JORINDE VOIGT PRESS 2006 to Now.pdf

4 DER TAGESSPIEGEL KUNST & MARKT
N
KUNSTStücke
Lackiert
hristiane Meixner lässt sich vom
Glanz der Bilder verwirren
ännerparadies“, das ist ein komischer
el für eine Ausstellung voller Streifener.
Für Ronald de Bloeme sind die horitalen
und vertikalen Abstraktionen alings
eine Ausbeute seiner Streifzüge
ch die Warenwelt: Er registriert von
KaugummiverpackungbiszurZigaretschachtel,was
Freiheit und Abenteuer
heißt und am Ende wieder nur Konmeint.
Bloemes Aneignung vercht
alle Spuren ihrer Herkunft und
cht aus den vertrauten Logos zeichente
Kompositionen, in denen vieles vert
wirkt, sich aber nicht identifizieren
t. Stattdessen beginnen die leuchtend
igen Lackstreifen zu tanzen und werdieBildräumedreidimensional,jelänman
in der Galerie Spielhaus Morrison
die großen Formate des niederländien
Künstlers schaut – ein perfektes
mpel für die Kraft der Malerei, Design
klaren Absichten in ein vieldeutiges
b- und Formrepertoire zurückzuverdeln
(Heidestraße 46, bis 28. Juli).
* * *
hochglänzendem Acryllack, dem
Farbpigmente beigemischt sind, artet
auch Stephanie Jünemann. Hier
r ist jedes Bild in der Galerie Krammig
epper (Torstraße 138, bis 28. Juli) ein
eis dafür, wie wenig es dieser Künstn
um eine strenge Konturierung ihrer
ifen und Gitterstrukturen oder jener
ise geht, die wie Pfauenaugen aus den
älden leuchten. Überall lösen sich
Muster auf und sorgen lasierende
bschichten für verwirrende Effekte.
rheit suggeriert bloß der Lack, der
blauen, grünen oder roten Schlieren
chzogen wird. Jünemann scheint
se fließenden Farbpfützen gerade
h kanalisieren zu können. Der Rest ist
e Malerei.
Der Bleistift zieht Kreise. Alltagsphänomene werden bei Jorinde Voigt zu Diagrammen. Foto: Doris Spiekermann-Klaas
Sie hat Cello gespielt. Früher. Ein „bildungsbürgerliches
Standardprogramm“
nennt die Berliner Künstlerin Jorinde
Voigt ihr Saitenspiel etwas abschätzig
und gibt doch zu, dass die Musik ihre
Kunst geprägt hat. Tatsächlich ähneln
ihre Zeichnungen den Partituren von
John Cage oder Karlheinz Stockhausen.
Jede Haarnadelkurve aus Liniensträngen
sieht aus, wie ein Glissando klingt.
Wenn es so einfach wäre. Voigts Tinten-
und Bleistiftzeichnungen auf Papier
in der Galerie Fahnemann Projects sind
aber keine Notenblätter (900–19000
Euro).IndenAlgorithmensteckteinkomplexer
Ideenkosmos, den die 30-Jährige
mit Engelsgeduld erläutern kann. Trotzdem
ist er schwer zu begreifen. „Ich arbeite
ganz konkret abstrakt“, sagt die in
Künstlerin mit schelmischem Unterton.
Voigt zeichnet auffliegende Adler, Bombenexplosionen
oder küssende Paare.
Aber zu sehen sind weder leibhaftige
Greifvögel noch Verliebte. Mit dem Stift
schreibtVoigtZahlenkolonnenhin,zeichnet
konzentrische Kreise, Pfeile und – vor
allem – Linien. Aus diesen konstruktiven
Elementen baut sie Zeichensysteme, deren
innovative Kraft den Betrachter anspringt
wie gerissene Cellosaiten. Man
staunt. Über Zweigstrukturen, die federleicht
über die Blätter tanzen. Oder über
unzählige Fäden, die wie Kette und
Schuss miteinander verwoben sind und
sichteilschaotisch ineinanderverwirren.
Die Zeichnerin aber muss den Überblick
behalten. Keinen Bogenstrich darf
sie vergeigen, sonst ist das Blatt hinüber.
Jorinde Voigt deutet auf ein besonders
zartes Fadenflechtwerk im Entrée der Ga-
Fieberkurve
Jorinde Voigt zeigt komplexe Zeichnungen bei Fahnemann Projects in Berlin
Von Jens Hinrichsen
lerie: „Elf Stunden täglich habe ich daran
gezeichnet, sechs Wochen lang. Das ist
wie Leistungssport.“
Die Arbeit lohnt sich. 2006 hat sie den
Herbert-Zapp-Preis für junge Kunst bekommen,
kürzlich auch den begehrten
Gasag-Förderpreis. Schon jetzt zieren
ihre Zeichnungen private und öffentliche
Sammlungen, so hat das Kupferstichkabinett
im vergangenen Jahr einen ihrer „Adlerflüge“
erworben.
Man hat die kurvenreichen, aber doch
zielstrebigen Zeichnungen im Hinterkopf,
wenn Jorinde Voigt ihren Weg zur
Kunst schildert.
In den Bildern
verbergen
sich Adler
und küssende
Paare
„Mit dem Cellospielen
habe ich nebenbei
sogar Geld verdient,
aber Berufsmusikerinwollte
ich
nie werden“, erzählt
die Künstlerin, die
inGöttingenerstPhilosophie
und Soziologie
studierte und
irgendwann in Berlin, in der Akademieklasse
der Fotokünstlerin Katharina Sieverding
landete. Dem Medium Fotografie
stand sie allerdings skeptisch gegenüber:
„Ich hatte das Gefühl, bereits gemachte
Bilder wurden immer wieder reproduziert",
sagt Voigt. Vor vier Jahren in IndonesienkamihrdanndieIdeemitdenNotationen.
Auf ihren Skizzenblock zeichnete
siezuersteineZeitleiste.Neben-undübereinanderwurdendannakustische,klimatische
oder olfaktorische Ereignisse notiert:
Mopeds, die vorüberfuhren, Radiomusik,
die aus Cafés erklang, Petroleumgeruch,
den der Wind herbeitrug.
„Heute sind die Anlässe utopisch“,
sagt Jorinde Voigt. 100 gleichzeitig star-
tende Adler wird man genauso wenig beobachten
können wie ein Paar, das sich
240 Minuten lang küsst. Auch haben sich
die Diagramme gewaltig differenziert.
Sie erinnern an Fieberkurven, Oszillogramme,
handgeschriebene Börsentabellen
oder Flugpläne – und manchmal an
alles auf einmal.
Als künstlerisches Rohmaterial dient
ein Reservoir an Symbolen individueller
Mythologie, die der Natur oder dem soziokulturellen
Bereich entstammen. Darunter
ist die Adlerfigur das komplexeste
Bild: „Ich denke an die symbolische, mythologische,
heraldische und biologische
Bedeutung des Adlers“, erklärt die Künstlerin.
Ihre Kunst strebt zur Totalität,
spinnt Weltmodelle.
Die einen berauschen sich bloß an der
formalen Dynamik dieser Zeichenfugen.
Die anderen wollen es genauer wissen.
Häufig greift Jorinde Voigt so wie auch
Mario Merz auf die sogenannte Fibonacci-Reihe
zurück, mit der im Jahr 1202
erstmals dynamische Geschehen (zum
Beispiel Kaninchenvermehrung) mathematisch
beschrieben werden konnte.
Voigts gezeichnete „Geräusch-Apparate“
schließlich bestehen aus entsprechend
aufeinandergerechneten, sich
überlagernden „Popsongs“ einer
Top-10-Hitliste. Das will die Künstlerin
jetzt auch hörbar machen: Während der
Finissage soll ein Computerprogramm
die Charts in der Galerie streng nach Notation
teils nacheinander, teils gleichzeitig
abspielen. Und ihr altes Cello? Das
wird zurzeit repariert.
— Galerie Fahnemann Projects, Gipsstraße
14. Bis 21. Juli, Dienstag bis Sonnabend
12–18 Uhr.
ccccccccccccccccccccccccD
KUNSTHANDEL, GALERIEN & ANTIQUITÄTEN
Im Kind
Die Galerie Contempo
großen Berliner Ga
Immer war was los: Rudolf Springer h
sich als Häuptling verkleidet, Rud
Springer hockt mit Künstlern beisamm
auf dem Boden und spielt mit Bauklö
zen. Rudolf Springer bekommt Besu
von Kasper König, Markus Lüpertz od
A. R. Penck, Henry Miller wird in Spri
gers Garten von Marino Marini portr
tiert.
Es ist 1948, und der Kriegsheimkehr
Springer eröffnet im Haus seiner Elte
eine erste Galerie. Es ist 1963, und d
„unsittliche“ Bild „Die große Nacht im E
mer“ des Springer-Künstlers Georg Bas
litz wird in der von Springer-Schüle
und -Freunden geleiteten Galerie We
ner & Katz beschlagnahmt. Es ist der B
ginn der Neunziger, und die Kunstg
schichtsstudentin Nicole Hackert geht
einer Vernissage in die Galerie Spring
am Kurfürstendamm, der Galer
spricht sie an und fragt nach dem Nam
ihrer kleinen Off-Galerie im Osten d
Stadt. „Die werden Sie nicht kennen“, an
wortet Hackert. Und der damals üb
achtzig Jahre alte Rudolf Springer ken
sie doch.
Heute leitet Nicole Hackert mit Co
temporary Fine Arts eine der erfo
reichsten Berliner Galerien, und bev
diese in ihre neuen Räume am Kupfergr
ben zieht, widmet sie eine letzte Ausst
lung in der Sophienstraße dem heu
98-jährigen Vorbild Rudolf Springer.
„Marchand d’art“ zeigt in charmant m
sealer Anmutung die Matrix, aus der si
das Wissen und Wirken dieses ehema
gen Versicherungsvertreters speist, d
von den Verlegereltern geerbte Begeis
rung für Bücher, die Sammelleide
schaft, das umherschweifende Interess
das sich manchmal an Kuriositäten h
tet, mal echte Entdeckungen zutage fö
dert. Hier findet sich die Feldlektüre d
Marinesoldaten Springer („Kunst od
Kitsch“), Bilder seiner Künstler, etwa d
surrealistischen, symbolistischen Zeic
nungen des Psychotikers und alten Wu
derkinds Friedrich Schröder Sonne
stern, hier wacht eine mexikanische Fe
hundskulptur aus dem Besitz des Galer
ten neben einem afrikanischen Nagel
tisch. Am Eingang begrüßt den Besuch
ein Bild der Malerin Christa Dichgan
der vierten, jetzigen Ehefrau Springe
die nun von Contemporary Fine Arts ve
treten wird. Sie malte Habseligkeiten d
Berliner Galeristenhäuptlings, aufg
Der Wa
Sotheby’s bietet in Lon
Zwei Wochen nach dem Kaufrausch, d
die moderne Kunst in London entfe
selte, zeigen die Alten Meister, welc
Begierden sie wecken können. Zwar si
die Kenner aus Europa und den USA h
noch weitgehend unter sich. Doch d
könnte sich ändern: Sotheby’s hat das J
wel der Auktionswoche, eine kostba
Sammlung mit Aquarellen von Willia
Turner (1775–1851), auf Tournee u
die Welt bis nach Hongkong geschic
um neue Käufer anzulocken. Kurios, da
der belgische Baron Guy Ullens u
seine Frau ihre Turners verkaufen, u
ihre Sammlung zeitgenössischer chine
scher Kunst auszubauen. Wenn Chin
sen Turner und belgische Barone Chin
sen kaufen, kann dem Kunstmarkt wo
nichts mehr passieren.
Die 14 Blätter sind exquisit, decken a
PeriodenunddasstupendetechnischeR
pertoire Turners ab. Sie sind aber au
teuer. Der Baron hat sich von einigen a
ßerordentlichen Preisen der letzten Jah
zumVerkauf und zu hohen Taxen anim
ren lassen. Da brachte eine Venedig-V
dute von Turner 35 Millionen Dollar, u
sein Aquarell „The Blue Rigi“, das m
enormer Kraftanstrengung von der Lo
doner Tate Gallery angekauft wurde, ko
tete bei Christie’s 5,8 Millionen Pfun
Fast so hoch ist das Aquarell des Lunger

KULTURSPIEGEL 10-2007
KUNST
Voigt-Werk „O.T. 11-14 …“ (2006):
Notate und Randomsysteme
Ordnung ins Weltchaos
„Grundelemente aus unserer Zivilisation“ zeichnet
Jorinde Voigt als rätselhafte Kartografien.
Geschlafen habe sie wenig in letzter Zeit, sagt Jorinde Voigt, 30, das könne man an ihren
roten Augen sehen. Weil sie täglich zehn bis zwölf Stunden zeichnet. Für eine Einzelschau,
eine Gruppenausstellung, für anstehende Kunstmessen, denn ihre Berliner Galerie hat ihre
letzte Ausstellung komplett verkauft. Wochenlang arbeitet Voigt in ihrem Berliner Atelier
an Tinten- und Bleistiftzeichnungen, hochkonzentriert, denn einen falschen Strich darf sie
sich nicht leisten,„weil man nicht radieren kann“. Die Müdigkeit ist wie weggeblasen, wenn
Voigt über ihre Arbeit spricht.Von Notaten, Randomsystemen und Parametern ist die Rede,
von Repetitionen, Spiegelungen und Rhythmen. Und das sieht auf kleinen wie auf riesengroßen
Blättern so aus: Kreise, Pfeile, Linien, Netze aus nummerierten Strichen, feine
Geflechte, die sich verdichten, überschneiden, verzweigen oder explodieren. Rätselhafte, beschriftete
Kartografien auf glattem Aquarellpapier, die an moderne Partituren erinnern.
„Keine falsche Assoziation“, sagt Voigt, aber sie beziehe sich nicht ausdrücklich auf Musik.
Mit ihrer zehnjährigen Cello-Ausbildung habe das auch nichts zu tun, höchstens, dass ihre
Wahrnehmung musikalisch geprägt sei. Die widmet sie aber heute Alltagsgeräuschen: „Jeder
hört in einer Stadt gleichzeitig ein Auto vorbeifahren, riecht Abgase, nimmt aus dem
Autoradio Fetzen eines Popsongs wahr und weiß, dass sich das Gleiche auch ein paar Kilometer
weiter abspielt.“ Solche „Grundelemente aus unserer Zivilisation und Kultur“
zeichnet Voigt, sie konstruiert mit Tinte und Bleistift eine minimalistisch anmutende Ordnung
für das Chaos in der Welt. Dafür setzt sie zuerst die „Elemente“ fest, die sie benutzen
will. Das können Popmusik-Charts sein, die Flugbahn eines Adlers, küssende Paare,
Temperaturen oder Autos. Oder alles zusammen. Dann kommt die Struktur, zum Beispiel
die Fibonacci-Reihe, danach wäre ihre Zeichnung ausdehnbar bis ins Unendliche. Aber auf
dem feinen Papier endet die Unendlichkeit bisher bei 308 Zentimeter mal 140 Zentimeter,
und bei zwei Monaten Arbeit mit zwölf Stunden täglich. INGEBORG WIENSOWSKI
Neue Heimat. Berlinische Galerie. Bis 7.1.2008, Tel. 030/78 90 26 00.
Ausstellungen
Amsterdam
Andy Warhol. Other Voices, Other
Rooms. Stedelijk Museum. 12.10.2007–
13.1.2008, Tel. 0031/20/573 29 11.
Der multimediale Ansatz in Warhols
Werk ist Kern der Ausstellung. Filme, Videos
und Tonbänder der Pop-Ikone werden
in spezieller Ausstellungsarchitektur
wie „lebendige Gemälde“ präsentiert.
Dazu Bilder, Siebdrucke und Rauminstallationen
wie etwa „Silver Clouds“.
Baden-Baden
André Cadere. Arbeiten aus den Jahren
1971–1978. Staatliche Kunsthalle.
27.10.2007–6.1.2008., Tel. 07221/30 07 63.
Cadere gehörte zu den wichtigsten
Künstlern der siebziger Jahre in Frankreich.
Bekannt wurde er mit Holzstäben
von unterschiedlicher Größe, die
er nach einem mathematischen Permutationsprinzip
bemalte. Er demonstrierte
die Unabhängigkeit seiner Kunst von
Institutionen, indem er mit einem Stab
in der Hand uneingeladen zu Eröffnungen
in Museen, Galerien oder sogar auf
die Documenta 5 ging und seine Stäbe
dort „ausstellte“. Die Schau zeigt 60 Stäbe,
Fotos, Filme, Schriften und Dokumente.
Bedburg-Hau
Antoni Tàpies. Museum Schloss Moyland.
Bis 13.1.2008, Tel. 02824/95 10 65.
Berlin
Eugène Atget. Retrospektive. Martin-Gropius-Bau.
28.9.2007–6.1.2008, Tel.
030/25 48 60.
Atget hat zwischen 1897 und 1927 das
alte Paris fotografiert – Brücken und Fassaden,
Jahrmärkte, Höfe, Parks und
Paläste und die Außenbezirke, in denen
Arme und Obdachlose hausten. Er fotografierte
Straßenhändler, Prostituierte
und Lumpensammler genauso wie die
Bewohner reicher Viertel. Die erste große
Schau des Fotopioniers in Deutschland
zeigt 350 Aufnahmen.
Uli Richter – The Berlin Story of Fashion.
Kunstgewerbemuseum. Bis 6.1.
2008, Tel. 030/266 36 60.
Beyond the Wall. Max Liebermann
Haus. Bis 2.12., Tel. 030/22 63 30 30.
New York – States of Mind. Haus der
Kulturen der Welt. Bis 4.11., Tel. 030/
39 78 70.
Henry Moore. Haus am Waldsee. Bis
21.10., Tel. 030/801 89 35.
34 10/2007 KulturSPIEGEL
FOTO: COURTESY OF SAMMLUNG ROSENKRANZ, BERLIN; VG BILDKUNST, BONN 2007

