Kim Reuter Stilles Licht

Kim Reuter
Stilles Licht
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Mir ist aufgefallen, dass das Porträt in Ihrer Arbeit eine besondere Rolle spielt, immer wieder malen Sie Ihre
Familie, Ihren Mann und die beiden Kinder. Warum gibt es denn keine Selbstporträts von Kim Reuter?
Es gibt eines, ein einziges. Das hab ich meinem Vater geschenkt.
Auf den „Familienbildern“ kommen Sie also nicht vor, aber Sie gehören doch auch dazu?
Natürlich, doch. Aber dass ich mich nicht in die Bilder hineinmale, hat andere Gründe. Meine Bilder erwachsen
fast immer aus konkreten Situationen, und in denen bin ich ja der Betrachter! Außerdem kenne
ich die Menschen, die mich umgeben, am besten und schaue sie mir einfach gerne an.
Bevor Sie zur Malerei kamen, haben Sie zunächst
Kunstgeschichte, Musikwissenschaft
und Philosophie studiert?
Ja, das stimmt, aber Malerei und Musik
waren schon zu Schulzeiten meine
Schwerpunkte gewesen und sie blieben es
auch während des Studiums. Die Wissenschaft
war eher ein Nebenweg, ein Schlenker,
wenn man so will. Das habe ich bald
gemerkt und mich in Düsseldorf an der
Akademie beworben.
Kim Reuter im Gespräch mit Eckhard Hollmann
Hat das Studium dort dann Ihre Erwartungen
erfüllt?
Nur zum Teil. Ich wollte sehr viel Handwerkliches
lernen. Da wurde man schon mal gefragt: „Warum malst du denn eigentlich noch?“ Porträt,
Akt, Landschaft, Interieur: da muss man ja viel experimentieren, das Eigene finden und auch einkalkulieren,
dass vieles im Müll landet. Diese Prozesse finde ich spannend, viel stärker als ihre akademischwissenschaftliche
Begründung.
Stört das kunsthistorische Wissen nicht erheblich im Malprozess? Ich könnte mir vorstellen, dass es die Spontaneität
eher bremst, wenn man weiß, wer alles mit welchen Mitteln schon was gemacht hat. Eine Art intellektueller
Fußfessel?
Ich muss sagen, dass die wissenschaftliche Beschäftigung mit der Kunst mich nicht so stark interessiert.
Das habe ich ja ziemlich rasch herausbekommen. Eher fand ich neben der Malerei die Musikwissenschaft
mit ihren analytisch mathematischen Untersuchungen in Harmonielehre und Kontrapunkt spannend.
Musik spielt auch in meiner Malerei eine große Rolle und zwar auf mehreren Ebenen. Ich höre
beim Arbeiten gern Musik, das kann mich tief bewegen. Und ich spiele selbst Klavier.
Hat diese Affinität zu Bildkunst und Musik Sie auch in Richtung synästhetischer Experimente getrieben, etwa
im Sinne Wassily Kandinskys? Der hatte sich ja eingehend mit den Verbindungen von Bildkunst und Musik
beschäftigt, aber auch Mimik und Sprachgeräusche einbezogen, z.B. in seiner Bühnenkomposition „Der gelbe
Klang“?
Nein, das ist mir viel zu theoretisch. Ich will für meine Malerei keinen gedanklichen Überbau erfinden,
ich brauche kein Konstrukt dafür. Das würde mich ernsthaft in meiner Arbeit behindern. Ich kann und
will auch nicht nach einem „Masterplan“ arbeiten, das würde mich viel zu stark einengen.
Von der internationalen Kunstentwicklung, die in den letzten Jahren immer stärker weg von der Abstraktion
hin zu unterschiedlichen Formen der gegenständlichen Malerei führt, haben Sie ja zweifellos profitiert. Zählen
Sie sich zum sogenannten Neuen Realismus?
