Biographien Wuhrsträssler (PDF, 3.6 MB) - Stiftung Trudi Demut und ...

Trudi Demut Otto Müller 

Alles im Überblick 2012 

mit Wuhrsträsslern und Wahnweltlern 

Bild in einem Ateliers an der Wuhrstrasse mit Besuchern um 1980 von René Eduard Brauchli (nach Courbet) 

Wuhrsträssler im Planetarium 

24. Mai – 29. Dezember 2012

Sagenhafte Baugenossenschaft 

der Maler und Bildhauer 

der legendären Wuhrsträssler 

Die Realisierung einer Künstlersiedlung hatte eine lange 

Vorgeschichte mit wechselnden Projekten von Idealisten: 

Zuerst scheiterte die Idee im Seefeld, wo anstelle einer 

Künstlerkolonie ein Altersheim zur Ausführung kam, danach 

in einer Siedlung für 100 Künstler in Zürich Affoltern, von 

welchem sich der kopfscheue Investor distanzierte. 1949 

wurde dann m Bunde mit Architekt Ernst Gisel von den 

treibenden Kräfte Max Truninger, Otto Müller und Otto 

Teucher die Baugenossenschaft für Maler und Bildhauer 

gegründet; diese Protagonisten wollten die Künstler 

aus ihrem Dasein als Randexistenzen und belächelten 

Bohemiens heraus führen und wollten in Selbsthilfe etwas 

gegen den Mangel von Ateliers und günstigem Wohnraum 

unternehmen. Staatlich subventionierte Kunst-Freiräume 

waren im Zürich der 50er Jahre nahezu unbekannt. 

Zusammen mit dem Architekten Ernst Gisel entwickelten 

die drei Gründerväter das Projekt eines urbanen 

Komplexes mit Atelierbau und Wohnturm. Dieses 

bisher unbekannte Konzept gewann die Sympathie des 

damaligen Stadtbaumeisters Albert Heinrich Steiner, des 

Kantonsbaumeisters Heinrich Peter, sowie des damals 

neu gewählten Stadtpräsidenten Emil Landolt. Bereits 

1952 konnte dank dem politischen Ehrgeiz des Pfarrers 

der Kirchgemeinde Wiedikon an der Wuhrstrasse ein 

Atelierbau und einem angelagerten Wohnturm realisiert 

werden. Bereits im März des folgenden Jahres wurden 

dann die Häuser bezogen. 

Der Aufsehen erregende Bau umfasste einen Werkhof 

mit vier angrenzenden Bildhauerateliers und vier darüber 

liegenden, durch einen Laubengang erschlossenen 

Oberlicht-Räumen für Maler. In einem zur Strasse 

hin vorgelagerten Wohnturm überlagern sich auf vier 

Stockwerken acht Appartements übereinander. Im 

Dachgeschoss brachte Architekt Gisel vier weitere kleine 

Ateliers unter. Die markanten Sheddächer setzen dem 

schlichten Baukörper gezackte Kronen auf und geben ihm 

sein „Image“ 

Die bildenden Künstler im Zürich der 50er Jahre arbeiteten 

damals traditionell in Gips und Stein, in Eisen und Holz, mit 

Kreide, Aquarell- und Ölfarbe. Zur ersten Generation von 

Mietern der Ateliers und Wohnungen an der Wuhrstrasse 

gehörten Trudi Demut und Otto Müller und mehr als 

ein weiteres Dutzend Künstler. Im ersten Zyklus der 

Retrospektive „Übersicht 2012“ kann eine Auswahl von 

Werken gezeigt werden, nämlich von: Friedrich Kuhn, 

Carlotta Stocker, Otto Morach, Bert Schmidmeister, 

Muz Zeier, Cañameras, Oskar Dalvit, Hans Aeschbacher, 

Silvio Mattioli, Carlo Vivarelli, Gregor und Otto Teucher. 

Dazu kommen Werke von Max Truninger, dem ersten 

Präsidenten der Wohnbaugenossenschaft, welcher nie in 

die Wuhrstrasse einzog, welcher immer im eigenem Atelier 

tätig blieb. 

Im ersten Zyklus der Retrospektive konnten einige 

Wuhrsträssler der Gründerzeit nicht berücksichtigt werden, 

nämlich Hans Rohner, Tildy Grob, Bruno Heller, Henri Wenger 

und Alfred Huber. Diese werden aber bald auf der Website 

(www.demut-mueller) mit ihren Werken in Erscheinung 

treten. Im zweiten und dritten Zyklus der Übersicht 2012 

kommen weitere Dutzende von „Wuhrsträssler“ hinzu. Auch 

den Wuhrsträsslern zugewandte Wahnweltler werden sich 

im Planetarium einfinden.

... über Wolken und Köpfe hinaus ... 



13 Wuhrsträssler im Planetarium 

Erstzyklus 24. Mai – 18. August 2012

13 Wuhrsträssler der Gründerzeit 

Nach unserer Selektion von Werken von dreizehn Wuhrsträsslern aus der ersten 

Generation entsteht im Planetarium des „Überblick 2012“ eine vergleichende 

Gesamtschau, welche die Wahnweltler Friedrich Kuhn bis zum Konstruktivisten 

Carlo Vivarelli umfasst. So unterschiedlich der Ausdrucksweisen von Trudi 

Demut und Otto Müller und der ersten Dreizehn vordergründig erscheinen 

mögen, so kommt man zur Einsicht, dass sie sich gegenseitig „befruchteten“ 

und allesamt mit ihren Werken gesellschaftlich Einfluss nehmen wollten. In der 

Nachlese eine zusammengehörige „Wolke der Wuhrsträssler“. 

Carlotta Stocker 

Bert Schmidmeister 

Oscar Dalvit 

Carlo Vivarelli 

Max Truninger 

Muz Zeier 

Hans Aeschbacher 

Gregor 

Friedrich Kuhn 

Otto Morach 

Franz Grossert y Cañameras 

Silvio Mattioli 

Otto Teucher

Friedrich Kuhn 

Maler, Bildhauer und Zeichner 

* 5. 10. 1926 Gretzenbach (SO) 

+ 6. 9. 1972 Zürich 

Atelier an der Wuhrstrasse 1958-1972 

Die ersten Lebensjahre verbrachte Friedrich Kuhn im solothurnischen 

Gretzenbach. Sein Vater, Fritz Kuhn, war Holz- 

und Steinbildhauer. 1933 zog die Familie nach Zürich, wo 

Friedrich die Schulen besuchte. 

In seinen Zwanzigerjahren unternahm Friedrich Kuhn Reisen 

nach Marokko, Algerien, Tunesien, Spanien, Schweden, 

Norwegen und Grönland. Er lebte eine Zeitlang in der 

Provence und dann im Tessin und beschäftigte sich mit Antiquitäten- 

und Kupferhandel. 

Die Anfänge als Künstler sind nicht sicher rekonstruierbar. 

Eine Grafikerlehre, die in einem der Lebensläufe erwähnt 

ist, könnte eine Legende sein. Ebenfalls eine „Reise zu den 

Eskimos“. 

Mitte der 1950er Jahre wurde er jedenfalls in Zürich sesshaft 

und arbeitete als Künstler. Er trat auf als „Bürgerschreck“, 

und seine Gestalt wurde zu einem Szenemittelpunkt. 

Als Künstler konnte er auf eine verschworene Schar 

Bewunderer, Komplizen und Sammler zählen. 

Einer abgehobenen Kunstdiskussion pflegte er sich zu entziehen 

mit dem bekannt gewordenen flapsigen Spruch: 

„Kunscht isch umsunscht“. 

Kuhn starb 1972 an einer langjährigen Vergiftung der Leber 

durch übermässigen Alkoholkonsum. 

Interpretationen: 

Kuhns revoltierende Kunst erhielt den Namen „Die Schule 

der Kleinen Zürcher Wahnwelt“. So taufte sie der Schriftsteller 

Paul Nizon in einem Aufsatz 1968, wobei er nebst 

Kuhn auch Varlin zu dieser irrationalen Gegenwelt zählte. 

Kuhns Werk wird dominiert von einer anarchischen Malerei, 

die zwischen Figuration und Abstraktion spielt, aber auch 

Zitate aus der modernen Massenkultur und Anspielungen 

auf die aufkeimende Popkultur enthält. 

Leben und Werk und die Legenden um die Person bilden 

eine Einheit, die kaum aufzubrechen ist. In der ersten eigenständigen 

Werkreihe, die um 1954 beginnt, herrschen 

folgerichtig die Motive des Clowns und Gauklers, des Tingeltangels 

und des Puppentheaters vor. 

Ab 1957 entsteht eine Gruppe von Gemälden, die von Paul 

Nizon als „verwilderte Möbel“ bezeichnet wurden. Elemente 

wie Sockel, Konsolen, Gesimse, Zierleisten sind zu ornamentalen 

Gebilden komponiert, sowohl als Persiflage auf 

das bürgerliche Interieur wie als Verherrlichung des Krimskrams. 

1964 setzt das Palmenmotiv ein. Die Palme, die ein eingängiges 

und formal einfaches Motiv ist, wird von Kuhn vielfach 

abgewandelt und gleichsam als sein Markenzeichen 

verwendet. Kuhns Palmen stehen dabei für die modernen 

Flucht- und Traumwelten, für Fernweh und die Sehnsucht 

nach exotischen Inseln. 

Zitat: 

«Seine Kraft ist, dass er die Hefe der Phantasie in das dünkelhaft 

Stagnierende schmuggelt.» 

(Paul Nizon, 1993) 

Quellentexte: 

– Kunsthaus Zug / Museum Baviera (Hrsg.), Friedrich Kuhn, 

Zürich1993 

– Bice Curiger / Caroline Kesser / Louis Jent, Friedrich Kuhn 

1926–1972. Der Maler als Outlaw, Verlag Scheidegger & 

Spiess, Zürich 2008 

– www.sikart.ch / Schweizerisches Institut für 

Kunstwissenschaft

Carlotta Stocker 

Malerin, Zeichnerin 

* 28. 5. 1921 Luzern 

+ 31. 8. 1972 Volketswil (LU) 

Nach einer Kindheit in Luzern und Zürich zog Carlotta 

Stocker auf die Alpensüdseite: Ihr Vater, ein Ingenieur, war 

ein früher „Aussteiger“, der sich in Ronco sopra Ascona 

eine neue Lebenssituation schuf. 

Stocker besuchte den Vorkurs an der Kunstgewerbeschule, 

wo ihre Lehrer Heinrich Müller und vor allem Ernst Gubler 

waren. Diese empfahlen sie an die einzige eigentliche Schweizer 

Kunstschule, die Ecole des Beaux-Arts in Genf, wo 

sie bei Alexandre Blanchet die Grundlagen für ihren Beruf 

erwarb. 

Nach dem Studienabschluss kehrte sie zwar ins Tessin 

zurück, integrierte sich aber zunehmend auch in der jungen 

Zürcher Szene, anfänglich als Illustratorin. Bald entschied 

sie sich, den Schritt zur „Grossen Malerei“ zu wagen. 

In Zürich fand die Malerin in den Atelierhäusern an der 

Wuhrstrasse einen Arbeitsort, wo sie einen festen Bezugspunkt 

hatte. 

Begabung, Zielstrebigkeit und Spontanität sicherten Carlotta 

Stocker früh künstlerischen und auch gesellschaftlichen 

Erfolg. Seit Ende der vierziger Jahre stellte sie regelmässig 

aus und erhielt Aufträge für Wandgestaltungen. 

1951 und 1963 gewann sie das Stipendium der Stadt 

Zürich, 1957 und 1960 das eidgenössische Kunststipendium 

und 1955 den Zürcher Conrad-Ferdinand-Meyer-Preis, 

was ihr Studienaufenthalte und Paris, Italien und Südfrankreich 

ermöglichte. 

Doch war sie ruhelos: Die Auflösung einer Beziehung, das 

Misslingen eines Gemäldes oder die Empfindung künstlerischer 

Stagnation konnten Carlotta Stocker zu Ausbrüchen und 

Abstürzen treiben. Auf ungeklärte Situationen oder künstlerische 

Probleme reagierte sie mit Flucht, mit Orts-, 

Beziehungs- und Motivwechseln. 

Partnerschaften mit unterschiedlichsten Männern prägten 

denn auch ihr Leben. 

Erst 1969 heiratete sie den ungarischen Mathematiker Imre 

Julius und zog mit ihm in den Zürcher Vorort Volketswil. Drei 

Jahre später starb sie in ihrem Atelier an einem Hirnschlag. 


Ein Grundmuster ihrer Existenz ist das Pendeln zwischen 

Nordschweiz und Südschweiz, wobei Zürich der Ort des 

konzentrierten Schaffens und des Kontaktes mit dem Kunstbetrieb 

war, die westlichen Mittelmeerländer Orte der Inspiration 

und der Lebensfreude. 

Zeichnerisch schöpfte Carlotta Stocker aus zwei Quellen. 

