Berliner Zeitung 17.08.2017

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2 Berliner Zeitung · N ummer 191 · D onnerstag, 17. August 2017 Winnetou und Konsorten Mit dem Kinofilm zur „Bullyparade“ reist Michael Herbig in sein eigenes Universum zurück V ON TORSTEN WAHL Nein, die Maueröffnung brachte wirklich nicht nur Gutes. Sobereitet der Auftritt von David Hasselhoff auf der Berliner Mauer bis heute Schmerzen. Dieeinzige Chance,diese peinlichen Szenen ungeschehen zu lassen: Günter Schabowskis Zettel muss rechtzeitig aus dem Verkehr gezogen werden! Die grimmigen Zwickauer Tüftler Jens und Jörg Kasirske (Rick Kavanian und Christian Tramitz) nehmen anno 2017 die Mission auf sich. Siedüsen mit ihrem getuntenTrabi„Zurück in die Zone“ und tauchen am 9.11.1989 auf der historischen Pressekonferenz wieder auf. Auch Michael „Bully“ Herbig und seine Getreuen haben sich auf eine Zeitreise begeben. Denn ihr neuester Film fliegt in jenes Universum zurück, das die Ausgangsbasis war für so erfolgreiche Filme wie „Der Schuh des Manitu“ oder „(T)Raumschiff Surprise“. In den Jahren zwischen 1997 und 2002 hatten Herbig und Co.inder „Bully Parade“ bei ProSieben jene Figuren und Szenerien entwickelt, die später insgesamt mehr als 23 Millionen Besucher in die Kinos ziehen sollten. Hartnäckig vermarktet der Verleih den „Schuh des Manitu“ als erfolgreichsten deutschen Film aller Zeiten –was er gemessen an der Resonanz aber gar nicht ist. Denn die knapp 12 Millionen Zuschauer wurden in den goldenen Kinojahren der 50er mehrfach übertroffen. Auch der erste Kinostreich vonOttoWaalkes erreichte 1985 in Ostund West deutlich mehr Besucher. Erstaunlich bleibt aber, dass sich Herbig dem Druck widersetzte, eine Fortsetzung der Karl-May-Verulkung nachzulegen. Der „Bullyparaden“- Film fügt nun einfach fünf Episoden aneinander,nimmt in Kauf, dass sich kein durchgehender Spannungsbogen aufbaut. Natürlich nehmen jene drei Szenarien, die zwischen 2001 und 2007 schon in den Kinofilmen verarbeitet wurden, den breitesten Raum ein, werden am aufwendigsten ausgestattet und stärksten gespielt. So kommt die Karl-May-Parodie diesmal als„Winnetou in Love“daher, eine gealterte Sissi erlebt die „Wechseljahre einer Kaiserin“ und die Besatzung des Raumschiffs landet auf dem „Planet der Frauen“. Dazwischen arbeiten sich Herbig und seine Leute noch am Genre der Börsen- Thriller ab.Doch„Lutz OfWall Street“, kürzeste der fünf Episoden, besitzt keinen besonderenWitz, weil Figuren wie „Mister Moneymaker“ (Christian Tramitz) schon im Original von der Überzeichnung leben. Ob die verwor- Film ························································································································································································································································································· D V D - T I P P S Ende im Kugelhagel SCHAYAN RIAZ über „Meuterei am Schlangenfluss“ „Die Uhr ist abgelaufen“ und „Rancho River“ James Stewart ist einer der besten Schauspieler Hollywoods gewesen, ohne Zweifel. Mit seinen Rollen in Dramen, Liebeskomödien oder Thrillernhat er sich tief ins filmhistorische Gedächtnis eingegraben. Auch heute noch erinnert man sich gern anseine Arbeit in Werken von Regisseuren wie Alfred Hitchcock oder Frank Capra, darunter Klassiker wie „Mr. Smith geht nach Washington“, „Ist das Leben nicht schön?