KUNSTINVESTOR AUSGABE FEBRUAR 2017

FEBRUAR 2017 

Albertina- Egon Schieles Meisterwerke 

"Selected by Philip Hohenlohe"- „Tribal Art Auktion“- „Kostbarkeiten" 

"Die Stunde der Wahrheit"- Die Qualität der Kunst- Daniel Richter 

Sammlung Klewan- Art Cologne Preis 2017- Die Tierwelt in der Art Brut

KUNST.INVESTOR Editorial 

Liebe Leserinnen 

und Leser! 

So spannend war der Kunstmarkt noch nie- besonders 

dieser Monat wird turbulent: Die Kalender der Sammler 

und Kunstinvestoren sind voll. Auktionen, 

Ausstellungen und Previews, ein Termin jagt den 

nächsten. Und dem Geschäft mit den schönen Dingen 

mangelt es keineswegs an Härte, ganz im Gegenteil, 

auf der Suche nach neuen Kunden und Märkten bedarf 

es Flexibilität und Wandlungsfähigkeit. Der österreichische 

Kunstmarkt mit seiner prosperierenden 

Galerieszene boomt und Österreichs Auktionshäuser 

legen an Internationalität kräftig zu. Die Wirtschaftskrise 

verunsichert den Geldmarkt, doch die Kunst behält 

ihren Wert, ist nicht vom Ölpreis und taumelnden 

Finanzmärkten abhängig. Und so steigt auch das 

Ansehen der Sammler: Wer heute Kunst sammelt, wird 

nicht mehr wie Orchideenzüchter belächelt. Kunstsammler 

sind kluge Menschen, die ihre lieb gewordene 

Gewohnheit pflegen wie eine kostbare Orchidee- sie 

sind eigene Spezies. Ihre Leidenschaft wird zur 

Obsession, um die sich das ganze Leben dreht. Die 

meisten tragen zuerst wahllos, dann gezielt ihre 

Schätze zum Sammeln. Lesen Sie den aktuellen 

KUNSTINVESTOR, wo Sie sich ein aktuelles Bild über 

den Kunstmarkt verschaffen können- eine wirklich gute 

Investition. 

Viel Spaß wünscht Ihnen 

Michael Ruben Minassian 

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian. Mail: 

michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1318 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 

1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 

91920- 9045, Fax: + 43 1/29 81 298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © Albertina, Egon Schiele, Kind mit 

Nimbus auf einer Blumenwiese, um 1909, Bleistift, Tusche laviert, auf Zeichenpapier

KUNST.INVESTOR Kommentar 

Die Qualität der Kunst 

Von Otto Hans Ressler 

Auktionator und Geschäftsführer 

der „Ressler Kunst Auktionen 

Foto: © Ressler Kunst Auktionen GmbH 

Kunsthändler, Galeristen, Auktionatoren, Kuratoren, 

Sammler, ja praktisch alle, die mit Kunst 

zu tun haben, betonen gerne, dass es bei Kunst 

vor allem auf die Qualität ankomme. Aber worin 

besteht diese Qualität eines Kunstwerks 

eigentlich? 

Das Problem fängt schon damit an, dass es keine 

allgemein gültige Definition gibt, was Kunst überhaupt 

ist. Kunst kann alles sein: ein Bild, eine Skulptur, ein 

Autowrack, eine Ansammlung von Steinen, eine 

halbverkohlte Geige, eine schmutzige Badewanne, eine 

auf einen Zettel gekritzelte Notiz. Aber es gibt 

andererseits unzählige Bilder, die nicht Kunst sind. Und 

ein Autowrack ist meist nur das Ergebnis eines 

Zusammenstoßes, eine schmutzige Badewanne nichts 

anderes als ein Versäumnis, und eine halbverkohlte 

Geige der Rest dessen, was aus einem Feuer 

geborgen wurde. Wenn aber nicht einmal eindeutig 

gesagt werden kann, ob etwas Kunst ist oder nicht, wie 

soll es dann ein gesichertes Wissen über die Qualität 

dieses Gegenstandes geben? Das Autowrack im 

Museum unterscheidet sich möglicherweise nur durch 

die Signatur des Künstlers vom Autowrack am 

Straßenrand. Seine „Qualität“ besteht also in der Idee, 

das Wrack im Museum zu präsentieren. Wie sollen in 

diesem Fall Qualitätsunterschiede diskutiert werden? 

Aber selbst der Versuch, den qualitativen Unterschied 

eines Schüttbildes von Hermann Nitsch und eines Fat 

Car von Erwin Wurm herauszuarbeiten, muss misslingen. 

Diese Unmöglichkeit bedeutet freilich nicht, dass die 

Beurteilung von Kunst auf purer Subjektivität beruhte 

und jeder Deutungsversuch von Anfang an zum 

Scheitern verurteilt wäre. Man sollte sich aber immer 

bewusst sein, dass sich unsere Vorstellungen darüber, 

was Kunst ist und welche Bedeutung sie für uns hat, 

verändern. Zu Anfang des 20. Jahrhunderts galt die 

Malerei Rembrandts als eher schwach – heute würde 

kein Mensch es wagen, auch nur so darüber zu 

denken. In der Mitte des 20. Jahrhunderts war 

„Picasso“ geradezu ein Schimpfwort – heute wird er als 

einer der Größten der Kunst gefeiert. Die Beispiele 

ließen sich endlos fortsetzen.

KUNST.INVESTOR KOMMENTAR 

Obwohl es also keine objektiven Kriterien zu geben 

scheint, für sich selbst kann man jedenfalls 

Anhaltspunkte finden, die eine Orientierung 

ermöglichen. Und da wir soziale Lebewesen sind, 

ließen sich im Meinungsaustausch mit anderen, an 

Kunst interessierten Menschen fraglos übereinstimmende 

Überzeugungen finden. Das passiert auch 

permanent. Im Grunde ist der Kunstmarkt nichts 

anderes als ein Ort des ständigen Austauschs von 

Argumenten und Einschätzungen. Für mich ist 

beispielsweise die ästhetische Qualität eines 

Kunstwerks von großer Bedeutung. Ich bin mir 

durchaus im Klaren darüber, dass die Vorstellung, dass 

ein Kunstwerk schön sein müsse, von vielen 

Kunstinsidern zurückgewiesen oder zumindest 

gemieden wird, so als würde es sich dabei um etwas 

Anstößiges, um etwas Peinliches handeln: Schönheit, 

meinen sie, stehe für Kitsch, nicht für Kunst. Aber für 

mich ist die ästhetische Qualität eines Kunstwerks 

wichtig. Schönheit – und damit meine ich nicht das 

oberflächlich Schöne (das sehr wohl fragwürdig sein 

kann), nicht das Schöne der Farben und Formen allein, 

sondern das Schöne, das in die Tiefe geht und aus der 

Tiefe kommt, das Schöne, bei dem man spürt, dass es 

uns betrifft, unser Leben, unsere Hoffnungen und 

Ängste, unsere Leidenschaften und unsere Urteilskraft, 

diese Schönheit ist nach meiner Überzeugung eine 

Grundbedingung der Kunst. Fehlt sie einem Werk, 

handelt es sich in meinen Augen gar nicht um Kunst. 

Ich finde es nicht zuletzt deshalb so schade, dass die 

ästhetische Qualität aus dem Diskurs über Kunst 

ausgeklammert wird, weil sich darüber wunderbar 

streiten ließe. Denn was schön ist, darüber gab es 

schon immer sehr unterschiedliche Auffassungen. 

Ebenfalls sehr wichtig ist mir, dass ein Kunstwerk 

authentisch ist. Darunter verstehe ich nicht nur, dass es 

echt sein muss, also von dem Künstler geschaffen, 

dem es zugeordnet wird: Ich verstehe darunter die 

unverwechselbare Handschrift des Künstlers. Auf 

Authentizität fußt letzten Endes das Vertrauen aller 

Beteiligten am Kunstmarkt und ist damit die 

Voraussetzung für sein Funktionieren. Der Künstler 

muss etwas Neues, Unverwechselbares, Einmaliges 

schaffen. Er muss an sich glauben (anders steht er die 

zumeist in Jahrzehnten zu messende Durststrecke, bis 

er Anerkennung findet, gar nicht durch). Der Galerist 

wieder muss an den Künstler glauben (und diese 

Überzeugung vermitteln können, sonst überlebt auch er 

nicht). Denn der Sammler kauft letztlich im Vertrauen 

auf die Glaubwürdigkeit des Künstlers, des Galeristen, 

der Kuratoren, der Kritiker und nicht zuletzt im 

Vertrauen auf all die anderen Sammler, die ebenfalls 

Werke dieses Künstlers erwerben. Dieses Vertrauen 

kann sich nur entwickeln, wenn das, was der Künstler 

macht, in Einklang steht mit dem, wie er denkt und 

fühlt. Und es muss auch im Einklang stehen mit dem 

Geist der Zeit, in der es entsteht. Wer heute impressionistisch 

malt und dem Impressionismus nichts 

Neues hinzufügt, produziert keine Kunst, sondern ist im 

Grunde nur ein Kopist. Im Grunde sind, was er malt, 

Fälschungen. Eine weitere, für mich wesentliche 

Voraussetzung ist für mich handwerkliche Perfektion. 

Sorgfältige, fachgerechte Ausführung, die Verwendung 

der besten Materialien, Dauerhaftigkeit, all das scheint 

für viele Künstler kein Thema mehr zu sein. Aber Kunst 

ist Handwerk, ihr Inhalt ist, wie es Josef Mikl einmal 

ausgedrückt hat, bloß der Auftrag für den jeweiligen 

Ausführenden. Ob daraus Kunst werde, hänge von 

dessen Charakter und Begabung ab. Mir ist durchaus 

bewusst, dass ich mich auch hier auf glattes Parkett 

begebe: Denn auch das Handwerkliche steht 

heutzutage nicht sehr hoch im Kurs. Aber für mich ist 

die Beherrschung des Handwerks eine Grundvoraussetzung. 

Ich will Malerei sehen, keine Schmiererei. Ich 

will eine gediegene Ausführung, keinen Wegwerfmüll. 

Kunst, das ist für mich vollendete Individualität, aber 

auch Handwerkerfleiß, Konzentration und Qualitätsgefühl. 

Übrigens: Auch über das Handwerkliche ließe 

sich herrlich streiten. Und auch hier ließen sich 

nachvollziehbare Qualitätskriterien herausarbeiten – 

zumindest im Rahmen vergleichbarer Kategorien. Ein 

Kunstwerk muss in meinen Augen innovativ sein. Das 

heißt: Der Künstler muss einen originären Stil finden, 

eine eigene Formensprache entwickeln.

KUNST.INVESTOR KOMMENTAR 

Erst Form und Gestaltung machen eine Thematik zum 

Kunstwerk. Das Thema und der Inhalt, von vielen 

Kunstinsidern zum wichtigsten Kriterium ernannt, sind 

in meinen Augen sekundär. Denn die Vermittlung des 

bloßen Inhalts ist noch kein Kunst-Ereignis, sondern 

kann genauso gut eine Sache der Wissenschaft sein, 

eine Reportage, pure Information oder eine 

Dokumentation. Bei der Kunst kommt es nicht so sehr 

auf das Was an, sondern auf das Wie. Und nicht 

zuletzt: Ein Kunstwerk, für das ich mich begeistere, ist 

immer widersprüchlich. Ohne zwiespältige Emotionen 

gibt es keine nachhaltige Wirkung. Kitsch, und daran 

kann man ihn relativ leicht erkennen, ist hingegen 

immer eindeutig. Es gibt keine Herausforderung, Kitsch 

zu hinterfragen. Kitsch bestätigt gemütvoll das bis zum 

Überdruss Bekannte. Es braucht also eine ganze 

Menge, um in meinen Augen als Kunstwerk zu gelten, 

mit dem ich mich auseinandersetzen will. Und wenn Sie 

für sich einen Kriterienkatalog aufstellen, werden Sie 

schnell entdecken, dass auch Ihre Anforderungsliste 

recht umfangreich ist. Und Sie werden feststellen, dass 

das, was Sie suchen, wenn Sie in eine Ausstellung 

gehen, nicht sehr oft erfüllt wird. Mir passiert es 

jedenfalls immer wieder, dass ich enttäuscht werde, 

wenn ich eine Galerie besuche. Ich vermisse etwas, 

und ich vermisse es schmerzlich. Wie alle anderen 

Menschen auch bin ich von meinen ganz persönlichen 

Erfahrungen, Vorbildungen und Vorlieben geprägt. 

Wenn ich in ein Museum gehe, in eine Galerie, suche 

ich ein sinnliches Erlebnis – und bin frustriert, wenn ich 

mit etwas Sprödem, Indifferentem konfrontiert werde, 

das mich ratlos zurücklässt. Ich suche noch immer die 

alten Ideale und meine ganz private, persönliche 

Vorstellung von Schönheit – und ich finde sie viel zu 

selten. Mag sein, dass ich schon zu alt bin, um mich 

dem Neuen noch stellen zu können. Aber allzu oft 

stehe ich vor Werken, die ich für belanglos und 

unausgegoren halte. Allzu oft ärgere ich mich über die 

wenig überzeugende Inszenierung einer Ausstellung, 

allzu oft über Kuratoren, deren akrobatische 

Interpretationen etwas versprechen, das die präsentierten 

Werke nicht halten. Allzu oft ziehe ich ein 

ernüchterndes Resümee nach der Begegnung mit 

Kunst. Allzu oft vermisse ich, so richtig gepackt, 

ergriffen, berührt zu werden – etwas, das mir unverzichtbar 

scheint. Allzu oft vermisse ich das Erlebnis, 

etwas wirklich Neues, Überraschendes, Mitreißendes 

zu entdecken. Allzu oft vermisse ich, mit einem Wort, 

die Kraft der Kunst. 

