KUNSTINVESTOR AUSGABE JUNI 2017

Kunstauktionen im Juni, Highlights der Designgeschichte 

Art Bodensee, 'viennacontemporary 2017' 

'curated by johann garber', 'How To Live Together' 

Juni 2017

KUNST.INVESTOR Editorial 

Liebe Leserinnen 

und Leser!. 

Heute halten Sie die aktuelle Ausgabe des Magazins 

KUNSTINVESTOR in „Händen“. Innovativ, exklusiv und 

stets mit dem richtigen Riecher für aktuelle Entwicklungen 

informieren wir Sie rund um alle wichtigen 

Themen, die nationalen und internationalen Kunstmärkte 

betreffend. Kunst ist ein interessantes Portfolio 

und unbestritten die schönste Beimischung für Ihr 

Investment- inspirierend, nicht allein in ideeller Hinsicht. 

Besonders in BREXIT-Zeiten, da Bullen auf sich warten 

lassen und Renditen an der Nulllinie kratzen, etablieren 

sich Kunstwerke als stabile, vor allem aber als rentable 

Assets. Eine Tatsache, der sich selbst hartgesottene 

Aktionäre nicht entziehen können. Außenseiter der 

Kunstgeschichte profitieren davon nicht substanziell in 

Kunst interessiert zu sein, weil die zeitlichen Intervalle 

von einer Aktienbaisse zur nächsten immer wieder 

kürzer werden- wäre auch zu erwarten, dass die persönliche 

Entscheidung dieser Käufer weniger zählt. Wie 

schade. Und wie bezeichnend. Viele Sammler scheinen 

in Bilder wie in Aktien zu investieren. Käufer haben 

eben nicht nur wieder viel Geld, sie kultivieren auch 

einen sehr selektiven Blick. Mehr noch: Dieser Boom ist 

noch lange nicht an seine Grenzen gestoßen. Bilder, 

Antiquitäten und andere Sammelobjekte nehmen im 

Rahmen der Veranstaltungen einen immer höheren 

Stellenwert ein. Dies bestätigen die hervorragenden 

Ergebnisse der Auktionshäuser mit Weltrekorden. Weil 

es bei allen Dingen des Lebens immer auf den richtigen 

Mix ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit fundierten 

Hintergrundberichten, präzise recherchierten Topstorys 

und wichtigen Nachrichten begeistern. Lesen Sie den 

aktuellen KUNSTINVESTOR, wo Sie sich ein aktuelles 

Bild über den Kunst-markt verschaffen können- eine 

wirklich gute Investition. 

Viel Spaß wünscht Ihnen 

Michael Ruben Minassian 

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian, 

Mail: michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1312 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 

1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 91920- 

9045 DW, Fax: +43 1/2981298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © Viennacontemporary, ‚Jasmina Cibic, 

Nada Act II (445, 452, 402) © Courtesy of Škuc Gallery, Ljubljana, Slovenia

KUNST.INVESTOR Kommentar – Otto Hans Ressler 

Wie Kunst zur Literatur wurde 

„..die Erklärungen sind nun wichtiger als das, 

was nach außen das Kunstwerk manifestiert.“ 

Foto: © Ressler Kunst Auktionen 

Wie lässt sich etwas als Kunst erkennen, wenn es kein 

Bild oder eine Skulptur ist, sondern, beispielsweise, ein 

Urinal, ein Autowrack, eine halb verbrannte Geige, ein 

auf den Kopf gestelltes Haus oder eine Einladung zum 

Abendessen? Und worin besteht der Gewinn an 

ästhetischem Vergnügen, an Erkenntnis für uns? Wie 

konnte es dazu gekommen, dass Dinge, die 

normalerweise keine Kunstmanifestationen sind, im 

Museum, in einer Galerie, in einer Ausstellung, bei 

einer Auktion dazu werden? Marcel Duchamp war am 

Anfang seiner Karriere von kubistischer Malerei 

beeinflusst. 1912 nahm er eine Bewegungsfotografie 

des Psychologen Etienne Jules Marey zum Vorbild, der 

in den achtziger Jahren des 19. Jahrhunderts 

marschierende Menschen fotografiert und die einzelnen 

Phasen der Bewegungen übereinander belichtet hatte. 

Duchamps „Akt, eine Treppe herabsteigend, Nr. 2“ 

missfiel jedoch den Theoretikern des Kubismus, das 

Bild wurde von der Ausstellung des Salons der 

Unabhängigen zurückgezogen. Duchamp war sogar 

der Avantgarde zu avantgardistisch. Das Bild wurde 

erst 1913 bei der „Armory-Show“ in New York gezeigt 

und erfuhr ein imposantes Echo. Duchamp galt in den 

USA fortan als einer der führenden Avantgardisten. 

Doch obwohl er auch finanziell erfolgreich war, 

entschied er sich, mit dem Malen aufzuhören. Er wollte 

von Kunst im herkömmlichen Sinn nichts mehr wissen. 

Er wollte lieber herausfinden, ob ein Künstler jemand 

sei, der etwas Bestimmtes herstellte, oder jemand, der 

einen Titel trug. Wenn ein Künstler jemand war, der 

einen Titel trug, konnte er dann überhaupt noch 

entscheiden, ob das, was er herstellte, Kunst war, oder 

wurde es dazu nicht ganz automatisch, eben weil er 

Künstler war? Diese Frage wurde in New York 

eindeutig beantwortet. Obwohl Duchamp nichts 

produzierte, wurde er weiterhin als Künstler 

wahrgenommen. Aus der Erkenntnis, ein Künstler zu 

sein, obwohl er keine Kunst mehr herstellte, zog er den 

Schluss, etwas zu Kunst machen zu können, ohne dass 

er es im konventionellen Sinn hergestellt hätte. 1916 

präsentierte er in der Galerie Bourgeois eine 

Schneeschaufel und eine Schreibmaschine. Im Katalog 

wurden sie als „Two Ready Mades“ geführt. Diese 

Ausstellung gilt heute als Ausgangspunkt für eine ganz 

neue Art Kunst – obwohl das Publikum damals nichts 

damit anzufangen wusste. Bald danach bar Marcel 

Duchamp seine Schwester, zwei in seinem Pariser 

Atelier befindliche Dinge, das Rad eines Fahrrads und 

einen Flaschentrockner, mit einem Titel zu beschriften 

und in seinem Namen zu signieren.


Die beiden Gegenstände landeten bei der 

Wohnungsauflösung auf dem Müll; ihre nachträgliche 

Weihe als Kunstwerke hat das freilich nicht verhindert. 

Duchamp beschaffte sich in New York einfach Kopien 

der beiden Gegenstände; er hatte das institutionelle 

Gefüge der Kunst durchschaut. Mit seiner allgemeinen 

Anerkennung als Künstler waren alle Dinge, die von 

ihm stammten, Kunst. Um was es sich dabei handelte, 

spielte keine Rolle. Die Entscheidung, ob etwas Kunst 

war oder nicht, hing vom Aussehen des Kunstobjekts 

ebenso wenig ab wie von handwerklichen Fähigkeiten. 

Der entscheidende Akt, mit dem etwas zum Kunstwerk 

wurde, war also nicht mehr die Herstellung, sondern die 

Zuweisung einer Geltung. Der Künstler wählt einen 

Gegenstand aus, betitelt ihn, signiert ihn und 

präsentiert ihn an einem Ort der Kunst. 1917 reichte 

Marcel Duchamp unter dem Pseudonym Richard Mutt 

ein Urinal aus Keramik, signiert und datiert, für eine 

Ausstellung der „Society of Independent Artists“ ein. 

Duchamp saß in der Veranstaltungskommission. Das 

Urinal löste heftige Diskussionen unter den 

Organisatoren aus, aber da die Ausstellung juryfrei war, 

konnte es auch nicht abgelehnt werden. Dennoch fehlte 

es in der Ausstellung. Duchamp, der sein Pseudonym 

nicht preisgeben wollte, trat aus Protest aus der 

Veranstaltungskommission aus. Es steht außer Frage, 

dass das Urinal als Ready-made anerkannt worden 

wäre, hätte Duchamp selbst es signiert. Die Ablehnung 

zeigt freilich, dass, auch wenn zwei Leute dasselbe 

machen, die Anerkennung als Kunst von der 

Anerkennung als Künstler abhängt. Duchamp 

reproduzierte 1951 das Urinal. 1964 gelangte eine 

Edition von acht nummerierten und signierten 

Exemplaren in den Handel. Fünfhundert Jahre nach der 

Durchsetzung des Begriffes „Kunst“ für Malerei und 

Bildhauerei und der Anerkennung der Maler und 

Bildhauer als „Künstler“ (womit damals das Ziel verfolgt 

worden war, die handwerklichen Zwänge zu 

überwinden) kam es zu einer Abschaffung 

handwerklicher Betätigung überhaupt. Von nun an 

führte nicht mehr ein als Kunst identifizierter 

Gegenstand, sondern ein geistiges bzw. institutionell 

begründetes Verfahren zu Kunst. Mit der Loslösung der 

Bilder vom Gegenstand und vom Handwerk war Kunst 

etwas geworden, das ohne erklärende Texte, ohne 

zugrunde liegende Theorie, nicht mehr verstanden 

werden konnte. Ohne erklärenden Text ist es 

unmöglich, das Urinal von Duchamp als Kunst zu 

erkennen oder zu beurteilen. Ohne erklärenden Text ist 

es unmöglich zu sagen, was es mit einer mit 

Menstruationsblut bespritzen Kasel auf sich hat, 

geschweige dass man sie für Kunst hält.


Ohne erklärenden Text werden Arbeiten von Gerwald 

Rockenschaub nicht verstanden, ebenso wenig Werke 

von Heimo Zobernig oder Arnulf Rainer oder Erwin 

Wurm; ja selbst Arbeiten der sehr malerischen Maria 

Lassnig bedürfen der Erklärung, um mehr als nur den 

offensichtlichen Aspekt wahrnehmen zu können. Die 

moderne Kunst hat sich – scheinbar – von ästhetischen 

Kategorien abgekoppelt; sie weist Texten, seien es 

Theorien, Manifeste oder Erklärungen, eine wesentliche 

Position im System Kunst zu; sie reißt sie damit aber 

unweigerlich auch in den Strudel laufend neuer 

Unterscheidungen. Denn Kunsttheorien haben im 

Grunde denselben Stand wie die Werke selbst; sie 

begleiten sie, sie rechtfertigen ihre Rolle in der 

Geschichte – und werden irgendwann von anderen 

Theorien abgelöst. Andererseits ist unübersehbar, wie 

perfekt Theorien und Werke sich wechselseitig 

einander anpassen. Weil beide Seiten, Künstler und 

Theoretiker, sich in ihrem Erfolg gegenseitig bestätigen, 

vertieft sich dieser Gleichklang von Theorie und Werk 

noch. Und je nachdem, ob sich die Theorie an 

ästhetischen, formalen, historischen oder politischen 

Kriterien orientiert, loben sie „ihre“ Kunst als schön, gut, 

radikal, revolutionär, kritisch oder interessant. Wo 

Unterschiede zu anderen Werken nicht mehr in den 

Werken selbst begründet sind oder nicht mehr deutlich 

werden, ist ein erklärender Text oder eine bündige 

Theorie unbedingt nötig. Das führt freilich dazu, dass 

die Kenntnis der mitgelieferten Theorie bereits für das 

Verständnis von Kunst gehalten wird oder jedenfalls 

damit verwechselt werden kann. Die Bei-Texte erhalten 

auf diese Weise die Bedeutung eines Schlüssels, der 

ein Werk erschließt – wenn er es denn erschließt. 

Dieses System erzeugt zwangsläufig einen Kreis von 

Kennern, nämlich jenen, die den Text gelesen haben 

und sich mit ihm identifizieren. Selbst wenn die mit dem 

Kunstwerk mitgelieferte Theorie nicht besonders gut 

nachvollziehbar ist, ja selbst wenn sie unverständlich 

auftritt, dient sie der Unterscheidung zwischen 

Kundigen und Unkundigen. (Böse Zungen unterstellen 

das ja geradezu als Absicht und behaupten, genau 

deshalb würden in den „erklärenden“ Texten so oft 

komplizierte Formulierungen und unklare Begriffe 

verwendet. Dies wäre aus dieser Sicht freilich alles eher 

denn sinnlos: Je unklarer die Kunsttheorien wären, 

desto stärker vermittelten sie nach innen ein Gefühl der 

Zusammengehörigkeit und demonstrierten nach außen 

den Eindruck von Kompetenz. Die Kompliziertheit wäre 

demnach eine Machtfrage.) 

Dieser Mechanismus hat jedenfalls zur Folge, dass das 

Kunstwerk bzw. sein Verständnis in paradoxer Weise 

auf einer Kommunikation basiert, die komplex, 

widersprüchlich, undurchsichtig, ausschließend und 

esoterisch wirkt. In letzter Konsequenz bedeutet das, 

dass die Erklärungen wichtiger geworden sind als das, 

was nach außen das Kunstwerk manifestiert. Es 

bedeutet, dass die Kunst zu Literatur geworden ist.

KUNST.INVESTOR News 

Art Cologne 2018 

Die älteste und wichtigste Kunstmesse in Deutschland 

findet im kommenden Jahr vom 19. bis 22. April wie 

gewohnt in den Messehallen der Koelnmesse statt. Die 

Besucher der Vernissage können sich den Vortag vor 

offiziellem Messebeginn, Mittwoch, 18. April 2018, 

vormerken. Damit findet die ART COLOGNE 2018 eine 

Woche vor dem Gallery Weekend Berlin (27. bis 29. 

