Das Journal der staatsoperXhannover Nr. 1/2006 - Staatsoper ...

seitenbühne
Das Journal der staatsoperXhannover Nr. 1/2006
> Künstlerporträt: Okka von der Damerau
> Werkstattporträt: Die Requisite
> Zuschauerporträt: Thomas Bonder

„Anatevka“ Gertraud Wagner, Roland Wagenführer
„Otello“ Janez Lotric, Brian Davis „Molière“ Ensemble
„Combattimento“ Jörn Eichler, Arantxa Armentia, Stefan Zenkl
„Die Italienerin in Algier“ (U1), Frank Schneiders
„Anatevka“ (U4), Roland Wagenführer, Georg Luibl
„Così fan tutte“ Arantxa Armentia
„Die Italienerin in Algier“ Frank Schneiders

Proszenium seitenbühne | Nr. 1 | Seite 3
Willkommen!
Im Tanz entfaltet sich die Sprache des Körpers. Auf andere Weise als in der Oper vermag
die menschliche Geste allein, oder durch Musik unterstützt, Geschichten zu erzählen. Die
Ballettsparte eröffnet mit der Erinnerung an eine ebenso glanzvolle wie sozial und politisch
höchst konfliktreiche Periode europäischer Geschichte, indem sie sich, zu Musik
von Rameau und Ravel, dem Leben und Wirken Molières widmet. Sodann folgt die
Realisierung von Prokofjews Romeo und Julia, einer der bedeutendsten
Ballettkompositionen des 20. Jahrhunderts. Ein Ballettabend mit Kammermusik von
Dmitri Schostakowitsch beschließt unsere erste Spielzeit.
Über die rege Konzerttätigkeit des Niedersächsischen Staatsorchesters Hannover bietet
erstmals ein eigenes Heft einen ausführlichen Überblick. Im Tanz entfaltet sich die
Sprache des Körpers. Auf andere Weise als in der Oper vermag die menschliche Geste
allein, oder durch Musik unterstützt, Geschichten zu erzählen. Die Ballettsparte eröffnet
mit der Erinnerung an eine ebenso glanzvolle wie sozial und politisch höchst konfliktreiche
Periode europäischer Geschichte, indem sie sich, zu Musik von Rameau und Ravel,
dem Leben und Wirken Molières widmet. Sodann folgt die Realisierung von Prokofjews
Romeo und Julia, einer der bedeutendsten Ballettkompositionen des 20. Jahrhunderts.
Ein Ballettabend mit Kammermusik von Dmitri Schostakowitsch beschließt unsere erste
Spielzeit. Über die rege Konzerttätigkeit des Niedersächsischen Staatsorchesters
Hannover bietet erstmals ein eigenes Heft einen ausführlichen Überblick. Im Tanz entfaltet
sich die Sprache des Körpers. Auf andere Weise als in der Oper vermag die menschliche
Geste allein, oder durch Musik unterstützt, Geschichten zu erzählen. Die
Ballettsparte eröffnet mit der Erinnerung an eine ebenso glanzvolle wie sozial und politisch
höchst konfliktreiche Periode europäischer Geschichte, indem sie sich, zu Musik
von Rameau und Ravel, dem Leben und Wirken Molières widmet. Sodann folgt die
Realisierung von Prokofjews Romeo und Julia, einer der bedeutendsten
Ballettkompositionen des 20. Jahrhunderts. Ein Ballettabend mit Kammermusik von
Dmitri Schostakowitsch beschließt unsere erste Spielzeit.Über die rege Konzerttätigkeit
des Niedersächsischen Staatsorchesters Hannover bietet erstmals ein eigenes Heft einen
ausführlichen Überblick. Im Tanz entfaltet sich die Sprache des Körpers. Auf andere
Weise als in der Oper vermag die menschliche Geste allein, oder durch Musik unterstützt,
Geschichten zu erzählen. Die Ballettsparte eröffnet mit der Erinnerung an eine
ebenso glanzvolle wie sozial und politisch höchst konfliktreiche Periode europäischer
Geschichte, indem sie sich, zu Musik von Rameau und Ravel, dem Leben und Wirken
Molières widmet. Sodann folgt die Realisierung von Prokofjews Romeo und Julia, einer
der bedeutendsten Ballettkompositionen des 20. Jahrhunderts. Ein Ballettabend mit
Kammermusik von Dmitri Schostakowitsch beschließt unsere erste Spielzeit.
Michael Klügl
Opernintendant

Seite 4 | Nr. 1 | seitenbüne Oper
Männer am Rande des
Nervenzusammenbruchs
Rossinis Dramma giocoso L’italiana in Algeri
Mustafà langweilt sich. Er, der Bey von
Algier, hat die unterwürfigen Frauen seines
Harems satt und kann insbesondere seine
unermüdlich devote Hauptfrau Elvira
nicht mehr ertragen. Auf zärtlichen
Gehorsam sprechen seine Hormone längst
nicht mehr an, nein, erotisches Feuer
glaubt er nur mehr in Konfrontation und
Reibung finden zu können. Also muss ein
Tapetenwechsel her, eine Frau mit Tempe -
ra ment und Selbstbewusstsein, eine, die
sich ihm widersetzt und die man nur im
Kampf erobern kann, kurz: eine Frau, die
so emanzipiert ist wie die Italiene rinnen.
Da trifft es sich gut, dass der Sturm gerade
ein Schiff mit vielen neuen Sklaven und
einer schönen Italienerin namens Isabella
an den Strand von Algier getrieben hat.
Mustafàs „Piratenchef“ Haly schleppt
Isabella und ihren vermeintlichen Onkel
Taddeo, der in Wahrheit ein hoffnungs -
loser Verehrer ist, zum Bey, der sofort den
Verstand verliert und sich Hals über Kopf
in die schöne Fremde verliebt. Dass
Isabella in Algier ist, um ihren Geliebten
Lindoro zu suchen, der wiederum als
Sklave in Mustafàs Harems gelandet ist,
weiß niemand. Und auch Isabella scheint
das im Eifer des Gefechts zu vergessen,
denn ihre ganze Energie richtet sich da -
rauf, Mustafàs Welt und Selbstverständnis
so gehörig auf den Kopf zu stellen, dass
sich der Bey in kürzester Zeit am Rande
des Nervenzusammenbruchs befindet …
So frei erfunden die Geschichte um eine
abenteuerlustige Italienerin und kapernde
Algerier auch klingen mag, ganz ohne
historisches Fundament ist sie nicht. Seit
dem 16. Jahrhundert war Algerien Teil des
Osmanischen Reichs und hatte sich durch
aggressiven Sklavenhandel zum Albtraum
der Nachbarstaaten gemausert. Die algerischen
Korsaren waren gefürchtete Piraten,
die den gesamten Mittelmeerraum un -
sicher machten – sogar bis zu den Küsten
Islands hatten sie sich zeitweise vorgewagt.
Als Vorlage für Angelo Anellis Libretto
galt die Geschichte der Mailänderin
Antonietta Frapolli Suini, die 1805 von
algerischen Piraten entführt worden war
und nach dem Aufenthalt in verschiedenen
Harems nach Italien zurückkehren konnte.
In aller Konsequenz etablierte Rossini in
seiner Italiana den musikalischen Stil, der
auch seine späteren buffo-Opern auszeichnen
sollte. Virtuose Arien mit perlenden
Koloraturen alternieren mit rasanten
Ensembles, die das Geschehen in einen
Strudel ziehen, der alle Beteiligten bis in
den Wahnsinn zu katapultieren scheint.
Insbesondere die Akt-Finali gleichen der
Flamme auf einer Zündschnur, die sich
immer schneller werdend ihren Weg zum
explosiven Stoff bahnt, so dass sich bald
nicht nur Mustafà und Taddeo, sondern
alle Beteiligten der Oper am Rande des
Nervenzusammenbruchs befinden. Die
Sprache löst sich in dadaistische Phoneme
wie Ding-Ding, Kra-Kra, Bumm-Bumm
auf, der Wahnsinn bricht sich Bahn und
löst mit seiner alles zersetzenden Säure
nicht nur logische Zusammenhänge, sondern
auch die musikalische Faktur auf. Die
Melodie als lyrischen Bogen gibt es nicht
mehr, sie zerstückelt sich in atemlose
Teilchen und Atome, die ihre Verortung
nur noch in der Beschleunigung finden.
Der Berliner Regisseur Ingo Kerkhof
greift für seine Inszenierung zurück auf die
Wurzeln der opera buffa schlechthin, die
Commedia dell’arte, und gräbt nach der
theatralen Anarchie, nach dem Theater auf
dem Theater. Er sucht die Polarisierung
zweier Welten weniger in der Gegenüber -
stellung von Orient und Okzident, als vielmehr
im Kampf zweier Machtmenschen,
zwischen Selbstdarstellerin und Selbst -
darsteller, zwischen Diva und Divo,
Isabella und Mustafà. So versteht es sich
von selbst, dass sich das Fechten um die
Macht auch zu einem Konkurrenzkampf
um die schönste Arie, den besten Platz an
der Rampe, den besten Draht zum
Dirigenten oder auch die längsten Töne
entwickelt. Und auf diese Weise öffnet
sich unter der Commedia-Geschichte um
einen selbstgefälligen Pantalone und eine
freche Columbine, um Mustafà und
Isabella, ein doppelter Boden, der den
Blick hinter die Figuren freigibt. Das
„Innenfutter“ des Bühnengeschehens blitzt
nicht nur unter der Handlungsoberfläche
hervor, sondern wird explizit nach außen
gekehrt, so dass hinter den Figurentypen
immer wieder auch die psychologischen
Mechanismen innerhalb einer
Theatertruppe durchscheinen.
Sylvia Roth
Musikalische Leitung Jahbom Koo
Inszenierung Ingo Kerkhof
Bühne Frank Philipp Schlößmann
Kostüme Stephan von Wedel
Choreografie Krystyna Plachetka
Chor Dan Ratiu
Dramaturgie Sylvia Roth
Isabella Ann Hallenberg (15.+19.12.2006,
10.+19.1., 9.3.2007) / Barbara Senator
Mustafà Tobias Schabel
Lindoro Sung-Keun Park
Elvira Karen Frankenstein
Zulma Okka von der Damerau / Julia Grinjuk
Taddeo Frank Schneiders
Herrenchor und Statisterie
der Staatsoper Hannover
Niedersächsisches Staatsorchester
Hannover
Premiere am 15.12.2006
Weitere Vorstellungen 19.+ 30.12.2006,
10.,16., 19.+21.1.2007