Aus der Zeichenart der Zürcher Konstruktiven und aus einer 

malerisch-modellierenden Gegenstandserfassung der 

Genfer Schule entwickelte die Künstlerin eine Technik der 

Körper und Raum evozierenden Umrisszeichnung, die immer 

grosszügiger und offener wurde. 

Frühe Malereien lassen sich noch auf die aus „Lichtteilchen“ 

aufgebauten Bilder ihres Genfer Lehrers Alexandre Blanchet 

zurückführen, dann tritt die Modellierung schrittweise 

in den Hintergrund. Spätere Werke erscheinen als flächige 

und leicht abstrahierte Kompositionen, in denen Einflüsse 

von Matisse und des späteren Picasso zu erkennen sind. 

Die Beschäftigung mit Wandbildern verstärkte die grosszügige 

Vereinfachung. 

Der Abstecher in eine abstrakte Farbzonenmalerei im 

Zusammenhang mit einem Aufenthalt in Fox Amphoux 

(Provence)1960 markiert einen Umbruch, der sich auch in 

den späteren, wieder an gegenständliche Motive gebundenen 

Werke äussert. 

Quellentexte: 


Kunstwissenschaft 

– Carlotta Stocker / Peter F. Althaus / NZZ Verlag 1995

Max Truninger 

Maler, Lithograf und Werbegrafiker 

* 5. 12. 1910 Winterthur 

+ 23. 9. 1986 Zürich 

Mitbegründer der Künstlergenossenschaft an 

der Wuhrstrasse 

Max Truninger begann seine Karriere als Gebrauchsgrafiker 

bei Orell Füssli Annoncen. In Abendkursen an der Kunstgewerbeschule 

bildete er sich weiter. Da lernte er auch seine 

spätere Frau, die Bildhauerin und Grafikerin Regina de 

Vries, kennen. 

Stärker als zum grafischen Gewerbe fühlte er sich zur Malerei 

hingezogen, der er sich ab 1930 ganz widmete. 

Frühe Gemälde entstanden nach der Natur, doch wandte 

Truninger sich bald dem Kubismus zu und setzte sich mit 

Georges Braque und Pablo Picasso auseinander. In den 

späteren 1930er Jahren lebte er zeitweise zu Studienzwecken 

in Paris; seine Pläne, endgültig in die Weltstadt zu 

ziehen, wurden durch den Ausbruch des Zweiten Weltkrieges 

vereitelt. 

Zurück in der Schweiz, erhielt er seinen ersten öffentlichen 

Auftrag: ein Wandbild für die Landesausstellung 1939 in 

Zürich. Nebst vielen anderen öffentlichen Aufträgen konnte 

er 1943 auch ein Wandbild im Speisesaal des Wohlfahrtshauses 

der Maschinenfabrik Oerlikon ausführen. 

1943 wurde ihm der Conrad-Ferdinand-Meyer-Preis verliehen. 

In den sechziger Jahren begann er, sich mit Glasmosaiken 

und Wandteppichen zu beschäftigen. Bekannt ist die 

Längswand in der Abdankungshalle im Zürcher Krematorium 

Nordheim (1963–1964), die mit farbiger Verglasung 

durchbrochen ist. 

Für die Eingangshalle der Zürcher Kantonalbank schuf er 

einen Wandteppich (1972). 

Truninger blieb Zürich treu und lebte bis zu seinem Tod in 

Zürich an der Spiegelgasse. Aus der Ehe mit Regina de 

Vries stammen zwei Kinder, Thomas und Bettina. 


Truningers Motivwahl beschränkt sich vorwiegend auf Atelierszenen 

und Stillleben, eine Bildwelt voller Bedächtigkeit. 

Wiederkehrende Motive sind Musikinstrumente, die auch 

eine innere Gestimmtheit ausdrücken. Truninger konnte 

über Jahre immer wieder zu einem Bild zurückkehren und 

daran weitermalen. 

Die Beschäftigung mit Glas beeinflusste seine Tafelmalerei; 

er verstärkte die Leuchtkraft der Farbe durch vermehrte 

Transparenz und gab andererseits der Fläche klarere Begrenzungen. 

Max Truninger zählt zu den „Zürcher Figurativen“, mit Max 

Gubler und anderen. Sie bildeten eine eigentliche Schule 

von Künstlern, die nach dem Krieg – in Auseinandersetzungen 

mit Cézanne, Munch, Braque, Picasso – trotz stark 

abstrahierenden Tendenzen dem Gegenständlichen treu 

blieben. Sie bildeten damit einen Gegenpol zu den Zürcher 

Konkreten. 

Quellentext: 


Kunstwissenschaft

Otto Morach 

Maler, Zeichner, Plakatgestalter 

* 2. 8. 1887 Hubersdorf (SO) 

+ 25. 12. 1973 Zürich 

In der kleinen Gemeinde Hubersdorf, wo sein Vater Lehrer 

war, verlebte Otto Morach eine Kindheit in Verbundenheit 

mit der Natur. Gerne spürte er den Steinen nach, die im 

Bachbett der Sigger lagen. 

In Solothurn, wohin die Familie zog, besuchte er die Realschule. 

Während dieser Zeit kam er mit den Bildern des Solothurners 

Cuno Amiet in Berührung und beschrieb das als seine erste 

tiefgreifende Begegnung mit der Farbe. 

Er zog nach Bern und erwarb dort 1908 das Sekundarlehrerpatent 

in mathematisch-naturwissenschaftlicher Richtung. 

In Kursen liess er sich zum Zeichenlehrer ausbilden. 

Nach verschiedenen Stellvertretungen als Sekundarlehrer 

reiste der junge Morach 1909 nach Paris und bildete sich 

dort an Akademien weiter. 

In einem gemeinsamen Atelier in Paris, wo er 1912 zusammen 

mit Fernand Léger, Marc Chagall, Arnold Brügger 

arbeitete, entstanden seine ersten Werke. Später verarbeiten 

Morach und Brügger die erhaltenen Impulse im Bergdörfchen 

Zaun bei Meiringen weiter. Morach wandte sich 

zunehmend dem Kubismus und dem Futurismus zu. Steilhänge, 

Felswände, Baumgruppen der nahen Natur regten 

ihn zu einer abstrahierenden Form- und Farbbehandlung an. 

Nach Ausbruch des Ersten Weltkrieges wurde Otto Morach 

in den Aktivdienst einberufen. Doch fand er in den Jahren 

1914 bis 1918 Zeit, intensiv zu malen. Nach Kriegsende 

wurde Morach Lehrer an der Kunstgewerbeschule Zürich. 

Gemeinsam mit Sophie Täuber erneuerte er das Marionettentheater. 

Dabei kam er mit den Dadaisten in Kontakt. 

1923 heiratete er die Pariser Textilgestalterin und Plastikerin 

Hermana Sjövall. Reisen nach Norddeutschland und 

an Frankreichs Küste beeinflussten ihn. 

In den späten 1920er Jahren weilte er vorwiegend in Südfrankreich, 

auf der Suche nach felsigen Küstenstreifen, 

schroffen Felswänden, dunkeln Wasser- und Himmelsflächen. 

Eine feste Anstellung an der Kunstgewerbeschule liess 

Morachs künstlerisches Schaffen aussetzen. Erst als er 

1953 aus dem Schuldienst entlassen wurde, machte er 

sich an ein Spätwerk, in welchem sich Landschaften in linearen 

Rhythmen auflösen. 


Die Konfrontation mit dem Kubismus und mit den Werken 

Fernand Légers hinterliessen in Morach einen nachhaltigen 

Eindruck. 

Seine Hauptwerke entstanden in den Jahren 1914 bis 

1918: Stadtbilder lösten sich in farbige Flächen auf, und 

menschliche Körper näherten sich Apparaten. Von Inhalten 

befreite Formen griffen ineinander, was eine Dynamisierung 

der Bildstruktur brachte. 

Daneben malte Morach poetische Nachtszenen in schwebender 

Atmosphäre von silbernem Licht und transparentem 

Blau. 

Seine Vorliebe für karge, vegetationslose Landschaft 

weitete sich Ende 1920er Jahre aus auf Abgestorbenes 

und gewaltsam Zerstörtes. Bevorzugte Themen wurden 

Bergwerke, verbrannter Wald, Ruinen am Meer. Dabei 

setzte Morach der Farbpaste Sand zu und arbeitete fast 

ausschliesslich mit dem Malmesser. 

Quellentexte: 



– O. Morach Leben und Hauptwerk des Malers / 

Peter Wullimann / Verlag Galerie Bernard, Solothurn 1970

Bert Schmidmeister 

Maler, Zeichner und Bildhauer 

* 15. 6. 1934 Arni (AG) 

+ 25. 4. 1993 Zürich 

Wohnung und Atelier an der Wuhrstrasse von 

1968 bis 1993 

Bert Schmidmeister entstammte einer armen Familie mit 

zehn Kindern und wuchs in Oberlunkhofen (AG) auf. Sein 

Vater war Schuhmacher, seine Mutter Wäscherin. 

Er begann eine Automechanikerlehre, doch statt sie abzuschliessen, 

brach Bert aus und fuhr per Velo nach Genf. Er 

begab sich auf Reisen nach Paris und Italien, wo er Kurse 

besuchte. 

Danach zog es ihn nach Zürich. In seinem ersten Atelier an 

der Stockerstrasse, das er vom Künstlerfreund Max Truninger 

übernahm, lebte er Tür an Tür mit dem Schriftsteller 

Paul Nizon. In dieser Zeit lernte er Maya Vautier kennen; die 

beiden heirateten 1966. 

Im Sommer zog sich Schmidmeister oft ins Maggiatal zurück, 

wo er Steinskulpturen schuf. Er liebte es, seine Freunde 

zu bekochen und mit ihnen ausgiebig zu trinken. 1968 

bezog er mit seiner Frau Maya eine Wohnung an der Wuhrstrasse; 

im kommenden Jahr kam ihr Sohn Simon zur Welt. 

In den 1960er und 1970er Jahren beteiligte sich Bert 

Schmidmeister an manchen Ausstellungen im Raum Zürich 

und in der übrigen Schweiz. Er schuf auch einige Arbeiten 

im öffentlichen Raum, etwa ein Wandbild im Triemli-Spital 

Zürich, die Glasfenster in der Kirche Wil in Dübendorf und 

fünf Keramikwände im Bad Käferberg, Zürich. 

1972 konnte Bert Schmidmeister das Atelier von Friedrich 

Kuhn übernehmen, wo er bis zu seinem Tod 1993 hauste. 


Das Motiv kann sich in seinen Gemälden und Zeichnungen zur 

vehementen Form verdichten. Unter Einflüssen wie jenen 

von Paul Klee gelangte er über die Jahre zu seiner eigenen 

Formensprache. 

Die eher schwere Landschaft des unteren Reusstals scheint 

Schmidmeister geprägt zu haben. Er war ein Sänger ländlicher 

Idyllen – Kritiker sprechen von einem „Bukoliker“ –, lyrisch 

gestimmt, unintellektuell, Maler aus spontanem Antrieb, ein 

verträumter Gestalter seiner Erlebnisse. Malerei bedeutete 

ihm Leben wie Kochen und Essen. 

Quellentext: 

– Otto Müller / Ansprache anlässlich der Vernissage vom 

14.9.1968

Muz Zeier 

Maler, Zeichner, Bildhauer und Jazzposaunist 

* 24. 11. 1929 Zürich 

+ 30. 3. 1981 Zürich 

Atelier an der Wuhrstrasse 

In Zürich aufgewachsen, absolvierte Muz Zeier nach dem 

Besuch verschiedener auswärtiger Gymnasien die Kunstgewerbeschule 

Zürich. Er machte eine freie Lehre bei den 

Bildhauern Willi Stadler, Hans Jakob Meyer und Karl Geiser. 

Ab 1939 zählte er als freischaffender Künstler zu einer Ateliergemeinschaft 

an der Südstrasse. 

Bekannt wurde er als Posaunist und Bandleader der legendären 

New-Orleans-Jazzband „Hot Trester Seven“, die den 

Ruf Zürichs als Jazz-Stadt Anfang 1950er Jahre mitbegründete. 

Zeier lebte an oft wechselnden Orten, installierte sich in 

Provisorien in Züricher Abbruchhäusern oder bei Freunden. 

Später verbrachte er auch eine Zeit in einem einsamen 

Waldhaus ob Uznach im Sankt-Gallischen. Zeitweise 

arbeitete er im Atelier von Otto Müller und von Fritz Kuhn 

an der Wuhrstrasse. 

1958 wurde Muz Zeier für ein Jahr in eine Trinkerheilanstalt 

eingewiesen. 

Er blieb zeitlebens ein Aussenseiter und Nonkonformist. 

Souverän verachtete er den offiziellen Kunst- und Ausstellungsbetrieb. 

Sein Wirkungskreis beschränkte sich auf einen 

Kreis von Insidern und Künstlerfreunden, von denen er 

indes hoch geschätzt wurde. 