“, „Das Fenster zum Hof“ oder „Vertigo –Aus dem Reich derToten“. Letzterer wurde 2012 in der Zeitschrift Sight & Sound von 800 Kritikern zum besten Film aller Zeiten gewählt. Oft vergisst man bei all diesen Titeln, dass Stewart auch eine beachtliche Western-Karriere hingelegt hat. Mit Anthony Mann, einem Spezialisten des Genres, hat er ganze fünf Filme gedreht. In ihrer zweiten Kollaboration, „Meuterei am Schlangenfluss“, spielt er einen Trapper namens Glyn McLyntock. Er hat seine kriminelle Vergangenheit hinter sich gelassen und führt jetzt eine Siedlerfamilie über den gefährlichen Gebirgspass von Oregon. Auf dem Wegrettet er dem Banditen Emerson Cole (Arthur Kennedy) das Leben und dieser wird fortan Teil der Gruppe. Sie müssen nun mit knappen Vorräten den drohenden Winter überstehen. Cole hintergeht McLyntock und setzt ihn der Wildnis aus. Wir sehen Stewarts schweißgebadetes, schmerzverzerrtes Gesicht in einer Nahaufnahme und hören dazu ein flüsterndes,zähnefletschendes: „Mich wirst du noch sehen.“ Es kommt dann wie versprochen. Bei „Die Uhr ist abgelaufen“ sollte Anthony Mann ebenfalls Regie führen – es wäre der sechste Western des Regie-Schauspieler- Duos gewesen. Doch Mann ließ das Projekt kurznach Drehbeginn fallen und so sprang Regisseur James Neilson ein. Audie Murphy verkörpert hier den viel gefürchteten Banditen „The Utica Kid“, der mit seiner Bande eine Bahnlinie mehrmals ausgeraubt hat. James Stewart ist sein älterer Bruder Grant McLaine, der entgegen familiärer Bande den Auftrag entgegennimmt, persönlich sicherzustellen, dass der nächste Geldtransport nicht geplündert wird und problemlos am Ziel ankommt. Es endet, wie so in vielen Filmen dieser Art, im Kugelhagel. Stewart beweist sich in „Die Uhr ist abgelaufen“ als achtbarer Sänger und Akkordeonspieler –das Instrument spielte er seit seiner Kindheit. Und man bekommt umwerfende Naturaufnahmen der Landschaft in Colorado zu sehen. Bei all diesen Western spielt Stewart nicht wirklich die essenzielle, betont männliche Hauptfigur, sondern fungiert zuvorderst als revisionistischer Antiheld. So auch im kuriosen Film „Rancho River“ von Andrew V. McLaglen. Die Handlung spielt 1880. Martha Price (Maureen O’Hara) hat ein Hereford-Rind versteigert und will das wertvolle Tier persönlich zur Ranch des neuen Besitzers zu bringen. Die Reise dahin ist nicht ohne Hindernisse, also stellt sie den Cowboy Sam Burnett ein, der sie und ihreTochter Martha begleiten soll. 1966 hat James Stewart seine größten Erfolge bereits hinter sich, doch als Cowboy gibt er immer noch eine ziemlich dynamische Figur ab. Wie in allen seinen Filmen bewiest er hier seine äußerst charismatische Präsenz. Meuterei am Schlangenfluss USA 1952 Die Uhr ist abgelaufen USA 1957 Rancho River USA 1966 Koch Media, jeweils ca. 17 Euro Nicht ohne meine Fusselrolle: Dr.Schmitz, (Rick Kavanian), Winnetou (Michael Herbig) und Old Shatterhand (Christian Tramitz, v.l.) DAS FLIEGENDE AUGE Zwischen Glamour und Propaganda CLAUS LÖSER über das zwiespältige Erbe der UFA, deren Gründung sich zum hundertsten Mal jährt und über drei ihrer Stummfilm-Klassiker „Die Liebe der Jeanne Ney“ (1927) von Georg Wilhelm Pabst mit Edith Jéhanne und Fritz Rasp ZDF/FRIEDRICH-WILHELM-MURNAU-STIFTUNG, WIESBADEN fene Idee, ihn mit Trump-Perücke zu spielen, die Episode gerettet hätte,sei mal dahin gestellt. Auch wenn„Bully“ Herbig alle Mitstreiter von einst wieder um sich geschart hat, neben Kavanian und Tramitz auch Autor Alfons Biedermann, Filmkomponist Ralf Wengenmayer und Stefan Raab als Songlieferant, so liefert die „Bullyparade“ tatsächlich nicht nur Fortsetzungen, sondern blickt aus heutiger Warte auf Winnetou, Sissi, Spock und Co.Erwolle den aktuellen Zeitgeist einfließen lassen, betont Herbig. Am auffälligsten ist der Wandel in der Karl-May-Episode. Denn der „Schuh des Manitu“ hatte viele Kalauer noch aus dem Spiel mit dem schwulen Bruder des Indianerhäuptlings