DOCK 11 Dokumentation 2015

DOCK 11 Dokumentation 2015

Tobias M. Draeger 

Tobias schusterte sich in einem absolut nicht geradlinigem Weg, seine eigene künstlerische 

Ausbildung zusammen. Nach dem Start direkt nach dem Abitur als Schauspieler vor der 

Kamera (ARD, SAT1 und PRO7), kündigte er dieser für ihn oberflächlichen, medialen Welt 

den Rücken und arbeitete 2 Jahre als Betreuer für spastisch kranke Menschen Cunit e.V/ 

Pfenningparade München, erhielt von Gottfried Breitfuss (Schauspielhaus Zürich) und 

Jerry Coyle (New York) Schauspielunterricht und Camera Acting und tauchte mit dem 

Umzug nach Wien, neben der berufsbegleitenden Kulturmanagement Ausbildung an der 

FH Kufstein, mit einer 3 jährigen Assistenz bei der Theaterpädagogin M.Obertscheider 

immer mehr in die Welt des Theaters ein (Theater Niedermair Wien, Kosmos Theater 

Wien,Theater Phönix St.Pölten). Inspiriert von der belgischen Tanzszene, die er hautnah 

mit der Assistenz bei Wim Vandekeybus/ Ultima Vez (BE) und KABINET K/Joke Laureyns 

(BE) erleben konnte, fügter er seinem Schauspielbackground noch die zeitgenösssiche 

Tanzausbildung am Konservatorium Wien sowie dem SEAD in Salzburg hinzu. Neben 

filmischen Arbeiten für ARD / PRO7 /ORF / Filmhochschule München / Filmakademie 

Ludwigsburg. Arbeit mit internationalen Choreographen u.a.: Quan Bui Ngoc/ Les Ballets 

C de la B (BE/V), PhilipeReira/ Superamas (FR/AUT) , Helena Waldmann (DE), Cornelia 

Lüthi (CH), Kristel van Issum/ T.R.A.S.H (NL), Simon Mayer (Rosas/ Zwita Soon) BE/AUT), 

IFHUMANS COMPANY (IT/BE), mit demValencia Symphonic Orchestra /Sergio Alapont 

(ES), Wim Vandekeybus/ Ultima Vez (BE) und KABINET K/Joke Laureyns (BE) Awards: 

Debütförderung des Kulturreferats München zur Weiterentwicklung des Solos „DAILY 

MADNESS“ 2014 voraussichtlich Premiere Kammerspiele München Januar 2015 „K.“ by 

3art3company, Kulturpreis für Tanz der Stadt Zürich 2013 Tanzquartier Wien: “ Stückwerk 

„ Choreographie Nachwuchspreis: „the medium is the manege“ Didi Resch/ tobias m. 

draeger Tanzhaus Zürich: 12MinMax „want to be brown“ tobias m. draeger /Andres 

Gensheimer Szene Bunte Wähne Festival, Choreographie Nachwuchspreis OFF Spring/ 

Dschungel Wien: Karla Zimmermann/ tobias m. draegerStipendiat des internationalen 

Summerlabs Mousonturm Frankfurt Stipendiat des inter. Interdisziplinärem Choreolab der 

Universität Krems und dem Choreographen Sebastian Prantl 

P E R F O R M A N C E 

DAILY MADNESS 

eine Performance präsentiert von draeger u.Co 

Ein Mann - Eine Lampe. „DAILY MADNESS” ist die Geschichte eines Mannes der gefangen 

ist zwischen dem starkem Drang den täglichen Wahnsinn um ihn herum zu organisieren. 

Sowie der Begierde, die ihn beschränkenden Mauern seines Kopfes niederzureissen. 

Der Aufbruch zu einen mutigen, einsamen Weg. 

„DAILY MADNESS” ist die Suche nach dem Prickeln in uns, das wir gefühlt haben, als wir 

jung waren: das Gefühl von Lebendigkeit und Freiheit, das wir in uns erleben, wenn unsere 

Imagination über unsere Ängste siegt! 

# Idee | Choreographie: tobias m.Draeger 

# Coaching: Quan Bui Ngoc “les Ballets C de la B” 

# gefördert durch: Kulturreferat München, Tanztendenz München, Tanzhaus Zürich, T.R.A.S.H 

Company Tilburg, fifoo.programvienna, circuscentrumghent, Helikos Firenze 

Foto: Kirsten Seeligmüller 

W I E D E R A U F N A H ME : 

16. und 17. Januar 2015 

im DOCK 11

Foto: Kirsten Seeligmüller


FAIR CAMP PROGRAMM 2015 

Freitag 16. Januar 2015, 18:30 

COME TOGETHER Party 

Samstag 17. Januar 2015 

10:00 Exkursion zur “Wir haben es satt“ Demonstration – Agrarindustrie abwählen 

ab 15:00 Workshops und Lesungen 

20:00 Filmaufführung “WHO CARES? – Du machst den Unterschied” 

Kooperationspartner: DOCK11/EDEN*****, Märkisches Landbrot, KarmaKonsum, SINN-Stiftung, Schule im 

Aufbruch, SWAK, Brave Hearts International u.a. 

# Organisation / Kontakt: Katharina Wyss, wyss@faircamp.de, Tel. 0177 477 33 85 

www.faircamp.de 

www.facebook.com/faircamp.de 

Workshop “Aufstellungen – In Einklang kommen, mit dem was war” FAIR CAMP 2015 am 17. Januar 

mit Anette Maharens > http://www.pankow-guide-gesundheit.de/news/workshop-aufstellungen-in-einklangkommen-mit-dem-was-war-fair-camp-2015-am-17-januar 

Workshop “Zyklus der Frau: Vom Mädchen und Frausein” auf dem FAIR CAMP am 17. Januar 

mit Petra Hinze und Britta Wein > http://www.pankow-guide-gesundheit.de/news/workshop-zyklus-der-frau-vommaedchen-und-frausein-auf-dem-fair-camp-am-17-januar-2015 

T R E F F E N 

FAIR CAMP 2015 

präsentiert von Pankow Guide 

“Stadt im Wandel“ ist das Motto des 5. FAIR CAMP in Berlin, dass am 16./17. Januar 2015 

stattfindet. Ernährung, Gesundheit, Bildung der Zukunft, Urbanes Gärtnern, Gemeinschaft, 

Sozial Unternehmer, Eco Fashion, Shareconomy und Gemeinwohlökonomie sind die 

Themen des lokal-fairen Workshoptages. Wir teilen Erfahrungen, Wissen, Methoden, 

zeigen praktische Beispiele und vernetzen uns, um den inneren und damit auch den 

äußeren Wandel mitzugestalten – für eine bessere Welt und eine enkeltaugliche Zukunft. 

Eröffnet wird das FAIR CAMP mit dem “Come Together” Abend. Die Großdemonstration 

“Wir haben es satt – gegen die Agrarindustrie”, die parallel zum FAIR CAMP seit fünf 

Jahren stattfindet, wird erstmalig als Exkursion eingebunden. Workshops, Lesungen sowie 

der Marktplatz für nachhaltige Projekte und Initiaiven bilden das Rahmenprogramm. Zum 

Abschluss wird der Film “Who cares? – Du machst den Unterschied“ gezeigt. 

WHO CARES? ist ein Dokumentarfilm über Sozialunternehmer auf der ganzen Welt – 

begeisternde, charismatische Menschen wie Nobelpreisträger Mohammad Yunus und 

Ashoka Gründer Bill Drayton, die den großen Herausforderungen der heutigen Zeit mit 

Mut, Idealismus, Kreativität, Pragmatismus und Beharrlichkeit begegnen. „Der Film ist eine 

Inspiration für jeden, der von einer Veränderung in seinem Leben träumt und in seinem 

Beruf nach einem wahren Sinn sucht.“ 

Workshop “Ernährung und nachhaltige Gesundheit im Alltag” auf dem FAIR CAMP am 17. Januar 

mit Ute Baacke + Peter Friedrichs > http://www.pankow-guide-gesundheit.de/news/workshop-ernaehrung-undnachhaltige-gesundheit-im-alltag-auf-dem-fair-camp-17-januar-2015 

Gesamtprogramm 

http://www.goldboerse.net/2014/12/fair-camp-2015-programm-am-16-17-januar-in-berlin/ 

Workshopübersicht 

http://www.goldboerse.net/2014/12/fair-camp-2015-workshopkonzepte-impulse/ 

Marktplatz – mit dabei sind ... 

http://www.goldboerse.net/2014/12/marktplatz-fair-camp-2015/ 


W I E D E R A U F N A H ME : 

16. bis 17. Januar 2015 

im EDEN

# Künstlerische Leitung: Fabian Bleisch und Sibin Vassilev 

# Klangkunst / Musik / Surround-Sound / Text / Dramaturgie: Sibin Vassilev 

# Lichtkunst / Raum / Konstruktion / Programmierung / Fotos: Fabian Bleisch 

# SprecherInnen (englisch): Julie Randall, Sven Holly Nullmeyer, Gad Giladi, Ravi Agarval 

# SprecherInnen für die deutsche Version (t.b.c.): Sven Holly Nulmeyer, 

Eray Egilmez, Alexander Schröder, Ilka Teichmüller 

# technische Leitung: Fabian Bleisch / Sibin Vassilev 

# Dramaturgische Beratung: Max Schumacher 

# Produktionsleitung: Mario Stumpfe 

# gefördert aus Mitteln der Senatsverwaltung für Kulturelle Angelegenheiten beim Regierenden 

Bürgermeister von Berlin. 

www.posttheater.com 

www.semantics-of-sound.com 


EDISON 

eine Licht und Klang-Performance von post theater unter der 

künstlerischen Leitung von Fabian Bleisch und Sibin Vassilev 

Thomas Alva Edison (1847 - 1931) war nicht nur ein berühmter Erfinder, sondern auch ein 

geschickter Marketing-Stratege. Seine Glühbirne repräsentierte Prestige und Wohlstand. 

In ihrer Performance EDISON, erinnern die Künstler an den historischen Moment der 

Massenverbreitung des elektrischen Lichtes. Sie testen dabei die Verbindung von Politik, 

Ideologie und Industrie an diesem Beispiel der Glühbirne aus. Gleichzeitig thematisieren 

sie, dass die klassischen Glühbirnen von EU-Richtlinien verboten wurden – aus 

vermeintlichen Umweltschutzgründen. Allein mit Glühbirnen und Lautsprechern 

evozieren die Künstler Stimmen, die sich zur Glühbirne zwischen ihrer Verbreitung und 

ihrem Verbot äußern. Eine Utopie (sicheres Licht) wird zur Antiutopie 

(Energieverschwendung), eine neue Utopie wird zum herrschenden Paradigma der 

Energieeffizienz. 

Die post theater Künstler Bleisch und Vassilev installieren ihre scheinbar simple Technik 

zu einem Klang- und Licht-Raum, in den sie die ZuschauerInnen senden. 48 Glühbirnen 

beleuchten dabei in immer wieder neuen Konstellationen und Konfigurationen den Raum, 

das Publikum, und vor allem sich selbst. Die Klanginstallation ist perfekt synchronisiert zu 

der Bildbewegung der Glühbirnen. Klang und Sound tanzen im Raum miteinander und 

fordern das Publikum auf, sich zu positionieren. EDISON war ein großer Publikumserfolg in 

Bulgarien und Berlin in seiner englischsprachigen Version. Jetzt erfolgt die 

deutschsprachige Premiere. 

Das post theater hat sich im Sommer 2014 mit Robert Bosch und Steve Jobs und deren 

Weltsichten in der erfolgreichen Produktion „Jobs im Himmel“ beschäftigt. Erfinder und 

Visionäre, sowie die Kulturgeschichte von Alltagstechnik sind häufig Themen in den 

Arbeiten des multi-medialen Performance-Teams von post theater. Bleisch und Vassilev 

arbeiten seit 1999 /2002 mit post theater - „EDISON“ ist ihre erste gemeinsame Arbeit als 

künstlerische Leiter. Das post theater wurde 1999 in New York von Hiroko Tanahashi und 

Max Schumacher gegründet - seit dem entstanden über 50 Projekte in über 40 Städten / 

20 Ländern. post theater war in den vergangenen Jahren mit „Napolen D.“, „Express Fight 

Club“, „Fisch in Dir“ und „CAFFEE“ im Dock 11 zu sehen 


P R E M I E R E : 

22. bis 25. Januar 2015 



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Dekompressor „Foto - JPEG“ 

benötigt.

T A N Z 

WE ein Tanzstück von Shai Faran 

In WE setzen sich die Performer mit der Intention des Tänzers und der Auffassung des 

Publikums von dem, was es sieht, auseinander. Es ist ein Stück über Körperausdruck, 

Kommunikation, Interpretation und fünf tanzende Frauen. 

Stell dir vor, du hättest keinen Kopf…Oder stell dir vor dein Kopf ist autonom, nicht fest 

an deinem Körper. Stelle dir jetzt vor, er ist irgendwo anders im Raum, irgendwo anders 

auf der Welt. 

Die israelische Choreographin Shai Faran ließ sich für ihre Arbeit „WE“ von den 

Skulpturen der Antike inspirieren, die sie in Bewegung versetzt. In diesem Stück 

beschreiben fünf Tänzerinnen Möglichkeiten, sich im Raum zu bewegen, etwas 

zu berühren. Die Bewegungen sind offen für die Interpretation des Zuschauers. 

Aber sind die Auswirkungen dieser Veränderungen im Raum von unseren 

Wahrnehmungsgewohnheiten vorbestimmt? Was beeinflusst die Art und Weise wie 

wir Dinge wahrnehmen und wie können kleine Veränderungen große Unterschiede 

bewirken? 

Die NewcomerIn Shai Faran begann ihre tänzerische Laufbahn in Israel mit einer Gaga 

Ausbildung bei der Batsheva Dance Company, die ihre Technik prägte. Als Tänzerin 

der Kibbutz Dance Company II sammelte sie erste professionelle Erfahrung. Sie ist 

nach Europa umgezogen, wo sie ihr Studium an dem SEAD Salzburg vertiefte, gefolgt 

von der Kollaboration mit Yuval Pick an dem CCNR Lyon. Die Begegnung mit der 

Berliner Tanzszene war für Shai Faran die Gelegenheit ihre eigene Bühnensprache zu 

entwickeln: sie arbeitet mit einem intensiv physischen Tanzvokabular, Bewegung und 

Körper stehen im Mittelpunkt ihrer Tanzstücke. Von den für Berlin in den letzten Jahren 

typischen, konzeptionell abstrakten Arbeiten setzt sie sich deutlich ab. „WE“ ist das 

ertste abendfüllende Stück der Choreographin Shai Faran, dessen Wiederaufnahme in 

2015 durch die Senatskanzlei Kultur beim Regierenden Bürgermeister Berlin gefördert 

wird. 

# Idee | Choreographie: Shai Faran 

# Tanz: Kim Ceysens, Nitzan Ledermann, Naama Ityel, Tea Harryson, Shai Faran 

# Produktion: Mara Nedelcu 

# danke an: Tanzfabrik Berlin, Lake Studios, die Botschaft des Staates Israel und DOCK11 

# gefördert durch: Der Regierende Bürgermeister von Berlin, 

Senatskanzlei Kulturelle Angelegenheiten 


W I E D E R A U F N A H M E : 

29. Januar bis 01. Februar 2015 






Uphill: 

# Choreographie: Shang- Chi Sun 

# Assistenz Choreographie: Annapoala Leso 

# Tanz: David Essing, Ross Martinson, Shang-Chi Sun 

# Musik: Jörg Ritzenhoff 

# Bühne / Licht Design: Hans Fründt 

# Management: Laurent Dubost 

# Dauer: 35 min 

# eine Produktion der Company Shang-Chi Sun im Auftrag des National Chiang Kai-Shek 

Cultural Center, Taiwan. Eine Koproduktion der fabrik Potsdam im Rahmen des Programms 

“Artists-in-Residence”.. Mit freundlicher Unterstützung der Sophiensaelen Berlin. . 

Gefördert durch die Kulturverwaltung Berlin. 

T A N Z 

Traverse & Uphill 

zwei Tanzstücke der Company Shang-Chi Sun 

Zum ersten Mal werden in Berlin die international erfolgreichsten Stücke von Shang-Chi 

Sun in einer Doppelvorstellung zusammen gezeigt: 

Im Solo Traverse überwältigt er durch seine Vielseitigkeit und seinen Rhythmus. Auf 

obsessiver Musik, ähnlich einem Herzschlag, durchschneiden seine Glieder die Luft wie 

im Kampf, um gleich wieder zur Ruhe zu kommen. Die Bewegungen offenbaren eine 

Präsenz, deren Kraft, Begierden und Impulse freien Lauf erhalten und Erinnerungen 

durchschreiten. Der Künstler reist durch unterschiedliche Zustände des Körpers und 

macht Vergangenheit und Zukunft im Raum erfahrbar. Ein unmittelbarer, reiner und 

direkter Tanz. 

Uphill ist ein Versteckspiel. Der Raum ist nackt, lediglich drei Männer stehen im 

Mittelpunkt. Zusammen mit der pulsierenden technoiden Musik bilden sie das Viereck 

eines Spielfeldes. Die Einfachheit der Bühne hebt die Architektur der Körper und 

die unsichtbaren Spannungslinien hervor. Die Tänzer stellen dabei sehr individuelle 

Körperlichkeiten dar und nutzen sie mit entwaffnender Klarheit in ihrer Suche nach 

dem Anderen. 

Daraus entsteht ein ungewöhnlich schönes Trio auf dem schmalen Grat zwischen Spiel, 

Provokation und Vertrauen. Die Situationen und die Konstellationen wiederholen sich 

aber gleichen sich nie. Allein die Sehnsucht nach dem Anderen bleibt immer gleich – 

nach dem Freund, dem Bruder, dem Fremden und vielleicht sogar dem Feind. 

„Sun, der schon in Produktionen von Sasha Waltz mittanzte, ist hier ohne Frage eine 

technisch brillante Arbeit gelungen.” Tanzpresse, Annett Jaensch, zu Traverse 

Traverse: 

# Musik: Ryoji Ikeda 

# Choreographie / Tanz: Shang-Chi Sun 

# Set Design: Jens Siewert 

# Licht Design: Shang-Chi Sun, David Friedrich, Hans Fründt 

# Technische Leitung: Hans Fründt 

# Management: Laurent Dubost 

# Dauer: 16 min. 

# eine Koproduktion der fabrik Potsdam mit Unterstützung des Centre Culturel 

de Taiwan in Paris. Gefördert durch die Kulturverwaltung Berlin. 



05. bis 08. Februar 2015 






Anlass und Ziele des Projekts 

Beate Krausmanns Kinder tanzen im DOCK 11. In Pausengesprächen wurde die Idee geboren, 

zusammenzuarbeiten. Frau Krausmann versorgte uns mit Materialien zu künstlerischen Projekten mit 

der Deutschen Gebärdensprache, erzählte vom Alltag der Nichthörenden, davon, dass es in Deutschland 

kaum verbreitet ist, als Hörende Grundelemete der DGS zu erlernen. Es ist beschämend, dass viele 

Hörende so wenig von DGS wissen und nicht einmal Grundlagen der Deutschen Gebärdensprache 

können. Darüber hinaus hat die DGS aber auch ein besonderes künstlerisches Potential, Schönheit, 

Präzision und Kraft. Wir lasen Bücher über Visuelle Kunst vor allem im Umfeld von Wolfang Müller, 

über die Ausstellung: Eröffnung: “Gebärde Zeichen Kunst. Gehörlose Kultur” im Bethanien, sahen 

auf Youtube Rapper in DGS und weiteres. Unser Ziel ist es, dass alle Kinder, die im DOCK 11 tanzen, 

einige Grundlagen der DGS tänzerisch erlernen. Wir möchten mit der Ernst-Adolf-Eschke-Schule die 

Zusammenarbeit langfristig fortsetzen. 

Wir wollen einen Beitrag dazu leisten, eine größere Verbreitung der Deutschen Gebärdensprache zu 

fördern. Dabei ist es uns wichtig, dass es sich um eine tiefe und qualitativ hochwertige, künstlerische 

Produktion handelt, die die Ideen und Themen der Kinder mit einfließen lässt. 

In den insgesamt 16 verschiedenen Stücken tanzen 438 im DOCK11 angemeldete Kinder und Jugendliche, 

sowie die an dem Projekt teilnehmenden Schüler der Adolf-Eschke-Schule; mehere Klavierschüler und - 

schülerinnen von Valérie Huguenin sowie ein Chor der Grundschule am Arkonaplatz neben ebenso daran 

teil. 

# Choreographie / Tanzpädagogik: Katrin Pohlmann, Valérie Huguenin, Doreen Haberland, Elly Fuijta, 

Lisa Oettingshaus, Lydia Johns, Michael Klich, Katja Scholz, Sabina Ferenc, 

Beatrice Kruschke, Sven Seeger, Daniella Kuhr 

# auf der Bühne: Tanzkinder des DOCK 11 und EDEN*****, Schüler der Ernst-Adolf-Eschke-Schule, 

Kinderchor der Grundschule am Arnimplatz 

# DGS-Übersetzer: Matthias Schäfer, Lena Klein 

# Kompositions-/ Choreographiecoaching: Anja Weber 

# Technik: Asier Solana 

# Film: Frederike Hohmuth 

# Kostüme: Alexander A Mensen 

# Produktionsleitung | Foto: Miriam Gimm 

# gefördert vom Projektfonds Kulturelle Bildung und dem Fonds Soziokultur 

M U S I K / T A N Z 

ATEM & HERZ 

zahlreiche Tanzstücke mit den Tanzkindern des DOCK 11 und EDEN*****, 

Schülern der Ernst-Adolf-Eschke-Schule, dem Kinder-Chor der Grundschule 

am Arkonaplatz und Gästen 

„Atem und Herz“ verbindet hörende und nichthörende Kinder und Jugendliche in mehreren 

verschiedenen Tanzprojekten. Der Tanz ist die stille, sprachlose, körperlich-visuelle Kunstform, die die 

Kommunikationsbrücke zwischen Hörenden und Nichthörenden Schülern schafft. Atem und Herzschlag als 

allgemein menschliche Rhythmen bilden die Grundlage der Bewegung, die die Kinder körperlich-sinnlich 

erspüren und mit der sie einen Zugang zu ihrem eigenen Körper finden. 

