TIM_SEPT2021_SAMMEL

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Österreichs Eventmagazin Nr.1
SLASH
FILMFESTIVAL
WAS PASSIERT,
WENN DIE MASCHINE
NACH UND NACH
JEDE MENSCHLICHKEIT
UNTERDRÜCKT?
SEPT
2 0 2 1
musik
show
sport
theater
kabarett
Ausgabe 243 2,90 €
Damit sind Sie live dabei!
GUNS N’
ROSES
Wenn aus Raptoren
ein T-Rex wird
Österreichische Post AG / MZ 15Z040254 M, CTS Eventim Austria GmbH, Mariahilferstraße 41–43, 1060 Wien; Preis: € 2,90
NICK
CAVE
gewährt in der Ausstellung
„Stranger Than Kindness“
tiefe Einblicke in sein
künstlerisches Schaffen
Die ESC-Gewinner
laden zum
glamourös-mondänen
„ballo della vita“
JOSEF HADER
ok, boomer
Nach 17 Jahren meldet sich Hader mit seinem neuen Kabarettprogramm
zurück: „Hader on Ice“ ist gewohnt zynisch geworden, der Zuspruch ist
enorm. Zusätzlich reist er gemeinsam mit Alfred Dorfer zurück nach „Indien“.

TM © 1981 RUG LTD CATS LOGO DESIGNED BY DEWYNTERS / Foto: vbw © Deen van Meer 2019
TM © 1981 RUG LTD CATS LOGO DESIGNED BY DEWYNTERS
JETZT TICKETS SICHERN!
TM © 1988 CML PHOTO © MATT CROCKETT
C A M E R O N M A C K I N T O S H S
ERFOLGSPRODUKTION VON
BOUBLIL & SCHÖNBERGS
AB NOVEMBER 2021
#WeAreMusical
WWW.MUSICALVIENNA.AT

NICK CAVE & THE BAD SEEDS
Nick Cave hat uns nicht nur mit zwei fantastischen
Alben – „Idiot Prayer“ und „Carnage“ – durch
Corona geholfen, sondern entführte uns in seiner
Kopenhagener Ausstellung „Stranger Than Kindness“
auch in seine ureigene Welt.
16
Ich bin ein Konzert-Junkie
EDITORIAL
Eric Clapton stellt sich klar gegen
eine Pflicht zur Corona-Impfung
bei seinen Konzerten. Nena tut bei
zwei ihrer Konzerte in Deutschland auf
Punkrock und meint, ihre Fans sollen –
wenn sie mögen – gerne gegen die
Coronaregeln verstoßen. Vom Stumpfsinn,
den Xavier Naidoo so von sich gibt, brauchen
wir gar nicht erst reden.
Tatsache ist: Der Weg in die „alte
Normalität“ zurück ist ein steiniger, aber
ein dringlicher – nach über einem Jahr
Ersatzbespaßung bei Wohnzimmerkonzerten,
Sitzpinklershows und Babyelefantenbegleitung
ist der Wunsch nach einem
wie vor der Pandemie gewohnten Konzerterlebnis
ein lauter. Außerdem wäre es
auch toll, endlich nicht nur – no offense –
Künstler von daheim, sondern wieder internationale
Bands auf der Bühne sehen
zu können, oder gar selbst anstatt in die
U-Bahn in den Flieger zu steigen und sich
selbige in London, Berlin oder New York
zu geben. Der einzige Weg, dieses Ziel zu
erreichen, nennt sich Herdenimmunität
und ist kein Novum – Infektionskrankheiten
wie die Pocken und Polio wurden
mittels Impfung in der Vergangenheit
bereits ausgerottet, und dieses Ziel streben
wir aktuell auch bei Corona an.
Zugegeben, ich bin kein Freund davon,
bei jedem Wehwehchen gleich ein Pulver
zu schlucken – halte aber auch nichts von
Zuckerkügelchen, Kräutertinkturen und
Chlorbleiche. Und ja, nach meinen zahlreichen
Kinder- und Jugendimpfungen
habe ich im Erwachsenenalter die regelmäßige
Auffrischung etwa gegen FSME,
Diphtherie, Tetanus & Co. schleifen lassen
und habe mich erst vor wenigen Jahren
im Zuge einer Afrikareise neu immunisieren
lassen. Nicht etwa, weil ich Angst
vor etwaigen (Spät-)folgen hatte, sondern
weil sich mir die akute Dringlichkeit nicht
erschlossen hat – dass ich erkranken hätte
können, ging auf mein eigenes Risiko, das
ich stets als gering wähnte, und betraf
mich zudem allein. Bei einer Reise in ein
Land mit anderen Hygienestandards,
höheren Risiken und zudem schlechteren
Gesundheitssystem erschien es mir jedoch
nicht einmal diskutabel, einen „Sicherheitsgurt“
anzulegen.
Einen Sicherheitsgurt, der über mein
vorhandenes Immunsystem hinausgeht,
erachte ich bei knapp viereinhalb Millionen
Coronatoten nicht für unvernünftig
– auch wenn meine eigene Erkrankung
mild verlief. Ob die Maßnahmen (darunter
die G-Regeln), die gesetzt wurden und
noch gesetzt werden, tatsächlich verhältnismäßig
sind, das erlaube ich mir mangels
fachlicher Befähigung nicht zu beurteilen
– die Immunisierung habe ich mir
dennoch geholt. Weniger aus persönlicher
Angst, sondern vielmehr als Mittelfinger
gegen das Virus, das mir eine Zeit meines
Lebens geklaut hat. Ich befürworte zwar
keine gesetzlich vorgeschriebene Impfpflicht,
sollte aber hinkünftig nicht nur
für Reisen in tropische Länder, sondern
auch für Konzerte ein Impfnachweis erforderlich
sein: So be it. Die Zeit der Einschränkungen
zum „Wohle der Masse“
hat jedenfalls ein Ende zu haben. Ich als
Konzert-Junkie möchte mir von Impfunwilligen
meine Bespaßung nicht weiter
nehmen lassen, sie mögen gerne zuhause
bleiben. Und sollte mir in einigen Jahren
tatsächlich als Spätfolge ein Echsenschwanz
wachsen, so hatte ich bis dahin wenigstens
eine geile Zeit.
Stefan Baumgartner (Chefredakteur)
| 03

JAN FEB MAR APR MAI JUN JUL AUG SEPT
OKT NOV DEZ
IN DIESER AUSGABE
[08] Josef Hader alter, weißer Mann [14] Måneskin die ESC-
Gewinner sind mehr, als nur eine Eintagsfliege [16] Nick Cave
Stranger Than Kindness [18] Guns N’ Roses Welcome to the Jurassic
Park! [20] CDs, Bücher & mehr Metallica, Iron Maiden, Klaus Eckel,
Sven Regener & mehr [22] Please Madame eine gewisse Wut ist
unabdinglich [25] SLASH Filmfestival Mechanik frisst Organik
„Supaaa! Günstig!“ singt der heimische
Musiker Skero seit 29. Juli für PENNY und
kommuniziert damit den Vorteil bei PENNY.
Mit der Neuinterpretation seines Hits
„Kabinenparty“ gibt es gleich zum Auftakt
der neuen Kampagne ein aufmerksamkeitsstarkes
Highlight mit Ohrwurm-Garantie.
PENNY Kundinnen und Kunden trällern nun
beim Einkaufen „Su-pa-günstig – Geht’scho,
spoar ma, Voigas!“. Im dazugehörigen
Werbespot mimt Skero neben den bekannten PENNY Testimonials Lisa und
Kathi die Hauptrolle.
Annett Louisan singt Titelsong für „Tom und Jerry“. Mit „Vielen Dank
für die Blumen“ kehrt die deutsche Musikerin Annett Louisan zu ihren sprachlichen
Wurzeln zurück und bleibt ihrem Stil dabei treu. Wie schon auf „Kitsch“ verpasst
sie der Coverversion des Udo Jürgens-Klassikers einen ur-eigenen Charakter
und erschafft so eine ganz eigene Welt. Ganz wie der Film, für den sie den
Kultsong neu interpretiert hat. Das neue Abenteuer rund um das berühmte verfeindete
Katz- und Maus-Duo Tom und Jerry
läuft seit 12. August in den Kinos.
Für Annett Lousian ist es eine Ehre, dass
ausgerechnet sie ausgewählt wurde, um
den Song neu aufzunehmen: „Die Serie ist
für mich ein Stück Kindheit. Und jeder kennt
die Zeilen des Songs auswendig. Es ist so
ein kluges Stück, mit so einer schönen Aussage:
Nimm nicht alles persönlich. Und
nimm eine Niederlage auch mal hin – mit
einem Lächeln.“
Skero singt den neuen PENNY-Song.
oeticket auf Spotify. Seit Juli ist oeticket nicht nur auf Instagram,
Facebook und Twitter aktiv, sondern dreht auch auf Spotify die Lautsprecher
auf die sprichwörtliche 11: Monatlich werden bis zu zwei Playlisten
veröffentlicht, die zu einem bestimmten Thema – sei es ein Festival, ein
bestimmter Künstler oder ein Genre – eine akustische Brücke schlagen
und somit „Lust auf mehr“ machen soll.
Ganz aktuell: Thommy Ten & Amélie van Tass haben für oeticket.com
eine sehr magische Playlist zusammengestellt!
Wer noch ein Ticket für HADER ON ICE ergattern konnte
S EIL
LER
& SP
P
EER
ER
STELA
ARO
LATE NIGHT R V ACT
Ich
BULLET LET
FOR MY VA
ALENT
ENTINE
NE
Der Stoascheißer Koarl
MILLENCOL
LEN
LIN
· MÅNESKIN
·
CLAW
LAWFINGER
JINJ
JER · RUSSKA
JA
· FLEKS
04 |
2G
TIVG
FES
ST
VA
G
ST
GEIMPFT
P
TIVAL PCR TEST
Fotos: Penny, Universal Music, Illustration: Österreich in leiwanden Grafiken