seitenbühne | Nr. 1 | Seite 5
Zu Gast in Hannover:
Ann Hallenberg als Isabella
Die schwedische Mezzosopranistin studierte
an der Staatlichen Opernschule in
Stockholm bei Kerstin Meyer und Erik
Sædén sowie bei Joy Mammen in London.
Ann Hallenberg ist ein regelmäßiger
Gast an den großen Opernbühnen Euro -
pas: an der Mailänder Scala, in Zürich,
Paris, Lyon, Antwerpen, Stuttgart, Dresden,
an der Komischen Oper Berlin, in
Strasbourg, Genua, Monaco, Montpellier,
Stockholm und Oslo. Aufgetreten ist
sie auch bei Festivals wie den Salzburger
Festspielen, den Wiener Festwochen,
den Dresdner Musikfestspielen, dem Fes -
ti val d’opéra baroque de Beaune, den
Festivals für Alte Musik in Utrecht und
Boston sowie in Tanglewood. Ann Hallenberg
hat mit zahlreichen namhaften
Dirigenten gearbeitet wie etwa Riccardo
Muti, Christophe Rousset, Emmanuelle
Haïm, Marc Minkowski, William Christie,
Philippe Herreweghe, Andreas Spering,
Christoph Spering, Michael Hofstetter,
Fabio Biondi, Ottavio Dantone,
Alessandro De Marchi, Ivor Bolton, Marcus
Creed und Kwamé Ryan. Die Mezzosopranistin
zeichnet sich durch ihre profunde
Kenntnis der Barock-Oper aus,
singt aber auch Partien von Rossini bis
Massenet (Charlotte in Werther) und
Bizet (Carmen). Zahlreiche CD-Einspielungen
dokumentieren ihre künstlerische
Laufbahn.

Seite 6 | Nr. 1 | seitenbühne Foyer
Combattim
Szenen von Liebe und Tod
Kennen Sie das Foyer der Staatsoper?
Wenn Sie schon einmal eine Vorstellung
besucht haben, werden Sie denken:
Natürlich! Die lange Diele mit dem
Programmheftverkauf, die Garderoben,
die Aufgänge in den ersten Rang, links und
rechts, den Marschnersaal mit den
Ensemble bildern, das Laves-Foyer mit
dem Ausgang auf den Balkon (in lauen
Sommernächten der schönste Ort). Wenn
Sie im 2. und 3. Rang saßen, sind Sie vielleicht
auch schon die kleinen Wendel -
treppen gelaufen oder die beiden Frei -
treppen aus dem 1. hinauf in den 2. Rang.
Ein großzügiges, weitläufiges, helles Foyer
durchzieht den Laves-Bau, mit seiner klaren
Architektur und Ausstattung aus den
1950er Jahren. Sie kennen es.
Das sind die Standardsituationen des
Foyers: ein Durchgangsort, ein Ort zum
Wandeln und Flanieren, zum Verweilen
und Verzehren. Und dann gibt es Aus -
nahmen und Überraschungen: Wenn Sie
zu spät kommen und durch die leeren
Gänge eilen. Zwei Treppenstufen auf
einmal nehmen, wo es doch angebracht
scheint, gemessen zu schreiten. Wenn sich
eine Tür öffnet, die normalerweise ver -
schlossen ist, und Einblicke gewährt in
die Innereien des Theaterbetriebes: das
Tonstudio, die Regieloge, das Stellwerk,
die magische Tür im Parkett rechts, der
einzige Weg vom Zuschauerraum hinter
die Bühne. Und die Tapetentür im
„Gasometer“. Diese Tür verschwindet
fast auf der großen, nach außen gebogenen
Fläche mit Wellenstruktur, die die Ränge
des Zuschauerraums zum Foyer hin
abschließt. Sie hat keinen richtigen Knauf,
doch der leicht angegraute Rand lässt auf
regelmäßige Benutzung schließen. Was ist
hinter dieser Tür?
An sechs Abenden seit Anfang Dezember
verbirgt sich ein Mensch hinter dieser Tür.
Ein lauschender, phantasierender Mann.
Ein Mann, der Zuschauer ist, Erzähler
wird und schließlich Opfer seiner eigenen
Geschichte. Das offene Foyer vor dieser
Tür, mit den zwei Freitreppen und den
Balkonen im 2. und 3. Rang, wird an diesen
sechs Abenden zum Schauplatz.
„Foyer-Oper“ heißt die neue Reihe, die
das Opernhaus abseits der großen Bühne
entdecken und die verschiedenen Winkel
des Foyers beleben will. Die „Foyer-
Opern“ verbinden die Liebe zu diesem oft
durchschrittenen, doch selten wahrgenommenen
Durchgangsort mit der Neugier auf
die kleine Form und der Lust am musiktheatralen
Experiment.
Die erste Foyer-Oper erzählt die
Dreiecks geschichte von einem Paar und
diesem Mann hinter der Tür. Im Zentrum
steht ein frühes Experimentierstück der
Operngeschichte für eine Sängerin, zwei
Sänger und Instrumente: Claudio Monte -
verdis Il combattimento di Tancredi e Clorinda
von 1624. Außergewöhnlich radikal für das
frühe 17. Jahrhundert stellt Monteverdi
seine Musik in den Dienst der Handlung.
Instrumentalisten und Sänger werden im
Vorwort der Partitur aufgefordert, mit
Spielweise, Gesang und Aktion streng den
Leidenschaften der Erzählung zu folgen.
Sie führt den Kampf (italienisch: combattimento)
eines Liebespaares vor. Tancredi
und Clorinda begegnen sich, doch sie
erkennen sich nicht als Liebende, sondern
als Feinde, und liefern sich eine Schlacht
auf Leben und Tod. Von ihrem Kampf
berichtet ein Dritter, der Erzähler, der die
Geschichte von Tancredi und Clorinda
nicht nur überliefert, sondern auch wertet
und virtuos mit den Mitteln seiner Erzählund
Sangeskunst steuert.
So wird aus dem Kampf zwischen Mann
und Frau eine Dreiecksgeschichte, in der
die beiden Protagonisten am wenigsten zu
sagen bzw. zu singen haben.
Dieses Dreieck nimmt die erste Foyer-
Oper auf, indem sie zu Monteverdis
Combattimento zwei zeitgenössische Werke
hinzufügt und den beiden Liebenden so
eine je eigene musikalische Sprache gibt.
Luciano Berios Sequenza III (1966) ist eine
hoch komplexe Partitur für weibliche
Stimme solo, eine Entäußerung auf der
Grenze zwischen Singen und Sprechen,
Flüstern und Schreien. Die Sängerin ist

nto
aufgefordert, das extrem differenzierte
Spektrum von 41 verschiedenen Aus -
drucks- und Vortragsbezeichnungen
stimmlich umzusetzen und mit gestischen
Aktionen zu verkörpern. Die Grenze
zwischen konzertanter und szenischer
Aufführung, zwischen Sängerin und Figur
ist fließend. Dabei wird der Text von
Markus Kutter in seine kleinsten Bestand -
teile zerlegt, so dass die Worte, Silben und
Laute isoliert wahrnehmbar werden und
eine Sprachkomposition von ganz eigener
klanglicher, expressiver Qualität entsteht.
Das männliche Gegenstück, der Gesang des
Achill für Bariton solo von Detlev Glanert,
wurde als Auftragswerk der Staatsoper
Hannover am 2. Dezember 2006 uraufgeführt.
Der 1960 in Hamburg geborene
Glanert vertont Auszüge aus Heinrich von
Kleists Drama Penthesilea. Darin geht es
wie bei Monteverdi um einen Kampf zwischen
Mann und Frau, der tödlich endet.
Unterliegt aber im Combattimento die Frau
dem Mann, der sie zu spät erkennt, ist es
bei Kleist und Glanert umgekehrt: Die
Amazonenkönigin Penthesilea kann nach
den Regeln ihres Volkes den Griechen
Achill erst lieben, wenn sie ihn besiegt hat.
Er gibt sich ihr hin. Im Blutrausch lässt sie
ihn von ihren Hunden zerfetzen und stirbt
schließlich selbst im Erkennen ihrer Tat.
Aus dem Drama Kleists hat Detlev Glanert
einen Monolog des Achill kondensiert, der
Foyer seitenbühne | Nr. 1 | Seite 7
die Sprache und das Versmaß der Vorlage
beibehält. Als liedähnliches Werk gedacht
ist Der Gesang des Achill jedoch immanent
theatralisch, denn er stützt sich auf die
Handlung seiner dramatischen Vorlage
und lässt durch zahlreiche Fermaten
immer wieder Raum für szenische Aktion.
Drei sehr unterschiedliche Werke also
werden zu einem Musiktheater-Abend um
den Kampf der Geschlechter zusammengeführt.
Das Opern-Foyer vor dem
1. Rang ist der Spielort dafür. Die
Regisseurin Elisabeth Stöppler und ihr
Ausstatter Richard Stockinger nehmen die
Funktion und die Atmosphäre des Raumes
auf. Ohne historische Rüstungen, ohne
Helm, Schild und Schwert begegnen,
bekämpfen und verletzen sich Mann und
Frau im Combattimento. Der andere Mann
hinter der Tapetentür beobachtet und
beschreibt diesen Kampf und gerät
schließlich selbst zwischen die Fronten.
Die erste Foyer-Oper ist der Auftakt neuer
Begegnungen mit dem Foyer der
Staatsoper. Lassen Sie sich überraschen!
Swantje Gostomzyk
Luciano Berio
Sequenza III
Claudio Monteverdi
Il combattimento di Tancredi e Clorinda
Detlev Glanert Gesang des Achill
(Uraufführung)
Musikalische Leitung Toshiaki Murakami
Inszenierung Elisabeth Stöppler
Ausstattung Richard Stockinger
Dramaturgie Swantje Gostomzyk
Mit Arantxa Armentia, Jörn Eichler,
Stefan Zenkl und Musikern des
Niedersächsischen Staatsorchesters
Hannover
Premiere am 2. Dezember
Weitere Vorstellungen 18. (20 Uhr),
21. (22 Uhr) + 29.12.2006 (21 Uhr) sowie
zum letzten Mal am 5.1.2007 (21 Uhr)
Foyer 1. Rang

