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parallelwelten • 24.02.-18.04.2012 

F21 • das magazin der artig galerie heinz-frank zu franken • fahrgasse 21 • 60311 frankfurt am main frank wackerbarth • 

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f21 

frank wackerbarth 

parallelwelten 

24.02.-18.04.2012 

by artig galerie • www.F21.ag

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Optionen 

optischer Täuschungen 

Liebe Leserin, lieber Leser, 

ich lasse mich gerne täuschen: wenn es nur klar erkennbar und gut gemacht ist. Die sich Anfang der 

1960er Jahre manifestierte Optical Art täuscht ungemein; doch extrem gut. Sie verlockt zur genaueren 

Betrachtung, zum Versuch des Erkennens und Verstehens. Während andere Kunstrichtungen das Moment 

einer Situation oder Empfindung spiegeln, spielt die „Op-Art“ mit der Zeit als vierte Dimension. Zeit: was für 

ein Luxus! 

Täuschungen arbeiten ja gezielt mit unseren Unfertigkeiten. Die Werbung nutzt das für ihre 

Zielerreichung mit assoziierenden Versprechungen, der schnell nach dem Geld Anderer hechtende Gauner 

setzt auf Unwissenheit und blindes Vertrauen. Die optische Täuschung bedient sich ganz einfach unseres 

vergleichsweise geringen Sehvermögens – und der automatischen Neigung, Gesehenes sofort in 

irgendwelche abgespeicherte vergleichende Bilderkisten einzuordnen. 

Wenn sich das Betrachtete dann auch noch während der Blickanalyse verändert, 

entsteht eine ganz eigene Spannung. Wir sehen noch einmal hin, entdecken 

und vergleichen verschiedene Blickwinkel, bewegen uns vor einem Op-Art-Werk hin und her, um den 

Täuschungseffekt vollends auszukosten. Dass Licht etwas mit Zeit zu tun hat, kann nicht verwundern. 

Schon gar nicht in der Kunst. Dass das Zusammenspiel aus Werk, Licht und Zeit so einzigartige 

Gedankenwelten eröffnet, stellt Frank Wackerbarth mit seiner aktuellen Ausstellung beeidruckend unter 

Beweis. Hier lohnt sich jeder Blick – selbst wenn er erst einmal täuschen mag. 

Frankfurter Künstler-Casting 

Editorial 

Über den enormen Zuspruch zum ersten Frankfurter Künstler-Casting gibt es keinen Zweifel: 221 

eingereichte Bewerbungen sprechen eine deutliche Sprache. Wir kommen mit der Beantwortung kaum 

nach. Am 25. April werden die diesjährigen Sieger mit einer eigenen Sonderausstellung in der artig galerie 

vorgestellt und prämiert. Und es verspricht, ein weiteres Highlight in der kleinen blauen Galerie zu werden! 

Und schon suchen wir mit dem „Struwwelpeter Cartoon-Wettbewerb“ den zeitkritischsten Struwwelpeter 

der Neuzeit. Schauen Sie doch einmal auf Seite 44 nach, ob das Thema Sie reizen könnte. 

Um Originale dreht sich am Heftende so ziemlich alles: da wurde angeblich ein echter Rubens im 

Volkstheater entdeckt, da geht es um echte Frankfurter Originale und dazu um das Thema Kunstfälschung 

an sich. Jede Epoche hat ja ihre eigenen Kunstfälscher. Bitte erlauben Sie mir den Hinweis auf einen 

besonderen Fachvortrag von Karin U. Berg und Dr. Nicolai B. Kemle, zu dem ich gemeinsam mit 

Volkstheater-Chefin Gisela Dahlem-Christ einladen darf (Seite 53). 

Schauen Sie doch einmal herein: in diese Ausgabe, in das Volkstheater Frankfurt und nicht zuletzt in die 

artig galerie. Es gibt viel zu sehen und zu erleben! Herzlich Willkommen und 

beste Grüße, Ihr 

Heinz-Frank zu Franken 

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3

Parralelwelten 

Eindringen, 

durchdringen 

Frank Wackerbarth: Zeit als Stilmittel 

Frank Wackerbarth ist ein Weltenbummler. Er lebt in Frankfurt, 

arbeitet in Langenselbold, genießt seinen Geburtsort Bad Wildungen, 

kreiert in Paris und Toulouse, Kassel und St. Gallen 

ebenso, wie in Zürich, Siena und London. Der gelernte Tischler 

schuf hölzerne Monumentalskulpturen und ließ sich von seinem 

liebevoll als Onkel bezeichneten Horst Wackerbarth (ein Cousin 

seines Vaters) in die höchste Sufe der Fotografie einführen. 

Seine ureigene Mischung aus haptischem und optischem 

Erleben fand er in oberflächenbearbeitetem Aluminium. Sorgsam 

wählt er die Begriffe für seine Technik und spricht vom Fräsen 

und Ziselieren. Das Geheimnis der Farbigkeit seiner Werke lüftet 

er nicht. Vielmehr drängt es ihn, sich über den Kosmos als 

Größtes und im direkten Spiel damit das Sehen des Kleinsten 

auszutauschen. Das Sichtbarmachen von Innen und Außen, der 

Gleichzeitigkeit des Seins aller Ebenen; das beschäftigt ihn und 

treibt ihn an. 

Energiegeladene Bewegungen 

Sein Lieblingswerk ist derzeit das Bild „Befruchtung des Universums“. 

Ob es sich um das Eindringen interstellarer Kräfte, um 

auseinander driftende Zellkörper oder die Aufsicht auf eine 

Inselgruppe handelt, ist für Frank Wackerbarth dabei weniger 

bedeutend, als die sichtbare Wirkung einer wie auch immer 

einwirkenden Energie. „Für mich mein faszinierendstes Werk. Es 

dreht sich in Rechtsrichtung, hat etwas Beruhigendes, weil es 

eine sehr ruhige, gleichmäßige Bewegung erzeugt und den 

Ablauf der Zeit, das Fortschreiten besonders schön sichtbar 

werden lässt.“ Ähnlich bei seinem Bild „soul of underwaterworld“: 

der Wassereffekt vermittelt Ruhe, Frieden, Farben, Spiegelungen, 

geradezu paradiesische Zustände. Insgesamt besteht bei 

allen neueren Werken Wackerbarths eine visuelle Ähnlichkeit zu 

heute typischen wissenschaftlichen Darstellungen des Universums. 

Synapsensprünge 

Bewegung ist der für den Künstler bestimmende Aspekt. Bereits 

mit seinen ersten Synapsensprüngen in kleineren Formaten 

nutzte er 1999 das spiegelnde Aluminium als Trägermaterial, 

setzte eine eigene Frästechnik ein und erschuf so Formationen, 

die ihn an Fäden und Verstrickungen erinnern, wie die Verbindungslinien 

des Gehirns. Beim Vorbeigehen springen die Fäden 

um, geben den Blick auf veränderte Schatten- und Formgebungen 

wieder. Diese beinahe schon klassischste Ausdrucksform, 

die die ganze Bewegung der Optical Art (Op-Art) kennzeichnet, 

blieb für Frank Wackerbarth über die gesamte weitere 

Schaffenszeit hin bestehen. Kontinuierlich entwickelten sich die 

Synapsensprünge von der anfänglichen Vollflächennutzung über 

partiell zuerst in Schwarz, später – für eine Ausstellung 2008 in 

Paris erarbeitet – in Weiß abgegrenzte Hervorhebungen und 

wurde stilgebend auch in seinen neuesten Arbeiten beibehalten. 

In den Jahren 2006 und 2007 hat Wackerbarth viel mit runden 

Ausschnitten gearbeitet und sich dafür intensiv mit Spiralen 

beschäftigt. „Spiralen sind irgendwie Labyrinthe. Vom optischen 

Effekt her sind sie natürlich besonders spannend, weil sie das 

Eintauchen und Herauskommen thematisch gut hervorheben 

und sich in die Gedanken über Parallelwelten wie von selbst 

einpassen.“ 

4 

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Im vergangenen Jahr integrierte der Op-Artist erstmals den 

Bildtitel in das Werk selbst. In Abwandlung des Gandhi-Zitates 

„Sei Du selbst die Veränderung, die Du Dir wünschst“ fordert er 

den Betrachter ganz direkt auf, die Parallelität eines Werkes 

selbst zu bestimmen: „Sei Du selbst die Bewegung und damit die 

Veränderung des Bildes und werde zum Schöpfer meiner Op- 

Art!“ 

Unterschiedlicher und doch „gleicher“ können Objekte ein- und 

desselben Gedankens kaum sein, als die Umsetzungen Frank 

Wackerbarths der letzten Dekade. Die Synapsensprünge 3 und 4 

sind nahezu zeitgleiche Weiterentwicklungen, die starke optische 

Bewegungen aufzeigen und dabei in ihren zunehmend farbiger 

gewordenen Motiven an Zellstrukturen und moderne Mikroelektronik-Aufnahmen 

erinnern. Daneben abstrahiert „sunplanet“ 

beispielsweise die kraftvollen und bewegungsreichen Strukturen 

der Sonnenoberfläche, wie sie uns von computeranimierten 

Teleskopaufnahmen vertraut sind. Nur auf den ersten Blick sticht 

da das Bild „silence of parallelworld“ heraus: „Da habe ich mich 

in meiner Op-Art etwas von der Pop-Art inspirieren lassen. Für 

mich stellt es die Ruhe, den klassischen figürlichen Akt auf 

moderne Weise dar. Es ist dieses Ruhige, wenngleich sehr 

Bunte, das wir aus der Unterwasserwelt kennen und erleben 

können.“ 

„lana in red“ 

Im Jahr 2003 entstanden zwei ähnliche figürliche Skulpturen, die 

in ihrer schroffen Kühle aus Material und harten Kanten doch gekennzeichnet 

sind von weiblicher Eleganz, fließenden Bewegungen 

und strahlender Wirkung. Die nach rechts schauende Zweimetersechzig-Frau 

verbleibt als unverkäuflich im Eigenbesitz des 

Künstlers. Die nach links sehende Dame mit 2,62 Meter Gesamtgröße 

wird exklusiv in der artig galerie angeboten. 

Frank Wackerbarth hat seinen ohnehin mehrdimensionalen 

Kunstwerken damit die reale Dreidimensionalität hinzugefügt. 

Dass die vierte Dimension seiner Arbeiten grundsätzlich die Zeit 

ist, in der der Betrachter durch eigene Bewegung über die 

Rezeption der enthaltenen Lichtreflexe sein sichtbares Erlebnis 

herstellt, gilt als Grundvoraussetzung; und als prägendes Erkennungszeichen 

der Op-Art schlechthin. Wackerbarth bringt mit 

„lana in red“ ebenso wie mit seiner Miniserie „stabile“ (als Gegenpol 

zu einem Mobile, wenngleich die fixierten Elemente durch 

ihre Oberflächenbearbeitung Mobilität aufweisen und einfordern) 

das Mehr an gleichzeitigem Dimensions- und Parallel-Empfinden 

zur Geltung. 

Allen Skulpturen sind erst einmal scharfe Kanten gemein. 

Wackerbarth arbeitet in der Regel mit 6 Millimeter starkem 

Aluminium. Bei der Verarbeitung und insbesondere in der Optik 

entstehen dann jeweils runde Erscheinungen. „Das Zusammenspiel 

aus Rundung und Kante ist für mich besonders reizvoll.“ 

Ebenso das Durchdringen, indem er das Äußere herausnähme. 

Wackerbarth lehnt sich dabei an die Scherenschnitte von 

Matisse an: „Figuren sinnbildlich zu zerschneiden und wieder 

zusammenzusetzen und trotzdem in einer harmonischen Form 

zu bleiben. Darauf basieren meine Skulpturen.“ 

Wenngleich die Skulpturen als 10er Serien angelegt sind, entsprechen 

sie mehr Originalen. Der „Grundschnitt“ der jeweiligen 

Aluminiumträger ist nahezu identisch. Minimale Abweichungen 

sind durch das Material bedingt. Da allerdings jedes Werk 

einzeln oberflächenbehandelt wird, entstehen individuelle Linienund 

Lichtmuster, die immer Eigenständigkeit darstellen. 

Zwei Erstpräsentationen 

Frank Wackerbarth zeigt erstmals öffentlich seine Foto- und 

Kunstdruckarbeiten in der artig galerie. Die Fotos entstanden 

zwischen 2005 und 2007. Die Flächen und Effekte sind nicht im 

Photoshop entstanden, sondern einzig durch die Aufnahmetechnik. 

Nicht die Nachbearbeitung, sondern die Realität, aus 

mystischen Übergängen gebildet, stellt Wackerbarth vor: „Ich 

arbeite immer direkt und fotografiere so lange, bis ich das 

Ergebnis habe. Ich will das Sehen herausfordern. Entdecken 

durch Hinschauen.“ Als Künstler gucke man mitunter anders 

oder intensiver und entdecke dadurch etwas Neues. „Das kann 

eigentlich jeder, wenn er es will. Veränderung durch ein anderes 

Hinschauen.“ Die Technik der Solarisation macht Auren sichtbar, 

leuchtet, abstrahiert und hält das sonst Unsichtbare fest. 

Solarisation 

Ebenfalls in einer Erstpräsentation stellt Wackerbarth seine Serie 

„sunset“ in der artig galerie vor. Seit 2009 beschäftigt sich der 

Künstler mit den Vorstufen und Skizzen, die er als Aquarelle 

ausarbeitet und abschließend als Kunstdruck in beinahe schon 

barock anmutenden Goldrahmen oder hinter Diaplex kaschiert. 