April 2018) statt und kehrt zu ihrer alten Tagefolge von 

Mittwoch bis Sonntag zurück.Auch in 2018 versammeln 

sich wieder rund 200 weltweit renommierte Galerien 

und zeigen Arbeiten von rund 2.000 Künstlern aus den 

Angebotssegmenten der Klassischen Moderne, 

Nachkriegskunst und zeitgenössischen Kunst. Der 

offizielle Bewerbungsstart für die Galerien wird 

rechtzeitig kommuniziert. Die ART COLOGNE als 

Messe für Klassische Moderne, Nachkriegskunst und 

zeitgenössische Kunst geht zurück auf den 'Kunstmarkt 

Köln '67', der am 15. September 1967 im Gürzenich, 

dem mittelalterlichen Tanz- und Kaufhaus der Stadt 

Köln, eröffnet wurde und den internationalen 

Kunstmarkt für immer verändern sollte. Heute ist die 

ART COLOGNE eine der ersten Adressen, wenn es um 

das Betrachten, Genießen und Kaufen erstklassiger 

Kunstwerke geht, aber auch eine experimentelle 

Plattform für jungen Galeristen. Kunstliebhaber und - 

sammler finden hier ein breites Angebot moderner und 

zeitgenössischer Kunst aller Preissegmente und 

Bewegungen. Rund 200 führende internationale 

Galerien exponieren eine sorgfältig ausgewählte und 

kuratierte Reihe hochwertiger Kunstwerke des 20. und 

21. Jahrhunderts. 2016 feierte die Messe ihr 50. 

Jubiläum.


Art Berlin 2017 

Die erste Ausgabe der neuen Kunstmesse art berlin 

findet vom 14. – 17. September 2017 statt und startet 

mit rund 100 Galerien aus dem Bereich der modernen 

und zeitgenössischen Kunst. Veranstaltet von der 

Koelnmesse GmbH, wird Maike Cruse, Direktorin des 

Gallery Weekend Berlin, die Messe leiten und 

gemeinsam mit ihrem Team umsetzen; Daniel Hug, 

Direktor der Art Cologne und sein Team werden die art 

berlin in allen Bereichen unterstützen. Nach neun 

Jahren abc soll die art berlin von der Art Cologne und 

der abc gemeinsam und langfristig als neue Messe in 

Berlin etabliert werden.


OHANNA FLAMMER, PARADIESGRÜN NODI, 2017 

MISCHTECHNIK AUF LEINWAND, 180 X 130 CM 

Paradiesgrün – Johanna Flammer 

Paradiesgrün – so lautet der verheißungsvolle Titel der 

zweiten Soloschau von Johanna Flammer bei uns in 

Berlin. Wohl durchdacht vermischt sie Malerei, Collage 

und Zeichnung und schafft phantasmagorische Werke 

in feinsinnig abgestimmten Farbkompositionen. 

Jenseits von Natur und Räumen entsteht eine eigene 

Bildsprache, in dieser Nähe und Ferne verschmelzen. 

Als passionierte Zeichnerin überarbeitet sie die 

collagierte Vorlage, so dass diese im fertigen Bild nicht 

mehr wahrnehmbar ist. Wenn Johanna Flammer ein 

Werk beginnt, dann ist noch nicht klar, wohin die Reise 

geht. Sie arbeitet mit fotografischen Abbildungen von 

Frisuren, die sie in phantastischen, abstrakten 

Farblandschaften zu wurzelartigen Geflechten 

verbindet. „In meinen Arbeiten versuche ich, die 

Spannung der gestischen Malerei in eine Harmonie 

umzuwandeln, indem ich Farbkontraste setze, Höhen 

und Tiefen festlege und Haare pflanze. Es ist immer ein 

Kampf die Kontrolle zu behalten. Aber am Ende ist 

meine Welt wieder in Ordnung.“ [Galerie Schultz Berlin, 

Dauer bis 24. Juni 2017 - Foto: Galerie Schultz]


HELGE LEIBERG, DER ZUGRIFF, 1989/90, ACRYL AUF LEINWAND, 210 X 310 CM 

„MALSTROM“ 1987 UND 2017 

Frankfurt/Oder- Das Projekt „MALSTROM, Bilder und 

Figuren 1982-1986“ machte Mitte der 1980er Jahre die 

aus der DDR emigrierten Künstler Cornelia Schleime, 

Helge Leiberg, Reinhard Stangl, Ralf Kerbach und 

Hans Scheib schlagartig im Westen bekannt. Die 

Ausstellung wurde vom 13. Juni bis 27. Juni 1986 im 

Haus am Waldsee, West-Berlin sowie vom 11. Januar 

bis 8. Februar 1987 im Mannheimer Kunstverein 

gezeigt und verdeutlichte, dass es parallel zum 

neoexpressionistischen Aufbruch der westdeutschen 

„Jungen Wilden“ auch in der DDR Strömungen mit 

starkem Ich- Bezug und einer widerspenstigen Attitüde 

gegeben hat, was nicht verwunderlich ist, da der 

deutsche Expressionismus eine gesamtdeutsche 

Kategorie ist, die bis heute ihr Wirkpotential entfaltet. 

Zwischen den Künstlern existieren langjährige 

Verbindungen, die vielfach fruchtbare Kooperationen 

angestoßen haben, ohne, dass jemals jemand aus dem 

inneren Kreis selbst behauptet hätte, Teil einer Gruppe 

zu sein. Zwischen der Malstrom-Ausstellung von 

1986/87 und heute liegen gut 30 Jahre. Künstler, Kunst 

und Kunstdiskurs haben sich verändert. Die aktuelle 

MALSTROM²-Ausstellung stellt die Künstler mit bisher 

nicht oder selten gezeigten Frühwerken ihren aktuellen 

Werken gegenüber. [Museum Junge Kunst 

Frankfurt/Oder. Dauer bis 9. Juli 2017 - Foto: © Michael 

Schultz Gallery Berlin]


NAZANIN POUYANDEH, SOULÈVEMENT DES AMES NOIRES, 2016 

ÖL AUF LEINWAND, 190 X 295 CM 

Uprising of dark Souls - Nazanin Pouyandeh 

Mystik, Erotik, Natur, Fantasie, Realität, Zerstörung 

sowie Schönheit und Ästhetik prägen das Gesamtbild 

der Ausstellung Uprising of the Dark Souls. Die in 

Teheran geborene Künstlerin Nazanin Pouyandeh 

schöpft einen Großteil ihrer Inspiration aus 

autobiografischen Ereignissen. Aufgewachsen inmitten 

von Krieg und Zerstörung verliert sie mit 18 Jahren 

ihren Vater, der wegen Kritik am Regime ermordet wird. 

Anschließend verlässt die junge Frau ihr Heimatland, 

um an der École des Beaux Arts in Paris zu studieren. 

2012 gab es bereits eine Ausstellung mit der Künstlerin 

in unserer Galerie. Seitdem hat ihr Werk eine sichtbare 

Weiterentwicklung durchgemacht. Die Spannung ihrer 

Gemälde besteht im Aufeinandertreffen diverser 

Kontraste. Erotik, Verführung und Weiblichkeit treffen 

auf Krieg und Brutalität - Realismus trifft auf Fantasie. 

Für den Betrachter ist es schier unmöglich, dem 

Geschehen zu entkommen und sich davon zu lösen. Er 

wird automatisch zum Zeugen einer Szene die seine 

Fantasie beflügelt und ihn sich seine ganz eigene 

Geschichte weiterdenken lässt. Geprägt sind die 

Arbeiten durch eine figurative Malerei, die besonders 

durch ihre Plastizität und Ästhetik besticht. Die 

dreidimensionalen Figuren befinden sich in einer 

Fantasiewelt inmitten von Natur und/oder Zerstörung. 

Inspiriert von historischen Darstellungen schafft es die 

Künstlerin sowohl diese Stilelemente, als auch die der 

zeitgenössischen Kunst zu vereinen. [Galerie Schultz 

Berlin, Dauer bis 24. Juni 2017 - Foto: Galerie Schultz]


Eisbechermüll monumental I, 1976, 150 x 185 cm, Acryl auf Papier auf Leinwand 

Jorg Hartig 

Eine Retrospektive 

„In der Malerei gibt es nichts, was es nicht auch in der 

Natur gibt“, lautet einer der Leitsätze Jorg Hartigs 

(*1932 Smržovka/Morchenstern, CZ), der Zeit seines 

Lebens die größte künstlerische Inspiration aus seiner 

unmittelbaren Umwelt schöpfte – aus dem Alltag, aus 

Phänomenen der Zivilisation und der Kultur. Dabei hat 

die Farbe für Hartig eine große Bedeutung. Mitte der 

1960er Jahre sieht er für sich die Möglichkeiten der 

Ölmalerei ausgeschöpft, experimentiert mit Dispersion 

und entdeckt 1966 (als einer der ersten in Österreich) 

das Material Acryl. Durch die neue Technik erhöht sich 

die Geschwindigkeit, beim Malen und bei der Thematik: 

Überschneidungen, Überlappungen werden möglich – 

das Tempo der Straße und ihrer Benutzer, Zerstörung, 

leere, zerdrückte Eisbecher, bei einem 

Amerikaaufenthalt ist er vom „American Football“ 

fasziniert. Die Schnelligkeit, der Kampf finden Eingang 

in seine meist großformatigen Gemälde. Hartig selbst 

bezeichnet seine Arbeiten als REALPOP, da sie stets 

an die Realität gebunden sind. Selbst Bilder, die auf 

den ersten Blick nichts mit der realen Welt zu tun 

haben, finden ihren Ursprung in dieser. Das MUSA 

zeigt Jorg Hartigs bedeutendes umfangreiches Œuvre 

erstmals in einer konzentrierten, Werke aus sechs 

Jahrzehnten umfassenden musealen Retrospektive, 

wobei es während der Ausstellungsdauer einen 

teilweisen Wechsel der gezeigten Arbeiten geben wird. 

[MUSA, 9. Mai-19. August 2017 – Foto: © MUSA]


Art Brut live (acoustic set) 

Sonntag 11. Juni 2017 

in der Galerie Gugging 

Foto: Eddie Argos, ©Tom Barnes 

Der zweite Termin der außergewöhnlichen und exklusiven Konzertserie im Jahr 2017. 

Die „galerie gugging special edition #2“ mit der legendären britischen Rockband Art Brut 

Nachdem die erfolgreiche Band Art Brut rund um 

Sänger & Mastermind Eddie Argos 13 Jahre die großen 

Festival- und Konzertbühnen der Welt bespielt hat, gibt 

sie jetzt ihr längst überfälliges Galeriekonzert-Debüt mit 

einer einmaligen Acoustic Performance. Eine Premiere! 

Mit dabei im Gepäck haben Eddie Argos und Ian 

Catskilkin erste Hörproben aus dem neuen Album und 

alle großen Art Brut-Hits. Die Ticketanzahl pro Konzert 

ist limitiert – jeder Besucher erhält vor Ort zusätzlich 

eine limitierte, nummerierte Eintrittskarte – gestaltet von 

einem Gugginger Künstler. 

Tickets unter: www.oeticket.com


33⅓ – Cover Art 

33⅓ – Cover Art, Foto: Juan Maiquez 

Derzeit erfährt die Schallplatte trotz des digital bestimmten Zeitalters eine Renaissance. Früher war sie der 

dominierende analoge Tonträger, der die verschiedensten musikalischen Genres in die Haushalte von 

Musikliebhabern brachte. Das Plattencover hatte dabei einen entscheidenden Anteil daran, dass die LP geradezu der 

Inbegriff des populären Musikmediums im 20. Jahrhundert wurde. Musik traf auf Fotografie, Grafik-Design und 

bildende Kunst, wodurch viele fruchtbare spartenübergreif-ende Verbindungen zwischen KünstlerInnen 

entstanden. So arbeitete zum Beispiel Robert Frank mit den Rolling Stones, die ihrerseits wiederum mit Andy Warhol 

kooperierten, Patti Smith wurde von ihrem Freund Robert Mapplethorpe gleich für mehrere Alben fotografiert, Debbie 

Harry inspirierte den Schweizer Maler HR Giger zur Gestaltung eines Plattencovers und immer wieder gab es 

MusikerInnen, die Cover auch selbst entworfen haben. Die Schau „33⅓ – Cover Art“ im Kunstraum Nestroyhof blickt 

mit über 250 ausgewählten Exponaten zurück auf die Geschichte der Plattenhülle. Dabei werden Cover von so 

unterschiedlichen MusikerInnen wie Sonny Rollins, Janis Joplin, Bob Dylan, Grace Jones oder André Heller 

vorgestellt, FotografInnen wie Lee Friedlander und Annie Leibovitz, aber auch Designergruppen wie Hipgnosis oder 

bildende KünstlerInnen wie Roger Dean und Bridget Riley. Ein weiteres Augenmerk gilt den legendären Plattenfirmen 

Blue Note und ECM, die auf ein einheitliches künstlerisch gestaltetes Erscheinungsbild ihrer Albumhüllen Wert 

legten. Die Ergebnisse der Zusammenarbeit visualisieren kongenial die Musik und verdeutlichen oft den Zeitgeist. 