bezogen –den Winnetouch von der „Puder Rosa Ranch“. DieTunten- Gags,die Kritiker für einen Rückfall in die 50er-Jahre hielten, im Publikum aber zuverlässig für die meisten Lacher sorgten, sind komplett verschwunden. Winnetou (Herbig) ist nicht mehr in die Zwillingsbrüder Abahachi und Winnetouch aufgespalten, sonderndarfnach einer Einigung mit dem Karl-May-Verlag jetzt einfach Winnetou sein und mit Old Shatterhand für die Apachen kämpfen. Ihre Gegner sind der fiese„General Motors“ (Sky du Mont) und Kopfgeldjäger Dr.Schmitz (Rick Kavanian) und dessen Handpuppe „Tschango“. Diese Karikatur auf Christoph Waltz als Dr. Schultz in „Django Unchained“ entwickelt sogar den stärksten Witz. Auch die Besatzung des interstellaren „U.S.S. Hasselhoff“ gibt sich nicht mehr so vordergründig tuntig wie noch auf dem „(T) Raumschiff Surprise“. Captain Kork, Mister Spucky und Schrotty zicken sich nicht mehr an, sondern müssen sich auf dem „Planet der Frauen“ beweisen – eine prächtige Reminiszenz an die „Barbarella“-Reihe. Babsirella, Monirella und Susirella werden bedroht vonKing Klon und seiner Armee.Die finale Episode ist der Höhepunkt des Films. Sie bietet nicht nur die größte optische Opulenz und die originellsten Anspielungen, sondern auch aufwendige Showeinlagen und viele Gags mit Prominenten(so sind Lena Meyer-Landrut und Lena Gercke für Sekunden als „Sirenen“ zu sehen). Bullyparade –der Film Deutschland 2017, 110 Minuten, Buch /Regie: Michael Bully Herbig,Co-Autoren: Alfons Biedermann, Rick Kavanian &Christian Tramitz, Darsteller:Herbig,Tramitz, Kavanian, SkyDuMont, Alexander Schubert, u.a., 100 Min., Farbe. FSK: ab 6Jahre ImJahr 1964 erwarb der Bertelsmann-Konzerndie damals hoch verschuldete Ufa. Eigentümer war bis dahin ein Bankenkonsortium, mit der Deu tschen Bank als Hauptaktionär. Bei dem Kauf ging es dem expandierenden Medienunternehmen damals auch um den legendären Namen, mit dem sich doch so viele glamouröse Klassiker und Stars des deutschen Films aus den 20er-und 30er-Jahre verbanden. Die Einsicht, dass zum Erbe aber auch die zwölf unheilvollen Jahre von 1933 bis 1945 gehörten, setzte sich –vorsichtig formuliert –etwas zögerlich durch. Zwar ist die „neue Ufa“ als Nachkriegs-Gründung nicht der Rechtsnachfolger der einstigen NSDAP-Firma und kann deshalb weder wirtschaftlich noch politisch in Haftung genommen werden –wohl aber moralisch. Denn wer sich mit diesem Namen schmückt, sollte auch um dessen dunkle Flecken wissen. Im Mai diesen Jahres beteiligte sich deshalb die Ufa-Geschäftsführung an einem Symposium, das sich unter der Überschrift „Linientreu und populär. Das Ufa-Imperium 1933 bis 1945“ mit der NS-Vergangenheit der Babelsberger Traumfabrik beschäftigte. Nun, im Rahmen der bereits zum siebten Mal stattfindenden „Ufa- Filmnächte“ wirdwieder auf die Glanzpunkte der Geschichte verwiesen. Das ist auch richtig so. Denn die von Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst, Friedrich Wilhelm Murnau und anderen vollbrachten Leistungen weisen weit über das hinaus, was am selben Schauplatz unter Goebbels produziertwurde. Neben den beiden Evergreens „Metropolis“ (1926) von Lang und „Der letzte Mann“ (1924) von Murnau –die beide live mit neuen, zeitgenössischen Soundtracks versehen werden –gibt es eine verkannte Kuriosität zu bestaunen. Der 1927 gedrehte Film „Die Liebe der Jeanne Ney“ geht im Oeuvre von Pabst zwischen Klassikern wie „Die freudlose Gasse“ (1925) oder „Tagebuch einer Verlorenen“ (1929) immer etwas unter. Dabei lohnt eine Wiederbegegnung unbedingt. Der Plot ist eine echte Räuberpistole und deshalb nur schwer nachzuerzählen. Fieberhaft pendelnd zwischen Liebes- und