WELTKUNST HEFT 13_ 00.10.2007_ Rudolf Zwirner

66
JORINDE VOIGT Monopol Nr. 4/2007
67
Die
Vermessung
derWelt
SiekombiniertFlugkurvenvonAdlernmit
StromimpulsenoderProgrammierstrukturen
fürPopsongsmitBombenexplosionen:
JorindeVoigtskulturtheoretische
ZeichnungensindeineWissenschaft
fürsich–unddochbezauberndschön.
von barbara gärtner porträts heji shin

68 JORINDE VOIGT
Jorinde Voigt spricht gern in
Schachtelsätzen. Jede einmal
ausgesprochene Feststellung
fängt sie mit einer Relation,
einer Präzisierung, einer
Einschränkung wieder ein
wie ein davongaloppierendes
Pony. Küchenpsychologisch
könnte man das als Unsicherheit deuten,
im Fall von Jorinde Voigt handelt es sich
aber um das genaue Gegenteil. Denn die
Frau, die da auf ihrem schwarzledernen
Mies-van-der-Rohe-Hocker sitzt und Zigarettenrauch
in die Luft kringelt, wirkt ziemlich
selbstsicher. Zumindest so sicher, wie
jemand nach ein paar Semestern Philosophie
und der daraus erwachsenen Skepsis
für Begriffe wie „Realität“ oder „Wahrheit“
eben sein kann. „Sicherheit“, sagt sie kühl,
„die gibt es ja überhaupt nicht. Vielleicht
für einen Moment, für einen Tag. Allerdings
sieht ab der zweiten Betrachtung al-
les immer sofort wieder ganz anders aus.“
Dann drückt sie die Zigarette aus.
Wenn sie an diesem Morgen in ihrem
Atelier in Berlin-Mitte also von der „Natur“
spricht, sich sofort selbst ins Wort fällt und
schnell nachschiebt, „ich meine die Vegetation“,
dann verschweigt sie zwei kleine
Worte, die man bei ihr immer mitdenken
muss: „genau genommen“. Denn Jorinde
Voigt nimmt alles sehr genau. Beim Reden,
beim Herstellen von Kunst und, wenn man
sich in ihrem Atelier, diesem gestylten, aufgeräumten
Ort in Schwarzweiß so umschaut,
wahrscheinlich auch im restlichen
Leben. Die Schachtelsätze sind mehr als
eine Sprachgewohnheit. Sie sind die Herangehensweise
der Künstlerin an das, was
man so Realität nennt. Wie sich ein Teil eines
Satzes auf den vorangegangenen bezieht,
die Kommata zu Bindegliedern und
Scharnieren der Präzisierung werden, so
sind ihre Zeichnungen ein Geflecht aus Bezügen
und Verbindungen, Wechselwirkungen
und Abhängigkeiten. Auf ihren Blättern
kettet sie die Elemente mit Pfeilen,
Klammern, Plus- und Minuszeichen aneinander,
als könnte das gelingen: die Welt zu
erfassen und zu ordnen.
Damals, 2003, war das vor allem eine
Symphonie an Geräuschen, die sie auf einem
Papier niederschrieb und damit ihr
Zeichenvokabular erfand, das sie seither
Strich um Strich verfeinert hat: Die heute
31-Jährige reiste als Touristin im politisch
instabilen Indonesien umher. In Jakarta
explodierten Bomben, Mofas verstopften
die Straßen, aus den geöffneten Autofenstern
quiekte Michael Jackson, und Jorinde
Voigt begann, sich für die Gleichzeitigkeit
von Ereignissen zu interessieren. „Ich
wollte eine Bestandsaufnahme der akustischen
Situation machen“, erinnert sie sich.
In ihrem Zimmer setzte sie sich dann an ein
indonesisches Buchhaltungformular, zog
eine Zeitachse und notierte lakonisch:
„Bomb explosion yesterday“. Aber auch die
Häufigkeit, in der ein bestimmtes indonesisches
Kinderlied im Radio gespielt wurde,
oder wann genau die Männer den gegenüberliegenden
Kiosk verschlossen. Sie
Jorinde Voigt macht ernst mit der Logik,
sie probiert zeichnend aus, was passiert,
wenn man mit den Regeln spielt, wie sich
zwei Elemente zueinander verhalten.
schrieb die Partitur vor Ort von Tatsachen
ab, mit allem, was sie erlebte: Regen, Windböen,
Motorgeräusche, Vogelstimmen und
Popmusik – all das immer in Relation zur
auftretenden Häufigkeit. Scheinbar Banales
und scheinbar Wichtiges nebeneinander
im Strichgewirr.
Heute sind die Zeichenanordnungen abstrakter
und utopischer. Ein Abbild der Realität,
das interessiert sie nicht mehr, sie
zeichnet nun die fiktiven Flugkurven von
hundert gleichzeitig losfliegenden Adlern,
kombiniert sie mit der Kusslänge von zahlreichen,
sich gleichzeitig küssenden Paaren,
mit Temperaturverläufen von plus 273
bis zu minus 273 Grad Celsius und der Verteilung
von Stromimpulsen. Jorinde Voigt
macht ernst mit der Logik, sie probiert
zeichnend aus, was passiert, wenn man
mit den Regeln spielt, wie sich zwei Elemente
zueinander verhalten. Klingt spröde,
ist auch so – und trotzdem sieht es kein
bisschen so aus wie dröge Versuchsanordnungen.
Die Zeichnungen sind von betörender
Dynamik. Man meint, die Adler in
dem feinen, flügelschlagenden Zeichengebilde
tatsächlich durch die Luft fliegen zu
sehen. Die Pfeile wirbeln über großforma-
„Perm III“, 2007, Bleistift,
Tinte auf Papier, 115 x 100 cm
Dritter Teil eines Triptychons.
Rhythmen von Top-100-Songs,
verknüpft mit Detonationskurven
von Bomben, akustischen und
elektrischen Impulsen sowie Abfolgen
sich küssender Paare, gegliedert
nach der „Fibonacci-Folge“
69

Oben: „ 2 küssen sich“, 2006, fünf Zeichnungen, Tinte auf Papier, je 51 x 36 cm. Die Länge der einzelnen Äste definiert sich aus der Dauer und Frequenz von Küssen.
Unten:„ O.T. (Pfeile 4)“, 2006, Tinte auf Papier, 150 x 300 cm. Die Serie „Pfeile“ arbeitet mit den Ideen von Entropie und Dynamik.

72 JORINDE VOIGT
tige Papierbahnen – und wenn man als
Betrachter erst einmal näher getreten ist
und versucht, diese zackige Handschrift
und die nüchternen Symbole zu entziffern,
dann ist man schon gefangen in diesem
Sog aus Symbolen.
„Die Wissensvermittlung ist nicht von
Manipulation zu trennen. Man muss erst
wieder alle erlernten Vorstellungen verlassen,
um einen Blick auf den Charakter der
Dinge entwickeln zu können. Man kann
sich danach immer noch von der Form irritieren
lassen, die etwas einnimmt oder in
der etwas dargestellt wird“, sagt sie und
zündet sich eine neue Zigarette an. Weil
sich der Charakter der Dinge nun einmal
nicht an das Sortiermuster der deutschen
Universitätsordnungen hält, wo die Begriffe
schön in Relation zu ihrem Fachbereich
untersucht werden, wechselte Voigt von
den Geisteswissenschaften zur Kunst.
„Wenn ich über ‚Staat‘ nachdenke, will ich
keine möglichen Konnotationen ausschließen,
sondern alles in seiner Ambivalenz
zusammen denken. Die Einordnung von
Gedanken in einen bestimmten Fakultätsbereich
gibt es nicht.“ In der Kunst sind
diese Grenzen aufgehoben, Voigt studierte
Fotografie, wurde Meisterschülerin bei
Katharina Sieverding und fand doch, dass
man beim Fotografieren nur immer schon
einmal gemachte Bilder wieder aufnimmt.
Schon damals experimentierte sie mit
Wiederholung und Dopplung, hat sie einzelne
Objekte und Bildinformationen immer
wieder vermehrt. Auch ihre Zeichnungen
bestehen aus Wiederholungen und
Spiegelungen – mit dem Schreibstift hat sie
nun ihr Medium gefunden. „Die Zeichnung
ist eben die direkteste Form. Da ist außer
der Bewegung des Körpers nichts mehr
zwischen Denken und Tun geschaltet.“
Der Ausstellungsplan fürs aktuelle Jahr
listet Schauen in Istanbul, Moskau, Tel
Aviv und in den USA, sie sammelt Stipendien,
und das Berliner Kupferstichkabinett
sammelt sie – es läuft gut für Jorinde
Voigt. Dass sich mit dem Erfolg der Arbeitsaufwand
auch ins Organisatorische
verlagert, macht ihr Sorgen. „Hier drin“,
sagt sie und wedelt in der Luft umher, als
müsste sie ihr Atelier vermessen, „hier
drin ist die Konzentration, und die muss
man verteidigen.“ Monatelang arbeitet sie
an den bis zu drei Meter langen Bahnen,
oft bis zu zwölf Stunden am Tag, am Boden
liegend.
Die Konzentration, die nötig ist für
ihre Notate und Partituren, wie sie
ihre Blätter nennt, hat Voigt in der
Musik einstudiert. Mit acht lernte sie das
Cellospielen, sie habe es zur „Konzertreife“
gebracht, steht in den Texten über sie. Doch
Jorinde Voigt zuckt nur mit den Achseln,
wenn man sie darauf anspricht, und doziert
lieber über Rhythmus, den ihr die Musik
beigebracht hat. Denn Rhythmus, Repetition
und Variation, das ist es, was sie am
meisten interessiert. Ihre eigentlich sehr
nüchterne Stimme überschlägt sich fast,
wenn sie darüber spricht, dass jedes
menschliche Organ seine eigene Uhr besitzt,
dass überhaupt alles einem sich ewig
wiederholenden Muster, etwa dem Wechsel
Monopol Nr. 4/2008
der Jahreszeiten, unterworfen ist. Mit diesen
Algorithmen arbeitet sie auch künstlerisch.
Wenn sie etwa – wie vor ihr schon der
Arte-povera-Künstler Mario Merz – für ihr
Aktionsmuster „2 küssen sich“ auf
die „Fibonacci-Folge“ zurückgreift
(ein mathematisches System, das
dynamische Prozesse wie die Kaninchenvermehrung
beschreibt),
dann ist das für Mathematikversehrte
manchmal hartes Brot. Aber
Jorinde Voigt bleibt auch bei der
fünften Nachfrage unendlich geduldig,
nimmt den Block der Besucherin,
zeichnet eine Temperaturfolge
auf, erklärt. Wieder und wieder.
Beim Triptychon „Perm I, II, III“
etwa handelt es sich um eine Partitur,
die auf den wechselnden Top-
100-Charts der Musikindustrie beruht.
„Würde man die Zeichnung
als Programmierstruktur benutzen,
könnte man tatsächlich daraus alternierende
Geräusche erzeugen
und zu akustischen Impulsen verkürzen“,
erläutert Voigt. „Die Anordnungen
sind dual notiert, die
Popsongs taktweise, der Charakter
der Notation ist aber additiv. Die
Geräusche nehmen also zu, indem
sie jeweils einen zusätzlichen Titel
mit der entsprechenden Anzahl von
Takten mit einschließen.“ Neben
den Takten hat Jorinde Voigt aber
auch Bombendetonationen und
Elemente aus der Folge „2 küssen
sich“ ins Bild genommen. „Das al-
les ist entlang einer räumlichen,
zeitlichen und einer ihren jeweiligen
Häufigkeiten entsprechenden
‚Fibonacci-Folge‘ mit Rewrite-Elementen,
organischen Impulsfeldern
und Strom notiert.“ Das Format der
Zeichnung hingegen wird von Blatt
zu Blatt kleiner.
Wie ihre Bilder, denen staubtrockene
Überlegungen zu Grunde
liegen und die doch sehr zart aussehen,
so verkörpert auch Jorinde Voigt seltsame
Widersprüche. Die kühle, distanzierte
Sprache, mit der sie Popsongs als „Speicherelement
für private wie kollektive
Emotionalität“ definiert, passt hervorragend
zu den toughen Bikerboots, über die
sie dann aber ballerinahafte Stulpen trägt.
Überhaupt benutzt sie oft abstrakte Begriffe,
spricht von „Apparaten“, „Modulen“,
„Systemen“, weil es ihr nicht um das
einzelne Element, sondern um das Miteinander
geht. Konnte man sich unter den
Komponenten wie Küsse, Autos, Explosionen
und Adler noch etwas vorstellen, betreibt
sie in ihren neusten Arbeiten eine
Art Grundlagenforschung. „Mich interes-
„Ich habe eine tiefe Sehnsucht
nach Ordnung, obwohl
ich weiß, dass Ordnung
immer nur eine Projektion
ist“, sagt Jorinde Voigt.
siert gerade sehr die Impulsebene, also
elektrische Impulse, akustische Impulse,
organische Impulse – das sind alles Hinweise
auf die Verteilung von Population.
Der gezeichnete Apparat ‚organische Impulse‘
bezieht sich zum Beispiel auf folgendes
Phänomen: Wenn man im Sommer auf
eine Wiese schaut, sieht man, dass dort alles
lebt. Das sind Millionen von ganz kleinen
Herzschlägen.“
Mittlerweile hat sie die zweidimensionalen
Zeichensysteme auch schon ins Dreidimensonale
übersetzt. Ihr Popsongappa-
73
rat wurde von einem befreundeten Programmierer
in den Computer eingespeist.
Alle Takte übereinandergelegt, ergibt das
eine Art White Noise, ein Rauschen. Den
Aktionsablauf von „2 küssen sich“
hat sie schon bei Vernissagen als
Performance aufführen lassen, und
die Zeichnungen aus Indonesien
wurden schon von Musikern aufgeführt.
„Eigentlich geht es mir gar
nicht um die Zeichnung selbst, es
geht mir darum, Strukturen zu zeigen
und Situationen zu untersuchen.
Manchmal eignet sich dafür
Papier am besten, manchmal eine
Aktion“, sagt sie.
Im Moment träumt Jorinde Voigt
davon, eine Partitur zu schreiben
und aufzuführen, die nichts mit
einem klassischen Konzert oder
traditionellem Theater zu tun hat.
Eine Anleitung, bei der der Performer
selbst entscheidet, ob er sie
von oben nach unten oder von
rechts nach links befolgen soll.
Jorinde Voigt will alle bekannten
Hierarchien auflösen. Da passt es
gut, dass ihre Kunst mit den Partituren
der neuen Musik, mit Anleitungen
von Karlheinz Stockhausen
und John Cage, die ja ebenfalls als
Grundlagenforscher des Takts gelten,
verglichen wird.
„Ich habe eine tiefe Sehnsucht
nach Ordnung, obwohl ich weiß,
dass Ordnung immer nur eine Projektion
ist.“ Es gibt verschiedene
Möglichkeiten, mit dieser Ambivalenz
umzugehen: verzweifeln, glauben,
verstehen wollen. Voigt versucht
sich im Verstehen und kommt
sich trotzdem nicht vor wie Sisyphos.
Statt des Steins rollt sie den
Stift, was dabei herauskommen soll,
ist eine Aneinanderreihung aller
Elemente des Zusammenlebens,
eine kulturelle Grammatik. Vor Jahren
hat sie sich einmal vorgenommen, sich
mit allen kulturtypischen Prozessen zu beschäftigen.
Heute sagt sie aber ein wenig
erschöpft: „Man kann damit zwar anfangen,
aber man wird wohl nie zu einem
Ende kommen.“
Jorinde Voigts Arbeiten sind bis 20. April in der
Gruppenausstellung „Medium Zeichnung“ im Haus
der Kunst, München, zu sehen. In Berlin wird sie
von 29. März bis 17. Mai in der Galerie Fahnemann
in einer Einzelausstellung präsentiert, ebenso von
26. April bis 21. Juni im Kunstverein Wiesbaden.
Zusammen mit Ralf Ziervogel stellt sie von 5. Mai
bis 21. Juni im Neuen Kunstverein Gießen aus.

