KUNSTINVESTOR 'special' - AUSGABE SEPTEMBER 2019

SPECIAL 

RESSLER KUNST AUKTIONEN 

12. Auktion - 23. September 2019

KUNST.INVESTOR Editorial 

Liebe Leserinnen 

und Leser! 

So spannend war der Kunstmarkt noch nie: Die 

Kalender der Sammler und Kunstinvestoren sind voll. 

Auktionen, Ausstellungen und Previews, ein Termin jagt 

den nächsten. Und dem Geschäft mit den schönen 

Dingen mangelt es keineswegs an Härte, ganz im 

Gegenteil, auf der Suche nach neuen Kunden und 

Märkten bedarf es Flexibilität und Wandlungsfähigkeit. 

Der österreichische Kunstmarkt mit seiner prosperierenden 

Galerieszene boomt und Österreichs Auktionshäuser 

legen an Internationalität kräftig zu. Die allgemeine 

Wirtschaftssituation verunsichert den Geldmarkt, 

doch die Kunst behält ihren Wert, ist nicht vom Ölpreis 

und taumelnden Finanzmärkten abhängig. 

Ist nachhaltiges Kunstsammeln Luxus? Etwas Kostspieliges, 

Verschwenderisches, das man sich, wenn 

überhaupt, nur zum Vergnügen leisten kann? In der 

Kunstbranche sind die Fachleute der Überzeugung, 

dass dem nicht so ist. Vielleicht gerade in der 

Luxusbranche, die vom Image lebt, ist das Einhalten 

von diesen Kriterien kein Luxus, sondern beinharte 

Notwendigkeit. Der Inbegriff des Luxus ist offensichtlich 

nicht mehr das, was er einmal war. Das sind meine 

Gedanken, als ich mich mit dem Thema auseinander 

setzte. Was aber ist dann Luxus? Luxus kommt aus 

dem Lateinischen und bedeutet „verrenkt“ bzw. im 

übertragenen Sinn, abweichend vom Normalen. Heute 

steht es laut Duden für einen kostspieligen, verschwenderischen, 

den normalen Rahmen der Lebenshaltung 

übersteigenden, nicht notwendigen und nur zum 

Vergnügen betriebenen Aufwand. Wer heute Kunst 

sammelt, wird nicht mehr wie Orchideenzüchter 

belächelt. Kunstsammler sind kluge Menschen- halt 

„Verrenkte“ Weltbürger. 

Weil es bei allen Dingen des Lebens immer auf den 

richtigen Mix ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit 

fundierten Hintergrundberichten sondern auch mit den 

wichtigen Nachrichten und aktuellen Auktionen 

begeistern. 

Viel Spaß wünscht Ihnen 

Michael Ruben Minassian 

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian, 

Mail: michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1312 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 

1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 91920- 9045 DW, 

Fax: +43 1/2981298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © ‚Ressler Kunst Auktionen GmbH‘ Franz Ringel, Radfahrer, 

Mischtechnik auf Papier, 63 x 76 cm, 1973 

Rufpreis € 3.500

KUNST.INVESTOR 

Ein Ort für Künstlerseelen 

Foto: © Ressler Kunst Auktionen 

„Der Künstler“, hat Auguste Rodin einmal geschrieben, 

„bietet ein großes Beispiel. Er vergöttert seine Arbeit.“ 

Und: „Die Menschen werden erst glücklich sein, wenn 

sie Künstlerseelen haben, das heißt, wenn ihre Arbeit 

ihnen Freude macht, wenn sie ihrem Leben einen Inhalt 

geben.“ Auch Sammler haben solche Künstlerseelen. 