In ersten Improvisationsaufgaben erleben sie den Atem als Melodie und den Herzschlag bzw. den Puls 

als Rhythmus für die eigene Bewegung und erkennen, wie diese beiden Komponenten in wechseitiger 

Beeinflussung mit den eigenen Gefühlen und dem körperlichen Empfinden stehen. 

Wie verständigen sich die Tänzer nun expressiv-musikalisch ohne Musik? Zusätzlich zum Herzschlag 

als Metrum und dem Atem als Melodie werden Gesten der Deutschen Gebärdensprache erlernt und in 

gemeinsamen Improvisationsaufgaben durch die Kinder variiert. Den Improvisationsaufgaben zugrunde 

liegen hier die Kategorien des Laban-Bartenieff-Bewegungsanalyse-Systems, anhand dessen auch die 

Gesamtkomposition entwickelt wird. 

Was bisher stattfand: 

Von Frühjahr bis Sommer 2014 fand für die Dozenten des DOCK 11 und EDEN***** ein Coaching statt. 

Parallel zu einer Einführung in die Deutsche Gebärdensprache (DGS) durch Matthias Schäfer gab Anja 

Weber zunächst einen Überblick in das System der Laban-Bartenieff-Bewegungsstudien (LBBS). Dann 

wurden schrittweise mit einzelnen Gebärden die LBBS-Kategorien vertieft erarbeitet. So konnte jeder 

Dozent für seine Gruppe eigene Aussagen und Choreographien entwickeln, die er gemeinsam mit 

den Tanzkindern im Unterricht gestaltete und variierte, um Stücke für die Aufführungen zu erarbeiten. 

Ergänzend zum regulären Unterricht fanden für einige Gruppen Sonderproben statt, in denen die Kinder 

und Dozenten ihre Arbeit intensivieren konnten. 

Zudem fanden in der Ernst-Adolf-Eschke-Schule einige Intensivtage mit Daniela Kuhr und Sven Seeger 

statt, in denen fleißig getanzt wurde. Der erarbeitete Tanz wurde in einem Showing in der Schule gezeigt. 




im EDEN***** Theater











Last Plays 

eine Performance von Lucie Eidenbenz 

ILast Plays besteht aus einem brennenden Gitarren Riff, wütenden Stimmen und tranceartigen 

Schlagzeug Beats. Es ist wie auf einem Konzert, bei dem die Klänge in deinen 

Körper dringen und dich total verwirren. Eine Reise, auf der dich der Sound trifft. Eine 

elektronische “Rockgraphie”. Eine Welt der Klänge, die die Welt der Gesten bewegt und 

andersherum. Wie schon Keith Richards sagte: “The rock’s easy, but the roll is another 

thing!” 

# Performance: Adina Secretan, Lucie Eidenbenz 

# Musik: Michael Sauter, Aris Bassetti 

# Licht Design: Florian Leduc 

# Sound Design: Benjamin Vicq 

# Ratgeberin: Simona Ferrar 

# Verwaltung | Kommunikation: Marine Magnin 

# Produktion: Brøcøliwald 

# Koproduktion: Théâtre de l’Usine, Genève, Festival de la Cité, Lausanne 


G A S T S P I E L : 






GOAT OCEAN 

eine Performance der ALLEN‘S LINE Julyen Hamilton Company 

GOAT OCEAN ist ein offenkundig gebrochener Operntanz 

Ein moderner Choralgesang in Bewegung. 

Eine tänzerische Dichte, die von Fäden der Stille durchlöchert ist. 

Ein Theater intimer Proportionen. 

Die Stille eines Augenblicks, rote Blumen fallen 

Ein Glockenspiel am Ende einer Minute 

Ist dies noch ein Land oder nur eine riesige Sammlung von Orten? 

Unsere Handlungen werden nur von wenigen bemerkt und richten sich doch an alle 

Menschen. 

# Direktion | Konzept | Licht: Julyen Hamilton 

# Performer: Paolo Cingolani, Maya M. Carroll, Billie Hanne, Julyen Hamilton 

# Text: Julyen Hamilton, Billie Hanne 







T A N Z P E R F O R M A N C E 

Never The Less 

eine Tanzperformance von Zufit Simon 

NEVER THE LESS ist eine Choreographie für 2 Gesichter, 4 Augen und 2 Münder. 

Die Choreografin stellt gemeinsam mit der Tänzerin darin die Mimik in den Mittelpunkt. 

Welchen Zusammenhang gibt es zwischen Mimik und Gefühl, zwischen Körpersprache, 

Körperhaltung und emotionalem Empfinden? Welche gesellschaftlichen, kulturellen und 

anerzogenen Codes gibt es für den mimischen Ausdruck und wie können diese manipuliert 

werden? Nicht immer „passt“ ein Gefühlsausdruck zur Situation und wir versuchen, ihn 

zu verbergen. Manchmal vermischen sich auch gegensätzliche Ausdrücke, zum Beispiel 

wenn wir vor Lachen weinen oder in Momenten, in denen wir weinen möchten, lachen. 

Die Performer experimentieren mit den Unterschieden von Gefühl und Darstellung, den 

Distanzen zwischen ihnen sowie ihren Spiegelungen bei den Zuschauern. 

# Konzept: Zufit Simon 

# Tanz: Julieta Figueroa, Zufit Simon 

# Dramaturgie: Mira Moschallski 

# Sound: Alexander Nickmann 

# Licht: JOM 

# Kostüme: Zufit Simon 

# Produktionsleitung: Dietrich Oberländer 

# Produktion: artblau-Tanzwerkstatt 

# gefördert mit Mitteln des Landes Niedersachsen und STIFTUNG NORD/LB ·ÖFFENTLICHE 

# gefördert aus dem Wiederaufnahmefonds des Landes Berlin 



26. Februar bis 01. März 2015 





„... ein langer, konsequenter Gang zur Freiheit, zum Bewusstsein.“ 

Melanie Suchy, Kölner Stadt-Anzeiger 16.12.2014 

„... ein grandioses Solo-Tanzstück ... Für den Tänzer-Choreographen Emanuele Soavi 

waren die ersten Zeilen der Bibel ‘Inspirationsquelle und Ausgangspunkt’ für diese 

Solo-Performance, die ihn wieder einmal als einen der besten und ausdrucksstärksten 

Tänzer der Kölner Tanzszene zeigt ... Diese minimalen Bewegungen gewinnen durch ihre 

Langsamkeit eine unglaubliche Intensität, die Blicke und Aufmerksamkeit der Zuschauer 

auf frappierende Weise binden. Es sind solche Momente tänzerischer Ausdrucksstärke, 

in denen die Kollaboration mit der Choreographin Susanne Linke sichtbar wird ... Auch 

der Flügel mit Thomas Wansing, der mit einer sensiblen musikalischen Komposition 

nach Motiven von Johann Sebastian Bach die Performance live begleitet, verschwindet 

völlig in der Dunkelheit. Seine anfangs leisen Anschläge deuten an, dass sich auch in den 

dunkelsten Winkeln zarte Triebe von Menschlichkeit entwickeln können ... AUREA ist ein 

starker Einstieg in ein auf Jahre angelegtes Tanz-Recherche-Projekt ...“ 

Klaus Keil, Nachtkritik TANZwebKOELNBONN 12.12.2014 

T A N Z 

AUREA 

ein Tanzprojekt von Emanuele Soavi incompany in Kollaboration mit 

Susanne Linke 

Das Projekt AUREA ist der Beginn einer auf mehrere Jahre angelegten Reihe. Gemeinsam 

mit nationalen und internationalen Choreographen möchte sich Emanuele Soavi auf eine 

Bewegungsrecherche begeben und darüber nachdenken, was sich Choreographen, die 

in ganz unterschiedlichen Kontexten arbeiten, zu sagen haben und auf welcher Ebene sie 

eine Zusammenarbeit eingehen können. 

Dafür konnte er die Tänzerin und Choreographin Susanne Linke – eine der Ikonen des 

Tanztheaters – gewinnen. Gemeinsam forschen sie an den Themen Ordnung, Struktur und 

deren Gegenteil: dem Chaos. 

Die Arbeit wird von der Sehnsucht des Menschen nach der Balance, der perfekten 

Proportion angetrieben und folgt dem Prinzip der Gegenüberstellung der beiden Pole: 

Struktur / Sicherheit und Chaos / Unsicherheit. 

Die „Sectio Aurea“, zu Deutsch „der Goldene Schnitt“, ist ein in der Kunst übliches 

Verfahren der Anordnung von Verhältnissen, ein ideales Prinzip ästhetischer 

Proportionierung. 

Vom Alten Testament ausgehend über die Studien eines Luca Pacioli oder Leonardo da 

Vinci in Mittelalter und Renaissance bis hin zu den Künsten der Moderne ist der Begriff 

Ordnung eine große utopische Vision: Existiert sie jemals? Ist sie ohne ihr Gegenteil 

Chaos überhaupt denkbar? Die unterschiedlichen Bedeutungen des Wortes in den 

verschiedensten Bereichen von Gesellschaft, Politik, Wissenschaft, Natur und Religion führt 

Soavi zu einem sehr persönlichen Statement zum Thema Struktur. 

Auch die Musik Bachs sucht und findet besonders in den Fugen des ‚wohltemperierten 

Klaviers‘ durch die mathematische Struktur Schönheit in der perfekten Ordnung. Live 

gespielt eröffnet sie mannigfaltige Interaktionsmöglichkeiten zwischen dem Pianisten, der 

Musik und dem Tänzer. 

# Idee | Choreographie | Performance: Emanuele Soavi 

# Regie | Coaching: Susanne Linke 

# Video | Lichtdesign: Cristina Spelti 

# Live-Musik: Thomas Wansing 

# Management | Presse-Öffentlichkeitsarbeit: Alexandra Schmidt 

# Produktionsleitung Organisation: Silvia Werner 

# Produktionsleitung Technik: Michael Götz 



05. bis 08. März 2015 





Golden Game 

eine Performance von Claire Vivianne Sobottke und Tian Rotteveel 

Golden Game ist ein Katapult in die unkontrollierten Räume der Kindheit (und in den 

Körper des Begehrens). In einem Zustand, der die Grenzen des eigenen Körpers zu 

sich selbst und den Dingen der Welt nicht kennt, erforschen die PerformerInnen den 

Bühnenraum als potentiellen Ort der Wildnis. Sie probieren fantastische Identitäten 

aus, testen die Grenzen ihres Gegenübers und leben unzensiert die Lust an Exzess und 

Zerstörung aus. Ihr Spiel ist Widerstand gegen die Erfindung von Gut und Böse - die Kinder 

spielen occupy theatre. 

Tian Rotteveel und Claire Vivianne Sobottke arbeiten seit 2013 zusammen und haben 

Abschlüsse in Musikkomposition, Choreografie und Schauspiel. Ihre gemeinsame 

Recherche für Golden Game begann im Rahmen des Coaching Projects der Tanztage 2014. 

# Konzept: Claire Vivianne Sobottke 

# Choreographie | Performance: Claire Vivianne Sobottke, Tian Rotteveel 

# Musik: Tian Rotteveel 

# künstlerische Beratung: Sandra Noeth, Arianne Hoffman, Peter Pleyer 

# gefördert durch den Regierenden Bürgermeister von Berlin – 

Senatskanzlei kulturelle Angelegenheiten. 

# mit freundlicher Unterstützung der Tanztage Berlin, TanzFabrik Berlin, 

Arts Stations Foundation Poznan Stary Browar, HZT/UDK Berlin. 

# dank an: Jared Gradinger, Angela Schubot, Anders Carlsson, Igor Dobricic, 

Jule Flierl, Anna Mülter 







M U S I K 

airport 

eine CD Release von Transit Elektro 

Gute Nachrichten für Berlin: BER kann warten - „airport“ ist fertig! Transit Elektro, das 

Berliner ElektroJazz-Projekt präsentiert sein Album „airport“ im verspiegelten Tanzsaal des 

DOCK 11. Die Früchte unzähliger Jams, Auftritte und Produktionsphasen. Soundtrackmusik 

zwischen Jazz und Club, wabernde Klangteppiche, mal filigrane mal impulsive Beats, 

traurige Melodien, jazzige durch Delays gejagte Trompetenlicks. „airport“ injiziert 

dem Zuhörer entspanntes, urbanes Wohlgefühl, schmerzliches Fernweh und Spaß am 

experimentellen Wahnsinn im Hier und Jetzt. 

# Trompete, Programming: Florian Scheffler 

# Fender Rhodes, Korg CX3, Programming: Peter Herzau 

# zu Gast an den Drums: Alf Schulze 

# Grafik: Alexander Wolf 

# weitere Infos unter: www.transit-elektro.de | https://www.facebook.com/Transit.Elektro 



15. März 2015 



P E R FO R M A N C E 

Ponderosa Trilogy 

ein Solo von Peter Pleyer 

Aus der Kombination dreier Solo-Arbeiten, die in den letzten Jahren für den Performance- 

Marathon des Ponderosa TanzLand-Festivals entwickelt wurden, ist die Ponderosa-Trilogy 

entstanden. In ihr webt der Künstler mit den wichtigsten Fäden und Strängen seines 

Interesses an zeitgenössischem Tanz und Performance: Häkelarbeiten, Tanz-Improvisation, 

Queer-Theory, A.I.D.S.-Aktivismus und das Schreiben über Tanz. Es entsteht ein Teppich 

von Geschichten und Situationen. Das Ergebnis ist eine Collage, in der die verschiedenen 

Motive zusammengepuzzelt werden. So entwickelt sich ein Ganzes, welches von der 

Beteiligung des Publikums durch direkte Gespräche und der Hilfe bei verschiedenen 

performativen Aktionen geprägt ist. Der Fokus ist eher persönlich – es kommt hier und 

da ein Buch vor, ein Text, ein Tanz und Kostüme. Die Musikauswahl bezieht sich auf 

verschiedene schwule Musiker der Vergangenheit. Durch “new shamanic actions” wird 

die Vergangenheit mit der Zukunft verbunden. 

# von und mit: Peter Pleyer 

# unterstützt von ponderosa e.v. 






Seit jeher ist der Choreograph Joshua Monten stark an Hunden interessiert. Seine 

Mitfreude am körperlichen Überschwang von Hunden, seine Faszination für ihre nie 

ganz vervollständigte Domestizierung, sein Neid für ihre Verleugnung derjenigen 

sozialen Grenzen, die das Menschenleben so sehr prägen, tragen dazu bei. 

Die Choreographie von „Doggy Style“ basiert auf einer sorgfältigen Analyse von 

Hundebewegungsmustern. Echte Hunde waren quasi als Bewegungsexperten zu 

Besuch bei den Studioproben, das Produktionsteam hat darüber hinaus Hunde 

und deren Besitzer an ihren “Spielorten” beobachtet. 

Der Umgang mit Hunden kann stellvertretend für die Wunschvorstellungen 

erfolgreicher zwischenmenschlicher Beziehungen verstanden werden. 

Kann ein Partner wirklich spüren, was der andere fühlt? Wer gehört wem? 

Die Choreographie konzentriert sich vor allem auf Beziehungen, bei denen 

Gehorsamkeit und Abhängigkeit eine starke Rolle spielen, die nicht auf 

Gleichheit basieren aber doch nachhaltig sind. 

# Konzept, Choreographie: Joshua Monten 

# TänzerInnen: Derrick Amanatidis, Karolina Kraszkowska, Ariadna Montfort, Jack Wignall 

# Kostüme: Catherine Voeffray 

# Licht und Bühne: Jonas Bühler 

# Gebärdensprach-Coaching: Brigitte Schökle Staerkle 

# Dramaturgie: Yves Regenass 

# Grafik: lurelure 

# gefördert von: Kultur Stadt Bern, SWISSLOS/Kultur Kanton Bern, Migros-Kulturprozent, 

Stanley Thomas Johnson Stiftung und Stadt Leipzig, Kulturamt 

# in Koproduktion mit: Theater ROXY, LOFFT – Das Theater, Stadt Leipzig, Kulturamt 

T A N Z 

Doggy Style 

eine Tanzperformance von Joshua Monten 

Doggy Style“ ist eine Produktion auf der Schnittstelle von Tanz und Gebärdensprache. 

Sie ist aus einer Faszination für die Bewegungen und Verhaltensmuster von Hunden 

entstanden. Leider müssen Hunde aber draussen bleiben: Es werden ausschliesslich 

Menschen auftreten. Die tänzerische Poesie von spontanen Hundebewegungen wird auf 

menschliche Körper und Seelen übersetzt. Auf diese unkonventionelle Weise dreht sich 

die Choreographie um Andersartigkeit und Kommunikation zwischen fremden Wesen. 

Ein Kernpunkt dieser Produktion – und sicher neu in Zusammenhang mit dem Thema 

Hund – ist die Gebärdensprache. “Doggy Style” versteht sich als eine Fortsetzung 

der bahnbrechenden Verquickung von Gebärdenkommunikation mit Tanztheater, die 

Choreograph Joshua Monten 2012 in „About Strange Lands and People“ entwickelt hat. 

Diese Tanzproduktion wurde zu zahlreichen Theatern und Festivals im In- und Ausland 

eingeladen und von der „Leipziger Volkszeitung“ als „grandioses Stück in 

Gebärdensprache ... mit dramaturgischer Stringenz, tänzerisch erstklassigem Handwerk 

und atmosphärischem Gespür“ gelobt. Die Aufführungen von „Doggy Style“ werden so 

gestaltet, dass sie für hörende sowie nichthörende Zuschauer zugänglich sind. 

Die Gebärdensprache ist ein idealer Partner für zeitgenössischen Tanz. Manche Gebärden 

werden mit einer Präzision und einer Verknüpfung von Emotionen und Persönlichkeit 

ausgeführt, über die Bewegungsconnaisseurs nur staunen können. Schon ohne 

choreographische Manipulationen haben solche Sequenzen ein Ausdruckspotenzial, 

von dem viele Choreographen träumen. Umso erstaunlicher, dass es bis dato kaum 

Tanzproduktionen gegeben hat, die eine tiefe Auseinandersetzung mit dieser 

Bewegungsform gesucht haben. 

Die Choreographie von „Doggy Style“ wird durch einen andauernden Austausch 

mit Gehörlosen und anderen Gebärdenden entwickelt. Für die Hörenden wird die 

Gebärdensprache durch gezielte Wiederholungen immer verständlicher. Für die 

Gehörlosen werden Teile der Musik durch die Gebärdensprache beschrieben, in anderen 

Teilen sind die boomenden Beats bis im Knochenmark spürbar. Diese Struktur führt zu 

einer erhöhten Aufmerksamkeit, da jeder Zuschauer gezwungen wird, das 

„eigene Fremde“ zu entziffern. Dies führt auch zu einer vielschichtigen Choreographie 

voller Spannungsfelder, da Bewegung, Musik, gesprochener Text, Gebärden und Mimik 

oft auseinanderlaufende Aussagen haben. 







P R Ä S E N T A T I O N 

Propellor 

eine Performance von Tian Rotteveel 

Propellor ist eine synästhetische Maschine. Bewegung und Ton werden ineinander 

verwoben, so dass ein neuer Körper ensteht, in dem es nicht mehr möglich oder wichtig 

ist, Ton und Bewegung zu unterscheiden. Ton und Musik werden zu einem sichtbaren, 

berührbaren Körper, während Körper und Objekte als Klänge oder Musik erfahrbar 

werden. Die Idee von Musik Orchestration wird live angewandt, wächst und wächst und 

überlässt den Körper und seine Umgebung ihrer physischen Poesie. Die Darsteller nutzen 

alles, was sie im Raum vorfinden und dehnt ihn über seine räumlichen Grenzen hinaus 

aus. Sie erschaffen einen eigenen performativen Raum, der unabhängig vom Theater 

und von der Sichtbarkeit selbst ist und sich stetig neu erfindet. 

# Choreographie | Performance: Tian Rotteveel 

# künstlerische Mitarbeit | Performance: Claire Vivanne Sobottke, Ulf Garittzmann. 

# Dank an: Cinegate Berlin, Tanzfabrik Berlin, DOCK 11, Uferstudios Berlin, 

Angela Schubot, Anna Wagner. 

# gefördert durch das Bezirksamt Pankow von Berlin – Fachbereich Kunst und Kultur 




im EDEN*****

F E S T I V A L 

The smart one, The wicked one, 

The simple one and The one who 

doesn‘t know how to ask 

Ein dreitägiges Festival zum Thema „Hemmungen“. 

Programm: 

1. April: 

17.00 Uhr: Body behavior in extreme situations or The essential movement – Workshop 

19.00 Uhr: NAKED_ BLOG 

20.00 Uhr: Days for dancing - Film 

20.30 Uhr: Wall Rabbit / Grindr Stories – Performances 

22 Uhr: Diskussion mit Felix Ruckert und den KünstlerInnen 

2. April: 


19.00 Uhr: Days for dancing – Film 

20.30 Uhr: Wall Rabbit / Rost / Scape (s) – Performances 

4. April: 


18.30 Uhr: Choreography from A to Z / Sculpture as Writing – Performances 

20.00 Uhr: noch einmal Choreography from A to Z / Sculpture as Writing – Performances 

20.30 Uhr: Wall Rabbit / Festgefahren / Back Stage – Performances 

22 Uhr: Diskussion mit Henrik Kuehlmann und den KünstlerInnen 

Ein dreitägiges Festival zum Thema HEMMUNGEN mit Performances, Videodiskussionen 

und Workshops. Gastgeberinnen sind die Choreographinnen Efrat Stempler und 

Anat Vaadia. Mit Felix Ruckert, the Maat Project, Anna Nowicka, Katarzyna Sitarz und 

Gästen. 

