Kunstbulletin Januar/Februar 2020

Jan./Feb. 2020 Fr. 10.–/€ 8.– 

1-2/2020

*Aargauer Kunsthaus 

25.1.–26.4.2020 

Aargauerplatz CH–5001 Aarau 

Di –So10–17 Uhr Do 10 –20Uhr 

www.aargauerkunsthaus.ch 

Sammlung Werner Coninx 

Eine Rundschau 

Denise Bertschi 

Manor Kunstpreis 2020 

Otto Morach, Erwartung (Intérieur), 1918–1919 

Aargauer Kunsthaus, Aarau /Depositum Sammlung Werner Coninx 

©Hugo Stüdeli, Solothurn 

Foto: SIK-ISEA, Zürich (Philipp Hitz) 

CARAVAN1/2020: 

Dominic Michel

FOKUS 

24 Sebastian Stadler — Nachdenken über das fotografierte Bild. Kristin Schmidt 

32 Hinrich Sachs — Unikkaalaurit! Hans Rudolf Reust 

40 EDHEA — Verbindung zweier Pole. Adrian Dürrwang 

44 Ansichten — Konkrete Poesie auf einem romanischen Grabmal. Katharina Holderegger 

46 Fri Art — Retour à Fribourg. Sylvain Menétrey 

50 Cerith Wyn Evans — Testimoni oculisti in un viluppo misterioso. Barbara Fässler 

HINWEISE 

52 Digitale Kunst — Speculative Habitat for Sponsored Seabirds 

52 Basel — Len Lye / Bellinzona — Josef Albers 

54 Brugg — Tom Fellner, René Fahrni / Freiburg/Br — Hermann Scherer 

56 Freiburg/Br — Im Garten der Farbe / Krems — Teresa Margolles, Adrian Paci / 

Kreuzlingen — Pablo Walser 

58 La Chaux-de-Fonds — Konrad Klapheck / Lichtensteig — Rivapiana / Mendrisio — India Antica 

60 München — Marianne von Werefkin und Alexej von Jawlensky / 

Paris/Pontault-Combault — Bilder aus dem Dschungel 

62 Paris — Giacometti/Sade / Paris — Leonardo da Vinci 

64 St. Gallen — Ovartaci / Vevey — Courbet Dessinateur 

66 Winterthur — Because the Night / Winterthur — CKÖ / Zofingen — Manon 

68 Zürich — Surimono der Shijō-Schule / Zürich — Thomas Mann 

70 Zürich — Wissen in Bildern / Klein, Ifert, Zamecznik / Espen Kluge / Richard Tuttle 

72 Zürich — Bastiaan Woudt / Zürich — Tony Cokes 

74 Zürich — Lily van der Stokker / Zürich — Vera Molnar 

BESPRECHUNGEN 

76 Basel — Margaret Harrison — Eine Frau sind viele 

78 Bern/Burgdorf — Chika Osaka — Love Letters oder Das fliessende Leben 

80 Bern — Johannes Itten — Kunst als Leben 

82 Lugano — Julian Charrière — Demaskierendes Naturschauspiel 

84 Luzern — Giulia Piscitelli, Clemens v. Wedemeyer — Nella società, in Gesellschaft 

86 Mainz — Uriel Orlow — Tee im Turm 

88 Neuenburg — Léopold Rabus — Rencontres 

90 Schaffhausen — Martina-Sofie Wildberger — I want, I want to say something! 

92 Solothurn — Irma Ineichen — Ein eigenes Zimmer 

94 Solothurn — Giacomo Santiago Rogado — Desire Path 

96 Winterthur — Pieter Bruegel d.Ä. — Ein Bild wie ein Wunder 

98 Zürich — Gitagovinda — Begehren und Erfüllung 

100 Zürich — Fiktion Kongo — Kunstwelten zwischen Geschichte und Gegenwart 

102 Zürich — Helmhaus Zürich — Kunstglück im Kopf 

104 Zürich — Imi Knoebel — Pastell bis Grell 

NOTIERT 

106 KUNSTRÄUME / GROSSANLÄSSE / NAMEN / PREISE / AUSSCHREIBUNGEN / DIES UND DAS 

123 AGENDA 

167 IMPRESSUM, MEDIADATEN, RÄTSEL 

1

Walead Beshty, Sharp LC-90LE657U 90-inch Aquos HD 1080p 120Hz 3D Smart LED TV, 2017

Editorial — Dieselbe Erscheinung, mal matt, mal schillernd 

‹L’apparition›: An der Serie arbeitet Sebastian Stadler schon seit 

Jahren. Und zwar – das scheint anachronistisch – mit einer analogen 

Kleinbildkamera. Er legt also einen Film ein und fotografiert, 

was ihn interessiert: eine Strassenszene, einige knapp noch ins 

Bildfeld hineinwogende Blätter einer Zimmerpflanze, ein blickdicht 

verhängtes Schaufenster oder eine Betonwand mit Glasbausteinen. 

Dann geht es nochmals von vorne los. Stadler fädelt den 

Film ein zweites Mal ein und richtet die Linse nun aus nächster 

Nähe auf seinen Computerbildschirm: auf den monochromen Hintergrund 

einer Website, auf einen Navigationsbalken oder auf ein 

typografisches Detail… Welche Motive, Farbtöne und Strukturen 

sich bei der Doppelbelichtung überlagern, überlässt er dem Zufall. 

Während wir noch überlegen, wie die Aufnahmen entstanden 

sind, wird uns bewusst, wie unterschiedlich Farben im analogen 

und im digitalen Bereich erzeugt werden.Das eingeschobene Farbfeld 

mit dem ungreifbaren rosa-gelben Schillern, das sich beim 

Vergrössern in einer Gitterstruktur auflöst, wirkt ganz anders als 

die rötliche Betonwand. Das hat mit den Motiven, doch auch mit 

den gegensätzlichen Farbsystemen zu tun:Farbaddition von roten, 

grünen und blauen Lichtwellen im digitalen Bereich beziehungsweise 

Farbsubtraktion von roten, gelben und blauen Pigmenten 

im Print. Entsprechend schimmern die abstrakten, rein elektronisch 

generierten Flächen auf dem Bildschirm je nach Blickwinkel 

in mehreren Farbtönen. Dieser Effekt lässt sich im Druck nur 

durch ein Spezialverfahren erzielen. Kein Wunder, wirkt das orange 

Leuchten auf unserer Titelseite bereits wieder wie das matte, anachronistische 

Nachglühen einer virtuellen Realität. Claudia Jolles 

TITELBILD · Sebastian Stadler · L’apparition, 2015–2019, 15 Fotografien aus der gleichnamigen Serie, 

C-Print, Plexiglas, 114 x 76 x 5 cm 

3

Eine Kooperation vonBelleVue 

unddem Staatsarchiv Basel-Stadt 

Rahmenprogramm undInformationen 

unterwww.bellevue-fotografie.ch 

BelleVue – 

Ortfür Fotografie 

Fotografien in Archiv & Netz 

past 

Öffnungszeitenund Adresse: 

Samstagund Sonntag,11–17Uhr 

Breisacherstrasse 50,4057Basel 

Vernissage:1.Februar 2020,17Uhr 

2. Februar– 

5. April2020 

&post 

Präsidialdepartement des Kantons Basel-Stadt 

Staatsarchiv Basel-Stadt 

13. Oktober 2019 

bis 19. April 2020 

Eszter Poroszlai, Layers 1, RYB, 2016 (Detail) 

© Künstlerin 

13. Oktober 2019 bis 

19. April 2020 

Museum Ritter 

Waldenbuch 

Seitenlicht VI, 2017 (Detail) 

© VG Bild-Kunst Bonn, 2019 

Museum Ritter 

museum-ritter.de 

Imre Bak 

LeventeBálványos 

LászlóZsolt Bordos 

ÁrpádForgó 

TiborGáyor 

IstvánHaász 

TamásKaszás 

KárolyKeserü 

ÁdámKokesch 

DóraMaurer 

IstvánNádler 

Eszter Poroszlai 

AnikóRobitz 

KamillaSzíj

02.11. 2019 09.02. 2020 

GIULIA 

PISCITELLI, 

CLEMENS 

VON WEDEMEYER 

NELLA SOCIETÀ, 

IN GESELLSCHAFT 

Clemens von Wedemeyer, 70.001, 2019, Videostill, (Detail), Courtesy KOW, Berlin und Galerie Jocelyn Wolff, Paris, © VG Bild Kunst, Bonn

Peter Wüthrich «Odyssee». 

Ausstellungsdauer 

17. Oktober 2019 bis 30. Januar 2020 

Öffnungszeiten 

Jeden Donnerstag 16 bis 20 Uhr 

Helvetia Art Foyer 

Steinengraben 25, Basel 

Eintritt frei 

Museumsnacht Basel 

im Helvetia Art Foyer 

Freitag, 17. Januar 2020 

helvetia.ch/kunst

Olafur 

Eliasson 

Symbiotic 

Seeing 

17.1.— 

22.3.2020 

Kunsthaus 

Zürich 

Olafur Eliasson, Escaped light landscape, 2020 

Courtesythe artist; neugerriemschneider,Berlin; TanyaBonakdar Gallery,New York /Los Angeles

Istituto Svizzero 

Roma, Milano, Palermo 

Calling 

Deadline for applications 

03.02.2020 

istitutosvizzero.it/residenze

www.grimmwelt.de

30. NOVEMBER 2019 BIS 5. APRIL 2020 

BRUNO MURER 

IN AUGEN BLICKEN 

SONNTAG, 26. JANUAR 2020, 14.30 UHR 

Rundgang mit Laura Breitschmid, Kunstmuseum Luzern 

und sic! Raum für Kunst 

SONNTAG, 9. FEBRUAR 2020, 11.30 UHR 

Rundgang mit Jos Näpflin, Künstler, Zürich 

SONNTAG, 29. MÄRZ 2020, 11.30 UHR 

Gespräch über die «Feldbücher» mit Michael Matile, Dozent 

für Schweizer Kunst und Museologie, Universität Zürich 

PUBLIKATION 

Bruno Murer – vor Ort, mit einem Text von Theo Kneubühler 

und einem Interview mit Bruno Murer, 320 Seiten mit 

280 Abbildungen, Verlag Museum im Bellpark, 2019 

MUSEUM IM BELLPARK KRIENS 

Öffnungszeiten Mi bis Fr 14 bis 17 Uhr Sa und So 11 bis 17 Uhr | www.bellpark.ch 

Bruno Murer, Schwimmer, 14.12.1985, Bleistift auf Papier

Jan Massys Musizierendes Paar, 1565 / Alle Werke: Kunstmuseum Basel, Schenkung der Prof. J.J. Bachofen-Burckhardt-Stiftung 2015 

26.10.19 

29.03.20

is2.Februar 2020 

Kunsthaus Zug 

Dorfstrasse 27,6301 Zug|www.kunsthauszug.ch 

Di bis Fr 12.00 –18.00 |Saund So 10.00 –17.00 

Minnie Motorcar Pwerle, Awelye Women‘s Dreaming, 2003, Sammlung Joëlle und Pierre Clément, ©2019, ProLitteris, Zürich 

MY MOTHER COUNTRY – 

MALEREI DER ABORIGINES 

Sammlung Pierre und Joëlle Clément, Zug 

— 

EMILY KAME KNGWARREYE 

Werke australischer Privatsammlungen 

verlängert 

bis 2.Februar 

2020

2.2.–5.4.2020 

KAPWANI 

KIWANGA 

Kapwani Kiwanga, pink-blue, 2017, Ausstellungsansicht / vue d’exposition The Power Plant Contemporary Art 

Gallery, Toronto (CA), 2017; Courtesy the artist, Galerie Poggi, Paris, Galerie Tanja Wagner, Berlin, Goodman 

gallery, Johannesburg / Cape Town; Foto / photo: Toni Hafkenscheid, © Adagp, Paris, 2019 

Daniel Zimmermann, Eidgenössische 

Finanzverwaltung, 1995; Courtesy the 

artist; Foto / photo: Andreas Greber 

DANIEL 

ZIMMERMANN 

ÖFFNUNGSZEITEN HEURES D’OUVERTURE 

Mi / me 12:00–18:00 Do / je 12:00–20:00 Fr / ve 12:00–18:00 Sa & So / sa & di 11:00–18:00 

Seevorstadt 71 Faubourg du Lac / CH-2502 Biel/Bienne / T +41 32 322 55 86 / info@pasquart.ch / www.pasquart.ch

In Zusammenarbeit mit dem YARAT 

Contemporary Art Space, Baku 

Potential Worlds 1 : 

Monira Al Qadiri, Maria Thereza Alves, Ozan Atalan, Alberto Baraya,Ursula 

Biemann, Carolina Caycedo, Cooking Sections, Mark Dion, Mishka Henner, 

Reena Saini Kallat, Kiluanji Kia Henda, Almagul Menlibayeva, Katja Novitskova, 

Planetary Tabita Rezaire, Zina Saro-Wiwa, Himali Singh Soin, Jakob Kudsk Steensen 

M e m o r i e s 

07.03 – 31.05 2020 

In Zusammenarbeit mit dem YARAT 

Contemporary Art Space, Baku 

Potential Worlds 2 : 

Korakrit Arunanondchai, Anca Benera & Arnold Estefán, Dora Budor, Burton Nitta (Michael Burton & 

Michiko Nitta), Cao Fei, Julian Charrière, Carl Cheng, Jimmie Durham, Peter Fend, Tue Greenfort, 

Joana Hadjithomas & Khalil Joreige, Helen Mayer Harrison & Newton Harrison, Louis Henderson, Mary 

Maggic, Mileece, MOON Kyungwon & JEON Joonho, Adrián Villar Rojas, Pinar Yoldas, Zheng Bo Eco- 

F i c t i o n s 

13.06 – 18.10 2020 

Mit Arbeiten aus der Sammlung des Migros 

Museum für Gegenwartskunst und des 

YAEL DAVIDS Van Abbemuseum sowie von Yael Davids . 

In Zusammenarbeit mit dem 

Van Abbemuseum, Eindhoven 

A Daily Practice – 

One Is Always a Plural 

31.10 2020 

– 31.01 2021 

Limmatstrasse 270 CH–8005 Zürich 

migrosmuseum.ch migros-kulturprozent.ch 

EINE INSTITUTION DES MIGROS-KULTURPROZENT

IMAN ISSA Surrogates 

21.12.2019–26.4.2020

galleries 1900-2000 | A arte Invernizzi | ADN | Almine Rech | Antoine Laurentin | APALAZZOGALLERY | 

Applicat-Prazan | Bailly | Blain|Southern | Campoli Presti | Capitain Petzel | Catherine Duret | Catherine 

Issert | Christine König | CONTINUA | Cramer Mitterrand | Crèvecœur | David Lewis | Denise René 

| Ditesheim & Maffei Fine Art | Dittrich & Schlechtriem | Emmanuel Perrotin | Eva Meyer | Eva 

Presenhuber | Fabienne Levy | Francesca Pia | Franco Noero | Gagosian | Georges-Philippe et Nathalie 

Vallois | Gisèle Linder | Gowen Contemporary | HAUSER & WIRTH | HdM | Heinzer Reszler | Hom 

Le Xuan | In Situ - Fabienne Leclerc | Isabelle van den Eynde | Jean Brolly | Joan Prats | Joy de Rouvre 

| Juana de Aizpuru | kamel mennour | lange + pult | Larkin Erdmann / Knoell | Laurence Bernard | 

Laurent Godin | Le Minotaure | Lelong & Co. | Lévy Gorvy | Loevenbruck | Magnum | Maria Bernheim 

| Massimo De Carlo | Mezzanin | Michael Hoppen | MLF | Marie-Laure Fleisch | Monica De Cardenas | 

Nathalie Obadia | Nogueras Blanchard | Nosbaum Reding | Pablo's Birthday | Pace | Patrick Gutknecht 

| Paul Coulon | Pedro Cera | Peter Kilchmann | Primo Marella | Raffaella Cortese | RIBORDY THETAZ | 

Richard Saltoun | Rosa Turetsky | Rossi & Rossi | Sébastien Bertrand | Simon Studer Art | Skopia / P.-H. 

Jaccaud | Tang Contemporary Art | Taste Contemporary | Taymour Grahne | Templon | Thomas Brambilla 

| Tornabuoni Art | Urs Meile | von Bartha | Wilde | Xippas art spaces & publishers Alienze | Art D'Égypte 

| Art for The World | Daily Lazy | Dilecta | Edition VFO | Editions Take5 / Philippe Cramer | Embassy of 

Foreign Artists - Maison Baron | FRAGILE | JRP Editions | Macula | mfc-michèle didier | multipleart | 

Octopus | Vie d'Ange | We do not work alone institutions & special exhibitions artgenève/estates - Mario 

Merz | artgenève/musique | artgenève/night-fall | artgenève/sculptures | Art - Valais/Wallis | Centre d'Art 

Contemporain Genève | Centre d'édition contemporaine, Genève | Centre de la Photographie Genève | 

Charles Rollier | Constantin Brancusi & Man Ray - Centre Pompidou Films Collection | ECAL | Ecole 

Internationale de Genève | EDHEA | Fondation Gandur pour l’Art | Fondazione ICA Milano | Fonds 

cantonal d'art contemporain, Genève | Fonds d'art contemporain de la Ville de Genève (FMAC) | Grand 

Théâtre de Genève | HEAD – Genève | Le Consortium Museum | MAMCO Genève | Gagosian/Royal 

Academy of Arts - Michael Craig-Martin | Plateforme 10 | Private Collection - David Hockney, Seven 

Yorkshire Landscapes | Private Collection - David Shrigley | Prix Mobilière for young Swiss artists | Prix 

Solo artgenève - F.P.Journe | Ringier Collection - Urs Fischer, Horses Dream Of Horses | The Living Room 

- Modules / Jean Prouvé magazines Artforum | Artnet | Artpassions | Artprice | ArtReview | Beaux Arts 

magazine | Cote Magazine | Elephant | Ensuite – Zeitschrift zu Kultur & Kunst | Espaces Contemporains 

| Frieze | Genève.Art | Go Out ! | Kunstbulletin | L’Art à Genève | Le Quotidien de l’Art | Monopol | 

Mousse Magazine and Publishing | Nasha Gazeta | Quartier des Bains | Spike | Sur La Terre | The Art 

Newspaper France | The New York Times | Tribune des Arts 

artist film & video section by LOOP balcony 

artgeneve.ch

Master 

Contemporary 

Arts Practice 

Fächerübergreifendes Studienangebot für 

Künstler*innen aus Fine Arts, Sound Arts, 

Literarischem Schreiben /Übersetzen und 

Performance Art. 

Bewerbungen bis 16.3.2020 

hkb-cap.ch 

Infoveranstaltung 

15.1.2020, 15.30 /17.30 Uhr 

Schwabstrasse 10, 3018 Bern 

hkb.bfh.ch/infotage 

Sanja Latinovic, Do not cross, Performance, 2016 

(Foto: Andrés Villa Torres)

25. JANUAR BIS 29. FEBRUAR 2020 

VALENTIN CARRON 

RÄMISTRASSE, ZÜRICH 

25. JANUAR BIS 14. MÄRZ 2020 

JUSTIN MATHERLY 

TOBIAS PILS 

MAAG AREAL, ZÜRICH 

14. MÄRZ BIS 18. APRIL 2020 

JOSH SMITH 


25. APRIL BIS 6. JUNI 2020 

SUE WILLIAMS 


GALERIE EVA PRESENHUBER 

WWW.PRESENHUBER.COM

Gilbert & George 

22.02.–10.05.2020 

Trajal Harrell 

01.04.–10.05.2020 

Liz Larner 

13.06.–23.08.2020 

Kunsthalle 

kunsthalle 

Zürich 

zurich.ch 

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Klassische Moderne und Gegenwartskunst 

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FOKUS 

Sebastian Stadler — Nachdenken 

über das fotografierte Bild 

Sebastian Stadler. Foto: Martina Perrin 

Sebastian Stadler hat den Manor Kunstpreis St. Gallen 2019 

erhalten. Der Künstler stellt sich Grundsatzfragen: Wann ist ein 

Bild ein Bild? Wie gehen wir heute mit Bildern um? Was kommt 

nach dem Bild? Das ist inhaltlich anspruchsvoll und im Fall 

Stadlers visuell ausgesprochen attraktiv. Das Kunstmuseum 

St. Gallen zeigt eine repräsentative Auswahl seiner Fotografien 

und Videos im Untergeschoss. Stadler reagiert gekonnt auf 

die dortige postmoderne Architektur. Er spannt mit ‹Pictures, 

I think› ein auf vielerlei Weise funktionierendes Wegenetz 

zwischen den Nischen,Räumen und Gängen auf. Kristin Schmidt 

24 Kunstbulletin 1-2/2020

L’apparition, 2015–2019, Detail aus 15-teiliger Fotoserie, C-Print, Plexiglas, 114 x 76 x 5 cm 

FOKUS // SEBASTIAN STADLER 

25

Passiert etwas? Passiert nichts? Muss überhaupt etwas passieren? Sebastian Stadler 

ist bereit. Der schwarze Hund auch. Er sitzt vor der Kamera, guckt und wartet. 

Der Künstler guckt und wartet ebenfalls – hinter der Kamera. Nichts passiert. Macht 

nichts; Videos brauchen keine Aktion, wenn das gefilmte Bild erzählt. 

Sebastian Stadler schaut mit dem Auge des Fotografen. Jede Szene seiner Videos 

ist ein in sich funktionierendes Bild, obgleich es nicht inszeniert, sondern eine filmische 

Momentaufnahme ist. Exemplarisch zeigt sich dies in ‹Lumi/ei lunta›, 2011: 

Baumstämme in einer Waldkerbe, ein kleines Fenster in blauer Wand, ein schwarzer 

Hund vor treibenden Eisschollen, die Innenansicht eines Zimmers – alle Sequenzen 

bleiben offen: Es gibt keinen Erzählstrang, keinen Anfang, kein Ende, stattdessen 

gibt es Beobachtungen von Farben, Räumen, Stimmungen und Situationen. Aufgenommen 

sind sie mit dem Blick und der gelassenen Nähe des Eingeweihten:‹Lumi /ei 

lunta› ist in Finnland entstanden, der Heimat der Mutter des Künstlers. Stadler weiss 

also, wie das Leben sich anfühlt in 150 Kilometern Entfernung von der nächsten 

Stadt, wie ereignislos es sein kann, vor allem in der Isolation des langen Winters. 

Das Verschwinden der Bilder 

Wie beherrschend die Natur ist, spiegelt sich auch in ‹We see the whole picture›, 

2017/2019. Die Arbeit basiert auf Überwachungsbildern der finnischen Transportbehörde. 

Mit automatischen Kameraaufnahmen dokumentiert die Behörde den aktuellen 

Zustand einsamer, oft schneebedeckter Strassen, über die nur selten ein Auto 

fährt. Die Bilder werden ins Internet gespeist und nach einigen Minuten durch neue 

ersetzt. Stadler hat eine stattliche Anzahl dieser Bilder aus dem Netz heruntergeladen 

und sie so vor dem Löschen bewahrt: «Man wird süchtig danach, die Bilder 

sind Fenster in andere Orte und in eine andere Realität.» Zugleich zeugt die Arbeit 

vom Dilemma fotografischer Archive: Stadler hat eine halbe Million dieser Überwachungsbilder 

gespeichert. Ein Bruchteil davon ist auf sieben postkartengrossen Monitoren 

zu sehen. Damit wirkt der Künstler dem Verschwinden der Bilder entgegen 

und doch ist es hoffnungslos: Die Bilder verschwinden auch dann, wenn sie nicht 

gelöscht werden, sie gehen unter in der schwerlich zu bewältigenden Menge – ein 

Phänomen, das nicht nur Stadlers Archiv betrifft, sondern allgemeingültig ist. 

Die Autonomie der Fotografie 

Zudem ortet der Künstler ein weiteres Problem in der gegenwärtigen fotografischen 

Praxis: «Es geht immer mehr ums Bildermachen. Der Akt des Fotografierens 

ist wichtig, weniger das Anschauen.» Schnell ist die Kamera zur Hand, schnell der 

Auslöser betätigt, schnell das Resultat angesehen, vielleicht verschickt und meist 

wieder vergessen. Die Fotografien materialisieren sich nicht einmal in einer eigenen 

Form, sie bleiben Bilder innerhalb eines Geräts. Ganz anders in der analogen Fotografie, 

die auch deshalb Laien und Profis noch immer fasziniert. Stadler beispielsweise 

arbeitet mit analogen Doppelbelichtungen in seiner Serie ‹L’apparition›, 2015–2019. 

Die Aufnahme eines Bildschirms liegt in zufälliger Weise über dem Ursprungsbild: 


«Es gibt Farbverschiebungen, die ich nicht steuern kann. Kollisionen passieren und 

ich sehe sie erst am Schluss der Aufnahmen.» Der Künstler gibt der Fotografie ihre 

Autonomie zurück. Dies erinnert nicht zufällig an den Moment in vordigitaler Zeit, 

als die Zeitspanne zwischen dem Druck auf den Auslöser und dem entwickelten Bild 

sehr lang war und das endlich vorliegende Motiv Überraschungsmomente barg, nicht 

zuletzt aufgrund menschlicher und technischer Fehler. 

Der Ausstellungsraum als Sparringpartner 

Stadler setzt auf diese Qualitäten: «Ich kann etwas zeigen und nichts zeigen – ein 

Bild, das sich entschlüsseln lässt, und eines, das offen bleibt.» Motive verschwinden, 

werden betont und wieder verunklärt. Zusätzlich sorgen Plexiglaskästen für Irritationen. 

Manchmal tauchen sie dort auf, wo Unsicherheiten kaschiert werden sollen, 

aber solche sind bei Stadler nicht auszumachen. Sicher und gekonnt platziert er 

seine Arbeiten im Untergeschoss des Kunstmuseums. Er versucht nicht, gegen den 

postmodernen Raum zu arbeiten, sondern greift die markanten, architektonischen 

Elemente auf und integriert sie in seine Arbeit, so wie in den Plexiglaskästen: Sie 

spiegeln den Raum und nehmen ihn als dritte Ebene ins Bild. Zugleich bilden sie 

Parallelen zu anderen Werken, denn die verschachtelten Räume erlauben nur wenig 

Blickachsen. So lassen sich die Glaskästen als subtiler Verweis auf die Schaufenster 

in ‹Vos Travaux›, 2016 lesen, einer Arbeit, die ebenfalls von der physischen Präsenz 

des analogen Bildes erzählt: Stadler filmte während seines Visarte-Stipendiums ein 

grosses Fotofachgeschäft in Paris, wo entwickelte Bilder abgeholt werden können. 

Swimming Pool, 2019, 1-Kanal-Video, Farbe, ohne Ton, Loop, 14’ 17” 


27

Lumi / ei lunta, 2011, 1-Kanal-Video, Installationsansicht Kunstmuseum St. Gallen. Foto: Daniel Ammann 



29

Sebastian Stadler (*1988, St. Gallen), lebt in Zürich 

2011 Bachelor of Arts an der Zürcher Hochschule der Künste/ZHdK und der Ecole cantonale d’art 

de Lausanne/ECAL 

Einzelausstellungen 

2017 ‹Objects in Mirror are closer than they appear›, Kunst(Zeug)Haus, Rapperswil-Jona 

2016 ‹Outremer›, Harpe 45, Lausanne 

2015 ‹We see the whole picture›, widmertheodoridis, Eschlikon; ‹Welcome to Disneyland›, Photoforum 

Pasquart, Biel; ‹Superstrada›, Guerilla Galerie, St. Gallen 

Gruppenausstellungen (Auswahl) 

2018 ‹Shifting Cascades›, Propstei St. Peterszell; ‹Aller Retour›, Galleria Lapinlahti, Helsinki; 

‹Travertine Future›, Hay Art Gallery, Jerewan 

2015 ‹Video Arte Palazzo Castelmur›, Stampa 

2014 ‹Plattform›, Fotomuseum Winterthur; ‹Nordsicht›, Nextex, St. Gallen 

We see the whole picture, 2017/2019, digitale Bildsequenzen auf LCD-Monitoren, 7-teilig, Farbe, 

ohne Ton 


Der Künstler und Fotograf schaut das Anschauen an: «Wie nehmen die Menschen 

die Bilder in die Hand? Wie schauen sie die Bilder an? Einer beispielsweise zerreisst 

sofort die Hälfte der abgeholten Bilder.» 

Kein Bild ohne zu denken 

Stadler greift auch hier zur Videokamera, dies nicht nur im Kontrast zum abgebildeten 

Medium, sondern auch aus Ehrfurcht: «In Paris – mit seiner grossen Fotografiegeschichte 

– da konnte ich nicht fotografieren.» Aber für den Künstler stellt 

sich auch grundsätzlich die Frage: «Kann man überhaupt noch fotografieren? Jedes 

Bild ist bereits gemacht worden. Was ist meine Rolle?» Für Sebastian Stadler 

geht es weniger darum, der Welt weitere Motive hinzuzufügen, als unterschiedliche 

Aspekte des Fotografierens zusammenzuführen. Er untersucht den schmalen Grat 

zwischen bewegtem und unbewegtem Bild, den Akt des Bilderakquirierens und die 

darauffolgende Schwierigkeit des Umgangs mit diesen Bildern, die Veränderung des 

Sehens durch die zeitliche Dehnung im Film und die Auflösung des klassischen Formats 

bedingt durch Displays. Abgeschlossen sind diese Untersuchungen nicht und 

sie umfassen auch völlig neue Interpretationen des Bildes: ‹A Picture, I think› funktioniert 

ohne Bilder und bildet einen Schlüsselmoment in der Schau, der das Werk 

den Titel leiht. Der Künstler schickt Fotografien via Smartphone an ein Bilderkennungsprogramm 

und ein Algorithmus generiert daraus Bildbeschreibungen. Das liest 

sich dann so: «A close up of a person, I think» oder «A person driving a car, I think». 

Falls das Computerprogramm das Sujet nicht erkennt, steht auf dem Monitor «Pictures, 

I think». Das Werk stellt den Bildbegriff ebenso in Frage wie die sogenannte 

künstliche Intelligenz. Es verweist explizit auf Bilder, bleibt aber Text. Es löst Bilder 

aus, bildet aber den Einstieg in eine Ausstellung, in der Videos dominieren. Und es 

entlarvt die Bilderkennungssoftware, indem es dem Programm ein durch und durch 

menschliches «I think» unterschiebt: Bei aller Digitalisierung und Automatisierung – 

für das Nachdenken über Bilder, ihre Entstehung, Deutung und Verwendung, bleiben 

wir selbst verantwortlich. 

Zitate: Gespräch mit dem Künstler am 8. Mai 2019 

Kristin Schmidt, Kunsthistorikerin, lebt in St. Gallen, post@kristinschmidt.de 

→ ‹Sebastian Stadler – Pictures, I think. Manor Kunstpreis St. Gallen›, Kunstmuseum St. Gallen, 

bis 16.2. ↗ www.kunstmuseumsg.ch 


31

Hinrich Sachs — Unikkaalaurit! 

Hinrich Sachs, 2018 © ProLitteris. Foto: Timo Schaub 

Hinrich Sachs agiert auf mehreren Bühnen zugleich, im Rampenlicht 

und als Stimme aus dem Off. Einige werden seine 

feinfarbigen Aquarelle mit Buchtiteln kennen, andere seine 

Anverwandlungen von Figuren der Sesamstrasse. Dabei ist er 

vorweg der Regisseur vielschichtiger Szenen,die oft auch andere 

Akteure einbeziehen. Eben ist sein jüngstes Publikationsprojekt 

‹Fog Friend Font – Ways of Doing Multilingual Sense› öffentlich 

geworden. Ähnlich überraschend sollte sich ein Porträt des 

Künstlers aus der Überlagerung mehrerer Sprachen und Sprechweisen 

ergeben. Hans Rudolf Reust 


Ear Mind Eye Pad, Publikation, Mailand/Zürich 2019 © ProLitteris. Foto: Serge Hasenböhler 

FOKUS // HINRICH SACHS 

33

Die Muttersprache (Holländisch/Niederlande), 2012, Aquarell, 55 x 47,5 cm, Installationsansicht 

‹Studio Eine Phantastik›, Shedhalle Zürich, 2018 © ProLitteris 


In einer Sammlung eigener Texte nimmt Hinrich Sachs 2010 seine ‹Ferien vom Ich›. 

Darin reflektiert er die multiple Rolle der Autorschaft von Künstlern zwischen den 

tradierten Maskeraden der «Autoren-Ich-Oberflächen» und den marktmedialen Anforderungen 

des Brandings unter eigenem Namen. Wie sein Schreiben zieht auch seine 

Kunst umfassende Konsequenzen aus dem Schluss von Roland Barthes, wonach 

der «Tod des Autors» die «Geburt des Lesers» sei: Sachs lässt die Sprache selbst 

sprechen und liest die Welt in den Zeichen unzähliger Sprachen, auch vieler, die 

wir mit ihm eher sehend lesen als verstehen. Seit 1992 malt er in der Serie ‹Muttersprache› 

kleine Aquarelle, die in subtiler Nähe zum Original die illustrierten Titelblätter 

von Sprachlehrbüchern für Kinder wiedergeben. Die Ikonografie des Lesens 

und Schreibens zeigt Schriftzeichen als Spielzeuge oder lebendige Wesen, lässt das 

Schreibgerät zum organischen Bleistiftbaum auswachsen. Lautlos beginnen Text 

und Bild gemeinsam über Sprache zu sprechen. 

Ways of Doing Multilingual Sense 

Soeben hat ein langfristiges Editionsprojekt in Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller 

Fredrik Ehlin seinen Abschluss gefunden: ‹Fog Friend Font – Ways of Doing 

Multilingual Sense›. Sieben unabhängige, jedoch thematisch verschränkte Publikationen 

in so unterschiedlichen Formaten wie einem illustrierten Jugendbuch, einer 

iPad-App in Print, einer LP oder einem wissenschaftlichen Reader versammeln Studien 

verschiedener Autorinnen und Autoren zur Entwicklung der Zahlen, zu Emojis 

und Schriftzeichen oder zu den Überlebensstrategien bedrohter Sprachen. Die unterschiedlichen 

Medien verbindet eine hohe Sorgfalt der je spezifischen Gestaltung. 

Fonts werden Friends. Fog, der Nebel nistet zwischen Zeichen und Zeilen, dort, wo 

das diskursive Verständnis bei unbekannten Sprachen aussetzt und die Annäherung 

in Bildern geschieht. 

So beschreibt Louis-Jacques Dorais in ‹A Written Orality – The Canadian Inuit 

and Their Language› den langen Weg zur Anerkennung der indigenen Sprachkultur 

in der kanadischen Arktis, auf dem die orale Tradition der Inuit erst ihre genuine 

Silbenschrift finden musste, um sich den hegemonialen Schriftkulturen gegenüber 

zu behaupten. Heute unterstützen elektronische Kommunikationsmittel auch neue 

Formen des Zusammenspiels zwischen gesprochener und geschriebener Sprache. 

L’imaginaire des langues 

«Doing sense» meint in diesen Publikationen mehr als «making sense». Die 

Schlüsselwendung im Untertitel des Projekts führt den Umgang mit Zeichen von 

der Festschreibung einzelner Bedeutungen hin zu einem Prozess des ständigen 

«Lesens», in den wir mehrere Sinne und verschiedene Repertoires von bekannten 

und unbekannten Codes einbeziehen. Als eine kompakte plastische Edition bilden 

die sieben Publikationen von ‹Fog Friend Font› schliesslich gemeinsam eine mehrschichtige 

Architektur, einen Block in der Abmessung einer LP, ein heteromorphes 

Sedimentstück aus der Archäologie des Sprechens, Schreibens und Lesens. 


35

Nunavut [Unser Land], 2018, neunfarbige Lithografie, 58,2 x 86,6 cm, Zürich ©ProLitteris. 

Foto: Serge Hasenböhler 



37

Hinrich Sachs (*1962, Osnabrück), lebt seit 1999 in Basel 

1985–1990 Studium an der Hochschule für Bildende Künste Hamburg 

2006–2016 Professor am Royal Institute of Art, Stockholm 

Einzelausstellungen und Projekte (Auswahl) 

2019 ‹Catherine, Masahiko, Rex et les autres›, mit Simon Starling, Le Plateau, Paris; ‹Fog Friend Font – 

Ways of Doing Multilingual Sense›, mit Fredrik Ehlin, Humboldt Books, Mailand 

2018 ‹Wat men weet/That We Know›, San Seriffe, Amsterdam 

2012 ‹Kami, Khokha, Bert and Ernie (World Heritage)›, Tensta konsthall, Stockholm 

Gruppenausstellungen (Auswahl) 

2019 ‹The Estate/Summer›, Landhaus bei Kuiķule und Lauvas, Lettland; ‹Dig Drill Dump Fill Push Pull 

Empty Full – Bilderbücher und Kindermusik der 1970er›, Kunsthaus Langenthal 

2018 ‹Studio Eine Phantastik›, Shedhalle, Zürich 

2016 ‹Items – Unfolding a Place Without a Historical Centre, Created Continuously Anew in Meetings 

and Events that Occur in Empowered Spaces, Simultaneously›, Moderna Museet, Stockholm 

2014 ‹Des histoires sans fin›, MAMCO, Genf; ‹Was Modelle können›, Museum für Gegenwartskunst 

Siegen; ‹Suturak/Cerca a lo próximo›, Museo de San Telmo, San Sebastían/Donostia 

Die Gleichzeitigkeit mehrerer Zeichensysteme in den Werken von Hinrich Sachs 

erinnert an ‹L’imaginaire des langues›, Paris, 2010, des Poeten und Philosophen 

Édouard Glissant (1928–2011). Der Titel einer Reihe von Interviews, die Lise Gauvin 

mit Edouard Glissant geführt hat, verweist auch auf die Vorstellung eines Ganzen 

aller Sprachen: Wer heute schreibe, sei nicht mehr allein in einer, in ihrer oder seiner 

Sprache unterwegs, sondern sei sich der Präsenz aller anderen Sprachen bewusst, 

auch all jener, die nicht verstanden und dunkel bleiben. Bedeutungen seien nicht im 

Wörterbuch einer einzelnen dominanten Sprache fixiert, vielmehr könnten sie der lebendigen 

Beziehung zwischen verschiedenen Sprachen und Sprechweisen entspringen. 

Glissants ‹Poétique de la Relation›, Paris, 1990, handelt von einem umfassenden, 

eruptiven Beziehungsraum, der nie festgeschrieben, kaum annähernd erfasst, aber 

vorgestellt werden kann. Das Studium spezifischer Kulturen hätte keine äussere 

Grenze. Der Zusammenhang (Relation) bindet zwar an einen Ort und an Geschichte 

(relie), er verbindet aber auch ohne Grenzen, ohne Ende (relate). Wir dürften an ausfliessendes, 

ausgeworfenes Magma denken, das sämtliche Ideologien entwurzelt. 

Sesamstrasse in der Arktis 

Auf der Bühne multimedialer Installationen versammelt Hinrich Sachs seine 

liebevoll detaillierten Puppen der Sesamstrasse in Menschengrösse. Neben global 

kursierenden Charakteren wie Ernie und Bert treten auch die für einen spezifischen 

Markt konzipierten Lokalgestalten auf, der Träumer Zeliboba zum Beispiel, jener 

warmherzige und mit ausschweifender Phantasie begabte Baumgeist aus Russland, 

der in einer grossen Eiche im urbanen Hinterhof haust.2012 erscheinen neun Figuren 

vor einem stilisiert gemalten Stadtpanorama in Stockholm: Während Audio-Sequenzen 

mit den schwedischen Stimmen von Ernie und Kermit aus der Perspektive der 


ersten Person lokale Geschichten erzählen, verweisen Texte im Format von Museumsbeschriftungen 

auf den ideologischen Mix von Bildung, Kommerz und Populärkultur. 

Die eingepassten ethnografischen Sammlungsstücke schaffen schliesslich 

den Kontext dieser «World Heritage». 

Die Lithografie ‹Nunavut (Unser Land)›, 2018, nimmt die Annäherung an eine weitere 

kulturelle Topografie bildhaft auf. Ein neunfarbiges Blatt zeigt die Überlagerung 

der politisch umkämpften Umrisslinien der Arktis von 1733, 1857, 1922 und 2000, als 

die Rechte der ersten Bewohner anerkannt wurden. Was wie die Unschärfe projizierter 

Überblendungen erscheint, folgt den fliessenden Grenzen einer nomadischen 

Lebensform, die durch den Klimanotstand und den Run auf Ressourcen heute noch 

schärfer unter Druck steht. 

Erzähl uns etwas! 

In der Sprache der Inuit steht «Unikkaalaurit!» für die Aufforderung, etwas zu 

erzählen. Wenn Hinrich Sachs zu Erzählungen einlädt, führen seine Spuren zu 

Geschichten stets auch in die Geschichte und die kommerziellen Bedingungen ihrer 

eigenen Produktion. Der Publikations-Block von ‹Fog Friend Font› oder das grüne 

Tischdisplay ‹Hinrich Sachs›, 1994, 2019, das in einem erweiterten Sinn biografische 

Materialien auf einem grünen Tisch versammelt, sind mit der Gleichstellung von 

eigenen Werken, dem eigenen Leben und Referenzen auf die Lektüre zwei Modelle für 

Sachs’ umfassende Poetik der Verknüpfungen. Oft richtet er sich auch an Kinder und 

Jugendliche. Schliesslich sind sie bevorzugte Adressaten von Bildung und Werbung. 

In ihrer Welt dürfte es gleichzeitig viel Verständnis geben für jene «Ferien vom Ich», 

die uns «bleiben als ein Denken und Handeln, das alle immanente Betriebsamkeit 

beiseite imaginiert, um auf Momente des Ungeklärten und Unbekannten zu treffen.» 

So jedenfalls hat es der Künstler vor Jahren formuliert. (Hinrich Sachs, Köln 2010, S. 82). 

Hans Rudolf Reust, Kunstkritiker, Studienleitung Fine Arts, Hochschule der Künste Bern HKB, 

hreust@bluewin.ch 

→ ‹Fog Friend Font – Ways of Doing Multilingual Sense›, Hg. Hinrich Sachs, Fredrik Ehlin, Humboldt 

Books, Mailand, 2019 ↗ www.humboldtbooks.com 


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EDHEA — Verbindung zweier Pole 

Foofwa d’Imobilité · Dancewalk Ultra-Valais, 27.9.–6.10.2019. Foto: Gregory Batardon 


Seit ihrem 70. Jubiläum 2019 präsentiert sich die vormalige ecav 

unter einem neuen Namen und Auftritt. EDHEA nennt sich die 

Schule nun. Dies zeugt vom Bestreben des neuen Direktors Jean- 

Paul Felley, die Hochschule vorwärtszutreiben und ihr Profil zu 

schärfen. Zugleich ist es ein Zeichen, dass der Kanton Wallis die 

Bildung als Standortvorteil erkannt hat. Adrian Dürrwang 

Frühherbst 2019, auf dem Rückweg im Lötschberg-Basistunnel herrscht eine lebendig 

heitere Stimmung. Der eine oder andere Einkauf älterer Weinwandernder wird 

den Kanton Bern nie erreichen. Ich denke an die Weinflasche, die ich im Anschluss 

an das Gespräch mit dem Direktor der EDHEA Jean-Paul Felley erhalten habe, deren 

Etikette mit dem neuen Namen und dem Logo der Schule versehen ist. Ein Namenswechsel 

will kommuniziert werden – unter anderem mit einem Hauswein, das ist im 

Wallis natürlich Ehrensache. 

Siebzig Jahre Tradition 

Auch den roten Caran d’Ache-Kugelschreiber – ein weiteres «Bhaltis» –, mit dem 

ich nun, Ende November, meine Notizen zum Gespräch sortiere und einige schriftlich 

gestellte Nachfragen einarbeite, schmücken die zwei markanten Punkte des neuen 

Logos. Wie der neue Name nehmen sie Bezug auf die zwei Traditionslinien dieser kleinen 

Hochschule mit rund 230 Studierenden, die siebzig Jahre ihres Bestehens feiert 

und unter der allgemeineren Bezeichnung ‹ecav› bekannt war, kurz für École cantonale 

d’art du Valais. Jean-Paul Felley erläutert: «Der neue Auftritt der EDHEA weist 

auf die zwei Pole ihrer Lehre hin: Grafikdesign als angewandte Kunst (école de design 

= ED) und bildende Kunst auf Hochschulniveau (haute école d’art = HEA). Diese Situation 

ist einzigartig in der Schweiz.» Die Betonung liegt neu also auf dem Alleinstellungsmerkmal 

der Schule und soll zugleich ihre Bereiche abbilden, die, obwohl 

unter einem Dach, sich nicht zwangsläufig verbinden: Der Unterschied zwischen der 

Kunst, die ohne Auftrag agiert, und der Grafik, die auf Mandatsbasis arbeitet, sowie 

die Altersbandbreite der Studierenden machen gemeinsame Projekte schwierig, sagt 

Jean-Paul Felley. Solche seien erst auf Stufe der Weiterbildung angedacht. 

Im Gespräch formuliert der seit 2018 amtierende Direktor und vormalige umtriebige 

Co-Leiter des Centre culturel suisse à Paris ausserdem einen sehr hohen Anspruch 

an die jungen Kunstschaffenden und fordert, dass diese sich ihrem Ziel zu einhundert 

Prozent verschreiben. Die Schule stellt ihnen dann die Mittel in Form von Werkstätten, 

einem Fotolabor, der Druckerei oder digitalen Medien zur Verfügung. Die Kunstschaffenden 

sollten überdies einen breiten kulturellen Hintergrund aufweisen, weshalb 

eine Bibliothek ein zentraler Ort sei – dieser soll auch den angedachten Neubau 

prägen. Zudem seien Partner wie das innovative Théâtre Les Halles (TLH) essenziell: 

Seit 2018 besteht im Foyer dieses Theaters in Sierre mit ‹Le Cube› ein gemeinsamer 

Ausstellungs- und Projektort. 

FOKUS // EDHEA 

41

Wie die Hochschule mit ihren beiden Polen ist auch der Kanton Wallis zweigeteilt: 

in das Oberwallis, deutschsprachig und eher konservativ, und das Unterwallis, französischsprachig 

und wirtschaftlich stark auf die Genferseeregion ausgerichtet. 

Um das Jubiläum in einem breiten Kreis publik zu machen, war also eine besondere 

Aktion nötig. Mit dem ‹Dancewalk – Ultra Valais› des bekannten Choreografen 

Foofwa d’Imobilité, der vom 27. September bis zum 6. Oktober vom Rhonegletscher 

200 km tanzend durch das Wallis bis zum Genfersee führte, hatte man einen passenden 

Weg gefunden. Dabei wurde die Compagnie Neopost Foofwa von studierenden 

oder ausgebildeten Musikern begleitet: An den unterschiedlichen Tagen durchtanzte 

man verschiedene thematische «Gebiete», von der Natur über den Wein bis zu Zukunftsindustrien. 

An den Abenden fanden in lokalen Kunstorten dann jeweils gesellige 

Feiern statt. Diese Aktion verband zudem Vergangenheit und Zukunft: Vom Gebiet 

der legendären Furk’art, wo von den zwischen 1983 bis 1999 entstandenen Werken 

einzelne wie etwa ein Turm von Per Kirkeby zurückgeblieben sind, gelangte man in die 

Künstlerresidenz La Becque in La Tour-de-Peilz am Genfersee. Mit dieser kooperiert 

die Schule aktuell. 

Alte und neue Schwerpunkte 

Die EDHEA versteht sich als im Zentrum von Europa angesiedelt. Felley drückt es 

wie folgt aus: «Im Herzen des Alpenraums, abseits der grossen urbanen Zentren gelegen, 

ist das Wallis ideal für Studium und Forschung. Wie die Schweiz reflektiert und 

nutzt es den Reichtum der kulturellen Unterschiede des Landes.» Er betont jedoch, 

dass sich das Unterwallis vor allem in Bezug auf die Entwicklungen im Genferseebecken 

verändere. Es gebe zwar Preissteigerungen, aber man profitiere von einem 

Austausch, indem einige Personen, nicht zuletzt aus der Kunstszene, nun im Unter- 

Foofwa d’Imobilité · Dancewalk Ultra-Valais, 27.9.–6.10.2019. Foto: Gregory Batardon 


wallis Wohnsitz nähmen und die Schule attraktiver werde. Ein Beispiel ist die bekannte 

Kunstschaffende Latifa Echakhch, die im Unterwallis ein Atelier betreibt und seit 

2019 auch Kurse an der EDHEA hält. 

Zugleich stehe man aber ständig in einem gewissen Konkurrenzkampf mit den 

Schulen in Genf und Lausanne. Deshalb soll ein neuer Schwerpunkt in Bezug auf «den 

Ton» etabliert werden. Felley meint dazu:«Neben den klassischen Kunst- und Designkursen 

nehmen Sound und MAPS – Master of Arts in Public Spheres – eine besondere 

Stellung ein. Dazu entwickeln wir zahlreiche Partnerschaften in der ganzen Schweiz 

und mit europäischen Institutionen.» Der Master of Arts in Public Spheres selbst ist 

eine solche Kooperation – er wird gemeinsam mit der HEAD in Genf und der ECAL in 

Lausanne angeboten. Internationale Vernetzung wird mit der Förderung von ausländischen 

Studierenden durch die Bourse Hans Joerg Wyss vorangetrieben. Das Institut 

de Recherche, das von Alain Antille geleitet wird, widmet sich ebenfalls der «Interaktion» 

zwischen Kunstschaffen und verschiedensten Räumen, wie der Natur oder 

dem öffentlichem Raum. Neue Partner ermöglichen auch ungewöhnliche Projekte:Die 

Fondation Oplae in Lens vergibt etwa ab dem Frühling 2020 an eine Absolventin oder 

einen Absolventen des Studiengangs Master of Arts in Public Spheres einen dreimonatigen 

Aufenthalt in Australien im Gebiet der Aborigines. Als kurzes Fazit bleibt: Die 

kleine EDHEA muss geschickt agieren, Gelegenheiten ergreifen und Nischen nutzen. 

Die Zukunft wird gebaut 

Jean-Paul Felley lässt in unserem Gespräch keinen Zweifel an seiner Mission für 

die EDHEA aufkommen. Ursprünglich aus dem Wallis, ist er gut vernetzt bis in den 

Regierungsrat. Dieser hat den Bildungsbereich als Standortvorteil für die Zukunft des 

Kantons erkannt. So wurden die Walliser Fachhochschulen unter der Bezeichnung 

‹HES-SO Valais-Wallis› zusammengefasst und an einigen Orten schon breit ausgebaut. 

Auch die EDHEA ist seit 2019 ein Teil dieses Verbundes und profitiert von der 

Zusammenarbeit, etwa durch das interdisziplinäre Gefäss des ‹ArtinLab›, das an der 

Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft arbeitet. 

Schon länger sind die Planungen für einen Neubau der Schule im Gange. Das 

Langzeitprovisorium, seit 1997 im ehemaligen Kantonsspital, bietet zwar für Kunstschaffende 

helle Ateliers, ist zugleich aber für Arbeiten am Computer im Sommer 

ungeeignet, und die Werkstätten im Keller platzen aus allen Nähten. Dass nun am 

14. November 2019 die Gemeinde Sierre den Masterplan für die Bebauung veröffentlicht 

hat,konnte die Hochschule auf Instagram als positive Nachricht posten – so wird 

ein nächstes Treffen in einigen Jahren dann vielleicht nicht mehr auf der Sonnenterrasse 

mit spektakulärer Fernsicht, sondern in einer grossen Bibliothek stattfinden. 

Adrian Dürrwang. Kunsthistoriker, freier Autor und Lehrer in Bern. a_duerrwang@hotmail.com 

→ EDHEA, Schule für Gestaltung und Hochschule für Kunst Wallis ↗ www.edhea.ch 

→ ‹Les plus beaux livres suisses 2018›, Ausstellung kuratiert vom Bundesamt für Kultur in Kooperation 

mit der EDHEA, Arsenaux, Sion/Sitten, bis 31.1. ↗ www.lesarsenaux.ch 

FOKUS // EDHEA 

43

Ansichten — Konkrete Poesie auf 

einem romanischen Grabmal 

Louis Boudan für den Antiquar François-Roger de Gaignières, Grabmal für Mathilde von Flandern 

(gest. 1083), Abbaye-aux-Dames, Caen, 1698/1702, Oxford, Bodleian Library 


Nur Flüstertöne spielte mir das Mobiltelefon zu:«Je suis devant 

le tombeau de Mathilde. C’est maaagnifiiique! Maintenant, je 

compreeends!» – raunte mir eine Freundin zu, die grad vor dem 

Grabmal von Mathilde von Flandern in der Abbaye-aux-Dames 

in Caen stand. Katharina Holderegger 

Ja, was hat es mit dieser trapezförmigen Platte auf sich? Sie besteht aus mit Kohle 

versetztem Kalkstein, der aus der flandrischen Heimat einer normannischen Herzogin 

und späteren englischen Königin stammt. Wieso hat mich dieses Frauengrabmal 

so berührt, mehr als alle anderen, die ich in den Kirchen der Vormoderne als Spielplätze 

und manchmal auch Schlachtfelder von Identitäten studiert habe? Tatsächlich 

reisst die Reihe der von diesem Monument Ergriffenen in der 1059/1060 gestifteten 

Abbaye-aux-Dames in Caen nur in der Zeit ab, als das Grabmal durch eine gotische 

Nekropole überhöht und zugleich darunter verborgen war. Es kam erst wieder zum 

Vorschein, als die Calvinisten 1562 gegen diese Form des Totenkults Hand anlegten. 

Schon der Chronist Orderic Vitalis (gest. 1131) schrieb das von ihm als «lieblich» 

bezeichnete Epitaph buchstabengetreu ab. Das Gedicht ist mit einem Schwung formuliert 

und gesetzt, der in auffälligem Kontrast zur Strenge der mittelalterlichen 

leoninischen Versregeln wie auch der geometrischen Anordnung steht. Die Schrift 

bewegt sich von der Mitte des Kopfendes in an- und abschwellender Dichte und 

Dicke der Buchstaben entlang der Ränder und dann entlang der Mittelachse hinunter 

und wieder herauf. Im Wortlaut verbindet sich die knappe, klare Sprache von Urkunden 

durch unerwartete Wendungen zu einem dialektischen Porträt der Stifterin. So 

erfahren wir etwa: «Den Fürst von Flandern hatte sie zum Vater und zur Mutter Adele» 

oder «Für sich selbst arm an verschwendeten Reichtümern; für die Armen reich.» 

Die Abtei war beim Tod von Mathilde von Flandern 1083 eines der damals modernsten 

Administrationszentren,das Dutzende von normannischen und englischen Dörfern, 

Weinbergen, Salzfeldern, Fischgründen und Handelshäusern vernetzte, und zugleich 

ein Leuchtturm der Poesie. Die in Konstanz lehrende Mediävistin Gabriela Signori trug 

dabei schon länger Indizien zusammen, wonach selbst die von der literarischen Elite 

um den Ärmelkanal damals so bewunderte Dichterin Muriel (gest. vor 1113) nicht vornehmlich 

in der Wilton Abbey, sondern in Caen gewirkt hatte. Leider ist keines ihrer 

Werke überliefert. Aber könnte nicht eines der Grund jenes aufgeregten Anrufs meiner 

Freundin gewesen sein? Auf alle Fälle dürfte das Epitaph für die Reine-Duchesse 

Mathilde auf eine der Frauen zurückgehen, die in der dank zahlreicher werdenden 

Historikerinnen zwar allmählich besser erforschten, aber doch noch unterbewerteten 

vortrefflichen Schreibstube der Abbaye-aux-Dames die Feder führten. 

Katharina Holderegger, Kunsthistorikerin, Kritikerin, Kuratorin, lebt mit ihrer Familie am Genfersee, dissertiert 

mit ‹Monument und Geschlecht› an der Universität Bern. 

→ Ansichten: Ein Bild, ein Text – Autor/innen kommentieren eine visuelle Vorlage ihrer Wahl. 

