Biographien Wuhrsträssler (PDF, 1.9 MB) - Stiftung Trudi Demut und ...

... über Horizonte und Wesen hinaus ...
Alles im Überblick 2012
mit Wuhrsträsslern und Wahnweltlern
8 Wuhrsträssler der Jetztzeit
Dritttzyklus 5. Okt – 10. Nov 2012

9 Wuhrsträssler der Jetztzeit
Remo Roth
Andreas Dobler Pietro Mattioli
Edi Hebeisen
Urs Frei
Andrea Gohl
William Lutz
Stefan Burger & Andrea Thal

Remo Roth
Maler, Zeichner, Grafiker und Plastiker
* 1934 Wangen an der Aare (BE)
Atelier an der Wuhrstrasse seit 1974
Remo Roth wuchs in Zürich auf und besuchte hier die
Schulen.
Er bezog 1974 ein Atelier in der Baugenossenschaft Maler,
Bildhauer & Architekten an der Wuhrstrasse in Zürich (In
der Nachfolge von Otto Morach), wo er bis heute arbeitet.
Seit 1959 ist er in der Zürcher Kunstszene als Maler tätig
und stellte in verschiedenen Kunsthäusern und Galerien
in der Schweiz und im Ausland aus. Er bereist seit 1965
– bis heute – Italien und verbringt dort regelmässig längere
Arbeitsaufenthalte. Auch Paris (1981) und Barcelona
(1964/67) waren Aufenthaltsorte von längerer Zeitdauer.
Roth ist auch literarisch tätig. Seine ersten literarischen
Schritte tat er 1978. Im Eigenverlag entstanden zwei Bücher
mit Texten, Gedichten und Zeichnungen und ein Bild-
Katalog.
Interpretationen:
Fritz Billeter schrieb: „Remo Roth schafft, entwirft, ermöglicht
in seinen Bildern Räume, auch wenn er sie uns vorerst
verriegelt, entzieht oder entrückt. Er suggeriert solche
Räume – Räume der Freiheit? –, gerade weil das Auge sie
nicht betasten, nicht betreten, zuweilen aber noch durch
Ritzen, Spalten, wie durch beschlagene Scheiben erahnen
kann.“ (Remo Roth Bilder 1983–1988)
Zitat:
«Ich frage mich, ob man mir nicht radikale Mitarbeit abverlange,
wenn ich beschliesse, aus den dunklen, Leben-simulierenden
Vorstellungen Genuss zu ziehen. Ich gehöre
dazu und bin sicher, dass ich bin wie andere auch, doch
ich weiss nicht, wie bedeutend ich den anderen erscheinen
mag. Also beschliesse ich, auf meine irreführenden
Darstellungen zu verzichten, um endgültig im eigenen inneren
Labyrinth Platz zu nehmen, wo ich weder Beengnis
noch Spuren davon sehen kann, sondern nur die Stille
eines vollkommen rätselhaften kurzen Protokolls über das
Wesen des Bildes: Das Bedeutende am Bild sind die
wunden Stellen.»
(Remo Roth)
Quellentext:
– Hantieren mit Höhlengrau / Eigenverlag Remo Roth 1993
– Nachtasyl / Remo Roth Zeichnungen – Gedichte /
Eigenverlag Remo Roth 2011
– Remo Roth Bilder 1983-1988 / Eigenverlag Remo Roth

William Lutz
Maler
* 25.11.1949 Thal (SG)
Atelier an der Wuhrstrasse
William Lutz, geboren 1949 in Thal (St. Gallen), ist von
1961-65 Schüler des Kunstmalers Otto Rausch (1923-
2000) in Thal. Von 1970-73 studiert er an der Akademie der
Bildenden Künste in München und verbringt anschliessend
sechs Monate in Florenz. Ab 1973 lebt er im Tessin und ist
dort während fast sieben Jahren Mitarbeiter des Architekten
Luigi Snozzi in Locarno.
1980 kehrt er nach Thal zurück und widmet sich nun völlig
der Malerei. Ein letzter in dieser Zeit entstehender Architektur-Entwurf
(A House for Karl Friedrich Schinkel) wird
anlässlich eines Wettbewerbs von James Stirling ausgezeichnet.