Wir stellen die Grenzen zwischen Richtig und Falsch in Frage, denn wir sind gefangen 

im Widerspruch zwischen dem, was uns beigebracht wurde und unseren eigentlichen 

Wünschen. Die Hemmung wird zu einer Mauer, die wir selbst um uns errichten. Sie hält 

uns von manchen Handlungen ab und macht uns zu den Personen die wir sind. 

Wir versuchen unsere eigenen Grenzen einzurennen, untereinander, zwischeneinander 

und zwischen dem Publikum und uns. Jedesmal wenn eine Grenze überschritten wird, 

wird ein Regelsatz verworfen und es entsteht sofort ein neuer. Nur um wieder verworfen 

zu werden. Bis alle Hemmungen und Einschränkungen vollkommen verschwimmen. 

# Choreographien: Anat Vaadia, Efrat Stempler, Piotr Trojan, Anna Nowicka und 

Tabea Xenia Magyar 

# Tanz: Ayala Frenkel und Gil Kerer, Brit Rodemund, Katarzyna Sitarz, Tomasz Bazan, 

Anat Vaadia, Efrat Stempler 

# Musik/Sound: Wojciech Urbanski, Roy Carroll 

# Video, Kamera: Patrycja Planik 

# Darstellerin: Kirsten Palz 



01. bis 04. April 2015 





M U S I K 

Lust auf Neues 3 

„Ver-rückte Geschichten“ - Eine Collage des Studios für Musiktheater des 

20. und 21.Jahrhunderts von Maria Husmann 

Zusammen mit jungen Sänger/innen der Masterclass für Neue Musik zeigt die 

Opernsängerin und Regisseurin Maria Husmann zum dritten Mal im EDEN eine 

Musiktheatercollage mit Werken von Kurt Weill, Richard Strauss, Oscar Strasnoy, Igor 

Strawinsky, Victor Ullmann, Gian Carlo Menotti, John Cage & Karl Hartmann. 

Es wird ungewöhnliche Vokaltechniken zu hören geben - das Röcheln, Husten, Schnalzen, 

Kreischen, Jodeln, Tremolieren, Lachen, Heulen. Aber auch „Schöngesang“ mit 

Trillern, Portamenti und Vibrato. Beides gehört ins normale Repertoire eines heutigen 

Sängerdarstellers. Unter dem Thema „Ver-rückte Geschichten“ erarbeitet das Studio für 

Musiktheater ein neues, spannendes, berührendes und freches Programm und zählt auf 

Zuhörer, die wieder mal „Lust auf Neues“ haben. 

Ausschnitte aus der Rezension der Neuen Musik Zeitung vom 24.11.2013: Brechts 

Ausspruch „Glotzt nicht so romantisch“ hatte sich die ungewöhnliche Musiktheater- 

Formation als Motto gewählt: aber alle Zuschauer…glotzten nicht schlecht, was da 

die jungen Sängerdarsteller zwischen 12 und 25 Jahren…darboten – vom eröffnenden 

Federballspiel bis hin zur frechen finalen Chorus Line mit dem Song „Lollipop“.. In der 

Soloszene des Doktors aus Alban Bergs „Wozzeck“ vermag der 20-jährige Bassist 

Maximilian Klakow stimmlich und in seiner Diktion ohne Abstriche zu überzeugen. Den 

Resonanzraum des Flügels nutzt Franziska Hiller für Echo- und Oberton-Wirkung. 

Witzig und effektvoll leitet TP Schulze ein Soundpainting. In Luciano Berios „sequenza 

III“ brilliert Sophia Körber mit Flüstern, Röcheln, Husten, Schnalzen und Kreischen, Cathy 

Berberian durchaus nahe. (Peter P. Pachl) Gesamtkritik >> 

„...so war eine Vorstellung entstanden, aus einem Guss, spannend, erheiternd, berührend, 

aber vor allem: Überzeugend!“ (Christoph Albrecht, ehm. Intendant der Semperoper 

Dresden und Bayrische Theaterakademie) 

# Konzept / Regie: Maria Husmann 

# Ausstattung: Kerstin Narr 

# Musikalische Leitung (Piano): Frank Gutschmidt, Sarah Mahmoud Schlagwerk 

# Gesang : Prof. Gudrun Pelker 

# Soundpainting: TP Schulze 

# Komponist: Oscar Strasnoy 

# in Kooperation mit dem peter-palitzsch-haus e.V. Havelberg, Heinz und Heide Dürr Stiftung 

# danke an das Studentenwerk Berlin/Campus-Kultur 


05. April 2015 

im EDEN*****



Human Form 1 

eine Tanzperformance von Minako Seki 

Zum Jubiläum ihrer 30jährigen Tanzkarriere präsentiert Minako Seki in diesem Jahr 

mehrere Stücke im DOCK 11. „Human Form1“ wird seit 2011 weltweit mit großem Erfolg 

und nun zum ersten Mal in Berlin aufgeführt. 

Puppen sind leblose künstliche Gegenstände, die die äußerliche Form des menschlichen 

Körpers widerspiegeln und den Eindruck erwecken, auch menschlich zu sein. Sie können 

Projektionsflächen für Wünsche und Fantasien sein. Darin liegt der Charme einer Puppe. 

Aber was geschieht, wenn wir unser Menschsein abstreifen und zu leblosen Objekten 

werden? Was passiert, wenn unser Körper seinen Besitzanspruch über seine eigene 

Identität aufgibt, seinen freien Willen und die Wahl zum Spiel – und damit auch jede 

Verantwortung? Was wird aus dem Körper, wenn er auf eine Puppe reduziert wird, zu 

einem Kunstwerk in menschlicher Form? 

# Choreographie | |Tanz : Minako Seki 

# Musik: Zam Johnson 

# Licht: Nils Willers 

# produziert im und unterstützt von DOCK 11/EDEN***** 



09. bis 11. April 2015 



Zygodactyl - relentless volution 

eine Tanz-Performance des FLOCKS Kollektivs 

“Die Welt bildet eine Kette mit sich selbst. In jedem Berührungspunkt beginnt und 

endet ein Ring, der dem vorangehenden und dem folgenden ähnelt.” (Foucault) 

Die Potenzierung der Möglichkeiten als Prozess kann eine Methode sein, um zum Wesen 

der Dinge vorzustoßen. Unser ganzes Universum ist möglicherweise kunstvoll und innig 

durch Vibration und Bedeutung miteinander verbunden. ZYGODACTYL ist ein 

gedankliches Display, wo sich konkrete Handlungen in verschiedene Möglichkeiten 

entfalten und so Unerwartetes im Gleichen hervordringt. 

Schau auf, wähle eine Richtung, wende! 

Das Selbe, und doch anders. 

Eine neue Möglichkeit innerhalb des längst Bekannten. 

Mach auf. 

Komm herein. 

Nimm teil. 

Spiel mit. 

# Kreation: FLOCKS Performance Kollektiv - André Soares, Antje Lea Schmidt, Catarina Miranda, 

Daniela Schmidtke, Federico Vazzola, Miranda Markgraf, Rosabel Huguet 

# Performer: André Soares, Antje Lea Schmidt, Catarina Gonçalves, 

Daniela Schmidtke, Federico Vazzola, Miranda Markgraf, Rosabel Huguet. 

# Licht: Catarina Miranda 

# mit freundlicher Unterstützung von DOCK 11 Berlin und dem Thüringer 

Ministerium für Bildung, Wissenschaft und Kultur. 






SHOOT JEEZ MY GOSH 

eine Solo Tanzperformance von Yuko Kaseki 

In der Soloperformance werden Bilder und Zeichnungen von Henry Darger und von 

anonymen Kindern dieser Welt reflektiert. Die Schritte des Lebens werden durcheinander 

gewirbelt; der Tod über Youtube Videos in einer (virtuellen) Realität dargestellt. 

Die Geburt zu töten 

Bauen um zu zerstören 

Existenz 

Auslöschen 

Kleben 

Der unsichtbare Feind 

Unvernehmbare Stimme 

Die andere Seite des Filters 

Das Innere des Monitors 

Um betrogen zu werden 

Um zu betrügen 

Unendliches Spiel 

der Welt 

# Direktion | Choreographie | Sound-Collage | Tanz: Yuko Kaseki 

# Musik: Kazuhisa Uchihashi, SUIT und weitere 

# Künstlerische Beratung: Lisa Stertz 

# Kostüm: Kahori Furukawa 








SNAIL | von Rosabel Huguet Dueñas, Eva G. Alonso & Roger Rossell 

Ein Solostück, entwickelt aus dem Bewusstsein des pluralen Körpers, das als 

“Schlachtfeld” verstanden wird. Entlang eines Prozesses vielfältiger Transformationen und 

Ablösungen von Häuten wird das Körper-Objekt konstruiert. Inspiriert durch Fragen zu 

Intersexualität und Hermaphroditismus in sozialen und zoomorphischen Gebieten. 

LAMB | von Miranda Markgraf & Merle Richter 

“Radicality means going beyond a fear in relation to a desire to feel at home in one’s own 

body, one’s own time.” (Suzana de Moraes) 

Das Duett zerrt an den Abhängigkeitsverhältnissen und dem Freiheitspotential des 

Menschen. Es versenkt sich dabei in die Frage nach den Grenzen der Fähigkeit zur 

Selbstwahrnehmung; nach den Eigenheiten des menschlichen Selbst. 

SHARK | von Catarina Miranda 

Ein Solostück, entwickelt ausgehend von der Idee der Mediation von Gewalt in den 

westlichen Gesellschaften. Es nähert sich der grundlegenden Notwendigkeit die 

unerträglichen Tatsachen des menschlichen Verhaltens zu übersetzen, um einen zulässigen 

Weg des Lebens in der Gemeinschaft, eine bessere Welt aufzubauen. 

RHINO | von André Soares & Federico Vazzola 

Dieses Stück löst den bekannten menschlichen Körper durch tierisches Verhalten, hybride 

und zoomorphische bewegliche Skulpturen auf. Der Körper als Katalysator ist wild, 

gewünscht, beschädigt, verloren (im Aussterben). Ein Teil tötet das ‘Alles’. Er wird Es: 

Die Codes sind ausgezogen und die Sprache wird nackt, beide entblöst in ihrer Armut 

gegenüber der Welt der “Animalität” und der Einzigartigkeit der Dinge. 


SNAIL – LAMB – SHARK – RHINO 

eine Performance Serie des FLOCKS Kollektivs 

Installation zum Welttanztag 29. April 

Das FLOCKS Performance Kollektiv öffnen für Sie die Türen und zeigt eine 

unkonventionelle Herangehensweise an seine tänzerische Arbeit in Objekt, Bild und Text. 

Sie sind herzlich eingeladen, sich hier neue Tanz-Eindrücke zu verschaffen, etwas zu 

trinken, zu plaudern, sich mit dem Körper zu verbinden und sich zu bewegen, zu leben, zu 

tanzen. 

Huguet, Markgraf, Miranda, Soares und Vazzola präsentieren eine Reihe von Solos 

und Duos, die sich über verschiedene Tiernamen definieren. Szenische Entwicklungen 

aus aktuellen Fragen zu dem Begriff von Körper im Performance-Kontext und in der 

gegenwärtigen Gesellschaft. 

# Licht | Technik: Roger Rossell & Eva G. Alonso 



29. April bis 03. Mai 2015 






Existence 

eine Tanzperformance von Minako Seki und Willem Schulz 

IDas Menschsein bewegt sich zwischen zwei Polen: dem Instinkt zu überleben und der 

Fähigkeit einen friedlichen Zustand des Seins zu erreichen. 

Das Stück ist lebensbestimmenden Themen gewidmet: Angst, Hoffnung, Liebe, 

Krankheit und Tod. Der Ursprung der Performnce ist eine Hommage an Minako Sekis 

frühzeitig verstorbene Geschwister, die an einer tödlichen Krankheit litten. Im Bezug auf 

diese Erfahrungen entwickelt Minako Seki gemeinsam mit Willem Schulz eine 

gleichermaßen humorvolle wie tiefgehende, tänzerische Erkundung der gewaltigen 

Landschaft, die zwischen Leben und Tod, Himmel und Erde liegt. 

„Existence“ ist eine Wanderung auf dem schmalen Grad zwischen den Extremen des 

Lebens und der menschlichen Kondition. Die Reise führt uns zu einem Einblick in das 

Sein, welches zwischen Bewusstsein und Unbewusstsein hindurch schimmert. 

# Choreographie | Tanz: Minako Seki 

# Cello | Performance: Willem Schulz 



07. bis 10. Mai 2015 



Margaux Marielle-Tréhouart was born in 1991 in Paris. She starts dance in the 

age of 6 at the Conservatoire National de Région of Grenoble, France where she 

follows a ballet and contemporary education until she graduates with honors in 

contemporary dance. In parallel, Margaux studies six years piano and she enters the acting 

department of the Conservatory for one year right before entering the 

Folkwang Univerity of Essen, Germany in 2009. She graduates from the Folkwang 

in July 2013 with a Bachelor in Dance Interpretation and collaborates during those 

4 years dance education with the acting and physical theater department 

of the school. As she already started in her study time, Margaux keeps on working with 

different companies or people (Claudia Castellucci/ Societas Raffaello Sanzio, Compagnie 

Choses dites, Pierre Audi…) as a dancer, an actress or a choreographer of her own 

pieces like her solo “Corps du délit” which she toured already in different evenings 

or festivals (Wuppertal, Essen, Amsterdam, Karlsruhe, Bochum, Grenoble). 

Since September 2013, Margaux works for Sasha Waltz and Guests. 

Elik Niv studied dance at the „Sadana Performing Arts School - Kibbutz and 

the „Gaaton & Talma Yalin Art School“ in Tel Aviv. After his education he worked 

with several choreographers like Susanne Linke, Josef Tmim and Rami Levi in Israel. 

He also worked in different dance companies like DeDe Dance, Moza and 

Vertigo Dance Company In 2005 he moved to Germany to work as freelanced dancer 

in Berlin. He collaborated with choreographers as : -Martin Stiefermann / Staatstheater 

Oldenburg -Susanne Linke -Mirela Waingarten / Komische Oper, -Nir De Volff / Total 

Brutal - Santiago Bloom - Die Geschichte Vom Soldaten eli -Since 2009 was creating and 

performing with the company Constanza Macras/ DorkyPark , as well he working as a 

rehearsal manager in several of the company production. - 2013-2014 worked in Shasha 

Waltz & guest company for ZKM project and Tannhäuser 

Katharina Lisa Lüdin, born 1990 in Basel, Switzerland, is a dramaturge, director and 

writer. She startet her career with acting in a young touring theatre in Bochum, Germany. 

The last years she did a lot of theatre/stage-work in different positions and places in 

Germany, for example Ruhrtriennale and Theaterhaus Stuttgart as an assistant director or 

stage- and costumedesigner. For the last two years she writes, directs and produces her 

own film- and stageprojects as a freelancer. Her work includes also a lot of stage-, sceneand 

sounddesigns. Further she worked as a first assistant director for some shortfilms, for 

example for Anatol Schusters “A perfect place”, which gained 2015 the Berlinale price 

“Dialogue en perspective”. 

T A N Z 

Named After 

ein Tanzstück von Margaux Marielle-Tréhouart und Elik Niv in 

Kollaboration mit Katharina Lüdin 

Es ist der Tag danach. Nach irgendwann. Die Einwohner dieser Gegenwart haben ihr 

Jetzt, um sich von ihrem Gestern zu erholen. Untereinander, miteinander, gegeneinander 

decken sie nach und nach auf, wer sie sind und wer sie waren. Sie befinden sich im 

gleichen Raum, an einem trüben Morgen, im Dunst eines unangenehm verkohlten 

Geruchs, noch verkatert von der vergessenen gestrigen Nacht, zwischen den leisen 

Geräuschen ihres Frühstücks. Sie kennen sich kaum und sind gefangen in der Zuflucht 

ihrer verwirrten Gedanken. Es entwickelt sich ein Bewusstsein, das mit den Grenzen der 

Realität spielt. Ihre Beziehung ist ein Nachhall, eine Erinnerungssuche. Sie tauchen ein 

und erkennen, was vergessen wurde, was vergessen werden sollte und was vergessen 

bleiben wird... 

Sie treffen sich in Rückblenden und Erinnerungen. Sie nutzen den Körper des anderen, 

um sich an den eigenen zu entsinnen und das Unbekannte zu entwirren. Aber wie viel 

wollen sie wirklich aufdecken? Körper betrügen manchmal ihre Besitzer, ihre bewussten 

Entscheidungen. Darum wissen sie, dass sie sich in Gefahr begeben, wenn sie sich von 

ihren Stühlen erheben und ihren Beziehungsnachwirkungen freien Lauf lassen. Sie 

wissen nie, wovon sie gelenkt werden. Von ihren Instinkten? Einer sprachlosen 

Erinnerung? Einer stummen Begierde? Einem unbewussten Antrieb? Sartre schrieb: 

„Die Hölle sind die anderen.“ In dieser Performance setzen sich die Bewohner einer 

höllischen Gegenwart dem Zitat von Sartre aus und erkennen, dass ihre Geschichte vor 

ihnen und den anderen enthüllt wird. Dabei manipulieren und akzeptieren sie ihre 

aufgedeckten persönlichen Macken und Eigenarten gleichermaßen. 

# Choreographie / Tanz: Margaux Marielle-Tréhouart, Elik Niv 

# Dramaturgie / Lichtdesign / Sounddesign / Produktionsassistenz: Katharina Lüdin 










# Sounddesign: Lars Neugebauer 

# Licht: Fabian Bleisch 

# Masken: Martin Rink 

# Bühnentechnik: Christoph Seeligmüller 

# Technische Assistenz: Denise Czerny 

# Presse- und Öffentlichkeitsarbeit: Katja Kettner 

# Videodokumentation: Josephine Fabian 

# Kostümassistenz: Sophie Spindler 

# eine Produktion von Jo Fabian Department und DOCK 11 EDEN***** 

Gefördert von der Kulturstiftung des Bundes im Fonds Doppelpass, dem Regierenden 

Bürgermeister von Berlin – Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten, dem Bezirksamt 

Pankow, Amt für Weiterbildung und Kultur, Fachbereich Kunst und Kultur, 

der Rudolf Augstein Stiftung und euro-scene Leipzig Gefördert im Fonds Doppelpass der 

Kulturstiftung des Bundes 


Nietzsche 

oder die Diktatur der Kunst 

eine Produktion von Jo Fabian Department und DOCK 11 / EDEN***** 

nietzsche untersucht den Gebrauchswert und die Funktionalität der Illusionsmaschine 

Richard Wagner und konfrontiert fünf seiner Ouvertüren mit Texten von Friedrich 

Nietzsche. Die Ouvertüren versuchen sich ihrer eigenen Herkunft zu erinnern. Dabei 

begegnen sie losgelöst von den narrativen Strukturen, die motivisch in die Musik 

eingeschrieben sind, und durch die Texte von Nietzsche inspiriert, neuen Bildern und 

Figuren. 

Der Komponist Tobias Schwencke bearbeitet das musikalische Material für vier 

Akkordeonistinnen. Das Akkordeon erscheint als ein Instrument, welches durch seine 

Klangvielfalt, Dominanz und seine Verortung in der Volksmusik fast zwangsläufig 

Verfremdung und Irritation in dieser Versuchsanordnung generiert. Das Akkordeon eignet 

sich nicht für Pathos. 

Die Produktion versucht jenseits der allgegenwärtigen primär musealen 

Auseinandersetzung des Kulturbetriebes eine neue Perspektive auf das Werk des 

Komponisten Wagner und die Texte des Philosophen Nietzsche zu eröffnen. 

Sie trennt Person, Werk, Rezeption und plädiert für einen freien Umgang mit der Musik 

und den Texten, mit denen nicht szenisch, sondern musikalisch umgegangen wird. Die 

Musik strukturiert die Zeit und eröffnet einen akustischen Raum. Die Texte eröffnen einen 

Denkraum. Die Interaktion oder die Synthese zwischen Text und Musik kreiert einen 

dritten, vielleicht einen affektiven Raum? 

nietzsche erschließt einen ideologiefreien Zugang zu der Musik von Wagner und den 

Texten von Nietzsche, erprobt die Rückgewinnung eines Kulturerbes, das aufgrund seiner 

Kontamination momentan nur mit Glacéhandschuhen angefasst werden kann. Dabei treibt 

uns die Frage um: Kann man sich diesem Erbe mit Ironie und Humor nähern? 

# Regie | Choreographie | Bühnenbild | Texte: Jo Fabian 

# PerformerInnen: Wolf Gerlach, Matthias Horn, Boris Schwiebert, Annegret Thiemann 

# AkkordeonistInnen: Valentin Butt, Paula Engel, Marija Kandic, Susanne Stock 

# Arrangement | musikalische Leitung: Tobias Schwencke 

# Produktionsleitung: Anna Bergel 

# Kostümbild: Pascale Arndtz 

# Dramaturgie: Katja Karouaschan 

# Regieassistenz: Immanuel Bartz 

# Bühnenbau: Chris Hinze 







p - peter pleyer portfolio 

performance piece 

ein Solo von Peter Pleyer mit Einblick in sein persönliches Archiv 

Was passiert wenn ein Künstler nach 25 Jahren im choreographischen Feld sein Archiv 

im Studio ausbreitet und neu sortiert? 

Wie beim Weben fragt er sich: Welche Stränge sind durchgängig präsent, welche 

abgeschnitten und welche hängen in losen Enden? 

Oder steht p für Puzzle, in dem die passenden Teile zusammengefügt werden? 

Inspiriert von den beiden großen Soloarbeiten Choreographing Books (2006) und 

Ponderosa Trilogy (2014) zeigt Peter Pleyer sein persönliches Archiv 

und sein neues Solo p. 