JOBS
IMMO

SCHEINWERFERLICHT
Endlich heißt es: BACK TO LIVE! Nach zwei Sommern der Entbehrungen freue ich
mich, beim Nova Rock Encore am 11. September im Stadion Wiener Neustadt u. a. mit
den vielumjubelten ESC-Gewinnern Måneskin zumindest einen Tag lang großes Festivalfeeling
aufzusaugen, bevor es kommenden Juni auf den Pannonia Fields II
wieder mehrtägig abgeht! Für den 9. Juni 2020 stand Guns N’ Roses in großen Lettern
auf meinem Kalender. Am 13. Juli ist es aber nun endlich wirklich so weit und Axl Rose
& Co. zaubern „November Rain“ und viele Hits mehr ins Ernst-Happel-Stadion!
Mag. Roberta Scheifinger
Chefredakteurin und
Herausgeberin
Aber davor freuen wir uns mit Sicherheit auf jede Menge Live-Events im Herbst!
Roberta Scheifinger
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Das Ö3SUPER Ticket!
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Es geht wieder LIVE los – Konzerte, Comedy, Sport, Festivals –
und Du kannst ein ganzes Jahr GRATIS dabei sein.
Ab 20. 9. mitmachen auf oe3.ORF.at
Sabaton haben am 30. März in der Wiener Stadthalle D nicht nur ihre epischen
Kriegsgeschichten und einen bombastischen Bühnenaufbau im Gepäck – beides brachte
kurz vor der Pandemie bereits den Gasometer zum Erbeben –, sondern als Vorbands
zudem Lordi und The HU. Erste sollten jedem Metaller ein Begriff sein, zweite stammen
aus der Mongolei und sind mit einem sehr ansprechenden Cover von „Sad But True“
auf der „Metallica Blacklist“ (sh. Seite 20) zu hören: absoluter Geheimtipp!
Rag’N’Bone Man etablierte
sich u. a. mit seinem Mega-Hit
„Human“ als einer der erfolgreichsten
britischen Künstler der letzten Dekade
und gastiert nun mit seinem zweiten
Album „Life By Misadventure“
am 22. März im Gasometer.
Fotos: Paradigma Agency (Rag’N’Bone Man), Mote Sinabel (Einstürzende Neubauten), Stian Andersen (Madrugada), Sandra Vijandi (Paul Weller), Chris Rörland & Hannes Van Dahl (Sabaton)
06 | highlights

I
C O N S
L I V E
Einstürzende Neubauten nahmen ihren Anfang 1980 in der Mauerstadt
Berlin, geprägt waren die Ton-Dekonstruktionen von ungestümen Noise. Die klanglichen
Wirren durchliefen über vier Jahrzehnte zahlreiche Metamorphosen, die jedoch stets
durchgezogene, nicht selten verquere Avantgarde gipfelte letztes Jahr im aktuellen
Album „Alles in Allem“, das am 14. Juni im Arena Open Air vorgestellt wird.
Paul Weller gilt gemeinhin als
einer der größten britischen Songwriter
der letzten drei Jahrzehnte – nicht
nur ob der Musik selbst, sondern auch
seine Meinungsstärke, seine klare politische
Positionierung sowie sein Bestreben,
immer wieder neue musikalische
Felder zu erschließen. Angefangen
hat alles mit seiner New Wave-/Mod-Band
The Jam, mit der er
zwischen 1976 und 1982 ein Gegenkonzept
zum aufkeimenden Punkrock
anbot. Weiter ging’s mit The Style
Council, mit denen er in den Achtzigern
Edelpop vom Feinsten manifestierte.
Und schließlich reüssierte er
auch noch als Solokünstler. Dieses
breite Spannungsfeld präsentiert er
am 9. September im Gasometer.
Madrugada sind ein Paradebeispiel für die Brillanz und Intensität norwegischer
Musik, die sich durch alle Genres – hier: Indie-Rock – zieht. Insbesondere die
gleichermaßen berührende wie intensive Stimme von Sivert Høyem darf als immenses
Alleinstellungsmerkmal gewertet werden. Nachdem nach einem über 10-jährigen
Hiatus die Wiederkehr 2019 im WUK so fulimant geriet, kommen Madrugada (vielleicht
sogar mit neuem Material?!) am 30. März nun wieder nach Wien, in die Arena.
FIS SCHER-Z
19.
11.21 DORNBIRN
20. 11.21 INNSBRUCK
21. 11.21 SALZBURG
23. 11.21 WIEN
RO
OACHFORD
O
25. 11.21 RANKWEIL
26. 11.21 INNSBRUCK
28. 11.21 GRAZ
29. 11.21 WIEN
30. 11.21 SALZBURG
FIN NK
07.05.22 DORNBIRN
08.05.22 INNSBRUCK
09.05.22 SALZBURG
13.05.22 WIEN
IGGY GY POP
07.07.22 WIEN
highlights
| 07

o
Ok, Bo
In „Hader on Ice“ geht es nicht um Klimawandel, sondern um einen
alten, weißen Mann: Josef Hader meldet sich in seinem ersten neuen
Programm nach 17 Jahren gewohnt zynisch zurück. TEXT: STEFAN BAUMGARTNER
Siebzehn Jahre ist es her, dass Josef
Hader mit „Hader muss weg“ seine
letzte Premiere hatte. Danach
widmete sich der renommierteste Kabarettist
des Landes viel dem Film. Nun ist er
mit „Hader on Ice“ zurück auf der Bühne,
präsentiert eine kokett überzeichnete Bühnenpersona
– einen selbstgerechten, neureichen,
ru(h)mverwöhnten Eremiten, live
aus dem tiefsten Weinviertel. Er hat einen
fetten SUV, einen nigerianischen Diener,
eine junge Ex und neuerdings auch einen
wölfischen Freund. Verschwörungstheorien
paaren sich mit Generationenkonflikten,
Boomer-Themen werden präzise und sorgfältig
de-konstruiert. Auch im Interview.
Ich möchte das Interview etwas ungewöhnlich,
da nicht mit Ihnen als Person
beginnen: Sie haben im Zuge der Premierenberichterstattung
auch einen Hinweis
auf Facebook geteilt, in dem Journalistenkollegen
darauf hingewiesen werden,
sie mögen doch nicht auf die Regiearbeit
vergessen. Ihre Regie verantwortet – nicht
zum ersten Male – Petra Dobetsberger,
die etwa auch Programme von Thomas
Maurer, Manfred Linhart und Regina
Hofer mitverantwortet hat …
Dem Peter Blau von Ö1 ist aufgefallen, dass
die Petra in den Kritiken nie erwähnt worden
ist. Im Theater würde das nie
passieren.
Dort spielt die Regie nicht selten zumindest
eine der Hauptrollen. Können Sie
sich den Unterschied erklären?
Weil im Theater sehr oft alte Stücke
inszeniert werden und sich deswegen die
Regie viel wichtiger macht. Im Kabarett
hat man das Gefühl, der Kasperl auf der
Bühne ist schon lustig auf die Welt gekommen
und braucht niemanden, der ihm in
der Richtung etwas sagt.
Nach fast zwei Jahrzehnten ist also Ihr
neues Programm „Hader on Ice“ da, die
Bühnenfigur gibt sich dem Rausch hin.
Wie wichtig ist Ihnen als Künstler der seit
Jahren konstante Rausch des Publikum-
Zuspruches?
Das ist kein Rausch bei mir – oder vielleicht
doch, wenn wir „Rausch“ nicht im Sinne
von Applaus verstehen. Den genieße ich
weniger und lasse ihn über mich nur
ergehen, weil ich schlecht damit umgehen
kann. Ich weiß auch nie, wie lange ich noch
auf der Bühne bleiben oder wie tief ich
mich verbeugen soll (lacht). Das ist eher
stressig für mich. Aber es gibt schon dieses
gemeinsame Dahinfliegen, wenn man mit
dem Publikum gemeinsam in einem Flow
ist und der Abend ein bisserl abhebt. Das
ist etwas Wunderschönes.
Sie haben kürzlich in der Zeit zu Protokoll
gegeben, dass Sie sich für „overrated“
erachten. Dennoch gelten Sie spätestens
seit „Privat“ und „Indien“ als eines der
prominentesten Aushängeschilder in und
außerhalb Österreichs. Wie erklären Sie
sich das?
Das war eine Reaktion darauf, dass mich
der Journalist gefragt hat, wie es mit dem
Nachruhm aussieht. Das war mir dann zu
hoch gegriffen, weil Kabarett nur kontemporär
etwas aussagen kann. Qualtinger ist
da vielleicht eine Ausnahme, weil er zu einer
ganz speziellen Zeit die Verlogenheit einer
ganzen Nation auf den Punkt gebracht hat
– das ist, wenn man will, ein ganz besonderer
Glücksfall. Ich bin sehr glücklich damit, dass
ich Kabarettist und Schauspieler bin, dass
ich unabhängig bin, dass ich überall, wo ich
will, spielen kann – ich fühle mich aber auch
nicht verkannt oder zu wenig beachtet, ganz
im Gegenteil: Ich finde, es gibt viele Künstler,
Fotos: Lukas Beck
08 |

mer.
Stadtflucht
Den Misanthropen zieht es raus
aus Wien, in die tiefste Einöde des
Weinviertels, weit hinter Mistelbach
in eine Welt, in der die Bewohner
in einem Niemandsland leben.
Die Ideallandschaft für den
gesättigten Menschenfeind.

die haben gleich viel oder sogar noch mehr
Talent, die aber keiner kennt, weil sie
vielleicht ein bisserl schrulliger oder
komplizierter sind als ich.
Weil ich gerade „Indien“ angesprochen
habe: Sie haben am 24. September gemeinsam
mit Alfred Dorfer im Wiener Stadtsaal
die Lesung zum Kultfilm. Schwingt da ein
bisschen die Wehmut an vergangene
Zeiten mit?
Nein. Eigentlich machen wir die Lesung
nur, weil Alfred und ich gerne wieder einmal
gemeinsam auf der Bühne sein wollen. Wir
mögen und treffen uns regelmäßig, und
lesen „Indien“ zumeist bei Benefiz-Gelegenheiten
miteinander. Wir machen das
deswegen gern, weil das eine schöne Arbeit
war, aus der auch eine lebenslange Freundschaft
entstanden ist. Und nachdem wir aktuell
kein neues gemeinsames Projekt haben,
müssen wir eben auf „Indien“ zurückgreifen,
wenn wir zusammenarbeiten wollen (lacht).
In Ihrem aktuellen Programm geht Ihr
künstlerisches Ich eine Liaison mit einer
– deutlich jüngeren – Erstsemestrigen ein,
außerdem „halten“ Sie sich einen afrikanischen
Sklaven – beides Themen, die im
Rahmen der grassierenden PC-Wut auch
kritisch beäugt werden können. Wo ist
bei Ihnen die Grenze zwischen der Freiheit
der Kunst und der Standardempörung
„Das wird man ja noch sagen dürfen!!!“?
Es muss sich im Rahmen des ganzen
Programms ausgehen – so, dass mich das
Publikum im Laufe des Abends nicht missverstehen
kann. Was ich nicht machen
würde ist, bestimmte Dinge, die auf der
Bühne vorkommen, in einer kurzen
Comedy-Nummer im Fernsehen zu spielen.
Da würde ich dann um Missverständnisse
betteln (lacht). Bei mir ist natürlich immer
die Gefahr da, dass ich missverstanden
werde, weil ich nicht der Gescheitling bin,
der auf der Bühne steht und erzählt, was
alles dumm und richtig ist, sondern ich stelle
10 |
mich gerne als Trottel oder böser Mensch
dar und spiele die Figur solange, bis es allen
im Publikum graust und
man hoffentlich auch ein bisserl ins Reflektieren
kommt. Ich bin der Meinung, bei
einem zweistündigen Stück muss es auch
Momente geben können, die missverständlich
sind, wenn es sich insgesamt ausgeht –
dass die Stoßrichtung verstanden wird.
Neben Corona dominiert die Presse eben
diese Political Correctness: Kerosin95 fühlt
sich im Standard-Gespräch missverstanden,
Pippi Langstrumpfs Vater ist nur
mehr Südseekapitän und kein Negerkönig
mehr, die Donald-Duck-Comics erscheinen
nun stark abgewandelt neu, „Schwarzfahren“
ist sprachlich auch nicht mehr
zeitgemäß, und bei einzelnen Fluglinien
werden keine „Damen und Herren“ mehr
begrüßt. Geht Ihnen bei sowas auch das
Geimpfte auf oder ist eine Textkorrektur
tatsächlich angebracht?
Ich glaube, grundsätzlich muss man damit
leben können, dass sich die Welt ständig
verändert. Als ich jung war, haben die alten
Leute immer gesagt, dass sich alles ändert
und schlimme Zeiten auf uns zukommen.
Das habe ich damals belächelt. Deswegen
möchte ich jetzt nicht auch den Fehler
machen und ein Mensch sein, der bekrittelt,
was alles verloren geht und dass alles immer
schlechter wird. Weil wenn dem wirklich
so wäre, dann müssten wir schon längst am
Tiefpunkt angekommen sein. Es gibt immer
Entwicklungen, nicht alle sind ideal, manche
sind Korrekturentwicklungen, die zunächst
einmal in bestimmten Bereichen etwas übertrieben
reglementieren, weil es in der
restlichen Gesellschaft noch nicht ganz
angekommen ist. Aber ich stehe dem sehr
gelassen gegenüber, weil es ist oft so, dass es
zu viel um einzelne Buchstaben geht und
nicht ums große Ganze. Die Moral wird
halt auch oft gern dafür eingesetzt, nicht
um selbst ein besserer Mensch zu sein,
sondern um anderen zu sagen, dass sie
schlecht sind – das ist menschlich. Das wird
man nicht ändern können, das ist ein ewiges
Gesetz: Vor hundert Jahren war es eben der
Pfarrer (lacht).
Im Gespräch mit dem Standard heben Sie
hervor, dass es ihr Ziel war, eine Bühnenfigur
zu schaffen, die alles, was Sie
kritisieren wollen, in sich trägt. Trotzdem
wirkt sie nicht unsympathisch. Woran
machen Sie das fest?
Der Sinn ist es auch nicht, eine unsympathische
Figur zu kreieren, sonst würden sich
die Leute das Programm erst gar nicht
anschauen. Ich möchte nur, dass es den
Menschen manchmal graust – aber eben
nur manchmal. Insgesamt muss ich schon
verführen. Das immer wiederkehrende Spiel
ist, zuerst anzulocken und dann wegzustoßen
– Bewegung und Gegenbewegung. Ich kriege
aber schon die Resonanz, dass gerade die
unangenehmen Stellen gut im Gedächtnis
bleiben und sickern, auch wenn man
insgesamt viel Vergnügen gehabt hat. Ich
bin ja auch keine moralische Anstalt, die
nur auf der Bühne steht, allein um die