Viele der in der Ausstellung präsentierten Plattencover gelten heute als Kunst- und Kultobjekte. Die Plattencover 

werden als Leihgaben zur Verfügung gestellt von MusikliebhaberInnen, Plattensammlern, Musikjournalisten, 

Plattenläden, dem Jazzinstitut Darmstadt, dem Klaus-Kuhnke-Archiv für Populäre Musik Bremen sowie Musikern und 

KünstlerInnen. [Kunstraum Nestroyhof, Ausstellungsdauer 22. Juni bis 7. Oktober 2017 - Foto: © Kunstraum 

Nestroyhof]


Wiener Mode (1924) © Eduard Thöny / Dagmar von Kessel (München) 28. Jahrgang, Nummer 49, mit dem Titelblatt "Wiener Mode“ 1924 © 

Eduard Thöny im Simplicissimus 

Die charakteristischen Stereotypen der wilhelminischen 

Kaiserzeit wurden von Eduard Thöny im Simplicissimus 

als Karikaturen auf über 3.000 Blättern in der Zeit von 

1896, dem Gründungsjahr des ersten politischdeutschen 

Satireblattes, bis 1944 dargestellt. Das Blatt 

widmete sich den sozialpolitischen Themen vor, 

während und nach den beiden Weltkriegen. Ein Großteil 

dieser Grafiken ist verloren gegangen, dennoch 

konnte zum 150. Geburtstag des Karikaturisten, aus 

den zwei wichtigsten Privatbeständen, der Enkelin 

Dagmar von Kessel in München sowie der Sammlung 

Michael Seeber in Sterzing, eine Ausstellung in Thönys 

Heimat Brixen zusammengestellt werden. In 

reduziertem Umfang wird diese Ausstellung von 14. Mai 

bis 10. September 2017 im IRONIMUS Kabinett des 

Karikaturmuseum Krems zu sehen sein. Die Kuratoren 

Gustav Peichl und Hans Haider zeichnen für die 

Gestaltung der Werkschau verantwortlich. (Foto: © 

Karikaturmuseum Krems)

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘ 

118. Kinsky-Kunstauktion 

Klassische Moderne – Jugendstil – Zeitgenössische Kunst - 20. bis 22. Juni 2017 

In der großen Juni-Auktion werden Sammler mit Meisterwerken des 20. Jahrhunderts verwöhnt. Ölgemälde und 

Zeichnungen von Egon Schiele, Gustav Klimt, Kolo Moser, Albin Egger-Lienz, Carl Moll, Rudolf Wacker oder Herbert 

Boeckl führen den Reigen der frühen Moderne an; bei den Zeitgenossen stehen Namen wie Max Weiler, Alfred 

Hrdlicka, Hans Staudacher, Oswald Oberhuber oder Hans Bischoffshausen für die „Kunstmarke Österreich“. Im 

Jugendstil regiert wie immer Josef Hoffmann mit einem Angebot, das für Liebhaber dieser einzigartigen Epoche des 

edlen Kunsthandwerks viel zu bieten hat. 

Klassische Moderne: Von Schiele bis Boeckl- Es ist 

schon eine kleine Sensation, wenn gleich mehrere und 

„marktfrische“ Werke von Egon Schiele zum Angebot 

kommen. Im Mittelpunkt steht ein „Grüner Zaun“, den 

Schiele 1907 im Stiftshof von Klosterneuburg zum 

Motiv gewählt hatte und im folgenden Jahr erfolgreich 

in seiner ersten Ausstellung im selben Stift präsentiert 

hatte. Lange Zeit befand es sich in der Sammlung des 

Malers und frühen Förderers von Schiele, Max Kahrer. 

Alle Merkmale sind in diesem kleinen spontan 

aufgenommenen Gemälde sichtbar: ein kräftiger, 

dynamischer Farbauftrag wie eine feine nervöse 

Zeichnung, tief in die Ölschicht mit dem Pinselstiel 

eingetragen. Die unverwechselbare Handschrift seiner 

Linienführung bestimmt auch die beiden Zeichnungen 

von 1917, eine mit einer Ansicht aus Krumau, die 

andere ein weiblicher Akt. Beide befanden sich einst im 

Besitz des Schriftstellers Otto Stoessl, einem 

Weggefährten von Karl Kraus. Die Kraft der frühen 

Moderne kommt auch in einem weiteren bedeutenden 

Gemälde zum Ausdruck, das Kolo Moser zwischen 

1911 und 1914 vollendete: Die „Schwertlilien“, 

möglicherweise aus dem Garten seiner Villa auf der 

Hohen Warte, bestechen durch die Wirkung des tiefen 

Blaus in Kombination mit changierendem Grün. Der 

versierte Graphiker und Mitgründer der Wiener 

Werkstätte kannte die Kunst der Abstrahierung, um das 

Wesentliche eines Motivs, seine Schönheit und 

Bedeutung hervorzuholen. Über Jahrzehnte befand 

sich das Bild in einer Privatsammlung und war 1969 

das letzte Mal in einer Ausstellung in Graz zu sehen 

gewesen. Rudolf Wacker wiederum scheute sich 

nicht, das Verwelken der Blumen zum Thema und 1938 

zum Symbol für das politische Drama dieser Jahre zu 

nehmen. Jede Blume in der alten Keramikvase ist von 

frappierender Präsenz, voll Magie eines mehrdeutigen 

Realismus. Ein Stillleben von Herbert Boeckl setzt 

einen markanten Abschluss für das vielseitige Angebot 

der frühen Moderne. Mit formreduzierten und isolierten 

Objekten, die in geometrische Farbfelder eingebettet 

sind, spielte Boeckl mit der feinen Grenze zwischen 

Gegenstand und Abstraktion. 

Jugendstil: Im Zentrum Josef Hoffmann- Wiener 

Werkstätte und Josef Hoffmann sind quasi zum 

Synonym für exquisites Kunsthandwerk und zeitlos 

edles Design geworden. Als Marktführer für den Wiener 

Jugendstil bietet das Kinsky auch dieses Mal wieder 

eine besondere Auswahl aus dem Schaffen dieses 

genialen Designers: von der Brosche über ein 

Zimmerthermometer, einer Tischlampe bis hin zu einem 

herrlichen Teeservice aus Silber und Ebenholz. Den 

Beginn einer neuen Kunstepoche leitete in Österreich 

der Architekt Otto Wagner ein, der als einer der ersten 

Designer Entwürfe auch für Inneneinrichtungen 

zeichnete. In der Auktion kann eines der von ihm 

entworfenen Sessel aus der legendären Postsparkasse 

in Wien erworben werden.


Egon Schiele (Tulln 1890 – 1918 Wien), Grüner Zaun (Schmiedehof, Klosterneuburg), 1907 

Öl auf Karton; 24,8 × 17,5 cm EUR 150.000-300.00


Josef Hoffmann, Teeservice, Wiener Werkstätte, 1928 

Silber, Ebenholz, EUR 50.000-100.0000 

Zeitgenössische Kunst: Alles ist möglich- Ein 

überragendes Meisterwerk des österreichischen Malers 

Max Weiler, das sich seit Jahrzehnten in Privatbesitz 

befand, stellt das zwei mal zwei Meter große Gemälde 

„Baum“ von 1972 dar, das nun erstmals in einer Auktion 

zum Verkauf angeboten werden kann. „Landschaften 

auf tönenden Gründen“ nannte Max Weiler die Bildserie 

aus den Jahren 1970 – 1973, eine sprachliche 

Metapher für die malerische Umsetzung der in der 

Natur – der äußeren wie der inneren – vorherrschenden 

Schwingungen, in denen das Leben sich vollzieht. In 

den Jahrzehnten nach 1945 mit seiner der Abstraktion 

verpflichteten österreichischen Avantgarde bot Max 

Weiler einen markanten malerischen und inhaltlichen 

Gegenpol, für den die Natur das große Thema seines 

langen Kunstschaffens war. In konsequenter 

Auseinandersetzung mit den Geheimnissen und 

Erscheinungen einer lebendigen Natur fand Max Weiler 

überzeugende malerische Analogien. Sein Werk nimmt 

in der österreichischen wie internationalen Kunst des 

20. Jhd. eine der wichtigsten Positionen ein. Neben 

dem „Baum“ vor rotem Hintergrund kommt in der 

Auktion noch eine Auswahl wichtiger Bilder aus den 

verschiedensten Schaffensperioden zum Angebot, wie 

der „Baum mit violettem Stamm“ aus Max Weilers 

bedeutendem Spätwerk. „Champs d’energie“ nannte 

Hans Bischoffshausen eine Serie von weißen Bildern, 

die er in seiner Kärntner Enklave vollendete. Energie 

also, die sich aus dem Nichts, dem Weiß, der reinen 

Fläche rekrutiert. Seine eigene Energie hatte er in den 

1950er Jahren in Paris aufgeladen, genauso wie Hans 

Staudacher. Das Experimentieren und Ausloten von 

neuen Materialien und Maltechniken erweiterte die 

Grenzen des eigenen Kunstverständnisses. Eine 

seltene Collage auf Holz mit dem humorvoll-ironischen 

Titel „7 Pinsel im Ruhestand“ ergänzt jede Staudacher 

Sammlung um diesen wichtigen Aspekt der ersten 

Avantgarde nach dem Krieg. Bruno Gironcoli ist neben 

großformatigen Mischtechniken mit der Skulptur 

„Hutnadel II“ aus den frühen 1990er Jahren vertreten. 

Diese zeigt eine für Gironcoli typische Kombination aus 

ornamentalen, biomorphen und mechanischen 

Elementen, gegossen in Aluminium, und wird in einer 

eigens dafür gebauten Vitrinen präsentiert. 

Surrealismus, Informel und Proportionsstudien führten 

Arnulf Rainer zu seinen formatfüllenden, 

monochromen, kontemplativen Übermalungen der 

1950er Jahre, die er ab 1960 veränderte und einen 

sichtbaren Dialog mit der darunterliegenden Geste 

aufnahm. Der „Regentropf-Kopf“ von 1965 bietet dafür 

ein überzeugendes Beispiel.


Koloman Moser, Schwertlilien, 1911/14, Öl auf Leinwand; 75 × 75 cm, EUR 250.000-500.000 

Herbert Boeckl,, Stillleben I, 1957, Öl auf Leinwand; 81,5 × 100 cm, EUR 70.000-140.000


Max Weilers Meisterwerk 

Baum 1972 

Max Weiler, Baum, 1972, Eitempera auf Leinwand; 200 × 205 cm, EUR 350.000-700.000 

Das Gemälde „Baum“ von 1972 ist nicht nur eines der 

größten sondern auch eindrucksvollsten Bilder im Werk 

des bedeutenden österreichischen Malers Max Weiler. 

Es entstand innerhalb der Bilderserie „Landschaften auf 

tönenden Gründen“, die zwischen 1969-1973 

entstanden. In diesem Zyklus beschäftigte er sich 

erstmals intensiv mit dem „Tönen“ der Farben, ihrem 

energetischen wie emotionalem Potential. Der „Baum“ 

ist jenes Gemälde, in dem er dieses Wollen in seiner 

reinsten Form umsetzte, Bildgrund und Bildmotiv in 

gleicher Weise zu einer so intensiven, in diesem Fall 

glühendroten farblichen Einheit verschmolz. 

In seinen Tag- und Nachtheften hielt der Künstler 1970 

fest: „Diese Macht der Farben, Naturstimmungen zu 

erzeugen, hatte ich fast vergessen „jetzt aber nützte ich 

sie neu aus. Ich musste zuerst aus praktischen 

Gründen einige Neuerungen dazu erfinden, so etwa 

konnte ich auf den farbigen Gründen die Kompositionen 

nicht mehr mit Bleistift zeichnen, weil man sie einfach 

nicht sah. Ich nahm daher weiße oder eine andere helle 

Farbe … Diese weiße Zeichnung auf dem dunklen 

Grund ergibt ein weißes Netzwerk, das das Bild ins 

Immaterielle führt. Es hebt alles Plastische auf. Es 

macht das Bild unnaturalistisch und etwas schwer 

begreiflich, während es durch den gefühlsbetonten 

Grund, ich nannte ihn auch den „tönenden“ Grund, 

ansprechender wurde …“. 

Natur war für Max Weiler eine zugleich abgründige wie 

spirituelle Kraft, der es galt, malend eine Sprache zu 

geben. Sein Welt- und Kunstverständnis war ein 

kosmologisches. So wie die Natur überbot sich Weiler 

durch eine permanente Metamorphose der Farben und 

Formen gleichsam selbst. Um ihre Pracht, ihren Prunk 

und ihre Fülle darzustellen bediente er sich vornehmlich 

der Motive Blüte, Blume und Baum. 

Der rot glühende “Baum“ von 1972 wächst durch die 

Mittel der Kunst zu einem monumentalen und 

universellen Zeichen. (Edelbert Köb, zitiert aus seinem 

Katalogtext, Auktionshaus im Kinsky)


Arnulf Rainer (Baden 1929 geb.), Regentropf-Kopf (Gespenstl), 1965, 

Mischtechnik auf Karton auf Holzplatte; 101 × 66,4 cm, EUR 35.000-70.000


Hans Staudacher, „7 Pinsel im Ruhestand“, 1960, 

Mischtechnik auf Holz; 121 × 84 cm, EUR 16.000-32.000


Hans Bischoffshausen, (Kärnten 1927 – 1987 Villach), Champ d’Energie, 1961 

Spachtelmasse auf Kunstharzplatte; 109 × 120 cm; EUR 50.000-100.000 

Spezialauktion: Bücher & Autographen- Ein 

seltenes Auktionsangebot bietet das Kinsky mit einer 

Sammlung von Büchern und Autographen. Den Kern 

des Angebotes bildet die Bibliothek von Schloss 

Pfannberg des Grafen Goess-Saurau und seiner Frau 

Marie geb. Mayr- Melnhof. Diese typische über 

Jahrhunderte gewachsene Adelsbibliothek bietet 

bibliophile „Schmankerln“ aus de m 16. bis 18. Jhd. mit 

Einblicken in die damalige Welt des Wissens über 

Natur, Kunst und Politik. Eine Zimelie der besonderen 

Art wird mit dem Gebetsbuch von Andreas Hofer 

offeriert, eines der wenigen, das sich nachweislich im 

Besitz des Tiroler Freiheitskämpfers befunden hat. 

20. Juni 2017 Klassische Moderne und Jugendstil, 21. 

Juni 2017: Zeitgenössische Kunst, 22. Juni 2017: 

Sonderauktion: Bücher & Autographen. Schloss 

Pfannberg. Nachlass Carl-Anton Goess-Saurau und 

Marie, geb. Mayr-Melnhof, und Werke aus anderem 

Besitz. 