Seite 8 | Nr. 1 | seitenbühne Ballett
Tatort Paris –
Schauplatz Hann
Salzburg hat seinen Mozart, Bonn seinen
Beethoven, Bayreuth seinen Wagner, und
Paris … Paris hat viele, viele … unter
denen aber Molière zweifellos einen prädestinierten
Platz einnimmt. Pilgerstätte
der Molière-Verehrer ist heute die Comé -
die-Française in der Rue de Richelieu –
jene Straße, in die sich Molière kurz vor
Ende der vierten Vorstellung seines Malade
imaginaire (Der eingebildetet Kranke)
zurückzog, um sich von einem akuten
Husten- und Schwächeanfall zu erholen,
jedoch nur wenig später verstarb (1673).
Eine kleine Gasse, die direkt vor Molières
Sterbehaus in die Rue de Richelieu mündet,
wurde dementspre chend in die „Rue
Molière“ umbenannt.
Molière und seine Truppe spielten jedoch
seinerzeit nicht in der Comédie-Française,
sondern gaben ihre Vorstellungen – neben
Auftritten in den pompösen Schlössern
außerhalb der Stadt – vor allem im
Théâtre du Palais royal, zu dem auch das
„gemeine Volk“ Zugang hatte. Selbst wenn
der heutige Sitz des Théâtre du Palais
royal nicht dem damaligen entspricht, in
dem Molière wirkte, lohnt sich auch hier
ein Blick hinter die soeben in neuem
Glanz erstrahlende Fassade: Hier kann
man sich nicht nur von einem Theater -
stück in andere Welten versetzen lassen,
sondern der Ort als solcher verfügt bereits
über eine magische Kraft, die sogleich das
„Hier und Jetzt“ in den Hintergrund
treten lässt. Für Molière und seine Truppe
war jedoch das Schauspielerdasein alles
andere als zauberhaft und weltentrückt.
Bereits am Beginn ihrer Theaterarbeit
stand ein abenteuerliches Experiment, das
Molière beinahe den Kopf gekostet hätte:
Er, der „aus gutem Hause“ stammte und
für seiner Theaterleidenschaft eine saturierte
bürgerliche Karriere als königlicher
Innenaus statter („Tapissier“) opferte, gründete
mit der jungen Schauspielerin
Madeleine Béjart, deren Geschwistern
Joseph und Geneviève sowie einigen
Jahrmarkts künstlern ein kleines Ensemble,
das zunächst einen Saal im Faubourg
Saint-Germain aufwändig renovierte, um
sich in der Pariser Theaterlandschaft unter
dem vielversprechenden Namen „Illustre
Théâtre“ zu etablieren. Doch die Konkur -
renz war groß, die Ausgaben überstiegen
schnell die Einnahmen, bis schließlich ein
gerichtlich eingeforderter Mietrückstand
die Truppe in den Bankrott trieb. Molière
wurde wegen Insolvenz inhaftiert und
gelangte erst nach Hinterlegung einer
Kaution durch seinen Vater wieder auf
freien Fuß.
Ungeachtet dieser Pleite im großen Stil
ließ sich die Truppe nicht grundsätzlich
entmutigen: Molière und seine treue Ge -
folgschaft zogen nun über die Dörfer und
Städte Südfrankreichs, um ihre Künste feil
zu bieten. In Pézenas fanden die jungen,
ambitionierten Schauspieler schließlich
ihren ersten, großen Gönner: Armand de
Bourbon, Prinz von Conti, der als leidenschaftlicher
Liebhaber des Theaters (und
ebenso der sich dort versammelnden
Damenwelt) die „prächtigen Kostüme“
und „Gefälligkeit“ der Schauspieler
bewunderte. Er erhob sie sogleich zur
„Troupe de Monseigneur le Prince de
Conti“ und sicherte ihr finanzielles
Auskommen. Wenig später sollte Molière
aber auch erstmals die Willkür herrschaft
der Hocharistokratie zu spüren bekommen:
Der von der seinerzeit „Lustseuche“
genannten Syphilis geplagte Prinz wandte
sich in seiner gesundheitlichen Not an den
wegen seiner Sitten strenge gefürchteten
Bischof von Aleth, der ihm als unbedingte
Voraus setzung für eine baldige Genesung
abso lutes Theater verbot verschrieb. Conti
entzog daraufhin nicht nur Molières
Truppe seine Protek tion, sondern wandelte
sich zu einem geradezu militanten Gegner
des Schauspiels, in dessen Schusslinie
Molière auch später wiederholt geriet.
Allen Widernissen des unsteten Wander -
lebens zum Trotz konnte Molière dennoch
gerade in dieser Zeit wertvolle Erfahr un -
gen sammeln: Er verfasste Komödien, die
sich zunehmend von den possenhaften
Vorbildern italienischen Verschnitts entfernten,
um an die Stelle deftiger Komik
differenziertere Personen zeichnungen treten
zu lassen.

over
Im Sommer 1658 unternahm Molière
mehrere Reisen nach Paris, um eine Rück -
kehr vorzubereiten, die bereits im Herbst
erfolgte. Die Truppe durfte sogleich dem
Bruder von Ludwig XIV., Philippe
d’Anjou, dem späteren Duc d’Orléans,
vorspielen, der wiederum so beeindruckt
war, dass er sich zu ihrem Schirmherrn
machte. Auf diese Weise erhielten die
Schauspieler rasch Zutritt zum Louvre, um
sich dort dem jungen König zu präsentieren.
Während ihre Aufführung einer
Tragödie von Pierre Corneille wenig
Anklang fand, war Ludwig XIV. von einer
sich unmittelbar anschließenden Komödie
Molières so erheitert, dass er der Truppe
das Théâtre du Petit-Bourbon als offizielle
Arbeits- und Spielstätte zuwies – erst ein
Jahr später, 1660, zog das Ensemble in das
Théâtre du Palais royal um und blieb dort
bis zu Molières Tod.
Von diesem Zeitpunkt an konnte Molières
Truppe mit ständigen, äußerst lukrativen
Auftritten vor der höfischen Gesellschaft
rechnen und gleichzeitig kontinuierlich ein
Repertoire für das städtische Publikum
aufbauen. Im Jahr der Thronbesteigung
des jungen Ludwig XIV. (1661) etablierte
Molière zudem ein neues Theatergenre:
Die Comédies-ballets, bei denen die
Komödienhandlung durch tänzerische
Entrées unterstrichen, vertieft, aber auch
vorausgedeutet und erweitert wurde. Bei
diesen Produktionen standen ihm für die
Ballett seitenbühne | Nr. 1 | Seite 9
Auf den Spuren Molières
choreographischen und kompositorischen
Belange Pierre Beauchamps als der seinerzeit
renommierteste Tanzmeister am Hof
von Ludwig XIV. und Giovanni Battista
Lulli alias Jean-Baptiste Lully zur Seite.
Dass gerade letzterer von Molières
Errungenschaften nicht nur erheblich profitierte,
sondern auch seinem Promoter
zunehmend das Leben schwer machte,
gehörte vermutlich zu Molières bittersten
Enttäuschungen: Lullys intrigante
Machenschaften um den Besitz des königlichen
Opernprivilegs, in dem er hellsichtig
wie kein anderer eine zukunftweisende
Chance sah, grenzten Molières künstlerischen
Freiraum immer mehr ein.
Schließlich sicherte sich Lully das Recht,
über sämtliche Dichtungen, zu denen er
Musik komponiert hatte, frei verfügen zu
dürfen – womit er letztlich Molière seiner
Comédies-ballets beraubte, die von nun an
nicht mehr ohne Lullys Zustimmung mit
dessen Musik erklingen durften. Molière
fand zwar für seine letzte Comédie-ballet,
den eingangs erwähnten Le Malade imaginaire,
ebenso wie für Neuinszenierungen
älterer Stücke in Marc-Antoine
Charpentier einen neuen, äußerst kompetenten
musikalischen Mitarbeiter, nichtsdestotrotz
waren die Einbußen, die er nun
hinnehmen musste, einschneidend: Nur zu
deutlich spürte er, dass sich seine Zeit am
Hof Ludwigs XIV. dem Ende zuneigte und
sein ehemaliger Kollege zu seinem schärf-
sten Konkurrenten angewachsen war.
Vielleicht starb Molière gerade rechtzeitig
vor noch tieferen Rückschlägen – dennoch:
Während Lully auf einen glamourösen
Ruhm zu Lebzeiten peinlichst bedacht
war, sollten seine Kompositionen schon
kurz nach seinem Tod als „altmodische
Musik“ (bzw. musikalischer Ausdruck eines
überkommenen politischen Systems) in
Misskredit geraten. Molières Werke hingegen
wurden bald wieder ausgegraben, neuvertont
und vor allem: neubelebt. Einer
jüngeren Umfrage zufolge ist Molière der
bekannteste französische Schriftsteller
nach Victor Hugo.
Stephanie Schroedter
„Molière“
Ballett von Jörg Mannes
Musik von Jean-Philippe Rameau, Maurice
Ravel, Luciano Berio u.a.
Musikalische Leitung Andreas Wolf
Choreographie Jörg Mannes
Bühne Lars Peter
Kostüme Lenka Radecky-Kupfer
Dramaturgie Stephanie Schroedter
Ballettensemble der Staatsoper Hannover
Niedersächsisches Staatsorchester
Hannover
Die nächsten Vorstellungen
20. + 21.12.2006, 4.+28.1.2007