Nur das zu malen, was einer verstehen kann – dies scheint 

eine seiner Ideen gewesen zu sein. Überliefert ist wenig, 

viele Bilder hat er gar zerstört, aufgeschrieben hat er nichts, 

er war skeptisch gegenüber aller Dauer. 


Muz Zeier schuf ein verhältnismässig schmales, heute weit 

verstreutes Werk von eigenständigem Charakter. Es wird 

dem Kreis der „Zürcher Schule der kleinen Wahnwelt“ zugerechnet. 

Anfangs malte er konsequent von Dunkel nach Hell gearbeitete, 

altmeisterlich anmutende, surreale Bilder. Totenfiguren, 

Totenköpfe, finster blickende Richter, Nonnen, einen 

Don Quichote, Akte, Traum- und Zeltstädte. Versatzstücke 

aus einem Totentanz, den Zeier auch als Marionettenspiel 

inszenieren wollte. 

Das Jahr in der Heilanstalt brachte einen Bruch im künstlerischen 

Schaffen. Seine Traumstädte lösten sich in würfelartige 

Formen auf, mit denen er fortan spielte. Ein Einfluss 

von Klee ist zu vermuten. In Aquarellen von feiner Farbigkeit 

erscheinen Torbögen, Galerien, Türme und surreale Szenerien, 

die fast naiv wirken, aber wohl Ausdruck einer gesuchten 

und gelebten Einfachheit sind. 

In der letzten Arbeitsphase ab Mitte der 1950er Jahre 

entstanden ruhige Bilder in moderaten Farbtönen. Gegenstände 

des Alltags werden zum Ereignis: vergessene 

Kleidungsstücke auf einem Stuhl, ein Sofa, ein verlassenes 

Klavier. Räume, in denen nicht viel mehr als ein Lichteinfall, 

ein Vorhang, eine Treppe stattfinden: karge poetische Bühnenbilder. 

Quellentexte: 

– Muz Zeier 1929-1981 / Patricia Nussbaum , Beat Wismer, 

Konrad Wittmer / Aargauer Kunsthaus Aarau1985 

– Retrospektive Muz Zeier: Gemalte Räume der Einsamkeit / 

Annelise Zwez / Aargauer Tagblatt 21.5.1985

Franz Grossert 

y Cañameras 

Architekt, Zeichner, Maler und Lithograf 

* 19. 6. 1936 Sursee (LU) 

+ 5. 12. 2009 Sursee 

Atelier an der Wuhrstrasse von 1972 bis 1978 

Franz Grossert y Cañameras wurde in Sursee geboren, 

wo seine aus Spanien eingewanderten Grosseltern Pedro 

Monner und Josefa Cañameras eine spanische Weinhandlung 

führten. 

Nach der Matura entschied er sich, Architekt zu werden 

und absolvierte eine Lehre beim bekannten Architekten 

Walter Förderer in Basel. Dort und in anderen Büros arbeitete 

Franz Grossert später als Entwurfsarchitekt an zahlreichen 

Wettbewerben mit. 

Das Interesse für Geistes- und Kulturgeschichte veranlasste 

ihn 1961, ein Studium der Kunstgeschichte an der 

Universität Zürich zu beginnen. In dieser Zeit begann er zu 

malen und beschloss 1967 sich voll dem künstlerischen 

Schaffen, der Malerei zu widmen. 

Im August 1966 hatte er eine erste Ausstellung in der Galerie 

Beat Mäder in Bern. In deren Rahmen veröffentlichte 

er ein Manifest gegen das Primat des Geldes, mit der Idee, 

seine Bilder gegen andere kreative Arbeiten zu tauschen. 

Bald begann er auch mit abstrakten Portraits, in denen er 

den Charakter der Portraitierten malerisch umsetzte. 

1973 erhielt seinen ersten öffentlichen Auftrag 

der Stadt Zürich: ein Keramikrelief 

im Eingang der Wohnsiedlung Utohof des 

Architekten Hannes Trösch. 

1976 - 1978 folgte die Gestaltung der Eingangshalle des 

Altersheim Dorflinde. In diesen Jahren pflegte Cañameras 

Kontakte zur Zürcher Kunstszene und realisierte auch gemeinschaftliche 

Werke mit anderen Malern. 

Ende der 1970er Jahre zog Cañameras wieder nach Sursee, 

wo er eine sehr fruchtbare Zeit erlebte. 

Er gründete eine Malschule und es entstanden rund 300 Bilder 

und Skulpturen sowie zahlreiche Zeichnungen, Skizzen und 

Lithografien. 

Neben Einzelausstellungen im Raum Zürich fanden 1983 

und 2001 grössere Ausstellungen mit seinen Werken im 

Rathaus Sursee statt. 

1966 heiratete Franz Grossert Johanna Zürcher, 1967 und 

1969 kamen die Söhne Lorenz und Michael zu Welt. 

1991 erlitt Cañameras einen schweren Unfall, von dem er 

sich nie mehr erholte; er starb 2009 in Sursee. 


Cañameras’ Kunstgebilde sind bizarr, seltsam, scheinen 

eine fremde Sprache zu sprechen. 

Sie bewegen sich auf einer geheimnisvollen Flugbahn oder 

schwimmen im Ozean einer surrealen Welt. Der Einfluss 

seiner spanischen Mutter ist in der temperamentvollen Umsetzung 

spürbar. Zugleich ist eine grosse, fast konstruktive 

Präzision in seinen Werken zu finden, was mit seinen Anfängen 

als Architekt erklärbar ist. Kraftvolle Wirkung erzielte 

er, indem er texturlose Flächen in einheitliche Farbe tauchte, 

die er mit bewegtem Umriss versah, was wirkt, als wären 

sie einem imaginären Körper entlehnt. 

Quellentexte: 

– Cañameras / Annette Bühler, Johanna Huber, Lorenz Huber / 

Eigenverlag 2011 


Kunstwissenschaft

Oscar Dalvit 

Maler, Grafiker und Buchillustrator 

* 11. 3. 1911 Zürich 

+ 10. 12. 1975 Zürich 


Oskar Dalvit wuchs als Sohn eines Flachmalers und einer 

Modistin im Zürcher Kreis 4 auf. Der Knabe zog sich gern 

zurück, um zu zeichnen und zu malen, und früh faszinierte 

ihn der Künstlerberuf. 

Er konnte eine Ausbildung als Schriftenmaler und Grafiker 

bei Orell Füssli in Zürich absolvieren. 1936 entschloss er 

sich für die Tätigkeit als freischaffender Maler. In diesem 

Jahr heiratete er auch Hilda Schneider. 1941 und 1945 

wurden Tochter Gisela und Sohn Matthias geboren. 

Von einigen Auslandaufenthalten abgesehen, lebte Dalvit 

in Zürich. In den 1940er Jahren arbeitete er während der 

Sommermonate gern in Amden, wo Otto Meyer-Amden – 

Dalvits grosses Vorbild – entscheidende Schaffensjahre 

verbracht hatte. 

1947 lernte Dalvit den Kölner Kunsthändler Karl Nierendorf 

kennen, der sein Werk unter Vertrag nahm, aber kurz darauf 

an Herzversagen starb. Doch dank seiner Bekanntschaft 

öffneten sich Dalvit in den 1950er Jahren internationale Galerien 

und Museen. 

Er kam auch in Kontakt mit der Münchner Künstlergruppe 

Zen 49, deren Anliegen es war, die abstrakte moderne 

Kunst einem breiteren Publikum nahe zu bringen. 1951 vertrat 

Dalvit die Schweiz an der Biennale von São Paolo in 

Brasilien. 

Geradezu populär wurden druckgrafische Blätter in den 

1950er Jahren. In späterer Zeit werden die Motive Holz und 

Mauer zentral thematisiert. Er verbindet gemalte Elemente 

mit gefundenen Holzteilen zu raumgreifenden Reliefs die 

einen Versuch darstellten, aus der Zweidimensionalität auszubrechen. 

Dalvit verstarb 1975 an einem Herzversagen. 


Der Name Dalvit lässt sich vom estnischen Wort „talviti“ 

herleiten, was „im Winter“ bedeutet. Als hätte der Name 

sein Schaffen mitbestimmt, zeigte Oskar Dalvit eine Vorliebe 

für die kalte Jahreszeit. Kahle Bäume, schneebeladene 

Wälder, wirbelnde Eiskristalle finden sich im malerischen 

und graphischen Werk, und in der abstrakten Fassung dominiert 

häufig eine winterliche Gestimmtheit. 

Nach einem zeichnerischen Frühwerk setzte sein gemaltes 

Oeuvre 1939 mit dem „Zyklus der Blinden ein“, Ölgemälde 

in starken Farben, die Dalvit als Expressionisten zeigen. Im 

1941 geschaffenen „Lebensbuch“ beruhigte sich der Ausdruck 

wieder, Elemente des Expressionismus verschmolzen 

mit solchen des Jugendstils. 

Über die Beschäftigung mit Paul Klee und Wassily Kandinsky 

fand Dalvit in den 1940er Jahren zu einer ungegenständlichen 

Gestaltungsweise. Der Weg zur Abstraktion 

bedeutete auch einen Prozess der Verinnerlichung. 

Die populären grafischen Arbeiten haben Dalvits Namen 

eher geschadet, lenken sie doch in ihrer etwas gefälligen 

Art vom Gehalt anderer Werke ab, in denen Dalvit versucht, 

Philosophisches und Religiöses ins sinnlich Wahrnehmbare 

zu übersetzen. 

Quellentexte: 



– Oskar Dalvit / Angelika Affentranger-Kirchrath / 

ABC Verlag Zürich, 1994

Hans Aeschbacher 

Bildhauer, Maler und Zeichner 

* 18. 1. 1906 Zürich 

+ 27. 1. 1980 Zürich 

Wohnung an der Wuhrstrasse 1955-1965 

Seine Eltern stammten aus dem ländlichen Bern. Sein Vater 

war Handwerker, der Mutter oblag die Erziehung der vier 

Kinder. Hans Aeschbacher wurde 1906 in Zürich geboren. 

Man lebte in ärmlichen Verhältnissen. Hans war scheu und 

flüchtete sich früh in das Zeichnen und Malen. Nach der 

Volksschule erlernte er den Beruf des Buchdruckers, den 

er jedoch nie ausübte. 

Bei einem längeren Aufenthalt in Rom wurde der Zwanzigjährige 

von den Werken der klassischen Antike gefesselt. 

Er studierte, zeichnete und malte die griechischen und römischen 

Vorbilder. 

Nach Zürich zurückgekehrt, arbeitete er als Gipser auf 

dem Bau und verdiente sich so seinen Lebensunterhalt, 

ursprünglich mit dem Ziel vor Augen, Maler zu werden. Er 

fertigte erste plastische Arbeiten in Ton und Gips an, doch 

verwarf er diese traditionelle Technik bald. In der unfreiwillig 

freien Zeit bei einem Gipserstreik entstand sein erstes 

Werk in Marmor. So wurde er Bildhauer. 

In einer ersten Schaffensphase (1936–1945) formte er aus 

kristallinem Gestein figürliche Plastiken, oft weibliche Köpfe 

und Figuren. In einer mittleren Schaffensphase (1945– 

52) fand er mit abstrahierten Gesichtern und weiblichen 

Idolen zu einer eigenen Sprache. Diese Steinskulpturen 

bezeichnete Aeschbacher als „tellurisch-sinnlich“, nach einem 

Begriff des Schriftstellers Adrien Turel. In einer dritten 

und letzten Schaffensphase (1953–1979) nähert sich sein 

plastisches Werk der geometrisch geprägten Konkreten 

Kunst, wie sie in Zürich durch Max Bill vertreten wurde. Es 

entstanden über drei Meter hohe stelenartige, durchbrochene 

Granit- und Marmorskulpturen. In diese Zeit fallen 

Aufträge für öffentliche Plätze in der Schweiz – für die Kantone 

Zürich und Bern – und im Ausland – in Deutschland 

und Japan. 


Das plastische Schaffen von Hans Aeschbacher verlief logisch: 

Der Gipser wurde Bildhauer und entwickelte sich 

weiter zum Aufträge erteilenden Konstrukteur – der eine 

zeitgenössische Art der Kunstherstellung repräsentierte. 

Die älteren Skulpturen aus Lava und Marmor wirken archaisch 

und von zeitlosem Charakter. Mit ihnen begründete 

Aeschbacher seinen Ruf als Schweizer Bildhauer. 

Mit den grossen Granit- und Marmorskulpturen wurde Aeschbacher 

über die Schweiz hinaus bekannt. 

Zitat: 

«Ich war genau dreissig Jahre alt, ein spätentwickelter 

Mensch, auch sexuell spätentwickelt, als ich merkte, dass 

die Schweiz überfüllt war mit gipsernen Leibern (. . .). Ich 

erwarb für einen Fünfliber einen ganz dummen Stein, einen 

französischen Marmor – Rose de Bourgogne. (. . .) Ich 

drückte den Stein auf zwei Kisten hinauf und schloss mich 

ein. Zum ersten Mal in meinem Leben schloss ich mich 

ein. (. . .) und legte sofort ein Gesicht frei. In zehn Minuten 

tat ich mehr als später in Tagen und Wochen. Ich befreite 

den Stein, ein Gesicht kam zum Vorschein, ein weibliches 

Gesicht, ein Frauengesicht. Das waren die schönsten 

zehn Minuten in meinem Leben.» 

