Orkus! Hurts (Vorschau)

O rkus 

O rkus 

Mehr Seiten – mehr Inhalt! 

Nr. 03 · März 2013 

! 

Exklusiv-Interview „Es dreht sich generell um Sex und Tod.“ 

+ 15 Tipps für den Fan: 

VNV Nation + Zeromancer + Schlafes Bruder + Nick Cave + HENKE 

Lordi + mesh + Amplifier + The Beauty of Gemina + Cultus Ferox 

Die Krupps + miserylab + Boil + Faderhead + Sofia Härdig + ROME 

The Eden House + Faun + Slave Republic + Altaar 

Model Kaos + Soilwork + Saalschutz + Helium Vola + KMFDM 

Script 6 + Woodkid + Spetsnaz + Stratovarius + Dornenreich 

Love Is Colder Than Death + Fire + Ice + von Branden + Eisenherz 

Java Guidi + Chainreactor + Black Tape For A Blue Girl + Tubbe 

Project Pitchfork + Chemical Sweet Kid + Welle: Erdball 

Coppelius 

Depeche Mode 

+ exklusive Musiker-Kommentare

Neues 

Henke 

Album! 

Ab 01.03.2013 

im Handel! 

www.Henkeband.de 

Tour 2013 

23.03. Nürnberg - Der Cult 

28.03. Bochum - Kulturbhf Langendreer 

29.03. Hamburg - Logo 

30.03. Görlitz - Nostromo 

31.03. Leipzig - Moritzbastei 

05.04. Frankfurt a.M. - Das Bett 

06.04. Antwerpen (B) - JCC Zappa 

Präsentiert von 

Kartenvorverkauf: 

www.eventim.de & www.adticket.de 

WWW.DRYLAND-RECORDS.NET

Titelstorys 

Hurts 18 

Lordi 24 

Orkus!-Act des Monats 

HENKE 30 

Orkus!-Newcomer des Monats 

Martin Kleid 68 

Interviews & Storys 

Altaar 62 

Amplifier 60 

Black Tape For A Blue Girl 88 

Boil 53 

Nick Cave & the Bad Seeds 60 

Cayne 53 

Chainreactor 96 

Chemical Sweet Kid 57 

Coppelius 36 

Cultus Ferox 108 

Depeche Mode 34 

Der Blutharsch 50 

Eisenherz 94 

EVO 57 

Faderhead 40 

Fire + Ice 56 

Free Fall 106 

Grooving In Green 53 

Java Guidi 104 

Sofia Härdig 108 

Hardcore Superstar 90 

Helium Vola 102 

Honigdieb 60 

KMFDM 64 

Love Is Colder Than Death 48 

mesh 44 

miserylab 105 

Model Kaos 36 

Mystigma 88 

PsioniC 91 

Saalschutz 117 

Schlafes Bruder 84 

Script 6 104 

Slave Republic 112 

Soilwork 42 

Spetsnaz 54 

Stratovarius 63 

The Beauty of Gemina 66 

The Eden House 95 

Tubbe 57 

von Branden 110 

Welle: Erdball 52 

Woodkid 28 

Specials 

Movies of my life 

Santa Hates You: Jinxy 38 

Henkersmahlzeit 

Antimatter: Mick Moss 38 

In Zahlen 

Faun: Oliver s. Tyr 38 

Denkpause 

VNV Nation: Ronan Harris 47 

Zeromancer: Kim Ljung 58 

Die Krupps: Jürgen Engler 92 

Orkus! Compilation 87 98 

In eigenen Worten 

Zeromancer: Kim Ljung 100 

Listening 

Amorphis 116 

Steckbrief 

ROME: Jérôme Reuter 118 

On Stage 

Service 

Dornenreich 112 

Project Pitchfork, Architect 114 

short cut 8 

Album des Monats & Top 5 70 

Plattentipps 71 

Buchtipps 82 

Jahrestage 88 

Kleinanzeigen 120 

Abo 121 

Nachbestellung 122 

Tourdates 126 

Impressum 130

Empfangbar über: 

ASTRA – 19,2 Grad Ost 

DVB-T Berlin – Kanal 56 

DVB-T Hessen – Kanal 52 

Unitymedia – Kanal 29 

Kabel BW – Kanal 57 

primacom – Kanal 65 

T-Entertain – Kanal 96 

Vodafone TV – Kanal 50 

www.iM1.tv

Liebe Leserin, lieber Leser, 

willkommen zur März-Ausgabe! Diese wird von dem 

einmaligen Duo Hurts geziert. Nachdem das Debut 

Happiness ja so sehr zu begeistern wusste, waren die 

Erwartungen an das Folgewerk extrem hoch. Kann 

Exile sie erfüllen? Erste Eindrücke findest Du in dieser 

Ausgabe... 

Der erste Eindruck – zugleich Vorabsingle – für 

Depeche Modes Album Delta Machine polarisiert 

jedenfalls. Wir haben einige Prominente aus der Szene 

zum Plausch eingeladen und um ihre persönliche 

Meinung über Heaven gebeten. Das hat Spaß gemacht 

und war enorm spannend. Ebenfalls in dieser Ausgabe 

nachzulesen. 

Unsere neuen Lieblings-Senkrechtstarter Schlafes Bruder 

erteilen wieder exklusiv im Orkus! Magazin Auskunft 

über eine neue Single und ihr bald erscheinendes 

Album. Ach, und wir wollten noch erwähnt haben, dass 

unsere neuen Lieblings-Senkrechtstarter nicht (!) bei 

Trisol sind. Warum wir das erwähnen wollen? Uns ist 

einfach danach. ;-) 

Neben zahlreichen weiteren aufregenden Bands und 

Neuentdeckungen haben wir am Magazin selbst – ganz 

im Sinne des Frühjahrsputzes – ein paar Änderungen 

vollzogen. Wir hoffen, diese kommen auch bei Dir gut 

an. 

Wir wünschen Dir nun eine schöne Zeit. 

Nehme sie Dir. Du hast es Dir verdient! 

Herzliche Grüße, 

Dein Orkus!-Team 

P.S. Zwei kurze Punkte noch: Orkus! kann man jetzt 

auch im Dunkeln lesen... als eMagazine! Und es gibt 

wieder viele neue Abo-Prämien! Wusstest Du beides 

schon? Prima! 

Der Weg in die Hölle ist leichter als man gemeinhin denkt. Ein kleiner 

Fehltritt im Leben und schon wartet die ewige Verdammnis. 

Das Anleitungsbuch für den garantierten 

Weg in die Hölle – mit Geld zurück-Garantie! 

Jörg Schneider hat sich auf den Weg gemacht und noch nie gestellte 

Fragen ein für alle Mal beantwortet. 

• Warum ist Gott kein Hippie? 

• Was hat es mit der Zahl des Antichristen auf sich? 

• Wohnt der Papst tatsächlich im Vakuum? 

• Wie fest darf man beim Steinigen werfen? 

Damit einem wenigstens in der Hölle 

alle Türen offenstehen!

Orkus! verlost drei Exemplare des 

neuen Die drei ???-Abenteuers 

Geheimnisvolle Botschaften! In Folge 

160 des Kulthörspiels stellt der 

Raub eines handgefertigten Buches 

den Spürsinn der Detektive auf 

eine harte Probe. Warum wurde 

nur dieser Gegenstand entwendet 

– wo es doch weitaus kostbarere 

Beute zu holen gab? Wer eine CD 

abstauben will, schickt eine e-mail 

mit dem Betreff „Enigma“ an verlosung@orkus.de. Einsendeschluss 

ist der 22.03.2013. Der Rechtsweg ist ausgeschlossen. 

Mehr als drei Jahre ist es her, dass Psychic TV den ausverkauften 

Festsaal Kreuzberg in eine Party verwandelten und die BesucherInnen 

in Feierbiester. Jetzt kehrt 

die Band um Mastermind 

Genesis Breyer P-Orridge 

endlich zurück. Ihr einziges 

Deutschlandkonzert führt 

sie wieder nach Berlin, und 

wir dürfen eine weitere 

unvergessliche Nacht, ein 

weiteres Spektakel erwarten: 

psychedelisch, wild, sexy. 

„The best version of Psychic 

TV ever“ werde zu sehen 

sein, sagt Drummer Eddie 

O’Dowd. Was das heißt? „Die 

magische Vereinigung des 

Sounds der Sixties mit der Energie von heute, Musik, die nicht 

von dieser Welt zu sein scheint, genialer Wahnsinn, ein knallbunter 

Acidtrip ohne Risiken, aber mit jeder Menge Nebenwirkungen – 

Euphorie, Spaß, Glück...“ Karten gibt es im Vorverkauf, lange 

zögern sollte man wohl nicht! 

Orkus! präsentiert: 

Psychic TV 

20.04. Berlin, Festsaal Kreuzberg 

Pünktlich zu seinem 66. Geburtstag 

überraschte David Bowie mit der 

Meldung, im März sein erstes Studioalbum 

seit zehn Jahren veröffentlichen zu wollen. 

The Next Day soll das Werk heißen, die 

Berlinsingle Where Are We Now? konnte 

längst weltweit ungeahnte Erfolge erzielen. 

Happy Birthday, Mister Bowie – schön, dass 

Sie zurück sind! 

Das Debut von Ghost & Writer, dem Projekt um Frank 

M. Spinath (Seabound, Edge Of Dawn) und Jimmyjoe 

Snark III (The Weathermen), erreichte nur in Insiderkreisen 

Bekanntheit, wird dort 

aber hoch geschätzt. Als 

Vorgeschmack auf das 

im April erscheinende 

Folgewerk Red Flags 

bieten Ghost & Writer 

auf der Website ihres 

Labels Dependent 

eine Gratissingle zum 

Download an. Never Take 

Fire enthält neben der 

ONLINESTORE, VIDEOS, BANDINFOS & MEHR: 

www.NUCLEARBLAST.de 

www.FACEBOOK.com/NUCLEARBLASTEUROPE

Albumversion des Titelstückes auch zwei Remixe, die es absolut in 

sich haben. Verfügbar ist die Single mit Artwork ab dem 12.03.2013 

über www.dependent.de! 

Das nächste Paganfest scharrt mit seinen metallischen Hufen. 

Bald wird der Tross erneut losziehen, diesmal angeführt durch 

die Piratenkönige Alestorm und die russischen Folk Metaller 

Arkona. Außerdem dabei: die wiederauferstandene Viking- 

Legende Thyrfing, Kanadas Deather Ex Deo sowie die 

deutschen Newcomer Wolfchant und Bornholm aus Ungarn. 

Das gibt garantiert ein ordentliches Säbelrasseln! 


Paganfest 

28.02. Saarbrücken, Garage 

01.03. Würzburg, Posthalle 

02.03. Essen, Weststadthalle 

03.03. NL-Eindhoven, Effenaar 

04.03. Stuttgart, LKA/Longhorn 

05.03. CH-Solothurn, Kofmehl 

06.03. A-Wien, ((szene)) 

07.03. Berlin, K17 

08.03. Leipzig, Hellraiser 

09.03. München, Backstage 

10.03. Hamburg, Markthalle 

Hypocrisy haben ihr neues 

Album End of Disclosure 

fertiggestellt und bereiten 

seine Veröffentlichung für den 

22.03.2013 vor. Mastermind Peter 

Tägtgren verspricht ein deutlich 

brutaleres, hymnisches Werk, das 

durchaus auch mal die Anfänge 

der Band zitiert und obendrein 

keyboardlastiger sein soll als ihre 

letzten Releases. Der Titeltrack 

erschien schon vorab und ist 

tatsächlich ein wahrer Brecher. 

Fractured Millennium, anyone?

Im Juni veröffentlichen Black 

Sabbath 13... Mit Ausnahme 

von Drummer Bill Ward ist die 

Originalcrew zurückgekehrt, um ihr 

erstes gemeinsames Studioalbum seit 35 

Jahren in Form zu gießen. Für Ward sitzt 

mit Brad Wilk nicht nur jemand mit 

denselben Initialen auf dem Schemel, 

sondern außerdem ein Schlagzeuger, der 

sonst bei Rage Against The Machine für Druck sorgt. Da 

könnte ein gehöriges Gewitter auf uns zukommen! 

Das Album Blemish von 2003 markierte David Sylvians 

Durchbruch in der experimentellen Musik; zum zehnjährigen 

Jubiläum ist nun mit Wandermüde ein Remix erschienen, eine 

Neuinterpretation des Materials. Verantwortlich zeichnet dafür 

der deutsche Klangkünstler Stephan Mathieu, wie Sylvian 

im electro-akustischen Grenzbereich zu Hause. Mathieu erschafft 

aus den Originalaufnahmen eine neue Erfahrung, indem er die 

spannungsreichsten Texturen und dunkelsten Abgründe dieses 

wegweisenden Albums hervorhebt. 

Die Vergangenheit hat ihre Spuren hinterlassen: Paramore sind 

nur noch zu dritt, das ganz große Indie-Märchen stand kurz vor dem 

Scheitern. Doch die US-Amerikaner haben sich zusammengerissen, 

als Trio stärker angenähert denn je und mit Paramore ein viertes 

Album fertiggestellt, das den Sprung nach vorn wagt. Raus aus dem 

poppigen Emo-Becken, rein in die weite Welt der Rockmusik. Keck 

klingt das immer noch, hat darüber hinaus auch einige spannende 

Geschichten zu erzählen. Die liest Du in unserer nächsten Ausgabe!

Am 12.04.2013 meldet sich mit Yeah Yeah Yeahs eine der 

hoffnungsvollsten Indie-Bands der Welt zurück: Mosquito ist heiß 

erwartet, wird von vielen als „Album des Jahres“ gehandelt und 

darf sich wohl wieder über eine „Grammy“-Nominierung freuen. 

Die letzten drei Werke konnten das; auf diese Band ist eben Verlass. 

„Es geht um positive Gefühle“, beschreibt Frontfrau Karen O das 

frische Material. „Wir hoffen, dass die Fans die Platte hören und 

etwas spüren. Wir haben sehr viel in die neuen Songs gelegt – es war, 

als ob eine Strickleiter zu uns in die Tiefe gelassen wird, damit wir 

hinaufklettern und uns den Staub von den Klamotten klopfen. Ich 

hoffe, andere werden auch emporsteigen.“ 

Für ihr zweites Album Separation Anxiety 

haben sich Boudoir Zeit genommen. 

Eingespielt zwischen Berlin, Amsterdam 

und Sankt Petersburg, folgt man wieder 

den sphärischen Klangreichen von 

Cocteau Twins oder My Bloody 

Valentine. Elegisch, durchscheinend, 

sanft, gedankenverloren... genau die 

richtige Musik, um den Winter zu 

verabschieden und sich auf den Frühling 

zu freuen. 

Diese TV-Sendung war legendär: Vor 

30 Jahren startete Formel Eins im 

deutschen Fernsehen. Ein schöner 

Anlass, um in Erinnerungen zu 

schwelgen und sich ab dem 22.03.2013 

einer Drei-DVD-Box hinzugeben. 

Mehr als einer dürfte durch diese Serie 

musikalisch sozialisiert worden sein, 

die 45-minütige Show gehörte fest 

ins Abendprogramm vieler Teenies. 

Danach lief bekanntlich Dallas, doch 

bis dahin gab es Musik, Musik, Musik: 

die volle Bandbreite der Achtziger, 

festgehalten in Bild und Ton. Die nächste Zeitreise ist gesichert...

oBerT PoLZAr 

ZuHause bei Hitlers 

hitler und Paul, der Pole, gründen gemeinsam 

eine Wg in einer Wohnung mit einem sehr großen 

Zimmer, durch das sie quer eine Mauer ziehen. 

nacheinander folgen eine österreichische, eine 

französische, eine russische, eine englische und 

weitere Parteien im haus. Was dann passiert, 

braucht sich hinter den ereignissen des Zweiten 

Weltkriegs nicht zu verstecken... 

robert Polzar erzählt die äußerst unterhaltsame 

geschichte einer Wg rund um den schrulligen 

hitler. Die Analogie der ereignisse zum Zweiten 

Weltkrieg ist natürlich rein zufällig. 

neuerscheinungen 

Jetzt also auch noch Comics... Dirk 

Bernemanns einflussreiches 

Werk Ich hab die Unschuld KOTZEN 

sehen erhält seine nächste mediale 

Übersetzung. Nach Theater ist nun das 

gemalte Bild dran: Gemeinsam mit 

Zeichner Philipp S. Neundorf 

hat Bernemann seine harten, direkten 

und erfrischend schonungslosen 

Erzählungen visualisiert – standesgemäß 

in Schwarz, Weiß und Blutrot. Es geht 

eben auch hier entsprechend heftig 

zu. Limitiert ist das edle Hardcover 

in Leinenoptik mit Partiallack auf 2.000 Exemplare, flott sein ist 

angeraten. 

PhiLiPP neunDorf & Dirk BerneMAnn 

icH Hab die unscHuld kotZen … | comic 

„ich hab die unschuld kotzen sehen“, ein literarisches 

statement mittels dessen sich Autor 

Dirk Bernemann vor fast 10 Jahren in die herzen 

einer quasi unvorbereiteten Leserschaft schrieb, 

liegt nun als comic vor. Zeichner Philipp s. neundorf 

hat die essenzen der geschichten verbildlicht 

und jeden erzählstrang mit comickunst geschmückt, 

was dieses Buch in eine weitere, 

bislang unbekannte sphäre zu schießen vermag. 

robert Polzar, Zuhause bei hitlers 

Taschenbuch | 208 s. | 9,99 € | isBn: 978-3-942920-23-0 

Veröffentlichungsdatum: 01.02.2013 

P. neundorf & D. Bernemann, ich hab die unschuld kotzen sehen 

hardcover | 92 s. | 14,99 € | isBn: 978-3-942920-19-3 


JeTZT BesTeLLen unTer WWW.unsichTBAr-VerLAg.De 

Hoch die Hörner: Das diesjährige Hörnerfest verspricht einmal 

mehr hochgradig unterhaltsame Musik in schöner Umgebung. 35 

Kilometer von Hamburg entfernt, im Grünen, an einem Bauernhof... 

die perfekte Kulisse für ein wenig mittelalterliches Treiben zwischen 

Folk, Rock und Metal, ergänzt um Marktstände, Lagerleben und 

Bogenschießen. Musikalisch werden Acts wie Corvus Corax, 

Heidevolk oder BerlinskiBeat für Kurzweil sorgen und vom 

28. bis 30.06.2013 zur geselligen Zeitreise laden. Übrigens: die 

Tickets sind aus Leder! Weitere Infos unter www.hoernerfest.de. 

Isländische Bands sind immer was Besonderes. Einmal mehr 

zeigen das Bloodgroup, die sich dieser Tage mit Tracing Echoes 

zurückmelden. Auf dem Drittwerk perfektionieren sie ihren 

düster-elektronischen Pop zwischen Vergangenheit und Moderne, 

zelebrieren erneut eine schwer greifbare, wundersame Stimmung. 

Live gastiert das Gespann ab April in unseren Breiten – Termine, die 

sich nicht nur IAMX-Fans vormerken sollten: 

03.04. Nürnberg, MUZclub 

04.04. Würzburg, Kellerperle 

17.04. Frankfurt/M., Das Bett 

19.04. CH-Wil, Gare de Lion 

20.04. Konstanz, Kantine 

21.04. CH-Thun, Mokka 

27.04. Bischofswerda, East-Club 

02.05. Hamburg, Hafenklang

Gelangweilt vom Musikfernsehen? Dann nichts wie ab zu ! 

Der digitale Musik-TV-Sender iM1 hat sein Programm um eine 

überaus dunkle Facette erweitert: In Kooperation mit unserem 

Magazin präsentiert er 

– wöchentlich eine volle Stunde 

Musikvideos für die düstere Generation. Klassiker, aktuelle Clips, 

Weltpremieren und mehr – immer mittwochs um 23.00 Uhr, in der 

beliebten und ganz besonderen „Stunde vor Mitternacht“... 

Empfangbar über: 

ASTRA – 19,2 Grad Ost 

DVB-T Berlin – Kanal 56 

DVB-T Hessen – Kanal 52 

Unitymedia – Kanal 29 

Kabel BW – Kanal 57 

primacom – Kanal 65 

T-Entertain – Kanal 96 

Vodafone TV – Kanal 50 

www.iM1.tv

Seit fünf Jahren gibt es Rock am Stück im nordhessischen Fritzlar. 

Diesmal hat man mit Stahlmann einen hochkarätigen Headliner 

parat, außerdem gibt es OST+FRONT, SKYlimit, dorrn und 

einige weitere auf die Ohren. „Klein, aber fein“, hört man in Bezug 

auf dieses Event oft, sowohl die Bands als auch die rund 1.000 

BesucherInnen zeigen sich stets äußerst zufrieden. Am 01.06.2013 

steigt das Jubiläum des mit zehn Euro (Vorverkauf) beziehungsweise 

15 Euro (Abendkasse) äußerst fair zu Buche schlagenden Festivals. 

Karten gibt es bei www.casselmania.de. 

Der Bote kehrt zurück. Harte 

Klänge, hymnische Melodien, 

apokalyptische Texte... hier braut sich 

gehörig was zusammen. Nach dem 

Debut Kalt! (2005) ist es nun Zeit 

für den zweiten Schlag: Der Bote ruft 

die Morgenwelt aus und nimmt uns 

mit auf eine musikalische Reise durch 

„Schicksal, Angst, Gewalt und Tod“. 

Das klingt nicht nur ziemlich düster – 

das ist es auch. Und sollte unbedingt 

angetestet werden.

Swans gehen auf Deutschlandtour! Im Mai 

2013 darf man sich wieder auf akustische 

Erlebnisreisen freuen – auf klangliche 

Bauwerke zwischen Post Industrial, Post Punk, 

Wave, Noise Rock und orchestraler Tiefe. 

Mastermind Michael Gira ist vor allem live 

ein Virtuose, ein Zauberer; die anstehenden 

Konzerte sind deshalb unbedingte 

Pflichttermine! 


Swans 

27.05. Frankfurt/M., Mousonturm 

28.05. Berlin, Volksbühne 

29.05. Dresden, beatpol 

30.05. München, Feierwerk 

Neuer metallischer Wind aus England: Die Damnation Angels 

gehen mit ihrem Erstling 

Bringer Of Light an den Start. 

Symphonisch, bissig, melodisch, 

episch... bester britischer Stahl, 

versehen mit einem hübsch finsteren Cover und exzellenter 

Produktion. Erscheinen soll das Album am 22.02.2013. 

MEIN TICKETPORTAL 

••••••••••••••••••••• 

ERIC FISH & FRIENDS 

09.04. Göttingen, Mensafoyer 

10.04. Leipzig, Werk 2 

13.04. Stuttgart, Wagenhallen 

14.04. Karlsruhe, Jubez 

17.04. Aschaffenburg, Colos-Saal 

18.04. Fulda, Kulturkeller 

19.04. Staufenberg, Stadthalle 

20.04. Erfurt, HsD Gewerkschaftshaus 

25.04. Wuppertal, Live Club Barmen 

SWANS 

23.05. Schorndorf, Manufaktur 

27.05. Frankfurt, Mousonturm 

28.05. Berlin, Volksbühne 

29.05. Dresden, Beatpol 

30.05. München, Feierwerk 

Immer wieder schön, wenn 

altgediente Bands noch 

überraschen können. So wie 

Luna Ad Noctum, die 

alles mitbringen, um auf der 

Erfolgsleiter mit großen Schritten emporzukrabbeln. Aggressive 

Ausbrüche mit viel Geschrei treffen auf unheilvolle Melodik; 

unweigerlich muss man an eine polnische Ausgabe von Dimmu 

Borgir denken. Das Viertwerk Hypnotic Inferno ist via Massacre 

Records erhältlich. 

Da sind sie wieder, die Eternal Tears of Sorrow. Dass es 

sich hier nicht um irgendeine 

weitere Rückmeldung einst 

hoch geschätzter Gothic Metal- 

Verfechter handelt, macht das 

Comebackwerk Saivon Lapsi schnell deutlich. Erfrischend modern, 

dabei immer noch den Grundsätzen des düsteren Gothic Metal 

verhaftet... schön, die Finnen zurückzuhaben! 

Es kommt Bewegung in Stahlmann: 

Mit Adamant wurde unlängst der Titel 

ihres neuen Albums bekannt gegeben, 

erscheinen soll es am 19.04.2013. 

Was darauf zu erwarten ist, umreißt 

Fronter Mart gleichermaßen knapp wie 

klangvoll: „Adamant... edel, hart und 

sinnlich.“ Zur Nummer Schwarz haben 

die Jungs bereits ein Video gedreht, am 

01.03.2013 erscheint die erste Single 

Süchtig. Live-Daten stehen auch schon 

wieder: 

12.04. Hamburg, LOGO 

18.04. Göttingen, EXIL 

19.04. Berlin, K17 

20.04. Forst, Manitu 

25.04. Köln, Die Werkstatt 

26.04. Bochum, Matrix 

27.04. Losheim am See, Hexentanz 

28.04. Frankfurt/M., Nachtleben 

30.04. Bad Grund, Walpurgis Rock 

02.05. Nürnberg, HIRSCH 


04.05. Mannheim, MS Connexion 

11.05. Osnabrück, Bastard Club 

UNHEILIG - LICHTER DER STADT TOUR II 

22.02. Erfurt, Messehalle 

23.02. Chemnitz, Arena 

02.03. Kempten, BigBox 

07.03. Augsburg, Schwabenhalle 

19.04. Trier, Arena 

21.06. Kassel, Auestadion 

22.06. Halle, Freilichtbühne Peißnitz 

18.07. Emmendingen, Schlossplatz 

THE BONES, THE METEORS, 

THE LAST RESORT, TURBO A.C.’S, 

THE GENERATORS u.v.a. 

24.05. - 26.05. Chemnitz, Messe 

23.08. - 24.08. Wuppertal, Waldbühne Hardt 

19.07. Straubing, Festivalzelt am Hagen 

20.07. Dresden, Königsufer 

24.07. Salem, Schloss Salem 

28.07. Ludwigsburg, Barockschloß 

09.08. Münster, Schlossplatz 

16.08. Oldenburg, Weser-Ems Halle 

31.08. Cottbus, Spreeauenpark 

07.09. Mönchengladbach, HockeyPark 

28.06. - 30.06. Gelsenkirchen, Amphitheater 

•••••••••••••••• 

...und 30.000 weitere Veranstaltungen! 

Tickets auf www.ADticket.de

NERTHUS Event-Team 

Anno 2012 bewies das Dark Munich Festival, wie sehr die 

bayerische Landeshauptstadt ihr eigenes Gothic-Spektakel gebraucht 

hat. Jetzt geht es entsprechend in die zweite Runde: BlutEngel, 

KMFDM, Umbra et Imago, Rabia Sorda, Funker Vogt, 

The Klinik und viele mehr sorgen für dunkle Musikgenüsse auf dem 

Areal der Optimolwerke. Die Vergrößerung der Örtlichkeiten war für die 

Veranstalter dieses Jahr eines ihrer Hauptziele, immerhin werden 4.000 

BesucherInnen aus aller Welt erwartet. „2013 haben wir drei Bühnen 

und sind damit eher in der Lage, allen Erwartungen an dieses Event 

gerecht zu werden.“ Einem perfektionierten Festival steht folglich nichts 

im Wege. Übrigens wolle man nicht mit den großen Sommerevents 

konkurrieren, so die Organisatoren. Vielmehr soll das DMF als 

attraktive Ergänzung zum Festivalkalender fungieren – zumal nach der 

Winterpause, wenn alle längst wieder heiß auf die Festivalsaison sind. 

Dass eine weitere Auflage des Spektakels steigen würde, war nicht von 

Anfang an klar. Konzipiert wurde das DMF zunächst als Versuch, auch 

in der bayerischen Metropole eine regelmäßige Gothic-Veranstaltung zu 

etablieren. „Wir waren überwältigt vom positiven Echo“, freut sich die 

DMF-Crew. „Die eine oder andere Kritik war außerdem konstruktiv, 

sodass wir schnell wussten, dass es eine Fortsetzung geben muss!“ Also 

werden bald wieder jede Menge Szene-Größen München in Dunkelheit 

hüllen... „Das DMF ist ein Marathon! 26 Bands an einem Tag – da 

bleibt nicht viel Zeit für etwas anderes als Musik.“ Und was gibt es 

schließlich Schöneres? Los geht’s um 12.30 Uhr, Einlass ist eine Stunde 

früher – und gefeiert wird natürlich bis spät in die Nacht! Tickets kosten 

49 Euro, genauere Infos zum Rahmenprogramm, der Gastronomie vor 

Ort et cetera findest Du unter www.d-m-f.net. 


Dark Munich Festival 

13.04. München, Optimolwerke 

16 - Orkus!

„Es dreht sich generell um Sex und Tod.“ 

Man verkneift es sich besser, den Begriff „Senkrechtstarter“ vorschnell zu benutzen, entpuppen sich doch viele 

Kometen spätestens mit dem zweiten Album als rasch verglühende Sternschnuppen am musikalischen Firmament. 

Bei Theo Hutchcraft und Adam Anderson aber hat man den Eindruck, dass das Gaspedal auch auf Exile bis 

zum Bodenblech durchgetreten wird und Hurts mit ihrem wahnsinnig erfolgreichen Debut Happiness keine 

Eintagsfliege waren. Zeit also, Adam ein wenig auf den Zahn zu fühlen – obwohl das Duo mehr als ein Mal 

behauptete, gar nicht so gern über seine Musik reden zu wollen. 

Adam Anderson: Das sollen wir ernsthaft gesagt haben? 

Nun, da magst du tatsächlich recht haben. Vor allem nach drei 

Jahren und gegen Ende der Interviewmarathons und Tourneen 

zu Happiness hingen uns die immer wieder gleichen Fragen 

naturgemäß zum Halse raus. Dabei hätten wir nur zu gern 

auch über Dinge abseits der Musik gesprochen, was uns jedoch 

meistens verwehrt blieb. Allerdings hatten wir in den letzten 

Monaten ein wenig Ruhe, und mit dem nötigen Abstand kann 

ich jetzt eigentlich bloß sagen: „Oh ja, lass uns über die Musik 

auf Exile reden!“ Du hast Glück, denn wir sind gerade erst am 

Anfang der Promotiontour. (lacht) 

Orkus: Schaltet man als Künstler bei den erwähnten 

Interviewmarathons schnell auf „Autopilot“, oder versucht 

man auch am Ende eines Tages noch, möglichst nuancierte 

Antworten zu finden? 

AA: Natürlich versucht man das, hat allerdings ebenso oft 

das Gefühl, dass es nicht gelungen ist. Nicht, weil der Wille 

fehlt, häufig ist es einfach nur die Zeit zum Nachdenken, an 

der es mangelt. Dann ärgert man sich im Nachhinein über 

die gegebenen Standardantworten und fragt sich, ob man 

es besser kann oder ob es an den Fragen lag... wir sind halt 

Perfektionisten! 

O: Ehe wir uns also doch der Musik widmen dürfen, lass 

uns zunächst über Berlin reden – ihr seid erneut und damit 

auffallend oft in unserer Hauptstadt. Was verbindet euch mit 

dieser Stadt? 

AA: In der Tat ist Berlin nach Manchester eine Art zweiter 

Heimat geworden, und wir fühlen uns sehr wohl hier. 

Nachdem wir damals den Clip zu Wonderful Life online gestellt 

hatten, war es eine deutsche Plattenfirma, die als Erste Interesse 

bekundete, und so sind wir hier mit dem Herzen einfach 

hängen geblieben. Jeder Aufenthalt bedeutet einen Haufen 

Spaß und schräge Partys bis in die frühen Morgenstunden. 

Speziell in Berlin bewahrheitet sich die These, dass sich die 

besten Städte erst nach Einbruch der Dunkelheit zeigen. 

O: Der Beginn eurer Karriere wird gern sozialromantisch 

verklärt. Was ist denn nun an der „Vom Tellerwäscher zum 

Millionär“-Geschichte dran, und wie oft müsst ihr euch noch 

kneifen, wenn ihr zurückschaut? 

AA: Wir waren anfangs durchaus bemüht, mit zurückhaltenden 

Clips, einem sehr minimalistischen Internetauftritt und 

entsprechend kargen Informationen über uns das Interesse an 

unserer Musik bewusst zu schüren. Dahinter steckte jedoch 

keine Marketingstrategie, sondern einfach nur unser Wille, 

erfolgreich zu sein. Natürlich stimmt es, dass wir arbeitslos 

waren und uns mit Gelegenheitsjobs über Wasser hielten, aber 

so unverhofft, wie die Jungfrau zum Kinde kommt, war unser 

Durchbruch nicht. Wenn ich auf den Zeitraum von damals bis 

heute zurückblicke, sehe ich wirklich Tellerwäscher, die mit 

ihrer beider Hände Arbeit den Sprung geschafft haben und sich 

gar nicht so oft kneifen müssen, weil sie immer fest an ihren 

Erfolg geglaubt haben. 

O: Gab es zwischendurch auch Phasen, in denen ihr den ganzen 

Kram am liebsten in die Ecke schmeißen und in Depressionen 

versinken wolltet? 

AA: Klar gab es solche Momente, aber Theo und ich haben 

zusammengehalten und uns immer wieder gegenseitig 

aufgebaut, um diese Täler zu durchschreiten. Egal wie 

schrecklich wir unsere Situation fanden, hat uns die Tatsache, 

nicht gerade privilegiert in dieses Business gestartet zu sein, 

doch bislang auch davon abgehalten, abzuheben. Die Mauern, 

welche die Armut um uns errichtete, schützen uns noch immer 

vor jeder Menge Mist. 

O: Der Titel Happiness stand bei eurem Debut im kompletten 

Gegensatz zur damaligen Situation. Ist Exile ebenso als Kontrast 

zu verstehen? 

AA: Das unterschreibe ich sofort, denn im Exil befinden wir 

uns gegenüber früher ganz sicher nicht. Mittlerweile sind wir 

in 50 Ländern erfolgreich und fühlen uns überall dort auch 

heimisch – egal ob in Europa oder Asien. Wenn man so will, 

sind aus britischen Inselbewohnern inzwischen fast schon 

Weltbürger geworden. 

O: ... denen eigentlich bloß noch die USA zu erobern bleiben. 

AA: Das stimmt zwar, aber wann hätten wir das tun sollen? 

Wir waren doch dauernd in Deutschland. (lacht) Im Ernst: Die 

Vereinigten Staaten standen bei Happiness schlicht nicht auf 

dem Plan und sind wahrlich noch eine große Herausforderung. 

Wir müssen einfach mal abwarten, wie es mit Exile läuft. 

O: Wo ist das Material für Exile entstanden? Auf Tournee in 

fernen Ländern oder im heimischen Kämmerlein? 

AA: Wahrscheinlich hätten wir die Möglichkeit gehabt, Exile 

an jedem Ort dieser Welt zu schreiben, aber letztlich hat es uns 

doch wieder nach Manchester gezogen, wo alles begann. Wir 

hatten das Gefühl, dass nur dort die richtigen Songs entstehen 

können. Viele Bands schreiben ihre Lieder zwar auf Tour, aber 

mit den ganzen Ablenkungen, dem Trubel um uns und den 

vielen Mädels konnten wir einfach nicht umgehen. Zurück in 

Manchester, schrie unsere linke Gehirnhälfte dann förmlich 

danach, der Kreativität endlich freien Lauf zu lassen. 

O: Und das Ausleben hat sich gelohnt. Exile trifft ganz andere 

Töne als noch Happiness. 

AA: Klar, wir waren schließlich in einer völlig anderen 


Orkus! - 19

emotionalen Situation als beim ersten Album. Sicher hätten wir die DNA 

der Stücke übernehmen können, aber es fühlte sich nicht richtig an, ein 

Album mit denselben Zwischentönen zu schreiben. 

O: Euer emotionaler Status würde mich aber durchaus interessieren, ist 

Exile doch wesentlich düsterer und erwachsener geraten. 

AA: Keine Angst, um unsere Psyche ist es sehr gut bestellt, aber Exile 

dreht sich nun mal generell um Sex und Tod. Statt Tragik und Melancholie 

prägen Wut, Trauer, aber auch Vergnügen die Grundstimmung. Wir sind 

in den letzten Jahren natürlich auch als Songwriter gewachsen, und unsere 

Freundschaft ist stärker geworden. Das hört man den Liedern meines 

Erachtens ebenfalls an. 

O: Ihr habt früher mal versucht, den perfekten Pop-Song zu schreiben. Ist 

es euch jetzt gelungen? 

AA: Bevor wir Hurts ins Leben riefen, haben wir das tatsächlich versucht, 

aber dieses Unterfangen haben wir rasch aufgegeben. Und siehe da: Sobald 

man nicht mehr krampfhaft an irgendwelchen Plänen festhält, klappt 

es... zumindest ist mein Lieblingsstück The Crow ziemlich nah dran. Das 

war auch der einzige Track, von dem wir nicht mindestens 50 Versionen 

angefertigt haben, sondern der in einem Rutsch entstanden ist und sich in 

seiner Originalversion auf dem Album findet. 

O: Exile wird natürlich wieder ausgiebig betourt. Was erwartet uns bei den 

kommenden Konzerten? 

AA: Daran basteln wir momentan, aber da das Album ein Plus an 

Instrumenten auffährt, werden wir diesem Umstand wohl auch bei den 

Auftritten Rechnung tragen. Ganz gewiss werde ich endlich mehr Gitarre 

spielen dürfen, bisher musste ich ja immer am Klavier sitzen. (lacht) Es 

wird emotionaler und auch ein wenig chaotischer, obwohl man das von 

uns sicher nicht erwartet. 

O: Zu guter Letzt noch eine Frage, die ihr angeblich auch nicht mögt: 

Welche Bands wären denn als Einfluss für Exile zu nennen? 

AA: Auch diese Frage ist eigentlich gern gehört, aber wenn man zum 

hundertsten Mal nach den Pet Shop Boys gefragt wird, verzweifelt man 

schon ein bisschen. Nicht dass ich etwas gegen die beiden hätte, aber was 

hat alle Welt bloß auf Happiness herausgehört? Ich bin gespannt, wann 

sie uns trotz der erweiterten, organischeren Instrumentierung und des 

größeren Sounds von Exile erneut in Interviews begegnen. 

O: Dann formulieren wir es mal so: Könnte man zum Beispiel am Ende 

von The Road Muse heraushören? 

AA: Das kann man durchaus, gerade ihre frühen Sachen finde ich wirklich 

großartig. Genauso lassen sich aber auch Radiohead, Tears For Fears oder 

Depeche Mode zu Zeiten von Black Celebration entdecken, und während 

des gesamten Aufnahmeprozesses haben wir auch jede Menge Nine Inch 

Nails gehört, was man unserem gereiften Klangbild ebenso anmerkt, wie 

ich finde. 

www.informationhurts.com 

Lars Schubert 

Discographie (Alben): 

Happiness (2010) 

Exile (2013) 

Line-Up: 

Theo Hutchcraft – Gesang 

Adam Anderson – Instrumente 


Exile 

Der Titeltrack beginnt wie ein unheilvolles, 

synthetisches Kratzen und Schaben hinter der 

Tapete – abwartend und düster. Sobald jedoch 

Schlagzeug und Gitarre einsetzen, entfaltet er 

seine ganzen Qualitäten, welche bereits mit diesen 

ersten Minuten die gereiften Hurts präsentieren: 

In seiner Einfachheit ein toller Refrain und Theo 

Hutchcrafts variable Stimme. 

Miracle 

Die erste Auskopplung... und natürlich klingt 

sie noch nach Hurts, aber selbst bei diesem eher 

schwächeren Lied auf Exile zeigen die Engländer, 

dass sie insgesamt wesentlich dicker aufgetragen 

haben. Statt zurückgelehnten Italo-Disco-Beats 

und einem Refrain, bei dem man auch mal still 

stehen kann, gibt es hier das Gegenstück: zum 

Weltumarmen! 

Sandman 

Huch, wie verirren sich diese verhaltenen Hip 

Hop-Beats auf das Album? Nachdem der erste 

Schock verarbeitet und der erste, etwas zu harsche 

Break zum Refrain verdaut ist, wird Sandman 

allerdings immer besser. Er geht trotz einer gewissen 

Sperrigkeit gut ins Ohr, und Frauengesang sowie 

ein Kinderchor machen ihn nicht schlechter. 

Blind 

Liebe Marketingstrategen, was sprach gegen Blind 

als erste Auskopplung? Hat dieser Song doch alles, 

was sich Fans von Hurts’ Debut erhofften – einen 

epischen Refrain, einen Takt zum Mitklatschen 

und eine emotionale Bridge zum finalen 

Tränenverdrücken. Klingt negativ? Quatsch, 

genau das haben wir doch von Hurts erwartet. 

Only You 

Die bis dato tanzbarste Nummer auf Exile 

demonstriert ziemlich gut, warum Adam und 

Theo alles richtig machen, denn anstatt das Stück 

als straighten, aber letztlich seichten Pop-Song zu 

inszenieren, lassen sie es durch die Hinzunahme 

verhaltener Gitarrensounds und einen Break in der 

Liedmitte an Profil gewinnen. 

The Road 

Die anfängliche Zerbrechlichkeit von Theos Vocals 

täuscht, denn dieser Track will nicht beschützt 

werden. Nein, dazu ist er viel zu fies, greift 

nach dem Hörer, krallt sich fest und versucht 

ihn mit Gefühlseruptionen im Chorus, einer 

Westerngitarre, unheilvollen Strings und allerlei 

düsteren Sounds zu überzeugen. Spätestens mit 

dem verzerrten und gänzlich überraschenden Ende 

gelingt ihm das auch. Der beste Titel auf Exile. 

Cupid 

Könnte als Hurts’sche Version eines Stücks 

durchgehen, das sich Depeche Mode damals nicht 

getraut haben, auf Songs Of Faith And Devotion 

unterzubringen, weil es zu schnell und zu laut war. 

Die dominante Blues-Gitarre à la Martin L. Gore 

gibt die Richtung vor, aber Dave Gahans Stimme 

vermisst in diesem knackigen Track niemand. 

Mercy 

Man mag Hurts jetzt nicht unterstellen, sie 

wollten auf den Dubstep-Zug aufspringen, aber 

Ansätze sind da. Bei diesem Song zeigt sich jedoch 

wieder ganz deutlich, dass die musikalischen 

Texturen wesentlich voller sind, ohne überladen 

zu sein... Kinderchor, Blasinstrumente und eine 

Blechtrommel stehen hier nur stellvertretend für 

eines der komplettesten Lieder des Albums. 

The Crow 

Die Nummer, für welche das Duo am wenigsten 

Zeit im Studio benötigte und die mehr oder 

weniger im ersten Take auf Exile gelandet ist. 

Warum? Nun, für eine melancholische, soulig 

angehauchte Klavierballade im Verbund mit 

einigen Gitarrenakkorden brauchen Hurts halt 

nicht länger. Wieso auch, wenn sie perfekt ist? 

Somebody To Die For 

Auf einem vorstellbaren Happiness 2.0 wäre dieser 

Titel wahrscheinlich der Opener geworden, 

wenn auch wohl mit etwas verringerter 

Gitarrenlautstärke. Schon seltsam, hätte Somebody 

To Die For vor ein paar Jahren noch problemlos 

funktioniert, wirkt es neben dem restlichen 

Material von Exile fast ein bisschen langweilig und 

schablonenartig. 

The Rope 

Ein recht konventioneller und schlichter Pop-Song 

auf hohem Niveau. The Rope präsentiert eine weitere 

Facette von Hurts und beweist, dass sie einfach ein 

Händchen für Melodien haben, die ins Ohr gehen 

und sich mit jeder weiteren Wiederholung auf 

unbestimmte Zeit dort festzusetzen wissen. Dass 

die hallenden Sounds an Thirty Seconds to Mars 

erinnern, dürfte die wenigsten stören. 

Help 

Eine schwelgerische Pianoballade als krönender 

Abschluss? Aber bitte nur, wenn zu dem ganzen 

Schmalz ein Chor und Blechbläser hinzukommen. 

Und auch nur, wenn sich das Lied langsam 

steigert, um kurz vor Ende wieder abzuebben. 

Und auch nur, wenn Theo Hutchcraft und nicht 

Céline Dion singt. Na bitte, geht doch! Schön! 


15 Tipps für Hurts-Liebhaber 

Folgende Zusammenstellung der Orkus!-Redaktion empfiehlt Werke, die einem Musikgourmet, der Hurts zu genießen weiß, ebenfalls 

gefallen können. Im Vordergrund für diese Auswahl steht ein ähnliches Lebensgefühl, das (diese) Musik vermittelt. Wir wünschen 

viel Spaß beim Entdecken und Erleben. 

Bright Light Bright Light 

Make Me Believe In Hope 

Rod Thomas startete seine Karriere mit eher 

Folk-orientierter Musik, und das nur, weil 

ihm das Equipment und die Kenntnis diverser 

Produktionstechniken fehlten. Zum Glück hat er 

sich inzwischen beides angeeignet und konnte das 

Auge, mit welchem er schon immer Richtung Synth Pop und House 

schielte, mit Make Me Believe In Hope richtig weit aufreißen. Um 

eine Ahnung vom Sound seines Debuts zu bekommen, sollte erwähnt 

werden, dass er bereits die Scissor Sisters supportet hat. 

Cut Copy 

Zonoscope 

Australien stand bislang nicht unbedingt im 

Verdacht, eine Brutstätte für Electro Pop zu sein, 

sieht man von den musikalischen Ausflügen einer 

Kylie Minogue ab. Cut Copy halten die Fahne 

jedoch ziemlich hoch, wenn sie auf Zonoscope 

(was für ein Cover!) ihre New Wave-orientierten Lieder mit ein wenig 

Psychedelischem aufmotzen. Percussions und Gitarrenriffs untermalen 

diese Fusion aus Organischem und Robotik. Da darf man auch den 

15-Minüter Sun God ans Ende des Albums stellen. 

Roman Fischer 

Roman Fischer 

Die Optik stimmt schon mal, die songwriterische 

Qualität ebenfalls, und trotzdem fragt man sich, 

warum man bei Roman Fischer immer so schnell 

das Sprichwort vom Propheten im eigenen Land 

zur Hand hat. Der theatralischen Geste und dem 

Pomp nicht abgeneigt, begeistert das dritte, schlicht Roman Fischer 

betitelte Album durch eine fein ausbalancierte Mischung aus New Wave, 

ein wenig NDW, Post Punk und Klavierstücken. Wird Zeit, dass der 

Mann endlich die nötige Anerkennung findet. 

Friendly Fires 

Pala 

Wie – eine Band, die gleich mit ihrem ersten 

Werk für die „Brit Awards“ nominiert war und 

hierzulande noch nicht richtig bekannt ist? Das 

sollte nicht sein. Und lauscht man dem zweiten 

Album Pala, darf das auch nicht sein. Nummern, 

die den perfekten Soundtrack für eine lange Nacht in Strandnähe bilden: 

fiebrig, tanzbar, vollgepackt mit irren Ideen und klar der optimistischen 

Seite des Lebens zugewandt. Das mag zwar nicht sonderlich tiefgründig 

sein, lässt den Hörer allerdings die poppigen Momente bis ins Letzte 

auskosten. 

frYars 

Dark Young Hearts 

Ben Garrett ist nicht mehr ganz neu im 

Musikgeschäft, durfte unter anderem an 

Songs von Mika herumbasteln und krönt sein 

Debutalbum sogar durch einen Gastauftritt von 

Dave Gahan. Stilistisch orientiert sich der Brite 

mit der theatralischen Stimme an den New Romantics, hievt sie aber 

glücklicherweise in die Neuzeit. Garrett packt einfach alles Gute der 

Achtziger in seinen musikalischen Suppentopf, rührt ein Mal kräftig um 

und serviert uns ein schmackhaftes Dark Young Hearts. 

IAMX 

Kingdom of Welcome Addiction 

Über Chris Corner braucht man eigentlich keine 

Worte zu verlieren, die spart man sich lieber für 

seine Alben auf. Fand man es jahrelang schade, 

dass seine alte Band, die Sneaker Pimps, ihr 

musikalisches Potenzial nie so richtig zu nutzen 

wussten, verstummte man spätestens beim dritten Album von IAMX 

und verbeugt sich noch heute vor den unterkühlten, aufwühlenden und 

leicht surrealen Kompositionen auf Kingdom of Welcome Addiction. 

Lovers Electric 

Impossible Dreams 

Betrachtet man Photos der Künstler, fragt man 

sich, ob Lovers Electric nun eher ein Faible für 

Mode oder doch für Electro Pop haben. Oder 

für modischen Electro Pop? Das ganz sicher... 

am besten schnörkellos, im Gehörgang kleben 

bleibend und gute Laune verbreitend. Beating Like A Drum war ein 

Hit, aber Impossible Dreams kann noch mehr, und irgendwo zwischen 

Laufsteg und Tanzfläche wird man zweifelsohne auch fündig. 

Mirrors 

Lights And Offerings 

Natürlich hatten wir das alles bereits vor 30 Jahren. 

Natürlich klingen analoge Synthies halt einfach 

nach den Achtzigern, und natürlich gibt es noch 

mehr Bands, die gesanglich gern mal direkt an 

das Herzschmerzzentrum in uns allen appellieren. 

Mirrors jedoch wirken dabei dermaßen stilsicher, absolut unbeeindruckt 

und hitverdächtig, dass man fast meint, auch sie – und nicht Hurts – 

hätten es gewesen sein können, welche die Tür zum Synth Pop-Revival 

aufgestoßen haben. 

Jack Peñate 

Everything Is New 

Indie Rock kennt man, liebt man, und zur 

Not gestehen selbst die hartgesottenen Fans 

dem Genre ein klein wenig Neuerung zu. Aber 

afrikanische Beats, Gospelchöre, Percussions und 

Piano? Nein, das kann man doch nicht machen. 

Doch, Jack Peñate kann es, und es verhilft Everything Is New zu einer 

Menge tanzbarem Groove und dem Hörer zu einem sich automatisch 

einstellenden Hüftschwung, den auch die Damen gut finden, die man 

mit diesem tollen Album zu überraschen weiß. 

Performance 

A Language 

Ärgerlich. Wirklich ärgerlich, dass Performance 

bisher nicht über den Status des ewigen 

Geheimtipps hinausgekommen sind. Dabei strotzt 

A Language nur so vor innovativ eingesetzten 

Pop-Zitaten, Spielfreude, Eingängigkeit und der 

scharfzüngigen Beobachtungsgabe von Frontmann und Schriftsteller Joe 

Stretch. Das Album ist auch noch tanzbar, durchdacht und wirkt kein 

bisschen glatt gebügelt. So sollte Pop klingen. 


Polarkreis 18 

Frei 

Allein Allein aus dem Album The Colour of Snow 

war ein Megahit und bestimmte wochenlang die 

Charts. Mit dem Nachfolgealbum Frei machen es 

sich die Dresdner jedoch nicht leicht. Polarkreis 18 

zäumen das Pferd von hinten auf, wenn sie ihren 

symphonischen Pop nicht weiter glätten, sondern scheinbar absichtlich 

hier und da Kanten in die Lieder fräsen. Diese sind dadurch zwar 

sperriger, bleiben aber auf lange Zeit nicht eben kürzer im Gehörgang 

hängen und klingen noch immer nach großer, weiter Welt. 

The Ghosts 

The End 

Der schmerzvolle Verlust von Familienmitgliedern 

und Freunden, gescheiterte Beziehungen oder 

Nahtoderfahrungen mögen zwar den thematischen 

Rahmen abstecken, aber die marketingtechnisch 

noch unterrepräsentierten The Ghosts haben sich 

dann doch für die helle Seite des Lebens entschieden, und so überraschen 

die Briten mit fluffigem Synth Pop. The End gibt also weniger einen 

deprimierenden Ausblick auf das Ende der Welt als vielmehr Anregungen 

für die Aufbruchsstimmung danach. 

The Mary Onettes 

Islands 

Wem die Editors irgendwann zu rockig geworden 

sind, sollte sich unbedingt mit den Schweden 

The Mary Onettes anfreunden, denn deren 

träumerischer Indie Pop hat neben einer Menge 

Referenzen an die frühen Achtziger auch eine 

ganze Menge Hitpotenzial. Völlig unaufgeregt und immer mal wieder an 

Morten Harket erinnernd, spielen sich die vier bravourös durch Islands. 

White Lies 

Ritual 

Interpol und Editors mögen die Straße des Post 

Punk frisch zementiert haben, White Lies befahren 

diese jetzt aber mit breiten Reifen, viel Hall, 

Bombast und Kitsch sowie grenzenlos pathetischen 

Songs in ihrem Vehikel namens Ritual. Das Debut 

To Lose My Life mag noch überraschender gewesen sein, aber Stücken wie 

Bigger Than Us tut das keinen Abbruch. 

Patrick Wolf 

Lupercalia 

Ist es ein Ritterschlag, von Lady Gaga gemocht 

zu werden? Oder ist es nicht weit wichtiger, mit 

jedem Album zu machen, was einem gerade 

einfällt, und für seinen alternativen Pop seit Jahren 

von der britischen Presse hoch gelobt zu werden? 

Patrick Wolf kann es egal sein, denn er scheint bei den Aufnahmen zu 

Lupercalia verliebt gewesen zu sein. Es gibt Synthies, Streicher, Bläser, 

eine außergewöhnliche Stimme, Lebensfreude... und das zuhauf. Da 

kann Lady Gaga schauen, wo sie bleibt. 


„Ein Bodybuilder kann nicht zur Ballerina werden.“ 

Da soll noch mal jemand behaupten, es sei nicht gut, 

wenn Kinder mit Monstern spielen. Wenn sie mit 

Horrorpuppen zu Bett gehen und am liebsten die 

grausigsten Exemplare aus dem Spielwarengeschäft 

mit nach Hause nehmen wollen. Was aus einer 

solchen Neigung werden kann, zeigt ein Finne, der 

seine Liebe für Monster zum Beruf gemacht hat: Mr. 

Lordi, Fronter und Chef der nach ihm benannten 

Band, ist sozusagen mit Leib und Seele Monster 

– und tut auch auf dem neuen Album To Beast 

Or Not To Beast alles, um den Ruf der weltweiten 

Monstrositäten zu verbessern. 

„Ich liebe Monster!“, ist eines der ersten Dinge, die 

durch die Leitung dröhnen. Mr. Lordi ist gesprächig, 

extrem gut gelaunt und am Telefon allgemein das 

genaue Gegenteil von dem, was man erwartet. Zwar 

trägt er nur eine Maske, dessen sind wir uns fast sicher. 

Fast. Trotzdem ist es eine derart schaurige, dass man 

sich schon mal gruseln kann. Zudem ist Mr. Lordi 

Finne, die ja selten durch Redseligkeit auffallen. „Ich 

bin ein anderer Mensch, wenn ich keine Maske trage“, 

erläutert er. „In dem Moment, wo ich das Make-up 

anlege, geschieht etwas Magisches, Unerklärliches. 

Ich verändere mich, rede weniger und werde auch 

sonst böser. Ich liebe es, wenn das passiert... zumal es 

für drei Stunden Arbeit entschädigt.“ Richtig gelesen: 

bis zu drei Stunden dauert die Transformation eines 

Finnen in das grausige Rockmonster Mr. Lordi; 

jede Wunde, jedes diabolische Horn will schließlich 

korrekt und möglichst wirkungsvoll platziert sein. 

Vor jedem Gig. „Das ist echt ein elendiger Haufen 

Arbeit!“, lacht er. „Ganz ehrlich: oft habe ich einfach 

keinen Bock auf die gesamte Prozedur. Aber sobald 

ich aufhöre, wie ich auszusehen, und mehr zu Mr. 

Lordi werde, kann ich es kaum erwarten. Plötzlich 

mag ich mein Spiegelbild wieder und kann gar nicht 

aufhören, mich anzuschauen.“ Als Mr. Lordi gefalle 

er sich am besten, sagt er mit Nachdruck. Sonst blicke 

er kaum in den Spiegel. „Es könnte mir nicht egaler 

sein. Ohnehin sehe ich aus wie ein ungekämmter 

Obdachloser, warum sollte ich mir das antun?“ 

Monster haben es ihm eben viel mehr angetan – und 

das, seit er sechs Jahre alt war. „Mein Lieblingsmonster 

war immer der Hulk“, erinnert er sich. „Ich fand es 

beeindruckend, wie sich ein normaler Mensch in so 

etwas verwandeln kann.“ Da wundert es nicht, dass 

auch in Mr. Lordi viel von dem Menschen hinter 

der Maske steckt und lediglich in anderer, verstärkter 

Form zum Vorschein tritt. „Außerdem kann ich 

andere Facetten meiner Persönlichkeit ausleben, die 

sonst eher zu kurz kommen. Ich bin dann wie ein 

Fernseher, an dem man die Kontraste verändert hat, 

damit das Bild farbiger wird. Im Kern bleibe ich jedoch 

derselbe. Alles andere wäre auch nicht überzeugend: 

Ein Bodybuilder kann nicht zur Ballerina werden.“ 

Da liebt es wirklich jemand, sich zu verwandeln, zu 

einer Art finnischem Rock’n’Roll-Hulk zu werden. 