Die leuchtende Farbigkeit der abgebildeten Frauenkörper lässt 

beides harmonisch zu. Die zunehmende Figürlichkeit seiner 

Motive entspricht einer gegenwärtigen Strömung. Dennoch bleibt 

sich Wackerbarth in seiner Formsprache treu. Die Hintergründe 

sind die aus seinem Gesamtwerk erkennbaren Formationen. Bei 

aller Lautstärke der Farbgebung sind sie doch ruhig. Sein Tribut 

an die Op-Art besteht in der malerischen Aufteilung der Körper, 

die trotz scharfkantiger Linien und Farbfelder den weiblichen 

Rundungen entsprechen und schmeicheln. Eine höchst beachtenswerte 

Weiterentwicklung der heute schon klassischen 

Op-Art-Übertragungen in die Mode der 1960er und -70er Jahre. 

Die Foto- und Kunstdruckarbeiten sind als Vorstufen in der artig 

galerie zu sehen. Die limitierten Auflagen werden auf Bestellung 

angefertigt (da sich die Realisierung an Rahmen- und Materialwünschen 

ausrichtet). Sonderformate und individuelle Einzelanfertigungen 

sind für Frank Wackerbarth keine Frage. 

Noch bis zum 18. April in Frankfurt 

Noch bis zum 18. April ist Frank Wackerbarth in der artig galerie 

heinz-frank zu franken (Fahrgasse 21, 60311 Frankfurt am Main) 

zu Gast mit seinen Bildern, Skulpturen und erstmals auch Kunstdruck- 

und Fotoarbeiten. Die Galerie ist dienstags bis freitags 

von 16 bis 19 und samstags von 15 bis 18 Uhr geöffnet. Am 15. 

und am 29. März finden „artig after-works“ statt: ungezwungene 

Treffen mit dem Künstler direkt nach Büroschluss (jeweils von 18 

bis 21 Uhr). Infos unter www.artig.co. 

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Erst mal sehen, 

ob was dabei ist! 

Optionen optischer Täuschungen, Editorial 3 

FRANK WACKERBARTH 

Selbstverständnis eines Op-Art-Künstlers 4 

Parallelwelten 8 

Erstvorstellungen der Kunstdrucke 24 

Erstvorstellungen der Fotoarbeiten 26 

Optical Art 

Das „wirkende Bild“ als demokratische Kunst 34 

kunstmeile20zwölf 

Frank Wackerbarth im Rahmenprogramm der dOCUMENTA (13) 36 

Das Documenta-App 

Kunsterlebnis-App für Smartphone-Nutzer 37 

Luminale 2012 

Biennale der Lichtkultur in Frankfurt am Main 38 

vkunst frankfurt IV 

Neue Klarheit am 20. & 21. April in der Fahrgasse 41 

Aufschrei gegen AIDS 

artig galerie unterstützt die AIDS-Hilfe Frankfurt 42 

Martin Joppen - Neue Projekte 

Shareware im 365er iPhone-Facebook-Rhythmus 43 

Struwwelpeter Cartoon-Wettbewerb 2012 

Gesucht wird der zeitkritischste Struwwelpeter der Neuzeit 44 

Echter Rubens in Frankfurt entdeckt 

Sensationsfund in „Sperlings Raritätenladen“? 46 

Inhalt 

Frankfurter Originale 

Von Unverzichtbarem, Frankfurter Würstchen 

und warum letztere immer der Länge nach platzen 48 

Kunstfälscher 

Jede Epoche hat ihre eigenen 52 

Fälschung: Kunstrecht und Materialforschung im Dialog 

Fachvortrag von Karin U. Berg und Dr. Nicolai B. Kemle 53 

Impressum 53 

6 

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Werkübersicht 

„Parallelwelten“ 

Bilder 

• lana in red 262x110x120cm € 38.000 9 

• transfer to parallelworld 150cm € 12.500 10 

• changing red planet 150cm € 12.500 11 

• connection to parallelworld I 250x150cm € 24.000 12 

• connection to parallelworld II 250x150cm € 22.000 13 

• synapsensprung I 250x150cm € 18.000 14 

• synapsensprung II 200x100cm € 16.000 15 

• sunplanet 175x125cm € 16.000 16 

• synapsensprung IV 250x125cm € 22.000 17 

• synapsensprung III 125x75cm € 7.400 18 

• sei du selbst die veränderung 100x80cm € 7.400 19 

• befruchtung des universums 150x125cm € 27.000 20 

• colours of universe 100x100cm € 12.000 21 

• soul of underwaterworld 150x150cm € 24.000 22 

• silence of parallelworld 175x125cm € 16.000 23 

Erstpräsentation Kunstdrucke 24 

Erstpräsentation Fotoarbeiten 26 

• mädchen mit dem perlenohrring 59x42cm € 990 26 

• the light is in you 59x42cm € 990 27 

• esting in blue 59x42cm € 890 28 

• blue planet 59x42cm € 890 28 

• goldfingerpink 59x42cm € 890 28 

• heatplanet 59x42cm € 890 28 

• coming to life 59x42cm € 890 28 

Skulpturen 

• abstract I 65x30cm € 2.700 30 

• abstract II 68x35cm € 2.700 30 

• durchdringung - äußeres 78x35cm € 3.100 31 

• durchdringung - inneres 120x60cm € 3.500 31 

• sitzende 64x45cm € 2.900 31 

• punker 63x35cm € 2.700 32 

• lockenkopf 69x50cm € 2.700 32 

• kiki 47x34cm € 2.700 32 

• stabile 32x24x24cm € 2.700 33 

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7

Parallelwelten 

Frank 

Wackerbarth 

24. Februar bis 18. April 2012 

8 

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lana in red 

Frank Wackerbarth, 2003 

262x110x120cm, mixed media on aluminium 

Unikat 

€ 38.000 

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9

ilder 

transfer to parallelworld 

Frank Wackerbarth, „Parallelwelten“, 2007 

150cm, mixed media on aluminium 

Unikat 

€ 12.500 

10 

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changing red planet 


150cm, mixed media on aluminium 

Unikat 

€ 12.500 

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11

connection to parallelworld I 


250x150cm, mixed media on aluminium 

Unikat 

€ 24.000 

12 

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connection to parallelworld II 



Unikat 

€ 22.000 

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13

synapsensprung I 



Unikat 

€ 18.000 

14 

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synapsensprung II 



Unikat 

€ 16.000 

F21 © 3/12 

15

sunplanet 



Unikat 

€ 16.000 

16 

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synapsensprung IV 



Unikat 

€ 22.000 

F21 © 3/12 

17

synapsensprung III 



Unikat 

€ 7.400 

18 

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sei du selbst die veränderung 



Unikat 

€ 7.400 

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19

efruchtung des universums 



Unikat 

€ 27.000 

20 

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colours of universe 



Unikat 

€ 12.000 

F21 © 3/12 

21

soul of underwaterworld 



Unikat 

€ 24.000 

22 

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silence of parallelworld 



Unikat 

€ 16.000 

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erstpräsentation der kunstdrucke von frank wackerbarth 

kunstdrucke 


auf ziselierter Aluminiumplatte mit nachbearbeiteter Oberfläche als Unikat 

sowie als limitierte kunstdrucke 

Muster der Ausgangszeichnungen werden erstmals in der artig galerie präsentiert 

24 

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erstpräsentation der fotowerke von frank wackerbarth 

das mädchen mit dem perlenohrring 


59x42cm, 4c-Fotoprint 

Auflage: 10 

je € 990 plus Rahmung oder Aufzug auf Diaplex 

26 

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the light is in you - holy blue spirit 


59x42cm, 4c-Fotoprint 

Auflage: 10 


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28 

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esting in blue 

blue planet 

goldfingerpink 

heatplanet 

coming to life - transforming from iceplanet 


bis zu 59x42cm, 4c-Fotoprint 

Auflage: 10 pro Motiv 


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skulpturen 

Alle Skulpturen auf schwarzem Granitsockel (ohne Hintergrundbild). Individuelle Sockelvarianten und Sonderformate als Unikat auf Anfrage möglich. 

abstract I 

Frank Wackerbarth, „Parallelwelten“, 2002 / 2012 


10er-Serie für artig galerie mit individueller Oberflächenbehandlung 

€ 2.700 

abstract II 

Frank Wackerbarth, „Parallelwelten“, 2002 / 2012 



€ 2.700 

30 

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durchdringung - äußeres 




€ 3.100 

durchdringung - inneres 




€ 3.500 

sitzende 




€ 2.900 

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lockenkopf 

Frank Wackerbarth, „Frauenköpfe“, 2009 / 2012 



€ 2.700 

Alle Skulpturen auf schwarzem Granitsockel (ohne Hintergrundbild). Individuelle Sockelvarianten und Sonderformate als Unikat auf Anfrage möglich. 

punker 

Frank Wackerbarth, „big brother is watching you“, 2005 / 2012 



€ 2.700 

kiki 

Frank Wackerbarth, „Pariser Muse“, 2003 / 2012 



€ 2.700 

32 

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stabile 


32x24x24cm, mixed media on aluminium 

Eine 3m hohe Umsetzung kommt 


im Sommer 2012 in Bad Wildungen 

€ 2.700 zur Exposition 

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33

Das „wirkende Bild“ als demokratische Kunst 

Optical Art 

Es geht um nichts weniger, als um die 

vierte Dimension der Kunst: die 

Integration von Zeit! Erzeugt wird diese 

durch ein Moment der virtuellen oder 

realen Bewegung. Die Op-Art (optical 

art) erreicht ihren hohen Grad an 

Abstraktheit über eine systematische 

Stimulation des Auges und zielt auf die 

Intensivierung des Sehens ab. Op-Art- 

Kunstwerke werden während der 

Betrachtung über den zeitlich 

bedingten Bewegungsablauf für den 

Betrachter variabel. Ein Grund, warum 

die ersten Op-Artisten sogar den Begriff 

des Originals für ihre Werke ablehnten. 

Es gibt eindeutige Merkmale der Op-Art: optische Täuschungen 

durch überraschende Form- und Farbkompositionen, perspektivische 

Illusionseffekte und echte wie auch lediglich suggerierte 

Bewegungsabläufe. Der Betrachter wird über optische 

Irritationen direkt aufgefordert, seine Wahrnehmung auf das 

jeweilige Werk abzustimmen. Der zumeist simple Aufbau der 

Kunstwerke ermöglich einen gezielten Zugriff, der nicht nurmehr 

Kunstexperten vorbehalten ist, denn die individuelle Aneignung 

des Werks in seinen sinnlichen Merkmalen wie sinngebenden 

Inhalten ist ohne Vorbildung möglich. 

Op-Art-Künstler wollen verwirren und den Betrachter dazu 

bringen, sich in einem Bild oder einer Skulptur zu verlieren, sich 

selbst für die eigene Wahrnehmung in Bewegung zu setzen und 

die eigenen Vergleiche des Sehens und Erlebens zu forcieren. 

Eine durchaus demokratische Kunst also, die als solches gewollt 

ist. 

34 

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Die Optical-Art entwickelte sich mit Beginn der sechziger Jahre 

als internationale Stilrichtung. Künstler beschäftigen sich 

vermehrt mit der optischen Wirkung abstrakter, meinst 

geometrisch-serieller Farb- und Formschöpfung. Am Anfang war 

es mehr eine Reaktion auf die damals vorherrschende Kunst 

(Abstrakter Expressionismus, Tachismus, Action Painting), doch 

das Ziel von jüngeren Künstlern war Präzision. Sie wollten die 

optische Wirkung eines Kunstwerkes unabhängig von allen 

zufälligen Gegebenheiten der persönlichen Konstitution ausfindig 

und in einem wissenschaftlich-methodischen Sinne anwendbar 

machen. Wichtig wurde dabei vor allem die optische Täuschung. 

Die Gruppe ,,De Stijl“ war so präzise, wie man es sich nur hätte 

wünschen können, doch die Nachkriegsgeneration wollte nicht 

mehr zur geometrischen Abstraktion der Zeit vor dem Zweiten 

Weltkrieg zurückkehren. Sie wollte etwas Präzises und Neues. 

Der „bewegte Betrachter“ 

Der direkte Appell an den Betrachter war das Neue an der Op- 

Art. Sie verlangte keinerlei Vorkenntnisse an klassischer, 

biblischer oder sonstiger Ikonografie, sondern nur nach einen 

offenem ,,geistigen“ Auge. Das sollte nicht nur durch eine 

gezielte optische Irritation geöffnet werden, sondern auch durch 

die Möglichkeit, die Rezeption, also die Wahrnehmung gleich mit 

zu animieren. 

Das wichtigste Merkmal der Op-Art liegt somit wohl in ihrer 

Wirkung auf bestimmte physiologische Prozesse in Auge und 

Gehirn, deren wir uns normalerweise nicht bewußt sind. Die Op- 

Art gibt keinen Hinweis auf die Individualität eines Künstlers 

beispielsweise durch den Pinselduktus. Sie erreicht einen sehr 

viel höheren Grad von Abstraktheit als die plastische Kinetik, weil 

sie auf eine systematische Stimulation des Auges und die 

dadurch hervorgerufene Intensivierung des Sehens abzielt. 

Die Bilder der Op-Art bedienen sich geometrischer Formmuster 

und Farbkontraste, welche im Auge des Betrachters Bewegungsund 

Vibrationseffekte auslösen. Noch steigern lassen sich diese 

irritierenden Wirkungen durch die Verwendung von komplementären 

Farbpaaren oder äußerst schmaler Farbdifferenzen, die 

eine Scharfstellung des Auges fast unmöglich machen. 

Heute ist die Op-Art auch im Alltag vertreten. Beispielsweise 

konfrontieren 3D-Bilder den Betrachter ebenso wie die Bilder der 

Op-Art mit einer ständig wechselnden Wahrnehmung. Selbst die 

Modeindustrie hat wesentliche Elemente der Op-Art längst 

aufgegriffen und für effektvolle Kreationen genutzt. 