Sie kennen das Glücksgefühl des Suchens und 

Findens. Meist geht es nicht um Besitz, Prestige und 

Erfolg – jedenfalls nicht in erster Linie. Es geht um 

Erkenntnis, darum, einen größeren Zusammenhang 

herzustellen. Es geht um die Hoffnung, dass sich der 

Blick auf etwas Ganzes erschließen werde. Es geht 

darum, eine neue Ordnung herzustellen; eine Ordnung, 

mit der sich besser verstehen lässt, was man vor 

Augen hat. Nicht nur Künstler, auch Sammler 

verwandeln ihren Stoff; sie verändern unsere 

Vorstellung davon, und sie tun es, indem sie die Werke, 

die sie sammeln, in eine neue Beziehung zueinander 

bringen. Genau das ist es, worunter wir letztlich Kultur 

verstehen. Sammeln ist ein Urtrieb des Menschen. Der 

Sammler umgibt sich mit Dingen, denen er eine 

besondere Bedeutung zumisst. Oft ist es erst er, der 

den gesammelten Objekten diese Bedeutung verleiht, 

der sie entdeckt, sie definiert – und anderen zugänglich 

macht. Balzac hat in „Vetter Pons“ Sammler als die 

leidenschaftlichsten Menschen beschrieben, die es auf 

der Welt gibt. Sie gehen in einer Sache mit all ihren 

Sinnen auf. Und das ist die Voraussetzung, wenn 

einem der Sinn nicht verborgen bleiben soll. 

Aber so, wie die Kunst kein dekorativer Spaß ist, ist 

auch Sammeln kein Spiel. Die meisten Sammler 

sammeln, weil es ihnen Vergnügen bereitet, ja 

Lustbefriedigung verschafft. Aber letztlich treibt sie das 

Bemühen an, dem Vergehenden Dauer zu verleihen. 

Sie sammeln, um die Zeit anzuhalten. Sie sammeln, 

weil sie sich nicht mit der eigenen Vergänglichkeit 

abfinden wollen. Es gibt zahllose Möglichkeiten, als 

Sammler zu scheitern. Die größte Gefahr besteht darin, 

dass der Sammler dem Irrglauben unterliegt, dass 

seine Sammlung nur ihm selbst gehöre. Die Wahrheit 

ist, dass sich eine Sammlung, um lebendig zu bleiben, 

entwickeln muss. Das kann sie aber nur in der 

Auseinandersetzung mit anderen Menschen. Die 

Sammlung muss daher zugänglich sein, sie muss von 

möglichst vielen Leuten gesehen werden, sie muss ihre 

Wirkung auf sie ausstrahlen können; sie muss ihre 

eigene Veränderung auch in der Bewunderung und in 

der Kritik anderer Menschen erweisen.


Lebendig ist eine Sammlung aber nicht nur dadurch; sie 

muss auch permanent verbessert werden. Und das 

erfordert nicht nur, dass man immer bessere Werke 

kauft, sondern dass man weniger gute oder für die 

Vollendung der Sammlung weniger wichtige Werke 

abgibt. Und selbstverständlich ist es der Sammler, der 

entscheidet, was gut und was weniger gut ist. Mit einer 

Sammlung muss permanent gearbeitet werden, sie 

muss permanent gestrafft werden; denn wird aus ihr 

nicht mehr verkauft, ist sie tot. Sie mag das höchste 

Qualitätsniveau erreicht haben – dennoch ist sie nur 

noch museal. Wer mit offenen Augen durch unsere 

Museen geht, speziell durch das Kunsthistorische 

Museum, das Leopold Museum, aber auch große Teile 

des MUMOK und demnächst das Künstlerhaus, mag 

sich erinnern, dass für das, was es hier an Schätzen 

gibt, meist ein einzelner Sammler verantwortlich war, 

der begonnen hat, sich mit Dingen zu umgeben, die 

ihm wichtig waren – und die heute unser gemeinsames 

kulturelles Erbe darstellen. Sammlungen sind wertvoll – 

nicht nur in materieller Hinsicht. Sondern auch, weil sie 

die Kunst einer Zeit feiern. Deshalb müssen sie 

öffentlich zugänglich sein, damit die Sicht des 

Sammlers verstanden und geteilt werden kann. Um 

nachvollziehen zu können, wonach er suchte. Und nicht 

zuletzt: um das Einzige zu tun, wofür – nach Platon – 

zu leben sich lohnt: das Schöne zu betrachten. 

Es gibt fast nichts, was nicht gesammelt würde: 

Briefmarken, Münzen, altes Spielzeug, Mineralien, 

Schundhefte, Andachtsbilder, Backformen, Autographen, 

Bücher, Christbaumschmuck, Emailschilder, 

Gartenzwerge, Hologramme, was auch immer. Überall 

treibt es die Sammler voller Leidenschaft an, den 

Dingen auf den Grund zu gehen. Aber nirgends 

geschieht das so konsequent, so überzeugend, so 

rigoros wie bei der Kunst. Denn bei der Kunst geht es 

um unsere innersten Gewissheiten, um unsere tiefsten 

Ängste, um unsere geheimsten Sehnsüchte – und nur 

mit dem, was wir durch die Kunst entdecken, werden 

wir irritiert und aus der Sicherheit unserer Überzeugungen 

gestürzt. Kunst ist Ausdruck und 

Gestaltung. Sie ist Ausdruck eines einzelnen 

Menschen, aber voller Relevanz für jeden von uns. 

