KUNSTINVESTOR AUSGABE FEBRUAR 2019

Auktionen im Februar 

Ölgemälde des 19. Jahrhunderts - Knüpfkunst 

Lassing & Rainer – Stadt der Frauen 

‚the small format‘ - Heinz Frank 

FEBRUAR 2019

Bösendorfer Flügel – Modell 200 „Dragonfly“ 

Prachtvolle Gärten – Perfektes Handwerk 

Die Verwendung von verschiedenen Holzarten zur Gestaltung von Ornamenten, 

Blumen- und Tiermotiven sind seit jeher ein Symbol für Extravaganz und Luxus. Dies 

zeigt die Vielzahl der historischen Möbel und Klaviere die mit kostbaren Intarsien 

verziert sind. 

Kaiserin Maria Theresia und ihr Mann Franz I. Stephan sammelten leidenschaftlich 

gerne Pflanzen für ihre prachtvollen Gärten und monumentalen Glashäuser. Die 

Kaiserin machte Schloss Schönbrunn zu einer imperialen Sommerresidenz und zum 

glanzvollen Mittelpunkt höfischen Lebens. Führende Staatsmänner und große 

Persönlichkeiten aus Kunst und Kultur waren hier zu Gast. Der barocke Garten 

Schönbrunns diente der herrschaftlichen Repräsentation und war Fortsetzung der 

imposanten Innenräume nach außen. 

Der im 18. Jahrhundert berühmte Maler Johann Wenzel Bergl schmückte einige 

Innenräume im Erdgeschoss mit detailverliebten Pflanzen- und Tiermotiven. Auch die 

naturverbundene Kaiserin Elisabeth (Sissi) erfreute sich in späteren Jahren an den 

prachtvollen Gärten und Wandmalereien. Die von Bergl gestalteten Räume zählen bis 

heute zu den drei kostbarsten Raumensembles des Schlosses. Dieses Instrument ist eine 

Hommage an die prachtvollen Gärten und Wandmalereien des Imperialen Luxus und 

eine verzaubernde Momentaufnahme der Natur. Limitiert auf 18 Flügel in der Größe 

200 schwarz poliert, ist jedes Instrument dieser Serie mit einer individuell 

nummerierten Messingplakette versehen. 

Features 

Intarsien in traditioneller Sandschattierungstechnik 

Bösendorfer Grand Piano 200 Limitiert auf 18 Flügel 

Konzertflügel Mechanikgeometrie gewährleistet optimale 

Spielart & Kontrollierbarkeit 

Feinste Verarbeitung wertvoller Furniere und Materialien 

Resonanzboden aus österreichischem Fichtenklangholz 

Handgesponnene Bösendorfer Bass Saiten 

Einzelsaitenaufhängung 

Handgefertigt in Österreich

KUNST.INVESTOR Editorial 

Liebe Leserinnen 

und Leser! 

So spannend war der Kunstmarkt noch nie: Die 

Kalender der Sammler und Kunstinvestoren sind voll. 

Auktionen, Ausstellungen und Previews, ein Termin jagt 

den nächsten. Und dem Geschäft mit den schönen 

Dingen mangelt es keineswegs an Härte, ganz im 

Gegenteil, auf der Suche nach neuen Kunden und 

Märkten bedarf es Flexibilität und Wandlungsfähigkeit. 

Der österreichische Kunstmarkt mit seiner prosperierenden 

Galerieszene boomt und Österreichs Auktionshäuser 

legen an Internationalität kräftig zu. Die allgemeine 

Wirtschaftssituation verunsichert den Geldmarkt, 

doch die Kunst behält ihren Wert, ist nicht vom Ölpreis 

und taumelnden Finanzmärkten abhängig. 

Ist nachhaltiges Kunstsammeln Luxus? Etwas Kostspieliges, 

Verschwenderisches, das man sich, wenn 

überhaupt, nur zum Vergnügen leisten kann? In der 

Kunstbranche sind die Fachleute der Überzeugung, 

dass dem nicht so ist. Vielleicht gerade in der 

Luxusbranche, die vom Image lebt, ist das Einhalten 

von diesen Kriterien kein Luxus, sondern beinharte 

Notwendigkeit. Der Inbegriff des Luxus ist offensichtlich 

nicht mehr das, was er einmal war. Das sind meine 

Gedanken, als ich mich mit dem Thema auseinander 

setzte. Was aber ist dann Luxus? Luxus kommt aus 

dem Lateinischen und bedeutet „verrenkt“ bzw. im 

übertragenen Sinn, abweichend vom Normalen. Heute 

steht es laut Duden für einen kostspieligen, verschwenderischen, 

den normalen Rahmen der Lebenshaltung 

übersteigenden, nicht notwendigen und nur zum 

Vergnügen betriebenen Aufwand. Wer heute Kunst 

sammelt, wird nicht mehr wie Orchideenzüchter 

belächelt. Kunstsammler sind kluge Menschen- halt 

„Verrenkte“ Weltbürger. 

Weil es bei allen Dingen des Lebens immer auf den 

richtigen Mix ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit 

fundierten Hintergrundberichten, präzise recherchierten 

Topstorys, wichtigen Nachrichten und aktuellen 

Interviews begeistern. Zusätzlich wollen wir dieses 

Magazin auch mit dem Sonderteil „Börse-Express“ als 

moderne Plattform zum Austausch wichtiger 

Investitionsinformationen anbieten. 

Viel Spaß wünscht Ihnen 

Michael Ruben Minassian 

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian, 

Mail: michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1312 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 

1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 91920- 9045 DW, 

Fax: +43 1/2981298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © Dorotheum - Rudolf Nissl, Schätzwert 1.500 bis 1.800 Euro 

(Dorotheum-Auktion Ölgemälde und Aquarelle des 19. Jahrhunderts am 19.02.2019)

KUNST.INVESTOR Dorotheum 

UNIKATE, PROTOTYPEN, RARITÄTEN 

Dorotheum Auktion ‚Design First‘ am 27. März 2019 

Design First: nennt sich die Auktion im Dorotheum 

Wien am 27. März 2019. Sie bietet mit Prototypen, 

Einzelstücken und Raritäten eine Zeitreise vom Design 

zu Beginn des 20. Jahrhunderts über die 1950er Jahre 

bis hin zu Arbeiten von zeitgenössischen Design-Stars. 

Die gläserne Tischplatte scheint auf den luftig 

wirkenden Schleifenformen in Bronze schier zu 

schweben, dem Gesetz der Schwerkraft zu trotzen. 

Nastro, ital. Band, hat Universaltalent Giacomo Manzù 

(geb. 1908, gest. 1991) das für sein Haus entworfene 

Unikat betitelt, welches nun direkt aus Familienbesitz in 

die Auktion kommt (Schätzwert € 130.000 – 180.000). 

Diese speziellen Sinuskurven, die er später für 

Monumente, Juwelen und Tische verwendete, hat 

Manzù, wie er selbst sagte, im Zuge einer 

Skulpturenserie erfunden. Normalerweise sind 

abstrakte Formen eher unüblich bei dem Bildhauer. Ein 

Bronze-Ast war etwa Bestandteil eines Tisches, 

ebenfalls Einzelstück aus Familienbesitz, der im Vorjahr 

bei der Dorotheum-Auktion Design First 271.400 Euro 

erzielte. Raffiniert und praktisch kann man die 

Möbelkreationen eines der renommiertesten 

französischen Designer der 1950er Jahre nennen: 

Mathieu Matégot zeigt in dieser Auktion seinen nur zwei 

Mal ausgeführten „Santiago“-Tisch aus dem Jahr 

1954/55. Mit diesem Entwurf lässt Matégot den 

Archetyp des vierbeinigen Tisches hinter sich, hin zu 

einem Objekt mit autonomer skulpturaler 

Formensprache (Schätzwert € 40.000 – 60.000). 

Money does not make me happy: Im Jahr 2015 im 

Museum für angewandte Kunst Wien und 2016 im 

Museum für Angewandte Kunst Frankfurt gestaltete der 

in New York lebende Grafikdesigner Stefan Sagmeister 

seine „Happy Show“. Der u. a. für seine CD- 

Coverentwürfe für Lou Reed, die Rolling Stones und 

Talking Heads berühmte Österreicher begab sich mit 

dieser Ausstellung – und einem Kinofilm – auf die 

Suche nach dem Glück. Seine sechsteilige Arbeit 

MONEY DOES NOT MAKE ME HAPPY, Digiprints auf 

Aluminium, wird u. a. in der Design-First-Auktion 

versteigert (€ 12.000 – 20.000). Außerdem: Seine 

Rauminstallation mit Fahrrad auf einem Aluminiumpodest 

und Neonschrift-Tafeln „Actually Doing The 

Things I Set Out to Do Increases my Overall Level of 

Satisfaction“, die beim Treten der Pedale zu leuchten 

beginnen (€ 40.000 – 70.000). Die Stahldraht-Bank 

„Sphere“ von Thomas Feichtner, wurde erstmals 2018 

im Rahmen der Vienna Design Week im Dorotheum 

präsentiert. Mithilfe digitaler Produktionsmethoden und 

modernster Schweißtechnik entstand diese sphärische 

Fläche. Die Bank steht auf drei ungleichen Beinen, 

dennoch verteilt sich die Last gleichmäßig auf die 

feinen Drähte (€ 16.000 – 25.000) - Foto: © Dorotheum


"Santiago"-Tisch, Entwurf Mathieu Matégot, 1954/55, Metallrohr, Metallbech, geschnitten, schwarz lackiert ,rot und gelb lackierte 

Metallscheiben, Glasplatte. Dieses Modell wurde nur zwei mal ausgeführt und die Edition nicht ausgeschöpft, als die Societé Matégot 1962 

schloss. Schätzwert € 40.000 - 60.000


"MONEY DOES NOT MAKE ME HAPPY" Stefan Sagmeister & Ken Miki & Associates, New York 2004, Digital-Print auf Aluminium aus der 6- 

teiligen Arbeit, je 80 x 100 cm, Schätzwert € 12.000 - 20.000


Seltener "Nastro" ("Ribbon") Couchtisch, Entwurf Giacomo Manzù, 1969, Unikat, gemacht für das Wohnzimmer im Wohnhaus Manzùs in 

Campo del Fico bei Ardea, südlich von Rom. Schätzwert € 130.000 - 180.000


Knüpfkunst 

Dorotheum Auktion mit Orientteppichen, Textilien 

und Tapisserien am 20. Februar 2019 

Am 20. Februar 2019 werden im Dorotheum 

Orienteppiche, Textilien und Tapisserien versteigert. 

Unter den 236 angebotenen Lots ist ein prachtvoller 

Seidenteppich in dem außergewöhnlichem Maß von 

427 x 304 cm wohl das Highlight dieser Auktion. Dieser 

klassische Teppich mit einem beeindruckenden Vasen- 

/Giebelmotiv auf hellem Fond stammt aus 

Zentralpersien, ein Keschan aus der Zeit um 1910, und 

befindet sich in bestem Farb- und Erhaltungszustand. 

Der Rufpreis liegt bei 50.000 Euro. Eine französische 

Savonnerie aus der zweiten Hälfte des 18 

.Jahrhunderts – ein ebenso imperialistischer wie 

großformatiger Palastteppich (774 x 510 cm!) soll 

mindestens 40.000 Euro einbringen. Es handelt sich 

um einen musealen Knüpfteppich mit hervorragender 

Musterung – in die Ecken sind geschwungene 

Füllhörner gesetzt, aus denen Blumen und Zweige 

entsprießen - und ebensolcher herausragender 

Farbqualität. Mit 1 Mill. Knoten pro Quadratmeter ist der 

Mesched ein besonders fein gearbeiteter Knüpfteppich 

aus der Region Nordostpersien (Iran). 391 x 295 cm 

sind die Ausmaße dieses Tier-Medaillonteppichs, der 

aus der Zeit um 1940 stammt, die Werkstätte hat 

signiert mit: Schickalani. Rufpreis: € 9.000. (Foto:© 

Dorotheum)


Savonnerie Frankreich ca. 774 x 510 cm, 2. Hälfte 18. Jahrhundert, quer gearbeiteter imperialistischer Knüpfteppich in heraldischem 

Größenformat, einst als Palastteppich in Auftragsarbeit gefertigt, Rufpreis € 40.000


Keschan Seide, Zentralpersien (Iran), ca. 427 x 304 cm, ca 1910, prachtvoller Seidenteppich seltenem großen Maß, Vasen-/Giebelmotiv auf 

hellem Fond, Rufpreis € 50.000


Mesched, extra fein, Nordostpersien (Iran) ca. 391 x 295 cm, um 1940, Rufpreis price € 9.000


STARKES JAHR IM DOROTHEUM 

2018 war ein erfolgreiches Jahr für das Dorotheum und seine Kunden, mit Zuschlägen jenseits der 

Millionengrenze und herausragenden Ergebnissen für einzigartige Kunstwerke, Antiquitäten, Juwelen 

und exklusive Sammelobjekte. 

Millionenzuschläge bei Gemälden: Internationales 

Aufsehen erregte die dramatische Darstellung der 

römischen Heldin „Lucretia“, eines der raren Gemälde 

der bedeutenden Renaissance-Malerin Artemisia 

Gentileschi, das für 1,885 Millionen Euro versteigert 

wurde, 1,425 Millionen Euro bewilligte ein Bieter für 

Anthonis van Dycks „Bildnis einer Adeligen mit 

Papagei“. Große Nachfrage herrschte auch nach 

Gemälden des 19. Jahrhunderts, der Klassischen 

Moderne und der Zeitgenössischen Kunst. Traditionell 

stark zeigte sich das Dorotheum einmal mehr im 

Bereich „Post-War und Contemporary Art“, Günther 

Ueckers Nagelbild „Feld“ erzielte 491.000 Euro und 

Lucio Fontanas Concetto Spaziale „Attesa“ 552.000 

Euro. 295.800 Euro bedeuteten Weltrekord für das 

Gemälde „Integrazione Ovale“ der italienischen 

Künstlerin Carla Accardi. 

Top-Ergebnisse bei Antiquitäten und Juwelen: Aus 

der berühmten Sammlung Monzino wurde bei der 

Tribal-Art-Auktion eine 180 cm hohe Uli-Figur für 1,425 

Millionen Euro zugeschlagen. Bei „Design First“ erlöste 

ein Tisch von Giacomo Manzu 271.400 Euro. 

Denselben Preis zahlte ein Bieter für eine 

feuervergoldete Bronzefigur eines Buddha aus der 

Ming-Dynastie. Bei den Juwelen glänzten unter 

anderem ein Ring mit mehr als 7 Karat Diamanten um 

210.400 Euro sowie ein von Kaiserin Sisis Tochter 

Marie-Valerie bei Köchert beauftragtes Diadem für die 

Hochzeit ihrer Tochter Hedwig (186.000 Euro). 

Rekord bei Klassischen Fahrzeugen: Allein 5 

Millionen Euro wurden bei der im prächtigen Ambiente 

der Österreichischen Nationalbibliothek abgehaltenen 

Auktion von 13 Mercedes-Benz der Sammlung 

Wiesenthal erzielt, ein 1955 Mercedes-Benz 300 SL 

kam auf 1,5 Millionen Euro, ein 1957 Mercedes-Benz 

300 SL Roadster brachte 1,1 Millionen Euro. 

Internationaler Auftritt: Internationales Engagement 

zeigte das Dorotheum bei seinen zahlreichen 

Sponsoraktivitäten. Besondere Highlights darunter 

waren die Kooperation zur Ausstellung von Damien 

Hirsts „Colour Space Paintings“ im Landsitz Houghton 

Hall, Großbritannien, und die Unterstützung der großen 

Franz-West-Retrospektive im Pariser Centre Pompidou.


Artemisia Gentileschi, Lucretia, erzielter Preis € 1.885.000 

Anthonis van Dyck, Bildnis einer Adeligen mit einem Papagei erzielter Preis € 1.425.000 

Fernando Botero, L'Odalisque, erzielter Preis € 393.400 

John William Godward, Süße Träume erzielter Preis € 259.200


Carla Accardi, Integrazione Ovale, Weltrekord Preis € 295.800 

Lucio Fontana, Concetto Spaziale "ATTESA", erzielter Preis € 552.000 

Günther Uecker, Feld, erzielter Preis € 491.000


Diamantring zus. ca. 7,71 ct, erzielter Preis € 210.400 

Van Cleef & Arpels Brosche, erzielter Preis € 112.500 

A. E. Köchert Kaiserliches Hochzeitsdiadem, erzielter Preis € 186.000


1955 Mercedes-Benz 300 SL, erzielter Preis € 1.492.600


1957 Mercedes-Benz 300 SL Roadster, erzielter Preis € 1.123.000

KUNST.INVESTOR 

Bruno Gironcoli 

ohne Titel, 1996, Holz, Eisen, Polyester, ©Schirn Kunsthalle Frankfurt 

Foto: Hans Christian Krass, Courtesy Estate Bruno Gironcoli © 

Nach der sehr erfolgreichen Ausstellung Bruno 

Gironcoli. In der Arbeit schüchtern bleiben im mumok 

Wien 2018 präsentiert die Schirn Kunsthalle Frankfurt 

unter dem Titel Bruno Gironcoli. Prototypen einer 

neuen Spezies vom 14. Februar bis 12. Mai 2019 eine 

weitere Personale zum umfassenden Werk des 

österreichischen Künstlers. Zu sehen ist eine 

beeindruckende Auswahl monumentaler Skulpturen 

aus Gironcolis Spätwerk. Diese Werkgruppe zeichnet 

sich durch eine Ästhetik der Maßlosigkeit und Opulenz 

aus und vermittelt einen aussagekräftigen Überblick 

über die letzte Phase seines Schaffens, in der er ein 

Resumée seiner künstlerischen Entwicklung zieht. 

