicos se visualizaba
Syd Barret. -¿Qué obra tan buena habré hecho
para merecer presenciar este concierto?- me pregunté,
fenomenal estar escuchando a uno de los integrantes de una
mítica banda como lo es Pink Floyd y poder ver un esbozo de
su grandeza, realmente cautivadora canción perteneciente
al A SAUCERFUL OF SECRETS (1968). Vendría “One of
These Days”, el viento susurrándonos como preámbulo al
demencial bajo de Waters, y en las pantallas un pasillo tenebroso
que creaba una atmósfera inigualable, el bajo grave
aunado a una ruidosa guitarra distorsionada abren paso a la
única frase de la rola: “One of these days, i’m going to cut
you into little pieces”, para posteriormente cerrar con la
conjunción del teclado, la batería, la guitarra y por supuesto
el bajo; una verdadera locura, una obra excepcional de
Rock Progresivo que nos deleitó durante aproximadamente
5 minutos.
Suenan relojes antiguos marcando la misma hora a la vez,
y una lluvia de relojes en las pantallas, una excitante sensación
de estar loco, por supuesto se trata de la melancolía
evocada por “Time”. El inevitable paso del tiempo, la fugacidad
de los bellos momentos de la vida: “You are young and
life is long and there is time to kill today”, con el sello
del nostálgico solo de guitarra que alguna vez David Gilmour
llegó a colocar entre los mejores solos de la historia. Una
canción verdaderamente de antología, maravillosa pieza instrumental
y lírica acompañada con el universo de estrellas
en las pantallas, fue interpretada magistralmente. Continúo
“Breathe (reprise)”. Y sin ninguna pausa aparece el piano
con el cual comienza “The Great Gig in the Sky”, al instante
un par de ángeles al unísono lanzan gritos sublimes, que
sin decir nada expresan un sinfín de emociones que hacen
callar al público, sencillamente porque todos estamos anonadados
con su esplendorosa interpretación que llega hasta
las entrañas. Ahora es turno de escuchar cajas registradoras
y el bajo grave de Waters, por supuesto se trata de
“Money”, uno de los temas insignia del THE DARK SIDE OF
THE MOON, una poesía al consumo, una crítica al capitalismo
musicalizada magistralmente, un par de soberbios solos,
un sensacional solo de saxofón seguido de un penetrante
solo de guitarra para seducir aún más nuestros oídos.
“Us and Them” continuaría el recital. Canción lenta y tranquila,
con melódico acompañamiento del saxofón y destacado
piano, delicia de letra cuyos coros explotan junto con
la música, una soberbia pieza. Acto seguido suena un Riff
acústico, pertenece a “Fearless”, incluida en MEDDLE (1971)
sobresale la voz de Waters e imágenes de protesta en las
pantallas gigantes, además unas manos que desean alcanzarse
para poder concretar paz, En torno a esto se proyectan
imágenes de la bandera de Palestina, una canción melancólica
y con la guitarra acústica repitiéndose a lo largo del viaje
para finalizar con el cántico que la afición del club de fútbol
Liverpool hiciera famoso: “You’ll Never Walk Alone”.
Roger Waters dirige unas palabras al público para presentarnos
a un guitarrista con la particularidad de no tener
piernas, pero con un talento enorme que mostraría a lo largo
de unos 12 minutos en “Shine On You Crazy Diamond (Parts
I-V)”, qué decir de esta fenomenal canción dedicada al gran
Syd Barret: “Remember when you were young, you shone
like the sun”, estamos deleitados con profundos y sentimentales
Riffs, con distintos solos de guitarras con cambios
de ritmo que te hacen ir de un estado de ánimo a otro y
que hacen pensar que el tiempo cambia; en esta pieza el bajeo
por parte de Waters destaca, pues acentúa la melodía.
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Foto: Toni François

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OCTUBRE - En concierto
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Al igual que en WISH YOU WERE HERE (1975), en el recital,
“Shine…”, se enlazó con “Welcome to the Machine”, rola en la que
aparece el primer guitarrazo y posteriormente los sintetizadores,
musicalmente lúgubre. “Welcome my son, welcome to the machine”,
esa máquina que es la industria musical y que para Roger
consumió a Syd Barret; ratas, cadáveres y sangre se mostraban
en las pantallas. Y ahora llegaba el momento para cambiar al lado
B del álbum, un Riff conjunto de guitarra y bajo, “Have a Cigar”
comenzaba a sonar, esta rola continua la crítica hacia la industria
de la música, creación total de Waters. Una delicia poder haberla
presenciado, con ese solo de guitarra bastante bien ejecutado al
culminar. La radio cambiando de emisora sintoniza la introducción
de “Wish You Were Here”, después de unos segundos comienzan a
sonar los acordes acústicos principales, no lo hace nada mal el guitarrista,
aunque sería fantástico que ESTUVIERAN AQUÍ David
Gilmour, Nick Mason; incluso los finados Richard Wright y por supuesto
Syd Barret. “How I wish, how I wish you were here, we’re
just two lost souls swimming in a fish bowl”, sencilla pero bellísima
y conmovedora composición. Cada vez se me hace más increíble
tener la dicha de disfrutar estos conciertos en la CDMX, no existen
palabras para describir las sensaciones que me han invadido
desde el inicio de los recitales gemelos.
Comienzan a sonar las alarmas de la Battersea Power Station
del ANIMALS (1977), en un momento cesan para dar paso a la
guitarra acústica de Waters tocando “Pigs on the Wing 1 y 2”,
breve pasaje de melancolía para abrir paso a “Dogs”, las guitarras
acústicas vuelven a sonar y los primeros versos “You gotta be
crazy, you gotta have a real need” nos introducen al trance, los
Riffs de la guitarra eléctrica le impregnan fuerza a la estupenda
rola, oscilaciones rítmicas que nos hacen gozar, solos de guitarra,
los sintetizadores invadiendo nuestras mentes y la imagen final
de un niño apedreando un tanque de guerra. 17 minutos de goce,
soberbia, magistral, una sublime canción.
La siguiente en el set fue “Pigs (Three Different Ones)”, otra
gran obra llena de ira y rechazo hacia los que tienen el poder,
esta canción estuvo acompañada de imágenes satirizadas de Donald
Trump, mostrando sus frases más estúpidas y por tal motivo,
célebres, al final se proyectó la frase “Trump eres un pendejo”.
Una pieza exquisita, con diversos ritmos, en los que incluso hay
pasajes que incitan a bailar, otros 10 minutos de deleite. Y apareció
Algie, desafortunadamente en estas ocasiones no tenía ningún
mensaje de protesta como se supo sí aconteció en la primera presentación
del músico inglés en suelo mexicano.
Las hélices de un helicóptero suenan de forma estridente y el
público lo busca en el cielo, el bajo de Waters lo calla, comienza
a sonar “The Happiest Days of Our Lives”, un tema que habla de
la opresión de la educación; es una obertura para “Another Brick
in The Wall (Part II)”, canción por demás conocida, pero sin duda
otra de las grandes composiciones de Pink Floyd. Arriban al escenario
varios niños para entonar el coro: “We don’t need no education,
We don’t need no thoughts control, No dark sarcasm in
the classroom”, además, los niños rompieron una piñata de Donald
Trump.
Es momento de que suene “Mother”, un solo de guitarra acústica
a ritmo lento, los teclados como base musical, a mitad de la canción
el ingreso del piano, la batería y la guitarra eléctrica, y por
supuesto la letra que refiere a la dependencia de un hombre hacia
su madre: “Mother should I run for president?, Mother should
I trust the government?”, una lírica sumamente polémica y conmovedora
que además sirve de entorno para mostrar un mensaje a
Peña Nieto: “¡Renuncia ya!”, además, Roger Waters dirigió a EPN
un mensaje aún más contundente que más adelante relataré. Continúa
“Run Like Hell”, el bajo lleva el ritmo de la rola y el teclado
toma un rol protagónico, otra pieza bastante agradable.
Foto: Ricardo César
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“Brain Damage” comienza a sonar, una melodía lenta y tranquila, la risa demente
para hacerla mayormente épica, cierra fuerte con el saxofón y se proyecta el
prisma triangular insignia del THE DARK SIDE OF THE MOON, mismo prisma que
nos brinda un espectáculo de luces fantástico, sin lugar a dudas hace vibrar los
corazones de los presentes y es que, por supuesto nos hace recordar a Barret con
nostalgia. “And if your head explodes with dark forbodings too, I’ll see you
on the dark side of the moon”. Le sigue “Eclipse” y acompañada de los láseres
proyectados en el cielo, el público se queda totalmente embelesado, la seducción de
este espectáculo nos enamora.
El cierre del recital se acerca. Para el concierto en el Foro Sol Roger Waters
interpretaría 2 piezas que no sonarían en el zócalo de la CDMX. “Vera”, tema de tan
sólo minuto y medio, sumamente emotivo. “Bring The Boys Back Home”, aquí una de
las coristas realizó un falsete que nos erizó la piel, hermoso momento.
El GRAN FINAL estuvo a cargo de “Comfortably Numb”, esta joya es probablemente
la mejor composición de Waters/Gilmour, es una canción celestial, su ritmo
pausado, un tanto depresivo y ese segundo solo de guitarra que es considerado uno
de los mejores de la historia, mismo que en vivo tuvo una brillante ejecución (mérito
de los músicos que acompañaron a Roger Waters) que nos hizo recordar a Gilmour,
ese solo que llega a las entrañas de quien lo escuche, profundo, sublime, glorioso. El
desenlace se enmarcó con fuegos pirotécnicos.
-Gracias Roger Waters por permitirnos a las generaciones más jóvenes acercarnos
a la grandeza de Pink Floyd, gracias por tus músicos de tan magnifica
calidad que nos hacen pensar que en efecto son los miembros originales. Waters,
eres uno de los mejores compositores de la historia del Rock, gracias por
volver y deleitarnos con estos bellísimos conciertos y mostrarnos que la música
y, en especial el Rock es un gran medio para alzar la voz en las cuestiones que
más nos disgustan. Gracias por brindarnos CONCIERTOS DE OTRO
PLANETA-.
LO POLÍTICO
Foto: Ricardo César
Además de venir a llenarnos de júbilo con su música, Roger Waters utilizó el
espacio de sus conciertos para realizar crítica sobre 2 personajes pintorescos
como lo son Donald Trump (candidato (del partido Republicano) a la presidencia
de los E.E.U.U.A.) y Enrique Peña Nieto (presidente de México). A Trump se
le satirizó y se le proyectó en las pantallas gigantes para terminar con una
frase que sentenciaba: “Trump eres un pendejo”, situación que evidentemente,
al público mexicano le gustó y mucho.
