KUNSTINVESTOR AUSGABE APRIL 2017

Auktionen in Wien- Gemälde 

des 19. Jahrhunderts, Antiquitäten und Juwelen 

Zufallsbekanntschaft. Acting for the Camera. 

Art brut in Österreich. Mehr als nur Worte. 

Die Geschichte einer Klangwelle 

APRIL 2017

KUNST.INVESTOR Editorial 

Liebe Leserinnen 

und Leser!.. 

Heute halten Sie die aktuelle Ausgabe des e-Magazins 

KUNSTINVESTOR in „Händen“. Innovativ, exklusiv und 

stets mit dem richtigen Riecher für aktuelle 

Entwicklungen informieren wir Sie rund um alle 

wichtigen Themen, die nationalen und internationalen 

Kunstmärkte betreffend. Kunst ist ein interessantes 

Portfolio und unbestritten die schönste Beimischung für 

Ihr Investment- inspirierend, nicht allein in ideeller 

Hinsicht. Besonders in Zeiten, da Bullen auf sich warten 

lassen und Renditen an der Nulllinie kratzen, etablieren 

sich Kunstwerke als stabile, vor allem aber als rentable 

Assets. Eine Tatsache, der sich selbst hartgesottene 

Aktionäre nicht entziehen können. Außenseiter der 

Kunstgeschichte profitieren davon nicht substanziell in 

Kunst interessiert zu sein, weil die zeitlichen Intervalle 

von einer Aktienbaisse zur nächsten immer wieder 

kürzer werden- wäre auch zu erwarten, dass die 

persönliche Entscheidung dieser Käufer weniger zählt. 

Wie schade. Und wie bezeichnend. Viele Sammler 

scheinen in Bilder wie in Aktien zu investieren. Käufer 

haben eben nicht nur wieder viel Geld, sie kultivieren 

auch einen sehr selektiven Blick. Mehr noch: Dieser 

Boom ist noch lange nicht an seine Grenzen gestoßen. 

Bilder, Antiquitäten und andere Sammelobjekte 

nehmen im Rahmen der Veranstaltungen einen immer 

höheren Stellenwert ein. Dies bestätigen die hervorragenden 

Ergebnisse der Auktionshäuser. Weil es bei 

allen Dingen des Lebens immer auf den richtigen Mix 

ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit fundierten Hintergrundberichten, 

präzise recherchierten Topstorys, wichtigen 

Nachrichten und aktuellen Interviews begeistern. 

Lesen Sie die aktuelle Ausgabe KUNSTINVESTOR, wo 

Sie sich ein aktuelles Bild über den Kunst- & Geldmarkt 

verschaffen können- eine wirklich gute Investition. 

Viel Spaß wünscht Ihnen 

Michael Ruben Minassian 

Impressum: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian 

Mail: michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43.2243.21723 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 

1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43.1.91920- 

9045, Fax: +43.1.2981298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © Belvedere Wien- Die Schau 'Zufallsbekanntschaft' 

Hermann Bayer, Ohne Titel, 1978, Privatsammlung, Liechtenstein, Acryl auf Leinwand 60 x 80 cm

KUNST.INVESTOR Kommentar – Otto Hans Ressler 

Kunst ist Literatur – am Beispiel Franz Wests 

Zum Verständnis zeitgenössischer Kunst genügt es 

meist nicht (und die Kunst von Franz West ist ein gutes 

Beispiel dafür), eine ästhetische Entscheidung zu 

treffen, sich zu fragen, ob einem etwas gefällt oder 

nicht; es braucht ein Wissen um Zusammenhänge im 

Kunstdiskurs – und ein gutes Stück Bereitschaft, sich 

einzulassen auf etwas, das unter Umständen auf den 

ersten Blick nicht unbedingt als Kunst daherkommt. 

Denn was ist Kunst? Wie lässt sich etwas als Kunst 

erkennen, wenn es nicht aus einem Bild oder einer 

Skulptur, sondern beispielsweise aus so genannten 

„Passstücken“ besteht, also undefinierbaren Formen 

aus Gips, Papiermaché und Metall, die als Stützen, 

Prothesen oder Gewächsen an den Körper angelegt 

werden können? Wie lässt sich etwas als Kunst 

erkennen, das aus etwas gewöhnungsbedürftigen 

Stühlen, ausgefallenen Beleuchtungskörpern oder kopfähnlichen 

Gebilden aus Aluminium mit übergroßen 

Öffnungen für Mund und Nase besteht? Und worin liegt 

ihr Wert? Worin besteht der Gewinn an ästhetischem 

Vergnügen, an Erkenntnis für uns? Wie konnte es dazu 

gekommen, dass Dinge, die normalerweise keine 

Kunstmanifestationen sind, im Museum, in der Galerie, 

in einer Ausstellung, bei einer Auktion dazu werden? 

Ich denke, dass eine Annäherung an das Werk von 

Franz West ohne Kenntnis der Intentionen Marcel 

Duchamps gar nicht möglich ist. Marcel Duchamp war 

am Anfang seiner Karriere ein kubistischer Maler. 1912 

nahm er eine Bewegungsfotografie Etienne Jules 

Mareys zum Vorbild. Duchamps „Akt, eine Treppe 

herabsteigend, Nr. 2“ missfiel jedoch den Cheftheoretikern 

des Kubismus, das Bild wurde von der 

Ausstellung des Salons der Unabhängigen zurückgezogen. 

Duchamp war sogar der Avantgarde zu 

avantgardistisch. Das Bild wurde erst 1913 bei der 

„Armory-Show“ in New York gezeigt, wo es freilich ein 

imposantes Echo erfuhr. Doch obwohl Duchamp auch 

finanziell erfolgreich war, entschied er sich, mit dem 

Malen aufzuhören. Er wollte von Kunst im herkömmlichen 

Sinn nichts mehr wissen. Er beschäftigte sich mit 

der Frage, ob ein Künstler jemand sei, der etwas 

Bestimmtes herstellte, oder jemand, der einen Titel 

trug. Wenn ein Künstler jemand war, der einen Titel 

trug, konnte er dann überhaupt noch entscheiden, ob 

das, was er herstellte, Kunst war, oder wurde es dazu 

nicht ganz automatisch, eben weil er Künstler war? Die 

Frage, ob es ihm selbst überhaupt möglich sei, etwas 

herzustellen, das keine Kunst war, wurde in New York 

beantwortet. Obwohl Duchamp nichts produzierte, 

wurde er weiterhin als Künstler wahrgenommen. Aus 

der Erkenntnis, ein Künstler zu sein, ohne Kunst 

herstellen zu müssen, zog er den Schluss, Kunst 

herstellen zu können, ohne im konventionellen Sinn 

etwas herstellen zu müssen. 1916 präsentierte er in der 

Galerie Bourgeois eine Schneeschaufel und eine 

Schreibmaschine. Im Katalog wurden sie als „Two 

Ready Mades“ geführt. Obwohl das Publikum diese 

Industrieartikel nicht als Kunst wahrnahm, gilt die 

Ausstellung heute dennoch als Ausgangspunkt für eine 

ganz neue Art Kunst. Duchamp bat seine Schwester, 

zwei in seinem Pariser Atelier befindliche Dinge, das 

Rad eines Fahrrads und einen Flaschentrockner, mit 

einem Titel zu beschriften und in seinem Namen zu 

signieren. Die beiden Gegenstände landeten schließlich 

auf dem Müll, was ihre nachträgliche Weihe als 

Kunstwerke freilich nicht verhindert hat. Duchamp 

beschaffte sich in New York einfach Kopien der beiden 

Gegenstände; er hatte das institutionelle Gefüge der 

Kunst durchschaut. Mit seiner allgemeinen 

Anerkennung als Künstler waren alle Dinge, die von 

ihm stammten, Kunst. Um was es sich dabei handelte, 

spielte keine Rolle. Die Entscheidung, ob etwas Kunst 

war oder nicht, hing vom Aussehen des Kunstobjekts 

ebenso wenig ab wie von handwerklichen Fähigkeiten. 

Der entscheidende Akt, mit dem etwas zum Kunstwerk 

wurde, war also nicht mehr die Herstellung, sondern die 

Zuweisung einer Geltung. Der Künstler wählt einen 

Gegenstand aus, betitelt ihn, signiert ihn und 

präsentiert ihn an einem Ort der Kunst.

KUNST.INVESTOR Kommentar – Otto Hans Ressler 

1917 reichte Marcel Duchamp unter dem Pseudonym 

Richard Mutt ein Urinal aus Keramik, signiert und 

datiert, für eine Ausstellung der „Society of Independent 

Artists“ ein. Duchamp saß in der Veranstaltungskommission. 

Das Urinal löste heftige Diskussionen 

unter den Organisatoren aus, aber da die Ausstellung 

juryfrei war, konnte es auch nicht abgelehnt werden. 

Dennoch fehlte es in der Ausstellung. Duchamp, der 

sein Pseudonym nicht preisgeben wollte, trat aus 

Protest aus der Veranstaltungskommission aus. Es 

steht außer Frage, dass das Urinal als Ready-made 

anerkannt worden wäre, hätte Duchamp selbst es 

signiert. Die Ablehnung zeigt freilich, dass selbst dann, 

wenn zwei Leute dasselbe machen, die Anerkennung 

als Kunst von der Anerkennung als Künstler abhängt. 

Duchamp reproduzierte 1951 das Urinal. 1964 gelangte 

eine Edition von acht nummerierten und signierten 

Exemplaren in den Handel. Fünfhundert Jahre nach der 

Durchsetzung des Begriffes „Kunst“ für Malerei und 

Bildhauerei und der Anerkennung der Maler und 

Bildhauer als „Künstler“ (womit in der Renaissance das 

Ziel verfolgt worden war, die handwerklichen Zwänge 

zu überwinden) kam es zu einer Abschaffung 

handwerklicher Betätigung überhaupt. Von nun an 

führte nicht mehr ein als Kunst identifizierter 

Gegenstand, sondern ein geistiges bzw. institutionell 

begründetes Verfahren zu Kunst. Mit der Loslösung der 

Bilder vom Gegenstand und vom Handwerk war Kunst 

etwas geworden, das ohne erklärende Texte, ohne 

zugrunde liegende Theorie, nicht mehr verstanden 

werden konnte. Ohne erklärenden Text ist es 

unmöglich, das Urinal von Duchamp als Kunst zu 

erkennen oder zu beurteilen. Ohne erklärenden Text ist 

es unmöglich zu beurteilen, warum die Stühle Franz 

Wests Kunst sind. Ohne erklärenden Text steht man 

ratlos vor seinen „Lemuren“ und „Passstücken“. Die 

moderne Kunst hat sich – scheinbar – von ästhetischen 

Kategorien abgekoppelt; sie weist Texten, seien es 

Theorien, Manifeste oder Erklärungen, eine wesentliche 

Position im System der Kunst zu; sie reißt sie damit 

aber unweigerlich auch in den Strudel laufend neuer 

Unterscheidungen. Denn Kunsttheorien haben im 

Grunde denselben Stand wie die Werke selbst; sie 

begleiten sie, sie rechtfertigen ihre Rolle in der 

Geschichte – und werden irgendwann verworfen und 

von anderen Theorien abgelöst. Andererseits ist 

unübersehbar, wie perfekt Theorien und Werke sich 

wechselseitig einander anpassen. Weil beide Seiten, 

Künstler und Theoretiker, sich in ihrem Erfolg 

gegenseitig bestätigen, vertieft sich dieser Gleichklang 

von Theorie und Werk noch. Und je nachdem, ob sich 

die Theorie an ästhetischen, formalen, historischen 

oder politischen Kriterien orientiert, lobt sie „ihre“ Kunst 

als schön, gut, radikal, revolutionär, kritisch oder 

interessant. Wo Unterschiede zu anderen Werken nicht 

mehr in den Werken selbst begründet sind oder nicht 

mehr deutlich werden, ist ein erklärender Text oder eine 

bündige Theorie unbedingt nötig. Das führt freilich 

dazu, dass die Kenntnis der mitgelieferten Theorie 

bereits für das Verständnis von Kunst gehalten wird 

oder jedenfalls damit verwechselt werden kann. Die 

Bei-Texte erhalten auf diese Weise die Bedeutung 

eines Schlüssels, der ein Werk erschließt – wenn er es 

denn erschließt. Dieses System erzeugt zwangsläufig 

einen Kreis von Kennern, nämlich jenen, die den Text 

gelesen haben und sich mit ihm identifizieren. Selbst 

wenn die mit dem Kunstwerk mitgelieferte Theorie nicht 

besonders gut nachvollziehbar ist, ja selbst wenn sie 

unverständlich auftritt, dient sie der Unterscheidung 

zwischen Kundigen und Unkundigen. (Böse Zungen 

unterstellen das ja geradezu als Absicht, und 

behaupten, genau deshalb würden in den „erklärenden“ 

Texten so oft komplizierte Formulierungen und unklare 

Begriffe verwendet. Dies wäre aus dieser Sicht freilich 

alles eher denn sinnlos: Je unklarer die Kunsttheorien 

wären, desto stärker vermittelten sie nach innen ein 

Gefühl der Zusammengehörigkeit und demonstrierten 

nach außen den Eindruck von Kompetenz. Die 

Kompliziertheit wäre demnach eine Machtfrage.) Dieser 

Mechanismus hat jedenfalls zur Folge, dass das 

Kunstwerk bzw. sein Verständnis in paradoxer Weise 

auf einer Kommunikation basiert, die komplex, 

widersprüchlich, undurchsichtig, ausschließend und 

esoterisch wirkt. In letzter Konsequenz bedeutet das, 

dass die Erklärungen wichtiger geworden sind als das, 

was nach außen das Kunstwerk manifestiert. Es 

bedeutet, dass die Kunst zu Literatur geworden ist.

KUNST.INVESTOR News 

Hermann Bayer, Ohne Titel, 1975/1976, Privatsammlung, Liechtenstein 

Acryl auf Leinwand 110 x 125, Foto: © Belvedere, Wien 

Roland Kollnitz - Hermann Bayer 

Zufallsbekanntschaft 

Mit Roland Kollnitz / Hermann Bayer – Zufallsbekanntschaft 

zeigt das 21er Haus zwei ungleiche Künstler, die 

im Zusammenspiel viele Verbindungen offenbaren. 

Während der Bildhauer Roland Kollnitz (*1972) mit 

seinen minimalistischen und fragilen Installationen am 

Beginn einer vielversprechenden Künstlerkarriere steht, 

wird das malerische Werk des 2012 verstorbenen 

Hermann Bayer (*1936) erstmals umfassend in einer 

musealen Ausstellung gewürdigt. Kurator Harald Krejci 

hat diese Zufallsbekanntschaft initiiert und die beiden 

Künstler in einer Ausstellung im 21er Haus 

zusammengeführt. Rund 25 Bilder Bayers sind 

eingebettet in eine raumübergreifende Installation von 

Kollnitz, die aus verschiedenen Skulpturen und 

Objekten besteht. Die Ausstellung zieht sich vom 

Wotruba Raum über den Tiefhof und den kleinen 

Lichthof bis in den Skulpturengarten des 21er Haus. 

Gemeinsam sind beiden Künstlern die Verwendung 

ähnlicher Formen und der sensible Umgang mit 

heterogenen Materialien. Doch Kollnitz und Bayer 

verbindet mehr als eine rein formale Koinzidenz. 

Während sich Roland Kollnitz dem Thema Malerei 

dreidimensional nähert, entwickelte Hermann Bayer 

zweidimensionale Räume aus Gegensätzen wie 

konstruktiv und malerisch, abstrakt und illusionistisch. 

(Foto: © Belvedere Wien)


Detail aus Roland Kollnitz, kleines Archiv, 2015, Courtesy Roland Kollnitz, Foto: © Belvedere, Wien


The Theater of Disappearance 

im Kunsthaus Bregenz 

Now I Will Be With My Son, The Murderer Of Your Heritage 

Venice Biennial - Argentine Pavilion.2 

Der argentinische Künstler Adrián Villar Rojas wird von 

13. Mai dem Kunsthaus Bregenz zum 20-jährigen 

Jubiläum eine der spektakulärsten und aufwendigsten 

Ausstellungen der KUB Geschichte bereiten. Die 

Vorbereitung dafür laufen bereits auf Hochtouren. Er 

wurde mit überdimensional großen Skulpturen bekannt, 

die alle Maßstäbe und Grenzen sprengen. 

Entsprechend spektakulär sind auch seine Pläne für 

Bregenz. Für KUB Direktor Thomas D. Trummer ein 

absolutes Highlight in der bisherigen KUB Geschichte: 

»Adrián Villar Rojas arbeitet in größten Dimensionen. 