Gironcoli hat mit seinem Werk unzählige jüngere 

Künstler inspiriert, darunter auch ehemalige Schüler 

wie Franz West, Hans Schabus und Ugo Rondinone. 

„Wir freuen uns außerordentlich, dass die Schirn 

Kunsthalle Frankfurt eine so umfangreiche Ausstellung 

mit Fokus auf das Spätwerk von Bruno Gironcoli 

präsentiert. Es ist dies die erste große Präsentation in 

Frankfurt nach Pospect 89, 1989 und der großen 

Retrospektive im Frankfurter Kunstverein von 1981“, 

kommentieren Christine Gironcoli und Bettina M. 

Busse, die beiden Geschäftsführerinnen der BRUNO 

GIRONCOLI WERK VERWALTUNG / Estate Bruno 

Gironcoli, die Entscheidung von Philipp Demandt, 

Direktor der Schirn Kunsthalle Frankfurt, zu dieser 

Einzelpräsentation. Zur Ausstellung erscheint ein 

Katalog mit einem Vorwort von Philipp Demandt, 

Direktor Schirn Kunsthalle Frankfurt und einem 

umfangreichen Essay der Kuratorin Martina Weinhart. 

Die BRUNO GIRONCOLI WERK VERWALTUNG / 

Estate Bruno Gironcoli wurde 2014 mit Sitz in Wien 

gegründet und verfolgt das Ziel, das Oeuvre des 

Künstlers auch zukünftigen Generationen zugänglich zu 

machen und dessen fachkundige Betreuung zu 

gewährleisten.


Maria Lassnig und Arnulf Rainer während einer Ausstellungseröffnung in Wien, 1999- Foto: Lentos, Heimo Rosanelli © 

LASSNIG – RAINER 

Das Frühwerk 

Maria Lassnig und Arnulf Rainer zählen zu den 

erfolgreichsten KünstlerInnen Österreichs. Lassnig 

würde heuer ihr 100. Lebensjahr begehen, Rainer feiert 

seinen 90. Geburtstag. Beide lernten sich 1948 in 

Klagenfurt kennen. Ihre gemeinsam verbrachten Jahre 

prägten ihr künstlerisches Werk grundlegend. Die 

Ausstellung im LENTOS veranschaulicht künstlerische 

Annäherungen, aber auch jeweils individuelle 

Ausdrucksformen. In ihrem Frühwerk schufen sowohl 

Lassnig als auch Rainer surrealistische Zeichnungen. 

Ab 1951 reisten sie mehrmals gemeinsam nach Paris. 

Die neu aufkommenden informellen Tendenzen 

inspirierten sie zu völlig neuen Ausdrucksmöglichkeiten. 

Lassnig schuf bereits ab 1947 erste Körpergefühlszeichnungen, 

die sie Introspektive Erlebnisse nannte. 

Nach Paris arbeitete sie an informellen Monotypien und 

nannte ihre Werke Amorphe Automatik, Statische 

Meditationen und Stumme Formen. Rainer verfasste 

nach seiner Rückkehr den theoretischen Text Malerei, 

um die Malerei zu verlassen. Er schuf Mikrostrukturen, 

Blindzeichnungen, Zentralisationen, Kruzifikationen und 

Vertikalgestaltungen. Sowohl Lassnigs Flächenteilungen 

als auch Rainers Proportionen liegen 

geometrische Ordnungsstrukturen zugrunde. Ab 1954 

gingen die beiden definitiv eigene Wege. Während 

Rainer seine Übermalungen in Otto Mauers Galerie St. 

Stephan ausstellte, zeigte Lassnig ihre Serie 

Kopfheiten in der Galerie Würthle. Die Schau zählt etwa 

120 Kunstwerke und wurde von zahlreichen Museen, 

Galerien und privaten LeihgeberInnen sowie der Maria 

Lassnig Stiftung unterstützt. Viele Arbeiten von Maria 

Lassnig sind erstmals seit über 50 Jahren zu sehen. 

Die Ausstellung wird in adaptierter Form von 14. Juni 

bis 1. September im Museum Moderner Kunst Kärnten 

gezeigt. [Lentos. 1. Februar bis 19. Mai 2019]


Foto © Galerie König 

Äpfel Birnen Ananas 

Äpfel sollte man nicht mit Birnen vergleichen und 

Birnen wohl auch nicht mit Ananas. So erklärt sich der 

Titel der Ausstellung, in der drei künstlerische 

Positionen zusammengeführt werden, die auf den 

ersten Blick vergleichbar erscheinen, bei genauerem 

Hinsehen jedoch ihre sehr idiosynkratischen 

Individualitäten unter Beweis stellen – man könnte auch 

sagen: ihre jeweilige Einzigartigkeit. Gemeinsam ist den 

Arbeiten von Benjamin Appel, Fulterer Scherrer und Ira 

Svobodovà ein ästhetisches Untersuchungsfeld 

zwischen konstruktivistischer Linienorganisation und 

frei interpretierter Farbfeldmalerei. Allen Künstlern geht 

es jedoch um die Transformation der Malerei, um ein 

Sprengen der Grenzen dessen, was im traditionellen 

Sinne unter diesem Genre assoziiert wird und um den 

Aufbruch in ein neues künstlerisches Paradigma 

between and beyond. Fulterer Scherrer arbeiten mit 

bunt bemalten Holzkeilrahmen, die hier nicht als 

Bildträger fungieren, sondern die als künstlerische 

Gestaltungselemente hypostasiert werden. Die 

Leinwände sind abhanden gekommen, was bleibt sind 

die Skelette der Rahmen, die im Zusammenspiel mit 

gebrauchten Industriezurren ein anakreontisches Spiel 

der Farbrhythmen und Farbgewichte inszenieren. "In 

ihrer Dreidimensionalität, ihrer Durchlässigkeit nehmen 

die Holzkonstruktionen Beziehungen zum Raum auf," 

schreiben die Künstlerinnen in einem Artist Statement, 

"das Tafelbild kann sich in ein Objekt transformieren." 

Benjamin Appel pflegt eine Farbfeldmalerei, die in einer 

Art Schichtenästhetik geometrische Figuren – meist 

Rechtecke oder Quadrate, in monochromer 

Farbenpracht strahlend – palimpsestartig übereinander 

lagert, so dass der Eindruck von Raumtiefe entsteht. 

Nicht ganz unähnlich den Wandmalereien von Ernst 

Caramelle, die man derzeit bei seiner großen 

Retrospektive im MUMOK sehen kann. Die 

tschechische Künstlerin Ira Svobodovà evoziert den 

dreidimensionalen Raum durch Arbeiten, welche die 

visuelle Vernakularität von Architektur und Design 

betonen. Svobodovà hat eine künstlerische Sprache 

entwickelt, in der die Proportionen von Konstruktion und 

Spannung, von Tiefe und Raum artikuliert werden. 

Farblich kolorierte Linien, die manchmal an das 

emblematische Blau von Edward Krasiński erinnern, 

organisieren sich zu einfachen geometrischen Körpern, 

die wie holografische Projektionen in industriellen 

Räumen mit schlierigen, schmutzigen Wänden und 

Böden wirken. [Christine König Galerie(Foto ). Dauer 

bis 2. März 2019]


Traces 

Lucia Riccelli und 

Laurent Ziegler 

Lucia Riccelli 

“Traces” ist ein Gemeinschaftsprojekt der Malerin Lucia 

Riccelli, des Photographen Laurent Ziegler und der 

Tänzerin Maartje Pasman. Diese neue Arbeit ist eine 

Suche nach Verbindung, nach Berührungspunkten 

zwischen Malerei und Photographie, den nicht 

sichtbaren, entfremdeten oder verborgenen Räumen 

die beiden Medien zueigen ist. Laurent Ziegler 

erarbeitet die Serie mittels analoger Lichtprojektoren 

und Strukturen aus Blütenblättern, Stoffen und 

bemalten Glasscheiben. Die Überlagerung 

unterschiedlich gestalteter Bildebenen erlaubt 

ungewohnte, verdichtete Sinneswahrnehmungen. Die 

zeitgenössische Tänzerin Maartje Pasman bewegt sich 

frei von fixierten Bewegungszyklen durch diese 

Farbspektren und bricht den Lichtraum durch Körper 

und Silhouette auf. Eine der Bildebenen zeigt von Lucia 

Riccelli gemalte Portraits der Tänzerin, photographiert 

und zurückgeworfen in den Raum. Die Gesamtkomposition 

der Projektoren wird laufend verändert und 

abgestimmt, auf diese Weise entsteht ein Verlauf ohne 

klare Zielsetzung, ein gemeinsamer, intuitiver Tanz der 

Protagonist*innen.[ Galerie Felix Höller. Dauer bis 23. 

Februar 2019- (Foto ©)]


Laurent Ziegler


ART VIENNA 

Roy Lichtensteins Water Lillies blühen 

in Comic-Handschrift und vom bald 

90jährigen Informel-Großmeister 

Arnulf Rainer geht ein dynamisches 

Zick-Zack aus den 1970er Jahren ins 

Rennen. Deborah Sengels 

ausgestopfter Hase trägt Echthaar zur 

Handtasche und Veronika Suschnig 

wünscht auf einer Wand aus leeren 

Medikamentenpackungen „Get well 

soon“. In Sachen Kunst kann 

geholfen werden, von 15. bis 17. 

März bei der ART VIENNA, 

International Art Fair. Am neuen 

Standort findet 2019, nach dem 

erfolgreichen Start vor zwei Jahren, 

Wiens jüngste Messe für 

internationale Moderne und 

zeitgenössische Kunst statt. Im 

Parterre der Hofburg am Heldenplatz 

gibt es Kunst ideal dosiert und 

konzentriert. Hier bietet die zweite 

ART VIENNA ein vielfältiges 

Programm, frisch und dynamisch 

nachgeschärft, mit eigens 

entwickelten Kunstprojekten, mit 

zahlreichen Positionen von klassisch 

bis jung, von etabliert modern bis akut 

zeitgenössisch. So präsentiert sich 

die ART VIENNA 2019 als urbanes 

Kunstmesse-Event im Frühjahr. 

Veronika Suschnig, „Get well soon“, 2018, Pillenblister, Metall, Kunstharz, Lack, Sprühfarbe, 

Kunstlack & Draht auf Holz, 40 x 60 cm, Unikat Foto: Rudolf Leeb, 2019/ GALERIE ARCC • ART

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Katharina Scheucher, o.T., Gips, Glas, Wasser, Fotografien, Borgarnes 2016/Wien 2018 © Katharina Scheucher 

‚In Mimicry – You Are Here‘ 

Katharina Scheucher 

Katharina Scheucher interessieren die 

Zusammenhänge von Raum, Wahrnehmung und Zeit 

sowie die daraus sich ergebenden möglichen Illusionen 

und Realitäten. Besucherinnen und Besucher 

verändern durch ihre Anwesenheit kontinuierlich die 

Situation und erzeugen den Raum und seine 

Eigenschaften dadurch permanent neu. Glas, Gips, 

Textilien, Karton sowie diverse Fundstücke werden zu 

immer wieder neu angeordneten Objekten montiert und 

auf erfinderische Weise zur Kommunikation 

bereitgestellt. In ihren Arbeiten sucht die Künstlerin das 

Verborgene, Heimliche und Unheimliche im 

Alltäglichen. Das Ungesehene, aber Anwesende rückt 

ins Licht und sagt, was es zu sagen hat. Für einen 

Augenblick wachsen daraus Realitäten, fallen in sich 

zusammen und verschwinden wieder in die Illusion. 

Interventionen im Raum schärfen die Wahrnehmung 

der eigenen Anwesenheit inmitten dieser Präsentation, 

so versetzt die Künstlerin das Publikum in eine 

interaktive Spannung. Sie erzeugt neue Sichtweisen, 

und überraschende Konversationen werden möglich. 

[Wien Museum MUSA- Startgalerie. Ausstellungsdauer: 

21. Februar - 7. April 2019]


Aloïse Corbaz Brevario Grimani, um 1950 (Ausschnitt) Buntstift auf Papier abcd / Bruno Decharme collection Foto © César Decharme 

„FLYING HIGH“ 

Bank Austria Kunstforum Wien zeigt Künstlerinnen der Art Brut 

„FLYING HIGH“ ist die erste Ausstellung, die sich 

„weltumspannend“ den weiblichen Positionen der Art 

Brut von 1860 bis in die Gegenwart widmet. Die von 

Ingried Brugger und Hannah Rieger kuratierte 

Ausstellung ist in jeder Hinsicht ein „Höhenflug“: Sie 

versammelt 316 Werke von 93 Künstlerinnen aus 21 

Ländern, die inhaltlich und ästhetisch unsere 

Vorstellung, was Kunst ist, sprengen. Die Ausstellung 

nimmt den von Jean Dubuffet 1945 definierten Begriff 

„Art Brut“ für jene ursprüngliche, nichtakademische 

Kunst außerhalb des kulturellen Mainstreams als 

Ausgangspunkt. In der Vielfalt und Heterogenität der im 

Bank Austria Kunstforum Wien präsentierten Werke 

wird deutlich, dass der Art-Brut-Begriff heute längst 

über Arbeiten aus Psychiatrien hinausgeht und auch 

die Produktion von „mediumistischen“ (von einem Geist 

geführten) Künstlerinnen, „Einzelgängerinnen“ und 

Künstlerinnen mit Behinderungen umfasst. Diese 

Erweiterung ist nicht zuletzt durch den radikalen 

Wandel der Institution Psychiatrie – von ehemals 

geschlossenen Anstalten über offenere Strukturen bis 

zu deren Auflösung – begründet. Zeitgenössische Art 

Brut entsteht heute vielfach in Ateliers oder in von den 

Künstlerinnen selbst geschaffenen Strukturen. 

Emanzipationsgeschichte von „Außenseiterinnen 

der Außenseiter“: Die Geschichte weiblicher Art-Brut- 

Künstlerinnen spiegelt die Emanzipationsgeschichte 

von Frauen auf einer prekären Ebene wider: Diese sind 

bis heute „Außenseiterinnen der Außenseiter“. Die Art 

Brut hat nach wie vor keinen gleichberechtigten Platz 

neben der „Hochkunst“ gefunden. Da Frauen sowohl 

innerhalb der Art Brut als auch jenseits der 

feministischen Kunst ihren Platz erst erobern müssen, 

ist eine Präsentation ihrer Werke hoch an der Zeit. 

Dieser Aufgabe widmet sich „FLYING HIGH. 

Künstlerinnen der Art Brut“ im Bank Austria Kunstforum 

Wien. [Foto: © Bank Austria Kunstforum. Dauer: 15. 

Februar bis 23. Juni 2019]


‚The Sound of Silence- 

German Forest‘ 

Heryun Kim 

‚The Sound of Silence-German Forest‘, 2017, ÖL AUF LEINWAND 

Desden-Vor fast genau 10 Jahren hat Heryun Kim 

schon einmal unter dem Titel „Moon Garden“ in der 

Kunsthalle Dresden ausgestellt. Inzwischen hat sich 

ihre Malerei sehr gewandelt, die Serien sind 

harmonischer geworden, gleichzeitig auch 

dramatischer, und verkörpern eine eher abstrakte 

Sichtweise auf die Natur. Die Waldatmosphäre in Kims 

Berliner Atelier, sehr einsam und am Rande der 

Großstadt, prägt ihre jüngsten Betrachtungen. Heryun 

Kim führt uns in ihrer neuen Serie wieder in die Natur, 

in einen einsamen Wald, dem Sound of Silence – 

German Forest, so der Titel der Serie und dieser 

Ausstellung. In der Inhaltlichkeit des Waldes sind 

Farbwahl und Struktur die bestimmenden Elemente. 

Die Farbintensität erinnert an die deutschen 

Expressionisten. Heryun Kim hat zu Emil Nolde 

promoviert. Die Farbwahl verweist auf Jahreszeiten 

oder emotionale Stimmungen. Im Wald gibt es 

unterschiedliche Bereiche, die sie in diesem 

Werkzyklus festhält: von Menschenhand angelegt und 

in strukturierten Zonen, aber auch Wildwuchs, Wetter 

und leuchtende Sonne, die durchs Unterholz bricht. 