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Roger Waters también mandó un mensaje contundente a Enrique Peña Nieto, a través
de las siguientes palabras:
(“La última vez que toqué aquí en el Foro Sol, conocí a unas familias de los jóvenes desaparecidos
de México. Sus lágrimas se hicieron mías, pero las lágrimas no traerán de vuelta
a sus hijos.
Señor Presidente, más de 28 mil hombres, mujeres, niñas y niños han desaparecido. Muchos
de ellos durante su mandato, desde el 2012 ¿Dónde están? ¿Qué les pasó? El no
saber es el castigo más cruel.
Recuerde que toda vida humana es sagrada; no sólo la de sus amigos.
Señor Presidente, la gente está lista para un nuevo comienzo. Es hora de derribar el muro
de privilegios que divide a los ricos de los pobres, sus políticas han fallado. La guerra no
es la solución.
Escuche a su gente, Señor Presidente. Los ojos del mundo lo están observando”).
Setlist
Si bien el artículo 33 de la Constitución Política de los Estados Unidos Mexicanos prohíbe
a los extranjeros inmiscuirse en temas políticos nacionales, de lo contrario pueden
ser expulsados; Waters hizo caso omiso a esto. Roger ha utilizado su trascendencia y
fama como músico e integrante de una mítica banda como Pink Floyd para manifestarse en
contra de su gobierno (británico) y de los problemas que aquejan a los países que visita.
El activismo que realiza lo ha hecho a lo largo de su carrera y esta ocasión no se trató
de oportunismo para hablar de temas delicados en México y salir laureado por el público.
SIEMPRE SE HA TRATADO DE UN PERSONAJE CRÍTICO DE LOS TEMAS SOCIALES,
Y LA MUESTRA ES LA TEMÁTICA DE SUS COMPOSICIONES. ♪
1. Speak to Me
2. Breathe (In the Air)
3. Set the Controls for the Heart of the Sun
4. One of These Days
5. Time
6. Breathe (In the Air) -reprise-
7. The Great Gig in the Sky
8. Money
9. Us and Them
10. Fearless
11. Shine On You Crazy Diamond (Parts. I-V)
12. Welcome to the Machine
13. Have a Cigar
14. Wish You Were Here
15. Pigs on the Wing 1
16. Pigs on the Wing 2
17. Dogs
18. Pigs (Three Different Ones)
19. The Happiest Days of Our Lives
20. Another Brick in the Wall (Part II)
21. Mother
22. Run Like Hell
23. Brain Damage
24. Eclipse
25. *Vera
26. *Bring the Boys Back Home
27. Comfortably Numb
*Tocadas únicamente en el Foro Sol*
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Foto: Ricardo César

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CERRÉ LOS OJOS Y CANTE CON EL CORAZÓN
RADIOHEAD - 3 OCTUBRE - PALACIO DE LOS DEPORTES
Por: Sowen Zero ▶ @sowenzeroo
Sólo habían pasado 4 años desde que los originarios de Inglaterra habían pisado suelo mexicano
por última vez; sin embargo, para los verdaderos fans (me incluyo entre ellos) ya había pasado una
eternidad sin poder disfrutarlos en directo. Y es que aunque no queramos aceptarlo, cada vez que
Radiohead tiene un concierto en la CDMX no hay otra cosa más importante en la vida.
Después de que a un par de horas del anuncio de sus 2 presentaciones en el Palacio de los Deportes
de la capital, las localidades se agotaran, sólo quedaba esperar y esperar por los días 3 y de 4
de octubre, fechas que parecían nunca llegar. Los meses, las semanas, los días e incluso las horas se
sentían como una eternidad, pero por fin el momento llegó.
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Para empezar, una fila ENORME me recibió a mi llegada al domo de cobre en el primer día de los recitales
pactados, todo mundo estaba ansioso por ver a la banda y se notaba directamente en el ambiente.
Los vendedores ambulantes me trataban de persuadir para que les comprara todo tipo de chucherías
que vendían afuera del recinto, pero logré pasarlos y corrí directo al interior del Palacio, había llegado
algo tarde y por tal motivo no tenía un sitio privilegiado, pero mientras Shabazz Palaces trataban de
encender al público pude colarme a 6 filas de la valla que dividía a la audiencia del escenario, un sitio
bueno mas no perfecto.
Eran alrededor de las 9:10pm cuando el interior del domo se oscureció y entonces comenzó a sonar
“I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free” en la versión de Nina Simone, en ese momento todos
supimos que la banda no tardaría en abordar sus instrumentos y volarnos la mente durante un buen rato.
“Burn the Witch” fue el track con el que inició el concierto, para ser la primera vez que se escuchaba en
directo por estos rumbos, la canción tuvo bastante aceptación de público, lo cual me demostró que sea
cual sea el estilo que tenga Radiohead, su público siempre la apoyará.
Siguió “Daydreaming”, “Desert Island Disk”
y “Ful Stop” (mi favorita del más reciente
álbum), todas sonaron muy bien, se nota
que están producidas de manera fenomenal
con muchos detalles que en vivo se pueden
apreciar mejor. “My Iron Lung” fue una
sorpresa para mucha gente, no esperaban
que la tocaran, en cambio yo estaba más
reservado pues días anteriores había visto
un setlist donde la incluían, pero igual grité.
Como siempre “The National Anthem”
es una de las preferidas por la audiencia,
el sonido del bajo es hipnotizante y puede
hacerte perder la noción del tiempo indefinidamente.
Una de las mejores situaciones que ocurre en los conciertos de Radiohead es que con sólo una canción
puede hacerte sentir tan cercano, arropado e íntimo a la agrupación, por lo general siempre es con
“All I Need”, y en esta ocasión también lo fue, una canción en extremo hermosa, tanta paz se desborda
de la voz de Thom que es imposible no sentirte identificado por todas las emociones que él transmite.
Continuaron con “Pyramid Song” y era la primera vez que la escuchaba en vivo, suena como en el disco o
mejor. -Esto va subiendo mucho de nivel- pensé.
“Bloom” hizo su aparición para dar paso a una de las primeras sorpresas para mí: “Separator”. -Ohhhh…-
Aún la recuerdo y se me pone la piel chinita, de las últimas canciones que me han traumado en buen sentido,
tiene tantos detalles que es imposible mencionarlos, me llena de serenidad, siento que todo está
bien, así me pasa cada que la escucho.
“Identikit” y “The Numbers” son de
esas rolas que pueden sonar como novedad
para la gente, y por tal motivo se
contemplaron más para poder estudiarlas
a fondo, la segunda mencionada es
sin duda excepcional, desde mi punto de
vista. “Bodysnatchers” y “Feral” continuaron
ese cambio drástico de una melodía
a otra, pero que extrañamente se
juntaban a la perfección. Sin embargo,
no imaginábamos lo que nos esperaba.
Foto: Toni François
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“Nude” apareció de la nada y con eso todo el recinto se llenó de gritos y emociones, debo decir
que durante todo el tiempo que duró la interpretación pude escuchar más a las personas que me
rodeaban que al propio Thom. Los músicos ingleses siguieron con “Everything in Its Right Place”
y de nuevo los gritos ensordecedores no se hicieron esperar, la mencionada es una de esas
piezas que te envuelven y te llevan a otro nivel, algo mágico. Tal como una granada lanzada a la
gente, los primeros tonos de “Idioteque” empezaron a estremecer los tímpanos de los miles
de fans. Ésta es sin duda la canción que más demuestra su amor por la música, en vivo suelen
convertirse en verdaderos animales en el escenario, bailes y movimientos enérgicos en armonía,
es algo tan puro, tan normal, tan de Radiohead.
Después de aquel combo espectacular, era momento de un descanso emocional y por tal motivo
la banda se dirigió detrás del telón para así volver poco tiempo después en lo que sería el primer
Encore de la noche. “Let Down” del aclamadísimo álbum OK COMPUTER, encajó a la perfección
con el ánimo de la gente, la cual se veía sorprendida y feliz, fue uno de esos momentos que nunca
se olvidan. “Present Tense” le devolvió la serenidad al domo de cobre, guitarras acústicas y un
momento de tranquilidad fueron los encargados de hacernos viajar por alrededor de 5 minutos.
Venía lo mejor del concierto, fue entonces que sonó
“Reckoner”, uno de los nuevos clásicos entre la gente
y al parecer también entre los integrantes,
por ahí llegué a escuchar de una persona
que el mejor instrumento musical de esta
canción es la voz de Thom, vaya que tiene
razón. Enseguida llegó “Planet Telex”,
-Les juro que nunca había gritado
tanto con una canción como
lo hice con ésta, de mis favoritas
del THE BENDS,
aaaahhhhh… este concierto
está partiendo madres-.
Foto: Sowen Zero
Inmediatamente comenzó a sonar
“Weird Fishes/Arpeggi” y sentí
por alguna extraña razón que venía
mi canción favorita de ellos de
toda la historia. El segundo Encore
sucedió, la banda se veía realmente
feliz y sorprendida, por algunos
momentos los gritos eran ensordecedores.
Fue así que el momento
cumbre llegó, desde los primeros
acordes la gente supo cuál canción
era: “Fake Plastic Trees”, fue la
bomba que detonó los corazones
rotos de todo el Palacio, un momento único en la vida, mis píes temblaron, lagrimas salían de mis
ojos, era la primera vez que los músicos la tocaban desde el 2010. Aún recuerdo ese momento del
concierto y se me hace un nudo en la garganta, CERRÉ LOS OJOS Y CANTÉ CON EL CORAZÓN,
es la única pieza musical en todo el mundo que puede matarme y devolverme la vida al mismo tiempo,
miles de memorias pasaron por mi cabeza: familia, amigos, novias, todo se cruzó y tuvo sentido,
-Gracias eternas Radiohead-.
Era el momento perfecto para un cierre épico y así lo fue. “Creep”, el track más odiado/amado
de los integrantes de la banda fue interpretado, si bien muchos se quejaron por haberla tocado, el
mismo número de personas la alabaron, es una canción extraña que no suelen tocar en vivo pero en
México lo hicieron, debemos agradecerlo, somos de los pocos países que pudieron darse ese lujo en
este año.