Und darauf kommt es mir an: Ich will, dass mir ein 

Kunstwerk unter die Haut geht, dass es mich dazu 

bringt, über etwas intensiver nachzudenken. Ich schaue 

mir Kunstwerke, die mich begeistern, immer mehrmals 

an und beobachte die sich verändernde Wirkung, die 

sie auf mich haben. Ja, ich will, dass ein Kunstwerk 

schön und sinnlich ist. Ich will, dass es authentisch ist, 

also echt in jedem Wortsinn. Aber um die Handschrift 

eines bestimmten Künstlers von der jedes anderen 

unterscheiden zu können, muss ich einiges von diesem 

Künstler gesehen haben. Ich halte deshalb überhaupt 

nichts davon, wenn jemand ein Werk betrachtet und 

nach zwei Minuten ein Urteil fällt. Ich bin überzeugt, 

dass eine schnelle Bewertung seriöser Weise gar nicht 

möglich ist, wenn man dem Künstler halbwegs gerecht 

werden will. Und ja, ich schätze das Handwerkliche 

eines Kunstwerks. Ich will die Ernsthaftigkeit nachvollziehen 

können, mit der der Künstler vorgegangen ist. 

Ich will noch immer glauben, dass die Kunst über uns 

hinausweist, dass sie für die Ewigkeit gemacht ist. Ich 

will die Chance haben, mich lange genug mit dem 

Kunstwerk beschäftigen zu können, um irgendwann zu 

verstehen, worum es dem Künstler ging. Ich will keine 

Wegwerf-Kunst, die nach der Ausstellung schnurstracks 

auf den Müll geworfen wird. Und ich will, dass 

der Künstler etwas macht, das neu ist, das innovativ ist, 

das mich herausfordert. Es ist zwar immer schön, in 

eine Ausstellung zu gehen, in der die Werke der 

Impressionisten, der Fauves, der ersten Abstrakten 

oder der Neuen Wilden aus den 1980er Jahren 

präsentiert werden. Es ist, als würde man alten 

Freunden begegnen. Aber von einem Künstler, der 

heute lebt, erwarte ich mir etwas ganz anderes: Von 

ihm will ich überrascht werden. Ich will verblüfft werden. 

Ich will irritiert werden. Ich will spüren, dass da etwas im 

Entstehen ist, das es bis dahin noch nicht gegeben hat. 

Und ich will durchaus auch aus meinem privaten 

Dornröschenschlaf herausgerissen werden durch 

Kunst. (Otto Hans Ressler)

KUNST.INVESTOR News 

Eine Frage der Zusammenstellung, 2016, © Max Böhme, Ronald Kodritsch, 

Franziska Maderthaner - Foto: Peter Kainz 

Treffen sich eine Malerin und zwei Maler ... 

Die Künstlerin Franziska Maderthaner sowie die 

Künstler Max Böhme und Ronald Kodritsch arbeiten 

seit Jahren sporadisch immer wieder freundschaftlich 

miteinander. Nun haben sie ihre malerische 

Zusammenarbeit mit Spielsinn und humorvollem 

Respekt zu einer Ausstellung gebündelt. Das Resultat 

sind Gemälde und Zeichnungen, an denen alle drei – 

hintereinander oder gleichzeitig – gearbeitet haben und 

dabei die malerischen Spuren der Vorgänger 

kommentiert, erweitert oder übermalt haben. Das 

Projekt ist ein Wagnis und eine Provokation. Es geht 

dabei um gezielte Angriffe auf jeweils egomane 

Positionen und solitäre Praxen. Jedoch ist nicht das 

„Auslöschen“ der malerischen Geste des anderen das 

Ziel, sondern ein sensibles und oft auch freches 

Reagieren auf die vorgefundenen malerischen Outputs 

der Kollegen. Die so entstandenen Bilder sind 

unverkennbar geprägt von drei verschiedenen 

Handschriften, die sich gegenseitig anstacheln und 

gemeinsam etwas darstellen, das die Beteiligten als 

„trialogisch“ bezeichnen, als alogischen Dialog zu dritt. 

[Kunstraum Nestroyhof. Ausstellungsdauer 26. Jänner 

2017 bis 22. Februar 2017 – Foto: © Kunstraum 

Nestroyhof]


Die Malerei des brasilianischen Artist in Residency 

Fábio Baroli ist durch eine poetische Bildsprache 

geprägt, die sich mit den Themen Voyeurismus, Erotik, 

Vernakularismus und der imaginären Welt der Kinder 

auseinandersetzt. Auch wenn seine Arbeiten Szenen 

von Einwohnern des brasilianischen Staates Minas 

Gerais abbilden, sind diese Themen universell und 

omnipräsent. Während seines Aufenthaltes in Wien im 

Februar 2017, ermöglicht durch das Q21 Artists-in- 

Residence Programms im MuseumsQuartier, werden 

Arbeiten von Fábio Baroli in zwei Einzelausstellungen 

im MuseumsQuartier zu sehen sein. Mit der Eröffnung 

der Ausstellung ‚Goliath’ am 9. Februar um 19 Uhr wird 

erstmals in Europa die zwischen 2013 und 2016 

entstandene Serie von Ölgemälden ‚vendeta‘ und 

‚intifada’ gezeigt, welche bewaffnete Kinder in 

städtischen Kriegssituationen darstellt, allerdings 

Spielzeugpistolen reale Waffen ersetzen. Das erklärte 

Ziel der von Pedro Henrique de Melo in 

Zusammenarbeit mit der Jan Arnold Gallery kuratierten 

Ausstellung im frei_raum Q21 ist es die Diskussion 

über die Not von Kindern in gewaltbereiten Milieus 

anzuregen. Ein unfairer, von Kindern ausgetragener 

Kampf als Analogie zur Erzählung von David und 

Goliath. [frei_raum Q21 exhibition space – MQ. Dauer 

bis 28. Februar 2017 – Foto: © Jan Arnold Gallery]


FotoCredit: Stephanie Klaura, On radar? hocus pocus - dazzle - GO!, 2016 

Siebdruck auf Textil, Wandinstallation und Overalls – Foto: © Stephanie Klaura 

„White Cube – Black Box“ - „collected #6“ 

Highlights aus der Bank Austria Kunstsammlung 

Unter dem Titel „White Cube – Black Box“ zeigt die 

sechste Auflage der Ausstellungsreihe im tresor im 

Bank Austria Kunstforum Wien bis 26. März 2017 

Werke von sechs jungen Künstlern. Der White Cube 

und die Black Box bilden ein fundamentales 

Gegensatzpaar: Der White Cube meint die 

demokratische, weiße Rahmenbedingung, die der 

Ausstellungsraum für Kunst bietet. Das Publikum 

wandert durch einen gleißend hellen, nüchternen 

Raum, in dem nichts ablenkt oder unterbricht – dessen 

Architektur in ihrer vornehmen Zurückgenommenheit 

alle Aufmerksamkeit der Kunst an den Wänden 

zuteilwerden lässt. Dem gegenüber steht die Black Box 

– der dunkle Filmkobel, die magische Welt des Kinos, 

in dem das Publikum auf der Leinwand in sämtliche 

reale und virtuelle Welten eintauchen kann. Die 

Arbeiten der sechs Künstlerinnen und Künstler, die in 

der Ausstellung „White Cube – Black Box“, der 

sechsten Ausgabe des Bank Austria 

Kunstsammlungsformats „collected“, gezeigt werden, 

eint, dass sie allesamt die Frage nach der 

Ausstellungsbedingung und dem Ausstellungsraum der 

Gegenwart in ihrer Kunst stellen. In der von Lisa 

Ortner-Kreil kuratierten Ausstellung im tresor im Bank 

Austria Kunstforum sind bei freiem Eintritt Werke von 

Carola Dertnig, Stephanie Klaura (Gewinnerin des 

Bank Austria Kunstpreis Kärnten 2016), Dorit 

Margreiter, Florian Pumhösl, Markus Schinwald und 

Nadim Vardag zu sehen. (Foto: © Bank Austria 

Kunstforum)


Xenia, April 1932 © Alfons Walde / Bildrecht 2016 

ALFONS WALDE - WINTERTRÄUME 

Die Fotografien des Malers Alfons Walde (1891–1958) 

aus dem Nachlass des Künstlers, die über Jahrzehnte 

unbeachtet in einer Kiste schlummerten, wurden im 

Dezember 2014 erstmals im Fotomuseum WestLicht 

gezeigt. Zur diesjährigen Wintersaison präsentiert die 

Galerie OstLicht in der Leica Galerie Wien eine 

Auswahl von Aufnahmen aus dieser spektakulären 

Entdeckung. Der weltberühmte Landschaftsmaler 

Walde entpuppt sich darin auch als Meister der 

Fotografie – mit Fokus auf den weiblichen Akt. Seine 

Inszenierungen reichen von klassischen Posen aus der 

kunsthistorischen Tradition bis hin zu erotisch 

aufgeladenen, teils pornografischen Szenen. 

Während seine Schwarz-Weiß-Fotografien in den 

frühen 20er Jahren noch an Egon Schiele und Koloman 

Moser erinnern, ist ab den 1930ern seine Rolle als 

Vorreiter der Farbfotografie bemerkenswert. Walde 

benutzte seine Leica mit dem gerade erfundenen 

Farbfilm und fertigte Diapositive an, die in ihrer 

malerischen Anmutung faszinieren. Neben dem 

erotischen Werk entstanden Landschafts-, Porträt- und 

Architekturaufnahmen. Die Fotografien dienten dem 

Künstler auch als Anregung und Vorlage für seine 

Malerei. [Leica Galerie Wien, Ausstellungsdauer bis 8. 

April 2017 – Foto: © Galerie OstLicht, Leica Galerie]


ART COLOGNE-Preis 2017 

geht an Günter Herzog 

(Foto: Markus Hoffmann, Cologne 2017) 

Köln- 2017 feiert das Zentralarchiv des Internationalen 

Kunsthandels (ZADIK) sein 25- jähriges Jubiläum. Prof. 

Günter Herzog, seit 2002 wissenschaftlicher Leiter des 

Instituts, erhält in diesem Jahr den Preis der ART 

COLOGNE. Der mit 10.000 Euro dotierte Preis würdigt 

herausragende Leistungen der Kunstvermittlung und 

wird vom Bundesverband Deutscher Galerien und 

Kunsthändler (BVDG) gemeinsam mit der Koelnmesse 

jährlich anlässlich der ART COLOGNE vergeben. Die 

Preisverleihung findet am Mittwoch, den 26. April 2017 

im Historischen Rathaus zu Köln statt. Seit 15 Jahren 

wird das ZADIK – Zentralarchiv des Internationalen 

Kunsthandels entscheidend von Günter Herzog 

geprägt. Er hat es zu einem offenen, vitalen „Speicher 

für die meist im Verborgenen wirkenden Kräfte 

derjenigen entwickelt, die den Werken der Künstler 

ihren Platz in der modernen Gesellschaft geben“ (Klaus 

Honnef). Kräfte, die sich in den Vor- und Nachlässen 

bedeutender Unternehmen und Persönlichkeiten des 

Kunstbetriebs erhalten haben. Diese werden im ZADIK 

nicht nur inventarisiert, sondern durch Digitalisierung, 

Ausstellungen und Publikationen zur Erforschung und 

für Interessenten zugänglich gemacht. Günter Herzog 

promovierte und habilitierte an der Universität zu Köln, 

wo er seit 1998 Kultur- und Sozialgeschichte der Kunst 

sowie Geschichte des Kunsthandels lehrt und 2008 

zum außerplan-mäßigen Professor ernannt wurde. Vor 

zwei Jahren gelang die Anbindung des ZADIK als 

sogenanntes An-Institut an den Fachbereich 

Kunstgeschichte der Kölner Universität – die perfekte 

Grundlage für den Masterstudiengang Kunstmarkt, der 

hier 2014 neu eingerichtet worden ist. Das ZADIK 

wurde 1992 vom BVDG gegründet und war bis 2001 

der Bonner Bundeskunsthalle angeschlossen. 2001 zog 

es nach Köln in eine ehemalige Filiale der Sparkasse 

KölnBonn, deren SK Stiftung Kultur seitdem als 

Hauptsponsor des ZADIK wirkt. 2007 folgte der Umzug 

in den Mediapark, wo es ein großes Magazin, Büros 

und einen Showroom unterhält. Die regelmäßig von 

Günter Herzog anlässlich der ART COLOGNE 

konzipierten originellen Ausstellungen sind sowohl auf 

der Messe als auch in den Räumen des ZADIK zu 

sehen. (Foto: © Cologne 2017)


ART VIENNA 2017 

International Art Fair 

Die ART Vienna tritt von 23. bis 26. Februar zum ersten 

Mal an, um diesen Anspruch einzulösen. Aber auch, 

um neben dem Schwerpunkt mit Zeitgenössischem der 

Klassischen Moderne einen Platz zu geben. Das 

wichtigste Kriterium ist in jedem Fall die Qualität. Und 

das Spannungsfeld, das bei einer entsprechenden 

Durchmischung seine Wirkung für den Besucher 

entfaltet. Korrespondierend zum künstlerischen 

Konzept des Veranstaltungsortes, dem Leopold 

Museum, wo man ausgehend vom zentralen 

Sammlungsbestand, der österreichischen Klassischen 

Moderne, den Brückenschlag zur avancierten Moderne 

und Gegenwart unternimmt. Die ART Vienna 

versammelt hervorragende österreichischen Galeristen 

und Händler, bereichert durch ausgesuchte 

internationale Aussteller. [Leopold Museum von 23. bis 

26. Februar 2017]

UNST.INVESTOR Dorotheum 

Foto:©Dorotheum

KUNST.INVESTOR Dorotheum 

Marcel Kammerer-Schrank, Wien um 1910 (Schätzwert € 4.000-5.500 

Lounge Sessel im Bauhaus-Stil (€ 1.200-1.600) - Art Déco Tischlampe (€ 1.200-1.600) 

"SELECTED BY PHILIP HOHENLOHE" 

Interieur-Spezialist Hohenlohe arrangiert Bilder, Möbel, Dekor im Dorotheum 

Blick zurück nach vorne: „Klassisches Design, klassische Architektur, Studium der Geisteswissen-schaften: Vielleicht 

müssen wir wieder den Blick zurückwerfen, uns auf unsere Wurzeln besinnen“, sagt Designer Philip Hohenlohe in 

seinem Katalogvorwort zur Auktion „selected by Philip Hohenlohe“ am 2. März 2017 im Dorotheum. 