FOKUS // ANSICHTEN 

45

Fri Art — Retour à Fribourg 

A House is not a Home, vue d’exposition, Fri Art, 2019. Photo: Guillaume Baeriswyl 


Fri Art propose une exposition collective en deux volets avec de 

jeunes artistes suisses et internationaux. Si elle s’inscrit dans 

les débats contemporains sur l’identité, l’exposition met surtout 

en relief la fragilité de cette notion, dans la dualité entre les 

corps et de l’architecture ou entre la conception et la réception 

d’une œuvre. Sylvain Menétrey 

«Annie Ernaux évoque à merveille ce malaise que l’on ressent lorsqu’on revient chez 

ses parents après avoir quitté non seulement le domicile familial mais aussi la famille 

et le monde auxquels, malgré tout, on continue d’appartenir, et ce sentiment déroutant 

d’être à la fois chez soi et dans un univers étranger.» Dans ces lignes de ‹Retour 

à Reims›, Didier Eribon décrit certaines des questions qui parcourent la double 

exposition ‹A Home is not a House› et ‹A House is not a Home› que propose Nicolas 

Brulhart pour ses débuts comme directeur artistique du centre d’art Fri Art. L’origine 

comme déterminisme auquel le sujet cherche à échapper. La maison comme lieu de 

confort et de réconfort, mais aussi de traumatismes et de violences assourdies. 

Se saisir de l’identité pour lutter contre les structures d’exclusion et rendre visible 

certaines communautés minorisées est une stratégie à l’œuvre dans de nombreuses 

pratiques artistiques actuelles. De jeunes artistes en font un enjeu, parfois trop exclusif, 

de leur travail. Mais, en parallèle, la question identitaire est aussi récupérée, 

par des groupes d’extrême-droite qui la brandissent dans une idéologie de rejet. 

Dans ces débats sensibles, comment un curateur qui n’appartient pas à une minorité 

visible peut-il se positionner ? Plutôt que d’apporter des réponses définitives, 

Nicolas Brulhart décentre habilement le propos pour nous faire réfléchir à des enjeux 

de réception de l’art en posant cette éternelle question : à quel point le prisme 

biographique doit-il informer la lecture d’une œuvre, surtout quand celle-ci se refuse 

à l’interprétation? A ce titre, on notera que ces interrogations sur l’identité et le 

domestique interviennent justement au moment du retour du curateur dans sa ville 

d’origine de Fribourg. 

Une maison bien rangée 

L’accrochage du premier chapitre déjouait cependant les préjugés au sujet d’un 

curateur issu de la scène alternative. Chaque œuvre bénéficiait d’un espace généreux. 

Marie Kondo semblait avoir épuré les salles de la Kunsthalle fribourgeoise: 

moins de cimaises, des fenêtres libérées, un éclairage doux et caressant. Comme 

si le retour à Fribourg s’accompagnait d’un désir de respectabilité. Mais les antagonismes 

se multipliaient dans cette maison bien rangée. Comme le titre en forme de 

chiasme des deux expositions l’indique, peu importe l’ordre de l’équation : signifiant 

et signifié ne s’unissent jamais. C’est dans cette inadéquation du soi et de l’autre, et 

de l’œuvre et de son contexte, que se logent les travaux des treize artistes invités, 

tous représentants de la jeune génération. 

FOKUS // FRI ART 

47

Cette logique était particulièrement visible dans le théâtre mental plus dépouillé 

du premier étage. Les élastiques tendus à quelques centimètres du sol par Olga 

Balema exprimaient la difficile cohabitation du sujet et de l’architecture. Cette 

œuvre, piège pour les pieds et le regard, citait le minimalisme, en rendant le spectateur 

conscient de son corps dans l’espace. Mais la facture artisanale de l’œuvre, 

avec ses bandes rapiécées et peintes, ses brins qui traînaient au sol, renvoyait, elle, 

à des occupations de préaux scolaires, des ouvrages de couture ou à d’autres souvenirs 

subjectifs. Le jeu et le passe-temps affluaient aussi dans le diptyque de Marie 

Gyger, composé de petits avions en papier collés sur des feuilles grises biseautées 

comme des tuiles. Disposés en ligne sur des plis des feuilles, les avions formaient 

des motifs de fils barbelés qui clôturaient le désir d’évasion. Une chimère de chèvre, 

mi-cadavre, mi-jouet, guignait de ses yeux aveugles en faux diamants depuis l’extérieur 

de la fenêtre. Ce memento mori bouffon de Tristan Lavoyer raillait la position inconfortable 

du visiteur, invité mais néanmoins intrus dans cette maison, spectateur 

d’identités fracturées. 

Le rez insistait davantage sur les bases matérielles et domestiques, avec une 

majorité de sculptures plus affirmatives. On y retrouvait une chèvre de Tristan Lavoyer, 

qu’un mécanisme faisait aller bêtement d’avant en arrière sur un rail comme 

une allégorie de l’individu domestiqué et automatisé par les technologies de pouvoir. 

Nicolas Brulhart (1983, vit à Fribourg), directeur artistique de Fri Art depuis juin 2019 

auparavant archiviste à la Kunsthalle de Berne, co-directeur de Forde à Genève, un des membres 

fondateurs de l’espace indépendant WallRiss à Fribourg 

curateur de l’exposition collective ‹Discoteca Analitica› à Fri Art, 2019 

A Home is not a House, vue d’exposition, Fri Art, 2019. Photo: Guillaume Baeriswyl 


Le pouvoir symbolique du phallus était tourné en dérision, renvoyé à sa puérilité, à 

une fonction décorative ou à une utilité profane, par la série Bloomers de Daphne 

Ahlers, des sculptures moulées dans des coques de protection pour les parties génitales 

masculines. Les positifs obtenus par ces opérations de moulage, accrochés 

au mur à hauteur d’entrejambe, étaient agrémentés de nœuds aux couleurs pastels 

ou servaient de patères. D’autres œuvres développaient des approches idéalisées de 

l’identité et de la maison, à travers le rêve ou l’artifice, exprimant cette dialectique 

de l’image de soi libre et du regard de l’autre qui conditionne, dans une métaphore 

de la négociation entre la subjectivité de l’artiste et les projections du spectateur qui 

servait de fil conducteur à l’exposition. 

Un public bien domestiqué 

Le second volet, ‹A Home is not a House›, que nous avons pu visiter en cours de 

montage, introduit un changement radical de scénographie. Les fenêtres sont désormais 

recouvertes de filtres miroir qui referment le bâtiment sur lui-même et multiplient 

les reflets. L’éclairage est diffus. Des rideaux noirs théâtralisent les salles. Le 

public, qui pouvait librement exercer son regard dans le premier chapitre, est cette 

fois-ci assailli par l’exposition qui s’impose à lui, le désoriente et lui renvoie son 

image. Il est devenu l’Autre, celui sur qui le pouvoir s’exerce. Par ce renversement, le 

curateur nous plonge dans cette étrange sensation dont parle Eribon d’être à la fois 

chez soi et dans un univers étranger. Les identités muettes de la première exposition 

deviennent envahissantes, à l’exemple de ce sac à main en velours noir monumental 

avec des charms dorés de Gina Fischli à l’entrée, dont la féminité déborde sur l’architecture 

et le public. Aussi cette énigmatique peinture expressionniste sur carton de 

Sophie Oxe, une artiste que vous ne trouverez pas sur Google. La toile représente en 

touches grossières à la Ensor un bateau flanqué d’un drapeau suisse avec pour passagers 

des hommes en hauts-de-forme hilares, dont deux serrent une mariée. Le curateur 

nous explique que l’auteure était une bourgeoise fribourgeoise «excentrique», 

décédée en 2010 dans l’EMS voisin de Fri Art. Sa production picturale, léguée au Musée 

d’art et d’histoire de Fribourg n’a jamais quasiment jamais été exposée. Comment 

interpréter cette scène? Rapt ou sauvetage? Une recherche biographique donnerait-elle 

les clés de cette allégorie possiblement féministe ? On salue le parti-pris 

barthésien du curateur de montrer des artistes aux identités multiples de genre ou 

de race sans mentionner ces éléments biographiques. Il invite à des lectures plus 

subjectives et à apprécier les qualités plastiques des œuvres, même si certaines, 

comme dans le cas de Sophie Oxe, sont plus discutables. 

Sylvain Menétrey, curateur, critique indépendant et enseignant à la HEAD–Genève, vit à Lausanne. 

sylvain.menetrey@gmail.com 

→ ‹A Home is not a House›, avec Daphne Ahlers, Olga Balema, Camille Blatrix, Gina Fischli, 

Sitara Abuzar Ghaznawi, Marie Gyger, Lewis Hammond, Nora Kapfer, Tristan Lavoyer, Claudia Lemke, 

Dominic Michel, Sveta Mordovskaya, Ser Serpas, Sophie Oxe, Fri Art – Kunsthalle Fribourg, 

jusqu’au 12.1. ↗ www.fri-art.ch 

FOKUS // FRI ART 

49

Cerith Wyn Evans — Testimoni 

oculisti in un viluppo misterioso 

StarStarStar/Steer (totransversephoton), 2019, veduta dell’installazione, Pirelli Hangar Bicocca, 

Milano, Courtesy White Cube e Pirelli Hangar Bicocca. Prodotto con il supporto tecnico di INELCOM, 

Madrid. Foto: Agostino Osio 


All’Hangar Bicocca in Milano le immateriali sculture fluttuanti 

di luce e suono di Cerith Wyn Evans procurano un’esperienza 

sinestetica piena di misteri in un bosco intessuto di citazioni 

e allusioni, che appaiono e spariscono a seconda del punto di 

vista del publico. Barbara Fässler 

Negli anni 2000 l’artista gallese Cerith Wyn Evans da regista sperimentale e strutturalista 

si è convertito a scultore, e ora il suo film è diventato scultura immateriale, allo 

stesso modo fatta di luci e suoni. Da riproducibili i suoi lavori si sono fatti irripetibili 

e hanno sommerso lo spazio espositivo, lo spazio reale del qui e ora. La sua mano 

da regista mette in scena le sue sculture immateriali nella cattedrale dell’Hangar 

Bicocca. Allo stesso tempo Cerith Wyn Evans dirige i protagonisti, gli spettatori, in 

una coreografia articolata come flusso libero e permette loro, così facendo, di immergersi 

in uno spazio-tempo magico e fluttuante in cui la percezione delle opere si 

modifica con ogni passo. 

Oltre a trasporre il linguaggio del cinema nel vocabolario scultoreo e nello spazio 

fisico, Evans reinterpreta concetti, forme ed elementi dai più disparati campi della 

cultura come l’arte moderna e antica, la musica, la letteratura, la danza e la scienza. 

Così il titolo stesso ‹… the illuminating Gas› cita il titolo di ‹Etant donné›, l’ultima 

opera di Marcel Duchamp, nella quale lo spettatore diventa voyeur. La citazione si 

riferisce al ruolo del gas nella produzione di luce, condizione sine qua non di ogni 

opera d’arte visiva e della sua percezione. All’ingresso gli spettatori si imbattono subito 

in una foresta di sette colonne fatte di tubi di vetro. Esse somigliano solo formalmente 

ai pilastri dell’architettura antica, poiché non poggiano nemmeno per terra e 

sono fatte di vetro, quindi fluttuano nello spazio e rappresentano paradossalmente 

la trasparenza e l’estrema fragilità. Un algoritmo detta il ritmo con il quale i led si 

accendono e spengono lentamente, e le colonne passano da traslucide a bianche, da 

spettrali a illuminate. 

Nella navata centrale il pubblico scorre liberamente sotto le giganti sculture di 

neon che evocano i concetti spaziali di Lucio Fontana in versioni ingarbugliate, piene 

di citazioni più o meno esplicite, che appaiono a seconda del punto di vista. Vi si trovano 

ad esempio i «testimoni oculisti» del Grande Vetro di Marcel Duchamp, delle 

linee convulse e aggrovigliate che seguono i gesti e le coreografie del teatro Noh del 

Giappone; delle formule chimiche o delle forme geometriche. Come deve aver provato 

Cerith Wyn Evans stesso anni fa a Tokyo guardando la città da un grattacielo, anche il 

pubblico si deve sentire incapace di cogliere tutti i significati e i livelli interpretativi di 

una realtà complessa e indecifrabile, misteriosa e nascosta che si dà alla vista come 

intrico di luci. 

Barbara Fässler è artista, teorica e critica d’arte. barbarasic.faessler@gmail.com 

→ ‹… the illuminating Gas›, Hangar Bicocca, Milano, fino al 23.2. ↗ www.pirellihangarbicocca.org 

FOKUS // CERITH WYN EVANS 

51

HINWEISE 

Digitale Kunst — Speculative 

Habitat for Sponsored Seabirds 

Curator’s Choice — 30 Sekunden habe ich Zeit, 

mir dieses Kunstwerk anzuschauen, dann verschwindet 

es. Vom Verschwinden handelt es, 

dem der Vögel angesichts der Klimakatastrophe 

und der Bedrohung ihrer Lebensräume. Ich 

sehe niedliche Computerspiel-Flamingos und 

Pinguine und ein Schild: «The Long and Short 

of It». Lange Zeit, kurze Zeit, was bedeutet das 

angesichts der 4,6 Milliarden Jahre Erdalter 

und nur 200’000 Jahre des Homo sapiens? 

Kristin Lucas’ ‹Speculative Habitat for Sponsored 

Seabirds› ist im Rahmen des seit 2010 

existierenden Sunrise/Sunset-Projekts auf der 

Website des Whitney Museum zu sehen, jeweils 

für 30 Sekunden, wenn die Sonne in New York 

auf- oder untergeht. Die Arbeit passt zum Format 

und bindet die Zeit- und Ortlosigkeit des 

Netzes an die Tatsache, dass wir uns auf einem 

Planeten befinden, der um die Sonne kreist, die 

unser Leben möglich macht, aber auch bedroht. 

Sie warnt nicht nur, sondern schlägt auch Handeln 

vor. Jeder digitale Vogel entspricht einem 

realen, dessen Patenschaft Lucas über eine 

Vogelschutzorganisation übernommen hat. Die 

Arbeit ist Teil des grösseren Projekts flARmingos, 

das auch eine App zu den Tanzbewegungen 

der Vögel umfasst. Raffael Dörig 

Kristin Lucas · Speculative Habitat for Sponsored 

Seabirds, 2019 

↗ whitney.org ↗ dancewithflarmingos.net 

Len Lye 

Basel — Die Visualisierung von Bewegung ist 

sein künstlerisches Mittel. Sichtbar wird es vor 

allem in seinem Hauptmedium, dem Medium 

der Bewegung selbst: im Film. Aber auch in 

anderen künstlerischen Disziplinen entwickelte 

der neuseeländische Künstler Len Lye Kompositionen 

von Bewegung. 

Ausgehend von seinen Zeichnungen indigener 

Formensprache, die in ihrer Ornamentik an 

einen Versuch erinnern, Struktur beweglich 

zu machen (Totem-und-Tabu-Skizzenbuch, 

1922–1926), erarbeitete Lye zwischen den 

Dreissiger- und Fünfzigerjahren avantgardistische 

Experimentalfilme. Konkrete, figurative 

Formen entwickeln sich darin zu immer 

stärker abstrakt werdenden Bewegungsmustern 

und Farbfeldern mit überwältigender 

Leuchtkraft, für die er zum Teil unmittelbar 

auf die rohen 35-mm-Filmstreifen malte. Die 

Bilder sind dabei stets mit virtuoser Musik 

unterlegt, an deren Rhythmus sich die im 

Film ablaufenden Muster anpassen. Auch auf 

seinen sogenannten Scratch-Filmen tanzen 

die händisch auf den Film gekratzten Linien 

analog zum Ton – sie vertonen damit ganz 

konkret die Bewegung der hinterlassenen 

Spuren, und man mag bei diesem Medium an 

die Funktion einer tontragenden Schallplatte 

denken. Den zu erwartenden Sprung erleben 

wir etwas weiter hinten, im letzten Raum der 

Ausstellung: bei Len Lyes kinetischen Skulpturen. 

Ein Drahtbüschel wirbelt wild durcheinander. 

Eine Kugel aus Kork balanciert leicht 

hüpfend auf einem flexiblen Metallstreifen, 

der, zu einem Kreis geformt, sich in Endlosschleife 

um sich selbst dreht. Die gleiche 

Kugel schlägt in einer anderen Installation 

in heftigen Vibrationen gegen eine aufrecht 

stehende Metallfläche, die dadurch in eine 

laut hörbare Schwingung versetzt wird. Die 

musikalische Begleitung verleiht den durch 

ihre Motorisierung bewegten Skulpturen eine 

dominante Dramatik. 

Die feinen, bildhauerisch in den Raum übersetzten 

Linien aus Len Lyes Doodle-Zeichnungen, 

in denen die frei aufs Papier gebrachten 


Striche eine abstrakte Bewegung festhalten, 

lassen noch ein wenig die vorherige Ausstellung 

der Position Rebecca Horns (→ KB 9/2019, 

S. 80/81) in diesen Räumen nachklingen. Die 

rudimentäre Art der akustischen Kinematik 

erinnert andererseits an den Gastgeber des 

Hauses selbst: Jean Tinguely. 

Alles in allem verfolgte Len Lye jedoch einen 

ganz eigenen Stil, der sich intensiv dem Phänomen 

der Bewegung widmet und sich in einer Art 

künstlerischen Studie mit dessen Ausdrucksformen 

auseinandersetzt. VMS 

Len Lye · Tulsalava, ca. 1929, 1/12 einer Fotoserie, 

ca. 20 x 25 cm, Filmstill 

Len Lye · A Colour Box, 1935, Tonfilm, 4’, 35 mm, 

Farbe (Dufaycolor), Filmstill 

→ Tinguely Museum, bis 26.1. 

↗ www.tinguely.ch 

Josef Albers 

Bellinzona — Die Villa dei Cedri in Bellinzona 

gibt dank einem Fundus erstmals gezeigter 

Skizzen und Collagen den bislang vielleicht 

schönsten Einblick in die Serie ‹Homage to 

the Square› von Josef Albers, die von 1949 bis 

zu seinem Tod über 2000 Werke umfasste. Die 

Schau setzt bei den Mosaiken und Fenstern 

ein, die der Künstler als Student am Bauhaus 

1920–1923 aus Scherben herstellte. Erstmals 

verbanden sich darin Experimente zur Kombination 

monochromer Oberflächen mit Lichtstudien. 

Notabene typografische, aber auch freie 

Arbeiten aus dem nächsten Jahrzehnt zeigen, 

wie Albers diese Interessen vertiefte. 

Spannend ist vor allem, wie das Kuratorenduo 

Carole Haensler, Direktorin der Villa dei 

Cedri, und Marco Pierini, Direktor der Galleria 

Nazionale dell’Umbria Perugia, die Anregung 

Albers’ durch seine Südamerikareisen nach 

seiner Emigration in die USA 1933 gewichtet. 

Wie Versuchsreihen zeigen, gelangte Albers bei 

der jahrelangen Verarbeitung der suggestiven 

Repetitionen von Strukturen und Ornamenten 

präkolumbianischer Architektur wie auch der 

für europäische Augen schrillen Buntheit südamerikanischer 

Kulturen zu einer Zuspitzung 

formaler Reduktion und farblicher Variation, 

deren Höhepunkt die nur mehr auf vier Typen 

beschränkte ‹Homage to the Square› darstellte. 

Diese Serien, die eher Echoräume von Erinnerungen 

als autoritäre Setzungen sein wollten, 

können auch als Kippmomente zwischen der 

modernen und der minimalistischen und damit 

zeitgenössischen Kunst aufgefasst werden. 

Den farbtheoretischen Rückgriff auf Goethe 

oder Chevreul, die beide schon im 19. Jh. das 

subjektive Erleben der Schwingungen des 

Lichts darlegten, schickte er dabei genauso der 

Praxis hinterher, wie er diese unterschiedlichen 

Lehren bis 1949 am Black Mountain College 

und danach an der Yale University vermittelte. 

Bevor es in der Villa dei Cedri die Treppe hochgeht, 

wird auch noch die für seine europäische 

Rezeption bedeutende Freundschaft mit 

seinem ehemaligen Schüler Max Bill behandelt. 

Auf der Beletage ist man dagegen vor 

HINWEISE // CURATOR’S CHOICE / BASEL / BELLINZONA 

53

einer grossartigen Auswahl von 100 Gemälden 

und Drucken aus der ‹Homage to the Square› 

nur noch zum Eintauchen in das Innere nicht 

zuletzt seines eigenen Sehens und Denkens 

eingeladen. Die Aktualität dieser subtilen 

Bewusstseinsschärfungen, dass sich alles nur 

langsam in Zusammenhängen erahnen lässt, 

ist natürlich ungebrochen. KHO 

Josef Albers · Color Study for: Homage to the 

Square, undatiert, Öl und Bleistift auf Zeichenfolie, 

33,5 x 30,6 cm, The Josef and Anni Albers 

Foundation @ ProLitteris 

Josef Albers · Color Study for: Homage to the 

Square, undatiert, Öl und Bleistift auf Zeichenfolie, 

29,5 x 23,7 cm, The Josef and Anni Albers 

Foundation © ProLitteris 

→ Museo Villa dei Cedri, bis 2.2.; mit Katalog 

↗ www.villacedri.ch 

Tom Fellner, René Fahrni 

Brugg — Man kann es Zufall nennen. «Dummy» 

und «Bunny» reimen sich. Also bringt man 

die beiden Werke zusammen und fertig ist 

die Installation. So ungefähr muss man sich 

das Vorgehen der beiden Zürcher Künstler 

mit Aargauer Wurzeln Tom Fellner (*1956) und 

René Fahrni (*1977) vorstellen, die im Zimmermannhaus 

Brugg einen nicht ganz ernstzunehmenden 

Kunstparcours unter dem Titel 

‹Dummies› (deutsch: Attrappen, Dummköpfe) 

aufgebaut haben. Wer sind die beiden Fantasiebegabten, 

die lose befreundet sind und die 

sich nun auch künstlerisch begegnen? Der in 

New York geborene Tom Fellner hat in den USA 

Philosophie, Kunst und Malerei studiert und 

unterrichtet heute an der Fachhochschule für 

Gestaltung und Kunst der Nordwestschweiz. 

Seine Arbeiten sind unter anderem in den 

Sammlungen des Metropolitan Museum und 

des Aargauer Kunsthauses zu finden. Kennzeichen 

des Kunstmalers: Bad Painting. Objektkünstler 

René Fahrni hat die F+F Schule Zürich 

absolviert und wurde mit diversen Kunststipendien 

gefördert. Unter anderem war er an 

Art and the City in Zürich beteiligt, stellte in 

diversen Offspaces aus und als Gastkünstler im 

Aargauer Kunsthaus. Zurück nach Brugg: Eine 

Skulptur von Fahrni wird also einem Bild von 

Fellner zugeordnet oder umgekehrt. Wenn der 

Objektkünstler in ‹Dummy› vier unterschiedlich 

grosse Kuben aus Karton übereinanderstapelt, 

als wärs ein abstrahierter Hase, so hat er gleich 

Fellners aquarellierten ‹Evil Bunny› zur Seite, 

der alles andere als böse, sondern ziemlich 

liebenswürdig dreinschaut. Unvereinbares 

im Gleichen ist die Würze des Witzes. Und in 

diesem Sinn ticken auch die beiden Künstler. 

Sie mixen lustvoll High und Low, Fahrni mit 

Objekten aus Alltagsmaterial wie Holz, Gips 

oder Jute und Fellner mit popartiger Malerei 

auf bedruckten Dekostoffen. Wundern Sie sich 

also nicht, wenn Sie auf ihrem Rundgang unter 

einer magischen Laterne durchspazieren, die 

von gruseliger Hand gehalten wird, und Ihnen 

gleichzeitig eine Katze auf gemustertem Tuch 

zuschaut, wie Sie über Hindernisse aus Holz 


und Gips stolpern. Und freuen Sie sich über den 

bunten Kraken, der über einem Bouquet aus 

kahlen Hölzern prangt. Fragt sich nun: Ist diese 

Welt der Attrappen eine Scheinwelt? Ist die Welt 

generell eine Scheinwelt? Oder sind wir am Ende 

selber die Dummköpfe, die sich darin überlisten 

lassen? Fast (un)heimelig. FS 

René Fahrni · Entry Hall Table, 2014, Gips, Holz, 

Wolle, Ölfarbe 

Hermann Scherer 

Freiburg/Br — Hermann Scherer (*1893–1927), 

der mit nur 34 Jahren verstorbene Bildhauer, 

Maler und Grafiker, schuf in einer vergleichsweise 

kurzen Zeitspanne ein Werk, das noch 

heute von Interesse ist. Dies belegt eine 

aktuelle Schau mit privaten Leihgaben sowie 

zahlreichen Werken aus den eigenen und den 

Beständen des Dreiländermuseums in Lörrach. 

Ganz in der Nähe von Lörrach wurde Scherer 

geboren. Der Besuch einer Munch-Ausstellung 

im Kunsthaus Zürich Anfang der Zwanzigerjahre 

beeindruckte ihn tief – und weckte womöglich 

den Künstler in ihm. Die Bekanntschaft mit 

Ernst Ludwig Kirchner, den er in der Kunsthalle 

Basel kennen gelernt hatte, gab seinem Schaffensdrang 

Schub – und eine Neuausrichtung. 

Als Bildhauer findet der ausgebildete Steinmetz 

bald zu einer eigenen, starken Bildsprache 

– so in der kühnen ‹Mutter, Kind säugend› 

in Arve. Als Maler orientiert er sich an Kirchner, 

doch geht er in der Dynamisierung seiner Landschaften 

über das Vorbild hinaus. Ganz stark 

ist Scherer auch in den Holzschnitten – wie in 

dem ‹Raskolnikov›-Zyklus nach Dostojewski, 

dessen Protagonist Züge von ihm trägt. HDF 

Tom Fellner · Kleiner Krake, 2015, Tempera und 

Öl auf bedrucktem Stoff 

→ Zimmermannhaus, bis 1.3. 

↗ www.zimmermannhaus.ch 

Hermann Scherer · Berglandschaft Sertigtal- 

Davos, um 1923/24, Galerie Iris Wazzau. 

Foto: Jakob Jägli 

→ Museum für Neue Kunst, bis 15.3. 

↗ www.freiburg.de 

HINWEISE // BRUGG / FREIBURG/BR 

55

Im Garten der Farbe 

Freiburg/Br — Es ist die erste Ausstellung 

unter dem neuen Namen: PEAC, Paul Ege Art 

Collection heisst der Kunstraum Alexander 

Bürkle seit Kurzem. Neu ist auch, dass er 

nun als Museum firmiert. Die rund 900 Werke 

umfassende Sammlung umfasst Arbeiten von 

Vertretern der Minimal Art wie Donald Judd, 

Sol LeWitt und Robert Ryman oder des Radical 

Painting wie Marcia Hafif und Phils Sims, aber 

auch Werke von Josef Albers, Helmut Federle 

und Beat Zoderer. In der aktuellen Schau ‹Im 

Garten der Farbe› geht es um Kunst, die Farbe 

zum Thema macht. Maria Tackmann untersucht 

bspw., wie sich Stofffarbe in unterschiedlichen 

Papieren ausprägt. Ein Raum bietet Monochromien 

von Rudolf de Crignis, dessen Bilder 

Farbe, Licht und Raum in geradezu körperlicher 

Präsenz zur Geltung bringen. Zuletzt werden 

Werke von fünf Künstlern einer jüngeren Generation 

vereint. Der älteste darunter ist mit Jahrgang 

1966 der Zürcher Reto Boller. Sein Bild 

hat dinglichen Charakter, nicht nur, weil es sich 

aus der Vertikalen in die Horizontale begeben 

hat. Die Materialien entstammen kunstfremdem 

Kontext und wecken Assoziationen an die 

alltägliche Welt. Und in den beiden Wandarbeiten 

der Baslerin Judith Kakon bringt sich Farbe 

im Material gewissermassen anonym und ohne 

künstlerisches Zutun im Lauf des Entstehungsprozesses 

selbst zur Geltung. HDF 

Rudolf de Crignis · Painting No. 01 38, 2001, Öl 

auf Leinwand, 152,4 x 152,4 cm (l) und Painting 

No. 97 11, 1997, Öl auf Leinwand, 76,2 x 76,2 cm 

(r), Paul Ege Art Collection. Foto: Bernhard Strauss 

→ PEAC, bis 19.4. ↗ www.peac.digital 

Teresa Margolles, Adrian Paci 

Krems — «En la herida» bedeutet auf Spanisch 

«in der Wunde». Dieser metaphysische Zustand 

wurde von der mexikanischen Künstlerin 

Teresa Margolles (*1963) in einer eindrücklichen 

Performance in der Kunsthalle Krems 

vergegenwärtigt, die von einer österreichischen 

Transgender-Performerin ausgeführt wurde. 

Ein leerer Raum, ein Messer und ein Döschen, 

welches das Fett einer ermordeten mexikanischen 

Transgender-Prostituierten enthielt, 

waren die sparsamen Utensilien, mit denen 

am Eröffnungsabend zunächst eine Linie in die 

Wand geritzt wurde, um diese anschliessend 

mit dem Fett der Leiche einzustreichen. Es ist 

ein Akt, der nur symbolisch die Wunden heilen 

kann, die den ermordeten Transgender-Personen 

zugefügt wurden. Die Drastik einer solchen 

Geste ist typisch für Margolles’ Werk, in dem 

der gewaltsame Tod die zentrale Rolle spielt. 

Die repressive Unterdrückung in der mexikanischen 

Gesellschaft durch Drogenkriege, soziale 

Ungerechtigkeiten oder Genderhass bildet den 

Hintergrund für ihre dokumentarisch inszenierten 

Videos und Fotografien, in denen trotz aller 

Gewalt immer auch Stolz und Widerständigkeit 

spürbar sind, wie in der Serie ‹Pistas de Baile›, 

wo Prostituierte auf den Überresten abgerissener 

Diskotheken und Nachtklubs, ihrer früheren 

Arbeitsstätten, posierten. 

Neben einer Auswahl älterer Arbeiten von 

Margolles zeigt die Kunsthalle Krems eine 

weitere Ausstellung mit Werken des albanischen 

Künstlers Adrian Paci (*1969). Ältere und 

neuere Videoarbeiten, aber auch eine Reihe 

von wenig bekannten Ölbildern, die Szenen von 

schiffbrüchigen Migrant*innen zeigen, sind hier 

in einer kleinen Retrospektive versammelt. – 

Gerne hätte man von beiden Kunstschaffenden 

noch mehr neue Werke gesehen. Pacis Arbeiten 

drehen sich um die prekären Lebensbedingungen, 

in denen sich Menschen in postsozialistischen 

Ländern Südosteuropas befinden, 

um Verlust von Gemeinschaften und um das 

Verlorensein in einer fremden Welt, dem oft 

nur durch Migration begegnet werden kann. 

In der neuen Filminstallation ‹Prova› von 2019 


schliesst Paci an eine ältere Arbeit von 2004 an, 

in der die auswegslose Situation einer Gruppe 

von Arbeitslosen dokumentiert wird. Paci lässt 

die Protagonisten in einer nächtlichen Szenerie 

einer Bauruine wie in einem antiken Drama 

auftreten. Dabei öffnet sich ein gespenstischer 

Raum der Ausweglosigkeit, des Wartens und 

des erzwungenen Nichtstuns. PG 

Teresa Margolles · Berenice, Pista de Baile del 

Bar Tlaquepaque, 2016, Videostill 

Pablo Walser 

Kreuzlingen — Wer will, wer will, wer hat noch 

nicht? Lassen Sie das Glücksrad kreisen! 

Erfinden Sie Ihre eigene Propagandazeile! Oder 

gleich ein neues Weltbild! Begründen Sie eine 

Religion! Alles ist möglich, nur friedlich muss 

es sein und tolerant, hierarchiefrei und offen. 

Dann fügt es sich perfekt in Pablo Walsers 

Ausstellung im Kunstraum Kreuzlingen. Der 

Künstler (*1989) hat 2019 den Thurgauer Adolf 

Dietrich-Förderpreis erhalten und präsentiert 

anlässlich dieser Auszeichnung eine Denkwerkstatt 

voller Philosophien, Utopien und Ideale. 

Ihre Form ist ebenso heterogen wie ihr Inhalt: 

Fortschrittliche Ideen aus dem 19. Jahrhundert 

treffen auf tagesaktuelle Theorien, eine 

grandiose Zettelwirtschaft auf grosse Schautafeln, 

vollautomatisches Kinderspielzeug auf 

Mitmachaktionen, Malerei auf Biomasse. Hier 

geht es drunter und drüber und doch fügt sich 

alles zusammen, denn Pablo Walser wertet das 

Material nicht. Eine übermalte Zeitungsseite 

ist ihm genauso wichtig wie der ganze Schreibtisch, 

ein Skizzenfragment steht selbstverständlich 

neben einem mehrseitigen, detailreichen 

Comic. Diese Gleichbehandlung drückt 

beiläufig und doch sehr deutlich den Anspruch 

aus: Fort mit Grenzen und Rangordnungen! Mit 

Witz und Verve für eine bessere Welt! KS 

Adrian Paci · At sea, 2017, Öl auf Leinwand 

→ Kunsthalle Krems, bis 23.2. 

↗ www.kunsthalle.at 

Pablo Walser · Ausstellungsansicht Kunstraum 

Kreuzlingen. Foto: Richard Tisserand 

→ Kunstraum Kreuzlingen, bis 19.1. 

↗ www.kunstraum-kreuzlingen.ch 

HINWEISE // FREIBURG/BR / KREMS / KREUZLINGEN 

57

Konrad Klapheck 

La Chaux-de-Fonds — Der Titel der Ausstellung, 

‹Venus ex Machina›, ist perfekt gewählt: 

Knapp benennt der vom Musée des Beaux- 

Arts über der Werkschau des Düsseldorfer 

Malers Konrad Klapheck (*1935) gezündete 

Funke die zentralen Inhalte Eros, Technik und 

Bühnengeschehen. Subtil umreisst er auch 

die etwas kühle Machart der Exponate und die 

Werkchronologie, die rückwärts angegangen 

wird. Eine Retrospektive ist es nicht; dafür fehlt 

etwa eine Auswahl der gezeichneten Künstlerund 

Galeristenporträts. Und auch die im Stil 

von Picabia oder Man Ray über die Sprache 

zu menschlichen Akteuren erklärten Maschinen 

und Apparate, für die Klapheck seit 1955 

bekannt ist, sind nicht mit all ihren Unterkategorien 

präsent. Dennoch ist namentlich der 

Schluss der Ausstellung im kargen UG, das mit 

der sachlichen Optik dieser Werke perfekt korrespondiert, 

repräsentativ bespielt. Näh- und 

Schreibmaschinen als Statthalter weiblicher 

respektive männlicher Figuren stehen hier 

entsprechend ihrer Bedeutung im Gesamtwerk 

im Fokus, oftmals autobiografisch konnotiert. 

Beigesellt sind ihnen beispielsweise konstruktive 

Details einer Fahrradklingel, eines Objekts, 

das die Synästhesie von Visuellem, Taktilem 

und Auditivem bei Klapheck früh schon einbringt. 

Weiter finden sich Dinge wie Duschköpfe, 

Schnürstiefel und Schuhspanner, die den 

Körper – mal prothesenhaft, mal latent erotisch 

– ganz direkt adressieren. Hier erfüllt sich 

in jagendem Assoziieren, was von Beginn weg 

durchklingt. Sprich, dass die Ausstellung, ja 

im Grunde das gesamte, im zeitlichen Vakuum 

von Magischem Realismus, Surrealismus, Pop 

Art und Hyperrealismus angesiedelte Œuvre 

des Künstlers der Psychologie des Begehrens 

gilt: als zwiespältiges Streben nach Kontrolle 

wie beim Auftaktbild einer Schreibmaschine 

des Typs Ideal, als ungezügelte Neugier eines 

Musikers auf die im Saal versammelte Menge, 

als Schaulust des Jazzfans Klapheck, der seine 

Diven in Roben so dünn wie Négligés hüllt, und 

schliesslich ganz unverblümt als sexueller 

Akt, der uns selbst in die Voyeurrolle zwingt. 

Tabulos verwehrt sich Klapheck jeder Altersprüderie 

und legt Erinnerungen, Fantasien oder 

auch Klischees des Aktzeichnens frei. 

Die noch sprödere Malweise dieser expliziten 

Werke nimmt man gern als Vorwand, um das 

Denken in unverfänglichere Bahnen zu lenken. 

Etwa indem man das ganze Personarium libertärer 

Vorläufer, seelentauchender Überväter 

und selbsterklärter Bad Painters aufzurufen 

beginnt. AN 

Konrad Klapheck, Der Dogmatiker, 2016, Öl auf 

Leinwand, 97 x 145 cm © ProLitteris, Galerie 

Lelong, Paris 

Konrad Klapheck · Die Fragen der Sphinx, 1984, 

Öl auf Leinwand, 121 x 114 cm © ProLitteris, 

Musée de Grenoble 

→ Musée des Beaux-Arts, bis 2.2. 

↗ www.chaux-de-fonds.ch/musees/mba 


Rivapiana 

Lichtensteig — Das 1972 erbaute Garni 

Rivapiana in Minusio hat seine besten Zeiten 

hinter sich. Eine Bewertung von 2013 lautet: 

«Hotel in die Jahre gekommen, da Einrichtung 

schon sehr veraltet ...» Ende 2018 logierte hier 

eine Gruppe von Kunstschaffenden, die von 

der bevorstehenden Sanierung des Hotels 

erfuhren. Ein Teil der Gruppe, Othmar Eder, 

Sara Rossi, Judit Villiger und Letizia Werth, 

griffen die Idee auf, andernorts eine Hommage 

an das Rivapiana zu realisieren – und zwar im 

toggenburgischen Lichtensteig. Das Kunstprojekt 

erstreckt sich vom Rathaus über die 

seit März 2019 bestehende Dogo Residenz für 

Neue Kunst bis zur Turnhalle, wo Jean-Marc 

Yersin grossformatige Fotografien präsentiert 

und in einer Art Wohnzimmer-Lounge die einst 

kontrovers diskutierte Schweizer Fernsehserie 

‹Das Motel› aus den Achtzigerjahren laufen 

lässt. Alle Arbeiten gehen von Genius Loci des 

Rivapiana aus sowie von Assoziationen, die 

mit Durchgangsorten in Verbindung gebracht 

werden. Die künstlerischen Herangehensweisen 

ergänzen sich zu einem bruchstückhaften, 

zwischen altmodischer Gemütlichkeit und 

befremdlicher Anonymität changierendem 

Bild einer vergangenen Welt. Zur Ausstellung 

erscheint ein Postkartenset und am letzten Tag 

wird Ulrich Gassers Stück ‹Schaulager› für ein 

Vokalquartett aufgeführt. LAC 

India Antica 

Mendrisio — Sie erinnern an die griechischen 

Kentauren, bloss ist der Unterkörper 

nicht einem Pferd, sondern einem geflügelten 

Löwen entliehen. Der üppige Schmuck, der die 

menschliche Hälfte beider Relieffiguren ziert, 

sowie der Turban auf dem Kopf des männlichen 

Mischwesens und der sie begleitende Elefant 

kennzeichnen sie als Angehörige der indischen 

Kultur. Sie huldigen einem Rad, das hier nicht 

für technische Errungenschaften, sondern für 

die Lehre des Buddha steht. 

Kunst im Dienste der Religion erzählte immer 

schon Geschichten durch Ikonografie und 

Symboliken, die innerhalb des jeweiligen 

Kulturkreises tradiert und so lesbar werden 

und ausserhalb desselben ahnendes Staunen 

auslösen können. Diese Erfahrung bestätigt 

sich nicht nur am beschriebenen Architrav- 

Fragment, das einst das Portal eines buddhistischen 

Gotteshauses markierte, sondern an 

zahlreichen Exponaten der Ausstellung ‹India 

Antica› im Museo d’arte in Mendrisio. Auch 

spiegelt sich die Faszination des Exotischen in 

dem Umstand, dass die Schau mit Objekten aus 

verschiedenen Schweizer Privatsammlungen 

bestückt ist. Gastkurator Christian Luczanits, 

Dozent an der Londoner School of Oriental and 

African Studies, fokussiert dabei auf die Wandelbarkeit 

der verschiedenen buddhistischen 

Gottheiten im Lauf von 14 Jahrhunderten – eine 

dichte, geheimnisvolle Zeitreise. DK 

Querbalken eines Tors, Mathura, Ende 1. bis 

Anf. 2. Jh. n. Chr., roter Sandstein, 25,5 x 100 cm 

Jean-Marc Yersin · Maquette, 2019, Turnhalle 

Lichtensteig © ProLitteris 

→ Museo d’arte, bis 26.1. 

↗ www.museo.mendrisio.ch 

→ Rathaus, Dogo Residenz, Turnhalle, 11.–24.1. 

↗ rathausfuerkultur.ch ↗ dogoresidenz.ch 

HINWEISE // LA CHAUX-DE-FONDS / LICHTENSTEIG / MENDRISIO 

59

Marianne von Werefkin und 

Alexej von Jawlensky 

München — Sie waren eines der grossen 

Künstlerpaare der Moderne: Marianne von 

Werefkin (1860–1938) und Alexej von Jawlensky 

(1864–1941). ‹Lebensmenschen› im 

Kunstbau im Lenbachhaus präsentiert nun 

erstmals ihr Œuvre in der Zusammenschau. Die 

Kooperation mit dem Museum Wiesbaden und 

dem Museo Comunale d’Arte in Ascona legt 

anhand von 119 Gemälden und Grafiken sowie 

Fotografien und Dokumenten Leben und Kunst 

übereinander. Was die anregend inszenierte 

Biopic-Schau über den «voyeuristischen Blick» 

hinaus spannend macht, ist die Tatsache, dass 

das ungleiche Paar politisch bewegte Zeitläufte 

zwischen zwei Weltkriegen durchlebte, 

und gemeinsam die Schwelle zur Avantgarde 

überschritt. 

Werefkin, Tochter aus adliger russischer 

Familie, war Schülerin bei Ilja Repin, galt ihm 

als Ausnahmetalent. Dort lernte sie Jawlensky 

kennen. Gemeinsam zogen sie 1896 nach München 

und verbrachten zwischen 1892 und 1921 

intensive Jahre, ab 1901 in einer für Werefkin 

oft bitteren Menage à trois – ihr Dienstmädchen 

Helene bekam 1901 ein Kind von ihm. 

Ihre Malerei war dabei so unterschiedlich, wie 

sie nur sein konnte: Jawlenskys Blick erfasste 

wenig Zwischenmenschliches. Er abstrahierte 

vielmehr Lichtstimmungen und Formkonstellationen 

dahingehend, dass eine emotionale 

Wirkung geradezu destilliert wurde – was 

sogar für seine Gesichter, etwa das geniale 

‹Bildnis des Tänzers Alexander Sacharoff› gilt. 

Werefkin hingegen erfasste Figurengruppen 

und deren Interaktion. In ‹Heimkehr›, 1909/10, 

‹Rhythmen›, 1910, oder ‹Tragische Stimmung›, 

1910, verdichtet sich der Realismus in Farbe 

und Struktur zum «figurativen Symbolismus». 

Ihr Interesse an der Lebenswelt der Arbeitenden 

liess sie nie los. Landschaft dient ihr als 

atmosphärisch aufgeladener Schauplatz der 

Gefühle, etwa in ‹Fabrikstadt – Der Heimweg› 

von 1912. Bei Jawlensky bleibt sie Motiv und 

Thema. 

Zu Beginn des Ersten Weltkriegs 1914 mussten 

sie, Alexej, Helene und Andreas als «feindliche 

Ausländer› in die Schweiz ausreisen. Dort ging 

man immer mehr getrennte Wege. Sie fanden 

unterschiedliche Förderer – Jawlensky vor 

allem Förderinnen. 1921 teilte er Werefkin den 

endgültigen Entschluss zur Trennung mit. Seine 

Malerei wurde introspektiver, vergeistigter. In 

Genf malte Jawlensky Pfad und Vorgarten vor 

dem Fenster so oft, dass man dem Prozess der 

Abstraktion wie im Daumenkino zusehen kann. 

Ab 1922 widmete er sich in vielfacher Variation 

seinem Spätwerk der ‹Abstrakten Köpfe›. 

Werefkin litt – und stürzte sich in Aktivitäten. 

Sie trieb in Ascona die Gründung des Museo 

Comunale voran. ‹Die Lebenden und die Toten›, 

1924, und ‹Leidende Stadt›, 1930, führen den 

Stil ihrer Bilder um 1910 fort. Sie vermochte es 

aber, darin bei aller Düsternis ein unvergleichlich 

hoffnungsvolles Leuchten zu erzeugen. 

Obgleich verarmt und kinderlos, blieb sie bis 

zum Schluss eine starke, ihren Mitmenschen 

herzlich zugewandte Persönlichkeit. RDR 

Marianne von Werefkin · Selbstbildnis, 1910, 

Tempera auf Papier auf Karton, Städtische Galerie 

im Lenbachhaus und Kunstbau München 

→ Lenbachhaus, bis 16.2.; Museum Wiesbaden 

13.3.–12.7.; Museo Comunale d’Arte Moderna 

Ascona 2.8.–8.11. ↗ www.lenbachhaus.de 


Bilder aus dem Dschungel 

Paris/Pontault-Combault — Fotografische 

Bilder entfernen Wirklichkeit, schieben die Präsenz 

des Dargestellten in unendliche Weiten. 

Doch es gibt ein anderes Fotografieren, eines 

verbindlicher Nähe. Es macht sein Sujet wirklicher, 

indem es Ansichten verändert, wie die aktuell 

im Centre photographique d’Île de France/ 

CPIF und im Centre Pompidou Paris gezeigten 

Bilder. ‹Réinventer Calais› nannte das nationale 

Zentrum für zeitgenössische Kunst/CNAP 

einen an acht Künstler/innen erteilten Auftrag. 

Sammlungsleiter Pascal Beausse sprang dem 

Kollektiv Pôle d’Exploration des Ressources 

Urbaines/PEROU bei, mit dem Urbanisten und 

Künstlerinnen Flüchtlinge als Pioniere statt als 

Verlorene der Gesellschaft begreifbar machen. 

Unterstützt vom Kulturministerium und in 

Kooperation mit Kunsthochschulen wuchs mit 

dem ‹New Jungle› ab Herbst 2015 in Calais für 

3000 Menschen ein solidarischer Entwurf für 

alternatives Zusammenleben. Teils ingeniös 

entwickelte Einfachbauten boten Platz für 

Schule, Moschee, Kirche, Krankenhaus. Der 

Kitt des fragilen Gebildes am Ärmelkanal: der 

Wunsch nach solidarischer Veränderung. Dann 

entschied Calais den Abriss, räumte im November 

2016 das Gelände. Doch aus dem Trümmerfeld 

leben die freigesetzten utopischen Kräfte 

fort. Das vermittelt die Ausstellung mit Laurent 

Malones Dokumentation von 110 Trümmerfetzen. 

Zerdrückte Bücher, Schuhe, Stifte dokumentieren 

die brutale Zerstörung einer Alternative. 

Sie zeigen die Kraft engagierter Menschen 

mit Porträts zwischen postindustriellem Calais 

und Dschungel. Oder wie Elisa Larvegos Darstellung 

der menschlich-sensiblen Beziehung 

zwischen Ehrenamtlichen und Migranten. Auch 

der Fotoroman ‹Ley Land› von Claire Chevrier 

entlang der eingezäunten, lebensfeindlichen 

Umgebung evoziert Zuwendung. Dem stehen 

in Paris drei andere Annäherungen zur Seite. 

Neben den Bildern der Nachrichtenagentur 

AFP und der Dschungelbewohner/innen 

selbst beeindruckt durch viel Einfühlung und 

versuchte Nähe ‹Calais (2006–2018)› von Bruno 

Serralongue. Augenzeugenschaft vom Leben 

im Dschungel, die neben einer Aktualisierung 

dieser Geschichte in Zeiten weltweiten politischen 

Aufbegehrens jenes Merkmal empfindbar 

macht, das Aktionen Sinn, Widerstand 

Aussicht gibt: geteilte Menschlichkeit. Ergänzt 

um ‹L’Engagement›, weitere Ausstellungen des 

Fotozentren-Verbands ‹Diagonal›, ist das eine 

aktuelle Antwort auf Bertold Brechts Frage: 

«Was, meinst du, ändert sich leichter: ein Stein 

oder deine Ansicht darüber?» JES 

Elisa Larvego · Zara vor der Tür der belgischen 

Küche, 2016, aus: ‹Réinventer Calais›, CNAP 

Gilles Raynaldy · 9. Mai 2016, junge Sudanesen 

spielen in Dalla, aus: ‹Réinventer Calais›, CNAP 

→ Centre Pompidou, bis 24.2. 

↗ www.centrepompidou.fr 

→ ‹L’Engagement›, in 10 Regionen, bis Februar 

↗ www.reseau-diagonal.com 

↗ www.perou-paris.org 

HINWEISE // MÜNCHEN / PARIS/PONTAULT-COMBAULT 

61

Giacometti/Sade 

Paris — ‹Grausame Objekte des Begehrens› 

verspricht eine kleine Studien-Ausstellung 

im Institut Giacometti durch die Gegenüberstellung 

des 1966 im Alter von 64 Jahren 

verstorbenen Schweizer Bildhauers mit dem 

Homme de lettres, der 1814 in der Irrenanstalt 

Charenton-Saint-Maurice 74-jährig verstarb. 

Die Begeisterung der Surrealisten für de Sade, 

den sie als Schriftsteller rehabilitierten, ist 

bekannt. Giacometti hat in den Dreissigerjahren 

der surrealistischen Bewegung folgend eine 

Reihe ‹Objekte symbolischer Funktionsweise› 

realisiert. Der künstlerische Leiter des Instituts 

Christian Alandete und seine Forschungskuratorin 

Serena Bucalo-Mussely haben sich 

nun seine Notizbücher und Skizzenhefte, seine 

Arbeitsweise und seine Beschäftigung mit der 

Seh-Lust neu vorgenommen. Leitende These: 

Giacometti, nach dem Tod seines Vaters 1933 

intensiver De-Sade-Leser, übertrug die Gedanken 

des «Göttlichen Marquis» in seine Arbeitsweise. 

Anhand von rund vierzig Objekten, 

Dokumenten und Fotografien gelingt zweierlei: 

Zum einen wird Gewalt als Unterströmung 

von Giacomettis Schaffen erkennbar. Mag das 

Benutzen von Taschenmessern zum Einschneiden 

in den Tonkörper seiner Skulpturen dafür 

bloss ein Indiz sein, so sprechen die Notizbücher 

eine deutliche Sprache. Vom «Ziel des 

Genusses durch die Liebe» ist da die Rede, die 

«zum Mord und vom Mord zur Anthropophagie» 

führe. Traum, Angst und Sexualität scheinen als 

Hauptmotive in Giacomettis Arbeit auf, letztere 

vor allem als eine aus Frauenfurcht entstandene 

Beziehung. Zum anderen wird modernistische 

Mysogynie neu thematisiert, indem Man 

Rays 1931 aufgenommene Fotografie einer 

Frau mit Giacomettis ‹unangenehmem Objekt› 

mit dem 2018 produzierten Video ‹Von der 

aus Träumen kommenden Ungewissheit› der 

ecuadorianischen Künstlerin Estefania Peñafiel 

Loaiza konfrontiert wird. Schaut auf dem 

Foto die namenlose Barbusige den stachligen 

Phallus verträumt an, so reflektiert das Auge 

im Video die bekannte Szene aus Buñuels ‹Andalusischem 

Hund›, in dem einer Frau das Auge 

mit einem Rasiermesser entzweigeschnitten 

wird. Weiss man, dass es das Auge der Schwester 

der Künstlerin ist, wird die Frau von der 

Beobachteten zur Beobachterin. Eine Kritik 

der Ästhetisierung des männlich dominanten 

Blicks unter Verwendung des weiblichen 

Körpers lässt sich daraus noch nicht ableiten. 

Wohl aber ein Anstoss, über das Verhältnis von 

Kunst, Lust und Gewalt nachzudenken. Der exzellente 

kleine Katalog erlaubt eine Vertiefung 

zur Neubewertung der Moderne. JES 

Alberto Giacometti · Homme étranglant une 

femme, o.D., Crayon sur papier, 19,5 x 12 cm, 

ProLitteris, Fondation Giacometti, Paris 

Man Ray · Femme tenant l’Objet désagréable, 

1931, Musée national d’art moderne, Centre 

Pompidou, Paris © ProLitteris → Institut Giacometti, 

Paris, bis 9.2., Kat. f/e 

↗ www.fondation-giacometti.fr 


Leonardo da Vinci 

Paris — Mit einem Blockbuster begeht der 

Louvre den 500. Todestag des Renaissance- 

Künstlers: Es gibt bereits 550’000 Reservierungen 

online. Doch was sagt Leonardo da Vinci 

der aktuellen Kunst? Vor allem etwas über den 

begehrenden Blick. Gleich zu Beginn rufen 

Studien von Faltenwürfen die bereits von Aby 

Warburg ausgemachte «brise imaginaire» auf. 

Der vorgestellte Luftzug bringt vermeintlich 

Leben ins unbewegte Bild. Im Louvre vermitteln 

Leonardos Falten nicht nur, wie Vitalität 

im Bild als seelische Bewegung beim Publikum 

entsteht, sondern auch eine organische, 

fleischige Anmutung. Während des Rundgangs 

wird deutlich, wie sehr dieses Werk von einer 

Textur des Begehrens getragen wird. Leonardos 

Bilder repräsentieren nicht, sie sind Körper. 

Seine Zeitgenossen – mit Marco d’Oggiono oder 

Giovanantonio Boltraffio bietet die Schau nicht 

die Geringsten auf – malten, was gesehen werden 

soll. Der 1519 in einem ihm zur Verfügung 

gestellten Schloss an der Loire mit 67 Jahren 

verstorbene, zu diesem Zeitpunkt in Italien an 

den Rand gedrängte Leonardo gibt dem Blick 

zu lesen, was gesehen werden will. Erinnern 

wir uns an seinen Rat, einen farbgetränkten 

Schwamm gegen die Wand zu werfen, um in 

den Zufallsgebilden Landschaften, Gesichter, 

Figuren zu erblicken. Die ‹Landschaft des 

Arnotals›, am 5. August 1473 ausgeführt, zeigt 

mehr als solche Projektionen. Sie bietet sich 

mit fleischigen Hügeln dar. Leonardos Gemälde 

rufen körperliche Reaktionen hervor, wie sonst 

erotische Darstellungen. Bei ‹Anna Selbdritt›, 

Highlight der Ausstellung, wird das anhand von 

Detailstudien deutlich. Eine davon formt deren 

rechtes Bein lustvoll aus den Mantelfalten. 

Solch höchst aktueller Einsatz des getriebenen 

Blicks entgeht der reduktionistischen Ausstellungsthese, 

Leonardo habe Naturstudien nur 

für die Malerei unternommen. Bedauerlich, 

dass die gezeigten Schriften, jeglicher Übersetzung 

und wissenschaftlicher Einordnung 

entbehren. Die mit Infrarotkopien überladene 

Schau setzt im Blockbuster-Format selbst Leonardo 

als Verführungskünstler ein. Durch seine 

Werke erscheint er als Meister der Scopophilie, 

der vereinnahmenden Lust des Sehens. 

Sie treibt heute Millionen in Museen und vor 

Handybildschirme. Im schelmischen Blick des 

Johannes, im ironischen Ausdruck der Anna, im 

berückenden Sfumato der Belle Ferronnière, 

oder im undefinierten Lächeln der Mona Lisa 

sagt uns Leonardo heute: Anziehende Verführung 

ist Mittel der Kunst – Vorsicht ist geboten, 

wenn sie deren einziger Zweck wird. JES 

Léonard de Vinci · Studie für die Heilige Anna, 

um 1507–1510, 23 x 24,5 cm, RMN-Grand 

Palais (musée du Louvre). Foto: Michel Urtado 

Léonard de Vinci · Anna Selbdritt, um 1503– 

1519, Öl auf Holz, 168,4 x 113 cm, RMN-Grand 

Palais (musée du Louvre). Foto: R. G. Ojéda 

→ Louvre, Hall Napoléon, bis 24.2.; nur mit Reservation: 

↗ ticketlouvre.fr ↗ www.louvre.fr 

HINWEISE // PARIS 

63

Ovartaci 

St. Gallen — Ovartaci war wohl eine Transfrau 

«avant la lettre» und bevor der Genderstern für 

eine nicht mehr nur binäre Geschlechtsdefinition 

eingeführt wurde. Geboren als Louis Marcussen 

(1894–1985) in eine wohlhabende Färberfamilie 

in der kleinen Marktstadt Ebeltoft 

in Dänemark, absolvierte er eine Maler- und 

Dekorateurausbildung. Dabei erwies er sich 

als äusserst begabt, doch als er ein defektes 

Gewehr auf seinen blinden Bruder Knud 

richtete, sah sich seine Familie gezwungen, ihn 

in die psychiatrische Klinik Risskov in Århus 

einweisen zu lassen. Hier blieb er 56 Jahre lang 

bis zu seinem Tod. In dieser Umgebung konnte 

er sich dank dem Psychiater Erik Strömgren 

der Kunst und seinen esoterischen Interessen 

widmen, und er genoss als eine Art Oberpatientin 

– im jütländischen Dialekt «Overtossi» 

oder «Overfool» – und als «Primadonna» 

viele persönliche Freiheiten eine bevorzugte 

Behandlung. In diesem geschützten Rahmen 

lebt Ovartaci in Transidentitäten und gestaltet 

sich den Lebensraum zu einem einzigartigen 

Universum. Es entstanden unzählige Werke, 

die von einer wunderlichen Welt, grenzenlosem 

Ideenreichtum, unzähligen Einflüssen, Stilen 

und einer unbändigen Fabulierlust sprechen. 