Manchen der Gemälde im Zyklus The Lonesome Forest 

liegt ein Raster zugrunde. Es grenzt ein, stoppt die 

Wildheit der Natur und lässt gleichzeitig Freiräume zu 

oder gibt gar den Blick in dem Himmel frei. Und es gibt 

Arbeiten, die ein enges wildes Dickicht zeigen mit 

aufstrebenden und gekrümmten Linien in großer Zahl, 

die intuitiv entstanden sein mögen und eine direkte 

Verbindung von Kopf über Hand zum Bild zeigen. Die 

Serie erzählt auch von der Einsamkeit inmitten der 

Pflanzenwelt oder tobenden Gedanken. In Heryun Kims 

Werkzyklus vermischen sich einerseits die Tradition 

asiatischer Landschaftsmalerei mit dem deutschen 

Expressionismus und andererseits Heryuns genauer, 

hochaktueller zeitgenössischer Blick mit ihrem 

eigenwilligen, experimentellen Umgang mit Ölfarbe. Sie 

hat den Mut, sich mit jeder Bildserie auf Neues 

einzulassen. Sie gewichtet bei jedem einzelnen 

Schaffensprozess neu, reduziert oder verdichtet Form, 

Farbe und Struktur. Heruyn Kim wurde 1964 in 

Südkorea geboren und studierte an der Seoul National 

University und anschließend an der Hochschule der 

Künste in Berlin. Sie lebt und arbeitet in Paju in Süd- 

Korea. Sie besitzt aber auch ein Atelier in Berlin, in dem 

auch die Bilder ihrer aktuellen Ausstellung in ihren 

immer wieder einige Monate dauernden Aufenthalten 

entstanden sind. [Kunsthalle Dresden. Dauer bis 1. Mai 

2019- Foto: Michael Schultz Gallery Berlin]


"Dinner, Darling!" 

ein Design Projekt von Nadja Zerunian 

wir bitten zu Tisch! Doch Achtung, die zehn sorgfältig 

zusammen gestellten Table-Settings von Nadja 

Zerunian mit dem Titel Dinner, Darling! sind zwar 

verführerisch schön, enthalten aber giftige Substanzen 

und für den Menschen lebensbedrohende Toxine. Dass 

Schönes zwangsläufig auch gut und gesund wäre, ist 

eine sich hartnäckig haltende Schlussfolgerung und 

damit zentrale Frage im Design. Nadja Zerunian 

zelebriert in ihren Projekten, die stets mit großer 

handwerklicher Präzision als Unikate bzw. in limitierter 

Stückzahl hergestellt werden, auf poetische Weise 

Grundprämissen der Gestaltung. Schimmel, 

Maiglöckchen und der gemeine Schierling zählen in 

Dinner, Darling! zu den inszenierten Wirkstoffen und 

werden von der Designerin in Verbinung mit ironischpassenden 

Titeln und delikaten Stücken aus Glas und 

Kupfer zu kleinen Wunderwelten zusammengestellt. 

Mark Glassner setzte die Sets fotografisch in Szene. 

Dinner, Darling! wurde zuletzt auf der Designmesse 

"Operae" in Turin gezeigt. Nach einer erfolgreichen 

Karriere als Senior Designer für Calvin Klein in New 

York und Creative Director bei Georg Jensen und The 

Swatch Group hat Nadja Zerunian ihren Fokus 

verschoben: die unmittelbare Interaktion mit 

Handwerkern und Herstellern steht jetzt im Mittelpunkt 

ihrer Designs. Sie arbeitet mit Handwerkern in 

Rumänien, Algerien, Libanon, dem Iran, Österreich und 

Italien zusammen, um kleine, limitierte Serien zu 

entwickeln, die das immense Potenzial, die Relevanz 

und das Wissen des lokalen Handwerks hervorheben. 

Sie berät das Erste Foundation Roma Partnership- 

Programm, ist Beraterin bei der UNIDO / United Nations 

Industrial Development Organization und 

Gründungspartnerin von zerunianandweisz.mom. 

(Foto: Mark Glassner)

KUNST.INVESTOR


#haah25 

25 Jahre Galerie Hammelehle und 

Ahrens Köln/Baden-Baden 

Ulrich Lamsfuß: “Jürgen Ostarhild, Avatars 2002_2, blau und blond”, 2015 

Stuttgart – die schwäbische Metropole war in den 

1980er und 1990er Jahren nicht nur eines der Zentren 

deutscher Pop-Kultur, sondern auch der deutschen 

Kunstszene. Heute namhafte Galerien und Künstler 

begannen dort ihre Karriere – allen voran die 

„Fantastischen Zwei“ Bernd Hammelehle und Sven O. 

Ahrens. Ihre eigene künstlerische Karriere opferten sie 

gerne und bereitwillig dem Dienst an der Kunst der 

lieben Kolleginnen und Kollegen. Mit dem feinen 

Gespür für die Macht des Pinselstrichs und den Geruch 

der Ölfarbe noch in der Nase widmeten sie ihre Galerie 

vornehmlich der Malerei. Wobei das kurze und 

intensive Studium bei Georg Herold die 

Auseinandersetzung mit der post-sozialen Skulptur 

schulte und schärfte und so dauerhaft zur 

hochaufgehängten (Mess-)Latte wurde. Gleichzeitig 

wirkte der enge künstlerische Kontakt zu Martin 

Kippenberger als Lebensschule dauerhaft nach. Je 

radikaler, desto lieber. 

Vom Wohnzimmer in die Beletage: 1994 begann 

alles mit der ersten Einzelausstellung des Bildhauers 

Stefan Kern im leergeräumten Wohnzimmer von Bernd 

Hammelehle. Nichts hält besser als ein Provisorium: 20 

weitere Ausstellungen, u. a. mit Ina Weber, Vincent 

Tavenne, Matthias Schaufler, Martin Kippenberger, 

Stephan Jung, Tobias Rehberger, Martin Gostner, 

Markus Oehlen und André Butzer/Markus Selg, folgten. 

1996 bezog die Galerie schließlich neue, größere 

Räume in der Beletage eines Gründerzeithauses in der 

Hohenstaufenstraße. Vor dem Hintergrund der eigenen 

künstlerischen Ausbildung und mit Sicht auf 

eigenständige, zeitgenössische Positionen in der 

Malerei und Skulptur deutscher Provenienz entwickelte 

sich hier aus der konsistenten Zusammenarbeit mit den 

Künstler/innen über die Jahre ein klar profiliertes 

Galerieprogramm. Bis heute wurde es durch rund 30 

Galeriepublikationen und Kooperationsprojekte stetig 

vertieft und erweitert.


Vom Neckar an den Rhein: 2002 erfolgte der Umzug 

der Galerie nach Köln. Die neue Adresse: „An der 

Schanz 1a“, ein ehemaliges Umspannwerk aus den 

1970er Jahren. Die ehemals fensterlose Fassade 

wurde mit transparenten Lichtkuppeln ausgestattet und 

der Betonkubus so mit einfachen Mitteln seiner 

intendierten Neunutzung zugeführt. Der ursprünglich 

hermetisch geschlossene Betonmonolith wurde so von 

Bernd Kniess von b&k+ gekonnt in ein 

mehrgeschossiges Galerienhaus umgebaut, von nun 

an kurzerhand „ads1a“ genannt – und schließlich für 

seine Neugestaltung mehrfach ausgezeichnet. Neben 

der Galerie Hammelehle und Ahrens beheimatet das 

Galerienhaus ads1a zur Zeit die Galerien Berthold Pott, 

kuk Krupic Kersting und das Design-Studio von 

Monkiewitsch. In Köln führte die Galerie ihr Programm 

konsequent fort. Weitere Künstler aus dem Rheinland 

kamen zur großen Künstlerfamilie hinzu, zahlreiche 

Einzel- und Gruppenausstellungen folgten, u. a. mit 

Thomas Arnolds, Lutz Driessen, Jan Scharrelmann, 

Tim Berresheim/Jonathan Meese sowie André Butzer, 

Jens Wolf, Martha Jungwirth/Albert Oehlen/Matthias 

Schaufler, Thomas Rentmeister, Anja Schwörer, 

Thomas Grötz, Jens Wolf. Über die klassischen 

Ausstellungen im White Cube der Galerie wurden neue 

Räume für die Kunst entdeckt und aktiviert. Hierfür 

stehen exemplarisch der „Private Projektraum“, in dem 

ein radikales Wohnkonzept mit semi-öffentlicher 

Kunstpräsentation gepaart wurde, und die Mit- 

Konzeption inzwischen legendärer Ausstellungs-, 

Multimedia- und Konzertprojekte in der von Gottfried 

Böhm erbauten beton-brutalistischen Kirche St. Gertrud 

in der Krefeder Straße in Köln. 

Von der Rheinmetropole in die Weltstadt: Ihrer 

Begeisterung für experimentelle Präsentationskonzepte 

folgend nahmen die beiden Galeristen das Angebot, die 

obere Etage der international agierenden Baden- 

Badener Schuhmanufaktur Vickermann & Stoya zu 

beziehen, mit eben solcher Begeisterung an. Der 

mondän-exzentrische Schwarzwald-Kurort, der sich 

selbstbewusst mit dem Attribut „kleinste Weltstadt der 

Welt“ schmückt, erschien sofort als attraktiver 

Schauplatz für den subversiv-radikalen Ansatz des 

Galerieprogramms. Die charmante Salon-Atmosphäre 

der Räume und der Duft nach Leder und echtem 

Handwerk und der bisweilen ausgeschenkten 

Schwarzwald-Schnäpse hat diese längst zu einem 

beliebten Anlauf- wie Aufenthaltsort gemacht, der nicht 

nur Bürger vor Ort, sondern auch Touristen von 

außerhalb wie alte Freunde der Galeristen anlockt. Mit 

Karlsruhe, Stuttgart und dem Elsass in der Nähe haben 

sich hier neue Ideen und Kooperationen – wie z. B. mit 

dem Künstler Johannes Hüppi – quasi organisch 

ergeben. Zurückgekehrt in den Süden Deutschlands, in 

kunstsinniger Umgebung und mit einem neuen 

interessanten wie interessierten Publikum aus aller Welt 

vor der Tür fungieren die Räume in der Stadt an der 

Oos heute als erfolgreiche Dependance zum Kölner 

Standort. Bis heute verbindet beide Galeristen eine 

enge Freundschaft, sie haben sich selbst als ihre 

besten Sparringspartner erwiesen - und auch über die 

Jahre erhalten. Gemeinsam feiern sie nun mit der 

Ausstellung „#haah25“ ihr Jubiläum mit einer 

Ausstellung von Papierarbeiten, konzipiert und realisiert 

in enger Kooperation mit Alexander Warhus, die weit 

über das Galerieprogramm hinausgeht und einer neuen 

Generation von Künstlern eine Bühne schafft.


postcards - the small format 

„Die Konzentration der Gestaltung, die Präzision und die gleichzeitige Leichtigkeit machen 

solche kleinen Werke zu Kleinodien der Kunstwelt.“ (Johann Feilacher) 

Die Schau „postcards – the small format“ zeigt, wo der 

Erfolg der Künstler aus Gugging seinen Anfang 

genommen hat: Vor 5 Jahren gab es im Museum 

Gugging die Ausstellung „small formats.!“, um die 

Besonderheit der Werke im Kleinformat hervorzuheben 

und ihre Bedeutung für die Entwicklung des 

Kulturzentrums im Art Brut Center Gugging zu 

dokumentieren. 

Ende der 1950er Jahre hat der Psychiater Leo Navratil, 

um bei der Fülle der Patienten effektiver diagnostizieren 

zu können, den Mensch-und-Baum-Zeichentest 

benutzt. Dafür hat er postkartengroße, weiße Blätter 

verwendet. Navratils Hauptanliegen war es, eine 

Diagnose zu stellen. Einige dieser Zeichnungen 

passten jedoch nicht in das Diagnoseschema – sie 

waren völlig anders, kreativ & eigenwillig! Das waren 

die Werke der im Laufe der Zeit bekannt gewordenen 

Künstler aus Gugging: unter anderem von Johann 

Hauser, Oswald Tschirtner, August Walla und auch von 

Anton Dobay, Fritz Koller und Rudolf Limberger (Max). 

Das kleine Format ist stets faszinierend und überzeugt 

durch seine Qualität, der Künstler hat einen sehr 

begrenzten Platz für das, was er darstellen will, und das 

wiederum fordert ihn auf, zentriert, konzentriert und klar 

im Ausdruck zu sein. Das kleine Format ist eine 

Herausforderung: alles ist sichtbar, nichts kann 

versteckt werden und genau das ist auch so „großartig“ 

daran. Auf 10,5 x 14,8 cm eröffnet sich dem Betrachter 

die Welt des Künstlers in der ihm eigenen 

Formensprache. Galerie Gugging zeigt in dieser 

Ausstellung Werke von 26 Künstlern und geben 

dadurch einen Überblick über 50 Jahre Kunstschaffen 

in Gugging. Wir spannen den Bogen von sehr früh 

entstandenen Werken wie einem Blatt von Rudolf 

Limberger (Max) aus dem Jahr 1965 bis hin zu Werken 

aus dem Jahr 2018 von Heinrich Reisenbauer. 

Raritäten von unbekannt gebliebenen Künstlern wie 

Josef Binner, Alois Fischbach und Karoline Rosskopf 

werden gemeinsam mit Werken von Oswald Tschirtner, 

August Walla sowie Günther Schützenhöfer, Helmut 

Hladisch und Jürgen Tauscher präsentiert, um nur 

einige der Künstler zu nennen. Wir präsentieren noch 

nie ausgestellte Werke und auch etliche, die bereits in 

der „small formats.!“ Ausstellung des museum gugging 

zu sehen waren und auch im gleichnamigen Katalog 

publiziert sind.- Vernissage: Mittwoch, 27. Februar 2019 

um 19:00 Uhr-[Galerie Gugging. Ausstellungsdauer: 

28. Februar bis 5. Mai 2019]


August Walla, HORNESS IM TELLER., Bleistift, Farbstifte, 14,7 x 10,4 cm © Art Brut KG


Anton Dobay, Kopf, 1974, Bleistift, 14,8 x 10,5 cm © Privatstiftung - Künstler aus Gugging


Franz Kernbeis, Fahrrad, 2008, Bleistift, Farbstifte, 10,5 x 14,8 cm © Privatstiftung - Künstler aus Gugging


Christian Ludwig Attersee, „Ansichtskarten“, 1971- Privatbesitz 

Attersee - Feuerstelle 

Das Belvedere 21 würdigt Christian Ludwig Attersee mit 

einer umfassenden Ausstellung, die sein Frühwerk in 

den Fokus rückt. Mit bisher wenig bekannten Arbeiten 

zeigt die Schau, wie Attersee den Umbruch in der 

künstlerischen Produktion ab den 1960er-Jahren aktiv 

gestaltet und begleitet hat. In seiner fast 

sechzigjährigen Künstlerkarriere hat Christian Ludwig 

Attersee erfolgreich alle Kategorisierungen der 

Kunstgeschichte unterlaufen. Sukzessive ebnet er 

ästhetische Grenzen zwischen High und Low, 

zwischen Pop und Moderne, zwischen freier und 

angewandter Kunst. Der österreichische Künstler 

„atterseeisiert“ seine Welt und macht seinen eigenen 

Namen zur Trademark. Vögel, Fische, Blumen, 

Speisen, Früchte, Frauen, Horizont, Segelsport und 

Wetter gehören seit den Anfängen zu seiner 

Ikonografie und bilden ein allumfassendes Narrativ, 

dessen zahllose Geschichten erst bei näherer 

Betrachtung Konturen annehmen und lesbar werden. 

Attersees Werk schöpft aus seiner eigenen Biografie 

und seinem Alltag genauso wie aus der Kunst und ihrer 

Geschichte. Der besondere Fokus der Ausstellung im 

Obergeschoss des Belvedere 21 liegt auf den ersten 

zwanzig Jahren von Attersees Schaffen, in denen 

der Künstler die komplexe Vielfalt seines gesamten 

Werks formuliert. Gezeigt werden Arbeiten aus 

zahlreichen Genres, wie Zeichnungen, Collagen, 

Malerei, fotografische Serien, Teppiche, Filme, Musik, 

Objekte, ausgewähltes Produktdesign u.v.m. Christian 

Ludwig Attersees unverwechselbares Œuvre wird so in 

großem Umfang zugänglich gemacht und für eine breite 

Öffentlichkeit nachvollziehbar aufbereitet. [Belvedere 

21, 1. Dauer: 1Februar bis 18. August 2019 - Foto: © 

Belvedere]


Attersee mit Speisekugeln, 1966, Privatbesitz 

Christian Ludwig Attersee, Das Süßeste vom Süßen, 1966 Privatbesitz





Telefon +43.2243.21723 

Mobile +43.664.946.7039 



Ohne Titel, aus der Serie „Blitz & Enzianblau“, 2005 

Manfred Willmann 

Die ALBERTINA widmet dem österreichischen 

Fotografen Manfred Willmann (*1952) eine umfassende 

monografische Ausstellung. Willmann hält in seinen 

über mehrere Jahre hinweg aufgenommenen Serien 

alltägliche Szenen aus seinem unmittelbaren 

Lebensumfeld in Graz und der ländlichen 

Südsteiermark fest. Die Ausstellung umfasst sechs 

umfangreiche Werkgruppen, in denen sich Willmanns 

sehr direkte, subjektive Sichtweise manifestiert. Die 

Fotografien lassen sich sowohl als autobiografische 

Introspektion als auch als Studie über soziale 

Strukturen im ländlichen Raum lesen. Willmann 

verwendet visuelle Strategien, die seine bislang als 

nicht darstellungswürdig geltenden Motive 

beeinflussen. Dies erreicht er durch den konsequenten 

Einsatz des Blitzlichtes, enge Bildausschnitte und den 

Fokus auf Details. Er bricht mit einer idyllischen 

Darstellung des Landlebens in Österreich und entzieht 

sich gleichzeitig ideologischen Vereinnahmungen. 

Wegweisend ist Willmanns Verwendung der 

Farbfotografie, die er als einer der ersten 

österreichischen Fotografen als künstlerisches 

Ausdrucksmittel einsetzt. Die ALBERTINA zeigt neben 

den einflussreichen Serien Schwarz und Gold und Das 

Land auch neuere Arbeiten, beleuchtet zentrale 

Aspekte seines Schaffens und spannt einen Bogen 

über Manfred Willmanns Werk vom Ende der 1970er- 

Jahre bis heute. [Albertina. Dauer: 8. Februar bis 26. 