Gute Proportionen: Symmetrie, Harmonie – 

überhaupt: gute Proportionen, eine Gemütlichkeit 

jenseits des reinen Biedermeier propagiert der 

Interieur-Profi, dem der landläufige Purismus- 

Konformismus ein Gräuel ist. Vielmehr schafft er mittels 

Licht und Farbe behagliche Stimmungswelten, die er 

mit Dorotheum-Auktionsangebot aus dem Historismus 

des 19. Jahrhunderts, Entwürfen des Bauhaus‘ und Art 

Déco sowie Dekorationsgegenständen zu einem neuen 

Ganzen zusammenfügt. Dieser Eklektizismus wird etwa 

mittels Bakelitmodellen von Kristallen oder - nach der 

ersten vergleichbaren Auktion 2011 eine Novität - mit 

eigenen Hohenlohe-Entwürfen von Lampen, Sesseln 

und Tischen gemischt. 

Stimmungswelten: Salons a la Visconti schweben 

dem ehemaligen Filmstudenten und production 

designer vor. Und diese Einrichtungen seien nicht an 

großes Budget gebunden, darauf legt Stilexperte Philip 

Hohenlohe wert. Die Schätzwerte der rund 200 

Auktionsobjekte liegen zwischen 300 und 20.000 

Euro.„Wieso ist etwas vulgär oder elegant? Warum 

empfinden wir etwas als schön oder hässlich? Was ist 

Kitsch, und warum?“ Fragen, die Philip Hohenlohe sein 

ganzes Leben lang begleitet haben. Anhand von 

Hohenlohes Raumkonzeptionen kann man 

Grundfragen der Ästhetik wieder überprüfen, sich 

inspirieren lassen– und mitsteigern. (Foto:©Dorotheum)


Tribal Art Auktion 

Eine Auswahl an zeremoniellem und 

rituellem Schmuck bei der Auktion 

am 20. Februar 2017 im Dorotheum 

Baule, Elfenbeinküste: Ein oval-runder Anhänger aus Gold, mit der Darstellung 

eines Gesichtes.Provenienz: Österreichische Privatsammlung. Rufpreis € 1.200 

Die Auktion mit außergewöhnliche Schmuckstücken, 

„Tribal Art/Stammeskunst“, am 20. Februar 2017 im 

Palais Dorotheum bietet diesmal eine besonders 

schöne Auswahl an Hals-, Fuß- oder Ohrschmuck oder 

sogar Kronen – unterschiedlichster Ethnien und 

Stämme, u. a. aus Ghana, Elfenbeinküste, Sansibar, 

Turkmenistan oder Indonesien. Gold spielt hier eine 

große Rolle, Silber, Edelsteine, Korallen – so vielfältig 

wie die Materialien und die Ausführungen so 

vielschichtig sind auch die Träger: Adelsfamilien, Jäger, 

Krieger. Die Auktion bietet insgesamt rund 300 Figuren, 

Masken, Alltags- und rituelle Gegenstände aus Afrika, 

dem Orient, aus Asien, Indonesien und Ozeanien. 

Ein äußerst fein gearbeiteter, rund-ovaler Anhänger aus 

purem Gold. Das zentrale, erhaben hervortretende 

Gesicht (oder die Maske) ist in typischem Baule-Stil 

dargestellt. Mit weit ausladenen Augenbrauen-Bögen, 

langer, flacher Nase und stammestypischen Narben- 

Tätowierungen an der Nasenwurzel und auf beiden 

Wangen. Mit einem durchbrochenen Kreis-Dekor und 

äußeren Bändern umgeben. In einem Stück ‘in 

verlorener Form’ aus Gold gegossen. Ein kleiner 

Ausbruch auf der Stirn. Mit zwei Aufhänge-Ösen oben 

(eine gebrochen). Sonst keine Schäden. Ein sehr fein 

gearbeiteter, runder Anhänger aus purem Gold. Mit 

einer zentralen, leicht erhabenen und stilisierten 

Darstellung eines liegenden Krokodils (von oben). Mit 

Kreis- und durchbrochenem Zick-Zack-Dekor (außen). 

In einem Stück ‘in verlorener Form’ aus Gold gegossen. 

Mit zwei Ösen auf der Rückseite (oben und unten). Ein 

minimaler Ausbruch am äußeren Rand links. Sonst 

keine Schäden.


Aschanti, Ghana: Ein runder Anhänger aus Gold, mit der Darstellung 

eines Krokodils DM: 7,5 cm x 8 cm. 1. Hälfte 20. Jh.. (ME), 

Provenienz: Österreichische Privatsammlung. Rufpreis € 1.200 

Usbekistan, Buchara oder Oase Khiva: aus Silber, vergoldet, mit 

Türkisen, Korallen, Granat. 19. Jh. H: ca. 18 cm B: ca. 11 cm. 

19.Jh.(ME), Provenienz: Wiener Privatsammlung. Rufpreis € 500 

Ein usbekischer Anhänger, ursprünglich als 

Stirnschmuck getragen. Aus Silber in drei Boteh- 

Formen kastenförmig gefertigt und an der Vorderseite 

feuervergoldet. Mit 18 Anhängern aus Silber, ebenfalls 

vergoldet, sowie mit großen und kleinen Korallen- 

Perlen und kleinen Türkisen dekoriert. Ein prachtvolles, 

sehr aufwändig gestaltetes Schmuckstück mit guten, 

alten Tragespuren. Ohne wesentliche Schäden. H: ca. 

18 cm (mit Behang); 11 cm (ohne Behang); B: ca. 11 

cm. 19. Jh. oder Früher. (ME) 

Das Besondere: Alle äußeren Flächen tragen einen 

durchbrochenen Dekor. Sehr selten: Ein ungewöhnlich 

schönes Paar silberner ‘Sansibar-Fußreifen’. Aus 

bestem Silber gearbeitet. Jeweils aus zwei Teilen mit 

Scharnieren und Steck-Verschlüssen hergestellt (Stifte 

vorhanden). Die Innenseiten der Reifen sind glatt. Das 

Besondere an diesen Stücken: Alle äußeren Flächen 

beider Reifen sind reich mit Blüten- und Blattranken, 

sowie mit geometrischen und glatten Bändern verziert - 

und dieser aufwändige Dekor ist überall durchbrochen 

gearbeitet. Ein Meisterwerk. Wohl hergestellt von einem 

Silberschmiede-Meister aus der Oase Nizwa, dem 

alten, früheren Schmuck-Zentrum im zentralen Oman. 

‘Sansibar-Reifen’ nennt man deshalb diesen Schmuck, 

weil die Insel Sansibar, vor der ostafrikanischen Küste, 

von 1698 bis 1861 vom Sultanat Oman beherrscht 

worden ist und die Europäer diesen, an sich rein 

omanischen Schmuck-Typ, wahr-scheinlich zuerst auf 

Sansibar kennengelernt haben. Beide wertvollen Silber- 

Reifen sind alt, zeigen gute Trage-Spuren, aber keine 

Schäden!


Indonesien, Insel Flores, Stamm: Nage: Eine Äußerst seltene ‘Krone’, 

genannt ‘Lado’. Von der Insel Flores, einer der Kleinen Sundainseln 

in Indonesien. Aus purem Gold, mit sieben ‘Federn’ gefertigt. H: ca. 

33 cm; B: ca. 27 cm. Ende 19. Jh.. (ME), Provenienz: Österreichische 

Privatsammlung, Rufpreis € 12.000 

Afghanistan, Iran, Turkmenistan: Stamm: Tekke-Turkmenen: Ein 

ungewöhnlich großer, alter Amulett-Anhänger der Tekke-Turkmenen, 

‘Tumar’ genannt. Silber, zum Teil vergoldet, mit 32 Karneolen, 

H: 32 cm (mit Ketten und Schellen); B: 26 cm; Gewicht: 900 Gramm. 

19. Jh.. (ME), Provenienz: Wiener Privatsammlung. Rufpreis € 600 

Indonesien, Insel Sumba: Ein Anhänger aus schwerem Gold, genannt 

‘Mamuli’. Mit zwei Reiter-Kriegern aus Gold, mit Schild, Helm und 

Lanze H: ca. 10 cm; B: ca.9,5 cm. Um 1900 bis 1. Drittel 20. Jh.. (ME) 

Provenienz: Österreichische Privatsammlung. Rufpreis € 2.000 

Oman, Sansibar: Ein außergewöhnlich schönes Paar silberner 

Fußreifen für Frauen, auch ‘Sansibar-Reifen’ genannt. H: je 8 cm 

(vorne), 4,5 cm (hinten); DM: je 11 cm x 12 cm (außen); 6,5 cm x 7 

cm (ME) Provenienz: Wiener Privatsammlung. Rufpreis € 1.500


Ein besonders schöner, großer Amulett-Anhänger der 

Tekke-Turkmenen, ‘Tumar’ genannt. Ganz aus gutem 

Silber gearbeitet und zum Teil feuer-vergoldet. Mit einer 

quer liegenden, sechskantig gearbeiteten Amulett-Box 

für Schrift-Amulette. Mit Halbkugel-Enden (links zu 

öffnen!). Darüber befindet sich ein dreieckiger Aufsatz, 

mit Widderkopf-Motiven an beiden oberen Rändern und 

an zwei seitlichen, kleinen Aufsätzen. Unter der 

Amulett-Box verläuft ein durchbrochen gearbeitetes 

Quer-Band. Die offenen Stellen sind mit rotem Stoff 

unterlegt. Seitlich befinden sich wieder zwei 

Widderkopf-Anhänger. An diesem unteren Teil sind an 

Silberketten viele Kugel-Schellen aus Silber angehängt 

(mit Steinen im Innern). Alle Flächen an der Vorderseite 

dieses Amulett-Anhängers ‘Tumar’ sind mit typischen 

Kurven-Ornamenten der Tekke-Turkmenen graviert und 

teils feuer-vergoldet! Die Rückseite ist blank und glatt. 

Dieser höchst eindrucksvolle ‘Tumar’ ist mit 26 glatten 

und sechs gewölbten, im Cabochon-Schliff, 

geschliffenen und gefassten Karneol-Steinen besetzt. 

Mit einem alten, hellbraun gewebten Trageband. Ein 

prachtvolles, großes, altes Stück, komplett erhalten 

(selten!) und ohne wesentliche Schäden. 

Solche ‘Mamuli’ aus Gold oder Silber waren auf 

Sumba, einer Insel der Kleinen Sundainseln in 

Indonesien, nicht nur Schmuck. Als Schmuck wurden 

‘Mamuli-Anhänger’ von den Adeligen auf Sumba um 

den Hals, an den Ohren oder an goldenen Stirn-Zierden 

in Form von Büffelhörnern getragen, um ihren sozialen 

Rang öffentlich zu zeigen. Darüber hinaus hatten 

‘Mamuli’ auf Sumba jedoch noch ganz andere 

Bedeutungen: Sie waren Bestandteil sakral-religiöser 

Riten, waren wichtiger Teil des traditionellen 

Brautpreises und gehörten zum ‘Erb-Schatz’ großer 

Adels-Familien! Die Grundform der ‘Mamuli’ soll sich 

aus der Darstellung des weiblichen Geschlechts 

entwickelt haben. Und das Gold, aus dem ‘Mamulis’ 

hergestellt wurden, soll von holländischen Gold- 

Münzen stammen (8 bis 12 Karat). Das vorliegende 

‘Mamuli’ aus Gold, in ganz typischer, traditioneller 

Form, ist besonders groß, schwer und eine erstklassige 

Arbeit eines Goldschmiedes auf Sumba: Auf den 

beiden unteren, links und rechts auskragenden 

Fortsätzen steht jeweils ein Reiter-Krieger aus Gold, 

auf ihren goldenen Pferden sitzend, mit rundem Schild 

und Lanze. Die Köpfe, Arme, Lanzen und Schilde der 

goldenen Reiter sind beweglich gearbeitet! Ganz ohne 

Schäden. Ein Stück von erstaunlicher Qualität! 

