Redemanuskript zur Ausstellungseröffnung auf ... - Galerie Schrade

Redemanuskript zur Ausstellungseröffnung
auf Schloß Mochental am 9. Juni 2013
„ Ich lebe in meinen Augen
Ich esse aus meinen Augen“ (Walter Stöhrer)
„Georg fällt mit einem abgerissenen Strauß Autospiegeln zur Tür
herein“ - Lothar Quinte zum neunzigsten und Walter Stöhrer
zum 76. Geburtstag
Meine sehr geehrten Damen und Herren,
es ist etwas Besonderes, eine Ausstellung von Walter Stöhrer auf Schloss
Mochental zu eröffnen. Nicht nur, weil er ein außergewöhnlicher Künstler war,
sondern auch deshalb, weil ihn dieser Ort inspiriert hat.
In der wunderschönen Landschaft am Südrand der Schwäbischen Alb hat Walter
Stöhrer Zeichen gesetzt während eines Malaufenthalts.
Unter einem roten Sonnensegel, so die Chronisten, schlug er im Jahr 1986 in
Sichtweite geschichtsträchtiger Mauern sein Sommeratelier auf. Das Schloss mit 365
Fenstern, im 18. Jahrhundert errichtet, schrieb hierdurch zeitgenössische
Kunstgeschichte.
Die Früchte jenes Sommers sind rund 30 Gouachen. Stöhrer hat Papierarbeiten nicht
gering geschätzt, hochbedeutend auch das druckgraphische Werk. Der Künstler war
nicht zuletzt ein passionierter Radierer. Dabei arbeitete er nach eigener Aussage
ohne vorgedachtes Bild im Kopf.
Ganz spontan sich hemmungslos verströmend?
So mag es scheinen, doch Stöhrer folgte einer konzeptuellen
Visualisierungsstrategie. Er borgte Stichworte aus der Literatur. Die Beschäftigung
mit „schon einmal artifiziell Gedachten“ sei sein Metier, sagt er.
Er war überzeugt, Literatur im Bildraum zum Sprechen bringen zu sollen - und
brachte es auf diesem Gebiet zum Virtuosen. Insofern könnte seine Position als eine
postmoderne begriffen werden, definiert über Aneignungspraktiken, Adaption wie
Neuinterpretierung. Doch das wäre zu kurz gegriffen. Erst die Charakteristik des
individuellen Bildfindungsprozesses, der aktionistische Furor, die Empathie, das
konsequent artikulierte humanistische Moment machen ein Stöhrer-Werk aus.
Es geht Stöhrer nie darum, seiner Kunst auszugsweise (Welt-)Literatur von Adonis
bis Unica Zürn – bloß einzuschreiben.
Sein Arbeitsprinzip ist eher gekennzeichnet durch Einfühlung als Einverleibung. Der
Künstler benutzt Worte weniger als ein gestalterisches Element, betreibt vielmehr
Wortmalerei in einem tieferen Sinne. Die Worte bestimmen den Malprozess

nachdrücklich. Graphische und malerische Strukturen befruchten und verbinden sich
zu einem Amalgam auf der Grundlage einer kongenialen Regieführung.
Erschaffen wird ein bildnerisches Universum, das Textstellen malerisch überhöht, um
ihren Gehalt zu vertiefen.
Bevorzugt sind es Sätze mit synästhetischer Wirkung, die Stöhrer assoziativ umkreist
- es gelingt ihm, Dichterworte beziehungsreich in einem Medium erfahrbar zu
machen, für das sie nicht vorgesehen waren. Stöhrers freier Malgestus verbündet
sich dabei mit der Kunst der Kalligraphie. „Ich schreibe während ich male + male
während ich schreibe“, hat er gesagt.
Das daraus erwachsende Spannungsprinzip, dieser kühne Balanceakt, die
couragierte Wort-Bild-Akrobatik bestimmen die Dynamik von Stöhrers Malerei
wesentlich.
Sind literarische Vorlagen der Schlüssel zur Stöhrer-Exegese, so muss man auch
wissen: Er unterscheidet zwei Arten zu lesen, beziehungsweise verschiedene
Buchtypen: Bücher, die er liest und in denen er anstreicht. „Optischen Zeilen“ ist er
hinterher. Thomas Mann hält er für einen blinden Dichter weil er bei ihm keine
solchen fand.
Literaturfetzen sind aber nicht nur des Malers Vehikel der Motivfindung, sondern sie
bedeuten Halt, die Visualisierung von Literatur ist auch eine Methode, Zügellosigkeit
vorzubeugen. Stöhrer nimmt sich, was er dafür brauchen kann, eruiert die
Wechselwirkungen zwischen Wort und Bild auch experimentell.
Die literarische Grundlage festigt den Farbstrom, diszipliniert den Künstler, definiert
die kompositorische Aufgabe, wird Partitur der Bilder.