Furchtbarkeit der Zeit zu beschreiben,
sondern auch darum, zu unterhalten. Satire
per se sollte nie nur unangenehm sein.
Es ist nicht weit hergeholt, Ihr Bühnen-
Ich als „Boomer“ oder „alten, weißen
Mann“ zu bezeichnen. Ist Ihnen – in der
„Generation Beleidigt“, wie die feministische
Publizistin Caroline Fourest schreibt
– dieses Damoklesschwert auch abseits
der Bühne nicht fremd?
Bei einem Kabarettprogramm verwendet
man nicht nur Momente, die einem einund
auffallen, sondern auch eigene Situationen,
die eigene Beschränktheit, die eigenen
Schwächen. Das mischt man dann mit dem
Fremden zusammen, sodass einem keiner
mehr auf die Schliche kommt. Aber ja, so
ein Stück ist auch ein persönliches Drama.
Kann man es als alter, weißer und im
besten Falle heterosexueller Mann heute
überhaupt noch richtig machen, ohne bei
irgendeiner Randgruppe anzuecken?
Das ist nicht das Ziel, alles richtig zu machen.
Außerdem, wenn man sich darauf konzen-
Alter, weißer Mann
In „Hader on Ice“ impersoniert Josef
Hader das Paradeexempel des Typus
„alter, weißer Mann“, der SUV fährt,
sich mit jungen Frauen umgibt, sudert
und sich als trinkfreudiger Eremit gebärdet.
triert, keine Fehler zu machen, dann macht
und traut man sich erfahrungsgemäß überhaupt
nichts mehr. Ich fühle mich aber
eigentlich nie in der Defensive oder an den
Rand gedrängt, nur weil bestimmte Dinge
nicht mehr akzeptiert werden, wie wir uns
als Männer benehmen oder benehmen
sollen. Ich kenne meinen inneren
Schweinehund gut, ich führe ihn ja nicht
unreflektiert äußerln – ich weiß ob meiner
Schwächen Bescheid.
Inwieweit ist das Programm für Sie dann
auch eine Psychohygiene?
Das ist bei jedem Künstler in gewisser Weise
auch eine Eigentherapie. Das verfolgt mich
schon seit meiner Kindheit: Ich wollte immer
schon ein schlimmes Kind sein, aber gleichzeitig
gelobt werden. Da ist die Kunst ein
ideales Betätigungsfeld, da wird man dafür
anerkannt, wo andere gerügt werden.
„Hader on Ice“ dreht sich dem Titel zum
Trotz zwar nicht um den Klimawandel,
auch wenn Ihre Figur SUV fährt: Aber ist
die „Boomer“-Generation dafür verantwortlich,
dass das Weltklima zurückschlägt?
Es bringt nichts, Generationen für irgendetwas
verantwortlich zu machen. Es bringt
auch nichts, die vorherige Generation für
den Zweiten Weltkrieg verantwortlich zu
machen, die vorvorige für den Ersten. Diese
Art von Schuldfrage ist sinnlos. Das könnte
man über die Inquisition bis hin zu den
Hunnenkriegen weiter zurückspielen.
Moralische Fragen haben da keinen Wert,
jede Generation, die kommt, glaubt, sie hat
die Weisheit mit dem Löffel gefressen und
will alles besser machen. Irgendwann sitzt
sie dann tatsächlich im Sattel und macht
andere, aber genauso schlimme Fehler wie
die vorherige, will aber trotzdem nicht
abtreten. Ich finde, Moral hat einen Sinn
für das Zusammenleben von Menschen,
aber in einer Generationenabfolge nicht.
Jeder Mensch ist verantwortlich für sein
Leben und für das, was er verursacht, aber
ich kann nichts damit anfangen, wenn das
auf ganze Generationen übertragen wird.
Sie haben selbst Kinder: Sind jüngere
Menschen der älteren Generation gegenüber
solidarischer eingestellt als umgekehrt?
Meine Erfahrung ist, dass der Kampf
zwischen zwei Generationen immer so
ausgetragen wird, dass man sich gegenseitig
scheiße findet. Auch das war schon immer
so, davon erzählen bereits die antiken
Theaterstücke. Das ist zeitlos und ein ganz
normaler Gang. Die einzige Veränderung
über all die Jahrhunderte ist nur, dass unsere
Spezies jetzt die Ermächtigung hat, den ganzen
Planeten zu ruinieren – im schlimmsten
Fall mit ein paar Knopfdrücken. Darüber
würde ich mir Sorgen machen, wenn es
überhaupt einen Sinn hätte, sich zu sorgen.
nJosef Hader spielt laufend in ganz Österreich,
neue Termine sind aktuell in Planung.
Gemeinsam mit Alfred Dorfer liest er am 24.
September „Indien“.
| 11

Scooter haben während der Corona-
Pandemie eines der wenigen, wirklich geilen
„Wohnzimmer“-Konzerte gegeben, nun
kehren sie aber mit ihrer spektakulären Live-
Show wieder auf die große Bühne zurück
un dgastieren am 21. März in der Wiener
Stadthalle D. Gespielt werden natürlich
nur Hits, Hits & nochmal Hits (haben Scooter
überhaupt jemals keinen Hit geschrieben?),
darunter natürlich auch das programmatische
„FCK2020“, das wohl uns allen mehr als
lautstark aus der Seele spricht ...
Pet Shop Boys präsentieren
am 12. Mai im Gasometer ihre
größten Hits und liefern damit ihren
ureigenen Soundtrack einer jahrzehntelangen
Erfolgsgeschichte. „Mode
ist vergänglich. Stil niemals“: Mit
diesem Zitat hat Coco Chanel zwar
ziemlich sicher nicht Neil Tennant und
Chris Lowe gemeint, aber dennoch
könnte er programmatisch als Tour-
Untertitel geführt werden, denn die
Electro-Pioniere waren schon immer
so etwas wie die Könige des Pop,
gleichzeitig Rampensäue, aber auch
Gentlemen.
K.I.Z. sind zurück! Nach über einer halben
Dekade veröffentlichen K.I.Z vergangenen
Mai ihr neues Album „Rap über Hass“, die
Tour dazu gastiert am 19. Februar in der
Wiener Stadthalle D. Während das Cover
überaus süß geraten ist, erklärt im Intro AfD-
Abgeordnete Bernd Baumann dem Bundestag,
wie „gewaltverherrlichend“, „deutschfeindlich“
und „christenfeindlich“ K.I.Z. sind.
Was diese natürlich als Kompliment verstehen
und erst richtig loslegen. So muss
Gynmnasial-Nihilismus-Arbeiterklasse-Rap
mit Punchlines, die Tabus overtriggern!
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Österreich € 32,– Schweiz CHF 70,– Europa € 50,–
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12 | highlights

Fotos: Philip Nurnberger (Scooter), Matteo Fabbiani (Powerwolf), Phil Fisk (Pet Shop Boys), Hersteller (K.I.Z.), Jan Frank (Gregor Seberg), Yann Orhan (Carla Bruni), Veranstalter (Tom Jones), emotion Bildagentur Zolles KG (Erste Bank Open)
Carla Bruni lässt Intimität und
Qualität zu einer magischen
Melange verschmelzen, mit der sie
die Menschen vereinnahmt.
Scheinbar mühelose Eleganz, ein
Hauch Erotik und sanfter Charme
zeichnen auch ihr neues, selbstbetiteltes
Album aus, das sie nebst
ihren großen Erfolgen am
11. September im Wiener
Konzerthaus präsentiert.
Max Raabe und sein Palast
Orchester bringen Ende Oktober
in der Wiener Stadthalle F und
im Brucknerhaus, sowie im Jänner
im Festspiel- und Kongresshaus
Bregenz Glück unter die Menschen:
„Heute ist ein guter Tag, um glücklich
zu sein” ist inzwischen ein geflügeltes
Wort geworden, Raabe schrieb die
Zeile für das Lied „Guten Tag, liebes
Glück“. Dieses Stück sang er für das
aktuelle Album „Max Raabe & Palast
Orchester MTV Unplugged“ gemeinsam
mit LEA, auch andere illustre
Gäste – wie Herbert Grönemeyer
und Samy Deluxe – waren Teil der
Produktion, werden aber freilich nicht
mit auf Tour gehen!
Die Erste Bank Open in der Wiener Stadthalle sind alljährlich das Tennis-
Highlight im heimischen Sportkalender. Seit 1974 geben sich Stars von Agassi
über Muster und Thiem bis hin zu Zverev in Wien ein Stelldichein, dieses Jahr zwischen
23. und 31. Oktober! Die Erfahrungswerte versprechen: Nicht nur die beiden Vorentscheidungstage
sowie das Finale versprechen spannende Tennis-Momente!
Powerwolf haben am 16. Juli ihr
neues Album „Call Of The Wild“
veröffentlicht und werden am
21. Oktober im Gasometer zum
kollektiven Wolfsgeheul anstimmen.
Das wird mehr als nur bombastisch!
Gregor Seberg ist nicht
nur laufend mit seinem Solo
„Wunderboi“ zu sehen, sondern geht
gemeinsam mit der Improkünstlerin
Magda Leeb auch auf „Doppelbuchung“
in die Kulisse.
Tom Jones reist in ein neues musikalisches
Abenteuer namens „Surrounded
By Time“, interpretiert am 23. und
24. September in Wien & Graz eine
Reihe von Songs mit persönlicher
Bedeutung auf völlig neue Art & Weise.

