KUNSTINVESTOR AUSGABE APRIL 2018

APRIL 2018 

Dorotheum-Auktionswoche mit Gemälden Alter Meister sowie Antiquitäten 

Im Bann der Scootermania- Keith Haring- Galerie Gugging „... chaotisch!“ 

300 Jahre Wiener Porzellanmanufaktur- 'KLIMT • MOSER • SCHIELE'

KUNST.INVESTOR Editorial 

Liebe Leserinnen 

und Leser!.. 

Heute halten Sie die aktuelle Ausgabe des e-Magazins 

KUNSTINVESTOR in „Händen“. Innovativ, exklusiv und 

stets mit dem richtigen Riecher für aktuelle Entwicklungen 

informieren wir Sie rund um alle wichtigen 

Themen, die nationalen und internationalen Kunstmärkte 

betreffend. Kunst ist ein interessantes Portfolio 

und unbestritten die schönste Beimischung für Ihr 

Investment- inspirierend, nicht allein in ideeller Hinsicht. 

Besonders in Zeiten, da Bullen auf sich warten lassen 

und Renditen an der Nulllinie kratzen, etablieren sich 

Kunstwerke als stabile, vor allem aber als rentable 

Assets. Eine Tatsache, der sich selbst hartgesottene 

Aktionäre nicht entziehen können. Außenseiter der 

Kunstgeschichte profitieren davon nicht substanziell in 

Kunst interessiert zu sein, weil die zeitlichen Intervalle 

von einer Aktienbaisse zur nächsten immer wieder 

kürzer werden- wäre auch zu erwarten, dass die 

persönliche Entscheidung dieser Käufer weniger zählt. 

Wie schade. Und wie bezeichnend. Viele Sammler 

scheinen in Bilder wie in Aktien zu investieren. Käufer 

haben eben nicht nur wieder viel Geld, sie kultivieren 

auch einen sehr selektiven Blick. Mehr noch: Dieser 

Boom ist noch lange nicht an seine Grenzen gestoßen. 

Bilder, Antiquitäten und andere Sammelobjekte 

nehmen im Rahmen der Veranstaltungen einen immer 

höheren Stellenwert ein. Dies bestätigen die hervorragenden 

Ergebnisse der Auktionshäuser. Weil es bei 

allen Dingen des Lebens immer auf den richtigen Mix 

ankommt, wollen wir Sie nicht nur mit fundierten Hintergrundberichten, 

präzise recherchierten Topstorys, wichtigen 

Nachrichten und aktuellen Interviews begeistern. 

Lesen Sie die aktuelle Ausgabe KUNSTINVESTOR, wo 

Sie sich ein aktuelles Bild über den Kunst- & Geldmarkt 

verschaffen können- eine wirklich gute Investition. 

Viel Spaß wünscht Ihnen 

Michael Ruben Minassian 

Impressum: Medieneigentümer, Chefredakteur & Herausgeber: Michael Ruben Minassian 

Mail: michael.minassian@kunstinvestor.at , Telefon: +43.2243.21723 Verlagsadresse: MN Online & Content GmbH, 

1110 Wien, Brehmstrasse 10/4.OG, Geschäftsführung: Markus Bauer, ATU 65091955, FN 330453k, Tel: +43.1.91920- 

9045, Fax: +43.1.2981298, Website:www.kunstinvestor.at, Cover-Foto: © Albertina Wien, die Ausstellung Keith Haring 

[ohne Titel, September1984) - Copyright © Keith Haring Foundation]

KUNST.INVESTOR News 

Damien Hirst, Myth and legend, HOUGHTON HALL, NORFOLK 

copyright Damien Hirst and Science Ltd. All rights Reserverd, DACS 2018 

Dorotheum als Partner von Damien Hirst 

Ausstellung in Houghton Hall Großbritannien 

Das Dorotheum sponsert die Ausstellung von neuen 

Arbeiten von Damien Hirst in den Prunkräumen von 

Houghton Hall im britischen Norfolk. „Eine treffende 

Partnerschaft, vereinen doch beide Häuser Tradition 

mit zeitgenössischer Kunst. Dies ist ein weiterer Schritt 

der seit über einer Dekade stark vorangetriebenen 

Internationalisierung des Dorotheum im Bereich 

zeitgenössischer Kunst“, so Martin Böhm, 

geschäftsführender Gesellschafter des Dorotheum. 

Unter dem Titel „Colour Space Paintings and Outdoor 

Sculptures“ zeigt Kunst-Star Damien Hirst seine Werke 

zum ersten Mal im Setting eines der bedeutendsten 

englischen historischen Häuser. Diese Malereien 

wurden bis dato nicht öffentlich ausgestellt. Sie sind 

eine Weiterentwicklung der berühmten Spot Paintings, 

neben den Spin Paintings und den in Formaldehyd 

konservierten Tieren Hirsts dritte signifikante 

Werkgruppe. Kurator der Ausstellung ist Mario 

Codognato. Houghton Hall gilt als eines der besten 

Beispiele palladianischer Architektur in England und 

wurde ab 1720 erbaut unter Sir Robert Walpole, dem 

ersten Premierminister Großbritanniens. Walpole besaß 

eine erstklassige Altmeister-Sammlung, deren Hauptteil 

heute den Grundstock der Eremitage in St. Petersburg 

bildet. Houghton Halls Besitzer David Cholmondeley, 

der 7. Marquess of Cholmondeley, ein direkter 

Nachkomme von Sir Robert Walpole, setzt die lange 

Sammeltradition seiner Familie fort und beauftragte u. 

a. James Turrell, Richard Long, Jeppe Hein oder 

Rachel Whiteread mit ortsspezifischen Arbeiten. 

Dauer bis bis 15. Juli 2018 (Foto: Dorotheum)


Damien Hirst, Colour Space series, in einem Salon in HOUGHTON HALL, NORFOLK 

copyright Damien Hirst and Science Ltd. All rights Reserverd, DACS 2018 

Damien Hirst, English Lilac (2016), Household gloss on canvas 0,6 x 61 cm, in HOUGHTON HALL, NORFOLK 

copyright Damien Hirst and Science Ltd. All rights Reserverd, DACS 2018, Photographed by Prudence Cuming Associates Ltd


Gustav Peichl 

15 Bauten zum 

90sten 

Ausstellungsansicht, Foto: © MAK 

Anlässlich seines 90. Geburtstags widmet das MAK 

dem österreichischen Architekten Gustav Peichl 

(geboren am 18. März 1928 in Wien) die Personale 

GUSTAV PEICHL. 15 Bauten zum 90sten. In seinem 

über 50-jährigen Schaffen konnte Peichl, der unter dem 

Pseudonym IRONIMUS höchst erfolgreich auch als 

politischer Karikaturist tätig war, 70 Bauten realisieren. 

Für die Schau im MAK wählte er 15 Bauten aus, die 

exemplarisch Einblick in sein um- fangreiches 

Lebenswerk geben. Die Gebäude werden exklusiv für 

das MAK von der deutschen Künstlerin Pola Sieverding 

in ihrem heutigen, aktuellen Zustand fotografiert und mit 

Skizzen, Entwürfen und Plänen aus der MAK- 

Sammlung kontextualisiert. Peichl schenkte dem MAK 

2013 einen umfassenden Bestand von über 8 000 

Skizzen, Kon- zepten, Entwurfszeichnungen und 

Plänen für seine in Österreich realisierten Bauten. 

Darunter befinden sich auch öffentliche Bauaufträge, 

städtebauliche Planungen, soziale Wohnbau- ten und 

repräsentative Einfamilienhäuser sowie nicht realisierte 

Projekte. Die MAK- Bibliothek und Kunstblättersammlung 

verwahrt zahlreiche Konvolute und Teil- 

Nachlässe namhafter ArchitektInnen, unter anderem 

auch von Edmund Moiret, Josef Hoffmann, Otto 

Niedermoser, Otto Prutscher und Anna-Lülja Praun. 

Zeitgenössische Positionen kamen mit dem Nachlass 

von Hans Hollein und Vorlass von Gustav Peichl in die 

Sammlung. Im digitalen Zeitalter, in dem meist am 

Computer geplant wird, postuliert Peichl das Skizzieren 

als Nachdenken auf dem Papier. Für ihn sind 

Bauen und Architektur die Summe aus Form, Funktion, 

Material, Farbe und Licht. Es gilt nach einer sinnlichen 

Architektur zu streben, nach einer Architektur unter 

Bezugnahme auf Eros. Als Vertreter der klassischen 

Moderne verfolgt Peichl technische Ästhetik, klassische 

Proportionen, Witz und Sinnlichkeit – und damit eine 

unverkennbare, eigenständige Linie.[Ausstellungsdauer 

bis 19. August 2018Foto: © MAK]


Mika Rottenberg, Cosmic Generator, 2017 Videostill, Courtesy of the artist und Andrea Rosen Gallery, New York 

Mika Rottenberg 

Die in Argentinien geborene und in Israel 

aufgewachsene Künstlerin Mika Rottenberg beschäftigt 

sich mit den Kreisläufen der Produktion und der 

Zirkulation von Waren. Bereits 2007 wurde sie vom 

New York Magazine in die Liste der »young masters« 

aufgenommen. Seitdem war sie bei allen wichtigen 

Ausstellungen weltweit vertreten. Spätestens seit ihrem 

viel beachteten Beitrag Cosmic Generator für die 

Skulptur Projekte 2017 Münster ist Rottenberg auch 

einem breiteren Kunstpublikum bekannt. Ihre Kunst ist 

weder distanzierte Kritik noch präzise politische 

Dokumentation. Eher betreibt sie eine 

Gegenwartsanalyse in verzerrender, karikativer 

Übertreibung. Rottenberg entführt in beklemmende 

Räume. Den Kern ihrer aus Karton oder Fundstücken 

gebastelten Installationen bildet jeweils ein Video, das 

bestimmte Produktionsabläufe zeigt, wie zum Beispiel 

das Auslesen von Perlen aus Muschelschalen. 

Rottenberg macht auf die Grundlagen von Arbeit 

aufmerksam. Zugleich zwingt sie den Betrachter in die 

Situation eines Voyeurs, der sich in enge Korridore 

begibt, um diesen Arbeitsabläufen zuzusehen. Ihre 

surrealen Szenografien zeigen die absurde Anhäufung 

von Waren und die Sinnlosigkeit deren globalen 

Vertriebs. Viele ihrer Installationen sind durchaus 

komisch und voller erotischer Ingredienzen. Die 

Protagonist/innen der Filme sind Menschen, oft Frauen, 

die der Künstlerin ihre Körperteile »leihen«, so 

Rottenberg. Der Film Sneeze (2012) zeigt drei Männer 

mit riesigen überzeichneten Nasen, die offensichtlich 

nicht aufhören können zu niesen. Je stärker ihr Niesen 

wird – sie scheinen schließlich lebende Hasen und 

Fleischstücke auszustoßen – umso deutlicher wird, 

dass sie dem körperlichen Prozess des Niesens 

ausgeliefert sind und keine Kontrolle mehr darüber 

haben. Bei ihrer bekannten Arbeit Cosmic Generator 

hingegen arbeitete Rottenberg mit einer provisorischen 

Architektur: Sie nutzt einen aufgelassenen Asialaden 

als fertiges Setup. Das im verschachtelten Inneren 

präsentierte Video, das in einer Grenzstadt zwischen 

den USA und Mexiko gedreht wurde, zeigt sie das 

Leben asiatischer Immigrant/innen, die – buchstäblich 

zwischen den Fronten – die ununterbrochene 

Produktion aufrechterhalten. Der Kapitalismus kennt 

keine Grenzen. [kunsthaus Bregenz. Dauer: 21. April– 

1. Juli 2018 - Foto: © Kunsthaus Bregenz]


Ausstellungsansicht Die Sammlung, LENTOS Kunstmuseum Linz, 2017, Foto: Reinhard Haider 

Lentos erhält großzügige Zobernig-Schenkung 

Die Schenkung im Gesamtwert von rund 150.000 Euro ist 

seit Kurzem in der Sammlungs-Präsentation zu sehen. 

Die Schenkung des Künstlers Heimo Zobernig umfasst 

zwei Gemälde und ein Video. Die Sammlung des 

LENTOS wird damit um eine bedeutende 

zeitgenössische künstlerische Position bereichert. 

Neben Werken der österreichischen „Neuen Wilden“ 

der 1980er Jahre, wie Herbert Brandl, Gunter Damisch 

oder Otto Zitko, fügt sich Heimo Zobernig mit seinen 

geometrischen Abstraktionen hervorragend in den 

bereits vorhandenen Bestand des Kunstmuseums ein. 

Die Schenkung repräsentiert drei verschiedene 

Werkphasen und Jahrzehnte im künstlerischen 

Schaffen von Zobernig. Mit dem Gemälde Ohne Titel 

aus dem Jahr 1986 gelangt ein bedeutendes Frühwerk 

des Künstlers in die LENTOS Sammlung. Das Werk 

zeichnet sich vor allem durch die Auseinandersetzung 

mit dem Vokabular der modernen Abstraktion aus. 