La verdad no sé de qué manera terminar esta reseña, podría decir
que fue el mejor concierto al que jamás haya ido en mi vida,
podría decir que ningún concierto se le parecerá a lo largo
de la historia, podría decir mil y una cosas, pero ni así
podría describir lo que significó para mí estar presente
ahí, con Thom Yorke, Jonny Greenwood,
Ed O’Brien, Colin Greenwood y Phil Selway,
les debo gran parte de mi felicidad, juraré
amor eterno hacia ellos… Radiohead es alma
y corazón, es inexplicable lo que transmite,
es algo que trasciende el aquí y ahora. ♪
Foto: Sowen Zero
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Setlist:
1.- Burn the Witch 2.- Daydreaming
3.- Desert Island Disk 4.- Ful Stop
5.- My Iron Lung 6.- The National Anthem 7.- All I Need
8.- Pyramid Song 9.- Bloom 10.- Separator 11.- Identikit
12.- The Numbers 13.- Bodysnatchers 14.- Feral 15.- Nude
16.- Everything in Its Right Place 17.- Idioteque
Encore: 18.- Let Down 19.- Present Tense 20.- Reckoner
21.- Planet Telex 22.- Weird Fishes/Arpeggi
Encore 2: 23.- Fake Plastic Trees 24.-Creep.
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ROCK EN LA PANTALLA
Revista Rocktopía Mx
LA BANDA QUE SIEMPRE
VIVE EN UNA PELiCULA DE...
Octubre
y noviembre
representan las
épocas que por
las festividades se relacionan
más con el horror y el suspenso,
dando lugar a que por estas fechas
salgan a la luz películas del estilo, ¿Qué
tal si se mezclan esas temáticas con el Rock
& Roll, el Hard Rock, el Rock de tipo gótico, el Metal
y principalmente el Punk, además del humor negro para
crear música a otro estilo? Pues surge lo que hoy conocemos
como Horror Punk y cuenta la leyenda que los primeros en mezclar
en su licuadora sesos, tripas, sangre, zombies, monstruos, vampiros,
gritos, chicas sensuales y hasta aliens con los géneros que les comento
fueron los legendarios Misfits agrupación nacida en el año 77 en Lodi, Nueva Jersey,
tomando su nombre de la última película en la cual participó la actriz Marilyn Monroe, una
película perteneciente al género del Drama, no al de Terror.
Las canciones de los Misfits son inspiradas en el cine de Terror de clase B, es decir, el que
cuenta con poco presupuesto o distribuido casi sin publicidad. Lo anterior dio origen a una
manera diferente de hacer Punk, el grupo consiguió de inmediato millones de Fiends que es
como la banda llama a sus fans en todo el mundo.
La historia de la agrupación está marcada básicamente por 2 etapas:
1ª: Del ‘77 al ‘83 con Glenn Danzig en la voz, Manny Martínez en la
batería, el guitarrista Jimmy Battle y Jerry Only en el bajo.
2da: 1995 donde Jerry Only queda como bajista y vocalista,
además se integran Marky Ramone de Ramones en la
batería y Dez Cadena de BLACK FLAG en la
guitarra, sin duda grandes figuras del Punk.
Destacan también en la historia de la
banda las participaciones de Michael
Graves en la voz y Doyle
Wolfgang von
Frankenstein
como guitarrista,
en distintos
periodos.
TERROR
Por: Joss Motz ▶ @JossMotzRock
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ROCK EN LA PANTALLA
Revista Rocktopía Mx
A pesar de los constantes cambios de alineación, Misfits es uno de los grupos más populares en
el mundo del Punk. Cabe mencionar que hace pocos meses se materializó una reunión con casi
todos los miembros originales, además la aportación en la batería por parte de Dave Lombardo
quien se hiciera reconocido mundialmente como el bataco de Slayer.
Ahora bien, a continuación les mencionaré algunas películas que inspiraron a los Misfits para
hacer y titular sus discos y sus canciones:
El Dr. Frankenstein y el Dr. Pretorious unen
fuerzas para seguir investigando los misterios
que hay detrás de la vida y de la inmortalidad,
su objetivo: crear una compañera
para el primero mencionado y aprovechar
los poderes que emanan de un rayo. Bride
Of Frankenstein de 1935 es referenciada
en una canción que no lleva el mismo nombre
que la película: “Hate the Living, Love the
Dead”.
→
The City of the Dead de 1960, la cual en los Estados Unidos de América fue titulada Horror
Hotel y que para su distribución en dicho país fueron editadas las partes en las que se nombraba
a Lucifer, es una película en la cual una estudiante viaja a un pueblo a investigar sobre
brujería, por recomendación de su profesor. Al llegar al pueblo se hospeda en un hotel y se
entera de que ahí vive la reencarnación de una bruja que murió en el siglo XVII, misma quien
para mantener su inmortalidad, cada año debe sacrificar a una chica que nunca haya tenido
relaciones sexuales; ya se darán una idea de
quién es la afortunada ganadora del puesto.
En la canción de los Misfits se habla sobre un
hotel con 21 habitaciones donde las criaturas
del inframundo se divierten e incluso
se menciona a una novia vampira.
→
Una estructura metálica aparece y junto con
sanguijuelas controla las mentes de las personas.
La referencia en turno es The Braineaters
de 1958. Respecto a la canción, a
mi gusto es muy divertida ya que en el coro
dice: “Hay cerebros para desayunar, comer
y cenar”.
→
El Dr. Acula, un médium al parecer charlatán
(aunque después se descubrirá que si
puede levantar a los muertos de su tumba),
una casa embrujada y un detective son los
personajes en Night of the Ghouls de 1959.
Simplemente como lo sugiere el título del
film, la canción habla de la noche en que los
demonios salen a comer.
→
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El Gore se hace presente entre las películas que inspiraron a los Misfits.
En esta categoría encontramos a Blood Feast de 1963, también conocida
en español como: La Fiesta de la Carne/La Orgia Sangrienta. Ésta, entre
los amantes del género, es una película de culto pues se considera como
la pionera. Revolucionó en sus tiempos pues a través de la ficción reflejaba
asesinatos muy gráficos con tripas por doquier, a esto le podemos
sumar las mujeres bellas que morían de maneras brutales. Todo concluye
con el actuar de la policía que conducirá hasta el empresario gastronómico
egipcio Fuad Ramses, quien ha cometido los homicidios para rendir
sacrificios a la diosa Ishtar y comercializar los miembros como carne
parte del menú de su servicio de abastecimiento de comida para eventos.
Por tal contenido, durante la proyección de la película se repartían bolsas
para vómito. Por su parte, Misfits, en la canción del mismo título, conforme
a mi interpretación, pareciera describir como un grizzli desmiembra
a una persona y empieza a correr la sangre.
→
→
Y al grito de “Die, Die My Darling!” la cual es por
mucho una de las canciones más conocidas de la
banda de Horror Punk les hago saber que la película
que inspiro esta rola lleva por título Fanatic (1965),
en E.E. U.U. se presentó con el homónimo de la
canción de Misfits. La trama gira en torno a una
joven que visita a la madre de su fallecido novio, la
desconsolada madre (una fanática religiosa) culpa a
la chica por la muerte de su hijo, la secuestra, todo
terminará con un asesinato para poder escapar.
ROCK EN LA PANTALLA
Con un científico
demente,
un asistente que
roba órganos,
zombies, espías y
una agente secreta
china, aparece
en esta semblanza:
Astro Zombies
(1968), en la
canción del mismo
nombre se describe
el aspecto
de las criaturas
que son enviadas
a destruir.→
Revista Rocktopía Mx
En la siguiente película los zombies surgieron de la
nada, sin una explicación de su origen. Es así como Barbra,
Ben y otras cinco personas quedan atrapadas en una
granja en Pensilvania mientras “los muertos vivientes”
los atacan y tratan de entrar, me refiero a Night of the
Living Dead (1968). Para los que gustan de los zombies
es un largometraje de culto y fue la primera película con
esa temática. En cuanto a su popularidad, realmente tuvo
buena aceptación y éxito ya que logro recaudar millones
→
de dólares con su proyección. Por su parte,
la canción relacionada nos habla de las criaturas,
empezando por llamarlos “sonámbulos”.
Un ser extraño, un demonio, es despertado por una
bruja para asesinar y consumar una venganza; lo anterior
está contenido en Pumpkinhead proyectada por primera
vez en 1988, también conocida en español como: Pacto
de Sangre. En la canción, los Misfits nos cuentan más a
detalle lo que ocurre con el extraño personaje del film,
un hombre llamado Ed y su hijo.
→
Una comedia con humor negro en la que los marcianos (cuya
apariencia luce como un cráneo con cerebro salido, protegido
por una pecera en la cabeza (para sobrevivir a nuestra atmosfera))
nos invaden es Mars Attacks! Filme de 1996. En la canción,
con un tono más terrorífico, el grupo punketo nos describe lo
grotesco de la señalada invasión.
→
No podemos negar que la banda abordada en este artículo es pionera en el
Horror Punk y en eso de dar el toque diferente con los temas de sus canciones,
mismas que han inspirado a más agrupaciones para hacer lo propio o para homenajearlos
con algún cover, sólo podemos concluir que MISFITS ES LA BANDA QUE
SIEMPRE VIVE EN UNA PELÍCULA DE TERROR. ♪
41 42

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Noviembre - En concierto
Revista Rocktopía Mx
THE END
BLACK SABBATH EN LA CDMX
FORO SOL -16 DE NOVIEMBRE
Por: Gabriel Lemus Granados ▶ @LicenciadoRock
Pronto se abrieron las puertas del Foro Sol y con emoción todos los fans nos dispusimos a ingresar.
Mi boleto General A, pasó de ser un papel a convertirse en un tesoro que me permitiría estar en
el mejor lugar posible, en el que me gusta estar y hasta siento es mi obligación como reseñador de
Rock N’ Roll (para poder narrar de la mejor manera posible las actividades a ustedes, los lectores
de nuestra revista): PRESENTE EN LA “COMODIDAD” DE LA SECCIÓN GENERAL, AHÍ DONDE
NACE EL MOSH PIT, MUY CERCA DEL ESCENARIO, DONDE SE VIBRAN Y SE DISFRUTAN DE
MEJOR MANERA LOS CONCIERTOS DE ROCK.
Black Sabbath, el alma mater del Heavy Metal se despidió de México con un épico último concierto,
y por supuesto que Rocktopía Mx estuvo ahí.