Den Winter 1981/82 und 1982/83 verbringt Lutz
in Paris, wo er Diego Giacometti begegnet. 1986 zieht er
nach Zürich. Einem Atelier an der Magnusstrasse 5 folgt
1993 eines in der Ateliersiedlung an der Wuhrstrasse.
Radierungen entstehen mit dem Kupferdrucker Kurt Zein
aus Wien. 1987 werden sie an der 17. Biennale für Druckgrafik
in Ljubljana gezeigt. 1989 folgt Lutz der Einladung
zum 4. Malersymposium in Werfen / Österreich. In den
1990er Jahren entstehen Lithografien mit dem Steindrucker
Urban Stoob in dessen Werkstatt in St. Gallen. Neben
der Malerei wird das literarische Schreiben seit 2007 für
William Lutz zunehmend wichtiger. Auch hier, wie schon im
Bildnerischen Werk, beschäftigt er sich mit jenem Unabgeschlossenen,
Bruchstückhaften, das im Untertitel einer
Gruppenausstellung, an der er 2008 teilnimmt, so formuliert
ist: „Eine Expedition ins Universum der Notizen und
Skizzen.“
„William Lutz (...) unternimmt geradezu eine introspektive
Vivisektion. Seine menschlichen Figuren tragen keine individuellen
Züge, haben keine persönlichen Charakteristika,
sie sind die Idee der menschlichen Gestalt. Sie sind
wie auseinandergenommene Fragmente, reduziert auf das
Einfachste, Wesenhafte. Die Figur birgt Raum in sich und
definiert so, quasi als räumliches Gebilde, ihren Umraum.
Bewegung dringt nicht nach aussen, sondern bewirkt eine
innere Dynamisierung, die der Figur Plastizität und sinnliche
Erfahrbarkeit verleiht.“
(Margit Zuckriegl, Museum der Moderne Salzburg)
Quellentext:
– Katalog Malersymposium Werfen 1989 /
Museumsverein in Zusammenarbeit mit dem Amt der
Salzburger Landesregierung, Kulturabteilung, 1989
– A House for Karl Friedrich Schinkel. The Japan
Architect, NO. 274, February 1980
– www.sikart.ch / Schweiz. Institut für Kunstwissenschaft

Andreas Dobler
Maler, Musiker und Dozent
* 1963 Biel
Atelier an der Wuhrstrasse
Seine Kindheit verbrachte Andreas Dobler im Aargau. Eine
kaufmännische Berufslehre bei Ringier AG in Zofingen gab
ihm die Gelegenheit, sich ausgiebig mit den hauseigenen
Boulevardmedien zu beschäftigen. In seiner Freizeit schuf
er Illustrationen für deutsche Science-Fiction-Fanzines und
erste surrealistische Gemälde im Elternhaus in Rothrist
AG. 1983 - 1985 absolvierte er die Malfachklasse an der
Schule für Gestaltung in Basel. Ab 1986 freie künstlerische
Tätigkeit. 1987 Atelier im Luwa-Areal in Zürich, wo er
überproportionierte Stilleben malte. In diesen kombinierte
er Gegenstände mit gegensätzlichen Funktionen, welche
die Polaritäten Schmerz/Lust oder Schmutz/Reinigung
evozierten. Diese Bildserie wurde in einer ersten wichtigen
Ausstellung 1987 in der Kunsthalle Basel gezeigt.
1990 – 91 Aufenthalt im P.S.1 in New York im Rahmen
eines Werkjahres des Bundesamt für Kultur. Nach einigen
Eskapaden in den szenischen Künsten als Autor und Performer
in den Jahren 1992 -1994 kehrte er reumütig wieder zu
Malerei zurück. Sein Interesse an spirituellen Phänomenen
wird erkennbar. Vom Wunsch nach Flucht in einen geistig
erweiterten Zustand zeugen psychedelische Experimente
mit Stoffbatik, oder Mandalas aus dem Eurocard-Logo. Es
entstehen menschenleere Persiflagen von Hotelresorts, die
er aus Ferienprospekten abmalt.
Aehnlich menschenleere Projektionsflächen bieten Doblers
grossformatige Tuschmalereien unwirtlicher Planetenlandschaften,
die Ende der 90er entstehen. Sie beschwören
Parallel- und Gegenwelten herauf und vermitteln im Computerzeitalter
eine Zukunftsnostalgie, die an die Erfahrungen
der eigenen, von Science-Fiction und Fantasy geprägten
Teenagerzeit anknüpft.