Heimo Zobernig entwickelte schon früh in seiner 

künstlerischen Karriere ein Repertoire von formalen 

Motiven, die er in den folgenden Jahrzehnten immer 

wieder aufnimmt und variiert, z.B. in den Streifen- und 

Fleckenbildern. In dem Video Nr. 11 aus dem Jahr 

1995 hat er das formale Konzept der Fleckenbilder in 

computergenerierte, in ständiger Veränderung 

befindliche, abstrakte Bilder übersetzt. Das jüngste der 

drei Werke, ein großformatiges Gemälde ebenfalls 

Ohne Titel aus dem Jahr 2017, ergänzt die Schenkung 

um eine Arbeit aus der Serie der Gitterbilder. Alle drei 

Werke können seit Kurzem gemeinsam mit den 

Neuankäufen des Jahres 2017, darunter Arbeiten von 

Iris Andraschek, Toni Schmale oder Josef Dabernig, im 

letzten Raum der Sammlungs-Präsentation des 

LENTOS bewundert werden. (Foto: Lentos)


„Galerie Gugging 

Special Edition #5“ 

Lukas Lauermann & 

Voodoo Jürgens 

Der nächste Termin der außergewöhnlichen Konzertserie 

in der Galerie Gugging verspricht ein ganz 

besonderes Erlebnis zu werden – die 'Galerie Gugging 

Special Edition #5“ mit Voodoo Jürgens und Lukas 

Lauermann live. Zwei absolute Ausnahmekünstler in 

ihren jeweiligen Genres mit exklusiven Solo Performances 

in der Villa Gugging! 

Voodoo Jürgens: Als „Austropop-Hype der Stunde!“ 

(Musikexpress) im gesamten deutsch-sprachigen Raum 

gefeiert, gilt Voodoo Jürgens spätestens seit 

Veröffentlichung seines grandiosen und mit Goldstatus 

veredelten Debütalbums „Ansa Woar“ im Herbst 2016 

als das nächste "große Ding" aus Wien. Seine überaus 

eingängige Vorab-Single „Heite grob ma Tote aus“ 

wurde dank Radio FM4 rasch zum gefeierten Indie-Hit 

und man konnte bereits erahnen wie groß das alles 

noch werden kann. Als musikalische Vorbilder nennt er 

u.a. Bob Dylan, Leonard Cohen, Tom Waits oder The 

Libertines, wie auch die Beat-Poeten der Fünfzigerjahre. 

Voodoo Jürgens singt in der Sprache, in der er 

spricht, denkt, träumt und transferiert das seit einigen 

Jahren wieder moderne Wienerlied mit seinem 

unwiderstehlichen Charme, Witz und seiner Coolness 

auf ein völlig neues Level. 

Lukas Lauermann: Inspiriert von der aktuellen 

Ausstellung „... Chaotisch!“ – Alfred Neumayr & Arnold 

Schmidt in der Galerie Gugging wird Lukas Lauermann 

sein neues Stück an diesem Tag zum ersten Mal 

aufführen.Lukas Lauermann ist Cellist international 

gefeierter Bands wie u.a. Soap & Skin, Donauwellenreiter, 

Der Nino aus Wien, Ritornell, A Life A 

Song A Cigarette, schreibt und spielt Musik für Film und 

Performances, realisiert Klangimprovisationen. Sein 

lange erwartetes und gefeiertes Debüt-Soloalbum „How 

I Remember Now I Remember How“ ist 2017 

erschienen und unterstreicht sein Ausnahmetalent. 

Lukas Lauermann begreift in seinen Produktionen die 

Reduktion nicht als Aussparung von Dingen, sondern 

als Vertiefung in eine bestimmte Sache, er überträgt 

Gedichtzeilen in Musik, erweitert fast spielerisch die 

Spielmöglichkeiten eines jahrhundertealten Instruments. 

Bei aller Experimentierfreude changiert seine 

Musik zwischen der intellektuellen Ernsthaftigkeit, die 

durch den Konzertsaal weht und der Unmittelbarkeit 

von Popmusik. In beiden Welten ist Lukas Lauermann 

zu Hause. Seinen Stil bezeichnet er selbst als 

„barrierefrei modern klassisch”. Galerie Gugging, 

Sonntag, 8. April 2018, Beginn: 15:00 Uhr. 

(Foto: Galerie Gugging)

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The Director’s Choice 

Meisterwerke der 

Fotosammlung 

Vertretene FotografIinnen: 

Atelier d’Ora | Brassaï | Julia 

Margaret Cameron | Henri Cartier- 

Bresson | William Eggleston | Walker 

Evans | Trude Fleischmann | Lee 

Friedlander | Rudolf Koppitz | Helmar 

Lerski | Lisette Model | Stephen 

Shore | Anton Josef Trčka 

Henri Cartier-Bresson | Die Schleusen von Bougival, 1955 | © Magnum, Albertina, Wien 

Klaus Albrecht Schröder trifft eine ganz persönliche 

Auswahl aus dem 100.000 Werke umfassenden 

fotografischen Bestand der ALBERTINA, die zugleich 

die Breite der Sammlung von den Anfängen des 

Mediums bis heute repräsentiert. Die Schau stellt 

Genres wie Porträt-, Architektur- und Landschaftsfotografie 

vor und zeigt Sammlungsschwerpunkte wie 

die Street Photography. [Albertina. Dauer von 7. März 

bis 10. Juni 2018 – Foto: Albertina]


Onthe Road / Sulla trada 

Unterwegs 

Eine Ausstellung mit 

Fotografien von Igor Kovac 

Foto:© Igor Kovac 

Fotografien von Igor Kovac überraschen durch ihre 

Schonungslosigkeit, mit der sie das Leben auf der 

Straße, unterwegs, in Bewegung einfangen. Seine 

Momentaufnahmen erzählen Geschichten, die ohne 

weitere Kommentare auskommen; seine Porträts 

lassen oft komplexe Biografien hinter den Bildern 

erahnen. Situationsfotografie bestimmt den Großteil 

seiner Arbeiten, zumeist ohne Wissen der handelnden 

Akteure, aber immer mit dem Blick des 

Dokumentaristen, der die Darstellung der Vielfältigkeit 

von Armut, Trauer, Zerbrechlichkeit, Humor und Freude 

nicht scheut. Igor Kovac reiht sich mit seinen Arbeiten 

bewusst in die Tradition der Schwarz-Weiß-Fotografie 

der 1930er bis 1950er Jahre ein, folgt sozusagen den 

Spuren von Henri Cartier-Bresson, seinem großen 

Vorbild. Wie bei Cartier-Bresson lassen sich seine 

Bilder zunächst leicht und schnell decodieren, arbeiten 

mit dem Überraschungsmoment und verweisen 

dennoch auf eine strenge Inszenierung. Igor Kovac 

lässt uns mit seinen Bildkompositionen dabei oft im 

Unklaren, was er uns jenseits des ersten Blicks mit den 

gewählten Ausschnitten und Situationen, den Porträts 

und den Momentaufnahmen, mit seiner 

Situationsfotografie erzählen will. Vom Film kommend, 

weiß er mit dem Blickwinkel und dem Ausschnitt seiner 

gewählten Motive umzugehen und auch damit zu 

spielen, sie inszenatorisch einzusetzen; das „Nicht 

Sichtbare“ dominiert häufig seine Bildkompositionen 

und erzeugt jenes Spannungsmoment, in dem das 

unmittelbar Bevorstehende oder in diesem Augenblick 

sich Abzeichnende zur Dominante wird. Prozessionen, 

Verkaufsmärkte, Ringelspiele, Kirchen, Kaffeehäuser 

und das flache Land sind die Orte, an denen Igor Kovac 

seine Motive findet, unterwegs mit Menschen in 

alltäglichen Situationen, festgehalten in seinen 

Fotografien jenseits der romantisierenden 

Vorstellungen vom Süden in aller Ehrlichkeit, Härte und 

Demut. (Foto: © Kunstraum Nestroyhof – 

Ausstellungsdauer bis 4. Mai 2018)


„We can have so many hearts inside ourselves. In my lifetime, I have discovered two hearts. 

This show is about my reflections on duality, the power of female energy, and temporality.“ Marina Abramović 

Marina Abramović 

Two Hearts 

(Wien, 26. März 2018) Marina Abramović ist eine 

Pionierin der Performance als visuelle Kunstform. Seit 

den 1970er Jahren benutzt sie ihren Körper als Subjekt 

und als Medium in ihren strapaziösen Langzeit- 

Performances, um physische, mentale und emotionale 

Grenzen zu testen – oft riskiert sie sogar ihr Leben auf 

der Suche nach erhöhtem Bewusstsein, Transzendenz 

und Selbstverwandlung. Das Konzept der Zeit ist in den 

Arbeiten der serbischen Künstlerin ein ebenso wichtiger 

Aspekt wie die Einbindung des Publikums, so auch in 

der Aktion Thomas Lips (1975) in der Galerie Krinzinger 

und in ihren Performances Seven Easy Pieces (2005) 

im Guggenheim Museum, New York, The Artist is 

Present (2010) im Rahmen ihrer gleichnamigen 

Retrospektive im MoMA, New York oder 512 Hours 

(2014) in der Londoner Serpentine Gallery. Two Hearts 

beschäftigt sich mit dem Herzen als Sitz der Seele, der 

moralischen Identität und des Menschseins. Zwei oder 

mehrere Herzen zu haben, bedeutet, dass 

verschiedene Versionen des Selbst in einem wohnen. 

Marina Abramovićs Ausstellung vereint eine Gruppe an 

Werken die Dualitäten behandeln und Themen wie das 

Selbstportrait, die weibliche Energie und die weibliche 

Identität, die von Beginn an elementarer Bestandteil 

des künstlerischen Schaffens waren. [Galerie 

Krinzinger. Ausstellungsdauer: 27. April – 9. Juni 2018, 

Foto: © Galerie Krinzinger]


Klimt ist nicht das Ende. 

Aufbruch im Mitteleuropa 

Marie-Louise Motesiczky, Selbstbildnis, 1926 

Gustav Klimt – kaum ein Name steht wie dieser für 

österreichisches Kunstschaffen. Als er wie auch Egon 

Schiele, Koloman Moser und Otto Wagner 1918 stirbt, 

gilt das als Ende einer Ära. Das Kunstgeschehen hatte 

sich tatsächlich jedoch schon früher von deren Einfluss 

gelöst. Von politischen Umbrüchen nur peripher berührt 

entfaltete sich in den Ländern der Donaumonarchie ein 

reges Kunstschaffen, geprägt vom Wunsch nach 

Aufbruch. Die Ausstellung im Unteren Belvedere führt 

Sie durch diese Epoche nach Klimt. Die 

Zwischenkriegszeit ist geprägt von dem Wunsch 

internationaler Vernetzung abseits neuer politischer und 

ideologischer Grenzen. Es herrscht reger künstlerischer 

Austausch, aus dem heraus sich konstruktive, 

expressionistische und phantastische Tendenzen 

entfalten. Kosmopolitische Künstler_innennetzwerke 

entstehen unter den Kunstschaffenden der 

Nachfolgestaaten der ehemaligen Donaumonarchie. 

Große Bedeutung kommt dabei zunehmend 

Zeitschriften zu, über die sich neue Positionen 

verbreiten. Der Ausbruch des 2. Weltkriegs setzte 

dieser Internationalisierung ein jähes Ende, und rückt 

das Verständnis der kulturellen Gemeinsamkeiten 

wieder in den Hintergrund. Die Ausstellung will die 

Parallelen dieser Zeit wieder sichtbar machen, und 

Kontinuität und Wandel in der Kunst der 

Donaumonarchie und den Nachfolgestaaten darstellen. 