(Aus: Hans Aeschbacher, wie ich zum Bildhauer wurde – 

ein Selbstzeugnis) 

Quellentexte: 



– Hans Aeschbsacher / Edition du Griffon, Neuchatel 1959 

– Hans Aeschbacher 1906-80 / Kunsthaus Zürich 1985 

– Hans Aeschbacher / Waser Verlag Zürich 1986

Silvio Mattioli 

Eisen- und Stahlplastiker 

* 2. 2. 1929 Winterthur 

+ 3. 4. 2011 Zürich 


Silvio Mattioli wurde 1929 in Winterthur-Töss geboren, wo 

er im Schatten der eisenverarbeitenden Maschinenindustrie 

aufwuchs. Von seiner Mutter wurde er in katholische Messen 

gezerrt. Beides hasste er und beides prägte ihn: Das 

Eisen wie auch das Sakrale wurden wesentliche Bestandteile 

seiner Werke. 

In Winterthur erlernte er zuerst das Handwerk des Grabsteinhauers. 

Davon angewidert, wandte er sich zunächst 

der Malerei zu und reiste auf van Goghs Spuren in die Provence. 

Doch angesichts des grossen Vorbildes versenkte 

er vor van Goghs berühmter Ziehbrücke seine Bilder, die 

ihm misslungen schienen, in einem Kanal bei Arles. 

Dort griff ihn der Schweizer Bildhauer Hans Aeschbacher 

auf und machte ihn zu seinem Gehilfen. Die Archaik 

Aeschbachers wies Mattioli einen Weg zu eigenen Menschendarstellungen 

jenseits von Tradition und Konvention. 

Anfang fünfziger Jahre entstanden voluminöse Frauentorsi 

sowie Tiere in Stein und Holz. 

Mit dreissig erkannte Mattioli, welches Material ihm entsprach, 

das harte Metall. Von 1953 bis 1968 arbeitete und 

lebte er an der Wuhrstrasse, anschliessend zog er in ein 

Bauernhaus in Schleinikon (ZH), das seine Wohn- und Arbeitsstätte 

wurde. Dort baute er seit 1970 seine metallenen 

Grossplastiken, die in der ganzen Schweiz an öffentlichen 

wie privaten Standorten aufgestellt wurden und für Aufsehen 

sorgten. 

Es entstanden monumentale Werke wie die 14 Meter lange 

„Komposition“ im Park der heutigen Axa-Versicherungen in 

Winterthur (1970). Prominent wahrgenommen wurde seine 

bunte „Stahlkathedrale“ an der Ausstellung Eisen 89 in 

Dietikon, wo täglich Tausende Bahnreisende vorbeifahren. 

Ab 1990 wendete sich Mattioli vermehrt kleineren geschmiedeten 

Werken zu. 

Seiner Ehe mit Heidi Mattioli entstammen zwei Söhne, Pietro 

und Enrico (+1991). 

In seiner zweiten Ehe mit Ruth Mattioli (+ 2002) wurde 

Tochter Katharina geboren. 


Silvio Mattioli gehörte zur Gründergeneration der Schweizer 

Eisenskulptur kurz nach dem Zweiten Weltkrieg. Eisen 

war die materielle Grundlage zweier grauenhafter Kriege, 

und Mattioli begann diesen Stoff, der nicht als künstlerisch 

brauchbar galt, zu formen. Dabei beabsichtigte er, das 

„Marsische Material“ von der tragischen Belastung zu befreien 

und es von seiner Unterwerfung unter eine rein mechanische 

Welt zu lösen. (nach R. Oppenheim). 

Im Unterschied zu den Eisenplastikern Luginbühl und 

Tinguely interessierte Mattioli nicht das mechanische Funktionieren. 

Ihm ging es um das Körperhafte. Seine Plastiken 

sind Strahlungszentren von Energie. Und das Schmieden 

ein geradezu mythischer Vorgang, der nebst physischer 

Kraft die ganze Emotionalität forderte. 

Zitat: 

«Ja, ich musste mir nicht langwierig und mühselig die Fertigkeiten 

des Schmiedens aneignen. Es lag mir im Blut. Ich 

erinnere mich genau an das erste in den Raum geschmiedete 

Eisen. Es war eine ganz elementare Erfahrung, ein 

Schmieden ins Nichts hinein, eine Bewegung, eine hyperbolische 

Linie in die Leere, die eigentlich erst Raum 

schaffte.» 

(Silvio Mattioli) 

Quellentexte: 

– “Mit Feuer und Flamme – Plastisches Schaffen von 1949 bis 

2004/ Roy Oppenheim und Abt Daniel Schönbächler / Huber Verlag, 

Frauenfeld 2004 

– „Laudatio für Silvio Mattioli“, Vernissage vom 17.4.10 Galerie 

Weiertal / Dr. Matthias Frehner / Kunstmuseum Bern 

– „Einer, der macht, was er machem muss“ / Adrian Mebold / 

Der Landbote 17. 4.10 

– „Das Eisen zum Singen bringen“ /Adrian Mebold / 

Der Landbote 8. 4.11 

– www.sikart.ch / Schweizerisches Institut für Kunstwissenschaft

Carlo Vivarelli 

Grafiker, Plastiker 

* 1919 Zürich 

+ 1986 Zürich 

Carlo Vivarelli wurde 1919 in Zürich geboren, wo er auch 

aufwuchs, eine Grafikerlehre absolvierte und die Kunstgewerbeschule 

besuchte. 

Seine Karriere begann er nach einem Studienaufenthalt in 

der berühmten Werkstatt des Plakatkünstlers und Theaterausstatters 

Paul Colin in Paris. Er verwirklichte danach mit 

Hilfe von Fotografie und Fotomontage eigene Plakate. 

So wirkte er bis in die fünfziger Jahre hinein als einer der 

grossen Werbegrafiker neben Marcel Wyss und Karl Gerstner. 

Seine Arbeiten für Industriefirmen wie Adolf Feller und 

Electrolux (ehem. Therma Schwanden) sind beispielhaft 

durch ihre Klarheit und Strenge und ihre starke Wirkung 

und gehören zu den gelungenen Erzeugnissen der konstruktiven 

Typographie. 

Ein Meisterwerk schuf Vivarelli 1948 mit einem Plakat für 

das schweizerische Pro-Senectute-Komitee. 

Ende der 1960er Jahre gab Vivarelli jedoch das typographische 

Schaffen auf und wandte sich ganz der Malerei zu. Beeinflusst 

wurde er durch das Werk des Zürcher Konkreten 

Richard Lohse. 

In den sechziger Jahren setzte er die Studien, die er in 

seiner Malerei betrieb, auch räumlich um in Plastiken aus 

Chromstahl und Beton. Sein bekanntestes Werk ist die aus 

fünf gleichartigen Betonelementen gefügte säulenförmige 

Skulptur, die 1968 vor der neuen Mensa der Universität Zürich 

erstellt wurde. Darüber hinaus verwirklichte er zahlreiche 

weitere Kunstwerke am Bau. 


Vivarellis Werk stellt sich in die Strömung der Zürcher Konkreten. 

Seine Bilder sind auf einem quadratischen Modul 

aufgebaut. Da gruppieren sich quadratische Einheiten und 

wachsen in Progressionen. Quadrate können wie Kernzellen 

im Zentrum einer Drehung stehen und die Bildfläche 

aktivieren oder sich zu parallelen Bändern zusammenfügen. 

Das Bild ist horizontal und vertikal bestimmt und rechtwinklig 

organisiert. Ein Bildmotiv fehlt. 

In gleicher Weise stringent konzipiert sind seine Plastiken 

aus Chromstahl oder Beton. Auch hier bestimmt das modulare 

Prinzip. Aus dem Wechselspiel von Statik und Dynamik, 

Licht und Schatten entsteht eine starke Wirkung. 

Zitat: 

«Ich brauche den Sturm in mir und nicht um mich.» 

(Carlo Vivarelli) 

Quellentexte: 

– Ludmila Vachtova / März Galerie – Mannheim 2012 

(Eigenverlag) 

– Serge Lemoine; „Carlo Vivarelli: ein Meister der Zürcher 

konkreten Kunst“ / In: Susanne Kappeler; „Carlo Vivarelli“ / 

ABC Verlag Zürich 1988

Gregor 

Bildhauer 

* 2. 12. 1944 

+ 13. 5. 1984 

Wohnung an der Wuhrstrasse 

Gregor wuchs in Zürich auf und besuchte da auch die 

Schulen. 1962 reiste er noch nicht 16-jährig nach Paris 

und entdeckte die Bildhauerei. 

Seit 1964 wirkte er als Bildhauer in Zürich, wo er vornehmlich 

mit Stein arbeitete. Seine erste Ausstellung fand 1968 

in den Werkhallen des Stadtspitals Triemli statt, 1970 

nahm er am ersten schweizerischen Bildhauersymposium 

in Zürich teil. Er wurde mit einem Anerkennungspreis der 

Stadt Zürich bedacht. 

Nach einem zweijährigen Atelieraufenthalt in Stockholm 

kehrte Gregor 1976 nach Zürich zurück, wo er einen Platz 

im Krankenheim Mattenhof gestalten konnte. Seit 1978 lebte 

er in der Künstlergenossenschaft an der Wuhrstrasse, 

sein Atelier hatte er indes in Birr im Kanton Aargau. Gregor 

nahm an Einzel- und Gruppenausstellungen im In- und Ausland 

teil. 

1981 erhielt er ein Stipendium der Eidgenossenschaft und 

des Salon de la jeune sculpture in Paris. 


Es entstanden Skulpturen, die ein Spannungsverhältnis 

aufweisen: Gregor pflegte den Stein zu polieren und zu 

glätten und dann mit einer Kerbe, Falte oder mit Einschnitten 

aufzubrechen, um sein „schönes Aussehen“ zu verletzen. 

Glatt und sanft steht im Kontrast zu roh oder kantig. 

Einzelne Steine sind flache Körper oder Blätter, die – auch 

wenn sie am Boden liegen – im Raum zu schweben 

scheinen. 

Quellentext: 

– Vernetzungen - 15 Bildhauer 4 Generationen / 

John Matheson / Ausstellung in Spreitenbach 1985 / 

Betriebsgesellschaft für das Shopping Center Spreitenbach 

1985. 

– Publikation Werkschau „Spuren“ von Gregor, 1982 

– Katalog Austellung E‘ Galerie 1989

Otto Teucher 

Bildhauer und Maler 

* 18. 6. 1899 Luzern 

+ 13. 6. 1994 Zürich 

Mitbegründer der Künstlergenossenschaft 

Wuhrstrasse 

Otto Teucher wuchs im thurgauischen Neukirch-Egnach 

auf. Schon als Knabe träumte er davon, Bildhauer zu 

werden, doch der Erste Weltkrieg machte solche Wünsche 

vorerst zur Illusion. Otto Teucher musste dafür sorgen, wie 

er materiell überlebte. 

Im väterlichen Malergeschäft schloss er eine Lehre als 

Flachmaler ab und arbeitete dann als Innenausstatter und 

Dekorationsmaler. Doch besuchte er in den Wintermonaten 

wiederholt Kurse an der kunstgewerblichen Abteilung der 

Gewerbeschule St. Gallen. 

Nach seiner Heirat 1930 liess sich Teucher im Dorf Comano 

im Tessin nieder. Der Südkanton erschien damals vielen 

Künstlern als gelobtes Land, man lebte hier billig, und das 

milde Klima versprach ein leichtes Dasein. Teucher hielt 

sich dort mit Landschaftsmalerei über Wasser. 

Als ihm ein Atelier in Paris günstig angeboten wurde, griff 

er zu und nutzte den Aufenthalt in der Kulturmetropole, um 

sich die Grundbegriffe der Bildhauerei beizubringen: Er 

besuchte die Académie de la Grande Chaumière. Nach 

seiner Rückkehr ins Tessin entstanden die ersten figürlichen 

Skulpturen. 

1936 übersiedelte Teucher nach Zürich, hier fand er im 

noch ländlich anmutenden Kalkbreitequartier Wohnung 

und Atelier. Er lernte den Bildhauer Otto Müller kennen und 

gründete mit ihm und dem Maler Max Truninger die Wohn- 

und Ateliersiedlung und Künstlergenossenschaft an der 

Wuhrstrasse. 

Seit 1949 unterrichtete Otto Teucher an der Zürcher Kunstgewerbeschule 

Zeichnen, Malen und Plastik. Teuchers 

Wirken an dieser Schule, wo er bis 1965 arbeitete, brachte 

sein eigenes künstlerisches Schaffen fast zum Erliegen. 

Denn er pflegte sich engagiert um die Fortschritten der 

einzelnen Schüler und Schülerinnen zu kümmern. 