1996 hält er Einzug im Sommeratelier in der Badi Letzigraben.
Die Arbeitsumgebung in einer ehemaligen Damengarderobe
fördert eher erotische Motive zutage: Plastisch gemalte
Skulpturen, die auf abstrahierte organische Formen
der klassischen Moderne anspielen.
Im Atelier der Stiftung Binz 39 entstehen kerkerhafte Innenräume,
die auf trashige Horrorästhetik verweisen. Dobler
inszeniert darin mit dem ironischen Unterton der Uebertreibung
seine eigene Ambivalenz zum Medium Malerei, das
für ihn Fluch und Segen zugleich ist.
Ab 2001 Tätigkeit als Dozent für Malerei an der F+F Schule
für Kunst. Unter dem Pseudonym Andy Canyon tritt er als
Gitarrist und Sänger auf, unter anderem mit der Kultband
Demolition Blues. Ab 2009 gemeinsame Installationen und
malerische Projekte mit seiner Lebenspartnerin Anna Kanai.
2012 initiieren sie das Projekt Fool for April im Perla-Mode
Zürich. In ihrer jüngsten gemeinsamen Arbeit verzierten sie
die Fensterscheiben des Fäkalienpalasts in der Kläranlage
Uster.
Dobler ist ein Bilderjunkie, der sich von der Flut des alltäglichen,
kollektiven Bildmaterials berauschen lässt und
damit seinen persönlichen Kosmos schafft, in dem alles in
lustvoller Auflösung begriffen ist. In einem obsessiven Mix
der Aesthetismen lebt er seinen Hang zu post-apokalyptischen
und krypto-geometrischen Erzählungen aus. Zu
seinen beliebtesten Motiven zählen: Bancomaten in Ruinen,
Landschaften mit Turnschuhen und Schrumpfköpfen,
Teppichausverkaufskubismus, Lingeriebiotope im Shopping-Center,
Dessertträume, Unterwassersex, an Ketten
hängende Wohnwände und im All schwebende Styroporverpackungen.
Quellentext:
– Andreas Dobler

Pietro Mattioli
Künstler, Kurator und Publizist
* 03.10.1957
Atelier und Wohnung an der Wuhrstrasse
Pietro Mattioli wurde in der Künstlergenossenschaft an der
Wuhrstrasse geboren und verbrachte dort die frühe Jugend
zusammen mit seinem Bruder. Nach dem Besuch der
Kunstgewerbeschule Zürich Mitte der 70er Jahre machte er
eine Ausbildung zum Fotografen bei Hansjörg Henn in Zürich.
Seitdem ist die Fotografie das konstanteste Medium
in seiner künstlerischen Arbeit. Seit Abschluss der Ausbildung
1978 ist er freischaffend als Künstler und Kurator tätig.
In dieser Zeit entsteht auch seine grosse fotografische
Serie „66 Portraits Club Hey Zürich, 1977/78.“
Seit den frühen 80er Jahren organisierte Pietro Mattioli als
Selbsthilfeprojekte mehrere Ausstellungen mit Künstlerfreunden
in Zürcher Privatwohnungen und Fabrikarealen.
Neben fotografischen Arbeiten entstehen auch Serien in
Druckgrafik und Material Assemblagen. Nach mehreren
Jahren mit Wohnsitz in London bezog er nach seiner Rückkehr
nach Zürich1993 Wohnung und Atelier an der Wuhrstrasse,
wo er heute mit Familie lebt.
Über seine Bekanntschaft mit Urs Stahel stiess er früh zum
damals kleinen Team des neuen Fotomuseum Winterthur.
Von 1994 bis 2008 leitete er dort Aufbau und Gestaltung
der Ausstellungen, betreute die Sammlung und war Co-
Kurator von Ausstellungen. In den 90er Jahren entstehen
neben Tonskulpturen u.a. die Werkgruppen: „Malerei“ Serie
No.1 bis No.4. Es sind Versuche, in denen sich Pietro
Mattioli der Materialhaftigkeit der Farbe selbst zuwendet.
„Pietro Mattioli malt ohne zu malen“ (Zitat Martin Jaeggi).
Ab Mitte der 90er Jahre entstehen auch wieder grössere
fotografische Serien wie „Soldaten“, „Architektur“, “Bücher“,
„Spinnennetze“ u.a. Neben freien kuratorischen Projekten
im Inn- und Ausland leitete er u.a von 2003 - 2006
den „Raum für zeitgenössische Schweizer Fotografie“ der
CoalMine Fotogalerie in Winterthur.