Mai 2019 – Foto: © Albertina]


Heinz Frank - Der Winkel des Endes kommt immer von hinten 

„Mein Tun wohnt im Zwischenraum zwischen dem 

Nichts innen und dem Nichts draußen“, sagt Heinz 

Frank, der sich seit seinem Architekturstudium bei Ernst 

A. Plischke in den 1960er Jahren als Bildhauer, 

Zeichner, Maler, Sprach- und Objektkünstler, manchmal 

auch als Entwerfer von Innenräumen und 

Einrichtungsgegenständen betätigt. Und dabei seine 

Medien gerne miteinander verschränkt, so wie er es 

auch mit Materialien tut: Holz, Stein, Gips, Farbe, Ton, 

Glas, Metall und gefundene Textilien, Drähte, Kisten, 

Böcke, Spiegel oder Teile alter Möbel und Geräte. 

Solche Dinge und Mittel kombinierend, assemblierend 

und transformierend lotet Frank Spannungsfelder wie 

hart/weich, kalt/heiß, innen/ außen, schwer/leicht, 

Anfang/Ende aus, um stets aufs Neue darzustellen, wie 

– und dass – alles miteinander verbunden ist. Er selbst 

bringt solche Intention auf die paradoxe Formel: 

„Ungeformtes umformen in Formloses“. Dabei ist am 

Anfang seines bildnerischen Tuns immer das Wort – 

beziehungsweise ein aphoristischer Gedanke, der, 

händisch auf ein Stück Papier geschrieben, dem aus 

ihm entwickelten Gebilde auch weiterhin zur Seite liegt. 

„Das Loch ist der Inbegriff der Leere“, „Des 

Nasenaffens Mich“ oder „Das Hinten und das Vorne der 

Anderen“ … lässt sich nebst und mit seinen Bildern und 

Gebilden lesen, während die vierrädrige Bodenskulptur 

„Durch dadurch“ sich potenziell ewig im Kreis und um 

sich selbst dreht. Eine andere anthropomorphe Plastik 

wiederum hat „Keinen Hinterkopf, denn die Spitze zum 

Trichter ist zum Denken geboren“. Franks vielgestaltige 

Sprachkunst-Bildwerk-Kombinationen – im 

Ausstellungsraum sind Werke aus unterschiedlichen 

Entstehungszeiten (ab 1970) versammelt – führen die 

Betrachter/innen in eine Ideenwelt, in der das 

Menschsein, der Ursprung und Weg der Gedanken, der 

Körper und das Innere zentrale Themen sind.


Heinz Frank, Das Hinten und das Vorne der Anderen, 2000, Ausstellungsansicht Charim Galerie, 2013, 

© Foto: Markus Krottendorfer, Courtesy Charim Galerie Wien


Hier gehört zusammen, was im rationalistischökonomisch 

geprägten Alltagsgetriebe geflissentlich 

separiert wird: Vernunft und Emotion. Von Heinz Frank 

lernen wir, dass beides voneinander abhängt und somit 

auch als gleichwertig zu erachten ist: Was den Mensch 

zum Menschen macht, ist der Gedanke, der gefühlt 

wird, und umgekehrt. So lautet eine seiner Devisen: 

„Gefühltes denken und Gedachtes fühlen“. Dass der 

Ausstellungsraum der Kunsthalle Wien Karlsplatz über 

gläserne Außenwände verfügt, nützt der Künstler zur 

Montage doppelseitig bemalter Bilder an den 

Innenseiten vor diesen Scheiben. Glas ohne Rahmen 

ist weder Fenster noch Loch, auf Glaswände gehängte 

Bilder hingegen können zu Fenstern werden, speziell 

dann, wenn sie wie bei Frank Löcher haben. Augen- 

Löcher zumeist, durch die sich hier nicht nur in die 

Leere eines Kopf-Inneren, sondern in den hinter ihnen 

befindlichen Außen- oder Innenraum blicken lässt. Oder 

wieder mit Franks Worten (vielleicht): „Inwändig leibt 

auswändig“. Oder (vielleicht) auch: „Menschen sind die 

verwischten Fenster ins Äußere“. Der Raum verfügt 

zudem über rechtwinkelige Ecken, in denen auf 

Teppichen vier Skulpturen stehen. Frei im Raum und in 

dessen Mitte positioniert findet sich hingegen eine 

Abfolge bemalter Paravents, die so hoch sind wie Heinz 

Frank – gewinkelte Wandschirme, die sich womöglich 

nur vor sich selbst abschirmen. Auch sie verfügen 

jedoch jeweils über zumindest ein Loch, jenen „Inbegriff 

der Leere“, wofür zugleich aber gilt: „Das Loch, der 

sechste Finger des Denkens“. In der Kunsthalle Wien 

Karlsplatz zeigt sich Heinz Frank aber nicht allein als 

Darsteller von Ver-Dichtungen „philosophischer 

Schwächeanfälle“, sondern gleichermaßen als 

Architekt: Das Maß seiner Dinge ist bezüglich ihrer 

Proportionen und der Verhältnisse zum Umraum immer 

der Mensch – und damit er selbst als leibhaftiges Ich- 

Kurator: Lucas Gehrmann [Kunsthalle Wien Karlsplatz. 

Dauer: 20. Februar bis 12. Mai 2019 – Foto ©]


Heinz Frank, Ausstellungsansicht Charim Galerie, Ein randloses Loch, fliegt von Baum zu Baum und Loch zu Loch, ohne zu fliegen..., 2013, 

© Foto: Markus Krottendorfer, Courtesy Charim Galerie Wien


Annette Kelm 

Tomato Target 

Annette Kelm, Versuchsanstalt für Wasserbau und Schiffbau, Berlin, 2018, 

Courtesy Annette Kelm, König Galerie, Berlin und Gió Marconi, Mailand 

Annette Kelms Fotografien zeigen scheinbar einfache, 

zugleich aber widerspenstige Motive, die auf Genres 

wie das Stillleben, auf Objekt- oder Studiofotografie 

zurückgreifen. Ihr Blick auf die Realität ebnet Dinge in 

die Zweidimensionalität ein oder vervielfacht sie im 

Prinzip der Serie. Häufig frontal und mit großer 

Detailschärfe abgebildet, betonen die minimalen, visuell 

jedoch durchaus opulenten Objektwelten ihre 

Übersetzung in den zweidimensionalen Raum der 

Fotografie. Kelms konzeptueller Ansatz, gepaart mit 

einer hohen Bildschärfe und neutralem Licht, verleiht 

den abgebildeten Dingen eine prägnante Präsenz. Die 

Betonung des Faktischen schließt jede Symbolik aus, 

zugleich tritt jedoch die kulturelle oder ideologische 

Aufladung bestimmter Objekte in den Vordergrund. 

Irritiert werden diese Ausrichtung an formalen Kriterien 

und der Verzicht auf alles Erzählerische auch durch das 

punktuelle Einfügen von Requisiten, die in keiner 

unmittelbaren Beziehung zum zentralen 

Bildgegenstand stehen. Die Ausstellung in der 

Kunsthalle Wien konzentriert sich auf solche Werke, in 

denen Architektur, Design oder Konstellationen 

scheinbar alltäglicher Dinge sich als visuelle 

Manifestation komplexer Genealogien erweisen. Die 

Versuchsanstalt für Wasserbau und Schiffsbau in 

Berlin, ein prägnanter Bau, der für Versuche zur 

Strömungs- und Schiffstechnik genutzt wird, präsentiert 

sich in Kelms gleichnamiger Fotografie als abstrakter 

architektonischer Farbkörper. Die Zielscheiben der 

Serie Friendly Tournament mit ihren Löchern und 

kleinen Kratern, wo sie von Pfeilen getroffen wurden, 

erinnern an die perforierten Leinwände eines Lucio 

Fontana und thematisieren das Verhältnis von Objekt 

und Hintergrund, dreidimensionaler Wirklichkeit und 

ihrer Repräsentation intellektuell und lakonisch 

zugleich. Ein rätselhafter Rest bleibt jedoch auch hier 

bestehen. Nicht nur in Werken wie diesen sind Annette 

Kelms Bildwelten auf faszinierende Weise paradox: Die 

Zeichen und Motive sind absolut lesbar, aber was sie 

erzählen wollen, bleibt häufig bewusst rätselhaft. Es 

gibt Spuren, denen wir folgen, Referenzen, die wir 

lesen können, aber am Ende ist es der präzise 

fotografische Blick auf die Dinge, der uns über die 

Wirklichkeit und die Möglichkeiten ihrer Repräsentation 

nachdenken lässt. [Kunsthalle Wien, Kurator: Nicolaus 

Schafhausen. Dauer: 14. Dezember 2018 bis 24. März 

2019 – Foto © Kunsthalle Wien]


Annette Kelm, Still Life with Spring, 2017, Courtesy Annette Kelm, König Galerie, Berlin, Andrew Kreps, 

Gallery, New York und Gió Marconi, Mailand


Stadt der Frauen 

Künstlerinnen in Wien von 1900 bis 1938 

Helene Funke, Akt in den Spiegel blickend, 1908-1910 

Foto: Johannes Stoll © Belvedere, Wien 

Im Kanon der Kunstgeschichte werden sie bis heute 

kaum genannt. Jene Künstlerinnen, die zur Zeit der 

Wiener Moderne und der Ersten Republik in Österreich 

mit ihren Werken einen wesentlichen Beitrag zum 

Kunstgeschehen geleistet haben, wie z. B. Elena 

Luksch- Makowsky, Broncia Koller-Pinell, Helene Funke 

oder Erika Giovanna Klien. Im Unteren Belvedere ist 

diesen Frauen nun eine längst überfällige Präsentation 

gewidmet. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurden 

Frauen, die Künstlerinnen werden wollten, massiv 

benachteiligt. Sie durften nicht an der Akademie 

studieren und hatten nur eingeschränkten Zugang zu 

Künstlervereinigungen. Damit reduzierten sich für 

sie auch die Ausstellungsmöglichkeiten. Trotz 

dieser Hürden gelang es einigen von ihnen, erfolgreich 

eine Karriere aufzubauen. Sie waren in der damaligen 

Kunstszene aktiv und stellten in der Secession, im 

Hagenbund, im Salon Pisko und in der Galerie Miethke 

aus. Obwohl in den vergangenen Jahren Leben und 

Werk mancher der damals renommierten 

Künstlerinnen erforscht und in Retrospektiven aufgerollt 

worden sind, werden ihre Arbeiten bis heute in ihrer 

Bedeutung unterschätzt und kaum wahrgenommen. 

Ziel dieser Ausstellung ist, den Blick auf die Wiener 

Moderne und die Zwischenkriegszeit zu erweitern. Im 

Mittelpunkt stehen jene Künstlerinnen, die viel zur 

Kunst dieser Zeit beigetragen haben. Zum Teil 

werden wiederentdeckte Werke gezeigt, die erstmals 

präsentiert werden. Vor allem würdigt die Schau jedoch 

die Beiträge der heute großteils vergessenen 

Künstlerinnen zu den Kunstrichtungen 

Stimmungsimpressionismus, Secessionismus, 

Expressionismus, Kinetismus oder Neue Sachlichkeit. 

Zu sehen sind Werke u. a. von Ilse Bernheimer, Maria 

Cyrenius, Friedl Dicker, Marie Egner, Louise Fraenkel- 

Hahn, Helene Funke, Greta Freist, Margarete 

Hamerschlag, Fanny Harlfinger- Zakucka, Hermine 

Heller-Ostersetzer, Johanna Kampmann-Freund, 

Elisabeth Karlinsky, Erika Giovanna Klien, Broncia 

Koller-Pinell, Frida Konstantin Lohwag, Elza 

Kövesházi-Kalmár, Leontine von Littrow, Elena Luksch- 

Makowsky, Mariette Lydis, Emilie Mediz-Pelikan, 

Teresa Feodorowna Ries, Mileva Roller, Frieda 

Salvendy, Emma Schlangenhausen, Anny Schröder- 

Ehrenfest, Lilly Steiner, Helene Taussig, Ilse 

Twardowski-Conrat, My Ullmann, Olga Wisinger- 

Florian, Grete Wolf Krakauer oder Franziska Zach. 

Kuratorin: Sabine Fellner [Unteres Belvedere. Dauer 

bis 5. Jänner bis 5. Mai 2019 – Foto: © Belvedere]


Helene von Taussig, Weiblicher Akt auf blauem Stuhl, 1920 /30, Foto: Johannes Stoll © Belvedere, Wien


Elena Luksch-Makowsky, Adolescentia, 1903, © Belvedere, Wien

KUNST.INVESTOR B 

Elena Luksch-Makowsky, Ver Sacrum. Selbstbildnis mit Sohn Peter, 1901, Foto: Johannes Stoll © Belvedere, Wien


MAK-Ausstellungsansicht, 2018, © Aslan Kudrnofsky/MAK 

Koloman Moser 

Universalkünstler zwischen Gustav Klimt und Josef Hoffmann 

Anlässlich seines 100. Todesjahres würdigt das MAK 

Koloman Moser (1868–1918), einen der großen 

Visionäre der Wiener Moderne, mit einer der bisher 

umfangreichsten Personalen zu seinem vielfältigen 

Werk. Die MAK-Ausstellung KOLOMAN MOSER. 

Universalkünstler zwischen Gustav Klimt und Josef 

Hoffmann taucht tief in das Œuv- re des 

Ausnahmekünstlers ein und zeigt auf, wie entscheidend 

Moser die Suche nach einer neuen, modernen 

Formensprache in Wien um 1900 mitgeprägt hat. Viele 

der rund 500 Exponate, großteils aus der MAK- 

Sammlung und ergänzt um zahlreiche nati- onale und 

internationale Leihgaben, werden erstmals der 

Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Chronologisch 

aufgebaut, lässt die MAK-Schau jede Etappe von 

Mosers un- gewöhnlichem Werdegang Revue 

passieren: vom Maler zum Allround-Gestalter und 

schließlich wieder zurück zur Malerei. Bis heute übt 

sein Gesamtwerk eine nachhaltige Faszination aus. Als 

Universalkünstler beherrscht Moser die Disziplinen 

Malerei, Grafik, Kunstgewerbe und Innenraumgestaltung 

ebenso wie Mode und Bühnenbild. Das von der 

Wiener Secession propagierte Gesamtkunstwerk lebt 

Moser in beeindruckender Weise vor. Er gilt als einer 

der wichtigsten Wegbereiter der Wiener Moderne, als 

einer der einflussreichsten Künstler des Wiener 

Jugendstils und zählt neben Gustav Klimt und Josef 

Hoffmann zu den führen- den Künstlerpersönlichkeiten 

des Wiener Kunstfrühlings. In fünf Kapiteln 

kontextualisiert die von Christian Witt-Dörring, 

Gastkurator, und Eli- sabeth Schmuttermeier, Kustodin 

MAK-Sammlung Metall und Wiener-Werkstätte- Archiv, 

kuratierte MAK-Ausstellung Mosers Werk vor dem 

Hintergrund der kunsttheo- retischen Entwicklung in 

Wien von 1860 bis 1918. Unter dem Titel „Wien als 

Bühne der Künste“ widmet sich das einleitende Kapitel 

der Ausstellung dem Umfeld, das den jungen Moser 

prägt. Wien erlebt von 1860 bis 1890 eine rasante 

gesellschaftliche und wirtschaftliche Entwicklung.


Ein erstarktes Großbürgertum ermöglicht den Künsten 

neue Betätigungsfelder. Moser wächst mit einer dynamischen 

Künstlergeneration heran, die auf eine 

hochwertige Tradition aufbauen kann. Prägend für 

Moser ist insbesondere der 

Gesamtgestaltungsanspruch des Histo- rismus, der 

Architektur, Malerei und Bildhauerei bei der 

Realisierung von Ausstat- tungsprojekten an einen 

Tisch holt. Werke unter anderem von Hans Makart und 

der Wiener Künstler-Compagnie (Franz Matsch, Gustav 

und Ernst Klimt) stehen zum Auf- takt der MAK- 

Ausstellung neben frühen, noch ganz dem 

Naturalismus verschriebenen Ölbildern und grafischen 

Arbeiten Koloman Mosers. Das zweite Kapitel 

„Koloman Mosers frühe Jahre“ (1886–1896) zeigt den 

jungen Moser als freischaffenden Künstler. Um sein 

Studium der Malerei an der Kunstgewerbeschule 

(1893–1895) bei Franz Matsch finanzieren zu können, 

betätigt sich Moser bereits ab 1888 intensiv als 

Illustrator für Bücher und Zeitschriften. Mit jungen 

Künstlerkollegen, die mit der dem Naturalismus 

verschriebenen Wiener Kunstszene zunehmend unzufrieden 

sind, schließt er sich zum Siebener-Club 

zusammen, aus dem später die Seces- sion 

hervorgeht. Eine Zeichnung Gustav Klimts zur Allegorie 

der Skulptur, die er für Martin Gerlachs Vorlagenwerk 

für Kunstgewerbetreibende Gerlach’s Allegorien. Neue 

Folge angefertigt hat, inspiriert Moser zu einem neuen, 

kurvilinearen Ausdruck, aus dem er schließlich unter 

Einfluss der japanischen Kunst die sogenannte Wiener 

Flä- chenkunst entwickelt. „Die Einheit von Form und 

Funktion“ (1889–1895), das dritte Ausstellungskapitel, 

widmet sich dem Architekten und „Vater der Moderne“ 

Otto Wagner sowie seiner prä- genden Rolle für Mosers 

Werdegang. Wagner kritisiert den Einsatz historischer 

Stile und prägt den sogenannten Nutzstil. Die Einheit 

von Form und Funktion – „form follows function“ – wird 

zum Credo der Moderne. Wagners Ideen üben großen 

Einfluss auf die unter anderen beteiligten 

Gründungsmitglieder der Secession Gustav Klimt, 

Koloman Moser, Carl Moll, Josef Hoffmann und Joseph 

Maria Olbrich aus. Wagner ist es auch, der Moser 

gemeinsam mit Josef Hoffmann für eine Professur an 

der Kunstge- werbeschule des k. k. Österreichischen 

Museums für Kunst und Industrie vorschlägt. 