# von und mit: Peter Pleyer 








T A N Z 

DUET 

eine Tanzperformance von H2DANCE 

In DUET werden die Themen Partnerschaft und Macht untersucht. Da sie sich am Rande 

einer Trennung befinden, haben Hanna und Heidi beschlossen, eine Paartherapie zu 

besuchen. Nach 13 Jahren Beziehung werfen die beiden Choreographinnen einen 

brutal ehrlichen Blick auf sich selbst und enthüllen eine verwirrte und desillusionierte 

Partnerschaft. Die konstante Suche nach Macht und Verehrung fordert ihren Tribut. 

Das Stück ist eine humoristische und provokante Erkundung des Lebens als Pärchen. 

DUET gewann 2013 beim The Place Prize for Dance London, der von Bloomberg gefördert 

wird, sieben Nächte in Folge den Publikumspreis. 

# Konzept | Choreographie: Hanna Gillgren & Heidi Rustgaard 

# Musik | Sound Design: Sylvia Hallett 

# Dramaturgie: Wendy Houston and Mark Whitelaw 

# Kostüm Design: Heidi Rustgaard 

# Licht Design: Andy Hammond 

# produziert von Natalie Richardson für Konzept Arts & Ideas. 

# gefördert von the Arts Councils of England, Norway and Sweden, region Värmland Sweden, 

DansIT Trondheim Norway, Studiotrade Köln, Dans I Värmaland Karlstad Sweden, 

Royal Norwegian Embassy, South East Dance, Dancedigital, The Place and Escalator. 



05. bis 06. Juni 2015 





T A N Z 

inc.lusive 

ein multidisziplinäres Gathering zu den Themen Stille, Klang und Resonanz 

Ein genreübergreifendes Zusammentreffen zu den Themen „Stille, Klang und Resonanz“ 

von Mata Sakka, Jung Sun Kim und mit zahlreichen Gästen. 

Der Fokus liegt auf den Möglichkeiten des visuellen Ausdrucks, auf Worten, auf der 

Bewegung und dem Klang. Diese Themen werden an beiden Tagen unterschiedlich 

erforscht. Künstler aus verschiedenen kreativen Sparten betrachten diese inhaltlich gleiche 

Materie aus ihrer individuellen Perspektive und nehmen sich die Freiheit, auf ihre eigene 

Weise mit ihr zu arbeiten. 

# von und mit : Alexander di Vasos (Artist), Annapaola Leso (Tanz), Asier Solana (Light 

Design), Federico Polucci (Artist, Kostüm Design), Franziska Dieterich (Schauspiel,Gesang), 

Friederike Motzkau (Flöte,Wind-Instrumente), Elena Kakaliagou (Horn), Emilio Gordoa 

(percussion), Ingo Reulecke (Tanz), Janik Hotz (Drum Machines), Jung Sun Kim (Tanz), 

Malin Hessen (Tanz), Manuela Tessi (Tanz), Mandy Mozart (Sequenzer), Mata Sakka 

(Tanz), Matthias Kothe (Fotograf), Moo Kim (Tanz), Nikoleta Kapé (Opera Gesang), Otto 

Oscar Hernandez (Stimme), Pol Guillen (Filmregisseur), Rieko Okuda (Klavier), Sebastian 

Studnitzky (Trompete, Piano, elektronischer Sound), Sevi Tsoni (photograf), Slava Ostap 

Osinski (tape artist), Shin Hyojin (tarditionelle koreanische Musik), Thomas Prestin 

(Klarinette, Saxophone), VJ Fader (VJ), Cindy Sizer’s Bullet Train 

# Organisation: Jung Sun Kim, Mata Sakka 

# Koordination: Franziska Dieterich 

# Beratung: Hendrik Unger 

# Assistenz: Svenja Bühl 

# Technischer Leiter: Asier Solana 

# Technische Assistenz: Aurora Rodriguez 

#Catering: eat me catering 

# Foto: Matthias Kothe 

# Videodokumentation: Florencia Reznik 

# in Kooperation mit DOCK 11 








T A N Z 

Strange 

ein Tanzstück von Stella Zannou und Smack Dance Company 

Eine mystische Reise in eine eigenartige Welt, in der das Unmögliche auf das Mögliche 

trifft; in der Realität und Ilusion ineinander übegehen... 

Drei völlig verschiedene Charaktere riskieren auf der Bühne alles und nichts. Sie erkunden 

den menschlichen Körper, entdecken ihre eigene Sprache und spielen ein seltsames Spiel 

mit unbekannten Regeln. 

# Choreographie: Stella Zannou 

# Performer: Marion Sparber, Said Gamal Sayed Mohamed, Stella Zannou, Alejandro Notas 

# Special guests: Emmanouela Dolianiti, Clara Gracia, Katy-Ann Robson 

# Musik: Stefano Ciardi 

# Video: Stefi Böse 

# Lichtdesigner: Asier Solana 

# Produktionsassistenz: Alejandro Notas 

# Graphic design: In8 









Maya Matilda Carroll is a choreographer, dancer, teacher, based in Berlin, making 

independent work since 2004. Her work ranges between set choreography and directed 

improvisation, evolving from an interplay between reality and fantasy, human conditions 

and relationships. Working in Germany and Europe she has been making dances and 

performing her work in state theaters, independent venues and alternative spaces. Her 

classes and workshops offer an exchange and research vehicle, exploring composition 

through improvisation and choreography. In 2011 Maya formed The Instrument; an 

artistic structure standing for her independent and collaborative work with her 

partner- composer Roy Carroll. Since 2012 she has been collaborating with director and 

choreographer Julyen Hamilton. www.theinstrument.org 

Paolo Cingolani is a dancer and movement trainer based in Ancona (IT). 

He was born in Italy in 1977. He has practiced martial arts and Tai-Ji Qi Gong since he was 

young. After completing a degree in Anthropology (Rome, 2004) he became fascinated 

by dance and the ability to create art through movement. His dance formation was 

intense, disciplined, and passionate. Passing through contact-improvisation, release 

technique and memorized choreography he focused his interest on improvisation and 

Instant Composition. Since 2012 he has been part of the Allen’s Line Company of Julyen 

Hamilton, with whom he is sharing principles, practices and artistic vision. Allen’s Line 

has recurrently presented its productions in Berlin, Brussels, Paris, Strasbourg and Oslo. 

In the last years he has also dedicated himself to the diffusion of improvisation through 

continuous collaborations with other artists, dancers, musicians and visual designers. In 

this freelance context, he has performed in Italy, Spain, France, Belgium, Netherlands, 

Switzerland and Greece. As a teacher, he has developed a personal body’s technique 

resulting from the integration of Tai-Ji with other principles of contemporary dance. He 

also has a refined knowledge of the laws of the instant composition specifically for the 

creation of performances and poetry of movement. He has taught at various dance 

improvisation festivals in Europe as well as the US. www.paolocingolani.com 


Tide, Visible 

eine Performance von und mit Maya Matilda Carroll und Paolo Cingolani 

„we met when we were children 

our grandparents built the boat 

they spoke in foreign languages 

and wrote our destiny in sand 

this island is all lit in silver 

hold the rock to be your touchstone 

an obsession engraved under the skin 

streaming sweet and dark biology 

now, dance wave of clarity 

we are illuminated.“ 

# Choreographie | Tanz: Paolo Cingolani, Maya M. Carroll 

# Licht: Emese Csornai 

# Foto: Paolo Cingolani 



18. Juni 2015 

im EDEN «««««




Nach dem Ende kommt noch was 

Anna-Luise Recke in einer Performance von Hyoung-Min Kim 

Mit jedem Versuch, Identität in einfachen Worten zu fixieren, zerrinnt sie in unzählige 

Einzelteile. Setzt man diese wieder wie gewohnt zusammen, entsteht ein neues Bild. 

„Hyoung-Min Kim ist Tänzerin.“ Diese Aussage ist wohl wahr und doch nicht vollständig. 

In ihrem neuen Solo beschäftigt sich die Choreografin und Performerin mit diesem 

irritierend flüssigen „ist“. Für „Nach dem Ende kommt noch was“ überantwortet sie 

ihre Identität der Tänzerin Anna-Luise Recke. Die Performerin bespiegelt die ihr fremde 

Erfahrungswelt von allen Seiten, schlüpft in die Haut der Choreografin, ohne ihre eigene 

Identität zu verbergen. In der Performance riskieren beide dabei alles: die Erinnerung 

an das, was war, genauso wie die Hoffnung auf das, was kommt. Hyoung-Min Kim 

öffnet ihr Körperarchiv, wagt den physischen Ausbruch aus dem Gewohnten und traut 

sich schließlich, sich selbst ins Antlitz zu blicken – sei dies schmerzhaft oder nicht. Ihr 

unausweichliches vis-à-vis ist dabei Anna-Luise Recke: Auf ihrem Körper entsteht ein 

Kaleidoskop verschiedener Individualitäten; spielerisch entfaltet sie Möglichkeiten, sich 

auf der Bühne ihrer selbst zu vergewissern. Vielleicht ist die Frage nach der Identität das 

größtmögliche Risiko; das Risiko, sich im Finden zu verlieren. Hyoung-Min Kim stellt und 

teilt diese Frage: offen, körperlich, stark und poetisch. Gemeinsam mit Anna-Luise Recke 

erkundet sie dazu Strategien, die tradierte Praxis der Identitätspolitik zu unterwandern. 

Jedem Anfang wohnt ein Zauber inne - und jedem Ende ein Anfang. 

# Konzept | Choreographie: Hyoung-Min Kim 

# Performance | choreographische Mitarbeit: Anna-Luise Recke 

# Dramaturgie: Thomas Schütt 

# Lichtdesign: Benjamin Schälike 

# Musik: Mattef Kuhlmey 

# Produktionsleitung: Benjamin Schälike & Monica Ferrari 

# Fotografie: Jeonghee Han 

# Presse: björn & björn 

# eine Produktion von Hyoung-Min Kim. 

# gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds. 

# produziert im und unterstützt von DOCK 11 EDEN ««««« 








S H O W I N G 

On Stage 

Tanzstücke von Jugendlichen aus den Tanzkursen 

Jugendliche und junge Erwachsene aus Kursen von Dela Diezel und Carolin Ammann 

präsentieren in einem abwechslungsreichen Programm Tanzstücke und zeigen, womit sie 

sich im Unterricht in den vergangenen Monaten beschäftigt haben. 

Tänzer von Dela Diezel : 

Schüler des HipHop-Trainings im Eden 

Schüler des Trainings im DOCK 11 17 Uhr und 18 Uhr 

Tänzer der HipTUHop – Crew der Technischen Universität Berlin 

Wir probieren uns in verschiedenen Stilrichtungen, lassen sie ineinander übergehen, 

verbinden sie und wollen gleichzeitig den Kontrast aufführen. Wir tanzen eine bunte 

Mischung aus HipHop, Jazzdance, Streetdance und Modern 

Tänzer von Carolin Ammann : 

Schüler des HipHop-Traingins im DOCK 11 

Schüler des Modern/HipHop-Traingins im DOCK 11 

1. Are you with me - Lost frequences 

2. Young and beautiful - Lana Del Rey 

3. Beat it - Michael Jackson 

4. Chandelier - Sia 



29. Juni 2015 





CAOS ein Solo von Sonia Rodríguez 

“Das Prinzip aller Dinge. Die Dunkelheit, in der nichts ist, nichts bleibt, in der sich alles 

verändert. Kleine Lichter in einem ungewissen Schicksal erleuchten Träume, die alles 

verändern können, was uns umgibt. Die Suche nach unserem eigenen Gleichgewicht 

innerhalb der Fülle von Möglichkeiten ist ein Kampf, den wir mit all unseren Sinne 

spüren. Wir suchen mit jedem Blick nach diesen Möglichkeiten bis wir uns selbst vor der 

Spiegelung dessen wiederfinden, was wir waren und was wir wirklich sind. Das Leben 

ist eine kontinuierliche Spiralbewegung, in der wir weder Anfang noch Ende bestimmen 

können. Die Dunkelheit, in der nichts ist, nichts bleibt, in der sich alles verändert.“ Caos 

gewann beim 8. Solo Tanz Wettbewerb in Stuttgart den dritten Preis und den Award für 

beste Choreografie beim Danza Calvia Festival 2005 in Spanien. 

# Choreographie | Darstellung: Sonia Rodríguez 

# Bühne: Sonia Rodríguez 

# Musik: Oriol Rossell 

# Licht: Ana Rovira 

rubarb dance & art 

ist der Zusammenschluss des Choreographen und Tänzers Ruben Reniers (gewann das‚ Best Solo - Fördernachwuchspreis‘ und‚ 

Publikums Preis‘ mit seiner Solo‚ SimulacrumX’ beim VI. Internationales SoloDuo Tanzfestival NRW + Friends 2014) und der 

Illustratorin und Papiertheaterkünstlerin Barbara Steinitz (3. Preis des Troisdorfer Bilderbuchpreises, Österreichischer Kinder- und 

Jugendbuchpreis 2011, Nominierung zum Deutschen Jugendliteraturpreis 2011). Beide teilen das Interesse an der Auswirkung des 

Zusammentreffens verschiedener Künste. Aus ihrer ersten Kooperation entwickelte sich die Choreografie ‚Tweelicht’, die im Jahr 

2002 am Saarländischen Staatstheater in Saarbrücken zustande kam. Diese künstlerische Zusammenarbeit hat sich in den letzten 

Jahren intensiviert. So führten sie die Choreografie‚ Sketches for a dream‘ (2008) im Theater Arkadas in Köln auf. Dieses Quartett für 

drei Tänzer und eine Zeichnerin entstand zusammen mit der Tanzcompany‚ pretty ugly tanz köln‘. In der Vorstellung ‚In between us’ 

von rubarb dance & art kulminiert das Aufeinandertreffen von Tanz und Zeichnung in einer einzigartigen Symbiose (Uraufführung 

‚Orangerie -Theater im Volksgarten Köln, Tanzhaus Köln Interim, ART FAIR/TA.PE 21, DOCK11 Berlin und Festival Salon-K in Berlin). 

Diesem gemeinschaftlichen Erfolg entsprang der Wunsch, ein Ensemble zu gründen, dessen Hauptinteresse die künstlerische 

Auseinandersetzung mit verschiedenen Kunstformen bis hin zur Produktion auf der Bühne ist. Denn dort, wo sich die Künste 

überschneiden, findet sich eine reiche Quelle der Inspiration. 

T A N Z 

Trunkintail & SimulacrumX & Caos 

drei Tanzstücke von Ruben Reniers und Sonia Rodriquez 

Trunkintail ein Tanzstück von Ruben Reniers 

Die beiden Tänzer erkunden in diesem Stück die Aspekte unseres tierischen Verhaltens. 

Dazu nehmen sie als symbolische Platzhalter eine Maus und einen Elefanten aus 

verschiedenen Perspektiven unter die Lupe, um deren Gemeinsamkeiten und 

Unterschiede auf neue, weniger oberflächliche Weise einzusehen. Sie zeigen sich 

neugierig, reizend und skeptisch, doch am Ende kehren sie zurück zur Einsamkeit, 

um den spezifischen Charakter des jeweils anderen zu spiegeln und weiterzuführen. 

Sie fragen, welche die Einflüsse sind, die auf diese charakteristischen Identitäten und 

Persönlichkeiten – auf uns – einwirken und ob wir jemals in der Lage sind aus unserer 

andauernden Fehlerhaftigkeit zu lernen. 

# Choreographie: Ruben Reniers 

# Tanz: Rebecca Jefferson, Ruben Reniers 

# Kostüm: Karin Rosemann 

# Soundcollage: Ruben Reniers 

# Foto: Carlos Collado 

# dank an: Sandra Wichtrup 

SimulacrumX ein Solo von und mit Ruben Reniers 

Der Philosoph Lukrez vertrat die Ansicht, dass die Dinge ihre Sichtbarkeit formen, 

indem sie feine Schichten – Simulakren – absondern, die Abdrücke auf unserer 

Netzhaut hinterlassen. Das bedeutet dass Objekte ihre Form erst durch die Fusion 

mit unserer Sehfähigkeit konkretisieren und darum lediglich als eine Art Kopie von 

uns wahrgenommen werden. Ist diese Kopie aber dann tatsächlich mit dem Original 

identisch? Und ist dann nicht eigentlich alles, was wir sehen, nur eine Kopie? Inwieweit 

manipuliert unser Blick das Bild, der doch selbst durch die Einflüsse unserer Umgebung 

und die Menschen und Medien, die diese Umgebung gestalten, manipuliert wurde? 

Wenn wir unseren Augen also nicht mehr trauen können, vielleicht können wir dann 

mit der Peripherie unseres Körpers der Authentizität der Dinge nachspüren? Kann uns 

unsere Intuition helfen, zwischen Sein und Schein, zwischen dem was ist und dem, was 

wir daraus machen, zu differenzieren? Sind wir nicht alle eine Kopie unseres eigenen 

Originals? Zumindest in den Augen anderer? 

# Choreographie | Tanz: Ruben Reniers 

# Musik | Komposition: Evelyn Saylor 

# Foto: Virginia Chiodi Latini 


03. bis 05. Juli 2015 







Day of the innocents & Scale made / 

now & Rekolan Satu 

drei Tanzperformances von Leyya Mona Tawil, Yannis Adoniou/Eugenia 

Arsenis, Tomi Paasonen 

Rekolan Satu - The Fairytale of Rekola 

ein Tanzstück von Tomi Paasonen 

Es war einmal... ...sie zog in die Welt hinaus, um ihr Glück zu finden... ...Kikirikiiii! Unsere 

schmutzig Jungfrau ist wieder hier.... ....und sie musste ihre strahlend roten Schuhe 

anziehen und tanzen bis sie umfiel... ...und wenn sie nicht gestorben sind, dann leben sie 

noch heute. 

Diese Work-in-progress-Vorstellung zeigt ein Stück, welches Tomi Paasonen gerade 

gemeinsam mit der Tänzerin Satu Rekola erarbeitet. Ihr Vorname Satu ist Finnisch für 

“Märchen”; Rekola eine kleine Stadt in Finnland. Der Ausgangspunkt des Projektes 

ist, autobiographische Elemente aus Satus Leben aufzugreifen und sie in fantastische 

Figuren, fiktionale Traumwelten zu verwandeln und bewegliche Landschaften im Raum 

zu erschaffen. Finnische Wörter und Sätze werden immer wieder wiederholt und bilden 

eine Fantasiesprache jenseits von Bedeutung. Bewegungen werden synchronisiert, 

um ihre Interpretationen in eine andere Welt zu verschieben. Die lakonische finnische 

Kleinstadtrealität wird mit wunderbaren Fabeln und wilden, imaginativen aber 

unverständlichen Geschichten vermischt. Hinreißend roh, beunruhigend naiv und 

unvorhersehbar verrückt. 

# Direktion | Choreographie | Kostüm: Tomi Paasonen 

# Tanz: Satu Rekola 

# Foto: Tomi Paasonen 

# Co-produziert von Satu Rekola und Tomo Paasonen, unterstützt von der Jenny and Antti Wihuri 

Foundation, dem Arts Promotion Centre Finland und der Samuel Huber Foundation. 

Day of the innocents [enter The Martyr] 

Leyya Mona Tawil empfängt verschiedene Berliner Künstler als Gäste: die MusikerInnen 

Frank Gratkowski, Hilary Jeffery, Julia Reidy und die TänzerInnen Manuela Tessi, Yannis 

Karalis und Irene Cortina Gonzalez. Für diese Musiker und Tänzer hat sie ihr früheres Stück 

2 π r neu angelegt und The Martyr entwickelt. Die Arbeit begann in Detroit und soll als 

Multi-City-Projekt 2017 Premiere feiern. Das Thema des Stücks ist der Klang: der Klang der 

Arbeit, des Krieges; von Kriegern und Abeitern. “Day of innocents” im DOCK 11 ist nun 

ein Durchlauf dieser Idee und soll ein Vergebungsritual darstellen. Den ersten Schritt vom 

letzen. Den letzten Schritt vom ersten. 

# Konzept | Komposition | Choreographie: Leyya Mona Tawil 

# Foto: Ricardo Esway 

# ein Projekt von DANCE ELIXIR 

Scale made /now ein Körper verändert sich auf der Bühne durch Texte und Objekte 

hindurch. 

“... Ich sehe alles von oben, wie bei einer Achterbahnfahrt im Vergnügungspark wird dir 

schwindelig, aber du bist frei, du schreist deine Angst heraus, du hälst sie nicht ein einziges 

Mal mehr zurück.” 

# Konzept: Yannis Adoniou, Eugenia Arsenis 

# Choreographie | Tanz: Yannis Adoniou 

# Text | Stimme: Eugenia Arsenis 

# Bühnenbild: Dionisis Christofilogiannis 

# Entstanden während eines Residenzaufenthalts 

im Akropoditi Dance Center, Syros, Griechenland. 









T A N Z 

KONDENSAT 

Tanzstücke von Teilnehmern des Bildungsjahr Tanz von SENECA INTENSIV 

20 Tanzbegeisterte aus den unterschiedlichsten Bereichen und 12 Monate intensive 

Auseinandersetzung mit dem Thema Tanz – KONDENSAT präsentiert die Ergebnisse des 

BILDUNGSJAHR TANZ an zwei Abenden im DOCK11. 

Eigene Arbeiten der Teilnehmer sowie Gruppenchoreographien, die gemeinsam mit 

namhaften Choreographen entwickelt wurden, werden aufgeführt. BILDUNGSJAHR 

TANZ ist das genreübergreifende Bildungsangebot von SENECA INTENSIV im DOCK11 

EDEN*****: Ein Jahr darstellende Künste mit dem Schwerpunkt auf künstlerischtänzerischer 

Bewegung. 

Das Bildungsjahr Tanz wird gefördert durch den Europäischen Sozialfonds. 