Selten wurden derart viele Materialien verarbeitet, 

selten so massiv Ressourcen in Anspruch genommen.« 

Um dem ambitionierten Projekt, an dem Teams in drei 

verschiedenen Erdteilen arbeiten, gerecht zu werden, 

wurde der Eröffnungstermin um eine Woche verlegt. 

Die Eröffnung findet am Freitag, dem 12. Mai, um 19:00 

Uhr, im Kunsthaus Bregenz statt. Für das Kunsthaus 

Bregenz entwirft der Künstler einen vierteiligen Zyklus, 

eine Passage durch die Geschichte der Menschheit von 

ihrer Entstehung bis zu ihrer fragwürdigen Apotheose. 

Er schafft auf jedem Stockwerk fantastische 

Landschaften, die assoziativ in die Tiefen der Evolution 

eintauchen. Ein abgehängter Käfig und brennende 

Bilder erzeugen eine apokalyptische Stimmung, 

überdimensionale Abbildungen von Hauptwerken 

Picassos, Piero della Francescas, Michelangelos und 

aus Lascaux markieren Stationen der Weltkultur. . Das 

Kunsthaus Bregenz wird zu einer gigantischen Höhle, 

zu einem Betonbunker, in dem die Kunstgegenstände 

letztlich gerettet werden. (Foto: Kunsthaus © Bregenz)


Simon Fujiwara - Campaign 

In einer neuen, ungewöhnlichen Auftragsarbeit initiiert 

Fujiwara eine Werbekampagne für das Kunsthaus 

Bregenz, die er für die unterschiedlichsten Orte 

entwickelt: von den Billboards des Kunsthauses bis hin 

zu diversen Online-plattformen. Das Werk des britischjapanischen 

Künstlers kann als Untersuchung des 

zunehmenden Drangs nach Selbstdarstellung und 

Individualität in unserer Kultur gesehen werden. Sie ist 

in seiner Generation aufgrund des Einflusses neuer 

Technologien und digitaler Medien allgegenwärtig. 

Simon Fujiwara stellt die traditionelle Beziehung 

zwischen Künstler und Institution in Frage, indem er in 

die Rolle des PR-Beraters schlüpft, um die 

Außendarstellung des Museums einer Neubetrachtung 

zu unterziehen. In Anknüpfung an sein Projekt Joanne 

von 2016 verpflichtet Fujiwara seine frühere 

Kunstlehrerin nunmehr als »Gesicht« der 

Medienkampagne für das Kunsthaus Bregenz. Für 

Joanne Salley – ehemalige Schönheitskönigin, 

Künstlerin, Boxkämpferin und Opfer eines Nacktfoto- 

Skandals in der britischen Boulevardpresse – hatte 

Fujiwara zuvor eine Imagekampagne mit dem Ziel 

konzipiert, den Schaden, den ihr öffentliches Image 

durch die nationalen Medien 2010 erlitten hatte, zu 

kompensieren und sie zu rehabilitieren, nachdem ihre 

Modelkarriere aufgrund des Skandals komplett zerstört 

worden war. Die damals begonnene Kollaboration wird 

seit jener Zeit fortgeführt; Fujiwara macht sich Salleys 

Lebensgeschichte zunutze, um verschiedene Produkte 

zu promoten, wie in diesem Fall das Kunsthaus 

Bregenz. Fujiwaras Campaign beruft sich auf 

Prinzipien, die von Künstlern wie Elaine Sturtevant oder 

Andy Warhol etabliert und hier weiterentwickelt wurden, 

um uns mit einer ebenso komplexen wie verstörenden 

Beziehung zwischen Künstler und »Muse« zu 

konfrontieren, wobei Fujiwara seine ehemalige Lehrerin 

als »Readymade« in Anspruch nimmt: Er arbeitet mit 

Archivbildern, die in ihrer kommerziell ansprechenden 

Form als Werbung für eine unendliche Reihe beliebiger 

Produkte dienlich sein können. [Foto: Kunsthaus © 

Bregenz]


Vivian Greven, Theresa VI (Bernini), 2016, Öl auf Leinwand, 35 x 45 cm, courtesy of Dirk Kessler 

A Painter’s Doubt 

Diese Schau wirft durch den Blickwinkel 

zeitgenössischer MalerIinnen Fragen der Phänomenologie 

heute auf. Manche der MalerIinnen arbeiten mit 

eher abstrakten Ausdrucksformen, während andere 

figurativ oder gegenständlich malen. Der gemeinsame 

Nenner der Ausstellung sind Wahrnehmungsvorstellungen 

und die Untersuchung verschiedener Phänomene, 

die sich im Werk jedes dieser KünstlerIinnen 

identifizieren lassen. Während Fragen nach der Malerei 

als Kunstform heute sich eher im Hintergrund dieser 

Ausstellung halten, ist die Schlüsselfrage, wie sie selbst 

– vielleicht kraftvoller als jedes andere Darstellungsmedium 

– eine Methode war und bleibt, in der 

phänomenologische Zielsetzungen und Darstellungen 

von Gefühlen und Visionen möglich sind. (Foto: © 

Salzburger Kunstverein) 

KünstlerInnen: Anna Bjerger (SE), Vivian Greven (D), Flora Hauser (AT), Gregor Hildebrandt (D), Carl Mannov (DK), 

Kirsi Mikkola (FN), Mairead O’hEocha (IE), Daniel Pitin (CZ), Titania Seidl (AT)


Blutrot 

Ona B., Theres Cassini, Lucia Dovičáková, Ina Loitzl 

Ona B. Velvet Revolution / „Dressed to kill“ 

1999, (Foto ©: Thomas Ruzicka) 

Die Ausstellung „BLUTROT“, kuratiert von der 

Künstlerin Ina Loitzl für die Räumlichkeiten des 

Kunstvereins Kärnten, lädt drei weitere Künstlerinnen 

zum erweiterten Titel „Schmerz und Kraft“ ein. Die 

Themenausstellung hat nicht nur die Schönheit der 

Farbe Rot, die komplexen Stationen des weiblichen 

Lebens, deren Schmerzensgeschichte, sondern auch 

die daraus resultierende Energie des „anderen 

Geschlechts“ zum Inhalt. Neben den Arbeiten von Ina 

Loitzl sind auch Werke von Ona B., Theres Cassini und 

Lucia Dovičáková zu sehen. Sie gruppiert die Arbeiten 

in Stationen des Frauseins: Weiblichkeit, Mutterschaft, 

Körperlichkeit, Ästhetik, Alter, Stärke. Die Ausstellung 

teilt sich in Stationen des „Frauseins“ ein und hinterfragt 

deren soziokulturelle Bedeutung Weiblichkeit. Mutterschaft, 

Körperlichkeit, Ästhetik, Alter und Stärke. „Die 

Kraft des weiblichen Geschlechts wird immer dann 

besonders eingefordert, wenn gesellschaftliche 

Umbrüche wie aktuell Wirtschaftskrisen, Umweltzerstörung 

und Flüchtlingsbewegungen zu bewältigen 

sind. Dies birgt für Frauen Risiken und 

Nebenwirkungen, einerseits, da sie sich, entgegen den 

medial gehypten Postulaten der längst erreichten 

Gleichstellung, in prosperierenden Zeiten noch immer 

mit zunehmend gut getarnten, patriarchalen 

Machtstrukturen auf allen Ebenen – von der Familie bis 

zum Unternehmensmanagement – konfrontiert sehen 

und daher ‚in guten Zeiten‘ nicht im gleichen Maße wie 

Männer Gesellschaftsstrukturen entwickeln und 

festigen können, die das eigene Geschlecht bzw. ein 

gleichberechtigtes Miteinander der Geschlechter 

unterstützen. Das schmerzt (...)“ so Astrid Malle Leiterin 

des Büros für ‚Frauen Chancengleichheit 

Generationen‘. Foto: © Kunstverein Kärnten 

Ina Loitzl, Giessaufbluete 

100 x 100 cm, 2014 

Theres Cassini: „Selbstportrait“ 

Print und Blattgold, 50 x 50 cm, 2012


Tamara Blümel, Silber 925, Kunstharz, Perlseide, Wachsperlen, © Charlotte Schwarz/Forum Goldschmiede 

650 JAHRE GOLD- UND SILBERSCHMIEDE 

Hohe handwerkliche Qualität zeichnet die prämierten 

Einreichungen des Schmuckwettbewerbs Die Jungen 

Wilden, der im Jahr 2016 anlässlich des 650-Jahr- 

Jubiläums der Gold- und Silberschmiede ins Leben 

gerufen wurde, aus. Der Wettbewerb richtet sich an 

junge österreichische SchmuckkünstlerInnen und soll 

auch in den kommenden Jahren die Kreativität und 

Gestaltungsfreude der Schmuckavantgarde aufzeigen 

und fördern. Die prämierten Arbeiten werden bis 17. 

April 2017 im MAK FORUM präsentiert. Die Fachjury 

nominierte aus 68 eingereichten Exponaten neun 

Preisträgerinnen und drei Sonderpreise. Den jeweils 

ersten Preis ihres Jahrganges erhielten Tamara Blümel 

(HTBLVA Graz-Ortweinschule), Sarah Steinbichler 

(Höhere Technische Lehranstalt, Steyr) und Julia 

Loeffler (Die Mode- und Kunstschule Herbststraße, 

Wien). Die zweiten Plätze gingen an Ilia Kainta 

(HTBLVA Graz-Ortweinschule), Magdalena Hall (Forum 

Goldschmiede, Wien) und Reinhilde Lahner (Die Modeund 

Kunstschule Herbststraße,Wien). Den dritten Preis 

bekamen Johanna Helm (HTBLVA Graz- 

Ortweinschule), Michaela Kopf (Höhere Technische 

Lehranstalt, Steyr) und Miriam Böhmerle (Die Modeund 

Kunstschule Herbststraße, Wien). Die 

Sonderpreise erhielten Nadine Pramhas (Die Modeund 

Kunstschule Herbststraße, Wien), Anna Rosa 

Sophia Riess (Die Mode- und Kunstschule 

Herbststraße, Wien) und Nadine Schreiner (Die Modeund 

Kunstschule Herbststraße, Wien). „Die 

Voraussetzung für das Weiterbestehen unseres 

Handwerks ist die Fähigkeit, persönliche Gefühle, 

Überzeugungen und Aussagen in einem Schmuckstück 

zum Ausdruck zu bringen. In diesem Sinne ist diese 

Präsentation der Beginn einer Entwicklung, der wir mit 

Spannung entgegensehen“, so Landesinnungsmeister 

Wolfgang Hufnagl. (Foto: © MAK)


Sarah Steinbichler, Silber 925, Kunststoff, © Charlotte Schwarz/Forum Goldschmiede 

Julia Loeffler, Silber 925, Edelstahl, Süßwasserzuchtperlen, Quarze, Rehunterkiefer, © Charlotte Schwarz/Forum Goldschmiede

2b promotion

DAECHEON LEE, 1976 in Ulijin, Südkorea, geboren, studierte von 1996 – 2003 Kunst an der Yeungnam- 

Universität in Dae-Gu (Südkorea), von 2005 – 2007 Malerei bei Prof. Hans Peter Adamski an der 

Hochschule für Bildende Künste in Dresden, von 2009 – 2011 bei Prof. Robert Lucander an der 

Universität der Künste, Berlin; 2011 – 2012 Meisterschüler Malerei und Grafik bei Prof. Robert Lucander. 

Zahlreiche Ausstellungen in Korea und in Deutschland, so mehrfach in der Düsseldorfer Galerie Philine 

Cremer. Im Mai/Juni dieses Jahres wird der Kunstverein Recklinghausen Werke des Künstlers 

präsentieren. 

Die Kunsthistorikerin Tina Sauerländer schrieb 2016 in ihrem Essay Welt auf Leinwand. Die Landschaften 

von Daecheon Lee: „Die großformatigen Landschaftsbilder von Daecheon Lee wirken wie abstrakte 

Simultan- darstellungen. In einem facettenreichen Gelände scheinen alle Episoden einer Geschichte 

gleichzeitig nebeneinander zu stehen. Der Blick des Betrachters gleitet an einer Stelle in das Bild hinein 

und tastet es nach Spuren des menschlichen Daseins ab. Schnell stellt er dabei fest, dass es sich nicht 

um einen geordneten Ablauf handelt. Perspektivische Ansichten grenzen sich gegeneinander ab. Der 

Betrachter muss seinen Blick stets erneut ansetzen und einstellen im Gewirr aus Zentralperspektiven, 

kartenähnlichen Aufsichten, Ferne und Nähe. Mal nimmt er malerische Farbflächen wahr, mal 

gegenständlichen Raum. Aus einem violetten Bergsee mit Booten wird ein stürmischer Wolkenhimmel 

über einem rot getränkten Gewässer, Bergmassive türmen sich auf und verflüchtigen sich zu 

Kieselsteinen, die einen Flusslauf säumen. 

Felsformationen und Gewässer kehren im Werk von Daecheon Lee immer wieder. Beide Elemente 

charakterisieren auch die koreanische Landschaftsmalerei, bei der ein und derselbe Berg oft aus vielen 

unterschiedlichen Perspektiven gemalt wird. Weite Bergseen, Küstenstreifen und Flussläufe mit Gräsern 

und Kieselsteinen variieren das Thema des Wassers im Werk des Künstlers. Da sich die berühmten 

Seefahrer auf ihren Entdeckungsreisen in die Flussläufe fremder Kontinente wagten, symbolisiert das 

Schiff für Daecheon Lee immer auch das menschliche Streben nach neuen Erkenntnissen und 

territorialer Erweiterung. Da nicht nur unberührte Natur, sondern auch Lebensräume anderer Kulturen 

erobert werden, haben sie Auseinandersetzungen, Vertreibungen oder Kriege zur Folge. Meist klein 

und silhouettenhaft malt Lee Panzer und Flugzeuge, die Bomben abwerfen. In Schwarz und ohne 

Details entfalten die Symbole ihre größte Kraft und wirken gelegentlich wie ein Fremdkörper in der 

Landschaft. Dennoch formen sie durch ihre kleine Größe ein ausgewogenes Verhältnis mit ihrer 

Umgebung. Fortbewegungsmittel wie Schiffe, Boote oder 

auch Hubschrauber finden sich oft im Werk von Daecheon Lee. Sie versinnbildlichen nicht nur die 

negativen Seiten menschlichen Vorwärtsstrebens, sondern den Prozess des Lebens im Allgemeinen. Am 

unteren Bildrand setzt Daecheon Lee hin und wieder Brücken oder Straßenzüge ein, die 

zentralperspektivisch in das Bild hineinführen. Diese sind entweder naturalistisch gemalt oder bestehen 

aus strengen, mit dem Marker und Lineal gezogenen Linien. Symbolisch verbinden sie die drei 

wichtigen Elemente Natur, Kultur und Bewegung im Oeuvre des Malers. Ein sehr bedeutsames Motiv im 

Werk von Daecheon Lee ist der Wanderer. Die kleinen Figuren begegnen dem Betrachter nahezu 

immer allein und nur ganz selten in Gruppen. Das Individuum angesichts imposanter, bergiger Natur ist 

ein typisches Element koreanischer Landschaftsmalerei und findet sich auch in den Bildwelten anderer 

Kulturen wieder. Der einsame Nomade symbolisiert Fernweh und Sehnsucht nach Abenteuern, 

Ungewissheit, die Suche nach neuen Erkenntnissen und Ordnung der Welt. 

Die Motive von Daecheon Lee offenbaren, dass der Künstler den Blick auf das Universum des Irdischen 

zwischen Himmel und Erde richtet. Ihn beschäftigt die Welt als Ganzes, bei dem Gegensätze 

harmonisch ineinander übergehen. Auf seinen Leinwänden vereint Daecheon Lee viele Perspektiven. 

Seine Bilder scheinen in alle Richtungen hin erweiterbar zu sein und auf einen großen Kosmos 

hinzuweisen.“ 

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KUNST.INVESTOR Dorotheum 

Die Woche der Meister 

25. bis 27. April: Auktionswoche im Dorotheum mit Alten Meistern, 

Gemälden des 19. Jahrhunderts, Antiquitäten und Juwelen 

Szenen aus Mythologie und Geschichte sowie Porträts 

und Landschaftsbilder aus der Sicht von Alten Meistern 

und Malern des 19. Jahrhunderts. Historische Möbel, 

die alle Stücke spielen. Royale Vasen und prunkvolle 

hochkarätige Ringe und Geschmeide: Die 

Auktionswoche des Dorotheum lässt für Kunstliebhaber 

keine Wünsche offen. Vom 25. bis 27. April 2017 läutet 

die Auktionsglocke für Werke von Apollonio di 

Giovanni, Francesco Guardi, Guercino, Michele 

Marieschi, Jacopo Sellaio, Jusepe de Ribera, Pieter 

und Jan Brueghel, Oswald Achenbach und Tina Blau. 