Abenteuerfilm, ausgestattet mit mondänem, zwielichtigem und leidenschaftlichem Personal, liegt die Stärke des Films eindeutig nicht in seiner Geschichte.Als nachhaltig aber erweisen sich seine mutige Form sowie die einmaligen personellen wie historischen Konstellationen seiner Entstehung. Basierend auf einem Roman vonIlja Ehrenburg, der auch am Drehbuch mitschrieb, verblüfft das Werk durch seine kühne Mischung aus deutschem Expressionismus mit deutlich spürbaren Einflüssen vonEisenstein und Pudowkin. Zu danken ist dies nicht zuletzt Fritz Arno Wagner,einem der großen deutschen Kamerapioniere, dem auch der einzigartige Look von Langs „Der müde Tod“ oder „M“ zu verdanken ist. Wenn sich zuletzt die französische Diplomatentochter Jeanne und der geläuterte russische Revolutionär Andrej vor dem Altar kniend das Ja-Wort geben, mündet eine wilde, auf der Schicksals- Halbinsel Krim und in Parisspielende Storyinihr zuckersüßes Happy End, über das filmhistorisch milde hinweggeblickt werden darf. Nicht so locker nahm dies bei der Premiereseinerzeit Ilja Ehrenburg, der in einem Offenen Brief gegen die Verstümmelung seiner Vorlage protestierte. Inseinem Roman war Andrej noch als unschuldiges Opfer der Klassenjustiz hingerichtet worden. „Die Liebe der Jeanne Ney“ wird ineiner brandneuen, durch ZDF/arte rekonstruierten Fassung gezeigt, bei der die ursprüngliche Filmmusik mit großem Orchester eingespielt wird. Damit kommt auch der heute vergessene, Komponist Hans May (1886-1958) zu Ehren, der 1933 Deutschland verlassen musste.Ummit den Filmnächten einen Bogen zu den gegenwärtigen Aktivitäten des Ufa-Namensträgers zu spannen, wird erstmals auch ein aktueller Film gezeigt. ZumAbschluss läuft Philipp Stölzls Historien-Epos „Der Medicus“ (2013) nach dem Roman vonNoah Gordon. Ingo Ludwig Frenzels Score wird mit großer Besetzung live intoniert, die originalen Dialoge und Geräusche des Films bleiben erhalten. Ufa-Filmnächte 2017 Kolonnadenhof auf der Museumsinsel, 22. bis 25. August WARNER BROS. Gut gemacht und ärgerlich Der Film „Ein Sack voll Murmeln“ nach Joseph Joffos autobiografischem Roman VON CHRISTINA BYLOW Nur wenige Regisseure bringen Kinder so ins Kino, dass sie Kinder sind. Louis Malle konnte das, in „Aurevoir,les enfants“ –„AufWiedersehen, Kinder“ und auch in „Lacombe, Julien“, wo es um einen von Krieg und Besatzung kontaminierten Jugendlichen geht. Der Zweite Weltkrieg, die Okkupation, die Deportation der französischen Juden, Erschießungen von Résistance-Kämpfern und die Rache an Nazi-Kollaborateuren am Ende des Kriegs sind allgegenwärtig in diesen Filmen, auch wenn die Verbrechen nicht explizit in Szene gesetzt werden. Es sind Werke, deren Entstehungszeit Jahrzehnte zurückliegt und die doch so viel mehr über diese Zeit sprechen, als es so viele jüngereFilme tun. Manmuss nicht die Auseinandersetzung zwischen Claude Lanzmann („Shoah“) und Steven Spielberg („Schindlers Liste“) bemühen, die sich darüber uneins waren, in welcher visuellen Form an die Shoah zu erinnern wäre. Spielberg hat sie als „Stoff“ dramatisiert, auch wenn er nicht der Erste war,sowurde er zum Modell für jene Art des Erzählens, wie sie sich auch in „Ein Sack voll Murmeln“ findet: Immer um Spannung bemüht, den Schrecken benutzend, um die Zuschauer bei der Stange zu halten. DieEmotionen des Zuschauers gelten solchen Regisseuren als Beweis, dass ihre Mission gelungen ist. Werhier nicht weint, der ist ein schlechter Mensch. Doch Kinder, die verfolgt, gequält, von ihren Familien getrennt, sich selbst überlassen werden, die Zeuge entsetzlicher Taten werden, die mitansehen müssen, wie ihreEltern umgebracht werden – solche Kinder sind keine