Seite 10 | Nr. 1 | seitenbühne Aus den Proben
Auf dem Weg zu Tannhäuser
Über die Entstehung eines Inszenierungskonzepts – Teil 1
7. April 2006, Berlin
Musikalische Fragen
Beim ersten Treffen zwischen General -
musikdirektor Wolfgang Bozic, Regisseur
Philipp Himmelmann und Dramaturg
Ulrich Lenz in einem Berliner Café geht
es vor allem um die Klärung der Fassungs -
frage. Wagner selbst ist nach eigenen
Worten „der Welt den Tannhäuser schuldig“
geblieben: Bis an sein Lebensende hat
er seine Oper immer wieder überarbeitet,
ohne letztendlich zu einer ihn selbst
zufriedenstellenden Endfassung zu gelangen.
In der Aufführungspraxis haben sich
aber zwei Fassungen eingebürgert: die
sogenannte Dresdner und die sogenannte
Pariser Fassung. In letzterer hat vor allem
die Venusberg-Szene des Ersten Aktes eine
umfangreiche Erweiterung erfahren. Wir
sind uns einig, dass beide Fassungen ihre
Vor- und Nachteile haben. Philipp
Himmel mann interessiert an der Dresdner
Fassung die klarere Ausformulierung der
Venus als Personi fikation einer Idee. In
der Pariser Fassung erscheint sie wesentlich
realer, menschlicher – „die Göttin der
Wonne wird selbst rührend“, schreibt
Wagner.
Wolfgang Bozic steht derlei Argumenten
aufgeschlossen gegenüber, sieht auch in
der musikalischen Struktur der Dresdner
Fassung eine größere Klarheit gegeben,
und so finden wir schnell zu einer gemeinsamen
Entscheidung für „Dresden“.
30. April/1. Mai 2006, Frohnau bei Berlin
Konzeptionsgespräch
Bühnenbildnerin Elisabeth Pedross,
Kostümbildnerin Petra Bongard und
Dramaturg Ulrich Lenz sind zu Gast bei
Regisseur Himmelmann. Nach kurzem
Kennenlernen befinden wir uns gleich
mitten in den zentralen Fragen des Stücks:
Was ist der Venusberg? Lusthöhle,
Kunsttempel, Urzustand? – Wer oder was
ist Tannhäuser? Künstler, Anarchist,
Fanatiker? – Und was kennzeichnet die
Wartburg-Welt? Traditionsbewusstsein,
Ordnungswille, Intoleranz?
Tannhäuser ist ständig im Aufbruch begriffen,
und auch die fortwährend durch das
Stück ziehenden Pilger stehen für die
Ruhelosigkeit des Menschen. Könnte die
Bühne dieses ständige Weiterziehen thematisieren,
indem sie einen Bahnhof oder
einen Flughafen assoziiert? Die Idee wird
schnell wieder verworfen, denn je konkreter
die Bilder auf der Bühne sind, desto
kleiner machen sie die Allgemeingültigkeit
des Stücks und seiner Figuren. Wo fände
darin beispielsweise die Idee der Liebes -
göttin ihren Platz?
Philipp Himmelmann träumt für den
Venusberg von einem sehr sinnlichen Ort,
der mehr ist als nur „Lusthöhle“. Das
Element Wasser scheint ihm für das
Urzuständliche dieser ersten Szene richtig.
Wände aus Wasser? Eine faszinierende
Vorstellung, aber wir wissen alle, dass sich
dies auf einer Bühne kaum realisieren lässt,
zumal es ja auch noch mindestens zwei
weitere Bilder – „Tal vor der Wartburg“
und „Auf der Wartburg“ – zu bauen gilt.
Diese Bilder werden in gewisser Weise von
Tannhäuser selbst evoziert (sein Ruf nach
Maria bewirkt die Verwandlung im Ersten
Akt), wie Bewusstseinsschichten
Tannhäusers legen sie sich übereinander,
decken das Vorherige zu, machen es vergessen,
ohne es wirklich verschwinden zu
lassen.
„Als das mir Wesentlichste von diesem
Charakter“, schreibt Wagner, „bezeichne
ich das stets unmittelbar tätige, bis zum
stärksten Maße gesteigerte Erfülltsein von
der Empfindung der gegenwärtigen
Situation und den lebhaftesten Kontrast,
der durch den heftigen Wechsel der
Situation sich in der Äußerung dieses
Erfülltseins zu erkennen gibt. Tannhäuser
ist nie und nirgends etwas nur ein wenig,
sondern alles voll und ganz.“ Nicht
irgendeine Geliebte befriedigt
Tannhäusers Bedürfnis nach Sinnlichkeit,
sondern die Liebesgöttin selbst! Sein
Beitrag zum Sängerwettstreit ist in seinen
Augen nicht nur der beste, sondern der
einzig gültige. Und auch als Pilger auf
dem Weg nach Rom will Tannhäuser der
asketischste aller Büßer sein. „Wo gäb’ es
nun ein Leiden, das er nicht mit Lust
ertrüge?“ (Wagner, Über die Aufführung des
Tannhäuser) In seiner bedingungslosen
Hingabe an das Hier und Jetzt sucht
Tannhäuser aber auch stets ein Publikum.
Als Selbstbestätigung kommt ihm der
Applaus ebenso recht wie heftigster
Protest, denn beides macht ihn zum
Zentrum seines Kosmos’. In diesem Sinne
müsste auch der Bühnenkosmos
Tannhäuser nicht nur im Sängersaal der
Wartburg, sondern das ganze Stück über
in den Mittelpunkt des Geschehens stellen.
„Tannhäuser ist nie und nirgends nur ein
wenig, sondern alles voll und ganz“ …
Fortsetzung folgt
Ulrich Lenz
Musikalische Leitung Wolfgang Bozic
Inszenierung Philipp Himmelmann
Bühne Elisabeth Pedross
Kostüme Petra Bongard
Chor Dan Ratiu
Dramaturgie Ulrich Lenz
Mit Robert Künzli (Tannhäuser), Kelly
God/Brigitte Hahn (Elisabeth), Khatuna
Mikaberidze (Venus), Lauri Vasar/Jin-Ho
Yoo (Wolfram von Eschenbach), Albert
Pesendorfer (Landgraf Heinrich) u.a.
Premiere am 20. Januar 2007
Einführungsmatinee am 14. Januar 2007
um 11.00 Uhr im Laves-Foyer
Öffentliche Generalprobe am 17.1. 2007,
18.30 Uhr
Weitere Vorstellungen 27.1., 4.+7.2.2007

»Stell dir vor, du wirst in einen dunklen
Schornstein gesteckt, da ist nichts, kein
Licht, nur Mauern, Dreck und Ruß!“
Unglaubliche Geschichten erzählt Barbara
ihrer Freundin Anna: Geschichten von
kleinen Jungs, die als billige Arbeitskraft in
schwarze Kamine klettern mussten, um
dort den Ruß von der Wand zu kratzen.
Kaum vorstellbar für zwei Mädchen, die
Kaugummi kauend auf dem Sofa liegen
und mit dem Discman ihren Gedanken
nachhängen. Doch die Erzählung über
diese Schornsteinfegerjungen lässt sie
nicht mehr los. Wie dunkel es in den
Kaminen wohl sein mag? Was, wenn
einer der Jungs im Schornstein plötzlich
Kinder und Jugendliche seitenbühne | Nr. 1 | Seite 11
feststeckt? Und was, wenn ihm plötzlich
jemand helfen würde? Mit einem Mal
stecken Barbara und Anna mittendrin: in
Zeiten, in denen Kinderarbeit auch in
Europa ganz normal war, als Schornstein -
fegerjungen wie der kleine Sam in die
Kamine klettern mussten. Die beiden
Mädchen erfinden Geschichten um Sam
und weitere Figuren wie die strenge und
gefürchtete Haushälterin Miss Baggott.
Doch plötzlich steht diese leibhaftig in
Annas Kinderzimmer! Und dann tauchen
wirklich Clem und Robert auf, zwei
Schornsteinfegermeister, ebenso schwarz
wie böse, in ihrer Mitte der ängstliche
kleine Sam.
Annas Zimmer füllt sich mit Figuren aus
anderen Zeiten – und auch mit Tönen und
Gesang. Denn Benjamin Brittens Kinder -
stück Der kleine Schornsteinfeger erzählt
nicht nur die Geschichte des kleinen Sam,
sondern auch vom Zauber und von der
Ausdruckskraft der Musik. „Oper ist doch
nur etwas für Erwachsene“, behauptet
Anna zu Beginn noch, lässt sich jedoch von
„Babar, der kleine Elefant“
und andere Elefantengeschichten
2. Kinderkonzert mit Heini, dem kleinen Vampir
Musik u.a. von Camille Saint-Saëns, Henry Mancini und François Poulenc
Also,
der Kontrabass, das ist doch die
dicke, fette Stehgeige da drüben, oder? Ha,
und weil die Stehgeige so dick und fett ist wie ein
Elefant, macht sie auch so gut Elefantenmusik. Ein richtig
tiefes Elefantengebrummel. Aber, passt mal auf: Elefanten
sind nicht nur so dick und trampelig wie alle immer denken!
Die können auch sehr vornehm tanzen. Ganz vorsichtig drehen
sie sich im Kreis, immer auf der gleichen Stelle, klar, damit sie mit
ihrem Hintern nichts zerdeppern. Und das hören wir beim nächsten
Kinderkonzert! Da gibt es sogar einen Walzer für einen
Elefanten. Und natürlich jede Menge tiefe Elefantentöne:
nicht nur von den fetten Kontrabässen, auch von den
langen Ofenrohren, äh den Fagotten, und von
dem supergalaktischen riesigen
Goldtrichter, der Tuuuba!
„Oper ist doch nur
etwas für Erwachsene!?“
Zu Benjamin Brittens Kinderoper Der kleine Schornsteinfeger
Barbara überzeugen, dass jeder singen
kann und dass man mit Musik den Aus -
druck eigener Gefühle sogar verstärken
kann. Die beiden Mädchen spielen nicht
nur mit den imaginierten Figuren, die
nach und nach Wirklichkeit werden,
sondern ebenso fantasievoll mit Tönen
und Klängen. Die Orchestermusiker sind
dabei in der Inszenierung von Bettina
Giese nicht in den Graben verbannt. Sie
sitzen vielmehr auf der Bühne, mitten im
Bühnenbild. Und sie greifen sogar ins
Geschehen ein, denn ihre Musik zaubert
die erdachten Figuren herbei. Auch der
Dirigent spielt mit – und auch das
Publikum ist eingeladen, sich kräftig am
Geschehen zu beteiligen und mitzusingen.
Ein Experiment, ein offenes Spiel mit
Schauspiel und Oper, mit Fantasie und
Wirklichkeit, mit dem Publikum und den
Darstellern auf der Bühne.
Dorothea Hartmann
Nächste Vorstellungen am
14., 18., 27.12.2006, 4.+22.1., 5.2.2007
2. Kinderkonzert
Sonntag, 28.1.2007
Dienstag, 30.1.2007 (Schulkonzert)
Sonntag, 4.3.2007, jeweils 11 Uhr
Dirigent Andreas Wolf
Niedersächsisches Staatsorchester
Hannover

