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Margit Schönberger
Katja Maybach
KLEIDER FRAUEN
STORYS
Women

KLEIDER FRAUEN
STORYS
Women

Margit Schönberger
Katja Maybach
KLEIDER FRAUEN STORYS
Women
KNESEBECK

INHALT
8 | VORWORT
12 | DAS ERSTE TOPMODEL
Sisi – die ewig unvergessene Kaiserin
14 | BLICKDICHT
YSL – der König des Hosenanzugs
16 | CHIQUITA
Wie die Baker die Banane berühmt machte
20 | EVERGREEN
Ein Blumenmädchen wird zur Lady
22 | »THAT DRESS«
Das bezaubernde Provisorium
24 | BIG BANG DER MODE
Im Land der Kokosnüsse
30 | VORDENKER DER MODE
Rudi Gernreich –
der Barrikadenstürmer
34 | »LA DOLCE VITA«
und die Frage der Statik
36 | LIKE A VIRGIN?
Nicht jede Madonna ist eine Heilige

38 | EDELBÄUERIN
Marlene und Romy einmal ganz anders
40 | TUXEDO RAG
Marlene rauchte nicht – sie küsste
46 | DER MODE-KLEMPNER
»Klamotten« mit Haken und Ösen
48 | MR. BIG HEIRATET
Das Kleid, das alle Bräute wollen
50 | PRIMADONNA ASSOLUTA
Die Callas – Königin der Oper und der Mode
52 | HAPPY BIRTHDAY
Eine Legende namens Marilyn
60 | DAS BLUTKOSTÜM
Die Witwe trug Givenchy
62 | KAROMANIA. VERY BRITISH!
Was die Queen und Colombo
gemeinsam haben
66 | GEISHA-ROMANTIK
Mandeläugige Modegrüße aus Fernost
68 | GOLDEN BOYS
Die Shootingstars der Mode
70 | HIMMLISCHE FEDERN
Yves und Zizi Jeanmaire
72 | FRÜHSTÜCK BEI TIFFANY
Audrey – die schönste Frau der Welt
78 | REICHLICH DURCHBLICK
Cher – die Frau, die abräumt
80 | LADY DI – »HERZDAME«
Vom Schäfchenpulli-Mädchen zur Stil-Ikone
86 | LUXUS IST –
ein anderes Wort für Dior
90 | FUNKELNDE NACKTHEIT
So holte Marlene die Sterne vom Himmel
92 | RAUSCHENDE RÖCKE
»Vom Winde verweht« – für immer
und ewig

94 | HOSENLADYS
Skandalmode – schlimmer als
die Polizei erlaubt
100 | EVA(S) KOSTÜM
Trinkt Dita Champagner oder Martini?
102 | OPTISCHE TÄUSCHUNG
Als die Bilder eckig wurden
104 | MAMAS LIEBLING
Bettgefl üster on the Rock’s
106 | TUPFEN, DIE DIE WELT BEWEGEN
114 | EYES WIDE SHUT …
Sharon Stone und der »Basic Instinct«
116 | DIE LIEBESGÖTTIN
Als Rita (Hayworth) ihre Handschuhe auszog
118 | HITCHCOCK MACHT MODE
Wie Grace Kelly Monaco gerettet hat
124 | HOT PANTS
Das Gesicht der Swinging Sixties
126 | JENSEITS VON AFRIKA
Ein Kontinent macht Mode
128 | FARBENRAUSCH
Als wir Buntes buchstabieren lernten
130 | MADEMOISELLE »JE T’AIME«
BB – eine Frau wird Kult
134 | DER KLEINE PRINZ – GANZ GROSS
136 | ATEMLOS …
… gestern, heute, morgen
142 | ACH DU LIEBER SCHWAN …
Warum man die Dietrich nicht kopieren kann

144 | DIE KASCHMIR-QUEEN
Jil Sander – die Minimalistin
146 | SCHICKSALSKLEID
Soraya – die Königin der Tränen
148 | DIE GEFLECKTE FRAU
Jagdszenen aus dem Großstadtdschungel
156 | GOOD BYE, BAD BOY
Nachruf auf ein Genie
158 | DER KÖNIG GEHT
Skandalhochzeit im Hause Windsor
162 | SO VIEL KNIE …
Wie Mary Quants Mini die Welt eroberte
168 | NINO GOES HOLLYWOOD
Julias Rot ist zauberhaft
170 | AMERIKAS KÖNIGIN
Jackie wird die First Lady der Mode
172 | WILD THING …
… you make my heart sing.
178 | CARY IM LIEBESRAUSCH
Es ist nicht alles Gold, was glänzt
180 | KÜSSCHEN, KÜSSCHEN
Gaultier zeigt so viel »Frau« wie noch nie
182 | LULLABY DER MODE
Ausgezogen gut angezogen
188 | »WORLD’S END«
Provokation – dein Name ist
Vivienne Westwood
190 | AS TIME GOES BY
Ein Mann und (s)ein Mantel

»KLEIDER
MACHEN
LEUTE«
So überschrieb Gottfried Keller eine seiner bekanntesten Novellen,
und natürlich hat er Recht mit der darin enthaltenen These,
die diesen Titel bis heute zum gefl ügelten Wort gemacht hat.
Aber die Geschichten, die hinter Kleidern und ihren genialen Schöpfern
stecken, beweisen, dass es auch umgekehrt funktioniert. Wer zum richtigen
Zeitpunkt auf den richtigen Modemacher oder Kostümbildner trifft
und dessen Kreation trägt, dessen Schicksal kann sich abrupt verändern.
Kleider haben Karrieren befördert, Ehen gestiftet und weltweite Trends
ausgelöst. Was wäre aus dem Smoking für Frauen geworden, wenn Marlene
Dietrich in »Marokko« ein Abendkleid getragen hätte? Oder was
aus dem Audrey-Hepburn-Look, wenn Billy Wilder die »schönste Frau
der Welt« damals nicht zu Givenchy nach Paris geschickt hätte? Sisi,
die berühmte Kaiserin, wäre ohne Charles Frederick Worth nicht
das erste Topmodel und die Stilikone ihrer Zeit geworden. Sie
interessierte sich eigentlich nicht für Mode und wäre ohne diesen
in Paris lebenden Engländer (und seine raffi nierten PR-
Methoden) nie zum modischen Vorbild ihrer Zeit geworden.
So wie 100 Jahre später Lady Di, die sogar mit einem harmlosen
Schäfchenpullover Furore machte.
Was wären all die herrlichen Filme und großartigen Schauspieler
ohne die Kostümbildner, die ihnen mit Hilfe
ihrer Entwürfe Glanz, Glamour und Unvergesslichkeit
geschenkt haben? Und wie
trist wäre die Welt ohne die großen
Couturiers, die ihr mit ihren Kreationen ein
farbiges und modisches Gesicht verleihen? Mode ist ein unverzichtbarer
Teil unserer Kultur, so wie Literatur, Malerei, Musik und Architektur.
Modeschöpfer und Kostümbildner – oft sind sie beides –

sind sensible Wesen, die in ihren
Modellen ausdrücken, wie die Welt demnächst
tickt und wie wir uns dabei kollektiv fühlen. Mary Quant hat
mit ihrem Minirock und den heißen Höschen nichts anderes getan als die
Studenten damals auf den Straßen: Sie hat alte Zöpfe abgeschnitten und
den Gefühlen einer ganzen Generation in Form einer Moderevolution
Luft gemacht.
Ursprünglich wollten wir ein Buch über die 100 berühmtesten
Kleider der Welt machen. Schon bald war klar, dass eine Eingrenzung
auf eine so »kleine« Zahl unmöglich ist. Nun sind es viel mehr geworden,
Kleider und Kleidungsstücke, die alle aus ganz verschiedenen Gründen
in unserem kollektiven Gedächtnis verankert sind. Es sind auch unsere
Lieblingsmodelle, und wir verbinden mit allen positive Erinnerungen
an den Augenblick, als wir sie zum ersten Mal in einem Film, auf einem
Foto oder vielleicht sogar im realen Leben gesehen haben.
Mode ist nichts, das Menschen einfach nur mitmachen, weil es
gerade »in« ist. Kleider strahlen faszinierende Signale aus, und im besten
Fall erfreut ihr Anblick und ihr Flair alle Sinne. Bestimmte Kleider sind mit
Schicksalen verbunden – dem der Macher, dem der Träger und dem der
Betrachter. Dieses Buch soll solche Erinnerungsmomente wecken.
Vorwort
9

KLEIDER FRAUEN STORYS

DAS ERSTE
TOPMODEL
Sisi – die ewig
unvergessene Kaiserin
Die Kaiserin mit
ihrem Hund
Houseguard. Noch
ganz konservativ
in schwerem Samt.
Sisi in duftiger,
schimmernder Robe,
die auch zu Lady Di
gepasst hätte.
Mit ihr hat alles begonnen. Mit der kleinen Provinzadeligen aus
Possenhofen am Starnberger See. Es war Elisabeth nicht an
der Wiege gesungen worden, dass sie einmal Kaiserin von
Österreich und Königin von Ungarn und Böhmen sein würde. Und die
erste Frau der Geschichte, die zum international gefeierten Medienstar
avanciert. Das kleine, fast bäuerlich aufgewachsene Mädchen aus Bayern
wurde nicht nur zur berühmtesten Kaiserin aller Zeiten, zur märchenhaften
Vorlage für Film- und Bühnenregisseure auf der ganzen Welt – »Sisi«
war auch Europas erstes Topmodel.
1,72 Meter groß und nur 50 Kilogramm schwer, war sie im vorvorigen
Jahrhundert eine optische Ausnahmeerscheinung. Da sie das
Wiener Hofzeremoniell langweilte, widmete sie ihre Zeit fast ausschließlich
der Schönheitspfl ege. Allein das Frisieren ihres prachtvollen, bodenlangen
Haares – das mit Ei und Cognac gewaschen wurde – beanspruchte
jeden Tag viele Stunden. Ebenso das Einnähen und wieder Herauslösen
aus ihren Kleidern – der Reißverschluss war noch nicht erfunden.
Elisabeth war also in jeder Beziehung die ideale Frau, um die
Modelle des ersten Modeschöpfers der Welt zu tragen. Er hieß Charles
Frederick Worth und entwarf im Paris der 1850er-Jahre Seidenkleider, für
die die Frauen der Reichen und Superreichen bei ihm Schlange standen.
Er wollte jedoch mehr sein als der Modekönig Frankreichs. Und ersann
die erste PR-Idee der Modewelt: Die Frau des österreichischen Botschafters
in Paris erhielt seine Kleider zum Nulltarif und machte mit ihrer modischen
Extravaganz die Kaiserin in Wien auf diesen ersten europäischen
Modemacher aufmerksam. Auf diese raffi nierte Weise gewann Worth
die schöne Kaiserin des k.u.k. Reiches als Kundin. Sie machte ihn weltberühmt.
(Das extravagante und noch immer beliebte Worth-Parfüm »Je
Reviens« ist dieser Geburtsstunde der Mode gewidmet.)
12 Pretty Women

Sisi
13

BLICKDICHT
YSL – der König des Hosenanzugs
Eine Freundschaft
fürs Leben: die
Deneuve und YSL,
der Großmeister
der Mode.
Naomi Campbell,
die YSL verdankt,
dass sie auf
die internationalen
Titelseiten kam.
Er konnte es sich leisten, in der Werbekampagne für sein Herrenparfüm
splitternackt zu posieren. Das gab zwar einen Skandal,
aber auch das konnte sich Yves Saint Laurent leisten – ja er war es
sogar gewohnt. Er ist der Modemacher des 20. Jahrhunderts, der »Revolutionär«,
der alle anderen überragt und der im wahrsten Sinne des Wortes
stilbildend wirkte. Noch als Assistent von Christian Dior erfand er das
Trapezkleid, das die Frauen von der Wespentaille erlöste. Sein Mondrian-
Kleid krönte die Pop-Art, sein Nude-Look machte Skandal, er setze Jersey
durch, als es noch von allen als Unterschichten-Material abgelehnt wurde.
Man könnte die Aufzählung seiner modischen Innovationen endlos fortsetzen.
Seine größte Tat war wohl die Erfi ndung des Hosenanzugs und
der Smoking-Look für Frauen, als man das Wort »androgyn« noch kaum
buchstabieren konnte.
Die »Looks«, die von YSL ausgingen, kamen fast alle auch bei den
Frauen an, die sich Haute Couture nicht leisten konnten. Das traf für den
»Schiwago«-Look mit seiner Midi-Länge und den schafthohen Stiefeln
ebenso zu wie für den Safari-Look und den »Edelbäuerinnen«-Look. Sein
»Opium« ist ebenso bekannt wie »Chanel Nr. 5«.
Er war der Erste, der schwarze Models über den Catwalk schickte
und der Zeitschrift, die Naomi Campbell wegen ihrer Hautfarbe nicht auf
der Titelseite abbilden wollte, erfolgreich mit Anzeigen-Stopp drohte. Er
liebte und sammelte Kunst, und die Zimmer in seinem Schloss in Deauville
trugen die Namen der Figuren aus Marcel Prousts Roman »Auf der
Suche nach der verlorenen Zeit«. Und er liebte seine Musen, zu denen
auch Catherine Deneuve gehörte. Die große französische Filmlegende
zählte zu seinen Freundinnen. Sie sang bei seiner Abschieds-Show ein
Liebeslied. Stellvertretend für alle Frauen der Welt.
14 Pretty Women

Yves Saint Laurent 15

Zwei verwandte
Seelen: Josephine
Baker und ihr
Gepard »Chiquita«.
Die berühmteste
»Gliederpuppe«
ihrer Zeit – und
Bürgerschreck
zugleich.
CHIQUITA
Wie die Baker die Banane
berühmt machte
Es ist fast eine Ironie des Schicksals, dass Josephine Baker ausgerechnet
mit einem Nichts von Bananenröckchen zur Liste der
berühmtesten »Kleider« der Welt beiträgt. Denn sie gehörte auf
der Höhe ihres Ruhmes zu den extravagantesten und bestangezogenen
Frauen der Welt. Ihre Eleganz war legendär. Modeschöpfer überboten
sich geradezu darin, für sie zu entwerfen, Regisseure und Theaterfürsten
– wie Max Reinhardt – entfl ammten für sie, und das Publikum lag ihr
zu Füßen. Die Baker war die berühmteste »Gliederpuppe« der damaligen
Zeit. Niemand konnte sich so genial verschlingen, niemand konnte so
federnd tanzen und springen wie sie, und niemand konnte mit einem so
strahlenden Gute-Laune-Lächeln verzaubern. Sie war der erste große
Showstar, der zur Legende wurde.
Das Leben der Josephine Baker enthält so viel Glanz und Elend,
dass es eigentlich für 20 Menschen gereicht hätte: Mit elf Jahren überlebt
sie in St. Louis/Missouri ein Pogrom, das sie zu einem zeitlebens
politisch denkenden Menschen macht. Mit 13 wird sie von ihrer Mutter
verheiratet, eine Ehe, aus der sie lediglich ihren Namen mitnimmt. Als
Aushilfstänzerin eines Tingeltangels kommt sie an die Ostküste, wo sie,
16-jährig, den Sprung an den Broadway schafft und zum ersten Mal auch
als Sängerin begeistert. Von da an gibt es kein Halten mehr. Die Baker
kommt über Europa wie ein Wirbelsturm. Es sind ihre wunderbaren
Jahre, und sie weiß noch nicht, dass ein anderer, aus Deutschland kommender
»Sturm« auch ihr Leben negativ beeinfl ussen wird. Noch gibt es
jedes Jahr in Paris neue, immer aufwendigere Revuen, mit noch sensationelleren
Kostümen, die ihren Ruhm ins Unermessliche steigern. 1930
schenkt ihr die Direktion des Casino de Paris für eine Revue den Geparden
»Chiquita«, mit dem sie auch privat auf den Boulevards fl aniert.
Elegant und schön wie das Tier an ihrer Seite.

Josephine Baker
17

18 Pretty Women

Anita Ekberg
19

EVERGREEN
Ein Blumenmädchen
wird zur Lady
Hoff otograf Cecil
Beaton wurde für
diese Kostüme mit
dem Oscar belohnt.
Audrey Hepburn
war unumstritten
die schönste Eliza
aller Zeiten.
My Fair Lady« ist wahrscheinlich das erfolgreichste Musical aller
Zeiten. Basierend auf dem »Pygmalion«-Stoff von George
Bernhard Shaw kam es aufgrund von Erbstreitereien erst viele
Jahre später, 1956, in New York mit Julie Andrews und Rex Harrison in
den Hauptrollen auf die Bühne. Das deutschsprachige Publikum kam erst
1961 in den Genuss dieser Verwandlungsgeschichte – die deutschen
Stars waren Karin Hübner und Paul Hubschmid. Aber auf welcher Bühne
auch immer »My Fair Lady« zur Aufführung kam – es lief überall jahrelang,
und überall erfüllten sich für die Kostümbildner Berufsträume.
Den ganz großen Durchbruch beim internationalen Publikum
erreichte jedoch erst die Filmversion von 1965. Von Anfang an stand
Audrey Hepburn als Eliza fest (bei ihrer Absage hätte man Elizabeth Taylor
gefragt); als ihren Partner hatte die Produktion Cary Grant im Auge,
der den Stoff jedoch nicht mochte, weshalb man auf Rex Harrison zurückgriff.
Die Verfi lmung heimste acht Oscars ein und zahlreiche Nominierungen
– nur Audrey Hepburn ging ausnahmsweise leer aus.
Dafür konnte sich Starfotograf und Kostümdesigner Cecil Beaton
freuen: Er war jetzt nicht nur englischer Hoffotograf und Lieblingsporträtfotograf
von Weltstars wie Gary Cooper, Marlene Dietrich, Orson
Welles, Audrey Hepburn, aber auch Coco Chanel – jetzt war er durch den
Oscar für die »My Fair Lady«-Kostüme auch in den fi lmischen Adelsstand
erhoben. Er arbeitete außerdem für die wichtigsten Hochglanzblätter
seiner Zeit – seine Fotoreportagen führten ihn um den halben Erdball.
Aber nirgends scheint er Schöneres gesehen zu haben als Audrey Hepburn
(in seinen Kostümen). Er bezeichnete sie in einem »Vogue«-Artikel
als neues Ideal der Feminität. Sicher ist: Allein für das traumhafte weißschwarze
Kleid mit Hut hätte er den Oscar verdient.
20 Pretty Women

Audrey Hepburn
21

Hugh Grant und
Liz Hurley bei der
»Notting Hill«-
Premiere: Das Bild
ging um die Welt.
»THAT
DRESS«
Das bezaubernde Provisorium
22
Ein Kleid mit Sicherheitsnadeln zusammenzuhalten – das hat
Gianni Versace sicher nicht bei seiner Mutter gelernt (bei der er
eine Schneiderlehre absolvierte, bevor er für ihren Betrieb Stoffeinkäufer
und später Couturier wurde). Als er – schon längst ein anerkanntes
Genie in der Hall of Fame der Mode – dieses »perfekte Provisorium«
kreierte, war ihm sicher klar, dass es in aller Munde sein würde.
Lästermäuler sagen jedoch, dass dieses Kleid seine Trägerin, Liz Hurley,
von einer drittklassigen Freundin des britischen Charmebolzens Hugh
Grant zu einer zweitklassigen Schauspielerin beförderte. Sicher ist, dass
Liz Hurley seit ihrem Auftritt in »that dress« bei der Premierenfeier des
Films »Notting Hill« zur meistfotografi erten Frau der Welt wurde. Wiederum
andere sind sich sicher, dass dieses Kleid nur von Glück und Gold
zusammengehalten werden kann. Wie auch immer, die schöne Frau hat
auch ohne Sicherheitsnadeln einige beachtliche Erfolge aufzuweisen.
Für Gianni Versace und sein Imperium war »that dress« lediglich
ein Höhepunkt von vielen. Die größten Stars der Welt, egal ob männlich
oder weiblich, rissen sich schon vorher darum, für seine Kollektionen auf
den Laufsteg zu gehen (von Madonna über Bon Jovi bis Demi Moore)
und die Mode ihres Freundes zu tragen (von Michael Jackson über Sting
bis zu Elton John).
Kein Couturier arbeitete vor ihm mit gewagterem Material-Mix,
wie zum Beispiel Seide mit Jute oder Leder mit Crêpe de Chine, und niemand
traute sich an schrillere Farben und Muster heran. Seine bunt
bestickten Strass-Bustiers sind Legende ebenso wie seine Ballett-, Theater-
und Opernausstattungen auf den großen Bühnen der ganzen Welt.
Die amerikanische »Vogue« brachte das Phänomen Versace auf den
Punkt: »Armani zieht die Ehefrau an, Versace die Geliebte.«
Pretty Women

Liz Hurley
23

Das Original:
Ursula Andress, das
»beste Bond-Girl
aller Zeiten«.
Halle Berry im
Bond-Film »Stirb an
einem anderen Tag«
als Ursula-Andress-
Zitat.
BIG BANG
DER MODE
Im Land der Kokosnüsse
So wenig Stoff war noch nie: Als das Striptease-Modell Micheline
Bernadini am 5. Juli 1946 im Pariser Edelbad »Molitor« den ersten
wirklichen Bikini vorführte, war der Skandal perfekt. Vier Tage
zuvor hatten die Amerikaner auf dem Bikini-Atoll ihren ersten Atombomben-Test
der Nachkriegszeit durchgeführt – aber das »unanständige«
Nichts des ehemaligen Ingenieurs Louis Réard löste die weitaus
empörteren Schlagzeilen aus. Die Kreation hatte er für einen Schönheitswettbewerb
erfunden. Sie sollte ursprünglich »Atom« heißen, was nach
diesem 1. Juli natürlich nicht mehr ging: Man taufte den Stein des Anstoßes
eiligst in »Bikini« um. Was so viel heißt wie »Land der Kokosnüsse«.
(Schmunzeln ist erlaubt!)
Nun begann keineswegs sofort ein Siegeszug dieser sparsamen
Körperverhüllung, sondern eine Skandalgeschichte, die die Juristen auf
der ganzen Welt mindestens 20 Jahre lang in Atem hielt. Einen
Bikini am Strand zu tragen, war jahrelang verboten, besonders
in streng katholischen Ländern wie Italien, Spanien und Portugal.
Als 1951 bei der Wahl zur Miss Schweden eine Bikini-
Trägerin gewonnen hatte, wurde er auch dort ganz verboten
(angeblich der Chancengleichheit wegen!). Natürlich waren
die Stars dieser Zeit alle Bikini-Schönheiten – wer als Sexsymbol
gelten wollte, ließ sich selbstverständlich in diesem
knappen Zweiteiler ablichten: Brigitte Bardot posierte
1952 in Cannes darin und wurde ein Jahr danach
von ihrem Entdecker Roger Vadim offi ziell in die Filmwelt
eingeführt (seither ist die Parade der Bikini-
Schönheiten während der Filmfestspiele an der Cote
d’Azur zur festen Einrichtung geworden). Diana Dors
ließ sich in einem Nerz-Bikini durch Venedig gondeln,

Bikini
25

Eine Nackttänzerin
trägt mehr Stoff
als sonst: Bikini-
Skandal im Pariser
Edelbad.
26
und auch Joan Collins ließ sich nicht länger züchtig verhüllen. Das Ganze
blieb jedoch lange Zeit Skandal-Promotion für Schauspielerinnen und
somit ein Thema der Boulevardpresse. Denn die Frauenzeitschriften, die
zunächst auf den Zug aufgesprungen waren, bekamen es mit ihren damals
noch prüden Leserinnen und deren Empörtheit zu tun und schworen
dem Bikini lange Zeit wieder ab. Erst Ursula Andress brach 1962 im
Film »James Bond jagt Dr. No« den Bann, so wie sie im wahrsten Sinne
des Wortes »bewaffnet« aus dem Wasser stieg wie eine schaumgeborene
Meeresgöttin. Und viele Bond-Girls folgten ihr, wurden geradezu im Bikini
inszeniert; zu den schönsten gehörte 1973 die dunkelhäutige Gloria
Hendry in »Leben und sterben lassen«. Halle Berrys Bond-Girl-Auftritt
2002 in »Stirb an einem anderen Tag« war sogar ganz bewusst als Reminiszenz
an Ursula Andress’damalige Szene gedacht.
Dabei war die Aufregung um den Bikini nichts anderes als ein
Rückfall in die neue Spießigkeit der Moderne: Bildungsbürgerliche Italienbesucher
hatten schon längst in zahlreichen Museen auf antiken Mosaiken
sehen können, dass die Damen im alten Rom bei Sport und Bad
Bikinis trugen. Auch in Hollywood, dem Mekka der modischen Fortschrittlichkeit,
wurden spätestens ab Mitte der 1930er-Jahre – als sportliche
Bräune angesagt war und die vornehme Blässe ablöste – von schö-
Pretty Women
» Die Aufregung
um den Bikini
war nichts anderes
als ein Rückfall
in die neue
Spießigkeit der
Moderne.«

nen Frauen Zweiteiler getragen. Zugegeben, da war der Stoffverbrauch
noch etwas erheblicher, und die Unterteile wirkten oft eher wie brave
Miederhöschen. Diese meist aus Wolljersey gearbeiteten Modelle waren
sichtlich nicht fürs Baden, sondern fürs Posieren gedacht. In Europa waren
sie unter dem Stichwort »Palm-Beach-Combination« erhältlich. Vorbei
die Zeit, als ein Garbo-Zweiteiler in »Mata Hari« noch der Zensur
zum Opfer fi el: Maureen O’Sullivan trat in »Tarzans Vergeltung« schon in
einer zweiteiligen Leder-Kreation auf. Einen der ersten Zweiteiler trug
die mexikanische Schauspielerin Dolores del Rio in einem Film, Rita Hayworth
landete 1941 in einem zweiteiligen Strandkleid auf der »Life«-Titelseite,
und auch Marilyn Monroe trug 1946 bei einer Fotosession eine Art
Bikini. Esther Williams – Amerikas kühne Schwimm-Diva, auch »Mermaid«
genannt – trug ebenso Zweiteiler wie Doris Day oder Anne Bancroft.
Und nach der Premiere in Paris hielten auch die knappen Varianten
Einzug in die Filmstudios: Virginia Mayo und Ava Gardner waren Vorreiterinnen,
und schon 1947 wimmelte es in dem Streifen »Easter Parade«
nur so von knapp geschürzten Bikini-Schönheiten.
Die ganze Aufregung um den Bikini hängt also eindeutig mit der
(fehlenden) Stoffmenge zusammen. Und es gab keinen Modemacher,
der sich diesen skandalträchtigen Spannungseffekt seither entgehen ließ.
Ob Rudi Gernreichs »Monokini« oder Paco Rabannes Plastik-Badekollektion
von 1966 oder sogar der bedruckte Papier-Bikini, den sich ein besonderer
Spaßvogel einfallen ließ – mit dem Bikini wurde (und wird bis
Bikini
27
LINKS
Hollywoods
Schwimm-Diva
Esther Williams in
leichtgeschürzter
»Arbeitskleidung«.
MITTE
Marilyn Monroe
posiert Ende
der 40er-Jahre im
braven Rüschen-
Bikini.
RECHTS
Raquel Welch
in einem exklusiven
Modell. Garantiert
nicht wassertauglich.