Sein kulturpolitisches Engagement ist auch heute noch
präsent als Mitglied von Kommissionen wie die Kunstkommission
der Stadt Zürich (seit 2003) oder die Arbeitsgruppe
Kunst im öffentlichen Raum der Stadt Zürich (2003
– 2009) und ebenso als Präsident der Künstlergenossenschaft
Maler und Bildhauer an der Wuhrstrasse.
Als Künstler erhielt er mehrere Stipendien des Kanton und
der Stadt Zürich und hatte zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen
im In- und Ausland. Er ist auch Herausgeber
von Publikationen und Dozent an der F+F Schule für Kunst
und Mediendesign Zürich.
Interpretationen + Zitate:
Mit einer konzeptuellen Haltung erarbeitet Pietro Mattioli
Serien und Werkgruppen, die analog zur Idee im adäquaten
Medium umgesetzt werden wie z.B. Fotografie, Holz-
oder Tonskulpturen, bis Untersuchungen zu Malerei. Laut
Martin Jaeggi sind es „Werke, die einen Dialog zwischen
Fotografie und Skulptur, Raum und Bild, umreißen“ oder
wo „Fotografie als Mittel zur skulpturalen Verknappung
der Wirklichkeit eingesetzt wird“ wie zum Beispiel bei der
Serie der schwarzweißen „Antennen“. Oder wie es Andreas
Vogel zu der gleichen Arbeit formuliert; „Eine fotografische
Reihung, die kalligrafische Zeichen vor bleiernem
Himmel festhält, welche sich ebenso als eine Ikonografie
des Äthers lesen lässt. Diese Serie und die bekannten
„Nacht“ Bilder der Serie „2000 Light Years from Home“
eint, dass sie nicht als Rechercheresultat, sondern als
Festhalten von Aufscheinendem angelegt sind. Hier nicht
nur ein, sondern ein letztes Aufscheinen. Als bald schon
demontierte Relikte des vordigitalen Zeitalters gilt für sie,
was für so viele Arbeiten von Mattiolis Bildmomenten gilt:
Eben noch nicht da, jetzt schon fort.“
Quellentexte:
– Pietro Mattioli

Edi Hebeisen
Bildhauer, Maler und Kämpfer
* 30.03.1958 Zürich
+ 26.03.2012 Zürich
Atelier und Wohnung an der Wuhrstrasse
1994-2013
Edi ist am 30.03.1958 geboren. Er wuchs mit seiner
Schwester bei seinen Eltern in Kollbrunn auf. Schon als
Kind interessierte er sich für Kunst, damals war es die
Schauspielkunst. Nach seiner Lehre als Detailhandelsfachmann
nahm er verschiedene Arbeit an und ging unabwendbar
seinen persönlichen Interessen in der Musik und der
Kunst nach.
Seit 1980 lebte Edi zusammen mit Freunden in der Stadt
Zürich. Anfangs der 90er Jahre traf er seine frühere Liebe
Lena Schliep. 1991 kam ihr erster Sohn Bas Hebeisen,
1993 ihr zweiter gemeinsamer Sohn Neel Hebeisen auf die
Welt.
1994 zog die 4-köpfige Familie an der Wuhrstrasse ein. 14
Jahre lebten und arbeiteten sie dort. Die Zeit in der Maler -
und Bildhauerbaugenossenschaft waren für Edi die bedeutendsten
Jahre in seinem Leben. Die Möglichkeit an einem
Ort zu arbeiten und zu wohnen, war für ihn unersetzbar. In
dieser Zeit entstanden viele Arbeiten sowohl im Atelier als
auch auf dem Werkplatz. Edi bearbeitete den Stein immer
ohne Einsatz jeglicher Maschinen und brauchte bewusst
Material, das ihm zur Verfügung stand.
2007 erkrankte Edi an Amyotropher Lateralsklerose. Die
Krankheit ALS, eine rasch voranschreitende, degenerative
Erkrankung des Zentralen Nervensystems, verunmöglichte
ihm seine Tätigkeit als Steinbildhauer weiterzuführen. Es
entstanden noch einige letzte Bilder. Am 26.03.2012 verstarb
Edi ruhig zuhause in Anwesenheit seiner Familie. Edi
bleibt uns als kämpferischen, feinfühligen und extrem lieben
Menschen in Erinnerung.