Malereien, Puppen, Rauchphantome, Wörterbücher 

und Flugobjekte, erschaffen aus allem, 

was zu finden war: Stoff, Papiermaché, Karton, 

Sardinenbüchsen, Zahnpastatuben. Zeitlebens 

beschäftigten Ovartaci das Thema der 

Verwandlung in katzenhafte, vogel-, schmetterlings- 

und froschähnliche Mischwesen, 

inspiriert von nahen und fernöstlichen, oft 

mystischen Einflüssen. Davon zeugen auch die 

puppenhaften Frauenfiguren in allen erdenklichen 

Grössen. Ovartaci gestaltete sie nach 

einem damals gängigen, etwas einseitigen 

Frauenbild. Sie verweisen auf die Sehnsucht, 

das andere Geschlecht zu verkörpern, dem er/ 

sie mit einer brachialen Selbstkastration weitgehend 

nahekam. Ovartaci hatte es vermutlich 

besser als andere Transfrauen zu ihrer* Zeit. Im 

Katalog wird darauf hingewiesen, dass der Psychiatrieaufenthalt 

für Ovartacis Entfaltung ein 

Segen war, da sie* dort endlich die Rahmenbedingungen 

für ihr* persönliches Künstlerinnenleben 

vorfand. Das Museum im Lagerhaus zeigt 

das aussergewöhnliche Gesamtkunstwerk 

erstmals in der Schweiz. Die Ausstellung ist Teil 

der internationalen Trilogie ‹Das Andere in der 

Kunst› zu den Themen Gender, sexuelle Identität 

und Transgeschlechtlichkeit. DvB 

Ovartaci · Dr. Barfods, 2019, Gouache 

© ProLitteris, Museum Ovartaci, Arhus 

Ovartaci · Flammen-Menschen, 2019, Gouache 

auf Leinwand © ProLitteris, Museum Ovartaci 

→ Museum im Lagerhaus, bis 1.3. 

↗ www.museumimlagerhaus.ch 


Courbet Dessinateur 

Vevey — Trotz des seit den Siebzigerjahren gestiegenen 

Interesses an der Zeichnung gehörte 

Gustave Courbet (1819–1877) bislang nicht zu 

den Maler/innen, deren Verständnis über dieses 

Medium vertieft worden ist. Grund ist, dass sich 

der erste Versuch 1984 im Kunsthaus Zürich 

und in der Kunsthalle Baden-Baden in einer 

Täuschung erschöpfte: Betitelt mit ‹Die Lust, 

die Welt aus Gegensätzen zu bauen› stellte der 

Spezialist Klaus Herding 208 Blätter als ‹Reiseskizzen› 

des Künstlers aus, die dieser angeblich 

erst mit Pinsel und Spachtel zu einem originären 

Blick zu verschmelzen und mitunter auf 

riesigen Leinwänden auszubreiten vermochte. 

Der sofort virulenten Kritik hielten bis zuletzt 

jedoch nur zwei dieser Zeichnungen stand; der 

Rest musste dem Gatten seiner Schwester Zoé 

und weiteren Figuren attribuiert werden. 

Eine dem Musée jurassien d’art et d’histoire 

in Delémont geschenkte, bislang unbekannte 

Landschaft von Courbet brachte den jungen 

Kunsthistoriker Niklaus Manuel Güdel indes 

2017 auf den Plan, sich dem Problem der Zeichnungen 

des Künstlers zu widmen. Gestützt von 

der eigens dazu gegründeten Société suisse 

pour l’étude de Gustave Courbet gelang es ihm 

zusammen mit seiner Mitarbeiterin Anne- 

Sophie Poirot, pünktlich zum 200. Geburtstag 

des Künstlers ein Kompendium von rund 250 

Blättern aus privaten und öffentlichen Kabinetten 

vorzulegen. 

Vor allem aber vermögen Güdel und Poirot in 

einer erst im Musée Gustave Courbet Ornans 

und nun im Musée Jenisch Vevey gezeigten 

Schau, mit Courbet erstmals auch einem 

breiterem Publikum eine Künstlerpersönlichkeit 

vor Augen zu führen, die auch im Medium 

der Zeichnung den Erscheinungen dieser Welt 

imaginativ, experimentell und mit unbändiger 

Sinnlichkeit begegnete. In Kohlenporträts von 

sich und seinem Freundeskreis erlaubte sich 

Courbet oft eine kühne, wie das Schicksal spiegelnde 

Disparität zwischen nicht nur satt, sondern 

dick aufgetragenem Schwarz und mit dem 

Ratzefummel erzielten Lichtern. In autonomen 

Naturstudien belud er das Papier teils in unterschiedlichen 

Techniken und mit Materialien, 

sodass er es da und dort regelrecht aufschürfte. 

Der Künstler vermochte jedoch auch, wie es 

nicht zuletzt Skizzenbücher verraten, mit wenigen 

oft atemberaubend langen und sicheren 

Linien einer Figur Körper und einer Landschaft 

Tektonik zu geben. KHO 

Gustave Courbet · Etude de paysage, gegen 

1874, Court. Musée Gustave Courbet, Ornans 

Gustave Courbet · L’Homme à la pipe, nach 

1849, Court. Collection Bonna, Genève 

→ Musée Jenisch, bis 2.2.; mit Publikation 

↗ www.museejenisch.ch 

HINWEISE // ST. GALLEN / VEVEY 

65

Because the Night 

Winterthur — Die Dunkelheit hüllt uns ein, 

behütet uns. Hier können wir uns entfalten, im 

schummrigen Licht der Bar, im aufblitzenden 

Strobolicht des Clubs, das uns nie ganz offenbart. 

Endlich weg von den grellen Neonröhren 

unseres Arbeitsplatzes, die uns ausstellen, 

uns nackt ausziehen. Das Nachtleben ist der 

Ort, an den wir flüchten können – vor den 

gesellschaftlichen Zwängen, vor den Zwängen, 

die wir uns selbst auferlegen. Hier können wir 

ein neues Ich entdecken oder jenes betonen, 

das wir sonst zurückhalten. Hier, in diesem 

Paralleluniversum, das jede Nacht aufs Neue 

seine Pforten für uns öffnet. Wir brauchen 

nur einzutreten. Wir stehen am Tresen, lallen 

schon etwas, philosophieren, wissen, dass 

der letzte Drink einer zu viel war, und bestellen 

gleich noch einen. Wir tanzen, manchmal 

exzessiv, manchmal ruhig und ganz bei uns. Wir 

riechen nach Schweiss, verlieren die Hausschlüssel. 

Doch das alles ist egal. Denn wir 

können uns jederzeit verabschieden – sofern 

wir die Schlüssel noch haben –, jederzeit in die 

Dunkelheit eintauchen. Ein paar Atemzüge der 

kühlen Luft auf dem Nachhauseweg, bevor sie 

wieder erdrückend warm wird. Tief einatmen. 

Aus. Mit der Dunkelheit weicht auch ein Teil von 

uns; wir verabschieden uns – bis die nächste 

Nacht anbricht. GB 

CKÖ 

Winterthur — Der Kunstkasten scheint gegenwärtig 

aus allen Nähten zu platzen. Dermassen 

dicht befüllt ist er mit zuckerwattefarbenen 

rosa Makrozellen, dass diese nach aussen zu 

quellen scheinen. Doch da ist die Glasscheibe, 

die der prallen und drallen Kraft eine Grenze 

setzt. Bloss, wie lange noch? Der Kunstkasten 

hat sich in ein überdimensionales Labor 

verwandelt, um die Situation der gekünstelten 

bzw. gezähmten «Natur» beim Katharina- 

Sulzer-Platz, seinem Standort, zu testen. Das 

Kunstkollektiv CKÖ bestehend aus Sara Widmer 

und Daniel Lütolf untersucht Orte und ihre 

Eigenheiten. Die Besonderheit des Platzes ist 

seine postindustrielle Entstehungsgeschichte 

und seine «Renaturierung» in Form einer in 

Reih und Glied angeordneten, zurechtgestutzten 

Baumgruppe. CKÖ macht jene Natur sichtbar, 

die sich nicht so einfach kontrollieren lässt: 

jene, die man unter dem Mikroskop erkennt. 

Das Kollektiv bläst quasi einen Mikroorganismus 

bzw. die Vorstellung davon optisch auf und 

verleiht ihm im Modell eine unübersehbare Präsenz. 

Die Installation ‹In Gozi Mpone› wirkt auf 

den ersten Blick harmlos und witzig. Doch geht 

es hier letztlich um die Frage, wie natürlich 

Natur im urbanen Raum sein und wie stark sie 

sich entfalten darf, ohne zu stören. Was die 

einen als Wachsen bezeichnen, bedeutet für 

andere schon Wuchern… LAC 

Bieke Depoorter · Agata, 2017 © ProLitteris, 

Courtesy Magnum Photo 

→ Fotomuseum Winterthur, bis 16.2. 

↗ www.fotomuseum.ch 

CKÖ · In Gozi Mpone, 2019, Kunstkasten 

Winterthur. Foto: Karin Wiesendanger 

→ Kunstkasten, bis 9.2. 

↗ www.kunstkasten.ch 


Manon 

Zofingen — Vor 45 Jahren machte Manon mit 

der erotisch aufgeladenen Installation ‹Das 

lachsfarbene Boudoir› Furore. Jetzt präsentiert 

das Kunsthaus Zofingen zum 80. Geburtstag 

der Künstlerin eine sehr dichte Ausstellung 

rund um die Themen Schönheit und Verfall, 

Jugend und Alter. Die Schau folgt einer schlichten, 

aber überzeugenden Inszenierung: Vor dem 

Eingang steht ‹Manons Rettungsdienst›, 2003, 

ein echter Rettungswagen, dessen Inneres in 

eine rosarote Flauschlandschaft verwandelt 

worden ist, in der Chanel-Parfum aus den Infusionsflaschen 

tröpfelt. Im Parterre sind einige 

grossformatige Fotoarbeiten der Serie ‹Hotel 

Dolores›, 2008–11, zu sehen, die das Thema der 

Ausstellung durchspielen. Im Obergeschoss, 

in dem Prunksaal mit glitzernden Kronleuchtern 

und üppigen Stuckaturen, der von vielen 

Kunstschaffenden gemieden wird, hat Manon 

ein Spitalbett aufgestellt. Es steht auf einer 

kleinen Bühne, um deren Sockel ein Band aus 

Lichtern läuft, die in rhythmischen Intervallen 

aufleuchten wie der Herzschlag des Glamours. 

An der Tür zu einem kleinen Nebenraum hängt 

ein rosa Ballkleid, das bereits mehrfach in Manons 

Installationen zum Einsatz gekommen ist. 

Hinter der Tür ist eine kleine Künstlergarderobe 

eingerichtet mit OP-Kittel-grünen Wänden, 

pinkfarbenen Hockern und vielen kleinen 

Pillen, die auf dem Bord unter dem grossen 

Schminkspiegel verstreut sind. Mit einer Handvoll 

souverän eingesetzter Requisiten erzählt 

diese Installation, ja erzählt letztlich die ganze 

Ausstellung davon, welche Mühen es kostet, 

Glamour zu erzeugen, also Verzauberung. Der 

aus dem Schottischen stammende Begriff 

Glamour bezeichnete ursprünglich einen Zauberspruch. 

Und bis heute besteht die Idee, dass 

sich mit Glamour, mit einer bestimmten Form 

von Schönheit, Eleganz, Ästhetik die schnöde 

Wirklichkeit mit ihren banalen Ansprüchen, 

aber auch mit dem Elend von Krankheit, Alter 

und Tod bannen liesse. Und sei es nur für einen 

Augenblick. Die Kunst Manons besteht darin, 

diesen Augenblick einzufangen, den Glamour 

wie ein Präparat in Formaldehyd zu fixieren und 

damit zum genauen Studium, aber auch zur 

Diskussion freizugeben. Der Glanz, den ihre Installation 

erzeugt, diese berückende Mischung 

aus dem Leuchtband am Bühnensockel, dem 

Funkeln der Kronleuchter, dem Schimmer des 

Schachbrettbodens, auf dem die Besucherinnen 

und Besucher zu Spielfiguren werden, 

bildet einen imaginären Teppich, auf dem man 

durch die Ausstellung schwebt. Immer ahnend, 

dass es unter dieser Zauber-Glamour-Oberfläche 

andere, weniger rosige, weniger leuchtende 

Wirklichkeiten gibt. Denn der Glamour, den 

Kleider, Schminke, Haltung erzeugen können, 

kann die Biologie nicht überlisten. AH 

Manon · Porträt, 2019. Foto: Sacha Nacinovic 

Manon · Lachgas, 2019, Installation, Ausstellungsansicht, 

Kunsthaus Zofingen © ProLitteris. 

Foto: Sacha Nacinovic 

→ Kunsthaus Zofingen, bis 23.2. 

↗ www.kunsthauszofingen.ch 

HINWEISE // WINTERTHUR / ZOFINGENX 

67

Surimono der Shijō-Schule 

Zürich – Ja, Sie dürfen! Wie der blutigste 

Laie, wie der unbescholtenste Augenmensch: 

einfach schauen, ohne verstehen zu müssen. 

Dürfen sich dem hingeben, was Sie sehen, 

und sich erzählen lassen, warum, rein bildlich 

gesprochen, es mal tierisch zu und her geht, 

mal Wasser die Hauptrolle spielt, mal Tee im 

Zentrum steht, mal Landschaft und Figuren, 

mal die Feier des Alltags oder Speisen in ihrer 

besonderen, Glück bringenden Bedeutung. Die 

Vielfalt der Motive ist packend, und wie so oft, 

wenn man es mit ostasiatischer, mit japanischer 

Kunst zu tun hat, fasziniert der Umgang 

mit Raum und Leere, das überzeugende Setzen 

von Zeichen aufs Blatt. 

Mit illustrierten Gedichtblättern schlägt die 

Ausstellung in der Park-Villa Rieter ein ganz 

besonderes Kapitel der japanischen Kunst 

auf. Die eigentliche Hauptsache der Blätter, 

die Gedichte, interessieren hier nur am Rand, 

abgesehen davon, dass sie auch für Kenner 

wie Kuratorin Khanh Trinh schwer zu entziffern 

sind und erst recht schwer zu übersetzen 

– und Dichter wie Künstler oft unbekannt 

bleiben. Eine Art poetische Geschenkblätter 

also, nichtkommerziell und in kleinen Auflagen 

gedruckt, die meist im Auftrag des Leiters eines 

Dichterkreises zustande kamen, als Resultat 

eines Gedichtwettbewerbs in einer Zeit, da in 

Städten wie Edo, Osaka oder Kyoto fast alle lesen 

und schreiben und somit dichten konnten; 

Blätter auch für bestimmte Anlässe wie das im 

Frühling gefeierte Neujahr, die Eröffnung eines 

Ladens, den Eintritt ins Kloster oder den Namenswechsel 

einer Bühnenkünstlerin. Solche 

Dinge werden in der Ausstellung und ausführlicher 

noch in der aufliegenden Broschüre erläutert, 

sozusagen als Fundament für das visuelle 

Erlebnis, das die rund siebzig in der Park-Villa 

Rieter gezeigten Werke (ergänzt durch einige 

weitere im «Smaragd») bieten. Was sieht man 

nun auf diesen kunstvoll «gedruckten Sachen» 

(so die wörtliche Bedeutung von Surimono) mit 

ihren Haikai-Versen, von denen auf jedem Blatt 

nicht zwei oder vier, sondern zehn, zwanzig und 

mehr figurieren? Es sind wunderbar naturalistische 

Mini-Stillleben, Figuren, Landschäftchen, 

alles sich selbst und seinem metaphorischen 

Sinn verpflichtet, selten bunt, dafür 

von akzentuierter Harmonie. Meist öffnet das 

Bildelement das Gedichtblatt von rechts her 

oder scheint die Texte – zarte, fremd bleibende 

Liniengespinste – zu tragen. Immer wieder wird 

einem staunend bewusst, dass man es nicht 

mit leichtem Pinselstrich, sondern meisterlicher 

Holzschnittdruckkunst des 19. Jahrhunderts 

zu tun hat. Die Begegnung mit dieser 

leisen, fremden Schönheit ist der grosszügigen 

Schenkung der Zürcher Sammler Gisela Müller 

und Erich Gross zu verdanken. AMA 

Tōkyoen · Strassenhändler für Neujahrsschmuck 

und Knabe, 1817 oder 1877, Vielfarbendruck 

Ueda Kōchū · Seidenraupenzucht, 1860er- 

Jahre. Japan, Edo-Zeit, Vielfarbendruck 

→ Rietberg Museum, bis 9.2. ↗ rietberg.ch 


Thomas Mann 

Zürich — «Es kenne mich die Welt», schreibt 

Thomas Mann 1950 in seinem Tagebuch. Der 

ungewöhnliche Botschafter aus Deutschland 

kämpfte im Exil für Frieden und Demokratie. Im 

Museum Strauhof, das eine Schnittstelle zwischen 

Literatur und deren räumlicher Inszenierung 

bildet, kann nun in eine ganz besondere 

Schaffensphase des Schriftstellers eingetaucht 

werden. Über zwei Geschosse erstreckt 

sich die Ausstellung ‹Thomas Mann in Amerika›. 

Das Leben des Autors kurz vor, während und 

kurz nach seiner Zeit im amerikanischen Exil, 

wird multimedial vermittelt und schafft durch 

die Darstellung auf verschiedenen Sinnesebenen 

einen vielschichtigen Einblick in Thomas 

Manns Arbeit. Der Schriftsteller emigrierte 

bereits 1933 aus Deutschland in die Schweiz 

und 1938 dann weiter in die USA. Was er dem 

Krieg entgegenzusetzen hatte, waren Worte. 

Worte, welche die Wahrheit sprechen sollten, 

Worte, die von seinem kritischen und wachsamen 

Blick auf die Welt erzählen. 

Feingliedrige, sorgsam handgeschriebene 

Schriftstücke zeigen das Ringen und Suchen 

Thomas Manns um seine eigene künstlerische 

Identität – in Bezug auf seine politische 

Aufgabe als Autor in einer so katastrophalen 

Weltlage. Tagebücher liegen aus. Briefe sind in 

Form von «handfesten» Kartonkarten zu lesen. 

Plakate spannen sich im Raum, Fotos sind 

dokumentarisch angeordnet. Jahreszahlen und 

Zitate in grossen Buchstaben sind wie gedruckt 

auf die Wände geklebt. Von der Decke hängen 

Kopfhörer, die mit römischen Ziffern gekennzeichnet 

sind. Setzt man sich einen auf, hört 

man die Stimme Thomas Manns, entweder auf 

Deutsch oder auf Englisch. Die tief bewegenden 

Reden schrieb er für seine Vortragsreisen 

durch die USA und für Radiobeiträge, die aus 

dem Exil im Geheimen nach Deutschland 

gesendet wurden, um die Menschen gegen den 

Nationalsozialismus zu mobilisieren: «Euch 

warnen, Deutsche, heisst euch in euren eigenen 

schlimmen Ahnungen bestärken.» Thomas 

Mann verstand sich im Exil also nicht nur als 

Repräsentant der deutschen Literatur, sondern 

auch in Verantwortung zu seiner Herkunftsnation, 

deren Handeln er stark verurteilte. 

Schliesslich, nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs, 

verdächtigte ihn die USA, deren atomare 

Aufrüstung er kritisierte, als staatsfeindlichen 

Kommunisten, und er kehrte 1952 enttäuscht 

nach Europa zurück. Kurz darauf hielt er dort 

im Zürcher Schauspielhaus einen Vortrag über 

«den Künstler und die Gesellschaft», in dem er 

sowohl seine Zeit im Exil als auch sein Schriftstellerdasein 

reflektierte. Er habe nun verstanden, 

dass es eine Illusion sei, dass Kunst die 

Welt wirklich verändern könne. Sie sei «keine 

Macht», sie sei «nur ein Trost», der das Böse 

nicht aufhalten könne, es jedoch nie aus den 

Augen lassen dürfe. Kunst also als tröstendes 

Pflaster in einer zerrissenen Welt. VMS 

Thomas Mann in Amerika, Ausstellungsansicht 

Strauhof, 2019. Foto: Zeljko Gataric 

Katia, Erika und Thomas Mann an Bord der ‹Ile 

de France› (New York, April 1937), Thomas- 

Mann-Archiv der ETH Zürich 

→ Strauhof, bis 19.1. ↗ www.strauhof.ch 

HINWEISE // ZÜRICH 

69

Wissen in Bildern 

Zürich — Wollen Sie wissen, wie die Stadt 

Zürich von unten aussieht? Dann vertiefen Sie 

sich im Museum für Gestaltung im Toni-Areal 

am besten in die Schautafeln von C2F aus dem 

Jahr 2014. In ‹Unterirdischer Verkehr› werden 

die filigranen Netzwerke der vielen Leitungen 

und Rohre grossformatig und detailreich dargestellt. 

Wer sich hingegen oberirdisch orientieren 

möchte, der konsultiert die Liniennetzpläne 

der Verkehrsbetriebe. Diese sind topologisch 

aufgebaut und abstrahieren die Topografie 

der Stadt zu einer linearen Darstellung. Eine 

spezielle Variante davon zeigen James Cheshire 

und Oliver Uberti, mit der sich nach den 

Regeln der ‹Tube Challenge› alle 270 Stationen 

der Untergrundbahn in möglichst kurzer Zeit 

besuchen lassen. (Man plane einen Tag ein und 

sei um 6 Uhr am Start.) Informationsdesign soll 

den Alltag erleichtern, und hier lauern schon 

die Hürden: Nicht alle Kulturkreise haben die 

gleiche Leserichtung. Und welche Symbole sind 

so eindeutig, dass sie weltweit verstanden werden? 

Wie viel Abstraktion ist möglich, damit der 

Informationsgehalt noch stimmt, und wie sieht 

die Zukunft der Informationsvermittlung aus? 

Diesen und anderen Fragen geht die teilweise 

interaktive Ausstellung nach. Und wer möchte, 

kann sich im Toni-Areal zu orientieren versuchen. 

Das ist auch fast eine Tube Challenge. TS 

Klein, Ifert, Zamecznik 

Zürich — Der Zweite Weltkrieg ist vorbei: Die 

Städte wachsen, die Wirtschaft boomt, die 

Leuchtreklamen blinken. Entsprechend musste 

eine gestalterische Form her, die den neuen 

Zeitgeist transportieren konnte. Die Fotografie 

galt als ideales Medium dafür: Sie wurde mit 

grafischen und typografischen Elementen kombiniert 

oder mittels Fotomontage verändert. 

Dabei wurde die Kamera zunehmend als Instrument 

begriffen, der Fotograf als Ingenieur. Dem 

Bild sollte eine Dynamik innewohnen, stellvertretend 

für den Wandel der Zeit. Dieser Überlegung 

widmeten sich Gérard Ifert (*1929, Basel) 

und Wojciech Zamecznik (*1923, Warschau). 

Sie fotografierten Lichtquellen in Bewegung, 

wie etwa ein beleuchtetes Karussell oder ein 

Feuerwerk, und versuchten, durch Unschärfen 

oder Verzerrungen, Bewegung ins Bild zu bringen. 

Licht war ihr Gestaltungsmittel. «Imagine 

molding and shaping light as a sculptor does 

clay!», schrieb der ungarische Künstler György 

Kepes 1942 in der Zeitschrift ‹Popular Photography›. 

So kam auch das Fotogramm vermehrt 

zum Einsatz, u.a. bei William Klein (*1928, New 

York). Dabei wird keine Kamera verwendet, sondern 

das Fotopapier direkt belichtet. Die ersten 

Fotogramme entstanden bereits in den Zwanzigerjahren 

am Bauhaus unter László Moholy- 

Nagy, der sich in den Nachkriegsjahren mit der 

Rolle der Fotografie auseinandersetzte. GB 

Temps passé, temps réel, 2019, interaktive 

Installation, Courtesy EPFL+ECAL Lab 

→ Museum für Gestaltung Züric, Toni-Areal, 

bis 8.3. ↗ www.museum-gestaltung.ch 

Wojciech Zamecznik · O.T, 1956, Lichtmalerei, 

Silbergelatine-Abzug, CCP, MNAM-CCI 

→ Museum für Gestaltung, Toni-Areal, bis 9.2. 

↗ www.museum-gestaltung.ch 


Espen Kluge 

Zürich — ‹Alternatives› nennt Espen Kluge 

seine vielgestaltige Porträtserie, in welche 

die Galerie Kate Vass einen ersten Einblick 

gewährt, indem sie diese rein digital codierten 

Bilder auch analog, ausgedruckt auf Papier und 

gerahmt in ihren Räumen zeigt. Dabei ist jedes 

gewünschte Format nur einmal erhältlich, 

kommt also einem Original sehr nah. Was schon 

an der Bildschirmabbildung erstaunt, verblüfft 

auf Papier noch viel nachhaltiger, nämlich die 

dreidimensionale, skulpturale Wirkung der 

durch kräftige farbige Schraffuren erzeugten 

abstrakten Porträts. 

Kluge bedient sich dafür im Netz vorgefundener 

farbiger Porträtfotos, die er mit Hilfe 

eines Computercodes bis zur Unkenntlichkeit 

überarbeitet und verfremdet. Die Ergebnisse 

sind beeindruckend. Nicht nur wegen ihrer 

leuchtenden Farbigkeit, sondern vor allem 

wegen ihrer pyramidalen Schraffuren, die an 

historische Vorbilder erinnern, nämlich an jene 

typischen linearen Konstruktionen, mit denen 

der russische Avantgardist Naum Gabo nach 

dem Zweiten Weltkrieg die moderne Skulptur 

revolutionierte. Die künstlerische Nähe dürfte 

mehr als ein Zufall sein, lebte Naum Gabo doch 

während des Ersten Weltkriegs als Exilant in 

Norwegen – der Heimat von Espen Kluge. MH 

Richard Tuttle 

Zürich — ‹Is This an Idea for Sculpture?› Schon 

der Titel der Ausstellung von Richard Tuttle 

(*1941) wirft eine Frage auf. Und sobald man 

die hallende Metalltreppe in der Galerie Verna 

hinuntersteigt, stellen sich weitere. Denn wie 

Text und Bild in seiner neuen Werkserie zusammenhängen, 

erschliesst sich erst, wenn man 

Blick und Geist etwas kreisen lässt. Eine Reihe 

horizontal auskragender Bühnen zieht sich 

durch die Räume. Jede zeigt auf einer weiss 

gestrichenen Platte vor einem weissen Hintergrund 

eine miniaturhafte Szene, die von einem 

poetischen Titel begleitet wird. So blicken wir 

bspw. auf ein dunkel bemaltes Holzstück, das 

aufrecht in einem winzigen Sandhügel steckt. 

Der Titel ‹She Got What She Wanted› liest sich 

wie ein augenzwinkernder Kommentar aus 

dem Off. Ebenso die Bemerkung ‹Until You Stop 

Thinking About It›, die Tuttle unter zwei fleischfarbene 

organische Formen setzt, die – je nach 

Blickwinkel – wie verkeilt oder ineinander 

verschlungen wirken. Die kleinen Objekte, die 

krummen farbbeklecksten Nägel, die gewellten 

Papieretiketten könnten nicht leichter und unprätentiöser 

daherkommen. Ja, das Denken hat 

kein Gewicht. Und nicht jeder Gedanke muss 

sich materialisieren. So lesen wir zuletzt: ‹Why 

Would You Have a Sailboat?› In der Tat, es gibt 

viele Dinge, die uns nie fehlen werden. CJ 

Espen Kluge · little ability, 2019, print, various 

sizes, each ed. of 1 + 1 AP 

→ Kate Vass Galerie, bis 30.1. 

↗ www.katevassgalerie.com 

Richard Tuttle · Why Would You Have A Sailboat, 

Stars #10, 2019, Holz, Draht und Ketten, 

24,5 x 18 x 12 cm. Foto: Peter Schälchli 

→ Galerie Annemarie Verna, bis 8.2.; Richard 

Tuttle, ‹A Fair Sampling›, Collected Writings 

1966–2019 ↗ www.annemarie-verna.ch 


71

Bastiaan Woudt 

Zürich — Wer Afrikaner heute um ihrer 

Hautfarbe willen ästhetisch inszeniert, muss 

sich der Fallstricke bewusst sein, die auf 

diesem künstlerischen Weg lauern. Denn allzu 

oft schon haben diese ihre Haut für weisse 

Fotografen zu Markte tragen müssen. Früheste 

ethnografische Aufnahmen und nicht zuletzt 

die Kolonialfotografie des 19. und 20. Jahrhunderts 

sprechen diesbezüglich Bände. 

Ob in Europa oder Amerika, die Kategorisierung 

Schwarzer als exotische Objekte vor der Kamera 

durch weisse, meist männliche Fotografen, 

ist grenzenlos. Auch in der klassisch-modernen 

Kunstfotografie ist der problematische Kanon 

herrschender Machtverhältnisse oft nicht 

(auf)gelöst. Man denke an Irving Penns von 

exotischer Schaulust geprägte SW-Aufnahmen 

von afrikanischen oder amerikanischen Ureinwohnern 

vor weisser Studioleinwand aus den 

Siebzigerjahren. 

Ein feinsinnigerer Umgang findet sich zehn 

Jahre später im Werk Robert Mapplethorpes. 

Er hatte zwar eine männliche schwarze Muse, 

Ken Moody, war aber klug genug, ihm ein 

weisses Alter Ego zur Seite zu stellen, Robert 

Shermann, und beide namentlich auszuweisen. 

Wir schreiben das Jahr 1984. Beide Männer 

stehen Rücken an Rücken, ihre kahlrasierten 

Schädel berühren sich minimal. Sie wirken wie 

zweieiige Zwillinge, die jede Rassenschranke 

überwunden haben. 

In der Bildhalle erinnert das einprägsamste 

Foto der gesamten Ausstellung von Bastiaan 

Woudt auf den ersten Blick an die soeben 

beschriebene Ikone von Mapplethorpe: Das 

überlebensgrosse Blow-up ‹Brothers›, 2017, 

des jungen niederländischen Fotografen 

Woudt zeigt zwei schwarze Jungen in Mukono, 

Uganda, die Rücken an Rücken posieren, ohne 

einander zu berühren. Zwischen ihren sehr 

prägnant gewölbten Hinterköpfen klafft eine 

weisse Leerstelle. Arabeskenhaft mündet sie 

in die blütenweissen Hemdkragen der beiden 

Knaben ein. Die Profile ihrer Gesichter, das, was 

sie als Persönlichkeit auszeichnen würde, sind 

weggeschnitten. Das Bildformat bricht hier 

ab. Die Ausstellung heisst ‹Hidden›. Etwas zu 

verstecken, kann ebenso spannend wie problematisch 

sein. MH 

Bastiaan Woudt · Circle, 2019, 60 x 45 cm, 

Archival Pigment Print on Inova Baryta Paper, 

Edition10&2AP, Courtesy Bildhalle 

Bastiaan Woudt · Brothers, 2017, 90 x 120 cm, 

Archival Pigment Print on Inova Baryta Paper, 

Edition10&2AP, Courtesy Bildhalle 

→ Bildhalle, bis 25.1. 

↗ www.bildhalle.ch 


Tony Cokes 

Zürich — Wie lesen wir einen Text? Mal aufmerksam, 

mal weniger aufmerksam, und doch 

haben wir immer einen Anspruch an ihn: Sag 

mir, worum es geht! Schnell! Doch muss denn 

alles gleich verständlich, gleich lesbar sein? 

Muss die Kunstkritik ein Werk gleich nackt ausziehen, 

auf einen Aspekt reduzieren, einfach, 

damit wir sagen können: Wir haben’s verstanden. 

Next. Was sagt das über uns aus? Dass wir 

bequem sind? Uns andere Perspektiven nicht 

interessieren, ausser die eine, die uns auf dem 

Silbertablett serviert wird? 

Mit diesen Fragen konfrontiert uns Tony Cokes: 

Er wählt Textpassagen aus, platziert sie auf 

grellem Hintergrund, die in einem Video vor 

unseren Augen durchswipen. 

In ‹shrinking criticism›, einer von sechs 

Arbeiten, die im Luma Westbau zu sehen sind, 

thematisiert Cokes (*1956, Richmond) die Rolle 

der Kunstkritik: Seit den Achtzigerjahren wurde 

sie zur Statistin degradiert, denn der Markt 

hat unlängst die Hauptrolle übernommen. «The 

market undermined critical judgement», so 

die Aussage des britischen Kunsthistorikers 

und Kurators Julian Stallabrass, von dem der 

Text stammt. «It matters rather little what is 

actually said, so long as it is affirmative.» Es ist 

also egal, was die Kunstkritik sagt – solange 

sie bejaht, solange sie nicht hinterfragt. Denn 

tut sie Letzteres, kritisiert sie automatisch den 

Kunstmarkt, von dem sie abhängig ist. 

Wer also hat das inhaltliche Monopol? Wer 

macht was lesbar? Und zu welchem Zweck? 

Diese Überlegungen werden in ‹shrinking criticism› 

inhaltlich und visuell aufgegriffen: Denn 

die Art und Weise, wie das Video aufbereitet ist, 

macht es schwierig, den Aussagen von Stallabrass 

zu folgen. Die Stühle stehen zu dicht vor 

dem Bildschirm, manchmal swipen die Slides 

zu schnell nach links: Einige Passagen können 

wir nicht zu Ende lesen, andere verpassen wir. 

Auch die Musik, mit der das Video unterlegt ist, 

verwirrt, lenkt ab. 

Mit diesen Interferenzen, den Überlagerungen 

von Interessen, den Unterbrechungen, spielt 

Tony Cokes in seiner Arbeit. «If there weren’t 

interferences or complications, we would 

live in a radically different world», sagte der 

amerikanische Künstler in einem Interview mit 

Artforum. «But there are.» Wer interferiert also? 

Sind wir tatsächlich bereit, diese Frage 

zu stellen? GB 

Tony Cokes · Before and After the Studio: 

Volume II, Ausstellungssansichten schwarzescafé, 

Luma Westbau, Zürich, 2019, Courtesy 

Luma Westbau. Foto: Stefan Altenburger 

→ Luma Westbau, bis 26.1. 

↗ www.westbau.com 


73

Lily van der Stokker 

Zürich — Man hat viel Raum in dieser Ausstellung, 

viel Platz, um sich zu bewegen und 

auch stehenzubleiben. So viel Leere mag auf 

den ersten Blick beängstigend sein. Von Ferne 

leuchten aus grossen weissen Wänden vorwiegend 

pastellfarbige Flächen entgegen. Mit 

‹Yeah› setzt Lily van der Stokker (*1954, Den 

Bosch) den optimistischen Start in den Tag, der 

aber schon bald eine andere Tonalität annimmt: 

‹All day problems, in the evening TV› zeigt eine 

erdrückende Problemwolke in giftigen Farben 

und mit spitzigen Kämmen, unten klein zerquetscht 

dann die Ansage zum TV (wo Serien 

laufen, in denen jene Probleme erzählt werden, 

die einen dem ganzen Tag beschäftigen). Wie 

tröstlich, dass es gleich daneben ‹Warm apple 

crumble & whipped cream› gibt. 

‹I am an Artwork› ist hingegen ganz in Rosa 

gehalten, ein Märchenbild für Mädchen, aus 

dem jederzeit ein Einhorn oder ein Fee treten 

kann, während von der Wand gegenüber ‹Child 

Care› droht; gross und weiss und bis auf eine 

verschupfte wurzellose Blume unten links leer. 

Wer möchte sein Kind hier abgeben? 

Auf dem Weg in den nächsten Stock kommt 

man auf der Treppe sinnigerweise am titelgebenden 

Werk der Schau ‹Help help a little old 

lady here› vorbei, aber wer beachtet heutzutage 

schon kleine alte Frauen? Oben sind die Farben 

dann wesentlich weniger kräftig, die Werke 

dafür grösser. Auf gut vier mal acht Metern wird 

in ‹Sandwiches and Chocolate Sprinkles› der 

Schritt von der Kunstwelt zur Arbeit in einem 

Altersheim proklamiert, wo die belegten Brote 

mit Schokoladensplittern serviert werden. 

Die wandfüllenden Malereien werden durch 

Skizzen und Zeichnungen ergänzt. ‹BaBa- 

Babyboom› ist eine solche, mit Farbstift und 

Kugelschreiber zu Papier gebracht, wo sich die 

Figur scheinbar hinter das Sofa geflüchtet hat 

und nun Klage führt, dass die meisten ihrer 

weiblichen Freunde ein Kind haben und daher 

über nichts anders mehr sprechen. 

Lily van der Stokker war zusammen mit einem 

grossen Team selbst am Aufbau der Ausstellung 

beteiligt. Die Werke sind sehr exakt ausgeführt, 

mit präzise gefertigten Linien und Flächen. 

Diese Akribie kontrastiert mit dem ersten 

Eindruck von kindlichen Farben und Formen, 

die einen durchaus in die Irre führen können. 

Eine Diaschau zeigt ‹36 years of wallpaintings›, 

und an der Kasse liegt mit ‹friendly Good› ein 

grosser Katalog auf, der das Schaffen der heute 

in Amsterdam und New York lebenden Künstlerin 

umfassend würdigt. TS 

Lily van der Stokker · Evening TV, 2019, Acryl 

auf Wand, 420 x 361 cm, Courtesy kaufmann 

repetto, Milan/New York. Foto: Lorenzo Pusterla 

Lily van der Stokker · Birthday, 1998/2019, Acryl 

auf Wand und Holz, 171 x 151 x 46 cm, Courtesy 

Air de Paris, Paris. Foto: Lorenzo Pusterla 

→ Migrosmuseum für Gegenwartskunst, 

bis 23.2. ↗ www.migrosmuseum 


Vera Molnar 

Zürich — Am Anfang war der Sonnenuntergang: 

Vera Molnar (*1924) wuchs am Balatonsee 

auf, wo sie als Kind jeden Tag die untergehende 

Sonne malte. Dabei merkte sie, dass dazu 

immer die gleichen Rot- und Blautöne nötig 

sind. Um ein ungleiches Abnutzen der Crayons 

zu verhindern, rotierte sie sie jeden Abend um 

eine Position. Dieses Spiel mit Regelmässigkeiten 

und Eingriffen, von Struktur und Zufall, 

mit Ordnung und Unordnung ist ein zentrales 

Thema der Pionierin der digitalen Kunst. 

Wie kann ein Computer denn zum Zeichnen 

gebracht werden? Indem er mit Algorithmen 

gefüttert wird. 1968 waren Computer noch 

grosse Maschinen ohne Bildschirme, die über 

Terminals bedient wurden. Molnar überredete 

den Leiter des Rechenzentrums der Universität 

Paris, ihr einzelne Minuten am Terminal zuzusprechen. 

Sie liess den Prozessor Formen und 

Linien kalkulieren, die mit einem Stift geplottet 

wurden – der Anfang ihres charakteristischen 

Schaffens. 

Sie bedient sich gerne eines seriellen Gestaltungsprinzips, 

was sich im Aneinanderreihen 

und allmählichen Verändern einer Grundform 

zeigt. Quadrate sind die Basis für ‹Out of 

Square› aus 1974, die schrittweise subtil aus 

dem Gleichgewicht gebracht werden. Diese 

‹quadrilatères› entwickeln ein Eigenleben, 

verlieren allmählich ihre Form und ihre starre 

Ordnung, bis sie zu einer einzigen Linie werden. 

‹(Dés)Ordres, 1976–1977› illustriert mittels 

konzentrischer Quadrate, wie die Künstlerin 

in den digitalen Prozess eingreift und in der 

seriellen Ausrichtung Bewegung an der Oberfläche 

erzeugt. Dekonstruierte Quadrate bilden 

die Grundlage der Siebdrucke von ‹A base de 

carrés, 1999–2011›, in denen acht Formen 

zu einem wirbelnden Tanz roter Puzzleteile 

aufspielen. Ganz anders die Studien zum 

Kamm des Massifs Montagne Sainte-Victoire, 

in denen Molnar das Bild von Paul Cézanne 

geometrisch erforschte und in Linienzeichnungen 

umwandelte. 

Jeder Raum im Museum ist auf dem Boden mit 

einem Würfelsymbol gekennzeichnet, und ein 

Würfel dient Besuchenden auch als ‹générateur 

de hazard›, mit dessen Hilfe der Beginn des 

Rundgangs ermittelt werden kann. Komplettiert 

wird die Ausstellung durch die in einer 

nachgebauten Ateliersituation gezeigten dokumentarischen 

Videos, darunter dasjenige des 

Besuchs von Caroline Hirt und Christian Etter 

bei Vera Molnar in Paris, wo sie seit 1947 lebt. 

Gesprochen wird Französisch, die Untertitel 

hingegen sind englisch – das hält die Synapsen 

in Schwung. TS 

Auf dem Boden ihres Studios sitzend, erklärt 

die 95-jährige Vera Molnar den Algorithmus 

eines ihrer Gemälde, Courtesy Galerie La Ligne 

Vera Molnar, eine Reproduktion von 36 Carrés, 

einer Bewegungsstudie aus 1986, Courtesy 

Digital Arts Association 

→ MuDA, bis 9.2. 

↗ www.muda.co 


75

BESPRECHUNGEN 

Margaret Harrison — Eine Frau sind viele 

Die britische Künstlerin Margaret Harrison setzt sich seit den 

Siebzigerjahren mit sozialer Ungleichheit, Feminismus, häuslicher 

Gewalt und weiblicher Sexualität auseinander. Sie hat dafür 

eine eigene Sprache entwickelt. Was sie zeigt und worüber sie 

informiert, ist couragiert zeitkritisch und frei von bitterer Polemik. 

Basel — Als der Tod von Marilyn Monroe am 5. August 1962 festgestellt wurde, ging 

eine Ära zu Ende, doch der Mythos Marilyn lebt weiter. 1984 gestaltete etwa Madonna 

den Clip zu ihrem Song ‹Material Girl› als Hommage an die Filmdiva. Und die Künstlerin 

Margaret Harrison schuf zwischen 1994 und 1998 Werke zu Stationen aus dem 

Leben Marilyns und appropriierte das ikonische Polaroid, mit dem Warhol ihr Gesicht 

popularisierte. Drei Arbeiten hängen jetzt in der Ausstellung, zu der Nicolas Krupp 

Harrison eingeladen hat. Keines glitzert und funkelt. Ihre Fassung des Polaroids verweist 

vielmehr auf das Fassadenhafte und die Zerbrechlichkeit, das, was wie nicht 

wasserfeste Mascara unter Tränen verläuft. Pendant dazu ist ein Gemälde nach einer 

Post-mortem-Fotografie mit geschlossenen Lidern und zurückgebürsteten blonden 

Haaren. Harrison ergänzt ihre malerische Umsetzung davon mit einem Zitat aus dem 

berühmten, Anne Gregory gewidmeten Gedicht von William B. Yeats: «Only God, my 

dear, could love you for yourself alone and not for your yellow hair.» 

Daneben hängt ein Tableau aus 24 kleinformatigen Panels, mit dem Harrison eine 

politische Aktion aufgreift: 1981 protestierte eine Gruppe von Frauen in Greenham 

Common gegen die Entscheidung der damaligen britischen Regierung unter Margaret 

Thatcher, dort amerikanische Nuklearraketen zu lagern. Sie fesselten sich an den 

Zaun und in der Folge entstand das Greenham Common’s Peace Camp. Harrison entwickelte 

die Arbeit 1989, zur Zeit des Kalten Kriegs, und stellte sie in der Bowery aus. 

Mit dem zweiten, ebenfalls 24-teiligen Tableau thematisiert sie in Aquarellen von alltäglichen 

Gegenständen und Textbestandteilen, die zunächst wie lyrische Tagebuchnotizen 

daherkommen, häusliche Gewalt. Wie eine Parade durchziehen zudem auf 

weiteren Blättern einzelne Gestalten, deren geschlechtliche Zuordnung oszilliert, in 

greller Kleidung, auffälligen Schuhen und lasziven Posen die Szene. Die vielen Spiegel 

verweisen auf Themen wie Selbstbespiegelung, Genderfragen und LGBQ-Bewegung. 

San Francisco wurde für Harrison ab Mitte der Neunzigerjahre zum zweiten Lebensmittelpunkt. 

Die aktuelle Schau ist ihre erste in der Schweiz, in dem Jahr, wo mit dem 

Frauenstreik ein Zeichen dafür gesetzt wurde, dass es bei Gewalt gegen Frauen immer 

um Gewalt gegen den Menschen an sich geht. Stefanie Manthey 

→ ‹Margaret Harrison›, Galerie Nicolas Krupp, bis 18.1. ↗ www.nicolaskrupp.com 


Margaret Harrison · Marilyn, 1994, Aquarell auf Papier, 60 x 45 cm (l); Marilyn, 1998, Öl auf Leinwand, 

51 x 51 cm, Courtesy Galerie Nicolas Krupp Basel 

BESPRECHUNGEN // BASEL 

77

Chika Osaka — Love Letters oder Das fliessende Leben 

Die Japanerin Chika Osaka hat sich den druckgrafischen Medien 

und deren experimenteller Handhabung verschrieben.Sie entwirft 

Bildräume von leuchtender Farbigkeit, Bühnen für die Auftritte 

ihrer Protagonistinnen des heutigen Japan. Darin lässt 

die Künstlerin auch traditionelle japanische Motive einfliessen. 

Bern/Burgdorf — Traumwandlerisch bewegen sich die jungen Frauen in abstrakten 

Bildgründen, oder sie lagern choreografiert zwischen bunten Tüchern. Rätselhaftes 

mutet ihnen an. Stets sind sie als Rückenfiguren ins Bild gesetzt oder mit abgewandtem 

Gesicht.Sie sind nicht als Individuen gezeichnet und erinnern an typisierte Figuren 

des Manga und Shin-hanga. Für Chika Osaka (*1984, Tokio) beginnt der bildnerische 

Prozess meist mit einer Geschichte, die von den Zukunftsvorstellungen, Sehnsüchten 

und Ängsten junger Frauen handelt – Männer treten nur marginal auf. Die Künstlerin 

illustriert nicht, sondern sie kondensiert das Narrativ zu einem prägnanten Bild und 

setzt damit ein komplexes Zusammenspiel in Gang. 

Die zugrundeliegenden Texte sind in unterschiedlichen Formaten festgehalten: 

Schulheft, Agenda, Tagebuch oder Brief. Analog zu den Bildern durchliefen auch diese 

zunächst handschriftlichen Notate einen druckgrafischen Prozess. Indem Osaka 

sie auf Tischen in der Raummitte installiert,demonstriert sie das Eigenleben von Bild 

und Geschichte. 

Im «Skript» zu dem Bild ‹The Rice Just Served› beispielsweise steht – auf der 

Rückseite eines Supermarkt-Flyers notiert: «My friend’s girlfriend just came in ten 

minutes ago.» Beim Frühstück mit gekochtem Reis und Fischflocken fliegt eine Geschichte 

auf. Der Prägedruck mit weissem Reis als Landschaft, in der die drei miteinander 

verstrickten Gestalten inmitten auffliegender brauner Flocken in die Bildtiefe 

Reissaus nehmen, ist eine adäquate Umsetzung. Bei ‹I Am Not Disappointed After All› 

hingegen stapeln sich Gemüsekisten und Bücher liegen in prekärer Balance übereinander, 

oben eine Frau mit riesiger Schote unter dem Arm. Auf einem unscheinbaren, 

zwischen zwei Kisten gesteckten Zettel steht «2011 3». Die «Bild-Geschichte» erweist 

sich als sarkastischer Kommentar zur Atomkatastrophe von Fukushima. 

Als ‹Love Letters› bezeichnet Osaka ihre Arbeiten: Liebeserklärung an ihre Mitmenschen, 

an das Leben, an die Traditionen Japans. Mit dem poetischen Blatt ‹I Want 

To Make A Wish›, einer Lithografie in nicht weniger als dreissig Farben gedruckt, steht 

Osaka in der Tradition von Utagawa Hiroshiges Farbholzschnitt ‹Tanabata Festival›, 

1852. Alljährlich im Juli wird das gleichnamige Sternenfest gefeiert: Alle sind eingeladen, 

einen Wunsch zu formulieren und ihn – mit der Hoffnung auf Erfüllung – an 

die eigens errichteten Bambusbäume zu hängen. Nicht einen, sondern zahllose Wünsche 

hat die junge Künstlerin bereits zu Blatt gebracht. Gabriele Lutz 

→ ‹Chika Osaka – Love Letters›, Museum Franz Gertsch, Burgdorf, bis 8.3. ↗museum-franzgertsch.ch 


Chika Osaka · Happy Forever, 2016, Lithografie, Ed. 20 + 1 AP, 40 x 69,5 cm, Courtesy Gallery MoMo 

Chika Osaka · The Rice Just Served, 2014, Lithografie, Ed. 20 + 1 AP, 61 x 94 cm, Courtesy Gallery MoMo 

BESPRECHUNGEN // BERN/BURGDORF 

79

Johannes Itten — Kunst als Leben 

Mit einer Gegenüberstellung von Gemälden, Skizzen und Tagebuchnotizen 

will die Ausstellung ‹Kunst als Leben – Bauhausutopien 

und Dokumente der Wirklichkeit› im Kunstmuseum Bern 

dem Künstler und vor allem dem esoterisch geprägtenTheoretiker 

Johannes Itten auf die Spur kommen. 

Bern — Woran liegt es, dass Paul Klee in Bern präsenter ist als Johannes Itten? Die 

Frage ist schwer zu beantworten. Glück und Zufall stricken an posthumen Erfolgsgeschichten 

mit, der Kunstmarkt, der Zeitgeist: Was lässt sich aus einem Werk lesen? 

Wie kann man es mit aktuellen Fragen in Verbindung bringen? Paul Klee (1879–1940) 

erscheint modern und dem Metaphysischen gegenüber offen; ein Künstler, der sich 

prima im Heute weiterdenken lässt. Johannes Itten (1888–1967) ist da schwerere 

Kost. Er untersucht in seinem Werk nicht nur die Möglichkeiten geometrisch abstrakter 

Malweisen. Itten begreift die Kunst als Lebensaufgabe und verschreibt sich 

und seinen Studierenden gymnastische Übungen, um aus der Bewegung des Leibes 

heraus jene auf der Leinwand zu generieren. Diese Vorstellung einer Verbundenheit 

von Körperertüchtigung und Kunstschaffen wirkt, ebenso wie Ittens Faible für mönchische 

Gewänder, exzentrisch. Doch sein Interesse am Esoterischen erschöpft sich 

nicht in Äusserlichkeiten. Er ist eifriger Anhänger der Mazdaznan-Lehre, in der sich 

christliche mit tantrischen und theosophischen Ideen, vegetarischen Lebensregeln, 

aber auch rassistischen Vorurteilen verbinden. Als Begründer und Leiter des obligaten 

Vorkurses am Bauhaus nutzt Itten die Möglichkeit, seine Weltanschauung unter 

den Studierenden zu verbreiten. Eine Konstellation, die bis heute Fragen aufwirft. 

Fragen, die im Kunstmuseum Bern eher angetippt als ausdiskutiert werden. Neben 

vielen Gemälden, vorwiegend aus den Jahren zwischen den beiden Weltkriegen, 

präsentiert die Schau zahlreiche Skizzen und Tagebuchblätter. Diese Notate wurden 

neu erforscht und beurteilt und sind zum ersten Mal in diesem Umfang ausgestellt: 

Zwei Wände im grossen Saal des Altbaus sind mit einer Zusammenstellung 

aus Zeichnungen und Schriften bedeckt. In Gegenüberstellung mit den Bildwerken 

verdeutlicht diese Präsentation vor allem, wie sehr der Tagebuchschreiber Itten mit 

künstlerischen Fragen befasst war und wie stark sein weltanschauliches Denken 

Eingang in seine Malerei fand. In das ebenso berühmte wie rätselhafte ‹Kinderbild›, 

1921/22, beispielsweise hat Itten zahlreiche religiöse Symbole eingearbeitet, wie erläuternde 

Kommentare beleuchten. Wer mehr erfahren will, darf den Zeitaufwand einer 

Lese-Ausstellung nicht scheuen. Man muss sich tief in die grosse Fülle des Materials 

einlesen, eindenken. Und man muss es vor Ort tun, denn der Katalog enthält nur 

einen Bruchteil des Materials der Ausstellung. Alice Henkes 

→ ‹Johannes Itten – Kunst als Leben. Bauhausutopien und Dokumente der Wirklichkeit›, Kunstmuseum 

Bern, bis 2.2. ↗ www.kunstmuseumbern.ch 


Johannes Itten · Kinderbild, 1921/22, Öl auf Holz, 110 x 90 cm, Kunsthaus Zürich © Pro Litteris. 

Foto: Kunsthaus Zürich 

81

Julian Charrière — Demaskierendes Naturschauspiel 

Der Schauplatz reicht von der Erdoberfläche bis ins Erdinnere. 

In der Hauptrolle: das Eis. Julian Charrière spart nicht an 

dramatischen Kontrasten. Gerade damit nuanciert er das oft 

eher klischierte Bild von Polarlandschaften. Ein Spektakel mit 

ungewissem Ausgang. 

Lugano — Hier einzutreten, fühlt sich an, wie von der Dunkelheit verschluckt zu werden: 

schwarze Wände, unter den Füssen knirschende Kiesel und ein schwefelartiger 

Geruch von Erdölbitumen, das den Boden modelliert. Dann als Auftakt der Videoloop 

eines Feuers, das in einem Brunnen unweit des Museums lodert. Ein Denkmal für 

die Destruktion elementarer Ressourcen? Ein Hinweis auf die Finanzgeschäfte einer 

Schweizer Bank in Bezug auf eine trinkwassergefährdende Ölpipeline? Für die als 

Sponsor auftretende Credit Suisse, bestrebt um ein nachhaltiges Image, geht der 

Schuss zunächst nach hinten los. Auf dem Weg zum Hauptraum der Ausstellung von 

Julian Charrière (*1987) gilt es dann, an einer schiessunfähigen Kanone vorbei weder 

den Kopf anzustossen noch über die Munition – atomverstrahlte Kokosnüsse im 

Bleimantel – zu stolpern. 

Wie unter Stroboskoplicht in Slow Motion funkeln bläulich-weisse Texturen aus 

nächtlicher Umgebung auf. Drohnenaufnahmen der angeleuchteten Arktis und Antarktis, 

des Aletsch- und des Rhonegletschers zeigen das Eis in ungewohnten Schattierungen. 

Entlegene Formationen verschmelzen in einem Film in Echtzeit in einer 

fiktiven Landschaftsszenerie. Die Bilder agieren als Kulisse wie auch als Leitmotiv. 

Zwischendurch wirken sie anthropomorph, als hätten sie Nasen oder Hautstrukturen. 

Der Sinn für ihre Grössendimensionen schwindet. Dann liegen sie wie Leichen unter 

Tüchern, die ihr Wegschmelzen verlangsamen sollen. Zu verstärktem Sound kommt 

das Eis in tosendes Fliessen, das wie eine selbstbestimmte Fortbewegung anmutet, 

tatsächlich aber Verschwinden bedeutet. Spätestens hier verbildlicht sich die Krux 

einer sich verändernden Natur, deren Verhalten durch den Mensch beeinflusst wird. 