Besonderes Highlight der Auktion mit Bildern des 19. 

Jahrhunderts: Ein historisch hochbedeutendes, von 

Carl Theodor von Piloty und Franz Adam angefertigtes 

Porträt von Sisi, Kaiserin von Österreich – es war ihr 

Verlobungsgeschenk an den Kaiser. 

Schlacht auf der Hochzeitstruhe: Apollonio di 

Giovanni bei den Alten Meistern: „Die Schlacht von 

Pharsalos“ von Apollonio di Giovanni (1414 – 1465) 

kommt am 25. April 2017 bei der Auktion Alte Meister 

zur Versteigerung. Dieses herausragende Beispiel der 

Malerei des 15. Jahrhunderts vereint die Entwicklungen 

der florentinischen Monumentalmalerei jener Zeit mit 

einer erzählerischen und emotionalen Ausdruckskraft, 

die dem dekorativen und perfekt ausgeführten Tafelbild 

besondere Strahlkraft verleiht. Di Giovannis Gemälde 

war ursprünglich die Vorderseite einer aufwendig 

gestalteten Truhe (ital. cassone), wie sie zur 

Renaissancezeit in Italien als dekorative Möbelstücke 

häufig verwendet wurden. Truhen zur Aufbewahrung 

persönlicher Habseligkeiten wurden oft paarweise 

hergestellt und mit Bildern und Applikationen verziert. 

Solche cassoni wurden Bräuten üblicherweise als 

Heiratsgut mitgegeben und gaben Aufschluss über die 

gesellschaftliche Stellung, den Vermögensstand und 

die Sippschaftsverhältnisse bei Verwandtenehen. Sie 

waren in Nord- und Mittelitalien weit verbreitet – 

insbesondere in der Toskana des 14. bis 16. Jahrhunderts 

– und wurden für gewöhnlich in Werkstätten 

hergestellt, die auf solche Truhen und auf artverwandte 

Malarbeiten, etwa für Geburtstafeln und Wandvertäfelungen, 

spezialisiert waren. Der Künstler 

entsprach dem großen Interesse seiner Förderer an der 

Antike und führte viele neue Motive, sowohl der 

klassischen als auch der zeitgenössischen Literatur, in 

die florentinische Kunst ein. Die Dekorationsmalerei auf 

Truhen, wie jene der im Dorotheum angebotenen, hatte 

oft literarische Allegorien, religiöse Themen und 

historische Ereignisse, wie insbesondere Schlachten 

aus mittelalterlichen Erzählungen, der Mythologie oder 

der Literatur zum Inhalt.


Apollonio di Giovanni (1416 - 1465) Schlacht von Pharsalos, Tempera und Gold auf Holz, 40 x 157 cm, Detail Schätzwert € 400.000 - 600.000


Das A & O der Landschaft- Die Malerbrüder Andreas 

und Oswald Achenbach bei den Gemälden des 19. 

Jahrhunderts: Vorname A wie Andreas, O wie Oswald, 

Familienname: Achenbach. Gemeinsam nannte man 

die Düsseldorfer Maler das „A & O der Landschaft“. Sie 

gelten bis heute als bedeutendste Vertreter der 

deutschen romantischen Landschaftsmalerei. 

Europaweit bekannt waren sie dafür, das Licht so 

trefflich naturalistisch, aber gleichzeitig stimmigatmosphärisch 

darzustellen – Himmel, Meer und Natur. 

Sie machten damit auch in den USA Furore, wobei die 

Brüder schon damals marketingtechnisch raffiniert 

agierten, indem sie sich die zu malenden Regionen 

geografisch aufteilten (obwohl sie sich manchmal über 

diese Einseitigkeit beschwerten). Andreas spezialisierte 

sich auf Nordeuropa, auf See- und Marinestücke, 

Oswald jagte – ganz der Zeit der „Italien-Sehnsucht“ 

entsprechend – dem südlichen Licht und Lebensstil auf 

lebendigen Piazzas und in idyllischen Meeresbuchten 

nach. Mit Oswalds „Blick auf die Piazzetta mit der 

Biblioteca Marciana und Santa Maria della Salute und 

der Dogana“ hält das Dorotheum am 27. April 2017 ein 

besonders prachtvolles wie seltenes, fast zwei Meter 

langes Venedig-Gemälde bereit (€ 150.000 – 250.000). 

Wolkenverhangen zeigt sich „Die Bucht von Neapel“ mit 

dem Vesuv im Hintergrund, 1874 (€ 60.000 – 80.000), 

ein Kniefall vor der mächtigen Natur ist „Der große 

Baum im Abendlicht“ (€ 12.000 – 18.000). Andreas 

hingegen wählte das in jenen Zeiten beliebte, in der 

Dorotheum-Auktion angebotene Motiv „Heimkehrende 

Fischer bei stürmischer See“ aus 1871 (€ 12.000 – 

16.000). 

Musizierendes Möbel und royale Vase bei den 

Antiquitäten: Der Flöten-Uhrensekretär des Ansbacher 

Uhrmachers und Mechanikus Georg Friedrich Christoph 

Hausleiter, 1826, besticht durch seinen guten, nahezu 

unverfälschten Zustand und durch technische Details 

von Uhr, Walzen- und Flötenspielwerk sowie 

Schnitzereien aus Palisanderholz. Das zwischen 

15.000 und 20.000 Euro geschätzte Biedermeier-Juwel 

ist Teil der Antiquitäten-Auktion am 26. April 2017. 

Glanzlicht der Glas- und Porzellanofferte ist eine sehr 

seltene, in kleiner Auflage produzierte prachtvolle 

Meißen-Deckelvase mit dem Porträt Ludwigs XV. 

Johann Joachim Kändler entwarf sie 100 Jahre zuvor 

1740, im Ensemble mit zwei weiteren Deckelvasen und 

zwei Kannen. Es war vom Auftraggeber August III. als 

wertvolles Geschenk an Ludwig XV. gedacht, wie es 

nur hochrangigen Persönlichkeiten zu besonderen 

Anlässen überreicht wurde, und trug dessen Porträt 

sowie die Wappen von Bourbon und Navarra 

(€100.000–150.000). (Foto:©Dorotheum)


Oswald Achenbach (1827 - 1905) Blick auf die Piazetta mit der Biblioteca Marciana, Santa Maria della Salute und der Dogana, 

Öl auf Leinwand, 138,5 x 196 cm Schätzwert € 150.000 - 250.000


SISIS BILD ZUR VERLOBUNG 

Sensations-Gemälde: Porträt der späteren Kaiserin Elisabeth von Österreich 

in Dorotheum-Auktion am 27. April 2017 

Bis zum Tod Kaiser Franz Josephs I. hing es über 

seinem Schlafzimmer-Bett: Ein historisch bedeutsames 

Gemälde, das Weihnachtsgeschenk von Sisi, der 

späteren Kaiserin Elisabeth von Österreich, an den 

Kaiser im Verlobungsjahr 1853, steht am 27. April 2017 

im Dorotheum zur Auktion. Mehr als 150 Jahre war es 

in Habsburgischem Privatbesitz gewesen. Das Bild 

zeigt die 15 jährige Herzogin in Bayern, „die 

allerhöchste Kaiserbraut“, hoch zu Ross vor dem 

elterlichen Schloss Possenhofen und dem Starnberger 

See. Das Gemälde hing rund 60 Jahre lang über dem 

Bett des Kaisers in der Wiener Hofburg – was dessen 

immense Bedeutung unterstreicht. Mit der Ausführung 

des Portraits betraute Herzog Max in Bayern, Sisis 

Vater, zwei der bedeutendsten Maler ihrer Zeit, den 

deutschen Historienmaler Carl Theodor von Piloty und 

den für seine Pferdedarstellungen berühmten Künstler 

Franz Adam. Eine spätere Variante dieses Sisi- 

Gemäldes befindet sich in der Kunstsammlung Thurn 

und Taxis in Regensburg, und eine Kopie davon hängt 

am originalen Platz in der Wiener Hofburg. Der 

Schätzwert des Bildes beträgt 300.000 bis 350.000 

Euro. 

Expertin Dimitra Reimüller, Leiterin der Abteilung 

Gemälde des 19. Jahrhunderts im Dorotheum und 

Dorotheum Kaiserhaus-Experte Georg Ludwigstorff 

sprechen bei diesem Bild von einer Sensation. Das 

Bildnis der „allerhöchsten Kaiserbraut“, in der 

Habsburgischen Familie als „Verlobungsgeschenk“ 

tituliert, wurde vom Kaiser an seine Tochter Marie 

Valerie vererbt. Danach verloren sich für die 

Öffentlichkeit die Spuren eines für Kaiser Franz Joseph 

wohl bedeutendsten persönlichen Gegenstandes. Im 

„Fremdenblatt“, Ausgabe Nr. 308 vom 29. Dezember 

1853, wird das Gemälde als „Christgeschenk an seine 

Majestät den Kaiser von Österreich“ erwähnt und als 

prachtvolles Kunstwerk geschildert. Auch Egon Caesar 

Conte Corti beschreibt in seiner Biographie über 

Kaiserin Elisabeth den ersten gemeinsam verbrachten 

Weihnachtsabend des Paares, der gleichzeitig auch der 

16. Geburtstag Sisis war. Kaiser Franz Joseph hatte es 

sich nicht nehmen lassen eigens nach München zu 

kommen. Die Verlobten sollen sich wechselseitig Bilder 

überreicht haben, beide jeweils auf einem Pferd sitzend 

dargestellt, womit sie ihre gemeinsame Leidenschaft für 

den Reitsport offenbarten. Sisi, Spross einer 

pferdebegeisterten Familie, war mit 30 Jahren eine der 

besten Dressurreiterinnen Europas und nahm in 

England an kühnsten Jagden teil. Willensstärke und 

Reitleidenschaft - zwei im Bild eingefangene 

Wesenszüge der späteren Kaiserin - machen den 

emblematischen Charakter dieses wichtigen, von den 

renommierten Künstlern Theodor von Piloty und Franz 

Adam gemalten Werkes aus. Foto: © Dorotheum


Carl Theodor von Piloty (1826 - 1886) und Franz Adam (1815-1886) Elisabeth von Österreich als Braut zu Pferd in Possenhofen 1853, Öl auf 

Leinwand, 128 x 108 cm, Schätzwert € 300.000 - 350.000


DOROTHEUM-Auktionswoche 

Recht ungewöhnlich ist das Konvolut Musterzeichnungen WW, 

französisches Glas, Wiener Keramik auch die Powolny-Figuren, 

Bronzen, Möbel darunter ein toller Paravent, ohne Künstlerangabe 

sowie einige Zeichnungen und Bilder aus dem ehemaligen Besitz 

des Architekten Clemens Holzmeister 

Glas und Porzellan Deckelvase mit dem Porträt Ludwig XV, 

Mitte 19. Jh € 100.000 – 150.000 

19. Jahrhundert: 1740 schuf Johann Joachim Kändler 

auf Bestellung von August III. ein repräsentatives 

Ensemble von drei Deckelvasen und zwei Kannen: Es 

war als wertvolles Geschenk an Ludwig XV. gedacht, 

wie es nur hochrangigen Persönlichkeiten zu 

besonderen Anlässen überreicht wurde, und trug 

dessen Porträt sowie die Wappen von Bourbon und 

Navarra. Die Vase ist von besonderer Pracht und 

Schönheit, aber nicht überladen. Vielmehr zeigt sie an 

der Vorder- und Rückseite bereits aufgelöste 

Blumenzweige, locker gesetzt, sehr modern. Etwa 100 

Jahre später wurde dann unsere Vase hier produziert, 

wohl in sehr kleiner Auflage. Sie ist perfekt erhalten, auf 

dem Kunstmarkt eigentlich nicht zu finden und daher 

wirklich eine Besonderheit.“ 

Konvolut von Wiener Werkstätte 

Musterzeichnungen, Musterblättern und Heft, 

Tusche auf Papier, Offsetdrucke, ein Foto 

sowie je eine Preisliste für Metall-, 

keramische und Glaswaren, insgesamt 40 

Stück,(B). Schätzwert € 3.000 – 4.000


Vase in Eisenfassung, Daum frères/Louis Majorelle, Nancy 1918/25, orange unterfangenes Glas mit farbigen Einschmelzungen und 

zerplatzten Silberfolieneinschlüssen, in eine Eisenform geblasen, Unterseite mit nadelgeätzter Signatur, Höhe 18 cm,(B). Schätzwert € 1.000– 

1.300 

Aufsatz mit Schmetterlingen,Amphorawerke Riessner, Stellmacher & Kessel, Turn-Teplitz um 1905, Keramik, hellblau glasiert und mit 

farbig und goldstaffiertem Reliefdekor, 4 seitliche Streben in Form von Schmetterlingen, Goldrand, restaur., Unterseite mit Pressmarken, Höhe 

16,5 cm,(B). Schätzwert € 1.000 – 1.300


Möbel: Dieser Flöten-Uhrensekretär vereint mehrere 

Komponenten, die mich als Experten faszinieren. 

Zunächst ist da sein guter, nahezu unverfälschter 

Zustand. Das Möbel wurde weder technisch noch 

konstruktiv verändert oder gar durch eine schlechte 

Restaurierung in der Substanz beeinträchtigt. Die 

Signaturen und die Datierung machen es möglich, den 

Sekretär sowohl zeitlich als auch geografisch sehr gut 

festzumachen. Bei diesem außergewöhnlichen Möbel 

kommt noch die technische Komponente hinzu. Uhr, 

Walzen- und Flötenspielwerk in einem 

mahagonifurnierten Korpus mit Schnitzereien aus 

Palisanderholz, und das in dieser Einheitlichkeit und 

Harmonie … 

Musealer Biedermeier Flöten-Uhrensekretär des Uhrmachers und Mechanikus Georg Friedrich Christoph Hausleiter, Ansbach 1826, 

Schätzwert € 18.000 bis 25.000

KUNST.INVESTOR Kommentar 

Roter Faden „Qualität“ 

Dorotheum Möbelexperte Ulrich Prinz 

über die Auflösung des stilgetreuen 

Ensemble-Einrichtens hin zum qualitätvollen Stilmix 

Foto: © Dorotheum 

Bei der Arbeit eines Auktionsexperten stellen sich die 

meist relevanten Fragen: „Was ist heutzutage „in“? Was 

lässt sich gut verkaufen? Wie soll man eine Auktion - 

also das Angebot - gestalten um dem Anspruch - also 

der Nachfrage - des Kunden am besten entsprechen zu 

können? 

Wie es einmal war, wissen wir aus unserer langjährigen 

Arbeitspraxis. Wohnungsauflösungen bzw. Hinterlassen-schaften 

aus dem bürgerlichen und großbürgerlichen 

Milieu zu bewerten gehört zur Routinearbeit. 

Hierbei lässt sich sehr einfach analysieren, wie sich der 

humanistisch gebildet , kunstaffine Aristokrat, Unternehmer, 

Oberarzt, Rechts-anwalt etc. repräsentativ 

eingerichtet hat und was zum „guten Ton“ der 

sogenannten „kaufkräftigen Oberschicht“ in Sachen 

Einrichtung gehörte. 

Es gab in der Regel einen Salon im barocken oder 

klassizistischen Geschmack, der Hausherr bevorzugte 

im Arbeits- bzw. Herrenzimmer eher Renaissance- oder 

Frühbarocke Stilformen und die Dame des Hauses zog 

sich gerne ins Biedermeierzimmer zurück. Alle Räume 

vertraten, mehr oder weniger konsequent, ein Ambiente 

im Ensemblecharakter. Und dies in einer Üppigkeit – 

von Möbeln, Teppichen, Bildern bis hin zu Kleinkunstobjekten 

und Wohnaccessoires -, die heut-zutage 

häufig als übertrieben empfunden wird . 

Das war einmal! Aber wie ist die aktuelle Situation - und 

wie lautet die Prognose für die mittelfristige Zukunft ? 