Noch während seiner Ausbildung (1986-88) an der Bildhauerfachklasse
der Schule für Gestaltung in Basel konnte
er in Zürich zwei alte Garagen am Letzigraben ausfindig
machen, die ihm bis 1994 als Werkplatz dienten. Neben
Arbeiten auf Papier entstanden hier erste Steinskulpturen.
Sein stilistisches Repertoire erstreckt sich von studienartigen
Strichzeichnungen über flächenbetonte Blätter mit
deckendem Farbauftrag bis hin zu Collagen und mixedmedia
Techniken. Textelemente, ob Zitate oder eigene
Formulierungen, erweitern häufig die visuellen Ausdrucksformen.
Nicht unerwartet ergeben sich Querverbindungen
zum plastischen Werk, wie etwa Studien von Händen oder
Zeichnungen mit stelenartigen Ensembles. Oder das Revolutionsemblem
des roten fünfstrahligen Sternes mutiert zur
ausdrucksstarken plastischen Figur aus Stein (Force tranquille).
„Bushes“ etwa erscheint mit den übereinander gestaffelten,
schwammigen Grünflächen, die in Gelbformen
träufeln, als ironisch gefärbte Auseinandersetzung mit dem
„abstrakten Expressionismus“.
Zu den frühen plastischen Arbeiten, die noch am Letzigraben
entstanden sind, zählt die hochinteressante Sequenz
der 26 Handfragmente. Es handelt sich um kleinere, kubenartigen
Stücke aus Porphyr, einem roten Granit, wie er im
Strassenbau verwendet wird, aus denen Fingergesten und
Handformen reliefartig herausgearbeitet sind. Der Künstler
hat sie im Atelier auf einem Brett direkt unter der Decke
aufgereiht. Den schweigenden, rohen Stein zum Sprechen
zu bringen, ist wohl die metaphorische Grundintention aller
Bildhauerei.
Charakteristisch für seine Arbeitsweise und den Umgang
mit Werkstoffen ist der fast durchgängige Gebrauch von
Abfallmaterialien wie Steinresten, gebrauchten Bretter und
dergleichen. Diese Verwendung von Abfallstücken ist auf
den ersten Blick primär arbeitsökonomisch und ökologisch
begründet und richtet sich gegen die Wegwerfmentalität
der Konsumgesellschaft. Darüber hinaus hat sie weiterreichende
künstlerische und ästhetische Aspekte: die Faszination
für das Fragment und das Fragmentarische, die weit
zurückreicht bis in die Vormoderne, verbindet sich mit der
surrealistischen Idee des „objet trouvé“.
Zudem gibt die „anti-perfektionistische“ Haltung dem Improvisativen,
dem Prekären, dem Existentiellen und Künstlerischen
Raum in Abgrenzung zur technoiden Ideologie
des Perfektionismus.
„Steine mit Fehlern sind interessanter als die perfekten“,
sagt Hebeisen.
Quellentext:
– aus Buch: EDI Hebeisen
„bad intentions can yield good results“
Volker Schunck, Dr. phil., Kunstwissenschaftler

Urs Frei
Objektkünstler, Skulptur, Malerei, Installation
* 01.09.1958 Zürich
Atelier an der Wuhrstrasse
Nach einer kaufmännischen Lehre in Zürich Beginn der
künstlerischen Tätigkeit. Ende 1981 erfolgt die erste halböffentliche
Ausstellung im eigenen Atelier. 1982–84 dann das
Studium an der Kunstakademie in Frankfurt a. M., 1984–87
folgte ein Arbeitsaufenthalt in Wien. Urs Frei erhielt Zahlreiche
Stipendien und Auszeichnungen: 1985 Kanton Zürich,
1987 Stadt Zürich und Kunstpreis der Schweizerischen
Bankgesellschaft, 1989 Atelierstipendium der Stadt Zürich
in New York, 1993 Paul-Valéry-Anerkennungspreis. Neben
zahlreichen Gruppenausstellungen im In- und Ausland hatte
er seit 1990 mehrere Einzelausstellungen in der Galerie
Walcheturm Zürich, 1991 Kunsthalle Luzern, 1994 Kunsthalle
Zürich, 1997 Biennaledi Venezia.