Seite 12 | Nr. 1 | seitenbühne Kinder und Jugendliche
Mut zum Hut…
…lautet das Motto unseres diesjährigen Club XL
an der Staatsoper Hannover
„Da geht einem doch der Hut hoch!“
„Damit habe ich nichts am Hut.“
„Das ist ja wohl ein alter Hut!“
Was in so vielen Redensarten auftaucht,
muss mal eine wichtige Rolle gespielt
haben. Und tatsächlich: Bis vor einem
halben Jahr hun dert war der Hut nicht von
den Köpfen der Menschen wegzudenken
und gehörte ganz selbstverständlich zur
alltäglichen Bekleidung. Mehr noch, der
Hut galt als Statussymbol. „Zeige mir
deinen Hut und ich sage dir, wer du bist.“
Was früher bestens funktionierte, ist heute
kaum noch möglich. Wir möchten das
ändern!
In der Spielzeit 2006/2007 steht im Mittel -
punkt des Jugendclubs XL das Thema
„Hüte“. Unter jedem Hut steckt ein Kopf
mit einer Persönlichkeit und damit eine
Biografie. Wer waren die bekannten
„beHüteten“ Personen der Vergangenheit?
Und gibt es heute noch Persönlichkeiten,
die Hüte lieben und tragen? Die hieraus
entstehende Geschichte möchten wir mit
Songs, Arien und Texten auf die Bühne
bringen – gewissermaßen als eine
Hommage an den Hut.
Der Jugendclub XL bietet Jugendlichen
zwischen 14 und 22 Jahren die Möglich -
keit, sich musikalisch und schauspielerisch
zu erproben. Gemeinsam mit den
Theater pädagoginnen der Staatsoper
Hannover und einem freien Musiker entwickeln
die Jugendlichen ein Stück, dass
sie nach acht Monaten Probezeit vor
Publikum präsentieren. Bei der Entwick -
lung des Stückes ist der szenischen und
musika lischen Improvisation von Seiten
der Jugendlichen keine Grenze gesetzt:
eigene Ausdrucksformen wie Stimme,
Körper und Instrumente sollen erprobt
werden.
Eva Bessert-Nettelbeck/Gundel Gebauer
Anmeldung für die Spielzeit 2007/08
unter Telefon: 0511/9999-1083
Wir haben zum Thema „Hut“ Daniela
Sieders, eine Modistin der Staatsoper
Hannover befragt.
Sie verbringen ihre Hauptarbeitszeit inmitten
von Hüten. In einer Zeit, in der „Hüte“ als
etwas antiquiertes Accessoire gelten. Ist ihrer
Meinung nach der Hut tatsächlich nur (noch)
ein Accessoire?
Antiquiert – nein. Es verhält sich nur so,
dass der Wandel und die schöpferische
Kraft in der Mode mannigfaltige Facetten
hervorgebracht und auch vor dem Hut
nicht halt gemacht haben. Die
Kopfbedeckung hat dabei ihren funktionalen
und statussymbolischen Stellenwert
nicht verloren.
Kann ein Hut eine Persönlichkeit verwandeln?
Ein klares JA. Je nach Art und Form der
Kopfbedeckung werden verschiedenste
Assoziationen hervorgerufen, welche
sowohl den Träger als auch den Betrachter
beeinflussen. Der Umgang miteinander
verändert sich.
In welchen Situationen trägt man heute
noch Hut?
Wir müssen hier differenzieren. Zum
Einen werden Kopfbedeckungen in schützender
Funktion (Kälte, Sonne, Ver -
letzungs gefahr), aus religiöser Motivation
(Kopftuch, Kippa) oder zur Unifor -
mierung (Rang, Gruppenzuge hörigkeit)
alltäglich getragen. Zum Anderen trägt
man den eleganten Hut beispielsweise zum
Pferderennen und festlichen Gelegen -
heiten wie Hochzeiten.
Welche Persönlichkeiten fallen ihnen spontan
zum Thema Hüte ein?
Mir fallen eine Menge Persönlichkeiten
ein, denen ich eine spezifische Art von
Kopfbedeckungen zuordnen kann: zum
Beispiel die Queen, Jacky Kennedy,
Audrey Hepburn, Napoleon, Winston
Churchill, Humphrey Bogart, Udo
Lindenberg, Bismarck, Fidel Castro, …
Was ist Ihrer Meinung nach der Grund dafür,
dass der Hut von den Köpfen der Deutschen
nahezu verschwunden ist?
Der Hut im eleganten Sinne tritt aus
modischen Aspekten im Alltag seltener in
Erscheinung. Geht man jedoch durch die
Straßen und schaut gezielt, dann finden
sich immer häufiger der klassische Herren -
hut, der sportliche Trilby, die coole Mütze
oder Kappe sowie der legere Damenhut
auf unseren Köpfen!
Tragen Sie manchmal Hut?
Ich persönlich trage täglich eine Kopf -
bedeckung und mein Modistenherz geht
auf, wenn sich die Gelegenheit bietet,
einen extravaganten Hut zur Schau zu
tragen.

Im Keller des Opernhauses befindet sich
eine wahre Schatzkammer, vollgestopft
mit Flaschen, Geschirr bis hin zu alten
Koffern, Musikinstrumenten und vielem
mehr. Was hier nicht hineinpasst, wird
ausgelagert ins Magazin im Proben -
zentrum Bornum. Herren über dieses
Sammelsurium an alltäglichen und kuriosen
Utensilien sind Chefrequisiteur
Herbert Balko-Karp und sein sechsköpfiges
Team. Sie sind verantwortlich dafür,
dass während einer Opern- oder Ballett -
aufführung all die scheinbar nebensächlichen
Dinge den Bühnenkünstlern zur
Verfügung stehen.
Einige Wochen vor der Premiere einer
Neuinszenierung wird in einem Gespräch
mit Regisseur und Bühnenbildner geklärt,
was an Requisiten benötigt wird, und eine
entsprechende Materialliste angefertigt.
Anschließend prüft der Chefrequisiteur,
welche Gegenstände im Fundus vorhanden
sind, was zusätzlich gekauft oder angefertigt
werden muss. Das Motto ist stets:
„Wir machen alles möglich!“
Jetzt sind Fantasie, Spürhundqualitäten,
kunsthandwerkliches Geschick und auch
Fachwissen in punkto Antiquitäten und
Stilepochen gefragt. Außerdem müssen
Requisiten leicht anzuwenden sein und
dürfen nicht als Requisiten auffallen, sollten
natürlich und echt wirken. Herbert
Aus den Werkstätten seitenbühne | Nr. 1 | Seite 13
Die Fälscher des Theaters
Aus dem Alltag der Requisite
Balko-Karp bringt es auf den Punkt:
„Ein Requisiteur muss immer ein guter
Fälscher sein!“
Und die Requisiteure der Staatsoper verstehen
ihr Metier, das dank neuer Technik
auch erleichtert wird. Benötigten sie früher
mehrere Museums besuche, um zum
Beispiel eine Hochzeits urkunde aus dem
16. Jahrhundert zu kopieren, genügt heute
oft ein Klick und Blick ins Internet, um
etwa den hebräischen Text für Moses’
Gesetzestafeln im Musical Anatevka nachbilden
zu können. Ferner dürfen Requi -
siten keine unliebsamen Geräusche verursachen
und nicht zu Verletzungen auf der
Bühne führen. Eine Herausforderung für
die Requisiten abteilung war daher die
Prügelszene mit Bierflaschen in der Auf -
führung von Verdis „Otello“, die einen
mit Scherben übersäten Boden zurückläßt.
Die Lösung: Neben zahlreichen Kunst -
stoffbierflaschen kommen zwei Crash -
glasflaschen für die gefahrlose Prügelei
zum Einsatz, und der Bühnenboden wird
dank extra eingefärbter und zerschnittener
Plastikbecherteile nahezu geräuschlos und
ohne Verletzungsrisiko in ein Scherben -
meer verwandelt. Sorgfältig gehen die
Verantwortlichen ebenfalls bei den sogenannten
Verbrauchsrequisiten vor, die bei
jeder Vor stellung ersetzt oder neu hergestellt
werden: Lebensmittel, Zigaretten
und frische Blumen zum Beispiel.
Schon während der Bühnenproben für
eine neue Produktion halten die
Requisiteure Probenrequisiten bereit,
erst in den letzten drei Proben stehen die
Originalrequisiten zur Verfügung. Sie
liegen hinter den Kulissen, angeordnet
nach Bühnenseite und Reihenfolge der
entsprechenden Auftritte, bereit. Nach der
Probe oder Vorstellung muss dann auch
für Pflege, Instandhaltung und Reparatur
der Requisiten gesorgt werden.
Obwohl kein von der Handwerkskammer
anerkannter Ausbildungsberuf gehört der
Beruf des Requisiteurs zu den ältesten
Theaterberufen im Bereich der Aus -
stattung. Chefrequisiteur Herbert Balko-
Karp begann seine berufliche Laufbahn als
Schaufensterdekorateur, seine Kollegen
sind gelernte Tischler, Dekorateure,
Schlosser oder Buchbinder, bevor es sie in
die Arbeitswelt des Theaters zog. Mittler -
weile ist es aber möglich, nach einer einschlägigen
Berufsausbildung und
Praxiserfahrung einen Weiterbildungs -
lehrgang mit dem Abschluss Requisiteur,
Geprüfter Requisiteur oder Requisiteur
IHK zu absolvieren.
Malte Erhardt

