KUNSTINVESTOR AUSGABE NOVEMBER 2017

November-Auktionen in Wien 

Publishing as an Artistic - Robert Frank 

10 Jahre MUSA - Vitra Design Museum 

NOVEMBER 2017

KUNST.INVESTOR Editorial 

Liebe Leserinnen 

und Leser!. 

Heute halten Sie die aktuelle Ausgabe des Magazins 

KUNSTINVESTOR in „Händen“. Innovativ, exklusiv und 

stets mit dem richtigen Riecher für aktuelle Entwicklungen 

informieren wir Sie rund um alle wichtigen 

Themen, die nationalen und internationalen Kunstmärkte 

betreffend. Kunst ist ein interessantes Portfolio 

und unbestritten die schönste Beimischung für Ihr 

Investment- inspirierend, nicht allein in ideeller Hinsicht. 

Besonders in BREXIT-Zeiten, da Bullen auf sich warten 

lassen und Renditen an der Nulllinie kratzen, etablieren 

sich Kunstwerke als stabile, vor allem aber als rentable 

Assets. Eine Tatsache, der sich selbst hartgesottene 

Aktionäre nicht entziehen können. Außenseiter der 

Kunstgeschichte profitieren davon nicht substanziell in 

Kunst interessiert zu sein, weil die zeitlichen Intervalle 

von einer Aktienbaisse zur nächsten immer wieder 

kürzer werden- wäre auch zu erwarten, dass die persönliche 

Entscheidung dieser Käufer weniger zählt. Wie 

schade. Und wie bezeichnend. Viele Sammler scheinen 

in Bilder wie in Aktien zu investieren. Käufer haben 

eben nicht nur wieder viel Geld, sie kultivieren auch 

einen sehr selektiven Blick. Mehr noch: Dieser Boom ist 

noch lange nicht an seine Grenzen gestoßen. Bilder, 

Antiquitäten und andere Sammelobjekte nehmen im 

Rahmen der Veranstaltungen einen immer höheren 

Stellenwert ein. Dies bestätigen die hervorragenden 

Ergebnisse der Auktionshäuser mit Weltrekorden. Weil 

es bei allen Dingen des Lebens immer auf den richtigen 

Mix ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit fundierten 

Hintergrundberichten, präzise recherchierten Topstorys 

und wichtigen Nachrichten begeistern. Lesen Sie den 

aktuellen KUNSTINVESTOR, wo Sie sich ein aktuelles 

Bild über den Kunstmarkt verschaffen können- eine 

wirklich gute Investition. 

Viel Spaß wünscht Ihnen 

Michael Ruben Minassian 

IMPRESSUM: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian, 

Mail: michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43 1/ 236 53.1312 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 

1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43 1/ 91920- 9045 DW, 

Fax: +43 1/2981298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © Dorotheum-Auktion: 22.11.2017, Imi Knoebel, Schätzwert 

EUR 30.000,- bis 35.000,-

KUNST.INVESTOR Kommentar – Otto Hans Ressler 

Was ist Kunst 

‚…es geht gar nicht um Bewertung, 

sondern darum, ob und was 

das Kunstwerk für mich bedeutet.‘ 

Foto: © Ressler Kunst Auktionen 

Ein Kunstwerk kann ein Bild sein oder eine Skulptur, 

aber ebenso ein Autowrack, eine Ansammlung von 

Steinen, eine halbverkohlte Geige, eine schmutzige 

Badewanne oder eine auf einen Zettel gekritzelte Notiz. 

Es gibt keine allgemein gültige Definition für Kunst. 

Gäbe es eine, würde wohl schon am nächsten Tag ein 

Künstler darangehen und etwas machen, das diese 

Definition ad absurdum führt. Das bedeutet freilich 

nicht, dass Kunst pure Subjektivität und jeder Deutungsversuch 

von Anfang an zum Scheitern verurteilt 

wäre. Vor allem kann man für sich selbst durchaus 

Qualitätskriterien finden. Und da wir soziale Lebewesen 

sind, ließen sich im Meinungsaustausch mit anderen, 

an Kunst interessierten Menschen fraglos übereinstimmende 

Überzeugungen finden. Das passiert auch 

permanent. Im Grunde ist der Kunstmarkt nichts 

anderes als ein Ort des ständigen Austauschs von 

Argumenten und Einschätzungen. Wenn ich von Kunst 

spreche, meine ich bildende Kunst – also die 

Ergebnisse einer Tätigkeit, die aus einem kreativen 

Prozess entstehen und nicht eindeutig durch 

Funktionen festgelegt sind. Ich meine Bilder, Plastiken, 

Installationen, Fotos, Filme, Grafiken; also ganz 

konkrete Objekte. Ich meine nicht die Kochkunst, nicht 

die Baukunst, nicht die Liebeskunst und was es da 

sonst noch an Künsten gibt. Und ich meine auch nicht 

das Kunstgewerbe. Im 20. Jahrhundert wurde mit der 

Entwicklung neuer Medien der Kunstbegriff sehr viel 

weiter gefasst als zuvor. Das bis dahin vor allem visuell 

und haptisch erfahrbare Kunstwerk konnte nun zur 

reinen Idee werden oder existierte überhaupt nur als 

Handlungsanweisung. Auch diese Kunst meine ich 

nicht. Ich habe mir überlegt, was denn nun die – für 

mich – gültigen, essentiellen Eigenschaften eines 

Kunstwerks sind. An die Spitze meiner Anforderungsliste 

an die Kunst möchte ich einen Begriff stellen, 

den viele Kunstinsider meiden, als würde es sich um 

etwas Anstößiges, um etwas Peinliches handeln: 

Schönheit. Schönheit, meinen sie, stehe für Kitsch, 

nicht für Kunst. Adorno hat hier ganze 

Überzeugungsarbeit geleistet. Aber für mich ist die 

ästhetische Qualität eines Kunstwerks ganz entscheidend. 

Schönheit – und damit meine ich nicht das 

oberflächlich Schöne (das sehr wohl fragwürdig sein 

kann), nicht das Schöne der Farben und Formen allein, 

sondern das Schöne, bei dem man spürt, dass es uns 

betrifft, unser Leben, unsere Hoffnungen und Ängste, 

unsere Leidenschaften und unsere Urteilskraft. Das 

Schöne, das neue Erkenntnisse bringt, neue Erfahrungen, 

neue Empfindungen. Schönheit ist eine 

Grundbedingung der Kunst. Fehlt sie einem Werk, 

handelt es sich in meinen Augen gar nicht um Kunst. 

Ich finde es nicht zuletzt deshalb so schade, dass die 

ästhetische Qualität aus dem Diskurs über Kunst 

ausgeklammert wird, weil sich darüber wunderbar 

streiten ließe. Denn was schön ist, darüber gab es zu 

allen Zeiten und in allen Weltgegenden sehr 

unterschiedliche Vorstellungen. Von ganz wesentlicher 

Bedeutung ist für mich auch, dass ein Kunstwerk 

authentisch ist.


Darunter verstehe ich nicht nur, dass es echt sein 

muss, also von dem Künstler geschaffen, dem es 

zugeordnet wird. Ich verstehe darunter die 

unverwechselbare Handschrift des Künstlers. Auf 

Authentizität fußt letzten Endes das Vertrauen aller 

Beteiligten am Kunstmarkt und ist damit die 

Voraussetzung für sein Funktionieren. Der Künstler 

muss etwas Neues, Unverwechselbares, Einmaliges 

schaffen. Er muss an sich glauben (anders steht er die 

zumeist in Jahrzehnten zu messende Durststrecke, bis 

er Anerkennung findet, gar nicht durch). Der Galerist 

wieder muss an den Künstler glauben (und diese 

Überzeugung vermitteln können, sonst überlebt auch er 

nicht). Denn der Sammler kauft letztlich im Vertrauen 

auf die Glaubwürdigkeit des Künstlers, des Galeristen, 

der Kuratoren, der Kritiker und nicht zuletzt im 

Vertrauen auf all die anderen Sammler, die Werke des 

Künstlers erwerben. Dieses Vertrauen kann sich nur 

entwickeln, wenn das, was der Künstler macht, in 

Einklang steht mit dem, wie er denkt und fühlt. Kunst 

muss auch den Geist der Zeit, in der sie entsteht, 

repräsentieren. Sie kann nach vorwärts blicken als 

Utopie, aber niemals zurück. Wer heute impressionistisch 

malt und dem Impressionismus nichts Neues 

hinzufügt, produziert keine Kunst, sondern ist im 

Grunde nur ein Kopist. Im Grunde sind, was er macht, 

Fälschungen. Kunst braucht auch, um Kunst zu sein, 

Öffentlichkeit. Kunst braucht den Betrachter, also Sie 

und mich. Solange die Idee zu einem Kunstwerk nur im 

Kopf des Künstlers herumspukt, solange sich ein Werk 

nur in seinem Atelier befindet, ist es nicht Kunst. Kunst 

verlangt Auseinandersetzung. Der Künstler kann noch 

so tolle Ideen haben, noch so viele Bilder horten, noch 

so viele Skulpturen bei sich zuhause auftürmen: Zur 

Kunst wird das alles erst, wenn es in die Öffentlichkeit 

gehoben wird. Eine weitere, für mich wesentliche 

Voraussetzung ist das Handwerkliche der Kunst. Karl 

Valentin hat einmal gesagt, Kunst komme zwar von 

können; aber wenn man’s könne, sei es eigentlich gar 

keine Kunst. Das Handwerkliche der Kunst – 

sorgfältige, fachgerechte Ausführung, die Verwendung 

der besten Materialien, Dauerhaftigkeit – scheint für 

viele Künstler kein Thema mehr zu sein. Aber Kunst ist 

Handwerk, ihr Inhalt ist, wie es Josef Mikl einmal 

ausgedrückt hat, bloß der Auftrag für den jeweiligen 

Ausführenden. Ob daraus Kunst werde, hänge von 

seinem Charakter und seiner Begabung ab. Mir ist 

durchaus bewusst, dass ich mich hier auf ein glattes 

Parkett begebe: Das Handwerkliche steht derzeit nicht 

hoch im Kurs. Aber für mich ist die Beherrschung des 

Handwerks eine Grundvoraussetzung. Ich will Malerei 

sehen, keine Schmiererei. Ich will eine gediegene 

Ausführung, keinen Wegwerfmüll. Kunst, das ist für 

mich abwechselnd und zusammenwirkend 

Handwerkerfleiß, Konzentration, Qualitätsgefühl und 

Erfindergeist. Übrigens: Auch über das Handwerkliche 

ließe sich herrlich streiten. Und auch hier ließen sich 

Qualitätskriterien herausarbeiten. Noch etwas: Kunst 

repräsentiert geistige Zeitströmungen: Wenn Kunst eine 

Sprache ist, dann muss sie auch verstanden werden. 

Auch hier geht es nicht ohne uns und die 

Assoziationen, die wir einbringen, wenn wir das 

Kunstwerk betrachten. Das Kunstwerk muss also 

interpretierbar sein, und unsere Interpretation beruht 

auf den gemeinsamen Vorstellungen und Werten einer 

Epoche. Ein Kunstwerk muss in meinen Augen auch 

innovativ sein. Das heißt: Der Künstler muss einen 

originären Stil finden, eine eigene Formensprache 

entwickeln. Erst Form und Gestaltung machen eine 

Thematik zum Kunstwerk. Das Thema und der Inhalt, 

von vielen Kunstinsidern zum wichtigsten Kriterium 

ernannt, sind in meinen Augen sekundär. Denn die 

Vermittlung des bloßen Inhalts ist noch kein Kunst- 

Ereignis, sondern kann genauso gut eine Sache der 

Wissenschaft sein, eine Reportage, pure Information 

oder eine Dokumentation. Bei der Kunst kommt es nicht 

auf das Was an, sondern auf das Wie. Und nicht 

zuletzt: Ein Kunstwerk, für das ich mich begeistere, ist 

immer widersprüchlich. Ohne zwiespältige Emotionen 

gibt es keine nachhaltige Wirkung. Kitsch, und daran 

könnte man ihn leicht erkennen, ist hingegen immer 

eindeutig. Es gibt keinen Anlass, keine 

Herausforderung, keinen Grund, Kitsch zu hinterfragen. 

Kitsch bestätigt gemütvoll das bis zum Überdruss 

Bekannte. Es braucht also sehr viel, um in meinen 

Augen als Kunstwerk zu gelten, mit dem ich mich 

auseinandersetzen will.


Und wenn Sie für sich einen Kriterienkatalog aufstellen, 

werden Sie schnell entdecken, dass auch Ihre 

Anforderungsliste recht umfangreich ist. Und Sie 

werden feststellen, dass das, was Sie suchen, wenn 

Sie in eine Ausstellung gehen, sehr oft nicht erfüllt wird. 

Viele Künstler weisen häufig jegliche an Sie gestellte 

Ansprüche zurück. Sie verweigern sich mit ihrer Kunst 

als Medium geistiger Strömungen, Utopien und 

gesellschaftlicher Gegenentwürfe. Sie verhalten sich, 

als wäre schon die Idee, alles Wesentliche unserer 

Existenz, unsere Sehnsüchte, Ängste und Bedürfnisse, 

zur Anschauung zu bringen, hoffnungslos romantisch 

und vorgestrig. Sie streben weder eine Verdichtung und 

Zusammenfassung des Lebens und seiner 

Erscheinungen an, noch wollen sie der Fülle der 

Ereignisse eine verbindende Form geben. Sie negieren 

geradezu demonstrativ den Gedanken, eine 

Gesellschaft könne sich in ihrer Kunst festigen oder 

rechtfertigen, geschweige denn feiern. Nicht selten 

verlassen sie sogar das der Kunst angestammte Feld, 

Kritik an den herrschenden Zuständen zu üben, Protest 

zu erheben oder Impulse für Veränderungen zu geben. 

Auch das Sinnliche der Kunst scheint ihnen suspekt 

geworden zu sein. Es passiert jedenfalls nicht selten, 

dass ich enttäuscht werde, wenn ich in eine Ausstellung 

gehe. Ich vermisse etwas, und ich vermisse es 

schmerzlich. Wie alle anderen Menschen auch bin ich 

von meinen ganz persönlichen Erfahrungen, 

Vorbildungen und Vorlieben geprägt. Wenn ich in ein 

Museum gehe, in eine Galerie, suche ich ein sinnliches 

Erlebnis – und bin enttäuscht, wenn ich mit etwas 

Sprödem, Indifferentem konfrontiert werde, das mich 

ratlos zurücklässt. Ich suche noch immer die alten 

Ideale und meine ganz private, persönliche Vorstellung 

von Schönheit – und finde sie viel zu selten. Mag sein, 

dass ich schon zu alt bin, um mich dem Neuen noch 

stellen zu können. Aber allzu oft stehe ich vor Werken, 

die ich für belanglos und unausgegoren halte. Allzu oft 

ärgere ich mich über die wenig überzeugende 

Inszenierung einer Ausstellung, allzu oft über 

Kuratoren, deren akrobatische Interpretationen etwas 

versprechen, das die präsentierten Werke nicht halten. 