Algorithmus und Aura http://www.fr-online.de/_inc/_globals/print.php?sid=9b0a6a84dae0...
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Algorithmus und Aura
Junge Meister: Jorinde Voigt und Ralf Ziervogel im Neuen Kunstverein Gießen
VON SANDRA DANICKE
Manchmal kann man die Schrift gar nicht lesen. So gesehen entsteht der Eindruck, man habe etwas
Wesentliches nicht verstanden, nicht verstehen können, worum es hier eigentlich geht. Die Worte, so viel
immerhin lässt sich auf Anhieb erkennen, wiederholen sich nach einem präzisen Rhythmus. Ihre
Kombination mit Pfeilen oder mathematischen Zeichen, es müssen Hunderte sein pro Blatt, suggeriert,
dass es sich um wissenschaftliche Analysen handelt, Diagramme, erstellt zur Veranschaulichung
physikalischer Phänomene. Und so ist es.
Die Arbeiten von Jorinde Voigt beschäftigen sich mit Impulsen, Fraktalen, der Fibonacci-Reihe und
Algorithmen, und weil ein Algorithmus letztlich mehr oder weniger alles zum Thema haben kann, geht es
bei Jorinde Voigt um mehr oder weniger alles. Zum Beispiel darum, wie oft und wie lange zwei sich küssen,
die Flugbahnen von Adlern, die Tagestemperatur, den Einschlag von Bomben - Jorinde Voigt macht
daraus Partituren.
Die Künstlerin, die 1977 in Frankfurt geboren wurde, mittlerweile in Berlin lebt und derzeit im Neuen
Kunstverein Gießen und im Nassauischen Kunstverein Wiesbaden ausstellt, verdichtet Zeit und
Bewegung zu filigranen Zeichnungen: Strahlen, die sich fächerförmig ausbreiten, konzentrische Wirbel,
geordnetes Chaos. Wellen, die sich in elegantem Schwung über das Blatt bewegen. Choreografien für
Schmetterlingsflüge, so scheint es, deren Verästelungen und Spiegelungen eine berauschende Dynamik
entfalten. Formschöne Diagramme mit tiefernsten Inhalten, in denen alles einander beeinflusst, alles mit
allem zusammenhängen kann, und deren Rätselhaftigkeit eine starke Anziehungskraft besitzt.
Jorinde Voigt möchte wissen: "Wie sieht die Gleichzeitigkeit von so vielen Gegenwarten aus?" Dafür hat sie
ein System mit eigenen Regeln gefunden, das so komplex wie subjektiv ist. Dass ihre Bilder, die man von
allen Seiten "lesen" kann, vor allem als schön wahrgenommen werden, sei ihr völlig egal, sagt sie, darum
gehe es nicht.
Als schön wurden die Zeichnungen von Ralf Ziervogel, der ebenfalls im Neuen Kunstverein Gießen unter
dem Titel "Terz" ausstellt, bislang nicht gerade empfunden. Im Gegenteil galt der 1975 in
Clausthal-Zellerfeld geborene Künstler stets als manischer Meister bizarrer Pandämonien. Ziervogel war
einer, der ganze Papierbahnen mit Obszönitäten und Folterszenarien vollkritzelte. Massaker, die sich auf
beängstigend harmonische Weise zu Ornamenten formen, deren von Faszination geprägter Aura man
sich deshalb bisweilen schwer entziehen kann.
In Gießen nähert man sich Ziervogels erstaunlich kleinformatigen Blättern deshalb vorsichtig. Kneift
vorsorglich die Augen zusammen, doch dann ist da - nichts. Zumindest nichts Grausames, sondern sanft
geschwungene Bögen ungeahnt zarten Gestrichels. Es handele sich um Explosionen und Implosionen,
sagt Ziervogel, der wie Voigt in Berlin lebt. Rein zeichnerisch mache das doch keinen Unterschied.
Neuer Kunstverein Gießen: bis 21. Juni. www.kunstverein-giessen.de - Die Wiesbadener
Voigt-Ausstellung läuft noch bis zum 8. Juni
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Dokument erstellt am 04.06.2008 um 16:28:01 Uhr
Erscheinungsdatum 05.06.2008
1 von 1 12.06.2008 12:00 Uhr

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Gera verleiht Otto-Dix-Preis an Jorinde Voigt
Es war soweit. Nach mehrjähriger Pause vergab die Stadt Gera zum siebenten Mal den
Otto-Dix-Preis. Die Auszeichnung 2008 ging an die Zeichnerin Jorinde Voigt. Die in Berlin
lebende Künstlerin wurde bereits Ende März von einer Expertenjury gekürt. Sie nahm den
Preis für junge Gegenwartskunst im deutschsprachigen Raum am 17. Oktober aus den
Händen von Geras Bürgermeister Norbert Hein entgegen.
Dix-Preis-Trägerin Jorinde Voigt vor
einem ihrer Werke in der Orangerie
der Geraer Kunstsammlung
Ausstellung präsentiert Werke nominierter Künstler
Der 1992 ins Leben gerufene und biennal vergebene
Otto-Dix-Preis gehöre inzwischen zu den renommierten
Preisen im deutschen Kunstleben, der in der jungen
Kunst- und Galerieszene sowie bei den Medien und
der Öffentlichkeit auf großes Interesse stoße, betonte
der Bürgermeister. Preisträger früherer Jahre seien
beispielsweise so erfolgreiche Künstler wie Daniel
Richter oder Tobias Rehberger, die inzwischen auch
international anerkannt seien. Dass diese Tradition
weitergeführt werden könne und die Auszeichnung mit
20.000 Euro nun auch zu den höchstdotierten
Kunstpreisen Deutschlands gehöre, sei dem Engagement der Electrabel Deutschland AG zu
danken. Sie konnte nach dem Ausstieg von IBM Deutschland als neuer Sponsor gewonnen
werden. Zugleich sei damit die Grundlage für ein neues Konzept geschaffen worden. Neben
dem Preisgeld von – wie bisher - 10.000 Euro würde den Preisträgern zudem der Ankauf von
Werken in Höhe der gleichen Summe garantiert.
Electrabel wolle sich in der Region engagieren, in der das Unternehmen wirtschaftlich
verankert sei, begründete Dr. Jochen Starke, Regionalbevollmächtigter Mitteldeutschland der
Electrabel Deutschland AG, das Engagement. Electrabel Deutschland, Mitgesellschafter der
Energieversorgung und der Kraftwerke Gera GmbH, habe bereits im Kontext der
Bundesgartenschau 2007 in Gera 15 Kunstprojekte mit insgesamt einer halben Million Euro
gefördert. „Die Frage, ob wir uns auch für den Otto-Dix-Preis und damit speziell für
zeitgenössische Kunst engagieren, fand in unserem Unternehmen große Resonanz.“ Bis
2012 stelle Electrabel Deutschland weitere insgesamt 200.000 Euro für verschiedene
Kunstprojekte bereit, darunter auch für die Vergabe des Otto-Dix-Preises 2010 und 1012. In
den Jahren dazwischen würden themenbezogene Ausstellungen mitfinanziert.
Diese Auszeichnung will junge Gegenwartskunst unterstützen, die engagierte Zeitnähe mit
reflektiertem Selbstbewusstsein verbindet, beidem originären künstlerischen Ausdruck
verleiht und sich gängigen Rezeptionsmustern entzieht. Dem wird die Dix-Preisträgerin 2008
nach dem Votum der fünf Juroren gerecht. 1977 in Frankfurt/Main geboren, studierte sie
Philosophie und Neue deutsche Literatur in Göttingen, Soziologie an der Freien Universität
Berlin sowie Bildende Kunst an der Universität der Künste Berlin und absolvierte zudem eine
zehnjährige Cello-Ausbildung. Jorinde Voigt vertritt nach Ansicht der Jury „mit ihrer deutlich
zeichnerisch bestimmten Haltung eine abstrakt-konkret orientierte Position“. In ihren
Zeichnungen kombiniere sie „naturwissenschaftliche Konstanten mit performativen Abläufen.
Ihre zeichnerischen Notationen sind Ordnungssysteme und deklinierte Alltagserfahrungen.“
Davon können sich die Besucher der Ausstellung überzeugen, die im Anschluss an die
Preisverleihung in der Orangerie der Kunstsammlung Gera eröffnet wurde und bis 07.
Dezember zu sehen ist. Die Schau vereint über die Zeichnungen Jorinde Voigts hinaus
Arbeiten von für den Otto-Dix-Preis nominierter Künstler. So werden auch Gemälde des in
Dresden lebenden Absolventen der dortigen Hochschule für Bildende Künste Martin Mannig
und Videoskulpturen des in Berlin lebenden Peter Welz präsentiert, der in Dublin, New York
und London studierte und unter anderem Projekte mit William Forsythe realisierte. Die
Exposition stelle sehr individuelle künstlerische Sprachen vor und vereine auch in den
Techniken und Medien unterschiedliche Ansätze, sagte der Leiter der Kunstsammlung,
Holger Peter Saupe. Auf diese Weise könne die hohe Qualität aufgezeigt und zugleich auch
ein differenzierter Einblick in die jüngere zeitgenössische Kunstentwicklung ermöglicht
werden.
Trotz des neuen Konzeptes wurde der bewährte Modus zur Ermittlung der Preisträger
beibehalten. Der Otto-Dix-Preis ist ein reiner Jury-Preis. Jeder Juror stellt einen Kandidaten
der eigenen Wahl anhand aussagekräftigen Materials persönlich vor. Aus dem Kreis der
präsentierten Kandidaten, von deren hoher künstlerischer Qualität alle Mitglieder der Jury
2008 überzeugt waren, wurde Jorinde Voigt als Preisträgerin ermittelt.
Chronologie der Otto-Dix-Preisträger
Dix-Preis 1992 – Preisträger: Michael Scheffer, geb. 1953 (Fotografie)
Dix-Preis 1994 – Preisträgerin: Asta Gröting, geb. 1961 (Skulptur, Installation)
Dix-Preis 1996 – Preisträger: Rolf Bier, geb. 1960 (Malerei, Installation)
Dix-Preis 1998 – Preisträger: Daniel Richter, geb. 1962 (Malerei)
Dix-Preis 2001 – Preisträger: Tobias Rehberger, geb. 1966 (Concept art, Installation)
Dix-Preis 2003 – Preisträger: Markus Wirthmann, geb. 1960 (Installation, Skulptur)
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26.02.09 12:39
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Dix-Preis 2003 – Preisträger: Markus Wirthmann, geb. 1960 (Installation, Skulptur)
2005 und 2007 wurde kein Dix-Preis vergeben
Dix-Preis 2008 – Preisträgerin: Jorinde Voigt, geb. 1977 (Zeichnung)
Foto:
Jorinde Voigt nimmt die Glückwünsche von Geras Bürgermeister Norbert Hein (Mitte) und Dr.
Jochen Starke (Electrabel Deutschland) entgegen
Veröffentlichung: 20.10.2008
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Deutschlandradio Kultur - Fazit - Künstlerin mit System http://www.dradio.de/dkultur/sendungen/fazit/897568/drucken/
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http://www.dradio.de/dkultur/sendungen/fazit/897568/
FAZIT
30.12.2008
Ihre künstlerischen Studien betreibt Jorinde Voigt mit einer Ernsthaftigkeit und Akribie, die beeindruckt. (Bild: Stock.XCHNG / Cemal
Kurtuluş)
Künstlerin mit System
Jorinde Voigt sorgt mit ihren Zeichnungen für Aufsehen
Von Barbara Wiegand
Jorinde Voigt ist eine Künstlerin mit System: Ihre Zeichnungen erinnern an wissenschaftliche
Diagramme und geben dem Betrachter dabei einige Rätsel auf. Das macht die stillen,
unspektakulären Arbeiten umso spannender. Und es machte bereits viele Sammler und Museen
aufmerksam auf die junge Berliner Künstlerin, die an der Universität der Künste bei Katharina
Sieverding studierte.
"Ein Tag ist immer dann gut, wenn ich mit einem Bild im Kopf aufwache und dann weiß, was ich zu tun
habe", sagt Jorinde Voigt. Besucht man die junge Künstlerin in ihrem Atelier in der Berliner Gipsstraße
und steht vor ihren großformatigen Arbeiten, dann ahnt man, dass das, was da zu tun ist, eine ganze
Menge ist. An guten und wohl erst recht an schlechteren Tagen.
Denn statt wie viele ihrer Künstlerkollegen zum Pinsel zu greifen und farbintensive, neorealistische bis
abstrakte Welten zu malen, nimmt Voigt Blei- und Tintenstift zur Hand und zieht Line um Linie auf
feinstes Papier. Mal gebogen, mal gerade, entstehen komplexe Kompositionen. Mitunter erinnert das
Ganze an ein engmaschig geknüpftes Netz, oder an ein hoch aufgetürmtes Gebirge.
Manchmal formieren sich die Striche auch zu kleinen Schwärmen. Ein anderes Mal zu ineinander
verdrehten Spiralen. Es sind rätselhafte Diagramme, bei denen Titel und hineingeschriebene Wörter
Hinweise darauf geben, wie man sie deuten könnte. Etwa der "Adlerflug". Verfolgt man mit den Augen
die Linien, die mit großem Schwung von einem Punkt zum anderen führen, sieht man in Gedanken die
Könige der Lüfte ihre Kreise ziehen.
"Ja, letztendlich sind es 200 Adler, die sich im Raum anordnen. Wenn man genau hinguckt, sind es zwei
Halbkreise, die gegeneinander etwas verschoben sind, und entlang des Kreises entfaltet sich ein
bestimmter Algorithmus, wie die vorankommen. Das sind zwei Flugbahnen gleichzeitig, und die falten
sich so auf: In der ersten Stufe sind das 100, in der zweiten zehn und 90, in der dritten zehn und 80, in
der vierten 30 und 70. Das ist die Menge an Adlern."
Ein derart vertrackt gestricheltes Zahlenspiel verbirgt sich auch hinter den fächerartig sich
ausbreitenden Linien, die Voigt zum Titel "Zwei küssen sich für eine Minute" gezeichnet hat.
"Ich zeichne Ihnen das mal auf. Also: Zwei küssen sich für eine Minute. In dem Fall wäre es jetzt eins
und null. Also nach einer Minute zwei küssen sich für eins und eins, ist zwei Minuten. Und dann ist
immer die Anzahl der Paare gleich der Minuten. Also gibt es hier zwei neue Paare, und die Zeit dafür ist
zwei und eins. Also nach drei Minuten. Und drei und zwei ist fünf Minuten. Und das heißt jetzt hier fünf
neue Paare, und hier unten halt auch."
1 von 2 31.12.2008 12:41 Uhr

Deutschlandradio Kultur - Fazit - Künstlerin mit System http://www.dradio.de/dkultur/sendungen/fazit/897568/drucken/
Mit bewundernswerter Leichtigkeit und Präzision wirft Voigt die Linien aufs Papier und beschriftet sie.
Meist tut sie dass Freihand, manchmal nimmt sie ein Lineal oder einen Zirkel zu Hilfe, niemals den
Computer. Und so wie sie sich hier an die nach dem Mathematiker Fibonacci benannte unendliche
Zahlenfolge anlehnt, bei der sich die jeweils folgende Zahl durch die Addition der vorherigen Zahlen
ergibt, macht Jorinde Voigt sich auch sonst Berechnungen und Erhebungen zunutze.
Doch egal ob es sich um fliegende Adler handelt, um Gradzahlen im Wetterwechsel oder Popsongs im Auf
und Ab der Charts - Jorinde Voigts Zeichenkunst ist kein simpler Datenklau. Nein, die 1977 in Frankfurt
am Main geborene Künstlerin denkt Statistiken auf ihre, besondere Art weiter, erschließt neue
Strukturen. Und lässt bei aller Komplexität dem Betrachter noch Raum für seine Interpretationen.
"Es ist so ähnlich wie das Lesen einer Partitur. Und wenn man die Partitur lesen kann, dann hört man ja
in sich schon die Musik. Und das ist ja kein Schriftsystem, das man vorher erlernen muss. Das Auge hat
ja vorher schon eine bestimmte Kenntnis. Und die Information, die sich da zeigt, die ist eigentlich sehr
genau, obwohl uns die Begriffe dafür fehlen."
Zu diesem Vergleich passt, dass Jorinde Voigt die Komponisten Patric Catani und Chris Imler mit der
Vertonung einzelner Werke beauftragte. Und es passt auch, dass sie Hanne Darboven als eines ihrer
Vorbilder bezeichnet. Nicht nur, weil die Hamburger Künstlerin ebenfalls die Grenzen zwischen Musik
und Bildender Kunst überschreitet. Sondern vor allem, weil deren Konzept auch auf solchen Wort und
Zahlenreihen beruht.
Ihre "künstlerischen Studien" betreibt Jorinde Voigt mit einer Ernsthaftigkeit und Akribie, die
beeindruckt. Gerade in Zeiten, in denen bis vor kurzem noch der Hype um den Markt und seine jungen
Künstler tobte. Die Schnelllebige Kunst ist genauso wenig ihre Welt, wie In-Parties und Vernissagen. Was
nicht heißt, dass Jorinde Voigt nicht nach Anerkennung für ihre Arbeit streben würde.
Und die bekommt die einstige Meisterschülerin von Katharina Sieverding an der Berliner Universität der
Künste mehr und mehr. Im vergangenen Jahr stellte sie als GASAG-Förderpreisträgerin in der
Berlinischen Galerie aus und ist derzeit innerhalb einer Präsentation von Neuankäufen der
Bundeskunstsammlung im Martin Gropius Bau zu sehen. Im kommenden Jahr sind Ausstellungen in
Valencia und New York geplant.
Ein Erfolg, der sich vor allem beim genauen Hinsehen erschließt - denn die auf den ersten Blick
manchmal statistisch spröde wirkenden Zeichnungen sind auf den Zweiten viel mehr als das.
"Es ist eher so ein Spiel, es könnte ja auch so sein, oder so. Und was passiert, wenn das so ist. Und da
sieht man halt, das erzeigt dann Crashs, oder wird absolut absurd, oder unglaublich schön und klar, wie
sonst nichts im Leben. Aber man entdeckt dabei auch ständig etwas."
© 2008 Deutschlandradio
2 von 2 31.12.2008 12:41 Uhr