Il ballo della
Ihr Triumph beim ESC machte Måneskin auch hierzulande über Nacht
berühmt. Doch im Gegensatz zu einem Gros anderer Vertreter des
Wettbewerbs verspricht hier die musikalische Qualität, es nicht mit
einer Eintagsfliege zu tun zu haben. INTERVIEW: MANFRED REBHANDL REDAKTION: STEFAN BAUMGARTNER
Auch wenn es der Bandname
verschleiert:
Måneskin – dänisch
für „Mondlicht“ – stammen
nicht aus dem „Venedig des
Nordens“, sondern der Ewigen
Stadt, Rom. Wie für Italiener
üblich, sehen Damiano, Victoria,
Thomas und Ethan überaus fashionabel
aus, klingen dabei aber nicht nur
mindestens genau so glamourös und
mondän, sondern auch bunt: Irgendwo
zwischen Rock’n’Roll, Rap, Hip-Hop,
Reggae und Funkpop changiert ihr
Sound, der dem Quartett auch den Sieg
beim Eurovision Song Contest 2021 einfahren
ließ. Diesen März erschien ihr
GEWINN
SPIEL
zweites Album „Teatro d’ira – Vol. I“, welches
Wir verlosen drei Exemplare von
14 |
am 11. September beim Nova Rock
Encore auch live vorgestellt wird.
Måneskin Sie sehen nicht nur fashionabel aus, sondern machen
„I wanna be a champion, I wanna be a
dabei auch noch richtig gute Musik: Victoria De Angelis (Bass), Damiano
David (Gesang), Thomas Raggi (Gitarre) und Ethan Torchio (Schlagzeug).
loser“ singt ihr in eurem Song „I Wanna
Be Your Slave”. Italien ist seit Mitte Juni
Fußball-Europameister, wo habt ihr das
Finale geschaut?
Victoria:Wir waren in Rom in einem Hotel
und hatten eine kleine, aber feine Party.
Fandet ihr, dass die englischen Fans
schlechte Verlierer waren?
Victoria: Ich denke, dass niemand glücklich
ist, wenn er verliert!
Damiano: Du kannst sie nicht generell
verurteilen. Es gibt unter allen Fußballfans
Gruppen, die gewalttätig oder dumm sind,
aber die meisten sind großartig.
Wärt ihr so mutig, im Finale selbst Penalty
zu schießen?
Victoria: Natürlich! Ich war selbst in einer
Schul-Fußballmannschaft und habe im
Sturm gespielt.
Oder vielleicht mit Måneskin selbst vor
60.000 Leuten spielen?
Victoria: Ein paar Jahre noch, dann klappt
das!
Ihr habt in kleinen Clubs in Rom angefangen.
Gibt es dort eine gute Szene?
Vicotria: Wir haben sogar auf der Straße
begonnen! Eine gute Szene haben wir in
Rom leider überhaupt nicht, da gibt es für
„Teatro d’ira – Vol. I“ von Måneskin
zuzüglich Festivalpässe für das Nova
Rock 2022. Mehr Informationen und
Teilnahmebedingungen:
www.ticketmagazin.com

vita
aufstrebende Bands fast keine Auftrittsmöglichkeiten.
Das muss sich ändern!
Foto: Ilaria Leie
Hattet ihr einen Karriereplan?
Victoria: Einen Plan hatten wir nicht, aber
wir hatten immer den unbedingten
Wunsch, es schaffen zu wollen, Musik ist
das, womit wir unser Leben gestalten wollten.
Wir geben immer hundert
Prozent, um unseren Traum
Wirklichkeit werden zu lassen, und sind
wirklich sehr glücklich, dass es bis jetzt
funktioniert hat!
Du, Victoria, und du, Thomas, ihr haut
euch beim Gitarrenspiel richtig rein. Habt
ihr als Kinder viel Luftgitarre gespielt?
Thomas: (lacht) Oh ja, ich habe wirklich
viel Luftgitarre gespielt!
Victoria: (lacht) Ich glaube, jeder spielt
Luftgitarre, wenn er alleine zuhause in seinem
Zimmer hockt und Musik hört.
Einmal habt ihr auf der Bühne sogar die
Instrumente für einen Song gewechselt.
Victoria: (lacht) Ja, das haben wir mal in
Rom bei einem Gig gemacht, ich habe
Gitarre gespielt, Thomas war am Schlagzeug,
und Ethan war am Bass. Aber es
klang Scheiße, und darum werden wir es
nie wieder machen!
Victoria, es gibt viele berühmte Bassistinnen
wie Kim Deal von den Pixies, oder
Melissa auf der Maur von Hole. Waren
die Inspiration für dich?
Victoria: Die größte Inspiration für mich
war Kim Gordon von Sonic Youth, ich bewundere
sie, weil sie diese unglaubliche,
auch ein bisschen gewalttätige Energie
hatte in einer Zeit, als die Rockmusik nur
für Männer vorbehalten war. Sie hat auf
sehr coole Art einen unkonventionellen
Feminismus gelebt, indem sie richtig hart
den Bass spielte. Das habe ich geliebt.
Auch du, Ethan, schlägst oft richtig hart
auf deine Drums ein. Es war wohl nicht
Ringo Starr, der dich beeinflusst hat?
Ethan: Oh, ich liebe Ringo! Er ist so gut,
ich mag ihn wirklich! Ob er der beste
Drummer der Welt ist? Schwierige Frage,
möglich ist es. Er ist jedenfalls einer der
einflussreichsten Drummer aller Zeiten.
Trotzdem habe ich zum Beispiel Jon
Bonham noch mehr bewundert, weil er
ein richtiger Rock-Schlagzeuger war.
Victoria: Ehtan hat viel mehr Muskeln,
darum spielt er viel lauter als Ringo!
Und du, Damiano, konzentrierst dich
darauf, die Mädchen verrückt zu
machen?
Damiano: Oh nein! Darauf konzentriere
ich mich überhaupt nicht ... Das passiert
einfach (lacht).
Viele Italiener in eurem Alter leben sehr
lange im Hotel Mama. Ihr seid mittlerweile
auf eigenen Füßen stehend?
Victoria: (lacht) Ja, sehr viele müssen sehr
lange zuhause leben, weil sie sich keine
Wohnung leisten können. Wir haben keine
großen Häuser, aber wir leben immerhin
alle in einer eigenen Wohnung.
Thomas: Zumindest in einem eigenen
Zimmer!
Aber wenn ihr heimkommt, dann macht
Mama immer noch Spaghetti für euch?
Alle: Immer!
Der Papst ist quasi euer Nachbar, hat er
euch zum ESC gratuliert?
Damiano: Wir sind keine religiöse Band
und haben mit der Kirche nichts zu tun,
aber Papst Franziskus ist ein aufgeschlossener
Mann, ich denke also, er mag uns.
Natürlich folgt auch er den Regeln der
Bibel, aber er ist viel besser als der alte
Papst aus Polen.
Der Musikwettbewerb Sanremo, wo ihr
heuer Zweiter geworden seid, ist in Italien
noch wichtiger als der Songcontest.
Damiano: Das liegt daran, dass das ganze
Line-up von italienischen Künstlern
gestaltet wird, so können die Italiener viel
mehr mitfiebern, jeder möchte, dass „sein“
Act gewinnt.
Die Liste großer italienischer Musiker
ist lange, seid ihr selbst patriotisch?
Ethan: Sie alle repräsentieren die großartige
Tradition unseres Landes, aber wir sind
stolz, dass wir eine neue Generation
vertreten.
„I want a pink world full of colour“ singt
ihr in eurm Song „The other dimension“.
Wie zuversichtlich seid ihr, dass
wir mal in einer „gerechteren“,
„schöneren”, „farbigeren“ Welt leben
werden?
Damiano: Ich glaube wirklich an den Fortschritt
unserer Gesellschaft, wir müssen
alle unseren Teil beitragen, können nicht
einfach ruhig sein und zuschauen, wenn
wir unfaire Dinge beobachten. Wir müssen
sie aussprechen und versuchen, etwas zu
ändern.
Thomas: Wir informieren uns über das,
was auf der Welt passiert, und wenn uns
etwas berüht, oder wenn wir etwas als
unfair empfingen, dann sprechen wir es
auch laut aus.
Victoria: Viele Künstler haben nach wie
vor Angst davor, ihre Meinung auszusprechen,
weil sie vielleicht fürchten, Fans zu
verlieren. Aber uns ist am Ende die eigene
Meinung wichtiger als der Support von
Fans, wenn es um Ungleichheit und Minderheitenrechte
geht. Da sollte jeder den
Mut haben, sich zu äußern.
n Måneskin spielen am 11. September im
Rahmen vom Nova Rock Encore im Stadion
in Wiener Neustadt.
| 15