16 de noviembre, era una tarde lluviosa en la CDMX, como una premonición de lo que nos esperaba,
una atmósfera nublada y fresca, no podía haber un mejor clima para despedir a Sabbath. Llegué con
cierta anticipación al Foro Sol, como bastantes otras personas, se respiraba buena vibra entre todos,
nos sentíamos conocedores de la buena música y emocionados por compartir un acontecimiento de las
dimensiones del que estábamos a punto de vivir. En algún barecito de la zona aledaña al recinto varios
aprovechamos para relajarnos y beber unas cervezas muy relax mientras escuchábamos a Black
Sabbath y a otras buenas bandas de Metal, aguardando se abrieran los accesos al evento. *Saludos
al buen Charly Cuenca y al buen Carranza, dos camaradas metaleros que conocí aquella tarde, de esos
amigos que se conocen durante los buenos conciertos; no cabe duda, el Rock une a las personas*.
Más de 60, 000 personas reunidas para el místico evento inundamos el gran estadio. El público, en
su mayoría estaba conformado por verdaderos fans del cuarteto originario de Birmingham, Inglaterra;
fans de esos que han consagrado toda una vida a seguir fielmente la carrera de SU BANDA
MÁS AMADA; también, como en todos los conciertos, seguramente había uno que otro “asistente
cultural”, que ya sea por moda o nada más por unas cuantas rolas estaba ahí esa noche. La mirada de
muchos reflejaba nostalgia, naturalmente, CADA UNA DE LAS ALMAS PRESENTES EN EL FORO
SOL ATESTIGUARÍAMOS EL HISTÓRICO ÚLTIMO RECITAL DE BLACK SABBATH EN SUELO
MEXICANO. Durante el tiempo de espera para la aparición del grupo invitado Rival Sons, en las bocinas
del sonido ambiente sonó AC/DC como preparándonos para las altas dosis de Rock N’ Roll que
recibiríamos. Y llegó el momento de calentar motores con la banda abridora…
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UN TELONERO MUY ESTELAR: RIVAL SONS
LA BANDA MÁS GRANDE EN LA HISTORIA DEL HEAVY METAL
LE DIJO ADIÓS A MÉXICO
Llamado a escena para Rival Sons, banda estadounidense formada en 2008, integrada por Jay
Buchanan (vocalista/harmónica), Scott Holiday (guitarrista), Mike Miley (baterista) y Dave
Beste (bajista), más el músico que los acompaña en sus giras Todd Ögren-Brooks (tecladista)/percusiones).
A esta agrupación la conocí y la escuché por primera vez justo cuando se anunció que le
abriría el concierto en México a Black Sabbath, desde entonces me gustó bastante; ya en el toquín
me encontraba emocionado y preparado (familiarizado con varias de sus canciones) para presenciar
en vivo este acto, pocas personas compartían mi situación pues lo que prevalecía en el entorno era
la incertidumbre respecto a la calidad musical de los invitados. Los teloneros dieron un inicio electrizante,
literalmente, pues “Electric Man” fue la rola que abrió el recital, -Dotada de Riffs,
alta calidad vocal y un ritmo contagioso ¡Gran canción, es una joya rockera!-. A lo largo
de toda la actuación del conjunto de Hard Rock, prevalecieron los empujones pesados, los brincos,
algunos gritos eufóricos y en general una buena vibra y apreciación por este grupo. Una presentación
corta, 8 rolas interpretadas, de entre las cuales destacaron “Pressure and Time”, “Torture”, y
“Keep On Swinging”. Así, la banda sorprendió a un público que en su mayoría no esperaba gran cosa
pero que terminó aplaudiendo la técnica y la clase rockera de estos estadounidenses.
Si Black Sabbath eligió a los
Rival Sons para acompañarla en
su gira mundial del adiós (incluidas
fechas como Download
Festival en Reino Unido y Hell-
Fest en Francia (ambos festivales
son auténticos hitos de la
escena rockera/metalera global))
eso es una de las mejores
cartas de presentación posibles.
Sin duda, este año catapultó a
Rival Sons a las grandes esferas
del Rock Internacional. Y
es que, esta banda trae en la
sangre un Rock de otras épocas,
con esa esencia clásica y de
purismo; irónicamente, por momentos, el vocalista Jay Buchanan le da un parecido físicamente a
Ozzy Osbourne, en las juventudes de éste último, aunque en general, la agrupación, más que evocar
el sonido de Black Sabbath, remite a un gigante del Hard Rock: Led Zeppelin. Ya habrá tiempo
para compartirles más contenido acerca de Rival Sons en nuestra revista, por ahora basta con establecer
que en su primer examen ante el público mexicano, estos rockeros aprobaron con mención
honorífica, sorprendiendo y satisfaciendo a una audiencia que se quedó con ganas de conocer más a
fondo la música del grupo. A los integrantes de Rival Sons también se les notó emocionados y agradecidos
con la respuesta de los fans nacionales, seguramente el año 2017 nos traerá de vuelta a
este conjunto que rescata las bases del Rock en su concepción más natural.
Foto: Rick Horn
Pasadas las 21:30 horas llegó el momento tan anhelado, era turno de conectarnos con una de las
agrupaciones más grandes de todos los tiempos en el Rock N’ Roll. El público se estremecía, los
gritos “¡Sabbath, Sabbath, Sabbath!” y “Oe oe oe oee, Sabbath, Sabbath” ya eran incontenibles;
de pronto, en las pantallas gigantes se proyectó una figura demoniaca que estalló para dejar al descubierto
el clásico logotipo de Black Sabbath, adornado con llamas por doquier, como una enorme
bola de fuego. Fue entonces que uno a uno aparecieron en el escenario los integrantes del grupo:
Geezer Butler (bajista), Ozzy Osbourne (cantante), Tony Iommi (guitarrista) y el agregado
para esta gira del adiós Tommy Clufetos (baterista); ya sobre el escenario Ozzy gritó “¡Mexico!”
eso bastó para desatar la locura total en los fans: más gritos, empujones y un ambiente pletórico
eran lo que se vibraba.
La primera canción de la noche fue la homónima “Black Sabbath”, considerada como la pionera
en el género Heavy Metal; una apertura ideal. En vivo fue maravillosa; tenebrosamente lúgubre,
pesada y explosiva; Tony Iommi hizo sonar prodigiosamente los primeros Riffs de guitarra, las
notas brotantes del bajo guiado por Geezer Butler oscurecieron el ambiente, entonces apareció
la inconfundible voz de Ozzy Osbourne el príncipe de las tinieblas, todo complementado con
un acompañamiento sobresaliente por parte de Tomy Clufetos en la batería; parecía como si estuviéramos
escuchando el legendario álbum BLACK SABBATH (1970), ESTA BANDA SUENA
EN VIVO COMO LO QUE ES: UNA DE LAS MEJORES DE TODOS LOS TIEMPOS. La parte
final de la rola, misma en la que aparecen los Riffs más pesados y agresivos, permeó en todo el
público, empezamos a brincar y se armaron algunos Mosh Pits; Ozzy cerró gritando “We Love You
Mexico!” (“¡Te Amamos México!”), palabras que nos estremecieron, un inicio de concierto ÉPICO.
Turno para “Fairies Wear Boots”, la cual, sin ser de las más populares, me atrevo a señalar es una
de las mejores creaciones en la trayectoria de Sabbath, llena de Riffs y poseedora de una letra
mágica e irónica; fue una de las mejores de la noche. Sobresaliente ejecución que nos incitó al
headbanging, mismo que se mantendría casi durante todo el recital -La rola genera la sensación
de estar rebotando en la oscuridad de la noche ¡Esto es Black Sabbath, esto es Heavy Metal
en su más pura esencia!-.
Foto: Gabriel Lemus Granados
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La tercera entrega fue la impresionante “After Forever”, los ingleses sonaban como una bestia
proveniente de las más profundas tinieblas, Riffs atascados, ruido, mucho ruido pero con calidad.
El headbanging fue inevitable y casi obligatorio, ese ritmo pesado bombeaba desde el corazón y
recorría las venas de cada uno de los asistentes. Los empujones, patadas y pisotones estaban a
la orden ¡UN AUTÉNTICO CONCIERTO DE ROCK!
“Into The Void” detonó como una supernova y fue una de las canciones más pesadas de todo el
concierto; este acto se lo llevó sin duda Iommi, total lucimiento del guitarrista creador de los
Power Chords, los virtuosos Riffs tuvieron su clímax con el fantástico solo de guitarra que da
pauta a la parte más agresiva y veloz de la rola, misma en la que algunos nos dejamos ir entre
explosiones sonoras que desembocaron en Mosh Pits, headbanging y empujones; sacudió cada
fibra de nuestro ser.
El quinto tema del recital fue “Snow Blind”, una de las clásicas de la banda, reflejo de su lado
más enfermo y destructivo, ¿Qué rol tuvieron/tienen las drogas en la carrera de Black Sabbath?
Uno muy importante, tanto que inspiraron piezas como ésta, claramente influida por la cocaína;
sin embargo, el consumo de sustancias alucinógenas por parte de estos rockeros se torna irrelevante
cuando aparecíamos su música, esa está por encima de todas las cosas y quedó demostrado
con la brillante interpretación de “Ceguera de Nieve”.
Uno de los momentos más exitosos del concierto llegó con la apocalíptica “War Pigs”, una de las
más populares y clásicas del grupo. Siempre que escucho esta canción vienen a mi mente la élite
del poder (banqueros, petroleros, entre otras cúpulas) y los políticos que manejan el sistema,
todos ellos son personajes llenos de maldad; pero, tengo la certeza de que algún día tendrán su
merecido, ya sea por obra de dios o por obra del mismísimo satanás, como lo establece precisamente
“Cerdos de la Guerra”. Fue una de las más coreadas de todo el recital, tocada magistralmente.
La séptima entrega fue “Behind The Wall Of Sleep”, no prendió mucho al público y generó cierta
calma para apreciar en todo su esplendor el talento del cuarteto metalero; así, se dio paso a
un efímero pero sublime interludio surgido del bajo de Butler -¡ASOMBROSO, QUÉ TÉCNICA,
QUÉ CALIDAD, GENIO! UNO DE LOS MEJORES BAJISTAS DE TODOS LOS TIEMPOS-.