[Belvedere. Dauer bis 26. August 2018 – Foto: © 

Belvedere]


Benjamin Nachtigall, On the ropes, Keramik glasiert, 2018 © Benjamin Nachtigall 

Benjamin Nachtigal 

Smart Beings 

Respektlos, aber mit viel Liebe für das Material eignet 

sich Benjamin Nachtigall das Medium der Keramik an 

und erfindet eine kuriose, eigentümliche Figurenwelt. In 

Ausführung wie Inhalt rotzig und frech, ist diese weit 

entfernt von der kitschig-lieblichen Keramik des 

Kunsthandwerks. Die Gestalten mit Zitrone oder 

Artischocke anstelle eines Kopfes – gern auch zu 

fragilen raumgreifenden Installationen zusammengefügt 

– erzählen von Uniformität und Isolation in einer 

multimedialen Welt. Beklemmend, aber nicht ohne 

Humor umgesetzt, finden die Themen auch in 

großformatigen, surreal anmutenden Zeichnungen 

ihren Niederschlag.“ Günther Oberhollenzer 

(Kunsthistoriker, Autor und Kurator) über die 

Ausstellung [Startgalerie im MUSA. Dauer bis 19. April 

2018 - Foto: © MUSA]


Art Cologne 2018 

Top-internationale Galerien und 

zahlreiche Newcomer zeigen 

höchste Qualität in allen 

Angebotssegmenten 

200 etablierte internationale Galerien und hochkarätige 

Newcomer aus 31 Ländern: Die 52. ART COLOGNE 

(19. bis 22. April 2018) versammelt ein Teilnehmerfeld, 

das in dieser Qualität in Deutschland einzigartig ist. Im 

Sektor „GALERIEN“ präsentieren renommierte Galerien 

ein außergewöhnliches und hochqualitatives Angebot 

der Klassischen Moderne, Nachkriegskunst und 

Zeitgenössischen Kunst. Mit dem Sektor NEUMARKT 

präsentiert ART COLOGNE erneut einen kritischen 

Einblick in die Praktiken und Interessen der neuesten 

Generation von Galerien. Besonders erwähnenswert im 

zeitgenössischen Bereich sind internationale 

Schwergewichte wie Gagosian, Hauser + Wirth, Lisson, 

Thaddaeus Ropac, White Cube, Kamel Mennour, Pearl 

Lam, nächst St. Stephan und Gio Marconi sowie 

führende Galerien Deutschlands wie Sprüth Magers, 

Michael Werner, Gisela Capitain, Karsten Greve, Daniel 

Buchholz, Max Hetzler, Konrad Fischer, Eigen + Art, 

Nagel Draxler, NEU sowie die König Galerie. Zu den 

neuen Galerien, die zum ersten Mal teilnehmen oder 

zurückkehren, gehören Lisson Gallery aus London / 

New York / Hongkong, Kamel Mennour aus Paris / 

London, Gio Marconi aus Mailand, Buchmann aus 

Berlin / Lugano, CLEARING aus Brüssel / New York, 

Erika Deak aus Budapest , Nanzuka aus Tokio und 

Zilberman aus Istanbul / Berlin. Internationale 

Teilnehmer des Modernen und Nachkriegssektors 

runden das Programm ab und schaffen eine Brücke zu 

einer internationalen Perspektive, von wichtigen 

Galerien wie Lahumière und Le Minotaure aus Paris bis 

Whitestone und Taguchi aus Tokio sowie Lorenzelli und 

Kanalidarte aus Italien. Zu den Galerien, die zum ersten 

Mal teilnehmen oder nach Abwesenheit zurückkehren, 

gehören: Lelong aus Zürich / Paris / New York, Julian 

Sander aus Köln, Kanalidarte aus Bescia, Ernst Hilger 

aus Wien und Setareh aus Düsseldorf.Die 

COLLABORATIONS beinhalten 22 ausgewählte 

kuratierte Projekte, die von 36 Galerien präsentiert 

werden und jeden Aspekt der kollaborativen Praxis 

zeigen. Highlights sind Werke von Olga Balema und 

Juliette Blightman, präsentiert von Isabella Bortolozzi 

und Fons Welters, eine Einzelpräsentation von Isa 

Melsheimer, gezeigt von nächst St. Stephan sowie 

Esther Schipper und Jocelyn Wolff, oder eine 

Präsentation von der Wolfgang-Hahn-Preisträgerin 

Haegue Yang (Galerie Barbara Wien & Wien Verlag), 

deren Retrospektive im Rahmen der ART COLOGNE 

im Museum Ludwig zu sehen ist. (Foto: Art Cologne)


Günter Brus, Portfolio Ana IV, 1964/2004, mit Anna Brus, Foto: Khasaq (Siegfried Klein), © Belvedere, Wien 

Günter Brus- „Unruhe nach dem Sturm“ 

Anlässlich seines achtzigsten Geburtstags würdigt das 

Belvedere 21 das Gesamtwerk von Günter Brus mit 

einer umfassenden Retrospektive.Passend zum 

Jahresmotto „Spirit of ’68“, das 2018 als Klammer für 

die gesamten Aktivitäten des Belvedere 21 fungiert, 

wird mit dieser Ausstellung Günter Brus als großer 

Kunstrebell der 1960er- Jahre gewürdigt. Fünfzig Jahre 

nach der radikalen Aktion Kunst und Revolution zeigen 

wir, dass Brus nie aufgehört hat sich weiterzuentwickeln 

und seine künstlerischen Mittel immer 

wieder neu zu erfinden, so Stella Rollig, 

Generaldirektorin Belvedere und Belvedere21. Günther 

Brus gehört heute zu den wesentlichen internationalen 

künstlerischen Positionen in Österreich. Als Vertreter 

des Wiener Aktionismus thematisiert der Künstler in 

den 1960er Jahren mit eindringlicher Präsenz die 

physische und psychische Verfasstheit des 

Menschen und die Ausgesetztheit des Individuums 

gegenüber gesellschaftlichen Regelwerken. Mit 

seinem radikalen, körperbezogenen und performativen 

Werk gelingt es ihm, sich von der „Marke“ Wiener 

Aktionismus zu lösen und sich als wesentlicher 

Wegbereiter der internationalen Aktions- und 

Performancekunst in die Geschichte einzuschreiben. 

1970 wendet sich Günter Brus von der Aktionskunst 

ab und beschäftigt sich zunehmend mit dem 

Medium Zeichnung, mit „Bild- Dichtungen“ und 

Theaterarbeiten. Ein Anliegen dieser Schau ist die 

umfassende Präsentation der ausgewählten Serien. 

Neben den bekannten Aktionsfotos, ergänzt um bisher 

kaum gezeigtes Material, werden Brus’ serielle 

Zeichnungen und „Bild-Dichtungen“, darunter der 160- 

teilige Zyklus Leuchtstoffpoesie und Zeichenchirurgie, 

in ihrer Gesamtheit gezeigt. Insgesamt sind rund 120 

Werkzyklen und Werke mit mehr als 700 Einzelobjekten 

in der Ausstellung zu sehen, darunter Filme und bisher 

unbekannte Werkserien. (Foto: © Belvedere)


Simon Fujiwara 

Hope House 

Hope House, 2017, Ausstellungsansicht, Dvir Gallery, Tel Aviv, 2017. Foto: Elad Sarig 

Das Hope House ist eine Rekonstruktion des Anne 

Frank Hauses, die im Kunsthaus Bregenz in 

Originalgröße nachgebaut wird. Die ambitionierte 

Installation — ein Gebäude in einem Gebäude, ein 

Museum in einem Museum — ist von dem Bastel- 

Bausatz zum Zusammensetzen des Modells des Anne 

Frank Hauses inspiriert, den Fujiwara im Shop des 

Museums in Amsterdam erworben hatte. Zum ersten 

Mal ist es nun möglich, das Anne Frank Haus als 

gigantische Skulptur über drei Stockwerke hinweg im 

Kunsthaus Bregenz zu erleben. Genau wie im 

originalen Wohnhaus sind es enge, schwach 

beleuchtete Korridore, durch die sich die Besucher 

schlängeln müssen, bevor sie zu einer Reproduktion 

des Bücherschranks gelangen, der die Familie Frank 

ab 1942 vor der Verfolgung durch die Nationalsozialisten 

in Deutschland verbarg. Ein Unterschied ist 

allerdings zu verzeichnen: Im Hope House hängen 

Kunstwerke an den Wänden, die Räume sind mit 

alltäglichen Gegenständen und Artefakten ausgestattet 

— ein Schreibtisch ist vorhanden, ein Tagebuch und 

ein Stift, eine mit Postern bestückte Schlafzimmerwand. 

Auf dem Dachboden ist Katzenfutter über den 

Holzfußboden verstreut, aber es ist keine Katze in 

Sicht, und tatsächlich scheint niemand mehr dort zu 

wohnen. Welche Erfahrung können Besucher aus 

dieser Re-konstruktion mitnehmen? Finden wir uns mit 

tragischen Ereignissen aus der Geschichte konfrontiert 

oder blicken wir in einen Spiegel, der uns unsere 

heutige Lebenswelt zeigt — in der nichts mehr so ist, 

wie es scheint? Im krassen Gegensatz zur soliden und 

minimalistischen Architektur des Kunsthaus Bregenz 

unternimmt das Hope House nicht den Versuch, ein 

echtes architektonisches Erlebnis zu vermitteln — und 

schon gar nicht eine authentische Erfahrung des Anne 

Frank Hauses. Es ist die Kopie einer Kopie und basiert 

auf einem Produkt, das auf dem freien Markt käuflich zu 

erwerben ist: eine Tatsache, aus der kein Hehl gemacht 

wird. Bei einem Besuch des Anne Frank Hauses hatte 

Fujiwara in Erfahrung gebracht, dass ein Großteil des 

heutigen Hauses eine Rekonstruktion ist — entstanden, 

um einen historischen Eindruck zu erzeugen. Für die 

Millionen von Besuchern, die das Haus Jahr für Jahr 

aufsuchen, scheint dies jedoch keinen Einfluss auf die 

Intensität des emotionalen Erlebens vor Ort zu haben. 

Warum nur? Es sind diese Widersprüche, die Fujiwara 

sensibel und genau aufgreift. Sein Universum ist voller 

komplexer und irrationaler Narrative und bringt eine 

unverwechselbare Praxis hervor, in der sich Video, 

Installation, Skulptur und Performance miteinander 

verbinden. Für Fujiwara ist es unsere Sehnsucht nach 

Fantasiewelten — jenseits aller Authentizität und sogar 

jenseits der Wahrheit —, die einige der von uns am 

meisten geschätzten Aspekte der Menschlichkeit 

fördert: Mitgefühl, Kreativität und Idealismus. Foto: 

[KUB Kunsthaus Bregenz. Dauer bis 8. April 2018]

KUNST.INVESTOR Dorotheum 

Nr. 4, 1950 Lohner 98, Rufpreis € 300 

Im Bann der Scootermania 

Lambretta, Vespa & Co: Große Dorotheum 

Motorroller-Auktion am 6. April 2018 

Den 6. April 2018 sollten sich Lambrettisti, Vespisti und 

andere motorisierte Freiluftfanatiker dick in ihrem 

Kalender anstreichen. An diesem Tag werden im 

Dorotheum Fahrzeug und Technik-Zentrum Wien- 

Vösendorf rund 100 historische Motorroller um die 

Gunst der Käufer buhlen, wobei Lambretta den 

Löwenanteil stellt, angefangen vom allerersten Roller 

aus dem Hause Innocenti, der Lambretta 125 m. 

Jahrzehnte Scooter-Geschichte rollen vor dem 

geistigen Auge ab: Die von den 1940er bis 1990er 

Jahren produzierten Fahrzeuge und Ersatzteile 

stammen allesamt aus einer österreichischen 

Privatsammlung. Zu sehr attraktiven Rufpreisen 

zwischen 50 und 500 Euro stehen motorisierte 

Zweiräder – vom liebevoll restaurierten Gefährt bis zum 

Bastlerhit - zur Disposition. So könnte man in Kürze 

etwa mit einem grünen oder creme-roten Modell 

Lambretta DL 200 aus 1969 oder einer 1984 Lambretta 

Jet durch die Gegend lambrettan. „Schlank, lang, ein 

wenig zickig, aber wahnsinnig elegant.“, beschreibt ein 

Fan die Lambretta sehr treffend. Aber auch eine Vespa 

Primavera 125 aus 1975 macht ihrem Namen alle Ehre. 

Gleich drei höchst seltene KTM Mirabell setzen einen 

Kontrapunkt für weniger Italophile, ihnen zur Seite 

Kauba, Colibri und Lohner, Zeitzeugen längst 

vergessener Wiener Roller-Geschichte, oder der 

charmante dreirädrige Lieferwagen Cezeta CZ 505 aus 

1962. Zwischendrin ein Maicomobil, mehr Raumschiff 

als Roller, auch wenn es den einen oder anderen 

Handgriff braucht, bis es wieder abhebt. Der Frühling 

kann kommen! (Foto: Dorotheum)


Nr. 17, 1953 Maico Maicomobil MB 175, Rufpreis € 500 

Nr. 1, 1948 Lambretta 125 m (Tipo A), Rufpreis € 500


Nr. 74, 1967 Lambretta SX 150, Rufpreis € 300 

Nr. 44 1959 Lambretta Li 150 Serie 1, Rufpreis € 200


Nr. 41, 1958 KTM Mirabell 125 Luxus, Rufpreis € 300 

Nr. 41, 1958 KTM Mirabell 125 Luxus, Rufpreis € 300


Pieter Brueghel II. (1564/65-1637/38), Der Bohnenkönig, Öl auf Holz, 75 x 105 cm, Schätzwert € 700.000 - 900.000 

Auktion 24. April 2018 

Feiern und Fernweh 

24. bis 26. April 2018: Dorotheum-Auktionswoche mit Gemälden 

Alter Meister und des 19. Jahrhunderts sowie Antiquitäten 

Die erste große Auktionswoche des Jahres im 

Dorotheum Wien, angesetzt vom 24. bis zum 26. April 

2018, bietet Hochkarätiges an Gemälden Alter Meister 

und des 19. Jahrhunderts sowie Möbel, Skulpturen, 

Glas und Porzellan. 