Letztendlich aber orientieren sich die Secessionisten an 

der Arts and Crafts-Bewegung, die der Realisierung der 

künstlerischen Idee den Vorrang vor der Funktion gibt. 

Das vierte Kapitel „Die Einheit der Künste“ zeigt Moser 

als Gründungsmitglied der Secession und 

Universalkünstler. Inspiriert vom Konzept des 

Gesamtkunstwerks der Secession widmet sich Moser 

nun ausschließlich der Ausstellungs-, Bühnen- und Innenraumgestaltung 

sowie der Mode. In 

Zusammenarbeit mit Josef Hoffmann entstehen 

Innenraumkonzepte, die als Wiener Raumkunst 

international bekannt werden. Ein berühmtes Beispiel 

ist die von Künstlern gestaltete Einrichtung des Palais 

für den In- dustriellen Nikolaus Dumba. Hans Makart 

stattet das Arbeitszimmer (1871–1873) aus, Gustav 

Klimt den Musiksalon und Franz Matsch das 

Speisezimmer (1897/98). Um 1900 kommt es zu einer 

markanten stilistischen Zäsur. Ein flächiger, 

geometrisch reduzierter Ausdruck dominiert nun 

Mosers Entwürfe, der Quadratdekor wird zu einem 

seiner Markenzeichen. Der sogenannte Wiener Stil ist 

geboren. Gemeinsam mit Josef Hoffmann und dem 

Mäzen Fritz Waerndorfer gründet Koloman Moser 

schließ- lich die Wiener Werkstätte (1903), die die 

kompromisslose Umsetzung des Gesamt- kunstwerks 

ermöglicht. Als ein Höhepunkt der Ausstellung entführt 

dieser Ausstel- lungsbereich in die beeindruckende 

Fülle von in der Wiener Werkstätte entstandenen, 

zeitlos schönen Innenraumgestaltungen, Möbeln, 

Metallgegenständen, Lederarbeiten und Schmuck. Die 

zunehmende Abhängigkeit von einem kleinen Kreis von 

Mäzenen veranlasst Moser im Jahr 1907 zum Austritt 

aus der Wiener Werkstätte. Moser startet einen neuen 

Ab- schnitt in seiner künstlerischen Laufbahn und 

widmet sich bis an sein Lebensende 1918 fast 

ausschließlich der Malerei. Das letzte 

Ausstellungskapitel „Abschied von der Ein- heit der 

Künste“ gibt einen Überblick über Mosers malerisches 

Spätwerk, mit dem er an den Ausgangspunkt seines 

Schaffens zurückkehrt. Gezeigt werden mehr als 20 

Gemälde Mosers, unter anderem das erstmals 

präsentierte Werk Männlicher Akt (um 1913, 

Privatbesitz). [MAK. Dauer bis 22. April 2019- Foto. © 

MAK]


MAK-Ausstellungsansicht, 2018, SAGMEISTER & WALSH: Beauty, Sagmeister & Walsh, Color Room, 2018 

In Kooperation mit Backhausen, MAK DESIGN LABOR, © MAK/Aslan Kudrnofsky 

SAGMEISTER & WALSH: Beauty 

Mit ihrem faszinierenden Ausstellungsprojekt Beauty 

liefern Stefan Sagmeister und Jessica Walsh ein 

multimediales, höchst sinnliches Plädoyer für die Lust 

am Schönen. Nahezu im gesamten 20. und 21. 

Jahrhundert war und ist Schönheit im Designdiskurs 

eher negativ besetzt. Dieser Antipathie setzen 

Sagmeister & Walsh beeindruckende Argumente 

entgegen und machen Schönheit als einen zentralen, 

funktionalen Aspekt ansprechender Gestaltung 

erlebbar. Die das gesamte MAK am Stubenring 

durchfluten- de Ausstellung spielt mit allen Sinnen der 

BesucherInnen und zeigt deutlich auf: Schönheit ist 

mehr als eine rein oberflächliche Strategie. Ein Mix aus 

eigens für die Ausstellung produzierten Installationen 

und Beispielen aus Produktdesign, Stadtplanung, 

Architektur und Grafikdesign animiert in der MAK- 

Säulenhalle, im MAK DESIGN LABOR, in der MAK 

GALERIE, im MAK- Kunstblättersaal und in der MAK- 

Schausammlung Gegenwartskunst zum Sehen, 

Riechen und Fühlen. Unterstützt von Erkenntnissen aus 

der psychologischen Ästhetik treten Sagmeister & 

Walsh den Beweis an, dass schön gestaltete Arbeiten 

die menschliche Wahrnehmung stimulieren und damit 

besser funktionieren. Gegliedert in sechs 

Ausstellungsthemen – „Was ist Schönheit?“, „Die 

Geschichte der Schönheit“, „Im Auge des Betrachters“, 

„Schönheit erleben“, „Transformierende Schönheit“ und 

„Das Schönheitsarchiv“ – entfachen rund 70 

Objektgruppen einen ästhetischen Diskurs zur 

Schönheit als Paradigma für hochwertige Gestaltung. 

Als ein Herzstück der Ausstellung spielt der gemeinsam 

mit Swarovski gestaltete Sensory Room mit allen 

Sinnen der BesucherInnen. Ein sinnlich inszenierter 

White Cube lädt zum Betreten ein. In enger 

Zusammenarbeit mit dem Kreativteam von Swarovski 

entstand die Außenhülle dieser Installation im MAK 

DESIGN LABOR: Tau- sende Swarovski-Kristalle 

funkeln in einem von Sagmeister & Walsh entworfenen 

Or- nament und verleihen dem Raum einen 

besonderen Zauber. Im Inneren treffen die 

BesucherInnen – in Nebel gehüllt – auf ständig 

wechselnde Farben des Sonnenuntergangs.


MAK-Ausstellungsansicht, 2018, SAGMEISTER & WALSH: Beauty, Bildmitte: Nils Völker, Two Hundert and Seventy, 2018 

MAK-Säulenhalle, © MAK/Aslan Kudrnofsky


Als „schön“ empfundene Gerüche wie Zitrusduft und ein 

Klangteppich von Ge- sängen des Malaysischen 

Sumpffrosches ermöglichen ein unvergleichliches 

Erleben von Schönheit. Wer diesen Raum der 

Ausstellung verlässt, fühlt sich wohl und gut. Der 

spektakuläre, mit Projektionen bespielte Nebelvorhang 

Fog Screen inszeniert den MAK-Haupteingang am 

Stubenring und führt schon beim Betreten des 

Museums zur zentralen Frage: „Was ist Schönheit?“. 

Die von unzähligen PhilosophInnen und WissenschaftlerInnen 

diskutierte Frage, was Schönheit 

ausmacht, beantworten Sagmeister & Walsh mit 

Fakten: Schönes wirkt unmittelbar auf die 

Dopaminrezeptoren und auf das Empfinden, somit kann 

schöne Gestaltung als funktionell verstanden werden. 

Symmetrie definieren Sagmeister & Walsh als 

universelle Komponente des Schönheits- empfindens. 

Diese These untermauern sie mit mehreren 

Installationen: Unter anderem können BesucherInnen 

mit einer interaktiven App symmetrische Strukturen 

generie- ren und via App eine damit bedruckte Tote 

Bag bestellen. Ein auf eine Großleinwand projizierter 

Vogelschwarm, der sich in seiner Dichte und 

Geschwindigkeit kontrollieren lässt, belegt, dass 

ausbalancierte Muster tendenziell bevorzugt werden. 

Schönheit ist seit jeher ein bestimmendes Moment für 

die PartnerInnenwahl, die Re- produktion und die 

Evolution. Wir empfinden positive Emotionen, wenn wir 

Schönes sehen. Beispiele aus allen Epochen der 

Menschheitsgeschichte lassen im Ausstellungsbereich 

„Die Geschichte der Schönheit“ keinen Zweifel am 

Begehren nach Schönheit. Sexuell anziehend ist nicht 

nur physische Schönheit, sondern auch die Fähigkeit, 

schöne Dinge zu kreieren. Das war schon in der 

Prähistorie so: Für den symmetrischen Schliff von 

Steinäxten gab es keine Begründung, allerdings 

gewannen die Hersteller dieser Werkzeuge mit ihrem 

Gefühl für symmetrische Gestaltung und mit 

feinmotorischem Können an Attraktivität. 

Auch das Negieren von Schönheit wird im Rahmen 

dieses Ausstellungsbereichs umfassend thematisiert. 

Das ästhetische Empfinden ist weniger subjektiv als 

gemeinhin angenommen. Im Kapitel „Im Auge des 

Betrachters“ werden bemerkenswerte Ähnlichkeiten in 

verschiedenen Kulturen und Zeitepochen aufgespürt. 

Wie universell das Schönheitsempfinden ist, 

verdeutlicht unter anderem die Visualisierung von 

Untersuchungen von Chris McManus, Psychologe am 

University College London: 85 Prozent der 

ProbandInnen können auf Anhieb ein Werk von Piet 

Mondrian von der leicht abgeänderten Fälschung 

unterscheiden. Einmal mehr laden Sagmeister & Walsh 

hier zur Interaktion: Die Eintrittskarte ist mit geprägten 

Münzen versehen, die auch zum Abstimmen über 

Lieblingsformen eingesetzt werden können. Um 

Farbwahrnehmung geht es in The Color Room. Der mit 

intensiven, blau- rosafarbenen Mustern überzogene 

Raum wird regelmäßig mit einem speziellen Licht 

beleuchtet, das bestimmte Farbtöne grau erscheinen 

lässt. Farbigkeit wird gemeinhin als schöner 

empfunden. Schönheit hat das transformatorische 

Potenzial, die Welt zu verbessern, wie im 

Ausstellungsbereich „Transformierende Schönheit“ 

deutlich wird. Unter anderem zeigt die Installation From 

Garbage to Functional Beauty, wie der 

unkonventionelle französische Designer Thierry 

Jeannot gemeinsam mit mexikanischen 

Müllsammlerinnen einen wunderschönen Kronleuchter 

aus Plastikmüll schafft. Beauty schließt mit einem von 

Sagmeister & Walsh kuratierten „Schönheitsarchiv“ mit 

den formal schönsten Exponaten des MAK: ein Best-of 

von museal als schön bewerteten Objekten. 

Ausstellungsdauer bis 31. März 2019 (Foto: MAK)


MAK-Ausstellungsansicht, 2018, SAGMEISTER & WALSH: Beauty, Sagmeister & Walsh, Fog Screen, 2018, 

Die Installation wurde in Kooperation mit der ERSTE Stiftung produziert. MAK-Säulenhalle, © MAK/Aslan Kudrnofsky 

MAK-Ausstellungsansicht, 2018, SAGMEISTER & WALSH: Beauty, Sagmeister & Walsh, Sensory Room, 2018, 

In Kooperation mit Swarovski, MAK DESIGN LABOR, © MAK/Aslan Kudrnofsky


Miriam Cahn, schön(2016), Foto Markus Tretter, Kunsthaus Bregenz 

- 

Das genaue Hinschauen 

Miriam Cahn präsentiert im Kunsthaus Bregenz ihre 

erste große institutionelle Einzelausstellung in 

Österreich. Die Bilder der mehrfachen documenta- 

Teilnehmerin sind ebenso bedrückend wie 

einnehmend. In Pastell oder Kohle zeigt sie Figuren oft 

formatfüllend in leeren, kaum definierten Umräumen. 

Die Gesichter sind schattenhaft reduziert, Augen und 

Münder nur Schemen. Die Körper, meist nackt, wirken 

verloren und geisterhaft, als würden sie von einem 

fluoreszierenden Licht erhellt. Selten agieren sie, dann 

mit verstörend vereinfachten, manchmal auch heftigen 

Gesten. Einsamkeit, Sexualität, Liebe, Gewalt oder 

Zerstörung sind die Themen. Die Schweizer Künstlerin 

ist von der Performancekunst der 1970er Jahre, der 

feministischen Kunst und der Friedensbewegung 

geprägt. Ihre Figuren dienen der stummen 

Identifikation, der Anteilnahme, dem Aufruf. Zuweilen 

zeigt sie die Berglandschaft des Oberengadins in 

schroffen Horizonten, übermächtig und erhaben. Und 

doch nehmen sich ihre Linien wie Stellvertreter des 

Menschlichen aus. [Kunsthaus Bregenz. Dauer: 13. 

April bis 30. Juni 2019 Foto: © KUB]


Miriam Cahn, Zähne zeigen(2018), Foto Markus Tretter, Kunsthaus Bregenz


Fritz Simak, Gelatinsilbermalerei Nr. 3, 1975 © Landessammlungen Niederösterreich, Foto Christoph Fuchs 

Fotografie+Malerei! 

im Werk von Adolf Frohner 

Die Ausstellung Fotografie+Malerei! im Werk von Adolf 

Frohner zeigt mit 50 Werken erstmals einen Querschnitt 

aus der fotografischen Bilderwelt Adolf Frohners, die 

Strukturen und Muster im Alltäglichen entdeckt. Im 

Dialog mit Adolf Frohners fotografischem Blick stehen 

aktuelle Interpretationen, die mit der materiellen 

Qualität im Grenzbereich von Fotografie und Malerei 

experimentieren. Seit der Erfindung des fotografischen 

Mediums stehen Fotografie und Malerei in reger 

Wechselwirkung. Orientierte sich die Fotografie 

zunächst an der Malerei und ihrer atmosphärischen 

Wirkung, so nutzte die Malerei umgekehrt fotografische 

Motive als Vorbild. Im 20. Jahrhundert wurde das Ende 

der Malerei heraufbeschworen und mit der 

zunehmenden Bedeutung des Mediums Fotografie 

begründet. Doch brachen die Grenzen zwischen den 

Kunstdisziplinen immer mehr auf und das fotografische 

Bild wurde Teil malerischer Strategien und vice versa. 

Heute bedient man sich selbstverständlich am 

Repertoire aller Medien: Bild, Fotografie, digitales Bild. 

Dass auch Adolf Frohner wesentliche Impulse seines 

Werkes der Auseinandersetzung mit dem 

fotografischen Medium verdankt, wurde durch die 

Aufarbeitung seines Archives sichtbar. Die Ausstellung 

zeigt erstmals den Zusammenhang zwischen Adolf 

Frohners Fotografie und seiner Malerei auf. Frohner 

begab sich seit den 1960er-Jahren mit seinem 

Fotoapparat – einer Kiev 88 – auf Spurensuche und 

interessierte sich für Strukturen und Zeichen an 

Wänden ebenso wie für Unscheinbares und Zufälliges. 

Frohners kaleidoskopische Sammlung an 

fotografischen Studien von Oberflächenstrukturen – 

Wänden, Ritzungen, Zeichnungen, Farbverläufen, 

Rissen, Sprüngen und Figuren – belegen seine 

andauernde Suche. Seine Aufmerksamkeit richtete sich 

auf Unbemerktes und erfasste die ästhetische Qualität 

des Allgegenwärtigen. Viele seiner Fotografien bildeten 

die Grundlage für eine Überarbeitung mit Farbe, Sand 

und Grafit zum Bildobjekt. Andere bestanden als 

autonome fotografische Werke.


Adolf Frohner, Tag und Nacht, 1984, Foto_ Christian Redtenbacher


Zu Frohners Hauptwerken in diesem Zusammenhang 

zählen die in der Ausstellung gezeigten Werke 

Wandbild bei der Arena (1965) und Epitaph (1963) 

sowie eine Reihe von fotografischen „Mauerbildern“. 

Die Konzentration auf die sinnliche Qualität des 

Materials bildet bei dieser Werkphase einen 

entscheidenden Zugang. Die haptische Qualität der 

Oberflächen stand zunächst im Zentrum. „Zum 

Hingreifen“ dem Abbild nahe verschwimmen Grenzen 

zwischen Realem und Bild. Frohner leistete mit dieser 

Integration des fotografischen Bildes einen 

entscheidenden Beitrag zur Erweiterung des 

Tafelbildes und den Diskurs um Abbild und Realität, der 

in den 1960er-Jahren die Kunstwelt bestimmte und 

heute durch den Einbruch des fotografischen Bildes in 

aktuelle Formen der Kommunikation allgegenwärtig ist. 