Seite 14 | Nr. 1 | seitenbühne Unterm Weihnachtsbaum
Weihnachten und der
Jahreswechsel in der Oper
Wenn die Tage kürzer werden, die Abende
dunkler und das Wetter ungemütlich, dann
beginnt die klassische Theaterzeit. Und
gerade rund um die Weihnachtstage bietet
die Staatsoper ein reiches Programm für
Jung und Alt – von der festlichen
Weihnachtsvorstellung bis zur Kinderoper
und zum Neujahrskonzert.
Ein schöner Brauch ist es, die Weihnachts -
feiertage mit einem festlichen Opern -
besuch zu verbinden. Auf dem Programm
im Opernhaus stehen die traditionellen
Weihnachts- und Festtagsopern:
Humperdincks Märchenoper Hänsel und
Gretel am 25. Dezember um 14 und
18 Uhr und Mozarts Zauberflöte am
26. Dezember um 18 Uhr. Ebenfalls traditionell
sind die Familienpreise: Kinder
zahlen an beiden Weihnachtsfeiertagen
nur den halben Preis!
Auch den Jahreswechsel können Sie in der
Staatsoper stimmungsvoll umrahmen: auf
dem Spielplan an Silvester steht das Musi -
cal Anatevka (31. Dezember, 19.30 Uhr).
Am 1. Januar begrüßt dann das Nieder -
sächsische Staatsorchester unter der
Leitung seines Generalmusikdirektors
Wolfgang Bozic das Jahr 2007 mit einem
großen Neujahrskonzert (12 und 19.30
Uhr). Durch das Programm führt
Chefdrama turg Ulrich Lenz, dessen pointierte
Moderation dem Publikum schon
beim Eröffnungskonzert der Spielzeit viele
Schmunzler und Lacher entlockt hat.
Unter dem Motto „Strauß und mehr“ werden
große Werke der Wiener Walzer-
Dynastie wie der „Kaiserwalzer“ von
Johann Strauß und – passend zum Datum
– der „Delirienwalzer“ von Josef Strauß
ebenso gespielt wie spritzige, schwungvolle
Werke des 20. Jahrhunderts.
Opernball 2007 „I got rhythm“
am 23. und 24. Februar 2007
Auch 2007 verwandelt sich das Opernhaus
für zwei Abende in ein leuchtendes Ball -
haus. „I got rhythm, I got music“ – der Hit
von George Gershwin dient als Motto für
den Höhepunkt der Ballsaison in Hannover.
Lassen Sie sich zu den jazzigen Rhythmen
Gershwins und seiner Zeitgenossen ins
New York der 20er und 30er Jahre entführen.
Flanieren Sie auf der Park Avenue,
genießen Sie ein kühles Bier im Central
Park, genehmigen Sie sich einen Whiskey
in New Yorks berühmten „Cotton Club“,
erleben Sie Gershwins Rhapsody in Blue
mit dem Ballett der Staatsoper Hannover
oder fordern Sie das Glück in unserem
Casino heraus.
Vor allem soll aber natürlich getanzt werden!
Abwechselnd spielen auf der Haupt -
bühne das Niedersächsische Staats -
orches ter und die Thilo Wolf Big Band
mit der Sängerin Joan Faulkner. Beide
Klang körper haben schon im letzten Jahr
für schwungvolle Tanzmusik auf höchstem
Niveau gesorgt. Ensemblemitglieder der
Staatsoper und die Debütantinnen und
Debütanten der Tanzschule Bothe
bestreiten das glanzvolle Opening. Um
Mitter nacht präsentiert Ihnen Stargast
Bill Ramsey eine Show mit beliebten
Wenn Sie die Festtage woanders feiern,
gibt es dennoch die Möglichkeit, die Ruhe
der Tage zwischen den Jahren und die
Januar-Woche der Weihnachtsferien mit
einem Opernbesuch zu garnieren. Auf dem
Spielplan stehen die Kinderoper Der
kleine Schornsteinfeger, die dem jungen
Premieren publikum „einhelligen Jubel“
(Neue Presse) entlockt hat (Vorstellungen
am Mittwoch, 27. Dezember, 15 + 18 Uhr
und Donnerstag, 4. Januar 2007, 17 Uhr),
die Märchenoper Hänsel und Gretel
(Freitag, 29. Dezember, 18 Uhr und
Freitag, 5. Januar 2007, 18 Uhr) und die
allerletzte Vorstellung von Hans-Peter
Lehmanns Inszenierung der Zauberflöte
von Wolfgang Amadeus Mozart, mit der
eine ganze Generation von Hannove -
ranern groß geworden ist (Samstag,
6. Januar 2007, 19.30 Uhr).
Schlagern wie „Ohne Krimi geht die Mimi
nie ins Bett“, „Zuckerpuppe“ und hervorragenden
Jazzstandards. Ella Fitzgerald
sagte einst von dem 1931 in Cincinatti,
Ohio geborenen Musiker: „All you got to
do is close your eyes.“ So wurde er für sie
zum schwarzen Musiker – und das ist „die
schönste Kritik, die ich je hatte!“
Seit den 1960er Jahre wird Bill Ramsey
als Schlager sänger, aber auch Jazzinterpret
und Moderator gefeiert.
Für fetzigen Rock’n Roll nach Mitternacht
sorgt beim Opernball 2007 die Root
Bootleg Band. Seit 15 Jahren gehört das
Quartett zu den gefragtesten Rock’n
Roll-Bands der Gegenwart. Zahlreiche
Eigenkompositionen sowie Klassiker der
1950er Jahre gehören zum Repertoire der
aus Süddeutschland stammenden
Formation.
Kommen Sie zum Opernball 2007,
feiern und tanzen Sie mit!

Spiegeleier
mit Spinat
Okka von der Damerau,
Mezzosopran
»Ich backe nicht, ich koche selten und
dann meist nur einfache Sachen –
Spiegelei, Spinat und Kartoffeln esse ich
zum Beispiel sehr gerne.“ Zeit zum
Kochen hat Okka von der Damerau
momentan sowieso nicht, nach einem vergleichsweise
moderaten Start mit der Mary
in Der fliegende Holländer und der 3. Dame
in der Zauberflöte steckt sie jetzt mitten in
den Vorbereitungen zur Italienerin in
Algier, wo sie in der Rolle der Zulima auf
der Bühne stehen wird. Daneben hat die
gebürtige Hamburgerin gerade ihre
Diplomarbeit als Vokal pädagogin fertig -
gestellt.
Musik lag ihr schon als Jugendliche am
Herzen, der Gesang rückte aber erst spät
in den Mittelpunkt. „In der Schule sang
ich im Chor, das Fach Musik habe ich
allerdings abgewählt! Nach dem Abi
begann ich mit dem Gesangsunterricht
und erst 1999, also mit 24 Jahren, nahm
ich das Gesangsstudium auf“, erzählt die
sympathische Mezzosopranistin. Die Jahre
zwischen Abitur und Studium nutzte Okka
von der Damerau anderweitig: Sie absolvierte
eine Ausbildung zur Hörgeräte-
Akustikerin in Lübeck, ein Beruf, in dem
sie nach der Lehre noch ein Jahr arbeitete.
„Ich glaube, dass die Ausbildung zur Akus -
tikerin mich erst ans Theater gebracht hat:
Ich habe in den Semesterferien weiterhin
gearbeitet und den Kontakt zu den
Kollegen gehalten. Der Wechsel vollzog
sich schleichend.“ Die Welt der Töne und
Geräusche hat sie beruflich nicht verlassen,
sie verlagerte einfach den Schwer -
punkt. Grundlegender Unterschied zwischen
beiden Berufen: „Als Akustiker
arbeitet man sehr eng mit anderen
Menschen zusammen, muss viel Hingabe
Kantinenplausch seitenbühne | Nr. 1 | Seite 15
an andere mitbringen. Als Sängerin arbeitet
man natürlich auch im Team mit den
Kollegen zusammen, aber wichtig ist vor
allem eins: Wie geht es meiner Stimme?“
Ihrer Stimme geht es gut, das merkte auch
ihre Lehrerin Professorin Dorothea Wirtz,
die zur Vorbereitung von Okka von der
Dameraus Hannover-Debüt extra aus
Freiburg anreiste. „Zur Wiederaufnahme
des Fliegenden Holländer im September
selbst war sie nicht mehr da. Sie sagte:
‚Du schaffst das auch ohne mich‘ und reis -
te wieder ab“, lächelt von der Damerau.
Frisch von der Freiburger Opernschule
kam sie zur Spielzeit 2006/2007 an die
Staatsoper Hannover – ein großer Schritt.
„Sehr froh bin ich darüber, dass ich
zunächst kleinere Rollen singen werde.
Ich hatte Sorge, überhaupt eine Stelle zu
bekommen, dann vielleicht nicht fach -
gerecht eingesetzt zu werden und damit
meiner Stimme zu schaden. Das war völlig
unbegründet: Zum einen ist die Stelle an
der Staatsoper Hannover für eine Berufs -
anfängerin wie mich ein Glücksfall, zum
anderen setzt die Hausleitung mich behutsam
ein, ich fühle mich geradezu beschützt
– das ist wunderbar!“
Zukunftspläne? Okka von der Damerau
hält sich bedeckt: „Die Stimme entwickelt
sich weiter, verändert sich, insofern lebe
ich bewusst im Jetzt und nicht in der Zu -
kunft.“ Das solle aber nicht heißen, dass
sie sich einfach treiben lasse, im Gegenteil.
„Es gibt nur eins, das ich mir für die Zu -
kunft wünsche: Immer offen und interessiert
zu bleiben an Regie-Ideen, an musikalischen
Produktionen und an Menschen.“
Wiebke Haas-Lefers
Okka von der Damerau begann ihr
Gesangsstudium in Rostock und führte es
an der Freiburger Musikhochschule bei
Prof. Dorothea Wirtz und in der Opernschule
unter der Leitung von Gerd Heinz
zum Abschluss. Erste Gastengagements
führten sie parallel zum Studium an die
Theater in Rostock (2000 bis 2002) und
Freiburg (2003 bis 2005). Seit August
2006 ist die Mezzosopranistin festes
Ensemble mit glied der Staatsoper Hannover,
wo sie u.a. als Mary in Der fliegende
Holländer und als 3. Dame in Die Zauberflöte
auftritt.
Okka von der Damerau stand mehrfach
in Produktionen der Opernschulen Stuttgart
und Freiburg auf der Bühne und
wurde für Benjamin Brittens Noye’s Fludde
von der Young Opera Company Freiburg
verpflichtet. Sie erhielt beim 5. Internationaler
Gesangswettbewerb für Wagnerstimmen
in Venedig 2006 den Sonderpreis
der Jury.
Spiegeleier mit Spinat
1 Paket TK Spinat 150 g auftauen und in
einem Topf erhitzen
2 EL Kaffeesahne dazu geben und mit
Salz, Gemüsebrühe und Muskat würzen
und abschmecken
1 EL Butter in einer Pfanne schmelzen
2 Eier zu Spiegeleiern braten, salzen
2 Kartoffeln waschen, kochen, pellen
zu den Eiern und dem Spinat legen –
Guten Appetit!