Gisele Bündchen
posiert für Pirelli
und beweist,
dass Bikinis Streifen
machen.
Roger Vadim
inszeniert Brigitte
Bardot 1957 in
seinem Lieblings-
»Kostüm«.
28
heute) experimentiert und provoziert, was das Zeug hält. Sogar der Trikini
wurde erfunden, dessen zwei Oberteile auf den Körper geklebt werden
mussten.
TV-Serien wie »Bay Watch« erzeugten einen Gewöhnungseffekt,
sie lebten vom Voyeurismus der Couch-Potatos – egal welchen Geschlechts
– und die Hersteller von Diät-Mitteln gleich mit. Sogar vor der
Barbie-Puppe machten Bikini-Kollektionen nicht halt. Ob Raquel Welch
im Fransen- oder Heidi Klum im steinchenbesetzten Glitzer-Bikini als
Engel mit Federfl ügeln – das sündige Nichts ist längst in der Mitte der
Gesellschaft angekommen. Und wer heute noch etwas dagegen hätte –
der werfe die erste Kokosnuss! (Oder mache eine Diät!)
Pretty Women

Bikini
29

VORDENKER
DER MODE
Rudi Gernreich –
der Barrikadenstürmer
Rudi Gernreich
beschwor laut
Vatikan den
»Untergang des
Abendlandes«
herauf …
… er war – genial,
radikal und
innovativ – der
meistbeklaute
Modemacher.
DOPPELSEITE
Die Erfi ndung des
Monokinis war
von Gernreich als
»Befreiung der
Frau« gedacht.
30
Kaum ein Modeschöpfer hat je mehr für die Körperbefreiung der
Frauen getan als der Austro-Amerikaner Rudi Gernreich. Und
niemand hat die Couture-Szene des 20. Jahrhunderts nachhaltiger
beeinfl usst als er. Dass am Ende bei den Laien lediglich der fi schbein-
und miederlose »Monokini« im Gedächtnis blieb, ist der Tatsache
geschuldet, dass seine anderen visionären Entwürfe von der Konkurrenz
fl ugs »aufgesaugt« und in die eigene Arbeit integriert wurden. Der brustfreie
Badeanzug – vom Vatikan bis zum Kreml zu »Teufelszeug« und als
Beitrag zum »Untergang des Abendlandes« erklärt – war jedoch nicht die
Idee eines Pornografen oder Lüstlings, sondern als Akt der (sexuellen)
Gleichstellung von Mann und Frau gedacht: »Langsam wird die Befreiung
unseres Körpers die Gesellschaft von ihrer Sexbesessenheit kurieren« –
davon war Gernreich überzeugt. Als er 1970 zur Expo nach Osaka eingeladen
wurde, hat er die Idee in Paarform umgesetzt: Ein Mann und eine
Frau führten – kahlgeschoren – die identischen Kleider vor.
Aber Gernreich hat auch zum ersten Mal »psychedelische«
Leuchtfarben eingesetzt oder Farben – wie Grün und Blau, Schwarz und
Braun, Rot und Orange – gemixt, die bisher als unverträglich galten. Er
brachte ultrakurze Miniröcke auf den Laufsteg, erfand die Transparent-
Bluse, den »Cut out«-Look und den »Total Look«, dessen auffällige Muster
sich in Schuhen, Taschen, anderen Accessoires und sogar auf der nackten
Haut fortsetzten. Gernreich wollte die Haltung der Menschen zur
Bekleidung revolutionieren. Das wurde als Angriff auf die Konventionen
des guten Geschmacks und auf gesellschaftliche Tabus begriffen, weshalb
Gernreich polarisierte und skandalisierte. Heute ist fast alles, was er
wollte, erreicht und selbstverständlich – zumindest möglich.
Pretty Women

Rudi Gernreich
31

32 Pretty Women

Anita Ekberg
33

Der berühmteste
heiß-kalte Kuss
aller Zeiten. Mit
viel Wodka und
Gänsehaut.
So viel Frau war
selten. Den Oscar
aber bekam der
Kostümbildner.
»LA DOLCE
VITA«
und die Frage der Statik
34
Die berühmte Szene, in der Anita Ekberg im Trevi-Brunnen posiert,
wurde im Monat März gedreht – und da kann Rom noch
sehr kalt sein: Die »Miss Schweden« stand diszipliniert stundenlang
im kalten Wasser – Marcello Mastroianni befand sich im Trockenen
und trug einen wärmenden »Wetsuit« unter seiner Kleidung. Und
fröstelte immer noch, weshalb er während der Dreharbeiten dieser Szene
angeblich eine ganze Flasche Wodka trank. Der Film »La dolce vita«
kommt 1960 in die Kinos und zeigt laut Branchenklatsch einen stockbesoffenen
Mastroianni. (Unter diesem Aspekt beim nächsten Mal also
noch einmal genau hinschauen!)
Der zum Klassiker gewordene Film hat nicht nur den Regisseur
Federico Fellini und viele der Darsteller weltberühmt und die Via Veneto
zur römischen Promi-Meile gemacht, sondern auch den Begriff »Paparazzo«
(nach der Filmfi gur) für aufdringliche Skandalfotografen geprägt.
Fellinis Berater für den Film, Tazio Secciardi, machte ebenfalls sein Glück
mit »La dolce vita«: Er wurde vom »Paparazzo« zum seriösen Filmfotografen
und gewann als solcher das Vertrauen von Marcello Mastroianni
und Sophia Loren.
Der Glücklichste von allen war aber wahrscheinlich der Kostümbildner
Piero Gherardi, der 1962 seinen ersten Oscar für die Kostüme
bekam (später noch einmal für »8 ½«): woran das Trevi-Brunnen-Abendkleid
sicher nicht ganz unschuldig ist. Da hatte er nicht nur modische
Supereleganz geschaffen, sondern aus »Korsagensicht« auch ein nicht unschwieriges
statisches Problem gelöst. Gherardi war mit Fellini befreundet,
sagte aber nach einem großen Krach über den Regie-Großmeister:
»Fellini hat einen fürchterlichen Geschmack. Sein Hauptfehler – den ich
verdecken konnte – ist seine Provinzialität.« Hoppla – wer hätte das gedacht?
Pretty Women

Anita Ekberg
35

Madonna am
17. Juli 1990 in
Dortmund. »Zugespitzt«
von
Jean-Paul Gaultier.
Parfüm ist für
Gaultier »wie eine
zweite Haut«.
Und dieser Flakon
wurde Kult.
LIKE A
VIRGIN?
Nicht jede Madonna ist eine Heilige
Manchmal müssen nur die Richtigen zusammenkommen, und
die Welt hält für ein paar Sekunden den Atem an. Madonna
und Jean-Paul Gaultier sind zwei solche Ausnahmemenschen.
Und beiden wurde ihr Erfolg nicht in die Wiege gelegt.
Madonna Louise Ciccone stammt aus einfachen Verhältnissen
und verlor mit fünf Jahren ihre Mutter. Eine schwierige Kindheit und ein
IQ von 140 machten sie zur Tabubrecherin, die jede ihrer Chancen zu
nutzen wusste. Ihre Platten erreichten Millionenaufl agen, Teenager auf
der ganzen Welt hörten ihre Lieder, und sie kopierten alles, womit
Madonna die Konservativen und den Vatikan provozierte: Kruzifi xe als
Schmuck, bauchfreie Tops und Lederarmbänder. Sie ließ sich in Kleidern
der Modegötter Lagerfeld, Lacroix und Chanel ablichten – sie wurde zur
Sex-Göttin der 1980er-Jahre und zur Pop-Ikone.
Jean-Paul Gaultier stammt ebenfalls aus einfachen Verhältnissen,
war nach eigenen Worten ein Schulschwänzer, der lieber Kleider für seinen
Teddybären schneiderte und seine Großmutter bewunderte, die in
ihrem Wohnzimmer einen Schönheitssalon betrieb. Aber auch er verfolgte
einen Traum: Mit 18 Jahren arbeitete er bei Pierre Cardin, später
als Assistent von Michel Goma im Haus »Jean Patou« und Angelo Tarlazzi.
Auch er erwies sich als Meister der Provokation, weil ihm in der
Mode nichts heilig war – und ist. 1978 stellte er seine erste eigene Kollektion
vor, die der Tabubrecherin aus den USA auffi el: Für ihre »Blonde
Ambition World Tour« 1990 schuf er ihre Aufsehen erregende Bühnengarderobe.
Madonna hatte bis dahin bereits alle Formen von Protesten
und auch alle Formen von Begeisterungsstürmen erlebt, aber das Aufsehen,
das Gaultiers Korsett mit den Kegelbrüsten erregte, war der Höhepunkt
von allem. Gaultier ging damit in die Geschichte der Mode ein.
36 Pretty Women

Madonna
37

EDELBÄUERIN
Marlene und Romy einmal ganz anders
Josef von Sternberg
konnte auch anders:
die Dietrich 1931
in »Entehrt«.
Romy Schneider
während der
Dreharbeiten zu
»Sisi«. Sehr jung,
sehr süß und sehr
»lanzy« …
Marlene Dietrich hat die österreichische Trachtenmode nach
Amerika gebracht, nachdem sie sich und ihre kleine Familie in
Salzburg bei »Lanz« eingekleidet hat. Lanz (mit dem Herz im
Firmenlogo) steht seitdem in aller Welt für traditionelle Trachtenmode.
Die Geschichte von der Salzburger »Trapp-Familie« – nicht zuletzt in dem
Musical »Sound of Music« – hat diesen Trend vor allem in den USA noch
verstärkt. Und seither gibt sich bei Lanz in Salzburg an der Staatsbrücke
die Prominenz die Klinke in die Hand. Selbst Liz Taylor soll ein Lanz-
Dirndl erworben haben. Das hat sogar sprachliche Folgen: Der österreichisch-traditionelle
Lebensstil wird in Übersee als »lanzy« bezeichnet.
Dass bäuerliche Arbeitskleidung zur »hoffähigen« Ausgehmode
wurde, mit und ohne Janker und Lodenmantel, begann mit den Wittelsbachern
und den Habsburgern, die in Jagdanzügen auch zu offi ziellen
Anlässen auftraten. Der im deutschsprachigen Raum vor allem in der
Nachkriegszeit so beliebte Heimatfi lm tat sein Übriges, um das Dirndlkleid,
Lodenanzug und Hirschhornknöpfe salonfähig zu machen. In Österreich
und Bayern gehören sie zur Grundausstattung von Leuten, die zur
Gesellschaft gehören wollen. Die Lager haben sich allerdings längst in
Traditionalisten und »So tun als ob«-Leute gespalten, die sich beide mit
Verachtung strafen, was jährlich anlässlich des Münchner Oktoberfests in
wahre Wettbewerbe ausartet.
Doch auch vor der Haute Couture hat der Trachten-Einfl uss nicht
Halt gemacht. Der große Yves Saint Laurent hat beispielsweise 1976 eine
grellbunte »Edelbäuerinnen«-Kollektion vorgelegt. Die »Süddeutsche Zeitung«
schrieb damals: »Das muss also künftig sein: Babuschka- und Kosaken-Mäntel
über Bojaren-Röcken.« Die Traditionalisten haben sich weinend
abgewandt.
38 Pretty Women

Brevi vel toto est iunior anno. Interdum
volgus
rectum videt, est ubi peccat.
Brevi vel toto est iunior anno. Interdum
volgus
rectum videt, est ubi peccat.
Dirndl
39

TUXEDO RAG
Marlene rauchte nicht – sie küsste
Das Original:
Marlene Dietrich
in »Marokko«.
Die Kopie: Katja
Flint als Marlene
Dietrich.
Schon Gloria Swanson und Josephine Baker haben ihn getragen –
und längst ist dieses Prachtstück des männlichen Kleiderschranks
nicht mehr aus der Garderobe der modernen, emanzipierten Frau
der Gesellschaft wegzudenken. Von Katharine Hepburn in den 1940er-
Jahren bis zu Madonna heute. Aber niemand führte ihn eleganter vor als
Marlene Dietrich in »Marokko«. Dieses Kostüm mit Zylinder hat schon
auf sie gewartet, als sie 1930, noch am Premierenabend von »Der blaue
Engel«, mit Josef von Sternberg in die USA aufbrach, um dort sofort in
der Rolle der androgynen Smokingträgerin Amy Jolly – mit Gary Cooper
an ihrer Seite – vor der Kamera zu stehen: Bereits ein halbes Jahr später
hatte »Marokko« in Los Angeles Premiere und machte die Dietrich endgültig
zur weltweit angebeteten coolen Sex-Ikone – und brachte ihr 1931
einen Oscar ein.
Der Smoking hatte schon eine interessante Geschichte, ehe er
den Frauen in die Hände fi el. Eigentlich war er ein »Wechseljackett« –
Männer wollten nach dem Dinner rauchen (daher der Rauchsalon) und
wechselten das Jackett, damit sich der Rauchgeruch nicht in ihren Anzügen
festsetzen konnte, wenn sie nach ihrem Qualmausfl ug
zu den Damen zurückkehrten. Erfunden hat diesen auf einen
Knopf geschlossenen, kleinen Gesellschaftsanzug mit Seidenrevers
um 1865 der Londoner Schneider von Albert Eduard,
dem damaligen Prince of Wales und als Eduard VII. späteren
König des Vereinigten Königreichs. Als Gast bei Hofe entdeckte
ihn der US-Tabak-Millionär James Braun-Potter, dem
dieses Kleidungsstück so gefi el, dass er es nach seiner Rückkehr
in seinem New Yorker Country-Club »Tuxedo Park«
einführte, von wo aus es seinen Siegeszug antrat. Musiker
trugen diesen Anzug mit Fliege auf der Bühne und gaben

Smoking
41

Liza Minnelli
im berühmten
»Kit Cat
Club« -Bühnenkostüm
aus
»Cabaret«.
Ein Smoking-Zitat.
42
sich den entsprechenden Namen (wie z.B. das »Original Tuxedo Jazz
Orchestra«, in dem auch Louis Armstrong in seinen Anfangszeiten auftrat),
und der berühmte »Tuxedo Rag« wurde komponiert. Das also ist
der Grund, warum der Smoking in den USA »tuxedo« heißt – egal, ob ihn
Männer oder Frauen tragen. In Kontinentaleuropa wurde und wird die aus
Österreich stammende Bezeichnung »Smoking« verwendet, die Engländer
bezeichnen dieses Kleidungsstück schlicht als »dinner jacket« (der Begriff
»Smoking« ist dort ungebräuchlich – erinnert uns das nicht an die ebenso
pragmatische und nur bei uns übliche Wortkreation »Handy«?). Und jeder
Erfahrene weiß, wenn auf einer offi ziellen Einladung als Kleidervorschrift
»black tie« oder »cravate noir« steht, dass der Smoking gemeint ist.
1966 wurde der Smoking für die Frau von niemand anderem neu
erfunden als vom Großmeister Yves Saint Laurent persönlich. Catherine
Deneuve (»Belle de Jour«) war eine seiner unermüdlichen, schönen Promoterinnen,
und seit diesem Jahr hat YSL in jeder Kollektion ein Smo-
Pretty Women

»Coco Chanel
hat den Frauen
die Freiheit,
ich habe ihnen
die Macht
gegeben!«
Yves Saint Laurent
king-Modell vorgestellt. Nun war dieses Kleidungsstück endgültig ein zutiefst
weibliches geworden: YSL sagte dazu einmal: »Coco Chanel hat den
Frauen die Freiheit, ich habe ihnen die Macht gegeben!«.
Bei genauerer Betrachtung wurde der Smoking für Frauen schon
»zitiert«, bevor er über den Film »Marokko« seinen Siegeszug in die Kleiderschränke
mutiger Damen der Gesellschaft antrat: Auch das erste Zitat
hat mit Marlene Dietrich zu tun. Ihr Bühnenkostüm in »Der blaue Engel« –
das kurze Rüschen-Hosenröckchen mit (Smoking-)Oberteil und Zylinder
ist eindeutig eine Persifl age auf das damals noch männlich besetzte
Kleidungsstück. Heute kann man sich kein anderes Kostüm für Friedrich
Holländers Song »Ich bin von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt« mehr
vorstellen.
Alle großen, unkonventionellen weiblichen Film- und Show-Stars
haben mit dem Smoking und seinen Varianten gespielt: von Josephine
Baker über Kim Novak bis hin zu Brigitte Bardot. Dass diese weiblich-verführerische
Kühle auch Auszeiten hatte, kann man heute gar nicht mehr
verstehen – aber Greta Garbo, Katharine Hepburn und die Dietrich galten
Mitte der 1930er-Jahre mit ihrer »Smoking«-Coolness als Kassengift.
Was sich für die beiden Letztgenannten durch diverse Imagewechsel (die
Dietrich spielte beispielsweise in »Der große Bluff« eine prügelnde Barfrau
und wurde so eine Frau zum »Anfassen«, und die Hepburn gewann
die Herzen des internationalen Publikums mit Rollen als zwar emanzipierte,
aber liebende Frau) jedoch rasch wieder änderte.
Smoking
43
James Garner
sexuell total
verwirrt. Mit Julie
Andrews in
»Victor & Victoria«.

Die amüsante
Spitze der Smoking-
Zitate: Ingrid
Steeger in der
TV-Comedy-Serie
»Klimbim«.
Das Kostüm in
»Der blaue Engel«
war am Mythos
Marlene nicht ganz
unbeteiligt.
44
Noch ein berühmtes Smoking-Zitat darf nicht unerwähnt bleiben: Das
»Kit Cat Club«-Bühnenkostüm von Liza Minnelli in »Cabaret«. Der Film
(mit den deutschen Darstellern Fritz Wepper und Helmut Griem) wurde
ein großer internationaler Erfolg und mit acht Oscars ausgezeichnet. Das
Bühnenkostüm von Liza Minnelli wurde seinerseits zum Smoking-
»Zitat«: Das prüde deutsche Fernsehen verlieh der Schauspielerin Ingrid
Steeger für die TV-Comedy-Serie »Klimbim« einen Liza-Minnelli-
»Cabaret«-Kostüm-Anstrich. »Cabaret« wurde übrigens von Charlotte
Flemming, einer der erfolgreichsten Kostümbildnerinnen Deutschlands,
ausgestattet (die deutschen TV-Zuschauer konnten ihre Kostümarbeit
zuletzt in der Erfolgsserie »Das Erbe der Guldenburgs« sehen) – was für
Hollywood-Produktionen höchst ungewöhnlich war und Flemming fast
eine Oscar-Nominierung einbrachte.
Aber angefangen hat alles mit »Marokko« und Marlene Dietrich.
Wobei die berühmteste Szene des Films fast der Zensur zum Opfer gefallen
wäre: Die Produzenten im prüden Amerika waren schockiert darüber,
dass die Dietrich im Smoking eine Frau küsst. Und damit schließt sich ein
Kreis, was kein Zufall sein kann – YSL hat die letzten Jahre seines Lebens
in Marokko verbracht.
Pretty Women
»Die Dietrich und
der Smoking.
Ein perfekteres
Paar hat es
nie gegeben.«

Smoking
45

Mode, beeinfl usst
von Science-Fiction.
Laetitia Casta
in einem Rabanne-
Modell.
Jane Fonda als
»Barbarella«. Der
Kultfi lm wurde
von Paco Rabanne
ausgestattet.
DER MODE-
KLEMPNER
»Klamotten« mit Haken
und Ösen
Der im katalanischen San Sebastian geborene spanisch-französische
Couturier Paco Rabanne, der mit seiner Mutter vor dem
Spanischen Bürgerkrieg nach Paris fl oh, wurde vorwiegend mit
Kleidern berühmt, in denen man nur stehen konnte. Sie waren schön anzusehen,
diese mit Draht, Zange und Lötkolben gefertigten Modelle aus
Metall, Plastik oder Glasfasern – aber sicher nicht angenehm zu tragen.
Nicht zuletzt sein Kettenhemd aus silbrigem »Metalljersey« trug seinen
Ruhm hinaus in die Welt, bevor er in der kurzen Phase der Wegwerfmode
der 1960er-Jahre mit Papier und Pappe arbeitete.
Dabei hatte Paco, der vom Futurismus und Konstruktivismus geprägt
und von Science-Fiction beeinfl usst war, nach einem Architekturstudium
(wovon der Flakon seines ersten Parfüms »Calandre« zeugt)
recht konventionell begonnen: Er arbeitete zunächst als Modezeichner
für Pierre Cardin und André Courrèges, entwarf begehrte Handtaschen,
Gürtel und Schmuck und bald auch eigene Kollektionen. 1965 eröffnete
er sein eigenes Atelier in Paris. Den Durchbruch brachte ihm jedoch die
Filmausstattung für Roger Vadims erotische Spaceopera »Barbarella«, in
der seine Catsuits für Vadims Ehefrau Jane Fonda weltweites Aufsehen
erregten (und Jane Fonda berühmt machten). Die Comic-Verfi lmung
selbst wurde von Kritikern als »so schlecht« bezeichnet, »dass sie schon
wieder gut ist«. Der Film ist – außer von Cineasten – vergessen,
die Kostümarbeit von Paco Rabanne nicht. Kylie Minogue
zitierte die berühmte Anfangsszene – den Striptease
in der Schwerelosigkeit des Weltraums – in einem
ihrer Videos. Und es wäre nicht verwunderlich, wenn
die »Klempner«-Phase Paco Rabannes demnächst
ein Revival erleben würde. Schön, aber unbequem
– das war schon lang nicht mehr da.

Paco Rabanne
47

Die Westwood
mit dem berühmten
»Ich bin kein
Terrorist …«-T-Shirt.
Vivienne schuf für
»Sex and the City«
das begehrteste
Brautkleid aller
Zeiten.
MR. BIG
HEIRATET
Das Kleid, das alle Bräute wollen
48
Queen of Punk« – auf diesen Titel will die Westwood längst
nicht mehr festgelegt werden. Diese Zeiten waren für sie, nach
eigener Aussage, nur Fingerübungen. Trotzdem gibt es auch
bei ihr nostalgische Tendenzen: Ihre Liebe zum Schottenkaro ist ungebrochen.
Sie hat sogar ein eigenes kreiert und schützen lassen. Mit diesem
Design hat Vivienne allerdings nicht gearbeitet, als sie ihr berühmtes
Brautkleid für Sarah Jessica Parker alias Carrie Bradshaw entwarf, das den
optischen Höhepunkt in »Sex and the City – Der Film« darstellt. Sämtliche
Bräute weltweit träumten ab sofort von einer Hochzeit in dieser Kreation
(selbst die, die noch gar keinen Bräutigam hatten). Und noch nie
gab es einen solchen Run auf Kopien, die sündhaft teuer waren. Spätestens
jetzt war der Name Vivienne Westwood auch im letzten Winkel der
Welt bekannt. Die Designerin brachte allerdings dem Film, den sie bei
der Premiere angeblich laut protestierend frühzeitig verließ, nicht so viel
Begeisterung entgegen. Ein tolles Kleid macht in ihren Augen eben noch
keinen guten Film.
So wie Vivienne Westwood ohnedies nie ein Blatt vor den Mund
nimmt – weder was ihre Modelle (Feigenblätter und Kunstpenisse an ihrer
Männermode sprechen eine deutliche Sprache) noch was ihre politischen
Standpunkte betrifft. Auf die Verschärfung der britischen Anti-Terror-Gesetze
reagierte sie mit einem Hemd, auf das sie »Ich bin kein Terrorist.
Bitte nehmt mich nicht fest« drucken ließ.
Immerhin: Vivienne wurde Anfang der 90er-Jahre nicht nur zweimal
hintereinander »Designerin des Jahres«: Die englische Zeitschrift
»Women’s Wear Daily« kürte sie neben Yves Saint Laurent, Ungaro, Lagerfeld
und Lacroix zur »wichtigsten Modemacherin unserer Zeit«. Provokation
in der Kunst ist eben unverzichtbar und wird manchmal sogar belohnt.
Pretty Women

Vivienne Westwood
49

PRIMADONNA
ASSOLUTA
Die Callas – Königin der Oper und der Mode
50
Der Begriff »Diva« könnte für die 1977 verstorbene Callas erfunden
worden sein. Sie war verehrt und gefürchtet – für ihre Kunst
und für ihre Launen. An dieser Stelle über ihre Ausnahmestimme
zu sprechen, käme einem Sakrileg gleich: Worüber man nicht
sprechen kann, darüber soll man schweigen. Über 30 Jahre nach ihrem
Tod werden immer noch jährlich eine Viertelmillion Callas-Platten
verkauft – das spricht für sich.
Ihr tragisches Leben, das an gebrochenem Herzen zu Ende
ging, glich dem der Heldinnen, denen sie auf der Bühne ihre überirdisch
schöne Stimme gab. Das einstmals dicke Mädchen liebte einen
Mann, der aus einer anderen Welt kam – Aristoteles Onassis. Der
Mensch gewordene Gott Mammon. Es war sicher kein Zufall, dass
sich in Pasolinis »Medea«-Verfi lmung diese unglückliche Paarbeziehung
– mit der Callas in der Hauptrolle – quasi spiegelte. Und ihr Biograf
Nicholas Gage hätte für sein Buch keinen besseren Titel als »Griechisches
Feuer« wählen können.
Sie war die Königin der Oper, die durch sie – und durch niemand
anderen – zu neuer Popularität gelangte. Ein Ergebnis nicht zuletzt ihres
schauspielerischen Talents, ihrer eindrücklichen Bewegungen, die bis dato
auf den Opernbühnen so gut wie nicht vorhanden waren. Die tragische
und immer wieder enttäuschte Liebe zu Onassis umgab die Diva mit einer
Aura des Schmerzes, die sie schon zu Lebzeiten zum Mythos werden
ließ. Und die Fantasie der großen Modemacher anregte. Sie trug privat
Modelle von Dior, Gucci und Yves Saint Laurent. Valentino schuf 2005
ein schwarzes, gold- und silberbesticktes Bustierkleid, das Naomi Campbell
als »Hommage an die Callas« vorführte. Und die Dolce & Gabbana-
Kundinnen konnten jüngst T-Shirts erwerben, die Callas-Porträts zeigten
und ein wenig an die Warhol-Manier erinnerten. Die Callas lebt.
Pretty Women

Bitte am Kopf
etwas ansetzen
Maria Callas
51

In einem Nichts von
Kleid hauchte MM
eine skandalöse
Liebeserklärung.
So konnte nur
eine die Männer
locken – und nicht
nur Millionäre.
HAPPY
BIRTHDAY
Eine Legende namens Marilyn
Es macht mir nichts aus, in einer von Männern dominierten Welt
zu leben, solange ich darin eine Frau sein darf.« Und das durfte
sie: Marilyn Monroe war die Frau. Und sie trug legendäre Kleider.
Eines der schönsten, auf jeden Fall aber das berühmteste Filmkleid war
das von William Travilla kreierte der berühmten U-Bahn-Luftschacht-
Szene in Manhattan. Trotz Absperrung war die Begeisterung der Zuschauer,
die anerkennenden Pfi ffe und das Klatschen, damals so laut, dass
Billy Wilder die Szene in den Studios in Hollywood nachdrehen musste.
Der große Billy Wilder war übrigens begeistert von Marilyns Schlagfertigkeit
und Humor, auch wenn er sich des Öfteren kritisch über die
Zusammenarbeit mit MM, die schon damals oft nicht die Pünktlichste
und Konzentrierteste am Set war, geäußert hat: »Sie hat ein
außergewöhnlich gutes Händchen für witzige Dialoge. Sie war ein
Geschenk Gottes!«
Auch ein anderer berühmter Regisseur war ihrem Charme
und ihrer Ausstrahlung erlegen: »Miss Monroe sieht wieder
einmal aus, als würde sie im Dunkeln leuchten«, soll Howard
Hawks gesagt haben, der mit ihr den zweiten
legendären Filmauftritt in einem unvergesslichen
Kleid inszenierte. Das lasziv hingehauchte »Diamonds
are a Girl’s Best Friend« hätte in keinem
anderen Kleid besser gesungen werden können
als in diesem wie angegossen wirkenden
pinkfarbenen Traum. Dass Marilyn sich in so
einem Kleid katzenhaft leicht und elegant
bewegen, tanzen und federnde Sprünge in
Männerarme vollführen konnte, grenzt an
ein Wunder. Die große Rückenschleife verlor