Enseguida sonó la que es probablemente la rola más ocultista de Black Sabbath, una de las más
esperadas por muchos, entre los que me incluyo: “N.I.B.” (New In Box). En aquel momento todos
recibimos un “Nuevo Mensaje”, cortesía de LUCIFER. Una letra sorprendente, pasión y seducción,
¿Qué pasaría si el mismísimo satanás se enamorara de ti?, la rola transita entre deseos,
promesas y magia que pueden hacer realidad todos tus sueños y prácticamente convertirte en
dueña o dueño del mundo; la eternidad de algo más poderoso e incompresible nos sedujo profundamente
y nos llevó al éxtasis. Los majestuosos Riffs tanto de Butler como del maestro Iommi,
así como los batacazos potentes de Tommy Clufetos, más el estilo vocal único en el mundo que
posee Ozzy Osbourne, hicieron que la canción se apreciara como lo que es, una auténtica obra de
arte… ¡SUBLIME, MAJESTUOSA! Uno de mis momentos favoritos de la noche.
Entonces tuvimos UNA SORPRESA NEGATIVA, antes del concierto varios habíamos estudiado
el setlist oficial del The End World Tour, por lo tanto, creíamos que la siguiente en la lista
sería “Hand Of Doom”, pero la canción no apareció, pensé -Probablemente por la emoción del
momento me confundí en el orden de las rolas, tal vez la toquen más adelante-, no sería así.
Con la supresión de “Hand Of Doom” muchos nos encabronamos y nos entristecimos. Los legendarios
rockeros privaron al público mexicano de escuchar en vivo una de sus mejores canciones;
nos quedamos con el alma y con el corazón llenos de ganas de headbangear y armar el Mosh Pit
con esa auténtica joya. ¿Por qué no la tocaron? Hay toda clase de teorías pero al menos yo, no lo
sé a ciencia cierta. Una fecha antes, en el cierre de su gira por E.E.U.U.A., en Texas; tampoco la
tocaron, pero una fecha después, en Chile, sí lo hicieron, aunque posteriormente, en Argentina
y en Brasil tampoco le dieron a sus fans el privilegio de escuchar la gran canción, en fin, UNA
VERDADERA LÁSTIMA. *Fuente: setlist.fm*
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Facebook: Ozzy Osbourne

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Foto: Gabriel Lemus Granados
La novena rola en aparecer fue
“Rat Salad”, tema instrumental
que sin Ozzy en el escenario,
permitió al resto lucirse como
masters (otra vez)... Momento
para el épico, magistral y titánico
solo de batería cortesía de
Tommy Clufetos, un solo que duró
aproximadamente 8 minutos; el
estadounidense de 36 años de
edad lució imponente manejando
a su antojo el bombo, los toms,
la tarola y los platillos. Al
iniciar el concierto algunos estábamos
de románticos mal plan, es
decir, de sentimentales y resentidos
-Jaja- o sea que estábamos
gritando consignas a favor de Bill
Ward (baterista original de la banda), quien evidentemente es muy querido por todos los fans de
Black Sabbath; pero durante el solo de batería de Clufetos me puse a reflexionar (seguramente
como muchos otros) que él es el presente de la agrupación y merece respeto, los fans nada podemos
hacer para arreglar las diferencias entre Ozzy y Bill, o para “corregir” los desmadres que supuestamente
provocó Sharon Osbourne entre los integrantes del grupo, en fin, verdaderos chismes de
lavadero que no nos competen en Rocktopía Mx. Otra cosa que tampoco nos compete ni a los medios
de comunicación ni a los fans (independientemente de nuestro derecho a expresarnos) es la
toma de decisiones al interior de Black Sabbath. El asunto del baterista elegido para el The End
World Tour lo decidieron Ozzy, Tony y Geezer, en suma con quien o quienes sí tienen injerencia en
tales determinaciones. Así es la vida, no sólo en las bandas de Rock, a lo largo de este viaje personas
especiales aparecen y desaparecen de nuestro lado, y el estar o no estar en determinado momento
no establece la importancia de esas personas, la trascendencia de esos seres radica en el amor y en
lo bueno o malo que nos brindaron precisamente cuando estuvieron presentes; luego entonces, recordar
a Bill Ward y su legado en la agrupación es un merecido homenaje; sin embargo, es momento
de aceptar y disfrutar el presente de Black Sabbath. Tommy Clufetos dejó claro que tiene un estilo
propio y un nivel extraordinario, el baterista que Black Sabbath eligió para acompañarla en su gira
de despedida alrededor del mundo puso en estado de shock a todo el maldito Foro Sol -¡Ofreció un
solo de bataca que firmaría cualquiera de los grandes bateristas de la historia! Clufetos rifó
como lo que es: uno de los más técnicos de nuestros tiempos. Mostró un ritmo brutalmente
agresivo y constante que se prolongó durante un lapso extenso ¡ES UNA BESTIA!-. Después,
el propio baterista marcó el ritmo de UN INTRO INCONFUNDIBLE: “Iron Man” se hizo presente
y el público enloqueció aún más… “Oohh uooohh oooohh uooohh” coreábamos extasiados todos los
fans… las 3 leyendas del Heavy Metal regresaron al escenario para tocar la que es probablemente
la segunda rola más popular de Black Sabbath, apareció esa voz, esa que no es precisamente la de
“un cantante extraordinario” pero que igual nos estremece, el inconfundible tono de Ozzy Osbourne:
“Has he lost his Mind?, Can he see or is he blind?...”, así inició y continuó “El Hombre de Acero”,
misma que fue cantada al unísono por todo el Foro Sol, UN MOMENTO IMPRESIONANTE.
“Dirty Women” nos deleitó; gran ejecución, técnicamente sobresaliente; muestra del legado musical
que los padres del Metal Pesado le han dejado al mundo -¡Buenísima!-.
La penúltima canción de la noche fue “Children Of The Grave”, uno de los himnos más famosos
y amados por los fans de Sabbath en todo el mundo. Contrario a la satanización (literalmente) del
Heavy Metal, esta rola contiene un mensaje que intenta brindar amor y luz a la humanidad. Retumbó
como un grito, como un llamado a la unión y a la acción. El mundo vive momentos de convulsión: guerras,
muerte, destrucción; a pesar de lo anterior, la esperanza de un presente y de un futuro mejores
está en nuestras manos -Todos los seres humanos un día seremos “Los Hijos de la Tumba”, ¿Qué
estamos esperando para hacer nuestra parte y generar un cambio positivo en el planeta?-. Como
vislumbrando el inminente final los fans supimos que ese era el instante preciso para perder la cabeza
y dejarnos llevar entre Mosh Pits, brincos y empujones; el ritmo voraz nos motivó, SIN DUDA EL
MOMENTO MÁS LOCO DE TODO EL CONCIERTO. Tras la interpretación, los integrantes de Black
Sabbath abandonaron el escenario mientras agradecían sentidamente al público, esto dio paso a un
brevísimo encore (creo que ni siquiera alcanzó los 5 minutos).
Con el típico cántico mexicano: “Oe oe oe oee” + “Sabbath, Sabbath”, recibimos al alma mater del
Heavy Metal de vuelta en el escenario. Con el cuarteto adueñado nuevamente de la tarima el adiós
definitivo era inminente; la última rola de la noche (la número 13) fue “Paranoid”. Los auténticos
fans de Black Sabbath tenemos la certeza de que “Paranoid” NO ES LO ÚNICO BUENO QUE HA
HECHO LA BANDA EN SU CARRERA Y QUE DE HECHO, TIENE MÁS Y MEJORES CANCIONES
QUE ESA, PERO TAMBIÉN DEBEMOS RECONOCER TODA SU IMPORTANCIA. Se trata del clásico
más popular de la agrupación, es la rola que han escuchado y seguirán escuchando generaciones y
generaciones de personas en todo el mundo. “Paranoid” es más que una canción de Black Sabbath, ES
UNA DE LAS MEJORES CANCIONES DE TODOS LOS TIEMPOS. La noche del 16 de noviembre la
rola fue tocada con euforia y con amor ante un público que dio lo último de sí brincando, cantando y
empujando; se generó cierto caos que casi nos hacía caer al suelo una y otra vez, un intenso mar de
gente extasiada por la despedida de Black Sabbath se movía de un lado a otro. Aquella noche, cada
uno de los asistentes al Foro Sol fuimos afortunados de escuchar “Paranoid”, interpretada en vivo
en territorio mexicano por última vez en la historia, UNA CULMINACIÓN APOTEÓSICA. Ozzy
Osbourne intentó emular nuestra porra: “Ooh, oohh Oohh Ooohh”, coreó por un instante el vocalista,
después, uno a uno, los integrantes de la banda se despidieron (brevemente pero notoriamente
agradecidos con México); Ozzy nos brindó 2 últimas frases: “Thank You, Good Night. You Are The
Fucking Best!” que traducida al español-mexicano diría más o menos así:
(“Gracias, Buenas Noches ¡Son
Los Más Chingones!”) y “Thank
You So Much For Come Tonight
to See Us. Mexico We Love You”
(“Muchas Gracias Por Venir a
Vernos Esta Noche. México
Te Amamos”). Alrededor de las
23:14 horas llegó EL FINAL;
los fans, totalmente conmovidos
despedimos a nuestra amada
banda con el mismo cántico que
se repitió en varios momentos
del recital: “Oe oe oe oee,
Sabbath, Sabbath”.
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Foto: Ricardo César

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CONSUMADO ESTA
Durante aproximadamente una hora con cuarenta y cinco minutos Black Sabbath tocó como en sus
mejores épocas, con un rendimiento tan parejo que es realmente imposible elegir “lo mejor de la noche”;
sin embargo, se presentaron momentos más destacados que otros, a fin de cuentas, cada uno de
los asistentes tendrá su propia lista de momentos favoritos, mismos que deseo hayan podido revivir
a través de esta reseña; o si no tuvieron la dicha de asistir al evento, al menos puedan imaginar lo
ocurrido aquella épica noche.
El concierto fue un efímero pero nutrido recorrido por la extensa trayectoria de la agrupación. El
setlist no mostró mayor modificación respecto a lo presentado por la banda en lo que va de su gira
mundial durante todo el año, salvo la ya mencionada ausencia que marcó la noche: “Hand Of Doom”,
de las 14 rolas normalmente programadas en The End World Tour, Sabbath sólo nos ofreció 13, pero
aun así FUE UN CONCIERTO MARAVILLOSO.