Nach der Pensionierung fühlte er sich frei für die Kunst. 

Es entstand ein beträchtliches Alterswerk, dem nichts 

Sprödes anhaftet. Seine Unbefangenheit gegenüber 

der Kunst, seine Unabhängigkeit gegenüber einem künstlerischen 

Credo, seine Distanz zu Richtungskämpfen und 

Gruppendisziplin konnte er sich deswegen leisten, weil die 

Avantgarde ihre Schlachten geschlagen und gewonnen 

hatte, als er sich endlich ganz der Kunst zuwenden konnte. 


Otto Teucher hat seine Kunst aus dem Handwerklichen geschöpft, 

nicht aus einer Theorie entwickelt. Prägend ist eine 

Suche nach Einfachheit, die er auch in seinen Lehren betonte. 

Bei Porträts ging er auf „die Sache“ – das Gegenüber 

– ein und strebte nicht vor allem einen persönlichen Formkanon 

oder einen eigenen „Stil“ an. 

Als Bildhauer stellte er sich anfänglich in eine klassizistische 

Tradition. Ein „Sitzender Knabe“ in der Poliklinik-Halle 

des Universitätsspitals (1945/46) ist noch im Geist der 

Bildhauer Haller, Bänninger, Hubacher gehalten. 1949/50 

nahm Teucher im Akt eines jungen Mädchens, in Kalkstein 

gearbeitet, Abschied von der klassizistischen Ästhetik. Er 

vermochte die Form so stark zu verknappen, dass sie kaum 

mehr lesbar war. 

Teucher sah seine Arbeit als ein Gestalten in Gegensätzen: 

Das Zusammenspiel von Voll und Leer, von Negativ- und 

Positivform, von Geschlossenheit und Aufbrechen kennzeichnet 

seine Werke. 

Quellentext: 

– Vereinfachen, ohne etwas zu verlieren / Fritz Billeter / 

Aus der Werkstatt / Helmhaus Zürich 1990

... über Berge und Reliefs hinaus ... 



13 Wuhrsträssler im Planetarium 

Zweitzyklus 25. Aug – 29. Sept 2012

13 Wuhrsträssler der Zweitzeit 

Nicht von allen Künstlern, welche in den Ateliers der Wuhrstrasse arbeiteten oder 

aber nur in den Wohnungen lebten und anderorts ihre Werkstätten hatten, konnten 

sich überlagernde Spuren erfasst werden. Nach dem ersten Kreis der Verstorbenen 

gingen die Ateliers und Wohnungen an einen zweiten Kreis über. Im Planetarium des 

zweiten Zyklus der Retrospektive „Überblick 2012“ wird eine Auswahl eines weiteren 

runden Dutzends dieser Zweitzeitler mit Trudi Demut und Otto Müller und den Gründern 

verglichen. Zu dieser zweiten Schar gesellen sich auch früh eingezogene Wuhrsträssler 

wie Tildy Grob-Wenger, Bruno Heller und Werner W.Wyss. Dazu gehören aber auch 

kürzlich Verstorbene wie Hansjörg Mattmüller, René Brauchli und Edi Hebeisen. Die 

Ausdrucksweisen dieser zweiten Schar driften zwar weiter auseinander, jedoch lassen 

sich auch darin Bezüge und Werksspuren zu den ersten Wuhrsträsslern ausmachen. 

Bruno Heller 

Remo Roth 

Peter Stiefel 

Doris Dedual 

Werner W. Wyss 

Irma Hediger 

Doris Michel 

Valeria Stefané 

Tildy Grob-Wengér 

René Brauchli 

Hansjörg Mattmüller 

Marlyse Brunner 

Edi Hebeisen

Tildy Grob-Wengér 

Bildhauerin, Malerin und Grafikerin 

* 31. 07. 1914 Winterthur 

+ 04. 05. 2012 Zürich 

Atelier und Wohnung an der Wuhrstrasse 

Aufgewachsen in Winterthur, in bürgerlichen Familienverhältnissen 

ohne grossartige künstlerische Vergangenheit. 

Hinter dem Haus ihrer Familie gab es ein Atelier, in welchem 

ein Bildhauer und Maler arbeitete. Rückblickend bezeichnete 

Tildy dies als den Ort des „Schlüsselerlebnisses“ 

der zukünftigen Kunstschaffenden. Hier wurde das Interesse 

der jungen Tildy für künstlerische Auseinandersetzung 

geweckt. 

Der Vater war nicht begeistert von der Berufswahl seiner 

Tochter. Nur dank der Unterstützung ihrer Mutter konnte sie 

sich durchsetzen und nach Abschluss der Höheren Töchterschule 

nach Hamburg an die Akademie der Künste gehen. 

Zurück aus Deutschland unterrichtete sie Zeichnen an Privatschulen, 

machte Illustrationen als Broterwerb. Aber eigentlich 

war sie in erster Linie Bildhauerin und als solche 

arbeitete sie auch die nächsten Jahre. Eines Tages hat sich 

die Künstlerin in der Librairie Française in Zürich vorgestellt 

um sich für eine Ausstellung zu bewerben. Hier war der 

Treffpunkt der Künstler und Poeten. Auf dem Gebiet der Literatur 

und Originalgrafik hatte sich die Librairie einen international 

bekannten Namen gemacht. Ein Blick in das Livre 

d‘Or, dem Gästebuch führt zurück in jene Zeit, als Künstler 

wie Miro, Picasso, Lohse, Varlin, Sartre, Michel Simon und 

Giacometti hier ihre Werke signierten. Der Inhaber, Henri 

Wengér, den sie später heiratete, verhalf ihr zu einem Aufenthalt 

im Atelier „La Courriere“ in Paris. Hier lernte sie 

Kupferdruck von der Pike auf. Berühmte Künstler wie Duffy, 

Chagall, Max Ernst etc. verkehrten hier und sie lernte sie 

persönlich kennen. Die Atmosphäre war off sehr familiär. 

1976 gewann Tildy Wenger mit ihren grafischen Arbeiten 

den Prix Picasso und später noch etliche andere Auszeichnungen. 

Sie schafft sich einen Namen als Graveurin und 

wurde an diverse internationale Grafik-Biennalen eingeladen. 

Stipendien der Stadt Zürich nach New York und Paris 

folgten. Sie führte eine partnerschaftliche Ehe mit Henri 

Wenger, der künstlerisch interessiert, wie auch selbst begabt 

war und sie deshalb unterstützte in ihrer Arbeit. 

Die regelmässigen Studienreisen nach Spanien, Marokko 

etc, waren für Tildy eine selbstverständliche Sache, auch 

nach der Heirat. Sie ging während einigen Jahre immer wieder 

für eine gewisse Zeit nach Ibiza. Hier fand sie einen 

schönen Raum zum Arbeiten. In der Schiffswerft durfte sie 

die Maschinen benutzen. In Ibiza erarbeitete sie vor allem 

Holzskulpturen. Vorbilder waren in der Zeit Giacometti und 

Henry Moore für sie. 

Als ihr Mann starb, führte sie die „Librairie“ während sieben 

Jahren weiter, bis sie eines Tages merkte, dass für ihre eigene 

künstlerische Arbeit neben dem Geschäft keine Zeit 

übrigblieb. 

Sie wohnte über 40 Jahren im Künstler-Atelierhaus an der 

Wuhrstrasse in Zürich. Ein idealer Ort um Wohnen und Arbeiten 

zu verbinden. Der Blick auf riesige alle Bäume, das 

Atelier im obersten Stock hell und luftig. Ihre neueren Arbeiten 

waren zart und kraftvoll zugleich, oft in Acryl oder 

Mischtechnik gemacht. Imaginäre Landschaften, farblich 

zurückhaltende Kompositionen, wenig Figürliches im Vergleich 

zu früheren Arbeiten, die von der Sicht einer Bildhauerin 

geprägt waren. Sie ist nie stehengeblieben, probierte 

stets Neues aus und schaffte es sich immer wieder weiter 

zu entwickeln. 

Tildy Grob-Wengér verstarb diesen Mai im Alter von 98 

Jahren. 

Quellentexte: 

– Auszug aus der EWC Biografiearbeit 

von Christine Egger, Altstätten

Bruno Heller 

Maler 

* 06. 05. 1925 Zürich 


Bruno Heller, geboren am 6. Mai 1925 in Zürich, besuchte 

nach Ende des 2. Weltkriegs die Kunstakademie in Florenz, 

gefolgt von Studienjahren in Paris. 

Von 1953 bis 1960 arbeitete er in einem Atelier der Maler- 

und Bildhauer-Genossenschaft an der Zürcher Wuhrstrasse 

10, u.a. befreundet mit Max Hunziker, Otto Müller, Silvio 

Mattioli und Carlotta Stocker. Seit 1960 in Wädenswil am 

Zürichsee lebend, traten Malerei und Kupferstich zugunsten 

der Collage in den Hintergrund. Mit dem Aufkommen 

des Xeroxkopierers in den 1970er Jahren entwickelte Bruno 

Heller eine eigene Technik der Transparentmontage, die 

ihm erlaubte, in mehrstufigen Verfahren luzide neue Strukturen 

und Räume zu kreieren. Den Ritualen des Kunstbetriebs 

gänzlich abhold und völlig einem rastlosen Produzieren 

ergeben, schuf Heller ein umfangreiches Werk, das 

jedoch nur wenigen Eingeweihten und Freunden bekannt 

ist. 

Quellentexte: 


Kunstwissenschaft

Werner W. Wyss 

Maler und Zeichner 

* 03. 12. 1926 Zürich 


Aufgewachsen und zur Schule gegangen ist Werner W. 

Wyss im Kreis 4 in Zürich. 1942-1946 machte er eine 

Lehre als Zeichner (Lithograph) und besuchte Abendkurse 

in der Kunstgewerbeschule. Dabei entstand eine Freundschaft 

mit Hans Falk. Bei J.C. Müller brachte ihm sein Lehrmeister 

Edwin Keller alles bei was für die kommenden Jahre 

wichtig sein würde. Ein grossartiger Mann, mit dessen Hilfe 

er 1952 das Scheitern einer hoffnungslosen dreijährigen 

Partnerschaft (Werbegraphik) überwinden konnte. 

Fünf Jahre Wanderschaft im In- und Ausland als Trinker, 

Vagabund, Neonzeichner und Liebender folgten. 1957 arbeitete 

er als Reklamechef bei Kaffee Kaiser Basel. 1960 

tauchte Werner W. Wyss wieder in Zürich als Graphiker 

auf, wo er 1961 Margrit Rombach heiratete, 1966 kam seine 

Tochter Gabriela Simone zur Welt. Von 1961-1968 hatte 

er sein eigenes Atelier in Zürich. Trotz materieller Freiheit, 

Begegnung mit dem Wohlstand als begehrter Graphiker 

kam er sich manipuliert vor, getrieben von den Aufträgen. 

Ende der sechziger Jahre wagte er den Schritt in die unsichere 

Existenz als (abhängiger) ungesicherter Maler. Nach 

achtjähriger Arbeit als Autodidakt kam 1968 die erste Einzelausstellung 

in der Galerie Obere Zäune Zürich. Im Vorwort 

schrieb Manuel Gasser (DU): „Der Maler Werner W. 

Wyss malt nicht aus schierer Schöpferlust und -laune und 

noch weniger aus Ehrgeiz, Ruhmträchtiges zu schaffen, 

sondern aus Zwang. Aus dem Bedürfnis heraus, mit sich 

und der Welt ins Reine zu kommen.“ 

In den darauf folgenden Jahren folgen viele weitere Ausstellungen 

im In- und Ausland, von Paris über Glarus und 

Zürich bis nach Jerusalem. 1974 entstehend die ersten 

Zeichnungen der zerklüfteten Gesichter. Ausgehend von 

eingeprägten Physiognomien auf der Tramfahrt ins Atelier 

entstehen Zeichnungen, man könnte sie als aus dichtem 

Schraffen-Geflecht gebildete Vexierbilder umschreiben. 

Sie zeigen auf den ersten Blick Strukturen, die an Geröllfelder, 

Runsen und Felsabbrüche erinnern. Beim genaueren 

Hinsehen erkennt man auf allen Blättern die Relikte eines 

menschlichen Gesichts. Die Landschaft durchfährt das Gesicht. 

Inspiriert durch Gesellschaftliche Konflikte und Debatten 

entsteht Kunst: „Es genügt nicht, dass der Gedanke 

zur Wirklichkeit drängt, die Wirklichkeit muss sich selbst 

zum Gedanken drängen“. 

Die Zivilisationskrankheit mit all ihren Fragen, Debatten um 

Kernenergie und Umweltschutz, die Probleme und Folgen 

beispielweise der Endlagerung von Atommüll lassen einem 

klar werden über die Antiquiertheit des Menschen. Der 

gegenwärtige und der zukünftige Mensch kann sich die Katastrophe 

der Technik nicht vorstellen. Eine fortschreitende 

Dehumanisierung, als die erregende und erschreckende 

Verwüstung des Menschen. 