Die Masken fertigt er übrigens seit vielen Jahren 

selbst, hat dieses Talent mittlerweile beeindruckend 

weit getrieben. „Das größte Kompliment für mich ist, 

wenn man mich fragt, wo ich die Masken machen 

ließ“, erklärt er mit stolzgeschwellter Brust. Gern 

geschehen: Sie sehen scheußlich aus, Herr Lordi! 

Ohne Maske auf die Bühne zu gehen, wie es zum 

Beispiel KISS in den Achtzigern getan haben, 

käme für den Sänger nie in Frage. Er nimmt sein 

Monsterdasein ernst. „Sicherlich, technisch möglich 

wäre es. Aber das wird nie passieren!“ Zwar sei Lordi 

wie ein knallbunt verpacktes Geschenk, dessen Inhalt 

die Musik darstellt, doch sei auch die Hülle essenziell. 

„Mal ehrlich – wer will schon ein unverpacktes 

Geschenk?“ Letztlich hat ihn die Verpackung auch 

erst dorthin gebracht, wo er heute steht. Jeder kennt 

das Erfolgsmärchen vom gewonnenen Eurovision 

Song Contest 2006, aber die Geschichte von Lordi 

ist viel länger... und kann mehr vorweisen als diesen 

kuriosen Triumph. Seit über zwei Dekaden wanken 

die Rockzombies durch die Szene, in Finnland knackte 

jedes ihrer bis dato fünf Alben die Top 10. Mit To 

Beast Or Not To Beast gesellt sich Werk Nummer sechs 

in die Vita – und stellt die bislang überzeugendste 

Musik. Erstmals hat man nicht das Gefühl, dass es 

sich hierbei (zumindest teilweise) um einen Grund 

handelt, sich als Monster zu verkleiden und durch die 


„Als hätten wir plötzlich 

ein nagelneues Zimmer in unserem Haus entdeckt.“ 

Welt zu touren. Die Stücke tönen deutlich härter, dreckiger, sind eher 

Rob Zombie als KISS und haben eine ziemlich düstere Schlagseite. „Ich 

will nicht um den heißen Brei herumreden: Es nervte uns gewaltig, dass 

unser letztes Album nicht so gut ankam.“ Ehrliche Worte, so was ist 

rar. „Wir finden immer noch, dass Babez For Breakfast ein tolles Album 

ist... auch wenn vielleicht nicht jeder unser Faible für die Achtziger in 

gleichem Maße teilt.“ 

Das ist nicht der einzige Grund für die angezogene Härteschraube 

im Monstergetriebe – auch die neuen Mitglieder Hella und Mana. 

„Insbesondere unser Drummer Mana hat dafür gesorgt, dass wir endlich 

aus diesem Hard Rock-Korsett ausbrechen können“, freut sich Mr. 

Lordi. „Auf einmal konnten wir King Diamond, Pantera oder Rob 

Zombie nacheifern, was zuvor unmöglich gewesen war. Es war, als 

hätten wir plötzlich ein nagelneues Zimmer in unserem Haus entdeckt.“ 

Aufgenommen wurde im geschichtsträchtigen Nashville; der eine oder 

andere Tennessee-Whiskey dürfte speziell Mr. Lordi beim Aufwärmen 

geholfen haben. Überhaupt beschreibt er die Stimmung innerhalb 

der Band als ausgelassen – trotz der beiden Neuzugänge. Die frischen 

Mitstreiter fügten sich schnell ein, auch die passende Verkleidung wurde 

relativ rasch gefunden. „Bei unserer Keyboarderin Hella ging alles ganz 

schnell. Ich wünschte mir eine untote Puppe, und als ich sie in unserem 

ersten Gespräch testweise fragte, welches Monster sie gern wäre, sagte sie: 

Eine gruselige Puppe wäre cool.“ Bewerbungsgespräche laufen im Hause 

Lordi eben ein wenig anders ab. „Du lachst, aber es ist extrem wichtig, 

was man darstellt. Du musst hundertprozentig zufrieden sein mit 

deinem Outfit und darfst nicht denken, dass die anderen was Cooleres 

tragen. Als Monster musst du dein größter Fan sein. Sonst ist es nicht 

überzeugend.“ Unser Glück, dass Mr. Lordi in sein Spiegelbild verliebt 

ist. 

www.lordi.fi 

Björn Springorum 


Get Heavy (2002) 

The Monsterican Dream (2004) 

The Arockalypse (2006) 

Deadache (2008) 

Babez For Breakfast (2010) 

To Beast Or Not To Beast (2013) 

Line-Up: 

Mr. Lordi – Gesang 

Amen – Gitarre 

Ox – Bass 

Hella – Keyboard 

Mana – Schlagzeug 


a 

„MASKENHAFT“ 

DAS nEuE FuLLTiME-ALBuM. 

AuGuST 2013 

Orkus präsentiert: 

DiE groSSE MASKENbAll-TourNEE 2013 

featuring MÄZENATENTUMULT! 

19.09.2013 Schwabach, Markgrafensaal 

20.09.2013 Potsdam, Waschhaus 

21.09.2013 Magdeburg, Altes Theater 

25.09.2013 Oberhausen, Turbinenhalle 

26.09.2013 Osnabrück, Halle Gartlage 

27.09.2013 Bremen, Aladin 

28.09.2013 Leipzig, Haus Auensee 

02.10.2013 Gießen, Hessenhalle 

03.10.2013 Erfurt, Stadtgarten 

04.10.2013 Dresden, Alter Schlachthof 

05.10.2013 Wiesbaden, Schlachthof 

09.10.2013 Saarbrücken, Garage 

Tickets im ASP-Online Shop 

Weitere Infos unter www.aspswelten.de 

10.10.2013 Köln, Live Music Hall 

11.10.2013 Hamburg, Markthalle 

12.10.2013 Hamburg, Markthalle 

16.10.2013 CH-Pratteln, Z7 

17.10.2013 Stuttgart, Theaterhaus 

18.10.2013 München, Muffathalle 

19.10.2013 A-Wien, Arena

„Fragen 

beflügeln die Phantasie, 

Antworten 

töten sie!“ 

Mit außergewöhnlichen Clips für Pop-Acts wie Lana Del 

Rey, Katy Perry oder Taylor Swift sorgt Yoann Lemoine seit 

einigen Jahren für wahre Gänsehautschübe – mit dem ersten 

Album seines Alter Ego Woodkid lädt der französische 

Multimediakünstler jetzt zu einem atmosphärisch-düsteren 

Tauchgang in die Tiefen der Psyche ein. 

The Golden Age heißt Woodkids ungeduldig erwartetes 

Debutspektakel... Nach den EPs Iron und Run Boy 

Run sowie der brandneuen Single I Love You spinnt der 

seltsame Monsieur nun die Story fort: die dramatische 

Geschichte seiner selbst erschaffenen Parallelidentität 

namens Woodkid und seiner spannenden Reise in die 

große, weite (Phantasie-) Welt. Dunkle Visionen und 

Schwarzweißträume aus den hintersten Ecken der Seele; 

gehüllt in ein episch-bombastisches Klanggewand. „Es 

geht mir definitiv um die Flucht vor der Realität“, erläutert 

Lemoine seine künstlerische Philosophie. „Ich will nichts 

vorgeben, sondern Anregungen bieten. Ich will keine 

Antworten liefern, sondern die Leute ermutigen, ihre 

eigenen Fragen zu stellen. Ihre eigenen Entscheidungen 

zu treffen und schlussendlich das über Bord zu werfen, 

was sie als Kind über Moral, über Gut und Böse, Richtig 

und Falsch gelernt haben. Ich liebe Fragen. Fragen sind 

viel interessanter als Antworten. Ich kreiere Fragen. Fragen 

beflügeln die Phantasie, Antworten töten sie!“ 

Yoann ist das naive, neugierige Kind aus den tiefen 

Wäldern. Auf der Suche nach Licht, nach Liebe, nach 

Wahrheit und Erkenntnis. Ein so symbolschwangeres wie 

hochkomplexes Gesamtkunstwerk in Ton und Text, nicht 

immer ganz einfach zu entschlüsseln. Die Faszination 

der Mehrdeutigkeit auf allen erdenklichen Ebenen. 

„Vieles wird innerhalb der Musik, der Videoclips und des 

Artworks erklärt. Ich kommuniziere durch meine Musik 

mit der Außenwelt; etliches mag undurchsichtig und in 

sich selbst verklausuliert erscheinen. Alles gleicht einem 

Puzzle. Erst wenn man die einzelnen Teile aus Musik und 

Visuals richtig zusammensetzt, erkennt man das ganze Bild 

und bekommt eine Idee, worum es mir geht.“ Ein ewiger 

Lernprozess für das in Paris beheimatete Ausnahmetalent 

mit osteuropäischen Wurzeln. „Beim Komponieren erfahre 

ich eine Menge über mich selber. Man könnte fast sagen, 

dass ich die Teile dieses großen Puzzles regelrecht auskotze. 

Die Dinge, mit denen ich mich unterbewusst beschäftige 

und die mich verfolgen. Das alles zusammengenommen, 

ergibt dann eine Art Antwort. Wenn ich ein Lied oder 

ein Video fertig habe, bin ich meistens selbst überrascht, 

wie sich ein Stein zum anderen fügt und plötzlich ein 

Gesamtbild entsteht. Jeder Song ist ein weiteres Kapitel in 

meiner Geschichte.“ 

www.yoannlemoine.com/woodkid 

Gaetano Rothenburg 


„Kunst muss manchmal wehtun...“ 

(Oswald Henke) 

Es ist ein ziemlich ungewöhnlicher Weg, den die Band HENKE mit ihrem zweiten Album Maskenball der Nackten gegangen ist. Die 

Formation rund um Oswald Henke (Ex-Goethes Erben) beschloss, sich von ihrer Plattenfirma zu trennen und – eigens für das neue 

Werk – Dryland Records zu gründen. Finanziell sollte es durch die Fans selbst abgesichert werden. Ob dieser Plan letztendlich aufging, 

was man vom frischen Material erwarten darf, warum Oswald seinen Kaffee oft kalt trinkt und welche Releasepartys bald folgen, 

erfährst Du hier im ersten Teil unseres exklusiven HENKE-Interviews. 

Orkus: Beginnen wir doch bei den Unterstützerpaketen, die euer 

jüngstes Album finanziert haben. Kannst du bitte noch einmal 

ausführlich erläutern, was hinter dieser Methode steckt? 

Oswald Henke: Die Idee dahinter war einfach, unabhängiger zu 

sein. Wir wollten keinen Vorschuss von einem Label haben und somit 

an dieses gebunden sein. Wir wollten das Album so unabhängig wie 

möglich aufnehmen und produzieren. Uns war es wichtig, neue Wege 

zu gehen, und so kamen wir auf die Idee mit den Unterstützerpaketen. 

Zuerst haben wir das vorsichtig in einem kleinen Kreis von Fans 

ausgetestet. Wir wollten wissen, was sie davon halten... denn man kann 

dies natürlich auch negativ auffassen. 

O: In welchem Sinne habt ihr es „ausgetestet“? 

OH: Ich habe einfach direkt die Idee auf Konzerten anklingen lassen, 

also gefragt, wie sie das finden würden, und die Reaktionen waren sehr 

positiv. Und die Leute, die sich darüber aufgeregt haben, sind sowieso 

die Leute, die sich über alles aufregen. 

O: ... und die das Album am Ende wahrscheinlich eher illegal 

downloaden als kaufen. 

OH: Genau, und dann kann es mir sowieso egal sein. Das sind die 

Menschen, die immer das Haar in der Suppe finden – und wenn sie eine 

Glatze haben, kaufen sie eine Perücke, damit sie immer noch eins finden. 

Jedenfalls wurde die Idee sehr positiv aufgenommen, und es konnten alle 

zwölf Songs von Maskenball der Nackten versteigert werden; die Käufer 

haben quasi die Patenschaft des Liedes übernommen. Damit konnten 

wir insgesamt einen Großteil der Produktionskosten, die ungefähr so 

hoch wie der Kauf eines Kleinwagens waren, finanzieren. 

O: Was war der höchste Preis, der für einen Titel bezahlt wurde? 

OH: 600 Euro für Grauer Strand. 

O: Im Ernst? 

Stefan Söllner: Ja, wir hätten auch nicht damit gerechnet. Vielleicht 

mit maximal 200 Euro – und das ist schon viel Geld für einen einzigen 

Song. Aber 600 Euro ist wirklich extrem. 

O: Habt ihr mal nachgefragt, warum sie so viel Geld investieren? 

OH: Weil sie uns etwas zurückgeben wollten und weil sie es für wertvoll 

erachten, dass es weitergeht. Ich habe für mich persönlich entschieden, 

dass ich einfach nicht mehr dazu bereit bin, zwei Jahre lang arbeiten zu 

gehen und Geld dafür zu sparen, um ins Studio zu gehen und ein Album 

aufzunehmen, was am Schluss nicht einmal mehr seine Kosten einspielt. 

Jetzt leben wir in dieser luxuriösen Situation, dass die Aufnahmen bezahlt 

sind. Das ist das allererste Mal in meiner ganzen Laufbahn, dass das so 

ist und dass ich KEINE Kredite aufnehmen muss. Früher hast du eine 

Menge an CDs verkauft, und davon konntest du dann deine nächste 

Produktion finanzieren. Im Moment haben wir noch nicht einmal die 

Kosten der ersten Produktion abgedeckt. Wie sollen wir es also machen, 

ohne immer wieder viel Geld zu investieren? 

O: Ich schätze, man geht deutlich lockerer an ein Projekt heran, wenn 

man weiß, dass die Kosten im Wesentlichen gedeckt sind, oder? 

OH: Klar, du gehst mit einem viel freieren Kopf ran. Du hast nicht den 

Druck, dass du jeden Abend denkst: „Oh mein Gott, wie finanzieren 

wir das eigentlich alles?“, sondern du kannst ganz frei und ungezwungen 

arbeiten. Es ist wie ein Maler, der nicht jeden Tag seine Farben neu 

einkaufen muss und sich dann fragt, ob er sich das Blau überhaupt 

leisten kann. Wir haben die volle Palette und können jetzt nur noch an 

uns scheitern. Es ist das erste Mal, dass eine Band aus der Szene diesen 

Weg geht und die Fans auch mitmachen und sich weigern, alles nur noch 

abzurippen, um am Ende nur wieder zu jammern, dass es diese Band nicht 

mehr gibt. Genau deshalb gibt es Goethes Erben nicht mehr. Genau aus 

DIESEM Grund. Weil man irgendwann auch einfach keine Lust mehr 

hatte, immer nur zu schauen, dass man irgendwie Geld bekommt, um 

Musik machen zu können. Ich mache sehr gerne Musik, das macht jeder 

von uns hier. Aber man muss es auch irgendwie finanzieren können, um 

es in einer gewissen Qualität aufnehmen zu können. Sonst kann man 

es nur live spielen. Das ist der Weg, den fetisch:MENSCH gegangen 

sind, aber das passt den Leuten dann auch wieder nicht. Weil sie dann 

dazu gezwungen sind, auf ein Konzert zu kommen, wenn sie die Musik 

hören wollen, weil: dann können sie ja keine MP3s downloaden... was 

im Übrigen für mich auch nicht das Wahre ist. Ich stehe auf körperliche 

Grundregeln, damit ich weiß, dass in 20 Jahren die CD immer noch in 

meinem Regal steht. 

O: Du sagtest, dass du die Lyrics aus verschiedenen Perspektiven angehst. 

Wie ist das genau gemeint? 

OH: Ich schreibe sehr emotionale Dinge und versuche mich in 

Situationen hineinzuversetzen. Dem Lied Rote Irrlichter liegt ein sehr 

gewagtes Thema zugrunde. Es geht um Prostitution. Aber eigentlich 

steht das Verlorene eher im Vordergrund. Dass man auf der Suche ist 

und herumirrt. Ich benutze immer bestimmte Geschichten, die ich aber 

nicht unbedingt selber erlebt haben muss. Ich kann mich sehr gut in 

Situationen hineinversetzen. Für dieses Stück habe ich zum Beispiel eine 

ausgeprägte Recherche betrieben und mich mit Leuten unterhalten. 

Ich arbeite seit Jahren mit Straßenkindern in Berlin, die auch immer 

Freikarten für meine Konzerte bekommen. Ich informiere mich dann 

über die Geschichten, die ihnen widerfahren sind. Auf Rote Irrlichter 

geht es um das Introvertierte und das, was wehtut. Ich finde, Kunst 

muss manchmal wehtun, damit man sie auch wahrnimmt. Fernweh ist 

dagegen ist etwas aggressiver, vielleicht auch destruktiv und geht nach 

vorne. Valiumregenbogen hingegen ist das, was HENKE ausmacht – 

Ambivalenz. 

O: In Zeitmemory sprichst du über „kalten Kaffee“. Ist bei dir jede Phrase 

bewusst durchinterpretiert, oder streust du auch mit Absicht Sachen ein, 

die aus dem Zusammenhang gerissen sind, einfach um die Hörer zu 

verwirren? 

OH: (lacht) Gute Frage. Zeitmemory beschreibt das Phänomen, dass die 

Leute durch ihr Leben hetzen und sich keine Zeit nehmen, um zu leben. 

Sie erleben ihr Leben nicht, sie leben es ab. Ich frage mich, wie die Welt 

aussehen würde, wenn alles rückwärts liefe und man auch die Chance 

bekäme, bereits Vergangenes zu ändern. Der Mensch entwickelt sich 

im Laufe seines Lebens zurück zum Kind. Das ist auch ein Thema, was 

mich interessiert. Ich werde jeden Tag älter und merke, dass es abwärts 

geht; sei es körperlich oder von der Leistungsfähigkeit. Was Zeitmemory 

beinhaltet, kann jeder Mensch nachempfinden. So, und warum ist der 


Kaffee jetzt kalt? Weil ich mir manchmal einen Kaffee mache, mich aber 

in der Zwischenzeit mit etwas anderem beschäftige und dann merke: 

„Oh, der ist ja jetzt kalt.“ Das ist Reflexion. Der Text beinhaltet also die 

Wahrnehmung dessen, was gerade ist, und das gleichzeitige Nachdenken 

darüber. 

O: Wo wir gerade bei Zeitmemory sind, was ja die erste Singleauskopplung 

war: Im Dezember stieg eine ziemlich ungewöhnliche Releaseparty 

im Leipziger DarkFlower (Orkus! berichtete). Dort habt ihr 

Folgeveranstaltungen angekündigt. Kannst du uns Genaueres sagen? 

OH: Es wird zwei weitere Releasepartys geben. Wir werden vier Lieder 

in einer reduzierten Version live spielen. Tom und ich werden weiterhin 

am Abend auch als DJs auflegen. Das Ganze findet am 01. März in 

Leipzig – wieder im DarkFlower – und am 02. März in Rübeland in der 

Kreuzmühle statt. Das Besondere daran ist übrigens, dass die Kreuzmühle 

der Ort ist, an dem damals einige der Stücke, wie Medea oder Rote 

Irrlichter, geschrieben wurden. Apropos „Zeitmemory“: Im Februar 

veröffentlichen wir auch das Video zum Lied, das von Ulrike Rank 

optisch umgesetzt worden ist. 

O: Kann ich dir sonst noch ein paar Infos entlocken? Wie sieht es zum 

Beispiel mit Festivalshows aus? 

OH: Nein, auf großen Festivals werden wir dieses Jahr nicht anzutreffen 

sein. Wer uns sehen möchte, muss zu den Einzelkonzerten kommen. 

Insgesamt werden es sieben Auftritte sein, am 23. März geht es los. 

O: Und dort gibt es bei jedem Gig für zwei Fans die Möglichkeit, einen 

Tag mit euch zu verbringen? 

OH: Richtig, allerdings sind diese VIP-Plätze, bis auf das Konzert in 

Hamburg am 29. März, schon alle vergeben. Wer so ein Ticket hat, 

verbringt einen Tourtag mit uns, bekommt einen Backstageausweis, 

kann hinter die Kulissen schauen, mit uns zu Abend essen und das 

Konzert direkt von der Bühne aus miterleben. 

O: Letzte Frage, aus aktuellem Anlass: Das Orkus! Magazin erscheint 

nun auch als eMagazine. Damit wird ermöglicht, die Ausgaben etwa auf 

einem Tablet oder Smartphone und am Desktop zu lesen. Wie gefällt 

dir die Idee? 

OH: Ich besitze kein Smartphone oder Tablet, aber es kann nie verkehrt 

sein, in Zukunftstechnologien zu investieren. Man muss sich aber immer 

bewusst sein, dass manche neue Innovationen als Ergänzung und nicht 

als Ersatz fungieren. Andere wiederum sind nur Brückentechnologien, 

die sich nie auf breiter Masse durchsetzen werden. 

Warum ein Großteil von Maskenball der Nackten auf einem Bauernhof 

aufgenommen wurde und welche Verbindung Oswald zwischen sich 

und seinen Fans sieht, liest Du in unserer nächsten Ausgabe! 

www.henkeband.de 

Nadine Ahlig 


Seelenfütterung (2011) 

Maskenball der Nackten (2013) 

Line-Up: 

Oswald Henke – Gesang 

Stefan Söllner – Gitarre 

Tom Bola – Bass, Effekte 

Tobias Schäfer – Keyboard, Klavier 

Benjamin Küfner – Schlagzeug 


„I’m in heaven...“ 

Endlich ist es da – das heiß ersehnte Lebenszeichen von Depeche Mode. 

Ihre brandneue Single Heaven dürfte mittlerweile nicht nur in unserer 

Redaktion zahllose Runden gedreht haben. Da wir bei Erscheinen dieser 

Ausgabe noch immer quälend lange vier Wochen auf Delta Machine 

warten müssen, wollen wir uns hier zunächst in aller Ausführlichkeit der 

aktuellen Kostprobe widmen. Dass sie für gespaltene Meinungen sorgt, 

zeigen nicht zuletzt die Kommentare diverser Szene-KünstlerInnen. 

Dass bei einer Band wie Depeche Mode keine normalen Maßstäbe 

gelten, dürfte klar sein. Der Wirbel um ihre Pressekonferenz am 23. 

Oktober 2012, auf welcher (mit Ausnahme der Tourdaten und einer 

Rohversion des neuen Titels Angel) nicht wirklich viel bekannt gegeben 

wurde, war aber selbst für DM-Verhältnisse extrem. Zumal danach 

wieder großes Schweigen herrschte, gebrochen erst am 01. Februar 2013 

durch Heaven. Über die Single wurde schon am Veröffentlichungstag 

heftig diskutiert. Es handelt sich in der Tat um eine ungewöhnliche 

Wahl für die erste Auskopplung... auch im direkten Vergleich mit 

Precious oder Wrong, die beide deutlich eingängiger, umgarnender um 

die Ecke kamen. Heaven ist ein langsamer Song, ein abgekämpftes Stück 

Musik, getragen von Andrew Fletchers wohlig-düsteren Pianoklängen 

und Martin L. Gores Gitarre – zumindest bis Dave Gahans Einsatz. 

Der ist leidenschaftlich, lang gezogen, voller Pathos. „Sometimes I slide 

away, silently; I slowly lose myself, over and over“, erinnert er bestimmt 

mehr als einen Hörer an seine dunkelsten Stunden. Doch diese Zeiten 

sind vorbei, das macht letztlich der Refrain klar. „I dissolve in trust, I 

will sing with joy, I will end up dust, I’m in heaven“, intoniert Dave 

gemeinsam mit Martin. Und verleiht der schleppenden, gezeichneten 

Atmosphäre des Liedes eine gänzlich neue Dimension. 

Es ist kein großer Chorus, keine ausladende Offenbarung, die man 

bereits beim ersten Mal mitsingen kann. Vielmehr ist Heaven ein 

Stück Musik aus einem Guss; ein Song, der mit wenigen Worten 

auskommt und dennoch eine Geschichte erzählt. Darauf muss man sich 

natürlich einlassen. Und das mag nach dem deutlich elektronischeren, 

treibenderen und packenderen Angel, das nach der Pressekonferenz 

ins Netz gelangte, nicht ganz einfach sein. Für sich genommen, ist 

Heaven jedoch ein sehr wichtiges Stück Depeche Mode und Träger 

einer wichtigen Botschaft: Vielleicht erwartet uns „danach“ nur ewige 

Leere. Das sollte uns aber, bitte schön, nicht davon abhalten, zu lieben 

und zu leben. Dass der Videoclip in einer Kathedrale spielt, hat nichts 

mit christlicher Symbolik zu tun, sondern bietet den profunden Lyrics 

die nötige sakrale Umgebung. „I will guide the herd up to heaven“, 

heißt es am Ende. Wie Dave Gahan das bewerkstelligen will? Indem er 

jedem von uns seinen ganz persönlichen Himmel zeigt. Und für viele 

Depeche Mode-Fans manifestiert sich dieser in einer ungewöhnlichen, 

aber mutigen, unkommerziellen, aber wunderbaren ersten Single. 

Die hält auf ihrer B-Seite übrigens einen weiteren Schatz parat: All That’s 

Mine, ein Nonalbumtrack, der all jene zufriedenstellen dürfte, denen 

Heaven nicht elektronisch genug ist. Verspielte Sounds, ein enorm tief 

singender Dave Gahan, ein träumerischer, wunderschöner Refrain... 

Volltreffer! Bereits diese beiden Lieder zeigen, welches Spektrum 

Depeche Mode im Jahr 2013 abdecken. Keine Frage: Delta Machine 

wird ein wahnsinnig spannendes Album. 

www.depechemode.com 


Photo: Anton Corbijn 


Sven Friedrich 

(Zeraphine, Solar Fake) 

Ich habe Heaven jetzt schon 

ungefähr fünf Mal gehört. 

Genial finde ich die Vocals 

in den Strophen... einfach perfekt. Und die 

Soundspielereien, die seit Playing The Angel 

immer abgefahrener werden, zeichnen selbst 

in einer eigentlich sehr lieblichen Ballade wie 

Heaven einen düsteren Hintergrund. Das macht 

wirklich Spaß zu hören. Da ich bei DM aber vor 

allem in den Albumtracks Dinge finde, die mich 

faszinieren, bin ich jetzt schon extrem gespannt 

auf den Longplayer. 

Cristina Scabbia (Lacuna Coil) 

Ich hatte schon immer eine Schwäche 

für Depeche Mode, und auch mit 

ihrer neuen Single enttäuschen sie 

mich nicht. Es ist immer wieder aufs 

Neue erstaunlich, wie sie es schaffen, 

total modern zu klingen und sich trotzdem ihre 

traditionell düster-melancholische Seite zu bewahren. 

Wunderschöne Melodien und ein tolles bluesiges 

Marschiertempo. 

Torben 

Wendt 

(Diorama) 

Ich empfinde 

Heaven als einen 

ausbalancierten 

und geschmeidigen Song. Er 

verströmt eine einlullende, 

manchmal bis an die Grenze 

der Belanglosigkeit gehende 

Atmosphäre, in der vor allem 

durch die hervorragende 

stimmliche Arbeit Akzente gesetzt 

werden, die hängen bleiben. 

Daniel Myer 

(Haujobb, 

Destroid, Architect) 

Für mich als 

Musiker ist es 

schwierig, denn 

ich bewundere die Fabrik Depeche 

Mode, die seit mehr als 30 Jahren 

funktioniert. Nicht immer innovativ, 

aber doch immer versucht, Neues 

zu machen. Als Fan bin ich immer 

wieder aufs Neue enttäuscht, dass sie 

nicht mehr klingen wie vor 20 Jahren. 

Als Mensch habe ich Respekt vor dem 

Antrieb der teilnehmenden Personen 

und wünsche mir, dass ich diesen auch 

nie verlieren werde. Heaven ist nicht 

mein Song. Ich liebe die verschiedenen 

Drumprogrammierungen und 

Sounds, und ich habe auch einen 

Platz in meinem Herzen für die 

Akkordwechsel. Aber ich kann mir 

Daves Gesang einfach nicht mehr 

antun. 

Die Szene über Heaven: 

Richard Silverthorn 

(mesh) 

Der Song ist das, was ich 

erwartet habe, aber nicht 

das, was ich wollte. Ich 

bevorzuge die B-Seite. 

Greg Mackintosh 

(Paradise Lost, Vallenfyre) 

Ich mochte Depeche 

Mode schon immer wegen 

ihrer bittersüßen und 

melancholischen Momente. In dieser 

Hinsicht enttäuscht auch das neue Stück 

nicht, und Dave Gahans Gesang wird 

mit dem Alter immer besser. 

Nik Page 

(Blind Passenger) 

Eigentlich ist es wie 

immer, wenn DIE 

Kultband der Szene die 

Vorabsingle eines neuen 

Albums veröffentlicht. Die Fans sind 

verwirrt, teilweise sogar enttäuscht beim 

ersten Hören... wollen ihre Enttäuschung 

nicht wahrhaben und hören den Song 

immer und immer wieder und erkennen 

schließlich einige Stunden, Tage oder 

manchmal auch erst Jahre später, dass 

der Song seine Schönheit nur Stück für 

Stück preisgibt. Ich bin, ehrlich gesagt, 

nicht überrascht, dass sich Depeche Mode 

wieder einmal neu erfinden, und es spricht 

für den unglaublichen Status dieser Band, 

dass sie es sich leisten kann, immer wieder 

Experimente zu wagen und dennoch von 

ihren Fans ungebrochen geliebt zu werden. 

Nick Holmes 

(Paradise Lost) 

Für die meisten Depeche 

Mode-Alben empfinde 

ich eine Hassliebe. Doch 

bei diesem Song weiß ich nicht so recht: 

Mir fehlt der große Refrain, und die While 

My Guitar Gently Weeps-Akkordfolge ist 

etwas zu vorhersehbar. Ich bin sicher, das 

Album enthält stärkere Nummern. 

Martin Bodewell 

(orange.sector) 

Garantiert ist die neue Single 

Heaven ein Song, der das 

Fanlager spalten wird. An 

eine erste Depeche Mode- 

Singleauskopplung hat man immer sehr hohe 

Erwartungen. Mich berührt der Song nicht 

mehr so wie frühere Werke, aber für mich 

ist die B-Seite All That’s Mine wenigstens ein 

kleiner Lichtblick! 

Plastique (Welle: Erdball, 

The Girl & The Robot) 

Heaven ist definitiv anders. 

Während ich mit den 

letzten zwei Alben so meine 

„Problemchen“ hatte, 

macht mir diese Single schon Lust auf mehr. 

Gefühlvoll, intensiv und stark – Dave und 

Martin im Duett sind und bleiben einfach 

unbezahlbar. Ein wunderschöner „Phönix aus 

der Asche“-Text in großartiger Blues-Synthie- 

Fusion, von drei gestandenen Männern, denen 

ich das, was sie da tun und vor allem singen, 

definitiv abnehme. Toll, dass Depeche Mode 

mich auch nach so vielen Jahren (huch... 

Jahrzehnten?!) noch überraschen können. 

Einziges Manko: zu viel Gitarre, zu wenig 

analoger Synthesizer. Aber diese Aussage 

sollte man von einem Welle: Erdball-Mitglied 

vielleicht nicht allzu ernst nehmen. 

Torben Schmidt 

(Lights of Euphoria, Binary Park) 

Voller Vorfreude haben wohl 

alle Depeche Mode-Fans die 

Ankunft der neuen Single 

Heaven erwartet. Und dann... 

die Enttäuschung? Ich muss zugeben, dass ich 

am Anfang auch sehr skeptisch war und Heaven 

bei mir ein paar Anläufe benötigte, bis es 

gezündet hat. Die A-Seite finde ich eher solide, 

aber nicht wirklich bewegend, während das bei 

der B-Seite All That’s Mine schon ganz anders 

aussieht! Düsterer Electro-Sound mit klasse 

Gesang und diese Depeche Mode-typische 

Atmosphäre, großartig! 

Michael Setzer (end of green) 

Ein schönes Lied. Ich habe sofort im Plattenschrank nach Dummy von 

Portishead gekramt und mir solange vorgestellt, wie ein Duett mit Beth 

Gibbons und Dave Gahan geklungen hätte. Trotzdem: alleine Gahan und 

Gore „I dissolve in trust“ singen zu hören, tut besser als so vieles anderes 

zwischen Frühstück und Verzweiflung. 


Die Mischung kommt an... Model Kaos und ihr 

Gothic Future Pop können schon wenige Monate nach 

Bandgründung mehr als respektable Achtungserfolge 

vorweisen. Ihr im Mai 2012 veröffentlichtes Debut 

Ghost Market kletterte bis Rang acht der DAC und 

verwies manche Szene-Größe auf die hinteren Plätze, 

jede Menge Radioairplay trägt den Sound zwischen 

Electro, Gothic und Wave in die Welt hinaus. In 

Würzburg weiß man eben um die Vorzüge einer 

ausgewogenen Mixtur, die elektronische Dynamik 

mit organischen Gitarren verbindet. Tanzbar ist das 

immer, funktioniert aber nicht nur in den Clubs. Das 

schlägt stetig höhere Wellen: Für den Sommer konnten 

Model Kaos einen Supportslot vor The Crüxshadows 

ergattern, in den Local Charts von ReverbNation 

setzten sie sich gar an die Spitze. Nicht von ungefähr, 

sind doch die Musiker seit über 20 Jahren aktiv. Dass 

sie derzeit mehr Konzertanfragen aus dem Rest der 

Welt erreichen als für Gigs auf deutschem Boden, 

findet man in den Reihen des Trios zwar nicht perfekt, 

steckt aber nicht den Kopf in den Sand, sondern 

arbeitet daran. Mit ersten Erfolgen – am 02. März 

nehmen sich Model Kaos die Würzburger Kellerperle 

vor; zu hören gibt es dann auch die Nummer If this is 

heaven, mit der sie sich bereits auf unserer Compilation 

vorstellten. 

www.model-kaos.com 

Christopher Sturm 

„Seltsam, dass wir darauf 

nicht schon 200 Jahre 

früher gekommen sind.“ 

(Comte Caspar) 

Extrablatt! Extrablatt! Freuen Sie sich auf brandneue 

Informationen aus dem Hause Coppelius, fast tumultartige 

Wortmeldungen dieser anerkannten Künstler und einen 

wahrhaft folgenreichen Streich ihres Butlers! 

Orkus: Welch dringende Neuigkeiten gibt es denn, dass dafür ein 

Extrablatt vonnöten scheint? 

Graf Lindorf: Man hat uns überrumpelt, betrogen und 

hintergangen. Man hat uns heimlich mit einem Aufnahmegerät 

belauscht, und nun soll ein Album veröffentlicht werden, auf dem 

neue Stücke von uns zu hören sind. Ein Skandal! Wenn das mal nicht 

ein Extrablatt rechtfertigt! 

Bastille: Ich habe es – mit Verlaub – diesmal besonders geschickt 

eingefädelt: Ich platzierte die Herren in einer unserer Räumlichkeiten 

so, dass genug Abstand eingehalten wurde, um übliche Tumulte zu 

vermeiden, dass genug Nähe vorhanden war, um das Musizieren zu 

gewährleisten, und dass es keiner gemerkt hat. Der Raum hatte eine 

hervorragende Akustik. Die Stücke wurden auf diese Weise ohne das 

Wissen der Herren und ohne die damit unvermeidlichen Streitereien 

und Eitelkeiten aufgenommen. Die Herren meinten, ein wenig zu 

proben, ich wies an dieser oder jener Stelle hin, dass mal dieser, mal 

jener Ton noch nicht ganz rein gewesen sei, und irgendwann reichte es 

dann für das Extrablatt! Irgendeiner muss sich doch um die Einkünfte 

kümmern! Was meinen Sie denn, wie der extraordinäre Lebensstandard 

aufrechtzuerhalten ist? Aber auch das war früher anders... da haben 

Leute noch für Amüsement bezahlt; heute gibt es ja fast alles für 

umsonst. Also, meine Idee war das jedenfalls nicht! 

O: Nun ist es sicher Ihren grundsätzlichen Interessen und 

künstlerischen Vorlieben geschuldet, dass Sie Neuigkeiten als Musik 

unters Volk bringen. Haben Sie sich dabei wiederum der von Ihnen 

bekannten Stilmittel bedient? 

Max Coppella: Es ist sehr nett gemeint, dass Sie unsere Laute 

als „Musik“ bezeichnen. Diese fertigzustellen, bedarf nur ein paar 

Drohungen vonseiten des Ministers. Das beantwortet sicherlich Ihre 

Frage nach den Mitteln: Jeder nimmt ein Instrument, und wenn einer 

mal nicht will, gibt es noch weniger Wasser und Brot... das hört man 

auch. 

Comte Caspar: Da wir mitten in den Versuchen zur Verbesserung 

der akustischen Amplifikation aufgenommen wurden, wird sich dieses 

Werk wie ein Tagebuch der klanglichen Entwicklung unserer Kapelle 

hören. Ich denke, daran haben die elektrischen Gitarristen einmal 

mehr auf Jahrzehnte zu knabbern! 

O: Welches Musikstück auf Extrablatt ist das ungewöhnlichste 

gegenüber den restlichen, fällt stilistisch vielleicht etwas mehr aus dem 

Rahmen? 


MC: Das möchte ich lieber nicht verraten, das 

darf nie jemand erfahren! 

GL: Reichtum dürfte wohl auf Ihre Frage hin 

zu nennen sein. Der Klang und die Spielweise 

heben sich sicherlich am meisten von 

Bisherigem ab. 

MC: Herr Graf, ich werde Sie verni... 

CC: ... verniedlichen Sie die Bedeutung 

der unterschiedlichen Spielweise der 

Streichinstrumente nicht, Herr Coppella! Das 

Violoncello nicht mit dem Bogen gestrichen, 

sondern gezupft, und dann auch noch 

galvanisch verstärkt! Seltsam, dass wir darauf 

nicht schon 200 Jahre früher gekommen sind. 

O: Warum erschien es Ihnen angemessen, 

Maria nach Ihren Vorstellungen zu vertonen? 

Genauso Running Free. Fremdinterpretationen 

sind ja nun nichts Neues, wie man es eigentlich 

von einem Extrablatt erwarten darf. 

GL: Maria nach unseren Vorstellungen? 

Selbstverständlich! Unsere Originalversion von 

1857 war auch langsam mal fällig. 

B: 1859, Herr Graf. 

Sissy Voss: 1864. Das war das Jahr der 

ersten photographischen Ausstellung. Man 

hat uns nicht reingelassen, weil sich die zwei 

Klarinettisten direkt vor dem Eingang in die 

Haare gekriegt hatten. 

CC: Es gibt auch Geschichten, die noch 

interessant sind, wenn sie jemand anders schon 

erzählt hat. Es muss ja nicht alles neumodischkurzlebiger 

Firlefanz sein! 

O: Wie ist das, wenn Sie alle zusammen im 

Studio sind? Ein konzentriertes Zusammen- 

Arbeiten? Gemeinsames Tüfteln? 

MC: Gemeinsam und wissentlich im Studio?! 

Das war ein köstlicher Scherz. Ich ertrage 

noch nicht einmal eine Fliege in meiner Nähe. 

Was glauben Sie wohl, was ich den „anderen“ 

von Coppelius zuleide tun könnte? Nach 

gemeinsamem Tüfteln lasse ich die Arbeit zwar 

möglichst aussehen, allein: das wäre nicht ganz 

korrekt. Ich erkläre meine Notenschrift, und 

wenn ein Jahr herum ist, haben alle meine 

Schrift entziffert. In der Zwischenzeit habe ich 

alles schon selbst eingespielt – normalerweise. 

Diese qualvolle Zeit mit einem „Tumult“ zu 

bezeichnen, wäre eine Untertreibung; ein Wort 

dafür gibt es nicht und sollte es auch nie geben. 

CC: Sie müssen wissen, eigentlich bevorzugen 

wir das Konzert. Man spürt das Auditorium, 

man hat den direkten Kontakt, es ist ein 

einzigartiger Moment, welcher da entsteht. 

Dass wir überhaupt inzwischen Aufnahmen 

gemacht haben, ist ein Kompromiss an die 

turbulenten modernen Zeiten. 

www.coppelius.eu 

Axel Schön 

Photos: Richard Schmädicke 


Time-Zeit (2007) 

Tumult! (2009) 

Zinnober (2010) 

Extrablatt (2013) 

Line-Up: 

Max Coppella – Klarinette, Gesang 

Comte Caspar – Klarinette, Gesang 

Graf Lindorf – Cello, Gesang 

Sissy Voss – Kontrabass 

Nobusama – Schlagzeug, manchmal Gesang 

Bastille – Diener, Gesang, Schlagzeug, 

Erfrischungen, Korrespondenz, 

Erledigungen des täglichen Lebens 


Movies of my life 

Henkersmahlzeit 

Mick Moss (Antimatter) 

Gebratener Chili-Butternutkürbis 

Jinxy (Santa Hates You) 

Antichrist (2009) 

Atemberaubend, uneingeschränkt 

kompromisslos, aufregend roh und fabelhaft 

verstörend. Dieser Film bewegt, geht unter die 

Haut, pflanzt sich in Dein Gehirn und lässt Dich 

tagelang an nichts anderes denken. 

So muss Kunst sein! 

Lügen macht erfinderisch 

(2009) 

Alles, was Ricky Gervais 

bisher kreiert hat, lässt mich vor Begeisterung 

salivieren. Seine Werke massieren gleichermaßen 

meine Lachmuskeln, mein Hirn und meinen 

Geist. Diese ausgesprochen scharfsinnige, 

tiefgründige und originelle Komödie ist keine 

Ausnahme. 

Shaun of the Dead 

(2004) 

Vergesst alle anderen Zombiefilme: Dies ist der 

Film, den man gesehen haben muss, bevor man 

stirbt – oder kurz danach. Dieser geniale Streifen 

vereint den herrlichen britischen Humor mit 

dem Horrorgenre, was mich sofort herzförmige 

Augen bekommen lässt und ihn zu meinem 

absoluten Lieblingszombiemovie macht. 

Ich – Einfach unverbesserlich (2010) 

Das Kind in mir fordert Eis und lustige 

Schlafanzüge für alle! Und zwar sofort! 

Meine abgrundtiefe und schamlose Liebe für 

Animationsfilme könnte suggerieren, ich sei süchtig 

nach ihnen. Alle meine Favoriten aufzuzählen, 

würde diese zierliche Rubrik sprengen. Deswegen, 

auch wenn es sich wie eine Tortur anfühlt, 

entscheide ich mich für diese unwiderstehliche 

animierte Komödie. Sie ist eine perfekte Mischung 

aus Ethik, Emotionen, urkomischem Humor, einer 

reizvollen Storyline und Charakteren, die so unbeschreiblich putzig sind, 

dass man schreien möchte. „It’s so fluffy, I’m gonna die!“ 

Monster (2003) 

Was macht einen Menschen zum „Monster“? 

Und wer ist hier das wahre Monster? Dieser 

großartige, beunruhigende Film, der Charlize 

Theron zu Recht einen „Oscar“ beschert hat, 

weigert sich, die Welt nur in Schwarz oder Weiß 

abzubilden. Er schafft es, eine unaussprechlich 

grausame Wirklichkeit in all ihren 

mannigfaltigen und vielschichtigen Facetten 

darzustellen. 

Dieses tolle Rezept vereint Salzigkeit, Süße und Schärfe in einem 

Gericht. Es kann zu Fleisch, aber auch allein serviert werden. Es ist meine 

Eigenkreation. Ich bin ziemlich stolz darauf und bereite sie ziemlich oft zu. 

Zutaten: 

1 Butternutkürbis 

1 oder 2 frische Chilischoten 

ca. 15 mittelgroße bis große 

Champignons oder 

Ziegelrote Schwefelköpfe 

1 mittelgroße rote Zwiebel 

Olivenöl 

Meersalz 

Den Kürbis schälen, entkernen und in Stücke von ungefähr zwei 

Zentimetern schneiden. Die Zwiebel schälen, halbieren und diese Hälften 

jeweils vierteln. 

Ein Backblech mit Olivenöl bestreichen und die Kürbiswürfel und 

ganzen (!) Pilze auf ihm anordnen. Die Pilze sollten mindestens doppelt 

so groß sein wie die Kürbisstücke. 

Nun die Chilis klein schneiden und sie (samt ihren Kernen) mit dem Salz 

über das Blech streuen. Die Menge bleibt dem individuellen Geschmack 

überlassen. Ich mag beides reichlich. 

Jetzt einen weiteren kräftigen Schluck Olivenöl über das Gemüse geben. 

Danach muss alles gut per Hand vermischt werden. Sorge dafür, dass alles 

gleichmäßig mit Öl bedeckt ist. Nun wieder ebenmäßig auf dem Blech 

verteilen. Stell’ sicher, dass es nicht zu voll liegt, denn das verlängert die 

Garzeit und mindert möglicherweise auch die Qualität des Resultats. 

Gib das Backblech für 40 Minuten in den Ofen (etwa 180 Grad), nimm 

es wieder heraus, streue die Zwiebel über den Rest und vermenge alles 

gut. Dabei muss besonders auf den Kürbis geachtet werden, weil er gern 

zerfällt. Das Ganze kommt jetzt noch einmal 20 Minuten in den Ofen. 

Von Zeit zu Zeit vorsichtig durchmischen. 

Nach diesen 20 Minuten ist unsere Speise auch schon fertig. 

Guten Appetit!!! 

In Zahlen 

Oliver s. Tyr (Faun) 

Wie viele Gigs hast du in deinem Leben schon bestritten? Über 700. 

Wenn aber Feuershows und Auftritte als fahrender Gaukler auch dazu 

zählen, dann wohl über 1.000. 

Wie viele Songs hast du in deinem Leben geschrieben? Circa 60. 

Wie viele Texte hast du in deinem Leben geschrieben? Circa 60. 

In wie vielen Bands hast du bereits gespielt? Wie hießen sie? In vier 

Bands. Die erste Band vor Urzeiten hieß Projekt Paul. Deutschsprachiger 

Folk/Punkrock. Dann natürlich Faun. Seit 2012 außerdem Folk Noir 

(düsterer Folk) und Kauna (Nordic Folk). 

Seit wann bist du Musiker im weitesten Sinne? Mit 14 Jahren hatte 

ich einen tollen Gitarrenlehrer. Wir haben dann im Unterricht auf zwei 

klassischen Gitarren Guns N’ Roses nachgespielt. Seitdem. 


„Das sind keine Bands, 

sondern arme Schweine...“ 

Sami Mark Yahya hatte mit Faderhead immer eine recht hohe Veröffentlichungsfrequenz, doch in den letzten beiden Jahren setzte er 

dem Ganzen die Krone auf: Zunächst The World Of Faderhead und nun FH4, dazwischen auch gleich noch die Doppel-„Best Of“ Two 

Sides To Every Story. Entweder braucht dieser Mann keinen Schlaf, oder er produziert seine Lieder seit Langem abrufbereit auf Halde... 

Sami Mark Yahya: Bis auf wenige Phasen 

schreibe ich eigentlich ständig Songs; selbst wenn 

ich nicht im Studio bin, halte ich Songideen 

oder Textzeilen immer wieder fest. Ich verwende 

allerdings sehr selten alte Songs, die schon ewig 

herumliegen. Vor einer Produktion höre ich mir 

einfach alle Demos an, die ich seit dem letzten 

Album aufgenommen habe, und entscheide mich 

dann, welche Songs auf das Album passen. Bei 

Platten wie Black Friday, bei denen es ein Konzept 

und eine Story gab, war das anders. Da habe ich 

nur an den 16 Songs geschrieben, die am Ende 

auch tatsächlich auf dem Album erschienen sind. 

Orkus: Darf man beim Titel des neuen Werkes 

eine bewusste stilistische Anknüpfung an die FH- 

Reihe vermuten? 

SMY: Black Friday war ein Konzeptalbum, The 

World Of Faderhead war ein Album mit Songs, die 

mein Leben beschrieben, und FH4 ist jetzt wieder 

– wie früher – einfach drauflosgeschrieben. Ohne 

Rahmen, Geschichte oder Konzept. Es gab zwar 

auch da Songs, die miteinander verknüpft waren, 

aber insgesamt habe ich einfach geschrieben, ohne 

mich um Zusammenhänge zu kümmern. Das war 

beim neuen Album wieder so, und deswegen war 

es für mich naheliegend, die Platte FH4 zu nennen. 

O: FH4 ist sehr modern und technoid geraten. 

Wann sehen wir dich in der „Raveline“? 

SMY: Eigentlich finde ich das Album total 

untechnoid, eher poppig und soft. „Modern“ trifft 

allerdings sicherlich zu. In der „Raveline“ würde ich 

natürlich auch gern stattfinden. Vielleicht sollte ich 

da mal anrufen und eine CD hinschicken. (lacht) 

O: Dafür wurden die Aggrotech-Elemente ein 

wenig eingedampft. Inwiefern sind diese für dich 

lediglich Stilmittel oder eher Ausdruck deines 

aktuellen Gemütszustandes? 

SMY: Ich bin ja ursprünglich nicht aus dem 

Elektronik-Sektor, daher war in den ersten 

Jahren alles neu, und deshalb auch der Anteil 

an Aggrotech-Elementen. Stilmittel sind bei 

Faderhead allerdings immer Ausdruck meines 

Gemütszustands, da bei mir auf einem Album 

vier bis fünf verschiedene Stilistiken zu finden 

sind. Das beruht darauf, dass ich mir einfach nicht 

vorstellen kann, eine fragile Emotion mit einem 

harten Dark Electro-Beat und verzerrtem Geschrei 

auszudrücken. Die Songs auf FH4 sind aber 

tatsächlich ein wildes Sammelsurium der besten 

Tracks, die ich nach März 2012 geschrieben 

habe. Ich denke daher nicht, dass sie ein klarer 

Ausdruck meines Gemütszustands sind. Vielleicht 

waren die heftigeren Songs am Ende einfach nur 

nicht gut genug. Hinzu kommt, dass mir keiner 

erzählen kann, dass er ein Jahr lang immer nur 

böse oder traurig ist. 

O: Auf FH4 gibt es eine Menge zu entdecken, 

und so langsam erwartet man von dir sogar ein 

bisschen mehr als bloß Tanzmusik. Ist das okay 

für dich? 

SMY: Es ist mir immer schon wichtig gewesen, 

nicht nur auf Tanzmusik festgelegt zu werden. 

Dann hätte ich nur einen Song geschrieben, den 

auf jeder Platte zwölf Mal mit anderem Titel und 

anderem Filmsample kopiert und mich Y-RY 

genannt. Und Bands, die festlegen, in welche 

Richtung sie gehen, sind keine Bands, sondern 

arme Schweine, da sie ihre künstlerische Freiheit 

verlieren. Das kann ich noch verstehen, wenn 

man in einer Karnevalsband spielt, um Geld 

zu verdienen, aber nicht, wenn man in einem 

alternativeren Musikgenre existiert, in dem 

sowieso kaum Geld gemacht wird. 

O: Mit Dancers fällt ein Stück mal wieder 

besonders aus dem Rahmen. Wie viel Spaß macht 

es dir, Genregrenzen einfach zu ignorieren? Und 

wie kam es zur Zusammenarbeit mit Shawn 

Mierez? 

SMY: Das hat mir schon immer Spaß gemacht. 

Sei es mit Mattaku auf FH1, mit Dirtygrrrls/ 

Dirtybois auf FH2, mit Fuck What You Heard auf 

FH3, mit der kompletten Horizon Born-EP, mit 

Pussy Rules auf Black Friday oder jetzt mit Dancers. 

Das ist eigentlich nie Absicht, aber es ist mir halt 

auch egal. Ich habe keine Angst davor, dass mich 

irgendein 45-jähriger Old School-EBM-Fan oder 

ein 16-jähriger Cybergoth für „untrue“ hält. 

Shawn kenne ich seit 2005. Ich hatte Dancers 

selbst eingesungen und war davon nicht so 

überzeugt, also habe ich Shawn angerufen und 

ihn gefragt, ob er nicht mal kurz rumkommen 

und das für mich einbrüllen könnte. Shawn ist 

einer der legendärsten Techno-MCs aller Zeiten, 

hat keine fünf Minuten für alles gebraucht, und es 

klang auch noch sofort super. Da war dann klar, 

dass ich meine Vocals lösche und das Ganze zu 

einem Feature mache. 

O: Wenn man sich anschaut, auf welchem Platz 

The World Of Faderhead bei einem britischen 

Onlinehändler gelandet ist, fragt man sich, was 

dir diese Verkaufszahlen bedeuten? 

SMY: Das erfüllt mich auf jeden Fall mit 

Genugtuung. Vor allem, wenn man weiß, dass 

MusicNonStop in Großbritannien der wichtigste 

Händler ist. Und da ist es schon ziemlich cool, 

dieselben Verkaufszahlen wie And One zu haben 

und mehr zu verkaufen als Fields of the Nephilim, 

De/Vision, Front Line Assembly oder Suicide 

Commando. Allesamt Bands, die in Deutschland 

deutlich mehr Fans haben. Ich brauche das zwar 

nicht, aber es ist eine Anerkennung dafür, dass ich 

seit Jahren immer mehr für meine Fans mache als 

99 Prozent aller anderen Bands... und das Mehr 

dann auch immer noch umsonst ist – sei es der 

Kurzfilm zu Black Friday oder die 360-Grad- 

Panoramen für The World Of Faderhead. 

O: Fühlt man sich bei dem Erfolg, gerade auch in 

den USA, nicht manchmal wie der sprichwörtliche 

Prophet im eigenen Land? 

SMY: Man sieht ja bei Festivalshows, dass wir 

fast immer das größte Publikum des Tages haben. 

Es gibt also genug Leute, die meine Musik gut 

finden. Man darf aber auch nicht vergessen, 

dass ich immer noch „neu“ bin. Und wenn wir 

in Nürnberg oder Bochum 700 Leute bei einem 

Konzert haben, kann ich damit aktuell ziemlich 

gut leben. Bands wie Suicide Commando und 

And One gibt es bereits über 20 Jahre, und sie sind 

gewachsen in Zeiten, als Menschen noch Musik 

bewusst gehört haben. Von daher ist es doch nur 

natürlich, dass sie deutlich mehr Fans haben. Am 

Ende würde ich auch Musik machen, wenn ich 

keine Fans hätte. Je schneller man zudem populär 

ist, desto schneller verschwindet man auch wieder 

von der Bildfläche. 

www.faderhead.com 

Lars Schubert 


FH1 (2006) 

FH2 (2007) 

FH3 (2008) 

Black Friday (2010) 

The World Of Faderhead (2012) 

FH4 (2013) 


„Ich bin sicher, dass nicht alles in uns stirbt.“ 

Bäumchen, wechsle dich: Peter Wichers hat sich zum zweiten Mal von Soilwork getrennt und Björn „Speed“ Strid als alleiniges 

Gründungsmitglied zurückgelassen. Der fackelt nicht lange und beschert der Melodic Death Metal-Welt mit The Living Infinite ein 

faszinierendes Doppelalbum schwedischer Maßarbeit. Was das Meer, das Leben und das Jenseits damit zu tun haben, verrät er im sehr 

persönlichen Gespräch. 

Björn Strid: Der Titel ist ein Ausdruck von 

Jules Verne, der den Charakter des Ozeans 

begreiflich machen wollte. Seine Umschreibung 

hat mich nicht mehr losgelassen, und weil sich 

das Album mit überaus existenziellen Dingen 

beschäftigt, musste es einfach diesen Namen 

tragen. Ich bin am Meer aufgewachsen, lebe 

immer noch dort und könnte mir niemals 

vorstellen, woanders zu leben. Das Meer ist 

meine größte Inspiration. Es verändert ständig 

seine Form; es gibt keine zwei Momente, 

in denen es gleich aussieht. Jedes Mal, wenn 

ich am Strand sitze und auf die Wogen 

hinausblicke, stelle ich mir diese existenziellen 

Fragen, die sich jetzt auf The Living Infinite 

finden. 

Orkus: Laut Jules Verne ist der Ozean 

unendlich. Was ist „unendlich“ für dich? 