Dafür stehen auch die im Raum verteilten durchlöcherten Findlinge. Die aus ihnen herausgebohrten 

Kerne wurden unter den Steinbrocken als Rollen aneinandergelegt und 

durch Metallrohre ergänzt. Diese verweisen auf Ressourcen wie Bronze und Eisen, die 

vor Urzeiten den menschlichen Fortschritt beschleunigten. Das Prinzip ist so gewitzt 

wie unmissverständlich: Je weiter wir die Natur ausbeuten und vorantreiben, desto 

weniger bleibt von ihrer Substanz. Während sich analog dazu die Erdoberfläche gravierend 

verändert, verhält sich das Magma im Innern konstant. Darauf verweist offenbar 

der meditativ brennende Brunnen, den man auf dem Rückweg nochmals passiert. 

So schärft Julian Charrière nicht nur die Wahrnehmung des Jetzt, sondern inszeniert 

auch eine Überzeitlichkeit. Irène Unholz 

→ ‹Julian Charrière –Towards No Earthly Pole›, MASI Lugano, bis 15.3. ↗ www.masilugano.ch 

→ Aargauer Kunsthaus, Aarau 16.5.–16.8. ↗ www.aargauerkunsthaus.ch 


Julian Charrière · And Beneath It All, Flows Liquid Fire, 2019, Filmloop © ProLitteris. Foto: Jens Ziehe 

Julian Charrière · Towards No Earthly Pole, 2019, Installationsansicht MASI Lugano © ProLitteris. 

Foto: Jens Ziehe 

BESPRECHUNGEN // LUGANO 

83

Giulia Piscitelli, Clemens v. Wedemeyer – Nella società, in Gesellschaft 

Die Weltbevölkerung nimmt kontinuierlich zu, der Platz wird 

knapper und der Grad der gesellschaftlichen Reibungsfläche 

intensiviert sich. Giulia Piscitelli und Clemens von Wedemeyer 

liefern mit je einer Einzelausstellung im Kunstmuseum Luzern 

ein visuelles Zeugnis eines soziopolitischen Status quo. 

Luzern — Die von Fanni Fetzer kuratierte Doppelausstellung ‹Nella società, in Gesellschaft› 

vereint zwei formalästhetisch gegensätzliche Positionen, die sich jedoch 

auf der inhaltlichen Ebene akkurat ineinander verweben. Räumlich separiert und 

konzeptuell als «loser Dialog» ausgelegt, widmen sich Giulia Piscitelli (*1965) und 

Clemens von Wedemeyer (*1974) in ihren Werken gesellschaftlichen Zusammenhängen. 

Als stille Beobachterin des Alltags lebt und arbeitet Giulia Piscitelli in der 

süditalienischen Metropole Neapel. Laut, dreckig, stinkend sowie stets mit Pizza 

und Mafia konnotiert, präsentiert sich die Stadt als Katalysator für gesellschaftliche 

Querelen und politische Stagnation. Die Künstlerin nutzt diese Umstände, um mittels 

konzeptueller Strategien feinfühlige Werkgruppen zu realisieren, die durch eine 

minimalistische Vielschichtigkeit geprägt sind; gefundene Flohmarkt-Gemälde werden 

mit Blattsilber überzogen und entziehen die Sicht auf den visuellen Geschmack 

der Dreissiger- bis Siebzigerjahre, oder triviale Alltagsgegenstände erhalten eine 

Aufwertung mit dem Ferrari-Logo. Giulia Piscitelli scheut sich nicht davor, auch im 

Brennpunkt stehende, politische Themen anzusprechen und bildgewaltig umzusetzen; 

beinahe zwei Dutzend katholische Beichtstühle sind mit islamischen Gebetsteppichen 

eingefasst und vermitteln eine Ästhetik, die irritiert, aber gleichzeitig eine 

ambivalente Neugierde weckt. 

Eine formale Schlichtheit in Kombination mit einer thematischen Tiefgründigkeit 

setzt auch Clemens von Wedemeyer in seinen Videoarbeiten um. Er interessiert 

sich – aus historischer wie auch gegenwärtiger Sicht – für das sozialpsychologische 

Phänomen der Massendynamik, das er mittels theoretischer Recherchen und Computersimulationen 

untersucht. Gesellschaftliche Ausnahmezustände wie Demonstrationen, 

Evakuationen oder Fussballspiele nutzt der Künstler für eine Art digitalisierte 

Verhaltensforschung, die zwischenmenschliche Fragen nach Partizipation 

und Interaktion aufwirft. Mit einem gekonnten Spiel zwischen Illusion und Animation 

konstruiert er auf den grossformatigen Projektionen und Bildschirminstallationen 

ein symbolträchtiges Verhältnis zwischen Mensch, Raum und Zeit. Mit ‹Faux Terrain› 

hat Clemens von Wedemeyer zudem eine ortsspezifische Videoarbeit entwickelt, bei 

der er Geschichte und Gegenwart von Luzern unter dem Aspekt der individuellen und 

gesellschaftlichen Entfremdung verknüpft. Michael Sutter 

→ ‹Nella società, in Gesellschaft›, Kunstmuseum Luzern, bis 9.2. ↗ www.kunstmuseumluzern.ch 


Giulia Piscitelli · Una nuvola como tapetto, 2019, und Spica, 2011, Ansicht Kunstmuseum Luzern 

Clemens v. Wedemeyer · Faux Terrain, 2019, Ausstellungsansicht Kunstmuseum Luzern, 2019, Courtesy 

KOW, Berlin und Galerie Jocelyn Wolff, Paris © ProLitteris. Foto (oben und unten): Marc Latzel 

BESPRECHUNGEN // LUZERN 

85

Uriel Orlow — Tee im Turm 

Ganz oben im schiefen Turm der Kunsthalle Mainz, der ehemaligen 

Energiezentrale des Rhein-Zollhafens, treffen wir auf 

die aktuellste Arbeit von Uriel Orlow. Hauptakteure der grossen 

Soloschau sind Pflanzen.Sie werden als Zeugen der historischen 

Verstrickungen zwischen Europa und Afrika inszeniert. 

Mainz — Uriel Orlow verwandelt den Turmraum der Kunsthalle Mainz in eine Teeküche. 

Zu trinken gibt es Lum Artemisia, ein traditionelles Heilmittel gegen Malaria. 

Eine zweiteilige Videoarbeit dokumentiert den Anbau der traditionellen Heilpflanze 

und lässt Frauen eines Kollektivs, die mit der Produktion ihre Familien finanzieren, zu 

Wort kommen. Parallel dazu preisen in einem zweiten Video kongolesische Musiker 

mit Gesang den vielseitigen Nutzen der Pflanze für die Bevölkerung. 

Vier kleinformatige kongolesische Malereien mit Anweisungen zum Teeaufguss 

komplettieren die Installation. Die Werkgruppe ‹Learning from Plants (Artemisia 

afra)›, 2019, entstand im Kontext der Lubumbashi Biennale im Kongo, wo Orlow mit 

den Frauen auch einen Garten anlegte. Der Transfer an den Rhein, mitten in den 

ehemaligen Zollhafen, der sich derzeit im Umbau zu einem neuen Arbeits-, Freizeitund 

Wohnquartier befindet, verknüpft verschiedene Bedeutungsstränge zu einer 

ortsspezifischen Lesart: Der Rhein gilt seit jeher als eine Hauptschlagader des europäischen 

Handels, die den Süden mit dem Norden verbindet. Die Gentrifizierung 

der alten Hafenstrukturen bildet die Kontrastfolie zu den im Video dokumentierten 

regional organisierten Aktivitäten der alternativen Heilmittelproduktion in Zentralafrika. 

Die Arbeiten lassen sich als Kommentar auf die ungleichen Interessen und 

Machtverhältnisse in Handelsbeziehungen lesen, etwa zwischen der Pharmaindustrie 

und den traditionellen Heilpraktiken oder zwischen europäischer Normalität und 

postkolonialer Realität. Und beinahe verleitet die Werkgruppe zum Fair-Trade-Reflex, 

also dazu, das Museumspersonal nach dem Verkauf des Teekrauts zu fragen. 

Uriel Orlow spannt ein dichtes Assoziationsnetz auf, das den eigenen Standpunkt 

subtil einbezieht. Dahinter steht ein forschungs- und prozessbasiertes Vorgehen. 

Seine Themen begegnen ihm zumeist direkt vor Ort, bei der Lubumbashi Biennale 

ebenso wie bei der Manifesta 12 in Palermo, bei einem Forschungsaufenthalt in Kapstadt 

oder einem Ausstellungsprojekt in Aubervilliers, Paris. Im Dialog mit Akteuren 

und in Archivrecherchen entwirrt er historische Verstrickungen. Er sammelt Indizien, 

Spuren und Beweise und befragt Zeugen. Die Vorgehensweise ist anthropologisch 

und historisch zugleich. Die künstlerische Freiheit ermöglicht es ihm, das Augenmerk 

auf Verborgenes zu richten und bisher Ausgeklammertes ans Licht zu holen. So ist 

seine Arbeit auch Teil der Aufarbeitung der kolonialen Vergangenheit. Genauso sucht 

sie aber auch nach alternativen Wegen in die Zukunft. Sabine Rusterholz Petko 

→ ‹Uriel Orlow – Conversing with Leaves›, Kunsthalle Mainz, bis 23.2. ↗ www.kunsthalle-mainz.de 


Uriel Orlow · Learning from Plants (Artemisia afra), 2019 © ProLitteris. Foto: Norbert Miguletz 

BESPRECHUNGEN // MAINZ 

87

Léopold Rabus — Rencontres 

Dunkles und Banales, Schönheit und Schrecken, Alltägliches 

und bizarre Spielereien verbinden sich in den Gemälden von 

Léopold Rabus. Das Musée d’art et d’histoire in Neuenburg 

widmet dem faszinierenden Maler unter dem Titel ‹Rencontres› 

eine opulente Ausstellung. 

Neuenburg — ‹Mann, einen Stoff in eine Pfütze tauchend›, 2016, heisst eines seiner 

Bilder, und der Titel beschreibt genau, was auf dem drei Meter breiten Ölgemälde 

zu sehen ist: ein Mann im weissen Unterhemd, der auf dem Boden kniet und ein 

ebenfalls weisses Stück Stoff in eine bräunliche Pfütze tunkt. Warum er das macht? 

Darüber gibt das Bild ebenso wenig Auskunft wie über den Ort des Geschehens, der 

buchstäblich dunkel bleibt. Eine einzige Lampe erhellt die nächtliche Szenerie, die 

nach Garten aussieht: Beete, Gras, eine Wand aus Brettern und dicker Klarsichtfolie, 

wie von einem Gewächshaus. Schliesst sich dieses um den knienden Mann, oder liegt 

es hinter ihm? Schwer auszumachen. Vieles scheint im Halbdunkel möglich. 

Ausgangspunkt der Malerei von Léopold Rabus (*1977) ist meist das Alltägliche 

und Unspektakuläre. Spaziergänge in der näheren Umgebung inspirieren ihn. Viele 

seiner Motive lassen sich im ländlichen Kanton Neuenburg verorten: Ein nachmittäglicher 

Stall, in dem Kühe ruhen, nächtliche Gemüsegärten, winterliche Felder, kleinbürgerliche 

Stuben – eigentlich genau das, was bereits der Malerei des 19. Jahrhunderts 

als Sujet diente. Und niemand wüsste das besser als Rabus, der sich intensiv 

mit der Kunstgeschichte befasst. Doch während sich Felder, Wälder und Stuben bei 

Albert Anker oder Alexandre Calame in bedeutungsvolle Idylle verwandeln, werden 

sie bei Rabus zu rätselhaften, manchmal auch aberwitzigen Bildern, in denen die 

meisterhafte Maltechnik einer verblüffenden Profanität der Motive gegenübersteht. 

Rabus zeigt verschmitzt eine Welt aus Bretterverhauen, Wäscheleinen und schief 

hängenden Gardinen, Schlamm und Matsch und welkendem Gemüse, in der dennoch 

ein seltsamer Zauber spürbar ist. Menschen graben sich bis zum Hals ins Erdreich 

ein, Katzen fliegen durch die Luft, und das rationale Denken, welches das Räderwerk 

der Ökonomie antreibt, macht eine Atempause. Die Bilder von Rabus erzählen von 

Unerklärlichem und erinnern an Novalis’ Definition des Romantischen: «Indem ich 

dem Gemeinen einen hohen Sinn, dem Gewöhnlichen ein geheimnisvolles Ansehn, 

dem Bekannten die Würde des Unbekannten, dem Endlichen einen unendlichen 

Schein gebe, so romantisiere ich es.» Die mit wunderbarem Sinn fürs Theatralische 

eingerichtete Schau untermalt dieses romantische Prinzip in der Kunst von Léopold 

Rabus und setzt seine Gemälde mit Werken aus der Sammlung des Hauses in Dialog: 

mit stimmungsvollen Landschaftsbildern, aber auch mit kleinen kuriosen Objekten, 

die auf das Spielerische, das Humorvolle in Rabus’ Werk verweisen. Alice Henkes 

→ ‹Léopold Rabus – Rencontres›, Musée d’art et d’histoire, bis 8.3. ↗ www.mahn.ch 


Léopold Rabus · Homme trempant un tissu dans une flaque, 2016, Öl auf Leinwand, 230 x 300 cm, Courtesy Musée d’art et d’histoire Neuchâtel. 

Foto: Sully Balmasssière 

BESPRECHUNGEN // NEUENBURG 

89

Martina-Sofie Wildberger — I want, I want to say something! 

Die in Zürich und Genf lebende Konzept- und Performance- 

Künstlerin Martina-Sofie Wildberger hat den Manor Kunstpreis 

Schaffhausen 2019 erhalten. In der damit verbundenen Ausstellung 

im Museum zu Allerheiligen zeigt sie neue performative 

Arbeiten mit Stimme und Körper sowie grafische Plakate. 

Schaffhausen – «I, I want, I want to say … something.» Die junge Frau trägt ein weisses 

T-Shirt; die blonden Haare hängen über den Schultern. Der hellrot geschminkte 

Mund spricht die Worte vor sich her. Die als Brustporträt gefilmte Künstlerin Martina- 

Sofie Wildberger ist im Video erst allein zu sehen. Nach einer Weile bildet sie eine 

Reihe mit ihren vier Ebenbildern. ‹I want to say something›, 2017–2019. Der einfache 

Satz ist in dekonstruierter Rede mal lächelnd gesprochene Verführung, mal wütender 

Schrei, bald aus fünf Mündern streng gesagte Forderung. Einmal betreffen die Wörter 

das Subjekt. Dann wieder sind sie abstrakte Propositionen. Ein endloser Kreislauf 

dieser fünf Wörter mit den fünf Personen dreht sich vor dem Besucher. Das Video 

zieht in den Bann, lullt ein und konfrontiert doch stets mit dem gerade Gezeigten, 

der Figur und der Sprache in absoluter Präsenz. Ab und zu sieht man eine Hand vom 

unteren Bildrand her auftauchen. Ein Zeigegestus, der das Gesagte an die Gestalt 

bindet und nicht nur an ein Ornament aus gefilmten Körpern. 

Was ist Sprache in der Performance? Diese Frage beschäftigt Martina-Sofie Wildberger 

seit Beginn ihrer Arbeit als Künstlerin. Sie hat einfache Sätze – meist auf Englisch 

– allein, im Duo und in Gruppen performt. Es sind Aufforderungen oder Vorhaben. 

Als die Performancekunst in den Sechzigerjahren die Sprache entdeckte, war 

das Performative im Textinhalt ein wichtiges Element. Go. Yes. Solche Wörter wurden 

zu körperlich ausgeführten Handlungen. Martina-Sofie knüpft mit ihrer Arbeit an 

diese Erfahrungen an. Sie lässt Sprache und alphabetische Zeichen auf grossformatige 

Plakate und Blätter drucken und bringt sie in ein Verhältnis zum Gesprochenen. 

So wie in der zweiten Arbeit ‹Scream›, 2019, die im Museum zu Allerheiligen Schaffhausen 

anlässlich ihrer Ausstellung zum Manor-Preis zu sehen ist: Ein grosser, offener 

Raum konfrontiert uns einmal mehr mit Wörtern, diesmal gedruckt auf Plakaten 

an den Wänden klebend und gesprochen aus sechs Audio-Quellen. Die weiblichen 

Stimmen überlagern, verflechten sich, verwischen, stören einander, schreien, stöhnen, 

atmen. Ein anschwellendes Vibrieren füllt den Raum. Das Publikum geht den 

eng aneinandergereihten Wörtern auf den Plakatwänden entlang und bemerkt, dass 

Bedeutung von Klang und Wortzeichen miteinander zu tun haben: Scream, You, Hear. 

Die Körperlichkeit der Stimmen verbindet sich mit der Physis der den Raum umfassenden 

Zeichenreihen und zieht uns in einen endlosen Strudel hinein. Sibylle Omlin 

→ ‹Martina-Sofie Wildberger – SCREAM›, Museum zu Allerheiligen Schaffhausen, bis 16.2. Katalog bei 

edition fink Zürich ↗ www.allerheilgen.ch 


Martina-Sofie Wildberger · I want to say something (Video), 2019, Video, Full HD, 6 Min, Courtesy 

Museum zu Allerheiligen Schaffhausen. Foto: Peter Pfister 

BESPRECHUNGEN // SCHAFFHAUSEN 

91

Irma Ineichen — Ein eigenes Zimmer 

In Paris ist Irma Ineichen Künstlerin geworden. Zusammen mit 

ihrem Sohn,dem Filmemacher Tobias Ineichen,hat sie sich dorthin 

auf Spurensuche begeben. Der berührende Dokumentarfilm 

‹Irma Ineichen – Erinnerungen an Paris 1951–1955› feiert an 

den diesjährigen Solothurner Filmtagen Premiere. 

Solothurn — Lange bevor sie die Ausbildung zur Grafikerin an der Kunstgewerbeschule 

Luzern abschloss, hat sie Paris als ihr Ziel festgelegt. Die Stadt wurde ihr zur 

zweiten Heimat,in die sie bis heute zurückkehrt,in ihre Atelierwohnung auf kleinstem 

Grundriss, hoch über den Dächern der Stadt. Damals, 1951, fand sie in Adolf Herbst 

einen Mentor, der ihr Gastrecht in seinem Atelier gewährte und sie in den Kreis seiner 

Pariser Künstlerfreunde einführte. Vor allem ermunterte er sie zum Malen. Sie sei 

überrascht gewesen, erinnert sich die Künstlerin, wie leicht ihr die Ölmalerei von der 

Hand ging. Ein frühes Intérieur zeigt ihr Zimmer, eine abgeschrägte Dachkammer, die 

pulsierende Farbhaut ist im komplementären Rot-Grün-Kontrast gehalten. 

Auch die Malerei ‹Die hellen Wände›, 1952, stammt aus dieser Zeit, gibt Einblick 

ins Atelier: Zu erkennen sind ein Porträtkopf, ein Krug und an die Wand gelehnt eine 

weisse Leinwand. Weniger die Artefakte ziehen den Blick auf sich als die orthogonal 

strukturierten Wandflächen in lebhaftem Weiss, in der Anmutung von Schiebetüren. 

Es scheint, als ob sich dieser kleinen Komposition bereits japanische Ästhetik eingeschrieben 

hätte, obwohl Irma Ineichen erst Jahrzehnte später erstmals nach Japan 

reisen würde. Mit lichtdurchfluteten Räumen in schwebender Transparenz, wie 

‹Japanischer Tee-Raum›, 2009, reagierte sie auf die Begegnung mit dem Inselstaat. 

Ihre Räume haben in der westlichen Kunstgeschichte eine Genealogie: Dazu gehört 

die mittelalterliche Malerei, etwa Marias schlichtes Kämmerchen, in das der Verkündigungsengel 

tritt, ebenso wie neusachliche und surrealistische Raumkonstrukte. 

Im Jahr 1929, als die Künstlerin in Wolhusen geboren wurde, erschien Virginia 

Woolfs für den Feminismus bahnbrechende Schrift ‹A Room of One’s Own›, die Frauen 

ermächtigen will, Raum für ihre eigenständige Arbeit einzufordern. Ob Ineichen diesen 

Essay gelesen hat, entzieht sich meiner Kenntnis. Die Intensität und Kontinuität 

ihrer Auseinandersetzung mit dem Innenraum legt es nahe, diesen auch als Metapher 

für ihr selbstbestimmtes Leben als Künstlerin zu lesen. Sie hat sich ihre eigenen 

Zimmer geschaffen, in Paris und in Luzern. Hier hat sie seit den späten Sechzigerjahren 

öffentliche Anerkennung erfahren und die Unterstützung von Jean-Christophe 

Ammann, der sie im Kunstmuseum Luzern ausstellte. Ende 2019 feierte Irma Ineichen 

ihren 90. Geburtstag – mit einer retrospektiv angelegten Schau in der Galerie 

Kriens. Im Atelier hat sie eben ein grossformatiges Intérieur vollendet. Gabriele Lutz 

→ ‹Irma Ineichen – Erinnerungen an Paris 1951–1955›, Solothurner Filmtage, 22.–29.1. 

↗ www.solothurnerfilmtage.ch 


Irma Ineichen · Mein Zimmer in Les Lilas 1954, Öl auf Karton, 24,5 x 34 cm. Foto: Tobias Ineichen 

Irma Ineichen · Die vier Öffnungen, 2000/2009, Öl auf Leinwand, 70 x 100 cm. Foto: Tobias Ineichen 

BESPRECHUNGEN // SOLOTHURN 

93

Giacomo Santiago Rogado — Desire Path 

Im Entrée stehend, sieht man am einen Ende der Blickachse 

eine Arbeit aus Giacomo Santiago Rogados Serie ‹Intuition›. Der 

Zufall ist hier wesentliches Element. Am anderen Ende hängt 

‹Meta 2› – streng geometrisch. In diesem Spektrum bewegt sich 

die erstaunliche Ausstellung im Kunstmuseum Solothurn. 

Solothurn — Im Ausstellungstitel ‹Desire Path› deuten sich die Wünsche von Giacomo 

Santiago Rogado an, aber auch die unterschiedlichen Strecken, die in seinen 

Bildern und in der Schau visuell erfahrbar werden. Trampelpfad, wie «desire path» 

ins Deutsche übersetzt wird, ist etwas zu hart, verweist aber auf den unterschwelligen 

Humor des Künstlers, der sich auch in seiner Kunst spiegelt. ‹Wildwechsel› wäre 

subtiler, denn es sind die auf den Bildern hinterlassenen Spuren, die sich als roter 

Faden durch die Ausstellung ziehen. 

Der erste Raum – wir begehen die sieben Säle im Uhrzeigersinn – ist eine Reminiszenz 

an Rogados Präsentation im Zürcher Helmhaus 2014. Die in Farbbädern 

hergestellten Bilder scheinen ihren Entwicklungsprozess noch nicht abgeschlossen 

zu haben. Die Baumwolltücher nehmen in einem langen Trocknungsprozess die Farben 

auf, die Rogado in die Bäder tröpfelt. Wie auf einem Löschpapier verästeln sich 

die Farblinien aus einem Zentrum heraus und erinnern nun an Salzkristalle. Das Bild 

‹Meta 2›, das wir schon beim ersten Umschauen erblickten, schafft nicht nur die Verbindung 

zu den weiteren Räumen. Es kombiniert mit seinem wolkigen Hintergrund, 

verwandt den Bildern aus der Serie ‹Intuition›, und den darübergelegten streng geometrischen 

Elementen die beiden Hauptthemen der Schau. 

Als eigentliche Zwischenformen gelten die Bilder aus der Serie ‹Coalescence›. 

Ausgehend von einem Kreis malt Rogado mit einem Einhaarpinsel wellenförmige 

Linien dicht nebeneinander auf ein dick aufgetragenes Gemisch aus Acryl- und Ölfarbe, 

was zu einem irisierenden Effekt führt.In den grossen Kabinetten in nördlicher 

Richtung treffen wir auf neuartige Inszenierungen: Mittels fünf Diaprojektoren wird 

ein extremes Querformat auf die Wand projiziert, bei dem sich nicht nur Farben überlagern, 

sondern auch Details zutage treten, die den subtilen Auftrag seiner Bilder 

dokumentieren. Sie können auch als subkutane Referenz an Sigmar Polkes Glasfenster 

im Zürcher Grossmünster verstanden werden. Im gegenüberliegenden Raum zeigt 

Rogado eine Reihe von Aquarellen, deren Spontaneität kontrapunktisch wirken und 

sich als Reservoir seiner Malerei entpuppen. Zudem verweisen sie auf Inspirationsquellen 

der Malereigeschichte. Malerei, ja Kunst, die sich entwickeln und die berühren 

will, bedarf der Urväter, des Zufalls, der Strenge und des Unerwarteten. Giacomo 

Santiago Rogado macht das gekonnt vor. Simon Baur 

→ ‹Giacomo Santiago Rogado – Desire Path, Werke 2014–2019›, Kunstmuseum Solothurn, bis 16.2.; 

feiner Katalog im Verlag für moderne Kunst, Wien ↗ www.kunstmuseum-so.ch ↗ www.vfmk.org 


Giacomo Santiago Rogado · Coalescence (Black, Iridescent Blue Green), 2018, Acryl und Öl auf Leinen, 

70 x 50 cm 

BESPRECHUNGEN // SOLOTHURN 

95

Pieter Bruegel d.Ä. — Ein Bild wie ein Wunder 

Ein ganz Grosser, und noch immer neu zu entdecken: Die von 

Kerstin Richter kuratierte Kabinettausstellung ‹Das Wunder im 

Schnee – Pieter Bruegel der Ältere› in der Sammung Am Römerholz 

lädt zur Begegnung mit dem Werk eines Künstlers, der das 

Publikum immer einbezieht und fordert. 

Winterthur — Schöner kann’s nicht schneien als auf der kleinen Tafel ‹Die Anbetung 

der Heiligen Drei Könige im Schnee›, 1563, die Pieter Bruegel d.Ä. (um 1525/30–1569) 

so kühn und bewegend gestaltet hat. Oskar Reinhart, dem wir die Sammlung Am Römerholz 

und mit ihr das einzige Gemälde des flämischen Meisters in einem Schweizer 

Museum verdanken, war auf der Suche nach einem Bruegel und hat in Berlin diesen 

bekommen: «10h zu Cassirer. Brueghel erworben», vermerkt sein Tagebuch am 1. Oktober 

1930. Bruegels erstes von fünf innovativen Wintergemälden gilt auch als das 

erste Tafelbild in der europäischen Kunst mit der Darstellung von fallendem Schnee. 

Diese alle Sinne, Herz und Geist ansprechende Winterlandschaft steht im Zentrum 

der Schau, die es wahrhaft in sich hat. Sie allein – zusammen mit der Media-Station, 

die es erlaubt, sich dem Werk über Makro- und Röntgenaufnahmen, Streiflicht und 

Infrarotbilder zu nähern – würde den Besuch lohnen. 

Die Anbetung als das wichtigste Geschehen ist darin ganz an den Rand gerückt – 

nicht untypisch für Bruegel, man vergleiche nur die beiden in der Schau gezeigten 

Blätter der ‹Grossen Landschaften› mit dem von allem abgewandten heiligen Hieronymus 

oder, fast schon Rückenfiguren auf dem Weg ins Bild, den drei Pilgern unterwegs 

nach Emmaus, einer von ihnen ist Jesus. Wie so oft bei Bruegel sind die Betrachtenden 

gefordert, sich auf die verschiedenen Wege einzulassen, die im Werk angelegt 

sind, die Lesarten, deren Reichtum schon von seinen Zeitgenossen erkannt wurde. 

Zuerst aber ist die ‹Anbetung› ein ungemein atmosphärisches Werk. Vom leicht erhöhten 

Blickpunkt sind Kälte und Schnee zu spüren, zu riechen, man hört die Schritte, 

das Gemurmel und einzelne Rufe der dem Heilsgeschehen zugewandten und der 

mit sich und dem Alltag beschäftigten Menschen. Bald erahnt man in den fernsten 

Gestalten und Dingen – lanzenbewehrten Soldaten, einem Rad wie Fortunas Rad – 

Zukünftiges, Wandel, Gefahr. Im Vordergrund kündigt sich zwischen dem Zerfallenden 

rechts (wohl als Ruine des Davidspalasts zu interpretieren) und dem Aufblühenden 

links (die Heilige Familie im Stall) Neues an, ein Übergang, die Brücke über den 

Fluss unterstreicht es. Und über allem der fallende Schnee, als zarter Schleier, hinter 

dem Realität und Imagination in abgründigen Erzählungen zur Welt kommen: erfüllte 

Wirklichkeit im Namen Christi, von geradezu ergreifender malerischer Spontaneität 

und verführerischer Dynamik. Angelika Maass 

→ ‹Das Wunder im Schnee – Pieter Bruegel der Ältere›, Sammlung Oskar Reinhart Am Römerholz, 

bis 1.3.; zugehörige Website unbedingt besuchen! ↗ www.roemerholz.ch ↗ www.insidebruegel.net 


Pieter Bruegel d.Ä. · Die Anbetung der Heiligen Drei Könige im Schnee, 1563, signiert und datiert unten links, Öl auf Eichenholz, 35 x 55 cm, 

Sammlung Oskar Reinhart Am Römerholz, Winterthur 

BESPRECHUNGEN // WINTERTHUR 

97

Gitagovinda — Begehren und Erfüllung 

Hier der Gott, dort der Mensch – in der bis heute lebendigen 

‹Gitagovinda› wird daraus eine die Grenzen überwindende Geschichte 

von Liebe und Hingabe. Die Ausstellung im Museum 

Rietberg mit Bildern zum grossen Liebesepos veranschaulicht, 

wie innig sich Literatur und Darstellung in Indien verbinden. 

Zürich — Anmut, Schönheit und viel Gefühl. Kummer und Sehnsucht, Hingabe – alles 

in leuchtenden Farben, lauter die einen, leiser die andern, immer harmonisch, manchmal 

auch kontrastreich. Am Ende steht fest: Leidenschaftlich war die Nacht, und nicht 

alle Schmuckstücke der jungen Frau haben dies unbeschadet überstanden, wie die 

zerrissene Perlenkette und die Goldbänder im Blätterbett, das sie mit dem Geliebten 

teilte, verraten. Happy End also für Radha und Krishna, für die Kuhhirtin und den 

Gott, deren Geschichte die von Caroline Widmer kuratierte Ausstellung nacherzählt. 

Der blauhäutige Krishna, der unter vielen Namen bekannt ist, eben auch als Govinda, 

«bester der Kuhhirten», und Radha, das schöne Hirtenmädchen – um sie und ihre 

Liebe geht es im ‹Gitagovinda›, in Krishnas Lied, einem Sanskrit-Text, mit dem sich der 

Dichter Jayadeva im 12. Jahrhundert in die Weltliteratur eingeschrieben hat. 

Den Rang von Weltkunst haben auch die beiden im 18. Jahrhundert in Guler 

(Pahari-Gebiet) entstandenen Bildzyklen, die unter den vielen Werken, zu denen die 

‹Gitagovinda› die Künstler anregte, die herausragendsten sind. Manaku von Guler, der 

ältere der Malerbrüder, ist Schöpfer der ersten Guler ‹Gitagovinda›-Serie von 1730, 

der jüngere Nainsukh scheint als Anreger und Projektleiter hinter der zweiten, ebenfalls 

151 Blätter umfassenden Serie zu stehen, die von Manaku und seinen Nachkommen 

geschaffen wurde, ohne dass sich die Hand eines einzelnen Künstlers herauslesen 

liesse. Die Serie von ca. 1775, als Werk der «Meister der ersten Generation 

nach Manaku und Nainsukh von Guler» in die Kunstgeschichte eingegangen und dem 

westlichen Auge näherliegend, steht im Zentrum der wie gewohnt sehr attraktiven 

Präsentation im Museum Rietberg. Sie bietet das Konzentrat einer in ihrer Bedeutungsvielfalt 

nicht leicht zu fassenden Geschichte, die ebenso von menschlicher Liebe 

erzählt wie von religiöser, die zur mystischen Vereinigung führt. 

Die Miniaturmalereien, durchsetzt mit einer Fülle schönster Details, besitzen 

hohe erzählerische Qualität. Und so konzentriert die Schau mit 49 Exponaten ist: 

Vergleichende Betrachtung ist möglich. Treten bei Manaku die Figuren nicht fast so 

auf wie die Schauspieler eines bekannten Stücks? Bieten sie in der jüngeren Serie 

nicht so etwas wie Identifikationsfiguren und machen Einfühlung möglich? Der Film 

‹Gitagovinda›, 2014/15, von Eberhard Fischer und Amit Dutta öffnet ohne Worte, mit 

zauberhafter Geräuschkulisse eine zusätzliche Dimension. Angelika Maass 

→ ‹Gitagovinda – Indiens grosse Liebesgeschichte›, Museum Rietberg, bis 16.2.; attraktiver Katalog von 

Caroline Widmer ↗ www.rietberg.ch 


Krishna tanzt mit den Hirtenmädchen. Folio aus der zweiten Guler Gitagovinda-Serie von ca. 1775, 

Geschenk Horst Metzger, Museum Rietberg 

Noch schmollt Radha, will nicht auf ihre Freundin hören und weist Krishna zurück. Folio aus der 

zweiten Guler Gitagovinda-Serie von ca. 1775, Legat Lucy Rudolph, Museum Rietberg 

BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 

99

Fiktion Kongo — Kunstwelten zwischen Geschichte und Gegenwart 

Erstmals hat das Museum Rietberg kongolesische Kunstschaffende 

eingeladen, eine Ausstellung mit Objekten aus dem Kongo 

zu kommentieren.Gemeinsam mit den Kuratorinnen formulieren 

sie ihren Blick auf das Archiv von Hans Himmelheber und auf die 

zugrundeliegende koloniale Geschichte. 

Zürich — Die Ende der 1930er-Jahre während ausgedehnter Reisen durch den Kongo 

entstandene Sammlung des deutschen Ethnografen und Ethnologen Hans Himmelheber 

(1908–2003) ist deshalb hervorragend geeignet, über die vielfältigen Kontexte 

musealen Besitzes exotischer Gegenstände zu reflektieren, weil Himmelheber nicht 

nur im Auftrag einiger Institutionen Masken, Kraftfiguren oder kunstvoll gestaltete 

Dinge des täglichen Gebrauchs in grossem Stil einkaufte, sondern darüber hinaus 

fotografierte, filmte und Tagebuch führte. Der «Pionier der afrikanischen Kunstgeschichte» 

wollte die exotischen Gegenstände nicht nur besitzen, er war interessiert 

an ihren Umgebungen, wie sie gemacht und genutzt wurden oder wie die Interaktionen 

mit den Verkäufer/innen vonstattengingen. Damals noch ungewöhnlich, setzte er 

Ton- und Filmaufnahmen als Forschungs- und Dokumentationsmittel ein, und diesen 

Aufzeichnungen, die wie ein roter Faden die Ausstellung durchlaufen, gelingt es, die 

vielen gezeigten Objekte ein wenig lebendig zu machen. Man sieht, wie der Weisse 

die ihn umgebenden Schwarzen um mindestens einen Kopf überragt, wie vier Träger 

Himmelheber in der Tipoye (einem Tragsessel) transportieren, wie er mit einem weiblichen 

Häuptling verhandelt oder wie die Masken damals verwendet wurden. 

Eine weitere Ebene sind die Kommentare der Künstler/innen. Eingeleitet werden 

sie mit ‹Hommage aux Anciens Créateurs›, einem vor etwa dreissig Jahren gemaltem 

Bild von Chéri Samba (*1956), das den kongolesischen, elegant gekleideten Künstler 

in nachdenklicher Begegnung mit nackten Kultfiguren aus der Sammlung Han 

Coray zeigt. Einige der Stücke hätten ihm körperliches Unbehagen bereitet, schreibt 

Samba, er sei überzeugt gewesen, dass diese Objekte immer noch übernatürliche 

Kräfte hätten. In der Ausstellung findet die Begegnung mit den Kultfiguren nüchterner 

statt. Einige werden computertomografisch durchleuchtet, um ihre verborgene 

Füllung sichtbar zu machen; der Künstler Sammy Baloji (*1978) fragt, wie man etwas 

Sinn geben könne, das heute keine Bedeutung mehr hat; zugleich wird konstatiert, 

die Objekte seien der Weg, um zu sich selbst zurückzufinden, deshalb sei Restitution 

wichtig. Wie zeigt man heute (unrechtmässig?) erworbene Dinge? Wer darf über 

sie sprechen bzw. wessen Stimmen und Deutungen werden gehört? Die Ausstellung 

im Museum Rietberg versucht, Antworten gemeinsam zu entwickeln. Kuratorinnen: 

Michaela Oberhofer und Nanina Guyer. Brita Polzer 

→ ‹Fiktion Kongo›, Museum Rietberg, bis 15.3.; mit Publikation ↗ www.rietberg.ch 


Hans Himmelheber · Kongo, 1938, SW-Negativ, Courtesy Museum Rietberg, Geschenk Erbengemeinschaft 

Hans Himmelheber 

Chéri Samba · Hommage aux Anciens Créateurs, 1999, Acryl auf Leinwand, 151 x 201 cm, Courtesy 

CAAC – The Pigozzi Collection. 

BESPRECHUNGEN // ZÜRICH 101

Helmhaus Zürich — Kunstglück im Kopf 

Seit September befindet sich das Helmhaus Zürich mit einer 

Doppelausstellung ‹Auf der Suche› ‹nach Zürich›. Einem Zürich 

der Vielfältigkeit und des wenig Sichtbaren, das Teilhabe an, in 

und mit der Kunst neu definiert. Gerade wurde Teil zwei eröffnet 

und fragt, wer und vor allem auch was «nach Zürich» kommt. 

Zürich — Kritik verselbständigt sich mitunter – und bleibt sowieso ein zutiefst subjektiv 

gefärbtes Unterfangen.Da ist es von Vorteil, wenn Ausstellungen in Serie gehen, 

sich also zweite Chancen ergeben: Um genau(er) hinzusehen, Urteile zu hinterfragen 

und neue Perspektiven zu entwickeln. So wie in der jüngst eröffneten Schau ‹nach 

Zürich›. Schon deren erster Teil ‹Auf der Suche nach› hatte sich «archäologischen» 

Tiefenbohrungen und «genealogischen» Zeitreisen im Kontext eines «anders» gearteten 

Zürich gewidmet. Einer für ihre finanzstarke Galerienszene und darin florierende 

«Kunst des grossen Geldes» bekannte Stadt. ‹Auf der Suche› ‹nach Zürich› 

hinterfragt dieses Klischee und beweist, dass zweite Male oft die besten Male sind: 

Plötzlich fügt sich alles, findet zusammen, ergibt ein Ganzes. Plötzlich findet man 

sich vor einem doppelten, grossformatigen Screen wieder und lauscht in der Videoinstallation 

‹du woher› den Geschichten der aus Ungarn stammenden und in Zürich 

lebenden Künstlerin: wie sie auf dem Weg in die alte Heimat Menschen begegnet, für 

welche die Schweiz ein Sehnsuchtsort ist, die gedenken, hierher zu migrieren und 

hasserfüllt von nach Ungarn geflohenen Menschen berichten. Julia Geröcs und Gabriel 

Studerus inszenieren dieses Narrativ eines «transversal» Grenzen überschreitenden 

Rassismus wenig belehrend, vielmehr mit einem perfekt austarierten Mix aus 

Tanz, Musik und Performance. Lakonisch, wütend und auch mal von Trauer durchtränkt: 

über das Elend der Trennung zwischen «mir» und «dir». 

Oder man lauscht dem Sound Zürichs im Untergrund – im Wasserreservoir Rosengarten, 

im Regenüberlaufbecken Werd und im Ypsilon-Autobahntunnel unter dem 

Zürcher Hauptbahnhof. Dort also, wo man sonst nie hinkommt und das Künstlertrio 

‹Still und Dunkel› (Pascal Arnold, Christoph Brünggel, Benny Jaberg) von atemberaubender 

Schönheit gezeichnete, unter unserem Alltag zu entdeckende Kathedralen 

der Kunst orchestriert: melodiös rauschender Verkehr und provozierend langsame 

Kamerafahrten, bei denen man sich unbeschwert durch den leergefegten, schwarzweiss 

gefilmten Stadtuntergrund bewegt (‹metabolic›, 2019). Ein Stockwerk tiefer 

fragt man sich dann, was von Ferdinand Arnolds bunten Flecken an Leinwand auf 

Wand (‹Ohne Titel›, 2008–2019) zu halten ist,als sich ein älterer Herr zu einem gesellt, 

sagt «Das isch mis Bild, anderi, wie Sie, möged s’andere. Es het also för jede Mönsch 

öppis. Du muesch nor dra glaube» und wieder verschwindet. So wie man selbst. Raus 

aus der Institution. Im Kopf: das rare Gefühl von Kunstglück. Verena Doerfler 

→ ‹Nach Zürich›, Helmhaus Zürich, bis 26.1. ↗ www.helmhaus.org 


Gabriel Studerus & Julia Geröcs · du woher, 2019, Installation mit 2-Kanal-Videoprojektion, Ausstellungsansicht 

‹nach Zürich›. Foto: Zoe Tempest 


Imi Knoebel — Pastell bis Grell 

Vom pudrigen Zartrosa über ein waldiges Moosgrün bis zum 

sommerlichen Sonnenblumengelb: Das Rechteck bildet die 

Konstante, die Farben die Variablen zu einer experimentellen 

Reihe, die Imi Knoebel 2001 begonnen und erstmals 2002 in der 

Kestner Gesellschaft Hannover ausgestellt hat. 

Zürich — Die Werkserie ist mit ‹Pure Freude› betitelt, und genau so heisst auch die 

derzeitige Ausstellung von Imi Knoebel (*1940) bei Livie Fine Art, einer erfrischenden 

jungen Galerie. Sie hat sich auf den Sekundärmarkt spezialisiert und präsentiert 

sehr fachkundig Kunst, die bereits in Sammlerhänden war und nun neue Sammler 

sucht. Dabei liegt Caspar Livie und Marie Christine Schuh, den beiden Galeristen, die 

ungegenständliche Kunst besonders am Herzen. 

Spätestens seit seiner Ausstellung im Haus Konstruktiv in Zürich 2018 ist Imi 

Knoebel auch in der Schweiz kein Unbekannter mehr. Ein kurzer biografischer Rückblick 

sei dennoch erlaubt: Knoebel teilte während seines Studiums an der Düsseldorfer 

Kunstakademie bei Joseph Beuys nicht nur den Vornamen mit seinem Künstlerfreund 

Imi Giese, sondern auch sein Atelier, den legendären Raum 19. Aber da war 

noch ein weiterer Künstlerfreund, der ihm nachhaltige Impulse geben sollte: Blinky 

Palermo, der ihn 1975 dazu bewog, sich der reinen Farbe zuzuwenden. Die Ergebnisse 

sehen wir in der Ausstellung. 

Knoebel arbeitet konstruktiv und systematisch, bleibt dabei aber immer spielerisch. 

Auch innerhalb einer Serie gibt es keine voraussehbare Logik. Ganz im Gegenteil 

überraschen Knoebels Variationen gerade durch Pointen, die jedes Dogma 

ad absurdum führen. Sie sind unberechenbar wie das Leben. Gerade darin liegt ihr 

besonderer Reiz, ja ihr Witz. Es beginnt schon damit, wie innerhalb einer Serie bei immer 

gleichbleibenden Massstäben das jeweils kleinere von zwei verschiedenfarbigen 

Rechtecken auf dem jeweils grösseren, das zugleich der Bildträger ist, platziert wird: 

Bei flüchtigem Hinsehen glaubt man an eine zentrale Position, erst beim zweiten 

Blick wird deutlich, dass die Kleinform dezentral auf dem grösseren Trägerblatt ausgerichtet 

wird. Und dies von Blatt zu Blatt in unterschiedlichem Masse. Das heisst, 

das Denken in Spiegelsymmetrien wird bewusst irritiert. Eine weitere Überraschung, 

die erst aus unmittelbarer Nähe erkennbar wird, liegt in dem bewegten Pinselstrich, 

der die monochromen, scharf umrissenen Farbflächen haarfein durchzieht und die 

exakte Geometrie durch gestische Spuren belebt. Mit rheinischer Lebensfreude und 

künstlerischer Chuzpe konterkariert der Düsseldorfer Imi Knoebel den heiligen Ernst 

der Zürcher Konkreten, deren Geist sich durch die Hintertür natürlich einschleicht, 

wenn ‹Pure Freude› die Limmatstadt beglückt! Mechthild Heuser 

→ ‹Imi Knoebel – Pure Freude›, Livie Fine Art, bis 30.1. ↗ www.liviefineart.com 


Imi Knoebel · Drunter und Drüber Z36, 2007, Acryl auf Dibond und Kunststoffpapier, 107 x 76 cm, 

signiert und datiert verso: Imi 2007 


NOTIERT // KUNSTRÄUME 

Galerie Eva Presenhuber 

Zürich — Noch ist der Erweiterungsbau des 

Kunsthauses Zürich nicht eröffnet, doch er 

scheint bereits einen Lockstoff auszusenden: 

Nachdem im Juni letzten Jahres Hauser & Wirth 

an der nahen Rämistrasse seinen Verlagshauptsitz 

eröffnet hat, richtet nun auch Eva 

Presenhuber eine zusätzliche Lokalität dort ein. 

Die Galeristin, die ihr internationales Programm 

ab 2003 im Löwenbräu zeigte, eröffnete bereits 

2011 einen Zweitsitz im Diagonal Building des 

Maag-Areals, wo sich seit der Aufgabe der 

Löwenbräu-Räume 2017 ihr Hauptsitz befindet. 

Im selben Jahr expandierte Presenhuber 

nach New York. Mit der neuen Örtlichkeit an der 

Rämistrasse 33 betreibt sie nun also insgesamt 

drei Galerien, was gemäss der Galeristin 

unabdingbar wurde aufgrund des stetig wachsenden 

Programms. Zu diesem gehören heute 

zahlreiche renommierte Kunstschaffende wie 

Peter Fischli & David Weiss, Ugo Rondinone, Eva 

Rothschild oder Oscar Tuazon. Der neue Standort 

wird mit einer Ausstellung des Westschweizer 

Künstlers Valentin Carron eingeweiht. 

Zürich — Dort, wo bis letzten Sommer noch 

die Galerie Bolte Lang angesiedelt war – deren 

Schliessung die Zürcher Kunstszene ein weiteres 

Mal aufstöhnen liess –, hat im November 

ein neues Projekt Fahrt aufgenommen: Rue 

Hippolyte 214 ist benannt nach der kleinen 

Pariser Strasse, in der Diego und Alberto 

Giacometti ihr erstes gemeinsames Atelier 

hatten, und lässt sich am besten als Plattform 

und Dienstleister zwischen verschiedenen 

kreativen Disziplinen, zwischen Kunst und 

Leben beschreiben: In enger Zusammenarbeit 

mit Kunstschaffenden, Designern, Architektinnen 

und Handwerkern bietet Rue Hippolyte 

214 ortsspezifische Kunstinstallationen und 

massgeschneiderte Wohnsituationen an. Angesprochen 

sind «Menschen oder auch Corporate 

spaces, die ein individuelles ‹Leben› suchen 

und das durch ihre Einrichtung zum Ausdruck 

bringen wollen», so Chaja Lang, ehemalige 

Co-Galeristin von Bolte Lang, die das neuartige 

Projekt gemeinsam mit Innenarchitektin 

Bettina Russo und der ehemaligen Galeristin 

Claudia Groeflin Ziltener initiiert hat. Nebst 

diesen Projekten realisiert das Trio auch vier 

bis fünf Ausstellungen pro Jahr mit künstlerisch 

gestalteten Gebrauchsgegenständen, 

Vintage- und zeitgenössischem Design sowie 

erlesenem Kunsthandwerk. 

Galerie Eva Presenhuber, Rämistrasse, Aussenansicht. 

Foto: Christian Neuenschwander 

→ Valentin Carron, Vernissage: 25.1. 

↗ www.presenhuber.com 

Rue Hippolyte 214, Aussenansicht 

→ Rue Hippolyte 214 (#1), bis 18.1. 

↗ www.ruehippolyte.love 

Rue Hippolyte 214 

Kupper Modern 

Zürich — Mitten im belebten Kreis 4, just 

dort, wo während langer Jahre Silvio Baviera 

eine Galerie und ein Museum führte, seinen 


Verlags- und Wohnsitz hatte, haben nun wieder 

Kunst und Kultur Einzug gehalten: Der Musiker, 

Grafiker, Künstler und Galerist Alain Kupper 

kann dank der Fotografen Franziska und Bruno 

Mancia, neue Besitzer des Baviera-Hauses und 

Mäzene, zukünftig die Galerieräume bespielen. 

Auf 400 Quadratmetern wird er rund drei bis vier 

Ausstellungen pro Jahr, verschiedene Konzerte 

und Lesungen realisieren und dabei viel Raum 

lassen für Spontanes und Experimentelles – 

etwa ein Format genannt ‹Wild and Free, No 

Guarantee›, das einen Abend lang Gesprächsthemen 

in unterschiedlichste Richtungen 

eröffnet. Auch das künstlerische Programm, das 

gezeigt wird, verspricht Vielfalt: Kupper möchte 

neben grossen und bekannten Namen vor allem 

eine Art «Notschlafstelle für Kunst» errichten 

und Kunst zeigen, «die behütet werden muss, 

die übersehen wird, weil sie leise ist». Dies verriet 

er in einem Interview des Tages-Anzeigers 

just vor dem Grand Opening im November, bei 

dem er unter dem Titel ‹Make Zurich Small 

Again› Kunstschaffende wie Ingo Giezendanner, 

Nic Hess oder Mickry 3, aber auch die Mancias, 

Baviera und seine eigene Kunst zeigte. 

Konservierung, Lagerung oder Präsentation von 

Denkmälern und Exponaten im Museum. Auch 

Ansprechpartner zu Themen wie Sicherheit oder 

Besuchermanagement sind vor Ort. Begleitend 

zur Fachmesse findet erneut ein Forum mit 

Präsentationen, Vorträgen und Podiumsdiskussionen 

zu den verschiedensten skizzierten 

Themenfeldern statt. Zudem organisieren die 

Verbände Museumspass und Verband der Museen 

der Schweiz einen Marketing-Tag für kleine 

und mittelgrosse Museen, und der Schweizer 

Verband Restaurierung/Konservierung SKR wird 

am letzten Messetag seinen Jahreskongress vor 

Ort abhalten. Leserinnen und Leser des Kunstbulletins 

erhalten mittels Eingabe des Promo- 

Codes CUSU20 auf der Website von Cultura- 

Suisse einen kostenlosen Messeeintritt. 

Ausstellungsansicht Cultura Suisse 2019. 

Foto: Jörg Brandt SBF 

Kupper Modern, Aussenansicht 

→ ‹Make Zurich Small Again›, bis 28.3. 

↗ www.kupper-modern.com 

GROSSANLÄSSE 

Cultura Suisse 

Bern — Die Schweizer Fachmesse für Museen, 

Denkmalpflege und Kulturgüter findet dieses 

Jahr zum zweiten Mal statt. Rund 150 Aussteller 

aus der Schweiz und dem angrenzenden 

Ausland präsentieren ihre Dienstleistungen, 

Produkte, Technologien, neuen Ansätze und 

Methoden in den Bereichen Restaurierung, 

BRAFA 

→ 22.–24.1. ↗ www.cultura-suisse.ch 

Brüssel — Als eine der ältesten Kunstmessen 

weltweit präsentiert die Brüssel Art Fair – kurz 

BRAFA – seit 1956 moderne und zeitgenössische 

Kunst, Antiquitäten und Designobjekte, 

aber auch archäologische Güter, alte Comics 

oder Musikinstrumente. Auch dieses Jahr sind 

wieder 133 Aussteller in den Hallen von Tour & 

Taxis vor Ort, aus der Schweiz unter anderem 

die Galerie von Vertes aus Zürich oder die 

Genfer Galerien Schifferli und Simon Studer 

Art Associés. Täglich stattfindende Gesprächsrunden 

und Vorträge bieten Vertiefungsmöglichkeiten 

zu Keith Haring, Van Eyck oder zur 

NOTIERT // KUNSTRÄUME / GROSSANLÄSSE 107

Geschichte des Rahmens. Zudem feiert die 

Messe ihre 65. Ausgabe auf besondere Weise: 

Fünf Teile der Berliner Mauer werden im Lauf 

der Messe für einen guten Zweck versteigert. 

Der Erlös wird an fünf Vereine und Museen gespendet, 

die in den Bereichen Krebsforschung, 

Integration von Menschen mit Behinderung und 

Erhaltung des Kulturerbes aktiv sind. 

aus – so sind in der Victoria Hall beispielsweise 

Interventionen von Anri Sala, Pierre Huyghe, 

Saâdane Afif und anderen angekündigt. 

Fünf zu versteigernde Teile der Berliner Mauer, 

BRAFA 2020. Foto: Raf Michiels 

→ 26.1.–2.2. ↗ www.brafa.art 

artgenève 

Genf — Die artgenève hat sich zu einem bedeutenden 

Event der internationalen Kunstszene 

entwickelt. Zur neunten Ausgabe des ‹salon 

d’art› sind rund neunzig Galerien aus dem Inund 

Ausland vor Ort, globale Player ebenso wie 

kleinere und mittlere: Gagosian, Hauser & Wirth, 

Continua, Laurence Bernard oder Gisèle Linder. 

Neu vertreten sind dieses Jahr etwa Lévy Gorvy, 

von Bartha und Massimo de Carlo. Auf der Plattform 

für Institutionen und kuratierte Projekte 

präsentieren sich nebst lokalen und überregionalen 

Häusern dieses Mal auch die Londoner 

Royal Academy of Arts oder die Sammlung 

Ringier aus Zürich, Letztere mit einer grossen 

Installation von Urs Fischer. Mit der Gastmesse 

Loop Barcelona, einer Pioniermesse für Videokunst, 

die rund zehn Galerien mitbringt, liegt 

ein Fokus der kommenden artgenève auf dem 

bewegten Bild. Der Sektor ‹artgenève/estates› 

ist Mario Merz gewidmet, und mit ‹artgenève/ 

sculptures› sowie ‹artgenève/musique› weitet 

sich die Messe erneut auch in den Stadtraum 

Cerith Wyn Evans · Neon Forms (after Noh III), 

2015, White Cube, Ausstellungsansicht 

artgenève 2018. Foto: Julien Gremaud 

→ Palexpo, 30.1.–2.2. 

↗ www.artgeneve.ch 

art Karlsruhe 

Karlsruhe — Bereits zum 17. Mal wird die art 

Karlsruhe ausgetragen. 210 nationale und 

internationale Galerien aus 15 Ländern zeigen 

dabei Kunst von der Klassischen Moderne bis 

zur Gegenwart. Aus der Schweiz sind etwa die 

Zürcher Galerien Alex Schlesinger und Proarta 

oder The View aus Salenstein vertreten. Markenzeichen 

der Messe sind die rund zwanzig 

in die Hallen integrierten Skulpturenplätze. 

Ebenfalls schon lange zum Programm gehören 

die ‹One-Artist-Shows›, die das künstlerische 

Schaffen Einzelner fokussieren. Die diesjährige 

Sonderausstellung ist mit der Sammlung der 

Hans-Peter Haas Stiftung den ‹Serigraphien 

grosser Meister von Ackermann bis Vasarely› 

gewidmet. Zudem findet wie jedes Jahr die 

Gesprächsreihe ‹Artima art meeting› statt. Ihr 

Fokus liegt 2020 auf der ‹Skulptur als Disziplin 

und im öffentlichen Raum›. 


zeitgenössischen Welt würden darin anerkannt, 

aber auch die Kunst als Möglichkeit der Resilienz, 

der Hoffnung und der Kommunikation 

unterstrichen, so Visconti. Verschiedene nationale 

und internationale Institutionen konnten 

für diese 34. Biennale als Kooperationspartner 

gewonnen werden – darunter die Kunsthalle 

Basel, die Ende März eine Ausstellung von 

Deana Lawson eröffnet. 

Ausstellungsansicht art Karlsruhe 2019, 

Skulptur von Hiromi Akiyama. Foto: Messe 

Karlsruhe/Jürgen Rösner 

→ Messe Karlsruhe, 13.–16.2. 