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Rhythmisches Phänomen =
Zeichnung = Musik oder die
Schönheit der Notation
Zum Buch >Jorinde Voigt: Matrix & Lemniscate<
english translation by google
Jorinde Voigt auf art-in.de
Jorinde Voigt Kataloge
In scheinbar kühler, präziser Geduldsarbeit bringt Jorinde Voigt mit sicherer
Hand fragile Linien, Ellipsen und Pfeile auf bis zu drei Meter großen
Bildflächen zu Papier. Mit graziler Anmut und mathematischer Genauigkeit
zeugen sie von ganz alltäglichen Begebenheiten wie den Flugbahnen eines
Adlers, den Musik-Top 10 oder sich küssenden Paaren und strotzen trotz ihrer
reduziert formalen Strenge von einer rhythmischen Dynamik. Voigt selbst
bezeichnet ihre Zeichnungen als „Notationen“ und arbeitet seit Kurzem gerne
auch mit Musikern zusammen. In der Galerie Christian Lehthert (Köln) waren
vom 15.11.2008 bis zum 31.12.2008 Voigts >MatrixLemniscate/ < zu sehen, das in Zusammenarbeit mit
den Musikern Patric Catani und Chris Imler entstanden ist. Zur Ausstellung ist
eine Publikation im Kerber Verlag erschienen.
„Lemniskate“ oder „Lemniscus“, das ist die Bezeichnung für die “liegende
Acht“ ( ), die dreidimensional sinusförmige Figur, welche in der Mathematik
die Unendlichkeit und Unbegrenztheit symbolisiert. Nicht nur in der
abstrakten Welt der Mathematik, auch in Kunst und Natur sind Lemniskaten
allgegenwärtig. So bewegt sich beispielsweise ein Drache im Wind entlang
dieser Form und eine der bekanntesten künstlerischen Umsetzungen der
Lemniskate ist M.C. Eschers >Möbius Band II< (1961). >Lemniscate/ <
geht auf das Konzept der bildenden Künstlerin Jorinde Voigt und die
Komposition von Patric Catani und Chris Imler zurück und ist eigentlich eine
Klanginstallation, bei der der Betrachter eine immaterielle Geräusch-
Lemniskate um den eigenen Körper herum erfahren soll. Ausgehend von
Jorinde Voigts >Matrix< Serie haben der auch als E-De-Cologne bekannte
Musikproduzent (u.a. Puppetmastaz) Patric Catani und der Schlagzeuger
Chris Imler (beide zusammen treten auch als >Driver< im Bastard Berlin auf)
eine Multichannel Audioinstallation geschaffen und eine Komposition aus 16
Stücken produziert.
>Matrix< besteht aus 40 Zeichnungen, die sich wiederum auf Jorinde Voigts
Serie >Schwarm< beziehen, bzw. Elemente daraus als isolierte Formeln
herauslösen. Auch hier taucht sie auf, die Figur der Lemniskate (z.B. auf
>Berlin< (2008), S.24): auf Voigts Zeichnung legen sich gleich mehrere
liegende Geräuschaufnahmen und aufrechte und Achten elektronisch übereinander erzeugten und Laute werden zusammengemischt,
mit Beschriftungen
um eine Lemniskate aus Klang zu erzeugen, die in der Galerie über ein
Multikanalsystem mit 5 Lautsprechern in den Raum übertragen wurde. So
haben „Voigts Zeichnungen oder "Partituren" beim Lemnsicate-Projekt das
Papier verlassen und begonnen, sich Raum und Zeit zu erobern“ (Andrew
Cannon).
Neben Schwarzweißphotos mit Ausstellungsansichten und den Abbildungen
der >MatrixKollektive Bewegung, unendliches Band< hat
Andrew Cannon (freier Kurator, ehemals KW, Berlin) einen knappen und
informativen Einleitungstext geschrieben, wohingegen >Leben als Matrix aus
Raum und Zeit< von Oliver Tepel relativ verkopft daherkommt. Der freie
Autor, Journalist und Kurator versucht sich über Verweise auf Elvis Presleys
>Mein Leben ist Rhythmus< oder Zitate von Karl R. Popper, Christian Felix
Klein und Bruno Taut, dem Werk von Jorinde Voigt zu nähern, und vergleicht
Voigts Arbeiten bisweilen sogar mit der Höhlenmalerei prähistorischer
Künstler. Einleuchtender scheint hier sein Vergleich der Zeichnungen mit den
mathematisch-wissenschaftlichen Grafiken und Diagrammen von Isaac
Newton oder Heinrich Hertz. Sehr kurzweilig ist >In Particular, Infinity. Note
and Copies from 8 to or the other Way around< von Anna Zett, die keinen
Fließtext, sondern eine assoziative Sammlung von Textfragmenten,
Gedanken, Ideen und Internetquellen rund um das Thema Lemniskate
zusammengetragen hat. Hier sind sowohl Anleitungen für 8-er Knoten, der
Text des >Figure Eight Songs< von Bob Dorough oder aber Diättips für eine
„figure eight shape“ zu finden.
Der Katalog zu >Lemniscate/oo< ist in schicken Rot-Weiß-Schwarz und
bisweilen doppelte DINA 4 Seiten ausfüllenden Lettern anregend layoutet. Ein
Manko sind jedoch die kleinen Abbildungen von Voigts Zeichnungen, die das
Lesen der Beschriftungen nur schwer möglich machen. Leider muß auch die
CD mit den 16 >Lemniscate/ < Stücken zusätzlich erworben werden, so
dass man sich nur schwer ein Bild von der Klangarbeit machen kann. Aber
zum Glück gibt es das Internet: z.B. unter web-records.com/ kann man
sich einen ersten Eindruck verschaffen und in die Komposition reinhören.
Jorinde Voigt
Matrix & Lemniscate
Kerber Verlag
76 Seiten, deutsch/ englisch
ISBN 978-3-86678-285-3
Preis: 25 , 40 SFR
jorindevoigt.com
catani-music.de
sonig.com
Stefanie Ippendorf
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Medien zur Kunst - Empfehlungen
Atelier Van Lieshout. OUT SITE 04 - MUMOK,
Wien
Changing Channels - Museum Moderner Kunst,
Wien
Pressespiegel | Jorinde Voigt [ Aktuell März 2010 ] Seite 9
Albrecht Schäfer. Ein Tag - Museum Morsbroich,

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Symphonie Studie Var.
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Jorinde Voigt in Heidelberg
Unter den jungen Künstlerinnen und Künstlern in Deutschland
gehört Jorinde Voigt zu den vielversprechendsten. 2006 gelang
ihr deutschlandweit der Durchbruch. Erst im vergangenen Jahr
wurde die 1977 in Frankfurt am Main geborene und heute in
Berlin lebende Künstlerin mit dem angesehenen Otto-Dix-Preis
der Stadt Gera ausgezeichnet. Jetzt hat sie mit einer Ausstellung
im Heidelberger Kunstverein eine weitere renommierte
Ausstellungsstätte in Beschlag genommen. Bis Ende August sind dort ihre
großformatigen Blätter mit den zierlichen schwarzen Linien, Zeichen, Pfeile,
Notizen, Markierungen, Zahlen und vereinzelten roten Punkten zu sehen, die als
winzige Chiffren einen Strom von Zeichen formieren und von der Dynamik des
Reglosen künden.
Bis unter die Decke des Heidelberger Kunstvereins hängen die großen gerahmten
Blätter, die Jorinde Voigt für ihre Einzelausstellung geschaffen hat, insgesamt 27
Arbeiten. Manche ihrer Werke muten geradezu wie musikalische Partituren an –
kein Wunder: Seit früher Jugend an war sie als Cello-Spielerin aktiv und dachte
später über eine Laufbahn als Pianistin nach. Doch nach einem Studium der
Philosophie und deutschen Literatur in Göttingen sowie der Soziologie in Berlin
1996 bis 1998 studierte sie bildende Kunst an der Akademie der Künste in Berlin
unter anderem als Meisterschülerin bei Katharina Sieverding.
Die Ausstellung „Jorinde Voigt – Beat und Proportion“ läuft bis zum 23. August.
Der Heidelberger Kunstverein hat dienstags bis freitags von 12 bis 19 Uhr,
samstags und sonntags von 11 bis 19 Uhr geöffnet. Der Eintrittspreis beträgt 3
Euro, ermäßigt 1,50 Euro. Es erscheint ein Katalog.
Heidelberger Kunstverein
Hauptstraße 97
D-69117 Heidelberg
Telefon: +49 (0)6221 – 184 086
Telefax: +49 (0)6221 – 164 162
Kontakt:
Heidelberger Kunstverein
Hauptstraße 97
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Weitere Inhalte:
•Veranstaltung vom:
04.07.2009, Jorinde Voigt – Beat und
Proportion
•Variabilder:
Jorinde Voigt, Symphonic Area Var.
XIII/7, 2009
• Bei:
Heidelberger
Kunstverein
• Künstler:
Jorinde Voigt
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14.07.2009
Quelle/Autor:Kunstmarkt.com/Johannes Sander
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018_21_Kunst_K.qxp:Muster_ff.qxd 30.09.2009 15:30 Uhr Seite 18
Fotos: Wikipedia/Zenodot Verlagsgesellschaft
SCHWERPUNKT
18 FONO FORUM 11/09
Klingende Farben
Kann man Farben hören? Oder sieht man Bilder beim Hören von Musik? Wie musikalisch ist die
Bildende Kunst, und wie bildhaft ist Musik? Sabine Krebber hat sich sehend und hörend Gedanken gemacht
und einige Werke gefunden, in denen Bildende Kunst und Musik synästhetisch verschmelzen.
Wer Musik hört, kann zugleich
Farben sehen und
hat eine lebendige Vor -
stel lung vom Vergehen der Zeit? Wer
Farben wählt oder bestimmte Geome t -
rien bevorzugt, hört zugleich Töne? In
den folgenden Leseminuten möchte ich
Ihnen einige außergewöhnliche Bilder
und Menschen vorstellen, bei denen lebendig
wird, was das Zusammenspiel
zwischen Musik und Bildender Kunst
bewirken kann. Dabei beschäftigten
mich folgende Fragen: Kann man ein
Re nais sancebild hören und sehen?
Dann erfuhr ich, dass Interpreten Kunst
sehen, wenn sie spielen. Wie wird ein
Roko kobild Musik? Gibt es Kompo nis -
ten, die sich von einer Zeichnung inspirieren
lassen und umgekehrt Künstler,
die sich bei der Arbeit von Musik inspirieren
lassen, und wie ist es mit den
Doppel be ga bungen im Jahr 2009?
Es ist ein alter Traum, den schon Py -
tha goras träumte – Licht, Ton und Farbe
werden eins und schärfen deshalb den
Verstand. Der mit allen Sinnen operierende
Mathematiker der Antike widmete
den Künsten so viel Zeit der Begeg -
nung wie der Mathematik und Astro -
nomie. Dass zwischen Tönen, die eine
Oktave auseinanderliegen, ein natürliches
Verhältnis besteht, diese Erkennt -
nis haben wir Pythagoras zu verdanken,
der im 6. Jh. v. Chr. keine Grenzen zwischen
den Schönen Künsten und den
Naturwissenschaften sah. Musik und
Kunst liegen nur eine Oktave weit auseinander!
Lassen Sie sich zunächst auf ein Expe riment
ein, schließen Sie die Augen, denken
an Gehörtes und Gesehenes, und
schon kann die Reise in die Verknüpfun -
gen Ihrer Sinne, die sie abrufen können,
beginnen: In kleine Wellen im Gegen -
licht schauen und plötzlich im inneren
Ohr Debussy hören, sich an Seerosen
von Monet und Santa Maria della Salute
in Venedig zugleich erinnern! Sie sind
am Strand, haben Durst und denken an
das wunderbare „Concierto de Aranjuez“
von Joaquin Rodrigo? Heute müssten
Sie als Bergsteiger aufmerksam in den
Himmel schauen, die Sextener Rotwand
steht auf dem Programm. Sehen Sie diese
Gewitterwolken? Und dann ertönt im
Radio der 19. Abschnitt aus „Eine Alpen -
sinfonie“ von Richard Strauss, danach
bleiben Sie im Tal.
Ländliches Konzert
Eines der ungewöhnlichsten Bilder
der Kunstgeschichte stammt von Gior -
gio ne. Ein „Ländliches Konzert“ aus dem
Jahr 1508 liest sich wie ein perfekt insze-
Gruppenbild mit Damen in C-Dur: Das
„Ländliche Konzert“ von Giorgione ist eine
perfekte Trias aus „Hören Sehen Fühlen“.

018_21_Kunst_K.qxp:Muster_ff.qxd 30.09.2009 15:30 Uhr Seite 19
Ein Hauch von Tragik liegt über den Bildern von
Francesco Guardi. Die Ruderschläge der Gondolieri
liefern dazu den musikalischen Rhythmus.
niertes Schauspiel zur Trias „Hö ren
Sehen Fühlen“. Ein junger Mann, mit
seinem Be glei ter und einer nackten jungen
Frau – für uns in Rückenansicht –
auf dem Boden sitzend, hat auf der
Laute einen Akkord angeschlagen, den
Giorgione als C-Dur-Griff malte. Dieser
Akkord wabert in der abendlichen Luft,
ist vielleicht Gegenstand der Unter hal -
tung der beiden Männer, und auch die
Frau mit der Schalmei, die ihnen gegenübersitzt,
scheint dem
Vibrieren des C nach zuhören.
Allein ihr aufmerk -
samer Blick ist ein zusätzlicher
Akkord.
Da gibt es noch einen
Klang! Einer, den Wasser
hervorbringt, wenn es mit
einem feinen Strahl oder tröpfchenweise
aus einem gläsernen Krug in ein steinernes
Bassin fließt oder tropft. Wasser
wird zum hellen, die dumpf-rote Farb -
atmosphäre zerschneidenden Ton. Für
diesen tonalen Gegenpart zum C-Ak -
kord der Laute ist die zweite junge Frau
verantwortlich. Sie erscheint uns als
Nymphe. Noch sieht der Betrachter kein
Wasser fließen, ihre Körperhaltung ist
verschränkt, abwartend und hochkonzentriert
auf den Ausgießer gerichtet, so
als wollte sie nach einem zweiten Lau ten -
„Ich sah Bilder, als
hörte ich Vivaldis
Musik. Dieses
Wetterleuchten in
beider Kunst!“
akkord ihren Teil zum ländlichen C-Konzert
beitragen. Bei nahe wie Jazz … Hören
und Sehen gehen im „Länd lichen Kon -
zert“ eine geheimnisvolle Symbiose ein.
Evergreen Vivaldi
In einem Gespräch 1999 mit Harald
Wieser erzählt Anne-Sophie Mutter von
ihrer Begegnung mit dem Künstler
Gott hard Graubner, dessen Arbeiten im
Atelier sie stark an die Komposition
Anto nio Vivaldis „Vier
Jahreszeiten“ erinnerte:
„Ohne Gotthard Graub -
ners Ma lerei gäbe es diese
Vivaldi-CD gar nicht.
Seiner Malerei zuliebe habe
ich den Wunsch geäußert,
mein Publikum möge
meine Interpretation auch mit den
Augen hören. Die Idee, sie auf Schall -
plat te einzuspielen, kam mir nämlich erst
bei einem meiner Besuche in Gotthard
Graubners Atelier. Ich sah Bilder, als
hörte ich Vivaldis Musik. Diese beim
modernen Maler und beim barocken
Komponisten so enge Nachbarschaft
von Licht und Schatten! Dieses explosive
Funkeln, dieses Wetterleuchten in
beider Kunst! Graubners Bilder vermitteln
bis an die äußerste Grenze gehende
Urgewalt, wie Vivaldis musikalische
Stür me. Im selben Atemzug entdecke ich
bei beiden zarteste Transparenz. Töne
und Farben, die so federleicht wiegen,
als würde mich die Winzigkeit der Ent -
stehung eines Lebens anhauchen. Kli t -
ze kleine Abstraktionen. Sinnesgebur -
ten, kleiner als ein Embryo.“
Musikalischer Ruderschlag
„Schwarze Federn“, so nennen Ve ne -
zianer ihre Gondeln, gleiten zu Hunder -
ten über die Lagune. Feine salzige Gischt
mischt sich mit der Feuchtigkeit der
Luft. Ein Hauch von Tragik liegt über jedem
Bild des Francesco Guardi, wenn er
das Venedig des 18. Jahrhunderts porträtiert.
Hugues Dufourt hat mit dem
Ensemble Modern 2002 sein wunderbares
Stück realisiert, das er „La gondole
sur la lagune (d’après Guardi)“ nennt.
Dufourt malt mit musikalischen Augen
das Auf und Nieder der vielen hundert
Ruder. Sie sind im gleißenden Gegen -
licht ein Widerpart zur ewig horizontalen
Linie der Lagune. Mit jedem Ru der -
schlag wird die Horizontallinie diagonal
„gestört“, es entsteht eine kurzfristige
Ge genbewegung, die aber das Liegende,
das Schwarz der Lagune, mit Tausenden
von Rudereinstichen, die kleine Strudel
hinterlassen, auf lange Sicht nicht stören
kann.
11/09 FONO FORUM
19

018_21_Kunst_K.qxp:Muster_ff.qxd 30.09.2009 15:30 Uhr Seite 20
Fotos: Galerie m Bochum
SCHWERPUNKT
20 FONO FORUM 11/09
Venusberg-Musik
Eugène Delacroix macht sich 1861
seinen malerischen, von französischer
Salonkultur geprägten Reim auf das In -
nere der Venushöhle. Nicht unbedingt
begeisterter Wagnerianer, aber ein Be -
wunderer Baudelaires, vollführt er nach
dem „Tannhäuser“-Skandal in der Pari -
ser Opéra mit dem Gouachepinsel seine
charakteristischen Schwünge, die beides
beinhalten: Trockenheit der Far be mit
typisch flackernden Lich tern und Ver -
schimmern sämtlicher Konturen. Nichts
malt der Meister der französischen Ro -
man tik so, wie ihm es die Geologie des
Großen Hörselberges vorschreiben
müsste. Da ist er so meisterhaft im Um -
erdichten wie Richard Wagner. Die 450
Meter über dem Meer gelegene so genannte
„Venushöhle“ im Wart burg kreis
wird zur unterirdischen Kathe dra le. Die
Schaumgeborene sitzt weitab vom ge-
zähmten Wasser (ein monströser phal lischer
Springbrunnen) und stoppt mit
herrischer Geste den vom Marienglau -
ben gepackten Tannhäuser. Des Ritters
Credo „Mein Heil ruht in Maria“ bringt
die Göttin aus ihrer bequemen Seiten-
l age, selbst die Barthaare des Leoparden
kann der Betrachter zittern sehen. De -
lacroix, der „sein Bild auswendig weiß,
bevor er es malt“, übersetzt die Span nung
dieser Ritterarie in Muskelarchitektur.
Das Innere der Höhle wird durch Kör -
persprache zwischen Venus und Tann -
häu ser noch einmal gespiegelt.
Orchester in Blau
Wassily Kandinsky ist es zu verdanken,
dass die Künstler des 20. Jahr hun -
derts die Synästhesie der Künste weiterentwickelt
haben. Er selbst hat in „Über
das Geistige in der Kunst“ zum ersten
Mal versucht, Töne unterschiedlicher
Musikinstrumente mit Farbtönen gleich-
Die Bilder des Künstlers Gotthard
Graubner inspirierten Anne-Sophie Mutter
zu ihrer zweiten Aufnahme von Vivaldis
„Vier Jahreszeiten“.
zusetzen. Diese Schrift erregte bei
Erscheinen 1912 weltweit Aufsehen. Ein
Zitat belegt die – für einige Maler und
Musiker künstlich geknüpfte – Ver -
wandt schaft zwischen musikalischem
und farbigem Klang. „Musikalisch dargestellt
ist helles Blau einer Flöte ähnlich,
das dunkle dem Cello, immer tiefer
gehend den wunderbaren Klängen der
Bassgeige; in tiefer, feierlicher Form ist
der Klang des Blau dem der tiefen Orgel
vergleichbar.“ Schaut man sich Gouachen
auf schwarzem Tonpapier der
zwanziger Jahre an und hört dazu „Kan -
dinsky Va riations“ von Terry Longshore
und Kol legen, dann wird hörbar, was der
Bau hausmeister meinte: Blau zieht vielstimmig
schwer eine Linie durch den
Raum, von oben tröpfeln gelbe „akute“
Punkte, plötzlich kommen helle Spira -
len ins Bild (häufig in Weiß), um dann
von einem Blau wieder eingefangen zu
werden. Aufsteigend und Absteigend
harmonisiert sich im dunklen Blau,
dem Kandinsky’schen Gesetz der „inneren
Notwendigkeit“ gehorchend. Zu hören
bei „An Encounter With The Music
Of William Kraft“ (Alba ny Records,
2008).
Bis in der aktuellen Musik die Malerei
oder Grafik eine wichtige Rolle spielt,
mussten nach Kandinsky viele Jahre vergehen.
Doch heute beschäftigen sich
junge Künstler und Komponisten zunehmend
mit den Wechselwirkungen des
Hörens und Sehens. Vorarbeit geleistet
haben Ferdinand Hodler und Arnold
Böcklin, die beide der Programmmusik
im Bild huldigten. Und auch Giacomo
Balla, Kurt Schwitters sowie Adolf
Fleisch mann oder Luigi Veronesi sind
überzeugende Experimente zur Verwe -
bung des Sehen und Hören in ihren
Werken gelungen. Eine enge Zusam men-