BS: Ich kann mir einfach nicht vorstellen, dass 

Gefühle und Gedanken mit unseren Körpern 

sterben. Sie müssen irgendwohin. All meine 

Gedanken, meine Erinnerungen können nicht 

einfach verschwinden. Diese Dinge treiben 

mich, gelinde gesagt, in den Wahnsinn, weil 

ich viel zu viel über sie nachgrüble. Was, wenn 

unser Leben nur eine Projektion ist? Was, wenn 

wir alle irgendwo anders koexistieren? Ich 

musste mich quasi detraumatisieren. Deshalb 

musste dieses Doppelalbum her. Durch den 

Prozess des Schreibens freundete ich mich mit 

diesen Gedanken an und konnte mir selbst aus 

dieser geistigen Zwickmühle helfen. 

O: Es war also nicht so, dass du nur auf immer 

mehr Fragen gestoßen bist? 

BS: Oh doch. Es wird immer endlos viele 

Fragen geben. Aber man muss lernen, nicht 

unbedingt nach den Antworten zu verlangen. 

O: Letztlich ist auch die Anzahl der Fragen 

rund um die Unendlichkeit, nun, unendlich. 

Warum befasst du dich gerade jetzt damit? 

Erste Anzeichen einer Midlife-Crisis? 

BS: Nein, wenngleich dieses Album vor zehn 

Jahren noch nicht möglich gewesen wäre. 

Was wirklich dazu führte, war ein schlimmer 

Zwischenfall, der sich 2009 ereignete, als ich 

für ein halbes Jahr in Arizona lebte. Jemand 

hatte mir Crystal Meth in meinen Drink 

gemischt, und als ich zwei Stunden später in 

meinem Bett aufwachte, war ich überzeugt, 

tot zu sein. Ich war sicher, dass ich im Jenseits 

bin. Das war der gruseligste Moment meines 

Lebens, ließ mich jedoch mehr über das Leben 

nachdenken. Das tat ich zwar bereits mit vier 

Jahren, als mich solche Fragen noch zu Tode 

ängstigten, doch es verlor sich in meiner 

Teenagerzeit, als mir mehr oder weniger alles 

scheißegal war. Dann kamen all die Touren, 

all das Trinken – und dieser Moment war ein 

regelrechtes Erwachen für mich. 

O: Dein ungewollter Drogentrip hat dir ein 

Jenseits vorgegaukelt. In Memories Confined 

singst du aber: „There is no saviour, and there 

is no god...“ 

BS: Ich weiß, ehrlich gesagt, nicht, was 

ich glauben soll. Beide Vorstellungen sind 


erschreckend – zu sterben und alles wird 

schwarz, wird zum Nichts. Oder aber, zu 

sterben und irgendwo anders aufzuwachen, 

allein und fremd. Verdammt, ich kann mich 

einfach nicht entscheiden! (lacht) Aber wie 

gesagt: Ich bin sicher, dass nicht alles in uns 

stirbt. 

O: Letztlich ist der unsterblich, an den man sich 

erinnert. Wie möchtest du erinnert werden? 

BS: Darüber habe ich mich erst kürzlich mit 

jemandem unterhalten. Er erklärte mir, man 

werde meine Stimme auf meinen Alben auch 

dann noch hören, wenn ich längst tot bin. 

So hatte ich das tatsächlich nie gesehen. Wir 

hören noch heute die Stimmen unzähliger 

verstorbener Sänger. Als wären es ihre Geister. 

Ziemlich gespenstisch, wenn man darüber 

nachdenkt. Doch die Vorstellung, dass sich 

die Leute durch unser neues Album an mich 

erinnern werden, ist ungemein schön. 

O: Könnte klappen: The Living Infinite ist 

randvoll mit feinstem Melodic Death Metal. 

Aber warum eigentlich eine Doppel-CD? Die 

84 Minuten hätten ja fast auf eine gepasst. 

BS: Stimmt, aber uns war der Old School- 

Ansatz wichtig... wie in den Siebzigern, als 

Doppelalben eine Art Reise waren, die man 

beim Hören unternahm. Mit dem Booklet, 

den Lyrics und jeder Menge unerwarteter 

Wendungen. Überraschungen waren schon 

immer ein wichtiger Teil von Soilwork, doch 

diesmal gibt es so viel zu entdecken wie noch 

nie. 

O: Wie unterscheiden sich die beiden Parts? 

BS: Es sind zwei Kapitel derselben Geschichte. 

Viele empfinden die zweite CD als dunkler; das 

war aber nicht geplant. Die Lieder hängen alle 

eng zusammen. 

O: Lauscht man dem Doppelalbum, entsteht 

schnell der Eindruck, dass ihr euch hier richtig 

austoben konntet. Ein musikalischer Spielplatz 

quasi. 

BS: Genau so war es für uns, und genau das 

hat so großen Spaß gemacht. Zum ersten Mal 

experimentierten wir auch im Studio sehr 

viel herum, was daran lag, dass wir diesmal 

glücklicherweise richtig beschissene Demos 

hatten! (lacht) Als Peter noch in der Band war, 

schleppte er immer fast schon perfekte Demos 

an, die wir dann genau so einspielten. Dieses 

Mal mussten wir die Stücke wirklich noch 

verbessern! 

O: Welche Auswirkungen hatte Peters Weggang 

auf den Soilwork-Sound? 

BS: The Panic Broadcast besitzt eine 

amerikanische Aggressivität, die Peter in die 

Band gebracht hatte. Wir wollten aber zurück 

zu einer eher skandinavischen Aggressivität. 

Die ganz spezielle Melancholie unserer ersten 

Releases ging im Laufe der Jahre leider verloren. 

Auch wenn ich jetzt wie ein Black Metaller 

klinge: Ich wollte ein Album wie ein Film, der 

im schwedischen Winter spielt. Ein Album 

voller Wehmut. Und dieses Gefühl ist endlich 

zurück. 

www.soilwork.org 



Steelbath Suicide (1998) 

The Chainheart Machine (2000) 

A Predator’s Portrait (2001) 

Natural Born Chaos (2002) 

Figure Number Five (2003) 

Stabbing The Drama (2005) 

Sworn To A Great Divide (2007) 

The Panic Broadcast (2010) 

The Living Infinite (2013) 

Line-Up: 

Björn „Speed“ Strid – Gesang 

Sylvain Coudret – Gitarre 

David Andersson – Gitarre 

Ola Flink – Bass 

Sven Karlsson – Keyboard, Samples 

Dirk Verbeuren – Schlagzeug 


„Wir sind einsamer 

als in den Jahrzehnten zuvor.“ 

Mark Hockings und Richard Silverthorn haben sich mit ihrem 

neuen Werk selbst verschuldet in eine Sackgasse manövriert. Weniger 

dadurch, dass sie spätestens jetzt nicht mehr mit dem Etikett „Synth 

Pop“ versehen werden können, sondern allein durch die einst getroffene 

Aussage, sie seien auf den Vorgänger A Perfect Solution besonders stolz 

und mit diesem Riesenschritt endlich dort angekommen, wo sie schon 

immer hinwollten. Was bedeutet das für Automation Baby in den Augen 

von mesh? Stagnation, gar Rückschritt – oder einfach nur die nötige 

Korrektur ihrer früheren Statements? 

Richard Silverthorn: (lacht) Da hast du uns wohl beim Einmaleins der 

Promotion ertappt. Dass man mit seinem aktuellen Release sehr zufrieden ist, 

sagt doch praktisch jede Band. Und bezüglich A Perfect Solution stimmt das 

auch immer noch. Der Schritt zu Automation Baby war vielleicht nicht ganz 

so enorm, aber man muss ehrlich feststellen, dass auch diesmal wieder alles 

so zusammenkam, dass es sich absolut stimmig anfühlte. Wir sind an den 

Elementen, die uns mittlerweile charakterisieren, drangeblieben und haben sie 

lediglich perfektioniert und ausgebaut. Hauptaugenmerk galt bei Automation 

Baby aber auch Marks Texten, die sich qualitativ ebenfalls noch gesteigert haben. 

Orkus: Gerade so gerettet... Nun bleibt allerdings noch zu klären, in welchem 

Genre sich mesh eures Erachtens inzwischen befinden. Früher gabt ihr euch mal 

das Etikett „Electronic Mainstream Crossover“. Und heute? 

RS: Dieser sperrige Begriff war bloß eine Erfindung des Labels und 

verkompliziert etwas so Einfaches wie Musik nur unnötig. Wir hatten jedoch seit 

jeher den Wunsch, nicht mit klassischem Synth Pop in Beziehung gebracht zu 

werden. Nicht dass wir diesen Sound nicht mögen, aber hier in England denkt 

dabei jeder gleich an Erasure oder die Pet Shop Boys. Die damit verbundene 

Erwartungshaltung wollen wir nicht bedienen. Bezeichnet man unsere Musik 

allerdings mittlerweile als „Electronic Rock“, können wir damit sehr gut leben. 

O: Vier Jahre sind seit A Perfect Solution vergangen. Eine lange Spanne zwischen 

zwei Alben – was habt ihr in der ganzen Zeit getrieben? 

RS: Zunächst haben wir A Perfect Solution ausgiebig betourt, auf nahezu jedem 

relevanten Festival gespielt, uns um das Remixalbum An Alternative Solution 

gekümmert und dann zu guter Letzt eine wirklich nötige Pause eingelegt. 

O: Von der Musik oder voneinander? 

RS: Selbst wenn wir uns nicht mehr sehen könnten, ließe es sich kaum 

vermeiden. Mark und ich wohnen mehr oder weniger um die Ecke, und wenn 

es trotz Pause mal keine Interviews zu führen, keinen Bürokram zu machen 

oder Touren zu planen gibt, trifft man sich halt zufällig im Supermarkt. Nein, 

die Nase vom anderen voll zu haben, können wir uns gar nicht leisten. (lacht) 

O: Irgendwann habt ihr euch wieder zusammengefunden, um mit Automation 

Baby ein Album zu schreiben, auf dem es auch nach häufigem Hören keine 

Lückenfüller gibt. Geht euch das leicht von der Hand, oder gleicht es doch eher 

Schwerstarbeit? 

RS: Danke schön! Du siehst es also wie das Team im Studio, welches sofort 

das Gefühl hatte, dass wir der richtigen Spur folgen. An sich fällt es uns leicht, 

Songs zu schreiben, aber manchmal stehen wir uns mit unserem eigenen 

Anspruch doch gewaltig im Weg. Wir waren nie Fans von Alben, die lediglich 

aus drei guten Liedern und minder schmuckem Beiwerk bestehen. Bei uns muss 

einfach jeder Track sitzen, und das ist auch der Grund, weshalb es auf unseren 

Singles keine „B-Seite“ in dem Sinne gibt. Diese klassische Resteverwertung 

gibt es bei uns nicht. 


O: Und wieso füllt ihr dann noch immer keine Stadien? 

RS: Eine gute Frage und leider auch eine, die ich dir 

nicht beantworten kann. Wir haben eine tolle und treue 

Fangemeinde, aber riesige Locations füllt sie bislang nicht. 

Aber um ehrlich zu sein: wir arbeiten daran, denn natürlich 

ist das unser Ziel; Musiker, die etwas anderes behaupten, lügen 

sich nur in die eigene Tasche. Wir können jedoch nicht mehr 

tun, als weiterhin gutes Material zu veröffentlichen. 

O: ... und dieses erneut mit Olaf Wollschläger zu produzieren? 

RS: Warum auch nicht? Wir haben bereits mit verschiedenen 

Produzenten gearbeitet, aber wir mochten schon, was er bei 

A Perfect Solution abgeliefert hat, und ergänzen uns einfach 

perfekt. mesh sind grundsätzlich Mark und ich, und es ist für 

eine andere Person naturgemäß recht schwierig, in unseren 

inneren Zirkel Einlass zu finden. Wie heißt es doch so schön: 

„Never change a winning team.“ Hinzu kommt, dass es uns 

in Deutschland wirklich gut gefällt, wir hier die meisten Fans 

haben und auch jedes Mal sehr gern wiederkommen. Das 

klingt zwar ebenfalls nach Promotion-Einmaleins, ist aber 

tatsächlich die Wahrheit. (lacht) 

O: Wenn ihr ein komplettes Album dem Konsum und den 

digitalen Netzwerken widmet, ist davon auszugehen, dass ihr 

diesen Errungenschaften unserer Zeit nicht uneingeschränkt 

positiv gegenübersteht, oder? 

RS: Natürlich nicht – wir haben e-mail, Skype oder Facebook 

und sind trotzdem einsamer als in den Jahrzehnten zuvor. 

Echte Freundschaften gibt es heutzutage immer seltener, und 

auch wenn die Vernetzung eine Menge positiver Aspekte hat, 

wird das „Höher, schneller, weiter“ der jetzigen Generation 

irgendwann in totalem Stumpfsinn enden. Ich befürchte 

nur, dass wir mit unserer Kritik lediglich ein Spiegelbild der 

aktuellen Situation liefern können; eine Veränderung wird 

es wohl so rasch nicht geben, denn dazu ist die Menschheit 

einfach zu träge geworden. 

O: Letztlich seid ihr aber unbestreitbar ein Teil der Welt, die 

ihr kritisiert... 

RS: ... und wir müssen es auch sein, um die ganze Welt mit 

unserer Musik zu erreichen. Die Krux ist allerdings, dass genau 

diese Digitalisierung auch die Musik zerstört, und das macht 

mir durchaus Angst. 

www.mesh.co.uk 

Lars Schubert 

Photos: Roman Kasperski 


Fragile (1994) 

In This Place Forever (1996) 

The Point At Which It Falls Apart (1999) 

On This Tour Forever (live, 2001) 

Who Watches Over Me? (2002) 

We Collide (2006) 

A Perfect Solution (2009) 

Automation Baby (2013) 

Line-Up: 

Mark Hockings – Gesang, Gitarre, Keyboard, Programmierung, 

Texte 

Richard Silverthorn – Keyboard, Programmierung 


Ronan Harris 

Wie sieht für dich ein idealer Sonntag aus? 

Ein Tag wie jeder andere, an dem Deutschland nicht abgeschaltet scheint 

und Stadtzentren nicht so wirken, als wären sämtliche Erdbewohner 

plötzlich verschwunden. Wenn Du einen „Ruhetag“ brauchst, bleib’ 

still zu Hause. Wenn aber Leute Sachen besorgen müssen und es an 

Werktagen einfach nicht schaffen, sollten sie diese Möglichkeit haben, 

anstatt ihre Lebensführung durch eine religionsbasierte, archaische 

Tradition diktiert zu kriegen. Wir leben nicht im 19. Jahrhundert. 

Wann kann man dir Unvernunft vorwerfen? 

Nicht häufig. Wenn jemand seinen Job nicht macht, auf dessen 

Erledigung ich zwingend angewiesen bin, oder wenn wer versucht, 

mich über den Tisch zu ziehen. In solchen Fällen lasse ich nicht mit 

mir reden. 

Welches Album oder welcher Film hat etwas in dir 

verändert? 

Da gibt es zu viele. Ich könnte einen nennen, doch das hieße 

Einschränkung. Es sind immer Filme, die mich mein eigenes Leben 

reflektieren und über die tiefen Fragen des Daseins nachsinnen lassen. 

Einige wenige Alben habe ich genau zum rechten Zeitpunkt gehört. Sie 

klangen exakt so, wie ich mich gerade fühlte oder war. Sie haben mich 

inspiriert, auf dem Pfad zu bleiben, auf dem ich mich befand, oder die 

Situation zu ändern. Sie halfen mir, zu realisieren, dass meine Probleme 

nicht so wichtig sind, wie ich dachte, und erinnerten mich, warum ich 

Musik so sehr liebe... Oder sie ließen mich die Lautstärke voll aufdrehen 

und in der Wohnung umhertanzen. Erst Stunden später bemerkte ich, 

dass unter mir ein Bestattungsunternehmen seine Räume hatte. 

Hast du schon mal geweint, weil etwas so unglaublich 

schön war? 

Ich vermute, die Leute können aus meinen Songs ableiten, dass ein paar 

Emotionen in mir herumpurzeln. Also: ja, habe ich. Wegen simpelster 

Dinge, die die meisten Menschen gar nicht wahrzunehmen scheinen. 

Was ist das Gute am Streit? 

Wäre das hier ein Kinderbuch, gälte als Antwort: „Die Umarmung 

danach, weil Du die Person lieb hast.“ Es ist aber keines, daher: In einer 

perfekten Welt wäre Streit unnötig. Da wir jedoch in keiner perfekten 

Welt leben, fungiert Streit als essenzielles Moment sozialer Interaktion, 

wenn Du einem totalen Arschloch sagen musst, was Du von ihm oder 

seinen Klamotten, seinen Haaren, seinem Auto, seinem Geruch oder 

seiner Meinung hältst. Bei der richtigen Art Streit hat jede Partei die 

Chance, ihre Ansichten und Empfindungen auszudrücken und gehört 

zu werden. Wenn alles gut läuft, gehen alle ein bisschen klüger aus 

dieser Situation hervor. Man weiß mehr über die Gefühlswelt des 

Gegenübers. Oder man weiß, dass man wirklich an das glaubt, woran 

man zu glauben meinte. Wenn es nicht so gut läuft, kann man immer 

noch mit gemeinen Schimpfwörtern um sich werfen. Mir gefällt es sehr, 

Frauen beim Streiten zu beobachten. Das ist unterhaltsamer als alles, 

was uns das Fernsehen hinschmeißt. 

Und was ist weniger gut an einem Streit? 

Zu wissen, dass die andere Person eine Waffe hat und bereit ist, diese zu 

benutzen. Das wäre wohl „eine schlechte Art des Streitens“. „Im selben 

Raum sein mit Leuten, die über Fußball streiten“, steht auch ziemlich 

weit oben auf der Liste. Durch einen solchen Zwist verwandeln sich 

vernünftige, empfindungsfähige, technikbegabte Erwachsene in etwas, 

das wie Höhlenmenschen aussieht, die darüber zanken, wessen Scheiße 

besser riecht. Ich spüre dann immer, wie mein Gehirn versucht, sich 

abzuschalten oder zu entfliehen. Eine weitere Art schlechten Streits 

ist der, bei dem man mit jemandem spricht, der respektive die keine 

Ahnung vom Thema hat. Davon kenne ich eine ganze Menge. 

Wann erlebst du positiven Stress? 

Wenn ich an Musik oder einem kreativen Projekt arbeite oder eine Tour 

vorbereite. Da erreiche ich oft meine Grenzen, und das liebe ich. 

Wann erlebst du negativen Stress? 

Wenn ich unter starkem Druck stehe, möglichst schnell Dinge zu 

erledigen, auf die ich keine Lust habe. 

Welchen Kindheitstraum möchtest du dir noch 

erfüllen? 

Ich will ins Weltall und in einer Raumstation ein paar Tage im Orbit 

der Erde schweben. 

Angenommen, es gibt die Wiedergeburt: Als was 

würdest du gerne zurückkommen? 

„Angenommen“ gilt hier für mich nicht. Was ich wünsche, ist ohne 

Bedeutung, aber mehr Körpergröße wäre nett. 

Deine größte Hoffnung...? 

Dass wir den idiotischen Pop-Kultur-Trend der letzten Jahre rückgängig 

machen können: eine Fixierung auf Dummheit, Versagen, kurze 

hirntote Lacher und Schadenfreude. Diese tragische Übersteuerung kam 

durch Typen im Internet, die entdeckt haben, dass sie auf diese Weise 

nichts zu tun brauchen, außer sich über Menschen lustig zu machen, die 

tatsächlich etwas leisten. Welch eine Sauerstoffvergeudung. 

Wie stellst du dir die Zukunft vor? 

Klügere und pragmatischere Wege, mit Technologie umzugehen, 

konkrete Lösungen für Probleme, bedachter Umgang mit Ressourcen, 

Konzentration auf verbessernde Erfindungen und keine blöden 

Talentshows mehr. 


„Da ging’s auch mal stürmisch zu.“ 

Ein weiteres Urgestein unserer Szene ist zurück! Nein, so ganz stimmt das nicht, denn live waren Love Is Colder Than Death immer 

wieder mal zu erleben. Also nie völlig weg. Lediglich auf ein neues Album wartete man vergebens. Jetzt endlich der Neustart: mit 

Tempest und frischer Crew. 

Orkus: Einmal mehr hat sich bei Love Is Colder Than Death das 

Besetzungskarussell gedreht. Warum? 

Uli Stornowski: Da gibt es verschiedene Aspekte. Eine 

Antwort ist, dass sich dieses Karussell in den knapp 25 Jahren aus 

diversesten Gründen drehte. Änderung der persönlichen Lebensziele, 

Schwangerschaft, Schwerpunkte auf andere Projekte und natürlich auch 

zwischenmenschliche Auseinandersetzungen spielten da eine Rolle. Es 

gibt nicht viele Bands, die in solch langer Zeit des Bestehens immer die 

gleiche Besetzung hatten. Eine andere Antwort ist, dass Veränderungen 

in der Besetzung die Band bisher immer neu inspiriert haben. Bei Live- 

Auftritten standen ja auch immer verschiedene Musiker auf der Bühne, 

die nicht regelmäßig dabei waren. 

O: Und wer sind die neuen Mitglieder? 

US: Anja Herrmann, die seit Jahren als Perkussionistin die Show 

ergänzte, ist nun mit ihrer tollen Stimme und ihrer Erfahrung als Live- 

Musikerin in den Mittelpunkt neben Ralf gekommen. Ich selbst bin 

ein Multiinstrumentalist, der schon lange gemeinsam mit Anja auf 

verschiedenen Bühnen steht. Mit unserem Dazustoßen wird es der Band 

gelingen, mit der neuen CD und frischem Wind wieder regelmäßig live 

aufzutreten. 

O: Euer letztes Output liegt nun doch bereits eine ganze Weile zurück. 

Was habt ihr in der Zwischenzeit gemacht? Lag LICTD tatsächlich 

vorübergehend „auf Eis“? 

US: LICTD war schon immer eine Band, die mit viel Geduld und Sinn 

für Details gearbeitet hat. Das dauert halt seine Zeit und ist erst fertig, 

wenn alle zufrieden sind. Das liegt auch in der Natur der Kompositionen, 

dem Charakter der Musik. Quantität war nie wichtig. In den letzten 

Jahren gab es außerdem auch andere Projekte, die den Bandmitgliedern 


dass jeder, der darüber nachdenkt, die verschiedensten Bilder in 

den Kopf bekommt. Und genau das ist unser Ansinnen: wir wollen 

inspirieren durch ausdrucksstarke Musik und vieldeutbare Namen. 

O: Das Cover vermittelt eher den Eindruck, es handele sich um 

einen Eissturm... 

US: Das Bild für das Cover ist von einer guten Freundin 

aufgenommen worden und wartete vermutlich genau auf uns, denn 

bei einem gemeinsamen Brainstorming fiel ihr genau dieses Photo 

ein und wie sie es mit klammen Fingern aufnahm, ohne zu wissen, 

wofür. Es war für uns schnell ein beeindruckender Hingucker: Rose 

– Wildrose – Hagebutte – Kälte – Lebenskraft, die unterm Eis auf 

den Frühling wartet... ein geniales Bild. 

O: LICTD sind seit etlichen Jahren in der Szene präsent. Spürt 

ihr den Wandel im Konsumverhalten der Hörer, oder bedient ihr 

ein Genre, vielleicht auch eine Art von Fans, wo das nicht so zum 

Tragen kommt? 

US: Das wird sich zeigen. In den letzten Jahren gab es immer 

Nachfragen nach LICTD-CDs, und irgendwann liefen die 

Onlineverkäufe von Songs und Alben natürlich besser als physische 

CDs. Die Aufrufe von Konzertmitschnitten auf YouTube und 

die Statistiken von Onlineradios zeigen, dass regelmäßig Musik 

von uns gehört wird. Bisher war LICTD hauptsächlich im Wave/ 

Gotik-Bereich aktiv. Das ist allerdings ein besonderes Publikum. 

Mit viel Aufwand setzt man sich liebevoll in Szene, genießt die 

Aufmerksamkeit und spart nicht bei der Ausstattung. Wir haben eine 

CD produziert, die als Gesamtkunstwerk sicher besser funktioniert, 

wenn man sie in die Hand nimmt, anschaut, im Booklet blättert 

und liest und dann in Ruhe auf einer guten Anlage hört. Wenn man 

sie nur auf dem iPod für unterwegs auf dem Fahrrad hat, fehlt in 

unseren Augen und Ohren eine Menge. 

O: Habt ihr das Gefühl, nach der langen Releasepause heute 

tatsächlich noch in der Szene präsent zu sein? 

US: Momentan freuen wir uns sehr, dass unsere bisherige 

Vorbereitung der Veröffentlichung von Tempest so gute 

Rückmeldungen bringt. Fast täglich bekommen wir Anfragen aus 

dem In- und Ausland von Redakteuren, Journalisten, Onlineradios. 

Alle sind gespannt und neugierig. Darauf hatten wir gehofft, aber 

nicht geahnt, dass schon so viel gutes Feedback auf die Musik 

kommt... vor dem eigentlichen Veröffentlichungstermin. 

wichtiger waren. Ideen entstanden trotzdem und wurden bearbeitet 

und weiterentwickelt. Immer mal wieder gab es ziemlich schöne und 

gut besuchte Konzerte. Es war also eher eine „Kreativpause“ auf dem 

Sektor der CD-Produktion. 

O: Euer neues Album heißt Tempest, ganz profan übersetzt „Sturm“ 

oder „Gewitter“. Bezieht sich das auch darauf, was bei euch durch 

die Neuformierung hinter den Kulissen zu verzeichnen war? 

US: Was hinter den Kulissen läuft, war bei LICTD nie wichtig für 

die Außenwirkung der Band. Es ging immer darum, gute Musik zu 

machen, die der Band und den Fans gefällt. Trotzdem sind alle Leute 

neugierig darauf, was da sonst so abgeht. Und ja: es gab innerhalb 

der Band 2011 eine Krise, die Kraft gekostet hat und mit für die 

Umbesetzung verantwortlich war. Da ging’s auch mal „stürmisch“ 

zu. 

O: Worauf bezieht sich der Titel aber offiziell? 

US: Die Engländer bezeichnen mit „tempest“ ein Unwetter auf 

See. Herr Shakespeare hat ein geniales Werk mit diesem Titel 

geschrieben. Es gibt einen Song mit dem Namen the tempest auf der 

CD, der wie ein heftiges Unwetter daherkommt. Und dann gibt’s 

die Ruhe vor und nach dem Sturm zu hören, und die gibt’s beim 

Orkan ja sogar mittendrin. Dies und auch die Bildhaftigkeit dieses 

Wortes bewogen uns zu diesem Namen. Schön ist immer wieder, 

O: Das Orkus! Magazin erscheint jetzt auch als eMagazine. Orkus! 

ermöglicht es damit, die Ausgaben etwa auf einem Tablet oder 

Smartphone und am Desktop zu lesen. Wie gefällt euch diese Idee? 

US: Prinzipiell und wenn man dem Trend folgt, sollte natürlich 

auch Orkus! als eMagazine erhältlich sein. Unsere Musik kann man 

ja auch als MP3s kaufen, obwohl wir selbst – etwas altertümlich 

– CDs als Medium besser finden, weil da keine Komprimierung 

unsere aufwändigen Sounds „klein schneidet“. 

www.lictd.com 

Axel Schön 


Teignmouth (1991) 

Mental Traveller (1992) 

Oxeia (1994) 

Atopos (1999) 

Eclipse (2003) 

Inside The Bell (2004) 

Tempest (2013) 

Line-Up: 

Anja Herrmann – Gesang, Percussion 

Ralf Jehnert – Gesang, Percussion, Streichinstrumente 

Maik Hartung – Streichinstrumente 

Uli Stornowski – Gesang, Flöte, Percussion, Schlagzeug 


„Zurückgehen 

werden wir nicht!“ 

Nicht ganz dicht waren Der Blutharsch ja schon immer. Im positiven Sinne, versteht 

sich. In den letzten Jahren hat sich das sonnenreligiöse Verwirklichungsfeld des Albin 

Julius zum psychedelisch-folkigen Chamäleon entwickelt, dessen einzige Konstante die 

Wandelbarkeit ist. Martialische Marschklänge, Country, Pop, Krautrock und Folklore 

kamen immer mal wieder zusammen, gipfeln auf dem jüngsten Werk The end of the 

beginning im bislang verdrogtesten Ausflug in die musikalische Welt des Psychoaktiven. 

Der Blutharsch, endgültig zu einem Haufen LSD-Gurus verkommen? Das vielleicht nicht. 

Die Bookleterwähnung, man solle das Album am besten hören, wenn man „chemically 

imbalanced“ ist, weist dann aber doch den Weg in eine gewisse Richtung. „Damit ist 

alles gesagt, oder?“, meint Albin lapidar. Auf Nachfragen ergänzt er diese etwas mickrige 

Aussage noch ein wenig: „Ich weiß nicht, ob das Album, nüchtern gehört, überhaupt 

verstanden werden kann.“ Wie man diesen musikalischen Grenzgang zwischen Psych 

Folk, Space Rock und Wahnsinn konsumiert, bleibt letztlich dem Hörer überlassen. Er 

wirkt so oder so. „Das Album repräsentiert die aktuelle Grundstimmung in der Band“, 

erklärt der polarisierende Bandchef. „Und momentan ist es ein wild trip – eine wilde Reise, 

auf der wir uns befinden. Möge es so bleiben!“ 

Aber bitte doch. Wenn es bedeutet, dass so herrlich kauzige, hypnotisierende Klangwellen 

dabei entstehen, sollte man dieser Formation nicht reinreden. Die arbeitet nämlich inniger 

zusammen denn je. „Es fühlt sich besser an denn je“, so Julius zur internen Atmosphäre. 

„Es ist gut, solch versierte und talentierte Mitmusiker zu haben... und auch eine Ehre.“ 

Man darf also gespannt sein, was dieses psychedelische Kollektiv aus dem bereits geplanten 

nächsten Werk The Cosmic Trigger machen wird. Doch The end of the beginning bietet fürs 

Erste genug Gesprächsstoff. Die Band agiert nach einem simplen Prinzip: Der Weg ist das 

Ziel. Die Arbeit an einem Album steht für Albin im Mittelpunkt seines Schaffens, stets 

halten sie sich alles offen. „Nur eines kann ich sagen: Zurückgehen werden wir eher nicht!“ 

Zurückgehen, damit meint er die Martial Folk-Hochphase des Projekts. Ist mittlerweile 

auch ziemlich schwer vorstellbar – wenn man getreu dem Titel auch gerade erst am Ende 

des Anfangs angekommen ist. Jetzt geht es also erst richtig los bei Der Blutharsch? „Das 

ist der Masterplan!“, nickt Albin begeistert. „Mal sehen, was die Zukunft bringt. Aber 

irgendwie bin ich im Moment sehr optimistisch, was unsere Zukunft anbelangt... auch 

aus dem Grund, da ich selber keine Erwartungen habe.“ 

www.derblutharsch.com 



DIE NEUE SINGLE 

AB 8. MÄRZ 

ALS DOWNLOAD 

DAS DEBÜT-ALBUM 

AB 22. MÄRZ 

HEUTE WAR GOtt NICHT HIER 

inkl. der ersten Single 'Absolution' 

DIE GESCHICHTE DER KREUZZÜGE - MITREISSEND UND ATEMBERAUBEND 

UMGESETZT IN FLAMMENDEN, VIRTUOSEN SOUND!

„Die Stelle, an der wir falsch abgebogen sind, 

liegt schon ziemlich weit zurück.“ 

Welle: Erdball sind schützenswert! Was 

wie der clevere Slogan einer überbezahlten 

Marketingfirma erscheinen mag, leuchtet auch 

ohne angestrahlte Plakate ein, denn „leider gibt 

es weltweit nur noch recht wenige Künstler, die 

wirklich Computermusik mit einem analogen 

Synthesizer als klares Stilelement machen. 

Bands wie Second Decay oder Der Liederkranz 

gibt es leider nicht mehr, und Größen wie 

Kraftwerk oder Jean Michel Jarre sind über sich 

selbst hinausgeschossen oder haben einen sehr 

ineffizienten Veröffentlichungsturnus. Wir sehen 

uns hier schon als so etwas wie die letzte Bastion, 

denn wir brauchen Computerklang... unser 

ganzes Leben lang.“ Computerklang lautet auch 

der Name ihrer neuen EP, und der Titeltrack 

überrascht mit einem besonders schrägen 

Akzent. Da will wohl jemand unbedingt aus 

der Reihe tanzen? „Gerade in den Fünfzigern 

war es modern, mit Akzent zu singen. Auch 

deutsche Künstler wie Roy Black oder Mina mit 

Heißer Sand haben das getan. Vielleicht hat man 

sich seiner Nationalität geschämt oder wollte 

durch amerikanischen Akzent krampfhaft etwas 

kosmopolitischer auftreten. Aus heutiger Sicht ist 

das natürlich noch immer ein Stilmittel, und wer 

außer uns hätte – gerade in unserer Szene – den 

Mut, hier mal wieder anzusetzen? Das können 

wir uns ja auch mal erlauben“, meint Honey 

augenzwinkernd. 

Die Minimalelektroniker geizen erneut nicht 

mit Gesellschaftskritik, wie bereits der Titel 

Zombies im Kaufhaus andeutet. „Wenn man die 

Wirklichkeit widerspiegelt, kritisiert man sie 

ja eigentlich nicht, oder? Die Verhältnisse sind 

klar: Fernsehen ist tot, Kapitalismus scheiße, und 

alles, was man sich kaufen kann, ist vergiftet, 

überteuert, nach sechs Monaten im Arsch oder 

billiger Plastikplunder. Und wir laufen wie 

Zombies durch die Welt und versuchen unsere 

Verbitterung über diese Verhältnisse mit Kaufen 

zu kompensieren... ein Teufelskreis.“ Der „gläserne 

Mensch“ ist ebenfalls ein Thema, welchem sich 

immer wieder gern angenommen wird. Aber 

lässt diese Kontrollierte Welt überhaupt noch Platz 

für Kritik? „Dank Facebook gehört der Mensch 

ja erst zum Establishment, wenn er transparent 

und aus Glas ist. Der coole, intelligente und gut 

aussehende Datenschützer von damals ist doch 

heute eher ein geächteter Datenmüslifresser, der 

sich zu viel Offenbarung 23 reingezogen hat und 

mit bekloppten Verschwörungstheorien um sich 

schmeißt. Vielleicht schreibt man solche Texte 

heute nur noch, um nach dem GAU zu sagen: 

Na, ich habe es Euch doch schon damals prophezeit! 

Aber auch wir möchten die Welt noch immer 

in die richtigen Bahnen lenken. Leider wird das 

immer schwieriger, denn die Stelle, an der wir 

falsch abgebogen sind, liegt schon ziemlich weit 

zurück.“ 

Also lieber auf das Hier und Jetzt konzentrieren 

und uns den Mund mit einem kleinen Ausblick 

auf ein geschäftiges Jahr wässerig machen. „Zu 

viel wird nicht verraten, aber es wird definitiv 

ein absolutes Welle: Erdball-Jahr. Neben der lang 

erwarteten Sendung unseres Meisterstückes, dem 

Album Tanzmusik für Roboter, feiern wir auch 

noch unser 20-jähriges Bestehen. Dazu wird es 

eine Art Jubiläumszusammenstellung unserer 

persönlichen Welle: Erdball-Lieblingslieder, 

unveröffentlichtes Material sowie eine Welle: 

Erdball-Dokumentation auf DVD geben. 

Darüber hinaus feiern wir unseren Geburtstag 

beispielsweise auf dem WGT, dem Amphi 

Festival und im Rahmen des Hörerclubtreffens in 

Leipzig. Das Jahr nimmt dann seinen Abschluss 

mit einer großen Europatournee, welche auch im 

Zeichen des Jubiläums und unter dem Programm 

des kommenden Albums steht.“ Eine Planfülle, 

die bereits beim Lesen ins Schwitzen bringt! 

www.welle-erdball.info 

Lars Schubert 


Frontalaufprall (1994) 

Alles ist möglich (1995) 

Tanzpalast 2000 (1996) 

Der Sinn des Lebens (1998) 

Die Wunderwelt der Technik (2002) 

Chaos Total (2006) 

Operation: Zeitsturm (2010) 

Der Kalte Krieg (2011) 

Line-Up: 

Honey – Musik, Texte, Sprache 

A.L.F. – Planung, Konzept, Recherche 

Frl. Venus – Stimme, Weiblichkeit, Finanzwesen 

Plastique – Stimme, Weiblichkeit, Design 

C=64 – Klänge, Sprache, Motivation 


Es gibt sie zum Glück immer noch: Bands, welche die Wurzeln 

unserer Musik am Leben erhalten. Unverkennbar zelebrieren 

Grooving In Green traditionellen britischen Goth Rock, bewegen sich 

stilistisch mal in der Nähe von Fields of the Nephilim, nur um wenig 

später musikalisch daran zu erinnern, dass sie zu zwei Dritteln aus 

früheren Mitgliedern der Kultformation Children on Stun bestehen. 

Nicht zuletzt ist ihr Name selbst eine Reminiszenz an die Anfänge 

des Genres, hieß Grooving in green doch die zweite Single der Szene- 

Urgesteine The March Violets. 

Trotz dieser vielen Anleihen bei älteren Tagen klingt das Trio auch 

auf seinem jüngst erschienenen Zweitwerk Stranglehold kein bisschen 

angestaubt, sondern verbindet den klassischen Sound mit zeitgemäßen 

Ideen und einem Touch Lässigkeit. Die charakteristische, vielseitig 

eingesetzte Stimme von Sänger Tron (Ex-Solemn Novena) hatte 

schon auf dem Debut Post Traumatic Stress die eigene Note der Stücke 

unterstrichen, was beim neuen Album wieder erfolgreich gelingt. 

Es gibt sie zum Glück immer noch: Menschen, welche fernab jeglicher 

kurzlebigen Musikmode die Wurzeln des Gothic Rock mögen. Für sie 

spielen auch Grooving In Green. 

www.groovingingreen.co.uk 

Axel Schön 

Die Gitarristen Claudio Leo und Raffaele Zagaria, Gründungsmitglieder 

der italienischen Goth Metal-Band Lacuna Coil, verließen besagte 

Formation bereits nach dem ersten Album 1999. Das Duo beschloss, 

weiterhin gemeinsame Sache zu machen, und rief sofort Cayne ins 

Leben, die einen Plattenvertrag bei Scarlet Records unterschrieben und 

anno 2001 Old Faded Pictures veröffentlichten. Am Ende der ersten Tour 

entschied man sich, einen Gang zurückzuschalten, und blieb inaktiv, bis 

Claudio Leo und Marco Barusso (Gitarre/Produktion) den Stein 2006 

wieder ins Rollen brachten. Mit neuer Besetzung – ohne Raffaele – 

ging es weiter, und speziell das Jahr 2011, als die Addicted EP erschien, 

stand ganz im Zeichen der Band. Dank hervorragender technischer und 

musikalischer Fähigkeiten, ungewöhnlich berührendem Gothic Rock 

sowie einem besonderen Händchen für wundersame Melodieführung 

hatte das Gespann nichts zu befürchten... Zwölf Jahre nach dem Debut 

wollten Cayne mit ihrem selbstbetitelten Zweitwerk dicke auftrumpfen. 

Doch darüber schwebt jetzt eine traurige Nachricht: Claudio ist am 17. 

Januar an den Folgen einer schweren Krankheit gestorben. Nun heißt 

es für den Rest der Mannschaft, stark zu bleiben, nach vorne zu blicken 

und Claudios Vermächtnis abzuliefern. Großes Potenzial hat es! 

www.cayne.it 

Nadine Ahlig 

„Klar, vergleicht uns doch mit anderen Größen 

aus dem Business...“ Solche Sätze hört man von 

Musikern bekanntlich eher selten. Dass sich die 

fünf dänischen Alternative Rocker Boil damit gar 

nicht schwertun, demonstriert ein erfrischendes 

Vertrauen in die eigene Originalität. Neben 

Tool oder Creed und etlichen mehr werfen sie 

selbst noch Katatonia als Inspirationsquelle 

auf den Haufen. Typisch ist ihr Bekenntnis zu 

schnell entzündlichen, aber nie verflachenden 

Melodiekurven; ein komplexes, jedoch 

nie sinnlos hineingeballertes Repertoire an 

Stilmitteln für ihre Lieder. Der Erfolg gibt ihnen 

recht, zumindest im Heimatland, wo die Gruppe 

um Sänger Jacob Løbner nach dem Debut 

Vessel (2007) ordentlich Lob und exklusive 

Spielangebote einstreichen durfte. Auch ihr 

drei Jahre später veröffentlichtes Album A New 

Decay erntete gute Kritiken – nur insgesamt zu 

wenige. Saubere Arbeit bescheinigte man ihnen, 

aber zurück blieb der Hauch von einem bereits 

zu oft vernommenen Progressive Rock-Mix. Das 

soll nun aXiom richten. Und tatsächlich, ihr 

dritter Wurf bezeugt jene Weiterentwicklung als 

erfahrene Formation, welche sich so viele Bands 

gerne selbst attestieren. 

www.facebook.com/boilmusic 

Miriam Claus 


„Eine schmerzhafte Art, 

den Abend zu verbringen... Wein hilft.“ 

Das Warten hat ein Ende! Kaum ist das neue Jahr in Fahrt gekommen, steht auch schon ein ganz besonderes Release in den 

Startlöchern. Aus Schweden beglückt uns das EBM-Duo Spetsnaz auf seinem lang und heiß ersehnten vierten Streich in 

gewohnt von vorne bis hinten durchtanzbarer Manier. Grund genug, mit Stefan Nilsson über For generations to come zu reden. 

Orkus: Welche Generationen wollt ihr mit eurem aktuellen Werk 

ansprechen? 

Stefan Nilsson: Wir möchten ganz einfach diejenigen erreichen, 

die sowohl jetzt als auch in Zukunft unsere Alben kaufen. (grinst) 

O: Woher nehmt ihr eure Inspiration für das Songwriting, und 

pflegt ihr dabei bestimmte Rituale? Natürlich zielt diese Frage auch 

ein wenig auf die fünf Jahre Stille um Spetsnaz ab. 

SN: In der letzten Zeit hatten Pontus und ich sehr geschäftige 

Privatleben. Aber wir spielten trotzdem immer Shows. Vor zwei 

Jahren begannen wir dann schon, erste Stücke von For generations 

to come in unser Live-Set einzubauen. Wenn es ans Texten und 

Komponieren geht, neigen wir dazu, die Welt um uns herum und 

natürlich auch unser Privatleben zu reflektieren. Vor allem das 

Schreiben ist eine schmerzhafte Art, seinen Abend zu verbringen... 

Wein hilft. 

O: Euer Sound vermittelt einen sehr offensiven und gnadenlosen 

Charakter. Wie erschafft ihr diese Atmosphäre? Nur durch die 

Reflexion eurer Umwelt und der heutigen Gesellschaft? 

SN: Wir machen die Art Musik, die wir wirklich machen wollen 

und die wir selbst gerne hören. Unsere Einflüsse sind sehr breit 

gefächert und stammen nicht einzig vom EBM. Wir sind stark 

zielorientierte Menschen, und das repräsentiert auch unser Sound – 

sowohl rhythmisch als auch lyrisch. 

O: Hinsichtlich eures jüngsten Materials lässt sich sagen, dass 

ihr die von euch bekannten und geschätzten treibenden Beats 

verwendet habt. Wie wichtig ist EBM für euch? Ihr kreiert neue 

Werke, ohne euch selbst oder andere Künstler in irgendeiner Form 

zu wiederholen. 

SN: Wir entschieden uns für EBM, weil wir diesen Musikstil 

lieben und anno 2001 zudem eine gewisse Leere in dieser Sparte 

verspürten. Unseres Erachtens hat EBM nie an Relevanz verloren 

und wird immer seine Daseinsberechtigung haben. Wir wollen uns 

mit Spetsnaz stetig weiterentwickeln, jedoch in einem bestimmten 

Rahmen bleiben. Der härteste Teil bei diesem Prozess ist es, uns 

aufzuraffen und den Punkt zu erreichen, an dem wir mit dem 

Ergebnis vollends zufrieden sind. 

O: Ihr macht EBM mit einer Aussage, ohne an Club- und 

Tanzflächentauglichkeit einzubüßen. Man denke nur an Tracks wie 

Apathy oder nunmehr Ignorance is bliss. Ist diese Herangehensweise 

manchmal ein schwieriger Spagat? 

SN: Wir sind nach wie vor der Meinung, dass die Texte den 

gleichen Stellenwert besitzen wie die Musik. Wir würden uns 

schlichtweg langweilen, wenn wir Lieder ohne jeglichen Inhalt 

schreiben würden. Klar darf der Spaß nicht zu kurz kommen, aber 

die Leute sollen dennoch zum Nachdenken angeregt werden. Dabei 

lassen wir den Hörern die Freiheit, wie sie die einzelnen Stücke für 

sich interpretieren. Über die Jahre haben wir nämlich festgestellt, 

dass die Leute genau das am liebsten tun. 

O: Was sind eure weiteren Pläne, auch gerade hinblickend auf die 

bevorstehende Festivalsaison und die Zusammenarbeit mit anderen 

Künstlern? 

SN: Natürlich wollen wir so viel wie irgend möglich live spielen! Wir 

hoffen auf eine Menge Konzerte und Festivalgigs. Normalerweise 

kollaborieren wir mit anderen Künstlern, indem wir massenhaft Bier 

mit ihnen trinken und gemeinsam feiern. (schmunzelt) Hoffentlich 

treffen wir sie und Euch dieses Jahr da draußen zahlreich! 

www.facebook.com/pages/spetsnaz/23395943282 

Marie-Luise Henke 


Grand design (2003) 

Totalitär (2006) 

Deadpan (2007) 

For generations to come (2013) 

Line-Up: 

Pontus Stålberg – Gesang, Musik, Texte 

Stefan Nilsson – Schlagzeug 


„Ein wahr gewordener Traum.“ 

Wunderbar spröde, wie ein neo-folkiger Nick 

Cave, der sich mit Sol Invictus verbrüdert 

hat, klingt das neue Kunstwerk von Fire + Ice. 

Formvollendet britisch auch der Mann dahinter: 

Ian Read, Gentleman des englischen Neo Folk, 

redet Journalisten gern mal als „dear Sir“ an und 

freut sich, wenn sie ein Interesse an britischer 

Mythologie und an Sprachen mitbringen. Diese 

beiden Dinge spielen auf Fractured Man nämlich 

eine große Rolle. „Ein Weg, den Albumtitel 

zu erschließen, führt über die sogenannten 

Zaunreiter – jene, die zur Hälfte in unserer Welt 

und zur Hälfte in der Anderswelt leben. Ohne 

Elfen gäbe es keine Magie auf dieser Welt, doch 

wer sich mit ihnen abgibt, sollte wissen, was 

Fremdheit bedeutet.“ Fremdheit. Das sagt er als 

deutsches Wort. „Nun, dieses Wort verliert viel, 

wenn man es übersetzt“, meint er milde lächelnd. 

Sein erstes Album in zwölf Jahren ist übrigens 

genauso versponnen, mystisch und geisterhaft wie 

diese Aussage, beruft sich in den Texten oftmals 

auf alte Ausdrücke oder gar längst ausgestorbene 

Sprachen. „Es ist unmöglich, direkt über diese 

Mysterien zu sprechen“, so der Künstler. „Das 

Wort Mythos wird heute beinahe synonym mit 

Unwahrheit benutzt. Das ist insofern ein großer 

Fehler, als es eine höhere Wahrheit bezeichnet, 

die sich nur denen erschließt, die hinter die 

Schleier blicken können. Wenn das jemand tut, 

nachdem er Fractured Man gehört hat, war ich 

nicht umsonst auf dieser Erde.“ 

Dass Mister Read nicht einfach Wikipedia oder 

Google für seine spirituelle Sinnsuche nutzt, 

sollte mittlerweile klar sein. „Ich traf mich 

regelmäßig mit der Rune-Gild in London, aber 

auch mit Experten wie Nigel Pennick. Den 

grundsätzlichen Impuls, weshalb ich an diesem 

Album zu arbeiten begann, kann man im 

Booklet nachlesen.“ Das ist sehr schön gestaltet... 

Digipak, mit einem künstlerischen Gemälde statt 

sinnfreiem Runengeschwurbel. Fire + Ice meinen 

es ernst, wenn sie sich schon zurückmelden. 

Auch musikalisch: Entrückt tönen die Songs, 

scheinen Tiefgreifendes zu sagen. „Ich bin nicht 

mehr derselbe, der an Birdking gearbeitet hat, 

geschweige denn an den älteren Werken. Wohin 

mich meine Reise bis jetzt getragen hat, wird auf 

dieser Veröffentlichung deutlich. Ich schreibe 

darüber, wer ich bin.“ Instinktiv denkt man an 

David Bowie, der sich aktuell Where Are We Now? 

fragt, denn auch Ian Read ist lange dabei. Hat mit 

den ganz Großen der Neo Folk-Szene gearbeitet, 

bei Sol Invictus gespielt, die Hälfte der Neo Folk- 

Welt für seine eigenen Werke verpflichtet. Auch 

diesmal stehen ihm Musiker von Unto Ashes, 

Sonne Hagal und weiteren Bands tatkräftig 

zur Seite, um seine ganz persönliche Vision 

englischer Folklore zu realisieren. „Das Werk mit 

Menschen zu vollenden, die alle auf ihre Weise in 

die Mysterien einführen, ist ein wahr gewordener 

Traum.“ Read zeigt ehrlichen Enthusiasmus. So 

voller landestypischem Understatement er auch 

ist... freuen kann er sich so richtig. „Alle nahmen 

die Herausforderung an – und sind nun ebenso 

stolz auf das Album, wie ich es bin.“ 

www.facebook.com/fireiceneofolk 


Photo: Ingrid Wultsch 


Gilded By The Sun (1992) 

Hollow Ways (1994) 

Midwinter Fires (1995) 

Rûna (1996) 

Birdking (2000) 

Fractured Man (2012) 


„Das passiert alles intuitiv...“ 

Unter dem Titel Eva erblickt ein ganz besonderes Debutalbum das 

Licht der Welt: ein 13 Tracks zählendes Werk, welches ausschließlich 

mittelalterliche Stücke enthält, die zwischen dem zwölften und 14. 

Jahrhundert von katalanischen Troubadouren verfasst wurden. Der 

Multiinstrumentalist Efrén López hat sich jener Perlen angenommen 

und sie in ein frisches Gewand gehüllt. „Bei diesem speziellen Projekt 

arbeiten wir an alten, bereits existierenden Kompositionen. Ich erschaffe 

lediglich einige neue Instrumentalparts sowie Gesangsstimmen zu den 

Originalmelodien.“ Inspiration hierfür liefert ihm das Leben... „Aber 

die stärkste Kraft gibt mir die Musik selbst.“ Nahezu sämtliche Texte 

handeln von der Verehrung der Frau, von Liebe, Schmerz und Sehnsucht 

in allen Farben und Schattierungen. Themen, die noch nie an Präsenz 

verloren haben und auch immer bestehen werden. Iván López’ Stimme 

transportiert diese Emotionen ungefiltert an den Hörer weiter. Es fällt 

schwer, etwas Vergleichbares zu finden. Die Androgynität seiner Stimme 

lässt einen glauben, dass es mal eine Frau ist, mal ein Mann, und dann 

wieder ein schier geschlechtsloses Wesen, welches gerade seine ganz 

eigene Geschichte vorträgt. „Iván ist für uns ein wahres Geschenk. Er 

ist ein sensibler Musiker und Künstler im Allgemeinen. Er hat keine 

Gesangsausbildung, das passiert alles intuitiv“, schwärmt Efrén. 

Das Quartett fühlt sich sehr heimatverbunden. „Unsere Muttersprache 

ist Katalanisch. Deshalb ist es für uns selbstverständlich, dass die meisten 

Lieder auf Eva diese in Form von Okzitanisch aufweisen. Wir alle sind an 

Spaniens Mittelmeerküste geboren und aufgewachsen. Unser Land war 

historisch seit jeher für fremde Völker oder Kulturen leicht zu erreichen – 

Griechen, Römer, Juden, Araber. Folglich verwundert es nicht, dass sich 

entsprechende Spuren in unserer Kultur und also auch unserem Klang 

wiederfinden.“ 

Derzeit sind EVO mit der Planung verschiedener Konzerte beschäftigt, 

um Eva auch live in voller Größe darbieten zu können. „Wir freuen uns 

schon, mit unserer Musik zu reisen.“ 

www.myspace.com/evomedievalmusic 


Klingt wie ein neues Mitglied der Teletubbies, ist aber eine 

neue Band des vorzüglichen Electro-Labels Audiolith. Die 

Nummer Mess landete bereits in den Top 15 der Jahrescharts 

von on3-radio des Bayerischen Rundfunks. Muss man auch 

erst mal schaffen. Bassistin Steffi Jakobs und Produzent 

Klaus Scheuermann gründeten Tubbe vor zwei Jahren 

in München und bewältigten noch ohne Album und mit 

lediglich vier Songs im Gepäck ihre Live-Premiere. Was eine 

Katastrophe hätte werden können, findet im anstehenden 

Debut Eiscafe Ravetto nun seine glückliche Vollendung. 

Heute wohnt das Duo in Berlin, unterlegt Liebeskummer 

mit einem poppigen Rave-Beat (so auf der Single Liebe. 

Fertig.), stellt fest, dass man allein doch viel mehr Taktgefühl 

besitzt, und brüllt schwitzend: „HoooRave!“ Ein paar weitere 

Stücke sind zwischenzeitlich natürlich auch auf Lager, und 

so verwundert es nicht, dass Tubbe neben unserer Republik 

und großen Bühnen wie beim Christopher Street Day selbst 

das französische Nachbarland fleißig betouren, denn klar: 

„Raven kann man überall.“ 

www.tubbemusik.de 

Lars Schubert 

Wen der zunehmend sinnentleerte 

deutschsprachige Industrial zu 

langweilen beginnt, der sollte einen 

Blick nach Frankreich werfen. Dort formten sich über 

die letzten Jahre viele interessante Bands, die das immer 

größer werdende Loch an Sinn und Verstand erfolgreich 

füllen. Eine davon sind Chemical Sweet Kid, 2008 auf Initiative 

von Sänger und Komponist Julien Kidam gegründet und bald 

live durch Kora Li an den Keyboards unterstützt. Nachdem im 

Jahr 2011 ihr erstes Album Tears Of Pain veröffentlicht wurde, ist 

jetzt Broken Wings auf dem Markt. Es mischt klassische, zeitlose 

Electro-Elemente mit aktuelleren Stilmitteln und scheut auch 

nicht davor zurück, sich durch andere Genres (wie etwa Metal) 

inspirieren zu lassen. Manchmal erinnern die Stücke angenehm 

an alte Werke von Tragic Black. Vielleicht, weil sie trotz aller 

Modernität den – nun, man möchte inzwischen fast schon sagen: 

„traditionellen“ – Gothic-Sound zelebrieren, ohne sich völlig 

auf ihn einzulassen. Dunkel, düster, teilweise verstörend, dann 

wieder melodiös und auf jeden Fall mit Dancefloor-Charakter, 

werten Chemical Sweet Kid den Industrial gewaltig auf. 

www.facebook.com/chemicalsweetkid 

Lydia Aufschlager

AntI-PoP! 

Der Neustart 

der legendären 

Reihe! 

edItIon 

Kim Ljung 

mit teils exklusiven Geschichten von 

Ramona Ambs, Ina Brinkmann, Stiff 

Chainey, Oliver Flesch, Markolf Hoffmann, 

Alexander Kaschte, Boris Koch, 

Andreas Kurz, Christoph Straßer, Luci 

van Org und Christian von Aster! 

Infos unter www.ulIne-store.de 

Nachdem die Welt am 21.12.2012 nicht unterging: 

Neues Leben, neues Glück? 

Ja, das ist wirklich so. Ich leide unter ziemlich schlimmer Migräne, habe 

jedoch gemerkt, dass es besser wird, wenn ich mich gesund ernähre. 

Überhaupt tut das meinem Körper sehr gut. Er fühlt sich leichter und 

energetischer an. Ich hoffe, dass sich das auch auf meinen Kopf überträgt. 

2013 wird es mich herausfinden lassen. 

Vampirromantik hin oder her – möchtest du ewig 

leben? 

Wenn das bedeutet, dass alle um mich herum sterben und ich nicht – 

definitiv nein. Ich brauche Familie und Freunde unbedingt. „Für immer“ 

sollte auf dem Friedhof begraben liegen. Klar ist es romantisch. Aber nur 

in der Vorstellung. 

Ist das, was wir sehen, auch das, was ist? 

Ich glaube schon. Alles geschieht aus einem bestimmten Grund. Selbst 

wenn es manchmal noch so scheiße ist. Bloß weil ich meinen Sohn Neo 

genannt habe, heißt das nicht, dass ich die Matrix für echt halte. 