Das Kunstwerk als Nebensache 

Im Grunde ist kaum noch das Kunstwerk selbst die Hauptsache, 

sondern seine Wirkung auf den Betrachter. Die Op-Art ist mehr 

oder weniger irritierend, weil unsere Wahrnehmung getäuscht 

oder behindert wird und weil es nicht gelingt, sie für längere Zeit 

zu stabilisieren, auch dann nicht, wenn man sich bemüht, von 

einem Detail zum anderen fortzuschreiten und den Zusammenhang 

zu analysieren. Hier zählt allein die Totalität. Doch genau 

diese Totalität verharrt in der Mehrdeutigkeit. Ein herrlicher 

Genuss. 

Die Entstehung der Op-Art 

Über die Entstehung der Op-Art gibt es unterschiedliche Ansichten. 

Das künstlerische Selbstverständnis der Op-Art entstand 

schon Mitte der 1950er Jahre und prägte sich um 1960 erstmals 

voll aus, die Bezeichnung ist seit 1964 geläufig. Eine Vorläuferrolle 

haben Futurismus, Dadaismus und Konstruktivismus inne, 

die schon vor dem Zweiten Weltkrieg mit derartigen Effekten 

experimentierten. Selbst in den 1930er und 1940er Jahren sind 

erste Vorstufen der Op-Art auszumachen. Bestimmende Ausprägungen 

wurden von Victor Vasarely (1908-97) und Josef Albers 

(1888-1976) getragen, die beide Einflüsse des Bauhauses 

verarbeiteten, insbesondere den effektvollen Konstruktivismus 

von László Moholy-Nagy. Beide Schulen errichteten demnach 

zwischen den Phänomenen Licht und Farbe eine strenge 

Trennungslinie, die mit der jeweils unterschiedlichen Rezeption 

begründet wird. Licht könne im Raum als ein immaterieller Bewegungszustand 

wahrgenommen werden; Farbe habe jedoch 

eine materielle Bindung an eine Fläche und benötige zur Wahrnehmung 

das Licht. Aus dieser grundsätzlichen Unterscheidung 

von räumlichem Licht und flächiger Farbe ergeben sich zwei 

Formen einer optischen Kunst: eine kinetische (im dreidimensionalen 

Raum) und eine statische (auf zweidimensionaler 

Ebene). 

Nach dem Zweiten Weltkrieg hat Victor Vasarely seine 

Farbvibrationskunst aus den chromatischen Experimenten der 

Bauhausschule entwickelt. Eine solche aus Farbkontrasten 

abgeleitete Op-Art benutzt für ihren Effekt zusätzlich die seriellen 

Strukturen einer geometrischen Abstraktion und verweist dabei 

auch auf das Ornament. 

Die Betonung des Optischen veranlasste Josef Albers übrigens 

zu der Äußerung, dass alle Malerei optisch sei. Er formulierte 

seine Kritik in dem Satz: „Die Benennung irgendwelcher 

Bildkunst als ‘Optische Kunst’ ist ebenso sinnlos, wie die, von 

akustischer Musik zu sprechen oder haptischer Skulptur.“ 

Durchbruch in New York 

Die 1965 von William C. Seitz kuratierte Ausstellung „The 

Responsive Eye“ im New Yorker Museum of Modern Art verhalf 

der optischen Kunst zum Durchbruch. Der Ausdruck Op-Art soll 

bereits ein Jahr zuvor entstanden sein. Donald Judd wird häufig 

als Schöpfer des Namens betitelt: er beendete eine Kritik der 

Ausstellung Optical Paintings von Julian Stanczak in der Martha 

Jackson Gallery mit dem Zweiwortsatz: Op art. In der Diskussion 

um die Namensgebung wird immer wieder auch der polnische 

Künstler Henryk Berlewi genannt. 

Heute bezieht sich bereits eine nachfolgende Maler- und 

Bildhauergeneration, motivisch und inhaltlich reflektierend, auf 

die „historische“ Op-Art der sechziger Jahre: als wegweisend 

gelten zu den Vorgenannten Yaacov Agam, Richard 

Anuszkiewicz, Carlos Cruz-Diez, Gerhard von Graevenitz, Heinz 

Mack, Almir Mavignier, Julio Leparque, Youri Messen-Jaschin, 

Bridget Riley, Jesús Rafael Soto, Philip Taaffe, Günther Uecker, 

Victor Vasarely, Ludwig Wilding, Victor Vasarelys Sohn Jean- 

Pierre Yvaral – und Frank Wackerbarth. 

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35

Frank Wackerbarth im dOCUMENTA (13) Rahmenprogramm 

kunstmeile 

20zwoelf 

Während traditionsgemäß über 

die Documenta-Künstler bis 

wenige Tage vor der Eröffnung 

Stillschweigen gewahrt wird, darf 

über das Rahmenprogramm bereits 

berichtet werden. Op-artist Frank 

Wackerbarth, aktuell in der artig 

galerie in Frankfurt am Main 

präsentiert, ist einer der 

ausgewählten Teilnehmer an der 

„kunstmeile20zwölf“ in der Kasseler 

Friedrich-Ebert-Straße. 

Alle fünf Jahre küsst die Kunstwelt die Stadt Kassel aus ihrem 

Herkules-bewachten Gebrüder-Grimmschlaf. Anlass ist die 

Documenta mit allem, was sie hat und was sie ausmacht. Dazu 

gehört auch die sehr umfangreiche, lebendige und heterogene 

professionelle Kunstszene. Dieser Kunstszene mit 

internationalem Ruf gibt die Künstlerinitiative „Art vor Ort“ 

Gelegenheit, sich auch außerhalb der offiziellen Documenta- 

Bereiche einer größeren Öffentlichkeit zu präsentieren und damit 

zum Image Kassels als Kunst- und Kulturstadt beizutragen. 

Initiatoren Rainer Henze und Peter Grammet haben eine 

Kunstausstellung mit Werken regionaler und international 

arrivierter Künstlerinnen und Künstler in der Friedrich- Ebert- 

Straße vom Ständeplatz über den Bebelplatz und weiter bis zum 

Bürogebäude von Wintershall auf die Beine gestellt. Genutzt 

werden Schaufenster und Räumlichkeiten von Geschäften, 

Hotels, Institutionen und Gaststätten, um vom 02.Juni bis zum 

16.September 2012 die Friedrich-Ebert-Straße mit 

verschiedenen musikalischen, theatralischen und literarischen 

Events zu bereichern und zu einem beachtenswerten Bestandteil 

des Documenta-Umfeldes werden zu lassen. Werkausstellungen, 

Lichtinstallationen, Filmprojektionen von Künstlern, 

Konzerte, Lesungen, Theater, Tanzperformances, ein 

besonderer musikalischer Rahmen und ein themenbezogenes 

Catering sind dafür vorgesehen. Als Orientierungsgrundlage für 

die Besucher wird ein Leit- und Informationssystem in Form 

einer Faltkarte in allen teilnehmenden Locations 

angeboten.Vorinfos unter www.kunstmeile20zwoelf.de 

36 

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kostenlose App für Smartphones für ureigene Erlebnisse 

Das App 

zur Documenta 

Künstler und Programm der 13. 

Documenta in Kassel werden traditionsgemäß 

erst wenige Tage 

vor der Eröffnung am 9. Juni 2012 

bekannt gegeben. Eine eigene APP 

soll den Besuchern erstmals den 

Weg zu den Kunstwerken und 

Veranstaltungen weisen. Neben 

der Orientierung bei der Vielzahl 

der Ausstellungsorte werden auch 

zusätzliche Informationen zu den 

einzelnen Werken angeboten. Die 

weltgrößte Schau zeitgenössischer 

Kunst dauert wieder exakt 

100 Tage. 

Eine eigene App soll den Dschungel der 

Kulturvielfalt erhellen. Carolyn Christov- 

Bakargiev, künstlerische Leiterin der 

dOCUMENTA (13): „Die 13. Auflage der 

Documenta will sich künstlerischer 

Forschung und Formen der Imagination 

widmen, die Materie, Dinge, Verkörperungen 

und das tätige Leben erforschen.“ 

Foto: Documenta Kassel 

dMAPS ist ein digitales Tool zur Orientierung, Interpretation und 

Partizipation an den mentalen und physischen Räumen, die die 

dOCUMENTA (13) erzeugt. Den Besuchern wird eine intelligente 

Kartografie, kombiniert mit Geolokations-Technologien an die 

Hand gegeben, die es ihnen erlaubt, mit Gewissheit ihre Position 

zu bestimmen, ihren Weg zu den verschiedenen Bereichen der 

Ausstellung zu finden und diese zu erleben. Die Räume der 

dOCUMENTA (13) sind auf zuvor nie erprobte Weise über das 

gesamte Kasseler Stadtgebiet verteilt. Die Programmierung von 

dMAPS bietet die Möglichkeit, den Besuchern ein Verständnis 

der Kasseler Stadtgeschichte der Nachkriegszeit zwischen 

Zusammenbruch und Wiederaufbau und im Hinblick auf die 

zeitgenössische Kunst zu vermitteln. 

Dabei beruht dMAPS auf einigen der effizientesten Funktionen 

von Anwendungen, die speziell für Ausstellungen entwickelt 

wurden. dMAPS vermeidet es jedoch, die Logik von Audio- und 

Multimedia-Guides einfach auf das Mobilgerät zu übertragen. 

Anstatt Erklärungen zu den Kunstwerken zu liefern, fungiert es 

als Mediaplayer, der es den Besuchern ermöglicht, zuzuhören 

und etwas zu empfinden; es kann sie in eine Stimmung 

versetzen, die unterschiedliche Perspektiven für eine engagierte 

Beschäftigung mit der Kunst auf der dOCUMENTA (13) eröffnet. 

Eine wichtige Rolle werden Gespräche mit einigen an der 

Ausstellung beteiligten Künstlern spielen, die während der 

Vorbereitungstreffen aufgezeichnet wurden. Ein anderes Feature 

wird in Zusammenarbeit mit ausgewählten Künstlern entwickelt; 

diese werden die Nutzer in einer aufgezeichneten Audiotour 

durch einen kleinen Bereich der Ausstellung begleiten, sodass 

man sie mit ihren Augen sehen kann. 

Das Veranstaltungs- und Performance-Programm der 100- 

tägigen Ausstellungsdauer werden sehr umfangreich sein und 

die Besucher vor schwierige Entscheidungen stellen. dMAPS 

wird detaillierte Tagesprogramme enthalten und den Besuchern 

helfen, die Ereignisse ausfindig zu machen und rechtzeitig zu 

erreichen. Die Originalität von dMAPS besteht darin, alternative 

Herangehensweisen an die Kunstprojekte der dOCUMENTA (13) 

einzubeziehen und deren Wechselbeziehungen zu entdecken. 

dMAPS hinterfragt die Standardisierung von Erwartungen und 

die Einschränkungen, die heute allzu oft mit der Verwendung von 

Apps einhergehen. dMAPS ist ein gemeinsames Projekt der 

dOCUMENTA (13) und der Sparkassen-Finanzgruppe, wird von 

Nicola Setari konzipiert und von Leftloft (Mailand und New York) 

gestaltet. Die Software wird bei Apple, Android und eventuell 

weiteren Plattformen laufen; ein kostenloser Download wird bei 

Beginn der Ausstellung zur Verfügung stehen. Zusätzlich werden 

ausleihbare Mobilgeräte mit der vorinstallierten Anwendung 

erhältlich sein. 

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37

Biennale der Lichtkultur 

Luminale 2012 

Seit zwölf Jahren begleitet die Luminale alle zwei 

Jahre die Messe Light+Building. Sie hat sich längst 

auch international als die Biennale der Lichtkultur 

etablieren können. Die Luminale bildet das Abend- 

Programm für die rund 183.000 Messebesucher der 

Light+Building ebenso, wie als Flanier- und 

Stadterkundungserlebnis für die Frankfurter. Die 

Luminale findet parallel zur Light+Building vom 15. 

bis 20. April 2012 an rund 150 Standorten in 

Frankfurt am Main statt. www.luminapolis.com 

Foto: Mese Frankfurt – Jochen Günther 

38 

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Die Luminale gilt als nicht erst mit der 

diesjährigen sechsten Auflage als international 

anerkanntes Lichtkultur-Festival, das 

alle zwei Jahre in Frankfurt Rhein-Main 

stattfindet. Neben Frankfurt am Main sind 

Offenbach, Darmstadt, Mainz und Wiesbaden 

weitere Spielorte des Festivals. Das 

Konzept wurde im Jahr 2000 von Helmut 

M. Bien (Westermann Kommunikation) entwickelt 

und erstmals 2002 realisiert. Rund 

200 Licht-Projekte und 150 Veranstaltungen 

gibt es in Museen und Galerien, an Hochhausfassaden 

und in Lagerhallen, auf Straßen 

und Plätzen, in Kirchen und Parks, an 

Flussufern und Brücken zu sehen.Seit 2010 

konzentriert sich die Luminale wieder auf 

ihren Nukleus Frankfurt-Offenbach. Vor 

allem die internationalen Designer und 

Künstler suchen die Nähe zur parallel stattfindenden 

Messe Light+Building (15.-20. 

April). 

Die Energie- und Klima-Debatte hat das 

Thema Licht an die Spitze der Agenda gesetzt. 

Elektrizität, ihre Produktion, Verteilung 

und Anwendung ist ein gesellschaftliches 

Schlüsselthema, an dem sich die 

Zukunft der Zivilisation entscheiden könnte. 