Denn sie setzt die zum Ausdruck gebrachten 

Empfindungen des Künstlers in Beziehung zu unseren 

eigenen, wenn wir sein Werk betrachten. Bei der Kunst 

geht es nicht um Dekoration; nicht um Schönheit; nicht 

um die Genialität einer Idee; nicht um die Interpretation 

kluger Köpfe. Bei der Kunst geht es um ihre Relevanz 

für jeden von uns: um ihre – und damit unsere – 

Wahrheit. Am 23. September wird der herbstliche 

Auktionsreigen mit der 12. Auktion der RESSLER 

KUNST AUKTIONEN eröffnet. Zur Ausbietung 

gelangen 245 Werke mit einer Rufpreissumme von 

1,2 Millionen Euro. 

Vernissage: Donnerstag, 19. September 2019, 18.30 – 21.00 Uhr in der Galerie OstLicht, 1100 Wien, Absberggasse 

27 in der ehemaligen Anker Brotfabrik. Unter den Besuchern wird eine Farbradierung von Alfred Hrdlicka verlost. 

Vorbesichtigung: Freitag, 20. September bis Montag, 23. September 2019, täglich von 12 – 18 Uhr – auch Samstag 

und Sonntag in der Galerie OstLicht, 1100 Wien, Absberggasse 27 in der ehemaligen Anker Brotfabrik. 

Auktion: Montag, 23. September 2019, 18.30 Uhr in der Galerie OstLicht, 1100 Wien, Absberggasse 27 in der 

ehemaligen Anker Brotfabrik. Während der Vernissage und der Auktion stehen Parkplätze im Areal zur Verfügung. 

RESSLER KUNST AUKTIONEN GMBH 

A 1100 Wien Absberggasse 27, c/o Galerie OstLicht 

in der ehem. Anker Brotfabrik 

Tel. +43 1 600 56 30 

Fax +43 1 600 56 30 4 

Mobil +43 676 410 22 25 

Mail: ressler@resslerkunst.com Website: www.resslerkunst.com


Max Weiler, Komposition, Eitempera auf grundiertem, handgeschöpften Papier, 88 x 62,5 cm, 1962, Rufpreis € 25.000 

Foto: © Ressler Kunst Auktionen


Carl Unger, Figur (in Memoriam Jan Pollack), Öl und Dispersion auf Leinwand, 121 x 81 cm, 1969, Rufpreis € 18.000 

Foto: © Ressler Kunst Auktionen GmbH


Josef Dobrowsky, Weiblicher Rückenakt mit Spiegel, Öl auf Leinwand, 42 x 58 cm, 1928, Rufpreis € 12.000 



Anton Lehmden, Vogelflug über Wien, Mischtechnik auf Hartfaserplatte, 22 x 29 cm, 1969, Rufpreis € 5.000 



Kiki Kogelnik, Pineapple Head (aus der Serie „Little Heads I“), Glasskulptur, Murano, ca. 37 x 17,5 x 13 cm, 1995, Rufpreis € 14.000 



Arnulf Rainer, ohne Titel, Ölkreide und Leimfarbe auf Papier auf Holz, 39 x 45 cm, 1996, Rufpreis € 16.000 



Arnulf Rainer, Stehender Akt, Laserdruck übermalt, 42 x 29,5 cm, um 2000 € 



Franz West, Paar im Liebesrausch, Mischtechnik auf Papier, 30,8 x 27,8 cm, 1978, Rufpreis € 8.000 



Hermann Nitsch, Schüttbild, Acryl auf Leinwand, 80 x 60,5 cm, 2013, Rufpreis € 8.000 



Egon Schiele, Skizze, Bleistift auf Papier, 5 x 4 cm, um 2013, Rufpreis € 2.500 



Martha Jungwirth, ohne Titel, Aquarell auf Papier, 20 x 14,7 cm, 1989, Rufpreis € 1.000 