Was ist gut/das Gute? 

Respekt. Verzweifelten Menschen helfen. 

Was ist böse/das Böse? 

Wenn ein Musikjournalist sein Ego durch eine schlechte Review 

aufzupolieren versucht. Passiert uns hier in Norwegen ziemlich oft. 

Ist der Mensch von sich aus gut oder böse? 

Um etwas über die Natur des Menschen zu sagen, muss man wohl alle 

Menschen auf Erden zusammenzählen. Jedes Individuum hat eine eigene 

Persönlichkeit. 

Was war zuletzt eine gute Tat von dir? 

Beim Aussteigen aus dem Zug zwei alten Damen mit ihren Koffern 

geholfen zu haben. 

Was war zuletzt eine nicht so gute, also böse Tat von 

dir? 

Als Man United in der letzten Minute der Verlängerung ein Tor der Spurs 

zugelassen hat, bin ich vor meinen Kindern schreiend und fluchend 

durchs Haus gerannt. 

Welchen Neujahrsvorsatz hast du in deinem Leben 

auch eingehalten? 

Nie wieder zu betrügen. 

Welchen Neujahrsvorsatz wirst du wohl wiederholt 

vergeblich fassen? 

Weniger Zeit an meinem Laptop zu verbringen. 

Deine wertvollste mit Geld erworbene Anschaffung? 

Mein Ehering. Und stell’ Dir vor, ich habe ihn letztes Jahr verloren. Ein 

Albtraum. 

Deine überflüssigste mit Geld getätigte Ausgabe? 

Ein Fretless Bass. Ich wollte wie Mick Karn von Japan klingen. Großer 

Fehler. Ich konnte das Ding überhaupt nicht spielen.

Dass hinter Honigdieb eine ziemlich witzige Truppe steckt, dürfte 

wahrlich nicht schwer zu erraten sein. Die Chanson Punk Folk Rock- 

Band besteht aus Alex C. (Querflöte/Chorgesang), Carsten Risch 

(Kontrabass), Stefan Göbel (Gitarre), Raimund Gitsels (Geige), Mathias 

Bonheger-Kadel (Schlagzeug) und natürlich Frontmann Sir Hannes 

alias Der Honigdieb. Ihr Zusammenspiel ist dabei ebenso kurios wie ihr 

Name. So lässt etwa Raimund von seiner Violine Regen auf Sir Hannes’ 

Glatze tropfen. Honigdieb nehmen sich selbst nicht allzu ernst und 

verpacken die in ihren Stücken anfallende Eigen- respektive Fremdkritik 

mit einer ordentlichen Portion Ironie und Zynismus. Auch auf ihrem 

vierten Album, welches unter dem Titel Mein Hut hat keine Ecken erneut 

eine geballte Ladung an fröhlich beschwingten, irrwitzigen Liedern 

hervorbringt. Inhaltlich beschäftigt sich das Gespann mit zweifellos 

sehr ernsten Themen, jedoch wäre die Welt ohne Schmunzeln einfach 

weniger lustig, was Texte wie „Atomkraft hin – Atomkraft her – Fische 

mit drei Köpfen schmecken umso mehr“ beweisen... Live zu sehen sind 

die Dortmunder am 02. März in Lünen und am 31. Mai in Unna! 

www.honigdieb.de 

Nadine Ahlig 

Jeder ernsthafte Musikfan dürfte mindestens ein Mal in seinem Leben versucht 

haben, sich mit Pink Floyds Oeuvre vertraut zu machen und herauszufinden, 

was hinter The Wall und der dunklen Seite des Mondes noch 

alles steckt. Wahrscheinlich sind nicht wenige daran bereits gescheitert – zu 

sperrig, zu viel zum Hören und überhaupt „olle Kamellen“. Versetzt man 

Pink Floyd jedoch mit ein bisschen Tool, Porcupine Tree, Soundgarden 

und eventuell Massive Attack, erhält man Amplifiers aktuelles, absolut 

grandioses Werk Echo Street. Schon der Vorgänger The Octopus wurde mit 

reichlich Lobeshymnen überschüttet, und bei den neuen Stücken wird 

sich das auch nicht ändern. Der Analogie, welche Sänger und Gitarrist 

Sel Balamir für das zwölfminütige Extra Vehicular nutzt, kann man eigentlich 

für das komplette Album zustimmen: „Wer wissen will, wie sich dieses 

Lied anfühlt, sollte einfach das Video von Felix Baumgartners freiem Fall zur 

Erde möglichst oft anschauen.“ Dass der Track einer langen Jamsession aus 

den Neunzigern entstammt, macht ihn nur noch besser, denn wie so häufig 

auf Echo Street, sind es auch hier die einfachen, sich ständig wiederholenden 

und letztlich in einem wütenden Crescendo endenden Ideen, die zünden. 

www.amplifiertheband.com 

60 - Orkus! 

Lars Schubert 

„Sie war nackt, 

als ich hereinkam.“ 

Neblig, karg instrumentiert, spröde... Nick Caves neues Werk 

klingt tatsächlich genau so wie die Landschaft rund um die 

englische Küstenstadt Brighton. Sie ist seine Wahlheimat, hier 

entstand das 15. Studioalbum, welches der Düsterbarde mit seinen 

exzentrischen Bad Seeds gerade veröffentlicht hat. Form nahmen die 

Lieder – Klischee hin, Klischee her – in einem kleinen, von einem 

australischen Mädchen gestalteten Notizbuch an, das eine essenzielle 

Rolle für Push the Sky Away spielen sollte. „Ich dokumentierte den 

Entwicklungsprozess minutiös in diesem Büchlein und notierte 

mir darin auch alle Gedanken und Geschichten um die Songs“, 

erinnert sich Cave. Es kann also kein Zufall sein, wenn er in der 

betörend schönen Nummer Jubilee Street von einem Mädchen mit 

einem „little black book“ singt. Aber für seine Besessenheit von 

Büchern und seine unkonventionellen Kompositionsmethoden 

ist der 55-Jährige eh berühmt. „Sobald aus den Skizzen Lieder 

auftauchen, tippe ich sie mit meiner Schreibmaschine auf die leeren 

letzten Seiten alter Bücher. Danach klebe ich diese Seiten in mein 

Notizbuch, das dadurch zu einer Anatomie der Songs wird.“ Man 

kann sich bildlich vorstellen, wie Nick Cave im Sommer auf der 

Veranda sitzt, seine Umgebung und all die skurrilen, märchenhaftverworrenen 

Gedanken in eine alte Schreibmaschine tippt. 

Gewohnt poetisch, vielsagend, kryptisch und wolkig, bekennt er, 

dass er sowohl an Gott als auch an Meerjungfrauen glaubt, wirft 

einen trüben Blick auf die Lage der Nation und räumt auffällig 

zahlreichen weiblichen Charakteren Schlüsselrollen in den Stücken 

ein, ohne sie möglichst romantisch und attraktiv um die Ecke zu 

bringen wie noch bei den Murder Ballads. „Die starke weibliche 

Seite hängt weniger damit zusammen, was ich unbedingt auf dem 

Album haben wollte, sondern vielmehr damit, was ich loswerden 

wollte“, erklärt Cave. Und meint natürlich Grinderman, sein 

kratziges, verwaschenes, maskulines Alter Ego. „Nach Sachen 

wie Bunny Munro mit all der neurotischen, sexuell aufgeladenen 

Männlichkeit war es Zeit für etwas anderes.“ Folglich schreibt er ein 

Stück über seine Frau... ohne sie recht eigentlich zu kennen: „Wir 

verbringen zwar viel Zeit miteinander, doch ich bin mir nicht sicher, 

ob wir überhaupt wissen, was wirklich in uns vorgeht. Wenn ich 

also über meine Frau schreibe, mache ich das entweder aus meiner 

Perspektive. Oder aus ihrer Perspektive, was letztlich aber nur ich 

in Frauenkleidern bin.“ Er lacht, und man merkt, dass dieser Mann

ei aller großen Kunst, bei aller hermetischen 

Herangehensweise auch ein Mensch mit einem 

ziemlich lakonischen Sinn für Humor ist. 

Das passt natürlich wunderbar zu seiner 

lakonischen Musik. Die ist auf Push the Sky 

Away genauso ein Gegenstück zu Grinderman 

wie die Texte. Leise, sanft, melancholisch, ohne 

jedweden Ballast. Als hätten er und seine Bad 

Seeds den Himmel beiseitegeschoben – und 

mit ihm allen unnötigen Firlefanz. Geblieben 

sind reine, besondere Songs, immer wieder 

ornamentiert von Warren Ellis’ geisterhaften 

Geigenloops. „Warren und ich teilen uns 

mittlerweile jegliche musikalische Arbeit. Es 

mag merkwürdig erscheinen, warum das erst 

nach solch langem gemeinsamen Schaffen 

erfolgt, aber letztlich bin ich einfach froh, dass 

es doch noch passiert ist.“ Dinge wie diese 

geschehen eben einfach. Das gilt auch für das 

ätherische weiße Cover, das eine nackte Frau 

auf Zehenspitzen und einen Nick Cave mit 

schwer zu deutendem Blick am Fenster zeigt. 

Durchaus ungewöhnlich für diese Formation. 

„Und obendrein absoluter Zufall“, verrät Cave 

begeistert. „Das Bild entstand völlig ungeplant. 

Meine Frau hatte in unserem Schlafzimmer 

ein Photoshooting mit Dominique Issermann, 

mit dem wir gut befreundet sind. Sie zog sich 

gerade um und war nackt, als ich hereinkam. 

Dominique bat mich, das Fenster zu öffnen, 

und während ich es tat, drückte er ein paarmal 

ab. Dann scheuchten sie mich aus dem Raum, 

doch als wir die Bilder später durchsahen, waren 

wir uns sofort einig, dass das ein Cover werden 

musste.“ 

Es sind Anekdoten wie diese, die Nick Cave 

einzigartig machen. Bei ihm gibt es keine 

Trennung zwischen Kunst und Privatleben, 

zwischen Partnerschaft und Business. Er lebt 

das, was er singt... oder andersherum. Einmal 

mehr kann es also kein Zufall sein, wenn es 

im finalen Titeltrack heißt: „Some people say 

it’s just rock’n’roll, but it gets you right down 

to your soul.“ – „Dieser Vers führt in etwas 

zutiefst Fundamentales“, sagt Cave. „Ich bin 

unglaublich glücklich darüber, das Album mit 

diesen Zeilen zu beschließen, denn es sind 

endlich mal weniger visuelle Worte und eher 

Ausschussware. Doch sie passten nie besser 

als zum Ende dieses Liedes.“ So entlässt uns 

das poetische Push the Sky Away mit dem 

ernüchternden Statement, dass auch Nick Cave 

nicht mehr ist als ein Rock’n’Roller wie Du und 

ich. Aber genau das verleiht dem Ganzen das 

letzte Quäntchen Größe. 

www.nickcave.com 


Photo (links): Cat Stevens, Photo (groß): Bleddyn Butcher 


From Her To Eternity (1984) 

The Firstborn Is Dead (1985) 

Kicking Against The Pricks (1986) 

Your Funeral... My Trial (1986) 

Tender Prey (1988) 

The Good Son (1990) 

Henry’s Dream (1992) 

Live Seeds (live, 1993) 

Let Love In (1994) 

Murder Ballads (1996) 

The Boatman’s Call (1997) 

No More Shall We Part (2001) 

Nocturama (2003) 

Abattoir Blues/The Lyre of Orpheus (2004) 

The Abattoir Blues Tour (live, 2007) 

Dig!!! Lazarus Dig!!! (2008) 

Live At The Royal Albert Hall (live, 2008) 

Push the Sky Away (2013) 

Line-Up: 

Nick Cave – Gesang, Klavier, Orgel, Gitarre 

Warren Ellis – Geige, Mandoline, Bouzouki, 

Gesang 

Conway Savage – Klavier, Orgel, Gesang 

Martyn P. Casey – Bass, Gesang 

Thomas Wydler – Schlagzeug, Percussion, Gesang 

Jim Sclavunos – Schlagzeug, Percussion, Orgel, 

Gesang 


„Wir spielen in kompletter Dunkelheit 

oder in einem Meer aus Kerzen.“ 

Altaar Falter... Bei JR Ewing huldigte Andreas 

Tylden noch dem partytauglichen und Screamobeeinflussten 

Punk. Doch seine neue Formation 

zeigt den Norweger von einer ganz anderen, 

düsteren Seite: Experimentelle, psychedelische 

und schwarz gefärbte Drone-Klänge sind hier 

das Gesetz. 

„Anfangs war Altaar mein Solo-Projekt und 

ein Lo-Fi-Versuch mit Elementen aus Doom, 

Noise, Black Metal sowie Ambient/Drone. 

Später stieß mein Kumpel Sten hinzu, der 

auch auf experimentelle Musik steht.“ Aus 

eher pragmatischen Gründen wurde das Duo 

zum Quintett erweitert: „Man bot uns einen 

Gig mit Stephen O’Malley von Sunn O))) an, 

folglich brauchten wir ein vollständiges Line- 

Up. Die Wahl fiel schnell auf Kenneth, den 

ich bereits von JR Ewing kannte und der ein 

großartiger Schlagzeuger ist. Dazu gesellten 

sich noch Didrik von der Death Metal-Band 

Obliteration und Espen von KILLL. Seitdem 

hat sich nichts geändert.“ Doch wie kam der 

Sinneswandel vom lebensbejahenden Punk 

zum Deprisound à la Altaar? „Ich wollte einfach 

etwas Neues ausprobieren. Es schien ganz 

natürlich, dunklere, melancholischere und 

experimentellere Gefilde zu erforschen.“ Was 

einen Hang zur Psychedelik miteinschließt. 

„Ich mag den schrägen Sound vieler Kapellen 

aus den Sechzigern. Aber wir sind keine Retro- 

Band; wir wollten eher schauen, wie eine heutige 

Post Metal-Gruppe 1969 geklungen hätte.“ 

Mit Altaar bewegt sich Tylden in einer derzeit 

schwer angesagten Schnittmenge aus Drone, Post 

Hardcore und Black Metal. Als Trittbrettfahrer 

sieht sich der sympathische Multiinstrumentalist 

allerdings nicht, im Gegenteil: „Ich war tief 

im Death Metal verwurzelt, als die Black 

Metal-Szene in Norwegen groß wurde. Ich 

ging oft in den Helvete-Plattenladen von 

Euronymous (ermordeter Gitarrist der Black 

Metal-Legende Mayhem – Anm.d.Verf.). 

Aber ich war viel jünger als die anderen 

und nie Teil des sogenannten Black Circle. 

Mit den Kirchenbränden und den Morden 

erlosch mein Interesse am Metal, und ich fand 

neue Inspiration beim Punk und Hardcore. 

Lustigerweise habe ich jetzt Kontakt mit all 

den Black Metal-Leuten, die damals nichts mit 

mir zu tun haben wollten; mit einigen bin ich 

sogar befreundet. Und nun hören sie Punk und 

Hardcore!“, erzählt er lachend. 

Ob Punk, Hardcore, Drone oder Metal – alle 

Genres eint die Liebe zum Vinyl, und so wurde 

das aus zwei überlangen Tracks bestehende 

Erstlingswerk Altaar hauptsächlich für dieses 

Format konzipiert. „Zunächst bestand das 

Album aus einem einzigen, 50-minütigen 

Lied. Wir haben es dann auf 20 Minuten 

gekürzt, damit es auf eine Vinyl-Seite passt. Ich 

selbst habe schon seit Jahren keine CD mehr 

gekauft“, schwört der Musikjunkie. Altaar 

erscheint trotzdem auch als CD... und auf Tape. 

„Kassetten sind momentan das große Ding, 

besonders im Metal-Underground. Ich denke, 

das ist eine natürliche Gegenentwicklung zum 

Downloadphänomen.“ 

Im Unterschied zu den Kollegen Kvelertak, auf 

deren Debut Andreas sang, haben Altaar noch 

nie in Deutschland gastiert. „Konzertveranstalter 

dürfen uns gerne kontaktieren! Wir benutzen 

Filme und Projektionen, spielen in kompletter 

Dunkelheit oder in einem Meer aus Kerzen. 

Rockposing, riesige Backdrops und Lightshows 

wird es bei uns nicht geben, eher Rituale!“ 

www.facebook.com/altaarnorway 

Richard Klasen 

Line-Up: 

Andreas Tylden – Gitarre, Gesang 

Sten Ove Toft – Elektronik, Gitarre, Klavier 

Espen Hangård – Gitarre, Synthesizer, Gesang 

Didrik Telle – Bass 

Kenneth Lamond – Schlagzeug 


„Mit einem kühlen Bier in die Sauna...“ 

Bald wandert das jüngste Werk von 

Stratovarius über die Ladentheken. Auf 

welche Neuerungen darf man sich nach 

knapp 30 Jahren Bandgeschichte freuen? 

An welchen Dingen sollte lieber nichts 

geändert werden? Fragen gab es einige... 

Grund genug, Fronter Timo Kotipelto bei 

Limo und Keksen zu treffen. 

Mit einem dunkleren, moderneren 

Sound meldet sich die finnische Power 

Metal-Truppe zurück. Während die 

Aufnahmen zum Vorgänger Elysium sehr 

hektisch abliefen, weil die unterdessen 

bestätigte Tour mit Helloween für Druck 

sorgte, hatte Nemesis ausreichend Zeit, 

um in Ruhe zu reifen. Und das Resultat 

kann sich hören lassen. Veränderungen 

gibt es einige, so handelt es sich um das 

erste Album mit Rolf Pilve hinter der 

Schießbude. An seine – deutlich von 

Jörg Michaels verschiedene – Spielweise 

mussten sich die restlichen Musiker 

zunächst einmal gewöhnen. „Ich glaube, 

Jörg ist der lauteste Drummer, mit dem ich 

je gespielt habe...“ Davon abgesehen, sei 

Nemesis „immer noch melodisch, aber mit 

einer neuen Komponente. Nennen wir es 

modern. Ich finde auch, dass es durch die 

Gitarren und Keyboards heavier klingt, 

und zudem vielleicht etwas düsterer.“ 

Auch die stilistische Spannbreite wirkt 

weiter gefächert. Neben den üblichen 

bombastischen Melodic Power Metal- 

Nummern haben sich progressive und fast 

schon poppige Stücke eingeschlichen, was 

letztendlich daran liegt, dass es, seitdem 

Timo Tolkki die Band 2008 verlassen hat, 

keinen Hauptsongwriter mehr gibt und 

sich nun alle Mitglieder am Komponieren 

beteiligen. Was jedoch bleibt: ein 

ganz besonderes Händchen für feinste 

Melodik, ohne dabei zu (!) kitschig zu 

werden. Für die Stimmaufnahmen zogen 

sich Timo und Gitarrist/Produzent Matias 

Kupiainen übrigens in ein „Mökki“ – ein 

finnisches Landhaus – zurück. Kotipelto 

erklärt: „Ich mag normale Stadtstudios 

nicht, wo alles so steril und kalt erscheint. 

Und was gibt es außerdem Schöneres, 

als sich nach getaner Arbeit mit einem 

kühlen Bier in die Sauna zu setzen? Für 

mich ist gerade das Aufnehmen der Vocals 

eine stark mentale Sache, da muss ich im 

Kopf wirklich frei sein, was in einem 

normalen Studio, wo ständig Leute ein 

und aus gehen, sehr schwierig werden 

kann.“ 

Für jene Hörer, welche bis Ende Februar 

ihre Füße nicht stillhalten können, wurde 

bereits im Januar die EP Unbreakable 

veröffentlicht. Auf diesem Appetizer 

sind neben dem Titeltrack noch vier 

remasterte Songs früherer Alben zu 

finden. „Matias hat mir erst kürzlich 

gesagt, dass sie so viel besser klingen als 

die Originalversionen.“ Live darf man 

sich vom neuen Material ab dem 20. 

März ein eigenes Bild machen, wenn die 

finnischen Urgesteine mit Amaranthe für 

insgesamt sieben Gigs nach Deutschland 

kommen. Bleibt abzuwarten, wie die 

alten Fans auf Nemesis reagieren. Unsere 

Redaktion gibt grünes Licht! 

www.stratovarius.com 

Nadine Ahlig 


Fright Night (1989) 

Twilight Time (1992) 

Dreamspace (1994) 

Fourth Dimension (1995) 

Episode (1996) 

Visions (1997) 

Visions Of Europe (live, 1998) 

Destiny (1998) 

Infinite (2000) 

Elements Pt. 1 (2003) 

Elements Pt. 2 (2003) 

Stratovarius (2005) 

Polaris (2009) 

Polaris Live (live, 2010) 

Elysium (2011) 

Under Flaming Winter Skies (live, 2012) 

Nemesis (2013) 

Line-Up: 

Timo Kotipelto – Gesang 

Matias Kupiainen – Gitarre 

Lauri Porra – Bass 

Jens Johansson – Keyboard 

Rolf Pilve – Schlagzeug

„Sollen sie es halt zensieren...“ 

Kunst kann man als ästhetischen Selbstausdruck des Künstlers definieren. Nur der Wert der Kunst muss letztlich durch 

den Betrachter oder auch vom Zeitgeist festgelegt werden. Nachdem KMFDM bereits seit knapp 30 Jahren Album um 

Album veröffentlichen, scheinen sie den Zeitgeist ganz gut zu treffen. Da bietet es sich doch schier an, ein Werk eben 

Kunst zu nennen und jene – obwohl man das eigentlich nicht macht – zu erklären. Angefangen beim Coverbild, welches 

eine eher unvollständig bekleidete Frau zeigt, die gerade ein Kreuz zersägt... 

Sascha Konietzko: Auf dieses 

Motiv hat unser Artworkkünstler Brute! 

wahrscheinlich sein Leben lang gewartet. 

Wir haben seit dem Beginn unserer 

Zusammenarbeit 1988 auf nahezu allen 

Alben seine Kunst präsentiert. Mir gefällt 

neben seinem wirklich unverkennbaren 

Stil vor allem auch seine Motivwahl, 

denn er zeigt meistens starke und in 

gewisser Weise dominante Frauen in 

prekären Situationen. Das Cover ist 

eigentlich gar nicht so offensiv, wie es 

sich zunächst darstellt, denn es ist ein 

reales Stück Geschichte und lediglich eine 

künstlerische Darstellung eines tatsächlich 

erfolgten Protests der ukrainischen 

Aktivistengruppe FEMEN gegen das 

Urteil für Pussy Riot. 

Orkus: Das ist dann auch gleich einer 

der zentralen thematischen Aspekte des 

Albums. 

SK: Natürlich, denn um etwas zu 

verändern und Aufmerksamkeit zu 

bekommen, muss man sich halt einfach 

auch mal die Hände schmutzig machen. 

Anstatt frustriert im stillen Kämmerlein 

zu sitzen und herumzunörgeln, haben 

sich die Mädels von Pussy Riot mit einem 

Schlag auf jedwedes Cover der Weltpresse 

katapultiert, indem sie ihren Unmut 

über Putins russische Verhältnisse als 

„Happening“ inszenierten. Und später 

konnten sie auch noch den Märtyrerbonus 

kassieren – das war so sicher auch noch nie 

dagewesen. Dazu passend die Reaktion 

von FEMEN auf das Urteil gegen die 

Band, indem sie mitten in Kiew ein Kreuz 

mit einer Kettensäge zerlegen. Und dann 

hat Lucia noch konsequenterweise den 

Titel Pussy Riot geschrieben. 

O: Das neue Material klingt generell 

recht wütend. Wer kriegt noch alles sein 

Fett weg? 

SK: Es geht doch gar nicht darum, 

wen oder was wir anprangern, denn 

man braucht sich seine Ziele heutzutage 

überhaupt nicht mehr zu suchen. Die 

Ziele kommen im Zeitalter des Internets 

dankenswerterweise durch die diversen 

Nachrichtenkanäle frei Haus. Es gibt so 

viel Inspirationen, und man kommt gar 

nicht mehr drum herum, wenn man die 

Augen und Ohren offen hält. So wütend 

finde ich Kunst an sich aber gar nicht, 

sondern eher deutlich und laut. Das waren 

KMFDM aber schon immer, und das wird 

sich auch nicht ändern. 

O: Mit einem so offensiven Cover läuft 

man doch aber gerade in den USA Gefahr, 

zensiert zu werden? Und das, wo ihr doch 

bestimmt auch mit Kunst einen Platz in den 

„Billboard“-Charts anpeilt, da es mit WTF?! 

so schön funktioniert hat. 

SK: Hin und wieder haben wir bereits 

mit der Zensur zu tun gehabt, zum 

Beispiel, als unser Video zu More & Faster 

1992 zwar von MTV gesendet, aber mit 

Bleeps versehen wurde. Das ist mir jedoch 

absolut egal. Sollen sie es halt zensieren, 

denn Zensur hat eigentlich ja immer den 

gegenteiligen Effekt – es macht Sachen 

noch viel interessanter. Und was die Charts 

betrifft, so wird da gar nichts angepeilt, 

denn mit dieser Einstellung verpeilt man 

sich nämlich garantiert. Ich finde einfach, 

dass der Erfolg eines neuen Albums nicht 

wirklich an einem Charteinstieg zu messen 

ist, sondern daran, wie es sich verbreitet. 

Charts sind doch nichts anderes als ein 

großer Hype, und auch in den USA ist es 

genau wie hier: Es gibt Charts und es gibt 

harte Zahlen. Und nur Letzteres zählt. 

O: Inwiefern kann Musik im Speziellen 

oder Kunst im Allgemeinen dazu beitragen, 

auf Missstände aufmerksam zu machen? Ist 

das nicht schon ausgelutscht? Oder durch 

Provokation um der Provokation willen 

totgetrampelt? 

SK: Es ist ganz einfach: Durch Bekanntheit 

erreicht man Menschen. Ob so etwas 

„ausgelutscht“ oder „totgetrampelt“ ist, 

hängt wohl von der Sichtweise ab. Wenn 

man als Konsument lieber inhaltsloses 

Gesäusel mag, kann und muss man das sicher 

so sehen. Wenn man aber in irgendeiner 

Form engagiert ist und Kunst oder Musik 

entdeckt, die nicht nur zum Zweck des 

Konsums und zur bloßen Unterhaltung 

gemacht ist, sondern Inhalte vermittelt und 

mitunter auch krasse Denkanstöße gibt, 

dann ist meine Idealvorstellung, dass man 

neugierig werden könnte. 

O: Ihr veröffentlicht in steter 

Regelmäßigkeit Alben, die sich weder 

wiederholen noch qualitativ abfallen. 

Woher kommen nach all den Jahren nur 

immer wieder die Ideen? 

SK: (lacht) Na, freu’ dich doch! Ganz 

ehrlich: Das kann man sehr schlecht 

erklären, es gibt halt einfach kreative 

Menschen und andere, denen die 

Kreativität eher abgeht. An Inspiration 

mangelt es zudem nie, und warum dann 

nicht das tun, was man am besten kann 

und am liebsten tut? Wenn ich irgendwann 

gar nichts mehr zu sagen haben, mache ich 

einfach instrumentale Musik. 

O: Obwohl ihr auch mit Kunst nicht 

altbacken klingt, finden sich doch auch 

keine Elemente wie Dubstep in eurem 

Sound, die derzeit so en vogue sind. Steht 

die Anpassung an aktuelle Trends für 

KMFDM jemals zur Debatte? 

SK: Nein, überhaupt nicht, denn Trends 

sind genau das: nur Trends! Wenn ich 

das linguistisch betrachten würde, würde 

„trendeln“ so etwas wie „kreiseln“ oder 

„nach unten rollen“ bedeuten. Anstatt also 

nach unten zu rollen, loten wir die Grenzen 

des Machbaren aus und hängen unser 

Fähnchen nicht in den ständig wechselnden 

Wind. Und das ist gut so. 

www.kmfdm.net 

Lars Schubert 

Photo: Franz Schepers 


Opium (1984) 

What Do You Know, Deutschland? (1986) 

Don’t Blow Your Top (1988) 

UAIOE (1989) 

Naïve (1990) 

Money (1992) 

Angst (1993) 

Nihil (1995) 

Xtort (1996) 

Symbols (1997) 

Adios (1999) 

Attak (2002) 

Sturm & Drang Tour 2002 (live, 2002) 

WWIII (2003) 

WWIII Live 2003 (live, 2004) 

Hau Ruck (2005) 

Tohuvabohu (2007) 

Blitz (2009) 

WTF?! (2011) 

Kunst (2013) 

Line-Up: 

Sascha Konietzko – Gesang, Gitarre, Bass, 

Programmierung, Keyboard, Percussion 

Lucia Cifarelli – Gesang, Keyboard 

Steve White – Gitarre 

Jules Hodgson – Gitarre, Bass, Keyboard 

Andy Selway – Schlagzeug 


„Im bittersüßen Saft der Myrrhe liegen heilende Kräfte...“ 

Den Weg zurück zu ursprünglicheren Klängen haben in den letzten Jahren immer mehr Bands gesucht und ihre Songs auf 

Akustikfassungen reduziert. Zwischen ganz neu entdeckten kompositorischen Perlen und gepflegter Langeweile brachten solche 

Experimente schon alles hervor. Nun hat sich auch die Schweizer Formation The Beauty of Gemina dieser Herausforderung gestellt 

und für The Myrrh Sessions 15 Stücke mit großer Sorgfalt und einigem Mut in akustische Gewänder gekleidet. 

Orkus: Akustikalben sind ja ziemlich in Mode. Weshalb erschien es euch 

angemessen, jetzt auch ein solches Werk aufzunehmen? 

Michael Sele: Das erste Mal spielten wir unsere Songs akustisch anlässlich 

der CD-Präsentation von At the End of the Sea im Jahr 2010 in Zürich. Das 

Feedback war sehr euphorisch, doch konnten wir aus vielerlei Gründen nie 

konkret weiter daran arbeiten. Erst im letzten Jahr war die Zeit gereift und 

zugleich die Nachfrage auf eine akustische Umsetzung stetig gewachsen. 

Zudem bekamen wir eine Einladung von Adrian Hates, Diary of Dreams auf 

deren Akustiktour zu begleiten, und wurden mehr oder weniger zeitgleich 

angefragt, an einem renommierten Klavierfestival in der Schweiz aufzutreten. 

Gründe genug also, um uns endlich in das dann auch nicht ganz risikolose 

Abenteuer zu stürzen. 

O: Und warum war es euch genau an diesem Punkt eurer Karriere wichtig, der 

Welt eure Lieder auch mal so zu präsentieren? 

MS: Es war von Anfang an klar, dass wir unsere Akustikversionen auf CD 

festhalten wollten, damit auch diejenigen, welche nicht die Gelegenheit hatten, 

unsere Konzerte live mitzuerleben, sich das Resultat unserer Arbeit in einem 

professionellen Rahmen anhören konnten. Und eben nicht nur auf einem 

schlechten YouTube-Mitschnitt von irgendeinem Mobiltelefon. 

O: Was unterscheidet euer Akustikalbum von denen anderer Bands? 

MS: Unser Ziel war es, die Songs nicht nur akustisch zu spielen, sondern 

alle Stücke von Grund auf komplett neu zu interpretieren. Dabei haben wir 

wirklich auch musikalische Grenzen ausgelotet, und ich denke, wir haben 

einigen Mut und Spielfreude gezeigt. 

O: Was hat es mit dem mystischen Titel The Myrrh Sessions auf sich? 

MS: Mit dem Wort „Sessions“ wollten wir die Machart des Albums 

hervorheben. Es handelt sich wirklich um eine musikalische Session, und 

es gibt viele Improvisationen und sogenannte First Takes. Das macht das 

Ganze auch sehr reizvoll. Im bittersüßen Saft der Myrrhe liegen heilende und 

schmerzlindernde Kräfte... was will man also mehr? 

O: War diese Herangehensweise für euch schwierig? Oder entstehen eure 

Stücke ohnehin so, bevor sie dann ihr vollständiges Rockgewand erhalten? 

MS: Normalerweise entstehen unsere Songs im Studio ganz anders. Die 

Arbeitsweise ist komplett verschieden. Es war also auch spannend, einmal 

ganz anders vorzugehen. 

O: Welche Erfahrungen und Erkenntnisse habt ihr beim Einspielen 

gewonnen? Habt ihr vielleicht das eine oder andere Lied frisch oder mit 

einem neuen Verständnis für euch entdeckt? 

MS: Das kann man wirklich so sagen. Es war eine spannende 

Entdeckungsreise durch unser musikalisches Schaffen, und die Stücke 

haben für uns am Schluss sogar an Kraft und Intensität gewonnen. 

Natürlich gab es vor allem anfangs einige Hindernisse zu überwinden. 

Wir haben auch immer wieder Ideen verworfen oder sind bei einzelnen 


Stücken einfach nicht ans Ziel gekommen. Hatten wir aber die Grundidee 

der neuen Version gefunden, ging es dann relativ schnell. In knapp einer 

Woche waren die gesamten Basics schließlich aufgenommen. 

O: Wonach habt ihr die Titel ausgewählt? 

MS: Bei einem Katalog von knapp 50 Songs war es natürlich nicht ganz 

einfach, sich zu entscheiden. Grundsätzlich war es von Beginn an unser 

Ziel, die Songs wirklich neu erklingen zu lassen. Stücke, welche original 

auf den Studioalben schon eher reduzierter oder akustischer produziert 

waren, haben uns weniger interessiert. So war es für uns viel spannender 

und eine größere Herausforderung, Songs wie Dark Rain, Suicide landscape 

oder The lonesome Death of a Goth DJ, welche sonst voller Loops und 

stampfender Elektronik daherkommen, herunterzubrechen und akustisch 

umzusetzen. 

O: Gab es auch Stücke, die ursprünglich für die CD geplant waren, bei 

denen ihr aber feststellen musstet, dass sie in der akustischen Variante 

nicht so gut funktionieren würden? 

MS: Nein, das war weniger das Problem; auch denke ich, dass mit 

genügend Muße und Auseinandersetzung wirklich jeder Song akustisch 

spannend umgesetzt werden könnte. Am Schluss war es eher ein bisschen 

eine Zeitfrage. Man darf nicht vergessen, ursprünglich wollten wir 

eigentlich nur acht bis neun Songs machen, nun haben es 15 Stücke auf 

das Album geschafft, und wir haben nicht einmal alle genommen, die wir 

hätten nehmen können. 

O: Eure Lieder bieten im akustischen Gewand ein sehr intensives Hörerlebnis. 

Könntet ihr euch vorstellen, zukünftig vorwiegend oder nur noch diese Art 

von Musik zu machen? 

MS: Im Moment freuen wir uns sehr auf die Veröffentlichung des Albums 

und versuchen mit Elan und Herzblut Werbung für unser neues Werk zu 

machen. Das Releasekonzert spielen wir im legendären Jazz-Club Moods in 

Zürich, zusammen mit einem klassischen Streicherensemble. Das ist für uns 

eine große Ehre, und wir sind mitten in den Vorbereitungen. Für mich gibt es 

aber generell kein „Entweder – Oder“, sondern Ziel wird es mittelfristig sein, 

die beiden musikalischen Welten aneinanderzuführen und zu verschmelzen. 

O: Auf The Myrrh Sessions ist auch richtig neues Material zu hören. Erzähl’ 

doch bitte ein bisschen was darüber. 

MS: Es gibt eigentlich zwei Premieren auf dem Album. Einmal einen 

komplett neuen Song, ganz reduziert auf Piano und Gesang, das gab es in 

dieser Form noch nie auf einem TBoG-Album, dann die Cover-Version des 

Talking Heads-Songs Listening Wind. 

O: Wird es diese ausschließlich in der hier veröffentlichten Variante geben 

oder irgendwann auch mit elektrisch verstärktem Instrumenteneinsatz? 

MS: Die beiden Songs wird es nur in der akustischen Variante geben. 

O: Zum Abschluss eine Frage in eigener Sache: Das Orkus! Magazin erscheint 

jetzt auch als eMagazine. Orkus! ermöglicht es damit, die Ausgaben etwa auf 

einem Tablet oder Smartphone zu lesen. Wie gefällt euch die Idee? 

MS: Das finde ich eine sehr gute Idee. Ich lese praktisch alle Zeitungen nur 

noch digital. 

www.thebeautyofgemina.com 

Axel Schön 


Diary of a Lost (2006) 

A Stranger to Tears (2008) 

At the End of the Sea (2010) 

Iscariot Blues (2012) 

Line-Up: 

Michael Sele – Gesang, Gitarre, Keyboard 

Marco Gassner – Gitarre 

David Vetsch – Bass 

Mac Vinzens – Schlagzeug 


„Nachts durch Sirenengeheul geweckt...“ 

Aus dem meist sonnigen Italien erwartet man naturgemäß eher 

fröhliche Töne und weniger Stücke, die britisch-verregnet klingen. 

Da sich Gegensätze allerdings anziehen und Sänger Sasha Polita schon 

recht hat, wenn er auf den letzten Sommer verweist, der „so heiß war, 

dass man förmlich Regen herbeisehnte“, präsentieren Martin Kleid mit 

ihrem Debut 8lights ein Album, welches durchaus neben The Killers 

oder Editors seinen Platz im Regal finden darf. Dass Martin Kleid 

hier namenstechnisch die interessanteste Figur abgeben, steht wohl 

außer Frage. Dahinter steckt noch nicht mal eine vermutbare tiefere 

Bedeutung: „Wir suchten einfach einen griffigen Namen für eine fiktive 

Person, in der wir vier uns wiederfinden können. Nach ein bisschen 

Brainstorming und dem Blick in ein deutsches Wörterbuch war Martin 

Kleid geboren.“ 

Mit Unterstützung eines Labels bekommt 8lights nun endlich die 

verdiente Aufmerksamkeit, wurde es doch 2011 nur in digitaler 

Form veröffentlicht – und vielleicht springt jetzt auch die italienische 

Musikgemeinde darauf an, denn „Italiener sind etwas träge, wenn es um 

die Akzeptanz neuer Bands geht, und unsere hiesige Plattenfirma war zu 

klein, um unseren Bekanntheitsgrad zu steigern. Umso mehr freuen wir 

uns natürlich besonders auf die Promotion in unserem Heimatland“, 

zeigt sich Sasha gespannt. Verwunderlich, dass die Künstler trotz dieser 

Konstellation bereits in einem Land wie Russland gastierten, obschon 

es „lediglich eine Handvoll Auftritte in kleinen Clubs war“ und das 

Ensemble hofft, jene Erfahrungen in diesem Jahr ausbauen zu können. 

Weniger verwunderlich scheint es aber gleich, wenn man weiß, dass 

Sashas Mutter aus Moskau stammt, sein Großvater immer noch dort 

lebt und auch seine Frau in der russischen Hauptstadt gewohnt hat. 

Diese Tatsache beeinflusste das Debutalbum inhaltlich, kreist doch 

alles um einen terroristischen Akt, bei dem sich im März 2010 zwei 

Selbstmordattentäterinnen in Moskauer Metrostationen in die Luft 

sprengten. „Meine Frau wohnte damals nicht weit entfernt vom Ort 

des traurigen Geschehens, und ich erinnere mich, wie ich nachts durch 

Sirenengeheul geweckt wurde. Als ich dann den Fernseher anschaltete, 

sah ich das ganze Ausmaß dieser Katastrophe. Es folgte ein wahrlich 

deprimierender frühmorgendlicher Spaziergang in die Nähe der 

Metrostation“, erzählt Sasha noch immer bewegt von den Ereignissen. 

Eine politische Band sind Martin Kleid trotzdem nicht, wiewohl sie 

bereits über ihr Heimatland eine Menge zu schreiben hätten: „Das 

ist zwar nicht zu bestreiten, aber ich kenne mich mit Politik viel zu 

wenig aus, um irgendwelche Debatten darüber vom Zaun zu brechen. 

Dennoch ist die Politik nun mal unabänderlich mit dem wirklichen 

Leben verwoben, und so drehen sich unsere Texte eher generell um die 

Unsicherheit und Instabilität unserer heutigen Zeit.“ 

www.martinkleid.com 

Lars Schubert 

Line-Up: 

Sasha Polita – Gesang, Gitarre, Programmierung 

Claudio Santoni – Gitarre, Synthesizer 

Francesco Pellegrinelli – Bass 

Michele Bellagamba – Schlagzeug 


Plattentipps 

... das Orkus!-Album 

des Monats 


1. Nick Cave & the Bad Seeds 

Push the Sky Away 

2. Imperium Dekadenz 

Meadows of Nostalgia 

3. Woodkid 

The Golden Age 

Isabell Köster 

1. Eths 

III 

2. Lordi 

To Beast Or Not To Beast 

3. Ancient VVisdom 

A Godlike Inferno 

Top 5 

4. Junius 

The Martyrdom of a Catastrophist 

4. Early Cross 

Solstice (EP) 

5. Me And My Drummer 

The Hawk The Beak The Prey 

5. Biffy Clyro 

Only Revolutions 

Axel Schön 

Doreen Krase 

1. The Beauty of Gemina 

The Myrrh Sessions 

1. Terminal Choice 

Der schwarze Mann (Track) 

2. Coppelius 

Extrablatt 

2. KiEw 

Feierabend in Kiew (Track) 

3. Love Is Colder Than Death 

Tempest 

3. Finger & Kadel 

Ihr seid doch krank! (Track) 

4. Diary of Dreams 

the Anatomy of Silence 

4. Tumor 

S dreht durch (Track) 

5. Mystigma 

Unzerbrechlich 

5. Benny Benassi 

Satisfaction (Track) 

mesh 

Automation Baby 

CD (Dependent/AL!VE) 

vorauss. 15.03.2013 

So muss Synth Pop! 

Bereits nach den ersten Takten von Automation Baby fragt 

man sich unweigerlich, wieso das Bristoler Duo seine Lieder 

nicht in gefüllten Stadien präsentiert, weshalb mesh-Tracks 

wie Just Leave Us Alone, Taken For Granted, You Want 

What’s Owed To You, das Titelstück oder die Single Born 

To Lie nicht aus Tausenden Kehlen zu hören sind oder 

warum sich die Menge nicht zu den kuscheligen It’s The 

Way I Feel und You Couldn’t See This Coming schwelgerisch 

bei den Händen fasst. An der musikalischen Qualität kann 

es nicht liegen, denn die ist hoch; Adjust Your Set bildet 

einen einzigen, kleineren Durchhänger. Ebenso wenig greift 

die Behauptung, mesh würden Musik aus einem anderen 

Jahrzehnt veröffentlichen, ist doch kaum modernerer Synth 

Pop vorstellbar, der nicht mal vor vagen Dubstep-Elementen 

haltmacht. Olaf Wollschläger produziert ohnehin wieder 

alle Weichspüler in Grund und Boden, und Flawless setzt 

dem Ganzen noch die Krone auf – ein Refrain zum 

Niederknien. Welche Gründe es auch haben mag... ihren 

Fans schenken mesh ein tolles Album. (9) 

Lars Schubert 

Claus Müller 

1. Schlafes Bruder 

Heute war Gott nicht hier 

2. miserylab 

Documentary 2008/2012 

3. Saalschutz 

Nichtsnutz 

4. Hurts 

Exile 

5. von Branden 

Flammenreich 

Lars Schubert 

1. The Doors 

Riders On The Storm (Track) 

2. Amplifier 

Echo Street 

3. Hurts 

Exile 

4. mesh 

Flawless (Track) 

5. Thomas Newman 

American Beauty (Score) 

Nadine Ahlig 

1. Hardcore Superstar 

C’mon take on me 

2. Bullet For My Valentine 

Temper Temper 

3. Stratovarius 

Nemesis 

4. Cayne 

Cayne 

5. Free Fall 

Power & Volume 

Lydia Aufschlager 

1. Zeromancer 

Eurotrash 

2. Die Sektor 

The Final Electro Solution 

3. Does It Offend You, Yeah? 

Don’t Say We Didn’t Warn You 

4. Chemical Sweet Kid 

Broken Wings 

5. DYM 

Lude (Track)

Die Noten reichen von 1 (= the worst) bis 10 (= the best). 

Ad Inferna 

im mortelle 

CD (DSM/Audioglobe) 

bereits erschienen 

Feiner Electro aus Frankreich 

Das französische Projekt Ad Inferna mag einigen 

schon länger bekannt sein; gegründet wurde es 

bereits 1996 unter dem Namen De Profundis. Mit im 

mortelle zeigen uns Vicomte Vampyr Arkames und 

VoA VoXyD nun, dass sie eindeutig den richtigen Weg 

gefunden haben. Und das gleich beim Opener ihres 

sechsten Studioalbums, dem ohrwurmverdächtigen 

Eternity Regained – zu diesem Tanzflächenfüller gibt 

es übrigens auch einen Videoclip. Elektronische, 

eingängige Melodien, untermalt von Arkames’ 

Gesang, und als weibliches Gegenstück hat sich das 

Duo die Sopranistin Melissa Ferlaak an Bord geholt... 

eine stimmige Mischung. Die folgenden neun Tracks 

strahlen ebenfalls eine unglaubliche Leidenschaft 

aus, die sich mal in ruhigeren und mal in schnelleren 

Liedern gekonnt auslebt. Mit In-Human und dem 

letzten Titel (einer Akustik version von Eternity 

Regained) beweisen Ad Inferna, dass sie auch die 

emotional-ruhige Seite perfekt beherrschen. Vicomte 

Vampyr Arkames versieht einen jeden Song mit teils 

verschie densprachigen Texten: Englisch, Französisch 

oder gar Latein. Rund 50 Minuten, welche die Herzen 

vieler Electro-Liebhaber höherschlagen lassen. Auch 

Fans vom älteren BlutEngel-Material dürften hier 

ihre Freude haben. Reinhören lohnt sich! (9) 

Manuela Ausserhofer 

düster und geheim nisvoll. Aus der Sicht einer nicht 

16-Jährigen: Das neue BlutEngel-Album hat nicht 

viel Monumen tales, die Themen drehen sich – mit 

wenigen Ausnahmen – im Kreis und finden sich in 

ähnlicher Form auf beinahe sämtlichen BlutEngel- 

Alben. Was nicht zu leugnen ist: Die Songs sind 

eingängig (wiederholtes Hören wirkt sich hier 

überaus positiv auf den Gesamteindruck aus), 

größtenteils – so es denn keine Balladen sind – 

tanzbar (sehr sogar), und die Stimmfarbe des Herrn 

Pohl hat eben etwas ganz Eigenes. Was sehr gut ist. 

Auch sind Stücke wie Tears Might Dry oder When I 

Feel You (!) durchaus als schön zu bezeichnen, A New 

Dawn To Rise und der Titeltrack Monument sogar als 

sehr schön, wenngleich sie mit dem Rest des Albums 

so gar nichts zu tun zu haben scheinen. Die Botschaft 

hinter den Texten ist klar und mitunter auch 

ergreifend. Und doch stellt sich – bei aller 

persönlichen Sympathie für den Schöpfer dieses 

Werks – die Frage: ist das wirklich alles? Eine nicht 

gern gestellte Frage, aber angesichts des nun 

wiederholt Gehörten leider nicht ganz unberechtigt. 

(7) 

Doreen Krase 

Altaar 

Altaar 

CD (Indie/Edel) 

vorauss. 22.02.2013 

Wenn Black Sabbath den Drone 

Doom entdecken 

Geschmackssicher wie immer, die Menschen von 

Indie Recordings. Was sie da mit Altaar aus den 

tiefen Wäldern Norwegens ausgegraben haben, ist 

ein weiteres Beispiel dafür, wie viel heutzutage 

tatsächlich noch aus Metal herauszuholen ist. Wo der 

Bandname, das hinreißend groteske Albumcover und 

die Songtitel auf Black Metal schließen lassen, 

belehren die Okkultologen schnell eines Besseren 

und würgen eine bissfeste Hydra aus Doom Metal, 

Drone, psychedelischem Rock und vereinzelten Black 

Metal-Zitaten aus dem Bandschlund hervor. Ein 

massives, herabziehendes Werk mit mäandernden 

A mbient-Klangcollagen und rohen, lauten 

Wutausbrüchen, die Noise Rock zitieren und 

muskulös-nihilistisch daherkommen. Wundervoll. 

Zwei lange Kompo sitionen, mehr Studie als Songs, 

bestimmen das Werk, die Atmosphäre ist bestenfalls 

unheilvoll, des Öfteren unerträglich intensiv. Diese 

fünf Norweger wissen, wo es wehtut – und scheuen 

sich auf Altaar nicht, jene Stellen zu punktieren. Als 

würden Black Sabbath und Pink Floyd von Neurosis 

verprügelt. (9) 


BlutEngel 

Monument 

CD (Out Of Line/Rough Trade) 


Leider hinter den eigenen 

Möglichkeiten zurückgeblieben... 

Man müsste noch einmal 16 Jahre alt sein. Oder 17 

oder 18. DANN nämlich könnte ein Album wie 

Monument möglicherweise genau den richtigen Nerv 

treffen. DANN nämlich ist einem die Bedeutung des 

Wortes „Monument“ möglicher weise noch gar nicht 

so gewahr, und die hier ersonnenen Texte wirken 

Boil 

aXiom 

CD (ViciSolum/Rough Trade) 


Progressive Formwandler mit 

sauberer Raserei 

Sie setzen zum dritten Mal an, um über Dänemarks 

Grenzen hinaus die Alternative-Spartenweltherrschaft 

an sich zu reißen – und finden ein gutes 

Stück ihres eigenen Stils. Dabei scheuen Boil nicht 

einmal den blanken Wahnsinn. Denn nach Vessel und 

A New Decay ist nun das neueste Werk ganz der 

paranoiden Schizophrenie verschrieben. Klar, dass 

da Partyklamauk nichts verloren hat. Das 

Konzeptalbum zählt härter an als seine Vorgänger 

und transportiert Wut wie Schmerz. Im schroffen, 

gesanglichen Wechselspiel. Wenn Boil bisher eine 

Bandbreite von massengoutierbarem Rock bis 

progressivem Metal anzubieten wussten und dabei 

mit auffallend sauber gearbeitetem Handwerk 

glänzten, so darf man den fünf Jungs jetzt 

zugestehen, mächtig ihre Expertise verfeinert zu 

haben. Frühere Vergleiche mit Tool oder Creed sind 

nicht mehr vonnöten, aXiom prescht seinen eigenen 

Weg durch wirre Landschaften der Raserei, mal giftig 

knurrend, mal klagend, mit dem Pathos großer 

Rocklegenden, gewagt, aber wie gewohnt: nie 

unmelodiös. (8,5) 

Miriam Claus 

Nick Cave & the Bad Seeds 

Push the Sky Away 

CD (Bad Seed Ltd./Rough Trade) 


Geisterhafte Soundtrackausgabe 

der Bad Seeds 

Wo soll man da nur anfangen? Kann man Push the 

Sky Away überhaupt bewerten, ohne es in den 

schillernd vor sich hin verwesenden Backkatalog

dieser Bande von berüchtigten Künstlern einzusortieren? 

Oder sollte man genau das vermeiden und 

es für sich allein stehend bewerten? So oder so: Es ist 

ein großes Album. Ein berührendes Album. Aber vor 

allem ist es ein ruhiges, ein schwebendes, ein 

elegisches Album. Viel eher mit Nick Caves und 

Warren Ellis’ letzten Soundtrackarbeiten als mit Bad 

Seeds-Werken wie Tender Prey oder Murder Ballads 

zu vergleichen, trägt dieses 15. Studioalbum des 

Australiers und seiner Bad Seeds eine morbide Poesie 

in sich, die sich zwar nicht mehr in kleinen, feinen 

Geschichten vom Töten niederschlägt, aber doch 

immerhin eine gespenstische, verkommene 

Atmosphäre heraufbeschwört. Ist es die Ruhe vor 

oder nach einem Sturm? Mister Cave jedenfalls ist 

sowieso nicht zu trauen. Das hat er schon oft in seiner 

langen Karriere zwischen Australien, Berlin, London 

und Brighton gezeigt. Doch auf Push the Sky Away 

gibt er sich so sanft, so nahbar wie lange nicht mehr. 

Und auch das tut mal verdammt gut! (9,5) 


mit besonders viel Glück gesegnet... dafür allerdings 

mit atemberaubendem Talent. So überzeugt Cayne 

von der ersten bis zur letzten Sekunde dank 

herzzerschmetterndem und melodischem Gothic 

Rock/Metal der Extraklasse. Das Werk enthält drei 

Songs der genannten EP, neun brandaktuelle Stücke 

und zusätzlich die Cover-Version Deliverance (The 

Mission). Das Intro The Strain beginnt mit 

engelsgleichen weiblichen Vocals, Waiting drückt 

durch sein liebliches Violinspiel tüchtig auf die 

Tränendrüse. Eingängig und leicht zu erschließen, mit 

tief melancholischen Texten, sämtlich in rockigkrachender 

Attitüde verpackt – so lautet das 

Erfolgsrezept. Trauer und Wut, getragen von 

Giordano Adornatos federweicher Stimme. Through 

The Ashes ist übrigens ein Duett zwischen ihm und 

Andrea Ferro von Lacuna Coil. Weiterer Anspieltipp: 

Like The Stars... Herzschmerz vom Feinsten. (9) 

Nadine Ahlig 

Cayne 

Cayne 

CD (Graviton/Rough Trade) 


Großartiges Vermächtnis 

von Claudio Leo 

Ein Jahr nach ihrem ersten Album (2001) wurde es 

leider schon wieder ruhig um die von den Lacuna 

Coil-Begründern Claudio Leo und Raffaele Zagaria 

ins Leben gerufene Truppe. Mit neuem Line-Up 

zurückgekehrt, konnte die Addicted EP (2011) 

dennoch alle Kritiker aus den Latschen hauen. Zwölf 

Jahre nach dem Debut erscheint nun ihr zweiter 

Longplayer – überschattet durch den tragischen Tod 

von Claudio Leo. Caynes Karriere ist wahrlich nicht 

Chainreactor 

The silence & The noise 

CD (ProNoize/BROKEN SILENCE) 

vorauss. 01.03.2013 

TBM fernab vom Clubeinheitsbrei 

Schaut man sich in den Reihen des Industrial Techno 

um, so muss man leider feststellen, dass es nicht arg 

viel Innovation gibt. Umso erfreulicher ist da das 

neue Release von Chainreactor. Hier werden Samples 

gekonnt eingesetzt, ohne ihre Aussagekraft zu 

verlieren. Der Titel scheint bei diesem TBM-Album 

keinen Widerspruch zu bilden: 15 Tracks sind vollgepackt 

mit bestem Noise, der einen wahrhaft auf die 

Tanzfläche prügelt – bei den Beats von TZCS, Gas 

panic oder X-termination lässt man sich nicht zwei 

Mal bitten. Andererseits verleihen gerade die 

sorgsam platzierten Samples den Stücken eine

gewisse Ruhe und Durchdachtheit. Fans von Formationen 

wie SAM, Noisuf-X oder FabrikC werden bei 

The silence & The noise voll und ganz auf ihre Kosten 

kommen. Mit seinem dritten Werk hat sich das zum 

Duo angewachsene Projekt eine feste Position auf 

den Playlists der Clubs erarbeitet, und dies mehr als 

verdient! (9,5) 


Chemical Sweet Kid 

Broken Wings 

CD (Danse Macabre/AL!VE) 


Frischer Wind in den Segeln des 

Industrial 

Bei Chemical Sweet Kid hat man irgendwie das 

Gefühl, dass sie für uns etwas verwahrt haben, das 

schon lange verloren geglaubt war. Lauter, dunkler, 

gruseliger, experimenteller – so meldet sich die Band 

zurück, und mit ihr weht der leise Klang der letzten 

Jahrzehnte im Sturm der Neuartigkeit durch unsere 

Wohnzimmer. Sie mögen das Rad des Industrial nicht 

neu erfunden haben, doch sie trauen sich über die 

Grenzen des Konventionellen hinaus. Dabei ist 

möglicherweise nicht relevant, was sie mischen 

(Industrial und Metal ist wahrlich nichts Neues), 

sondern eher, wie sie es machen. Sicher, Julien 

Kidams Gesang mag Geschmackssache sein. Sonst ist 

Broken Wings aber ein zumeist leicht zugängliches 

Album, auf dem zahlreiche Dancefloor-Kracher zu 

finden sind, ohne dass sich Chemical Sweet Kid dafür 

in den Industrial-Mainstream einreihen mussten. (9) 

Lydia Aufschlager 

Coppelius 

Extrablatt 

CD (F.A.M.E./Sony) 


Rocken ohne Gitarren – 

Coppelius können’s! 