Wie schon gesagt (sie lacht), ich halte nicht viel von diesem Schubladen-Denken. Aber vielleicht will
man heute die überbordende Bilderflut gefiltert sehen, gefiltert durch das Auge des Künstlers. Oder es
ist einfach eine Gegenwelt zur Abstraktion. Ich weiß es nicht. Für mich sind die Bemühungen um die
Bildgegenstände, um Körper, um Gesichter, um Hände wichtig. Natürlich genauso der Raum, in dem
sich alles bewegt! Das Ergebnis muss in sich stimmig sein. Ich kann mich viel freier entscheiden, wenn
ich unterschiedliche Lösungen wirklich „durchdekliniert“ habe.
In sich stimmig? Da fällt mir eine Anekdote zu Liebermann und Cézanne ein. Liebermann steht in Begleitung
vor Cézannes „Bildnis eines jungen Mannes“. Der Begleiter moniert: „Aber der Arm ist ja viel zu lang.“ Darauf
Liebermann: „Aber der ist so schön gemalt, der kann gar nicht lang genug sein!“
Das ist wunderbar! Cézanne hat sich im Sinne seiner Malerei gegenüber dem Naturvorbild immer große
Freiheiten gestattet. Ich weiß nicht, wie viele ganz unterschiedliche Bilder er von seinem Lieblingsmotiv,
dem Mont Sainte-Victoire gemalt hat.
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Kim Reuter in Conversation with Eckhard Hollmann
like listening to music while working; I can be
deeply moved by it. And I play the piano.
I’ve noticed that portraits play a particular role in
your work: you frequently paint your family, your
husband, and two children. Why are there no selfportraits
of Kim Reuter?
There is one, just one. I gave it to my father.
So you aren’t to be found in the “family pictures,”
but you’re part of it nonetheless?
Yes, of course. But the fact that I don’t paint
myself into the pictures is down to other reasons.
My pictures nearly always arise from
specific situations, and in those situations I’m
the observer! I also know the people around
me best and simply enjoy looking at them.
Before you began painting, you studied Art History, Musicology, and Philosophy.
Yes, that’s true, but painting and music were already my focus during my school years and they remained
so during my studies. Science was more of a byway, a meander if you like. I soon realized this
and applied to the academy in Düsseldorf.
Did your studies there meet your expectations?
Only partly. I wanted to learn lots of techniques. People asked, “Why are you still painting?” Portraits,
nudes, landscapes, interiors—you need to experiment a lot, find your own path, and accept that a lot
of stuff will end up in the rubbish. I find this process exciting, much more than its academic-scientific
rationale.
Does knowledge of art history not have a disruptive influence on the painting process? I can imagine that it
acts as a brake on spontaneity, knowing who has already done what, and with which materials. A form of
intellectual shackles?
I have to say that I’m not so interested in the academic approach to art. I discovered this fairly quickly.
Beyond painting, my interest lay more in musicology, with its analytical, mathematical investigations
of harmony and counterpoint. Music also plays a key role in my painting, on many different levels. I
Did this affinity to visual art and music also drive
you towards synaesthetic experiments, along the
lines of Wassily Kandinsky? He dealt closely with the
connections between visual art and music, also incorporating
facial expression and verbal sounds, for
example, in his stage composition The Yellow Sound.
No, that’s much too theoretical for me. I don’t
want to invent any notional superstructures
for my painting, I don’t need a construct for
this. That would seriously impede me in my
work. I can’t work to a “master plan,” nor do I
want to. It would restrict me far too much.
There can be no doubt that you have benefited from
the shift in the international art scene away from
abstraction towards various forms of representational
painting—a shift that has become increasingly
marked in recent years. Are you part of the so-called
New Realism?
As I said earlier (laughs), I don’t think much
of this kind of pigeonholing. However, maybe
people want to see a filtration of the excessive
flow of pictures now, filtered through the eye
of the artist. Or it’s simply an alternate world
to abstraction. I don’t know. For me, the attention
to objects in the picture, to bodies, faces,
hands, is important. And the space in which
all of these are contained, of course! It needs to
be harmonious. I have much greater freedom
of choice if I have truly run through all the
various solutions.