Allzu oft ziehe ich ein ernüchterndes Resümee nach 

der Begegnung mit Kunst. Allzu oft vermisse ich, so 

richtig gepackt, ergriffen, berührt zu werden – etwas, 

das mir unverzichtbar scheint. Allzu oft vermisse ich 

das Erlebnis, etwas wirklich Neues, Überraschendes, 

Mitreißendes zu entdecken. Allzu oft vermisse ich, mit 

einem Wort, die Kraft der Kunst. Und darauf kommt es 

mir an: Ich will, dass mich ein Kunstwerk berührt, dass 

es mir unter die Haut geht, dass es mich dazu bringt, 

über etwas intensiver nachzudenken. Ich schaue mir 

Kunstwerke, die mich sofort begeistern, immer 

mehrmals an und beobachte die sich verändernde 

Wirkung, die sie auf mich haben. Ja, ich will, dass ein 

Kunstwerk schön und sinnlich ist. Ich will, dass es 

authentisch ist, also echt in jedem Wortsinn. Aber um 

die Handschrift eines bestimmten Künstlers von der 

jedes anderen unterscheiden zu können, muss ich 

einiges von diesem Künstler gesehen haben. Ich halte 

deshalb überhaupt nichts davon, wenn sich jemand ein 

Kunstobjekt ansieht und nach zwei Minuten ein Urteil 

abgibt. Ich bin überzeugt, dass eine Bewertung seriöser 

Weise gar nicht möglich ist, wenn man dem Künstler 

halbwegs gerecht werden will. (Wobei es um 

Bewertung gar nicht geht, sondern darum, ob und was 

das Kunstwerk für mich bedeutet.) Und ja, ich schätze 

das Handwerkliche eines Kunstwerks. Ich will die 

Ernsthaftigkeit nachvollziehen können, mit der der 

Künstler vorgegangen ist. Ich will noch immer glauben, 

dass die Kunst über uns hinausweist, dass sie für die 

Ewigkeit gemacht ist. Ich will die Chance haben, mich 

lange genug mit dem Kunstwerk beschäftigen zu 

können, um irgendwann zu verstehen, worum es dem 

Künstler ging. Ich will keine Wegwerf-Kunst, die nach 

der Ausstellung schnurstracks auf den Müll geworfen 

wird. Und ich will, dass der Künstler etwas macht, das 

neu ist, das innovativ ist, das mich herausfordert. Es ist 

zwar immer schön, in eine Ausstellung zu gehen, in der 

die Werke der Impressionisten, der Fauves, der ersten 

Abstrakten oder der Neuen Wilden präsentiert werden. 

Es ist, als würde man alten Freunden begegnen. Aber 

von einem Künstler, der heute lebt, erwarte ich mir 

etwas ganz anderes: Von ihm will ich überrascht 

werden. Ich will verblüfft werden. Ich will irritiert werden. 

Ich will spüren, dass da etwas im Entstehen ist, das es 

bis dahin noch nicht gegeben hat. Und ich will durchaus 

auch aus meinem privaten Dornröschenschloss 

herausgerissen werden durch seine Kunst.

UNST.INVESTOR News 

An Eames Celebration 

Vitra Design Museum 

Charles und Ray Eames, © Eames Office LLC, Fotomontage: Boros, Berlin 

Weil am Rhein/Basel- Charles und Ray Eames zählen 

zu den bedeutendsten Designern des 20. Jahrhunderts. 

Mit ihren Möbeln, Filmen, Büchern, 

Ausstellungen und Medieninstallationen beeinflussten 

sie Generationen von Gestaltern und prägen auch 

heute noch unsere Alltagskultur. Kein anderer 

Designername steht so sehr für technische Perfektion 

und Zeitlosigkeit, aber auch für die spielerische Start- 

Up-Kultur der amerikanischen Westküste, die die 

Eames’ maßgeblich prägten. Bis zum 25. Februar 

2018 präsentiert das Vitra Design Museum unter dem 

Titel »An Eames Celebration« parallel vier Ausstellungen, 

die das Werk des legendären Designerpaares 

so umfassend wie nie zuvor vorstellen. Im Zentrum des 

Ausstellungsparcours steht die große Retrospektive 

»Charles & Ray Eames. The Power of Design«, die im 

Hauptgebäude des Vitra Design Museums gezeigt 

wird. Im Feuerwehrhaus wird unter dem Titel »Ideas 

and Information. Die Eames-Filme« eine Auswahl der 

über 100 Filme der Eames’ präsentiert, während in der 

Vitra Design Museum Gallery die Ausstellung »Play 

Parade. Eine Eames- Ausstellung für Kinder« dazu 

einlädt, die vielen Spielobjekte des Designerpaares zu 

entdecken und auszuprobieren. Im Vitra Schaudepot 

wiederum ist die Ausstellung »Kazam! Die Möbelexperimente 

von Charles & Ray Eames« zu sehen. 

Pünktlich zum 110. Geburtstag von Charles Eames 

wird auch die Sammlung des Eames Office in ihrer 

ganzen Breite vorgestellt. Diese befindet sich seit 1988 

im Vitra Design Museum und umfasst sämtliche 

Prototypen und Entwicklungsmodelle der Eames’. 

(Foto: © Vitra Design Museum)

KUNST.INVESTOR News 

Helge Leiberg 

HELGE LEIBERG, SO LONG, 2017 

BRONZE, 140 X 25 X 18 CM 

Berlin- Helge Leiberg widmet sich auch in seiner neuen 

Bronzeserie den Klassischen Themen. Martin Stather 

schreibt über seine Werke: „Eine Frauenfigur, sich 

umwendend („Daphne“), eine weitere, im tänzerischen 

Schritt, die Beine über Kreuz, die Linke erhoben, die 

Rechte abwartend ausgestreckt („Diagonal“), eine 

andere, das linke Bein erhoben, auf den Zehenspitzen 

des linken Beins das Gesamtgewicht ruhend, die Arme 

das Gleichgewicht haltend („Take it“). Helge Leibergs 

Bronzefiguren legen den Fokus auf a) den Menschen 

und nichts als den Menschen und b) zeigen am liebsten 

transitorische Zustände, einen signifikanten Augenblick 

inmitten der Bewegung. Menschliche Figuren mit 

gelängten Gliedern, die Ausdrucksmittel einer 

expressiven Gestaltung sind, werden zu Metaphern der 

Bewegung, des Tanzes. Wie Noten in einer Partitur 

bewegen sich die Gestalten, der Schwerkraft beinahe 

enthoben, im Raum, den sie durch ihre Anwesenheit 

erst definieren.“ (Foto: © Galerie Schultze)


Foto: © Kunsthaus Bregenz, Gerda Steiner- Jörg Lenzlinger 

‚Dear to me‘ 

Peter Zumthor 

Unter diesem Titel eröffnet Kunsthaus Bregenz die 

Ausstellung von Peter Zumthor. Das KUB ist ein 

besonderer Ort: „Seine Atmosphäre macht wachsam, 

sie öffnet Augen, Ohren und Poren“. Der Pritzker- 

Preisträger entschloss sich, keine Ausstellung im 

gewöhnlichen Sinne einzurichten, sondern Denk-, 

Schau- und Hörkästen seiner künstlerischen Vorlieben 

und Inspirationen zu verwirklichen: Dear to Me – was 

ihm lieb ist. Das Kunsthaus Bregenz wird somit für die 

Ausstellungsdauer bis 7. Januar auch zum 

Austragungsort für über 160 Veranstaltungen. Auf dem 

Programm stehen Lesungen, Konzerte, Dialoge und 

Vorträge. (Foto: © Kunsthaus Bregenz)


Foto: Albertina © Robert Frank "14th Street White Tower – New York City, 1948" 

Robert Frank 

Die Albertina zeigt ausgewählte Werkgruppen, die 

Robert Franks künstlerischen Werdegang 

nachzeichnen: Von seinen frühen, auf Reisen in Europa 

entstandenen Fotografien über The Americans bis hin 

zu seinen späten introspektiven Oeuvre werden 

zentrale Aspekte seines Werks beleuchtet. Robert 

Franks zwischen 1955 und 1957 aufgenommene 

Werkgruppe The Americans schrieb Fotogeschichte: 

Während eines Road Trips durch die USA 

aufgenommen, beleuchtet Frank in grimmigen schwarzweiß 

Bildern den „American way of life“ der 

Nachkriegszeit, den er als von Rassismus, Gewalt und 

Konsumkultur geprägt zeigt. Seine Fotos entsprechen 

damit nicht dem Selbstbild der USA, das gleichnamige 

Buch kann zunächst nur in Europa veröffentlicht 

werden. Mit The Americans gelingt Robert Frank eine 

der einflussreichsten Foto-Arbeiten der Nachkriegszeit, 

die die Street-Photography nachhaltig erneuerte. 

[Albertina, Dauer bis 21. Jänner 2018 – Foto © 

Albertina]


‚Spuren.Elemente‘ 

© Friedrich Erhart, Tanz der Spurenelemente 

Friedrich Erhart beschäftigt sich mit fotografischen 

Techniken und dem Medium Fotografie als Form der 

Kunst. Seine Werke sind von Einflüssen der 

klassischen Fine Art Fotografie und der 

abstrahierenden Malerei geprägt. Die Kamera benützt 

Erhart wie einen Lichtpinsel, um malerische Bildeffekte 

zu erzeugen - sein unverwechselbares Stilmittel und 

Markenzeichen. Die Ausstellung SPUREN.ELEMENTE 

von Friedrich Erhart zeigt Fotografie der besonderen 

Art, Kratzspuren auf dem Eis erzeugen chaotisch 

wirkende Strukturen, und werden, verstärkt durch 

intensive Lichtreflexionen zum Gestaltungsmittel. Die 

eigentlichen Protagonisten hingegen mutieren in ihrer 

Bewegung zu stilisierten, abstrakten Bildelementen – 

ihre Verweildauer ist noch flüchtiger als die ihrer 

Spuren. [Studio Wolf, Perchtoldsdorf. Ausstellungsdauer: 

16. bis 19. November 2017]


ba ≠ b+a | 10 Jahre MUSA 

Aus der Sammlung der Stadt 

Wien 

Dejan Dukic, Storage Painting Nr. 10, 2011, Mischtechnik auf Leinwand © MUSA 

Wie spiegelt sich die Tätigkeit eines Museums in den 

Werken der eigenen Sammlung wider? Die Ausstellung 

ba ≠ b+a fragt danach, wie die Mechanismen, 

Funktionsweisen und Logiken einer Sammlung 

zeitgenössischer Kunst sprichwörtlich wie buchstäblich 

ins Bild kommen. Ziel ist es, die Handlungsfelder eines 

Museums innerhalb der eigenen Voraussetzungen zu 

reflektieren. Zum 10-jährigen Bestehen des MUSA 

Museum Startgalerie Artothek wird eine selbstreflexive 

Schleife in das Ausstellungs- und Publikationsprogramm 

eingezogen, die nicht nur die Spezifika der 

seit den 1950er-Jahren entstandenen Kunstsammlung 

der Stadt Wien beleuchtet, sondern die anhand der 

ausgewählten Werke auch allgemeine Fragen über die 

Institution des Museums aufwirft. Ausgangspunkt ist die 

Annahme, dass Museen ganz grundlegend von jenen 

Gegenständen geprägt werden, die sich in ihren 

Sammlungen befinden. Zwar handelt es sich dabei um 

Einzelteile, die meist unzählig und oft willkürlich 

ausgewählt erscheinen, doch das Wesen des 

jeweiligen Museums, sein Charakter und sein Profil, 

werden von mehr als nur dem Nebeneinander all dieser 

Fragmente bestimmt. „Das, was in der Weise 

zusammengesetzt ist, dass das Ganze Eines ist“, 

schreibt Aristoteles in der Metaphysik, „ist nicht wie ein 

Haufen, sondern wie eine Silbe. Die Silbe aber ist nicht 

dasselbe wie ihre Buchstaben, BA ist nicht dasselbe 

wie B und A, ebenso Fleisch nicht dasselbe wie Feuer 

und Erde.“ Das Ganze ist also mehr als die Summe der 

einzelnen Teile – ein Mehr, das in den ständig neu 

verhandelbaren Konstellationen seiner Versatzstücke 

und den wechselnden Bedeutungszusammenhängen 

entsteht. Denn erst die Verschränkung der einzelnen 

Teile einer Kunstsammlung, ihre Schichtung und ihr 

Potenzial, sich neu zu konfigurieren, bringen jene 

Dichte hervor, die notwendig ist, um ein Museum als 

Einheit zu begreifen – eine Einheit, die jedoch nicht 

unverrückbar ist, sondern die es erlaubt, mit ihren 

Elementen als modularer Baukasten, als lebendiges 

Archiv zu hantieren.(Foto: © MUSA)


Mehr Kunst-Kompetenz für Wien 

Durch den Zusammenschluss von „Kunsthandel Florian 

und Nikolaus Kolhammer“ mit „Lilly’s Contemporary Art 

Exclusive Antiques“ entsteht in der Dorotheergasse das 

größte Kunst- Kompetenzzentrum in der Wiener 

Innenstadt. Zur Eröffnung am 19. Oktober des neuen 

Showrooms, mit dem kirchlichen Segen kamen Toni 

Faber, Dompfarrer St. Stephan, sowie Propst Bernhard 

Backovsky, Generalabt des Stiftes Klosterneuburg. Vier 

Größen des Wiener Kunsthandels ziehen gemeinsam 

an einem Strang. Die Gebrüder Florian und Nikolaus 

Kolhammer von „Kunsthandel Kolhammer“, 

„Uhrenpapst“ Prof. Kristian Scheed sowie die Gerichtssachverständige 

Lieselotte Setzer von „Lilly’s Contemporary 

Art Exclusive Antiques“, präsentierten im 

Oktober den gemeinsamen Showroom für exklusive 

Kunstgegenstände in Wien. In diesem epochenübergreifende 

Kunst- Kompetenzzentrum in der Wiener 

Innenstadt vereinen die beiden Unternehmen Dynamik, 

Leidenschaft und Professionalität, fachlicher Kompetenz 

und unabdingbarer Seriosität. Gezeigt wurden 

antike „Meister-Werke“ der Wiener Uhrenkunst, 

bedeutende Originale des Wiener Jugendstils (Wiener 

Werkstätte, Hagenauer, Lötz u.v.a.) sowie wichtige 

bildnerische Kunst aus Österreich, von Waldmüller bis 

Prachensky. (Foto: © Robin Consult)


Bankmanager Herbert Stepic wurde für 

sein Lebenswerk als Sammler ausgezeichnet 

Bereits zum 13. Mal ehrte der Wiener Kunsthandel 

Persönlichkeiten und Institutionen für ihre Verdienste 

rund um die Vermittlung von Kunst mit dem 

viennaARTaward. Vergeben wurde der Preis am 17. 