↗ www.art-karlsruhe.de 

34. Bienal de São Paulo 

São Paulo — Die Biennale von São Paulo gehört 

zu den vielbeachteten internationalen Grossausstellungen 

und hat sich für ihre 34. Ausgabe 

etwas Besonderes ausgedacht: Unter der kuratorischen 

Leitung von Jacopo Crivelli Visconti, 

lokaler Kritiker und Kurator, wird die im Herbst 

eröffnende Hauptschau von drei Einzelausstellungen 

und von Performances vorbereitet. 

Die aufeinander folgenden Solopräsentationen 

sind weiblichen Position gewidmet: der 

gebürtigen Peruanerin Ximena Garrido-Lecca 

(*1980), der Brasilianerin Clara Ianni (*1987) 

und der Amerikanerin Deana Lawson (*1979). 

Ihre Ausstellungen werden begleitet von jeweils 

einer Performance: Der Südafrikaner Neo Myuanga 

zeigt eine neue Arbeit in der Schau von 

Garrido-Lecca, eine historische Performance 

des Argentiniers León Ferrari ergänzt Iannis 

Präsentation, und eine nie gezeigte Performance 

des Brasilianers Hélio Oiticica aus dem 

Jahr 1979 markiert das Ende der Ausstellung 

von Lawson beziehungsweise die Eröffnung 

der eigentlichen Biennale. Unter dem Titel ‹Faz 

escuro mas eu canto (Though it’s dark, still I 

sing)› wird die Gruppenschau in Oscar Niemeyers 

Biennale-Pavillon die Themen der drei 

Einzelausstellungen – etwa Neokolonialismus, 

globalisierter Kapitalismus und Diaspora – aufgreifen 

und vertiefen. Die Verunsicherungen der 

Deana Lawson · Mama Goma, 2014, Fotografie, 

99 x 114,3 cm 

→ Ximena Garrido Lecca/Neo Muyanga, 

8.2.–15.3.; Clara Ianni/León Ferrari, 25.4.–8.6.; 

Deana Lawson/Hélio Oiticica, 18.7.–23.8. 

→ Deana Lawson in der Kunsthalle Basel, 

26.3.–24.5. 

→ Bienal de São Paulo, 5.9.–6.12. 

↗ www.bienal.org.br ↗ kunsthallebasel.ch 

NAMEN 

Kathrin Becker 

Berlin — Nachdem der Gründungsdirektor 

des KINDL, Andreas Fiedler, im Herbst letzten 

Jahres verkündet hatte, dass er das Zentrum 

für zeitgenössische Kunst nach knapp acht 

Jahren verlassen wird, um wieder als freiberuflicher 

Kurator tätig zu sein, steht nun die neue 

Leitung des Hauses fest: Die Berliner Kuratorin 

Kathrin Becker übernimmt den Posten ab Februar. 

Becker (*1967) studierte Kunstgeschichte 

und Slawistik an der Ruhr-Universität Bochum 

und an der Staatlichen Leningrader Universität 

und ist derzeit Geschäftsführerin des Neuen 

NOTIERT // GROSSANLÄSSE / NAMEN 109

Berliner Kunstvereins n.b.k., dessen Video- 

Forum sie seit 2001 leitet. In dieser Funktion 

hat sie etwa Ausstellungen mit Candice Breitz, 

John Bock oder Arthur Żmijewski realisiert. 

Zudem kuratierte sie 2012 die ‹3 rd Moscow 

International Biennial for Young Art› oder die 

‹2 nd Ars Baltica Triennial of Photographic Art›, 

die von 1999 bis 2001 in Kiel, Rostock, Vilnius 

und anderen Städten gezeigt wurde. In ihrer Arbeit 

fokussiert Becker häufig auf interkulturelle 

Fragestellungen und die Rolle der bildenden 

Kunst in der Gesellschaft. Gesellschaftsbezogene 

Themen will sie denn auch im Programm 

des KINDL zukünftig stärker verankern. Becker 

freut sich auf ihre neue Aufgabe in dem Haus, 

das sich unter der Leitung von Fiedler binnen 

kurzer Zeit zu einer wichtigen Institution 

innerhalb der Berliner Kulturlandschaft mit 

internationaler Ausstrahlung entwickelt hat. 

an der Etablierung der Institution mitwirkt, den 

Pavillon der Vereinigten Arabischen Emirate in 

Venedig 2015 kuratierte und für die diesjährige 

Lahore Biennale verantwortlich zeichnet, wird 

bei der Umsetzung von Enwezors kuratorischem 

Konzept von seinen langjährigen Projektmitarbeitern 

unterstützt. 

Okwui Enwezor. Foto: Chika Okeke-Agulu 

Hoor Al Qasimi. Foto: Sebastian Böettche 

PREISE 

Hannah-Höch-Preis 2020 

Kathrin Becker. Foto: Sandro Martini 

Okwui Enwezor /Hoor Al Qasimi 

Sharjah — Die Sharjah Art Foundation verkündete 

im vergangenen Herbst, dass die 15. Ausgabe 

der Sharjah Biennale 2021 von Okwui Enwezor 

(1963–2019) bzw. nach dessen Konzept 

kuratiert wird. Der Kurator, Kunstkritiker und 

Kunsthistoriker, der zuletzt Direktor des Hauses 

der Kunst München war und unter anderem 

die documenta 11 (2002) und die Biennale von 

Venedig (2015) realisiert hatte, konzipierte 

unter dem Titel ‹Thinking Historically in the 

Present› eine Ausstellung, die auf die vergangenen 

14 Ausgaben der Sharjah Biennale zurückblicken 

und die Zukunft des Biennale-Modells 

befragen sollte. Gemäss seinem Wunsch wird 

sein Projekt nun von Hoor Al Qasimi, der Direktorin 

und Präsidentin der Sharjah Art Foundation, 

als Co-Kuratorin umgesetzt. Al Qasimi, die 

seit der Gründung der Sharjah Art Foundation 

Berlin — Der mit € 25’000 dotierte Hannah- 

Höch-Preis würdigt alle zwei Jahre Berliner 

Kunstschaffende, deren Lebenswerk durch 

kontinuierliche Qualität hervorsticht. Dieses 

Jahr geht die Ehrung an Monika Baer (*1964, 

Freiburg im Breisgau). Seit ihrem Studium 

an der Kunstakademie in Düsseldorf in den 

Achtzigerjahren thematisiert und befragt die 

Künstlerin das Medium der Malerei. Dies gelinge 

durch die Etablierung paralleler Bildebenen, 

durch das Ankämpfen gegen medienspezifische 

Klischeevorstellungen und die Bezugnahme 

auf Nachbardisziplinen. Baers seriell angelegte 

Werkkomplexe bedienen sich zudem 

unterschiedlichster malerischer Techniken 

und Ansätze, von der Monochromie bis hin zum 

Realismus und zum Aufbrechen der Leinwandfläche. 

Parallel zum Hauptpreis vergibt die 

Kulturverwaltung des Berliner Senats seit 2014 

auch den Hannah-Höch-Förderpreis, der Berliner 

Künstlerinnen in der Mitte ihrer Karriere 

unterstützen soll. Die Preissumme von € 10’000 

geht 2020 an Natascha Sadr Haghighian (*1967, 

Teheran), die 2019 im Deutschen Pavillon an der 

Biennale von Venedig ausstellte. Beide Preise 

sind verbunden mit je einer Publikation und 

Ausstellungen im Neuen Berliner Kunstverein. 


Marta-Preis der Wemhöner Stiftung 2020 

Monika Baer. Foto: wowe/Galerie Barbara Weiss, 

Berlin 

→ Neuer Berliner Kunstverein, Preisverleihung 

und Vernissage, 11.6. 

Europäische Kulturmarken 2019 

Essen — Seit 2006 findet unter dem Titel 

‹Kulturmarken› der Wettbewerb für Kulturmanagement, 

Kulturmarketing und Kultursponsoring 

in Europa statt. In acht Kategorien 

wählt eine 42-köpfige Jury jeweils die Gewinnerinnen 

und Gewinner aus je drei nominierten 

Bewerbungen aus. Als Europäischer Kulturinvestor 

des Jahres 2019 wurde die Schweizer 

Art Stations Foundation ausgezeichnet. Die von 

der Polin Grażyna Maria Kulczyk gegründete 

Stiftung ist unter anderem Trägerin des vor 

Jahresfrist eröffneten Muzeum Susch in einem 

ehemaligen Kloster- und Brauereigebäude 

am Flüelapass, was ihr nun eine Kulturmarke 

einbrachte. «Hier verbinden sich kreative 

Einbindung des Investors mit nachhaltiger Wirkung 

eines Kulturprojekts, das internationale 

Innovationskraft besitzt», heisst es in der Pressemitteilung. 

Weitere Auszeichnungen gingen 

an Hedwig Fijen, Gründungsdirektorin der 

europäischen Wanderbiennale Manifesta. Sie 

wurde zur Europäischen Kulturmanagerin des 

Jahres 2019 gekürt. Das deutsche Kunstmagazin 

Monopol erhielt den Europäischen Preis für 

Medienkultur 2019. 

Herford — Die Berlinerin Brigitte Waldach 

(*1966) erhält den vierten Marta-Preis der 

Wemhöner Stiftung. Sie studierte zunächst 

Kunstpädagogik, Kunstwissenschaften und 

Germanistik, bevor sie ihr Studium an der 

Hochschule der Künste Berlin absolvierte und 

2000 als Meisterschülerin von Georg Baselitz 

abschloss. Ihre raumgreifende Praxis entwickelt 

sie aus der Zeichnung. In Textwolken, 

Raumzeichnungen und Klanginstallationen 

ergründet sie geistesgeschichtliche und literarische 

Zusammenhänge. Immer wieder setzt 

sie sich dabei mit der deutschen Geschichte 

auseinander. Die Künstlerin, die bisher mehrere 

Einzelausstellungen in Deutschland und diverse 

internationale Gruppenausstellungen hatte, 

überzeugte die Jury «mit der klaren Formensprache 

und thematischen Tiefe ihrer Arbeiten». 

Der Marta-Preis der Wemhöner Stiftung 

sieht in zweijährigem Rhythmus die Beauftragung 

eines hochrangigen künstlerischen 

Werks für die Sammlung Marta vor. € 15’000 

der Gesamtsumme von € 25’000 sind für 

Werkproduktion und Begleitkosten reserviert, 

€ 10’000 gehen als Preisgeld an die Künstlerin, 

die zudem eine Soloschau im Museum Marta 

Herford erhält. 

Brigitte Waldach. Foto: Mart Engelen 

→ Marta Herford, Vernissage: 20.9. 

Wolfgang-Hahn-Preis 2020 

Grażyna Kulczyk. Foto: Jochen Tack 

Köln — Der 26. Wolfgang-Hahn-Preis der 

Gesellschaft für Moderne Kunst am Museum 

Ludwig geht an Betye Saar. Die 1926 in Los 

Angeles geborene Afroamerikanerin schafft 

seit über fünfzig Jahren Assemblagen, die aus 

gefundenen Objekten, Zeichnungen, Drucken, 

Malerei oder Fotografie kombiniert sind und 

NOTIERT // NAMEN / PREISE 111

sich aus schamanistischen, religiösen und philosophischen 

Quellen speisen. Von den frühen 

Sechzigern bis heute war sie damit in zahlreichen 

Ausstellungen in den USA präsent, zuletzt 

2019 etwa in einer Einzelschau des Los Angeles 

County Museum of Art und des MoMA in New 

York. Gemäss Gastjuror Christophe Cherix, 

Robert Lehman Foundation Chief Curator für 

Zeichnung und Grafik am MoMA, nimmt Saar in 

den USA eine Schlüsselposition ein. Eine neue 

Generation von Kunstschaffenden schöpfe 

aus ihrem Werk, das Fragen von Ethnie, Politik 

und übernatürlichen Glaubenssystemen mit 

ihrer persönlichen Geschichte verbindet. Der 

Wolfgang-Hahn-Preis wird traditionell an 

Kunstschaffende mit international anerkanntem 

Œuvre vergeben, die in Deutschland noch 

wenig bekannt sind. Das Preisgeld in Höhe von 

maximal € 100’000 fliesst in einen Werkankauf 

für die Sammlung des Museums Ludwig, das 

die Neuerwerbung in einer Ausstellung präsentiert 

und mit einer Publikation begleitet. 

um ab Juli 2020 den Platz des Indigenen in der 

brasilianischen Kultur zu erkunden. Und das 

MASP – Museu de arte de São Paulo wird im 

Oktober 2021 die Kunst und visuelle Kultur verschiedener 

indigener Völker aus aller Welt und 

vier Jahrhunderten präsentieren. Damit werden 

Projekte eines Landes prämiert, das sich mit 

seinen grössten und aktuellsten Themen auseinandersetze, 

so die Jury, «Themen, die für den 

Rest der Welt gleichermassen relevant sind». 

Pinacoteca de São Paulo. Foto: Levi Fanan 

Werkbeiträge Kanton Luzern 2019 

Betye Saar. Foto: David Sprague/Robert Projects, 

Los Angeles 

→ Museum Ludwig, Preisverleihung und 

Vernissage: 21.4. 

↗ www.museum-ludwig.de 

Sotheby’s Prize 2019 

London — Zum dritten Mal wurde letzten November 

der Sotheby’s Prize verliehen, der seit 

2017 jährlich hervorragende kuratorische Leistungen 

würdigt und Ausstellungen ermöglichen 

soll, die unser Verständnis von Kunst herausfordern. 

Für 2019 wurde die Preissumme von 

$ 250’000 aufgeteilt zwischen zwei brasilianischen 

Projekten: Mit der Pinacoteca, der Casa 

do Povo und Kalipety spannen in São Paulo ein 

staatliches Museum, ein Kulturzentrum und ein 

Gotteshaus unter dem Titel ‹OPY› zusammen, 

Luzern — Der Kanton Luzern hat im November 

seine Beiträge für ‹Selektive Förderung› für 

das Jahr 2019 vergeben. In der Sparte ‹Freie 

Kunst› wurden in einem zweistufigen Verfahren 

Valentin Beck, Tatjana Erpen und Andri Stadler 

anhand ihrer in einer Ausstellung präsentierten 

Arbeiten geehrt. Valentin Beck (*1986), der eine 

Summe von CHF 20’000 erhält, setzt sich unter 

dem Arbeitstitel ‹Abschiebungen› seit Längerem 

mit den verschiedenen Einsatzmöglichkeiten 

von performativem Zeichnen auseinander 

und hinterfragt dabei gängige Konventionen 

der Kunstproduktion. Gips und Kreide gehören 

zu seinen bevorzugten Zeichnungsmitteln. Die 

Jury zeigte sich fasziniert vom spielerischen 

Witz seiner Arbeit ebenso wie von der technischen 

Umsetzung und erkennt zudem Potenzial 

zur Weiterentwicklung seines experimentellen 

Ansatzes. Die Arbeit von Tatjana Erpen (*1980) 

basiert auf Recherchen an der Schnittstelle von 

Geschichte, Dokumentation und Erinnerung. 

In der Wettbewerbsausstellung präsentierte 

sie eine kulissenhafte Installation, die auf 


einem Aufenthalt in Tansania basiert und die 

Thematik der Blickführung und des Perspektivwechsels 

in mehrfachem Sinn befragt. Die Jury 

würdigt Erpens kritischen Ansatz bei der Befragung 

herkömmlicher Bildformate sowie den 

auch zukünftig angestrebten interkulturellen 

Austausch zwischen der Schweiz und Tansania 

mit einem Werkbeitrag von CHF 25’000. Ebenfalls 

CHF 25’000 erhielt Andri Stadler (*1971), 

der sich auf experimentelle Weise mit dem 

Medium der Fotografie auseinandersetzt. Seine 

ausgestellte Arbeit überzeugte die Jury durch 

ihre formale Schlichtheit und thematische Vielschichtigkeit. 

Auch möchte sie sein Vorhaben 

unterstützen, ein mobiles Atelier zu entwickeln, 

um damit in den kommenden Jahren Zustände 

von Übergängen in verschiedenen Formen zu 

erforschen. Mit dem Kulturförderpreis in Höhe 

von CHF 15’000 wurde zudem das Ehepaar Flurina 

und Gianni Paravicini-Tönz ausgezeichnet, 

die mit ihrer Edizioni Galleria Periferia seit 1992 

in Luzern beheimatet sind und das kulturelle 

Leben der Stadt «mit viel Herzblut und grossem 

Engagement» mitprägen und zahlreichen 

Kunstschaffenden über Galerie und Verlag eine 

doppelte Präsentationsmöglichkeit bieten. 

2019 geehrt. Über drei Jahrzehnte hinweg hat 

Jafa eine dynamische künstlerische Praxis entwickelt, 

die mittels Film, Artefakten und Happening 

auf die universellen und spezifischen 

Artikulationen des «Black Being» Bezug nimmt 

und diese befragt. Seine Filme werden auf verschiedenen 

Festivals gezeigt und seine Werke 

sind in renommierten Museen wie dem Metropolitan 

Museum of Art und dem Museum of 

Modern Art, New York, dem Stedelijk Museum 

in Amsterdam oder bei der Luma Foundation 

in Zürich vertreten. Der PIAC ist dotiert mit der 

Summe von € 75’000, welche Produktionskosten 

für ein neues Werk einschliesst, und wird 

von der Fondation Prince Pierre de Monaco alle 

drei Jahre durch Nomination an Kunstschaffende 

für ein aktuelles Werk vergeben. Jafa wird 

ausgezeichnet für seinen Film ‹Love is the Message, 

the Message is Death› von 2016. Montiert 

aus neuem, archiviertem und gefundenem 

Filmmaterial, offenbare die Arbeit ein «Mosaik 

Schwarzer Kultur in Gefahr». 

Arthur Jafa. Foto: Robert Hamacher/Gavin 

Brown’s enterprise, New York, Rom 

Nomura Art Award 

Valentin Beck. Foto: Johanna Sax, Tatjana Erpen 

Andri Stadler, Flurina und Gianni Paravicini-Tönz 

Prix International d’Art Contemporain 2019 

Monaco — Der amerikanische Künstler und 

Filmemacher Arthur Jafa (*1960), der letztes 

Jahr auch den Goldenen Löwen der Biennale 

Venedig erhielt, wurde mit dem PIAC – Prix 

International d’Art Contemporain des Jahres 

Shanghai/Tokio — Es ist eine Ankündigung voller 

Superlative: Mit einer Preissumme von einer 

Million US-Dollar ist der Nomura Art Award 

der höchstdotierte Preis für zeitgenössische 

Kunst. Gestiftet von der japanischen, weltweit 

agierenden Finanzdienstleistungsgesellschaft 

Nomura, soll die stattliche Auszeichnung 

jährlich an Kunstschaffende vergeben werden, 

deren Werk von grosser kultureller Bedeutung 

ist, um sie in einem ehrgeizigen neuen Projekt 

zu unterstützen. Eine Jury, bestehend aus «einigen 

der weltweit angesehensten» Kunstfachleute 

– darunter Max Hollein vom Metropolitan 

Museum of Art oder Kathy Halbreich von der 

NOTIERT // PREISE 113

Robert Rauschenberg Foundation –, wählte aus 

den Nominationen von anonym bleibenden Expertinnen 

und Experten die Kolumbianerin Doris 

Salcedo (*1958) als erste Preisträgerin aus. 

Die bereits mehrfach ausgezeichnete Künstlerin, 

deren Werk etwa im Museum Reina Sofía 

in Madrid (2017), im Solomon R. Guggenheim 

Museum in New York (2016) oder im Perez Art 

Museum in Miami (2016) gezeigt wurde, schaffe 

mit ihren Skulpturen und Installationen – aus 

alltäglichen Materialien – einen «ebenso 

ergreifenden wie nachdrücklichen Raum der 

Trauer», heisst es in der Pressemitteilung, 

indem sie «die Erinnerung an traumatische 

Ereignisse im langen Bürgerkrieg in Kolumbien 

bewahre». Salcedos Projekt ‹Act of Mourning›, 

2019, das ermordeten Gemeindevorstehern von 

Bogotá gewidmet ist, soll mithilfe des Preisgeldes 

nun auch ausserhalb der Hauptstadt in 

den arg gebeutelten Randregionen Kolumbiens 

fortgesetzt werden. Bereits im Mai 2019 hatte 

Nomura die ebenfalls neu geschaffenen Emerging 

Artists Awards zu je $ 100’000 vergeben: 

Sie gingen an den Chinesen Cheng Ran (*1981) 

und den Amerikaner Cameron Rowland (*1988). 

auf der ersten Fikra Graphic Design Biennial 

in Sharjah 2018 die Ausstellung ‹Department 

of Non-Binaries› kuratierte und dafür mit 

dem Swiss Design Award 2019 ausgezeichnet 

wurde. Den neuen Förderpreis teilt sie sich mit 

dem Deutschen Simon Mager (*1986), Absolvent 

eines Masters in Art Direction an der ECAL 

in Lausanne, der vor allem in diesem Bereich 

sowie als Grafik- und Schriftendesigner tätig 

ist. Als Mitglied des Ateliers Omnigroup gewann 

auch er 2017 einen Swiss Design Award. Mit 

ihren jeweiligen Schwerpunkten würden sie 

sowohl unterschiedliche Aspekte des Josef 

Müller-Brockmann Förderpreises wie auch 

die aktuellen Profile verschiedener Schweizer 

Masterstudiengänge abbilden, so die Jury. 

Der Preis ist benannt nach dem Pionier der 

Schweizer Grafik, der in den Fünfziger- und 

Sechzigerjahren den sogenannten Swiss Style 

mitprägte. Er soll jährlich alternierend mit 

dem Shizuko Yoshikawa Förderpreis für junge 

Kunstschaffende vergeben werden, gestiftet 

von der Shizuko Yoshikawa und Josef Müller- 

Brockmann Stiftung, welche das Werk dieses 

Paars bewahrt. 

Doris Salcedo. Foto: David Heald/Solomon R. 

Guggenheim Foundation 

Simon Mager, Nina Paim 

Josef Müller-Brockmann Förderpreis 

Zürich — Erstmals wurde Ende letzten Jahres 

der Josef Müller-Brockmann Förderpreis für 

junge Gestalterinnen und Gestalter vergeben, 

wobei die Jury nach eingehender Beratung beschloss, 

die mit CHF 25’000 dotierte Auszeichnung 

auf zwei Nachwuchstalente aufzuteilen: 

einerseits auf die Brasilianerin Nina Paim 

(*1986), die ihren Master in Designforschung 

an der HKB erlangte. Paim ist unter anderem 

Mitgründerin des nichtkommerziellen Studios 

für Designforschung common-interest, das 

Werkjahr Stadt Zürich 

Zürich — Ende November hat die Stadt Zürich 

ihre jährlichen kulturellen Auszeichnungen verliehen. 

2019 kamen in sechs Fördersparten 21 

Kulturschaffende und drei Kollektive zum Zug, 

wobei im Bereich Bildende Kunst das Werkjahr 

in Höhe von CHF 48’000 vergeben wurde. 

Glückliche Gewinnerin ist Lena Maria Thüring 

(*1981). Sie ist bekannt für ihre Video- und 

Filmarbeiten, die oftmals in Form von Installationen 

präsentiert werden. Im Fokus stehen 

Menschen, die der Künstlerin im Alltag begegnen 

und mit denen sie über einen längeren 


Zeitraum Gespräche führt, um daraus feinsinnige 

Reflexionen zur Konstruktion gesellschaftlicher 

Systeme abzuleiten. «Fakten, individuelle 

Erfahrungen, Erinnerungen, Verdrängtes 

und Inszeniertes treffen in den Erzählungen 

aufeinander und werden zu Stimmungsbildern 

unserer Zeit», heisst es in der Laudatio. Thüring 

erlangte 2014 ihren Master in Fine Arts von der 

Zürcher Hochschule der Künste und ist heute 

auch Dozentin am Institut Kunst der Fachhochschule 

Nordwestschweiz. Sie wurde bereits 

mehrfach ausgezeichnet, unter anderem 2013 

mit dem Manor Kunstpreis der Stadt Basel 

oder 2009 mit dem Kiefer Hablitzel Preis. 

zudem den inhaltlichen Fokus des Museums, 

das ihr anlässlich des Preises im Herbst eine 

Einzelausstellung ausrichtet. Von der Gesamtpreissumme 

von CHF 100’000 sind CHF 80’000 

für diese Präsentation vorgesehen, CHF 20’000 

gehen als Preisgeld an die Künstlerin. 

Amalia Pica 

AUSSCHREIBUNGEN 

ADKV-Art Cologne Preis für Kunstkritik 2020 

Lena Maria Thüring. Foto: Anne Gabriel-Jürgens 

Zurich Art Prize 2020 

Zürich — Der dreizehnte Zurich Art Prize, den 

das Museum Haus Konstruktiv und die Zurich 

Insurance Group gemeinsam vergeben, geht an 

Amalia Pica (*1978). Die Argentinierin studierte 

an der Escuela Nacional de Bellas Artes in 

Buenos Aires und der Rijksakademie van Beeldende 

Kunsten in Amsterdam. Heute lebt und 

arbeitet sie in London und stellt international 

aus. Picas Installationen, Skulpturen, Zeichnungen, 

Filme, Fotografien und Performances 

befassen sich häufig mit Sprache, mit verbaler 

und nonverbaler Kommunikation. Ihr besonderes 

Interesse gilt dabei den Schwachstellen, 

Fehlern und blinden Flecken von historischen 

wie gegenwärtigen Kommunikationsmodellen 

und -technologien, die sie in ihren Arbeiten 

sichtbar, hörbar und physisch erfahrbar macht. 

Die Jury zeigte sich begeistert von ihrer «präzisen 

Auseinandersetzung mit politischen und 

soziologischen Themen, die sich auf wissenschaftliche 

Recherchen und Forschungsergebnisse 

stützen». Mit ihrer konstruktiven und 

minimalistischen Formensprache trifft sie 

Berlin — Die Arbeitsgemeinschaft Deutscher 

Kunstvereine (ADKV) schreibt den ADKV-Art Cologne 

Preis für Kunstkritik aus. Er ist mit € 3000 

dotiert und würdigt das Engagement freier 

Kunstkritikerinnen und Kunstkritiker, die sich 

in verschiedenen Medien mit zeitgenössischer 

Kunst und ihrem sozialen Kontext auseinandersetzen, 

und hebt den bedeutenden Anteil der 

Kritik an der Vermittlung anspruchsvoller Kunst 

hervor. Angesprochen sind Autorinnen und 

Autoren, die in deutscher Sprache publizieren 

und regelmässige deutschsprachige Veröffentlichungen 

nachweisen können. 

→ Eingabeschluss: 31.1. 

↗ www.kunstvereine.de 

Kunst und Bau: Heilpädagogische Schule 

Bern — Die Heilpädagogische Schule der Stadt 

Bern soll ein neues Schulhaus erhalten. Den 

offenen Architekturwettbewerb gewannen im 

Frühling 2019 Froelich & Hsu Architekten, gemeinsam 

mit Tschumi Landschaftsarchitektur. 

Ein Prozent der wertvermehrenden Gebäudekosten 

sind im Kostenvoranschlag für Kunst 

reserviert. Gesucht ist eine ortsspezifische 

künstlerische Intervention, die auf die räumliche 

Situation eingeht und auf die Zielgruppe der 

NOTIERT // PREISE / AUSSCHREIBUNGEN 115

Kinder und Jugendlichen in der Tagesschule 

Rücksicht nimmt. Die Wahl der Ausdrucksmittel 

ist offen. Im Rahmen von CHF 100’000 inkl. 

MwSt. sind auch Vorschläge für ephemere oder 

prozessorientierte Interventionen willkommen. 

Bewerben können sich lokale, nationale und 

auch internationale Kunstschaffende. 

→ Eingabeschluss: 20.1. ↗ www.bern.ch 

Comic-Stipendien 2020 

Deutschschweiz — Zum siebten Mal schreiben 

die Städte Basel, Luzern und Zürich die 

Comic-Stipendien aus. Damit sollen sowohl 

junge als auch etablierte Zeichnerinnen und 

Zeichner gefördert werden. Bewerben können 

sich Comic-Schaffende, welche die Voraussetzungen 

für Förderbeiträge ihrer jeweiligen 

Stadt erfüllen. Es werden ein Haupt- und ein 

Förderstipendium vergeben, Ersteres ist mit 

CHF 20’000 dotiert, Letzteres mit CHF 10’000. 

Die Einteilung in die Stipendien-Kategorie 

nimmt die Jury vor. Jurierung und Preisverleihung 

erfolgen im Rahmen von Fumetto – Internationales 

Comix-Festival Luzern 2020. 


↗ www.comicstipendien.ch 

Marta Hoepffner-Preis 2020 

Hofheim am Taunus — Die Marta Hoepffner- 

Gesellschaft für Fotografie e.V. schreibt den 

dreijährlich vergebenen Marta Hoepffner-Preis 

für professionelle Nachwuchsfotografie aus. 

Er ist mit € 3000 dotiert und wird für Schwarz- 

Weiss-Fotografie vergeben, die dieses Jahr das 

Motto ‹Fremder Blick› aufgreifen soll. Teilnahmeberechtigt 

sind ausgebildete Fotografinnen 

und Fotografen sowie Kunstschaffende in den 

ersten fünf Jahren ihrer beruflichen Praxis, 

Studierende ab dem 4. Semester und Auszubildende 

im letzten Ausbildungsjahr. 


↗ www.hoepffner-preis.de 

Artlake Festival 

Lichterfeld/Bergheider See — Das Artlake 

Festival ist ein partizipatives, interdisziplinäres 

und formatoffenes Festival, das Anfang 

August mit einem vielfältigen Programm aus 

Musik, künstlerischen Beiträgen, Workshops 

und Diskussionen aufwartet. Unter dem Motto 

‹Act Wow!› soll dieses Jahr über Verhaltensänderung 

und radikale Schritte nachgedacht 

werden, mit denen signifikante Veränderungen 

erreicht werden können. «Wir müssen uns 

unserer Verantwortung bewusst werden, um 

weiterhin in einer lebenswerten Welt leben 

zu können. Lasst uns daher zusammenkommen, 

um Strategien zu diesem Thema in den 

verschiedenen Dimensionen, Disziplinen und 

Formaten zu entwickeln», heisst es in der Ausschreibung. 

Interessierte können ihre Ideenskizze 

zusammen mit einer Kostenkalkulation 

und einem Portfolio einreichen. 


↗ www.artlake-festival.de 

Wettbewerb Emy-Roeder-Preis 2020 

Ludwigshafen — Der Kunstverein Ludwigshafen 

und das Ministerium für Wissenschaft, 

Weiterbildung und Kultur in Mainz schreiben 

erneut den Wettbewerb ‹Junge Rheinland- 

Pfälzer Künstlerinnen und Künstler – Emy- 

Roeder-Preis 2020› aus. Bewerben können 

sich Kunstschaffende im Alter bis 35 Jahre, die 

entweder die Kunsthochschule Mainz oder die 

IKKG absolviert haben oder in Rheinland-Pfalz 

wohnen und einen anderen Kunsthochschulabschluss 

oder künstlerische Hauptberufstätigkeit 

vorweisen können. Die von der Jury 

ausgewählten Arbeiten werden ab Ende Mai in 

einer Ausstellung im Kunstverein Ludwigshafen 

a. Rh. gezeigt und treten in den Wettbewerb 

um den Emy-Roeder-Preis 2020 à € 5200 Euro 

sowie den Förderpreis in Höhe von € 2600. 


↗ www.kunstverein-ludwigshafen.de 

↗ www.kulturland.rlp.de 


Medienkunst-Stipendien Edith-Russ-Haus 

Oldenburg — Ermöglicht durch die Stiftung Niedersachsen 

vergibt das Edith-Russ-Haus für Medienkunst 

erneut drei Stipendien zur Förderung 

von Medienkunstwerken. Es handelt sich um drei 

Produktions- und Aufenthaltsstipendien zu je 

€ 12’500 und für eine Dauer von sechs Monaten 

(Juli bis Dezember 2020). In diesem Zeitraum soll 

ein Projekt abgeschlossen werden. Die Bewerbung 

steht Kunstschaffenden und Künstlergruppen 

aus verschiedensten Bereichen der Medienkunst 

offen – von Videokunst und netzbasierten 

Projekten bis hin zu Klang- oder audiovisuellen 

Installationen. Es besteht eine Residenzpflicht 

von mindestens einem Monat, ausserdem werden 

die Stipendiatinnen und Stipendiaten durch 

Workshops, Präsentationen oder Podien in die 

Aktivitäten des Medienkunsthauses eingebunden. 

Bewerbung via Online-Formular. 


↗ www.edith-russ-haus.de 

Prix FEMS 

Pully — Jedes Jahr verleiht die Jury des Prix 

FEMS einen mit CHF 100’000 dotierten Preis 

an eine herausragende künstlerische Position. 

Dabei wird im Dreijahresrhythmus zwischen 

den Kategorien Malerei, Bildhauerei und 

Literatur abgewechselt. Der Preis versteht sich 

als Förderung kreativen Schaffens und möchte 

Kunstschaffende bei einem entscheidenden 

Schritt ihrer Laufbahn unterstützen: Sie erhalten 

nebst der finanziellen Hilfe zur Realisierung 

eines grösseren Projekts binnen eines 

Jahres auch die Basis für ein grosses Kontaktnetzwerk. 

Im Jahr 2020 ist das Stipendium für 

Malerei zum Thema ‹Das Denken bewegt sich 

hin zum Werk› vorgesehen. Teilnahmeberechtigt 

sind Malerinnen und Maler, die aus der 

Schweiz stammen oder seit mindestens fünf 

Jahren in der Schweiz leben. Für die Kandidatur 

ist unter anderem ein Dossier mit einer 

präzisen Projektbeschreibung einzureichen. 


↗ www.fems.ch 

akku künstleratelier 

Uster — Der Verein akku künstleratelier 

besteht seit 25 Jahren und erhielt 2019 den 

Kunstpreis der Stadt Uster. Er vergibt neu 

jährlich jeweils ab Juli zwei ganzjährige 

Atelierstipendien (ohne Wohnmöglichkeit) 

an bildende Künstlerinnen und Künstler. Die 

Ateliers befinden sich im Zentrum von Uster 

auf dem Zeughausareal, das sich aktuell zu 

einem lebendigen Kulturzentrum und Ort der 

Kunstproduktion entwickelt. Mit dem Atelieraufenthalt 

ist eine Ausstellung in der Kunstkiste 

verbunden. Das Konzept für die Ausstellung 

ist wichtiger Bestandteil der Bewerbung, 

die via Formular auf der Website erfolgt. Eine 

vierköpfige Jury entscheidet im März über die 

Vergabe der Ateliers. 


↗ www.akkuuster.ch 

Atelier Cité Paris 2021 

Zentralschweiz — Die Stiftung Atelier Cité 

Paris stellt Kunstschaffenden aus dem Raum 

Zentralschweiz (UR, SZ, NW, OW, LU, ZG) für 

jeweils sechs Monate ein Atelier in der Cité 

Internationale des Arts in Paris zur Verfügung. 

In der Regel kommen jährlich zwei Kunstschaffende 

aus zwei verschiedenen Zentralschweizer 

Kantonen zum Zug. Die Ausschreibung 

gilt für Künstlerinnen und Künstler, die seit 

mindestens drei Jahren in einem der genannten 

Zentralschweizer Kantone wohnen oder 

zu einem früheren Zeitpunkt mindestens zehn 

Jahre durchgehend dort Wohnsitz hatten. Eine 

Mitgliedschaft der Visarte Zentralschweiz ist 

erwünscht, aber nicht Voraussetzung. Das 

Atelier ist mit Kochgelegenheit und Bad ausgestattet 

und umfasst ein Taschengeld. Reisespesen, 

Nebenkosten und Versicherungen gehen 

zulasten der Stipendiaten und Stipendiatinnen. 

Bewerbung via Anmeldeformular auf der Website 

von Visarte Zentralschweiz. 


↗ www.visarte-zentralschweiz.ch 

NOTIERT // AUSSCHREIBUNGEN 117

Landis & Gyr Stiftung – Atelierstipendien 

Zug — Die Landis & Gyr Stiftung vergibt Atelierstipendien 

in London, Budapest, Bukarest, 

Sofia und Zug in den Bereichen Visuelle 

Kunst, Film, Literatur, Komposition, Theater 

und Kulturkritik. Die Ausschreibung richtet 

sich an Schweizer Kunst- und Kulturschaffende 

oder an solche anderer Nationalität, die 

seit mindestens drei Jahren hier wohnen. Die 

Stipendien sind nicht für Kunstschaffende am 

Anfang ihrer Karriere gedacht. Alle Stipendien 

umfassen eine Wohnung und einen Lebenskostenbeitrag. 

Im Gegensatz zu den institutionell 

unabhängigen Ateliers in London, Budapest 

und Zug sind jene in Bukarest und Sofia Teil der 

dortigen ‹Institutes for Advanced Study› und 

mit besonderen Anforderungen verknüpft. Die 

Ausschreibung für das Zuger Atelier richtet sich 

nur an Kulturschaffende aus dem Tessin, der 

Romandie und der rätoromanischen Schweiz. 


↗ www.lg-stiftung.ch 

Landis & Gyr — Werk-/Reisestipendien 

Zug — Die Landis & Gyr Stiftung schreibt die 

Werkstipendien für das Jahr 2020 sowie die 

Reisestipendien Balkan/Türkei für 2021 aus. 

Die fünf verfügbaren Werkstipendien richten 

sich an Schweizer Kunstschaffende aller Sparten, 

die ihre gewohnte Arbeitsumgebung nicht 

verlassen können oder ein gezieltes Projekt in 

Arbeit haben, das Arbeitsaufenthalte an frei 

wählbaren Orten vorsieht. Auch Kunstschaffende 

anderer Nationalität, die seit mindestens 

drei Jahren in der Schweiz wohnen, können 

sich bewerben. Die Stipendien sind nicht für 

Künstlerinnen und Künstler am Beginn ihrer 

Karriere gedacht. Bei den Reisestipendien 

steht eine Auseinandersetzung mit einem gesellschaftlich 

relevanten Thema im Fokus. Ziel 

ist es, die Menschen aus der Region Balkan/ 

Türkei und ihre Kultur besser kennenzulernen 

und das gegenseitige Verständnis zu fördern, 

da es sich um eine wichtige Herkunftsgegend 

der Immigration in die Schweiz handelt. Die 

Reisestipendien wollen letztlich einen Beitrag 

an die positive Entwicklung der Schweiz leisten. 

Der Vermittlung der Projektresultate wird 

besonders viel Gewicht beigemessen. 


↗ www.lg-stiftung.ch 

DIES UND DAS 

transmediale /art & digitalculture 

Berlin — Das Festival für Kunst und digitale 

Kultur ‹transmediale› bringt Kunstschaffende, 

Forschende, Aktivisten und Denkerinnen 

zusammen, um in der Verschränkung unterschiedlicher 

Genres neue Sichtweisen auf die 

technologisierte Welt zu entwickeln. Unter dem 

Motto ‹End to End› und vor dem Hintergrund 

unseres Zeitalters, das zwischen Netzwerk- 

Idealismus und Netzwerk-Skepsis oszilliert, legt 

die diesjährige Festival-Ausgabe den Fokus auf 

mögliche Zukunftsszenarien mit und ohne 

Netzwerke. Gibt es eine denkbare Gegenmacht 

dazu? Welche alternativen technologischen 

Modelle und kulturellen Narrative sind nötig, um 

die Grundsätze der End-to-End-Kommunikation 

neu zu verhandeln? In der Eröffnungswoche mit 

Talks, Workshops, Screenings und Performances 

sowie in einer einmonatigen Gruppenausstellung 

werden dieses Fragen untersucht. 

Shengze Zhu · Present Perfect, 2019, Filmstill, 

Transmediale 2020, Courtesy Burn The Film 

→ Haus der Kulturen der Welt, Gruppenschau, 

28.1.–3.2.; Film- und Video-Tag, 30.1. 

→ Volksbühne Berlin, Symposium, 31.1.–1.2. 

↗ www.2020.transmediale.de 


Galerien-Wochenende 

Bern — Am traditionellen Berner Galerien- 

Wochenende sind alle 14 Galerien der Bundeshauptstadt 

am Samstag und Sonntag 

von 11 bis 17 Uhr offen. Die meisten Galerien 

eröffnen kurz vor dem Event neue Ausstellungen, 

so lädt etwa Reflector mit einer Schau von 

Haus am Gern am Donnerstag zur Vernissage, 

und DuflonRacz präsentiert am Freitag unter 

dem Titel ‹Wesen› eine Gruppenschau mit vier 

Künstlerinnen. Die traditionsreiche Galerie 

Kornfeld feiert am Wochenende Eröffnung ihrer 

Jubiläumsschau zum 100-jährigen Betrieb 

in Bern. Wie üblich sind auch Institutionen 

mit eigenen Ausstellungen am Galerien-Wochenende 

beteiligt. 2020 sind dies das Robert 

Walser-Zentrum und das Kornhausforum, wo 

am Samstag auch ein Podiumsgespräch mit 

vier Sammlerinnen und Sammlern zum Thema 

‹Sammeln heute› stattfindet. Ziel des Vereins 

Berner Galerien, der das Wochenende organisiert, 

ist es, vermehrt auch Junge für die Kunst 

und das Sammeln zu begeistern. 

By repetition, you start noticing details … 

Genf — Unter dem Namen ‹mmmmm› hat sich 

letztes Jahr in Genf eine Gruppe Kulturschaffender 

formiert, um in verschiedenen Formaten 

die Verbindung von Musik und anderen 

Kunstformen zu untersuchen. ‹By repetition, 

you start noticing details in the landscape› 

heisst das erste Projekt, das eine Ausstellung, 

eine Reihe von Konzerten, Performances und 

Film-Screenings zu dem Themenkomplex umfasst. 

Ausgangspunkt sind die experimentelle, 

oft interdisziplinär angelegte Musikpraxis, die 

sich in den frühen Sechzigern in San Francisco 

und in der Bay Area herausbildete, und das 

Schaffen von Terry Riley, der ein wichtiger 

Protagonist dieser Szene und namentlich der 

Minimal Music war. Von ihm stammt auch das 

titelgebende Zitat. Gemeinsam mit seinem 

Sohn gab er in Genf ein Konzert zur Eröffnung 

der Schau, die historische Arbeiten, Filme und 

Archivalien von Persönlichkeiten wie Bruce 

Conner, Anna Halprin, Agnes Martin oder Emma 

Kunz mit neu für die Ausstellung geschaffenen 

Werken zeitgenössischer Kunstschaffender wie 

Charlotte Herzig, Emilie Ding oder David Horvitz 

verbindet. Insgesamt sind fast fünfzig Kulturschaffende 

an dem Projekt beteiligt. 

Ballone markieren die Standorte am Berner 

Galerien-Wochenende 

→ 18./19.1., 11–17 Uhr 

→ Podiumsgespräch ‹Sammeln heute›, 

Kornhausforum, 18.1., 17.30–19 Uhr 

↗ www.bernergalerien.ch 

Walter de Maria · Instrument für La Monte 

Young, 1966. Foto: La Monte Young 

→ Ausstellung im Le Commun, bis 19.1. 

→ Film-Screenings im Kino Dynamo, 10.–19.1. 

→ Konzerte im Théâtre du Galpon, 8.–12.1.; 

im Cave 12, 19.1. 

↗ www.mmmmm.ch 

NOTIERT // AUSSCHREIBUNGEN / DIES UND DAS 119

‹Eisflocken› im Gletschergarten 

Luzern — Der Gletschergarten in Luzern zeugt 

von der letzten Eiszeit vor rund 20’000 Jahren. 

Während der aktuellen Erneuerungsphase des 

Freilichtmuseums, bei dem bis Mai unter anderem 

ein Rundgang im Fels erstellt wird, bleiben 

die Gletschertöpfe als Kern der Anlage zugänglich. 

Bis September bilden sie zudem die Bühne 

für ein Kunstprojekt, das der Luzerner Künstler 

Micha Aregger gemeinsam mit rund 2000 Mitwirkenden 

realisiert hat: Unter dem Zeltdach 

über dem Naturdenkmal schweben 100 ‹Eisflocken› 

– jede davon besteht aus 100 recycelten 

PET-Flaschen, in welche die Bastlerinnen und 

Bastler auch ihren Fingerabdruck eingearbeitet 

haben. Diese zahlreichen Einzelwerke werden 

so in Bezug zur Erdgeschichte gesetzt: «Welche 

Rolle spielen wir Menschen für unseren Planeten? 

Welche Spuren hinterlassen wir? Diese 

Fragen stellen wir mit dieser Kunstinstallation», 

so Museumsdirektor Andreas Burri. 

Kunstkästen in feministischer Hand 

Schaffhausen — Die ‹Kunstkästen› in Schaffhausen 

sind ein städtisches Projekt und 

werden von der Vebikus Kunsthalle betreut. 

Für die kommenden zwei Jahre übergibt 

diese nun das Kuratorium an Silvia Savoldi 

und Eleonora Stassi alias ‹Collettiva Kuratorinnen›. 

Die beiden Zürcherinnen, die an der 

ZHdK den Studiengang Curating absolvierten, 

haben dafür gemeinsam mit dem Schaffhauser 

Frauenstammtisch unter dem Titel ‹Das feministische 

Kapital› ein Konzept entwickelt, mit 

dem sie neue Perspektiven auf den aktuellen 

Feminismus vorschlagen. Was ist unter diesem 

«Feminismus der 3. Welle» zu verstehen? 

Läuft er Gefahr, vom Kapitalismus aufgefressen 

zu werden? Und stellen Kapitalismus und 

Feminismus tatsächlich Gegensätze dar? Diese 

und andere Fragen wollen Savoldi und Stassi 

in ihrer Ausstellungsreihe mit Künstlerinnen 

aufwerfen und Diskussionen anregen. Die erste 

Staffel widmet sich einer Fotoserie zum Thema 

Mutterschaft der ägyptischen Künstlerin und 

Fotojournalistin Heba Khalifa. 

Heba Khalifa · The End of the Day, 2013, aus 

der Serie ‹From the Inside›, Farbfotografie 

→ Heba Khalifa, Vernissage: 1.2.; Ausstellung 

bis 28.3. 

↗ www.vebikus.ch 

Micha Aregger · Eisflocken, 2019, Installationsansicht 

Gletschergarten Luzern. Foto: Robert 

Wicki 

→ bis 11.9. 

↗ www.gletschergarten.ch 

55. Solothurner Filmtage 

Solothurn — Seit 1966 präsentieren die 

Solothurner Filmtage jährlich einen Überblick 

über das Schweizer Filmschaffen: Herzstück 


des Festivals ist die Werkschau ‹Panorama 

Schweiz› mit aktuellen Produktionen aller 

Genres. Darunter finden sich dieses Jahr auch 

einige Werke im Zusammenhang mit bildender 

Kunst – zum Beispiel ein Doku-Essay über die 

Künstlerin, Feministin, Zauberin und Kunstvermittlerin 

Doris Stauffer, ein Porträt über die 

Luzerner Malerin Irma Ineichen, gedreht von 

ihrem Sohn (→ S. 92), oder eine Dokumentation 

über die Suche des Zürcher Künstlers Michael 

Günzburger nach einem Eisbären, den er in 

einem drucktechnischen Verfahren abbildete. 

Das Spezialprogramm ‹Rencontres› ehrt heuer 

die Regisseurin, Autorin und Produzentin Heidi 

Specogna, die etwa für den Dokumentarfilm 

‹Cahier africains›, 2016, bekannt ist, die Sektion 

‹Fokus› steht ‹Im Bann der Serien›. Eröffnet wird 

das Festival mit der Premiere des neuen Spielfilms 

von Micha Lewinsky ‹Moskau einfach!›, 

dessen Geschichte sich vor dem Hintergrund 

der Fichen-Affäre im Jahr 1989 entfaltet. 

Verbier — Zum vierten Mal findet in Verbier 

der ‹Art Summit› statt, bei dem «führende 

Denkerinnen und Denker mit Schlüsselfiguren 

der Kunst» zusammentreffen, um in einer Reihe 

von Vorträgen «innovative Ideen zu entwickeln 

und soziale Veränderung voranzutreiben». 

Die Non-Profit-Veranstaltung wird jährlich in 

Kooperation mit einer stets wechselnden internationalen 

Museumsleitung realisiert, dieses 

Jahr mit Jessica Morgan, Direktorin der Dia Art 

Foundation in New York. Das von ihr kuratierte 

Gipfeltreffen fragt unter dem Titel ‹Resource 

Hungry: Our Cultured Landscape and its Ecological 

Impact› danach, wie Kultur in Krisenzeiten 

nach vorn blicken und eine Harmonie zwischen 

Kunst, Ökologie und Ressourcen erreicht werden 

kann. Auf dem Podium stehen etwa Jennifer 

Allora vom puertoricanischen Künstlerduo 

Allora & Calzadilla, die französische Künstlerin 

Dominique Gonzalez-Foerster oder das 

Designer-Duo El Último Grito, die auch an der 

HEAD in Genf und am Goldsmiths, University 

of London, lehren. Alle Vorträge sind kostenlos 

und können online mitverfolgt werden. Rund 

um die Talks findet zudem ein Begleitprogramm 

mit verschiedenen Partnerinstitutionen statt. 

Tobias Ineichen · Irma Ineichen – Erinnerungen 

an Paris, 1951–55, Filmstill, 46’ 

→ 22.–29.1. 

↗ www.solothurnerfilmtage.ch 

Verbier Art Summit 

Grada Kilomba, Talk am Verbier Art Summit 

2019. Foto: Alpimages Verbier 

→ 31.1.–1.2. 

↗ www.verbierartsummit.org 

Afrikanischer Buntbarsch 3, Soundscape Texas 

Zürich — Die Digitalisierung verändert die Produktion 

und Repräsentation von Wissen ebenso 

wie die wissenschaftlichen Arbeitspraktiken 

selbst. Für die Erstellung, Speicherung und 

Verarbeitung der dabei anfallenden «immateriellen» 

Daten werden Apparate und Infrastrukturen 

benötigt, die wiederum ebenso physisch 

sind wie die Untersuchungsgegenstände. Vor 

diesem Hintergrund folgte der Künstler Hannes 

Rickli zusammen mit der Medienkünstlerin 

NOTIERT // DIES UND DAS 121

Valentina Vuksic und dem Theoretiker Birk Weiberg 

von der ZHdK im vierjährigen Forschungsprojekt 

‹Computersignale› dem Lebenszyklus 

von wissenschaftlichen Daten in einem Labor 

für Evolutionsbiologie in Austin, Texas. Ausgehend 

von Forschungen zum afrikanischen 

Buntbarsch zeichnete das Team 2014 während 

24 Stunden die Daten- und Energieströme an 

acht Orten des Forschungsprozesses synchron 

auf. Die so entstandenen Aufnahmen – fotografisch, 

akustisch, elektromagnetisch und über 

Kontaktsensoren – werden im Walcheturm zu 

einem Klangpanorama verdichtet. Dieses vertonte 

Netzwerk der digitalen Forschungsinfrastruktur 

nimmt seinen Ausgangspunkt bei den 

Laboreinrichtungen auf dem Uni-Campus in 

Austin und führt zu vergessenen Orten wie dem 

Tanganjikasee in Zentralafrika, dem Herkunftsort 

des Fisches, oder zu den universitätseigenen 

Erdölfeldern, wo die Rohstoffe für den 

Betrieb und die Kühlung der Datenprozesse gefördert 

werden. Die Installation macht deutlich, 

wie die digitale Datenarbeit von Rechenzentren, 

Kraftwerken und fossilen Energiequellen 

durchdrungen ist. Rickli lädt zudem Anfang 

März zur Tagung ‹Datennaturen› in den Walcheturm 

ein, um mit Biologinnen, Wissenschafts-, 

Medienforschenden und Kunstschaffenden 

über ästhetische, ökologische und wissenschaftstheoretische 

Aspekte zeitgenössischer 

digitaler Forschung zu diskutieren. 

Art at Risk 

Zürich — Die artasfoundation organisiert mit 

Unterstützung der Direktion für Entwicklung 

und Zusammenarbeit (DEZA), der Zürcher 

Hochschule der Künste (ZHdK) und der Stadt 

Zürich die internationale Konferenz ‹Art at 

Risk – creative work in challenging contexts›. 

Sie versammelt Kunstschaffende aus rund 

20 Ländern und Organisationen, die in der 

internationalen Zusammenarbeit in den 

Bereichen Kultur, Entwicklungszusammenarbeit, 

Friedensförderung, humanitäre Hilfe 

oder Diplomatie tätig sind. In Workshops und 

Diskussionsgruppen werden Themen wie die 

Strafverfolgung von Kunstschaffenden, Instrumentalisierung 

von Kunst und Zensur, aber 

auch Kunst als Ressource zur Stärkung der 

Zivilgesellschaft und der Demokratie aufgegriffen. 

Die Veranstaltung wird in englischer 

Sprache geführt und steht gegen einen Unkostenbeitrag 

von CHF 150 (inkl. Verpflegung) allen 

Interessierten offen. Kostenlos zugänglich sind 

ein moderiertes Gespräch am Donnerstagabend 

mit Titel ‹The Role of Art in Challenging 

Contexts› sowie eine Vorlesung zum Thema 

‹The Human Right to Free Artistic Expression› 

am Freitagabend. 

Birk Weiberg/Hannes Rickli · Fracking-Bohrturm, 

Crane County, UT Lands, 2014 

→ Kunstraum Walcheturm, 13.2.–11.3. 

→ Tagung ‹Datennaturen›, 6./7.3. 

↗ www.computersignale.zhdk.ch 

↗ www.walcheturm.ch 

Creative Work in Challenging Contexts, 

Workshop von artasfoundation mit raumlabor 

Berlin, Kunstraum SKLAD, Suchum/i 2019. 

Foto: Frank Ellenberger 

→ ZHdK, Toni-Areal, 27.–29.2. 

→ Registration online bis 20.2. 

↗ www.art-at-risk.ch 

↗ www.artasfoundation.ch 


AGENDA 

Schweiz *0041 

Aarau Aargauer Kunsthaus, Aargauerplatz Sammlung Werner Coninx 25.1.–26.4. 

Denise Bertschi 25.1.–26.4. 

Dominic Michel 24.1.–26.4. 

Eck – der Raum für Kunst im Speck, Ecke Metzgergasse / Samuel Herzog –ı 17.1. 

Zollrain, *78 830 33 44 

Kunst im Kantonsspital, Tellstrasse 25, *62 824 4067 Peter Hauri, Malerei –ı 28.2. 

Micro Galerie Maggs Aarau, Graben 33 Laura Chaplin –ı 30.4. 

Neue Galerie 6, Milchgasse 35, *79 541 6416 Ann Gnehm 11.1.–8.2. 

Appenzell Kunsthalle Ziegelhütte, Ziegeleistr. 14, *71 788 18 60 Nesa Gschwend –ı15.3. 

Kunstmuseum Appenzell, Unterrainstrasse 5 Howard Smith – no end in sight –ı19.4. 

Arlesheim Forum Würth Arlesheim, Dornwydenweg 11, *61 705 95 95 Joan Miró –ı 26.1. 

Kostas Maros, Catherine Iselin –ı 26.1. 

Ascona Galleria SACCHETTI , Via Beato P. Berno 14, *91 791 20 79 GITE, Nana Pernod, Marlis 

1.2.–27.2. 

Spielmann 

Baden Historisches Museum Baden, Wettingerstrasse 2 Badekult. Von der Kur zum 

–ı 1.6. 

Lifestyle 

Kunstraum Baden, Güterstrasse (Toreinfahrt 

Regionalwerke), Haselstrasse 15, *56 200 84 48 

Touch Me I’M Sick 18.1.–29.3. 

TRUDELHAUS Ausstellungsraum, Obere Halde 36, 

*76 282 0148 

Zeichnung und Prozess 

Sara Masüger, Ester Vonplon 

–ı 19.1 

14.2.–18.4.. 

Galerie 94, Bruggerstrasse 37, Merker-Areal, *79 416 92 43 El Frauenfelder 16.1.–29.2. 

Basel Cartoonmuseum, St. Alban-Vorstadt 28 Tom Tirabosco –ı 8.3. 

Helvetia Art Foyer, Steinengraben 25, *58 280 1530 Peter Wüthrich –ı 30.1. 

Historisches Museum, Barfüsserplatz 4, *61 205 8600 Staatsfeind – Bruno Manser und 

–ı 1.3. 

der Regenwald 

Kunsthalle Basel, Steinenberg 7 Regionale 20 –ı 19.1. 

Camille Blatrix 17.1.–15.3. 

Nick Mauss 7.2.–26.4. 