Wie Auktionsergebnisse der vergangenen Jahre 

belegen, geht der Trend eindeutig in die „Moderne“. Die 

Preisentwicklung in der Sparte „Design des 20 

Jahrhunderts“ lässt so manchen Barockmöbelspezialisten 

vor Neid erblassen. Hinzu kommt, dass der 

Trend in Richtung barrierefreies, reduziertes Wohnen 

mit großen Glasflächen und wenigen „Staubfängern“ 

geht. Ein Solitärstück neben moderner oder zeitgenössischer 

Kunst im loftartigem Ambiente - that‘s it! 

Bezüglich der Bestückung in Sachen Mobiliar trifft der 

Slogan „erlaubt ist, was gefällt“ wohl am ehesten zu. Ob 

der Esstisch nun von Prouvé, Saarinen oder gar aus 

einem italienischen Kloster des 16. Jahrhundert 

stammt, ist nicht wichtig. Ausschlaggebend sind 

Qualität und Exklusivität und letztendlich die generelle 

Kombinationsfähigkeit im modernen Wohnambiente. 

Am freien Markt ist dies durch die Preisentwicklung 

abzulesen und wir Experten im klassischen Bereich 

sind fieberhaft auf der Suche nach der „modernen Antiquität“.

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘ 

Venezianische Schule Konzil von Trient, 16. Jahrhundert Öl auf Leinwand; 111 × 267 cm, Schätzpreis € 35.000-70.000 

Alte Meister – 19. Jahrhundert – Antiquitäten 

Frühjahrsauktion im Kinsky- 25. April – 26. April 2017 

Die erste große Auktion im Frühjahr 2017 präsentiert 

Meisterwerke vom 16. bis 19. Jahrhundert, eine 

Sonderauktion an Zeichnungen der Renaissance und 

des Barock, szenenreiche Schilderungen aus der 

Antike und des Alten Testamentes, im Sonnenlicht 

leuchtende Landschaften und verschwundene 

Stadtansichten sowie eine seltene Sammlung an 

Renaissance-Plaketten, Gläsern und Möbel. 

Alte Meister: Zeichnungen des 16.-18. Jahrhunderst: 

Ein Spezialgebiet kann das Auktionshaus im 

Kinsky dieses Mal im Rahmen seiner Altmeister-Auktion 

anbieten: Rund 70 Zeichnungen in Bleistift oder Tusche 

aus der Renaissance und des Barock aus 

verschiedenen Privatsammlungen. Zu den Highlights 

zählt die dichte Schilderung des „Kampf der Titanen“ 

aus dem Umkreis Michelangelos, die an dessen 

Szenen in der Sixtinischen Kapelle erinnert. Jahrzehnte 

später hat Bartholomäus Spranger die kraftvolle 

Präsenz des Menschen in die Unsicherheit des Daseins 

verwandelt und die Kunst der Maniera mitbegründet. 

Seine „Minerva als Siegerin über die Unwissenheit“ 

spiegelt diese Zeit des Umbruchs mit den gekonnt 

platzierten Weißhöhungen wider. Zu den ältesten 

Blättern dieses Angebots gehört auch eine Darstellung 

Marias mit dem Kind, das Hans Springinklee 

zugeschrieben wird, ein Schüler Albrecht Dürers und 

Mitarbeiter an dessen „Ehrenpforte“. Eine 

Neuentdeckung ist auch der Geige spielende Knabe 

des barocken Ausnahmemalers Martin Johann Schmidt 

aus Krems. 

GEMÄLDE- Ein interessantes historisches Dokument 

bietet die Darstellung einer Sitzung im Zuge des 

Trientiner Konzils eines unbekannten venezianischen 

Malers. Die Debatte zur Beilegung der Kirchenspaltung 

durch die Reformation fand in drei Tagungen zwischen 

1545 und 1564 statt, der Maler schildert bildreich die 

angespannte Situation und die unterschiedlichen 

Charaktere. Kleinode früher Landschaftsmalerei 

hingegen präsentieren Jan Brueghel der Ä. mit seiner 

auf Kupfer gemalten Miniatur-Ansicht der Alten Prager 

Burg und Jacob Savery mit einer szenenreichen 

Darstellung des Landlebens vor einer französischen 

Stadt. Wie harmonisch eine Gemeinschaftsarbeit 

erfolgen kann, beweisen Jan Brueghel d. J. und 

Ambrosius Francken in der reizvollen Darstellung von 

Maria mit Kind im Blumenkranz. Die seltene Darstellung 

von der Ermordung Cäsars und die bekanntere der 

Blendung Samsons schildert hingegen Martin Johann 

Schmidt in zwei Gemälden, letzteres befand sich 

ehemals wie fünf andere im Verbund eines Sakristeischrankes 

der Pfarrkirche in Aggsbach. Sie 

bestechen durch ihre lebendige Dramatik und raffinierte 

farbige Komposition.


Bartholomäus Spranger Umkreis Minerva als Siegerin über die Unwissenheit Tusche, laviert, Weißhöhungen auf Papie 

41,1 × 27,9 cm, Schätzpreis € 2.000-4.000


Jan Brueghel der Jüngere Maria mit Kind und Engel im Blumenkranz 

um 1630-35, Schätzpreis € 35.000-70.000 

Rudolf von Alt, Blick in das Mittelschiff des Stephansdomes, Wien, 1883 Aquarell auf 

Papier; 53 × 45 cm, Schätzpreis €35.000-70.00


Olga Wisinger-Florian Der Fürstenweg in Raitz, 1906 Öl auf Leinwand; 101,5 × 135,5 cm- Schätzpreis € 50.000 bis 100.000 

19. Jahrhundert: Natur und Stadt waren die Themen, 

mit denen die Maler des 19. Jhd. mit der Wirklichkeit in 

Wettstreit traten. Die großen Künstler erkannten aber 

bald, dass nicht im „Abmalen“ sondern im Erfassen der 

Atmosphäre mit seinem Licht, seinen Stimmungen, 

seinen ganz spezifischen Eigenheiten die eigentliche 

malerische Herausforderung lag. Rudolf von Alt hat 

dies in unnachahmlicher Art in der schwierigen Technik 

des Aquarells umgesetzt und vor allem Stadtansichten 

und architektonische Prospekte in eine bleibende 

Daseinswirklichkeit verwandelt. Seine Innenansicht des 

Stephansdoms von 1883 wie der letzte Blick auf den 

noch barocken Hohen Markt bieten nicht nur hervorragende 

Beispiele, sondern sind auch ganz neue 

Entdeckungen in seinem Oeuvre! Olga Wisinger-Florian 

als herausragende Vertreterin einer modernen 

Landschaftsmalerei erfasst in virtuoser Flüchtigkeit eine 

sonnige Szene am Strand von Etretat, zeigt aber auch 

einen gewagten Farbexpressionismus bei der Verwandlung 

eines einfachen Weges in ein Stück großer Kunst. 

Eine ganze Bandbreite an malerischen Lösungen 

wurde in diesem Jahrhundert gefunden, die in der 

kommenden Auktion mit Arbeiten von Friedrich 

Gauermann, Peter Fendi, Leopold Carl Müller, Robert 

Russ oder Theodor von Hörmann zur Auswahl stehen.


Kabinettschrank Meister mit dem ornamentierten Hintergrund, Eger, Mitte 17. Jh. Reliefintarsien 

aus verschiedenen Holzarten; 80 × 63,5 × 37,5 cm, Schätzpreis € 30.000-60.000 

Antiquitäten: Die Sammlung steht im Zentrum eines 

reichen Angebots aus verschiedenen Epochen und 

Techniken. Das Prachtexemplar eines Habaner 

Keramikkruges, der die hohe Kunst der Fayence der 

ehemaligen hutterischen Täufergemeinde in kräftigen 

Scharffeuerfarben präsentiert, eine seltene bronzene 

Tischuhr, eine feinst gearbeitete Alabaster 

Figurengruppe von Josef Bergler, die sich lange im 

Palais Kinsky in Prag, dann in Wien befunden hatte, 

aber auch original bespannte Stühle aus dem Palais 

des Herzog Albert von Sachsen-Teschen, der Albertina 

in Wien bilden ein abwechslungsreiches Panoptikum 

des Kunsthandwerks. Zu den herausragenden Unikaten 

mit hohem Seltenheitswert gehört ein wunderbar 

verarbeiteter Silberbecher aus Siebenbürgen, genau 

datiert mit 1564 und ein Kästchen aus Eger, in dem 

sich die hohe Kunst der Intarsienschnitzerei des 17. 

Jahrhundert, die in dieser ehemals deutschen Stadt vor 

den Toren Böhmens eine besondere Hochblüte erlebte, 

wiederspiegelt. Ein Meisterwerk der Porzellantechnik 

wiederum stellt ein Uhrgehäuse von Claudius 

Innocentius du Paquier, dem Begründer ersten 

Porzellanmanufaktur in Wien dar, das er am 15. Mai 

1725 vollendete. Und schließlich führt eine ganze 

Sammlung von Medaillen und Plaketten des 15. – 18. 

Jahrhundert mit mythologischen und religiösen Motiven 

aus Bronze und Silber gegossen, die feine Art der 

„memoria“, der Andacht und der Geschenkkultur 

vergangener Zeiten vor Augen. (Foto: © Kinsky)


Kabinettschrank Meister mit dem ornamentierten Hintergrund, Eger, Mitte 17. Jh. Reliefintarsien aus verschiedenen 

Holzarten; 80 × 63,5 × 37,5 cm, Schätzpreis € 30.000-60.000 

Großer Becher Siebenbürgen, datiert 1564 Silber, z. T. vergoldet; H. 20,5 cm; 498 g, Schätzpreis €15.000-30.00


Friedrich Frank, Blick auf Florenz, Aquarell auf Papier; 55 × 95 cm (Passep.-Ausschnitt); Rufpreis € 3.000 

115. KINSKY-AUKTION - „KOSTBARKEITEN“ 

Alte Meister, Bilder des 19. Jahrhunderts, Klassische Moderne, 

Zeitgenössische Kunst, Antiquitäten und Jugendstil & Design 

28. Februar bis 1. März 2017 

Das Jahr beginnt im Kinsky schon traditionell mit einer 

Auktion der Kostbarkeiten und wirft den Blick auf 

Kunstwerke, deren Qualität überzeugt, die aber 

dennoch im Preis günstig sind. Alle sechs Sparten des 

Hauses, von den Alten Meistern bis zu den 

Zeitgenossen sind vertreten und bieten mit über 900 

Objekten eine umfangreiche und vielseitige Auswahl für 

jeden Sammler. Bei den Alten Meistern kann man 

durch die Jahrhunderte streifen und sich zwischen 

ländlichen Idyllen, schönen Frauen und aufregenden 

Szenen aus Mythologie und Historie entscheiden. In 

der Sparte des 19. Jahrhundert begeistern zwei 

ungewöhnliche Stadtprospekte: Einmal der Blick auf 

Florenz von Friedrich Frank bei herrlichem Sonnenlicht 

und atmender Luft und einmal der Blick auf Landeck in 

Tirol von Hubert Sattler. Letzterer war ja für seine 

Reisen und aufregenden Städtebilder besonders 

berühmt, seine nüchterne Klarheit mit großer Raumtiefe 

wirkt wie eine Vorwegnahme des zeitgenössischen 

Photorealismus. Marie Egners reizvolle Aufnahme der 

Lagune von Grado oder Friedrich Gauermanns schnelle 

Skizze eines Hirschen im kalten Gebirgssee bieten 

Kostbarkeiten der spontanen Studie vor Ort. Gewohnt 

vielseitig ist das Angebot der Antiquitäten.


Norbertine Bresslern-Roth, Tukanjäger, 1943, Öl auf Jute; 90 × 70 cm; Schätzpreis € 20.000-40.000


Helmut Leherb, Ma vie phantastique (Das Manifest der inneren Unruhe), 1963 Öl auf Leinwand 

gerahmt; 85,5 × 65,5 cm; Schätzpreis € 40.000 – 80.000


Paar seltene Vasen, Florenz oder Pisa, um 1575, dunkelgrünes Glas 

Bronze, vergoldet; H. 15 cm; Rufpreis € 6.000 

Tafelbesteck von Josef Karl Klinkosch stellt mit € 

15.000 den höchsten Schätzpreis dar, Glassammler 

werden mit einem Paar seltener Vasen aus Italien ihre 

Freude haben und die Auswahl der Möbel reicht von 

gotischer Giebeltruhe bis hin zu einem barocken 

Nasenschrank. Otto Prutscher, Josef Hoffmann, 

Dagobert Peche, Franz Hagenauer oder Eduard 

Klablena sind klingende Namen in der Sparte des 

Jugendstil, Silbertabletts, Vasen, Keramikfiguren, 

Kerzenleuchter stehen zur Auswahl. In der Klassischen 

Moderne reicht die Bandbreite des Angebots von 

Zeichnungen Gustav Klimts über die suggestiven 

Landschaften von Josef Stoitzner, zu den klappernden 

Tukanen von Norbertine Bresslern-Roth und den 

Bergbauernhöfen von Oskar Mulley. Und passend zur 

Jahreszeit werden Schneelandschaften von Wilhelm 

Thöny und Hans Weber-Tyrol angeboten. Farbkräftig 

und phantastisch präsentieren sich die Zeitgenossen: 

Ernst Fuchs großformatige Lady Gainsborough und 

Helmut Leherbs Triumph des Jean Jacob entführen in 

Traum- und Phantasie-welten während Gunter Damisch 

gewohnt in Gefilde jenseits unserer sichtbaren Welt 

führt. Ein besonderes Angebot bietet die Sammlung 

von Werken des früh verstorbenen, genialen Wiener 

Malers Alfred Kornberger. (Foto:© ‚im Kinsky)

KUNST.INVESTOR Ressler Kunst Auktionen 

Arnulf Rainer, Ohne Titel (Vorderseite Schwarz- und Rückseite Rosaübermalung) 

Rufpreis 18.000, € - UNVERKAUFT 

Kompromisslose Suche 

Wie kaum ein anderer Künstler hat Arnulf Rainer in seiner Suche nach 

künstlerischen Ausdrucksmitteln radikal neue Wege beschritten. 

Aber nicht nur der Künstler sucht ständig nach neuen 

künstlerischen Ausdrucksmittel, auch der Markt ist 

permanent auf der Suche: Bei der Auktion der 

RESSLER KUNST AUKTIONEN am 20. Februar in der 

ehemaligen Anker Brotfabrik wurden 6 Werke Arnulf 

Rainers angeboten, fünf wurden verkauft. Eine 

„Graubraune Übermalung“ aus 1962, überarbeitet 

1973, wurde auf 55.000 Euro gesteigert. Inklusive des 

Aufgeldes, der Umsatzsteuer und dem Folgerecht (das 

ist der Betrag, den der Künstler als Anteil aus dem 

Verkauf erhält), mussten also mehr als 70.000 Euro für 

Arbeit bezahlt werden. Zwei kleine Übermalungen aus 

den frühen 1970er Jahren erzielten Meistbote von 

16.000 und 14.000 Euro. „Der Waldmensch“ wurde um 

13.000 Euro verkauft, eine Naturübermalung wurde in 

der Auktion auf das gleiche Niveau gehoben. Lediglich 

eine Arbeit scheiterte – noch dazu eine ganz besonders 

Interessante: 1959 stellte Rainer den Entwurf für eine 

Plastik in der Vorgartenstraße vor. Allein, die Verant- 

. 

wortlichen der Gemeinde Wien wollten sich seinem 

Vorschlag nicht anschließen – was sie heute heftig 

bedauern sollten. Die rosafarbige Zentralgestaltung (auf 

der Rückseite hat der Künstler eine seiner wunderbaren 

schwarzen Übermalungen vorgenommen, die freilich 

nicht „schwarz“ ist, sondern irisierend in violetten 

Tönen) ist für Arnulf Rainer sehr ungewöhnlich. Der 

Künstler hat 1974 die beiden Flächen im Rahmen einer 

Restaurierung überarbeitet, herausgekommen ist ein 

doppelseitiges Werk, das jedenfalls auf der rosafarbigen 

Seite so ungewöhnlich ist, dass sich offenbar 

kein Sammler traute, es zu erwerben. Der Rufpreis 

betrug 18.000 Euro, ein durchaus amikaler Preis für 

einen der wichtigsten Künstler der Gegenwart. Arnulf 

Rainer war seit jeher ein kompromissloser, ja radikaler 

Künstler. Nach künstlerischen Kontroversen verließ er 

sowohl die Angewandte als auch die Akademie 

innerhalb weniger Tage.