Coppelius hilft! ... uns auch mit Extrablatt wieder, 

ausgesprochen guter Musik zu lauschen. Mit neuer 

Dynamik spielen die Herren Musiker, und gleich das 

erste Stück nimmt durch seine Mischung aus Härte und 

schmeichelndem Nachruf auf eine Spieldose den Hörer 

mit in ein kraftvolles Album mit einigen durchaus 

gesellschaftskritischen Lyrics. Auch der akzentuierte 

Einsatz der einzelnen bandtypischen Instrumente, wie 

Klarinette oder Kontrabass, trägt von Beginn an zum 

positiven Eindruck bei. Welt im Wahn schließt sich an, 

ist der erste von mehreren recht temporeichen Songs, 

zu denen auch Bitten Danken Petitieren gehört. Der 

Rhythmus von Reichtum lässt wohl jeden sofort 

automatisch mitwippen, während Butterblume ein 

wunderbarer, leicht melancholischer Anlass zum 

Innehalten ist. Die Cover-Version Running Free zeigt, 

wie gut das Stück auch ohne Gitarren funktionieren 

kann. Und die coppelianische Vorstellung von Subway 

to Sallys Maria ist dann ein schlichtweg wunderschöner 

Abschluss eines rundum gelungenen Albums, das 

natürlich noch mehr bereithält als die hier genannten 

Tracks. (9) 

Axel Schön 

Cultus Ferox 

Beutezug 

CD (Wannsee, John Silver/Sony) 

vorauss. 01.03.2013 

Der Raubzug hat begonnen 

Was erwartet man von einem neuen Cultus Ferox- 

Album? Eine ordentliche Portion Spaß, Spiellust, 

Unterhaltung und ein paar rockige, eingängige 

Melodien. Na, dann ist Beutezug ja nahezu perfekt. 

Den Opener Ahoii kennt man vielleicht bereits von der 

Vorabauskopplung, und spätestens seit dem ersten 

Hören weiß man, dass für eine gewaltige Prise Spaß 

gesorgt ist. Man will schon in den ersten Minuten den 

Becher Met gen Himmel heben und sich am besten 

gleich direkt von zu Hause auf einen Mittelaltermarkt 

zaubern lassen. Auch die folgenden Stücke enthalten 

diese richtige Mischung und überzeugen auf ganzer 

Linie. Fetzige Texte sind natürlich auch wieder dabei, 

genauso wie Songs mit Tiefgang, etwa Feuertanz. 

Goldene Zeiten, bereits durch die Single bekannt, 

punktet voll, ebenso das Spaßlied Artig. Das lange 

Warten hat sich auf jeden Fall ausgezahlt, denn 

Beutezug ist ein sauber ausgefeiltes Album mit zwölf 

Titeln, das nicht nur Fans Freude machen wird. (9) 


Der Blutharsch 

and the infinite church 

of the leading hand 

The end of the beginning 

CD (WKN/Tesco) 


Reise in psychedelische 

Wunderwelten 

Die einen werden sagen: „Jetzt sind bei denen 

endgültig die letzten Sicherungen durchgebrannt.“ 

Die anderen werden frohlocken: „Endlich hat die 

Band ihre psychedelische Seite mal voll ausgelebt.“ 

Was schon auf den letzten Der Blutharsch-Erzeugnissen 

immer wieder an die Oberfläche blubberte, 

aber nie in voller Konsequenz ausgeführt wurde, ist 

Hauptakteur auf The end of the beginning: wabernde 

Loops, verdrogte Sounds, tranceartige Sequenzen, 

mehr Ritual oder Drogenexzess als Musik. Und das 

funktioniert. Weil es passt. Zu dieser schillernden 

Persönlichkeit namens Albin Julius ebenso sehr wie 

zum Habitus seiner Band, die er in den letzten Jahren 

durch manches stilistische Tal geführt hat. Aus diesem 

hier kommt er hoffentlich nicht so schnell wieder 

heraus. Psychedelischer Rock trifft verschrobenen 

Folk trifft zynischen Humor und bewusstseinserweiternde 

Texte. Von all den Korsetts, welche die 

Band bislang getragen hat, ist dieses das 

überzeugendste. (9) 


Eisenherz 

Fluch der Zeit 

CD (Dust On The Tracks/Sony) 


Fluch oder doch ein Segen? 

Eisenherz waren mir bis vor Kurzem völlig neu, und so 

konnte ich mir das zweite Studioalbum des Bamberger 

Sextetts unvoreingenommen zu Gemüte führen. Was 

darf man erwarten? Wir haben hier 13 Titel, inklusive 

des Bonustracks Die Seele brennt. Es ist eine 

unterhaltsame Mischung, eine Kombination aus 

Deutschrock, Gothic Metal, Neuer Deutscher Härte 

und einer gehörigen Spur Experimentier leidenschaft. 

Manchmal erinnern die von Mastermind Heinz Zürl 

gesungenen Lieder stark an die Gothic Metaller 

Nachtblut, gepaart mit einigen Megaherz-Riffs. Songs 

wie Schlampenball brachten mich zum Lachen, Vampir 

ist eine rockige Nummer, die zum Feiern einlädt.

Manipulator ist eines meiner Lieblingsstücke des 

Albums. Alles in allem ein echt gelungenes Werk für 

Fans von gutem, deutschem Rock im Stile von 

Nachtblut, Megaherz & Co.! (8) 


7.-10. AUGUST 2013 

FESTUNG JOSEFOV, TSCHECHIEN 

ANTHRAX CARCASS 

BEHEMOTH IN FLAMES 

MESHUGGAH OPETH 

 

 

 

ABORYM AMORPHIS ANTROPOFAGUS 

AS I LAY DYING ATARI TEENAGE RIOT 

BENEDICTION BORKNAGAR CARPATHIAN FOREST 

COFFINS CRUSHING CASPARS CULT OF LUNA 

D.R.I. DOWNSET DR. LIVING DEAD DYING FETUS 

ENTOMBED ENSIFERUM FEAR FACTORY 

HATEBREED IHSAHN LEPROUS MADBALL 

MAGRUDERGRIND MARDUK NACHTMYSTIUM 

OCTOBER FILE OVERKILL ROTTEN SOUND 

SATURNUS SOLEFALD SUFFOCATION 

SYLOSIS TRIVIUM VREID WHITECHAPEL 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Faderhead 

FH4 

CD (L-Tracks) 

vorauss. 01.03.2013 

Erneut Electro für Aufgeschlossene 

Sami Mark Yahya ist ein Phänomen. Nicht nur, dass 

er ständig lästige Genregrenzen übergeht (diesmal 

mit Techno-MC Shawn Mierez bei Dancers oder 

housigen Sounds in Bitches All Know About My Boom) 

und in recht kurzen Intervallen Alben raushaut – 

nein, das Phänomenale an Faderheads Tracks ist 

deren Qualität. Gerade mal ein Jahr nach The World 

Of Faderhead wartet man ja beinahe auf einen 

songwriterischen Durchhänger... vergebens. Ruhiger 

ist FH4 insgesamt geraten, aber auch eher 

beschauliche Stücke wie Every Day Is One Less oder 

What Doesn’t Kill Us besitzen eingebaute 

Ohrwurmgarantie. Dazu gesellen sich die zu 

erwartenden Brecher à la Self Control und No Time To 

Sleep, die selbstverständlich nicht mit Aggrotech- 

Elementen geizen, Technoid-Grooviges wie Free und 

sogar Future Pop-Anklänge (She’s Like Rain And 

Hate). Allein Death.Robot.Deconstruction klingt zu 

schablonenartig, aber abwechslungsreicher als der 

Vorgänger. Auch für FH4 gilt, wie immer bei 

Faderhead: „Love it or leave it!“ Eine ernsthafte 

Alternative zum Lieben gibt es jedoch nicht. (9) 

Lars Schubert 

Fire + Ice 

Fractured Man 

CD (Fremdheit/Tesco) 


Sprödes Folk-Märchen aus der 

Anderswelt 

Wenn Tony Wakeford der wohlgenährte Druide des 

britischen Neo Folk ist, dann ist Ian Read der hagere 

Gentleman. Der Duke des Neo Folk vielleicht, der sich 

glatte zwölf Jahre Zeit lässt für ein neues Fire + Ice- 

Album, dann aber gleich mit einem Meisterwerk um 

die Ecke kommt. Anders klingt er darauf, der 

ehemalige Sol Invictus-Magier. Anders, aber gut. 

Eher wie eine Kreuzung aus Nick Cave und Tony 

Wakeford und weniger wie klassisches Genrematerial 

tönen die mythologisch beeinflussten Stücke, 

stilistisch geht es tief hinein in die Anderswelt. „Ohne 

Elfen gäbe es keine Magie“, so Reads Worte. Und 

denen setzt er ein komplexes metaphysisches 

Denkmal – mit Songs, die ihre spröde Schönheit nicht 

immer sofort preisgeben, aber den geduldigen Hörer 

reich belohnen. Mit wunderschönen Texten, musikalischer 

V ielschichtigkeit und namhaf ten 

Gastkünstlern zwischen Unto Ashes und Sonne Hagal. 

Fractured Man jedenfalls zeigt, dass der britische 

(Neo) Folk Fire + Ice viel zu lange vermisst hat. 

Hoffentlich dauert es bis zum nächsten Output nicht 

wieder zwölf Jahre. (9) 


Free Fall 

Power & Volume 

CD (Nuclear Blast/Warner) 

vorauss. 22.02.2013 

Go for Freedom Rock! 

Dass die Jungs von Free Fall nicht lange um den 

heißen Brei herumreden, sondern direkt auf den 

Punkt kommen wollen, lässt bereits das Cover 

vermuten. Wie die Musik, ist dieses zielgenau und 

vergeudet keine Zeit. Mattias Bärjed, ehemaliger 

Gitarrist von The Soundtrack of Our Lives, beschloss 

kurz vor deren Trennung, sein eigenes Ding zu 

machen, schnappte sich Ludwig Dahlberg, den 

Drummer von The (International) Noise Conspiracy, 

und komplettierte die Band mit Bassist und Sänger zu 

einer klassischen Vier-Mann-Truppe. Beeinflusst 

durch Größen wie AC/DC, Deep Purple, Van Halen & 

Co., gingen die Schweden ans Werk und zeigen mit 

ihrem Debut nun erste Ergebnisse. Power & Volume 

kann voll überzeugen. Der authentische, ehrliche 

Retro Rock hat das Zeug, Genremitstreitern den Rang 

abzulaufen. Mit Hooklines vom Feinsten, einer 

energetisch-beschwingten Grundatmosphäre und der 

glasklaren Stimmarbeit von Kim Fransson heißt es: 

zurück in die Siebziger – ohne dabei eine billige 

Kopie abzubilden. Free Fall sind modern, zeitlos und 

absolut empfehlenswert! (9) 

Nadine Ahlig 

Grooving In Green 

Stranglehold 



Klassischer UK-Goth Rock in 

zeitgemäßer Umsetzung 

Mit Stranglehold setzt das Trio fort, was es am besten 

kann und auf dem Debut Post Traumatic Stress bereits 

bewiesen hat: die Erschaffung von klassischem 

UK-Goth und dessen zeitgemäße Interpretation. Ob 

treibende Nummern oder Midtempotracks, ob 

sphärisch oder eine Spur härter, ob in den 

Vordergrund gerückter Bass und Drummaschinensound 

oder Gesang im Stile von Fields of the 

Nephilim-Frontmann Carl McCoy – Grooving In Green 

ziehen viele Register der musikalischen Wurzeln des 

Gothic und machen auch keinen Hehl daraus, dass 

zwei ihrer Mitglieder früher bei Children on Stun 

gespielt haben. Die fortwährende Verwendung der 

typischen Stilmittel und Trons prägnante Stimme 

bewirken allerdings, dass jedes Lied für sich gut 

funktioniert, das Album jedoch zumindest im 

mittleren Teil Gefahr läuft, ein wenig gleichförmig 

wahrgenommen zu werden. Mit den letzten Stücken 

steigt der Abwechslungsreichtum aber wieder etwas. 

Trotz aller künstlerischen Rückgriffe auf frühere 

Zeiten klingt Stranglehold kein bisschen altbacken 

und ist damit für Liebhaber des ursprünglichen 

Gothic-Sounds genauso interessant wie für jüngere 

Szenegänger. (7,5) 

Axel Schön 

Java Guidi 

Stop Dying 

CD (world on wire/tonpool) 


Minimalistischer Chic aus der 

Hauptstadt 

Würde man einen in Zeitlupe zerspringenden 

Wassertropfen auf einer blank geputzten Chromfläche 

betrachten, könnte das kaum puristischer sein 

als das Klangerlebnis von Stop Dying. Und es würde 

sich als perfekt getaktete Kulisse für die laszive One- 

Woman-Show eignen, die uns Java Guidi darbietet.

Minimalistisch, detailliert und kunstvoll simpel 

gehalten, wie das nur der stylischste Pop aus der 

Hauptstadt schafft. Selbstverständlich würde besagte 

Fläche in einem einzigen, akkuraten Beat vibrieren 

und dadurch die Tropfen- und Textfragmente zum 

Tanzen bringen. Aus dem genüsslich-zynischen 

Bekenntnis zu Sex, Chic, Anti-Glam und einem 

atemlosen Leben im Hier und Jetzt ragen plötzlich die 

Songs Chains und Killer in Me in verstörender 

Traurigkeit heraus. Doch sogleich switcht die 

Stimmung wieder mit mädchenhafter Leichtigkeit; 

Stimmverzerrer und Kraftausdrücke blitzen wie 

Spotlights auf. So soll es eben sein: Gegenteiliges 

verschwimmt, bis alles ineinander einen neuen, 

gänzlich eigenen Sinn ergibt. (8) 

Miriam Claus 

im Booklet finden wir alle Texte in Deutsch, Englisch 

und der Originalsprache. Es ist also für jeden etwas 

dabei! Wohin? ist dramatisch, lyrisch und romantisch. 

Die pure Vereinigung von mittelalterlicher 

Leidenschaft und vollendeter Kunst. Ernst Horn hat 

sich dieses Mal selber übertroffen! (9,5) 


Hardcore Superstar 

C’mon take on me 

CD (Nuclear Blast/Warner) 

vorauss. 01.03.2013 

Dreckiger Rotz-Thrash der 

Extraklasse! 

Mit größter Selbstverständlichkeit rotzen die 

Schweden einmal mehr alles zu Boden. Hardcore 

Superstars Kombination aus Thrash Metal und Sleaze 

Rock bläst auch auf ihrem neunten Studioalbum jede 

Mütze vom Kopf. Die erste Single One more minute 

(kostenlos auf der HCSS-Homepage downloadbar) 

stellt das eindrucksvoll unter Beweis: schmuddelig, 

energisch, rockig, unverfroren und mit einer Melodie, 

die sofort ins Ohr schießt – ein Tüpfelchen Glam auf 

der Spitze. Diese Beschreibung trifft indes auf jeden 

Song zu, haben Jocke Berg & Co. doch erneut einen 

Knaller nach dem anderen gezaubert. Produziert von 

Bassist Martin Sandvik und Schlagzeuger Magnus 

„Adde“ Andreasson und abgemischt von Randy Staub 

(Metallica, Mötley Crüe, The Cult), handelt es sich bei 

keinem der zwölf Tracks um belangloses Füllmaterial. 

Wer hier keine gute Laune kriegt, soll nach Hause 

gehen. Nach einem gruseligen Psychozirkusintro 

ballern Nummern wie Above the law oder Are you 

gonna cry now direkt ins Gesicht... hundertprozentige 

Feiergarantie inklusive. Mit Stranger of mine und 

Long time no see sind natürlich auch wieder fetzige 

Balladen am Start. Man kann nur hoffen, dass sich 

schnellstmöglich Gelegenheit bietet, die neuen Stücke 

live zu hören. Perfekt auf ganzer Linie! (9,5) 

Nadine Ahlig 

HENKE 

Maskenball der Nackten 

CD (Dryland/AL!VE) 

vorauss. 01.03.2013 

Ein hochgradig gelungener Angriff 

auf Herz und Verstand 

Die Entstehung des zweiten Albums von HENKE 

verlief ziemlich ungewöhnlich, kam der frühere 

Goethes Erben-Kopf Oswald Henke doch auf die Idee, 

die Produktion einfach durch Fans vorfinanzieren zu 

lassen. Gesagt, getan – in Form von Unterstützerpaketen 

konnte man Patenschaften für einzelne 

Songs übernehmen, was einen Großteil der Kosten 

abdeckte. Maskenball der Nackten, welches auf dem 

eigens gegründeten Label Dryland Records erscheint, 

hat seine Daseinsberechtigung, weil die Anhänger es 

wünschen. Frei nach dem Motto: „Weil ich es kann, 

weil ich es will.“ Hier finden sich zwölf Tracks, die 

voller Ambivalenz und wortlastigem Psychotizismus 

stecken. Verglichen mit dem Debut Seelenfütterung, 

klingt das Material deutlich ausgereifter und 

homogener, die Lieder strukturierter und eingängiger. 

Obwohl HENKE um einiges flüssiger und 

greifbarer sind als Goethes Erben, sorgt die Band 

durch Oswalds unverwech selbaren Sprechgesang und 

gedankendüstere Melancholie noch immer für 

ausgeprägte Gänsehaut. Die erste Single Zeitmemory 

bot mit ihrer nachhallenden Hookline einen 

Vorgeschmack. Facettenreich und mit besonderem 

Nervenkitzel, zeigt sich dieses Werk zugleich 

zerbrechlich, aggressiv, elegant, stoisch und hat es an 

manchen Stellen geradezu auf unseren Verstand 

abgesehen. Ein guter Teil des Materials wurde auf 

einem Bauernhof in Ostfriesland aufgenommen, was 

dem Album einen ganz speziellen Charme verleiht. 

Wer sich anstrengt, kann beim finalen Medea sogar 

das Rauschen eines benachbarten Windrades hören. 

„Medea tötet, was sie liebt...“ (9,5) 

Nadine Ahlig 

Helium Vola 

Wohin? 

DCD (Chrom/Indigo) 

vorauss. 22.02.2013 

Ein Meisterwerk für sich 

Ernst Horn und Sabine Lutzenberger legen ordentlich 

nach und präsentieren uns mit ihrem vierten 

Studioalbum die komplette Bandbreite ihres Könnens 

und Schaffens. Auf zwei epischen CDs mit einer 

Gesamtspielzeit von über zwei Stunden werden wir in 

eine mittelalterliche Welt voller Lyrik und historischer 

Musik entführt. Mit seinen verschiedensprachigen 

Titeln, die gekonnt zwischen schnelleren und 

langsameren, melancholischen Stücken wechseln, 

erzählt Ernst Horn erneut eine Geschichte, die ihr 

eigenes Konzept bildet. Als Rahmenlieder verwendet 

er den Opener Nubibus atris und das finale Aquil’ 

altera. Insgesamt erhalten wir 19 Titel auf Deutsch, 

Englisch, Latein, Provenzalisch, Galicisch und 

natürlich Mittelhochdeutsch. Letztere Titel sind 

besonders gut gelungen. Als Beweis dafür dienen 

Stücke wie Uf der linden, Diu werlt was gelf oder Ich 

will den sumer gruezen. Sollte jemand mit dem 

Verständnis dieser vielen Sprachen Probleme haben: 

Honigdieb 

Mein Hut hat keine Ecken 

CD (Brainstorm/Rough Trade) 


Gesellschaftskritik einmal anders 

Auf dem bereits vierten Album der Chanson Punk 

Folk Rock-Band sind 14 zynisch-witzige Lieder zu 

finden, die anspornen wollen, verrückte Sachen zu 

machen oder einfach auch mal den Finger zu zeigen. 

Musikalisch lustig beschwingt – Herumtänzeln und 

Flöten dürfte sich nicht vermeiden lassen – , werden 

im Kontrast dazu ernste und schwere Themen 

aufgegriffen, welche aber in einer Schachtel mit 

herausspringenden Luftschlangen verpackt sind. So 

widmet sich die Dortmunder Truppe rund um Fronter 

Sir Hannes (bekannt durch Phantoms of Future und 

The Idiots) der reichlich kritischen Betrachtung 

unserer Gesellschaft, der Zerstörung der Natur und 

des Geistes und betont dabei, ein großer Tierfreund 

zu sein. Sollen doch Marionetten weiter die Ärsche 

anderer lecken (Marionetten), Fische mit drei Köpfen 

schmecken umso besser (Blechsoldaten), und 

Romantik hat ohnehin keinen Zweck (C.U.V.). 

Honigdieb laufen unter dem Motto: „Idealismus ist

die Fähigkeit, die Menschen so zu sehen, wie sie sein 

könnten, wenn sie nicht so wären, wie sie sind, aber 

vielleicht mal werden...“ (Schopenhauer trifft 

Honigdieb.) Durchaus empfehlenswert! (8) 

Nadine Ahlig 

unwillkürlich, ob Happiness denn wirklich so gut war, 

doch da das eigentlich unerheblich ist, bleibt nur ein 

beherztes „Bravo!“. (9) 

Lars Schubert 

Hurts 

Exile 

CD (Four/Sony) 

vorauss. 08.03.2013 

Die Erfolgsgeschichte geht weiter 

Früher konnte man davon ausgehen, dass neue 

Bands mit dem dritten Album ihren Status untermauern 

sollten. Heutzutage ist die Halbwertszeit 

jedoch kürzer, und Künstler bekommen diese Frist 

überhaupt nicht erst. Was macht man also, wenn das 

Debut ein Millionenseller war? Ruht man sich auf den 

Lorbeeren aus und veröffentlicht Happiness 2.0, 

oder erweitert man seinen musikalischen Horizont, 

zeigt sich gereift und verzichtet zugunsten eines 

kompakten Werkes eventuell auf den einen oder 

anderen Singlehit? Zum Glück haben Theo Hutchcraft 

und Adam Anderson die letztere Variante gewählt 

und präsentieren jetzt ein Album, welches zunächst 

„gut“, bald darauf „sehr gut“ und spätestens ab dem 

dritten Hördurchgang sogar „phantastisch“ klingt. 

Mit Miracle gibt es natürlich auch die Single, welche 

im Radio bereits ausgiebig gespielt wird, wenngleich 

sie wohl den schwächsten Track von Exile darstellt. 

Die vielen Referenzen an die Achtziger sind fast 

verschwunden, der Italo-Disco-Beat ebenfalls, und 

den nun düstereren Songs wohnt endlich die schon 

immer angedeutete Dramatik inne. Theos Stimme ist 

variabler, die Lieder wurden vom Bombastkitsch 

befreit, und ja: es gibt auch Gitarren. Angesichts 

solcher Meisterwerke wie The Road fragt man sich 

KMFDM 

Kunst 

CD (Dependent/AL!VE) 

vorauss. 01.03.2013 

Industrial Metal, voll auf die Zwölf 

Bei so mancher Band wäre es wohl weniger positiv 

gemeint, wenn man behauptete, alles sei wie immer. 

Für KMFDM ist diese Aussage jedoch vielmehr ein 

Qualitätsbeweis, denn abermals nimmt uns Käpt’n K 

mit auf große Fahrt durch die abwechslungsreichraue 

See des Industrial. Und abermals macht dieser 

Trip riesigen Spaß, landet man bei seiner Hörreise 

doch so klangvolle Orte wie Kunst an, die in ihrem 

Groove an White Zombie denken lassen, legt einen 

Zwischenstopp auf einer Insel namens Hello ein, wo 

gerade Al Jourgensen und Alice Cooper um die Wette 

jammen, kriegt mit Quake zwischendurch auch mal 

doublebasslastiges Backenfutter und betritt schließlich 

unter passenden Klängen des an Killing Joke 

erinnernden Pseudocide den Industrial-Himmel. Zum 

Glück besteht zu keiner Zeit die Gefahr, dass sich 

Käpt’n K als Erster heimlich ins Rettungsboot stiehlt, 

denn zu keiner Sekunde droht Kunst auf Grund zu 

laufen. Alles wie immer halt. (8) 

Lars Schubert 

Lordi 


CD (AFM/Soulfood) 

vorauss. 01.03.2013 

Die Monster machen Ernst – endlich!

Es wäre unfair, den Erfolg von Lordi auf die grausigen 

Masken und ihr sorgsam gezüchtetes Image als 

Rock’n’Roll-Monster zu schieben. Allerdings auch 

nicht ganz falsch. In der Vergangenheit ließen sie 

gern mal die grelle Kostümierung für sich sprechen 

und boten musikalisch ziemlich harmlosen Hard Rock 

in bester Achtziger-Manier. Das war nett, charmant... 

aber leider kaum mehr. Mittlerweile haben die Finnen 

das erkannt und legen unter dem Titel To Beast Or Not 

To Beast ein Album vor, das auch aus musikalischer 

Sicht voll überzeugen, ja sogar für sich alleine stehen 

kann. Und das ist ein Novum. Erfrischend hart, 

dreckig und unverblümt ballern sich Lordi durch ihr 

neues Material, klingen dabei durchaus nach Rob 

Zombie und bieten monströsen Hard Rock mit 

Industrial- und Metal-Schlagseite. Textlich dominiert 

noch immer das Partyfeiern – Lordi machen mehr 

Spaß denn je, scheinen das auch selbst zu spüren und 

spielen unverkrampf t wie nie zum großen 

Monsterball auf. Halleluja! (8) 


Love Is Colder Than Death 

Tempest 

CD (Infacted/Soulfood) 


Klangschwelgereien mit intensiver 

Bildhaftigkeit 

Kraftvolles Schlagwerk trifft auf hymnische Melodiebögen, 

flüsternde Stimmen, traurige Streicher – und 

das alles in einem Song: the tempest. Drei Minuten 

und 45 Sekunden reichen, um nach siebenjähriger 

Veröffentlichungspause wieder verzückt zu werden 

durch neues Material von Love Is Colder Than Death. 

Eine geänderte Besetzung und Anja Herrmann als 

zusätzliche Stimme bringen einige Frische in die 

Musik der Formation. Doch ihrem grundsätzlichen 

Stil, der ja sowieso derart viele Elemente in sich 

vereint, dass er nicht in Schubladen passt, bleiben 

LICTD treu. Altertümliches, gar Archaisches vermischt 

sich mit mystischen, exotischen Klängen und 

beschwingten Percussionrhythmen. Jedes Stück weckt 

neue Gefühle beim Hörer, ruft Bilder hervor von 

Karawanen in der Wüste, bunten orientalischen 

Basaren und schönen Bauchtän zerinnen, von 

zerbrechlich wirkenden Booten auf hoher, stürmischer 

See, von bedrohlichen Ereignissen und von 

Sehnsüchten... und so entsteht ein einnehmendes, 

sehr detailreiches, intensives Album, ist Tempest eine 

schwelgerische Einladung, sich für die Zeit einer CD zu 

verlieren. (9) 

Axel Schön 

Martin Kleid 

8lights 

CD (Alice in.../BROKEN SILENCE) 

vorauss. 01.03.2013 

Elektronisch-Alternatives, das 

Hoffnung macht 

So seltsam wie der Name der italienischen Band ist 

auch ihr Debut: Hier ein bisschen zu viel der 

(neueren) Killers, da etwas zu viel britischer Akzent, 

dort zu viel Anlehnung an die Editors und insgesamt 

vielleicht zu wenig eigene Ideen. Und was ist daran 

seltsam? Nun, die Tatsache, dass sich das viel zu 

kurze A l b u m i n E n d l o s s chleife i m P l a yer 

wiederfindet. Die Erkenntnis, dass das gewollt 

Britische der Musik eher charmant als nervtötend ist 

und dass Martin Kleid – Eigenständigkeit hin oder 

her – einfach nur tolle und eingängige Songs 

schreiben. Songs mit Refrains, die man laut 

mitgrölen möchte (A man with a code gun, Fat land). 

Songs, deren Elektronik zwar präsent ist, die aber 

trotzdem eine gewisse Wärme ausstrahlen, und 

Songs, von denen gerade mal You are all that I need 

langweilt, statt elegisch zu sein. So gesehen, ist 

8lights dem letzten The Killers-Werk allemal 

vorzuziehen und lässt auf ein noch besseres 

Folgealbum hoffen. (7,5) 

Lars Schubert 

miserylab 

Documentary 2008/2012 

CD + 7“ (D-monic) 


Eiskalte Wave-Klassiker 

Mit seinem Cold Wave-Projekt miserylab ging Porl 

King (Ex-Rosetta Stone) neue Wege: Der Brite setzte 

bei der Verbreitung seiner kalten, atmosphärischen 

und vom Post Punk beeinflussten Electro-Klänge vor 

allem auf das Internet als Vertriebssystem. CDs 

gehörten eher der Ausnahme an, so war beispielsweise 

das vierte Album void of life 2011 nur eine 

Woche lang erhältlich und wurde seitdem nicht 

wiederaufgelegt. Entsprechend rar sind manche 

Songs für Musikliebhaber, die mit dieser Art 

künstlicher Verknappung und mit den Segnungen 

(oder Abgründen) des Internetvertriebs nicht 

mithalten können oder wollen. Doch 500 Menschen 

jener Spezies dürfen jetzt aufatmen: so hoch ist 

nämlich die Auflage der Zusammenstellung 

Documentary, welche 17 Tracks aus den Jahren 

2008 bis 2012 umfasst. Mit der beiliegenden 

7“-Vinyl-Scheibe feiert miserylab sogar analoge 

Premiere! Sowohl miserylab-Anfänger als auch 

Komplettisten können bedenkenlos zugreifen, 

zumal es keine Überschneidungen mit der 2009er 

Compilation lab samples gibt. (9,5) 


Model Kaos 

Ghost Market 



Wenn die Vergangenheit 

auf die Zukunft trifft 

Mit Ghost Market machte das Trio schon viel von sich 

reden. So ist es auch mehr als recht und billig, dass 

sich Model Kaos in den Hörercharts von Radio Dark 

Dimensions auf Platz sechs gespielt haben und 

„Artist Of The Month“ bei Dark Horizons Radio 

waren. Nicht zu vergessen, gingen sie auf unserer 

Orkus! Compilation 85 mit dem Titel If this is heaven 

an den Start. Mit ihrer Musik spricht die Band ein 

breites Publikum an. So vereint sie die Genres EBM, 

Future Pop und Wave zu einem stimmigen Ganzen. 

Den elf Liedern von Ghost Market wohnt durchweg 

eine tiefe Traurigkeit inne. Break my heart, 

Emotionless oder Goodbye my love sprechen für 

sich. Dennoch kommt bei Model Kaos auch die 

Tanzbarkeit nicht zu kurz, wenn rockende 

Gitarrenriffs einsetzen. Ein Album, das in jede 

Lebenssituation passt und für jeden etwas parat 

hält! (9) 

Marie-Luise Henke

Steilvorlage namens Pretty Hate Machine war fünf 

Jahre später der deprimierende Nackenschlag The 

Downward Spiral möglich. (10) 

Lars Schubert 

Mystigma 

Unzerbrechlich 

CD (Echozone/Soulfood) 

vorauss. 22.03.2013 

Gelungener und 

abwechslungsreicher Gothic Rock 

aus Deutschland 

Viele Jahre und einige Alben lang gibt es diese 

Formation bereits. Mit ihrem neuen Werk wird es 

Mystigma sicher gelingen, weitere Aufmerksamkeit 

in der Szene zu erlangen. Die Gruppe aus dem 

G r o ß r a u m O s n a b r ü c k v e r ö f f e n t l i c h t a u f 

Unzerbrechlich elf relativ unterschiedliche, aber 

allesamt ansprechende, melodiöse Gothic Rock- 

Stücke, die sowohl mit den klassischen Elementen des 

Genres spielen wie auch mal sanftere und 

elektronische Elemente zulassen. Hier und da 

verleugnen Mystigma nicht, dass sie ursprünglich in 

härteren Gefilden unterwegs waren, und tendieren in 

Richtung Gothic Metal. Die Stimme von Frontmann 

Torsten Bäumer passt sich der Härte und der 

Atmosphäre des jeweiligen Songs mühelos an. 

Kenner der Band werden bemerken, dass erstmals 

eine Handvoll Lieder mit deutschen Texten versehen 

wurde, auch das passend umgesetzt. Zu den eigenen 

Kompositionen kommt die Interpretation von Billy 

Idols Klassiker Rebel Yell. Man kann zu Cover- 

Versionen stehen, wie man will, aber zumindest die 

Gitarrenarbeit ist Mystigma bei diesem Stück gut 

gelungen. Kurz gesagt, ist Unzerbrechlich ein 

angenehmes, ansprechendes, abwechslungsreiches 

und entdeckenswertes Gothic Rock-Album mit 

eigenem Charme. (8) 

Axel Schön 

PsioniC 

Alteration 

CD (Infacted/Soulfood) 

vorauss. 15.03.2013 

Neues Aggrotech-Futter aus 

Österreich 

Alteration („Änderung“, „Neuerung“) – ein 

passender Name für ein Debut. Das österreichische 

Trio legt mit seinen zwölf Tracks ein beachtliches 

Erstlingswerk vor, welches volle Tanzflächen 

garantieren dürfte. Stücke wie Blasphemie oder 

Self-Revelation lassen durchaus Vergleiche mit 

genreverwandten und -relevanten Formationen wie 

Agonoize oder The Retrosic zu. Der Gesang ist 

verzerrt, die Beats sind hämmernd und die Texte 

getränkt von Aggression und Unmut gegenüber der 

Gesellschaft. Dennoch hat die Band mehr zu bieten 

als durchweg treibende Rhythmen. Time to let go und 

Inner Peace kommen vergleichsweise ruhig und 

melancholisch daher, was verdeutlicht, dass man sich 

nicht von Beginn an in eine Richtung drücken lassen 

möchte, sondern Vielseitigkeit beweist. PsioniC 

werden mit Alteration für Aufsehen und durchtanzte 

Partynächte sorgen! (9) 


Klassiker des Monats 

Nine Inch Nails 

Pretty Hate Machine 

CD (Universal) 

Die Geburtsstunde 

des modernen Industrial 

1989 war das Jahr des Mauerfalls, des Abzugs 

sowjetischer Truppen aus Afghanistan und des 

traurigen Tian’anmen-Massakers. 1989 war aber 

auch das Jahr, in welchem ein 24-Jähriger, für den 

eigentlich eine Karriere als Konzertpianist 

angedacht war und der sogar Saxophon und Tuba 

spielen konnte, sich als Nachtwächter in Tonstudios 

verdingte und die nächtlichen Freiräume nutzte, 

um seine Vorstellung von Musik umzusetzen. Der 

Künstler: Trent Reznor. Das Ergebnis: Pretty Hate 

Machine. Schon bei seinem Debut offenbarte der 

obsessive Reznor (Musik, Instrumente und Artwork 

stammen allesamt von ihm) sein komplettes 

Können und schuf Songs, die den Hörer trotz ihrer 

K o m p a k t h e i t i m m e r w i e d e r a u f e i n e 

Entdeckungsreise gehen lassen. Seien es die 

rigorose Ausnutzung der Stereokanäle (das Album 

einfach mal in Mono anhören), Vogelgezwitscher 

und Maschinengeräusche in der Industrial-Ballade 

Something I Can Never Have, die Public Enemy- 

Samples und der ultratiefe Bass im eher funkigen 

Ringfinger, das manisch-depressiv anmutende Ende 

von Down In It, die dissonanten Störgeräusche bei 

Sanctified oder die grandiose Phrasierung der 

Textzeile „While the devil wants to fuck me in the 

back of his car“ aus The Only Time. Da können 

sogar ewige Hits wie Head Like A Hole oder Terrible 

Lie unerwähnt bleiben. Reznor war der Erste, der 

dem New Wave und Synth Pop der damaligen Zeit 

in dieser Form eine Gitarre an die Hand und so dem 

Industrial Rock – noch nicht Metal – ein Gesicht 

gegeben hat. Und auch nur mit der selbst bereiteten 

Saline Grace 

Fog Mountain 

CD (Deeper Waters/CD Baby) 


Atmosphärische Songs zwischen 

Slidegitarre und Piano 

Das deutsche Duo Saline Grace beschäftigt sich auf 

seinem neuen Album mit der Entfremdung des 

Menschen von der Natur, erfindet Szenarien, die teils 

surreal wirken, nachdenklich machen, vielleicht auch 

hoffnungslos. Musikalisch setzt Bandleader Ricardo 

Hoffmann dies unter anderem mit melodiösen 

Gitarrenstücken unter Verwendung von Slidegitarre 

und Banjo um und beschwört damit durchaus auch 

Bilder aus alten Westernfilmen herauf. Er nutzt 

außerdem Violine, Klavier, Orgel, Concertina und 

wird von seiner Frau Ines mit dunklem Bassspiel 

unterstützt. Wie beschreibt man aber nun in aller 

Kürze das dadurch entstehende Klanguniversum? 

Vielleicht so: Nick Cave trifft The Doors und And Also 

The Trees, sie alle lassen sich von einem einsam in 

den Sonnenuntergang reitenden Cowboy inspirieren 

und machen zusammen Musik. Klingt interessant? 

Dann hör’ mal rein in Fog Mountain. (7,5) 

Axel Schön 

Klaus Schulze 

Shadowlands 

DCD (Synthetic Symphony/SPV) 

vorauss. 22.02.2013 

Was vom Krautrock übrig bleibt 

Was macht 41 + 17 + 17 + 55 + 18? Nein, nicht nur

148, sondern auch die Gesamtlänge der fünf Tracks, 

für welche Klaus Schulze gleich zwei CDs benötigt. 

Man möchte meinen, dass der Pionier elektronischer 

Musik nach mehr als 200 Veröffentlichungen besser 

über die Aufmerk samkeitsspanne des heutigen 

Publikums Bescheid weiß, aber vielleicht gibt es ja 

tatsächlich noch den passionierten Hörer, der sich 

tagsüber mit Stockhausen beschäftigt, um sich dann 

später von Shadowlands in den Schlaf wiegen zu 

lassen. Vielleicht gibt es jedoch auch einfach genug 

Leute, die entspannte Musik hören wollen, welche 

nicht nach 08/15-Chillout klingt, die sich den warmen 

Sounds eines Moogs nicht entziehen können oder die 

sowieso meinen, es sollte endlich mal gesagt werden, 

dass etwa Martin L. Gore in Schulze einen großen 

Einfluss sieht, dass der 65-Jährige schon mit Lisa 

Gerrard zusammenarbeitete und dass sein Album Dig 

it bereit s 1980 als Referenzaufnahme für 

Synthesizer produktionen galt. Eine Referenz ist 

Shadowlands z war nicht, aber ein überaus 

interessantes Ambient-Werk. (8) 

Lars Schubert 

Script 6 

Orgiastic Paradise 

CD (Popbeat) 


Hypnotisch-schwärmender 

Klangteppich 

CD-Deck zu und... huch! Habe ich aus Versehen eines 

der besonders sphärisch-meditativen Project 

Pitchfork-Alben erwischt? Majestätisch wogt das 

Synthiemeer, ein sanfter, hypnotischer Rhythmus 

lässt aus dem Stand hinwegdriften bis zum 

lautmalerischen Horizont. Einswerden mit dem 

Kosmos für Anfänger und Fortgeschrittene. Die 

näher, dann wieder fern verhallende Stimme von 

Peter Sp..., nein, gar nicht wahr, von Claudio Hauser. 

Der Check verrät: ich halte das Debutwerk von Script 

6 in der Hand. Das keine zwei Jahre alte Solo-Projekt 

doubelt – davon darf man ausgehen – keineswegs 

beabsichtigt, sondern entspringt mit seinen Electro/ 

Wave/Ambient-Wurzeln dem Geist eines stetig 

Reisenden, der hier ebendiese Erfahrungen klanglich 

verew igt. Gastmusiker beim orgiastischen 

Paradieszustand ist das ehemalige Garden Of 

Delight-Mitglied Thomas O’Conell. Auf- und 

abbrausend, drängend, dann wieder ausfadend: Ja, 

man kauft dem Erschaffer die Originalität seines 

seelenvollen Werks ab. Kann man übrigens auch mit 

diesem Album tun. (9) 

Miriam Claus 

Slave Republic 

Quest for Love 

CD (Accession/Indigo) 


Electro Pop 2.0 

Schreibt man, dass Quest for Love „Electro Pop“ ist, 

tut man dem Zweitwerk von Slave Republic mit 

diesem oberflächlichen Sammelbegriff keinen 

Gefallen. „Alternative Pop“ oder gar „Indie Pop“ 

geben das musikalische Amalgam allerdings auch nur 

unzureichend wieder. Vielleicht schreibt man also, 

dass in den zehn Tracks das Beste der genannten Stile 

steckt, obendrein mit einer Prise Achtziger und einem 

Schuss New Wave garniert. Produziert wurde das 

Ganze von Daniel Myer, was an sich zwar bereits ein 

Qualitätsmerkmal ist, welches Songs wie die knackigeingängigen 

Paint My Heart Black und Walking Ghost 

oder das tanzflächentaugliche Primärreiz (mit einem 

Gastauftritt von Dioramas Torben Wendt) aber gar 

nicht nötig gehabt hätten. Dazu noch das wavige Fall 

Asleep, das straighte Promises and Broken Hearts mit 

seinem Old School-EBM-Beat und der melancholischballadeske 

Titeltrack – fertig ist ein Album, welches 

absolut keinen Ausfall zu verzeichnen hat und dessen 

Lashes Kiss oder Menage à Trois man gern einmal im 

Radio hören würde. (9) 

Lars Schubert 

Soilwork 

Y 

The Living Infinite 

DCD (Nuclear Blast/Warner) CM 

vorauss. 01.03.2013 

Schwedischer Death Metal- MY 

Melodiesturm 

Das wurde aber auch Zeit: Auf ihren letzten CY Alben 

klangen Soilwork immer amerikanischer. Das kann 

man mögen, passte jedoch letztlich nicht CMY zu einer 

Band, die den skandinavischen Melodic Death Metal 

mit geprägt hat wie wenige andere. In dieser 

K 

Hinsicht 

ist es beinahe als Glücksfall zu bezeichnen, dass Peter 

Wichers mal wieder die Band verlassen hat. Sänger 

Björn Strid zufolge war der nämlich für den 

US-Einfluss verantwortlich. Jener ist jetzt ebenso 

verschwunden wie der Gitarrist, zurück bleibt feinster 

schwedischer Death Metal. Fabulierend, schnell, 

melodisch und melancholisch. Wie es sich für ein 

Doppelalbum gehört, lassen Soilwork im besten Sinne 

die Sau raus, gönnen sich akustische Interludien, 

langsame Brecher, flinke Biester und eine ganz 

allgemein narrative Struktur, die dem fundamentalen 

Ethos dieser „Selbst findungs platte“ (Strid) gerecht 

wird. The Living Infinite geht über 85 Minuten nicht 

die Puste aus, die Songtitel sind wunderbar klangvoll 

(Owls Predict, Oracles Stand Guard zum Beispiel) und 

nicht minder erzählerisch als die Musik. Soilwork 

waren zwar auch auf ihren letzten Veröffent lichungen 

nicht schlecht. Mit diesem Album haben sie aber 

definitiv zu alter Form zurückgefunden – und In 

Flames endgültig den Rang abgelaufen. (8,5) 


Spetsnaz 

For generations to come 

CD (Scanner/BROKEN SILENCE) 

vorauss. 01.03.2013 

Die Stille hat ein Ende 

Schon zu Jahresbeginn gibt es frohe Neuigkeiten! 

Endlich kriegen wir wieder was auf die Ohren, und 

zwar von keinen Geringeren als Spetsnaz. Gut fünf 

Jahre mussten ins Land ziehen, bis nun mit For 

generations to come das vierte Studioalbum der 

Schweden auf das tanzwütige Volk losgelassen 

werden kann. Der Lohn für die Geduldsprobe 

entschädigt bereits beim ersten Reinhören. Nummern 

wie Ignorance is bliss, Fake! oder Who made you God? 

zeigen sofort, wofür Spetsnaz stehen: knallharten, 

absolut zum Tanzen reißenden EBM der alten Schule! 

Das Album ist schnell, hämmernd und kompromisslos, 

Pontus Stålbergs Gesang gewohnt klar und mit 

eindeutiger Message. Ein Werk, das wir lange ersehnt 

haben und jetzt glücklich in Händen halten dürfen. 

(9,5) 


The Beauty of Gemina 


CD (NoCut/SPV) 

vorauss. 22.02.2013 

Intensives Akustikerlebnis der 

Schweizer Szene-Größen 

Immer wieder einmal bieten The Beauty of Gemina 

live ihr Material in akustischen Varianten dar. Damit 

auch alle Fans, die solch einen Auftritt noch nie erlebt 

haben, in diesen Klanggenuss kommen, gibt es nun 

C 

M 

www.bloodgroup.is 

BLOODGROUP 

NEW ALBUM 

TRACING ECHOES 

www.alive-ag.de 

www.adp-records.net 

SAM049ADP 

22.02.2013

The Myrrh Sessions. Dabei war es Michael Sele und 

seinen Musikern wichtig, den Tracks nicht nur 

Elektronik und Rockigkeit zu nehmen, sondern ihnen 

mit angepassten Arrangements ein neues Flair 

einzuhauchen, neue Einflüsse zuzulassen. Dadurch 

entwickeln einige Titel eine ganz neue, warme 

Intensität, während anderen Songs eine unerwartete 

Lässigkeit und Entspanntheit innewohnt. Der Einsatz 

zusätzlicher Streicher bei mehreren Stücken erweitert 

den Klangkosmos auf charmante Weise, und die 

charakteristische, dunkle Stimme von Frontmann 

Michael nimmt man durch die instrumentale 

Neuinterpretation der L ieder noch einmal 

bedeutender wahr. The Myrrh Sessions ist ein 

Akustikerlebnis, das weit über typische Unplugged- 

Werke hinausführt; voller Emotionen, Leidenschaft 

und Eindringlichkeit, fast schon hypnotisch. Ein tolles 

Hörerlebnis. (9) 

Axel Schön 

ihre ersten zwei Alben durchgehend positive Kritiken. 

Kein Wunder, hat sich hier doch die Crème de la 

Crème des klassischen Hard Rock zusammen getan. 

Jetzt setzt die Truppe allerdings noch einen drauf. Der 

Opener Graveyard City dient als exzellenter Appetizer 

und bleibt sofort im Ohr hängen... vor allem David 

Readmans glasklare Vocals, die nicht nur teilweise für 

Gänsehaut sorgen. Mit dem folgenden Tears In The 

Rain zeigen die Jungs ihre sinnliche und balladeske 

Seite. Hervorragende Hooklines, fette, aber nicht zu 

derbe Chords, Refrains, die Hymnen gleichen, dazu 

eine einfühlsame Stimme und f a s t s chon 

herzergreifende Soli. Dank vielfältiger Facetten 

bleibt das Ganze durchweg spannend und 

abwechslungsreich. Cry For Love – Stadionrock lässt 

grüßen – macht zum Beispiel auf Knopfdruck 

abrocken und dennoch gleichzeitig das Taschentuch 

suchen. More Than One Way Home steigert 

unweigerlich die Lust auf Festivals und Open Air- 

Konzer te. Dass Voodoo C ircle im M ai auf 

Headlinertour gehen, sollte man schleunigst im 

Kalender anstreichen. (9,5) 

Nadine Ahlig 

ALTAAR 

S/T 

JETZT ERHÄLTLICH! 

INDIE RECORDINGS 

Mit Ihrem avantgardistischen Ansatz sind 

ALTAAR sind eine außergewöhnliche Band! 

ALTAAR kombinieren konventionellen Doom 

Metal (Corrupted, Black Sabbath, Nortt) mit 

Referenzen aus der klassischen Psychedelic 

Ära (Les Fleur De Lys, Captain Beefheart, 

Pink Floyd)! Spannend! 

FACEBOOK.COM/ALTAARNORWAY 

WARDRUNA 

YGGDRASIL 

ERHÄLTLICH AB 25.03 


Der wahre Klang des Nordens! Das Feuer, die 

Flammen, die Nordische Geschichte! Historische, 

nordische Instrumente treffen auf poetische 

Texte in Norwegisch, altnordischen und 

Proto-Skandinavisch. Wardruna sind endlich mit 

dem zweiten Album in der 'Runaljod' Trilogie 

'Yggdrasil' zurück. Erhältlich als LTD BOX 

EDITION mit Halskette, Digibook, CD und Vinyl! 

FACEBOOK.COM/WARDRUNA 

VREID 

WELCOME FAREWELL 

JETZT ERHÄLTLICH! INDIE RECORDINGS 

Nach dem gefeierten und für den norwegischen Grammy-nominierten 

Album "V", sind Vreid mit ihrem neuen MachtWerk "Welcome Farewell" 

zurück! Vreid überzeugen mit neuen und frischen Elementen, die Ihrem 

eigenen Trademark-Sound ein neues Gesicht verpassen. Aufgepasst! 

FACEBOOK.COM/VREIDOFFICIAL 

GRENSEVEIEN 107 B - 0663 OSLO 

WWW.INDIERECORDINGS.NO 


von Branden 

Flammenreich 

CD (Apostasy/Edel) 


Experimenteller Dark Metal 

aus deutschen Landen 

Nicht überall, wo „Avantgarde“ draufsteht, ist auch 

Avantgarde drin. Das musste ich nach dem ersten 

Hören des zweiten Albums dieser, sagen wir einmal: 

Black Metal-Band feststellen. Ihr Debut Scherben 

spielte sich noch ganz im Bereich des Gothic Metal 

ab, der Nachfolger wird als „Avantgarde Black 

Metal“ plakatiert, doch scheinen wohl vielmehr 

experimen telle Versuche im Schwarzmetallspektrum 

mit diversen Genreübergriffen gemeint zu sein. Zwar 

wird das dem Genre, das es irgendwie darstellen 

sollte, nicht gerecht, aber dies heißt nicht, dass 

Flammenreich kein gelungenes Album ist – nur auf 

völlig andere Weise. Wir haben hier acht wirklich gut 

produzierte Songs, die Elemente aus dem klassischen 

rohen Black Metal mit modernen Elementen 

verbinden. Teils cleane Vocals von Solarian, teils 

hymnenartige Parts, die schier zum Mitklatschen 

einladen. Insgesamt befindet sich das Material eher 

im Midtempo, einige Lieder schießen kurz nach 

oben, pendeln sich aber genauso schnell wieder bei 

mittlerer Geschwindigkeit ein. Anspieltipps: 

Sehnsucht und Verlust. Summa summarum machen 

von Branden wirklich tolle Musik, auch bei 

Flammenreich kann man nicht meckern. Das 

Experimentieren tut ihnen auf jeden Fall gut, und ich 

bin gespannt, wohin der Weg sie noch führen mag. 

(8) 


Voodoo Circle 

More Than One Way Home 

CD (AFM/Soulfood) 

vorauss. 22.02.2013 

Classic Hard Rock, der Lust auf 

Sommer macht 

Um es direkt vorwegzunehmen: ein wahres Prachtexemplar. 

2008 wurde die Band von Gitarrist Alex 

Beyrodt (Sinner) gegründet und erntete bereits für 

Welle: Erdball 

Computerklang 

MCD (Synthetic Symphony/SPV) 

vorauss. 22.03.2013 

Neue Sendung, bewährte Qualität 

Da ist er nun, der Startschuss in ein Jahr voller 

synthetisch erzeugter Transmissionen des besten 

Senders der minimalelektronischen Radiowelt. Bevor 

wir uns auf eine Sammlung der schönsten 

Übertragungen aus den letzten zwei Dekaden und ein 

gänzlich neues Programm freuen dürfen, gibt die EP 

Computerklang als Vollversion bereits einen 

ohrenschmeichelnden Ausblick. Wartet der Titeltrack 

noch mit einem schrägen Akzent auf, begeistert 

Zombies im Kaufhaus durch bissige Gesellschaftskritik 

und überzeugt Kontrollierte Welt (C=64) mit einer 

Menge Retrocharme, ist es spätestens bei der 

Textzeile „Stell’ Dir vor, dass ich mir vorstelle, Du 

stellst Dir das jetzt vor“ von Des Wahnsinns fette 

Beute um die Dadaisten unter uns geschehen. 

Dauerhörer sind da allemal schon hin und weg. (8) 

Lars Schubert 

Woodkid 

The Golden Age 

CD (Universal) 

vorauss. 15.03.2013 

Lauf, Junge, lauf! 

Hinter dem seltsamen Pseudonym Woodkid steckt der 

französische Allroundkünstler Yoann Lemoine, der 

sich bisher einen hervorragenden Namen durch seine 

spektakulär ästhetischen Schwarzweißvideos für 

Größen wie Lana Del Rey oder diverse awardüberschüttete 

Clips für die Werbeindustrie gemacht hat. 

Nach den EPs Iron und Run Boy Run präsentiert man 

sich nun auf seinem ungeduldig erwarteten 

A l b u m d e b u t a l s a t m o s p h ä r i s c h - d u n k l e s 

G e s amtkunst werk z w ischen dramatischem 

Breitwand-Pop und bombastischer Klassik mit 

unruhig schwelenden Electro-Einsprengseln. The 

Golden Age ist Lemoines faszinierend düsteres und 

lyrisch teils hochgradig zynisches Tagebuch seiner 

ganz persönlichen Erwachsenwerdung, des Abschieds 

vom Kindsein und des harschen Eintritts in die harte 

Erwachsenenwelt. Woodkid gibt gerne Rätsel auf mit 

seinen mystischen, my thischen und schwer 

symbolschwangeren Elementen – und legt 

wahrscheinlich eines der geheimnisvollsten und 

spannendsten Alben des Jahres vor! (9,5) 

Gaetano Rothenburg

Ina Brinkmann 

Liebesgeschwüre 

(UBooks) 

Schon Ina Brink manns Debut 

Herzmassaker, vor gar nicht langer 

Zeit erschienen, konnte begeistern. 

Ihre Sprache ist mehr als direkt, ihre 

E r z ä h l u n g e n s i n d b r u t a l u n d 

gnaden los. Das Buch über den von 

G e w a l t g e t r i e b e n e n P a t r i c k 

vermochte zu fesseln, wie es kaum 

ein Horrorfilm schafft. Umso höher 

waren natürlich die Erwartungen an 

Liebesgeschwüre. Hier folgt nun die 

Geschichte eines Jungen, der in 

eine unbarmherzige Welt geboren 

wurde, die ihm keine Chance bot 

und nur den Weg bereitete in ein 

Leben voller Gewalt, Schmerz und 

Erniedrigung. Dorian wuchs ohne 

seine leiblichen Eltern auf – benutzt 

als menschliches Spielzeug für 

körperliche Bedürfnisse anderer. 

Anja Dollinger 

Walter Moers 

Zamonien 

(Knaus) 

Oh Zamonien, du wildes Land! Viele 

heitere, spannende, traumhafte, 

unvergessliche Stunden durften wir 

in dir verbringen. Wir haben dich an 

der Seite unerschrockener Helden 

erforscht, aus der Perspek tive 

perfider Bösewichte erlebt und 

oftmals in deiner vollen Pracht 

bestaunen können. Allein, wir 

wissen noch immer viel zu wenig 

über dich! Das dachte sich wohl 

auch Mastermind Walter Moers, der 

nun Entdeckungsreise durch einen 

phantastischen Kontinent vorlegt, 

Erlend Erichsen 

Nationalsatanist 

(Edition Phantasia) 

Heikles Thema, das fängt schon 

beim Buchtitel an. Nationalsatanist 

w i d m e t s i c h d e n k r i m i n e l l e n 

Vorgängen innerhalb der Black 

Metal-Szene... jedoch nicht, wie so 

viele Werke davor, als zumeist mehr 

schlecht als recht recherchierte 

Doku, sondern als Roman. Der 

stammt aus der Feder eines echten 

Insiders: Erlend Erichsen war 

Schlagzeuger bei Gorgoroth, dies ist 

sein erster Roman. Und mit ihm will 

er sich wohl einiges von der Seele 

schreiben. Wir folgen dem jungen 

Runar, dessen Leidenschaft für 

Black Met al durch Gorgorot h 

entfacht wird und in der Gründung 

seiner eigenen Formation Stormvold 

Subway to Sally 

Unsterblich 

(Schmenk) 

Abschnitt 1: Sagt etwas über den 

Inhalt des Buches und erklärt das 

Vorhandensein dieses Satzes. 

Zu Recht mag sich mancher über 

diese Form der Einleitung wundern, 

doch sie ist uns beim Lesen dieser 

Biographie so lieb geworden, dass 

wir sie hier unbedingt fortführen 

wollten. Der Fokus soll aber selbstredend 

auf dem Buch liegen und 

gesagt werden, was Unsterblich 

bereithält. Genau genommen sind es 

20 Jahre Bandgeschichte, Lebens 

geschichte – begonnen mit den 

ersten musikalischen Schritten, über 

Einblicke in das Leben eines Musikers 

in der DDR, die Gründung 

diverser Bands, die Gründung einer 

ganz bestimmten Band, Konzerterinnerungen, 

Anekdoten, bis hin 

zum Entstehen und Bestehen einer 

nicht mehr we g zudenke nden 

Ein Leben ohne Liebe. Ein Leben 

voller Schmerz, der dem Kind als 

brutale Normalität unterbreitet wird. 