Seite 16 | Nr. 1 | seitenbühne Orchester
Orchesternews
Neue Mitglieder des Niedersächsischen
Staatsorchesters zur Spielzeit 2006/07
Birte Jüngel (1. Violine) erhielt ihren
ersten Geigen unterricht im Alter von sieben
Jahren. 1998 begann sie ihr
Musikstudium bei Prof. Picard an der
Hochschule für Musik „Hanns Eisler“
Berlin, welches sie im Juni 2005 mit dem
Konzertexamen beendete. Sie spielte in
der Spielzeit 2003/2004 im Orchester der
„Deutschen Oper Berlin“ als Aushilfe. Im
November 2003 gewann sie im Duo mit
Pianistin Daniela Hlinková den 2. Preis
beim 11. Internationalen Wettbewerb in
Portonovo die Ancona (Italien).
Christoph Grahl (Schlagzeug) erhielt
seinen ersten Schlagzeugunterricht mit
neun Jahren. Der gebürtige Berliner
besuchte das Carl-Philip-Emanuel-Bach-
Gymnasium Berlin und begann sein
Studium 1999 bei Professor Thomas Lutz
und Professor David R. Punto an der UdK
Berlin. Die orchestermusikalische
Laufbahn begann mit einem Praktikum am
Staatsorchester Frankfurt/Oder, darauf
folgte eine Akademie-Stelle bei den
Essener Philharmonikern und schließlich
ein weiteres Praktikum an der Staatsoper
Stuttgart.
Probejahr bestanden
In der vergangen Spielzeit bestanden
drei Musiker erfolgreich das Probejahr
des Niedersächsischen Staatsorchester
Hannover:
Klaus von Niswandt absolvierte sein
Violin studium in Frankfurt und Lübeck
bei Walter Forchert und Sebastian
Hamann. Darüber hinaus studierte er
Barockgeige bei Petra Müllejans
(Frankfurt). Als Gast spielt er seit 2003
immer wieder beim Freiburger Barock -
orchester. Mehrere Jahre konzertierte er
als Primarius des Janos-Quartetts. Seit der
Spielzeit 2005/ 2006 ist er 1. koordinierter
Stimm führer der zweiten Violinen am
Nieder sächsischen Staatsorchester Hannover.
Die Flötistin Birgit Schwab studierte
nach dem Abitur zunächst Schulmusik in
Stutt gart. 1998 wechselte sie in die Flöten -
klasse von Frau Prof. Renate Greiss-Armin
nach Karlsruhe. Meisterkurse u.a. bei
Aurèle Nicolet und J. Baxtresser erweiterten
ihre Ausbildung. Nach einem dreijährigen
Engagement an der Komischen
Oper in Berlin ist Birgit Schwab seit der
Spielzeit 2005/2006 als 2. Flötistin mit
Piccolo am Staatstheater Hannover
beschäftigt. Neben der Tätigkeit als
Orchester musikerin ist sie Mitglied mehrerer
Kammermusik ensembles.
Renate Hupka begann ihr Studium an der
Hochschule für Musik „Hans Eisler“ in
Berlin. Sie erhielt Unterricht von Frau
Prof. Froydis Ree Wekre und Stefan Dohr.
Neben ihrer Orchestertätigkeit in
Hannover (1. Solo-Horn) besucht sie die
Hornklasse von Frau Prof. Marie-Louise
Neunecker in Frankfurt am Main. Renate
Hupka gewann bei internationalen
Wettbewerben, wie 2001 den 1. Preis beim
„Philip Jones“ Wettbewerb in Frankreich,
2005 den 2. Preis mit Publikumspreis beim
Internationalen Wettbewerb der ARD in
München.
Ruhestand
Seit 1987 hatte Karin Pietsch eine Stelle
als Tutti-Violine am 1. Pult im Nieder -
sächsischen Staats orchester Hannover
inne. Nach ihrem Studium an der Franz-
Liszt-Hochschule in Weimar war sie von
1966 bis 1985 Mitglied des RSOB in
Berlin. Jetzt wurde sie in ihren wohlverdienten
Ruhestand verabschiedet.
Abschied
Am 6. November 2006 verstarb im Alter
von 84 Jahren der ehemalige 1. Konzert -
meister des Niedersächsischen Staats -
orchesters Hannover, Professor Werner
Heutling. Werner Heutling wurde 1921
in Aue/Sachsen geboren und wurde bereits
mit 18 Jahren Konzertmeister des damaligen
Niedersachsen Orchesters, mit dem er
auch als Solist konzertierte. Im Alter von
24 Jahren übernahm Werner Heutling
eine Streicherklasse an der Detmolder
Musikhochschule. 1954 kam er als
1. Konzertmeister ins Staatsorchester
Hannover und blieb in dieser Position bis
1977. 1958 gründete Werner Heutling
neben seiner Tätigkeit als Konzertmeister
und Solist das renommierte, nach ihm
benannte „Heutling Quartett“, das weltweit
gastierte. Auch nachdem er eine
Professur für Violine an der Hochschule
für Musik und Theater Hannover übernommen
hatte, blieb er dem Nieder -
sächsischen Staatsorchester treu
verbunden, sei es als Solist oder als
Konzert meister-Aushilfe. Werner Heutling
konzertierte bis ins hohe Alter und nahm
noch im Jahr 2000 sämtliche Sonaten und
Partiten von Johann Sebastian Bach auf.
Im Alter von 77 Jahren verstarb am 24.
Oktober 2006 der ehemalige Solobratscher
Erich Bohlscheid. Erich Bohlscheid
wurde 1929 in Köln geboren, wo er auch
sein Studium absolvierte. Über die
Stationen Theater Mainz und den WDR
Köln kam er 1958 als Solobratscher zum
Niedersächsischen Staatsorchester
Hannover und war Gründungsmitglied des
„Heutling-Quartetts“. Als Lehrbeauf -
tragter unterrichtete Bohlscheid darüber
hinaus an der Hochschule für Musik und
Theater Hannover. Dem Nieder -
sächsischen Staatsorchester Hannover
gehörte er bis zu seinem Ruhestand im
Jahre 1994 an.