Arnulf Rainer, Ohne Titel, (Rückseite Rosa- und Vorderseite Schwarz übermalung) 

Rufpreis 18.000, € - UNVERKAUFT 

Er bildete sich fortan autodidaktisch weiter. Durch die 

gestische Malerei von Jackson Pollock, Jean Paul 

Riopelle und Wols beeindruckt, wandte er sich vom 

Surrealismus ab und ging zu abstrakten Mikrostrukturen 

über. Die ersten „Übermalungen“, die sein 

gesamtes Werk prägten, entstanden um 1953. In den 

Jahren 1956/57 fanden religiöse Themen, meist 

Kruzifikationen, Eingang in sein Werk. In den 1960er 

Jahren begann Arnulf Rainer, Fotos der eigenen 

Physiognomie und des eigenen Körpers sowie Abbildungen 

alter Meister und zeitgenössischer Künstler 

zu übermalen. Die Untersuchungen der Körpersprache 

und die Frage nach der eigenen Identität manifestierten 

sich in den Serien der „Face Farces“ und „Body Poses“. 

Dabei ergaben sich Berührungspunkte mit dem Wiener 

Aktionismus. Arnulf Rainer setzte sich immer wieder 

über gesellschaftliche Tabus hinweg, nicht nur im 

Bereich der Erotik, sondern auch in der Serie der 

Totenmasken und Totenzeich-nungen. 1978 und 1980 

vertrat er Österreich auf der Biennale in Venedig. Seit 

1981 ist er Mitglied der Akademie der Künste Berlin und 

war bis 1995 Leiter einer Meisterklasse für Malerei an 

der Akademie der bildenden Künste in Wien. 1984 fand 

eine große Werkschau im Centre Pompidou in Paris 

statt. 1989 kam es zu einer großen Retrospektive im 

Guggenheim Museum New York – der ersten eines 

lebenden europäischen Künstlers überhaupt. Seither 

widmeten ihm bedeutende Kunstinstitutionen wie das 

Stedelijk Museum in Amsterdam Retrospektiven, die 

Pinakothek der Moderne in München widmet ihm 

permanent einen ganzen Ausstellungsbereich. „Ressler 

Kunst Auktionen sucht permanent Werke Arnulf 

Rainers für seine Auktionen“, so Otto Hans Ressler 

Geschäfts-führer und Auktionator des Auktionshauses.. 

(Foto: © Ressler Kunst Auktionen) 

Nachverkaufskatalog


Arnulf Rainer, „Graubraune Übermalung“, Rufpreis € 45.000 – Verkauft € 68.750


Arnulf Rainer, „Krummer Rücken“, Rufpreis € 10.000 – Verkauft € 20.000

KUNST.INVESTOR Albertina 

Acting for the Camera 

Mit rund 120 Werken aus der Fotosammlung der 

Albertina untersucht die Ausstellung Acting for the 

Camera die vielfältigen Formen von (Selbst- 

)Inszenierungen von Modellen für die Fotokamera. Die 

Zeitspanne der Aufnahmen reicht von den 1850er- 

Jahren bis in die Gegenwart und bietet sowohl einen 

Querschnitt der Fotografiegeschichte als auch der 

Vielfalt der hauseigenen Sammlung. Die sechs 

thematischen Schwerpunkte bilden Bewegungsstudien, 

Studienvorlagen, Tanz, Bildergeschichten, SchauspielerInnenporträts 

und Aktionistische Inszenierungen 

des Körpers. Fotografien liegen vielschichtige Formen 

der Zusammenarbeit zwischen dem Modell vor und der 

Person hinter der Kamera zugrunde. Manche der 

Modelle setzen sich auf Anweisungen der 

FotografInnen in Szene, andere Aufnahmen gehen als 

gemeinsamer kreativer Prozess aus der 

gleichberechtigen Kooperation zwischen Modell und 

FotografIn hervor. In manchen Fällen wird jedoch 

auch nach minutiösen Vorgaben der Modelle 

aufgenommen. Mit wissenschaftlichen Fotostudien 

können erstmals menschliche Bewegungsprozesse für 

das menschliche Auge sichtbar gemacht werden. 

Anonyme Modelle stellen sich etwa für die Fotografien 

von Ottomar Anschütz um 1890 zur Verfügung, um 

Abläufe wie den Speerwurf nachvollziehbar zu 

machen. Die Abgebildeten agieren hier auf genaue 

Anweisung der Fotografen. Mittels dieser Fotos 

werden Bewegungsmuster „gesunder“ und 

„ungesunder“ Körper verglichen und medizinische 

Theorien visuell belegt. Wie die Bewegungsstudien 

dienen Johann Victor Krämers inszenierte 

Studioaufnahmen ebenso wie Otto Schmidts Akte als 

Vorlage für KünstlerInnen, manche davon werden auch 

als pornografische Bilder „unter dem Ladentisch“ 

gehandelt. Eine starke wechselseitige Beeinflussung 

findet auch zwischen Fotografie und Tanz statt. Der 

moderne Ausdruckstanz war zu Beginn des 20. 

Jahrhunderts eine Kunstform der Avantgarde. Tänzer- 

Innen arbeiten eng mit FotografInnen zusammen, um 

Aufführungen festzuhalten und zu verbreiten. Diese 

Partnerschaft ermöglicht ausdrucksstarke Inszenierungen, 

die stilprägend für ihre Zeit sind. Ihre 

expressiven Gesten nimmt wiederum Anton Josef 

Trčka auf, wenn er Egon Schiele mit tänzerisch 

anmutender Handhaltung posieren lässt. Porträts 

bekannter SchauspielerInnen wie die lachende Romy 

Schneider sowie Rollenporträts im Rahmen von 

Filmproduktionen entstehen in den Wiener Ateliers, 

etwa von Trude Fleischmann oder Madame d’Ora. 

Diese ikonischen Aufnahmen bilden einen weiteren 

Schwerpunkt der Schau. So wie klassische Porträts 

die Persönlichkeit der Abgebildeten vermitteln, kann in 

der Fotografie im Gegenteil auch der Körper als reines 

Material in Szene gesetzt werden. Helmar Lerski 

betrachtet das menschliche Gesicht wie eine 

Landschaft, die durch Licht und Schatten modelliert 

werden kann. John Coplans wiederum erforscht seinen 

nackten alternden Körper zentimetergenau, bildet sich 

ohne Kopf ab und hinterfragt damit Inszenierungen von 

Männlichkeit und gesellschaftliche Normen.Auch beim 

Aktionismus stellt sich der Künstler selbst als Bildsujet 

ins Zentrum. Rudolf Schwarzkogler, der sich Ende der 

1960er-Jahre mumiengleich in Mullbinden wickelt oder 

Günter Brus inszenieren Performances eigens für die 

Fotokamera. Die jüngsten Werke von Acting for the 

Camera reichen bis hin zu Erwin Wurms One Minute 

Sculptures, für die Modelle sich mit Alltagsgegenständen 

für den Künstler in skurrile Posen 

werfen. (Foto: © Albertina)


Will McBride, Romy Schneider in Paris, 1964, Abzug 2001. Silbergelatinepapier- Albertina, Wien © 

Seiichi Furuya, Christine Furuya-Gössler, 1983; Abzug: 1988, 

Silbergelatinepapier- Albertina, Wien © 

Hugo Erfurth, Clotilde von Derp-Sacharoff, um 1928, 

Silbergelatinepapier- Albertina, Wien ©


Trude Fleischmann, Die Schauspielerin und Tänzerin Lucy Kieselhausen, um 1925, Silbergelatinepapier- Albertina, Wien ©


Dora Kallmus, Arthur Benda, Anita Berber und Sebastian Droste in ihrem Tanz 'Märtyrer', 1922, Silbergelatinepapier- Albertina, Wien ©


Rudolf Koppitz, Bewegungsstudie, 1926, Mehrfarbiger Gummidruck- Albertina, Wien ©


Erwin Wurm, one minute sculpture, 1997; Abzug: 2000, Silberfarbstoffbleichverfahren- Albertina, Wien ©

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging 

Michael Vonbank, 2004, Ohne Titel, Ölkreide, 21 x 29,7 cm, Courtesy galerie gugging 

Franz Kamlander & Co: „viechereien“ 

Die Tierwelt, in allen ihren Facetten, ist faszinierend 

und wird auch in der Art Brut immer wieder als Thema 

gewählt. Der Gugginger Künstler Franz Kamlander ist 

mit seinen Zeichnungen und Gemälden von Tieren 

berühmt geworden. Von einem Bauernhof in 

Niederösterreich stammend, war sein eindeutiges 

Lieblingsthema die Darstellung von Kühen. Das liebe 

„Vieh" - das ist die Bezeichnung von zumeist 

domestizierten Nutztieren in der Landwirtschaft - wurde 

von ihm als Symbol seiner Jugend, die er zu Hause 

verbracht hat, in unzähligen Varianten gezeichnet und 

auch gemalt. Es geht bei ihm und all seinen 

Künstlerkollegen nicht um ein möglichst naturgetreues 

Abbild eines Tieres, sondern darum, die Emotionen 

dieses Tieres zu vermitteln. Es sind Empfindungen von 

Tieren, die dargestellt werden und die Wahrnehmung 

dieser Gefühle durch den Künstler. Erlebnisse und 

Erinnerungen finden ihren Ausdruck in Zeichnungen, 

Gemälden und Objekten. Rund um Franz Kamlanders 

Werk vermitteln weitere 25 KünstlerInnen, von Laila 

Bachtiar bis zu August Walla, einen Einblick in die 

„brute" Tierwelt. Dichte, archaische Arbeiten von Michel 

Nedjar, feine Zeichnungen von Oswald Tschirtner 

sowie farbintensive Werke von August Walla 

veranschaulichen, wie unterschiedlich die 

Herangehensweise an dieses Thema ist. Wir zeigen 

Raritäten von Anton Dobay und Ernst Herbeck und 

erstmals auch Objekte von Jens Mohr, Gemälde von 

Ernst Schär und Zeichnungen von Michael Vonbank. 

Begleitend zur Ausstellung wurde ein Katalog 

produziert, der mit Texten von Ernst Herbeck und 

Michael Vonbank einen kleinen Einblick in die 

„Viechereien" der Art Brut gewährt. [Galerie Gugging, – 

Foto: © Galerie Gugging]

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging 

Philipp Schöpke, 1977, Ferht Schimel, Bleistift, Farbstifte, 22,1 x 30,2 cm, © Privatstiftung - Künstler aus Gugging 

Michel Nedjar, 2001, untitled / Paris St.-Martin 2001, Mischtechnik auf Kuvert 23 x32,5 cm, © Michel Nedjar

KUNST.INVESTOR Lentos 

PSYCHO DRAWING 

Art brut und die ʽ60er und ʽ70er in 

Österreich 

PSYCHO DRAWING 

Art brut und die ʽ60er und ʽ70er in Österreich 

Die umfangreiche Schau zeigt Zeichnungen im 

Spannungsfeld zwischen Kunst und Wahn aus den 

1960er- und 1970er-Jahren. Neben Werken Gugginger 

Art-brut-Künstler wie Johann Hauser, Oswald Tschirtner 

und August Walla werden Arbeiten von Arnulf Rainer, 

Peter Pongratz, Adolf Frohner, Hermann Nitsch, Franz 

Ringel, Alfred Hrdlicka und Gerhard Rühm präsentiert. 

Sie spürt den Gemeinsamkeiten von Gugginger Art brut 

und Kunst der 60er und 70er Jahre in Österreich nach 

und kommt dabei zu verblüffenden Parallelen. 

Kuratorin Brigitte Reutner zur Ausstellung: „Mir war es 

wichtig die Qualität der Kunstwerke in den Mittelpunkt 

zu rücken und die Kunst der Gugginger Art-brut- 

Künstler mit dem Kunstschaffen der österreichischen 

Künstler der 60er und 70er Jahre auf eine Stufe zu 

stellen. In der Ausstellung wird nicht zwischen den 

beiden Gruppen unterschieden, sondern sie werden 

gemeinsam und gleichwertig präsentiert.“ In den ersten 

Jahrzehnten nach dem Zweiten Weltkrieg waren die 

österreichischen KünstlerInnen auf der Suche nach 

dem von der Geschichte unberührten, authentischen 

Ausdruck in der Kunst. Die 1960er und 1970er waren 

auch in Österreich von Grenzüberschreitungen 

zwischen Kunst und Leben, neuen Kunstsparten, 

Drogenexperimenten und von neuen integrativen 

Gesellschaftsmodellen geprägt. Abstrakte Kunst, 

Werke indigener Völker, Arbeiten von Kindern und von 

psychisch beeinträchtigten Menschen galten als 

unverbildet und unverfälscht. Auch unabhängig von 

jenen Einflüssen fanden manche Künstlerinnen 

zeitgleich oder früher zu formalen Lösungen, die an Art 

brut erinnern. In der Ausstellung werden Art-brut- 

Zeichnungen und psychisch durchdrungene 

Zeichnungen österreichischer Künstler gemeinsam 

präsentiert und vermitteln jenes vom Zeitgeist geprägte 

Kunstwollen, mit dem eine Generation überkommene 

Strukturen endgültig hinter sich lassen wollte. Die 

Exponate sind etwa 200 Zeichnungen aus der 1980 

erworbenen Sammlung Leo Navratil im LENTOS 

Kunstmuseum Linz, die zu den ältesten Art-brut- 

Museumsbeständen Österreichs zählt. Sie wird um 

Leihgaben aus der Sammlung Essl (Klosterneuburg), 

dem Universalmuseum Joanneum (Graz), dem 

Museum der Moderne (Salzburg), dem Museum 

Niederösterreich (St. Pölten), dem Oberösterreichischen 

Landesmuseum (Linz) sowie aus dem 

Besitz von KünstlerInnen. [Kuratorin Brigitte Reutner, 

Dauer bis 5. Juni 2016 – Foto © Lentos]


August Walla, Jeaobek, o. D, LENTOS Kunstmuseum Linz


Anton Dobay und Rudolf Liemberger (Max), Ohne Titel, 1975, LENTOS Kunstmuseum Linz


Arnulf Rainer, Apollo und Vampire, aus der Mappe Wahnhall, 1967, LENTOS Kunstmuseum Linz 

Adolf Frohner, Die Flucht (Hommage à Jean Dubuffet), 1966, LENTOS Kunstmuseum Linz

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien 

Natalie Czech, Avatar / Me, 2016, © Bildrecht, Wien, 2017, Courtesy Kadel Willborn, Düsseldorf und Capitain Petzel, Berlin 

João Maria Gusmão & Pedro Paiva, Glossolalia (“Good Morning”), 2014, Produziert von Fondazione HangarBicocca, Milan 

Courtesy die Künstler


Mehr als nur Worte 

[Über das Poetische] 

„Was macht eine verbale Botschaft 

zum Kunstwerk?“ (Roman Jakobson) 

Der Linguist Roman Jakobson (1896–1982) 

unterscheidet in der zwischenmenschlichen Kommunikation 

sechs verschiedene Sprachfunktionen. Die für 

ihn wichtigste Funktion ist die poetische, durch die 

Sprache „in ihrer formalen Erscheinung zu einer Art 

besonderer Information wird.“ Poetische Sprache lebt 

von Konnotationen und Mehrdeutigkeit, ergänzt die 

Darstellung von etwas um Klang und Rhythmus und 

stellt die Form über den Inhalt. Poetische Sprache ist 

(noch nicht) Dichtung. Bereits wenn Wörter bewusst in 

ihrer ästhetischen und klanglichen Dimension wahrgenommen 

werden, wenn sie nicht nur als praktisches 

Kommunikationselement verstanden werden, ist die 

poetische Sprachfunktion am Werk.Mehr als nur Worte 

[Über das Poetische] erhebt die Idee der poetischen 

Funktion zum Ausgangspunkt für gedankliche Ausdrucksmöglichkeiten 

jenseits semantischer Eindeutigkeit. 

Im Blickpunkt steht eine Sprache der 

morphologischen Ungewissheiten und der unendlichen 

Hermeneutik. Zu entdecken ist sie in Filmen, 

Fotografien, Skulpturen, Installationen und Performances, 

die sich in ein avantgardistisches Display 

einfügen, das sich wie eine Visualisierung von Silben 

im Raum lesen lässt. Sprache ist mehr als Worte und 

auch das Wort ist mehr als eine bloße 

Aneinanderreihung von Buchstaben. Der amerikanische 

Konzeptkünstler John Baldessari führt auf die 

richtige Fährte, wenn er aufzeigt, welch hintergründiger 

Witz der künstlerischen Auseinander-setzung mit 

Sprache/Poesie innewohnt: In Teaching a Plant the 

Alphabet (1972) sehen wir die Hand des Künstlers, wie 

sie einer Topfpflanze nach und nach Lernkarten mit 

dem Alphabet vorhält. Jeder einzelne Buchstabe wird in 

Groß- und Kleinschreibung und mit diversen 

Wortbeispielen visuell vermittelt. Neben der Verbindung 

von Kunst und Sprache und der Bildwerdung von 

Schrift, welche die Kunst seit dem Beginn des 20. 