Kunstmuseum Basel | Gegenwart, St. Alban-Rheinweg 60 Circular Flow –ı3.5. 

Kunstmuseum Basel | Hauptbau & Neubau, St. Alban- 

Graben 16/20, *61 206 6262 

Gold & Ruhm 

Max Sulzbachner 

Bilderlust 

–ı 19.1 

–ı 8.3. 

–ı29.3. 

Lichtgestalten 1.2.–26.4. 

Picasso, Chagall, Jawlensky 22.2.–24.5. 

Museum der Kulturen Basel, Münsterplatz 20 Basler Fasnacht –ı 10.1. 

Wissensdrang trifft Sammelwut 

–ı19.1. 

Bima, Kasper und Dämon 

–ı2.8. 

Museum Tinguely, Paul Sacher-Anlage 1 Len Lye –ı26.1. 

Amuse-bouche. Der Geschmack 19.2.–17.5. 

der Kunst 

RappazMuseum, Klingental 11, *61 681 7121 Andreas Christen –ı19.1. 

Anne Mosseri-Marlio Galerie, Malzgasse 20, *61 271 7183 M. Grabner, S. Hicks, E. Renouf, 

–ı28.2. 

D. Walsh, S. Westfall 

Artachment, Hochbergerstr. 160 Tashi Brauen –ı12.2. 

Atelier Editions Fanal, St. Alban-Tal 39, *61 272 13 54 Serge Collomb, Thomas Vinson 28.1.–27.2. 

BelleVue, Breisacherstrasse 50 

Hans Bertolf, Thi My Lien Nguyen, 

Simon Tanner 

1.2.–5.4. 

DOCK/Archiv, Diskurs und Kunstraum, Klybeckstr. 29, 

*61 556 4066 

Institut Kunst: Greetings from 

Paradise 

Lysann König, Marianne Vogler, 

Marina Woodtli 

–ı29.1. 

7.2.–5.4. 

123

Appenzell — Nesa Gschwend, 

Kunsthalle Ziegelhütte © ProLitteris 

Basel — Lisa Rave, Kunstmuseum 

Basel | Gegenwart © ProLitteris 

Galerie Carzaniga, Gemsberg 10 15 Jahre Galerie Carzaniga – 

Jubiläumsrabatt auf 150 Werke 

Galerie Eulenspiegel, Gerbergässlein 6, Postfach 1946, 

*61 263 70 80 

Lenz Klotz 

Anna Altmeier, Martin Bill 

–ı25.1. 

–ı11.1. 

16.1.–22.2. 

Galerie Gisèle Linder, Elisabethenstr. 54 Renata Har 22.1.–7.3. 

Galerie Hilt St. Alban, St. Alban-Vorstadt 52, *61 272 3838 Heiner Radau –ı11.1. 

Galerie Knoell AG, Luftgässlein 4 Robert Zandvliet –ı18.1. 

Hebel_121, Hebelstr. 121, *061 321 1503 Saeko Ehara –ı22.2. 

John Schmid Projects, St. Alban Anlage 67 Sonja Feldmeier –ı4.4. 

KUNSTKOMPLEX+MENNUNI, Mülhauser Str. 94 Sam Heydt –ı 10.1. 

Nicolas Krupp, Rosentalstrasse 28, (Hinterhaus) Margaret Harrison –ı18.1. 

Kaspar Ludwig 

–ı18.1. 

Parzelle403, Unterer Heuberg 21 Niculin Barandun, Luis Sanz 16.1.–25.1. 

SGBK Ausstellungsraum, Spalenvorstadt 18, *61 361 61 48 Zoja Brülisauer –ı25.1. 

Elsbeth Gyger 31.1.–15.2. 

STAMPA, Spalenberg 2, *61 261 79 10 Artists’ Books VII –ı8.2. 

Tony Wuethrich, Vogesenstrasse 29 OneHundred –ı2.2. 

VITRINE, Basel, Vogesenplatz Ludovica Gioscia –ı12.1. 

von Bartha Basel, Kannenfeldplatz 6, *76 317 8463 William S. Burroughs, Brion Gysin –ı1.2. 

Laleh June Galerie, Picassoplatz 4, *61 228 7778 Cris Fariau, Johannes Gees –ı29.2. 

Wilde Gallery Basel, Angensteinerstrasse 37, *61 311 70 51 Dorian Sari –ı17.1. 

Basel/Riehen Fondation Beyeler, Baselstr. 101 Resonating Spaces –ı 26.1. 

Edward Hopper 26.1.–17.5. 

Kunst Raum Riehen, Baselstrasse 71 Regionale 20 –ı 17.1. 

Künstlerhaus Claire Ochsner, Baselstr. 88, *61 641 1020 Claire Ochsner –ı 15.3. 

Galerie Lilian Andrée, Gartengasse 12 Charles Weber –ı 12.1. 

Winteraccrochage 19.1.–16.2. 

Constantin Jaxy 23.2.–29.3. 

Galerie Mollwo, Gartengasse 10, *61 641 1678 Wandelausstellung 12.1.–5.4. 

Henze und Ketterer und Triebold, Wettsteinstr. 4 Alfred Kubin –ı 1.2. 

Bedigliora Fondazione Casa Atelier Bedigliora, Via Vignóra 7, 

Rudolfine P. Rossmann 

–ı31.12. 

*91 608 13 29 

Bellinzona Museo Villa dei Cedri, Piazza San Biagio 9, 

Josef Albers –ı 2.2. 

*+41 058 203 17 31 

Bern Berner Generationenhaus, Bahnhofplatz 2, *31 328 87 00 forever young. Willkommen im 

–ı 29.3. 

langen Leben 

Alpines Museum der Schweiz , Helvetiaplatz 4 

Werkstatt Alpen. Von Macherinnen –ı 27.9. 

und Machern 

Kunstmuseum Bern, Hodlerstr. 8–12 

Freundeswerke. 100 Jahre Verein 

–ı 2.2. 

der Freunde Kunstmuseum Bern 

Johannes Itten –ı 2.2. 

Teruko Yokoi 31.1.–10.5. 


Museum für Kommunikation Bern, Helvetiastr. 16, 

*31 357 5555 

Naturhistorisches Museum der Burgergemeinde Bern, 

Bernastrasse 15 

Alles Zerfällt. Schweizer Kunst von –ı20.9. 

Böcklin bis Vallotton 

Schweinehunde und 

–ı 19.7. 

Spielverderber 

Weltuntergang – Ende ohne Ende –ı 13.11. 

Stadtgalerie, Waisenhausplatz 30, *31 321 76 47 Cantonale Berne Jura –ı 1.2. 

Zentrum Paul Klee, Monument im Fruchtland 3 bauhaus imaginista –ı 12.1. 

Lee Krasner 7.2.–10.5. 

Jenseits von Lachen und Weinen. –ı 24.5. 

Klee, Chaplin, Sonderegger 

/DuflonRacz/ProjektLinks/, Gerechtigkeitsgasse 40, Etel Adnan, Maarten van Roy 18.1.–22.2. 

*31 311 4262 79 423 75 50 

ArchivArte, Breitenrainstr. 47, *31 331 26 66 

Künstlerfreundschaften: 

–ı 19.1. 

Trouvaillen 

Bernexpo, Halle 1.2, Mingerstrasse 6, *+49 170 900 45 14 cultura suisse 2020 22.1.–24.1. 

Connected Space, 22 Berner Projekträume und Initiativen Zweiter Berner Staffellauf der 

–ı 15.3. 

Kunsträume 

Die Mobiliar – Öffentlicher Ausstellungsraum, 

Kunst & Nachhaltigkeit Vol. 12 –ı 17.1. 

Bundesgasse 35 

DuflonRacz Bern, Gerechtigkeitsgasse 40, *79 423 7550 Etel Adnan, Maarten Van Roy 18.1.–22.2. 

Galerie Art & Eigensinn, Gesellschaftsstrasse 18b, 

*79 293 7944 

Jenkinson, Eichenberger, Robert, 

Hodler 

–ı 25.11. 

Galerie Art + Vision, Junkerngasse 34, *31 311 3191 Kaspar Toggenburger 18.1.–8.2. 

Galerie Bernhard Bischoff & Partner, PROGR_Zentrum für Peter Wüthrich 17.1.–22.1. 

Kulturproduktion, Waisenhausplatz 30, *31 312 0666 

Galerie da Mihi | KunstKeller, Gerechtigkeitsgasse 40, Pat Noser 11.1.–8.2. 

*31 332 1190 

Galerie Kornfeld Bern, Laupenstr. 41 Paolo Bellini, Cesare Lucchini –ı14.12. 

Kunstraum Drieviertel, Monbijoustrasse 69, *76 813 01 67 Larissa Araz –ı 5.2. 

Kunstreich AG Bern, Gerechtigkeitsgasse 76, *31 311 4849 Barbara Schneider 16.1.–15.2. 

videokunst.ch, Showroom: PROGR, Waisenhausplatz 30 Peter Wüthrich 16.1.–22.2. 

Biel/Bienne Kunsthaus Centre d’art Pasquart, Seevorstadt 71, 

*32 322 5586 

Neues Museum Biel, Schüsspromenade 24–28/Seevorstadt 

50–56, *32 328 7030 

Cantonale Berne Jura 2019 

Kapwani Kiwanga, Daniel 

Zimmermann 

Le bilinguisme n’existe pas 

Ich Mann. Du Frau. 

–ı19.1. 

2.2.–5.4. 

–ı 22.3. 

–ı 29.4. 

Photoforum Pasquart, Seevorstadt 71–75, *32 322 4482 Prix Photoforum 2019 –ı19.1. 

Gewölbe Galerie, Obergasse 4+10, *32 323 49 58 

Andrea Nyfeller, Corinne Krieg, 

–ı18.1. 

Felix Mosimann 

Marlys Bratschi, Heinz Pfister 25.1.–29.2. 

Hören und Schauen, Apparate und –ı21.3. 

Tonträger, 30er – 90er Jahre 

Birsfelden SALTS , Hauptstrasse 12, *61 311 7375 Armen Eloyan –ı24.1. 

Brig Galerie Zur Matze, Alte Simplonstr. 28, *27 946 01 22 Kunst im Visier 15.2.–1.3. 

Brugg Zimmermannhaus Brugg, Vorstadt 19, *56 441 96 01 Tom Fellner, René Fahrni 18.1.–1.3. 

Kaspar Ruoff, Hauptstrasse 43 Kaspar Ruoff –ı11.1. 

Bruzella Rolla Foundation, Rolla.info – la Stráda Végia, 

Lawrence Carroll 

–ı31.5. 

(ex via Municipio), *77 474 0549 

Bülach Kulturzentrum Sigristenkeller, Hans-Haller-Gasse 4, Roland Rüegg –ı 28.4. 

*79 316 3027 

Bulle Musée Gruérien, 25, rue de la Condémine Daniel Savary –ı 29.3. 

Burgdorf Museum Franz Gertsch, Platanenstrasse 3 Franz Gertsch –ı 1.3. 

Malerei aus Leipzig/Berlin –ı 1.3. 

Chika Osaka. Love Letters 

–ı8.3. 

Castasegna Villa Garbald, Via Principale, *81 838 1515 Claudio Moser –ı27.6. 

Charmey Musée Charmey, Les Charrières 1 Augustin Pasquier –ı 29.3. 

AGENDA // SCHWEIZ 125

Chiasso — Marcello Dudovich, 

m.a.x.museo © ProLitteris 

Davos — Ernst Ludwig Kirchner, 

Kirchner Museum Davos 

Chiasso m.a.x.museo, Via Dante Alighieri 6 Marcello Dudovich –ı16.2. 

Chur Bündner Kunstmuseum Chur, Bahnhofstrasse 35 Andriu Deplazes –ı 12.1. 

Flurina Sokoll –ı 26.1. 

Jahresausstellung der Bündner 

–ı 26.1. 

Künstlerinnen und Künstler‚ 2019 

Marianne Engel 4.2.–1.3. 

Nachtschatten. Werke aus der 

–ı 8.3. 

Sammlung Coninx 

Erica Pedretti 22.2.–7.6. 

Forum Würth Chur, Aspermontstr. 1, *81 558 0558 Die Inszenierung der Natur –ı 1.3. 

Frauenspital Fontana, Lürlibadstrasse 118, *81 254 81 11 Hans Thomann –ı 26.4. 

Luciano Fasciati, Süsswinkelgasse 25, *79 285 3457 Der grosse Schnee –ı 28.12. 

Standort Kreuzspital, Loestrasse 99 Luis Coray –ı 30.8. 

Corcelles/NE Galerie ARTEMIS, Rue de la Cure 2, *32 731 12 63 Heinz Peter Kohler 8.2.–29.2. 

Davos 

Kirchner Museum Davos, Promenade 82, Ernst Ludwig Ernst Ludwig Kirchner –ı 19.4. 

Kirchner Platz 

Iris Wazzau, Promenade 72, *81 413 3106 Winter 19–20 –ı 28.3. 

Delémont Musée Jurassien d’Art et d’Histoire, 52, rue du 23-Juin Gustave Courbet –ı 1.3. 

Dornach Kloster Dornach, Amthausstr. 7, *61 705 10 80 Caroline Fink –ı 21.2. 

Fritz Balthaus –ı 30.1. 

Elsau KULTURRAUM IMTENN, Hohlgasse 6, *79 430 39 56 Ausstellung Offen –ı 18.1. 

Emmenbrücke akku Kunstplattform, Gerliswilstr. 23, *41 260 34 34 Agnes Barmettler, Martin Disler 25.1.–15.3. 

Eptingen Hotel-Landgasthaus Bad Eptingen, Läufelfingerstrasse 2 Die Galerie Carzaniga Basel zu Gast –ı 31.1. 

Erlach Galerie Mayhaus, Galsstr. 3 Entre noir et blanc 16.2.–15.3. 

Eschlikon widmertheodoridis, Hörnlistr. 1a, *+79 443 11 54 Elisabeth Nembrini –ı 13.1. 

Alex Demarmels 15.1.–13.2. 

Anita Zimmermann 15.2.–13.3. 

Frauenfeld Naturmuseum Thurgau, Freie Strasse 26, *52 724 2219 Wild auf Wald –ı 29.3. 

Stadtgalerie Baliere Frauenfeld, Am Kreuzplatz, 

Emanuel Bosshart 16.1.–16.2. 

*52 724 5620 

Kunstverein/Bernerhaus, Bankplatz 5, *52 723 2363 Dritter Fluss 8.2.–8.3. 

Fribourg Espace Jean Tinguely – Niki de Saint Phalle, Rue de Morat 2 Isabelle Pilloud –ı 16.8. 

Fri Art Kunsthalle Fribourg, 22, Petites-Rames, 

*26 323 23 51 

A Home is not a House 

Dorota Gawęda, Eglė Kulbokaitė 

–ı 12.1. 

1.2.–29.3. 

Musée d’Art et d’Histoire Fribourg, Rue de Morat 12 Le siècle oublié –ı 23.2. 

Genève Athénée-Salle Crosnier, 2, rue de l’Athénée, *22 310 4102 Basile Dinbergs 17.1.–15.2. 

Centre d’Art Contemporain Genève, 10, rue des Vieux- Scrivere Disegnando 29.1.–10.5. 

Grenadiers 

Centre de la Photographie Genève, 28, rue des Bains Jean-Charles Massera –ı 2.2. 

Musée Ariana, 10, av. de la Paix Johan Tahon –ı 5.4. 

Espace Labo, 5, bvd St-Georges, *079 564 8295 Aurélie Doutre 23.1.–15.2. 

Harold Bouvard 6.2.–6.3. 

Galerie Mezzanin, 63 rue des Maraîchers, *22 328 3802 Andrei Koschmieder –ı 11.1. 

Isabella Ducrot 17.1.–21.3. 


Pace Gallery Geneva, Quai des Bergues 15–17 Antoni Tàpies –ı10.1. 

Centre d’édition contemporaine, 15, rue des Rois Open accrochages, editions –ı 17.1. 

MAMCO Genève, 10, rue des Vieux-Grenadiers Martin Barré –ı 2.2. 

Irma Blank –ı 2.2. 

Rosemarie Castoro –ı 2.2. 

Arnulf Rainer –ı 2.2. 

Gowen Contemporary, 4 rue Jean-Calvin, *22 310 57 83 Corps ou âme –ı 22.2. 

Genève/CarougeLe Salon Vert, 15, rue Ancienne, *79 382 87 23 Intermezzo II –ı 11.1. 

Eliana Marinari 17.1.–22.2. 

Glarus Kunsthaus Glarus, Postfach 665 Just Another Story about Leaving –ı 1.3. 

Fridolin Walcher, Martin Stützle 12.1.–1.3. 

Gontenschwil Galerie Schlössli, Dorfstr. 399, *44 381 04 42 Schaufenster Intermezzo: Marie- 

Louise Zeller-Egloff 

–ı31.1. 

Grenchen Kunsthaus Grenchen, Bahnhofstrasse 53, 

vis-à-vis Bahnhof Grenchen Süd, *32 652 50 22 

Aline Stalder 

Impressionen 2019 

–ı 23.2. 

–ı 23.2. 

Grindelwald Hotel Alpenhof, Kreuzweg 36, *33 853 52 70 Hansueli Urwyler –ı 31.3. 

Heiden Henry-Dunant-Museum, Asylstr. 2, *71 891 4813 Sprengstoff Frieden –ı 23.12. 

Interlaken Kunsthaus Interlaken, Jungfraustrasse 55, *33 822 1661 Cantonale Berne Jura 2019/2020 –ı 2.2. 

Galerie IHB Spectrum, Postgasse 16 Hansueli Urwyler –ı 31.3. 

JungfrauPark, Obere Bönigstr. 100, *33 827 5757 Hansueli Urwyler –ı 28.2. 

Kreuzlingen Kunstraum Kreuzlingen, Bodanstr. 7 a, *71 671 1528 Adolf Dietrich-Förderpreis 2019: 

–ı19.1. 

Pablo Walser 

ryser & naef Art Room, Gaissbergweg 1 

Karlheinz Scherer, Max 

–ı17.2. 

Sulzbachner, Werner Lutz 

Kriens Museum im Bellpark, Luzernerstr. 21 / PF Emil Kreis –ı 16.2. 

Bruno Murer –ı 5.4. 

Küsnacht Grieder Contemporary Küsnacht, Lärchentobelstrasse 25, 

*043 818 5607 

Private Collection (Vol. II) –ı 24.1. 

La Chaux-de- 

Fonds 

Musée des Beaux-Arts La Chaux-de-Fonds, 

Rue des Musées 33, *32 967 6077 

Chloé Delarue 

Konrad Klapheck 

–ı 2.2. 

–ı 2.2. 

Laax CULARTA, Via Falera, *78 635 96 65 Regiunala 19 –ı 12.1. 

Langenthal Kunsthaus Langenthal, Marktgasse 13 Cantonale Berne Jura –ı12.1. 

Céline Manz, Maëlle Gross 6.2.–5.4. 

Laufenburg Ateliermuseum mit Skulpturengarten Erwin Rehmann , Hans Josephsohn –ı 9.2. 

Schimelrych 12, *62 874 4270 

Lausanne Collection de l’Art Brut, 11, av. des Bergières, *21 315 2570 Carlo Zinelli –ı 2.2. 

4th Art Brut Biennial –ı 26.4. 

Fondation de l’Hermitage, 2, route du Signal, *21 312 5013 Le Canada et l’impressionnisme 24.1.–24.5. 

Musée Cantonal des Beaux-Arts Lausanne, Plateforme 10, Atlas – A Cartography of Donations –ı 16.2. 

Place de la Gare 16, *21 316 34 45 

Musée historique Lausanne, Place de la Cathédrale 4 Time off. L’usage des loisirs –ı 13.4. 

abstract, Rue des Côtes-de-Montbenon 3 Delphine Reist –ı 18.1. 

CHUV Centre Hospitalier Universitaire Vaudois, 

Lalie S. Pascual 16.1.–2.4. 

rue du Bugnon 46 

Club d’Art Contemporain, Rue des Côtes-de-Montbenon 3, Marco de Francesco –ı 1.2. 

*78 767 1976 

Fabienne Levy, Avenue Louis-Ruchonnet 6 Yuval Yairi –ı 18.1. 

Le Locle Musée des Beaux-Arts Le Locle, Marie-Anne-Calame 6, 

*32 933 8950 

Hiver 19–20 

Benoît Jeannet 

–ı 26.1. 

–ı 10.12. 

Le Noirmont La Nef, Ancienne Eglise, *32 951 1745 Cantonale Berne Jura –ı 19.1. 

Lens Fondation Opale, Route de Crans 1 Before Time Began –ı29.3. 

Lenzburg Stapferhaus , Bahnhofstrasse 49 FAKE. Die ganze Wahrheit –ı 28.6. 

Lenzerheide Galerie Pesko, Voa Principala 56, *81 385 1010 Christina Peretti –ı 11.2. 

Lorenz Spring 16.2.–22.3. 

Lichtensteig Rathaus für Kultur, Hauptgasse 12 Dogo Residenz für Neue Kunst 11.1.–24.1. 

Liestal Kunsthalle Palazzo, Poststrasse 2 Figurative Malerei 15.2.–29.3. 

Visionen 19, Umfahrungsstrasse A22, Liestal/Füllinsdorf Visionen 19 –ı 9.5. 


Ligornetto — Maske der Edo-Zeit, 

Museo Vincenzo Vela. Foto: Yuki Seli 

Moutier — Chantale Demierre, 

Musée Jurassien des Arts 

Neuchâtel — Gina Proenza, CAN 

Centre d’art Neuchâtel. Foto: V. Kolibàl 

Ligornetto Museo Vincenzo Vela, Largo Vela Giappone. L’arte nel quotidiano –ı 8.3. 

Locarno la rada, via della Morettina 2, *76 439 1866 Katia Bassanini, Fiorenza Bassetti, –ı 11.1. 

Angela Marzullo u.a. 

New Positions in Painting 21.2.–28.3. 

Lugano Collezione Giancarlo e Danna Olgiati, Riva Caccia 5 Marisa Merz –ı 12.1. 

MASI, Piazza Bernardino Luini 6, *058 866 4230 Julian Charrière –ı 15.3. 

Luzern Hans Erni Museum, Lidostrasse 6, 

Serge Brignoni –ı 15.3. 

c/o Verkehrshaus der Schweiz 

Historisches Museum Luzern, Pfistergasse 24 

Rocky Docky – 450 Jahre Altes 

–ı 1.3. 

Zeughaus Luzern 

Kunsthalle Luzern, Bourbaki/Löwenplatz 11, *412 0809 Barbara Gwerder – Mitten im Motiv 12.1.–15.3. 

Kunstmuseum Luzern, Europaplatz 1, *41 226 78 00 Jahresausstellung Zentralschweizer 

–ı 9.2. 

Kunstschaffen 2019 

Miriam Sturzenegger –ı 9.2. 

Giulia Piscitelli, Clemens von 

Wedemeyer –ı 9.2. 

Fabian Peake –ı 9.2. 

Museum Gletschergarten, Denkmalstrasse 4, *410 4340 Micha Aregger – Eisflocken –ı 20.9. 

PTTH:// Pavillon Tribschenhorn Temporary Host, 

Algorithmen der Liebe 18.1.–15.2. 

Sälisstrasse 24 

Alpineum Produzentengalerie, Hirschmattstr. 30a, Finaleminimale –ı 25.1. 

*410 0025 

Galerie Urs Meile Luzern, Rosenberghöhe 4 Tanya Goel –ı 1.2. 

Julia Steiner 14.2.–11.4. 

Galerie Vitrine Luzern, Stiftstr. 4, *79 866 1233 Eve Lene –ı 1.2. 

Network of Arts, Seidenhofstrasse 12, *41 508 24 43 Gruppenausstellung –ı 14.3. 

Martigny Le Manoir de la Ville de Martigny, 3, rue du Manoir Alexandre Loye 8.2.–17.5. 

Mendrisio Museo d’arte Mendrisio, Piazzetta dei Serviti 1 India Antica –ı 26.1. 

Mézières Musée du Papier peint, Rte de l’Eglise 12, *26 652 0690 La Laitière et le Pot aux Lés –ı 12.1. 

Moutier Musée Jurassien des Arts, 4, rue Centrale, CP 729, 

Cantonale Berne Jura –ı 2.2. 

*32 493 36 77 

Murg am seekultour, Alte Spinnerei, *76 338 8713 James Licini, Letizia Enderli –ı 30.10. 

Walensee 

Muri AG Museum Caspar Wolf, 1. OG des Singisenflügels im Kloster Caspar Wolf –ı 6.4. 

Muri, Marktstrasse 4, *56 664 7011 

Singisen Forum, Singisen Forum, Marktstrasse 4, 

Ursula Palla –ı 2.2. 

*56 664 70 11 

Murten Contemporary Gallery CH, Hauptgasse 27, *79 347 15 41 Veronika Spleiss, 

–ı 31.1. 

Roger Brönnimann 

Salome Würsch, Evgenia Guichert 14.2.–10.5. 

Neuchâtel CAN Centre d’art Neuchâtel , Rue des Moulins 37, 

*32 724 01 60 

Gina Proenza –ı 29.3. 


Pfäffikon — Tonjaschja Adler, Vögele 

Kultur Zentrum © ProLitteris 

Rapperswil-Jona — Paulo Wirz, 

Kunst(Zeug)Haus © ProLitteris 

Neuhausen am 

Rheinfall 

Centre Dürrenmatt, Ch. du Pertuis-du-Sault 74, 

*32 720 2060 

Friedrich Dürrenmatt – Das grosse 

Festmahl 

–ı 22.3. 

Galerie C, Esplanade Léopold-Robert 1a, *32 724 16 26 Nous qui errons dans la nuit –ı 7.3. 

Musée d’Art et d’Histoire Neuchâtel, Esplanade Léopold- 

Robert 1 

Léopold Rabus 

Permanent: Les automates Jaquet- 

Droz 

–ı 8.3. 

–ı 31.12. 

Kunstraum Reinart, Laufengasse 17, *77 413 5368 

Alexander Schoeffel, Katrin 

–ı 2.2. 

Zuzáková 

Olten Kunstmuseum Olten, Kirchgasse 8, *62 212 86 76 35. Kantonale Jahresausstellung –ı 12.1. 

der Solothurner Künstler*innen 

Orani Museo Nivola, Via Gonare 2 Peter Fend –ı26.1. 

Orbe Galerie Zwahlen, Route de Montcherand 5, *24 441 7711 Artistes de la galerie –ı 20.2. 

Pfäffikon SZ Vögele Kultur Zentrum, Gwattstrasse 14 abhängig? –ı22.3. 

Pontresina Plattner & Plattner, Via da la Staziun 11, *79 341 3515 Virginia Fleming –ı 13.4. 

Rapperswil- 

Jona 

Kunst(Zeug)Haus, Schönbodenstrasse 1 

Grosse Regionale 

Paulo Wirz 

–ı2.2. 

–ı 2.2. 

Alte Fabrik, Klaus-Gebert-Str. 5 Grosse Regionale –ı2.2. 

Romanshorn Atelier Galerie Demarmels, Amriswilerstrasse 44, 

Ludwig Demarmels –ı 22.12. 

*71 463 1811 

Rorschach Forum Würth Rorschach, Churerstrasse 10, *71 225 1070 Von Kopf bis Fuss –ı 21.2. 

S-chanf Galerie Peter Vann, Somvih 24 Didier Hagège –ı 21.3. 

Schaffhausen Museum zu Allerheiligen, Klosterstr. 16 Martina-Sofie Wildberger –ı16.2. 

Gebändigt? Naturdarstellungen 

–ı13.4. 

aus der Slg. Gegenwartskunst 

Augenschmaus 

–ı13.4. 

Vebikus Kunsthalle Schaffhausen, Baumgartenstrasse 19, ouvert – Auf den Punkt gebracht 11.1.–16.2. 

*52 625 2418 

Schwyz Forum Schweizer Geschichte, Hofmatt/Zeughausstr. 5 Joggeli, Pitschi, Globi...beliebte 

–ı 15.3. 

Schweizer Bilderbücher 

Scuol-Nairs Fundaziun Nairs, PF 71, Nairs 509, *81 864 98 02 Isabelle Krieg –ı 19.4. 

Anna Comiotto, Simon Lerin / 

–ı 19.4. 

Bettina Hystad, Marcus Maeder 

Sigriswil Paradiesli, Feldenstr. 87, *33 251 51 55 Konstruktive Kunst –ı 31.3. 

Sion Les Arsenaux, Rue de Lausanne 45 Les plus beaux livres de Suisse –ı 31.1. 

Musée d’art du Valais, Place de la Majorie 15, *27 606 4690 Flurina Badel, Jérémie Sarbach –ı 8.11. 

Regarder le paysage à travers la –ı 31.12. 

collection du Musée 

Solothurn Haus der Kunst St. Josef, Baselstr. 27, *32 621 0980 Tanya Akhmetgalieva 11.1.–9.2. 

Atsuo Hukuda, Shuhei Fukuda 15.2.–5.4. 

Kunstmuseum Solothurn, Werkhofstrasse 30 Albert Anker –ı16.2. 

Giacomo Santiago Rogado 

–ı16.2. 

Neue Sammlungsausstellung 25.1.–31.3. 


Schaffhausen — Martina-Sofie 

Wildberger, Museum zu Allerheiligen 

St. Gallen — Sebastian Stadler, 

Kunstmuseum St. Gallen 

Galerie ArteSol, Hauptgasse 50, Altstadt Vigierhof, Peter Von Gunten 18.1.–8.2. 

*79 632 40 15 

Galerie Christoph Abbühl, Schaalgasse 9/1. Stock Essenziell –ı1.2. 

Galerie Löiegruebe, Löwengasse 10 Judith Nussbaumer 18.1.–8.2. 

Kunstforum Solothurn, Schaalgasse 9, *032 621 38 58 Daphne Corregan, Changwon Seok –ı1.2. 

Kunstraum Medici, Römerstrasse 1, *79 434 1512 Alexander Jaquemet –ı8.2. 

Spiez Kirchgemeindehaus Spiez, Kirchgasse 5 Hansueli Urwyler –ı 15.2. 

St. Antönien Talmuseum, St. Antönierstr. 17 Veh Landschaften –ı20.6. 

St. Gallen Historisches und Völkerkundemuseum, Museumstr. 50 Mandala –ı 26.1. 

Brigit Edelmann, Stefan Rohner, 

–ı 1.3. 

Andy Storchenegger 

Vom Jugendstil zum Bauhaus –ı 31.5. 

Kunst Halle Sankt Gallen, Davidstrasse 40 

L. Bill, A. Horni, S. Holliger, M. Julié, 25.1.–5.4. 

S. Paccaud 

Kunstmuseum St. Gallen, Museumstrasse 32 Sebastian Stadler –ı 16.2. 

Altmeister-Geschichten –ı 5.4. 

Iman Issa –ı 26.4. 

Siobhán Hapaska 8.2.–21.6. 

Museum im Lagerhaus, Davidstrasse 44, *71 223 5857 Crazy, Queer, and Lovable – 

–ı 1.3. 

Ovartaci 

Textilmuseum, Vadianstr. 1 Mode Circus Knie –ı 19.1. 

Galerie Paul Hafner, Davidstrasse 40, *71 223 3211 Julia Bornefeld, Elisa Alberti –ı 25.1. 

Galerie vor der Klostermauer, Zeughausgasse 8, 

Maria Xagorari 7.2.–1.3. 

*076 458 11 52 

St. Moritz Museum Engiadinais, Via dal Bagn 39, *81 833 43 33 Nicolaus Hartmann –ı 20.10. 

Hauser & Wirth St. Moritz, Via Serlas 22, *44 446 80 50 Alexander Calder –ı 9.2. 

Charles Gaines 16.2.–29.3. 

Stans Winkelriedhaus & Pavillon, Engelbergstr. 54A, *41 618 73 40 Rudolf Blättler – Skulptur –ı 9.2. 

Das Porträt – Dialoge und 

–ı 22.3. 

Begegnungen 

J. M. Wyrsch, M. P. v. Deschwanden, –ı 31.12. 

J. Zelger 

Steckborn Kirchgasse, Kirchgasse 11, *52 761 1608 Sarah Lehnerer –ı 25.1. 

Stefan Burger 1.2.–4.4. 

Stein Appenzeller Volkskunde-Museum, Dorf Gut ist was hilft – Appenzeller 

–ı 1.3. 

Tradition des Heilens 

Sursee Sankturbanhof Sursee, Theaterstr. 9, *922 2400 Louis Gut –ı 15.3. 

Teufen Zeughaus Teufen, Zeughausplatz 1, *71 335 8030 Alfred Sturzenegger –ı 12.1. 

Zwischenstellung Miro Bannwart –ı 1.4. 

Thalwil ThalwilerHof Kunst, Artbox Perron 4 + 6, Bahnhof Thalwil, ArtBox 94 – Brigitta Gabban –ı 16.3. 

*44 720 78 56 

Thun Kunstmuseum Thun, Hofstettenstrasse 14, *33 225 84 20 Cantonale Berne Jura 2019 –ı 9.2. 

Freunde sammeln 3 –ı 9.2. 


Warth — Martha Haffter, Kunstmuseum 

Thurgau / Ittinger Museum 

Winterthur — Lucy Glendinning, 

Gewerbemuseum 

Atelier & Kunstgalerie Hodler, Frutigenstrasse 46 A Bendicht Friedli –ı 11.1. 

Pavel Schmidt, Petr Beranek 9.2.–7.3. 

Thun-Panorama, Schadaupark, *33 223 2462 Sehwunder. Trick, Trug & Illusion –ı 26.4. 

Unterägeri lakeside gallery, Lorzenstrasse 5, *76 761 28 30 Jahresausstellung lakeside gallery –ı 7.2. 

Unterseen Kunstsammlung Unterseen, Dachstock Stadthaus, Stille Zeit 12.1.–2.2. 

*33 822 08 74 

Uster 

Haut. Venen. Allergie. | Zentrum Brunnehof, 

Kunst in der Praxis 

–ı31.1. 

Oberlandstrasse 100 

Vevey Musée Jenisch Vevey, 2, avenue de la Gare, *21 925 35 20 Les plus belles estampes des 

–ı 13.1. 

collections 

Courbet –ı 2.2. 

Warth 

Kunstmuseum Thurgau / Ittinger Museum, Kartause 

Ittingen, *058 345 1060 

Muda Mathis, Sus Zwick, Hipp 

–ı 8.3. 

Mathis 

Konstellation 11 – Dietrich & Co. 18.1.–13.4. 

Konstellation 10 – Nackte 

–ı13.4. 

Tatsachen 

Wil Kunsthaus Rapp, Toggenburgerstrasse 139 Jan Janczak –ı 17.1. 

Winterthur Fotomuseum Winterthur, Grüzenstrasse 44 + 45 Because the Night –ı 16.2. 

Situations/Deviant –ı 23.2. 

Fotostiftung Schweiz, Grüzenstrasse 45, *52 234 1030 Guido Baselgia –ı 16.2. 

Gewerbemuseum Winterthur, Kirchplatz 14, *52 267 51 36 Federn – wärmen, verführen, 

fliegen 

–ı1.6. 

–ı2.2. 

Yverdon-les- 

Bains 

Kunst Museum Winterthur | Beim Stadthaus, 

Museumstrasse 52, *52 267 51 62 

Kunst Museum Winterthur | Reinhart am Stadtgarten, 

Stadthausstr. 6, *52 267 5172 

Sammlung Oskar Reinhart «Am Römerholz» , Haldenstr. 95, 

*058 466 77 40 

M. Bill, C. Graeser, V. Loewensberg, 

R. Paul Lohse 

Walead Beshty 25.1.–19.4. 

Souvenir Suisse 

–ı2.2. 

Das Wunder im Schnee – Pieter 

Bruegel d.Ä. 

Atelier-Galerie raku-art, Tösstalstrasse 14, *52 203 10 88 Evi Kienast, Susy Giesch, Keren 

–ı4.4. 

Schlatter 

AXA Exhibition Wall, Pionierstrasse 3 Olivia Widerkehr –ı26.2. 

COALMINE Forum für Dokumentarfotografie, Turnerstr. 1, As Long As The Sun Shines 

–ı9.4. 

*52 268 6868 

Hotel Wartmann, Rudolfstrasse 15 Kunstzimmer 25.1.–26.1. 

kunstkasten, Katharina Sulzer-Platz, *79 379 29 78 CKÖ –ı9.2. 

Centre d’art contemporain, Place Pestalozzi, *24 423 63 80 libres –ı 11.2. 

Zofingen Kunsthaus Zofingen, Gen. Guisan-Str. 12, *62 751 4829 Manon –ı23.2. 

Zug Kunsthaus Zug, Dorfstrasse 27 My Mother Country – Malerei 

–ı 2.2. 

der Aborigines und Emily Kame 

Kngwarrey 

Fantastisch Surreal 16.2.–24.5. 

–ı1.3. 


Winterthur — Pieter Bruegel d.Ä., 

Sammlung Oskar Reinhart am Römerholz 

Zofingen — Manon, Kunsthaus 

Zofingen ©ProLitteris 

Breton Duchamp Kiesler 16.2.–24.5. 

Museum Burg Zug, Kirchenstrasse 11 

Ernstfall! Die Schweiz im Kalten 

–ı 26.1. 

Krieg 

Museum für Urgeschichte(n) Zug, Hofstrasse 15 

Gesundheit! – 7000 Jahre 

–ı 17.5. 

Heilkunst 

Galerie Carla Renggli, Ober-Altstadt 8 Barbara Jäggi –ı 25.1. 

Zuoz Galerie Tschudi, Chesa Madalena/Somvih 115, *81 850 1390 Absolutely Tschudi –ı 21.3. 

Monica De Cardenas, Chesa Albertini Alex Katz –ı 29.2. 

Werkstatt Hildegard Schenk, Dorta 68, *81 854 0267 Regula Dürig, Thomas Kurer 14.2.–14.8. 

Zürich Halle 622, Therese-Giehse-Strasse 10, *44 245 40 10 photoZÜRICH 2020 –ı 14.1. 

Helmhaus, Limmatquai 31, *44 415 56 77 nach Zürich –ı 26.1. 

Johann Jacobs Museum, Seefeldquai 17, *44 388 6190 Ein Schiff wird nicht kommen –ı 5.5. 

Krematorium Nordheim, Käferholzstr. 101, Hallen 1+2, Zwischen Himmel und Erde – und 

–ı 5.4. 

*44 412 3717 

Erde und Himmel 

Kunsthalle Zürich, Limmatstr. 270 Marianna Simnett –ı 9.2. 

Kunsthaus Zürich, Heimplatz 1 Wilhelm Leibl –ı 19.1. 

Die neue Fotografie –ı 9.2. 

Olafur Eliasson 17.1.–22.3. 

Die Poesie der Linie 31.1.–26.4. 

Ottilia Giacometti 7.2.–3.5. 

Kunstraum Walcheturm, Kanonengasse 20 

Video Art from Sitzerland and 

6.2.–7.2. 

Brazil (Part 1&2) 

Landesmuseum Zürich, Museumstrasse 2, *44 218 6511 Indiennes –ı 19.1. 

Einfach Zürich –ı 31.1. 

Geschichte Schweiz –ı 31.12. 

Neue Sammlungsausstellung –ı 31.12. 

Archäologie Schweiz –ı 1.1. 

Luma/Westbau, Limmatstrasse 270 Tony Cokes –ı 26.1. 

Migros Museum für Gegenwartskunst, Limmatstrasse 270 Lily van der Stokker –ı 23.2. 

Musée Visionnaire/Outsider Art, Predigerplatz 10, 

Himmelsstürmer*innen auf Kurs –ı 16.2. 

*44 251 6657 

Museum der Digitalen Kunst, Pfingstweidstr. 101 Vera Molnar –ı 9.2. 

Museum für Gestaltung – Schaudepot, 

Pfingstweidstrasse 96 

Fotografik: Klein, Ifert, Zamecznik 

Wissen in Bildern – 

Informationsdesign heute 

–ı 9.2. 

–ı 8.3. 

Designlabor: Material und Technik –ı 6.9. 

Museum Haus Konstruktiv, Selnaustrasse 25 Camille Graeser –ı 12.1. 

Leonor Antunes –ı 12.1. 

Roman Clemens –ı 12.1. 

Otto Piene 6.2.–10.5. 

Brigitte Kowanz 6.2.–10.5. 

Museum of Digital Art, Pfingstweidstrasse 101, 

*44 533 83 96 

Vera Molnar –ı 9.2. 


Zürich — O. Piene, Museum Haus Konstruktiv 

© ProLitteris/Otto Piene Estate 

Zürich — Lily van der Stokker, Migros 

Museum für Gegenwartskunst 

Museum Rietberg, Gablerstrasse 15 Surimono –ı 9.2. 

Gitagovinda –ı 16.2. 

Fiktion Kongo –ı 15.3. 

Museum Strauhof, Augustinergasse 9 Thomas Mann in Amerika –ı 19.1. 

Nordamerika Native Museum, Seefeldstr. 317 Curtis –ı 1.3. 

Photobastei 2.0, Sihlquai 125, *44 240 2200 

Striking Moments In 

–ı 15.3. 

Photojournalism 1932 – 1989 

100 Jahre Foto Zbinden –ı 15.3. 

Rue Hippolyte, Limmatstrasse 214, *44 273 0010 

Christina Forrer, Melodie Mousset, –ı 18.1. 

Athene Galiciadis, Kueng Caputo, 

Enzo Mari, Fornasetti Christa 

Bühler, JP Munro 

StageOne , Elias Canetti-Strasse 146, *043 355 7070 photoZÜRICH 2020 –ı 14.1. 

Stiftung Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg, Lukas Salzmann –ı 8.2. 

Hottingerstr. 8, *043 818 5406 

Tableau Zürich, Stadelhoferstr. 28/ 

Taiyo Onorato & Nico Krebs 

–ı30.4. 

Hof Stadelhofer Passage 

Völkerkundemuseum/Univers. Zürich, Pelikanstr. 40 ZuHören im Steilhang –ı 19.1. 

Mit Trommeln sprechen –ı 6.9. 

Seladon im Augenmerk –ı 22.11. 

ZAZ Zentrum Architektur Zürich, Höschgasse 3 Wie wollen wir wohnen? –ı 31.1. 

A1 M.O.V.E., Bändliweg 20, *043 311 7010 Birgit Olzhausen –ı 4.3. 

Andres Thalmann Zürich, Talstrasse 66, *44 210 2002 Howard Hodgkin –ı 25.1. 

Annemarie Verna Galerie, Neptunstrasse 42, *44 262 3820 Richard Tuttle –ı 8.2. 

Antonio Calderara 13.2.–4.4. 

annex14, Limmatstrasse 270, *44 202 44 22 Pavel Büchler 11.1.–15.2. 

Art Forum Ute Barth, Kartausstr. 8 Garda Alexander –ı 25.1. 

BELETAGE Art Space, Utoquai 41, c/o Dr. Rai Winata Domingo Chaves –ı 28.2. 

Bildhalle, Stauffacherquai 56, *44 552 09 18 Bastiaan Woudt –ı 25.1. 

Christophe Guye Galerie, Dufourstrasse 31, *044 252 0111 Land_Scope –ı 25.1. 

DIENSTGEBÄUDE Art Space, Töpferstrasse 26, *79 211 7112 Carlos Fernandez –ı 25.1. 

Catch of the Year(s) –ı 25.1. 

Edition VFO, Verena-Conzett-Str. 7 La métamorphose de l‘art imprimé –ı 14.3. 

Fabian Lang, Obere Zäune 12, *044 223 54 33 Jessie Makinson –ı 25.1. 

Galerie am Lindenhof, Pfalzgasse 3 Michelle Halbheer –ı 21.1. 

Galerie Eva Presenhuber, Maag Areal, Zahnradstr. 21, 

*043 444 7050 

Galerie Eva Presenhuber, Rämistrasse, Rämistr. 33, 

*0 43 444 70 50 

Justin Matherly 

Tobias Pils 

25.1.–14.3. 

25.1.–14.3. 

Valentin Carron 25.1.–29.2. 

Galerie Francesca Pia, Limmatstrasse 268 Virginia Overton –ı 8.2. 

Galerie Gmurzynska Paradeplatz, Paradeplatz 2, 

Expressions d’Afrique –ı 31.1. 

*44 226 7070 

Galerie Gmurzynska Talstrasse, Talstrasse 37, *44 226 7070 Expressions d’Afrique –ı 31.1. 


Galerie Haas AG, Zürich , Talstrasse 62a 

Franz Gertsch, Markus Raetz, 

–ı11.1. 

Anne Loch 

Jiří Georg Dokoupil 16.1.–20.2. 

Frank Wiebe 27.2.–30.3. 

Galerie La Ligne, Heinrichstr. 237, *043 205 2829 

Jean Charasse, Alain-Jacques 

–ı 20.2. 

Lévrier-Mussat 

Galerie Lange + Pult Zürich, Rämistrasse 27, *44 212 2000 Christian Herdeg –ı25.1. 

Galerie Mark Müller, Hafnerstrasse 44 XXX die I. 11.1.–29.2. 

Michael Toenges 11.1.–29.2. 

Sabian Baumann 7.2.–18.4. 

Galerie Sylva Denzler, Gemeindestrasse 4 Felix Studinka –ı8.2. 

Galerie Wenger, Mühlebachstr. 12, *043 211 30 33 Ricardo Rendón –ı11.1. 

Galerie Ziegler SA, Rämistrasse 34, *44 251 2322 Nic Frames Names –ı24.1. 

Graphische Sammlung ETH, Rämistrasse 101, *44 632 4046 Yves Netzhammer, Gramazio 

–ı15.3. 

Kohler 

Hard-Cover Art Gallery, Hardplatz 21 Alles da so wie du –ı 10.1. 

Joris Burla 14.1.–15.1. 

Christophe Cachelin 18.1.–28.2. 

Hauser & Wirth Zürich, Limmatstr. 270 Zhang Enli 17.1.–29.2. 

David Zink Yi 17.1.–29.2. 

Jedlitschka Gallery, Seefeldstr. 52, *44 252 3530 Barbara Babo –ı 10.1. 

Kate Vass Galerie, Feldeggstrasse 88, *44 382 83 03 Espen Kluge –ı 30.1. 

Kellergalerie, Selnaustr. 15, *79 329 5856 Carl Roehrig 18.1.–30.1. 

Kupper Modern, Zwinglistrasse 10 Make Zurich small again –ı28.3. 

Last Tango, Gasometerstrasse 30 Can you feel it? –ı11.1. 

Livie Fine Art, Claridenstrasse 34 Imi Knoebel –ı 30.1. 

Lullin + Ferrari, Limmatstrasse 214, *43 205 2607 Narration and Performance –ı29.2. 

Mai 36 Galerie, Rämistrasse 37 Stephan Balkenhol –ı11.1. 

ABUC – Eleven Cuban artists 

–ı11.1. 

Jacobo Castellano 24.1.–14.3. 

Peter Hujar, Paul Thek 24.1.–14.3. 

nano – Raum für Kunst, Röschibachstr. 57, *79 785 22 29 nano SPEKTRUM n°1 – 

–ı 10.1. 

Jahresausstellung 

Andreas Weber, Aldo Mozzini 25.2.–13.3. 

Peter Kilchmann, Zahnradstr. 21 Adrian Paci –ı 15.2. 

Petra Gut Contemporary AG, Nüschelerstrasse 31, F. C. Gundlach –ı 1.2. 

*44 422 4069 

Roehrs & Boetsch, Bachstr. 9, *43 539 56 74 Lauren Huret –ı 22.2. 

sam scherrer contemporary, Kleinstr. 16, *44 260 4433 Ursula Palla –ı 11.1. 

Jan Czerwinski 24.1.–7.2. 

schauraum multipleart, Merkurstrasse 44, *44 392 0625 preview: edition20* –ı 16.1. 

Michael Eul, Florian Schmidt 20.1.–25.3. 

Stadthaus Zürich, Stadthausquai 17, *44 216 31 11 Privatsphäre. Geschützt – 

–ı 27.2. 

geteilt – gekauft 

TART Zürich, Gotthardstr. 54, *79 195 5417 Olga Titus –ı 11.1. 

Rachele Monti 23.1.–15.2. 

Thomas Ammann Fine Art, Restelbergstrasse 97, 

Klaudia Schifferle 3.2.–30.4. 

*44 360 5160 

Transithalle, Freilagerstr. 9 Ursula Knobel 31.1.–2.2. 

Visarte Zürich, Schoffelgasse 10, *044 252 4161 Mara Müller, Doris Schmid –ı 11.1. 

Rosemary Rauber, Corina Staubli, 16.1.–18.1. 

Maritta Winter 

Sibylle Burla, Verena Rommanens 23.1.–25.1. 

Stefan Vollenweider 4.2.–8.2. 

WBB Gallery, Trittligasse/Neustadtgasse 1, *44 260 8196 Refugium –ı 1.2. 

ZHdK / Toni Areal, Toni-Areal/Pfingstweidstr. 96, 

*043 446 42 18 

100 beste Plakate 18 Deutschland 

Österreich Schweiz 

–ı 10.1. 


Belgien *0032 

Antwerpen Museum van Hedendaagse, Leuvenstraat 32, *3 238 5960 Marcel Broodthaers –ı 19.1. 

Brüssel BOZAR-Expo, Rue Ravenstein 23, *2 507 8200 Yves Zurstrassen –ı12.1. 

Keith Haring 

–ı19.4. 

ING Art Centre Bruxelles, Koningsplein 6 Love. Hate. Debate. –ı15.3. 

Centrale for contemporary art Bruxelles, 

Roger Ballen 

–ı14.3. 

Place sainte catherine, 44, *279 6435 

Valérie Bach, 6, rue Faider, *2 502 7824 American Women –ı21.3. 

Charleroi Galerie V2 | Vecteur, Rue de Marcinelle Laëtitia Bica –ı 18.1. 

–ı 19.1. 

Eupen IKOB – Museum für Zeitgenössische Kunst, Rotenberg 12B, 

*87 560 110 

Gent 

S.M.A. K. – Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, 

jan hoetplein, 1, *9 240 76 01 

Hornu Musées des arts contemporains Hornu, 82, 

rue Sainte-Louise 

Leuven Museum Leuven, Leopold Vanderkelenstraat 28, 

*16 272 929 

IKOB Kunstpreis für feministische 

Kunst 

Ciprean Muresan 

Ronny Delrue 

–ı 19.1. 

–ı 19.1. 

From the Collection | noWHere –ı 16.2. 

Rosalind Nashashibi, Lucy Skaer –ı 16.2. 

Collection exhibition 8.2.–3.5. 

Charbel-Joseph H. Boutros 8.2.–3.5. 

Richard Venlet 8.2.–6.12. 

Abeilles de l’invisible –ı 12.1. 

Béatrice Balcou 

M-collection 

Liège La Boverie, Parc de la Boverie Hyperrealism Sculpture. Ceci n’est 

pas un corps 

Dänemark *0045 

–ı20.1. 

–ı 31.12. 

–ı 3.5. 

Humlebæk Louisiana Museum of Modern Art, Gl. Strandvej 13 Lauren Greenfield –ı 26.1. 

Tatiana Bilbao –ı 9.2. 

Deutschland *0049 

Aachen Centre Charlemagne, Katschhof 1, *241 342 49 31 Alles auf Anfang? In Aachen 

–ı 8.3. 

beginnt die Nachkriegszeit 

Couven Museum, Hühnermarkt 17 Wir Nachkriegskinder –ı 29.3. 

Ludwig Forum für internationale Kunst, 

Louisa Clement –ı 26.1. 

Jülicher Strasse 97–109 

Albstadt KUNSTMUSEUM der Stadt ALBSTADT, Kirchengraben 11 Die dunkle Seite des Mondes –ı 16.2. 

Christian Landenberger 

–ı16.2. 

Alkersum Museum Kunst der Westküste, Hauptstr. 7 10 Jahre MKdW – Meisterwerke –ı 12.1. 

Arnsberg Kunstverein Arnsberg, Königstrasse 24 Neue Jahresgaben –ı 26.1. 

Brad Doeney 14.2.–15.3. 

Augsburg Galerie Noah, Beim Glaspalast 1 Helge Leiberg, Burkhard Held –ı9.2. 

Backnang Galerie der Stadt, Petrus-Jacobi-Weg 1 Riecker-Raum: Tierisch! –ı 26.1. 

Titus Schade –ı 9.2. 

Tanja Rochelmeyer 22.2.–3.5. 

Riecker-Raum: Kinderreich! 1.2.–31.1. 

Bad Homburg Museum Sinclair-Haus, Löwengasse 15, *6172 171 2120 Illusion Natur –ı 2.2. 

Baden-Baden Museum Frieder Burda, Lichtentaler Allee 8b, 

Karin Kneffel –ı 8.3. 

*7221 398 9831 

Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Lichtentaler Allee 8a Boris Mikhailov –ı 9.2. 

Bayreuth Kunstmuseum Bayreuth, Maximilianstrasse 33, 

*921 764 5312 

Ausstellungen aus den 

Sammlungen: Teil 3 

Bedburg-Hau Museum Schloss Moyland, Am Schloss 4 Wilhelm Busch –ı24.2. 

Bergisch Kunstmuseum Villa Zanders, Konrad-Adenauer-Platz 8, Stefan Wewerka – Dekonstruktion –ı 19.4. 

Gladbach *2202 142 334 

der Moderne 

Berlin Akademie der Künste, Hanseatenweg 10 Käthe-Kollwitz-Preis 2020 –ı 1.3. 

Akademie der Künste Berlin, Pariser Platz 4 Helga Paris –ı 12.1. 

–ı 1.2. 

AGENDA // SCHWEIZ / BELGIEN / DÄNEMARK / DEUTSCHLAND 135

Alfred Ehrhardt Stiftung, Auguststrasse 75, *30 2009 5333 Modell-Naturen in der 

11.1.–26.4. 

Zeitgenössischen Fotografie 

Alte Nationalgalerie, Bodestrasse 1–3, *30 2090 5801 Kampf um Sichtbarkeit –ı8.3. 

Berlinische Galerie, Alte Jakobstr. 124–128 

Jubiläumsausstellung: original 

–ı27.1. 

bauhaus 

Fritz Eschen 

–ı27.1. 

Bettina Pousttchi 

–ı6.4. 

Deutsches Historisches Museum, Unter den Linden 2 Wilhelm und Alexander von 

–ı19.4. 

Humboldt 

Galerie im Turm, Frankfurter Tor 1, *30 422 9426 Anaïs Senli –ı12.1. 

Gemäldegalerie Berlin, Matthäikirchplatz Anthony Caro –ı12.7. 

Hamburger Bahnhof, Invalidenstr. 50–51, *30 397 8340 Lawrence Abu Hamdan –ı9.2. 

Preis der Nationalgalerie 2019 

–ı16.2. 

Cevdet Erek 

–ı8.3. 

KINDL – Zentrum für zeitgenössische Kunst, Am Sudhaus 

3, *30 8 3215 9120 

Natalie Czech, Friederike 

Feldmann 

Bjørn Melhus 

–ı2.2. 

–ı 16.2. 

Bettina Pousttchi –ı 10.5. 

Künstlerhaus Bethanien, Kottbusserstr. 10, *30 616 9030 Anna Rún Tryggvadóttir 16.1.–9.2. 

Hyelim Cha 16.1.–9.2. 

Emi Otaguro 16.1.–9.2. 

Gülşin Ketenci 16.1.–9.2. 

Talya Lubinsky 16.1.–9.2. 

Kupferstichkabinett, Matthäikirchplatz 8 Menzel. Maler auf Papier –ı19.1. 

Martin-Gropius-Bau, Niederkirchnerstr. 7 Wu Tsang –ı12.1. 

Durch Mauern gehen 

–ı19.1. 

me Collectors Room Berlin, Auguststraße 68, *30 8600 8510 Gerhard Richter 

–ı31.1. 

Mary Bauermeister, Rashid Al 

–ı31.1. 

Khalifa, Simon Stockhausen 

Moving Energies – 10 years me 22.2.–17.5. 

Collectors Room Berlin 

Museum Berggruen, Schlossstr. 1, *30 2639 4880 

Pablo Picasso x Thomas Scheibitz. –ı2.2. 

Zeichen Bühne Lexikon 

Museum der Dinge, Oranienstr. 25 Dekor als Übergriff? –ı 10.2. 

Museum Europäischer Kulturen, Arnimallee 25 comiXconnection –ı29.3. 

Museum für Fotografie Berlin, Jebensstr. 2 Ludwig Windstosser –ı23.2. 