1978 ist er Teilnehmer an der durch Carlo Vivarelli organisierten 

Ausstellung über die Künstler der Wuhrstrasse im 

Kunsthaus Zürich. Es folgende weitere Ausstellungen wie 

auch diverse Publikationen. 

Werner W. Wyss lebt und arbeitet noch heute in Zürich. 

Quellentext: 

– Werner W. Wyss

René Brauchli 

Maler, Grafiker, Zeichner und Plastiker 

* 15. 12. 1934 Zürich 

+ 22. 11. 2005 Zürich 


1965-2005 

René Brauchli wuchs in Zürich auf, mit einer Mutter, deren 

Musiktalent er sehr bewunderte. Sie war eine ausgezeichnete 

Klavierspielerin, die ihrem Sohn ihre Spielfreunde übertrug. 

Einer der Eckpfeiler seines Lebens sollte der Jazz sein, der sein 

Malerleben mit Musik akzentuierte. Seinen Vater verlor er im 

jugendlichen Alter durch einen dramatischen Autounfall. 

Brauchli war anarchistisch gesinnt und letztlich ein politischer 

Aktivist. Anflüge von Wut wie von Heroismus kennzeichneten 

sein Leben. Mit widerständiger Kraft kämpfte er gegen 

fades Alltagsleben. 

Als einer der ersten Schweizer Künstler nahm er in den 

1960er Jahren Einflüsse der Pop-Art in sein Schaffen auf. 

Doch kehrte er sich im gleichen rebellischen Geist von dieser 

Avantgarde-Rolle ab, weil er der zunehmend ins Grafische 

kippenden Routine misstraute. Er kehrte zurück zum 

Geist der Altmeister und entwickelte mit Geduld seine eigene 

Bildsprache, die er dem Leben abtrotzte, wobei er 

seine Seele entblösste. 

In den 1980er Jahren musste sich Brauchli einer komplizierten 

Operation unterziehen, die einen Herzstillstand zur 

Folge hatte und seine Wiederbelebung erforderte. Gesundheitliche 

Beschwerden begleiteten ihn in der Folge. In 

seinen letzten Lebensjahren zog sich Brauchli zurück und 

hielt sich fern von Gesellschaft und Kulturszene. Schnelles 

Leben, Leistungsdrang, hektisches Arbeiten waren für ihn 

Ausdruck eines latenten Kriegszustandes. Eben eine derart 

geprägte Welt hatte er nie gewollt. 


Nach seiner Operation entstand der Bildzyklus des „Mysteriösen 

Reisenden“, in dem andere Kontinente und Kulturen 

in seine Bildwelt gleichsam einschlagen. Exotische Menschen 

finden Eingang in Brauchlis Bilderzählungen. 

Peter K. Wehrli schrieb 1993 über seine Bilder: «Die Beunruhigung 

in den Bildern, die wir als Betrachter zu spüren 

bekommen, ist eine Beunruhigung, die Brauchli am 

eigenen Leib gefühlt haben musste. Die Welt, in die sich 

Brauchli da malend – und dank der Malerei – hineingerettet 

hat, ist unsere Welt. Und diese Welt braucht kein 

Menetekel, denn sie ist eins. In packender kompositorischer 

Kraft fasst Brauchli seine Welt und seine Erfahrungen 

zusammen, als hätte er die Nervenenden in die Farbe 

getaucht.» 

Quellentexte: 

– Für René Brauchli – ein Nachruf / Remo Roth, Zürich Dez. 05

Remo Roth 

Maler, Zeichner, Grafiker und Plastiker 

* 1934 Wangen an der Aare (BE) 

Atelier an der Wuhrstrasse seit 1974 

Remo Roth wuchs in Zürich auf und besuchte hier die 

Schulen. 

Er bezog 1974 ein Atelier in der Baugenossenschaft Maler, 

Bildhauer & Architekten an der Wuhrstrasse in Zürich (In 

der Nachfolge von Otto Morach), wo er bis heute arbeitet. 

Seit 1959 ist er in der Zürcher Kunstszene als Maler tätig 

und stellte in verschiedenen Kunsthäusern und Galerien 

in der Schweiz und im Ausland aus. Er bereist seit 1965 

– bis heute – Italien und verbringt dort regelmässig längere 

Arbeitsaufenthalte. Auch Paris (1981) und Barcelona 

(1964/67) waren Aufenthaltsorte von längerer Zeitdauer. 

Roth ist auch literarisch tätig. Seine ersten literarischen 

Schritte tat er 1978. Im Eigenverlag entstanden zwei Bücher 

mit Texten, Gedichten und Zeichnungen und ein Bild- 

Katalog. 


Fritz Billeter schrieb: „Remo Roth schafft, entwirft, ermöglicht 

in seinen Bildern Räume, auch wenn er sie uns vorerst 

verriegelt, entzieht oder entrückt. Er suggeriert solche 

Räume – Räume der Freiheit? –, gerade weil das Auge sie 

nicht betasten, nicht betreten, zuweilen aber noch durch 

Ritzen, Spalten, wie durch beschlagene Scheiben erahnen 

kann.“ (Remo Roth Bilder 1983–1988) 

Zitat: 

«Ich frage mich, ob man mir nicht radikale Mitarbeit abverlange, 

wenn ich beschliesse, aus den dunklen, Leben-simulierenden 

Vorstellungen Genuss zu ziehen. Ich gehöre 

dazu und bin sicher, dass ich bin wie andere auch, doch 

ich weiss nicht, wie bedeutend ich den anderen erscheinen 

mag. Also beschliesse ich, auf meine irreführenden 

Darstellungen zu verzichten, um endgültig im eigenen inneren 

Labyrinth Platz zu nehmen, wo ich weder Beengnis 

noch Spuren davon sehen kann, sondern nur die Stille 

eines vollkommen rätselhaften kurzen Protokolls über das 

Wesen des Bildes: Das Bedeutende am Bild sind die 

wunden Stellen.» 

(Remo Roth) 

Quellentext: 

– Hantieren mit Höhlengrau / Eigenverlag Remo Roth 1993 

– Nachtasyl / Remo Roth Zeichnungen – Gedichte / 

Eigenverlag Remo Roth 2011 

– Remo Roth Bilder 1983-1988 / Eigenverlag Remo Roth

Irma Hediger 

Malerin 

* 03. 04. 1936 Seengen AG 

Atelier an der Wuhrstrasse 1987 - 1993 

In Seengen bin ich geboren, nah am Hallwilersee, wo es 

von Anfang an viel zu beobachten gab, am Wasser, an 

Wasser- und Wiesenpflanzen, an und in den Bächen - da 

rückte die Natur mir nahe - für immer. 

Bezirksschule Seengen 

Kindergärtnerinnen- Seminar Baldegg 

Vielfältige pädagogische und soziale Erfahrungsbereiche 

forderten anschliessend meine Kreativität und mein Verständnis 

heraus in meiner Tätigkeit als Erzieherin in einer 

belgischen Familie, als Mitarbeiterin in der kantonalen Beobachtungs- 

und Therapiestation für schwer erziehbare 

Kinder Brüschhalde in Männedorf. Nach der Heirat und der 

Gründung einer eigenen Familie mit zwei Töchtern baute 

ich daneben einen Halbtags-Kindergarten auf, den ich mit 

meinen Ideen prägte. Meine künstlerischen Impulse und 

Vorstellungen intensivierten sich und 1980 ist der entschiedene 

Beginn meiner Laufbahn als Malerin zu verzeichnen. 

Aus - und Weiterbildung: 

Zeichnen und Malen bei Làslo Schwalm in Zürich. Aktzeichnen 

im Atelier Peter Grenacher und an der Volkshochschule 

bei René Monnet. Studienreise nach Venedig und in die 

Toscana, mit intensivem Skizzieren in der Öffentlichkeit 

Unter den Eindrücken südlicher Kunst und Kultur verdienen 

die Fresken von Piero della Francesca besondere Erwähnung. 

Förderung und Anerkennung: 

Erste Anerkennung und Förderung bedeutete mir die Mitgliedschaft 

bei der Produga, Zürich, wo mir die erste Einzelausstellung 

ermöglicht wurde. 1987 Einzug an der Wuhrstrasse. 

Danach Aufenthalt in der Cité internationale des Arts 

Paris. 1988 eigenes Atelier an der Rue de la Goutte d‘Or 

in Paris. 1996 Mitgliedschaft bei der Künstlergruppe Carré 

d`Art in Paris. Häufiger Wechsel zwischen Zürich und Paris. 

Diverse Ausstellungen im In- und Ausland. In Paris wurde 

ich unwillkürlich Beobachterin der markanten Veränderungen 

im Goutte d`Or-Quartier. 

„Ob es Gebäude sind, Menschen oder Stilleben, Irma Hediger 

versteht es meisterhaft, das Wesentliche, das Wesen 

ihrer Sujets einzufangen und aufs Papier zu bringen. Ihre 

Bilder sind weit davon entfernt, bloss abzubilden, vielmehr 

kann sie dem menschlichen, sozialen Aspekt immer wieder 

beredt Ausdruck verleihen.“ 

(Der Bund, 16.5.2000 zur Ausstellung im Forum Rubigen ) 

Meine Bilder male ich nie aus momentaner Inspiration, in 

einem Rausch, vor intensiven realen Objekten. Sie durchlaufen 

Stufen eines Prozesses, der für mich selbst nicht voraussehbar 

ist. 

Ausgangspunkt ist dabei stets ein Motiv, eine Begegnung, 

die mich berühren, irritieren oder bannen. Skizzenhaft nehme 

ich erste Eindrücke als Zeichnung oder Aquarell auf. 

Bildelemente, die sich mir aufdrängen, sind meist geprägt 

durch Unerklärliches, durch eine äussere oder innere Bewegung, 

die im Gang ist und das Motiv verwandeln könnte. 

Ich gerate darüber in einen Prozess der Einfühlung, des 

Weiterträumens, der Deutung. Dabei entstehen Zwischenbereiche, 

in denen sich Aeusseres und Inneres, Reales und 

Phantastisches, Anschauung und malerische Inspiration 

verbinden. Eine bereits fortgeschrittene Stufe dieses Prozesses 

findet ihren Niederschlag, meist grossformatig, auf 

der Leinwand. Aus dem deutlichen Impuls heraus, dass ich 

in einen lebendigen Kommunikationsakt involviert bin, bringe 

ich in der Farbgebung selbst Bewegung ins Bild. Das 

Endprodukt erscheint nicht als erklärter, überschaubarer 

Vorgang, sondern behauptet sich als Geheimnis. 

Quellentexte: 

– Irma Hediger

Hansjörg Mattmüller 

Maler, Grafiker, Fotograph 

* 21. 05. 1923 Zürich 

+ 22. 12. 2006 Zürich 


Hansjörg Mattmüller war ein Schweizer Kunstlehrer. Er 

studierte zunächst an der Kunstgewerbeschule Basel und 

danach in Paris. Seine künstlerischen Ambitionen wiesen 

schon bald in Richtung der ungegenständlichen Kunst. 

Ende der 1950er Jahre galt Mattmüller als einer der Protagonisten 

in der von Arnold Rüdlinger als «Signalkunst» 

bezeichneten Bewegung. 

1959 berief Hans Fischli Mattmüller als Leiter des Vorkurses 

an die Kunstgewerbeschule Zürich KGSZ. Viele seiner 

Studenten wollten Künstler werden wie David Weiss, Urs 

Lüthi oder Hansruedi Giger. Aufgrund der vielversprechenden 

Ergebnisse wurde 1965 die Klasse F+F (für «Form und 

Farbe») unter der Leitung von Mattmüller, dem Kunsttheoretiker 

und Duchamp-Experten Serge Stauffer und dessen 

Partnerin Doris Stauffer gegründet. 1970 wurde die Klasse 

durch deren Schüler und Lehrer aufgrund «von unannehmbaren 

Bedingungen» in der KGSZ aufgelöst. 

Schon 1971 gründete er darauf zusammen mit Bendicht 

Fivian, Peter Gygax, Peter Jenny, Doris Stauffer und Serge 

Stauffer die private Kunstschule F+F Schule für experimentelle 

Gestaltung. Von 1971 bis 2000 leitete er die F+F als 

Rektor. 