Wie setzt er Sätze um?
Am Anfang steht die Selektion. Stöhrer unterstreicht während der Lektüre, was ihm
wichtig ist. In seinem Exemplar von Antonin Artauds Das Theater und sein Double
beispielsweise eine Passage auf Seite 158 .
„Der Atem steigt in den Bauch hinab und schafft seine Leere, und von dort stößt er
sie hinaus in die Lungenspitzen.“ Da ist viel Raum für den Verdauungsapparat des
Malers.
Eine jener gefundenen Formulierungen, die Stöhrer förmlich anspringt, so scheint es.
Doch er achtet das Urheberrecht. Wenn ein Textfragment Eingang findet in sein
Werk, vermerkt er neben dem Fund im Buch handschriftlich das entsprechende
Datum zwecks Dokumentation. Er führt Buch im Buch.
Lesen ernährt ihn.
„Ich lebe in meinen Augen
Ich esse aus meinen Augen“, sagt er.
Ewald Schrade hat das große Glück, Walter Stöhrer nicht nur persönlich gekannt,
sondern in einem sehr freundschaftlichen Kontakt mit ihm gestanden zu haben.

Stöhrer-Bilder gerade jetzt in Mochental zu zeigen, passt gut.
Wir feiern den 250. Geburtstag von Jean Paul. „Mache die Gegenwart zu keinem
Mittel der Zukunft“, nennt Stöhrer 1990 eine Hommage an den Jubilar.
Jean Pauls literarische Besonderheiten ließen ihn den Rezipienten bisweilen sperrig
erscheinen. Ich möchte Stöhrer direkt neben den Dichter setzen.
Jean Paul galt als kapriziöser Autor. Ein Prädikat, das gewiss auch zu Stöhrer
assoziiert werden darf.
Jean Paul hat die „zerfließende Formlosigkeit“ des romantischen Romans „auf die
Spitze“ getrieben, sagt die Literaturkritik. Stöhrer geht ähnlich zum Äußersten,
betreibt „zerfließende Formlosigkeit“ und treibt diese „auf die Spitze“.
Er selbst über Einflüsse von Literatur: „…das geht eigentlich so durch einen durch
und fließt hinten wieder raus bzw. auf die Leinwand.“ Stöhrer ließ es gar
leidenschaftlich fließen. Ließ dabei die Besonderheiten des zweideimensionalen
Formats nicht aus den Augen und trat ihnen entgegen. Die Arbeiten werden gedreht
- und von allen vier Seiten arbeitet er Motive ein. Die All-over-Struktur lässt an Rilke
denken: Denn da ist keine Stelle, die dich nicht sieht.
Es ist das nachvollziehbar Prozesshafte in Verbindung mit einer sich rückhaltlos
mitteilenden Passion, das das Faszinosum dieser Bilder bewirkt. Stöhrer kann auf
der Leinwand wütend und ganz zart sein - indifferent ist er niemals. Die Bilder wirken
explosiv, treffen ins Mark als Gefühlsgewitter, sie entfachen Seelenstürme und lösen
Fieberschauer aus. Figurative Malerei vom Formlosesten.
Textfetzen treten neben Fragmente von Menschenleibern, Rumpf und Gliedmaßen,
die gespensterhafte Formen annehmen können. Farbströme ergießen sich heftig und
wild – das verlangt schon das „Markenzeichen“ des Künstlers, doch Stöhrer kann
das Ventil auch zudrehen. Er kann sich in das Lineare geradezu koboldhaft
verbeißen. Dann spuken Monsterchen, Fratzen, Grinsegesichter durch Stöhrer-Bilder.
Die Metamorphosen fordern den Künstler physisch und psychisch. Er schriebe die
ausgewählten Literaturstellen „sehr hastig mit ziemlich viel Druck“ auf den Bildträger,
verrät er, und das sei auch ein innerer Druck, wobei aus einem Wort wiederum ein
Figurenanfang werde. Seine Bildrhetorik baut, teils unmerklich, auf der Verflüssigung
des Wortes auf, er spielt fiktive Aggregatzustände durch.
Am Ende jedoch will er Lesbarkeit wiederherstellen, indem er die zunächst
absichtlich und vielleicht in einem gewissen Affekt verwischte Text-Spur schließlich
zum Bildtitel macht. Er unterscheidet zwischen Arbeitstiteln und jenen Schlusstiteln,
die ihm wichtig sind, damit dem Betrachter der Zugang zur „Simultanität von Formen,
Linien, Flächen“ nicht ganz verbaut wird.
Auf Sprache „abgetrennt von Bildern“ stößt Stöhrer insbesondere in Deutschland.