Ina Brinkmann lässt zwei geniale 

Erzählstränge entstehen, in welchen 

sie das Schicksal des jungen Do, der 

später zu Manuel wird, einmal aus 

seiner eigenen und einmal aus 

außenstehender Sicht schildert. 

Die Bilder verschmelzen, und die 

Darstellungen wirken durch den 

Schreibstil sehr authentisch. Das ist 

der Fall, weil sie stark an die Kindheit 

der Autorin selbst angelehnt sind. 

Auch Ina Brinkmanns zweiter Roman 

überzeugt voll und ganz, und ich bin 

sicher, dass wir von dieser Autorin 

noch einiges lesen werden. Aber 

jetzt erst mal: viel Spaß im Qualenkabinett 

des jungen Dorian! 


die erste umfassende Enzyklopädie 

zu jenem wundersamen Reich. Von 

A wie Anagrom Ataf bis Z wie 

Zamomin, lautet der Untertitel 

dieses gewohnt beispiellos schön 

gestalteten Werkes – auf über 300 

Seiten bietet es genau das: alles 

Wissenswer te und noch mehr 

Unwis sens wertes zu Orten, Menschen, 

Dingen, Situationen und 

Ge set zmäßigkeiten einer der 

spannendsten Welten der modernen 

Phantastik, gefasst in charmantskurrile 

Texte. Natürlich kennt der 

Zamonienfan schon eine Menge 

Fakten, dürfte sich aber doch ohne 

Maßen über solch gebündelte 

Det ailfülle f reuen. Außerdem 

verkürzt das Lexikon sehr angenehm 

die War tezeit auf Das Schloss 

der Träumenden Bücher. So, und 

was war jetzt noch gleich dieses 

„Buchlings auge“? Rasch mal nachschlagen... 


mündet. Schon bald sorgen verquere 

Ideologien und schwelendes 

Aggressionspotenzial für eine 

Eskalation, der auch die anderen 

Bandmitglieder nichts entgegensetzen 

können. Fiktional mag die 

Geschichte sein, völlig aus dem Hut 

gezaubert ist sie derweil nicht. Was 

in d e n f r ü hen Neunzigern in 

Norwegen passierte, schockiert 

noch immer und verleiht auch 

die sem Buch einen gewis sen 

Realismus, der durchaus schaurig 

wirkt und den Dunstkreis aus Hass, 

verblendeten politischen Ideologien 

und Satanismus überzeugend in das 

Ganze einbindet. Klar vor allem für 

Black Metal-Anhänger zu empfehlen 

– aber letztlich eigentlich für jeden 

musikalisch Interessierten. 


Institution. Kurzum: eine Erfolgsgeschichte. 

Geschrieben von den 

Musikern selbst und einigen ihrer 

Wegbegleiter, begegnen wir heuti gen 

Szene-Größen in ihren Anfangs tagen, 

spielen vor drei Konzert besuchern, 

später dann vor sehr vielen mehr, und 

er fahren aller lei Persönliches, 

Amüsantes und Skurriles. 

Abschnitt 2: Wagt eine Kritik und 

gipfelt in einem Fazit. 

We nn m a n e t was bemängeln 

möchte, dann wohl eine Idee, welche 

die Musiker selbst vermutlich bereits 

bedauern: das Hervorheben einzelner 

Passagen durch rote Schrift auf 

schwarzem Grund. Dahingegen war 

der Einfall, dieses Buch selbst zu 

schreiben, ein überaus guter, denn 

das macht die Biographie nicht nur 

sehr persönlich; ein paar der Musiker 

haben t at sächlich einen ganz 

wunder vollen Schreibstil. Sie bringen 

uns zum Schmunzeln, zum laut 

Auflachen, entlocken uns einige 

„Aha“s und, vor allem: sorgen dafür, 

dass wir dieses Buch so schnell nicht 

aus der Hand legen können. 

Doreen Krase 


„Wie kann ein Objekt heilig sein, 

wenn es zu so viel Unheil führt?“ 

(Fritz Graner) 

Was ist uns heilig? Gibt es da überhaupt noch etwas, oder wurde der Begriff, wie so viele, zu oft schon missbraucht, 

instrumentalisiert? „Heilig“ – zumindest ein großes Wort. Heilig – ebenso die nächste Single von Schlafes Bruder, 

dem neuen Projekt, das wir Dir in unserer Februar-Ausgabe zum ersten Mal vorstellen durften. Und damit rückt 

auch das Debutalbum immer mehr in den Blickpunkt der Erwartungen. 

Orkus: Erzählt doch bitte Genaueres über das Thema eurer 

zweiten Single Heilig. 

Kris Weller: Die geschichtlichen Überlieferungen 

beschreiben das Mittelalter als rückständig und inhuman. Es 

wird auch „die dunkle Epoche“ genannt. Willkür, Gewalt, 

Folter, Hinrichtungen, Kriege, Seuchen, Hunger, Kälte, 

Pest – um einige Merkmale zu nennen – zeugen von den 

archaischen Zuständen, die zu jener Zeit vorherrschend 

waren. Der Gottesglaube spielte vielleicht gerade deswegen 

eine maßgebliche Rolle im Leben eines Menschen, denn 

er gab ihm Hoffnung und Halt. Er war aber mehr als ein 

Sinngebungssystem und manifestierte sich nicht nur in 

Bekenntnisritualen, sondern durch den gelebten Drang, sich 

mit dem Göttlichen zu verbinden. Im Laufe des irdischen 

Lebens musste man dazu das eigene Handeln komplett dem 

Willen Gottes unterwerfen, um dann nach dem Tod die 

Vereinigung mit ihm zu erreichen. Vor diesem Hintergrund 

wird auch klar, an welchen Grundfesten Papst Urban II. bei 

den Menschen gerüttelt hat mit seiner Aufforderung im Jahr 

1095 nach Christus, in den Heiligen Krieg zu ziehen, denn er 

nannte es Gottes Willen („Deus lo vult“, „Gott will es so“). 

Während der Sündige mit Absolution belohnt würde, sah der 

Unsündige die Möglichkeit, seinem Ziel durch heroisches 

Martyrium näher zu kommen. So fand jeder sein „Heil“ in 

den Kreuzzügen. „Heilig“ ist etwas, das aus der dinglichen 

Existenz in einen Bereich transzendiert, den man als 

gotteszugehörig betrachtet; und so sollten die eigenen Taten 

gotteszugehörig werden, indem sich Gottes Wille in ihnen 

wiederfindet. 

O: Auch zu Heilig ist ein sehr aufwändiger Clip entstanden. 

Wie kam es zu den einzelnen Ideen? Man könnte es „das 

Video mit den vielen Gesichtern“ nennen. Beeindruckend! 

Und: mit wem habt ihr bei der Produktion kooperiert? 

Fritz Graner: Mit dem Regisseur Andreas Marschall 

und der Produktionsfirma Lopta Film. Andreas hat seit 

den Neunziger Jahren Videos für Bands wie Guano Apes, 

Kreator, Samael oder Moonspell gedreht. Inzwischen macht 

er Kinofilme, wie den mit vielen Preisen ausgezeichneten 

Schocker Tears of Kali. Sein neuester Film Masks wurde 

vom amerikanischen Portal Ain’t It Cool News als einziger 

deutscher Film unter die weltweit zehn besten Horrorfilme 

des Jahres 2012 gewählt! Dazu gibt es ein Musikvideo der 

Band Orden Ogan, worin Marschall Videoprojektionen 

als Stilmittel verwendet, ähnlich denen, die in Heilig 

Symbole auf mein Gesicht werfen. Die Gesichter stellen ja 

ganz verschiedene Typen von „heiligen Kriegern“ dar; vom 

Helden über den Zweifelnden bis zum Dämonischen. Es 

sind die seelischen Facetten des Kämpfers, so vielfältig wie 

die Symbole für die unterschiedlichsten weltanschaulichen 

Überzeugungen, in die sich Menschen fundamentalistisch 

verrennen können. 

O: Was war euch bei der Visualisierung des Stückes besonders 

wichtig, und was war das Schwierigste oder die größte 

Herausforderung bei der Umsetzung? 

FG: Marschall meinte, dass mein Gesicht sehr „filmisch“ 

und wandelbar ist... und nur darauf sollte das Video setzen. 

Keine Bandaufnahmen, keine aufwändigen Sets, nur ein 

Gesicht in surrealen Masken und Licht. Dafür wurde extra 

eine kreuzartige Konstruktion gebaut, mit der sich das Licht 

permanent bewegte. Dadurch entstehen die wandernden 

Schatten auf meinem Gesicht. Eine wichtige Inspiration für 

diese Technik war Henri-Georges Clouzots nie vollendeter 

Film L’Enfer mit Romy Schneider. 

O: Ihr greift in dem jetzt veröffentlichten Lied die inneren 

Zweifel eines Kreuzfahrers auf. Denkt ihr, dass damals 

viele eine solch kritische Sicht auf ihr eigenes Tun und die 

Kreuzzüge allgemein hatten? 

KW: Religiöser Fanatismus lässt vermutlich wenig Raum 

für eine selbstkritische Sicht auf das eigene Handeln. Man 

darf außerdem nicht vergessen, dass wir hier von einer Zeit 

sprechen, in der die Inquisition ins Leben gerufen wurde. 

Ketzerei, Blasphemie oder Häresie hatten tödliche Folgen. Eine 

solch radikale Form der gesellschaftlichen Konditionierung 

ertränkt unabhängiges, liberales Gedankengut förmlich in 

Angst. Wer in einem solchen Umfeld aufwächst, bekommt 

ein Weltbild indoktriniert, das er kaum anzweifeln wird. Es 

ist also nicht unbedingt davon auszugehen, dass ein redlicher 

Ritter Bedenken hatte, wenn er das große Abenteuer eines 

Kreuzzuges antrat. Aber nach einer langen, qualvollen Reise 

voller Entbehrungen, fern der klerikalen Aufmerksamkeit, 

gab es vielleicht den ein oder anderen, dessen Geist an 


„Kampfbereitschaft ist ein Zeichen für fehlenden 

inneren Frieden.“ 

(Kris Weller) 

Selbstständigkeit gewann. Durch neue Eindrücke von fremden Kulturen 

und Ländern, durch Blutgemetzel, Schmerz, Verlust von Angehörigen 

oder Freunden oder vielleicht auch durch Nahtoderlebnisse kann 

sich vieles in der persönlichen Sichtweise ändern. Insbesondere bei 

einem Zeitraum von vielen Jahren und der für damalige Verhältnisse 

unglaublich großen Distanz zur Heimat und all den einschneidenden 

Erlebnissen sind Zweifel nicht mehr so abwegig. Das wäre jedoch ein 

wirklich großer Zielkonflikt im Spannungsfeld von äußerem Zwang und 

inneren Bedenken. Während die für Absolution Kämpfenden geradlinig 

durch das Abenteuer marschieren, zerreißt es den wahrhaft für Heiligkeit 

Streitenden innerlich komplett. 

O: Religiöser Fanatismus ist immer gefährlich. Doch inwiefern hat eures 

Erachtens Religion eventuell auch etwas Gutes? 

KW: Wie vorhin schon erwähnt, hat Religion meiner Meinung nach 

vor allem eine sinnstiftende Wirkung, die Halt gibt. Vertrauen, Liebe 

und Hingabe spielen dabei eine große 

Rolle. Das war für jemanden im rauen 

Mittelalter sicherlich nicht unwichtig. 

Aber allem Anschein nach rückt im 

Lauf der Zeit, mit zunehmenden 

wissenschaftlichen Erkenntnissen und 

steigender Lebensqualität, der Glaube 

aus dem Mittelpunkt des Blickfeldes. 

Die Astrophysik suggeriert heute ein 

Universum, das aus einem punktuellen 

Nichts herausknallt, während die 

Frage, wie Seiendes aus Nichtseiendem 

entstehen kann, ungeklärt bleibt. 

Diese Situation ist fruchtbarer 

Boden für einen sich ausbreitenden 

Agnostizismus. Man zahlt heute vielleicht noch Kirchensteuer und 

besucht die Messe zu Weihnachten. Aber seien wir ehrlich: Wie viele 

halten noch ein Tisch- oder Abendgebet? Betrachten wir nun aber mal 

eine Lebenssituation, in der es uns nicht so gut geht, zum Beispiel bei 

einem Flugzeugabsturz, dann brauchen wir plötzlich wieder einen Halt, 

dann besinnen wir uns bezeichnenderweise wieder auf Gott, der uns 

helfen möge, und rufen ein Stoßgebet aus. Nun kann man aber nicht 

alle Religionen über einen Kamm scheren. Was würde ein Buddhist in 

einem solchen Moment beten? Das Gebet würde sich jedenfalls nicht an 

eine höhere Macht, sondern er würde es an sich selbst richten. Für ihn 

gibt es nämlich keinen Gott. Aber die humane Spiritualität, die hinter 

den Lehren Buddhas steckt, bewirkt im Grunde genommen trotzdem 

das Gleiche. Sie spendet dem Menschen Halt und inneren Frieden. 

O: Ist den Menschen heutzutage einfach das Falsche heilig? Oder war 

es das nicht auch früher schon, betrachtet man die Schattenseiten der 

Kreuzzüge? 

FG: Jerusalem war den Menschen damals ganz offensichtlich sehr heilig. 

Wenn aber durch eine persönliche Wahrnehmung sich Heiligkeit bei 

den Wahrnehmenden im wahrgenommenen Objekt manifestiert und es 

dadurch eigentlich erst zu einem solchen Unheil kommt, heiligt dann 

der Zweck die Mittel? Ist die Befreiung Jerusalems für Millionen von 

Todesopfern also gerechtfertigt? An dieser Stelle kann es wohl kaum 

darum gehen, ob dem Menschen nun das Richtige oder das Falsche 

heilig ist. Im Gegenteil, es drängt sich vielmehr die Frage auf, wie 

überhaupt ein Objekt heilig sein kann, wenn es zu so viel Unheil führt? 

Die Geschehnisse widersprechen doch komplett der theologischen Ethik 

der Zehn Gebote. Dort heißt es: „Du sollst nicht morden.“ Aber wie 

kann dann ein solch kollektiver Massenverblendungswahn überhaupt 

entstehen? Die Antwort findet man möglicherweise in den damaligen 

Lebens- und Machtverhältnissen. Baut sich einerseits aufgrund widriger 

Lebensumstände eine Spannung im Volk auf, und gibt es andererseits 

noch einen gewichtigen Rädelsführer, der mit einem vermeintlichen Plan 

die Emotionen der Menschen trifft, so verblassen mögliche Zweifel an 

der Redlichkeit des Planes vor dem Hintergrund des persönlichen Leids. 

Wir müssen in unserer eigenen Geschichte gar nicht weit zurückblicken, 

um zu erkennen, wie leicht sich ein geplagtes Volk instrumentalisieren 

lässt. 

O: Was ist euch selbst heilig? 

FG: Da gibt es im sprachlichen Jargon so einiges. Werte, Familie, 

Freunde. Aber im eigentlichen Sinne ist etwas nur dann heilig, wenn es 

einer göttlichen Sphäre zugehörig ist. Das führt uns zur Glaubensfrage. 

Meine Einstellung wird dabei immer die gleiche bleiben. Würde ich 

wissenschaftlich unerklärliche Wunder erleben, dann vielleicht schon. 

Eher glaube ich aber an das Gute im Menschen. Da wir ja – wenn es 

einen schöpferischen Gott gibt – alle von ihm erschaffen wurden, wohnt 

er uns und allem Dinglichen inne. 

KW: Ich reduziere mich in der Antwort 

auf inneren Frieden. Aus meiner Sicht 

ergibt sich alles Gute daraus von selbst. 

O: Wofür würdet ihr kämpfen? 

FG: Ich kämpfe für meine Überzeugung, 

für das, woran ich glaube. 

KW: Ich bin da eher Pazifist. Kämpfen 

kommt für mich höchstens in Frage, 

wenn es um Leib und Leben geht. 

Kampfbereitschaft ist ein Zeichen für 

fehlenden inneren Frieden. 

O: Und wofür wäret ihr sogar bereit, zu 

sterben? 

FG: Wenn das Dem-Tode-geweiht-Sein von vornherein eine beschlossene 

Sache ist, dann gibt es wohl nichts, außer, um meine Kinder zu retten, 

oder eben im Kampf um das eigene Leben. 

KW: Da bin ich bei Fritz. Wenn die Frage wortwörtlich gemeint ist, 

sprechen wir ja von einer Selbstaufgabe. Das käme für mich niemals in 

Frage... höchstens für das Chili-Chocolate-Eis von der Eisdiele nebenan. 

O: Was erwartet den Hörer auf eurem bald erscheinenden Album? 

KW: Angefangen vom tollen Artwork, das schon bildhaft vom Okzident 

zum Orient führt, über ein 20-Seiten-Booklet mit einleitenden 

Geschichten zum jeweiligen Thema, bis hin zu den Texten, die 

entsprechend bebildert sind, ziehen wir den Hörer schon mit den ersten 

visuellen Eindrücken in die große Atmosphäre der Kreuzzüge. Was 

er dann zu hören bekommt, ist ein vielschichtiges Klangerlebnis. Die 

Instrumente treten mal spielerisch einzeln hervor, mal schmettern sie 

wie aus einem Guss verschmolzen wuchtig ein. Wir arbeiten mit großer 

Dynamik, davon leben die Songs. Stimmungsbilder erzeugen wir zwar 

rein musikalisch und arbeiten dabei auch abend- und morgenländische 

Melodien oder Instrumente ein, aber an manchen Stellen sind filmische 

Effektsounds einfach notwendig, um den Hörer kompromisslos 

mitzureißen. 

www.schlafes-bruder.com 

Axel Schön 

Photos: Oliver Rath 

Line-Up: 

Fritz Graner – Gesang 

Ricky Grasser – Gitarre 

Halid Pestil – Bass 

Kris Weller – Keyboard, Synthesizer 

Andreas Schulz – Schlagzeug 


Kontinuierlich gehen Mystigma ihren Weg. In den Neunziger Jahren 

noch stärker im härteren Metal verwurzelt und bis 2005 unter dem 

Namen Tears of Mystigma firmierend, fanden die Musiker im Laufe der 

Zeit immer mehr zum Dark Rock und Gothic Metal – und Liebhaber 

dieser Genres Gefallen an ihrem Sound. Auch Samplerbeiträge und gute 

Platzierungen bei Bandcontests konnten das Quartett aus dem Großraum 

Osnabrück in der Veröffentlichung weiterer Alben bestärken. 

Nun bringen sich Mystigma mit Unzerbrechlich erneut ins Gespräch 

und in die Ohren der Szene. Jene sollte durchaus hinhören, denn es 

ist ein gutes, eigenständiges Werk, zu dem sogar die Interpretation von 

Billy Idols Klassiker Rebel Yell passt. Ungewohnt für Mystigma ist die 

Verwendung deutscher Liedtexte. Fast die Hälfte der aktuellen Stücke 

intoniert Frontmann Torsten Bäumer in seiner Muttersprache. Und 

auch diese Entscheidung war ein richtiger Schritt. Mit den neuen Songs 

und frischem Schlagzeuger am Start, will die Formation das anno 2013 

auch live gebührend beweisen. Spätestens dann dürfte sich der eine oder 

die andere fragen, warum er oder sie nicht schon eher auf Mystigma 

aufmerksam geworden ist. 

www.mystigma.de 

Axel Schön 

„Der jüngere, 

sinnlichere 

und sorglosere Cousin.“ 

Februar 

Genesis Breyer P-Orridge (Psychic TV) – 22.02.1950 

in Manchester, UK 

David Sylvian – 23.02.1958 in London, UK 

Christopher „Chris“ Fehn (Slipknot) – 24.02.1973 

in Des Moines, Iowa, USA 

Jaz Coleman (Killing Joke) – 26.02.1960 

in Cheltenham, UK 

Stefan Brunner (Schandmaul) – 28.02.1977 in Dachau 

März 

Alexander Kaschte (Samsas Traum) – 01.03.1978 in Wetzlar 

Daniel Craig – 02.03.1968 in Chester, UK 

Simon Levko (Subway to Sally) – 05.03.1966 in Potsdam 

Nina Hagen – 11.03.1955 in Berlin 

Matthias Richter (Schandmaul) – 11.03.1980 in Dachau 

Claudia Uhle (Angelzoom) – 15.03.1976 in Berlin 

Billy Corgan (The Smashing Pumpkins) – 17.03.1967 

in Elk Grove Village, Illinois, USA 

Mana (Moi dix Mois) – 19.03. in Hiroshima, Japan 

Asp (ASP) – 19.03.1972 in Künzelsau 

Fortsetzung folgt... 

Das Orkus!-Team gratuliert 

allen Jubilarinnen und Jubilaren! 

Fast 27 Jahre geistert dieses dekadente Cabaret schon durch 

die Dark Wave-Welt. Mit Höhen und Tiefen, Ruhephasen 

und turbulenten Zeiten. Das letzte Werk 10 Neurotics 

liegt bereits ein paar Jahre zurück; eigentlich ein normales 

Tempo für Bandkopf Sam Rosenthal, zumindest seit dem 

Ende der Achtziger. Mit Tenderotics präsentiert er nun ein 

Remixalbum – und versammelt darauf so unterschiedliche 

Künstler wie Steve Roach, Android Lust, Attrition... und 

sich selbst. 

Orkus: Black Tape For A Blue Girl sind für ihren äußerst 

leidenschaftlichen, dekadenten und lustvollen Sound berühmt. 

Ist es bei einem derartigen Klangbild nicht ein großes Risiko, 

Remixer ins Boot zu holen? 

Sam Rosenthal: Nicht, wenn man ausschließlich 

Künstler mit der Arbeit betraut, denen man zutiefst vertraut. 

Dementsprechend bin ich sehr zufrieden mit dem, was sie 

geschaffen haben. Eine Prämisse war, dass sie das von mir 

aufgenommene Material benutzen sollten, anstatt es durch 

völlig neues zu ersetzen. Mir gefällt, wie sie den Originalen treu 

geblieben sind und dennoch etwas Neues kreiert haben. 

O: Die Bearbeitungen wirken wie eine Übersetzung in eine 

andere Sprache. Sie sagen dasselbe, jedoch mit anderen Mitteln. 

SR: Das trifft es. Sie klingen anders, aber vertraut und 

irgendwie... richtig. Wenn ich ein Album aufnehme, treibt es 

mich regelmäßig in den Wahnsinn, dass ich einen Song genau so 

hinbekommen möchte, wie er in meinem Kopf existiert. Einige 

Zeit später bin ich allerdings weit weniger auf eine einzelne Idee 

fixiert, was es mir erlaubte, diesen Kosmos für andere Künstler 

zu öffnen. 

O: Stilistisch ist von kühler Elektronik bis zu neo-klassischer 

Folklore alles dabei. Erweckt jedes Genre eine bestimmte 

Emotion in dir?

SR: Klar, jede Art von Musik löst eine Emotion aus. Und 

jeder Musikstil spielt sich in einem gewissen Bereich ab, 

verwendet eine gewisse emotionale Farbpalette. 

O: Was fühlst du bei Black Tape For A Blue Girl? 

SR: Anfangs war es brütende Melancholie, mit nicht mehr als 

einem Funken Hoffnung in der Dunkelheit. Über die Jahre 

schimmerten mehr und mehr Vergnügen und Zufriedenheit 

durch; zudem ist 10 Neurotics wohl mein poppigstes Album. 

Und das, obwohl es deutlich aufwändiger zu schreiben war. 

O: Was wird aus diesem Pop-Appeal, wenn du die Remixe 

hörst? Bleibt er bestehen, und es findet nur ein Kostümwechsel 

statt? 

SR: Interessante Metapher. Als würde man dieselbe Geschichte 

erzählen – nur, dass sich die Schauspieler umgezogen haben. 

Letztlich kann man ja auch ein Musical mit verschiedensten 

Kostümen und Bühnenbildern aufführen, ohne seinen Inhalt 

zu verändern. Was meine Musik angeht, so sind mein Gesang 

und die Melodien das Wichtigste. Bei 10 Neurotics arbeitete 

ich hart daran, die Charaktere eine ganz bestimmte Rolle 

spielen zu lassen. Die spielen sie auch noch auf Tenderotics, 

tragen jetzt aber andere Outfits. 


The Rope (1986) 

Mesmerized By The Sirens (1987) 

Ashes In The Brittle Air (1989) 

A Chaos Of Desire (1991) 

This Lush Garden Within (1993) 

Remnants Of A Deeper Purity (1996) 

As One Aflame Laid Bare By Desire (1999) 

The Scavenger Bride (2002) 

Halo Star (2004) 

10 Neurotics (2009) 

Line-Up: 

Sam Rosenthal – Gesang, Gitarre, Programmierung, Keyboard 

Athan Maroulis – Gesang 

Laurie Reade – Gesang 

Nicki Jaine – Gitarre, Gesang 

Valerie Gentile – Gitarre, Gesang 

Brian Viglione – Schlagzeug, Percussion, Bass, Gitarre 

O: Es war also gar nicht schwer, diese Stücke aus der Hand 

zu geben? Du bist immerhin dafür bekannt, dass deine Musik 

eine äußerst persönliche Angelegenheit ist. 

SR: Nein, wirklich nicht. Ich war gespannt, was die Leute 

daraus machen würden. Nehmen wir Marmalade Cat (Milly 

Mix) als Beispiel. Ich gebe zu, dass ich diese Art Musik 

normalerweise nicht höre, doch meinen Song durch diesen 

stilistischen Filter zu hören, war überraschend interessant. 

O: Du sagtest vorhin, dass du den Künstlern vertraust. 

Kennst du sie alle persönlich? 

SR: Oh ja. Die meisten kenne ich schon ewig. Viele sind auf 

meinem Label Projekt Records, mit manchen spiele ich live... 

wirklich, es blieb alles in der Familie. 

O: Auch du selbst hast bei einigen Tracks Hand angelegt. Wie 

viel Zeit war da seit den Originalaufnahmen vergangen? 

SR: Ursprünglich wollte ich ein paar Remixe für ein Dark 

Ambient-Werk mit Steve Roach machen. Das muss 2010 

oder 2011 gewesen sein. Irgendwann in der Vergangenheit 

jedenfalls. (lacht) Das letzte Lied, Halo Star, taucht übrigens 

auf 10 Neurotics gar nicht auf. Nachdem alle Mixe eingetroffen 

waren, nahm die Idee für einen Remix dieses Stückes Gestalt 

an. Er sollte sehr elektronisch und karg werden, um zum Rest 

des Materials zu passen. Dass ausgerechnet ich derjenige bin, 

der sich am wenigsten ans Original gehalten hat, sollte ich 

vielleicht besser verschweigen. Andererseits: wenn, dann steht 

das doch mir zu, oder? 

O: Absolut! Wenn 10 Neurotics dekadente Lust und 

schmerzhafte Leidenschaft in einem eleganten Szenario 

verkörperte – was ist dann Tenderotics? 

SR: Der jüngere, sinnlichere und sorglosere Cousin. 

www.blacktapeforabluegirl.com 



„Die Weltherrschaft...! Was sonst?!“ 

Mit C’mon take on me rufen die Schweden zu einem weiteren Teil ihrer 

gloriosen Partyreihe auf. Passender Soundtrack für durchzechte Nächte 

oder nur noch trauriges Tröten einer kaputten Trillerpfeife? Orkus! hat 

bei Jocke Berg nachgehakt und sich ein eigenes Bild gemacht. Nach 

dem Erscheinen von Split your lip und dem Erfolg der „Best Of“- 

Compilation The party ain’t over ’til we say so... (2011) war es wieder 

mal Zeit, die Partyhüte aufzusetzen und einen neuen Street Metal-Fetzen 

herauszurotzen. Nach ausgiebigem Touren und fleißigem Songwriting 

verzogen sich die Jungs für fünf Monate in ein Göteborger Studio, um in 

Eigenproduktion zwölf geballte Lieder aufzunehmen, welche schließlich 

von keinem Geringeren als Randy Staub (Metallica, Mötley Crüe, The 

Cult) abgemischt wurden. 

Ergebnis: Hardcore Superstar schaffen es wieder nicht, die hohen 

Erwartungen zu enttäuschen. Gewohnt schmuddelig-rockig und mit 

unsagbaren Hooklines, besteht überhaupt kein Zweifel daran, dass auch 

dieses Album einschlagen wird. Neben der erfolgreichen Melange aus 

Sleaze und Thrash ist jetzt zusätzlich eine Prise Grunge in den köstlichen 

Klangcocktail gemixt. So erinnert Stranger of mine zum Beispiel an Stone 

Temple Pilots oder Long time no see an Mother Love Bone. Das Ganze 

umgerührt mit Jockes unverwechselbaren Vocals, und fertig sind die 

Partyvorbereitungen. 

Die erste Auskopplung One more minute, welche man von der offiziellen 

Homepage herunterladen kann, zeigt eindeutig, wie viel Energie 

einmal mehr durch ein Hardcore Superstar-Werk fließt. Ungezähmt, 

wild und rastlos, mit einer Melodieführung, die noch wochenlang im 

Schädelinneren verhallt. Übrigens basieren die Texte des Rotzquartetts 

allesamt auf eigenen Erfahrungen und nicht auf bloßer Fiktion, was 

zwangsläufig dafür sorgt, dass auch C’mon take on me ein sehr persönliches 

Album ist, das auf dem wahren Leben beruht – ein wenig verschönert 

durch schwarzen Humor. Hardcore Superstar sind, nebenbei gesagt, für 

die schwedischen „Bandit Rock Awards“ in den Kategorien „Beste Band“ 

und „Bester Live-Act“ nominiert. Hierauf angesprochen, wirkt Meister 

Berg, der musikalisch am stärksten von Iggy Pop beeinflusst wurde, 

sogar leicht verlegen und hofft, dass die Fans zahlreich abstimmen. Wer 

eines der begehrten Wacken Open Air-Tickets ergattern konnte, wird 

darüber hinaus in den Genuss kommen, sich live bei Hardcore Superstar 

das Haupthaar zu neuen wie alten Stücken vom Schädel zu bangen. 

Gibt es weitere Pläne für dieses Jahr, Jocke? Ohne zu zögern, feuert 

der Frontmann zurück: „Na, die Weltherrschaft an uns zu reißen! Was 

sonst?!“ Es könnte funktionieren... 

www.hardcoresuperstar.com 

Nadine Ahlig 


It’s only rock’n’roll (1998) 

Bad sneakers and a piña colada (2000) 

Thank you (for letting us be ourselves) (2001) 

No regrets (2003) 

Hardcore Superstar (2005) 

Dreamin’ in a casket (2007) 

Beg for it (2009) 

Split your lip (2010) 

C’mon take on me (2013) 

Line-Up: 

Joakim „Jocke“ Berg – Gesang 

Vic Zino – Gitarre 

Martin Sandvik – Bass 

Magnus „Adde“ Andreasson – Schlagzeug 


„Natürlich kann man 

es als Provokation 

verstehen...“ 

Woran denkt man, wenn man von der 

Steiermark spricht? An Berge, Wandern, 

Skiurlaub, aber wohl kaum an Industrial. Gut, 

dass man sich immer wieder eines Besseren 

belehren lässt. Denn ein Dreiergespann aus 

ebenjenem Teil Österreichs hat es sich auf 

die Fahne geschrieben, das tanzwütige Volk 

mit treibenden Bässen und stampfenden 

Beats zu verwöhnen. Mit ihrem ersten Album 

Alteration verdeutlichen sie gleich, woher der 

Wind weht, und zwar in einer ernsten Weise. 

„Diese depressive Stimmung ist sehr stark in 

der heutigen Gesellschaft verankert. Viele 

Leute sind ohne Perspektive, haben wenig 

Zeit für das Wesentliche und vergessen darum 

auch, wer sie selbst sind. Jeder hat mal eine 

Zeit im Leben, in der es einem vorkommt, 

dass nichts mehr so läuft, wie es soll. Man 

beginnt, den Fehler im System zu suchen, 

schaut, woran es liegen kann. Mit PsioniC will 

ich genau gegen diese Strömung agieren und 

den Blickwinkel wieder auf das Individuum 

fixieren“, erklärt Psi-001. „Ich persönlich 

kann mich oft mit Musik zu meinem Selbst 

besinnen, konzentriere mich aber auch auf die 

Menschen um mich herum, die mir wichtig 

sind – im Endeffekt muss man sich selbst dazu 

bewegen, sich nicht auf eine von Grund auf 

negative Stimmung einzulassen.“ 

Das Debut widmet sich Themen wie 

dem Loslassenkönnen und der leider 

weitverbreiteten Oberflächlichkeit unserer 

Gesellschaft. Titel wie Reckoning Day, Time to 

let go und Inner Peace seien hier als Beispiele 

genannt. Dem einen oder anderen dürfte das 

Projekt zudem schon durch eine der vielen 

Remixarbeiten bekannt sein. So wurde etwa an 

Alpha/Omega von Nachtmahr und Timewave : 

Zero von [Grendel] ein geschicktes Händchen 

angelegt. 

Für einiges Aufsehen wird wohl das Cover 

sorgen, ziert dieses doch ein Fötus. „Was steht 

mehr für eine Änderung oder Neuerung als ein 

Kind? Natürlich kann man es als Provokation 

verstehen, ich selbst sehe es eher als Sinnbild... 

Das Ungeborene steht in diesem Fall schlicht 

und einfach für den Keim des Gedankens, der 

langsam heranwachsen und gestärkt werden 

muss, damit er überlebt. Wenn man sich nicht 

dafür entscheidet, etwas zu ändern, und an 

diesem Gedanken nicht festhält, wird es nie zu 

einer Veränderung kommen.“ 

Momentan sind PsioniC mit der Planung 

diverser Auftritte beschäftigt, darunter auch 

eine Show im Wiener Viper Room, wo sie als 

Support für Hocico spielen. „Das Jahr 2013 

wird im Zeichen der Veränderung stehen. Was 

die weitere Zukunft uns allen noch bringen 

wird, ist ungewiss, doch so viel sei gesagt: 

Alteration ist erst der Anfang!“ 

www.psionic.at 


Line-Up: 

Psi-001 – Programmierung, Texte, Gesang 

funker101 – Live-Support, Texte, Gesang 

Bernhard P. – Live-Schlagzeug, Technik 


Jürgen Engler 

Nachdem die Welt am 

21.12.2012 nicht unterging: 

Neues Leben, neues Glück? 

Ich hab’ nie daran gezweifelt, dass es 

weitergeht. Der Mayakalender hat mich 

jedenfalls nicht aus der Fassung gebracht. 

Allerdings hat mich die Panikmache 

drum herum zur neuen Single 

Risikofaktor inspiriert. Also, in diesem 

Sinne: Ja, neues Glück! Die Nummer 

läuft hervorragend, nicht nur in den 

Clubs, sondern auch das Video dazu 

auf YouTube und anderen relevanten 

Kanälen. 2013 hat gut begonnen! 

Vampirromantik hin oder her 

– möchtest du ewig leben? 

Klar, ich will doch sehen, was ich sonst 

verpassen würde, wenn ich nicht mehr 

da wäre. Wenn ich den Alterungsprozess 

weiter aufhalten kann mit Abstinenz, 

kann das sogar noch was werden. Bei 

mir gibt es immer noch keinen Alkohol, 

Zigaretten oder andere Drogen im 

Leben. Ich muss also kein Vampir sein, 

damit es mich noch eine Weile geben 

wird. Und die gute Luft und all der 

Sonnenschein hier in Texas tun dann 

auch noch ihre Wirkung. 

Ist das, was wir sehen, auch 

das, was ist? 

Kommt darauf an, an was Du glaubst 

und wer Du bist. Spock würde Dir 

garantiert was anderes erzählen als 

Einstein oder Florian Silbereisen. Ich 

glaube an das, was ich sehe. Aber da ich 

nicht so gut sehe, ist es wiederum nicht 

so sicher, dass das, was sich auf meiner 

Netzhaut abbildet, auch tatsächlich ist. 

Ich lass’ mich da treiben und entscheide 

von Fall zu Fall. So ist das Leben 

spannender. 

Was ist gut/das Gute? 

Alles ist gut, oder? Kommt natürlich auf 

die Sichtweise an, und auf welcher Seite 

Du stehst. 

Was ist böse/das Böse? 

Dasselbe gilt hier. Allerdings hab’ 

ich schon klare Feindbilder, ohne die 

ich auch gar keine Musik und Texte 

schreiben könnte. Ich rate immer 

jedem, der es wissen will, dass man sich 

Feindbilder schaffen soll, um kreativ zu 

sein. Ohne geht es kaum, man verläuft 

sich dann nur in Belanglosigkeit. Das 

sieht Dieter Bohlen bestimmt anders, 

aber der ist ja auch der König von 

Deutschland. Der hat schon genug 

Feinde. 

Ist der Mensch von sich aus 

gut oder böse? 

Definitiv beides. In der Kindheit wird 

das alles ausgeprägt, je nachdem, was 

Du für einen Umgang und, vor allem, 

was für ein Elternhaus Du hast. Eine 

genetische Veranlagung, glaube ich, 

gibt es nicht. Ich hab’ noch keine Babys 

mit Hörnern gesehen. Das gibt’s nur in 

Rosemary’s Baby. 

Was war zuletzt eine gute Tat 

von dir? 

Ich hab’ einer Obdachlosen Geld 

gegeben, meine Mutter ins Kino 

ausgeführt und einem alten Freund 

mal wieder einen Job beschafft. Gibt 

noch einiges, aber ich will hier nicht als 

Heiliger dastehen. Ist ja uncool in der 

Szene. 

Was war zuletzt eine nicht so 

gute, also böse Tat von dir? 

Alles, was ich sonst so tue, natürlich. 

Welchen Neujahrsvorsatz 

hast du in deinem Leben auch 

eingehalten? 

Ich hatte noch nie einen bestimmten 

Neujahrsvorsatz. Für mich geht meine 

Mission ständig weiter, die Zeit macht 

dabei keinen Unterschied. Wenn es so 

was bei mir gäbe, wäre es, dass ich mir 

generell fest vorgenommen habe, treu 

zu bleiben, mich nie verbiegen zu lassen 

und unbeirrt meinen Weg zu gehen. 

Ich halte daran fest seit meiner Punk- 

Jugend. Steht, glaube ich, auch im 

Booklet der neuen Toten Hosen-CD. 

Welchen Neujahrsvorsatz 

wirst du wohl wiederholt 

vergeblich fassen? 

Siehe oben, ich wiederhole mich nicht. 

Deine wertvollste mit Geld 

erworbene Anschaffung? 

Die Frage könnte vom Finanzamt 

sein!? Es kommt darauf an, wie man 

„wertvoll“ definiert? Wenn es um die 

rein materiellen Werte geht, müsste ich 

jetzt wohl mein Haus, das Studio, die 

ganzen Instrumente und mein Auto 

nennen, aber das tue ich natürlich nicht 

gerne, denn ich definiere als „wertvoll“ 

vor allem Dinge, die einem noch mehr 

bedeuten als Materielles. Das ist meist 

nicht mit Geld zu kaufen. Aber absetzen 

kann man es dann auch nicht. 

Deine überflüssigste mit Geld 

getätigte Ausgabe? 

Das war definitiv das Kinoticket für 

den letzten Batman! Der Film reiht sich 

für mich ein in die schlechtesten Filme 

aller Zeiten. Was für eine Entgleisung. 

Dafür gibt es zwei schöne Filme von 

einem meiner Lieblingsregisseure, 

Robert Rodriguez, die dieses Jahr in die 

Kinos kommen werden und wo ich als 

Statist zu sehen bin, und zwar Sin City 

2 – A Dame to Kill For und Machete 

Kills. Muss doch mal kurz hier die 

Werbetrommel rühren. Bin ein bisschen 

stolz darauf. 


„Am liebsten würde ich alles verfilmen!“ 

„Auf Fluch der Zeit haben wir einzelne Songs 

aneinandergereiht, die gemeinsam eine Story ergeben. 

Alles passt komplex zusammen. Weiterhin zeigt FdZ 

viele Parallelen zu anderen Zeitepochen. Es geht um 

Hierarchie, Zukunftsängste und andere Themen. 

Sie wiederholen sich regelmäßig, und niemand lernt 

daraus... Das sieht man auch in der Arbeiterwelt. 

Hier wird geschickt von oben geschürt, um Hass und 

Neid zu erzeugen. Das verschafft der Obrigkeit freies 

Handlungsspiel, da man sich uneinig ist“, erzählt 

Heinz Fürl, der kreative Kopf hinter dem deutschen 

Metal-Projekt Eisenherz. Er zeichnet auch für die 

Lyrics verantwortlich, in welchen er sich meistens 

auf persönliche Lebenserfahrungen beruft. „Ich habe 

versucht, mir einiges von der Seele zu schreiben, und ich 

muss sagen, im Nachhinein hat mir das sehr gutgetan. 

Ein paar Songs sind aber auch einfach Träumereien, die 

in meiner Phantasie entstanden.“ 

Mit Fluch der Zeit bescheren uns Eisenherz ihr zweites 

Studioalbum nach einer Wartefrist von fast sieben Jahren. 

Wer über sie liest, findet oft die Kategorisierung „Neue 

Deutsche Härte“. Doch sollte man sich darauf nicht 

versteifen. Wohl kann man Ähnlichkeiten mit Szene- 

Größen wie Megaherz, Nachtblut oder Rammstein 

entdecken, doch pflegen die Bamberger ihren ganz 

eigenen Stil. „Ich finde auch, dass wir in keine Schublade 

passen. Am besten passt meiner Meinung nach noch der 

Begriff deutscher Metal mit Klassikeinflüssen – die auf der 

einen Seite harte Männervocals zeigen, die im Gegensatz 

zu einer lieblichen Frauenstimme stehen.“ Wie Heinz 

verrät, wurden die Klassikparts durch Musiker der 

Frankfurter Symphoniker eingespielt. 

Es wurde auch schon Kontakt mit diversen Regisseuren 

aufgenommen, denn ein paar Lieder sollen natürlich 

wieder durch ein Video untermalt werden. „Wie es 

momentan aussieht, wird der erste Clip Licht der Welt 

sein. Wir müssen uns noch entscheiden. Es bieten 

sich aber auch andere Songs an, zum Beispiel Vampir, 

Schlampenball oder Scheintot. Am liebsten würde ich die 

ganze CD verfilmen!“, lacht Heinz. 

Erste Releasekonzerte hat die Band bereits hinter sich, 

weitere Shows stehen in Planung. Mehrere Festivals 

sind ebenfalls bestätigt. „Außerdem arbeiten wir schon 

an Eisenherz III. Hier haben wir bereits einiges an 

Material. Es bleibt auf jeden Fall nicht langweilig!“ Na, 

dann sind wir mal gespannt, was wir in Zukunft von der 

sympathischen Truppe zu hören bekommen... 

www.eisenherz-band.de 



Eisenherz (2006) 

Fluch der Zeit (2013) 

Line-Up: 

Heinz Fürl – Gesang 

Yvonne Groh – Gesang 

Alexander Gerlich – Gitarre 

Michael Bayer – Gitarre 

Michael Erbshäuser – Bass, Keyboard 

Thomas Röder – Schlagzeug 


„Half Life ist ein Ich hasse dich, 

ich hasse dich, ich hasse dich.“ 

(Stephen Carey) 

Für The Eden House muss man eigentlich überhaupt keine Werbung 

machen. Zusammengewachsen aus Mitgliedern von Fields of the 

Nephilim, This Burning Effigy, Pink Floyd, Faith and the Muse, 

Anathema, Roxy Music, The Mission und einigen mehr, liest sich 

ihr Line-Up wie ein „Who’s who“ der Ikonen der Indie- respektive 

schwarzen Szene. Und abgesehen von einem harten Kern, wechselt 

diese Besetzung ständig. Die Fluktuation der Sängerinnen und anderen 

Gastmusiker ist kein „Unfall“, sondern zugrunde liegende Idee einer 

Band, die nicht am traditionellen Bandschema zu messen ist. 

„Mit jedem Album erfindet sich unsere Formation neu“, erklärt 

Basser Tony Pettitt. „Vorab können wir daher nie sagen, wie wir 

klingen werden“, fügt Gitarrist Stephen Carey hinzu. „Jeder Künstler 

bringt etwas von sich selbst mit in das Projekt. Was genau, ist jedes 

Mal wahnsinnig spannend!“ Im April stellen The Eden House das mit 

Half Life zum dritten Mal unter Beweis. Wer bis dahin die Ungeduld 

nicht erträgt, bekommt Anfang März durch die Singletitel Bad Men 

(OnTheirWayToDoBadThings) mit Monica Richards’ Stimme und 

Survival Instinct, gesungen von Amandine Ferrari, einen Vorgeschmack. 

Doch wo genau ist der Unterschied zu den Vorgängern zu verorten? 

„Wenn wir unser Debut Smoke & Mirrors zusammenfassen müssten, wäre 

das Ich liebe dich, ich liebe dich, ich liebe dich, mit dem Track To Believe 

In Something im Zentrum. Half Life dagegen ist ein Ich hasse dich, ich 

hasse dich, ich hasse dich. Es ist ein richtig wachgerütteltes und grantiges 

Ding geworden“, freut sich The Eden House-Gründer Stephen. Bereits 

2009, also direkt nach der ersten Veröffentlichung, wurde an diesem 

„Ding“ gefeilt. Noch ein kleiner Umweg über Release Nummer zwei 

sowie plötzlich abhandengekommene Vokalistinnen konnten Half Life 

verzögern, aber nicht aufhalten. „Bei einem Gemeinschaftsprojekt kann 

man eben nichts erzwingen“, musste Stephen feststellen. „Jeder Beitrag, 

den wir bekommen, ist ein Gefallen, eine Ehre!“ Das verschlingt 

viel Zeit – die aber auch Tony, ebenfalls Mitglied der ersten Stunde, 

gerechtfertigt sieht: „Wir hatten echt Glück, dass wir wieder eine ganze 

Reihe großartiger Sängerinnen für uns gewinnen konnten“, begeistert 

er sich und lacht: „Manchmal kann ich selbst kaum glauben, wen wir 

schon alles dabeihatten.“ 

Doch was in der ursprünglichen Form eines Studioprojekts viele 

Freiheiten gewährt und mit seiner vielfältigen Dynamik die Arbeit 

immer wieder neu belebt, kann auf der Bühne kompliziert werden. 

„Live bereitet eine solche Konstellation schon mal Kopfzerbrechen. 

Das kann ich eigentlich niemandem empfehlen“, witzelt Stephen. „Du 

hängst von den Terminplänen so vieler anderer Leute ab... das hat mit 

Freiheit plötzlich nichts mehr zu tun.“ Deswegen wollen The Eden 

House bei den anstehenden Gigs mit Laura Bennett und Jordan Reyne, 

die dann die Stücke der anderen Künstlerinnen covern, ein einheitliches 

Line-Up präsentieren. Ob und wann ihre Route sie durch Deutschland 

führen soll, wird momentan heiß diskutiert. 

www.theedenhouse.com 

Miriam Claus 


Smoke & Mirrors (2009) 

The Looking Glass (2010) 

Half Life (2013) 


„Wenn es jeder macht, ist es nur dekadent...“ 

„Restless music for restless minds“, klassifizieren 

Chainreactor ihren Sound. Und hört man die 

Tracks des Düsseldorfer Duos, wird man sich 

der Ruhelosigkeit bewusst. Das dritte Album 

macht dies schon durch seinen Titel deutlich 

– The silence & The noise. „Inzwischen kann ich 

auch meine ruhigen Momente finden“, sagt Jens 

Minor. „Die markante Beschreibung stammt 

aus einer Zeit, als ich mir noch sehr viele 

Gedanken über alle möglichen Dinge gemacht 

habe, die mir keine Ruhe ließen. Ein Phänomen 

der heutigen Zeit, das viele kennen.“ 

Folglich ist es für den Hörer ein Leichtes, 

sich in die Lieder hineinzuversetzen. Da 

sind stampfende, treibende Rhythmen, 

ohne störendes Beiwerk. „Wichtig finde ich 

persönlich immer, dass die Musik ehrlich 

ist. Ich versuche durch gezielten Einsatz von 

Sprachsamples bestimmte Zustände oder 

Emotionen zu transportieren.“ Beispielsweise 

wirkt TZCS („Tod, Zerstörung, Chaos, 

Schmutz“) beklemmend, und so liegt es nahe, 

dass man sich auf der Tanzfläche wahrhaft Luft 

verschaffen will. Über die gesamte Albumlänge 

fällt positiv auf, dass das TBM-Projekt auf die 

in diesem Sektor gern verwendeten Stilmittel 

in Form von vulgären und primitiven Samples 

verzichtet. „Künstlerische Freiheit hin oder her 

– ich bin überzeugt, viele bedienen sich solcher 

Mittel, da sie sonst Gefahr laufen würden, dass 

ihre Verkaufszahlen sinken. Das funktioniert 

aber nur als gezielte Grenzüberschreitung, 

als Provokation. Wenn es jeder macht, ist es 

eigentlich nur dekadent und langweilig.“ Jens 

betont, es sei gerade das Geheimnisvolle, was 

jeder für sich aus den Nummern erschließt. 

Dass ein jeder seine eigene Interpretation findet. 

Als treibende Kraft beim Songwriting nennt er 

ganz klar: den Beat. „Einen Sound zu erschaffen, 

der in meinen Ohren perfekt klingt und mit 

keinem anderen auf der Welt vergleichbar ist 

und trotzdem von jedem sofort verstanden 

wird.“ 

Bei dieser Mission springt ihm neuerdings 

Kay Schäfer (Amox Mind) zur Seite. „Wie 

das unter Musikern oft ist... man kennt sich. 

Als ich letztes Jahr bei seiner Veranstaltung in 

Wuppertal teilgenommen hatte, sind wir in 

Kontakt geblieben. Da es dann auch menschlich 

passte, war er eigentlich die perfekte Ergänzung. 

Er hat die Vocals bei Gas panic eingesungen, 

und da er ja als Stagesupport bei den Konzerten 

mitwirkt, kann er dieses Stück auch direkt live 

performen. Das ergibt nochmals eine ganz 

andere Dynamik.“ 

Natürlich soll die Frage nicht ungestellt 

bleiben, was Jens in unserer Welt der immer 

stärkeren technischen Vernetzung an Vorteilen 

sieht? „Die Möglichkeiten des digitalen 

Informationsaustauschs sind mittlerweile schier 

unbegrenzt, und die bisherigen Medien rücken 

leider immer mehr ins Hintertreffen. Es ist 

wichtig, dass beides zur Verfügung steht.“ Für 

die nächste Zeit dürften Chainreactor mit der 

Planung diverser Releasepartys beschäftigt 

sein, etwa im Rahmen der „Dance Infection“ 

am 09. März in Troisdorf. Zum Abschluss 

findet Jens treffende Worte: „Es ist alles ein 

laufender Prozess, der nie endet. Wie eben eine 

Kettenreaktion.“ 

www.facebook.com/chainreactor 



X-tinction (2009) 

Insomniac (2011) 

The silence & The noise (2013) 

Line-Up: 

Jens Minor – Programmierung 

Kay Schäfer – Gesang, Live-Programmierung 


neuerscheinungen 

roBerT PoLZAr 

ZuHause bei Hitlers 

hitler und Paul, der Pole, gründen gemeinsam 

eine Wg in einer Wohnung mit einem sehr großen 

Zimmer, durch das sie quer eine Mauer ziehen. 

nacheinander folgen eine österreichische, eine 

französische, eine russische, eine englische und 

weitere Parteien im haus. Was dann passiert, 

braucht sich hinter den ereignissen des Zweiten 

Weltkriegs nicht zu verstecken... 

robert Polzar erzählt die äußerst unterhaltsame 

geschichte einer Wg rund um den schrulligen 

hitler. Die Analogie der ereignisse zum Zweiten 

Weltkrieg ist natürlich rein zufällig. 

PhiLiPP neunDorf & Dirk BerneMAnn 

icH Hab die unscHuld kotZen … | comic 

„ich hab die unschuld kotzen sehen“, ein literarisches 

statement mittels dessen sich Autor 

Dirk Bernemann vor fast 10 Jahren in die herzen 

einer quasi unvorbereiteten Leserschaft schrieb, 

liegt nun als comic vor. Zeichner Philipp s. neundorf 

hat die essenzen der geschichten verbildlicht 

und jeden erzählstrang mit comickunst geschmückt, 

was dieses Buch in eine weitere, 

bislang unbekannte sphäre zu schießen vermag. 

robert Polzar, Zuhause bei hitlers 

Taschenbuch | 208 s. | 9,99 € | isBn: 978-3-942920-23-0 


P. neundorf & D. Bernemann, ich hab die unschuld kotzen sehen 

hardcover | 92 s. | 14,99 € | isBn: 978-3-942920-19-3 


JeTZT BesTeLLen unTer WWW.unsichTBAr-VerLAg.De

Orkus! COMPILATION 87 

Liebe Leserin, lieber Leser, 

wir wünschen Dir viel Vergnügen mit der 87. Ausgabe unserer Samplerreihe! 

Sei der Talentscout! Entdecke Du die beste Band. Hier anhören und dann voten auf www.orkus.de! 

Mit Deiner Band auf der nächsten Orkus! Compilation sein? Bewirb Dich einfach unter cd@orkus.de! 

MISERYLAB 

children of the poor 

Porl King kennt man vielleicht noch als Fronter der legendären Rosetta 

Stone. Seit ein paar Jahren veröffentlicht er nun schon unter dem 

Namen miserylab Lieder, die nach Gerechtigkeit, sozialer Gleichheit 

und Toleranz schreien. Schwere Themen, welche zum Transport ihrer 

Botschaften entsprechende Hymnen benötigen. Ob children of the poor 

mit seinem reduzierten Post Punk eine solche ist, darfst Du gern selbst 

überprüfen... 

RADARFIELD 

FightN Machine 

Der Name Radarfield 

spiegelt die Vision, sichtbare 

wie unsichtbare Welten zu 

erkunden („Radar“), um 

Informationen aus dem 

Fassbaren, Unfassbaren und 

Phantastischen akustisch 

wiederzugeben („Field“). 

Von Alternative über Dark 

Wave ist die Band jetzt bei 

Electronica gelandet und 

thematisiert in ihrem stark 

minimalistischen FightN Machine motivgesteuerten Mord und das Leid 

der Hinterbliebenen. 

ROBOTON 

Cheap Talk 

Seit fünf Jahren hat ein Roboter drei Münchner fest im Griff und weist 

ihnen den musikalischen Weg. Das Resultat ist erneut auf unserer 

Compilation vertreten und kann sich absolut hören lassen: Electround 

beatlastig, vocoderverliebt und sehr tanzbar. Roboton sind durch 

Künstler wie Kraftwerk, Tommi Stumpff oder Miss Kittin inspiriert. 

Inspiriert Cheap Talk Dich zum Tanzen? 

SALINE GRACE 

Memory Lane 

Die akustischen Instrumente könnten aus einem Antiquitätenladen 

stammen. Eine Stimme, irgendwo zwischen Leonard Cohen und 

Nick Cave. Slidegitarre und gezupfte Melodien, die einem staubigen 

Western entsprungen scheinen. Klingt interessant? Dann mach Dir mit 

Memory Lane Dein eigenes Bild von Saline Grace und lass Dich von der 

meditativen Atmosphäre gefangen nehmen. 

NETZ 

Love Story 

Im Zeitalter der 

Leuchtstäbchen setzt 

Exit Märchenland 

einen konsequenten 

Kontrapunkt und 

verdient dafür 

großes Lob. Es gibt 

sie tatsächlich noch – Alben, die nicht von A bis Z auf Club getrimmt 

sind, sondern mit Ideen, Strukturen, Konzepten, Melodien und 

ausgefeilten Arrangements überraschen. Love Story widmen NETZ all 

jenen, die jemanden vermissen... vielleicht hilft ihr „Electronic Power 

Pop“ ja? 

GASHER G.14 

Am Anfang 

„Am Anfang ist das Licht.“ Diese so unrichtige wie eingängige Parole 

läutet das neue Werk Der Sonnengott von Multigenie Gasher G.14 

ein, welches anschließend in komplexen musikalischen Arrangements 


die Geschichte eines fiktiven Weltallhausmeisters erzählt. Klingt nach 

einer Mischung aus Karl Valentin und schwerer Kost? Wer seinen Stil 

„Doom Knarz“ oder „neodepressive Umkehrgotik“ nennt, kann damit 

wahrscheinlich sogar leben. 

bestaunen, welche den Bogen von epischem Death Metal bis hin zu 

Balladen mit cleanem Gesang spannen. 