Helmut Newton’s Private Property –ı31.12. 

Museum für Kommunikation Berlin, Leipziger Str. 16 Die Nacht. Alles ausser Schlaf –ı1.6. 

Neuer Berliner Kunstverein, Chausseestr. 128–129 Joan Jonas –ı 24.1. 

Hito Steyerl –ı 26.1. 

Bouchra Khalili –ı 30.8. 

nGbK – neue Gesellschaft für bildende Kunst, 

Spielclub Oranienstrasse 25 –ı 19.1. 

Oranienstr. 25 

11. Berlin Biennale c/o ExRotaprint , Bornemannstraße 9 exp. 2: Virginia de 

–ı 8.2. 

Medeiros – Feministische 

Gesundheitsrecherchegruppe 

68projects, Fasanenstr. 68 Chris Hood –ı 18.1. 

Barbara Wien, Schöneberger Ufer 65, 3.OG Luca Frei –ı 25.1. 

Buchmann Galerie Berlin, Charlottenstr. 13 

B. Burkhard, T. Cragg, A. Garutti, 

–ı 11.1. 

J. Sternfeld 

William Tucker 31.1.–7.3. 

C/O Berlin Foundation. Amerika Haus, Hardenbergstraße 

22–24, *30 284 4416 0 

Love, Ren Hang 

Christopher Williams 

–ı 29.2. 

–ı 29.2. 

C/O Berlin Talent Award –ı 29.2. 

Dittrich & Schlechtriem, Linienstr. 23, *30 2434 2462 Soufiane Ababri –ı 2.2. 

Galerie Barbara Weiss, Kohlfurter Str. 41/43 Boris Mikhailov –ı 9.2. 

Galerie Buchholz, Fasanenstr. 30 Jutta Koether –ı 25.1. 


Galerie im Körnerpark, Schierker Straße 8 

This might be a place for 

–ı 5.2. 

hummingbirds 

Galerie Judin, Potsdamer Str. 83 (Hof), *30 3940 4840 Hortensia Mi Kafchin 15.2.–11.4. 

Galerie Kornfeld Berlin, Fasanenstraße 26, *30 889 225 890 Stéphane Couturier –ı 18.1. 

Galerie Nagel Draxler Berlin, Weydinger Str. 2/4 Christian Kosmas Mayer –ı 11.1. 

Galerie oqbo, Brunnenstr. 63, *157 7536 6352 6 aus 181 11.1.–8.2. 

B. Terwiel, M. A. Fernandez, 

21.2.–28.3. 

S. Sabahi 

Galerie Poll, Gipsstr. 3 / Parterre 

Heike Negenborn, Andreas 

–ı 11.1. 

Silbermann 

Galerie Sheriban Türkmen, Bleibtreustr. 1, *030 2977 0810 Gaspare Gaeta & Sheriban 

–ı 29.1. 

Türkmen 

Nagel Draxler Kabinett, Rosa-Luxemburg-Straße 33, Renée Green –ı 11.1. 

*30 400 42 64 1 

Rasche Ripken , Linienstrasse 148, *30 4005 4160 Fabian Warnsing –ı 18.1. 

St. Matthäus-Kirche, Matthäikirchplatz Norbert Bisky –ı 23.2. 

Tanja Wagner, Pohlstrasse 64 Kapwani Kiwanga –ı 25.1. 

Bernried Buchheim Museum, Am Hirschgarten 1 Paula Modersohn-Becker –ı 15.3. 

Bielefeld Kunsthalle Bielefeld, Artur-Ladebeck-Strasse 5 L’homme qui marche – 

–ı 8.3. 

Verkörperung des Sperrigen 

Bochum Kunstmuseum Bochum, Kortumstrasse 147 Family Stories – Junge Kunst aus –ı26.1. 

Israel 

Kubus der Situation Kunst, Nevelstras. 29 c, *234 298 8901 Farbanstösse –ı19.4. 

Bonn Bundeskunsthalle, Friedrich-Ebert-Allee 4 California Dreams –ı 12.1. 

Jahresgaben 2019 –ı 9.2. 

Vittorio Brodmann –ı 9.2. 

Martin Kippenberger –ı 16.2. 

Beethoven –ı 26.4. 

Kunstmuseum Bonn, Friedrich-Ebert-Allee 2 Benjamin Dittrich –ı 19.1. 

raum2810, Orchideenweg 45A, *171 232 99 35 8 Unikate 8 Künstler –ı 18.1. 

Braunschweig 

–ı 12.1. 

Museum für Photographie Braunschweig, Helmstedter 

Strasse 1 

Zonnenrandgebiet – 

Mitgliederausstellung 

Bremen Kunsthalle Bremen, Am Wall 207 Ikonen. Was wir Menschen anbeten –ı 1.3. 

Künstlerhaus Bremen, Am Deich 68/69 Jahresgaben 2019 –ı 19.1. 

Weserburg Museum für moderne Kunst, Teerhof 20 Künstlerbücher: Vielfältig 

–ı 12.1. 

Mehrseitig 

Andrea Bowers –ı 23.2. 

KlangTräume. Musik, Geräusch und –ı 1.3. 

Klangerlebnis 

Heman Chong –ı 1.3. 

Darmstadt Institut Mathildenhöhe, Olbrichweg 13 A Olaf Nicolai –ı 29.3. 

Kunstforum der TU Darmstadt, Hochschulstraße 1, Paul Meissner –ı 19.1. 

*6151 16 20 52 8 

Museum Künstlerkolonie, Alexandraweg 26 Olaf Nicolai –ı 29.3. 

Delmenhorst Städtische Galerie Delmenhorst, Fischstrasse 30 Pia Pollmanns –ı15.3. 

DonaueschingenMuseum Art.Plus, Museumsweg 1 Vollgas – Full Speed –ı 2.2. 

Ariane Faller, Mateusz Budasz –ı 22.3. 

Dortmund Künstlerhaus Dortmund, Sunderweg 1 Mirjam Elburn, Esther Hagenmaier, –ı 2.2. 

Simona Koch 

Dortmunder Kunstverein, Park der Partnerstädte 2 Jannis Marwitz, Matt Welch –ı 9.2. 

Schauraum Comic + Cartoon, Max-von-der-Grün-Platz 7 Nimm das, Adolf! Zweiter Weltkrieg –ı 15.3. 

im Comic 

Dresden Kunsthaus Dresden, Rähnitzgasse 8 Das Verschwinden der 

–ı 12.1. 

Mittelschicht des Museum für 

fremde und vertraute Kulturen 

Leonhardi-Museum, Grundstrasse 26 Barbara Klemm –ı 1.3. 

AGENDA // DEUTSCHLAND 137

Staatliche Kunstsammlungen Dresden, 

Jan und Eva Švankmajer 

–ı8.3. 

Residenzschloss/Taschenberg 2 

Stadtmuseum Dresden, Wilsdruffer Str. 2/ Eingang Konferenz der Plastiktiere 

–ı1.3. 

Landhausstr. 

Duisburg Lehmbruck Museum, Düsseldorfer Str. 51 Carsten Nicolai –ı 26.1. 

Eija-Liisa Ahtila –ı 26.1. 

Künstler der Brücke –ı 1.6. 

Museum DKM, Güntherstrasse 13–15, *203 9355 5470 Erwin Wortelkamp –ı 1.3. 

Klaus Kinold –ı 24.5. 

Düren 

–ı 16.2. 

Leopold-Hoesch-Museum & Papiermuseum Düren, 

Hoeschplatz 1 

Vom Leben in 

Industrielandschaften 

Düsseldorf K21 Kunstsammlung NRW, Ständehausstr. 1, *211 8381204 Carsten Nicolai –ı 19.1. 

Kai 10/Arthena Foundation, Kaistrasse 10 Im Licht der Nacht –ı 9.2. 

KIT – Kunst im Tunnel, Mannesmannufer 1b, *211 8920 769 Taking Root –ı 26.1. 

Kunsthalle Düsseldorf, Grabbeplatz 4 Albert Oehlen, Carroll Dunham –ı 1.3. 

Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Grabbeplatz 5, Edvard Munch –ı 1.3. 

*211 8381204 

Museum Kunstpalast, Ehrenhof 4–5, *211 899 0200 Kosmos Hanck –ı 12.1. 

Norbert Tadeusz –ı 2.2. 

Sichtweisen. Die neue Sammlung 19.2.–17.5. 

Fotografie 

Verrückt nach Angelika Kauffmann 30.1.–24.5. 

Peter Lindbergh 5.2.–1.6. 

Clara Maria Sels, Poststr. 3, *211 328 020 Lars Teichmann –ı 11.1. 

Hans Strelow, Luegplatz 3 Jürgen Meyer –ı 30.1. 

–ı 26.1. 

Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, 

Grabbeplatz 4 

Hedda Schattanik, Roman 

Szczensy, Alex Wissel 

Galerie Peter Tedden, Mutter-Ey-Str. 5, 

Anke Bersselis, Sybille Kroos –ı 25.1. 

*+49 177 671 74 67 

Essen Museum Folkwang, Museumsplatz 1, *201 884 5444 Stopover –ı 12.1. 

Shin Matsunaga –ı 12.1. 

I was a Robot –ı 15.3. 

Der montierte Mensch –ı 15.3. 

Frankfurt/M Deutsches Architekturmuseum, Schaumainkai 43 In norwegischen Landschaften – 

–ı19.1. 

Hunting high and low 

The Playground Project – 

–ı21.6. 

Architektur für Kinder 

Museum für Angewandte Kunst Frankfurt, 

Schaumainkai 17 

House of Norway 

–ı26.1. 

–ı16.2. 

MUSEUM MMK FÜR MODERNE KUNST, Domstrasse 10, 

*69 2123 0447 

MUSEUM MMK und ZOLLAMT MMK: 

„Museum“ 

Schirn Kunsthalle, Römerberg Lee Krasner –ı12.1. 

Hanna Ryggen 

–ı12.1. 

Fantastische Frauen 13.2.–24.5. 

Städel Museum, Schaumainkai 63 Making Van Gogh –ı16.2. 

Frankfurter Kunstverein, Markt 44 

Trees of Life – Erzählungen für 

–ı19.1. 

einen beschädigten Planeten 

Wilma Tolksdorf, Hanauer Landstr. 136, *69 4305 9427 Jeff Cowen –ı15.2. 

Freiburg/B Augustinermuseum, Augustinerplatz 1–3, *761 201 2597 freiburg.archäologie – 900 Jahre 

Leben in der Stadt 

–ı 4.10. 

–ı 15.3. 

Museum für neue Kunst Freiburg/B, Marienstrasse 10a, 

*761 201 2581 

Expressionist Scherer – direkter, 

roher, emotionaler 

Museum für Stadtgeschichte, Wentzingerhaus 

freiburg.archäologie – 200 Jahre 

–ı 4.10. 

Forschen in der Stadt 

Museum Natur und Mensch, Gerberau 32, *761 201 2566 Südsee – Traum und Wirklichkeit –ı 2.2. 

PEAC Museum, Robert-Bunsen-Str. 5 Paul Ege Art Collection –ı 19.4. 


Archäologisches Museum Colombischlössle, Rotteckring 5 

Friedberg Galerie Hoffmann – Görbelheimer Mühle 1, 

Görbelheimer Mühle 1, *06031 2443 

Der römische Legionär – Weit mehr –ı 29.11. 

als ein Krieger 

Anett Frontzek –ı 13.6. 

Friedrichshafen Galerie Bernd Lutze, Zeppelinstrasse 7 Kachinam –ı 18.1. 

Giessen Kunsthalle Giessen, Berliner Platz 1 FORT. Undercover –ı16.2. 

Neuer Kunstverein, Ecke Licher Str./Nahrungsberg, Line Krom –ı 20.1. 

*641 250 9444 

Göppingen Kunsthalle Göppingen, Marstallstraße 55, *7161 650 4211 Bastian Muhr –ı 9.2. 

Point of View –ı 9.2. 

Jan Köchermann –ı 9.2. 

Johannes Hewel 8.2.–29.3. 

Goslar Mönchehaus Museum, Mönchestrasse 1 Andreas Greiner –ı 26.1. 

Hagen Osthaus Museum, Museumsplatz 1 Leonardo da Vinci – Erfinder und 

Wissenschaftler 

–ı 12.1. 

Halle 

Kunstmuseum Moritzburg Halle (Saale), 

Friedemann-Bach-Platz 5 

Bauhaus Meister Moderne 

Wege zur Burg der Moderne 

Hamburg Bucerius Kunst Forum, Rathausmarkt 2 Amerika! Disney, Rockwell, 

Pollock, Warhol 

Hamburger Kunsthalle, Glockengiesserwall 5, 

*40 428 131 200 

Haus der Photographie/Halle für Aktuelle Kunst, 

Deichtorstrasse 1–2 

Impressionismus 

Goya, Fragonard, Tiepolo 

Edith Dekyndt 

–ı 12.1. 

–ı 12.1. 

–ı12.1. 

–ı1.3. 

–ı 13.4. 

–ı7.6. 

Unfinished Stories –ı 30.8. 

Aneta Kajzer 7.2.–24.5. 

Jenisch-Haus, Baron-Voght-Strasse 50, *40 828 790 Tanz des Lebens –ı13.1. 

Kunstverein Hamburg, Klosterwall 23, *40 338 344 Oscar Murillo –ı26.1. 

Kunstverein Harburger Bahnhof, Hannoversche Strasse 85, Jahresgaben 2019 

–ı9.2. 

*40 7675 3896 

Museum für Kunst und Gewerbe, Steintorplatz 

Der Amateur. Vom Bauhaus zu 

–ı12.1. 

Instagram 

100 Jahre lenkbares Licht 31.1.–1.6. 

Hannover Sprengel Museum, Kurt-Schwitters-Platz Fiona Tan –ı 12.1. 

Fred Stein –ı 26.1. 

Jussuf Abbo –ı 29.3. 

Elementarteile –ı 30.11. 

Kunstverein Hannover, Sophienstrasse 2 Koenraad Dedobbeleer –ı 26.1. 

Sebastian Kuhn –ı 1.8. 

Herford Marta Herford, Goebenstr. 4–10, *5221 9944 300 Im Licht der Nacht – Vom Leben im 

Halbdunkel 

–ı 9.2. 

Herne Flottmann-Hallen, Strasse des Bohrhammers 5, 

*2323 162 951 

Hörstel DA, Kunsthaus Kloster Gravenhorst, Klosterstrasse 10, 

*545 991 460 

Kaiserslautern 

mpk – Museum Pfalzgalerie Kaiserslautern, 

Museumsplatz 1, *631 364 7201 

Christoph Platz, Peter Nagel 

Spuren 2 – Herner KünstlerInnen 

der Jahrgänge 1949 bis 1960 

Ausblick! 

Im Rückblick! 

–ı 12.1. 

15.2.–19.4. 

–ı 26.1. 

–ı 26.1. 

Winterlicht | Raumzeichnungen –ı 23.2. 

Eva Jospin 

–ı12.1. 

Purrmann, Waldschmidt & Co. 

–ı23.2. 

Julia Steiner 8.2.–19.7. 

Karlsruhe Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Hans-Thoma-Strasse 2–6 Marcel van Eeden –ı 8.3. 

Der Fall im Stall. Ein ungelöstes 

–ı 8.3. 

Rätsel 

Hans Baldung Grien –ı 8.3. 

Städtische Galerie Karlsruhe, Lorenzstr. 27 Tradition und Aufbruch –ı 19.1. 

ZKM | Zentrum für Kunst und Medien, Lorenzstr. 19 Riccardo Benassi –ı 19.1. 

Die ganze Welt ein Bauhaus –ı 16.2. 

Michael Bielicky –ı 8.3. 


Peter Weibel –ı 8.3. 

bauhaus.film.expanded 8.2.–17.5. 

Writing the History of the Future. –ı 21.3. 

Die Sammlung des ZKM 

Badischer Kunstverein, Waldstrasse 3 Jeremiah Day 7.2.–19.4. 

Kassel GRIMMWELT Kassel, Weinbergstraße 21, *561 5986190 Rotes Käppchen, blauer Bart –ı 13.4. 

Hessisches Landesmuseum (Museumslandschaft Hessen Höfische Jagd in Hessen –ı 12.1. 

Kassel), Brüder-Grimm-Platz 5, *561 316 800 

Kunsthalle Fridericianum, Friedrichsplatz 18 Rachel Rose –ı 12.1. 

Schloss Wilhelmshöhe, Schlosspark 1, *561 316 800 Der Leda-Code –ı 2.2. 

250 Jahre Antikensammlung Kassel –ı 31.12. 

Galerie Coucou, Elfbuchenstr. 20, *561 170 969 9897 Dauer –ı 24.1. 

Kiel Kunsthalle Kiel, Düsternbrooker Weg 1, *431 880 5756 Lotte Laserstein –ı 19.1. 

Streifzüge durch die Sammlung –ı 9.2. 

Kirchheim Galerie im Kornhaus, Max-Eyth-Str. 19, *7021 973 030 Andreas Schneider –ı 26.1. 

unter Teck 

Kochel am See Franz Marc Museum, Franz Marc Park 8–10, *8851 924 880 Der Blaue Reiter – Das Moment der –ı 16.2. 

Abstraktion 

Köln 

Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur, Im Boris Becker –ı 9.2. 

Mediapark 7 

Kolumba, Kolumbastraße 4 1919 49 69 ff. Aufbrüche –ı 17.8. 

Ulrich Tillmann –ı 17.8. 

Museum Ludwig Köln, Heinrich-Böll-Platz Hier und Jetzt –ı 19.1. 

Lucia Moholy. Fotogeschichte 

–ı 2.2. 

schreiben 

Wade Guyton –ı 1.3. 

Blinky Palermo 18.1.–3.5. 

Stille Ruinen 15.2.–14.6. 

–ı 12.1. 

Wallraf-Richartz-Museum u. Fondation Corboud, 

Obenmarspforten/Kölner Rathaus 

Amsterdam Machsor. Ein Schatz 

kehrt heim nach Köln 

Galerie Boisserée, Drususgasse 7 – 11 Accrochage –ı 11.1. 

Tom Hammick –ı 11.1. 

Patrick Hughes 22.1.–7.3. 

Galerie Gisela Capitain, St. Apern Strasse 26 Richard Smith 18.1.–29.2. 

Galerie Karsten Greve Köln, Drususgasse 1–5, 

Sally Mann 17.1.–14.3. 

*221 257 1012 

Galerie Koppelmann, Baudristr. 5 Manfred Bockelmann –ı 1.2. 

Heinz Holtmann, Anna-Schneider-Steig 13 Winter Special 2019 –ı 7.2. 

Thomas Rehbein Galerie, Aachener Strasse 5 Liu Guangyun –ı 11.1. 

Zero Fold, Albertusstraße 4, *221 271 8817 Stefan à Wengen –ı 11.1. 

Konstanz Städtische Wessenberg-Galerie, Wessenbergstrasse 43 August Deusser –ı 19.4. 

Kornwestheim Museum im Kleihues-Bau, Stuttgarter Strasse 93 Manfred Henninger –ı 15.3. 

Krefeld Kunstmuseen Krefeld, Joseph-Beuys-Platz 1, 

*2151 975 580 

Akt 3: Dystopie 

Architektur als lebendiger Körper 

–ı 26.1. 

–ı 26.1. 

Akt 1: Utopie –ı 26.1. 

Akt 2: Mobilität –ı 26.1. 

Folklore & Avantgarde –ı 23.2. 

Von Albers bis Zukunft –ı 24.4. 

Sharon Ya’ari 23.2.–23.8. 

Landshut Galerie Jahn, Pulverturmstr. 5, *871 276 48 16 Harding Meyer –ı 24.1. 

Leipzig G2 Kunsthalle, Dittrichring 13, *341 3557 3793 Jochen Plogsties, Claudia Wieser –ı 12.1. 

Museum der bildenden Künste Leipzig, Katharinenstr. 10 Michael Riedel –ı 16.2. 

Max Liebermann –ı 16.2. 

Max Slevogt 17.1.–19.4. 

Lovis Corinth 26.2.–1.6. 

Stadtgeschichtliches Museum, Altes Rathaus/Markt 1, 

*341 965 1320 

Clara Schumann zum 200. 

Geburtstag 

–ı 19.1. 


Potemka Contemporary Art, Aurelienstr. 41, *0172 346 0657 Christian Bussenius –ı 11.1. 

Leverkusen Museum Morsbroich, Gustav-Heinemann-Str. 80 Simon Schubert –ı 19.4. 

Liebes Ding 26.1.–26.4. 

Lindau Kunstmuseum am Inselbahnhof, Maximilianstr. 52, Stephan Huber –ı 2.2. 

*+49 8382 27 47 47 

Lingen Kunsthalle Lingen, Kaiserstrasse 10 a Wir von hier! 31.1.–1.3. 

Lörrach Drei Länder Museum, Baslerstr. 143, *7621 919 370 Paul Ibenthaler 17.1.–8.3. 

Inspiration 7: Stillleben 24.1.–22.3. 

Lübeck Kunsthalle St. Annen, St. Annen-Str. 15 KunstBetriebe3 –ı 12.1. 

Luckenwalde E-WERK Luckenwalde, Rudolf-Breitscheid-Straße 73, Lucy Joyce –ı 28.3. 

*33714061780 

Nicolas Deshayes –ı 28.3. 

Ludwigshafen Kunstverein Ludwigshafen, Bismarckstr. 44–48 Gestaltung der Zukunft –ı 19.1. 

Mainz Kunsthalle Mainz, Am Zollhafen 3–5 Uriel Orlow –ı23.2. 

Mannheim Kunsthalle Mannheim, Moltkestrasse 9 Inspiration Matisse –ı 19.1. 

Kunstverein Mannheim, Augustaanlage 58 Elfer Raus! –ı 12.1. 

Reiss-Engelhorn-Museen, Zeughaus C5 Javagold –ı 13.4. 

Marl Skulpturenmuseum Glaskasten, Creiler Platz 1 made in marl –ı 1.3. 

Memmingen MEWO Kunsthalle, Bahnhofstraße 1, *8331 850 770 Josef Madlener –ı 12.1. 

Alpen Mythos Natur –ı 26.1. 

Karavane – verschollene Collagen –ı 1.3. 

von Hannah Höch 

Mönchengladbach 

Städt. Museum am Abteiberg, Abteistrasse 27 Jutta Koether –ı 16.2. 

Mülheim Kunstmuseum Mülheim an der Ruhr, Schloßstr. 28–30 Das Kleine –ı19.1. 

an der Ruhr 

München Alte Pinakothek, Barer Straße 27, *89 2380 5216 Anthonis van Dyck –ı 2.2. 

Die Neue Sammlung – The International Design Museum, 

Türkenstraße 15, *89 2380 5253 

Thonet & Design 

Anders gesehen 

–ı 2.2. 

–ı 29.3. 

Ingo Maurer –ı 18.10. 

ERES-Stiftung, Römerstrasse 15 Zero Gravity –ı 1.2. 

Haus der Kunst München, Prinzregentenstrasse 1 Markus Lüpertz –ı 26.1. 

Innenleben. Interiorities –ı 29.3. 

Theaster Gates –ı 19.7. 

Jüdisches Museum München, St.-Jakobs-Platz 16, Sag Schibbolet! –ı 23.2. 

*89 2339 6096 

Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, Theatinerstrasse 8 Die Fäden der Moderne –ı 8.3. 

Lothringer_13_Halle, Lothringer Str. 13 Hayahisa Tomiyasu –ı 26.1. 

Münchner Stadtmuseum, St.-Jakobs-Platz 1 Gesichter der Stadt –ı 23.2. 

Vorbilder/Nachbilder 7.2.–14.6. 

Ready to go! Schuhe bewegen –ı 21.6. 

Museum Brandhorst, Theresienstr. 35a, *89 23805 2286 Forever Young –ı 30.4. 

Pinakothek der Moderne, Barer Strasse 40, *89 2866 9944 Ingo Maurer –ı 16.2. 

Feelings – Kunst und Emotion –ı 4.10. 

Sammlung Goetz, Oberföhringerstr. 103 

Tutto. Perspektiven italienischer –ı29.2. 

Kunst 

Elka Jordanow, Zieblandstr. 19 Susanne Rottenbacher –ı31.1. 

GALERIE BRITTA VON RETTBERG, Gabelsbergerstraße 51 Youjin Yi 17.1.–28.2. 

Gudrun Spielvogel, Maximilianstr. 45 Rot ist schön –ı22.2. 

Kunstfoyer d. Versicherungskammer Bayern, 

O. Winston Link. Retrospektive –ı26.1. 

Maximilianstrasse 53, *89 2160 2662 

Nicole Gnesa, Kolosseumstr. 6, *89 2020 7665 Dimitri Horta –ı 10.1. 

SMUDAJESCHECK GALERIE, Schwindstr. 3, *173 311 0309 Monika Huber 17.1.–22.2. 

Städt. Galerie Lenbachhaus/Kunstbau, 

Luisenstrasse 33/Königsplatz 

Senga Nengudi 

Alexej von Jawlensky, Marianne 

von Werefkin 

–ı 19.1. 

–ı 16.2. 


Münster Kunsthalle Münster, Hafenweg 28 Förderpreisausstellung der 

–ı 12.1. 

Freunde der Kunstakademie 

LWL-Museum für Kunst und Kultur, Domplatz 10 Esper Postma –ı 19.1. 

William Turner –ı 26.1. 

The Public Matters. Ausstellung –ı 15.11. 

und Forum 

Kunstakademie, Leonardo-Campus 2, *251 8361 330 Förderpreisausstellung –ı 12.1. 

R. Gährken, A. Molaei, L. Wächter, –ı 9.2. 

M. Wunderlich 

Westfälischer Kunstverein, Rothenburg 30 Jahresgaben 2019 –ı 19.1. 

Neuss Langen Foundation, Raketenstation Hombroich 1 Park Seo-bo, Minjung Kim –ı 29.3. 

Skulpturenhalle, Lindenweg/Ecke Berger Weg Thomas Schütte –ı 15.3. 

Stiftung Insel Hombroich, Minkel 2, *2182 887 4000 Dauerhafte Präsentation der Slg. –ı 31.12. 

Karl-Heinrich Müller 

Nürnberg Kunsthalle Nürnberg, Lorenzer Strasse 32 Hidden Beauty –ı 19.1. 

Kunsthaus Nürnberg, Königstr. 93 Get well soon –ı 16.2. 

Galerie Sima, Hochstrasse 33, *911 263 409 Horst Münch (Teil 2) –ı 18.1. 

Institut für moderne Kunst im Atelier- und Galeriehaus 

Defet, Gustav-Adolf-Str. 33 

Etel Adnan 

Lily Wittenburg 

–ı 19.1. 

9.2.–29.3. 

Kunstverein Nürnberg, Milchhof/Kressengartenstr. 2 Vittorio Brodmann –ı 9.2. 

Oldenburg Oldenburger Kunstverein, Damm 2a Grace Weaver –ı19.1. 

Heidi Specker 7.2.–19.4. 

Osnabrück Kunsthalle Osnabrück, Hasemauer 1, D-49074 Filip Markiewicz –ı 2.2. 

Pforzheim Kunstverein im Reuchlinhaus, Jahnstr. 42 S. Ackermann, E. Hüpeden, 

24.1.–29.3. 

H. Kröner, H. Pelz 

Schmuckmuseum, Jahnstrasse 42 

Die Welt neu geordnet – Schätze 

–ı 1.3. 

aus der Zeit Napoleons 

Potsdam Museum Barberini , Rudolf-Breitscheid-Straße 189, Van Gogh –ı 2.2. 

*331 9799 2185 

Villa Schöningen, Berliner Strasse 86 Norbert Bisky –ı 23.2. 

Radebeul Lügenmuseum, Kötzschenbrodaer Straße 39 Labytopia’89 – Underground and 

–ı 1.4. 

Revolution of German Democratic 

Republic 

Ravensburg Kunstmuseum Ravensburg, Burgstr. 9, *751 82 812 Nathalie Djurberg & Hans Berg –ı16.2. 

Reutlingen Kunstmuseum Reutlingen / Galerie, Eberhardstr. 14, 

*7121 303 2322 

Abs.: kunstort ELEVEN artspace –ı 19.1. 

–ı 19.4. 

Kunstmuseum Reutlingen / konkret, Eberhardstraße 14, 

*7121 303 2322 

An Ort und Stelle. Fotografie des 

Gegenwärtigen 

Kunstmuseum Reutlingen / Spendhaus, Spendhausstr. 4 Damien Deroubaix –ı 1.3. 

Moby Dick 24.1.–19.4. 

Riegel kunsthalle messmer, Grossherzog-Leopold-Platz 1 Marilyn Monroe –ı 23.2. 

Rottweil Forum Kunst, Friedrichsplatz 2 Arvid Boecker 19.1.–8.3. 

kunst raum rottweil, Kriegsdamm 4 bellafigura –ı 16.2. 

–ı 16.2. 

Saarbrücken Stadtgalerie Saarbrücken, St. Johanner-Markt 24, 

*681 905 1842 

Parastou Forouhar, Nadja Verena 

Marcin 

Schweinfurt Museum Georg Schäfer, Brückenstrasse 20 Ludwig Richter –ı19.1. 

Siegen Museum für Gegenwartskunst, Unteres Schloss 1, 

*271 405 7710 

Lena Henke 

Unsere Gegenwart 

–ı 26.1. 

14.2.–1.6. 

Sindelfingen Galerie Stadt Sindelfingen, Marktplatz 1 On the Quiet –ı 23.2. 

Joachim Kupke –ı 23.2. 

Marie Lienhard –ı 23.2. 

Singen Kunstmuseum Singen, Ekkehardstrasse 10, *7731 85 271 HTWL. Der Twiel im Blick –ı 9.2. 

Stade Kunsthaus Stade, Wasser West 7 Gratwanderung –ı 26.1. 

Stuttgart Kunstmuseum Stuttgart, Kleiner Schlossplatz 1 Vertigo –ı 19.4. 

Der Traum vom Museum 

1.2.–31.5. 

»schwäbischer« Kunst 

André Wischnewski –ı 6.9. 


München — Sam Taylor Johnson, 

Pinakothek der Moderne ©ProLitteris 

Stuttgart — Marina Apollonio, 

Kunstmuseum Stuttgart 

Wolfsburg — Robin Rhode, 

Kunstmuseum Wolfsburg 

Staatsgalerie Stuttgart, Konrad-Adenauer-Str. 30–32 Tiepolo –ı 2.2. 

La Serenissima –ı 2.2. 

Galerie Klaus Braun, Charlottenstraße 14, 5. OG, 

*711 640 5989 

works on paper 

Won Kun Jun – color by color 

–ı 23.1. 

31.1.–14.3. 

Galerie von Braunbehrens, Rotebühlstr. 87 Peter Anton, Jens Lorenzen –ı10.1. 

Anja Luithle, Stefanie Gerhardt 25.1.–6.3. 

Württembergischer Kunstverein Stuttgart, Schlossplatz 2 Sleeping with a Vengeance, 

–ı 12.1. 

Dreaming of a Life 

Tübingen Kunsthalle Tübingen, Philosophenweg 76 Max Pechstein –ı 15.3. 

Ulm kunsthalle weishaupt, Hans-und-Sophie-Scholl-Platz 1 Alexander Kluge – Die Macht der 

–ı 19.4. 

Musik 

Museum Ulm, Marktplatz 9 Tod im Tal des Löwenmenschen –ı 2.2. 

bleebtrack. code/kunst –ı 23.2. 

Sonja Ahlhäuser zu Gast im Café 

–ı 12.4. 

Kleinschmidt 

Alexander Kluge –ı 19.4. 

Reclaim Context –ı 1.3. 

Stadthaus Ulm, Münsterplatz 50, *731 161 7700 Heike Sauer –ı 22.3. 

Waiblingen Galerie Stihl Waiblingen, Weingärtner Vorstadt 12, Liebe, Traum und Tod 1.2.–26.4. 

*7151 5001 1686 

Waldenbuch Museum Ritter, Alfred-Ritter-Strasse 27 Szene Ungarn –ı 19.4. 

Daniel Hausig –ı 19.4. 

Weil am Rhein Vitra Design Museum, Charles-Eames-Strasse 1, 

*7621 702 3200 

Objekte der Begierde 

After the Wall. Design seit 1989 

–ı 19.1. 

–ı 23.2. 

Weilburg Rosenhang Museum, Ahäuser Weg 8–10, *6 4713 9081 Andy Warhol –ı 19.1. 

galerie 7, Mauerstrasse 7 Klaus Graubner –ı 31.3. 

Weimar Bauhaus-Museum, Stéphane-Hessel-Platz 1 Zenica Trilogie –ı 28.6. 

Wolfsburg Kunstmuseum Wolfsburg, Hollerplatz 1 Inside – Out –ı12.1. 

Robin Rhode 

–ı9.2. 

Ryoji Ikeda 

–ı29.3. 

Frankreich *0033 

Agen Musée des Beaux-Arts Agen, Place du Dr. Esquirol Goya –ı 10.2. 

Aix-en- Hôtel de Caumont – Centre d’Art, 3, rue Joseph Cabassol Hokusai, Hiroshige, Utamaro… –ı22.3. 

Provence 

Albi 

Centre d’art le LAIT, Moulins Albigeois/41 rue Porta, Alan Schmalz –ı 26.1. 

*5 6338 3591 

Altkirch CRAC Alsace, 18, rue du Château, *3 8908 8259 Le couteau sans lame et dépourvu –ı 12.1. 

de manche 

Amily Les Tanneries, centre d’art contemporain, 234 rue des Ponts Anne-Charlotte Yver 11.1.–8.3. 

Annemasse Villa du Parc, 12, rue de Genève, *4 5038 8461 On y marche avec l’oreille 

–ı 18.1. 

(L’appel du terrain) 

Chloé Delarue 8.2.–9.5. 

AGENDA // DEUTSCHLAND / FRANKREICH 143

Avignon Collection Lambert, 5, rue Violette De Leur Temps 6 –ı 15.3. 

Besançon FRAC Franche-Comté, Cité des arts/Passage des arts 2 Syncopes et Extases, Vertiges du –ı 12.1. 

temps 

Bignan Domaine de Kerguéhennec Pépinière 2019 –ı 1.3. 

Bourges Transpalette/L’antre-Peaux, 26, route de la Chapelle, G. Esparza, Q. Rosa, A. Brown u.a. –ı18.1. 

*2 4850 3861 

Calais 

Musée des Beaux-Arts Calais, 25 rue Richelieu, 

Pendant que les champs brûlent… 9.2.–10.5. 

*3 2146 4840 

Chambéry L’Antichambre, 15, rue de Boigne, *6 2200 6994 Christian Arnal, Sophie Duflos –ı 24.1. 

Dijon Le Consortium, 37, rue de Longvic Jean-Marie Appriou, Farah Atassi, –ı 1.3. 

Nick Relph 

New York: The Eighties (Part Two) –ı 31.5. 

Collection: New York: The Eighties –ı 31.5. 

(Part Two) 

Douchy-les- Centre Régional de la Photographie Nord pas-de-Calais, Isabelle Le Minh –ı 1.3. 

Mines 

Place des Nations, *2731 3193 

Erstein Musée Würth Erstein, rue Georges Besse José de Guimaraes –ı15.3. 

Grenoble Magasin, 155, cours Berriat Minia Biabiany 31.1.–7.6. 

Ivry-sur-Seine Galerie Fernand Léger, Avenue Georges Gosnat 93 Le territoire à l’œuvre #2 –ı 22.2. 

Landernau Fonds Hélène & Edouard Leclerc Vladimir Velickovic –ı 26.4. 

Lens Musée du Louvre-Lens, 99 rue Paul Bert, *3 2118 6262 1840 – 1918 Painting the Soul of 

–ı 20.1. 

a Nation 

Kasimir Zgorecki –ı 25.1. 

Lyon Musée des Beaux-Arts Lyon, 20, Place des Terreaux Degas, Christo, Michel-Ange, 

–ı8.3. 

Rodin, Man Ray, Dürer u.a. 

Marseille Centre de la Vieille Charité, 2, rue de la Vielle Charité, Par hasard –ı 24.2. 

*4 9156 2838 

La friche la Belle de Mai, 41 Rue Jobin Olivier Millagou –ı 23.2. 

Par hasard –ı 24.2. 

Metz 

Montluçon 

Mouans- 

Sartoux 

Musée des civilisations de l’Europe et de la Mediterranée, 

Espace Georges Henri Rivière, *4 9613 8090 

Centre Pompidou Metz, 1, parvis des Droits de l’Homme CS 

90490, *3 8715 3939 

Faux Mouvement, centre d’art contemporain, 4, rue du 

Change (place St. Louis) 

FRAC Auvergne Montluçon, Rue des Faucheroux, 

*4 7331 8500 

Espace de l’Art Concret, Château de Mouans, *4 9375 7150 

Giono 

Kharmohra – L’Afghanistan au 

risque de l’art 

–ı 17.2. 

–ı 1.3. 

Voyage voyages 22.1.–4.5. 

Opéra Monde 

–ı 27.1. 

Rebecca Horn 

–ı 31.1. 

Des mondes construits –ı 23.8. 

Albedo –ı 2.2. 

Agnès Geoffray 1.2.–26.4. 

Gérard Tranquandi 

Francisco Sobrino 

–ı5.4. 

–ı 31.5. 

Mulhouse La Kunsthalle, 16, rue de la Fonderie, *369 776 647 Algotaylorism 13.2.–26.4. 

Nice 

Musée d’Art moderne et d’Art contemporain Nice, 

Promenade des Arts 

Lars Fredrikson 

Charlotte Pringuey-Cessac 

–ı 22.3. 

–ı 17.5. 

Villa Arson, 20, av. Stephen Liégeard, *4 9207 7373 La Goutte creuse la pierre Daniel 

–ı 12.1. 

Rycharski 

Nîmes Musée d’Art Contemporain Nîmes, 16, Place de la Maison 

Carrée 

Peter Friedli –ı 1.3. 

Nogent-sur- 

Marne 

Maison d’Art Bernard Anthonioz, Rue Charles VII 16, 

*1 48 71 90 07 

Lise Déramond-Follin 16.1.–29.3. 

Noisiel La Ferme du Buisson, Allée de la Ferme Marie Preston –ı1.3. 

Paris Centre Culturel Suisse, 32+38, rue Francs-Bourgeois Mélodie Mousset –ı 2.2. 

Senam Okudzeto –ı 16.2. 

Thérapie nationale, Peter Johansson –ı 1.3. 

Centre Pompidou, Place Georges Pompidou Bacon en toutes lettres –ı 20.1. 

Calais – témoigner de la jungle –ı 24.2. 


Boltanski –ı 16.3. 

Jeremy Shaw 26.2.–20.4. 

Cité de la musique, 221, av. Jean-Jaurès, *1 4484 4484 Pierre & Gilles –ı 23.2. 

Drawing Lab Paris, 17 rue de Richelieu Lucie Picandet 31.1.–21.2. 

fabre., Rue Fabre d’Eglantine 20 Jean-Pascal Flavien –ı 1.2. 

Fondation d’entreprise Ricard, 12, rue Boissy d’Anglas Etudes sur l’empathie –ı25.10. 

Fondation Louis Vuitton, 8, av. du Mahatma Gandhi Charlotte Perriand –ı 24.2. 

GIACOMETTI FOUNDATION, 3 bis cour de Rohan 

Cruel objects of desire. Giacometti, –ı 9.2. 

Sade 

Halle Saint-Pierre, 2, rue Ronsard, *1 4258 7289 Roger Ballen –ı 31.7. 

Jeu de Paume, 1, Place de la Concorde 

Peter Husar, Zineb Sedira, Daisuke –ı 19.1. 

Kosugi 

Le Plateau Paris, Angle r. des alouettes et r. carducci Ben Russell 23.1.–5.4. 

Maison de l’Amérique latine, 217, bd Saint-Germain Miguel Rothschild –ı10.1. 

Maison Européenne de la Photographie, 5/7 Rue de Fourcy, 

*1 4478 7522 

Ursula Schulz-Dornburg, Tommaso 

Protti 

–ı 16.2. 

Musée du Louvre, 34–36, quai du Louvre Leonardo da Vinci –ı 24.2. 

Musée du Petit Palais Paris, 1, av. Dutuit Yan Pei-Ming, Courbet –ı 19.1. 

Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 11 avenue du 

Président Wilson 

Musée Maillol/Fondation Dina Vierny, 61, rue de Grenelle, 

*1 4222 5958 

You 

Hans Hartung 

–ı 16.2. 

–ı 1.3. 

Du douanier Rousseau à Séraphine –ı 19.1. 

Musée Rodin, 77, rue de Varenne, *1 4418 6110 Barbara Hepworth –ı 22.3. 

Musée Zadkine Paris, 100, rue d’ Assas Le rêveur de la forêt –ı 23.2. 

Palais de Tokyo, 13, av. du Président Wilson Ulla von Brandenburg 21.2.–17.5. 

Petit Palais, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Yan Pei-Ming / Courbet –ı 19.1. 

Avenue Winston Churchill 

Almine Rech, 127, rue du Chevaleret Thu Van Tran –ı 11.1. 

Bétonsalon, 9, esplanade Pierre Vidal-Naquet, 

Ève Chabanon 29.1.–25.4. 

*1 4584 1756 

Galerie Karsten Greve Paris, Rue Debelleyme 5 Roger Ballen –ı 11.1. 

Gotthard Graubner –ı 11.1. 

Polka Galerie, 12, rue Saint Gilles Manfred Thierry Mugler –ı 11.1. 

Poitiers Le Confort Moderne, 185, fbg du pont-neuf, *5 4946 0808 Traversées – Kimsooja, Taylor 

–ı 19.1. 

Dupree, Stephen Vitiello 

Reims FRAC Champagne-Ardenne, 1, Place Museux Evelyn Taocheng Wang –ı 23.2. 

Rennes Frac Bretagne Rennes, 19 avenue André Mussat CS 81123, Sans réserve –ı 26.4. 

*2 9937 3793 

La Criée, centre d’art contemporain, pl. Honoré Commeurec Éléonore Saintagnan –ı 23.2. 

Rodez Musée Soulages Rodez, Jardin du Foirail, avenue Victor Hugo Femmes années 50 –ı 10.5. 

Rouen Musée des beaux-arts Rouen, Square Verdrel Arts & Cinéma –ı10.2. 

So british! (collection Pinault) –ı 11.5. 

Saint-Fons Le Centre d’Arts Plastiques Espace Léon Blum, Rue de la Appostie sustainability –ı 1.2. 

Rochette, *092 027 

Saint-Ouenl’Aumône 

L’Abbaye de Maubuisson, rue Richard de Tour, *1 3464 3610 Pro Liturgia –ı 29.3. 

Sélestat FRAC Alsace, 1, espace G. Estève, *3 8858 8755 Arno Gisinger –ı 19.1. 

Sérignan Musée Régional d’Art Contemporain, 146, av. de la Plage, Abdelkader Benchamma –ı 19.4. 

*67 323 305 

Sète CRAC OCCITANIE, 26, quai Aspirant Herber, *4 6774 9437 Eric Baudelaire –ı 2.2. 

Sèvres Musée de Céramique, Place de la Manufacture La Beauté du geste –ı 31.8. 

St-Etienne Musée d’Art Moderne St-Etienne, La Terrasse Alexandre Leger –ı 17.5. 

↗ www.artlog.net/kunstbulletin 

AGENDA // FRANKREICH 145

Strasbourg Musée de l’Oeuvre Notre-Dame, 3, Place du Château, Hans Baldung Grien –ı 8.3. 

*3 8852 5000 

Thiers Le Creux de l’Enfer, Vallée des Usines, *4 7380 2656 Alexis Guillier –ı 2.2. 

Toulouse Les Abattoirs, 76, Allées Ch.-de-Fitte Peter Saul –ı 26.1. 

Laure Prouvost 24.1.–31.1. 

Tours 

CCC OD – Centre de création contemporaine, Jardin Fabien Verschaere 

–ı3.5. 

François 1er 

Villeneuve LaM, 1, Allée du Musée, *3 2019 6870 William Kentridge 5.2.–5.7. 

d’Ascq 

Vitry-sur-Seine MAC/VAL Musée d’art contemporain, Place de la Libération Nil Yalter –ı 9.2. 

Italien *0039 

Bergamo GAMeC, Via San Tomaso, 53, *35 270 272 Francesco Gennari –ı 26.1. 

Biella Fondazione Pistoletto, Via Serralunga 27, *15 28 400 Arte al Centro 2019 –ı 31.3. 

Bologna Museo d’Arte Moderna, Via Don Minzoni 14, BO La Galleria de’ Foscherari 

–ı 1.3. 

1962–2018 

Palazzo Bentivoglio, C Via del Borgo di San Pietro 1, BO Sissi 21.1.–19.4. 

Palazzo De’ Toschi, piazza Minghetti 4/D Le realtà ordinarie 21.1.–23.2. 

Palazzo Albergati, via Saragozza, 28, *51 030 1015 Chagal –ı 1.3. 

Bolzano ar/ge kunst Galerie Museum, Museumsstrasse 29 Hostile Environment –ı8.2. 

Fondazione Antonio Dalle Nogare, Rafensteiner Weg 19, BZ, Peter Wächtler 

–ı9.5. 

*0471 971 626 

Museion, Dantestr. 6 Marguerite Humeau –ı26.1. 

ANS – Archivio di Nuova Scrittura 

–ı7.6. 

Caltrano Fondazione Coppola, Via Palladio 129, VI H. Levy, H. Mirza, Ch. Ma. Zanon u.a. –ı 31.3. 

Capena Art Forum Würth, 2, Via della Buona Fortuna, *690 103 800 Art Faces. Ritratti d’artista nella –ı 14.3. 

Collezione Würth 

Catania Fondazione Brodbeck, via gramignani 93, *95 723 3111 Ryan Mendoza –ı 1.3. 

Catanzaro Casa della Memoria Mimmo Rotella, Vico delle Onde, 7, CZ Mimmo Rotella e la Storia dell’Arte –ı 30.8. 

Marca, Via Alessandro Residenze d’artista – I edizione –ı 31.1. 

Ferrara PAC – Padiglione d’Arte Contemporanea, Palazzo Massari, Arte contemporanea australiana –ı16.2. 

*532 244 949 

Palazzo dei Diamanti, Piazza del Municipio 2 Giuseppe De Nittis –ı13.4. 

Firenze 

–ı 16.1. 

Museo del Novecento Firenze, Piazza di Santa Maria 

Novella 10, FI 

Bice Lazzari, Mirko Basaldella, Rä 

Di Martino 

Lino Mannocci –ı 16.1. 

Rebecca Moccia –ı 16.1. 

Survival strategies –ı 16.1. 

Duel – Wang Yuyang – Lucciole per –ı 16.1. 

lanterne 

Florenz Palazzo Pitti, Piazza Pitti, *55 287 096 Neo Rauch –ı 12.1. 

Palazzo Strozzi, Piazza Strozzi 1, *55 282 635 Natalia Goncharova –ı 12.1. 

Tomás Saraceno 22.2.–19.7. 

Gallarate MAGA Museo Arte di Gallarate, Via De Magri 1, *33 170 6011 Luca Missoni –ı 19.1. 

Arcangelo –ı 19.1. 

Genova Palazzo Ducale Genova, Piazza Matteotti 5, GE, *10 562 440 Ivos Pacetti –ı 19.1. 

Da Tiziano a Rubens –ı 1.3. 

Anni Venti in Italia –ı 1.3. 

Banksy –ı 29.3. 

Villa Croce, Via Jacopo Ruffini 3 Mauro Ghiglione –ı 16.2. 

La Spezia 

Centro di Arte Moderna e Contemporanea, Piazza Cesare 

Battisti 1, SP, *187 734 593 

Michelangelo Penso 

Aria. 2009–2019 dieci anni di 

Factory 

Oversize. Grandi capolavori dalle 

collezioni del CAMeC 

Matera Cava Paradiso, Contrada La Palomb, MT Abitare gli archivi: Vita, 

movimento, raccolto 

–ı19.1. 

–ı19.1. 

–ı 20.9. 

–ı 20.1. 


Museo della Scultura Contemporanea, Via San Giacomo, Jasmine Pignatelli –ı 12.1. 

*835 33 0582 

Merano Merano Arte, Laubengasse 163 Design from the alps –ı 12.1. 

Milano Fondazione FORMA per la Fotografia, Piazza Tito Lucrezio Vivian Maier –ı 19.1. 

Caro 1, *2 8907 5420 

Fondazione Prada, Largo Isarco 2, *025 3570 9200 

Il Sarcofago di Spitzmaus e altri 

–ı 13.1. 

tesori 

Fondazione Prada Osservatorio, 

Kate Crawford –ı 24.2. 

Galleria Vittorio Emanuele II, MI 

Trevor Paglen –ı 24.2. 

Istituto Svizzero Milano, Via Vecchio Politecnico 3, MI The Most Beautiful Swiss Books –ı 11.1. 

MUDEC, Via Tortona 56, MI Impressioni d’Oriente –ı 2.2. 

Museo del Novecento Milano, Palazzo dell’Arengario, MI, 

*2 8844 4061 

Ettore Favini, Eugenio Tibaldi –ı 12.1. 

Palazzo Reale Milano, Piazza del Duomo 12, MI, 

*2 3646 1394 

De Chirico 

Emilio Vedova 

Guggenheim. La collezione 

Thannhauser 

–ı 19.1. 

–ı 9.2. 

–ı 9.2. 

Pirelli HangarBicocca, Via Chiese 2, *2 6611 1573 Daniel Steegmann Mangrané –ı 19.1. 

Cerith Wyn Evans –ı 23.2. 

Trisha Baga 20.2.–19.7. 

Prometeogallery, Via G. Ventura 6, *+39 02 8253 8236 Dim Sampaio –ı 10.1. 

Spazio Leonardo, Via della Liberazione 16, MI Stefano Serretta –ı 24.1. 

A Arte Studio Invernizzi, Via Domenico Scarlatti 12 Dadamaino –ı 5.2. 

BUILDING, Via Monte di Pietà 23, MI Vincenzo Agnetti –ı 18.1. 

Galleria Fumagalli Milano, Via Bonaventura Cavalieri 6, MI, Stefano Scheda 17.1.–18.4. 

*2 3679 9285 

Gallerie d’Italia, Piazza della Scala, 6 Canova / Thorvaldsen –ı 15.3. 

Giò Marconi, Via Tadino 15 Franz Ackermann –ı 11.1. 

Luca Tommasi Arte Contemporanea, Via Tadino, 15 Chiara Dynys –ı 11.1. 

Monica De Cardenas, Via F. Viganò 4, MI Stephan Balkenhol –ı 21.2. 

Alex Katz –ı 11.4. 

Modena Palazzo Santa Margherita, corso Canalgrande 103 Yael Bartana –ı13.4. 

Napoli Museo d’Arte Contemporanea Donna Regina, Via Luigi Yeesookyung –ı 13.1. 

Settembrini, 79, NA 

Galleria Trisorio, Riviera di Chiaia 215, *81 414 306 Bill Beckley –ı 31.1. 

PAN Palazzo delle Arti Napoli, Via dei Mille 60, 

Miró –ı 23.2. 

*081 795 8604 

Nuoro Museo d’Arte Nuoro, Via Satta 15, NU, *784 252 110 Anna Marongiu –ı 1.3. 

Padua Palazzo Zabarella, Via San Francesco 27, *49 875 6063 The Mellon Collection –ı 1.3. 

Palermo Palazzo Riso, Corso Vittorio Emanuele, 365 Il mare non ha paese nemmeno lui... –ı 31.12. 

Parma Museo dello CSAC, Strada Viazza di Paradigna 1 Gio Ponti –ı13.4. 

Prato Centro Arte Luigi Pecci, Viale della Repubblica 277 Mario Rizzi –ı 15.3. 

Luca Vittone –ı 15.3. 

Luca Vittone –ı 15.3. 

The Missing Planet –ı 3.5. 

Ravenna Museo d’Arte della citta, Ravenna, Via di Roma 13, 

Niki de Saint Phalle, Chuck Close –ı 12.1. 

*544 482 775 

Reggio Emilia Collezione Maramotti, Via Fratelli Cervi 66 Helen Cammock, Mona Osman –ı 16.2. 

Rehang –ı 31.12. 

Rivoli Castello di Rivoli, Piazza del Castello CRRI / The Dena Archives –ı 23.2. 

Claudia Comte –ı 23.2. 

Rom Casa di Goethe, Via del Corso 18, *650 412 Sguardi sull’Italia 1780–1850 –ı9.2. 

Chiostro del Bramante, Via della Pace, *6880 9035 Bacon, Freud e la Scuola di Londra –ı23.2. 

Galleria Nazionale d’Arte Moderna, 

Robert Morris 

–ı26.1. 

Viale delle Belle Arti 131, RM 

Istituto Svizzero di Roma, Via Ludovisi 48, RM, *420 421 Retour à Rome –ı19.1. 

AGENDA // FRANKREICH / ITALIEN 147

Rovereto 

MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, 

Via Guido Reni 2, *96 7350 

Maria Lai 

Enzo Cucchi 

Alighiero Boetti 

At home 

–ı12.1. 

–ı26.1. 

–ı22.3. 

–ı22.3. 

Musei Capitolini, Piazza del Campidoglio Luca Signorelli e Roma –ı12.1. 

Nomas Foundation, Viale Somalia 33, *8639 8381 Julien Bismuth –ı28.2. 

Palazzo Merulana, Via Merulana 121, RM Jan Fabre –ı9.2. 

Villa Medici, Viale Trinita dei Monti 1, *67 611 Della materia spirituale dell’arte –ı8.3. 

MART Museo d’Arte Moderna e Contemporanea, Corso 

Bettini 43 

Ars Nipponica 

Richard Artschwager 

–ı 12.1. 

–ı 19.1. 

Isadora Duncan –ı 1.3. 

Rovigo Palazzo Roverella, Via Laurenti 8, *425 46 0093 Giapponismo –ı 26.1. 

Torino Fondazione Merz, Via Limone 24, *11 1971 9437 Emilio Prini –ı 9.2. 

Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Via Modane 16 Berlinde De Bruyckere –ı 15.3. 

Galleria d’Arte Moderna e Contemp., Via Magenta 31, TO Gino De Dominicis –ı 8.3. 

Museo Ettore Fico, Via Francesco Cigna 114, *11 853 065 Opere dalla collezione di Ernesto –ı 26.1. 

Esposito 

OGR – Officine Grandi Riparazioni, Corso Castelfidardo 22, TO Monica Bonvicini –ı 9.2. 

PAV – Parco Arte Vivente, Via Giordano Bruno 31, 

Navjot Altaf –ı 16.2. 

*11 318 2235 

Reggia di Venaria Reale, Piazza della Repubblica 4 Art Nouveau –ı 26.1. 

Quartz Studio , via Giulia di Barolo 18/D, *11 429 0085 The Annotated Reader –ı 11.1. 

Trento Fondazione Galleria Civica, Via Belenzani 46 Gianni Pellegrini –ı 26.1. 

Treviso Museo di Santa Caterina, Piazzetta M. Botter, 1 Capolavori dal Kunsthistorisches –ı31.5. 

Museum di Vienna 

Venezia La Casa dei Tre Oci, Fondamenta delle Zitelle, 43, Isola Ferdinando Sciana –ı 2.2. 

della Giudecca, VE 

Peggy Guggenheim Collection, 701 Dorsoduro 

Peggy Guggenheim. L’ultima 

–ı 27.1. 

Dogaressa 

Ca’Pesaro, Santa Croce 2076, *41 72 1127 Senza Respiro / Breathless –ı 1.3. 

Palazzo Ducale Venezia, San Marco 1, VE Da Tiziano a Rubens –ı 1.3. 

Liechtenstein, *0423 

Vaduz 

Luxemburg, *0352 

Kunstmuseum Liechtenstein mit Hilti Art Foundation, 

Städtle 32 

Liechtenstein. Von der Zukunft der 

Vergangenheit 

Aus der Sammlung: Was ist 

Gegenwart? Das Zerfliessen der 

Zukunft in die Vergangenheit 

Aus der Sammlung: Informelle 

Malerei. Die Freiheit des Einzelnen 

–ı 26.1. 

–ı 23.2. 

–ı 23.2. 

Steven Parrino 21.2.–17.5. 

Epidermis – Conditio humana – Kosmos –ı11.10. 