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Aktuelle Bücher zum Thema
Jörg Jewanski, Hajo Düchting, Musik und Bildende
Kunst im 20. Jahrhundert. Begegnungen – Berührungen
– Beeinflussungen. Kassel University Press, Kassel
2009, 490 S., 29 Euro
Gerhard Pauly, Farben und Klänge. Begegnungen mit
Kunstwerken des 20. Jahrhunderts. Musik und Malerei
im Vergleich. Gepa, Saarbrücken 2008, 132 S., 24,80
Euro (plus Naxos-CD mit Klangbeispielen)
arbeit zwischen Bildenden Künstlern und
Musikern war bei der Arbeit „Infil tration –
Homogen für Cello“ von Joseph Beuys mit
John Cage und Nam June Paik mitzuerleben.
Oder: Der New Yorker Videokünstler Bill
Viola begreift den Körper, den er bei seinen
Arbeiten immer in den Focus rückt, als (neuronales)
System, in dem alle Sinne gleichberechtigt
nebeneinander funktionieren. Allein
durch das Ver weben von Bewegung, Stillstand,
Ton und Figur entsteht in Violas Videos eine
beinahe in Zeitlupe ablaufende Be schreibung
unserer innersten Sinnen welt. Ohren und
Augen des Betrach ters/Hörers sind bei diesem
Künstler extrem gefordert. Die Schweizerin
Pipi lotti Rist „mutete“ 2005 in ihrem Bien -
nale-Beitrag für Venedig in der Kirche San Stae
dem Publikum eine wahrhaft paradiesische
Verwebung von Musik und Bewegungs bild in
vielfach geschnittenen Facetten zu. Die Musik
von Anders Guggisberg hatte maßgebenden
Anteil am Erfolg des farblich-mobilen und tönenden
Deckenfreskos – bis der Klerus zur Tat
schritt und der paradiesischen Synthese der
Künste ein abruptes Ende bereitete.
Joachim-Ernst Berendt hat bereits in den
achtziger Jahren eines der besten Bücher über
das verloren gegangene, aber notwendige
Zusammenspiel zwischen Ohren und Augen
geschrieben (Das dritte Ohr, 1985). Vielleicht
Jorinde Voigts „Symphonic Area“ gleicht einer modernen grafischen Notation.
hat die von ihm konstatierte „Hypertrophie“
des Sehens mit der überall reproduzierten
Wirklichkeit zu tun. Wir trauen unseren Au -
gen mehr als unseren Ohren. „Das Auge sagt
Ich“, doch „das Ohr stellt eine ,richtigere’
Relation zwischen uns und dem anderen her,
es impliziert nicht Trennung, sondern Ein -
heit“. Beide Sinne miteinander eindringlich
für Hör ende und Sehende zu verweben stellt
an die Künstler – ob Musiker oder Bildende
Künstler – hohe Anforde run gen.
Diese stellt Jorinde Voigt auch an ihre Be -
trachter. Als Cellistin und Zeichnerin verfolgt
sie in beiden Künsten dieselben Strategien.
Aufgemerkt haben alle Lieb haber der Zeich -
nung, als sie auf der Art Cologne als weitgehend
Unbekannte ein fulminantes grafisches
Zeugnis ablegte, das der Zeichnung wieder etwas
vom Disegno-Gedanken der Renais sance
zurückgab: das „Einschließen von tausenden
Momenten in einer einzelnen Zeich nung“, ohne
den Eindruck der Improvi sation zu verwischen.
Voigt friert in ihren Zeichnungen sozusagen
Raum und Zeit ein. „Es gibt keine Hierarchien
zwischen Akustischem, Erlerntem, Ge fühltem,
ich schaffe durch meine Zeich nungen Be -
trachtungs struktu ren.“ Jo rin de Voigts Aus -
füh rungen zu gleichberechtigten Sinneserleb -
nis sen lesen sich daher wie ein aktuelles Ma -
nifest zur Synästhesie, die erlebbar ist. ■

http://www.derwesten.de/staedte/iserlohn/Die-Gleichzeitigkeit-von-Ereignissen-abbildenid2420046.html
Villa Wessel
Iserlohn. Mit Jorinde Voigt präsentiert die Villa Wessel in ihrer neuen Ausstellung eine
Künstlerin, die auf zeichnerische Art die Gleichzeitigkeit von Ereignissen zu vereinen sucht.
Dabei faszinieren ihre großformatigen Zeichnungen bereits auf den ersten Blick. Sie zeigen ein
scheinbar wohl geordnetes Gewirr voller dynamischer Linien, die sich überlappen, aber auch
Parallelen aufweisen, sich zu einem dynamischen Mittelpunkt zu vereinen scheinen, und an den
Rändern doch wieder mehr der weißen Fläche Raum geben. Unwillkürlich fällt einem eine nicht
definierbare Rhythmik auf, deren Geheimnis aber verschlossen bleibt. Visuelle Anklänge an bereits
Gesehenes scheint es bei Jorinde Voigts Zeichnungen nicht zu geben, sie bilden nichts Reales ab,
sind aber auch dem Abstrakten nicht zuzuordnen, unterliegen ganz offensichtlich völlig eigenen
Gesetzen. „Ich habe eine tiefe Sehnsucht nach Ordnung, obwohl ich weiß, dass Ordnung nur eine
Projektion ist”, hat Jorinde Voigt, die 1977 in Frankfurt am Main geboren wurde, kürzlich über ihre
Arbeiten gesagt. Und in ihnen stellt sie z.B. die fiktiven Flugkurven von hundert gleichzeitig
losfliegenden Adlern dar, kodiert den Aktionsablauf küssender Paare, stellt daneben die Rotation der
Himmelsrichtungen, versieht Linien mit Zahlen, Anmerkungen, gibt dem Ordnungslosen so eine innere
Ordnung zurück. Notate und Partituren nennt Jorinde Voigt ihre Arbeiten, an denen sie oft wochenlang
arbeitet.
Der Weg zur Kunst war bei Jorinde Voigt nicht von Beginn an geplant. Erst studiert sie Neue deutsche
Literatur, widmet sich danach der Soziologie und Philosophie, bevor sie dann 1999 in Berlin mit einem
Studium der Bildenden Kunst bei Prof. Christiane Moebus beginnt. Ab 2001 setzt sie ihre Studien bei
Prof. Katharina Sieverding an der Universität der Künste in Berlin fort. Anfangs steht die Fotografie im
Mittelpunkt. Schon hier versucht sie sich an Doppelungen, Mehrfachbelichtungen. Doch schnell
erkennt die junge Künstlerin, dass ihre Ausdrucksmöglichkeit die Zeichnung ist. Bereits 2006 erhält sie
ihre erste Auszeichnung, den Herbert-Zapp- Preis für junge Kunst, ein Jahr später folgt der Gasag-
Förderpreis und 2008 der Otto-Dix-Preis der Stadt Gera. Ihre Arbeiten waren in Einzelausstellungen in
Deutschland, Holland und den USA zu sehen.
Jetzt hat Jorinde Voigt auch die Skulptur für sich entdeckt. In ihren Serien „Botanic Code” aus Berlin
und Sidney verschlüsselt sie nach mathematischen Regeln Pflanzen auf Röhren. Farben und
Durchmesser werden bestimmt durch die Anlehnung an die Natur, doch auch hier versteckt für den
Betrachter, doch strengen Regeln folgend.
Eröffnet wird die Ausstellung am Freitag, 22. Januar, um 19 Uhr. Die Einführung erfolgt durch Prof. Dr.
Hubertus von Amelunxen, Berlin. Die Künstlerin wird anwesend sein.
Pressespiegel | Jorinde Voigt [ Aktuell März 2010 ] Seite 7

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Ausstellung in der Villa Wessel
Jorinde Voigts Kunstformel, die Kunst formt
Region, 02.02.2010, Alexander Althöfer
Iserlohn. „Es geht!” Joachim Stracke ist überzeugt. Er hat es selber ausprobiert,
wahrscheinlich Stunden dafür gebraucht. „Man kann jedes Werk aufdröseln”, sagt der Kurator
des Kunstvereins Villa Wessel in Iserlohn. „Aber man muss es nicht. Dann bleiben es einfach
wunderschöne Zeichnungen.”
Joachim Stracke schwärmt. Er schwärmt von Jorinde Voigt. Oder vielmehr von deren Werken. 23
davon sind bis zum 21. März in der Villa Wessel ausgestellt. 21 von ihnen sind Zeichnungen. Die
anderen beiden sind Skulpturen. Und tatsächlich: Das Skulpturenkonzept ist erklärbar. Mit wenigen
Worten sogar: Die 32-jährige Künstlerin hat einen Bruchteil der Pflanzenvielfalt der botanischen
Gärten Berlins und Sydneys kodiert - auf Aluminiumrohren. Jede Pflanze ein Rohr, jedes Rohr in den
Farben der Pflanze, 15 Rohre ergeben den Code Berlins. Jorinde Voigt hat dafür einen Namen
gefunden: „Botanic Code” . Für die Flora Sydneys brauchte die gebürtige Frankfurterin 16 Rohre. Dort
war sie im nämlich im Dezember. Im Sommer also.
Aber dann sind da diese Zeichnungen. Sind es überhaupt Zeichnungen? „Es ist ein zeichnerisches
Werk”, sagt Joachim Stracke. Und das obwohl er eingeweiht ist: „Die Künstlerin selber sagt, sie
schreibt”, weiß er. Vier groß- und 17 kleinformatige Werke sind in der Villa Wessel ausgestellt. Sie alle
haben zweierlei gemein. Erstens: Ein strenges Konzept, welches jede Zeichnung regelrecht zu fesseln
scheint. Zweitens: Was Jorinde Voigt da „schreibt”, das umhüllt sie mit dem Deckmantel der
Wissenschaftlichkeit: Physik, vor allem aber Mathematik geben dem Werk die Form. Oder besser: Sie
ergänzen sich zu einer Formel, deren Ergebnis nur dieses eine Werk sein kann.
Filigrane Linien und zahllose Zahlen
Ein Biespiel: Die Serie „Zwei küssen sich”. Tinte und Bleistift haben unzählige filigrane Linien zu
Papier gebracht. Keine davon beginnt im Irgendwo oder endet im Nirgendwo, sondern jede genau da,
wo sie es muss. Dazwischen, darüber, darunter sind Pfeile, scheinbar mit dem Lineal gezogen. Auch
zahllose Zahlen sind zu sehen, fast scheinen sie zu verschwimmen. Zum Glück sind da ja noch die
Worte Joachim Strackes: „Man kann die Werke aufdröseln, muss man aber nicht.” Gehen wir also drei
Schritte zurück. Dann bleiben es wunderschöne Zeichnungen. Ganz einfach.
Jorinde Voigts Werke sind noch bis zum 21. März in der Villa Wessel zu sehen. www.villa-wessel.de
ORT DES GESCHEHENS
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regelmäßig, aber nicht mehrmals täglich. Auf private
E-Mails will Spletter bis Ende der Fastenzeit
komplett verzichten. Kann man „offline“ überhaupt
noch leben?
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Archiv » 2010 » 30. März » Berlin-Planer: Kunst
Textarchiv
Manisch gezeichnete Kulturtheorie
Jorinde Voigts "Collective Time" in der Galerie Klosterfelde
Ingeborg Ruthe
Vielleicht will sie es ja gar nicht sein, aber es ist nun mal so: Jorinde Voigt, vor
33 jahren in Frankfurt am Main geboren, manische Zeichnerin und mit ihren
Minimal-Objekten eine so strenge wie spielerische Konzeptualistin, ist in der
prallen Berliner Kunstszene eine Ausnahmeerscheinung. In der schieren
Masse und dem Jahrmarkt der Beliebigkeiten vermag sie noch mit Eigensinn
zu überraschen, denn sie folgt keinem offensichtlichen Trend, keiner Mode.
Allerdings haben ihre Arbeiten, die inzwischen in großen Museen gesammelt
werden, etwa von der Stiftung Moritzburg in Halle, schon eine Menge mit
dem Zeitgeist zu tun. Jorinde Voigt arbeitet nicht retrospektiv. Ihr geht es
ums Universale, um die Symbiose von Kunst und Wissenschaft. Also arbeitet
sie in die Zukunft.
Wie sehr, das besagt jetzt eine Ausstellungen der großen und kleineren,
schlicht gerahmten Zeichnungen und minimalistischen Objekte in der Galerie
Klosterfeld am neuen Standort - in der Potsdamer Straße, diesem neuen
Galerienviertel nahe der Neuen Nationalgalerie. Galerist Klosterfelde hat ins
Bürgerhaus-Ambiente gewechselt. Das aufgegebene Domizil an der
Zimmerstraße in Mitte prägten die Profanbauten eines ehemaligen
Gewerbehofes. Nun residiert die junge Kunst unter prächtigem
Gründerzeitstuck und vor und hinter schönen Flügeltüren. Hin zu ihr gelangt
man über Marmortreppen und durch ein verspiegeltes Treppenhaus.
Als "Grammatik VII" lässt Jorinde Voigt acht kleine schwarze und beschriftete
Propeller an der hohen weißen Wand des ersten Raumes rotieren - das wirkt
nüchtern und zugleich surreal. Im nächsten Zimmer lehnt an der Wand eine
Arbeit aus langen und kurzen grauschwarzen Stäben, eine Art filigraner
Orgelpfeifenprospekt - oder auch eine Diagrammskulptur, so minimalistisch
wie subtil.

Und dann, im nächsten Raum hinter Glas: Oben, unten, links, rechts, überall
nur Weiß und Schwarz, hingestrichelt mit Bleistift und Tinte. Über die
Papierbahnen zieht sich ein Sog aus Strichen, Kritzeln, Zahlen, Plus-und
Minuszeichen. Pfeile wirbeln übers Papier, formieren sich zu Zahlentabellen
oder zu gezackten, unleserlichen Schriftzügen. Manche Gebilde sehen aus wie
Programmierstrukturen aus der Computerwelt. Andere zeichnen einen
Adlerflug, eine anbrandende Meereswelle, einen weiblichen Mund auf, in
zarten Zeichengebilden. Dicht an dicht wie Gewebe oder weit
auseinandergezerrt wie Kettenglieder nehmen Zahlen, Zeichen, Buchstaben
die Formen von Denklandschaften an. Oder sind es wissenschaftliche
Aggregate?
Jorinde Voigts Schau gleicht einem minimalistischen Laboratorium, einer
Messstation. Sie zeichnete Strukturen auf, sie untersuchte Situationen.
Philosophie, Musik, Mathematik, Physik, Chemie, Bildkunst - es gibt keine
Grenze. Zeichnend testet die junge Künstlerin aus, was passiert, wenn man
mit naturwissenschaftlichen und gesellschaftlichen Regeln spielt und wissen
will, wie sich all die Elemente zueinander verhalten. Und wie Rhythmus,
Wiederholung, Variation - und schließlich Poesie entstehen. Dass alles so
musikalisch wirkt, hat tiefere Gründe, denn mit acht lernte sie das Cellospiel,
fast hätte sie den Weg als Orchestermusikerin angetreten. Dann studierte sie
ein paar Semester Philosophie, und 1999 entschied sie sich für die Bildende
Kunst. Bald wurde sie Meisterschülerin bei der Fotokünstlerin Katharina
Sieverding an der Berliner Universität der Künste.
Jorinde Voigt schafft mit ihren manischen Zeichnungen und den Objekten
hochkomplexe Kompositionen zu Zeit und Raum, eine Art der
Kartografierungen einer Welt, in der Äußeres Inneres wird - und umgekehrt.
Welch eigentümliche Grammatik der Striche, der Kürzel, der Chiffren tut sich
hier auf. In den Zeichnungen versucht Jorinde Voigt die Welt zu vermessen,
vertikal und horizontal, nach Himmelsrichtungen oder Windstärken, nach
Rotationen, Interferenzen und akustischen Impulsen. Manche der mit
Bleistift, Buntstift oder Tinte auf Papier entstandenen Gebilde und Strukturen
gleichen Temperaturskalen oder Stromimpulsen, wie sie medizinische
Überwachungsgeräte produzieren: Herztöne, Hirnströme, Pulsschläge. Die
Zeichnerin sieht dies offensichtlich alles als Geflecht aus Verbindungen,
Beziehungen, Gegensätzlichkeiten, aus Wechselwirkungen und
Abhängigkeiten.
Alles hängt mit allem zusammen, das sagen diese präzisen Kritzel "Collective
Time" auf teils tafelbildhaften Papiergründen. Deren Ausmaße verblüffen

nicht bloß wegen der unglaublichen Zeichenanordnungen, welche
ungewöhnlich dynamischen Denkvorgängen, analytischen Kombinationen
und einer luziden Phantasie entsprungen sein müssen. Der körperliche
Krafteinsatz ist nicht weniger enorm.
Galerie Klosterfelde, Potsdamer Straße 93, 1. Etage (Tiergarten). Bis 30. 4.,
Di-Sa 11-18 Uhr.
------------------------------
Foto: Eine Art Lippenplanet ist die Zeichnung von 2010. Wieder geht es
Jorinde Voigt ums Universale.
Foto: Alles hängt mit allem zusammen, das wollen Jorinde Voigts Kürzel
sagen.
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JORINDE VOIGT AXIOMA
Galerie Marie-Laure Fleisch, März 2010, Rom, Italien