Marilyn Monroe
53

Marilyn im Aufwind.
Die vielleicht
berühmtesten Fotos
der Filmgeschichte.
54
in keiner einzigen Tanzsituation ihre tadellose Fasson (was an eingearbeiteten
Pferdehaaren lag, wie Travilla später einmal verriet). Der Song –
er wurde vom American Film Institute auf Platz zwölf der besten Filmsongs
aller Zeiten gesetzt – war sozusagen das Sahnehäubchen des Films
»Blondinen bevorzugt«. Dessen Regisseur, der ehemalige Pilot Howard
Hawks, hatte sich im Filmgeschäft als Cutter, Filmarchitekt, Requisiteur,
Stuntman, Regieassistent regelrecht hochgedient, bevor er zum Star
wurde und sich den Anblick der umwerfend Schönen in »Blondinen bevorzugt«
wahrlich verdient hatte. Allerdings hätte er dabei seine zu rosarote
Brille vielleicht doch gelegentlich absetzen sollen: William Travilla
zumindest war ein wenig traurig, weil seine ursprünglich vorgesehenen,
langen schwarzen Handschuhe zum Pink-Kostümwunder nicht zum Einsatz
kamen, sondern pinkfarbenen weichen mussten.
Dass Marilyn Monroe auch im Männerhemd, billigen Arbeitshosen
und mit einem Hanfstrick als Gürtel umwerfend aussah, hat der Film
»Fluss ohne Wiederkehr« bewiesen. Und er zeigte, dass niemand diese
schöne Frau besser anziehen konnte als William Travilla. In der Anfangsszene
von »Fluss ohne Wiederkehr« brachte er ihre Beine auf eine Art
und Weise zur Geltung, dass nicht nur Männern der Atem wegbleibt. Mit
dem grünen, beidseitig geschlitzten Kleid wurde der schönste »Lenden-
Pretty Women

»Es macht
mir nichts aus,
in einer
von Männern
dominierten
Welt zu leben,
solange ich darin
eine Frau sein
darf.«
Marilyn Monroe
schurz« aller Zeiten geschaffen. Die damals noch sensationellen Cinema-
Scope-Bilder von Kameramann Joseph LaShelle brachten nicht nur die
großartige kanadische Landschaft zur Geltung, sondern auch den Körper
der Hauptdarstellerin. Die Beine von Marilyn steckten in Netzstrümpfen,
die damit endlich auch fürs Kino entdeckt wurden, nachdem sie zuvor
eher als etwas anrüchig galten und den Revuen vorbehalten waren. Travilla
machte zwei Schlitze ins Kleid und ganz nebenbei die Netzstrümpfe
»saloon-fähig«. Dass man diese schönen, perfekt geformten Beine der
MM in diesem Film nach den Eingangsszenen im Saloon nicht mehr zu
sehen bekam, lag daran, dass die Schöne sich während der Dreharbeiten
einen Fuß gebrochen hatte.
Nach dem bisher Gesagten glauben Sie sicher, dass man eine
Monroe nicht so einfach rauswerfen kann. Aber das ist geschehen. Sie
arbeitete an ihrem letzten, nie fertiggestellten Film – »Something’s Got
to Give« – und meldete sich bereits am ersten Drehtag beim Produzenten
krank. Und das sollte so weitergehen: Von 30 Drehtagen war sie nur
17 am Set. In die Zeit ihrer Krankmeldung fi el der 45. Geburtstag von
Präsident John F. Kennedy, für den sie nach New York fl og, um am 29.
Mai 1962 im Madison Square Garden das berühmte Lied im ebenso berühmt-verruchten
Kleid zu singen. Es wurde nie bewiesen (also wahrscheinlich
gut vertuscht), dass Marilyn ein Verhältnis mit dem Präsidenten
hatte. Doch ihr Vortrag an diesem Abend wirkte wie ein Eingeständnis,
zumal Jackie Kennedy der Veranstaltung demonstrativ fernblieb. Und das
Marilyn Monroe 55
links
Sie liebte kluge
Männer: Arthur
Miller war
Marilyns zweiter
Ehemann.
rechts
Einmal ganz
unglamourös (aber
bezaubernd) – in
»Fluss ohne
Wiederkehr«.
Doppelseite
Sie weiß, wie es geht:
So und nicht anders
»angelt man sich
einen Millionär«.

56 Pretty Women

Anita Ekberg
57

Wer sich fragt,
warum »Blondinen
bevorzugt« werden:
Dieses Bild gibt die
Antwort.
Marilyn mit William
Travilla, einem
der größten
Kostümdesigner
Hollywoods.
58
Kleid, das die Monroe von Großmeister Jean Louis für diesen Anlass fertigen
ließ, sprach Bände. Nur einmal wirkte sie nackter als an diesem Tag
im Mai: auf Nacktfotos, die sie 1949 aus Geldnot machen ließ und die ein
paar Jahre später einen Skandal auslösten. Von einem Journalisten befragt,
ob sie bei diesem Fotoshooting wirklich nichts an hatte, soll sie
gesagt haben: »Doch, das Radio!« Zwei Monate nach der als Geburtstagsgeschenk
getarnten »Liebeserklärung« an den Präsidenten war Marilyn
Monroe tot.
Über diesen Tod wird bis heute gerätselt – aber gerade er ist es,
der das Rätsel Marilyn noch geheimnisvoller macht. Diese Frau und ihre
Art zu gehen, sich zu bewegen und Kleider zu tragen wurden zum Mythos
schlechthin. Hunderttausende versuchten und versuchen sie zu
imitieren. Vergebens.
Pretty Women
»Miss Monroe
sieht wieder
einmal aus, als
würde sie
im Dunkeln
leuchten.«
Howard Hawks

Marilyn Monroe
59

DAS
BLUTKOSTÜM
Die Witwe trug Givenchy
Der schwere Weg
der Kennedys in
Arlington – die
ganze Welt trauerte
mit der Präsidentenfamilie.
Jackie ist Witwe:
Im noch blutbefl eckten
Kostüm bei der
Ankunft in Washington.
Es gibt Tage, die schon in der Gegenwart zu Geschichte werden.
So wie Menschen sich daran erinnern, wo sie waren, als am 9.
November 1989 die Berliner Mauer fi el oder am 21. August 1968
durch den Einmarsch der Warschauer-Pakt-Truppen der »Prager Frühling«
im Keim erstickt wurde, so erinnern sich diejenigen, die damals
schon als Erwachsene oder Teenager lebten, noch sehr genau an den
22. November 1963. Es war der Tag, an dem John F. Kennedy in Dallas
ermordet wurde. Er war der Präsident der Vereinigten Staaten, der verehrt
und geliebt wurde und mit dem vor allem die Jugend der ganzen
Welt ebenso viele Hoffnungen verband wie heute mit Barack Obama.
Mit diesem warmen, sonnigen Novembertag verbindet sich auf
traurige Weise auch ein unvergessliches Kleidungsstück: das rosafarbene
Wollkostüm aus der Chanel-Kollektion, das Jacqueline Kennedy trug,
weil die Wettervorhersage kühle Temperaturen für Dallas angekündigt
hatte. Es war nach den tödlichen Schüssen mit dem Blut des Präsidenten
besudelt. Dieser Anblick hat sich unvergesslich in das kollektive Gedächtnis
der Welt eingebrannt.
Es heißt, Jacqueline Kennedy habe sich damals geweigert, die
Kleidung zu wechseln, weil sie der ganzen Welt zeigen wollte, was man
ihrem Mann – dem mächtigsten Staatschef der Welt – angetan hat. Sie
trug das befl eckte Kostüm auch dann noch, als der Vizepräsident Lyndon
B. Johnson an Bord der »Air Force One« an ihrer Seite den Amtseid ablegte.
Dass die Präsidentenwitwe auch beim Staatsbegräbnis modebewusst
war, nahmen ihr viele übel: Sie ließ ein schwarzes Modell von
Givenchy aus Paris einfl iegen, wo man die Maße aller Kennedy-Frauen –
wohl für eilige Fälle, so sagt das böse Gerücht – vorliegen hatte.
60 Pretty Women

Jacqueline Kennedy
61

KAROMANIA.
VERY BRITISH!
Was die Queen und Colombo
gemeinsam haben
Kate Moss ist
eine der einfl ussreichstenBotschafterinnen
von
Burberrys neuem
Stil …
DOPPELSEITE
... und Christopher
Bailey beweist mit
jeder Kollektion,
dass es auch ganz
ohne Karos geht.
Auch coole
englische Hunde
fühlen sich in
Burberry rundum so
richtig mopswohl.
Auf Dauer hätte man allein von der Queen, von Colombo- und
Bogart-Fans nicht leben können und auch nicht von den der Insel
freundlich gesonnenen Hamburgern. Die Marke Burberry
brauchte Blutauffrischung. Also sann man auf Abhilfe, und da traf es sich
gut, dass der englische Designer Christopher Bailey nach neuen Herausforderungen
suchte. Er hatte bereits in New York an der Seite von Donna
Karan gearbeitet und zusammen mit Tom Ford das Label Gucci zu ungeahnten
Umsatzhöhen gebracht. Aber was kann man aus so viel Tradition
und so viel Karos schon machen? Noch dazu, wenn sie das Zeichen für
Burberry sind, so wie das LV für Louis Vuitton, das GG für Gucci oder das
CC für Chanel?
Bailey hat es geschafft. Eine neue Damenkollektion, die die Verwandtschaft
mit den Stammvätern zunächst noch durchblitzen ließ, bis
sie sich immer mehr emanzipierte und die Karos immer mehr »undercover«
liefen. Und inzwischen ganz dem fi rmeneigenen Logo des Ritters
auf steigendem Pferd mit dem Motto »Prorsum« (Vorwärts! – was für ein
Zeichen!) gewichen sind. Als Christopher Bailey von »Bunte«-Chefredakteurin
Patricia Riekel 2007 der Mode-Bambi überreicht wurde, geschah
das für »britische Coolness mit frischem Rock’n’Roll-Style und perfekte
Schneiderkunst«. Und weil sich die neue Burberry-Linie zu einem der
wichtigsten Labels der Modewelt entwickelt hat.
Allein an den namhaften Trägerinnen und Botschafterinnen kann
das nicht gelegen haben – zumal sie sehr unterschiedlich sind: Skandal-
Lady Kate Moss sieht in Baileys Kreationen ebenso umwerfend aus wie
die unschuldige Emma Watson, Harry Potters altkluge Freundin Hermine
Granger. So hat der Engländer Christopher Bailey die Traditionsmarke
seiner Insel gerettet. Ein Harry Potter der Mode? Auf jeden Fall sind seine
Kollektionen zauberhaft.

Christopher Bailey
63

GEISHA-
ROMANTIK
Mandeläugige Modegrüße
aus Fernost
45 Topmodels
präsentieren
John Gallianos
Hommage an
das Shanghai der
30er-Jahre.
Greta Garbo in
einem atemberaubenden
Kostüm
für ihren »Mata
Hari«-Film.
Die Faszination, die asiatische Kultur und Mode auf den Westen
ausüben, ist so alt wie Marco Polos erste Berichte. Aber spätestens
seit die Asien-Romane von Pearl S. Buck Millionenauflagen
erreichten und auch Hollywood den Fernen Osten entdeckte, ist
der »Asien«-Look auch bei den Modemachern angekommen.
Greta Garbo faszinierte in der Rolle der Tänzerin und Spionin
Mata Hari mit Gilbert Adrians exotischsten Kostümen der Filmgeschichte.
Ingrid Bergman und Curd Jürgens spielten sich in »Die Herberge
zur 6. Glückseligkeit« in alle Frauenherzen, und Europa hat damit
etwas über das schmerzhafte Abbinden der Frauenfüße in China erfahren.
Aber einen modischen Hype haben erst Filme ausgelöst wie »Meine
Geisha«: Shirley McLaine als verkleidete Geisha, die von ihrem Mann,
gespielt von Yves Montand, nicht wiedererkannt wird. Das Publikum lief
in Strömen in die Kinos, und alle Frauen wollten Geishas sein. Kimonos,
Kirschblüten im Haar und Seidenbrokat hatten von Paris bis Mailand und
New York Hochsaison. Und das bis heute in kurzen Abständen – und
modifi ziert – immer wieder.
John Galliano begann sein Wirken bei Dior mit einer Hommage
an das modische Shanghai der 1930er-Jahre und verblüffte sein Publikum
damals mit einer Geisha-Kollektion, die bei seinem zehnjährigen
Jubiläum vor wenigen Jahren mit Jubel gefeiert wurde. Yves Saint Laurent
zeigte 1998 chinesisch angehauchte Modelle, und Roberto Cavalli
entwarf entsprechende Stoffmuster. Während in Tokio und Peking
Armani, Burberry und Prada getragen wurde und wird, huldigten die
Couturier-Götter – von Lacroix bis Gucci – 2004 in sonst seltener Einhelligkeit
dem Asien-Look. Sogar Cartier trug dem Trend mit seiner
Schmuck-Kollektion »Kiss of the Dragon« Rechnung. Die Modesonne
geht seither immer öfter im Osten auf.
66 Pretty Women

Anita Asien-Look
Ekberg 67

Senkrechtstarter der
Mode: Domenico
Dolce und Stefano
Gabbana.
Ein Kleid wie eine
Hochzeitstorte:
ein D&G-Modell aus
der Sommer-Kollektion
2010.
GOLDEN
BOYS
Die Shootingstars der Mode
Die »süßen Jungs«, wie sie von ihrer Freundin Madonna genannt
werden, trafen sich beim »Klinkenputzen«. Man schrieb das
Jahr 1982 – der Sizilianer Domenico Dolce und der aus dem
Veneto stammende Stefano Gabbana boten ihre Modezeichnungen an,
aber mit wenig Erfolg. Und so versuchten sie es gemeinsam. Unter erschwerten
Bedingungen, denn Sizilien und Norditalien geht eigentlich
gar nicht! Aber es ging prima. Schon vier Jahre später stellten der Schneidersohn
Dolce und der Grafi ker Gabbana ihre erste Kollektion vor. Und
die war wunderbar anders als alles, was aus den berühmten Couture-
Häusern kam. Ihren Entwürfen ist anzusehen, dass sie weibliche Frauen
wie Sophia Loren, »Gina nazionale«, Anna Magnani (die steht ganz oben
auf ihrer Nostalgie-Erinnerungsliste) verehren und von ihnen animiert
werden. Natürlich auch Madonna, die Freundin, die sogar die neue Kollektion
präsentiert.
Dolce & Gabbana-Mode ist sinnlich und frech zugleich. Schwarze
Strümpfe, Unterwäsche als Oberbekleidung getragen, Petticoats, Rüschen
und Tüll, Fransen, Korsagenoberteile mit Perlen, Strass und großen
Glassteinen – es wirkt immer unschuldig und sehr sexy zugleich. Selbst
wenn sie strenge Hosenanzüge kreieren, ist die Rückenpartie der Weste
aus Spitze. So entstand ein Dolce & Gabbana-Stil, der von der Presse als
»Boutiquen-Look für den Konferenzraum« bezeichnet wurde. Während
sich Stefano auch vorstellen könnte, ein Rockstar wie Elvis geworden zu
sein, schwärmt Domenico für »Africa« von Toto. Die Shows der beiden
katholischen Opernfans beginnen jedoch immer mit dem Intermezzo
aus Mascagnis »Cavalleria Rusticana«. Diese Bandbreite lieben emanzipierte
Frauen wie Demi Moore, Isabella Rossellini, Julia Roberts, Jennifer
Lopez und Eva Mendes. Madonna schnipselt für sie sogar in der Küche
Gemüse.
68 Pretty Women

Dolce & Gabbana
69

HIMMLISCHE
FEDERN
Yves und Zizi Jeanmaire
»Eine Revue
auszustatten ist so,
als würde man die
Welt neu erfi nden.«
Zizi Jeanmaire ist
die schönste
lebendig gewordene
Puderquaste der
Welt.
Ohne sie wäre Paris nicht Paris!« Davon ist ihr Partner und Ehemann,
der Tänzer und Choreograf Roland Petit, überzeugt.
Und für Ballettfans gehört Zizi Jeanmaire sowieso zu den großen
ihrer Zunft: Sie tanzte nicht zufällig mit Rudolf Nurejew in dem Film
»Der Jüngling und der Tod« und Mikhail Baryschnikow. Bekannt wurde
die 1924 in Paris geborene Zizi mit dem von Roland Petit nach Bizet choreografi
erten Ballett »Carmen«, das 1949 in London produziert wurde
und das seither auf der ganzen Welt 5000 Mal aufgeführt wurde.
Zizi Jeanmaire begann als Primaballerina an der Pariser Oper, war
dann von »Les Ballets de Monte-Carlo« engagiert und wechselte zu den
»Ballets des Champs-Elysées«. In Hollywood war sie in Musical-Verfi lmungen
zu sehen, u.a. als Partnerin von Bing Crosby in »Anything Goes«
nach Cole Porter. Und an der Seite von Eddie Constantin machte sie in
»Folies-Bergères« (»Paradies der Liebe«) Werbung für die Seine-Stadt
und erfüllte damit alle Klischeevorstellungen von Touristen.
Aber in den Köpfen der meisten Menschen ist Zizi Jeanmaire mit
ihren sensationellen Bühnenshows geblieben, von denen ihr Mann über
60 mit ihr produziert hat. Allen voran »Mon truc en plumes«, in der sie
auch zum ersten Mal das gleichnamige Chanson sang. Ein optischer und
akustischer Hochgenuss.
Die meisten dieser bombastischen, sensationellen Shows hat
Yves Saint Laurent ausgestattet, mit dem die Künstlerin bis zu seinem
Tod befreundet war und der ihren Bühnenauftritten, in denen er oft und
unnachahmlich mit Federn experimentierte, seinen unverwechselbaren
Charme gab. In Verbindung mit ihren Chansons, geschrieben von Serge
Gainsbourg und Jaques Prévert (und ihrer Tochter) wurde sie endgültig
zur französischen Legende.
70 Pretty Women

Zizi Jeanmaire
71

FRÜHSTÜCK
BEI TIFFANY
Audrey – die schönste Frau der Welt
Audrey als Holly
Golightly. Eine
Rolle, die Truman
Capote für die
Monroe schrieb.
Und immer noch
ist sie die schönste
Gazelle, die je
als Frau auf Erden
wandelte.
Audrey Hepburn, die Tochter einer holländischen Baronin und
eines englischen Bankiers, hatte den Zweiten Weltkrieg unter
großen Entbehrungen in Holland überlebt, machte eine Ballettausbildung
in England und kam 1951 wie ein Wirbelsturm über Amerika:
In diesem Jahr tanzte sie am Broadway die »Gigi« und wurde dort
von Hollywood entdeckt. Schon 1954 erhielt sie für ihre Rolle in »Ein
Herz und eine Krone« an der Seite von Gregory Peck den Oscar für die
beste Hauptdarstellerin. Die Friseure jubelten, weil die Frauen aufgrund
der Haarschnittszene in diesem Film plötzlich modische Kurzhaarfrisuren
haben wollten. Teenager auf der ganzen Welt kopierten ihre Art, sich
zu kleiden: Der »Audrey-Stil« war geboren. Und er hatte Regeln: Beachte
deinen Körpertyp, zieh dich bequem an, damit du dich natürlich bewegen
kannst, lebe gesund, achte auf deine Haltung, schminke dich dezent,
sei fröhlich und lächle, denn Schönheit kommt von innen, und
dann darf Kleidung auch leger und einfach sein. Mode wurde schon
immer von prominenten Frauen populär gemacht, aber nur wenige
haben so stilbildend gewirkt wie die Europäerin Audrey Hepburn:
Sie revolutionierte die damals in Hollywood vorherrschende Üppigkeit
à la Monroe und schuf damit völlig neue Sehnsüchte.
Es war das Genie Billy Wilder, das den großen Couturier
Hubert de Givenchy mit seiner Muse Audrey Hepburn zusammenbrachte.
Er schickte seine »Sabrina«-Darstellerin
nach Paris, um Pariser Modellkleider
einzukaufen. So wollte er glaubhafter
machen, dass aus der Chauffeurtochter
Sabrina, dem kleinen

Audrey Hepburn
73

Audrey auf
dem Badewannen-
Sofa: George
Peppard fand sie
zum Niederknien.
74
»hässlichen Entlein«, eine elegante Lady mit europäischem Flair geworden
war. Ein Arrangement, das seiner Hauptdarstellerin sehr gefi el, denn
sie sagte einmal in einem Interview, dass sie schöne Kleider so sehr liebe,
dass sie diese Neigung schon selbst als lasterhaft empfände.
Die Hepburn war bei Givenchy angemeldet, doch dieser schien
auf einen Termin nicht sonderlich erpicht, da er sich mitten in der Vorbereitung
einer neuen Kollektion befand. Außerdem gab es wohl eine
Kommunikationspanne, denn der Couturier war der Meinung, es handle
sich um Katharine Hepburn. Aus dieser ersten Irritation erwuchs dann
aber eine große Freundschaft, und das Zauberwesen Audrey wurde ab
sofort zu Givenchys befl ügelnder Muse. Der junge, damals noch aufstrebende
Modeschöpfer – er war nur drei Jahre älter als Audrey – sagte
über sie: »Sie gab meinen Kleidern Leben … sie passten sich ihr an.« Und
der ›Sabrina‹-Drehbuchautor Ernest Lehmann meinte: »Die Art und
Weise, wie Audrey in ›Sabrina‹ aussah, hat all ihre späteren Rollen beeinfl
usst. Man könnte sagen, wäre sie damals nicht zum Einkaufen nach
Pretty Women

»Givenchys
liebenswert
einfache
Garderobe gab
mir immer
das Gefühl, die
zu sein, die ich
spiele.«
Audrey Hepburn
Paris gefl ogen, hätte sie nie ihre Rolle in ›Frühstück bei Tiffany‹ spielen
können.« Aber egal, ob diese Hollywood Anekdoten stimmen oder
nicht – Audreys »Sabrina«-Abendkleid aus Billy Wilders Original hat
einen festen, unverrückbaren Platz in jedem Frauenherzen.
Audrey Hepburn selbst sagte über Givenchy, dass er ihr einen
eigenen Look geschenkt hätte, der es ihr überhaupt erst möglich gemacht
hätte, den Beruf der Schauspielerin auszuüben: »Es war eine enorme
Hilfe zu wissen, dass ich so aussehe, wie meine Rolle es verlangt. Der Rest
war dann nicht mehr so schwer: Givenchys liebenswert einfache Garderobe
gab mir immer das Gefühl, die zu sein, die ich spiele.«
Wer an »Frühstück bei Tiffany« denkt, hat sofort die Melodie
von »Moon River« im Ohr – und die wunderbare Audrey Hepburn in
den herrlichen Kleidern vor Augen. Dabei wollte Truman Capote, nach
dessen Erzählung Regisseur Blake Edwards diese Tragikomödie verfi lmt
hat, unbedingt Marilyn Monroe in der Rolle des Partygirls Holly Golightly
sehen. Aber wer könnte sich heute Marilyn in diesem wunderbaren,
schwarzen Satin-Etuikleid vorstellen? Givenchy hatte die Kleider
für das Partygirl, das sich vor dem Leben fürchtet und sich einen reichen
Mann angeln will, Audrey auf den Leib geschneidert. Auch Audreys Partner,
George Peppard, war übrigens nicht die erste Wahl der Filmemacher:
Sie hatten ursprünglich Steve McQueen im Auge.
Das Etuikleid, das es schon seit den 1930er-Jahren gab, wurde
durch seinen prominenten Auftritt am Körper Audrey Hepburns in die-
Audrey Hepburn
75
links
Freude über den
Oscar für »Ein Herz
und eine Krone«.
Sie hat ihn verdient.
rechts
Audrey – eine
»Hutfrau« der
Sonderklasse und
ein Zauberwesen
der Mode.