Wer sich genauer mit der
Kunst von Nick Cave
auseinandersetzt, dem
wird schnell klar: Er ist
ein Jäger und Sammler,
der alles aufhebt, skizziert
und notiert, was ihn
beschäftigt. All das lebt
in der verschlungenen
Welt, die um seine Songs
erschaffen wurde und
die von ihnen bewohnt
wird. TEXT: STEFAN BAUMGARTNER
Jäger &
Sammler
Es war diesen Juli – nach über einem Jahr Trübsal blasen –
meine erste Auslandsreise seit gefühlt Äonen: In Kopenhagen
eröffnete letzten Sommer
inmitten von Corona die Ausstellung
„Stranger Than Kindness“, eine
– ebenfalls – Reise in die kreative
Welt des Musikers, Geschichtenerzählers
und Künstlers Nick Cave.
Nachdem Cave bereits seit Jahrzehnten nicht nur
einer der von mir höchst geschätzten Musiker
ist, sondern darüber hinaus auch so etwas
wie ein emotionaler Anker und intellek-
16 |
Gelebte Intimität
Nick Cave ist als
Künstler nicht nur
selbstreflexiv, er lässt
auch sein Publikum
nah an sich ran und
über die Schulter schauen:
„Stranger Than
Kindness“ lädt zu
Nick Cave nach
Hause ein.
Foto: Ben Smith

tueller Leitführer, war ein Besuch der Ausstellung
freilich mehr als nur eine Pflichterfüllung
– wobei: der schnöde Begriff „Ausstellung“
greift in diesem Fall sogar zu kurz.
Im Untergeschoß des Sorte Diamant, ein
kubischer Anbau der Dänischen Königlichen
Bibliothek auf der Insel Slotsholmen
in der Kopenhagener Innenstadt, finden
sich neben großformatigen Installationen
und atmosphärischen Klanglandschaften
(so weit, so handelsüblich) auch rund 300
Objekte aus Caves eigener Sammlung, dem
Nick-Cave-Archiv im Arts Centre
Melbourne und von privaten Leihgebern.
Die Ausstellung präsentiert mehr als 50
Jahre von Caves Leben, Werk und
Inspiration. Stücke wie Originalvorlagen,
handschriftliche Songtexte, Literatur,
Fotografie, Videos, Bühnenbilder und
gesammelte persönliche Artefakte werden
in acht Räumen gezeigt. „Stranger Than
Kindness“ will untersuchen, was Nick Caves
Leben prägte und ihn zu dem machte,
was er heute ist – und so findet sich
nebst einem originalgetreuen Nachbau
seines Zimmers im Berliner Exil
unter anderem auch ein Gros seiner
persönlichen Bibliothek, gesammelte
Haarbüschel (!) und ein Kaugummi,
den Caves Vorbild Nina Simone einst
an ein Klavier klebte (und sich eigentlich
im Besitz seines Band-Kompagnons Warren
Ellis befindet).
Als das Museum der Dänischen Königlichen
Bibliothek erstmals mit der Idee an Nick
Cave herantrat, hatte er zuerst Bedenken
und kein Interesse an einer biographischen
Ausstellung, die naturgemäß posthumen
Charakter verströmt. Doch Kuratorin Christina
Back konnte ihn und sein
Management überzeugen: „Wir haben eine
lange Tradition mit Künstlern und
Künstlerinnen, bei denen man
erst herausfinden muss, ob
und wie sie sich für eine
Ausstellung im Museum
eignen. Wir sind sehr
interessiert an der Frage:
wie stellt man ein schriftliches Archiv im
Raum dar? Nick Cave ist für mich in erster
Linie Geschichtenerzähler. Sowohl in seiner
Musik als auch in seinen Büchern. Wir
waren gespannt, wie wir die Räume mit
seinen Geschichten füllen würden.”
Als Titel der Ausstellung wurde „Stranger
Than Kindness“ gewählt. Es ist erstens Nicks
eigener Lieblings-Song und zweitens eines
der wenigen Stücke seines Repertoires, das
er nicht selbst schrieb – es ist die Autopsie
eines Beziehungsendes: Der Text stammt
von seiner ersten Freundin Anita Lane, die
Musik von Blixa Bargeld, dem Sänger der
Berliner Krachmaschine Einstürzende Neubauten,
der bis 2003 auch bei Caves aktueller
Band, den Bad Seeds, lärmen durfte.
„Es geht um eine Reise durch seine
Inspirationen, um die Dinge, die er liebt“,
erklärt Back. „Und wie sie sich auf Musik
und Schreiben auswirken. Es gab ja in letzter
Zeit einige Ausstellungen über Pop-Ikonen
wie David Bowie. Uns war von Anfang an
klar, dass es keine Reise durch seine Alben
werden würde. Wir wollten lieber zeigen,
wie seine Kreativität aussieht, wie er arbeitet.
Er wollte, dass seine Fans das hier sehen
können. Nick und Warren Ellis schufen
extra Sounds für unsere Räume. Er selbst
nennt die Ausstellung ‘ein eigenes Werk’. Einen
Weg, eine Geschichte zu erzählen. Ein
Weg, all das zu zeigen, was in seinem Leben
passierte.“
Damit fügt sich die famose Ausstellung
perfekt in das heutige Erscheinungsbild des
ehemals drogensüchtigen, verqueren
Düstermanns ein: Cave geht seit Jahren mit
dem Gesprächsformat „Conversations with
Nick Cave“ auf Tour – hier interpretiert er
solo am Klavier seine Stücke, zwischendurch
darf ihm das Publikum Fragen stellen,
auch persönliche und intime.
Selbiges passiert auch online
auf seiner Plattform
„The Red Hand Files“.
Cave – zu Frühzeiten
tendenziell unnahbar
– präsentiert sich somit
heute als weltgewandter, intellektueller,
nachdenklicher und pointierter Zeitzeuge,
der mit seinem Publikum stets auf Tuchfühlung
geht: Bei seinen Konzerten züngeln
ihm abertausend Hände wie giftig-gierig
zischelnde Schlangen entgegen, und wie
der Herrgott selbst steigt er herab in die
Schlangengrube und suhlt sich im triefenden
Gift der entrückten Antlitze. Wenn er
rezitiert, dann prallen Welten aufeinander
und lassen aus dem Koloss der Selbstzerstörung
neues Leben erwachen. Und nebst
seiner Kunst – vorrangig der Musik, aber
auch im Roman- und Filmformat – und
dem direkten Zwiegespräch der Conversations
und der Red Hand Files zeigt gerade
auch „Stranger Than Kindness“ das innige
Verhältnis, das er mit seinem Publikum
pflegt. Denn auch hier öffnet sich Cave und
lässt genau die Pfade finden, die hineinführen
ins Herz seiner Musik – und sei es
mittels Kritzeleien nackter Frauen auf Kotztüten
einer Fluglinie. Das ist kein haptischer
Personenkult eines Popstars, sondern gelebte
Intimität.
n Nick Cave & The Bad Seeds gastieren am
5. August auf Burg Clam. Das Buch zur Ausstellung
erschien im Kiepenhauer & Witsch-
Verlag mit deutschsprachigem Booklet.
SOMMER AUF BURG CLAM
Im Sommer 2022 spielt es auf Burg Clam
endlich wieder Musik: Im malerischen
Ambiente der Felsenburg im Unteren
Mühlviertel in Oberösterreich lässt sich
kommenden Sommer endlich wieder ein
breit gefächertes, dabei aber wohlfeil
kuratiertes Programm erleben:
12. Juni: Foreigner – definitiv nicht ohne ihrem
Hit „I Want To Know What Love Is“ im Gepäck
1. Juli: Zucchero – mit „Senza Una Donna“
und mehr zieht italienisches Flair in die Burg ein
8. Juli: Clam Rock – mit Deep Purple, Uriah
Heep, Dweezil Zappa und vielen mehr
15. Juli: Lionel Richie – bei „Dancing On The
Ceiling“ kommt definitiv Partystimmung auf
23. Juli: Judas Priest – die Heavy-Metal-Heroen
haben Beyond The Black und Saxon im Gepäck
30. Juli: Parov Stelar – der „King of Electro-
Swing“ feiert mit „Voodoo Sonic“ sein Heimspiel
5. August: Nick Cave & The Bad Seeds –
nicht nur mit Warren Ellis, sondern mit Band
12. & 13. August: Pizzera & Jaus – mit Gert
Steinbäcker, Wolfgang Ambros, Lemo & Skolka
19. August: Hubert von Goisern – mit seinem
aktuellen Album „Zeit & Zeichen“
20. August: Seiler & Speer – mit LaBrassBanda,
Monti Beton, Minisex & Christina Kosik

Jurassic
Welcome to the
Park
Gut gealtert
Zwar keine juvenilen
Raptoren mehr, aber
gemeinsam immer
noch ein amtlicher
T-Rex: Axl, Slash & Co.
Als ich in den Spätachtzigern auf
meinem kümmerlichen 36cm-
Fernseher via Super Channel erstmals
die Anfangsakkorde und die zwingenden
Drums zu „Paradise City“ hörte
und kurz darauf auch visuell der Blitz bei
mir einschlug, war es um mich geschehen.
Klar, Hair Metal von Mötley Crüe bis Poison
war bei mir damals schon auf Heavy
Rotation, und ich hatte eben erst die neu
erstarkten Aerosmith mit „Permanent Vacation“
entdeckt. Aber Guns N’ Roses waren
so etwas wie ein Missing Link. Eine
Band, die zwar mit breiten Powerchords
und fast schon poppigem Songwriting
perfekt in die LA-Schule passte, gleichzeitig
18 |
Der Begriff „Rock-Dinosaurier“ ist sehr
strapaziert. Ein Terminus, der oft wenig
schmeichelhaft für wohlverdiente, aber meist
aus der Zeit gefallene Mega-Acts der
Sechziger bis Achtziger benutzt wird – meist
zu Recht. Viele der einstigen Raptoren verkommen
über die Jahrzehnte zu gemütlichen
Diplodoken. Nicht so die Gunners, vereint
sind sie immer noch ein T-Rex. TEXT: MARKUS HÖLLER
aber punkto Gitarrenarbeit weit weg von
den Shredmeistern der Zeit entfernt war
und eher den Rotz des 70er-Bluesrock
ausstrahlte. Peak MTV war damals auch,
und so kamen die Musikvideos am laufenden
Band herein: „Sweet Child O‘ Mine“,
„Welcome To The Jungle“; wenig später
auch Balladiges wie „Patience“. Eine
Rockband also, mit einem rothaarigen,
androgynen und einem von Trennscheibe
bis Tony Bennett gesegneten Stimmregister
ausgestatteten Sänger; dazu ein ikonischer
Leadgitarrist, dessen Gesicht man unter
Zylinder und Haarpuschel nur erahnen
konnte – wie die andere Bandkollegen
dürr, tätowiert und in Lederhosen mit
Cowboystiefeln. Schnell war mein bis dato
via Iron Maiden und Bon Jovi kultiviertes
Foto: Barracuda Music