JORINDE VOIGT AXIOMA
Galerie Marie-Laure Fleisch, März 2010, Rom, Italien
Artikel: Axioma in mostra
Erscheinungsdatum: 1. März 2010
Onlinemagazin: www.cultumedia.it
Autorin: Silvia Costa
Übersetzerin: Annette Dobler
Axioma zur Schau gestellt
Die Kraft von Jorinde Voigt, gezeigt in der Galerie Marie-Laure Fleisch vom 2. März bis 30. April
Axioma, „was Kraft hat“. Das ist der Titel der ersten Ausstellung, die Jorinde Voigt nach Italien führt.
Eine Offenbarung aus Linien und sanften Geometrien, ausgestellt vom 2. März bis 30. April in der
Galerie Marie-Laure Fleisch, ein Ausstellungsort für zeitgenössische Kunst, der auf Zeichnungen
auf Papier spezialisiert ist und sich im Zentrum von Rom befindet. Mit Jorinde Voigt eröffnet die
Galerie die Saison. In der Einzelausstellung werden eine Reihe unveröffentlichter mittelgroßer bis
großer Tinten- und Bleistiftzeichnungen auf Papier und eine site specific Installation, bestehend aus
Carboxyl-Propellern und mechanischen Motoren, ausgestellt.
Jorinde Voigt spielt im Allgemeinen mit dem Zwischenraum von Objektivität und Subjektivität. Dort,
wo das Individuum mit seiner Umwelt in Verbindung tritt, hic et nunc, und Raum für Interpretationen
schafft. Interpretationen, die die dreiunddreißigjährige Berlinerin sowohl in der wissenschaftlichen
Sphäre des Rationalen, als auch in der ausschließlich künstlerischen Sphäre des Irrationalen
ansiedelt. Die Künstlerin verwendet hierbei die Zeichnung als Kommunikationsprodukt der uns
umgebenden Realität, als letzte Phase eines Übersetzungsprozesses von Naturphänomenen und
kulturellen Prozessen, wie Musik, Pop, Elektrizität, Temperatur, Wind, Flugzeuge, Melodien und
vieles mehr.
Von London, Paris und New York bis to Rome. In den unveröffentlichten Werken trifft man auf ein
Zusammenwirken von feinen Zeichen, eleganten Buchstaben, Pfeilen, Nummern und Wörtern, die im
Akt des Zeichnens als Teil des Performativen der Werke nur so aus der Künstlerin herauszusprudeln
scheinen. Durch die Wahl, die Zeichnungen in Sequenzen und Tabellen einzuteilen, wird ein Takt
erzeugt, während eine dritte Dimension durch die vielfältigen Ausrichtungen der unterschiedlichen
Bestandteile der Zeichnungen erreicht wird. Auch der Betrachter ist aufgefordert zu agieren, einen
Zugang zu den vielzähligen Perspektiven zu finden und dabei deren seriellen Charakter zu erkennen.
Grammatik hingegen ist der Titel des ersten mechanischen Versuchs von Voigt. Eine wahrhaftige
„Kunst des Schreibens“, bestehend aus acht schwarz lackierten Carboxyl-Propellern, die an einer
Wand der Galerie montiert sind. Die Propeller werden von elektrischen Motoren angetrieben, die
deren Geschwindigkeit und Bewegungsrichtung bestimmen und dafür sorgen, dass die Körper sich
scheinbar autonom im Raum bewegen. Die auf dem ersten Propeller erscheinende Aufschrift „Ich
liebe dich – ich liebe dich nicht “, wird auf den anderen Propellern, die sich unterschiedlich schnell
und in verschiedenen Richtungen bewegen, in all ihren grammatikalischen Verbformen dekliniert.
Die dargestellten grammatikalischen Möglichkeiten der Aufschrift regen zu Reflektionen an, die
das Thema der subjektiven Beobachtung der Welt aus verschiedenen Perspektiven betrachtet und
der daraus resultierenden Zerlegung der Realität in ihre vielzähligen Aspekte und Kompositionen
betreffen.

JORINDE VOIGT AXIOMA
Galerie Marie-Laure Fleisch, März 2010, Rom, Italien

JORINDE VOIGT AXIOMA
Galerie Marie-Laure Fleisch, März 2010, Rom, Italien
Artikel: I pensieri di Jorinde Voigt
Erscheinungsdatum: 1. März 2010
Onlinemagazin: www.sguardocontemporaneo.it
Autorin: Roberta
Übersetzerin: Annette Dobler
Die Gedanken von Jorinde Voigt
In ihrer ersten italienischen Ausstellung stellt Jorinde Voigt in den eleganten, im Zentrum von Rom
gelegenen Ausstellungsräumlichkeiten der Galerie Marie-Laure Fleisch, die auf Zeichnungen auf
Papier spezialisiert ist, eine Reihe unveröffentlichter Zeichnungen mit dem Titel Axioma und eine
Wandinstallation aus.
Seit jeher verwendet Jorinde Voigt die Zeichnung als Ausdrucksmittel für ihre charakteristischen
technischen und konzeptuellen Arbeiten. Die junge deutsche Künstlerin wurde 1977 in Frankfurt
am Main geboren, hat in Berlin studiert, wo sie momentan auch lebt und arbeitet. Voigt lässt in
ihre Zeichnungen unterschiedliche Ausdrucksformen einfließen, um sich künstlerisch zu entfalten:
es tauchen in ihnen gerade Linien, Kritzeleien, aber auch Zahlen, Buchstaben frei kombiniert mit
geografischen Landkarten, musikalische Partituren und geometrische Figuren auf. Auf der weißen
Oberfläche des Papiers ballen sich die zarten und eleganten Linien zusammen, sie verfolgen
sich, teilen sich, überlagern sich und verschwimmen, sie verästeln und verlieren sich in den
Zeichenschemen. Die Zeichnung wird in den Händen von Voigt zu einem Instrument um die sie
umgebende Welt, die sich mit ihren politischen, sozialen und kulturellen Veränderungen in ihren
Gedanken widerspiegelt, zu vermessen. Als Zeitzeugen der Gegenwart greifen ihre Werke oft auf
musikalische Ausdrucksformen zurück: Noten, Partituren aber auch Subwoofer, Frequenzbände
oder Takte, die mit ihrer Phrasierung das Betrachten der Zeichnungen rhythmisieren. Darüber hinaus
bleiben auch Bezüge zum Fliegen oder schematische Analysen von Kommunikationssystemen und
Dialogen nicht aus. Flugzeugsilhouetten nehmen die weiße Bildfläche ein und animieren sie durch
ihre sich überkreuzenden Flugbahnen. Alles, was sich in den Gedanken von Jorinde Voigt reflektiert,
wird mit Hilfe eines visuellen Effektes, der chaotisch anmuten mag, aber nie zu grell ist, auf Papier
übertragen.
Schnell und mit Feingefühl notiert, kritzelt, schreibt und zeichnet sie mit Bleistift und Ausziehtusche
ihre Gedanken, ohne sie dem Betrachter aufzudrängen. Vielmehr rufen sie selbst zusätzliche
Überlegungen und Gedanken hervor. In ihren Zeichnungen befinden sich gleichzeitig philosophische
Überlegungen und logisch-mathematische Operationen, welche Kunst und Wissenschaft, subjektive
Gedanken und die objektive Analyse der Realität in Verbindung setzen. Es gibt keine Ordnung
oder Richtlinien, die eine eindeutige Interpretation dieser Arbeiten zulassen würden: die Betrachter
sind selbst dazu aufgefordert, einzeln die Verbindungen zwischen den verschiedenen Diagrammen
zu suchen und jeweils für sich selbst die komplexen Konstruktionen zu entschlüsseln, um einen
ganz persönlichen Nutzen daraus zu ziehen. Es ist durchaus legitim, sich zu fragen: Befinden wir
uns vor abstrakten Zeichnungen oder mathematischen Diagrammen? Helfen uns Rhythmus und
Wiederholungen, Leere und Fülle, Pfeile und Verbindungen bei der Betrachtung? Und, welchen
Anteil haben die unterschiedlichen, von der Künstlerin in ihren Kompositionen verwendeten
Ausdrucksformen hierbei?
Voigts Arbeiten bewegen sich an der Schnittstelle von Zeichnung und Schrift. Auf den ersten Blick
erscheinen ihre Werke als abstrakte Zeichnungen, bestehend aus mehr oder weniger dicken Linien,
markierten Bereichen oder Intervallen voller oder leerer Felder. Bei näherer Betrachtung stellen sich
die Zeichnungen als diagrammartige Konstruktionen mit Zeichen, die musikalischen, numerischen
oder kartographischen Ausdrucksformen zugehörig sind, aus. ->

JORINDE VOIGT AXIOMA
Galerie Marie-Laure Fleisch, März 2010, Rom, Italien
Mit eben dieser genaueren Betrachtung nähern wir uns der Konstruktion ihrer Werke an: Voigt teilt
uns ihre Art zu arbeiten, zu kreieren mit, ohne sich jeglicher Mystifizierung zu bedienen. Mit der
ausgestellten Reihe von Zeichnungen führt Voigt ihre persönlichen Nachforschungen bezüglich der
Konstruktion von Gedanken und Ausdrucksweisen fort, immer auch auf die semantische Analyse
ihrer Werke bedacht – hierbei sei ihr abgeschlossenes Studium an der Fakultät für Philosophie
und Geisteswissenschaften an der Freien Universität Berlin erwähnt. Gleichzeitig versucht sie
sich in neuen künstlerischen Ausdrucksformen wie in ihrer Installation site-specific Grammatik.
An einer Wand der Galerie sind acht verschieden große Carboxyl-Propeller montiert, die sich,
durch Elektromotoren angetrieben, unterschiedlich schnell bewegen und somit einen Effekt der
Entmaterialisierung erzeugen. „Ich liebe dich – Ich liebe dich nicht“ lautet der Satz auf dem ersten
Propeller, der sich dann in all seinen grammatikalischen Variationen auf den anderen Propellern
wiederholt – zu der Reihe gehören eigentlich vierundsechzig Propeller, in der Galerie sind nur
acht von ihnen ausgestellt. Das Spiel mit den Bedeutungen, die Rotation der Propeller und ihrer
Aufschriften (eine die Negation der anderen) und die Bewegungen der leichten Körper tragen in ihrer
Gesamtheit zur Analyse der konstituierenden Elemente von Sprache bei, sowohl gezeichnet, als
auch geschrieben – oder, wie in dem Fall der Arbeiten von Voigt, beides zusammen.

JORINDE VOIGT AXIOMA
Galerie Marie-Laure Fleisch, März 2010, Rom, Italien

JORINDE VOIGT AXIOMA
Galerie Marie-Laure Fleisch, März 2010, Rom, Italien
Artikel: La capacità di Jorinde Voigt di mostrare l’invisibile
Erscheinungsdatum: 23. März 2010
Tageszeitung: Il Messaggero
Autor: Massimo Di Forti
Übersetzerin: Annette Dobler
Die Fähigkeit von Jorinde Voigt, das Unsichtbare zu zeigen
Das Unsichtbare zeigen. Es darstellen, zeichnen, malen. Mit außerordentlicher Anmut und
unbeugsamer Strenge. In einer erstaunlichen Synthese aus Musik, Kunst, Physik, Mathematik,
Graphik, Philosophie, Informatik, Psychologie. Schwierig? Nahezu unmöglich? Und warum? Yes,
she can. Mit erst 33 Jahren kann sich Jorinde Voigt, Deutsche aus Frankfurt, nicht nur mit einem
prestigereichen Lebenslauf durch Ausstellungen in Museen in halb Europa (Berlin, Paris, München,
Zürich, Heidelberg) und Kanada rühmen. Sie ist ehemalige Cellistin, hat einen Philosophieabschluss
(und als würde dies nicht schon genügen, hat sie zudem auch noch die strahlende Erscheinung
eines Supermodels). Sie hat die Gabe, die komplexen, aus ihrer Fantasie entspringenden Strukturen
mit der Lehre von John Cage, die Darstellung einer Serie von Küssen mit Hilfe der Fibonacci-Folge,
die Gesetze des Raum-Zeit-Kontinuums mit Popsongs ect. zu verbinden.
In ihrer ersten italienischen Ausstellung Axioma (in der Galerie Marie-Laure Fleisch, vicolo Sforza
Cesarini 3a, bis zum 30. April) präsentiert Voigt eine Reihe von mittelgroßen bis großen Tinten- und
Bleistiftzeichnungen auf Papier (unveröffentlicht und To Rome gewidmet), und eine Installation,
die aus acht Carboxyl-Propellern besteht, welche durch mechanische Motoren unterschiedlich
schnell bewegt werden. Nichts, nicht einmal der Zufall, ist dem Zufall überlassen. Ihre Kunst ist
vielmehr Resultat fundierter Kenntnisse mathematischer und physikalischer Gesetzmäßigkeiten,
welche originell durch kreative Einfälle bereichert werden und somit Naturphänomene und kulturelle
Errungenschaften wie Elektrizität (für die Künstlerin Symbol unserer Zivilisation) und Volkslieder, das
Fliegen und Musik, Gefühle und Rhythmus, mentale Prozesse und die Betrachtung der physischen
Welt in Zusammenhang bringen. Die Installation Grammatik lässt die acht schwarz lackierten
Propeller mit der weißen Aufschrift „Ich liebe dich – ich liebe dich nicht“, die auf dem ersten Propeller
erscheint und dann auf den anderen Propellern in variierten Formen wiederholt wird, interagieren:
Eine sowohl beeindruckende als auch überzeugende Demonstration der relativen Wahrnehmung der
Realität und unserer subjektiven Erfahrungen.
Die allen Nachforschungen zugrunde liegende Inspirationsquelle ist Musik als Synthese aus
mathematischer Kohärenz und expressiver Anmut, als „unsichtbare“ Kunst par excellence. Fast
nicht wahrnehmbare Zeichen von außerordentlicher Eleganz gliedern sich in ihren Zeichnungen
auf Papier in regelrechte Partituren, um Gedankenflüsse, Maße des Raum-Zeit-Kontinuums,
Gefühlsumschwünge und Analysen der Realität zu beschreiben. Jorinde Voigt zelebriert somit
in einer Serie wunderbarer Überraschungen, die Allianz zwischen Kunst und Wissenschaft.
Selbstverständlich in vollendeter Schönheit.

JORINDE VOIGT AXIOMA
Galerie Marie-Laure Fleisch, März 2010, Rom, Italien

JORINDE VOIGT AXIOMA
Galerie Marie-Laure Fleisch, März 2010, Rom, Italien
Artikel: Marie-Laure Fleisch ospita la prima personale italiana
di Jorinde Voigt
Erscheinungsdatum: März 2010
Onlinemagazin: www.arteecritica.it
Autor: A.R.
Übersetzerin: Annette Dobler
Jorinde Voigts erste italienische Einzelausstellung gezeigt von Marie-Laure Fleisch
Jorinde Voigt verwendet die Zeichnung, um die Welt zu analysieren und zu vermessen. Sie benutzt
sie, um Kräfte- und Spannungsstrukturen darzustellen, die sie durch die Beobachtung von kulturellen
Phänomenen wie Musik und Melodien oder Naturphänomenen wie Wind, Elektrizität, Flug und
Temperaturschwankungen auf weißem Papier graphisch umsetzt. Zwischen Kunst und Wissenschaft,
philosophischen Überlegungen und Naturbeobachtungen verleiht die deutsche Künstlerin ihren
Gedankenflüssen eine graziöse Form und wandelt somit eine sich im permanenten Wechsel
begriffene Realität gleichsam in eine Ikone um, fast, um sich des vollständigen Verständnisses der
sie am stärksten faszinierenden Phänomene noch einmal zu vergewissern. Für die Einzelausstellung
Axioma, in der Galerie Marie-Laure Fleisch in Rom ausgestellt, präsentiert Voigt eine Auswahl ihrer
Arbeiten der letzten zwei Jahre von großen bis mittelgroßen Zeichnungen und eine hypnotisierende
Installation Grammatik, welche eine Reflektion über Parameter des Fliegens, Rotationen,
Geschwindigkeit, Grammatik und verschiedener Dimensionen beinhaltet. Genauso wie die Zeichen
in ihren Zeichnungen wiederholt werden und rhythmisch kadenziert sind, werden die acht schwarzen
Flugzeugpropeller zyklisch mit Tendenz zum Paroxysmus bewegt. Elektrische Motoren lassen die
Propeller, die acht von vierundsechzig möglichen Deklinationen des Satzes „I love you – I do not love
you“ als Aufschrift tragen, unterschiedlich schnell bewegen.