BERKWERK 

Illiterate Love 

Berkwerk begann anno 2000 als reines Homerecordingprojekt von 

Oliver Gürtler. Der Kauf diverser Hardwaresynthies und der Aufbau 

eines richtigen Studios brachten den Umschwung; nun wurde das 

Debut Workmachines veröffentlicht. Der Sound ist eine Melange aus 

klassischem Electro, ein wenig Die Form und viel Gesang, denn kryMe 

gibt dem Ganzen mit ihrer Stimme den letzten Kick. 

DR. GEEK AND THE FREAKSHOW 

Ghoul Shock 

Wenn sich ein irrer Wissenschaftler, ein 

„Hirngourmet“ und deren Leibwächter 

zusammentun, um kleine, feine und 

ohrenschmeichelnde Punk-Nummern 

mit morbidem Touch einzuspielen, 

ist man froh, dass unsere heutige 

Medizin einiges von lebenserhaltenden 

Maßnahmen versteht, sind Dr. Geek 

and the Freakshow doch bereits seit 

Jahrhunderten tot. Dafür klingt Ghoul 

Shock aber ziemlich lebendig! 

DARKEST HORIZON 

Skybreaker 

Nach ihrer hoch gelobten Debut-EP Shattered Skies stürmt jetzt Scattered 

Worlds das Schlachtfeld. Dass Darkest Horizon nichts verlernt haben, 

zeigt Skybreaker. Auch diesmal gibt es filmreife Kompositionen zu 

EISHERZ 

Rumpelstilzchen 

Bei Eisherz ticken die Uhren ein wenig anders. Nicht nur klingen die 

Jungs mit ihrer Mischung aus NDW, Wave und Minimalelektro zwar 

anachronistisch, aber frisch. Dem Release von Kalte Zeiten (2006) folgte 

erst vier Jahre später das nächste Lebenszeichen in Form eines Clips. 

2012 dann plötzlich ein Beitrag für unsere Compilation und ein weiteres 

Video. Wo soll das noch hinführen? Etwa zu einem neuen Album? 

BLACK TEARS 

Dunkelziffer 

Black Tears starteten als ein Projekt, um eigene Erfahrungen zu 

verarbeiten. Doch seit geraumer Weile spielen sie sich erfolgreich in die 

Herzen der Hörer, ohne dabei vom Mainstream beeinflusst zu werden. 

Irgendwo zwischen düsteren Balladen und knackigem Rock finden wir 

Stücke, die das Leben selbst schreibt. Auch Dunkelziffer beweist dies mit 

seinem durchaus provokanten Text. 

Sei der Talentscout! Entdecke Du die beste Band. Hier anhören und dann voten auf www.orkus.de! 


Auf Wiedersehen Boy 

Der Titel fiel mir ein, als ich am städtischen 

Krankenhaus vorbeiging. Meine Mutter hat 

dort gearbeitet. Ich wurde dort geboren. Meine 

Kinder sind dort geboren. Ich war oft mehrere 

Tage wegen meiner Migräne dort. Es ist übrigens 

nicht das erste Mal, dass so etwas passiert. 

Seltsam, wie mich dieses enorme Gebäude 

immer wieder inspiriert. Der Song entstand sehr 

schnell, war jedoch einer der letzten fürs Album. 

Lorry ist buchstäblich auf und ab gesprungen, als 

ich ihm das Demo vorgespielt habe. Wir waren 

uns einig, dass dieses Lied genau das ist, was dem 

Album noch fehlte. 

Bye-Bye Borderline 

Diese Idee geht in großen Stücken auf Lorry 

zurück. Es war seine erste Programmierung, 

nachdem er von Pro Tools auf Logic umgestiegen 

war. Ich habe dann komischerweise einen ganzen 

Song daraus gebastelt. All die separaten Tracks 

waren plötzlich verschwunden. Sehr mysteriös, 

da es Tausende Back-ups gab. Alex hat dann alles 

noch mal gemacht, er ist nämlich ein echt guter 

Programmierer und erledigt eine Menge solcher 

Sachen für uns. Die Lyrics sind sehr untypisch 

für Zeromancer. „Shut up while the intellectuals 

make out“ oder „I won’t introduce you to my 

headaches, babe“. Der Titel war aber immer 

schon da. Ich starte immer mit dem Titel. Ich 

hatte auch recht früh das Gefühl, dass dieser hier 

zugleich der Albumtitel sein würde. 

LCYD 

Für mich der essenzielle Hit auf dem Album. 

Man braucht wahrscheinlich ein paar Male, um 

dieses Lied voll greifen zu können. Es beginnt 

mit verzerrtem Bass und einer Drummachine, zu 

der Noralf zusätzlich spielt. LCYD steht für „Love 

Cut You Deep“. Doch das war viel zu kitschig, 

um der Titel zu werden. Ich bin ziemlich stolz 

auf dieses Stück, weil es die perfekte Mischung 

zwischen einem Hit und einem klassischen 

ZMR-Song bildet. Außerdem haben wir es, wie 

andere auch, höher eingespielt, sodass sich Alex 

teilweise ganz schön anstrengen musste, um 

die hohen Töne gut zu treffen. Aber wie immer 

lohnt es das Resultat zu 100 Prozent. 

You Meet People Twice 

Einer meiner Favoriten. Alex hat mir die Idee 

dafür zugespielt, und ich war sofort Feuer und 

Flamme. Die Basis war in nur wenigen Stunden 

fertig. Der Titel stammt von Peddy, unserem 

Bookingassistenten. Bei einem Meeting sagte 

er, dass man Leute immer zwei Mal trifft. Also, 

dass man sie nicht schlecht behandeln oder 

schlecht über sie reden soll. Das kommt immer 

zu einem zurück. Unser neues Material haben 

wir wie eine echte Rockband geprobt, was man 

eventuell hört, was aber wohl auch daran liegt, 

dass es so konzipiert ist. Uns selbst fiel das erst 

bei den Tourvorbereitungen auf. Für Teile des 

Tracks habe ich ein Streicherkeyboard aus den 

Achtzigern gekauft. Für diese Synths hege ich 

eine Vorliebe, seit ich in der fünften Klasse ein 

Fan von Kraftwerk wurde. 

Manoeuvres 

Ich kann mich erinnern, dass ich im Radio 

P!nks Raise Your Glasses gehört habe und bitter 

enttäuscht war. Ich hatte nämlich mit Alex im 

Herbst 2010 dieses Lied geschrieben, dessen 

Refrain lautet: „Raise your glass to pain and 

suffering.“ Natürlich konnte die Idee nicht bloß 

wegen P!nk verworfen werden. Aber wir haben 

nicht von ihrer Hitsingle geklaut! Ich liebe die 

Monotonie der Strophen, die überraschend in 

einen wesentlich melodischeren Part wechselt. 

Wir haben auch einen Vocoder gekauft, dank 

dem Lorry auf der „Tortured Artist“-Tour 

großen Spaß haben wird, roboterhafte Stimmen 

zu kreieren. 

Weakness 

Ich wollte schon immer einen Gibson- 

Halbresonanzbass aus den späten Sechzigern 

haben. Nun habe ich ihn. Lustig, was man 

so mit eBay und einem treuen Fan über den 

Atlantik holen kann. Wir stellen ja immer leicht 

unorthodoxe Dinge mit unseren Instrumenten 

an. Das gibt den Sounds einfach Charakter. 

Hier haben wir die Bassgitarre mit einem alten 

Choruspedal ein hohes Riff spielen lassen. Ich 

konnte es mir nicht verkneifen. Das ist wohl ein 

Markenzeichen von Peter Hook (Joy Division 

und New Order), hat aber perfekt in diesen 

ZMR-Song gepasst. 

Lace and Armour 

Die Basics stammen hier von Lorry. Er hat mal 

wieder verzerrte Beats und Bässe aufgenommen. 

Doch alles wird anders, sobald wir Noralf 

ins Studio holen. Kaum ist das Schlagzeug 

involviert, wandelt sich ein Stück dramatisch. 

Es ist kein Geheimnis, dass ich ein Faible für 

Strapse, Spitze, Netzstrümpfe und so weiter 

habe. Es ist ein Lied über Verlangen und Lust. 

Wie viele andere auch. Lace and Armour ist 

lediglich etwas offener. Ein wenig ehrlicher. Ich 

bin es, der am Ende auf dem alten Minimoog 

herumklimpert. Ich benutze ihn für viele Songs. 

Auch mit Ljungblut. Wenn man die Gitarren 

anschließt, erhält man durch das Filtern einen 

Sound, den kein Pedal hinbekommt. Für mich 

ist es der beste Synthesizer, der je gebaut wurde. 

Montreal 

Die Ballade. Braucht jedes Album. Houses of 

Cards war die auf Clone Your Lover. Cupola 

auf Eurotrash. Famous Last Words auf ZZYZX. 

Ammonite auf Sinners International. Mint 

auf The Death of Romance. Viele unserer Fans 

lieben Montreal bereits jetzt. Eine Anhängerin 

aus Mexiko erzählte mir, dass sie beim ersten 

Hören geweint hat. Die beste Reaktion, wenn 

Ihr mich fragt. Besser als jede Review! 

Ash Wednesday 

Die seltsame Nummer. Ich war gegen Ende 

unsicher, ob sie es überhaupt schaffen würde. 

So viele unterschiedliche Parts, so viele 

verschiedene Tempi... Ein ziemliches Puzzle, 

das wir aber letztlich gelöst haben. Der Text 

ist auch komisch. Einerseits geht es um ein 

Mädchen, das zu einem Fetish-Ball in einen 

Club namens Hollycoast ausgeführt wird. Den 

gibt es nicht. Doch als wir in Hollywood 

lebten, haben wir am Wochenende öfters 

mal in ähnliche Clubs reingeschaut. Sie hatte 

ich im Hinterkopf. Aschermittwoch selbst ist 

der Tag, an dem für die römisch-katholische 

Bevölkerung die Fastenzeit beginnt. Bei der 

Messe kriegen sie ein Aschenkreuz auf die 

Stirn gemalt. Das war die Inspiration für das 

Albumcover. 

The Tortured Artist 

Alex nimmt seinen Gesang für gewöhnlich 

alleine auf. Ich ebenfalls. Zuerst glaubte ich, ich 

würde die Vocals für diesen Song aufnehmen. 

Dann bekam ich die Audiofiles von Alex, und 

er hatte es einfach auf den Punkt gebracht. 

Ich schrieb ihm sofort eine Mail zurück, dass 

das unser Lied sei – all der Schmerz, den wir 

erleben mussten, seit wir 1989 mit Seigmen 

angefangen haben, gemeinsam zu spielen. 

Nicht nur all die harte Arbeit, die Tiefschläge 

und der Mist, welcher einem in diesem heiklen 

Business so widerfährt. Auch meine Migräne, 

unter der ich seit meiner Kindheit leide. Alex’ 

Rheuma, das ihn seit seinen Zwanzigern plagt. 

The Tortured Artist ist auf diesem Album unser 

stolzester Moment. Es ist definitiv das Stück, 

das mir am meisten bedeutet. 



„Liebelei, Gebete und Kriegsgeschrei!“ 

Du liebst gute Musik und alte Literatur, am besten auch noch 

in Kombination? Dann bist Du bei Helium Vola auf jeden Fall 

richtig. Keiner erschafft so gekonnt wie Ernst Horn (Deine Lakaien) 

Albenkonzepte, die teils ganze Stücke durchziehen und manchmal 

auch nur einzelne Passagen ausmachen. Er gründete das Projekt 2001, 

nachdem er QNTAL verlassen hatte. Und bereits an der Namenswahl 

kann man sein Faible für historische Sprachen ablesen. „Helium Vola“ 

ist Latein und heißt so viel wie „Helium, flieg!“ – eine Anspielung auf 

jenes Edelgas, welches Luftballons in höhere Sphären katapultiert. Horn 

holte sich noch die klassisch ausgebildete Sängerin Sabine Lutzenberger 

an Bord, mit der er bis heute zusammenarbeitet. 

Jetzt dürfen wir uns endlich auf Album Nummer vier freuen, das über 

das bandeigene Label erscheint. Wohin? zeigt erneut, dass die Musik von 

Helium Vola nicht einfach nur als „Musik“ bezeichnet werden kann, 

sondern wahrlich als Kunst. Auch für Ernst Horn ein spezieller Moment: 

„Ja, dieses Mal ist es etwas Besonderes. Ich erwarte die Veröffentlichung 

schon sehnsüchtig. Der Grund dafür ist, dass ich zum ersten Mal ein 

komplett fertiggestelltes Album wieder verworfen habe!“ Das Werk war 

ursprünglich unter dem Titel Quodlibet („Wie’s beliebt“) geplant. Es 

hätte eine recht lose Sammlung von Vertonungen älterer und neuerer 

hat es die Münchner Künstlerin Bettina Stickel; das Booklet bietet sogar 

alle Texte in Originalsprache, Deutsch und Englisch. 

Nun wollen wir natürlich noch wissen, was die Frage „Wohin?“ beantworten 

soll. „Wie der Titel entstanden ist, weiß ich selber nicht mehr genau. Es 

kam bei der Überarbeitung des Albums. Bei der ganzen musikalischen 

Sucherei, vielleicht auch wegen der einen oder anderen persönlichen Krise 

in den letzten beiden Jahren. Manchmal kam ich mir wie ein hilfloses 

Kind vor, das nicht so recht weiterweiß. Ehrlich gesagt, hab’ ich mir des 

Öfteren überlegt, ob der Titel gut ist oder nur die Steilvorlage für Fragen à 

la: Wohin geht die Reise, Herr Horn? Nach Anhören des Albums wissen wir es 

auch nicht, wohl eher aufs Abstellgleis...“, lacht Ernst. Nein, aufs Abstellgleis 

geht es mit Wohin? bestimmt nicht. Der studierte Dirigent, Pianist und 

Komponist hat sich hier nämlich selbst übertroffen. 

Dies alles erwächst nicht zuletzt aus der fabelhaften Symbiose, welche 

Ernst Horn mit seinem Stammkollegium bildet. Bei Wohin? arbeitete 

er neben Sabine Lutzenberger auch mit Gerlinde Sämann, Andreas 

Hirtreiter und Joel Frederiksen, die man bereits von früheren Tonträgern 

kennt. Frisch an Bord holte er Priska Eser-Streit, die sonst im Chor des 

Bayerischen Rundfunks singt, und Hannah Wagner, eine junge Sängerin 

und Komponistin, die an der Leipziger Musikhochschule studiert. 

Lyrik bieten sollen. Doch es wurden noch Lieder hinzugefügt und das 

Konzept angepasst. Nach rund zweijähriger Produktionsphase resultierte 

daraus ein Doppelalbum, das schier einem zweistündigen Epos voller 

Dramatik, Sehnsucht und Leidenschaft gleicht. Zu diesem monumentalen 

Werk gibt es auch wieder eine Geschichte. Ein dahinterstehendes Konzept: 

„Ja, natürlich. Es gibt zwei Gedichte, die einen Rahmen bilden. Eines 

ist am Anfang in lateinischer Sprache und handelt von der Klarheit des 

Denkens. Das andere ist am Schluss und auf Mittelitalienisch. Es handelt 

von dem Adlerflug und soll ihn als Symbol für die höchste Kunst 

darstellen. In der Mitte drinnen tobt das ordinäre Leben – Liebelei, Gebete 

und Kriegsgeschrei!“ 

Betrachtet man die diversen Sprachen auf Wohin?, fühlt man bestätigt, 

dass es sich hier um ein wirklich bemerkenswertes Projekt handelt. 

„Dieses Mal haben wir sehr viele Sprachen verwendet. Es gibt sehr 

viele mittelhochdeutsche Gedichte, aber auch Galicisch, Provenzalisch, 

Lateinisch und neuere Lyrik“, erzählt Ernst. „Was die neuere Lyrik betrifft, 

hab’ ich auch ein Sonett meines Lieblingsdichters Francesco Petrarca im 

Gepäck, sowie einen deutschen Text von Sabine Lutzenberger und sehr 

viel Selbstverbrochenes von mir auf Deutsch und Englisch.“ Diese Vielfalt 

macht das Album einzigartig. Auf zwei CDs werden insgesamt 19 Tracks 

präsentiert. Klassische Melodien, verbunden mit modernen Elementen der 

Extraklasse. Auch das Artwork ist nicht von schlechten Eltern. Gestaltet 

Live-Auftritte mit dem neuen Material sind bisher nicht geplant. 

„Es ist leider so schwer, Termine zu finden, zu denen alle Zeit haben. 

Außerdem würde ich das wirklich aufwändig gestaltet haben wollen, 

und da wird’s dann teuer. Aber jetzt, da ihr fragt, fange ich wieder an, 

darüber nachzudenken...“, gesteht Ernst. Und dass Helium Vola auch live 

ein Genuss sein dürften, scheint wohl klar. Wohin? ist mehr als nur ein 

Album. Es ist eine Geschichte, die man erleben muss, und Du solltest 

die Einladung, diese Reise gemeinsam mit Ernst Horn und Sabine 

Lutzenberger zu unternehmen, nicht ausschlagen. Die Tore für eine 

Wanderung durch das mystische Mittelalter, durch die moderne Lyrik, 

historische Musik und elektronische Avantgarde sind geöffnet! 

www.facebook.com/heliumvola 



Helium Vola (2001) 

Liod (2004) 

Für euch, die ihr liebt (2009) 

Wohin? (2013) 

Line-Up: 

Sabine Lutzenberger – Gesang 

Ernst Horn – Keyboard, Produktion 


Die Solo-Pfade haben ihn in die Glückseligkeit geführt. Na ja, zumindest 

in sein persönliches Orgiastic Paradise. So heißt das Erstlingswerk von 

Claudio Hausers Neustart mit Script 6. „Bei diesem Projekt habe ich 

mich von Anfang an sehr gut gefühlt“, erzählt er. „Es gab in der Zeit der 

Produktion eigentlich gar keine richtig schwierigen Situationen. Keinen 

Streit, keine Diskussion mit Mitmusikern oder so was. Ich konnte quasi 

alles – von den Beats, den Harmonien, dem Gesang oder, welche Gitarren 

passen – so umsetzen, wie ich es mir vorgestellt hatte.“ Das galt für ihn 

nicht immer: Von 2000 bis 2005 war er mit dem Gespann :spasmodique: 

unterwegs. „Das wurde immer schwieriger“, meint er. „Jeder vertrat 

eine andere Musikrichtung und teilweise auch eine andere Idee.“ Der 

persönliche Bezug ging in die Brüche. Auch der Versuch, 2011 noch 

einmal etwas mit dem früheren Gitarristen gemeinsam aufzuziehen, 

scheiterte recht fix. 

Zwischenzeitlich war Claudios Industrial-Projekt Theorem geboren... 

und wieder verworfen worden. „Für viele ist das wahrscheinlich einfach 

Krach. Aber in der Industrial-Szene kam es ganz gut an“, erinnert er sich. 

Heute jedoch ist das bedeutend ruhigere Script 6 „einfach mein Ding. 

Man fühlt anders in den verschiedenen Epochen seines Lebens“, erklärt 

er den Wandel. „Und ich habe es somit auch anders empfunden, Musik 

zu machen. Es war nicht unbedingt ein Plan, alles anders zu machen. 

Aber manche Musik höre ich selber nun nicht mehr oder nur wenig. Mit 

so einer Sache dann weiterzumachen, das wäre komisch!“ 

Immer noch als klares elektronisches Bekenntnis, doch sphärisch- 

„ambienter“ kommt jetzt Orgiastic Paradise daher. Überhaupt sei seine 

Grundstimmung in dieser Zeit sehr intensiv gewesen, schwärmt der 

Sänger. Bilder seines Lieblingsmalers Hieronymus Bosch spukten bei der 

Produktion durch Claudios Gedankenwelt, eine mysteriöse Verbindung 

zu einer Dame, die er als seine „Dualseele unbekannterweise“ bezeichnet, 

und auch sein Dasein als Reisender. Denn 200 Tage pro Jahr im Ausland 

unterwegs zu sein, ist für ihn keine Seltenheit. 

Kontrastreich zu dem hypnotisch-wogenden Klangmeer erscheinen teils 

Texte, Titel wie Rock’n’Roll Lady Shave oder Videos mit Gummipuppe 

auf seiner Homepage. „Das mag sicher für viele was Kryptisches haben“, 

lacht Claudio, „aber jedes Detail hat seinen Hintergrund!“ Begierde, 

Liebe, Sehnsucht kommen darin zum Ausdruck. Ob – wie bisher 

– ausschließlich aus dem Studio oder auch mal live, das ist gerade im 

Gespräch. „Durchaus eine Option“, nennt es Claudio. Doch die konkrete 

Bühnenumsetzung müsse ihm ebenso zusagen wie sein jüngstes Solo- 

Projekt. 

www.script6.de 

Miriam Claus 

Java Guidi ist immer für eine Überraschung gut. Gerade ist die 

Allroundkünstlerin mit ihrem ersten Album Stop Dying in den Indie 

Disko Trendcharts und Deutschen Club Charts durchgestartet. Ihr 

Markenzeichen: elektronisch-minimalistischer Pop. Individuell und 

auf die Details fokussiert. Ihre Stimme und Aussage bleiben klar im 

Vordergrund. 

Ihr Debut, gemeinsam mit dem Klangmeister Christoph Varga produziert, 

bezeichnet sie als ein Konzeptalbum, ein gänzlich eigenständiges Projekt. 

„Wir haben uns zusammengesetzt und uns bewusst gemacht, wie wir das 

haben wollten. So cool, so simpel wie möglich.“ Bei diesem Prozess, erzählt 

sie, flogen sämtliche ihrer vorab geschriebenen Balladen und Lovesongs 

raus. Auf einem möglichen zweiten Album könnten sie wieder Einzug 

halten, überlegt die Berlinerin. 

Diesmal durften und sollten die Lieder ordentlich provozieren. Einen 

Eindruck, was sie damit meint, liefert gleich der Opener Judge me, Bitch. 

Wer nun aber hinter dieser Zeile ein prolliges Wesen vermutet, das zum 

Einstieg erst mal kräftig austeilt, wird wieder überrascht. Ebenso, wer Java 

Guidi als Schauspielerin kennt, die quirlig plappernd und ein bisschen 

verrückt durch die Szenerie fegt. Im Gespräch wirkt die Halbitalienerin 

eher schüchtern. Und gedankenvoll: „Mich nervt diese ganze Bewertungsund 

Beurteilungsgesellschaft“, gesteht sie frei heraus. „Judge me, Bitch ist 

eine bewertende Aufforderung, und gleichzeitig verurteilt es selber.“ Die 

Provokationen, die sich auftürmenden negativen Passagen in Money sucks 

Dicks – sie alle relativieren sich durch ihr Zusammenspiel, so Java. Auch 

der Titel unterliegt diesem Gedankenkonstrukt: „Ich wollte unbedingt die 

zwei negativsten Worte, die mir so einfallen, zusammen aber wieder eine 

gute Bedeutung haben“, erklärt sie. Denn auf dem Album gehe es um 

einen Zustand des Vor-sich-hin-Sterbens... nicht tot sein, aber auch nicht 

richtig leben. „Vielleicht war es für mich selbst eine Phase, um mit dem 

Todesthema abzuschließen“, schiebt sie hinterher. Erneut ein unerwartetes 

Bekenntnis. 

Die ausgekoppelte Single Addicted ist unerhört sexy, Killer in Me stellt für 

sie selbst das verstörendste Stück dieser Kollektion dar, das lebensbejahende 

Now spricht ihr am meisten aus der Seele. „Wer sich eingehender mit den 

Texten beschäftigt, findet immer noch eine Schicht darunter“, betont die 

Sängerin. Die Message: Alles Schöne hat auch seine dunklen Seiten und 

umgekehrt. 

www.javaguidi.com 

Miriam Claus

„Alles ist hoffnungslos...“ 

Porl King ist nicht nur ein Freund kühler Cold Wave-Klänge, sondern 

auch ein Mensch mit klaren Visionen: Der Mastermind hinter dem Ein- 

Mann-Projekt miserylab blickt lieber nach vorne als in die Vergangenheit. 

Zur Veröffentlichung der Werkschau Documentary, welche 17 Tracks aus 

den Jahren 2008 bis 2012 umfasst, macht der Brite aber eine Ausnahme 

und entpuppt sich als politisch bewanderter, wenngleich desillusionierter 

Künstler. 

„Laurent vom Label D-monic kam mit dieser Idee“, erzählt Porl über 

den Anstoß für seine zweite Retrospektive nach lab samples (2009). „Und 

es war genau der richtige Zeitpunkt!“ Rückwärtsgewandtheit gehört 

allerdings nicht gerade zu den Wesenszügen des Eigenbrötlers... „Ich lebe 

im Hier und Jetzt. Nur wenn ich heute nichts Interessantes mehr zu sagen 

hätte, würde ich mich wirklich für meine Vergangenheit interessieren.“ 

Ein Markenzeichen miserylabs sind klare politische Botschaften 

– wodurch sich das Projekt von vielen sonstigen Szene-Vertretern 

unterscheidet. „Niemand scheint mehr etwas zu sagen zu haben oder sich 

Zeit für Gedanken zu nehmen“, bedauert der ehemalige Rosetta Stone- 

Kopf und verweist auf die Wurzeln des Genres im Punk. 

miserylab ist engagiert, wie beim den Bankencrash thematisierenden 

too big to fail oder in preoccupied, das sich mit der Occupy-Bewegung 

auseinandersetzt. Beide Titel sind auf Documentary zu finden. Doch 

die vom Arabischen Frühling, besagter Occupy-Bewegung oder 

den Demonstrationen im Russland des Wladimir Putin entfachte 

Aufbruchsstimmung wurde im Keim erstickt. Auch King hegt wenig 

Hoffnung für eine grundlegende Wende: „Ich habe dahingehend erst 

kürzlich meine Meinung geändert. Alles ist hoffnungslos, ein wirklicher 

Wandel wird nie eintreten. Ich verbrachte Jahre, um mich selbst politisch 

zu artikulieren, und empfand ein starkes Gefühl von Ungerechtigkeit. 

Aber diese Ungerechtigkeit ist wohl der normale Lauf der Dinge, vor 

allem in Großbritannien. Aktuell fühle ich mich politisch betäubt.“ 

Wachrütteln kann die Musik von miserylab. Das neue „Best Of“ stellt 

einen guten Einstieg dar, zumal die Compilation auch Stücke bietet, die 

bis dato nur schwer auf CD erhältlich waren, weil miserylab früh und 

lange auf das Internet als Leitmedium seiner Kunst setzte. Bleibt zu guter 

Letzt die Frage, warum sich der einst beinharte MP3-Anhänger King 

jetzt erstmals für Vinyl erwärmt – dem Gesamtpaket ist eine Bonus-7“ 

beigefügt. „Die Nachfrage nach Vinyl steigt“, beginnt Porl nüchtern, hält 

jedoch eine kleine Überraschung parat: „Wenn es von einem Album eine 

Vinyl-Version gibt, kaufe ich die. Im Nachhinein muss ich sagen, dass 

digitale Formate unsere Wertschätzung Musik gegenüber zerstört haben.“ 

www.miserylab.com 



function creep (2008) 

a death that we can cure (2008) 

freedom is work (2009) 

from which no light escapes (2011) 

void of life (2011) 


„Energie, Rauheit, Schmutz, 

Humor, Wärme, Brutalität, Verletzlichkeit...“ 

Mit ihrem sogenannten Freedom Rock wollen sich die Schweden an die Spitze des Retro-Trends spielen. Entstanden aus Mitgliedern 

von The Soundtrack of Our Lives und The (International) Noise Conspiracy, entwickelt sich hier eine ganz eigene Spannung, jenseits 

mystischer Texte, bewusstseinserweiternder Substanzen oder sonstiger Klischees. Free Fall sind anders, schlicht, zeitlos – und kurz vor 

der Veröffentlichung ihres Debuts. Wir ließen uns zu einer kleinen Frage-und-Antwort-Runde mit Mattias Bärjed hinreißen. 

Orkus: Du hast Free Fall gegründet, noch während du bei The 

Soundtrack of Our Lives warst. Was hat dir gefehlt, dass du plötzlich eine 

eigene Formation ins Leben rufen musstest? 

Mattias Bärjed: Es war einfach an der Zeit, dass ich mich neuen 

Sachen widme. Außerdem hatte ich das Bedürfnis, in einer klassischen 

Vier-Mann-Band zu spielen. Ich wollte sozusagen Musik mit einer anderen 

Dynamik machen. TSOOL spielten ihre letzte Show am 22. Dezember 

2012, danach löste sich die Gruppe auf. 

O: Die ersten Mitglieder, die sich dir dann anschlossen, waren Drummer 

Ludwig Dahlberg von The (International) Noise Conspiracy und Bassist 

Jan Martens. Kanntest du die zwei schon vorher? 

MB: Ja, sie waren bereits gute Freunde von mir und obendrein exzellente 

Musiker. Also war mir sofort klar, dass sie meine Jungs sind. 

O: Zu guter Letzt brauchtet ihr einen Sänger. Welche Eigenschaften 

sollte dieser erfüllen, und stand gleich fest, dass Kim Fransson den Posten 

kriegen würde? 

MB: Eine kraftvolle Stimme war für mich zwingende Voraussetzung. Er 

sollte eine klassische Stimme haben, die rasierklingenscharf durch unseren 

Sound schneidet. Ich wünschte mir einen Fronter, der in derselben Liga 

spielt wie Ian Gillan, Robert Plant, Steve Marriott oder Bon Scott. Es 

war atemberaubend, als ich Kim das erste Mal singen hörte. Ich musste 

ihn unbedingt haben... obwohl er zu jenem Zeitpunkt wie ein ziemlicher 

Hinterwäldler aussah. (lacht) 

O: Power & Volume klingt wie eine kleine musikalische Zeitreise. Wer sind 

deine Idole, und welche Künstler haben dich beeinflusst? 

MB: Oh, da könnte ich jetzt eine ganze Menge aufzählen. Die wichtigsten 

beziehungsweise die Bands, die uns am stärksten geprägt haben, sind 

sicherlich The Stooges, The Who, Led Zeppelin, Deep Purple, Humble 

Pie, AC/DC, Van Halen, die Beatles, Motörhead et cetera. 

O: Und wie unterscheidet sich Free Fall von ihnen – was ist das Besondere 

an euch? 

MB: Wir machen einfach, was uns in den Sinn kommt. Wir spielen die 

Musik, die wir lieben. Ich bin einigermaßen überzeugt, dass man die 

Leidenschaft, die wir in die Musik packen, definitiv auch heraushört, und 

ich glaube, dass die Menschen, die sich unser Album anhören, das sehr 

zu schätzen wissen. Aber da geht es uns wohl wie den meisten Musikern. 


MB: Gleich nach unserer Gründung. Wir haben haufenweise Songideen 

und arbeiten momentan schon an künftigen Alben. 

O: Wie würdest du reagieren, wenn jemand Free Fall als „noch so eine 

Retro Rock-Kapelle à la Graveyard“ abtäte? 

MB: (lacht) Das wäre mir völlig egal. Ich mag Graveyard sehr, finde jedoch 

nicht, dass wir große Ähnlichkeit mit den Jungs haben. Wir machen eben 

unser Ding. 

O: Welchen Eindruck soll Free Fall vermitteln? 

MB: Die Leute dürfen von uns denken, was sie wollen. Darüber zerbreche 

ich mir nicht den Kopf. Aber natürlich würde es mich sehr freuen, wenn 

ihnen unsere Musik gefällt – das ist ja gar keine Frage. 

O: Es ging ziemlich schnell, und schwups! hattet ihr einen Vertrag bei 

Nuclear Blast unterzeichnet. Wie fühlte sich das an? 

MB: Großartig... tut es auch immer noch. Die Jungs von Nuclear Blast 

machen einen phantastischen Job, und wir sind absolut glücklich und 

zufrieden, dieses Angebot erhalten zu haben. 

O: Was bedeutet dir Power & Volume? 

MB: Ich bin verdammt stolz auf dieses Album, und es ist noch besser 

geworden, als ich es gewollt und erwartet hatte. 

O: Was können WIR denn davon erwarten? 

MB: Energie, Rauheit, Schmutz, Humor, Wärme, Brutalität, 

Verletzlichkeit und Spannung. 

O: Das Cover hätte simpler nicht sein können: Titel des Albums und 

fertig. Dafür gibt es doch bestimmt einen Grund? 

MB: Klar, dass da wirklich nur Bandname und Titel stehen, ist eine 

eindeutige Ansage, was man von Free Fall und dem Album zu erwarten 

hat. Das Cover ist genau wie unsere Musik – sehr direkt und geradeaus. 

Auch wenn sie vielleicht die einen oder anderen merkwürdigen Elemente 

enthält. 

O: Wann habt ihr angefangen, Material für euer Debut zu schreiben? 

O: Wer ist bei euch wofür verantwortlich? 

MB: Normalerweise bringe ich oder einer der Jungs eine Idee mit in 

den Proberaum, und dann gehen wir gemeinsam ans Werk. Für meine 

früheren Bands habe ich auch immer eine Menge komponiert, doch 

bei Free Fall jammen wir viel mehr. Ich wollte, dass Free Fall frisch und 

eigendynamisch ist, dass jeder von uns an den Stücken beteiligt wird und 

jeder seine Leistung und Stärken zur Geltung bringen kann. 

O: Wie lief es im Studio? 

MB: Prima. Wir hatten die Aufnahmen nach wenigen Sitzungen im 

Kasten. Danach war es die Aufgabe von Martin Ehrencrona, unserem 

Produzenten, das Ganze abzumischen. Martin ist ein toller Typ, mit 

grandiosen Ideen und phantastischen Ohren. 

O: Wie viel Bühnenerfahrung konntet ihr mit Free Fall bereits sammeln? 

MB: Puh... Dadurch, dass ich mit The Soundtrack of Our Lives letztes 

Jahr auf Abschiedstournee war und nebenbei an einer Filmmusik 

gearbeitet habe, konnten wir bisher nicht so schrecklich viele Konzerte 

spielen. Wir hatten ein paar Auftritte mit Graveyard und dann noch so 

um die 20 Shows. 

O: Wann werden die deutschen Fans in den Genuss kommen? 

MB: Es ist leider noch nichts bestätigt, aber wir arbeiten daran, und bald 

folgen erste Tourdaten. 

O: Mit welcher Band würdest du am liebsten einmal spielen? 

MB: Mit Motörhead. Das wäre der Oberknaller. 

www.facebook.com/freefallpowerandvolume 

Nadine Ahlig 

Line-Up: 

Kim Fransson – Gesang 

Mattias Bärjed – Gitarre 

Jan Martens – Bass 

Ludwig Dahlberg – Schlagzeug 


Sofia Härdig 

„Schwermut verleiht 

mir Stärke.“ 

Bereits in unserer Februar-Ausgabe schien der Name Sofia 

Härdig augenfällig. Nun ist es wahrhaft an der Zeit, sich dieser 

Künstlerin etwas intensiver zuzuwenden. Die von den Medien 

oft als „Electronica-Queen“ gehandelte Schwedin muss über 

den Begriff schmunzeln: „Dieser Titel tauchte nach dem Release 

meines Albums Dream auf, das stark elektronisch geprägt war. 

Doch hauptsächlich benutze ich in meinen Songs elektronisch 

modifizierte Rockelemente. Ich schneide einzelne Soundteile aus 

und füge sie wieder neu zusammen.“ 

Ihr aktuelles Output The Norm Of The Locked Room nimmt 

mit einer sehr bizarren, fast schon verstörenden Atmosphäre 

gefangen und lässt ahnen, dass es durchweg tiefe Traurigkeit 

ist, welche die Musikerin in „geschlossenen Räumen“ hält. 

„Für mich ist Komponieren wie Bildermalen. Ich erfinde 

Landschaften, in denen ich mich verlieren kann. Gerade die von 

vielen als Schwermut bezeichnete Stimmung verleiht mir eine 

gewisse Stärke. Ich will es dem Hörer überlassen, was er sich 

unter seinem ganz persönlichen abgesperrten Zimmer vorstellt. 

Einen Ort, an den er sich zurückziehen kann, um ganz er selbst 

zu sein, oder eine verschlossene Tür, hinter der seine Ängste 

verborgen sind...? Ich möchte, dass der Hörer diese Definition 

für sich selber trifft. Dass jeder sich in seiner Einzigartigkeit 

verstanden fühlt. Jeder hat mal das Gefühl, in irgendwelche 

Normen nicht hineinzupassen. All jenen, die sich genau damit 

auseinandersetzen, widme ich dieses Album.“ 

Die kommenden Wochen ist Sofias Terminkalender prall 

gefüllt. Neben einigen Konzerten in ihrer Heimat wartet 

auch eine Europatournee: „Ich freue mich schon auf meine 

Deutschlandauftritte, zum Beispiel am 20. März im Berliner 

Schokoladen.“ 

www.sofiahardig.net 



The Need To Destroy (2006) 

Dream (2008) 

The Norm Of The Locked Room (2013) 

„Verrufen! Verstoßen! 

Gefürchtet! Verwegen!“ 

Der Beutezug hat begonnen. Die Piraten rund um St. 

Brandanarius, der wohl spätestens seit Corvus Corax kein 

unbeschriebenes Blatt mehr ist, setzen die Segel für eine 

Reise voller Abenteuer, welche die Truhen der Truppe füllen 

soll. Bereits in unserer Februar-Ausgabe berichteten wir über 

die Single Ahoii, jetzt ist das Warten vorbei – nach knapp 

sieben Jahren darf man sich auch auf ein neues Studioalbum 

freuen. Brandan stand hierzu Rede und Antwort... 

Orkus: Fast sieben Jahre sind seit Unbeugsam vergangen. Wohin 

hat es euch getrieben? 

Brandan: Mir kam die Zeit gar nicht so lange vor, ehrlich 

gesagt. Wir waren so sehr mit der RUMreiserei beschäftigt. (lacht) 

Durch meine rege Mithilfe bei so vielen Alben hatte ich auch nie 

das Gefühl, unter Druck zu stehen, jedes Jahr ein Album auf den 

Markt zu bringen. Dieses Mal war es mir wichtiger, einige Lieder 

erst einmal auf der Bühne zu präsentieren. Wir müssen ja das neue 

Material unters Volk streuen. 

O: Und wie wurde das Material aufgenommen? Alles so gelaufen, 

wie ihr es geplant habt? 

B: Ja, das Album hat einen ganz anderen Charme als die 

anderen Platten. Es kam noch dazu, dass ich viele Lieder aus der 

Vorproduktion als schwachsinnig empfand. Die waren schon fertig, 

nur flogen sie letztendlich doch in den Papierkorb oder warten in 

meiner Computerleichenabteilung auf eine andere Verwendung. 

(lacht) Dann kommt natürlich auch noch das leidige Thema des 

Geldes dazu. Ein Spielmann lebt ja nicht nur von Luft und Liebe. 

O: Das stell’ ich mir bei neun Spielleuten noch problematischer 

vor... 

B: Oh ja, die ganze Bande satt zu bekommen, ist heute 

anstrengender als vor zehn Jahren. Den Veranstaltern zu erklären, 

dass auch bei unseren verarmten Strohhütten mal das Dach neu 

gemacht werden müsste, ist nicht einfach. Es regnet überall rein, 

und im Winter ist es sehr, sehr kalt. (lacht) 

O: Ahoii hat die Durststrecke überbrückt, endlich ist Beutezug da. 

Wie darf man sich eure Kaperfahrt vorstellen? 

B: Der Titel ist auch überall das Thema. Wir nehmen uns dieses 

Jahr unseren Teil, auf den wir schon gewartet haben. 

O: Klingt ja fast, als ob man sich fürchten muss? 

B: (lacht) Damit meine ich nicht, dass wir dem allgemein 

ausgebrochenen Goldrausch verfallen, sondern einfach nur ein 

wenig mehr Ruhm. Nach unseren vielen Schlachten haben wir 

uns das redlich verdient. Wie wir das anstellen wollen, kann man 

einigen Textzeilen entnehmen. In altbewährter Art und Weise 

besingen wir aber auch wieder das Heldentum und loben den Zorn 

der Götter, wenn er die Richtigen trifft. 

O: Und habt ihr bereits Tourneepläne für das neue Album? 

B: Ja, wir wollen in ein paar kleinen Clubs in Berlin spielen, wo wir 

das Geprobte mal live ausprobieren. Wo und wann, wissen wir noch 

nicht. Eine Bookingfirma ist auch in Arbeit. Es wird sicher wieder 

eine kleine werden. Ich mag dieses unpersönliche Geschäftsgebaren 

der größeren nicht. Wir bürgen auf jeden Fall mit unserem Namen, 

dass es 2013 ein paar schöne Rockkonzerte geben wird. 

O: Sieben Jahre sind eine beträchtliche Zeit. Findet ihr selbst, dass 

sich euer Sound verändert hat?

B: Wir sind sicher etwas härter geworden. In musikalischer Hinsicht 

und auch in den Texten. Natürlich haben wir die Hard Folk-Szene 

nie vergessen, deshalb gibt es auch wieder Lieder, in denen mir eine 

Mandoline wichtiger war als eine E-Gitarre. Ich bin Fan von solchen 

Gitarristen wie Ingo Hampf von Subway to Sally, der auch mal eine 

schöne Melodie auf einer Laute spielen kann. Dem Piratentum sind 

wir natürlich treu geblieben, daran gibt es nichts zu ruckeln. Wir 

haben auch seit einem Jahr drei neue, sehr junge Sackspieler, die in 

Zukunft für frischen Wind sorgen werden. „Verrufen! Verstoßen! 

Gefürchtet! Verwegen!“ Das sind die Schlagworte, die den Weg bis 

heute säumen. 

www.cultusferox.com 



Weihnachtstänze aus dem Dudelmannsack (2002) 

Wiederkehr (2003) 

Unbeugsam (2006) 

Rumtour (live, 2007) 

Beutezug (2013) 

Line-Up: 

Der Heilige St. Brandanarius – Gesang, Dudelsack, Zister, 

Schalmeien, Hörner 

El Böslinger – Bass, Sackpfeifen, Flöten, Schalmeien, Hörner 

Donar von Avignon – Akustikgitarre, Trommeln, Schlagwerke 

Feuerteufel – Sackpfeifen, Flöten, Gebläse 

Strahli der Animator – Schlagwerke, Percussion, Heerpauken, 

Saiteninstrumente 

Barbarella vom Bogenzauber – Geige, Nykelharpa 

Kaiser Schmarrn – Pauken, Trommeln, Gong 

Yangens – Sackpfeifen, Flöten, Gebläse 

Sachsenkrieger – Sackpfeifen, Flöten, Gebläse 


„Emotionen 

sind unser Antrieb!“ 

(Vestriz) 

Betrachtet man die dreiköpfige Gruppe, stellt sich zuerst einmal die 

Frage, mit welcher Art von Musik wir es hier zu tun haben. Laut 

jüngsten Infos bewegt sich der Stil nun im avantgardistischen Black 

Metal-Bereich, aber auf diese Definition sollte man sich keinesfalls 

versteifen. von Branden scheuen keine Experimente und drücken 

das aus, was ihnen momentan in der Seele brennt. „Wir wollen von 

bekannten Pfaden abweichen, neue Dinge probieren, in Form von 

ungewohnten Instrumenten und Effekten. Wenn man immer die 

gleichen Pfade beschreitet, geht es irgendwann nicht mehr weiter. von 

Branden ist anders! Wir hatten noch nie Grenzen. Wir haben von 

Branden gegründet, um zu experimentieren“, erklärt Solarian. 

Mit dem härteren Flammenreich bekommen wir das Zweitwerk 

nach Scherben, welches sich noch in ruhigeren Gefilden abspielte. 

Der Unterschied ist enorm – was nur umso mehr beweist, dass sie 

ihre offenen Grenzen gerne auskosten. „von Branden steht eben für 

experimentierfreudige Musik. Nenn’ es Black, Gothic oder Dark Metal. 

Ist doch völlig egal! Wir haben keinen Weg, kein Ziel und keine Struktur. 

Emotionen sind unser Antrieb!“, betont Vestriz. Solarian pflichtet 

ihm bei: „In gewissem Sinne ist unser Weg sogar die Veränderung. 

Wenn man unsere Songs nicht pro Album betrachtet, sondern in der 

Reihenfolge ihrer Entstehung, ist ein Trend ausmachbar... Die ersten 

Songs waren verspielt und suchten nach neuen Wegen, die letzten 

sind eher minimalistisch und mit einer negativen Grundstimmung. 

Trotzdem bilden sie aus meiner Sicht eine Einheit.“ 

Geschrieben wurde Flammenreich binnen weniger Wochen; das mag 

auch die schnellere Gangart einiger Tracks erklären. Die Komposition 

des Debuts hatte sich über Jahre gezogen, weshalb die jetzigen 

Stücke, wie auch Solarian und Vestriz anmerken, viel geschlossener 

und einheitlich wirken. Die teils englischen, teils deutschen Lyrics 

stammen aus Solarians Feder. Dieser erzählt uns eine kleine Geschichte 

zu Sehnsucht, der wohl fesselndsten Nummer auf Flammenreich: „Das 

Lied handelt von widersprüchlichen Gedanken zwischen Hoffnung 

und Angst, Zorn und Selbstmitleid und zwischen Kummer und 

Gleichgültigkeit – bei dem Versuch, etwas zu erhalten, was ein Ende 

finden muss“, verrät der Fronter, der den Text vor Jahren bei einer 

Flasche Rotwein ersann. 

Fans von experimentellem und gekonnt praktiziertem Metal werden 

hier ihre Freude haben. Und man darf auf jeden Fall gespannt sein, wo 

der Weg das Trio noch hinführen wird. Einstweilen bleibt genügend 

Zeit, Dich selber von Flammenreich zu überzeugen; ein Clip zum 

Titeltrack ist online verfügbar sowie auch bei Orkus! TV zu sehen. 

www.vonbranden.de 



Scherben (2007) 

Flammenreich (2012) 

110 - Orkus! 

Line-Up: 

Solarian von Branden – Gesang, Keyboard 

Vestriz von Mesopotamien – Gitarre, Bass, Keyboard 

Arminius von Theesfeld – Schlagzeug, Keyboard

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Sa.23.03. 

Einlass ab 19:00 Uhr 

Heimataerde 

Coma Divine 

Inkubus Sukkubus 

Soman 

DJ Sven ∙ Andi Lauscher ∙ DJ Falko 

DJane Antilicht ∙ MD75 ∙ FFWD 

Vergangeheut DJ-Team 

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Depeche Mode 

Album Release Party

Berlin, St. Bartholomäuskirche, 25.01.2013 

Besondere Konzerte benötigen besondere Örtlichkeiten. So die einfache 

Weisheit. Im Falle von Dornenreichs Akustikperformance in Berlin traf 

man mit der Wahl der Location so richtig ins Schwarze, beheimatete 

die hier als Duo aufspielenden Traumtänzer in der denkmalgeschützten 

Friedrichshainer St. Bartholomäuskirche, einem neugotischen 

Schmuckstück aus dem 19. Jahrhundert. Der Bau ist schon lange vor 

Konzertbeginn mehr als gut gefüllt, viele BesucherInnen werden den 

wundervollen Auftritt der Österreicher nur im Stehen verfolgen können. 

Das Haus ist bis auf den letzten Platz besetzt. Die Stimmung ist der 

sakralen Umgebung entsprechend ruhig, Unterhaltungen werden im 

Flüsterton geführt, eher Wein als Bier bestellt. Was auch viel besser zu 

der Labsal passt, die Jochen „Evíga“ Stock und Thomas „Inve“ Riesner 

mit Gitarre, Schellen, Geige und Gesang darbieten. 

War die akustische Seite der Band bei ihren Metal-Shows zuletzt 

lediglich als Einleitung gedacht, ist sie heute der Hauptakteur. Und kann 

dennoch über den ganzen Abend fesseln. Spezielle Aufmerksamkeit 

wird zum einen der im Rahmen dieser Reise erstmals aufgeführten 

Gedichtvertonung Ich bin ein Stern (Hermann Hesse) entgegengebracht 

– ein Stück Lyrik, welches nahtlos in den freigeistigen Dornenreich- 

Kosmos passt und eindringlich geflüstert wird. Andererseits im Fokus: 

die Weltpremiere brandneuer Titel. Zwar soll das Werk Freiheit erst 

im Laufe des Jahres erscheinen; einen kleinen Vorgeschmack gab es 

aber bereits... und der fiel, wie könnte es anders sein, grandios aus. 

Leidenschaftlich, verspielt, sehnend und dringlich regnen die Klänge 

durch die wunderbare Akustik der Kirche. Gleiches gilt natürlich für die 

vielen weiteren Lieder – Freitanz, Reime faucht der Märchensarg, Jagd, 

Erst deine Träne löscht den Brand... fast zwei Stunden lang verzaubern 

Dornenreich ihr Publikum mit einfachsten Mitteln. Evíga erweist sich 

auch in dieser Winternacht als Soundpoet, dessen Gesangsphrasierungen 

mehr als ein Mal Gänsehaut, wohliges Schaudern und Ergriffenheit 

in den gebannten ZuhörerInnen auslösen. Inve, der in sich ruhende 

Gegenpol an der Violine, lässt seine Melodien spiralförmig durch die 

Kirche gleiten, wo sie das expressive Gitarrenspiel umtanzen, aufgreifen 

und ergänzen. Am Ende dieses Konzerts ist klar: akustisch waren 

Dornenreich noch nie besser. Noch nie überzeugender. 

Text: Björn Springorum 

Photo: Caroline Traitler 


„... und schon ist der Strick ganz nah.“ 

(Alex Alice) 

Die Frage, ob Künstler Narzissten sind, erübrigt sich eigentlich, ersehnt doch jeder von uns eine gewisse Wertschätzung. Der 

Unterschied ist wohl lediglich, dass Künstler einen Weg gefunden haben, dies nach außen zu tragen. Mitunter gipfelt das dann in 

solchen Aussagen, wie sie Slave Republic einst trafen: „Wir wollen geliebt werden!“ 

Alec Fu: Dieses Statement war so etwas wie 

das Leitmotiv unserer ersten Platte Electric One. 

Und natürlich steckte dahinter auch der Wunsch, 

erhört zu werden und Anerkennung zu finden. 

Mit den Jahren und unserem neuen Album hat 

sich zum Glück aber auch unser Selbstverständnis 

gewandelt, und wir würden es heute sicher nicht 

mehr gar so plakativ ausdrücken. 

Orkus: Die Geburt von Quest for Love verlief 

nicht so fluffig, wie das Ergebnis letztlich klingt. 

Woran lag es? 

Alex Alice: Bei unserem Debut waren wir 

noch mehr oder weniger grün hinter den Ohren, 

hatten kaum Ahnung von Produktionstechniken 

und diesem Kram. Wir mussten uns eine Menge 

erarbeiten, indem wir anderen Musikern über die 

Schultern geschaut haben. 

AF: Wir hatten damals recht wenig Zeit, darüber 

nachzudenken, was wir denn eigentlich tun. Jetzt 

wussten wir es zwar, aber mit der Zeit kamen auch 

die Zweifel, ob wir gut genug sind und ob es noch 

einmal zu einem Album reichen würde, welches 

unserem Anspruch genügt. 

AA: Wir haben uns dann eine Hütte in einem 

Hochmoor in der Eifel, ganz in der Nähe der 

belgischen Grenze, gemietet und uns für vier 

Wochen darin eingeschlossen. Wir haben in 

diesen Wochen tatsächlich auch nur die zehn 

Songs geschrieben, die jetzt auf Quest for Love zu 

finden sind. Sich ausschließlich auf das Schreiben 

zu konzentrieren, war eine tolle Erfahrung, aber 

bei Weitem extremer, als ins Büro zu gehen. 

Vier Wochen aufeinanderzuhängen und sich 

ertragen zu müssen, kann ziemlich kräftezehrend 

sein, zumal wir ja nicht wussten, ob dabei etwas 

Zählbares herauskommt. 

O: Hört man Quest for Love, hat sich diese 

buchstäbliche Grenzerfahrung klar gelohnt. 

Ist es nicht bloß eine Modeerscheinung, mit 

Selbstzweifeln zu kokettieren? 

AA: Nein, das glaube ich nicht. Auffallend ist 

aber, dass die Frontleute mit so etwas viel besser 

umgehen können. Die stellen sich hin und machen 

einfach ihr Ding. Die Soundtüftler hingegen sind 

etwas fragiler. Da können 99 Personen glaubhaft 

versichern, dass man etwas Tolles auf die Beine 

gestellt hat, und dann tanzt eine Meinung aus der 

Reihe, und schon ist der Strick ganz nah. 

O: Der Titel des Albums ist programmatisch zu 

verstehen, oder? 

AF: Ja, die Liebe ist so etwas wie der rote Faden, 

der sich durch die Songs zieht und in denen ich 

eine ganze Reihe der Erfahrungen der letzten 

Monate verarbeitet habe. Jeder Track beschreibt 

eine andere Facette der Liebe. 

O: Speziell Primärreiz fällt auf. Nicht nur, weil hier 

Torben Wendt von Diorama seine Stimme leiht 

oder wegen der großen Clubtauglichkeit, sondern 

auch, weil es das einzige deutschsprachige Lied ist. 

AF: Alex hat immer wieder insistiert, dass ich 

doch auch mal deutsche Lyrics verfasse, aber erst 

bei diesem Song hat es sich wirklich angeboten, 

denn das Thema „Primärreiz“ verdient ja auch 

einen direkten Text ohne Schnörkel. (lacht) 

AA: Was Torben betrifft, so war es seit jeher 

unser Wunsch, mit einem anderen Sänger 

zusammenzuarbeiten. Für Sounddesigner ist es 

natürlich ein Traum... wann hat man schon einmal 

die Gelegenheit, Stimmen mit unterschiedlichen 

Tonhöhen übereinanderlegen zu können? Da 

Torben ein ganzes Stück tiefer als Alec singt, 

ging dieser Traum für mich jetzt zum Glück in 

Erfüllung. 

O: Ein weiterer Musikertraum muss es doch auch 

sein, das Material gleich beim Zweitwerk von 

Daniel Myer produzieren zu lassen, oder? 

AF: Natürlich sind wir ein klein wenig stolz auf die 

Zusammenarbeit mit ihm und auch darauf, dass 

er uns bei der kommenden Tour auf der Bühne 

unterstützen wird. Ich bin mir aber auch sicher, 

dass er das nicht macht, weil er dafür eine Menge 

Geld bekommt, sondern einfach, weil er unsere 

Musik geil findet. Wir waren nach der ersten 

Platte zufällig mit ihm gemeinsam in Rumänien, 

und bereits da hatten wir eine Zusammenarbeit 

lose vereinbart. 

AA: Das Schöne an der Arbeit mit Daniel ist die 

riesige Erfahrung, die er mitbringt. Auch wenn 

auf Quest for Love jede einzelne Note von uns ist, 

bringt er einfach Ideen ein, auf die wir gar nicht 

erst gekommen wären. 

AF: Wenn jemand etwas besser kann, dann lassen 

wir sehr gern mit uns reden, auch wenn wir – und 

da sind wir wieder beim Beginn unseres Gesprächs 

– inzwischen selbstbewusst genug sind, nicht an 

den Grundsätzen unserer Songs rütteln zu lassen. 

www.slave-republic.com 

Lars Schubert 


Electric One (2010) 

Quest for Love (2013) 

Line-Up: 

Alec Fu – Gesang 

Alex Alice – Programmierung 


Project Pitchfork, Architect 

Dresden, REITHALLE STRASSE E®, 26.01.2013 

Wenn Project Pitchfork ihr neues Werk schlicht und ergreifend BLACK 

nennen und einen Tag nach Veröffentlichung ein Einzelkonzert spielen, 

muss man kein besonders phantasiebegabter Mensch sein, um sich 

ausmalen zu können, dass dies zu einem Ansturm schwarz gekleideter 

Fans führt. Selten haben wir eine vollere Halle, eine längere Show und 

eine euphorisiertere Menge gesehen als hier. Schon bei dem von Project 

Pitchfork persönlich eingeladenen „Special Guest“ – kein Geringerer als 

Daniel Myer (Haujobb, Destroid) – war der Saal sehr gut besucht. Mit 

seinem kraftvoll brachialen und abwechslungsreichen Set traf Architect 

zwar leider nicht den Nerv aller HörerInnen, bot jedoch einen mehr als 

würdigen Auftakt für einen großartigen Abend. 