Elmar Trenkwalder, ohne Titel, Bronze patiniert, 63 x 36 x 30 cm, 1992, Rufpreis € 3.000 



Hubert Scheibl, ohne Titel (Diptychon), Öl auf Leinwand, 150 x 100 cm, 1983, Rufpreis € 9.000 



Max Weiler, Komposition, Eitempera auf grundiertem, handgeschöpften Papier, 88 x 62,5 cm, 1962, Rufpreis € 25.000 



Martin Schnur, blanko #2, Öl auf Leinwand, 70 x 60 cm, 2014, Rufpreis € 5.000 



Otto Mühl, Drei Liebespaare, Öl auf Leinwand, 139,5 x 179 cm, 1983, Rufpreis € 35.000 



Günter Brus, Nachthunger, Mischtechnik auf Papier, 40 x 29,5 cm, 1993, Rufpreis € 5.000 



Albert Birkle, Der Illusionist, Kohle und Tusche auf Papier, 53,5 x 38,5 cm, nach 1945, Rufpreis € 6.500 



Renate Bertlmann, Desert (aus der Serie Kaktus mit Doppelpenis), Kunststoff, Silikon, Plexiglas, Höhe 79 cm, 1999, Rufpreis € 4.000 



Herbert Brandl, ohne Titel, Aquarell auf Papier, 94,5 x 64 cm, 2003, Rufpreis € 4.000 



Julian Schnabel, Bandini (His Foe Pursued), Farbsiebdruck auf Museumskarton, mit Kunstharz übergossen, 

handbearbeitet, 115 x 91 cm, 1998, Rufpreis € 6.000 



Anselm Glück, Aufatmen in Ostende, Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm, 2009, Rufpreis € 5.000 



Hermann Nitsch, Schüttbild mit Malhemd, Öl und Acryl auf Jute, 200 x 300 cm, 1989, Rufpreis € 25.000 



Sigmar Polke, ohne Titel, Mischtechnik und Collage auf kariertem Papier, 21 x 14,5 cm, 1972, Rufpreis € 12.000 



Damien Hirst, Shark Spin Painting, Acryl auf Papier, 49 x 66 cm, 2009, Rufpreis € 3.000 



Gunter Damisch, Steher in der Weltendichte, Öl auf Leinwand, 110 x 110 cm, 2000, Rufpreis € 12.000 



Erwin Wurm, ohne Titel (aus der Serie Hamlet / Matthias Hartmann), C-Print, 160 x 200 cm, 2007, Rufpreis € 7.000 



Heimo Zobernig, Tagesbett, 2 Bühnenpodeste, Kunstfaserpelz, 250 x 250 cm, 2016, Rufpreis € 25.000 



Arik Brauer, Künstliche Gesellschaft, Öl auf Holzplatte, 43 x 94 cm, 1987, Rufpreis € 38.000 



Oskar Höfinger, Liegende mit überschlagendem Bein, Porphyr, ca. 43 x 100 x 29 cm, 1990, Rufpreis € 28.000 



Franz West, 6 Stühle (in Zusammenarbeit mit Mathis Esterhazy), je 84 x 45 x 43 cm, 1986/1990 Rufpreis € 38.000 



Robert Zeppel-Sperl, Löwe, Öl auf Hartfaserplatte, 40 x 50 cm, 1985, Rufpreis € 2.000 



Salvador Dali, The birdman, Bronze patiniert auf Socker, 26 x 8,5 x 8,5 cm, 1981, Rufpreis € 2.800 


KUNST.INVESTOR Kommentar – Otto Hans Ressler 

Was ist Kunst 

‚…es geht gar nicht um Bewertung, 

sondern darum, ob und was 

das Kunstwerk für mich bedeutet.‘ 

Ein Kunstwerk kann ein Bild sein oder eine Skulptur, 

aber ebenso ein Autowrack, eine Ansammlung von 

Steinen, eine halbverkohlte Geige, eine schmutzige 

Badewanne oder eine auf einen Zettel gekritzelte Notiz. 

Es gibt keine allgemein gültige Definition für Kunst. 