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„Im Schnee“, 2009
Eitempera auf Leinwand, 50 x 110 cm
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„Allee“, 2009 (oben)
Eitempera auf Leinwand, 100 x 240 cm
„Allee“, 2009 (Detail)
Eitempera auf Leinwand, 100 x 240 cm
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LANDGENUSS IN FARBE
Christoph Tannert
Wer sich auf den Weg in die Landschaften von Kim
Reuter macht, der fährt durch sanfte Mittelgebirgsstruktur, bis er seine Weltneugier befriedigt sieht auf Tuffböden
und bewaldeten Basaltkuppen, die von Lavaströmen modelliert wurden. Willkommen in der Vulkaneifel!
„Der Mensch braucht so etwas wie Heimat“, sagt Kim Reuter, „Landeplätze – frei von Schmalz und
Nostalgie, um bodenständig und zugleich universell sein zu können.“ 1
Die Malerin wohnt mit ihrem Mann und ihren Kindern Milli (13) und Hugo (12) am Rande von Leudersdorf,
15 Minuten von Blankenheim, 20 Minuten von Gerolstein und eine Stunde von Köln entfernt. Eigentlich kommen
sie aus Köln und sind hier vor ein paar Jahren zufällig gestrandet. Aus dem geplanten Wochenendunterschlupf
wurde dann doch ein größeres Wohnhaus. „Ich liebe die Eifel aufgrund ihrer vielen Facetten und
ihrer Rauheit“, sagt die Künstlerin, „ich genieße die ruhige Landschaft der Wacholderheiden und der tiefen
Mischwälder, nichts geht über die Züge der vulkanischen Hügellandschaft, sie entsprechen meinem Gemüt.“ 2
Malen im grünen Bereich. Der Zeitgeist trägt Gummistiefel.
Natürlich gibt es auch andere Regionen, in denen sie sich gern aufhält, am Gardasee z.B., auf Spiekeroog, in
Dänemark und am Atlantik, deswegen wehrt sie sich verständlicherweise, in die Schublade „Eifel-Malerin“
gesteckt zu werden, als ob es ein spezielles Eifel-Feeling, einen typischen Eifel-Standpunkt gäbe, über den
ein „Eifel“-Künstler identifizierbar wäre, wollte man nicht nur auf ein paar Eifel-Motive festgenagelt werden.
Wer weiß, vielleicht hätte sie auf einem anderen Fleckchen Erde gar nicht erst mit der Landschaftsmalerei
begonnen.
Barnett Newman (1905-1970), Schrittmacher des Colour Field Painting, sah 1965 die Aufgabe eines Künstlers
noch darin, einen Ort zu kreieren, an dem ein Mensch sicher sein kann, „er ist da, damit er sich seiner selbst
gewahr ist.“ Newman nahm Bezug auf das menschliche Umfeld, dem er wenig Eigenwert zubilligte, das
aber die Betrachter dazu animieren sollte, für sich sichtbar zu werden. Aus dieser Selbstisolierung, so Newman,
leite sich ein sozialer Nutzen ab. Er lebte für eine Idealvorstellung: „Hoffentlich hat meine Malerei die
Durchschlagskraft, jemandem, wie es mir geschehen ist, das Gefühl seiner eigenen Ganzheit, seiner eigenen
Abgesondertheit, seiner Individualität und gleichzeitig seiner Verbundenheit mit anderen, die ebenso abgeschieden
sind, zu vermitteln. [...] Man kann doch nur dann andere verstehen, wenn man einen Sinn für sein
eigenes Wesen entwickelt hat.“ 3
Künstler und Künstlerinnen unserer Tage arbeiten zumeist lässiger, mit einem weniger ausgeprägten Willen
zur Selbstbehauptung. Für Kim Reuter, die ebenfalls weniger rigoros denkt, ist es das Zusammensein mit ihrer
Familie, das ihr die Einsicht vermittelt, bei sich und am richtigen Platz zu sein, eine ständige Animation ihrer
kreativen Bindung an einen bestimmten Ort. Im Hier gegründet, dehnt sie ihr Ich in die Kunst aus. Durch
ihre Familie, die beständig in ihren Bildern präsent ist, wächst ihr eine Sicherheit zu, die Selbsterkenntnis ermöglicht
und offen macht, Welt zu assimilieren. Im Ablesen dessen, was um sie herum und im Kraftfeld der
familiären Bindungskräfte passiert, baut sich ihr Werk auf.