Gemälde Alter Meister: Der König trinkt: Von Pieter 

Brueghel dem Jüngeren stammt ein bemerkenswertes 

Gemälde. Im Mittelpunkt der Darstellung steht das Fest 

der Heiligen Drei Könige. Traditionellerweise kam die 

Festgemeinde nach dem Kirchgang zu einem großen 

Mahl zusammen, das Los bestimmte jemanden aus 

ihrer Mitte zum König: Wer eine Bohne in seinem 

Kuchenstück fand, bekam sogleich eine Papierkrone 

aufgesetzt und hatte nun den Hofstaat – sprich: die 

Königin, den Narren, den Sänger, den 

Zeremonienmeister, den Vorkoster, den Pförtner und 

andere – zu bestellen. Sobald der König das Glas 

erhob, um daraus zu trinken, rief die Menge „Der König 

trinkt!“. Damit konnten die Feierlichkeiten beginnen. Die 

Darstellung des so genannten „Bohnenkönigs“ ist 

vermutlich einer verschollenen Vorlage des 

Zeitgenossen Martin van Cleve nachempfunden. Mit 

700.000 bis 900.000 Euro Schätzwert wird dieses 

Gemälde zum Top-Objekt der Altmeister-Auktion im 

Dorotheum am 24. April 2018.


‚Kirtag und Karneval: Zahlreiche Figuren sind auf dem 

Ölgemälde von David Vinckboons zu sehen, das der 

Gutachter Klaus Ertz um das Jahr 1604 datiert. 

Dargestellt ist der St. Georgs-Kirtag, so wie er jedes 

Jahr in holländischen ländlichen Regionen stattfand. 

Typisch für ein Frühwerk des Künstlers ist es aus der 

Vogelperspektive gemalt. Er zeigt hier ausdrucksstark 

die Lebhaftigkeit des Festes, mit aufmerksam 

aufgenommenen Details, wie zum Beispiel einer 

religiösen Prozession, Trinkszenen, Tanz (€ 170.000 – 

200.000). Eines der schönsten und vor allem frühesten 

Beispiele von Karnevalsmotiven aus Venedig ist das 

Ölgemälde von Sebastian Vrancx (1573–1647). Es 

zeigt in einer kunstvollen Kombination Motive der 

Commedia dell‘Arte: den Stierkampf des Giovedi 

Grasso, Matachins mit großen Trommeln, Akrobaten, 

Buffoni, eine Straßentheaterszene mit einem 

Quacksalber, der seine Ware anpreist sowie das Paar 

aus Pantalone und Zanni. Im linken Vordergrund 

beobachtet eine elegant gekleidete Gruppe den 

Stierkampf. Hier könnte es sich um Erzherzog 

Ferdinand II. von Tirol und seinen Neffen Prinz 

Ferdinand von Bayern samt Begleitung handeln, deren 

Reise zum Karneval in Venedig im Jahr 1579 

dokumentiert ist. Das Werk wird in die Zeit um 1605 

datiert und wurde mit 180.000 bis 220.000 Euro 

bewertet. 

Hochzeit: Schon im April 2017 ließ das Dorotheum mit 

der Versteigerung einer Tafel eines Cassone, einer 

Hochzeitstruhe, aufhorchen. Auch diesmal gelangt eine 

solche zum Aufruf: „Die Geschichte der Lucrezia“, eine 

Tempera-Arbeit mit Gold und Silber auf Holz, vom 

Meister des Carlo III. di Durazzo (tätig in Florenz um 

1380 – 1420) ist mit 180.000 bis 200.000 Euro 

geschätzt. Giuseppe Maria Crespis „Sängerin am 

Spinett mit Bewunderern“ steht in Verbindung mit einer 

weiteren Version in den Uffizien in Florenz. Merriman, 

Autor der Crespi-Monographie beschreibt das Werk, 

das im Dorotheum angeboten wird als „eine bessere 

Version als jene in den Uffizien“ (€ 100.000 – 150.000). 

Eine bedeutende Venedig-Ansicht stammt von Antonio 

Joli, San Marco mit San Giorgio Maggiore und der 

Giudecca zeigen sich in der für Joli typischen 

fotografischen Qualität (€ 200.000 – 300.000). Den 

allerletzten spanischen Habsburger verewigte 

Sebastián Herrera Barnuevo im monumentalen 

Reiterbildnis „Carlos II. von Spanien im Knabenalter“. 

Das Bild diente den spanischen Hofmalern als Vorlage 

für ähnliche Kompositionen, wie kürzlich von 

Wissenschaftlern festgestellt wurde. Es gilt als eines 

der wichtigsten Werke des Künstlers und als eines der 

wenigen, die zur Gänze vom Meister ausgeführt 

wurden (€60.000 – 80.000). 

Gemälde des 19. Jahrhunderts: Reiseziel Italien: Er 

war einer der bedeutendsten Landschaftsmaler seiner 

Zeit: Oswald Achenbach. Zahlreiche seiner 

Auslandsreisen führten ihn nach Italien. Mit 150.000 bis 

200.000 Euro ist das 1890 entstandene Ölgemälde 

„Der Ausbruch des Vesuvs“ eines der am höchsten 

bewerteten Werke der Auktion „Gemälde des 19. 

Jahrhunderts“ am 25. April 2018. Ein Motiv desselben 

Künstlers, diesmal aus Florenz, ist mit 18.000 bis 

25.000 Euro geschätzt. Italien-Motive bieten auch 

Giovanni Grubas, Guglielmo und Beppe Ciardi, Anton 

Romako oder Rudolf von Alt. Mit Ferdinand Georg 

Waldmüller oder Carl Spitzweg finden auch die 

bekanntesten Biedermeiermaler im Auktionsangebot 

Einzug. 

Weißes Gold: Aus Meißen oder der königlichen 

Porzellanmanufaktur Berlin stammen die Highlights der 

Dorotheum-Versteigerung am 26. April 2018. Ernst 

Heinecke zeichnet für die eindrucksvolle 

Blumenmalerei in „Weichmalerei“ auf der Rokoko- 

Deckelvase der königlichen Porzellanmanufaktur Berlin 

verantwortlich. Die Blumen wurden nicht in Bukettform 

wie im 18. Jahrhundert angeordnet, sondern in ihrer 

Gesamtheit, einem Ausschnitt aus der Natur ähnelnd 

dargestellt. Ins Jahr 1890/1891 datiert die Dorotheum- 

Expertin dieses 87 cm hohe Prunkstück (€ 80.000 – 

140.000). Fortuna und Friede sind in jeder Form 

äußerst willkommen: Aus der Porzellanmanufaktur 

Meißen, 1883, stammen zwei in der Auktion 

angebotene Figuren. Die Personifikation der 

Glücksgöttin sowie des Friedens wurden nach einem 

Modell von Heinrich Schwabe gefertigt (Höhe 60 bzw. 

62 cm, € 50.000 – 70.000) - Foto: Dorotheum


Giuseppe Maria Crespi (1665-1747), Sängerin am Spinett mit Bewunderern, Öl auf Leinwand, 59 x 47 cm, Schätzwert € 100.000 - 150.000 

Auktion 24. April 2018


Oswald Achenbach (1827-1905), Der Ausbruch des Vesuvs, 1890, Öl auf Leinwand, 122 x 152 cm, Schätzwert € 150.000 - 200.000 

Auktion 25. April 2018 

Sebastian Vrancx (1573-1647), Karnevalsszene auf dem Markusplatz in Venedig, Öl auf Holz, 50 x 74 cm, Schätzwert € 180.000 - 220.000 



Balthasar van der Ast (1593/904 - 1657), Stillleben, Öl auf Holz, 64 x 102,3 cm, Schätzwert € 300.000 - 500.000 



David Vinckboons (1576-um 1632), Kirchweihfest des Hl. Georg, Öl auf Holz, 41,5 x 77 cm, Schätzwert € 170.000 - 200.000 



2,34 Millionen Euro für "Liegende Fau" von Egon Schiele, das beste Kunstauktions-Ergebnis in Österreich


Dorotheum 

„Es ist ein Blick zurück 

mit Freude!“ 

Weltrekordpreis 792.500 Euro für Emilio Vedovas Großformat „Tensione“ 

Das Dorotheum konnte im erfolgreichen Geschäftsjahr 

2017 zahlreiche Spitzenergebnisse erzielen. An erster 

Stelle dabei das beste Kunstauktions-Ergebnis in 

Österreich, nämlich 2,34 Millionen Euro für eine seit 

fast 90 Jahren in österreichischem Privatbesitz 

befindliche Zeichnung von Egon Schiele. 

Weltrekordpreis waren 792.500 Euro für Emilio 

Vedovas 1959 datiertes Großformat „Tensione“ bei der 

Auktion „Zeitgenössische Kunst“. Mit den 

Schwerpunkten Informel und CoBrA setzte das 

Dorotheum neue Akzente und konnte seine Position am 

internationalen Markt ausbauen. Bei den Gemälden des 

19. Jahrhunderts gab es im April mit 1,54 Millionen 

Euro das beste Ergebnis, das je in dieser Sparte im 

Dorotheum erreicht wurde, und zwar für das Gemälde 

zur Verlobung der späteren Kaiserin Elisabeth von 

Österreich, dem von Carl Theodor von Piloty und Franz 

Adam gemalten historisch bedeutsamen Porträtbild 

„Kaiserin Elisabeth von Österreich als Braut zu Pferd in 

Possenhofen“. Bei einer der besten Altmeister- 

Auktionen in der Geschichte des Dorotheum im April 

führte ein ursprünglich auf einer Hochzeitstruhe angebrachte 

Meisterwerk der Frührenaissance die 

Verkaufscharts an: „Die Schlacht von Pharsalos“ von 

Apollonio di Giovanni erreichte hervorragende 674.000 

Euro. Klassische Fahrzeuge spielen beim Dorotheum 

immer in der höchsten Liga mit und glänzen mit 

Verkaufsraten von fast 100 Prozent. Bei der 

herbstlichen Classic Expo Salzburg wechselte ein 1952 

Mercedes Benz 300 S Cabriolet für 563.000 Euro den 

Besitzer. Bei der Frühjahrsauktion setzte sich ein Horch 

853 Sportcabriolet aus dem Jahre 1938 mit knapp 

500.000 Euro an die Spitze. (Foto: © Dorotheum) 

Beste Altmeister-Auktionen in der Geschichte des Dorotheum: „Die Schlacht von Pharsalus“ 

von Apollonio di Giovanni für hervorragende 674.000 Euro


Das beste Ergebnis für 19. Jahrhundert im Dorotheum: 1,54 Millionen Euro für das Gemälde „Kaiserin Elisabeth 

von Österreich als Braut zu Pferd in Possenhofen“ von Carl Theodor von Piloty und Franz Adam


Ein 1952 Mercedes Benz 300 S Cabriolet für 563.000 Euro

KUNST.INVESTOR Ressler Kunstauktionen 

Ergebnisse der 8. Auktion der „RESSLER KUNST AUKTIONEN“ 

Bei der Kunstauktion am 5. März in der Galerie OstLicht in der ehemaligen Anker 

Brotfabrik wurde knapp 1 Million Euro umgesetzt. 

Einer der höchsten Zuschläge wurde für eine frühe 

Arbeit von Hermann Nitsch erteilt. „Die Sinnlichkeit ist 

die Offenbarung“ mit Blut, Wachs und Wachskreide auf 

Jute entstand 1974 und erzielte ein Meistbot von € 

45.000 (Kaufpreis € 58.000). Ein großer Erfolg war 

auch Markus Prachensky beschieden. Sein „Senatus 

Populusque Romanus“, Acryl auf Leinwand, konnte um 

€ 51.600 verkauft werden. Eine hohe Steigerung erfuhr 

ein frühes Gemälde von Hans Staudacher, der kürzlich 

seinen 95. Geburtstag feierte und schon seit einiger 

Zeit eine äußerst gute Nachfrage erfährt. Sein 1961 

entstandenes kleines, auf Jute ausgeführtes Bild wurde 

von € 6.000 von mehreren Telefon- und Saalbietern auf 

das Doppelte gesteigert und kostete letztlich € 15.000. 

Besonders viel Interesse finden endlich auch die Bilder 

von Martha Jungwirth. Noch vor wenigen Jahren war 

sie auf dem Markt kaum präsent, jetzt haben sie die 

Sammler und Kunstliebhaber entdeckt. Eine 

Mischtechnik auf Papier reüssierte vom Rufpreis € 

5.000 auf € 13.500. Immer viel Interesse wecken 

Arbeiten von Franz West. „Auch einer“, eine 

Mischtechnik und Collage auf Zeitungspapier, fand erst 

um rund € 28.000 einen neuen Besitzer. Ein 

sensationeller Preis gelang auch mit einer 

Architekturzeichnung von Walter Pichler. Sie wurde um 

den sehr beachtlichen Betrag von € 14.000 einem 

Sammler zugeschlagen. „Insgesamt kann man sagen, 

dass der Markt gesund ist, weil sich immer mehr 

Menschen mit zeitgenössischer Kunst umgeben wollen. 