Julyen Hamilton 

dances and has made dances for the past 40 years. He is a maker of theatre, creating the dance, the accompanying text and the 

decor for his pieces. As director of his company Allen’s Line, he directs the performers to do likewise in service of his distinct vision 

for each work. His dancing has been seen all over the world; it is intimate and human, lyrical and absurd and unfailingly musical. 

“My work, both in company and solo, develops dance for the theatre - a place where an atmosphere of transformation, insight and 

understanding is permitted without resort to thin conclusions.” 

In his performances the voice is one which comes naturally from the body in motion; from a mind which is housed in a dancing 

body. It is the voice of the itinerant more than the sedentary being. The resultant sounds, utterances and fully developed texts, are 

produced spontaneously and seamlessly. 

In March this year his company Allen’s Line played to full houses their latest piece ‘GOAT OCEAN’. He now returns to DOCK 11 with 

one of his most recent solos, ‘The FORERUNNER’ 


The FORERUNNER 

ein Solo von Julyen Hamilton präsentiert von ALLEN’S LINE 

Der “FORERUNNER” ist ein Wegbereiter, ein Abkömmling der vergangenen Handlungen, 

der Stränge der Erkenntnis für die Zukunft bringt. 

Er ist der Pionier des nächsten Moments; er ist für sich; 

Er wurde mehrfach geboren; er ist Joker, Dieb, Schwachkopf und Weiser. 

Er spricht den Moment aus, tanzt die Gegenwart und wagt es, über sie zu redenn – 

innerhalb seines Verständnisses und jenseits dessen Grenzen. 

Er sagt: “Hier.... ein Spiegel, wenn du wünschst”. 

In The FORERUNNER entwickeln sich ganze Sätze und Paragraphen aus dem tanzenden 

Körper und dem pulsierenden Herzen und Verstand. 

Das Stück wurde bislang in Deutschland, Island und Spanien aufgeführt und ist der 

Nachfolger von “The Immaterial World”, welches zahlreiche Male in Europa, den 

Vereinigten Staaten und Russland gezeigt wurde. 

# Konzept | Tanz | Bühne | Text: Julyen Hamilton 

# Kostüm: Orlando 

# Licht: Ermese Csornai 

# Fotos: Patrick Beelaert 








Improvisation 

Xchange Berlin (IXCB) 

Abendprogramm / Performances 


Mi 05.08. 

Solo works and Encounters#1 

Emilio Gordoa Rodriguez - Percussion 

Simon Rose - Saxophon 

Renu Hossain - Percussion 

Duett MA project 

Akemi Nagao - Tanz und Michael Tuttle - Sound 

Performance in Eden***** Studio 150.2: 

Catharine Cary, la tagueuse élégante, presents 

“Writing the Future, Eating the Dust” 

Do 06.08. 

Something might happen 

Solo von Mariangela Tinelli 

“Vapour sketches” - Duett von und mit Eva Karczag und Bettina Neuhaus 

Fr 07.08. 

The Human Factory 

“Next step is… “ 

Tanz: Lilo Stahl, Michael Shapira, Violine: Harald Kimmig 

Sa 08.08. 

Dark and Light 

Suprapto Suryodarmo/ Prapto – Bewegung/Tanz, 

Klaus Janek – Kontrabass, Tim Jones - Stimme / Sounds 

So 09.08. 

Encounters#2 

Music-Dance” - Tanz: Maya Matilda Carroll, Lilo Stahl, Bettina Neuhaus, Michael Shapira, 

Suprapto Suryodarmo und andere, Musik: Harald Kimmig und andere, 

Tim Jones - Stimme / Sounds 

Performance on Screen at Eden*****Studios: 

tägliches screening während IXCB 

Elma Riza 

“Between the Lines #5” - Installation - Performance 

“Playground#2” - Installation - Performance 

ImproXchange fand 2013 zum ersten Mal statt. Das Format bietet eine Plattform 

für interationale Vernetzung und Austausch von PerformerInnen, deren Fokus auf 

der direkten, momentgerichteten Komposition liegt. Auch Beteiligten mit anderem 

professionellen oder künstlerischen Hintergrund wird so die Chance geboten, die 

Improvisationsmöglichkeiten kennenzulernen, deren Wurzeln im Tanz, in weiteren 

Bewegungspraktiken und im Gesang liegen. “Performing Presence” ist das Motto, unter 

dem ImproXchange steht und das die Entwicklung und Praxis der Momentkomposition 

innerhalb der Tanz-, Sprech-, Gesangs-, Theater-, Musik- und Poesieszene ehrt. 2015 

werden wir Gäste begrüßen, die ein besonderes Augenmerk auf Tanz und Musik innerhalb 

von anderen direkten Kompositionsarbeiten legen. 

Mi 29.07. Opening Night: 

Duett Judith Sánchez Ruíz 

Tanz und Atalyá Tirosh – Gesang /Sopran 

Quartett Manuela Tessi, Mata Sakka – Tanz und Rieko Okuda – Piano, Friederike Motzkau 

– Flöte 

Do 30.07. Improvisation No. 16 und Improvisation No. 17 

Streugut | Performer: Zufit Simon, Martin Clausen, Ingo Reulecke, Alexander Frangenheim 

Solo | Etoile Chaville 

Fr 31.07. Duett Freefishing 

Performer: Rahel Comtesse, Peter Krempelsetzer 

Solo Meltem Nil 

Solo María Ferrara 

Sa 01.08. Ten Horizons 

The Instrument 

Tanz: Maya Matilda Carroll, Computer / Lautsprecher: Roy Carroll 

Di 04.08. Duo 

Christian Kesten (Stimme, Objekte), Lucio Capece (Sopransaxophon, Bassklarinette, 

Objekte) GRAPESHADE #50 - Biliana Voutchkova – Violine/Stimme, Klaus Janek – Bass/ 

Elektronik Lisanne Goodhue (Gast), Ingo Reulecke – Raum, Bewegung/Tanz 


29. Juli bis 09. August 2015 

im DOCK 11 und EDEN*****




P R Ä S E N T A T I O N 

LAB - Showing 

eine Workshoppräsentation 

LAB ist eine Plattform für interdisziplinäre künstlerische Praktiken und den offenen 

Austausch mit verschiedenen Medien für kreative Experimente. 

Die Künstler führen eine Dialog und legen ihre kreativen Prozesse offen, um sich ihren 

eigenen Methoden und Mustern zu stellen. 

Ich möchte eine Umgebung für direkte Performances und Recherchen schaffen, in denen 

Künstler sich treffen und ihre Prozesse und Fragen austauschen können. 

Am 09.08. wird es ein öffentliches Showing des Workshops geben. 

# von und mit: Christine Bonansea 



09. August 2015 



Tomer Zirkilevich: 

An Israeli Choreographer, actor, dancer and teacher, based in Berlin. 

Graduate of The School for the Arts of Dance at the Kibbutzim College, Tel – Aviv, 2010; 

Studied theatre, dance and composition at Studio Play and at the preparatory course 

at the Nisan Native Drama Studio, 2005-2006. Choreographer and dancer in the piece: 

“What have i got?” for “The Berlin art film festival”, 2014; Co-creator of the piece “UN 

/ KNOWN” with Sharon Hileli-Assa, 2014; Choreographer for the theater play “Du mußt 

dein Leben ändern” by Fränk Heller, 2014; Choreographer and director of the piece “Auf 

Wiedersehn”, 2013; Co-creator and performer of the piece “Tigers” by Sharoon Reshef 

Armony, 2013; Creator and dancer of the piece “Like Father Likes Son”, 2011; an actor 

in the theater play “Meanwhile it’s Still Cold”, by Roy Maliach-Reshef, 2011; dancer in 

“FonsAmoris” by Niv Sheinfeld, 2009.The Producer of The School for the Arts of Dance at 

the Kibbutzim College 2011-2013. In 2010 received a study scholarship from the Caesarea 

Fund for outstanding dance-theatre students. In 2006 was awarded the Oded Kotler Prize 

for young artists in Ashdod. 

Christine Bonansea 

is a multi disciplinary performer artist and choreographer who studied in choreographic 

dance centers in France with Regine Chopinot, Mathilde Monnier and Catherine Diverres. 

She has performed with companies internationally including Faustin Linyekula, Sara 

Shelton Mann, Nita little and Tino Seghal. Her work covers a broad artistic field, featuring 

an integrated and participatory process carried out in collaboration with artists. She was a 

resident artist in the international art program at the Atlantic Center for the Arts in Florida 

and the Artscape in Toronto Canada. She has received commissions from art festivals 

in Europe, USA and Japan. Her work has been supported by a Theater Bay Area CASH 

Grant, the Zellerbach Family Foundation, the American Dance Abroad, the Foundation for 

Contemporary Arts and the Lightning Designer Grant from San Francisco 

T A N Z 

AUF WIEDERSEHN & Asteria 

zwei Tanzstücke von Tomer Zirkilevich und Christine Bonansea 

AUF WIEDERSEHN 

ein Tanzstück von Tomer Zirkilevich 

“Nachtzüge haben etwas Unendliches an sich...“ 

Eine simple Geschichte von einer Frau, einer Tänzerin, Schauspielerin, Ehefrau und Mutter, 

die auf der Suche ist nach Zugehörigkeit, Liebe, Freiheit, Ausdruck, Identität, Moral und 

Unabhängigkeit. Ihre zwiespältige Gemütsverfassung lässt sie eine Reise auf der Suche 

nach sich selbst antreten. Wohin und zu wem gehört sie? Woher kommt sie und wo geht 

sie hin? Der Austausch mit einer älteren Dame, einem Militärorchester, Elefanten und sogar 

mit Marlene Dietrich führt sie in eine geträumte Vergangenheit, die reale Gegenwart und 

eine unendliche Zukunft. 

# Direktion | Choreographie: Tomer Zirkilevich 

# Tanz: Michal Hirsch 

# Licht Design: Tamar Orr 

# Musik: deutsche Musik der 20er und 30er Jahre 

# Uraufgeführt beim International Contemporary Dance Conference and 

Performance Festival in Bytom/Polen 2013. 

# unterstützt vom The kibbutzim college, school of the arts of dance. 

# Dank an: Oren Mansura, Sharon Reshef Armony, Dr. Jacek Luminski 

ASTERIA ein Tanzstück von Christine Bonansea 

“Asteria” ist eine choreographische Reihe aus 8 Frauensoli, die von den 11 Leben der 

griechischen Mythenfigur Asteria inspiriert wurde. In dem Projekt werden Aspekte der 

Zeitlichkeit und der Transformation des Körpers im Raum problematisiert. Ausgehend 

von Nietzsches Konzept der “ewigen Wiederkunft”, welches davon ausgeht, dass 

sich in der unendlichen Zeit eine endliche Anzahl von Ereignissen immer und immer 

wiederholt, erschafft auch die Choreographin einen sich wiederholenden Prozess. 

So regt sie einen künstlerischen Dialog an und provoziert die andauernde, repetitive 

Versuchsdurchführung ein und desselben Solos durch Gegenüberstellung, Wiederholung 

und Wahrnehmungsverschiebung über die unterschiedlichen potenziellen Formen. 

Friedrich Nietzsche: “Alle Wahrheit ist krumm, die Zeit selber ist ein Kreis.” 

# künstlerische Leitung: Christine Bonansea 

# Tanz / Performance : Christine Bonansea, Barbara Berti, Maryanna Lachman und Gäste. 

# Sound Komposition | Performance: Jorge Bachmann und Yuko Matsuyama. 


13. bis 16. August 2015 






Tone Undertow 

eine Tanzperformance von und mit Maria Colusi, Maya M. Carroll, Edgardo 

Rudnitzky, Roy Carroll 

Zwischen Hören und Spielen, Oberfläche und Sog, dem Empirischen und dem Spekulativen 

bringt Tone Undertow zwei Choreographinnen und zwei Komponisten/Instrumentenbauer 

zusammen. Schichten empirischer und flüchtiger Erfahrungen kondensieren zu einem 

intrinsischen Universum einzigartigen, ephemeren Materials. Indem sich die Künstler 

zwischen Eigenständigkeit und der Abhängigkeit voneinander bewegen, manifestieren sie 

eine Sprache, die vor ihren Ursprüngen flüchtet und die Realität umgestaltet. 

# Choreographie | Tanz: Maria Colusi, Maya M: Carroll 

# Musik | Sound: Edgardo Rudnitzky, Roy Carroll 

# Light-Design: Emese Csornai 




im EDEN «««««



SLAP / STICK 

eine Tanzperformance von Hermann Heisig 

Etwas vorbereiten, Anlauf nehmen, den leeren Raum adressieren: Mithilfe gestischen 

Materials unterschiedlicher Komiker und ausgedachten brasilianischen Tänzen vertieft sich 

Hermann Heisig in SLAP/STICK in die Physikalität von Zerstreutheit, Überspannung und 

automatischer Bewegung. 

Am Übergang des Lebendigen zum Mechanischen ist SLAP/STICK eine Parade wechselnder 

Antriebe, entgegengesetzter Wünsche und pathetischer Positionswechsel. Eine Reihe 

von unlösbaren Aufgaben wird angegangen. SLAP/STICK widersetzt sich Effizienz und 

sucht nach den Nebenprodukten von Energieverschwendung. Durch Kreation von 

Problemen, die eigentlich nicht da sein müssten, öffnen sich neue Räume für kontrollierten 

Kontrollverlust. Wie eine Feder, die aus einer Box springt, wiederholt sich SLAP/STICK öfter 

und nutzt das Unfreiwillige als Motor einer Reise durch Nonsens, Naivität und Ekstase. 

Inspiriert ist SLAP/STICK von Henri Bergsons Essay „Das Lachen - über die Bedeutung 

des Komischen“ aus dem Jahr 1900. Was ist die Essenz des Komischen im Bezug auf den 

menschlichen Körper? Inwiefern ist diese Essenz etwas, was uns als Menschen konstituiert? 

# Konzept | Performance: Hermann Heisig 

# Musik: Tian Rotteveel 

# Lichtdesign: Benjamin Schälike 

# Installation: Jaka Plesec 

# Blick von außen: Elpida Orfanidou, Silke Z., Anna Volkland, Nuno Lucas 

# Foto: Diego Agulló 

# Produktionsleitung: Susanne Ogan 

# Produktion: Hermann Heisig 

# Koproduktion: tanz.tausch Festival Cologne, SOPHIENSÆLE 

# gefördert vom Regierenden Bürgermeister von Berlin, Cultural Foundation 

of the free state of Saxony 

# unterstützt von der fabrik Potsdam im Rahmen des Artists InResidence-Programme 








Objects, Animals & Perversions 

Tanzstücke von und mit Asaf Aharonson, Ruairí Donovan, 

Hana Lee Erdmann, Sheena McGrandles, Zinzi Buchanan 

Programm: 

27.08. 

GHOSTS und Animal Companion 

# von und mit: Asaf Aharonson, Ruairí Donovan, Hana Lee Erdman 

28.08. 

MAN POWER MIX und Animal Companion 

# von und mit: Sheena McGrandles, Zinzi Buchanan 

29.08. 

MAN POWER MIX und GHOSTS 

30.08. Erotic Objects 

Fünf in Berlin lebende KünstlerInnen zeigen in diesem viertägigen Programm drei ihrer 

aktuellen Arbeiten. Für GHOSTS, Animal Companion und MAN POWER MIX haben sie sich 

mit kulturellen Normen und Abweichungen, mit erotisierten Objekten und mit Formen 

intimer Gemeinschaften auseinandergesetzt. Verschiedene geladene Gäste, Moderatoren 

und Kunstobjekte machen den letzten Veranstaltungsabend – Erotic Objects – zu einer 

Plattform, die Raum für Diskussionen und verschiedene Perspektiven auf die Themen 

bietet. 








T R E F F E N 

Berlin Diagonale: Independent 

Performing Arts Made in Berlin 

Einblicke in die frei produzierende Tanz- und Performance-Szene 

Direkt nach der Sommerpause startet die Berlin Diagonale mit Tanz im August 

in die neue Spielzeit! Auch dieses Jahr versammelt Berlins größtes Festival für 

zeitgenössischen Tanz Fachpublikum und Gäste aus der ganzen Welt. Bei der Berlin 

Diagonale erwartet sie Einblicke in aktuelle Arbeiten, Austausch und Gelegenheit zum 

Netzwerken! 

Zum Auftakt um 15 Uhr werden kurze Ausschnitte aus der Performance „Objects, 

Animals & Perversions“ gezeigt, die am gleichen Abend im DOCK 11 zu sehen ist. 

Im Anschluss stellen über 20 freie Berliner Tanz- und PerformancekünstlerInnen ihre 

Arbeitsweisen und Produktionen in einem Messeformat vor. Mit iPads und Laptops, 

Kostümen und Requisiten, mit Rikschas, aufblasbaren Bühnenelementen, mit den 

verschiedensten Installationen und natürlich mit dem eigenen Körper bespielt 

jede Künstler(gruppe) für zwei Stunden vier Quadratmeter des DOCK 11 in der 

Kastanienallee. 

Das offene Messeformat ermöglicht in kürzester Zeit einen Einblick in die freie 

Tanzszene Berlins und bietet die Möglichkeit mit den KünstlerInnen direkt ins Gespräch 

zu kommen. Ab 17 Uhr kann dieser Austausch an der geöffneten Bar im Innenhof des 

Dock 11 vertieft werden. 

Berlin Diagonale bei Tanz im August 2015 

29. August 2015, 15 bis 17 Uhr Programm, im Anschluss offene Gespräche 

DOCK 11, Kastanienallee 79, 10435 Berlin 

Im Saal 1 und Saal 3 des DOCK 11 präsentieren sich Colette Sadler & Philine Rinnert, MS 

Schrittmacher, Alexander Carrillo, Katharina Haverich, Amit Jacobi, NOVOFLOT, Bridge 

Markland, Anna Berndtson, Maria Colusi (M.A.E.K Group), Barbara Berti, Christoph 

Winkler, Diana Neranti, Ana Jelušic, Ana Trincão, Efrat Stempler, Helena Botto, Katia 

Engel, LAVAMOVER Company, MY LOVELY WHITE DOG, Aline Landreau, post theater, 

T3 Kollektiv, Theater o.n und She She Pop. Einen Ausschnitt ihrer Arbeit präsentieren 

Asaf Aharonson, Ruairí Donovan, Hana Lee Erdmann, Sheena McGrandles und Zinzi 

Buchanan. 

Die Berlin Diagonale wird getragen vom LAFT Berlin – Landesverband freie darstellende 

Künste e.V. 

In Kooperation mit fabrik potsdam, Tanz im August und DOCK11 EDEN***** 

T R E F F E N : 

29. August 2015 





Topo 

ein interdisziplinäres, multikulturelles Projekt von und mit Maria Colusi, 

Edgardo Rudnitzky, Ayaka Azechi 

„Topo“ ist ein interdisziplinäres, multikulturelles Projekt mit zwei TänzerInnen, einem 

Klangkünstler und einem bildenden Künstler aus Argentinien und Japan. Aus dem 

Spannungsfeld zwischen den kulturellen Wurzeln der Künstler und der Lebenswirklichkeit 

von Migranten in Berlin entstand das Material für das Stück. Die Darsteller erschaffen 

einen Dialog zwischen dem Körper und der Materie, zwischen dem Offensichtlichen und 

dem Mysterium des Unsichtbaren. Schnitte, Löcher und Unebenheiten formen eine neue 

Topografie. Die Spuren beschreiben eindringlich die Differenz zwischen dem einen und 

dem anderen Körper. Wo Körper und Materie solcherart verformt werden, entsteht eine 

neuartige Realität. 

# Konzept: Maria Colusi, Edgardo Rudnitzky, Ayaka Azechi 

# Choreographie | Tanz: Ayaka Azechi, Maria Colusi 

# Zeichnung: Kazuki Nakahara 

# Klanginstallation: Edgardo Rudnitzky 

# Lichtdesign: Catalina Fernandez 

# Grafik: Philipp Dümcke 

# Produktion: Inge Zysk 

# gefördert durch den Regierenden Bürgermeister von Berlin Senatskanzlei - 

Kulturelle Angelegenheiten 



03. bis 04. September 2015 





Angela Loij + 

HUMAN INTERMITTENT: A Journey 

zwei Solos von und mit Juan Gabriel Harcha und Alexander Carrillo 

Alexander Carillo ist ein kolumbianischer Künstler, wohnhaft in Berlin. Er ist Tänzer, Choreograph und Produzent. Der 

Schwerpunkt seiner künstlerischen Auseinandersetzung liegt in der Reflexion des ‚hässlichen’ und grotesken des Menschen als 

Spiegel der Realität. In seinen derzeitigen Arbeiten untersucht Alexander Carillo den Einfluss indigener Traditionen und Bräuche 

auf die westliche Gesellschaft. Alexander Carillo studierte Tanz an der University of Art ASAB in Bogota - Kolumbien, in der 

Folkwang Pina Bausch University in Essen Deutschland und nahm Teil an dem Erasmus Programm der‚‘ArtEZ’ University in Arnhem 

- Niederlanden. Er entwickelt zudem offene Plattformen für Künstler unterschiedlichster Disziplinen in denen er das Publikum auf 

eine spontane und teilnehmenden Art in seine Arbeiten einbindet. So eröffnete er unter anderem das‚ DREIZIG Festival in Berlin und 

die weltweit gezeigte DASEIN Serie. Im Verlauf seiner professionellen Karriere arbeitete Carillo für verschiedene Choreographen 

und Tanzkompanien wie zum Beispiel Jerome Bell, Marina Abramovic, Allora&Calzadilla, Malou Airaudo, Rodolpho Leoni Charles 

Vodoz, Tino Fernandez, Carlos Maria, Mark Sieczkerek, Henrieta Horn, Reinhard Schiele und Cie. Fors Works of Denmark, Cie. Toula 

Limnaios, Theater Der Klänge, Deutsche Oper am Rhein, Art Collective Estereotips. 