Um 21.50 Uhr war es dann so weit: Unter frenetischem Jubel betraten 

Project Pitchfork eine mit LED-Wänden bestückte Bühne, flankiert 

von zwei Schlagzeugern, die heroisch und optisch beeindruckend auf 

einem Podest platziert wurden. Unvergessliche 160 Minuten lang 

spielte die extrem gut gelaunte Band 30 Songs und verabschiedete sich 

erst gegen 0.30 Uhr mit einem lauten, einprägsamen Soundgewitter 

namens Rescue. Ihr Publikum blickte da auf ein wunderbares Programm 

zurück, welches den einen oder anderen mit Sicherheit in Erinnerungen 

schwelgen ließ. Immerhin verwöhnten die Hamburger neben Titeln 

aus ihrem aktuellen Album – darunter das hymnische RAIN – mit 

einer Ansammlung ihrer größten Hits. Neben Conjure, Steelrose, 

Requiem, Alpha Omega oder Carrion durften natürlich auch Knaller wie 

K.N.K.A., En Garde!, Fire And Ice oder Carnival nicht fehlen... immer 

farbenfroh und passend durch die erwähnte LED-Wand untermalt. 

Als das Gespann um Peter Spilles endlich das von allen erwartete 

Souls anstimmte, welches bereits Daniel Myer als vorletzte Nummer 

interpretiert hatte, erreichte nicht nur die bis dato schon extrem wohlige 

Atmosphäre ihren Siedepunkt. Nein, auch wir fühlten uns erneut 

zurückerinnert an Zeiten, als einige von uns, bildlich gesprochen, zum 

ersten Mal ihren Fuß auf schwarzen Boden setzten. Project Pitchfork 

haben an diesem Abend einmal mehr eindrucksvoll unter Beweis 

gestellt, warum sie über die vergangenen Jahrzehnte zu den wenigen 

Bands zählen, die man in wie außerhalb der Szene in einem Atemzug 

mit selbiger nennt. Vermutlich, weil sie jeden von uns seit Anbeginn 

begleiten. 

Text: André Steinigen 

Photos: Frank Buttenbender 


Frostige Temperaturen in Helsinki. Das neue Amorphis- 

Werk Circle wird in der Villa Kataya präsentiert, und es 

scheint, als wäre das Wetter zur Listening Session bestellt. 

Die neun Tracks durchzieht eine oft kristallin zu nennende 

Melodie. Stücke wie Narrow Path fallen ziemlich folkig aus, 

wozu auch die anfangs zu hörende Flöte beiträgt. Amorphis 

haben sich diesmal mit Peter Tägtgren (Hypocrisy, PAIN) 

ins Studio gewagt, und Bassist Niclas Etelävuori meint: „Das 

gesamte Material klingt viel atmosphärischer, bedrohlicher.“ 

Frontmann Tomi Joutsen ergänzt: „Ich glaube, du hast deinen 

Bass bislang noch nie so tief gestimmt.“ Selbst Black Metal- 

Anleihen brechen sich in einem Riff von Esa Holopainen 

Bahn. Im Nightbird’s Song treten diese Elemente offen zutage. 

Circle verbindet die Death Metal-Ursprünge der Formation 

mit einer stark keyboardlastigen Melodieführung. Das Album 

endet bei A New Day mit am Flügel gespielten Pianotönen. 

Dezente New Wave-Einflüsse sind unter den eher finnischfolkigen 

Klängen ebenfalls auszumachen. 

Circle benötigt fraglos mehrere Durchgänge, bevor es richtig 

zünden kann. Bereits der Opener Shades of Gray legt die 

Messlatte für das ganze Werk aber relativ hoch – im Interview 

beteuern Amorphis übrigens, nichts mit dem ähnlich 

betitelten Buchbestseller zu tun zu haben. Die Lieder sind 

vielschichtig arrangiert und lassen sich nicht leicht auf einen 

Nenner bringen. Dies hängt mit ihrer Entstehung zusammen: 

„Wir haben im Studio die ersten Demos aufgenommen, und 

es war ein sehr angenehmer Entwicklungsprozess, weil alle 

Musiker daran beteiligt waren.“ Tägtgren klinkte sich hier 

stark ein, woher auch die Härte der abgemischten Gitarren 

rührt. Hopeless Days hingegen beginnt, im Widerspruch zum 

Titel, sehr hell mit offenen Strukturen, ehe ein Zerstörerriff 

auftaucht. Kristallzuckersynths und Eisbrechergitarren 

ergeben das am 19. April erscheinende Amorphis-Album, 

welches seine Zeit braucht. Doch die Belohnung ist nicht 

gering. 

www.amorphis.net 

Dominik Irtenkauf 

Photo: Denis Goria 


Weder ist Saalschutz ein Nebenprojekt der Patenbrigade: Wolff, wie 

man bei diesem Namen durchaus annehmen dürfte, noch haben sie 

etwas mit den Schlägertrupps aus der Weimarer Republik zu tun, die zur 

Bewachung von Parteiversammlungen und politischen Veranstaltungen 

abgestellt wurden. Saalschutz heißt ein Zürcher Duo, das sich mit 

„Ravepunk“ sein Stiletikett zum Glück gleich selbst verpasst, denn es 

fällt mitunter recht schwer, diesem ekstatischen Gemisch aus Synth 

Pop, Electro, Tribal, Trance, Garage und Punk zu folgen oder es gar 

zu kategorisieren. Ein Titel ihres aktuellen Albums Entweder Saalschutz 

gibt die Marschrichtung vor: Ihr wollt ja doch nur pogen. Egal ob man 

will oder nicht, man muss ganz einfach. Man muss die Gliedmaßen zur 

absolut grenzenlosen Musik bewegen, muss feiern, trinken und über die 

feinsinnigen, oftmals doppeldeutigen Texte schmunzeln, die auch aus 

der Feder von Farin Urlaub oder Bela B stammen könnten. Ravepunk 

an sich ist ein noch eher junges Genre, aber Saalschutz sind bereits die 

vorläufigen Könige des amüsanten Beatgeballers. 

www.saalschutz.com 

Lars Schubert


Jérôme Reuter 

Welches charakteristische oder 

auch charakterliche Merkmal 

magst du an dir am liebsten, 

welches am wenigsten? 

Ich bin pünktlich, aber sehr ungeduldig. Das 

ist insofern sehr doof, weil ich wegen meiner 

Pünktlichkeit auf die meisten Leute ständig 

warten muss. 

Was sind die drei bedeutendsten 

Dinge in deinem Leben? 

Mein Koffer, meine Gitarre, mein Mantel. 

Was macht dich wirklich wütend? 

Leute, die im Kino reden. 

Was bringt dich zum Lachen? 

Wenn dann jemand auf diese Leute von 

hinten pinkelt. (So gesehen, so geschehen!) 

Was bringt dich zum Weinen? 

„Alles, was Du liebst, kann Dich zum Weinen 

bringen.“ 

Was ist das Erste, das du morgens 

nach dem Aufstehen tust? 

Ich geh’ nach Hause. 

Mit wem wärst du gerne 

verwandt? 

Karl Valentin. 

In wessen Haut würdest du gerne 

für einen Monat lang schlüpfen 

und wieso? 

Helge Schneider, weil der einfach die coolste 

Sau überhaupt ist. 

Was ist dein Lieblingsfilm? 

There Will Be Blood. 

Wer war der Held deiner Kindheit? 

Jack London. Aber eigentlich ist er das auch 

heute noch. 

Was ist dein Lieblingsbuch? 

Das ist schwer. Ich sag’ einfach mal: Jean 

Genet Miracle de la rose. Das ist auf jeden Fall 

in der Top 10. 

Was war der witzigste oder 

seltsamste Job, den du jemals 

ausgeübt hast? 

Ich hab’ alles Mögliche gemacht. Unter 

anderem mal als Gehilfe in einem 

Getreidelabor gearbeitet. Das war nach ein paar 

Wochen aber nicht mehr wirklich spannend. 

Was hast du mit deinem ersten 

selbst verdienten Geld gekauft? 

Ein Schlagzeug. 

Wem möchtest du nie über den 

Weg laufen? 

Silvio Berlusconi. 

Was soll deine Henkersmahlzeit 

sein? 

Tripes à la mode de Caen. 

Was ist/war dein schlechtester 

Anbaggersatz? 

„I’m in a band.“ Das war auf ’nem Austausch... 

Ich glaub’, ich war 13 oder so. 

Was schätzt du besonders an einer 

Person des anderen Geschlechts? 

Selbstbewusstsein, gekoppelt mit einer gewissen 

Schüchternheit. 

Was war für dich das bislang 

schmerzlichste Erlebnis? 

Der Tod eines Familienmitglieds vor ein paar 

Jahren. 

Wann und von wem hast du deinen 

ersten Liebesbrief bekommen? 

Ich weiß nicht, ob der wirklich der erste war, 

aber ich denke, ich war neun, da gab’s ein paar 

Briefe nach ’ner Sommerkolonie... So mit 

draufgeklebten Glitzerherzchen und so... 

Was magst du am Sex am liebsten? 

Lieblingspraktiken? Aua, das kann ich hier nun 

wirklich nicht erörtern... 

Wofür würdest du dein Konto 

überziehen? 

Ich ruinier’ mich tagtäglich für meine 

Leidenschaft Musik. 

Wann warst du zum letzten Mal 

verlegen oder bist errötet? 

Ich hab’ mal vor Kurzem eins meiner Idole 

getroffen... Da kommt man sich echt dumm 

vor, weil man ja glotzen und stammeln muss. 

Und irgendwie von dem, was man sagt, auch 

nix so cool, gelassen oder lustig rüberkommt, 

wie man will. 

Was wolltest du schon immer 

einmal machen, hast dich aber nie 

getraut? 

Fallschirmspringen – womöglich, weil ich 

Angst davor habe, dass ich unterwegs mit dem 

Gedanken spielen würde, den Schirm einfach 

nicht aufzumachen. 

Wie und wo kannst du dich am 

besten entspannen? 

Am Meer. Aber der Strand muss leer sein. 

Was ist deine Lieblingsstadt? 

Dieses Jahr San Francisco. 

Besitzt du ein Schmuckstück, das 

dir besonders viel bedeutet? 

Ich habe einige Ringe, die mich an bestimmte 

Personen und Orte erinnern. 

Bei welchem historischen Ereignis 

wärst du gerne dabei gewesen? 

Dem Turmbau zu Babel. 

Was würdest du tun, wenn du 

wüsstest, dass morgen die Welt 

untergeht? 

Auf jeden Fall keine Interviews mehr. 

Warst du schon einmal dem Tod 

nahe? Wo und wie? 

Ich fahre seit vielen Jahren Tausende 

Kilometer im Monat, da kommt man dann 

und wann zu nahe an Lkws. 

Was soll auf deinem Grabstein 

stehen? 

„Not For Sale.“ 


Kleinanzeigen 

Notruf 

SISTERS OF MERCY – suche Vinylsingle 

„Damage Done“. Wer kann helfen? Zahle 

gut. Bitte anrufen unter: 0621-775980 oder 

0152-21091312 (Ralf) 

Der Preis ist heiß 

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Euro, Atmosphere 0 – Anthology 2003– 

2006 5 Euro, Colony 5 3 Euro, Colony 5 

– Lifeline 6 Euro, Dekad – Confidential Tears 

7 Euro, Depeche Mode – Speak & Spell 5 

Euro, Distant – Liquid 5 Euro, The Human 

League – Octopus 5 Euro, Information 

Society – Synthesizer 6 Euro, Iris – 

Awakening 7 Euro, Iris – Wrath 7 Euro, 

KiloWatts & Vanek – Focus & Flow 7 Euro, 

KoRn – Follow The Leader 6 Euro, Ladytron 

– Velocifero 7 Euro, John Maus – We Must 

Become The Pitiless Censors Of Ourselves 

7 Euro, Mechanical Cabaret – We Have An 

Agenda 7 Euro, Mechanical Cabaret – 

Damaged Goods 7 Euro, mesh – In This 

Place Forever 6 Euro, mesh – An Alternative 

Solution 8 Euro, Nerve Filter – Linear 5 

Euro, Gary Numan – Jagged 7 Euro, Gary 

Numan – Dead Son Rising 8 Euro, Obsc(y) 

re – Follow Me 3 Euro, VETO – Everything 

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bitte Tobias Jagsch unter Tel. 0162- 

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Homepage: www.bluerose-mortitia.de 

Gute Zeiten, schlechte Zeiten 

Fern von meiner norddeutschen Heimat sitze 

ich hinter bayerischen Gitterstäben und bin 

gezwungen, mich mit den Schatten meiner 

Vergangenheit auseinanderzusetzen. Gibt 

es da draußen jemanden, männlich 

oder weiblich, der mir die Zeit verkürzt, 

indem ich mit ihm oder ihr anregende 

Korrespondenz mit Tinte und Papier führen 

kann? Ich lebe seit 32 Jahren in diesem 

Körper, bin Musiker und auch ein bisschen 

Poet. Ich suche stetig das Gleichgewicht 

zwischen meinem Körper und meinem 

Geist, welches mir genauso wichtig ist wie 

das Gleichgewicht der Mutter Erde. Das, 

wonach ich mich zurzeit am meisten sehne, 

ist ein Spaziergang bei Nacht durch ein 

nebelverhangenes Moor. Du solltest über 18 

Jahre alt sein und nicht vor intellektuellen 

Diskussionen zurückschrecken. Du solltest 

jederzeit in der Lage sein, Deine Meinung 

zu sagen und Deinen Standpunkt zu 

vertreten. Aber auch das Träumen sollte Dir 

nicht fremd sein. Denkst Du, Du bist die oder 

der Richtige für mich, so schreibe mir an die 

Adresse: Thomas Schneider, Werner-von- 

Siemens-Str. 2, 92224 Amberg 

Ich (m/43/182), nach langjähriger 

Beziehung wieder alleine, eher ruhig, 

melancholisch, suche auf diesem Wege eine 

tiefgründige Sie. Werte wie Ehrlichkeit, 

Treue, gegenseitige Akzeptanz sollten dir 

etwas bedeuten. Reisen (bes. Gross britannien, 

Irland, Nordeuropa), Geschichte, Natur, 

Musik zählen zu meinen grossen Leidenschaften. 

Bin aber auch offen für Neues. Zu 

meinen musikalischen Vorlieben zählen 

Bands wie And Also The Trees, New Model 

Army, Killing Joke, The Cure. Besuche gerne 

Konzerte. Hab aber mit der heutigen 

Gothic/Wave-Szene nicht mehr viel am 

Hut. Raum CH oder Süd deutschland wäre 

von Vorteil, muss aber nicht sein. Falls du 

dich angesprochen fühlst, würden mich ein 

paar Zeilen freuen. Schreibe an: 

midnightgarden69@gmail.com 

Hallo, ich bin auf der Suche nach neuen 

Freunden, die gerne zu Konzerten und 

Festivals gehen und auch sonst mal was mit 

mir unternehmen. Ich liebe Gothic, Metal, 

Rock, Musicals, gehe auch gerne in 

Discotheken zum Tanzen, Kino usw. Bin 

weiblich, 55 Jahre alt, wohne im Raum 

Frankfurt, Darmstadt, Hanau, Aschaffenburg, 

fahre aber auch schon mal 300 km 

und mehr zu einem Konzert oder Festival. 

Von daher dürfen sich auch gerne Leute aus 

ganz Deutschland bei mir melden. Vielleicht 

fühlt sich jemand angesprochen. Das Alter 

ist mir egal, aber Du solltest innerlich jung 

sein und unternehmungslustig. Ich freue mich 

auf viele Zuschriften unter hilsun@aol.com 

Würde mich glücklich schätzen, jemanden 

kennen zu lernen (w), die über Gott und die 

Welt redet und schreibt. Bin männlich und 

42 Jahre alt. Stehe auf Gothic und komme 

aus Norddeutschland. Zu erreichen bin ich 

unter: timi59@hotmail.de 

Ich (m, 26), von der Seele her schwarz, 

suche auf diesem Weg nach Leuten/ 

Freunden/der einen für Briefkontakt. 

Machte in meinem Leben leider ein paar 

Fehler und bin derzeit in Haft. Wenn du 

keine Vorurteile hast, würde ich mich über 

Post freuen! Bei Interesse schreib bitte an: 

Stanley Tom Suttinger, Industriestr. E2, 

01612 Glaubitz 

Auf diesem Wege – kurz und knapp – suche 

ich (34, weiblich, aus Ostfriesland) nach 

Brieffreundschaften, die sich nicht nur in 

Oberflächlichkeit ergehen, um dann nach 

dem 3. Brief zu enden. Jene, die vorwiegend 

noch auf dem Postweg stattfinden – 

interessierte, aufgeschlossene Persönlichkeiten 

suche ich, die auch eine Meinung 

Kostenlose Kleinanzeigen 

Die privaten Kleinanzeigen sind kostenlos. 

Eine Chiffreanzeige kostet 1,45 Euro 

(bitte eine Marke à 0,55 Euro + eine Marke à 0,90 Euro) 

und erscheint voraussichtlich in der April-Ausgabe, 

sofern sie bis spätestens Montag, den 04.03.2013, 

bei uns eingetroffen ist. 

Bitte in deutschen Euro-Briefmarken! Aus dem nichteuropäischen 

Ausland wird auch Bargeld in Euro 

akzeptiert. 

Es gilt die Höchstwortzahl von 300 Wörtern. 

Gewerbliche Kleinanzeigen werden nicht berücksichtigt. 

Pro Person und Ausgabe werden höchstens zwei Kleinanzeigen 

abgedruckt. Neben dem postalischen Weg könnt 

Ihr Eure Kleinanzeigen auch per e-mail zu uns schicken: 

kleinanzeigen@orkus.de 

Vielen Dank! 

Orkus! 

„Kleinanzeigen“ • Postfach 1121 

61477 Glashütten/Taunus 

Antworten auf Chiffreanzeigen verseht Ihr bitte außen 

auf dem Umschlag mit der betreffenden Chiffrenummer. 

Aber bitte deutlich und groß!!! 

Wir leiten die Briefe dann an den jeweiligen Empfänger 

weiter (allerdings nur gewöhnliche Briefe; Groß- oder Maxibriefe 

sowie Päckchen können nicht weitergeleitet werden). 

Gewerbliche Kleinanzeigen: 

bis 100 Zeichen = 29,00 

von 101–130 = 34,90 

von 131–140 = 39,90 

von 141–150 = 44,90 

von 151–160 = 49,90 

von 161–170 = 54,90 

von 171–180 = 59,90 

von 181–190 = 64,90 

von 191–200 = 69,90 

Preise in Euro inkl. 19% MwSt.! 

Zahlbar per Vorauskasse, Rechnung folgt nach 

Geldeingang.

5 Abo-Werbe-Geschenke 

Bei Abschluss eines Werbe-Abos über ein Jahr erhält der Werbende eine Prämien-CD seiner 

Wahl, eine CD nach unserer Wahl plus einen der folgenden Artikel nach seinem Wunsch: 

Bei Abschluss eines Werbe-Abos über zwei Jahre kann sich der Werbende zwei Extra-Prämien aussuchen! 

Bei Abschluss eines Werbe-Abos für ein halbes Jahr erhält der Werbende keine Extra-Prämie! 

1. 

Extra-Prämien 

Liebe Abonnentinnen und Abonnenten! 

Ganz einfach: 

Der neue Orkus!-Abonnent und der Prämienempfänger dürfen nicht identisch sein. Die Prämien erhaltet Ihr nach Bezahlung mit 

separater Lieferung. Dieses Angebot gilt nicht für Geschenk-Abonnements sowie ein Abo ohne Werber. 

Du musst selbst kein Abonnent sein, um einen neuen Abonnenten zu werben. 

 

 

Achtung! Das Abo verlängert sich NICHT automatisch und muss NICHT gekündigt werden. 

Bei eventuell auftauchenden Fragen ist für Euch Kerstin unter abo@orkus.de zu erreichen. 

Bildband von Andy Julia 

Ideal 

oder 

Madeleine Le Roy 

Kalender 2013 

oder 

Katze „Whisky“ 

(süßer Plüsch-Anhänger, ca. 12 cm) 

Leichter als gedacht! 

Ja, hiermit abonniere ich Orkus! ab Ausgabe 

für ein halbes Jahr (5 Ausgaben) für ein Jahr (10) 

zum Preis von 

24,95 Euro (1/2 Jahr, D) 38,95 Euro (1/2 Jahr, Europa) 

für zwei Jahre (20) 

59,90 Euro (1/2 Jahr, Welt) 

Abo (ohne Werber) 

49,90 Euro 

(1 Jahr, D) 

99,80 Euro 

(2 Jahre, D) 

Werbe-Abo 

77,90 Euro 

(1 Jahr, Europa) 

Geschenk-Abo 

119,00 Euro 

(1 Jahr, Welt) 

oder 

Mütze SAW VII 

oder 

„wichtig card“ 

oder 

Bildband von Felix Flaucher 

Under Your Skin 

Werbe-Abo 

Prämienempfänger 

(Adresse des Werbenden): 

Geschenk-Abo 

Adresse des Schenkenden: 

Telefon (bitte Nummer des 

Schenkenden für Rückfragen angeben) 

Adresse des Abonnenten/Geworbenen/Beschenkten 

oder 

Lyrikband 

Gedanken 2 

oder 

DJ-Single von Project Pitchfork 

Beholder 

oder 

DJ-Single von Samsas Traum 

Auf den Spiralnebeln 

Name 

Straße 

2. 

Wunsch-CDs 

PLZ 

Land 

Geburtstag 

Ort 

e-mail 

Beruf 

Ort, Datum 

Unterschrift 

Telefon (bitte für Rückfragen angeben) 

Newsletter-Aufnahme 

ASP 

Die GeistErfahrer EP 

Faderhead 

FH4 

Depeche Mode 

Delta Machine 

Faun 

Von den Elben 

Die KAMMER 

Season I – The Seeming and the Real 

Honigdieb 

Mein Hut hat keine Ecken 

Eisenherz 

Fluch der Zeit 


Exile 

Ich habe 

den Abo-Betrag als Scheck beigelegt 

den Abo-Betrag überwiesen 

(bitte eine Kopie des Überweisungsscheines beifügen) 

1. 

Meine Extra-Prämie: 

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oder einsenden an: 

Orkus!, Stichwort: „Abo”, 

Postfach 1121, 61477 Glashütten/Taunus 

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Claus Müller, Konto Nr. 203 35 01, BLZ 602 500 10 

Zusatz für Auslandsüberweisungen: 

BIC/SWIFT: SOLADES1WBN 

IBAN: DE63 6025 0010 0002 0335 01 

2. 

Meine Wunsch-CD ist (bitte unbedingt mindestens 5 Titel zur Wahl angeben): 

A) 

D) 

B) 

E) 

C) 

F) 

Lordi 


mesh 

Automation Baby 

Project Pitchfork 

BLACK 

ROME 

Hell Money 

3. 

5. 

Orkus-Postkarte 

(schwarz) 

Orkus 

Wir legen noch 1 CD drauf! Kreuze einfach Deine 

bevorzugten Musikrichtungen (mind. 2) an: 

4. 

Mono Inc.- 

Flaschenöffner 

Dark Wave 

Electro/Industrial 

Synth Pop 

Mittelalter 

Dark Metal 

Gothic 

egal 

Saalschutz 

Nichtsnutz 

Samsas Traum 

Asen’ka 



Zeromancer 

Bye-Bye Borderline 

Die Abo-Prämien gelten nur für Abos, die über das Orkus! Magazin und nicht über eine Zweitfirma (amazon...) abgeschlossen werden. 

Noch einfacher geht es unter www.orkus.de... und das ganz ohne Briefmarke! 


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Hiermit bestelle ich folgende(n) Artikel (zutreffende bitte ankreuzen) 

5,99 Euro 

5,99 Euro 

Das Orkus Unheilig Buch 

Unser umfassendes Unheilig-Buch im Hardcover! 

Du erfährst alles über den Grafen und sein musikalisches Wirken. Gekrönt 

von teilweise exklusiven und unveröffent lichten Bildern, haben wir 

zahllose Interviews (teils exklusiv) samt einer ausführlichen Historie des 

bisherigen Werde gangs zusammengetragen, um nun das bislang 

umfassendste Werk über Unheilig zu veröffentlichen. 

Natürlich ist das edle Buch vom Grafen höchstpersönlich autorisiert 

worden und ist somit ein offizielles Dokument seiner beispiellosen 

Karriere. 

Artworks & Artwords – Das ASP Buch 

Ohne Frage waren ASP schon immer etwas ganz Besonderes. Dieses 

240-seitige (!) Kunstwerk im Hardcover zeigt das einmal mehr! 

In dem über DIN A4-formatigen Buch findet der ASP-Fan unzählige 

Interviews und eine phantastisch große Anzahl von Bildern. Hinzu kommen 

von Asp eigens für dieses Werk verfasste Texte, extra hierfür aufwändig 

erstellte Scrapbookseiten sowie bisher unveröffentlichte Photos. Als 

kleine Überraschung gibt es außerdem noch zwei wunderschöne Poster 

dazu... Asp selbst hat uns bei der Zusammenstellung des Materials 

begleitet, sodass man in diesem exklusiven Band die Mühe und 

Begeisterung spüren kann, die er in dieses Mammutprojekt gesteckt hat. 

02/13 mit CD-Beilage Orkus! Compilation 86 

Subway to Sally, VNV Nation, Samsas Traum, HENKE, 

Lacrimas Profundere, Nightwish, Hurts, Combichrist, end of 

green, ASP, Cultus Ferox, Lacrimosa, Dornenreich, Noisuf-X, 

Tiamat, Letzte Instanz, BlutEngel & Zeraphine, Coppelius, 

MONO INC., Stahlmann, Voïvod, Diorama, nulldB, Paradise 

Lost, Die Krupps, Bullet For My Valentine, Nick Cave, Opera 

Chaotique, Epica, Centhron, Faun, Project Pitchfork u.v.m. 

12-01/12-13 mit CD-Beilage Orkus! Compilation 85 

Depeche Mode, MONO INC., Zeromancer, Antimatter, 

Eisbrecher, Incubite, Mono Girl, Second Decay, Letzte 

Instanz, ROME, Nachtmahr, The Birthday Massacre, 

Avatar, Kyla La Grange, Lacrimosa, Wynardtage, Illuminate, 

Unheilig, Cronos Titan, Grausame Töchter, Red Sun Revival, 

Sleepwalk, die perlen, Pavla Mikulasova, Subway to Sally, 

Asp trifft Kai Meyer, Chris Pohl trifft Sven Friedrich u.v.m. 

5,99 Euro 

5,99 Euro 

6,95 Euro 

6,95 Euro 

6,66 Euro 

mit 

DVD 

mit 

DVD 

mit 

DVD 


ASP, Tiamat, HIM, VNV Nation, Nightwish, Eisbrecher, 

Cradle Of Filth, Unheilig, Diary of Dreams, Clan Of 

Xymox, Wintersun, the Deadfly Ensemble, Delerium, 

Santa Hates You, A Life [Divided], Samsas Traum, 

Orden Ogan, Stahlmann, Mantus, Graveyard, Nachtmahr, 

PAIN, Kamelot, The Mission, ROME, Janosch Moldau, 

Umbra et Imago, Blaqk Audio, Lyriel, Chrysalide, My Dying 

Bride u.v.m. 


In Strict Confidence, MONO INC., Letzte Instanz, Klutæ, 

Lacrimosa, Joachim Witt, Anna Aaron, Santa Hates You, 

The Crüxshadows, Enslaved, Unzucht, Mantus, Lacrimas 

Profundere, Autunna et sa Rose, Wintersun, Frei.Wild, 

Gates of Dawn, Laibach, Linnea Olsson, Dark Horses, 

Witchcraft, Papa Roach, Bodenski, The Gathering, Kamelot, 

Die KAMMER, Dark Orange, The X, Velvet Acid Christ, 

Kosheen, HENKE, ROME, Cradle Of Filth, 10 Seiten M’era 

Luna u.v.m. 

12-01/11-12 mit CD-Beilage Orkus Compilation 75 

und Amphi Festival-DVD 

ASP: Fan-Interview, Trivium, SOPOR AETERNUS, ROME, 

Megaherz, Kirlian Camera, Phoebe Killdeer, Tarja Turunen, 

Junksista, MONO INC., Black Heaven, Stahlfrequenz, Corvus 

Corax, FabrikC, BlutEngel, Samsas Traum, Slipknot, Markus 

Heitz, Lovex, Phosgore, Killerfix, Umbra et Imago, Cephalgy, 

Nemesea, Mantus, Jared Leto, Volbeat, Subway To Sally, 

„Sex, Drugs & Dudelsack” u.v.m. 

12-01/10-11 mit CD-Beilage Orkus Compilation 65 und 

Amphi Festival-DVD 

SOPOR AETERNUS, Blutengel, Schandmaul, Nachtmahr, 

Unheilig, ROME, Die Krupps, Die Apokalyptischen Reiter, 

Katra, Hocico, Antimatter, Santa Hates You, Suicide 

Commando, Indica, Veil Veil Vanish, Dornenreich, Eric Fish, 

Seventh Void, Apocalyptica u.v.m. 

01/10 Sonderausgabe „Das Jahr 2009“ mit Amphi 

Festival-DVD 

Unheilig, ASP, The 69 Eyes, Blutengel, Lacuna Coil, 

Eisbrecher, Clan Of Xymox, Lacrimosa, Leaves‘ Eyes, 

Paradise Lost, Subway To Sally, L‘âme Immortelle, 

Agonoize, Zeraphine, ROME, Faun, Saltatio Mortis u.v.a. 

Bitte rechne das Porto wie folgt dazu: 

Deutschland: 1 Buch 3,90 Euro 2–5 Bücher 6,90 Euro 

Europa: 1 Buch 8,90 Euro 2–3 Bücher 17,00 Euro 

Welt/Schweiz: 1 Buch 12,90 Euro 2–3 Bücher 30,00 Euro 

Ich habe den Betrag (bitte Zutreffendes ausfüllen) 

mit PayPal gesendet am: 

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Deutschland: 1 Ausgabe 1,45 Euro 2 Ausgaben 2,40 Euro ab 3 Ausgaben 3,90 Euro 

Europa: 1 Ausgabe 3,45 Euro 2 Ausgaben 7,00 Euro ab 3 Ausgaben 8,90 Euro 

Welt/Schweiz: 1 Ausgabe 3,45 Euro 2 Ausgaben 7,00 Euro ab 3 Ausgaben 12,90 Euro 

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haben. Ihr Leben mögen und leben sowie 

evtl. etwas unkonventionell sind. Keinesfalls 

suche ich Kontakte, die über eine 

Freundschaft hinausgehen, da ich glücklich 

gebunden bin. Schön wären auch Live- 

Kontakte zu Ostfriesen, da ich zugezogen 

bin. LG Angelika. PS: Mehr dann, wenn Ihr 

eine e-mail an likka@5x2.de oder einen 

Brief an die Chiffre: 13/03/01 schreibt. 

Schwarzes Schaf sucht eine nette Sie 

zwischen 18–49 Jahren zum Aufbau einer 

Freundschaft oder Beziehung. Ich heiße 

Matthias, bin 35 Jahre alt, ca. 1,78 m 

groß, 80 kg, und trage rot-blondes, 

schulterlanges Haar (Undercut). Meine 

Augen sind grau-grün. Ich bin gepierct, 

Das Herz verbrannt, das Gefühl verloren, 

die Hoffnung erstickt. Das Empfinden der 

Nähe zu einer anderen Seele verblasst mit 

jedem vergangenen Tag mehr. Mein Selbst 

sucht in der Dunkelheit nach einem Ausweg, 

um meinem Herzen endlich wieder zu 

geben, was es so sehr vermisst: Ein 

weibliches Wesen, das willens ist, ihr Herz 

für meines zu öffnen, um unser Leben 

gemeinsam zu bestreiten und zu genießen. 

Ich bin m, 172 cm groß, schlank, sportlich 

und wohne in der Nähe von München. 

Meld dich einfach bei mir, unter: Tel. 

0152/29931432 

Brauche nach langer Zeit wieder Liebe, 

Wärme und Geborgenheit! Ich, Patrick 

tätowiert und nenne zwei Tunnels (16 mm) 

mein Eigen. Zur Zeit sitze ich im Maßregelvollzug 

und mache eine Drogen- 

Therapie. Ich bin in der Gothic-Welt 

daheim. Lebe dies auch aus. Ich höre 

Gothic, Metal als wohl auch Black- und 

Death Metal. Mein Interesse gilt Büchern, 

Musik, Burgen und Schlössern sowie 

Malen. Wenn dich mein Anzeigentext 

anspricht und du vielleicht aus Oberfranken 

(sonst deutschlandweit) kommst, dann 

schreibe mir doch einfach. Mehr Infos und 

Details von mir erhältst du dann im 

Antwortbrief. Chiffre: 13/03/02 

Ein Fall für zwei 

Ich streiche langsam über dein Haar, 

berühre sanft deine Haut, schließe dich fest 

in meine Arme und will dich nie wieder 

loslassen. Dein Duft betört meine Sinne, 

deine Nähe lässt mich all meine Sorgen 

vergessen. In deinen Armen taut mein zu 

Eis erfrorenes Herz, denn bei dir will es 

bleiben und jeden Moment genießen. Doch 

dann öffne ich meine Augen und stelle fest, 

dass es nur ein Traum war, und die kalte 

Realität stößt mich zurück in eine Welt, in 

der die Einsamkeit mir meinen Atem nimmt 

und die Kälte mir langsam mein Herz zu 

Eis gefrieren lässt. Wo ist das Wesen, das 

ich schon so lange suche. Das Wesen, wo 

mein Herz bleiben möchte. Wenn du 

ähnlich fühlst, dann schreib einfach. Tel. 

015229931432, oder email Dark_ 

Angelschwarz@web.de. Ich bin männlich, 

Mitte 30, 172 cm groß, schlank, habe 

kurze Haare und wohne in der Nähe von 

München. 

(24), suche eine gleichgesinnte Frau im 

Alter zwischen 18–45 Jahren. Bin sportlich 

(Kraftsport) und 1,96 m groß. Ebenfalls 

können sich alle die melden, die Lust auf 

eine Brieffreundschaft haben. Bitte schreibt 

mit Foto! Ich antworte zu 100 Prozent, mit 

Bild, wenn gewünscht. Ich bin gespannt auf 

euch! Schreibt an: Patrick Häßler, Am 

Nettegut 2, 56575 Weißenthurm 

Suche liebe Sie (Raum Trier, Luxembourg) 

ab 18 Jahren für Gothicpartnerschaft/ 

Beziehung. Bin männlich, 27 Jahre. Schreib 

an: Michael Fettes, Am Berreg 5, 6636 

Wasserbillig – LUX oder michael.fettes74@ 

yahoo.de 

Engel werden nur mit einem Flügel geboren, 

um fliegen zu können, brauchen sie den 

Flügel eines anderen Engels. Ich bin ein 

männlicher Engel (32) und suche nach dem 

zweiten Flügel. Mir gelingt es einfach nicht, 

allein abzuheben. Du solltest (weiblich) 

zwischen 25–35 sein. Es wäre schön, wenn 

du den zweiten Flügel hast, um mit mir 

gemeinsam abzuheben. Bitte melde dich 

bei mir, da auch mein Briefkasten verhungert. 

Mehr von mir im ersten Brief. Schreib 

an: Rico Arnold, Ringenwalder Str. 55, 

12679 Berlin 

Lindenstraße 

Kunst der besonderen Art: www.mygall. 

net/machi – Anregung oder neue Brieffreundschaft 

an: Alina Kurkierewicz, Lügder 

Str. 19, 31812 Bad Pyrmont 

... secrets still secrets. www.netvel.de...

Samsas Traum 

„Asen‘ka ist das Opus magnum des Käferkönigs, ein 80 Minuten 

berstend gefülltes Dokument höchster Samsa-Kunst.“ 

(Album des Monats Orkus 12/12) 

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Agalloch 

21.04. Berlin, K17 

30.04. Stuttgart, Club Zentral 

01.05. Leipzig, Moritzbastei 

12.05. NL-Arnheim, Willemeen 



18.05. A-Wien, Viper Room 

30.03. Konstanz, Kulturladen 

31.03. NL-Schijndel, Paaspop 

29.06. Brande-Hörnerkirchen, 

Hörnerfest 

04.10. Hannover, Béi Chéz Heinz 

Black Veil Brides 

10.04. CH-Zürich, Komplex N o 457 

14.04. A-Wien, Arena 


18.04. Berlin, Lido 

25.04. Hamburg, Grünspan 

26.04. NL-Amsterdam, Melkweg 

27.04. B-Antwerpen, TRIX 

28.04. Köln, Live Music Hall 


Blind Passenger 


Agrypnie 

Der Weg einer Freiheit 

Heretoir 

01.03. Siegen, Vortex Musikclub 

02.03. Oberhausen, Helvete 

03.03. Hamburg, Bambi galore 

04.03. Berlin, Magnet Club 

05.03. Mainz, Kulturcafé 

06.03. Leipzig, Moritzbastei 

07.03. A-Wien, Viper Room 


09.03. Ingolstadt, Ohrakel 

10.03. CH-Zürich, Werk21 


ASP 

02.03. Cottbus, La Casa 

06.04. Dresden, 

REITHALLE STRASSE E® 

13.04. Berlin, Frannz Club 

20.04. Luckenwalde, WunderBar 

10.05. Brandenburg, 

Haus der Offiziere 

08.06. Görlitz, Landskron 

KULTurBRAUEREI 

BlutEngel 


10.03. Losheim am See, 

Eisenbahnhalle 


13.03. Frankfurt/M., Batschkapp 

14.03. Krefeld, Kulturfabrik 

15.03. Erfurt, HsD 



06.04. Berlin, Huxleys Neue Welt 

12.04. CH-Pratteln, Z7 

13.04. München, TonHalle 

(Dark Munich Festival) 

14.04. Ludwigsburg, Rockfabrik 

Bring Me The Horizon 



18.05. Berlin, C-Club 

19.09. Schwabach, Markgrafensaal 

20.09. Potsdam, Waschhaus 

21.09. Magdeburg, Altes Theater 

25.09. Oberhausen, Turbinenhalle 

26.09. Osnabrück, Halle Gartlage 

27.09. Bremen, Aladin 

28.09. Leipzig, Haus Auensee 

02.10. Gießen, Hessenhalle 

03.10. Erfurt, Stadtgarten 

04.10. Dresden, Alter Schlachthof 

05.10. Mainz, Phönix-Halle 






17.10. Stuttgart, Theaterhaus 

18.10. München, Muffathalle 


BerlinskiBeat 

01.03. Leipzig, Werk II 


15.03. Hamburg, FABRIK 

16.03. Köln, Gloria 

22.03. Berlin, Astra Kulturhaus 

28.03. Rostock, Zwischenbau 

Bullet For My Valentine 

23.03. Berlin, Huxleys Neue Welt 

Coal Chamber 

11.06. NL-Tilburg, 013 


13.06. F-Straßburg, La Laiterie 

18.06. F-Paris, Trabendo 

Coppelius 





03.03. Berlin, Kesselhaus 

Corvus Corax 

22.02. Kaiserslautern, Kammgarn 

23.02. Siegburg, KUBANA Live Club 

07.03. Hannover, MusikZentrum 

08.03. Kempten, kultBOX 

09.03. Gera, COMMA 

TICKETS: 

www.orkus.de 

– unter „Tourdaten“!

H E L I U M V OLA 

WO H I N ? 

Album 

erscheint am 

22. Februar 

„Moderne, Alte Musik 

und Avantgarde 

verbinden sich zu 

einem Kaleidoskop 

von Stimmen und 

Stimmungen, die uns 

zum Kern dessen führen, 

was den Menschen seit 

jeher bewegt und 

ausmacht.“ 

Christoph Kutzer, 

Miroque 

„Wohin“ ist dramatisch, 

lyrisch und romantisch. 

Ernst Horn hat sich dieses 

Mal selbst übertroffen“ 

Piranha Magazin 

DAF 


23.03. Berlin, C-Halle 

Depeche Mode 

01.06. München, Olympiastadion 

03.06. Stuttgart, 

Mercedes-Benz Arena 

05.06. Frankfurt/M., Commerzbank- 

Arena 

07.06. CH-Bern, Stade de Suisse 

09.06. Berlin, Olympiastadion 

11.06. Leipzig, Red Bull Arena 

13.06. DK-Kopenhagen, Parken 

17.06. Hamburg, Imtech Arena 

03.07. Düsseldorf, ESPRIT arena 

Diorama 

01.03. Braunschweig, 

Meier Music Hall 

02.03. Leipzig, der ANKER 

03.03. Münster, Sputnikhalle 

04.03. Erfurt, Centrum Club 

05.03. Hamburg, Knust 




09.03. Reutlingen, franz.K 

Faun 

14.03. München, Freiheiz 

15.03. Langen, Neue Stadthalle 

16.03. Heidelberg, Providenzkirche 

17.03. Würzburg, St. Stephan 

20.03. CH-Zürich, X-TRA 

21.03. Freiburg, Jazzhaus 


23.03. Bochum, Christuskirche 


12.04. Regensburg, AntoniusHaus 

13.04. Köln, Kulturkirche 



19.04. Berlin, Passionskirche 

20.04. Hameln, Sumpfblume 


Eric Fish & Friends 

30.03. Stralsund, Alte Eisengießerei 

05.04. Dresden, scheune 

06.04. Hoyerswerda, Kufa 

07.04. Berlin, Kesselhaus 

09.04. Göttingen, Zentralmensa 



12.04. München, Spectaculum Mundi 

13.04. Stuttgart, Wagenhallen 

14.04. Karlsruhe, jubez 

16.04. Magdeburg, Altes Theater 


18.04. Fulda, Kulturkeller 

19.04. Gießen, 

Bürgerhaus Kleinlinden 



25.04. Wuppertal, 

Haus der Jugend Barmen 

26.04. Köln, Kulturkirche 

27.04. Celle, CD-Kaserne 

28.04. Osnabrück, Rosenhof 

29.04. Hamburg, Knust 


14.03. Köln, Essigfabrik 

15.03. München, Theaterfabrik 

16.03. Hamburg, 

Uebel & Gefährlich 

23.03. CH-Zürich, Kaufleuten 




Kosheen 


10.03. Darmstadt, Centralstation 

15.03. Bremen, Modernes 


Letzte Instanz 

14.03. Rostock, MAU Club 

15.03. Potsdam, Lindenpark 

16.03. Glauchau, Alte Spinnerei 



06.04. Kiel, Pumpe 

11.04. Krefeld, Kulturfabrik 




19.04. Memmingen, Kaminwerk 

20.04. A-Steyr, röda 


27.04. CH-Zürich, Dynamo 

19.10. Dresden, EVENTWERK 


Lordi 


04.04. Geiselwind, MusicHall 

05.04. Memmingen, Kaminwerk 

06.04. Offenbach, 

Turnhalle TV Bieber 

07.04. Mannheim, Alte Seilerei 

11.04. Köln, Essigfabrik 

12.04. Burglengenfeld, VAZ Pfarrheim 


14.04. Berlin, K17 

mesh 

22.03. Berlin, C-Club 



09.04. Hannover, MusikZentrum 






17.04. Frankfurt/M., Batschkapp 


MONO INC. 


01.03. Potsdam, Waschhaus 

02.03. Wilhelmshaven, Pumpwerk 




16.03. Duisburg, PULP 

17.03. Kassel, Musiktheater 

21.03. Mainz, KUZ 

22.03. Karlsruhe, SUBSTAGE 

23.03. Ulm, ROXY 

Moonspell 

Insomnium 

19.04. F-Rennes, L’Étage 

20.04. F-Limoges, CCM John Lennon 

21.04. F-Paris, Divan du Monde 

24.04. Essen, turock 

25.04. NL-Almelo, NAXT stage 

26.04. Ingolstadt, 

eventhalle Westpark 

27.04. CH-Lausanne, Les Docks 

28.04. F-Montpellier, Secret Place 

29.04. F-Toulon, Le Vox 

30.04. F-Cognac, Anciens Abattoirs 

01.05. F-Toulouse, Le Bikini 

OMD 

21.05. Hamburg, DOCKS 

22.05. Hannover, Capitol 

24.05. Berlin, Tempodrom 

25.05. Leipzig, Haus Auensee 

27.05. Köln, E-Werk 


Psychic TV 

20.04. Berlin, Festsaal Kreuzberg 

Rammstein 

24.05. Berlin, Kindl-Bühne Wuhlheide 

25.05. Berlin, Kindl-Bühne Wuhlheide 

Sigur Rós 

22.02. Berlin, Tempodrom 

23.02. München, Zenith 

24.02. CH-Basel, St. Jakobshalle 


Songs Of Lemuria 

(feat. Nik Page) 

20.09. Kleinmachnow, 

Augustinum (Theatersaal) 

21.09. Forst (Lausitz), Forster Hof 

05.10. Güstrow, 

Ernst-Barlach-Theater 

11.10. Magdeburg, Feuerwache 

12.10. Luckenwalde, Stadttheater 

13.10. Müncheberg, Stadtpfarrkirche 

17.10. Königs Wusterhausen, 

CAPITOL 

30.10. Wachau (Sachsen), 

Schloss Seifersdorf 

03.11. Greiz, Vogtlandhalle 

09.11. Lübben, Wappensaal 

Subway to Sally 

Lordi 

Korpiklaani 

Lord Of The Lost 


20.12. Stuttgart, Schleyer-Halle 

21.12. Gießen, Hessenhalle 

22.12. Dresden, Alter Schlachthof 

26.12. Bielefeld, Ringlokschuppen 

27.12. Fürth, Stadthalle 

28.12. Bochum, RuhrCongress 

29.12. Bremen, Pier 2 

30.12. Potsdam, Metropolis Halle® 



10.04. Hannover, ENGEL 07 

11.04. Hamburg, LOGO 

Thirty Seconds to Mars 

06.06. Berlin, Zitadelle Spandau 

TICKETS: 

TICKETS: www.orkus.de 

- unter – unter „Tourdaten“! „Tourdaten“! 

www.heliumvola.de 

128 - Orkus


VNV Nation 

25.05. Duisburg, Gießhalle 1 

mit Alestorm, Arkona, Thyrfing, 

Ex Deo, Wolfchant, Bornholm 



02.03. Essen, Weststadthalle 

03.03. NL-Eindhoven, Effenaar 


05.03. CH-Solothurn, Kofmehl 


07.03. Berlin, K17 




mit BlutEngel, KMFDM, 

Umbra et Imago, The Klinik, 

Rabia Sorda... 

13.04. München, Optimolwerke 


Sincity Festival 2013 

Hörnerfest 

mit BerlinskiBeat, Corvus 

Corax, Heidevolk, Vogelfrey... 

28. & 29.06. Brande-Hörnerkirchen 


Rockharz Open Air 2013 

Voodoma 

22.03. Lünen, Lükaz 

(Schwarzes Lünen) 

13.07. Mülheim/Ruhr, 

Schloß Broich (Castle Rock) 

Zeromancer 


14.03. Rüsselsheim, Das Rind 



16.03. Berlin, K17 


19.03. Köln, LUXOR 

Eternal Frost V 

mit Winterstorm, Path of 

Destiny, Vermin, Urschrei, 

Endtime Prophecy... 

09.03. Naila, Turnhalle 


Dark Culture 

mit Blind Passenger, 

Tomas Tulpe, POKéMON 

REAKTOR... 

13.04. Berlin, Frannz Club 

22. Wave Gotik Treffen 

mit KMFDM, Lord Of The 

Lost, Noisuf-X, ROME, 

Saltatio Mortis... 

17.–20.05. Leipzig 

mit Subway to Sally, 

Ensiferum, van Canto, 

Children Of Bodom... 

11.–13.07. Ballenstedt, Flugplatz 

IX. Amphi Festival – 

Open Air 2013 


Paganfest 

mit Faderhead, Second Version... 

30.03. Schleswig, Heimat 


Dark Munich Festival 

Rock am Stück 

mit Stahlmann, OST+FRONT... 

01.06. Fritzlar, am Lohrberg 

Blackfield Festival 

mit Samsas Traum, Eisbrecher, 

Project Pitchfork, MONO 

INC., Zeromancer... 

28.–30.06. Gelsenkirchen, 

Amphitheater 

mit VNV Nation, Fields of 

the Nephilim, Anne Clark, 

Diary of Dreams... 

20. & 21.07. Köln, Tanzbrunnen 

Schickt bitte alle Eure 

Tourdaten für die nächste 

Ausgabe bis spätestens 

Montag, 25.02.2013, 

an e-mail: news@orkus.de 

M’era Luna Festival 2013 

mit Nightwish, HIM, ASP, 

Front 242, Deine Lakaien, 

BlutEngel... 

10. & 11.08. Hildesheim, Flugplatz 

Alle Angaben ohne Gewähr!

Nehme Dir die Zeit, Dir folgende Fragen zu stellen, und versuche, sie für Dich zu beantworten. Oder 

gehe sie mit jemandem gemeinsam durch... Orkus! wünscht Dir schöne Momente voller eigener Anregungen. 

• Welcher Duft erinnert Dich an Deine Kindheit? 

• Was vermisst Du aus Deiner Kindheit? 

• Was sind drei Vorteile, nicht mehr Kind zu sein? 

• Angenommen, Du dürftest ein großes Problem 

der ganzen Welt lösen: welches? 

• Ist die Welt gut zu Dir? 

• Und Du zu ihr? 

• Welcher Film hat Dich als erster beeindruckt und 

vielleicht auch beeinflusst? 

• Wann und warum musstest Du das letzte Mal 

wegen eines eigenen peinlichen Moments 

lächeln oder lachen? 

• Wobei lässt Du Dich auf keinen Fall stören? 

• Was singst Du, wenn Du alleine bist – unter der 

Dusche oder im Auto...? 

• Was erwartet Dich im Tod? 

• Wie sieht für Dich persönlich das Paradies aus? 

In unserer nächsten Ausgabe werden sich verschiedene Musiker diesen Fragen widmen! 

Depeche Mode, Faun, Hurts, ASP, Faderhead, Die KAMMER, Lordi, Project 

Pitchfork, Samsas Traum, The Beauty of Gemina, Zeromancer, mesh... 

Jetzt einfach Abo abschließen oder verlängern! 

Die nächste Ausgabe erscheint am 22.03.2013 

HIGHLIGHTS im März 2013 

Freitag, 01.03.13 

Exclusive HENKE Release-Party mit DJ Oswald Henke 

und einer Live-Unplugged-Sesion der Band 

Samstag, 02.03.13 

Rock vs. Electro - Die Party Teil 67 

mit DJ ketchuptoast im ständigen Wechsel mit DJ PorNo (Resident-DJs) + Aftershow-Party für Diorama 

Freitag, 08.03.13 

Rammstein-Party Teil 40 

mit DJ Marko und DJ ketchuptoast (Resident-DJs) 

Samstag, 09.03.13 

All Styles of Dark Music mit DJ Steffen Keth (DE/VISION) 

Freitag, 15.03.13 

Mittelalter-Rock vs. Electro – Die Party 

mit DJ Böhser Onkel und DJ M.A.M. (Resident-DJs) 

Samstag, 16.03.13 - GroSSe Lesenacht (Einlass 19 Uhr) 

GROSSE LESENACHT mit Mark Benecke, Luci van Org, Ina Brinkmann, Voenix und Ramona Ambs 

Im Rahmen der Leipziger Buchmesse präsentieren Edition Roter Drache und U-Line/Ubooks die 

aktuellen Highlights - Ein Abend mit Lesungen, Musik und viel viel Party. 

Eintritt: Lesung & Party 10,-Euro. Party ohne Lesung 5,- Euro. 

Freitag, 22.03.13 

Die-Ärzte-Fanparty mit DJ ketchuptoast und DJ senfbrötchen 

Samstag, 23.03.13 

Masters of Sound: Mozart & Madeleine Le Roy (Umbra et Imago) 

Gothic | 80er | Electro | Pop | Wave | Metal | Industrial 

Freitag, 29.03.13 - Karfreitag 

Wumpscut: Release Party zum Album „Madman Szdital“ 

mit Gast Rudy Ratzinger & Verkaufsstand 

Samstag, 30.03.13 

Depeche Mode Party mit DVD Show und DJ Martin (Constructiontime.de) 

Sonntag, 31.03.13 - Ostersonntag 

OPERATION-TANZGEIL))) mit (((ProToTyp))) 

Hardstyle | TBM | Industrial | Electro | Industek 

DARKFLOWER 

Hainstr. 12-14 

D - 04109 Leipzig 

DAS KOMPLETTE PROGRAMM & WEITERE INFOS UNTER 

www.darkflower.de 

www.fB.com/Darkflower.Leipzig 

Herausgeber: 

Zoomia Medien Gruppe Claus Müller 

Orkus! Magazin 

Postfach 1121 


e-mail: contact@orkus.de 

Fax: 06174-2577743 

Bankverbindung: 

Claus Müller 

Kreissparkasse Waiblingen 

Kto: 212 99 27 BLZ: 602 500 10 

BIC/SWIFT: SOLADES1WBN 

IBAN: DE41 6025 0010 0002 1299 27 

Chefredaktion: 

Claus Müller (V.i.S.d.P.) 

editorial@orkus.de 

Anzeigenverkauf (gewerblich), 

Business Affairs: 

Claus Müller 

marketing@orkus.de 

Textchef: 


Orkus! Compilation: 

Christian Purwien 

cd@orkus.de 

Tel.: 0231-4753833 

Private Kleinanzeigen: 

kleinanzeigen@orkus.de 

Art Direction: 

Claus Müller, Fabian Ritter 

Design: 

Fabian Ritter Artworks 

DTP/Satz: 

Fabian Ritter Artworks, Brigitta Settels 

Lektorat: 

Agnes Merklein 

Titelphoto Hurts: 

Laurence Ellis (www.laurenceellis.com) 

Titelphoto Lordi: 

Petri Haggrén (www.petrihaggren.com) 

www.orkus.de 

Ständige MitarbeiterInnen: 

Nadine Ahlig, Lydia Aufschlager, Isabell Köster, 

Doreen Krase, Axel Schön, Lars Schubert 

Freie MitarbeiterInnen: 

Manuela Ausserhofer, Sebastian Berning, 

Anna Caldarone, Miriam Claus, Peter Eskriba, 

Claudia Feger, Marc Frei, Melanie Haack, Marc 

Halupczok, Marie-Luise Henke, Michael Hertel, 

Christian Hesse, Dominik Irtenkauf, Roman 

Jasiek, Nina Kefer, Richard Klasen, Martin 

Kreischer, Sascha M. Kühne, Alexander Maciol, 

Kerstin Müller, Dinah Nelke, Jens Pan, Tanja 

Pannwitz, Giovanni Perna, Emilia Reifert, 

Annabelle Reiter, Jana Rischke-Tanaka, Julian 

Rohrer, Gaetano Rothenburg, Saskia Scherf, 

Evelyn Schön, André Steinigen, Christopher 

Sturm, Thomas Thyssen, Caroline Traitler, Daniela 

Vorndran, Belinda Wagner, Elena Winter, Silvio 

Wolff 

Ständige PhotographInnen: 

Michael Gamon, Axel Heyder, Christin Kersten, 

Thomas Nattermann, Lorenz Pietzsch, 

Claudia Schöne 

Orkus!-Abonnement: 

Jahres-Abo € 49,90 (inkl. MwSt., P&P) 

Auslands-Abo € 77,90 (inkl. P&P) 

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Redaktionsschluss für Nr. 04/13: 

25.02.2013 

Anzeigenschluss (gewerblich) für Nr. 04/13: 

25.02.2013 

Es gilt unsere Anzeigenpreisliste Nr. 01/2012 

vom 02.01.2012 

Vervielfältigung, auch auszugsweise, nur mit schriftlicher Genehmigung des Herausgebers. Keine Haftung für unverlangt eingesandte 

Manuskripte, Photos, Tonträger et cetera. Namentlich gekennzeichnete Artikel geben nur die Meinung des jeweiligen Verfassers wieder.

O rkus 

O rkus 

Mehr Seiten – mehr Inhalt! 

Nr. 03 · März 2013 

! 

Jetzt auch musikalisch mit Biss 

hurts + VNV Nation + Zeromancer + Schlafes Bruder 

Nick Cave + HENKE + mesh + Amplifier 

The Beauty of Gemina + Cultus Ferox + Die Krupps 

miserylab + Boil + Faderhead + Sofia Härdig + Coppelius 

The Eden House + Faun + Slave Republic + Altaar 

Model Kaos + Soilwork + Saalschutz + Helium Vola 

Script 6 + KMFDM + Woodkid + Spetsnaz + Stratovarius 

Love Is Colder Than Death + Fire + Ice + von Branden 

Java Guidi + Chainreactor + Black Tape For A Blue Girl 

Project Pitchfork + Dornenreich + Chemical Sweet Kid 

Eisenherz + Welle: Erdball + Tubbe + ROME

Orkus! Hurts (Vorschau)

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