niedlichen Helden und Jacques Doillon hat das in seiner, der ersten Verfilmung des autobiografischen Romans von Joseph Joffo, auch genau verstanden. Sie sind traumatisiert, destabilisiert, sie nehmen so schweren Schaden, dass es sich noch Jahrzehnte und Generationen später auswirkt. Das heißt nicht, dass ein Regisseur das zeigen muss. Esheißt aber, dass er nicht so tun kann, als hätten die Kinder alles gut überstanden und vor allem –als hätten sie nur überlebt, weil sie so gewitzt und mutig waren wie die beiden Brüder in diesem Film. Waswar dann mit den anderen? VonParis nach Nizza: Joseph und Maurice auf der Flucht „Ein Sack voll Murmeln“ ist ein gut gemachter und gleichzeitig ärgerlicher Film. Gut gemacht, weil der Regisseur natürlich sein Handwerk beherrscht und Licht und Farben des französischen Südens das ihre dazu beitragen, dass das alles sehr schön aussieht, ärgerlich, weil er die Kinder zu Sprechpuppen macht, die ihreSätzegut auswendig gelernt haben und selbst beim Anblick einer Erschießung nicht wirklich aus der Fassung geraten. So hätte man sie gern, so resilient. Das sagt viel aus über den Druck des Funktionierenmüssens, eine Notwendigkeit auf der Flucht. Wenn eine biedere Pädagogik nun glaubt, sie müsse den Film als Lehrmaterial verwenden –wie es sich schon abzeichnet –dann ist das symptomatisch für eine Zeit, die Kinder als Helden ausstellt. Louis Malle hat fast sein ganzes Leben lang gebraucht, bis er die Erfahrung aus einer Kindheit erzählen konnte. Erwar Zeuge, wie ein jüdischer Junge, den Padres in einem Internat versteckt hatten, vonder Gestapo abgeholt wurde. Ein Sack voll Murmeln Frankreich, Kanada, Tschechien 2017. Regie: Christian Duguay. Darsteller:Patrick Bruel, Elsa Zylberstein, Dorian Le Clech, Batyste Fleurial, Christian Clavier u.a., 113 Minuten, Farbe. FSK: ab 12 Jahre WELTKINO
Berliner Zeitung · N ummer 191 · D onnerstag, 17. August 2017 3 Film ························································································································································································································································································· Liebe in Zeiten des Genozids Terry George erzählt in seinem Epos „The Promise –Die Erinnerung bleibt“ vom Völkermordanden Armeniern –instarken, aber nie unzumutbaren Szenen V ON PHILIPP BÜHLER Die Wiederholung von Geschichte ist fast immer deprimierend, und sei es nur die Filmgeschichte. Im Jahr 1934 plante das Hollywood-Studio MGM die Verfilmung von„Dievierzig Tage des Musa Dagh“, Franz Werfels gerade erschienenem Weltbestseller über den Völkermord anden Armeniern. In der Hauptrolle: Clark Gable. Dawurde der türkische Botschafter vorstellig. Eine Drohung jagte die nächste, amEnde wurde das Projekt abgeblasen. Das Spiel wiederholte sich in jüngerer Zeit, als zuerst Sylvester Stallone und kurz darauf Mel Gibson von dem Buch angetan waren. Gezielt lancierte E- Mail-Kampagnen verhinderten jede Verfilmung, die den blutigen Geschehnissen vor über hundert Jahrenein Denkmal setzen sollte. „The Promise“ wurde schließlich gedreht, dank der finanziellen Unterstützung des 2015 verstorbenen Milliardärs Kirk Kerkorian. Gewisse Ähnlichkeiten mit Handlung und Figuren von Werfels Roman sind auffällig, aber nicht der entscheidende Punkt. Denn was passiert? Auf der Filmdatenbank IMDb kommt es zu einer Bewertungsschlacht. Nach kleinen Festivalaufführungen vergeben zwei Drittel von knapp 90 000 Usern –die den Film unmöglich alle gesehen haben können –, die schlechteste Note. Eine armenische Gegenoffensive zieht den verheerenden Schnitt ein wenig nach oben, doch der