Gäbe es eine, würde wohl schon am nächsten Tag ein 

Künstler darangehen und etwas machen, das diese 

Definition ad absurdum führt. Das bedeutet freilich 

nicht, dass Kunst pure Subjektivität und jeder Deutungsversuch 

von Anfang an zum Scheitern verurteilt 

wäre. Vor allem kann man für sich selbst durchaus 

Qualitätskriterien finden. Und da wir soziale Lebewesen 

sind, ließen sich im Meinungsaustausch mit anderen, 

an Kunst interessierten Menschen fraglos übereinstimmende 

Überzeugungen finden. Das passiert auch 

permanent. Im Grunde ist der Kunstmarkt nichts 

anderes als ein Ort des ständigen Austauschs von 

Argumenten und Einschätzungen. Wenn ich von Kunst 

spreche, meine ich bildende Kunst – also die 

Ergebnisse einer Tätigkeit, die aus einem kreativen 

Prozess entstehen und nicht eindeutig durch 

Funktionen festgelegt sind. Ich meine Bilder, Plastiken, 

Installationen, Fotos, Filme, Grafiken; also ganz 

konkrete Objekte. Ich meine nicht die Kochkunst, nicht 

die Baukunst, nicht die Liebeskunst und was es da 

sonst noch an Künsten gibt. Und ich meine auch nicht 

das Kunstgewerbe. Im 20. Jahrhundert wurde mit der 

Entwicklung neuer Medien der Kunstbegriff sehr viel 

weiter gefasst als zuvor. Das bis dahin vor allem visuell 

und haptisch erfahrbare Kunstwerk konnte nun zur 

reinen Idee werden oder existierte überhaupt nur als 

Handlungsanweisung. Auch diese Kunst meine ich 

nicht. Ich habe mir überlegt, was denn nun die – für 

mich – gültigen, essentiellen Eigenschaften eines 

Kunstwerks sind. An die Spitze meiner Anforderungsliste 

an die Kunst möchte ich einen Begriff stellen, 

den viele Kunstinsider meiden, als würde es sich um 

etwas Anstößiges, um etwas Peinliches handeln: 

Schönheit. Schönheit, meinen sie, stehe für Kitsch, 

nicht für Kunst. Adorno hat hier ganze 

Überzeugungsarbeit geleistet. Aber für mich ist die 

ästhetische Qualität eines Kunstwerks ganz entscheidend. 

Schönheit – und damit meine ich nicht das 

oberflächlich Schöne (das sehr wohl fragwürdig sein 

kann), nicht das Schöne der Farben und Formen allein, 

sondern das Schöne, bei dem man spürt, dass es uns 

betrifft, unser Leben, unsere Hoffnungen und Ängste, 

unsere Leidenschaften und unsere Urteilskraft. Das 

Schöne, das neue Erkenntnisse bringt, neue Erfahrungen, 

neue Empfindungen. Schönheit ist eine 

Grundbedingung der Kunst. Fehlt sie einem Werk, 

handelt es sich in meinen Augen gar nicht um Kunst. 

Ich finde es nicht zuletzt deshalb so schade, dass die 

ästhetische Qualität aus dem Diskurs über Kunst 

ausgeklammert wird, weil sich darüber wunderbar 

streiten ließe. Denn was schön ist, darüber gab es zu 

allen Zeiten und in allen Weltgegenden sehr 

unterschiedliche Vorstellungen. Von ganz wesentlicher 

Bedeutung ist für mich auch, dass ein Kunstwerk 

authentisch ist.