Oktober im Novomatic Forum in folgenden Kategorien: 

Klassischer Kunsthändler, Zeitgenössischer Kunsthändler, 

Museumswesen und Sonderpreis für Kunstvermittlung. 

Der viennaARTaward für sein „Lebenswerk 

als Sammler“ ging in diesem Jahr an den Bankmanager 

Herbert Stepic. Entdeckt hat Stepic seine 

Sammelleidenschaft vor mehr als drei Jahrzenten, als 

er einem Händler an der Elfenbeinküste drei Masken 

abgekauft hat. Seitdem gilt der 70jährige als 

leidenschaftlicher Kollektor afrikanischer Kunst und 

besitzt mehrere hundert moderne, aber auch tausende 

Jahre alte Stücke aus Holz, Metall und Terrakotta sowie 

zahlreiche Webe- und Perlenarbeiten. Stepic reiht sich 

damit in eine lange Riege renommierter Sammler ein. 

Den viennaARTaward erhielten bis dato u.a. auch die 

Unternehmer Agnes und Karlheinz Essl sowie die 

scheidende Generaldirektorin des Kunsthistorischen 

Museums, Sabine Haag. Am 17. Oktober wurde im 

Novomatic Forum einer der wichtigsten und 

renommiertesten Kunstpreise Österreichs, der 

viennaARTaward, vergeben. Das Wiener Landesgremium 

des Kunst-, Antiquitäten- und 

Briefmarkenhandels würdigt damit Persönlichkeiten und 

Institutionen, die sich um das Vermitteln, Bewerten, 

Bewahren und Fördern von alter und neuer Kunst 

verdient gemacht haben. (Foto © Robin Consult)


Anton Kolig 

Anton KoliG, "Stillleben mit Schildkröte" 1913, © Leopold Museum, © Bildrecht, Wien, 2016 

Anton Kolig (1886–1950) zählt zu den bedeutendsten 

Malern in Österreich in der ersten Hälfte des 20. 

Jahrhunderts. Kolig ist ein exponierter Vertreter einer 

für seine Zeit vielfach typischen dynamisierten figuralen 

Malerei. Seine Bilder sind von einer virtuosschwungvollen 

Handschrift und einer leuchtendschillernden 

Farbigkeit gekennzeichnet. Hauptthemen 

von Koligs Gemälden sind Porträts und figurale 

Allegorien. Die Ausstellung im Leopold Museum ist 

nach über fünfzig Jahren die erste große Personale, die 

zum Werk von Anton Kolig in Wien stattfindet. Das 

Leopold Museum ist dafür besonders prädestiniert, 

verfügt das Museum mit über 20 Gemälden doch über 

den umfangreichsten musealen Bestand von Werken 

dieses Künstlers. Die Ausstellung umfasst insgesamt 

rund 60 Gemälde und 50 Arbeiten auf Papier. [Leopold 

Museum. Dauer bis 8. Jänner 2018 – Foto © Leopold 

Museum]


David Shrigley, ‘Life Model II’, 2016, Courtesy David Shrigley, Stephen Friedman Gallery, London, 

Anton Kern Gallery, New York, Galleri Nicolai Wallner, Copenhagen, and BQ, Berlin, © David Shrigley 

Christine Hill, Small Business Model, 2012, Foto: Achim Kukulies, Düsseldorf 

Installationsansicht Museum Morsbroich, Leverkusen


Duett mit Künstler_in 

Partizipation als 

künstlerisches Prinzip 

Rirkrit Tiravanija, untitled 2015 (MORGEN IST DIE FRAGE), 2015 

Courtesy der Künstler und neugerriemschneider, Foto: Lisa Rastl 

Im Zentrum der Ausstellung „Duett mit Künstler_in“ im 

21er Haus steht das Publikum und seine Rolle beim 

Entstehen eines Kunstwerks. Historische und aktuelle 

Positionen zeigen, wie Künstlerinnen und Künstler 

Menschen aktivieren und zur Handlung auffordern. 

Kunst als wesentlichen Teil des Lebens zu denken, an 

dem „alle“ teilhaben können, ist nicht nur grundlegend 

für das Kunstverständnis des 20. und 21. 

Jahrhunderts, sondern gehört zu den fundamental 

demokratischen Werten unserer Gesellschaft. „Duett 

mit Künstler_in“ etabliert das Museum als zentralen Ort 

der Partizipation und zeigt über 20 internationale 

künstlerische Positionen, die Interaktion, Kooperation 

und bisweilen auch Kollaboration einfordern. Die 

Ausstellung thematisiert und fordert die aktive 

Mitarbeit der Besucher_innen und regt zu einer 

kritischen und schöpferischen Haltung an. In 

manchen Situationen lösen die Betrachter_innen 

eines Werkes eine künstlerische Handlung aus oder 

werden selbst zum Kunstobjekt. So können von 

bestimmten Arbeiten evozierte Vorstellungen 

genauso zum Kunstwerk werden, wie das Ausführen 

von Handlungsanweisungen oder die Kollaboration mit 

anderen. Die Ausstellungssituation öffnet die Institution 

Museum, indem sie soziales Handeln einfordert und 

Raum für Begegnungen schafft. [21er Haus, Kuratiert 

von Axel Köhne, Dauer von 27. September 2017 bis 4. 

Februar 2018 – Foto ©21er Haus]


Helmut Ditsch, Spiegelung II, Öl und Eitempera auf Holz, 130 x 150 cm, 1999 

Ergebnisse der 7. Kunstauktion der ‚Ressler Kunst Auktionen‘ 

„Es war ein erfolgreicher Abend, bei der Auktion am 2. 

Oktober in der Galerie OstLicht wurde ein Umsatz von 

annähernd einer Million Euro erzielt, so Otto Hans 

Ressler der Geschäftsführer des Auktionshauses. 

Teuerstes Werk der Auktion war erwartungsgemäß 

„Spiegelung II“ (der Traunsee mit dem Traunstein) von 

Helmut Ditsch: Das geradezu photorealistische Bild war 

einem österreichischen Sammler € 128.500 (Rufpreis € 

80.000) wert. Der argentinische Maler mit 

österreichischen Wurzeln studierte an der Akademie in 

Wien und arbeitete immer wieder mit Reinhold Messner 

zusammen. Zu Studienzwecken überquerte er sogar 

das patagonische Inland-Eis. Die höchsten 

Steigerungen erfuhren ein frühes Schüttbild von 

Hermann Nitsch, das von € 12.000 auf € 21.000 

(Kaufpreis € 27.090) gehoben wurde. Auch Herbert 

Brandl verdoppelte von € 8.000 auf € 15.000 (Kaufpreis 

€ 19.350). Den Vogel schoss hier allerdings ein 

weiblicher Rückenakt des ungarischen Malers Karoly 

Patko ab: Bei einem Rufpreis von € 12.000 wurde am 

Telefon und im Saal bis € 38.000 gesteigert – Kaufpreis 

€ 47.500. Wie immer gut nachgefragt war Franz West, 

dessen Gipsplatte „Bigi“ um € 15.000 zugeschlagen 

wurde, der Rufpreis war € 10.000. Seine kleine Malerei 

auf dem Rezeptblock seiner Mutter wurde von € 10.000 

auf € 13.000 angesteigert. Franz Grabmayrs 

„Kornmandeln“ wurden um € 20.000 verkauft, Arnulf 

Rainers „Kreuz“ von € 12.000 auf € 18.000 nach oben 

korrigiert. Gerhard Richter hingegen scheiterte knapp 

an seinem Limit von € 35.000. (Foto: © Ressler Kunst 

Auktionen)

KUNST.INVESTOR Auktionshaus ‚im Kinsky‘ 

Topergebnisse in de 

119. Kinsky-Kunstauktion 

Auferstandener, um 1400 Lindenholz, H. 142 cm verkauft um € 30.200 

Triumph des Kunsthandwerks, Glas, Keramik und 

ein Narwalzahn 

Die Sammlung war vom Feinsten: Formglas aus der 

Glashütte von Kramsach in Tirol in den schillerndsten 

Farben von Grün über Blau bis hin zum Bernstein und 

in den typischen Formen der Nabel-, Warzen- und 

Noppenflaschen bot ein selten qualitätvolles Angebot 

und lieferte ein eindrucksvolles Ergebnis von rund € 

180.000 (Kaufpreis € 220.000)! Spitzenlose waren wie 

erwartet der makellose Krautstrunk aus dem 16. Jhd. 

(MB € 17.000/ KP €21.400), eine seltene 

bernsteinfarbene Nabelflasche (MB €18.000/ KP 

22.700), sowie eine herrlich facettenreiche 

bernsteinfarbene Wabenflasche (MB € 14.000/ KP € 

17.600). Großen Seltenheitswert bot auch die 

Sammlung an Keramikkrügen des 16. Jhd. aus dem 

süddeutschen Raum, aus der berühmten Werkstatt von 

Paul Preuning in Nürnberg sowie die sogenannten 

Habaner-Krüge aus der heutigen Slowakei des 17. 

Jhd.! Top-Zuschläge von € 8.000 bis € 19.000 zollten 

diesem bemerkenswerten Kunsthandwerk den 

verdienten Respekt.Ebenso erkannt und geschätzt 

wurde die Qualität gotischer und barocker Skulptur. Die 

aus Lindenholz fein gearbeitete Rundplastik eines 

Auferstandenen mit originaler Fassung, aus Tirol um 

1400 datiert, wurde auf € 24.000 (KP € 30.200) 

gesteigert; die Madonna auf der Mondsichel, eine 

Meisterarbeit aus der Werkstatt Hans Spindler in 

Oberösterreich erzielte € 20.000 (KP € 25.200). Den 

Schätzpreis verdoppeln konnte auch ein „Großer 

Narwalzahn“ mit € 20.000 / KP € 25.200, der nicht nur 

wegen seiner Makellosigkeit begeisterte sondern wohl 

auch wegen seiner kulturhistorischen Besonderheit: 

Stellt er doch eine Erinnerung an die Polarexpedition 

von 1872 auf der SMS Admiral Tegetthoff dar.


Habaner Achtkantflasche Slowakei, datiert 1668 Fayence, 

H. 23,5 cm verkauft um € 24.000 

Krautstrunk, Deutsch, 16. Jahrhundert hellgrünes Glas; 

H. 10,4 cm verkauft um € 21.400


Franz von Defregger Auf dem Schulweg, 1890, Öl auf Leinwand, 65 × 50 cm verkauft um € 56.700 

Topergebnisse für Sonnenlicht und Kinderlächeln, 

Gemälde 19. & 20. Jahrhundert – Alte Meister 

Die Leichtigkeit seiner Malerei, sein so wunderbares 

Einfangen von Licht, Farben, Atmosphäre sind einmalig 

und unvergleichlich: Rudolf von Alts Aquarelle gehören 

zu den Meisterwerken europäischer Malerei und sind 

nach wie vor von Sammlern sehr begehrt. Gleich vier 

große Aquarelle konnten in der Auktion des 19. 

Jahrhunderts angeboten werden und alle lockten 

spielend über den unteren Schätzpreis hinaus: der 

frühe, nämlich 1835 genommene Blick in den 

Innenraum des Petersdomes in Rom wurde mit € 

21.000 /KP €26.500 zugeschlagen, für die Erinnerung 

an die nicht mehr existente Villa Hügel mit ihren 

fantastischen türkischen Salon musste der jetzige 

Besitzer aber bis € 38.000 / KP € 47.880 warten. Noch 

weiter zogen erwartungsgemäß die prachtvollen 

Landschaften und Architekturen: der Blick von der 

Torre del Mangia in Siena erzielte €40.000 /KP € 

50.400 , der Hof des Dogenpalastes in Venedig gar 

€55.000 /KP € 69.300!


Franz von Defregger Auf dem Schulweg, 1890, Öl auf Leinwand, 

65 × 50 cm verkauft um € 56.700 

Norbertine Bresslern-Roth Ruhende Hirsche, 1944 Öl auf Jute, 

120 x 140 cm verkauft um € 201.600


Foto: Auktionshaus ‚im Kinsky‘ 

120. Kinsky-Kunstauktionen 

Auktionstage Klassische Moderne – Jugendstil 

und Zeitgenössische Kunst - 5. bis 6. Dezember 2017 

Es sind klingende Namen wie Oskar Kokoschka, Egon 

Schiele, Werner Berg, Herbert Boeckl, die das 

Auktionshaus ‚im Kinsky‘ vom 5. – 6. Dezember 2017 

zum Abschluss eines sehr erfolgreichen Jahres 

anbieten kann. Die Highlights der Auktion klassische 

Moderne führt das Aquarell eines Mädchens von Oskar 

Kokoschka aus dem Jahr 1907 an, das sich über 

Jahrzehnte in Privatbesitz befand. In der gleichen 

Technik aber auch Japanpapier malte Emil Noldein den 

1930er Jahren einen „Mohn und Sonnenhut“, 

exemplarisch für diese meisterhafte und neuartige 

Handhabung dieses Malens mit Wasser und Farbe. 

Gleich vier Zeichnungen von Gustav Klimt, ein frühes 

Ölbild von Egon Schiele und von Carl Moll sowie ein 

Hauptwerk vom Mitbegründer der Secession, Josef 

Engelhart,setzen die Liste fort. Großes Interesse 

verdient auch die „Winternacht“ von Werner Berg mit 

seiner unglaublich suggestiven Bildkraft oder die mit 

viel Vehemenz und Leidenschaft gemalte Ansicht aus 

dem „Steinbruch bei Töschling“ von Herbert Boeckl. 

Farbkräftige Stillleben von Gerhild Diesner rezipieren 

die französische Malerei der Moderne und leiten wie die 

grandiose „Karyatide“ in Bronze von Fritz Wotruba in 

die Kunst der Avantgarde nach 1945 über. 

Zeitgenössische Kunst bietet wie immer ein breites 

Spektrum. Besondere Erwähnung verdient eine 

Sammlung von „Bild-Dichtungen“ von Günther Brus, 

darunter der 10er Zyklus „Nabelstromdelta“ von 1997. 