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„Straße“, 2009 (Detail)
Eitempera auf Leinwand, 100 x 240 cm
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RURAL ENJOYMENT IN COLOR
Christoph Tannert
For those heading off into the landscapes of Kim Reuter,
the journey leads through gentle mountain ranges, emerging to satisfy explorative curiosity on tuff soil and
wooded basalt domes sculpted by streams of lava. Welcome to the volcanic Eifel! “People need something like
home,” says Kim Reuter, “places on which to alight, free from schmaltz and nostalgia, a place in which to be
both down-to-earth and universal.” 1
The painter lives with her husband and children Milli (thirteen) and Hugo (twelve) at the edge of Leudersdorf,
fifteen minutes from Blankenheim, twenty minutes from Gerolstein, and an hour away from Cologne. They
actually come from Cologne originally and were stranded here by coincidence a few years ago. What was intended
as a weekend retreat then evolved into a larger family home. “I love the Eifel region for its numerous
facets and its rough nature,” says the artist. “I enjoy the tranquil landscape of the juniper heaths and the dense
mixed woodland, there is nothing to compare with the lines of the hilly volcanic landscape, they reflect my
mood.” 2 Painting is a green pastime. The zeitgeist wears rubber boots.
Naturally, there are also other regions in which she likes to spend time—for example, at Lake Garda, on Spiekeroog,
in Denmark, and at the Atlantic—which is why she is understandably reluctant to be pigeonholed as
an “Eifel painter,” as if there is a special Eifel feeling, a typical Eifel viewpoint that could be used to identify an
“Eifel” artist, if it were not possible to pin them down with the aid of a few Eifel motifs. Who knows, maybe
she would never have even taken up landscape painting if her location had been a different one.
In 1965, Barnett Newman (1905–1970), the pacemaker of Color Field Painting, still saw the task of an artist as
that of creating a place in which a person can be secure, “he is there in order to be himself.” Newman made
reference to the human environment, which he attributed little value of its own, but which should animate the
observer to become visible. According to Newman, a social benefit could be derived from this self-isolation.
He lived for an ideal: “Hopefully my paintings have the impetus to give someone, as was the case with me, the
feeling of their own entirety, their own separateness, their individuality and, at the same time, their affinity to
others that are similarly detached.... Only then is it possible to understand others, when one has developed a
sense of their own being.” 3
Artists in the present day and age tend to take a more relaxed approach to their work, with a less pronounced
desire for self-assertion. For Kim Reuter, who is also less rigorous in her thinking, it is being together with her
family that provides her with the insight of being in the right place, a constant animation of her creative bond
with a specific place. With her feet planted firmly in the here and now, she extends her personality into her
art. A continuous presence in her pictures, her family enables her to develop a sense of security that in turn
promotes her self-awareness and grants her the openness with which to assimilate the world. She establishes
her oeuvre as a reflection of that which is occurring around her and within the realm of her family relationship.
„Am Morgen“, 2009
Eitempera auf Leinwand, 60 x 90 cm
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„Gardasee“, 2011
Buntstift auf Papier, 14 x 20 cm
„Gardasee“, 2011
Bleistift auf Papier, 14 x 20 cm
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„Unterwegs“, 2011
Eitempera auf Leinwand, 24 x 18 cm
„Nebelsonne“, 2012
Eitempera auf Leinwand, 40 x 30 cm
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„Interieur“, 2010
Gouache auf Papier, 40 x 30 cm
„Interieur“, 2010
Gouache auf Papier, 30 x 40 cm
„Interieur“, 2010
Gouache auf Papier, 30 x 40 cm

„Am Meer“, 2009
Eitempera auf Leinwand, 120 x 220 cm

Zu diesem Buch erscheint eine limitierte Sonderedition: „Am See“
Eitempera auf Leinwand, 30 x 40 cm, 2011
10 individuelle Exemplare, nummeriert und signiert
This publication is accompanied by a limited collectors edition: „Am See“
Egg tempera on canvas, 30 x 40 cm, 2011
10 individual copies, numbered and signed
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