Jahrhunderts prägt, steht vor allem das Interesse an 

einer Sprache, die sich der algorithm-ischen 

Verwertung und einfachen Übersetzbarkeit entzieht. 

Eine Sprache, die auf eine Abfolge von Codes 

ausgerichtet ist, aber weder geschrieben noch 

gesprochen wird, verwendet Elisabetta Benassi in ihrer 

Arbeit Finalmente solo, finalmente tutti (2013): Zwei 

Morselampen stehen einander in einem dunklen Raum 

gegenüber. Abwechselnd senden sie durch Auf- und 

Abblenden Signale, die als Abfolge von Buchstaben 

entziffert werden können. Der so übertrage Text 

stammt von Mario Merz und ist seinem Buch Voglio fare 

subito un libro (Ich möchte sofort ein Buch machen) 

entnommen.


Wenn João Maria Gusmão und Pedro Paiva in ihrem 

16mm Film Glossolalia (2014) einen Papagei langsam 

seine Flügel spreizen, sich drehen und den Schnabel 

öffnen lassen, ist der/die Betrachter/in in gespannter 

Erwartung. Doch mit dem Öffnen des Schnabels endet 

der (Stumm-)Film und lässt uns mit der Frage zurück: 

Welche Sprache spricht ein sprechender Papagei? 

Nicht nur die Stimme, auch und vor allem Gesten 

vermitteln dieses „mehr als nur Worte“: Bruno Munaris 

Sammlung von Gesten im Supplemento al dizionario 

italiano – I Gesti (1958) zeigt Fotos von rund fünfzig 

Handbewegungen, ergänzt um deren Anwendung und 

Bedeutung. Ketty La Roccas Fotoserie Le mie parole, e 

tu? (1974) zeigt ebenfalls Hände als Ausdrucksträger 

und Symbol des Körpers. Anders als bei Munari, wo 

Handzeichen als Form der Kommunikation auf ein 

intuitives Verständnis abzielen, sind es bei Ketty La 

Rocca Hände, auf die Worte und Sätze appliziert sind – 

Hände, in die sich Sprache sprichwörtlich einschreibt. 

Fast ein Jahr lang arbeitete die Künstlerin Erica Scourti 

an ihrem Projekt Life in AdWords (2012/13). Sie 

erstellte ein digitales Tagebuch, in dem sie sich mit der 

Webcam ihres Computers täglich dabei filmte, wie sie 

von einem Algorithmus erzeugte Keywords, wie einen 

Wordrap vorträgt. Die vorgeschlagenen Worte ergaben 

sich aus personalisierter Werbung, die ihr als Reaktion 

auf ihr digitales Tagebuch vorgeschlagen wurde. So 

wurde täglich eine lange Liste an Objekten, Marken, 

emotionalen Zuständen und Wünschen kreiert. 

Auch performative Elemente prägen die Ausstellung, so 

etwa Jason Dodges Skulptur Rose light to white light to 

rose light over and over by hand, die während der 

Dauer der Ausstellung an unterschiedlichen Tagen die 

existierenden Neonröhren im Raum durch rosafarbene 

Röhren austauschen lässt, um diese dann wiederum 

durch die ursprünglichen zu ersetzen. Diese Arbeit führt 

vor Augen, wie sich allein durch den Wechsel des 

Lichts, die Wahrnehmung verändert. Eine punktuelle 

Wahrnehmungsverschiebung nimmt auch Fernando 

Ortegas Transcription vor. Ortega hat das Summen 

einer Mücke in eine Komposition übersetzt, die von 

einem Violinisten an unterschiedlichen und nicht vorab 

bekanntgegebenen Tagen in der Ausstellung gespielt 

wird. Poesie ist sprachlicher Überschuss. Es ist eine 

Sprache, die sich der Logik der effektiven Sinnstiftung 

und des funktionalen Zeichenaustauschs widersetzt. 

Eine Sprache, die sich der Logik ökonomischer 

Abstraktion und den Regeln des Pragmatismus 

entzieht. Kombinationen von semiotisch befreiten 

Silben und Wörtern, die spielerisch Bedeutung 

erzeugen, überspringen, vermischen. „Poesie muss von 

allen gemacht werden“, verkündete der Comte de 

Lautréamont bereits 1870: ein kollektiver Akt, der sich 

auch im Format Ausstellung als Zusammenspiel der 

Werke und ihrer Aufführung, im Solo und als Ensemble 

widerspiegelt. [Kunsthalle Wien. Kuratiert von Luca Lo 

Pinto und Vanessa Joan Müller - Foto © Kunsthalle 

Wien] 

Künstler/innen: John Baldessari, Elisabetta Benassi, Nina Canell, Natalie Czech, Michael Dean, Jason Dodge, João 

Maria Gusmão / Pedro Paiva, Ketty La Rocca, Bruno Munari, Olaf Nicolai, Fernando Ortega, Jenny Perlin, Gerhard 

Rühm, Olve Sande, Erica Scourti, Michael Snow, Mladen Stilinović, Artur Żmijewski


ski, Blindly, 2010, Courtesy der Künstler, Foksal Gallery Foundation, Warschau und Galerie Peter Kilchmann, Zürich 

John Baldessari, Teaching a Plant the Alphabet, 1972, Courtesy Electronic Arts Intermix (EAI), New York

KUNST.INVESTOR Bösendorfer 

Ignaz Bösendorfer und sein Sohn Ludwig Bösendorfer 

„BÖSENDORFER“, die Geschichte einer Klangwelle 

Musikalischer Tüftler und geschickter Entrepreneur. Mit nur 24 Jahren übernimmt Ludwig Bösendorfer 

den Betrieb seines Vaters und soll schon bald Europa mit dem Wiener Klang Bösendorfers erobern. 

Ignaz Bösendorfer, 1794 als Sohn eines 

Tischlermeisters in Wien geboren, verbringt seine 

Lehrjahre bei der Firma des damals sehr bekannten 

Klavierbauers Joseph Brodmann (1763-1848). Hier 

lernt er rasch und erhält bereits 1815 von der Wiener 

Akademie der Bildenden Künste den ersten Preis für 

Ornamentalzeichnung. Zur gleichen Zeit sind in Wien 

die großen Klavierbauer Nanette und Johann Andreas 

Streicher, Johann Schantz, Anton Walter, Conrad Graf 

und Michael Schweighofer tätig, große Mitbewerber von 

Joseph Brodmann. Bösendorfer beschließt mit einem 

Startkapital von 500 Gulden selbstständig als 

Klavierbauer tätig zu werden und übernimmt den 

Betrieb von Joseph Brodmann. Die Kaiserstadt Wien 

gilt als eine Metropole der Kultur und Musik und ist 

somit auch Zentrum des europäischen Klavierbaus. Es 

verwundert nicht, dass zu Zeiten der beginnenden 

Selbstständigkeit Bösendorfers 387 Personen in Wien 

im Klavierbau beschäftigt sind. Klaviere sind zur 

Biedermeierzeit besonders als Hausmusikinstrumente 

gefragt und dienen der heiteren Unterhaltung der nobel 

bürgerlichen Gesellschaft. Von anfänglich vier 

Instrumenten im Jahr steigert Bösendorfer bis etwa 

1835 die Produktion bereits auf 200 Stück. Das 

nachweislich älteste Instrument aus dieser Anfangszeit 

ist Opus Nummer 4, ein Tafelklavier, das sich heute in 

der Sammlung Alter Musikinstrumente im 

Kunsthistorischen Museum Wien in der Hofburg 

befindet. 1839 ist ein großes Jahr für die junge 

Klavierfabrik: die Bösendorfer Instrumente erhalten die 

Goldmedaille der Industrieausstellung in Wien. Ignaz 

selbst wird per Dekret Kaiser Ferdinands dem I. „k.k. 

Hofklavierverfertiger“, ein Titel, der vorher noch keinem 

österreichischen Klavierbauer zuteilwurde.


1838, Wien: Es ist bekannt, dass nicht jedes Tasteninstrument das virtuose Spiel des jungen Pianisten und Komponisten Franz Liszt 

unbeschadet übersteht. Nicht so der Bösendorfer: Dank der stabilen und qualitativ hochwertigen Bauweise brilliert der Bösendorfer Flügel im 

Konzert des ungarischen Künstlers. Daraus entwickelt sich eine tiefe Freundschaft zwischen Liszt und Bösendorfer. 

Dieser Titel fördert das Geschäft: die Exporte steigern 

sich, Länder wie Deutschland, England, Italien, 

Russland, Brasilien und Ägypten sind Abnehmer des 

immer bekannter werdenden Bösendorfers. Die 

Gesamtzahl der erzeugten Instrumente wächst bis 

Ende 1850 auf mehr als 3000. 1842 gelingt Ignaz 

Bösendorfer auch der Durchbruch auf dem 

Konzertpodium: Anton Rubinstein spielt anlässlich einer 

Konzertreihe im alten Musikvereinssaal in den Wiener 

Tuchlauben sein erstes Konzert auf einem Stein Flügel, 

der aber in der Presse schlechte Kritiken erhält. Er 

wechselt auf ein Bösendorfer Instrument, das in den 

Zeitungen höchstes Lob ob seiner „Gleichmäßigkeit der 

Tonqualität und kräftigen Bass“ erringt. 1845 bekommt 

Bösendorfer die zweite Goldmedaille bei der Wiener 

Industrieausstellung. Der Export wird weiter verstärkt 

und Ignaz unternimmt seine ersten Geschäftsreisen. 

Neben der niedrigen Preisgestaltung der Wiener 

Klavierbauer im Verhältnis zu den ausländischen 

Firmen wie Erard, Pleyel oder Pape, etabliert sich 

bereits die Sitte in den Ausstellungssalons der 

Klavierfabriken Konzerte zu veranstalten, eine Initiative 

um den Bekanntheitsgrad der Marke rasch zu erhöhen. 

1853 wird Ignaz Bösendorfer in den Vorstand der 

Akademie der Tonkunst in Wien gewählt, 1857 beginnt 

er mit dem Neubau seiner Klavierfabrik nach neuesten 

industriellen Gesichtspunkten in Wien Alsergrund und 

1858 erneuert Kaiser Franz Joseph den Titel des „k.k. 

Hof-Kammer-Pianoforte-Verfertigers“. Doch Ignaz erlebt 

die Einweihung der neuen Fabrik nicht mehr. Er stirbt 

1859 und hinterlässt ein beachtliches Vermögen von 

mehr als 145.000 Gulden.


Ludwig Bösendorfer präsentiert seinen Flügel dem k.u.k. Monarchen Majestät Kaiser Franz Joseph I. 

Ludwig Bösendorfer am 10. April 1835 als ältester Sohn 

geboren, ausgebildet nicht nur im väterlichen Betrieb, 

sondern auch in der kommerziellen und technischen 

Abteilung des k.u.k. Polytechnischen Institutes, 

übernimmt 1859 die österreichische Klaviermanufaktur. 

1860 findet der Umzug in die neue Werkstätte statt. Im 

neuen Gebäude entsteht auch ein Konzertsaal für 200 

Personen. Im gleichen Jahr erhält Bösendorfer ein 

Patent für eine von ihm erfundene Klaviermechanik. 

1862 stellt Bösendorfer seinen „Patentflügel“ in London 

aus und erhält prompt eine Auszeichnung. 1867 gelingt 

ihm bei der Weltausstellung in Paris, allein schon 

aufgrund der prachtvollen äußeren Gestaltung seiner 

Flügel, ein großer Erfolg. Kaiserin Elisabeth, selbst 

Besitzerin eines eigens für sie entworfenen Flügels im 

„Ringstraßenstil“, schenkt Kaiserin Eugenie einen von 

Theophil Hansen designten Flügel. Dieses Instrument 

wird 1978 bei Sotheby’s für den sagenhaften Preis von 

DM 400.000 versteigert. Kurz, die Pariser 

Weltausstellung bringt Bösendorfer Weltruf ein. Die 

„Wiener Morgenpost“ schreibt im September 1867: 

„Bösendorfers Ruf, bisher ein europäischer, ist nun zum 

Weltruf geworden, denn selbst die Amerikaner (…) 

blicken mit Neid auf die Wiener Flügel Bösendorfers, 

deren Kraft eine siegreichere ist: die der Anmuth.“ 

Bösendorfer expandiert weiter und baut wertvolle 

Geschäftsbeziehung zu Hongkong, Rio, Stockholm und 

Japan auf. Doch auch in Österreich investiert 

Bösendorfer in Musik und Kultur: 1869 schenkt er der 

Gesellschaft der Musikfreunde in Wien 14 Flügel für ihr 

neues Haus mit dem Goldenen Saal am Karlsplatz. Das 

bringt ihm prompt die Direktions- und Ehrenmitgliedschaft 

dieser kulturellen Institution ein. Die alte 

Produktionsstätte wird abermals zu klein und 1870 zieht 

die Klavierfabrik erneut um: im Gebäude Graf 

Starhemberggasse 14 auf der Wieden findet 

Bösendorfer einen geeigneten Platz zum Bau seiner 

Flügel. Die damaligen Verkaufsräume befinden sich 

allerdings in der Herrengasse 6, im alten Palais 

Liechtenstein. In diesem Palais wohnt Bösendorfer 

auch selbst. 

KUNST.INVESTOR Bösendorfer

Dieser Bösendorfer Saal stellt neben dem Musikverein 

bis zum Abbruch des Palais Liechtenstein 1913 den 

besten Konzertsaal für Kammermusik dar, den Wien zu 

bieten hat. Die Liste der Namen der Künstler, die dort 

auftreten, ist das Who Is Who der Konzertwelt um die 

Jahrhundertwende: Hans von Bülow, Liszts 

Schwiegersohn, eröffnet den Saal am 19. November 

1872. Es folgen in den nächsten 40 Jahren 

Klavierabende, Kammermusik- und Liederabende von 

Wilhelm Backhaus, Ferruccio Busoni, Eugen d'Albert 

gibt dort 1886 sein Wien Debut, Wilhelm Kienzl, Fritz 

Kreisler, Theodor Leschitizky, Franz Liszt, Gustav 

Mahler, Sophie Menter, Ignaz Paderewski (ein 

ständiger Gast im Bösendorfer Saal), Max Reger, 

Anton Rubinstein, Pablo Sarasate, Emil Sauer, Arthur 

Schnabel, Richard Strauss, Ernst von Dohnanyi und 

Hugo Wolf. Diese Künstler tragen maßgeblich zum 

Erfolg der Wiener Klaviermanufaktur bei. Die 

Bösendorfer Klangwelle breitet sich aus. Ludwig 

entwickelt eine rege Reisetätigkeit, bei der er viele 

Künstler nicht nur persönlich begleitet, sondern ihnen 

auch seine Klaviere in fast alle großen Konzertsälen 

Europas zur Verfügung stellt. Daraus entstehen 

lebenslange Freundschaften. Bösendorfer wird in 

Künstlerkreisen als großer Wohltäter und Kulturförderer 

bekannt. Sein Briefwechsel mit Franz Liszt ist berühmt, 

Brahms zählt zu seinen Freunden, Anton Bruckner und 

Johann Strauss bekommen regelmäßig 

Sonderkonditionen beim Klavierkauf. Es existiert noch 

jene Herz-As-Karte, auf der die Skatspieler Franz Liszt 

und Anton Rubinstein dem erkrankten Bösendorfer von 

einer Konzertreise Grüße senden. Bei der Wiener 

Weltausstellung 1873 wird Bösendorfer die Ehre des 

Besuches Kaiser Franz Josephs zuteil. Mit einer 

Jahresproduktion von 288 Instrumenten erreicht das 

Unternehmen für damalige Verhältnisse eine 

Spitzenposition im Klaviermarkt. Bösendorfer Flügel 

gehen mittlerweile in alle Welt und die Wirtschaftskrise 

von 1873 kann nur kurzfristig den Aufstieg hemmen. 