William Holden
ist der falsche Mann
für »Sabrina«.
Wir warten auf
Humphrey.
Wer dieses Bild
sieht, hat sofort die
Melodie von »Moon
River« im Ohr.
sem Film erst zum Star und das Original von Givenchy 2006 zugunsten
wohltätiger Zwecke für eine hohe sechsstellige Summe in englischen
Pfund versteigert. In der Novemberausgabe von »Harper’s Bazaar« sah
man dann im selben Jahr Natalie Portman in der schwarzen Tiffany-Legende.
Audrey-Fans mögen das als Häresie empfunden haben. Aber egal,
wer es trägt – es ist und bleibt ihr Kleid.
Audrey Hepburn war in fast allen ihren Filmen ein perfektes Gesamtkunstwerk
an Natürlichkeit, selbst wenn sich das paradox anhört.
Dabei fehlte ihr einiges, das andere Schauspielerinnen berühmt gemacht
hatte: »Das Mädchen wird den Busen noch völlig aus der Mode bringen!«,
wird beispielsweise Billy Wilder zitiert. Und Starfotograf und Designer
Cecil Beaton zählte einmal in einem »Vogue«-Artikel auf, was alles
an Audreys Modigliani-Gesicht »eigentlich« nicht stimmte (und doch
nicht schöner sein könnte). Im April 2006 wurde Audrey Hepburn von
der englischen Zeitschrift »New Woman« zur schönsten Frau aller Zeiten
gekürt.
76 Pretty Women
»Das Mädchen
wird den
Busen noch
völlig
aus der Mode
bringen!«
Billy Wilder

Audrey Hepburn
77

REICHLICH
DURCHBLICK
Cher – die Frau, die abräumt
Diese Frau schlug
alle Rekorde, die es
zu schlagen gab.
In jeder Beziehung.
78
Die Tochter einer Cherokee-Indianerin und eines Armeniers
brach alle künstlerischen Rekorde, ihre Skandale (um ihre Kleider)
stellen mediale Spitzenleistungen dar. Allein ihre Oscar-
Outfi ts gingen in die Hollywood-Geschichte ein. Und förderten die
Gerüchte um ihre ständigen Schönheitsoperationen (»kein normaler
Körper kann sich dieses Nichts von Kleidern leisten!« – so die neidvollen
Zungen).
Und so hat alles begonnen: Ihr späterer Ehemann und Partner
Sonny Bono vermittelte sie als Background-Sängerin zum sagenumwobenen
Musikproduzenten Phil Spector, tat sich aber bald mit ihr zum
»Sonny & Cher«-Duo zusammen. Es gelang ihnen, was nur noch den
Beatles, Elvis Presley, den Bee Gees und Michael Jackson gelang: fünf
Songs gleichzeitig unter den ersten 20 der internationalen Hitlisten zu
haben. Sie drehten das erste Musikvideo aller Zeiten, bekamen TV-Shows
und konnten sich vor Erfolgen kaum retten. Cher wurde in den 1960er-Jahren
mit ihren Schlaghosen, den Pelzjäckchen, ihren glatten, schwarzen
Haaren und ihrem dicken Lidstrich zum Modevorbild ihrer Generation.
Danach toppte sie alles, was vorher war. Cher ist die reichste
weibliche Künstlerin aller Zeiten. Sie erhielt alle Emmys, Grammys oder
Golden Globes gleich mehrfach. Kaum mit Hilfe von Robert Altman ins
Filmgeschäft eingestiegen, kam für »Silkwood« prompt der erste Oscar,
dem 1999 noch der »Fashion Oscar« folgte. Madame Tussaud zählt sie in
ihrem Wachsfi gurenkabinett zu den fünf schönsten Frauen der Geschichte.
Sechsmal »Vogue«- und 21-mal »People«-Cover sind kein Zufall.
Die Frau hat nicht nur unendlich viel Geld, sondern auch Mode gemacht.
Und zwar in der Abteilung Provokation, Mut und Lebensfreude.
Eine höchst begabte, wunderschöne, echte Hexe (»von Eastwick«).
Pretty Women

Cher
79

LADY DI –
»HERZDAME«
Vom Schäfchenpulli-Mädchen
zur Stil-Ikone
Der Pulli mit einem
schwarzen Schaf –
ein Kleidungsstück
von großer Symbolkraft.
Ein umwerfender
Auftritt – während
Charles im TV eine
peinliche Beichte
ablegte.
80
Wer hätte je gedacht, dass ausgerechnet eine Prinzessin und
spätere Mode-Ikone die Stricknadeln aus der Mottenkiste
wieder zum Klappern bringen würde, als Omas weltweit für
ihre von Diana faszinierte Girlie-Verwandtschaft Schäfchenpullover
strickten? Mehr als Lady Di, die dieses Geschenk einer Angestellten nicht
nur annahm, sondern auch trug, beglückte der Schäfchenpulli-Hype
allerdings die zwei Frauen von »Warm and Wonderful« in London,
St. Johns Hill Nr. 191: Kaum erschien 1980 das Foto in der internationalen
Presse, konnten sich Joanna Osborne und Sally Mair vor Schäfchenpulli-
Bestellungen kaum mehr retten. Sämtliche Edelkaufhäuser der Welt
überschütteten sie mit Aufträgen: Die englische Boulevardpresse errechnete
ihren Verdienst mit über eine Million Pfund. Auf die Frage, was sie
denn zu diesem Muster inspiriert hätte, kam die lapidare Antwort: »Nun
ja, Wolle stammt von Schafen…«.
So einfach, herzenswarm und bodenständig blieb die Kleidung
der berühmtesten Frau der Welt jedoch nicht. Zur Hochzeit des Jahrhunderts
trug sie eine Kreation, die in ihrer Üppigkeit, samt meterlanger
Schleppe, dem Traum tausender Bräute auf der ganzen Welt entsprach.
Und obwohl die Prinzessin später zugab, dass die Robe nicht perfekt saß,
weil sie sich zwischen der letzten Anprobe und dem großen Auftritt mehr
als zehn Zentimeter Taillenweite heruntergehungert hatte, wurde dieses
Brautkleid wie keines zuvor kopiert. Entworfen hat den barocken Traum
in Weiß das Designer-Ehepaar David und Elizabeth Emanuel. Sie gehörten
beide nicht zum »Club« der ganz großen Pariser Couturiers, aber David
arbeitete schon in jungen Jahren für den Hofdesigner Hardy Amier
und Elizabeth war für die Anzüge von Charles verantwortlich. In ihrer eigenen
Modeboutique schneiderten sie später vorwiegend für Filmstars
(darunter Elizabeth Taylor und Madonna) und eben die Royalties.
Pretty Women

Lady Di
81

Die Braut hatte
gehungert – das
Hochzeitskleid saß
nicht. Schon wieder
ein Zeichen?
82
Mit Dianas Hochzeitskleid begann nicht nur eine katastrophale Ehe, sondern
auch ein neues Modebewusstsein der zur Prinzessin gewordenen
Kindergärtnerin. Ihre beiden älteren Schwestern hatten für »Vogue« gearbeitet,
brachten Diana mit der Chefredakteurin zusammen, und sofort
hatte Lady Di eine Modeberaterin erster Güte. Bedenkt man ihre Kleiderwahl
aus der Verlobungszeit – brave Kostümchen mit ebenso braven Blüschen,
Faltenröcke und Kniestrümpfe, Matrosenkrägelchen, fl ache Slipper
oder das unglückliche Gegenlichtfoto im durchscheinenden Rock –,
änderte sich ihr modisches Auftreten nach der Hochzeit in rasantem
Tempo. Lady Shy wandelte sich endgültig zu Lady Di. Sie wurde stilsicher
und zur meistfotografi erten Frau der Welt – nicht nur ihrer herausragenden
gesellschaftlichen Stellung wegen, sondern auch aufgrund ihrer modischen
Eigenständigkeit. Sie hatte ihre Farben gefunden (neben Schwarz
Eisblau und Rot), wusste längst, dass zweifarbige Schuhe – am liebsten
von Chanel – die Füße kleiner wirken ließen, und strahlte in Chanel-Kostümen,
Versace-Etuikleidern und im ersten Dior-Modell von John Galliano.
Pretty Women

»Nach der Hochzeit
änderte sich ihr
modisches Auftreten in
rasantem Tempo.
Lady Shy wandelte sich
zu Lady Di.«
Was immer Diana tat, es wurde kommentiert, kritisiert und natürlich fotografi
ert. Charles lästerte über ihre Verschwendungssucht, die sich nicht
nur auf Äußeres bezog, sondern auch auf Psychiater, Refl exzonenmasseure,
Aromatherapeuten, Tarotkartenleger und Feng-Shui-Experten.
Unter ihren Kleidern trug sie angeblich einen weißen Kristall, der ihr zu
klarem Verstand, Ausgeglichenheit und Harmonie verhelfen sollte. Diana
war auf dem Weg, sich selbst zu fi nden. Es war ein langer, steiniger Weg,
und wie man weiß, hatte sie nicht die Zeit, ihn zu Ende zu gehen.
Den 26. Juni 1994 erlebten die meisten Menschen sicher nicht als
einen außergewöhnlichen Tag. Für die Prinzessin von Wales, ihren Ehemann
und die königliche Familie aber war er gewiss ebenso schwarz wie
das Kleid, in dem Lady Di zur Vernissage in der Londoner Serpentine Gallery
auftauchte. Während im Fernsehen ein sich vor Peinlichkeit windender
Prinz Charles seine Untreue gestand, inszenierte die betrogene Ehefrau
einen bühnenreifen Auftritt. Die Titelseiten des nächsten Tages
gehörten damit wieder einmal ihr und setzten den Ehemann vor der Öffentlichkeit
doppelt ins Unrecht! Das Kleid, das die Fotoapparate blitzen
ließ, kann jede Frau seither blind beschreiben: Das schulterfreie, asymmetrisch
geschnittene »kleine Schwarze« (das den Effekt einer großen
Abendrobe hatte) stammt aus dem Atelier der griechischen Designerin
Christina Stambolian. Jedes modische Detail an Diana stimmte an diesem
Abend, bis hin zur Absatzhöhe der Schuhe. In dieser von Skandalen geprägten
Lebensphase war Lady Di schon längst zur Stil-Ikone geworden.
Lady Di
83
links
Auch Lady Di war
einmal eine Frau
»wie du und ich«:
Diana als Kindergärtnerin.
rechts
Ihre Wohltätigkeitsgalas
erzielten
Spendenquoten in
Millionenhöhe.

»Who’s Who« zählt
sie zu den wichtigsten
Hundert.
Charles muss
darauf immer noch
warten.
John Travolta
ließ sich die
Gelegenheit nicht
entgehen: Tanz
im Weißen Haus.
84
Doch bezeichnet dieser in zweifacher Hinsicht schwarze Tag auch den
Beginn einer Zeit, in der Diana sich endgültig vom Königshaus löste und
ihren eigenen Weg zu gehen versuchte. Dass ihr nicht gegönnt war, sich
und ihr gekonnt modisches Auftreten weiterzuentwickeln, ist ganz
abgesehen von der menschlichen Tragödie des frühen Todes bedauerlich.
Sie wäre sicher auch noch im Alter eine bewundernswert schöne
Frau gewesen und hätte die Modemacher noch zu vielen besonderen
Kreationen inspiriert. Fast alles, was Lady Di trug, wurde fotografi ert und
ging mit Hilfe der Medien um den Globus. Ihre Kleider und ihre Art, sie
zu tragen, sind in das kollektive Gedächtnis aller Frauen der westlichen
Welt eingegangen.
Pretty Women

Lady Di
85

Dior ist für viele
immer noch das
Evangelium der
Mode. Darum trägt
Linda Evangelista …
… genau den
richtigen Namen,
um die atemberaubenden
Kreationen
vorzuführen.
DOPPELSEITE
John Galliano
hat ein Händchen
dafür, sich und das
Haus Dior perfekt
zu inszenieren.
LUXUS IST –
ein anderes Wort für
DIOR
Er kam, um das Haus Dior »von Spinnweben zu befreien und wieder
zum Leben zu erwecken«. So sah der damals schon mit Preisen
und Auszeichnungen überschüttete englische Designer John
Galliano 1997 seine Aufgabe, als er die Haute Couture bei Dior übernahm.
Das war genau 50 Jahre nach Gründung des berühmtesten Modehauses
der Welt durch Christian Dior und 40 Jahre nach dessen Tod. Der
Gründer dieses Hauses, der in den Nachkriegsjahren das Modemonopol
aus New York wieder nach Paris zurückholte und die Couture mit seinem
»New Look« dermaßen revolutionierte, dass alles aus seiner Hand zum
Modediktat wurde, hatte schon viele namhafte Nachfolger (unter anderem
Yves Saint Laurent), bevor Galliano Gianfranco Ferré ablöste.
Galliano, der schon 1987 in England zum Designer des Jahres gewählt
worden war, wechselte von Givenchy zu Dior und zwang alle Welt
vom Tag eins an, mit einem neuen Blick auf dieses geschichtsträchtige
Couture-Haus zu schauen. Seine erste Dior-Show war eine wahre Orgie
aus Tüll, mit der er sofort alle Journalisten- und Fotografen-Herzen gewann.
Er wird nicht zu Unrecht als »Kostümbildner« unter den Modemachern
bezeichnet, weil er immer schon gern Historie zitierte. Doch Galliano
macht nicht nur Mode aus Moden, sondern er versteht es auch wie
kein Zweiter, diese Kollektionen im richtigen Ambiente zu inszenieren. Er
führt dies darauf zurück, dass er während seines Studiums in London am
Theater als Garderobierenhilfe gearbeitet hat (»Seitdem kann ich perfekt
bügeln!«). Das englische Enfant terrible in Paris liebt privat alte Bücher,
üppige Rosenarrangements – und seine Muse Linda Evangelista. Und
Lady Di liebte John Galliano – sie trug eines seiner ersten Dior-Kleider.
Christian Dior dürfte gefallen, was sich da seit knapp 15 Jahren in seinem
Haus tut.
86 Pretty Women

John Galliano 87

88 Pretty Women

Anita Ekberg
89

FUNKELNDE
NACKTHEIT
So holte Marlene
die Sterne vom Himmel
Garderoben-Aufnahme
von
Marlenes letzter
Tournee. Die
Diva so schön wie
eh und je.
Die Illusion von
sternenübersäter
Nacktheit – die
Dietrich überließ
nichts dem Zufall.
Ich kann nicht singen, also muss das, was ich trage, eine Sensation
sein!«, soll Marlene Dietrich über die Bühnenkleider ihrer berühmten
»One-Woman-Show« gesagt haben. Ein englischer Kritiker befand,
dass diese Kostüme von Columbia-Chefdesigner Jean Louis »die
höchste Errungenschaft der Theaterwelt seit Erfi ndung der Falltür«
seien, und andere waren davon überzeugt, dass sie aus außerirdischem
Material gefertigt würden.
Dabei waren es nur ganz irdische, fl eißige Bienen, die da am
Werk waren. Bevor diese Studio-Stickerinnen und -Näherinnen jedoch
unter dem strengen Blick der Dietrich tätig werden konnten, musste erst
ein bestimmter Stoff in Italien produziert und auf den Hautton des Stars
eingefärbt werden. Diese textile Erfi ndung wurde »Souffl é« genannt
und hauteng bodenlang auf das Mieder seiner Trägerin geschneidert. So
eng, dass Marlene nur auf die Bühne trippeln konnte. Dann begannen
wochenlange Arbeiten vor dem Spiegel, denn erst jetzt konnten Pailletten,
Perlen und Kristallsteinchen aufgenäht werden. Die Dietrich hatte
ein scharfes Auge für den perfekten Glitzereffekt: Die von ihr festgelegten
Stellen wurden mit feinen roten Fäden markiert, damit später die
Applikationsarbeit beginnen konnte, die selbst danach oft noch mehrere
dutzend Male geändert werden musste.
Die Designer wussten: »Man macht keine Kleider für die Dietrich,
man macht sie mit ihr.« Das atemberaubende Ergebnis war die Illusion
von sternenübersäter, funkelnder Nacktheit.
Ergänzt wurde dieses unvergessliche Traumkostüm durch den
legendären Bühnenmantel, der kostbar wirkte wie ein weißer Pelz. Er
musste vor jedem Auftritt wie ein Plumeau kräftig aufgeschüttelt werden,
damit die Schwanenfedern ihr volles, prachtvolles Volumen darbieten
konnten.
90 Pretty Women

Marlene Dietrich
91

RAUSCHENDE
RÖCKE
»Vom Winde verweht« – für immer und ewig
Vivien Leigh und
Clark Gable – das
berühmteste
Film-Liebespaar
aller Zeiten.
Diese unerreicht
atemberaubenden
Kleider. Von
»Mammy« auf Taille
geschnürt …
Die Verfi lmung von Margaret Mitchells Weltbestseller »Vom
Winde verweht« ist der berühmteste Film aller Zeiten. Dabei
galt der Millionenseller zunächst als unverfi lmbar. Produzent
David O. Selznick erwarb dennoch die Rechte – und damit begann eine
lange Story: Die Drehbuchautoren wurden gewechselt wie die Hemden
(sogar F. Scott Fitzgerald versuchte sich vergeblich daran), ebenso die Regisseure.
Bei der Besetzung der Hauptrollen war es nicht anders: Rhett
Butler sollte ursprünglich von Errol Flynn, dann von Gary Cooper dargestellt
werden – bis man sich dann schlussendlich auf Clark Gable einigte.
Das Casting für die Rolle der Scarlett O’Hara war noch wesentlich komplizierter.
Könnten wir uns heute Katharine Hepburn, Bette Davis oder
Paulette Goddard in diesen wunderbaren Kleidern vorstellen? Es dauerte
lange, bis Selznick Vivien Leigh, die bezaubernde Geliebte von Lawrence
Olivier (den sie später auch heiratete), in Hollywood kennenlernte und
wusste, dass das die Scarlett seiner Träume war. Es dauerte insgesamt
dreieinhalb Jahre – für Hollywood eine Ewigkeit –, bis die Vorbereitungen
abgeschlossen und der Film abgedreht war. An der Premiere durften die
schwarzen Darsteller aufgrund der Rassentrennungsgesetze nicht teilnehmen.
Dennoch konnte Hattie McDaniel, die Darstellerin der Mammy,
ein Jahr später als erste Schwarze einen von insgesamt zehn Oscars entgegennehmen.
Die sensationellen Kostüme des Films wurden von Walter Plunkett
entworfen, der sich an den schönsten Materialien, die die Textilindustrie
zu bieten hatte, austoben durfte. Plunkett hat hunderte von Filmen
ausgestattet und dabei ein besonderes Händchen für historische
Kostüme bewiesen. Völlig unverständlich, dass er für das grandiose Festival
der rauschenden Röcke in »Vom Winde verweht« keinen Kostüm-
Oscar bekam.
92 Pretty Women

Vivien Leigh
93

HOSENLADYS
Skandalmode –
schlimmer als die Polizei erlaubt
Katharine Hepburn
lässt schon 1933
keinen Zweifel: Sie
ist eine emanzipierte
Frau.
Hosenmode im
Jahre 1920.
Die schönsten Frauen haben sie getragen, und das, obwohl sie
alle Beine hatten, die bis »in den Himmel« ragten: die Garbo
und die beiden Hepburns, die Dietrich und die Knef, um nur
ein paar typische »Hosenträgerinnen« der frühen Hosenzeit zu nennen.
Fast paradox, dass gerade sie diese herrlichen Beine so gern verhüllten.
Dass die Frau, die die Marlene-Hose kreierte und den Smoking salonfähig
machte, der Meinung war: »Wenn man schöne Beine haben will, muss
man sie von den Blicken der Männer massieren lassen!«, ist in dem
Zusammenhang umso verwirrender. Die weibliche Hosenfrage kann
also nur emanzipatorisch erklärt werden.
Exemplarisch dafür steht die letzte große Diva Hollywoods:
Katharine Hepburn (mit ihrer Kollegin Audrey weder verwandt
noch verschwägert), nach deren Tod am Broadway ihr zum
Gedenken für eine Stunde lang alle Lichter gelöscht wurden. In
einem extrem liberalen Haushalt als Tochter eines Chirurgen
und einer »Suffragette« – ihre Mutter kämpfte engagiert für
das Frauenwahlrecht – aufgewachsen, war sie ohne Zweifel
»ein aufsässiges Mädchen« (auch Titel eines ihrer ersten Filme).
Sie schloss ein Philosophie- und Geschichtsstudium erfolgreich ab,
weshalb sie auf ihre im Regelfall weniger gebildeten Schauspieler-
Kollegen einen arroganten Eindruck machte, der ihr den Spitznamen
»Die Zarin« einbrachte. Die emanzipierte Frau in ihr ist auch in
einem Rat zu erkennen, den Katharine ihrer Tochter gab: »Wenn du
immer das tust, was du möchtest, ist wenigstens schon mal ein Mensch
glücklich!« Dass die große Schauspielerin, mit vier Oscars ausgezeichnet
und zwölfmal dafür nominiert, sich weder körperlich noch geistig
einengen ließ, ist auch an ihrer Rollenwahl zu erkennen. Selbst in Filmen,
in denen sie genrebedingt keine Hosen trug, wie in »Der Löwe

Hosenladys
95

Paul Poiret kommt
Coco Chanel zuvor
und kreiert den
ersten Hosenrock.
Sooo bequem …
96
im Winter« (wo sie Eleonore von Aquitanien, die Frau von König Heinrich
II. spielte) oder in »African Queen« (mit Humphrey Bogart). Dass
richtige, gute Männer schon damals keine Angst vor klugen, selbstbewussten
(Hosen tragenden) Frauen hatten, ist an Katharine Hepburns
Lebenspartnern – Howard Hughes und Spencer Tracy – zu erkennen.
Noch eine Hosen tragende Frau hat große Männer um sich versammelt
– George Sand, die genau 100 Jahre vor der Hepburn geboren
wurde. Weder die Schriftstellerkollegen Honoré de Balzac und Alexandre
Dumas noch den Maler Eugène Delacroix oder die Musiker Franz Liszt
oder Frédéric Chopin störte es, dass die Zigarren rauchende Sand Männerkleidung
trug und sich für die Frauenrechte einsetzte. Allerdings
mussten sich damals die wenigen Hosen tragenden Frauen noch eine
Erlaubnis vom Polizeipräfekten einholen. Das entsprechende Gesetz
stammt aus der Zeit der Französischen Revolution und ist bis heute nicht
aufgehoben. Nun macht eine Schwalbe noch keinen Sommer, weshalb
die Sand sicher keine tragende Rolle in der Geschichte der Hosen für
Pretty Women

»Wenn du
immer das tust ,
was du möchtest,
ist wenigstens
schon mal
ein Mensch
glücklich!«
Katharine Hepburn
Frauen spielt. Die kommt nämlich dem Fahrrad zu. Und der amerikanischen
Frauenrechtlerin Amelia Bloomer, die sie für Fahrrad fahrende
Frauen erfand, damals kurz »Bloomers« genannt. Allerdings hatten
Frauen, die mit diesen Pluderhosen (über die man ein knielanges Kleid
trug) angetroffen wurden und kein Fahrrad dabeihatten, sofort polizeirelevanten
Ärger. Es war nicht erlaubt, in diesem »Aufzug« Hotels, Restaurants
oder überhaupt öffentliche Gebäude zu betreten.
Und nun kommt ein Pariser Couturier ins Spiel, der um die vorletzte
Jahrhundertwende eine Moderevolution verursachte und sogar
den Karrierebeginn von Coco Chanel hinauszögerte: Paul Poiret. Er war
Assistent von Charles Frederick Worth (der u.a. die österreichische Kaiserin
anzog) und hat dort gelernt, wie man seine Kundinnen für PR-Zwecke
nutzt. Als 1909 die »Ballets Russes« in Paris gastierten, wurde er von
deren fl ießenden Kostümen inspiriert und schuf die ersten Kleider, die
sogar ohne Mieder getragen werden konnten. Und im Rahmen dieser
Kollektion auch einen Hosenrock, der ihm aus den Händen gerissen
wurde. Aber die Hosen waren ohnedies nicht mehr aufzuhalten, da die
Frauen, die während des Ersten Weltkriegs die Arbeit ihrer Männer erledigen
mussten, sich von diesen bequemen Beinkleidern nicht mehr trennen
wollten. Damit waren sie zwar immer noch nicht gesellschaftsfähig,
aber nicht mehr zu übersehen. Coco Chanel, die als Hutmacherin anfi ng,
ließ sich Reithosen schneidern und förderte den aus Indien kommenden
Baumwoll-»Pyjama«, der, aus Seide oder Crêpe de Chine gefertigt, bei
Hosenladys
97
links
Joan Crawford 1935
ganz sportlich:
Spaziergang mit
Hund – in Reithosen
und Stiefeln.
Rechts
Die Dietrich und
Hosen – das
war schon 1931 eine
große modische
Freundschaft.
Diese Mädels im
Nachkriegsengland
beweisen, dass
Jungs-Mode auch
ihnen gut steht.

Brigitte Bardot im
italienischen
Spoleto – wieder
einmal auf der
Flucht vor Paparazzi.
Auch die große
Garbo trägt schon
1929 Hosen. Die
Männer bedauern
es.
98
den oberen Zehntausend Furore machte und als Haus- oder Strandkleid
getragen wurde. Schauspielerinnen waren wieder einmal Vorreiterinnen,
und schon 1919 gab es die ersten »Pyjama-Partys«. Die berühmten
»Roaring Twenties« brachten dann den endgültigen Durchbruch für Damenhosen.
Die Geschichte der Hose für Frauen könnte Bände füllen – von
Maria Bogners elastischer Keilhose (die heute noch markenübergreifend
in den USA »Bogners« genannt wird) über Emilio Puccis Capri-Hose, die
von den Indianern abgeschauten »Leggings« bis hin zu den Jeans. Aber
das ist wieder eine Geschichte für sich. Sie sind zu einem Alltags-Mythos
geworden – reif für philosophische Abhandlungen. Der große Yves Saint
Laurent sagte einmal über diese »Arbeiterhose«: »Ich gäbe etwas darum,
wenn ich die Jeans erfunden hätte!« (Dabei ist das doch auch nur eine
Hose – wenn auch bestimmte aufgedruckte Labels sie zum Luxusprodukt
machen können.) Sicher ist, wir Frauen haben es geschafft: Wir haben
endlich Hosen an!
Pretty Women
»Ich gäbe etwas
darum, wenn
ich die Jeans
erfunden hätte!«
Yves Saint Laurent

Hosenladys
99

Bettie Page,
die Pin-up- und
Striptease-Königin
im Hollywood
der 1950er-Jahre.
Striptease als
Kunstform: Dita
Von Teese im
Februar 2010 beim
San-Remo-Festival.
EVA(S)
KOSTÜM
Trinkt Dita Champagner
oder Martini?
100
Ob Heather Renée Sweet, die sich den Künstlernamen Dita Von
Teese gegeben (bzw. aus dem Telefonbuch herausgesucht)
hat, auch die »Königin des Striptease« geworden wäre, wenn
sie in jungen Jahren nicht von Michigan in das Sündenbabel der Westküste
umgezogen wäre? Dort hat sie zunächst brav und sittsam »historic
costuming« studiert. Bis sie auf Bilder des 1950er-Jahre Pin-up- und
Striptease-Girls Bettie Page stieß und deren Bilder nachstellte. Die Page
war mittlerweile zu einer Ikone der Pop-Kultur geworden und wird als
Vorreiterin der sexuellen Revolution bezeichnet. Aber sie war in die Jahre
gekommen und trat nicht mehr öffentlich auf. Da tat sich also eine
»Marktlücke« auf, die Dita geschickt zu nutzen wusste. Quasi über Nacht
– und mit Hilfe einiger »Playboy«-Fotosessions – wurde sie zur gefeierten
Vertreterin des »New Burlesque Style«. Und zum gern gesehenen
Gast der Reichen und Schönen. Filmangebote folgten (mit nur kurzen
Ausfl ügen in die Porno-Abteilung), und so wurde sie sogar zur Muse von
Couturiers – darunter Jean-Paul Gaultier. Berufl ich hatte sie sich für das
historischste aller Kostüme entschieden: das von Eva im Paradies, allerdings
elegant verbrämt, beispielsweise mit tausenden Swarowski-Steinchen
oder Lack und Leder. Privat trägt sie Modelle mit Stoffverbrauch.
Ihr Bad im Champagnerglas gehört zu den meistangeklickten
Videos im Internet, und sogar beim berühmten Wiener Opernball (eingeladen
von »Mörtel« Lugner) machte sie Furore. Und besuchte die Sisi-
Ausstellung – Dita ist eine Verehrerin der österreichischen Kaiserin. Ihre
Shows betrachtet sie als »Hommage an das vergötterte Glamourgirl der
1940er-Jahre«. Dass sie zur Mode-Ikone wurde, fi ndet sie »witzig, wo es
doch mein Job ist, Kleider abzulegen«. Humor hat sie also, die Frau, die so
gekonnt Eva im Paradieskostüm imitiert.
Pretty Women