Das komplexe Bild der Welt - taz.de http://www.taz.de/1/archiv/digitaz/artikel/?ressort=ku&dig=2...
01.03.2010
Das komplexe Bild der Welt
LINIE LINE LINEA Von Fernando Bryce über Marc Brandenburg bis
zu Jurinde Voigt: Eine Ausstellung im Kunstmuseum Bonn zeigt
Werke von 20 Künstlern, die in Deutschland leben und zeichnen
VON ANGELA HOHMANN
Seit frühester Kindheit sind wir mit ihr vertraut, überall im Alltag
begegnet sie uns: in Gebrauchsanweisungen, auf Straßenschildern
oder Piktogrammen, selbst als Kondensstreifen am Himmel: die Linie
als einfachstes Element der Zeichnung. Viel zu lange wurde sie nur
stiefmütterlich behandelt, mehr als Hilfsmittel der Malerei, als Skizze
und Probebühne für die eigentliche Kunst - das Gemälde oder die
Skulptur. Doch seit ein paar Jahren erfährt die Zeichnung eine
Renaissance, Künstler entdecken die ganze Brandbreite ihrer
Ausdruckmöglichkeiten und Museen die Genuität dieser
ursprünglichsten Form künstlerischen Ausdrucks.
Der "Zeichnung der Gegenwart" widmet nun das Kunstmuseum Bonn
unter dem Titel "Linie Line Linea" eine Ausstellung mit 20 Positionen
und 87 Werken, u. a. von so bekannten in Deutschland lebenden
Künstlern wie Fernando Bryce (1965), Jorinde Voigt (1977) oder Marc
Brandenburg (1965). Initiator der von Volker Adolphs kuratierten
Schau, die die Vielfalt des zeichnerischen Universums präsentiert, ist
das Institut für Auslandsbeziehungen, das die Werke nach der ersten
Station in Bonn um den ganzen Globus schickt: Was hier zu sehen
ist, versteht sich also als Bilanzierung der zeitgenössischen
Zeichnung in Deutschland. Die sorgfältig erarbeitete Auswahl
beschränkt sich dabei auf Arbeiten, die sich auf Stift und Papier
konzentrieren, sodass die zeichnerischen Strategien, die den Raum
einbeziehen, bewusst außen vor gelassen wurden.
Von Selbstbefragung und Welterkundung über das Spiel mit den
Möglichkeiten des Mediums bis hin zum Erzählen und zum
abstrakten Experiment reichen die Variationen der Zeichnungen.
Dabei wird Wirklichkeit abgebildet, angeeignet, einverleibt, erfunden,
verfremdet, verzerrt und vieles mehr. Bleistift, Bunt- und Filzstift,
Kugelschreiber, Kohlestift, Tuschfeder und Gravurstift sind die
Werkzeuge, mit denen feine Linien gezogen, weiche Flächen
entweder schraffiert werden oder allmählich, Strich an Strich,
entstehen. Bunte Punkte, akribisch aneinandergereiht, ergeben eine
schemenhafte Form. Für einige Künstler sind Fotografien der
Ausgangspunkt ihrer Arbeit. Gerhard Faulhaber (1945), der älteste
Künstler der Ausstellung, verarbeitet Wärmebilder und
Röntgenaufnahmen zu schemenhaften, fast durchsichtig anmutenden
Bleistiftzeichnungen von menschlichen Gestalten, während Marc
Brandenburg aus ins Negative übersetzten aufklebbaren
1 von 2 09.03.10 18:58

Das komplexe Bild der Welt - taz.de http://www.taz.de/1/archiv/digitaz/artikel/?ressort=ku&dig=2...
Zeichnungen von Schwarz-Weiß-Fotografien eine collagierte Sinfonie
des Großstadtlebens bastelt.
Dann wieder entstehen aus zarten Linien ganze Welten: Ralf
Ziervogel erfindet mit filigranem Tuschestrich ein Pandämonium der
Grausamkeit, ganz pornografisches Welttheater, während sich
Christian Pilzens (1978) Bleistift im Labyrinth einer Welt verliert, die
mit unzähligen detailgenauen Wirklichkeitsfragmenten und vielen -
wie bei Escher - ineinander verschlungenen Ebenen nur noch als
Versatzstück erkennbar ist. Im Kontrast zu diesen opulenten
Bilderwelten stehen abstrakte Kompositionen, wie die mathematisch
präzisen und zum Teil mit dem Zirkel ausgeführten federfeinen
Tuschezeichnungen von Jorinde Voigt oder die Formenbilder von
Nanne Meyer (1953), die mit allem experimentieren, was durch die
Bewegung der Hand aus einer Linie entstehen kann.
Raumgreifend wird die Linie bei Katharina Hinsberg (1967), die in
ihrer Arbeit "Nulla dies sine linea #3" (2001) ein quadratisches Blatt
Papier in der Mitte mit einer Linie bemalt, diese auf ein weiteres Blatt
durchpaust, und das Ganze 932-mal. Am Außenrand der zum
skulpturalen Kubus gestapelten Blätter auf weißem Sockel ergibt sich
aus den Abweichungen, die beim Durchpausen entstehen, eine neue
Linie.
Doch auch erzählen kann die Zeichnung, wie die 126 Blätter
umfassende Arbeit "Marcel I" (1999) von Alexander Roob (1956), die
mit filigranem Kreidestift auf Papier - zwischen Storyboard und
Zeichentrick - in kindlich-genialer Linienführung von einem Verfolger
berichtet, der sich selbst verfolgt fühlt.
Weniger Erzählung als humorvolles philosophisches Gedankenbild
sind die schwarzen Filzstiftzeichnungen von Markus Vater (1970) in
Arbeiten wie "He wants to make a model of god by filling the ocean
with concrete" (2002), die einen Betonmischer am Kai eines
Gewässers zeigt, der gerade seine Ladung entlädt.
Die Vielfalt zeichnerischer Technik und künstlerischen Ausdrucks
zeigt, wie lebendig und einfallsreich die Zeichnung ist und wie
glücklich wir uns schätzen können, dass sie sich weiterhin als
eigenständigen Medium behaupten kann. Die Ausstellung gibt einen
exzellenten Einblick in den aktuellen Umgang mit der Zeichnung und
lässt ein ganzes Universum aus Linien und Schraffuren entdecken.
Bis 16. Mai, Kunstmuseum Bonn (in Zusammenarbeit mit dem IFA)
2 von 2 09.03.10 18:58

http://www.tagesspiegel.de/kultur/der-laute-himmel/1802924.html
17.04.2010 02:00 Uhr | Von Simone Reber
Der laute Himmel
Jorinde Voigts erste große Schau bei Klosterfelde
Da liegt was in der Luft. Die Worte „Ich liebe dich, ich liebe dich nicht“ oder „Du liebst
dich, du liebst dich nicht“ schwirren mit einiger Geschwindigkeit auf Propellerflügeln im
Kreis. Aber anders als beim Abzählreim entscheiden nicht die Blütenblätter der
Gänseblümchen über unsterbliche Liebe. Jorinde Voigt, bekannt für ihren ordnenden
Blick auf die Welt, hat alle Möglichkeiten von Zu- und Abneigung grammatikalisch
dekliniert. Von „Ich liebe mich“ bis „Sie lieben sich nicht“. Acht Rotorflügel mit insgesamt
64 sprachlichen Optionen drehen sich jetzt in unterschiedlichem Tempo an der Wand der
Galerie Klosterfelde.
Einen Namen hat sich Jorinde Voigt in den vergangenen Jahren mit ihren großformatigen
Zeichnungen von atmosphärischen Phänomenen gemacht – von der Luftströmung bis
zum Vogelflug. Sie hat Fotografie studiert und war Meisterschülerin an der Universität der
Künste in Berlin bei Katharina Sieverding. Aber mehr noch glaubt man in ihrer Arbeit die
Ausbildung zur Cellistin erkennen zu können. Die bogenförmige Bewegung der Hand auf
dem Blatt, die ausladende Geste, die ergänzt wird durch präzise, punktuelle Eingriffe. Die
asynchrone Geschwindigkeit der Hände. Jorinde Voigt selbst spricht von ihren
Zeichnungen als Partituren. Tatsächlich versucht sie, Rhythmus und Zeitmaß von kaum
wahrnehmbaren Schwingungen zu erfassen.
Für die Ausstellung in der Galerie Klosterfelde, die die Künstlerin nun vertritt, hat sie die
Flugrouten von Intercontinental-Maschinen aufgezeichnet. Von wegen grenzenloser
Himmel. Auf dem weißen Blatt drängen sich die Flüge als feine Linien auf engstem Raum,
denn die 33-jährige Künstlerin lässt sie alle auf derselben Ebene und zur selben Zeit
fliegen. Da braut sich ein dunkler Schwarm zusammen, plötzlich verdichtet sich die
unendliche Weite zu einer schweren Masse.
Leise ist es am Himmel nicht. Jorinde Voigt listet all jene Audio-Programme auf, die
Passagiere mit ihren Kopfhörern empfangen können. In zwanzig Kategorien geordnet
reicht das von Opera über Hindi Music und Japanese Favorites bis zu Chinese Pop. Mit
feinen Vektoren führt die Künstlerin Schall und Geschwindigkeit in die Zeichnung ein und
erforscht die Gleichzeitigkeit kultureller Erfahrungen (von 2200-22 000 Euro). Unsere
Augen machen uns glauben, über den Wolken sei es blau und still. Tatsächlich aber muss
es da oben lärmen und dröhnen, brummen und sirren. Die Unendlichkeit wird von
Störgeräuschen torpediert.
Am schwächsten wirkt die Installation, die der Ausstellung ihren Titel gegeben hat:
„Collective Time“. Mit schwarzer Farbe hat die Künstlerin auf Aluminiumstangen die
Länge der populärsten Filme der westlichen Welt markiert. „Vom Winde verweht“ und

„Lawrence von Arabien“ gehören dazu. Die Phalanx der Stäbe lässt die Schnittmenge der
Zeit erkennen, die Kinobesucher im gleichen Film verbracht haben. Aber hier gerät
Jorinde Voigts Drang, die Welt zu systematisieren, zum Krampf. Die Arbeit lässt sich
intellektuell schlüssig erklären, verfügt aber nicht über die gleiche sinnliche Verlockung
wie die Zeichnungen. Ihr fehlt die Widersprüchlichkeit der Blätter, die ordnen wollen und
doch im Chaos enden, die eine Erklärung suchen und Komplikation finden. Auch als
Plastik erscheint Statistik eindimensional. Die Stärke von Jorinde Voigts Kunst liegt nicht
in der Logik, sondern im Paradoxon.
Galerie Klosterfelde, Potsdamer Str. 93; bis 24. April Di-Sa von 11-18 Uhr.

http://www.monopol-magazin.de1501 Diesen Artikel drucken
Shortlist für Viktor Pintschuks Kunstpreis steht fest
Kiew (monopol): Die 21 Nominierten für den vom ukrainischen Sammler Victor
Pintschuk gestifteten Future Generation Art Prize wurden bekanntgegeben.
erstellt am 29.06.2010
Der mit 100.000 Dollar dotierte Future Generation Art Prize, der ab 2010 alle zwei Jahre
vergeben werden soll, bietet internationalen Künstlern bis zur Vollendung des 36. Lebensjahres
langjährige Unterstützung – unabhängig davon, wo sie leben oder arbeiten. Eine
siebenköpfige Jury hat unter den 6.000 Anfragen aus 125 Ländern 20 Künstler auserwählt. Der
21. Nominierte ist Artem Volokytin, der im letzten Jahr den PinchukArtCentre Prize für junge,
ukrainische Künstler gewann.
Acht Frauen und 13 Männer dürfen nun auf die Auszeichnung hoffen. Zehn von ihnen
stammen aus Europa, zwei aus Nordamerika, jeweils drei aus Südamerika und dem Mittleren
Osten sowie je eine Person aus Afrika und Asien. Die Nominierten sind Ziad Antar, Fikret Atay,
Fei Cao, Keren Cytter, Nathalie Djurberg, Simon Fujiwara, Nicholas Hlobo, Clemens Hollerer,
Runo Lagomarsino, Cinthia Marcelle, Gareth Moore, Mircea Nicolae, Ruben Ochoa, Wilfredo
Prieto Garcia, Katerina Seda, Guido van der Werve, Nico Vascellari, Jorinde Voigt, Artem
Volokytin, Emily Wardill, Hector Zamora.
Zur Jury gehören die Sammler Eli Broad und Dakis Joannou, der Sänger Elton John, die
Modeschöpferin Miuccia Prada und die Museumsdirektoren Richard Armstrong vom
Guggenheim, Glenn D. Lowry vom New Yorker Museum of Modern Art, Alfred Pacquement
vom Pariser Centre Pompidou und Nicholas Serota von der Londoner Tate.
Monopol – Magazin für Kunst und Leben
Eine Publikation der Ringier-Gruppe, Schweiz
http://www.monopol-magazin.com/

ROSENKRANZ KUBIS IX: JORINDE VOIGT
10. September bis 3. November 2010
PRESSEINFORMATION
„Meine Arbeit ist wie Musik, man kann sie genießen, auch wenn man die Partitur
nicht lesen kann.“ (Jorinde Voigt)
Der neunte Rosenkranz Kubus präsentiert Arbeiten der Künstlerin Jorinde Voigt
(*1977 Frankfurt am Main) aus der Sammlung Dieter und Si Rosenkranz. Mit neun
Jahren lernte Jorinde Voigt Cello spielen und Noten lesen. 1996 begann sie
Philosophie und Literatur an der Georg-August-Universität in Göttingen zu studieren.
Zum besseren Verständnis der Themen zeichnete sie sich Diagramme, die die Worte
in Gedankenbilder verwandelten. „Ich hatte das Gefühl, das Studium der Philosophie
war durch Sätze eingeschränkt. Ich wusste, wie Noten funktionieren, wie sie zu lesen
waren. Es war für mich nicht schwer, eine Musiknote für eine Idee, Situation oder
Handlung einzusetzen. Diese Vorgehensweise half mir, Descartes und Wittgenstein zu
verstehen.“ (Jorinde Voigt, 2010) Daraus entwickelte sich, nach dem Wechsel der
Fachrichtung zur bildenden Kunst an die Universität der Künste in Berlin, eine ganz
eigene Bildsprache und Herangehensweise.
Jorinde Voigts filigran anmutende Arbeiten bewegen sich zwischen Schreiben und
Zeichnen, sind begrifflich als Schrift, Partituren, Konzepte oder Notationen zu fassen.
Es sind jedoch keine linear lesbaren Texte, sondern vielmehr diffizile Diagramme, die
sie bestimmten Ordnungskriterien wie der Fibonacci-Folge unterwirft. Ihre Werke
basieren meist auf messbaren physikalischen Parametern, etwa Temperaturverläufen
oder akustischen Impulsen, die sie wie in naturwissenschaftlichen Diagrammen
anordnet. Die rhythmischen Linienverläufe haben die Anmutung abstrakter
Zeichnungen oder Konstruktionspläne, deren Systematik sich erst nach eingehender
Betrachtung erschließt. Es ist der Künstlerin wichtig, ihren Arbeitsprozess
nachvollziehbar zu machen und die zugrunde liegenden Algorithmen ihrer
Zeichnungen zu offenbaren. „Ich finde es aufregend, den Betrachter aufzufordern,
etwas auf eine andere Weise zu sehen. Natürlich können die Leute meine Arbeit rein
visuell genießen, aber ich teile gern meine Denkweise mit und helfe ihnen, die Logik
dahinter zu verstehen, damit sie – wenn man so will – die Partitur lesen können.“
Mittels Pfeilen, Klammern, Plus- und Minuszeichen versucht sie, die Welt zu erfassen
und zu ordnen, die Gleichzeitigkeit von Ereignissen sichtbar zu machen und
miteinander in Bezug zu setzen.
Jorinde Voigt zeichnet oftmals monatelang, bis zu zwölf Stunden täglich am Boden
liegend, auf zum Teil überdimensioniertem Papier, geduldig und diszipliniert alles aus
verschiedenen Blickwinkeln betrachtend. Dabei setzt die Künstlerin eine lineare
Kettenreaktion in Gang, die zu dynamischen, feingliedrigen Bildwelten führt. Ihr
Medium ist die Zeichnung, sie „ist eben die direkteste Form. Da ist außer der
Bewegung des Körpers nichts mehr zwischen Denken und Tun geschaltet.“ Voigts
Zeichnungen erscheinen wie der Versuch, sich einen Überblick über die symbolischen
Aspekte unserer sozialen Organisation zu verschaffen. Ein Ordnungsstreben und
Verstehenwollen der sie umgebenden Welt ist der Motor ihrer Arbeit.
Katharinenstr. 10, 04109 Leipzig, T. 216 99 914, F. 216 99 999, www.mdbk.de, mdbk@leipzig.de