Darunter verstehe ich nicht nur, dass es echt sein 

muss, also von dem Künstler geschaffen, dem es 

zugeordnet wird. Ich verstehe darunter die 

unverwechselbare Handschrift des Künstlers. Auf 

Authentizität fußt letzten Endes das Vertrauen aller 

Beteiligten am Kunstmarkt und ist damit die 

Voraussetzung für sein Funktionieren. Der Künstler 

muss etwas Neues, Unverwechselbares, Einmaliges 

schaffen. Er muss an sich glauben (anders steht er die 

zumeist in Jahrzehnten zu messende Durststrecke, bis 

er Anerkennung findet, gar nicht durch). Der Galerist 

wieder muss an den Künstler glauben (und diese 

Überzeugung vermitteln können, sonst überlebt auch er 

nicht). Denn der Sammler kauft letztlich im Vertrauen 

auf die Glaubwürdigkeit des Künstlers, des Galeristen, 

der Kuratoren, der Kritiker und nicht zuletzt im 

Vertrauen auf all die anderen Sammler, die Werke des 

Künstlers erwerben. Dieses Vertrauen kann sich nur 

entwickeln, wenn das, was der Künstler macht, in 

Einklang steht mit dem, wie er denkt und fühlt. Kunst 

muss auch den Geist der Zeit, in der sie entsteht, 

repräsentieren. Sie kann nach vorwärts blicken als 

Utopie, aber niemals zurück. Wer heute impressionistisch 

malt und dem Impressionismus nichts Neues 

hinzufügt, produziert keine Kunst, sondern ist im 

Grunde nur ein Kopist. Im Grunde sind, was er macht, 

Fälschungen. Kunst braucht auch, um Kunst zu sein, 

Öffentlichkeit. Kunst braucht den Betrachter, also Sie 

und mich. Solange die Idee zu einem Kunstwerk nur im 

Kopf des Künstlers herumspukt, solange sich ein Werk 

nur in seinem Atelier befindet, ist es nicht Kunst. Kunst 

verlangt Auseinandersetzung. Der Künstler kann noch 

so tolle Ideen haben, noch so viele Bilder horten, noch 

so viele Skulpturen bei sich zuhause auftürmen: Zur 

Kunst wird das alles erst, wenn es in die Öffentlichkeit 

gehoben wird. Eine weitere, für mich wesentliche 

Voraussetzung ist das Handwerkliche der Kunst. Karl 

Valentin hat einmal gesagt, Kunst komme zwar von 

können; aber wenn man’s könne, sei es eigentlich gar 

keine Kunst. Das Handwerkliche der Kunst – 

sorgfältige, fachgerechte Ausführung, die Verwendung 

der besten Materialien, Dauerhaftigkeit – scheint für 

viele Künstler kein Thema mehr zu sein. Aber Kunst ist 

Handwerk, ihr Inhalt ist, wie es Josef Mikl einmal 

ausgedrückt hat, bloß der Auftrag für den jeweiligen 

Ausführenden. Ob daraus Kunst werde, hänge von 

seinem Charakter und seiner Begabung ab. Mir ist 

durchaus bewusst, dass ich mich hier auf ein glattes 

Parkett begebe: Das Handwerkliche steht derzeit nicht 

hoch im Kurs. Aber für mich ist die Beherrschung des 

Handwerks eine Grundvoraussetzung. Ich will Malerei 

sehen, keine Schmiererei. Ich will eine gediegene 

Ausführung, keinen Wegwerfmüll. Kunst, das ist für 

mich abwechselnd und zusammenwirkend 

Handwerkerfleiß, Konzentration, Qualitätsgefühl und 

Erfindergeist. Übrigens: Auch über das Handwerkliche 

ließe sich herrlich streiten. Und auch hier ließen sich 

Qualitätskriterien herausarbeiten. Noch etwas: Kunst 

repräsentiert geistige Zeitströmungen: Wenn Kunst eine 

Sprache ist, dann muss sie auch verstanden werden. 

Auch hier geht es nicht ohne uns und die 

Assoziationen, die wir einbringen, wenn wir das 

Kunstwerk betrachten. Das Kunstwerk muss also 

interpretierbar sein, und unsere Interpretation beruht 

auf den gemeinsamen Vorstellungen und Werten einer 

Epoche. Ein Kunstwerk muss in meinen Augen auch 

innovativ sein. Das heißt: Der Künstler muss einen 

originären Stil finden, eine eigene Formensprache 

entwickeln. Erst Form und Gestaltung machen eine 

Thematik zum Kunstwerk. Das Thema und der Inhalt, 

von vielen Kunstinsidern zum wichtigsten Kriterium 

ernannt, sind in meinen Augen sekundär. Denn die 

Vermittlung des bloßen Inhalts ist noch kein Kunst- 

Ereignis, sondern kann genauso gut eine Sache der 

Wissenschaft sein, eine Reportage, pure Information 

oder eine Dokumentation. Bei der Kunst kommt es nicht 

auf das Was an, sondern auf das Wie. Und nicht 

zuletzt: Ein Kunstwerk, für das ich mich begeistere, ist 

immer widersprüchlich. Ohne zwiespältige Emotionen 

gibt es keine nachhaltige Wirkung. Kitsch, und daran 

könnte man ihn leicht erkennen, ist hingegen immer 

eindeutig. Es gibt keinen Anlass, keine 

Herausforderung, keinen Grund, Kitsch zu hinterfragen. 