Diese goldenen ‘Kronen’, genannt ‘Lado’, hatten bei 

den Nage in Zentral-Flores mehrfache Bedeutungen: 

Sie zeigten den hohen Rang ihres adeligen Trägers an, 

spielten in rituellen Zeremonien eine Rolle, sie 

sicherten symbolisch das Wohlergehen und den 

Wohlstand der Gemeinschaft und sie gehörten zum 

‘Schatz’ adeliger Familien. Früher wurden die ‘Lado- 

Kronen’ mit ihrem Besitzer begraben, später wurden sie 

vom Vater auf den Sohn vererbt. Das Gold der ‘Lado- 

Kronen’ stammt von holländischen Gold-Münzen aus 

der Kolonialzeit (8 bis 12 Karat). 

Vorliegende, goldene ‘Lado- oder Flores-Krone’ besteht 

aus dünnem Goldblech und fein gearbeitetem 

Golddraht. Der quer liegende, untere Teil ist 

halbmondförmig und trägt an beiden Seiten nach oben 

eingerollte Vogel-Köpfe als Abschluss. Dieser untere 

Teil wird vor der Stirn getragen und mit hinten 

angehängten Streifen aus Goldblech am Kopf des 

Trägers befestigt. In den Quer-Teil werden die ‘Federn’, 

ebenfalls aus Goldblech, eingesteckt (ursprünglich, vor 

der Einführung des Goldes, wurden für solche Adels- 

Kronen richtige Vogel-Federn verwendet). Die ‘Federn’ 

- in diesem Fall sieben als Zeichen für ‘hohen Adel’ - 

sind mit zartem, linear getriebenem, geometrischem 

Dekor verziert und tragen oben und unten jeweils zwei 

Anhänger aus geraden und dreieckigen Gold-Plättchen. 

Viele solcher Anhänger befinden sich auch an der 

Unterkante des unteren Halbmondes, sowie an den 

zwei filigranen Kugeln, die diese Kante an beiden 

äußeren Seiten begrenzen. Ein ungewöhnlich 

komplettes, altes und ‘museales’ Stück. Nur einige 

Anhänger fehlen gebrauchs- und altersbedingt. Höchst 

selten! (Foto; © Dorotheum)

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘ 

Friedrich Frank, Blick auf Florenz, Aquarell auf Papier; 55 × 95 cm (Passep.-Ausschnitt); Rufpreis € 3.000 

115. KINSKY-AUKTION - „KOSTBARKEITEN“ 

Alte Meister, Bilder des 19. Jahrhunderts, Klassische Moderne, 

Zeitgenössische Kunst, Antiquitäten und Jugendstil & Design 

28. Februar bis 1. März 2017 

Das Jahr beginnt im Kinsky schon traditionell mit einer 

Auktion der Kostbarkeiten und wirft den Blick auf 

Kunstwerke, deren Qualität überzeugt, die aber 

dennoch im Preis günstig sind. Alle sechs Sparten des 

Hauses, von den Alten Meistern bis zu den 

Zeitgenossen sind vertreten und bieten mit über 900 

Objekten eine umfangreiche und vielseitige Auswahl für 

jeden Sammler. Bei den Alten Meistern kann man 

durch die Jahrhunderte streifen und sich zwischen 

ländlichen Idyllen, schönen Frauen und aufregenden 

Szenen aus Mythologie und Historie entscheiden. In 

der Sparte des 19. Jahrhundert begeistern zwei 

ungewöhnliche Stadtprospekte: Einmal der Blick auf 

Florenz von Friedrich Frank bei herrlichem Sonnenlicht 

und atmender Luft und einmal der Blick auf Landeck in 

Tirol von Hubert Sattler. Letzterer war ja für seine 

Reisen und aufregenden Städtebilder besonders 

berühmt, seine nüchterne Klarheit mit großer Raumtiefe 

wirkt wie eine Vorwegnahme des zeitgenössischen 

Photorealismus. Marie Egners reizvolle Aufnahme der 

Lagune von Grado oder Friedrich Gauermanns schnelle 

Skizze eines Hirschen im kalten Gebirgssee bieten 

Kostbarkeiten der spontanen Studie vor Ort. Gewohnt 

vielseitig ist das Angebot der Antiquitäten.


Norbertine Bresslern-Roth, Tukanjäger, 1943, Öl auf Jute; 90 × 70 cm; Schätzpreis € 20.000-40.000


Helmut Leherb, Ma vie phantastique (Das Manifest der inneren Unruhe), 1963 Öl auf Leinwand 

gerahmt; 85,5 × 65,5 cm; Schätzpreis € 40.000 – 80.000


Paar seltene Vasen, Florenz oder Pisa, um 1575, dunkelgrünes Glas 

Bronze, vergoldet; H. 15 cm; Rufpreis € 6.000 

Tafelbesteck von Josef Karl Klinkosch stellt mit € 

15.000 den höchsten Schätzpreis dar, Glassammler 

werden mit einem Paar seltener Vasen aus Italien ihre 

Freude haben und die Auswahl der Möbel reicht von 

gotischer Giebeltruhe bis hin zu einem barocken 

Nasenschrank. Otto Prutscher, Josef Hoffmann, 

Dagobert Peche, Franz Hagenauer oder Eduard 

Klablena sind klingende Namen in der Sparte des 

Jugendstil, Silbertabletts, Vasen, Keramikfiguren, 

Kerzenleuchter stehen zur Auswahl. In der Klassischen 

Moderne reicht die Bandbreite des Angebots von 

Zeichnungen Gustav Klimts über die suggestiven 

Landschaften von Josef Stoitzner, zu den klappernden 

Tukanen von Norbertine Bresslern-Roth und den 

Bergbauernhöfen von Oskar Mulley. Und passend zur 

Jahreszeit werden Schneelandschaften von Wilhelm 

Thöny und Hans Weber-Tyrol angeboten. Farbkräftig 

und phantastisch präsentieren sich die Zeitgenossen: 

Ernst Fuchs großformatige Lady Gainsborough und 

Helmut Leherbs Triumph des Jean Jacob entführen in 

Traum- und Phantasie-welten während Gunter Damisch 

gewohnt in Gefilde jenseits unserer sichtbaren Welt 

führt. Ein besonderes Angebot bietet die Sammlung 

von Werken des früh verstorbenen, genialen Wiener 

Malers Alfred Kornberger. (Foto:© ‚im Kinsky)

KUNST.INVESTOR Ressler Kunst Auktionen 

Gottfried Helnwein, Ein Schrei (Selbstporträt 8), Öl und Acrylfarben auf Leinwand, 201 x 150 cm, 1986, Rufpreis € 35.000


Franz West, ohne Titel, Mischtechnik auf Papier, 15 x 21 cm, 1972, Rufpreis € 8.000 

Die Stunde der Wahrheit 

Auktion am 20. Februar 2017 

Die Preise, die bei Auktionen erzielt werden, sind die 

einzigen, die allgemein zugänglich sind. In den 

Auktions-datenbanken Artprice und Artnet wird penibel 

jedes hoch gesteigerte, zum Schätzpreis verkaufte oder 

auch unverkauft gebliebene Kunstobjekt erfasst. 

Jedermann kann sich darüber kundig machen, wie die 

aktuellen Preise der Künstler sind, die er erwerben 

möchte. Deshalb spricht man bei Auktionen auch gerne 

von der „Stunde der Wahrheit“, weil sich hier wirklich 

erweist, was die Bilder, Plastiken, Fotos und Grafiken 

auf dem Markt wert sind. Eigentlich müsste man ja eher 

von einer Sekunde der Wahrheit sprechen, denn die 

Zeitspanne, die ein Interessent hat, sich zu 

entscheiden, ob er bietet oder nicht, ist tatsächlich sehr, 

sehr kurz bemessen. Das ist es, was Auktionen so 

spannend macht. Darin besteht aber auch die große 

Verantwortung der Auktionshäuser: Denn wenn ein 

Werk unverkauft bleibt, kann sich das durchaus auf die 

Nachfrage nach Werken des Künstlers auswirken. Die 

Auktion Künstlerinnen der RESSLER KUNST 

AUKTIONEN war so eine Stunde der Wahrheit – und 

die meisten österreichischen Künstlerinnen, die bei der 

Auktion vertreten waren, haben diesen Markttest 

bravourös bestanden. Allen voran Maria Lassnig: Für 

Ihren „Korkenziehermann“ wurde von € 160.000 bis € 

280.000 geboten, der Kaufpreis für das Bild beträgt 

demnach € 350.000 (inklusive Aufgeld und 

Umsatzsteuer). Noch aufregender wurde es bei „Die 

Büglerin“, um die sich sieben Telefonbieter, Bieter um 

Saal und mehrere Interessenten, die schriftliche 

Kaufangebote abgegeben hatten, bemühten. Vom 

Rufpreis von € 70.000 ging es bis € 170.000, ehe der 

Zuschlag erteilt werden konnte. Nach dieser Auktion bei 

der RESSLER KUNST AUKTIONEN, bei der 

ausschließlich Werke weiblicher Künstler offeriert 

wurden, übrigens die erste diesbezügliche Auktion im 

gesamten deutschen Sprachraum, findet bereits am 20. 

Februar 2017 die nächste Auktion der RESSLER 

KUNST AUKTIONEN in der Galerie OstLicht in der 

ehemaligen Anker Brotfabrik in 1100 Wien statt. 225 

Werke mit einer Rufpreissumme von 1,5 Millionen Euro 

werden offeriert.


Arnulf Rainer, Ohne Titel, Öl auf Platte (Ton?), 25,8 x 37,3 cm, 1964 Vorderseite: Schwarze Übermalung 

Rückseite: Rosa übermalte, gravierte Zentralgestaltung, Rufpreis € 18.000 

Günter Brus, Die Wahrscheinlichkeit spricht dagegen, Mischtechnik auf Karton, 44 x 56 cm, 1988, Rufpreis € 9.000


Erwin Wurm, Mind-Bubble, Styropor, Acryl und Wolle, Höhe ca. 110 cm 

(Durchmesser ca. 160 cm), um 2007, Rufpreis € 35.000 

Arnulf Rainer ist in dieser Auktion gleich mit sechs 

Arbeiten vertreten. Zur Auswahl stehen, eingeliefert von 

einer institutionellen Sammlung, eine „Graubraune 

Übermalung“ aus 1962, die der Künstler 1973 

überarbeitet hat (Rufpreis € 45.000), bzw. eine 

Übermalung aus 1964, bei der sich auf der Rückseite 

eine rosa übermalte, gravierte Zentral-gestaltung 

befindet (€ 18.000). Arnulf Rainer hat sie als Entwurf für 

ein Glasfenster bezeichnet, wahrscheinlich für die von 

Karl Schwanzer errichtete neue Pfarrkirche 

Pötzleinsdorf; realisiert wurde allerdings ein anderer 

Entwurf Rainers. Von Günter Brus werden sogar neun 

Werke angeboten, darunter eine ganz frühe (1958) 

Gouache (Rufpreis € 25.000). Gespannt sein darf man 

aber auch, wie viel „Der Blaue Wald“, ein Buch mit 

sieben Buntstiftzeichnungen (€ 7.000) einspielen wird. 

Großes Interesse sollte auch der „Schrei“ von Gottfried 

Helnwein (€ 35.000) finden. Das vielfach publizierte Bild 

war Cover des Katalogs zur Ausstellung "Gottfried 

Helnwein" 1986/87 im Mittelrhein Museum Koblenz, in 

der Galerie Würthle in Wien und im Leopold Hoesch 

Museum Düren. Klaus Albrecht Schröder hat es im 

Buch zur Ausstellung im Musée d'Ixelles und im 

Kunstforum Länderbank Wien 1987 sehr prominent 

präsentiert. "Mind bubbles" nennt Erwin Wurm die 

kartoffelförmigen, plump wirkenden, aufgeblasenen 

Ungetüme, die er in biedere Pullover gesteckt hat: 

Symbole gemütlicher Dümmlichkeit. Die Auktion bietet 

solch ein Mind bubble zum Rufpreis von € 35.000. 

Interessant wird auch sein, ob der lebensgroße 

Pigment Print von Chuck Close, darstellend die nackte 

Kate Moss (€ 30.000), vom internationalen Publikum 

entdeckt wird. Wer den größten Zuschlag erhält, diese 

Frage wird erst die Auktion beantworten. Wer das 

größte Werk der Auktion ist, ist schon jetzt 

unübersehbar: Gottfried Mairwögers „Aurora“ aus 1985 

misst stolze 250 x 520 cm (€ 18.000) und wird die 

Hauptwand des Auktionshauses in der Galerie OstLicht 

füllen. Die Vorbesichtigung ist ab 16. Februar 2017, 

jeweils 12.00 – 18.00 Uhr (auch am Samstag und 

Sonntag) möglich. Die Vernissage findet am Mittwoch, 

15. Februar 2017 statt. Bei der Vernissage wird 

übrigens unter den Gästen auch eine 

Originallithographie von Hans Staudacher verlost. 