Dita Von Teese
101

OPTISCHE
TÄUSCHUNG
Als die Bilder eckig wurden
Britisches Model
in einer von
Mondrian inspirierten
YSL-Kreation.
Manchmal wurde
das Motto »Optische
Täuschung«
ein wenig übertrieben
…
102
So viel Zeitgeist war selten – und er war so vordergründig zu
spüren, dass er den Modemachern fast diktiert wurde. Science-
Fiction boomte in den 1950er- und 1960er-Jahren, und der
Wettlauf der Supermächte ins All versetzte alle Welt in fi eberhafte Erwartung.
Die Geburtsstunde von Op-Art und Pop-Art hatte geschlagen.
Selten war deutlicher wahrzunehmen, dass auch Mode der Gattung
Kunst zuzuordnen ist. Vasarely und Mondrian wurden textil, Küchenkaro
en vogue. Manche Modelle der Couturiers wirkten, als stammten sie
vom Reißbrett eines Architekten.
André Courrèges duldete nur strenge Geometrie, schuf Overalls
mit Riesenreißverschlüssen, kurze Capes, helmförmige Astronautenmützen
mit Sehschlitzen, fl ache Weltraumstiefel aus Plastik und arbeitete
viel mit Silberlamé.
Während Andy Warhol mit Papierkleidern experimentierte, womit
er den Suppenhersteller Campbell zur »The Souper Dress«-Aktion
animierte, waren die Modelle von Pierre Cardin an Bögen und Löchern
innerhalb der strengen Geometrie zu erkennen. Paco Rabanne erfand
den Metalljersey und schwelgte in farbintensiver Geometrie. Die Abendmode
war bei fast allen in Silbertönen gehalten und erinnerte an Mondmädchen.
Yves Saint Laurent entwarf das berühmte Mondrian-Kleid
und arbeitete bei seinen Pop-Art-Modellen mit großen applizierten
Schattenrissen (z.B. in Rosa). Die Taschen waren schachtelförmig, und
die Schuhe hatten Carré-Spitzen.
Scheinbar fehlte den Pariser Modegrößen dann doch ein bisschen
Romantik, die auch durch die »Doktor Schiwago«-Verfi lmung angeregt
wurde. Plötzlich tauchten parallel zur Geometrie Russenkappen,
Muffs und lange Mäntel auf. Und Yves Saint Laurent schuf den »Transparent
Look«. Auch eine Art Mondlandung.
Pretty Women

André Courrèges
103

Rock Hudson und
Doris Day als
Geschenk zum
Valentinstag des
Jahres 1961.
Der Hausanzug
in »Mitternachtsspitzen«
wurde
weltweit tausendfach
kopiert.
MAMAS
LIEBLING
Bettgefl üster on the Rock’s
Sie trug in all ihren Filmen wunderbare Kostüme und spielte mit
den begehrtesten männlichen Hauptdarstellern ihrer Zeit. Die
Sängerin bei einem Provinzradio wurde bald entdeckt und fand
sich neben Frank Sinatra und Bob Hope vor dem Mikrofon größerer Sender
wieder. Nummer-eins-Hits wie »Sentimental Journey« machten Filmleute
auf sie aufmerksam, und so begann ein rasanter Aufstieg. In ihren
Rollen stellte sie – von wenigen Ausnahmen abgesehen – immer »die
anständige Frau von nebenan« dar, was ihr mit zunehmendem Alter den
Spitznamen »die eiserne Jungfrau« eintrug. Immer, wenn sie in ihren Filmen
auch sang, entstanden Hits, die um die Welt gingen, wie beispielsweise
»Qué será, será« für den Hitchcock-Klassiker »Der Mann, der zu
viel wusste« mit James Stewart an ihrer Seite. (Der Song bekam 1957 einen
Oscar und wurde dutzende Male prominent gecovert, darunter auch von
Shakin’ Stevens.)
Doris Day hatte Glück – mit den Menschen, die sie entdeckten
und ihre Karriere begleiteten, ja sogar mit ihren Hairdressern, die ihre
blonden Haare für die damalige Zeit zu frech anmutenden Kurzhaarfrisuren
stylten, die alle kopierten. Und nicht zuletzt mit ihren Kostümbildnern.
In »Bettgefl üster« war es einer der größten seiner Zeit – Jean Louis.
Er zog die schönsten Hollywood-Frauen an: Rita Hayworth, Joan Crawford,
Kim Novak, Marlene Dietrich, Marilyn Monroe und viele andere.
Der französische US-Amerikaner Jean Louis Berthauldt hatte den
berühmten Blick dafür, welches Kleid welche Frau in welcher Rolle zur
besten Geltung brachte. So einer wie er konnte auch der liebenswerten,
aber braven Doris Day zu Glamour verhelfen. Unsere Mütter wussten es
zu schätzen. Und an einem verregneten Sonntagnachmittag vor dem TV-
Gerät wirkt es manchmal immer noch.
104 Pretty Women

Doris Day
105

TUPFEN,
DIE DIE WELT
BEWEGEN
Nino Cerruti hat
Julia Roberts in
»Pretty Woman«
wunderbar betupft.
Minnie Maus weiß
ganz genau, wie
man einen Mäuserich
fasziniert:
mit Tupfen.
Es ist sicher kein Zufall, dass Walt Disney und seine Zeichner für
Minnie Maus ausgerechnet ein Tupfenkleid kreiert haben. Tupfen
gehören in der Modewelt zum Weiblichsten überhaupt. Sie sind
nie »aus der Mode« gekommen. Ob Alexander McQueen mit seinen
Blusen oder Dolce & Gabbana mit den aufregenden, engen Bustierkleidern
– nicht nur sie brachten Tupfen gerade in der jüngsten Vergangenheit
wieder ins aktuelle Modebewusstsein. Erfahrene und sensible Modemacher
wissen um das anziehende Geheimnis der kleinen oder größeren
Punkte.
Das Kaufhaus Lafayette schrieb 2008 anlässlich des 80. Geburtstags
von Micky Maus unter 80 Designern einen Modewettbewerb für
Mickys Dauerverlobte Minnie aus. Man fand, die selbstbewusste Minnie
sollte ein wenig gestylt werden – und sei es nur, um beim Kaffeeklatsch
mit ihren Freundinnen Daisy oder Klarabella für ein wenig Unruhe
unter den »Damen« zu sorgen. Es stellte sich heraus, dass kaum
einer der jungen Modemacher begriffen hatte, dass Minnies Pünktchen
zu ihr gehören so wie ihre Pumps. Sie sind der
Mittelpunkt ihres Seins. Christian Lacroix hat als
einer von wenigen Minnies Seele erfasst, ihr die
Punkte belassen, dazu ein schickes weißes Oberteil
entworfen und dem Pünktchenrocksaum eine edle
Spitze geschenkt. Minnie goes Paris (und bleibt doch
sie selbst).
Mit die schönsten Tupfen trägt Julia Roberts in
»Pretty Woman«: Sie wurden ihr von Nino Cerruti auf den
Leib geschneidert und mit den stilvollen, kurzen Handschuhen zum
perfekten, unvergesslichen Ensemble. Dabei stammt diese »schönste
Kino-Illusion aller Zeiten«, die wir fast alle als sehr gegenwärtig empfi n-

Tupfen
107

108
Pretty Women

»Tupfen gehören in
der Modewelt
zum Weiblichsten
überhaupt. Sie sind
nie aus der
Mode gekommen.«
den, immerhin schon aus dem Jahr 1990. Auch mit Marilyn Monroe verbindet
sich mindestens ein Tupfenkleid: Sie trug es in »Misfi ts – Nicht
gesellschaftsfähig«, wo sie – zusammen mit Clark Gable und Montgomery
Clift – eine der ersten ernsthaften, psychologisch tiefgängigen Rollen
spielte. Ihr haben die Punkte jedoch kein Glück gebracht: Nach diesem
Film ging ihre längste Ehe (mit dem Schriftsteller Arthur Miller) zu Ende.
Bette Midler griff in der Zwillingsverwechslungskomödie »Big
Business« gleich zweimal nach einem umwerfend schönen Tupfenkostüm.
Und Billy Wilder ließ in der Komödie »Eins, zwei, drei« Lilo Pulver in
einer sensationellen Monroe-Persifl age in Tupfen auf dem Tisch tanzen
(was gleich mehrere Ost-Agenten um den politischen Verstand brachte).
Sogar Sophia Loren, deren üppige Weiblichkeit eigentlich nicht
via Tupfen betont werden müsste, fi el mit einer Tupfenbluse auf: Sie
wurde vom damaligen Dior-Designer Gianfranco Ferré eigens für ihre
Rolle in Robert Altmans Film »Prêt-à-Porter« kreiert. Kritiker sagen, sie
sei für die Loren und ihren Stil überzogen gewesen – trotzdem hat sich
jeder, der diese Film-Hommage an die Welt der Mode gesehen hat, genau
diese Tupfenbluse gemerkt. Damit hat die reife, italienische Diva alle
anderen mitspielenden Weltstars und Schönheiten »übertupft«. Wie
Tupfen
109
Linke Seite
Sophia Loren,
»behütet«und sehr
»pünktlich« – 1975
bei den Moskauer
Filmfestspielen.
Madonna 1992:
Tea-Time im Hyde
Park Hotel London.
Krawatte ganz
weiblich.

links
Ein Betsey-Johnson-
Modell, das im
raffi niert-naiven
Schulmädchen-Look
punktet.
rechts
Ein Traumkleid von
Emanuel Ungaro,
das sogar Tupfen-
Gegner entzücken
dürfte.
110
man die Loren ohnedies zur Tupfenkönigin erklären müsste, sie war (und
hat) in so vielen Rollen »gepunktet«, dass die Aufzählung eine lange Liste
ergeben würde. Allein ihr »pünktlicher« Auftritt mit Hut in noch jüngeren
Jahren bei den Moskauer Filmfestspielen hat modisches Aufsehen erregt.
Und wer sich an den Ustinov-Film »Das Böse unter der Sonne«
mit Diana Rigg erinnert, hat sicher noch vor Augen, dass ihr Sonnenbad
nicht nur im Unglück, sondern auch in Tupfen endete. Selbst die kühle
Garbo war des Öfteren in Pünktchen zu sehen. Alle anderen Diven, die
ihr nachfolgten, auch. Nur an der Dietrich kann man sie sich weniger gut
vorstellen (ihre Punkte glitzerten in Form von in allen Regenbogenfarben
strahlenden Steinchen). Auch die raubkatzenhafte Grace Jones ist wohl
eher kein Pünktchen-Typ. Die Knef hingegen hat sich mit den runden
kleinen Sachen durchaus angefreundet, und auch die gestandene Meryl
Streep war schon im Konfetti-Muster zu sehen.
Allerdings kann man sich auch täuschen: Wer hätte je gedacht,
dass Juliette Greco, die Ikone des französischen Existentialismus, jemals
weiße Flecken auf ihrem Nachtschwarz zulassen würde? Diesen Weichheitsfaktor
konnte nur eine Lackhose ausgleichen. Aber wer sich auf die
Suche nach Punkten macht, erlebt viele Überraschungen: Dass die kleine
Shirley Temple auf einer ihrer ersten Kinderstar-Autogrammkarten in
»Selbst die kühle
Garbo war des
Öfteren in Pünktchen
zu sehen. Alle
anderen Diven,
die ihr nachfolgten,
auch.«
Pretty Women

Pünktchen posierte, ist noch nachzuvollziehen (Kinder bringt man schnell
mit niedlichen Mustern in Verbindung. »Pünktchen und Anton« lassen
grüßen). Aber Madonna in gepunkteter Krawatte? Das mussten dann ein
Männerhut und eine dicke Zigarre wieder relativieren. Trotzdem – auch
das unbeschreiblich weiblich. Manchmal sind die Punkte in der Mode für
eine Weile verschwunden oder in die Dessous-Abteilung abgetaucht (wo
sie schon immer beliebt waren). Ganz verschwinden werden sie aber nie.
Tupfen
111
Für diesen Tupfenmantel
hat Juliette
Greco spontan ihre
Prinzipien durchbrochen.
DOPPELSEITE
Eine Kollektion, für
die Pierre Cardin in
einem Punkterausch
schwelgte.

112 Pretty Women

Anita Ekberg
113

Für die Dessous
von Sharon Stone
fühlte sich die
Kostümbildnerin
nicht zuständig.
EYES WIDE
SHUT …
Sharon Stone und der »Basic Instinct«
… hätte der Erotik-Thriller »Basic Instinct« durchaus auch heißen
können. Der Film von Paul Verhoeven brach nicht nur alle Kassenrekorde,
sondern schuf mit Sharon Stone auch eine neue Sex-Göttin. Dabei waren
die Kostüme (soweit sie getragen wurden), die Nino Cerruti zusammen
mit der erfahrenen Kostümbildnerin Ellen Mirojnick schuf, von klassischer
Eleganz. Nur wie sie getragen wurden, erregte weltweites Aufsehen.
Zumindest in der bewussten Szene: Für Unterwäsche fühlten sich die
Kostümbildner nicht zuständig. Und Sharon Stone auch nicht. Es geht das
Gerücht, dass sie dem Regisseur vor dem Dreh dieser Szene ihren Slip
überreicht hätte.
Dabei hat die blonde Schöne so brav angefangen: Ihre erste Rolle
spielte das New Yorker Model in Woody Allens »Stardust Memories«.
Weshalb für den »eiskalten Todesengel« in Verhoevens Film zunächst die
Kolleginnen Kim Basinger, Michelle Pfeiffer und Greta Scacchi vorgesehen
waren, die jedoch ablehnten. Emma Thompson hätte der Mut nicht
gefehlt, aber sie war schon für »Wiedersehen in Howards End« verpfl ichtet.
Vielleicht hat es sie ein bisschen gereut – ihre Äußerung über Sharon
Stone lässt das zumindest vermuten: »Soweit ich das in Sharons Liebesszenen
sehen kann, formten sie ihren Körper aus haltbarem Plastilin. Sie
reitet Michael Douglas wie einen Esel, und nicht ein Zoll an ihrem Körper
bewegt sich!« (Aber vielleicht ist das nur ganz normale »Stutenbissigkeit«
…)
Obwohl die Kinokassen auf der ganzen Welt klingelten, war die
Kritik eher durchwachsen. Die beiden Hauptdarsteller waren sogar für
die gefürchtete »Goldene Himbeere« nominiert. Vor allem an der schauspielerischen
Leistung von Michael Douglas wurde herumgekrittelt
(»spielt wie vor 20 Jahren in ›Die Straßen von San Francisco‹!«). Hatte er
denn eine Chance?
114 Pretty Women

Sharon Stone
115

DIE
LIEBESGÖTTIN
Als Rita (Hayworth)
ihre Handschuhe auszog
Allein wenn Rita
ihre Handschuhe
abstreifte, verfi elen
die Männer in
Raserei.
Glenn Ford liebt
die Liebesgöttin
Rita Hayworth
in »Gilda« – er gibt
es nur lange nicht
zu …
Dieser Mann liebte die Frauen: Denn wieder einmal war es der
begnadete Hollywood-Kostümbildner Jean Louis, der die Hayworth
modisch atemberaubend in Szene setzte. Mit diesem
Kleid am schönen Leib wurde Rita Hayworth in dem Film noir »Gilda«
von 1946 zur begehrtesten Frau ihrer Zeit. Der Striptease, der lediglich
darin bestand, dass sie ihre armlangen Handschuhe abstreifte, ging als
eine der berühmtesten Filmszenen aller Zeiten in die Hollywoodgeschichte
ein. Sie wurde damit zur Liebesgöttin Amerikas und zum Vorbild
für viele Schauspielerinnen, die lange nach ihr kamen: Barbra Streisand,
Shirley MacLaine, Romy Schneider, Senta Berger, Claudia Cardinale, Anita
Ekberg, Nicole Kidman, Jennifer Lopez – sie alle gaben sie in ihren Autobiografi
en oder in Interviews als ihr Vorbild an.
Die Presse bezeichnete »Gilda« als Gefühlskino der Superlative.
»Wenn Männer hassen, erfi nden sie Frauen wie Gilda, … die die Erde beben
und Schneestürme heulen lassen«, schrieb »Die Zeit« über diesen
Film. Das Lied »Put the Blame on Mame«, das die Hayworth in der Handschuhszene
sang, wurde zu einem Lieblingslied der aus dem Krieg heimkehrenden
Soldaten – so wie die Hayworth schon vorher deren Lieblings-Pin-up-Girl
war. Daran haben auch spätere, nicht
ganz so erfolgreiche Rollen und Filme nichts geändert.
Nicht einmal der Bibel-Film »Salome« – die
Hayworth blieb die Hayworth. Der Kult um sie
ging so weit, dass ihr Pin-up-Bild 1946 sogar auf
eine Atombombe geklebt wurde, die auf dem
Bikini-Atoll getestet wurde. Sie soll bitterlich darüber
geweint haben. Ihren Stern auf dem »Hollywood
Walk of Fame« hat sich die rotblonde Traumfrau
wahrlich verdient.

Rita Hayworth
117

HITCHCOCK
MACHT MODE
Wie Grace Kelly Monaco gerettet hat
In Ȇber den
Dächern von Nizza«
präsentiert Edith
Head die schönsten
Kleider Hollywoods.
Hitchcocks
Lieblingsstar Grace
Kelly, die er modisch
von Kopf bis Fuß
neu kreierte.
In ihrer ersten großen Rolle an der Seite von Gary Cooper in »Zwölf
Uhr mittags« war die Garderobe der späteren Stil-Ikone Grace Kelly
noch kaum beeindruckend: Für eine frisch verheiratete Quäker-Frau
in Western-Umgebung konnte selbst der genialste Kostümbildner keine
Traumkleider zaubern. So war es eine glückliche Fügung, dass Grace Kelly
den Film »Die Faust im Nacken« absagte, in dem ihr Elia Kazan die weibliche
Hauptrolle neben Marlon Brando angeboten hatte. Sie entschied
sich für Alfred Hitchcock und seinen Kultfi lm »Das Fenster zum Hof«.
Dass Hitchcock in seinen Filmen auch nicht die kleinste Kleinigkeit dem
Zufall überließ, ist bekannt. Dass er seine Detailversessenheit aber sogar
auf die Kostüme ausdehnte, war für die Kostümbildnerin Edith Head
jedoch neu. Hitchcock sah »Das Fenster zum Hof« nicht nur als Kriminalfi
lm. Ihn faszinierte der Blick eines gelangweilten, an den Rollstuhl
gefesselten Presse- fotografen und Abenteurers, der
seine normale Neugier zur obsessiven Beobachtungs-
wut steigert, und auf einer
zweiten Ebene die ungeklärte
Beziehung zwischen
Jeff/James Stewart und Lisa/
Grace Kelly, die von einer kaum
überwindbar erscheinenden Beziehungsangst
geprägt wird. Deshalb
war ihm wichtig, dass sich jede
emotionale Regung der beiden Hauptdarsteller
auch in den Kleidern widerspiegelt.
An Hitchcocks »Leine« ist Edith Head fast über
sich selbst hinausgewachsen. So erhielt sie
auch den Auftrag, die Kostüme

Grace Kelly
119

Links
Das trug Grace
zu ihrer ersten
Verabredung mit
Fürst Rainier von
Monaco.
Rechts
Ein Traumkleid
von Edith Head,
die sich ständig
Einmischungen von
Hitch gefallen
lassen musste.
120
für den ein Jahr später entstandenen Film »Über den Dächern von
Nizza« zu schneidern, und wieder gelangen ihr atemberaubende Entwürfe.
Edith Head wurde zur erfolgreichsten Kostümbildnerin Hollywoods
(»Wenn es ein Paramount-Film ist, stammen die Kostüme höchstwahrscheinlich
von mir!«) und erhielt als Lohn insgesamt 35 Oscar-
Nominierungen. Besonders gern arbeitete sie allerdings für Grace Kelly:
»Ich habe tausende Schauspieler, Schauspielerinnen und Tiere angezogen.
Wenn Sie mich fragen, mit wem ich am liebsten gearbeitet habe,
sage ich: Grace Kelly. Sie ist charmant, unglaublich begabt und benimmt
sich wie eine Freundin.«
Für diese Schauspielerin gelangen ihr so perfekte Meisterwerke,
dass man bei »Das Fenster zum Hof« fast meinen könnte, einen Film über
Mode zu sehen. Dabei wird am Ende doch ein Mord aufgeklärt. Was die
Beziehung der beiden Hauptfi guren anging, blieb Hitchcock allerdings
skeptisch: Alles in Sachen Liebe ließ er offen – Traumkleider hin oder her.
Als sich Grace Kelly 1955 während der Filmfestspiele in Cannes
von dem »Paris Match«-Journalisten Pierre Galante (nomen est omen?)
zu einem Treffen mit Fürst Rainier III. in Monte Carlo überreden ließ, war
es ebenfalls weniger Liebe (zumindest nicht auf den ersten Blick) – als ein
Geschäft auf Gegenseitigkeit mit dem Ergebnis: große Fotostrecke und
die Headline »Filmprinzessin trifft echten Fürsten«. Monaco war zu diesem
Zeitpunkt fast pleite, und der Fürst erkannte sehr schnell seine
Chance (als Mann und auch als Landesfürst). Schon ein halbes Jahr später
Pretty Women
»Sie ist
charmant,
unglaublich
begabt und
benimmt sich
wie eine
Freundin.«
Edith Head

wird die Verlobung bekannt gegeben, und die Märchengeschichte nimmt
ihren Lauf. Grace Kelly gibt ihrem Lebensgefährten, dem Kostümdesigner
Oleg Cassini, den Laufpass. Empört hielt dieser ihr entgegen, dass sie
den Fürsten doch gar nicht richtig kennen würde. »Ich werde es lernen,
ihn zu lieben!«, antwortete der Star, der immer schon große Ambitionen
hatte. Insider wollen wissen, dass Grace Kelly mit dieser Hochzeit wahrscheinlich
ihrem Vater imponieren wollte, der es mit einem Bauunternehmen
zum Millionär gebracht hatte und der Hollywood-Karriere seiner
Tochter in deren Augen nicht genügend Respekt zollte. Immerhin:
Die Mitgift betrug zwei Millionen Dollar.
Das Hochzeitskleid war ein Geschenk der MGM-Studios und
wurde von Helen Rose entworfen, die hunderte von Filmen ausgestattet
und Grace Kelly auch schon in »High Society« angezogen hatte. Dieses
Hochzeitskleid aus 30 Meter Tüll und 290 Meter Valenciennes-Spitze,
perlenbestickt und zum Niederknien schön, ist noch heute die Nummer
eins unter den Brautkleid-Klassikern. MGM bannte die monegassische
Grace Kelly
121
Grace Kelly und
James Stewart in
Hitchcocks Kultfi lm
»Das Fenster zum
Hof«.

Ein prächtiges
Film-Kostüm –
das bald von der
Wirklichkeit
eingeholt werden
sollte …
… das fürstliche
Kleid für die
monegassische
Traumhochzeit
entwarf Helen
Rose.
122
Hochzeit für die Nachwelt auf Zelluloid, und der Reeder-Milliardär Onassis
fi nanzierte sie. Der Grieche hatte schon immer eine Nase für richtig
gute Investitionen: Der neuen Landesfürstin, die sich jetzt Gracia Patricia
nannte und aus Gründen der Staatsraison auf das Filmgeschäft verzichten
musste, gelang es im Handumdrehen, die Touristenzahlen zu verdoppeln
und Monaco zum internationalen Prominenten-Treff Nummer eins
zu machen. Nur Hitchcock war traurig – er hatte seine Lieblingsschauspielerin
verloren.
Die Fürstin ihrerseits prägte in der Folge einige weitere unvergessene
Modeaccessoires, wie die berühmte »Kelly Bag«. Anlass war weniger
das Modell – Täschchen mit Trageriemen gehörten schon seit den 30er-
Jahren zu den Modeklassikern –, sondern ein Titelfoto des Magazins
»Life«, auf dem die Fürstin von Monaco versuchte, mit der Tasche ihre
Schwangerschaft zu verbergen. Eine Geschichte, die sich die Taschenmacher
von Hermés natürlich nicht entgehen ließen: Die »Kelly Bag« war
geboren. Sie kosten heute einige tausend Euro, Kroko-Varianten aus den
60er-Jahren erzielen bei Auktionen bis zu 6000 Dollar.
Pretty Women
»Sie alle
(die Studios)
fanden Kelly
zunächst zu
kalt und
geschlechtslos.
Aber für mich
war und ist
sie stets ein
schneebedeckter
Vulkan.«
Alfred Hitchcock

Grace Kelly
123

Joan Collins,
schon früh »Britains
best bad girl«,
provozierte schon
immer gerne.
Diese »heißen
Höschen«: Es ist,
als seien sie für
Madonna erfunden
worden.
HOT
PANTS
Das Gesicht
der Swinging Sixties
Sie hieß eigentlich Lesly Hornby, stammte aus einfachen Londoner
Verhältnissen und wurde das erste weltweit bekannte Topmodel.
Ihre Mutter war Verkäuferin bei Woolworth und hätte sich
bestimmt bei der Geburt ihrer Tochter nicht träumen lassen, dass diese
einmal unter dem Namen »Twiggy« die prägende Rolle der »Swinging
Sixties« innehaben würde.
Es begann alles ziemlich »haarig«, nämlich bei Vidal Sassoon, dem
fl ippigsten Friseur Londons, dem das klapperdürre Mädchen mit den kugelrunden
Augen, den Schatten werfenden, langen Wimpern und dem
kindlichen Mund als Modell für seine kurzen, glatten Föhnfrisuren diente
(die die Frauen von Lockenwicklern und dem Schmoren unter Trockenhauben
erlösten). Eines dieser Sassoon-Bilder Twiggys fand den Weg auf
eine Zeitschriften-Titelseite, und die Kindfrau wurde zu dem Gesicht dieser
Zeit. Zu keinem Model hätten die Minikleider und -röcke von Mary
Quant besser gepasst als zu diesem Mädchen, dessen natürliches Dünnsein
(im Gegensatz zum Abgehungertenlook vieler heutiger Models)
alle Welt faszinierte: Kurz geschnittene Oberteile über den Minis ließen
die Beine Twiggys noch länger erscheinen, mit denen sie über
die Laufstege tanzte. Und dann wurde dem »verruchten«
Mini noch eins draufgesetzt – die »heißen Höschen«.
Zunächst waren sie oft ausgefranste, abgeschnittene
Jeans, mauserten sich aber bald zu edleren Materialien
wie dehnbarem Satin, Samt oder Strickstoffen. Hauptsache, der Po wurde
perfekt modelliert. Die Anhänger von Lockenköpfen und Kurven à la
Sophia Loren und Marilyn Monroe waren konsterniert – und ziemlich
»out«. Wer jung war und »in« sein wollte, zog sich diese Hot Pants an,
gegen die der Minirock schon fast wieder gesittet wirkte. Und dann kam
der Maximantel. Minimales zieht oft Maximales nach sich.