Mitglieder unseres Opernensembles sind
auch außerhalb Hannovers gefragt.
Derzeit gastieren sie in einzelnen
Vorstellungen an folgenden Häusern:
Arantxa Armentia, momentan in
Combattimento zu erleben, ist als
Desdemona an ihre alte Wirkungsstätte,
das Landestheater Linz, zurückgekehrt.
Karen Frankenstein, die ab 15. Dezem -
ber als Elvira in der Italienerin in Algier zu
sehen ist, sprang am 11.10. als Gilda am
National theater Mannheim ein.
Carmen Fuggiss, in Hannover zuletzt als
Pamina und Valencienne zu hören, singt
Donizettis Lucia di Lammermoor in
Würzburg, und die Mezzosopranistin
Khatuna Mikaberidze gastierte als Czipra
in Der Zigeunerbaron an der Volksoper Wien.
Fundus seitenbühne | Nr. 1 | Seite 17
Die Nacht ist nicht allein
zum Schlafen da
Die Reihe „Nachtwandler“ erlaubt Blicke
hinter die Kulissen
»Die Nacht ist nicht allein zum Schlafen
da…“ „ – sondern auch für Theaterbesuche
zu später Stunde. So hatte die Staatsoper
Hannover mit Beginn der Spielzeit die
neue Reihe „Nachtwandler“ angekündigt,
die denjenigen Talenten und Fähigkeiten
der Künstler ein Forum gibt, die auf der
großen Bühne eher selten zum Ausdruck
kommen: Seien es Chansons oder Lieder,
sei es Jazz oder Minnesang, Kabarett oder
Rezitation – die Programme leben vom
Charme des Improvisierten und Expe -
rimentellen. Ein kleines, verspieltes
„Betthupferl“ für Schlaflose und Wach -
gebliebene.
Nachdem Tobias Schabel, Edgar Schäfer,
Christoph Franken und Christian Friedel
unter dem Motto „Ot(h)ello ist verschnupft“
die Zuschauer Ende September
in die Tiefen des Tiefenmagazins geführt
hatten, luden Carmen Fuggiss, Jonathan
Seers und Thomas Sprekelsen Anfang
November in die Theaterkantine und
kredenzten literarische Vorspeisen und
musikalische Nachspeisen, gesalzene
Chansons und gepfefferte Texte,
Sänger aus Hannover gastieren
Albert Pesendorfer, den man in dieser
Spielzeit schon im Fliegenden Holländer
und Otello hören konnte, sang am 27.10.
an der Volksoper Wien den Timur in der
Premiere von Turandot.
Tobias Schabel, derzeit als als Mustafà in
der Italienerin in Algier zu sehen, wird im
Januar in Karlsruhe bei den 30. Händel-
Festspielen 2007 in einer szenischen
Produktion des Oratoriums La Resurrezione
zu erleben sein. Frank Schneiders, der in
der Spielzeit 2006/07 an der Staatsoper
Hannover unter anderem den Taddeo in
Italienerin in Algier und die vier Böse -
wichte in Hoffmanns Erzählungen verkörpert,
tritt im November und Dezember an
der Komischen Oper Berlin in Weills
Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny auf.
Currywurst und Froschschenkel,
Kartoffelsuppe und Mehlspeise. „Starker
Applaus für einen durchaus sättigenden
Abend“ urteilte die Neue Presse und versah
die Veranstaltung mit 4 Sternen.
Im Dezember heißt es dann „Viel Liebe
zum Fest der Liebe“ und Okka von der
Damerau feiert einen etwas anderen
Weihnachtsabend. Denn man kann das
„Fest der Liebe“ auch ohne Zimtsterne,
Goldkugeln und Adventskerzen begehen!
Die junge Mezzosopranistin singt
Chansons und Jazz-Standards von
Friedrich Hollaender bis Cole Porter,
schickt langweilig gewordene Liebhaber in
die Wüste und nimmt sich neue, fragt sich,
ob Treue lohnt und ist von Kopf bis Fuß
auf Liebe eingestellt. Versteht sich, dass
dieser Nachtwandler nicht unterm
Weihnachtsbaum, sondern wieder einmal
an einem ungewöhnlichen Ort hinter den
Kulissen stattfindet. Und so können sich
fleißige „Nachtwandler“-Besucher nach
und nach die Welt hinter den Kulissen
erobern…
Als Guglielmo, Wolfram, Gefangener und
Orfeo steht Lauri Vasar in Hannover auf
der Bühne – vom 19. November bis
1. Dezember sang er bereits an der
Griechischen Nationaloper in Athen die
Rolle des Gefangenen in Dallapiccolas
gleichnamiger Oper.
Der Tenor Pedro Velázquez Díaz ist
Ende September als Cassio in Mannheim
eingesprungen und gastiert bis Ende 2006
noch als Cavaradossi in Darmstadt und als
Rodolfo in Aachen. Der junge Bariton
Stefan Zenkl schließlich hat in Reinhard
Keisers Oper Croesus am Staatstheater
Wiesbaden gastiert, wo er in der letzten
Spielzeit bereits in der Premiere auf der
Bühne stand.

Seite 18 | Nr. 1 | seitenbühne Fundus
Modellbauer in der 1. Reihe
Der Anlass für seinen
ersten Opernbesuch in
Hannover im Jahr 1986
erzählt viel über Thomas
Bonder aus Davenstedt:
„Die Staatsoper hat mich
als Gebäude interessiert. In
Hannover gibt es ja nicht so viele schöne
historische Bauwerke, und ich wollte wissen,
wie es von innen aussieht.“ Da damals
noch keine öffentlichen Führungen angeboten
wurden, blieb nur die Möglichkeit
eines Opernbesuchs.
Thomas Bonder interessiert sich für historische
Gebäude. Der studierte Maschinen -
bauer für Schienenfahrzeuge, Jahrgang
1964, hat bereits als kleiner Junge das
römische Kolosseum nachgebaut. Heute
stehen der Kölner Dom und die Dresdner
Frauenkirche in seinem Wohnzimmer.
Aber „das waren nur vorgefertigte Bau -
sätze“. Richtig stolz ist Thomas Bonder
auf die Modelle, die er selbst nach historischen
Bauzeichnungen angefertigt hat: den
Berliner Anhalter Bahnhof, der eine
Modelleisenbahn-Landschaft im Neben -
zimmer prägt, die Essener Villa Hügel ...
und das hannoversche Opernhaus.
Auf der Suche nach einem Modell des
Opernhauses, das für das erste Spielzeit -
heft der Intendanz Michael Klügl fotografiert
werden könnte, fand ein Mitarbeiter
im Keller des Theatermuseums ein Modell
des Opernhauses, etwa einen halben Meter
hoch. Es wurde in einer Bilderserie in verschiedenste
Landschaften versetzt: in die
Wüste, in eine Grotte, auf den Mond und
in die Tiefsee. Das Modell des Opern -
hauses hatte Thomas Bonder dem
Theatermuseum für Ausstellungszwecke
zur Verfügung gestellt – und sah mit kritischem
Auge sofort, dass die Eckfiguren auf
dem Balkonsims verloren gegangen sind.
Genauig keit ist eine Kardinaltugend für
den Modellbauer. Zum Geburtstag hatte
ihm ein Kommilitone Zeichnungskopien
des Laves-Baus aus dem Staatshochbauamt
geschenkt, im Maßstab 1:100. Für Einzel -
heiten fuhr Bonder dann noch mal zum
Opern platz, Details aus der Zeit vor der
Zerstörung im Zweiten Weltkrieg übernahm
er aus historischen Fotografien. So
stellte er etwa die historische Kutschen -
vor fahrt in ihrem Urzustand wieder her.
Etwa sechs Monate braucht Thomas
Bonder zusammengerechnet für ein
Modell, die Bauzeit zieht sich aber oft länger
hin, denn er baut nur, wenn er gerade
Lust dazu hat. „Keine Lust ist der Feind
der Bauerei, dann wird das Modell schief
und krumm, und man kann es nur noch in
den Papierkorb werfen.“
Wenn er gerade nicht baut, geht der
gebürtige Duisburger, der 1983 zum
Studium nach Hannover kam, gerne in die
Oper. Viele Inszenierungen hat er mehrmals
gesehen, und das begeistert ihn an
der Oper: „Zwei Vorstellungen von einem
Stück sind sich nie gleich, das ist anders als
im Kino.“ Am liebsten sitzt er in der
ersten Reihe. „Es geht mir dabei nicht um
meinen eigenen Auftritt. Wenn ich niemanden
vor mir habe, nehme ich die
Aufführung intensiver wahr.“ Gefragt nach
seiner Lieblingsinszenierung aus fast 20
Jahren an der Staatsoper, zögert Thomas
Bonder nicht lange: My fair lady – die hat
er ungefähr 16 Mal gesehen. So ist aus der
ersten, architekturinteressierten
Begegnung mit dem Opernhaus eine enge
Beziehung auch zu dem geworden, was auf
der Bühne passiert.
Swantje Gostomzyk
Theaterrätsel
Liebe Rätselfreunde, das Jahr 2006 neigt
sich langsam dem Ende zu, die Tage werden
kürzer, Weihnachten und damit das
Fest der Liebe und Harmonie ist nicht
mehr fern. Doch manchmal ist das mit der
Liebe
?
und Harmonie so eine Sache, wie
die Foyer-Oper Combattimento zeigt.
Claudio Monteverdis Il combattimento di
Tancredi e Clorinda – eines der drei Werke
der Foyer-Oper – führt den Kampf eines
Liebespaares vor. Tancredi und Clorinda
begegnen sich, doch sie erkennen sich
nicht als Liebende, sondern treffen als
Feinde aufeinander und liefern sich eine
Schlacht auf Leben und Tod. Eine weitere
Oper Monteverdis, die allerdings verschollen
ist, handelt von einer Frau, die für eine
gemeinsame Zukunft mit ihrem Geliebten
Heimat und königliches Elternhaus aufgibt,
dann aber von ihrem Angebetenen
verlassen wird. Monteverdi komponierte
diese Oper anlässlich der Hochzeit des
Erbprinzen von Gonzaga mit Prinzessin
Margherita von Savoyen. Unsere Frage
lautet nun:
Um welche Oper handelt es sich, und
wann wurde sie uraufgeführt?
Ihre Lösung können Sie bis zum 31.1.2007
per Postkarte einsenden an:
Staatsoper Hannover, Presse- und Öffentlichkeitsarbeit,
Opernplatz 1, 30159
Hannover.
Unter den richtigen Einsendungen werden
5 x 2 Karten für Mozarts Die Entführung
aus dem Serail am Mittwoch, den
14.2.2007, verlost.

Herausgeber: Staatsoper Hannover · Intendant: Dr. Michael Klügl
Redaktion: Dramaturgie · Gestaltung: Heinrich Kreyenberg · Druck: Steppat Druck
„Der kleine Schornsteinfeger“ Gertraud Wagner, Dorothea Maria Marx, Edgar Schäfer, Young Myoung Kwon „Combattimento“ Arantxa Armentia
„Molière“ Keiko Nisugi „Otello“ Brigitte Hahn
„Die Italienerin in Algier“ Ensemble „Hänsel und Gretel“
„Anatevka“, Roland Wagenführer, Georg Luibl >