[Auktion: 20. Februar 2017, Beginn 18.30 Uhr in der 

Galerie OstLicht, Absberggasse 27 in der ehemaligen 

Anker Brotfabrik – Foto: © Ressler Kunst Auktionen 

www.resslerkunst.com]


Die Auktion Künstlerinnen 

war ein großer Erfolg…… 

Maria Lassnig, Korkenziehermann (Tod), 1986-1987 

Rufpreis € 160.000, Meistbot € 280.000, Verkaufspreis € 350.000 

Am Abend des 23. Januar 2017 wurde für ausschließlich 

von weiblichen Künstlern stammenden Werken ein 

Umsatz von fast 1,1 Millionen Euro erzielt. Vor allem die 

beiden Ölgemälde von Maria Lassnig reüssierten. 

„Korkenziehermann (Tod)“ wurde von sieben telefonischen 

Mitbietern, mehreren schriftlichen 

Kaufaufträgen und Saalbietern von € 160.000 auf € 

280.000 (Kaufpreis 350.000) gesteigert. Noch 

erfolgreicher war „Hausfrau / Die Büglerin“, die bei € 

70.000 startete. Auch hier gab es sieben Bieter am 

Telefon. Der Zuschlag erfolgte erst bei € 170.000 

(Kaufpreis € 212.000). Maria Lassnigs Bleistiftzeichnung 

„Selbstporträt als Ohr“ wurde von € 12.000 

auf € 22.000 gehoben. Valie Exports „Zug“ wurde um € 

20.000 (€ 25.000) verkauft, Karen Kilimniks Triptychon 

reüssierte um € 38.000 (€ 47.500). Louise Bourgeois‘ 

Mappe ging um € 15.000 (€ 19.350) weg, die beiden 

Grafiken von Sybil Andrews erzielten € 29.000 bzw. € 

15.000. Derselbe Betrag wurde für die Arbeit von Birgit 

Jürgenssen geboten. Sehr erfreulich auch das Meistbot 

von € 13.500 (€ 17.400) für Brigitte Kowanz‘ 

„Rometeness“. (Foto: © Ressler Kunst Auktionen) 

VALIE EXPORT, Zug, Konzeptuelle Fotografie, Foto-Objekt, 9 Vintage-Silbergelantine-Abzüge 

Unikat, 34,2 x 103 cm, 1972, Rufpreis € 16.000, Meistbot € 20.000, Verkaufspreis € 25.000


Maria Lassnig, Hausfrau/Die Büglerin, Öl auf Leinwand, 65 x 75 cm, 1984 

Rufpreis € 70.000, Meistbot € 170.000, Verkaufspreis € 212.000 

Elke Krystufek, Selbstporträt, Öl auf Baumwollstoff, 70 x 60 cm, 

Rufpreis € 5.500, Meistbot € 8.500, Verkaufspreis € 11.000

KUNST.INVESTOR Albertina 

Anton Josef Trcka, Egon Schiele, 1914 

Bromöldruck auf Untersatzkarton


Egon Schiele, Alte Häuser in Krumau, 1914, Bleistift und Deckfarben auf Japanpapier 

Egon Schiele 

Sie sind leidenschaftlich und höchst subjektiv, schonungslos und zugleich allegorisch: die 

Meisterwerke Egon Schieles. Zum Auftakt des Gedenkens an seinen 100. Todestag leitet die Albertina 

schon 2017 den Reigen der großen Jubiläumsausstellungen zu Schiele ein: 180 seiner schönsten und 

bedeutendsten Gouachen & Zeichnungen führen in ein künstlerisches Werk ein, das sein großes 

Thema in der existenziellen Einsamkeit des Menschen findet. 

Egon Schiele ist nicht nur Mitbegründer des 

Expressionismus und neben Klimt eine der beiden 

Schlüsselfiguren der Wiener Jahrhundertwende, er ist 

vor allem der größte Zeichner des 20. Jahrhunderts. 

Zwölf Jahre nach der letzten großen Schiele- 

Ausstellung zeigt die Albertina das grafische Werk des 

Künstlers, das in seinem Schaffen als autonome 

Gattung einen spezifisch hohen Rang einnimmt. 

Unmittelbar nach seinem Studium an der Akademie, bei 

dem er vor allem Studien nach den strengen 

Vorschriften des dortigen Lehrbetriebs anfertigt, wendet 

sich der junge Schiele zunächst dem Jugendstil zu, 

wobei er vor allem in Klimt sein Vorbild findet. Doch im 

Gegensatz zu Klimt, dessen Zeichnungen als Ideen, 

Entwürfe oder Skizzen für seine Gemälde dienen, 

betrachtet Egon Schiele seine Arbeiten auf Papier 

bald als eigenständige, als autonome Kunstwerke. Um 

1910 findet er als kaum Zwanzigjähriger zu einem ganz 

unverwechselbaren, eigenem Stil– dies vor allem in 

seiner Zeichenkunst. Mit sicherer, kräftiger 

Linienführung umschreibt er seinen Bildgegenstand, 

der meist der menschliche Körper ist. Einerseits 

charakterisiert er ihn durch treffsichere Konturierung, 

andererseits verfremdet er ihn durch gewagte 

Perspektiven, durch überspitzte Gestik und Mimik und 

durch dessen Fragmentierung. Gerade in seinen 

präzise kalkulierten Zeichnungen erschließt er in 

Bezug auf Ikonographie und Farbgebung neues 

Terrain. Nicht zufällig wird das zeichnerische Œuvre 

des Künstlers als seiner Malerei mindestens ebenbürtig 

geschätzt - der Zeichner Schiele ist dem Maler Schiele 

sogar weit überlegen.


Egon Schiele, Felderlandschaft (Kreuzberg bei Krumau), 1910 

Schwarze Kreide, Aquarell, Deckfarben auf braunem Packpapier 

Obwohl Schiele die internationalen Kunstströmungen 

seiner Zeit interessiert verfolgt und auch Werke der 

Kubisten wie Pablo Picasso, der Futuristen, der 

Expressionisten und der frühen Abstrakten kennt, bleibt 

er doch immer der Gegenständlichkeit verpflichtet und 

schlägt nie den Weg zur Abstraktion ein. Nicht zuletzt 

aufgrund der expressiven Qualitäten seiner Arbeiten 

auf Papier wird er neben Oskar Kokoschka als der 

bedeutendste österreichische „Expressionist“ 

betrachtet. Im Gegensatz zu den deutschen 

Expressionisten, die den Schwerpunkt auf die 

Eigenständigkeit der Formen legen und folgerichtig 

auch zur Abstraktion gelangen, kann und will Schiele 

den Gegenstand nicht verlassen, denn ihm geht es 

letztlich immer um eine konkrete, inhaltliche Aussage, 

eine Botschaft, die in der Abstraktion verloren gehen 

würde. Vielleicht ist es aber gerade dieser 

leidenschaftliche Versuch des Künstlers, etwas über 

unsere Welt und über die existentielle Befindlichkeit des 

Menschen mitzuteilen, die uns noch heute so direkt 

anspricht, und uns so in den Bann zieht. Trotz seiner 

kurzen Lebensspanne (1890–1918) und einer kaum 

mehr als zehn Jahre währenden Phase künstlerischen 

Schaffens hinterließ Egon Schiele ein umfangreiches 

Werk. Es umfasst, seine Skizzenbücher nicht 

mitgerechnet, über 330 Gemälde und über 2500 

Zeichnungen. Die Albertina besitzt mit 180 Arbeiten 

Werke aus jeder Phase des so kurzen Schaffens des 

jung verstorbenen Genies: Die Sammlung beinhaltet 

160 Zeichnungen sowie 13 Skizzenbücher und darüber 

hinaus viele wertvolle Dokumente und Erinnerungen an 

sein Leben. Die Ausstellung in der Albertina 

veranschaulicht nicht nur die Dynamik der wechselnden 

Perspektiven – die Nähe und Ferne zu den 

Porträtierten, zum Aktmodell oder zum 

Landschaftsmotiv – in Schieles Zeichenprozess. 

Vielmehr wird der Versuch unternommen, die 

vielfältigen Inspirationsquellen des Künstlers 

aufzuzeigen, um einen neuen Zugang zur 

Entschlüsselung seines oft so rätselhaft-allegorischen 

Werks zu bekommen. Aus dieser Perspektive erweist 

sich Schiele nicht nur als Künstler von größtmöglicher 

Freiheit und ästhetischer Autonomie, sondern zugleich 

auch als ein Verfechter hoher Ethik und 

leidenschaftlicher Spiritualität. Die umfangreiche 

Kollektion der Albertina bildet den Ausgangspunkt der 

Ausstellung, die um einzelne, bedeutende Leihgaben 

aus nationalen und internationalen Sammlungen und 

Museen ergänzt wird. So richtet die Schau einen 

einzigartigen Blick auf die künstlerische Entwicklung 

Schieles, die sein plötzlicher Tod im Alter von nur 28 

Jahren so jäh beenden sollte. [Albertina. 

Ausstellungsdauer: 22. Februar bis 18. Juni 2017 – 

Foto: © Albertina]


Egon Schiele, Sonnenblumen, 1911. Bleistift, Aquarell


Egon Schiele, Adele Harms, die Schwägerin des Künstlers, 1917


Egon Schiele, Selbstbildnis mit herabgezogenem Augenlid, 1910


Egon Schiele, Grimassierendes Aktselbstbildnis, 1910, Bleistift, Kohle, Pinsel, 

Deckfarben mit proteinhaltigen Bindemitteln, Deckweiß auf Packpapier


Egon Schiele, Der Maler Max Oppenheimer, 1910 

Schwarze Kreide, Tusche, Aquarell auf braunem Packpapier


Egon Schiele, Zwei kauernde Mädchen, 1911 

Bleistift, Aquarell und Deckweiß auf Japanpapier


Egon Schiele, Halbwüchsiges Bauernmädchen, 1912 

Aquarell, Deckfarben, Bleistift auf Strathmore Japanpapier

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging 

Michael Vonbank, 2004, Ohne Titel, Ölkreide, 21 x 29,7 cm, Courtesy galerie gugging 

Franz Kamlander & Co: „viechereien“ 

Die Tierwelt, in allen ihren Facetten, ist faszinierend 

und wird auch in der Art Brut immer wieder als Thema 

gewählt. Der Gugginger Künstler Franz Kamlander ist 

mit seinen Zeichnungen und Gemälden von Tieren 

berühmt geworden. Von einem Bauernhof in 

Niederösterreich stammend, war sein eindeutiges 

Lieblingsthema die Darstellung von Kühen. Das liebe 

„Vieh" - das ist die Bezeichnung von zumeist 

domestizierten Nutztieren in der Landwirtschaft - wurde 

von ihm als Symbol seiner Jugend, die er zu Hause 

verbracht hat, in unzähligen Varianten gezeichnet und 

auch gemalt. Es geht bei ihm und all seinen 

Künstlerkollegen nicht um ein möglichst naturgetreues 

Abbild eines Tieres, sondern darum, die Emotionen 

dieses Tieres zu vermitteln. Es sind Empfindungen von 

Tieren, die dargestellt werden und die Wahrnehmung 

dieser Gefühle durch den Künstler. Erlebnisse und 

Erinnerungen finden ihren Ausdruck in Zeichnungen, 

Gemälden und Objekten. Rund um Franz Kamlanders 

Werk vermitteln weitere 25 KünstlerInnen, von Laila 

Bachtiar bis zu August Walla, einen Einblick in die 

„brute" Tierwelt. Dichte, archaische Arbeiten von Michel 

Nedjar, feine Zeichnungen von Oswald Tschirtner 

sowie farbintensive Werke von August Walla 

veranschaulichen, wie unterschiedlich die 

Herangehensweise an dieses Thema ist. Wir zeigen 

Raritäten von Anton Dobay und Ernst Herbeck und 

erstmals auch Objekte von Jens Mohr, Gemälde von 

Ernst Schär und Zeichnungen von Michael Vonbank. 

Begleitend zur Ausstellung wurde ein Katalog 

produziert, der mit Texten von Ernst Herbeck und 

Michael Vonbank einen kleinen Einblick in die 

„Viechereien" der Art Brut gewährt. [Galerie Gugging, 

Vernissage: Mittwoch, 15. Februar 2017, 19 Uhr. 