Hot Pants
125

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cture-alliance.com/customer/derivative/wprev/5340549-dL3-7O8v9j5Xf-3j8a7vfu8ZwjbvqM759v5L
hriftsteller zu allen Zeiten fasziniert und als die Bilder laufen lernten, folgten ihnen die Filmemache
ße. Modemenschen (und Maler) waren und sind fasziniert von den intensiven Farben Afrikas. Vielle
enschheit. JENSEITS
VON AFRIKA
Ein Kontinent macht Mode
Afrika regte schon
immer die Fantasie
aller Designer
an – auch die
der Hutmacher.
Der Film von Sidney Pollack mit Meryl Streep, Robert Redford
und Klaus Maria Brandauer in den Hauptrollen löste eine wahre
»Afrikamania« aus, die bis heute angehalten hat. Er erzählt die
Lebensgeschichte der dänischen Schriftstellerin Tanja Blixen, wenn auch
»fi lmgerecht« verändert – wer wissen will, wie es wirklich war, muss ihre
Bücher lesen. Dieser Kontinent hat die Schriftsteller zu allen Zeiten fasziniert,
und als die Bilder laufen lernten, folgten ihnen die Filmemacher auf
dem Fuße. Modemenschen (und Maler) waren und sind fasziniert von
den intensiven Farben Afrikas. Vielleicht wecken sie in uns die Erinnerung
an unsere alte Heimat? Afrika ist nun mal die Wiege der Menschheit.
Meryl Streep, einer der vielseitigsten und erfolgreichsten weiblichen
US-Stars – sie hält beispielsweise vor Katharine Hepburn und Jack
Nicholson den Rekord in Sachen Oscar-Nominierungen –, wird wohl
für viele hauptsächlich durch »Jenseits von Afrika« in Erinnerung
bleiben. Und für die meisten der jüngeren Generation
gilt dieser Film auch als Auslöser für den Safari-Look,
der seither fast Jahr für Jahr von allen Designern –
auch der Haute Couture – aufgegriffen wird. Egal
ob sportlich betont in Hosenanzügen, Shorts und
Hosenröcken oder in Kleidern mit Animal-Mustern
in Zebra, Tiger oder Leopard. Ergänzt
werden diese Ensembles
durch Holzperlenschmuck oder
Makramee-Gefl echte, Armbänder
aus Holz, Elefantenhaar oder Ebenholzschnitzereien.
In Wahrheit war aber einer –
der Größte – schon wieder einmal viel früher
damit auf dem Spot: Yves Saint Laurent huldigte
126 Pretty Women

vqM759v5L8Pm1oRsbv2d2ifyhnPsfo1v8z2uh9dkRx2bP415840c98foPbO5jeNhv.jpg http://portal.
8Pm2o9s8vbd2i8ydnPsfofvRzfu298kdxdbP425948cd8RoPbO5jeNhv.jpg Dieser Kontinent hat die
r auf dem
icht wecken sie in uns die Erinnerung an unsere alte Heimat? Afrika ist nun mal die Wiege der
der Großwildjägerei und Wildtierbeobachtung unter der heißen Sonne
Afrikas bereits 1968 im Rahmen einer Kollektion. Vielleicht ließ er sich
von alten Hollywood-Filmen inspirieren, denn schon Marlene Dietrich,
Ava Gardner und Grace Kelly trugen savannentaugliche Kleidung in
Khaki. Yves Saint Laurent arbeitete natürlich auch mit gedeckten Erdfarben,
Brusttaschen und Ösenschnürung. Veruschka von Lehndorff
wurde in einem dieser Modelle, dekorativ das Gewehr über der Schulter,
mit großem Fransenhut fotografi ert. Die Sehnsucht von uns Großstadt-
Zivilisten nach Freiheit und Naturverbundenheit wird ewig leben.
Anita Safari-Look Ekberg 127
Ava Gardner, Clark
Gable und Grace
Kelly in »Mogambo« –
die »Afromania«
konnte beginnen.

FARBENRAUSCH
Als wir Buntes
buchstabieren lernten
Pucci-Präsentation
2004 in Mailand –
in allen Farben des
Regenbogens.
Chiff on und Jersey –
im »Farben-Alphabet«
des genialen
fl orentinischen
Grafen.
Barbara Parker im
»Tal der Puppen« –
Pucci war längst
auch in Hollywood
angekommen.
Beim breiten Publikum ist der fl orentinische Graf Emilio Pucci als
der Vater der Capri-Hosen und als Erfi nder der knitterfreien
»Kofferkleider« aus Seidenjersey für immer in Erinnerung. Und
natürlich seine unglaublichen Farben und Muster nicht zu vergessen. Dabei
hatte sein Aufstieg zum großen Couturier auf der Skipiste begonnen –
er war bei der Olympiade 1936 in Garmisch Mitglied der italienischen Skimannschaft,
woraus sich eine erste Sportkollektion ergab, ebenso wie
sein Ehrgeiz, funktionale Stoffe – wie beispielsweise Stretch für Skihosen
oder Seidenshantung (Emilioform) für Bodys – zu (er)fi nden. Er wurde
gefeiert, und von da an gab es kein Halten mehr.
Pucci steht für einen Farbenrausch, wie ihn vor ihm noch niemand
entfacht hat: Blau und Grün fl ossen in ein unnachahmliches Pucci-
Türkis, Rot und Gelb in ein Orange, das man ebenfalls sofort ihm zuordnen
konnte. Die berühmten Trägerinnen – wie Marilyn Monroe,
Elizabeth Taylor oder Jane Fonda – verschafften dem Label Pucci etwas
Exklusives und signalisierten gleichzeitig eine neue Bewegungsfreiheit
ohne Mieder und Korsett. Seine Farben und Muster
stimmten mit dem Pop-Art-Feeling der 1960er-Jahre
überein – Limonengrün mit Korallenrot, Türkis mit
Braun und Pink wirbelten durcheinander.
Nach Puccis Tod im Jahr 1992 holte seine
Tochter Marchesa Laudomia Pucci große Designer
wie Christian Lacroix, Matthew Williamson
und zuletzt den von Ungaro
kommenden Peter Dundas ins Haus.
Deren Aufgabe: »Sie müssen die
Pucci-Muster wie Buchstaben eines
Alphabets lesen können.«
128 Pretty Women

Emilio Pucci
129

MADEMOISELLE
»JE T’AIME«
BB – eine Frau wird Kult
1959: Flitterwochen
mit Ehemann
Jaques Charrier in
St. Tropez.
1964: Selbst
im brasilianischen
Urwald bleibt die
BB nicht unentdeckt.
DOPPELSEITE
Sommer 1955: Der
Maler und das
Mädchen – Pablo
Picasso und Brigitte
Bardot.
Für sie ließ Gunter Sachs 1000 rote Rosen vom Himmel regnen,
bevor er sie in Las Vegas zu einer (dreijährigen) Spontan-Ehe
verführte. Und 100 000 junge Mädchen übten in den 1950er-
und 1960er-Jahren vor dem Spiegel, ihren Schmollmund nachzumachen –
was den Lippenstiftumsatz enorm steigerte. Und um ein Haar wäre das
berühmte, mehr gestöhnte als gesungene Lied »Je t’aime« – Schreckensmelodie
für alle Eltern und sonstigen Sittenwächter dieser Zeit – nicht
von Jane Birkin, sondern von Brigitte Bardot gesungen worden. Kaum ein
anderer prominenter Weltstar hat jemals die Mode seiner Zeit so sehr
beeinfl usst wie die Bardot. Sie verkörperte eine bis dato noch nie da
gewesene Mischung aus Unschuld und Sinnlichkeit, die ihr zu einer Blitzkarriere
verhalf: Das 15-jährige, aus gut situierten, streng-bürgerlichen
Verhältnissen stammende Mädchen wurde in kürzester Zeit zum meistgefragten
Mannequin in Paris. Und war Wachs in den Händen ihres Entdeckers
und ersten Ehemannes Roger Vadim. Er brachte sie zum Film,
und die Bardot wurde trotz schlechter Kritiken sofort zur kultigen BB. Ein
Exportschlager für Frankreich: Die Auslandseinnahmen ihrer Filme überstiegen
zeitweise die der Automarke Renault. »Sex Appeal« wurde plötzlich
auf der ganzen Welt französisch buchstabiert. Und alle jungen Mädchen
wollten sich so anziehen wie die Bardot. Sie machte – barfuß durch
St. Tropez spazierend – nicht nur die Jeans zum modischen Muss, sondern
auch die engen Tops, die Tellerröcke und das Vichy-Karo in allen
Pastellfarben. Der Boutique-Stil war geboren: Kleider, Röcke, Pullis, Blusen
und Bikinis mit Baumwollspitze und Lochstickerei, Mode zu Preisen,
die sich junge Leute auch leisten konnten. Kreiert zunächst von No-
Name-Designern. Gunter Sachs hatte dafür ein gutes Gespür und begründete
mit dieser BB-Mode seine Mic-mac-Boutiquen. Viele andere
zogen nach. Ganz »großes Karo« für junge Leute.
130 Pretty Women

Brigitte Bardot
131

132 Pretty Women

Anita Ekberg
133

DER KLEINE
PRINZ – GANZ
GROSS
Azzedine Alaïa
Der Mann musste
auff allen: Frühe
raffi nierte Schal-
Kreation von
Azzedine Alaïa.
Zwei in ihrer
ganzen Größe
und Leidenschaft:
Grace Jones und
Azzedine Alaïa.
Viele halten den nicht sehr groß gewachsenen Mann für den derzeit
größten lebenden Designer. Er selbst bezeichnet sich – bescheiden
– als Handwerker: Azzedine Alaïa, der Bauernsohn aus
Tunesien, der eigentlich Bildhauer werden wollte, hat es nach ganz oben
geschafft. Frauenkörper hält er für vollendete Skulpturen, die er liebt.
Man mag es heute kaum glauben, dass er 1957 bei Dior nach wenigen
Tagen rausfl og und sich als Babysitter, Koch und Haushälter über Wasser
hielt, während er unbeirrt sein Ziel, Mode zu machen, weiterverfolgte.
Zwei Jahre arbeitete er bei Guy Laroche, anschließend bei Thierry Mugler.
Der Durchbruch kam in den 1980er-Jahren, als er das körperbetonte
Stretchkleid erfand. (Daher sein Spitzname »König der Klebefolie«).
Alaïa modelliert seine Mode auf den Körper der Frauen und sorgt
dennoch dafür, dass es die Trägerin bequem hat. Er erfand die Mode mit
eingearbeiteter Unterwäsche und ist dadurch der ideale Designer für
Bühnenstars mit Sinn für ästhetische Exzentrik (darunter Tina Turner,
Madonna und Grace Jones, die Großkatze mit dem Raubtiergebiss).
Aber auch ganz »normale« in der Öffentlichkeit stehende Frauen wie
Michelle Obama sehen in seinen Modellen hinreißend aus.
Kaum jemand wird so oft von der Konkurrenz »zitiert« wie Alaïa,
was er nicht immer gelassen sieht. Er hält zwei Kollektionen pro Jahr für
ausreichend – alles andere für ein »Kommerz-Inferno«, das mit Kreativität
nichts zu tun hat. Er kreiert eigene Stoffe, arbeitet mit ungewöhnlichen
Materialien und Material-Mix und führt all das bei sich zu Hause
vor. Bei Tee und Kaffee und nur für Leute, die er mag. Für Kunden, die
ihm unsympathisch sind, arbeitet er nicht. Den höchsten Verdienstorden
Frankreichs nahm er nicht an, weil er Staatspräsident Sarkozy nicht leiden
kann. Was für ein ungewöhnlicher Mann!
134 Pretty Women

Azzedine Alaïa
135

Alles Schöne hat
seine ganz
besondere Form:
Das Korsett als
Pünktchen auf dem
»i«.
ATEMLOS …
… gestern, heute, morgen
Das gab es wirklich nur einmal: 1964 bekam Vittorio De Sicas
Episodenfi lm »Gestern, heute, morgen« mit Marcello Mastroianni
und Sophia Loren in den Hauptrollen den Oscar für den
besten ausländischen Film. Die berühmte Striptease-Korsagen-Szene der
Loren war an dieser Jury-Entscheidung der Academy ganz bestimmt
nicht ganz unbeteiligt. Aber dass dieselben Schauspieler dieselbe Szene
30 Jahre später noch einmal spielen, mutet fast unglaublich an: So
geschehen in Robert Altmans »Prêt-à-Porter«. Dass Mastroianni dabei
einschlafen musste, lag weder an der älter gewordenen Loren (dafür
haben schon allein exzellente Maskenbildner und Beleuchter gesorgt)
noch an der wunderschönen Korsage, sondern am Drehbuch. Eine größere
Ehrung konnte man dem modernen Korsett und der Korsage nicht
erweisen. Was für ein modischer Aufstieg des alten Folterinstruments,
das die Frauen aus Luftmangel reihenweise ohnmächtig umsinken
ließ und ein Leben ohne Riechfl äschchen kaum zuließ. (Dass viele
Frauen von heute ebenfalls nur einen Teil ihres Lungenvolumens
nutzen, liegt nicht an einschnürenden Miedern, sondern daran,
dass sie ständig mit eingezogenem Bauch herumlaufen, was die
Bauchmuskeln von unten auf die Lungenfl ügel drückt … aber das
ist ein anderes Thema.)
Dass die Korsage heute zu den glamourösesten Kleidungsstücken
gehört, hat eine lange und teilweise verblüffende Geschichte.
Diese Geschichte hat zunächst mit der Erfi ndung des Büstenhalters
zu tun, und der hat viele Väter und Mütter, wie das
eben bei Erfolgsstorys stets der Fall ist. Daran beteiligt waren
verschiedene Personen der Kleiderreform-Bewegung, aber
auch Coco Chanel. Eine wesentliche Verbesserung des Büstenhalters
ist einem Hobby-Bildhauer zu verdanken – dem

Korsagen
137

»Der Engel der
Gejagten«: die
Dietrich, das
Korsett, George
Kennedy und
Mel Ferrer.
138
Ehemann der Besitzerin von »Maidenform«, einer Wäschefabrik, die
1922 in den USA gegründet worden war: Er erfand die getrennten Körbchen
und elastisches Material. Ein solches Modell, das den Busen entsprechend
auffällig formte, trug Loretta Young 1934 in dem Film »The
House of Rothschild«, was enormes Aufsehen erregte. 1934 kam der
erste trägerlose Büstenhalter auf den Markt, und ab 1935 wurden die
ersten Bügel in Modelle eingenäht. Jetzt schlug wieder einmal die Stunde
der Hollywood-Studios, denn die Warner Brothers waren es, die für ihre
Schauspielerinnen zum ersten Mal die Körbchengrößen von A bis D defi -
nierten. »Maidenform« erfand 1936 das kreisrunde Nähen für den BH,
wodurch der Busen ziemlich spitz wirkte. Darüber wurde oft ein eng anliegender
Pullover getragen, den man »sweater« nannte. Das trug der
damals 16-jährigen Lana Turner bei ihrem Filmdebüt die Bezeichnung
»Sweater-Girl« ein. Diese spitzbusigen Pullover-Aufnahmen haben in der
Folge damals alle Schauspielerinnen von sich machen lassen – natürlich
auch die Europäerinnen.
Die wunderschönen Korsagen, die wir heute kennen und bewundern,
erlebten ihre Geburtsstunde allerdings mit der Kreation des schulterfreien
Abendkleides. Es wird der englischen Designerin Dolly Tree zugeschrieben,
die in London, Paris und New York zahlreiche Revuen und
Pretty Women
»Was für
ein modischer
Aufstieg des
alten Folterinstruments,
das
die Frauen
aus Luftmangel
reihenweise
ohnmächtig
umsinken ließ.«

Musicals ausstattete, bevor sie in Hollywood zuerst für die Fox-Studios
und dann für MGM an der Seite des berühmten Gilbert Adrian arbeitete.
Die schönsten Frauen Hollywoods glänzten ab sofort in Taft, Tüll, Seidenmousseline,
Silber- und Goldlamé – schulterfrei und mit Busenformen,
die weltweit Nachahmung fanden. Diese Zeit war auch die Erfolgsstunde
der italienischen Modeschöpferin Elsa Schiaparelli. Sie schuf traumhaft
schöne schulterfreie Abendroben, um die sich die Schönen und Reichen
geradezu gerissen haben. Zu ihren Kundinnen zählten Gloria Swanson,
Joan Crawford, Tallulah Bankhead, Marlene Dietrich, Greta Garbo. So
Korsagen
139
Die Loren liebte
verführerische
Korsett-Szenen wie
diese in »Die
Millionärin« …
Folgende Seite
… und zeigte stolz
ihre Wespentaille.
Allein der Anblick
löst Atemnot aus.

140
Pretty Women

»Korsagen
waren plötzlich
sichtbar getrageneKleidungsstücke,
wenn
auch als erotische
Blickfänger
gedacht.«
wie heutige Designer kreierte sie auch ein Parfüm – »Shocking« –, dessen
Flakon die Kurven von Mae West zum Vorbild hatte. (Jean Paul Gaultier
war also nicht der erste Erfi nder der Flakon-Kurven.) Ihr Parfüm »Si« war
sogar Anlass für einen Song, den Juliette Gréco interpretierte. Pablo
Picasso und Salvador Dalí waren ihre Freunde, und Jean Cocteau entwarf
Stoffmuster für sie. 1936 führte die Schiaparelli den Reißverschluss in die
Haute Couture ein, und noch 1952, schon über 60-jährig, kleidete die
Königin der eleganten Abendroben Zsa Zsa Gabor für den Film »Moulin
Rouge« ein. Der Krieg unterbrach die erotische schulterfreie Kleiderperiode,
diese setzte danach aber umso vehementer wieder ein.
Und spätestens jetzt nahmen sich alle Couturiers der Korsage an,
stellten sie teilweise sogar in den Mittelpunkt ihrer Kreationen. Korsagen
waren plötzlich nicht mehr nur Halt- und Formgeber, sondern selbstbewusst
und sichtbar getragene Kleidungsstücke, wenn auch durchaus als
erotische Blickfänger gedacht. John Galliano präsentierte – stolz in Frack
und Zylinder gekleidet – in seiner 2010er-Kollektion wieder ein Korsagenkleid,
Kylie Minogue trug eines bei ihrem ersten Auftritt nach ihrer Genesung,
und die Korsagen der Chantal-Thomas-Kollektion von 2004 wären
durchaus geeignet gewesen, sie über dem Kleid zu tragen, so wie Vivienne
Westwood und Jean Paul Gaultier das schon vorgemacht haben (wenn
auch als historische Zitate und bei weitem nicht so verspielt). Yves Saint
Laurent hat Korsagenkleider entworfen, ebenso wie in jüngster Vergangenheit
auch wieder Chanel, Alaïa und Cacharel.
Links
Die Frau, die weiß,
was sie will: Grace
Jones im Etui
einer unnachgiebigen
zweiten Haut.
Rechts
Edle Kombination:
John Galliano und
Nora Arnezeder
bei der Dior-Schau
2010.
Eng auf Figur:
ein Schiaparelli-
Parfüm-Flakon.
Hat sich Gaultier
davon anregen
lassen?

ACH DU LIEBER
SCHWAN …
Warum man die Dietrich nicht kopieren kann
Das ging schief
für Björk, 2001 in Los
Angeles bei der
Oscar-Verleihung …
… sie hätte es wissen
müssen: Die
Dietrich kopiert man
nicht, ob mit oder
ohne Schwan.
142
Dieses Federtier wurde zur Kleiderlegende. Dabei war diese Idee
der Dietrich »nur« für einen privaten Auftritt in ein Kostüm gegossen
worden. Marlene Dietrich trug es am 4. Juli 1935, als sie
ein Fest der Millionenerbin Gräfi n Dorothy Di Frasso besuchte und sich
wieder einmal sicher sein wollte, allen anderen die Schau zu stehlen. Die
Society-Gräfi n war nicht nur die Geliebte von Gary Cooper, sondern ließ
auch sonst nichts »anbrennen«. Wer von ihr nicht eingeladen wurde und
keinen gesellschaftlichen Umgang mit ihr hatte, war in den 1930er-Jahren
in Hollywood lediglich B-Prominenz. Die Gräfi n soll sogar Vorlage für
eine Filmfi gur in »Die Frauen« von 1939 gewesen sein: einer bitterbösen
Scheidungskomödie, in der sich die Hauptdarstellerinnen (darunter Joan
Crawford und Norma Shearer) hinter den Kulissen privat ebenso bekriegt
haben, wie es das Drehbuch vorschrieb. Verständlich, dass die Dietrich
ihren damaligen Paramount-Designer, Travis Banton, auch für dieses
private Event zu Höchstleistungen anspornte. Sie wusste, dass man auch
mit Kleidern – lächelnden Gesichts – Krieg führen konnte. Allerdings
dürften für das Schwanenkleid »Leda und der Schwan« nicht ganz so
viele Federn notwendig gewesen sein wie für den berühmten späteren
Bühnenmantel der Dietrich als Sängerin. Dafür sollen zahlreiche Schwäne
angeblich 3000 Brustdaunen geopfert haben. Wahrscheinlich nicht ganz
freiwillig, aber mit Nachruhm verbunden. Sicher ist, dass Zeus dieser
Leda namens Marlene an diesem Sommertag in Los Angeles mit oder
ohne Brustdaunen erlegen wäre.
Nicht immer wird modischer Mut belohnt. Das Schwanenkleid-
Revival, das die isländische Sängerin und Schauspielerin Björk anlässlich
der Oscar-Festivität 2001 trug, ging als großer Fehlgriff in die Modegeschichte
des berühmtesten roten Film-Teppichs ein.
Pretty Women

Marlene Dietrich
143

DIE KASCHMIR-
QUEEN
Jil Sander – die Minimalistin
So ziehen sich
selbstbewusste
Frauen an:
Jil-Sander-Modelle
auf dem Mailänder
Catwalk.
Marlene Dietrich hätte sie geliebt. So wie alle Frauen, die nach
dem Motto »mehr Sein als Schein« leben, ihre Mode lieben.
Jil Sanders Kunst ist es nämlich, Überfl üssiges wegzulassen. In
der Branche nennt man sie deshalb auch »Queen of Less«.
Sie trägt keine Kleider, und das hat seinen Grund: Als Mädchen
bezeichnete man sie kleidertragend immer als »blonden Engel«. Da sie
nicht in den Himmel, sondern überall hinkommen wollte, ging sie modetechnisch
in Opposition und trug nur mehr Hosen, und das zu einer Zeit,
als das durchaus noch debattenwürdig war.
Jil Sander lernte alles, was mit Mode zu tun hat, von der Pike auf:
Sie absolvierte ein Textilingenieursstudium in Deutschland, ging dann in
die USA, wo sie als Modejournalistin arbeitete, was sie für die Zeitschriften
»Constanze« und »Petra« auch nach ihrer Rückkehr nach Deutschland
tat. Und dann wollte sie es genau wissen:
1967, als 24-jährige, eröffnete sie in Hamburg
ihre erste Boutique, wo sie ab 1973 nicht
nur Sonia-Rykiel- und Thierry-Mugler-Modelle,
sondern auch ihre ersten eigenen Kollektionen
verkaufte. 1976 erlebte sie mit ihrem Zwiebel-
Look den internationalen Durchbruch. Sie war
so erfolgreich, dass schon bald das legendäre
»Jil Sander. Woman Pure«-Parfüm mit der gleichnamigen
Kosmetikserie folgte – beides vermarktete
sie als erste Designerin über viele Jahre hinweg
mit ihrem eigenen, schönen Gesicht.
Für viele Frauen – quer durch alle Generationen
– wurde die Mode von Jil Sander fast
zu einer Glaubensfrage (so wie es für viele Men-
144 Pretty Women

schen heute das Computersystem von Apple ist). Jil Sander zu tragen,
war ein Erkennungssignal jenseits des Finanziellen: für eine weibliche
Selbstsicherheit, die nicht mehr über Emanzipation debattiert, sondern
sie längst lebt. Jil-Sander-Modelle sehen an großen, schlanken Frauen
besonders elegant aus, ihre großzügigen Schnitte erlaubten jedoch auch
Frauen mit »nicht perfekten« Figuren, dem JS-Club beizutreten.
Ihr puristischer Mode-Stil, ihre klaren Linien und ihr Gespür für
Stoff, wobei sie hier zwischen Damen- und Herrenkollektionen keinen
Unterschied machte, sorgten vor allem in den USA bald für großen Beifall.
Naheliegend, da dort der Begriff »Fashion and Business« schon früh
ein Begriff war. Es wäre schön, wenn auch bei uns mehr Frauen wüssten,
dass der (richtige) Hosenanzug unbeschreiblich weiblich sein kann.
Jil Sander
145
Jil Sander in ihrem
Büro. Sie macht
Mode für Frauen,
die wissen, was sie
wollen.

SCHICKSALS-
KLEID
Soraya – die Königin der Tränen
Sorayas Hochzeitskleid
von Dior
war so schwer, dass
die Braut die Last
nicht tragen konnte.
Hundert Jahre nach Kaiserin Elisabeth von Österreich hatten die
Medien eine neue Märchenkaiserin, über die sie berichten
konnten. So viel Schicksal war noch nie, und die ganze Welt
konnte es dank der modernen Technik quasi live verfolgen. Diesmal war
es sogar ein Märchen aus »1001 Nacht«, und es schien einem Kitschroman
entsprungen: Ein Kaiser aus dem Morgenland sucht eine Frau – und
einen Thronerben – und verliebt sich in ein Foto, das ihm seine Mutter
zuspielt. Hollywood lässt grüßen – und das Drama nimmt seinen Lauf.
Die Auserwählte heißt Soraya Esfandiary Bakhtiari, ist die Tochter des
persischen Botschafters in Deutschland und seiner deutschen Frau. In
Isfahan geboren, bestens erzogen, gebildet und schön, ist sie eine standesgemäße
Wahl. Nur wollte das Mädchen Soraya, dessen Name so viel
heißt wie »Siebengestirn«, als Schauspielerin ein Star werden und nicht
neben dem Schah von Persien auf dem Pfauenthron sitzen. Von allen
Seiten bedrängt, stimmt sie einer ersten Begegnung mit dem persischen
Kaiser dennoch zu – und verliebt sich. Das Schicksal hat entschieden: Am
12. Februar 1951 heiratet die 19-jährige Soraya, in einem Hochzeitskleid,
das wohl für alle Zeiten einmalig bleiben wird. Sie muss, obwohl von
einer schweren Typhuserkrankung noch sehr geschwächt, ein 20 Kilogramm
schweres Hochzeitskleid durch eine endlose Zeremonie schleppen.
Es war von Christian Dior, übersät mit tausenden von Perlen, Silberfäden
und Strass-Steinen in Brillantschliff. Diese Last war so schwer, dass
eine Hofdame die Schleppe mit der Schere um zehn Meter kürzen
musste, weil die Braut sonst keinen Schritt hätte gehen können. Die Liebe
des Paares war in der Folgezeit von Intrigen überschattet. Und der ausbleibende
Thronerbe führte schließlich am 6. April 1958 zur Scheidung –
aus Gründen der Staatsraison. Die Bedeutung des Namens Soraya hatte
sich nach nur sieben Ehejahren negativ erfüllt.
146 Pretty Women

Soraya
147

DIE GEFLECKTE
FRAU
Jagdszenen aus dem Großstadtdschungel
Ava Gardner
in einem Hauch von
Dschungel. Ist da
nicht auch ein leises
Fauchen zu hören?
Bette Midler
(»Noch einmal mit
Gefühl«) ist sich
im Leo-Look nicht
ganz sicher.
Das Wort »Großstadtdschungel« ist etwas in die Jahre gekommen,
was aber nichts daran ändert, dass es ihn gibt. Es leben
darin Jäger(innen) und Gejagte, und nicht selten sind sie in einer
Person vereint. Frauen, die sich dem Leoparden-Look verschrieben
haben, sind solche »Doppelwesen«. Es gibt kaum einen besseren Beweis
dafür als das unvergessliche Foto von Ava Gardner als »Leo vor Leo«. Sie
war nicht immer dieser lockende, glamouröse Vamp, den Hollywood aus
ihr gemacht hat. Allein ihre frühe Ehe mit Mickey Rooney, dem sommersprossigen,
ewigen Kinderstar (»Ich war 30 Jahre lang ein 14-jähriger
Junge«) deutet darauf hin, dass Ava Gardner einen langen Weg zurücklegte,
bis sie zum »Leopardenweib« wurde. Auf diesem Weg
haben viele Männer sie begleitet, nicht zuletzt ihre weiteren
Ehemänner: der Jazz-Musiker und Komponist Artie Shaw
(der sich nach ihr der Raubkatze Lana Turner zuwandte) und
Frank Sinatra. Aber auch zwei ihrer bekanntesten Filme
brachten Ava Gardner mit der Heimat der gefl eckten Großkatze
in Verbindung: die Hemingway-Verfi lmung »Schnee
am Kilimandscharo«, wo sie an der Seite von Gregory Peck
(und Hildegard Knef) spielte und in der Peck das Geheimnis
eines auf dem höchsten Berg Afrikas erfrorenen Leoparden
ergründen wollte, und das Großwild-Liebesabenteuer
»Mogambo« mit Clark Gable und
Grace Kelly. Von diesem Zeitpunkt an konnte
man die Gardner in die Riege der »gefl eckten
Frauen« einordnen. Daran änderte auch das zu
Tränen rührende Melodram »Die barfüßige Gräfi
n« an der Seite von Humphrey Bogart nichts.
Aber es gibt auch Frauen, die man sich nicht im