Quellentexte: 

– www.wikipedia.ch

Peter Stiefel 

Drucker, Radierer und Objektkünstler 

* 04. 01. 1942 Hausen a. Albis 


1958–59 Besuch der Zürcher Kunstgewerbeschule in 

der Klasse von Ernst Gubler. Ab 1964 Atelier in Kilchberg 

zusammen mit Max Wiederkehr. 1967 Übersiedlung nach 

Rom und dort Art Director des Films Necropolis von Franco 

Brocani. 1972 Assistent bei Friedrich Kuhn. 1974 Reise 

von Kanada über die USA und Mexiko bis Guatemala. 1975 

Atelier in Breganzona und erste Radierungen. Ab 1978 Mitinhaber 

der ehemaligen Teigwarenfabrik Pastificio Vecchio 

in Cavigliano. Hier entstehen wichtige Zeichnungen, Bilder 

und Skulpturen. 1980 Übersiedlung nach Zürich, arbeitet 

als Kupferdrucker im Atelier von Peter Kneubühler (1944– 

1999). Auf der Insel Gran Canaria Malereien mit Tusche, 

weisser Kreide und Gewürzfarben. Ab 1984 Unterricht als 

Zeichnungslehrer an Mittelschulen, ab 1986 Wohnung und 

Atelier in Kilchberg, wo er sein eigenes Atelier für Kupferdruck 

und Holzschnitt aufbaut. 1991–92 Lehrauftrag an 

der Universität Augsburg mit Peter Paul, 1998 Gastprofessur 

für Druckgrafik an der Fachhochschule für Gestaltung 

in Hamburg. Seit 1995 Mitarbeit am Projekt campo nomade 

primaverile von Franco Lafranca im Val Bavona. Druckt 

für Mattias Spescha von 2000 bis zu dessen Tod 2008 

sämtliche Radierungen und arbeitet in dessen Gastatelier 

in Peyriac (Südfrankreich). 2006 dreht Stefan Stucki einen 

Kurzfilm über das tagebuchartige Projekt Zürcher Schädelstätte. 

«Malen heisst nichts anderes als: eliminieren» und «alles, 

was schön ist im Bild, musst Du wegmalen!» So beschrieb 

Peter Stiefel in einem Interview mit dem Kulturjournalisten 

Peter K. Wehrli einst sein künstlerisches Credo. Viele Arbeiten 

– seien es Radierungen, Linolschnitte oder Gemälde 

– sind von Symbolen geprägt. Die frühen Werke sind anekdotischer, 

komplexer und märchenhafter ins Bild gesetzt als 

die späteren, die sich durch Reduktion und Verdichtung bis 

hin zur Abstraktion auszeichnen. Ein Wendepunkt in Stiefels 

bildhauerischer Arbeit ist das Projekt der Zürcher Schädelstätte 

(1987), einer Art dreidimensionalem Skizzenbuch, in 

dem der Künstler während eines Jahres jeden Tag einen 

Kopf aus Lehm, Holz, Schamotte oder Muschelkalk formte. 

Gefühlslagen, Erlebnisse, die täglichen gesellschaftlichen 

und politischen Ereignisse, alles fliesst in die Gestalt und 

den Ausdruck der Köpfe ein, die verknappt, verzerrt, aber 

auch edel ausgebildet sind. 

In seinem grafischen Werk arbeitet der Künstler oft in 

Zyklen und fasst die Blätter in einem Mappenwerk oder 

Buch zusammen. Die Farbholzschnittfolge Das Birnenholz 

(1996) vereinigt in eindringlich zeichenhafter Formensprache 

Landschaften, Figuren und traumbildhafte Sequenzen. 

Bildstrukturen, die oft von der Naturform ausgehen, zeugen 

von der steten Auseinandersetzung mit dem Organischen, 

auch in naturfernen Objekten wie Wagen, Haus oder Leiter. 

In Kleinskulpturen oder -plastiken aus Holz, Zement, 

Papiermaché und Karton, aber auch in Zeichnungen und 

Grafiken wird das Thema Turm in unterschiedlich komplexem 

Aufbau variiert. Es sind Studien zum Torre guardiano, 

einem fünf Meter hohen Wachturm aus Holz im Tessiner Val 

Bavona, den Peter Stiefel zusammen mit realisiert. 

In seinem äusserst breit gefächerten Werk erprobt der 

Künstler immer wieder andere Techniken. So macht er etwa 

Malversuche mit Eitempera, mit dem das Bild anders als 

bei der Acrylfarbe eine samtige, matte Oberfläche erhält. 

Neueste Arbeiten sind Landschaftsaquarelle aus dem südfranzösischen 

Bages und Zeichnungen von Wäldern im Val 

Bavona. 

Quellentexte: 


Kunstwissenschaft

Doris Michel 

Malerin und Illustratorin 

* 17. 02. 1948 Zürich 


Doris Michel wurde 1948 in Zürich geboren und wuchs im 

Kanton Aargau in einer Migrantenfamilie auf. Von klein auf 

malte und zeichnete sie ständig. Mit 16 Jahren besuchte 

sie für fünf Jahre die Kunstgewerbeschule Zürich mit einem 

Sprach-Zwischenjahr nach dem Vorkurs in Montpelier (FR). 

Sie schloss als Grafikerin ab. Anschliessend arbeitete sie in 

verschiedenen Grafikateliers und Werbeagenturen. In dieser 

Zeit bereiste sie drei bis fünf mal jährlich London, um 

dort ihrer künstlerischen Arbeit nachzugehn. 

In Zürich spezialisierte sie sich auf Illustration und arbeitete 

selbständig für verschiedene Redaktionen und einen Buchverlag, 

unterdessen war sie zweifache Mutter geworden. 

Aufgrund ihrer Grossformatigen Zeichnungen wurde sie 

1983 an die F+F Schule für Kunst und Mediendesign in 

Zürich als Dozentin berufen, wo sie bis 1999 unterrichtete. 

1986 richtete sie mit einer Kollegin das Berliner F+F-Atelier 

in Kreuzberg ein, wo sie wärend zehn Jahren regelmässig 

arbeitete und drei Einzelausstellungen in Berlin-Mitte und 

verschiedene Gruppenausstellungen bestritt. Sie reiste vier 

bis achtmal pro Jahr ins Berliner Atelier. 

Ab 1980 stellte sie in diversen Zürcher Galerien aus, unter 

anderem drei mal in Gruppenausstellungen im Zürcher 

Helmhaus. 1983 wurde sie in die damalige „GSMBA“ aufgenommen 

(Gesellschaft Maler, Bildhauer und Architekten, 

die heutige „visarte“). 

1988 richtete sie an der F+F-Schule die erste Computerabteilung 

für den Vorkurs ein. Wärend sie zu Beginn 

nebenbei noch als Grafikerin arbeitete und unterrichtete, 

wurde 1995 dank eines grösseren Pensums an der F+F 

das Unterrichten zu ihrem Hauptverdienst. Doris Michel 

unterrichtete wärend drei Jahren Malen in der roten Fabrik, 

neun Jahre Zeichnen im Abendkurs mit fortlaufendem 

Konzept, drei Jahre Kunstgeschichte in drei Vorkursklassen 

und Typografie manuel und digital in den Vorkursen. 1999 

kündigte sie mit fünfzehn Kollegen bei der F+F-Schule, da 

sie ihr neues Projekt der Gestalter-Ausbildung dort nicht 

realisieren konnten. Sie gründeten gemeinsam mit Professor 

Jenny die .G Gestaltungsschule Zürich. Ihr Konzept 

„Gestalterausbildung“ übernahmen die HgkZ und die F+F- 

Schule später auch. Mit vierzig Studierenden in zwei Klassen 

startete die .G im Herbst 1999, 2003 zählte sie bereits 

hundertzwanzig Studierende in sechs Klassen. Auch 

hier richtete Doris Michel die erste Computerabteilung ein, 

unterrichtete Projektarbeit und entwickelte und leitete das 

Konzept „Montagszeichnen“, das klassenübergreifend war 

und wöchentlich stattfand. In Kursen und Seminaren bildete 

Doris Michel sich stetig weiter, erwarb unter anderem 

das SVEB 1 Zertifikat als Erwachsenenbilderin. 

Leider wurde die Schule von Wirtschaftsleuten aus dem 

Stiftungsrat übernommen und in für sie inakzeptable Bahnen 

gelenkt. Daraufhin kündigte Doris Michel im Sommer 

2005 mit sämtlichen Gestaltungslehrern ihren Unterrichtsauftrag 

(die Mehrzahl waren Schulgründungsmitglieder). 

Ab 1995 bereiste sie mehrmals New York City und New 

Jersey, wo sie vor allem Zeichnungen und grossformatige 

Aquarelle realisierte. 

Ebenfalls 1999, im Gründungsjahr der .G-Schule, trat sie 

in den Vorstand der visarte Zürich ein, wo sie neun Jahre 

tätig war. 

Ihre Zeichnungen sind tagebuchartig realistisch, wärend 

die Malereien sich figurativ-abstrakt präsentieren. Die 

Kunststoffobjekte enthalten Einschlüsse von Fragmenten in 

ungewöhnlichen Kombinationen, die dem Zugriff entzogen 

sind, es sind „Frozen Poetry‘s“. 

Quellentexte: 

– Doris Michel

Marlyse Brunner 

Malerin 

* 21. 05. 1947 Zürich 


Marlyse Brunner ist seit Jahren damit beschäftigt, das absolut 

schwarze Bild zu finden. Dass sie es noch nicht gefunden 

hat, ist auch ein Beweis ihrer Ernsthaftigkeit. Dass 

dies kein sophistischer Spruch ist, soll im folgenden erhärtet 

werden. Marlyse Brunner arbeitet mit Schwarz. Sie 

zeichnet mit Stiften aus solider Ölfarbe schwarze Striche, 

Linien, Felder. Sie unterteilt die Bildfläche in Zonen von 

verschiedenen Qualitäten von Schwarz, verschiedenen 

Arten von Nichtschwarz. Sie unterteilt ihre Bilder in Bereiche, 

die ganz schwarz sind und in solche, die es noch 

nicht sind. Die schwarzen Bereiche sind unterschiedlich in 

Farbauftrag und Struktur. Sie unterscheiden sich durch die 

Dicke der Farbschichten, die Richtung des Farbauftrags. 

Die Farbflächenhaut bedeckt ganz unterschiedliche Farbkörper, 

sehnige, glatte, bucklige, schrumpflige. Zwischen 

den schwarzen Bereichen tun sich andere auf, graue, mehr 

oder weniger graue, mehr oder weniger helle, gestrichene, 

lavierte; es gibt auch weisse. 

Im Grund gibt es nichts einfacheres als das absolut 

schwarze Bild. Verschiedene grosse Maler haben im Laufe 

der Kunstgeschichte bewiesen, dass, zum Beispiel, das 

schwarze Quadrat malbar ist. Das absolut schwarze Quadrat 

kann sich einstellen und musste sich bei Malevitsch 

einstellen als folgerichtiges Ergebnis einer Gedankenfolge. 

Ad Reinharts schwarze Tafeln sind ebenso Ausdruck einer 

weltanschaulichen Gestimmtheit wie eines kühlen artistischen 

Kalküls. Dass Marlyse Brunner diese Ergebnisse 

nicht verwerten will oder auch kann, ist ein Zeichen für die 

existentielle Aufrichtigkeit ihrer Malgesten. Vielleicht sind ja 

auch nicht die Resultate das primär Angestrebte an diesen 

Bildern. Es kann ja sein, dass der Weg dorthin das Entscheidende, 

das Ausschlaggebende ist. 

Marlyse Brunner nimmt den Weg sehr wichtig. So kommt 

es, dass die Erschaffung des Bildes oft schon beginnt bei 

der Herstellung des Bildträgers: Einfaches, mehrschichtig 

zusammengeleimtes Verpackungspapier, technische 

Papiere oder Zeichenpapier werden mit unsentimentaler 

Ernsthaftigkeit zur Erstellung der Bilder benutzt. Wie die 

weissen Blätter werden auch die grauen bearbeitet, werden 

sie von der schwarzen Farbe in solider und auch ein 

wenig besessener Manier erobert. 

Philosophie sei, so hat Nietzsche gesagt, «das Selbstbekenntnis 

ihres Urhebers und eine Art ungewollter und un- 

vermerkter ‚memoires‘ ... ». Das gleiche darf von Malerei 

gesagt werden, wenn sie ernst gemeint ist und ernst genommen 

werden will. 

Marlyse Brunner lässt sich Zeit. Seit sie, als ganz junge 

Frau, begonnen hat zu malen, die Gleichgültigkeit der Umgebung 

nicht achtend, das fehlende Zutrauen ignorierend, 

seit jener Zeit hat sie zwar keine lange Wegstrecke, aber 

einen arbeitsreichen und intensiven Weg zurückgelegt. Von 

den ersten Arbeiten, die sich in einer etwas unverbindlichen 

formalen Abstraktion üben, bis zu der unausweichlichen 

und zwingenden Suche nach der dem Lebenszusammenhang 

standhaltenden und verbindlichen Formulierung in 

den jüngeren Bildern, hat sich viel Leben abgespielt und ist 

viel Arbeit investiert worden. 

Marlyse Brunners Recherche hat etwas Selbstverständliches. 

Es geht ihr die hochtrabende Feierlichkeit der philosophischen 

Attitüde völlig ab. Aber sie hat die Würde eines 

lebenslang willig und pflichtbewusst ausgeführten Exerzitiums. 

Eine Eigenheit übrigens, die Eleanor Munro schon vor 

Jahren als klassisches Merkmal der weiblichen Kunstausübung 

diagnostiziert hat. 