Ruf des Films ist ruiniert. An den US-amerikanischen Kinokassen geht „The Promise“ gnadenlos unter. Die Gründe mögen komplexer sein, doch selbst für einen Film mit schwierigem Thema ist dieses Abschneiden ungewöhnlich. Der Regisseur Terry George hat selbst schon einen solchen gedreht. Mit „Hotel Ruanda“, modern inszeniert und mehrfach oscarnominiert, kann er sogar als Experte für Geno- Romantik vor dem Ausbruch des Schreckens: Der Apotheker Michael (Oscar Isaac) und seine verheiratete Geliebte Ana (Charlotte Le Bon) zide gelten. Für den Völkermord, der allen anderen voranging, wählte er eine ungleich klassischere Form: das prachtvoll ausgestattete Historienepos mit großen Stars. Das hat Vor- und Nachteile. Im Herbst 1914, kurz vor Ausbruch des Ersten Weltkriegs, herrscht die Ruhe vordem Sturm. In Konstantinopel studiert Michael (Oscar Isaac), der Provinzarmenier, Medizin und lässt sich blenden vom multikulturellen Glanz der Metropole.Beim reichen Onkel gehen Honoratioren aller Konfessionen ein und aus; ein türkischer Kommilitone wird zum besten Freund. Und dann sind da noch Ana (Charlotte Le Bon), stolze Armenierin aus Paris, und Chris (Christian Bale), amerikanischer Journalist mit zwei unangenehmen Eigenschaften: Er ist zum einen Anas Ehemann, was den seinerseits verlobten Michael nicht von verbotenen Gefühlen abhält. Und erwarnt, zum anderen, geradezu hartnäckig vor dem, was die Türken angeblich mit den Armeniernvorhaben. Dieses arg konventionelle Liebesdreieck vermag nicht annähernd so zu fesseln, wie es sollte. ZuTerry Georges erklärtem Vorbild „Doktor Schiwago“ fehlt es an Charaktertiefe und einprägsamen Dialogen, statt an den Großmeister David Lean CAPELIGHT denkt man hier eher an die braven Orientdramen von Merchant-Ivory. Aber immerhin, die Ausstattung ist, sieht man von einigen fürchterlich digitalisierten Bosporus-Panoramen ab, wirklich erstklassig. Und mit der Zeit erfüllt das grundsolide Fundament seinen Zweck. Geschickt hat uns der Filmemacher an die osmanischen Machtzirkel herangeführt, private Schicksale mit Politik verbunden. Wenn es losgeht mit Pogromen, Verhaftungen und Deportationen, spielt Romantik keine Rolle mehr. Esherrscht nur noch das nackte Grauen. George zeigt dieses Grauen in starken, aber nie unzumutbaren Szenen, und registriert hinter der Melodramatik die kalte Mechanik des Genozids. Vielleicht ist es ganz gut, dass ihm, anders als Atom Egoyan („Ararat“) und Fatih Akin („The Cut“), keine allzu große Autorenpersönlichkeit im Weg steht. Sein Armenien-Film ist exakter, informativer, lehrbuchhaft im guten Sinne. Für das große Bild gilt das ebenso wie fürs kleinste Detail. So wird selbst der flüchtige Beobachter die vielen deutschen Uniformen bemerken, die sich auffällig oft im Bild tummeln. Die unrühmliche Rolle des Deutschen Reichs in der „Armenierfrage“ wurde zuletzt auch in der umstrittenen Resolution des Bundestages festgehalten. Die „Waffenbrüderschaft“ mit dem Osmanischen Reich verhinderte jedes Eingreifen. WasGeorge daraus macht, ist ein bewusst unheimliches Bild, das schon in die Zukunft weist. Manchmal wiederholt sich Geschichte wirklich. Auch daran zu erinnern, ist eine mehr als respektable Haltung. Gerade wenn es nicht jeder Seite gefällt. The Promise –Die Erinnerung bleibt USA/Spanien 2016. Regie: TerryGeorge, Drehbuch: TerryGeorge, Robin Swicord, Darsteller:Oscar Isaac, Charlotte Le Bon, Christian Bale u.a.; 133 Min., Farbe. FSK: ab 12 Das Leben als Schwebezustand Mit analytischer Klarheit –Marco Bellocchios kluge Verfilmung des autobiografischen Romans „Träum was Schönes“ von Massimo Gramellini V ON GERHARD MIDDING Gehen Sievor den Spiegel“, empfiehlt ihm die Ärztin am Telefon, „und betrachten Sie ihren Atem.