Der Markt ist sogar so stabil, dass er ein Auktions- 

Angebot von dreißig Werken von Hans Staudacher 

innerhalb von fünf Wochen scheinbar mühelos 

aufzusaugen vermag“ so Otto Hans Ressler. (Foto: © 

Ressler Kunst Auktionen)


Markus Prachensky, Senatus Populusque Romanus, Acryl auf Leinwand, 160 x 210 cm, 2004, verkauft um € 50.000 

Marta Jungwirth, ohne Titel, Mischtechnik auf Papier, 70 x 100 cm, 1993, verkauft um € 13.100


Franz West, Auch einer, Mischtechnik und Collage auf Zeitungspapier, 29,5 x 22,5 cm, 1982, verkauft um € 27.500


Adolf Frohner, Lazarus komm heraus, Öl auf Leinwand, 122,7 x 93,5 cm, 2002, verkauft um € 16.250


Herbert Brandl und Loys Egg, ohne Titel, Öl, Goldbronze, Pigment auf Leinen, Holzapplikationen auf Holzplatte, 220 x 160 cm, 1989, verkauft 

um € 12.500


Hans Staudacher, ohne Titel, Öl und Collage auf Jute, 100 x 70 cm, 1961, verkauft um € 15.000





Telefon +43.2243.21723 

Mobile +43.664.946.7039 


KUNST.INVESTOR Albertina 

Keith Haring 

Keith Haring(aus ser Serie Faces) Gottfried Helnwein (Copyright © Keith Haring Foundation) 

Die Albertina widmet Keith Haring (1958–1990), der 

2018 60 Jahre alt geworden wäre, eine umfassende 

Retrospektive. Die Schau beleuchtet das Schaffen des 

amerikanischen Ausnahmekünstlers sowohl aus 

kunsthistorischer als auch aus formaler Sicht. Der 

Schwerpunkt liegt auf Harings einzigartiger 

Zeichensprache, die sich als künstlerisches Alphabet 

wie ein roter Faden durch sein Schaffen zieht. In seinen 

U-Bahn-Bildern, Gemälden, Zeichnungen und 

Skulpturen verschreibt sich Haring sozialer 

Gerechtigkeit und stetiger Veränderung. Die Strahlkraft 

seines Werks ist bis heute ungebrochen, sein Einfluss 

auf ZeitgenossInnen sowie nachfolgende Künstlergenerationen 

gewaltig. Die Ausstellung ist von bis 24. 

Juni 2018 zu sehen. (Foto: © Albertina)


Keith Haring, ohne Titel, September1983 (Copyright © Keith Haring Foundation)






Keith Haring, ohne Titel, September1985 Andy Mouse (Copyright © Keith Haring Foundation)



KUNST.INVESTOR Galerie Gugging 

„... chaotisch!“ 

Alfred Neumayr & Arnold Schmidt 

Arnold Schmidt, Frau, Bleistift- Foto: © Galerie Gugging 

„chaotisch“ bedeutet verworren, ungeordnet; nicht 

willens oder nicht fähig Ordnung zu halten, das sagt 

zumindest der deutsche Duden. Aber Gegensätze 

ziehen sich bekanntlich an. Mit diesem Motto 

präsentiert die Galerie Gugging die Schau 

„….chaotisch!“.. Möglicherweise hat man einen 

Eindruck des Chaos, wenn man die Werke dieser 

beiden Künstler betrachtet. Auf den ersten Blick haben 

Alfred Neumayrs und Arnold Schmidts Bilder nichts 

Gemeinsames, vielleicht auch nicht auf den zweiten 

Blick, aber bei näherer Betrachtung jedoch scheint man 

ein gemeinsames System zu erkennen: in dem 

scheinbar Chaotischen ist ein gewisses Maß an 

versuchter Ordnung und Harmonie zu finden. Ein 

Widerspruch? „In jedem Chaos ist Kosmos, in jeder 

Unordnung eine geheime Ordnung”- C. G. Jung 

Im Gegensatz zu Neumayrs kleinteiligen Arbeiten, ist 

den Werken von Arnold Schmidt die pure Energie 

anzusehen. Sein Strich erscheint schnell, fast 

ungeduldig. Seit 1986 lebt „Andi“ im Haus der Künstler. 

Die ankommenden Mitarbeiter und Besucher begrüßt er 

jeden Tag mit einem frischen „Guten Morgen“ und mit 

der Frage, ob er behilflich sein kann. Schmidts Arbeiten 

bestechen durch ihren expressiven Charakter. Die 

Frohnatur beginnt mit einem einfachen Kreis und 

zaubert daraus allerlei Figuren, Vögel, Fahrräder oder 

Flugzeuge. Bei der Formatwahl setzt sich der Künstler 

keinerlei Grenzen. Mit Hilfe von Ölkreide, Bleistift oder 

Acryl entwickelt er ein dichtes Gefüge von Linien auf 

Leinwand oder Papier, das auf den Betrachter eine 

große Sogwirkung ausübt. Mit schnellem, dynamischen 

Strich stellt er zuerst mit Wachskreide das Motiv dar 

und übermalt es anschließend mit Aquarellfarben. 

Dabei kann es schon einmal passieren, dass durch das 

feste Aufdrücken der Farben ein Werk perforiert. Auch 

„Andi“ ist regelmäßiger Besucher des offenen Ateliers 

in Gugging und arbeitet in unmittelbarer Nähe von 

Alfred Neumayr. Seine Werke sind in vielen privaten 

und öffentlichen Sammlungen, wie der Sammlung 

Hannah Rieger oder der Niederösterreichischen 

Landessammlung St. Pölten, zu finden. [Galerie 

Gugging- Ausstellungsdauer: 22. Februar bis 4. Mai 

2018. Foto: ©Galerie Gugging]


Alfred Neumayr, Ohne Titel, Tusche auf Papier 2016 - Foto: © Galerie Gugging


Arnold Schmidt, Figur Aquarellfarbe, Wachskreide, 2017 - Foto: © Galerie Gugging


Alfred Neumayr, AAHAA, Tusche auf Leinwand, 2015 - Foto: © Galerie Gugging


Alfred Neumayr, Carnock Scottland 2017- Foto: © Galerie Gugging


Arnold Schmidt, Fahrrad, 2017- Foto: © Galerie Gugging 

Arnold Schmidt, Flugzeug, 2012- Foto: © Galerie Gugging

KUNST.INVESTOR MAK 

300 Jahre Wiener Porzellanmanufaktur 

Mit der umfassenden Jubiläumsausstellung 300 JAHRE 

WIENER PORZELLANMANUFAKTUR beleuchtet das 

MAK die Geschichte und Bedeutung der zweitältesten 

europäischen Porzellanmanufaktur. Gegründet im Mai 

1718 durch Vergabe eines kaiserlichen Privilegiums zur 

Porzellanerzeugung an Claudius Innocentius Du 

Paquier setzte die Wiener Porzellanmanufaktur in den 

folgenden Jahrzehnten ästhetische Maßstäbe. Rund 1 

000 Objekte aus den Beständen des MAK sowie aus 

nationalen wie internationalen Sammlungen bieten 

einen eindrucksvollen Überblick über Wiener 

Entwicklungen im Kontext asiatischer Vorläufer und 

europäischer Konkurrenten. Seit seinen 

Gründungsjahren bewahrt das MAK den Nachlass der 

ab 1744 kaiserlich geführten, 1864 geschlossenen 

Wiener Porzellanmanufaktur und widmet sich der 

Erforschung des Porzellans. Mit Beispielen aus allen 

Epochen der Produktion gibt der Nachlass einen 

Überblick über rund 150 Jahre Porzellanherstellung in 

Wien. Die Wiener Porzellanproduktion deckte ein 

breites keramisches Spektrum ab: von Tafelservice und 

Vasen über Uhren, qualitätsvolle Porzellanskulpturen, 

szenische und florale Miniaturen, Porzellanmalereien 

mit Reliefgolddekor und Kobaltblau bis hin zu 

großformatigen Porzellanbildern mit Blumenstillleben. 

Über viele Jahrhunderte galt Porzellan in Europa als 

kostspieliger, aus China und Japan importierter 

Luxusartikel. Erst nach der Entdeckung des 

Geheimnisses der Porzellanerzeugung durch den 

Chemiker und späteren Gründer der Manufaktur 

Meißen, Johann Friedrich Böttger, wurde das Porzellan 

in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts zur 

bevorzugten europäischen Luxusware. Die Gründung 

der Wiener Porzellanmanufaktur setzt den 

Kulturtransfer zwischen Asien und Europa voraus. Die 

Ausstellung 300 JAHRE WIENER PORZELLA- 

NMANUFAKTUR rollt die faszinierende Geschichte der 

Wiener Produk- tion im Kontext der Manufakturen in 

Meißen, Nymphenburg, Berlin und Fran- kenthal 

(Deutschland) sowie Doccia (Italien) und Sèvres 

(Frankreich) und auch im Spiegel asiatischer Porzellane 

und Silberarbeiten auf. Nur so kann eine 

historischkritische Einschätzung ihres gestalterischen 

Vermächtnisses und ihrer Rolle als Vorbild für 

nachfolgende Manufakturen geboten werden. Bis heute 

gelten die Erzeugnisse von Claudius Innocentius Du 

Paquier und aus der kaiserlichen Periode als wertvolle 

Sammlerobjekte.Stil und Geschmack der Produkte der 

Wiener Porzellanmanufaktur setzten in der Frühzeit und 

im Laufe des 18. und 19. Jahrhunderts immer wieder 

Standards. Wie rege der Austausch mit anderen 

europäischen Porzellanmanufakturen war, wird unter 

anderem an zahlreichen Meißner Dekormalern – 

darunter Christian Daniel Busch und Johann Gottfried 

Busch, Samuel Hitzig, Johann Gottfried Klinger oder 

Ludwig von Lücke – deutlich, die Mitte des 18. 

Jahrhunderts nach Wien wechselten. Zu Hauptwerken 

der Wiener Porzellanmanufaktur, wie dem 

Porzellanzimmer aus dem Brünner Palais Dubsky (um 

1740) oder dem Tafelaufsatz aus dem Stift Zwettl 

(Wien, 1767/68), liefert die Ausstellung 300 JAHRE 

WIENER PORZEL- LANMANUFAKTUR mit bis dato 

unveröffentlichten Dokumenten neueste wissenschaftliche 

Erkenntnisse. Sowohl das „Dubsky- 

Zimmer“, eine der ersten Zimmerausstattungen mit 

europäischem Porzellan, als auch der Tafelaufsatz aus 

dem Stift Zwettl sind permanent in der von Donald Judd 

gestalteten MAK- Schausammlung Barock Rokoko 

Klassizismus ausgestellt. [MAK. Ausstellungsdauer 16. 

Mai – 23. September 2018 – Foto: © MAK]


La belle Chocolatière de Vienne - Foto: © MAK


Deckeldose Schildkröte - Foto: © MAK 

Tafelaufsatz aus dem Stift Zwettl - Foto: © MAK


Musterpokal Kaiserliche Porzellanmanufaktur Wien - Foto: © MAK

KUNST.INVESTOR LENTOS 

Gustav Klimt um 1916, 

Archiv des LENTOS 

Koloman Moser, in jungen Jahren, 1890 

IMAGNO Brandstätter Images 

Egon Schiele vor dem Bild „Waldandacht“, 

1915, Foto: J. Fischer, Albertina Wien 

1918 – KLIMT • MOSER • SCHIELE 

Gesammelte Schönheiten 

Gustav Klimt, Kolo Moser und Egon Schiele prägten die 

Kunst in Wien um 1900 nachhaltig. Durch den 

plötzlichen Tod dieser weltberühmten Vertreter der 

Wiener Moderne verlor die Wiener Avantgarde im 

Schicksalsjahr 1918 drei ihrer genialsten Vertreter. Die 

Ausstellung im LENTOS zeigt zum 100. Todestag 

dieser drei Ikonen der Kunstgeschichte 76 

Meisterwerke, darunter die über 50 Jahre verschollene 

Klimt-Zeichnung Zwei Liegende. Die repräsentative, auf 

zwei Geschossen gestaltete Ausstellung im LENTOS 

zeigt die kostbarsten Bestände der städtischen Museen 

(LENTOS und NORDICO) und des Oberösterreichischen 

Landesmuseums, ergänzt durch Leihgaben aus 

Privatbesitz. Erstmals werden diese oberösterreichischen 

Kunstschätze gemeinsam in einer Ausstellung 

präsentiert. 

Nach dem Ende des Ersten Weltkrieges waren nicht 

nur das deutsche Kaiserreich und die österreichischungarische 

Monarchie erloschen, auch das Ende der 

Kunst als dekorative, heilende Kraft war besiegelt. Im 

Untergeschoss des LENTOS kann das bewegte Leben 

von Klimt, Moser und Schiele anhand inszenierter 

Biografien bis zu ihrem Todesjahr 1918 nachverfolgt 

werden. Ebenfalls thematisiert werden die Lebensläufe 

der Sammler Hellmut Czerny, Otto Gerstl, Wolfgang 

Gurlitt und Walther Kastner, die den Grundstock für die 

Bestände der Museen der Stadt Linz und des 

Oberösterreichischen Landesmuseums bilden. 

Wissenschaftliche Erkenntnisse der letzten Jahre 

klären Rätsel um die Entstehung berühmter Werke und 

die Biografien der Porträtierten. Geschichten und 

Beziehungsgeflechte spannen sich in der Ausstellung 

auf und machen Kunstgeschichte lebendig. 