Der anhaltenden Nachfrage für Werke der international 

gefragten österreichischen Malerin Maria Lassnig 

kommt das Angebot eines Doppelbildnisses der 

„Messnerleute“ aus dem Jahr 1999, sowie das 

ungewöhnliche Porträt einer guten Freundin der Malerin 

vor der Skyline von New York entgegen.


Emil Nolde, Mohn und Sonnenhut, 1930er Jahre, Schätzpreis: 70.000 - 140.000 €


Zeitgenössische Kunst bietet wie immer ein breites 

Spektrum. Besondere Erwähnung verdient eine 

Sammlung von „Bild-Dichtungen“ von Günther Brus, 

darunter der 10er Zyklus „Nabelstromdelta“ von 1997. 

Der anhaltenden Nachfrage für Werke der international 

gefragten österreichischen Malerin Maria Lassnig 

kommt das Angebot eines Doppelbildnisses der 

„Messnerleute“ aus dem Jahr 1999, sowie das 

ungewöhnliche Porträt einer guten Freundin der Malerin 

vor der Skyline von New York entgegen. Mit der für die 

Malerin so typischen überaus prägnanten, abgehakten 

und vielfarbigen Strichführung erfährt die Darstellung 

des jungen Paares, wie die im Dirndl gekleidete 

mondäne Dame, eine feinfühlige wie dynamische 

Charakterisierung. Die Bildhauerei wird dieses Mal von 

einer besonderen Figur des spanischen Bildhauers 

Baltasar Loboangeführt,der in Paris ab 1940 mit 

Picasso, Brancusi und Jean Arp befreundet war. Unter 

deren Einfluss perfektionierte Bobo die Kunst der 

reduzierten, aber perfekt modellierten Form, wie es die 

Figur eines sitzenden Mädchens in weißem Marmor im 

Auktionsangebot exemplarisch vorführt. Fremd wie auf 

ganz eigene Art vertraut erscheinen die Bildfindungen 

des Kärntner Ausnahmekünstlers Bruno Gironcoli. Wie 

eine „fliegende Untertasse“ erscheint einer seiner 

letzten Skulpturen in Aluminiumguss, bei der 

Naturähnliche bewegte Formen in einen irritierenden 

Kontrast zur technoiden, die Dynamik einfrierenden 

Ausführung gesetzt werden. Einen eigenen 

Schwerpunkt legt die Sparte Jugendstil & Design. 

Dieses Mal auf das Glas des böhmischen 

Unternehmens Johann Lötz Witwe in Klostermühlen, 

dasu.a auch für die Weltausstellung von 1900 in Paris 

spezielle Exemplare geliefert hat. Zeitgleich zur Auktion 

wird eine neue Publikation über diese Weltausstellungsobjekte 

vom im Kinsky-Experten und Geschäftsführer 

Ernst Ploil präsentiert. Eine Freude für 

Liebhaber des Wiener Jugendstil stellt das Angebot an 

gleich fünf großen makellosen Keramikskulpturen von 

Michael Powolnyaus einer deutschen Privatsammlung 

dar. Neben vier Varianten seiner beliebten 

Jahreszeitenputti bietet der große „Afrikaner“ eine 

weitere seltene Attraktion. Skulpturen von Demeter 

Chiparus und Bruno Zach präsentieren die Kunst des 

internationalen Art Déco. 

(Foto: Auktionshaus ‚im Kinsky‘)


Oskar Kokoschka, Mädchenakt mit umgehängtem Mantel , 1907, Bleistift, Aquarell auf Papier , 

45,4 x 31,6 cm, Schätzpreis € 100.000 – 200.000


Carl Moll, Interieur mit Blumenstrauß, vor 1905, Öl auf Leinwand, 45 x 42 cm, Schätzpreis: 35.000 - 70.000 €


Maria Lassnig, Blick auf New York aus dem Atelier der Künstlerin, 1976 

Öl auf Leinwand; gerahmt, 110 x 124 cm, Schätzpreis: 120.000 - 240.000 €


Josef Engelhart, Der Windhund, 1891, Öl auf Leinwand, 111 x 130 cm, Schätzpreis: 50.000 - 100.000 €


Baltasar Lobo (1910 – 1993), Jeunefilleassise, mains croisées, 1976, Weißer Marmor 

aus Mijas, Spanien; Unikat, Schätzpreis 62 x 35 x 28 cm, Schätzpreis € 50.000 – 100.000 

Franz Hofstötter, Vase, Johann Lötz Witwe, 

Klostermühle, 1899, H. 17,3 cm

KUNST.INVESTOR Dorotheum 

1961 Alfa Romeo Giulietta Sprint Zagato € 350.200 - 1952 Mercedes-Benz 300 S Cabriolet € 563.000 - 1973 BMW 3.0 CSL € 210.200 

Top-Umsatz und hohe Quote 

Großer Erfolg für die Dorotheum-Auktion „Klassische Fahrzeuge“ 

Mit einem Umsatz von 4,3 Millionen Euro und einer 

Verkaufsrate von 95 Prozent geriet die am 21. Oktober 

2017 im Rahmen der Classic Expo Salzburg 

abgehaltene Dorotheum-Auktion „Klassische 

Fahrzeuge“ zu einem großen Erfolg. Spitzenlos des 

Abends war das 1952 Mercedes-Benz 300 S Cabriolet, 

das sich ein Oldtimer-Fan für 563.000 Euro sicherte. 

Das charmante Aushängeschild der Auktion, der 

knallrote Alfa Romeo Giulietta Sprint Zagato, wechselte 

für 350.200 Euro den Besitzer. Porsche war in dieser 

Auktion gut vertreten, darunter ein richtiges Rennauto, 

der schnellste frühe 911er im historischen Motorsport, 

Ex-Armin Zumtobel, Ex-Walter Röhrl. Das Gefährt aus 

dem Jahre 1965 erzielte hervorragende 165.400 Euro. 

Mit 148.600 Euro war der 1960 produzierte Mercedes- 

Benz 190 SL einer der Verkäufe im Spitzenfeld. Die 

höchsten Ansteigerungen gab es für ein Juwel der 

Klassischen Fahrzeuge: Bei 9.000 Euro Rufpreis 

kletterten die Gebote für den Volkswagen Käfer „Ultima 

Edicion“ (2003) - mit nur 28,1 km am Tacho – auf 

42.550 Euro. Mit dieser Auktion konnte der 

Umsatzrekord vom Vorjahr eingestellt werden. 

Insgesamt ist das Jahr 2017 das bis dato beste bei den 

Klassischen Fahrzeugen. (Foto: © Dorotheum)


1952 Mercedes-Benz 300 S Cabriolet, erzielter Preis € 563.000 

1961 Alfa Romeo Giulietta Sprint Zagato, erzielter Preis € 350.200


Imposante Hausbar/Barschrank, Entwurf Oswald Haerdtl, Ausführung Fa. Max Welz, 1952 

Schätzwert € 20.000 - 30.000 

Design-Zeitreisen 

Design-Auktion im Dorotheum 

Ob rare Einzelstücke, Prototypen oder form-schöne 

Möbel und Objekte des 20. Jahrhunderts bis heute – 

bei der Design-Auktion des Dorotheum am 2. 

November kommen Fans auf ihre Rechnung. Die 

Auktion führt auch zurück zu den Wurzeln des 

modernen Designs, Anfang 1900. In die Moderne 

verweist etwa Adolf Loos Tisch und Stühle aus dem 

Café Museum oder seine Dodekaeder-Lampe (€ 

15.000 – 20.000, € 20.000 – 25.000). Dass Lampen 

jener Zeit nichts an Aktualität einbüßen, demonstrieren 

etwa Entwürfe von Ettore Sottsass mit seiner Serie 

„Vienna“ (€ 5.000 – 7.000). Möbel, die wie ein 

Architekturdetail aussehen, das könnten die beiden für 

ein Haus in Brünn entworfenen und 1914 bei der 

Werkbundausstellung präsentierten Armlehnsessel von 

Otto Prutscher sein (je € 38.000- 70.000). Überzeugend 

auch zwei Fauteuils und eine seltene Tischlampe, die 

Adolf Loos einst in seine Interieurs integrierte (€ 22.000 

– 34.000, € 40.000 – 50.000). Prominent vertreten sind 

Möbel der 20er und 30er Jahre aus Österreich und 

Deutschland, den Jahren vor der Diaspora von 

Künstlern und Intellektuellen. Arbeiten von Oskar 

Wlach, Oskar Strnad, Marcel Kammerer, Josef Frank, 

Margarethe Schütte-Lihotzky oder vom Deutschen 

Bruno Paul zeugen von großer Qualität. Von Oswald 

Haertl wird, wir befinden uns nun in den 1950er-Jahren, 

neben einem großen Luster auch eine imposante 

Hausbar, eine detailverliebte Einzelanfertigung, 

angeboten (€ 20.000 – 30.000). Das einst in den 50ern 

exotische Medium Fernsehen verbindet „Kuba Komet“ 

mit Space-Age-Fantasien: Exakt 60 Jahre ist es her, 

dass dieses Kombinations-Tonmöbel vom Deutschen 

Gerhard Kubetschek entworfen und mit modernster 

Technik ausgestattet wurde.


Kombinations-Tonmöbel "Kuba Komet" mit Radio, Fernseher, Plattenspieler, Tonbandgerät und Lautsprechern, 

Entwurf Gerhard Kubetschek 1957, Schätzwert € 10.000 - 15.000 

Ein schmucker Dinosaurier des vorigen Jahrt-ausends 

angesichts des Internet-Zeitalters. Der Toast Hawaii 

schmeckt davor auch heute noch (€ 10.000 – 15.000). 

Sehr zeitgemäß-digital mutet eine mit 7.000 bis 10.000 

Euro bewertete kinetische Leuchte von Gaetano Pesce 

von 1963 an, zeitlos „bio“ sind die beliebten 

Messinglampen mit stilisierten Pflanzenblättern von 

Tommaso Barbi (z. B. Stehlampe € 8.500 – 14.000). 

Skandinavisches Design ist u. a. mit zwei Möbeln mit 

Säbelbeinen vom dänischen Design-Gottseibeiuns 

Hans J. Wegner mit in der Auktion (je € 3.000 – 5.000). 

Französische Spitzen-designer dürfen ebenfalls nicht 

fehlen. Von Serge Mouille gibt es Tischlampen, von 

Jean Prouvé einen kleinen Tisch, von Charlotte 

Perriand ein „Cansado-Sideboard“, state of the art (€ 

5.500 - 8.000, € 3.000 - 5.000, € 7.500 – 12.000). Zaha 

Hadids Entwürfe sind aus keiner Design-Auktion 

wegzudenken. Neben einem rasanten Woosh-Sofa wird 

diesmal eine außergewöhnliche Arbeit der berühmten 

Architektin angeboten, ein ca. zweieinhalb Meter langes 

Glasformteil von der 2007 neu errichteten 

„Hungerburg“-Bahn in Inns-bruck. Zaha Hadid ließ sich 

nach eigenen Aussagen von den Eis-, Gletscher- und 

Schneelandschaften der Region inspirieren (€ 20.000 – 

30.000). Kunst und Design verbinden zwei 

österreichische Einzelstücke - ein von Oswald 

Oberhuber 1987 konzipierter Schrank, Schätzwert 

10.000 bis 16.000 Euro, sowie die mit 7.000 – 10.000 

Euro taxierte Hans Hollein Stehlampe für die 

Zentralsparkasse. Entworfen 1990, als man noch an 

Banken glaubte. An Design darf man zum Glück immer 

noch glauben. (Foto: Dorotheum)


Von Schiele bis Kippenberger 

Auktionswoche des Dorotheum mit moderner und zeitgenössischer Kunst, 

Juwelen und Uhren (21. bis 24. November 2017) 

Wegbereiter der Moderne-Auktion Klassische 

Moderne am 21. November 2017 

Egon Schiele gilt als der bedeutendste und radikalste 

Zeichner des 20. Jahrhunderts. Bereits im Vorfeld 

seines 100. Todesjahres bietet das Dorotheum in 

seiner Auktion „Klassische Moderne“ am 21. November 

2017 zwei Zeichnungen des großen Protagonisten der 

Moderne an: Die „Liegende Frau“ von 1917 präsentiert 

sich selbstbewusst dem Betrachter, Schieles raffiniertes 

Linienspiel, seine diffizilen Verkürzungen und 

Überschneidungen sprengen die Grenzen des 

Zeichenblatts. Das hervorragende Blatt, das sich seit 

mehr als 85 Jahren in Privatbesitz befand, demonstriert 

beispielhaft, wie Schiele die Zeichnung aus der 

Tradition der Studie herauslöst und zum autonomen 

Kunstwerk erhebt (€ 700.000 – 1.200.000). Das aus der 

gleichen Sammlung kommende Frauenportrait (€ 

200.000 – 300.000) entstand einige Monate vor 

Schieles frühem Tod mit erst 28 Jahren. Das 

Lenbachhaus in München widmet Gabriele Münter ab 

Ende Oktober 2017 eine eigene Ausstellung. Das 

Dorotheum versteigert von dieser bedeutenden 

Künstlerin, die in diesem Jahr ihren 140. Geburtstag 

hätte, einen „Blick aufs Gebirge“ um 200.000 bis 

250.000 Euro Schätzwert. Zu den weiteren 

Spitzenwerken der Auktion zählen eine Kitzbühel- 

Ansicht von Alfons Walde (€ 220.000 – 320.000) sowie 

Werke von Carl Moll und Emil Fila.


Egon Schiele (1890 - 1918) Liegende Frau, 1917, Gouache, schwarze Kreide auf Papier, Blattgröße 45 x 29,7 cm 

Schätzwert € 700.000 bis 1.200.000 - Auktion 21. November 2017


Dinosaurier-Ei und Lichtfächer - Auktion 

Zeitgenössische Kunst am 22. November 2017 

Ein riesiges Dinosaurier-Ei steht im Mittelpunkt des 

1996 entstandenen Gemäldes von Martin 

Kippenberger, einem der Top-Lose der Auktion 

„Zeitgenössische Kunst“ am 22. November 2017. Das 

Ei mit allen seinen körperlichen, sexuellen, und 

mythologischen Implikationen spielt in Kippenbergers 

Bildern eine wichtige motivische Rolle. Unter dem Titel 

„Der Eiermann und seine Ausleger“ war dem Thema im 

Museum Abteiberg Mönchengladbach eine ganze 

Ausstellung gewidmet. Die Darstellung des 

Urzeitmonsters in pränatalem Zustand, für die eine 

Abbildung aus der Zeitschrift „National Geographic“ 

Vorlage war, lässt sich als vielschichtiges Selbstporträt 

des zur Entstehungszeit schon schwer kranken 

Künstlers lesen (€ 250.000 – 350.000). Licht ist das 

beherrschende Element bei den Arbeiten des ZERO- 

Künstlers Heinz Mack, es verwandelt sie zu 

einzigartigen kinetischen Objekten. Der mit 200.000 bis 

300.000 Euro geschätzte „Lichtfächer im Raum“ aus 

dem Jahr 1965 akzentuiert durch das feinmaschige, 

flexible Streckmetallgewebe die feine Struktur in den 

Lichtflügeln – Je nach Standpunkt des Betrachters wird 

die Oberfläche auf unterschiedliche Weise zum 

Schillern gebracht. Maria Lassnig, die Grande-Dame 

der zeitgenössischen österreichischen Malerei, ist mit 

zwei großformatigen Arbeiten „Innerhalb und Außerhalb 

der Leinwand I und II“ (jeweils € 180.000 –320.000) 

vertreten, Franz West mit einer Skulptur (€ 120.000 – 

220.000), Georg Baselitz unter anderem mit dem 

„Kleinen Feuer“ von 2003 (€ 180.000 – 250.000). 