Carolina Ortega Carolina is a theatre and performance director, dramaturg and writer, originally from Venezuela and currently 

living in Berlin (via the UK, France and Italy). Graduated at the Royal Academy of Dramatic Arts (RADA) in London (MA in Text & 

Performance) and University of London (English Literature and Creative Writing). She has also trained in physical theatre at the 

London International School of Performing Arts (LISPA) and with Complicité’s co-founder Mick Barnfather & John Mowat. In 

Berlin, she trained in Experimental Physical Performance with SMASH, working with some of Berlin best known choreographers 

and performers. Her directing work includes Sarah Calver’s award winning show ‘I Gave Him An Orchid’ (Berlin, 2014) as well as 

‘Owen And The Elephant’ (London 2012) & ‘Vincent’ (London 2012). Devising: ‘Lowbottomice’ with Scandimaniacs (London 2013). 

Dramaturgy works include ‘Idreman’ (Amsterdam Fringe 2011) & Tangram Theatre Award Winning adaptation of Lope de Vega’s 

‘Fuente Ovejuna’ (London 2009). Other work includes Festival Programmer for CASA Latin American Theatre Festival, writer for 

GRAFT playwrights collective, workshop leader for Future Scripts. She has also worked at The Bush Theatre and Islington Community 

Theatre (London) as creative producer and general manager. 

Angela Loij ein Solo von und mit Juan Gabriel Harcha 

Der letzten Überlebenden des Selk’nam-Stammes gewidmet, ist „Angela Loij“ eine 

Erinnerung an das Schicksal einer südamerikanischen Ethnie, die auf dem Archipel Tierra 

del Fuego beheimatet war und durch Kolonisierung innerhalb weniger Jahre ausgerottet 

wurde. Die Selk’nam entwickelten für ihre Initiationsriten eine einzigartige Sprache der 

Körperbemalung sowie spezielle religiös inspirierte Tänze und Riten. Diese werden von 

Harcha zitiert und in ein sinnlich-rhythmisches Abenteuer übersetzt, in welchem der Tänzer 

mit Körperbemalung und kreatürlichen Gebärden den Raum auslotet und dabei selbst eine 

Metamorphose durchlebt. 

Eine Tanzperformance, die europäische Kolonialgeschichte reflektiert, ohne 

Schuldzuweisungen oder das Gut-Böse-Schema in den Fokus zu rücken. 

# Tanz | Konzept | Choreographie: Juan Gabriel Harcha 

# Kostüm: Elisa Nelband 

# Maske: Andreas Krosch 

# Dramaturgische Beratung: Jana Unmüßig 

HUMAN INTERMITTENT: A Journey ein Solo von und mit Alexander Carrillo 


Those intimate daily moments Out // In a public space // Better fuck the world and save 

your ass // The way we take it and the Journey we do. 

Die Intimität des privaten Raums wird in HUMAN INTERMITTENT: A Journey in den 

öffentlichen Raum überführt. Dabei berührt der Protagonist unterschiedliche Perspektiven, 

Lebensmomente und Situationen des menschlichen Seins wie politische Prozesse, Probleme 

und emotionale Zustände. Die Reise führt in den ganz privaten Bereich, der für Liebhaber 

und Geliebte reserviert ist. Sind wir eine Möglichkeit der Veränderung? Haben wir einen 

Vertrauten? Wo ist die Frage? Wo liegt der Preis? Private Orte, geheime Gedanken, 

versteckte Gefühle, persönliche Erinnerungen... Unter dem Konzept der Intimität wird der 

Tänzer in diesem Stück dazu herausgefordert, einen Improvisationstrip aus schmutzigen 

Gedanken und Erfahrungen in einem wilden Treffen mit dem Körper zu durchleben. 

# Kreation / Performance: Alexander Carrillo 

# Assistenz / Dramaturgie: Carolina Ortega 

# Kamera: Rocio Rodriguez 

# Musik von: Gustavo Santaolalla, Yaki Kandru, Frank Sinatra 







Programm: 

SHINE | Tanzfilme von Maya Deren & Ausstellungseröffnung 

9.9. Mittwoch 

19.00 Uhr 

POOL 15 Filmprogramm 

10.9. Donnerstag 

11.9. Freitag 

jeweils um 19.00 Uhr 

POOL 15 PEARLS 

12.9. Samstag 

19.00 Uhr 

Ikono POOL 15 Special 

24 Stunden internationale Tanzfilme von POOL 15 

12. 9. Samstag 

ab 22.00 Uhr 24h im Internet: www.ikono.tv 

Ausstellung Maya Deren 

10.-12.9. 

15.00-18.30 Uhr 

im DOCK 11 

Detailliertes Programm: www.pool-festival.de 

F I L M 

POOL 15 – INTERNATIONALES 

TanzFilmFestival BERLIN 

Filmfestival für Tanz- und Animationsfilm 

Die 9. Edition von POOL findet vom 9.-12. September 2015 im DOCK 11 statt. POOL 

präsentiert eine Auswahl faszinierender Tanzfilmproduktionen aus aller Welt und wird zum 

Treffpunkt Kreativschaffender aus Tanz, Film sowie der Fashion- und Werbeszene. 

Die Jury von POOL 15 erstellt aus allen Einreichungen ein dreitägiges Filmprogramm. 

PEARLS Am letzten Abend präsentiert POOL die PEARLS 15, die gleichberechtigten 

Gewinnerfilme des Festivals. 


F E S T I V A L: 






# Konzept | Regie: Maria Husmann 

# Ausstattung: Susanne Bürner 

# Musikalische Leitung (Piano): Frank Gutschmidt 

# Gesangscoach: Prof. Anna Korondi 

# Komponist-Live: Oscar Strasnoy 

# Regieassistenz: Johanna Hensing 

# in Kooperation mit dem peter-palitzsch-haus e.V. Havelberg, Heinz und 

Heide Dürr Stiftung 

M U S I K 

Fälle - Lust auf Neues 4 

eine Collage des Studios für Musiktheater 

des 20. und 21.Jahrhunderts von Maria Husmann 

Zusammen mit jungen Sänger/innen der Masterclass für Neue Musik zeigt die 

Opernsängerin und Regisseurin Maria Husmann zum vierten Mal im EDEN eine 

Musiktheatercollage mit Werken von Cathy Berberian, Alban Berg, Leo Janacek, Georg 

Kreisler, Aribert Reimann, Richard Strauss, Mischa Spoliansky, Oscar Strasnoy u.a. 

Es wird ungewöhnliche Vokaltechniken zu hören geben - das Röcheln, Husten, Schnalzen, 

Kreischen, Jodeln, Tremolieren, Lachen, Heulen. Aber auch „Schöngesang“ mit 

Trillern, Portamenti und Vibrato. Beides gehört ins normale Repertoire eines heutigen 

Sängerdarstellers. Unter dem Thema „Fälle“ erarbeitet das Studio für Musiktheater ein 

neues, spannendes, berührendes und freches Programm und zählt auf Zuhörer, die 

wieder mal „Lust auf Neues“ haben. 

Ausschnitt aus der Rezension von Klaus Völker (Dramaturg und Autor) vom 07.04.2015 

„Hier wurde wirklich was ‚Neues‘ geboten mit tatsächlicher Experimentierlust. Es war 

nicht irgendein ambitioniertes ‚innovatives‘ Theater und auch kein krampfhafter Versuch, 

das Theater neu zu erfinden. [...] Eine tolle Überraschung war der Versuch mit 

Gombrowicz. Das hätte Gombrowicz unbedingt gefallen - alle seine Motive, Themen 

waren hier enthalten - nicht nur die Geschichtsoperette. Die Lust auf noch mehr Neues 

wurde geweckt. Und das szenische Denken, die Fähigkeit, den Sängern Lust auf 

Verkörperung zu machen, passende szenische Ausdrucksmöglichkeiten zu finden 

und zu wagen, ist wunderbar.“ 

Ausschnitte aus der Rezension der Neuen Musik Zeitung vom 24.11.2013: 

„Brechts Ausspruch ‚Glotzt nicht so romantisch‘ hatte sich die ungewöhnliche 

Musiktheater-Formation als Motto gewählt: aber alle Zuschauer […] glotzten nicht 

schlecht, was da die jungen Sängerdarsteller zwischen 12 und 25 Jahren […[ darboten – 

vom eröffnenden Federballspiel bis hin zur frechen finalen Chorus Line mit dem Song 

‚Lollipop‘. In der Soloszene des Doktors aus Alban Bergs „Wozzeck“ vermag der 20-jährige 

Bassist Maximilian Klakow stimmlich und in seiner Diktion ohne Abstriche zu überzeugen. 

Den Resonanzraum des Flügels nutzt Franziska Hiller für Echo- und Oberton-Wirkung. 

Witzig und effektvoll leitet TP Schulze ein Soundpainting. In Luciano Berios ‚sequenza 

III‘ brilliert Sophia Körber mit Flüstern, Röcheln, Husten, Schnalzen und Kreischen, Cathy 

Berberian durchaus nahe. (Peter P. Pachl) 

„[...] so war eine Vorstellung entstanden, aus einem Guss, spannend, erheiternd, 

berührend, aber vor allem: Überzeugend!“ (Christoph Albrecht, ehm. Intendant der 

Semperoper Dresden und Bayrische Theaterakademie) 




Sharon Paz 

was born in 1969, Israel, received a MFA from Hunter College. She now 

lives and works in Berlin. Paz exhibited extensively in Weserburg Museum für 

moderne Kunst, Bremen, Germany, the Herzlyia Museum of Art and Petach-Tikva 

museum of Art in Israel. In the past her work was supported by the Senate of Cultural 

Affairs, Berlin, The Fund for Video Art and Experimental Cinema, CCA Tel- Aviv, Goethe Institute, The Rabinovich Foundation and 

the Lottery Art Council in Israel. Her video 

works are part of the collection of Neuer Berliner Kunstverein, Video-Forum Collection, Berlin and The Israel Museum, Jerusalem. 

Her work has been screened in numerous 

festivals and galleries. http://www.sharonpaz.com 

cultura e.V. 

was founded in Hildesheim in 1997, the organization is run by five 

members who invite for each project other artist to collaborate with, they together 

produces site-specific cultural events in various urban spaces such as: the harbor, 

parking garage, store, swimming pool. They combine performances, theater and 

moving images. cultura studied and explored inter subjective current life-metaphors: 

The productions are made mainly in Hildesheim and the Saxony area. cultura is 

supported by The Lower Saxony Ministry for Science and Culture, the Foundation 

of Lower Saxony and the Sparkasse Hildesheim. http://cultura-performances.de 


We Forgot 

ein interdisziplinäres Projekt von Sharon Paz 

In der interaktiven Video-Installation werden zeitgenössische und historische Muster 

von Migration und Emigration übereinander gelegt. Dabei fließen Machtstrukturen, 

geschichtliche Ereignisse und individuelle Erfahrungen in die Darstellungen der 

Performer ein und werden anhand ihrer Beziehung zum visuellen und kollektiven 

Gedächtnis untersucht. Das Publikum und die Darsteller nehmen immer wieder neue 

Perspektiven ein und bereichern so die visuelle Präsentation um eine weitere, lebendige 

Ebene. 

# Konzept | Video | Schnitt: Sharon Paz 

# in Zusammenarbeit mit: cultura e.V. 

(Danielle Ana Füglistaller, Jürgen Salzmann, Karl-Heinz Stenz) 

# Performance: Danielle Ana Füglistaller, Jürgen Salzmann, Karl-Heinz Stenz 

# Musik: Tobias Vethake 

# Foto: Sharon Paz 

# besonderen Dank an: Camilla Milena Fehér, Efrat Stempler, cultura, 

Theaterwerkstatt Hannover, Elke Cybulski, Sabine Trötschel, Matthias Alber, 

Studio 44 Berlin, Miriam Sandra Schneider, Petra Spielhagen, Paz Family. 

# Koproduktion: FFT Düsseldorf und studiobühneköln 

# gefördert durch das Kulturamt der Landeshauptstadt Düsseldorf, das Kulturamt 

der Stadt Köln. Die Performance wurde im März 2015 am FFT Düsseldorf uraufgeführt. 

# www.sharonpaz.com/we forgot 

„…Die Perfromerin und Video Künstlerin Sharon Paz vermischt morderne und historische 

Eindrücke von Migranten zwischen Israel und Deutschland. Ihre begehbare Installation ist 

eine dauerhafte Überraschung und Entdeckung. Die Grenzen zwischen Darstellern und 

Publikum, zwischen individuellen Bildern und kollektivem Gedächtnis verschwimmen so 

virtuös, wie man es nur selten sehen kann.“ 

Renée Wieder, Rheinische Post 14./15. März, 2015 






ASO-Bi - Spiel 

ein Tanzstück von TEN PEN CHii art labor 

TEN PEN CHii art labor feiert 20jähriges Bestehen mit dem Stück „ASO-Bi - Spiel“ 

„TEN der Himmel, CHi die Erde, PEN die Änderung, das letzte i steht für anders. Wenn 

der Himmel sich ändert, ändert sich die Erde. Kurzgefaßt: “Natürliche Katastrophe” 

(Japanisch). Die japanisch-deutsche Kunstformation kreiert seit 1994 Performances. 

Darinnen ist alles: das zuckende menschliche Fleisch, Töne, die Musik werden, Farben, 

gezeichnet vom Licht, Rauminstallationen als Rahmen und gleichzeitig Weltentwurf. 

Erkenntnis gebiert daraus, wenn alles zusammengezogen wird, der Tanz, der Raum, das 

Licht, die Musik. Und natürlich besticht die Kraft der Bilder. 

TEN PEN CHii koloriert nicht das Inferno. Vielmehr findet die Gruppe Ausdrucksmittel 

dafür, das gewalttätige Verhältnis von Mensch, menschengemachter Natur und 

ebensolcher Technik darzustellen. Sie vergißt dabei nicht, daß manches vom Menschen 

gemachte über das Maß des Initiators hinausschießt.“ (Text: Tom Mustroph) 

# Regie | Konzept | Installation | Lichtdesign: JoaXhim Manger (D) 

# Komposition | Musik: Zam Johnson (US) 

# Koordination: Yumiko Yoshioka 

# Performance: Natsuko Kono (J), Ichi Go (J), Matilde Javier Ciria (ES), Spiros Paterakis (GR) 

# Videokunst-Dokumentation: Mario Morleo (D/I) Yoann Trellu ( F) 

# Graphikdesign: Ollie Peters (D) 

# Assistenz: Tom A-dam (NL), Yukihiro Ikutani ( J), Jens Zimmerman (D) 

# unterstützt von Steierischekulturinitiative, DOCK 11 EDEN ««««« 








T O U R 

Places & Traces der MS 

Schrittmacher 

eine Guided Rikscha-Video Tour durch die Mitte Berlins 

Die Krise lebt. Auch oder vielleicht gerade in der Mitte Berlins. Orte wie die Staatsoper, 

die Schuldenuhr oder das Stadtschloss sprechen eine deutliche Sprache. Bei anderen, 

alltäglicheren Orten bedarf es eines Blicks hinter die Kulissen. 

MS SCHRITTMACHER laden Berlin und seine Besucher mit PLACES & TRACES ein zu einer 

Rikscha Krisen Ralley kreuz und quer durch Berlins Mitte. Die PerformancekünstlerInnen 

des Projekts radeln den Rikscha-Gast von Krisenort zu Krisenort. Sie füttern ihn mit Fakten 

und präsentieren an jeder der acht Stationen ein Performancevideo, das hinter die Kulissen 

blickt. Das die Spuren, die der Ort oder die Krise an dem Ort hinterlässt, aufspürt. Ein Blick, 

ein Kommentar, der das Wissen um diesen Ort vollständiger macht. Mal mit, mal ohne 

Augenzwinkern. 

Start am Reichstag und am Alexanderplatz 

Touren immer um 15 / 16.30 / 18.30 / 20 Uhr 

Dauer ca. 1 Stunde 

# Choreographie, Regie, Konzept: Martin Stiefermann 

# Co-Regie: Efrat Stempler 

# Script, Dramaturgie: Hartmut Schrewe 

# Musik: Albrecht Ziepert 

# Schnitt: Willi Neumann, Andreas J. Etter 

# Kamera: Birgit Handke, Mario Kraus, Willi Neumann, Andreas J. Etter, Fabio Stoll 

# Presse – Kommunikation: k3 berlin 

# Produktionsleitung: ehrliche arbeit – freies Kulturbüro 

# Tänzer | Darsteller: Antje Rose, Brit Rodemund, Jessica Kammer-Georg, Jorge Morro, 

Nicky Vanoppen, Efrat Stempler, Carolin Meyer, Frederike Bliese, Effi Rabsilber, 

Martin Stiefermann, Johanna Lemke, Andreas Ühlein 

# eine Produktion der ->MS Schrittmacher Gefördert vom Regierenden Bürgermeister 

von Berlin und unterstützt von DINAMIX; DOCK11 EDEN***** und Berlin Rikscha Tours 

Publikumsgespräche in Zusammenarbeit mit Theaterscoutings Berlin 


T O U R : 

01. August bis 01. Oktober 2015 

Verschiedene Orte


Foto: -> MS Schrittmacher

L E S U N G 

Alltagsautisten 

MeetUp & Buchvorstellung mit Katerine Dyckmans 

Katerine Dyckmans ruft mir ihrem Buch “Alltagsautisten – Ein Reparaturhandbuch” zur 

Eigenverantwortung auf. Es ist ein kluges Buch, dass Ihr Leben verändern kann. Störungen 

des Gehirns vorbeugen oder sie sogar selbst beheben? Dass unser Darm unser “zweites 

Gehirn“ ist, von Forschern auch Bauchgehirn genannt, gilt als erwiesen. Ein stetiger 

Neuronenaustausch findet zwischen Darm und Gehirn statt. 

Warum ist uns der Gedanke so fremd, dass Körper und Gehirn zusammengehören? Warum 

übernehmen wir keine Verantwortung für Bereiche unseres Körpers, die wir durch die 

Ernährung und Art wie wir leben, beeinflussen können? 

Wie unsere Organe miteinander kommunizieren, was sie brauchen und wie sie als 

WG-Gemeinschaft zusammenleben, ist von der Autorin brilliant beschrieben und eine 

spannende Reise in unseren eigenen Körper. Fazit: Nur wer sich selbst kennt, kann sich 

gesund entfalten. 

Katerine Dykmans wandelt gekonnt zwischen der westlichen und östlichen Medizin. Sie 

lebte über 10 Jahre in Asien und China und studierte dort Medizin, arbeitete an vielen 

Hospitälern und leitete Forschungsprojekte zur Wirksamkeit und dem genetischen Einfluss 

chinesischer Kräuter, insbesondere dem Einfluss auf unser Gehirn. 

Nach der Buchvorstellung mit Autorengespräch auf unserem 21. MeetUp ist Netzwerkzeit. 

www.alltagsautisten.de 



01. Oktober 2015 

im EDEN «««««


T A N Z 

Tide, Visible 

eine Performance von und mit Maya M. Carroll und Paolo Cingolani 

„we met when we were children 

our grandparents built the boat 

they spoke in foreign languages 

and wrote our destiny in sand 

this island is all lit in silver 

hold the rock to be your touchstone 

an obsession engraved under the skin 

streaming sweet and dark biology 

now, dance wave of clarity 

we are illuminated.“ 

# Choreographie | Tanz: Paolo Cingolani, Maya M. Carroll 




03. bis 04. Oktober 2015 




Der Tänzer und Choreograph Clébio Oliveira 

wurde in Brasilien in Natal geboren und ist Absolvent der Centro Universitário da Cidade in Rio de Janeiro. Er tanzte von 2004 - 2008 

für Deborah Colkers renommierte Tanzkompanie in Europa, Asien und Südamerika und zu Letzt von 2008 – 2010 für die Company 

Toula Limnaios. Als Choreograph kreierte er Stücke für die Tanzkompanien von Carlota Portella, Teatro Alberto Maranhao, De 

Anima Ballet Contemporanea, die Contemporary Dance Group der Bolshoi Tanzschule in Brasilien, sowie in Köln und für das Ballett 

Kiel. Er wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, so im Jahr 2006 als er von der Tageszeitung „Jornal do Brasil“ mit dem Preis 

„Best Choreographer“ ausgezeichnet wurde. Im Jahr 2011 war er der Gewinner der „National Choreographic Competition“ der 

Hubbard Street Dance Company Chicago. Dort hat er im September 2011 sein Stück „The fantastic escape of the little Buffalo“ 

für dieses weltweit bekannte Ensemble kreiert. In den Spielzeiten 11/12 und 13/14 arbeitete Clébio am GRIPS Theater Berlin und 

am Staatstheater Stuttgart. Seit 2008 zeigt Clébio jährlich ein neues Tanzstück in Berlin. Bisher wurden in Berlin gezeigt: Dona 

José(2008), Milchstraße (2011), Abyssal Zone (2012), UGLY (2013) und XXX - ein Versteckspiel (2014). Zu letzte erarbeitete Clébio 

zwei neue Choreographien in Sao Paulo: die choreographische InstallationCoreogravity - Museu Dançante Project für das Museu 

de Arte Moderna de Sao Paulo sowie Céu Cinzento für die Company Sao Paulo Cia de Dança. 2012 wurde er als Hoffnungsträger 

Choreographie im Jahrbuch des Magazin Tanz porträtiert. Ausführliche Informationen und Einblicke in Clébio Arbeiten gibt es hier: 

www.clebio-oliveira.com. 


Tiefsee 

ein Tanzstück von Clébio Oliveira 

Mit dem Verstand versuchen wir alles zu begreifen: die uns umgebende Welt, die anderen 

Menschen und vor allem uns selbst. Doch kann das gelingen? In jedem von uns ist ein Ort, 

dem wir nur schwer auf die Schliche kommen können. In diesem schlummert eine Vielzahl 

von Gefühlen: Freude, Angst, Liebe, Abneigung. Auch wenn der Verstand es nicht will, 

wird der Körper sie zeigen – die Tiefsee des Unterbewussten. 