Neue Forschungsergebnisse zum Bildnis Trude Engel: 

Im Obergeschoss des LENTOS werden neben 

ausgewählten Werken neue Ergebnisse 

kunsttechnologischer Untersuchungen des berühmten 

Gemäldes Bildnis Trude Engel von Egon Schiele 

vorgestellt. Das Gemälde zeigt die Tochter des 

Zahnarztes Dr. Hermann Engel, der Schiele behandelte 

und als Gegenleistung Bilder als Bezahlung annahm. 

Das noch unfertige Werk fand jedoch keinen Gefallen 

und wurde von Trude Engel /1899-1992) mit einem 

Messer attackiert. Auf der Rückseite erkennt man die 

Einstiche, die mit Pappstreifen verklebt und vorderseitig 

retuschiert wurden. Vermutlich wurde das Bild von 

Schiele selbst restauriert. Die Röntgenaufnahme 

offenbart einen übermalten Kopf an der Spitze des 

kegelförmigen Aufbaus, der auf eine ältere, verworfene 

Komposition schließen lässt. Schiele hat also für das 

Porträt eine alte Leinwand wiederverwendet.


Egon Schiele, Bildnis Trude Engel, um 1913, LENTOS 

Gustav Klimt, Frauenkopf, 1917- LENTOS 

Koloman Moser, Badende, um 1911- Privatsammlung


Egon Schiele, Mutter mit Kind in rotem Mantel, 1911- LENTOS


Das Aquarell Mutter mit Kind in rotem Mantel aus dem 

Jahr 1911 (vgl. Original im Untergeschoss) könnte eine 

mögliche Vorstudie sein. Anhand stilistischer Merkmale 

und der neuen Erkenntnisse durch die Untersuchungen 

konnte das Gemälde von Kurator und Restaurator 

Andreas Strohhammer außerdem von 1911 auf das 

Jahr 1913 neu datiert werden. Obwohl der Zahnarzt 

insgesamt sechs Werke von Schiele entgegen nahm, 

hatte auch er kein Verständnis für seine Malerei und 

verschenkte das Bildnis Trude Engel noch während des 

Krieges. Das Bild wurde im Jahr 1953 von Wolfgang 

Gurlitt erworben. 

Verschwundene Klimt-Zeichnung wird im LENTOS 

präsentiert: Die Grafik Zwei Liegende kann erstmals 

nach einem halben Jahrhundert in der Schau 1918 – 

Klimt • Moser • Schiele wieder der Öffentlichkeit gezeigt 

werden. Die Zeichnung ist ein Spätwerk. Das Bild mit 

den beiden liegenden Frauen gehört aufgrund der 

manierierten Proportionen laut Zuweisung von 

Kunsthistorikerin Alice Strobl der letzten 

Schaffensperiode von Klimt an und kann um 1916/1917 

datiert werden. Es erweist sich als mögliche Vorstudie 

zur Aktdarstellung für das zerstörte Gemälde Die 

Freundinnen. Auffallend ist das Einsinken, das 

Verschwinden der beiden schlafenden, halbnackten 

Frauen in Tuchenden, Pölstern und Decken, was zur 

Steigerung der Helligkeit des unbedeckten Bauches 

und der Scham beiträgt. Die in Linz geborene 

Künstlerin Olga Jäger (1880–1965) übergab die 

Zeichnung am 11. Jänner 1951, als Leihgabe der 

Neuen Galerie der Stadt Linz – Gründer und Leiter 

Wolfgang Gurlitt. Die Wiener Albertina, an welche die 

Neue Galerie unter Leitung von Walter Kasten die 

Zeichnung für eine Ausstellung verliehen hatte, stellte 

sie 1964 zurück. Seither fehlte von der Zeichnung jede 

Spur. 2016 verurteilte das Landesgericht Linz die Stadt 

zum Schadenersatz in der Höhe von € .. Das 

geheiisolle Vershide ist ei Kriialfall: Die pensionierte 

und 2017 verstorbene Sekretärin von Walter Kasten 

nahm das Bild widerrechtlich an sich. Sie verfügte, die 

Zeichnung nach ihrem Tod der Stadt zurückzugeben. 

Ein Rechtsanwalt der Verstorbenen überbrachte die 

Zeichnung am 15. Jänner 2018 ins LENTOS 

Kunstmuseum Linz. 

Provenienzforschung im LENTOS: Die Stadt Linz 

setzt sich seit Jahrzehnten kritisch mit der Zeit des 

Nationalsozialismus auseinander. Die 

Provenienzforschung der LENTOS wird in der 

Ausstellung im Lesesaal im 1. Obergeschoss 

thematisiert. Die Sammlung des LENTOS (bzw. zuvor 

der Neuen Galerie der Stadt Linz) wird seit 1998 

systematisch überprüft. Die Recherchen konzentrieren 

sich vorrangig auf den Gemäldebestand aus der 

Sammlung Wolfgang Gurlitt. Bis einschließlich 2018 

wurden 13 Werke vorwiegend aus der LENTOS 

Sammlung restituiert, darunter Gemälde von Egon 

Schiele, Gustav Klimt, Anton Romako, Emil Nolde und 

Lovis Corinth. Zwei Restitutionsfälle, das Bildnis Ria 

Munk von Gustav Klimt und Krumauer Landschaft 

(Stadt am Fluss) von Egon Schiele stechen besonders 

heraus und werden näher beleuchtet. Das Porträt Ria 

Munk wurde 2009 an die Erben restituiert. Kurz darauf 

wurde es 2010 bei Christie’s in London um über 20 Mio. 

€ ersteigert. Es befidet sich heute i der Leis Colletio. 

Eie ähnlich hohe Preis, nämlich 16 Mio. € erzielte Ego 

Shieles Krumauer Landschaft (Stadt am Fluss), die 

2003 restituiert wurde. [Lentos. Dauer bis 21. Mai 2018 

- Foto: © Lentos]


Koloman Moser, Venus in der Grotte III, 1916- LENTOS


Gustav Klimt, Frauenkopf – Brustbild im Dreiviertelprofil nach links, um 1916, Oö. Landesmuseum


KLIMT’S MAGIC GARDEN 

A Virtual Reality Experience by Frederick Baker 

Mit KLIMT’S MAGIC GARDEN: A Virtual Reality 

Experience by Frederick Baker lanciert das MAK am 

100. Todestag von Gustav Klimt ein fantastisches, 

virtuelles Ausstellungsexperiment. Auf Basis von 

hochaufgelöstem Bildmaterial reinszeniert der 

renommierte Filmemacher Frederick Baker Klimts in 

neun Teilen erhaltene Entwurfszeichnungen für den 

Mosaikfries im Speisesaal des Brüssler Palais Stoclet 

(1910/1911) und eröffnet neue Perspektiven auf einen 

der Höhepunkte der MAK-Sammlung. Im speziell für 

experimentelle Ausstellungs- und Vermittlungsformate 

eingerichteten MAK FORUM kann man sich entweder 

selbst in die interaktive 3-D-Landschaft begeben oder 

den „Director’s Cut“ wählen: Frederick Baker zeichnet 

darin seinen individuellen Weg durch KLIMT’S MAGIC 

GARDEN nach. Die jeweiligen Virtual-Reality- 

Erlebnisse der Headset-TesterInnen werden für andere 

BesucherInnen auf synchronisierte Bildschirme 

übertragen. Gustav Klimts Flächengestaltung und die 

Möglichkeiten des virtuellen Raums mixt Baker mit 

modernster Technologie zu einem neuartigen 

Zusammenspiel von Zwei- und Dreidimensionalität. Der 

Titel KLIMT’S MAGIC GARDEN und die vielschichtige 

Struktur des virtuellen Projekts evozieren Assoziationen 

zu einem Labyrinth – die von Baker definierte Metapher 

für seine Reise von der Erwartung zur Erfüllung. Bakers 

filmisches Experiment kann auch als zeitgenössische 

Interpretation der Idee des Gesamtkunstwerks im Sinne 

der von Philosoph Odo Marquard attestierten „Tilgung 

der Grenze zwischen ästhetischem Gebilde und 

Realität“ gelesen werden. Mit KLIMT’S MAGIC 

GARDEN setzt das MAK, das sich intensiv mit der 

Digitalen Moderne beschäftigt, einmal mehr 

Vergangenheit und Gegenwart in Beziehung 

zueinander. Frederick Baker gelang in Zusammenarbeit 

mit Markus Cermak, 3D Graphic Artist, dem Sound 

Designer und Komponisten George Taylor und der 

Videopostproduktion Christian Leiss eine Synergie aus 

künstlerischer Kreativität und technologischer 

Innovation. [Mak. Ausstellungsdauer bis 22. April 2018 

– Foto: © MAK] 

Frederick Baker: Der Filmemacher und Digitalkünstler Frederick Baker hat mit seiner Firma Filmbäckerei über 50 Filme 

für das Kino, BBC und ARTE produziert. Er beschäftigt sich intensiv mit der künstlerischen Neuinterpretation von 

kulturellem Erbe. Das während seiner Tätigkeit als Digital Humanities-Forscher an der Cambridge University 

entstandene Virtual-Reality-Projekt Pitoti Prometheus (2016) – eine Version von Goethes Prometheus – wurde mit dem 

Europa-Nostra-Preis der EU (2016) sowie dem 3D Guild Award in der Kategorie „3D Virtual Reality Animated Film“ 

(2016) prämiert und für das Ars Electronica Festival 2017 ausgewählt.


Frederick Baker, Still aus dem Director’s Cut zu KLIMT’S MAGIC GARDEN: A Virtual Reality Experience by Frederick Baker, 2018, © 

Frederick Baker 

Frederick Baker, Still aus dem Director’s Cut zu KLIMT’S MAGIC GARDEN: A Virtual Reality Experience by Frederick Baker, 2018, © 

Frederick Baker

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Wien 

Ydessa Hendeles, From her wooden sleep…, 2013, Installationsansicht:The Milliner’s Daughter, 2017, 

The Power Plant, Toronto © Ydessa Hendeles, Courtesy die Künstlerin, Foto: Robert Keziere 

Ydessa Hendeles - Death to Pigs 

Death to Pigs ist die erste umfassende Retrospektive 

der kanadischen KünstlerinYdessa Hendeles in Europa. 

Die Praxis von Ydessa Hendeles zeichnet sich durch 

das Zusammenstellen von Erlebtem, Erzähltem und 

Interpretiertem aus. Ihre Kompositionen entfalten 

eigenständige Narrationen und vermitteln eine 

Reflexion über Zugehörigkeit, Andersheit und 

Ausgrenzung. Ihr Werk ist durch eine zeitgenössische 

Denkweise geprägt, die über gewohnte politische 

Narrative hinausgeht und historische wie kulturelle 

Ereignisse berücksichtigt. Sie beschäftigt sich mit 

Vorstellungen von „Heimat“ und hinterfragt, was dies in 

einer globalisierten Welt bedeuten kann, die Menschen 

nicht nur durch Mobilität voneinander trennt, sondern 

auch unfreiwillige Migration notwendig macht. 

Hendeles’ Werk ist eng verbunden mit ihrer eigenen 

Biografie als Tochter von Holocaust-Überlebenden, die 

in den frühen 1950er Jahren nach Kanada emigrierten. 

Die in ihrer Kunst entwickelten Erzählungen sind 

ebenso universell wie spezifisch – sie verhandeln 

Themen wie Verlust und Entfremdung und laden die 

Betrachter/innen ein, Verbindungen zu sich zu finden 

oder herzustellen. In ihrer künstlerischen Praxis 

reflektiert Hendeles auch ihr Leben und ihre vielfältigen 

Erfahrungen und spricht aber gleichzeitig allgemeine 

Modi eines anthropologisch universellen Erlebens an. 

Sie untersucht Mechanismen sozialer Inklusion und 

Exklusion, und wie diese zu Vorstellungen von 

„Fremdheit“ in Verbindung stehen. Wie der Philosoph 

Zygmunt Bauman treffend beschrieb, hat der Prozess 

der Modernisierung nicht nur zu Rationalisierung und 

individueller Freiheit geführt, sondern auch zu 

Überwachung und sozialer Ausgrenzung. Nach 

Bauman, fand mit Beginn der Industrialisierung eine 

Ordnung der Welt statt, in der nicht alle sozialen 

Gruppen rational integriert wurden. Ihre vermeintliche 

„Andersartigkeit“ ließ diese Gruppen als unbestimmbare 

Subjekte erscheinen, die nicht in übliche 

Vorstellungsmuster passten und daher Auslöser für 

unbestimmte Angst wurden.