Kreative Wut steht am Beginn ihrer fantastischen 

Abstraktionen, die ebenso fröhlich stimmen wie 

verstören: Asger Jorns Ölbild „Brokit brak-Patchy 

quarrel“ aus dem Jahr 1964 (€ 150.000 – 200.000 

Euro) ist ein Beispiel für eine Reihe von Arbeiten der 

Künstlergruppe CoBrA, die in dieser Auktion vertreten 

sind. Eine kraftvolle Arbeit, „die mit ihren breiten scharf 

gesetzten Pinselstrichen, den schillernden Farbkontrasten 

und ihrer geradezu aggressiven Intensität eine 

ebenso traumgleiche wie ‚kindliche‘ Atmosphäre 

erzeugt“, so Dorotheum-Experte Alessandro Rizzi. 

Schon traditionell punktet die Auktion wieder mit 

herausragenden Arbeiten italienischer Avantgardekünstler 

der 1960er Jahre. Beispielhaft seien 

Werke von Lucio Fontana, Rodolfo Aricò, Agostino 

Bonalumi oder Enrico Castellani erwähnt. Ein 

besonderes Highlight ist die blaue „Zone riflesse“ von 

Paolo Scheggi von 1964 (€ 280.000 – 360.000). (Foto: 

Dorotheum)


Martin Kippenberger (1953 - 1997) Ohne Titel, 1996, Öl auf Leinwand, 120 x 120 cm 

Schätzwert € 250.000 bis 350.000 - Auktion 22. November 2017


Maria Lassnig (1919 - 2014) Innerhalb und Außerhalb der Leinwand I, 1984/85, Öl auf Leinwand, 120 x 100 cm 

Schätzwert € 180.000 bis 320.000 - Auktion 22. November 2017


Georg Baselitz, Schätzwert EUR 170.000 bis 220.000 - Auktion 22. November 2017


Giuseppe Uncini, Schätzwert EUR 150.000 bis 200.000 - Auktion: 22.11.2017


Paolo Scheggi (1940 - 1971) Zone riflesse, 1964, blaue Acrylfarbe auf drei übereinander gelegten Leinwänden, 100,5 x 100 x 70 cm 

Schätzwert € 280.000 - 360.000 - Auktion 22. November 2017


Rinaldo Giudici (1853 - 1921) Ankunft des Besuches, signiert Rinaldo Giudici, Öl auf Leinwand, 95 x 140 cm, 

erzielter Preis € 137.200 (Weltrekord) 

Ankunft eines Weltrekords 

Top-Preis für Venedig-Bild von Rinaldo Giudici und starke 

österreichische Kunst bei der Auktion Gemälde des 19. Jahrhunderts 

Die Mode ist heute zwar anders, aber das Venedig- 

Motiv einer „Ankunft eines Besuchs“ mit einer Gondel 

sieht noch so aus: Bei Rinaldo Giudicis gleichnamigem 

Großformat läuteten am 19. Oktober 2017 bei der 

Dorotheum-Auktion mit Gemälden des 19. 

Jahrhunderts erst bei 137.200 Euro die 

Auktionsglocken – das ist mit Abstand Weltrekord für 

ein Werk dieses Künstlers. Einen weiteren Weltrekord 

mit 75.000 Euro gab es für eine Küstenlandschaft des 

österreichisch-kroatischen Malers Menci Clement 

Crncic. Weit über den Erwartungen wurden drei seltene 

Gemälde von Nicolae Grigorescu zugeschlagen, dem 

Wegbereiter der rumänischen Moderne. Für die „Die 

Spinnerin“ etwa legte ein Kunstenthusiast 173.800 Euro 

aus. Eine weitere Dame, diesmal aus der italienischen 

Oberschicht, in Öl von Salonmaler Vittorio Matteo 

Corcos meisterhaft in Szene gesetzt, ließ mit 186.000 

Euro aufhorchen. Von der österreichischen Kunst 

reüssierten vor allem Werke von Ferdinand Georg 

Waldmüller („Die Kranzljungfer“, € 247.000), Markus 

Pernhart, Jacob Alt, Friedrich Gauermann, Franz Xaver 

Kosler, Tina Blau und Olga Wisinger-Florian. 

Foto: © Dorotheum


Vittorio Matteo Corcos (1859 - 1933) Porträt von Diane de la Bouchère, 

1903, Öl auf Leinand, 225 x 148 cm, erzielter Preis € 186.000 

Nicolae Grigorescu (1838 - 1907) Die Spinnerin, signiert, 

Öl auf Leinwand, 51 x 42 cm, erzielter Preis € 173.800


Stars und Neuentdeckungen 

Top-Preise für Alte Meister bei 

Auktion im Dorotheum 

Giovanni Paolo Castelli, Lo Spadino (1659 - ca. 1730), Allegorie des Frühlings, 

des Sommers, des Herbstes und des Winters, Öl auf Leinwand, je 131 x 94 cm 

erzielter Preis (für 4) € 430.742 

Alte Meister haben immer Saison. Das bewies einmal 

mehr die Auktion im Dorotheum am 17. Oktober 2017, 

wo im vollen Auktionssaal und bei reger Bietertätigkeit 

ausgezeichnete Gemälde die Besitzer wechselten. 

Seine bemerkenswerte Geschichte und die Tatsache, 

dass sich das Bild des Florentiner Malers Felice 

Ficherelli jahrhundertelang in Familienbesitz befand, 

wurde honoriert: Sensationelle 350.508 Euro legte ein 

Kunstenthusiast für „Die Heilige Praxedis“ aus. Es soll 

den Malergiganten Jan Vermeer so tief beeindruckt 

haben, dass er, wie Dorotheum-Nachforschungen 

ergaben, diese Version kopierte. Die von Giovanni 

Paolo Castelli („Lo Spadino“) umgesetzte 

präsurrealistische, mit Früchten und Pflanzen 

dargestellte Allegorie-Serie der vier Jahreszeiten 

erreichte insgesamt 430.742 Euro. Simon Vouets Bild 

eines hochrangigen Offiziers wurde für hervorragende 

295.800 Euro von einem internationalen Museum 

erworben. Weit über den Erwartungen, mit 137.200 

Euro, wurde eine Neuentdeckung zugeschlagen: 

Guercinos in Öl auf Kupfer gemalte Skizze zum 

Gemälde „Der auferstandene Christus erscheint der 

Jungfrau Maria“. Sehr hohe Ansteigerungen, die erst 

bei 186.000 Euro endeten, gab es auch für „Adam und 

Eva“, flämische Schule des 17. Jahrhunderts. Unter 

den weiteren Höhepunkten: Jusepe de Riberas Bildnis 

des Philosophen Heraklit, Salomon van Ruysdaels 

„Flussmündung an einem befestigten Uferwall“ (jeweils 

€ 222.600), die Sebastian Vrancx zugeschriebene 

„Winterlandschaft mit Karnevalsszene vor der 

Kipdorppoort-Bastei in Antwerpen“ und Venedig- 

Ansicht von Giuseppe Bernadino Bison (je € 161.600). 

Foto: © Dorotheum


Felice Ficherelli (1603 - 1660) Die heilige Praxedis, Öl auf 

Leinwand, 115 x 90 cm, erzielter Preis € 350.508 

Simon Vouet (1590 - 1649) Porträt eines Gentleman mit seinem Hund, 

Öl auf Leinwand, 199,2 x 114,5 cm, erzielter Preis € 295.800

KUNST.INVESTOR Lehner Kunstauktionen 

Dieter Roth, Übermalte Postkarten, 1.12.1977, Schätzpreis: € 3.000 – 4.000,-- / Rufpreis: € 1.500,- 

Ölfarbe auf Postkarte; Monogrammiert und datiert rechts unten sowie Verso mit Text versehen, 10 x 15,1 cm 

Poeten der Malerei, kraftvoller Ausdruck und spirituelle Grazie 

In der, am 16. November 2017 um 19 Uhr, stattfindenden 

14. Auktion der Lehner Kunstauktionen wird 

ein breiter Bogen von Alten Meistern bis zu 

zeitgenössischen Skulpturen und Gemälden gespannt. 

Die Highlights der Contemporary Art bilden Werke von 

Christian Ludwig Attersee, Franz Grabmayr und Ernst 

Fuchs, während unter den Alten Meistern ein 

großformatiges Gemälde von Sebastiano Ricci 

besondere Bedeutung genießt. Christian Ludwig 

Attersee ist in der Auktion mit zwei hochwertigen 

Ölbildern aus zwei künstlerischen Schaffensperioden 

vertreten (Ruf: € 11.000,-- bzw. € 16.000,--). In den 

dargebotenen Arbeiten präsentiert sich Attersee als 

assoziationsreicher Poet und gleichsam als 

Gratwanderer zwischen Phantasie und Wirklichkeit, der 

in seinen letztlich durchaus kritischen, kollektiv 

verbindlichen Bildern an Zustände und Symptome rührt, 

mit denen wir tagtäglich konfrontiert sind. Sebastiano 

Ricci, der in Wien ein Altarbild in der Karlskirche 

gestaltete sowie die Blaue Stiege im Schloss 

Schönbrunn malte, ist demgegenüber mit einem von 

spiritueller Grazie getragenen und meisterhaftem 

ausgeführten Werk (Ruf: € 30.000,--) vertreten. 

Hervorragend präsentieren sich auch die plastischen 

Werke von Ernst Fuchs, dessen stetige Auseinandersetzung 

mit erotischen Themen vor Allem in den drei 

Skulpturen Papageno & Papagena (2014), Tanz der 

Salome (2013) und Wiener Sphinx (2013) (Ruf jeweils € 

1.500,--) zum Ausdruck kommen. Eine besondere 

Rarität stellen in dieser Auktion fünf bemalte Postkarten 

Dieter Roths dar, die von seiner Zeit in den USA und 

von dem regen Austausch des Künstlers mit Freuden in 

Europa zeugen (Ruf jeweils € 1.500,--). Eine Reihe 

grafischer Arbeiten von Fritz Aigner (Ruf von € 350,- bis 

1.200,-) runden das stilistische Spektrum der in der 14. 

Auktion dargebotenen Werke ab. 

(Foto: © Lehner Kunstauktionen)


Sebastiano Ricci, Die Singende Heilige Cäcilia, Schätzpreis: € 60.000 – 80.000,-- / Rufpreis: € 30.000,-- 

Öl auf Leinwand; 95,5 x 82 cm; gerahmt


Christian Ludwig Attersee, Arbeit, 2002, Schätzpreis: € 22.000 – 35.000,-- / Rufpreis: € 11.000,- 

Lack und Acryl auf Leinwand bemalter Holzrahmen; Signiert, datiert und betitelt rechts unten; 95 x 72 cm / 109 x 86 cm; gerahmt


Christian Ludwig Attersee, Zierrechnung, 1984, Schätzpreis: € 32.000 – 45.000,-- / Rufpreis: € 16.000,--, Acryl und Lack auf grundierter 

Leinwand, bemalter Holzrahmen; Signiert und datiert rechts unten, betitelt links unten; 105 x 80 cm / 121 x 96 cm; gerahmt


Fritz Aigner, Der Froschkönig. Aus dem Zyklus "The Beauty and The Beast", 1970, Schätzpreis: € 700 – 900,-- / Rufpreis: € 350,-- 

Aquatintaradierung auf Kupferplatte; Signiert und datiert, nummeriert links unten: 56/99; Blattgröße: 50 x 65 cm / Plattengröße: 30 x 37,5 cm


Ernst Fuchs, Tanz der Salome, 2013, Schätzpreis: € 3.000 – 4.000,-- / Rufpreis: € 1.500,--, Bronze patiniert ; 

Signiert und nummeriert: 13/300; H: 42,5, B: 23, T: 15 cm;


Ernst Fuchs, Wiener Sphinx, 2013, Schätzpreis: € 3.000 – 4.000,-- / Rufpreis: € 1.500,--, Bronze mit Steinsockel; 

Signiert und nummeriert: 17/500; H: 29 cm, B: 17 cm, T: 40 cm;


Ernst Fuchs, Papageno & Papagena, 2014, Schätzpreis: € 3.000 – 4.000,-- / Rufpreis: € 1.500,- Bronze; Papageno: Signiert und nummeriert: 

15/999, Papagena: Signiert und nummeriert: 15/999; Papgeno: H: 13cm, B: 25 cm, T:11cm / Papagena: H: 25 cm, B: 15 cm, T: 6 cm;

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien 

FAQ, Le Dictateur, 2016, Foto: Kunsthalle Wien 2017 

Publishing as an Artistic 

Toolbox: 1989–2017 

Offprint London in der Tate Modern, La Art Book Fair im 

MOCA in Los Angeles, Editionale in Köln, MIA Miami 

international Art Fair, NY Art Book Fair – in den letzten 

Jahren haben internationale Kunstbuchmessen 

genauso zugenommen wie die Kunstbuch- 

Sammlungen in den Museen zeitgenössischer Kunst. 

Inspiriert davon und als Gegenposition zur 

allgegenwärtigen Digitalisierung, zu eBooks und 

eReadern, widmet die Kunsthalle Wien dem Kunstbuch 

bzw. von Künstler/innen herausgegebenen und 

gestalteten Zeitschriften eine umfangreiche 

Ausstellung. Welche Rolle spielen Kunstbücher heute? 