Bereits 1882 steht Bösendorfer unangefochten an der 

Spitze aller Klavierbauer der Monarchie. Im Jahr 1883 

verlässt der 10.000te Bösendorfer die Manufaktur. Zu 

den geschätzten Kunden dieser Zeit zählen: Kaiserin 

Elisabeth, Fürstin Pauline Metternich, die 

Erzherzoginnen Stephanie und Valerie, Katharina 

Schratt, Erzherzog Eugen, Russlands Zar Nikolaus II. 

und der japanische Tenno. In steter Sorge um die 

Qualität seiner Flügel verbessert Bösendorfer in 

Zusammenarbeit mit seinen Fabriksdirektoren Franz 

Berger und dessen Sohn Carl Georg die Mechanik und 

reicht diverse Patente für das von ihm erfundene 

„Wiener System“ ein. Auf Anregung des Komponisten 

Ferruccio Busoni baut er um 1900 einen Konzertflügel 

mit vollen acht Oktaven Tonumfang und einer Länge 

von 2.90m. Dieser Konzertflügel 290 – auch Imperial 

genannt – ist bis heute ein klangliches Juwel des 

Unternehmens. Der enorme Tonumfang dieses 

Instrumentes veranlasst Komponisten wie Busoni, 

Dohnanyi und Bartok Stücke zu komponieren, die nur 

auf dem Imperial werksgetreu aufgeführt werden 

können. So gelingt es Ludwig Bösendorfer, dass aus 

einem Familiennamen ein Indiz für hochwertigste 

Qualität und absolute Hingabe zur Musik wird: die 

Marke, die bis heute ein Synonym für die Wiener 

Klavierbaukunst ist. Hochbetagt, kinderlos, „allein auf 

der Welt“, wie er zu sagen pflegte – er war zweimal 

verheiratet und überlebt beide Ehefrauen – sieht sich 

Bösendorfer nach einem Käufer für seine Klavierfabrik 

um. Er findet diesen in seinem alten Freund und 

Bankier Carl Hutterstrasser, der im März 1909 das 

Unternehmen übernimmt. Er bittet Bösendorfer, 

weiterhin seinen „Rat und wertvolle Unterstützung 

angedeihen zu lassen“. Auch behält Bösendorfer den 

Saal in der Herrengasse, der bis 1913 besteht. Der 

Ausbruch des ersten Weltkrieges, die Demolierung 

seines Saales und das fortgeschrittene Alter, 

veranlassen Bösendorfer 1914 sein Testament zu 

schreiben. Neben großzügigen Spenden an Künstler, 

Institutionen und sein Personal, vermacht er seinen 

gesamten Nachlass der Gesellschaft der Musikfreunde. 

Er bestimmt, ohne großen Aufwand auf einem 

Klavierwagen zum Zentralfriedhof gefahren zu werden 

und seinen Tod bis zu seinem Begräbnis geheim zu 

halten. Am 9. Mai 1919 stirbt der Klaviermeister Ludwig 

Bösendorfer. Wie von ihm gewünscht, wird er in aller 

Stille beigesetzt. Auf seinem Grabstein stehen nur der 

Name Ludwig Bösendorfer und seine Jahreszahlen 

1835 - 1919. Später erhält Bösendorfer ein Ehrengrab 

der Stadt Wien, das streng genommen seinem letzten 

Wunsch nicht mehr Rechnung trägt.(Foto: Bösendorfer)

KUNST.INVESTOR Bösendorfer


Bösendorfer Artist Series Klimt Goldene Adele Debut 

Das neue Sammlerstück aus der Bösendorfer Artist Series Klimt ist fertig und wurde auf der NAMM - 

National Association of Music Merchants präsentiert. Kunstgenuss auf höchstem Niveau. 

Gustav Klimt ( 1862 - 1918 ), einer der bedeutendsten 

österreichischen Maler und bekanntester Vertreter des 

Wiener Jugendstils, und Bösendorfer repräsentieren 

beide österreichische Kultur und deren künstlerische, 

musikalische und handwerkliche Aspekte. Das zweite 

Modell der Klimt-Serie widmet Bösendorfer dem Bildnis 

von Adele Bloch-Bauer. 1903 erhielt Gustav Klimt von 

Ferdinand Bloch-Bauer den Auftrag, ein Porträt seiner 

Frau anzufertigen. Im selben Jahr reiste Klimt nach 

Italien. Die in Gold geschmückten Kirchenmosaiken 

inspirierten ihn, diese Bildsprache in eine zeitgemäße 

Form zu übertragen. In den folgenden Jahren erstellte 

Klimt über 100 Zeichnungen und Studien für das 

Gemälde. Er experimentierte mit verschiedensten 

Techniken, bis es ihm gelang, umfangreiche Blattsilberund 

Blattgoldauflagen auf das Ölgemälde aufzubringen. 

Mit einer aufwendigen Reprographie-Technik war es 

möglich, die Originalvorlage dieses Gemäldes auf das 

Innere des Flügeldeckels zu übertragen. Teile des 

Gemäldes veredelten unsere Kunsthandwerker 

anschließend mit Blattgoldauflagen. Notenpult und 

Füße spiegeln diese goldene Phase mit weiteren 

Jugendstil-Elementen – die ebenfalls von unseren 

Kunsthandwerkern aufwendig blattvergoldet wurden. 

Das Modell Klimt ist auf 25 Flügel limitiert und erhältlich 

in den Größen 200 und 214. Jedes Instrument trägt 

eine individuell nummerierte Messingplakette. Der 

fulminante Ausstellungskatalog „Gustav Klimt/Josef 

Hoffmann, Pioniere der Moderne“ komplettiert diese 

Künstleredition. Dieses Buch erschien anlässlich der 

gleichnamigen Ausstellung im "Belvedere Museum 

Wien" und widmet sich der intensiven Zusammenarbeit 

der beiden Künstler und der modernen Bewegung um 

die Jahrhundertwende. Auch Josef Hoffmann, ein 

wichtiger Österreichischer Architekt, war eng verbunden 

mit der Bösendorfer Manufaktur. Er gestaltete 1909 

einen Bösendorfer Flügel im Wiener Jugendstil. (Foto: 

© Bösendorfer)


Lawrence Alma-Tadema 

Dekadenz & Antike 

Lawrence Alma-Tadema, Entrance of the Theatre (Entrance to a Roman Theatre), 1866 

Der Niederländer Lawrence Alma-Tadema avancierte 

im viktorianischen England zum Starkünstler. Seine 

sinnlichen Darstellungen alltäglicher antiker Szenen 

machten ihn über die Grenzen Großbritanniens hinaus 

berühmt. Im Unteren Belvedere wird der Künstler vom 

24. Februar bis 18. Juni 2017 mit einer Einzelausstellung 

gewürdigt, die seit Oktober 2016 im 

niederländischen Fries Museum zu sehen ist. In 

Friesland geboren und aufgewachsen erhielt Alma- 

Tadema seine Ausbildung in Belgien bevor er 1870 

nach London auswanderte. Dort lebte und arbeitete er 

mit seinen beiden Töchtern aus erster Ehe und seiner 

zweiten Frau Laura Theresa Epps, die ebenfalls 

Künstlerin war. Die gemeinsam eingerichteten 

Atelierhäuser der Familie waren für ihn von zentraler 

Bedeutung. Das Paar sammelte Stoffe, Objekte und 

Möbel aus verschiedenen Jahrhunderten und 

Kulturkreisen - im Original oder als Kopie – und viele 

dieser Gegenstände finden sich in Alma-Tademas 

Gemälden wieder. Fasziniert von der Antike ließ Alma- 

Tadema alltägliche Szenen im alten Rom, Pompeji und 

alten Ägypten in seinen Werken zum Leben erwachen. 

Akribische Studien altertümlicher Objekte und 

Bauwerke trugen ihren Teil zu Reiz und 

Glaubwürdigkeit der Darstellungen bei. Die 

meisterhafte Wiedergabe von Stofflichkeit, die 

innovative Herangehensweise an die Darstellung von 

Raum und das ausgeprägte narrative Element seiner 

Gemälde begeisterten seine Zeitgenossen. So wurde er 

zu einem der meistgefragten und teuersten Künstler 

seiner Zeit. Seine Kompositionen prägten die damalige 

Vorstellung der Menschen vom Leben in der Antike. 

Filmemacher epischer Historienfilme wie Quo Vadis? 

von Enrico Guazzoni (1913) und Ridley Scotts 

Gladiator (2000) orientierten sich an Alma-Tademas 

Bildern für Kostüme und Filmsets. Mit bedeutenden 

Hauptwerken aus aller Welt gibt die Ausstellung im 

Unteren Belvedere einen Einblick in Leben und Werk 

des Künstlers und lädt dazu ein, in die dekadente Welt 

des englischen Ästhetizismus einzutauchen. (Foto: © 

Belvedere)


Lawrence Alma-Tadema, The Roman Potters in Britain (Hadrian in England), 1884 

Lawrence Alma-Tadema, The Finding of Moses, 1904


Alfred Wickenburg, Wahrsagerin, 1973, © Belvedere, Wien/Leihgabe aus Privatbesitz, New York 

Alfred Wickenburg – Visionen in Farbe und Form 

Die erfolgreiche Ausstellungsserie Meisterwerke im Fokus, die zweimal pro Jahr eine österreichische Künstlerpersönlichkeit 

in den Mittelpunkt rückt, zeigt im Frühjahr 2017 ausgewählte Arbeiten des Grazer Künstlers Alfred Wickenburg. 

Alfred Wickenburg wurde im Juli 1885 in Bad 

Gleichenberg in der Steiermark in eine adelige Familie 

geboren. Er wuchs in einem kultivierten und 

kunstinteressierten Umfeld auf. Bereits die Wahl 

seines künstlerischen Ausbildungswegs verweist auf 

eine aufgeschlossene, den internationalen 

zeitgenössischen Kunstströmungen unvoreingenommen 

gegenüberstehende, äußerst interessierte Persönlichkeit. 

Mit 19 Jahren ging Wickenburg nach 

München. Nach einem kurzen Aufenthalt in der 

Dachauer Künstlerkolonie folgten vier Jahre in Paris, 

wo er an der Académie Julian bei Jean-Paul Laurens 

studierte. Von 1910 bis 1914 besuchte er an der 

Stuttgarter Akademie neben Oskar Schlemmer und Willi 

Baumeister u. a. die Meisterklasse von Adolf Hölzel. 

Nach dem Krieg folgten Studienaufenthalte in Rom, 

Florenz und Venedig, bevor Wickenburg 1923 wieder in 

die Steiermark zurückkehrte um zahlreiche Eindrücke 

sowie um die Schulung und Wissenserweiterung 

durch hervorragende Lehrer reicher. Expressionistische, 

fauvistische, kubistische und futuristische 

Einflüsse machen sich in seinen meist farbintensiven 

und großformatigen Werken bemerkbar.


Alfred Wickenburg, Burgenländisches Stillleben II, 1968, © Belvedere, Wien/Leihgabe aus Privatbesitz, New York 

Auch Gestaltungsprinzipien der Pittura metafisica oder 

des Surrealismus finden Eingang in seine Arbeiten, 

wobei er aus sämtlichen stilistischen Einflüssen seine 

individuellen und eigenständigen Konsequenzen zieht. 

Die zunehmende Reduzierung auf das Wesentliche des 

Dargestellten und eine ausgewogene Balance des 

Zusammenspiels von Linie, Form und Farbe bilden die 

Hauptelemente im Schaffen Wickenburgs, der über 

viele Jahre als Zeichenlehrer sowie als Leiter der 

Abteilung für Freskomalerei an der Bundesgewerbeschule 

Graz tätig war. Bis ins hohe Alter von 93 Jahren 

blieb der Mitbegründer der Grazer Secession (1923) 

Alfred Wickenburg künstlerisch aktiv. Zahlreiche 

Preise und Ehrungen sowie eine intensive Ausstellungstätigkeit 

im In- und Ausland, darunter die 

Teilnahme an der Biennale in Venedig in den Jahren 

1934, 1936, 1950 und 1958, begleiteten seine 

langjährige künstlerische Laufbahn. Die Fokusausstellung 

im Oberen Belvedere möchte durch ausgewählte 

Beispiele die künstlerischen Einflüsse und 

Entwicklungen im Werk Wickenburgs exemplarisch 

aufzeigen. Neben dem noch unterrepräsentierten Spätwerk 

sollen auch die Glasarbeiten im Ansatz 

thematisiert werden, mit denen sich Wickenburg in den 

1960er Jahren intensiv beschäftigte- Kuratiert von 

Kerstin Jesse. [Foto: Belvedere]


Alfons Schilling; Kader aus dem Film Jackie Curtis, 1970; 16mm, 

sw, ohne Ton, 1:10 Min. © Nachlass Alfons Schilling


Alfons Schilling 

Beyond Photography 

Alfons Schilling; The Falling Man, 1969; Linsenrasterfotografie, 4 Ansichten; © Nachlass Alfons Schilling 

Das Fotomuseum WestLicht zeigt erstmals in einer 

Überblicksausstellung die fotografischen Arbeiten des 

Schweizer Künstlers und Wahlwieners Alfons Schilling 

(1934–2013), eine der faszinierendsten Positionen der 

jüngeren österreichischen Kunstgeschichte. Sein Werk 

verweigert sich beharrlich allen einfachen 

Kategorisierungen, seine rebellische Neugier sprengte 

die Grenzen einzelner Gattungen und Strömungen. Als 

Student an der Akademie für angewandte Kunst 

gehörte er Ende der Fünfzigerjahre mit Günter Brus zu 

den Wegbereitern des Wiener Aktionismus, ging aber 

bald ästhetisch wie geografisch eigene Wege. Mit 

seinen Rotationsbildern führte er 1962 bei einem 

Aufenthalt in Paris die Malerei für sich zu einem 

Endpunkt. Der rastlose Forschergeist, der ihn noch im 

selben Jahr weiter nach New York zog, wo er für die 

folgenden zweieinhalb Jahrzehnte seine Basis hatte, 

prägt auch seine fotografischen Arbeiten. Sie treiben 

das Medium weit über die Grenzen der klassischen 

Fotografie hinaus und erscheinen als missing link 

zwischen den Bewegungsstudien eines Eadweard 

Muybridge aus dem 19. Jahrhundert und gegenwärtigen 

Formen des Cyberspace. Die Kippbilder seiner 

Linsenrasterfotografien, die erst durch die BetrachterInnen 

aktiviert werden, dynamisieren den Blick und 

verschmelzen mehrere Aufnahmen in einem Bild. 

Hologramme und Stereofotografien, in der Ausstellung 

durch entsprechende Sichtgeräte erfahrbar, öffnen die 

Bildoberfläche zu einem virtuellen Raum. Wer heute mit 

head-mounted Displays 3-D-Welten bereist, wandelt auf 

Pfaden, die Schilling schon in den Siebzigerjahren 

beschritten hat. Die Ausstellung legt den Fokus 

erstmals auf die erweiterte Fotografie des Visionärs und 

zeigt sie im Kontext ausgewählter Sehmaschinen, 

Malerei und filmischer Experimente. Thema seines 

bahnbrechenden Schaffens ist eine Kritik der 

Wahrnehmung, die Entfesselung des Sehens selbst: 

„It’s not what‘s on the picture – it’s what is behind it.“ 

[Foto: © WestLicht]

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LA BIENNALE DI 

VENEZIA 2017 

Brigitte Kowanz und 

Erwin Wurm im 

Öserreich Pavillon 

der 57. Internationalen 

Kunstausstellung 

Mit Brigitte Kowanz und Erwin Wurm präsentiert Christa 

Steinle, Kommissärin des Österreich-Pavillons 2017, 

zwei Kunstpositionen, in deren Mittelpunkt die 

Auseinandersetzung und Weiterentwicklung des 

Skulpturenbegriffs im internationalen Kunstdiskurs 

steht. Mit ihren Oeuvres operieren Brigitte Kowanz und 

Erwin Wurm – beide haben für ihr außergewöhnliches 

Werk den Großen Österreichischen Staatspreis 

erhalten – an der Schnittstelle von Skulptur und 

Architektur, Wurm auf materielle Weise, Kowanz auf 

immaterielle Weise. Beide reagieren auf die 

Veränderungen unserer Raumwahrnehmung und 

Raumerfahrung in den letzten 200 Jahren durch 

Maschinen, Medien und neue Materialien. „Wenngleich 

die berühmteste Werkphase von Wurm als performative 

Skulptur bezeichnet wird und die Arbeiten von Brigitte 

Kowanz als Lichtinstallationen, also in der Benennung 

weit auseinanderzuliegen scheinen, arbeiten sie doch 

im gleichen Feld, an der durch den Ausstieg aus dem 

Bild eingeleiteten Expansion der Künste. Brigitte 

Kowanz hat durch ihre Lichtinstallationen auf 

immaterielle Weise Raum und Architektur neu definiert. 