Ausstellungsdauer: 16. Februar bis 9. Mai 2017 – Foto: 

© Galerie Gugging]


Philipp Schöpke, 1977, Ferht Schimel, Bleistift, Farbstifte, 22,1 x 30,2 cm, © Privatstiftung - Künstler aus Gugging 

Michel Nedjar, 2001, untitled / Paris St.-Martin 2001, Mischtechnik auf Kuvert 23 x32,5 cm, © Michel Nedjar


2000, Kat.Nr. 2000-135, HORNESS IM TELLER, Bleistift, Farbstifte 14,7 x 10,4 cm, © Art Brut KG


Ernst Herbeck, 1973, Ein Hahn von mir, Bleistift, Farbstifte, 9,2 x 14,2 cm, © Privatstiftung – Künstler aus Gugging 

Anton Dobay, 1976, Elefant Bleistift, Wachskreiden, 20,9 x 29,7 cm, © Privatstiftung – Künstler aus Gugging

KUNST.INVESTOR 21er Haus 

Daniel Richter, Bill, 2015, Privatsammlung, Rotterdam, Courtesy Galerie Thaddeus Ropac 

London – Paris – Salzburg, © Jens Ziehe Photographie / © Bildrecht, Wien, 2017 

Daniel Richter - Lonely Old Slogans 

Daniel Richter ist einer der wichtigsten Maler seiner 

Generation und für Wien nicht zuletzt aufgrund seiner 

Professur an der Akademie der bildenden Künste von 

großer Bedeutung. Mit der Ausstellung Daniel Richter – 

Lonely Old Slogans zeigt das 21er Haus erstmals eine 

umfassende Werkschau des Künstlers in Wien 

(Österreich). Die als Wanderausstellung konzipierte 

Schau wird zunächst im Louisiana Museum of Modern 

Art in Humlebæk gezeigt, macht dann von 3. Februar 

bis 5. Juni 2017 Station im 21er Haus und wird danach 

in das Camden Arts Centre in London weiterreisen. Die 

Ausstellung ist als Retrospektive angelegt und soll 

Richters Entwicklung von den frühesten Arbeiten bis 

heute dokumentieren. Gezeigt werden die unruhigen, 

expressiven Abstraktionen der 1990er-Jahre, die an 

seine damalige Tätigkeit als Gestalter von 

Plattencovers verschiedener Punkrock-Bands denken 

lässt, bis hin zu theatralischen figurativen Szenen. Die 

jüngste Werkserie in der Ausstellung aus dem Jahre 

2015 widmet sich vor allem der menschlichen Figur und 

der erotischen Körperlichkeit. Richter, der immer auch 

ein politisch motivierter Maler war und ist, beschrieb 

seine theatralischen Arbeiten als eine Art 

Historienmalerei im neuen Stil. Wobei die 

Repräsentation eines konkreten historischen 

Ereignisses im Bild allerdings abhandengekommen ist. 

Die Bilder versuchen vielmehr einen bestimmten Geist, 

eine bestimmte Stimmung der zeitgenössischen 

Geschichte einzufangen, die vom Verschwinden der 

großen politischen Utopien gekennzeichnet ist. 

Kuratiert von Axel Köhne [21er Haus. 

Ausstellungsdauer: 3. Februar 2017 bis 5. Juni 2017 – 

Foto: © 21er Haus]


Daniel Richter, Zwiesprache mit der Natur (beim Baden), 1996 

Privatsammlung, Courtesy Jennifer VORBACH LLC, © Bildrecht, Wien, 2017 

Daniel Richter, Tuanus, 2000, Deichtorhallen Hamburg / Falckenberg Collection, © Bildrecht, Wien, 2017


Daniel Richter, Erinnerungen an S.O.36, 2009 

Igal Ahouvi Art Collection, © Jochen Littkemann, Berlin / © Bildrecht, Wien 2017 

Daniel Richter, Das Recht, 2001, Olbricht Collection, © Jochen Littkemann, Berlin / © Bildrecht, Wien 2017


Daniel Richter, Halber Akt, 2013, Privatsammlung, Deutschland, © Ulrich Gheezzi / © Bildrecht, Wien 2017

UNST.INVESTOR Belvedere 

Sammlung Klewan 

Porträt(s) der Moderne 

Giorgio de Chirico, Autoritratto, 1954 

Sammlung Klewan, © VG Bild-Kunst, Bonn 2016 

Der leidenschaftliche Kunstkenner Helmut Klewan (geb. 

1943) war als Galerist in Wien und München tätig. Er 

hat in den vergangenen vier Jahrzehnten eine 

beachtliche Sammlung zusammengetragen, die 

bedeutende Werke der internationalen klassischen 

Moderne bis hin zu zentralen Positionen der 

Nachkriegskunst umfasst. In der Orangerie im Unteren 

Belvedere werden vom 17. Februar bis 11. Juni 2017 

insgesamt 193 Werke von mehr als fünfzig 

Künstlerinnen und Künstlern aus dieser Sammlung 

gezeigt. Der Hauptfokus liegt dabei auf 

Porträtdarstellungen der unterschiedlichsten Künstler, 

etwa von Francis Bacon oder dem nahezu 

unbekannten Armand François Henrion. Im 

übertragenen Sinn wird es dadurch möglich, der 

Moderne in ihrer Vielfalt ein Gesicht zu geben. Die 

Sammlung Klewan zeichnet sich nicht nur durch die 

Vielgestaltigkeit der gesammelten Positionen aus, 

sondern auch durch eine selbstbestimmte Rezeption. 

So haben auch ausgefallene Werke der Kitschrezeption 

darin ihren Platz. Eine Besonderheit stellt außerdem die 

Sammlung von Schlüsselwerken der österreichischen 

Kunst seit 1945 dar. Helmut Klewan pflegte Kontakt mit 

bedeutenden österreichischen Künstlerinnen und 

Künstlern, darunter Arnulf Rainer, Maria Lassnig oder 

Friedensreich Hundertwasser. Als Galerist agierte er als 

wichtiger Vermittler der österreichischen 

Kunstproduktion im Ausland. [Belvedere. 

Ausstellungsdauer: 17. Februar 2017 bis 11. Juni 2017 

– Foto: © Belvedere]

KUNST.INVESTOR Belvedere 

Francis Bacon, Portrait Michel Leiris, 1990, Sammlung Klewan, © The Estate of Francis Bacon 

All rights reserved / VG Bild-Kunst, Bonn 2016


Arnulf Rainer, Drap (Selbstübermalung), 1970/1971, Sammlung Klewan, Arnulf Rainer © Atelier Arnulf Rainer, 2016


Maria Lassnig, Traum 1964, Sammlung Klewan

UNST.INVESTOR Kunsthalle Wien 

Marcel Odenbach, Köln, 2014, © Albrecht Fuchs, Courtesy Galerie Gisela Capitain, Köln

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien 

Marcel Odenbach, Im Schiffbruch nicht schwimmen können (Video Still), 2011 

© Marcel Odenbach & BILDRECHT GmbH, 2017, Courtesy Galerie Gisela Capitain, Köln 

Marcel Odenbach - Beweis zu nichts 

Beweis zu nichts ist der Titel eines Gedichtes von Ingeborg Bachmann, in dem sie den Fortbestand der Opfer-Täter- 

Struktur in der deutschen Nachkriegsgesellschaft thematisiert. Mit Beweis zu nichts überschreibt Marcel Odenbach 

seine große Personale in der Kunsthalle Wien ebenso wie eine jüngst fertiggestellte Filmarbeit, die im Rahmen der 

Ausstellung ihre Premiere hat. 

Marcel Odenbach nimmt sich in diesem Film des 

Mahnmals im ehemaligen Konzentrationslager 

Buchenwald an, das, entworfen von Bertolt Brecht und 

Fritz Cremer, als Symbol für die Überwindung des 

Nationalsozialismus durch den Kommunismus steht. 

Odenbach geht der Frage nach, wie Erinnerung und 

Geschichte visualisiert, umgedeutet oder ideologisiert 

werden können. Der Film gleicht einer endlosen Fahrt 

ohne Anfang und Ende, die in Kreisbewegungen die 

Skulptur abtastet und in immer tiefere Ebenen 

vordringt, wobei Schichten von Dokumenten freigelegt 

werden und – assoziativ – das Innere nach außen 

gekehrt, die Vergangenheit mit der Gegenwart 

verwoben und der Blick gleichermaßen auf das große 

Ganze wie auf Teilaspekte geheftet wird. Bereits in 

seinem Film Im Kreise drehen hat sich Odenbach mit 

einer Gedenkstätte beschäftigt, dem Mahnmal des 

ehemaligen Konzentrationslagers Majdanek im 

polnischen Lublin. Auch hier geht es um die Frage, wie 

das kollektive Gedächtnis materialisiert und dem 

Angedenken an die Opfer generationenübergreifend 

Ausdruck verliehen werden kann. In ihrer intensiven 

Auseinandersetzung mit der Problematik der 

Vergangenheitsbewältigung spiegeln Marcel 

Odenbachs Arbeiten den Nachhall des 

Nationalsozialismus bis in die Gegenwart hinein, öffnen 

zugleich jedoch die spezifisch deutsche Fragestellung 

auf eine allgemeingültige Perspektive hin. Odenbach 

beobachtet unterschiedliche Kulturen und politische 

Konstellationen und lässt sie in sein Werk einfließen. 

Auch die Reflexion über das Vertraute und Fremde, die 

eigene Biografie und jene anderer sind wichtige Motive 

seines Werks, das gleichermaßen ästhetisch wie 

politisch argumentiert.


Marcel Odenbach, Im Kreise drehen (Video Still), 2009, © Marcel Odenbach & BILDRECHT GmbH, 2017 

Courtesy Galerie Gisela Capitain, Köln 

Marcel Odenbach, Im Kreise drehen (Video Still), 2009, © Marcel Odenbach & BILDRECHT GmbH, 2017 

Courtesy Galerie Gisela Capitain, Köln


Die Aktualität von Themen wie Vergangenheitsbewältigung, 

Genozid und den Folgen von 

Kolonialismus unterstreichen weitere Arbeiten der 

Ausstellung: So zeigt die Videoinstallation In stillen 

Teichen lauern Krokodile, die den Genozid in Ruanda 

1994 thematisiert, historisches Dokumentationsmaterial 

und Ausschnitte aus dem Filmarchiv der UNO, aber 

keine direkten Bilder des Verbrechens. Die Annäherung 

an ein Land, das einerseits die Mörder verurteilen, 

andererseits die Völker versöhnen muss, geschieht 

über alltägliche Szenen, die die Schönheit Ruandas 

zeigen: Bauern auf Bananenfeldern, Kühe auf grünen 

Wiesen, Regen, der auf paradiesische Hügellandschaften 

fällt. Allein auf der Tonspur ist die 

Hetzpropaganda aus dem Radio zu hören, die die Hutu 

aufforderte, die Tutsi zu ermorden. Die Videoinstallation 

selbst gibt kein Urteil zu dem Geschehen ab und liefert 

auch keinen Erklärungsversuch. Die stark suggestiven 

Bilder fordern den Beobachter vielmehr dazu auf, sich 

selbst eine Meinung zu bilden. Im Schiffbruch nicht 

schwimmen können thematisiert Migration und Flucht 

und die Motive, die hinter solch weitreichenden 

Entscheidungen stehen. Die Interviews, die diesem 

Film zugrunde liegen, erzählen von Heimweh, von 

Ängsten und den Erwartungen an die Zukunft. Die 

visuelle Ebene zeigt drei in Frankreich lebende 

Migranten im Louvre bei der Betrachtung des 

Gemäldes Das Floß der Medusa von Théodore 

Géricault. Das monumentale Gemälde symbolisiert ein 

Stück französischer Kolonialgeschichte und deren 

Scheitern. Die Fregatte Medusa war 1816 nach den 

Napoleonischen Kriegen von Frankreich entsandt 

worden um die Kolonie Senegal von den Briten zu 

übernehmen. Nachdem sie Schiffbruch erlitten hatte, 

brach unter der Besatzung ein unerbittlicher Kampf ums 

Überleben aus. Die Ausstellung in der Kunsthalle Wien 

stellt Videofilme und -installationen neben Collagen, in 

denen Odenbach das Montageprinzip des Films 

aufgreift und Mikro- und Makroansicht aufeinandertreffen 

lässt. Während die Makroansicht ein klar 

erkennbares Motiv präsentiert, zeigt die Detailansicht 

unzählige Einzelbilder, aus denen sich das Motiv wie 

bei einem Puzzle zusammenfügt. Das große, leicht zu 

erkennende Bild zeigt sich zuerst. Bei näherer 

Betrachtung zerfällt es jedoch in Fragmente, die dem 

großen Ganzen untergeordnet scheinen, letztlich 

jedoch eine eigenständige Erzählung entfalten. Aus der 

Spannung dieser beiden, häufig gegenläufigen Bilder 

entsteht ein Zwischenraum, der vom Publikum selbst 

mit seiner Sicht der Dinge gefüllt werden muss. Die fast 

15 Meter lange Collage Durchblicke zeigt auf den 

ersten Blick einen dichten tropischen Dschungel. In der 

Nahsicht setzt sich dieser aus unzähligen Fotos 

zusammen, in denen sich die Kolonialgeschichte 

Afrikas spiegelt. Die der unmittelbaren Wahrnehmung 

entzogene zweite Ebene erfordert eine intensive 

Betrachtung aus der Nähe, die offen ist für komplexe 

Verweisstrukturen. In diesem Sinne plädiert das 

gesamte Œuvre Odenbachs für einen emanzipierten 

Betrachter, der sich zur Gegenwart und ihrer 

Verstrickung mit der Vergangenheit positioniert. 

[Kunsthalle Wien. Ausstellungsdauer: 5. Februar bis 30. 