Wie haben sich Künstler/innen das Publizieren für ihre 

spezifische Praxis zu eigen gemacht? Und wie hat sich 

die Wahrnehmung von Kunstbüchern verändert? Das 

Ausstellungsprojekt Publishing as an Artistic Toolbox: 

1989–2017 zielt darauf ab, die Potenziale des 

Publizierens – in Form von Büchern, Zeitschriften, 

Journalen, künstlerischen Interventionen oder Websites 

– als Medium und Kontext zu erforschen, in dem 

Information distribuiert und Kunst produziert wird. Seit 

den 1960er Jahren ist das Veröffentlichen von Büchern 

zu einem beliebten künstlerischen Experimentierfeld 

geworden. Es hat sich zudem als alternativer Raum 

eines uneingeschränkten individuellen oder kollektiven 

Diskurses etabliert. Statt das Augenmerk auf die bereits 

historisierte und erforschte Periode der 1960er und 

1970er Jahre zu richten, vermittelt die Ausstellung, wie 

eine junge Generation von Künstler/innen das Verlegen 

als produktives Werkzeug in ihre eigene Praxis 

integriert. Der Schwerpunkt liegt auf der Zeit von 1989 

bis 2017, wobei 1989 als symbolisches Datum 

verstanden wird, das die Umstellung vom Analogen 

zum Digitalen markiert, gilt 1989 doch als das 

Geburtsjahr des World Wide Web. Auf politischer 

Ebene wird die Zäsur durch den Fall der Berliner Mauer 

markiert.


Le Dictateur, 2006/2016, Foto: Kunsthalle Wien 2017 

West Studio, Foto: Nathan Murell - Foto: Kunsthalle Wien 2017


Publishing as an Artistic Toolbox: 1989–2017 entfaltet 

sich in einem Zusammenspiel von elf verschiedenen 

Sektionen, die sich sowohl im Ausstellen materieller 

Exponate als auch in einem Off-Site-Projekt und einer 

Vielzahl von Veranstaltungen manifestieren: So wurden 

für einen Bereich der Ausstellung Künstler/innen, in 

deren Werk das Publizieren eine bedeutende Rolle 

spielt, eingeladen, Titel zu nennen, die ihre 

Wahrnehmung von Büchern sowie ihre künstlerische 

Praxis beeinflusst haben. In den Erklärungen zur 

jeweiligen Auswahl finden sich so intime Passagen wie 

die von Michael Dean, der über das Collins Mini Gem 

English Dictionary von 1989, das als Promo-Giveaway 

Waschpulverboxen beigelegt war, meinte: „Ganze 

Nachmittage verbrachte ich damit, an den Seifenduftgeschwängerten 

Seiten zu schnüffeln … dieses 

Lexikon war das einzige Stück Literatur, das ich in die 

Finger kriegen konnte. Eine ganze Scheiß-Ewigkeit 

lang.“ Martin Beck wiederum führt Die Passion nach 

G.H. (aus Clarice Lispector, The Complete Stories, New 

Directions, New York 2015) an und erklärt „… 

verwirrend und auf seltsame Weise faszinierend – 

tatsächlich berauschend. Ich markierte Phrasen, Sätze 

und Passagen und verwendete einen Auszug in einem 

zeitschriftenartigen Kunstwerk, an dem ich damals 

arbeitete.“ 

Und Nathalie Du Pasquier hebt in allen genannten 

Publikationen die Parallelen bzw. spannenden 

Abweichungen zwischen dem Präsentieren von Kunst 

im Ausstellungsraum und zwischen zwei Buchdeckeln 

hervor. Die Bibliothek als Medium sowie als Porträt 

einer Persönlichkeit wird in einer kleinen, temporär 

zugänglichen Satelliten-Ausstellung thematisiert: Franz 

West hatte seine Bibliothek im Wiener Studio in selbst 

gebauten Regalen untergebracht. Die dort 

gesammelten Bücher dienten in vielen Fällen auch als 

Notizbücher. Für die Ausstellung wurde eine Gruppe 

von Künstler/innen eingeladen, eines dieser Bücher zu 

wählen und – ganz im West‘schen Sinne – diesem eine 

künstlerische Intervention hinzuzufügen. Ein vom 

Sammler/Verleger Gregorio Magnani kuratierter 

Buchladen ist ebenso Teil der Ausstellung wie eine vom 

Kunstbuch-Sammler Christoph Schifferli ko-kuratierte 

Sektion, die sich der Geschichte künstlerischer 

Interventionen in Zeitschriften und Zeitungen widmet. 

Denn neben dem Kunstbuch sind auch die von 

Künstler/innen herausgegebenen Zeitschriften für das 

Thema relevant. Hat doch die Zeitschrift als wichtiges 

Instrumentarium künstlerischer Produktion bereits eine 

lange Tradition. Die Autorin und Journalistin Filipa 

Ramos lädt vor Ort zur Diskussion mit Verleger/ innen 

von Zeitschriften, die ihren Arbeitsbereich auf das 

Verlegen von Büchern erweitert haben. In einem 

separaten Bereich der Ausstellung stellt Filipa Ramos 

Projekte vor, die zwischen Druck und Digitalität 

oszillieren und Mischformen zwischen Kunstbuch und 

kuratorischem Experiment darstellen. Publishing as an 

Artistic Toolbox: 1989–2017 verwandelt den 

Ausstellungsraum nicht in eine Bibliothek, einen 

Lesesaal oder eine begehbare Enzyklopädie, sondern 

versteht sich als räumlicher Index, der die 

Besucher/innen einlädt, die ausgestellten Materialien in 

der Ausstellung zu erleben. [Kunsthalle Wien. Dauer: 

8.11 - 28/1 2018]


THE THING Quarterly Issue 24, 2014, Foto: Kunsthalle Wien 2017 

THE THING Quarterly Issue 28, 2015, Foto: Kunsthalle Wien 2017


Florian Hecker 

Halluzination, Perspektive, Synthese 

© Foto: J. Phipps 

Florian Hecker ist Künstler, der mit synthetischen 

Sounds akustische Erfahrungsräume schafft und den 

Hörprozess des Betrachters als Material einsetzt. Seine 

computergenerierten, räumlichen Kompositionen 

dramatisieren Fragestellungen der Psychoakustik, 

objektiv-physikalischer Reize und deren individueller, 

psychischer wie physischer Wirkung. Mehr-Kanal- 

Installationen entfalten eine skulpturale Präsenz, die die 

Vorstellung einer kohärenten, kontinuierlichen Welt aus 

identifizierbaren Koordinaten und Bezugspunkten ins 

Wanken geraten lässt. Der Ausstellungsraum der 

Kunsthalle Wien präsentiert sich im Rahmen von 

Halluzination, Perspektive, Synthese als pointiert 

ausgeleuchtete, auf ihre Architektur reduzierte Halle. 

Sie ist Aufführungsort, Resonanzraum und Bühne für 

Klangereignisse, die sich einer sprachlichen Beschreibung 

und Kategorisierung entziehen. Größten 

Raum nimmt Resynthese FAVN ein, eine umfangreiche 

Weiterentwicklung von FAVN, das 2016 in der Alten 

Oper in Frankfurt präsentiert wurde. FAVN, eine 

Abstraktion zum Komplex der Psychophysik des späten 

19. Jahrhunderts sowie Debussys Prélude à l’aprèsmidi 

d’un faune, das seinerseits eine musikalische 

Auseinandersetzung mit Stéphane Mallarmés Gedicht 

L’après-midi d’un faune ist, bilden die Ausgangssituation 

zu Resynthese FAVN. Resynthese FAVN ist 

das Resultat einer minutiösen, computergesteuerten 

Analyse, Umformung und anschließenden Resynthese 

von Heckers ursprünglicher Arbeit. Bereits Mallarmés 

Dichtung, aber auch Debussys Komposition spüren der 

unscharfen Grenze von Realität und Imagination, 

sensorischer Empfindung und halluziniertem Ereignis 

nach. Resynthese FAVN schreibt diese Ambivalenz fort 

und zwingt die Hörer/innen über einen algorithmisch 

gesteuerten Prozess der Klangerzeugung zu einer 

Auseinandersetzung mit der eigenen Wahrnehmung 

akustischer Realität. Während der Ausstellung sind im 

Laufe eines jeden Tages acht verschiedene Versionen 

zu hören – graduelle, sich immer mehr kristallisierende 

Ausführungen der Arbeit. Signifikant ist die 

konzeptuelle Zuspitzung der von Debussy verdichteten 

Tendenzen des ausgehenden 19. Jahrhunderts: 

Quantifizierung der Sinne, pointierter Einsatz von 

Timbre und Klangfarbe. Inmitten einer reduzierten 

Bühnensituation präsentiert sich der komplexe Sound 

als etwas, das sich auf keine bekannte Quelle 

zurückführen lässt. Letztlich realisiert unsere auditive 

Wahrnehmung die Klänge als sensorische Objekte mit 

unterschiedlicher Verortung. Damit problematisiert 

Resynthese FAVN auch den Begriff einer singulären 

oder in sich geschlossenen Perzeption. Ähnlich verhält 

es sich in zwei weiteren Arbeiten, die in kleineren 

Räumen präsentiert werden. Affordance (2013) 

widersetzt sich mit seinen ansteigenden Arpeggios, 

verzerrten Glissandos, gänzlich statischen Tönen und 

Eruptionen von Noise jeder Erwartung, die aus dem 

zuvor Gehörten resultiert. Es basiert in seiner 

vollständig synthetischen Qualität buchstäblich auf „unerhörten“ 

Sounds und begründet damit eine 

musikalische Ontologie, die kein Hörprozess vollständig 

erkunden kann. Auch bei dem zweiten, für 

Halluzination, Perspektive, Synthese entstandenen und 

auf einem hoch formalisierten Stimmsystem 

basierenden Werk steht die Frage, welche Intensitäten 

bestimmte akustische Verhältnisskalen bei dem sie 

empfangenden Zuhörer auslösen, im Zentrum. 

[Kunsthalle Wien. Dauer von 17. November 2017 bis 

14. Jänner 2018 - Foto © Kunsthalle Wien]


Florian Hecker, 3 Channel Chronics (Performance), Push & Pull, Mumok, Wien, 12. Oktober 2010, 

Processed Performance Still, Original Photography © Manuel Gorkiewicz, 2010 

Florian Hecker, FAVN Alte Oper Frankfurt, Foto: © Alte Oper Frankfurt, Norbert Miguletz, 2016, 

Copyright der Künstler, Courtesy Sadie Coles HQ, London

KUNST.INVESTOR Galerie Gugging 

"birdman" Hans Langer, 2015, Alles Vogel/All Birds, Mischtechnik/mixed media, 88 x 108 cm, © by pixelstorm wien


"birdman" Hans Langer, 2017, Golden Times, Mischtechnik 

„Mehr als einen Vogel“ 

25 Jahre künstlerfreundschaft Hans Langer und Jens Mohr 

"Der beste Weg, einen Freund zu haben, ist der, selbst 

einer zu sein.“ Dieses Zitat von Ralph Waldo Emerson 

erscheint uns in Bezug auf die Freundschaft von 

„birdman“ Hans Langner und Jens Mohr als sehr 

passend. Alles begann im Jahre 1992, als Hans 

Langner einen Atelierplatz in Bonn, Deutschland, zu 

vergeben hatte. Der Erste, der sich auf die Annonce 

meldete, war Jens Mohr. Sie waren sich von Anfang an 

sympathisch und inspirieren sich bis heute gegenseitig. 

Das Atelier war eine frühere Backstube, in der die 

beiden Künstler Utensilien aller Art verarbeiteten und 

gemeinsame Kunstwerke schafften, die sich heute im 

Museum Dr. Guislain, Belgien, befinden. Bereits nach 

zwei Jahren wurde das gemeinsame Atelier aufgelöst, 

da sich „birdman“ entschied, nach Hong Kong zu 

ziehen; der Kontakt blieb aber fortan bestehen und die 

beiden verloren sich nicht aus den Augen. Die Galerie 

Gugging widmet nun den Künstlerfreunden 25 Jahre 

nach ihrer ersten Begegnung eine eigene Ausstellung, 

die erste dieser Art. Auf Malta haben die beiden 

Künstlerfreunde den Titel der Ausstellung „mehr als 

einen vogel - 25 Jahre künstlerfreundschaft birdman 

und jens mohr“ kreiert. Er bezieht sich mit einem 

Augenzwinkern auf das Vogel-Motiv, das für beide ein 

künstlerisches Thema ist, aber auch auf ihren 

„Schaffensdrang“, der nicht zu bändigen ist, wenn sie 

gemeinsam auf der ganzen Welt arbeiten. Gerade das 

gemeinschaftliche Arbeiten an den verschiedensten 

Orten und die Harmoniebedürftigkeit verbinden und 

lösen diesen regelrechten Schaffensdrang aus, um es 

in den Worten des birdman zu beschreiben: „Es ist 

Erfüllung, ein Sog! Oft arbeiten wir den ganzen Tag, 

manchmal 12, 14 Stunden und machen nichts anderes. 

Wir bereichern, befruchten und ergänzen uns sehr gut.“ 

Die Ausstellung, die gemeinsam mit den Künstlern 

aufgebaut wird, zeigt das umfassende Œuvre der 

beiden, wobei die Übereinstimmung und 

Überschneidung ihrer Arbeitsweise wesentlich ist. Sie 

arbeiten mit Gefundenem, Gesammeltem, einfach mit 

dem, was da ist, und schaffen aus der Fülle heraus. Sie 

lassen sich nicht vom Zeitgeschehen leiten. Jeglicher 

Gegenstand ist potenzielles Material und soll und darf 

transformiert werden. Das bereits Gegebene, ein 

fertiges Kunstwerk oder ein Alltagsgegenstand, wird in 

etwas Neues verwandelt.