Erwin Wurm hat mit seinen berühmten 

Häuserparaphrasen, von ‚House Attack’ (2006) bis zum 

‚Narrow House’ (2010), auf materielle Weise die 

Architektur in Skulptur verwandelt und mit seinen ‚One 

Minute Sculptures’ die performative Wende der 

Skulptur auf konsequenteste Weise weiterentwickelt. 

Kowanz hat mit ihren Lichtobjekten und Lichträumen, 

denen Schrift und Zeichen inhärent sind, eine 

autonome Leistung für die Kunst erbracht. Mit ihren 

innovativen und eigenständigen Beiträgen sind Kowanz 

und Wurm Teil einer internationalen Bewegung 

innerhalb des Spektrums eines erweiterten Skulpturund 

Raumbegriffs“, kommentiert Christa Steinle ihr 

ästhetisches Konzept für den Österreich-Pavillon. [Ort: 

Österreich-Pavillon, Giardini della Biennale, Venedig.

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KUNST.INVESTOR Buchtipp 

Melitta Moschik - „TOUCHING REALITY“ 

Melitta Moschik erkundet die Wahrnehmung und 

Repräsentation von Wirklichkeit im Kontext der Kunst 

und visualisiert die realen und virtuellen Welten der 

Information in ikonografischen, raumplastischen 

Werken. Signifikante Kommunikationsoberflächen 

werden von der Künstlerin in skulpturale Symbolformen 

und Zeichensysteme übersetzt, welche auf die 

Mechanismen der Rezeption und Abbildung der 

Realität verweisen. Das Buch bietet einen Überblick 

über ihre aktuellen Acrylglasobjekte, Metalltableaus und 

Installationen, die sich im Spannungsfeld von Kunst 

und Technologie sowie Literatur und neuen Medien 

bewegen. „Die hypertrophe Produktion und Distribution 

von Bildmaterial, die visuelle Struktur von 

Benutzeroberflächen, der virtuelle Raum als neuer 

Kulturraum sind einige Aspekte, die Melitta Moschik in 

der formalen Logik und technischen Ästhetik ihrer 

Themen umsetzt. Des Weiteren analysiert die 

Künstlerin in ihrem Werk die Entwicklung vom Bild zum 

Zeichen, lotet dessen Bedeutungsvalenzen aus und 

reflektiert unter dem Stichwort der Ikonisierung die 

Zeichenwerdung von medialen Bildern.“- Roman 

Grabner (Textauszug aus Melitta Moschik, TOUCHING 

REALITY) 

Melitta Moschik 

TOUCHING REALITY 

104 Seiten, 34 Farb- und 32 s/w Abbildungen 

Hardcover, Deutsch & Englisch 

Texte: Roman Grabner, Lucas Gehrmann, Heimo Strempfl 

Kerber Verlag Berlin—Bielefeld 

ISBN 978-3-7356-0210-7


Heinz Adamek 

„KUNSTAKKORDE – diagonal“ 

Essays zu Kunst, Architektur Literatur und 

Gesellschaft 

Heinz P. Adamek stellt mit diesem Essay-Band beispielhaft „Kunstschritte vom 19. ins 21. Jahrhundert“ vor: Er 

beleuchtet Persönlichkeiten aus bildender und angewandter Kunst, Architektur, Literatur, Theater und Film. Als 

vormaliger Universitätsdirektor der Universität für angewandte Kunst Wien gewährt er in Beiträgen über Hermann 

Heller, Anton Kenner, Bertold Löffler, Otto Niedermoser, Michael Powolny, Grete Rader-Soulek, Elli Rolf und Heinrich 

von Tessenow - durchwegs prägenden Gestalten der „Angewandten“ - profunde Einblicke in deren Schaffen, anderseits 

gilt sein Engagement als jahrelangem Initiator bzw. Kurator von Ausstellungen dem Oeuvre Giovanni Segantinis ebenso 

wie Arbeiten internationaler Künstler der Gegenwart zum Thema Rezeption des Werkes von Gustav Klimt. Sein 

Interesse für das Fin de Siècle und die frühe Moderne drückt sich auch in der Stückwahl für die Theateraufführungen 

des Wiener European Studies Program der Central University of Iowa aus, für die der Autor als Dramaturg und 

Regisseur eineinhalb Jahrzehnte verantwortlich zeichnete. Nicht zuletzt durchleuchtet der Arthur Schnitzler-Kenner 

Adamek in zwei Essays wenig bekannte Seiten des prominenten Dichters. 

Heinz Adamek 


250 Seiten, 107 Abbildungen 

Hardcover, Schutzumschlag 

Preis 30,- Euro 

Verlag Böhlau Wien, Köln, Weimar 

ISBN 978-3-205-20250-9


Hans Hornyik 

„Ein Kunstverein in Baden – 

vom Gestern ins Morgen“ 

Hundert Jahre Kunstverein 

Zum Thema Kunst in Baden wurde viel geschrieben. 

Musik, Theater, Literatur prägten das kulturelle Leben 

im 19. Jahrhundert. Die Namen von Mozart, Beethoven, 

Lanner, Strauß zieren Gedenktafeln und 

Erinnerungskultur. Während Mozarts Bezug zu Baden 

maßlos überschätzt wird, war die Stadt Beethovens 

Lieblingskurort, wo er viele Sommer nach Heilung für 

seine zahlreichen Krankheiten suchte.…“ 

Inhaltsverzeichnis: 7 Ein Kunstverein in Baden – vom 

Gestern ins Morgen- Hans Hornyik, 13 Kurze 

Anmerkungen zu den Ritualen der Kunst- Alexandra 

Schantl, 17 Die Blüte der Kunstvereine im 19. 

Jahrhundert- Cornelia König, 29 Die Gründungszeit des 

Kunstvereins- Regina Hadraba, 41 Die temporäre 

Vereinigung des Kunstsinns- Wolfgang Müller-Funk, 49 

100 Jahre Kunstverein Baden- Leo Hemetsberger, 57 

Artists in Residence- Hartwig Knack, 65 Künstler des 

Kunstvereins Baden, 148 Galerieprogramm 1995 – 

2016, 156 Biografien. 

Auszug aus „Ein Kunstverein in Baden – vom Gestern 

ins Morgen, Hundert Jahre Kunstverein“: Das ist 

eigentlich eine Spätgeburt. In den Jahren ab 1793 

begann der steile Aufstieg der kaiserlichen Kurstadt. 

Wiener Adel und Großbürgertum entdeckten die hohe 

Lebensqualität Badens und ab 1842, dem Jahr des 

Anschlusses an die Südbahn, reihte sich Villa an Villa 

der Reichen und Schönen. Diese Entwicklung 

verwandelte die Kleinstadt in ein gründerzeitliches 

Arkadien mit großzügigen Parkanlagen, Alleen und 

allen urbanen Annehmlichkeiten, die den „Weltkurort“ 

zur einer der führenden Fremdenverkehrsdestinationen 

der k. k. Monarchie machte. Vor diesem Hintergrund 

erscheint die Gründung des Kunstvereins im Jahr 1915 

als späte Geburt. 

Hans Hornyik 

„Ein Kunstverein in Baden-vom Gestern ins Morgen“ 

160 Seiten, Größe: 240 x 290 mm 

Gebunden, Leineneinband 

Preis: € 18,00 

Verlag Kunstverein Baden


Otto Hans Ressler 

Soshana 

Als Susanne Schüller, wie Soshana eigentlich hieß, elf 

Jahre alt war, musste sie mit ihrer Familie aus 

Österreich flüchten. Über Paris und London gelangte 

sie nach New York. Sie war siebzehn, als sie die 

Schule verließ und mit ihrem Lebensgefährten, dem 

Maler und Bildhauer Beys Afroyim, durch Amerika zog 

und mit Porträts prominenter Emigranten erste 

Lorbeeren als Künstlerin erwarb. In New York verkehrte 

sie mit den (damals noch unbekannten, mittlerweile 

weltberühmten) Künstlern des Abstrakten 

Expressionismus und der Pop Art. Sie ging nach Paris 

und schloss Freundschaft mit Constantin Brancusi, 

Frantisek Kupka, Yves Klein, Jean Paul Sartre und vor 

allem mit Alberto Giacometti. 1953 lud Pablo Picasso 

sie nach Vallauris ein, die beiden hatten eine kurze, 

heftige Affäre, aus der Soshana floh, weil sie 

befürchtete, von Picasso völlig vereinnahmt und 

erdrückt zu werden. Sie bereiste, längst eine etablierte 

Künstlerin, die ganze Welt. 1999 hatte sie ihre letzte 

große Ausstellung im Musée Matisse in Nizza. Soshana 

starb im Dezember 2015 in Wien. 

„Wie in meinen letzten Büchern habe ich Soshanas Lebensgeschichte aus der Sicht der Künstlerin aufgezeichnet. 

Dabei konnte ich mich auf tausende Tagebuchseiten stützen, die sich in der Österreichischen Nationalbibliothek 

befinden. Trotzdem ist Soshana keine Biografie, sondern ein Künstlerroman.“ Otto Hans Ressler 

Edition Va Bene (Verlag) 2016 

Buch | Hardcover 

Preis: 21,90 Euro 

304 Seiten 

ISBN 978-3-85167-302-9


Adolf Krischanitz 

Das Inventar ist das 

Ergebnis der Inventur 

Basierend auf den Entwürfen für zahlreiche Gebäude 

aus den Bereichen Kultur, Wohnen, Gewerbe, Bildung 

etc. hat Adolf Krischanitz Innenausstattungen 

entworfen, die sich mit wenigen Ausnahmen jeweils aus 

den laufenden Bauaufgaben entwickelt haben. Die im 

Zuge der architektonischen Arbeit entstandenen 

Interieurs sind in der Regel nicht nur Sessel, Tisch, 

Liege und Lichtobjekte, sondern sind konstitutiver Teil 

des räumlichen Aufbaus und der Gestion des 

integralen architektonischen Raumes. Alles in allem 

liefert er durch sein Werk einen bemerkenswerten 

Beitrag zu einem wichtigen Aspekt der jüngeren 

österreichischen Architekturgeschichte. Die Entwicklung 

dieser Arbeiten ist anfänglich durch historisierende 

postmoderne Tendenzen gekennzeichnet, um 

schließlich in radikalere direkte Versuche zur 

Anknüpfung an die inzwischen fast verloren 

gegangene Entwurfstradition des regionalspezifischen 

Ausstattungshandwerks in Wien zu münden. Außerdem 

werden Kooperationen mit anderen Architekten (Otto 

Kapfinger, Hermann Czech), mit Künstlern (Oskar Putz, 

Gilbert Bretterbauer, Helmut Federle, Gerwald 

Rockenschaub) gesucht und zu spezifischen 

Entwurfsergebnissen gebracht, die sich jenseits aller 

modischen Tendenzen trotz oder gerade wegen ihrer 

zeithältigen Materialität heute wie zeitlos gerieren. 

Adolf Krischanitz, * 1946 in Schwarzach / Pongau gründete 1970, gegen Ende seines Studiums an der Technischen 

Universität Wien, zusammen mit Angela Hareiter und Otto Kapfinger die Architektengruppe Missing Link. 1979 zählte 

er zu den Begründern der Zeitschrift UmBau der Österreichischen Gesellschaft für Architektur und übernahm 1982 den 

Vorsitz dieser Gesellschaft. Als Mitglied und schließlich Präsident der Wiener Secession (1991–1995) verantwortete er 

die Gestaltung und Organisation zahlreicher Ausstellungen zeitgenössischerKunst. Als Gastprofessor war er 1989 an 

der Technischen Universität München sowie an den Sommerakademien in Karlsruhe (1990), Neapel (1994/95) und 

Wien (1996) tätig. 1992–2011 war er Professor für Stadterneuerung und Entwerfen an der Universität der Künste 

Berlin. Seit 1979 arbeitet Krischanitz als freischaffender Architekt mit Ateliers in Wien und Zürich. 

Herausgeber: Edelbert Köb 

Texte: Sebastian Hackenschmidt, Otto Kapfinger, Adolf Krischanitz und Marcel Meili 

ALBUM VERLAG, Wien 2016- Auflage: 1.000 Stück 

224 Seiten, 210 x 260 mm, Preis: 46,- Euro 

ISBN: 978-3-85164-196-7


Heinz Adamek 


Essays zu Kunst, Architektur Literatur und 

Gesellschaft 

Heinz P. Adamek stellt mit diesem Essay-Band beispielhaft „Kunstschritte vom 19. ins 21. Jahrhundert“ vor: Er 

beleuchtet Persönlichkeiten aus bildender und angewandter Kunst, Architektur, Literatur, Theater und Film. Als 

vormaliger Universitätsdirektor der Universität für angewandte Kunst Wien gewährt er in Beiträgen über Hermann 

Heller, Anton Kenner, Bertold Löffler, Otto Niedermoser, Michael Powolny, Grete Rader-Soulek, Elli Rolf und Heinrich 

von Tessenow - durchwegs prägenden Gestalten der „Angewandten“ - profunde Einblicke in deren Schaffen, anderseits 

gilt sein Engagement als jahrelangem Initiator bzw. Kurator von Ausstellungen dem Oeuvre Giovanni Segantinis ebenso 

wie Arbeiten internationaler Künstler der Gegenwart zum Thema Rezeption des Werkes von Gustav Klimt. Sein 

Interesse für das Fin de Siècle und die frühe Moderne drückt sich auch in der Stückwahl für die Theateraufführungen 

des Wiener European Studies Program der Central University of Iowa aus, für die der Autor als Dramaturg und 

Regisseur eineinhalb Jahrzehnte verantwortlich zeichnete. Nicht zuletzt durchleuchtet der Arthur Schnitzler-Kenner 

Adamek in zwei Essays wenig bekannte Seiten des prominenten Dichters. 

Heinz Adamek 


250 Seiten, 107 Abbildungen 

Hardcover, Schutzumschlag 

Preis 30,- Euro 

Verlag Böhlau Wien, Köln, Weimar 

ISBN 978-3-205-20250-9

Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien 

Le Restaurant, Le Club, Le Design 

Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das 

gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine 

Ruckendorfer und Architekt Alberto Bach perfekt 

definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für 

viele internationale Prestigebauten verantwortlich und 

hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und 

orientalischen Klischees. Beide wollten dem Aux 

Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das 

Licht wird durch die Neugestaltung tief in den Raum 

geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. 

"Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten 

kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen 

Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von 

großer Klarheit", erklärt Bach. "Verbindend dazu finden 

sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit 

klassisch marokkanischen Elementen." Eine 

Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum 

Einsatz kommt. Ruckendorfer Für Ruckendorfer ist das 

Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem 

Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 2000 

Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: 

Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & 

Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", 

"Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes 

mehr erwarten den Gast. "Orient Light" nennt sich das 

frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für 

die heißen Sommermonate in der City. Im "Lunch 

Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von 

libanesischen Mezze-Gerichten und marokkanischen 

Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat- 

Buffets angeboten. Abends können diese auch à la 

Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es 

Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte 

im Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte 

Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. 

Abends kommt regional-österreichisches zum Einsatz, 

wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem 

Rinderprosciutto und Granatapfel, einem zarten 

Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier 

werden mit Gemüse-Tajine oder gebackenen Kartoffeln 

mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip 

verwöhnt.

Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary 

Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat 

sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine 

Signature-Drinks überlegt. So wird der berühmte 

marokkanische Minztee, an dem bereits Winston 

Churchill im La Mamounia schlürfte, im Sommer "on the 

rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine 

alkoholische Version des Traditionsgetränks aus der 

Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, 

berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von 

Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip 

Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer 

heißen Bar-Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht 

fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach 

einer klandestinen Rezeptur eines jamaikanischen 

Barmans gemixt. 

After Work-Shower 

Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch 

wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem 

anstrengenden Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder 

wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon 

de Beauté schaffen Abhilfe. Für 15,- Euro können sich 

Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, 

entspannen und für den Abend zu Recht machen. Im 

Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk 

(hausgemachte Limonaden und Eistees). 

Verwöhnprogramm für Body & Soul 

Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und 

Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & 

Salon de Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das 

nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf 

bis Fuß verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 

500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches 

Dampfbad, Behandlungs- und Entspannungsräumlichkeiten 

in bester Orient-Manier. Hammamcis verwöhnen 

mit Waschungen, Peelings, wohlriechenden Salben und 

einer Haarwäsche – falls gewünscht. Mehr Info unter 

www.auxgazelles.at

KUNSTINVESTOR AUSGABE APRIL 2017

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