(Foto: Auktionshaus ‚im Kinsky‘)

KUNST.INVESTOR Dorotheum 

"Cherry Blossom Light", Entwurf Johanna Grawunder, Schätzwert EUR 36.000 ,- bis 45.000 ,-


Highlights der Designgeschichte 

Erstmals Auktion "Design First" im Dorotheum am 20. Juni 2017 

Radikaldesign der 1960er Jahre, Wiener Moderne, 

Zeitgenössisches Design – und Zaha Hadid. Auf diesen 

Grundfesten stützt sich die erste, von Expertin Gerti 

Draxler kuratierte Design-Auktion der neuen Art im 

Dorotheum. „Design First“, so der Titel der für 20. Juni 

2017 anberaumten Premiere, setzt Scheinwerfer auf 

hervorragende Stücke der Design-Geschichte (Am 

selben Tag, 14 Uhr, findet die klassische Design- 

Auktion, Schwerpunkt Skandinavien und Österreich, 

statt). Auch mit dem Kunstkonnex darf geflirtet werden, 

so etwa bei den Sitz-Objekten, Paravents und Betten 

des österreichischen Gesamtkunstwerkers Heimo 

Zobernig, einer Lampe von Alberto Giacometti oder 

einem Regal von Dadamaino. 

Superoberflächen: Nichts weniger als die „Parabel für 

ein häusliches Anti-Design“ („parabola per un 

antidesign domestico“) schmetterte das dem Geist der 

antibürgerlichen, emanzipatorisch-euphorischen Sixties 

verpflichtete, heute ästhetisch superaktuelle Superstudio 

entgegen. Die fünfköpfige Architekten/ 

Gestaltergruppe aus Florenz beschäftigte sich mit 

neuen Formen des Zusammenlebens und steuerte für 

die März/April-Ausgabe 1972 der Zeitschrift „rassegna“ 

ein Cover bei. Der Entwurf dazu, eine Collage aus 

1971, in der sich eine gut behaarte Menschengruppe 

zwischen Natur und Technologie platziert, ist ein 

Netzwerk aus Blumen, Rastern und Kabeln (€ 60.000 – 

80.000). Radikaldesign pur demonstriert Danilo 

Silvestrin mit seinem quasi weltraumtauglichen Sitz in 

der durchsichtigen Polyester-Hartschale, der, im Kreis 

zusammengefügt, ein rundes, unendliches Sofa 

generiert. „Apollo 12 für den Hausgebrauch“, schrieb 

"Der Stern" 1969. Inhaltlich gibt es Parallelen zu 

Künstlern der ZERO-Bewegung. Silvestrin, als Interior 

Designer in Deutschland tätig, war mit Uecker, Mack 

und Luther befreundet und verwendete deren Bild- 

Objekte für seine Einrichtungen. Ein seltenes Sitz- 

Objekt für zwei steht im Dorotheum zur Disposition (€ 

36.000 – 45.000). 

Design-Pioniere: Kolo Mosers 130 mal 110 cm großer 

Entwurf für das Altarfries der von Otto Wagner 

geplanten Kirche am Steinhof, fand einst nicht die 

Gunst der Auftraggeber - vermutlich wegen Mosers 

Übertritt zum Protestantismus. Die Gunst der 

Sammlerherzen ist ihm allerdings sicher (€ 150.000 – 

200.000). Weiters unter den Klassikern der Wiener 

Moderne: Einige Sessel von Adolf Loos oder auch 

sechs Sessel von Otto Prutscher, entworfen und 

ausgestellt bei der Kölner Werkbundschau 1914 (€ 

270.000 – 420.000). Zeitlos schön und im 

Originalzustand zeigt sich Josef Hoffmanns 

schnörkelloses Ensemble aus Bett und Nachtkästchen, 

Waschtisch und Tisch, 1906 für Hermann Wittgenstein 

entworfen (€ 60.000 – 90.000). 

Architektur – en miniature: Spannende neue 

Materialien, futuristische Optik, organische Formen und 

ein gewisser Grad an Verspieltheit, manche sagen 

auch „dynamische Eleganz“, kennzeichnen die in der 

Auktion vertretenen zeitgenössischen Objekte. Philip 

Michael Wolfsons Spiegel mit integriertem, aus der 

Spiegelform auslaufenden Etagere steht etwa dafür (€ 

10.000 – 15.000). Ein wenig spürt man dabei den Geist 

Zaha Hadids, bei der Wolfson lange arbeitete. Von der 

Architektin selbst steht ein Woosh-Sofa, Schaffellbesetzte 

„Moon Soon“-Stühle aus dem gleichnamigen 

japanischen Restaurant oder ein seltenes „Project in 

Red“-Sofa von 1988 (€ 65.000 – 90.000) zur 

Disposition. Oder eine silberne Tee-/Kaffeegarnitur, als 

Set zusammengestellt Architektur en miniature (€ 

50.000 – 80.000). Mit Entwürfen des von Hongkong aus 

agierenden Briten Michael Young oder Stahlmöbeln 

des u. a. von Star-Architekten Peter Marino entdeckten 

Duos Barberini & Gunnell enthält die Auktion Werke 

einiger der spannendsten Designer ihrer Generation. 

Südafrika: Von Architektur ausgehend, etwa einer Kirche, 

ist das Multifunktionsmöbel von Adriaan Hugo und 

Katy Taplin, einem „Dokter and Misses“ genannten 

Designerpaar aus Südafrika. Assoziationen an einen 

Reiter auf der Bank soll das raffinierte, mit versteckten 

Laden ausgestattete Möbel namens „Kassena 

Horseman“, Nr. 1 aus einer limitierten Edition von 8, 

ebenfalls wecken. Die handbemalten geometrischen 

Zickzack-Muster auf dem Möbel sind der Ästhetik des 

im Grenzland von Ghana und Burkina Faso 

beheimateten Volkes der Kassena nachempfunden, die 

bekannt sind für ihre schwarz-weißen Wandmalereien 

aus gefärbtem Lehmschlamm und Kalk. KATALOG 

(Foto: © Dorotheum)


"Kassena Horseman"-Schrankobjekt, Entwurf Doktoer and Misses (Adriaan Hugo & Katy Taplin), 2015, Südafrika, Buche, handgemalte 

schwarze Ornamentik, Nummer 1 der limitierten Edition von 8 Exemplaren. Das geometrische Rauten- und Zickzack-Muster ist inspiriert von 

der Kunst der Kassena, die im Grenzgebiet zwischen Ghan und Burkina Faso leben. Schätzwert € 20.000 - 30.000


"Una parabola per un antidesign domestico", Superstudio (Piero Frassinelli, Alessandro Magris, Roberto Magris, Adolof Natalini, 

Alessandro Poli, Cristiano Toraldo di Francia), 1971, Collage aus Foto- und Magazinausschnitten, alte Montierung auf 

Papier zusammen mit dem Foto des Cover-Entwurfs von "Rassegna", bezeichnet mit Tusche DA "LIFE: SUPERSURFACE" (VITA) 

SUPERSTUDIO 1971" Schätzwert € 60.000 - 80.000 

Weinranken, Entwurf für den Altarfries der Kirche am Steinhof in Wien, Kolo Moser, 1905/06, Tempera, 

Aquarell und Goldfarbe auf dünnem Karton, 113 x 130 cm, Schätzwert € 150.000 - 200.000


Lampadaire a l'Etoile, Alberto Giacometti, Schätzwert EUR 80.000 ,- bis 120.000 ,-


Hängelampe, Heimo Zobernig, Schätzwert EUR 20.000,- bis 40.000,-


Vier Stühle ("Teppich-Sessel"), Entwurf Heimo Zobernig & Franz West, Schätzwert EUR 34.000 ,- bis 45.000 ,- 

Tee- und Kaffee-Service, Entwurf Zaha Hadid, Schätzwert EUR 50.000 ,- bis 80.000 ,-


"Gesture"-Couchtisch, Entwurf Dylan Lewis, Schätzwert EUR 40.000 ,- bis 60.000 ,- 

"Dynamic Shielding"-Regal/Raumteiler, Dadamaino in Zusammenarbeit mit Paola Lanzani, Schätzwert EUR 20.000 ,- bis 30.000 ,-


Entwurf für ein Glasfenster, Schätzwert EUR 18.000,- bis 25.000,-


"Jaune IX"-Teppich, nach einem Entwurf von Fernand Leger, Schätzwert EUR 6.000 ,- bis 9.000 ,-


Issey Miyake, Pleats Please Mantel, Rufpreis € 300


Vintage ist König 

Issey Miyake, Chanel, Louis Vuitton, Hermès … 

Online-Auktion „Mode und Accessoires“ bis 14. Juni 2017 

Wenn heute High-End-Laufstegmode nach kurzer Zeit 

nachgeschneidert die Straßen flutet, ist man mit 

Vintage paradoxer Weise seiner Zeit wieder eher 

voraus. Einen wahren Boom dabei erleben Mode und 

Accessoires der großen Namen von Luxusmarken. Bis 

zum 14. Juni 2017 bietet die Online-Auktion des 

Dorotheum eine wunderbare Gelegenheit, die eigene 

Garderobe mit Sammlerstücken aufzupeppen. Chanel 

sowie Issey Miyake stehen dabei im Mittelpunkt. Ab 

220 Euro Rufpreis sind die in Bezug auf Verarbeitung 

und Technik hochinnovativen, eine ungewöhnliche 

Verbindung von Tradition und modernem Design 

darstellenden Kleidungsstücke des japanischen 

Meisters zu ersteigern. Die Marken Issey Miyake und 

IM Pleats Please zeigen sich in dieser großen 

Sammlung als Mäntel, Tücher und vor allem als Kleider 

in Unifarben, aber auch voller Flaggen (€ 280) oder 

Bilder der Mondlandung („Moonlanding“, € 400). Den 

klassischen, mit höchster Qualität und raffinierten 

Details gespickten Look von Chanel verkörpern hier vor 

allem Blazer aus den 1990er Jahren, ebenfalls Taschen 

aller Art, darunter ein Rucksack (€ 900) oder die 

charmante „Chocolate Bar Frame Bag“ (€ 400). Ein Teil 

der Auktion ist Tüchern von Chanel und Hermès 

gewidmet, Von Hermès gibt es auch Exemplare der 

weltweit wohl gesuchtesten Handtaschen zu ersteigern 

- eine blaue Kelly Bag 32 aus 1974 (€ 2.400) und die 

Birkin Bag 40, 2004, aus orangefarbenem Leder 

(€6.000). 

LV eckig und rund: Frühe Louis-Vuitton-Koffer sind ein 

Begriff, sie finden sich in der Auktion ebenso wie ein 

eher kurioseres Stück der Traditionsfirma: Ein limitierter, 

mit dem typischen LV-Monogramm versehener 

Fußball anlässlich der Fußball Weltmeisterschaft 1998 

(€ 1.200). 

Filmreifer Schmuck: Unter den zahlreichen 

Modeschmuckstücken namhafter Designer und Labels 

findet sich auch eine jeweils mit 400 Euro und auf den 

Namen „Camellia“ gerufene Brosche und Armspange 

von Coro Craft (Cohn und Rosenberger). Die Silber 

vergoldeten und mit Imitationssteinen versehenen, von 

Gene Verecchio 1939 entworfenen Musterbeispiele 

hochwertiger Costume Jewellery zierten Carmen 

Miranda, Hauptdarstellerin des Streifens „A date with 

Judy“ (1948). Deshalb werden diese begehrten 

Sammlerstücke auch immer mit der südamerikanischen 

Sängerin und Schauspielerin in Verbindung gebracht. 

(Foto: © Dorotheum)


Issey Miyake - Pleats Please "Flaggen"-Dress, Rufpreis € 280


Chanel Schultertasche, um 1994/96, in Rauten gesteppter Bouclé in Fuchsia, Rufpreis € 1.200


Louis Vuitton Limited Editon Monogram Cherry Blossom Sac Retro Bag Monogram Canvas mit Kirschblüten, Rufpreis € 550


Hermès Birkin Bag 40, 2006, oranges Epsom-Leder, Rufpreis € 6.000 

Armreif "Camellia", Entwurf Gene Verecchio 1939, Patented by Adolph Katz, 

Ausführung Coro Craft (Cohn & Rosenberger), Silber , vergoldet, Rufpreis € 400

KUNST.INVESTOR viennacontemporary 

Yigal Ozeri, untitled (Olya), 2017, courtesy Galerie Andreas Binder 

Ruben Bellinkx, Stasis, 2013, courtesy Geukens & De Vil


viennacontemporary 2017 

„In den letzten beiden Jahren haben wir die besten 

Voraussetzungen für eine kontinuierliche Weiterentwicklung 

von viennacontemporary geschaffen. Mit der 

Marx Halle als Ort mit besonderem Flair und einer 

hochkarätigen Auswahl an Galerien werden wir auch im 

Jahr 2017 ein Programm präsentieren, das sowohl für 

Kunstinteressierte vor Ort als auch für internationale 

KunstsammlerInnen einen interessanten Mix aus 

etablierter Kunst bis hin zu Neuentdeckungen speziell 

bei junger Kunst und wichtigen künstlerischen 

Positionen aus Osteuropa bietet“, umreißt Christina 

Steinbrecher-Pfandt, künstlerische Leiterin von 

viennacontemporary, das diesjährige Programm 

Österreichs wichtigster internationaler Kunstmesse. 

Vom 21. bis 24. September 2017 werden rund 100 

Galerien und Institutionen aus 26 Ländern ihre 

KünstlerInnen und Programme in der Marx Halle 

präsentieren. Mit den Sonderschauen ZONE1, Solo & 

Sculpture, Focus: Hungary und Nordic Highlights 

unterstreicht viennacontemporary ihre Bedeutung nicht 

nur als Marktplatz, sondern als Ort der Präsentation 

junger und etablierter KünstlerInnen und der Information 

über die Entwicklung der Kunstszene in den 

Schwerpunktländern des Programms. Die Begleitveranstaltungen 

wie die Film- und Videopräsentationen 

im Rahmen von Cinema, die Gespräche und 

Diskussionen in den Talks und die Kunstvermittlung mit 

den Führungen zu ausgewählten Themen bieten einen 

lustvollen und unkomplizierten Zugang zu Kunst für alle 

Altersgruppen. Mit ihrem umfangreichen Programm und 

ihrer ausgewogenen TeilnehmerInnenliste, die sowohl 

die wichtigsten Galerien aus Österreich als auch junge 

wie etablierte Galerien aus der westlichen und östlichen 

Hemisphäre umfasst, gehört viennacontemporary zu 

den aufstrebenden Kunstmessen weltweit. 