Nicht selten sagt der Körper etwas anderes, als der Verstand zu senden meint. Oft stehen 

Physis und Psyche im Konflikt. Ist der Verstand ein Teil des Körpers oder der Körper ein Teil 

des Verstandes? Und wie funktioniert ihre Interaktion, wenn sie sich widersprechen? Wer 

führt an? Körper oder Geist? 

Mit der Choreographie „Tiefsee“ untersucht Clébio Oliveira gemeinsam mit seinen 

Tänzern im Angesicht dieser Fragen die körperliche und seelische Erfahrung emotionaler 

Abhängigkeit. 

Die Tänzer betreten einen dunklen, kalten, tonlosen Raum. Er ist von unbekannten, 

beängstigenden Wesen bewohnt. Begib dich gemeinsam mit dem Team auf einen 

Tauchgang und statte den dortigen Monstern einen Besuch ab. Was wird geschehen, 

wenn Körper und Geist die emotionale Abhängigkeit erleben? Wie sind die Zeichen des 

Körpers? Was geschieht auf dem Weg vom Gehirn in die Muskeln? Wir rufen in die Stille 

und hoffen auf Antwort. Wir ringen nach Atem. Wir frieren. 

# Choreographie: Clébio Oliveira 

# Tänzer | Kreation: Valentina Migliorati, Michela Rossi, Marie Theres Zechiel, Sergio Verano 

# Bühne | Kostüm: Caroline Forisch 

# Komposition | Musik: Matresanch 

# Produktion | PR: Tine Elbel, Katja Kettner 

# mit freundlicher Unterstützung des Regierenden Bürgermeisters von Berlin, 

Senatsverwaltung für Kulturelle Angelegenheiten und des Bezirksamts Pankow von Berlin, 

Amt für Weiterbildung und Kultur, Fachbereich Kunst und Kultur. 









„Wer getraut sich an solche Themen, und das mit solcher Wucht? Dazu gehört starke 

inhaltliche Arbeit und künstlerischer Mut, den besitzt bodytalk wie kaum eine andere 

Gruppe in NRWs Tanzlandschaft.“ Thomas Linden, choices 

„Jewrope erklärt sich also nicht, nicht allzu leicht jedenfalls. Das ist seine Stärke. 

Unpädagogisch zu sein, aber auch nicht naiv. [...] Doch muss ein Tanztheater über die 

Shoah überhaupt sein? Nein. Aber. Umgekehrt: Die Bühnenkunst soll vor solchen Themen 

nicht kuschen.“ Melanie Suchy, tanzwebkoeln 

„Gewalt wird spürbar in der neuen, ungeheuer intensiven Produktion [...] Bodytalk zeigt 

Inszenierungen, die mit nichts vergleichbar sind.“ 

Kölnische Rundschau 

„Ein mutiges Vorhaben, das die Künstler grandios bewältigt haben, mit starken Bildern, 

aktuellen Bezügen und einer radikalen Konfrontation des Publikums … gelingt eine 

Produktion, die das Rätsel menschlicher Gnadenlosigkeit in packende Bilder fasst.“ 

Westfälische Nachrichten 

„Beim Betrachten dieser multimedialen Performance-Spektakel verschlägt es einem immer 

wieder den Atem, wenn uns das Ensemble mit dem Realen, also dem konfrontiert, das 

sich dem Zugriff der verbalen Sprache entzieht und das ist vor allem der Körper, unser 

Fleisch. [...] Bodytalk demonstriert eine spezifische Qualität der Tanzkunst, die darin 

besteht, unsere Rhetorik zu entlarven.“ 

Laudatio für den Kölner Tanztheaterpreis 

„Gratulation gebührt besonders dem Ensemble von bodytalk, das für sein 

geschichtskritisches Tanztheater ‚Jewrope‘ mit dem Kölner Tanztheaterpreis 2014 

ausgezeichnet wurde. Yoshiko Waki und Rolf Baumgart, die das Köln-Bonner- 

Theaterensemble leiten, haben sich nie vor schwierigen Fragen gedrückt und für 

„Jewrope“ nach Antworten gesucht. ‚Das alleine traut sich sonst niemand zu‘, 

hebt der Juror hervor, der damit wohl auch die oft mangelnde Tiefe der gängigen 

Tanzproduktionen, gleich welcher Thematik und welchen Inhalts, anspricht. ‚Politisches 

Theater von großer Reife‘ mit stets überraschenden Bildern von wilder Schönheit 

und Dichte, die nie Selbstzweck blieben, attestierte die Jury mit ihrer weitblickenden 

Entscheidung der Gruppe bodytalk. ‚Das ist kraftvolle, poetische, kluge, provokante Kunst 

– ein Erlebnis‘, so Linden in seiner Laudatio. Damit weist er über den Moment hinaus und 

fragt indirekt nach Aufgabe und Funktion der Kunst.“ 

choices, Januar 2015 


JEWROPE 

ein Tanztheaterstück mit Live-Musik von Yoshiko Waki und Rolf Baumgart 

»Würden Sie zwei Pandabären erschießen, um einen Juden zu retten?« 

Eine geschmacklose Frage? Schon möglich. Und was war der Holocaust noch gleich? Das 

Kölner Ensemble bodytalk von Yoshiko Waki und Ralf Baumgart wirft sich zusammen mit 

dem Polski Teatr Tanca aus Posen auf das dunkelste Kapitel der deutsch-europäischen 

Geschichte. Ohne Körperschutz. Frei von Berührungsängsten und Tabubedenken. Der 

einzige Weg, sich dem nackten Grauen zu nähern. JEWROPE ist wild, laut und grenzenlos 

assoziativ. Mal schroff wie Stacheldraht, mal bitterkomisch wie das Klezmergefidel aus 

»Anatevka«, mit dem hier Ghetto-Folklore torpediert wird. Vom munteren Milchmann 

Tewje ist es nur ein Schritt zur Todesfuge von Celan mit ihrer schwarzen Milch des 

Verderbens. Der Mordaufruf an Wladimir Putin steht neben dem Zeitzeugenbericht der KZ- 

Überlebenden Margot Friedländer. Diese fragt: Wie können Menschen einander so etwas 

antun? Vielleicht die größte Provokation, die sich denken lässt. 

# von und mit: Urszula Bernat–Jałocha, Charlie Fouchier, Mack Kubicki, Kornelia Lech, 

Paweł Malicki, Bartłomiej Raźnikiewicz, Krzysztof Raczkowski, Sylvana Seddig, 

Paulina Wycichowska, Damian Pielka (Musik), Margot Friedländer (im Video) 

# Ausstattung: Petra Korink, Marina Schutte 

# Licht: Klaus Dilger, Thomas Achtner 

# Produktions- / Regieassistenz / Video: Jennifer Peterson 

# Fotos: Maciej Zakrzewski 

# präsentiert von bodytalk in Koproduktion mit Polski Teatr Tańca Poznan 

# Förderer: Ministerium für Familie, Kinder, Jugend, Kultur und Sport NRW, 

Fonds Darstellende Künste 

# ausgezeichnet mit dem Kölner Tanztheaterreis 2014 







Im Jahre 2009 gründeten die vier Tänzer und Choreographen Ini Dill, Daniel Drabek, Elly Fujita und Katja Scholz das Kollektiv „die 

elektroschuhe“. Sie schufen eine Plattform für interdisziplinäres Theater, der sukzessiv andere Künstler beitraten. Dieses Kollektiv 

bildet einen Echo-Raum, in dem kritisch politische und soziale Themen in den Mittelpunkt gerückt werden. Kooperationen mit 

anderen Gruppen wie Nitzsche&Hummel (elektronische Musik), Lichtprognose / Dunkelstrom (Bildende Kunst) und weiteren 

Künstlern aus verschiedensten Sparten geben stetig neue Impulse und bilden die Schnittstelle zu unterschiedlichsten Bereichen der 

Gesellschaft. 

Nitzsche & Hummel 

„Nitzsche & Hummel“ ist ein Produzenten- und Komponistenpaar. Die Musiker Sabine Bremer und Arne Nitzsche arbeiten seit 2005 

zusammen. Ihre bevorzugten Instrumente und Klangmittel sind Violine, Bass und Stimme, sowie durch Controller ansteuerbare 

Samples. Das spezielle Setup aus analogen und digitalen Effektgeräten ermöglicht es Audiosequenzen aufzuzeichnen, in 

Endlosschleifen abzuspielen und erneut klanglich zu modulieren. Fasziniert von der Symbiose aus Vergangenheit und Gegenwart 

schlagen sie Brücken zu neuen Ufern und zwischen electronic/acid jazz/urban und contemporary classic. 


The Giant 

Crossover-Performance von den elektroschuhen mit Nitzsche&Hummel 

Tod im Internet. Mittlerweile sind Programme notwendig, um dem modernen Menschen 

auch im Internet die letzte Ruhe zu gönnen. Aber wollen wir das überhaupt? Oder werden 

unsere Kinder mit Genuss unsere Sozialen-Netzwerkkonten pflegen? 

Das Kollektiv „die elektroschuhe“, die Musiker Nitzsche&Hummel werden in einer 

gemeinsamen Performance den Raum zwischen den Themen Machtlosigkeit und Tod 

visualisieren und klanglich formen. 

Könnten wir den Himmel im Internet haben? 

# Idee | Konzept: die elektroschuhe, Nitzsche & Hummel 

# Performance: Erol Alexandrov, Lysandre Coutu-Sauvé, Ini Dill, Daniel Drabek, Eliane Krauer 

# Video: Nina Berfelde, Kristian Raue 

# Musik: Nitzsche & Hummel 

# Dramaturgie: Di Huyen Vo Dieu 

# Produktion: die elektroschuhe 

# Foto: Dennis Raetzel 

# mit freundlicher Unterstützung von DOCK 11 EDEN***** 



29. Oktober bis 01. November 2015 

im DOCK 11 

die elektroschuhe





INSTALLATION 

4.-8. sowie 11.-15. November 2015 immer ab 18 Uhr auf dem Hof des DOCK 11 

AUSDRUCK-MOBIL eine Installation der MS Schrittmacher über die Emigration und Flucht 

deutscher AusdruckstänzerInnen 

INSTALLATION 

4.-8. sowie 11.-15. November 2015 immer ab 18 Uhr im DOCK 11 

MOVE eine interaktive Soundinstallation von Albrecht Ziepert 

AUSSTELLUNG 

4. bis 8. sowie 12. bis 15. November 2015 ab 18 Uhr im DOCK 11 Saal 3 

POST- Exhibition eine Ausstellung mit Materialien und Videos aus dem 

Rechercheprozess zum Festival 

PERFORMANCE 

4. und 5. November 2015, 19 Uhr im DOCK 11, Theaterhalle 

BERT, DEIN SCHUH IST AUF eine Tanzgeschichte mit Männern von und mit 

Johanna Lemke, Wolfgang Heantsch, Steven Paul, Nile Koetting, Daniel Drabek 

PERFORMANCE 

6. November 2015 20.30 Uhr und 8. November 2015 19 Uhr im DOCK 11, Theaterhalle 

ONA eine Performance von Efrat Stempler und Wojtek Klemm 

LECTURE PERFORMANCE 

6. und 7. November 2015, 19 Uhr im DOCK 11, Theaterhalle 

„Komm, hier ist das Paradies...“ eine Lecture Performance von Gaby Aldor 

PERFORMANCE 

10. + 11. November 2015, von 15 bis 20 Uhr als offenes Work in progess Showing 

im DOCK 11, Theaterhalle 

12. + 13. November 2015, um 19 Uhr Performance im DOCK 11, Theaterhalle 

SUBLIMINAL AFFAIR eine visuelle Installations-Performance von Yuko Kaseki, 

Sarane Lecompte, Justin Palermo und Arata Mori 

PERFORMANCE 

14. + 15. November 2015, um 19 Uhr im DOCK 11, Theaterhalle 

SCORE 4 eine performative Untersuchung von Maya M. Carroll 

PERFORMANCE 

11. November 19.00 Uhr im Saal 3, 14. November 17.00 Uhr im Saal 2 

INSTRUMENTAL BODIES eine interaktive Performance von Maya M. Carroll 

TALK 

8. November 2015, um 16 Uhr im DOCK 11, Theaterhalle 

POST- Talk eine Podiumsdiskussion mit Gaby Aldor, Friederike Lampert, 

Alexander Schwan, Norbert Servos und Elisabeth Nehring 

WORKSHOP 

7. und 8. November 2015, jeweils 11.00-15.00 Uhr im DOCK 11 Saal 2 

POST-Ausdruckstanz Workshop im Rahmen des Festivals POST-Ausdruckstanz in Israel, 

Deutschland und im Butoh für alle Level von Anfängern bis Profis 


POST- Ausdruckstanz in Israel, 

Deutschland und im Butoh 

ein zweiwöchiges Festival mit Installationen, Ausstellung, Performances 

und interaktiven Formaten mit Gaby Aldor, Maya M. Carroll, Johanna 

Lemke, Yuko Kaseki, Brit Rodemund, Efrat Stempler, Martin Stiefermann, 

Albrecht Ziepert, Roy Carroll und weiteren 

Welche Relevanz hat Ausdruckstanz im Hier und Heute? Wie zeigen sich im zeitgenössischen 

Tanz Spuren dessen, was im frühen 20. Jahrhundert in Mitteleuropa 

entwickelt, seitdem in zahlreiche andere Regionen der Welt getragen wurde; sich mit 

den jeweiligen dortigen Einflüssen vermischt und die unterschiedlichsten politischen 

Systeme durchlaufen hat? In einem gleichermaßen praktischen wie historischen 

Rechercheprozess haben sich KünstlerInnen gemeinsam und eigenständig mit den 

Wurzeln und Verzweigungen des Ausdruckstanzes auseinandergesetzt. Entstanden ist 

dabei ein Bewusstsein für die komplexen Wechselwirkungen zwischen den konzeptuellen 

Möglichkeiten, die der Ausdruckstanz bietet und dem kulturellen Begriff von Individualität 

und Restriktion, die den verschiedenen politischen Systemen inhärent sind. Dieses 

körperliche, erlebbar machende Forschungsprojekt bringt alte „Schätze“ mit kritischen 

Überlegungen von heute zusammen. 

# Organisation: Denise Czerny, Kirsten Seeligmüller 

# Technik | Licht: Asier Solana 

# Übersetzungen: David Bloom 

# Presse: Katharin Karouaschan 

# Produziert vom und geprobt im DOCK 11 EDEN***** 

# Das Festival POST- ist gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds 

und unterstützt von 50 Jahre Deutschland Israel 

F E S T I V A L : 

04. bis 15. November 2015 



BERT, DEIN SCHUH IST AUF 

eine Tanzgeschichte mit Männern 

AUSDRUCKSTANZ || DRUCKTANZTAUS || DRÜCKTANZAUS || TANZAUSDRUCK || 

AUS TANZDRUCK WIRD TANZDRUCKAUS 

Ausdruckstanz, eine der grundliegenden Bewegungen der zeitgenössischen 

Tanzgeschichte wird aus heutiger Sicht hauptsächlich als eine Frauensache 

wahrgenommen. Im Gegensatz dazu untersuchen Johanna Lemke und die Darsteller 

diese historische Ebene in einem reinen Männer-Labor. Sie stellen die Frage „gibt es 

eine weibliche Bewegungsform, die man als solche erkennen kann und was passiert mit 

der sexuellen Energie, die Tanz freisetzt, wenn Sie aus einem weiblichen Körper kreiert 

wurde und auf den männlichen Körper trifft, der tanzt?“ 

Die Arbeitsbedingungen der Tänzerinnen in den 20er Jahren waren sehr besonders. 

Nachdem sie ihrer befreienden künstlerischen Arbeit und Forschung nachgegangen 

waren, fanden sie sich im familiären, sozialen und politischen Alltag wieder. „Das 

tiefe schwarze Loch in das ich falle“ nannte das Judith Ornstein 1936. Wie sind diese 

Bedingungen mit der heutigen Zeit, den zeitgenössischen Künstlern, männlichen 

zeitgenössischen Künstlern zu vergleichen? Was passiert mit einer Sprache, die nicht 

recycelt oder aufgeschrieben werden kann? 

Johanna Lemke kombiniert diese persönliche Ebene mit der rein formellen der 

künstlerischen Tätigkeit. 

# Konzept und Idee: Johanna Lemke 

# in Zusammenarbeit mit Kirsten Seeligmüller 

# von und mit: Wolfgang Häntsch, Steven Paul, Nile Koetting, Daniel Drabek 

# Sound: Jacob Stoy 

# Kostüm: Therese Röder 

# Licht: Asier Solana 









„Komm, hier ist das Paradies...“ 

eine Lecture Performance von Gaby Aldor 

Die Beziehung zwischen dem Anfang des israelischen Tanzes und des Ausdruckstanzes, 

der zu Beginn der Zwanziger Jahre in Deutschland eine Revolution darstellte, ist 

historisch und kulturell, wie auch in der komplexen Geschichte der beiden Länder von 

großer Bedeutung. Margalit Ornstein wanderte 1921 nach Palästina, in das „Eretz 

Israel“ aus, nachdem sie von ihrem Mann, dem Ingenieur, Architekten und Träumer Jack 

Ornstein einen Brief erhalten hatte mit den Worten: „Komm, hier ist das Paradies...“ 

1922 eröffnete sie die erste Tanzschule in Tel Aviv, die auch für die folgenden 40 

Jahre die bedeutendste in ganz Israel sein sollte. Margalit Ornstein komponierte als 

Chorographin Stücke für ihre Zwillingstöchter Shoshanna und Yehudit, wie auch für 

das Theater und für Kibuzzfeste. Noch in Wien hatte sie die von Gertrud Bodenwieser 

geleitete Akademie für Tanz absolviert und später immer wieder bei Mary Wigman, 

Rosalia Chladeck und Max Terpis studiert, so wie auch ihre Töchter, die ebenfalls in 

Berlin und Wien ausgebildet wurden. 

# Idee, Regie: Gaby Aldor 

# Tanz: Gili Nevot 








ONA 

eine Performance von Efrat Stempler und Wojtek Klemm 

Ein Körper im Raum. Schreitet. Gleitet. Schwingt. Wippt. Geht. Schlendert. Rennt. 

Verrenkt sich. Rhythmus und Rhythmik. 

Alles eine Theorie? Was hat das mit mir zu tun. Wie sieht es aus. Heute. Wenn Ich 

das tue. Wenn Ich mich ausziehe. Mein Körper. Einzeln. Zu zweit. Zu dritt. Geschichte 

im Nacken. Geschrieben im Körper. Menschen. Lauter Koordinaten. Linien. Chaos. 

Schwingt. Schlendert und rennt. Der Körper vibriert. Ona – dazwischen. 

# Konzept / Realization: Efrat Stempler, Wojtek Klemm in 

Zusammenarbeit mit der Tänzerin Johanna Lemke 

# Tanz: Johanna Lemke, Efrat Stempler 

# Musik: Albrecht Ziepert 

# Kostüme: Patkas patkas-berlin.com 

# Fotos: Apasz 



06. und 08. November 2015 





POST- Exhibition 

eine Ausstellung mit Materialien und Videos 

aus dem Rechercheprozess zum Festival 

Im Laufe des Rechercheprozesses wurden Materialien entdeckt, die dem Publikum in 

einer Ausstellung zugänglich gemacht werden. Um dem „System“ Ausdruckstanz auf 

den Grund zu gehen, praktizierte ein Teil der Gruppe ein Ausbildungsprogramm der 

Tänzerin Marianne Vogelsang aus 1954. In einer Trickfilmbox kann ein Handexcercise 

aus diesem Ausbildungsprogramm interaktiv in Choreographien erweitert werden. 

Efrat Stempler begab sich in Israel auf die Suche nach dem Ausdruckstanz und drehte 

kurze Dokumentarfilme. Interviews und spannende Bücher werden vorgestellt. Die 

Ausstellung teilt sich in vier Themenbereiche: Ausdruckstanz in 1. Deutschland, 2. Israel, 

3. im Butoh und 4. als System. 

# Konzept | Filme | Interviews: Kirsten Seeligmüller, Efrat Stempler, Yuko Kaseki, Denise Czerny 


A U S S T E L L U N G : 





SUBLIMINAR AFFAIR 

eine visuelle Installations-Performance von Yuko Kaseki, Sarane 

Lecompte, Justin Palermo und Arata Mori 

“Monster kann man nicht ankündigen. Man sagt nicht: ,Hier sind unsere Monster’, 

ohne die Monster unmittelbar in Haustiere zu verwandeln.” Jacques Derrida 

Eine Butoh-Tänzerin, eine Videokünstlerin und zwei bildende KünstlerInnen setzen 

sich in einem bewegten Spiel mit Körpern auseinander und stellen dazu einige Fragen: 

Wie schärfen wir unser Empfindungsvermögen für Bewegung? Was bringt uns dazu, 

uns zu bewegen? Wo fängt Bewegung an? Wir erfinden und fangen von neuem an, 

handeln und machen rückgängig, bewegen uns vorwärts und verfolgen unsere Schritte 

zurück, schlagen einen Pfad in eine Richtung und dann in die entgegengesetzte. Wir 

transformieren und verwandeln uns rückwärts. Wir gehen überall hin, immer und mit 

jedem Sinn. Wir hören einen Stein fallen in 1000 Kilometer Entfernung. Wir sehen die 

Rückseite unserer Ohren. Fleisch, Knochen und Zeit rieseln durch unsere Hände. Einmal 

ein Insekt sein, am nächsten Tag ein Mensch, und immerfort neue Monster gebären. 