Kitsch bestätigt gemütvoll das bis zum Überdruss 

Bekannte. Es braucht also sehr viel, um in meinen 

Augen als Kunstwerk zu gelten, mit dem ich mich 

auseinandersetzen will.


Und wenn Sie für sich einen Kriterienkatalog aufstellen, 

werden Sie schnell entdecken, dass auch Ihre 

Anforderungsliste recht umfangreich ist. Und Sie 

werden feststellen, dass das, was Sie suchen, wenn 

Sie in eine Ausstellung gehen, sehr oft nicht erfüllt wird. 

Viele Künstler weisen häufig jegliche an Sie gestellte 

Ansprüche zurück. Sie verweigern sich mit ihrer Kunst 

als Medium geistiger Strömungen, Utopien und 

gesellschaftlicher Gegenentwürfe. Sie verhalten sich, 

als wäre schon die Idee, alles Wesentliche unserer 

Existenz, unsere Sehnsüchte, Ängste und Bedürfnisse, 

zur Anschauung zu bringen, hoffnungslos romantisch 

und vorgestrig. Sie streben weder eine Verdichtung und 

Zusammenfassung des Lebens und seiner 

Erscheinungen an, noch wollen sie der Fülle der 

Ereignisse eine verbindende Form geben. Sie negieren 

geradezu demonstrativ den Gedanken, eine 

Gesellschaft könne sich in ihrer Kunst festigen oder 

rechtfertigen, geschweige denn feiern. Nicht selten 

verlassen sie sogar das der Kunst angestammte Feld, 

Kritik an den herrschenden Zuständen zu üben, Protest 

zu erheben oder Impulse für Veränderungen zu geben. 

Auch das Sinnliche der Kunst scheint ihnen suspekt 

geworden zu sein. Es passiert jedenfalls nicht selten, 

dass ich enttäuscht werde, wenn ich in eine Ausstellung 

gehe. Ich vermisse etwas, und ich vermisse es 

schmerzlich. Wie alle anderen Menschen auch bin ich 

von meinen ganz persönlichen Erfahrungen, 

Vorbildungen und Vorlieben geprägt. Wenn ich in ein 

Museum gehe, in eine Galerie, suche ich ein sinnliches 

Erlebnis – und bin enttäuscht, wenn ich mit etwas 

Sprödem, Indifferentem konfrontiert werde, das mich 

ratlos zurücklässt. Ich suche noch immer die alten 

Ideale und meine ganz private, persönliche Vorstellung 

von Schönheit – und finde sie viel zu selten. Mag sein, 

dass ich schon zu alt bin, um mich dem Neuen noch 

stellen zu können. Aber allzu oft stehe ich vor Werken, 

die ich für belanglos und unausgegoren halte. Allzu oft 

ärgere ich mich über die wenig überzeugende 

Inszenierung einer Ausstellung, allzu oft über 

Kuratoren, deren akrobatische Interpretationen etwas 

versprechen, das die präsentierten Werke nicht halten. 

