india awakens - Dr. Alka Pande

ehemaligen Herrscher angestrebt. Oder sie hat Bilder für westliche
Medien gemacht und verkauft ihre Arbeit jetzt an einen neuen, sehr
westlichen Kunstmarkt. Ein Kunstmarkt, auf dem die einzig akzeptable
Ästhetik westlich ist. Ausgeborgt und schlecht passend, aber
modisch und sehr gefragt.
Das „traditionelle“ Bharat gab seine traditionellen Glaubenssysteme
angesichts der kolonialen Angriffe nicht auf. Es konfrontierte sich erfolgreich
mit der westlichen Modernität und schuf sogar seine eigenen
Modernitäten. Die Einheimischen bewahrten viele Elemente der
Postmoderne und kombinierten sie mit der globalisierten Moderne,
der sie begegneten. So schufen sie die jugalbandis, die es noch immer
gilt, wirklich zu hören und zu erforschen. Im 19. Jahrhundert tat
eine elitäre Clubfotografie in Indien sie als „Bazaar-Fotografen“ ab.
Ihre Kollegen aus dem 20. Jahrhundert betrachteten sie als „shaadi
walas“. Der Künstler aus dem 21. Jahrhundert sieht sie als Quelle,
von der er stehlen kann. Dass die von ihnen produzierte Arbeit ein
ehrlicheres Dokument war, verankert in ihren eigenen Traditionen
ohne verlegene Vorurteile, entging dem Verständnis der elitären
Klasse der „indischen“ Fotografen.
Die fotografischen Praktiken dieses „anderen“ Indien, zum Beispiel,
forderten den realistischen Diskurs eines visuellen Mediums heraus,
das im Westen erfunden und in den westlichen Realitätsvorstellungen
fest verankert war. Diese Ideen stießen mit den kulturellen
Glaubensvorstellungen zusammen, welche die Welt als eine Illusion
betrachteten. Maya! Das Fotografie-Atelier des „anderen“ Indien
wurde ein Raum für kleine Leelas, welche sich die Klienten dieses
Fotografen vorstellen und in die sie sich hineindenken konnten. Sie
präsentierten sie selbst, wie sie gesehen werden wollten. Und nicht
wie dokumentiert wurde, durch den westlich-kolonialen Blick.
Postmoderne Themen von Identität und Darstellung wurden von diesen
Fotografen ohne großen Tusch thematisiert, als Selbstverständlichkeit,
und ohne die Begriffe zu verwenden, mit denen die akademische
Welt viel später erst hantierte.
Von dieser sehr verwurzelten „indischen“ Praxis zu stehlen, ist der
Weg nach vorne für die Künstler von heute, wenn sie als Mitläufer
auf das Boot der Fotografie aufspringen und das post-koloniale Spiel
für internationale Ausstellungen spielen. Die Präsentation der Arbeit
selbst, von der sie sich ausgeborgt haben, in den Kunsträumen
der Welt wird noch immer nicht in Angriff genommen, so scheint es.
Dass diese kleinen Atelier-Fotografen der ästhetischen Orientierung
und kulturellen Hegemonien modernistischer Praktiken begegneten,
indem sie diese für eine weiter gefasste, soziale Anwendung von Fotografie
öffneten, ist nicht anerkannt. Klassen und Kastenhierarchien
sind noch immer zindabad, lang lebe die Hierarchie!
Die Tatsache, dass diese Fotografen, Kinder weniger anerkannter
„Kunstgötter“ aus Ateliers in ganz Indien, die Digital-Fotografie so
natürlich übernommen haben, als wären sie mit ihr geboren, ist keine
wirkliche Überraschung. Die neue Digitalfotografie passt perfekt
cieties and clubs. Or they made pictures for a western
media and now sell their work to a new, very Western,
art market. An art market where the only acceptable
aesthetic is a Western one. Borrowed and ill fitting, but
fashionable and in high demand.
The “traditional” Bharat on the other hand had not
abandoned its belief systems in the face of any colonial
onslaught. It had managed to meet Western modernity
head on and had even succeeded in creating its own modernities.
Many post-modernisms, which kept the local
and married it with the globalising modernity they faced.
Theirs were jugalbandis that have yet to be properly
heard and explored. In the 19th century, an elite, clubby,
Indian photography had dismissed them as “bazaar photographers”.
Their 20th century counterparts saw them
as “shaadi walas”. The 21st century artist sees them as a
source to steal from. That the work they produced was a
more honest document anchored in their own traditions
with no self-conscious, pretensions escaped the understanding
of the elite class of “Indian” photographers.
The photographic practices of this “other” India, for example,
challenged the realist discourse of a visual medium
invented in the West and firmly anchored in the
west’s ideas of Reality. Ideas that had clashed with cultural
beliefs which saw the World as an illusion. Maya!
The Photographic studio of the “other” Indias became
a space for little Leelas that the studio photographers’
clients could imagine and image themselves in. Presenting
themselves as they wanted to be seen. And not in
the way they were documented by a colonising Western
gaze.
Post-modern issues of identity and representation, it
seems, were addressed without any fanfare, as a matter
of course and without ever hearing of, or using, the
terms academia came up with much later.
Borrowing from this very rooted “Indian” practice is the
way forward for the artists of today as they jump on to
the photography bandwagon and play the post-colonial
game for international shows. Exhibiting the actual work
they borrow from, in those world’s art spaces is still not
the done thing it seems. That these small studio photographers
countered the aesthetic orientation and cultural
hegemonies of modernist practices by opening them
up to larger social uses of photography is not acknowledged.
Class and caste hierarchies are still zindabad!
The fact that these photographers, children of lesser art
gods from studios from all over India, have taken to digital
photography as naturally as if they were born to it is
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