Die rasante technologische Entwicklung der 

Beleuchtungssysteme und ihrer Steuerung 

haben neue Möglichkeiten eröffnet, die 

Lichtverhältnisse nachhaltig zu verändern. 

Deshalb ist es so wichtig, über die „greenovations“, 

die grünen Innovationen, ihre Einsparpotenziale 

aber auch über die ästhetischen 

Auswirkungen auf die Lebensqualität 

informiert zu sein. 

Licht geht alle an 

Das Lichtdesign wird von vielen Faktoren 

beeinflusst, bei denen ebensoviele mitreden. 

Licht ist keine Sache, die ausschließlich 

die Experten angeht. Es braucht ein 

breit fundiertes Wissen und Verständnis für 

Möglichkeiten, Effekte und Risiken.Deshalb 

ist in den letzten zehn Jahren das Interesse 

am Licht rapide gewachsen. Die Luminale 

leistet dazu ihren Beitrag. 

Das Verbot herkömmlicher Glühbirnen 

leitete das Post-Edison-Zeitalter ein. Die 

Dynamisierung und Digitalisierung des 

Lichtes, die mit der LED-Technik einen 

gewaltigen Schub erlebte, bringt Design- 

Disziplinen zusammen, die bisher eher selten 

miteinander zu tun hatten. Licht wird zu 

einem Gestaltungsmittel nicht nur der Architekten 

sondern auch für Graphikdesigner, 

Mediengestalter und elektronische Kunst 

am Bau. Licht ist darüber hinaus zur vierten 

Dimension des Bauens geworden: Licht ist 

ein Baumaterial des 21.Jahrhunderts. 

Lichtdesign dient nicht der nachträglichen 

Dekoration von Gebäuden, sondern die 

Lichtplanung wird zum integralen Bestandteil 

der Bauplanung. Sie hat keine kosmetische 

Dimension eines „Aufhübschens“ von 

Immobilien nach Einbruch der Dunkelheit 

– und sie ist auch aus ökologischen Gründen 

kein verzichtbarer Luxus. 

Lichtfestivals wie die Luminale – die Biennale 

der Lichtkultur – sind besondere Herausforderungen 

für das Lichtdesign. Hier 

geht es um temporäre Installationen für 

Orte, Gebäude und öffentliche Plätze, die 

von einem großen Publikum besucht werden. 

Die Faszination dieser Installationen 

lebt von den jeweils neuesten technischen 

Möglichkeiten. Licht wird als Medium eingesetzt, 

eine alternative Welt jenseits des 

Alltagslebens sichtbar zu machen. Bei 

solchen Inszenierungen steht nicht die 

Alltagstauglichkeit auf dem Programm. 

Ganz im Gegenteil. Lichtfestivals stehen in 

der Nachfolge der Romantik, deren Programm 

Novalis formuliert hat: Banalem und 

Alltäglichem einen höheren Sinn zu verleihen 

und für einen kurzen utopischen Moment 

lang die Verhältnisse zum Tanzen zu 

bringen. Lichtfestivals sind repräsentative 

Ereignisse, in denen eine Gesellschaft 

Bilder von sich selbst entwickelt und die 

Bürger dazu einlädt, sie zu teilen. 

Faszination des Dialogs aus Licht 

Seit uralten Zeiten gehören dabei Opulenz 

und Extravaganz zur inneren Logik solcher 

Ereignisse. Die Kritik an der „Verschwendung“ 

hat dabei notorisch keine Chance, 

als Spielverderber gegen die gute Laune 

durchzudringen, die sich mit solchen Ereignissen 

verbindet. Der öffentliche Raum 

verwandelt sich in einen narrativen Raum, 

in dem im besten Falle eine Geschichte dadurch 

erzählt wird, dass Architekturen zueinander 

mit Lichtinszenierungen in Dialog 

gesetzt werden. Das ist der eigentliche 

Grund dafür, dass Licht-Festivals immer 

populärer werden, weil sie ein Instrument 

darstellen, Image und Identität auszuformen. 

Die Luminale konnte eine eigene Tradition 

als Lichtkultur-Festival begründen. Das 

Konzept ist vom ältesten Lichtfest, der über 

150 Jahre alten „Fête des Lumières“ in Lyon 

inspiriert. Eine Vielfalt von Licht-Installationen, 

Lichtkunst, Performances, Lichtklang-Installationen 

inszeniert die Möglichkeiten 

im Umgang mit Licht. Die Luminale 

ist eine Präsentationsplattform für Architekten, 

Designer, Stadtplaner und Künstler, 

neue Arbeiten und Produkideen im Rahmen 

des Festivals der Öffentlichkeit vorzustellen. 

Regelmäßig erhalten Luminale-Projekte 

Design- und Architekturpreise. 

Die Luminale hat im Unterschied zu anderen 

Festivals eine internationale Ausstrahlung. 

Sie findet zeitgleich zur Weltmesse 

des Lichtes statt: der Light+Building auf 

dem Frankfurter Messegelände (15.-20. 

April 2012). Zu dieser Messe kommen aus 

der ganzen Welt die Fachleute für Lichtgestaltung. 

Unter den über 183.000 internationalen 

Gästen (2010) befanden sich 

Zehntausende von Architekten, die neben 

der Messe wie selbstverständlich auch die 

Luminale besuchten. Shuttlebusse sorgen 

dafür, dass die Messebesucher wie auch 

das Publikum aus der Region die einzelnen 

Licht-Installationen leicht aufsuchen, erleben 

und miteinander vergleichen können. 

Öffentlich zugängliches Lichtlabor 

Die Luminale wendet sich mit dem Programm 

somit sowohl an ein internationales 

Fachpublikum als auch an die Öffentlichkeit 

vor Ort. Das unterscheidet die Luminale von 

anderen Lichtereignissen, bei denen eindeutig 

kommerzielle und touristische Ziele 

dominieren. Die Luminale ist stattdessen 

ein öffentlich zugängliches Lichtlabor. 

Innovation und Experiment stehen im Vordergrund, 

weit weniger die vielfach erprobten 

Schauspiele der Illumination für ein 

Massenpublikum. In vieler Hinsicht ist die 

Luminale ein Art Meta-Festival. Wer bei der 

Luminale Anerkennung der Fachwelt findet, 

wird auch auf andere Licht-Festivals eingeladen. 

Die Bedeutung des Lichtes nimmt mit der 

Verstädterung der Welt zu. 2006 lebten 

weltweit erstmals mehr Menschen in Städten 

als auf dem Lande. Licht und Elektrizität 

sind die wichtigsten Medien des Urbanen. 

In dieser Hinsicht ist die Luminale auch ein 

Urban Age Festival, das die Entwicklung 

des Urbanen reflektiert. Die Luminale hat 

sich bei verschiedenen Foto-Communities 

als fester Termin etabliert. Profi- wie Hobby- 

Fotografen nutzen die Luminale zum Foto- 

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39

Shooting und präsentieren die Ergebnisse 

ihrer Stadtwahrnehmungen in Ausstellungen 

und auf verschiedenen Websites. 

Das Konzept der Luminale hat viele Wurzeln. 

Es wurde von dem Kulturwissenschaftler 

Helmut M. Bien im Auftrag der 

Messe Frankfurt entwickelt. Organisatorisch 

wurden Veranstaltungsformen miteinander 

kombiniert, die neben der Fête de 

Lumières in Lyon auf das international erfolgreiche 

Konzept der „Museum Nights“ 

und Design-Off-Programme wie die „Design 

Horizonte“ (Michael Peters) der 80er Jahre 

zurückreichen. Die Luminale als Veranstaltung 

der Stadtwahrnehmung und der temporären 

Stadtveränderung hat ihre philosophischen 

Wurzeln in den Theorien und 

Reflexionen zum Flaneur (Passagenwerk, 

Walter Benjamin), der Spaziergangswissenschaft 

von Lucius Burkhardt und den 

Wanderungen des Peripatetikers Bazon 

Brock (Im Gehen Preußen verstehen). Sie 

alle begreifen den öffentlichen Raum als 

Imaginationsfläche, auf der die Wünsche, 

Interessen, Traditionen und Begehrlichkeiten 

einer Gesellschaft verhandelt werden. 

Ästhetik ist für sie die Wissenschaft 

von der Wahrnehmung. 

Temporärer Urbanismus 

Ausgehend von den Aktionen der Situationistischen 

Internationalen (Guy Debord) der 

späten 60er Jahre, in denen die Unwirtlichkeit 

der Städte und deren Wiederaneignung 

thematisiert wurden, wächst seit 

Jahren das Interesse einer jüngeren Architektengeneration 

am Problem der Stadtaneignung 

rasant. Die realisierten Projekte 

bringen die temporären und performativen 

Aspekte der Architektur zum Vorschein: in 

schrumpfenden Städten Lücken und „Unorte“ 

mit neuem Leben füllen, für Slums und 

Favelas der Megacities transitorische Lösungen 

finden, Stadtbrachen eine Zeitlang 

bespielen oder Festarchitekturen entwickeln, 

dem öffentlichen Raum neue Attraktivität 

und veränderte Bedeutungen verleihen. 

„Temporärer Urbanismus“ ist das 

Stichwort. 

Auch das Thema „Kunst im öffentlichen 

Raum“ gehört in diesen Kontext. Das bekannteste 

Projekt: Die Münsteraner Skulpturen-Projekte 

(Kaspar König) gibt Künstlern 

eine Plattform, die mit der Öffentlichkeit 

und der Wahrnehmung experimentieren. 

Auch die subkulturelle „Urban Art“ oder 

„Street Art“ gehört in diesen Kontext. Für 

temporäre wie performative Gestaltungsstrategien 

ist Licht ein effektvolles, gut 

verfügbares und auch kostengünstiges 

Medium. Diese Tendenzen in Architektur 

und Kunst greift die Luminale auf und 

übersetzt sie in ein Festivalprogramm. 

Grußwort der Oberbrügermeisterin 

Petra Roth 

Luminale: Treffpunkt der Kreativszene 

Zum sechsten Mal findet die Biennale der Lichtkultur zur Messe 

Light+Building statt. Inzwischen gehört die Luminale zum festen 

Veranstaltungskalender. Sie ist bei den Messebesuchern aus 

aller Welt ebenso beliebt wie bei den Bürgern. International gilt 

sie als „must see“ der Kreativszene und zählt zu den starken 

Veranstaltungs-„Marken“ in Frankfurt Rhein-Main. 

Foto: © Stadt Frankfurt am Main 

Die Luminale stellt in ihrer Kombination mit der Light+Building 

unter Beweis, dass Messen weit mehr sind als kommerzielle 

Veranstaltungen: sie können auch Familientreffen der Branchen 

sein und Festivals, die mit ihren Ideen begeistern und motivieren. 

Die Luminale trägt wesentlich dazu bei, dass sich Aussteller 

wie Besucher aus den Architektur- und Elektrobranchen auf 

die „luminalen“ Tage und Nächte am Main freuen. 

Das Programm mit seinen mehr als 150 Veranstaltungen ist 

internationaler denn je. Designer und Künstler von Sydney über 

Mailand bis London sehen in der Luminale den geeigneten Ort 

für ihre Präsentation und ihr „networking“. Und die Luminale 

räumt Fragen des Energiesparens und nachhaltigen Bauens 

breiten Raum ein: das Plus-Energie-Haus auf dem Rathenauplatz 

ist ein Symbol dafür. 

Spannende Luminale-Nächte wünscht Ihnen 

Petra Roth 

Oberbürgermeisterin der Stadt Frankfurt am Main 

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vkunst frankfurt IV 

Neue Klarheit 

am 20. & 21. April 

in der Fahrgasse 

Gastgebern der teilnehmenden 

Künstler. Nach Einbruch 

der Dunkelheit wird die 

Straße so zu einer großen 

Projektionsfläche und 

Flaniermeile. An insgesamt 

23 Orten werden die Kunstwerke 

in der Fahrgasse zu 

sehen sein: Projektionen, 

interaktive Installationen und 

animierte Computerkunst. 

Klarheit ist Transparenz, Klarheit 

ist Ordnung, Klarheit hilft, 

sich zu orientieren – ist Klarheit 

überhaupt eine Kategorie 

in der zeitgenössischen 

Kunst? Kann man Klarheit 

semantisieren und ist das 

überhaupt wünschenswert? 

Foto: Galerie Greulich 

Aktuelle Strömungen und 

Tendenzen der Videokunst 

werden am 20. und 21. April 2012 

jeweils von 20 bis 24 Uhr 

in Frankfurt präsentiert. 

Veranstaltungsort ist die 

Fahrgasse und deren dort 

ansässigen Galerien und 

Ladenlokale. Thema in diesem 

Jahr ist „Neue Klarheit“ 

Es ist die vierte Auflage der Videokunstausstellung inmitten der 

Frankfurter Altstadt. An zwei Tagen, Freitag und Samstag, wird 

die Fahrgasse jeweils von 20 bis 24 Uhr zur Ausstellungshalle 

ohne Dach. Zahlreiche Galerien und Szeneläden werden zu 

Die Unschärfe und Unklarheit 

hat sich in der Bildenden 

Kunst spätestens seit Gerhard 

Richter formal durchgesetzt. Inhaltlich ist die Unklarheit 

oder Verwirrung des Betrachters seit dem Dadaismus ein Prinzip 

der zeitgenössischen Kunst. Ganze Bücher beschäftigen sich mit 

der Geschichte der Unschärfe. Da ist die Frage nicht abwegig, 

ob die Avantgarde nicht schon längst weiter ist. Deshalb stellten 

sich die Kuratoren von vkunst frankfurt, Christoph von Löw und 

Andreas Greulich, genau diese Frage und versuchen sich in der 

Antwort mit einer „Neuen Klarheit“ in der Medienkunst. 