Frohners Interesse am Material begründet sich auch 

aus seiner Vorgeschichte im Wiener Aktionismus. In 

dieser Hinsicht zeigt sich eine Verwandtschaft zu Heinz 

Cibulkas Rosenbild (1976), das in der Tradition seiner 

Teilnahme an vielen Aktionen mit Hermann Nitsch und 

Rudolf Schwarzkogler steht, benützt es doch als 

Malgrund ein im Format gleiches Leinen. Subtil spielt 

Cibulka mit dem Moment von Körperlichkeit sowie mit 

der Erotik des Materials und Sujets. Bei den Arbeiten 

Reaktion a (1978) und Reaktion b (1978) aus der Serie 

„Verletzungen“ experimentiert Gerhard Kaiser mit der 

Dekonstruktion von Material und Form. Schneiden, 

Brechen und Reißen, Kratzen und Störung sind 

wesentliche Aspekte dieses sehr sinnlichen Zuganges 

zu Bild und Fotografie. Das Malerische am 

fotografischen Material thematisiert hingegen die Serie 

Gelatinsilbermalerei (1975) von Fritz Simak. Wie die 

Qualität der Oberfläche, das Spiel mit Täuschung und 

materiellen Aspekten in der Gegenwart interpretiert 

wird, zeigen signifikante Statements von Michael Part, 

Wolfgang Raffesberger und Andreas Dworak, deren 

divergenter Ansatz im Spannungsfeld von 

Immaterialität, Transzendenz und Romantik steht. Die 

Fotografie blieb für Adolf Frohner bis in die späten 

1980er-Jahre maßgebend. So entsteht in späteren 

Werken durch die Integration von Abbildungen, 

Fotografien, Kopien und Bildfragmenten eine 

vielschichtige Narration wie etwa bei der Arbeit Tag und 

Nacht (1984), die gleichsam als eine thematische Reise 

durch den Kosmos Adolf Frohners lesbar ist. Anders als 

bei Arnulf Rainers Übermalungen von Fotografien, der 

die Auslöschung herkömmlicher Bildformen avisiert, 

entwickelt Frohner eine vielschichtige Ebene des 

Erzählens. Die Ausstellung vollzieht einen 

Perspektivenwechsel in der Betrachtung von Adolf 

Frohners Schaffen und stellt seinen fotografischen Blick 

ins Zentrum. [Forum Frohner. Dauer: 21. Oktober 2018 

bis 7. April 2019 – Foto: © Forum Frohner] 

Mit Werken von Heinz Cibulka (*1943 in Wien), Andreas Dworak (*1957 in Wien), Adolf Frohner (*1934 in 

Großinzersdorf; †2007 in Wien), Gerhard Kaiser (*1955 in Bad Vöslau), Michael Part (*1979 in Wien), Wolfgang 

Raffesberg (*1957 in Wien), Arnulf Rainer (*1929 in Baden), Fritz Simak (*1955 in Wien). Kuratorin: Elisabeth 

Voggeneder


Adolf Frohner, Wandstrukturen, frühe 1960er Jahre © Landessammlungen Niederösterreich, Foto Christoph Fuchs


Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien 

Le Restaurant, Le Club, Le Design 

Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine Ruckendorfer 

und Architekt Alberto Bach perfekt definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für viele internationale 

Prestigebauten verantwortlich und hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und orientalischen Klischees. 

Beide wollten dem Aux Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das Licht wird durch die Neugestaltung tief in 

den Raum geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. "Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten 

kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von großer Klarheit", 

erklärt Bach. "Verbindend dazu finden sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit klassisch 

marokkanischen Elementen." Eine Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum Einsatz kommt. Ruckendorfer 

Für Ruckendorfer ist das Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 

2000 Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & 

Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", "Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes mehr erwarten 

den Gast. "Orient Light" nennt sich das frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für die heißen 

Sommermonate in der City. Im "Lunch Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von libanesischen Mezze- 

Gerichten und marokkanischen Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat-Buffets angeboten. Abends können 

diese auch à la Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte im 

Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. Abends kommt 

regional-österreichisches zum Einsatz, wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem Rinderprosciutto und 

Granatapfel, einem zarten Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier werden mit Gemüse-Tajine oder 

gebackenen Kartoffeln mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip verwöhnt.


Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary 

Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine Signature- 

Drinks überlegt. So wird der berühmte marokkanische Minztee, an dem bereits Winston Churchill im La Mamounia 

schlürfte, im Sommer "on the rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine alkoholische Version des Traditionsgetränks 

aus der Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von 

Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer heißen Bar- 

Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach einer klandestinen 

Rezeptur eines jamaikanischen Barmans gemixt. 

After Work-Shower 

Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem anstrengenden 

Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon de Beauté schaffen Abhilfe. 

Für 15,- Euro können sich Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, entspannen und für den Abend zu Recht 

machen. Im Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk (hausgemachte Limonaden und Eistees). 

Verwöhnprogramm für Body & Soul 

Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & Salon de 

Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf bis Fuß 

verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches Dampfbad, 

Behandlungs- und Entspannungsräumlich-keiten in bester Orient-Manier. Hammamcis verwöhnen mit Waschungen, 

Peelings, wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at





Telefon +43.2243.21723 

Mobile +43.664.946.7039 


Sonnernummer für Kunstinvestor 

BÖRSE 

EXPRESS 

Empfehlungen auf www.boerse-express.com 

Die aktuellen Analysen von heute 

Kurse, News, Charts, ... - auf einen Blick 

Trading-News und -Ideen 

EVENT 

v.l.u.: Ralph Pöttinger (Alpine Equity Management), Heimo Scheuch (Wienerberger), Elke Mayr (Kurier), Alexandra Tiefengraber 

(BEX), ≈Danja Bauer (Bauer Communications), Helmuth Klöckl (Kloeckl.cc) - 2. Reihe v.l.: Robert Gillinger (Börse Express), Antonina 

Mishchaninova (MFS), Jan Rimpler (Robert Beer), Gerald Siegmund (Fame Investments), Reinhard Magg (FinanzAdmin), 

Martin Trettler (Team Leo), Markus Harrer (dieplattform.at), Thomas Strobach (PwC), Ramin Monajemi (BEX). 

Foto: Elke Mayr 

Börse Express 

und Freunde 

in der Villa 

Walster 

Dieses Wochenende luden wir vom Börse 

Express mit dem Partner Fame Investments 

zum mittlerweile dritten Networking- und 

Diskussionsroundtable in die Nähe Mariazells 

- in die tiefverschneite Villa Walster 

am Hubertussee. Wienerberger CEO Heimo 

Scheuch warf dabei nicht nur einen Blick in 

die Zukunft, sondern erwies sich auch als 

versiert in der Historie des Baustoffzulieferers. 

Mehr dazu gibt’s in Ihrem Börse 

Express-PDF ab Seite 2. 

05 

Immobilien Die Sonne geht im 

Osten auf 

DAX-Bullen sind nicht zu bremsen, heißt’s 

bei Martin Chmaj - nur Online

Seite 2 

BÖRSE EXPRESS 

EVENT 

BE ROUNDTABLE 

„Werden die Dividende 

signifikant steigern” 

Robert Gillinger 

robert.gillinger@boerse-express.com 

Die dritte Panel-Diskussion des Börse Express 

mit Fame Investments ist Geschichte. 

Diesmal nutzte Wienerberger-CEO Heimo 

Scheuch die Gelegenheit, den anwesenden 

Kapitalmarktteilnehmer den Baustoffkonzern 

näher zu bringen. 

Heimo Scheuch, CEO Wienerberger 

Foto: Elke Mayr 

Der Hubertussee, nahe Mariazell, war die tiefwinterliche 

Umgebung der mittlerweile bereits dritten 

Börse Express-Panel-Diskussion, die wir gemeinsam 

mit Fame Investments veranstalten. Ein Ort, an dem es 

keine Ablenkung von außen gibt - es herrscht mehr oder 

minder eine mobilfunkfreie Zone rund um den Hubertussee... 

Was der Intensität des Roundtables keinen Abbruch tat. 

Ziel des Roundtables ist der Gedanken- und Erfahrungsaustausch 

von Kapitalmarktteilnehmern und -interessierten. 

Das geht von Anlagechancen, dem Aufzeigen von 

Risiken, über Regularien, Makroökonomie bis hin zu Themen 

der Versicherung. Wobei diesmal dem Thema Zinsentwicklung 

und vor allem der Financial Literacy 

besonders Augenmerk geschenkt wurden. Hier hatten wir 

mit Heimo Scheuch als Aufsichtsratchef der Wiener Börse 

einen vehementen Kritiker des Ist-Zustands, der auch klar 

darlegte, woran das liegt. Mehr Widerspruch gab es bei 

Themen wie der künftigen Zinsentwicklung bzw. was uns 

die Digitalisierung, 3D-Drucker und Blockchain-Technologie 

für Auswirkungen aufs tägliche Leben und aber auch 

für die Anlagewelt bringen werden. 

Einige der Themen ließ Heimo Scheuch gleich in der im 

Anschluss stattfindenden Unternehmenspräsentation von 

Wienerberger einfließen, die dieser als CEO leitet. Vor 

allem bereits bestehende Digitalisierungs-Features des 

Baustoffkonzerns ließen staunen: etwa eine Drohne, die 

mit dem Dachdecker aufs Dach fliegt und nach einem 

Foto-Screening bereits errechnen kann, wieviele Ziegel 

z.B. gebraucht werden und mit welcher Energieersparnis 

gerechnet werden kann, wenn dieser oder jener Ziegel 

verwendet wird. 

Danach fand das Treffen seine Fortsetzung im inoffiziellen 

Teil – sei’s bei einer Party Karambole, einem klassischen 

Kamin-Gespräch, der Bar... 

Neben Siegmund und Scheuch waren mit an Bord: Helmuth 

Klöckl, (Vermögensberater Kloeckl.cc), Jan Rimpler 

(Robert Beer Investments), Reinhard Magg (Vorstand FinanzAdmin), 

Thomas Strobach (Partner PwC), Markus Harrer 

(Vorstand dieplattform.at), Martin Trettler (Vermögensberater 

Team Leo) und Ralph Pöttinger (Alpine Equity 

Management) sowie Antonina Mishchaninova (MFS) und 

Danja Bauer (Bauer Communications), die auch ihr Gesangstalent 

im Rahmen eines Live-Auftrittes unter Beweis 

stellte. Für die Fotos sorgte Elke Mayr. 

Was ist die Wienerberger heute? Eine der zentralen Botschaften 

von CEO Heimo Scheuch zum Unternehmen ist, 

dass Wienerberger mittlerweile mehr als ein Ziegelproduzent 

ist, vielmehr ein führender Anbieter von Baumaterialien 

und Systemanbieter. „Für Ziegel kennt man uns, 

mittlerweile kommen aber von 3,3 Mrd. Umsatz mehr als 

eine Milliarde von anderen Produkten.” Speziell in den Bereich 

Rohre wurde in den vergangenen Jahren diversifiziert. 

Das Portfolio besteht nunmehr aus Baustoffen aus 

keramischer Produktion bis hin zu Rohren und Flächenbefestigungen. 

„Wienerberger wird vom Finanzmarkt 

noch nicht ganz verstanden – wir erzielen 25 Prozent unseres 

Umsatzes mit innovativen Produkten mit einem Produktlebenszyklus 

von unter fünf Jahren. Das ist in der 

Baustoffbranche ein sehr starker Wert”, sagt Scheuch kurz 

nach einem Intermezzo in die Historie des mittlerweile 

seit 150 Jahren börsenotierten Unternehmens mit der Erinnerung 

daran, dass die heute noch zu sehenden Ziegelbauten 

rund um die Ringstraße aus Wienerberger-Ziegel 

hergestellt wurden ... mit entsprechendem Produktlebenszyklus. 

Geografisch tätigt Wienerberger seine Umsätze zu etwa 

90 Prozent in Europa, den Rest in Nordamerika. Das 

warum nicht Afrika und/oder Asien erklärt Scheuch

Seite 3 


EVENT 

Erst die Arbeit, ... 

Foto: BE / Yan 

... dann das Vergnügen Foto: Elke Mayr 

damit, dass es im Baugeschäft sehr stark um Marktanteile 

geht: „Über eine starke Marktpräsenz fährt man die Gewinne 

ein.” Und da die Lieferradien für Wienerberger-Produkte 

bei maximal 400 km liegen, „müssten wir allein in 

China 1000 Fabriken haben, das schaffen wir nicht.” 

Schaffen will Scheuch dafür weiteres Wachstum: „Für 

2018 haben wir als Range beim EBITDA 460 bis 470 Millionen 

Euro ausgegeben. Es wird das obere Ende sein. Da 

kann man sich ausrechnen, wo das liegen wird. Wir 

schließen also 2018 mit einem starken Wachstum ab. Und 

es wird so weitergehen.” Scheuch spricht auch an, dass es 

nach der Ergebnissteigerung auch zu einer signifikant höheren 

Dividende kommen wird. 

Dass es so weitergeht, liegt für Scheuch an der klar fokussierten 

Wachstumsstrategie - und dem im Vorjahr eingeläuteten 

Fast-Forward-Programm mit dem Ziel, alle 

Kosten und Prozesse zu durchleuchten - und daraus 120 

Millionen Euro für das EBITDA zu lukrieren. „Wir sehen 

im digitalen Bereich für uns gewaltige Chancen, die Prozesse 

optimal zu gestalten.” So wurde z.B. in den letzten 

Jahren eine digitale Fabrik entwickelt. An Bord wurden 

auch Produktionsspezialisten anderer Branchen geholt - 

etwa aus dem Automobilbereich wo die Automatisierung 

der Produktion bereits weiter als beim Bau ist. Mittlerweile 

können Dachdecker, wie zuvor erwähnt, gemeinsam 

mit der von Wienerberger entwickelten Drohne aufs Dach 

fliegen... „Die Kapitalintesität geht für uns sehr stark zurück 

– daher die bessere Rentabilität”, sagt Scheuch. Und: 

„Die Digitalisierung führt dazu, dass wir nicht mehr nur 

den Dachziegel verkaufen, wir verkaufen eine Dienstleistung.” 

Der Wienerberger-CEO strebt aber auch externes Wachstum 

an: „Wir sehen aufgrund der starken Bilanz die Möglichkeit, 

Unternehmen kaufen zu können.” Dabei, so 

Scheuch, ist wichtig, günstiger zuzukaufen als die (eigene) 

Marktbewertung – es sollte daher ein EBITDA-Multiple 

unter sechs sein. In der Peergroup selbst sieht der Wienerberger-CEO 

die Unternehmensbewertung am unteren 

Ende der Range - „vor allem wenn wir unsere EBITDA- 

Wachstumschancen sehen.” Zugekauft werden künftig 

speziell Lösungen für den Innenbereich des (Wohn-)Hauses 

– zuletzt ein Anbieter vorgefertigter Rohre für Elektroinstallationen. 

„Von dort werden wir bis zum 

Schaltkasten und weiter gehen”, kündigt Scheuch an und 

nennt speziell das Badezimmer als Ziel. „Heute sind wir 

sehr stark in der Infrastruktur – und werden mehr in den 

Zubehörsbereich des Hauses wachsen.” 

Die gesehenen Wachstumschancen werden auch beziffert: 

Ziel für das Jahr 2020 ist ein EBITDA von 680 Millionen 

Euro (Anm: nach wohl knapp 470 in 2018). „Und ich 

glaube, dass wir in den nächsten Jahren die fünf Milliarden 

Grenze beim Umsatz überschreiten werden”, sagt 

Scheuch, ohne ein Datum zu nennen. 

Ausverkauft. Auf Anfrage wirft Scheuch einen Blick auf 

die osteuropäischen Märkte: Lage und Ausblick schätzt er 

positiv ein - und sieht keine Spur von Überhitzung des 

Marktes: „Es gibt keinen Markt in Osteuropa, der auf dem 

Niveau von vor der Krise ist – Ungarn liegt beispielsweise 

40 Prozent darunter.” Aber die Geschäfte laufen - „in Rumänien 

sind wir komplett ausverkauft.” 

Schlussendlich wirft Scheuch noch jene Frage in den 

Raum, der sich jedes Unternehmen irgendwann einmal 

stellen muss: Seiner Sinn-Frage. Da sieht Scheuch den klaren 

Auftrag, nachhaltig zu wirtschaften. Das schlägt sich 

nicht nur in der Ergebnisentwicklung nieder, sondern 

auch bei den Produkten. In Süddeutschland gibt es bereits 

den ersten (Wienerberger-)Ziegel am Markt, der klimaneutral 

ist – einer, der mit Null CO2-Emission produziert 

wird. 

Scheuch fast zusammen: „Wir werden die Profitabilitätskurve 

weiter verbessern und unsere Aktionäre am Erfolg 

signifikant beteiligen – und bleiben ein 

Wachstumsunternehmen das zukauft.”


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Seite 4 


AKTIEN 

FACC 

Dieser Rückgang freut 

Die Börsianer zeigten sich zufrieden mit den Zahlen 

der FACC im 3. Quartal. Es gab zwar gegenüber dem 

Vorjahreszeiraum einen Rückgang - doch dieser fiel 

nicht so stark wie von Analysten erwartet aus - siehe Grafik: 

die Aktie setzt sich am Vormittag an die Spitze des ATX- 

Felds. 

In Summe der ersten drei Quartale legte FACC sowohl bei 

Umsatz als auch EBIT zu. Die Umsatzerlöse stiegen um 4 

Prozent auf 589,2 Mio. Euro, das operative Ergebnis um 5,3 

3. QUARTAL 

Soll/Ist 

Der Bloomberg-Konsens 

rechnete beim Umsatz der 

FACC im 3. Quartal mit 209,0 

Millionen Euro (plus 1,8%), 

das EBIT wurde mit 14,5 Millionen 

(minus 54,6%) veranschlagt 

und der Überschuss 

mit 8,8 Millionen (minus 

61,1%). 

Geworden sind es 216,2 Millionen 

beim Umsatz, das EBIT 

erreichte 17,1 Millionen, der 

Überschuss 11,9 Millionen. 

Prozent auf 42,2 Mio. Euro. 

Den Ausblick für das Gesamtjahr 

bestätigt FACC. Demnach 

rechnet das Unternehmen auf 

Basis aktueller Kundenbestellungen 

mit einem Umsatzwachstum 

im einstelligen 

Prozentbereich auf 760 bis 770 

Mio. Euro. Das operative Ergebnis 

(EBIT) sollte überproportional 

zwischen 52 und 55 

Mio. Euro betragen. 

„Wir haben nicht nur unser 

richtungsweisendes Investitionsprogramm 

weitergeführt, 

sondern arbeiten mit Hochdruck 

an der Implementierung 

der Neuprojekte, die in den 

Folgejahren zum angestrebten 

Wachstum führen werden”, sagt FACC-CEO Robert Machtlinger. 