A pesar del setlist tan corto que han brindado durante su gira del adiós a lo largo de todo el planeta,
tocar tantos conciertos en un año, en suma con los viajes a varios países no debe ser nada sencillo
para los 3 integrantes originales de Black Sabbath, quienes están cerca de cumplir los 70 años de
edad (Ozzy tiene 68 años al igual que Tony Iommi, mientras que Geezer Butler tiene 67 años). No
obstante lo anterior, yo la neta los vi enteros y despidiéndose con dignidad, vaya, no son The Rolling
Stones (esos dejan atónito a cualquiera con su estado físico respecto a su edad), pero los 3 integrantes
originales del Sábado Negro están bien conservados, más allá de que no gozan precisamente de
un “excelente estado de salud”. No son los años 70’s y no estamos ante la plenitud de la agrupación
pero la misma mantiene intacta su esencia rockera. Estos británicos se mueven poco en el escenario,
quizás la edad, quizás esto o lo otro; lo importante es que no necesitan hacer gran faramalla pues
lo suyo es tocar y lo hacen a la perfección, TODA LA ENERGÍA QUE POR MOMENTOS PARECE
“INEXISTENTE” EN SUS CUERPOS, DETONA EN DIMENSIONES INCONMENSURABLES A
TRAVÉS DEL HEAVY METAL QUE REGALAN. Mirando al príncipe de las tinieblas Ozzy Osbourne
en varios momentos de la tocada recordé como lucía en su juventud, ese lunático que se convirtió
en uno de los más grandes rockstars de todos los tiempos sigue siendo único, basta con verlo, con
escucharlo y con sentir su buena onda para amarlo; Tony Iommi destaca en todo momento como un
auténtico Guitar Hero, a él le debemos la existencia del Heavy Metal, es el padre del género; Geezer
Butler es un virtuoso dotado de técnica, además, su notable trabajo lírico durante toda la trayectoria
del grupo lo convierten en la mente maestra detrás de Black Sabbath; el baterista invitado
Tommy Clufetos está a la altura que exige ser integrante del grupo más grande en la historia del
Heavy Metal, -¡Qué clase de banda carajo!-.
EL BALANCE FINAL: Un público totalmente entregado a su banda, headbanging en todo momento,
Mosh Pits (pocos y no tan intensos), muchos empujones, patadas y pisotones; uno de esos conciertos
que dejan estragos en el cuerpo pero el alma satisfecha, cada moretón en las piernas y en los brazos
valió la pena. Felices, satisfechos y con el inevitable sentimiento de nostalgia, cada uno de los fans
nos dispusimos a regresar a nuestros respectivos puntos de origen, NUNCA MÁS PRESENCIARE-
MOS UN CONCIERTO DE BLACK SABBATH EN MÉXICO.
En febrero del 2017 se consumará totalmente el final de Black Sabbath, el Metal va a perder a su
génesis, el Rock va a perder a uno de los grupos más trascendentales de toda su historia. SI TAN
SÓLO PUDIÉRAMOS DETENER EL TIEMPO Y HACER ETERNO EL CONCIERTO QUE VIVÍ-
MOS. DE CIERTA FORMA, LA NOCHE EN LA QUE BLACK SABBATH LE DIJÓ ADIÓS A
MÉXICO VIVIRÁ POR SIEMPRE (EN NUESTRA MENTE Y EN NUESTROS CORAZONES). ♪
Setlist
Foto: Gabriel Lemus Granados
1. Black Sabbath
2. Fairies Wear Boots
3. After Forever
4. Into The Void
5. Snow Blind
6. War Pigs
7. Behind The Wall Of Sleep
8. N.I.B.
9.- Rat Salad + Solo de batería de Tommy Clufetos
10. Iron Man
11. Dirty Women
12. Children Of The Grave
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13. Paranoid
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Facebook: Ozzy Osbourne

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Tracklist: CD 1
1. Hardwired
2. Atlas, Rise!
3. Now That We’re Dead
4. Moth Into Flame
5. Dream No More
6. Halo On Fire
Sello: Blackened Recordings – Productor: Greg Fidelman
Género: Thrash Metal/Heavy Metal
Noviembre - reseña de álbum
CD 2
1. Confusion
2. ManUNkind
3. Here Comes Revenge
4. Am I Savage?
5. Murder One
6. Spit Out The Bone
EL RESURGIR DEL TITAN
Revista Rocktopía Mx
8 años después Metallica publicó un nuevo álbum de estudio.
El antecedente inmediato era DEATH MAGNETIC (2008), el cual tuvo
críticas más o menos favorables tanto de especialistas como de fans, por lo tanto,
las expectativas en torno al regreso de la banda eran muy altas, como siempre que se trata
de Metallica. Algunas rolas del nuevo álbum vieron la luz de manera prematura respecto al
alumbramiento de toda la obra: “Hardwired”, “Moth Into Flame” y “Atlas, Rise!”, mismas que
tuvieron una de las mejores aceptaciones jamás vistas alrededor del planeta, casi reconciliatorias
con los viejos fans de la agrupación y reivindicatorias ante los críticos furtivos; los tracks
ya daban una idea de lo que nos depararía el material discográfico en su totalidad. Así, el 18 de
noviembre del 2016 se publicó HARDWIRED… TO SELF-DESTRUCT, décimo trabajo de estudio
de la banda pionera del Thrash Metal. El compromiso en Rocktopía Mx siempre es tomar
la música en serio, por lo tanto, para dimensionar totalmente la calidad de esta nueva entrega
y poder emitir una crítica consciente de lo que Metallica nos ofrece en el presente había que
escuchar el álbum completo, analizar minuciosamente las bases musicales, las letras y hasta el
contexto musical-social-cultural que vivimos en nuestros días a nivel global. Metallica es una
de mis bandas favoritas en la vida, soy fan de corazón (eso no quiere decir que me guste todo
lo que la banda hace ni que no tenga objetividad), pero también soy comentócrata de Rock, así
que vinculando ambas facetas, ofrezco un trabajo imparcial cuya finalidad es brindarles a ustedes
lectores la mejor reseña posible para que después de leerla y por supuesto de escuchar
el álbum obtengan sus propias conclusiones y las identifiquen y/o contrasten con esta crítica.
-
Por: Gabriel Lemus Granados ▶ @LicenciadoRock
*Sugerencia: Escuchar el álbum y leer la reseña al mismo tiempo les brindará una experiencia
más completa.*
EL ENCUENTRO CON UN MONSTRUO DE DOS CABEZAS
(CD 1)
El álbum abre con “Hardwired”, inicio veloz, con el protagonismo de la batería que rápidamente
nos conduce a un ritmo frenético. Canción brutalmente devastadora, con un sonido que describo
como la remasterización del álbum de culto KILL ‘EM ALL (1983) con el que debutara
Metallica en la escena mundial. “Hardwired… to self-destrct” (“Cableado para autodestruirse”),
de principio a fin una maniática frecuencia que muestra el sobresaliente y extraordinario
trabajo de James Hetfield (vocalista/guitarrista rítmico), Lars Ulrich (baterista), Kirk
Hammett (guitarrista solista) y Robert Trujillo (bajista/coros).
“Atlas, Rise!” realmente conecta a la perfección con la canción que precede, -¡QUÉ LOCURA
DE RITMO! ESTA METALLICA ES LA QUE TODO EL MUNDO QUERÍA VOLVER A ES-
CUCHAR-. El título y el contenido lírico tienen implícita una connotación fantasiosa que versa
sobre “El Ascenso de Atlas”; según la mitología ancestral griega Atlas era un titán condenado
a cargar sobre sus hombros el cielo. Metafóricamente podríamos equiparar a Metallica
con Atlas y establecer que LA BANDA ES UN SER MITOLÓGICO QUE CARGA
SOBRE SUS HOMBROS TODO EL PESO DE LOS MALESTARES QUE
AQUEJAN A SUS FANS, MISMOS MALESTARES QUE SON
LIBERADOS AL ESCUCHAR LA MÚSICA DE SU AGRUPACIÓN
FAVORITA, LO CUAL PERMITE GENERAR UNA ... →
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Noviembre - reseña de álbum
Revista Rocktopía Mx
CATARSIS Y ASCENDER JUNTOS; -¡LA ROLA ES PODEROSA!, una de las mejores de todo el álbum-.
Con esta pieza el cuarteto grita con fuerza tanto a sus fans como a sus detractores: “¡Metallica
manda!”, -¿ESTAMOS ANTE EL RESURGIR DEL TITÁN?-, es muy pronto en este viaje a lo largo del
material discográfico como para dar una respuesta.
Turno para la que es mi favorita del disco 1: “Now That We’re Dead”, -¡Qué clase de rola!- se encuentra
en el justo medio entre las rolas devastadoras/agresivas y las clásicas Power Ballads de Metallica. Con
un ritmo más disfrutable, constante, guiada por los mágicos Riffs del líder en las cuerdas Kirk Hammett,
acompañado por esa pareja que ya lo conoce como si fueran amantes (en términos de cohesión musical),
y es que tantos años de unión en la banda hacen que James Hetfield y Kirk lleven a la materialización
una explosión de distorsiones fabulosa. La letra refleja oscuridad total y remite a la vida después de la
muerte, el más allá en donde nada importa, en donde nos encontraremos inevitablemente tanto santos
como pecadores, trascendiendo a otras dimensiones, a otras realidades; el track hace cierta alusión a...
→
“Dream No More” mantiene la furia, rítmicamente se torna más lenta y pesada, es otro guiño al sonido
del sublime y majestuoso METALLICA/BLACK ALBUM, me recordó a la clásica “Sad But True”. Destaca
James y su estilo único en la interpretación: con matices de miedo, enojo y burla; letra a través de la
locura y la fantasía, es como sumergirse en el océano de nuestras peores pesadillas, genera una atmósfera
oscura y aterradora, incluso me recordó la letra de “Enter Sandman”. Durante “Dream No More” el
protagonista es Cthulhu, un monstruo irreal, obra de la literatura terrorífica de H.P. Lovecraft, referencia
que la banda ya había utilizado en la canción: “The Call Of Ktulu”, contenida en el devastador álbum
clásico RIDE THE LIGHTNING (1984).
Momento de terminar el primer disco con “Halo On Fire”, la letra refiere una batalla interna entre la
oscuridad y la luz, tiene un corito melódico y algo pegajoso, como invitando a cantar a todo pulmón; sobresalen
la voz de Hetfield (quien se muestra como un buen cantante) y los cambios en el ritmo/rasgueos
de la guitarra por parte de Hammett. La rola suena muy suavecita en comparación con la línea que...
→
las relaciones infructuosas. El nivel de la rola es muy bueno, -Encajaría a la perfección en METALLI-
CA/BLACK ALBUM (1991)-.