Allzu oft ziehe ich ein ernüchterndes Resümee nach 

der Begegnung mit Kunst. Allzu oft vermisse ich, so 

richtig gepackt, ergriffen, berührt zu werden – etwas, 

das mir unverzichtbar scheint. Allzu oft vermisse ich 

das Erlebnis, etwas wirklich Neues, Überraschendes, 

Mitreißendes zu entdecken. Allzu oft vermisse ich, mit 

einem Wort, die Kraft der Kunst. Und darauf kommt es 

mir an: Ich will, dass mich ein Kunstwerk berührt, dass 

es mir unter die Haut geht, dass es mich dazu bringt, 

über etwas intensiver nachzudenken. Ich schaue mir 

Kunstwerke, die mich sofort begeistern, immer 

mehrmals an und beobachte die sich verändernde 

Wirkung, die sie auf mich haben. Ja, ich will, dass ein 

Kunstwerk schön und sinnlich ist. Ich will, dass es 

authentisch ist, also echt in jedem Wortsinn. Aber um 

die Handschrift eines bestimmten Künstlers von der 

jedes anderen unterscheiden zu können, muss ich 

einiges von diesem Künstler gesehen haben. Ich halte 

deshalb überhaupt nichts davon, wenn sich jemand ein 

Kunstobjekt ansieht und nach zwei Minuten ein Urteil 

abgibt. Ich bin überzeugt, dass eine Bewertung seriöser 

Weise gar nicht möglich ist, wenn man dem Künstler 

halbwegs gerecht werden will. (Wobei es um 

Bewertung gar nicht geht, sondern darum, ob und was 

das Kunstwerk für mich bedeutet.) Und ja, ich schätze 

das Handwerkliche eines Kunstwerks. Ich will die 

Ernsthaftigkeit nachvollziehen können, mit der der 

Künstler vorgegangen ist. Ich will noch immer glauben, 

dass die Kunst über uns hinausweist, dass sie für die 

Ewigkeit gemacht ist. Ich will die Chance haben, mich 

lange genug mit dem Kunstwerk beschäftigen zu 

können, um irgendwann zu verstehen, worum es dem 

Künstler ging. Ich will keine Wegwerf-Kunst, die nach 

der Ausstellung schnurstracks auf den Müll geworfen 

wird. Und ich will, dass der Künstler etwas macht, das 

neu ist, das innovativ ist, das mich herausfordert. Es ist 

zwar immer schön, in eine Ausstellung zu gehen, in der 

die Werke der Impressionisten, der Fauves, der ersten 

Abstrakten oder der Neuen Wilden präsentiert werden. 

Es ist, als würde man alten Freunden begegnen. Aber 

von einem Künstler, der heute lebt, erwarte ich mir 

etwas ganz anderes: Von ihm will ich überrascht 

werden. Ich will verblüfft werden. Ich will irritiert werden. 

Ich will spüren, dass da etwas im Entstehen ist, das es 

bis dahin noch nicht gegeben hat. Und ich will durchaus 

auch aus meinem privaten Dornröschenschloss 

herausgerissen werden durch seine Kunst.

Bösendorfer Flügel – Modell 200 „Dragonfly“ 

Prachtvolle Gärten – Perfektes Handwerk 

Die Verwendung von verschiedenen Holzarten zur Gestaltung von Ornamenten, 

Blumen- und Tiermotiven sind seit jeher ein Symbol für Extravaganz und Luxus. Dies 

zeigt die Vielzahl der historischen Möbel und Klaviere die mit kostbaren Intarsien 

verziert sind. 

Kaiserin Maria Theresia und ihr Mann Franz I. Stephan sammelten leidenschaftlich 

gerne Pflanzen für ihre prachtvollen Gärten und monumentalen Glashäuser. Die 

Kaiserin machte Schloss Schönbrunn zu einer imperialen Sommerresidenz und zum 

glanzvollen Mittelpunkt höfischen Lebens. Führende Staatsmänner und große 

Persönlichkeiten aus Kunst und Kultur waren hier zu Gast. Der barocke Garten 

Schönbrunns diente der herrschaftlichen Repräsentation und war Fortsetzung der 

imposanten Innenräume nach außen. 

Der im 18. Jahrhundert berühmte Maler Johann Wenzel Bergl schmückte einige 

Innenräume im Erdgeschoss mit detailverliebten Pflanzen- und Tiermotiven. Auch die 

naturverbundene Kaiserin Elisabeth (Sissi) erfreute sich in späteren Jahren an den 

prachtvollen Gärten und Wandmalereien. Die von Bergl gestalteten Räume zählen bis 

heute zu den drei kostbarsten Raumensembles des Schlosses. Dieses Instrument ist eine 

Hommage an die prachtvollen Gärten und Wandmalereien des Imperialen Luxus und 

eine verzaubernde Momentaufnahme der Natur. Limitiert auf 18 Flügel in der Größe 

200 schwarz poliert, ist jedes Instrument dieser Serie mit einer individuell 

nummerierten Messingplakette versehen. 

Features 

Intarsien in traditioneller Sandschattierungstechnik 

Bösendorfer Grand Piano 200 Limitiert auf 18 Flügel 

Konzertflügel Mechanikgeometrie gewährleistet optimale 

Spielart & Kontrollierbarkeit 

Feinste Verarbeitung wertvoller Furniere und Materialien 

Resonanzboden aus österreichischem Fichtenklangholz 

Handgesponnene Bösendorfer Bass Saiten 

Einzelsaitenaufhängung 

Handgefertigt in Österreich

KUNSTINVESTOR 'special' - AUSGABE SEPTEMBER 2019

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