Die in Serien angelegten Werke von Urs Frei deuten auf
eine künstlerische Strategie hin, die bei den Tendenzen der
Postminimalisten Ende der 60er Jahre ansetzt. Ein Formzusammenhang
ergibt den nächsten; spielerisch geht das
eine Werk in das andere über. Ihre gegenseitige Verkettung
erschliesst sich in der Gesamtschau, wenn sich der
Empfänger zwischen den scheinbar ungleichartig im Raum
verteilten Materialanhäufungen bewegt. Die offene Struktur
zeigt sich sowohl in den konglomeratartigen Werken selbst
als auch in ihrer Eigenschaft, grenzüberschreitend zwischen
den Gattungen Plastik, Malerei, Installation zu schweben.
Die frühen Wand- und Bodenarbeiten sind zunächst vornehmlich
aus Holz: Bretter, Klötze und Rahmen sind zu Objekten
verarbeitet, die Spuren von Zement oder Spachtelmasse
aufweisen. An architektonische Formen erinnernd,
sind sie meist programmatisch dort platziert, wo Wand und
Boden aufeinandertreffen. In den 80er Jahren entstehen
vermehrt Werkelemente aus der urbanen Dingwelt, sowohl
neuwertige als auch gebrauchte: Papprollen, Plastikeimer,
Tücher werden zu heterogenen Objekten gestapelt, gebündelt
oder aneinandergereiht und mit Farbe bearbeitet.
Ihr ambivalenter Charakter entfaltet sich zusätzlich in der
Bezugnahme zum Raum. Offen für assoziative Annäherung,
verweisen die Werke oft auf organische Formen. Ab 1990
einheitlicher wirkende Wandobjekte aus Stoffsäcken. Die
prall gestopften, kissenartigen Volumen sind bemalt und
nehmen durch umgebundene Schnüre vielfältige Formen
an. 1994 neue Werkserie: Konglomerate aus Brettern und
Stangen muten wie übergrosse, gemalte Demonstrationstafeln
und gleichzeitig wie Bilder auf Staffeleien an. Seit
1996 entstehen auch Zeichnungen und Werkskizzen, die
die Eigenschaften des Raums untersuchen. Die Balance,
die auf der formalen Ebene über Techniken des Anlehnens
oder Aufeinanderstapelns der Einzelteile hergestellt wird,
kommt auf der Ebene der Gattungsüberschreitung erneut
ins Spiel: Die lose zusammengesetzten, bemalten Plastiken
mutieren zu aussergewöhnlichen Bildträgern. Die Farbe,
satt aufgetragen und meist von ausgeprägter Buntheit,
gewinnt die Qualität des Taktilen und tendiert selbst zur
Objekthaftigkeit. Die auf allen Ebenen zu beobachtende
Ambivalenz fordert dazu auf, Fragen nach der Rolle und
Definition der Kunst zu stellen: Gattungszuweisung, Kontextualisierung
und Partizipation des Empfängers sind zentrale
Themen, wobei die Begegnung mit den spielerischen
Bricolagen immer auch die Dimension des Poetischen beinhaltet.
Quellentext:
– www.sikart.ch / Schweiz. Institut für Kunstwissenschaft

Andrea Gohl
Objektkünstler, Skulptur, Malerei, Installation
* 1970 Thalwil
Atelier und Wohnung an der Wuhrstrasse
Andrea Gohl wuchs in Thalwil auf und besuchte das Gymnasium
in Zürich. Erste fotografische Versuche beginnen
als Jugendliche. Fasziniert vom Arbeiten in der Dunkelkammer
und Experimenten mit fotografischen Inszenierungen,
Prozessen und Materialen, entstehen erste Arbeiten.
Mit 19 verbringt Andrea Gohl ein Jahr in Barcelona und
studiert dort an der Uni. Im darauffolgenden Jahr schliesst
sie sich einer GAF Gruppe in Zürich an, wo sich die Auseinandersetzung
über die Fotogafie intensiviert und zum Entschluss
führt, Fotografie zu studieren. Mit 21 beginnt sie ihr
Studium an der School of Visual Arts in New York, wo sie
während 10 Jahren lebte und arbeitete. Die beruflichen Erfahrungen
in New York führen über verschiedene Stationen
als Master Printerin, Künstler- und Galerieassistentin. Währenddessen
setzt sie ihre eigene künstlerische Arbeit fort.