„Die Stadt Wien ist nicht nur ein wichtiger Ort des 

Austausches und der Vermittlung von Kunst und Kultur, 

sondern sie ist in den vergangenen Jahren auch zu 

einem Zentrum für Entwicklung und Fortschritt in 

Mitteleuropa geworden. Mit unseren vielfältigen Kooperationen 

mit PartnerInnen aus Kultur, Wirtschaft und 

der Kreativszene wollen wir diese Tendenz stärken und 

in Zukunft weiter ausbauen“, betont Dmitry Yu. 

Aksenov, Vorsitzender von viennacontemporary, die 

aktive Rolle von viennacontemporary bei der 

Vernetzung der Kultur- und Kreativszene Wiens. 

Sonderpräsentationen 2017: Die ZONE1 hat sich als 

bewährtes Format für die Präsentation junger 

KünstlerInnen etabliert und bietet auch dieses Jahr eine 

Reihe innovativer Projekte. Die Auswahl der 

KünstlerInnen erfolgt durch Marlies Wirth, Kuratorin am 

MAK – Österreichisches Museum für angewandte 

Kunst / Gegenwartskunst in Wien, und zeigt die 

gesamte Bandbreite junger zeitgenössischer 

Kunstproduktion: Fotografie, erweiterte Malerei und 

Skulptur bis zu Installation und Performance werden bei 

viennacontemporary in jeweils eigenen Sektionen zu 

sehen sein. Das Bundeskanzleramt Österreich 

unterstützt, so wie in den letzten Jahren, die Teilnahme 

junger KünstlerInnen aus Österreich in der ZONE1. 

Solo & Sculpture: Skulptur als diesjähriges Thema: 

Mit Solo & Sculpture, kuratiert von Miguel 

Wandschneider, setzt viennacontemporary mit der 

Präsentation hochwertiger Skulpturen internationaler 

KünstlerInnen ein neues „Solo“ Thema. Mit zehn 

künstlerischen Statements zeigt Miguel Wandschneider 

seine Auswahl der bedeutendsten und etabliertesten 

VertreterInnen im Feld der Skulptur. Die Einzelpräsentationen 

bilden einen Gegenpol zur 

Geschäftigkeit der Kunstmesse und geben Raum zum 

individuellen Erleben und zur Konzentration auf 

fundamentale künstlerische Aussagen.


Tato Akhalkatsishvili,Back Home, 2017,courtesy ERTI Gallery 

Heimo Zobernig, Ohne Titel, 2016, courtesy Galerie Meyer Kainer


Focus Hungary: Rethinking the Hungarian neo-avantgarde: 

the rediscovery of artistic positions from the 

1960s and 1970s Konzipiert wird die 

Sonderpräsentation von den drei Budapester Galerien 

acb Gallery, Kisterem und Vintage Gallery. Als Kurator 

konnte der ungarische Kunsthistoriker und Kritiker 

József Mélyi gewonnen werden. Die diesjährige 

Sonderschau widmet sich der ungarischen Neo- 

Avantgarde der 1960er- und 1970er-Jahre, die bis 

heute kaum Anerkennung gefunden hat. Ausgehend 

von der Entwicklung der inoffiziellen Kunstszene der 

Neo-Avantgarde in Ungarn der frühen 1960er-Jahre 

unternimmt die Präsentation den Versuch, die 

unterschiedlichen Strömungen, die in dieser Zeit in 

Ungarn vorhanden waren, wieder bewusst zu machen. 

Anstatt lineare Entwicklungen aufzuzeigen, sollen die 

künstlerischen Wurzeln herausgearbeitet werden, die 

bis in die zeitgenössische Kunstproduktion wirken – mit 

dem Ziel, den Diskurs über die Neo-Avantgarde sowohl 

in Ungarn als auch in Zentral- und Osteuropa neu zu 

beleben. Bereits letztes Jahr haben die BesucherInnen 

sehr positiv auf die Sonderpräsentation Nordic 

Highlights reagiert. Ausgewählte Galerien aus Finnland, 

Dänemark und Schweden zeigen auch in diesem Jahr 

sowohl internationale Kunst wie spezifische junge und 

etablierte Positionen aus dem reichen künstlerischen 

Feld der nordischen Länder. 

Im Programm Cinema präsentiert Kurator Olaf Stüber 

Filme und Videos österreichischer und internationaler 

KünstlerInnen, die von den an viennacontemporary 

teilnehmenden Galerien eingereicht wurden. Die 

ausgewählten Filme und Videos werden in Form eines 

täglich wiederholten Programms mit festen Spielzeiten 

der einzelnen Arbeiten präsentiert. Für viennacontemporary 

2017 hat Stüber das Thema Mein kleines 

Glück ausgesucht: Unter diesem Motto hat er 

KünstlerInnenfilme und Videoarbeiten zusammengestellt, 

die sich mit dem Thema Glück und der Suche 

nach den kleinen Glücksmomenten auseinandersetzen 

– oder die das Scheitern der Glückssuche zum Inhalt 

haben. Cinema wird mit der freundlichen Unterstützung 

des Bundeskanzleramts Österreich realisiert. Erstmals 

bei viennacontemporary: der viennacontemporary 

Cinema Preis in Kooperation mit dem Mumok Zum 

ersten Mal wird bei viennacontemporary im Rahmen 

des Cinema Programms und in Kooperation mit dem 

mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig 

Wien, eine der bedeutendsten Institutionen zeitgenössischer 

Kunst in Europa, ein Preis vergeben. 

Die/der GewinnerIn erhält eine Sonderpräsentation im 

mumok kino. Die prämierte Arbeit wird bei freiem Eintritt 

im mumok zu sehen sein. 

Mit dem Foto-Print-Labor Artproof können 

KünstlerInnen ihre Visionen genau so umsetzen, wie 

sie es selbst gerne möchten. Zur Unterstützung junger 

KünstlerInnen, die mit dem Medium der Fotografie 

arbeiten, hat Artproof bisher Produktionsstipendien in 

Estland (seit 2012), Finnland (seit 2014) und 

Deutschland (seit 2016) vergeben. 2016 konnte 

Artproof zum ersten Mal bei viennacontemporary Ulrike 

Königshofer (Galerie Reinthaler, Wien) mit einem 

Produktionsstipendium auszeichnen. Auch 2017 wird 

eine hochkarätige Jury bei viennacontemporary eine/n 

FotokünstlerIn für ein Produktionsstipendium auswählen. 

Das Stipendium beinhaltet die Produktion und 

Rahmung von Fotoarbeiten im Wert von 5.000 Euro 

und einer Residency von einer Woche in Tallinn, 

Estland, inklusive Flug und Unterkunft, sodass die/der 

StipendiatIn die Produktion überwachen kann. Artproof 

ist ein internationales Kunst-Print-Labor mit Filialen in 

Tallinn, Stockholm und Berlin. Das Unternehmen 

produziert jährlich mehr als 60 Ausstellungen für 

KünstlerInnen weltweit. Die GewinnerInnen des 

„Artproof Produktionsstipendiums für Fotografie“ 

werden im Rahmen der Pressekonferenz von 

viennacontemporary am 20. September 2017 in der 

Marx Halle bekanntgegeben. 

(Foto: © viennacontemporary / A. Murashkin)


Tom Anholt, Family Business, 2016, courtesy Galerie Mikael Andersen


PIFO Gallery © viennacontemporary : A. Murashkin 

Gerhard Hofland Amsterdam - © viennacontemporary / A. Murashkin


Liliane Tomasko, all is simple, all is bright, 2017, courtesy bechter kastowsky galerie 

Nina Rike Springer, Bildbauer geschmeidig, 2016, courtesy ba ckerstrasse4


Kristian Touborg, Chichu (selfportrait), 2017, courtesy Galerie Mikael Andersen

KUNST.INVESTOR Art Bodensee 

Foto: Messe Dornbirn, Art Bodensee- © Marte.Marte 

17. Art Bodensee - 21. bis 23. Juli 2017 

Seit 2001 hat sich die Art Bodensee als Format für 

moderne und zeitgenössische Kunst etabliert und gilt 

als Treffpunkt für Kunstliebhaber, Sammler und 

Neueinsteiger. Mit 70 regionalen und internationalen 

Galerien ist sie so vielseitig wie nie zuvor. Im 

Vordergrund der Art Bodensee, der einzigen Sommer- 

Kunstmesse im deutschsprachigen Raum, steht auch 

im 17. Jahr der entspannte Kunstgenuss und die 

Kunstvermittlung. „Die Art Bodensee ist ein Gegenentwurf 

zum gewohnten Messegeschehen“, erklärt 

Projektleiterin Isabella Marte. „Kunst abseits des 

Mainstreams wird persönlich und mit Muße vermittelt. 

Das begeistert Besucher wie Aussteller.“ Wachsende 

Besucherzahlen sowie das rege Interesse der Galerien 

betont dies. 2017 kommen 70 Galerien aus Österreich, 

Deutschland, Liechtenstein, Schweiz, England, Italien, 

Frankreich und Spanien nach Vorarlberg. Die gezeigten 

Werke stellen eine anspruchsvolle Auswahl an 

neuesten künstlerischen Positionen und zukünftigen 

Entwicklungen dar. Die Art Bodensee sieht sich selbst 

als Handelsplattform und „Entdeckermesse“, zu deren 

Publikum Kunstliebhaber genauso gehören wie 

kaufkräftige Sammler. Mit Führungen, Workshops und 

Gesprächen, gibt es ein breites Kunstvermittlungsangebot, 

das einlädt Kunst in den architektonisch 

ansprechenden Hallen zu entdecken. Geplant wurden 

die Messe- und Veranstaltungshallen von den 

Stararchitekten Marte.Marte. Die diesjährige 

Sonderschau „In Search of the Unexpected“ ist eine 

Re-Inszenierung jener Ausstellung, die vergangenes 

Jahr bei der Architektur-Biennale in Venedig gezeigt 

wurde. Die Brüder Stefan und Bernhard Marte vereinen 

in ihren Entwürfen Gegensätze zu räumlichen 

Kompositionen. Der Kunstraum Dornbirn widmet seine 

Sonderschau in der Halle 11 den Künstlern Christoph 

Steinbrener und Rainer Dempf. Ein weiteres Highlight 

im diesjährigen Art Bodensee Programm ist der „Tower 

of Madness“ der beiden Künstler Roland Adlassnig und 

Paul Renner. Ein Projekt, das sowohl Installation, 

Skulptur als auch Event in einem ist. Hundert Personen 

können am 22. Juli an dem dazugehörigen Event 

„Spontane Vergärung“ teilnehmen. 

(Foto: © Messe Dornbirn)

KUNST.INVESTOR Art Bodensee 

Foto: Messe Dornbirn, Art Bodensee- © Udo Mittelberger 

Foto: Messe Dornbirn, Art Bodensee- © Udo Mittelberger

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging 

Johann Garber, 2015, A-Mountain-and-a-Lake, indian ink, 51 x 73 cm, Courtesy galerie gugging 

„curated by johann garber“ 

„Hier wohnt Johann Garber - ein großer Künstler" ist am Haus der Künstler unter dem Fenster seines ehemaligen 

Zimmers zu lesen. Johann Garber feiert heuer am 12. August seinen 70. Geburtstag und dies hat Galerie Gugging zum 

Anlass genommen, ihn zu fragen, ob er die Ausstellung, welche die Galerie ihm zu Ehren machen möchte, gerne selbst 

kuratieren würde, damit auch Werke gezeigt werden, die dem Künstler in Kombination mit seinen eigenen Arbeiten am 

besten gefallen. Er hat sofort begeistert zugesagt, da es ihm gefällt, Räume zu gestalten, und er sich für die Arbeiten 

seiner Künstlerkollegen interessiert. 

Johann Garber liebt es, wie August Walla es auch tat, 

seine Umgebung zu gestalten und Spuren zu 

hinterlassen. Rund um das Haus der Künstler findet 

man von ihm beispielsweise bemalte Bänke, Hölzer, 

Vogel- und Nisthäuschen, den von ihm gestalteten 

Strandkorb und den Grill. Ein von ihm gemalter Fries 

verbindet das ursprüngliche Haus der Künstler mit dem 

Zubau, und sein gelber Hirsch war das erste Werk am 

neu gebauten Haus. Kräftige Acrylfarben zeichnen 

seine Werke am Haus der Künstler und im Lichthof der 

galerie gugging aus und Acrylfarben verwendet er auch 

für seine „ready mades". Objekte, die er durch sein 

künstlerisches Tun in ein Kunstwerk verwandelt – so 

zum Beispiel den ehemaligen Heizofen im Haus der 

Künstler, diverse Reh- und Hirschgeweihe, Spielzeuge, 

Revolver, Mäusefallen, Radios, Bürsten, Stühle und 

vieles mehr. Johann Garbers Papierarbeiten werden 

hauptsächlich mit Feder und Tusche gefertigt und dies 

bis spät in die Nacht, da er nächtens die Ruhe hat, die 

er dafür braucht. Auf verschieden Formaten entstehen 

fabelhafte Welten, die mit viel Liebe zum Detail und 

großer Geduld ausgearbeitet werden. Seine 

Themenwahl hängt davon ab, was ihn gerade 

beschäftigt und interessiert, oder er nimmt eine Reise 

zu einer Ausstellung oder einen Urlaub zum Anlass, um 

zu zeichnen. Ist das Thema festgelegt und in Worten 

am unteren Blattrand zu Papier gebracht, entsteht ein 

Rahmen und danach wird das Blatt strukturiert. 

Größere Objekte wie z.B. Berge, Häuser, Tiere, Seen 

sowie Wege und Zäune zur Unterteilung werden zuerst 

gezeichnet und schaffen jene Räume, die er dann mit 

seinen unzähligen kleinen Objekten, Menschen, Autos, 

Sternen, Kugeln, Igeln … füllt.