(Marie-Louise Lienhard) 

Quellentexte: 

– Buch: Marlyse Brunner - Works on Paper 1988/89

Doris Dedual 

Bildhauerin 

* 1949 Zürich 


Doris Dedual wächst in Zürich auf, wo sie die Schulen 

besucht. Persönliche Begegnungen mit Künstlerpersönlichkeiten 

bewegen sie, sich seit 1970 autodidaktisch zur 

Bildhauerin auszubilden. Dazu gehören die Auseinandersetzung 

und das Experimentieren mit verschiedenen plastischen 

Materialien und Techniken. 

1989 bezieht sie das Atelier an der Wuhrstrasse. 

Ihren ersten Versuchen in Gips, die sie additiv modelliert, 

folgen Jahre später Broncegüsse. Auftragsarbeiten in Bronce 

ermöglichen Doris Dedual ein kontinuierliches künstlerisches 

Weiterarbeiten. 

Brancusi und Arp, auch die ägyptische Kunst, sind mögliche 

Vorbilder. Sie beschäftigt sich mit einer schlichten 

organischen Formenwelt und setzt diese mit einer grossen 

Intuition gefühlvoll um. Die Senkrechte, also diejenige 

Position, die uns Menschen eigen ist, bleibt in ihrer Arbeit 

vorherrschend. 

Beigleitet werden die bildhauerischen Arbeiten von feingliedrigen 

konstruktiven Malereien. Als Folge einer Studienreise 

1995 nach Ägypten gibt sie die Malerei auf und 

beschäftigt sich seither ausschliesslich mit Bildhauerei. 

1988 entdeckt Doris Dedual den Stein als Arbeitsmaterial. 

Ersten Versuchen mit Marmor folgen in den nächsten 

Jahren Plastiken in typischen toskanischen Gesteinen wie 

Gesso, Trachit, Tuff und Alabaster. In den Steinbrüchen 

wählt sie sorgsam die Steine nach ihrer Beschaffenheit, der 

Farbe und der Form aus. Häufig sind die so gefundenen 

Formen Ausgangsbasis für die Weiterarbeit bis zur endgültigen 

Skulptur. Es entsteht dadurch ein stetiger Dialog zwischen 

Material, Form und der Künstlerin. Die Formen sind 

der Natur nahe. Sie bleiben organisch und in sich ruhend, 

fein geschliffen. Die Senkrechte verabschiedet sich. 

Seit 1996 arbeitet Doris Dedual regelmässig in der Toscana, 

wo sie erstmals in der freien Natur ihren Werkplatz 

bezieht. Die Natur verändert ihr städtisch geprägtes Menschenbild 

und fördert die Auseinandersetzung mit den 

verschiedenen Kulturen. Die Härte des Steins und dessen 

Widerstand fordern ihre Hartnäckigkeit und geben ihr 

gleichzeitig Energie zurück. 

Quellentexte: 

– Doris Dedual

Valeria Stefané 

Malerin und Illustratorin 

* 24. 04. 1948 Milano (Italien) 


Valeria Stefané wurde in Mailand geboren und verbrachte 

dort ihre Jugend und Schulzeit. In der Adoleszenz gewann 

sie an einem gesamtmailändischen Jugend-Kunstwettbewerb 

den ersten Preis, worauf der Maler Ernesto Treccani 

ihren Eltern vorschlug, sie auszubilden. Diese stellten sich 

aber entschieden dagegen; auf ihren Wunsch absolvierte 

sie die Handelsschule. 

Ende der 1960er lernte sie in Sanremo den Schweizer Rainer 

Klausmann, damals Fotograf und später Kameramann, 

kennen. Sie heiratete ihn und zog in die Schweiz, wo sie zunächst 

einer Erwerbstätigkeit in einem Reisebüro nachging. 

In den 1980er Jahren bekam Klausmann eine Wohnung im 

Künstler-Genossenschaftshaus an der Wuhrstrasse, nachdem 

der Vorstand entschieden hatte, dass Film auch zur 

Kunst gehöre. 

In den frühen 1980er Jahren bildete Valeria Stefané sich zur 

Modezeichnerin aus und arbeitete in der Folge freischaffend 

als solche, sowie als Stoffmuster-Entwerferin. Immer 

häufiger befasste sie sich auch mit dem Illustrieren von Texten. 

Ende der 1980er Jahre bildete sie sich an der Schule 

für Gestaltung in „Manuelle Drucktechnik“ (Radierung, 

Kaltnadel, Aquatinta) aus und machte so den Schritt zu freier 

Künstlertätigkeit. Der Vorstand bewilligte ihr daraufhin 

ein Dachatelier an der Wuhrstrasse. Hier führte sie einen 

Auftrag aus, den sie aufgrund ihrer Illustrationsarbeiten bekommen 

hatte: die Erstellung einer Reihe grossformatiger 

Stoffpaneele mit Umsetzungen von gotischen Miniaturen 

(Codex-Manesse-Ausstellung im Schweizerischen Landesmuseum) 

und von romanischen Deckenmalereien (Museum 

in Zillis). Parallel entstand eine Fülle von Radierungen. Mit 

einer Anzahl davon, veranstaltete sie vier Ausstellungen, 

eine in Kreuzlingen und drei in Mallorca (u.a. 2000 Kulturzentrum 

Sa Nostra in Palma de Mallorca). Mit Mallorca ist 

sie verbunden, weil sie dort zeitweise lebt. 

In den 1990er Jahren ging sie zu grösseren Formaten über 

und verwendete verschiedene Bildträger und Farbstoffe. 

Ausserdem entstand eine Serie grossformatiger Lomographien, 

2006 bezog sie an der Wuhrstrasse ein Grossatelier. 

Interpretation: 

In Valeria Stefanes Arbeit spielt das Thema des „potentiellen 

Bildes“ eine zentrale Rolle. Dass Wolken, Feuchtigkeitsflecken, 

geäderte Steine und faltige Stoffe zum Hineinprojizieren 

von Figuren und Geschehnissen einladen, wusste 

schon die Renaissance; sie nutzte das Phänomen für die 

Stärkung künstlerischer Erfindungskraft. Mit figurierenden 

Landschaftsmotiven und mit unscharf-pastoser Pinselführung 

wurde aber auch die fantasia des Betrachters mobilisiert. 

Im 20. Jahrhundert wurde dann die Beteiligung des Betrachters 

an der Bild-Konstitution zu einem Hauptkriterium 

für die Wahrheitsfähigkeit von Kunst. Valeria Stefané arbeitet 

in dieser Tradition, aber auf bewusst-reflektierte Weise. 

Schon mit einer frühen Illustrationsarbeit hat sie Lewis Carolls 

„Alice im Wunderland“ eine Hommage erwiesen, jener 

protosurrealistische Erzählung, in welcher die Figuren in 

ständiger Metamorphose begriffen sind. Um Metamorphosen 

geht es auch in ihren späteren Werken, die sich oft 

im Grenzbereich von Gegenständlichem und Abstraktem 

bewegen. 

Eine weitere Grundvorstellung ihrer Arbeit ist, dass Kunst 

immer ein Übersetzen ist. Im Gegensatz zur klassischen 

Moderne koppelt sie das „potentielle Bild“ nicht an den expressiven 

Pinselstrich - sie bricht den Mythos unmittelbarursprünglichen 

Schöpfertums ebenso hartnäckig wie den 

von einem Malen „nach der Natur“. Einerseits resultieren 

ihre Arbeiten nicht aus einer direkten Auseinandersetzung 

mit der „Realität“, sondern meist aus der Transformation 

bestehender Bilder (wissenschaftliche Illustrationen, Lexikon-Bilder 

usf.). Andererseits liebt sie es, das Resultat der 

Umformung abzudrucken, oft in Form eines einmaligen Abklatsches. 

Quellentext: 

– Valeria Stefané

Edi Hebeisen 

Bildhauer, Maler und Kämpfer 

* 30. 03. 1958 Zürich 

+ 26. 03. 2012 Zürich 


1994-2013 

Edi ist am 30.03.1958 geboren. Er wuchs mit seiner 

Schwester bei seinen Eltern in Kollbrunn auf. Schon als 

Kind interessierte er sich für Kunst, damals war es die 

Schauspielkunst. Nach seiner Lehre als Detailhandelsfachmann 

nahm er verschiedene Arbeit an und ging unabwendbar 

seinen persönlichen Interessen in der Musik und der 

Kunst nach. 

Seit 1980 lebte Edi zusammen mit Freunden in der Stadt 

Zürich. Anfangs der 90er Jahre traf er seine frühere Liebe 

Lena Schliep. 1991 kam ihr erster Sohn Bas Hebeisen, 

1993 ihr zweiter gemeinsamer Sohn Neel Hebeisen auf die 

Welt. 

1994 zog die 4-köpfige Familie an der Wuhrstrasse ein. 14 

Jahre lebten und arbeiteten sie dort. Die Zeit in der Maler - 

und Bildhauerbaugenossenschaft waren für Edi die bedeutendsten 

Jahre in seinem Leben. Die Möglichkeit an einem 

Ort zu arbeiten und zu wohnen, war für ihn unersetzbar. In 

dieser Zeit entstanden viele Arbeiten sowohl im Atelier als 

auch auf dem Werkplatz. Edi bearbeitete den Stein immer 

ohne Einsatz jeglicher Maschinen und brauchte bewusst 

Material, das ihm zur Verfügung stand. 

2007 erkrankte Edi an Amyotropher Lateralsklerose. Die 

Krankheit ALS, eine rasch voranschreitende, degenerative 

Erkrankung des Zentralen Nervensystems, verunmöglichte 

ihm seine Tätigkeit als Steinbildhauer weiterzuführen. Es 

entstanden noch einige letzte Bilder. Am 26.03.2012 verstarb 

Edi ruhig zuhause in Anwesenheit seiner Familie. Edi 

bleibt uns als kämpferischen, feinfühligen und extrem lieben 

Menschen in Erinnerung. 

Noch während seiner Ausbildung (1986-88) an der Bildhauerfachklasse 

der Schule für Gestaltung in Basel konnte 

er in Zürich zwei alte Garagen am Letzigraben ausfindig 

machen, die ihm bis 1994 als Werkplatz dienten. Neben 

Arbeiten auf Papier entstanden hier erste Steinskulpturen. 

Sein stilistisches Repertoire erstreckt sich von studienartigen 

Strichzeichnungen über flächenbetonte Blätter mit 

deckendem Farbauftrag bis hin zu Collagen und mixedmedia 

Techniken. Textelemente, ob Zitate oder eigene 

Formulierungen, erweitern häufig die visuellen Ausdrucksformen. 

Nicht unerwartet ergeben sich Querverbindungen 

zum plastischen Werk, wie etwa Studien von Händen oder 

Zeichnungen mit stelenartigen Ensembles. Oder das Revolutionsemblem 

des roten fünfstrahligen Sternes mutiert zur 

ausdrucksstarken plastischen Figur aus Stein (Force tranquille). 

„Bushes“ etwa erscheint mit den übereinander gestaffelten, 

schwammigen Grünflächen, die in Gelbformen 

träufeln, als ironisch gefärbte Auseinandersetzung mit dem 

„abstrakten Expressionismus“. 

Zu den frühen plastischen Arbeiten, die noch am Letzigraben 

entstanden sind, zählt die hochinteressante Sequenz 

der 26 Handfragmente. Es handelt sich um kleinere, kubenartigen 

Stücke aus Porphyr, einem roten Granit, wie er im 

Strassenbau verwendet wird, aus denen Fingergesten und 

Handformen reliefartig herausgearbeitet sind. Der Künstler 

hat sie im Atelier auf einem Brett direkt unter der Decke 

aufgereiht. Den schweigenden, rohen Stein zum Sprechen 

zu bringen, ist wohl die metaphorische Grundintention aller 

Bildhauerei. 

Charakteristisch für seine Arbeitsweise und den Umgang 

mit Werkstoffen ist der fast durchgängige Gebrauch von 

Abfallmaterialien wie Steinresten, gebrauchten Bretter und 

dergleichen. Diese Verwendung von Abfallstücken ist auf 

den ersten Blick primär arbeitsökonomisch und ökologisch 

begründet und richtet sich gegen die Wegwerfmentalität 

der Konsumgesellschaft. Darüber hinaus hat sie weiterreichende 

künstlerische und ästhetische Aspekte: die Faszination 

für das Fragment und das Fragmentarische, die weit 

zurückreicht bis in die Vormoderne, verbindet sich mit der 

surrealistischen Idee des „objet trouvé“. 

Zudem gibt die „anti-perfektionistische“ Haltung dem Improvisativen, 

dem Prekären, dem Existentiellen und Künstlerischen 

Raum in Abgrenzung zur technoiden Ideologie 

des Perfektionismus. 

„Steine mit Fehlern sind interessanter als die perfekten“, 

sagt Hebeisen. 

Quellentext: 

– aus Buch: EDI Hebeisen 

„bad intentions can yield good results“ 

Volker Schunck, Dr. phil., Kunstwissenschaftler

Biographien Wuhrsträssler (PDF, 3.6 MB) - Stiftung Trudi Demut und ...

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