Llega “Moth Into Flame”, musicalmente es una pieza contundente en la que sobresale el trabajo de Lars
con su característico doble pedal; la letra es bastante metafórica ¿A qué se refiere “Polilla en la Flama”?
Claramente es un ataque a la música pop y a toda la industria musical en general. “Same rise and fall,
Who cares at all?, Seduced by fame, A moth into the flame, Addicted to the fame” (“Da lo mismo
subir que caer, ¿A quién le importa?, Seducidos por la fama, Una polilla en la flama, Adicción a la
fama”). Fama, algo de lo que más se le ha criticado a Metallica hasta llevarla a su crucifixión. Metallica
es una de las bandas más populares de todo el planeta (popularidad que bien podría compararse a la de
los popstars), es 100% mainstream, pero eso no le resta calidad. Cuando nos referimos al éxito comercial
en una industria controlada por los intereses que tratan a la música como una mercancía más, no podemos
meter a todos en el mismo saco. -No es lo mismo vender millones de copias de álbumes y llenar estadios
en varias fechas alrededor del mundo siendo un popstar (“artista” prefabricado, básicamente
hecho para alcanzar ese y otros objetivos de penetración en las grandes masas de consumo), que
hacerlo siendo un grupo que toca Metal Pesado. Lograr lo anterior para nada es algo fácil, incluso
era algo INIMAGINABLE hasta la explosión comercial de Metallica en los años 90’s-.
mantenía el disco hasta ahora, definitivamente se aleja del sonido más pesado y salvaje, debido a esto,
no termina por consolidarse. Así llegó la culminación de la primera parte del HARDWIRED… TO SELF-
DESTRUCT.
El rendimiento del CD 1 es muy parejo y de alta categoría, -Estoy gratamente impresionado, si tuviera
que calificarlo le pondría 9-. Pero como este material es un trabajo que aún tiene 6 piezas más por
ofrecer hay que esperar para tomar un veredicto tan “arriesgado” y tan favorable a Metallica, -¡Carajo!
que raro es sentirse mal por elogiar a los padres del Thrash Metal. Tal vez tantos años de escuchar
y leer tanta basura y mala vibra por parte de los detractores de esta banda han hecho estragos
en mi percepción; de inmediato me digo a mí mismo que a pesar de lo que opinen los haters ésta
ha sido una buena mitad y cualquiera que la escuche puede comprobarlo-. El gran nivel de la primera
parte de la obra es suficiente para establecer desde ahora que lo de Metallica en este 2016 constituye
un buen regreso al mundo del Metal, del Rock y de la música en general.
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Noviembre - reseña de álbum
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LA OTRA MITAD DEL ENTE (CD 2)
“Confusion” da inicio a la segunda parte del material. Buena rola, pesada y llena de ira; líricamente similar
a la etapa del desafortunadísimo ST. ANGER (2003). “Confusion, All sanity is now beyond me,
Delusion, All sanity is but a memory, My life… The war that never ends” (“Confusión, Toda cordura
está más allá de mí, Engaño, Toda cordura es sólo un recuerdo, Mi vida… La guerra que nunca
termina”); una de esas letras que se clavan en lo más profundo de la mente, introspectiva y con demencia
brotante, cuando los propios pensamientos nos aturden.
Aparece en el recorrido mi canción favorita del disco 2: “ManUNkind”. Contó con la sorpresiva colaboración
de Robert Trujillo en la composición de la letra; musicalmente la coloco entre las mejores de
todo el material discográfico; transmite esa sensación de poder; tras una breve introducción melódica
de inmediato aparecen estruendos que parecen surgidos de una tormenta; el cuarteto detona con Riffs
cabrones, mismos que exigen headbanging y elevan a un estado hipnótico, de trance, de total conexión
con la banda. Los vaivenes rítmicos hacen que la rola vaya de potente a pesada y de pesada a más pesada,
muy ruidosa, se vuelve algo emocional: “El hombre como rehén de su mente”. Hammett se luce con extraordinarios
solos en distintas partes del track; James emite una voz deliciosamente lúgubre, batería
densa y un bajeo potente son el complemento ideal; -100% disfrutable ¡Es metal puro!-.
“Am I Savage?”, una canción que bien podría identificarse con los cambios en nuestra personalidad
durante diferentes etapas de la vida, esa delgada línea entre el bien y el mal, tan fácil perderse a uno
mismo en el camino, como una infección que se propaga y transforma algo dulce en ácido. El sonido de
esta rola es más apegado a las épocas del LOAD (1996) y del RELOAD (1997) (obras que encumbrarían
aún más a Metallica como una de las bandas más exitosas comercialmente en todo el mundo, pero que
también la alejarían de algunos de sus fans); lo anterior deviene en que el estilo manejado hasta ahora
en este disco 2 cambie y el nivel decaiga, -Encontré la peor canción de todo el álbum-.
A punto de despedir el disco, la penúltima entrega da paso al MOMENTO ROMÁNTICO (esto entendido
en el contexto de la escena metalera y rockera a nivel global). Fue apenas el 28 de diciembre del año
anterior que uno de los rockstars más grandes de nuestros tiempos abandonó este plano existencial, se
trató de Sir. Lemmy Kilmister, líder de Motörhead; toda la rola “Murder One” es un evidente homenaje
que intenta narrar la vida de éste personaje, quien era un amigo entrañable de Metallica, por lo tanto,
en la rola se notan el amor, el respeto y la admiración que la mamá del Thrash tenía y aún conserva por
Lemmy. “Hear your thunder, Still feeding back, Still hear your thunder, The man in black.” (“Escucho
tu trueno, Todavía retroalimentando, Todavía escucho tu trueno, El hombre de negro.”). “Born
to lose… Living to win” (“Nacido para perder… Viviendo para ganar”), la legendaria frase del músico
inglés transita por varios pasajes y cierra la emotiva pieza.
“Here Comes Revenge”, como lo indica el título la letra gira en torno a la redención (sobre todo con uno
mismo) y a la venganza, -Es como cavar en lo más profundo y oscuro de nuestro ser-. Decorada con
brutales guitarrazos, sumados a breves pero prodigiosos solos del master Kirk quien se luce otra vez en
la lira. La canción mantiene el buen nivel del disco y oscurece aún más la atmósfera del mismo, como si
dentro de esa tormenta en la que ya estábamos inmersos aumentaran en cantidad las nubes y los truenos.
Es la letra más sombría de todo el álbum, con sentimientos de odio y alienación que el Metal expresa a
la perfección. “You ask forgivness, I give you sweet revenge.” (“Tú pides perdón, Yo te doy dulce
venganza.”) -¿Así o más claro de qué va la rola?-. Es otra de las mejores del álbum en su totalidad,
-¡Esta es la Metallica del presente, y cuando se lo propone todavía suena como en sus mejores
épocas-.
La última canción del disco 2 y de todo el material es “Spit Out The Bone”. Posee la característica que
alguna vez situó a Metallica como la más rápida y la más pesada en el mundo del Thrash Metal: -¡Un ritmo
muy maniático! (estilo similar a una clásica de la agrupación: “Whiplash”, a la que por cierto, no le
llega ni a los talones, esa está a otro nivel)-. La letra de “Spit Out The Bone” es muy crítica de un
sistema que se ha apoderado de nosotros, que metafóricamente nos come y después “Escupe El Hueso”;
además, parece una premonición apocalíptica respecto al futuro que nos espera debido a “la evolución” de
las máquinas tecnológicas, nuestras propias creaciones como arma para nuestra propia destrucción (evidente
y última referencia al título del álbum: HARDWIRED… TO SELF-DESTRUCT). El tema realmente
invita a reflexionar sobre la realidad que vivimos y construimos; incluso se fortalecen algunas teorías
conspiranóicas: -Si ustedes también son de esos “locos” (como yo) quienes creemos/sabemos que una
élite malvada controla el mundo a través del puto sistema esta rola se los confirmará-.
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El track es muy veloz y muy furioso, lleno de demencia; sin perjuicio de lo anterior, no termina por convertirse
en parte de lo mejor de la obra discográfica en su totalidad; sonar ruidoso a un ritmo meteórico
no siempre es sinónimo de sonar bien.
El CD 2 es bueno pero no es tan constante como el que lo precede. No obstante, sumados ambos discos
y reseñadas las 12 nuevas canciones que Metallica nos ofrece, el resultado final del HARDWIRED… TO
SELF-DESTRUCT es BASTANTE BUENO.
A TITULO PERSONAL
En general, la atmósfera que transmite el álbum es apocalíptica y post apocalíptica, tanto en el aspecto
global como interno, sacudidas y altibajos que derivan en cambios en la vida y en el entorno de los
seres humanos. Técnicamente el cuarteto mantiene intacta su capacidad, al tocar siguen siendo unos
verdaderos masters: James Hetfield demuestra que grabando su voz en
el estudio es un experto y que su talento como guitarrista complementa
perfectamente la banda; Lars Ulrich se muestra veloz y devastador
en la batería, siempre retador; los 2 miembros fundadores de
Metallica cargaron con el peso específico de las letras en este
trabajo. Por otra parte, Kirk Hammett ha declarado que durante
la concepción del álbum, fue relegado de las partes
creativa y lírica, a pesar de lo anterior, el virtuoso guitarrista
recorre todo el viaje a través de 12 canciones derrochando
prodigiosos solos y Riffs estridentes prácticamente
en todas las pistas, además, ha declarado
que tiene muchos más Riffs y letras esperando uti- lizarse para futuros trabajos de Metallica;
Robert Trujillo aporta una base rítmica y un
acompañamiento magistrales, con constantes
explosiones provenientes de las notas de su
bajo, el músico con raíces mexicanas ya no
tiene nada que demostrar a estas alturas de su impresionante trayectoria, sencillamente reafirma
que él es la pieza ideal que com-
plementa a Metallica y la ayuda a funcionar como
una máquina ruidosa.
El veredicto final es que hay mu- chas más cosas positivas que negativas en este álbum; sin
embargo, de entre lo negativo des- taca el hecho de que el disco 1 supera al disco 2, esto genera una
percepción sobre la mala distribución de las canciones, pudo haber sido mejor, además, a lo largo de
todo el álbum algunas rolas no terminan por consolidarse y convertirse en totalmente buenas, dejan la
sensación de que pudieron dar un poco más.
HARDWIRED… TO SELF-DESTRUCT no es ni será un clásico de Metallica, pero es una entrega de
alta calidad, suena como una bestia salvaje de dos cabezas, cautiva y buscando liberarse.