Alle drei Unternehmensbereiche - Aeorostructures, Engines 

& Nacelles und Cabin Interiors - trugen zum Umsatzwachstum 

bei. Nach wie vor tragen auch alle wesentlichen 

Flugzeugprogramme der Kunden Airbus, Boeing, Bombardier 

und Embraer und der dazugehörenden Triebwerksfamilien 

zum Wachstum bei. Erstmals gab es auch Lieferungen 

im zweistelligen Millionenbereich für das chinesische Flugzeugprogramm 

ARJ 21 und C919. Hier erwartet sich FACC 

überdurchschnittliche Umsatzsteigerungen. In den ersten 

neun Monaten wurden 124 Mitarbeiter aufgenommen. Der 

Personalstand stieg auf 3.491 Arbeitnehmer. 

Die bisherigen Prognosen für das Geschäftsjahr werden 

bestätigt. Man könne vom generellen Wachstum aller bedeutenden 

Flugzeugfamilien profitieren. Aus den vorjährigen 

Neuaufträgen in Höhe von rund 750 Mio. Euro werden 

erste nennenswerte Umsätze für das erste Halbjahr 2019/20 

erwartet. Höchste Priorität hat die Umsetzung der Konzernstrategie 

"Vision 2020" und damit die Stärkung und der 

Ausbau des Rangs eine Tier-1-Lieferanten bei den wichtigsten 

Kunden. < 

SBO 

Genau, wie erwartet 

Etwas gedämpft vom damaligen harten Verfall des Ölpreises 

hat der Ölfeldausrüster Schoeller Bleckmann 

Oilfield (SBO) seinen Erfolgskurs im vierten Quartal 

fortgesetzt. Getrieben von vollen Auftragsbüchern und 

einem kräftigen Umsatzplus kletterten das operative Ergebnis 

und der Vorsteuergewinn im Gesamtjahr kräftig - 

konnten damit die Erwartungen der Analysten aber nicht 

übertrumpfen (siehe Tabelle). 

2018 

Soll/Ist 

Der Bloomberg-Konsens 

rechnete beim vorläufigen 

Umsatz der SBO im abgelaufenen 

Geschäftsjahr mit 421 

Millionen Euro (plus 29,9%), 

das EBIT wurde mit 71,2 Millionen 

(plus 178,3%) veran- 

schlagt- 

Geworden sind es 420 Millionen 

Euro beim Umsatz, das 

EBIT erreichte 70 Millionen. 

Foto: SBO 

Laut vorläufigen Zahlen 

wuchs der Umsatz 2018 um 30 

Prozent auf 420 Mio. Euro, der 

Auftragseingang legte um 40 

Prozent auf 480 Mio. Euro zu. 

Allerdings war der Auftragseingang 

in den neun Monaten bis 

Ende September noch um 52 

Prozent angewachsen, und der 

Umsatz hatte bis dahin um 

mehr als ein Drittel zugelegt. 

Das EBIT vervielfachte sich - 

siehe Tabelle - auf 70 Mio. 

Euro. Das Ergebnis vor Steuern 

lag bei 55 Mio. Euro, nach 

einem Minus von 69,8 Mio. 

Euro im Jahr davor (in dem 

eine ergebnis-, aber nicht zahlungswirksame Aufwandsbuchung 

für Optionsverbindlichkeiten in Höhe von 87,6 Mio. 

Euro enthalten war). 

„Der unerwartet harte Verfall des Ölpreises und die Verlangsamung 

der Aktivitäten im vierten Quartal hatten insgesamt 

nur eine verhältnismäßig geringe Auswirkung auf 

die Performance von SBO”, sagte CEO Gerald Grohmann in 

der Aussendung. Über das Jahr habe man neben dem dynamischen 

nordamerikanischen Geschäft in fast allen Regionen 

eine Erholung gesehen. SBO habe die Marktlage nützen 

können und neben den starken Aktivitäten in Nordamerika 

vom beginnenden Aufschwung der internationalen Märkte 

profitiert. Zur Dividende, die für 2017 einen halben Euro je 

Aktie ausgemacht hatte wurde, wie gewohnt, noch keine 

Aussage getätigt. Der Jahresabschluss ist für 19. März avisiert. 

Seite 5 


ZU IMMOBILIENAKTIEN 

VON NICOLAS KNEIP 

ANALYST WIENER PRIVATBANK 

Im Osten geht die 

Sonne auf 

Mittlerweile hat man sich ja fast schon daran gewöhnt. 

Eines der börsennotierten österreichischen 

Immobilienunternehmen berichtet 

seine Zahlen oder gibt einen Ausblick und, oh welch 

Wunder sie sind sehr stark, um nicht zu sagen ausgezeichnet. 

Auch diese Woche hat sich wieder eines dieser 

besagten Unternehmen zu Wort gemeldet, und zwar s 

Immo. Einmal mehr konnte das Wiener Immobilieninvestmentunternehmen 

„Während die 

Renditen in Westeuropa 

größtenteils 

auf einen 

niedrigen einstelligen 

Prozentbereich 

zwischen 2 und 4% 

zusammengeschrumpft 

sind, 

lassen sich in 

Osteuropa noch 

Margen von bis zu 

7% verwirklichen.“ 

bereits im Vorfeld der 

Zahlenveröffentlichung 

für das Geschäftsjahr 

2018 am 3. April bekannt 

geben, dass man wieder 

ein starkes Jahresergebnis 

erwarten darf. Vorstandsvorsitzender 

Ernst 

Vejdovsky kommentierte: 

„Das abermals 

sehr gute Bewertungsergebnis 

ist die Folge einer 

starken operativen Entwicklung, 

eines positiven 

Umfelds auf den 

Immobilienmärkten der 

s Immo und vor allem 

Resultat der konsequenten 

Umsetzung unserer zyklusorientierten Strategie.“ 

Wie bei nahezu allen börsennotierten österreichischen 

Immobilienunternehmen gibt es auch bei S Immo eine 

starke Fokussierung des Geschäfts auf den CEE Raum, 

wo die Renditen noch deutlich attraktiver sind, als in 

den gesättigteren Märkten in Westeuropa. Laut dem aktuellen 

Finanzbericht verteilen sich die Mieterlöse von s 

Immo zuletzt auf die Regionen CEE (41,7%), Deutschland 

(40,2%) und Österreich (18,1%), sowie auf die Nutzungsarten 

Geschäft (38,1%), Büro (32,9%), Wohnen (24,3%) und 

Hotel (4,7%). 

Für s Immo lässt die Entwicklung der letzten Jahre 

kaum etwas zu wünschen übrig. In den ersten 3 Quartalen 

des Geschäftsjahres 2018 konnte der Periodenüberschuss 

gesteigert werden, obwohl man sich nach 

mehreren veräußerten Liegenschaften in den Jahren 

2016 und 2017 in einem Übergangsjahr befand. Als 

Großaktionär bei den Konkurrenten CA Immo und Immofinanz 

konnte man sich zusätzlich zu einem starken 

Foto: Pixabay jill111 

operativen Ergebnis, über die Ausschüttung attraktiver 

Dividenden in der Höhe von 14,3 Mio. Euro freuen. Bei 

der Aktienkursentwicklung lag man im vergangenen 

Jahr mit minus 9% besser als der österreichische Gesamtmarkt 

und war somit in der oberen Hälfte des ATX wiederzufinden. 

Auch im aktuellen Jahr liegt man mit 

aktuell +17% nach nur einem Monat, im Spitzenfeld des 

heimischen Leitindex. Innerhalb der letzten 5 Jahre werden 

sich wohl nur sehr wenige Investoren über einen zu 

niedrigen Gesamtertrag beschwert haben. Insgesamt 

konnten sich Anleger in dieser Periode über einen Ertrag 

samt Dividenden von nicht weniger als 275% (30% 

p.a.) freuen! Derzeit ist das bestimmende Thema in 

Bezug auf s Immo die potenzielle Fusion mit Immofinanz. 

Auch auf die hartnäckigsten Nachfragen von Analysten 

ist beiden Parteien nichts Konkretes zum Stand 

der Verhandlungen zu entlocken. Jedoch betonen beide 

Unternehmen, dass eine Fusion durchaus für alle Seiten 

interessant sein könnte und zahlreiche Vorteile bringen 

könnte. 

Der Immobiliensektor ist ohne Zweifel einer der prominentesten 

Sektoren am österreichischen Aktienmarkt. 

Mit Immofinanz, CA Immo, sowie s Immo gibt es drei 

große Player, um die sich bereits seit Jahren mehrere Fusions- 

und Übernahmegerüchte drehen. Zusätzlich gibt 

es mit UBM Development und Warimpex zwei kleinere 

Unternehmen die eher am unteren Ende der Marktkapitalisierung 

im ATX Prime Market zu finden sind. Immofinanz 

und CA Immo zählen zu den vier Einzeltiteln im 

ATX, die das Jahr 2018 mit einem Plus bei der Aktienkursveränderung 

abschließen konnten. Dies untermauerte 

den von vielen zugeschriebenen Status des 

Immobiliensektors als sicherer Hafen, insbesondere in 

schwächeren Konjunkturphasen. 

Bei Immofinanz liegt der Fokus auf den sieben Kernregionen 

Österreich, Deutschland, Rumänien, Tschechien, 

Polen, Slowakei und Ungarn. In diesen Regionen will 

man mit dem Retailpark Konzept STOPSHOP (low end retail 

parks) und dem flexiblen Office Konzept myhive weiter 

die Erträge und die Profitabilität steigern.

Seite 6 


ZU IMMOBILIENAKTIEN 

Die Kernkompetenz von CA Immo ist die Entwicklung 

und Bewirtschaftung moderner, großflächiger Büroimmobilien 

in Zentral- und Osteuropa. Im Juli 2018 kaufte 

der US-Investor Starwood Capital rund 26% der CA Immo 

Anteile von Immofinanz. Zuletzt wurde bestätigt, dass 

sich durch die neue Eigentümerstruktur nichts an der 

bisher erfolgreichen strategischen Ausrichtung des Unternehmens 

ändern soll. Wenn man die Performance der 

letzten 5 Jahre betrachtet, lassen sich doch einige Unterschiede 

zwischen den österreichischen Immobilienunternehmen 

feststellen. UBM und CA Immo sind hierbei 

die einzigen die mit Gesamterträgen von +206% respektive 

+180% annähernd mit s Immo mithalten konnten. 

Deutlich abgeschlagen dahinter sind hingegen Immofinanz 

(-10%) und Warimpex (-21%). 

Der STOXX Europe 600 Real Estate bildet die 27 größte 

Immobilienunternehmen Europas ab. Deutsche Aktien 

sind mit 32,3% am stärksten gewichtet, vor französischen 

(25,8%) und britischen (21,8%). Die Entwicklung 

des Indexes ist seit 2015 mit mehreren kleineren Auf 

und Abs ziemlich konstant geblieben. Auffällig bei der 

Analyse der größten Einzelpositionen des Indexes ist, 

dass besonders die deutschen Aktien (Vonovia, Deutsche 

Wohnen, LEG Immo) besonders gut performt haben. Sowohl 

bei den französischen (Unibail Rodamco, Klepierre) 

als auch bei den britischen (Land Securities, British Land 

Company) Unternehmen mussten einige starke Verluste 

in den letzten Jahren hinnehmen und verhinderten so, 

dass der Index eine bessere Performance hinlegen 

IMMOBILIEN-AKTIEN (EX WOHNEN) 

Ein Blick auf die 

Bewertung (im Vergleich) 

IATX-Mitglieder in der Peergroup 

(Gewinnrendite vs. Kurs/Buchwert) 

konnte. In Bezug auf die britischen Unternehmen lässt 

sich zweifelsohne die Unsicherheit im Zusammenhang 

mit dem Brexit, als wichtiger Indikator für die teilweise 

schlechte Performance identifizieren. In Frankreich ist 

die Gewichtung von Einkaufszentren relativ hoch – eine 

Sub-Assetklasse, die im Gegensatz zu den deutschen 

Wohnimmobilienkonzernen in den letzten Jahren eher 

mit Vorsicht betrachtet worden ist. Insgesamt lässt sich 

über den europäischen Immobilienmarkt feststellen, 

dass ein gewisses Ost/West Gefälle erkennbar ist. Während 

die Renditen in Westeuropa größtenteils auf einen 

niedrigen einstelligen Prozentbereich zwischen 2 und 

4% zusammengeschrumpft sind, lassen sich in Osteuropa 

noch Margen von bis zu 7% verwirklichen. Im Osten geht 

so gesehen nicht nur die Sonne auf, sondern es erweckt 

den Anschein, dass sie dort auch stärker scheint. < 

Das sagen die Analysten zu CA Immo 

Kaufen Halten Verkaufen 

Empfehlungen 5 3 0 

Konsensrating*: 4,25 

Kursziel 30,37 Euro Kurspotenzial +11% 

Quelle: Bloomberg: * von 1 bis 5, je höher desto besser 

Das sagen die Analysten zu Immofinanz 






Das sagen die Analysten zu s Immo 






Das sagen die Analysten zu UBM 






Das sagen die Analysten zu Warimpex 





Quelle: Bloomberg: * von 1 bis 5, je höher desto besser

Seite 7 


AKTIEN WIEN / WIKIFOLIO BEX01 

An den Favoriten ändert sich wenig 

Satte 8,73 Prozent 

schaffte der Wiener Aktienleitindex 

ATX im 

ersten Monat des neuen Börsejahres. 

Das beste Ergebnis 

seit Februar 2015 mit plus 

13,88 Prozent. Der Start ist 

also gelungen. 

An den Favoriten der nationalen 

und internationalen 

Analysten für das neue 

Monat hat sich wenig verändert: 

FACC und Warimpex 

halten weiter mit der höchstmöglichen 

Punkteanzahl 

(5,0) die Spitze. Auffallend, 

dass sich Andritz und Palfinger 

in den vergangenen Wochen 

sukzessive nach vorne 

arbeiten konnten. 

Da wir seit heuer und den 

Erfahrungen des Vorjahres 

aber verstärkt Elemente der 

Börse Wien vs. BE-Wikifolio im Jänner 2019 

Charttechnik ins Börse Express-Wikifolio 

einfließen 

lassen, stehend diese beiden 

derzeit speziell ‘unter Beobachtung’ 

- mehr dazu später. 

Auf den hinteren Rängen 

gab es vor allem Platztäusche: 

Post ein bisserl schlechter, 

Polytec ein bisserl 

schlechter als Beispiel. 

‘Unter Beobachtung’ stehen 

Andritz und Palfinger, 

da beide vor wichtigen charttechnischen 

Hürden stehen 

(Andritz die Zone um 45 

Euro, Palfinger zwischen 27 

und 30 Euro), die es erst zu 

überwinden gilt, während 

beide Aktien gerade eine Art 

Momentum-Schwäche aufgebaut 

haben. Das gilt aber 

auch für UBM, die bei diesem 

Indikator zuletzt sogar 

ins Minus rutschte, in den 

letzten Tagen aber das Revival 

ins Plus versuchte. Auch 

bei KTM Industries stehen 

die Zeichen derzeit eher auf 

Abschied - trotz jüngst wieder 

einmal veröffentlichter 

Rekordzahlen. Damit zum 

Börse Express Wikifolio ‘Top 

of Analysts Österreich’, das 

mit ‘Spezialsituationen’ angereichert 

wird. Der Jänner 

war auch für das Wikifolio 

ein guter Monat - das Resultat: 

ein Plus von 12,3 Prozent, 

was gegenüber dem 

ATX eine Outperformance 

von mehr als vier Prozentpunkten 

ergibt. 

Unser Wikifolio ‘Top of 

Analysts Österreich’ finden 

Sie hier. >red< 

Top und ... 

FACC / Warimpex 

Strabag 

Andritz 

Palfinger 

Do&Co / UBM 

5,00 

4,71 

4,57 

4,56 

4,50 

Analystenkonsens 





Kurspotenzial (%) 

25/51 


20,0 


23,3 


22,1 


15/25 

Flop der ATXPrime-Werte 

Zumtobel 

2,00 

Polytec 

2,69 

Amag 

2,75 

Österr. Post 

2,80 

Rosenbauer 

2,80 







-10,4 


19,2 


12,5 


8,2 


9,5

Seite 11 


ZERTIFIKATE 

VERGLEICH / STUDIE 

Risikominderung griff 



Der Börse Express rechnet hier für Sie 

regelmäßig nach. Zertifikat, oder doch 

besser das Direktinvestment? Und wenn 

Zertifkat, welcher Typ aus der umfangreichen 

Produktpalette? 

Das Anlagejahr 2018 ist Geschichte. Mit Aktien war 

nur schwer zu verdienen - doch wie sieht es mit 

jenen Produkten aus, die eine Reduzierung des Risikos 

im Vergleich zum direkten Aktieninvestment in Aussicht 

stellen? Mit Blick auf die entsprechenden 

Zertifikatestrukturen wurden die Versprechen eingelöst. 

Denn während der EuroStoxx50 als Messlatte ein Minus von 

15 Prozent erwirtschaftete, waren die Abgaben bei Garantieprodukten 

(logischerweise) deutlichst geringer - siehe 

Chart. Ähnlich wenig verloren Anleger mit dem Produkt Aktienanleihe 

- die Zinskupons konnten die Verluste in der 

Aktie beinahe egalisieren. Und mit Bonus- bzw Discount- 

Strukturen wurden die Verluste in etwa halbiert. 

Damit zur Frage - was ist denn eine Aktienanleihe überhaupt? 