Jens Mohr, 2017, Ameise / Ant, Objekt/object, 63 x 45 x 32 cm, © by pixelstorm wien


Jens Mohr, 2017, Kuh / Cow, Objekt/object, 67 x 31 x 7 cm, © by pixelstorm wien 

Die Bestrebung dabei ist es, die Essenz des Bildes 

bzw. des Objekts noch mehr hervorzuheben, es noch 

schöner und kostbarer wirken zu lassen. Miteinander 

gemein haben sie außerdem, dass ihre Kunst spontan 

und ohne Entwürfe oder Skizzen entsteht. Ähnlich 

intuitiv arbeiten sie an ihrer „Instant Art“, wie sie ihre 

Sofortkunst nennen, die meist vor Publikum praktiziert 

wird. Trotz alledem darf nicht außer Acht gelassen 

werden, dass die beiden eigenständige Künstler sind 

und auch unabhängig voneinander tätig sind. Birdman 

Hans Langner arbeitet seit 2015 fast ausschließlich an 

der Übermalung von Tapisserien und Gobelins, die 

immer dichter, goldener, üppiger, ja fast schon „barock“ 

werden. Dabei werden die unsichtbaren Vögel, die 

darin verborgen sind, sichtbar gemacht, indem der 

Hintergrund bemalt wird. Einen weiteren Schwerpunkt 

setzt der Künstler auf die Übermalung und 

Überarbeitung religiöser Kunst mit einer Botschaft: 

Liebe. In erster Linie widmet er sein Schaffen der 

Schönheit und Ästhetik; er lebt und arbeitet auch nach 

diesem Credo. Jens Mohr auf der anderen Seite 

zaubert aus vermeintlich Nutzlosem skurril humorvolle 

Wesen aus Fundstücken und Gebrauchsgegenständen 

aller Art. Seine Objekte sind vordergründig ohne 

Botschaft und leben von der Verbindung von 

Gegensätzen, indem er beispielsweise für eher 

„weichere“, anschmiegsamere Tiere eisernes, kaltes 

Material verwendet. Sie dürfen frei von Gedankenlast 

existieren, wie es das Privileg der Tiere im Allgemeinen 

zu sein scheint. Bei differenzierter Betrachtung mischen 

sich bei seinen Charakteren menschliche und tierische 

Züge. Über die besondere Freundschaft zu birdman 

Hans Langner sagt Jens Mohr: „Das Außergewöhnliche 

an uns ist, dass wir auf vielen Ebenen zusammen und 

nicht nebeneinanderher arbeiten und das ist selten.“ 

Den Besucher der Ausstellung „mehr als einen vogel - 

25 jahre künstlerfreundschaft birdman und jens mohr“ 

erwartet eine interessante Mischung von birdman Hans 

Langner's Werken, die von Gobelins und goldenen, 

üppigen Wandobjekten bis hin zu mit Tusche 

gefertigten "Black Birds" reicht, und auf erfrischend 

originell gestaltete Assemblagen von Jens Mohr, wie 

zum Beispiel die „Schafherde“ oder „Alle meine 

Entchen“ (Vernissage: Mittwoch, 27. September 2017, 

19:00 Uhr). [Galerie Gugging- Ausstellungsdauer: 27. 

September bis 15. November 2017- Foto: © Galerie 

Gugging]

UNST.INVESTOR Albertina 

Raffael 

Porträt des Bindo Altoviti, ca. 1514-1515, Öl auf Holz 

Raffael bildet mit Leonardo da Vinci und Michelangelo 

das große Dreigestirn der Renaissance. Mit seinen 

weltberühmten Zeichnungen zählt der jung verstorbene 

Meister darüber hinaus zu den größten Zeichnern der 

Kunstgeschichte. In diesem Herbst würdigt die 

Albertina Raffael mit 150 Gemälden und Zeichnungen 

eine groß angelegte Ausstellung. Ausgehend von den 

bedeutenden Beständen der Albertina und ergänzt um 

die schönsten und wichtigsten Zeichnungen 

bedeutender Museen wie den Uffizien, der Royal 

Collection der britischen Königin, dem British Museum, 

dem Louvre, den Vatikanischen Museen und dem 

Ashmolean Museum in Oxford stellt die monografische 

Schau das Denken und die Konzeption Raffaels ins 

Zentrum: Sie reicht von den ersten spontanen 

Ideenskizzen, virtuose Detailstudien, über Kompositionsstudien 

bis zu den ausgeführten Gemälden. Ob 

als Maler und Architekt in Florenz und Rom oder im 

Auftrag von Päpsten und Fürsten – Raffael ist ein 

wahres Universalgenie der Hochrenaissance, stets auf 

der Suche nach dem Equilibrium zwischen Naturnachahmung 

und Idealität. Die Ausstellung zeigt mit 

rund 130 Zeichnungen und 18 Gemälden sämtliche 

bedeutende Projekte des Künstlers: Von der frühen 

umbrischen Periode (bis 1504) über die Jahre des 

Florenz-Aufenthaltes (1504/1505–1508) bis hin zur 

römischen Zeit (1508/1509–1520) sind beeindruckende 

Werke aus allen Schaffensphasen zu sehen. 

Doch nicht nur Raffael steht diesen Herbst in der 

Albertina im Fokus, auch einem der größten 

niederländischen Künstler des 16. Jahrhunderts ist 

parallel eine umfangreiche Ausstellung gewidmet: 

Pieter Bruegel. Mit zwei großen Meistern der 

Kunstgeschichte stehen sich zwei völlig verschiedene 

Weltbilder gegenüber. Die Albertina bietet die 

Gelegenheit, den ästhetischen Idealismus Raffaels mit 

dem schonungslosen Realismus des Moralisten zu 

erleben. [Albertina. Dauer bis 7. Jänner 2018] 

Foto © Albertina

KUNST.INVESTOR Albertina 

Raffael, Madonna dell’Impannata, 1511, Öl auf Holz 

© Galleria Palatina, Palazzo Pitti, Uffizi, Florenz: Opificio delle Pietre Dure, Florenz

KUNST.INVESTOR MAK 

Thomas Bayrle 

Wenn etwas zu lang ist – 

mach es länger 

MAK-Ausstellungsansicht, 2017, Foto: © MAK/Georg Mayer 

Überdimensional! Eine aus unzähligen iPhones 

bestehende „Superform“ – iPhone meets Japan (2017) 

– in der MAK-Säulenhalle ist die zentrale Arbeit und 

zugleich der Auftakt der ersten in Österreich gezeigten 

institutionellen Einzelausstellung des deutschen 

Zeichners, Grafikers, Malers und Bildhauers Thomas 

Bayrle (* 1937), der am 7. November 2017 seinen 80. 

Geburtstag feiert. Unter dem Titel Wenn etwas zu lang 

ist – mach es länger, nach einem Zitat des Architekten 

Eero Saarinen (1910–1961), entwickelt Bayrle, der sich 

mit zeitaktuellen Medien auseinandersetzt, eine 

Erzählung zur Interaktion zwischen Kommunikationsdesign, 

Individuum und Gesellschaft. Im Rahmen der 

Ausstellung beleuchtet Bayrle die MAK-Sammlung am 

Beispiel von Objekten, die die konzeptuelle 

Vorbildersammlung der 1863 als k. k. Österreichisches 

Museum für Kunst und Industrie gegründeten Institution 

prägen. Mit grafischen, skulpturalen, malerischen, 

textilen wie installativen Arbeiten verwebt er mehrere 

Räume – MAK-Säulenhalle, MAK DESIGN LABOR, 

MAK GALERIE und MAK- Schausammlung 

Gegenwartskunst – zur Projektionsfläche für seine 

Interpretation von „Social Fabric“, soziale 

Verflechtungen, die er an die Kunst des Webens 

anlehnt. Weben, Vernetzen, Wiederholungen und das 

Prinzip des Seriellen sind bestimmende Momente in 

Bayrles Œuvre. Vor seinem Studium der Gebrauchsund 

Druckgrafik selbst zum Musterzeichner und Weber 

ausgebildet, überträgt er die Faszination für 

Maschinelles konsequent in seine künstlerische 

Produktion. Mit Metaphern des Fär- bens, Webens und 

Programmierens untersucht er die Ambivalenz von 

Kunst, Hand- werk, Industrie und lässt 

kaleidoskopartige Formen – Ornamente der Masse 

entstehen. Beeinflusst von Op-Art (Victor Vasarely, 

1906–1997) und Pop-Art (Andy Warhol, 1928–1987), 

verband Bayrle als einer der Ersten manuelle 

Techniken mit computergenerierter Kunst des digitalen 

Zeitalters. Themen für seine Grafiken, Fotografien, 

Collagen und Objekte bezieht er aus der All- tagskultur 

und politischen Kontexten. Seine legendären 

„Superformen“ – Collagen aus einer unendlichen 

Anzahl von Miniaturbildern – ergeben im 

Zusammenspiel ihrer Einzelteile einen Mikro- und 

Makrokosmos. Durch die Vervielfältigung von „Zellen“, 

Bildern und ornamentalen Formen analoger wie 

digitaler Dimension können seine Arbeiten als 

Statements zu Masse und Massenproduktion gelesen 

werden, so der Künstler. Mit Bayrles Projekt wird das 

MAK zum Schauplatz einer neu aufgenommenen 

Interaktion zwischen Kunst und Handwerk, KünstlerIn 

und WeberIn. (Foto © MAK)


MAK-Ausstellungsansicht, 2017, Foto: © MAK/Georg Mayer 

MAK-Ausstellungsansicht, 2017, Foto: © MAK/Georg Mayer


Grafik: Benjamin Buchegger, Atelier: Beton Mai Frische, Auftraggeber: Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig 

Druck: Onlineprinters GmbH, Neustadt a. d. Aisch, Drucktechnik: Offsetdruck Österreich, © Benjamin Buchegger/100 Beste Plakate e. V.


Grafik: Cybu Richli, Atelier: C2F, Echo Orgelfestival 2016 (aus einer Serie von zwei Plakaten), Auftraggeber: ECHO-Orgelfestival, Luzern 

Druck: DRUCKLABOR AG, Wettingen, Drucktechnik: Digitaldruck Schweiz, © C2F/100 Beste Plakate e. V. 

100 BESTE PLAKATE 16 

Deutschland-Österreich-Schweiz 

Zeitgenössisches Plakatdesign hat deutlich mehr zu 

bieten, als Inhalte publikumswirksam für öffentliche 

Werbeflächen zu illustrieren. Wie avanciert 

konsumentenorientierte Gestaltung aussehen kann und 

wie viel Spielraum für subtilen Humor und versteckte 

Kritik grafische Umsetzungen am Plakat bieten, 

stellt100 BESTE PLAKATE 16. Deutschland Österreich 

Schweiz auch 2017 unter Beweis. Mit der Ausstellung 

des beliebten Grafikdesignwettbewerbs, der heuer mit 2 

116 Plakaten von 632 EinreicherInnen einen 

Beteiligungs-Rekord verzeichnet, liefert das MAK 

wieder einen Querschnitt der aktuellen Trends und 

Codes des Grafikdesigns Hundert heterogene Sujets 

und EinreicherInnen – vom studentischen Projekt bis 

zur Auftragsarbeit etablierter GrafikdesignerInnen und 

Agenturen – stehen sich als gleichwertige Gewinner 

gegenüber. Die von einer international renommierten 

Fachjury prämierten Plakate und Plakatserien gehen 

auch heuer als Neuzugänge in die MAK-Sammlung ein. 

Nach Ländern gliedern sich die Gewinner in 52 Projekte 

aus der Schweiz, 46 aus Deutschland und – trotz 

abermaliger Steigerung der EinreicherInnen – nur zwei 

aus Österreich. Juryvorsitzender Alain Le Quernec 

resümiert: „Die Talente, die eine neue Ästhetik 

durchsetzen, indem sie Jahr um Jahr wieder 

ausgewählt werden, entwickeln sich ihrerseits zu 

Vertretern einer neuen Form der Klassik. Neue Trends 

kennen keine Grenzen, jede Generation schuldet es 

sich selbst, die Normen der Vorgängergeneration zu 

sprengen, neue Codes zu erfinden, sich mit dem Bruch 

zu identifizieren – selbst wenn diese Revolutionen mit 

Abstand betrachtet letztlich nur Entwicklungen sind.“ 

Die Palette der hundert prämierten Projekte reicht von 

vorrangiger Produktwerbung bis zur Affiche mit 

pointiertem Witz oder politischem Hintergrund. Teils 

überraschen unkonventionelle grafische 

Lösungsansätze mit ihrer Interpretation klassischer 

Sujets. Bildflächen werden zu Crossovers, in denen 

historische Bildwelten zitiert, neu interpretiert und somit 

erlebbar gemacht werden.


Grafik: Wolfgang Ortner, Thomas Steiner, Sarah Oos, Atelier: OrtnerSchinko, Daedelus, The Future Sound (Serie von zwei Plakaten) 

Auftraggeber: Kulturverein Stadtwerkstatt, Linz, Druck: Onlineprinters GmbH, Neustadt a. d. Aisch Österreich 

© OrtnerSchinko/100 Beste Plakate e. V.


Grafik: Vinzent Britz, "Brexit", Auftraggeber: Eigenauftrag, Druck: Centralstation Druck + Kopie GmbH, Berlin 

Drucktechnik: Digitaldruck, Deutschland, © Vinzent Britz/100 Beste Plakate e. V. 

Neben der großen stilistischen Vielfalt, die die 

Ausstellung auch dieses Jahr wieder charakterisiert, 

sind heuer einige GewinnerInnen zu verzeichnen, die 

mit ihren hochqualitativen Einreichungen an Erfolge der 

Vorjahre anknüpfen konnten. Unter den beiden 

Siegerprojekten aus Österreich findet sich ein im 

Wettbewerb schon bekanntes Gesicht: bereits zum 

dritten Mal konnte Benjamin Buchegger vom Atelier 

Beton (Wien, Salzburg, Leipzig) die Fachjury 

überzeugen. Buchegger, der an der Hochschule für 

Grafik und Buchkunst in Leipzig studiert, hat für sein 

Plakat Mai Frische – getreu dem titelgebenden Motto – 

eine erfrischend bunte Farbgestaltung gewählt. Die 

dabei verwendeten kontrastierenden Farben der 

Typografie – Gelb, Blau und Rot – überschneiden sich 

und verlaufen ineinander. Ein alternatives Motto für 

dieses Plakat könnte daher auch „Vorsicht, frisch 

gestrichen!“ lauten. Das Linzer Studio OrtnerSchinko 

hat mit seinen Plakaten für den Kulturverein 

Stadtwerkstatt eine Serie von zwei 

Konzertankündigungen für The Future Sound 

geschaffen. Die beiden in Schwarz und Weiß 

gehaltenen Plakate erinnern in ihrer Aufmachung an die 

Covergestaltung von Magazinen. Der Name des Top 

Acts des Abends wird durch Silbentrennung 

beziehungsweise Silbenvertauschung typografisch so 

gesetzt, dass der Schriftzug gegen unsere 

Lesegewohnheit erscheint. Beinahe zu einer Tradition 

geworden sind die in den letzten Jahren mehrmals 

prämierten Plakate der – laut Eigendefinition – 

„hochkreativen Denkzellen“ Rocket & Wink für die 

Getränkemarke fritz-kola. Der cartoonhafte Witz ihrer 

Plakate ist irritierend, aber dennoch allgemein 

verständlich. Ihr in kindlicher Manier gesetzter Duktus 

ist mit subtilem Humor durchsetzt, Produkt und 

Zielgruppe finden sich in harmonischem Einklang. Dass 

ein politisch motiviertes Plakat kaum Gestaltungsmittel 

benötigt, stellt das Plakat Brexit von Vinzent Britz unter 

Beweis. Er stellt die Farbe Blau, die an die EU-Flagge 

erinnert, aus der britischen Flagge einfach frei und gibt 

somit ein eindeutiges politisch motiviertes Statement 

ab, das leicht dechiffriert werden kann. Im Rahmen 

einer Ausstellungstournee wird die Schau an insgesamt 

sieben Orten in Deutschland, Österreich und der 

Schweiz gezeigt. [MAK. Ausstellungsdauer: 18. 