Ydessa Hendeles, Detail aus Crypt, 2016: Santos figure holding a candle, Italien, ca. 18. Jhd., 

Installationsansicht: The Power Plant, Toronto, 2017, Foto: Robert Keziere


Ydessa Hendeles, Blue Beard, 2016 © Ydessa Hendeles, Courtesy die Künstlerin, Foto: Robert Keziere


THE BIRD THAT MADE THE BREEZE TO BLOW (Aero-Car No. 500), 2011: Detail aus THE BIRD THAT MADE THE BREEZE TO BLOW, 2006–2011, 

Installationsansicht: König Galerie, Berlin, 2012, © Ydessa Hendeles, Courtesy die Künstlerin, Foto: Robert Keziere 

In Zeiten, in denen wir mit regressiven Tendenzen in 

Politik und Gesellschaft konfrontiert sind, werden 

Vorstellungen von „Fremdheit“ und „Andersartigkeit“ 

produziert und diskutiert. In der westlichen Welt 

verbreiten populistische und konservative Parteien 

sowie identitäre Bewegungen Ideen von sogenannten 

kulturellen Identitäten mit dem Ziel vermeintlicher 

Vereinfachung komplexer Zusammenhänge. Hendeles’ 

Arbeiten erinnern uns an die Dialektik sozialer 

Entwicklungen und ermutigen uns, aus der Geschichte 

zu lernen. In ihren Werken schaut sie in die 

Vergangenheit, und kommentiert damit unsere Zukunft, 

eine Zukunft, die nur in ihrer globalen Vernetzung 

verstanden werden kann. Sammlung, Erinnerung, 

Akkumulation von Wissen und Objekten, 

Wunderkammer und Spurensuche sind Themen die 

Ydessa Hendeles‘ Arbeit informieren. Die Künstlerin 

arbeitet oftmals mit gefundenen, häufig historischen 

Objekten und Artefakten, die sie in einen 

Ausstellungszusammenhang bringt oder in komplexen, 

raumgreifenden Installationen zueinander in Beziehung 

setzt. Durch den Einsatz der „Ausstellung als Medium“ 

hinterfragt Hendeles nicht nur, was es bedeutet, 

Künstler/in, Kurator/in oder Sammler/in zu sein, 

sondern stellt auch das gegenwärtige Kunstsystem auf 

den Prüfstand. Ydessa Hendeles’ Ausstellung wird sich 

über beide Hallen der Kunsthalle Wien 

Museumsquartier erstrecken und mehrere zentrale 

Werkkomplexe der Künstlerin aus den vergangenen 

dreizehn Jahren zu einem vielschichtigen Narrativ 

verbinden. Als eine zentrale Arbeit wird die dem 

Ausstellungstitel entsprechende Installation Death to 

Pigs präsentiert, die sich auf metaphorischer Ebene mit 

Stigmatisierung und eskalierender Gewalt beschäftigt. 

From her wooden sleep… ist ein raumgreifendes 

Arrangement von mehr als 150 menschengroßen 

historischen Gliederpuppen aus Holz, die früher 

Künstler/innen als Ersatz für menschliche Modelle 

dienten. Weitere Rauminstallationen präsentieren sich 

als dichte Überlagerungen präzise recherchierter 

kulturgeschichtlicher Inhalte und autobiografischer 

Referenzen. Die Arbeiten werden für die Kunsthalle 

Wien um neue Komponenten erweitert und so in neue 

Kontexte gesetzt. [Kunsthalle Wien. Dauer bis 27. Mai 

2018 – Foto: © Kunsthalle Wien]


Ydessa Hendeles, Detail aus Predators & Prey (The Denslow's Mother Goose Project), 2005–2017. 

Installationsansicht: Ydessa Hendeles Art Foundation, Toronto, 2006. Foto: Robert Keziere


Ydessa Hendeles, Princess (1964), 2015: Leslie Van Houten as Homecoming Princess, 1964;Animal Farm: A Fairy Story, 

George Orwell, 1945: Detail aus Death to Pigs, 2015–2016,Installationsansicht: Barbara Edwards 

Contemporary, Toronto, 2016, © Ydessa Hendeles, Courtesy die Künstlerin, Foto: Robert Keziere

KUNST.INVESTOR Kunsthalle Krems 

Foto: Axel Hüttet, Furkablick, Schweiz / Switzerland, 1994, C-Print 187 x 213 cm 

Foto: Axel Hüttet, Wien, Belvedere-2, 2015, Glasdruck / Glass Print 110 x 140 cm


Axel Hütte 

Imperial – Majestic – Magical 

Foto: Axel Hütte, Wien, Belvedere-2, 2015, Glasdruck / Glass Print, 110 x 140 cm 

Die Kunsthalle Krems zeigt ab 11. März 2018 die erste 

umfassende Ausstellung von Axel Hüttes 

fotografischem Werk in Österreich. Hütte, der 1951 in 

Essen geboren wurde und heute in Düsseldorf lebt und 

arbeitet, zählt zu den führenden ProtagonisIinnen der 

aktuellen Landschaftsfotografie; er hat wesentlich zum 

Selbstbewusstsein der Fotografie in der bildenden 

Kunst ab den späten 1970er- Jahren beigetragen. Mit 

seinen Kolleginnen und Kollegen der Düsseldorfer 

Becher-Schule wie Candida Höfer, Andreas Gursky 

oder Thomas Struth steht Hütte für den 

Tableaucharakter des Fotos als gleichwertiges 

Gegenstück zum Gemälde. Axel Hüttes künstlerisches 

Werk setzt in den späten 1970er-Jahren mit einer 

starken Versachlichung der Realität von Porträts und 

urbanen Innen- und Außenräumen ein. Im Laufe der 

frühen 1990er- Jahre vergrößert der Künstler das 

Bildformat deutlich und die Landschaft wird das 

bestimmende Thema. Im Unterschied zu den frühen 

dokumentarischen Arbeiten haben die neueren, 

großformatigen Werke eine eher imaginative und 

halluzinatorische Dimension. In der Ausstellung in der 

Kunsthalle Krems wird vor allem ein Dialog zwischen 

älteren Zyklen und neueren Werkblöcken mit gleichen 

Themenbereichen präsentiert. Porträtserien in 

sachlicher Frontalität treffen auf flirrende Figurenbilder 

mit Landschaftscharakter, Bergbilder der 1990er-Jahre 

auf jüngere alpine Fotografien, venezianische 

Stadtansichten auf aktuelle Bilder der Lagunenstadt. 

Eigens für die Kunsthalle Krems entstand ein Zyklus 

imperialer Bauten und Räume, die in österreichischen 

Palais, Schlössern und Stiften – Melk, Altenburg, St. 

Florian, Belvedere – aufgenommen wurden. Ergänzt 

wird die Schau mit den bis dato weitgehend 

unbekannten Videoarbeiten des Künstlers. [Kunsthalle 

Krems. Dauer bis 10. Juni 2018 – Foto: © unsthalle 

Krems]


Foto: Axel Admont, Bibliothek / Library, 2017, Glasdruck / Glass print, 69 x 58 cm


Foto: Axel Hütte, Wasserfall Brühl, Österreich / Waterfall Brühl, Austria, 2012 

Pigmentdruck / Pigment print (Ditone) 235 x 155 cm

KUNST.INVESTOR Westlicht 

August Sander 

Porträt einer Gesellschaft 

August Sander Handlanger 1928 

Mit August Sander widmet sich das Wiener 

Fotomuseum WestLicht einem herausragenden 

Klassiker der Fotografiegeschichte. Die 70 Porträts des 

wegweisenden Vertreters der Neuen Sachlichkeit und 

Pioniers der dokumentarisch-konzeptuellen Fotografie 

sind in dieser Zusammenstellung zum ersten Mal in 

Österreich zu sehen. Es handelt sich dabei um das 

Reenactment einer Ausstellung, die der Fotograf 1963, 

ein Jahr vor seinem Tod, noch selbst kuratiert hatte. 

WestLicht-Vorstand Peter Coeln: „August Sander ist 

einer der ganz Großen und hat die Fotografie 

revolutioniert, vergleichbar mit Alexander Rodtschenko 

oder Edward Steichen. Sein Porträt einer Gesellschaft 

im Wandel ist gerade heute hochaktuell.“ Im Fokus der 

Ausstellung steht der epochale Porträtzyklus Menschen 

des 20. Jahrhunderts, den Sander Mitte der 1920er- 

Jahre entwickelte und in einer ersten Fassung unter 

dem Titel Antlitz der Zeit publizierte. „Sein Konzept 

einer fotografischen Gesellschaftsanalyse mittels 

vergleichender und unmittelbarer Beobachtung zielte 

auf ein umfassendes Sozialporträt der Weimarer 

Republik ab“, fasst WestLicht-Chefkuratorin Rebekka 

Reuter zusammen. „Fotografie verstand er als 

universelle Weltsprache.“ Eingeteilt in sieben Gruppen, 

stellt der Bilderatlas Vertreter_innen unterschiedlicher 

Gesellschaftsschichten und Berufsgruppen nebeneinander 

– vom Arbeitslosen bis zum Großindustriellen, 

von der Bildhauerin bis zur Putzfrau, vom 

Corpsstudenten bis zum Bohémien. Sander verdichtet 

charakteristische Merkmale in Haltung, Gestik und 

Kleidung zu einer Reflexion des Individuellen in 

Beziehung zum Typischen. Sein physiognomisches 

Zeitbild beleuchtet das Verhältnis von Mensch und 

Gemeinschaft. Sander hat sein Mappenwerk immer 

wieder bearbeitet. Sein universalistischer Ansatz ist 

dabei auch ein demokratischer und rationaler 

Gegenentwurf zu anderen Fotoprojekten der 

Zwischenkriegszeit, die Gemeinschaft elitär als Parade 

großer Denker und Lenker entwerfen oder völkisch 

entlang von Blut-und-Boden-Kategorien konstruieren. 

Dauer bis 20. Mai 2018 (Foto: Westlicht)


August Sander Jungbauern 1914


August Sander Corpsstudent 1925


August Sander Maler (Anton Räderscheidt) 1926


August Sander Konditor 1928


August Sander Putzfrau 1928

KUNST.INVESTOR Ostlicht 

Namaste, aus der Serie »The Light Within«, Atacama Wüste, Chile, 2018 © Tom Jacobi 

Tom Jacobi - Awakening 

Archaisch und roh anmutende Landschaften, 

majestätisch leuchtende Hügel, schroffe Felswände, 

grafische Strukturen von Wasser, Wüste, Wolken und 

Eis. Seit vier Jahren bereist der ehemalige Stern 

Artdirector Tom Jacobi die sieben Kontinente und 

kreiert mit seinen großformatigen 

Landschaftsfotografien einen fokussierten Blick auf 

durch Natureinflüsse über Jahrtausende geformte Orte. 

Tom Jacobi hat mit seiner Trilogie eine bedingungslose 

Huldigung an die Natur und den Planeten Erde 

geschaffen und reiht sich mit seiner Visualisierung und 

Herangehensweise in die landschaftsfotografische 

Tradition von Ansel Adams oder Sebastião Salgado. 

Obwohl Farbigkeit aus seinen Arbeiten überwiegend 

verbannt ist, modelliert Jacobi hochgradig 

facettenreiche Nuancen innerhalb der Spektren von 

Grau, Weiß und Bronze zu einem Kosmos, den er 

selbst als »unbunte Farbwelt« bezeichnet. Der Fotograf 

knüpft »Awakening« zudem an eine spirituelle 

Erzählung: Während die Teile Eins und Zwei ein 

Streben nach Erleuchtung darstellen, sieht der Künstler 

diese Suche in der dritten Serie beendet, wenn er die 

Quelle der Erkenntnis in das Innere der Protagonisten 

verlegt. Die Galerie OstLicht präsentiert erstmals die 

Trilogie »Awakening«, die aus den Serien »Grey 

Matter(s)« (2014–2015), »Into the Light« (2015–2017) 

und »The Light Within« (2018) besteht. Erst düster und 

geheimnisvoll, dann kühl und klar, schließlich 

kontemplativ und einladend – jede der drei 

Werkgruppen strahlt eine individuelle Atmosphäre aus, 

die Jacobi mithilfe natürlich vorgefundener 

Lichtsituationen bewusst hervorbringt und konsequent 

verfolgt. [Ostlicht. Dauer bis 26.05.2018 - Foto: Ostlicht]


Peaceful Mind, aus der Serie »Grey Matter(s)«, Island, 2015 © Tom Jacobi 

Jacob's Ladder, aus der Serie »Grey Matter(s)«, Neuseeland, 2014 © Tom Jacobi


Diamonds, aus der Serie »Grey Matter(s)«, Island, 2015 © Tom Jacobi 

Perfect Reflection, aus der Serie »Into the Light«, Bolivien, 2017 © Tom Jacobi


Cranium in the Sky, aus der Serie »Into the Light«, Bolivien, 2017 © Tom Jacobi 

Devotion, aus der Serie »The Light Within«, Atacama Wüste, Chile, 2018 © Tom Jacobi

KUNST.INVESTOR MUMOK 

Bruno Gironcoli 

„In der Arbeit schüchtern bleiben“ 

Bruno Gironcoli (* 1936 in Villach; † 2010 in Wien) 

gehört zu den eigenwilligsten Künstlerpersönlichkeiten 

des 20. Jahrhunderts. Einem breiteren Publikum ist er 

vor allem durch seine ab Mitte der 1980er-Jahre 

ausgestellten Großplastiken bekannt, in denen 

archetypische Figuren und Triviales zu futuristisch 

anmutenden Konglomeraten verschmelzen. Diesen 

monumentalen Setzungen geht eine bildhauerische 

Entwicklung voraus, die ab den frühen 1960er-Jahren 

internationale künstlerische Tendenzen rezipiert und 

zugleich eine radikal eigenständige Perspektive 

verfolgt. Weniger bekannt ist, dass Gironcolis 

bildhauerische Praxis von einer kontinuierlichen 

grafischen Produktion begleitet war. Von Beginn an 

sind diese oftmals großformatigen Blätter – die im 

Laufe der Jahre zunehmend malerischer werden – 

mehr als bloße Skizzen für die Bildhauerei. Auf Papier 

treibt der österreichische Künstler seine räumlichen 

Ideen vielmehr in Dimensionen, die über die Arbeit am 

konkreten Material weit hinausgehen. Dort animiert er 

sein eigenes bildhauerisches Werk: Losgelöst von 

realen Größenverhältnissen, physikalischen Zwängen 

und körperlichen Grenzen gehen schablonenhafte 

Figuren, Tiere, Symbole und Apparaturen hypothetische 

Verbindungen ein, fügen sich zu fantastischsurrealen 

Gebilden und Szenen. Gironcolis 

Papierarbeiten sind buchstäblich „Flächen von 

Überlegungen“ (Gironcoli), in denen bildhauerische 

Möglichkeiten durchgespielt werden, die der Realraum 

versagt. Die groß angelegte Retrospektive Bruno 

Gironcoli: „In der Arbeit schüchtern bleiben“ stellt 

MUMOK Wien bis 27. Mai 2018) erstmals den Maler 

und Zeichner Gironcoli in den Mittelpunkt. Auf zwei 

Ausstellungsebenen treten Papierarbeiten von den 

1960er- bis in die 1990er-Jahre in einen Dialog mit 

herausragenden Beispielen der Drahtplastiken, 

Polyesterobjekte, Installationen und Monumentalskulpturen. 