Nachdem die Welt als immer komplizierter empfunden wird, gilt 

die Frage als erlaubt, ob der Wunsch nach Klarheit und Einfachheit 

sich in der Kunst wiederfindet. Oder spiegelt sich momentan 

noch die Unübersichtlichkeit formaler Trends in den aktuellen 

Strömungen der Medienkunst? Dem nachzuspüren, hat sich 

vkunst frankfurt zum Ziel gesetzt. 

Über vkunst frankfurt 

vkunst frankfurt findet seit 2009 jährlich statt und ist als feste 

Plattform für nationale und internationale Künstler dieser Kunstrichtung 

angelegt. Infos über Künstler, Werke und Standorte gibt 

es auf www.v-kunst.de (vkunst frankfurt, c/o Galerie Greulich, 

Fahrgasse 22, 60311 Frankfurt, info@v-kunst.de). 

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artig galerie unterstützt AIDS-Hilfe mit eigener Ausstellung 

Aufschrei 

gegen 

AIDS 

Als am 1. Dezember der Welt-AIDS-Tag die Gefahren und 

Präventionsmöglichkeiten rund um HIV und AIDS erneut in 

das Bewusstsein brachte, konnten Besucher des Café 

Switchboard in der Alten Gasse 36 eine eigens zusammengestellte 

Ausstellung der artig galerie heinz-frank zu 

franken sehen. Unter dem Titel „Aufschrei“ präsentierten 

sich historische und erinnerungswürdige Ausrufe von 

Walther Ulbricht, Martin Luther King, John F. Kennedy und 

Norbert Blüm als künstlerisch aufbereitete Tonspuren. 

Seit 1988 ist das Switchboard als Selbsthilfekneipe der AIDS- 

Hilfe Frankfurt bekannt und beliebt. Es wurde von Frankfurter 

schwulen Gruppen geplant und gemeinsam mit der AIDS-Hilfe 

ins Leben gerufen. Rund deißig ehrenamtlich tätige Männer und 

Frauen leisten an über 20 Veranstaltungen pro Monat Betreuungs-, 

Informations-, Gruppen- und klassische Servicearbeit; 

darunter Info- und Gesprächsrunden, Selbsthilfegruppentreffen, 

Infoausstellungen bis hin zu offenen Bühnenabenden oder 

Kaffeeklatsch-Sonntagen. Dabei versteht sich das liebevoll 

„Switch“ genannte Kaffee mehr als Teil sozialer Infrastruktur der 

Stadt Frankfurt denn als kommerziellen Gastronomiebetrieb. 

Sämtliche Gewinne fließen komplett in die AIDS-Hilfe Arbeit. 

„Die Aufgaben der AIDS-Hilfe haben sich mit einem grundlegend 

veränderten Selbstverständnis Homosexueller als auch der 

gesellschaftlichen Akzeptanz massiv gewandelt“, meint Switchboard-Betreuer 

Norbert Dräger. Er spricht über neue Medikamente 

und Behandlungsmethoden ebenso, wie von der zunehmend 

empfundenen Verharmlosung einer noch immer 

unheilbaren tödlichen Krankheit. Der heutige Fokus der AIDS- 

Hilfe müsse unter solch geänderten Gegebenheiten wieder 

verstärkt im Bereich der Aufklärung liegen. 

Bleibende Erinnerungen 

„Für mich ist das Switchboard ein lebendiger Beweis dafür, wie 

man erfolgreich Worten Taten folgen lassen kann“, begründet 

Heinz-Frank zu Franken seine dreimonatige Gast-Ausstellung in 

dem Szenelokal. „Dass auch Aussagen immer Spuren hinterlassen, 

in Erinnerung bleiben und eine Verbindung zu ureigenen 

Eindrücken und Erlebnissen herstellen, sollen die präsentierten 

Werke aufzeigen.“ Bestimmt lohne sich der alljährlich am 1. 

Dezember zelebrierte Aufschrei in Zusammenhang mit HIV, 

AIDS, zunehmend wieder auch HEP-C und anderen „bleibenden 

Erinnerungen an schöne Momente“, wenn dadurch Gedankenund 

Erinnerungswelten berührt werden. „Quasi als Weckruf, der 

uns an die verbleibenden Spuren unseres Handelns und Nichthandelns 

erinnert und zur Verantwortung aus Liebe mahnt.“ 

Die Original-Ausrufe per Smartphone 

An jedem Werk waren QR-Codes angebracht, so dass Nutzer 

eines Smartphones sofort die passenden Original-Mitschnitte der 

dargestellten Ausrufe als online hinterlegte Tondateien anhören 

konnten. 

Die Kunstwerke stellte die artig galerie der AG36 zur Verfügung. 

Aus dem Verkaufserlös gingen 50 Prozent direkt als Spende an 

das Switchboard. Die jeweils in limitierter 3er-Auflage produzierten 

Tonspuren sind auf LKW-Plane aufgebracht und kosten je 

nach Format zwischen 120 und 240 Euro – bereits inklusive der 

Spannfederrahmung. Das Switchboard (Alte Gasse 36, 60313 

Frankfurt am Main) hat dienstags und donnerstags von 19 bis 

24, freitags und samstags von 19 bis 1 und sonntags von 14 bis 

23 Uhr geöffnet. Infos unter www.ag36.de. Acht unverkaufte 

Exemplare können in der artig galerie (Fahrgasse 21, 60311 

Frankfurt am Main, www.artig.co) zu gleichen Konditionen und 

inklusive 50%-Spendenanteil erworben werden. 

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Martin Joppen zeigt: 

2012 im Auge des Apfels 

365 Photos 

mit dem iPhone 

„Liebe Facebook- 

Freunde, a happy New 

Year and all the Best 

to you! Ich melde 

mich aus USA, dem 

perfekten Platz, um 

mein Projekt ‚2012 im 

Auge des Apfels - 365 

Photos mit dem 

iPhone’ zu starten. 

Es beginnt mit einer 

unerwarteten 

Begegnung (Schwein 

gehabt!); ich nehme sie 

als Glücksomen. Ihr 

findet die Photos auf 

meinem Album -iPhoneiPhoto-i365-mJoppen-. 

Let’s start, have fun. 

Martin“ 

Jeden Tag ein Upload 

Die Auswahl der Photos folgt keinem 

Genre – die Motive entstehen spontan 

und spiegeln wieder, was Martin Joppen 

sieht, wenn er unterwegs ist. Alle Photos 

sind mit dem iPhone aufgenommen und 

von ihm in seinem ureigenen „hyperrealen“ 

Stil nachbearbeitet. Hierbei spielt 

er mit den Möglichkeiten der Bildbearbeitung, 

den Formaten und Rahmungen. 

Martin Joppen bleibt auch bei diesem 

Projekt seinem technischen Qualitätsanspruch 

treu und zeigt uns Bilder von 

unglaublicher Brillianz und Intensität. 

Die bisher entstandene Bildstrecke 

erlaubt einen bunten Reigen aus Blicken 

auf Architektur, Landschaften und in die 

Natur, auf Menschen, Alltagssituationen 

und Kurioses. Ob ein Pilzkorb in der 

Kleinmarkthalle, Frankfurt bei Hochwasser 

oder ein erhaschter Blick Mette- 

Marits während ihres Schirn-Besuches: 

jedes Bild fasziniert für sich und zeigt 

doch die für Martin Joppen so typische 

Bildsprache. 

Kaufen - Leasen - Mieten? 

Mit dieser Meldung startete Martin Joppen 

am 1. Januar 2012 sein neuestes 

Photoart-Projekt. Längst ist es über die 

„Facebook-Community“ hinausgewachsen 

und auch auf Flickr (www.flickr.com) 

und über seine eigene Photokunst-Website 

www.martingjoppen.de/photokunst zu 

verfolgen. 

Die Arbeiten der Joppen-Serien Frankfurter 

Strukturen, USA-Struktur-Kraft, 

USA2-Joshua Tree und Polo-on-Snow 

sind selbst redend weiterhin über die artig 

galerie einzusehen und zu beziehen. Neu 

ist ein professionelles Miet-, Mietkaufund 

Leasingangebot zur Ausgestaltung 

von Geschäftsräumen, Hallen, Hotels u.w. 

mit Bestands- oder Auftragswerken von 

Martin Joppen und Heinz-Frank zu 

Franken. Infos unter www.artig.co 

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Struwwelpeter Cartoon-Wettbewerb 

Zeitkritischster 

Struwwelpeter 2012 

gesucht 

Die Frankfurter artig galerie sucht jährlich 

den zeitkritischsten Struwwelpeter der 

Neuzeit und hat erneut den „Struwwelpeter 

Cartoon Wettbewerb“ ausgeschrieben. Die 

Gewinner erhalten eine eigene Sonderausstellung 

(27. Juni bis 23. Augut 2012). Teilnahmeschluss 

ist der 21. Mai 2012. Infos unter 

www.artig.co 

Zur Teilnahme sind gleichermaßen Profiund 

Hobby-Cartoonisten aufgerufen, die 

aus den Mitte des 19. Jahrhunderts geschaffenen 

Figuren und Charaktären des 

Buches „Der Struwwelpeter“ aktuelle zeitkritische 

Varianten ableiten. Die interessantesten, 

amüsantesten, inhaltsstärksten 

und schönsten Werke und Umsetzungen 

werden vom 27. Juni bis zum 23. 

August in der artig galerie heinz-frank zu 

franken (Fahrgasse 21 in 60311 Frankfurt 

am Main) im Ramen einer Sonderausstellung 

der Öffentlichkeit vorgestellt. Jedes 

Jahr werden bis zu zwanzig Arbeiten 

ausgezeichnet, die fünf besten werden 

zudem mit der „christallenen Struwwelpeter-Locke“ 

siegprämiert. 

Dr. Heinrich Hoffmann schuf die lustigen 

Geschichten und drolligen Bilder über den 

Struwwelpeter, bösen Friederich, Suppen-Kaspar, 

Daumenlutscher Konrad, 

Zappel-Philipp, Hanns Guck-in-die-Luft, 

den bösen Buben, dem mit dem Feuer 

spielenden Paulinchen, wilden Jäger und 

fliegenden Robert aus der Not heraus. 

Händeringend suchte der in Frankfurt am 

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Die Teilnahme-Bedingungen 

1. Teilnehmen können Hobby- und Profi-Cartoonisten aus aller Welt. 

2. Es gibt keine Teilnehmer-Beschränkung. In die Jury-Wertung kommen alle 

Arten von Cartoons, Comics, Zeichnungen, Gemälde, Collagen, Skulpturen 

etc., die von dem jeweiligen Einsender selbst entworfen und umgesetzt/ 

hergestellt/realisiert wurden. 

3. Die Werke sind als Original mit den vollständigen Absender-Adressdaten 

versehen und mit einer digitalen Fotoaufnahme (im Format DIN-A4 in 300 

dpi) auf einer mitgelieferten CD einzureichen und sollen einen Bezug zum 

Struwwelpeter bzw. den anderen im Buch von Dr. Heinrich Hoffmann 

„Struwwelpeter“ dargestellten Figuren/Charakteren 

UND 

einen frei wählbaren zeitkritischen Aspekt beinhalten. 

(Alternativ kann auch vorab eine Fotodatei per eMail eingereicht werden). 

4. Der Veranstalter (artig galerie heinz-frank zu franken, Fahrgasse 21, 60311 

Frankfurt am Main, Tel. 069.36602433, Fax 069.36602432, www.artig.co, 

heinz@zufranken.de) hat das Recht, anstößige, unsittliche oder in anderer 

Weise diffamierende/beleidigende/unwürdige Werke nach eigenem Ermessen 

und ohne weitere Begründung aus dem Jury-Votum auszuschließen. 

5. Die Jury ist unabhängig und frei in ihren Entscheidungen und in keinster 

Weise an Vorgaben und/oder Weisungen Dritter gebunden. Sie kann jährlich 

bis zu 20 Nominierungen und daraus bis zu fünf zur Ausstellung kommende 

Gewinner benennen. 

6. Jeder Einreicher versichert, alle uneingeschränkten Rechte an den 

eingereichten Cartoons/Objekten zu halten und ermächtigt die artig galerie 

heinz-frank zu franken, diese in Ausstellungen, Katalogen, sonstigen 

eigenen Medien, Werbemitteln, Presseaussendungen etc. in gedruckter und/ 

oder elektronischer Form und/oder heute noch nicht bekannten Informationsund 

Kommunikationsmedien nach eigenem Ermessen frei und uneingeschränkt 

zu nutzen, ohne daraus jetzt oder später Rechte und/oder daraus 

entstehende Forderungen gegenüber dem Veranstalter aus der Abbildung/ 

Darstellung geltend zu machen. Das beinhaltet nicht Regelungen für einen 

möglichen Verkauf, die in einem separaten Galeristenvertrag (siehe Pos. 10) 

geregelt sind. 

7. Teilnahmeschluss für 2012 ist der 21.05.2012; es gilt das Datum des 

Poststempels / das eMail-Empfangsdatum. Zu berücksichtigende Originale 

müssen bis zum 01.06.2012 in der Galerie vorliegen! 

8. Eingereichte Werke und Unterlagen werden vom veranstalter oder einem 

von ihm Beauftragten archiviert und NICHT zurück gesendet! 

9. Die Nominierten und Gewinner werden jeweils schriftlich benachrichtigt 

(Bitte um vollständige Adress-, eMail- und Telefonangaben, damit wir Sie 

erreichen können! Fehlende Daten fürhen bereits zu einem Teilnahme- 

Ausschluss). 