Rolemodel ad acta gelegt, so musste meine
Zukunft aussehen. Doch das ist eine andere
Geschichte.
Also schnell in den Plattenladen und das
famose, bis heute meist verkaufte Debütalbum
aller Zeiten „Appetite For Destruction“,
gekauft. Übrigens noch mit
dem schon kurz nach dem
Release zensurierten
Originalcover. All
Killer, no Filler, Punkt. Dann „Lies“, hierauf
länger nichts, dann der Release der
„Use Your Illusion“-Doppleraffäre. Drei
oder vier Jahre, in denen diese einst als
„most dangerous Rock Band in the world“
bezeichnete Combo nicht nur die Musikgeschichte
prägte, sondern auch mit
Kernjahren meiner Jugend zu einer untrennbaren
Einheit verschmolz. War ich
beim ersten Kontakt mit der Stimme von
Axl Rose und der ungeheuren Spielfreude
von Slash gerade mal erst 15 Jahre alt,
kulminierte das Ganze mit knapp 20 Lenzen
in dem lange herbeigesehnten und
von GenX-Vertretern wie mir oft erwähnte
legendären Konzert auf der Donauinsel.
70.000 Zuschauer oder so, als Opener (!)
spielten Faith No More und Soundgarden.
Der Wahnsinn! Danach begann, beginnend
mit dem missglückten Cover-Album
„The Spaghetti Incident“ und der grotesk
langen Saga rund um „Chinese Democracy“
mitsamt zahlreichen Trennungen
eine sehr turbulente Zeit für Guns N’ Roses.
Wie schon zum vorausschauenden
Hohn hieß es in „Pretty Tied Up“:
„Once there was this rock‘n’roll
band/Rollin’ on the streets/Time
went by and it became a
joke/We just needed more and
more fulfilling... uh-huh/Time
went by and it all went up in
smoke”.
Das alles soll aber nichts an den
rund vier Jahren ändern, in denen die
Band nicht nur im globalen Prä-Grunge-Musikbiz
brillierte (manche Medien
verstiegen sich sogar in der gewagten These,
dass Guns N’ Roses den „Hammer of
the Gods“ von Led Zeppelin aufheben
könnten), sondern auch formende Jahre
im Flegelalter für mich prägten. Egal, ob
jene legendäre Schulparty auf dem Johann-Strauß-Dampfer
und Schmuserei
zu „Sweet Child O‘ Mine“, eine meiner
ersten Solo-Autofahrten mit der Premiere
von „Civil War“ im Radio oder bis heute
unbegreifliche persönliche sexuelle
Höchstleistungen zur gesamten „Use Your
Illusion II“ – Guns N’ Roses waren immer
da. Und mit „November Rain“ erklomm
die Band dann auch den Musik-Video-
Olymp: Bühnen-Bombast, die unglaublich
schöne Stephanie Seymour in einem
noch unglaublicheren Brautkleid, Slash
via Heli-Cam solierend vor der Kirche
und einer der bis heute legendärsten WTF-
Plot-Twists der MTV-Geschichte. Mehr
geht nicht.
Hingegen: Ein kurzes Wiedersehen mit
der Band im Jahr 2006 bei Rock am Ring
ließ mich eher ratlos zurück. Uncharismatische
Bandmitglieder, ein fragwürdiger
Gastauftritt vom schlecht gealterten eins-
tigen Skid-Row-Frontmann Sebastian
Bach und ein sichtlich fertiger Axl ließen
meine schönen Erinnerungen bröckeln.
War das das Ende der einst größten Rockband
des Planeten? Auch die durchaus
erquicklichen Auftritte von Slash’s Bandprojekten
konnten mich nicht über das
verlorene Mojo der Band hinwegtrösten.
Eine Reuninon schien jedoch ausgeschlossen.
Bis zum Jahr 2015. Die Bandmitglieder,
mittlerweile ihre Drogenprobleme
und sonstige Verhaltensauffälligkeiten
hinter sich lassend, gingen wieder in Fast-
Originalbesetzung auf Tour. Axl, der einstige
Mr. Unzuverlässig, sprang sogar kurz
darauf höchst bravourös ein, um den
hörverlustigen Brian Johnson von AC/DC
auf dem Rest deren Tour zu vertreten.
Und so dreht sich das einst verloren geglaubte
Rock-Karussell nun auch schon
seit einigen Jahren doch weiter.
Wenn Guns N’Roses also am 13. Juli 2022
im Ernst-Happel-Stadion, fast 40 Jahre
nach ihrer Gründung und mehr als drei
Jahrzehnte nach ihrem ersten Gig in Wien,
ihre größten Hits vom Stapel lassen, dann
hat man es fürwahr mit einer der letzten
Dinos zu tun. Keine drahtigen, hungrigen
Raptoren mehr, klar, aber immer noch
ein gemeinschaftlicher T-Rex, der punkto
Wucht und Charisma viele aktuelle Bands
in den Schatten stellt. Denn keine Rockband
danach konnte jemals wieder diese
Mischung aus Erfolg, popkultureller Bekanntheit,
Spinal-Tap-artiger Grotesken
und dem guten alten Klischee von Sex,
Drugs & Rock’N’Roll reproduzieren wie
Axl, Slash und Co. Auch wenn man privat
schon durchaus altersmilde geworden ist
– auf der Bühne haben sie nichts an Explosivität
verloren, wie sie zuletzt 2017
in Wien eindrucksvoll bewiesen haben.
Und nun, vier Jahre später, gemma wieder
Dino schauen!
n Guns N’ Roses spielen am 13. Juli im
Ernst-Happel-Stadion.
| 19

Senjutsu
The Black Album
Nothing Else Matters. Fragt man einen
Heavy-Metal-Fan nach dem besten Album
von Metallica, wird er sich vermutlich zwischen
„Ride The Lightning“ und „Master Of Puppets“
entscheiden. Nichts desto trotz ist ihr
fünftes Album, das dieses Jahr stolze 30 wird,
20 |
IRON MAIDEN
Am 3. September melden sich Iron Maiden mit ihrem
17. Studioalbum „Senjutsu“ lautstark zurück, am 10. Juli
gastieren sie im Stadion Wiener Neustadt.
GEWINN
SPIEL
Wir verlosen zwei Tickets zzgl. CD für
Iron Maiden im Stadion Wiener
Neustadt. Mehr Informationen und
Teilnahmebedingungen:
www.ticketmagazin.com
Bereits sechs Jahre ist es her, als Iron Maiden mit „The Book Of Souls“ ihre letzten neuen
Songs vorstellten. Nun erscheint mit „Senjutsu“ – frei übersetzt „Taktik und Strategie“ –
endlich neues Material der britischen Heavy-Metal-Heroen, dafür aber gleich im Übermaß:
Obwohl „Senjutsu“ nur zehn Stücke umfassen wird, wartet die Platte mit beachtlichen 82
Minuten Laufzeit auf. Bassist Steve Harris verrät: „Da sind ein paar wirklich komplexe Stücke
auf diesem Album. Es hat eine Menge harter Arbeit gebraucht, bis die genau so klangen, wie
wir uns das vorstellten.“ Laut Sänger Bruce Dickinson sind sogar „ein, zwei Songs“ dabei, die
vom üblichen Stil abweichen. Wir sind gespannt, wie sie sich am 10. Juli ins Liveset einfügen!
METALLICA
Metallica begehen das 30. Jubiläum
ihres Populär-Durchbruches
gewohnt umfangreich.
ihr Durchbruch in den Pop-Olymp gewesen:
Gerade mit Balladen wie „The Unforgiven“
und „Nothing Else Matters“ konnten sie
neue Zielgruppen erschließen. Nun erscheint
das Album nicht nur etwa als umfangreiche
Deluxe-Box neu, sondern wird unter dem
Titel „The Metallica Blacklist“ auch von 50
Künstlerinnen gecovert, dabei kaum aus dem
Heavy-Genre: Neben naheliegenden Bands
wie Ghost und Volbeat finden sich hier auch
Namen wie Miley Cyrus und Kamasi Washington.
Außerdem bringen Metallica in Kooperation
mit Vans eine Sneaker-Kollektion
auf den Markt: Die Ausführungen „Sk8-Hi“
und „Classic Slip-On“ ziert das legendäre
„Sad But True“-Design von Pushead.
STEFFEN KOHLMANN
Waste Cooking
Bereit zum dritten Mal findet der
Charity-Kochkurs statt.
Bereits zum dritten Mal veranstaltet
Spitzenkoch Steffen Kohlmann den
Charity-Kochkurs zugunsten der St. Anna
Kinderkrebsforschung. Am Sonntag, den
12. September, lädt Kohlmann in der Kochlounge
am Belvedere zum gemeinsamen
„Waste Cooking“. Aus geretteten Lebensmitteln
werden dabei hochwertige High-
End-Gerichte gezaubert.
Die Ticketerlöse (je Teilnehmer € 70,-)
kommen zur Gänze der St. Anna Kinderkrebsforschung
zugute.
GEWINN
SPIEL
Wir verlosen eine Deluxe-Box des
„The Black Album“ von Metallica.
Mehr Informationen und
Teilnahmebedingungen:
www.ticketmagazin.com
Fotos: Das Sonnreich (Sonnreich), Galiani Berlin (Sven Regener), Johannes Zinner / Schultz & Schirm (Klaus Eckel), Leykam Verlag (Robert Fröwein), Steffen Kohlmann (Waste Cooking), Universal Music / Vans (Metallica), Warner Music / John McMurtrie (Iron Maiden)

Klaus Eckel
„Sonderbares“ ist der kleinste
gemeinsame Nenner der
diesmal vorgestellten Bücher:
Klaus Eckel trifft auf plötzlich
sprechende stumme Diener,
bei Sven Regener prallen Kunst
und Wahn aufeinander und
Robert Fröwein
fährt Uber, bis
Afghanistan.
TEXT: STEFAN BAUMGARTNER
Allerdings
Kabarettist Klaus Eckel (4,5 Sterne auf oeticket) war natürlich auch von
Corona betroffen, über ein Jahr keine Bühnenauftritte. Dass da die liebe
Ehefrau bald einmal anregt, sich eine andere Beschäftigung zu suchen – im
Optimum eine, die auch das Haushaltsbudget rettet – ist naheliegend. So
findet sich Eckel als Nachtwächter in einem Self Storage wieder. So weit, so
normal. Das Obskure dabei: Er realisiert, dass er mit den dort ein- oder endgelagerten
Gegenständen kommunizieren kann. Daraus entwickeln sich
kurze, teils hochphilosophische Dialoge über Alltägliches. Klaus Eckel spielt
„Ich werde das Gefühl nicht los“ laufend in ganz Österreich, die Lesung
zum Buch gibt es gemeinsam mit Bernhard Murg am 25. September im Theater im Park.
Sven Regener
Glitterschnitter (ET: 9. September)
Regeners neuer Roman
knüpft an „Wiener Straße“
an, die titelgebenden
Glitterschnitter sind auch
das Krachprojekt, das
ebda. bei Magical
Mystery gespielt hat und
nun auf der Wall City
Noise Ruhm erlangen
soll. Dort soll auch H.R. Ledigt ein Bild ausstellen,
aber er mag das geforderte Ölbild nicht malen,
sondern lieber eine IKEA-Musterwohnung aufbauen.
Dann gibt es da noch die ArschArt-
Galerie und das Café an der Wien, in der Milchkaffee
der Renner ist ... Skurril! Sven Regener
liest am 13. November im Rabenhof Theater.
Robert Fröwein
Ein Leben voller Abzweigungen
Kollege Fröwein ist privat
wie berufsbedingt viel
unterwegs, nicht nur im
Ausland, auch in seiner
Heimatstadt Wien. Dass
da gerade zu Randzeiten
und auch sonst wetterbedingt
gerne einmal
nicht das hervorragende
Öffinetz, sondern der Fahrtendienst Uber
genutzt wird, ist naheliegend. Auch, weil er gemeinhin
überaus kommunikationsfreudig ist und
stets die Unterhaltung sucht – und bei Uberfahrern
lassen sich tatsächlich zahlreiche interessante
Geschichten aufschnappen, die nun gesammelt
in seinem ersten Buch erschienen sind.
MEHR
ENTSPANNUNG AUF
WWW.SONNREICH.AT
„Wo man mit voller Kraft
entspannt“
LIFESTYLETIPP
Hotel DAS SONNREICH****
Abschalten, die Seele baumeln lassen, genießen und
Kraft tanken. Und am liebsten alles in einem?
Die Schönheit des steirischen Thermenlandes, das milde Klima
und die sanfte Kraft der Natur – all das macht im SONNREICH****
nicht an der Türe halt. In der Lobby gurgelt entspannt das Wasser,
warmes Holz trifft auf frische Farben und die Strahlen der Sonne
kitzeln in der Nase. Das 4-Sterne-Hotel bietet Action und Fun
sowie Erholung und Entspannung gleichermaßen. Als Wellnessoase
für Ruhesuchende ist das SONNREICH**** in Bad Loipersdorf
ideal zum Abschalten und Seele baumeln lassen. Das Thermenhotel
ist angrenzend zum Thermenresort Loipersdorf und bequem in
einem beheizten Bademantelgang erreichbar. Ob Sie Ruhe suchen
oder Möglichkeiten, auf die unterschiedlichsten Arten aktiv zu
sein: Im SONNREICH**** finden Sie beides in hoher Qualität!