“ Massimo tut gut daran, ihren Ratzu befolgen. Nun, da er sich im Spiegel sieht, wird seine Atmung ruhiger. Der Klang der Frauenstimme besänftigt ihn. Es ist ein Glück, dass sie an diesem Abend Dienst hat. Die Stimme eines Arztes hätte ihn nicht vonseiner Panikattacke befreit. Massimo (Valerio Mastandrea) tut auch gut daran, sich in die Ärztin zu verlieben, als er sie danach in der Klinik besucht. Elsa (Bérénice Bejo) ermutigt ihn, sich seinen Ängsten zu stellen. Zunächst mag sie vonBerufs wegen an seiner Heilung interessiert sein. Aber vorerst genügt es, dass er weibliche Fürsorge spürt. Solche Geborgenheit hat er seit Jahrzehnten vermisst, seit jener Silvesternacht, in der seine Mutter starb. „Träum was Schönes“ waren ihreletzten Worte, als sie den Neunjährigen ins Bett brachte. Traumatisiert: Massimo (Valerio Mastandrea) und Elsa (Bérénice Bejo) Die Umstände ihres Todes sind mysteriös, angeblich erlag sie einer Herzattacke. Ein blinder Fleck. Der Verlust lässt Massimo zu einem zweifelnden, wissbegierigen und widerständigen Kind werden. Dreißig Jahre später, als er den Nachlass seines Vaters ordnet, steht er noch am gleichen Punkt. Seine Seele konnte nicht Schritt halten mit dem Prozess des Heranreifens, der ihm äußerlich gelungen ist. Aber in der wachsamen, fragilen Virilität, die ihm Mastandrea als Vierzigjährigem gibt, scheint noch die unerlöste Verzweiflung des Kindes auf. Die abwesende Mutter ist ein Thema, das Marco Bellocchio seit seinem Regiedebüt „Mit der Faust in der Tasche“ regelmäßig beschäftigt. Massimo Gramellinis autobiographischer Roman ist mithin ein idealer Stoff für ihn. Er hat ihn frei adaptiert, Szenen klug hinzuerfunden und das Drehbuch zugleich strenger konstruiert. Es wechselt zwischen mehreren Zeitebenen, ist aber von analytischer, bald therapeutischer Klarheit. Massimo muss existenzielle Momente immer wieder durchleben. Zugleich stößt ihn das Leben unverhofft in Situationen, von denen er zunächst glaubt, sie nicht bewältigen zu können. MOVIENET Bellocchio erzählt dies mit bekümmerter Zuversicht. Nach dem Schicksalsschlag können Vater und Sohn einander für lange Zeit nicht erreichen. Aber als sie gemeinsam zu einem Fußballspiel gehen und Teil haben an der Begeisterung im Stadion, ist eine entscheidende Wegmarke in Massimos Leben gesetzt. Er wirdSportjournalist. Nach einem dramatischen Intermezzoals Kriegsberichterstatter,wo er die mediale Ausschlachtung des Leids kennenlernt, vertraut ihm sein Chefredakteur eine neue Aufgabe an: Er soll auf den Brief eines verzweifelten Lesers antworten, der mit seiner lieblosen Mutter abrechnet. In seiner Kolumne schildert Massimo sein eigenes Schicksal als Halbwaise und löst damit eine ungeheure Resonanz bei der Leserschaft aus.Das ist ein gebrochen triumphal inszenierter Umschlagpunkt, ein entscheidender Schritt zur Selbstfindung. Der Zuschauer ahnt zwar bald, worin das verdrängte Familiengeheimnis besteht. Aber der Film will Massimos schwierigem Erkenntnisprozess um keinen Preis vorgreifen. Daniele Cipris Kamera taucht ihn in ein Wechselbad der kalten und warmen Töne. Den Momenten überschwänglichen Glücks, die er mit der Mutter erlebt, stehen unweigerlich Szenen entgegen, denen die Farben radikal entzogen werden. Sie sind in kühlem Blau gehalten, fast könnte man sie für schwarzweiß halten. Sie sind das Monochrom einer Depression. Es regt sich Widerstand in ihnen. Farbakzente leuchten auf, die zwar gedämpft und entsättigt sind, aber darauf bestehen, dass das Leben wieder Strahlkraft bekommen muss. Träum wasSchönes Italien, Frankreich 2017. Regie: Marco