10. Die Nominierten und Gewinner erhalten einen klassischen Galeristen- 

Vertrag, der die Details der Ausstellung, der Preisfindung für den Verkauf, 

der Erlösaufteilung zwischen Künstler und Galerist sowie die Nutzungs-, 

Abbildungs- und Darstellungsregelungen festschreibt (ein Muster ist unter 

www.artig.co hinterlegt) 

11. Mit der Teilnahme am „Struwwelpeter Cartoon-Wettbewerb“ anerkennt der 

jeweilige Einreicher/Bewerber diese Teilnahme-Bedingungen in ihrer 

Gesamtheit, insbesondere die Nutzungsrechte des Veranstalters wie vor. 

12. Teilnahmeunterlagen sind vollständig und fristgerecht zu senden an den 

Struwwelpeter Cartoon-Wettbewerb, 

c/o artig galerie, Fahrgasse 21, 60311 Frankfurt am Main. 

• Fragen zum Wettbewerb beantwortet der Veranstalter 

Heinz-Frank zu Franken unter 069.36602433 

(Fax 069.36602432, eMail: heinz@zufranken.de) 

Main ansässige Arzt und (umstrittene) 

Pädagoge in der Vorweihnachtszeit des 

Jahres 1844 nach einem Geschenk für 

seinen Sohn, kaufte schließlich lediglich 

ein leeres Zeichenbuch und erfand dann, 

so die Überlieferung, seine heute in aller 

Welt bekannten Figuren und Gedichte 

rund um den garstigen Struwwelpeter. 

Die erste gedruckte Ausgabe datiert auf 

1845. 

Traditions-Wettbewerb mit Zeitgeist 

Heinz-Frank zu Franken, Betreiber der 

auf Frankfurter Kunst spezialisierten artig 

galerie, macht sich jedes Jahr auf die 

Suche nach ebenso traditionsreichen wie 

zeitgenössischen und vor allen Dingen 

unterhaltsamen Formen, die die in allen 

Ländern der Erde bekannten Figuren zu 

neuem Leben erwecken. „Was den einen 

ihre Schildbürger, sind für Frankfurt die 

Struwwelpeter-Figuren“, so der Initiator 

des Cartoon-Wettbewerbes, den er erstmals 

im Jahr 2003 ausschrieb. „Natürlich 

sollten Struwwelpeter & Co. nicht ‚altbacken‘ 

daher kommen, sondern einen 

amüsanten, zeitkritischen und insgesamt 

lebensfrohen Gegenwarts-Touch erhalten.“ 

Einsendeschluss ist der 21. Mai 2012 

Teilnahme-Schluss für den diesjährigen 

Struwwelpeter Cartoon-Wettbewerb ist 

der 21. Mai 2012. Die bis zu zwanzig 

zeitkritischsten, unterhaltsamsten und 

überraschendsten Arbeiten werden mit 

einer eigenen Sonderausstellung ab dem 

27. Juni bis zum 23. August 2012 in der 

artig galerie präsentiert. Alle Einreicher 

erhalten eine Teilnahme-Urkunde und 

werden in einem eigenen Ausstellungskatalog 

vorgestellt. Bis zu fünf aus den 

Nominierungen ausgewählte und siegprämierte 

Arbeit werden zusätzlich mit 

der „christallenen Struwwelpeter-Locke“ 

ausgezeichnet. Von einem möglichen 

Verkaufserlös leitet zu Franken fünfzig 

Prozent an die Künstlerin bzw. den 

Künstler weiter. Eine Teilnahme-Gebühr 

wird nicht erhoben. 

Einsendungen sind bis zum 21. Mai 2012 

zu senden an den Struwwelpeter Cartoon-Wettbewerb, 

c/o artig galerie, 60311 

Frankfurt am Main. Wettbewerbsinfos und 

Teilnahmebedingungen sind online unter 

www.artig.co hinterlegt. 

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Sensationsfund in Sperlings Raritätenladen 

Echter Rubens 

in Frankfurt entdeckt 

Der Kunstkenner Prof. Dr. Weilersheimer hat in 

Klara Sperlings Raritätenladen in Frankfurt- 

Sachsenhausen ein Gemälde des flämischen 

Malers Peter Paul Rubens entdeckt. Das 

Wertgutachten steht noch aus, doch es deutet 

alles auf einen Sensationsfund hin. 

Foto: Gerhard Pauly - STU GRA PHO 

46 

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Wenn die Expertise den ersten Eindruck 

des Kunstsammlers Prof. Dr. Weilersheimer 

bestätigt, lag über Jahrzente ein 

echter Rubens in einem kleinen Trödellädchen 

in Frankfurt-Sachsenhausen unerkannt 

zwischen allerhand Krimskram 

herum. Der Wert des auf 1603 geschätzten 

frühen Meisterwerkes dürfte sich in 

zweistelliger Millionenhöhe bewegen. 

Weilersheimer: „Im Jahr 1600 siedelte 

Rubens als freier Maler nach Italien über 

und wurde noch im gleichen Jahr vom 

Herzog von Mantua, Vincenco Gonzaga, 

zum Hofmaler ernannt. Das mir vorliegende 

Gemälde entspricht einer Schaffensperiode, 

die sich zweifesohne direkt 

in diese Zeit kurz vor Rubens Abreise 

nach Spanien im Jahr 1603 zuordnen 

lässt“. 

Ein frühes Werk, das der damals erst 26- 

Jährige noch vor seinen Baukunst-Studien 

und Illustrationen geschaffen haben 

soll. Rubens, der in Köln, Rom, Paris, 

Madrid und London, vornehmlich jedoch 

in Antwerpen lebte, zog sein Malatelier in 

großem Umfang wie einen klassischen 

Handwerksbetrieb auf. Etliche Mitarbeiter 

produzierten in einer straffen Arbeitsorganisation 

„seine“ Kunstwerke; darunter 

Anthonis van Dyck, Frans Snyders oder 

Jan Brügel der Ältere. Insgesamt entstanden 

so über 2.000 Bilder, davon 

gerade einmal 600 eigenhändig. 

Rubens Werke wurden nicht selten in 

Kupfer gestochen, um so einen damals 

schon europaweiten Kunstmarkt zu 

befriedigen. Bei Auftragsarbeiten lieferte 

der Sohn eines Antwerpener Juristens 

lediglich die Entwürfe und ließ diese dann 

von seinen Mitarbeitern fertigstellen. 

Stimmt die Expertise, 

ist vielleicht einfach nur 

der Experte falsch... 

Klara Sperling, Inhaberin des Raritätenladens, 

ist hocherfreut über diesen Fund: 

„Einen Rubens erkennt man immer am 

Licht und einer unvergleichlichen Farbenglut. 

Die von ihm in seinen Bildern geschaffene 

Leuchtkraft der Fleischfarbe gilt 

als unübertroffen“. Und üppig Fleischfarbenes 

zeigten Rubens-Bilder allemal, 

ergänzt Ehemann Alexander Sperling 

spöttelnd. Der gelernte Tischler will nicht 

recht an die Echtheit des umjubelten 

Werkes glauben. 

Ergebnis der Prüfung offen 

Das Ergebnis einer von Frau Sperling 

kurzerhand an Prof. Dr. Weilersheimer 

beauftragten Expertise wird noch bis zum 

5. April im Volkstheater Frankfurt vorgestellt. 

Hintergrund ist die in das Hessische 

übertragene Inszenierung des Lustspiels 

von Erwin Kreker mit dem Titel „Frau 

Sperlings Raritätenladen“. Die 50er- 

Jahre-Komödie passt nach dem gerade 

erst abgeurteilten Beltracchi-Kunstfälscherskandal 

und noch aktuelleren 

Teppich-Verstrickungen perfekt in die 

Zeit. „Gerade jetzt, wo allenthalben 

Verlustängste geschürt werden, sind die 

Menschen auf der Suche nach großen 

Werten und finanziellen Vorteilen daraus“, 

sagt Volkstheater-Chefin Gisela Dahlem- 

Christ und beglückwünscht ihre künstlerische 

Leiterin Sylvia Hoffman zur Auswahl 

und Umsetzung dieses zeitlosen Klassikers. 

„Damit unser ‚Raritätenladen’ nicht in 

einer etwas angestaubten Ecke landet, 

habe ich Natascha Retschy mit ihrer 

Bearbeitung des Stückes tüchtig aufräumen 

lassen. Dazu haben wir uns entschieden, 

die bekannte Theater- und 

Filmschauspielerin Erika Skrotzki nach 

ihrem großen Erfolg mit ‚Die heilige 

Johanna der Einbauküche’ erneut als 

Hauptdarstellerin zu verpflichten. Die 

Hessin aus Berlin und ihre dynamische 

Regisseurin, ebenfalls aus Berlin, 

scheinen mir die Richtigen zu sein, um 

mit dem nötigen Pep das 50er-Jahre- 

Stück ins Hier und Heute zu katapultieren“, 

erläutert Hoffman. 

Auch die übrige Besetzung ist auf diese 

Weise gedacht und zusammengestellt. So 

stehen neben vertrauten Volkstheater- 

Schauspielern ganz neue Kollegen auf 

der Bühne, und es entsteht ein lebendiges 

Miteinander. Einer darf sogar nicht 

Hessisch sprechen, trotz der strengen 

Mundarttreue, der sich das vor über 40 

Jahren von Liesel Christ gegründete 

Volkstheater Frankfurt verpflichtet fühlt. 

Also doch alles Theater! 

Unter der Regie von Peggy Lukac 

entstand ein aktuelles, mitreißendes und 

bewegendes Lustspiel in erfrischender 

Volkstheater-Tradition. Klara Sperling 

(dargestellt von Erika Skrotzki) ist 

natürlich geschäftstüchtig, wenngleich 

zwischen Ehe- und Familienpflicht, den 

kleinen und großen Alltagssorgen und der 

Suche nach Vorteil und Glück hin- und 

hergerissen. Da argumentiert sie schon 

einmal ein einfaches Bett zu einem 

historischen Lustlager Ludwig XIV. Da 

greift sie natürlich sofort nach dem sich 

bietenden Strohhalm, den vermeintlichen 

Kunstkenner Prof. Dr. Weilersheimer 

(Thomas Hessdörfer) in seinem allerdings 

leider nur vorgespielten Glauben an einen 

echtens Rubens zu unterstützen, und 

weiß das geschickt für alle möglichen 

Belange ihrer Geschäfts- und sogar 

Familienplanung zu nutzen. Schauspieler 

Heinz Harth (spielt den Ehemann 

Alexander) sieht das gelassen: „Für mich 

ist ein echter Rubens kein Wunschtraum. 

Ich würde ihn mir höchstens aufhängen, 

wenn er mir gefiele“. 

Echte Sorgen und falsche Kunst 

Mit „Frau Sperlings Raritätenladen“ schuf 

Erwin Kreker eine turbulente Komödie 

über echte Sorgen und falsche Kunst, 

doch vor allem über das menschliche und 

zwischenmenschliche Glück. Kreker 

schrieb selbst dazu: „Selbstverständlich 

bin ich dieser Frau Sperling tatsächlich 

begegnet, die mir trotz aller Geschäftsgewandtheit 

mit ihrem gesunden Optimismus 

und Humor imponiert hat. Auf 

dieser Frau lastete Geschäft und Familie, 

und unermüdlich war sie tätig und bestand 

den Lebenskampf, weil sie das 

Herz auf dem rechten Fleck hatte.“ 

Was es mit dem angeblichen „echten 

Rubens“ genau auf sich hat, zeigt das 

Volkstheater Frankfurt noch bis zum 5. 

April jeweils um 20 Uhr; an Sonntagen 

bereits um 16.30 Uhr. Karten zu 20, 24 

und 28 Euro gibt es direkt im Volkstheater 

Frankfurt (Großer Hirschgraben 21, 

neben dem Goethehaus, 60311 Frankfurt 

am Main, Telefon 069/288598, eMail 

verkauf@volkstheater-frankfurt.de), bei 

allen bekannten Vorverkaufsstellen und 

direkt online unter www.volkstheaterfrankfurt.de 

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47

Es gibt Dinge, Einrichtungen und Menschen, 

die aus dem heimischen Umfeld gar nicht wegzudenken sind. 

Frankfurt hat überraschend viele davon 

Frankfurter 

Originale 

Zum Heimatgefühl tragen Sportvereine 

besonders bei – und kulturelle 

Einrichtungen, Architektur, 

Geschäfte, Speisen und Getränke, 

Gastronomien, Feste und bestimmt 

nicht zuletzt Menschen. 

Was davon als „Frankfurter Original 

und original frankforderisch“ 

gilt, ist ebenso facettenreich, wie 

die menschliche und kulturelle 

Vielfalt der Stadt Frankfurt am 

Main selbst. Mit „Wir sind Frankfurt“ 

haben sich bewährte Hüter 

frankfurter Originalität zu einem 

Dialogverbund zusammengeschlossen. 

Den schönsten Baustellenblick der Mainmetropole Frankfurt 

genießt man derzeit bei einem „Frankfurter Krüstchen“ und 

anschließendem „Hessischen Tiramisu“ (herrlich-lockere Apfelwein-Mascarponecrème 

auf Calvados-getränkten Bisquits mit 

leichter Zimthaube) oder dem sonntäglichen Brunch im Restaurant 

„Frankfurter Küche“. Von jedem Platz schaut man auf 

den rasant wachsenden Rohbau des neuen EZB-Hochhauses, 

der auf dem direkt gegenüber liegenden Gelände der ehemaligen 

Großmarkthalle entsteht (Frankfurter Küche, Hanauer 

Landstraße 86 in 60314 Frankfurt am Main, Tel. 069.43056878, 

www.restaurant-frankfurter-kueche.de). 