SHORTFACTS
Heimat
Salzburg
Genre
Indierock
pleasemadame.com
instagram.com/pleasemadameofficial
facebook.com/pleasemadame
„Angry Boys, Angry Girls“ erscheint am
10. September bei Kleio Records.
TERMINE
03.10. pmk, Innsbruck
08.10. Stadtwerkstatt, Linz
09.10. ppc, Graz
12.10. WUK, Wien
05.11. Rockhouse, Salzburg
06.11. Carinisaal, Lustenau
Mit Haltung
Please Madame legen mit „Angry Boys, Angry
Girls“ einen abwechslungsreichen Drittling
voller Emotionen vor. TEXT: AMINA BEGANOVIC
LOKALAUGENSCHEIN
Ein außergewöhnlicher Ort in ihrer Heimat
Salzburg? „Da gibt es einige“, sind sich
Dominik und Niklas einig und müssen erst
einmal nachdenken, welchen davon sie
besonders empfehlen können. „Wenn es um
Live-Venues geht, dann auf jeden Fall das
Rockhouse, unsere ‚Herzensheimat‘, wo wir
de facto aufgewachsen sind.“
Natürlich haben die Jungs von Please Madame
auch einen Outdoor-Geheimtipp: Das Waldbad
Anif, direkt am Stadtrand von Salzburg. Noch
nie gehört? Dann nichts wie hin! „Dort kann
man extrem schön baden gehen. Es ist so
Bergsee-mäßig, nur, dass es nicht wirklich
oben auf einem Berg liegt. Dafür aber versteckt
im Wald, mit total klarem, kalten Wasser.
Wunderschön!,“ beschreibt Dominik den Freizeit-Spot.
Viele Schatten spendende Bäume, ein 300
Meter langer Badesteg, Freiluft-Seerestaurant
und eine Vielzahl an Möglichkeiten für sportliche
Aktivitäten (Volleyball, Tischtennis, etc.)
laden zu einem entspannenden Tagesausflug
ins Naturbad Anif ein.
Niklas ergänzt: „Es gibt auch ein tolles Floß,
auf dem man supergut Musik spielen kann.
Wir haben dort unsere Live-Session für den
Song ‚Swim‘ gefilmt. Im Waldbad, mitten auf
dem Floß. War sehr lustig, aber auch ziemlich
aufregend!“
Dass gerade junge Leute in Zeiten
wie diesen ein beständiges Maß
an Wut im Bauch verspüren, verwundert
nicht. Lockdown und Restriktionen,
die Klimaproblematik, Leistungsdruck,
und ja, natürlich auch die Politik. Das heimische
Indie-Quartett Please Madame
kann von dieser aufgeladenen Stimmung
ein Lied singen. Oder auch viele, genauer
gesagt 13 neue Tracks: Mit „Angry Boys,
Angry Girls“ veröffentlichen Dominik
Wendl, Martin Pöheim, Laurenz Strasser
und Niklas Mayr am 10. September ihr
drittes Studioalbum bei Kleio Records. Die
Platte soll aber kein Rant über alles Negative
sein, sondern befasst sich mit dem „schöpferischen
Charakter“ von Wut. Und bezieht
sich dabei auf die großen Themen und Ereignisse,
die vor allem die Generation Y
und Z in den letzten Jahren bewegt haben:
Seien es „Fridays for Future“, die „Black
Lives Matter“-Bewegung, subtiler und weniger
subtiler Alltagsrassismus, Sexismus
oder einfach private Geschehnisse. Material
gibt es genug. Please Madame verstehen
sich zwar nach wie vor nicht als politische
Band, aber als Musiker „mit Haltung“.
Denn: Wut kann Veränderung bewirken.
Mit ihrem Album wollen sie einen Teil
dazu beitragen.
Ihr beschäftigt euch mit dem „Impuls,
aus Unzufriedenheit Veränderung zu
schaffen und die Welt zu einer besseren
zu machen“. Das ist ein hoher Anspruch.
Welche Themen finden wir dazu auf dem
Album?
Dominik: Bis jetzt waren es immer sehr
persönliche Geschichten, diesmal aber sind
die Themen breiter gefächert. Auf der Single
„Shadows“ geht es etwa um Fremdenfeindlichkeit,
die leider durchgehend präsent ist.
Auf „Comfort“ wiederum befassen wir uns
mehr mit der Generationsgeschichte. Im
22 | heimat

Fotos: Lea Foeger, Hersteller
Wut zur Veränderung
„Wenn man beobachtet,
was gerade auf der Welt
passiert, ist eine gewisse
Wut unabdinglich.
Oder wenn man zum
xten Mal die Tour
verschieben muss …“,
so Please Madame.
Refrain heißt es: „We all have so much on
our plates, all we do is hurt“. Das betrifft
wohl viele Menschen, die vielleicht nicht
wissen, was sie mit sich anfangen sollen.
Was sind die größten Unterschiede zum
Vorgänger „Young Understanding“, abgesehen
vom sehr konträren Titel?
Niklas:Wir haben uns diesmal musikalisch
mehr getraut, das Album ist weniger gitarrenlastig.
Das liegt auch daran, dass die
Bandmitglieder – vor allem Dominik –
immer technik-affiner geworden sind und
selbst mehr in die Rolle der Produzenten
geschlüpft sind. Ich hoffe sehr, dass man
den neuen Sound hören kann, zum einen,
weil wir diesmal mehr Zeit dafür gehabt,
zum anderen, weil es doch schon unser
drittes Album ist.
Stichwort Zeit: Wie sehr hat euch Corona
hineingepfuscht?
Niklas: Wir wollten das Album eigentlich
2020 herausbringen. Als Corona dann um’s
Eck kam, haben wir entschieden, es nicht
zu dem Zeitpunkt zu releasen, weil wir ein
Album nur herausbringen wollten, wenn
wir auch live spielen können. Das war uns
sehr wichtig. Schlussendlich hat es den
Deadline-Druck herausgenommen, wir
hatten mehr Zeit für den Feinschliff. Das
hat dem Ganzen extrem gutgetan!
Im Video zur Single „Mary-Ann“ geht es
um weibliche Selbstbestimmung. Für das
Video habt ihr eure Schwestern als Band
rekrutiert. Wie kam es dazu?
Dominik: Beim ersten Brainstorming kamen
wir schnell drauf, dass die Geschichte
des Songs für eine Männerband schwierig
zu erzählen ist. Wir dachten uns, dass es
eigentlich cool wäre, wenn Frauen die Rollen
in dem Video übernehmen könnten.
Dann kam der Geistesblitz, dass wir nicht
nur vier Freunde sind, die in einer Band
spielen, sondern die vier Freunde auch jeweils
eine Schwester haben. Und die haben
sich zum Glück überreden lassen!
Die Single „Same Again“ wiederum hat
einen dancy Sound, der Text ist aber recht
melancholisch. Ist es in Summe ein melancholisches
Album geworden?
Dominik: Ich finde nicht, da ja auch einige
„Banger“ dabei sind, zu denen man gut
tanzen kann. Aber da uns in der Entstehungsphase
auch einige schwerere Themen
bewegt haben, ist es vielleicht doch ruhiger
geworden als unsere früheren Alben.
Euer erstes Konzert nach dem Lockdown
war Ende Juni in der Arena. Wie hat es
sich angefühlt, nach so langer Zeit wieder
live zu spielen?
Dominik: Gscheit heftig! Wir haben noch
nie einen Gig gespielt, bei dem die Leute
so dabei waren und so lange applaudiert
haben. Man hat schon ab der ersten Sekunde
gemerkt, wie heiß alle auf das Konzert-Gefühl
waren. Und wir sind eine Live-
Band durch und durch, wir schreiben
Songs für die Bühne. Jeder, der uns kennt,
weiß das. Das Schönste an diesem Abend
war wohl, dass wir uns ein Stückchen davon
wieder zurückholen konnten. Und
das wird mit jedem weiteren Konzert immer
mehr werden … bis es im Herbst
dann wieder der ganze Kuchen ist. Hoffentlich.
Am
Rennweg 8
wird das beste
Bier gemacht!
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Rennweg 8
A-1030 Wien
Te elefon: +43 1 799 599 2

JOSH.
Teilzeitromantik
Mit neuem Album im Gepäck geht Josh.
wieder auf Tour, auch akustisch.
Mit „Expresso & Tschianti“ hat Josh. den
vielleicht größten Sommerhits des Jahres
auf sein neues, zweites Album „Teilzeitromantik“
gepackt und spätestens damit bewiesen,
dass seine grüne Cordula kein einmaliger
Ausschlag nach oben war. Es heißt
also, sich auf die große „Eskalation“-Tour
im Herbst freuen, die ihn mit Band quer
durch Österreich führt, darunter ins WUK,
den Posthof und das ppc. Am 7. Dezember
spielt er zudem im Wiener Stadtsaal akustisch
und vielleicht als Weihnachtsmann.
Goodbye
OPUS
Nach einer fast fünf Jahrzehnte andauernden Karriere haben sich Opus entschieden,
Ende 2021 ihre Karriere zu beenden – freilich mit großer Abschiedstour!
Vergangenen November veröffentlichten die Steirer ihr letztes Album „Opus Magnum“
– ihr sechzehntes Album in einer fast 50 Jahre andauernden Karriere. Nun geht es für
das Quartett auf große Abschiedstour durch Österreich – im Herbst mit Stationen u. a.
in Bregenz, Salzburg, Innsbruck, Wien und Graz –, um auch den Bühnenabschied (Denn
nur live is live!) gebührend zu feiern. Bandkopf Ewald Pfleger sagt zum Abschied: „Wir
hatten als österreichische Band unglaublichen nationalen und internationalen Erfolg
und wollen am Höhepunkt unserer Schaffenskraft noch einmal unser Bestes geben!“
Singer/Songwriter
Alpine Dweller
Rosen und Applaus. Das Blue Bird
Festival ist ein dreitägiges Clubfestival, bei
dem das breite Spannungsfeld des Genres
„Singer/Songwriter“ im renommierten
BLUE BIRD 2021
aNNika, Garish und Alpine Dweller
sind die drei heimischen Vertreter
am diesjährigen Blue Bird Festival.
Wiener Jazzclub so richtig ausgereizt wird,
dieses Jahr vom 25. bis 27. November.
Neben überaus spannenden internationalen
Vertretern wie Willy Mason, Natalie Bergman,
Platon Karataev oder auch Gunned
Down Horses darf man sich auch auf drei
österreichische Aushängeschilder freuen:
Am Donnerstag auf die Intimität in aNNikas
Arrangements, sowie am Samstag auf die
introspektiven Metaphern von Garish und
auf Alpine Dweller, die Klassik, experimentelle
Klänge, Popularmusik und Folklore zu
einem dichten Ganzen verweben. Wir
erwarten ganz viel Gänsehaut!
Garish
aNNika
Fotos: Franzi Kreis, Aljoscha Wuzella und Andreas Jakwe (Blue Bird 2021), Christian Jungwirth (Opus), WMG (Josh.)
24 | heimat