Leo-Look
149

Links
Auch John Galliano
huldigte 2008 für
Dior den »gefl eckten
Frauen«.
Rechts
Ricardo Tisci war
2008 für das Haus
Givenchy ebenfalls
auf der Spur des
Leoparden.
Kim Novak
(Hitchcocks
»Vertigo«-Star)
gehört ohne Zweifel
zu den »gefl eckten
Frauen«.
150
»Mit ›gefleckten
Frauen‹ kann
man nicht nur Pferde
stehlen, sondern
auch auf Großwildjagd
gehen.«
Leoparden-Look vorstellen kann. Marlene Dietrich, Hildegard Knef oder –
noch vor ihnen – Greta Garbo, diese besonders coolen Frauen, sie haben
mit anderen Mitteln gejagt – im Zweifelsfall mit dem Klirren von Eiswürfeln
im Whiskyglas. Und dann gibt es noch Frauen, die »Getigertes« vorziehen.
Sie begnügen sich nicht mit dem »Gefl ecktsein« und sind eine
besondere Kategorie unter den Jägerinnen (manche tarnen sich als Zebras
– reines Mimikry!).
Gloria Swanson hingegen, deren Namen man in einem Atemzug
mit Rudolfo Valentino nennt, wenn es um die Großen der Stummfi lmzeit
geht, sie war schon früh eine »gefl eckte Frau«, wie sie im Buche steht.
Regisseur Cecil B. DeMille baute sie bei Paramount zur glamourösesten
Frau der 1920er-Jahre auf. Schließlich wurde sie sogar zusammen mit ihrem
Lebensgefährten Joseph P. Kennedy (dem Begründer des gleichnamigen
Clans und Vater von JFK, dem späteren amerikanischen Präsidenten)
Filmproduzentin. In Billy Wilders »Boulevard der Dämmerung« von
1950 war trotz ihres Alters noch immer etwas von diesem Glamour zu
spüren.
Natürlich gibt es keinen Couturier, der diesen Raubkatzeneffekt
nicht in Mode umgewandelt hätte und es in Abständen immer wieder
tut. Roberto Cavalli sowieso, Dolce & Gabbana häufi g, Balenciaga 2010
ganz aktuell. Der Leopard birgt ein Geheimnis, und was könnte Modemacher
mehr faszinieren als etwas Verborgenes? Unergründliche Faszination
und Poesie sind es doch, die Modemacher allen Frauen mit ihren
Pretty Women

Modellen verleihen wollen. Der Mythos des Leoparden wurde immer
schon von Geschichtenerzählern und Literaten weitergetragen. So heißt
es, dass Adam und Eva in einem Lendenschurz aus Leopardenfell aus dem
Paradies vertrieben wurden. Der ägyptische Gott Osiris wurde im Leopardenfell
abgebildet. Was einen Zusammenhang ergibt, wenn Stanley
Kubrick in seinem berühmten Film »2001: Odyssee im Weltraum« die
Vorzeitmenschen in der Eingangsszene unter den Klängen von Richard
Strauss’ »Also sprach Zarathustra« von einem Leoparden angreifen lässt.
Italiens berühmtester Romancier Tomasi di Lampedusa nannte seine
Geschichte eines sizilianischen Landadeligen »Der Leopard« (berühmt
von Visconti verfi lmt). Rudyard Kipling hat auf faszinierende Weise beschrieben,
wie der Leopard sein Fell dem düsteren, lichtdurchfl eckten
Dschungel angepasst hat, und noch heute ist das Leopardenfell bei den
Häuptlingen im Benin das Zeichen des Herrschers. Kein Wunder, dass
Modemacher (und Frauen) – ohnedies mit feinen Sensorien ausgestattet
– das mythologische Image des Leoparden für sich nutzen.
Wenn Eva Mendes auf dem roten Teppich von Cannes in einem
leopardengemusterten Kleid winkt, gibt sie ein Signal: das Signal von
Eleganz und Kraft, verbunden mit einem Hauch von Sünde, Verlockung
und potentieller Gefahr. Sharon Stone kleidet sich ebenso gefl eckt wie
Sophia Loren oder Ursula Andress und Naomi Campbell. Grace Jones
scheint im Leo-Look, mit einem Fauchen auf
den Lippen und gebleckten Zähnen, auf die
Welt gekommen zu sein, ebenso wie Tina
Turner (die es nur raffi nierter verbirgt). Weniger
wilde Frauen wollen zumindest ähnliche
Illusionen erwecken. Es hat sich herum-
Anita Ekberg
151
Eva Mendes 2009
bei den Filmfestspielen
in Venedig.
Ihr Kleid gibt
deutliche Signale.
DOPPELSEITE
Marilyn Monroe
hat die Leopardenphaseübersprungen
– sie bevorzugt
den Zebra-Look.

152 Pretty Women

Anita Ekberg
153

Ursula Andress
brandgefährlich:
Ob sie unter dem
Leo-Mantel ihren
Bond-Bikini trägt?
Michelle Obama:
Hinter einem
mächtigen Mann
steht immer eine
»gefl eckte Frau«.
154
gesprochen: Mit »gefl eckten Frauen« kann man nicht nur Pferde stehlen,
sondern auch auf Großwildjagd gehen. Denn der Leopard – nach Löwe,
Tiger und Jaguar die viertgrößte Großkatze – gehört zu den »Big Five«,
den fünf größten Hauptattraktionen jeder Afrika-Safari.
»Gefl eckte Frauen« sind oft perfekte Partnerinnen für (die seltene Sorte)
Männer, die wissen, was sie wollen. Sie lieben die Teamarbeit bei der Jagd
nach Erfolg und unterstützen ihre Partner dabei. Sie tragen das Muster
nicht aus Eitelkeit, sondern sozusagen als offenes »Visier« (Soll keiner sagen
können, er hätte nicht gewusst, mit wem er es zu tun hat.) Sie liegen
gern auf der Lauer, sind Meisterinnen im Anschleichen und machen gern
große Sprünge. Mit Hilfe der Mode können sie zumindest diesen Eindruck
erwecken. Was davon wahr ist, muss jeder Jäger selbst herausfi nden.
Vorausgesetzt, er traut sich. Wer zögert, kann leicht zur Beute der
»Gefl eckten« werden.
Pretty Women
»Gefleckte Frauen«
liegen gern
auf der Lauer, sind
Meisterinnen im
Anschleichen und
machen gern
große Sprünge.«

Leo-Look
155

Sarah Jessica Parker
und Alexander
McQueen – unübersehbar
im Partner-
Look.
Lady Gaga liebte
den »Hooligan der
Mode« und trat
bevorzugt in seinen
Kreationen auf.
GOOD BYE,
BAD BOY
Nachruf auf ein Genie
156
Er hat so verrückt und skandalös begonnen, dass ihm niemand
zugetraut hätte, jemals der hoffnungsvollste Nachwuchs-Couturier
der Jahrhundertwende zu werden. Dass Lady Gaga bevorzugt
in Alexander-McQueen-Roben auftritt, machte ihn mehr als interessant.
Die englische Presse musste dennoch hinnehmen, dass der
gelernte Schneider und Assistent von Romeo Gigli in Mailand viermal
zum englischen Designer des Jahres gewählt wurde, und bezeichnete
ihn weiterhin als »Hooligan der Mode«.
Alexander McQueen war ein Shootingstar, der Anfang 2010
seinem Leben selbst ein Ende setzte, bevor er den Zenit seiner Karriere
erleben konnte. Als er 1997 – selbst für Insider überraschend – zum
Nachfolger von John Galliano bei Givenchy wurde, hatte er bereits eine
Verehrergemeinde um sich geschart, die versuchte, seine skandalösen
Auftritte (er zeigte den Besuchern einer seiner ersten Prêt-à-porter-
Shows nach Abschluss keine freundliche Verbeugung, sondern sein blankes
Hinterteil) und Inszenierungen vergessen zu machen. Für die Medien
blieb er »the devilchild anarchist of fashion«. Ungerecht, denn er
folgte nur den Gesetzen der modernen Medienwelt: Auffallen um jeden
Preis – denn nur »bad news are good news«!
Die Givenchy-Ära ging bald zu Ende, obwohl die Modelle durchaus
charmant und tragbar waren, aber die Inszenierung ihrer Präsentation
trug McQueen – nicht ganz zu Unrecht – den Ruf der Frauenfeindlichkeit
ein, den er so schnell nicht mehr loswurde. Zuletzt war er unter
dem Dach von Gucci auf dem allerbesten Weg, einer der ganz großen
Couturiers zu werden. Es wäre sehr ungerecht, wenn er nur als Erfi nder
der auf den Hüften sitzenden Hosen (mit dem Zwickel in Nähe der
Knie) der »Young Boys« in der Erinnerung entsetzter Großmütter bliebe.
Pretty Women

Alexander McQueen
157

Shame and scandal
in the family …
aber das Hochzeitskleid
war das
edelste seiner Zeit.
Die Abdankungsurkunde
des Königs
und der Briefumschlag
seiner
Heiratsanzeige.
DER KÖNIG
GEHT
Skandalhochzeit im Hause Windsor
Im Vergleich zu seinem Großonkel Eduard VIII. ist Prinz Charles ein
Waisenknabe, was Skandale in Bezug auf Frauen betrifft. Der eine
verzichtete aus Liebe zu einer zweimal geschiedenen Bürgerlichen
auf seinen Thron; der andere – Charles – wird ihn wohl (aus ähnlichen
Gründen) nie besteigen, weil Mama böse ist. Dabei ist gegen Camilla bei
weitem nicht so viel zu sagen wie seinerzeit gegen Wallis Simpson. Ihr
Hochzeitskleid aber war vom Feinsten: Es stammte aus dem Atelier des
amerikanischen Modeschöpfers Main Rousseau Bocher, der sich kurz
Mainbocher nannte und in den 1920er- und 1930er-Jahren alles anzog,
was Rang, Namen und Geld hatte: Baronesse von Rothschild, Gloria Vanderbilt,
Prinzessin Maria Cristina von Bourbon, Loretta Young, Frau Cole
Porter, Claudette Colbert, um nur einige wenige zu nennen. Mainbocher
fi el mit Korsetts und Wespentaille auf, und er war der Erste, der Pelze
einfärbte – Jahrzehnte, bevor es wieder modern wurde. Und er stattete
diverse Broadway-Stücke aus, darunter die »Sound of
Music«-Produktion (basierend auf der Geschichte der
Trappfamilie) und Lauren Bacall in »Applause«. Seinen
Namen kennt man heute jedoch wohl vor allem wegen
des Kleides zur Skandalhochzeit des Jahrhunderts: Ein
König tritt zurück, weil er eine nicht standesgemäße Frau
heiraten will. Nun war Prinz Eduard schon vorher kein
Kind von Traurigkeit. Nachdem eine ursprünglich angedachte
Heirat mit Olga, der ältesten Tochter
von Zar Nikolaus II., aufgrund der Ermordung
der Zarenfamilie nicht mehr möglich war,
mutierte der Prinz in den 1920er-Jahren zum
Salonlöwen, dessen Vorliebe für erfahrene
Frauen kein Geheimnis und dessen Affären

Die Herzogin von Windsor
159

160 Pretty Women

»Im Vergleich zu
seinem Großonkel
Eduard VIII.
ist Prinz Charles
ein Waisenknabe,
was Skandale
in Bezug auf
Frauen betrifft.«
Legende waren (darunter mit der Schauspielerin Mildred Harris, der geschiedenen
Frau von Charly Chaplin). Und dann traf er auf die mit einem
Millionär verheiratete Wallis Simpson (der die Liaison mit dem Prinzen
duldete, weil er hoffte, dadurch in den Adelsstand erhoben zu werden).
Scotland Yard will herausgefunden haben, dass sie sich während der Affäre
mit dem Prinzen und zukünftigen König parallel mit einem Londoner
Autohändler vergnügte. Inzwischen starb Eduards Vater, und er
wurde König Eduard VIII. Doch nichts konnte seine Heiratspläne mit der
liebestüchtigen Wallis aufhalten – der Gerüchte nachsagen, sie hätte in
Singapur Liebespraktiken erlernt, von denen nicht nur Prinzen träumen.
Da war nicht nur der Hof nicht amüsiert, das hatte auch politische Folgen.
Bis hin zur Abdankung und dem Verbot, England ohne Einladung seines
Nachfolgers (des Vaters von Königin Elisabeth II.) jemals wieder zu betreten.
Jetzt war Eduard kein König von England und auch kein Kaiser von
Indien mehr, sondern nur mehr Herzog von Windsor. Mit hoher Abfi ndung
ausgestattet, wurde am 3. Juni 1937 in einem Loire-Schloss in
Frankreich geheiratet. Übrigens, auch seinen Butler hat der Herzog von
Windsor in der Folge verloren: Der hat entrüstet gekündigt, als er mitansehen
musste, dass »Seine Hoheit« der Ehefrau die Zehennägel lackierte.
Im Lauf der Zeit kamen zahllose Skandale über sie ans Licht. Das FBI will
sogar herausgefunden haben, dass sie eine Affäre mit Hitlers Botschafter
in London und dem späteren Reichsaußenminister Joachim von Ribbentrop
hatte. Was für eine Frau und was für eine Ehe.
Die Herzogin von Windsor
161
Zwei, deren Liebe
Geschichte schrieb
(und die Medien
»fütterte«) – und
trotzdem zerbrach.
Wallis Simpson
wusste sich perfekt
zu inszenieren – und
gab ein Vermögen
für Kleider aus.

SO
VIEL KNIE …
Wie Mary Quants Mini
die Welt eroberte
Mit Starmodel
Twiggy fi ng alles an.
Zuerst fi el die
Rocklänge und dann
die alten Zöpfe.
Tina Turner: ohne
Mini geht es nicht.
Aus Frustration über die spießigen und einengenden Vorschriften
der sogenannten »Backfi schmode« der 1950er-Jahre griff
Mary Quant zur Selbsthilfe: Sie hatte die Nase voll von Petticoats,
Rüschenblusen und Wespentaille und nähte bequeme Hängerchen,
die nicht zu Busen- und Taillenwettbewerben verführten. 1955
eröffnete sie zusammen mit ihrem späteren Ehemann ihre erste Boutique
namens »Bazaar« in der Londoner King’s Road, die in kürzester Zeit
zu einem Jugendtreff um den neuen, erschwinglichen »Chelsea Look«
wurde. Das Foto eines fl otten Tupfenpyjamas mit Knickerbocker fand seinen
Weg in die geheiligten Seiten von »Harper’s Bazaar« – und ab da gab
es kein Halten für Quant-Modelle mehr. Die Zeit war endlich reif für den
»Mini«, der seinen Siegeszug um die Welt antrat und in den Jahrzehnten
danach immer wieder zu neuen Höhenfl ügen ansetzte. (Schon 1964 erlebte
er dann bei Courrèges auch Couturier-Ehren.)
Aber Mary Quant steht für sehr viel mehr als für sichtbare Knie.
Sie war die Erste, die sich mit ihrem »Lolita Look« (auch das Wort Look
kam mit Marys Gänseblümchen-Logo in die Welt und löste den Begriff
Stil ab) direkt an ein Publikum wandte, das wenig Geld in den Taschen
hatte. Sie war es, die zum ersten Mal Material in die Mode brachte, das
bisher keine Verwendung für Kleidung fand, man denke an ihren berühmten
PVC-Regenmantel plus gleichfarbige Stiefel. Ihre Mini-Mode revolutionierte
die Wäsche- und Strumpfmode. Mary Quant haben wir die
Erfi ndung der Strumpfhose zu verdanken, die heute aus dem Leben von
Frauen jeden Alters nicht mehr wegzudenken ist. Mit ihrer Mode wurde
der androgyne Frauentyp à la Twiggy – das Topmodel wurde von der
Presse als »teuerste Bohnenstange der Welt« geschmäht – zum Vorbild,
und das ist bis heute so geblieben. Quants Skizzen zeigten nur
Modelle mit Bubikopfhaarschnitt: Die Föhnfrisur war geboren. Bei

Mini
163

LINKS
Lange Beine – kurze
Beinchen: Mary-
Quant-Modenschau
in London, mit
Yorkshireterrier.
RECHTS
Mary Quant:
Sie machte
Mode-Revolution
und war ihr
eigenes, überzeugendes
Model.
164
Mary Quants Modenschauen (als Kindergehopse verhöhnt) dröhnte
Beatmusik – und die 68er hatten dazu endlich etwas zum Anziehen.
Mary Quant hatte mit ihrer neuen Rocklänge nichts anderes getan,
als den berühmten »Zeitgeist« erspürt: Die jungen Leute hatten die
Nase voll vom »Muff von 1000 Jahren unter den Talaren«, die Mädchen
verbrannten ihre BHs, ließen die Bikini-Oberteile weg und taten auch
sonst alles, um ihre biederen Erzeuger zu schocken. Und sie hörten die
Songs, die heute zu »Oldies« geworden sind, damals aber alle Konservativen
zur Weißglut brachten. Während die sich über Filme wie Ingmar
Bergmans »Das Schweigen« oder Roman Polanskis »Ekel« aufregten
(aber zu Millionen in die Kinos strömten), machten die Jungen Streifen,
die die alten Zöpfe abschnitten – sei es nun Stanley Kubricks »Odyssee im
Weltraum«, »Dr. Seltsam oder: Wie ich lernte, die Bombe zu lieben« oder
»Blow Up« –, zu Kultfi lmen. Und überall waren die kurzen Röcke dabei.
Bei den Schönen und Reichen, die bei den großen Modemachern einkauften
ebenso wie bei denen, die ihre Klamotten in billigen Kaufhäusern
Pretty Women

»Die jungen
Leute hatten
die Nase voll
vom ›Muff
von 1000 Jahren
unter den
Talaren‹«.
erwarben. Pop war angesagt, weil Pop alles Überkommene infrage stellte,
alle Eingrenzungen aufhob – sogar das berühmte »U« und »E«. Alle Tabus
wollten gebrochen sein. Nichts war zu kurz, zu knapp oder zu gemustert.
Jede Übertreibung war erlaubt – bis hin zu Mustern, die aussahen wie
billige, abwaschbare Tischtücher oder Küchen-Resopalplatten.
In dieser Zeit wollten sich alle verkleiden, nur um nicht den graumäusigen
und in ihren Augen verlogenen Spießern zu gleichen, die ihre
Erziehungsberechtigten waren (die sich ums Wirtschaftswunder kümmerten
und nicht bereit waren, über ihre dunklen Geheimnisse der Vergangenheit
zu sprechen): Es gab den China- und den Russen-Look, die aus
der Ökobewegung stammende Patchwork-Mode, Batiken und Stickereien,
Overalls, natürliche Fasern und selbstgestrickte Pullover (eng oder
im Schlabberlook) – alles war erlaubt, wenn es nur »anders« war. Aber an
einem hielten alle jungen (und nicht nur die) Frauen fest: am Mini.
Im Winter 1970/71 dachten nicht nur die Pariser Modemacher,
sondern in der Folge auch die Chefeinkäufer der Warenhäuser, jetzt sei
Schluss mit dem Mini. Es wurde wieder knielang geordert. Aber schon im
darauffolgenden Sommer waren alle wieder mit den Minis unterwegs –
egal was die Schlaumeier auf Lager gelegt hatten.
Erst 1974 setzte das Modediktat die Gegenbewegung – die Maxi-
Mode – durch. Frau folgte ihr, aber zögerlich und widerwillig: Sie machte
sich deshalb kurzentschlossen »einen Schlitz ins (lange) Kleid und fand es
(erst dann) wunderbar«. Nun trug man zwar pfl ichtschuldigst Maxi, aber
Mini
165
Der Mini ist in
Paris angekommen.
Drei Models
mit Rabanne-Gürteln
– und einem
Windhund.

Nicht jedem
schmeichelt der
Mini: Elizabeth
Taylor und Mia
Farrow bei einer
Drehpause.
Eine Papierkleidchen-Revue
von
Paco Rabanne.
Natürlich jedes vom
Meister signiert.
166
die Beine waren doch wieder in voller Länge zu sehen. Und Hot Pants
unter Maxi-Mänteln waren der Hit.
Die Mini-Mode ist seither keine Frage der Saison mehr – sie war
und ist immer da. Bei den großen Designern und bei den Massenfertigern
gleichermaßen. Vielleicht haben wir Frauen diesem Phänomen sogar
zu verdanken, dass es inzwischen möglich ist, jederzeit jede Rocklänge
zu tragen – sie ist so fl exibel geworden, dass man durch sie nicht
mehr als »in« oder »out« identifi ziert werden kann. Allerdings birgt der
Mini eine Tücke: Nicht alle Frauen sehen aus wie Bond-Girls und haben
Beine, die in den Himmel wachsen. Kleine, gedrungene Frauen mit Kurven
sehen im Mini – milde ausgedrückt – ein bisschen merkwürdig aus.
Wer hätte gedacht, dass es irgendetwas gibt, was einer schönen Frau wie
Liz Taylor nicht steht? Der Mini hat es ans Licht gebracht. Das ist die
Achillesferse von Mary Quants großartiger, stoffsparender Erfi ndung: Sie
ist nicht ideal für alle Frauen. Aber welche Mode ist das schon?
Pretty Women

Mini
167

NINO GOES
HOLLYWOOD
Julias Rot ist zauberhaft
Julia Roberts und
Richard Gere
verzauberten in
»Pretty Woman« die
Welt.
Die Männer waren bei ihrem Anblick hin und weg – und das
hätte ganz sicher nicht einmal im Drehbuch stehen müssen.
Nino Cerruti hat in »Pretty Woman« das bezaubernde Wesen
von Julia Roberts so sehr verinnerlicht, dass seine Kleider wie kostbare
Fassungen für einen Edelstein wirken. Die exquisiten Anzüge, die Richard
Gere in diesem modernen Hollywood-Klassiker trägt, stellen eine subtile
modische Ergänzung dar. Gekonnt ist eben gekonnt: denn angefangen
hat alles mit Männermode.
Nino Cerruti, Erbe der 1881 von seinem Großvater in
der Lombardei gegründeten Textilfabrik, stellte 1967 eine
erste Herrenmoden-Kollektion vor. Zehn Jahre später folgte
die berühmte Damenkollektion, deren klassischer Stil und
luxuriöses Material sofort zum Cerruti-Gütesiegel wurden.
Seine Stammkunden waren es auch, die Nino zum Film
brachten: Jean Paul Belmondo trug in »Die tollen Abenteuer
des Monsieur L.« Cerruti-Anzüge. Der erfolgreiche Couturier
zog Kathleen Turner in »Auf der Jagd nach dem
Juwel vom Nil« an und arbeitete für Faye Dunaway, Jack Nicholson
in »Die Hexen von Eastwick«, Denzel Washington in »Philadelphia«
und Tom Cruise in »Eyes Wide Shut«. Kein Couturier
stattete mehr Filme aus als Nino Cerruti – es waren insgesamt
über 60. Wie humorvoll und uneitel er ist, zeigte sich spätestens,
als er auch die Verantwortung für die Kostüme des satirischen
Modewelt-Films »Prêt-à-Porter« übernahm (worum
sich alle anderen Größen gedrückt hatten – zu gefährliches
Pfl aster!). Und für die Hauptdarsteller von »Miami Vice« hat er
den Clou (und in der Folge die Europäisierung der amerikanischen
Männermode) geschaffen: Die Farben dieser Serie waren stil-

ildend, und jeder Mann, der »in« sein wollte, trug ab sofort T-Shirt
unterm Blazer und Schuhe ohne Socken. Als das Geschäft der »großen
Mode« immer komplizierter und immer mehr von Konzernen beherrscht
wurde, zog sich Nino aus der Mode zurück und widmete sich wieder der
Textilherstellung. Große Modehäuser beziehen Cerruti-Stoffe, unter anderem
auch Chanel. Nino Cerruti ist jedoch immer noch Gast bei den
Präsentationen der Kollektionen die seinen Namen tragen. Zusammen
mit Sohn Julian (der Name ist sicher kein Zufall!) in der ersten Reihe. Der
Platz, der ihm zusteht.
Julia Roberts
169
Lady in Red: Dieses
Cerruti-Modell ist
eines der schönsten
Kleider in »Pretty
Woman«.