Oktober 2017 – 25. Februar 2018 – Foto © MAK]

KUNST.INVESTOR Genusskunst

KUNST.INVESTOR Genusskunst 

Julius Meinl am Graben 

Genuss auf allen Ebenen - Speisen vom Feinsten 

bei Julius Meinl am Graben 

Genuss ist in erster Linie eine Lebenseinstellung, die 

vor allem die unabdingbare Bereitschaft dazu und 

natürlich auch die entsprechende Muße erfordert – dies 

verkörpert Julius Meinl am Graben wie wohl kaum ein 

anderes österreichisches Unternehmen als Österreichs 

erste Adresse für Gourmets und Genießer. Hier 

versteht man Genuss als eine Art Gesamtkunstwerk für 

alle Sinne, dazu gehören Gaumenfreuden ebenso wie 

eine stimmungsvolle Atmosphäre, die passende 

akustische Untermalung und angeregte Gespräche. In 

den gastronomischen Outlets werden Ihnen bei Julius 

Meinl am Graben hierzu mannigfaltige Möglichkeiten 

geboten. Überzeugen Sie sich in Meinl’s Restaurant 

von einer internationalen, höchst innovativen 

Luxusküche mit unvergleichlich schönem Blick auf 

Graben und Kohlmarkt! Begeben Sie sich unter der 

Führung unserer Sommeliers auf eine spannende 

Weinreise in Meinl’s Weinbar oder erleben Sie 

unvergleichlichen Kaffeegenuss in Form einer 

anregenden Melange im beliebten Meinl Café. „Wählen 

Sie aus“ – hier wird jeder Genusswunsch mit Kompetenz 

und kulinarischem Know-how ermöglicht! 

Meinls Restaurant: Von Anbeginn vermochte das 

Restaurant mit der schönsten Aussicht Wiens, 

Gourmets aus dem In- und Ausland mit seiner 

spannenden Küche, seinem unprätentiösen und 

charmanten Service und seiner wunderbaren Weinkarte 

zu begeistern. Hier werden von früh bis spät 

durchgehend kulinarische Köstlichkeiten und luxuriöse 

Gaumenfreuden in einer stilvollen und doch legeren 

Atmosphäre angeboten. Am Morgen bieten eine 

Vielzahl an Frühstücksvarianten den idealen Start in 

den Tag, mittags verwöhnen wir Sie mit einem 

exquisiten und doch raschen Business-Lunch, am 

Nachmittag verlocken Wiener Kaffee- und 

Teespezialitäten und die süßen Köstlichkeiten aus 

unserer hauseigenen Patisserie und am Abend findet 

der Tag bei einem leichten Dinner oder einem 

exzellenten Menü zu einem hervorragenden Glas Wein 

einen gelungenen Ausklang. Meinls Restaurant kann 

selbstverständlich für Weihnachtsfeiern und besondere 

Anlässe auch exklusiv gebucht werden.

KUNST.INVESTOR Genusskunst


Die Küche begeistert durch einen individuellen Stil, der 

mediterran geprägt ist und sich der Saisonalität und 

Hochwertigkeit der Grundprodukte verpflichtet. Das an 

Vielfalt und Frische unüberbietbare Sortiment von 

Julius Meinl am Graben tut sein Übriges, um zu einer 

internationalen Küche zu inspirieren, die von einer 

beispiellosen Authentizität und Leichtigkeit 

gekennzeichnet ist und getrost auf Firlefanz und Pomp 

verzichten kann. Als unabdingbar für die kulinarische 

Performance erweist sich das distinguierte, umsichtige 

Service, das auch den anspruchsvollsten Gast 

verwöhnt. Der außerordentliche Ruf des Restaurants 

liegt sicherlich auch in der Weinkarte begründet, die mit 

ihren über 750 Weinpositionen und einem Angebot an 

Bränden, das sich wie das „Who is Who“ der 

heimischen Top-Destillerie liest, für jeden Gang die 

perfekte Begleitung bereithält. 

Meinls Weinbar: Weinkenner und all jene, die es 

werden wollen, schätzen die stimmungsvolle 

Atmosphäre, das atemberaubende Sortiment und die 

exzellente Weinberatung von Seiten des Weinbar 

Teams. Die Umfangreiche Weinkarte umfasst nicht nur 

etwa 30 offene Weine aus Österreich und dem 

Ausland, sondern ebenso verschiedene Schaumweine, 

Süßweine und Portweine, die das Angebot abrunden. 

Außerdem können Sie noch aus ca. 2000 

verschiedenen Weinen aus aller Welt und etwa 20 

unterschiedlichen Champagner wählen und diese 

gegen einen 10%igen Bedienungsaufschlag 

(Mindestaufschlag € 3,00) flaschenweise genießen. 

Neben zahlreichen internationalen Raritäten, die bis ins 

Jahr 1961 zurückreichen, sind es vor allem die 

österreichischen Raritätenweine, welche Sie auf einer 

eigens kreierten Raritätenkarte finden, die Meinls 

Weinbar für Weinkenner einzigartig machen. Egal ob 

Sie einen gereiften Weißwein oder einen Rotwein aus 

den Spitzenjahrgängen wie 1999, 2000 oder 2003 

suchen. Hier werden Sie fündig. Auch der kleine 

Hunger lässt sich in Meinls Weinbar stillen: neben 

einem täglich wechselnden Mittagsmenü werden auf 

der Speisekarte auch klassische Spezialitäten wie 

Antipasti-Variationen, Beef Tartar, Roastbeef oder 

Räucherlachs angeboten. Wer den Weingenuss 

zuhause bevorzugt und seinen Einkauf nicht zu den 

Geschäftszeiten von Meinl am Graben erledigen kann, 

hat hier in Meinls Weinbar bis zur mitternächtlichen 

Sperrstunde die Gelegenheit, aus dem Top-Angebot 

unter fachkundiger Beratung auszuwählen und zu 

Handelspreisen einzukaufen. Außerdem bieten die 

Räumlichkeiten von Meinls Weinbar, die natürlich auch 

exklusiv buchbar sind, das ideale Ambiente für Ihre 

Weihnachtsfeier, eine Geburtstagsparty, Hochzeitsoder 

Firmenfeier. 

Meinls Café: Das "Meinls Cafe" mit angeschlossenem 

Gastgarten auf dem Kohlmarkt zählt mittlerweile zu den 

beliebtesten Innenstadttreffs, denn hier wird die 

Altwiener Kunst des Kaffeekochens zelebriert. Auf der 

Kaffeekarte finden sich an die 35 Rezepturen: von der 

klassischen Melange über Kapuziner, Einspänner und 

Kaffee verkehrt bis hin zum Mazagran. Das "Meinls 

Café"-Team begeistert seine Kunden kontinuierlich mit 

neuen Kreationen der braunen Bohne; Mandorlino (mit 

Mandelmilch verfeinerter kalter Espresso), Melange 

Orangina, die kongeniale Verbindung von Großem 

Braunen und Orangenlikör und Greco haben schon 

zahlreiche Anhänger gefunden. Die Mitarbeiter stehen 

vor Ort mit Rat und Tat bei der Auswahl des 

gewünschten Kaffees zur Seite und geben Einblick in 

die faszinierende Welt des beliebten Genussmittels. Ein 

einladendes Angebot an Kipferln & Croissants und 

Tartes aus der hauseigenen Patisserie verspricht zu 

jeder Kaffeespezialität die passende Begleitung. Somit 

garantiert ein Besuch im "Meinls Café" aufgrund der 

fachkundigen Beratung und exzellentem Service 

uneingeschränkten Kaffeegenuss in klassisch-stilvoller 

Atmosphäre.


Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien 

Le Restaurant, Le Club, Le Design 

Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine Ruckendorfer 

und Architekt Alberto Bach perfekt definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für viele internationale 

Prestigebauten verantwortlich und hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und orientalischen Klischees. 

Beide wollten dem Aux Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das Licht wird durch die Neugestaltung tief in 

den Raum geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. "Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten 

kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von großer Klarheit", 

erklärt Bach. "Verbindend dazu finden sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit klassisch 

marokkanischen Elementen." Eine Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum Einsatz kommt. Ruckendorfer 

Für Ruckendorfer ist das Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 

2000 Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & 

Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", "Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes mehr erwarten 

den Gast. "Orient Light" nennt sich das frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für die heißen 

Sommermonate in der City. Im "Lunch Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von libanesischen Mezze- 

Gerichten und marokkanischen Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat-Buffets angeboten. Abends können 

diese auch à la Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte im 

Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. Abends kommt 

regional-österreichisches zum Einsatz, wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem Rinderprosciutto und 

Granatapfel, einem zarten Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier werden mit Gemüse-Tajine oder 

gebackenen Kartoffeln mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip verwöhnt.


Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary 

Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine Signature- 

Drinks überlegt. So wird der berühmte marokkanische Minztee, an dem bereits Winston Churchill im La Mamounia 

schlürfte, im Sommer "on the rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine alkoholische Version des Traditionsgetränks 

aus der Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von 

Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer heißen Bar- 

Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach einer klandestinen 

Rezeptur eines jamaikanischen Barmans gemixt. 

After Work-Shower 

Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem anstrengenden 

Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon de Beauté schaffen Abhilfe. 

Für 15,- Euro können sich Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, entspannen und für den Abend zu Recht 

machen. Im Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk (hausgemachte Limonaden und Eistees). 

Verwöhnprogramm für Body & Soul 

Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & Salon de 

Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf bis Fuß 

verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches Dampfbad, 

Behandlungs- und Entspannungsräumlich-keiten in bester Orient-Manier. Hammamcis verwöhnen mit Waschungen, 

Peelings, wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at

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KUNST.INVESTOR Buchtipp 

Alfred Zellinger 

DOKTOR FAUSTUS IN LONDON 

BANKER, OLIGARCH 

Ein Faust dieser Zeit als Prometheus der Moderne - zwischen den Themen Globalisierung, virtuelle Ökonomie, 

Demagogie und künstliche Intelligenz. 

I DOKTOR FAUSTUS IN LONDON: Doktor Faustus, 

Mann des Geldes, angesehener Banker, strebt nach 

Erfolg, den er von Bilanz zu Bilanz zu übertreffen sucht. 

Doch Bank und Vermögen sind verspielt, er denkt an 

Selbstmord. Da naht Rettung: der Börsentrader 

Mephisto, aus dem Schattenreich der Schattenbanken, 

ein Mann von zweifelhaftem Ruf, schlägt ihm einen 

Deal vor: Mit Hilfe ungedeckter Leerverkäufe soll 

Fausts Vermögen auferstehen. 

II DOKTOR FAUSTUS OLIGARCH: Nach dem Drama 

mit Margret, dem Zusammenbruch seiner Börsenspekulation 

und einem Aufenthalt im Gefängnis ist 

Faust motiviert zu neuen Taten. McKinsey entsendet 

ihn als Konsulent, Mephisto ist sein Assistent. Mit 

finanziellen Tricks bewahren sie einen Konzern vor 

dem Niedergang und einen Pleitestaat vor der Pleite. 

Seine große Liebe, Helena, die schönste Frau der 

Antike in Gestalt des Londoner Escort-Girls Bea, 

verlässt ihn, als ihr gemeinsamer Sohn Euphorion 

stirbt. Worauf Faust sich auf sein „Weltprojekt“ 

konzentriert: eine neue Gesellschaft „auf freiem Grund 

mit freiem Volke“. Er stirbt, hochbetagt, als 

schwerreicher Oligarch; die Entelechie, das Streben 

selbst, bleibt bis zuletzt sein „höchstes Glück“. Beide 

Teile jeweil als Slam und als Drama. 

345 Seiten 

Broschur 

345 Seiten 

Euro 24,90 

ISBN 978-3-85409-892-8 

Löcker Verlag

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KUNST.INVESTOR Buchtipp 

Hans Hornyik 

„Ein Kunstverein in Baden – 

vom Gestern ins Morgen“ 

Hundert Jahre Kunstverein 

Zum Thema Kunst in Baden wurde viel geschrieben. 

Musik, Theater, Literatur prägten das kulturelle Leben 

im 19. Jahrhundert. Die Namen von Mozart, Beethoven, 

Lanner, Strauß zieren Gedenktafeln und 

Erinnerungskultur. Während Mozarts Bezug zu Baden 

maßlos überschätzt wird, war die Stadt Beethovens 

Lieblingskurort, wo er viele Sommer nach Heilung für 

seine zahlreichen Krankheiten suchte.…“ 

Inhaltsverzeichnis: 7 Ein Kunstverein in Baden – vom 

Gestern ins Morgen- Hans Hornyik, 13 Kurze 

Anmerkungen zu den Ritualen der Kunst- Alexandra 

Schantl, 17 Die Blüte der Kunstvereine im 19. 

Jahrhundert- Cornelia König, 29 Die Gründungszeit des 

Kunstvereins- Regina Hadraba, 41 Die temporäre 

Vereinigung des Kunstsinns- Wolfgang Müller-Funk, 49 

100 Jahre Kunstverein Baden- Leo Hemetsberger, 57 

Artists in Residence- Hartwig Knack, 65 Künstler des 

Kunstvereins Baden, 148 Galerieprogramm 1995 – 

2016, 156 Biografien. 

Auszug aus „Ein Kunstverein in Baden – vom Gestern 

ins Morgen, Hundert Jahre Kunstverein“: Das ist 

eigentlich eine Spätgeburt. In den Jahren ab 1793 

begann der steile Aufstieg der kaiserlichen Kurstadt. 

Wiener Adel und Großbürgertum entdeckten die hohe 

Lebensqualität Badens und ab 1842, dem Jahr des 

Anschlusses an die Südbahn, reihte sich Villa an Villa 

der Reichen und Schönen. Diese Entwicklung 

verwandelte die Kleinstadt in ein gründerzeitliches 

Arkadien mit großzügigen Parkanlagen, Alleen und 

allen urbanen Annehmlichkeiten, die den „Weltkurort“ 

zur einer der führenden Fremdenverkehrsdestinationen 

der k. k. Monarchie machte. Vor diesem Hintergrund 

erscheint die Gründung des Kunstvereins im Jahr 1915 

als späte Geburt. 

Hans Hornyik 

„Ein Kunstverein in Baden-vom Gestern ins Morgen“ 

160 Seiten, Größe: 240 x 290 mm 

Gebunden, Leineneinband 

Preis: € 18,00 

Verlag Kunstverein Baden

KUNSTINVESTOR AUSGABE NOVEMBER 2017

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