Bellocchio. Darsteller:Valerio Mastandrea, Bérénice Bejo, Fabrizio Gifuni u.a., 130 Minuten, Farbe. FSK: ab 12 Jahre BIGFOOT JUNIOR Belgien 2017. Regie: Jérémie Degruson, BenStassen. Derverträumte Adam macht sich auf die Suche nach seinem verschollenen Vater,den er in den Tiefen desWaldes vermutet. Underfindet Bigfoot. Auch er selbst trägt die Bigfoot-Gene in sich, die ihm u.a. ermöglichen, mit Tieren zu sprechen und mehr Kraft verleihen als gewöhnlichen Sterblichen. Beides hat er bald nötig, als der Konzern, der auf die ungewöhnliche DNA scharfist, seinen Vater entführen lässt. So wirdaus der lustigen Begegnung ein wildes Abenteuer.Animationsfilm (auch in 3D) der Macher von„Robinson Crusoe“ und „Das magische Haus“. CHAVELA USA 2017. Regie: Catherine Gund, Daresha Kyi. Siegilt als Muse vonPedroAlmodóvar und größte Sängerin Lateinamerikas. Aber schlich Chavela wirklich spät nachts in die Schlafzimmer von Frauen wie AvaGardner,umsie ihrenEhemännernabspenstig zu machen? Ludsie manchmal ihreWaffe, nur um aus Spaß rumzuballern? Hatte sie ausufernde Trinkgelage mit ihren Freunden, die Freitags begannen und bis zu den darauffolgenden Mittwochen dauerten? Lebte sie ein Jahr lang mit Frida Kahlo und hatte eine leidenschaftliche Romanzemit ihr? Chavelas lustvolle,schmerzliche,musikalische und zutiefst spirituelle Reise zu sich selbst ist der Dreh- und Angelpunkt dieser Dokumentation. DRAGON INN Taiwan 1967. Regie: King Hu.Nach einer erfolgreichen Intrige wirdGeneral Yu vonseinem politischen Gegner Obereunuch Zhao hingerichtet und seine Kinder aus China verbannt. Doch die Kinder des Generals sind dem Obereunuchen Zhao ein DornimAuge und daher setzt er alles daran, sie auf ihremWeg ins Exil umzubringen. An der einsamen Herberge zum Drachentor legt er einen Hinterhalt. „Dragon Inn“, der heute als Klassiker des asiatischen Kinos gilt, feierte NEU IM KINO 1967 seine Uraufführung. DerFilm brach damals sämtliche Zuschauerrekorde in Korea, Taiwan und den Philippinen und war richtungsweisend für das Genredes Martial Arts Actionfilms.Erbesticht durch seine poetischen Bilder und dramatischen Kampfchoreografien. Der Film wurde vomTaiwan Film Institut restauriertund remastered. TABLE 19 –LIEBE IST FEHL AM PLATZ USA 2017. Regie: Jeff Blitz. Eloise geht aus Trotz zu einer Hochzeit, bei der sie unerwünscht ist. Denn ihr Freund Teddy,der Bruder der Braut, hat ihr kurzvorher –via SMS –den Laufpass gegeben. Sie wirdanTisch 19 der Gesellschaft gesetzt –zusammen mit weiteren unerwünschten Gästen, die es versäumten abzusagen. Außer ihren Ex mit einer anderen Frau turteln zu sehen, bringt der Abend auch noch ein paar erfreuliche Erlebnisse und auch ihreNachbarnwollen das Beste aus ihrer Situation machen. Eine etwas andere, schrägereHochzeitskomödie legt Jeff Blitz hier vor. Ausder vonihm geschilderten Gruppe vonLosern, die sich am Tisch der unerwünschten Gäste bei einer Hochzeit treffen, ragt vorallem Anna Kendrick als Sympathieträgerin Eloise hervor. TIGERMILCH Deutschland 2017. Regie: UteWieland. UteWieland, die mit „Freche Mädchen“ und Sequel bereits im Jugendfilm erfolgreich war,porträtierthier zwei Mädchen und beste Freundinnen, die mehr als frech sind. DieBerlinerinnen Nini und Jameelah sind 14 Jahrealt, spielen Worteknacken und wollen den ersten Sexmöglichst schnell hinter sich bringen. Wieland schildertdas Erwachsenwerden der Mädchen in Extremen, zwischen kindlicher Unschuld, Neugierde und Lust auf Grenzerfahrungen. Dabei zeigt sie ihr feines Gespür für das Lebensgefühl der Jugend ebenso wie für das junge Ensemble angeführtvon FloraLiThiemann und Emily Kusche VERANSTALTUNGEN
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