Eines der schönsten
Promi-Hochzeitskleider
aller Zeiten –
das fast ins Wasser
gefallen wäre.
Wie gut, dass JFK
und Jackie (an
diesem Tag) nicht
wussten, was
das Schicksal für sie
bereithielt.
AMERIKAS
KÖNIGIN
Jackie wird die
First Lady der Mode
S
o wurde Jacqueline Kennedy von Frank Sinatra genannt. Ihre irischen
Wurzeln mütterlicherseits machten sie für den Kennedy-
Clan zur akzeptablen Braut für JFK, den politischen Hoffnungsträger
der machtbewussten Familie. Der väterliche französische Anteil in
Jackies Wesen führte eher zu Reibereien mit der Familie des Bräutigams.
Nach einer Phase, während deren Jacqueline bevorzugt Dior,
Givenchy und Chanel trug, fand sie in Oleg Cassini jedoch ihren Ideal-
Designer, der auch Freund der Familie war. Der aus dem russischen Hochadel
stammende Cassini war Enkel des Zarenbotschafters in Washington,
hatte in Florenz Kunst studiert und im Pariser Atelier von Jean Patou Entwürfe
gezeichnet, bevor er nach Amerika ging und dort unter anderem
Assistent von Hollywoods großer Kostümdesignerin Edith Head und
Lebensgefährte von Grace Kelly wurde. Oleg Cassini perfektionierte den
von Paris vorgegebenen Stil der 1960er-Jahre für Jackie Kennedy und
begründete so ihren weltberühmten Look.
Ein großer Schmerz für Oleg Cassini dürfte gewesen sein, dass
ausgerechnet Jackies Hochzeitskleid auf Wunsch ihrer Mutter von einem
anderen Designer, genauer gesagt einer Designerin, stammte: von der
Afroamerikanerin Ann Lowe, deren Großeltern schon die Mode für die
reichen Südstaaten-Familien kreiert hatten. Selbst die Roosevelts und
Rockefellers ließen bei ihr arbeiten, sprachen aber der Hautfarbe der
Modemacherin wegen nicht offen darüber. Jackies Hochzeitskleid wäre
in Ann Lowes Atelier aufgrund eines Rohrbruchs fast »ins Wasser gefallen«.
Das erste Modell wurde dadurch zerstört und in der Rekordzeit von
zehn Tagen von Ann Lowe rekonstruiert. Es gilt bis heute als eines der
schönsten Brautkleider der Welt.
170 Pretty Women

Jaqueline Kennedy
171

Nicole Kidman
in einem atemberaubenden
Versace-
Anzug, fotografi ert
von Karl Lagerfeld.
Grace Jones als
May Day (wie
passend) im
Bond-Film »Im
Angesicht des
Todes«.
WILD
THING …
… you make my heart sing.
Wer erinnert sich nicht an diesen Hit der Troggs, der unzählige
Male gecovert wurde? Dieses »wilde« weibliche Wesen, das
da besungen wurde, ging bestimmt in Lack oder Leder.
Denn mit diesem Material – übrigens dem ältesten der Welt – verbindet
sich immer der Gedanke an Wildheit, Leidenschaft und Unbezähmbarkeit.
Immerhin – Vegetarier bitte weghören – musste dafür immer ein
Tier sterben. Wenn also Frauen Leder tragen, signalisieren sie, dass sie
furchtlose (vielleicht sogar gnadenlose?) Jägerinnen sind. Ein
starker Rollenwechsel, der seine Wirkung bei »richtigen«
und abenteuerlustigen Männern aber selten verfehlt.
Diesen Effekt haben Modemacher zu allen Zeiten
zu nutzen gewusst, egal, ob sie sich der weiblichen Eleganz
oder der Provokation in der Mode verschrieben haben.
Ob Versace, Thierry Mugler, Alexander McQueen oder
Gaultier – ohne Leder in allen Varianten kam und kommt
bis heute keiner aus.
Einer der größten »Ledermacher« in der Mode
ist der Florentiner Designer Roberto Cavalli, der in jungen
Jahren für Pierre Cardin und Hermes gearbeitet
hat. Cavalli interessierte sich schon früh für die technische
Seite der Mode, zum Beispiel für Stoffdruck. Dieses
Interesse ließ ihn 1970 eine Methode entdecken, wie man
Leder bedrucken kann. Sie machte ihn ebenso berühmt wie
sein Design. Noch im selben Jahr zeigte er in Florenz und Mailand
seine erste Kollektion und eröffnete wenig später in
St. Tropez eine Boutique – Brigitte Bardot wurde eine seiner
ersten Kundinnen. Cavalli entwarf mit die schönsten Tiermuster
– 2007 waren sie bei seiner ersten H&M-Kollektion zu sehen

Lack und Leder
173

LINKS
Brigitte Bardot 1968
in London. Petticoat
und Karos hat sie
diesmal zu Hause
gelassen.
RECHTS
Diana Rigg als
Emma Peel in »Mit
Schirm, Charme
und Melone« – sie
blieb das unerreichte
Original.
174
und auch bei der Comeback-Tour der Spice Girls, die er ausstattete – aber
geliebt wird er vor allem für seine gewagten Kreationen aus Leder, Federn
und Pelz. Cavalli-Modelle verkörpern Eleganz und Erotik mit
einem gehörigen Schuss Exaltiertheit, was an seinen Lieblingskundinnen
Victoria Beckham, Jennifer Lopez und Christina Aguilera zu bewundern
ist. Deshalb fand er auch in Lauren Weisbergers Roman »Der Teufel trägt
Prada« Erwähnung.
Dennoch musste auch das Material Leder in der zweiten Hälfte
des vergangenen Jahrhunderts erst durch die Promotion-Maschinerie
der großen Filmerfolge gehen, um beim weiblichen Publikum wirklich
anzukommen, das Leder auch in den Nachkriegsjahren noch lange ausschließlich
dem männlichen Geschlecht zuordnete. Es waren futuristische
Filme wie »Barbarella« mit Jane Fonda oder die exaltierten »Mit Schirm,
Charme und Melone«-Abenteuer mit Diana Rigg als Emma Peel, deren
ungewöhnliche Lederkreationen den Material-Vorbehalt (der vor allem
in Europa vorherrschte – vielleicht aufgrund des immer noch präsenten
Pretty Women

»Es dauerte lange,
bis Leder seinen
etwas anrüchigen
Ruf verlor.«
Kriegstraumas und bestimmter Uniformen) langsam aufl östen. Es dauerte
lange, bis Leder seinen etwas anrüchigen Ruf verlor – zunächst waren
Lederkreationen auch in normalen Filmen immer noch an Frauenfi
guren zu sehen, die aus dem »Milieu« kamen, wie beispielsweise Romy
Schneider in »Das Mädchen und der Kommissar« oder etwas später die
verschiedensten Bond-Girls, die zwar keine »Lizenz zum Töten« hatten,
es aber doch taten. Lackleder brauchte am längsten, um sich aus der
schummrigen Zwielichtigkeit in den Mode-Alltag zu retten. Dazu trugen
Rebellinnen wie Mary Quant und auch Vivienne Westwood nicht unwesentlich
bei, die auch lederähnliches Kunststoffmaterial verwendeten und
damit Skandal machten.
Heute können wir uns eine Grace Jones oder auch Tina Turner
ohne Leder-Outfi ts – egal ob matt oder lackiert – überhaupt nicht mehr
vorstellen. Und niemand ist nachhaltig geschockt, wenn Jerry Hall Latex-
Strumpfhosen trägt. Michelle Pfeiffer als »Catwoman« wurde von ganz
normalen jungen Mädchen imitiert, und keine wäre auf die Idee gekommen,
sich deshalb als Motorradbraut zu sehen, wie es in den 1950er-
Jahren noch der Fall gewesen wäre. Im Gegenteil, die Ledermodelle, die
Nicole Kidman, Whitney Houston oder Angelina Jolie tragen, werden
immer gewagter und machen gelegentlich sogar deutlich, dass wir in
einer Zeit leben, die einen gewissen Sado-Maso-Kick längst für gesellschaftsfähig
erklärt hat. Mode drückt eben nach wie vor Zeitgeist aus. Ein
weiblicher Gast des Lederhosen tragenden Thomas Gottschalk macht
Lack und Leder
175
Uma Thurman
in der Rolle der exaltierten
englischen
Serienheldin Emma
Peel.

Michelle Pfeiff er als
»Catwoman« – so
gefährlich war sie
noch in keiner Rolle
zuvor.
Links
Thierry Mugler ist
das schier unmögliche
gelungen: eine
Abendrobe ganz aus
Leder.
Rechts
Ein fl auschiges
Modell aus der
Kollektion von
Roberto Cavalli.
176
sich heute keine Gedanken mehr über ihr Image, wenn sie in Lackhosen
auf die Bühne kommt.
Die Zeiten, in denen Leder ausschließlich mit Indianer-Kostümierung,
Piloten-Outfi t und Motorradsport in Verbindung gebracht wird,
die sind vorbei. Leder in allen Varianten – ob vom Kalb, Reh, Hirsch, Krokodil,
Känguru, Strauß oder von Fischen oder Schlangen – steht für Luxus
(das vor allem) und Emanzipation. Starke Frauen tragen Leder und auch
solche, die es nicht sind, aber so erscheinen wollen. Dank Cavalli ist Leder
heute bunt bedruckt, lackiert oder aufgeraut. Leder gibt es in allen Farben
der Modesaison und wird längst mit allen Materialien kombiniert.
Leder hat schon lange seinen Platz in den Gürtel-, Taschen- und Schuhregalen
verlassen und ist ein vollwertiges »Stoff«-Mitglied auf den Zuschneidetischen
der Couturiers geworden. Was im letzten Jahrhundert
exaltierten Stars wie Marlene Dietrich oder anderen weiblichen Tabubrecherinnen
vorbehalten war, ist längst bei den »normalen« modebewussten
Frauen angekommen. Und keine fl üchtet sich – wie bei den Pelzen –
in Imitationen. Lack und Leder verkörpern das neue modische
Statussymbol der Weiblichkeit. Da können sich Vegetarier und Tierschützer
auf den Kopf stellen. Selbst Brigitte Bardot hat in Leder gesündigt, als
Mode für sie noch ein zentrales Thema war.
Pretty Women

Lack und Leder
177

CARY IM
LIEBESRAUSCH
Es ist nicht alles Gold,
was glänzt
Im Film musste es
laut Drehbuch
»funken« – im echten
Leben war es längst
vorbei.
Backstage sprühten die Funken. Dennoch: Der Film »Hausboot«
aus dem Jahr 1958 machte Sophia Loren auf einen Schlag weltberühmt.
Inklusive des goldenen Kleides. Sie hatte zwar schon
den Hollywood-Film »Stolz und Leidenschaft« – ebenfalls mit Cary Grant
als Partner – gedreht, aber der reichte nicht an den Kassenerfolg von
»Hausboot« heran. Dabei stand die Entstehung dieses Filmklassikers unter
keinem guten Stern – es heißt, alle Beteiligten hätten enorm unter
der angespannten Atmosphäre bei den Dreharbeiten gelitten. Und dafür
gab es einen Grund: Grant und die Loren hatten während der Dreharbeiten
zu »Stolz und Leidenschaft« eine Affäre, die Cary Grant ernster nahm
als die noch unbekannte Italienerin. Er wollte die Sache »im Hausboot«
wieder aufwärmen – sie stand kurz vor der zweiten (diesmal legalen)
Eheschließung mit Carlo Ponti. Der Liebeswahn ihres Filmpartners
machte die Loren wütend und schlecht
gelaunt. Erschwerend kam hinzu, dass
Grants Ehefrau Betsy Drake ursprünglich
die weibliche Hauptrolle spielen
sollte. Und von ihr wollte sich Grant
nun wegen der üppigen Italienerin auch
noch scheiden lassen. Eine emotionale
Gemengelage der Sonderklasse.
Der Film wurde nicht gerade
mit guten Kritiken überschüttet, aber
einige Kritiker lobten die gute Laune
der Darsteller. Was unter diesen Umständen
für deren schauspielerische
Qualität spricht. Wie die Loren aus dem
kitschigen, überladenen Goldkleid, das
178 Pretty Women

ihr von der eifersüchtigen Konkurrentin im Rahmen der Filmhandlung
hinterlistig überlassen wurde, mit einigen temperamentvollen Handgriffen
ein Klassekleid macht, könnte dieser aufgeladenen Stimmung am Set
geschuldet sein. Auf jeden Fall ist es eine Szene, die sich in das Gedächtnis
aller weiblichen Zuschauer eingeprägt hat.
Die Loren war und ist die letzte Diva aus der »Vor-Fernsehzeit«,
als Kleider in Filmen noch Modetrends auslösten und den Geschmack
der Frauen auf der ganzen Welt beeinfl ussten.
Sophia Loren
179
Sophia Loren hatte
alles im Griff – die
Männer, aber
auch das »Zuviel«
am berühmten
Goldkleid.

Jean-Paul Gaultier
war der erste
Couturier, der
die Hungerhaken
vom Laufsteg
verbannte.
KÜSSCHEN,
KÜSSCHEN
Gaultier zeigt so viel »Frau« wie noch nie
Er gilt gleichermaßen als verrückt wie charmant, er provoziert, ist
aber niemals bösartig, und er hat es geschafft, dass »Untragbares«
dennoch getragen wird. Er brachte Mädchen und Frauen
dazu, enge Röcke über Petticoats anzuziehen, kreierte die ersten Ballonröcke
und die Cocktailmode der 1990er-Jahre – Tütüröckchen zusammen
mit grobklotzigen Schnürstiefeln zu tragen, geht ebenfalls auf Jean-
Paul Gaultier zurück. Miedermacher waren entzückt, denn er kehrte das
Unterste zuoberst und schuf einen neuen Busenkult, der in Madonnas
Spitzbusen gipfelte.
Seine erste Kollektion kam unter dem Motto »Und Gott erschuf
den Menschen« auf den Laufsteg: Er ließ Männer Röcke tragen – der
Mode-Aufreger der Saison –, erfand den Rückenausschnitt für die Herrenmode
und druckte Schaltpläne auf T-Shirts. Seine Frauenmode bestand
aus Oberteilen, die nur eine Seite bedeckten, die zweite bestand aus einem
Miederteil. Er griff Folklorethemen auf und wickelte die Frauen in
Mongolenmäntel oder ließ nach Amazonenart einen Busen frei. Mit seinem
Eau de Toilette in der Konservendose überzeugte er sogar das bürgerliche
Lager.
Gaultier ist ein immerwährendes Feuerwerk an Einfällen. Sogar
seine Autobiografi e war kein normales Buch, sondern ein Comic mit
Sprechblasen. Aber einer seiner größten PR-Coups war die Idee, aus der
Modewelt ausgegrenzte Menschen auf den Laufsteg zu bringen – zum
Beispiel mollige Models. Eines seiner ersten war Sophie Dahl, die Enkelin
des englischen Schriftstellers Roald Dahl, der durch seine skurrilen »Küsschen,
Küsschen«-Geschichten weltberühmt wurde. Und wieder einmal
war der wasserstoffblonde Gaultier Auslöser für Bilder und Berichte, die
um die Welt gingen. Frauen mit Größe 40 und mehr danken es ihm noch
heute.
180 Pretty Women

Jean-Paul Gaultier
181

Kim Basinger in »9 ½
Wochen«. Ein Film, in
dem die Wäsche eine
wesentliche Rolle spielt …
Dita Von Teese posiert
im Wonderbra.
LULLABY
DER MODE
Ausgezogen gut angezogen
Für Kostümbildner gibt es zwei ganz große Herausforderungen:
die weiblichen Stars perfekt in unvergesslichen Abendroben zu
inszenieren und sie unnachahmlich »auszuziehen«. Deshalb gibt
es auch nicht eine große Diva des letzten Jahrhunderts, die nicht – ganz
unabhängig von Filmszenen – im Negligé, in Unterwäsche oder im
Badeanzug posierte. Und wahrscheinlich gab es nur wenige Situationen,
die zu heftigeren Diskussionen über Material, Schnitt und Blickdurchlässigkeiten
zwischen den Kostümverantwortlichen, den Stars und den
Regisseuren führten. Alle an der Traumfabrik Hollywood Beteiligten
– gestern wie heute – wissen nur zu genau: Nackt sein kann jeder,
der es sich leisten kann und mag. Aber die Vorstellung
von Nacktheit in den Köpfen der Zuschauer
kommt nur zustande, wenn der Körper auf raffi -
nierte Weise verhüllt ist. Dabei kommt es nicht
auf die Stoffmenge an, sondern auf die Art und
Weise, wie sie eingesetzt wird.
Zwischen Helen Rose (die das Brautkleid von
Grace Kelly entwarf) und Liz Taylor scheint bei den Filmen
»Telefon Butterfi eld 8« und »Die Katze auf dem heißen Blechdach«
Übereinstimmung geherrscht zu haben: Die Taylor bewegt
sich in beiden Filmen – trotz anstrengender Rollen – in Unterkleidern
so frei und ungehemmt, als sei das ihr Straßen-Outfi t.
Das trifft auch auf Kim Basinger zu. Sie hat zwar für ihr Erotik-
Drama »9½ Wochen« (der Film wurde mit »Der letzte Tango von
Paris« verglichen und kam daher zumindest in den USA sofort in
die Schmuddel-Schublade) Hollywoods Negativ-Preis »Die goldene
Himbeere« kassiert, aber an ihren Dessous und ihrer Art sie
zu tragen kann es, wie gesagt, nicht gelegen haben.

Unterwäsche
183

184 Pretty Women

»Schicke
Dessous
verbergen
überhaupt
nichts.
Und ist man
endlich am
Ziel, ist es
tabu.«
Serge Gainsbourg
Das Ehepaar Nicole Kidman und Tom Cruise hat sich nach eigenen Aussagen
in »Eyes Wide Shut« auf sein größtes gemeinsames Berufsabenteuer
eingelassen. Es war Stanley Kubricks letzter Film, den er nach Arthur
Schnitzlers »Traumnovelle« drehte und dem Kritiker vorwarfen, dass der
erotische Eifersuchts- und Untreue-Stoff die Übersetzung von der
schwülen Prüderie der Schnitzler-Ära ins New York der Gegenwart nicht
glaubhaft überstanden hätte. Die Macher des Films bedankten sich im
Abspann bei hunderten von Personen und Institutionen – bei Cerruti
beispielsweise für die Ausstattung von Tom Cruise und sogar bei Bang &
Olufsen. Nur nicht bei der Schweizer Unterwäsche-Firma Hanro, deren
Modelle Nicole Kidman trug. (Vielleicht ahnten die Filmleute, dass es
eigentlich umgekehrt sein müsste, denn der Film bescherte der Firma
enorme Umsatzzuwächse.) Für Dessous-Kenner und Liebhaber von erotischeren
Varianten so unverständlich wie auch die Tatsache, dass ausgerechnet
eine Köchin (Sarah Wiener) für die Werbung der Wäschemarke
Mey ausgewählt wurde. Damit sei nichts gegen die Köchin und ihre exzellente
Figur gesagt. Nur der Glamour-Faktor hält sich eben in Grenzen.
Da gehen die Lingerie-Spezialisten von »Agent Provocateur«
schon progressiver vor: Ihre Videos, in denen sich Kylie Minogue, Dita
Von Teese und Kate Moss in verführerischen Modellen räkeln oder Bullen
reiten, verzeichnen im Internet aus gutem Grund Rekord-Klickzahlen.
Zu »Agent Provocateur«-Kundinnen zählen Paris Hilton, Christina Aguilera
und – im richtigen Leben, ganz im Gegensatz zu »Eyes Wide Shut« –
Unterwäsche
185
Linke Seite
»Nobody is perfect!«
heißt es in »Manche
mögenˇs heiß« .
Marilyn ist damit
nicht gemeint.
Nicole Kidman löste
einen ungeahnten
Run auf die Unterwäsche
der Firma
Hanro aus.

Keine trug Seidenunterkleider
so
lässig-elegant wie
die Taylor. Hier in
»Telefon Butterfi eld 8«.
186
Nicole Kidman. Was zur Folge hat, dass vor den Läden der cleveren Engländer
von London bis Moskau und Tokio ständig Paparazzi lauern, um
Promis bei Intimeinkäufen abzulichten.
Da war die Privatsphäre früherer Stars geschützter. Jean Harlow,
Esther Williams und Jane Mansfi eld hätte man sicher ebenso wenig beim
Wäschekauf beobachten können wie die Garbo oder Marlene Dietrich.
Auch Gina Lollobrigida, die Loren und die Monroe wurden über Studios
mit Mieder- und BH-Spezialisten versorgt – und das schon lange vor der
Erfi ndung der Push-ups, die sie alle drei nicht nötig hatten. Ihre sensationellen
Negligés – wie zum Beispiel das der Lollo in »Happy End im September«
oder das von Marilyn in »Manche mögen’s heiß« ließen sich die
Kostümbildner selbst einfallen.
Für die Frauengeneration, die diese großen Hollywood-Zeiten
noch Händchen haltend im Kino (und nicht an einem verregneten Wochenende
aus der Konserve) erlebt hat, ist diese neue Wäschebravheit,
die unser eigener Alltag ist, vollkommen uninteressant. Sie schwärmen
von den Zeiten, als die Diven ihre Lover in Wolken von Tüll, Brüsseler
Spitze, Batist, Seide und Satin empfi ngen. Das waren perfekte Inszenierungen
– bis hin zu den Pantöffelchen –, bei denen jede Bewegung, jedes
Rascheln der Stoffe wohlüberlegt war. Damals ging es den Regisseuren
der Traumfabrik nicht um Sex, sondern um die Romantik der Liebe (davor).
Dass es auch damals schon auf Sex hinauslief, war klar, aber es sollte
Pretty Women
Wie wichtig
Dessous sind,
lässt sich an
der stetig
wachsenden Zahl
von Marken- und
Edel-Lingerien
und Erfindungen
wie der des
»Wonderbra«
ablesen.

nur in den Köpfen der Zuschauerinnen stattfi nden. Das funktionierte
und funktioniert bis heute. Wie wichtig Dessous sind, lässt sich an der
stetig wachsenden Zahl von Marken- und Edel-Lingerien und Erfi ndungen
wie der des »Wonderbra« ablesen. Die »Grand Dame« der Dessous-
Kreationen ist ohne Zweifel Chantal Thomass, die Dessous-Designerin
der Stars. Sie machte ihre kessen und frechen Modelle gesellschaftsfähig
und lockte so jede Menge Konkurrenz auf den Plan: Calvin Klein mit
sportlich-amerikanischen Modellen, Christian Lacroix mit seinen raffi -
nierten Details, Dolce & Gabbana mit ihren schmiegsamen Modellen,
die nicht auftragen und zu den hautengen Kleidern passen wie »Körperhandschuhe«,
die frechen französischen Landsleute von Huit, die Kollektion
des Topmodels Elle Macpherson oder Kenzo mit den dramatischen
Schnitten und gewagten Farbkombinationen. Um nur einige zu nennen.
Und nicht zu vergessen: La Perla. Will Smith bringt diese Dessous-Marke
sogar mit seiner (zweiten) langen und guten Ehe in Verbindung und sagt,
sie sei nicht zuletzt auf La Perla zurückzuführen. Damit steht wohl fest: Es
ist äußerst wichtig, auch ausgezogen gut angezogen zu sein.
Unterwäsche
187
Cosma Shiva Hagen
posiert für eine
Kampagne des
Wäscheherstellers
Mey.

»WORLD’S END«
Provokation – dein Name ist
Vivienne Westwood
Vivienne ist in den
Buckingham-Palast
geladen. Aber, aber,
geht man wirklich so
zur Königin?
Vivienne und Naomi
Campbell nach
dem berühmten
Stolperer mit den
»turmhohen«
Plateaus.
Diese Lady war nicht immer eine solche. Die brave Lehrerin
musste erst in London den Kunststudenten, Begründer und
Manager der Band »Sex Pistols« kennenlernen, der zu engen
Lederhosen grün fl uoreszierende Damenschuhe trug, um ihr eigenes
Potential an Unangepasstheit zu entdecken. Durch diesen legendären,
im April 2010 verstorbenen Malcolm McLaren wurde Vivienne Westwoods
Talent zum »Schocken« geweckt. Sie fi ng an, für die gemeinsam
gegründete Boutique zu entwerfen und zu nähen. In dem Laden bildete
sich der jeweilige Zeitgeist Jahr für Jahr in konzentrierter Form neu ab,
was schon an den Namen, die über der Hausnummer 430 standen, abzulesen
ist: von »Let it Rock at Paradise Garage« über »Too Fast to Live, Too
Young to Die« (in Erinnerung an James Dean), bis hin zu »World’s End«.
Natürlich standen diese Namen auch für jeweils andere Modelle.
Vivienne experimentierte mit Reißverschlüssen (an Stellen, wo sie nicht
hingehörten) und machte vor keiner Verrücktheit halt – ihr öffentlicher
Auftritt in einem rosa glänzenden Latex-Unterkleid manifestierte ihre
Linie endgültig unter dem Stichwort »Punk«. Und nun schauten auch die
Etablierten hin, kopfschüttelnd zwar, aber Vivienne war nicht mehr zu
ignorieren.
Ihre erste eigene Kollektion stellte Vivienne Westwood jedoch
erst Anfang der 1980er-Jahre vor. Damit war sie nach Mary Quant die
erste Engländerin, die sich nach Paris wagte, sozusagen in die Höhle der
Modelöwen. Büstenhalter über T-Shirts getragen – Skandal! Sie nahm
Anleihen bei der Mode früherer Jahrhunderte, erfand gefährlich hohe
Schaukelpferd-Plateauschuhe (mit denen das Topmodel Naomi Campbell
auf dem Laufsteg prompt stolperte – weltweite PR!). Nur wenige
Menschen haben die Modewelt mehr beschäftigt und beeinfl usst als
die exzentrische Lady aus London.
188 Pretty Women

Vivienne Westwood
189

Humphrey Bogart:
Mit diesem Bild ist
er ins kollektive
Gedächtnis aller
Frauen eingegangen.
Marlene Dietrich
war eine Burberry-
Frau der ersten
Stunde – so wie viele
Stars.
AS TIME
GOES BY
Ein Mann und (s)ein Mantel
Casablanca«. Der erfolgreichste US-Liebesfi lm aller Zeiten ist
natürlich zugleich viel mehr als das. Der Drehbuchprüfer
schätzte den Stoff als »anspruchsvollen Kitsch« ein, was diejenigen
heute gar nicht gerne hören, die beim 25. Mal immer noch verstohlen
nach dem Taschentuch greifen. Es gibt eben auch einen Kitsch, der
keiner ist! Viele Dialogsätze wurden zu unvergesslichen Zitaten – quer
durch alle Generationen. Was wäre das Leben beispielsweise ohne die
Hoffnung auf den Beginn einer wunderbaren Freundschaft? Sogar
kleinste Details haben sich vielen tief eingeprägt. Kenner wissen eben,
dass Rick sich die Farbe des Kleides seiner Geliebten am letzten gemeinsamen
Tag in Paris gemerkt hat: »Die Deutschen trugen Grau, und du
trugst Blau!« Nach solchen Männern sehnen sich Frauen – mit solchen
Sätzen (und diesem unverwechselbaren Gesicht) wird man zum Star.
Nicht auszudenken, wenn Ronald Reagan diese Rolle bekommen hätte
(er war im Gespräch)!
Und noch ein anderer Star spielt in »Casablanca« eine bis heute
unvergessene Rolle: der Trenchcoat. Von Thomas Burberry für die Offi -
ziere der englischen Armee im Ersten Weltkrieg kreiert. Schützengrabentauglich,
Wasser abweisend und atmungsaktiv aufgrund des Gabardine,
ebenfalls von Burberry erfunden. Material und Kreation wurden zum
erfolgreichsten Markenkleidungsstück aller Zeiten: 1901 eröffnete
Burberry seinen ersten Laden in London, 1920 war er an der
Börse. Es begann ein Siegeszug um die ganze Welt und durch
alle Gesellschaftsschichten. Jeder männliche und weibliche
Star hat in Filmen und privat schon Trenchcoat
getragen. Ohne diesen Mantel hätte der Satz: »Ich
seh dir in die Augen, Kleines!« nur halb so viel
Erinnerungswert.

Trenchcoat
191

Impressum
Bildnachweis
Deutsche Originalausgabe
Copyright © 2010 von dem Knesebeck GmbH & Co. Verlag KG, München
Ein Unternehmen der La Martinière Groupe
Gestaltungskonzept und Covergestaltung: Fabian Arnet, Knesebeck Verlag
Gestaltung und Satz: Leonore Höfer, Knesebeck Verlag
Lektorat: Dr. Reinhard Pietsch
Lithografi e: Reproline Mediateam GmbH, München
Druck: Tlacˇiarne BB, spol. s r. o.
Printed in Slowak Republic
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(empics), 189 (empics), 190 (akg-images), 191 (akg-images); Corbis S. 181; Actionpress
S. 9, 53, 95, 100, 109, 128 u., 135, 139, 141 r.o., 155 ; laif S. 70, 71, 111, 135, 140;
ullstein bild S. 108, 141 l.o., 172; Süddeutsche Zeitung Photo S. 38
ISBN 978-3-86873-216-0
Alle Rechte vorbehalten, auch auszugsweise.
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DIE SCHÖNSTEN
KLEIDER – DIE BESTEN
STORYS
Viele Bilder legendärer Auftritte von Marlene Dietrich bis Grace Kelly,
von Madonna bis Lady Gaga haben sich in unserem Gedächtnis unauslöschlich
eingeprägt. Aber was steckt hinter diesen Bildern? Spannende
Storys, unbekannte Anekdoten und überraschende Fakten schildern die
Autorinnen Margit Schönberger und Katja Maybach mit Charme und
großer Kenntnis. Eine Auswahl der berühmtesten aber auch selten gesehener
Bilder begleiten ihre rasanten Geschichten über die Welt der Schönheit
und den Glamour in der Mode.
ISBN 978-3-86873-216-0
www.knesebeck-verlag.de