Johann Garber, 2011, Objekt Krickecl, Acryl auf Holz und Krickel, 15 x 21 x 12 cm, Courtesy galerie gugging


Jaroslav Diviš, 2013,untitled, indian ink, collage, 21,1 x 29,7 cm, Courtesy galerie gugging 

Sonne und Mond stehen in jeder seiner Zeichnungen 

gleich. Die Sonne scheint von rechts, der Mond von 

links auf das Gezeichnete und dazwischen finden sich 

zumeist ein bis zwei Flugobjekte. Zeichnungen, die ihm 

gerade besonders wichtig sind, hängt er in seinem 

Zimmer auf. Er ist jetzt der einzige der Gugginger 

Künstler, der mit seinen Werken, mit Fotos und den 

verschiedensten Objekten sein Zimmer gestaltet. Eine 

dieser Installationen ist auch im museum gugging, im 

Garber Salon, zu sehen. Wie sein Zimmer im Haus der 

Künstler ist, auch das ein „work in progress", und er 

kommt immer wieder, um daran zu arbeiten. curated by 

johann garber zeigt neben Garbers eigenen, noch nie 

zuvor gezeigten Papier- und Objektarbeiten seine 

Auswahl von Werken seiner Künstlerkollegen. Es ist 

eine sehr persönliche Schau, bei der die Werke seiner 

Künstlerfreunde aus dem Haus der Künstler 

überwiegen. Johann Garber hat sehr spontan und 

assoziativ ausgewählt. So das Radio von Günther 

Schützenhöfer, weil er es liebt, Radio zu hören und 

Radios zu bemalen, das Flugzeug von Arnold Schmidt, 

weil es ihn an unsere gemeinsame Reise nach Basel 

erinnert hat und weil ihm dessen Farben gefallen, die 

Flaschen von seinem Zimmerkollegen Heinrich 

Reisenbauer, weil er dieses Werk als ein für diesen 

typisches empfindet.Sein Werk „Ein Berg und ein See" 

ist ein Meisterwerk, für das er sehr viel Zeit 

aufgewendet hat. „Hl. Maria mit Kind" ist nach einem 

seiner vielen Besuche bei der Lourdesgrotte in Maria 

Gugging entstanden, von denen er gerne erzählt.Seine 

Arbeiten kann man in vielen privaten und öffentlichen 

Sammlungen finden, etwa in der Fabio und Leo Cei 

Sammlung (I), in der Diamond Collection, Sammlung 

Hannah Rieger, Sammlung Helmut Zambo (A) oder 

aber im Museum de Stadshof (NL), im Museum of 

Outsider Art, Moskau (RU) oder im American Folk Art 

Museum in New York (USA). Das von Johann Garber 

gestaltete Ohr vor dem Funkhaus in Wien in der 

Argentinier-strasse 30a ist längst ein Fixpunkt für 

kunstinteressierte Wienreisende. [Galerie Gugging, 

Ausstellungsdauer bis 20. September 2017- Foto: © 

Galerie Gugging]


Johann Fischer, 2007, Four men, pencil, coloured pencils, 20,8 x 29,7 cm, © Art Brut KG 

August Walla, 1993, Walla Augustin's drawing, pencil, coloured pencils, 44 x 62,6 cm, © Art Brut KG


Arnold Schmidt, 2013, bycicle, acrylic, crayons, coloured pencils, 42 x 59,6 cm, Courtesy galerie gugging


Johann Korec, 1972, Korec Johann pops in the mountains, indian ink, aquarellic, 20,9 x 28,3 cm, © Art Brut KG


Hans Langer, Lass uns "Fang den Ball" spielen. Nein ich mag nicht, 2003, Lack auf Acryl-Gemälde, 30,2 x 24,2 cm


Johann garber, In-Wald-und-Flur, 2016, Tusche, 14,8 x 20,9 cm

KUNST.INVESTOR Bösendorfer

KUNST.INVESTOR Bösendorfer 

Bösendorfer Artist Series Klimt Goldene Adele Debut 

Das neue Sammlerstück aus der Bösendorfer Artist Series Klimt ist fertig und wurde auf der NAMM - 

National Association of Music Merchants präsentiert. Kunstgenuss auf höchstem Niveau. 

Gustav Klimt ( 1862 - 1918 ), einer der bedeutendsten 

österreichischen Maler und bekanntester Vertreter des 

Wiener Jugendstils, und Bösendorfer repräsentieren 

beide österreichische Kultur und deren künstlerische, 

musikalische und handwerkliche Aspekte. Das zweite 

Modell der Klimt-Serie widmet Bösendorfer dem Bildnis 

von Adele Bloch-Bauer. 1903 erhielt Gustav Klimt von 

Ferdinand Bloch-Bauer den Auftrag, ein Porträt seiner 

Frau anzufertigen. Im selben Jahr reiste Klimt nach 

Italien. Die in Gold geschmückten Kirchenmosaiken 

inspirierten ihn, diese Bildsprache in eine zeitgemäße 

Form zu übertragen. In den folgenden Jahren erstellte 

Klimt über 100 Zeichnungen und Studien für das 

Gemälde. Er experimentierte mit verschiedensten 

Techniken, bis es ihm gelang, umfangreiche Blattsilberund 

Blattgoldauflagen auf das Ölgemälde aufzubringen. 

Mit einer aufwendigen Reprographie-Technik war es 

möglich, die Originalvorlage dieses Gemäldes auf das 

Innere des Flügeldeckels zu übertragen. Teile des 

Gemäldes veredelten unsere Kunsthandwerker 

anschließend mit Blattgoldauflagen. Notenpult und 

Füße spiegeln diese goldene Phase mit weiteren 

Jugendstil-Elementen – die ebenfalls von unseren 

Kunsthandwerkern aufwendig blattvergoldet wurden. 

Das Modell Klimt ist auf 25 Flügel limitiert und erhältlich 

in den Größen 200 und 214. Jedes Instrument trägt 

eine individuell nummerierte Messingplakette. Der 

fulminante Ausstellungskatalog „Gustav Klimt/Josef 

Hoffmann, Pioniere der Moderne“ komplettiert diese 

Künstleredition. Dieses Buch erschien anlässlich der 

gleichnamigen Ausstellung im "Belvedere Museum 

Wien" und widmet sich der intensiven Zusammenarbeit 

der beiden Künstler und der modernen Bewegung um 

die Jahrhundertwende. Auch Josef Hoffmann, ein 

wichtiger Österreichischer Architekt, war eng verbunden 

mit der Bösendorfer Manufaktur. Er gestaltete 1909 

einen Bösendorfer Flügel im Wiener Jugendstil. (Foto: 

© Bösendorfer)

UNST.INVESTOR News 

Foto: © Margot Pilz - Musa 

MARGOT PILZ 

Brünn- Margot Pilz‘ künstlerischer Zugang ist 

multimedial und umfasst Fotografie, Video, 

Computeranimation, Medienskulptur, Performance, 

Installation und digitale Kunst. Sie lediglich als eine der 

Vertreterinnen feministischer Kunst zu bezeichnen, 

wäre zu eindimensional, denn zu vielschichtig und 

komplex sind die Themen, denen sie sich widmet. Vor 

allem als Konzept- und Medienkünstlerin leistete 

Margot Pilz in der jüngeren österreichischen, wie auch 

in der internationalen Kunstgeschichte, in inhaltlicher 

und technischer Hinsicht Pionierarbeit. Radikal, 

experimentell, aktionistisch, feministisch, konzeptuell 

sind Begriffe, die oftmals verwendet werden, um ihre 

Kunst zu charakterisieren. Das Typische für die 

Künstlerin ist: Ihre Arbeit weist außergewöhnlich viele 

autobiographische Bezüge auf. In Kooperation mit der 

Kulturabteilung der Stadt Wien - MUSA präsentiert die 

Ausstellung in der Jaroslav Král Galerie einzelne 

Aspekte des umfangreichen Schaffens der Künstlerin, 

welches erstmals 2015 in der Personale „Margot Pilz. 

Meilensteine | Von der performativen Fotografie zur 

digitalen Feldforschung“ im MUSA in Wien einem 

breiteren Publikum vorgestellt wurde. Die ausgebildete 

Mode-, Porträt- und Werbefotografin wendet sich in den 

1970er Jahren von der kommerziellen Fotografie ab.


Die ersten Werke, die sich den Menschen in ihrer 

unmittelbaren Umgebung und deren Alltag widmen, 

sind von einer subtilen, poetischen Sprache und 

malerischen Atmosphäre geprägt. Dazu verwendet die 

Künstlerin grobkörnigen Film, Unschärfe, 

Langzeitbelichtung und Teilkolorierungen. Die in 

manchen Arbeiten eingesetzten Textpassagen 

unterstreichen das narrative Moment. So entstehen die 

ersten fotografischen Serien. Bereits hier finden sich 

die gesellschaftskritischen und konzeptuellen Ansätze, 

die für Pilz' Arbeiten zukunftsweisend werden. Im Jahr 

1978 tritt die Künstlerin der 1977 in Wien gegründeten 

„Internationalen Aktionsgemeinschaft bildender 

Künstlerinnen“ (IntAkt) bei, die gegen die 

Diskriminierung von weiblichen Kunstschaffenden im 

österreichischen Kulturbetrieb ankämpft und sich durch 

politische und kulturelle Aktivitäten, Ausstellungen und 

Aktionen schnell zu einer international beachteten 

Plattform entwickelt. In diesem Kontext stehen Pilz' 

Arbeiten mit einem performativen Ansatz, ihre 

soziologischen Reportagen, Aktionen und Happenings, 

die fotografisch dokumentiert sind. Obwohl ihr Œuvre 

der späten 1970er und frühen 1980er Jahre eine 

allgemein-feministische Thematik behandelt, reflektiert 

das Werk der Künstlerin ihre persönlichen, ganz 

konkreten Erlebnisse und Empfindungen. 1978 kommt 

es bei einem Frauenfest zum Zusammenstoß mit der 

Polizei. Pilz wird festgenommen und verarbeitet die 

empfundenen Übergriffe kurze Zeit später in ihren 

ersten performativen Selbstdarstellungsserien. Die 

Fotos, die in der Ausstellung „Selbstauslöser - 

Selbstauslösung“ gezeigt werden, stellen die 

Initialzündung ihres künstlerischen Schaffens dar. Sie 

sind der Befreiungsakt gegen das ohnmächtige Gefühl 

des Ausgeliefertseins als Frau angesichts der 

(männlichen) Staatsgewalt. Die bestehenden 

patriarchalen Strukturen, welche die Unterdrückung der 

Frau generieren, werden aufgezeigt und hinterfragt. 

Das Private wird plötzlich politisch. Diese Arbeiten sind 

körperzentriert und psychisch konnotiert: Die 

Gefühlslagen von Verletzung und verzweifelter Wut 

werden zum Gegenstand der fotografischen Analyse. 

Bemerkenswert ist der bewusste Verzicht auf 

Porträthaftigkeit zugunsten einer expressiven Gestik: 

ins Zentrum rücken stattdessen die unterschiedlichen 

Gemütszustände, repräsentiert z.B. durch die 

Leinenjacke, die Pilz bei dem Frauenfest trug und die 

bei der Verhaftung durch die Polizei zerknittert wurde. 

Die emotionale Ebene der BetrachterInnen wird damit 

stark angesprochen. Margot Pilz sucht nicht nur ihre 

Stellung als Frau in der Gesellschaft, sondern auch die 

Identität in ihrer eigenen Ehe. Das Aufzeigen von 

Geschlechterdifferenzen, das Hinterfragen der 

tradierten Rollenzuweisungen als Mutter, Haus- und 

Ehefrau sowie ihre Stellung als Künstlerin in einer 

männlich dominierten Kunstszene, in der sie sich 

zurecht zu finden hat, prägen inhaltlich und 

formalästhetisch die Arbeiten der „4th Dimension“ 

(1978-1982). Die Zeit als vierte Dimension fügt sie ihrer 

Analyse hinzu.


Was formal wie Zufall erscheint, ist das Ergebnis 

präzise kalkulierter Langzeitbelichtung, die Pilz zur 

Verdeutlichung ihrer Inhalte meisterhaft einsetzt. Ihren 

Höhepunkt erreicht die Werkphase der Selbstreflexion 

mit dem Projekt „Weiße Zelle“ (1983-1985): Die 

Künstlerin errichtet einen flexiblen Raum proportional 

zu ihren Körpermaßen, in dem sie agiert. Hier erweitert 

Pilz in der Folge ihren künstlerischen Fokus, indem sie 

diese Zelle ihren FreundInnen und anderen 

Kunstschaffenden als Handlungsraum anbietet und 

deren Performance fotodokumentiert. 

1982 entsteht im Rahmen der Wiener Festwochen 

„Kaorle am Karlsplatz“, ein künstlicher Strand mitten in 

der Stadt. Direkt vor der Wiener Karlskirche werden 

200m² Fläche mit Sand aufgeschüttet, Palmen und 

Liegen aufgestellt. Als wichtigen Aspekt thematisiert sie 

in dieser Arbeit die Umweltproblematik. Um auf die 

Gefährdung der Meere aufmerksam zu machen, lässt 

sie einen lebensgroßen Plastikwal im Bassin der 

Karlskirche schwimmen und spielt dazu Walgesänge 

ab, die ihr Greenpeace zur Verfügung stellt.Gänzlich 

neuen Techniken und Materialien wendet sich die 

Künstlerin ab 1986 zu. Sie investiert in einen Amiga 

1000 Computer und ist eine der ersten Künstlerinnen in 

Österreich, die mit Möglichkeiten der digitalen 

Bilderwelten experimentieren. Mithilfe ihrer selbst 

entwickelten Programmiersprache werden analoge 

Fotos per Videokamera in den Computer eingespeist 

und bearbeitet. Es entstehen die ersten digitalen 

Bildverfremdungen in Form von Bildschirmfotos, Inkjetund 

Laserprints, die mit Verfremdung und pixeliger 

Ästhetik das gewohnte Wahrnehmungsempfinden 

dekonstruieren. Ihre digitalen Arbeiten werden 

konsequent mit „GOTO MP“ signiert, einem aus der 

Computersprache übernommenen und um ihre Initialen 

erweiterten Programmierbefehl. Die 

computergenerierten Bilder werden ab 1988 zu 

Animationen und Videos erweitert und diese in teils 

interaktive Medienskulpturen integriert. Zusammen mit 

Roland Scheidl präsentiert sie bei der Ars Electronica 

1991 das erste Internetprojekt in Österreich, „Delphi 

Digital“. Die interaktive Skulptur konnte eingegebene 

Fragen zu Umweltthemen aus ihrem programmierten 

Speicher oder aus Nutzerforen von Netzpionieren 

beantworten und kann als Vorläufer einer 

Suchmaschine angesehen werden. [Haus der Kunst 

der Stadt Brünn, Jaroslav Král Galerie, Malinovského 

nám. 2, Brünn. Kuratorin: Jana Vránová, Dauer vom 7. 