Inevitable la comparación entre este nuevo álbum y el previo DEATH MAGNETIC (2008), en la conciencia
colectiva denominada internet ya hay infinidad de opiniones respecto a cuál álbum es mejor,
-¡Esas malditas comparaciones! No podemos medirlos igual. El presente siempre es único, el pasado nunca
regresa y el futuro es incierto, entonces ¿Por qué comparar dos momentos equidistantes en el tiempoespacio?,
¿A poco ustedes se comportan exactamente igual que ayer? Algo, desde lo más mínimo hasta
lo más grande ha cambiado en cada ser humano con el paso del tiempo, nuestras células se mantienen en
constante regeneración, diario cambiamos de ropa (excepto nuestra playera favorita de Metallica jaja).
En fin, si comparamos las dos entregas más recientes de Metallica, encontraremos que DEATH MAG-
NETIC es un trabajo más salvaje, más rudo, más pesado, aunque algo comprimido sonoramente; por otra
parte, HARDWIRED… TO SELF-DESTRUCT es más completo en su contenido, rico en esa versatilidad...
→
que ha caracterizado a Metallica durante su carrera. Para mí, no cabe la menor duda de que estos metaleros
superaron su anterior trabajo, sin que la diferencia llegue a ser de grandes dimensiones-.
-Sí, ya sé, TAL VEZ NUNCA MÁS TENDREMOS “TOTALMENTE DE REGRESO” A LA VIEJA META-
LLICA, ESA DE LOS ÁLBUMES: KILL ‘EM ALL, RIDE THE LIGHTNING, MASTER OF PUPPETS (1986),
…AND JUSTICE FOR ALL (1988), y METALLICA/BLACK ALBUM; todas obras que hicieron historia y
erigen a la agrupación como una de las mejores de todos los tiempos, pero si nos ponemos tan exquisitos
y exigentes como muchos fans y muchos haters lo hacen, hay que señalar que, incluso entre los mejores
álbumes de Metallica existen sus sustanciales diferencias: desde los integrantes, los productores, los
sellos discográficos, y un largo etcétera. Entonces ¿Cómo carajos una banda va a sonar siempre igual? ES
MUY IMPORTANTE TANTO EN EL ROCK COMO EN LA VIDA ENTENDER LOS CONTEXTOS TEMPO-
RALES, CULTURALES, ENTRE MUCHOS OTROS. Salvo contadas excepciones en el universo del Rock,
las bandas no pueden mantener un sonido y un estilo 100% igual en todos sus trabajos-.
Si bien HARDWIRED… TO SELF-DESTRUCT no está al nivel de los clásicos de Metallica, ES SÓ-
LIDO MUSICALMENTE Y TIENE DESTELLOS DE LO MEJOR DE VARIAS ETAPAS GLORIO-
SAS DE LA AGRUPACIÓN
A LO LARGO DE SU CARRERA, mismas etapas que ya fueron
específicamente referidas en la reseña.
CALIFICACIÓN: 9/10
A pesar de que elevé el grado de
exigencia, porque Metallica es una banda tan grande
que la exigencia hacia la misma debe ser de la misma magnitud, CALIFIQUÉ EL ÁLBUM CON
UN HONORABLE 9; tal vez todos los haters pensarán que un 9 es demasiado premio para este
material y -¿Qué creen? A Metallica no le importa ni mi opinión ni la de todos ustedes. Haters:
Neta, sí tanto les molesta Metallica fácil, dejen de escucharla. En el mundo en general ya es momento
de concéntranos en lo que realmente nos interesa y nos compete y no en criticar algo en modo automático
y sin fundamentar nuestros comentarios. Es bueno querer mejorar el mundo, es bueno tener claro
que nos molesta en la vida, pero todo cambio empieza por uno mismo. Si tan mala banda les parece Metallica,
hagan la suya, inicien como se debe: desde abajo, rockeando día y noche hasta ganarse un lugar
en la escena mundial ¿Difícil? Sí, hay muchos intereses que vician la industria musical, pero también
hay ejemplos de independencia, desde bandas hasta medios de comunicación como nuestra revista, la
premisa principal es que la actividad todo lo puede lograr. Demuestren que ustedes son mucho mejores
músicos que James, Lars, Kirk y Robert, y entonces, las puertas de Rocktopía Mx y seguramente de
todos los medios rockeros de comunicación, así como los oídos de los fans del Metal y del Rock en todo
el mundo, estaremos en disposición de conocer y difundir su música y sus nuevas propuestas-.
Por cuanto a mí corresponde ESTOY SATISFECHO CON EL REGRESO DE METALLICA. En 2008
DEATH MAGNETIC recuperó el buen sonido que se había esfumado con ST. ANGER. Ahora, con la
nueva entrega, no sólo se mantiene ese sonido sino que se da un paso al frente musicalmente, se nota
un progreso, mismo que por momentos, paradójicamente nos remite al pasado, de vuelta a las bases
que constituyeron a la gran Metallica; más allá de un constante Thrash furibundo, este álbum refleja
la esencia histórica de una de las mejores bandas de Metal de todos los tiempos. En esta ocasión, mis
facetas tanto de fan de Metallica como de comentócrata de Rock coinciden en lo siguiente: HARDWI-
RED… TO SELF-DESTRUCT NO ES UNO DE LOS MEJORES TRABAJOS EN LA CARRERA DE META-
LLICA, SE QUEDA CORTO PARA CONVERTIRSE EN UN CLÁSICO PERO SÍ TIENE LO SUFICIEN-
TE PARA MOSTRAR UN PROGRESO NOTABLE EN LA BANDA, METALLICA ESTÁ EN EL CAMINO
CORRECTO PARA REGRESAR A SU ESENCA Y DESDE ESTE MOMENTO PUEDO AFIRMAR QUE
ESTAMOS ANTE EL RESURGIR DEL TITÁN. ♪
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¿QUÉ SIGNIFICA EL ROCK PARA EL EQUIPO ROCKTOPÍA MX?
-Para mí, el Rock es uno de los amores de mi vida; desde mi infancia inicié a
escucharlo, en el presente continúo haciéndolo a diario. El Rock me acompaña
en los mejores momentos de mi existencia y también en los peores. No le
vendí mi alma al Rock, la conecté con él, conexión que nace desde el fondo
de mi corazón y corre por toda mi sangre; el Rock siempre está en mi mente,
está incrustado en mi médula espinal. El Rock es mi vida y mi vida es el
Rock. El Rock es energía que se transforma en Hard Rock, Rock Psicodélico,
Punk, Heavy Metal, Grunge, Indie Rock y un campo de infinitas posibilidades
como la creación misma, porque más allá de subgéneros, estilos y variantes,
el Rock es unicidad, es el cosmos-.
GABRIEL LEMUS GRANADOS
DIRECTOR GENERAL / EDITOR DE ESTILO / ESCRITOR
Definitivamente el Rock no es una simple palabra,
es una maravillosa forma de sentir: felicidad,
tristeza, enojo, tranquilidad, dicha, gozo,
fuerza, pero sobretodo AMOR. No se podría
hacer Rock en este mundo sin la presencia del
amor durante su creación. Es sencillamente LA
CONJUNCIÓN DE MUCHAS COSAS EN UN
TODO. Y como diría un verso de una canción
que me encanta: “No vivo del Rock, el Rock vive
de mí.”
SOWENZER00
EDITOR DE DISEÑO / ESCRITOR
-El Rock está conformado por todas las emociones y sentimientos que
se externan de la manera más hermosa: la música, y es precisamente
por eso que del Rock derivan tantos subgéneros; el Rock no discrimina
porque siempre hay una forma de este género musical que se adecúa a
cada individuo. En muchas ocasiones, el Rock también es lucha y protesta,
puede ser para muchos de nosotros el compañero ideal de cualquier
momento del día a día, una parte muy querida de la vida que nos hace
cantar, gritar, brincar y emocionarnos, se pueden decir muchas cosas
del Rock pero lo mejor es vivirlo y encontrarse en él sin tratar de encasillarlo-.
JOSS MOTZ
ESCRITOR
-A veces, el Rock es una guía espiritual; nos habla de lo que sentimos, de
lo que vivimos, de lo que soñamos. Otras veces, el Rock es un maestro que
nos enseña a NO comportarnos, nos reta, nos invita a vivir experiencias
nuevas como nuestra droga principal. Casi siempre, el Rock es una identidad,
un punto de interconexión alrededor de las canciones, de los discos,
de las formas de vestir, de los músicos. Otras ocasiones, el Rock es sólo la
música que nos gusta, la música con la que aprendimos a pasar nuestros momentos,
tanto los relevantes como los cotidianos. Quizá divague y más que
ese río inagotable de vivencias, de emociones, de identidad, de ideologías;
el Rock sea un ser que (así como nosotros) jamás acaba de construirse
MIGUEL BECERRIL
ESCRITOR
-El Rock And Roll para mí es realmente una
filosofía de vida. Recuerdo que desde mi más
tierna infancia, cuando empecé a formarme
como ser humano, el Rock estaba presente,
desde las influencias de lo que escuchaba mi
madre como The Beatles, Led Zeppelin, The
Rolling Stones; luego, con el legado de mi hermana:
Caifanes y Depeche Mode; parte de lo
que soy ha sido influencia de esa música. Las
canciones de Rock a veces se traducen en lugares,
en personas; el Rock es escuchar una rola
y transportarte a un momento en específico,
con olores, sabores, eso es fascinante, porque
así te vas formando a ti mismo, generando una
identidad. Sin el Rock yo no estaría aquí escribiendo
estas líneas-.
REBECCA DAZA VELASCO
ESCRITORA
-El Rock es omnipotente. La vida sería incomprensible sin su existencia.
Es la conjunción de varios géneros para que todos puedan expresarse.
El Rock es el oído, es el tacto, es el olfato, es el gusto, es la vista, es
escuchar tú canción favorita y sentir como se eriza la piel. El Rock es
Hendrix incendiando su guitarra en Monterey Festival, es Led Zeppelin
tocando “Moby Dick” y el solo de John Bonham en vivo en el Royal Albert
Hall, es el Woodstock Festival reuniendo fenomenales y míticas
bandas frente a multitudes en una muestra de amor y Rock and Roll, es
Freddie Mercury improvisando vocalmente en Wembley. Es todo eso y
mucho más. Es un universo interminable y maravilloso-.
RICARDO CÉSAR
ESCRITOR
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