Mechanik frisst Organik
Zwischen 23. September und 3. Oktober beschwört das SLASH
einen brodelnden, zischenden, störrischen, blutigen, mystischen,
irrwitzigen Reigen aus fantastischen Filmhighlights herauf.
TEXT: STEFAN BAUMGARTNER
Fotos: SLASH
Mechanik frisst Organik Von Horror bis Science-Fiction, von preisgekrönten Produktionen bis zu wahnwitzigen
Splatter-Orgien, von heiß ersehnten Neuheiten bis hin zu Klassikern bietet das SLASH auch heuer viel.
Von 23. September bis 3. Oktober
findet das SLASH-Filmfestival –
nach der Viennale das zweitgrößte
Wiener Filmfestival – zum zwölften Mal
in Wien statt. Dieses Jahr verspricht man
vorab „einen brodelnden, zischenden, störrischen,
blutigen, mystischen, irrwitzigen
Reigen“, der ausgewählte Wiener Lichtspielhäuser
mit einem fabelhaften Gebräu
aus all things fantastiqueerfüllen wird. Von
Horror bis Science-Fiction, von preisgekrönten
Produktionen bis zu wahnwitzigen
Splatter-Orgien, von heiß ersehnten Genreneuheiten
bis hin zu gefeierten Klassikern,
von zappenduster bis humorig ist für jeden
Geschmack etwas dabei – ob Brutalinski
oder Hasenfuß. Denn: Im Gegensatz zum
Populärkino wird hier stets ein Auge (und
das gerne auch einmal im wahrsten Wortsinn)
auf die Filme geworfen, die insofern
einen besonderen Nervenkitzel versprechen,
als dass sie nicht nur an den Grenzen des
guten Geschmacks kitzeln, sondern auch
pfiffig anecken und zumindest in Zwischentönen
gesellschaftliche Normen pointiert
beäugen. In dieser Saison steht die
Frage im Raum, was geschieht, wenn die
kühle, geometrische Welt der Maschine in
einer High-Tech-Welt nach und nach jede
Menschlichkeit unterdrückt.
Die Festival-Eröffnung findet dieses Jahr
erstmals im Stadtkino Wien statt – was da
gezeigt wird, dürfen wir allerdings leider
noch nicht verraten. Auch das Komplettprogramm,
mit dem das Filmcasino, das
Schikaneder und das METRO Kinokulturhaus
befeuert werden, wird erst schrittweise
in den nächsten Wochen folgen, aber
einen kleinen Vorgeschmack gibt es bereits:
Einer unserer persönlichen Herzensfilme
kommt aus Österreich, nämlich Norbert
Pfaffenbichlers erster und mit „The
Kid“ betitelter Teil seiner Trilogie „2551“:
Stroboskop-Blitze leuchten, Thrash Metal
donnert, ein Kind mit Sack auf dem Kopf
flieht gemeinsam mit einem Mann in Affenmaske
in den Untergrund, wo sich im
Schutz der Finsternis eine Parallelgesellschaft
etabliert hat. Auch die Hauptfigur
in Ludovic & Toran Boukhermas schrulligem
„Teddy“ ist Metalfan, fadisiert sich
also naturgemäß in seinem französischen
Heimatkaff. Zumindest so lange, bis er im
Wald von etwas angefallen wird ... In Sion
Sonos „Prisoners of the Ghostland“ erleben
wir niemand geringeren als Nicolas
Cage in einer surrealen Postapokalypse,
und in Danielle Kummers „Alien on Stage“
adaptiert eine Truppe britischer Busfahrerinnen
Ridley Scotts „Alien“ für die Bühne
eines Gemeindezentrums.
Noch mehr Ankündigungen findet ihr auf
slashfilmfestival.com!
A HISTORY OF FOLK HORROR
Seit etlichen Jahren zeigt sich das Genrekino wieder
maximal verzaubert von dunkler Folklore, Okkultismus
und Naturmystik, gipfelnd in den Welterfolgen
von Robert Eggers’ „The Witch“ und natürlich
Ari Asters „Midsommar“. Die Kanadierin
Kier-La Janisse untersucht in ihrem massivem Dokumentarfilmprojekt
„Woodlands Dark And
Days Bewitched“ (2021) die Ideengeschichte
des schwer zu fassenden Subgenres und unternimmt
eine erhellende, beeindruckende Reise
durch die Folk Horror-Historie des Weltkinos. Dabei
hebt sie auch verschüttgegangene Bedeutungsebenen
aus zum Eigenen und Fremden, Ländlichen
und Urbanen, Heimat und Ferne. Passend dazu
kuratierte Janisse für das SLASH eine Retrospektive,
der Auszug daraus liest sich wie ein moosiger
Alptraum:
„Eyes Of Fire“ (Avery Crounse | US 1983),
„She-Butterfly“ (Djordje Kadijevic | YU 1973),
„The Savage Hunt of King Stakh“ (Stakha
Valeri Rubinchik | USSR 1980), „Dark Waters“
(Mariano Baino | RU/IT/UK 1993), „The Dreaming“
(Mario Andreacchio | AU 1988), „Nang
Nak“ (Nonzee Nimibutr | TH 1999), „Witchhammer“
(Otakar Vávra | CS 1970), „Witchfinder
General“ (Michael Reeves | UK/US 1968),
„The Wicker Man“ (Robin Hardy | UK 1973),
„Blood on Satan’s Claw“ (Piers Haggard | UK
1971), „Sukkubus“ (Georg Tressler | DE 1989),
„The Wolf“ (Marek Piestrak | PL 1983) und
„Penda’s Fen“ (Alan Clarke | UK 1974).
gcheckt: film| 25

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DER PLATTENLÄSTERER
Die besten, größten und wundervollsten Alben der Musikgeschichte: nach fast einhelliger
Kritiker-Meinung sind sie in Stein gemeißelt. Aber sind sie das wirklich? Ich finde nicht.
Wie zum Beispiel „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ von den Beatles.
In praktisch allen Auflistungen scheint das 1967er-Album mit dem ikonischen, detailverliebten Cover
nicht nur als das beste Beatles-Album, sondern auch gleich als eines der besten überhaupt auf. Weil psychedelisch,
weil Studiotechnik, weil Konzept, yadda yadda yadda. Mitnichten.
Denn nur ein Jahr später erschien mit „The Beatles“ (besser bekannt als „The White Album“) das wahre
Meisterwerk der Jungs aus Liverpool. Aus ein paar einfachen Gründen. Erstens: mitnichten waren die Studiotechniken,
Instrumentalisierung und das Songkonzept neu; Frank Zappa und seine Mothers of Invention
mit „Freak Out!“ sowie die Beach Boys mit „Pet Sounds“ waren da schon ein, zwei Jahre früher auf
diesen Trichter gekommen. Zweitens: auch wenn das „White Album“ mit mehr doppelt so vielen Tracks
zwar punkto Output schwer zu vergleichen ist, ist die musikalische Bandbreite bei weitem größer als beim
hauptsächlich von freundlichen Hippie-Tönen geprägten „Sgt. Pepper“. Den Spagat von leichtfüßigem
Pop wie „Ob-La-Di, Ob-La-Da“ oder politischem Folk à la „Blackbird“ zum Proto-Metal von „Helter
Skelter“ und schrägem Avantgarde von „Revolution 9“ schafft kein anderer Longplayer so sehr wie dieses
Album. Drittens: mit der Art und Weise der Aufnahmen, einfließenden politischen und persönlichen
Botschaften und dem letztendlich beginnenden Kataklysmus der Beatles-Ära einerseits und 60er-Jahre
andererseits lieferte das Doppelalbum die Blaupause schlechthin für kommende Rockbands. Mag sein,
dass „Sgt. Pepper“ auf technischem Level völlig neue Türen für Publikum und Produzenten aufstieß;
hinsichtlich des vielfältigen musikalischen Einflusses auf alles danach bleibt für mich das Album mit dem
quasi blanken Cover (noch so ein Meilenstein) das Opus Magnum von John, Paul, George und Ringo.
GEWINNSPIELE
Journalist Markus Höller versus
The Beatles
Fotos: Hersteller, oeticket
Die Gewinnspiele der aktuellen
Ausgabe finden Sie auf den
Seiten 14–15 und 20–21.
Zu gewinnen gibt es:
• Tickets für das
Nova Rock 2022
• Tickets für
Iron Maiden inkl. CD
• CDs von Måneskin
• „The Black Album“ von
Metallica als Deluxe-Box
Eine Teilnahme an den Gewinnspielen
passiert auf www.ticketmagazin.com
im Beitrag „!ticket Gewinnspiele
September 2021“. Hier finden Sie auch
Informationen und Teilnahmebedinungen
zu unseren Gewinnspielen und
Datenschutz. Einsendeschluss ist der
15. September 2021.
MUSTER
MUSTER
FREIKARTE
FÜR NOVA ROCK 2022 IN NICKELSDORF
FREIKARTE
FÜR IRON MAIDEN AM 10. JULI IN WIENER NEUSTADT
Die nächste Ausgabe erscheint am 6. Oktober 2021.
IMPRESSUM
30 |
Herausgeberin, Chefredakteurin: Mag. Roberta € 22,00, Jahresabo Europa: € 44,00. Kündigung
Scheifinger Chefredakteur & Chef vom Dienst: jeweils acht Wochen vor Ablauf der Bezugsfrist nur
Stefan Baumgartner Anzeigen: Tamara Gosch, schriftlich eingeschrieben oder per E-Mail an
MA, Mag. Roberta Scheifinger Anzeigenproduktion abo@ticketmagazin.com. Einzelpreis: € 2,90
& Verrechnung: Susanne Franzl Redaktion: Stefan
Baumgartner, Amina Beganovic, Markus Höller, Für unverlangt eingesandte Texte und Fotos übernehmen
Manfred Rebhandl Lektorat: Gunther Natter Fotos:
wir keine Haftung, eine Rücksendung erfolgt
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1070 Wien Artdirektion: Mag. Gottfried Halmschlager Sie finden oeticket online auf Facebook, Instagram,
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