Wer bei seinem Traditions-Rundgang durch die Frankfurter 

Altstadt dem wohl noch einige Jahre andauernden Baugetöse 

rund um den Römerberg mit Historischem-Museums-Abriss und 

Dom-Römer-Projekt lieber entfliehen möchte, sollte einen Blick 

in die Restaurantion „Zum Storch am Dom“ in die Saalgasse 3-5 

werfen. Hinter der eher tristen 60er-Jahre-Fassade kommen altfrankfurter 

Gefühle auf. Nicht nur, weil schon der emsige Goethe 

dort speiste, sondern weil die Originalität heimischer Spezialitäten 

auf angenehmem Niveau von Alexander Hahn und seinem 

Team gastgeberisch perfekt, mit großer menschlicher Wärme 

und ohne aufgesetzte Schnörkel zelebriert wird (Telefon 069. 

284988, www.zumstorch.de). 

Ach, was wäre Frankfurt ohne Sachsenhausen, ohne das 

Gemalte Haus, Kanonensteppel, Wagner & Co.? Was ohne 

seine vielen liebevoll erhaltenen roten Sandsteinbrunnen? Was 

ohne den samstäglichen Erzeugermarkt auf der Empore der 

Konstabler Wache? Was ohne das Programmkino Orfeos Erben 

in der Hamburger Allee, ohne den Tigerpalast oder ohne das 

Volkstheater? Kann man sich die angeblich auf Hochhäuser und 

Banker reduzierte Stadt aufrichtig ohne Kleinmarkthalle vorstellen, 

ohne Traditionsfeste, Museumsufer, ohne Graef Völsings? 

Wir sind Frankfurt ® 

Original frankforderisch & Frankfurter Originale 

Warum auch? Die Gemeinschaft „Wir sind Frankfurt“ stellt 

künftig vier Mal jährlich in einem kleinen Buch die bekanntesten 

und gleichsam überraschend neuesten Frankfurter Originale vor 

– denn die vorangegangene Auflistung ist bei weitem unvollständig! 

Infos ab Ende April 2012 bei allen teilnehmenden Partnern 

und unter www.wirsindfrankfurt.eu 

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Originalitäts-Kolumne von Prof. Wurst 

Eine Wurst 

mit vielen Namen 

„Die meisten Menschen denken, dass es sich 

im folgenden um eine Wurstsorte handelt. 

Aber genau genommen haben wir es mit 

drei verschiedenen Wurstsorten und mit 

sage und schreibe acht verschiedenen 

Namen zu tun“, behauptet „Prof. Wurst“ 

von der wurstakademie.com und schenkte 

uns diesen Original-Beitrag. 

„Die wenigsten wissen, warum es so viele 

Bezeichnungen gibt und warum man beispielsweise 

in Wien keine Frankfurter bekommt, 

wenn man eine Wiener bestellt. 

Um diese immer wiederkehrenden (rein 

sprachlichen) Schwierigkeiten zu beseitigen, 

habe ich das Thema hier auf den 

Punkt gebracht. 

Fotos: www.wurstakademie.com 

Zuerst zum Unterschied von Frankfurter 

Würstchen und Frankfurter: obwohl die 

beiden Würste fast gleiche Namen haben, 

sind es doch zwei grundverschiedene 

Würstel. Das Frankfurter Würstchen ist in 

der Gegend um Frankfurt am Main schon 

seit dem 13. Jahrhundert bekannt und 

seit ca. 1860 als geografische Herkunftsbezeichnung 

geschützt. Es besteht ausschließlich 

aus Schweinefleisch im Gegensatz 

zur Frankfurter. Diese besteht 

zusätzlich aus Rindfleisch und wurde 

1805 in Wien von einem in Frankfurt 

ausgebildeten Metzger erfunden. Er 

nannte sie ganz einfach Frankfurter. 

Also wie gesagt, Frankfurter Würstchen 

und Frankfurter sind zwei verschiedene 

Würste, die eine ist die Frankfurter Variante 

und die andere, quasi auf Umwegen, 

die Wiener. 

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Wie werden die Varianten nun in den 

verschiedenen Ländern bezeichnet? In 

Österreich und den USA Wiener, in 

Deutschland, USA und Kanada auch 

Frankfurter. Bei den Schweizern heißen 

sie Wienerle, im Schwäbischen Saitenwurst 

oder kurz Saiten. In den Touristenregionen 

Italiens, Spaniens, Frankreichs 

und Griechenlands hat sich der seltsam 

anmutende Name „Wurstel“ mit einfachem 

„u“ eingebürgert. 

Alle, die zu Frankfurtern Wiener sagen, 

sollten in Österreich genau hinschauen. 

Denn wer in der Alpenregion eine Wiener 

bestellt, bekommt mit Sicherheit keine 

Wurst, die man in den Händen halten und 

in Senf tunken kann, sondern eine Aufschnittwurst. 

Keine Frage, man könnte 

sie dann immer noch zusammenrollen 

und mit Senf genießen und so tun, als 

hätte man eine Frankfurter. Aber man 

outet sich damit eindeutig als Wurstdilettant! 

Und dann gibt es da noch eine weitere 

österreichische Abwandlung der Frankfurter, 

das Sacherwürstel. Diese Wurst 

wurde nun wirklich von einem Wiener 

Wursthersteller, dem Herrn Trünkel 

erfunden und ist etwas länger als die 

Original- Frankfurter und hat angeblich 

einen feineren Geschmack. Na ja, ich 

muss das ja sagen. 

So, jetzt sollte alles klar sein! Von nun an 

braucht niemand mehr Angst zu haben, in 

einem anderen Land nach der Wurstbestellung 

entweder die falsche Wurst in der 

Hand zu halten oder überhaupt nur mit 

großen Augen angesehen zu werden.“ 

Soweit unser Gastprofessor. Doch 

schauen wir uns sicherheitshalber (es 

geht ja immerhin um ein Original von 

großer kultureller und nicht minderer 

kulinarischer Bedeutung!) auch die heimischen 

Quellen genauer an. Wann 

genau das erste Frankfurter Würstchen 

hergestellt wurde, ist nicht exakt überliefert. 

Geschichtsbüchern weisen aus, 

dass bei der Krönung von Kaiser Maximilian 

II im Jahre 1562 in Frankfurt am 

Main die Frankfurter Würstchen als Füllsel 

der gebratenen Ochsen dienten, die 

vor dem Römer am Spieß gebraten 

wurden. Lange Zeit nannten die Frankfurter 

ihre Würstchen deshalb stolz 

„Krönungswürste“. 

Frankfurter Bratwerscht? 

Bis Ende des 19. Jahrhunderts wurden 

die Frankfurter Würstchen in der Bevölkerung 

allerdings schlicht „Bratwerscht“, 

also Bratwurst genannt. Diese wurde im 

„Worschtquartier“ in Frankfurt hergestellt, 

dem Metzger-Viertel westlich des Doms. 

Diese Bratwürste hatten ihren Namen 

allerdings nicht von der Art der Zubereitung 

und wurden auch nicht gebraten, 

sondern sie hatten ihren Namen aufgrund 

ihrer Füllung, dem „Brat“ oder „Brät“, was 

nichts anderes ist als klein gehacktes 

Fleisch. 

Der Name Frankfurter Würstchen entstand 

erst, als Besucher der Stadt 

Frankfurt die köstlichen Würstchen mit in 

alle Welt nahmen und sie als typisches 

„Frankfurter Würstchen“ in ihrer eigenen 

Heimat vorstellten. 1860 wurden die 

Frankfurter Würste dann erstmals industriell 

gefertigt. Und das dann noch nicht 

einmal nicht in Frankfurt selbst, sondern 

in Neu-Isenburg, das zwar bei Frankfurt 

liegt, jedoch zur Stadt Offenbach gehört. 

Ach: irgendwie gehört ja doch alles zusammen... 

Daraus bestehen 

Frankfurter Würstchen 

In der goldbraunen Haut versteckt sich 

eine Füllung aus bestem mageren Schinkenfleisch. 

Das Aroma erhält die Wurst 

durch ein spezielles Räucherverfahren im 

Feuchtbuchenrauch, das die Hersteller 

gerne als ihr großes Geheimnis preisen 

und als Traditionswissen hüten. Das Räuchern 

bestimmt auch die Knackigkeit der 

Haut - worüber Professor Wurst gleich 

noch tiefschürfende Theorien aufstellen 

wird. 

Und damit ist auch schon angedeutet, 

was wirklich wichtig ist: Frankfurter 

Würstchen dürfen auf gar keinen Fall 

gekocht werden! Stattdessen werden sie 

zehn Minuten in heißem Wasser erhitzt. 

Danach kommen sie auf vorgewärmte 

Teller und werden mit Brot, Senf und/oder 

Meerrettich serviert. Gerne wird auch 

Sauerkraut dazu gereicht. Die Frankfurter 

Würstchen dürfen natürlich mit der Hand 

verspeist werden. 

Die Frage nach der perfekten Siedetemperatur 

taucht immer wieder auf. Die 

Antworten sind oft sehr unterschiedlich. 

Um es kurz zu machen: 

Die perfekte Temperatur 

für das Sieden von Würstchen 

sind 89°C! 

Das Wichtigste ist, und damit stimmen 

alle Metzger und sonstigen Wurstfachleute 

überein, dass Würste nicht in kochendem 

Wasser zubereitet werden 

dürfen! Der Druck im Wurstinneren wird 

zu groß; das Resultat: sie platzen ausnahmslos 

der Länge nach. Doch warum 

ist das so? 

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Wurstwissenschaftliches von Prof. Wurstel 

Warum platzt eine Frankfurter 

immer der Länge nach? 

Erst neulich ging es wieder einmal 

wissenschaftlicher zu an der 

Wurstakademie. Prof. Wurstel gab 

eine Fachvorlesung, die einem den 

Kopf zuerst rauchen und dann 

herzerfrischend schütteln ließ 

In Formeln ausgedrückt schaut das nun so in etwa aus: 

„Wahrscheinlich, nein ziemlich sicher, hast du dich auch schon 

öfters gefragt, warum eine Wurst immer der Länge nach aufplatzt. 

Ab und zu passiert das, vor allem, wenn man nicht weiß, 

welche die ideale Temperatur zum Wursterhitzen ist und die 

Würste aus diesem Unwissen heraus in kochendes Wasser gibt. 

Nun, es ist ganz einfach: erhitzen wir eine Wurst, so steigt 

klarerweise der Innendruck (p i ). Da Druck die Kraft pro Flächeneinheit 

ist, auf die sie wirkt, können wir die wirkenden 

Kräfte ermitteln. 

Diese Kräfte wiederum „ziehen“ am 

Querschnitt der Wursthaut. Dies 

nennt man Spannung. Wird genau 

diese Spannung größer als die zulässige 

Spannung der Wursthaut, 

dann wird diese reißen! 

Und nun schauen wir uns auf der linken Seite an, wie die Kräfte 

und Spannungen in Längsrichtung auf ein Wurstrad wirken, und 

rechts daneben, wie sie in Querrichtung auf ein Wurstrad wirken. 

„Spannungstechnisch“ gesehen 

sieht unsere Wurst nun so aus: 

Aus den vorigen Ableitungen 

haben wir nun folgende Ergebnisse: 

Durch nochmaliges „Umformeln“ 

ergibt sich Folgendes: 

Conclusio: Die Spannung in der Wursthaut ist in der Querrichtung 

immer doppelt so hoch wie in der Längsrichtung. Daher 

reißt die Wurst immer der Länge nach, d.h. in Querrichtung! 

Eigentlich ganz einfach. Wer die Formeln ernsthaft in 

klar erkennbarer Form nachlesen und prüfen möchte: 

www.wurstakademie.com 

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Kunstfälscher 

Jede Epoche 

hat ihre Fälscher 

Kunstfälscher und jene, die gefälschte Kunst 

wissentlich auf den Markt bringen, gibt es schon, 

so lange es Kunst gibt. Selbst Michelangelo soll zu 

Beginn seiner Karriere eine seiner Mamorstatuen 

als antikes Kunstwerk ausgegeben haben. 

Die Täuschung flog auf und wurde in der 

Renaissance zum ersten Skandal dieser 

zweifelhaften Branche. Michelangelo 

schadete sie nicht. 

Manche Fälscher wurden sogar über die 

Jahre wegen ihrer Arbeiten berühmt, wie 

der Holländer Han van Meegeren, der in 

den dreißiger Jahren Vermeer nachahmte, 

oder Konrad Kujau, der Fälscher der 

angeblichen Hitler-Tagebücher. 

Beltracchi - muss man sich merken 

Noch nie wurde so viel kopiert wie in 

unserer Zeit. Allein in den 60er Jahren 

sollen, so listen es amerikanische Zollfahnder 

auf, 9.428 falsche Rembrandts, 

103.227 falsche Corots und 113.254 

falsche Watteaus in die USA gebracht 

worden sein. Heute lässt sich mit falscher 

Kunst viel Geld verdienen und das Thema 

ist aktueller denn je, wie der deutschlandweit 

spektakulärste Fall der Jetztzeit 

zeigt, der im vergangenen Jahr aufgedeckt 

und gerade erst im Januar vor 

Gericht geklärt wurde. Eine vierköpfige 

Fälscherbande hatte mindestens 14 Gemälde, 

die sie Künstlern der Klassischen 

Moderne wie Max Ernst, Max Pechstein 

oder Fernand Léger zuschrieben, selbst 

gemalt, auf dem internationalen Kunstmarkt 

verkauft und damit fast 16 Millionen 

Euro kassiert. Die beiden Frauen der 

Bande machten den Käufern vor, dass die 

Bilder aus der Sammlung ihres verstorbenen 

Großvaters stammen würden. 