April 2017 – Foto: © Kunsthalle Wien] 

Marcel Odenbach, *1953 in Köln; 1974–79 Studium der Architektur, Kunstgeschichte und Semiotik an der Technischen 

Hochschule, Aachen; seit 1976 Arbeit mit Video in Performances, Installationen und Tapes; seit 1992 Professuren an 

der Staatlichen Hochschule für Gestaltung, Karlsruhe und der Kunsthochschule für Medien, Köln; seit 2010 Professor 

an der Kunsthochschule Düsseldorf. Einzelausstellungen u. a.: Tel Aviv Museum of Art; Kunstmuseum Bonn; 

Frankfurter Kunstverein; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas; internationale Wanderausstellung organisiert vom 

Institut für Auslandsbeziehungen e. V. (ifa), Stuttgart; Sammlung Friedrichshof, Zurndor; Freud Museum, London; 

Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin.


Ausstellungsansicht: Babette Mangolte. I = Eye, Kunsthalle Wien 2016, Foto: Stephan Wyckoff 

Babette Mangolte. I = Eye 

Babette Mangolte ist eine ikonische Figur des 

internationalen Experimentalfilms. Seit Dezember 

präsentiert sie in der Kunsthalle Wien ihre erste 

Einzelausstellung in Österreich. Mangoltes Interesse 

galt zunächst der Performance und dabei insbesondere 

der Dokumentation der Kunst-, Tanz- und 

Theaterszene der 1970er Jahre. Ab Ende der 1970er 

Jahre konzentrierte sie sich auf das urbane Feld und 

die ausgedehnten Landschaften der Westküste der 

USA. I = Eye zeigt zahlreiche Film- und Fotoarbeiten 

von Mangolte, darunter auch jüngst entstandene 

Projekte, die einen neuen Blick auf die mediale 

Transkription und Historisierung der Performancekunst 

werfen. Sie alle verbindet eine einzigartige visuelle 

Form, die Einflüsse des Stummfilms, des 

amerikanischen Experimentalfilms und der 

feministischen Filmtheorie aufgreift und daraus einen 

singulären Stil entwickelt. In Anlehnung an Mangoltes 

elementares Interesse an der Inszenierung der 

subjektiven Kamera ist die Ausstellung in der 

Kunsthalle Wien experimentell angelegt und macht sich 

Raum und Zeit als Medien zu eigen. Den Mittelpunkt 

der Mise-en-scéne von I = Eye bilden Filmsequenzen, 

die von akustischen Interventionen unterbrochen, auf 

vier separate Leinwände projiziert werden. So entsteht 

eine immersive Installation als cineastisches wie 

choreographisches Erlebnis. I = Eye vermittelt 

Mangoltes Beschäftigung mit der Wahrnehmung von 

Performance und der Auseinandersetzung mit deren 

medialer Spezifizität, sowie die Art und Weise, wie sich 

das Ich der Performer/innen auf der Bühne in die 

ihrerseits subjektive Kamerasicht einschreibt. Die 

Ausstellung spannt einen großen Bogen, angefangen 

bei Werken, die sich dem frühen Kino und dem 

Experimentalfilm widmen, bis hin zu Dokumentarfotografien


Babette Mangolte, The Camera: Je or La Camera: I (Still), 1977, 16mm, 88 min., © Babette Mangolte, Courtesy die Künstlerin und 

BROADWAY 1602 UPTOWN & HARLEM, New York


Ausstellungsansicht: Babette Mangolte. I = Eye, Kunsthalle Wien 2016, Foto: Stephan Wyckoff 

Ausstellungsansicht: Babette Mangolte. I = Eye, Kunsthalle Wien 2016, Foto: Stephan Wyckoff


der Theater-, Tanz- und Performanceszene im New 

York der 1970er Jahre. Darüber hinaus werden zwei 

überarbeitete historische ortsspezifische Installationen, 

sowie aktuelle Projekte gezeigt. Dreizehn Filme, sowie 

Standbilder aus diesen Werken vermitteln einen breit 

angelegten Einblick in Babette Mangoltes filmische 

Praxis. Ihre Experimentalfilme brechen mit 

Sehgewohnheiten und untergraben die aus dem 

klassischen Kino bekannte Identifikation mit den 

Schauspielern. Diese Herangehensweise wird 

besonders deutlich in The Camera: Je or La Camera: I, 

einem ihrer ersten Filme. Der fotografische Blick wird 

hier auf die Menschen und auf New York – die Stadt in 

der Mangolte lebt – filmisch übertragen. Die 

verwendete subjektive Kamera vermittelt einen 

konkreten Eindruck von der Beziehung zwischen der 

Person hinter der Kamera und ihrem Motiv, also 

zwischen Filmerin und Gefilmtem. In ihren 

Installationen entwickelt Mangolte anhand spezieller 

Präsentationsformen neue Möglichkeiten „der 

Betrachtung dessen, was Betrachten heißt“. In der 

Kunsthalle Wien zeigt sie auch eine neue Version der 

Installation Touching mit einer Auswahl von Bildern aus 

ihrem Archiv historischer Theater- und 

Performancefotografien. Diese interaktive Arbeit lädt 

dazu ein, die Ausdrucke auf dem Tisch zu berühren 

und umzuordnen, ein Bild in verschiedenen Größen zu 

vergleichen und es auf den Kontaktabzügen zu 

betrachten. Weiters zeigt die Ausstellung die 

bahnbrechenden Fotos, die die Künstlerin 1973 von 

Trisha Browns Performancestück Roof Piece gemacht 

hat, sowie einige aus historischen Fotografien 

zusammengesetzte Diptychen, die Mangoltes Interesse 

an einer Neubewertung der Geschichte und einer 

Hinterfragung der Zeit belegen. Babette Mangolte (US- 

Amerikanerin, *1941 in Frankreich) entdeckte 1960 mit 

der Nouvelle Vague das Kino für sich. 1964 wurde sie 

als erste Frau in die von Louis Lumière gegründete 

„École Nationale de la Photographie et de la 

Cinématographie“ aufgenommen. Ihr Interesse an 

experimentellen Werken führt sie 1970 auf eine Reise 

in die USA und in die New Yorker Filmszene, wo sie mit 

Tanz, Performance und Theater vertraut und Teil der 

vitalen Kunstszene wurde. Auf die Frage, welche Filme 

den größten Einfluss auf sie hatten, nennt sie Dziga 

Vertovs Der Mann mit der Kamera (1929) und Michael 

Snows Wavelength (1967): „Diese beiden Filme haben 

buchstäblich mein Leben verändert. Wegen des ersten 

wollte ich Kamerafrau werden, und der Wunsch, den 

zweiten zu sehen, führte mich nach New York, wo ich 

mich niederließ und später meine Filme machte.“ 

Babette Mangolte war die Kamerafrau für Chantal 

Akermans Jeanne Dielman (1975) und News From 

Home (1976), wie auch für Yvonne Rainers Lives of 

Performers (1972) und Film about a Woman who… 

(1973). Über ihre Zusammenarbeit mit Chantal 

Akerman sagt Mangolte: „In den 70ern Feministin zu 

sein bedeutete nicht ‚Wir sind Frauen! Wir sind hier!‘ zu 

rufen. Vielmehr ging es uns darum zu zeigen, dass die 

Perspektive der Frau sich von der des Mannes 

unterscheidet. Als Frauen wollten wir andere 

Geschichten schreiben als die, die die jungen Männer 

unserer Generation interessierten, wie zum Beispiel die 

Nouvelle Vague Filmemacher, die Buddy-Filme und 

Krimis der Hollywood-Ära vor einer Pariser Kulisse 

nacherzählten.“ 1975 vollendet Mangolte ihren ersten 

Film What Maisie Knew, der im selben Jahr beim 

Toulon Filmfestival mit dem „Prix de la Lumière“ 

ausgezeichnet wurde. Danach entstanden weitere 

wichtige Filme wie The Camera: Je or La Camera: I 

(1977), The Cold Eye (1980), The Sky on Location 

(1982), Visible Cities (1991) und Four Pieces by Morris 

(1993). Einer ihrer jüngsten Filme ist Seven Easy 

Pieces (2007), eine Dokumentation über Marina 

Abramovićs Neuinszenierung bedeutender Werke aus 

den 1970er Jahren im New Yorker Guggenheim 

Museum. Über ihr künstlerisches Werk hinaus ist 

Babette Mangolte als renommierte Essayistin bekannt. 

Sie veröffentlichte zahlreiche Texte, die ihre 

fotografische Praxis der Dokumentation von 

Performances analysieren. [Kunsthalle Wie. 

Ausstellungsdauer bis 12. Februar 2017]


Tina Blau, Aus den Tuilerien – Grauer Tag, 1883 © Belvedere, Wien 

Tina Blau - Meisterwerke im Fokus 

Einhundert Jahre nach ihrem Tod ehrt das Belvedere 

die Malerin Tina Blau mit einer Ausstellung im Rahmen 

der Reihe Meisterwerke im Fokus. Die Ausstellung zeigt 

Hauptwerke aus allen Phasen von Tina Blaus Laufbahn 

neben bisher kaum bekannten Werken, die im Zuge der 

Recherchen zum neuen Werkverzeichnis der Künstlerin 

wiedergefunden werden konnten. Die 1845 als Tochter 

eines jüdischen Arztes geborene Wienerin ist zu den 

erfolgreichsten Landschaftsmalerinnen ihrer Zeit zu 

zählen. Schon als 15-Jährige erhielt sie privaten 

Malunterricht, mit 16 unternahm sie ihre erste 

Studienreise nach Siebenbürgen. Nach ihrer 

Studienzeit in Wien und München war sie ab 1870 

maßgeblich an der Entwicklung des sogenannten 

„österreichischen Stimmungsimpressionismus“ beteiligt. 

Ausgedehnte Aufenthalte in Ungarn, Holland, Italien, 

Deutschland, Frankreich und der Schweiz erschlossen 

ihr die aktuellsten Anregungen der europäischen 

Malerei ebenso wie die unzähligen Motive, an denen 

sie ihr Können schulte. So ergibt sich das Bild einer 

erstaunlich modern denkenden Malerin, die nicht nur 

als Mitbegründerin und Lehrerin der Kunstschule für 

Frauen und Mädchen, sondern vor allem als mutige 

und unabhängige Persönlichkeit eine enorme 

Vorbildwirkung für die nächsten Generationen junger 

Künstlerinnen entfaltete. [Belvedere. Ausstellungsdauer 

bis 09.April 2017 – Foto: © Belvedere]

KUNST.INVESTOR Kunsthaus Bregenz 

Rachel Rose, Everything and More, 2015 Filmstill, © Courtesy of Rachel Rose, Pilar Corrias Gallery, 

London und Gavin Brown's enterprise, New York 

Rachel Rose 

Rachel Rose (*1986, New York) ist der Shootingstar der 

gegenwärtigen US-amerikanischen Kunstszene. 

Ausgangs-punkt für ihre präzisen Videos ist ein 

konkreter räumlicher Bezug, eine Reverenz an 

modernes oder zeitgenössisches Bauen. Die 

Beschäftigung mit Architektur wird zu einem fluidalen 

Erleben. So ließ sie sich von dem berühmten 1949 

gebauten Glass House von Philip Johnson in New 

Canaan, Connecticut, inspirieren oder in einer ihrer 

jüngsten Arbeiten, die im Neubau des Whitney Museum 

of American Art in New York zu sehen war, von den 

Erleb-nissen eines Astronauten, der im Weltraum 

spazieren geht. In A Minute Ago (2014) spiegelt sich 

Licht auf einem Gemälde von Nicolas Poussin. Dieses 

Gemälde hängt im Glass House, wo Rose den 

Architekten des Gebäudes als dunstigen Schatten 

wiederauferstehen lässt und seinen Spuren auf einer 

seiner Führungen durch das Haus folgt. In diesem 

Video, wie auch in anderen Werken Roses, wird Zeit 

gedehnt, um scheinbar disparate Ereignisse, hier einen 

Hagelsturm und das Haus, miteinander zu verbinden. In 

Palisades in Palisades (2014) befindet sich eine junge 

Frau in einem oberhalb einer vulkanischen Felswand 

über dem Hudson River angelegten Park aus dem 19. 

Jahrhundert. Dies war der Ort, an dem im 

Amerikanischen Revolutionskrieg viele Soldaten 

starben. An genau diesem Platz steht nun die junge 

Frau. Unterschiedliche Geschichten und Zeiten greifen 

ineinander und überlagern sich. Es ist eine romantische 

Reminiszenz an Caspar David Friedrich, die dennoch 

politisch geladen ist, während der Trompe-l’œil-Schnitt 

den physischen Aspekt betont. Durch all ihre Werke 

zieht sich eine elegische Suche nach Bedeutung, wobei 

Rose unter anderem sinnliche Ansätze verfolgt. Aus 

diesem Grund ist der Videoschnitt ihr wichtigstes 

gestalterisches Mittel. Rachel Rose ist die jüngste 

Künstlerin, die jemals in das Kunsthaus Bregenz 

eingeladen wurde. Doch ihre Wahl ist nicht 

unbegründet. Nicht nur das Whitney Museum, New 

York, die Serpentine Gallery, London, das Museo 

Serralves in Porto, das Castello di Rivoli in Turin oder 

die Biennale in São Paulo feiern sie. Bregenz ist für ihre 

Kunst ein ideales Umfeld: Ort und Geschichte, 

Architektur und Natur, Sein und Sehen am See bieten 

die für ihr Werk maßgebliche Inspiration. Speziell für 

ihre Ausstellung im Kunsthaus Bregenz arbeitet Rachel 

Rose mit dem New Yorker Architekturbüro MOS 

zusammen, die die USA neben anderen auf der 

Architekturbiennale 2016 in Venedig vertreten haben. 