Kunstraum Engländerbau, Städtle 37, *236 6077 Hannes Ludescher 14.1.–8.3. 

visarte (liechtenstein) e.v., Schwefelstr. 14, *231 16 15 inform – zeitgenössische Narrative 

aus Liechtenstein 

–ı 19.2. 

Luxembourg 

Niederlande *0031 

Mudam/Musée d’Art Moderne Luxembourg, 3, Park Dräi 

Eechelen, *4537 851 

David Wojnarowicz 

Le monde en mouvement 

–ı 9.2. 

–ı 1.5. 

’s-Hertogenbosch 

Noordbrabants Museum, Verwersstraat 41, *73 687 7877 

Van Goghs innerer Zirkel. Freunde, 

Familie, Modelle 

Amsterdam De Nieuwe Kerk, Dam te Amsterdam, *20 638 6909 The Great Suriname –ı 2.2. 

Hermitage, Nieuwe Herengracht 14, *20 530 8751 Jewels! –ı 15.3. 

Rijksmuseum, Museumstraat 1 Rembrandt-Velázquez –ı 19.1. 

Stedelijk Museum, Museumplein Hybrid Sculpture –ı 12.1. 

–ı 12.1. 


Colorful Japan –ı 2.2. 

Chagall, Picasso, Mondrian and 

–ı 2.2. 

others: Migrant Art in Paris 

Prix de Rome –ı 22.3. 

Tilburg De Pont, Wilhelminapark 1, *13 543 8300 Tacita Dean –ı 2.2. 

Österreich *0043 

Baden/W Arnulf Rainer Museum, Josefsplatz 5, *2252 2091 9611 Revue –ı 26.4. 

Bregenz Vorarlberg Museum, Kornmarkt 1 Alfred Seiland –ı 16.2. 

Reinhold Luger 

–ı13.4. 

Berufsvereinigung bildender Künstlerinnen und Künstler 

Vorarlbergs, Gallusstr. 10 

Christian Helbock 

Jeanette Müller, Paul Divjak 

18.1.–1.3. 

18.1.–1.3. 

Neue Mitglieder 18.1.–1.3. 

Dornbirn FLATZ Museum, Marktstrasse 33, *5572 306 4839 Spencer Tunick –ı 1.2. 

Kunstraum Dornbirn, Jahngasse 9 Bruno Gironcoli –ı 2.2. 

Graz Kunsthaus Graz, Lendkai 1, *316 8017 9200 Kunst – Handwerk –ı 16.2. 

Künstlerhaus KM, Burgring 2, *316 740 084 Kamilla Bischof –ı 16.1. 

Neue Galerie Graz, Joanneumsviertel 2, *316 8017 9100 Kunstraum Steiermark 2019 –ı 12.1. 

Alfred Klinkan –ı 12.1. 

Alexander Brener, Barbara Schurz –ı 19.1. 

Ausstellung zum Förderungspreis –ı10.3. 

des Landes Steiermark 2019 

Hohenems Jüdisches Museum Hohenems, Schweizer Strasse 5 Ende der Zeitzeugenschaft? –ı 13.4. 

Innsbruck INN SITU, Gilmstraße 1 Melanie Manchot –ı 25.1. 

Kunstpavillon Innsbruck, Rennweg 8a Matthias Bernhard, Turi Werkner –ı 1.2. 

Neue Galerie Innsbruck, Rennweg 1, *512 578 154 Wally Salner –ı 8.2. 

TAXISPALAIS Kunsthalle Tirol, Maria-Theresien-Str. 45, Lachen –ı 15.3. 

*512 508 3178 

Krems Kunsthalle Krems, Franz-Zeller-Platz 3 Teresa Margolles –ı23.2. 

Adrian Paci 

–ı23.2. 

Linz Lentos Kunstmuseum, Ernst-Koref-Promenade 1 Wolfgang Gurlitt. Zauberprinz –ı 19.1. 

Pawel Althamer, Jakob Lena Knebl 7.2.–17.5. 

Nordico, Dametzstr. 23 Egon Hofmann-Linz 24.1.–26.4. 

galerie wuensch aircube, Volksfeststrasse 36, 

*69988796723 

Josef Bauer 

Norbert Frensch 

Salzburg Foyer Amtsgebäude, Michael-Pacher-Str. 36 Architektur in Salzburg (vom 

Barock bis Gegenwart) 

–ı 29.2. 

–ı 31.3. 

–ı 31.1. 

Galerie Fotohof, Inge-Morath-Platz 1–3, *662 849 2964 Hannah Modigh –ı 26.1. 

Heidi Harsieber –ı 4.4. 

Museum der Moderne Salzburg, Mönchsberg 32 Bodies-Cities –ı 8.3. 

Die Spitze des Eisbergs –ı 13.4. 

Something else –ı 26.4. 

Walter Martin, Paloma Muñoz –ı 26.4. 

Schwaz-Tirol Galerie der Stadt Schwaz, Franz-Josef-Str. 27 Till Megerle –ı 15.2. 

Thalheim b/Wels Museum Angerlehner, Ascheter Str. 54, *7242 224 4220 Hannes Mlenek –ı 26.1. 

René Schoemakers –ı 26.1. 

Wien Architekturzentrum Wien, Museumsplatz 1 Kalter Krieg und Architektur –ı24.2. 

Belvedere 21, Schweizergarten/Arsenalstr. 1, *1 795 570 Henrike Naumann –ı12.1. 

das weisse haus, Hegelgass 14, *1 236 3775 Yoshinori Niwa 29.1.–4.4. 

Museum of Capitalism 29.1.–4.4. 

Jüdisches Museum Wien, Dorotheergasse 11 Die Ephrussis. Eine Zeitreise –ı8.3. 

Kunst Haus Wien, Untere Weissgerberstr. 13 Martin Roth –ı12.1. 

Street.Life.Photography 

–ı16.2. 

Kunsthalle Wien Museumsquartier, Museumsplatz 1 Nina Vobruba, Malte Zander –ı26.1. 

Time Is Thirsty –ı 26.1. 

MAK – Museum für Angewandte Kunst, Stubenring 5 Ichiyusai Kuniyoshi –ı16.2. 

Otto Prutscher 

–ı17.5. 

AGENDA // ITALIEN / LIECHTENSTEIN / LUXEMBURG / NIEDERLANDE / ÖSTERREICH 149

Schweden *0046 

mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, 

Museumsplatz 1 

Heimrad Bäcker 

Alfred Schmeller 

Anita Leisz 

Objects Recognized in Flashes 

–ı16.2. 

–ı 16.2. 

–ı23.2. 

–ı13.4. 

Wien Museum MUSA, Felderstraße 6–8 Das Rote Wien –ı19.1. 

Wiener Secession, Friedrichstrasse 12 Tala Madani, Ron Nagle, Lisa Holzer –ı9.2. 

Galerie Knoll, Gumpendorferstr. 18 AES+F –ı31.1. 

Krinzinger Projekte, Schottenfeldgasse 45, *1 512 8142 Vladimir Houdek, Rosmarie Lukasser –ı8.2. 

Malmö Konsthall Malmö, St. Johannesg. 7 Ragna Bley, Inger Ekdahl 1.2.–13.4. 

Spanien *0034 

Badajoz Meiac Em perspectiva –ı30.6. 

Barcelona ACVIC, Sant Francesc, 1, *93 885 3704 Arte y propaganda por el hecho –ı 11.1. 

Caixa Forum Barcelona, Avenida del Marqués de Domillas 

6–8, Barcelona 

En caída libre 

Cámara y ciudad 

–ı 9.2. 

–ı 8.3. 

Centre d’Art Santa Mónica, Rambla de Santa Mónica 7 Isaki Lacuesta –ı 12.1. 

Vicenç Altaió –ı 12.1. 

Lluís Llach –ı 26.4. 

Centro de Cultura Contemporánea, Montalegre 5, Barcelona Gameplay –ı 3.5. 

Fondación Suñol, Passeig de Gràcia 98, *9349 6103 En tres actes 16.1.–25.4. 

Fundació Antoni Tàpies, Aragó 255, Barcelona Ariella Aïsha Azoulay –ı12.1. 

Antoni Tàpies. Teatre –ı 19.4. 

Fundaçio Joan Miro, Parc de Montjuic, *93 443 9470 Cunningham, Cage & Tudor –ı 26.1. 

Art sonor? –ı 23.2. 

Museu d’Art Contemporani, Plaça dels Angels, 1, Barcelona Charlotte Posenenske –ı 8.3. 

Takis –ı 19.4. 

Museu Nacional d’Art de Catalunya, Parc de Montjuïc Oriol Maspons –ı 12.1. 

Nuar léspai: Aurèlia Muñoz –ı 30.4. 

Museu Picasso Barcelona, Montcada 15–19, Barcelona, 

*93 319 6902 

Eluard y Picasso 

Picasso poeta 

–ı 23.2. 

–ı 23.2. 

Palau de la Virreina, La Rambla 99, *93 316 1000 Daniela Ortiz –ı 9.2. 

Gabinete Voula Papaioannou –ı 16.2. 

Sala Fundación Mapfre Casa Garriga Nogués, Diputació Carlos Pérez Siquier 14.2.–17.5. 

250, Barcelona, *932 723 180 

Adn galería, Enric Granados, 49 Carlos Aires: Nothing New –ı 29.2. 

Galeria Àngels Barcelona, Carrer del Pintor Fortuny, 27 Itziar Barrio –ı 10.1. 

Joan Prats, Rambla de Catalunya 54 Chema Madoz 16.1.–28.3. 

La Capella, Hospital 56, *9 3442 7171 Turba turbo –ı 16.2. 

Estuari –ı 16.2. 

Bilbao Guggenheim Museum, Abandoibarra Etorbidea 2 Thomas Struth –ı 19.1. 

Soto –ı 9.2. 

Obras maestras de la Kunsthalle –ı 16.2. 

Bremen 

Jesse Jones –ı 1.3. 

Museo de Bellas Artes, Plaza del Museo 2, *94 439 6060 Isabel Baquedano –ı 26.1. 

Sala Rekalde, Alameda Rekalde 30 Ignacio Goitia –ı 26.1. 

Burgos Centro de Arte Caja de Burgos, Saldaña s/n. Drawing Positions –ı26.1. 

Segundo Escolar, Yoshiyuki Miura –ı26.1. 

Karin Bos 7.2.–24.5. 

Serzo 7.2.–24.5. 

Maite Santamaría 7.2.–24.5. 

Castellón Espai d’Art Contemporani , Carrer Prim s/n Insistir en el mateix –ı 16.2. 

Cuenca Fundación Antonio Pérez, Calle de Julián Romero 20 Poéticas del ser y estar –ı 12.1. 

Museo de Arte Abstracto, Casas Colgadas Picasso grabados –ı 2.2. 

Descubrimientos Millares 16.1.–17.5. 


Gijón 

LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, 

Los Prados, 121, *985 185 577 

Girona Bolit Centre d’Art Contemporani, Pujada de la Mercè, 12, 

*97 222 3305 

Skeens 

D3us Ex M4ch1na 

–ı 8.2. 

–ı 16.5. 

Nuria Güell –ı 9.2. 

CaixaForum Girona, C/ dels Ciutadans 19, *97 220 9836 Construyendo nuevos mundos –ı 23.2. 

Granada Centro José Guerrero, Oficios, 8 Guerrero/Vicente –ı 12.1. 

Solovki 23.1.–22.3. 

Huesca Centro de Arte y Naturaleza, C/ Doctor Artero, s/n Tierra –ı 12.1. 

Ibiza Museo de Arte Contemporáneo, Apartado 251, *971 302 723 De Prada Poole –ı 12.1. 

Las Palmas de 

G.C. 

León 

Madrid 

Centro Atlántico de Arte Moderno, Balcones 9–13 

Museo de Arte Contemporáneo, Avenida de los Reyes 

Leoneses 24 

Caixa Forum Madrid, Paseo del Prado, 36, 60, Madrid, 

*91 330 7300 

Jack Beng-Thi, Esther Ferrer 

No news, good news 

De Prada Poole 

Monocromo género neutro 

–ı 26.1. 

–ı 26.1. 

–ı 12.1. 

–ı 12.1. 

(D)escribir el mundo –ı 12.1. 

Javier Pérez Iglesias –ı 19.1. 

Cinco itinerarios con un punto de vista 25.1.–7.6. 

La pintura. 

–ı 1.3. 

Un reto permanente 

CentroCentro, Plaza de Cibeles 1 Tramas –ı 12.1. 

Oído infinito –ı 12.1. 

Mercedes Azpilicueta: bestiario de –ı 19.1. 

lengüitas 

Thai Shani & Florence Peake –ı 2.2. 

Stop vuelvo pronto stop –ı 12.4. 

Circulo de Bellas Artes, Calle Alcala 42, *91 3605 400 Carlos Saura Fotógrafo –ı 12.1. 

Fundación Canal, Mateo Inurria 2, *91 541 506 Game on –ı 31.5. 

Fundación Juan March, Castelló 77 Genealogías del arte –ı 12.1. 

Max Ernst. Historia Natural Cuixart 5.2.–16.5. 

Fundación Juan March, Castello 77, Madrid, *435 42 40 José Guerrero: Pelegrinaje –ı 18.1. 

Fundación Mapfre Sala Recoletos, Paseo Recoletos 23, Rodin-Giacometti 6.2.–10.5. 

*91 581 6100 

Fundación Telefónica, Fuencarral 3, *91 9001 10707 Intangibles –ı 9.2. 

Bill Viola 5.2.–17.5. 

Matadero, Paseo de Chopera 12 Corazón Pulmones Hígado –ı 2.2. 

Sadik Kwaish Alfraji –ı 31.3. 

Wearable Art –ı 31.3. 

Museo ICO, Zorrila, 3, *91 420 1242 La casa –ı 12.1. 

Museo Nacional del Prado, Calle Ruiz de Alarcón 23 El Roto –ı 16.2. 

Dibujos de Goya –ı 16.2. 

Museo Reina Sofía, Santa Isabel 52 Sara Ramo –ı 2.3. 

Musas insumisas –ı 23.3. 

Ceija Stojka –ı 23.3. 

Jörg Immendorff –ı 13.4. 

Miguel Ángel Campano –ı 20.4. 

Ignacio Gómez de Liaño –ı 18.5. 

Museo Thyssen-Bornemisza, Paseo del Prado 8 La màquina de Magritte –ı 28.2. 

Joan Jonas 25.2.–18.5. 

Palacio de Cristal, Parque del Retiro, *91 574 6614 Hassan Khan –ı 1.3. 

Palacio Velázquez, Parque del Retiro, *91 573 6245 Mario Merz –ı 29.3. 

Sala Alcalà, Calle de Alcalà 31, Madrid Juan Carlos Bracho –ı 2.2. 

Gran Sur: arte chileno 

25.2.–26.4. 

contemporáneo. Colección Engel 

Tabacalera. Espacio Promoción del Arte, Embajadores, 51 Pedro Almodóvar y Jorge Galindo –ı 26.1. 

BELEN ARTSPACE, Calle de Belen 5, Madrid, *915 23 34 57 Alfonso Grau –ı 12.1. 

Camara oscura, c/ Alameda, 16, *91 1429 1734 Hugh Mangum 17.1.–28.3. 

Canal Isabel II, Santa Engracia 125, *91 545 1000 José Antonio Carrera –ı 26.1. 

AGENDA // ÖSTERREICH / SCHWEDEN / SPANIEN 151

Madrid/ 

Mostoles 

Málaga 

Palma de 

Mallorca 

Fundación Mapfre Sala Bárbara de Braganza, Bárbara de 

Braganza 13, *91 581 4609 

Eamonn Doyle 

Richard Learoyd 

–ı26.1. 

19.2.–24.5. 

Galería Elvira González, General Castaños, 3 Esteban Vicente –ı18.1. 

Juan Asensio 1.2.–4.4. 

Galería Marlborough, Orfila 5 Xavier Escribà –ı8.2. 

Galeria Pilar Serra, Santa Engracia 6, Madrid, *913 08 15 69 Linarejos Moreno –ı 10.1. 

Helga de Alvear, Doctor Fourquet, 12 Candida Höfer –ı8.2. 

Marta Cervera, Plaza de las Salesas 2 Ludovica Carbotta –ı18.1. 

Centro de Arte Dos de Mayo, Avda. de la Constitución 23, 

*91 276 0221 

Centro de Arte Contemporáne Malaga, Calle de Alemania, 

Málaga 

Ana Laura Aláez 

Humor Absurdo 

–ı 26.1. 

31.1.–28.6. 

Francesca Ruiz 22.2.–28.6. 

Political Advertisement 

–ı 12.1. 

Sean Scully 

–ı 19.1. 

Dracula x Dracula –ı 2.2. 

Museo Picasso de Málaga, San Agustín, 8, *952 127 600 Calder-Picasso –ı 2.2. 

Genealogías del arte 27.2.–31.5. 

Centre Pompidou Málaga, Pasaje Doctor Carrillo Casaux 

s/n. 29016 Muelle Uno,* , Málaga, *95 192 62 00 

Caixa Forum, Plaza Weyler 3 

Utopias Modernas 

Alechinsky en el país de la tinta 

Robert Capa en color 

Azul. El color del Modernismo 

–ı 2.3. 

–ı 12.4. 

–ı 20.1. 

19.2.–31.5. 

Esbaluard, Plaza Porta de Santa Catalina 10 On rau la realitat? –ı 12.1. 

Salamanca Domus Artium, Avenida de la Aldehuela Núria Güell –ı 23.2. 

Un viaje de ida y vuelta –ı 1.3. 

San Sebastián Tabacalera Donostia, Duque de Mandas 52 Madrassa Collective –ı16.2. 

Filipa César: Algoritmos de algodón –ı16.2. 

Santa Cruz de 

Tenerifa 

Tea Tenerife Espacio de las Artes, Avenida de San 

Sebastian 10, *92 284 9057 

Mitos del futuro proximo –ı 15.3. 

Santander Centro Botín, Muelle de Albareda s/n, Kantabrien Anri Sala –ı 3.5. 

Santiago de 

Compostela 

CGAC Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Valle Inclán 

s/n 

Christian Villamide 

Pedro Cabrita Reis 

–ı 12.1. 

–ı 2.2. 

Jesús Madriñán –ı 1.3. 

Segovia Museo de Arte Contemp. Esteban Vicente, Plazueal de 

Bellas Artes s/n 

Jorge Represa –ı 12.1. 

Sevilla 

Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Monasterio de la 

Cartuja 

Rosalind Nashashibi 

Juan Suarez 

Amalia Pica 

Valencia IVAM Centre Julio González, Guillem de Castro 118 Reinventando la representación: 

Arte holandés de entreguerras 

–ı2.2. 

–ı 9.2. 

–ı15.3. 

–ı 19.1. 

Zineb Sedira –ı 26.1. 

Jean Dubuffet –ı 16.2. 

La sociedad del rendimiento –ı 22.3. 

Valladolid Museo Patio Herreriano, Jorge Guillén 6 Paisajes del límite –ı 2.2. 

Susana Solano –ı 9.2. 

Javier Garcia Prieto –ı 16.2. 

Vigo Museo Marco de Vigo, Príncipe, 54 Manuel Colmeiro 24.1.–24.5. 

Vitoria-Gasteiz Artium Contemporary Art, Calle Francia, 24 Muntadas –ı 12.1. 

Elena Mendizábal –ı 19.4. 

Tschechische Republik, *0420 

Prag National Gallery Praque, Staromestdké namesti 12 Line, Light, and Shade –ı10.2. 

Vereinigtes Königreich *0044 

Birmingham Eastside Projects, 86 Heath Mill Lane, *121 771 1778 Sonia Boyce 25.1.–10.4. 

Susan Philipsz –ı 1.9. 

Ikon Gallery, 1 Oozells Square, *121 248 0708 John Walker –ı 23.2. 

Blackpool Grundy Art Gallery, Queen Street Open 2020 18.1.–22.2. 


Bristol Spike Island, 133 Cumberland Road, *117 929 2266 Pacita Abad 17.1.–22.3. 

Bruton Hauser & Wirth Somerset, Durslade Farm, Dropping Lane Don McCullin 25.1.–4.5. 

Not Vital 25.1.–4.5. 

Gateshead Baltic, South Shore Road Joy Labinjo –ı 23.2. 

Leeds Henry Moore Institut, 74 The Headrow, *113 234 3158 Edward Allington –ı 19.1. 

The Tetley, Hunslet Road James N Hutchinson –ı 19.1. 

Liverpool Bluecoat, Bluecoat Chambers Alexis Teplin –ı 23.2. 

Tate Gallery Liverpool, Albert Dock Vivian Suter –ı 15.3. 

Theaster Gates –ı 3.5. 

Candice Breitz –ı 7.6. 

FACT, 88 Wood Street 

you feel me_ curated by Helen 

–ı 23.2. 

Starr 

Walker Art Gallery, William Brown Street An English Lady’s wardrobe –ı 1.3. 

London Camden Arts Centre, Arkwright Road Vivian Suter, Athanasios Argianas 17.1.–5.4. 

cell, 258 Cambridge Heath Road, *20 241 3600 

Alex Margo Arden, Caspar 

–ı 26.1. 

Heinemann 

Design Museum London, 224–238 Kensington High St Beazley Designs of the Year –ı 9.2. 

Moving to Mars –ı 23.2. 

Horniman Museum and Gardens, London Road 100, Claire Morgan –ı 4.5. 

Greater London 

ICA Gallery, 12 Carlton House Terrace, *20 7930 3647 Honey-Suckle Company –ı 12.1. 

Cameron Rowland 29.1.–12.4. 

Jerwood Space, 171 Union St/Southwark, *20 654 0171 Silvia Rosi, Theo Simpson 15.1.–8.3. 

–ı 15.2. 

Korean Cultural Centre , Grand Buildings, 1–3 Strand, 

*20 7004 26 00 

2019 Artist of the Year: Kang 

Jungsuck 

Tate Britain, Millbank William Blake –ı 2.2. 

Steve McQueen –ı 1.5. 

Tate Modern, Bankside Nam June Paik –ı 9.2. 

Dora Maar –ı 15.3. 

Kara Walker –ı 5.4. 

Victoria & Albert Museum, Cromwell Road, *20 942 2000 Cars –ı 19.4. 

Austrian Cultural Forum, 28, Rutland Gate, *20 225 0470 Nothing less! 100 years of women’s –ı 31.1. 

suffrage 

Barbican Art Gallery, Silk St., *20 7588 9023 

Into the night: cabarets and clubs –ı 19.1. 

in modern art 

CHELSEA space, 16 John Islip Street Joseph Kosuth, Seamus Farrell 22.1.–28.2. 

Chisenhale Gallery, 64 Chisenhale Road Imran Perretta 17.1.–15.3. 

Danielle Arnaud, 123 Kennington Road, *20 7735 8292 Kathleen Herbert 18.1.–15.2. 

Gallery Fumi, 2 Hay Hill, Mayfair, *20 7490 2366 Chance Encounters –ı 31.1. 

Gasworks Gallery, 155 Vauxhall Street Lauren Gault 23.1.–22.3. 

Hauser & Wirth London, 23 Savile Row, *207 287 2300 Alina Szapocznikow, Isa Genzken 7.2.–2.5. 

Hollybush Gardens, 3 Warner Yard, *20 79 6875 4967 Johanna Billing 11.1.–22.2. 

Kate Macgarry, 27 Old Nichol St., *20 7613 0515 J Blackwell 12.1.–9.2. 

Lisson Gallery London, 29 and 52–54 Bell Street Tony Cragg –ı 29.2. 

Pilar Corrias Gallery, 54 Eastcastle Street, *207 323 7000 Christina Quarles –ı 15.1. 

Royal Institute of British Architects, 66 Portland Place Beyond Bauhaus –ı 1.2. 

Serpentine Gallery, Kensington Gardens Albert Oehlen –ı 12.1. 

Patrick Staff –ı 9.2. 

Serpentine Sackler Gallery, West Carriage Drive, 

Albert Oehlen –ı 2.2. 

Greater London 

South London Gallery, 65 Peckham Road, *20 7703 6120 Bloomberg New Contemporaries 2019 –ı 23.2. 

The Approach, 47 Approach Rd. Ruben Valentim 11.1.–16.2. 

The Showroom, 63 Penfold St., *20 7724 4300 Simnikiwe Buhlungu –ı 2.10. 

Thomas Dane, 11 Duke St., *20 925 2505 Bruce Conner –ı 22.2. 

VITRINE, London, Bermondsey Square, Greater London Charlie Godet Thomas –ı 2.2. 

Whitechapel, 80–82 Whitechapel High St. Anna Maria Mailoino –ı 12.1. 

Manchester HOME, 70 Oxford St. Manchester Open 2020 18.1.–15.3. 

AGENDA // SPANIEN / TSCHECHISCHE REPUBLIK / VEREINIGTES KÖNIGREICH 153

Margate Turner Contemporary, The Rendezvous Turner Prize –ı 12.1. 

Barbara Walker –ı 12.4. 

Middlesbrough mima, Centre Square Mikhail Karakis –ı 2.2. 

Nottingham Nottingham Contemporary, Weekday Cross, *0115 948 9750 Still Undead: Popular Culture in 

–ı 12.1. 

Britain Beyond the Bauhaus 

Denzil Forrester 8.2.–3.5. 

Southend-on- Focal Point Gallery, Victoria Avenue, *253 4108 David Blandy –ı 26.1. 

Sea Essex 

Wakefield Yorkshire Sculpture Park, West Bretton, *1924 832 631 Saad Qureshi –ı 15.3. 

The Hepworth, Gallery Walk, *1924 247 360 

Alan Davie, David Hockney, 

–ı 19.1. 

Christina Quarles 

Walsall The new art gallery Walsall , Gallery Square Amalia Pica –ı 2.2. 

Australien *0061 

Sydney Museum of Contemporary Art Australia, 140 George St MCA Collection: Today Tomorrow 

Yesterday 

–ı 29.3. 

Hongkong *0852 

Hong Kong 

Martinique 

Hauser & Wirth Hong Kong, 15–16/F, H Queen’s, 

80 Queen’s Road Central, Hong Kong Island 

Annie Leibovitz –ı 8.2. 

Le François – 

Martinique 

Fondation Clément, Habitation Clément Pascale Marthine Tayou –ı 22.3. 

Senegal *0221 

Dakar 

Südafrika *0027 

Kapstadt 

Togo *0228 

Musée des civilisations noires, Autoroute prolongée x 

Place de la Gare 

South African National Gallery, Government Avenue, 

Company’s Garden 

Zeitz Museum of Contemporary Art Africa, 

V&A Waterfont, S Arm Road, Silo District, *087 350 4777 

Prête-moi ton rêve –ı 28.1. 

Gabrielle Goliath –ı 27.4. 

Otobong Nkanga –ı 23.2. 

Lomé Palais de Lomé, Boulevard du 13 Janvier Infinity: Hommage à Kossi Aguessy –ı 1.3. 

Vereinigte Staaten *0001 

Aspen Aspen Art Museum, 590 North Mill Street Seth Price –ı 1.3. 

Yayoi Kusama 

–ı10.5. 

Oscar Murillo –ı 17.5. 

Lisa Yuskavage 16.2.–31.5. 

Berkeley Berkeley Art Museum, 2625 Durant Avenue #2250, 

*510 642 0808 

Sylvia Fein 

Lands of Promise and Peril: 

Geographies of California 

–ı 1.3. 

–ı 26.4. 

Brave Warriors and Fantastic Tales 15.1.–31.5. 

Ron Nagle 15.1.–14.6. 

Edie Fake –ı 21.6. 

Art for Human Rights: Peace Now! 26.2.–12.7. 

Rosie Lee Tompkins 19.2.–19.7. 

Boston Institute of Contemporary Arts Boston, 955 Boylston St., MA When Home Won’t Let You Stay –ı 26.1. 

Yayoi Kusama –ı 28.2. 

Beyond Infinity: Contemporary Art 

After Kusama 

–ı 28.2. 

Museum of Fine Arts Boston, 465 Huntington Avenue, MA, 

*617 267 9300 

Make Believe 

Ancient Nubia Now 

–ı 20.1. 

–ı 20.1. 


Chicago 

Museum of Contemporary Art Chicago, 

220 East Chicago Av., MI 

Hyman Bloom: Matters of Life and –ı 23.2. 

Death 

Mika Rottenberg –ı 8.3. 

Cleveland Cleveland Museum of Art, 11150 East Boulevard Liu Wei –ı 16.2. 

Denver Denver Art Museum, 100 W 14th Avenue Pkwy Shantell Martin –ı 31.1. 

Claude Monet –ı 2.2. 

Natural Forces: Winslow Homer 

–ı 7.6. 

and Frederic Remington 

Detroit Museum of Contemporary Art Detroit, 4454 Woodward Ave, Robolights Detroit –ı 3.5. 

*313 832 6622 

Houston Contemporary Arts Museum Houston, 5216 Montrose Blvd., TX Garrett Bradley –ı 23.3. 

The Menil Collection, 1515 Sul Ross Mapa Wiya (Your Map’s Not Needed) –ı 2.2. 

Katonah Katonah Museum of Art, 134 Jay Street – Route 22 Sparkling Amazons –ı 26.1. 

Long Island City Moma PS1, 22–25 Jackson Ave at 46th Ave, NY, 

Theater of Operations –ı 1.3. 

*718 784 2084 

Los Angeles LACMA/County Museum of Art, 5905 Wilshire Boulevard Thomas Joshua Cooper –ı 2.2. 

Mineo Mizuno –ı 23.2. 

–ı 13.1. 

MOCA Pacific Design Center, 8687 Melrose Avenue, 

*213 621 1741 

The Getty Center, 1200 Getty Center Drive 

UCLA The Hammer Museum, 10899 Wilshire Blv., 

*310 443 7000 

The Foundation of the Museum: 

MOCA’s Collection 

Open House: Gala Porras-Kim –ı 11.5. 

Barbara Kruger 

–ı30.11. 

Balthazar: A Black African King in –ı 16.2. 

Medieval and Renaissance Art 

Acquisitions 2019: Director’s 

–ı 1.3. 

Choice 

Unseen: 35 Years of Collecting 

–ı 8.3. 

Photographs 

Käthe Kollwitz: Prints, Process, 

–ı 29.3. 

Politics 

Tishan Hsu 

Leonardo Drew 

26.1.–19.4. 

–ı 10.5. 

Paul McCarth 2.2.–10.5. 

Hauser & Wirth Los Angeles, 901 East 3rd Street, CA Nicolas Party 13.2.–12.4. 

Lucio Fontana 13.2.–12.4. 

Minneapolis Walker Art Center, Vineland Place Allora & Calzadilla: Chalk –ı 2.2. 

I am you, you are too –ı 1.3. 

Elizabeth Price –ı 1.3. 

New York Brooklyn Museum, 200 Eastern Parkway/Brooklyn yasiin bey: Negus –ı 26.1. 

JR: Chronicles –ı 3.5. 

African Arts‚ÄîGlobal 

14.2.–15.11. 

Conversations 

Metropolitan Museum, 5th Av. 82nd Street Vija Celmins –ı 12.1. 

Félix Vallotton –ı 26.1. 

Kent Monkman –ı 9.4. 

Sahel: Art and Empires on the 30.1.–10.5. 

Shores of the Sahara 

Neue Galerie, 1048 Fifth Avenue Ernst Ludwig Kirchner –ı 13.1. 

Madame d’Ora 20.2.–8.6. 

New Museum of Contemporary Art, 235 Bowery Hans Haacke –ı 26.1. 

Queens Museum of Art, Flushing Meadows Corona Park The Art of Rube Goldberg –ı 9.2. 

American Artist My Blue Window –ı 16.2. 

Nicolas Moufarrege –ı 16.2. 

S. R. Guggenheim Museum, 1071 Fifth Avenue Artistic License: Six Takes on the –ı 12.1. 

Guggenheim Collection 

Jesse Jones –ı 1.3. 

Studio Museum of Harlem, 144 W 125 St. Black Refractions –ı 13.12. 

AGENDA // GROSSBRITANNIEN / AUSTRALIEN / HONGKONG / MARTINIQUE / SENEGAL / TOGO / USA 155

The Museum of Modern Art New York, 11 West 53th Street, NY Pope.L –ı 10.1. 

Whitney Museum, 99 Gansevoort Street, *212 570 3600 Rachel Harrison –ı12.1. 

Pope.L 

–ı8.3. 

Roy Lichtenstein –ı 30.4. 

apexart, 291 Church Street, *212 431 5270 Souls Grown Diaspora 11.1.–7.3. 

Women c(a)reate 16.2.–14.3. 

Eva Presenhuber, New York, 39 Great Jones Street, NY, Koo Jeong A 26.1.–23.2. 

*212 931 0711 

frosch&portmann, 53 Stanton Street, *646 820 9068 Patricia Satterlee –ı12.1. 

Hauser & Wirth New York, 548 West 22nd Street, NY Rashid Johnson –ı25.1. 

Eva Hesse –ı 19.10. 

Mike Kelley 

–ı25.11. 

Pace Gallery, 32 East 57th St. Leo Villareal –ı18.1. 

Peter Blum Gallery, 176 Grand Street, NY Su-Mei Tse –ı18.1. 

Nicholas Galanin 20.1.–28.3. 

Philadelphia Philadelphia Museum of Art, 

Designs for Different Futures –ı 8.3. 

26th St & Benjamin Franklin Parkway 

San Francisco Museum of Modern Art San Francisco, 151 Third Street, CA Richard Mosse –ı 17.2. 

Soft Power –ı 17.2. 

2019 SECA Art Award –ı 12.4. 

Elemental Calder 16.2.–3.5. 

Yerba Buena Center for the Arts, 701 Mission Street The Body Electric –ı 26.1. 

(at 3rd Street), *415 978 2787 

Washington Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Independence Av. 

at 7th Street SW 

Pat Steir –ı 10.5. 

MESSEN UND AUKTIONEN 

Genève/Grand- Palexpo S.A., Rue François-Peyrot 30 artgenève 30.1.–2.2. 

Saconnex 

Brüssel Tour & Taxis, Avenue du port 86c BRAFA 2020 26.1.–2.2. 

Karlsruhe/ Messe Karlsruhe, Messeallee 1, *721 3720 5197 Art Karlsruhe 2020 13.2.–16.2. 

Rheinstetten 

Bologna Bologna Exhibition Centre Arte Fiera Bologna 2020 24.1.–26.1. 

Rotterdam Van Nellefabriek, Van Nelleweg 1 Art Rotterdam 2020 6.2.–9.2. 

Madrid Feria de Madrid, Parque Ferial Juan Carlos/Halls 7+9 Arco Madrid 2020 26.2.–1.3. 

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Die Museumsnacht ist eine Veranstaltung der 

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38 Museen und Kulturinstitutionen bieten ein 

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Beim Arzt, 2019, Gemälde, Schülerarbeit Kunstakademie 

Taschkent. Foto: Samuel Herzog 

art-tv.ch 

das kulturfernsehen im netz 

AARGAU / BASEL 157

Bis 16. Februar 2020 

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Bis 16. Februar 2020 

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25. Januar bis 27. September 2020 

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Ausstellung für Druckgraphik 

Exposition de gravure et d’art imprimé 

Mostra di stampe d’arte 

20m2 – Fenster ins Atelier 

von Aline Stalder 

Kunsthaus Grenchen 

15. Dezember 2019 

bis 23. Februar 2020 

Mi bis Sa 14–17 Uhr | So 11–17 Uhr 

Bahnhofstrasse 53 | CH-2540 Grenchen 

Feiertage siehe kunsthausgrenchen.ch 

Eisflocken 

Kunst-Installation im Gletschergarten 

täglich, 10-17 Uhr 

gletschergarten.ch 

a ku Kunstplattform 

Agnes Barmettler – 

durchlässig 

dazwischen sein 

Linie 2 

Im Kabinett: Martin Disler 

«Ein Schnitt ins Herz» 

25. Januar – 

15. März 2020 

Gerliswilstrasse 23 

6020 Emmenbrücke 

www.akku-emmen.ch 

Fr + Sa 14:00 – 17:00 

So 10:00 –16:00 


11. Januar bis 16. Februar 

«ouvert» 

Auf den Punkt gebracht 

Mitglieder der Vebikus Kunsthalle 

bringen Werke. Auf den Punkt. 

Vernissage: Freitag, 10. Jan. 19 Uhr 

Do 18 – 20 Uhr 

Fr 16 – 18 Uhr 

Sa / So 12 – 16 Uhr 

Kulturzentrum Kammgarn 

Baumgartenstrasse www.vebikus.ch 

CH – 8201 Schaffhausen 

werkstatt hildegard schenk 

Dorta 68 

CH-7524 Zuoz Zuoz 

Graphit auf Papier Regula Dürig 

Holzreliefs Thomas Kurer 

14.2.2020 bis 14.8.2020 

Vernissage 14.2.2020 16 bis 19 Uhr 

Öffnungszeiten Winter 14.02. bis 14.03.2020 

Öffnungszeiten Sommer 01.07. bis 14.08.2020 

Mi, Do, Fr, Sa 15 bis 18 Uhr 

Die Ausstellung ist auch auf Anfrage unter 078 661 41 27 

oder schenk@werkstattzuoz.ch zu besichtigen 

www.werkstattzuoz.ch 

Künstlerhaus 

Kunsthalle 

Kulturlabor 

28.12.2019—19.4.2020 

Electronic 

Flow(er) 

Bilder und Klänge 

der Natur 

Künstlergespräch 

Sa, 22.2.2020, 18 Uhr 

Öffnungszeiten: 

Do—So, 15—18 Uhr 

nairs.ch 

28.12.2019—19.4.2020 

Isabelle Krieg 

Blumen und 

Erleuchtungen 

Künstlergespräch 

Fr, 13.3.2020, 18 Uhr 

Öffentliche Führungen: 

freitags um 18 Uhr 

17.1., 21.2., 20.3., 

3./17.4.2020 

Rathaus für Kultur, Lichtensteig SG 

Sa 11. Januar 2020, Vernissage, 17 h 

Fr 24. November 2020, Finissage 

mit Konzert, 17 h 

www.dogoresidenz.ch> Programm 

Kunstmuseum Appenzell 

Howard 

Smith 

1-12-19 bis 

19-4-20 

no end in sight 

Heinrich Gebert 

Kulturstiftung Appenzell 

Di bis Sa 14 bis 17 

So 11 bis 17 

Abb.: Spicer Ink Series · 1984–1998 (Detail) 

kunstmuseumappenzell.ch 

SOLOTHURN / INNERSCHWEIZ / OSTSCHWEIZ / GRAUBÜNDEN 159

ABSOLUTELY TSCHUDI 

Künstler der Galerie 

21. Dezember 2019 – 21. März 2020 

DITESHEIM & MAFFEI 

Fine Art 

8, rue du Château, 2000 Neuchâtel 

GALERIE TSCHUDI 

Chesa Madalena · Somvih 115 · 7524 Zuoz 

Dienstag bis Samstag, 15 – 18.30 Uhr 

www.galerie-tschudi.ch · T +41 81 850 13 90 

ART GENÈVE 2020 

palexpo 

30 janvier–2 février 2020 

vernissage le 29 janvier de 14 à 21h 

STAND D 10 

artistes exposés 

Ariño, Castillo, Chillida, Chirino, 

Estrada, Edmondson, Gonzalez, Guerrero, 

LLeo, Oteiza, Miró, Tapiès, Sicilia 

solo show 

STAND D 12 

MIKLOS BOKOR 

figures et paysages 

+41 79 604 57 70 +41 76 477 69 76 

+41 32 724 57 00 

info@galerieditesheim.ch 

GRAVITATORISCHE 

BEHAUPTUNGEN. 

YVES NETZHAMMER / 

GRAMAZIO KOHLER 

RESEARCH 

4. DEZEMBER 2019 — 

15. MÄRZ 2020 

Graphische Sammlung ETH Zürich 

Mo−So 10 −16.45 Uhr, www.gs.ethz.ch 

Die Graphische Sammlung befindet sich im 

Hauptgebäude der ETH Zürich. 

LUKAS SALZMANN 

Sehen sehen 

14.11.2019- 8.2.2020 

Mittwoch, 15.1.2020, 19.30h 

Lukas Salzmann im Gespräch mit den 

Kunsthistorikern Rudolf Velhagen und Simon Maurer 

Hottingerstrasse 8, 8032 Zürich 

www.kunstsammlung-ruegg.ch 


Ihr Beitrag für die Zukunft der Kultur 

Teilhaben 

Mitmachen 

Weitergeben 

Kunstschaffende vererben Werke, 

die zuGunsten von ERBPROZENT 

KULTUR versteigert werden. Mit 

Ihrem Gebot unterstützen Sie die 

Etablierung der Stiftung. 

Galerie Stephan Witschi 

Zwinglistrasse 12 

8004 Zürich 

1.2.2020, 17.30 

Auktion 

Abschluss-Performance 

mit Patti Basler 

30.1.-1.2.2020 

Auktionsausstellung 

Details und Liste der beteiligten 

Künstlerinnen und Künstler: 

www.erbprozent.ch/auktion 

Ausstellung in der Transithalle 

Freilagerstrasse 9, Zürich 

31. Januar -2. Februar 2020 

weitere Infos www.ursula-knobel.ch 

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URSULA KNOBEL 

Malerei -Fotografie -Objekte 

artlog. 

net 

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GRAUBÜNDEN / WESTSCHWEIZ / ZÜRICH 161

Bourses ArtPro Valais 

En plus de l’encouragement aux expositions et aux publications d’artistes visuels 

valaisans, le Canton du Valais cherche à renforcer et professionnaliser ce secteur 

en mettant au concours les soutiens suivants : 

a. Bourses pluriannuelles pour créateur.s.trice.s confirmé.e.s 

1 à 3 bourses de 3 ans, 15'000.-/an 

b. Bourses pour créateur.trice.s émergent.e.s 

1 à 3 bourses de 10'000.- chacune 

c. Bourses pour curateur.trice.s 

1 à 3 bourses de 10'000.- chacune 

d. Soutien pour structures et projets expérimentaux 

1 bourse de 3 ans, 50'000.- maximum 

Le nombre de bourses mises au concours est communiqué dans la newsletter du 

Service de la culture. Seuls seront pris en considération les dossiers de candidature 

déposés sur www.vs-myculture.ch pour le 15 juin 2020. 

Plus d’informations : www.vs.ch/web/culture/artpro-valais 

Service de la culture, rue de Lausanne 45, 1950 Sion, Tél. 027 606 46 37, 

helene.joye-cagnard@admin.vs.ch 

Unterstützungsbeiträge ArtPro Wallis 

Der Kanton Wallis fördert neben Ausstellungen und Publikationen von Walliser 

visuellen Künstlern.innen auch die Stärkung und Professionalisierung dieses 

Bereichs, indem er die folgenden Unterstützungen anbietet: 

a. Mehrjährige Schaffensbeiträge für etablierte Künstler.innen 

1 bis 3 dreijährige Unterstützungsbeiträge in der Höhe von 15'000.-/Jahr 

b. Schaffensbeiträge für Nachwuchskünstler.innen 

1 bis 3 Schaffensbeiträge von je 10'000.- 

c. Unterstützungsbeiträge für Kuratoren.inn.en 

1 bis 3 Unterstützungsbeiträge von je 10'000.- 

d. Unterstützung für experimentelle Strukturen und Projekte 

1 dreijähriger Unterstützungsbeitrag von maximal 50'000.- 

Die Anzahl der ausgeschriebenen Unterstützungsbeiträge wird im Newsletter 

der Dienststelle für Kultur bekannt gegeben. Es werden nur Anträge, die bis 

zum 15. Juni 2020 unter www.vs-myculture.ch eingereicht werden, berücksichtigt. 

Weitere Informationen : www.vs.ch/web/culture/artpro-wallis 

Dienststelle für Kultur, Rue de Lausanne 45, 1950 Sitten, Tel. 027 606 46 37, 

helene.joye-cagnard@admin.vs.ch 


UR 

BAN 

Video Art Screening 

STO 

RIES 

The City as Inspiration, 

Motif and Imagination 

VIDEO WINDOW 

presents Video Art 

from Switzerland 

and Brazil 

Videos by 

Peter Aerschmann, Seline Baumgartner, 

Giselle Beiguelman, Denise Bertschi, 

Daria Blum, Françoise Caraco, Chalet5, 

Marcos Chaves, collectif_fact, Dias & Riedweg, 

Quynh Dong, Aurèle Ferrier, Catherine 

Gfeller, Marianne Halter & Mario Marchisella, 

Nicole Hoesli, Susanne Hofer, Silvan Kälin, 

Dirk Koy, Georgette Maag, Kika Nicolela, 

Christoph Oertli, Elodie Pong, Doris Schmid, 

Veronika Spierenburg, Lena Maria Thüring 

Curated by 

Bruno Z’Graggen 

PART 1 

Thursday, 

6th February 2020, 

20:00 

PART 2 

Friday, 

7th February 2020, 

20:00 

Kunstraum 

Walcheturm 

Zurich 

Werkbeiträgefür Kulturschaffende 

Für die Förderung innovativer Ideen und Projekte schreibt die Stadt St.Gallen jährlich 

Werkbeiträge aus. Zur Bewerbung eingeladen sind Kulturschaffende aus allen Sparten 

und Bereichen der Kultur, die in St.Gallen wohnhaft sind oder früher hier wohnten, 

sich aber vorübergehend zuStudien- und Ausbildungszwecken auswärts aufhalten. 

Gruppen können berücksichtigt werden, wenn die Mehrheit der Mitglieder in der Stadt 

wohnhaft ist. Esgibt keine Altersbeschränkung. Eingabeschluss für die Werkbeiträge 

2020 ist der 24. Februar. Weitere Informationen: www.kultur.stadt.sg.ch 

Stadt St.Gallen, Fachstelle Kultur, kultur@stadt.sg.ch, Telefon +41 71 224 51 60 

Gebührenfrei... 

art-tv.ch 

das kulturfernsehen im netz 

ZÜRICH 163

Werk- 

WERKSTIPENDIEN 2020 

Die Landis & Gyr Stiftung vergibt wiederum fünf Werkstipendien (alle Sparten). 

Bourses 

BOURSES D’ŒUVRE 2020 

La Fondation Landis & Gyr accorde désormais cinq bourses d’œuvre (dans toutes les 

branches). 

d’œuvre 

2020 

REISESTIPENDIEN BALKAN / TÜRKEI 2021 

Die Landis & Gyr Stiftung vergibt wiederum Reisestipendien im Raum Balkan/Türkei. 

BOURSES DE VOYAGE BALKANS / TURQUIE 2021 

Reisestipendien 

Der detaillierte Ausschreibungstext samt Teilnahmebedingungen und Online-Regi- 

Une nouvelle fois, la Fondation Landis & Gyr met au concours des bourses de voyage. 

Bourses 

stration finden sich ab Januar 2020 unter / Texte détaillé des appels à projects, informations 

pratiques et inscription en ligne à partir de janvier 2020: www.lg-stiftung.ch 

de voyage 

Eingabetermin / Date limite de dépôt: 

LANDIS & GYR STIFTUNG 

2021 

Freitag, 28. Februar 2020 / Vendredi 28 février 2020 

Chamerstrasse 10 

Postfach 7838, CH-6302 Zug 

+41 (0)41 725 23 58 

evelyne.lohm@lg-stiftung.ch 

www.lg-stiftung.ch 


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165

Künstleratelier 

Die GGG Basel vermietet im Atelierhaus an der Froburgstrasse 4 in Basel ab Oktober 2020 

drei geräumige Ateliers für je zwei Jahre (unverlängerbar) zu CHF 200.– plus Pauschale CHF 75.– 

pro Monat an junge bildende Künstler. 

Anforderung: Abschluss einer Kunstakademie, der nicht länger als zwei Jahre zurückliegt. 

Bewerbungen mit üblicher Dokumentation und Anmeldeformular (www.ggg-basel.ch/service/ 

ggg-atelierhaus) bis 18. März 2020, 12.00 Uhr, an die GGG Basel. 

GGG Basel | Gerbergasse 24 | Postfach 628 | CH-4001 Basel 

T +41 (0)61 269 97 97 | E ggg@ggg-basel.ch 

La Fondation Alice Bailly 

met au concours 

la Bourse Alice Bailly 

Curatorial 

Studies 

Ausstellen und Vermitteln gemeinsam denken. 

Zu zeitgenössischer kuratorischer Theorie 

und Praxis forschen. Projekte konzipieren und 

realisieren. Eine eigene Haltung entwickeln. 

Anmeldung 

bis 31. März 2020 

qui récompensera leprojet 

d’un/e artiste plasticien/ne 

résidant en Suisse romande 

Les critères de dépôt d’une candidature 

et la liste des documents àadresser 

au conseil de fondation sont disponibles sur le site 

www.fondation-alice-bailly.ch 

Le délai d’envoi des candidatures par courrier 

électronique est fixé au 28 février. 

Für Kunstreisende 

1500 Ausstellungen pro Monat 

↗ www.artlog.net/kunstbulletin 

Studienbeginn 

14. September 2020 

Master of Arts in Art Education 

Curatorial Studies 

Zürcher Hochschule der Künste 

zhdk.ch/curatorialstudies 


Neufrankengasse 4, CH-8004 Zürich 

Telefon 0041 (0)44 298 30 30, 

info@kunstbulletin.ch, info@artlog.net, 

www.artlog.net 

Redaktion 

Claudia Jolles (Chefredaktion) 

Deborah Keller (Redaktion) 

Anita Fédier (Agenda) 

Claudia Steffens (Redaktion artlog.net, Agenda) 

Ariane Roth (Administration, Vertrieb) 

Françoise Ninghetto (Rédaction romande) 

Boris Magrini (Redazione ticinese) 

Satz/Druck/Papier 

FO-Zürisee, Egg/FO-Fotorotar, Egg 

Papier: Profibulk 1.1, Abokarte Maxi Offset 

(FSC zertifiziert) 

Designkonzept/Artdirektion 

Susanne Kreuzer, www.susanne-kreuzer.com 

Kontakt Deutschland 

Miriam Wiesel 

Fontanepromenade 3, D-10967 Berlin 

Telefon 0049 (0)30 69 81 64 16 

kunstbulletin@t-online.de 

Herausgeber 

Schweizer Kunstverein, 

Neufrankengasse 4, CH-8004 Zürich 

www.kunstverein.ch 

Autor/innenkürzel in dieser Ausgabe: 

AH/Alice Henkes, AMA/Angelika Maass, AN/Astrid 

Näff, DK/Deborah Keller, DvB/Dominique von 

Burg, FS/Feli Schindler, GB/Giulia Bernardi, HDF/ 

Hans Dieter Fronz, IKR/Iris Kretzschmar, JES/Jens 

Emil Sennewald, KHO/Katharina Holderegger, KS/ 

Kristin Schmidt, LAC/Lucia Angela Cavegn, MH/ 

Mechthild Heuser, PG/Patricia Grzonka, RDR/Roberta 

De Righi, TS/Thomas Schlup, VMS/Valeska 

Marina Stach 

ABONNEMENTE 

Kunstbulletin Leserservice, 

Postfach, CH-4600 Olten 

Telefon 0041 (0)41 329 22 29 

aboservice@kunstbulletin.ch 

Preise (10 Ausgaben/Jahr) 

CHF 80.00 (Schweiz) 

€ 53.90 (Europa, Übersee, zzgl. Porto) 

CHF 70.00 für Mitglieder der SKV, SIK, visarte und 

SGBK/SSFA 

MEDIADATEN 

Erscheinungstermine 

Ausgabe Erscheinungsdatum Anzeigenschluss 

3März 28.02.2020 29.01.2020 

4April 27.03.2020 26.02.2020 

5Mai 24.04.2020 25.03.2020 

6Juni 29.05.2020 30.04.2020 

Platzierung vorne 

Format Breite x Höhe Preise 4c 

2 x 1Seite (Panorama)* 310 x 210 mm CHF 3600.– 

2 x 1/2 Seite quer (Pano.)* 310 x 102 mm CHF 1950.– 

1/1 Seite* 155 x 210 mm CHF 1980.– 

1/1 Seite** 128 x 187 mm CHF 1980.– 

1/2 Seite quer* 155 x 102 mm CHF 1100.– 

Platzierung nach Ort/Rubrik (hinten) 

Format Breite x Höhe Preise s/w Preise 4c 

1/1 Seite** 128 x 187 mm CHF 1650.– CHF 1920.– 

2/3 Seite** 128 x 123 mm CHF 1215.– CHF 1400.– 

1/2 Seite quer** 128 x 91 mm CHF 930.– CHF 1050.– 

1/2 Seite hoch** 62 x 187 mm CHF 930.– CHF 1050.– 





Europreise werden zum aktuellen Tageskurs verrechnet. 

*randabfallend 

Randanschnitt: + 3 mm Beschnitt an allen vier Seitenrändern 

**Satzspiegel 

Platzierungsvorschriften 

Inhalt 10%, Umschlag 20% 

Satzkosten min. CHF 50.– 

Schweiz, alle Preise zzgl. MwSt./Änderungen vorbehalten 

Bannerwerbung auf artlog.net siehe: www.artlog.net/media 

Auflage 

Druckauflage ca. 10 000 Exemplare 

Abonnemente ca. 8000 Exemplare 

Direktvertrieb ca. 2000 Exemplare (Buchhandel und Kiosk) 

Anzeigenverwaltung 

Claudio Moffa, Anzeigenleitung, Telefon 0041 (0)44 928 56 31 

Sandra Verardo, Administration, Telefon 0041 (0)44 928 56 35 

kunstbulletin@fachmedien.ch 

FACHMEDIEN 

Zürichsee Werbe AG 

Laubisrütistrasse 44, CH-8712 Stäfa 

ISSN 1013 – 69 40 

167

DAS GROSSE RÄTSEL 

Bonbons aus einer anderen Welt 

Taschkent, Kunstakademie, 6.11.19. Foto: SH 

Frau Doktor hat uns mit einem knappen Nicken des Kopfs begrüsst, ihr Patient blieb 

gänzlich ohne Reaktion – kein Wunder, wartet er doch seit Wochen auf seine Diagnose, 

auf ein erlösendes Wort, eine Pille, einen Aderlass … Er wird noch viele weitere 

Wochen warten müssen, denn die Studenten der Kunstakademie Taschkent haben 

vier Monate Zeit, ihr Gemälde mit dem Titel ‹Beim Arzt› zur Perfektion zu bringen. 

Viele Freiheiten dürfen sie sich dabei nicht nehmen, denn auch im fünften Jahr der 

Ausbildung zum Maler sind die Vorgaben klar. 

Im ersten Jahr zeichnen die Studenten Köpfe, im zweiten Füsse, dann Hände, ab 

den achten Semester erst fügen sie die Elemente zur Figur zusammen. Die Fachklasse 

Komposition ist dann die höchste Stufe im Curriculum eines usbekischen Malers. 

Selbstverständlich sind es die Professoren, die das Arrangement besorgen, sie positionieren 

die Modelle, legen alle Details fest. 

Vor Genrebildern bin ich oft irritiert, dass sich da keine Spur der Interaktion zwischen 

dem Maler und seinen Modellen finden lässt. Der Künstler als der unsichtbare 

Gast, Blick ohne Echo. Wie viel stärker wird das der Fall sein, wenn selbst das Arrangement 

von Dritten besorgt wird? Die Atmosphäre in der Meisterklasse ist ruhig, 

konzentriert – und ein wenig traurig vielleicht? Als wir uns zwischen Malern und Modellen 

in Richtung Ausgang schleichen, kommt plötzlich Leben in Frau Doktor und sie 

streckt den Besuchern einen Teller mit farbigen Bonbons hin. Dankbar für die Geste 

bediene ich mich. Allerdings esse ich solche Süssigkeiten kaum. Und auf den Bildern 

werden sie sicher nicht zu sehen sein. Samuel Herzog 

Samuel Herzog, freier Schreiber (Kunst & Kochen). herzog@hoio.org 

Wo im Heft findet sich das im Text unkenntlich gemachte Kunstwerk? Mailen Sie uns bis zum 23.2. die 

Seitenzahl. Unter allen Einsendungen werden drei Preistragende ermittelt: raetsel@kunstbulletin.ch 


FONDATION BEYELER 

26. 1. –17. 5. 2020 

RIEHEN /BASEL 

Edward Hopper, Cape Cod Morning, 1950 (Detail), Oil on canvas, 86,7 × 102,3 cm, Smithsonian American Art Museum, Gift of the Sara Roby Foundation, © Heirs of Josephine Hopper / 2019, ProLitteris, Zurich, Photo: Smithsonian American Art Museum, Gene Young

Kunstbulletin Januar/Februar 2020

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