Umso mehr fesselt ihn die Schriftstellerin Unica Zürn - eng verbunden mit dem
gegenwärtig auf der Biennale in Venedig gefeierten Hans Bellmer -, die in beiden
Kategorien denkt. In ihren „Notizen zur letzten (?) Krise“ fließt „weißes
Wolkenblut“ über „blauen Himmel“, um ein neues Wesen zu bilden. Aus einer Hand
werden „Kopf und Hals eines Krokodils mit einem einzigen bösen Auge“, und das
Krokodil kann sich zurückverwandeln in die Hand - dann nämlich, wenn man nur
lange genug vom Sofa durch die geöffnete Terrassentür in den Himmel blickt.

Eine Seelenverwandte Stöhrers zweifellos, diese Dichterin, die sich das Leben nahm
wie auch Konrad Bayer.
„Georg fällt mit einem abgerissenen Strauß Autospiegeln zur Tür herein“:
So nennt Stöhrer, bei dem oft Verehrung zum Ausdruck kommt, eine Hommage an
Konrad Bayer. Ein avantgardistischer Literat, ein dadaistischer Wiener Wadenbeißer
von intellektuellem Witz. Ein österreichischer Schriftsteller und Dandy, ebenfalls
ausgestattet mit einem besonderen Sensorium.
Bayer war einige Jahre älter als Stöhrer. Aus dem Leben schied er 1964 - 32 Jahre
alt. Die Gruppe 47 hatte seinen Texten nicht applaudiert. Stöhrer berührte eine
solche Kränkung.
Wenn Stöhrer von sich in der dritten Person spricht, so redet er – vielleicht auch
kokett - von dem „Stöhrer mit seinem künstlerischen Egoismus, mit seiner
langsamen Entwicklung einer Arbeit“. Er betrachtet sich selbst wie ein „Prisma, in
dem sich die Dinge brechen“ und stellt fest: „Das Bild ist immer ein festgehaltener
Moment, aber der erste Schritt ist Kopfarbeit“
Disziplinieren muss man sich, das weiß er, „bevor man anfängt zu arbeiten, wenn
man seine Dinge organisiert, wenn man weiß, mit was für Material man arbeiten will.“
Atmosphärische Dichte, bemerkenswerte Konsequenz und symbolische Offenheit
sind das Resultat und kennzeichnen das verwegene Oeuvre, zu dem es keine
Parallelen gibt.
Stöhrer stellt das traditionelle Figur-Grund-Schema systematisch in Frage zugunsten
eines Ereignisraumes. Dabei ist seine Kunst nichts weniger als Ausdruck seiner
Existenz. Die künstlerische Arbeit ist Selbstvergewisserungsmaßnahme in ihrer
sinnlichsten Art. Heidegger’s Wort vom Geworfensein taugt zur Betrachtung von
philosophischer Färbung und Malgestus.
Stöhrers Position ist singulär in der Kunst des 20. Jahrhunderts.
Stöhrer ist ein Solitär. Und noch immer ein Geheimtipp
Wer oder was war dieser Mann?
Auf jeden Fall unangepasst.
Das Werk des rebellischen Einzelgängers - diese Etikettierung begleitet ihn
hartnäckig und bleibt unwidersprochen - entzieht sich eindeutiger stilistischer
Zuordnung. Welcher Ismus sollte für ihn passen?
Von Rebellismus möchte ich sprechen, der auffällt durch seine Unbekümmertheit.
Und wo gibt es den heute? Heute, wo alle zum angesagten Zirkel zählen wollen, auf
den Markt – und Marktlücken - blicken müssen?
Manche haben Stöhrers Qualität frühzeitig erkannt: Seine Galeristen, die Sammler.
Vielen blieb er bis heute fremd. Stöhrers eminent subjektivistische Position muss
Menschen aufwühlen, kann sie erschrecken, - oder erreicht sie gar nicht erst - und
sie muss all jene begeistern, die sich selbst als freien Geist empfinden - und
aushalten können.

Amerikanische Kollegen sind es, die für Stöhrer Maßstäbe gesetzt haben, wie er sagt
- de Kooning und Motherwell unter ihnen – Vertreter des abstrakten amerikanischen
Expressionismus. Dass sein Werk in aufregenden Teilen dessen deutsche Spielart
darstellt, das darf man an dieser Stelle auch sagen. Der Markt nur, der hat es
womöglich noch nicht gemerkt.
Meine Damen und Herren,
„Es fehlt mir eine Übereinstimmung der Worte mit der Kurzdauer meiner Zustände.“
Der Titel eines Bildes, den Stöhrer als Hommage an Artaud gewählt hat - den
nehme ich, um überzuleiten zu
Lothar Quinte
Denn: Mit Worten die Kurzdauer - und Langzeitwirkung - der Zustände zu
beschreiben, in die die Kunst des meisterhaften Farbflächenmalers versetzt, ist ein
aussichtsloses Unterfangen.