Juni bis 30. Juli 2017 – Foto: © MUSA]


Foto: © Margot Pilz - Musa

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien 

Taus Makhacheva, 19 a Day, Makhachkala, 14.09.2014, Courtesy die Künstlerin und narrative projects, London 

Foto: Shamil Gadzhidadaev 

Goshka Macuga, To the Son of Man Who Ate the Scroll, 2016, Installationsansicht Fondazione Prada, Mailand, 2016 

Foto: Delfino Sisto Legnani Studio, Courtesy Fondazione Prada


How To Live Together 

How To Live Together beschäftigt sich mit den 

individuellen wie gesellschaftlichen Bedingungen und 

Potenzialen unseres Zusammenlebens. Im 

Vordergrund stehen dabei die Dynamiken von 

Ökonomie und Politik, aber auch sich wandelnde 

soziale Beziehungen. Die Arbeiten von über dreißig 

internationalen Künstler/innen verschiedener 

Generationen gehen von persönlichen Erfahrungen aus 

und verweisen gleichzeitig auf sich verändernde 

Verhältnisse zwischen Privatem und Politischem, 

Stillstand und Bewegung, Wirklichkeit und Utopie. Die 

Vielfalt der präsentierten Lebenswelten zeigt auf, dass 

Gesellschaft mehr ist als die Summe ihrer Individuen. 

How To Live Together entfaltet Vorstellungen von 

Zusammenleben, die Vergangenheit, Gegenwart und 

Zukunft miteinander verbinden. Reflektionen über 

Identitäts- und Geschichtskonstruktionen machen 

darauf aufmerksam, dass Vergangenheit immer auch 

anders erzählt werden kann, was das Verständnis von 

den Krisen der Gegenwart grundlegend verändert. Die 

ausgestellten Arbeiten erzählen Geschichten von Flucht 

und Migration, von Erfahrungen von Rassismus und 

Ausgrenzung, aber auch von Solidarität und Ganzheit 

in Vielfalt. Von August Sanders Gesellschaftsporträts 

über Tina Barneys Abbilder gesellschaftlicher Eliten bis 

zu Cana Bilir-Meiers filmischer Auseinandersetzung mit 

den vergessenen Geschichten von 

Arbeitsmigrant/innen, zeigt How To Live Together auf, 

dass das Fremde auch etwas ist, zu dem Menschen 

gemacht werden. Allgemein menschliche 

Empfindungen zwischen Liebe, Angst, Glauben und der 

Sehnsucht nach Frieden werden von Goshka Macugas 

Androiden angesprochen, der einen Appell an die 

Menschlichkeit richtet und gleichzeitig zur Überwindung 

überholter Modelle aufruft. Wolfgang Tillmans‘ durch 

die Brexit Diskussion motivierte Kampagnen markieren 

eine Gegenbewegung: positiv besetztes 

zivilgesellschaftliches Engagement, das auf Solidarität 

und das Verbindende setzt, gewinnt an Bedeutung.


Paul Graham, Beyond Caring, 1984/85, © Paul Graham, Courtesy Anthony Reynolds Gallery, London 

Tina Barney, The Antlers, 2001, Courtesy die Künstlerin und Paul Kasmin Gallery


Auf eine Gesellschaft zwischen Auflösung und 

Aufbruch verweist auch die eigens für How To Live 

Together von Studio Miessen entworfene 

Ausstellungsarchitektur. Durch ihre Referenz an antike 

Versammlungsorte sowie an moderne Bauplätze steht 

sie sinnbildlich für die Notwendigkeit, Räume der 

Demokratie neu zu denken und macht auf die 

Leerstelle der gesellschaftlichen Utopie aufmerksam. 

Dabei nimmt das Community College als aktiver Ort 

des Austauschs eine besondere Stellung ein. Zentral im 

Eingangsbereich verortet, fungiert das Community 

College als partizipative Plattform für 

Vermittlungsformate verschiedener Art und verwandelt 

die Kunsthalle Wien in einen engagierten Ort des 

Lernens. Ein Eröffnungsreigen markiert den Auftakt von 

How To Live Together: von Mittwoch, 24. Mai bis 

Sonntag, 28. Mai wird es in der Kunsthalle Wien neben 

einem Gespräch mit Chris Dercon, designierter 

Intendant der Berliner Volksbühne, dem Theaterabend 

badluck aleppo, Gesprächen mit Künstler/innen der 

Ausstellung sowie der Aktivierung der offenen Plattform 

Community College auch ein umfangreiches 

Kinderprogramm zum Thema geben- Kurator: Nicolaus 

Schafhausen. Ausstellungsarchitektur: Studio Miessen 

[Kunsthalle Wien. Dauer bis 15. Oktober 2017 – Foto: 

Kunsthalle Wien] 

Künstler/innen: Bas Jan Ader, Kader Attia, Sven Augustijnen, Tina Barney, Cana Bilir-Meier, Ayzit Bostan, Mohamed 

Bourouissa, Ieva Epnere, Aslan Gaisumov, Gelitin, Liam Gillick, Paul Graham, Johan Grimonprez, Binelde Hyrcan, 

Leon Kahane, Herlinde Koelbl, Armin Linke, Goshka Macuga, Taus Makhacheva, Pedro Moraes, Sarah Morris, Adam 

Pendleton, Yvonne Rainer, Jeroen de Rijke / Willem de Rooij, Willem de Rooij, August Sander, Ritu Sarin / Tenzing 

Sonam, Augustas Serapinas, Jeremy Shaw, Wolfgang Tillmans, Rosemarie Trockel, Kasper de Vos


Wolfgang Tillmans / Jop van Bennekom / Gert Jonkers, Protect the European Union, 2017, Courtesy Galerie Buchholz, Berlin/Köln/New York


August Sander, Proletariermutter, 1926, © Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur – August Sander Archiv, Köln 

BILDRECHT GmbH, Wien, 2017


Paul Slade, Gérard Depardieu am Set von »Affentraum« 

New York 1977, © Paul Slade, courtesy OstLicht Gallery


Elliott Erwitt, Paris 1989, © Elliott Erwitt / Magnum Photos, courtesy OstLicht Gallery 

ANIMALIA 

Tiere im Bild 

Mit Beginn der warmen Jahreszeit verwandelt sich die 

Leica Galerie in eine Menagerie, die sich vor dem 

Schönbrunner Zoo nicht zu verstecken braucht: Affen, 

Elefanten, Pelikane, Schmetterlinge, Haie, Kaninchen 

und eine Reihe weiterer Spezies, nicht zu vergessen 

natürlich unsere ältesten und liebsten Freunde, Katzen, 

Hunde und Schweine, tummeln sich in den Räumen an 

der Walfischgasse. Die Fotografien inszenieren sie als 

Symbol und Trophäe, als Passant, Beute und 

Accessoire, als Wildtier, Nutztier, Haustier, als Comic 

Relief und nicht zuletzt auch als flauschiges Requisit 

großer Fische der Filmindustrie wie James Dean, 

Gérard Depardieu oder Walt Disney. Tiere, sieht man 

hier, waren schon immer die besseren Menschen – 

oder immerhin die besseren Schauspieler. Nie hat man 

einem Tier sagen müssen, es solle ganz natürlich sein, 

nie musste man es auffordern: „Sei einfach Du selbst“. 

Es weiß, was die Kamera erwartet – vorausgesetzt, der 

Fotograf ist schnell genug. Neben den bekannten 

Vierbeinerenthusiasten Elliott Erwitt und William 

Wegman widmen sich in der Ausstellung auch andere 

Schwergewichte der Fotogeschichte dem Animalischen 

unter uns. So fotografierte etwa Eve Arnold eine Katze 

zwischen loungenden Warhol-Superstars, Henri Cartier- 

Bresson erwischte Straßengänse im entscheidenden 

Moment, Klaus Pichler begegnete 2010 einem Hai in 

den Katakomben des Naturhistorischen Museums, 

Daniel Gebhart de Koekkoek lichtete Hauskatzen im 

freien Fall ab und dass Irving Penn nicht nur 

Jahrhundertporträtist sondern auch Besitzer zweier 

Haustiere mit Namen Fido und Mauki war, zeigen zwei 

Aufnahmen von Roland Pleterski. Nicht fehlen darf in 

der Leica Galerie schon der Namensähnlichkeit wegen 

Hündin Laika, die 1957 als erstes Lebewesen in der 

Erdumlaufbahn der gesamten Menschheit um knappe 

vier Jahre voraus war. [Leica Galerie Wien. Dauer bis 

12. Juli 2017 – Foto: © Leica Galerie Wien]


Klaus Pichler, Basement Shark, aus der Serie »Skeletons in the Closet« 

Naturhistorisches Museum, Wien 2010 © Klaus Pichler, courtesy OstLicht Gallery


Daniel Gebhart de Koekkoek, Nevio, aus der Serie »Jumping Cats« 

2016, © Daniel Gebhart de Koekkoek, courtesy Collectors, Agenda

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LA BIENNALE DI 

VENEZIA 2017 

Brigitte Kowanz und 

Erwin Wurm im 

Öserreich Pavillon 

der 57. Internationalen 

Kunstausstellung 

Mit Brigitte Kowanz und Erwin Wurm präsentiert Christa 

Steinle, Kommissärin des Österreich-Pavillons 2017, 

zwei Kunstpositionen, in deren Mittelpunkt die 

Auseinandersetzung und Weiterentwicklung des 

Skulpturenbegriffs im internationalen Kunstdiskurs 

steht. Mit ihren Oeuvres operieren Brigitte Kowanz und 

Erwin Wurm – beide haben für ihr außergewöhnliches 

Werk den Großen Österreichischen Staatspreis 

erhalten – an der Schnittstelle von Skulptur und 

Architektur, Wurm auf materielle Weise, Kowanz auf 

immaterielle Weise. Beide reagieren auf die 

Veränderungen unserer Raumwahrnehmung und 

Raumerfahrung in den letzten 200 Jahren durch 

Maschinen, Medien und neue Materialien. „Wenngleich 

die berühmteste Werkphase von Wurm als performative 

Skulptur bezeichnet wird und die Arbeiten von Brigitte 

Kowanz als Lichtinstallationen, also in der Benennung 

weit auseinanderzuliegen scheinen, arbeiten sie doch 

im gleichen Feld, an der durch den Ausstieg aus dem 

Bild eingeleiteten Expansion der Künste. Brigitte 

Kowanz hat durch ihre Lichtinstallationen auf 

immaterielle Weise Raum und Architektur neu definiert. 

Erwin Wurm hat mit seinen berühmten 

Häuserparaphrasen, von ‚House Attack’ (2006) bis zum 

‚Narrow House’ (2010), auf materielle Weise die 

Architektur in Skulptur verwandelt und mit seinen ‚One 

Minute Sculptures’ die performative Wende der 

Skulptur auf konsequenteste Weise weiterentwickelt. 

Kowanz hat mit ihren Lichtobjekten und Lichträumen, 

denen Schrift und Zeichen inhärent sind, eine 

autonome Leistung für die Kunst erbracht. Mit ihren 

innovativen und eigenständigen Beiträgen sind Kowanz 

und Wurm Teil einer internationalen Bewegung 

innerhalb des Spektrums eines erweiterten Skulpturund 

Raumbegriffs“, kommentiert Christa Steinle ihr 

ästhetisches Konzept für den Österreich-Pavillon. [Ort: 

Österreich-Pavillon, Giardini della Biennale, Venedig.