# von | mit: Yuko Kaseki, Sarane Lecompte, Justin Palermo, Arata Mori 

# Foto: Arata Mori 


P E R F O R M A N C E : 






SCORE 4 

eine performative Untersuchung von Maya M. Carroll 

Die Performance ist eine Untersuchung mit vier DarstellerInnen unterschiedlicher 

Herkunft (drei Tänzerinnen und ein Musiker), die ihre professionellen und künstlerischen 

Methodologien unter die Lupe nehmen. Die Geschichte trifft auf den gegenwärtigen 

Moment; das vergangene Wissen führt die Performer zur Erkundung neuer 

Umgebungen, Stimmungen und Erfahrungen. Jede/r Mitwirkende wird in einem 

individuellen Solo – als einzelne Stimme in der Zeit – dargestellt. Später ergeben 

sich komplexe Begegnungen, in denen die PerformerInnen miteinander konfrontiert 

werden, Verbindungen eingehen und Zeugen eines neu entstehenden Universums 

werden. In Score 4 sind Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft Orientierungs- und 

Richtungsempfindungen. Die Archive der persönlichen Philosophien sprechen durch 

die Körper und den Raum. Das Verlangen, die Wege und Gemeinsamkeiten kennen zu 

lernen artikuliert sich in einem Tanz mit vertiefter Wahrnehmung und Bewegung. 

# Leitung: Maya Matilda Carroll 

# von | mit: Roy Carroll, Brit Rodemund, Martina Gambardella, Maya Matilda Carroll 


P E R F O R M A N C E : 






In a Landscape + 

dance yourself clean LP (or: how is 

this working again) 

zwei Tanzperformances von Compagnia STALKER_Daniele Albanese // von 

Benjamin Pohlig und Sunniva Vikør Egenes 

dance yourself clean LP (or: how is this working again) 

eine Tanzperformance von und mit 

Benjamin Pohlig & Sunniva Vikør Egenes 

In der langen Version von „dance yourself clean“ suchen Benjamin Pohlig und Sunniva 

Vikør Egenes zusammen nach der Utopie. Wo beginnt sie, wo hört sie auf? In einem neonfarbenden 

Ritual bereiten sie sich selbst und das Publikum auf die Abreise in die 

Möglichkeit gemeinsamen Träumens vor. Am Ende steht immer ein Anfang. 

# von und mit: Benjamin Pohlig & Sunniva Vikør Egenes 

# musikalische Auswahl: Till Kolter aka Katovl Menovsky 

Sunniva Vikør Egenes ist eine norwegische Tänzerin, die in Berlin lebt und 

arbeitet. Hier hat sie unter anderem für Martin Nachbar (DE), Isabelle Schad (DE) 

und Barbara Berti (IT) getanzt. Neben ihrer eigenen Bewegungspraxis mit 

Fokus auf Bewegungsrecherche und Improvisation, versucht sie sich auch im 

Schreiben. Sie hat einen BA (Hons) von TrinityLaban. 

Benjamin Pohlig begann in einem Jugendprojekt der Berliner Philharmoniker 

zu tanzen. Er studierte Tanz in London und Brüssel. Zurück in Berlin arbeitet er 

vor allem mit Martin Nachbar und Isabelle Schad. In seinen Arbeiten untersucht 

er das Theater als Agora, einem Ort an dem soziales und politisches Verhalten nicht 

nur geübt, sondern auch körperlich erfahrbar wird. Sein partizipatives Solo 

„dance yourself clean“ wurde international aufgeführt. In 2015 erhielt er für 

seine Recherche A Farewell to Flesh die Einstiegsförderung der Stadt Berlin. 







Born in Parma (Italy) in 1974. Studied Gymnastics and Ballet. In 1997 graduated from 

EDDC- Arnhem (Holland). He studied, amongst others, with Steve Paxton, Eva Karkzag, 

Lisa Kraus, Benoit Lachambre. Worked as a dancer with: Peter Pleyer, Tony Thatcher, 

Charlotte Zerbey, Martin Butler, Mawson-Raffalt + Falulder-Mawson, Jennifer Lacey, 

Virgilio Sieni, Nigel Charnock, Karine Ponties. His choreographic work has been performed in several theatres and festivals in Italy 

and abroad: Festival Sesc (S.Paulo), Fabbrica Europa (Firenze), Teatro Comunale di Ferrara, Festival Grec (Barcelona), Torino Danza, 

RomaEuropa Festival… He founded his dance company STALKer in 2002. Some of his works: àrebours100, Tiqqun, Pietro, In a 

Landscape, Only You, Andless. His project Something About Today (The Vicious Circle) with the Solo AnnotTazioni was winner of 

Fondo Fare Anticorpi 2010. Italian choreographer invited to the Festival DancEUnion in London (Southbank Centre) with the solo 

AnnotTazioni -March 2011-. In 2012 he creates D.O.G.M.A. (coproduction Stalk/Tir Danza) His last shows are Digitale Purpurea 

I and Red Blue Works on music by Reich and Berio (production Unione Musicale onlus – Torino- Confluenze Atelier Giovani, in 

collaboration with Festival Torinodanza / Fondazione Teatro Stabile Torino). At the moment he is collaborating as artistic assistant in 

the new creation by Benoit Lachambre Snakeskins with an action on stage. The structure of STALKer’s works is closely connected to 

the research on the body and movement with the aim to investigate dance as a language. 


In a Landscape + 

dance yourself clean LP (or: how is 

this working again) 

zwei Tanzperformances von Compagnia STALKER_Daniele Albanese // von 

Benjamin Pohlig und Sunniva Vikør Egenes 

In a Landscape 

ein Tanzstück von Compagnia STALKER_Daniele Albanese 

Das Stück entstand 2008 als Performance im urbanen Raum und wurde bald zu einem 

Solo, das sich mit den Jahren und den unterschiedlichen Forschungsfeldern der 

Compagnia STALKER weiterentwickelt hat. Seit 2010 wurde die Arbeit verändert und 

in verschiedenen Theatern und Standorten aufgeführt. Eine präzise Strukturierung und 

Organisation von Raum, Bewegung und Sound sowie das Echo einer der Charaktere 

fügen das Stück auf spezifische Weise in die geometrischen Gegebenheiten seiner 

Aufführungsstätte ein. Die Grundlage für das physikalische und musikalische Konzept 

bildet dabei der Wind – weniger in seiner atmosphärischen Bedeutung, als vielmehr als 

Idee eines Schöpfers und Motors für Veränderungen und Dynamiken. So wie die 

bewegende Kraft des Windes unsichtbar ist, sind die Bewegungen und Sounds der 

Performance die Ergebnisse zahlreicher Wanderungen durch urbane Landschaften. 

# Tanz und Dramaturgie: Daniele Albanese 

# dramaturgische Assistenz: Loredana Scianna, Maurizio Soliani 

# Musik: Maurizio Soliani 

# Fotos: Gabriele Orlandi, Federico Ferramola 

Daniele Albanese 








Out of the blue 

eine Tanz- und Musik Collage Jenny Haack, Friederike Wendorf, Adam 

Pultz Melbye, Akemi Nagao, Manuela Tessi, Simon Rose präsentiert von 

berlin arts united und DOCK 11 EDEN***** 

Out of the blue ist eine Collage aus Musik und Tanz, an der Schnittstelle von Solo 

und Ensemble. Jedes Solo folgt seinem eigenen Muster; ein Fingerabdruck zwischen 

Instrument, Musiker, Tänzer und Objekt, Stimme und Text. 

Im Zusammentreffen von Bewegung und Klang entsteht ein performatives 

Tableau - wach, konzentriert, ausufernd, poetisch - jeder einzelne Moment schreibt 

seine eigene kurze Geschichte. 

# Tanz | Stimme: Jenny Haack , Akemi Nagao, Manuela Tessi 

# Musik | Klang: Adam Pultz Melbye - Kontrabass, Simon Rose - Saxophon, 

Friederike Wendorf - Querflöte 

# Foto | Videostill: Akemi Nagao und Adam Pultz Melbye, Videographer: Zé de Paiva 

# ein Projekt von b.arts.u - berlin arts united in Kooperation mit DOCK 11 EDEN ««««« 




im EDEN*****

Programm / Performance schedule: 

Donnerstag 26. und Freitag 27. 11./Thursday 26th & Friday 27th 

Performances by 

Asaf Aharonson 

Jorge de Hoyos 

Kasia Wolinska 

Practices by 

Cathy Walsh 

Maria Scaroni 

Keyon Gaskin 

Jassem Hindi 

Empress Jupiter 

Samstag 28. und Sonntag 29.11./Saturday 28th & Sunday 29th 

Performances by 

Xenia Dwertmann 

Benny Nemerofsky Ramsay 

Alice Chauchat 

Practices by 

Cathy Walsh 

Maria Scaroni 

Keyon Gaskin 

Jassem Hindi 

Empress Jupiter 

Closing Performance 27th & 28th by 

a.melodie 


AFTERCARE 

kuratiert von Ruairí Donovan und Hana Lee Erdman 

Ruairí Donovan und Hana Lee Erdman kuratieren eine Woche mit Workshops, Laboren 

und Performances, die unser Verständnis vom Anthropozän und unsere Antworten 

darauf hinterfragen. Untersucht wird die omnipotente Präsenz der Konzepte von 

„Pflege“ und „Fürsorge“ in der zeitgenössischen Performance-Praxis. AFTERCARE sucht 

nach Vorschlägen für Formate, Positionen und eine Ästhetik, die die Verhandelbarkeit 

von Formen der Aufmerksamkeit und Verbindung anregen sollen. Lokale und 

internationale Künstler, Freunde und Kollegen wurden eingeladen, in diesem Rahmen 

Arbeiten zu entwickeln und zu präsentieren. Gemeinsam teilen sie Ihre Praxis eine Woche 

lang in den EDEN Studios, um sich zu öffnen und ihre individuellen Rechercheerfahrungen 

in einem Gruppenkontext zu erweitern. Sie steigen in radikale, kritische 

Diskurse ein und zeigen Material, an dem sie arbeiten. Am Ende der Woche lädt ein 

offenes Showing Gäste dazu ein, an den Diskursen teilzunehmen. Am Wochenende 

schließlich werden die Performances im DOCK 11 gezeigt. 




im DOCK 11 und EDEN «««««





V E R K A U F 

Glamour Sale 

ein Verkaufsbasar 

Ein Verkauf von hochwertiger Kleidung, Accessoires, Objekten, Kostbarkeiten und 

Erbstücken. 

Organisation: DOCK 11 


V E R K A U F :: 

26. November 2015 



Yuko Kaseki is Butoh dancer, performer, improviser, choreographer and teacher, 

based in Berlin since 1995. Her Solo and ensemble performances, improvisations are performed 

throughout Europe, Russia, Japan, Taiwan, Korea, Malaysia, Thailand, Canada, Mexico, Brazil, 

Uruguay, Argentine, Australia and the USA. These works are physical performance that incorporates 

Butoh dance, performing art with objects, texts, and soundscapes. Her strong interest about 

breaking border of physical existence leads to projects with mixed ability artists and performers. 

Numerous international collaboration such as inkBoat (San Francisco), Tableau Stations (San 

Francisco), CAVE (New York), improvisation duo KAYA with Antonis Anissegos (Berlin), Salad theater 

(Seoul), Theater Thikwa (Berlin) and others.She performs and organizes dance-music improvisation 

series “AMMO-NITE GIG” (Vol.1 - 48 and on going) with international performers and musicians 

in Berlin since 2004. Her works got an award “the Best Ensemble Performance” by Isadora 

Duncan Dance Award (SF) and nominated by The Dora Mavor Moore Awards (Toronto), no-ballet 

(Ludwigshafen), Toyota Choreography Award (Tokyo). 

http://cargocollective.com/yukocokaseki 


SHOOT JEEZ MY GOSH 

eine Solo Butoh Dance Performance mit Yuko Kaseki 

Inspiriert von Henry Dargers Fantasiebildern ist diese Butoh-Performance eine 

Gegenüberstellung der bloßen Unschuld und der Gewalt. Originale Soundaufnahmen 

von realen Kämpfen, die im Internet gefunden wurden, werden mit ikonisch-körperliche 

Bewegungen, die Unschuldsbilder widerspiegeln, kontrastiert. Nach und nach bildet sich 

in dem Stück die Frage heraus, was es eigentlich mit dem ambivalenten Gefühl auf sich 

hat, das aus der systematischen Gewalt entsteht, sowohl ein Empfinden der Ohnmacht 

als auch die Erinnerung an den brutalen Terror hervorruft und so unsere gesamte Epoche 

charakterisiert... 

Die Geburt zu töten 

Bauen um zu zerstören 

Existenz 

Auslöschen 

Kleben 

Der unsichtbare Feind 

Unvernehmbare Stimme 

Die andere Seite des Filters 

Das Innere des Monitors 

Um betrogen zu werden 

Um zu betrügen 

Unendliches Spiel 

der Welt 

# Konzept, Soundcollage, Tanz: Yuko Kaseki 

# Musik: Kazuhisa Uchihashi, SUIT 

# Künstlerische Beratung: Lisa Stertz 

# Lichtdesign: Asier Solana 

# Kostüm: Kahori Furukawa 

# Foto: Sigel Eschkol 



03. bis 06. Dezember 2015 



Bakelit Multi Art Center, der Veranstalter 

Bakelit Multi Art Center (Bakelit MAC) ist die größte unabhängige Produktionsstätte 

Ungarns, die Bühne, Proberäume und Unterkunft und unter einem Dach bietet. 

Von der jeweiligen politischen Situation unabhängig, initiiert, beherbergt und 

partizipiert Bakelit MAC an internationalen Projekten. Die Türen von Bakelit stehen 

auch den Künstlern offen, die derzeit in Ungarn auf geschlossene Türen stoßen. Neben 

ungarischen Größen wie Felix Landerer und der Kompanie von Árpád Schilling probten 

zahlreiche ungarische Künstler in den letzten 10 Jahren in Bakelit, traten hier auf oder 

nahmen an den Residenzprogrammen teil. http://www.bakelitstudio.hu 

EMMI, Műhely Alapítvány, Sín Kulturális Központ, Jurányi Produkciós 

Közösségi Inkubátorház, Ultima Vez Studio, Katlan Csoport, 

gefördert vom Ministry of Human Resource (H), National Cultural Fund (H), 

Budapest City IX. district, New Performing Arts Foundation (H), Workshop 

Foundation (H), SÍN Cultural Center (H), OFF Foundation (H), Zagreb Dance 

Company & Art Centre Svetvincenat (HR) 


II. Hungarian Contemporary Dance 

Festival in Berlin 

präsentiert von Bakelit Multi Art Center 

Programm: 

7.12.2015, 19 Uhr 

Conditions of Being a Mortal ein Tanzstück von Hodworks 

8.12.2015 und 9.12.15 jeweils um 19 Uhr 

StepinTime ein Tanzstück von bodylotion co-dance 

Eins für dich, eins für mich, ein Tanzstück von Vadas-Vass 

10.12.2015, 19 Uhr 

Das große Heft ein Tanzstück von Forte Company 

11.12.2015, 19 Uhr 

Tao Te ein Tanzstück von Ferenc Fehér (Fotos) 

12.12.2015, 10-22 Uhr 

Urban Dance Day zum Mitmachen 

Rahmenprogramm im Studio, DOCK 11 Saal 3: 

11.12.2015 10-14 Uhr: 

Kooperationsworkshop für alle, die an der Zusammenarbeit mit 

ungarischen Einrichtungen interessiert sind 

11.12.2015 16-18 Uhr: 

Ungarische Tanzfilme kuratiert von Ágota Harmati 










Oh Well, Part 6 and 7 

eine Solo Performance von und mit Andrew Morrish 

Der weltweit erfolgreiche, australische Performer Andrew Morrish präsentiert sein Solo 

„Oh Well, Part 6 and 7“ erstmals in Berlin. 

Wer seine Performances noch nicht kennt: man wird das Lachennicht unterdrücken 

können. Im aktuellen Stück setzt er sich damit auseinander, wie es ist, lebendig, 63 Jahre 

alt und auf der Bühne zu sein. 

# von und mit: Andrew Morrish 

Die vierteilige Performance Reihe knüpft an die 2013 begründete, jährliche, international 

beliebte und expandierende Sommer- Veranstaltung Improvisation XChange Berlin an 

und setzt die Präsentation internationaler Performance- Projekte und die großartige 

Zusammenarbeit mit DOCK 11 EDEN***** fort. 

# Ein Projekt von b.arts.u - berlin arts united 

# in Kooperation mit DOCK 11 EDEN ««««« 

# www.berlinartsunited.com 



11. Dezember 2015 

im EDEN «««««


The Wright Bros fly again 

ein Duett von und mit Andrew Morrish, Sten Rudstrøm 

Pioniere der Luftfahrt oder irregeführte Narren? Wer weiß das schon. Doch sie sind 

furchtlose Entdecker, die fortlaufend mit der Hoffnung in die Welt ausströmen, sich in 

neuen Ländern zu verlieren. Sie stürzen sich in Sprache und Bewegung und tauchen 

durch diese von Kleber und Stricken zusammengehaltene Szenerie. Ein Zusammenstoß 

ist immer möglich, ebenso wie ein sanfter Segelflug durch die blau-weiße Ferne... 

# von und mit: Andrew Morrish, Sten Rudstrøm 

Die vierteilige Performance Reihe knüpft an die 2013 begründete, jährliche, international 

beliebte und expandierende Sommer- Veranstaltung Improvisation XChange Berlin an 

und setzt die Präsentation internationaler Performance- Projekte und die großartige 

Zusammenarbeit mit DOCK 11 EDEN***** fort. 

# ein Projekt von b.arts.u - berlin arts united 

# in Kooperation mit DOCK 11 EDEN***** 

# www.berlinartsunited.com 



11. Dezember 2015 

im EDEN «««««



9. Freestyle 

in Kooperation mit den Schülern der Kurse Hiphop mit Dela Diezel 

Musik: David Guetta 

10. Birdy 

in Kooperation mit den Schülern des Kurses Jazz mit Dela Diezel 

Musik: Birdy 

11. Nobody is perfect 

in Kooperation mit den Schülern des Kurses Jazz mit Dela Diezel 

Musik: Jessie J 

12. Duett 

13. Hero 

in Kooperation mit den Schülern des Kurses Hiphopmit Dela Diezel 

14. Sweat 

in Kooperation mit den Schülern des Kurses Hiphop mit Dela Diezel 

sowie des Kurses HipTUHop 

Musik: Lil Jon 

15. Skin 

in Kooperation mit den Schülern des Kurses HipTUHopmit Dela Diezel 

Musik: Rihanna 

16. Jam 


Musik: Michael Jackson 

17. Switch Lanes 


Musik: Tyga 

18. Slow it down 

in Kooperation mit den Schülern des Kurses HipTUHop sowie mit Dela Diezel 

Musik: Tyga 

19. Policeman 


Musik: Eva Simons 

20. Shuffle 

in Kooperation mit den Schülern aller Kurse mit Dela Diezel 

S H O W I N G 

On Stage 

ein Showing von und mit den Tanzschülern der Dozentinnen Dela Diezel 

und Doreen Haberland 

# Dozentinnen: Dela Diezel, Doreen Haberland, Solveig Levenson 

# Licht | Technische Leitung: Aurora Rodriguez 

P R O G R A M M 

1. Spuren 

in Kooperation mit den Schülern des Kurses Modern mit Doreen Haberland 

# Musik: mosermeyerdöring 

# DJ Ravin featuring 

2. ohne Titel 

in Kooperation mit den Schülern des Kurses Modern/HipHop mit Solveig Levenso 

3. Treasure 

in Kooperation mit den Schülern des Kurses Hiphop mit Dela Diezl 

# Musik: Bruno Mars 

4. Clap 

in Kooperation mit den Schülern der Kurse Hiphop mit Dela Diezl 

Musik: Paula de Anda 

5. Blow 

in Kooperation mit den Schülern des Kurses Hiphop mit Dela Diezl 

# Musik: keSha 

6. When the rain 


Musik: Vali 

7. Augenbling 


# Musik Vali 

8. Airplanes 


# Musik: B.o.B 

S H O W I N G : 

13. Dezember 2015 






T A N Z 

Alkaline Birds & The Needle 

Tanzstücke von The Instrument mit 

Maya M. Carroll, Julyen Hamilton, Roy Carroll und Miles Perkins 

Ein Wochenende lang präsentiert The Instrument zwei ihrer in Zusammenarbeit mit dem 

Choreographen Julyen Hamilton und dem Bassisten Miles Perkin entstandenen Stücke. 

Beide Performances führen den Zuschauer in ihr ganz eigenes Universum. Dabei werden 

konkrete und abstrakte Beziehungen und Wechselwirkungen hervorgerufen und 

erforscht. Die Darsteller werden mit der akkustischen Umgebung, dem Licht und 

der Körperlichkeit konfrontiert und schmieden daraus ein kraftvolles, ungewohntes 

Theaterstück, das innerhalb und jenseits von Körper und Verstand entsteht. 

Die Berliner Company besteht aus der Choreographin und Tänzerin Maya Matilda 

Carroll sowie dem Komponisten und Musiker Roy Carroll. Sie kreieren Tanz, Musik 

und experimentelle Konzepte, immer angetrieben von der Kollission ihrer individuellen 

künstlerischen Faszinationen. Zusammen haben sie seit 2006 in unterschiedlichen 

Kontexten Arbeiten produziert - vom Stadttheater bis hin zu Wohnzimmeraktionen. 

Über 20 Stücke sind seitdem entstanden. Ihre letzte Arbeit Unraveled Heroes wurde im 

September 2015 in Mailand uraufgeführt. 

www.theinstrument.org 

Alkaline Birds 

# Leitung: Maya M. Carroll 

# Choreographie | Tanz: Julyen Hamilton, Maya M. Carroll 

# Soundinstallation: Roy Carroll 


The Needle 

# Choreographie | Tanz : Julyen Hamilton, Maya M. Carroll 

# Musik: Miles Perkin, Roy Carroll

DOCK 11 Dokumentation 2015

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