DIETER UND SI ROSENKRANZ
Das in Berlin lebende Ehepaar unterstützt seit Jahren Museen in Paris, Bilbao, Los
Angeles, Santa Barbara und Deutschland mit Leihgaben. Seit einigen Jahren haben
Dieter und Si Rosenkranz ihr Augenmerk auch auf Leipzig gerichtet. Sie möchten
zum einen die Kunst vor Ort fördern, zum anderen die Präsenz internationaler Kunst
in der Stadt verstärken. 2006 haben Dieter und Si Rosenkranz deshalb dem
Museum rund 500 Werke aus ihrer umfangreichen Kollektion moderner Kunst per
Dauerleihvertrag auf zehn Jahre zur Verfügung gestellt. Zweimal jährlich wird eine
Auswahl im Kubus im ersten Obergeschoss des Museums präsentiert.
Die Sammlung Rosenkranz lässt sich in drei Schwerpunkte teilen: geometrischkonstruktivistische
Kunst der europäischen Moderne (u. a. Auguste Herbin, Laszlo
Moholy-Nagy, Victor Vasarely), konzeptionelle und prozessorientierte Kunst der
1960er Jahre bis heute (u. a. Christo, Nam June Paik, Klaus Rinke) und
Gegenwartskunst von Künstlern der amerikanischen Westküste (u. a. Greg und Jeff
Colson, Sam Francis, Ed Ruscha), wo das Ehepaar Rosenkranz von 1987 bis 2005
einen zweiten Wohnsitz hatte.
ROSENKRANZ KUBUS I – VIII
Enrique Martínez Celaya: Schneebett (22. Juni – 30. Juli 2006) | Christo und
Jeanne-Claude: Objekte und Projekte (15. November 2006 – 14. Januar 2007) | Ed
Ruscha (6. September bis 18. November 2007) | Klaus Rinke (5. Dezember 2007 –
30. März 2008) | Auguste Herbin (4. September – 23. November 2008 | Nam June
Paik (1. März – 1. Juni 2009) | Robert Therrien (25. Februar – 2. Mai 2010) |
Carsten Nicolai: Rota (25. Februar – 2. Mai 2010)
SCHENKUNG
2003 schenkten Dieter und Si Rosenkranz dem Museum der bildenden Künste die
Arbeit Queen of the Seas des Künstlers Klaus Rinke (*1939), die auf einer der
Terrassen des Museums gezeigt wird. Zur Eröffnung des ROSENKRANZ KUBUS I
schenkten sie dem Museum die großformatigen Papierschnitte Sieger der Geschichte
der Leipziger Künstlerin Annette Schröter (*1956), zur Eröffnung des KUBUS II die
Arbeit VOID von Carsten Nicolai (*1965) und die Skulptur Scheiterhaufen von Jan
Bünnig (*1972).
VERANSTALTUNGEN
Ausstellungsgespräch: Mittwoch, 15. September 2010, 17 Uhr mit Jorinde Voigt und
Dr. Andreas Schalhorn, Kupferstichkabinett, Staatliche Museen zu Berlin
Führung: Sonntag, 31. Oktober 2010, 11 Uhr mit Ariane Frauendorf
EINTRITT & ÖFFNUNGSZEITEN
Eintritt: 5 €, ermäßigt 3.50 €, am zweiten Mittwoch im Monat Eintritt frei.
Öffnungszeiten
Dienstag und Donnerstag bis Sonntag 10-18 Uhr | Mittwoch 12-20 Uhr
Montag geschlossen | Feiertage 10-18 Uhr
Kontakt & Informationen
Museum der bildenden Künste Leipzig | Tel.:0341.21 69 99 42 |
joerg.dittmer@leipzig.de
www.mdbk.de | www.jorindevoigt.com

Symphonic Area (Blue) II, 2009 | Tinte, Bleistift auf Papier
Symphonie Studie Var. XII/3, 2009 | Tinte, Bleistift auf Papier
Schwerkraft ,11 Studien zur Gravitation I, 2010
Tinte, Bleistift auf Millimeterpapier
alle Abb.: Jorinde Voigt, © Sammlung Dieter und Si Rosenkranz, VG Bild-Kunst Bonn, 2010
PRESSEBILDER
Katharinenstr. 10, 04109 Leipzig, T. 216 99 914, F. 216 99 999, www.mdbk.de, mdbk@leipzig.de

Meet the Germans – Typically German - The Arty - Jorinde Voigt - Goethe-Institut
Meet the Germans – Typically German - The Arty - Jorinde Voigt - Goethe-Institut
http://www.goethe.de/ins/gb/lp/prj/mtg/men/kun/voi/enindex.htm
Jorinde Voigt interviewed by Rory MacLean
http://www.goethe.de/cgi-bin/print-url.pl?url=http://www.goethe.de/ins/gb/lp/prj/mtg/men/kun/voi/enindex.htm
24.10.10 17:59
Jorinde Voigt is one of German art’s rising stars. Tall and lean with intense
dark eyes and high cheek bones, she met me in her studio near Berlin’s
Hackescher Markt. She wore black from head to toe, apart from a pair of
startling yellow sneakers. Likewise her studio offered only rare flashes of
colour: purple lilies on the desk, a plastic East German KINO sign in the
courtyard. Across the floor spread a vast black ink work-in-progress for one of
the dozen solo and group shows coming up this year.
‘My work is like music,’ she said, nodding at the drawing. ‘You can enjoy it
without being able to read the score.’
Voigt is best known
for her graceful
spiralling arcs and
parallel looped lines,
stretched and
interwoven, bursting
across the page as if
caught up in a
strange temporal
chain reaction. Her
meticulous drawings
are schematic yet of
the natural world, reminiscent of ocean current charts and water droplets falling in slow motion
into a pool. They are part timeline, part electronic wiring diagram, part exotic system of musical
notation which chronicles subjective experience. Her work seems to be both familiar and totally
new, controlled yet wild and unhinged.
I stared at her drawings like a code-breaker, trying to decipher line and meaning, to understand
workings of her mind. To that end I asked about the process - the journey - which had brought
her to create such extraordinary, dynamic drawings.
‘My family was extremely strict,’ Voigt told me. She was born in 1977 in Frankfurt. ‘I grew up
with an exaggerated respect for authority. At first that limited me. I had to fight to find my own
way, fighting not against the old but for the new.’
At nine years old she began to play the cello, learnt to read music and matured into a gifted
young performer. In 1996 she went to Göttingen’s Georg-August-Universität to study literature
and philosophy. To help her understand the subjects she drew diagrams for herself, transforming
words into idea maps.
‘I felt the study of philosophy was limited by sentences. I knew how the musical score functioned,
how it’s meant to be read. It wasn’t hard for me to exchange a note of music for an idea,
situation or action. The approach helped me to understand Descartes and Wittgenstein.’
After a year she decided to move to Berlin’s Freie Universität. When she arrived its students were
on strike. As their argument wasn’t hers and she wanted to work, Voigt assembled her
philosophical idea maps into a portfolio and applied to the University of the Arts ('UdK'). She was
offered a place immediately. But once in UdK’s Multimedia faculty she again rejected old formulas.
‘Photography pretends to be objective but it’s not. It claims to tell the truth, but it doesn’t,’ she
Seite 1 von 3

Meet the Germans – Typically German - The Arty - Jorinde Voigt - Goethe-Institut
24.10.10 17:59
said. ‘I needed to rid myself of the camera’s limited perspective. In those days photography was
also really expensive. I spent all my money on prints. So I asked myself, what do I need? The
answer was only a pen and paper. I started again from zero, trying to look at my subjects anew,
as if for the very first time.’
In Berlin and on trips to Florida and Indonesia her work
began to develop its distinctive style. Her subjects – for
example two men at a café table, the colour of clothes on a
street, overheard pop songs and arbitrary text – were
reduced to black and white notations as if on a score. In her
precise and careful hand those notations then began to
interact on the page, enabling Voigt to portray her subjects
from different points-of-view, and across time.
‘Drawing allows me to develop maps to many constellations,
across many possibilities’ she told me. ‘I deal a lot with what
is subjective and objective. I create a time construct which is
beyond our ability to experience.’ When I asked her to explain she smiled and said, ‘We are
alive. We are not the person that we were yesterday. That’s why I am interested in multiple
perspective.’ Her answer helped to explain why her shows have titles like EPM (emotions per
minute), Rotating Remains and Collective Time.
Voigt added, ‘It takes years to invent ones own structures. But I learnt to be disciplined by
playing the cello. For the first five years you just have to practice, practice.’
In her studio stood an intriguing new sculptural work. Institution consists of
seven black poles, each with two narrow bands of white on which was written
‘brown eyes’ or ‘pink silk-nylon-gold'.
‘I travel a lot,’ she said. ‘When I arrive in a new country I always try to figure
out the relationship between men and women. Last year I was in Lamu where
many women wear a burka. The clothes seemed to reduce the individual to
eyes and ankles.’ She went on, ‘At the same time I had wanted to develop my
work beyond paper, into a third dimension. I knew that my drawings always
have a vertical structure. I was interested in the round surface, as it concerns
infinity. So I came on the idea of the poles: vertical yet rounded. I wanted to
reduce my first impressions, my perception of the women of Lamu, to a kind
of short language, a society looking at you.’
She laughed, ‘Of course it’s all an experiment. I am always discovering in my work.’
On a wall behind the desk was the prototype for Grammatik, a huge work of
64 graceful, spinning, black carbon aircraft propellers, each blade inscribed
with opposing handwritten words of love: Ich liebe mich, Ich liebe mich nicht,
Er liebt mich, Er liebt mich nicht.
Voigt looked around her office and studio. ‘Almost everything in our urban
environment is a construct. This chair, that desk began as someone’s idea. If
you can deconstruct the process, you can see the possibilities. You can
imagine what might have been.’
In her yellow sneakers, with and without her cello, Jorinde Voigt seemed to be
forever questioning, challenging pre-conceptions. ‘I find it exciting to ask a
viewer to imagine something in a different way, in ten different ways. Of course people can just
enjoy my work visually but I liked to share my thinking, to help them to understand its logic so
they can – if you like – read the score.’
Rory MacLean
http://www.goethe.de/cgi-bin/print-url.pl?url=http://www.goethe.de/ins/gb/lp/prj/mtg/men/kun/voi/enindex.htm
Seite 2 von 3

Meet the Germans – Typically German - The Arty - Jorinde Voigt - Goethe-Institut
February 2010
Related links
Jorinde Voigt Homepage
http://www.jorindevoigt.com/
© Goethe-Institut
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Meet the Germans – Typisch deutsch - Die Künstlerischen - Jorinde Voigt - Goethe-Institut
Meet the Germans – Typisch deutsch - Die Künstlerischen - Jorinde Voigt - Goethe-
Institut
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Jorinde Voigt im Interview mit Rory MacLean
kann.“
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Jorinde Voigt ist ein aufsteigender Stern am deutschen Kunsthimmel. Groß und
schmal, mit intensiven dunklen Augen und hohen Wangenknochen, empfängt
sie mich in ihrem Atelier in der Nähe des Hackeschen Marktes von Berlin. Sie
ist ganz in Schwarz gekleidet, nur an den Füßen trägt sie ein Paar verblüffend
gelbe Turnschuhe. Ebenso bietet ihr Atelier nur hier und da einen Farbtupfer:
lila Lilien auf dem Schreibtisch, ein ostdeutsches KINO-Schild aus Plastik im
Innenhof. Auf dem Boden ist eine riesige, in Arbeit befindliche Zeichnung in
schwarzer Tinte ausgebreitet, für eine der etwa ein Dutzend Einzel- und
Gruppenausstellungen, die dieses Jahr vorgesehen sind.
„Meine Arbeit ist wie Musik,“ sagt sie mit einem Kopfnicken in Richtung der
Zeichnung. „Man kann sie genießen, auch wenn man die Partitur nicht lesen
Voigt ist am besten für ihre anmutigen
Spiralbögen und schlaufenförmigen
Parallellinien bekannt, die gedehnt und
miteinander verwoben sind oder auf dem
Papier explodieren, als seien sie in einer
seltsamen zeitlichen Kettenreaktion
gefangen. Ihre akribischen Zeichnungen
sind schematisch und gehören doch der
natürlichen Welt an; sie erinnern an
Karten von Meeresströmungen oder
Wassertröpfchen, die in Zeitlupe in ein
Becken fallen. Sie sind teils Zeitlinie,
teils elektronischer Schaltplan, teils ein exotisches System musikalischer Notation, das subjektive
Erfahrungen aufzeichnet. Ihre Arbeit scheint sowohl vertraut als auch völlig neu zu sein,
kontrolliert und doch wild und überdreht.
Ich starre ihre Zeichnungen an, als wäre ich ein Code-Knacker und würde versuchen, den Sinn
ihrer Linien zu entschlüsseln, um ihre Gedankengänge nachzuvollziehen. Zu diesem Zweck frage
ich nach dem Entstehungsprozess, nach der Reise, die sie dazu gebracht hat, so
außergewöhnliche, dynamische Zeichnungen zu schaffen.
‘“Meine Familie war äußerst streng,“ erzählt mir Voigt. Sie wurde 1977 in Frankfurt geboren. „Ich
bin mit einem übertriebenen Respekt vor Autorität groß geworden. Anfangs hat mich das
eingeschränkt. Ich musste kämpfen, um meinen eigenen Weg finden, kämpfen nicht gegen das
Alte, sondern für das Neue.“
Im Alter von neun Jahren begann sie Cello zu spielen, lernte Noten lesen und entwickelte sich zu
einer begabten jungen Musikerin. 1996 ging sie zum Studium der Literatur und Philosophie an die
Göttinger Georg-August-Universität. Zum besseren Verständnis der Themen zeichnete sie sich
Diagramme, um Worte in Gedankenbilder zu verwandeln.
„Ich hatte das Gefühl, das Studium der Philosophie war durch Sätze eingeschränkt. Ich wusste,
wie Noten funktionieren, wie sie zu lesen waren. Es war für mich nicht schwer, eine Musiknote für
eine Idee, Situation oder Handlung einzusetzen. Diese Vorgehensweise half mir, Descartes und
Wittgenstein zu verstehen.“
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Nach einem Jahr beschloss sie, an die Freie Universität von Berlin zu wechseln. Als sie dort
ankam, streikten die Studenten gerade. Da deren Streitpunkte nicht die ihren waren und sie
arbeiten wollte, stellte Voigt eine Mappe ihrer philosophischen Gedankenbilder zusammen und
bewarb sich an der Berliner Universität der Künste. Man bot ihr sofort einen Studienplatz an. Aber
nachdem sie sich in der Fakultät Multimedia der UdK eingeschrieben hatte, stellte sie sich wieder
gegen alte Formeln.
„Die Fotografie soll objektiv sein, ist es aber nicht. Sie sagt angeblich die Wahrheit, tut es aber
nicht,“ sagt sie. „Ich musste mich von der beschränkten Perspektive der Kamera lösen. Damals
war die Fotografie außerdem richtig teuer. Ich gab mein ganzes Geld für Abzüge aus. Also fragte
ich mich, was brauche ich? Die Antwort war, nur einen Stift und Papier. Ich fing wieder bei Null
an und versuchte, meine Subjekte ganz neu zu sehen, wie zum allerersten Mal.“
In Berlin und auf Reisen nach Florida und Indonesien begann
ihre Arbeit, ihren unverkennbaren Stil zu entwickeln. Ihre
Subjekte, z.B. zwei Männer an einem Cafétisch, die Farben
der Kleidung auf der Straße, zufällig gehörte Popsongs und
beliebige Texte, reduzierten sich auf Schwarz-Weiß-
Notationen wie auf einer Partitur. In ihrer präzisen,
sorgfältigen Handschrift traten diese Notationen dann
allmählich auf dem Papier miteinander in Beziehung und
ermöglichten Voigt, ihre Subjekte aus verschiedenen
Gesichtspunkten und im Zeitverlauf darzustellen.
„Das Zeichnen erlaubt mir, Karten für viele Konstellationen
mit vielen Möglichkeiten zu entwickeln,“ erzählt sie mir. „Ich befasse mich ganz stark mit dem,
was subjektiv und was objektiv ist. Ich schaffe ein Zeitkonstrukt, das jenseits unserer
Erlebensmöglichkeiten liegt.“ Als ich sie um eine Erklärung bitte, sagt sie lächelnd: „Wir sind
lebendig. Wir sind nicht der gleiche Mensch wie gestern. Deswegen bin ich an multipler
Perspektive interessiert.“
Ihre Antwort erklärt teilweise, warum ihre Ausstellungen Titel wie EPM (emotions per minute),
Rotating Remains und Collective Time haben.
Voigt fügt hinzu: „Man braucht Jahre, um eigene Strukturen zu entwickeln. Aber ich habe durch
das Cellospielen Selbstdisziplin gelernt. Die ersten fünf Jahre muss man einfach nur üben, üben,
üben.“
In ihrem Studio steht eine faszinierende räumliche Arbeit. Institution besteht
aus sieben schwarzen Pfosten, jeder mit zwei schmalen weißen Streifen mit
Aufschriften wie „brown eyes“ oder „pink silk-nylon-gold“.
„Ich reise viel,“ sagt sie. „Wenn ich in einem neuen Land ankomme, versuche
ich immer, die Beziehung zwischen Männern und Frauen herauszufinden.
Letztes Jahr war ich in Lamu, wo viele Frauen eine Burka tragen. Die Kleidung
schien die Person auf die Augen und Fußknöchel zu reduzieren.“ Sie fährt fort:
„Gleichzeitig wollte ich meine Arbeit über das Papier hinaus in eine dritte
Dimension entwickeln. Ich wusste, dass meine Zeichnungen immer eine
senkrechte Struktur haben. Mich interessierten runde Flächen, da diese etwas
mit der Unendlichkeit zu tun haben. So kam mir die Idee der Pfosten:
senkrecht, aber rund. Ich wollte meine ersten Eindrücke, meine Sicht der Frauen von Lamu, auf
eine Art Kurzsprache reduzieren, auf eine Gesellschaft, die dich ansieht.“
Sie lacht: „Natürlich ist das alles ein Experiment. Bei meiner Arbeit bin ich immer am Entdecken.“
An der Wand hinter ihrem Schreibtisch steht der Prototyp für Grammatik, eine
riesige Arbeit von 64 anmutigen, rotierenden Flugzeugpropellern aus
schwarzem Karbon, deren Blätter alle mit gegensätzlichen, handgeschriebenen
Liebesworten beschrieben sind: Ich liebe mich, Ich liebe mich nicht, Er liebt
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mich, Er liebt mich nicht.
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Voigt schaut sich in ihrem Büro und Atelier um. „In unserer urbanen
Umgebung ist beinahe alles ein Konstrukt. Dieser Stuhl, dieser Schreibtisch
begannen als Idee von irgendjemand. Wenn man den Prozess dekonstruieren
kann, sieht man die Möglichkeiten. Man kann sich vorstellen, was hätte sein
können.“
In ihren gelben Turnschuhen, mit oder ohne Cello, scheint Jorinde Voigt vorgefasste Meinungen
ständig zu hinterfragen, in Zweifel zu ziehen. „Ich finde es aufregend, den Betrachter
aufzufordern, etwas auf eine andere Weise zu sehen, auf zehn verschiedene Weisen zu sehen.
Natürlich können die Leute meine Arbeit rein visuell genießen, aber ich teile gern meine
Denkweise mit und helfe ihnen, die Logik dahinter zu verstehen, damit sie – wenn man so will –
die Partitur lesen können.“
Rory MacLean
Februar 2010
Übersetzt von Susanne Mattern
Links zum Thema
Jorinde Voigt Homepage
http://www.jorindevoigt.com/
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Jorinde Voigt
STAAT / Random I - XI
1 mei — 22 augustus 2010 Documentatie
Gemeentemuseum Den Haag
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