Im Zwiegespräch erschließen sie neue 

Perspektiven auch auf Gironcolis bildhauerisches Werk. 

(Foto: Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien)


Bruno Gironcoli Herz, 1967 (Heart) Metallpulverfarbe, Tusche, Gouache, Bleistift und Buntstift auf karierten Linienspiegeln 72,5 x 55 cm 

mumok Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, erworben / acquired in 1970 

Photo: mumok © BRUNO GIRONCOLI WERK VERWALTUNG GMBH / GESCHÄFTSFÜHRERIN CHRISTINE GIRONCOLI


Bruno Gironcoli Ohne Titel, ca. 1964 (Untitled) Metallpulverfarbe, Tusche und Gouache auf Papier121,5 x 76,5 cm Privatsammlung, Wien 

Private collection, Vienna © BRUNO GIRONCOLI WERK VERWALTUNG GMBH / GESCHÄFTSFÜHRERIN CHRISTINE GIRONCOLI


Bruno Gironcoli Turnstunde, 1970 (Gym Lesson) Gouache, Tusche und Bleistift auf Papier 62,3 x 89,7 cm 

mumok Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Leihgabe der Artothek des Bundes / 1976 

Photo: mumok © BRUNO GIRONCOLI WERK VERWALTUNG GMBH / GESCHÄFTSFÜHRERIN CHRISTINE GIRONCOLI 

Bruno Gironcoli Elektrische Welt, ohne Jahr Metallpulverfarbe, Tusche, Farbkreide und 

Bleistift auf karierten Linienspiegeln 118 x 92 cm Courtesy Privatsammlung / 

Photo © BRUNO GIRONCOLI WERK VERWALTUNG GMBH / GESCHÄFTSFÜHRERIN CHRISTINE GIRONCOLI

KUNST.INVESTOR Bank Austria Kunstforum 

Man Ray, The Rope Dancer Accompanies Herself with Her Shadows, 1916 

Öl auf Leinwand, The Museum of Modern Art, New York. Gift of G. David Thompson, 1954 

© 2017. Digital image, The Museum of Modern Art, New York / Scala, Florenz 

Man Ray im Bank Austria Kunstforum Wien 

Man Ray (1890–1976) ist einer großen Allgemeinheit 

heute als Fotograf bekannt. Tatsächlich war er einer 

der produktivsten und vielseitigsten Künstler des 20. 

Jahrhunderts. Während er in den USA längst als Ikone 

gilt, wurde sein Gesamtwerk in Europa bis dato nur 

spärlich rezipiert. Die Ausstellung im Bank Austria 

Kunstforum Wien widmet sich dieser Aufgabe und 

damit dem Universalkünstler Man Ray. Anhand von 

rund 200 Werken von internationalen Leihgebern, 

darunter das Museum of Modern Art und das Whitney 

Museum in New York, das Centre Pompidou in Paris, 

die Tate London und die Fondazione Marconi in 

Mailand, stellt die Schau Man Rays richtungsweisenden 

intermedialen und damit ungemein zeitgenössischen 

Ansatz heraus. Malerei, Fotografie, Zeichnung, 

Assemblage, Aerografie, Film, Buch- und Objektkunst – 

es gibt praktisch kein Medium, in dem Man Ray nicht 

gearbeitet hätte: So entsteht ein vielfältiges, poetisches 

und oft humorvolles Panorama, das es ermöglicht, 

erstmals den „ganzen Man Ray“ kennenzulernen. Die 

Ausstellung ist von 14. Februar bis 24. Juni 2018 im 

Bank Austria Kunstforum Wien zu sehen. 

(Foto: ©Bank Austria Kunstforum)


Man Ray, Indestructible Object, 1923/65, Metronom, Foto eines Auges, Büroklammer, Box 

Sammlung Marion Meyer, Paris, © Marc Domage, courtesy Galerie Eva Meyer, Paris. 

© MAN RAY TRUST/Bildrecht, Wien, 2017/18


Man Ray, Mime aus dem Album Revolving Doors, 1926, Serigrafie, The Museum of Modern Art, New York, The 

Walter P. Chrysler, Jr. Surrealist Collection, © 2017. Digital image, The Museum of Modern 

Art, New York / Scala, Florenz, © MAN RAY TRUST/Bildrecht, Wien, 2017/18


Man Ray, Cadeau | Gift, 1921/1958, Bemaltes Bügeleisen und Nägel, The Museum of Modern Art, New York, James 

Thrall Soby Fund, 1966, © 2017. Digital image, The Museum of Modern, Art, New York / Scala, Florenz 



Man Ray, Violon d’Ingres, 1924 (1990), Courtesy Galerie Johannes Faber 



Man Ray, Autoportrait, 1937/71, Bronze auf Plexiglas, Sammlung Marion Meyer, Paris 

© Galerie Eva Meyer, Paris. © MAN RAY TRUST/Bildrecht, Wien, 2017/18

KUNST.INVESTOR Genusskunst 

Aux Gazelles – Savoir Vivre in Wien 

Le Restaurant, Le Club, Le Design 

Mit "mehr Funktion und weniger Folklore" ist das gemeinsam entwickelte Design-Konzept von Christine Ruckendorfer 

und Architekt Alberto Bach perfekt definiert. Bach zeichnet mit seinem Büro Albertoni für viele internationale 

Prestigebauten verantwortlich und hält Nichts von unnötigem Chi Chi, lauten Farben und orientalischen Klischees. 

Beide wollten dem Aux Gazelles mehr Spielraum und Bewegung geben. Das Licht wird durch die Neugestaltung tief in 

den Raum geholt. Auch die Séparées wurden neu interpretiert. "Ich wollte zwei unterschiedliche, elegante Welten 

kreieren, das Restaurant mit dem großzügigen Gastgarten ist eine helle frische Sommerwelt von großer Klarheit", 

erklärt Bach. "Verbindend dazu finden sich Designelemente, die klar und schwungvoll sind, mit klassisch 

marokkanischen Elementen." Eine Formsprache, die in Abwandlungen immer wieder zum Einsatz kommt. Ruckendorfer 

Für Ruckendorfer ist das Ergebnis "ein zeitgemäßes Lokal auf internationalem Niveau, ohne folkloristisch zu sein." Auf 

2000 Quadratmeter wird "Savoir Vivre in Wien" geboten: Essen, Trinken, Tanzen, Verwöhnen, Entspannen & 

Genießen. Neue Features, wie "Lunch Bazaar", "Signature Drinks", "After Work-Shower" und anderes mehr erwarten 

den Gast. "Orient Light" nennt sich das frische Food-Konzept, vielfältig, spannend und ideal für die heißen 

Sommermonate in der City. Im "Lunch Bazaar" werden mittags feine Variationen in Form von libanesischen Mezze- 

Gerichten und marokkanischen Vorspeisen das Aux in Form eines All You Can Eat-Buffets angeboten. Abends können 

diese auch à la Carte bestellt werden. Als Mittagsmenü gibt es Rindsbrochettes mit gratinierten Zucchini, Lammköfte im 

Tomaten-Zimtfonds mit Dijon Senf und gegrillte Calamari & Garnelen mit Spargel-Fenchel-Salat. Abends kommt 

regional-österreichisches zum Einsatz, wie bei der Tajine mit Mariazeller Saibling, knusprigem Rinderprosciutto und 

Granatapfel, einem zarten Kalbsgulasch, Couscous und Kichererbsen. Vegetarier werden mit Gemüse-Tajine oder 

gebackenen Kartoffeln mit Arganöl, Koriander mit Limetten-Sauerrahmdip verwöhnt.

KUNST.INVESTOR Genusskunst 

Wüstentee on the Rocks meets Bloody Mary 

Eine schöne Bar braucht exzellente Drinks! Daher hat sich das Aux Gazelles-Team gleich mehrere feine Signature- 

Drinks überlegt. So wird der berühmte marokkanische Minztee, an dem bereits Winston Churchill im La Mamounia 

schlürfte, im Sommer "on the rocks" serviert. Zum Feierabend gibt es eine alkoholische Version des Traditionsgetränks 

aus der Sahara, gemixt mit Gin. Oder ein Gimlet, das berühmt, berüchtigte Getränk der Britischen Navy, favorisiert von 

Ernest Hemingway und bekannt aus den Philip Marlowe-Krimis. Apropos Hemingway: Zu Beginn einer heißen Bar- 

Nacht darf ein perfekter Bloody Mary nicht fehlen. Dieser Klassiker wird im Aux Gazelles nach einer klandestinen 

Rezeptur eines jamaikanischen Barmans gemixt. 

After Work-Shower 

Raus aus dem Job und rein in den Feierabend! Doch wo bitte, machen Mann und Frau sich nach einem anstrengenden 

Arbeitstag frisch und fein? Nicht jeder wohnt im City-Loft um die Ecke. Hammam und Salon de Beauté schaffen Abhilfe. 

Für 15,- Euro können sich Aux Gazelles-Gäste von 17 bis 20 Uhr duschen, entspannen und für den Abend zu Recht 

machen. Im Preis inkludiert sind: Handtuch, Erfrischungsgetränk (hausgemachte Limonaden und Eistees). 

Verwöhnprogramm für Body & Soul 

Eine alte Hammam-Tradition besagt: Politik, Geld und Sorgen bleiben draußen! Insofern sind Hammam & Salon de 

Beauté nicht gerade der geeignete Ort für das nächste Business Meeting, wohl aber um sich von Kopf bis Fuß 

verwöhnen zu lassen und zu entspannen. Auf 500 Quadratmetern befinden sich ein klassisches Dampfbad, 

Behandlungs- und Entspannungsräumlich-keiten in bester Orient-Manier. Hammamcis verwöhnen mit Waschungen, 

Peelings, wohlriechenden Salben und einer Haarwäsche – falls gewünscht. Mehr Info unter www.auxgazelles.at

Die Seejungfrau 

Eingebettet im Naturschutzgebiet, umringt von ewigem burgenländischen Schilfrohr und weißem 

Kiesstrand, erwacht die Seejungfrau in frühlingshaftem Glanz. Auch wenn die zarte Schneeschicht 

scheinbar noch Ruhe einfordert, so täuscht das. In ihrem Inneren wird sie bereits liebevoll für den 

Start in die neue Saison ausgerichtet. 

Da steht sie – in ihrem nordic schicken Kleid – ganz zart – und auch sie weiß, die ersten wirklich 

warmen Sonnenstrahlen sind nicht mehr fern. So kann man den einen oder anderen 

Frühlingsboten schon erahnen, das Zwitschern der brütenden Vogelschar in ihrer ganzen Buntheit 

beinahe schon hören und die Vorfreude auf glitzernde Sonnenuntergänge ist ganz berechtigt.... so 

manch einer hat in letzter Zeit in seinem Sinnen auf Genuss und Wärme sehnsüchtig an sie 

gedacht 

Es ist soweit! Wir sind täglich ab 11:30 Uhr offen mit gewohnten und neuen Gaumenfreuden, mit 

belebenden Tropfen von nah und fern, für Euch die Pforten. Kommt und genießt mit uns den 

Frühling, in eurer Seejungfrau. 

www.seejungfrau.cc | Im Yachthafen 1 | 7093 Jois | Reservierungen unter: 0676 / 4012419





Telefon +43.2243.21723 

Mobile +43.664.946.7039

KUNSTINVESTOR AUSGABE APRIL 2018

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