Diese ist geprägt von Beobachtungen und Erfahrungen
in der Stadt, stets suchend nach Bildern und Räumen, die
diesen Erfahrungen Ausdruck verleihen können.
Nach ihrer Rückkehr nach Zürich 2001 fokussiert sie vorallem
auf ihr künstlerisches Arbeiten und lebt seit 2005 an
der Wuhrstrasse. Andrea Gohl unterrichtet seit 2003 Fotografie
und leitet seit 2008 den Studiengang Fotografie an
der F+F Schule für Kunst und Mediendesign in Zürich.
Andrea Gohl beschäftigt sich in ihrer fotografischen Arbeit
mit Fragen über Raum, räumliche und skulpturale Aspekte
in vorgefundenen Situationen, in Architektur und Stadt und
der Frage nach der fotografischen Darstellbarkeit.
Die kontinuierliche künstlerische Auseinandersetzung mit
verschiedenen Orten und Umfeldern bildet die Basis ihrer
Arbeiten. Es entstanden Bilder an Orten öffentlichen Geschehens,
aber auch in Innenräumen, in Wohnzimmern,
Schlaf- und Arbeitsräumen: Serien über Korridore in New
York, ein einfaches Zimmer mit Bett, über Vorhänge, Fenster
und Ausblicke, über städtische Telefonkabinen in Zürich
etc.
In ihrem Langzeitprojekt Urban Walks wurden verschiedenen
Städte bewandert und nach möglichen Bildern untersucht.
Der Stadtraum ist dabei gleichsam Atelier, Kulisse
und Bühne, ein letztlich undurchschaubares Labyrinth von
Vergangenheit und Gegenwart, von Planung und Zufall.
In ihrer neuesten Arbeit werden Oberflächenveränderungen
einer Stadt im Wandel, die konkrete Sichtbarkeit urbanen
Aufwertungsdrucks, untersucht. Unterschiedliche Räume
und Materialien treffen dabei aufeinander im öffentlichen
Raum. In ihrem Kontrast und ihrer Reibung verdinglichen
und verräumlichen sich die Spannungen, die die Stadt
durchziehen.
Fragen zur Natur von Bildern treten in der Arbeit gleichberechtigt
neben die fotografische Wirklichkeitsbeobachtung.
Die Bilder erkunden das Verhältnis von Raum und Bildraum,
von materieller Wirklichkeit und zweidimensionaler
Scheinwirklichkeit des Bildes, die Grauzone zwischen Figuration
und Abstraktion. Die konkrete Substanz – Material
und Raum – geben Umrisse und Farbskalen vor, die in der
Begrenzung des Bildraumes in neue Bezüge treten.
Quellentext:
– Andrea Gohl

Stefan Burger
* 1977 Müllheim / Baden, Deutschland
Andrea Thal
* 1975 Bern
Stefan Burger und Andrea Thal studierten nacheinander
Fotografie an der Hochschule für Gestaltung und Kunst
Zürich und gaben sich Epoche-übergreifend („Die Klasse“ -
„Die Klasse Magazin“) die fotografische Klinke in die Hand.
Nach einigen Jahren verschiedentlicher und getrennter Aktivität
fanden sie ab 2005 in gemeinsamen Ausstellungs-,
Editions- und Publikationsprojekten als Künstler und Kuratorin
zusammen. z.B. „Portrait of Stefan Burger as a Pencil
of Nature“ (2005), „Kleinere Unsicherheitsgesellschaften“
(2006), beide bei Les Complices*, Zürich, Publikation
„Block 2008“, Edition Fink, Zürich.
In ihrer ersten gemeinsamen künstlerischen Arbeit wählen
sie für das Vorhaben die Örtlichkeit Wuhrstrasse als soziales
Gefäss und architektonisches Monument zu porträtieren
das Medium Film. Der Film versucht unterschiedliche
und ineinander verschränkte Bedeutungsschichten des
Gebäudes freizulegen und zu benennen: Das Abstrahlen
der schweizerischen Hochmoderne (Kratzer, Dellen, Beulen),
Quietschender Funktionalismus, Paranormale Vorgänge
in der Frankfurter Küche. ... im geerbten Aufbruch
gestrandet um voller Zuversicht den Balast der Geschichte
und dinglicher Kunst hinter sich zu lassen.
Quellentext:
– Stefan Burger