Aktienanleihen - an sich eine Kombination aus 

Schuldverschreibung und Terminmarktkonstruktion (Verkaufs-Option) 

- sind für risikobewusste Anleger geeignet, die 

in leicht steigenden oder seitwärts tendierenden Märkten 

CC0freeGraphicToday 

auf interessante Zinszahlungen setzen wollen und gleichzeitig 

dafür bereit sind, ein Aktienrisiko einzugehen. Die Ertragschancen 

sind auf den Kupon begrenzt. 

Grundsätzlich beziehen sich Aktienanleihen auf einzelne 

Aktien oder Indizes wie den EuroStoxx50. Sie sind damit an 

die Kursentwicklung des Basiswertes gekoppelt. Wie Anleihen 

sind diese Papiere mit einem Kupon ausgestattet, der 

jedoch deutlich über dem einer ‘herkömmlichen’ Unternehmens- 

oder Staatsanleihe liegt. 

Im Gegenzug ist aber auch das Risiko gegenüber normalen 

Anleihen höher. Denn (spätestens) am Ende der Laufzeit 

wird dem Anleger die Nominale entweder in bar zurückgezahlt, 

oder, wenn die Aktie unter dem vereinbarten Basispreis 

notiert, mit einer zuvor festgelegten Zahl von Aktien 

getilgt („Cash or Share“). In diesem Fall hat der Investor 

dann die Entscheidung, ob er die Aktie behält oder verkauft. 

Die Zinsen (Kupon) werden in jedem Fall ausgezahlt. Heißt: 

Wer sich für eine Aktienanleihe entscheidet, sollte von der 

Stabilität der jeweils zugrunde liegenden Aktie überzeugt 

sein. Denn die Aktienanleihe ist von der Entwicklung des 

Basiswertes abhängig. Die Zinszahlung auf den Nennbetrag 

Zertifikate-Varianten im Vergleich zum Direktinvestment (in %) 

(Quelle: DDV/Bloomberg/BE)

Seite 12 


ZERTIFIKATE 

ist zwar vom Kursverlauf der Aktie nicht abhängig, sehr 

wohl aber die Rückzahlung des Nennbetrags. Denn notiert 

die Aktie unter dem Basispreis, wird nicht die Nominale zurückgezahlt, 

sondern die Aktie zum Basispreis geliefert 

(oder entsprechend in Cash abgegolten). Diese ist aber bei 

Lieferung weniger wert als zum Zeitpunkt der Emission der 

Aktienanleihe. Der Anleger kann dann selbst entscheiden, 

ob er den Verlust realisiert, also die gelieferten Aktien zum 

niedrigen Kurs verkauft, oder an einen späteren Anstieg der 

Aktie glaubt und sie im Depot behält. 

Die Funktionsweise einer klassischen Aktienanleihe 

Varianten. Neben klassischen Aktienanleihen gibt es Varianten, 

bei denen zusätzlich eine Barriere eingezogen ist. 

Diese Papiere beinhalten einen im Vergleich zu klassischen 

Aktienanleihen höheren Schutz. Das ist dann beispielsweise 

eine Aktienanleihe Plus oder Protect: Da die Rendite klassischer 

Aktienanleihen sinkt, wenn der Kurs des Basiswerts 

einbricht, sind Aktienanleihen Plus/Protect mit einer zusätzlichen 

Schutzschwelle ausgestattet. Diese garantiert 

dem Anleger die Rückzahlung in Geld (der Nominale) auch 

dann, wenn der zugrunde liegende Referenzkurs während 

der gesamten Laufzeit ein bestimmtes, vorab festgelegtes 

Niveau nicht berührt oder unterschreitet. Durch diesen zusätzlichen 

Schutz vor moderat fallenden Kursen ist der 

Kupon etwas geringer als bei klassischen Aktienanleihen. 

Sollte zum Laufzeitende der Kurs der Aktie über dem Startwert 

zum Beginn der Laufzeit notieren, werden der Kupon 

und der Nominalbetrag zurückbezahlt. Sollte der Aktienkurs 

am Ende der Laufzeit unter dem Startwert liegen, bietet 

die Barriere einen zusätzlichen Sicherheitspuffer. Wird 

die Barriere nicht unterschritten, werden 100% des eingesetzten 

Kapitals und der Kupon ausbezahlt. Wird die Barriere 

jedoch unterschritten, kommt es je nach 

Ausgestaltung der Protect /Plus-Aktienanleihe zu einer physischen 

Lieferung der Aktien oder zum Barausgleich. Der 

Kupon wird in jedem Fall ausbezahlt. 

Eine weitere Variante von Aktienanleihen bilden die so 

genannten „Protect Pro Aktienanleihen“. Im Gegensatz zu 

Protect Aktienanleihen ist hier die Barriere nur am Bewertungstag 

zu Laufzeitende aktiv, d.h. entscheidend ist nur der 

Kurs des Basiswerts an diesem Tag. Wenn die Barriere zwischenzeitlich 

verletzt wird, ist dies ohne Belang. Falls der 

Referenzpreis am Bewertungstag auf oder oberhalb der Barriere 

notiert, so erhält der Kunde den Nominalbetrag zurück. 

Liegt der Kurs jedoch darunter so erleidet man einen 

Verlust da es zu einer Aktienlieferung kommt. Wegen des 

im Vergleich zu klassischen Aktienanleihen und Protect Aktienanleihen 

zusätzlichen Schutzes – und des damit geringeren 

Risikos – wird eine Protect Pro Aktienanleihe mit 

einem geringeren Zinssatz ausgestattet. 

Neben Aktienanleihen mit nur einem Basiswert gibt es 

auch Aktienanleihen, die mehrere Aktien als Referenzwert 

haben. Zumeist wird bei Multi Protect Aktienanleihen aufgrund 

des vermehrten Aktienrisikos ein höherer Fixkupon 

gezahlt. Bei dieser Form wird für die Tilgung jene Aktie herangezogen, 

welche zum Laufzeitende die schwächste Performance 

hat. Unabhängig von der Art der Tilgung kommt 

es auch hier zur Auszahlung des Kupons. < 

(Quelle: Zertifikate Forum Austria)

Seite 13 


INTERVIEW 

KEMAL BAGCI 

„ETCs lösen das Zugangs- 

Problem für Anleger” 



Im Dezember wurde ein ETC der BNP 

Paribas auf den Ölpreis zum Produkt des 

Monats gewählt. Kemal Bagci, Derivatespezialist 

der französischen Großbank, im Interview. 

BÖRSE EXPRESS: Gratulation, die Leser des Börse Express und 

die Emittenten haben zum Jahresschluss Ihren ETC auf Öl der 

Sorte Brent zum Zertifikat des Monats gewählt. Glücklich war jedenfalls 

der Zeitpunkt: Als Sie das Produkt nominierten, stand 

der Ölpreis bei etwa 50 US-Dollar je Barrel, zwischenzeitlich 

waren es bereits 60 US-Dollar. Gibt es eine (Haus-)Meinung, wie 

es mit dem Ölpreis weitergehen könnte? 

KEMAL BAGCI: Wir freuen uns riesig über die Wahl zum 

Zertifikat des Monats und danken den Lesern für diesen 

Zuspruch. 

Für den Ölpreis sind unsere Analysten positiv gestimmt 

und erwarten bei Brent eine deutliche Erholung auf bis 

Kemal Bagci 

über das Konzept, 

Chancen 

und Risiken des 

Zertifikats des 

Monats. 

zu 80 US-Dollar pro Barrel. 

Das liegt vor allem an der angespannten 

Angebotssituation. 

Die OPEC und 

nicht-OPEC Ölproduzenten 

haben sich im Dezember bereits 

auf Kürzungen um 1,2 

Millionen Barrel am Tag geeinigt. 

Insbesondere Saudi-Arabien 

möchte den Export deutlich begrenzen. Die 

US-Sanktionen gegen den Iran sind wahrscheinlich nachhaltig 

und die gewährten Ausnahmen nur temporär. Das 

iranische Öl könnte damit dauerhaft vom Weltmarkt 

ausgeschlossen werden. Zusätzliches Angebot bricht in 

Venezuela und Libyen weg. Hingegen stagniert die Schieferölmenge 

aus den USA aufgrund von Fachkräftemangel 

und begrenzter Exportinfrastruktur. 

Kemal Bagci, BNP Paribas 

Foto:beigestellt 

ETC ermöglichen auch Privatanlegern den Zugang zum Rohstoff- 

Futures-Markt. Was genau ist ein ETC und was ist in etwa der Unterschied 

zu entsprechenden Turbo-Zertifikaten oder 

Optionsscheinen, die nicht mit einem Hebel ausgestattet wären? 

Rohstoff-Investitionen sind abhängig von den Preisen 

am Terminmarkt, da sie als Anlage nicht physisch zur Verfügung 

steht. ETCs sind sogenannte börsengehandelte 

Rohstoffe und lösen das Zugangsproblem für Anleger. Sie 

ermöglichen eine 1:1 Partizipation an der Entwicklung 

der zugrundeliegenden Rohstoffkontrakte. So können Anleger 

sich auch langfristig in einem Rohstoff positionieren. 

Aufgrund regulatorischer Vorgaben werden sie als 

Schuldverschreibungen emittiert. Bei BNP Paribas werden 

alle ETCs vollständig besichert, um den Anleger vor einem 

Ausfall der Emittentin zu schützen. Für alle ETCs hinterlegen 

wir Sicherheiten in Höhe von etwa 105 Prozent des 

ausstehenden Volumens. Diese bestehen aus Bluechips-Aktien 

aus den großen europäischen Indizes, wie DAX oder 

EuroStoxx 50. Die Besicherung findet nach deutschem 

Recht statt. Die Verwahrung der Sicherheiten erfolgt ausschließlich 

in Deutschland, bei einer 100%-igen Tochter 

der Deutsche Börse AG. Sie überwacht das ausstehende Volumen 

und fordert die Höhe der Sicherheiten ein. Eine zusätzliche 

Garantie für die pünktliche Zahlung eines 

eventuellen Fehlbetrages wird durch BNP Paribas S.A. 

Paris, Frankreich gegeben. 

Es gibt bei Ihnen oft zwei ETCs auf denselben Rohstoff – einer aber 

mit dem Zusatz Enhanced. Was bedeutet das für Anleger? 

Wir arbeiten eng mit Rohstofflegende Jim Rogers zusammen, 

der die Rollproblematik bei Rohstoffanlagen 

früh erkannt hat. 

Diese entsteht bei der Anlage in Terminkontrakte. 

Damit Rohstoffe auch langfristig investierbar sind, werden 

die Terminkontrakte fortlaufend, meist monatlich, ersetzt. 

Das heißt, wenn das ETC für den Anleger in einen 

Terminkontrakt mit Fälligkeit Dezember investiert hat, 

wird dieser kurz vor Fälligkeit verkauft und ersetzt durch 

einen Terminkontrakt mit längerer Laufzeit, etwa Januar. 

Bevor dieser wiederum fällig wird, wird er seinerseits 

durch den Februarkontrakt ersetzt. Dieser Vorgang des 

Wechsels von einem in den nächsten Kontrakt wird Rollen 

genannt. 

Aufgrund der Preisdifferenzen bei Terminkontrakten 

mit unterschiedlicher Laufzeit, können durch den Rollvorgang 

Partizipationsgewinne bzw. -verluste entstehen. 

In der RICI Enhanced-Indexfamilie von Jim Rogers wird

Seite 14 


INTERVIEW 

eine optimale Mischung von Laufzeiten für die Terminkontrakte 

angestrebt, die zum Ziel hat diese Rollverluste 

zu begrenzen. Das ist in der Vergangenheit gut gelungen. 

Ist es nun für mich als Anleger also an sich gut, wenn die späteren 

Futures-Preise unter den aktuellen liegen, weil ich beim Rollen 

mehr an Rohstoff bekomme – sogenannte Rollgewinne? 

Ist der nächstfällige Kontrakt, in den beim Rollen investiert 

wird, günstiger, so erzielt der Anleger Rollgewinne, 

weil er mehr Anteile erwirbt. Über die Laufzeit 

nähert sich der Preis des Terminkontrakts dem Spotpreis 

für den Rohstoff. So wird das Abgeld abgebaut, der Anleger 

profitiert von der erhöhten Partizipation. Umgekehrt 

„Die Volatilität ist 

... gestiegen. Dadurch 

werden 

Produktkonditionen 

für Discount- 

Zertifikate, 

Aktienanleihen 

oder auch 

Capped Bonuszertifikate 

deutlich 

interessanter.” 

entstehen Rollverluste bei 

teureren Kontrakten. 

Mittlerweile reicht Ihr Angebot 

im ETC-Bereich bis zu Heizöl 

und Diesel – ist die Produktpalette 

fertig, oder wird da noch 

ausgebaut? 

Mittlerweile bilden wir 

alle liquide handelbaren 

Rohstoffe im Bereich Energie 

und Metalle ab. Wir sind 

ständig auf der Suche nach 

interessanten Märkten und 

wollen unserer Palette kontinuierlich 

ausbauen. Nach 

der Rolloptimierung, wollen wir das Thema optimierte 

Währungsabsicherung angehen. 

Wie zufrieden sind Sie mit dem Zuspruch von Anlegerseite für 

ETCs? Welche Volumina werden da in etwa bewegt – und was 

spricht aus Ihrer Sicht für ETCs als Depotbeimischung? 

Wir bekommen viel Aufmerksamkeit für unsere ETC-Palette. 

Zuletzt gab es einen Preis auf den ETF-Awards. Vor 

allem professionelle Investoren schätzen die Vielfalt und 

Vorteile unserer Produktpalette. 

Mit Rohstoffen lässt sich das Portfoliorisiko reduzieren, 

weil es eine Anlageklasse ist, die eine geringe Korrelation 

zu den klassischen Anlagen, wie Aktien und Anleihen, aufweist. 

Das belegen immer wieder Studien. Gerade in aktuellen 

Zeiten der Unsicherheit an den Märkten, könnten 

sich Rohstoffe als Depotbeimischung stabilisierend auswirken. 

Auch interessant sind ETCs für Anleger, die auf der 

Suche nach antizyklischen Anlagen sind, da Rohstoffe in 

den letzten Jahren zum Teil sogar gefallen sind, im Gegensatz 

zu anderen Anlageklassen. 

Derzeit findet ein Strukturbruch bei Rohstoffen statt. 

Der starke Trend zur Elektromobilität, dürfte die Nachfrage 

nach Nickel und Kupfer nachhaltig verändern. 

ETCs sind ein Long-only-Investment – hätte ich bei Ihnen auch die 

Möglichkeit, an einem fallenden Ölpreis zu verdienen? 

Bei BNP Paribas können Sie problemlos auch auf fallende 

Ölpreise setzen. Dafür bieten sich gehebelte Zertifikate 

an, wie zum Beispiel Short Turbos und Put 

Optionsscheine. 

Unlimited Turbos ermöglichen die Partizipation an fallenden 

Preisen auch ohne Laufzeitbegrenzung. Der Hebel 

reicht hier von 1,5 bis hin zu über 70. Das bedeutet, Anleger 

partizipieren um den Hebelfaktor an der Wertentwicklung 

des Ölkontraktes. Bei einem Hebel 5, bedeutet 

das, dass ein Wertverfall von 1%, zu einem Gewinn von 5% 

führt. Umgekehrt hingegen ist auch der Verlust gehebelt. 

Bei diesen Produkten droht der Totalverlust, wenn die 

Knock-out Barriere erreicht wird. Wer das Knock-out Risiko 

umgehen möchte, kann auch über Put-Optionsscheine 

gehebelt investieren. Diese haben dann eine 

begrenzte Laufzeit. 

Jetzt allgemein über das Institut betrachtet: Merken Sie eine Veränderung 

im Anlegerinteresse bei einzelnen Zertifikate-Gruppen? 

Und welche Strukturen halten Sie im aktuellen Marktumfeld an 

„Mit diesen 

Produkten können 

derzeit ordentliche 

Renditen verdient 

werden, 

selbst wenn der 

Basiswert seitwärts 

läuft.” 

sich für interessant? 

Die Volatilität ist in den vergangenen 

Wochen gestiegen. 

Dadurch werden Produktkonditionen 

für Discount-Zertifikate, 

Aktienanleihen oder 

auch Capped Bonuszertifikate 

deutlich interessanter. Mit 

diesen Produkten können derzeit 

ordentliche Renditen verdient 

werden, selbst wenn der 

Basiswert seitwärts läuft. 

Unsere Analysten halten 

zudem die europäischen Märkte für sehr interessant bewertet, 

weil schon sehr viel politische Risiken eingepreist 

sind. So notiert der DAX bei einem KGV von 11. Das ist ein 

historisch niedriger Wert. 

Zum Schluss: Warum sollte ich als Anleger zu Produkten der BNP 

Paribas greifen, und nicht die eines Konkurrenten? 

BNP Paribas gehört zu den führenden Emittenten in 

Europa. In Deutschland und Österreich bieten wir über 

150 Tausend Produkte auf über 600 Basiswerte an. Als 

Emittent genießen wir eine gute Bonität, die von S&P mit 

der Note A und Moody’s AA3 bewertet wird. 

Anleger können über unsere zahlreichen Kooperationen 

mit nahezu allen namenhaften Onlinebrokern von einem 

vergünstigten Handel in BNP Paribas Produkten profitieren. 

Die Ausführungsqualität der Bank wurde mehrfach 

ausgezeichnet.< 

Mehr zum Zertifikat des Monats siehe nächste Seite





Telefon +43.2243.21723 

Mobile +43.664.946.7039

KUNSTINVESTOR AUSGABE FEBRUAR 2019

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