Quinte-Bilder sind im Gegensatz zu Stöhrers Werken stille Bilder.
Quinte fällt mit keinem abgerissenen Strauß Autospiegeln zur Tür herein“
Figurative Phasen sucht man vergeblich. Verwunderlich, wo er doch einmal eine
Puppenbühne geleitet hat.
„Die Farbe Grün diagonal“ oder „Farbfeld Schwarz Rosagrau“ - er benennt seine
Bilder bevorzugt nach den vorherrschenden Farbtönen - sind elementare
Meditationsgründe.
Bilder, vor denen man steht oder sitzt, um einfach ihrem Sog zu folgen.
Zunächst hatte Quinte sich abzugrenzen gesucht gegen die Überväter Willi
Baumeister, Ernst Nay, Fritz Winter.
Für seine Generation war „die gegenstandsfreie, die absolute Malerei das unerhört
Neue“. Sie bedeutete Freiheit schlechthin.
Vom Gestischen findet Quinte alsdann zur geometrischen Form und zum Farbfeld.
Quinte überzeugt als nuancierter Monochromist.
Das zentrale Gemälde hier in der Nikolauskapelle von Schloss Mochental - „Gelbe
Linie“ - leitet geradewegs über zur transatlantischen Abstraktion, konkreter: zum
„zip“-Motiv des Colourfield-Malers Barnett Newman.
„Das Bild als komplexes optisches Ereignis, reduziert auf das Wesentliche“, will
Quinte, „und je mehr es mir gelingt, zu reduzieren, desto eindeutiger wird das Bild.
Ich habe immer die Ruhe in der Bewegung, die Implosion der Farbe statt der
Explosion gesucht.“
Einen Bildzustand, den er „aliterarisch“ nennt.
Mit Quintes Bildern überschreitet der Betrachter eine Schwelle, gelangt auf eine
andere Wahrnehmungsebene. Er verlässt vorübergehend das Hier und Jetzt, um in
einem transzendenten Bereich neben sich und hinter die vordergründigen
Aufgeregtheiten des Lebens zurückzutreten.

Die Materialität des Bildes wird zur Pforte in einen immateriellen Raum.
Es gibt zwischen Stöhrer und Quinte indes auch eine Reihe Gemeinsamkeiten
Beide studierten bei HAP Grieshaber.
Sie starben kurz nacheinander, beide im Jahr 2000, der 14 Jahre jüngere Walter
Stöhrer noch knapp drei Monate vor Lothar Quinte.
Beide Künstler sahen in der Gouache eine ihrem Ausdruckswillen adäquate Technik.
Mit Gouachen, so Quinte, habe er sich „freigespielt“. Sie sind auch eine Art
Fingerübung: „Das mache ich immer, wenn ich nicht weiter weiß.“
Dabei wirken seine Papierarbeiten überaus eigenständig, faszinieren durch das
überaus subtile Linienspiel, das Abbildungen kaum wiedergeben können. Wo Stöhrer
zu Linienfigurationen findet, arbeitet Quinte mit feinen Verästelungen, mitunter an
Äderchen erinnernd.
Seine Kompositionen atmen, stecken voller subkutaner Energie.
Quinte war auch Schattenspieler, er leitete die Schattenspielgruppe um HAP
Grieshaber. „Schwarzes Auge“ nannte sie sich. Schatten beschäftigten Stöhrer
desgleichen. „Jedes wahre Bild hat seinen Schatten, der es doubelt“, lautet ein
Bildtitel - abermals ein Bekenntnis zu Artaud.
Und ich möchte fragen: Wann wird ein Kurator kommen, der diese beiden
eigenwillige Künstlerpersönlichkeiten auf die Biennale nach Venedig einlädt - wie es
nun - posthum Hans Bellmer umd Walter Pichler widerfuhr, um zwei der wenigen
Teilnehmer aus dem deutschsprachigen Raum zu nennen, die die globale Kunstwelt
nun via Venedig entdecken soll?
Und wann endlich entdecken die Amerikaner Stöhrer und Quinte, wo doch gestische
Dynamik sowie verschwiegene Farbraumerfahrung, ungehemmte Exaltation und
großflächige Aufforderung zur Kontemplation gleichermaßen Domänen der
amerikanischen Malerei des 20. Jahrhunderts schlechthin sind.
Schön, dass wir uns in das nicht allzu oft ausgestellte und selten parallel gezeigte
Werk der HAP-Grieshaber-Schüler fürs Erste nunmehr in Mochental vertiefen dürfen.
Ewald Schrade, er fällt eben einfach mit einem Strauß von Gemälden zur Tür herein.
Ich danke Ihnen.
Dorothee Baer-Bogenschütz
Schloß Mochental, 9. Juni 2013