Namhafte Kunstexperten ließen sich 

problemlos täuschen, wie eine der 

Schwestern vor Gericht aussagte, und 

stellten bereitwillig ihre Expertisen aus: 

„Es war alles so einfach!“ 

Bekannte Auktionshäuser verkauften die 

Stücke und stehen wegen ihrer Leichtfertigkeit 

seitdem massiv in der Kritik. Der 

Fälscher Wolfgang Beltracchi, Kopf der 

als Beltracchi-Bande ganz bestimmt in die 

Annalen eingehenden Kunstfälscher- 

Clique, legte übrigens sofort am ersten 

Verhandlungstag ein umfassendes Geständnis 

ab. Der groß gewachsene, grauhaarige 

Bartträger strahlte dabei souverän 

und weltmännisch Sympathie aus und 

wurde von manchem als der eigentliche 

Held gesehen. 

Der ursprünglich bis März 2012 angesetzte 

Prozess wurde daraufhin zu einem 

„kurzen“ - doch anders, als man gemeinhin 

annehmen mag: forderte die Staatsanwaltschaft 

anfänglich noch Haftstrafen 

von bis zu sechs Jahren, verglich man 

sich mit dem Gericht anlässlich der 

„Kooperation der Fälscherbande“ auf eine 

Bewährungsstrafe. 

Ob es dabei bleibt, hängt nun von möglichen 

Berufungsverfahren Dritter ab. 

Einige Meldungen besagen, dass das 

Urteil wohl doch keine Bewährungsstrafform 

beinhalte, man die Verurteilten 

jedoch im Freigang beließe. Wie dem 

auch tatsächlich sei: die Beltracchi-Bande 

gab ihre Zustimmung zum – wie auch 

immer – bestehenden Vergleich bekannt. 

Wen wundert’s? 

Insgesamt stehen derzeit weit mehr als 

fünfzig Gemälde mit einem Gesamtwert 

von über hundert Millionen Euro unter 

Fälschungsverdacht. Einige Experten 

gehen sogar davon aus, dass Beltracchi 

zwischen 150 und 200 Fälschungen 

produzierte und auf dem Kunstmarkt 

platzierte. 

52 

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dialog® media 

IMPRESSUM 

F21 © 

2. Jahrgang, Ausgabe 003 (24.02.2012) 

Verlag: dialog ® media 

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Auflagen dieser Ausgabe: 

Druck 5.500 Exemplare 

Verbreitet 5.404 Exemplare 

Herausgeber und Chefredakteur: 

Heinz-Frank zu Franken (verantw.) 

e-Mail: heinz@F21.ag 

Redaktion: 

Heinz-Frank zu Franken, Nancy Nölting, Sabine Börchers 

Graphik: 

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ISSN 2193-1909 

artig galerie und Volkstheater Frankfurt laden ein 

zum Fachvortrag am 28. Februar um 14 Uhr zum Thema 

Kunstfälschungen 

High-Tech im Dialog 

mit dem Kunstrecht 

Die Bildkraft der zerstörungsfreien Prüfung 

Die artig galerie heinz-frank zu franken und das Volkstheater 

Frankfurt-Liesel Christ laden am Dienstag, den 28. Februar 2012 um 

14 Uhr zu einem exklusiven Fachvortrag zum Thema Kunstfälschung 

in das Mundarttheater im Großen Hirschgraben. 

Karin U. Berg von der BMB Gesellschaft für Materialprüfung mbH 

(Heilbronn) und der Kunstrechts-Anwalt und 1. Vorsitzende des 

Instituts für Kunst und Recht IFKUR e.V., Dr. Nicolai B. Kemle 

(Heidelberg / Stuttgart) berichten über rechtliche Unterscheidungen 

zwischen Kunstkopie, -fälschung & Co. und die neuesten materialtechnischen 

Möglichkeiten, solche zu entlarven. 

Der Dialog zwischen der High-Tech-Materialforscherin und dem 

Kunstrechtler dauert gut eine Stunde. Für Erfrischungen und 

Snacks ist gesorgt. Der Eintritt ist frei, eine Anmeldung unter 

einladung@artig.co jedoch obligatorisch. Infos unter www.artig.co 

Im Volkstheater Frankfurt-Liesel Christ dreht sich derzeit auf der 

Bühne alles um einen vermeintlich echten Rubens, der sich – nach 

allerhand Turbulenzen – dann doch lediglich als eine Fäl-schung 

erweist. Noch bis zum 5. April steht das Lustspiel von Er-win Kreker 

„Frau Sperlings Raritätenladen“ auf dem Programm 

(www.volkstheater-frankfurt.de). In vollster Begeisterung und 

bestem Glauben an die Kompetenz eines vermeintlichen Kunstexpertens 

hatte die von Erika Skrotzki brillant dargestellte Trödlerin 

Klara Sperling schon einen Teil der erhofften Millionen verplant, 

Hochzeitspläne für die Tochter geschmiedet und Investitionen 

für den Geschäftsausbau getätigt, noch bevor eine wirkliche 

Expertise vorlag. Die Komödie in hessischer Mundart findet über 

Umwege letztlich noch zu einem guten Ende. Außerhalb der nicht 

nur bei der Premiere mit langem Anfangsapplaus bedach-ten (von 

Rainer Schöne realisierten) Bühne muss sich ein glück-liches Ende 

bei ähnlichen Vorfällen jedoch nicht automatisch ein-stellen. Die 

Realität ist oft brutaler – und teuer. 

Neue Möglichkeiten der Untersuchungsmethoden 

Dr. Nicolai B. Kemle ist international tätiger Kunstrechts-Anwalt, 1. 

Vorsitzender des Instituts für Kunst und Recht IFKUR e.V. und 

Betreiber der Informationswebsite kunst-recht.de, hat sich auf die 

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Fotos: BMB 

Schwerpunkte Kunst & 

Recht, Messe- & Auktionsrecht, 

Urheberrecht und 

das Recht der neuen Medien 

spezialisiert. Eine 

ideale Mischung, die ihn 

als Dialogpartner für die 

Materialforscherin Karin U. 

Berg von der BMB Gesellschaft 

für Materialforschung 

prädestiniert. Beide 

geben am 28. Februar 

einen aktuellen Überblick 

über rechtliche Zuordnungen 

und Abgrenzungen 

sowie neueste Untersuchungsmethoden. 

„Weil in einem wahren 

Prozess um die Echtheit 

eines Rembrandt-Gemäldes 

Ende des 19. Jahrhunderts 

die Experten noch 

die so genannte morellische 

Methode ansetzten, 

wurde das Gemälde von 

unterschiedlichen Experten 

einmal zu- und ein anderes Mal wieder abgeschrieben. In der 

heutigen Zeit können moderne Fälschungen durch neue Untersuchungsmethoden 

in jedem Falle ausgeschlossen werden“, beginnt 

Berg ihren beispielreichen Beitrag. „Der berühmte Fall der Sammlung 

Jägers zeigte auf, dass eine materialwissenschaftliche Untersuchung 

einen Schaden von knapp einhunderttausend Euro nicht 

nur verhindert, sondern auch den immateriellen Schaden des unbezweifelt 

sehr guten Experten minimiert hätte,“ ist Dr. Kemle sicher. 

Zwei wesentliche Themen stehen in dem gemeinsamen Fachvortrag 

aus kunstrechtlicher Sicht im Vordergrund. Zum einen 

handelt es sich um die Frage der Wirksamkeit eines Gewährleistungsausschlusses 

für fehlerhafte bzw. gefälschte Kunstwerke, 

zum anderen um die Problematik der Haftung auf Grund 

mangelnder Untersuchung. Aktuell wird dies verdeutlicht durch ein 

Gerichtsverfahren, in welchem ein Auktionshaus einen Teppich mit 

eintausend Euro einschätzte, der nach einem Zwischenverkauf auf 

einer Versteigerung 7,2 Millionen Euro erzielte. 

Echt oder ein Original? 

Die Geheimnisse von Kunstgegenständen sind oft wie in einer Art 

„Zeitkapsel“ in der heute sichtbaren Oberfläche verborgen. Mit der 

zerstörungsfreien Prüfung können die für unser Auge unsichtbaren 

Details wie Restaurierungszustände und Fälschun-gen 

entschlüsselt werden. Im Laufe der Zeit wandelt sich z.B. aufgrund 

des Besitzerwechsels der Zustand von Kunstwerken. Der Zahn 

der Zeit nagt an Farbe und Bildträger. „Am Ende stellt sich die 

Frage nach dem Original und späteren Zufügungen, nach 

Veränderungen und Schäden, die im Kunstrecht eine we-sentliche 

Rolle spielen und über Echtheit und Sammlerwert entscheiden 

können“, so Kemle. 

Kunsthändler und Auktionatoren müssten aus Haftungs- und Gewährleistungsfragen 

immer häufiger die zerstörungsfreien Untersuchungsmethoden 

andenken, um später eine Haftung abwenden 

zu können. Doch auch Experten und Werkverzeichnisse sollten 

sich längst nicht mehr nur auf den geschulten Blick verlassen, denn 

die Fälschungen werden immer ausgefeilter. Berg und Kemle zeigen 

an einer Reihe realer Beispiele auf, dass die Frage der Untersuchung 

eine immer größere Bedeutung und dabei eine überraschend 

hohe Aufklärungsquote erlangt hat. 

Karin U. Berg stellt nachvollziehbar heute gängige Methoden der 

instrumentellen Analytik vor, die die Kunstuntersuchung des klassischen 

Bereiches von Lupe und Lichtmikroskop für einen Authentizitätsnachweis 

in der Kunst längst ablösten. Ein gefälschtes 

Gemälde aus der berüchtigten „Sammlung Jägers“ konnte beispielsweise 

durch den Nachweis der Verwendung von modernem 

Titanweiß (TiO2) einwandfrei überführt werden, denn dieses Pigment 

gab es vor 1914 noch gar nicht. 

Der Blick in das Darunter 

Der Vorteil von bildgebenden Verfahren im zerstörungsfreien Bereich 

wie UVA, Bluelight-Spektrometrie, digitale Röntgenmesstechnik 

(CT, Mikrofokus), Infrarotreflektographie und digitale Mikroskopie 

liegt im Blick in das „Darunter“ eines Kunstwerkes. Am 

Beispiel von kunsttechnologisch untersuchten Kunstwerken werden 

die vier essentiellen Elemente der Untersuchung auf Fälschung 

gezeigt: der Untergrund, die Untermalung, die verwendeten 

Pigmente und die Bindemittel. 

Am 28. Februar im Volkstheater 

Die artig galerie ermöglicht diesen 

Fachvortrag am 28. Februar 2012 

um 14 Uhr im Volkstheater Frankfurt 

(Großer Hirschgraben 21 in 60311 

Frankfurt) direkt im Set des aktuellen Stückes „Frau Sperlings 

Raritätenladen“. Galerist zu Franken begründet das so: „Einerseits 

steht das Thema nach Jäger und Beltracchi ganz oben auf der 

Kunstthemenliste, zudem wird mit Frank Wackerbarth in der artig 

galerie gerade ein Meister der Op-Art ausgestellt. Einige Vertreter 

der Optical Art lehnten den Begriff des Originals ja für Ihre Werke 

ab, weil sie unter Einbezug der ‚vierten Dimension Zeit’ andere 

Maßstäbe ansetzen“. Nicht zuletzt haben zu Franken und das Volkstheater 

so ihren kommunikativen Schabernack bei der Ankündigung 

des aktuellen Stückes „Frau Sperlings Raritätenladen“ getrieben. 

„Für uns ist das ein schöner Anlass, Kunstinteressierte in das 

Volkstheater zu einem wissenschaftlich hochwertigen Fachvortrag 

einzuladen und so unser Haus vorzustellen“, ergänzt Intendantin 

Gisela Dahlem-Christ, die sich mit ihrem Team besonders der 

Wahrung der Originalität hessischer Mundart verschrieben hat. 

Statt Business-Lunch zum Kunstvortrag 

Das Volkstheater Frankfurt hat am 28.02. kleine Erfrischungen und 

Snacks vorbereitet. Der Vortrag dauert gut eine Stunde. Der Eintritt 

ist frei, eine Anmeldung über das Volkstheater Frankfurt (Tel. 069/ 

288598) oder die artig galerie (einladung@artig.co) ist jedoch 

obligatorisch. Infos: www.artig.co 

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art ig galerie 

heinz-frank zu franken 

die aktuellen termine 

24. febr. vernissage – 18-22 uhr 

frank wackerbarth 

op-art ausstellung bis zum 18. april 

28. febr. kunstfälschungen – 14 uhr 

„high-tech und kunstrecht im dialog“, 

dr. nicolai b. kemle und karin u. berg, 

fachvortrag im volkstheater frankfurt 

07. märz vollmond-soirée – 19 uhr 

mit sibylle nicolai 

charmante gesprächsrunde 

am vollmondabend 

in der artig galerie 

15. märz artig after-work – 18-21 uhr 

29. märz artig after-work – 18-21 uhr 

04. april vollmond-soirée – 19 uhr 

18. april finissage – 16-22 uhr 

20.+21. april v-kunst-installationen in der fahrgasse 

21. april artig at midnight – 22-2 uhr 

nightlights zur nacht der museen 

25. april vernissage – 18-22 uhr 

die sieger des 

1. fankfurter künstler-castings 

sonder-ausstellung bis 23. juni 

04. mai vollmond-soirée – 19 uhr 

10. mai artig after-work – 18-21 uhr 

22.-24. mai artig MICE-event 

@ messe frankfurt & artig galerie 

anlässlich der imex-frankfurt 

F21 © 3/12 

fahrgasse 21 • 60311 frankfurt am main 

geöffnet: di.-fr. 16-19 und sa. 15-18 uhr 

tel. 069.366 024 33 • fax 069.366 024 32 

w w w . a r t i g . c o

ISSN 2193-1909 

F21 © 3/12

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