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KUNST.INVESTOR Buchtipp 

Melitta Moschik - „TOUCHING REALITY“ 

Melitta Moschik erkundet die Wahrnehmung und 

Repräsentation von Wirklichkeit im Kontext der Kunst 

und visualisiert die realen und virtuellen Welten der 

Information in ikonografischen, raumplastischen 

Werken. Signifikante Kommunikationsoberflächen 

werden von der Künstlerin in skulpturale Symbolformen 

und Zeichensysteme übersetzt, welche auf die 

Mechanismen der Rezeption und Abbildung der 

Realität verweisen. Das Buch bietet einen Überblick 

über ihre aktuellen Acrylglasobjekte, Metalltableaus und 

Installationen, die sich im Spannungsfeld von Kunst 

und Technologie sowie Literatur und neuen Medien 

bewegen. „Die hypertrophe Produktion und Distribution 

von Bildmaterial, die visuelle Struktur von 

Benutzeroberflächen, der virtuelle Raum als neuer 

Kulturraum sind einige Aspekte, die Melitta Moschik in 

der formalen Logik und technischen Ästhetik ihrer 

Themen umsetzt. Des Weiteren analysiert die 

Künstlerin in ihrem Werk die Entwicklung vom Bild zum 

Zeichen, lotet dessen Bedeutungsvalenzen aus und 

reflektiert unter dem Stichwort der Ikonisierung die 

Zeichenwerdung von medialen Bildern.“- Roman 

Grabner (Textauszug aus Melitta Moschik, TOUCHING 

REALITY) 

Melitta Moschik 

TOUCHING REALITY 

104 Seiten, 34 Farb- und 32 s/w Abbildungen 

Hardcover, Deutsch & Englisch 

Texte: Roman Grabner, Lucas Gehrmann, Heimo Strempfl 

Kerber Verlag Berlin—Bielefeld 

ISBN 978-3-7356-0210-7


Heinz Adamek 

„KUNSTAKKORDE – diagonal“ 

Essays zu Kunst, Architektur Literatur und 

Gesellschaft 

Heinz P. Adamek stellt mit diesem Essay-Band beispielhaft „Kunstschritte vom 19. ins 21. Jahrhundert“ vor: Er 

beleuchtet Persönlichkeiten aus bildender und angewandter Kunst, Architektur, Literatur, Theater und Film. Als 

vormaliger Universitätsdirektor der Universität für angewandte Kunst Wien gewährt er in Beiträgen über Hermann 

Heller, Anton Kenner, Bertold Löffler, Otto Niedermoser, Michael Powolny, Grete Rader-Soulek, Elli Rolf und Heinrich 

von Tessenow - durchwegs prägenden Gestalten der „Angewandten“ - profunde Einblicke in deren Schaffen, anderseits 

gilt sein Engagement als jahrelangem Initiator bzw. Kurator von Ausstellungen dem Oeuvre Giovanni Segantinis ebenso 

wie Arbeiten internationaler Künstler der Gegenwart zum Thema Rezeption des Werkes von Gustav Klimt. Sein 

Interesse für das Fin de Siècle und die frühe Moderne drückt sich auch in der Stückwahl für die Theateraufführungen 

des Wiener European Studies Program der Central University of Iowa aus, für die der Autor als Dramaturg und 

Regisseur eineinhalb Jahrzehnte verantwortlich zeichnete. Nicht zuletzt durchleuchtet der Arthur Schnitzler-Kenner 

Adamek in zwei Essays wenig bekannte Seiten des prominenten Dichters. 

Heinz Adamek 


250 Seiten, 107 Abbildungen 

Hardcover, Schutzumschlag 

Preis 30,- Euro 

Verlag Böhlau Wien, Köln, Weimar 

ISBN 978-3-205-20250-9


Hans Hornyik 

„Ein Kunstverein in Baden – 

vom Gestern ins Morgen“ 

Hundert Jahre Kunstverein 

Zum Thema Kunst in Baden wurde viel geschrieben. 

Musik, Theater, Literatur prägten das kulturelle Leben 

im 19. Jahrhundert. Die Namen von Mozart, Beethoven, 

Lanner, Strauß zieren Gedenktafeln und 

Erinnerungskultur. Während Mozarts Bezug zu Baden 

maßlos überschätzt wird, war die Stadt Beethovens 

Lieblingskurort, wo er viele Sommer nach Heilung für 

seine zahlreichen Krankheiten suchte.…“ 

Inhaltsverzeichnis: 7 Ein Kunstverein in Baden – vom 

Gestern ins Morgen- Hans Hornyik, 13 Kurze 

Anmerkungen zu den Ritualen der Kunst- Alexandra 

Schantl, 17 Die Blüte der Kunstvereine im 19. 

Jahrhundert- Cornelia König, 29 Die Gründungszeit des 

Kunstvereins- Regina Hadraba, 41 Die temporäre 

Vereinigung des Kunstsinns- Wolfgang Müller-Funk, 49 

100 Jahre Kunstverein Baden- Leo Hemetsberger, 57 

Artists in Residence- Hartwig Knack, 65 Künstler des 

Kunstvereins Baden, 148 Galerieprogramm 1995 – 

2016, 156 Biografien. 

Auszug aus „Ein Kunstverein in Baden – vom Gestern 

ins Morgen, Hundert Jahre Kunstverein“: Das ist 

eigentlich eine Spätgeburt. In den Jahren ab 1793 

begann der steile Aufstieg der kaiserlichen Kurstadt. 

Wiener Adel und Großbürgertum entdeckten die hohe 

Lebensqualität Badens und ab 1842, dem Jahr des 

Anschlusses an die Südbahn, reihte sich Villa an Villa 

der Reichen und Schönen. Diese Entwicklung 

verwandelte die Kleinstadt in ein gründerzeitliches 

Arkadien mit großzügigen Parkanlagen, Alleen und 

allen urbanen Annehmlichkeiten, die den „Weltkurort“ 

zur einer der führenden Fremdenverkehrsdestinationen 

der k. k. Monarchie machte. Vor diesem Hintergrund 

erscheint die Gründung des Kunstvereins im Jahr 1915 

als späte Geburt. 

Hans Hornyik 

„Ein Kunstverein in Baden-vom Gestern ins Morgen“ 

160 Seiten, Größe: 240 x 290 mm 

Gebunden, Leineneinband 

Preis: € 18,00 

Verlag Kunstverein Baden


Otto Hans Ressler 

Soshana 

Als Susanne Schüller, wie Soshana eigentlich hieß, elf 

Jahre alt war, musste sie mit ihrer Familie aus 

Österreich flüchten. Über Paris und London gelangte 

sie nach New York. Sie war siebzehn, als sie die 

Schule verließ und mit ihrem Lebensgefährten, dem 

Maler und Bildhauer Beys Afroyim, durch Amerika zog 

und mit Porträts prominenter Emigranten erste 

Lorbeeren als Künstlerin erwarb. In New York verkehrte 

sie mit den (damals noch unbekannten, mittlerweile 

weltberühmten) Künstlern des Abstrakten 

Expressionismus und der Pop Art. Sie ging nach Paris 

und schloss Freundschaft mit Constantin Brancusi, 

Frantisek Kupka, Yves Klein, Jean Paul Sartre und vor 

allem mit Alberto Giacometti. 1953 lud Pablo Picasso 

sie nach Vallauris ein, die beiden hatten eine kurze, 

heftige Affäre, aus der Soshana floh, weil sie 

befürchtete, von Picasso völlig vereinnahmt und 

erdrückt zu werden. Sie bereiste, längst eine etablierte 

Künstlerin, die ganze Welt. 1999 hatte sie ihre letzte 

große Ausstellung im Musée Matisse in Nizza. Soshana 

starb im Dezember 2015 in Wien. 

„Wie in meinen letzten Büchern habe ich Soshanas Lebensgeschichte aus der Sicht der Künstlerin aufgezeichnet. 

Dabei konnte ich mich auf tausende Tagebuchseiten stützen, die sich in der Österreichischen Nationalbibliothek 

befinden. Trotzdem ist Soshana keine Biografie, sondern ein Künstlerroman.“ Otto Hans Ressler 

Edition Va Bene (Verlag) 2016 

Buch | Hardcover 

Preis: 21,90 Euro 

304 Seiten 

ISBN 978-3-85167-302-9


Adolf Krischanitz 

Das Inventar ist das 

Ergebnis der Inventur 

Basierend auf den Entwürfen für zahlreiche Gebäude 

aus den Bereichen Kultur, Wohnen, Gewerbe, Bildung 

etc. hat Adolf Krischanitz Innenausstattungen 

entworfen, die sich mit wenigen Ausnahmen jeweils aus 

den laufenden Bauaufgaben entwickelt haben. Die im 

Zuge der architektonischen Arbeit entstandenen 

Interieurs sind in der Regel nicht nur Sessel, Tisch, 

Liege und Lichtobjekte, sondern sind konstitutiver Teil 

des räumlichen Aufbaus und der Gestion des 

integralen architektonischen Raumes. Alles in allem 

liefert er durch sein Werk einen bemerkenswerten 

Beitrag zu einem wichtigen Aspekt der jüngeren 

österreichischen Architekturgeschichte. Die Entwicklung 

dieser Arbeiten ist anfänglich durch historisierende 

postmoderne Tendenzen gekennzeichnet, um 

schließlich in radikalere direkte Versuche zur 

Anknüpfung an die inzwischen fast verloren 

gegangene Entwurfstradition des regionalspezifischen 

Ausstattungshandwerks in Wien zu münden. Außerdem 

werden Kooperationen mit anderen Architekten (Otto 

Kapfinger, Hermann Czech), mit Künstlern (Oskar Putz, 

Gilbert Bretterbauer, Helmut Federle, Gerwald 

Rockenschaub) gesucht und zu spezifischen 

Entwurfsergebnissen gebracht, die sich jenseits aller 

modischen Tendenzen trotz oder gerade wegen ihrer 

zeithältigen Materialität heute wie zeitlos gerieren. 

Adolf Krischanitz, * 1946 in Schwarzach / Pongau gründete 1970, gegen Ende seines Studiums an der Technischen 

Universität Wien, zusammen mit Angela Hareiter und Otto Kapfinger die Architektengruppe Missing Link. 1979 zählte 

er zu den Begründern der Zeitschrift UmBau der Österreichischen Gesellschaft für Architektur und übernahm 1982 den 

Vorsitz dieser Gesellschaft. Als Mitglied und schließlich Präsident der Wiener Secession (1991–1995) verantwortete er 

die Gestaltung und Organisation zahlreicher Ausstellungen zeitgenössischerKunst. Als Gastprofessor war er 1989 an 

der Technischen Universität München sowie an den Sommerakademien in Karlsruhe (1990), Neapel (1994/95) und 

Wien (1996) tätig. 1992–2011 war er Professor für Stadterneuerung und Entwerfen an der Universität der Künste 

Berlin. Seit 1979 arbeitet Krischanitz als freischaffender Architekt mit Ateliers in Wien und Zürich. 

Herausgeber: Edelbert Köb 

Texte: Sebastian Hackenschmidt, Otto Kapfinger, Adolf Krischanitz und Marcel Meili 

ALBUM VERLAG, Wien 2016- Auflage: 1.000 Stück 

224 Seiten, 210 x 260 mm, Preis: 46,- Euro 

ISBN: 978-3-85164-196-7


Heinz Adamek 


Essays zu Kunst, Architektur Literatur und 

Gesellschaft 

Heinz P. Adamek stellt mit diesem Essay-Band beispielhaft „Kunstschritte vom 19. ins 21. Jahrhundert“ vor: Er 

beleuchtet Persönlichkeiten aus bildender und angewandter Kunst, Architektur, Literatur, Theater und Film. Als 

vormaliger Universitätsdirektor der Universität für angewandte Kunst Wien gewährt er in Beiträgen über Hermann 

Heller, Anton Kenner, Bertold Löffler, Otto Niedermoser, Michael Powolny, Grete Rader-Soulek, Elli Rolf und Heinrich 

von Tessenow - durchwegs prägenden Gestalten der „Angewandten“ - profunde Einblicke in deren Schaffen, anderseits 

gilt sein Engagement als jahrelangem Initiator bzw. Kurator von Ausstellungen dem Oeuvre Giovanni Segantinis ebenso 

wie Arbeiten internationaler Künstler der Gegenwart zum Thema Rezeption des Werkes von Gustav Klimt. Sein 

Interesse für das Fin de Siècle und die frühe Moderne drückt sich auch in der Stückwahl für die Theateraufführungen 

des Wiener European Studies Program der Central University of Iowa aus, für die der Autor als Dramaturg und 

Regisseur eineinhalb Jahrzehnte verantwortlich zeichnete. Nicht zuletzt durchleuchtet der Arthur Schnitzler-Kenner 

Adamek in zwei Essays wenig bekannte Seiten des prominenten Dichters. 

Heinz Adamek 


250 Seiten, 107 Abbildungen 

Hardcover, Schutzumschlag 

Preis 30,- Euro 

Verlag Böhlau Wien, Köln, Weimar 

ISBN 978-3-205-20250-9

Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien 

Le Restaurant, Le Club, Le Design 

Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das 

gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine 

Ruckendorfer und Architekt Alberto Bach perfekt 

definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für 

viele internationale Prestigebauten verantwortlich und 

hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und 

orientalischen Klischees. Beide wollten dem Aux 

Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das 

Licht wird durch die Neugestaltung tief in den Raum 

geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. 

"Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten 

kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen 

Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von 

großer Klarheit", erklärt Bach. "Verbindend dazu finden 

sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit 

klassisch marokkanischen Elementen." Eine 

Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum 

Einsatz kommt. Ruckendorfer Für Ruckendorfer ist das 

Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem 

Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 2000 

Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: 

Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & 

Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", 

"Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes 

mehr erwarten den Gast. "Orient Light" nennt sich das 

frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für 

die heißen Sommermonate in der City. Im "Lunch 

Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von 

libanesischen Mezze-Gerichten und marokkanischen 

Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat- 

Buffets angeboten. Abends können diese auch à la 

Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es 

Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte 

im Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte 

Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. 

Abends kommt regional-österreichisches zum Einsatz, 

wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem 

Rinderprosciutto und Granatapfel, einem zarten 

Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier 

werden mit Gemüse-Tajine oder gebackenen Kartoffeln 

mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip 

verwöhnt.

Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary 

Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat 

sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine 

Signature-Drinks überlegt. So wird der berühmte 

marokkanische Minztee, an dem bereits Winston 

Churchill im La Mamounia schlürfte, im Sommer "on the 

rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine 

alkoholische Version des Traditionsgetränks aus der 

Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, 

berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von 

Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip 

Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer 

heißen Bar-Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht 

fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach 

einer klandestinen Rezeptur eines jamaikanischen 

Barmans gemixt. 

After Work-Shower 

Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch 

wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem 

anstrengenden Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder 

wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon 

de Beauté schaffen Abhilfe. Für 15,- Euro können sich 

Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, 

entspannen und für den Abend zu Recht machen. Im 

Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk 

(hausgemachte Limonaden und Eistees). 

Verwöhnprogramm für Body & Soul 

Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und 

Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & 

Salon de Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das 

nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf 

bis Fuß verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 

500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches 

Dampfbad, Behandlungs- und Entspannungsräumlichkeiten 

in bester Orient-Manier. Hammamcis verwöhnen 

mit Waschungen, Peelings, wohlriechenden Salben und 

einer Haarwäsche – falls gewünscht. Mehr Info unter 

www.auxgazelles.at

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