[Kunsthaus Bregenz. Ausstellungsdauer: 4. Februar 

2017 bis 17. April 2017 – Foto: © Kunsthaus Bregenz]

Grand Piano 214VC 

Klängliche Brillanz in seiner elegantesten Form 

Basierend auf dem großen Erfolg des Bösendorfer Konzertflügels 280VC 

Vienna Concert , der für großes Aufsehen auf vielen namhaften Bühnen 

sorgte, präsentiert Bösendorfer nun auch die einzigartigen Qualitäten der 

VC Technologie auf 2.14 Metern Länge. Würde man ausschließlich dem 

hörbaren Klangeindruck folgen, so überrascht dieser Flügel so manchen 

größeren Konzertflügel mit Bösendorfer Strahlkraft. Atemberaubende Dynamik, 

schier unbegrenzte Klangfarben und strahlende Brillanz: der neue 214VC 

verkörpert das musikalische Erbe Bösendorfer in zeitgemäßer Perfektion. Ein 

Klangerlebnis purer Emotion.

KUNST.INVESTOR Buchtipp 

Michael Schultz 

(Un)zensiert 

Edition Braus 

629 Seiten 

48,00 € 

ISBN 978-3-86228-155-8 

(Un)zensiert - die Bekenntnisse über Kunst, Künstler. Über Gott. Den Islam. Über Sex, Fußball und die Tragödien 

unserer Zeit. Zusammengestellt in Tagesbriefen, die als Daily News vier Jahre lang einen ausgewählten Kreis von 

Empfängern erreichte. Von montags bis freitags, Woche für Woche, Jahr für Jahr. Dazu gehörte viel Durchhaltevermögen, 

aber auch Verzicht. Auf Alkohol am Abend und Zärtlichkeit am Morgen. Immer on duty. Geschrieben von, 

erschienen in der Edition Braus.


Alfred Zellinger 

Flash Poetry 

Karl Kraus: Die letzten Tage in 100 tweets 

Arnold Schönberg im Café Museum 

Doktor Faustus in London 

James Joyce in Triest 

Unsere Zeit bedarf schneller Kommunikation, ihre Kunst sollte dabei vorangehen. Postings, Slams, Jazz Slams – die 

Zeiteinheiten werden immer kürzer; alles lässt sich heute twittern, sogar "Die letzten Tage der Menschheit" und wie 

Kraus auch Joyce, ein neuer Faust oder Börsenstrategien – wofür in diesem Buch der Beweis angetreten wird. Das 

neue Jahrtausend begann mit der 5-Minuten-Regel für Poetry Slams ebenso wie für die Pitches von Start-ups und 

beschleunigte indessen zum "Elevator Pitch": 30 Sekunden, die Dauer einer Aufzugsfahrt. Alfred Zellinger beschleunigt 

seine Prosa, rhythmisch und minimalistisch, in Blitzlichtern fragmentiert zur "Flash Poetry", zu interpretieren wie ein 

Blues oder eine Ballade – vom Elevator-Pitch zur Minimal Prose. Karl Kraus: Die letzten Tage in 100 tweets / Arnold 

Schönberg im Café Museum / Giacomo Casanova auf dem Wiener Graben / Doktor Faustus in London / James Joyce 

in Triest /City Boys /Droge-Leben / BörsenBeben 

Alfred Zellinger, geb. 1945, lebt als Schriftsteller in Wien und Gmunden. Während seiner, wie er es nennt, "40 Jahre im 

Auge des Kapitalismus" arbeitete er für Konzerne wie Unilever und Procter & Gamble, für die englische Werbeagentur 

Masius, war Marketingleiter bei Philips, Professor an der Kunstuniversität Linz; Werbechef und Bankdirektor der 

BAWAG-PSK und CEO von Bösendorfer 

edition pen Bd. 45 

12,5 x 20,5 cm | Broschur 

© 2016 Löcker Verlag 

Ca. 200 Seiten | € 19,80 

ISBN 978-3-85409-816-4


Otto Hans Ressler 

Soshana 

Als Susanne Schüller, wie Soshana eigentlich hieß, elf Jahre alt war, musste sie mit ihrer Familie aus Österreich 

flüchten. Über Paris und London gelangte sie nach New York. Sie war siebzehn, als sie die Schule verließ und mit 

ihrem Lebensgefährten, dem Maler und Bildhauer Beys Afroyim, durch Amerika zog und mit Porträts prominenter 

Emigranten erste Lorbeeren als Künstlerin erwarb. In New York verkehrte sie mit den (damals noch unbekannten, 

mittlerweile weltberühmten) Künstlern des Abstrakten Expressionismus und der Pop Art. Sie ging nach Paris und 

schloss Freundschaft mit Constantin Brancusi, Frantisek Kupka, Yves Klein, Jean Paul Sartre und vor allem mit Alberto 

Giacometti. 1953 lud Pablo Picasso sie nach Vallauris ein, die beiden hatten eine kurze, heftige Affäre, aus der 

Soshana floh, weil sie befürchtete, von Picasso völlig vereinnahmt und erdrückt zu werden. Sie bereiste, längst eine 

etablierte Künstlerin, die ganze Welt. 1999 hatte sie ihre letzte große Ausstellung im Musée Matisse in Nizza. Soshana 

starb im Dezember 2015 in Wien. 

„Wie in meinen letzten Büchern habe ich Soshanas Lebensgeschichte aus der Sicht der Künstlerin aufgezeichnet. 

Dabei konnte ich mich auf tausende Tagebuchseiten stützen, die sich in der Österreichischen Nationalbibliothek 

befinden. Trotzdem ist Soshana keine Biografie, sondern ein Künstlerroman.“ Otto Hans Ressler 

Edition Va Bene (Verlag) 2016 

Buch | Hardcover 

Preis: 21,90 Euro 

304 Seiten 

ISBN 978-3-85167-302-9


Adolf Krischanitz 

Das Inventar ist das 

Ergebnis der Inventur 

Basierend auf den Entwürfen für zahlreiche Gebäude aus den Bereichen Kultur, Wohnen, Gewerbe, Bildung etc. hat 

Adolf Krischanitz Innenausstattungen entworfen, die sich mit wenigen Ausnahmen jeweils aus den laufenden 

Bauaufgaben entwickelt haben. Die im Zuge der architektonischen Arbeit entstandenen Interieurs sind in der Regel 

nicht nur Sessel, Tisch, Liege und Lichtobjekte, sondern sind konstitutiver Teil des räumlichen Aufbaus und der Gestion 

des integralen architektonischen Raumes. Alles in allem liefert er durch sein Werk einen bemerkenswerten Beitrag zu 

einem wichtigen Aspekt der jüngeren österreichischen Architekturgeschichte. Die Entwicklung dieser Arbeiten ist 

anfänglich durch historisierende postmoderne Tendenzen gekennzeichnet, um schließlich in radikalere direkte 

Versuche zur Anknüpfung an die inzwischen fast verloren gegangene Entwurfstradition des regionalspezifischen 

Ausstattungshandwerks in Wien zu münden. Außerdem werden Kooperationen mit anderen Architekten (Otto 

Kapfinger, Hermann Czech), mit Künstlern (Oskar Putz, Gilbert Bretterbauer, Helmut Federle, Gerwald Rockenschaub) 

gesucht und zu spezifischen Entwurfsergebnissen gebracht, die sich jenseits aller modischen Tendenzen trotz oder 

gerade wegen ihrer zeithältigen Materialität heute wie zeitlos gerieren. 

Adolf Krischanitz, * 1946 in Schwarzach / Pongau gründete 1970, gegen Ende seines Studiums an der Technischen 

Universität Wien, zusammen mit Angela Hareiter und Otto Kapfinger die Architektengruppe Missing Link. 1979 zählte 

er zu den Begründern der Zeitschrift UmBau der Österreichischen Gesellschaft für Architektur und übernahm 1982 den 

Vorsitz dieser Gesellschaft. Als Mitglied und schließlich Präsident der Wiener Secession (1991–1995) verantwortete er 

die Gestaltung und Organisation zahlreicher Ausstellungen zeitgenössischerKunst. Als Gastprofessor war er 1989 an 

der Technischen Universität München sowie an den Sommerakademien in Karlsruhe (1990), Neapel (1994/95) und 

Wien (1996) tätig. 1992–2011 war er Professor für Stadterneuerung und Entwerfen an der Universität der Künste 

Berlin. Seit 1979 arbeitet Krischanitz als freischaffender Architekt mit Ateliers in Wien und Zürich. 

Herausgeber: Edelbert Köb 

Texte: Sebastian Hackenschmidt, Otto Kapfinger, Adolf Krischanitz und Marcel Meili 

ALBUM VERLAG, Wien 2016- Auflage: 1.000 Stück 

224 Seiten, 210 x 260 mm, Preis: 46,- Euro 

ISBN: 978-3-85164-196-7


Heinz Adamek 

„KUNSTAKKORDE – diagonal“ 

Essays zu Kunst, Architektur Literatur und 

Gesellschaft 

Heinz P. Adamek stellt mit diesem Essay-Band beispielhaft „Kunstschritte vom 19. ins 21. Jahrhundert“ vor: Er 

beleuchtet Persönlichkeiten aus bildender und angewandter Kunst, Architektur, Literatur, Theater und Film. Als 

vormaliger Universitätsdirektor der Universität für angewandte Kunst Wien gewährt er in Beiträgen über Hermann 

Heller, Anton Kenner, Bertold Löffler, Otto Niedermoser, Michael Powolny, Grete Rader-Soulek, Elli Rolf und Heinrich 

von Tessenow - durchwegs prägenden Gestalten der „Angewandten“ - profunde Einblicke in deren Schaffen, anderseits 

gilt sein Engagement als jahrelangem Initiator bzw. Kurator von Ausstellungen dem Oeuvre Giovanni Segantinis ebenso 

wie Arbeiten internationaler Künstler der Gegenwart zum Thema Rezeption des Werkes von Gustav Klimt. Sein 

Interesse für das Fin de Siècle und die frühe Moderne drückt sich auch in der Stückwahl für die Theateraufführungen 

des Wiener European Studies Program der Central University of Iowa aus, für die der Autor als Dramaturg und 

Regisseur eineinhalb Jahrzehnte verantwortlich zeichnete. Nicht zuletzt durchleuchtet der Arthur Schnitzler-Kenner 

Adamek in zwei Essays wenig bekannte Seiten des prominenten Dichters. 

Heinz Adamek 

„KUNSTAKKORDE – diagonal“ 

250 Seiten, 107 Abbildungen 

Hardcover, Schutzumschlag 

Preis 30,- Euro 

Verlag Böhlau Wien, Köln, Weimar 

ISBN 978-3-205-20250-9

KUNST.INVESTOR 

Genusskunst 

Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien 

Le Restaurant, Le Club, Le Design 

Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das 

gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine 

Ruckendorfer und Architekt Alberto Bach perfekt 

definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für 

viele internationale Prestigebauten verantwortlich und 

hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und 

orientalischen Klischees. Beide wollten dem Aux 

Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das 

Licht wird durch die Neugestaltung tief in den Raum 

geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. 

"Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten 

kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen 

Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von 

großer Klarheit", erklärt Bach. "Verbindend dazu finden 

sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit 

klassisch marokkanischen Elementen." Eine 

Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum 

Einsatz kommt. Ruckendorfer Für Ruckendorfer ist das 

Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem 

Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 2000 

Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: 

Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & 

Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", 

"Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes 

mehr erwarten den Gast. "Orient Light" nennt sich das 

frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für 

die heißen Sommermonate in der City. Im "Lunch 

Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von 

libanesischen Mezze-Gerichten und marokkanischen 

Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat- 

Buffets angeboten. Abends können diese auch à la 

Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es 

Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte 

im Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte 

Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. 

Abends kommt regional-österreichisches zum Einsatz, 

wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem 

Rinderprosciutto und Granatapfel, einem zarten 

Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier 

werden mit Gemüse-Tajine oder gebackenen Kartoffeln 

mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip 

verwöhnt.

KUNST.INVESTOR Genusskunst 

Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary 

Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat 

sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine 

Signature-Drinks überlegt. So wird der berühmte 

marokkanische Minztee, an dem bereits Winston 

Churchill im La Mamounia schlürfte, im Sommer "on the 

rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine 

alkoholische Version des Traditionsgetränks aus der 

Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, 

berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von 

Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip 

Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer 

heißen Bar-Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht 

fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach 

einer klandestinen Rezeptur eines jamaikanischen 

Barmans gemixt. 

After Work-Shower 

Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch 

wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem 

anstrengenden Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder 

wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon 

de Beauté schaffen Abhilfe. Für 15,- Euro können sich 

Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, 

entspannen und für den Abend zu Recht machen. Im 

Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk 

(hausgemachte Limonaden und Eistees). 

Verwöhnprogramm für Body & Soul 

Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und 

Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & 

Salon de Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das 

nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf 

bis Fuß verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 

500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches 

Dampfbad, Behandlungs- und 

Entspannungsräumlichkeiten in bester Orient-Manier. 

Hammamcis verwöhnen mit Waschungen, Peelings, 

wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls 

gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at

KUNSTINVESTOR AUSGABE FEBRUAR 2017

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